Il Meccanico | Verona
7. Februar – 9. März 2025

Nontiscordardimé
Francisco Macfarlane, Francesco Pennacchio

Welche Rolle kann das Bild noch spielen?

Hat das Bild in einer Zeit, in der wir mittags mehr Bildern ausgesetzt sind, als ein Mensch im 19. Jahrhundert in seinem ganzen Leben gesehen hat, noch eine Bedeutung? Kann es immer noch ein Mittel zur Transformation, zur Offenbarung sein?

Francisco Macfarlane und Francesco Pennacchio untersuchen aus unterschiedlichen, aber konvergierenden Blickwinkeln den Prozess der Bilderzeugung als Mittel zur Konfrontation mit einer Abwesenheit und zur Beschwörung einer Wiedergeburt. Macfarlane untersucht die Fragilität des menschlichen Daseins in einer von Hyperkonnektivität geprägten Ära, in der die Bedeutung oft in einem unaufhörlichen Strom flüchtiger Augenblicke zerstreut wird. Pennacchio hingegen rekonstruiert Erinnerungsfragmente, die mit seiner in der Kindheit verschwundenen Mutter verbunden sind, und versucht, diese Leere mit der Resonanz ihrer Gegenwart zu füllen.

Beide Künstler gehen von Brüchen aus: Abwesenheiten, die Identität, Erinnerung und Zugehörigkeitsgefühl berühren. Für Macfarlane manifestiert sich die Abwesenheit als eine Krise der menschlichen Fähigkeit, im digitalen Zeitalter Beziehungen zu knüpfen, für Pennacchio als eine Präsenz-Absenz, die eine Rekonstruktion erfordert. Über unterschiedliche kreative Wege gelangen sie jedoch zu einer gemeinsamen Vision: Das Bild ist nicht nur ein Dokument oder ein Artefakt. Es ist ein Gefäß, das Schmerz beherbergen, Erinnerungen wachrufen und neues Leben hervorbringen kann.

Hier treten die Werke der beiden Künstler in einen Dialog. Macfarlane erforscht soziales Verhalten, indem er alternative fotografische Techniken einsetzt, um unsere Beziehung zur Technologie zu thematisieren. Aus einer eher figurativen Perspektive versucht Pennacchio, die Erinnerung zu rekonstruieren und die Trauer über die Kindheit mit Hilfe von Archivfotos, Polaroids und analoger Fotografie zu verarbeiten.

In ihren Händen wird das Bild zu einem Ort der Heilung, zu einem Raum, in dem die Abwesenheit anerkannt und eine Wiedergeburt ermöglicht wird. Manchmal überschreiten ihre Werke die Grenzen von Raum und Zeit und lösen die Distanz zwischen dem, was war, dem, was ist, und dem, was hätte sein können, auf. Sie laden den Betrachter ein, Erinnerung und Gegenwart als fließende, miteinander verwobene Dimensionen zu erforschen, und fordern uns auf, das transformative Potenzial des Bildes in einer mit visuellem Lärm überladenen Welt wiederzuentdecken.

Quel rôle l'image peut-elle encore jouer ?

À une époque où, à midi, nous sommes exposés à plus d'images qu'un individu du 19e siècle n'en a vu au cours de sa vie, l'image garde-t-elle encore un sens ? Peut-elle encore être un vecteur de transformation, de révélation ?

À partir de perspectives distinctes mais convergentes, Francisco Macfarlane et Francesco Pennacchio explorent le processus de création d'images comme moyen de faire face à une absence et d'évoquer une renaissance. Macfarlane étudie la fragilité de la condition humaine à une époque marquée par l'hyperconnectivité, où le sens est souvent dispersé dans un flux incessant d'instants fugaces. Pennacchio, quant à lui, reconstruit des fragments de mémoire liés à sa mère, disparue dans l'enfance, en essayant de combler ce vide par les résonances de sa présence.

Les deux artistes partent de fractures : des absences qui touchent à l'identité, à la mémoire et au sentiment d'appartenance. Pour Macfarlane, l'absence se manifeste comme une crise de la capacité de l'homme à tisser des relations à l'ère numérique ; pour Pennacchio, comme une présence-absence qui exige un travail de reconstruction. Cependant, à travers des parcours créatifs distincts, ils parviennent à une vision commune : l'image n'est pas seulement un document ou un artefact. C'est un contenant qui peut accueillir la douleur, évoquer la mémoire et générer une nouvelle vie.

Ici, les œuvres des deux artistes entrent en dialogue. Macfarlane explore les comportements sociaux, en utilisant des techniques photographiques alternatives pour aborder notre relation avec la technologie. D'un point de vue plus figuratif, Pennacchio tente de reconstruire la mémoire et de traiter le deuil de l'enfance au moyen de photographies d'archives, de polaroïds et de photographies analogiques.

Entre leurs mains, l'image devient un lieu de guérison, un espace dans lequel l'absence est reconnue et la renaissance rendue possible. Parfois, leurs œuvres transcendent les limites de l'espace et du temps, dissolvant la distance entre ce qui était, ce qui est et ce qui aurait pu être. Elles invitent le spectateur à explorer la mémoire et la présence comme des dimensions fluides et entrelacées, et nous mettent au défi de redécouvrir le potentiel transformateur de l'image dans un monde surchargé de bruit visuel.

Che ruolo può ancora avere l’immagine?

In un’epoca in cui, entro mezzogiorno, siamo esposti a più immagini di quante ne vedesse un individuo del XIX secolo in una vita intera, l’immagine conserva ancora un significato? Può ancora essere veicolo di trasformazione, di rivelazione?

Da prospettive distinte ma convergenti, Francisco Macfarlane e Francesco Pennacchio esplorano il processo di creazione delle immagini come strumento per confrontarsi con un’assenza e per evocare una rinascita. Macfarlane indaga la fragilità della condizione umana in un’era segnata dall’iperconnettività, dove il significato spesso si disperde in un flusso incessante di istanti fugaci. Pennacchio, invece, ricostruisce frammenti di memoria legati alla madre, scomparsa nell’infanzia, cercando di colmare tale vuoto con le risonanze della sua presenza.

Entrambi gli artisti partono da fratture: assenze che toccano l’identità, la memoria e il senso di appartenenza. Per Macfarlane, l’assenza si manifesta come una crisi della capacità dell’uomo di tessere relazioni nell’epoca digitale; per Pennacchio, come una presenza-assenza che esige un lavoro di ricostruzione. Tuttavia, attraverso percorsi creativi distinti, giungono a una visione comune: l’immagine non è solo un documento o un artefatto. È un contenitore che può accogliere il dolore, evocare il ricordo e generare nuova vita.

Qui, le opere dei due artisti entrano in dialogo. Macfarlane esplora comportamenti sociali, utilizzando tecniche fotografiche alternative per affrontare il nostro rapporto con la tecnologia. Da una prospettiva più figurativa, Pennacchio cerca di ricostruire la memoria e di elaborare un lutto infantile attraverso fotografie d’archivio, polaroid e fotografia analogica.

Nelle loro mani, l’immagine diventa un luogo di guarigione, uno spazio in cui l’assenza viene riconosciuta e la rinascita resa possibile. Talvolta, le loro opere trascendono i limiti dello spazio e del tempo, dissolvendo la distanza tra ciò che è stato, ciò che è e ciò che sarebbe potuto essere. Invitano lo spettatore a esplorare memoria e presenza come dimensioni fluide e intrecciate, e ci sfidano a riscoprire il potenziale trasformativo dell’immagine in un mondo sovraccarico di rumore visivo.

What role can an image still play?

In an age where we encounter more images by midday than a 19th-century individual saw in a lifetime, does the image still hold significance? Can it still carry the weight of transformation, of revelation?

Francisco Macfarlane and Francesco Pennacchio explore these questions from two distinct perspectives, using imagemaking to confront absence and evoke rebirth. Macfarlane confronts the fragility of the human condition in an era defined by hyperconnectivity, where meaning often drowns in a sea of fleeting moments. Pennacchio, by contrast, reconstructs fragmented memories of his mother, who was lost to him in early childhood, filling the void with resonances of her presence.

Both artists are driven by ruptures - gaps in identity, memory, and belonging. For Macfarlane, absence emerges as a crisis of human connection in the digital era; for Pennacchio, it is a haunting presence-absence that demands reconstruction. Yet, through their individual exploration, they arrive at a shared understanding: the image is not merely a document or artifact. It is a vessel, capable of holding grief, summoning remembrance, and birthing something anew.

Here, the works of the two artists engage in dialogue. Macfarlane investigates social behaviors, employing alternative photographic techniques to address themes such as our relationship with technology and personal healing. From a more figurative perspective, Pennacchio, tries to reconstruct memory and deal with a childhood grief through archival photographs, polaroids, and film photography.

In their hands, the image becomes a site of healing, a space where absence is acknowledged, and rebirth is made possible. Sometimes, their images transcend the boundaries of space and time, collapsing the distance between what was, what is, and what could have been. They invite us to navigate memory and presence as fluid, interwoven dimensions, and they challenge us to rediscover the image as a source of transformation in a world saturated with visual noise.

(Text: Il Meccanico, Verona)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
9. November – 6. Dezember 2024

To See To Hear and To Never Leave
Eva Chapkin

Die Ausstellung, die um den Titel „To See To Hear and To Never Leave“ herum aufgebaut ist, ist eine weitere Bestätigung, die noch tiefer in die Reihe von Anliegen und Themen eintaucht, die sie seit Beginn begleiten. […] Eva hat Obsessionen gesammelt und sammelt sie weiterhin – einige nährt sie (und wird von ihnen genährt), Obsessionen, von denen sie sich nicht lösen will, andere sucht sie aktiv auf und pflegt sie. Ob diese Obsessionen mit ihrer persönlichen Geschichte und Identität zusammenhängen oder aus einer verlorenen oder verspätet erworbenen Erinnerung stammen, der rote Faden scheint der Lauf der Zeit und die Dokumentation ihres eigenen Selbst zu sein. Durch eine fast vollständig angenommene Monomanie ist Eva ständig auf der Suche nach einem Rhythmus und einer Art Frieden. Von der Fotografie bis zu fotografischen Objekten, von Objets trouvés und volkstümlichen Archiven bis hin zu Video oder Performance bleibt das Thema dasselbe: das Selbst > sie selbst. Und Eva macht sich dies zu eigen, versteckt es nicht – im Gegenteil, sie offenbart sich in vielfältigen Formen oder immer in derselben. Sie offenbart sich, weil sie gesehen werden will, wahrscheinlich, weil sie es liebt, zuzuschauen, auf fast schmerzhafte Weise zu beobachten. […]

L'exposition, construite autour du titre To See To Hear and To Never Leave, est une nouvelle confirmation, qui approfondit encore la série de préoccupations et de thèmes qui l'accompagnent depuis le début. [Eva a collectionné et continue de collectionner les obsessions - certaines qu'elle nourrit (et dont elle se nourrit), des obsessions dont elle ne veut pas se défaire, des obsessions qu'elle recherche activement et dont elle se préoccupe. Que ces obsessions soient liées à son histoire personnelle et à son identité, ou qu'elles proviennent d'un souvenir perdu ou acquis tardivement, le fil conducteur semble être le passage du temps et la documentation de son propre moi. De la photographie aux objets photographiques, des objets trouvés et des archives vernaculaires à la vidéo ou à la performance, le sujet reste le même : le moi > lui-même. Et Eva l'assume, elle ne le cache pas - au contraire, elle se révèle sous de multiples formes, ou toujours sous la même. Elle se révèle parce qu'elle veut être vue, probablement parce qu'elle aime regarder, observer d'une manière presque douloureuse. [...]

L'esposizione, costruita intorno al titolo To See To Hear and To Never Leave, è un'ulteriore conferma, che approfondisce ancora di più la serie di preoccupazioni e temi che l'hanno accompagnata fin dall'inizio. [...] Eva ha collezionato e continua a collezionare ossessioni: alcune che alimenta (e di cui si nutre), ossessioni che non vuole lasciare andare, ossessioni che cerca attivamente e di cui si prende cura. Sia che queste ossessioni siano legate alla sua storia personale e alla sua identità, sia che derivino da una memoria perduta o tardivamente acquisita, il filo conduttore sembra essere lo scorrere del tempo e la documentazione del proprio io. Dalla fotografia agli oggetti fotografici, dagli objet trouvé e dagli archivi vernacolari al video o alla performance, il soggetto rimane lo stesso: l'io > se stessa. Ed Eva lo abbraccia, non lo nasconde - al contrario, si rivela in molteplici forme, o sempre nella stessa. Si rivela perché vuole essere vista, probabilmente perché ama guardare, osservare in modo quasi doloroso. [...]

The display, built around the title To See To Hear and To Never Leave, is yet another confirmation, one that delves even deeper into the series of concerns and themes that have accompanied her since the beginning. […] Eva has collected and continues to collect obsessions—some she feeds (and feeds from), obsessions she does not want to let go of, ones she actively seeks out and cares for. Whether these obsessions are tied to her personal history and identity, or derived from a lost or belatedly acquired memory, the common thread seems to be the passage of time and the documentation of her own self. Through a nearly fully embraced monomania, Eva is in constant search of a rhythm and of some sort of peace.From photography to photographic objects, from objet trouvé & vernacular archives to video or performance, the subject remains the same: the self > herself. And Eva embraces this, not hiding it—on the contrary, she reveals herself in multiple forms, or always in the same one. She reveals herself because she wants to be seen, probably because she loves to watch, to observe in an almost painful way. […]

(Text: Michele Bressan)

Palazzo Roverella | Rovigo
28. September 2024 – 26. Januar 2025

Henri Cartier-Bresson e l’Italia

Die von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo mit der Gemeinde Rovigo und der Accademia dei Concordi, Concordi, mit Unterstützung von Intesa Sanpaolo geförderte Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit der Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris und der Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Turin unter der Leitung von Clément Chéroux und Walter Guadagnini, den Direktoren der jeweiligen Stiftungen, realisiert.

Zum ersten Mal wird die Beziehung zwischen dem Mann, der als „das Auge des Jahrhunderts“ bezeichnet wurde, und Italien umfassend und detailliert dokumentiert. Anhand von rund 200 Fotografien und zahlreichen Dokumenten - Zeitungen, Zeitschriften, Bände, Briefe - zeichnet die Ausstellung die Etappen einer Beziehung nach, die schon in den 1930er Jahren begann und bis zu dem Zeitpunkt andauerte, als Cartier-Bresson in den 1970er Jahren die Fotografie aufgab.

Die Ausstellung ist chronologisch aufgebaut und beginnt mit der ersten Italienreise des jungen Cartier-Bresson (Jahrgang 1908), der gerade die Malerei zugunsten der Fotografie aufgegeben hatte, in Begleitung seines Freundes André Pieyre de Mandiargues, eines jungen Dichters und Schriftstellers, und seiner Begleiterin, der Malerin Leonor Fini, Anfang der 1930er Jahre. Auf dieser Vergnügungsreise machte der Fotograf einige seiner berühmtesten Bilder, die alle in der Eröffnungssektion der Ausstellung zu sehen sind.

Die zweite Reise, die nicht weniger bedeutsam ist, findet Anfang der 1950er Jahre statt und betrifft die Abruzzen und Lukanien, damals kulturell, soziologisch und auch fotografisch hochinteressante Gebiete, Sinnbilder jenes Südens, in dem sich Tradition und Moderne, Armut und sozialer Wandel gegenüberstanden. Eine zentrale Figur in der Konstruktion des Bildes des Südens und insbesondere dieser Regionen ist der Schriftsteller und Maler Carlo Levi, ein grundlegender Bezugspunkt für die vielen italienischen und ausländischen Fotografen, die zwischen Matera und den Städten der Region pendelten, darunter Scanno bei L'Aquila, das dank der Aufnahmen von Cartier-Bresson und später Giacomelli berühmt wurde. Besonders interessant, auch aus historischer Sicht, sind die Bilder von der Landverteilung, einem entscheidenden Moment in der jüngsten Geschichte des Landes.

Cartier-Bresson, der inzwischen zu einer lebenden Legende der Fotografie geworden war, kehrte zwischen den 1950er und 1960er Jahren mehrmals nach Italien zurück und produzierte Reportagen für die großen illustrierten Zeitschriften jener Zeit, darunter „Holiday“ und „Harper's Bazaar“, die sich vor allem Rom, Neapel und Venedig widmeten, den großen Städten, die das Interesse ausländischer Leser weckten, sowie Ischia und Sardinien, Stationen, die es dem Fotografen ermöglichten, seinen Blick auf die Sitten und Gebräuche des Landes und seiner Bewohner zu richten. Vor allem die verschiedenen Aufnahmen aus Rom geben das Klima jener Jahre und die Besonderheit eines Landes wieder, das noch nicht an die vorherrschende Kultur aus Übersee angepasst war. Einige dieser Bilder fließen nicht zufällig in eines der bekanntesten Bücher des Fotografen ein, „Les Européens“ (1955), in dem er das neue Europa in seiner vollen Entwicklung nach der Tragödie des Zweiten Weltkriegs beschreibt.

Die Ausstellung hat ihre letzten Entwicklungen und ihren Abschluss mit den Bildern der frühen 1970er Jahre, die noch Matera gewidmet sind, eine echte Rückkehr zu den zwanzig Jahre zuvor besuchten Orten, in denen es leicht ist, Kontinuität und Diskontinuität der Zeit, das Vordringen der Moderne und das Fortbestehen lokaler Identitäten zu lesen, und mit jenen, die der Welt der industriellen Arbeit gewidmet sind, zwischen Olivetti und Alfa Romeo, die stattdessen den Fokus speziell auf die neuen Lebensformen der Zeit verschieben.

Die Ausstellung besteht aus alten Werken der Fondation Cartier-Bresson und wird von erläuternden Texten in jedem Saal und einem von Dario Cimorelli Editore herausgegebenen Katalog begleitet, der alle ausgestellten Werke sowie die Essays der beiden Kuratoren und von Carmela Biscaglia enthält, wobei letzterer den Ereignissen und Persönlichkeiten gewidmet ist, die Cartier-Bressons Beziehung zur Basilikata einzigartig machten.

Ausstellung kuratiert von Clément Chéroux und Walter Guadagnini

L'exposition, promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo avec la Municipalité de Rovigo et l'Accademia dei Concordi, Concordi, avec le soutien d'Intesa Sanpaolo, est réalisée en collaboration avec la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris et la Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia à Turin, sous le commissariat de Clément Chéroux et Walter Guadagnini, directeurs des Fondations respectives.

Pour la première fois, la relation entre celui qui a été défini comme « l'œil du siècle » et l'Italie est documentée de manière exhaustive et approfondie. À travers environ 200 photographies et de nombreux documents - journaux, revues, volumes, lettres - l'exposition retrace les étapes d'une relation qui a commencé très tôt, dès les années 1930, et qui s'est poursuivie jusqu'au moment où Cartier-Bresson a abandonné la photographie dans les années 1970.

Organisée de manière chronologique, l'exposition commence par le premier voyage en Italie, au début des années 1930, du tout jeune Cartier-Bresson (né en 1908), qui vient d'abandonner définitivement la peinture pour la photographie, en compagnie de son ami André Pieyre de Mandiargues, jeune poète et écrivain, et de sa compagne, la peintre Leonor Fini. De ce voyage d'agrément, le photographe a tiré quelques-unes de ses images les plus célèbres, toutes visibles dans la section d'ouverture de l'exposition.

Le second voyage, non moins important, se déroule au début des années 1950 et concerne les Abruzzes et la Lucanie, terres alors d'un grand intérêt culturel, sociologique et même photographique, emblèmes de ce Sud où se confrontent tradition et modernité, pauvreté et mutations sociales. Une figure centrale dans la construction de l'image du Sud et en particulier de ces régions est l'écrivain et peintre Carlo Levi, point de référence fondamental pour les nombreux photographes, italiens et étrangers, qui se déplaçaient entre Matera et les villes de la région, dont Scanno près de L'Aquila, devenue célèbre grâce aux clichés de Cartier-Bresson et, plus tard, de Giacomelli. Les images de la distribution des terres, moment crucial de l'histoire récente du pays, sont particulièrement intéressantes, y compris d'un point de vue historique.

Devenu une légende vivante de la photographie, Cartier-Bresson retourne à plusieurs reprises en Italie entre les années 1950 et 1960, réalisant des reportages pour les grands magazines illustrés de l'époque, dont « Holiday » et « Harper's Bazaar », consacrés surtout à Rome, Naples et Venise, les grandes villes qui suscitent l'intérêt des lecteurs étrangers, et à Ischia et la Sardaigne, des étapes qui permettent au photographe d'exercer son regard sur les coutumes et les habitudes du pays et de ses habitants. En particulier, les différents clichés pris à Rome restituent pleinement le climat de ces années-là et la spécificité d'un pays non encore homologué à la culture dominante d'outre-mer. Certaines de ces images se retrouvent, non par hasard, dans l'un des livres les plus connus du photographe, « Les Européens » (1955), dans lequel il raconte la nouvelle Europe en plein développement après la tragédie de la Seconde Guerre mondiale.

L'exposition connaît ses derniers développements et sa clôture avec les images du début des années 1970 encore consacrées à Matera, véritable retour aux lieux fréquentés vingt ans plus tôt, dans lesquelles il est facile de lire la continuité et la discontinuité du temps, l'avancée de la modernité et la persistance des identités locales, et avec celles consacrées au monde du travail industriel, entre Olivetti et Alfa Romeo, qui, au contraire, mettent spécifiquement l'accent sur les nouveaux modes de vie de l'époque.

L'exposition est composée d'œuvres anciennes de la Fondation Cartier-Bresson et est accompagnée de textes explicatifs dans chaque salle et d'un catalogue, publié par Dario Cimorelli Editore, qui comprend toutes les œuvres exposées, les essais des deux commissaires et de Carmela Biscaglia, ce dernier étant consacré aux événements et aux personnalités qui ont rendu unique la relation de Cartier-Bresson avec la Basilicate.

Exposition organisée par Clément Chéroux et Walter Guadagnini.

La mostra, promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con il Comune di Rovigo e l’Accademia dei Concordi, Concordi, con il sostegno di Intesa Sanpaolo, è realizzata in collaborazione con la Fondation Henri Cartier-Bresson di Parigi e la Fondazione CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino, con la curatela di Clément Chéroux, e Walter Guadagnini, direttori delle rispettive Fondazioni.

Per la prima volta viene documentato in maniera esaustiva e approfondita il rapporto tra colui che è stato definito “l’occhio del secolo” e l’Italia. Attraverso circa 200 fotografie e numerosi documenti – giornali, riviste, volumi, lettere -, la mostra ripercorre le tappe di un rapporto iniziato prestissimo, già negli anni Trenta, e proseguito sino al momento in cui Cartier-Bresson ha abbandonato la fotografia, negli anni Settanta.

Scandita cronologicamente, la mostra inizia con il primo viaggio italiano avvenuto all’inizio degli anni Trenta da un giovanissimo Cartier-Bresson (nato nel 1908), che aveva appena abbandonato definitivamente la pittura per la fotografia, in compagnia dell’amico André Pieyre de Mandiargues, giovane poeta e scrittore, e della sua compagna, la pittrice Leonor Fini. Da questo viaggio di piacere, il fotografo scatta alcune delle sue immagini più famose, tutte presenti nella sezione di apertura della mostra.

Il secondo viaggio, non meno significativo, avviene all’inizio degli anni Cinquanta e tocca l’Abruzzo e la Lucania, allora terre di grande interesse culturale, sociologico e per l’appunto fotografico, emblema di quel Sud in cui si affrontavano tradizione e modernità, povertà e cambiamenti sociali. Figura centrale nella costruzione dell’immagine del Sud e in particolare di queste regioni è lo scrittore e pittore Carlo Levi, riferimento fondamentale per i tanti fotografi, italiani e stranieri, che si muovono tra Matera e i paesi del territorio, tra cui Scanno nei pressi di L’Aquila, divenuta celebre proprio grazie agli scatti di Cartier-Bresson e più tardi di Giacomelli. Particolarmente interessanti, anche dal punto di vista storico, sono le immagini della distribuzione delle terre, un momento cruciale nella storia recente del Paese.

Divenuto ormai una leggenda vivente della fotografia, Cartier-Bresson ritorna a più riprese in Italia tra gli anni Cinquanta e Sessanta realizzando servizi per le grandi riviste illustrate dell’epoca, tra cui “Holiday” e “Harper’s Bazaar”, dedicati soprattutto a Roma, Napoli, Venezia, le grandi città che suscitano l’interesse dei lettori stranieri, e a Ischia e alla Sardegna, tappe che permettono al fotografo di esercitare il suo sguardo sugli usi e i costumi del paese e dei suoi abitanti. In particolare, i diversi scatti realizzati a Roma restituiscono appieno il clima di quegli anni e la specificità di un paese non ancora omologato alla dominante cultura proveniente da oltreoceano. Alcune di queste immagini confluiscono non a caso in uno dei libri più noti del fotografo, “Les Européens” (1955), nel quale si racconta la nuova Europa che è ormai in pieno sviluppo dopo la tragedia della Seconda Guerra Mondiale.

La mostra ha i suoi ultimi sviluppi e la sua chiusura con le immagini dei primi anni Settanta dedicate ancora a Matera, un vero e proprio ritorno sui luoghi frequentati vent’anni prima, in cui è facile leggere continuità e discontinuità del tempo, l’avanzare della modernità e la persistenza delle identità locali, e con quelle dedicate al mondo del lavoro industriale, tra Olivetti e Alfa Romeo, che spostano invece l’attenzione specificamente sulle nuove modalità di vita del periodo.

La mostra è composta di opere vintage provenienti dalla Fondation Cartier-Bresson, ed è accompagnata da testi esplicativi in ogni sala e da un catalogo, edito da Dario Cimorelli Editore, che riporta tutte le opere esposte, i saggi dei due curatori e di Carmela Biscaglia, quest’ultimo dedicato alle vicende e ai personaggi che hanno reso unico il rapporto di Cartier-Bresson con la Basilicata.

Mostra a cura di Clément Chéroux e Walter Guadagnini

The exhibition, promoted by the Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo with the Municipality of Rovigo and the Accademia dei Concordi, Concordi, with the support of Intesa Sanpaolo, is organized in collaboration with the Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris and the Fondazione CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Turin, with the curatorship of Clément Chéroux, and Walter Guadagnini, directors of the respective Foundations.

For the first time, the relationship between the man who has been called “the eye of the century” and Italy is documented in a comprehensive and in-depth manner. Through about 200 photographs and numerous documents-newspapers, magazines, volumes, letters-the exhibition traces the stages of a relationship that began very early, as early as the 1930s, and continued until the moment Cartier-Bresson abandoned photography in the 1970s.

Scanned chronologically, the exhibition begins with the first Italian trip that took place in the early 1930s by a very young Cartier-Bresson (born in 1908), who had just definitively abandoned painting for photography, in the company of his friend André Pieyre de Mandiargues, a young poet and writer, and his companion, the painter Leonor Fini. From this pleasure trip, the photographer took some of his most famous images, all of which are featured in the opening section of the exhibition.

The second trip, no less significant, takes place in the early 1950s and touches on Abruzzo and Lucania, then lands of great cultural, sociological and, indeed, photographic interest, emblems of that South where tradition and modernity, poverty and social change were confronted. A central figure in the construction of the image of the South and in particular of these regions was the writer and painter Carlo Levi, a fundamental reference for the many photographers, both Italian and foreign, who moved between Matera and the towns in the area, including Scanno near L'Aquila, which became famous precisely thanks to the shots of Cartier-Bresson and later Giacomelli. Particularly interesting, also from a historical point of view, are the images of land distribution, a crucial moment in the country's recent history.

Having now become a living legend of photography, Cartier-Bresson returned to Italy on several occasions between the 1950s and 1960s, producing reports for the great illustrated magazines of the time, including “Holiday” and “Harper's Bazaar,” dedicated mainly to Rome, Naples, Venice, the great cities that arouse the interest of foreign readers, and to Ischia and Sardinia, stops that allowed the photographer to exercise his gaze on the customs and habits of the country and its inhabitants. In particular, the various shots taken in Rome fully restore the climate of those years and the specificity of a country not yet homologated to the dominant culture coming from overseas. Some of these images flow, not surprisingly, into one of the photographer's best-known books, “Les Européens” (1955), in which he recounts the new Europe that is now in full swing after the tragedy of World War II.

The exhibition has its last developments and its closing with the images from the early 1970s still dedicated to Matera, a real return to the places frequented twenty years earlier, in which it is easy to read continuity and discontinuity of time, the advance of modernity and the persistence of local identities, and with those dedicated to the world of industrial work, between Olivetti and Alfa Romeo, which instead shift the focus specifically to the new ways of life of the period.

