La Chambre | Strasbourg
10. Februar – 31. März 2024

Perspectives #23
Christopher Barraja, Emma Cossée Cruz, Safia Delta, Angéline Girard, Loïc Laforge

Das Programm Perspectives unterstützt aufstrebende Fotografen bei der Strukturierung und Professionalisierung ihrer Tätigkeit, indem es konkrete Lösungen für die Notwendigkeit einer dauerhaften Existenzsicherung bietet. Diese Ausstellung bildet den Abschluss eines Jahres, in dem professionelle Bildbearbeiter, künstlerische Begleitung und individuelle Betreuung angeboten wurden, und zeigt die Arbeiten der fünf Begünstigten dieser vierten Ausgabe.

Christopher Barraja fotografiert seit mehreren Jahren seine Sommer in Südfrankreich: Unbeschwertheit, Exzesse, Sinnlichkeit oder Spuren der Abwesenheit von Körpern - sein fotografisches Tagebuch schwankt zwischen Melancholie und Feier des Lebens.

Emma Cossée Cruz interessiert sich für Gegenstände, die mit Körper und Bewegung zu tun haben: Nach Stadtmöbeln für den Sport beschäftigt sie sich nun mit Geräten, die in der Rehabilitationstherapie eingesetzt werden. Sie arbeitet mit Pflegekräften und Patienten zusammen, um gemeinsam Skulpturen zu erschaffen, die manipuliert und fotografiert werden können und die die Interaktion mit dem Körper darstellen.

Safia Delta hinterfragt die Umrisse ihres Lebensraums in Marseille und sucht ihren Platz in einer Umgebung, die von einer unsichtbaren Hand gebaut wurde. Die Formen mit ihren symbolischen Bedeutungen werden mit poetischen Porträts der Bewohnerinnen und Bewohner verglichen.

Angéline Girard konfrontiert sich mit dem Außen, im Gegensatz zu den gesellschaftlichen und familiären Zwängen. Ihren Körper bewohnen, die Natur bewohnen, poetische Verbindungen mit der Landschaft schaffen: Das sind die Herausforderungen ihrer Bilder, die in Form von Ausstellungen oder Veröffentlichungen präsentiert werden.

Loïc Laforge entwickelt eine sensible und schamhafte Langzeitarbeit über das Leben von Kindern, die in Heimen untergebracht sind. Sie wachsen in einem strengen Rahmen mit wenig emotionalen Anhaltspunkten auf. Durch Zuhören und Fotografieren erwerben sie eine Geschichte und Erinnerungen.

En apportant des solutions concrètes aux nécessités de pérennisation de leur activité, le programme Perspectives soutient les photographes émergent·es dans le processus de structuration et de professionnalisation de leur activité. Cette exposition clôture une année d’interventions assurées par des professionnel·les de l’image, d’accompagnement artistique, de suivi individuel et présente les travaux des cinq bénéficiaires de cette quatrième édition.

Christopher Barraja photographie depuis plusieurs années ses étés dans le Sud de la France : insouciance, excès, sensualité ou traces de l’absence des corps, son journal photographique oscille entre mélancolie et célébration de la vie.

Emma Cossée Cruz s’intéresse aux objets liés au corps et au mouvement : après le mobilier urbain sportif, elle se penche sur les dispositifs utilisés en thérapies rééducatives. Elle collabore avec des soignant·es et des soigné·es pour co-créer des sculptures à manipuler et à photographier figurant l’interaction avec le corps.

Safia Delta interroge les contours de son lieu de vie à Marseille, cherchant sa place dans un environnement construit par une main invisible. Les formes, aux significations symboliques, sont mises en regard avec des portraits de ses habitant·es, au vocable poétique.

Angéline Girard se confronte au dehors, par opposition aux contraintes sociétales et familiales. Habiter son corps, habiter la nature, créer des liens poétiques avec le paysage : tels sont les enjeux de ses images, présentées sous forme d’exposition ou de publication.

Loïc Laforge développe un travail au long cours sensible et pudique sur les vies des enfants placés en centre. Ils·elles grandissent dans un cadre strict avec peu de repères affectifs. Par l’écoute et la photographie, ils·elles acquièrent une histoire et des souvenirs.

Fornendo soluzioni pratiche alla necessità di stabilire le loro attività a lungo termine, il programma Perspectives sostiene i fotografi emergenti nel processo di strutturazione e professionalizzazione del loro lavoro. Questa mostra conclude un anno di lavoro di fotografi professionisti, di sostegno artistico e di follow-up individuale e presenta il lavoro dei cinque beneficiari di questa quarta edizione.

Christopher Barraja fotografa da diversi anni le sue estati nel Sud della Francia: spensierato, eccessivo, sensuale o traccia dell'assenza di corpi, il suo diario fotografico oscilla tra malinconia e celebrazione della vita.

Emma Cossée Cruz è interessata agli oggetti legati al corpo e al movimento: dopo gli arredi sportivi urbani, si occupa ora dei dispositivi utilizzati nella terapia riabilitativa. Collabora con assistenti e pazienti per co-creare sculture che possono essere manipolate e fotografate, immaginando l'interazione con il corpo.

Safia Delta si interroga sui contorni della sua casa a Marsiglia, cercando il suo posto in un ambiente costruito da una mano invisibile. Le forme, con i loro significati simbolici, sono contrapposte a ritratti poetici dei residenti.

Angéline Girard si confronta con il mondo esterno, in opposizione alle costrizioni sociali e familiari. Abitare il proprio corpo, abitare la natura, creare legami poetici con il paesaggio: questi sono i temi in gioco nelle sue immagini, presentate sotto forma di mostre o pubblicazioni.

Loïc Laforge sta sviluppando uno studio a lungo termine, sensibile e discreto, sulla vita dei bambini affidati ai servizi sociali. Crescono in un ambiente rigido, con pochi punti di riferimento emotivi. Attraverso l'ascolto e la fotografia, acquisiscono una storia e dei ricordi.

By providing concrete solutions to the need to sustain their activity, the Perspectives program supports emerging photographers in the process of structuring and professionalizing their business. This exhibition brings to a close a year of interventions by image professionals, artistic accompaniment and individual follow-up, and presents the work of the five beneficiaries of this fourth edition.

Christopher Barraja has been photographing his summers in the South of France for several years: carefree, excessive, sensual or traces of the absence of bodies, his photographic diary oscillates between melancholy and celebration of life.

Emma Cossée Cruz is interested in objects linked to the body and movement: after urban sports furniture, she now turns her attention to devices used in rehabilitation therapy. She collaborates with caregivers and patients to co-create sculptures to be manipulated and photographed, featuring interaction with the body.

Safia Delta questions the contours of her home in Marseille, seeking her place in an environment built by an invisible hand. The shapes, with their symbolic meanings, are contrasted with poetic portraits of the inhabitants.

Angéline Girard confronts the outside, in opposition to societal and family constraints. Inhabiting her body, inhabiting nature, creating poetic links with the landscape: these are the issues at stake in her images, presented in the form of exhibitions or publications.

Loïc Laforge is developing a sensitive and discreet long-term study of the lives of children placed in care centers. They grow up in a strict environment with few emotional references. Through listening and photography, they acquire a history and memories.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

Galerie XII | Paris
2. Februar – 13. April 2024

Il y a un instant où la nuit se fait voir à la lumière
Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano, Anne Pharel

Die Galerie XII Paris versammelt die zeitgenössischen Künstler Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano und Anne Pharel um die Worte von Paul Valéry: "Es gibt einen Augenblick, in dem die Nacht im Licht sichtbar wird". In diesem fotografischen Dialog, in dem es mehr um die Materialität als um das Bild geht, treffen verschiedene visuelle Welten aufeinander, wobei die Dunkelheit der Nacht als Leitmotiv dient. Diese Gruppenausstellung schlägt einen Ansatz vor, der für die Galerie zu einer wiederkehrenden Einrichtung werden soll: eingeladene Künstler und von der Galerie XII vertretene Künstler zu einem Dialog über die zeitgenössische Fotografie zusammenzubringen.

Auch wenn diese Künstler gemeinsam haben, dass sie die Fotografie als Ausdrucksmittel gewählt haben, ist es nicht so sehr das Bild, das sie fasziniert, sondern vielmehr sein Aufbau, seine physische Präsenz und seine Materialität. Alle interpretieren es, benutzen es und überwinden es, um es darzustellen. Die Recherche befasst sich nicht mit dem Bild, sondern mit seiner Fähigkeit, sich zu verwandeln, um in einer anderen Form wiedergeboren zu werden.

Fabien Ducrot behandelt das Thema mit Hilfe von Archivbildern und künstlicher Intelligenz. Aus Fotografien aus dem 19. Jahrhundert, die zu Tausenden generiert und zusammengestellt wurden, entstehen Bilder, die von einer neuen Materialität geprägt sind. Denn während die KI das Unwirkliche gestaltet und den Begriff des Bildes selbst in Frage stellt, greift Fabien Ducrot auf traditionelle Salzdruckverfahren zurück, die den Bildern eine neue Textur verleihen.

Charlotte Mano definiert Materialien und Bilder durch ihre Forschungen zum Intimen immer wieder neu, indem sie gleichzeitig eine hypersensible Erfahrung des Mediums und ihrer eigenen Beziehung zur Welt anbietet. Sie fühlt sich von Medien angezogen, die dieser Welt fremd sind, und experimentiert mit den Grenzen des Werkzeugs - der Kamera -, um Werke zu schaffen, in denen Bilder und Texturen untrennbar miteinander verbunden sind. So entsteht eine neue, sensible Dimension, ein wahrhaft poetisches Engagement.

Die Frage nach dem Bild-Objekt ist auch in der Welt von Anne Pharel präsent, die ungreifbaren visuellen Momente fotografiert, von deren Existenz die Bilder dennoch zeugen. Eine Befragung hinsichtlich der empfindlichen Materie und ihrer Konsistenz durch flache oder volumenartige Werke.

Alexandre Aldavert und Sabatina Leccia betrachten den Druck ebenfalls als ein Material, das durch manuelle Eingriffe oder intellektuelle Gedanken ergänzt wird. Er ist ein Schritt im kreativen Prozess. In Verbindung mit Schrift und Poesie für ihn, mit Perforation und Stickerei für sie, verschwindet der Druck als solcher. Er durchläuft eine Metamorphose, um in einer anderen Form wiedergeboren zu werden.

Andrei Farcasanus Arbeit, die einen eher klassischen Ansatz der Fotografie verfolgt, dreht sich mit seinen kleinformatigen Werken um das Intime. Er hinterfragt den Begriff der Materialität des Werkes durch das technische Know-how. Aus ein und derselben Aufnahme können mehrere Bilder entstehen, jedes geprägt von einer anderen Materialität, je nach den Zufälligkeiten der Chemie. Diese Suche teilt auch Didier Juteau, dessen Bilder den Betrachter seiner visuellen Gewissheiten berauben, da Fotografie und Materie miteinander verschmelzen.

Die Nacht, ihre Formen und ihre physische Präsenz werden von den acht Fotografen aus verschiedenen Perspektiven betrachtet. Sie ist für alle Künstler von wesentlicher Bedeutung, um die Bilder ihrer ursprünglichen Bedeutung zu entledigen und dem Betrachter neue poetische Realitäten zu eröffnen.

La Galerie XII Paris rassemble des artistes contemporains, Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano et Anne Pharel, autour des mots de Paul Valéry : « Il y a un instant où la nuit se fait voir à la lumière ». Dans ce dialogue photographique où il est question de matérialité plus que d'image, se croisent différents univers visuels avec comme leitmotiv l’obscurité de la nuit. Cette exposition collective propose une démarche qui deviendra récurrente pour la galerie : réunir des artistes invités et des artistes représentés par la Galerie XII pour un dialogue autour de la photographie contemporaine.

Si ces artistes ont en commun d'avoir choisi la photographie comme mode d'expression, ce n'est pas tant l'image qui les fascine que sa construction, sa présence physique et sa matérialité. Tous l’interprètent, l’utilisent, la dépassent pour la représenter. La recherche ne traite pas de l'image mais de sa capacité à se métamorphoser pour renaître sous une autre forme.

Fabien Ducrot traite le sujet par des images d’archives et l’intelligence artificielle. De photographies du XIXe siècle, générées et compilées par milliers, naissent des images empreintes d’une nouvelle matérialité. Car si l’IA façonne l’irréel et interroge la notion même d’image, Fabien Ducrot recourt à des procédés traditionnels de tirages au sel qui donnent une nouvelle texture aux images.

Charlotte Mano rédéfinit sans cesse matières et images à travers ses recherches sur l’intime en offrant à la fois une expérience hypersensible du médium et de son propre rapport au monde. Attirée par les supports étrangers à cet univers et attachée à expérimenter les limites de l’outil – la caméra – elle réalise des œuvres dans lesquelles images et textures sont indissociables. Naît ainsi une dimension nouvelle, sensible, un véritable engagement poétique.

La question de l’image-objet est aussi présente dans l’univers d'Anne Pharel, qui photographie les moments visuels impalpables dont les images témoignent pourtant de l’existence. Une interrogation quant à la matière sensible et à sa consistance à travers des œuvres planes ou en volumes.

Alexandre Aldavert et Sabatina Leccia envisagent eux aussi le tirage comme un matériau, que l’intervention manuelle ou la pensée intellectuelle viennent compléter. Il est une étape dans le processus créatif. Associé à l’écriture et à la poésie pour lui, à la perforation et à la broderie pour elle, le tirage disparaît en tant que tel. Il vit une métamorphose pour renaître sous une autre forme.

Par une approche plus classique de la photographie, le travail d’Andrei Farcasanu se déploie autour de l’intime par des œuvres en petits formats. Il interroge la notion de matérialité de l’œuvre par le savoir-faire technique. D’une même prise de vue, peuvent naître plusieurs images, chacune empreinte d’une matérialité différente selon les aléas de la chimie. Une recherche partagée par Didier Juteau dont les images dépossèdent celui qui regarde de ses certitudes visuelles tant photographie et matière se confondent.

La nuit, ses formes et sa présence physique, est envisagée par ces huit photographes selon différentes perspectives. Autant d’artistes à qui elle est essentielle pour dépouiller les images de leur sens initial et offrir ainsi à ceux qui la regardent de nouvelles réalités poétiques.

La Galerie XII Paris riunisce gli artisti contemporanei Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano e Anne Pharel per esplorare le parole di Paul Valéry: "C'è un momento in cui la notte diventa visibile nella luce". In questo dialogo fotografico, che riguarda più la materialità che l'immagine, si incontrano diversi universi visivi, con il buio della notte come filo conduttore. Questa mostra collettiva propone un approccio che diventerà ricorrente per la galleria: riunire artisti ospiti e artisti rappresentati dalla Galerie XII per un dialogo sulla fotografia contemporanea.

Sebbene questi artisti abbiano scelto la fotografia come mezzo espressivo, non è tanto l'immagine ad affascinarli quanto la sua costruzione, la sua presenza fisica e la sua materialità. Tutti loro la interpretano, la usano e vanno oltre per rappresentarla. La loro ricerca non riguarda l'immagine in sé, ma la sua capacità di metamorfosi e di rinascita in un'altra forma.

Fabien Ducrot affronta il tema utilizzando immagini d'archivio e intelligenza artificiale. Le fotografie del XIX secolo, generate e compilate a migliaia, danno origine a immagini intrise di una nuova materialità. Mentre l'intelligenza artificiale modella l'irreale e mette in discussione la nozione stessa di immagine, Fabien Ducrot utilizza processi tradizionali di stampa al sale che conferiscono una nuova consistenza alle immagini.

Charlotte Mano ridefinisce costantemente materiali e immagini attraverso la sua ricerca sull'intimo, offrendo un'esperienza ipersensibile sia del mezzo che del proprio rapporto con il mondo. Attratta da media estranei a questo universo e desiderosa di sperimentare i limiti del suo strumento - la macchina fotografica - crea opere in cui immagini e texture sono inseparabili. Il risultato è una nuova dimensione sensibile, un autentico impegno poetico.

La questione dell'oggetto-immagine è presente anche nel mondo di Anne Pharel, che fotografa momenti visivi impalpabili la cui esistenza è comunque attestata nelle sue immagini. Attraverso le sue opere piatte e voluminose, l'artista si interroga sulla materia sensibile e sulla sua consistenza.

Anche Alexandre Aldavert e Sabatina Leccia vedono la stampa come un materiale, integrato dall'intervento manuale o dal pensiero intellettuale. È una fase del processo creativo. Associata alla scrittura e alla poesia per Aldavert, alla perforazione e al ricamo per Sabatina, la stampa stessa scompare. Subisce una metamorfosi prima di rinascere in un'altra forma.

Con un approccio più tradizionale alla fotografia, il lavoro di Andrei Farcasanu si concentra sull'intimità nel piccolo formato. Mette in discussione la nozione di materialità dell'opera attraverso il know-how tecnico. Lo stesso scatto può dare origine a diverse immagini, ciascuna con una materialità diversa a seconda dei capricci della chimica. È una ricerca condivisa da Didier Juteau, le cui immagini spogliano lo spettatore delle sue certezze visive nella misura in cui fotografia e materia si fondono.

La notte, le sue forme e la sua presenza fisica, è considerata da questi otto fotografi da prospettive diverse. Questi sono gli artisti per i quali la notte è essenziale, spoglia le immagini del loro significato originario e offre agli spettatori nuove realtà poetiche.

Galerie XII Paris brings together contemporary artists Alexandre Aldavert, Fabien Ducrot, Andrei Farcasanu, Didier Juteau, Sabatina Leccia, Charlotte Mano and Anne Pharel, around the words of Paul Valéry: "There is an instant when night makes itself seen by light". In this photographic dialogue, which is more about materiality than image, different visual universes intersect, with the obscurity of night as a leitmotif. This group show proposes an approach that will become recurrent for the gallery: bringing together guest artists and artists represented by Galerie XII for a dialogue around contemporary photography.

Although these artists have chosen photography as their mode of expression, it is not so much the image that fascinates them as its construction, physical presence and materiality. They all interpret it, use it, go beyond it to represent it. The research is not about the image, but about its capacity to metamorphose and be reborn in another form.

Fabien Ducrot treats the subject using archive images and artificial intelligence. Nineteenth-century photographs, generated and compiled by the thousands, give rise to images imbued with a new materiality. While AI shapes the unreal and questions the very notion of the image, Fabien Ducrot resorts to traditional salt print processes that give images a new texture.

Charlotte Mano constantly redefines materials and images through her research into the intimate, offering both a hypersensitive experience of the medium and of her own relationship to the world. Attracted by supports foreign to this universe and keen to experiment with the limits of her tool - the camera - she creates works in which images and textures are inseparable. The result is a new, sensitive dimension, a genuine poetic commitment.

The question of the image-object is also present in the world of Anne Pharel, who photographs impalpable visual moments whose existence is nonetheless testified to by images. A questioning of sensitive matter and its consistency through works on the plane or in volume.

Alexandre Aldavert and Sabatina Leccia also see the print as a material, complemented by manual intervention or intellectual thought. It is a stage in the creative process. Associated with writing and poetry for Aldavert, perforation and embroidery for Leccia, the print itself disappears. It undergoes a metamorphosis and is reborn in another form.

Taking a more traditional approach to photography, Andrei Farcasanu's work focuses on the intimate, with small-format works. He questions the notion of the work's materiality through technical know-how. The same shot can give rise to several images, each imbued with a different materiality depending on the vagaries of chemistry. It's a quest shared by Didier Juteau, whose images strip viewers of their visual certainties as photography and matter merge.

Night, its forms and physical presence, is considered by these eight photographers from different perspectives. These are the artists for whom night is essential, stripping images of their initial meaning and offering viewers new poetic realities.

(Text: Galerie XII, Paris)

Galerie Le Château d’Eau | Toulouse
25. Januar – 14. April 2024

« Rien à perdre »
Philémon Barbier

In dieser Ausstellung soll die Identitätsbildung von Jugendlichen aus der Arbeiterklasse anhand der Rap-Musik dokumentiert werden, die ein fester Bestandteil ihres Alltags ist. Indem sie sich auf die Szene in Toulouse konzentriert, geht es darum, anhand des Rap die Themen Männlichkeit und Sensibilität in den Arbeitervierteln zu behandeln.

Vom Rap haben wir widersprüchliche Bilder, die ebenso auffällig wie zwangsläufig verkürzt und falsch sind. Die der Selbstinszenierung der Akteure, die für sich selbst werben, indem sie einen Look, eine Identität und eine Andersartigkeit behaupten, und die oft von den Medien vermittelten Bilder von Gewalt und Anekdoten, die unter der Rubrik "faits divers" abgelegt werden. Und wie in der übrigen Musikszene beschränkt sich die Ikonografie häufig auf Porträts und Fotos von Auftritten.

Kommen wir zu den Fakten. Innerhalb weniger Jahrzehnte hat sich Rap weltweit zur dominierenden Musikrichtung entwickelt und macht in Frankreich 65 % der Hörerzahlen auf Streaming-Plattformen aus. Eine enorme finanzielle Herausforderung also. Sie ist eine Musik, deren Erfolg zum Träumen anregt und die für die gesamte Jugend als Mittel zum sozialen Aufstieg oder zur Selbstverwirklichung erscheint. Für die 10,6 % der Jugendlichen, die laut Insee weder studieren noch eine Ausbildung absolvieren, wird Rap zu einer Möglichkeit, sich eine Zukunft aufzubauen, zumal er nicht unbedingt eine sehr große finanzielle Investition erfordert.

Philémon Barbier konnte den mit Rap verbundenen Pontifikaten entgehen, weil er in die sehr junge Szene in Toulouse eintauchen konnte, in eine Gemeinschaft, die auf der Suche nach Texten, Musik und einer Lebensweise war. Und nach einer Zukunft. Er hat es geschafft, intensive Momente der Komplizenschaft, der Pause, der Aufregung, eigentlich des Alltags einzufangen und sorgt für Kohärenz, indem er eine Farbpalette beibehält, die sich mit den Farben der Nacht schmückt. In dieser Männerwelt weiß er, der es gewohnt ist, mit der Presse zusammenzuarbeiten, die bedeutenden Momente einzufangen, um die Herausforderungen einer Situation zusammenzufassen, die viel komplexer ist, als sie auf den ersten Blick erscheint. Und weil ein Foto, so gelungen es auch sein mag, nicht alles sagen kann, werden die Bilder von umfangreichen Texten begleitet, die mehr als nur Bildunterschriften sind und berichtete Worte enthalten.

"Die Jugendlichen, deren Alltag ich im Jahr 2022 dokumentiert habe, sind zwischen 18 und 25 Jahre alt, stammen aus unterschiedlichen sozialen und kulturellen Milieus und haben verschiedene Hintergründe. Einige politisieren sich, andere entfernen sich von diesen Themen, bis sie ein Gefühl des Misstrauens gegenüber den Institutionen empfinden. Zwischen Einigkeit und Uneinigkeit versucht dieses Projekt also, die Suche nach einer musikalischen wie auch bürgerlichen Identität darzustellen".

Cette exposition propose de documenter la construction de l’identité des jeunes des milieux populaires à travers la musique rap qui fait partie intégrante de leur quotidien. En se concentrant sur la scène toulousaine, il s’agit à travers le rap d’aborder les thématiques de la masculinité et de la sensibilité dans les quartiers populaires.

Du rap, nous avons des images contradictoires, aussi frappantes que forcément réductrices et fausses. Celles de la mise en scène des acteurs eux-mêmes qui assurent leur promotion en affirmant un look, une identité et une différence et celles, souvent véhiculées par les media, de violence et d’anecdotes rangées à la rubrique des faits divers. Et, comme pour le reste de la scène musicale, l’iconographie se résume bien souvent à des portraits et à des photographies de spectacle.

Venons-en aux faits. Le rap est devenu, en quelques petites dizaines d’années, la musique dominante dans le monde entier et, en France, elle représente 65% des écoutes sur les plateformes de streaming. Un énorme enjeu financier, donc. Née et adoptée très tôt dans les milieux populaires c’est une musique dont la réussite fait rêver et apparait comme un moyen d’ascension sociale ou d’accomplissement pour toute une jeunesse. Pour les 10,6 % de jeunes qui, selon L’Insee, ne sont ni en études, ni en formation, le rap devient, d’autant qu’il ne nécessite pas forcément un très grand investissement financier initial, une possibilité de se construire un avenir.