The exhibition is composed of vintage works from the Fondation Cartier-Bresson, and is accompanied by explanatory texts in each room and a catalog, published by Dario Cimorelli Editore, which includes all the works on display, essays by the two curators and by Carmela Biscaglia, the latter dedicated to the events and characters that made Cartier-Bresson's relationship with Basilicata unique.

Exhibition curated by Clément Chéroux and Walter Guadagnini

(Text: Palazzo Roverella, Rovigo)

Palazzetto Bru Zane | Venezia
25. Mai – 14. September 2024

La figura e i suoi doppi
Monique Jacot

Monique Jacot (1934) zählt zu den bedeutendsten Schweizer Fotografinnen. Nach ihrem Studium an der Hochschule École des arts et métiers in Vevey macht sie sich als Fotojournalistin sehr schnell einen Namen. Dabei erstellt sie zahlreiche Reportagen, die in Zeitschriften in der Schweiz, aber auch im Ausland veröffentlicht werden (z.B. Camera, Die Woche, Du, Elle, Geo, Schweizer Illustrierte, Stern und Vogue).

Ihre ganze Karriere hindurch hat Monique Jacot verschiedene fotografische Genres erkundet. Dank ihrer zahlreichen Reisen wurde sie für ihre Fotografien aus der ganzen Welt berühmt, aber auch dafür, dass sie gewisse Aspekte des Lebens in der Schweiz sehr tiefgründig dokumentiert, insbesondere jene, welche die Stellung der Frauen betreffen. Neben ihren Fotoreportagen erstellt Jacot zahlreiche Werkreihen, die ihre künstlerischen Forschungsinteressen aufzeigen. Im Jahre 2020 wurde sie für ihren grossen Beitrag im Bereich der Bildenden Kunst mit dem Schweizer Grand Prix Design gewürdigt.

Die in dieser Ausstellung präsentierten Fotografien offenbaren, wie die Fotografin mit der Gestalt und ihren Vervielfachungen spielt. Durch Montagen und verschiedenen Spiegelspielen verleiht sie ihren Werken eine poetische, fast traumhafte Ästhetik. In ihrer fotojournalistischen Arbeit stellt Jacot mehrere Figuren nebeneinander, welche somit vermögen einen sozialkritischen Kommentar im Innersten ihrer Bilder zu offenbaren.

Die Ausstellung Monique Jacot. Die Gestalt und ihre Vervielfachung findet im Rahmen der Unterstützung der Bru-Stiftung für Photo Elysée statt.

Monique Jacot (1934) figure parmi les photographes suisses les plus importantes. Après des études à l’École des arts et métiers de Vevey, elle entame une carrière dans la presse comme photojournaliste. Elle a ainsi réalisé de nombreux reportages pour des revues suisses et internationales telles que Camera, Die Woche, Du, Elle, Geo, Schweizer Illustrierte, Stern et Vogue.

Tout au long de sa carrière, Monique Jacot a exploré différents genres photographiques. Grande voyageuse, elle est connue pour ses photographies prises à travers le monde et pour sa documentation méticuleuse de certains aspects de la vie suisse, en particulier liés à la condition féminine. Parallèlement à ses reportages, Jacot a produit un grand nombre d’œuvres qui témoignent de ses recherches artistiques. En reconnaissance de sa contribution majeure aux arts visuels, elle s’est vu décerner le Grand Prix suisse du design en 2020.

Les photographies présentées dans cette exposition dévoilent la façon dont la photographe joue avec la figure et ses doubles. Par le biais du montage et par différents jeux de miroir, elle confère à ses œuvres une esthétique poétique, presque onirique. Dans son travail photo-journalistique, Jacot met en parallèle plusieurs figures, pouvant révéler un commentaire social au cœur de ses images.

L’exposition Monique Jacot. La figure et ses doubles s’inscrit dans le cadre du soutien de la Fondation Bru à Photo Elysée.

Monique Jacot (1934) è una delle più importanti fotografe svizzere. Dopo aver studiato all'École des arts et métiers di Vevey, ha iniziato una carriera giornalistica come fotoreporter. Ha realizzato numerosi reportage per riviste svizzere e internazionali come Camera, Die Woche, Du, Elle, Geo, Schweizer Illustrierte, Stern e Vogue.

Nel corso della sua carriera, Monique Jacot ha esplorato diversi generi fotografici. Appassionata di viaggi, è nota per le sue fotografie scattate in giro per il mondo e per la sua meticolosa documentazione di alcuni aspetti della vita svizzera, in particolare quelli relativi alla condizione femminile. Accanto al suo lavoro di reportage, Jacot ha prodotto un gran numero di opere che testimoniano la sua ricerca artistica. Come riconoscimento del suo importante contributo alle arti visive, nel 2020 le è stato conferito il Grand Prix Suisse du design.

Le fotografie presentate in questa mostra rivelano il modo in cui la fotografa gioca con la figura e i suoi doppi. Attraverso il montaggio e vari effetti di specchio, conferisce al suo lavoro un'estetica poetica, quasi onirica. Nel suo lavoro fotogiornalistico, Jacot affianca diverse figure, rivelando un commento sociale al centro delle sue immagini.

La mostra Monique Jacot. La figura e i suoi doppi fa parte del sostegno della Fondazione Bru a Photo Elysée.

Monique Jacot (1934) is today considered one of the most important Swiss photographers. After completing her studies at the École des arts et métiers in Vevey, Jacot began a career in the press as a photojournalist. Her work has been published widely in Swiss and international publications including Camera, Die Woche, Du, Elle, Geo, Schweizer Illustrierte, Stern and Vogue.

Throughout her career, Monique Jacot has explored different photographic genres. Although known for her photographs taken across the world, she has also meticulously documented aspects of Swiss life, particularly those linked to the female condition. Parallel to her photojournalism, Jacot has produced a large body of work that reflects her artistic research. In recognition of her lifelong contribution to the visual arts, she received the Swiss Grand Award for Design in 2020.

The photographs presented in this exhibition reveal the way the photographer plays with the figure and its doubles. By means of montage and various mirroring effects, Jacot lends her works a poetic, almost dreamlike esthetic. In her photojournalism, she draws parallels between several figures, which can reveal a social commentary at the heart of her images.

The exhibition Monique Jacot. The figure and its doubles is part of the Bru Foundation's support to Photo Elysée.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
10. Mai – 23. Juni 2024

Mold is Beautiful
Luce Lebart

"Wer ist der Autor dieser Bilder, die durch Zeit, Luft, Wasser und Manipulation zerrissen wurden? Ist es ein Fotograf aus den 1920er Jahren, dessen Spuren und Name verloren gegangen sind? Oder sind es die Mikroorganismen, die die Bilder in Objekte der ästhetischen Betrachtung verwandeln?", fragt Luce Lebart. Die Ausstellung Mold is Beautiful, die im Veroneser Raum von Il Meccanico stattfindet, stellt die Frage nach der Fähigkeit der Fotografie, zu begeistern. "Diese Bilder, die zur Betrachtung angeboten werden, erinnern uns daran, dass die ästhetischen Qualitäten einer Fotografie entschieden unabhängig von einer künstlerischen Absicht sind", schreibt Luce Lebart. Bilder haben viele Leben und viele Zeiten: Sie wurden geliebt, verachtet, verloren, ausgestellt. Bilder sind documentio, operae, Zeugnis, Archiv, und das alles gleichzeitig. In Mold is beautiful geht es auch um die Materialität analoger Bilder, um die Art und Weise, wie die Zeit mit ihrem Überleben gearbeitet und einen Dialog geführt hat. "Wunder des Vergessens, Erfolge der Vernachlässigung und des Desinteresses, diese durch eine Überschwemmung beschädigten Bilder sind seit Jahren dem Tageslicht entzogen. Die Vernachlässigung und die organischen Ressourcen, die in ihrer Zusammensetzung enthalten sind (Gelatine, Kartoffelstärke), boten das ideale Terrain für eine zufällige kreative Ausbreitung. Ein grün dominiertes Autochrom war ursprünglich ein Foto eines Gartens aus den 1920er Jahren, andere Bilder zeigten einen Waldbrand, ein Feuerwerk am Kai, das Himmelsgewölbe, das Ufer des Genfer Sees und Wolken, die einen Sturm ankündigen. Fast hundert Jahre lang waren diese Bilder in einer Holzkiste verschlossen und vergessen, die die Spuren eines Hochwassers trug. Mikroorganismen ergriffen Besitz von ihnen und aktivierten, belebten und verwandelten sie. "Schimmelpilze sind der Feind Nummer eins der Archive", erklärt Luce Lebart, "sie sind Risikofaktoren, Agenten des Verfalls, gegen die man kämpfen muss. In der Fotografie wird ihr kreatives Potenzial zu Unrecht vernachlässigt. Dabei nutzt der Mensch die Verwandlungskraft der Mikroorganismen, um täglich Brot, Wein, Bier und alle Käsesorten herzustellen". Die Begegnung zwischen der Technik (der Fotografie) und dem Lebendigen (den Mikroorganismen) hat neue Formen hervorgebracht, die die Besonderheit haben - und darin liegt ihre Schönheit -, in einen Dialog mit dem Inhalt der Bilder zu treten und ihre Formen zu erweitern. Der Garten, der Waldbrand, die Konstellation, das Feuerwerk und die Wolken verdoppeln sich: neue, unbekannte Blumen erscheinen, verbrannte Holzstücke schweben vorbei, eine neue Milchstraße entsteht aus den Verzerrungen des Gelees. Das technische Bild ist zu einem Boden für die Vermehrung des Lebendigen geworden.

Mold is beautiful ist ein neues Ökosystem, in dem Artefakte und Lebewesen koexistieren.

"Qui est l'auteur de ces images bouleversées par le temps, l'air, l'eau et les manipulations ? Est-ce un photographe des années 1920 dont on a perdu la trace et le nom ? Ou bien les micro-organismes qui ont transformé les images en objets de contemplation esthétique ?", s'interroge Luce Lebart. L'exposition Mold is Beautiful - accueillie dans l'espace véronais d'Il Meccanico - interroge la capacité de la photographie à susciter l'émotion. "Offertes à la contemplation, ces images nous rappellent que les qualités esthétiques d'une photographie sont résolument indépendantes d'une intention artistique", écrit Luce Lebart. Les images ont plusieurs vies et plusieurs époques : elles ont été aimées, méprisées, perdues, exposées. Les images sont documentio, operae, témoignage, archive, et tout cela à la fois. Mold is beautiful traite également de la matérialité des images analogiques, de la manière dont le temps a travaillé et dialogué avec leur survie. "Merveilles de l'oubli, succès de la négligence et du désintérêt, ces images, endommagées par une inondation, ont été privées de la lumière du jour pendant des années. L'abandon, ajouté aux ressources organiques inhérentes à leur composition (gélatine, fécule de pomme de terre), a constitué le terrain idéal pour une prolifération créative aléatoire". Un autochrome à dominante verte est à l'origine une photo de jardin prise dans les années 1920, d'autres images montrent un feu de forêt, un feu d'artifice sur les quais, la voûte céleste, le bord du lac Léman et des nuages annonciateurs d'un orage. Pendant près de cent ans, ces images ont été enfermées et oubliées dans une boîte en bois portant les traces d'une inondation. Des micro-organismes s'en sont emparés et les ont activées, vitalisées et transformées. "Les moisissures sont l'ennemi numéro un des archives", explique Luce Lebart, "ce sont des facteurs de risque, des agents de dégradation contre lesquels il faut lutter. En photographie, leur potentiel créatif est injustement négligé. Pourtant, l'homme utilise le pouvoir de transformation des micro-organismes pour produire quotidiennement le pain, le vin, la bière et tous les fromages". La rencontre entre la technique (la photographie) et le vivant (les micro-organismes) a généré de nouvelles formes qui ont la particularité - et c'est là toute leur beauté - de dialoguer avec le contenu des images et d'en élargir les formes. Le jardin, l'incendie de forêt, la constellation, le feu d'artifice, les nuages se dédoublent : de nouvelles fleurs inconnues apparaissent, des morceaux de bois brûlés flottent, une nouvelle voie lactée émane des déformations de la gelée. L'image technique est devenue un terrain de prolifération du vivant.

Mold is beautiful est un nouvel écosystème où coexistent artefacts et êtres vivants.

"Chi è l'autore di queste immagini stravolte dal tempo, dall'aria, dall'acqua e dalla manipolazione? È un fotografo degli anni Venti di cui si sono perse le tracce e il nome? O sono i microrganismi che hanno trasformato le immagini in oggetti di contemplazione estetica?", si chiede Luce Lebart. La mostra Mold is Beautiful - ospitata nello spazio veronese de Il Meccanico - si interroga sulla capacità della fotografia di emozionare. "Offerte alla contemplazione, queste immagini ci ricordano come le qualità estetiche di una fotografia siano decisamente indipendenti da un intento artistico", scrive Luce Lebart. Le immagini hanno molte vite e molti tempi: sono state amate, disprezzate, perse, esposte. Le immagini sono documentio, operae, testimonianza, archivio, e tutto questo contemporaneamente. Mold is beautiful riguarda anche la materialità delle immagini analogiche, il modo in cui il tempo ha lavorato e dialogato con la loro sopravvivenza. "Meraviglie dell'oblio, successi dell'incuria e del disinteresse, queste immagini, danneggiate da un'alluvione, sono state private della luce del giorno per anni. L'abbandono, sommato alle risorse organiche insite nella loro composizione (gelatina, fecola di patate), ha fornito il terreno ideale per una proliferazione creativa casuale". Un'autocromia a dominante verde era in origine una foto di un giardino scattata negli anni Venti, altre immagini mostravano un incendio nella foresta, uno spettacolo pirotecnico sulla banchina, la volta celeste, la riva del lago di Ginevra e le nuvole che preannunciavano una tempesta. Per quasi cento anni queste immagini sono rimaste chiuse e dimenticate in una scatola di legno con le tracce di un'alluvione. I microrganismi se ne sono impossessati e le hanno attivate, vitalizzate e trasformate. "Le muffe sono il nemico numero uno degli archivi", spiega Luce Lebart, "sono fattori di rischio, agenti di degrado contro i quali è necessario lottare. In fotografia, il loro potenziale creativo è ingiustamente trascurato. Eppure l'uomo utilizza il potere di trasformazione dei microrganismi per produrre quotidianamente il pane, il vino, la birra e tutti i formaggi". L'incontro tra la tecnica (la fotografia) e il vivente (i microrganismi) ha generato nuove forme che hanno la particolarità - e qui sta la loro bellezza - di dialogare con il contenuto delle immagini e di ampliarne le forme. Il giardino, l'incendio della foresta, la costellazione, i fuochi d'artificio e le nuvole si sdoppiano: appaiono nuovi fiori sconosciuti, fluttuano pezzi di legno bruciato, una nuova via lattea emana dalle distorsioni della gelatina. L'immagine tecnica è diventata un terreno per la proliferazione del vivente.

Mold is beautiful è un nuovo ecosistema in cui coesistono artefatti ed esseri viventi.

«Who is the author of these images disrupted by time, air, water and manipulation? Is it a photographer from the 1920s whose traces and name have been lost? Or is it the micro-organisms that transformed the images into objects of aesthetic contemplation?» asks Luce Lebart. The exhibition Mold is Beautiful – hosted in the Veronese space of Il Meccanico - questions the capacity of photography to excite. «Offered for contemplation, these images remind us how the aesthetic qualities of a photograph are decidedly independent of an artistic intent», writes Luce Lebart. Images have many lives and many times: they have been loved, despised, lost, exposed. Images are documentio, operae, testimony, archive, and all of this simultaneously. Mold is beautiful is also about the materiality of analogue images, how time has worked and dialogued with their survival. «Wonders of oblivion, successes of neglect and disinterest, these images, damaged by a flood, have been deprived of daylight for years. Abandonment, added to the organic resources inherent in their composition (gelatin, potato starch), provided the ideal terrain for random creative proliferation». A green-dominant autochrome was originally a photo of a garden taken in the 1920s, other images showed a forest fire, a firework display on the quayside, the vault of heaven, the shore of Lake Geneva and clouds heralding a storm. For almost a hundred years, these images were locked and forgotten in a wooden box bearing the traces of a flood. Micro-organisms took possession of them and activated, vitalised and transformed them. «Molds are the number one enemy of archives», explains Luce Lebart, «They are risk factors, agents of degradation against which a fight is a must. In photography, their creative potential is unjustly neglected. Yet man uses the transforming power of micro-organisms to produce daily bread, wine, beer and all cheeses». The encounter between technique (photography) and the living (micro-organisms) has generated new forms that have the particularity - and here lies their beauty - of engaging in dialogue with the content of the images and expanding their forms. The garden, the forest fire, the constellation, the fireworks and the clouds are doubled: new, unknown flowers appear, pieces of burnt wood float by, a new milky way emanates from the distortions of the jelly. The technical image has become a ground for the proliferation of the living.

Mold is beautiful is a new ecosystem in which artefacts and living beings coexist.

(Text: Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici, Verona)

Museo Nazionale di Villa Pisani Stra
24. April – 27. Oktober 2024

FEDERICO GAROLLA. Gente d’Italia. Fotografie 1948 – 1968

Die Villa Pisani in Stra, an der Riviera del Brenta, ist der perfekte Rahmen für die große monografische Ausstellung von Federico Garolla, die von Uliano Lucas und Tatiana Agliani kuratiert wird und unter dem Titel "Gente d'Italia. Fotografien 1948 - 1968".

Die prächtige, von Tiepolo mit Fresken bemalte Villa mit ihrem berühmten Labyrinth und dem herrlichen Park wird zum Schauplatz für die Inszenierung eines Querschnitts unserer Gesellschaft nach dem Zweiten Weltkrieg durch die Sensibilität von Federico Garolla. Jahre des Neubeginns, aber immer noch voller Schwierigkeiten, wie das schwierige Alltagsleben in den Dörfern der Riviera del fiume Brenta zeigt, wo die einfachen Leute versuchten, einem anstrengenden Überleben zu entkommen. Eine Reportage von Garolla aus dem Jahr 1956, die in großen Bildern reproduziert wurde, bevölkert den Park der Villa im Inneren der Stallungen mit Erinnerungen.

"Es handelt sich um eine Auswahl von Fotografien, die Garolla an den Orten in der Umgebung der Villa Pisani aufgenommen hat und die wir in einer Installation im Park ausstellen wollten", betont Loretta Zega, Direktorin des Nationalmuseums Villa Pisani.

Eine Abteilung, die die Ausstellung (rund 100 Fotografien) ergänzt, fängt den Geist des Italiens nach dem Zweiten Weltkrieg ein, jener Jahre, in denen man sich mühsam bemühte, die Spaltungen und Wunden eines verlorenen Krieges zu heilen, und aus der vergangenen Tragödie Kraft und Kreativität schöpfte, um das in Gang zu setzen, was später als das "italienische Wunder" anerkannt werden sollte.

Federico Garollas Ziel war es, mit Schnelligkeit und Klarheit den Bogen vom Glanz der ersten Modeschauen über das aufkommende Starsystem bis hin zu den einfachen Menschen zu spannen. Ein Werk, das uns das Bild eines Volkes vermittelt, das das Bewusstsein der Zugehörigkeit zu einer Nation wiederentdecken und am Wiederaufbau durch eine neue Geschichte des Optimismus und der Modernität teilnehmen muss. Mit seinem unverwechselbaren Stil beobachtet Garolla diesen Wandel und fängt seine Modernität, aber auch seine tiefgreifenden Widersprüche ein. "Garolla fotografiert Menschen, Menschen, die zusammen sind, vereint und wiedervereint, Menschen, die an den kollektiven Ritualen des Spaßes, der Freude am Überleben teilnehmen. Sein Werk ist aufmerksam auf die Tatsachen, und er gibt uns die Seele und die Essenz davon", unterstreicht Daniele Ferrara, Leiter der Regionaldirektion der Museen von Venetien des Kulturministeriums, der Institution, die unter der Leitung des Museums Villa Pisani in Stra und in Zusammenarbeit mit Suazes und Isabella Garolla diese große Ausstellung fördert.

Die Linse dieses Giganten der italienischen Fotografie des letzten Jahrhunderts verewigt Landschaften, gewöhnliche Menschen, Berühmtheiten, Moden und Traditionen, immer mit einer leichten und niemals indiskreten Note. Es sind die 1950er Jahre mit dem goldenen Zeitalter der illustrierten Zeitschriften, und die Verbreitung des Fernsehens ist noch ein weit entferntes Phänomen. Garolla wird zum Hauptzeugen für die Bestätigung der großen Haute Couture-Schneider in Rom, zu deren Protagonisten er wird, indem er ein Fotoshooting in eine in den Alltag eingebettete Reportage verwandelt.

"Garolla gehört nur deshalb zur Generation des Fotojournalismus, weil zu der Zeit, als sein Talent zum Ausdruck kam, die Museen, insbesondere in Italien, die Fotografie nicht als künstlerischen Ausdruck betrachteten. Diese Ausstellung will dazu beitragen", betont der Kurator Uliano Lucas, "diesen wichtigen Fotografen unserer Zeit in die richtige Position zu bringen."

Die Ausstellung versammelt über 100 Fotografien, die einen kompletten Querschnitt seines Schaffens bieten, von seinen Reportagen über die Welt des Kinos bis hin zu seinem innovativen Werk über die Welt der römischen Schneiderei mit Porträts von Valentino, Capucci, den Fontana-Schwestern und Schuberth. Seine Leidenschaft gilt jedoch Künstlern wie Guttuso und De Chirico, die er in ihren Ateliers gefilmt hat, Musikern von Strawinsky bis Rubinstein, Schriftstellern wie Elsa Morante und Ungaretti, denen er sich als Chauffeur zur Verfügung stellte, um ihre Nähe zu genießen - dies sind nur einige seiner Reportagen, die sich mit der Entwicklung der italienischen Situation im Spannungsfeld zwischen dem Streben, eines der am stärksten industrialisierten Länder zu werden, und der tiefen Verbundenheit mit der Tradition befassen.

La Villa Pisani à Stra, le long de la Riviera del Brenta, est le cadre idéal pour la grande exposition monographique de Federico Garolla, organisée par Uliano Lucas et Tatiana Agliani, proposée sous le titre "Gente d'Italia. Photographies 1948 - 1968".

La somptueuse villa peinte à fresque par Tiepolo, avec son célèbre labyrinthe et son magnifique parc, devient le cadre d'une mise en scène d'un échantillon de notre société d'après-guerre à travers la sensibilité de Federico Garolla. Des années de redémarrage mais encore pleines de difficultés comme le montre la vie quotidienne difficile dans les villages de la Riviera del fiume Brenta, où les gens ordinaires tentent d'échapper à une survie pénible. Celle effectivement capturée par un reportage de Garolla réalisé en 1956 et reproduit en grandes images, peuple de souvenirs le parc de la Villa à l'intérieur de l'espace des écuries.

"Il s'agit d'une sélection de photographies prises par Garolla dans les lieux mêmes qui jouxtent le complexe de Villa Pisani et que nous avons voulu exposer dans une installation à l'intérieur du parc", souligne Loretta Zega, directrice du Musée national de Villa Pisani.

Une section qui complète l'exposition (une centaine de photographies) et capture l'esprit de l'Italie de l'après-guerre, les années où l'on s'est efforcé, avec difficulté, de guérir les divisions et les blessures d'une guerre perdue, et où l'on a puisé dans la tragédie passée la force et la créativité pour lancer ce que l'on reconnaîtra plus tard comme le "miracle italien".

L'objectif de Federico Garolla était d'aller, avec rapidité et lucidité, des paillettes des premiers défilés de mode au star-system naissant, en passant par les gens ordinaires. Une œuvre qui nous donne l'image d'un peuple qui a besoin de retrouver la conscience d'appartenir à une nation et de participer à la reconstruction à travers une nouvelle histoire d'optimisme et de modernité. Avec son style unique, Garolla observe cette transformation, saisissant sa modernité, mais aussi ses profondes contradictions. "Garolla photographie des gens, des gens qui sont ensemble, réunis et réunis, des gens qui participent aux rituels collectifs de l'amusement, de la joie de survivre. Son travail est attentif aux faits, et il nous en donne l'âme et l'essence", souligne Daniele Ferrara, responsable de la direction régionale des musées de Vénétie du ministère de la culture, l'institution qui, avec la direction du musée Villa Pisani de Stra et la collaboration de Suazes et Isabella Garolla, promeut cette grande exposition.

L'objectif de ce géant de la photographie italienne du siècle dernier immortalise des paysages, des gens ordinaires, des célébrités, des modes et des traditions, toujours avec une touche légère et jamais indiscrète. Nous sommes dans les années 1950, à l'âge d'or des magazines illustrés, et la diffusion de la télévision n'est encore qu'un phénomène lointain. Garolla deviendra le principal témoin de l'affirmation des grands couturiers de Rome, dont il sera l'un des protagonistes, transformant une séance photo en un reportage ancré dans la vie quotidienne.

"Garolla appartient à la génération du photojournalisme uniquement parce qu'à l'époque où son talent s'est exprimé, les musées, surtout en Italie, ne considéraient pas la photographie comme une expression artistique. Cette exposition veut contribuer, souligne le commissaire Uliano Lucas, à placer cet important photographe dans la bonne position.

L'exposition rassemble plus de 100 photographies qui offrent un aperçu complet de sa production, de ses reportages consacrés au monde du cinéma à son travail novateur dédié au monde de la couture romaine, avec des portraits de Valentino, Capucci, des sœurs Fontana et de Schuberth. Mais sa passion, ce sont les artistes comme Guttuso et De Chirico filmés dans leurs ateliers, les musiciens de Stravinsky à Rubinstein, les écrivains comme Elsa Morante et Ungaretti - à qui il s'est prêté comme chauffeur pour profiter de sa proximité - ce ne sont là que quelques-uns de ses reportages consacrés à l'évolution de la situation italienne, à la croisée des chemins entre la volonté de devenir l'un des pays les plus industrialisés et le lien profond avec la tradition.

Villa Pisani a Stra, lungo la Riviera del Brenta, è scenario perfetto per la grande monografica di Federico Garolla, a cura di Uliano Lucas e Tatiana Agliani, proposta con il titolo “Gente d’Italia. Fotografie 1948 – 1968”.

La sontuosa villa affrescata da Tiepolo, con il suo celebre labirinto e il magnifico parco, diventa il luogo della messa in scena di uno spaccato della nostra società nel secondo dopoguerra attraverso la sensibilità di Federico Garolla. Anni di ripartenza ma ancora carichi di difficoltà come rappresentato dalla difficile quotidianità di vita nei paesi della Riviera del fiume Brenta, dove la gente comune cercava di sottrarsi ad una stentata sopravvivenza. Quella efficacemente colta da un reportage di Garolla realizzato nel 1956 e che, riprodotto in grandi immagini, popola di ricordi il parco della Villa all’interno dello spazio delle scuderie.

“Una selezione di fotografie realizzate da Garolla proprio nei luoghi attigui al complesso di Villa Pisani e che abbiamo voluto esporre in un’installazione all’interno del Parco” sottolinea Loretta Zega direttrice del Museo Nazionale di Villa Pisani.

Una sezione che s’integra alla mostra (circa 100 fotografie) e che coglie lo spirito dell’Italia del secondo dopoguerra, gli anni in cui, con affanno, si cercava di sanare le divisioni e le ferite di una guerra persa e dalla trascorsa tragedia si traeva forza e creatività per avviare quello che più tardi sarà riconosciuto come il “Miracolo italiano”.

L’obiettivo di Federico Garolla era spaziare, con prontezza e lucidità, dal luccichio delle prime sfilate di moda, al nascente star system, alla gente comune. Un lavoro che ci rende l’immagine di un popolo bisognoso di ritrovare la consapevolezza di appartenere ad una nazione e di partecipare alla ricostruzione attraverso una storia nuova di ottimismo e modernità. Con il suo inconfondibile stile Garolla osserva questa trasformazione cogliendo la modernità, ma al contempo anche le sue profonde contraddizioni. “Garolla fotografa la gente, quella che sta insieme, riappacificata e riunita, la gente che partecipa ai riti collettivi del divertimento, della gioia dell’essere sopravvissuti. Il suo lavoro è attento ai fatti e di esso ci consegna l’anima e l’essenza”, sottolinea Daniele Ferrara, titolare della Direzione regionale Musei Veneti del Ministero della Cultura, istituzione che, con la Direzione del Museo di Villa Pisani a Stra e la collaborazione di Suazes e Isabella Garolla, promuove questa grande mostra.