Philémon Barbier a su échapper aux poncifs attachés au rap parce qu’il a pu s’immerger dans la très jeune scène toulousaine, dans une communauté en recherche de paroles, de musique, et d’un mode de vie. Et d’un futur. Il a réussi à saisir des moments intenses de complicité, de pause, d’excitation, de quotidien en fait et en assure la cohérence en maintenant une gamme chromatique qui se pare des couleurs de la nuit. Dans cet univers masculin, lui qui a l’habitude de travailler avec la presse, sait saisir les instants significatifs pour résumer les enjeux d’une situation bien plus complexe qu’elle n’apparait à première vue. Et parce qu’une photographie, aussi réussie soit-elle, ne peut tout dire, des textes copieux, qui sont bien davantage que des légendes et qui comportent des paroles rapportées, accompagnent les images

« Les jeunes dont j’ai documenté le quotidien en 2022 ont entre 18 et 25 ans, sont issus de milieux sociaux et culturels différenciés et ont des bagages variés. Certains se politisent, d’autres s’éloignent de ces sujets jusqu’à éprouver un sentiment de défiance pour les institutions. Entre union et désunion, ce projet s’attache donc à rendre compte de la recherche d’une identité musicale autant que citoyenne. ».

L'obiettivo di questa mostra è documentare la costruzione dell'identità dei giovani dei quartieri popolari attraverso la musica rap che è parte integrante della loro vita quotidiana. Concentrandosi sulla scena di Tolosa, l'obiettivo è quello di utilizzare il rap per esplorare i temi della mascolinità e della sensibilità nei quartieri popolari.

Del rap abbiamo immagini contraddittorie, tanto sorprendenti quanto riduttive e false. Quella degli attori stessi, che si promuovono affermando un look, un'identità e una differenza, e quella, spesso veicolata dai media, della violenza e degli aneddoti archiviati sotto la voce della cronaca. E, come per il resto della scena musicale, l'iconografia è spesso limitata a ritratti e fotografie di esibizioni dal vivo.

Veniamo ai fatti. Nel giro di pochi decenni, il rap è diventato la forma musicale dominante in tutto il mondo e in Francia rappresenta il 65% degli ascolti sulle piattaforme di streaming. Un'enorme posta in gioco, dunque. Nata e adottata molto presto negli ambienti della classe operaia, è una musica il cui successo fa sognare ed è vista come un mezzo di ascesa sociale e di realizzazione per i giovani. Per il 10,6% dei giovani che, secondo l'INSEE, non frequentano corsi di istruzione o formazione, il rap è un modo per costruirsi un futuro, soprattutto perché non richiede necessariamente un grande esborso finanziario iniziale.

Philémon Barbier è riuscito a evitare i cliché legati al rap perché ha saputo immergersi nella giovanissima scena di Tolosa, in una comunità alla ricerca di parole, musica e stile di vita. E di un futuro. È riuscito a catturare momenti intensi di complicità, di pausa, di eccitazione, di vita quotidiana appunto, e garantisce la coerenza mantenendo una gamma cromatica che si adorna dei colori della notte. In questo mondo maschile, lui, abituato a lavorare con la stampa, sa cogliere momenti significativi per riassumere la posta in gioco di una situazione che è molto più complessa di quanto non appaia a prima vista. E poiché una fotografia, per quanto buona, non può raccontare tutto, le immagini sono accompagnate da testi abbondanti che sono molto più di didascalie, e che includono parole riportate.

"I giovani di cui ho documentato la vita quotidiana nel 2022 hanno un'età compresa tra i 18 e i 25 anni, provengono da contesti sociali e culturali diversi e hanno un bagaglio differente. Alcuni si politicizzano, altri prendono le distanze da questi temi fino a diffidare delle istituzioni. Tra unione e disunione, questo progetto vuole riflettere la ricerca di un'identità musicale e civica.

This exhibition documents the construction of the identity of working-class youth through rap music, which is an integral part of their daily lives. Focusing on the Toulouse scene, rap music is used to explore the themes of masculinity and sensitivity in working-class neighborhoods.

We have contradictory images of rap, which are as striking as they are reductive and false. Those of the actors themselves, who promote themselves by asserting a look, an identity and a difference, and those, often conveyed by the media, of violence and anecdotes filed away under the heading of miscellaneous facts. And, as with the rest of the music scene, the iconography is often limited to portraits and show photos.

Let's get down to the facts. In the space of just a few decades, rap has become the dominant form of music worldwide, and in France it accounts for 65% of listening on streaming platforms. A huge financial stake, therefore. Born and adopted at a very early age in working-class circles, it is a music whose success is the stuff of dreams, and appears to be a means of social ascent or fulfillment for a whole generation of young people. For the 10.6% of young people who, according to INSEE, are neither in education nor training, rap becomes a means of building a future, especially as it doesn't necessarily require a huge initial financial investment.

Philémon Barbier was able to escape the clichés attached to rap because he was able to immerse himself in Toulouse's very young scene, in a community in search of words, music and a way of life. And a future. He has succeeded in capturing intense moments of complicity, pause, excitement, everyday life in fact, and ensures coherence by maintaining a chromatic range that is adorned with the colors of the night. In this masculine world, he, who is used to working with the press, knows how to capture significant moments to sum up the stakes of a situation that is far more complex than it appears at first glance. And because a photograph, no matter how good, can't tell the whole story, the images are accompanied by copious texts that are much more than captions, and include reported words.

"The young people whose daily lives I documented in 2022 are between 18 and 25 years old, from different social and cultural backgrounds and with different baggage. Some become politicized, others distance themselves from these issues to the point of distrusting institutions. Between union and disunity, this project aims to reflect the search for a musical and civic identity.

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique)

Galerie Le Château d’Eau | Toulouse
25. Januar – 14. April 2024

« Us »
Arno Brignon

Die Galerie Le Château d'Eau präsentiert Arno Brigons fotografische Reise "Us", die er von 2018 bis 2022 mit seiner Familie in die zwölf gleichnamigen Städte der historischen Hauptstädte Europas und durch die USA unternommen hat.

Von diesem Roadtrip nimmt er 60 Farb- und NB-Silberfotografien auf abgelaufenen Filmen mit, um diese Ausstellung zu realisieren.

Amsterdam, Kopenhagen, Berlin, Lissabon, London, Dublin, Brüssel, Luxemburg, Rom, Athen, Paris, Madrid. Anders als es diese Liste der Hauptstädte vermuten lassen könnte, hat Arno Brignon keine große Zickzack-Tour durch Europa unternommen. Er ist ab 2018 in die Vereinigten Staaten gereist und hat eine unterhaltsame Route aufgebaut, die ihn in drei Etappen in zwölf Städte führte, die nach europäischen Hauptstädten benannt sind.

Er ist nicht der Erste, der sich auf einen Roadtrip als Echo auf Robert Frank, Jack Kerouac und Wim Wenders - unter anderem - begibt. Die Vereinigten Staaten sind sicherlich das Land, das weltweit am meisten fotografiert wurde. Zunächst von den Amerikanern selbst, die die Fotografie in einem Land, das damals keine bedeutende Bildtradition hatte, zur wichtigsten Kunstform erhoben, und dann von Tausenden von Ausländern, die von der Weite der Räume, ihrer Vielfalt, den Bevölkerungskontrasten und dem geschickt aufgebauten Mythos einer Nation, die die Welt beherrschen will, angezogen wurden.

Arno Brignon hat diese amerikanische Reise auf eine einzigartige Weise unternommen. Die Fotografie ist eine einsame Übung par excellence, aber um den Zusammenhalt einer Familie zu wahren, die durch seine wiederholte Abwesenheit erschüttert wurde, reiste er mit Caroline und Josephine, seiner Lebensgefährtin und seiner Tochter, ab. Keine einfache Aufgabe, erst recht nicht, wenn man seine Legitimität in Frage stellt und nicht immer weiß, ob man in Amerika Urlaub macht oder als Fotograf unterwegs ist. Wie er es schön formuliert: "Ich muss lernen, miteinander zu spielen".

In diesem Land, in dem es "schwierig ist, nicht von der Geschichte der Fotografie eingeholt zu werden", hat er, indem er Schwarzweiß- und Farbfotografien mischt und es schafft, Familienfotos und Reiseeindrücke nebeneinander zu stellen, eine ebenso literarische wie filmische Erzählung aufgebaut, eine Erzählung, die eine Erfahrung ebenso wiedergibt wie sie ein fiktionales Amerika erfindet. Landschaften und Porträts, Momente der Begegnung, Straßen und Momente des Lichts fassen zusammen, was natürlich nicht den Anspruch hat, ein Porträt der neuen Welt zu sein. Arno Brignon lädt uns sowohl dazu ein, eine intime und subjektive Reise zu teilen, die ihre Wurzeln in seiner persönlichen Geschichte hat, als auch dazu, die großen amerikanischen Städte zu vergessen. Und schließlich: "Diese Städte im Inneren, banal, intim, zerbrechlich, von Leere und Verschwinden bedroht, sind letztlich nur eine Metapher. Das Subjekt ist nicht draußen, sondern in mir. Das Subjekt ist wir".

La Galerie Le Château d’Eau présente le voyage photographique d’Arno Brigon « Us » effectué de 2018 à 2022 avec sa famille dans les douze villes éponymes des capitales historiques Européennes, à travers les Etats-Unis.

De ce road trip, il retiendra 60 photographies couleur et NB argentiques sur films périmés, pour réaliser cette exposition.

Amsterdam, Copenhagen, Berlin, Lisbon, London, Dublin, Brussels, Luxemburg, Rome, Athens, Paris, Madrid. Contrairement à ce que pourrait laisser penser cette liste de villes capitales, Arno Brignon n’a pas effectué un grand tour d’Europe en zigzags. Il est parti, à partir de 2018, pour les États-Unis, en construisant un parcours amusé qui, en trois étapes, l’a amené dans douze villes portant des noms de capitales européennes.

Il n’est pas le premier à se lancer dans un road trip en écho à Robert Frank, Jack Kerouac et Wim Wenders – entre autres. Les États-Unis sont certainement le pays qui a été le plus photographié au monde. D’abord par les américains eux-mêmes qui ont porté la photographie au rang d’art majeur dans un pays qui n’avait alors aucune tradition picturale importante, puis par des milliers d’étrangers attirés par l’immensité des espaces, leur diversité, les contrastes de population et le mythe, savamment construit, d’une nation voulant dominer le monde.

Arno Brignon a fait ce parcours américain d’une façon singulière. La photographie est un exercice solitaire par excellence mais, pour préserver la cohésion d’une famille ébranlée par ses absences répétées, il est parti avec Caroline et Joséphine, sa compagne et sa fille. Pas simple, encore moins lorsque l’on s’interroge sur sa légitimité et que l’on ne sait pas toujours si l’on est en Amérique en vacances ou en tant que photographe. Comme il le dit joliment : « Il faut que j’apprenne à jouer ensemble ».

Dans ce pays où il est « difficile de ne pas être rattrapé par l’histoire de la photographie », il a, en mêlant noir et blanc et couleur, en réussissant à faire cohabiter photographies de famille et impressions de voyage, construit un récit aussi littéraire que cinématographique, une narration qui restitue une expérience autant qu’elle invente une Amérique de fiction. Paysages et portraits, moments de rencontres, routes et instants de lumière résument ce qui n’a évidemment pas la prétention d’être un portrait du nouveau monde. Arno Brignon nous invite autant à partager un voyage intime et subjectif qui puise ses racines dans son histoire personnelle qu’à oublier les grandes cités américaines. Et, au final, « Ces villes de l’intérieur, banales, intimes, fragiles, menacées par le vide et la disparition, ne sont finalement qu’une métaphore. Le sujet n’est pas dehors, mais en moi. Le sujet est nous. »

La Galerie Le Château d'Eau presenta il viaggio fotografico "Us" di Arno Brigon, realizzato con la sua famiglia dal 2018 al 2022 nelle dodici città omonime delle capitali storiche europee, attraverso gli Stati Uniti.

Da questo viaggio on the road trarrà 60 fotografie a colori e NB stampe all'argento su pellicole obsolete, per creare questa mostra.

Amsterdam, Copenhagen, Berlino, Lisbona, Londra, Dublino, Bruxelles, Lussemburgo, Roma, Atene, Parigi, Madrid. Contrariamente a quanto potrebbe far pensare questo elenco di capitali, Arno Brignon non ha intrapreso un tour a zig zag dell'Europa. A partire dal 2018 è partito per gli Stati Uniti, costruendo un divertente itinerario che, in tre tappe, lo ha portato in dodici città che portano i nomi di capitali europee.

Non è il primo a intraprendere un viaggio on the road che riecheggia Robert Frank, Jack Kerouac e Wim Wenders - tra gli altri. Gli Stati Uniti sono certamente il Paese più fotografato al mondo. In primo luogo dagli americani stessi, che hanno elevato la fotografia al rango di una forma d'arte importante in un Paese che all'epoca non aveva una grande tradizione pittorica, e poi da migliaia di stranieri attratti dall'immensità degli spazi, dalla loro diversità, dai contrasti tra le popolazioni e dal mito, abilmente costruito, di una nazione intenzionata a dominare il mondo.

Arno Brignon ha compiuto questo viaggio americano in modo singolare. La fotografia è un'attività solitaria per eccellenza, ma per preservare la coesione di una famiglia scossa dalle sue ripetute assenze, è partito con Caroline e Joséphine, la sua compagna e la figlia. Non è facile, soprattutto quando si mette in dubbio la propria legittimità e non si sa sempre se si è in America in vacanza o come fotografo. Come dice lui stesso: "Devo imparare a giocare insieme".

In un Paese in cui è "difficile non farsi coinvolgere dalla storia della fotografia", egli ha costruito, mescolando bianco e nero e colore, e riuscendo a far convivere fotografie di famiglia e impressioni di viaggio, una narrazione tanto letteraria quanto cinematografica, una narrazione che ricrea un'esperienza tanto quanto inventa un'America immaginaria. Paesaggi e ritratti, momenti di incontro, strade e momenti di luce riassumono quello che chiaramente non vuole essere un ritratto del Nuovo Mondo. Arno Brignon ci invita a condividere un viaggio intimo e soggettivo che affonda le radici nella sua storia personale, così come a dimenticare le grandi città americane. E, alla fine, "queste città dell'entroterra, banali, intime, fragili, minacciate dal vuoto e dalla scomparsa, non sono altro che una metafora. Il soggetto non è fuori, ma dentro di me. Il soggetto siamo noi.

Galerie Le Château d'Eau presents Arno Brigon's photographic journey "Us", made from 2018 to 2022 with his family in the twelve eponymous cities of Europe's historic capitals, across the United States.

From this road trip, he will retain 60 color photographs and NB silver on out-of-date film, to create this exhibition.

Amsterdam, Copenhagen, Berlin, Lisbon, London, Dublin, Brussels, Luxemburg, Rome, Athens, Paris, Madrid. Contrary to what this list of capital cities might suggest, Arno Brignon did not embark on a zigzag tour of Europe. Starting in 2018, he set off for the United States, constructing an amusing itinerary that, in three stages, took him to twelve cities bearing the names of European capitals.

He's not the first to embark on a road trip echoing Robert Frank, Jack Kerouac and Wim Wenders - among others. The United States is certainly the most photographed country in the world. Firstly by the Americans themselves, who elevated photography to the status of a major art form in a country that had no major pictorial tradition at the time, and then by thousands of foreigners attracted by the immensity of the spaces, their diversity, the contrasts in population and the myth, skilfully constructed, of a nation bent on world domination.

Arno Brignon has made this American journey in a singular way. Photography is a solitary exercise par excellence, but to preserve the cohesion of a family shaken by his repeated absences, he left with Caroline and Joséphine, his partner and daughter. It's not easy, especially when you're questioning your legitimacy and not always sure whether you're in America on vacation or as a photographer. As he puts it, "I have to learn to play together".

In this country, where it's "hard not to be caught up in the history of photography", he has, by mixing black & white and color, and by successfully combining family photographs and travel impressions, constructed a narrative that is as literary as it is cinematographic, a narrative that recounts an experience as much as it invents a fictional America. Landscapes and portraits, moments of encounters, roads and moments of light sum up what is obviously not intended to be a portrait of the New World. Arno Brignon invites us to share an intimate, subjective journey rooted in his personal history, as much as to forget the great American cities. And, in the end, "These inland cities, banal, intimate, fragile, threatened by emptiness and disappearance, are ultimately no more than a metaphor. The subject is not outside, but inside me. The subject is us."

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique)

Galerie Bigaignon | Paris
25. Januar – 9. März 2024

De Prime Abord
Yannig Hedel

Die Galerie Bigaignon präsentiert "De Prime Abord", die dritte monografische Ausstellung des Künstlers Yannig Hedel. Diese Ausstellung, die sich auf die Anfänge des Werks dieses französischen Künstlers konzentriert, der für seine Arbeit mit Licht und seine besonders schlichten Abzüge bekannt ist, zeigt zum ersten Mal eine engere Auswahl seiner allerersten Arbeiten, die sich über einen Zeitraum von zehn Jahren, von 1976 bis 1986, erstrecken.

Yannig Hedel wurde 1948 in Saint-Nazaire geboren. Im Alter von 22 Jahren zog er nach Lyon, wo er sich für Architektur begeisterte und bereits die Stadt auf der Suche nach Licht- und Schattenspielen durchstreifte. Angesichts der Schnelllebigkeit, die die Stadt der Lichter kennzeichnet, fängt der Künstler die Eindrücke des Schwebezustands ein.

Er verewigt den Austausch menschlicher Bauten mit den himmlischen Weiten als "Grafiken".

unsicher", Echos unbewusster Erinnerungen. Ursprünglich ein Zeichner, machte er seine ersten Abzüge, machte seine Skalen und entwickelte nach und nach in der Dunkelkammer eine Fähigkeit, die ihn zu einem Meisterschützen machte.

Diese Initiationsphase wird hier vorgestellt. De Prime Abord bietet Sammlern eine Auswahl an unveröffentlichten Fotografien, die aus zeitgenössischen Abzügen aus den Jahren 1976 bis 1986 bestehen. Während die bestätigten Arbeiten des Künstlers später sehr häufig ausgestellt und in Museumsausstellungen gezeigt wurden, kann man hier die Entstehung des Hédelien-Stils entdecken.

Er verbindet bereits Licht und Schatten, Himmel und Gebäude, Abstraktion und Figuration. Seine Vorliebe für die Minimal Art zeichnet sich ab und bestätigt sich in einer Suche nach Reinheit, die den Künstler immer geleitet hat. Während die Kontraste kaum sichtbarer sind als in seinen jüngsten Arbeiten, kreuzt der Wille zur sanften Sättigung das ach so subtile Spiel mit dem Licht.

Die Ausstellung enthüllt schließlich zwei große Überraschungen: ein Werk aus dem Jahr 1983, das sich von allen anderen durch seine Tonalität und die Tatsache unterscheidet, dass - was äußerst selten vorkommt - Figuren darin vorkommen, und eine große Komposition von 13 Silberdrucken aus der Serie De Labore Solis, die den Schlüssel zum Verständnis einer von der Zeit geleiteten Arbeit darstellt.

Mit rund 40 Einzelausstellungen bereichern die Werke von Yannig Hedel mittlerweile zahlreiche französische und internationale Privatsammlungen sowie die Sammlungen renommierter öffentlicher Institutionen. Eine Reihe von Drucken und Skulpturen sind bis zum 4. Februar in der Ausstellung "Épreuves de la Matière" in der Bibliothèque nationale de France zu sehen.

La galerie Bigaignon présente « De Prime Abord », troisième exposition monographique de l’artiste Yannig Hedel. Cette exposition, qui se concentre sur les prémices de l’oeuvre de cet artiste français réputé pour son travail sur la lumière et ses tirages particulièrement épurés, présente pour la première fois une sélection resserrée de ses tout premiers travaux, étalés sur une période de dix ans, de 1976 à 1986.

Yannig Hedel naît à Saint-Nazaire en 1948. Passionné d’architecture, il s’installe à Lyon âgé de 22 ans et déjà parcourt la ville à l’affût de jeux d’ombres et de lumières. Face à la rapidité qui caractérise la Ville des Lumières, l’artiste capture les impressions de suspension.

Il pérennise le partage des constructions humaines avec les étendues célestes, comme « graphismes incertains », échos à des souvenirs inconscients. Initialement dessinateur, il réalise ses premiers tirages, faits ses gammes et développe peu à peu en chambre noire une habilité qui fera de lui un maître-tireur.

C’est cette période initiatique qui est présentée ici. De Prime Abord propose ainsi aux collectionneurs une sélection de photographies inédites, composée de tirages d’époque, réalisés entre 1976 et 1986. Alors que le travail confirmé de l’artiste bénéficiera ensuite de très nombreux accrochages et trouvera sa place dans des expositions muséales, on découvre ici la naissance du style Hédelien.

Conjuguant déjà ombres et lumière, ciels et bâtiments, abstraction et figuration, son attrait pour l’art minimal s’esquisse et s’affirme dans une recherche d’épure qui n’a jamais cessé de guider l’artiste. Alors que les contrastes sont à peine plus visibles que dans ses travaux les plus récents, la volonté de douceur de saturation croise des jeux de lumière ô combien subtiles.

L’exposition révèle enfin deux surprises de taille : une oeuvre de 1983 qui se distingue de toutes les autres tant par sa tonalité et que par le fait que, chose rarissime, des personnages y apparaissent, et une composition majeure de 13 tirages argentiques, issue de la série De Labore Solis, clef de voute à la compréhension d’un travail guidé par le temps.

Avec une quarantaine d’expositions personnelles à son actif, les oeuvres de Yannig Hedel enrichissent désormais de nombreuses collections privées françaises et internationales, ainsi que celles de prestigieuses institutions publiques. Un ensemble de tirages et sculptures est également visibles jusqu’au 4 février dans l’exposition événement « Épreuves de la Matière » à la Bibliothèque nationale de France.

La Galerie Bigaignon presenta "De Prime Abord", la terza mostra personale dell'artista francese Yannig Hedel. L'esposizione, incentrata sui primi lavori dell'artista francese noto per il suo lavoro con la luce e le sue stampe particolarmente raffinate, presenta per la prima volta una piccola selezione delle sue prime opere, distribuite su un periodo di dieci anni, dal 1976 al 1986.

Yannig Hedel è nato a Saint-Nazaire nel 1948. Appassionato di architettura, si trasferisce a Lione all'età di 22 anni e già setaccia la città alla ricerca dei giochi di luce e ombra. Di fronte alla rapidità che caratterizza la Ville Lumière, l'artista cattura l'impressione di sospensione.

Egli perpetua la condivisione delle costruzioni umane con le distese celesti, in quanto "grafismi incerti echi di memorie inconsce". Inizialmente disegnatore, realizza le prime stampe, si esercita con le scale e sviluppa gradualmente un'abilità in camera oscura che lo renderà un maestro del disegno.

È questo periodo iniziatico che viene presentato qui. De Prime Abord offre ai collezionisti una selezione di fotografie inedite, composta da stampe vintage realizzate tra il 1976 e il 1986. Mentre il lavoro dell'artista sarebbe stato ampiamente esposto e avrebbe trovato spazio nelle mostre museali, qui scopriamo la nascita dello stile Hédelien.

Combinando già luci e ombre, cieli ed edifici, astrazione e figurazione, la sua attrazione per l'arte minimale è abbozzata e affermata in una ricerca di purezza che non ha mai smesso di guidare l'artista. I contrasti sono solo leggermente più visibili rispetto alle sue opere più recenti, e il desiderio di una saturazione morbida si interseca con giochi di luce molto sottili.

Infine, la mostra rivela due grandi sorprese: un'opera del 1983 che si distingue da tutte le altre sia per la tonalità che per la rara apparizione di figure, e una grande composizione di 13 stampe all'argento della serie De Labore Solis, chiave di lettura di un corpus di lavori guidati dallo scorrere del tempo.

Con una quarantina di mostre personali al suo attivo, l'opera di Yannig Hedel si trova oggi in numerose collezioni private francesi e internazionali, oltre che in quelle di prestigiose istituzioni pubbliche. Una serie di stampe e sculture è visibile fino al 4 febbraio nella mostra "Épreuves de la Matière" alla Bibliothèque nationale de France.

The Galerie Bigaignon presents "De Prime Abord", the third monographic exhibition by artist Yannig Hedel. Focusing on the early years of the work of this French artist renowned for his work with light and his particularly refined prints, this exhibition presents for the first time a narrow selection of his earliest works, spread over a ten-year period from 1976 to 1986.

Yannig Hedel was born in Saint-Nazaire in 1948. With a passion for architecture, he moved to Lyon at the age of 22 and was already scouring the city for the play of light and shadow. Faced with the rapidity that characterizes the City of Lights, the artist captures impressions of suspension.