L’obiettivo di questo gigante della fotografia italiana dello scorso secolo immortala paesaggi, gente comune, personaggi famosi, mode e tradizioni, sempre con un tocco lieve e mai indiscreto. Sono gli anni Cinquanta con il periodo d’oro delle riviste illustrate e la diffusione della televisione è ancora un fenomeno lontano. Garolla diventerà principale testimone dell’affermazione delle grandi sartorie dell’alta moda romana di cui diventerà uno dei protagonisti, rendendo un servizio di posa un reportage inserito all’interno della quotidianità.

“Garolla appartiene alla generazione del fotogiornalismo solo perché, nell’epoca in cui si espresse il suo talento, i musei, soprattutto in Italia, non prendevano in considerazione la fotografia come un’espressione artistica. Questa mostra vuole contribuire – sottolinea il curatore Uliano Lucas – a collocare nella giusta posizione questo importante nostro fotografo.”

La mostra riunisce assieme oltre 100 fotografie che offrono uno spaccato completo della sua produzione, dai suoi reportage dedicati al mondo del cinema, il suo innovativo lavoro dedicato al mondo della sartoria romana con ritratti di Valentino, Capucci, le Sorelle Fontana e Schuberth. La sua passione sono però gli artisti come Guttuso e De Chirico ripresi nei loro atelier, i musicisti da Stravinsky a Rubinstein, agli scrittori come Elsa Morante e Ungaretti – cui si prestò di fare da autista pur di godere della sua vicinanza – questi sono solo alcuni dei suoi reportage dedicati all’evolversi della situazione italiana a cavallo fra la spinta a diventare tra i paesi più industrializzati e il profondo legame con la tradizione.

Villa Pisani in Stra, along the Riviera del Brenta, is the perfect setting for Federico Garolla's major monographic exhibition, curated by Uliano Lucas and Tatiana Agliani, proposed under the title "People of Italy. Photographs 1948 - 1968."

The sumptuous villa frescoed by Tiepolo, with its famous labyrinth and magnificent park, becomes the site of the staging of a cross-section of our society after World War II through Federico Garolla's sensibility. Years of restart but still laden with difficulties as represented by the difficult everyday life in the villages of the Riviera del fiume Brenta, where ordinary people tried to escape from a strenuous survival. That effectively captured by a reportage by Garolla made in 1956 and which, reproduced in large images, populates the Villa's park inside the space of the stables with memories.

"A selection of photographs made by Garolla precisely in the places adjacent to the Villa Pisani complex and that we wanted to exhibit in an installation inside the Park," stresses Loretta Zega director of the National Museum of Villa Pisani.

It is a section that complements the exhibition (about 100 photographs) and captures the spirit of post-World War II Italy, the years in which, with difficulty, efforts were being made to heal the divisions and wounds of a lost war, and from the tragedy that had passed, strength and creativity were drawn to launch what would later be recognized as the "Italian Miracle."

Federico Garolla's goal was to range, with promptness and lucidity, from the glitter of the first fashion shows, to the nascent star system, to ordinary people. A work that renders us the image of a people in need of regaining the awareness of belonging to a nation and participating in the reconstruction through a new story of optimism and modernity. With his unmistakable style Garolla observes this transformation by capturing modernity, but at the same time also its deep contradictions. "Garolla photographs people, the people who are together, reconnected and reunited, the people who participate in the collective rituals of fun, of the joy of being survivors. His work is attentive to the facts and delivers to us the soul and essence of it," stresses Daniele Ferrara, head of the Regional Directorate of Venetian Museums of the Ministry of Culture, an institution that, with the Direction of the Villa Pisani Museum in Stra and the collaboration of Suazes and Isabella Garolla, is promoting this major exhibition.

The lens of this giant of Italian photography of the last century immortalizes landscapes, ordinary people, celebrities, fashions and traditions, always with a light and never indiscreet touch. These are the 1950s with the golden age of illustrated magazines and the spread of television is still a distant phenomenon. Garolla will become the main witness of the affirmation of the great tailors of Roman haute couture, of which he will become one of the protagonists, making a photo shoot a reportage inserted within everyday life.

"Garolla belongs to the generation of photojournalism only because, at the time when his talent was expressed, museums, especially in Italy, did not consider photography as an artistic expression. This exhibition wants to contribute," emphasizes curator Uliano Lucas, "to place this important photographer of ours in the right position."

The exhibition brings together more than 100 photographs that offer a complete cross-section of his production, from his reportages dedicated to the world of cinema, his innovative work devoted to the world of Roman tailoring with portraits of Valentino, Capucci, the Fontana Sisters and Schuberth. His passion, however, are artists such as Guttuso and De Chirico filmed in their ateliers, musicians from Stravinsky to Rubinstein, to writers such as Elsa Morante and Ungaretti - whom he lent himself to chauffeur in order to enjoy his proximity - these are just some of his reportages dedicated to the evolving situation in Italy straddling the push to become among the most industrialized countries and the deep ties to tradition.

(Text: Museo Nazionale di Villa Pisani Stra)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
5. – 28. April 2024

Francesca Svampa e Giovanni Sellari

Analoge Fotografie im Dialog mit künstlicher Intelligenz. Zwei gegensätzliche Auffassungen von Bild und Kreativität. Handwerkskunst versus Virtualität. Der Meccanico-Forschungsraum für zeitgenössische Sprachen in Verona beherbergt ab dem 5. April die beiden Projekte, die die Ausschreibung gewonnen haben: eines in analoger Technik und das andere mit künstlicher Intelligenz. Das Thema des Konzepts lautete "Rupture" (Bruch), und die beiden Arbeiten stehen in Zusammenhang mit diesem Thema.

Francesca Svampa stellt A Movie in a pic aus, eine Sammlung von Negativen, aus denen Mikrofilme entstehen.  "Die Bilder haben ihren Ursprung in einem Negativ, einem Teil eines Negativs oder einer Manipulation in irgendeiner Form. Aus einem anderen Blickwinkel betrachtet handelt es sich um eine Sammlung von sehr kurzen Filmen. Ein Projekt, das als Spiel begann, um mit minimalen Mitteln Filme zu machen und analog zu arbeiten.

Giovanni Sellari hingegen stellt Gli Stressonauti aus, ein Projekt, das auf der Grundlage von Landschaftsaufnahmen auf Film entstanden ist, die dann von einer künstlichen Intelligenz "bearbeitet" wurden. Bei den Stressonauten handelt es sich um eine Gruppe intergalaktischer Forscher, die der Hektik des interstellaren Verkehrs überdrüssig sind und das Bedürfnis haben, eine lange Pause einzulegen, um ihre tägliche Routine zu unterbrechen und sich vom angesammelten Stress zu entgiften.

La photographie analogique dialogue avec l'intelligence artificielle. Deux façons antipodales de comprendre l'image et la créativité. Artisanat contre virtualité. L'espace de recherche Meccanico sur les langages contemporains à Vérone accueillera à partir du 5 avril les deux projets qui ont remporté l'appel : l'un réalisé en analogique et l'autre avec l'intelligence artificielle. Le thème du concept était la rupture, et les deux œuvres sont liées à ce sujet.

Francesca Svampa expose A Movie in a pic, une collection de négatifs qui génèrent des microfilms.  "Les images proviennent d'un négatif, d'une partie d'un négatif ou d'une manipulation quelconque. Vu sous un autre angle, il s'agit d'une collection de films très courts. Un projet qui a commencé comme un jeu pour faire des films et travailler en analogique avec des ressources minimales.

Giovanni Sellari, quant à lui, présente Gli Stressonauti, un projet qui a pour point de départ des prises de vue de paysages sur pellicule, mais qui est ensuite "traité" par l'intelligence artificielle. Les Stressonautes sont un groupe d'explorateurs intergalactiques qui, fatigués de l'agitation du trafic interstellaire, ressentent le besoin de faire une longue pause pour rompre leur routine quotidienne et se désintoxiquer du stress accumulé.

La fotografia analogica dialoga con l’Intelligenza artificiale. Due modi di intendere l’immagine e la creatività, agli antipodi. Artigianalità versus virtualità. Il Meccanico spazio di ricerca sui linguaggi contemporanei a Verona, ospiterà a partire dal 5 aprile i due progetti che hanno vinto la call: uno realizzato in analogico e l’altro con l’Intelligenza Artificiale. Il tema del concept era Rottura, i due lavori sono in relazione con questo topic.

Francesca Svampa espone A Movie in a pic, una collezione di negativi che generano micro film.  “Le immagini hanno origine in un negativo, parte di esso o una sua manipolazione di qualche tipo. Vista da un altro angolo è una collezione di film molto corti. Un progetto che nasce come un gioco per poter fare film e lavorare in analogico con il minimo di risorse.

Giovanni Sellari invece espone Gli Stressonauti, un progetto che nasce da scatti di paesaggio in pellicola ma “elaborati” poi dall'Intelligenza Artificiale. Gli Stressonauti sono un gruppo di esploratori intergalattici che stanchi della frenesia e del traffico interstellare sentono il bisogno di prendersi una lunga pausa per rompere la loro routine quotidiana e disintossicarsi dallo stress accumulato.

Analog photography dialogues with artificial intelligence. Two ways of understanding image and creativity, at the antipodes. Craftsmanship versus virtuality. The Meccanico research space on contemporary languages in Verona, will host starting April 5 the two projects that won the call: one made in analog and the other with Artificial Intelligence. The theme of the concept was Rupture; the two works are related to this topic.

Francesca Svampa exhibits A Movie in a pic, a collection of negatives that generate micro films.  "The images originate in a negative, part of it or a manipulation of it of some kind. Viewed from another angle is a collection of very short films. A project that started as a game to be able to make films and work in analog with the minimum of resources.

Giovanni Sellari, on the other hand, exhibits Gli Stressonauti, a project that originated from landscape shots on film but then "processed" by Artificial Intelligence. The Stressonauts are a group of intergalactic explorers who, tired of the hustle and bustle of interstellar traffic, feel the need to take a long break to break their daily routine and detoxify from accumulated stress.

(Text: Il Meccanico – Grenze Arsenali Fotografici, Verona)

Il Meccanico - Grenze Arsenali Fotografici | Verona
9. März – 28. April 2024

Litorali
Marco Rapaccini

Marco Rapaccini (Rom, 1982) ist Fotograf und Lehrer, der sich seit 2006 hauptberuflich der Fotografie widmet. Er gehört zu den Gründern des Fotokollektivs Nove im Jahr 2008. Seine Fotografien wurden auf dem FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) und im Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) ausgestellt und in den Editionen Postcart und Punctum veröffentlicht. Seit 2012 ist er für die Bildungsaktivitäten von Officine Fotografiche verantwortlich. In den letzten Jahren hat er sich vor allem für die Erforschung der Landschaftsfotografie sowie analoge und alternative Drucktechniken interessiert.

Marco Rapaccini (Rome, 1982) est un photographe et un enseignant qui se consacre à plein temps à la photographie depuis 2006. Parmi les fondateurs du collectif photographique Nove en 2008, ses photographies ont été exposées au FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), à Fotoleggendo (2008) et au Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) et publiées dans les éditions Postcart et Punctum. Il est responsable des activités éducatives des Officine Fotografiche depuis 2012. Ces dernières années, il s'est principalement intéressé à la recherche sur la photographie de paysage et aux techniques d'impression analogiques et alternatives.

Marco Rapaccini (Roma, 1982) è fotografo e insegnante, si dedica a tempo pieno alla fotografia dal 2006. Tra i fondatori del collettivo fotografico Nove nel 2008, le sue fotografie sono state esposte a FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) e al Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) e pubblicate in edizioni Postcart e Punctum. È il responsabile delle attività didattiche di Officine Fotografiche dal 2012. Negli ultimi anni si interessa prevalentemente alla ricerca fotografica sul paesaggio e alle tecniche di stampa analogiche e alternative.

Marco Rapaccini (Rome, 1982) is a photographer and teacher, devoting himself full-time to photography since 2006. One of the founders of the photographic collective Nove in 2008, his photographs have been exhibited at FotoGrafia Festival Internazionale (2007, 2008, 2010, 2012), Fotoleggendo (2008) and Museo di Roma in Trastevere (2009), Ex Gil (2008), Casa del Jazz (2007) and published in Postcart and Punctum editions. He has been the head of the educational activities of Officine Fotografiche since 2012. In recent years he has been mainly interested in landscape photography research and analog and alternative printing techniques.

(Text: Grenze Arsenali Fotografici, Verona)

Museo Fortuny | Venezia
24. Januar – 10. März 2024

Joan Fontcuberta. Cultura di polvere

Joan Fontcuberta. Cultura di polvere eröffnet die Ausstellungssaison im Museum Fortuny in Venedig, wo vom 24. Januar bis zum 10. März 2024 die zwölf von Joan Fontcuberta geschaffenen Leuchtkästen zu sehen sind: das Ergebnis des Dialogs des katalanischen Künstlers mit den außergewöhnlichen historischen Sammlungen des ICCD in Rom, einem Institut, das Ende des 19. Jahrhunderts als Fotokabinett gegründet wurde, um das kulturelle Erbe zum Zwecke des Schutzes und der Katalogisierung zu dokumentieren. Diese in Venedig, im Palazzo Fortuny, neu konzipierte Ausstellung erinnert nicht nur an die gemeinsame Nationalität des Künstlers und des "Hausherrn", sondern vor allem an die tiefe Verbundenheit dieses Ortes mit der Fotografie, von den Experimenten Mariano Fortuny y Madrazos bis hin zu seinem äußerst reichhaltigen Archiv, das an diesem Ort aufbewahrt wurde, der damals in den 70er und 80er Jahren das avantgardistische Zentrum der Fotografie war.

Unter den wichtigsten Ereignissen, die mit dem Fortuny-Museum in Verbindung stehen, muss man unbedingt Venedig '79 erwähnen. Fotografie, die aus der Zusammenarbeit zwischen dem International Center of Photography in New York, der UNESCO und der Stadtverwaltung von Venedig hervorging. Es handelte sich um ein beispielloses Medienereignis, das in Europa in Bezug auf Genre und Umfang einzigartig war, mit fünfundzwanzig Ausstellungen in der Stadt, Seminaren, Konferenzen, Laboratorien und Workshops, die den Palazzo Fortuny als Zentrum der Lernaktivitäten hatten. An diesem epochalen Ereignis nahm auch Joan Fontcuberta teil, der mit seinen 24 Jahren zu den Protagonisten der Ausstellung Zeitgenössische europäische Fotografie im Magazzini del Sale gehörte, die von Sue Davis, Jean-Claude Lemagny, Alan Porter und Daniela Palazzoli kuratiert wurde.

Die Ausstellung im Museum Fortuny bringt also das Echo eines Gefühls zurück, das sich wie eine Schicht aus Geschichte und Erinnerung in das Werk des Künstlers legt.

Joan Fontcuberta. Culture of Dust entstand im Rahmen des von Francesca Fabiani kuratierten ICCD Artists in Residence-Programms, in dessen Rahmen Fontcuberta einige verfallene Fotoplatten aus dem Fondo Chigi bearbeitete, die den Ausgangspunkt für eine Reihe visueller und sprachlicher Experimente bildeten. Der Spross einer der reichsten und mächtigsten Adelsfamilien der Geschichte, Prinz Francesco Chigi Albani della Rovere (1881-1953), Naturforscher und Amateurfotograf, kam bei seinen Experimenten oft zu überraschenden Lösungen, die sich gut mit Fontcubertas provokanter und ironischer Intelligenz vertragen. Ein Zusammentreffen von Persönlichkeiten, das aus verstaubten Archiven - der Titel verweist auf das berühmte Werk von Marcel Duchamp und Man Ray aus dem Jahr 1920 Élevage de poussière - neue Werke mit einer zeitgenössischen Perspektive hervorgebracht hat.

Durch ein surrealistisches Verfahren, das in der Aneignung bereits vorhandener Elemente besteht - in diesem Fall ein Plattenfragment - hat Fontcuberta seinen schöpferischen Akt vollzogen und Bilder hervorgebracht, die fast abstrakt und doch real sind; unwahrscheinliche Landschaften, absolut unmanipuliert, die in der Lichtkastenauslage erscheinen. Die Materialien, an denen der Künstler gearbeitet hat, verlieren einerseits ihr Gedächtnis, andererseits erhalten sie eine neue Physiognomie durch die vielen Spuren, die der Lauf der Zeit auf ihnen hinterlassen hat: Kratzer, Risse und manchmal Bakterien und Pilze, die sich dank der chemisch freundlichen Umgebung der Silbersalzgelatineemulsion vermehrt haben. Neue Landschaften, die das ursprüngliche Motiv der Fotografie ergänzen und im Gegenlicht sichtbar werden.

Die Ausstellung wird vom Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione di Roma in Zusammenarbeit mit der Fondazione Musei Civici di Venezia gefördert.

Das Projekt ist der Gewinner des PAC2021 - Plan for Contemporary Art, der von der Generaldirektion für zeitgenössische Kreativität des Kulturministeriums gefördert wird. Die in der Ausstellung gezeigten Werke sind in die Sammlungen zeitgenössischer Fotografie des ICCD aufgenommen worden und werden in dem gleichnamigen Künstlerbuch Joan Fontcuberta. Culture of Dust, herausgegeben von Danilo Montanari Editore, mit Texten von Francesca Fabiani, David Campany und Joan Fontcuberta und Grafiken von TomoTomo.

Herausgegeben von Francesca Fabiani

Joan Fontcuberta. Cultura di polvere inaugure la saison des expositions au Musée Fortuny de Venise, en accueillant du 24 janvier au 10 mars 2024 les douze caissons lumineux créés par Joan Fontcuberta : le résultat du dialogue de l'artiste catalan avec les extraordinaires collections historiques de l'ICCD de Rome, un institut fondé à la fin du XIXe siècle en tant que Cabinet photographique pour documenter le patrimoine culturel à des fins de protection et de catalogage. Cette exposition, reproposée à Venise, au Palazzo Fortuny, évoque non seulement la nationalité commune entre l'artiste et le "propriétaire", mais surtout le lien profond de ce lieu avec la photographie, depuis les expériences de Mariano Fortuny y Madrazo jusqu'à ses archives extrêmement riches conservées ici, alors centre d'avant-garde de la photographie dans les années 1970 et 1980.

Parmi les événements les plus importants liés au musée Fortuny, on ne peut manquer de mentionner Venezia '79. Photographie, née de la collaboration entre l'International Center of Photography de New York, l'UNESCO et la municipalité de Venise. Il s'agit d'un événement médiatique sans précédent, unique en Europe en termes de genre et de taille, avec vingt-cinq expositions dans la ville, des séminaires, des conférences, des laboratoires et des ateliers, dont le Palazzo Fortuny est le centre d'apprentissage. Joan Fontcuberta a également participé à cet événement historique. À seulement 24 ans, il a été l'un des protagonistes de l'exposition Contemporary European Photography aux Magazzini del Sale, organisée par Sue Davis, Jean-Claude Lemagny, Alan Porter et Daniela Palazzoli.

L'exposition du musée Fortuny fait ainsi ressurgir l'écho d'un sentiment qui s'ajoute à l'œuvre de l'artiste comme une couche d'histoire et de mémoire.

Joan Fontcuberta. Culture of Dust a été réalisée dans le cadre du programme ICCD Artists in Residence, sous la direction de Francesca Fabiani. Joan Fontcuberta a choisi de travailler sur des plaques photographiques détériorées provenant du Fondo Chigi, point de départ d'une série d'expériences visuelles et linguistiques. Issu d'une des familles nobles les plus riches et les plus puissantes de l'histoire, le prince Francesco Chigi Albani della Rovere (1881-1953), naturaliste et photographe amateur, est souvent parvenu, au cours de ses expériences, à des solutions surprenantes qui dialoguaient bien avec l'intelligence provocatrice et ironique de Fontcuberta. Une rencontre de personnalités qui, à partir de poussières d'archives - évoquées par le titre qui fait référence à la célèbre œuvre de Marcel Duchamp et Man Ray de 1920 Élevage de poussière - a produit de nouvelles œuvres dans une perspective contemporaine.

Par le biais d'un procédé de type surréaliste consistant à s'approprier des éléments déjà donnés - dans ce cas un fragment de la plaque - Fontcuberta a réalisé son acte créatif, renvoyant des images presque abstraites et pourtant réelles ; des paysages invraisemblables, absolument non manipulés, qui apparaissent dans l'exposition du caisson lumineux. Les matériaux sur lesquels l'artiste a travaillé, s'ils perdent d'une part leur mémoire, acquièrent d'autre part une nouvelle physionomie grâce aux nombreuses marques que le passage du temps a laissées sur eux : rayures, lacunes et parfois bactéries et champignons qui ont proliféré grâce à l'environnement chimiquement favorable de l'émulsion de gélatine aux sels d'argent. De nouveaux paysages qui s'ajoutent au sujet original de la photographie, visible à contre-jour.

L'exposition est organisée par l'Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione di Roma en collaboration avec la Fondazione Musei Civici di Venezia.

Le projet est lauréat du PAC2021 - Plan pour l'art contemporain promu par la Direction générale de la créativité contemporaine du ministère de la Culture. Les œuvres de l'exposition font désormais partie des collections de photographie contemporaine de l'ICCD et sont présentées dans le livre d'artiste du même nom Joan Fontcuberta. Culture of Dust, publié par Danilo Montanari Editore avec des textes de Francesca Fabiani, David Campany et Joan Fontcuberta et des graphiques de TomoTomo.

Édité par Francesca Fabiani 

Joan Fontcuberta. Cultura di polvere inaugura la stagione espositiva al Museo Fortuny di Venezia, ospitando dal 24 gennaio al 10 marzo 2024 le dodici light box realizzate da Joan Fontcuberta: esito del dialogo dell’artista catalano con le straordinarie collezioni storiche dell’ICCD di Roma, Istituto nato a fine Ottocento come Gabinetto Fotografico per documentare il patrimonio culturale con fini di tutela e catalogazione. Una mostra che, riproposta a Venezia, a Palazzo Fortuny, rievoca non solo la comune nazionalità tra l’artista e il “padrone di casa” ma, soprattutto, il profondo legame di questo luogo con la fotografia, dalle sperimentazioni di Mariano Fortuny y Madrazo al suo ricchissimo archivio qui custodito, poi centro d’avanguardia della fotografia negli anni Settanta e Ottanta.

Tra le manifestazioni più importanti legate al Museo Fortuny non si può non ricordare Venezia ’79. La Fotografia, nata dalla collaborazione tra International Center of Photography di New York, UNESCO e Comune di Venezia. Un evento mediatico senza eguali, unico in Europa per genere e dimensioni, con venticinque mostre in città, seminari, conferenze, laboratori e workshop, che aveva come centro dell’attività formativa Palazzo Fortuny. A questo appuntamento epocale prende parte anche Joan Fontcuberta che, appena ventiquattrenne, è tra i protagonisti della mostra Fotografia europea contemporanea ai Magazzini del Sale, curata da Sue Davis, Jean-Claude Lemagny, Alan Porter e Daniela Palazzoli.

L’esposizione al Museo Fortuny riporta così l’eco di un sentimento che si aggiunge al lavoro dell’artista come uno strato di storia e di memoria.

Joan Fontcuberta. Cultura di polvere è nato nell’ambito del programma ICCD Artisti in residenza a cura di Francesca Fabiani, in cui Fontcuberta ha scelto di operare su alcune lastre fotografiche deteriorate provenienti dal Fondo Chigi, punto di partenza per una serie di sperimentazioni visive e linguistiche. Rampollo di una delle casate nobiliari più ricche e potenti della storia, il principe Francesco Chigi Albani della Rovere (1881-1953), naturalista e fotografo amatoriale, nel corso delle sue sperimentazioni approda spesso a soluzioni sorprendenti che ben dialogano con l’intelligenza provocatoria e ironica di Fontcuberta. Un incontro di personalità che dalla polvere d’archivio – evocata dal titolo che rimanda alla celebre opera di Marcel Duchamp e Man Ray del 1920 Élevage de poussière – ha prodotto nuove opere in una prospettiva contemporanea.

Attraverso un procedimento di tipo surrealista che consiste nel prelievo/appropriazione di elementi già dati – in questo caso un frammento della lastra – Fontcuberta ha compiuto il suo atto creativo, restituendo immagini quasi astratte eppure reali; paesaggi poco plausibili, assolutamente non manipolati, che appaiono nel display delle light box. I materiali su cui ha lavorato l’artista, se da un lato perdono memoria, dall’altro acquisiscono nuova fisionomia attraverso i tanti segni che il passare del tempo vi ha lasciato: graffi, lacune e, talvolta, batteri e funghi proliferati grazie all’ambiente chimicamente accogliente dell’emulsione di gelatina ai sali d’argento. Nuovi paesaggi che si sommano al soggetto originario della fotografia, visibile in controluce.

La mostra è promossa dall’Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione di Roma in collaborazione con Fondazione Musei Civici di Venezia.

Il progetto è vincitore del PAC2021 – Piano per l’Arte Contemporanea promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Le opere in mostra sono entrate a far parte delle collezioni di fotografia contemporanea dell’ICCD e sono presentate nell’omonimo libro d’artista Joan Fontcuberta. Cultura di polvere, edito da Danilo Montanari Editore con testi di Francesca Fabiani, David Campany e Joan Fontcuberta e con la grafica di TomoTomo.

A cura di Francesca Fabiani

Joan Fontcuberta. Culture of Dust inaugurates the exhibition season at the Fortuny Museum in Venice, hosting from January 24 to March 10, 2024, the twelve light boxes created by Joan Fontcuberta: the outcome of the Catalan artist's dialogue with the extraordinary historical collections of the ICCD in Rome, an institute founded in the late nineteenth century as a Photographic Cabinet to document cultural heritage for the purposes of protection and cataloguing. An exhibition that, re-proposed in Venice, at Palazzo Fortuny, evokes not only the common nationality between the artist and the "master of the house" but, above all, the deep connection of this place with photography, from Mariano Fortuny y Madrazo's experiments to his extremely rich archive kept here, then an avant-garde center of photography in the 1970s and 1980s.

Among the most important events related to the Fortuny Museum, one cannot fail to mention Venice '79. Photography, born from the collaboration between the International Center of Photography in New York, UNESCO and the City of Venice. It was an unparalleled media event, unique in Europe in terms of genre and size, with twenty-five exhibitions in the city, seminars, lectures, laboratories and workshops, which had Palazzo Fortuny as its center of educational activity. Also taking part in this momentous event was Joan Fontcuberta who, just 24 years old, is among the protagonists of the exhibition Contemporary European Photography at the Magazzini del Sale, curated by Sue Davis, Jean-Claude Lemagny, Alan Porter and Daniela Palazzoli.

The exhibition at the Fortuny Museum thus brings back the echo of a feeling that is added to the artist's work as a layer of history and memory.

Joan Fontcuberta. Culture of Dust was created as part of the ICCD Artists in Residence program curated by Francesca Fabiani, in which Fontcuberta chose to work on some deteriorated photographic plates from the Fondo Chigi, the starting point for a series of visual and linguistic experiments. A scion of one of the richest and most powerful noble families in history, Prince Francesco Chigi Albani della Rovere (1881-1953), a naturalist and amateur photographer, in the course of his experiments often landed on surprising solutions that dialogued well with Fontcuberta's provocative and ironic intelligence. A meeting of personalities that from archival dust - evoked by the title that refers to Marcel Duchamp and Man Ray's famous 1920 work Élevage de poussière - produced new works from a contemporary perspective.

Through a Surrealist-like process of taking/appropriating already given elements - in this case a fragment of the plate - Fontcuberta has accomplished his creative act, returning images that are almost abstract and yet real; implausible landscapes, absolutely unmanipulated, that appear in the light box display. While the materials on which the artist has worked lose memory, they also acquire new physiognomy through the many marks that the passage of time has left there: scratches, gaps, and sometimes bacteria and fungi that have proliferated thanks to the chemically friendly environment of the silver salts gelatin emulsion. New landscapes that add to the original subject of the photograph, visible against the light.

The exhibition is sponsored by the Central Institute for Catalogue and Documentation in Rome in collaboration with Fondazione Musei Civici di Venezia.

The project is a winner of the PAC2021 - Plan for Contemporary Art promoted by the General Directorate for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture. The works in the exhibition have become part of the contemporary photography collections of the ICCD and are presented in the eponymous artist book Joan Fontcuberta. Culture of Dust, published by Danilo Montanari Editore with texts by Francesca Fabiani, David Campany and Joan Fontcuberta and graphics by TomoTomo.

Curated by Francesca Fabiani

(Text: Museo Fortuny, Venezia)

Museo di Palazzo Grimani | Venezia
6. Dezember 2023 – 17. März 2024

Il Mondo e Venezia. 1936-56
David Seymour

"Alles, was man braucht", sagte er einmal, als ein bekannter Fotograf über die Psychologie hinter einem seiner Fotos sprach, "ist ein bisschen Glück und genug Muskeln, um den Auslöser zu betätigen."