He perpetuates the sharing of human constructions with celestial expanses, as "uncertain graphisms

echoes of unconscious memories. Initially a draughtsman, he made his first prints and gradually developed a skill in the darkroom that would make him a master draughtsman.

It is this initiatory period that is presented here. De Prime Abord offers collectors a selection of previously unseen photographs, made from vintage prints produced between 1976 and 1986. While the artist's confirmed work would later benefit from numerous hangings and find its way into museum exhibitions, here we discover the birth of the Hédelien style.

Already combining light and shadow, skies and buildings, abstraction and figuration, his attraction to minimal art is sketched out and asserted in a quest for purity that has never ceased to guide the artist. Contrasts are scarcely more visible than in his most recent works, while the desire for soft saturation intersects with oh-so-subtle plays of light.

Finally, the exhibition reveals two major surprises: a 1983 work that stands out from all the others both for its tonality and for the rare appearance of figures, and a major composition of 13 silver prints from the De Labore Solis series, the key to understanding a work guided by time.

With some forty solo exhibitions to his credit, Yannig Hedel's work now enriches numerous French and international private collections, as well as those of prestigious public institutions. A series of prints and sculptures can also be seen until February 4 in the exhibition "Épreuves de la Matière" at the Bibliothèque nationale de France.

(Text: Galerie Bigaignon, Paris)

Pavillon Populaire | Montpellier

17. Januar – 14. April 2024

L’Homme au Leica
Paul Wolff

Diese erste in Frankreich gezeigte Retrospektive eröffnet dem Publikum das Werk eines der kulturhistorisch bedeutendsten deutschen Fotografen der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Paul Wolff gilt als einer der Pioniere des fotografischen Kleinformats, das mit der Erfindung der gleichnamigen Kamera durch die Firma Leica im Jahr 1929 entstand, die durch ihre Handlichkeit die Zukunft der modernen und zeitgenössischen Fotografie verändern sollte. In dieser Ausstellung wird aus privaten und öffentlichen Sammlungen der Großteil von Paul Wolffs publizistischem und fotografischem Werk zusammengestellt.

Cette première rétrospective montrée en France, ouvre au public l’œuvre d’un des photographes allemands les plus significatifs, sur le plan culturel et historique, de la première partie du XXe siècle. Paul Wolff est considéré comme l’un des pionniers dans l’utilisation du petit format photographique, né avec l’invention, en 1929, par la firme Leica, de l’appareil éponyme qui allait changer, par sa maniabilité, le devenir de la photographie moderne et contemporaine. Cette exposition rassemblera, à partir de collections privées et publiques, l’essentiel de l’œuvre éditoriale et photographique de Paul Wolff.

Questa prima retrospettiva esposta in Francia presenta al pubblico l'opera di uno dei fotografi tedeschi più significativi dal punto di vista culturale e storico della prima parte del XX secolo. Paul Wolff è considerato uno dei pionieri dell'uso della fotografia di piccolo formato, iniziato con l'invenzione nel 1929 da parte della società Leica dell'omonima macchina fotografica che, grazie alla sua facilità d'uso, avrebbe cambiato il volto della fotografia moderna e contemporanea. Questa mostra riunirà la maggior parte del lavoro editoriale e fotografico di Paul Wolff, proveniente da collezioni private e pubbliche.

This first retrospective to be shown in France introduces the public to the work of one of the most culturally and historically significant German photographers of the first part of the 20th century. Paul Wolff is considered one of the pioneers of the small-format photograph, born of the Leica company's 1929 invention of the eponymous camera, which, thanks to its ease of use, was to change the face of modern and contemporary photography. This exhibition will bring together, from private and public collections, most of Paul Wolff's editorial and photographic work.

Musée de Grenoble
16. Dezember 2023 – 3. März 2024

Une histoire d'images – Donation Antoine de Galbert

Das Museum zeigt die Ausstellung Une histoire d'images, eine erste Bilanz des Fotobestands, der in den letzten vier Jahren dank der regelmäßigen Spenden von Antoine de Galbert und seiner Stiftung zusammengetragen wurde. Die Sammlung bietet ein beeindruckendes Panorama unserer Zeit und der entscheidenden Rolle, die die Fotografie bei der Gestaltung unserer Wahrnehmungen und zeitgenössischen Mythologien spielt.

Seit 2020 hat sich Antoine de Galbert verpflichtet, die Bereicherung der Sammlungen des Museums im Bereich der Fotografie zu unterstützen, indem er regelmäßig entweder direkt oder über seine Stiftung Schenkungen macht. Die Auswahl der gespendeten Bilder erfolgt in enger Zusammenarbeit mit dem Museum und seinem Direktor Guy Tosatto, wobei der Blick und die Sensibilität des Sammlers voll zum Ausdruck kommen. Diese Schenkung bildet einen "Fonds von Antoine de Galbert-Fotografien" innerhalb der Sammlungen, der die bereits vorhandenen Bestände ergänzt.

Ähnlich wie bei der Sammlung von Antoine de Galbert, deren Ausstellung Souvenirs de voyage das Museum 2019 präsentierte, wird diese Auswahl nicht von einem streng historischen Ansatz oder thematischen oder ästhetischen Kriterien diktiert, sondern beruht vielmehr auf Begegnungen mit Werken, die die Vision eines Zustands der Welt skizzieren, ohne Manichäismus oder Vorurteile.

In diesem Bestand finden sich Bilder, die - ohne Anspruch auf Vollständigkeit - auf bedeutende Ereignisse in der Geschichte verweisen, aber auch auf einige Persönlichkeiten, die als Symbolfiguren für die Unterdrückung oder Befreiung von Völkern stehen. Man begegnet Gesichtern und Körpern anonymer Frauen und Männer, die unter dem Objektiv der Fotografen auf oft ergreifende oder gar tragische Weise das Schicksal einer Menschheit offenbaren, die mit dem Fortschreiten einer Geschichte zu kämpfen hat, die sie überholt und oft zermalmt...

Anhand von 270 Werken, die manchmal aus einer großen Gruppe von Bildern bestehen, von 95 bekannten oder anonymen Fotografen, von Dorothea Lange bis Wiktoria Wojciechowska, von Paul Strand bis David Goldblatt, von Luc Delahaye bis Gilles Raynaldy, präsentiert diese Ausstellung eine erste Bilanz dieses außergewöhnlichen Mäzenatentums. Sie ermöglicht es, ein objektives und zugleich subjektives Porträt unserer Zeit zu skizzieren und gleichzeitig auf originelle Weise eine bestimmte Vision der Fotografie zu veranschaulichen.

Le musée présentera l’exposition Une histoire d’images, premier bilan du fonds de photographies rassemblé ces quatre dernières années grâce aux dons réguliers effectués par Antoine de Galbert et sa fondation. L’ensemble offre un panorama impressionnant de notre époque et du rôle déterminant joué par la photographie dans l’élaboration de nos perceptions et des mythologies contemporaines.

Depuis 2020, Antoine de Galbert s’est engagé à soutenir l’enrichissement des collections du musée dans le domaine de la photographie en faisant régulièrement des dons soit directement, soit à travers sa fondation. Le choix des images offertes est opéré en lien étroit avec le musée et son directeur Guy Tosatto, tout en laissant pleinement s’exprimer le regard et la sensibilité du collectionneur. Cette donation constitue un « fonds de photographies Antoine de Galbert » au sein des collections qui vient compléter l’ensemble déjà existant.

À l’instar de la collection d’Antoine de Galbert dont le musée a présenté en 2019 l’exposition Souvenirs de voyage, ces choix ne sont pas dictés par une démarche strictement historique ou des critères thématiques ou esthétiques mais relèvent plutôt de rencontres avec des oeuvres qui esquissent la vision d’un état du monde, sans manichéisme ni a priori.

On trouvera dans ce fonds des images qui renvoient, sans exhaustivité, à des événements marquants de l’histoire, mais aussi à quelques personnalités, figures emblématiques de l’oppression ou de la libération des peuples. On y rencontrera des visages et des corps de femmes et d’hommes anonymes qui, sous l’objectif des photographes, révèlent de manière souvent poignante voire tragique, le destin d’une humanité aux prises avec l’avancée d’une Histoire qui la dépasse et souvent la broie…

Ainsi, à travers 270 oeuvres parfois composées d’un grand ensemble d’images, réalisées par 95 photographes connus ou anonymes, de Dorothea Lange à Wiktoria Wojciechowska, de Paul Strand à David Goldblatt, de Luc Delahaye à Gilles Raynaldy, cette exposition présente un premier bilan de ce mécénat exceptionnel. Elle permet d’esquisser un portrait à la fois objectif et subjectif de notre époque tout en illustrant de manière originale une certaine vision de la photographie.

Il museo presenterà la mostra Une histoire d'images, la prima valutazione della collezione di fotografie assemblate negli ultimi quattro anni grazie alle donazioni regolari di Antoine de Galbert e della sua fondazione. La collezione offre un'impressionante panoramica dei nostri tempi e del ruolo decisivo svolto dalla fotografia nel plasmare le nostre percezioni e mitologie contemporanee.

Dal 2020, Antoine de Galbert si impegna ad arricchire le collezioni fotografiche del museo attraverso donazioni regolari, direttamente o tramite la sua fondazione. Le immagini donate sono scelte in stretta collaborazione con il museo e il suo direttore Guy Tosatto, lasciando che la visione e la sensibilità del collezionista si esprimano pienamente. Questa donazione costituisce una "collezione di fotografie di Antoine de Galbert" all'interno delle collezioni del museo, a complemento di quelle già esistenti.

Come per la collezione Antoine de Galbert, di cui il museo ha presentato la mostra Souvenirs de voyage nel 2019, queste scelte non sono dettate da un approccio strettamente storico o da criteri tematici o estetici, ma piuttosto dall'incontro con opere che delineano una visione di uno stato del mondo, senza manicheismi o preconcetti.

Le immagini di questa collezione sono riferimenti non esaustivi a eventi chiave della storia, ma anche a una serie di personaggi che sono figure emblematiche dell'oppressione o della liberazione dei popoli. I volti e i corpi di uomini e donne anonimi si rivelano attraverso l'obiettivo dei fotografi, spesso in modo struggente, persino tragico, rivelando il destino di un'umanità alle prese con l'avanzata di una Storia che l'ha superata e spesso schiacciata...

Attraverso 270 opere, talvolta composte da un grande gruppo di immagini, di 95 fotografi, alcuni famosi, altri no, da Dorothea Lange a Wiktoria Wojciechowska, da Paul Strand a David Goldblatt, da Luc Delahaye a Gilles Raynaldy, la mostra presenta un primo bilancio di questo eccezionale mecenatismo. Fornisce un ritratto del nostro tempo, oggettivo e soggettivo al tempo stesso, e illustra in modo originale una certa visione della fotografia.

The museum will present the exhibition Une histoire d'images, the first assessment of the photographic collection assembled over the last four years thanks to regular donations by Antoine de Galbert and his foundation. The collection offers an impressive panorama of our times and the decisive role played by photography in shaping our perceptions and contemporary mythologies.

Since 2020, Antoine de Galbert has been committed to enriching the museum's photography collections through regular donations, either directly or through his foundation. The images donated are chosen in close collaboration with the museum and its director Guy Tosatto, while allowing the collector's vision and sensitivity to express themselves fully. This donation constitutes a "fonds de photographies Antoine de Galbert" within the collections, complementing the existing collection.

Like the Antoine de Galbert collection, whose Souvenirs de voyage exhibition the museum presented in 2019, these choices are not dictated by a strictly historical approach or by thematic or aesthetic criteria, but rather by encounters with works that sketch out a vision of a state of the world, without Manichaeism or preconceptions.

The images in this collection are non-exhaustive references to key events in history, but also to a number of personalities, emblematic figures of oppression or liberation. The faces and bodies of anonymous men and women are revealed through the lens of photographers, often poignantly, even tragically, revealing the destiny of a humanity grappling with the advance of a History that overtakes and often crushes it...

Through 270 works, sometimes composed of a large number of images, by 95 well-known or anonymous photographers, from Dorothea Lange to Wiktoria Wojciechowska, from Paul Strand to David Goldblatt, from Luc Delahaye to Gilles Raynaldy, this exhibition presents an initial assessment of this exceptional patronage. It provides both an objective and subjective portrait of our times, as well as an original illustration of a certain vision of photography.

(Text: Musée de Grenoble)

MEP Maison Européenne de la Photographie | Paris
15. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

Dissonance
Senta Simond

Das Studio ist stolz darauf, die erste Einzelausstellung der Schweizer Künstlerin und Modefotografin Senta Simond in einer französischen Institution zu präsentieren. Sie ist bekannt für ihre Fotografien des weiblichen Körpers, die gegen Stereotypen verstoßen. Simond präsentiert hier eine Reihe von bisher unveröffentlichten Videos und Fotos, die zum ersten Mal Musik in ihre Arbeit einbeziehen.

Das Herzstück der Ausstellung ist ein Diptychon, das Video und Fotografie in einem visuellen und akustischen Dialog zwischen zwei jungen Frauen kombiniert, die sich noch nie persönlich begegnet sind: einer jungen ukrainischen Tänzerin und einer irischen Harfenspielerin. Mit einem intimen Ansatz, der sich auf Nahaufnahmen und verschobene Schnappschüsse konzentriert, findet Simond Nuancen in flüchtigen Gesten und Ausdrücken. Das Ergebnis sind sensible und mysteriöse Bilder, die das Thema der menschlichen Verbindung erforschen, indem sie uns dazu einladen, in die Szene einzutauchen. In diesem Werk werden Simonds Bilder und, auf seinen Wunsch, die von den beiden jungen Frauen gefilmten Sequenzen, die von seinem Ansatz inspiriert wurden, miteinander vermischt, um mit den Ideen von Inszenierung und Performance, Improvisation und Zufall zu experimentieren.

Das neue Projekt war als Fortsetzung ihres ersten Künstlerbuchs Rayon Vert (2018) gedacht - der Titel, der an Éric Rohmers Film von 1986 erinnert, der auf dem gleichnamigen Roman von Jules Verne aus dem Jahr 1882 basiert, bezieht sich auf ein optisches Phänomen - einen unerwarteten Farbblitz am Horizont in der Abenddämmerung, der denjenigen, die ihn sehen, einen Moment der Klarheit bringen soll, in Wirklichkeit aber viel ungreifbarer ist.

Lausanne, Senta Simond hat ihren Master in Fotografie an der ECAL in Lausanne, Schweiz, absolviert. Sie ist Finalistin des Aperture/Paris PhotoBook Award und wurde außerdem für das British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent und die Swiss Design Awards ausgewählt. Ihre Arbeit wurde in einer Einzelausstellung im Foam Museum, in der Danziger Gallery (New York) und der Webber Gallery (New York/ London) sowie in Gruppenausstellungen in Tokio, London, Biel und Basel gezeigt. Sie wird von der Webber Gallery vertreten.

Simond arbeitet seit 2018 auch als Modefotografin. Sie wurde in Genf geboren und lebt und arbeitet in Paris.

Kuratorin: Laurie Hurwitz

Die Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit Christian Dior Parfums organisiert.

Le Studio est fier de présenter la première exposition personnelle, dans une institution française, de l'artiste et photographe de mode suisse Senta Simond. Connue pour ses photographies du corps féminin qui vont à l'encontre des stéréotypes. Simond présente ici un ensemble de vidéos et de photos inédites qui introduisent pour la première fois, la musique dans son travail.

La pièce maîtresse de l'exposition est un diptyque combinant vidéo et photographie, dans un dialogue visuel et sonore entre deux jeunes femmes qui ne se sont jamais rencontrées en personne : une jeune danseuse ukrainienne et une harpiste irlandaise. Avec une approche intime, en se concentrant sur des gros plans et des instantanés décalés, Simond trouve des nuances dans des gestes et des expressions fugaces. En résultent des images sensibles et mystérieuses qui explorent le thème de la connexion humaine en nous invitent à nous plonger dans la scène. Cette œuvre mélange les images de Simond et, à sa demande, les séquences filmées par les deux jeunes femmes inspirées de son approche, pour expérimenter les idées de mise en scène et de performance, d'improvisation et de hasard.

Ce nouveau projet a été conçu comme un prolongement de son premier livre de l'artiste, Rayon Vert (2018) - le titre, qui évoque le film d'Éric Rohmer de 1986, basé sur le roman éponyme de Jules Verne de 1882, fait référence à un phénomène optique - un éclair de couleur inattendu à l'horizon au crépuscule, censé apporter un moment de clarté à ceux qui le voient, mais qui, en réalité, est beaucoup plus insaisissable.

Lausanne, Senta Simond a obtenu un master en photographie à l'ECAL à Lausanne, en Suisse. Finaliste du prix Aperture/Paris PhotoBook, elle a également été sélectionnée pour le British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent et les Swiss Design Awards. Son travail a été présenté dans une exposition solo au Foam Museum, à la Danziger Gallery (New York) et la galerie Webber (New York/ Londres) ainsi que dans des expositions collectives à Tokyo, Londres, Bienne et Bâle. Elle est représentée par la galerie Webber.

Simond travaille également comme photographe de mode depuis 2018. Née à Genève, elle vit et travaille à Paris.

Commissaire : Laurie Hurwitz

L'exposition est organisée en collaboration avec Christian Dior Parfums.

Lo Studio è orgoglioso di presentare la prima mostra personale in un'istituzione francese dell'artista e fotografa di moda svizzera Senta Simond. Conosciuta per le sue fotografie del corpo femminile che vanno contro gli stereotipi. Qui la Simond presenta una collezione di video e foto inediti che introducono per la prima volta la musica nel suo lavoro.

Il fulcro della mostra è un dittico che unisce video e fotografia, in un dialogo visivo e sonoro tra due giovani donne che non si sono mai incontrate di persona: una giovane ballerina ucraina e un'arpista irlandese. Con un approccio intimo, incentrato su primi piani e istantanee fuori dagli schemi, Simond trova sfumature in gesti ed espressioni fugaci. Il risultato sono immagini sensibili e misteriose che esplorano il tema del legame umano invitandoci a immergerci nella scena. Questo lavoro mescola le immagini di Simond e, su sua richiesta, filmati girati da due giovani donne ispirate dal suo approccio, per sperimentare idee di messa in scena e performance, improvvisazione e casualità.

Questo nuovo progetto è stato concepito come un'estensione del suo primo libro dell'artista, Rayon Vert (2018) - il titolo, che ricorda il film di Éric Rohmer del 1986 basato sull'omonimo romanzo di Jules Verne del 1882, si riferisce a un fenomeno ottico - un lampo di colore inaspettato all'orizzonte al crepuscolo, che dovrebbe portare un momento di chiarezza a chi lo vede, ma che in realtà è molto più sfuggente.

Nata a Losanna, Senta Simond ha conseguito un master in fotografia presso l'ECAL di Losanna, in Svizzera. Finalista al premio Aperture/Paris PhotoBook, è stata anche selezionata per il British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent e gli Swiss Design Awards. Il suo lavoro è stato esposto in una mostra personale al Foam Museum, alla Danziger Gallery (New York) e alla Webber Gallery (New York/Londra), oltre che in mostre collettive a Tokyo, Londra, Bienne e Basilea. È rappresentata dalla Webber Gallery.

Dal 2018 Simond lavora anche come fotografa di moda. Nata a Ginevra, vive e lavora a Parigi.

Curatore: Laurie Hurwitz

La mostra è organizzata in collaborazione con Christian Dior Parfums.

Le Studio is proud to present the first solo exhibition in a French institution of Swiss artist and fashion photographer Senta Simond. Known for her stereotype-busting photographs of the female body, Simond presents a collection of previously unseen videos and photos. Here, Simond presents a collection of previously unseen videos and photos, introducing music into her work for the first time.

The centerpiece of the exhibition is a diptych combining video and photography, in a visual and aural dialogue between two young women who have never met in person: a young Ukrainian dancer and an Irish harpist. Taking an intimate approach, focusing on close-ups and offbeat snapshots, Simond finds nuance in fleeting gestures and expressions. The result is sensitive, mysterious images that explore the theme of human connection, inviting us to immerse ourselves in the scene. This work mixes Simond's images and, at his request, footage filmed by the two young women inspired by his approach, to experiment with ideas of staging and performance, improvisation and chance.

This new project was conceived as an extension of her first artist's book, Rayon Vert (2018) - the title, reminiscent of Éric Rohmer's 1986 film based on Jules Verne's 1882 novel of the same name, refers to an optical phenomenon - an unexpected flash of color on the horizon at dusk, meant to bring a moment of clarity to those who see it, but which, in reality, is much more elusive.

Born in Lausanne, Senta Simond obtained a Master's degree in photography at ECAL in Lausanne, Switzerland. A finalist for the Aperture/Paris PhotoBook prize, she has also been shortlisted for the British Journal of Photography "Ones to watch", Foam Talent and the Swiss Design Awards. Her work has been shown in solo exhibitions at the Foam Museum, Danziger Gallery (New York) and Webber Gallery (New York/London), as well as in group shows in Tokyo, London, Biel and Basel. She is represented by Webber Gallery.

Simond has also been working as a fashion photographer since 2018. Born in Geneva, she lives and works in Paris.

Curator: Laurie Hurwitz

The exhibition is organized in collaboration with Christian Dior Parfums.

(Text: MEP Maison Européenne de la Photographie, Paris)

La Chambre | Strasbourg
18. November 2023 – 14. Januar 2024

Silhouettes
Charles Fréger

Charles Fréger interessiert sich für Kostüme als Marker für die individuelle Identität und die Zugehörigkeit zu einer Gruppe. Seit über zwanzig Jahren verfolgt er eine fotografische Bestandsaufnahme von sozialen, kulturellen, beruflichen... Gemeinschaften, deren Mitglieder er mit gestellten Porträts beschreibt, die ihre charakteristischen Attribute einschließen. Auf diese Weise fotografiert er Gemeinschaften auf der ganzen Welt und wird international vielfach ausgestellt und veröffentlicht.

La Chambre hat in Zusammenarbeit mit dem Musée Alsacien de Strasbourg die Arbeit von Charles Fréger fünf Jahre lang begleitet, um seine neue Serie Souvenir d'Alsace zu schaffen, die die Konstruktion der elsässischen Identität hinterfragt.

Zusammen mit der Ausstellung im Museum bietet La Chambre eine Perspektive auf das Werk des Künstlers durch die Präsentation von Auszügen aus seinen Serien, die sich auf die fotografische Silhouette konzentrieren.

Diese Behandlung, die er seit mehreren Jahren in verschiedenen Formen entwickelt, wird auf Figuren angewendet, die aus einer gemeinsamen visuellen Kultur ausgewählt werden, und essentialisiert sie auf ihre Umrisse.

Die Arbeit wird von ikonografischen Recherchen genährt, die absichtlich das Gelehrte mit dem Populären mischen und gerne die Epochen vom modernen Zeitalter bis zum 21. In L'Épopée de Jeanne d'Arc zum Beispiel geht es neben der historischen Erzählung auch um die Darstellung der Figur und ihre "Gebräuche" im Laufe der Jahrhunderte. In der Bretagne, im Baskenland und im Elsass beschäftigt sich der Künstler mit den Darstellungen stark ausgeprägter regionaler Kulturen. In den beiden letztgenannten Grenzregionen ritzen die Bisse der Geschichte die glatte Oberfläche des folkloristischen Bildes an. Die Silhouette legt dann in der ruhigen Nacktheit, die sie vorantreibt, die manchmal brutalen Triebfedern einer volkstümlichen Bildsprache offen, die auf der Herstellung archetypischer Figuren beruht, die teils zum Zweck des Zusammenhalts, teils - und manchmal in der gleichen Bewegung - zum Zweck der Stigmatisierung dienen.

En s’intéressant au costume en tant que marqueur de l’identité individuelle et de l’appartenance à un groupe, Charles Fréger poursuit depuis plus de vingt ans un inventaire photographique des communautés sociales, culturelles, professionnelles… dont il décrit les membres avec des portraits posés incluant leurs attributs caractéristiques. Il photographie ainsi des communautés dans le monde entier et est largement exposé et publié à l’international.

La Chambre, en collaboration avec le Musée Alsacien de Strasbourg, a accompagné le travail de Charles Fréger durant cinq ans pour la création de sa nouvelle série Souvenir d’Alsace interrogeant la construction de l’identité alsacienne.

Conjointement à l’exposition au musée, La Chambre propose une mise en perspective de l’œuvre de l’artiste par la présentation d’extraits de ses séries axés sur la silhouette photographique.