Er hätte noch hinzufügen können: ein gutes Auge, ein Herz und eine Nase für Neuigkeiten. Denn all dies war in seiner Arbeit offensichtlich". (Judith Fried über David Seymour)

Viele wissen nicht, dass das berühmte Foto aus Venedig, das die scheinbare Landung des Gondoliere an der Esso-Tankstelle am Canal Grande festhält, von David Seymour 1950 im Rahmen eines Projekts über das Nachkriegseuropa aufgenommen wurde.

Bei dieser Gelegenheit schuf der Fotograf eine wichtige Reportage über Venedig, die sich durch einen aufmerksamen, neugierigen und manchmal ironischen Blick auszeichnet. Die Aufnahmen zeigen Momente des alltäglichen Lebens oder spezifische Details der Lagunenstadt, wie die allgegenwärtigen gefiederten Kreaturen des venezianischen Universums, die Tauben.

David 'Chim' Seymour widmet das Museum des Palazzo Grimani (Direktion der Museen der Region Venetien des Kulturministeriums) vom 6. Dezember 2023 bis zum 17. März 2024 den zweiten Termin mit den wichtigsten Protagonisten der internationalen Fotografie des 20. Jahrhunderts, die sich in ihrer Karriere für die Interpretation des Unikats Venedig entschieden haben.

Das von der Direktion der Regionalmuseen Venetiens - Museum des Palazzo Grimani in Zusammenarbeit mit Suazes geförderte Projekt wurde im vergangenen Jahr mit der erfolgreichen monografischen Ausstellung über Inge Morath unter dem Titel "Photographing from Venice onwards" eröffnet, die von mehr als 30 Tausend Menschen bewundert wurde.

"Diese Ausstellung ist Teil eines spezifischen Projekts, das darauf abzielt, das künstlerische Schaffen berühmter Meister der Fotografie bekannt zu machen und gleichzeitig ihre der Lagunenstadt gewidmeten Reportagen zu zeigen, die in den wunderbaren Räumen des Palazzo Grimani ausgestellt werden", freut sich der Kurator Marco Minuz.

Bei dieser David Seymour gewidmeten Ausstellung werden etwa 200 Werke gezeigt, darunter Fotografien, Dokumente, Briefe und Zeitschriften. In den 150 ausgewählten Bildern, die chronologisch zwischen 1936 und 1956 angeordnet sind, sind die wichtigsten Reportagen des polnischen Fotografen vertreten: Frankreich 1936, der Spanische Bürgerkrieg, Europa nach dem Zweiten Weltkrieg, das Projekt "Children of War" von 1948, das im Auftrag von UNICEF den Kriegswaisen gewidmet war, Israel und Ägypten in den 1950er Jahren. Hinzu kommen die Serien Porträts und Persönlichkeiten sowie der bereits erwähnte Kern von in Venedig aufgenommenen Fotos.

Die Beschreibung von Chims "Welt" wird durch etwa 50 Dokumente vervollständigt, darunter ein Abschnitt mit einigen Dokumenten, die der Maleta Mexicana gewidmet sind, dem berühmten mexikanischen Koffer voller fotografischer Schätze, die für immer verloren geglaubt wurden (im Zusammenhang mit dem Spanischen Bürgerkrieg) und stattdessen 1995 in Paris mit Ergriffenheit und Überraschung wiederentdeckt wurden und sich heute im Besitz des ICP in New York befinden.

"Tout ce dont vous avez besoin", a-t-il dit un jour alors qu'un photographe renommé parlait de la psychologie derrière l'une de ses photos, "c'est d'un peu de chance et de suffisamment de muscle pour déclencher l'obturateur".

Il aurait pu ajouter : un bon œil, un cœur et un flair pour l'actualité. Il aurait pu ajouter : un bon œil, un cœur et un flair pour l'actualité. Car tout cela était évident dans son travail". (Judith Fried sur David Seymour)

Nombreux sont ceux qui ignorent que la célèbre photographie prise à Venise, qui capture l'atterrissage apparent du gondolier à la station-service Esso sur le Grand Canal, a été prise par David Seymour en 1950 dans le cadre d'un projet consacré à l'Europe d'après-guerre.

À cette occasion, le photographe a réalisé un important reportage consacré à Venise, caractérisé par un regard attentif, curieux et parfois ironique. Des clichés mettant en scène des moments de la vie quotidienne ou des détails spécifiques de la cité lagunaire tels que les pigeons, créatures à plumes omniprésentes dans l'univers vénitien.

C'est à David 'Chim' Seymour que le Musée du Palazzo Grimani (Direction régionale des musées de Vénétie du ministère de la Culture) dédie, du 6 décembre 2023 au 17 mars 2024, le deuxième rendez-vous avec les principaux protagonistes de la photographie internationale du XXe siècle qui ont, dans leur carrière, choisi d'interpréter cet unicum que représente Venise.

Le projet, promu par la Direction régionale des musées de Vénétie - Musée du Palazzo Grimani en collaboration avec Suazes, a débuté l'année dernière avec le succès de l'exposition monographique sur Inge Morath présentée sous le titre "Photographier à partir de Venise", admirée par plus de 30 000 personnes.

"Cette exposition fait partie d'un projet spécifique qui vise à faire connaître la production artistique de célèbres maîtres de la photographie et, en même temps, à montrer leurs reportages consacrés à la ville lagunaire, en les exposant dans les merveilleux espaces du Palazzo Grimani", prévoit le commissaire Marco Minuz.

Dans le cas de cette exposition consacrée à David Seymour, environ 200 pièces seront exposées, parmi lesquelles des photographies, des documents, des lettres et des magazines d'époque. Les 150 images sélectionnées, classées chronologiquement entre 1936 et 1956, représentent les reportages les plus importants du photographe polonais, tels que la France en 1936, la guerre civile espagnole, l'Europe après la Seconde Guerre mondiale, le projet de 1948 intitulé "Children of War", commandé par l'UNICEF et consacré aux orphelins de guerre, Israël et l'Égypte dans les années 1950. S'y ajoutent les séries Portraits et Personnalités, ainsi que le noyau de photos prises à Venise, déjà mentionné.

La description du "monde" de Chim est complétée par une cinquantaine de documents, dont une section consacrée à la Maleta Mexicana, la fameuse valise mexicaine remplie de trésors photographiques que l'on croyait perdus à jamais (liés à la guerre civile espagnole) et que l'on a redécouverts avec émotion et surprise à Paris en 1995 et qui appartiennent aujourd'hui à l'ICP de New York.

"Tutto ciò di cui hai bisogno", disse una volta mentre un noto fotografo parlava della psicologia dietro una delle sue foto, "è un po" di fortuna e muscoli sufficienti per far scattare l’otturatore."

Avrebbe potuto aggiungere: un buon occhio, un cuore e un fiuto per le notizie. Perché tutti questi erano evidenti nel suo lavoro". (Judith Fried su David Seymour)

Molti non sanno che la celebre fotografia realizzata a Venezia che coglie l’approdo apparente del gondoliere alla stazione di rifornimento della Esso sul Canal Grande è stata realizzata da David Seymour nel 1950 in concomitanza di un progetto dedicato all’Europa del dopoguerra.

In quell’occasione il fotografo realizzò un importante reportage dedicato a Venezia caratterizzato da uno sguardo attento, curioso e a volte ironico. Scatti che ritraggono momenti di vita quotidiana o particolari specifici della città lagunare come gli onnipresenti pennuti dell’universo veneziano, i colombi.

È a David ‘Chim’ Seymour che il Museo di Palazzo Grimani (Direzione regionale Musei Veneto del Ministero della Cultura) dedica, dal 6 dicembre 2023 al 17 marzo 2024, il secondo appuntamento con i maggiori protagonisti della fotografia internazionale del Novecento e che hanno, nella loro carriera, scelto di interpretare quell’unicum che è rappresentato da Venezia.

Il progetto, promosso dalla Direzione regionale Musei Veneto – Museo di Palazzo Grimani in collaborazione con Suazes, ha debuttato lo scorso anno con la fortunata monografica su Inge Morath presentata con il titolo “Fotografare da Venezia in poi”, ammirata da oltre 30 mila persone.

“Questa mostra d’inserisce in una specifica progettualità che mira a far conoscere la produzione artistica di celebri maestri della fotografia e al contempo mostrare loro reportage dedicati alla città lagunare, esponendoli all’interno dei meravigliosi spazi di Palazzo Grimani”, anticipa il curatore Marco Minuz.

Nel caso di questa mostra dedicata a David Seymour saranno circa 200 i pezzi esposti tra fotografie, documenti, lettere e riviste d’epoca. Ad essere rappresentati nelle 150 immagini selezionate, collocate cronologicamente tra il 1936 e il 1956, saranno i più importanti reportage del fotografo polacco, come la Francia del 1936, la Guerra Civile spagnola, l’Europa dopo la Seconda Guerra Mondiale, il progetto del 1948 intitolato “Children of War”, commissionato dall’UNICEF e dedicato agli orfani di guerra, Israele ed Egitto negli anni Cinquanta del secolo. A questi si aggiungono le serie Ritratti e Personalità, nonché il già menzionato nucleo di foto realizzare a Venezia.

A completare la descrizione del “mondo” di Chim, una cinquantina di documenti, tra cui una sezione con alcuni documenti dedicati alla Maleta Mexicana, la celebre valigia messicana piena di tesori fotografici che si credevano perduti per sempre (riferiti alla guerra civile spagnola) e invece ritrovati con commozione e sorpresa a Parigi nel 1995 ed ora di proprietà dell’ICP di New York.

"All you need," he once said as a well-known photographer talked about the psychology behind one of his photos, "is a little luck and enough muscle to trigger the shutter."

He might have added: a good eye, a heart, and a nose for news. For all of these were evident in his work." (Judith Fried on David Seymour)

Many people do not know that the famous photograph taken in Venice that captures the apparent landing of the gondolier at the Esso filling station on the Grand Canal was taken by David Seymour in 1950 in conjunction with a project devoted to postwar Europe.

On that occasion, the photographer produced an important reportage dedicated to Venice characterized by an attentive, curious and sometimes ironic gaze. Shots depicting moments of daily life or specific details of the lagoon city such as the ubiquitous feathers of the Venetian universe, the pigeons.

It is to David 'Chim' Seymour that the Museum of Palazzo Grimani (Veneto Regional Directorate of Museums of the Ministry of Culture) dedicates, from December 6, 2023 to March 17, 2024, the second appointment with the major protagonists of international photography of the twentieth century and who have, in their careers, chosen to interpret that unicum that is represented by Venice.

The project, promoted by the Veneto Regional Museums Directorate - Museum of Palazzo Grimani in collaboration with Suazes, debuted last year with the successful monographic exhibition on Inge Morath presented under the title "Photographing from Venice onwards," admired by more than 30 thousand people.

"This exhibition is part of a specific project that aims to introduce the artistic production of famous masters of photography and at the same time show their reportages dedicated to the lagoon city, exhibiting them within the wonderful spaces of Palazzo Grimani," anticipates curator Marco Minuz.

In the case of this exhibition dedicated to David Seymour, about 200 pieces will be on display, including photographs, documents, letters and period magazines. Represented in the 150 selected images, placed chronologically between 1936 and 1956, will be the Polish photographer's most important reportages, such as France in 1936, the Spanish Civil War, Europe after World War II, the 1948 project entitled "Children of War," commissioned by UNICEF and dedicated to war orphans, Israel and Egypt in the 1950s. To these are added the series Portraits and Personalities, as well as the aforementioned core of photos made in Venice.

Completing the description of Chim's "world" are fifty documents, including a section with some documents dedicated to the Maleta Mexicana, the famous Mexican suitcase full of photographic treasures that were thought lost forever (referring to the Spanish Civil War) and instead rediscovered with emotion and surprise in Paris in 1995 and now owned by the ICP in New York.

(Museo di Palazzo Grimani, Venezia)

Palazzo della Gran Guardia | Verona
15. November 2023 – 14. Februar 2024

Robert Doisneau

Die von Gabriel Bauret kuratierte, in Zusammenarbeit mit und unter der Schirmherrschaft der Stadt Verona realisierte, von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo geförderte und von Silvana Editoriale produzierte Ausstellung zeichnet anhand von 135 Schwarz-Weiß-Bildern, die alle aus der Sammlung des Ateliers Robert Doisneau in Montrouge, einem unmittelbaren südlichen Vorort von Paris, stammen, den Werdegang des großen französischen Künstlers nach.

In Montrouge entwickelte und archivierte Doisneau über fünfzig Jahre lang seine Bilder und hinterließ bei seinem Tod im Jahr 1994 ein Erbe von fast 450 000 Negativen. Im selben Atelier arbeiten heute seine beiden Töchter an der Verbreitung und Popularisierung seines Werks und nehmen ständig Anfragen von Museen, Festivals und Verlagen entgegen.

Unter den ausgestellten Werken darf Le Baiser de l'Hôtel de Ville, Paris, 1950, nicht fehlen, ein berühmtes und ikonisches Bild, das als eines der am häufigsten reproduzierten der Welt gilt und auf dem sich ein junges Paar vor dem Pariser Rathaus küsst. Die berühmte Aufnahme entstand nicht zufällig: Doisneau machte eine Aufnahme für das amerikanische Magazin Life und bat die beiden jungen Leute, für ihn zu posieren.

"Was ich zeigen wollte, war", so Doisneau, "eine Welt, in der ich mich wohlfühlen würde, in der die Menschen freundlich wären, in der ich die Zärtlichkeit finden würde, die ich mir erhoffte. Meine Fotos waren wie ein Beweis dafür, dass diese Welt existieren kann".

Die Ausstellung wird ergänzt durch die Vorführung von Ausschnitten aus Clémentine Deroudilles Film "Robert Doisneau. Le Révolté du merveilleux" und ein Interview mit dem Kurator Gabriel Bauret.

Die Ausstellung wird von dem Katalog "Robert Doisneau" begleitet, der von Silvana Editoriale herausgegeben wird.

Robert Doisneau wurde 1912 in Gentilly, einer Stadt in den südlichen Vororten von Paris, geboren und machte seine ersten Schritte auf dem Gebiet der Lithografie, eine Tätigkeit, die er bald zugunsten einer Lehre im Atelier von André Vigneau aufgab, der ihn in die Welt der Fotografie einführte. Es folgt eine intensive Zusammenarbeit mit der Werbeabteilung von Renault, die vier Jahre dauert.

Am Ende dieses Engagements erlangt Robert Doisneau den begehrten Status eines unabhängigen Fotografen, doch sein Elan wird durch den Krieg gebremst, was ihn jedoch nicht daran hindert, weiter zu fotografieren. Unmittelbar nach der Befreiung der Hauptstadt, die er miterlebte, begann eine sehr intensive Zeit mit Aufträgen für die Werbung (insbesondere für die Automobilindustrie), die Presse (u. a. für die Zeitschriften "Le Point" und später "Vogue") und das Verlagswesen.

Gleichzeitig verfolgte er seine persönlichen Projekte, die Gegenstand zahlreicher Veröffentlichungen sein sollten, angefangen mit dem Buch, das er 1949 in Zusammenarbeit mit seinem Partner, dem berühmten Schriftsteller Blaise Cendrars, herausgab: La Banlieue de Paris, die erste Synthese der vielen Geschichten in Bildern, die er dieser Welt widmen sollte.

Sein Lebensweg kreuzt sich auch mit dem von Jacques Prévert und Robert Giraud, deren Erfahrung und Freundschaft seine Fotografie nährte, sowie mit dem des Schauspielers und Cellisten Maurice Baquet, der Protagonist vieler Aufnahmen des Fotografen. Ab 1946 wurden seine Fotografien von der Agentur Rapho vertrieben. Hier lernt er insbesondere Sabine Weiss, Willy Ronis und später Édouard Boubat kennen, die mit ihm zusammen eine ästhetische Strömung bilden, die oft als "humanistisch" bezeichnet wird.

1983 wurde er mit dem "Grand Prix national de la photographie" ausgezeichnet, womit ein äußerst reichhaltiges und dichtes Oeuvre gekrönt wurde. Zahlreiche Ausstellungen in Frankreich und im Ausland, zahllose Werke, die seine Fotografie aus den unterschiedlichsten Blickwinkeln beleuchten, und Dokumentarfilme, die ihm gewidmet sind, haben ihm diese Ehre zuteil werden lassen. Und in Verona wird das Publikum das Vergnügen haben, sich dem großen Fotografen anhand von nicht weniger als 135 seiner schönsten Bilder zu nähern.

L'exposition, organisée par Gabriel Bauret, réalisée en collaboration et sous le patronage de la municipalité de Vérone, promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo et produite par Silvana Editoriale, retrace la carrière créative du grand artiste français à travers 135 images en noir et blanc, toutes issues de la collection de l'Atelier Robert Doisneau à Montrouge, dans la proche banlieue sud de Paris.

C'est à Montrouge que Doisneau a développé et archivé ses images pendant plus de cinquante ans, et c'est là qu'il est décédé en 1994, laissant un héritage de près de 450 000 négatifs. Depuis le même atelier, ses deux filles contribuent aujourd'hui à la diffusion et à la vulgarisation de son œuvre, répondant aux demandes constantes des musées, des festivals et des maisons d'édition.

Parmi les œuvres exposées, Le Baiser de l'Hôtel de Ville, Paris, 1950, une image célèbre et emblématique, considérée comme l'une des plus reproduites au monde, dans laquelle un jeune couple s'embrasse devant l'Hôtel de Ville de Paris, ne pouvait manquer à l'appel. Le célèbre cliché n'est pas le fruit du hasard : Doisneau réalisait une prise de vue pour le magazine américain Life et a donc demandé aux deux jeunes gens de poser pour lui.

"Ce que j'essayais de montrer, dit Doisneau, c'était un monde où je me sentirais bien, où les gens seraient gentils, où je trouverais la tendresse que j'espérais recevoir. Mes photos étaient comme une preuve que ce monde pouvait exister".

L'exposition est complétée par la projection d'extraits du film de Clémentine Deroudille "Robert Doisneau. Le Révolté du merveilleux" de Clémentine Deroudille et d'un entretien avec le commissaire Gabriel Bauret.

L'exposition est accompagnée du catalogue "Robert Doisneau", publié par Silvana Editoriale.

Né en 1912 à Gentilly, ville de la banlieue sud de Paris, Robert Doisneau fait ses premiers pas dans le domaine de la lithographie, activité qu'il abandonnera bientôt au profit d'un apprentissage dans l'atelier d'André Vigneau, qui l'initie au monde de la photographie. S'ensuit une intense collaboration avec le service de publicité de Renault pendant quatre ans.

Au terme de cet engagement, Robert Doisneau accède au statut très convoité de photographe indépendant, mais son élan est coupé par la guerre, ce qui ne l'empêche pas de continuer à photographier. Dès la Libération de la capitale, à laquelle il assiste, il entame une période très intense de commandes pour la publicité (notamment pour l'industrie automobile), la presse (dont les magazines "Le Point" et plus tard "Vogue") et l'édition.

Parallèlement, il poursuit ses projets personnels, qui feront l'objet de nombreuses publications, à commencer par le livre qu'il réalise en 1949 en collaboration avec son compagnon, le célèbre écrivain Blaise Cendrars, La Banlieue de Paris, première synthèse des nombreux récits en images qu'il consacrera à ce monde.

Sa trajectoire croise également celles de Jacques Prévert et de Robert Giraud, dont l'expérience et l'amitié ont nourri sa photographie, ainsi que celle de l'acteur et violoncelliste Maurice Baquet, protagoniste de nombreuses prises de vue du photographe. À partir de 1946, ses photographies sont distribuées par l'agence Rapho. Il y rencontre notamment Sabine Weiss, Willy Ronis et plus tard Édouard Boubat, qui forment avec lui un courant esthétique souvent qualifié d'"humaniste".

En 1983, il reçoit le Grand Prix national de la photographie, consacrant une œuvre extrêmement riche et dense. Cette consécration passe par les nombreuses expositions, en France et à l'étranger, les innombrables ouvrages qui revisitent sa photographie sous les angles les plus variés et les documentaires qui lui sont consacrés. Et à Vérone, le public aura le plaisir d'approcher le grand photographe à travers pas moins de 135 de ses plus belles images.

La mostra, curata da Gabriel Bauret, realizzata in collaborazione e con il patrocinio del Comune di Verona, promossa da Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e prodotta da Silvana Editoriale, ripercorre la vicenda creativa del grande artista francese, attraverso 135 immagini in bianco e nero, tutte provenienti dalla collezione dell’Atelier Robert Doisneau a Montrouge, nell’immediata periferia sud di Parigi.

A Montrouge, Doisneau ha sviluppato e archiviato le sue immagini per oltre cinquant’anni, ed è lì che si è spento nel 1994, lasciando un’eredità di quasi 450.000 negativi. Dallo stesso atelier, oggi le sue due figlie contribuiscono alla diffusione e alla divulgazione della sua opera, accogliendo le continue richieste di musei, festival e case editrici.

Tra le opere in mostra non poteva mancare Le Baiser de l’Hôtel de Ville, Paris, 1950, immagine celebre e iconica, ritenuta tra le più riprodotte al mondo, nella quale una giovane coppia si bacia davanti al municipio di Parigi. Il celebre scatto non fu frutto del caso: Doisneau stava realizzando un servizio per la rivista americana Life e per questo chiese ai due giovani di posare per lui.

“Quello che cercavo di mostrare era – racconta Doisneau – un mondo dove mi sarei sentito bene, dove le persone sarebbero state gentili, dove avrei trovato la tenerezza che speravo di ricevere. Le mie foto erano come una prova che questo mondo può esistere.”

Il percorso espositivo è arricchito dalla proiezione di estratti dal film di Clémentine Deroudille “Robert Doisneau. Le Révolté du merveilleux” e da un’intervista al curatore Gabriel Bauret.

La mostra è accompagnata dal catalogo “Robert Doisneau”, edito da Silvana Editoriale.

Nato nel 1912 a Gentilly, una città nella periferia sud di Parigi, Robert Doisneau muove i primi passi nel campo della litografia, attività che abbandonerà rapidamente in favore di un apprendistato presso lo studio di André Vigneau, che lo introduce al mondo della fotografia. Seguirà, per quattro anni, un’intensa collaborazione con il reparto pubblicitario della Renault.

Terminato questo impegno, Robert Doisneau approda al tanto ambito status di fotografo indipendente, ma il suo slancio viene spezzato dalla guerra, che tuttavia non gli impedirà di continuare a fotografare. Subito dopo la Liberazione della capitale, di cui è testimone, comincia un periodo molto intenso di commissioni per la pubblicità (e in particolare per l’industria automobilistica), la stampa (tra cui le riviste “Le Point” e in seguito “Vogue”) e l’editoria.

In parallelo, porta avanti i suoi progetti personali, che saranno oggetto di numerose pubblicazioni, a cominciare dal libro realizzato nel 1949 in collaborazione col suo sodale, il celebre scrittore Blaise Cendrars, La Banlieue de Paris, la prima sintesi dei molti racconti per immagini che dedicherà a questo mondo.

La sua traiettoria si incrocia anche con quelle di Jacques Prévert e Robert Giraud, la cui esperienza e amicizia nutrono la sua fotografia, nonché con quella dell’attore e violoncellista Maurice Baquet, protagonista di numerosi scatti del fotografo. Dal 1946 le sue fotografie vengono distribuite dall’agenzia Rapho. Qui conosce in particolare Sabine Weiss, Willy Ronis e, successivamente, Édouard Boubat, che insieme a lui formeranno una corrente estetica spesso definita “umanista”.

Nel 1983 gli viene assegnato il “Grand Prix national de la photographie”, a consacrazione di un’opera estremamente ricca e densa. Tale consacrazione passa attraverso le numerosissime esposizioni, in Francia come all’estero, le incalcolabili opere che rivisitano la sua fotografia dalle prospettive più varie e i documentari a lui dedicati. E a Verona il pubblico avrà il piacere di avvicinarsi al grande fotografo attraverso ben 135 delle sue più belle immagini.

The exhibition, curated by Gabriel Bauret, produced in collaboration with and under the patronage of the City of Verona, sponsored by Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, and produced by Silvana Editoriale, traces the great French artist's creative journey through 135 black-and-white images, all from the collection of Atelier Robert Doisneau in Montrouge, on the immediate southern outskirts of Paris.

In Montrouge, Doisneau developed and archived his images for more than fifty years, and it was there that he passed away in 1994, leaving a legacy of nearly 450,000 negatives. From the same atelier, today his two daughters contribute to the dissemination and popularization of his work, accepting constant requests from museums, festivals and publishing houses.

Among the works on display could not miss Le Baiser de l'Hôtel de Ville, Paris, 1950, a famous and iconic image, considered among the most reproduced in the world, in which a young couple kisses in front of Paris City Hall. The famous shot was not the result of chance: Doisneau was doing a shoot for the American Life magazine and therefore asked the two young people to pose for him.

"What I was trying to show was," says Doisneau, "a world where I would feel good, where people would be kind, where I would find the tenderness I hoped to receive. My photos were like a proof that this world can exist."

The exhibition is enhanced by the screening of excerpts from Clémentine Deroudille's film "Robert Doisneau. Le Révolté du merveilleux" and an interview with curator Gabriel Bauret.

The exhibition is accompanied by the catalog "Robert Doisneau," published by Silvana Editoriale.

Born in 1912 in Gentilly, a town in the southern suburbs of Paris, Robert Doisneau took his first steps in lithography, an activity he would quickly abandon in favor of an apprenticeship at the studio of André Vigneau, who introduced him to the world of photography. This was to be followed, for four years, by an intense collaboration with Renault's advertising department.

When this engagement ended, Robert Doisneau landed the much coveted status of independent photographer, but his momentum was broken by the war, which nevertheless did not prevent him from continuing to photograph. Immediately after the Liberation of the capital, which he witnesses, he begins a very intense period of commissions for advertising (and in particular for the automobile industry), the press (including the magazines "Le Point" and later "Vogue") and publishing.

In parallel, he pursued his personal projects, which were to be the subject of numerous publications, beginning with the book he produced in 1949 in collaboration with his partner, the famous writer Blaise Cendrars, La Banlieue de Paris, the first synthesis of the many stories in images he would devote to this world.

His trajectory also intersected with those of Jacques Prévert and Robert Giraud, whose experience and friendship nourished his photography, as well as with that of the actor and cellist Maurice Baquet, the protagonist of many of the photographer's shots. From 1946 his photographs were distributed by the Rapho agency. There he met in particular Sabine Weiss, Willy Ronis and, later, Édouard Boubat, who together with him would form an aesthetic current often referred to as "humanist."

In 1983 he was awarded the "Grand Prix national de la photographie," consecrating an extremely rich and dense body of work. This consecration comes through the countless exhibitions, in France and abroad, the incalculable works revisiting his photography from the most varied perspectives and the documentaries dedicated to him. And in Verona the public will have the pleasure of approaching the great photographer through no less than 135 of his most beautiful images.

(Text: Palazzo della Gran Guardia, Verona)

Museo Civico | Bassano del Grappa
21. Oktober 2023 - 21. Januar 2024

Dorothea Lange

Die Musei Civici di Bassano del Grappa präsentieren in Zusammenarbeit mit CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia di Torino - das Werk von Dorothea Lange (1895 - 1965), der berühmten amerikanischen Fotografin, die 1952 Aperture, das weltweit bedeutendste Fotomagazin, mitbegründete und der das MoMa 1965, wenige Monate vor ihrem Tod, eine Retrospektive widmete.

Fotografin des Volkes. So präsentierte sich Dorothea Lange auf ihrer Visitenkarte. Denn sie, eine Bürgerliche aus New Jersey, hatte sich entschieden, nicht die Stars oder die großen Protagonisten ihrer Zeit zu fotografieren, sondern sich auf die "Letzten" eines Amerikas zu konzentrieren, das in der Großen Depression versank. Der Blick, mit dem Lange diese vergessene Menschheit einfängt, ist nicht pietistisch. Vielmehr zeugen ihre Bilder von Verständnis, Sensibilität, Anteilnahme und großer Menschlichkeit, verbunden mit einer Fähigkeit, den sozialen Kontext zu lesen, die durch ihre gefühlsmäßige und berufliche Beziehung zu ihrem Mann, dem Wirtschaftswissenschaftler Paul Taylor, noch verstärkt wurde. Die in New Jersey geborene Tochter einer bürgerlichen Familie deutscher Herkunft erkrankte im Alter von neun Jahren an Kinderlähmung, die sie humpeln ließ, und geriet in Streit mit ihrem Vater, der die Familie verließ und den sie mutig ablehnte, indem sie den Nachnamen ihrer Mutter annahm.

Ihre Anfänge machte sie in New York bei Clarence White und Arnold Genthe. Im Jahr 1918 begibt sie sich auf eine fotografische Weltreise, die aus Geldmangel in San Francisco, wo sie ein eigenes Studio eröffnet, vorzeitig endet. Nachdem sie etwa zehn Jahre lang im Bereich der professionellen Porträtfotografie gearbeitet und dabei einen piktorialistischen Stil angenommen hatte, wandte sie sich Anfang der 1930er Jahre der Ästhetik der geradlinigen Fotografie zu und wurde zur Patin einer Poesie der Realität und Zeugin der Situation der Schwächsten und Ausgegrenzten: von den Arbeitslosen und Obdachlosen Kaliforniens bis zu den Arbeitern, die auf der Suche nach noch bebaubaren Feldern von Land zu Land ziehen mussten.

Die dramatischen Ereignisse, die die Jahre der Großen Depression kennzeichneten, brachten sie in Kontakt mit dem großen sozialen und fotografischen Projekt der "Farm Security Administration", deren führende Vertreterin sie wurde. In der zweiten Hälfte der 1930er Jahre fotografierte sie die Tragödie des ländlichen Amerikas, das von einer schweren Dürre heimgesucht wurde, und schuf einige ihrer dramatischsten und berühmtesten Bilder: In diesem Kontext entstand die Migrant Mother, eine Ikone, mit der Lange ein unauslöschliches Kapitel in der Geschichte der Fotografie schrieb und sich als Pionierin der amerikanischen Sozialfotografie etablierte.

Dreh- und Angelpunkt - und Novum - der von Walter Guadagnini und Monica Poggi kuratierten Ausstellung, in der mehr als 150 Aufnahmen zu sehen sein werden, ist eine besondere Vertiefung der Entstehung dieses Meisterwerks, entsprechend einem Ausstellungsparcours von großer Faszination, aber auch von starkem volkskundlichem und didaktischem Wert: Die Präsentation der gesamten Abfolge von Aufnahmen, die Lange auf der Suche nach dem perfekten Foto gemacht hat, wird es dem Publikum ermöglichen, den Prozess der Entstehung einer Ikone zu verstehen.

Im Auftrag der amerikanischen Regierung beschäftigte sich Lange später auch mit dem umstrittenen Thema der Gefangenenlager für japanische Bürger auf amerikanischem Boden nach dem Angriff auf Pearl Harbor, eine Serie, die aufgrund ihrer kritischen Haltung gegenüber der Regierungspolitik weitgehend zensiert wurde und über die erst viele Jahre später berichtet wurde. Diese Fotografien - ein weiterer Beweis für die Tiefe und Klarheit des fotografischen Blicks von Dorothea Lange, der anlässlich dieser Ausstellung zum ersten Mal in Italien in so umfassender Weise gezeigt wird.

Anhand einer breiten Auswahl von Werken aus verschiedenen Sammlungen, in denen das Werk von Dorothea Lange aufbewahrt wird (darunter insbesondere die Library of Congress in Washington und die US National Archives), konzentriert sich die Ausstellung vor allem auf die Blütezeit der Karriere der Fotografin, von den 1930er Jahren bis zum Zweiten Weltkrieg, wobei auch frühere und spätere Aufnahmen gezeigt werden, um die Vielfalt und Tiefe ihrer Recherchen zu veranschaulichen, die stets darauf abzielten, ein aufrichtiges und partizipatives Porträt ihrer Umgebung zu erstellen. Wie sie selbst sagte, "ist die Kamera ein Werkzeug, das den Menschen lehrt, die Welt ohne sie zu sehen".

Les Musei Civici di Bassano del Grappa, en collaboration avec CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia di Torino, présentent au public l'œuvre de Dorothea Lange (1895 -1965), la célèbre photographe américaine, cofondatrice en 1952 d'Aperture, le magazine photographique qui fait le plus autorité dans le monde, et première femme photographe à laquelle le MoMa a consacré une rétrospective en 1965, quelques mois avant sa mort.

Photographe du peuple. C'est ainsi que Dorothea Lange se présente sur sa carte de visite. Parce qu'elle, bourgeoise du New Jersey, avait choisi de ne pas photographier les stars ou les grands protagonistes de son temps, pour se concentrer sur les "derniers" d'une Amérique qui s'enfonçait dans la Grande Dépression. Le regard avec lequel Lange capture cette humanité oubliée n'est pas piétiste. Au contraire, ses images témoignent d'une compréhension, d'une sensibilité, d'une participation et d'une immense humanité, associées à une capacité à lire le contexte social renforcée par sa relation sentimentale et professionnelle avec son mari, l'économiste Paul Taylor. Originaire du New Jersey, issue d'une famille bourgeoise d'origine allemande, elle est frappée à l'âge de neuf ans par la poliomyélite qui la fait boiter ; puis vient la mésentente avec son père, qui abandonne la famille et qu'elle répudie courageusement en prenant le nom de famille de sa mère.

Ses débuts se font à New York avec Clarence White et Arnold Genthe. En 1918, elle entreprend une expédition photographique autour du monde, qui s'achève prématurément par manque d'argent à San Francisco, où elle ouvre son propre studio. Après avoir travaillé pendant une dizaine d'années dans le domaine du portrait professionnel en adoptant un style pictorialiste, elle adhère au début des années 1930 à l'esthétique de la straight photography pour devenir la marraine d'une poétique du réel et le témoin de la condition des plus faibles et des plus marginalisés : des chômeurs et sans-abri de Californie aux ouvriers contraints de migrer d'un pays à l'autre à la recherche de champs encore cultivables.

Les événements dramatiques qui ont marqué les années de la Grande Dépression l'ont mise en contact avec le grand projet social et photographique de la "Farm Security Administration", dont elle est devenue la principale représentante. Dans la seconde moitié des années 1930, elle photographie la tragédie de l'Amérique rurale frappée par une grave sécheresse, produisant certaines de ses images les plus dramatiques et les plus célèbres : c'est dans ce contexte que naît Migrant Mother, une icône avec laquelle Lange écrit une page indélébile de l'histoire de la photographie, s'imposant comme une pionnière de la photographie sociale américaine.

Le pivot - et la nouveauté - de l'exposition organisée par Walter Guadagnini et Monica Poggi, qui présentera plus de 150 clichés, sera un approfondissement particulier de la naissance de ce chef-d'œuvre, selon un parcours d'exposition d'une grande fascination mais aussi d'une forte valeur populaire et didactique : la présentation de toute la séquence des prises de vue réalisées par Lange pour trouver la photo parfaite permettra au public de comprendre le processus de naissance d'une icône.

À la demande du gouvernement américain, Lange a également traité plus tard la question controversée des camps de prisonniers pour les citoyens japonais sur le sol américain après l'attaque de Pearl Harbor, une série qui, en raison de son attitude critique à l'égard de la politique gouvernementale, a été largement censurée et n'a fait l'objet d'un reportage que de nombreuses années plus tard. Ces photographies sont une preuve supplémentaire de la profondeur et de la lucidité du regard photographique de Dorothea Lange, qui sera exposé pour la première fois en Italie de manière aussi exhaustive, précisément à l'occasion de cette exposition.

À travers une vaste sélection d'œuvres provenant de différentes collections qui conservent le travail de Dorothea Lange (dont notamment la Bibliothèque du Congrès de Washington et les Archives nationales américaines), l'exposition se concentrera principalement sur la période dorée de la carrière de la photographe, des années 1930 à la Seconde Guerre mondiale, en présentant également des clichés antérieurs et postérieurs pour rendre compte de la variété et de la profondeur de ses recherches, toujours destinées à dresser un portrait sincère et participatif de son environnement. Comme elle l'a elle-même déclaré, "l'appareil photo est un outil qui apprend aux gens à voir le monde sans lui".

I Musei Civici di Bassano del Grappa, in collaborazione con CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino, presentano al pubblico l’opera di Dorothea Lange (1895 –1965), celeberrima fotografa statunitense, co-fondatrice nel 1952 di Aperture, la più autorevole rivista fotografica al mondo e prima donna fotografa cui il MoMa dedicò una retrospettiva nel 1965, proprio pochi mesi prima della sua scomparsa.

Photographer of the people, la fotografa della gente. Così Dorothea Lange si presentava nel suo biglietto da visita. Perché lei, borghese del New Jersey, aveva scelto di non fotografare i divi o i grandi protagonisti del suo tempo, per concentrarsi invece sugli “ultimi” di un’America che stava affondando nella Grande Depressione. Lo sguardo con cui Lange coglie questa umanità dimenticata non è pietistico. Le sue immagini dimostrano infatti comprensione, sensibilità, partecipazione e immensa umanità, uniti ad una capacità di lettura del contesto sociale rafforzata dal rapporto sentimentale e professionale con il marito, l’economista Paul Taylor. Nativa del New Jersey da una famiglia borghese di origini tedesche, a nove anni viene colpita dalla poliomielite che la rende claudicante; poi il dissidio con il padre, che abbandona la famiglia e che lei coraggiosamente ripudia assumendo il cognome materno.

Gli esordi la vedono a New York con Clarence White e Arnold Genthe. Nel 1918 parte per una spedizione fotografica in giro per il mondo, viaggio che si conclude prematuramente per mancanza di denaro a San Francisco, dove apre un proprio studio. Dopo avere operato per una decina di anni nel campo della ritrattistica professionale, abbracciando uno stile pittorialista, aderisce nei primi anni Trenta all’estetica della straight photography (fotografia diretta) per farsi madrina di una poetica della realtà e testimone della condizione dei più deboli ed emarginati: dai disoccupati e i senzatetto della California fino ai braccianti costretti a migrare di paese in paese alla ricerca di campi ancora coltivabili.

I drammatici accadimenti che segnano gli anni della Grande Depressione la portano a contatto con il grande progetto sociale e fotografico della “Farm Security Administration”, di cui diviene la rappresentante di punta. Nella seconda metà degli anni Trenta fotografa dunque la tragedia dell’America rurale colpita da una durissima siccità, realizzando alcune delle sue immagini insieme più drammatiche e più celebri: in questo contesto nasce infatti Migrant Mother, un’icona con cui Lange scrive una pagina indelebile della storia della fotografia imponendosi quale pioniera della fotografia sociale americana.

Fulcro – e novità – della mostra curata da Walter Guadagnini e Monica Poggi e che presenterà oltre centocinquanta scatti, sarà uno speciale affondo sulla nascita di questo capolavoro, secondo un percorso espositivo di grande fascino ma anche di forte valenza divulgativa e didattica: la presentazione dell’intera sequenzadegli scatti eseguiti da Lange per trovare la foto perfetta, permetterà al pubblico di comprendere il procedimento attraverso il quale nasce un’icona.

Su commissione del governo americano, Lange si occupò successivamente anche della controversa vicenda dei campi di prigionia per cittadini giapponesi presenti sul territorio americano dopo l’attacco di Pearl Harbor, serie che per il suo atteggiamento critico nei confronti della politica governativa verrà sostanzialmente censurata e riportata solo molti anno più tardi. Queste fotografie – ulteriori testimonianze della profondità e della lucidità dello sguardo fotografico di Dorothea Lange, che verrà esposta per la prima volta in Italia in modo così esaustivo proprio in occasione di questa rassegna.

Attraverso un’ampia selezione di opere provenienti da diversi nuclei collezionistici che conservano l’opera di Dorothea Lange (tra cui in particolare la Library of Congress di Washington, i National Archives statunitensi), la mostra si incentrerà principalmente sul periodo d’oro della carriera della fotografa, dagli anni Trenta alla Seconda Guerra Mondiale, presentando anche scatti precedenti e successivi per dare conto della varietà e della profondità della sua ricerca, sempre tesa a restituire un sincero e partecipato ritratto di ciò che la circondava. Come affermò lei stessa, “la macchina fotografica è uno strumento che insegna alla gente come vedere il mondo senza di essa”.

The Musei Civici di Bassano del Grappa, in collaboration with CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia in Turin, presents to the public the work of Dorothea Lange (1895 -1965), the celebrated American photographer, co-founder in 1952 of Aperture, the world's most influential photography magazine, and the first woman photographer to whom MoMa dedicated a retrospective in 1965, just a few months before her death.

Photographer of the people, the photographer of the people. That is how Dorothea Lange introduced herself in her business card. For she, a bourgeois from New Jersey, had chosen not to photograph the stars or the great protagonists of her time, to focus instead on the "last people" of an America that was sinking into the Great Depression. The gaze with which Lange captures this forgotten humanity is not pietistic. In fact, her images show understanding, sensitivity, participation and immense humanity, combined with an ability to read the social context reinforced by her sentimental and professional relationship with her husband, economist Paul Taylor. A native of New Jersey from a bourgeois family of German descent, at the age of nine she was stricken with polio that left her with a limp; then the disagreement with her father, who abandoned the family and whom she courageously repudiated by taking on her mother's surname.

Her beginnings saw her in New York with Clarence White and Arnold Genthe. In 1918 she left on a photographic expedition around the world, a trip that ended prematurely for lack of money in San Francisco, where she opened her own studio. After working for a decade in the field of professional portraiture, embracing a pictorialist style, she adhered in the early 1930s to the aesthetics of straight photography to become the godmother of a poetics of reality and a witness to the plight of the weakest and most marginalized: from the unemployed and homeless in California to the laborers forced to migrate from town to town in search of fields that could still be cultivated.

The dramatic events that marked the years of the Great Depression brought her into contact with the great social and photographic project of the "Farm Security Administration," of which she became the leading representative. In the second half of the 1930s, therefore, she photographed the tragedy of rural America hit by a very harsh drought, producing some of her most dramatic and famous images at the same time: in this context Migrant Mother was in fact born, an icon with which Lange wrote an indelible page in the history of photography, imposing herself as a pioneer of American social photography.

The fulcrum - and novelty - of the exhibition curated by Walter Guadagnini and Monica Poggi and which will present over one hundred and fifty shots, will be a special in-depth look at the birth of this masterpiece, according to an exhibition itinerary of great fascination but also of strong popular and didactic value: the presentation of the entire sequence of the shots Lange took to find the perfect photo will allow the public to understand the process through which an icon is born.

Commissioned by the U.S. government, Lange also later dealt with the controversial affair of prison camps for Japanese citizens on U.S. soil after the Pearl Harbor attack, a series that due to its critical attitude toward government policy would be substantially censored and reported only many years later. These photographs-further evidence of the depth and lucidity of Dorothea Lange's photographic gaze, which will be exhibited so comprehensively for the first time in Italy at this very exhibition.

Through a wide selection of works from different nuclei of collections that preserve Dorothea Lange's work (including in particular the Library of Congress in Washington, U.S. National Archives), the exhibition will focus mainly on the golden period of the photographer's career, from the 1930s to World War II, while also presenting earlier and later shots to give an account of the variety and depth of her research, always aimed at returning a sincere and participatory portrait of her surroundings. As she herself stated, "the camera is a tool that teaches people how to see the world without it."

(Text: Museo Civico, Bassano del Grappa)

Palazzo Roverella | Rovigo
22. September 2023 - 28. Januar 2024

Il fuoco delle passioni
Tina Modotti

Tina Modotti (1896/1942), nach Robert Capa und Robert Doisneau, im großen Herbst der Fotografie im Palazzo Roverella. Die Verabredung mit der legendärsten aller Fotografinnen findet vom 22. September bis zum 28. Januar 2024 in einer umfangreichen monografischen Ausstellung statt - mehr als 200 Bilder zusammen mit Filmen und Dokumenten - kuratiert von Riccardo Costantini in Zusammenarbeit mit Gianni Pignat und Piero Colussi. Die Ausstellung wird von der Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo gefördert, in Zusammenarbeit mit Cinemazero und dem Organisationssekretariat von Dario Cimorelli Editore.

Tina war eine Frau, die keine Schranken oder Grenzen kannte. Sie stellte sich dem Leben mit der Entschlossenheit einer pasionaria, stark in einer Schönheit, die Männer und Frauen gleichermaßen faszinierte, und in einem Talent, das sie vom Armenhaus in der Via Pracchiuso 89 in ihrer Heimatstadt Udine nach Hollywood führte, wo sie in drei Stummfilmen mitspielte, und dann in die kulturelle Lebendigkeit von Mexiko-Stadt.

Es war der große amerikanische Fotograf Edward Weston, dessen Modell und Assistentin sie war, der sie in die Fotografie einführte und sie dazu brachte, ihren eigenen thematischen und stilistischen Weg zu gehen. Tina Modotti experimentierte mit dem Einsatz der Kamera, von der Architektur bis zum Stillleben, bevor sie sich mit Leib und Seele der Darstellung des Lebens, der Arbeit und des Alltags der Arbeiterklasse, der Bauern und Werktätigen widmete, denen sie sich zugehörig fühlte.

Die Ausstellung dokumentiert das gesamte Werk Modottis und stützt sich auf die Rekonstruktion der einzigen Ausstellung, die 1929 direkt in Mexiko-Stadt stattfand und bei der etwa 60 Werke gezeigt wurden, von denen über 40 in der Ausstellung zu sehen sein werden.

Tina Modotti nahm am kulturellen Leben der Stadt teil, verkehrte mit dem Schriftsteller John Dos Passos und der Schauspielerin Dolores Del Rio, freundete sich mit Frida Kalho und Diego Rivera an und fotografierte deren Wandgemälde.

Pablo Neruda war vom plötzlichen Tod der Freundin am Abend des 5. Januar 1942 betroffen, als sie von einem Abendessen mit Freunden in einem Taxi zurückkehrte, und widmete ihr ein herzliches Epitaph: "Tina Modotti, Schwester, schlaf nicht, nein, schlaf nicht: vielleicht fühlt dein Herz die Rose von gestern wachsen, die letzte Rose von gestern, die neue Rose. Ruhe süß, Schwester. Auf dem Juwel deines schlafenden Körpers streckt sich noch die Feder und die blutige Seele, als könntest du, Schwester, dich erheben und über den Schlamm lächeln". Diese ersten Verse Nerudas erscheinen im Pantheon der Künstler in der mexikanischen Hauptstadt. Die letzten Verse des Epitaphs: "Rein ist dein süßer Name, rein dein zerbrechliches Leben:/aus Biene, Schatten, Feuer, Schnee, Stille, Schaum,/aus Stahl, Linie, Pollen, ist dein Eisen gemacht,/dein zartes Gefüge", in der Modotti gewidmeten Stele in ihrer Heimatstadt.

Tina Modottis Werk geriet lange Zeit in Vergessenheit, bis es anlässlich der Ausstellung im Moma in New York im Winter 1977 wiederentdeckt wurde. Seitdem sind ihre Figur als intellektuelle und unangepasste Frau sowie ihr fotografisches Werk Gegenstand von Studien und eingehenden Untersuchungen, die ihre Rolle als große Protagonistin des 20. Jahrhunderts bestätigen.

Tina Modotti (1896/1942), après Robert Capa et Robert Doisneau, dans le grand automne de la photographie au Palazzo Roverella. Le rendez-vous avec la plus légendaire des femmes photographes est, du 22 septembre au 28 janvier 2024, dans une vaste exposition monographique - plus de 200 images avec des films et des documents - organisée par Riccardo Costantini avec la collaboration de Gianni Pignat et Piero Colussi. L'exposition est promue par la Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, avec la collaboration de Cinemazero et le secrétariat d'organisation de Dario Cimorelli Editore.

Femme sans barrières ni limites, Tina a affronté la vie avec la détermination d'une pasionaria, forte d'une beauté qui intriguait hommes et femmes, et d'un talent qui l'a conduite de la maison pauvre de via Pracchiuso 89, dans sa ville natale d'Udine, à Hollywood, où elle a joué dans trois films muets, puis à la vivacité culturelle de Mexico.

C'est le grand photographe américain Edward Weston, dont elle a été le modèle et l'assistante, qui l'a initiée à la photographie, l'amenant à construire son propre parcours thématique et stylistique. Tina Modotti a expérimenté l'utilisation de l'appareil photo, de l'architecture aux natures mortes, avant de se consacrer corps et âme à la représentation de la vie, du travail et du quotidien des classes populaires, des paysans et des ouvriers, auxquels elle se sentait appartenir.

L'exposition documente l'ensemble de l'œuvre de Modotti et s'articule autour de la reconstitution de la seule exposition qu'elle a tenue directement à Mexico en 1929, où une soixantaine d'œuvres ont été exposées, dont plus de 40 seront présentes dans l'exposition.

Tina Modotti participe à l'animation culturelle de la ville, fréquente l'écrivain John Dos Passos, l'actrice Dolores Del Rio, se lie d'amitié avec Frida Kalho et Diego Rivera, dont elle photographie les peintures murales.

Pablo Neruda, frappé par la mort soudaine de son amie, survenue dans la soirée du 5 janvier 1942, alors qu'elle rentrait en taxi d'un dîner avec des amis, lui consacre une épitaphe émouvante : "Tina Modotti, ma sœur, ne dors pas, non, ne dors pas : peut-être ton cœur sent-il pousser la rose d'hier, la dernière rose d'hier, la nouvelle rose. Repose-toi doucement, ma sœur. Sur le joyau de ton corps endormi s'étend encore la plume et l'âme sanglante, comme si tu pouvais, ma sœur, t'élever et sourire au-dessus de la boue". Ces premiers vers de Neruda figurent au panthéon des artistes de la capitale mexicaine. Les derniers de l'épitaphe : "Pur est ton doux nom, pure ta vie fragile:/d'abeille, d'ombre, de feu, de neige, de silence, d'écume,/d'acier, de ligne, de pollen, est fait ton fer,/ta structure délicate", dans la stèle dédiée à Modotti dans sa ville natale.

L'œuvre de Tina Modotti a été oubliée pendant de nombreuses années jusqu'à sa redécouverte à l'occasion de l'exposition au Moma de New York durant l'hiver 1977. Depuis lors, sa figure de femme intellectuelle et anticonformiste, ainsi que son œuvre photographique, ont fait l'objet d'études et d'approfondissements, confirmant son rôle de grande protagoniste du XXe siècle.

Tina Modotti (1896/1942), dopo Robert Capa e Robert Doisneau, nel grande autunno della fotografia di Palazzo Roverella. L’appuntamento con la più leggendaria delle donne fotografe è, dal 22 settembre al 28 gennaio 2024, in una estesa monografica – più di 200 immagini insieme a filmati e documenti – curata da Riccardo Costantini con la collaborazione di Gianni Pignat e Piero Colussi. La mostra è promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e si avvale della collaborazione di Cinemazero e della segreteria organizzativa di Dario Cimorelli Editore.

Donna che non ammetteva barriere o limiti, Tina affrontò la vita con la grinta di pasionaria, forte di una bellezza che intrigava uomini e donne e di un talento che la condusse, dalla povera casa di via Pracchiuso 89 della natia Udine ad Hollywood, dove fu protagonista in tre film muti, e poi nella vivacità culturale di Città del Messico.

Ad introdurla alla fotografia fu il grande fotografo americano Edward Weston, di cui fu modella e assistente, arrivando a costruire un suo personale percorso tematico e stilistico. Tina Modotti sperimenta l’uso della macchina fotografica, spaziando dalle architetture alle nature morte, per poi dedicarsi anima e corpo a raccontare la vita, il lavoro, la quotidianità dei ceti popolari, contadini e operai, cui lei sentiva di appartenere.

L’esposizione documenta l’intera opera della Modotti facendo perno sulla ricostruzione dell’unica mostra da lei direttamente realizzata a Città del Messico, nel 1929, dove furono esposte una sessantina di opere oltre 40 delle quali saranno presenti in mostra.

Tina Modotti partecipa alla vivacità culturale della città, frequenta lo scrittore John Dos Passos, l’attrice Dolores Del Rio e diventa amica di Frida Kalho e Diego Rivera, e di quest’ultimo fotografa i murales.

Pablo Neruda colpito dalla morte improvvisa dell’amica, avvenuta la sera del 5 gennaio del ’42 mentre in taxi tornava da una cena con amici, le dedicò un accorato epitaffio: “Tina Modotti, sorella non dormi, no, non dormi: forse il tuo cuore sente crescere la rosa di ieri, l’ultima rosa di ieri, la nuova rosa. Riposa dolcemente sorella. Sul gioiello del tuo corpo addormentato ancora protende la penna e l’anima insanguinata come se tu potessi, sorella, risollevarti e sorridere sopra il fango”. Questi primi versi di Neruda compaiono nel pantheon degli artisti della capitale messicana. Gli ultimi dell’epitaffio: “Puro è il tuo dolce nome, pura la tua fragile vita:/di ape, ombra, fuoco, neve, silenzio, spuma,/d’acciaio, linea, polline, si è fatta la tua ferrea,/la tua delicata struttura”, nella stele che alla Modotti è stata dedicata nella sua città natale.

L’opera di Tina Modotti fu per molti anni dimenticata fino alla sua riscoperta nell’occasione della mostra al Moma di New York, nell’inverno del 1977. Da quel momento la sua figura di donna intellettuale ed anticonformista, così come la sua opera fotografica, sono state oggetto di studi ed approfondimenti, confermandone il ruolo di grande protagonista del XX secolo.

Tina Modotti (1896/1942), after Robert Capa and Robert Doisneau, in the Great Autumn of Photography at Palazzo Roverella. The appointment with the most legendary of women photographers is, from September 22 to January 28, 2024, in an extensive monographic exhibition-more than 200 images together with films and documents-curated by Riccardo Costantini with the collaboration of Gianni Pignat and Piero Colussi. The exhibition is sponsored by the Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo and has the collaboration of Cinemazero and the organizational secretariat of Dario Cimorelli Editore.

A woman who admitted no barriers or limits, Tina faced life with the grit of a pasionaria, strengthened by a beauty that intrigued men and women alike and a talent that led her from the poor house at 89 Pracchiuso Street in her native Udine to Hollywood, where she starred in three silent films, and then to the cultural vibrancy of Mexico City.

Introducing her to photography was the great American photographer Edward Weston, whose model and assistant she was, coming to build her own thematic and stylistic path. Tina Modotti experimented with the use of the camera, ranging from architecture to still lifes, and then devoted herself body and soul to recounting the life, work, and everyday life of the working classes, peasants and laborers, to which she felt she belonged.

The exhibition documents Modotti's entire oeuvre by pivoting on the reconstruction of the only exhibition she directly held in Mexico City, in 1929, where some sixty works were exhibited, more than 40 of which will be in the exhibition.

Tina Modotti participated in the city's cultural vibrancy, hanging out with writer John Dos Passos, actress Dolores Del Rio and becoming friends with Frida Kalho and Diego Rivera, and of the latter she photographed the latter's murals.

Pablo Neruda struck by his friend's sudden death on the evening of Jan. 5, '42, while in a cab returning from a dinner with friends, dedicated a heartfelt epitaph to her: "Tina Modotti, sister do not sleep, no, do not sleep: perhaps your heart feels yesterday's rose growing, yesterday's last rose, the new rose. Rest sweetly sister. On the jewel of your sleeping body still stretches the pen and the bloody soul as if you could, sister, rise and smile above the mud." These early verses by Neruda appear in the pantheon of artists in the Mexican capital. The last of the epitaph, "Pure is your sweet name, pure your fragile life:/Of bee, shadow, fire, snow, silence, froth,/of steel, line, pollen, was made your iron,/your delicate frame," in the stele dedicated to Modotti in her hometown.

Tina Modotti's work was for many years forgotten until its rediscovery on the occasion of the exhibition at Moma in New York in the winter of 1977. Since then, her figure as an intellectual and nonconformist woman, as well as her photographic work, have been the subject of studies and in-depth studies, confirming her role as a great protagonist of the 20th century.

(Text: Palazzo Roverella, Rovigo)

Centro culturale Altinate | San Gaetano, Padova
13. September 2023 - 21. Januar 2024

American Beauty - La rosa da un milione di dollari

In den Vereinigten Staaten des späten 19. Jahrhunderts war die American Beauty im Volksmund als "Millionen-Dollar-Rose" bekannt. Ein Ausdruck, der auf die für viele unerreichbaren Kosten hinwies, die nötig waren, um einen Strauß für die Liebste zu bekommen: 2 Dollar für jede der Rosen mit ihren langen, eleganten Stielen. Für die damalige Zeit eine sehr hohe Summe.

Alfred Hitchcock schickte riesige Sträuße an Vera Miles, um sie zu überzeugen, in seinen Filmen mitzuspielen.