Ce traitement, qu’il développe depuis plusieurs années sous différentes formes, est appliqué à des figures choisies dans une culture visuelle commune et les essentialise à leurs contours.

Le travail est nourri de recherches iconographiques brassant à dessein l’érudit et le populaire, mêlant volontiers les époques, de l’âge moderne au 21ème siècle. Dans L’Épopée de Jeanne d’Arc par exemple, aux côtés du récit historique se joue également celui des représentations du personnage, de ses « usages » à travers les siècles. En Bretagne, au Pays basque, en Alsace, ce sont les représentations de cultures régionales fortement marquées que l’artiste investit. Dans ces deux dernières régions frontalières, les morsures de l’histoire entament la surface lisse de l’image folklorique. La silhouette, alors, dans le tranquille dénuement qu’elle avance, expose les ressorts parfois brutaux d’une imagerie populaire qui repose sur la fabrication de figures archétypales, tantôt à des fins de cohésion, tantôt – et parfois dans un même mouvement – à des fins de stigmatisation.

L'interesse di Charles Fréger per il costume come marcatore dell'identità individuale e dell'appartenenza a un gruppo lo ha portato per oltre vent'anni a sviluppare un inventario fotografico di comunità sociali, culturali e professionali, i cui membri vengono descritti in ritratti in posa che includono i loro attributi caratteristici. Ha fotografato comunità in tutto il mondo e il suo lavoro è stato ampiamente esposto e pubblicato a livello internazionale.

La Chambre, in collaborazione con il Musée Alsacien di Strasburgo, lavora da cinque anni con Charles Fréger alla sua nuova serie Souvenir d'Alsace, che esamina la costruzione dell'identità alsaziana.

In concomitanza con la mostra al museo, La Chambre offre una prospettiva sul lavoro dell'artista, presentando estratti della sua serie incentrata sulla silhouette fotografica.

Questo trattamento, che l'artista sviluppa da diversi anni in forme diverse, viene applicato a figure scelte da una cultura visiva comune e le essenzializza nei loro contorni.

Il lavoro si nutre di ricerca iconografica, mescolando deliberatamente l'erudito e il popolare, e fondendo volentieri epoche diverse, dall'età moderna al XXI secolo. Ne L'Épopée de Jeanne d'Arc, ad esempio, accanto alla narrazione storica, c'è anche il racconto di come la figura è stata ritratta e "usata" nel corso dei secoli. In Bretagna, nei Paesi Baschi e in Alsazia, l'artista investe nella rappresentazione di culture regionali fortemente marcate. In queste due ultime regioni di confine, i morsi della storia stanno corrodendo la superficie liscia dell'immagine popolare. La silhouette, quindi, nella sua tranquilla indigenza, mette a nudo il funzionamento a volte brutale di un immaginario popolare che si basa sulla creazione di figure archetipiche, a volte a scopo di coesione, a volte - e a volte nello stesso movimento - a scopo di stigmatizzazione.

Interested in costume as a marker of individual identity and group membership, Charles Fréger has for over twenty years pursued a photographic inventory of social, cultural and professional communities, whose members he describes with posed portraits that include their characteristic attributes. He photographs communities all over the world, and his work is widely exhibited and published internationally.

La Chambre, in collaboration with Strasbourg's Musée Alsacien, has supported Charles Fréger's work for five years in the creation of his new Souvenir d'Alsace series, which examines the construction of Alsatian identity.

In conjunction with the museum exhibition, La Chambre offers a perspective on the artist's work, presenting extracts from his series focusing on the photographic silhouette.

This treatment, which he has been developing for several years in various forms, is applied to figures chosen from a common visual culture, essentializing them to their contours.

The work is nourished by iconographic research, deliberately mixing the erudite and the popular, and willingly blending eras from the modern age to the 21st century. In L'Épopée de Jeanne d'Arc, for example, alongside the historical narrative, there is also the representation of the figure, and its "uses" over the centuries. In Brittany, the Basque country and Alsace, the artist takes on the representations of strongly marked regional cultures. In these last two border regions, the bites of history are eating away at the smooth surface of the folk image. The silhouette, then, in the quiet destitution it advances, exposes the sometimes brutal springs of a popular imagery that relies on the fabrication of archetypal figures, sometimes for the purpose of cohesion, sometimes - and sometimes in the same movement - for the purpose of stigmatization.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

Galerie Rabouan Moussion | Paris
11. November – 31. Dezember 2023

Nature Morte – Still Life
Stephan Vanfleteren

Seit etwa zehn Jahren fotografiert Stephan Vanfleteren in seinem Atelier tote Tiere bei Tageslicht. Diese intensive Arbeit bildet die Serie Nature Morte - Still Life.

Nichts ist schwieriger, als lebende Tiere zu fotografieren. Sie sind misstrauisch und schnell oder leben versteckt in der Nacht, man kann sie nicht lenken. Ein totes Tier ist geduldig. Die Tiere sind nicht für das Objektiv des Fotografen gestorben. Der tote Schwan wurde an einem Flussufer gefunden, das Lamm war auf dem Weg zum Metzger, die Ente und der Fasan wurden mit einer Schrotflinte erschossen, die Krähe starb im Gras inmitten von Nebel und Tau, der Fuchs, der Wolf und das Reh wurden von Autos überfahren, der Schweinswal wurde nach einem Sturm an die Küste gespült und starb in den Armen eines Surfers, die Blaumeise und das Rotkehlchen flogen in ein Fenster.

Nature Morte - Still Life bezieht sich natürlich auf die klassische Malerei mit dem betörenden Licht, das in das Atelier des Künstlers eindringt. Dieses weiche Licht steht in der Tradition der alten und zeitgenössischen Meister. Mit seinem akribischen Können, seinem Künstlerherz und seiner unerschöpflichen Vitalität macht er uns gleichzeitig zu Zeugen und Komplizen eines Vergehens, das unter Spiegelungen begangen wird.

Das Tageslicht ändert sich mit den Jahreszeiten, dem Stand der Sonne und den Wolken. Die grauen Leinwände im Atelier sind so wandelbar wie die Abendkleider der vielseitigen Diven. Es ist schön zu sehen, wie sich das Grau zwischen den poetischen Nuancen von Petrolblau, Lincolngrün und Mountbattenpink tummelt. Mithilfe dieses Lichts beobachtet, studiert und sublimiert Stephan Vanfleteren die Schönheit des Tieres. Die Farbe des Fells, der Glanz einer Feder, die Spiegelung der Haut, die Rauheit einer Pfote, die Aerodynamik des Körpers, die Schärfe einer Kralle oder die Textur der Haut faszinieren den Fotografen.

Das Licht ist ein faszinierendes Thema. Ibn al-Haytham und Da Vinci haben es nicht nur beobachtet, sondern auch darüber geschrieben. Auch in der Bibel wird es bewundert, insbesondere im Schöpfungsbericht, in dem das Licht am allerersten Tag erschaffen wird. Der holländische Wissenschaftler Huygens war im 17. Jahrhundert der erste, der die Wellenbewegung sezierte. Vor ihm entdeckte der Däne Ole Roemer sogar, dass das Licht eine Geschwindigkeit hat. Licht bleibt ein mysteriöses Wunder, jenseits von religiösen oder wissenschaftlichen Ansichten. Die Tatsache, dass das Sonnenlicht 500 Sekunden lang unterwegs ist, bevor es durch das große Fenster des Ateliers fällt, lässt Vanfleteren ekstatisch werden. Dieses müde Licht, das auf seiner weiten Reise durch Brechung und Verzerrung verwundet wurde, ist der Grund, warum Vanfleteren es das alte Licht nennt.

Stephan Vanfleterens Atelier ist eine Art Niemandsland, das einen intimen Schutzraum bildet, in dem die Außenwelt vergessen wird. Die Menschen schenken dem Tod kaum Beachtung, für Vanfleteren nährt der Tod die Vitalität des Lebens. Wenn du das Licht sehen willst, betrachte den Schatten. Nature Morte - Still Life ist ein Memento Mori, ein Stillleben, das uns an unsere Sterblichkeit erinnert.

Depuis une dizaine d’années, Stephan Vanfleteren photographie des animaux morts dans son atelier à la lumière du jour. Ce travail intense constitue la série Nature Morte - Still Life.

Rien n’est plus difficile que de photographier des animaux vivants. Ils sont méfiants et rapides, ou vivent cachés dans la nuit, on ne peut pas les diriger. Un animal mort est patient. Les animaux ne sont pas morts pour l’objectif du photographe. Le cygne mort a été trouvé au bord d’une rivière, l’agneau était en route pour la boucherie, le canard et le faisan ont été abattus par un fusil de chasse, la corneille est morte dans l’herbe au milieu de la brume et de la rosée, le renard, le loup et le chevreuil ont été renversés par des voitures, le marsouin s’est échoué sur le rivage après une tempête, il est mort dans les bras d’un surfeur, la mésange bleue et le rouge-gorge se sont envolés dans une fenêtre.

Nature Morte - Still Life fait naturellement référence à la peinture classique avec la lumière envoûtante qui pénètre dans l’atelier de l’artiste. Cette lumière douce s’inscrit dans la tradition des maîtres anciens et contemporains. Avec son savoir-faire méticuleux, son coeur d’artiste et sa vitalité inépuisable, il nous rend à la fois témoins et complices d’un délit commis sous des reflets.

La lumière du jour change avec les saisons, la position du soleil et les nuages. Les toiles de fond grises de l’atelier sont aussi changeantes que les robes de soirée des divas versatiles. Il est beau de voir comment le gris s’ébat entre les nuances poétiques du bleu pétrole, du vert Lincoln et du rose Mountbatten. Grâce à cette lumière, Stephan Vanfleteren observe, étudie et sublime la beauté de l’animal. La couleur du pelage, la brillance de la plume, le reflet de la peau, la rugosité d’une patte, l’aérodynamisme du corps, le tranchant d’une griffe ou la texture de la peau fascinent le photographe.

La lumière est un sujet qui passionne, Ibn al-Haytham, Da Vinci l’ont non seulement observée, mais ils ont aussi écrit à son sujet. Elle est également admirée dans la Bible, notamment dans le récit de la création, où la lumière est crée le tout premier jour. Le scientifique Hollandais Huygens, au XVIIe siècle a été le premier à disséquer le mouvement ondulatoire. Avant lui, le Danois Ole Roemer a même découvert que la lumière avait une vitesse. La lumière reste un miracle mystérieux, au-delà du point de vue religieux ou scientifique, le fait que la lumière du soleil voyage pendant 500 secondes avant de traverser la grande fenêtre de l’atelier rend Vanfleteren extatique. Cette lumière fatiguée, blessée par la réfraction et la distorsion au cours de son lointain voyage est la raison pour laquelle Vanfleteren l’appelle la vieille lumière.

L’atelier de Stephan Vanfleteren est une sorte de no man’s land qui forme un abri intime où le monde extérieur est oublié. Les gens ne prêtent guère attention à la mort, pour Vanfleteren, la mort alimente la vitalité de la vie. Si vous voulez voir la lumière, regardez l’ombre. Nature Morte - Still Life est un Memento Mori, une nature morte qui nous rappelle notre mortalité.

Da dieci anni Stephan Vanfleteren fotografa animali morti nel suo studio alla luce del giorno. Questo intenso lavoro costituisce la serie Nature Morte - Still Life.

Niente è più difficile che fotografare animali vivi. Sono diffidenti e veloci, o vivono nascosti nella notte, e non si possono dirigere. Un animale morto è paziente. Gli animali non sono morti per l'obiettivo del fotografo. Il cigno morto è stato trovato sulle rive di un fiume, l'agnello stava andando dal macellaio, l'anatra e il fagiano sono stati uccisi con un fucile da caccia, il corvo è morto sull'erba nella nebbia e nella rugiada, la volpe, il lupo e il cervo sono stati investiti dalle auto, la focena si è arenata dopo una tempesta ed è morta tra le braccia di un surfista, la cinciallegra e il pettirosso sono volati dentro una finestra.

Nature Morte - Still Life è un riferimento naturale alla pittura classica, con la luce ammaliante che penetra nello studio dell'artista. Questa luce soffusa si inserisce nella tradizione dei maestri antichi e contemporanei. Con la sua meticolosa abilità, il suo cuore d'artista e la sua inesauribile vitalità, ci rende testimoni e complici di un crimine commesso sotto la luce dei riflessi.

La luce del giorno cambia a seconda delle stagioni, della posizione del sole e delle nuvole. I fondali grigi dello studio sono mutevoli come gli abiti da sera di dive versatili. È bello vedere come il grigio si muove tra le poetiche sfumature del blu petrolio, del verde Lincoln e del rosa Mountbatten. Utilizzando questa luce, Stephan Vanfleteren osserva, studia e sublima la bellezza dell'animale. Il colore del manto, la brillantezza delle piume, il riflesso della pelle, la ruvidità di una zampa, l'aerodinamicità del corpo, l'affilatezza di un artiglio o la consistenza della pelle affascinano il fotografo.

Ibn al-Haytham e Da Vinci non solo l'hanno osservato, ma ne hanno anche scritto. È ammirata anche nella Bibbia, in particolare nel racconto della creazione, dove la luce viene creata il primo giorno. Nel XVII secolo, lo scienziato olandese Huygens fu il primo a studiare il moto ondoso. Prima di lui, il danese Ole Roemer scoprì che la luce aveva una velocità. La luce rimane un miracolo misterioso, al di là del punto di vista religioso o scientifico. Il fatto che la luce del sole viaggi per 500 secondi prima di passare attraverso la grande finestra dello studio rende Vanfleteren estasiato. Questa luce stanca, ferita dalla rifrazione e dalla distorsione nel suo viaggio lontano, è il motivo per cui Vanfleteren la chiama la vecchia luce.

Lo studio di Stephan Vanfleteren è una sorta di terra di nessuno, un rifugio intimo dove il mondo esterno viene dimenticato. Per Vanfleteren, la morte alimenta la vitalità della vita. Se vuoi vedere la luce, guarda l'ombra. Nature Morte - Still Life è un Memento Mori, una natura morta che ci ricorda la nostra mortalità.

For the past ten years, Stephan Vanfleteren has been photographing dead animals in his studio in daylight. This intense work forms the Nature Morte - Still Life series.

Nothing is more difficult than photographing live animals. They're wary and quick, or live hidden in the night, so you can't direct them. A dead animal is patient. Animals are not dead for the photographer's lens. The dead swan was found on the banks of a river, the lamb was on its way to the butcher's, the duck and pheasant were shot by a shotgun, the crow died in the grass amid mist and dew, the fox, wolf and deer were hit by cars, the porpoise washed ashore after a storm, died in the arms of a surfer, the blue tit and robin flew into a window.

Nature Morte - Still Life is a natural reference to classical painting, with the bewitching light that penetrates the artist's studio. This soft light is in the tradition of old and contemporary masters alike. With his meticulous craftsmanship, artist's heart and inexhaustible vitality, he makes us both witnesses and accomplices to a crime committed under reflections.

Daylight changes with the seasons, the position of the sun and the clouds. The gray backdrops of the studio are as changeable as the evening gowns of versatile divas. It's beautiful to see how gray frolics between poetic shades of petrol blue, Lincoln green and Mountbatten pink. With this light, Stephan Vanfleteren observes, studies and sublimates the animal's beauty. The color of the coat, the brilliance of the feather, the reflection of the skin, the roughness of a paw, the aerodynamics of the body, the sharpness of a claw or the texture of the skin fascinate the photographer.

Ibn al-Haytham and Da Vinci not only observed it, they also wrote about it. It is also admired in the Bible, notably in the creation story, where light is created on the very first day. The 17th-century Dutch scientist Huygens was the first to dissect wave motion. Before him, the Dane Ole Roemer even discovered that light had a speed. Light remains a mysterious miracle, beyond the religious or scientific point of view. The fact that sunlight travels for 500 seconds before passing through the studio's large window makes Vanfleteren ecstatic. This tired light, wounded by refraction and distortion on its distant journey, is why Vanfleteren calls it the old light.

Stephan Vanfleteren's studio is a kind of no-man's-land, an intimate shelter where the outside world is forgotten. For Vanfleteren, death feeds the vitality of life. If you want to see the light, look at the shadow. Nature Morte - Still Life is a Memento Mori, a still life that reminds us of our mortality.

(Text: Galerie Rabouan Moussion, Paris)

Backslash | Paris
9. November – 16. Dezember 2023

Polaroils
France Bizot

Das Polaroid stellt für France Bizot die erste Selfie-Kamera dar. Frühere Ausstellungen der Künstlerin zeigten ihr Interesse an sozialen Netzwerken, im wahrsten Sinne des Wortes, dieses Phänomens. Heute wendet sie sich der praktischen und technischen Seite des virtuellen Mediums zu. Vor Kim Kardashian war es Andy Warhol, der die Idee des Selfies in unvergesslichen Sitzungen und immer mit Hilfe einer Polaroidkamera definierte. Man sollte übrigens nicht vergessen, dass er viele Jahre lang ein bekannter Grafiker in der Werbung war. Warhols Polaroids, die aus dem Leben gegriffen waren, definierten seine Zeit, so wie Instagram die unsrige enthüllt. France Bizot versucht, unsere ständige Gegenwart und die permanenten Timelines, die auf unseren Telefonen ablaufen, durch eine Reihe von Gemälden mit verschiedenen Medien zu beschreiben und zu malen (darunter echte Vintage-Polaroids, die verblassen, um dem Pinsel des Künstlers Platz zu machen). Das Format des Polaroids ist übrigens dem des IPhone nicht unähnlich. Und da wir heute Kunstwerke in erster Linie über das Mobiltelefon entdecken, hat France Bizot Werke in dieser Größe oder im gleichen Formatverhältnis, aber in monumentalerer Form geschaffen.

Die angesprochenen Themen und Themen sind die des Alltags, unserer sozialen Netzwerke. Ob eingefangene Bilder oder perfekt studierte und retuschierte Selfies, die Ausstellung bietet eine digitale Timeline, die paradoxerweise in der Ölmalerei erstarrt ist. Aber der Künstler führt uns auch hinter die Kulissen und lässt uns durch eine Reihe von umgekehrt gemalten Schnappschüssen entdecken, was wir normalerweise nicht sehen: Diesmal sind es Rücken von Frauen, deren BHs schnell schlecht zusammengetackert sind, während diese Frauen von vorne wahrscheinlich wunderschön zurechtgemacht sind. Was verbirgt die Fotografie? Und was enthüllen durch ihre Prismen nicht auch die Bilder unserer sozialen Netzwerke mit ihren perfekten Leben?

Eine letzte Reihe außergewöhnlicher Werke schließt den Ausstellungsrundgang ab: Zeitgenössische Madonnen aus Keramik stellen dem Betrachter Fragen über das voyeuristische Klischee der sozialen Netzwerke. Die Hauttöne und die Epidermis der Keramik erinnern stark an die Jungfrauen des Florentiner Keramikers Luca della Robbia und bilden somit einen vollständigen Zyklus in der Kunstgeschichte, ebenso wie die mit Ölfarbe überzogenen Polaroids.

Le Polaroïd représente pour France Bizot le premier appareil à selfie. Les expositions précédentes de l’artiste ont démontré son intérêt pour les réseaux sociaux, dans le sens littéral de ce phénomène. Aujourd’hui, elle s’adresse au côté pratique et technique du support virtuel. Avant Kim Kardashian, c’est Andy Warhol qui a défini l’idée de selfie lors de séances inoubliables et toujours avec l’aide d’un Polaroïd. Il faut d’ailleurs rappeler qu’il a été un graphiste réputé de la publicité durant de longues années. Pris sur le vif, les Polaroïds de Warhol définissaient son époque comme Instagram dévoile la nôtre. France Bizot s’attache ainsi à décrire et peindre notre présent perpétuel et les timelines permanentes qui défilent sur nos téléphones, à travers une série de peintures aux différents supports (dont de véritables Polaroïds vintage qui s’effacent pour laisser la place au pinceau de l’artiste). Le format du Polaroïd n’est d’ailleurs pas sans rappeler celui de l’IPhone. Et puisqu’aujourd’hui nous découvrons essentiellement les oeuvres d’art d’abord par le biais du téléphone portable, France Bizot a donc réalisé des oeuvres de cette taille-là, ou dans ce même rapport de format mais en plus monumental.

Les sujets et thèmes évoqués sont ceux du quotidien, de nos réseaux sociaux. Images capturées ou selfies parfaitement étudiés et retouchés, l’exposition propose une timeline numérique paradoxalement figée dans la peinture à l’huile. Mais l’artiste nous emmène également dans l’envers du décor et nous propose de découvrir ce que l’on ne voit normalement pas, par le biais d’une série de cliché peints inversés : ce sont cette fois-ci des dos de femmes, aux soutiens-gorges rapidement mal agrafés, alors que de face ces femmes sont probablement magnifiquement apprêtées. Que cache la photographie ? Et par leurs prismes, que ne dévoilent pas les images de nos réseaux sociaux aux vies parfaites ?

Une dernière série d’oeuvres exceptionnelles clôt le parcours de l’exposition : des madones contemporaines en céramique questionnent le spectateur sur le cliché voyeuriste des réseaux sociaux. Les carnations et l’épiderme de la céramique rappellent fortement les vierges du céramiste florentin Luca della Robbia et forment ainsi un cycle complet dans l’histoire de l’art, tout comme les Polaroïds recouverts de peinture à l’huile.

Per France Bizot, la Polaroid è stata la prima macchina fotografica per i selfie. Le precedenti mostre dell'artista hanno dimostrato il suo interesse per i social network, nel senso letterale del fenomeno. Ora sta rivolgendo la sua attenzione all'aspetto pratico e tecnico del mezzo virtuale. Prima di Kim Kardashian, è stato Andy Warhol a definire l'idea del selfie in sessioni indimenticabili, sempre con l'aiuto di una Polaroid. Vale la pena ricordare che è stato per molti anni un rinomato grafico pubblicitario. Scattate sul posto, le Polaroid di Warhol definivano la sua epoca come Instagram rivela la nostra. France Bizot si propone di descrivere e dipingere il nostro presente perpetuo e le linee temporali permanenti che scorrono sui nostri telefoni, attraverso una serie di dipinti realizzati con diversi supporti (tra cui vere Polaroid d'epoca che svaniscono per lasciare spazio al pennello dell'artista). Il formato della Polaroid non è diverso da quello dell'iPhone. E poiché oggi scopriamo le opere d'arte soprattutto attraverso i nostri cellulari, France Bizot ha creato opere di queste dimensioni, o dello stesso formato ma più monumentali.

I soggetti e i temi evocati sono quelli della vita quotidiana, dei nostri social network. Con immagini catturate o selfie perfettamente studiati e ritoccati, la mostra offre una timeline digitale che è paradossalmente congelata nella pittura a olio. Ma l'artista ci porta anche dietro le quinte, mostrandoci ciò che normalmente non vediamo, attraverso una serie di scatti pittorici invertiti: questa volta di spalle di donne, con i loro reggiseni spillati in fretta e male, mentre da davanti queste donne sono probabilmente magnificamente vestite. Cosa nascondono le fotografie? E attraverso i loro prismi, cosa non rivelano le immagini dei nostri social network con le loro vite perfette?

Un'ultima serie di opere eccezionali chiude la mostra: Madonne contemporanee in ceramica interrogano lo spettatore sul cliché voyeuristico dei social network. Gli incarnati e le epidermidi delle ceramiche ricordano fortemente le vergini del ceramista fiorentino Luca della Robbia, formando un ciclo completo nella storia dell'arte, così come le Polaroid ricoperte di colori a olio.

For France Bizot, the Polaroid represents the first selfie camera. The artist's previous exhibitions have demonstrated her interest in social networking, in the literal sense of the phenomenon. Today, she turns her attention to the practical and technical side of the virtual medium. Before Kim Kardashian, it was Andy Warhol who defined the idea of the selfie in unforgettable sessions, always with the help of a Polaroid. It's worth remembering that he was a renowned advertising graphic designer for many years. Taken on the spot, Warhol's Polaroids defined his era, just as Instagram reveals ours. France Bizot thus sets out to describe and paint our perpetual present and the permanent timelines that scroll by on our phones, through a series of paintings in different media (including genuine vintage Polaroids that fade away to make way for the artist's brush). The Polaroid format is reminiscent of the IPhone. And since today's artworks are mainly discovered via the cell phone, France Bizot has created works of this size, or in the same ratio of format but more monumental.