Diese erfolgreiche Teerosenzüchtung war in Frankreich von Henri Lédéchaux unter dem Namen Madame Ferdinand Jamin gezüchtet worden. Diese Hybride brachte leuchtend karminrote Rosen mit einer reichen Blüte von etwa fünfzig Blütenblättern hervor, die sehr duften und auf einem langen, steifen Stiel sitzen. Im Gewächshaus kultiviert, eignete sich American Beauty hervorragend für elegante Blumensträuße. In Gärten bietet sie langanhaltende, sehr auffällige Blüten auf dunkelgrünem Laub. Unter dem neuen Namen 'American Beauty' nach Amerika exportiert, eroberte Madame Ferdinand Jamin den Markt so sehr, dass sie in den 1920er Jahren die meistverkaufte Rosensorte in den USA war. Eine Popularität, die die Hybride anderswo nicht erlangte.

Zahlreiche Komponisten und Musiker haben der America Beauty Tribut gezollt. Frank Sinatra besang sie 1950 in 'America Beauty Rose'. Josep Heller beschreibt in "Comma 22" einen älteren Italiener, der Major de Coverly am Auge verletzt, indem er eine American Beauty nach ihm wirft. Auch der gleichnamige Oscar-prämierte Film von 1999 darf nicht unerwähnt bleiben.

American Beauty ist die offizielle Blume der Stadt Washington im District of Columbia sowie das Symbol der Ladenkette Lord & Taylor und mehrerer amerikanischer Burschenschaften.

Dans les États-Unis de la fin du XIXe siècle, l'American Beauty était populairement connue sous le nom de "million dollar rose". Une expression utilisée pour indiquer le coût, inaccessible pour beaucoup, nécessaire pour obtenir un bouquet à offrir à une dulcinée : 2 dollars pour chacune des roses aux longues tiges élégantes. Un chiffre très élevé pour l'époque.

Alfred Hitchcock envoyait d'énormes bouquets à Vera Miles pour la convaincre de jouer dans ses films.

Ce cultivar à succès de roses Thé avait été créé en France par Henri Lédéchaux, sous le nom de Madame Ferdinand Jamin. Un hybride qui donnait des roses cramoisies brillantes, avec une fleur riche d'une cinquantaine de pétales, très parfumée, montée sur une longue tige rigide. Cultivée en serre, American Beauty était parfaite pour la confection de bouquets élégants. Dans les jardins, elle offre une floraison prolongée et très voyante sur un feuillage vert foncé. Exporté en Amérique sous le nouveau nom d'"American Beauty", Madame Ferdinand Jamin conquiert le marché, à tel point que dans les années 1920, c'est le cultivar de rose le plus vendu aux Etats-Unis. Une popularité que l'hybride n'a pas réussi à obtenir ailleurs.

De nombreux compositeurs et musiciens ont rendu hommage à America Beauty. Frank Sinatra l'a chantée dans 'America Beauty Rose' en 1950. Josep Heller dans "Comma 22" décrit un vieil Italien qui blesse l'œil du Major de Coverly en lui lançant une American Beauty. Il est également impossible de ne pas mentionner le film du même nom, récompensé par un Oscar en 1999.

L'American Beauty est la fleur officielle de la ville de Washington dans le district de Columbia, ainsi que le symbole de la chaîne de magasins Lord & Taylor et de plusieurs fraternités américaines.

Negli Stati Uniti di fine Ottocento, l’American Beauty era popolarmente conosciuta come la “rosa da un milione di dollari”. Espressione impiegata per indicare il costo, per molti irraggiungibile, necessario ad ottenere un mazzo da donare all’innamorata: 2 dollari per ciascuna delle rose dal lungo, elegante stelo. Cifra, all’epoca, davvero altissima.

Alfred Hitchcock ne mandò enormi mazzi a Vera Miles, per convincerla a recitare nei suoi film.

Questa fortunata cultivar di rose Tea era stata creata in Francia da Henri Lédéchaux, con il nome di Madame Ferdinand Jamin. Un ibrido che dava rose di un cremisi brillante, con un fiore ricco di una cinquantina di petali, molto profumato, posto su uno stelo lungo e rigido, Coltivate in serra, le American Beauty erano perfette per trarne elegantissimi mazzi. Nei giardini offre fioriture prolungate, molto appariscenti sul fogliame verde scuro. Esportata in America con il nuovo nome di “American Beauty”, la Madame Ferdinand Jamin conquistò il mercato, tanto da essere, negli anni Venti, la cultivar di rosa più venduta negli States. Una popolarità che l’ibrido non riuscì a conquistarsi altrove.

Alla America Beauty hanno reso omaggio numerosi compositori e musicisti. Frank Sinatra l’ha cantata in “America Beauty Rose”, del 1950. Josep Heller in “Comma 22” descrive un anziano italiano che ferisce a un occhio il maggiore de Coverly, lanciandogli contro una American Beauty. Impossibile poi non citare il film omonimo, Premio Oscar del 1999.

American Beauty è il fiore ufficiale della città di Washington nel Distretto della Colombia, nonché simbolo della catena di negozi della Lord & Taylor, oltre che di diverse confraternite americane.

In the late 19th-century United States, the American Beauty was popularly known as the "million-dollar rose." An expression employed to indicate the cost, unattainable to many, required to obtain a bouquet to give to a sweetheart: $2 for each of the long, elegant stem roses. A figure, at the time, very high indeed.

Alfred Hitchcock sent huge bouquets of them to Vera Miles to convince her to act in his films.

This successful cultivar of Tea roses had been created in France by Henri Lédéchaux, under the name Madame Ferdinand Jamin. A hybrid that yielded bright crimson roses, with a rich flower of about fifty petals, very fragrant, set on a long, stiff stem, Grown in greenhouses, American Beauty was perfect for making elegant bouquets. In gardens it offers prolonged blooms, very showy on dark green foliage. Exported to America under the new name "American Beauty," Madame Ferdinand Jamin conquered the market, so much so that by the 1920s it was the best-selling rose cultivar in the States. A popularity that the hybrid failed to win elsewhere.

America Beauty has been honored by numerous composers and musicians. Frank Sinatra sang it in "America Beauty Rose," 1950. Josep Heller in "Catch-22" describes an elderly Italian man who wounds Major de Coverly in the eye by throwing an American Beauty at him. Impossible then not to mention the 1999 Oscar-winning film of the same name.

American Beauty is the official flower of the city of Washington in the District of Columbia, as well as the symbol of Lord & Taylor's chain of stores, as well as several American fraternities.

CREA Cantieri del Contemporaneo | Venezia
20. Mai - 31. August 2023

Portal
Lidia Russkova-Hasaya

Die Ausstellung findet im Rahmen der Architektur Biennale statt.

Die Installation "Portal" von Lidia Russkova-Hasaya ist eine drei Meter hohe, leuchtende Glastür, die von Metall umrahmt und in einen massiven Metallsockel eingelassen ist. Die LED-Beleuchtung umreißt die Silhouette der Tür und verleiht ihr den Anschein, als würde sie in der Luft schweben.

Auf der Grundlage jahrelanger Recherchen des Künstlers in den Bereichen Kunstgeschichte, Symbolismus, Urbanismus und Architektur steht "Portal" für Hoffnung und die Möglichkeit eines Neuanfangs - ein Durchgang zu einem besseren und sichereren Ort. Die Tür ist jedoch nicht zugänglich, so dass die Besucher in ihrer gegenwärtigen Realität gefangen sind.

"Der Künstler fordert uns auf, über den Weg zu unseren Zielen nachzudenken und zu erkennen, dass gerade diese Reise Freude und Wert bringen sollte. Die heutigen Realitäten zwingen uns jedoch, an Ersatzwerte zu glauben, die unsere Aufmerksamkeit auf eine vergängliche Zukunft lenken", sagt Alena Stetsiukevich, die Kuratorin des Projekts.

Die Installation von 'Portal' in Venedig ist ein symbolischer Akt. Seit der Renaissance dienen Türen in Italien als wichtige dekorative Elemente und Statusindikatoren. Die Eingangstür verrät, was man im Inneren des Raumes zu erwarten hat. Venezianische Türen sind auch sehr funktionell. Das Design der Türen, die in die Kanäle führen, trägt dazu bei, dem Acqua Alta zu widerstehen, einem Ereignis, bei dem Venedig zu verschiedenen Zeitpunkten im Jahr durch die steigende Flut der Adria vorübergehend überschwemmt wird.

Lidia interagiert auch mit dem Raum des Internationalen Kulturzentrums CREA, das sich an den Docks in der Nähe der Gondel- und Motorbootreparatur befindet. Die Umgebung ist einer der Gründe, warum der Künstler Metall, Glas und Neon für die Installation gewählt hat. Die bei der Herstellung von "Portal" verwendeten Materialien verwandeln einen gewöhnlichen Gegenstand in ein Kunstwerk: Die einfache Tür wird zu einem bedeutungsvollen Symbol mit zahlreichen Interpretationen.  Die Installation wurde im Einklang mit den Grundsätzen der nachhaltigen Entwicklung geschaffen.

L'installation "Portal" de Lidia Russkova-Hasaya est une porte en verre incandescent de trois mètres de haut, encadrée de métal et placée dans une base métallique massive. Un éclairage LED dessine la silhouette de la porte, lui donnant l'impression de flotter dans l'air.

S'appuyant sur des années de recherche de l'artiste dans les domaines de l'histoire de l'art, du symbolisme, de l'urbanisme et de l'architecture, "Portal" représente l'espoir et la possibilité d'un nouveau départ - un passage vers un espace meilleur et plus sûr. La porte, cependant, n'est pas accessible, laissant les visiteurs confinés dans leur réalité actuelle.

"L'artiste nous invite à contempler le chemin qui mène à nos objectifs et à reconnaître que c'est ce voyage même qui devrait nous apporter joie et valeur. Les réalités contemporaines, cependant, nous obligent à croire en des valeurs de substitution qui concentrent notre attention sur un avenir éphémère", explique Alena Stetsiukevich, commissaire du projet.

L'installation de "Portal" à Venise est un acte symbolique. Depuis la Renaissance, les portes sont des éléments décoratifs importants et des indicateurs de statut en Italie. La porte d'entrée révèle ce que l'on attend à l'intérieur de l'espace. Les portes vénitiennes sont également très fonctionnelles. La conception des portes menant aux canaux permet de résister à l'Acqua Alta, un événement qui voit Venise temporairement inondée à différents moments de l'année par la marée montante de la mer Adriatique.

Lidia interagit également avec l'espace du centre culturel international CREA, situé sur les quais, à proximité de la réparation des gondoles et des bateaux à moteur. C'est l'une des raisons pour lesquelles l'artiste a choisi le métal, le verre et le néon pour construire l'installation. Les matériaux utilisés pour la réalisation de "Portal" transforment un objet ordinaire en œuvre d'art : la simple porte devient un symbole significatif aux multiples interprétations.  L'installation a été réalisée dans le respect des principes du développement durable.

L'installazione "Portal" di Lidia Russkova-Hasaya è una porta di vetro incandescente alta tre metri, incorniciata in metallo e inserita in una massiccia base metallica. L'illuminazione a LED delinea la silhouette della porta, dandole l'impressione di fluttuare a mezz'aria.

Basata su anni di ricerca dell'artista in storia dell'arte, simbolismo, urbanistica e architettura, "Portal" rappresenta la speranza e la possibilità di un nuovo inizio, un passaggio verso uno spazio migliore e più sicuro. La porta, tuttavia, non è accessibile, lasciando i visitatori confinati nella loro realtà attuale.

"L'artista ci invita a contemplare il percorso che ci porta alla meta e a riconoscere che è proprio questo viaggio che dovrebbe portare gioia e valore. La realtà contemporanea, tuttavia, ci costringe a credere in valori sostitutivi che focalizzano la nostra attenzione su un futuro effimero", afferma Alena Stetsiukevich, curatrice del progetto.

L'installazione di "Portal" a Venezia è un atto simbolico. Fin dal Rinascimento, le porte sono state un importante elemento decorativo e un indicatore di status in Italia. La porta d'ingresso rivela cosa ci si aspetta all'interno dello spazio. Le porte veneziane sono anche altamente funzionali. Il design delle porte che conducono ai canali aiuta a resistere all'Acqua Alta, un evento che vede Venezia temporaneamente allagata in vari momenti dell'anno dall'innalzamento della marea dell'Adriatico.

Lidia interagisce anche con lo spazio del Centro Culturale Internazionale CREA, situato sulle banchine vicino alla riparazione di gondole e motoscafi. L'area è uno dei motivi per cui l'artista ha scelto metallo, vetro e neon per costruire l'installazione. I materiali utilizzati per la realizzazione di "Portal" trasformano un oggetto ordinario in un'opera d'arte: la semplice porta diventa un simbolo significativo dalle molteplici interpretazioni.  L'installazione è stata realizzata secondo i principi dello sviluppo sostenibile.

‘Portal’ installation by Lidia Russkova-Hasaya is a three–metre tall glowing glass door framed in metal and set into a massive metal base. LED lighting outlines the silhouette of the door, giving it the appearance of floating in mid-air.

Based on years of research by the artist in art history, symbolism, urbanism, and architecture, 'Portal' represents hope and the possibility of a new beginning — a passage to a better and safer space. The door, however, is not accessible, leaving visitors confined to their present reality.

“The artist beckons us to contemplate the path leading to our goals and to recognise that it is this very journey which should bring joy and value. Contemporary realities, however, compel us to believe in substitute values that focus our attention on an ephemeral future,” says Alena Stetsiukevich, the curator of the project.

Installing ‘Portal’ in Venice is a symbolic act. Since the Renaissance, doors have served as significant decorative elements and indicators of status in Italy. The front door reveals what to expect inside the space. Venetian doors are also highly functional. The design of doors leading into the canals helps to withstand Acqua Alta, an event that sees Venice temporarily flooded at various points during the year by the rising Adriatic Sea tide.

Lidia also interacts with the space of the CREA International Cultural Centre, located on the docks near the gondolas and motorboats repair. The area is one of the reasons the artist chose metal, glass, and neon to construct the installation. The materials used in the making of ‘Portal’ transform an ordinary object into a work of art: the simple door becomes a meaningful symbol with numerous interpretations.  The installation is created in accordance with the principles of sustainable development.

(Text: Surface Lab Art)

Isola San Servolo - Palazzina Libeccio | Venezia
19. Mai - 26. November 2023

Rosso Sahel
Luca Casonato

Die Ausstellung findet im Rahmen der Architektur Biennale statt.

"Rosso Sahel" ist das visuelle Tagebuch meiner Reise nach Niger im Jahr 2022 als Fotograf und Mitglied des technisch-wissenschaftlichen Komitees des Pavillons der Republik Niger auf der Architekturbiennale 2023 in Venedig.

"Rosso Sahel" ist sowohl ein visuelles als auch ein inneres Tagebuch, in dem die Bilder, die absoluten Protagonisten des Projekts, lebendig und hautnah sind, heiß und in der ersten Person aufgenommen. Die kurzen Texte, die sie begleiten, sind dem Tagebuch entnommen, das ich an Bord des Geländewagens geführt habe, kurz nachdem die Bilder aufgenommen wurden.

Die Reise nach Niger war anstrengend und intensiv für mich, nicht so sehr wegen der materiellen Bedingungen, die sich so sehr von denen unterscheiden, an die wir in Europa gewöhnt sind, sondern vor allem, weil ich ständig in Situationen der Not und der Armut eingetaucht bin. Ich habe die Privilegien, die ich in diesem Moment genoss, ständig und deutlich wahrgenommen, fast ohne es zu merken: eine Klimaanlage zu benutzen, ein kaltes Getränk aus der Dose zu trinken, gute Schuhe zu tragen, zu wissen, dass es immer eine Alternative gab.

Das Projekt bietet dem Besucher eher eine empathische als eine ästhetische Beziehung zu den Bildern. "Rosso Sahel" ist eine Einladung, Fotografie und Bilder als Gelegenheit zu nutzen, um eine innere Reise zu unternehmen und sich zu fragen, wie wir das Beste aus der Alternative machen können, die uns glücklicherweise zur Verfügung steht.

"Rosso Sahel" ist auch ein Buch, das im Pavillon der Republik Niger auf der Architekturbiennale 2023 in Venedig ausgestellt wird.

"Rosso Sahel" est le journal visuel du voyage que j'ai effectué au Niger en 2022 en tant que photographe et membre du comité technico-scientifique du Pavillon de la République du Niger à la Biennale d'Architecture de Venise 2023.

"Rosso Sahel" est un journal visuel et intérieur dans lequel les images, protagonistes absolus du projet, sont vives et rapprochées, prises à chaud et à la première personne. Les courts textes qui les accompagnent sont extraits du journal que j'ai tenu à bord du véhicule tout-terrain peu après la prise de vue.

Le voyage au Niger a été exigeant et intense pour moi, non pas tant en raison des conditions matérielles si différentes de celles auxquelles nous sommes habitués en Europe, mais surtout parce que j'ai été constamment immergé dans des situations de besoin et de pauvreté. Je percevais constamment et clairement les privilèges dont je jouissais à ce moment précis, presque sans m'en rendre compte : utiliser l'air conditionné, boire une boisson fraîche dans une canette, porter de bonnes chaussures, savoir qu'il y avait toujours une alternative disponible.

Le projet propose au visiteur une relation empathique plutôt qu'esthétique avec les images. "Rosso Sahel" est une invitation à utiliser la photographie et les images comme une opportunité de faire un voyage intérieur, de se demander comment tirer le meilleur parti de cette alternative que nous avons heureusement à notre disposition.

"Rosso Sahel" est également un livre exposé au Pavillon de la République du Niger à la Biennale d'architecture de Venise 2023.

“Rosso Sahel” è il diario visivo del viaggio che ho compiuto in Niger nel 2022 in qualità di fotografo e membro del comitato tecnico-scientifico del Padiglione della Repubblica del Niger alla Biennale di Architettura di Venezia 2023.

“Rosso Sahel” è un diario sia visivo che interiore in cui le immagini, assolute protagoniste del progetto, sono vivide e ravvicinate, scattate a caldo e in prima persona. I brevi testi che le accompagnano sono estrapolati dal diario che ho tenuto a bordo del fuoristrada poco dopo lo scatto delle immagini stesse.

Il viaggio in Niger è stato per me impegnativo e intenso, non tanto per le condizioni materiali così diverse da quelle a cui siamo abituati in Europa, ma soprattutto per il fatto di trovarmi costantemente immerso in situazioni di bisogno e di povertà. Ho percepito costantemente e con chiarezza i privilegi di cui stavo in quel preciso momento godendo, quasi senza accorgermene: utilizzare l’aria condizionata, il bere una bibita fresca in lattina, l'indossare delle buone scarpe, il sapere che c'era sempre un'alternativa a disposizione.

Il progetto propone al visitatore una relazione empatica più che estetica con le immagini. “Rosso Sahel” è un invito ad utilizzare la fotografia e le immagini come occasione per compiere un viaggio interiore, per chiedersi come sfruttare al meglio quell’alternativa che fortunatamente abbiamo a disposizione.

“Rosso Sahel” è anche un libro esposto presso il Padiglione della Repubblica del Niger alla Biennale di Architettura di Venezia 2023.

“Rosso Sahel” is the visual diary of the journey across Niger I undertook in 2022 as a photographer and member of the Technical Committee of the Republic of Niger Pavilion at the 2023 Venice Architecture Biennale.

"Rosso Sahel" is both a visual and an inner diary in which the images, the absolute protagonists of the project, are vivid and close, shot in the heat of the moment and in first person. The short texts that accompany them are taken from the diary I kept aboard the off-road vehicle and written as soon as I finished taking the pictures.

I found the journey challenging and intense. Not just for the lack of material goods, such a different condition from what I'm used to as a European citizen, but above all for the fact that I found myself constantly immersed in an environment of need and poverty.

I constantly and clearly perceived the privileges I was enjoying at that very moment, privileges that I usually take for granted: air conditioning, drinking a cold can of soda, wearing good shoes, knowing that there is always an alternative available.

The project offers the visitor an empathic rather than aesthetic relationship with the images. "Rosso Sahel" is an invitation to use photography and images as an opportunity to take an inner journey, to ask ourselves how we can make the most of that alternative that we fortunately have available to us.

"Rosso Sahel" is also a self-published book exhibited at the Pavilion of the Republic of Niger Pavilion at the 2023 Venice Architecture Biennale.

(Text: Luca Casonato, Milano)

Palazzo Sarcinelli | Conegliano
23. März - 11. Juni 2023

Shadows and Mirrors
Vivian Maier

Die Ausstellung "Vivian Maier. Schatten und Spiegel", bestehend aus 93 Selbstporträts, erzählt von der großen Fotografin und ihrer unaufhörlichen Suche nach einem Sinn und einer Definition des eigenen Seins. Die Ausstellung wird vom 23. März bis zum 11. Juni 2023 im Palazzo Sarcinelli in Conegliano zu sehen sein. Die Ausstellung, die von Anne Morin in Zusammenarbeit mit Tessa Demichel und Daniel Buso kuratiert wird, wird von ARTIKA in Zusammenarbeit mit diChroma Photography und der Stadt Conegliano organisiert.

"Ein Porträt wird nicht in der Kamera gemacht. Sondern auf beiden Seiten der Kamera", so fasste der Fotograf Edward Steichen das Prinzip der Fotografie zusammen. Ein kreativer Prozess, der von der Vision des Künstlers ausgeht und sich erst später in der Aufnahme materialisiert. Im Fall von Vivian Maier: Ihr Stil, ihre Selbstporträts, entspringen einer künstlerischen Vision diesseits des fotografischen Objektivs. Fotografieren bedeutete für sie nie, gedruckte Bilder zu schaffen und sie so in der Welt zu verbreiten, sondern vielmehr einen Weg zur Definition ihrer eigenen Identität.

Die Ausstellung zeichnet das Werk der berühmten Kindermädchen-Fotografin nach, die mit der Rolleiflex-Kamera und später mit der Leica die Besucher auf ideale Weise durch die Straßen von New York und Chicago führt, wo das ständige Spiel von Schatten und Reflexionen die An- und Abwesenheit der Künstlerin zeigt, die mit ihren Selbstporträts versucht, mit der Welt um sie herum in Beziehung zu treten.

Vivian Maier fotografierte mehr als vierzig Jahre lang, beginnend in den frühen 1950er Jahren, während sie als Kindermädchen in New York und Chicago arbeitete. Sie verbrachte ihr ganzes Leben in völliger Anonymität, bis 2007 ihr fotografisches Werk das Licht der Welt erblickte. Es handelt sich um ein enormes und beeindruckendes Werk, das mehr als 120 000 Negative, Super-8- und 16-mm-Filme, mehrere Tonaufnahmen, einige fotografische Abzüge und Hunderte von Filmrollen und unentwickelten Filmen umfasst. Ihr allgegenwärtiges Hobby machte sie schließlich zu einer der bekanntesten Vertreterinnen der Straßenfotografie. Fotohistoriker haben sie in die Ruhmeshalle aufgenommen, neben so außergewöhnlichen Persönlichkeiten wie Diane Arbus, Robert Frank, Helen Levitt und Garry Winograd.

Die Ausstellung im Palazzo Sarcinelli widmet sich daher dem Thema der Selbstporträts von Vivian Maier von ihren Anfängen in den 1950er Jahren bis zum Ende des 20. Jahrhunderts. Es handelt sich um ein umfangreiches Werk, das sich durch große Ausdrucksvielfalt und Komplexität der technischen Umsetzung auszeichnet. Seine ästhetische Forschung lässt sich auf drei Schlüsselkategorien zurückführen, die den drei Sektionen der Ausstellung entsprechen. Die erste trägt den Titel SCHATTEN. Vivian Maier hat diese Technik durch die Projektion ihrer eigenen Silhouette übernommen. Sie ist wahrscheinlich die symptomatischste und erkennbarste aller von ihr verwendeten Formen der formalen Forschung. Der Schatten ist die Form, die der Realität am nächsten kommt, er ist eine gleichzeitige Kopie. Er ist die erste Ebene der Selbstdarstellung, da er eine Präsenz auferlegt, ohne etwas von dem zu enthüllen, was er darstellt. Mit REFLECTION, dem zweiten Abschnitt, gelingt es der Künstlerin, der Fotografie durch die Idee der Selbstdarstellung etwas Neues hinzuzufügen. Sie setzt sich auf unterschiedliche und raffinierte Weise an der Grenze zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren, dem Erkennbaren und dem Unerkennbaren in Szene. Ihre Gesichtszüge verschwimmen, etwas schiebt sich vor ihr Gesicht, öffnet sich zu einem Off-Screen oder verwandelt sich vor unseren Augen. Sein Gesicht entgeht uns, aber nicht die Gewissheit seiner Anwesenheit im Moment der Aufnahme. Jedes Foto ist an sich ein Akt des Widerstands gegen seine Unsichtbarkeit. Schließlich der Abschnitt, der dem MIRROR (Spiegel) gewidmet ist, einem Objekt, das häufig in Vivian Maiers Bildern erscheint. Er wird fragmentiert oder vor einen anderen Spiegel gestellt oder so positioniert, dass sein Gesicht in einer endlosen Kaskade auf andere Spiegel projiziert wird. Er ist das Instrument, mit dem die Künstlerin ihren eigenen Blick konfrontiert.

"Die späte Entdeckung des Werks von Vivian Maier, das leicht hätte verschwinden oder sogar zerstört werden können, war fast ein Widerspruch. Sie bedeutete eine völlige Umkehrung ihres Schicksals, denn dank dieser Entdeckung gelang es der einfachen Vivian Maier, dem Kindermädchen, posthum zur Vivian Maier, der Fotografin, zu werden", schreibt Anne Morin in der Präsentation der Ausstellung. In den großartigen Bildern, die vom 23. März bis zum 11. Juni 2023 im Palazzo Sarcinelli in Conegliano zu sehen sind, sehen wir die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts mit den Augen und in den Augen einer Ikone der Fotografiegeschichte.

L'exposition "Vivian Maier. Ombres et miroirs", composée de 93 autoportraits, raconte la grande photographe et sa recherche incessante d'un sens et d'une définition de son être. L'exposition est prévue au Palazzo Sarcinelli à Conegliano, du 23 mars au 11 juin 2023. L'exposition, dont le commissariat est assuré par Anne Morin en collaboration avec Tessa Demichel et Daniel Buso, est organisée par ARTIKA, en synergie avec diChroma Photography et la ville de Conegliano.

"Un portrait ne se fait pas dans l'appareil photo. Il se fait de part et d'autre de l'appareil". C'est ainsi que le photographe Edward Steichen résumait le principe de la photographie. Un processus créatif qui naît de la vision de l'artiste et ne se matérialise que plus tard dans la prise de vue. Dans le cas de Vivian Maier, son style, ses autoportraits, naissent d'une vision artistique de ce côté-ci de l'objectif photographique. Pour elle, photographier n'a jamais signifié créer des images imprimées et les diffuser dans le monde, mais plutôt un moyen de définir sa propre identité.

L'exposition retrace le travail de la célèbre nounou-photographe qui, grâce à l'appareil Rolleiflex puis au Leica, transporte idéalement le visiteur dans les rues de New York et de Chicago, où le jeu continu des ombres et des reflets montre la présence-absence de l'artiste qui, avec ses autoportraits, tente d'entrer en relation avec le monde qui l'entoure.

Vivian Maier a photographié pendant plus de quarante ans, à partir du début des années 1950, alors qu'elle travaillait comme nounou à New York et à Chicago. Elle a passé toute sa vie dans l'anonymat le plus complet, jusqu'en 2007, date à laquelle son corpus de photographies a été révélé au grand jour. Une œuvre énorme et impressionnante, composée de plus de 120 000 négatifs, de films Super 8 et 16 mm, de plusieurs enregistrements sonores, de quelques tirages photographiques et de centaines de bobines de film et de pellicules non développées. Son hobby omniprésent a fini par faire d'elle l'une des représentantes les plus acclamées de la photographie de rue. Les historiens de la photographie l'ont inscrite au panthéon, aux côtés de personnalités aussi extraordinaires que Diane Arbus, Robert Frank, Helen Levitt et Garry Winograd.