The subjects and themes evoked are those of everyday life, of our social networks. Whether captured images or perfectly studied and retouched selfies, the exhibition offers a digital timeline paradoxically frozen in oil paint. But the artist also takes us behind the scenes to discover what we don't normally see, through a series of inverted painted snapshots: this time, the backs of women, with their bras quickly badly stapled, while from the front these women are probably magnificently dressed. What are the photographs hiding? And through their prisms, what don't our social network images of perfect lives reveal?

A final series of exceptional works closes the exhibition: contemporary ceramic Madonnas question the viewer on the voyeuristic cliché of social networks. The complexion and epidermis of the ceramics are strongly reminiscent of the virgins by Florentine ceramist Luca della Robbia, forming a complete cycle in the history of art, as do the Polaroids covered in oil paint.

(Text: Backslash, Paris)

Galerie Templon | Paris
8. November – 23. Dezember 2023

Eveningside
Gregory Crewdson

Der Amerikaner Gregory Crewdson enthüllt diesen Herbst in Paris "Eveningside", seine neueste Schwarz-Weiß-Serie, die zwischen 2020 und 2022 entstanden ist. Als letzter Teil einer Trilogie, die seit 2012 entwickelt wurde, beeindruckt diese Gruppe von zwanzig Panoramafotografien durch ihre beunruhigende Schärfe und ihre dämmrigen Stimmungen.

Gregory Crewdson, ein Pionier der "inszenierten Fotografie", entwickelt seit dreißig Jahren eine einzigartige fotografische Sprache, in der jede Aufnahme das Ergebnis einer langen Produktionsarbeit im Vorfeld ist, mit Storyboard, Schauspielern, Kulissenbau, technischer Bühne, Spezialeffekten und einem ausgeklügelten Beleuchtungssystem.

Mit der Ausstellung Eveningside, die diesen Sommer im Rahmen einer Retrospektive bei den Rencontres de la Photographie d'Arles gezeigt wurde, treibt Gregory Crewdson die Grenze zwischen Realität und Fiktion noch weiter voran. Er erfindet mehrdeutige Vorstadtlandschaften, in denen die Unbeweglichkeit der Personen, die in ihren banalsten Alltagstätigkeiten erstarrt sind, faszinierend und beunruhigend zugleich ist. Als fiktives Porträt eines Amerikas zwischen zwei Altersgruppen zeigen diese Szenen einsame Figuren, die oft durch das komplexe Spiel von Spiegeln, Ladenfronten oder Durchgangsorten wie Brücken, Veranden, Supermärkten oder Eisenwarenläden festgehalten werden. Seine Schwarz-Weiß-Fotografie spielt virtuos mit einer Reihe von Spezialeffekten - Nebel, Rauch, Scheinwerfer, Regen - und schafft eine düstere und gotische Atmosphäre, die an das klassische Kino, den Film noir oder die realistische Malerei eines Edward Hopper erinnert.

Sein Werk schwankt zwischen Poetik und Politik, zwischen der Verletzlichkeit der menschlichen Kondition und den Paradoxien des amerikanischen Traums. Die Komplexität der monochromatischen Schattierungen und ihre seltsame Schönheit wirken wie eine gewaltige Metapher für die unerträglichen Grenzen unserer hypervernetzten, digitalen und verblendeten Welt. Crewdson ist nie didaktisch, sondern lässt dem Betrachter alle Freiheit, sich die unter der Oberfläche verborgenen Geschichten vorzustellen und von anderen Möglichkeiten zu träumen.

L’américain Gregory Crewdson dévoile cet automne à Paris « Eveningside », sa dernière série en noir et blanc, réalisée entre 2020 et 2022. Dernier volet d’une trilogie développée depuis 2012, cet ensemble de vingt photographies panoramiques frappe par sa netteté troublante et ses ambiances crépusculaires.

Pionnier de la « photographie de mise en scène » , Gregory Crewdson développe depuis trente ans un langage photographique unique, où chaque prise de vue est le résultat d’un long travail de production en amont, avec story board, acteurs, construction de décors, plateau technique, effets spéciaux et système d’éclairage sophistiqué.

Avec l’exposition Eveningside, montrée cet été dans le cadre d’une rétrospective aux Rencontres de la Photographie d’Arles, Gregory Crewdson pousse encore plus loin la frontière entre réalité et fiction. Il invente des paysages suburbains ambigus, où l’immobilité des personnages, figés dans leurs activités quotidiennes les plus banales, est à la fois fascinante et inquiétante. Portrait fictif d’une Amérique entre deux âges, ces scènes campent des figures solitaires, souvent saisies à travers le jeu complexe de miroirs, de devantures de magasins, ou de lieux de passage : ponts, porches, superette ou quincaillerie. Jouant avec virtuosité avec un ensemble d’effets spéciaux – brouillard, fumée, projecteurs, pluie – sa palette en noir et blanc décline des atmosphères à la fois sombres et gothiques, évoquant aussi bien le cinéma classique, que le film noir ou la peinture réaliste d’un Edward Hopper.

Son oeuvre oscille entre le poétique et le politique, entre une vulnérabilité de la condition humaine et les paradoxes du rêve américain. La complexité des nuances monochromatiques, leur étrange beauté, agit comme une formidable métaphore des limites insoutenables de de notre monde hyperconnecté, digital et aveuglé. Jamais didactique, Crewdson laisse au spectateur toute liberté pour imaginer les histoires cachées sous la surface et rêver d’autres possibles.

Il fotografo americano Gregory Crewdson presenta quest'autunno a Parigi "Eveningside", la sua ultima serie in bianco e nero, realizzata tra il 2020 e il 2022. Ultimo capitolo di una trilogia sviluppata a partire dal 2012, questa serie di venti fotografie panoramiche colpisce per la sua inquietante nitidezza e per le sue atmosfere crepuscolari.

Pioniere della "fotografia di scena", Gregory Crewdson ha sviluppato negli ultimi trent'anni un linguaggio fotografico unico, in cui ogni scatto è il risultato di un lungo processo produttivo, che coinvolge storyboard, attori, costruzione di set, scenografie tecniche, effetti speciali e sofisticati sistemi di illuminazione.

Con la mostra Eveningside, presentata quest'estate nell'ambito di una retrospettiva ai Rencontres de la Photographie d'Arles, Gregory Crewdson spinge ancora più in là il confine tra realtà e finzione. Inventa ambigui paesaggi suburbani, dove l'immobilità dei personaggi, congelati nelle loro più banali attività quotidiane, è al tempo stesso affascinante e inquietante. Ritratto fittizio di un'America tra due epoche, queste scene ritraggono figure solitarie, spesso catturate attraverso il complesso gioco di specchi, facciate di negozi o luoghi di passaggio: ponti, portici, supermercati o ferramenta. Giocando con una serie di effetti speciali - nebbia, fumo, riflettori, pioggia - la sua tavolozza in bianco e nero crea atmosfere cupe e gotiche, evocando il cinema classico, il film noir e i dipinti realistici di Edward Hopper.

Il suo lavoro oscilla tra il poetico e il politico, tra la vulnerabilità della condizione umana e i paradossi del sogno americano. La complessità delle sfumature monocromatiche, la loro strana bellezza, agisce come una formidabile metafora dei limiti insopportabili del nostro mondo iperconnesso, digitale e accecato. Mai didascalico, Crewdson lascia lo spettatore libero di immaginare le storie nascoste sotto la superficie e di sognare altre possibilità.

This autumn in Paris, American photographer Gregory Crewdson unveils "Eveningside", his latest black-and-white series, produced between 2020 and 2022. The latest instalment in a trilogy developed since 2012, this set of twenty panoramic photographs is striking for its unsettling sharpness and twilight moods.

A pioneer of "staged photography", Gregory Crewdson has been developing a unique photographic language over the past thirty years, in which each shot is the result of a long production process, involving storyboards, actors, set construction, technical sets, special effects and sophisticated lighting systems.

With his exhibition Eveningside, shown this summer as part of a retrospective at the Rencontres de la Photographie d'Arles, Gregory Crewdson pushes the boundary between reality and fiction even further. He invents ambiguous suburban landscapes, where the immobility of characters, frozen in their most mundane daily activities, is both fascinating and disquieting. A fictitious portrait of an America between two ages, these scenes depict solitary figures, often captured through the complex interplay of mirrors, storefronts or places of passage: bridges, porches, supermarkets or hardware stores. Virtuosic in his use of special effects - fog, smoke, spotlights, rain - his black-and-white palette creates dark, gothic atmospheres that evoke classic cinema, film noir or the realistic paintings of Edward Hopper.

His work oscillates between the poetic and the political, between the vulnerability of the human condition and the paradoxes of the American dream. The complexity of the monochromatic nuances, their strange beauty, acts as a formidable metaphor for the unbearable limits of our hyperconnected, digital and blinded world. Never didactic, Crewdson leaves the viewer free to imagine the stories hidden beneath the surface and dream of other possibilities.

(Text: Galerie Templon, Paris)

Galerie XII | Paris
6. November 2023 - 23. Januar 2024

Kings Road
Mona Kuhn

Vom 6. November 2023 bis zum 13. Januar 2024 widmet die Galerie XII Paris der deutsch-brasilianischen Künstlerin Mona Kuhn eine Ausstellung. Nachdem die Ausstellung "KINGS ROAD" in mehreren musealen Institutionen in den USA und später in Europa gezeigt wurde, ist sie nun zum ersten Mal in einer Galerie zu sehen. Mona Kuhn lädt den Besucher ein, in die Intimität des Kings Road House einzutauchen, des legendären experimentellen Architektenhauses, das Rudolf Schindler in Kalifornien entworfen hat. Mithilfe von Fotografien, einer Videoprojektion und einer Klanginstallation verschiebt der Künstler die Grenzen der fotografischen und architektonischen Präsentation. Die Eröffnung der Ausstellung fällt mit der Messe Paris Photo (9. bis 12. November) zusammen.

Nachdem Mona Kuhns "KINGS ROAD" während der von Gerhard Steidl organisierten Ausstellung im April 2023 in drei Stockwerken des Kunsthauses-Göttingen in Deutschland Platz gefunden hatte, zieht sie nun in die Galerie XII ein. Seit über 20 Jahren nutzt Mona Kuhn Fotografie und Medienkunst, um den figurativen Diskurs rund um die physische und metaphysische Präsenz in der menschlichen Figur neu zu untersuchen. Durch ihr Objektiv lädt sie die Betrachter ein, die Feinheiten unserer Existenz zu betrachten und enthüllt die verborgenen Tiefen unserer gemeinsamen Menschlichkeit. Für ihre neueste Ausstellung, "KINGS ROAD", verwendet Mona Kuhn die Themen Liebe und Schicksal als ihre Hauptstudienobjekte. Die Serie findet im Kings Road House statt, das 1922 von dem Architekten Rudolph Schindler in West Hollywood erbaut wurde.

KINGS ROAD, ein architektonisches und soziales Experiment.
Das Kings Road House ist durch seine Herstellung aus industriellen Materialien wie nacktem Beton, unbehandeltem Mammutbaumholz, japanisch inspirierten Schiebetuchpaneelen oder Glas ein Modell für radikale Architektur. Konzipiert als kooperativer Lebens- und Arbeitsraum für zwei junge Familien, ist das Projekt auch sozial. Als Mona Kuhn über die Schwelle trat, fühlte sie sich sofort von diesem spartanischen, schmucklosen und aus rohen Materialien errichteten Haus angezogen.

Das Kings Road House, ein Wirbelwind künstlerischer, kultureller und politischer Kreativität zwischen den 1920er und 1950er Jahren, ist ein Raum, der in die Zukunft weist. Von der Avantgarde adoptiert, traf man hier Intellektuelle, die aus Nazi-Europa geflohen waren, oder kalifornische Künstler, die vom vorherrschenden Formalismus der Gesellschaft verstört waren, wie Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham oder Edward Weston. Eine Vielfalt an Profilen, die im Zentrum des Projekts ihres Schöpfers stehen, der von einem Haus träumte, das für Freunde aller Klassen und Typen offen ist, einem demokratischen Treffpunkt, an dem sich Millionäre und Arbeiter, Professoren und Analphabeten, Prächtige und Unedle ständig begegnen. Heute gilt das Kings Road House als die Wiege des amerikanischen Modernismus der Jahrhundertmitte.

Die geheimnisvolle Frau von KINGS ROAD
Als Mona Kuhn in das Architekturarchiv von Rudolph Schindler eintaucht, verliert sie sich in dessen Skizzen, persönlichen Notizen und privater Korrespondenz. Ein handgeschriebener Brief an eine Frau, deren Identität unbekannt bleibt, in dem er seinen romantischen Sehnsüchten abschwört, wird zum Eingangstor ihrer Arbeit. Eine Öffnung, die es dieser mysteriösen Frau, die Schindlers Geliebte verkörpert, ermöglicht, das Haus zu betreten. Während die Frau sich in der Villa bewegt, verschmilzt ihre Präsenz teilweise mit den kahlen Wänden und Strukturen des Hauses. Durch den Einsatz der Solarisation, einer experimentellen Technik der fotografischen Dunkelkammer, geht Kuhn noch über die Darstellung hinaus und verleiht ihr eine fast metaphysische Dimension. Dieses ätherische Verfahren, das zuerst von den Fotosurrealisten beim Bau des Hauses eingesetzt wurde, oxidiert das fotografische Silber auf unvorhersehbare Weise und entmaterialisiert das Bild teilweise. Mona Kuhns Absicht, die Grenzen der Fotografie, der Architektur und der Konservierung zu überschreiten, ist spürbar. Indem sie der Architektur eine lebendige Dicke voranstellt und gleichzeitig die menschliche Figur entmaterialisiert, zieht sich die Künstlerin aus unserer physischen Realität zurück und entwirft eine neue Erzählung, in der nicht greifbare Geister Zeit und Raum durchdringen, um sich erneut zu begegnen.

Du 6 novembre 2023 au 13 janvier 2024, Galerie XII Paris dédie une exposition à l'artiste germano-brésilienne Mona Kuhn. Après avoir été présentée dans plusieurs institutions muséales aux Etats-Unis puis en Europe, l’exposition « KINGS ROAD » est pour la première fois proposée en galerie. Mona Kuhn invite le visiteur à se plonger au coeur de l’intimité de la Kings Road House, mythique maison d'architecte expérimentale imaginée par Rudolf Schindler en Californie. À travers des photographies, une projection vidéo et une installation sonore, l’artiste repousse les limites de la présentation photographique et architecturale. L’ouverture de l’exposition coïncide avec la tenue de la foire Paris Photo (du 9 au 12 novembre).

Après avoir pris place dans trois étages du Kunsthaus-Göttingen en Allemagne, lors de l’exposition organisée par Gerhard Steidl en avril 2023, « KINGS ROAD » de Mona Kuhn s’installe à la Galerie XII. Depuis plus de 20 ans, Mona Kuhn utilise la photographie et l’art médiatique pour réexaminer le discours figuratif autour de la présence physique et métaphysique dans la figure humaine. À travers son objectif, elle invite les spectateurs à contempler les subtilités de notre existence, dévoilant les profondeurs cachées de notre humanité commune. Pour sa dernière exposition, « KINGS ROAD », Mona Kuhn utilise les sujets de l’amour et du destin comme ses principaux sujets d’étude. La série prend place au sein de la Kings Road House, construite par l’architecte Rudolph Schindler en 1922 à West Hollywood.

KINGS ROAD, une expérience architecturale et sociale
La Kings Road House, par sa fabrication en matériaux industriels tels que le béton nu, le séquoia non traité, les panneaux de toile coulissante d’inspiration japonaise ou le verre, est un modèle d’architecture radicale. Conçue comme un espace de vie et de travail coopératif pour deux jeunes familles, le projet est également social. Dès qu’elle en a franchi le seuil, Mona Kuhn a été attirée par cette demeure spartiate, dépourvue de tout ornement et construite avec des matériaux bruts.

Tourbillon de créativité artistique, culturelle et politique entre les années 1920 et 1950, la Kings Road House est un espace tourné vers le futur. Adoptée par les avant-gardes, on y croise des intellectuels ayant fui l’Europe nazie ou des artistes californiens perturbés par le formalisme ambiant de la société, tels qu’Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham ou encore Edward Weston. Une diversité de profils qui se trouvent au coeur du projet de son créateur, qui rêvait d’une maison ouverte aux amis de toutes classes et de tous types, un lieu de rencontre démocratique, où millionnaires et ouvriers, professeurs et analphabètes, les splendides et les ignobles, se rencontrent constamment. Aujourd’hui, la Kings Road House est considérée comme le berceau du modernisme américain du milieu du siècle.

La mystérieuse femme de KINGS ROAD
En se plongeant dans les archives architecturales de Rudolph Schindler, Mona Kuhn se perd dans ses croquis, notes personnelles et correspondances privées. Une lettre manuscrite écrite à une femme dont l’identité reste inconnue et dans laquelle il renonce à ses aspirations romantiques devient la porte d’entrée de son travail. Une ouverture qui permet à cette mystérieuse femme, incarnant l’amante de Schindler, de pénétrer la maison. Alors que la femme se déplace dans la villa, sa présence se fond partiellement dans les murs et les structures dénudées de la maison. Par l’utilisation de la solarisation, une technique expérimentale de chambre noire photographique, Kuhn va encore au-delà de la représentation, lui donnant une dimension presque métaphysique. Ce procédé éthéré, d’abord employé par les photo-surréalistes au moment de la construction de la maison, oxyde l’argent photographique de manière imprévisible, en dématérialisant partiellement l’image. L’intention de Mona Kuhn de repousser les limites de la photographie, de l’architecture et de la conservation est palpable. En précédant l’architecture d’une épaisseur vivante, tout en dématérialisant la figure humaine, l’artiste se retire de notre réalité physique et conçoit un nouveau récit dans lequel les esprits intangibles traversent le temps et l’espace, pour se rencontrer à nouveau.

Dal 6 novembre 2023 al 13 gennaio 2024, la Galerie XII Paris dedica una mostra all'artista tedesco-brasiliana Mona Kuhn. Dopo essere stata esposta in diversi musei negli Stati Uniti e in Europa, "KINGS ROAD" viene presentata per la prima volta in una galleria. Mona Kuhn invita i visitatori a immergersi nel mondo intimo di Kings Road House, la leggendaria casa dell'architetto sperimentale Rudolf Schindler in California. Attraverso fotografie, una videoproiezione e un'installazione sonora, l'artista spinge indietro i confini della presentazione fotografica e architettonica. L'inaugurazione della mostra coincide con la fiera Paris Photo (9-12 novembre).

Dopo essersi insediata su tre piani della Kunsthaus-Göttingen in Germania, in occasione della mostra organizzata da Gerhard Steidl nell'aprile 2023, "KINGS ROAD" di Mona Kuhn sarà esposta alla Galerie XII. Da oltre 20 anni, Mona Kuhn utilizza la fotografia e la media art per riesaminare il discorso figurativo sulla presenza fisica e metafisica della figura umana. Attraverso il suo obiettivo, invita gli spettatori a contemplare le sottigliezze della nostra esistenza, rivelando le profondità nascoste della nostra umanità condivisa. Per la sua ultima mostra, "KINGS ROAD", Mona Kuhn utilizza i temi dell'amore e del destino come principali argomenti di studio. La serie si svolge nella Kings Road House, costruita dall'architetto Rudolph Schindler nel 1922 a West Hollywood.

KINGS ROAD, un esperimento architettonico e sociale
La Kings Road House, con i suoi materiali industriali come il cemento nudo, la sequoia non trattata, i pannelli scorrevoli in tessuto e il vetro di ispirazione giapponese, è un modello di architettura radicale. Concepito come spazio di vita e di lavoro cooperativo per due giovani famiglie, il progetto è anche sociale. Appena varcata la soglia, Mona Kuhn è stata attratta da questa abitazione spartana, priva di qualsiasi ornamento e costruita con materiali grezzi.

Vortice di creatività artistica, culturale e politica dagli anni Venti agli anni Cinquanta, Kings Road House è uno spazio che guarda al futuro. Adottata dalle avanguardie, ospitò intellettuali fuggiti dall'Europa nazista e artisti californiani disturbati dal formalismo imperante della società, come Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham ed Edward Weston. Una diversità di profili che è alla base del progetto del suo creatore, che sognava una casa aperta ad amici di ogni classe e tipo, un luogo di incontro democratico dove si sarebbero costantemente incontrati milionari e operai, professori e analfabeti, splendidi e ignobili. Oggi Kings Road House è considerata la culla del modernismo americano di metà secolo.

La donna misteriosa di KINGS ROAD
Scavando negli archivi architettonici di Rudolph Schindler, Mona Kuhn si è persa nei suoi schizzi, appunti personali e corrispondenza privata. Una lettera scritta a mano a una donna la cui identità rimane sconosciuta, in cui l'artista rinuncia alle sue aspirazioni romantiche, diventa la porta d'accesso al suo lavoro. Un'apertura che permette a questa donna misteriosa, amante di Schindler, di entrare in casa. Mentre la donna si muove nella villa, la sua presenza si confonde parzialmente con le pareti e le strutture spoglie della casa. Attraverso l'uso della solarizzazione, una tecnica sperimentale di camera oscura fotografica, Kuhn si spinge oltre la rappresentazione, conferendole una dimensione quasi metafisica. Questo processo etereo, utilizzato per la prima volta dai fotosurrealisti durante la costruzione della casa, ossida l'argento fotografico in modo imprevedibile, smaterializzando parzialmente l'immagine. L'intenzione di Mona Kuhn di superare i confini della fotografia, dell'architettura e della conservazione è palpabile. Facendo precedere l'architettura da uno spessore vivente e smaterializzando la figura umana, l'artista si allontana dalla nostra realtà fisica e concepisce una nuova narrazione in cui spiriti immateriali attraversano il tempo e lo spazio, per poi incontrarsi di nuovo.

From November 6, 2023 to January 13, 2024, Galerie XII Paris dedicates an exhibition to the German-Brazilian artist Mona Kuhn. After having been presented in several museum institutions in the United States and Europe, the exhibition "KINGS ROAD" is now on view in a gallery for the first time. Mona Kuhn invites visitors to immerse themselves in the intimacy of the Kings Road House, the legendary experimental architect's house designed by Rudolf Schindler in California. Through photographs, a video projection and a sound installation, the artist pushes back the boundaries of photographic and architectural presentation. The opening of the exhibition coincides with the Paris Photo fair (November 9-12).

After taking up residence on three floors of the Kunsthaus-Göttingen in Germany, during the exhibition organized by Gerhard Steidl in April 2023, Mona Kuhn's "KINGS ROAD" moves to Galerie XII. For over 20 years, Mona Kuhn has used photography and media art to re-examine figurative discourse around the physical and metaphysical presence of the human figure. Through her lens, she invites viewers to contemplate the subtleties of our existence, revealing the hidden depths of our common humanity. For her latest exhibition, "KINGS ROAD", Mona Kuhn uses the subjects of love and destiny as her main subjects of study. The series takes place in the Kings Road House, built by architect Rudolph Schindler in 1922 in West Hollywood.

KINGS ROAD, an architectural and social experiment
Kings Road House, with its industrial materials such as bare concrete, untreated redwood, Japanese-inspired sliding fabric panels and glass, is a model of radical architecture. Conceived as a cooperative living and working space for two young families, the project is also social. Mona Kuhn was immediately drawn to this Spartan dwelling, unadorned and built from raw materials.

A whirlwind of artistic, cultural and political creativity between the 1920s and 1950s, Kings Road House is a space turned towards the future. Adopted by the avant-garde, it was home to intellectuals who had fled Nazi Europe and Californian artists disturbed by society's prevailing formalism, such as Albert Einstein, Aldous Huxley, Marlene Dietrich, Greta Garbo, Richard Neutra, Imogen Cunningham and Edward Weston. A diversity of profiles that lies at the heart of the project of its creator, who dreamed of a house open to friends of all classes and types, a democratic meeting place, where millionaires and workers, professors and illiterates, the splendid and the ignoble, constantly meet. Today, Kings Road House is considered the cradle of mid-century American modernism.

The mysterious woman of KINGS ROAD
Delving into Rudolph Schindler's architectural archives, Mona Kuhn loses herself in his sketches, personal notes and private correspondence. A handwritten letter to a woman whose identity remains unknown, in which he renounces his romantic aspirations, becomes the gateway to her work. An opening that allows this mysterious woman, embodying Schindler's lover, to enter the house. As the woman moves through the villa, her presence partially blends into the walls and bare structures of the house. Through the use of solarization, an experimental photographic darkroom technique, Kuhn goes even further than representation, giving it an almost metaphysical dimension. This ethereal process, first employed by the photo-surrealists during the construction of the house, oxidizes photographic silver in an unpredictable way, partially dematerializing the image. Mona Kuhn's intention to push back the boundaries of photography, architecture and conservation is palpable. By preceding architecture with a living thickness, while dematerializing the human figure, the artist withdraws from our physical reality and conceives a new narrative in which intangible spirits cross time and space, to meet again.

(Text (f): Galerie XII, Paris)

La Villa Pérochon | Niort

4. November 2023 – 17. Februar 2024

Frôlements de l’ombre

Photographies, vidéo et scénographie : Alain Willaume
Musiques : Philippe Poirier
Textes : Gérard Haller, David Chandler, Wajdi Mouawad, Henri Michaux

"Ich bin eher ein Reisender, der manchmal Bilder macht... ein Späher, der sich bestimmte Gebiete zuweist und sie durchstreift, um seine Mitmenschen zu alarmieren oder ihnen einige fruchtbare Träume oder Fragestellungen vorzuschlagen." Alain Willaume

Alain Willaume schöpft aus seinem gesamten rätselhaften Werk, um einen dämmrigen Spaziergang zu schaffen, der von der Atmosphäre der Villa Pérochon inspiriert ist. Er schlägt vor und webt im Halbdunkel und dank der labyrinthischen Räume der Villa eine neue Lesart seines polymorphen Werks. Auf der ersten Ebene befinden sich weite graue Gebiete, die von der Unruhe einer Welt heimgesucht werden, in der noch einige Menschen übrig sind, die zwischen Bedrohung und Andacht schwanken. Die obere Etage ist wie ein gedämpfter Zufluchtsort, der von melancholischen Schatten, knackenden Geräuschen und schlaflosen Träumen bevölkert wird. Er experimentiert viel mit Formen und entwickelt abseits der Strömungen ein Werk aus rätselhaften Bildern, die alle von der Spannung und Verletzlichkeit der Welt und der Menschen erzählen.

"Alain Willaume, ein Fotograf, für den die Fiktion nicht die Kehrseite der Realität ist, sondern eine ihrer Modalitäten, stellt Engagement und Geheimnis nicht gegeneinander, sondern vereint sie im Gegenteil in einer Form, die nicht donnernd sein muss, um wirksam zu sein. Seine wortkargen Bilder öffnen das Denken und das Sprechen /.... / Autor eines radikalen, unruhigen, aber für die Möglichkeit des Erwachens, der Frische der Epiphanien offenen Werks, verwendet Alain Willaume das Medium der Fotografie wie die Wünschelrutengänger ihren Stock oder ihr Pendel, um unter der Konformität der Erscheinungen Verwerfungslinien, schwindelerregende Abgründe zu entdecken, die plötzlich die Gesichter wie den Sinn aller Dinge erfassen." Fabien Ribery

Seit vielen Jahren untermauern die komplexen und konfliktreichen Beziehungen, die der Mensch mit seiner Umwelt eingeht, die Arbeit von Alain Willaume. Als Echo auf die universell gewordene Verwirrung dienen Staub, Zweifel oder "Nebelwände" oft als visuelle Metaphern in den Werken des Fotografen. Seine Bilder scheinen aus den Verwirrungen von Zeit und Raum hervorzugehen und zeugen von seiner Vorliebe für diese Grauzone, die Fragen zulässt, die das Wissen nicht behindern, sondern im Gegenteil erweitern. Seine paradoxen, nicht klassifizierbaren und vielfältigen Arbeiten verleihen der Spannung und Instabilität der Umgebung eine Form und warnen vor dem Zustand der Landschaften, die gleichzeitig mächtig und in der Schwebe sind, sowie vor dem Verhalten des Menschen, der ebenso bedrohlich wie verletzlich ist. Alain Willaumes Werk, das sich zweifelnd an die Realität anlehnt und weit entfernt von jeglicher dokumentarischer Vorstellung ist, ist wild, von Zufällen, Zweifeln und Notwendigkeit geprägt und bewegt sich in Rätseln. Seine unruhigen Bilder zeichnen eine persönliche und zeitgenössische Kartografie des Zustands der Welt. Willaume bewegt sich an der Schnittstelle zwischen Offenbarung und Nichts, zwischen dem Sichtbaren und dem Schwarzen Loch. Seine Vorstellungskraft erweitert das Territorium dessen, was "Dokumentarfilm" bedeutet: eine Lektion in Ehrlichkeit, die uns zur Wachsamkeit auffordert und uns in einer unruhigen, auf das Wesentliche zielenden Entblößung von der Bedrängnis und Zerbrechlichkeit der Menschen und des Planeten Erde erzählt.

« Je suis plutôt un voyageur qui, parfois, fait des images… un guetteur qui s’assigne certains territoires et les arpente pour alarmer ses semblables ou leur proposer quelques songes ou questionnements fertiles. » Alain Willaume

Alain Willaume puise dans l’ensemble de son oeuvre énigmatique pour créer une déambulation crépusculaire inspirée par l’atmosphère de la Villa Pérochon. Il propose et tisse dans la pénombre et grâce aux espaces labyrinthiques de la Villa une nouvelle lecture de son oeuvre polymorphe. Au premier niveau, de vastes territoires gris hantés par l’inquiétude d’un monde où quelques humains demeurent encore, oscillant entre menace et recueillement. L’étage supérieur, lui, se vit comme un refuge feutré peuplé d’ombres mélancoliques, de craquements et de rêves insomniaques. Farouche expérimentateur de formes, il développe, à l’écart des courants, une oeuvre faite d’images énigmatiques qui, toutes, racontent la tension et la vulnérabilité du monde et des humains.

« Photographe pour qui la fiction n’est pas l’envers de la réalité mais une de ses modalités, Alain Willaume n’oppose pas engagement et mystère, mais les unit au contraire dans une forme n’ayant nul besoin d’être tonitruante pour être efficace. Ses images taciturnes ouvrent la pensée et la parole /.... / Auteur d’une oeuvre radicale, inquiète, mais ouverte sur la possibilité de l’éveil, de la fraîcheur des épiphanies, Alain Willaume utilise le médium photographique comme les sourciers leur bâton ou leur pendule, afin de déceler sous la conformité des apparences des lignes de failles, des gouffres vertigineux happant soudain les visages comme le sens de toute chose. » Fabien Ribery

Depuis de nombreuses années, les relations complexes et conflictuelles que l’homme entretient avec son environnement sous-tendent le travail d’Alain Willaume. En écho à la confusion devenue universelle, poussières, doutes ou « écrans de fumée » font souvent office de métaphores visuelles dans l’œuvre du photographe. Ses images semblent surgir des brouillages du temps et de l’espace et témoignent de son attirance pour cette zone grise propice au questionnement qui n’entrave pas la connaissance mais au contraire l’élargit. Paradoxal, inclassable, multiple, son travail donne une forme à la tension et à l’instabilité environnantes et alerte sur la condition des paysages, à la fois puissants et en sursis, ainsi que sur le comportement de l’homme, aussi menaçant que vulnérable. S’adossant dubitativement au réel et loin de toute notion documentaire, l’œuvre d’Alain Willaume, farouche, semée d’accidents, de doute et de nécessité progresse par énigmes. Ses images intranquilles dessinent une cartographie personnelle et contemporaine de l’état du monde. Willaume chemine à la jonction de la révélation et du néant, du visible et du trou noir. Son imaginaire étend le territoire de ce que signifie le « documentaire » : une leçon d’honnêteté qui nous invite à la vigilance et nous raconte, dans un dépouillement inquiet tendant à l’essentiel, le harassement et la fragilité des humains et de la planète Terre.

"Sono più un viaggiatore che a volte crea immagini... un osservatore che si assegna certi territori e li sorveglia per allarmare i suoi simili o offrire loro qualche sogno o interrogativo fertile". Alain Willaume

Alain Willaume attinge a tutta la sua opera enigmatica per creare una passeggiata crepuscolare ispirata all'atmosfera di Villa Pérochon. Nella penombra e negli spazi labirintici della Villa, l'artista propone e intreccia una nuova lettura della sua opera polimorfa. Al primo livello, vasti territori grigi infestati dall'inquietudine di un mondo in cui rimangono ancora pochi esseri umani, che oscillano tra minaccia e contemplazione. Il piano superiore, invece, è come un rifugio silenzioso popolato da ombre malinconiche, rumori scricchiolanti e sogni insonni. Sperimentatore accanito della forma, ha sviluppato, lontano dal mainstream, un corpo di lavoro fatto di immagini enigmatiche che raccontano tutte la tensione e la vulnerabilità del mondo e degli esseri umani.

"Fotografo per il quale la finzione non è il contrario della realtà ma una delle sue modalità, Alain Willaume non si oppone all'impegno e al mistero, ma al contrario li unisce in una forma che non ha bisogno di essere rumorosa per essere efficace. Le sue immagini taciturne aprono il pensiero e la parola /.... / Autore di un'opera radicale e inquieta, aperta alla possibilità del risveglio e alla freschezza delle epifanie, Alain Willaume usa il mezzo fotografico come i rabdomanti usano i loro bastoni o i loro pendoli, per individuare linee di faglia e abissi vertiginosi sotto la conformità delle apparenze, catturando improvvisamente i volti come il senso di ogni cosa. Fabien Ribery

Da molti anni il lavoro di Alain Willaume si basa sulle relazioni complesse e conflittuali tra l'uomo e il suo ambiente. Facendo eco alla confusione che è diventata universale, polvere, dubbi e "cortine fumogene" fungono spesso da metafore visive nel lavoro del fotografo. Le sue immagini sembrano emergere dal confondersi del tempo e dello spazio, testimoniando la sua attrazione per questa zona grigia che incoraggia la domanda e non ostacola la conoscenza ma, al contrario, la amplia. Paradossale, inclassificabile e sfaccettato, il suo lavoro dà forma alla tensione e all'instabilità dell'ambiente, mettendoci in guardia sulla condizione dei paesaggi, potenti e in scadenza, e sul comportamento dell'uomo, minaccioso e vulnerabile. In dubbio con la realtà e lontano da qualsiasi nozione di documentario, il lavoro di Alain Willaume è feroce, disseminato di incidenti, dubbi e necessità, e procede per enigmi. Le sue immagini intricate tracciano una cartografia personale e contemporanea dello stato del mondo. Willaume cammina sul confine tra la rivelazione e il nulla, tra il visibile e il buco nero. La sua immaginazione estende il territorio del significato di "documentario": una lezione di onestà che ci invita a essere vigili e ci racconta, in un'inquieta riduzione all'essenziale, la stanchezza e la fragilità degli esseri umani e del pianeta Terra.

"I'm more of a traveler who sometimes makes images... a watcher who assigns himself certain territories and surveys them to alarm his fellow human beings or offer them some fertile dreams or questioning." Alain Willaume

Alain Willaume draws on his enigmatic body of work to create a twilight stroll inspired by the atmosphere of the Villa Pérochon. In the half-light and labyrinthine spaces of the Villa, he proposes and weaves a new reading of his polymorphous work. On the first level, vast grey territories haunted by the anxiety of a world where a few humans still remain, oscillating between threat and contemplation. The upper floor, on the other hand, is a hushed refuge populated by melancholy shadows, creaking noises and sleepless dreams. A fierce experimenter with form, he has developed a body of work made up of enigmatic images that tell of the tension and vulnerability of the world and of human beings.

"A photographer for whom fiction is not the reverse of reality, but one of its modalities, Alain Willaume does not oppose commitment and mystery, but rather unites them in a form that does not need to be loud to be effective. His taciturn images open up thought and speech /.... / Author of a radical, restless body of work, yet open to the possibility of awakening, of the freshness of epiphanies, Alain Willaume uses the photographic medium like dowsers use their sticks or pendulums, to detect fault lines beneath the conformity of appearances, vertiginous chasms suddenly snatching up faces like the meaning of everything." Fabien Ribery

For many years, Alain Willaume's work has been underpinned by the complex and conflicting relationships between man and his environment. Echoing the confusion that has become universal, dust, doubts and "smoke screens" often act as visual metaphors in the photographer's work. His images seem to emerge from the blurring of time and space, testifying to his attraction to this grey zone conducive to questioning, which doesn't impede knowledge but, on the contrary, broadens it. Paradoxical, unclassifiable, multifaceted, his work gives form to the tension and instability of the environment, and alerts us to the condition of landscapes, both powerful and on borrowed time, and to human behavior, both threatening and vulnerable. Leaning dubiously against reality and far removed from any notion of documentary, Alain Willaume's fierce work, strewn with accidents, doubt and necessity, progresses by enigma. His intranquil images sketch a personal, contemporary cartography of the state of the world. Willaume walks the line between revelation and nothingness, the visible and the black hole. His imagination expands the territory of what "documentary" means: a lesson in honesty that invites us to be vigilant and tells us, in a restless stripping down to essentials, about the weariness and fragility of humans and planet Earth.

(Text: La Villa Pérochon, Niort)

Centre de la photographie de Mougins
4. November 2023 – 4. Februar 2024

Point sublime
Anna Niskanen

Indem man sich traditioneller fotografischer Techniken bemächtigt, versucht man, solange es noch möglich ist, der Uniformierung der Abzüge als Folge der digitalen Techniken zu widerstehen.

Ein fotografischer Abzug ist aufgrund seiner Einzigartigkeit mehr als ein handwerkliches Refugium, er bekräftigt ein Lebensprinzip, eine Art, der Natur zu huldigen, und eine Absage an die unausweichliche ökologische Gefahr. Die Cyanotypie, das preußische Blau, und das erdige Pigment Gomme bichromatée berichten hier von einem Aufenthalt der aus Finnland stammenden Fotografin Anna Niskanen in Mougins.

Die Abdrücke, Blau für das Mittelmeer und Ocker für das Hinterland, in Form von großen Formaten, sollen die von der Sonne verbrannten Orte einfangen. In der Nähe von Mougins gibt es eine schöne und wilde Gegend, aber auch eine beschädigte Küste und einen verwundeten Berg. So lässt sich die einzigartige Erfahrung der Fotografin im Umgang mit komplexen Landschaften zusammenfassen: das Eingeständnis, dass es sich um einfache poetische Artefakte handelt, und die Bestätigung eines Spiels mit dem Pittoresken, mit den eigenen Erinnerungen. Als ob die Fabrik der Landschaft uns schützen und trösten könnte.

Anna Niskanens Fotografie findet in der Herstellung von Bildern diese primitiven Leidenschaften und die emotionale Spontaneität wieder, die sich auf bescheidene Weise der falschen Rationalität der Welt entgegenstellen. Eine unsichtbare Präsenz, die nur die Sonne zu enthüllen vermag.

Unter der Sonne genau.

En s’emparant de techniques photographiques traditionnelles, on tente, tant qu’il est encore possible, de résister à l’uniformisation des tirages, conséquence des techniques numériques.

Une épreuve photographique par son unicité est plus qu’un refuge artisanal, elle affirme un principe de vie, une manière de rendre hommage à la nature, un refus de l’inéluctable péril écologique. Le cyanotype, ce bleu de Prusse, et la gomme bichromatée, ce pigment terreux, rendent compte ici d’une résidence effectuée à Mougins par Anna Niskanen, photographe d’origine finlandaise.

Les empreintes, le bleu pour la Méditerranée et l’ocre pour l’arrière-pays, sous la forme de grands formats, se veulent saisir les lieux, brulés par le soleil. Il est, aux abords de Mougins, une contrée belle et sauvage, mais aussi une côte abimée, une montagne blessée. Voilà ainsi résumée l’expérience singulière de la photographe face aux paysages complexes, admettre que ce ne sont que de simples artefacts poétiques, et l’affirmation d’un jeu avec le pittoresque, avec ses propres souvenirs. Comme si la fabrique du paysage nous protégeait, pouvait réconforter.

La photographie d’Anna Niskanen retrouve dans la fabrication des images ces passions primitives et la spontanéité émotionnelle qui s’opposent, modestement, à la fausse rationalité du monde. Une présence invisible que seul le soleil est en capacité de révéler.

Sous le soleil exactement.

Abbracciando le tecniche fotografiche tradizionali, cerchiamo, finché possiamo, di resistere alla standardizzazione delle stampe che è la conseguenza delle tecniche digitali.

In virtù della sua unicità, una stampa fotografica è più di un rifugio artigianale; afferma un principio di vita, un modo di rendere omaggio alla natura, un rifiuto dell'ineluttabile pericolo ecologico. La cianotipia, il blu di Prussia, e il bicromato di gomma, il pigmento terroso, sono qui utilizzati per illustrare una residenza a Mougins della fotografa finlandese Anna Niskanen.

Le stampe, blu per il Mediterraneo e ocra per l'entroterra, in grande formato, catturano il luogo mentre brucia al sole. Alla periferia di Mougins c'è una terra selvaggia e bellissima, ma anche una costa danneggiata e una montagna ferita. Questo riassume la singolare esperienza della fotografa nei confronti di paesaggi complessi, ammettendo che non sono altro che artefatti poetici e affermando il suo gioco con il pittoresco, con i propri ricordi. È come se il tessuto del paesaggio ci proteggesse e ci confortasse.

La fotografia di Anna Niskanen riscopre nella realizzazione delle immagini quelle passioni primitive e quella spontaneità emotiva che si oppongono modestamente alla falsa razionalità del mondo. Una presenza invisibile che solo il sole può rivelare.

Sotto il sole, per essere precisi.

Reclaiming traditional photographic techniques is an attempt, while it is still possible, to resist the standardisation of prints that is a consequence of digital techniques.

By virtue of its uniqueness, a photographic print is more than an artisanal refuge; it affirms a principle of life, a way of paying homage to nature and a refusal of the inevitability of ecological peril. Cyanotype, Prussian blue and gum bichromate, an earthy pigment, are used here to capture a residency in Mougins by Finnish-born photographer Anna Niskanen.

The prints, blue for the Mediterranean and ochre for the hinterland, in large format, capture the place as it burns in the sun. The area around Mougins is beautiful and wild, yet there is also a damaged coastline and a scarred mountain. This sums up the photographer's singular experience of complex landscapes, an admission that they are no more than poetic artefacts, an affirmation of a play on the picturesque as well as her own memories. It is as if the fabric of the landscape could protect and comfort us.

Anna Niskanen's photography rediscovers through the making of images these primitive passions and the emotional spontaneity that stands in modest opposition to the false rationality of the world. An invisible presence that only the sun is capable of revealing.

Under the sun, to be precise.

(Text: François Cheval)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
3. November – 20. Dezember 2023

Vague
Lore Stessel

Lore Stessel hat zunächst Malerei und dann Fotografie studiert, und zwischen diesen beiden Künsten entfaltet sie ihre eigene.

Von der Malerei, die sie an der Luca School Arts in Brüssel erlernt hat, hat sie den Untergrund und die Geste behalten, mit der sie die Silbergelatine-Emulsion auf die Leinwand aufträgt, um ihre Bilder zu enthüllen.

Aber alles andere in ihrer Praxis verbindet sie mit der Fotografie, die sie an der École nationale supérieure (de photographie) in Arles erlernt hat: das Aufnehmen von Bildern auf Film, ihre Entwicklung und die Herstellung ihrer Abzüge. Sie verwendet also die Werkzeuge und Techniken der Fotografie, aber es ist der Ort dieser Gesten, an dem die Bilder Gestalt annehmen werden. In ihrer Dunkelkammer tauchen sie aus der Leinwand auf und offenbaren sich durch den Kontakt zwischen Licht und Materie, genauso wie sie aus der Begegnung zwischen Lore und denjenigen entstehen, die sie zu ihrem Blick einlädt. Das Auge nimmt auf, die Hand enthüllt. Die Geste, vom Auge zur Hand, interpretiert.

Diejenigen, die sie fotografiert, posieren nicht für sie, sie tanzen.

Diese Körper in Bewegung, diese Körper, diese Nacken, diese Haut, enthalten eine Emotion, Empfindungen, die sie mit den Tänzern teilt. Manchmal wohnt sie ihnen bei, manchmal provoziert sie sie, und wenn die Begegnung magisch wirkt, bleibt sie an ihnen hängen und greift sie auf, indem sie das Flüchtige mit Präzision einfängt.

"Im letzten Jahr habe ich mehrmals dieselben Tänzer getroffen.

Ich bin nicht auf der Suche nach dem Unbekannten durch die Welt gereist, sondern habe herangezoomt und die Schönheit in den kleinen Veränderungen gefunden, die große Umwälzungen mit sich bringen können.

Das geschieht in mir als Person und als Künstlerin und in den Menschen, die mich umgeben. Und vor allem in den Tänzern, mit denen ich arbeite.

Über seine Filme sagte Werner Herzog, dass die Begegnungen real seien, aber er inszeniere die Menschen, um die Realität realer erscheinen zu lassen.

Mit zeitgenössischen Tänzern aus Brüssel haben wir darüber nachgedacht und experimentiert, was es bedeutet, zusammen zu sein. Durch die Beseitigung von Hierarchien und Aufgaben wurde der Fokus auf jeden Einzelnen gelegt. Was wünsche ich mir und wie kann ich es im Rahmen der Gruppe ermöglichen".

In dieser Serie mit dem Titel "Poetry of the gang" versuchte sie, die Einheit einer Gruppe zu spüren, wie das Ganze einen Körper bildet.

" Wenn man getragen werden will, muss man manchmal tragen ".

Während dieser kollektiven Proben spürt sie die Bewegungen, die sie interessieren, ebenso wie das, was ihre Pausen darüber aussagen können. Was sich hinter den kleinen Gesten jedes Einzelnen verbirgt, am Ende dieser schwebenden Impulse, das ist es, was die Erinnerung an diese Begegnungen ausmacht, eine oft überwältigende Schönheit, "eine subtile Vielfalt der Gefühle".

Während dieser kollektiven Proben spürt sie die Bewegungen, die sie interessieren, ebenso wie das, was ihre Pausen darüber aussagen können. Was sich hinter den kleinen Gesten jedes Einzelnen verbirgt, am Ende dieser in der Schwebe befindlichen Impulse, darin liegt die Erinnerung an diese Begegnungen, eine oft überwältigende Schönheit, "eine subtile Vielfalt der Gefühle".

Die Schönheit, die sie auch in der Beobachtung der Veränderungen der Landschaft, der Materie, der Beben, die die Felsen geformt haben, und vor allem in der Welle der Wellen, die das Meer aufwühlt, sucht und findet.

Ihre einzigartigen fotografischen Stücke haben viel von dem glitzernden, sich verflüchtigenden Aspekt dieses Schaums, den das Meer zurücklässt, wenn sich die Wellen zurückziehen. Die Emotionen bleiben an dieser Stelle zurück, die Alessandro Baricco in seinem berühmten Roman beschreibt: "... sehen Sie, hier, die Stelle, an der das Wasser ankommt ... es steigt den Strand hinauf und bleibt dann stehen ... da, genau diese Stelle, genau die Stelle, an der es stehen bleibt. ... es dauert nur einen Moment, schauen Sie, hier zum Beispiel ... sehen Sie, es dauert nur einen Moment und dann ist es weg, aber wenn man diesen Moment festhalten könnte ... den Moment, in dem das Wasser stoppt, genau an dieser Stelle, diese Kurve ... Das ist es, was ich untersuche.

Die Stelle, an der das Wasser aufhört (...) da passiert etwas ... Außergewöhnliches (...).

Hier endet das Meer "1.

Die Menschen, die sie fotografiert, posieren nicht für sie, sondern sie tanzen.

Lore Stessel a étudié la peinture puis la photographie, et c’est entre ces deux arts qu’elle déploie le sien.

De la peinture, apprise à la Luca School Arts de Bruxelles, elle a gardé le support et le geste, celui par lequel elle applique sur de la toile l’émulsion gélatino-argentique permettant la révélation de ses images.

Mais tout le reste dans sa pratique la rattache à la photographie dont elle a fait l’apprentissage à l’École nationale supérieure (de photographie) d'Arles : l’enregistrement des images sur pellicule, leur développement puis la réalisation de ses tirages. Elle use ainsi des outils et techniques de la photographie, mais c’est à l’endroit de ces gestes que les images prendront corps. C’est dans sa chambre noire qu’elles émergent de la toile, se révèlent par contact entre la lumière et la matière, tout comme elles naissent de la rencontre entre Lore et ceux qu’elle invite à son regard. L’œil enregistre, la main révèle. Le geste, de l’œil à la main, interprète.

Ceux et celles qu’elle photographie ne posent pas pour elle, ils dansent.

Ces corps en mouvement, ces corps, ces nuques, cette peau, contiennent une émotion, des sensations qu’elle partage avec les danseurs. Parfois elle y assiste, parfois elle les provoque et quand la rencontre fait magie, elle s’y attache et s’en saisit, capturant l'éphémère avec précision.