L'exposition au Palazzo Sarcinelli explore donc le thème des autoportraits de Vivian Maier, depuis ses premiers travaux dans les années 1950 jusqu'à la fin du XXe siècle. Un vaste ensemble d'œuvres caractérisées par une grande variété expressive et une complexité de réalisation technique. Sa recherche esthétique peut être ramenée à trois catégories clés, qui correspondent aux trois sections de l'exposition. La première s'intitule SHADOW (ombre). Vivian Maier a adopté cette technique en utilisant la projection de sa propre silhouette. C'est probablement la plus symptomatique et la plus reconnaissable de toutes les recherches formelles qu'elle a utilisées. L'ombre est la forme la plus proche de la réalité, c'est une copie simultanée. Elle est le premier niveau d'une autoreprésentation, puisqu'elle impose une présence sans rien révéler de ce qu'elle représente. Avec REFLECTION, à laquelle la deuxième section est consacrée, l'artiste parvient à ajouter quelque chose de nouveau à la photographie, à travers l'idée d'autoreprésentation. Elle utilise des moyens différents et élaborés pour se placer à la frontière entre le visible et l'invisible, le reconnaissable et le méconnaissable. Ses traits sont flous, quelque chose s'interpose devant son visage, s'ouvre sur un hors-champ ou se transforme sous nos yeux. Son visage nous échappe, mais pas la certitude de sa présence au moment où l'image est prise. Chaque photographie est en elle-même un acte de résistance à son invisibilité. Enfin, la section consacrée au MIRROR (miroir), un objet qui apparaît souvent dans les images de Vivian Maier. Il est fragmenté, placé devant un autre miroir ou positionné de manière à ce que son visage soit projeté sur d'autres miroirs, dans une cascade sans fin. C'est l'instrument par lequel l'artiste confronte son propre regard.

"La découverte tardive de l'œuvre de Vivian Maier, qui aurait pu facilement disparaître ou même être détruite, était presque une contradiction. Elle a entraîné un renversement complet de son destin, car grâce à cette découverte, une simple Vivian Maier, la nounou, a réussi à devenir, à titre posthume, Vivian Maier la photographe", écrit Anne Morin dans la présentation de l'exposition. Dans les splendides images présentées au public, du 23 mars au 11 juin 2023, au Palazzo Sarcinelli de Conegliano, nous verrons la seconde moitié du XXe siècle à travers les yeux et dans les yeux d'une icône de l'histoire de la photographie.

La mostra “Vivian Maier. Shadows and Mirrors”, composta da 93 autoritratti, racconta la grande fotografa e la sua ricerca incessante di trovare un senso e una definizione del proprio essere. L’esposizione è in programma presso Palazzo Sarcinelli a Conegliano, dal 23 marzo al 11 giugno 2023. La mostra, a cura di Anne Morin in collaborazione con Tessa Demichel e Daniel Buso, è organizzata da ARTIKA, in sinergia con diChroma Photography e la Città di Conegliano.

“Un ritratto non è fatto nella macchina fotografica. Ma su entrambi i lati di essa”, così il fotografo Edward Steichen riassumeva il principio della fotografia. Un processo creativo che ha origine dalla visione dell’artista e che si concretizza solo in un secondo tempo nello scatto. Nel caso di Vivian Maier: il suo stile, i suoi autoritratti, hanno origine da una visione artistica al di qua dell’obiettivo fotografico. Per lei fotografare non ha mai significato dar vita a immagini stampate e quindi diffuse nel mondo, quanto piuttosto un percorso di definizione della propria identità.

La mostra ripercorre l’opera della famosa tata-fotografa che, attraverso la fotocamera Rolleiflex e poi con la Leica, trasporta idealmente i visitatori per le strade di New York e Chicago, dove i continui giochi di ombre e riflessi mostrano la presenza-assenza dell’artista che, con i suoi autoritratti, cerca di mettersi in relazione con il mondo circostante.

Vivian Maier fotografò per più di quarant’anni, a partire dai primi anni ’50, pur lavorando come bambinaia a New York e a Chicago. Spese la sua intera vita nel più completo anonimato, fino al 2007, quando il suo corpus di fotografie vide la luce. Un enorme e impressionante mole di lavoro, costituita da oltre 120.000 negativi, film in super 8 e 16mm, diverse registrazioni audio, alcune stampe fotografiche e centinaia di rullini e pellicole non sviluppate. Il suo pervasivo hobby finì per renderla una delle più acclamate rappresentanti della street photography. Gli storici della fotografia l’hanno collocata nella hall of fame, accanto a personalità straordinarie come Diane Arbus, Robert Frank, Helen Levitt e Garry Winograd.

L’allestimento di Palazzo Sarcinelli esplora quindi il tema dell’autoritratto di Vivian Maier a partire dai suoi primi lavori degli anni ’50, fino alla fine del Novecento. Un nutrito corpus di opere caratterizzato da grande varietà espressiva e complessità di realizzazione tecnica. Le sue ricerche estetiche si possono ricondurre a tre categorie chiave, che corrispondono alle tre sezioni della mostra. La prima è intitolata SHADOW (l’ombra). Vivian Maier adottò questa tecnica utilizzando la proiezione della propria silhouette. Si tratta probabilmente delle più sintomatica e riconoscibile tra tutte le tipologie di ricerca formale da lei utilizzate. L’ombra è la forma più vicina alla realtà, è una copia simultanea. È il primo livello di una autorappresentazione, dal momento che impone una presenza senza rivelare nulla di ciò che rappresenta. Attraverso il REFLECTION (riflesso), a cui è dedicata la seconda sezione, l’artista riesce ad aggiungere qualcosa di nuovo alla fotografia, attraverso l’idea di auto-rappresentazione. L’autrice impiega diverse ed elaborate modalità per collocare sé stessa al limite tra il visibile e l’invisibile, il riconoscibile e l’irriconoscibile. I suoi lineamenti sono sfocati, qualcosa si interpone davanti al suo volto, si apre su un fuori campo o si trasforma davanti ai nostri occhi. Il suo volto ci sfugge ma non la certezza della sua presenza nel momento in cui l’immagine viene catturata. Ogni fotografia è di per sé un atto di resistenza alla sua invisibilità. Infine, la sezione dedicata al MIRROR (specchio), un oggetto che appare spesso nelle immagini di Vivian Maier. È frammentato o posto di fronte a un altro specchio oppure posizionato in modo tale che il suo viso sia proiettato su altri specchi, in una cascata infinita. È lo strumento attraverso il quale l’artista affronta il proprio sguardo.

“La scoperta tardiva del lavoro di Vivian Maier, che avrebbe potuto facilmente scomparire o addirittura essere distrutto, è stata quasi una contraddizione. Ha comportato un completo capovolgimento del suo destino, perché grazie a quel ritrovamento, una semplice Vivian Maier, la tata, è riuscita a diventare, postuma, Vivian Maier la fotografa”, scrive Anne Morin nella presentazione della mostra. Nelle splendide immagini in mostra al pubblico, dal 23 marzo al 11 giugno 2023, presso Palazzo Sarcinelli a Conegliano, vedremo la seconda metà del Novecento con gli occhi e negli occhi di un’icona della storia della fotografia.

The exhibition "Vivian Maier. Shadows and Mirrors," consisting of 93 self-portraits, chronicles the great photographer and her relentless quest to find meaning and definition of her own being. The exhibition is on view at Palazzo Sarcinelli in Conegliano, Italy, from March 23 to June 11, 2023. The exhibition, curated by Anne Morin in collaboration with Tessa Demichel and Daniel Buso, is organized by ARTIKA, in synergy with diChroma Photography and the City of Conegliano.

"A portrait is not made in the camera. But on both sides of it," is how photographer Edward Steichen summed up the principle of photography. A creative process that originates from the artist's vision and only later materializes in the shot. In Vivian Maier's case: her style, her self-portraits, originated from an artistic vision on this side of the photographic lens. For her, photographing never meant giving birth to images that were printed and then disseminated to the world, but rather a path of defining her own identity.

The exhibition traces the work of the famous nanny-photographer, who, through the Rolleiflex camera and then with the Leica, ideally transports visitors through the streets of New York and Chicago, where the continuous play of shadows and reflections show the presence-absence of the artist who, with her self-portraits, tries to relate to the world around her.

Vivian Maier photographed for more than forty years, beginning in the early 1950s, while working as a nanny in New York and Chicago. She spent her entire life in complete anonymity until 2007, when her body of photographs saw the light of day. A huge and impressive body of work, it consisted of more than 120,000 negatives, super 8 and 16mm film, several sound recordings, some photographic prints and hundreds of rolls and undeveloped film. Her pervasive hobby ended up making her one of the most acclaimed representatives of street photography. Historians of photography have placed her in the hall of fame alongside such extraordinary personalities as Diane Arbus, Robert Frank, Helen Levitt and Garry Winograd.

The exhibition at Palazzo Sarcinelli thus explores Vivian Maier's theme of self-portraiture from her early work in the 1950s through the late 20th century. A large body of works characterized by great variety of expression and complexity of technical achievement. His aesthetic investigations can be traced to three key categories, which correspond to the three sections of the exhibition. The first is entitled SHADOW. Vivian Maier adopted this technique using the projection of her own silhouette. It is probably the most symptomatic and recognizable of all the types of formal research she used. The shadow is the form closest to reality; it is a simultaneous copy. It is the first level of a self-representation, since it imposes a presence without revealing anything of what it represents. Through REFLECTION (reflection), to which the second section is devoted, the artist manages to add something new to photography through the idea of self-representation. The author employs different and elaborate ways to place herself on the boundary between the visible and the invisible, the recognizable and the unrecognizable. Her features are blurred, something interposes itself in front of her face, opens on an off-screen or transforms before our eyes. His face escapes us but not the certainty of his presence at the moment the image is captured. Each photograph is itself an act of resistance to his invisibility. Finally, the section devoted to the MIRROR (mirror), an object that often appears in Vivian Maier's images. It is fragmented or placed in front of another mirror or positioned in such a way that her face is projected onto other mirrors, in an endless cascade. It is the instrument through which the artist confronts her own gaze.

"The late discovery of Vivian Maier's work, which could easily have disappeared or even been destroyed, was almost a contradiction. It entailed a complete reversal of her destiny, because thanks to that discovery, a simple Vivian Maier, the nanny, managed to become, posthumously, Vivian Maier the photographer," writes Anne Morin in the exhibition presentation. In the stunning images on public display from March 23 to June 11, 2023, at Palazzo Sarcinelli in Conegliano, we will see the second half of the 20th century through the eyes and in the eyes of an icon in the history of photography.

Museo di Palazzo Grimani | Venezia
18. Januar - 4. Juni 2023

Fotografare da Venezia in poi
Inge Morath

Das Museum des Palazzo Grimani in Venedig würdigt die Persönlichkeit der Fotografin Inge Morath (Graz 1923 - New York 2002) mit einer neuen Abteilung für Italien, die der Lagunenstadt gewidmet ist, in der ihre Karriere begann.

Es war die Liebe, die das frisch verheiratete Paar Inge Morath und Lionel Burch im November 1951 nach Venedig führte. Und es waren das schlechte Wetter in der Lagune und Robert Capa, die sie, die nicht direkt mit der Fotografie vertraut war, aber bereits mit der berühmten Pariser Fotoagentur zusammenarbeitete, dazu brachten, die erste Fotografin der Agentur Magnum Photos zu werden.

Die Ausstellung, die vom 18. Januar bis zum 4. Juni 2023 im Museum Palazzo Grimani zu sehen sein wird, stellt Inge Moraths Venedig in den Mittelpunkt, und zwar anhand der berühmten Reportage, die die österreichische Fotografin in der Lagune gemacht hat, als die Agentur Magnum sie im Auftrag des Kunstmagazins L'Oeil in die Stadt schickte, das eine Reportage der legendären Mary McCarthy mit venezianischen Ansichten begleiten wollte.

Die Ausstellung "Inge Morath - Fotografien ab Venedig" wird von Kurt Kaidl und Brigitte Blüml unter der Leitung von Valeria Finocchi kuratiert und von der Direktion der Museen der Region Venetien (Direktor Daniele Ferrara) und der Firma Suazes gefördert, die vor einigen Jahren den Werdegang der Fotografin in Italien ausführlich bekannt gemacht hat.

Während ihres ersten Aufenthalts in Venedig arbeitete Morath bei Magnum nicht als Fotografin, sondern als redaktionelle Mitarbeiterin. In der Praxis war sie, auch dank ihrer Sprachkenntnisse, für die Bildunterschriften ihrer Fotografenkollegen vom Kaliber eines Henri Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger oder Robert Capa verantwortlich.

Sie hat nicht fotografiert, aber es fehlte ihr nicht an Auge und Sensibilität. In jenem November verzauberte sie das Licht von Venedig im Regen so sehr, dass sie Robert Capa, den Chef von Magnum, anrief und ihm vorschlug, einen Fotografen zu schicken, um den Zauber einzufangen, der sie so verblüffte. Capa antwortete, dass ein Magnum-Fotograf bereits in Venedig sei: Sie sei es, die die Kamera habe. Jetzt musste ich nur noch eine Filmrolle kaufen, sie einlegen und mit dem Fotografieren beginnen.

"Ich war ganz aufgeregt. Ich ging zu dem Ort, an dem ich meine Fotos machen wollte, und blieb stehen: an einer Straßenecke, an der Leute vorbeigingen, die mir interessant erschienen. Ich stellte die Kamera ein und drückte auf den Auslöser, sobald ich sah, dass alles so war, wie ich es wollte. Es war wie eine Offenbarung. In einem Augenblick etwas zu erkennen, das schon so lange in mir war, es in dem Moment festzuhalten, in dem es die Form angenommen hatte, die ich für richtig hielt. Danach gab es für mich kein Halten mehr".

1955, vier Jahre nach diesen ersten Fotos, kam der Auftrag der Zeitschrift L'Oeil. In Venedig angekommen, verspürte er den Drang, die Stadt zu erkunden, und so "wanderte ich stundenlang ziellos umher, nur schauend, besessen von der reinen Freude, einen Ort zu sehen und zu entdecken. Natürlich hatte ich Bücher über Venedig verschlungen, über die Malerei und was ich tun sollte. Mein Gehirn war voll davon...".

"Mein größtes Vergnügen war es, in der Scuola degli Schiavoni zu sitzen und mich in die Werke von Carpaccio zu vertiefen, fast immer allein. Oder die Zeit in der Gesellschaft von Tiepolo zu verbringen, war das Ende der Welt. Abends waren meine Füße müde, und selbst im Schlaf lief ich noch über unzählige Brücken, die Wellen der Kanäle waren wie versteinert".

Dann der Friedhof auf der Insel San Michele, Burano, Murano, Torcello, Prozessionen, der Erlöser, Katzen und hängende Wäsche, Denkmäler, Wasser und einfache Menschen...

"Wie glücklich wäre ich, wenn ich mit meiner Kamera etwas eingefangen hätte, das mich bewegt, wie die Frau vor dem Tor des Fürstenbergpalastes mit den Ellbogen im Rücken oder die vergessenen Schuhe vor einem Brunnen, das alltägliche Leben in seiner ganzen prekären Schönheit".

"Die Fotografie war für mich zu einer Notwendigkeit geworden und ich wollte sie auf keinen Fall mehr missen.

In der Ausstellung werden rund 200 Fotografien gezeigt, die sich speziell auf Venedig konzentrieren, auch mit Hilfe von bisher unveröffentlichten Dokumenten. Viele dieser venezianischen Fotografien, etwa 80, wurden noch nie in Italien ausgestellt.

Begleitet werden sie von einer Auswahl seiner wichtigsten Fotoreportagen über Spanien, Iran, Frankreich, England-Irland, die Vereinigten Staaten von Amerika, China und Russland sowie einem Abschnitt, der den Porträts gewidmet ist, einem sehr wichtigen Abschnitt im letzten Teil seiner Karriere.

Ein Projekt, das mit dem 100. Geburtstag von Inge Morath (Graz 1923) zusammenfällt.

Daniele Ferrara, Regionaldirektor der Museen von Venetien, erklärt: "Das Museum des Palazzo Grimani, staatliches Institut der Direktion der Museen der Region Venetien - Ministerium für Kultur, setzt seine Beziehung zu hohen Ausdrucksformen zeitgenössischer Kreativität fort. Das Konzept ist das eines Werkstattmuseums, das die Funktion eines Schmelztiegels künstlerischer Erfahrungen übernimmt, die der Palazzo zwischen dem 16. und 18. Nach "Archinto", einer ortsspezifischen Ausstellung des deutschen Meisters Georg Baselitz mit Werken, die im Dialog mit dem Raum des Palazzo und seiner Sammlung stehen, zeigte das Museum eine Ausstellung bedeutender italienischer Comic-Künstler, "After the End". Narrative Architekturen und neue Menschlichkeit". Jetzt wendet sich das Museum der Fotografie zu, eine Entscheidung, die sich auch aus dem gemeinsamen Engagement der Museumsabteilung Venetiens und des Zentralinstituts für Katalog und Dokumentation für die Erforschung, den Schutz und die Aufwertung des fotografischen Erbes ergibt". 

Diese Konzepte werden von Valeria Finocchi, der Direktorin des Museums Palazzo Grimani, bestätigt: "Seit einigen Jahren durchläuft das Museum einen bedeutenden Aufwertungsprozess dank der effektiven öffentlich-privaten Zusammenarbeit mit angesehenen Organisationen wie der Stiftung für das venezianische Kulturerbe und der unablässigen Arbeit an der Entwicklung neuer Inhalte und neuer Perspektiven für die Interpretation des wertvollen künstlerischen und architektonischen Erbes, die das interne Personal und die Mitarbeiter von der historisch-museologischen Forschung bis hin zur Gestaltung von Verbreitungs- und Bildungserlebnissen auf hohem Niveau einbeziehen. Durch die Renovierung zahlreicher Säle im Piano Nobile, darunter die berühmte Tribüne (2019) und die Sala del Doge (2021), ist der Palazzo wieder ins Zentrum der venezianischen Kulturszene gerückt und wendet sich heute an ein anderes Publikum, das dank der Projekte, die der Aufwertung des immateriellen Erbes des Referenzgebiets gewidmet sind, eine neue Beziehung zur Stadt selbst aufbaut.

Marco Minuz von Suazes als Mitorganisator des Ausstellungsprojekts: "Diese Zusammenarbeit mit der Museumsdirektion Venetien und dem Museum Palazzo Grimani ist die Fortsetzung einer Arbeit, die wir vor einigen Jahren unternommen haben, um die Figur dieses außergewöhnlichen Fotografen in unserem Land bekannt zu machen.

Le musée du Palazzo Grimani à Venise célèbre la figure de la photographe Inge Morath (Graz 1923 - New York 2002) avec une nouvelle section pour l'Italie consacrée à la ville lagunaire où sa carrière a débuté.

C'est l'amour qui a amené les jeunes mariés Inge Morath et Lionel Burch à Venise en novembre 1951. Et c'est le mauvais temps dans la lagune et Robert Capa qui ont fait qu'elle, qui n'était pas directement familiarisée avec la photographie mais travaillait déjà avec la célèbre agence parisienne, est devenue la première femme photographe de l'agence Magnum Photos.

L'exposition qui sera présentée au Musée Palazzo Grimani du 18 janvier au 4 juin 2023 se concentre sur la Venise d'Inge Morath, à travers le célèbre reportage que la photographe autrichienne a réalisé dans la Lagune, lorsque l'Agence Magnum l'a envoyée dans la ville pour le compte de L'Oeil, un magazine d'art qui avait choisi d'accompagner un reportage de la légendaire Mary McCarthy de vues vénitiennes.

"Inge Morath Photographing from Venice onwards" est organisée par Kurt Kaidl et Brigitte Blüml, avec Valeria Finocchi ; elle est promue par la Direction régionale des musées de Vénétie (directeur Daniele Ferrara) et la société Suazes, qui, il y a quelques années, a fait connaître en détail la carrière de cette photographe en Italie.

Lors de son premier séjour à Venise, Morath travaillait chez Magnum non pas en tant que photographe mais en tant que collaborateur éditorial. En pratique, elle était chargée, grâce aussi à sa connaissance des langues, des légendes accompagnant les images de ses collègues photographes, de la trempe d'Henri Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger et Robert Capa.

Elle ne photographiait pas, mais elle ne manquait pas d'œil et de sensibilité. En ce mois de novembre, la lumière de Venise sous la pluie l'a envoûtée, à tel point qu'elle a appelé Robert Capa, directeur de Magnum, pour lui suggérer d'envoyer un photographe capturer la magie qui l'étonnait tant. Capa a répondu qu'un photographe de Magnum était déjà à Venise : c'était elle avec l'appareil photo. Il ne restait plus qu'à acheter un rouleau de film, le charger et commencer à tirer.

"J'étais tout excité. Je me suis rendu à l'endroit où je voulais prendre mes photos et je me suis arrêté : un coin de rue où les gens passaient d'une manière qui me semblait intéressante. J'ai réglé l'appareil photo et appuyé sur le bouton de l'obturateur dès que j'ai vu que tout était exactement comme je le voulais. C'était comme une révélation. Réaliser en un instant quelque chose qui était en moi depuis si longtemps, le capturer au moment où il a pris la forme qui me semblait la plus juste. Après cela, rien ne pouvait m'arrêter".

En 1955, quatre ans après ces premières photographies, la commande du magazine L'Oeil arrive. Une fois à Venise, il a ressenti l'envie d'explorer la ville et "pendant des heures, j'ai erré sans but, en regardant simplement, obsédé par la simple joie de voir et de découvrir un lieu". Bien sûr, j'avais dévoré des livres sur Venise, sur la peinture et sur ce que j'étais censée faire. Mon cerveau en était rempli...".

"Mon plus grand plaisir était de m'asseoir à la Scuola degli Schiavoni et de me plonger dans les œuvres de Carpaccio, presque toujours seul. Ou passer du temps en compagnie de Tiepolo, c'était la fin du monde. Le soir, mes pieds étaient fatigués et même dans mon sommeil, je me retrouvais encore à marcher sur d'innombrables ponts, les vagues des canaux comme pétrifiées'.

Puis le cimetière sur l'île de San Michele, Burano, Murano, Torcello, les processions, le Rédempteur, les chats et le linge suspendu, le monument, l'eau et les gens ordinaires...

"Comme je serais heureux d'avoir capturé avec mon appareil photo quelque chose qui m'a ému, comme la femme devant la grille du palais Furstenberg avec les coudes pliés derrière le dos ou les chaussures oubliées devant une fontaine, la vie quotidienne dans toute sa beauté précaire".

"La photographie était devenue une nécessité pour moi et je ne voulais absolument plus m'en passer.

L'exposition dans son ensemble rassemble environ 200 photographies qui auront un regard spécifique et inédit sur Venise, avec également le support d'une documentation inédite. Un grand nombre de ces photographies vénitiennes, environ 80, n'ont jamais été exposées en Italie auparavant.

Ils sont accompagnés d'une sélection de ses principaux reportages photographiques consacrés à l'Espagne, à l'Iran, à la France, à l'Angleterre-Irlande, aux États-Unis d'Amérique, à la Chine et à la Russie, ainsi que d'une section consacrée aux portraits, une section très importante dans la dernière partie de sa carrière.

Un projet qui coïncide avec le 100e anniversaire de la naissance d'Inge Morath (Graz 1923).

Comme l'a déclaré Daniele Ferrara, directeur régional des musées de Vénétie : "Le rapport du musée du Palazzo Grimani, institut d'État de la direction régionale des musées de Vénétie - ministère de la Culture, avec les hautes expressions de la créativité contemporaine se poursuit. Le concept est celui d'un musée-atelier, qui hérite de cette fonction de creuset des expériences artistiques réalisées par le Palazzo entre le XVIe et le XVIIIe siècle. Après "Archinto", une exposition in situ du maître allemand Georg Baselitz avec des œuvres qui dialoguent avec l'espace du Palazzo et sa collection, le musée a accueilli une exposition d'importants artistes italiens de la bande dessinée, "After the End". Architectures narratives et nouvelle humanité". Aujourd'hui, le musée se tourne vers la photographie, un choix qui découle également de l'engagement commun du département des musées de la Vénétie et de l'Institut central de catalogage et de documentation pour l'étude, la protection et la valorisation du patrimoine photographique". 

Ces concepts sont confirmés par Valeria Finocchi, directrice du musée du Palazzo Grimani : "Depuis quelques années, le musée connaît un important processus de valorisation grâce à l'efficace collaboration public-privé avec des organismes prestigieux comme la Fondation du patrimoine vénitien et au travail incessant de construction de nouveaux contenus et de nouvelles perspectives d'interprétation de son précieux patrimoine artistique et architectural, qui engage le personnel interne et les collaborateurs de la recherche historico-muséologique à la conception d'expériences de diffusion et d'éducation de haut niveau. Grâce à la rénovation de nombreuses salles du piano nobile, dont la célèbre Tribuna, en 2019, et la Sala del Doge, en 2021, le Palazzo est revenu au centre de la scène culturelle vénitienne et s'adresse désormais à des publics différents, dans une relation renouvelée avec la ville elle-même grâce à des projets dédiés à la récupération du patrimoine immatériel du territoire de référence".

Marco Minuz de Suazes en tant que co-organisateur du projet d'exposition : "Cette collaboration avec la Direction des musées de Vénétie et le musée du Palazzo Grimani vient enrichir un travail que nous avons entrepris il y a quelques années pour faire découvrir à notre pays la figure de ce photographe extraordinaire.

Il Museo di Palazzo Grimani di Venezia celebra la figura della fotografa Inge Morath (Graz 1923 – New York 2002) con una sezione inedita per l’Italia dedicata alla città lagunare dove la sua carriera ebbe avvio.

È stato l’amore a condurre nel novembre del 1951 Inge Morath e Lionel Burch, neo sposi, a Venezia. E sono stati il maltempo in Laguna e Robert Capa, a far diventare lei, che con la fotografia non aveva dimestichezza diretta ma che collaborava già con la celebre agenzia fotografica parigina, la prima donna fotografa dell’Agenzia Magnum Photos.

La mostra che dal 18 gennaio al 4 giugno 2023 si ammirerà al Museo di Palazzo Grimani focalizza la Venezia di Inge Morath, attraverso il celebre reportage che la fotografa austriaca realizzò in Laguna, quando l’Agenzia Magnum la inviò in città per conto de L’Oeil, rivista d’arte che aveva scelto di corredare con scorci veneziani un reportage della mitica Mary McCarthy.

“Inge Morath Fotografare da Venezia in poi” è curata da Kurt Kaidl e Brigitte Blüml, con Valeria Finocchi; promossa dalla Direzione regionale Musei Veneto (direttore Daniele Ferrara) e la società Suazes che, alcuni anni fa, ha fatto conoscere in maniera dettagliata la carriera di questa fotografa in Italia.

All’epoca del primo soggiorno veneziano, la Morath lavorava in Magnum non come fotografa ma come collaboratrice redazionale. In pratica si occupava, anche grazie alla sua conoscenza delle lingue, della realizzazione delle didascalie che accompagnavano le immagini dei suoi colleghi fotografi, del calibro di Henri Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger e Robert Capa.

Non fotografava, ma non le mancavano occhio e sensibilità. In quel novembre, la luce di Venezia sotto la pioggia la stregò, tanto da indurla a chiamare Robert Capa, responsabile della Magnum, per suggerirgli di inviare un fotografo in grado di catturare la magia che tanto la stava stupendo. Capa le rispose che un fotografo di Magnum a Venezia c’era già: era lei con la macchina fotografica. Non restava che comprare un rullino, caricarla e iniziare a fotografare.

“Ero tutta eccitata. Sono andata nel luogo in cui volevo scattare le mie fotografie e mi sono fermata: un angolo di strada dove la gente passava in un modo che mi sembrava interessante. Ho regolato la fotocamera e ho premuto il pulsante di scatto non appena ho visto che tutto era esattamente come volevo. È stata come una rivelazione. Realizzare in un istante qualcosa che mi era rimasto dentro per così tanto tempo, catturandolo nel momento in cui aveva assunto la forma che sentivo giusta. Dopo di che, non c'è stato più modo di fermarmi”.

Nel 1955, quattro anni dopo quelle prime fotografie, arriva l’incarico dalla rivista L'Oeil. Una volta a Venezia, avverte l’urgenza di esplorare la città e così “per ore andai in giro senza meta, solo a guardare, ossessionata dalla pura gioia di vedere e scoprire un luogo. Ovviamente avevo divorato libri su Venezia, sulla pittura e su quello che avrei dovuto fare. Il mio cervello ne era pieno… “.

“Il mio divertimento maggiore era quello di sedermi alla Scuola degli Schiavoni ed immergermi nelle opere di Carpaccio, quasi sempre da sola. O passare il tempo in compagnia del Tiepolo, era la fine del mondo. La sera i miei piedi erano stanchi e anche nel sonno mi trovavo ancora a camminare su innumerevoli ponti, le onde dei canali come pietrificate”.

Poi il Cimitero all’Isola di San Michele, Burano, Murano, Torcello, le processioni, il Redentore, i gatti ed i panni stesi, monumento, acqua e la gente comune…

“Come sarei felice di aver catturato con la mia macchina fotografica qualcosa che mi ha commosso, come la donna davanti al cancello del Palazzo Furstenberg con i gomiti piegati dietro la schiena o le scarpe dimenticate davanti a una fontana, la quotidianità in tutto la sua precaria bellezza”.