« L'année dernière, j'ai rencontré à plusieurs reprises les mêmes danseurs.

Je n'ai pas parcouru le monde à la recherche de l'inconnu, mais j'ai zoomé et trouvé la beauté dans les petits changements qui peuvent impliquer de grands bouleversements.

Cela se passe à l'intérieur de moi en tant que personne et en tant qu’artiste, et chez les personnes qui m'entourent. Et surtout chez les danseurs avec lesquels je travaille.

Au sujet de ses films, Werner Herzog disait que les rencontres étaient réelles, mais qu’il mettait en scène les gens pour que la réalité paraisse plus réelle.

Avec des danseurs contemporains de Bruxelles, nous avons réfléchi et expérimenté ce que signifiait être ensemble. En éliminant la hiérarchie et les tâches, l'accent est mis sur chaque individu. Qu’est-ce que je désire et comment puis-je le rendre possible dans le cadre du groupe. »

Dans cette série intitulée « Poetry of the gang », elle a cherché à ressentir l’unité d’un groupe, comment l’ensemble fait corps.

« Si vous voulez être porté, il faut parfois porter ».

C’est pendant ces répétitions collectives qu’elle ressent les mouvements qui l’intéressent, autant que ce que leurs pauses peuvent en dire. Ce qu’il y a derrière les petits gestes de chacun, au bout de ces élans en suspens, c’est là que réside le souvenir de ces rencontres, une beauté souvent bouleversante, « une multiplicité subtile des sentiments ».

C’est pendant ces répétitions collectives qu’elle ressent les mouvements qui l’intéressent, autant que ce que leurs pauses peuvent en dire. Ce qu’il y a derrière les petits gestes de chacun, au bout de ces élans en suspens, c’est là que réside le souvenir de ces rencontres, une beauté souvent bouleversante, « une multiplicité subtile des sentiments ».

La beauté qu’elle cherche et retrouve aussi dans l’observation des changements du paysage, de la matière, des tremblements qui ont façonné les roches et surtout dans l’onde des vagues qui agitent la mer.

Ses pièces photographiques uniques ont beaucoup de l’aspect scintillant et évanesçant de cette écume laissée par la mer lorsque les vagues se retirent. L’émotion reste à cet endroit, celui que décrit Alessandro Baricco dans son célèbre roman : « ... vous voyez, là, l'endroit où l'eau arrive... elle monte le long de la plage puis elle s'arrête... voilà, cet endroit-là, exactement, celui où elle s'arrête... ça ne dure qu'un instant, regardez, voilà, ici par exemple... vous voyez, ça ne dure qu'un instant puis ça disparaît, mais si on pouvait fixer cet instant... l'instant où l'eau s'arrête, à cet endroit-là exactement, cette courbe... C'est ça que j'étudie.

L'endroit où l'eau s'arrête. (...) il se passe là quelque chose... d'extraordinaire (...)

C'est là que finit la mer »1.

Ceux et celles qu’elle photographie ne posent pas pour elle, ils dansent.

Lore Stessel ha studiato pittura e poi fotografia, ed è tra queste due arti che sviluppa la sua.

Della pittura, appresa alla Luca School of Arts di Bruxelles, ha conservato il supporto e il gesto con cui applica l'emulsione di gelatina d'argento sulla tela, permettendo alle sue immagini di rivelarsi.

Ma tutto il resto della sua pratica è legato alla fotografia, che ha imparato all'École nationale supérieure (de photographie) di Arles: la registrazione delle immagini su pellicola, il loro sviluppo e la realizzazione di stampe. Utilizza gli strumenti e le tecniche della fotografia, ma è nel luogo in cui questi gesti prendono forma che le immagini prendono forma. È nella sua camera oscura che emergono dalla tela, rivelandosi attraverso il contatto tra luce e materia, così come nascono dall'incontro tra Lore e coloro che invita al suo sguardo. L'occhio registra, la mano rivela. Il gesto, dall'occhio alla mano, interpreta.

Le persone che fotografa non posano per lei, ma danzano.

Questi corpi in movimento, questi corpi, questi colli, questa pelle, contengono un'emozione, sensazioni che lei condivide con i danzatori. A volte li assiste, a volte li provoca, e quando l'incontro è magico, si attacca ad esso e lo coglie, catturando l'effimero con precisione.

"L'anno scorso ho incontrato più volte gli stessi ballerini.

Non ho girato il mondo alla ricerca dell'ignoto, ma mi sono concentrata e ho trovato la bellezza nei piccoli cambiamenti che possono significare grandi sconvolgimenti.

Questo accade in me come persona e come artista, e nelle persone che mi circondano. E soprattutto nei danzatori con cui lavoro.

Werner Herzog diceva dei suoi film che gli incontri erano reali, ma che metteva in scena le persone per far sembrare la realtà più reale.

Con i danzatori contemporanei di Bruxelles abbiamo riflettuto e sperimentato cosa significasse stare insieme. Eliminando la gerarchia e i compiti, l'attenzione si concentra su ogni singolo individuo. Cosa voglio e come posso renderlo possibile all'interno del gruppo?

In questa serie, intitolata "Poesia della banda", ha cercato di percepire l'unità di un gruppo, come l'insieme diventa uno.

"Se vuoi essere portato, a volte devi portare".

È durante queste prove collettive che sente i movimenti che la interessano, così come ciò che le loro pause possono dire su di loro. Ciò che si nasconde dietro i piccoli gesti di ogni danzatore, al termine di questi impulsi sospesi, è la memoria di questi incontri, una bellezza spesso travolgente, "una sottile molteplicità di sentimenti".

È durante queste prove collettive che sente i movimenti che la interessano, così come ciò che le loro pause possono dire su di loro. La memoria di questi incontri sta in ciò che si nasconde dietro i piccoli gesti di ciascuno, alla fine di questi impulsi sospesi, una bellezza spesso travolgente, "una sottile molteplicità di sentimenti".

La bellezza che cerca e trova anche nell'osservare i cambiamenti del paesaggio, della materia, delle scosse che hanno modellato le rocce e soprattutto delle onde che agitano il mare.

Le sue opere fotografiche, uniche nel loro genere, hanno molto dell'aspetto scintillante ed evanescente della schiuma lasciata dal mare quando le onde si ritirano. L'emozione rimane in quel luogo, quello descritto da Alessandro Baricco nel suo famoso romanzo: "... vedi, là, il luogo dove arriva l'acqua... sale lungo la spiaggia e poi si ferma... là, quel luogo, appunto, dove si ferma. ... dura solo un attimo, guarda, qui, per esempio... vedi, dura solo un attimo e poi sparisce, ma se potessimo fissare quel momento... il momento in cui l'acqua si ferma, in quel punto esatto, in quella curva... È questo che sto studiando.

Il punto in cui l'acqua si ferma (...) lì accade qualcosa di straordinario (...)

È lì che il mare finisce "1.

Le persone che fotografa non si mettono in posa per lei, ma ballano. 

Lore Stessel studied painting, then photography, and it is between these two arts that she deploys her own.

From painting, which she learned at the Luca School of Arts in Brussels, she has kept the support and the gesture by which she applies the gelatin-silver emulsion to canvas, enabling her images to be revealed.

But everything else in her practice links her to photography, which she learned at the École nationale supérieure (de photographie) in Arles: recording images on film, developing them and then making prints. She uses the tools and techniques of photography, but it's in the place of these gestures that the images take shape. It's in her darkroom that they emerge from the canvas, revealing themselves through contact between light and matter, just as they are born from the encounter between Lore and those she invites into her gaze. The eye records, the hand reveals. The gesture, from eye to hand, interprets.

Those she photographs don't pose for her, they dance.

These bodies in movement, these bodies, these necks, this skin, contain an emotion, sensations that she shares with the dancers. Sometimes she attends them, sometimes she provokes them, and when the encounter makes magic, she attaches herself to it and seizes it, capturing the ephemeral with precision.

"Last year, I met the same dancers several times.

I didn't travel the world in search of the unknown, but I zoomed in and found beauty in the small changes that can mean big upheavals.

This happens within me as a person and as an artist, and in the people around me. And especially in the dancers I work with.

Werner Herzog used to say about his films that the encounters were real, but that he staged the people to make reality seem more real.

With contemporary dancers from Brussels, we thought about and experimented with what it meant to be together. By eliminating hierarchy and tasks, the focus is on each individual. What do I want, and how can I make it possible within the group?

In this series, entitled "Poetry of the gang", she sought to sense the unity of a group, how the whole becomes one.

"If you want to be carried, sometimes you have to carry".

It's during these collective rehearsals that she feels the movements that interest her, as much as what their pauses can say about them. The memory of these encounters lies in what lies behind each person's small gestures, at the end of these suspended impulses, an often overwhelming beauty, "a subtle multiplicity of feelings".

It's during these collective rehearsals that she feels the movements that interest her, as much as what their pauses can say about them. What lies behind the small gestures of each individual, at the end of these suspended impulses, is the memory of these encounters, an often overwhelming beauty, "a subtle multiplicity of feelings".

The beauty she seeks and finds also in observing changes in the landscape, in matter, in the tremors that have shaped the rocks and, above all, in the waves that agitate the sea.

Her unique photographic pieces have much of the sparkling, evanescent aspect of the foam left by the sea when the waves recede. The emotion remains in this place, the one described by Alessandro Baricco in his famous novel: "... you see, there, the place where the water arrives... it rises along the beach then it stops... there, that place, exactly, the one where it stops. ... it only lasts a moment, look, here, for example... you see, it only lasts a moment and then it disappears, but if we could fix this moment... the moment when the water stops, at this exact spot, this curve... That's what I'm studying.

The place where the water stops (...) something extraordinary happens there (...).

That's where the sea ends "1.

The people she photographs don't pose for her; they dance.

(Text: Charlotte Boudon)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
3. November – 20. Dezember 2023

Why I fear Red, Love Blue (and) Hate Yellow
Katrien de Blauwer

Katrien de Blauwer, die als "Fotografin ohne Kamera" bezeichnet wird, verwendet Bilder aus alten Magazinen und Zeitungen, um ihre Geschichten zu formen. Mit ihrer Intimität und Sensibilität sucht sie in den Bildern anderer, die mit Erinnerungen beladen sind und ihre Erinnerungen transportieren, nach etwas, das sie erzählen kann.

De Blauwer nährt sich von einer Schönheit, die sie im zeitgenössischen Tanz, in der Literatur, der Mode oder der Musik findet, aber es ist zweifellos die Welt des Films, die sie am leidenschaftlichsten umarmt. Vor allem jenes, das die Darstellung von Frauen in der Presse der 1960er Jahre, ihrem bevorzugten Material, stark beeinflusst hat. Denn die Frauen sind hier von größter Bedeutung. Indem sie disparate Fragmente dieser Heldinnen zu Klischees zusammenfügt, die sorgfältig gesammelt und stillschweigend nebeneinandergestellt werden, schafft sie Fotomontagen, die das Leben vertrauter Ikonen heraufbeschwören, die einer oft fantasierten Frauendarstellung. Sie spielt mit unserer Vorstellungswelt, ihrer eigenen und unserer eigenen. Die altmodischen Materialien des Papiers entsprechen den ausgeschnittenen Motiven, um die Kulisse ihrer Geschichten zu bilden; und in diesen rätselhaften Standbildern, die wie ein Gegenüber auf derselben Ebene stehen, übernimmt der Zuschauer die Rolle der Erzählerin, um das Szenario zu entfalten.

Seine Fotomontagen sind für die Fotografie das, was Drehbücher für den Film sind. Wie bei der Montage nach Van der Keuken folgt sie der Logik des Rhythmus der Bilder, greift aber gleichzeitig ein, um eine Geschichte zu erzählen.

Die farbigen Striche, die sie in ihren Bildern verwendet, geben dem Leser einige zusätzliche Hinweise. Sie geben die Richtung vor, wie Vektoren der Emotionen, zu dem, was sie nicht sagt und niemandem zeigt.

In dieser neuen Serie erklärt sie: "Rot ist Angst - Gelb ist Hass - Blau ist Liebe". Und erzählt: "Man könnte meine Arbeit als eine Kette von Zufällen betrachten. Alles begann mit der Farbe Gelb, die als Erzählung für eine Serie verwendet wurde, die ich meinem schwedischen Verleger zeigte und die ihn an den Kultfilm "I am Curious (Yellow)" (Ich bin neugierig (Gelb)) aus den 60er Jahren erinnerte.

Am nächsten Tag stieß ich auf die englische Taschenbuchversion des Drehbuchs, was in mir den Wunsch weckte, die digitale Version des Films zu finden.

Zunächst sah ich nicht viele Bezüge zwischen dem Film und meiner Serie, aber dann begann ich zu erkennen, dass die Protagonistin Lena viel mit den Mädchen gemeinsam hat, die in meinen Bildern zu sehen sind, mit den Emotionen, die sie durchmachen und die ich in der Serie einzufangen versucht habe.

Als ich herausfand, dass der Film eine Fortsetzung "I am Curious (Blue)" hatte, schuf ich auch ein blaues Kapitel. Dann hatte ich das Gefühl, dass das Werk ein weiteres Kapitel braucht, was es zu einer Trilogie machen würde, und vor allem, weil es mir die Gelegenheit geben würde, ein drittes Gefühl, eine andere Stimmung zu zeigen".

Lenas Bilder aus dem Film von Vilgot Sjöman skandieren die Szenografie dieser Ausstellung. Während man in Blauwers Fotomontagen nie einem Blick begegnet, nimmt Lenas Blick das Raster der gesamten Hängung der Ausstellung im Format eines Kinoplakats ein.

Die junge Heldin ist auch das Hauptthema einer Diashow, einer noch nie zuvor gezeigten Installation der Künstlerin, die aus Standbildern aus dem Film und Fotografien von Seiten aus den berühmten Notizbüchern der Künstlerin besteht.

Katrien de Blauwer, que l’on présente comme « photographe sans appareil », utilise des images issues de magazines et journaux anciens pour façonner ses récits. Avec son intimité et sa sensibilité, elle va chercher dans les images des autres, chargées de mémoire et transportant ses souvenirs, de quoi les raconter.

De Blauwer se nourrie d’une beauté qu’elle trouve dans la danse contemporaine, la littérature, la mode ou la musique, mais c’est sans doute l’univers cinématographique qu’elle embrasse le plus passionnément. Surtout celui qui a fortement influencé la représentation des femmes dans la presse des années 60, son matériau privilégié. Car les femmes sont ici de première importance. En assemblant des fragments disparates de ces héroïnes en clichés, minutieusement récupérés et silencieusement juxtaposés, elle crée des photo montages qui évoquent la vie d’icônes familières, celles d’une représentation féminine souvent fantasmée. Elle joue avec nos imaginaires, le sien comme le nôtre. Les matières surannées du papier répondent aux sujets découpés pour former le décor de ses récits ; et dans ces arrêts sur images énigmatiques, tels des champs-contrechamps réunis sur le même plan, le spectateur prend le relais de la narratrice pour dérouler le scénario.

Ses photo montages sont à la photographie ce que les scripts seraient au cinéma. Et comme lors du montage selon Van der Keuken, elle suit la logique propre au rythme des images, tout en intervenant afin d’être porteur d’un récit.

Les traits de couleur dont elle rehausse ses images donnent bien quelques indices supplémentaires à la lecture. Ils donnent la direction, comme des vecteurs d’émotions, vers ce qu’elle se retient de dire, ne montre à personne.

Dans cette nouvelle série, elle précise : « Le rouge, c'est la peur - le jaune, c'est la haine - le bleu, c'est l'amour. ». Et raconte : « On pourrait considérer mon travail comme une chaîne de coïncidences. Tout a commencé avec la couleur jaune, utilisée comme narration pour une série que j'ai montrée à mon éditeur suédois et qui lui a rappelé un film culte des années 60, "I am Curious (Yellow)" (Je suis curieux (jaune)).

Le lendemain, je suis tombée sur la version anglaise de poche du scénario, ce qui m'a donné envie de trouver la version numérique du film.

Au début, je n'ai pas vu beaucoup de références entre le film et ma série, puis j'ai commencé à réaliser que la protagoniste, Lena, avait beaucoup en commun avec les filles que l’on retrouve dans mes images, avec les émotions qu'elles traversent et que j'ai essayé de capturer dans la série.

Lorsque j’ai découvert que le film avait une suite "I am Curious (Blue)", j'ai aussi créé un chapitre bleu. Puis j'ai senti que l'œuvre avait besoin d'un autre chapitre, ce qui en ferait une trilogie, et surtout parce que cela me donnerait l'occasion de montrer un troisième sentiment, une humeur différente »

Les images de Lena, extraites du film de Vilgot Sjöman, scandent la scénographie de cette exposition. Si dans les photos montages de Blauwer, on ne croise jamais de regard, celui de Lena occupe la trame de tout l’accrochage de l’exposition, au format affiche de cinéma.

La jeune héroïne est également le sujet principal d’un diaporama, une installation inédite de l’artiste, composée d’arrêts sur image du film et de photographies de pages des fameux carnets de l’artiste, précieux recueils où elle déploie son langage en associant les images aux mots, ici ceux qu’elle a extraits du scénario.

Katrien de Blauwer, descritta come una "fotografa senza macchina fotografica", utilizza immagini di vecchie riviste e giornali per dare forma alle sue storie. Con la sua intimità e sensibilità, guarda alle immagini degli altri, cariche di memoria e portatrici dei suoi stessi ricordi, per raccontare le sue storie.

De Blauwer si nutre della bellezza che trova nella danza contemporanea, nella letteratura, nella moda e nella musica, ma è senza dubbio il mondo del cinema quello che abbraccia con più passione. Soprattutto quello che ha influenzato così fortemente la rappresentazione delle donne nella stampa degli anni '60, il suo materiale preferito. Perché qui le donne sono di primaria importanza. Assemblando frammenti disparati di queste eroine in cliché, faticosamente recuperati e silenziosamente accostati, crea fotomontaggi che evocano la vita di icone familiari, quelle di una rappresentazione femminile spesso fantasticata. Gioca con il nostro immaginario, il suo e il nostro. I materiali antiquati della carta rispondono ai soggetti ritagliati per formare lo sfondo delle sue storie; e in questi enigmatici fermo-immagine, come campi contrapposti nella stessa inquadratura, lo spettatore si sostituisce al narratore per dipanare lo scenario.

I suoi fotomontaggi sono per la fotografia ciò che le sceneggiature sono per il cinema. E come nel montaggio di Van der Keuken, l'artista segue la logica del ritmo delle immagini, pur intervenendo per trasmettere una narrazione.

Le pennellate di colore che utilizza per valorizzare le sue immagini forniscono qualche indizio in più al lettore. Danno una direzione, come vettori di emozioni, verso ciò che lei si trattiene dal dire, dal mostrare a qualcuno.

In questa nuova serie, dice: "Il rosso è la paura, il giallo è l'odio, il blu è l'amore". Dice: "Si potrebbe dire che il mio lavoro è una catena di coincidenze. Tutto è iniziato con il colore giallo, usato come narrativa per una serie che ho mostrato al mio editore svedese e che gli ha ricordato un film cult degli anni '60, 'I am Curious (Yellow)'.

Il giorno dopo, mi sono imbattuto nella versione inglese in brossura della sceneggiatura, che mi ha fatto venire voglia di trovare la versione digitale del film.

All'inizio non vedevo molti riferimenti tra il film e la mia serie, ma poi ho iniziato a capire che la protagonista, Lena, aveva molto in comune con le ragazze delle mie immagini, con le emozioni che provano e che ho cercato di catturare nella serie.

Quando ho scoperto che il film aveva un sequel, "I am Curious (Blue)", ho creato anche un capitolo blu. Poi ho sentito che l'opera aveva bisogno di un altro capitolo, che l'avrebbe resa una trilogia, e soprattutto perché mi avrebbe dato l'opportunità di mostrare un terzo sentimento, uno stato d'animo diverso".

Le immagini di Lena, tratte dal film di Vilgot Sjöman, punteggiano la scenografia di questa mostra. Nei fotomontaggi di Blauwer non ci si imbatte mai in uno sguardo, ma lo sguardo di Lena fa da sfondo all'intera mostra, in formato poster cinematografico.

La giovane eroina è anche il soggetto principale di una proiezione di diapositive, un'installazione originale dell'artista, composta da fotogrammi del film e da fotografie di pagine dei famosi taccuini dell'artista, preziose raccolte in cui mette in atto il suo linguaggio associando immagini a parole, in questo caso quelle estratte dalla sceneggiatura.

Katrien de Blauwer, described as a "photographer without a camera", uses images from old magazines and newspapers to shape her stories. With her intimacy and sensitivity, she seeks out the images of others, charged with memory and carrying her memories, to tell them.

De Blauwer is nourished by the beauty she finds in contemporary dance, literature, fashion and music, but it is undoubtedly the world of film that she embraces most passionately. Especially the one that so strongly influenced the portrayal of women in the press of the sixties, her preferred material. For women are of prime importance here. By assembling disparate fragments of these heroines into clichés, painstakingly recovered and silently juxtaposed, she creates photo montages that evoke the lives of familiar icons, those of an often fantasized female representation. She plays with our imaginations, hers and ours. The old-fashioned materials of the paper respond to the cut-out subjects to form the backdrop for her stories; and in these enigmatic freeze-frames, like opposing fields in the same shot, the viewer takes over from the narrator to unfold the scenario.

His photo montages are to photography what scripts are to cinema. And as with Van der Keuken's editing, she follows the logic of the rhythm of the images, while intervening to convey a narrative.

The strokes of color she uses to enhance her images do indeed provide a few extra clues to the reading process. They give direction, like vectors of emotion, to what she refrains from saying, from showing anyone.

In this new series, she says: "Red is fear - yellow is hate - blue is love". She continues: "You could say that my work is a chain of coincidences. It all began with yellow, used as a narrative for a series I showed my Swedish publisher, which reminded him of a cult film from the sixties, "I am Curious (Yellow)".

The next day, I came across the English paperback version of the script, which made me want to find the digital version of the film.

At first, I didn't see many references between the film and my series, but then I began to realize that the protagonist, Lena, had a lot in common with the girls in my images, with the emotions they go through and that I tried to capture in the series.

When I discovered that the film had a sequel, "I am Curious (Blue)", I also created a blue chapter. Then I felt that the work needed another chapter, which would make it a trilogy, and above all because it would give me the opportunity to show a third feeling, a different mood."

Lena's images, taken from Vilgot Sjöman's film, punctuate the scenography of this exhibition. While in Blauwer's photo montages, we never come across a gaze, Lena's gaze forms the backdrop for the entire exhibition, in cinema poster format.

The young heroine is also the main subject of a slide show, an original installation by the artist, composed of stills from the film and photographs of pages from the artist's famous notebooks, precious collections in which she deploys her language by associating images with words, in this case those she has extracted from the script.

(Text: Charlotte Boudon)

Galerie du jour | Paris
3. November – 31. Dezember 2023

Colored Black
Dennis Morris

Diese Ausstellung, die im April 2023 mit der Unterstützung von agnès b. in Kyotographie gezeigt wurde, wird anlässlich des Pariser Monats der Fotografie in der Galerie du Jour installiert. Diese ist als immersive Erfahrung inmitten der karibischen Diaspora im Londoner Osten der 1960er und 1970er Jahre konzipiert.

Nach dem Zweiten Weltkrieg musste Großbritannien wieder aufgebaut werden und lud seine Bürger aus dem Commonwealth ein, sich in Großbritannien niederzulassen. Viele Jamaikaner folgten dem Aufruf und wanderten auf der Suche nach einem besseren Leben nach Großbritannien ein. Diejenigen, die aus den karibischen Ländern kamen, wurden als die "Windrush-Generation" bezeichnet.

Zu diesen Einwanderern gehörte Dennis Morris, der in den 1960er Jahren als kleiner Junge mit seiner Mutter von Jamaika nach London reiste. Dank des Chors seiner örtlichen Kirche und seines Gönners Donald Paterson entdeckte Morris die Fotografie und begab sich auf eine bemerkenswerte Reise, auf der er seine Umgebung und seine Gemeinschaft dokumentierte.

Die Positivität, der Enthusiasmus und der Wunsch nach Erfolg der karibischen Einwanderer, trotz der Schwierigkeiten, die sie erdulden mussten, kommen in Morris' Bildern besonders stark zum Vorschein. In der Tat war dies die Zeit, in der diese aus der Karibik verpflanzten Menschen mit Stolz und Herausforderung von "Farbigen" zu Schwarzen wurden.