“Fotografare era diventata per me una necessità e non volevo assolutamente più farne a meno”.

La mostra nel suo complesso raccoglie circa 200 fotografie che avranno un focus specifico e inedito su Venezia anche con il supporto di documentazione inedita. Molte di queste fotografie veneziane, circa un’ottantina, non sono mai state esposte prima in Italia.

A corredo una selezione dei suoi principali reportage fotografici dedicati alla Spagna, Iran, Francia, Inghilterra-Irlanda, Stati Uniti d’America, Cina e Russia, oltre che la sezione dedicata ai ritratti, sezione molto importante nella sua ultima parte di carriera.

Un progetto che cade in concomitanza dei cento anni della nascita di Inge Morath (Graz 1923).

Come dichiara Daniele Ferrara, direttore regionale Musei Veneto: “Prosegue il rapporto del Museo di Palazzo Grimani, Istituto statale della Direzione regionale musei Veneto – Ministero della Cultura, con espressioni alte della creatività contemporanea Il concetto è quello di un museo laboratorio, che eredita quella funzione di crogiuolo di esperienze artistiche svolta dal Palazzo tra il Cinque e il Settecento. Successivamente ad “Archinto”, mostra site specific del maestro tedesco Georg Baselitz con opere dialoganti con lo spazio del Palazzo e la sua collezione, il museo ha accolto l’esposizione di importanti artisti italiani del fumetto, “Dopo la fine. Architetture narrative e nuove umanità”. Ora il Museo volge lo sguardo alla fotografia ed è scelta che scaturisce anche dall’impegno congiunto della Direzione Musei Veneto e dell’Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione per lo studio, la tutela e la valorizzazione del patrimonio fotografico”. 

Concetti che vengono confermati da Valeria Finocchi, direttrice del Museo di Palazzo Grimani: “Il Museo da alcuni anni è oggetto di un'importante processo di valorizzazione grazie alla fattiva collaborazione pubblico-privato con prestigiose realtà come la Fondazione Venetian Heritage e all’incessante lavoro di costruzione di nuovi contenuti e nuove prospettive di lettura del suo prezioso patrimonio artistico e architettonico, che impegnano lo staff interno e i collaboratori dalla ricerca storico-museologica fino alla progettazione di esperienze di alta divulgazione ed educative. Attraverso il riallestimento di numerosi ambienti del piano nobile, tra cui la celebre Tribuna, nel 2019, e la Sala del Doge, nel 2021, il Palazzo è tornato al centro della scena culturale veneziana e oggi si rivolge a pubblici differenziati, in un rinnovato rapporto con la città stessa grazie a progetti dedicati al recupero del patrimonio immateriale del territorio di riferimento”.

Marco Minuz di Suazes come coorganizzatore del progetto espositivo: “Questa collaborazione con la Direzione museale del Veneto e con il Museo di Palazzo Grimani valorizza un lavoro da noi intrapreso qualche anno fa per far scoprire al nostro paese la figura di questa straordinari fotografa”.

The Museum of Palazzo Grimani in Venice celebrates the figure of photographer Inge Morath (Graz 1923 - New York 2002) with a previously unseen section for Italy dedicated to the lagoon city where her career began.

It was love that led newlyweds Inge Morath and Lionel Burch to Venice in November 1951. And it was bad weather in the Lagoon and Robert Capa who made her, who was not directly familiar with photography but was already working with the famous Parisian photo agency, the first woman photographer for the Magnum Photos Agency.

The exhibition to be seen at the Palazzo Grimani Museum from Jan. 18 to June 4, 2023, focuses on Inge Morath's Venice through the famous reportage that the Austrian photographer made in the Lagoon, when the Magnum Agency sent her to the city on behalf of L'Oeil, an art magazine that had chosen to accompany a reportage by the legendary Mary McCarthy with Venetian views.

"Inge Morath Photographing from Venice onward" is curated by Kurt Kaidl and Brigitte Blüml, with Valeria Finocchi; sponsored by the Veneto Regional Museums Directorate (director Daniele Ferrara) and the Suazes Society, which, a few years ago, detailed the career of this photographer in Italy.

At the time of her first Venetian sojourn, Morath worked at Magnum not as a photographer but as an editorial associate. She was basically in charge, thanks in part to her knowledge of languages, of creating captions that accompanied the images of her fellow photographers, the likes of Henri Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger, and Robert Capa.

She did not photograph, but she did not lack an eye and sensitivity. In that November, the light of Venice in the rain bewitched her, so much so that she called Robert Capa, head of Magnum, to suggest that he send a photographer who could capture the magic that was so stunning to her. Capa replied that a Magnum photographer in Venice was already there: it was her with the camera. All that was left was to buy a roll of film, load it up, and start photographing.

"I was all excited. I went to the place where I wanted to take my pictures and stopped: a street corner where people were walking by in a way that seemed interesting to me. I adjusted the camera and pressed the shutter button as soon as I saw that everything was exactly as I wanted. It was like a revelation. Realizing in an instant something that had been inside me for so long, capturing it in the moment when it had taken the shape I felt was right. After that, there was no stopping me."

In 1955, four years after those first photographs, came an assignment from L'Oeil magazine. Once in Venice, she felt the urge to explore the city and so "for hours I walked around aimlessly, just looking, obsessed with the pure joy of seeing and discovering a place. Of course I had devoured books about Venice, about painting and what I was supposed to do. My brain was full of them ... ".

"My greatest enjoyment was to sit at the Scuola degli Schiavoni and immerse myself in Carpaccio's works, almost always alone. Or spending time in the company of Tiepolo, it was the end of the world. In the evening my feet were tired and even in my sleep I still found myself walking on countless bridges, the waves of the canals as if petrified."

Then the Cemetery at St. Michael's Island, Burano, Murano, Torcello, processions, the Redeemer, cats and hanging laundry, monument, water and ordinary people...

"How happy I would be to have captured with my camera something that moved me, like the woman in front of the gate of the Furstenberg Palace with her elbows bent behind her back or the forgotten shoes in front of a fountain, the everyday in all its precarious beauty."

"Photography had become a necessity for me and I absolutely did not want to do without it anymore."

The exhibition as a whole brings together about 200 photographs that will have a specific and unprecedented focus on Venice also with the support of unpublished documentation. Many of these Venetian photographs, about 80 of them, have never before been exhibited in Italy.

Accompanying them is a selection of his major photographic reportages devoted to Spain, Iran, France, England-Ireland, the United States of America, China and Russia, as well as a section devoted to portraits, a very important section in the latter part of his career.

A project that falls in conjunction with the 100th anniversary of Inge Morath's birth (Graz 1923).

As Daniele Ferrara, regional director Museums Veneto, states, "The relationship of the Museum of Palazzo Grimani, a state institute of the Veneto Regional Museums Directorate - Ministry of Culture, with high expressions of contemporary creativity continues The concept is that of a laboratory museum, which inherits that function of melting pot of artistic experiences carried out by the Palace between the 16th and 18th centuries. Following "Archinto," a site-specific exhibition by the German master Georg Baselitz with works dialoguing with the space of the Palace and its collection, the museum welcomed an exhibition by leading Italian comic artists, "After the End. Narrative Architectures and New Humanities." Now the museum turns its gaze to photography, and it is a choice that also stems from the joint commitment of the Veneto Museums Department and the Central Institute for Catalogue and Documentation to the study, protection and enhancement of the photographic heritage." 

Concepts that are confirmed by Valeria Finocchi, director of the Museum of Palazzo Grimani: "For some years now, the Museum has been undergoing an important process of valorization thanks to the effective public-private collaboration with prestigious entities such as the Venetian Heritage Foundation and the incessant work of building new contents and new perspectives of interpretation of its precious artistic and architectural heritage, which engage the internal staff and collaborators from historical-museological research to the design of high popularization and educational experiences. Through the refurbishment of numerous rooms on the piano nobile, including the famous Tribuna, in 2019, and the Doge's Room, in 2021, the Palace has returned to the center of the Venetian cultural scene and now addresses differentiated audiences, in a renewed relationship with the city itself thanks to projects dedicated to the recovery of the intangible heritage of the reference territory."

Marco Minuz of Suazes as co-organizer of the exhibition project: "This collaboration with the Veneto Museum Directorate and the Museum of Palazzo Grimani enhances a work we undertook a few years ago to make our country discover the figure of this extraordinary photographer."

(Text: Museo di Palazzo Grimani, Venezia)

Palazzo Sarcinelli | Conegliano
7. Oktober 2022 - 29. Januar 2023

Paparazzo Superstar
Ron Galella

In Conegliano wird im Palazzo Sarcinelli vom 7. Oktober 2022 bis zum 29. Januar 2023 eine große Ausstellung mit über 180 Fotografien von Ron Galella, dem berühmtesten Paparazzo der Fotografiegeschichte, der am 30. April im Alter von 91 Jahren verstorben ist, gezeigt. Dies ist die weltweit erste Retrospektive des großen amerikanischen Fotografen italienischer Herkunft seit seinem Tod. Die von SIME BOOKS in Zusammenarbeit mit der Stadt Conegliano organisierte und produzierte Ausstellung wird von Alberto Damian, Galellas Agent und Galerist für Italien, kuratiert.

Andy Warhol sagte über Ron Galella: "Ein gutes Foto muss eine berühmte Person zeigen, die etwas tut, das nicht berühmt ist. Deshalb ist mein Lieblingsfotograf Ron Galella".

Galella wurde 1931 in New York im Stadtteil Bronx als Sohn eines italienischen Vaters aus Muro Lucano in der Basilicata und einer italo-amerikanischen Mutter geboren.

Seit 1965 jagte, verfolgte und fotografierte Ron Galella die großen Persönlichkeiten seiner Zeit und schaffte es, sie in ihrem außergewöhnlichen Alltag einzufangen, wobei er fast immer überraschend, ohne ihr Wissen und oft gegen ihren Willen handelte. Bilder, die gestohlen und in Serien aufgenommen wurden, das Ergebnis von Hinterhalten, Ablenkungsmanövern, Tarnungen, Verfolgungsjagden, langen Wartezeiten, unter Missachtung aller physischen und rechtlichen Risiken.

Jackie Kennedy reichte in den 1970er Jahren zwei Klagen gegen ihn ein, die es in die Zeitungen schafften und die Aufmerksamkeit der damaligen amerikanischen Fernsehnachrichten erregten. Richard Burtons Leibwächter verprügelten ihn und ließen ihn eine Nacht im Gefängnis in Cuernavaca, Mexiko, verbringen. Marlon Brando schlug ihn und brach ihm den Kiefer und fünf Zähne, zahlte ihm dann aber über seine Anwälte eine hohe Entschädigung.

Galella wurde von Newsweek als "Paparazzo Extraordinaire" und von Time und Vanity Fair als "The Godfather of American Paparazzi" bezeichnet. Seine Fotos befinden sich in den bedeutendsten Museen der Welt, vom MOMA in New York bis zum Andy Warhol Museum in Pittsburgh, von der Tate Modern in London bis zur Helmut Newton Stiftung in Berlin. Und sie wurden von bedeutenden Privatsammlungen auf allen fünf Kontinenten erworben.

Es gibt keine bedeutende Persönlichkeit des internationalen Jetsets dieser Zeit, die Galella nicht fotografiert hat. Sein Archiv mit über 3 Millionen Aufnahmen ist voll mit Kisten voller Fotos - meist in Schwarz-Weiß - von Schauspielern, Musikern, Künstlern und Berühmtheiten aller Art. Um nur einige zu nennen: Jacqueline Kennedy Onassis, Lady Diana, Aristoteles Onassis, Truman Capote, Steve McQueen, Robert Redford, Paul Newman, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Al Pacino, Robert De Niro, Greta Garbo, Liza Minelli, Madonna, Elton John, John Lennon, Mick Jagger, Diana Ross, Elvis Presley, David Bowie. Und dann die Italiener: Sophia Loren, Claudia Cardinale, Federico Fellini, Anna Magnani, Luciano Pavarotti, Gianni Agnelli, Gianni und Donatella Versace.

Die Liste der von Galella verewigten Persönlichkeiten ließe sich seitenlang fortsetzen: In dem in seiner Villa in New Jersey aufbewahrten Archiv befindet sich eine sehr reichhaltige Dokumentation über die Entwicklung des Kostüms der 1960er, 1970er, 1980er und 1990er Jahre (seine "goldenen Jahre"), die weltweit als einzigartig gilt.

Und genau das Beste aus diesem monumentalen Archiv wird im Palazzo Sarcinelli in der großen Ausstellung "Ron Galella, Paparazzo Superstar" gezeigt, die von SIME BOOKS organisiert wird, dem Verlag aus Conegliano, der 2021 in Zusammenarbeit mit Galella selbst die wertvolle Monografie "100 Iconic Photographs - A Retrospective by Ron Galella", das letzte Buch des Künstlers, veröffentlicht hat.

Die Ausstellung ist eine Reise in die Erinnerung an eine Ära, mit universellen Ikonen des Kinos, der Kunst, der Musik, der Popkultur und der Kostüme, die sich in Themenräumen entfaltet und auch einen Ausschnitt aus "Smash His Camera" von Leon Gast zeigt, dem Dokumentarfilm über Galellas lange Karriere, der beim Sundance Film Festival 2010 ausgezeichnet wurde.

Der Höhepunkt der Ausstellung wird der Raum sein, der ganz Jackie Kennedy Onassis gewidmet ist, die Galella als "meine Obsession" bezeichnet und der er zwei ganze Bücher gewidmet hat. In diesem Raum wird eine Kopie des berühmten Bildes "Windblown Jackie" ausgestellt, das vor einigen Jahren von Time zu einem der 100 einflussreichsten Fotos in der Geschichte der Fotografie gewählt und von Galella selbst als "meine Mona Lisa" bezeichnet wurde. Das Datum des Ausstellungsbeginns wurde genau deshalb gewählt, weil "Windblown Jackie" am 7. Oktober 1971 aufgenommen wurde.

Es ist eine Ausstellung, die man nicht verpassen sollte und die uns in Zeiten von Selfies und Instagram in eine Zeit zurückversetzt, die es nicht mehr gibt, als die Stars vor allem durch die Seiten der wöchentlichen Gesellschafts- und Skandalmagazine, Plattencover, Poster und Filmplakate in unsere Häuser kamen. Dies war auch den Paparazzi und insbesondere Ron zu verdanken, dessen Fotos es uns ermöglichten, die Stars aus der Nähe zu sehen.

À Conegliano, le Palazzo Sarcinelli accueillera, du 7 octobre 2022 au 29 janvier 2023, une grande exposition avec plus de 180 photographies de Ron Galella, le paparazzo le plus célèbre de l'histoire de la photographie, décédé le 30 avril dernier à l'âge de 91 ans. Il s'agit de la première rétrospective au monde du grand photographe américain d'origine italienne depuis sa mort. L'exposition, organisée et produite par SIME BOOKS en collaboration avec la ville de Conegliano, est organisée par Alberto Damian, agent et galeriste de Galella pour l'Italie.

En parlant de Ron Galella, Andy Warhol a déclaré : "Une bonne photo doit représenter une personne célèbre faisant quelque chose de pas célèbre. C'est pourquoi mon photographe préféré est Ron Galella".

Galella est né à New York dans le quartier du Bronx en 1931 d'un père italien originaire de Muro Lucano en Basilicate et d'une mère italo-américaine.

À partir de 1965, Ron Galella a chassé, traqué et photographié les grandes personnalités de son temps, parvenant à les saisir dans leur quotidien extraordinaire, agissant presque toujours par surprise, à leur insu et souvent contre leur gré. Des images volées et tournées en rafale, fruit d'embuscades, de détournements, de camouflages, de poursuites, de longues attentes, au mépris de tout risque, physique ou juridique.

Jackie Kennedy a intenté deux procès contre lui dans les années 1970, qui ont fait la une des journaux et ont retenu l'attention des journaux télévisés américains de l'époque. Les gardes du corps de Richard Burton l'ont battu et l'ont fait passer une nuit en prison à Cuernavaca, au Mexique. D'un coup de poing, Marlon Brando lui a cassé la mâchoire et cinq dents, mais il lui a aussi versé une forte indemnité par l'intermédiaire de ses avocats.

Galella a été surnommé "Paparazzo Extraordinaire" par Newsweek et "The Godfather of American Paparazzi" par Time et Vanity Fair. Ses photos sont conservées dans les plus grands musées du monde, du MOMA de New York au musée Andy Warhol de Pittsburgh, de la Tate Modern de Londres à la Fondation Helmut Newton de Berlin. Et ils ont été acquis par d'importantes collections privées sur les cinq continents.

Il n'y a pas une seule personnalité de la jet-set internationale de cette époque que Galella n'ait pas photographiée. Ses archives, qui comptent plus de 3 millions de clichés, sont remplies de boîtes de photos - la plupart en noir et blanc - d'acteurs, de musiciens, d'artistes et de célébrités en tout genre. Pour n'en citer que quelques-uns : Jacqueline Kennedy Onassis, Lady Diana, Aristote Onassis, Truman Capote, Steve McQueen, Robert Redford, Paul Newman, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Al Pacino, Robert De Niro, Greta Garbo, Liza Minelli, Madonna, Elton John, John Lennon, Mick Jagger, Diana Ross, Elvis Presley, David Bowie. Et puis les Italiens : Sophia Loren, Claudia Cardinale, Federico Fellini, Anna Magnani, Luciano Pavarotti, Gianni Agnelli, Gianni et Donatella Versace.

La liste des personnalités immortalisées par Galella pourrait s'étendre sur des pages entières : les archives conservées dans sa villa du New Jersey contiennent une documentation très riche sur l'évolution du costume des années 60, 70, 80 et 90 (ses "années d'or"), considérée comme unique au monde.

Et c'est précisément le meilleur de ces archives monumentales qui arrive au Palazzo Sarcinelli dans la grande exposition "Ron Galella, Paparazzo Superstar", organisée par SIME BOOKS, la maison d'édition de Conegliano qui a publié en 2021, en collaboration avec Galella lui-même, la précieuse monographie "100 Iconic Photographs - A Retrospective by Ron Galella", le dernier livre de l'artiste.

L'exposition sera un voyage dans la mémoire d'une époque, avec des icônes universelles du cinéma, de l'art, de la musique, de la culture pop et du costume, et se déploiera à travers des salles thématiques, accueillant également un extrait de "Smash His Camera" de Leon Gast, le documentaire sur la longue carrière de Galella qui a été primé au Festival du film de Sundance 2010.

Le clou de l'exposition sera la salle entièrement consacrée à Jackie Kennedy Onassis, que Galella appelle "mon obsession" et à laquelle il a consacré deux livres entiers. Dans cette salle sera exposée une copie de la célèbre "Windblown Jackie", choisie par Time il y a quelques années comme "l'une des 100 photographies les plus influentes de l'histoire de la photographie" et définie comme "ma Mona Lisa" par Galella lui-même. La date de début de l'exposition a été choisie précisément parce que "Windblown Jackie" a été prise le 7 octobre 1971.

Il s'agira d'une exposition incontournable qui, à l'heure des selfies et d'Instagram, nous ramènera à une époque qui n'existe plus, où les stars entraient dans nos foyers principalement à travers les pages des hebdomadaires de société et de scandale, les pochettes de disques, les affiches et les posters de cinéma. C'est aussi grâce aux paparazzi et, en particulier, à Ron, dont les photos nous ont permis de voir les stars de plus près.

A Conegliano Palazzo Sarcinelli ospiterà, dal 7 ottobre 2022 al 29 gennaio 2023, un’importante mostra con oltre 180 fotografie di Ron Galella, il più famoso paparazzo della storia della fotografia, scomparso il 30 aprile scorso all’età di 91 anni. Si tratta della prima retrospettiva al mondo del grande fotografo statunitense di origini italiane, dopo la sua scomparsa. La mostra, organizzata e prodotta da SIME BOOKS in collaborazione con la Città di Conegliano, è a cura di Alberto Damian, agente e gallerista di Galella per l’Italia.

Parlando di Ron Galella, Andy Warhol ebbe a dire: “Una buona foto deve ritrarre un personaggio famoso che sta facendo qualcosa di non famoso. Ecco perché il mio fotografo preferito è Ron Galella”.

Galella è nato a New York nel quartiere Bronx nel 1931 da padre italiano originario di Muro Lucano in Basilicata e madre italo-americana.

Dal 1965 in poi, Ron Galella ha inseguito, stanato e fotografato i grandi personaggi del suo tempo, riuscendo a coglierli nella loro straordinaria quotidianità, agendo quasi sempre di sorpresa, a loro insaputa e spesso contro la loro volontà. Immagini rubate e scattate a raffica, frutto di appostamenti, depistaggi, camuffamenti, inseguimenti, lunghe attese, nello sprezzo di ogni rischio, fisico o legale.

Jackie Kennedy negli anni ’70 gli intentò due cause, che all’epoca fecero parlare i giornali e ricevettero l’attenzione dei telegiornali americani. Le guardie del corpo di Richard Burton lo picchiarono e gli fecero passare una notte in galera a Cuernavaca, Messico. Marlon Brando con un pugno gli spaccò una mascella e cinque denti, ma poi gli pagò anche un salatissimo risarcimento attraverso i suoi avvocati.

Galella è stato soprannominato “Paparazzo Extraordinaire” da Newsweek e “Il Padrino dei paparazzi americani” da Time e Vanity Fair. Le sue foto sono conservate nei più importanti musei al mondo, dal MOMA di New York all’Andy Warhol Museum di Pittsburgh, dalla Tate Modern di Londra all’Helmut Newton Foundation di Berlino. E sono state acquistate da importantissime collezioni private in tutti e cinque i continenti.

Non c’è un grande personaggio del jet-set internazionale di quel periodo che Galella non abbia fotografato. Il suo archivio di oltre 3 milioni di scatti è pieno di scatole di fotografie – per la maggior parte in bianco e nero – di attori, musicisti, artisti e celebrità di ogni tipo. Per citarne solo alcuni: Jacqueline Kennedy Onassis, Lady Diana, Aristotele Onassis, Truman Capote, Steve McQueen, Robert Redford, Paul Newman, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Al Pacino, Robert De Niro, Greta Garbo, Liza Minelli, Madonna, Elton John, John Lennon, Mick Jagger, Diana Ross, Elvis Presley, David Bowie. E poi gli italiani: Sophia Loren, Claudia Cardinale, Federico Fellini, Anna Magnani, Luciano Pavarotti, Gianni Agnelli, Gianni e Donatella Versace.

L’elenco dei personaggi immortalati da Galella potrebbe continuare per pagine: nell’archivio custodito nella sua villa in New Jersey c’è una ricchissima documentazione sull’evoluzione del costume degli anni ‘60, ’70, ’80 e ’90 (i suoi “golden years”, anni d’oro) che è ritenuta unica al mondo.

Ed è proprio il meglio di questo monumentale archivio che giunge a Palazzo Sarcinelli nella grande mostra “Ron Galella, Paparazzo Superstar”, organizzata da SIME BOOKS, la casa editrice coneglianese che nel 2021, in collaborazione con lo stesso Galella, ha pubblicato la preziosa monografia “100 Iconic Photographs – A Retrospective by Ron Galella”, l’ultimo libro dell’artista.

La mostra sarà un percorso nella memoria di un’epoca, con icone universali del cinema, dell’arte, della musica, della cultura pop e del costume, e si snoderà attraverso sale tematiche, accogliendo anche un estratto di “Smash His Camera” di Leon Gast, il documentario sulla lunga carriera di Galella premiato al Sundance Film Festival del 2010.

Il clou dell’esposizione sarà la sala interamente dedicata a Jackie Kennedy Onassis, che Galella definiva “la mia ossessione” e alla quale aveva dedicato due interi libri. In questa sala verrà esposta una copia della famosissima “Windblown Jackie”, scelta da Time qualche anno or sono come “una delle 100 fotografie più influenti della storia della fotografia” e definita “la mia Monna Lisa” dallo stesso Galella. La data d’inizio della mostra è stata scelta proprio perché “Windblown Jackie” è stata scattata il 7 ottobre del 1971.

Sarà una mostra imperdibile che, ai tempi dei selfie e di Instagram, ci porterà indietro ad un tempo che non esiste più, nel quale le star entravano nelle nostre case soprattutto attraverso le pagine dei settimanali di costume e scandalistici, le copertine dei dischi, i poster e le locandine dei film. Questo succedeva anche grazie ai paparazzi e, in particolare, a Ron, che con le sue fotografie ci ha permesso di vedere le stelle più da vicino.

In Conegliano Palazzo Sarcinelli will host, from October 7, 2022 to January 29, 2023, a major exhibition featuring more than 180 photographs by Ron Galella, the most famous paparazzo in the history of photography, who passed away on April 30 at the age of 91. This is the world's first retrospective exhibition of the great Italian-born American photographer since his passing. The exhibition, organized and produced by SIME BOOKS in collaboration with the City of Conegliano, is curated by Alberto Damian, Galella's agent and gallerist for Italy.

Speaking of Ron Galella, Andy Warhol had this to say, "A good picture has to portray a famous person doing something not famous. That's why my favorite photographer is Ron Galella."

Galella was born in New York in the Bronx neighborhood in 1931 to an Italian father originally from Muro Lucano in Basilicata and an Italian-American mother.

From 1965 onward, Ron Galella has chased, flushed out and photographed the great personalities of his time, managing to catch them in their extraordinary everyday life, acting almost always by surprise, without their knowledge and often against their will. Pictures stolen and taken in bursts, the result of ambushes, diversions, camouflage, chases, long waits, in defiance of any risk, physical or legal.

Jackie Kennedy in the 1970s filed two lawsuits against him, which made the newspapers at the time and received attention on American television news. Richard Burton's bodyguards beat him and made him spend a night in jail in Cuernavaca, Mexico. Marlon Brando with one punch broke his jaw and five teeth, but then also paid him a hefty settlement through his lawyers.

Galella has been dubbed "Paparazzo Extraordinaire" by Newsweek and "The Godfather of American Paparazzi" by Time and Vanity Fair. His photos are held in the world's most important museums, from MOMA in New York to the Andy Warhol Museum in Pittsburgh, from the Tate Modern in London to the Helmut Newton Foundation in Berlin. And they have been acquired by very important private collections on all five continents.

There is no major international jet-set personality of that period whom Galella has not photographed. His archive of more than 3 million shots is filled with boxes of photographs-mostly in black and white-of actors, musicians, artists, and celebrities of all kinds. To name just a few: Jacqueline Kennedy Onassis, Lady Diana, Aristotle Onassis, Truman Capote, Steve McQueen, Robert Redford, Paul Newman, Elizabeth Taylor, Richard Burton, Al Pacino, Robert De Niro, Greta Garbo, Liza Minelli, Madonna, Elton John, John Lennon, Mick Jagger, Diana Ross, Elvis Presley, David Bowie. And then the Italians: Sophia Loren, Claudia Cardinale, Federico Fellini, Anna Magnani, Luciano Pavarotti, Gianni Agnelli, Gianni and Donatella Versace.

The list of personalities immortalized by Galella could go on for pages: in the archives kept in his New Jersey mansion is a very rich documentation of the evolution of costume in the 1960s, 1970s, 1980s and 1990s (his "golden years") that is believed to be unique in the world.

And it is precisely the best of this monumental archive that comes to Palazzo Sarcinelli in the major exhibition "Ron Galella, Paparazzo Superstar," organized by SIME BOOKS, the Conegliano-based publishing house that in 2021, in collaboration with Galella himself, published the valuable monograph "100 Iconic Photographs - A Retrospective by Ron Galella," the artist's latest book.

The exhibition will be a journey into the memory of an era, featuring universal icons of film, art, music, pop culture and costume, and will unfold through thematic rooms, also welcoming an excerpt from Leon Gast's "Smash His Camera," the documentary about Galella's long career that won an award at the 2010 Sundance Film Festival.

The highlight of the exhibition will be the room devoted entirely to Jackie Kennedy Onassis, whom Galella called "my obsession" and to whom he dedicated two entire books. This room will display a copy of the very famous "Windblown Jackie," chosen by Time a few years ago as "one of the 100 most influential photographs in the history of photography" and called "my Mona Lisa" by Galella himself. The starting date of the exhibition was chosen precisely because "Windblown Jackie" was taken on Oct. 7, 1971.

It will be a not-to-be-missed exhibition that, in the days of selfies and Instagram, will take us back to a time that no longer exists, in which stars entered our homes mainly through the pages of lifestyle and tabloid weeklies, album covers, posters and movie posters. This also happened thanks to the paparazzi and, in particular, to Ron, whose photographs allowed us to see the stars more closely.

(Text: Simone Raddi, Studio ESSECI, Padova)