Cette exposition, présentée à Kyotographie en avril 2023 avec le soutien d’agnès b., s’installe dans la Galerie du Jour à l’occasion du mois parisien de la photographie. Celle-ci est conçue comme une expérience immersive au sein de la diaspora caribéenne de l'est Londonien des années 1960 et 1970.

Après la Seconde Guerre mondiale, la Grande-Bretagne avait besoin de se reconstruire et a invité ses citoyens du Commonwealth à venir s'installer au Royaume-Uni. De nombreux Jamaïcains ont répondu à l'appel en immigrant en Grande-Bretagne à la recherche d'une vie meilleure. Ceux qui sont arrivés des pays des Caraïbes ont été appelés la "génération Windrush".

Parmi ces immigrants, Dennis Morris, qui, jeune garçon, a voyagé avec sa mère de la Jamaïque à Londres dans les années 1960. Grâce à la chorale de son église locale et à son bienfaiteur, Donald Paterson, Morris a découvert la photographie et s'est embarqué dans un voyage remarquable, documentant son environnement et sa communauté.

La positivité, l'enthousiasme et le désir de réussir des immigrants caribéens, malgré les difficultés qu'ils ont endurées, ressortent avec force dans les photos de Morris. En effet, c'est à cette époque que ces transplantés des Caraïbes sont passés du statut de "personnes de couleur" à celui de Noirs, avec fierté et défi.

La mostra, presentata a Kyotographie nell'aprile 2023 con il sostegno di agnès b., sarà ospitata alla Galerie du Jour durante il Mese della Fotografia di Parigi. La mostra è concepita come un'esperienza immersiva della diaspora caraibica nell'East London degli anni Sessanta e Settanta.

Dopo la Seconda guerra mondiale, la Gran Bretagna aveva bisogno di ricostruire e invitò i cittadini del Commonwealth a venire a stabilirsi nel Regno Unito. Molti giamaicani risposero immigrando in Gran Bretagna in cerca di una vita migliore. Coloro che arrivarono dai Paesi caraibici furono conosciuti come la "generazione Windrush".

Uno di questi immigrati fu Dennis Morris, che da giovane viaggiò con la madre dalla Giamaica a Londra negli anni Sessanta. Grazie al coro della sua chiesa locale e al suo benefattore, Donald Paterson, Morris scoprì la fotografia e intraprese un viaggio straordinario, documentando l'ambiente circostante e la sua comunità.

La positività, l'entusiasmo e il desiderio di successo degli immigrati caraibici, nonostante le difficoltà incontrate, traspaiono dalle fotografie di Morris. In effetti, è stato in questo periodo che questi trapiantati caraibici sono passati dall'essere "di colore" all'essere neri, con orgoglio e sfida.

This exhibition, presented at Kyotographie in April 2023 with the support of agnès b., takes up residence in the Galerie du Jour on the occasion of Paris Photography Month. The exhibition is conceived as an immersive experience of the Caribbean diaspora in East London in the 1960s and 1970s.

After the Second World War, Britain needed to rebuild and invited its Commonwealth citizens to come and settle in the UK. Many Jamaicans answered the call by immigrating to Britain in search of a better life. Those who arrived from Caribbean countries were called the "Windrush generation".

Among these immigrants was Dennis Morris, who as a young boy traveled with his mother from Jamaica to London in the 1960s. Thanks to his local church choir and benefactor, Donald Paterson, Morris discovered photography and embarked on a remarkable journey, documenting his surroundings and community.

The positivity, enthusiasm and desire to succeed of Caribbean immigrants, despite the hardships they endured, come through strongly in Morris's photos. Indeed, it was during this period that these Caribbean transplants proudly and defiantly made the transition from "people of color" to Black.

(Text: Galerie du jour, Paris)

Galerie Écho 119 | Paris
2. November 2023 – 3. Februar 2024

Radiographies de l'intime
Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida, Emi Anrakuji

Den eigenen Körper und den anderer beobachten, den/die eigenen Körper darstellen, ihn/sie verwandeln, die Wahrnehmungen der Betrachter herausfordern... Das erforschen diese Künstlerinnen in ihren Fotoserien, die wir gemeinsam ausstellen, um weiblichen Blicken Raum zu geben und einen fotografischen Dialog über das Intime und seine Darstellungen sowohl in Japan als auch in der westlichen Gesellschaft zu eröffnen.

Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida und Emi Anrakuji haben alle auf ihre Weise einen Blick auf die Intimität geworfen. Sie fotografieren ihren eigenen Körper oder den ihrer Modelle in Inszenierungen, in denen sie gleichzeitig Schöpfer und Akteure sind, um ihre Identität(en) zu hinterfragen und sich wieder anzueignen. Indem sie den Blick auf das Intimste richten, sei es frontal, verkleidet, metaphorisch oder versteckt, tragen sie dazu bei, die Vorstellungen vom weiblichen Körper, von Nacktheit, Begehren und Sexualität, die noch immer überwiegend vom männlichen Blick geprägt sind, zu erneuern.

Es war uns ein Anliegen, diese Frauen zusammenzubringen, um das Intime zu thematisieren, auch weil sie ihren Platz in der Geschichte der "persönlichen" Fotografie haben - oder "Shi Shashin", wie Nobuyoshi Araki sie nannte, um seine Praxis einer eher persönlichen als nach außen gerichteter Fotografie zu beschreiben - und die oft mit den Namen und Werken von Männern in Verbindung gebracht werden: Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase oder Shomei Tomatsu. Ebenso wie ihre männlichen Vorgänger und Zeitgenossen reflektieren sie über die Beziehung zur Intimsphäre in der japanischen Kultur, die besonders kodifiziert oder sogar tabuisiert ist.

Ihre Werke zeugen auch von der performativen Kraft des fotografischen Aktes. Für Tokyo Rumando, Sayuri Ichida und Emi Anrakuji ist das Fotografieren von sich selbst eine Möglichkeit, sich ihr Bild, ihre Emotionen und ihre persönlichen, manchmal traumatischen Erfahrungen wieder anzueignen. Im Selbstporträt kann ein kathartischer Prozess stattfinden, der sowohl emanzipatorisch als auch therapeutisch ist, eine Wiedergutmachung. In der Arbeit von Sakiko Nomura kann die Inszenierung der Intimität anderer eine Möglichkeit sein, den Blick des Betrachters zu hinterfragen und gleichzeitig seine eigene Beziehung zu Erotik und Sexualität zu hinterfragen.

Was diese vier Künstlerinnen schließlich verbindet, ist ein gemeinsames, unbändiges Verlangen: das Verlangen zu schauen.

Observer son corps et celui d’autres que soi, représenter son/les corps, les métamorphoser, défier les perceptions de celles et ceux qui regardent… C’est ce que ces artistes explorent dans leurs séries photographiques, que nous avons choisi d’exposer ensemble pour laisser place à des regards féminins et ouvrir un dialogue photographique sur l’intime et ses représentations, à la fois au Japon et dans la société occidentale.

Chacune à leur manière, Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida et Emi Anrakuji portent un regard sur l’intimité. Elles photographient leur propre corps ou celui de leurs modèles dans des mises en scènes dont elles sont à la fois créatrices et actrices, pour interroger et se réapproprier leur(s) identité(s). En pointant l’objectif sur l’intime de manière tantôt frontale, déguisée, métaphorique ou bien dissimulée, elles contribuent à renouveler les représentations du corps féminin, de la nudité, du désir et de la sexualité, encore majoritairement façonnées par le regard masculin.

Si nous avons eu à coeur de réunir ces femmes pour aborder l’intime, c’est aussi parce qu’elles ont toute leur place dans l’histoire de la photographie « personnelle » – ou « shi shashin » telle que nommée par Nobuyoshi Araki pour décrire sa pratique d’une photographie plutôt personnelle que tournée vers l’extérieur –, et que l’on a souvent tendance à rattacher aux noms et aux oeuvres d’hommes : Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase ou encore Shomei Tomatsu. Au même titre que leurs prédécesseurs et contemporains masculins, elles portent une réflexion sur le rapport à la sphère de l’intime dans la culture nippone, particulièrement codifié, voire tabou.

Leurs oeuvres témoignent aussi du pouvoir performatif de l’acte photographique. Pour Tokyo Rumando, Sayuri Ichida et Emi Anrakuji, se photographier elles-mêmes est une manière de se réapproprier leur image, leurs émotions et leurs expériences personnelles, parfois traumatiques. Il peut y avoir dans l’autoportrait un processus cathartique, à la fois émancipateur et thérapeutique, une réparation. Dans le travail de Sakiko Nomura, mettre en scène l’intimité des autres peut être une manière d’interroger le regard du spectateur.trice en même temps que son propre rapport à l’érotisme et à la sexualité.

Ce qui réunit ces quatre artistes, enfin, c’est le partage d’un même désir irrépressible : le désir de regarder.

Osservare il proprio corpo e quello degli altri, rappresentare il proprio corpo o i propri corpi, metamorfosarli, sfidare la percezione di chi guarda... Questo è ciò che esplorano queste artiste nelle loro serie fotografiche, che abbiamo scelto di esporre insieme per dare spazio al punto di vista delle donne e aprire un dialogo fotografico sull'intimità e le sue rappresentazioni, sia in Giappone che nella società occidentale.

Ognuna a modo suo, Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida e Emi Anrakuji guardano all'intimità. Fotografano i propri corpi o quelli delle loro modelle in scene in cui sono sia creatori che attori, mettendo in discussione e riappropriandosi della propria identità. Puntando l'obiettivo sull'intimità, sia essa frontale, mascherata, metaforica o nascosta, contribuiscono a rinnovare le rappresentazioni del corpo femminile, della nudità, del desiderio e della sessualità, ancora prevalentemente modellate dallo sguardo maschile.

Se abbiamo voluto riunire queste donne per esplorare l'intimo, è anche perché hanno il loro posto nella storia della fotografia "personale" - o "shi shashin", come l'ha chiamata Nobuyoshi Araki per descrivere la sua pratica di fotografia più personale che rivolta verso l'esterno - e che spesso tendiamo ad associare a nomi e opere di uomini: Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase e Shomei Tomatsu. Come i loro predecessori e contemporanei maschi, riflettono sul rapporto tra la sfera dell'intimo nella cultura giapponese, particolarmente codificata e persino tabù.

Le loro opere testimoniano anche il potere performativo dell'atto fotografico. Per Tokyo Rumando, Sayuri Ichida e Emi Anrakuji, fotografarsi è un modo per riappropriarsi della propria immagine, delle proprie emozioni e delle proprie esperienze personali, talvolta traumatiche. L'autoritratto può essere un processo catartico, sia emancipatorio che terapeutico, una forma di riparazione. Nel lavoro di Sakiko Nomura, la messa in scena dell'intimità altrui può essere un modo per mettere in discussione lo sguardo dello spettatore e il proprio rapporto con l'erotismo e la sessualità.

Infine, ciò che unisce questi quattro artisti è un desiderio insopprimibile condiviso: il desiderio di guardare.

Using the camera to observe their own body or the bodies of others, representing these bodies, transforming them, challenging the perceptions of those watching… This is what these artists have been exploring in their series, which we chose to exhibit together in order to make room for women’s views, and to open up a photographic dialogue on intimacy and its representations both in Japan and Western society.

Each in their own way, Tokyo Rumando, Sakiko Nomura, Sayuri Ichida and Emi Anrakuji focus on intimacy. They photograph models or themselves, in stagings of which they are both the creators and the actresses, to question and reappropriate their identity(ies). By focusing the lens on the intimate, whether in a frontal, disguised, metaphorical or concealed way, they help to renew representations of the female body, nudity, desire and sexuality, mainly shaped by the male gaze.

The reason we wanted to bring these women together around this topic is also because they have their place in the history of 'personal' photography' - or ‘shi shashin’ as Nobuyoshi Araki called it to describe his practice of a more personal rather than outward-looking photography - and which we often tend to associate with the works and the names of men: Nobuyoshi Araki, Masahisa Fukase and Shomei Tomatsu among others. Like their male predecessors and contemporaries, they reflect on the relationship to the private sphere in Japanese culture, which is particularly codified and even taboo.

Their works also reflect the performative power of the photographic act. For Tokyo Rumando, Sayuri Ichida and Emi Anrakuji, photographing themselves is a way of reappropriating their image, their emotions and their personal, sometimes traumatic experiences. Self-portraiture can be a cathartic process, both emancipatory and therapeutic, a form of reparation. In the work of Sakiko Nomura, staging the intimacy of others may also be a way of questioning the viewer's gaze as well as her own relationship to eroticism and sexuality.

Finally, what unites these four artists is the same irrepressible desire: the desire to look.

(Text: Galerie Écho 119, Paris)

Galerie Bigaignon | Paris
24. Oktober – 23. Dezember 2023

This Too Shall Pass
Morvarid K

Die Galerie Bigaignon präsentiert die erste Einzelausstellung der iranischen Künstlerin Morvarid K in ihren Räumen. Die Ausstellung mit dem Titel "This Too Shall Pass" folgt auf den Erwerb von drei Werken aus derselben Serie durch die Bibliothèque nationale de France und ermöglicht es, den Umfang der Serie, die im vergangenen September teilweise in Amsterdam anlässlich einer Teilnahme an der Messe Unbound ausgestellt wurde, in den Räumlichkeiten der Galerie zu entfalten.

Die 1982 in Teheran geborene Morvarid K findet in ihrer Verbundenheit mit der iranischen Identität die Grundlage für ihre Beziehung zur Welt und ihre künstlerische Sensibilität. Durch die Manipulation des fotografischen Materials hinterfragt ihre Arbeit unsere Beziehung zur Welt, die transformierende Erinnerung und das Dazwischen. Das fotografische Medium ist der Ausgangspunkt, es verankert seine Arbeit in der Realität, während Überlagerungs- und Transformationstechniken die zusätzlichen Ausdrucksformen liefern, die die Fotografie nicht einfangen kann.

Überwältigt von den Bildern der Brände in Australien 2019 und 2020, verspürt Morvarid K das dringende Bedürfnis, dorthin zu reisen und die statischen, stillen, leeren Landschaften zu sehen, die überwältigende Abwesenheit von Leben festzustellen und sich mit dem zu konfrontieren, was trotz der Verwüstung noch übrig ist. Die Serie "This too shall pass", die 2020 in Australien begann und 2021 und 2022 in Frankreich fortgesetzt wird, hinterfragt die Komplexität der menschlichen Wahrnehmung, den Anpassungsmechanismus, der es uns ermöglicht, das Brutale, das Zerstörerische zu zähmen und den Thanatos erträglich zu machen.

Das Projekt ist in drei Phasen unterteilt: das Nachwirken der Vergangenheit, das von der anfänglichen Schwierigkeit berichtet, die durch das Feuer verursachte Zerstörung zu akzeptieren; die Spur der Gegenwart, der Moment der Bewusstwerdung und der Wunsch, so nah wie möglich an der Problematik zu sein, um sie besser zu verstehen; und schließlich das Weben der Zukunft, der Moment, in dem das Thema in den Hintergrund rutscht und sich unsere Aufmerksamkeit anderen Dingen zuwendet, obwohl die Mega-Feuer fortbestehen.

Beim ersten Anblick dieser verwüsteten Landschaft setzt eine Art Verleugnung ein, die durch eine visuelle Kompensation gekennzeichnet ist, ein beruhigendes Nachleuchten der Netzhaut, bei dem Schwarz durch Grün ersetzt wird. Ein mentales Gewebe, das sich auflöst, um die Realität durchscheinen zu lassen.

Dann ist die Zeit gekommen, die Dinge zu messen und eine greifbare Spur durch Körperkontakt zu sammeln. Morvarid K sammelt die verkohlten Abdrücke von verkohlten Baumstämmen, indem er sie mit vor Ort hergestellten Fotoabzügen umhüllt. Die stille Stimme der Bäume vermischt sich dann mit seiner fotografischen Handschrift. Diese Abdrücke materialisieren sich durch den Übergang von einer monochromen Risografie (starker Kontrast zwischen Grün und Schwarz) zu einem Farbabzug auf Kuzo-Papier (der die Züge weicher macht und das Schwarz kaschiert), der so den Beginn des Abgleitens des Themas in das Vergessen unterstreicht. Eine Installation aus Kohle, die aus den verschiedenen verbrannten Wäldern stammt, vervollständigt das Thema.

Schließlich kommt die Zeit der Banalisierung des Themas, die durch die Verwendung von fotografischen Fragmenten mit verbrannten Umrissen, die die Rinde lebender Bäume darstellen, illustriert wird. In diesem Korpus ist diese dichte Ansammlung ein Vorbote und Anzeiger für die Intensivierung der Brände. Die verbrannten Umrisse und das allmähliche Verschwinden des Bildes zugunsten eines leeren, weißen Raums unterstreichen die Zerstörung der Wälder sowie das Verblassen des Themas in unseren Köpfen.

In Morvarid Ks Werk wird der Druck zu einem Material, einer Etappe im kreativen Prozess, bevor die Geste oder die performative Erfahrung das Werk vervollständigen. Als bildende Künstlerin und Performerin versucht Morvarid K, den Abzug zu entweihen, und zögert nicht, ihre Abzüge fast vollständig mit kleinen, mit einem Kugelschreiber gemachten Strichen zu überdecken. Das Fotopapier wird dadurch paradoxerweise sublimiert und der physische Akt des Abziehens, der traditionell in der Dunkelkammer stattfindet, wird über deren Mauern hinaus verlagert oder verlängert.

La galerie Bigaignon présente la première exposition personnelle de l’artiste iranienne Morvarid K dans ses murs. Cette exposition intitulée « This Too Shall Pass », fait suite à l’acquisition par la Bibliothèque nationale de France de trois oeuvres de cette même série et permet de déployer à l’échelle de son espace l’étendue de la série, exposée partiellement à Amsterdam en septembre dernier lors d’une participation à la foire Unbound.

Née à Téhéran en 1982, Morvarid K trouve dans son attachement à l’identité iranienne le fondement de son rapport au monde et de sa sensibilité artistique. À travers la manipulation de la matière photographique, son travail questionne notre relation au monde, la mémoire transformatrice et l’entre-deux. Le support photographique est le point de départ, il ancre son travail dans la réalité, tandis que les techniques de superposition et de transformation apportent les expressions supplémentaires que la photographie ne saurait capturer.

Accablée par les images des incendies en Australie en 2019 et 2020, Morvarid K ressent le besoin impérieux de s’y rendre et de voir les paysages statiques, silencieux, vides, de constater l’absence écrasante de vie, de se confronter à ce qui subsiste malgré la dévastation. Débutée en Australie en 2020 et poursuivie en France en 2021 et 2022, la série « This too shall pass » questionne la complexité de la perception humaine, le mécanisme d’ajustement qui nous permet d’apprivoiser le brutal, le destructif, de rendre supportable le Thanatos.

Le projet se divise en trois temps : la persistance du passé qui relate la difficulté première à accepter la destruction causée par le feu ; la trace du présent, le moment de prise de conscience et le souhait d’être au plus près de la problématique pour mieux la comprendre ; et, enfin, le tissage du futur, le moment où le sujet glisse en arrière-plan et notre attention se tourne vers d’autres choses, bien que les méga-feux persistent.

À la première vue de ce paysage dévasté, une sorte de déni s’installe, caractérisé par une compensation visuelle, une persistance rétinienne rassurante remplaçant le noir par du vert. Un tissage mental qui s’estompe pour laisser transparaître le réel.

C’est alors le temps de prendre la mesure des choses, à en recueillir une trace tangible par le corps à corps. Morvarid K recueille les empreintes charbonneuses de troncs d’arbres calcinés en les enveloppant avec des tirages photographiques faits in situ. La voix silencieuse des arbres se mêle alors à son écriture photographique. Ces prises d’empreintes se matérialisent par le passage d’une risographie monochrome (fort contraste entre le vert et le noir) à un tirage couleur sur papier Kuzo (qui adoucit les traits et camoufle le noir), qui souligne ainsi le début du glissement du sujet vers l’oubli. Une installation de charbons provenant des divers forêts brulées, complète le propos.

Vient enfin le temps de la banalisation du sujet qu’illustre l’utilisation de fragments photographiques aux contours brulés, représentant des écorces d’arbres vivants. Dans ce corpus, cet amas dense, est annonciateur et dénonciateur de l’intensification des feux. Les contours brulés et la disparition progressive de l’image au profit d’un espace vide et blanc, soulignent la destruction des forêts, ainsi que l’estompement du sujet dans nos esprits.

Dans l’oeuvre de Morvarid K, le tirage devient un matériau, une étape dans le processus créatif, avant que le geste, ou l’expérience performative ne viennent compléter l’oeuvre. Artiste plasticienne et performeuse, Morvarid K tente de désacraliser le tirage et n’hésite pas à recouvrir presque intégralement ses épreuves de petits traits réalisés au stylo. Le papier photographique est alors paradoxalement sublimé et l’acte physique du tirage, traditionnellement voué à la chambre noire, y est déporté ou prolongé au-delà de ses murs.

La Galerie Bigaignon presenta la prima mostra personale dell'artista iraniano Morvarid K. La mostra, intitolata "This Too Shall Pass", fa seguito all'acquisizione da parte della Bibliothèque nationale de France di tre opere della stessa serie, consentendo alla galleria di ampliare la portata della serie, che è stata parzialmente esposta ad Amsterdam lo scorso settembre nell'ambito della fiera Unbound.

Nata a Teheran nel 1982, l'attaccamento di Morvarid K all'identità iraniana è alla base del suo rapporto con il mondo e della sua sensibilità artistica. Attraverso la manipolazione del materiale fotografico, il suo lavoro mette in discussione il nostro rapporto con il mondo, la memoria trasformativa e la zona intermedia. Il mezzo fotografico è il punto di partenza, ancorando il suo lavoro alla realtà, mentre le tecniche di sovrapposizione e trasformazione forniscono le espressioni aggiuntive che la fotografia non può catturare.

Travolta dalle immagini degli incendi in Australia nel 2019 e nel 2020, Morvarid K ha sentito il bisogno impellente di recarsi sul posto e vedere i paesaggi statici, silenziosi e vuoti, per testimoniare la schiacciante assenza di vita, per confrontarsi con ciò che è rimasto nonostante la devastazione. Iniziata in Australia nel 2020 e proseguita in Francia nel 2021 e nel 2022, la serie "This too shall pass" si interroga sulla complessità della percezione umana, sul meccanismo di adattamento che ci permette di domare il brutale e il distruttivo, di rendere Thanatos sopportabile.

Il progetto è diviso in tre fasi: la persistenza del passato, che racconta la difficoltà iniziale di accettare la distruzione causata dal fuoco; la traccia del presente, il momento di consapevolezza e il desiderio di essere il più vicino possibile al problema per comprenderlo meglio; e, infine, la tessitura del futuro, il momento in cui il soggetto scivola sullo sfondo e la nostra attenzione si rivolge ad altre cose, anche se i mega-incendi persistono.

Alla prima vista di questo paesaggio devastato, si instaura una sorta di negazione, caratterizzata da una compensazione visiva, una rassicurante persistenza della visione che sostituisce il nero con il verde. Una trama mentale che svanisce per rivelare il reale.

È il momento di prendere la misura delle cose, di raccoglierne una traccia tangibile attraverso il contatto corpo-a-corpo. Morvarid K raccoglie le impronte carbonizzate dei tronchi d'albero bruciati, avvolgendole in stampe fotografiche realizzate in loco. La voce silenziosa degli alberi si mescola alla sua scrittura fotografica. Queste impronte sono materializzate dal passaggio da una risografia monocromatica (forte contrasto tra verde e nero) a una stampa a colori su carta Kuzo (che ammorbidisce i tratti e mimetizza il nero), sottolineando così l'inizio dello scivolamento del soggetto nell'oblio. Un'installazione di carboncini provenienti da varie foreste bruciate completa il quadro.

Infine, arriva il momento in cui il soggetto diventa comune, illustrato dall'uso di frammenti fotografici con bordi bruciati, che rappresentano la corteccia di alberi vivi. In questo corpus di opere, questa massa densa annuncia e denuncia l'intensificarsi degli incendi. I contorni bruciati e la graduale scomparsa dell'immagine a favore di uno spazio vuoto e bianco sottolineano la distruzione delle foreste e la dissolvenza del soggetto nella nostra mente.

Nel lavoro di Morvarid K, la stampa diventa un materiale, una fase del processo creativo, prima che il gesto o l'esperienza performativa completino l'opera. Come artista visivo e performer, Morvarid K cerca di desacralizzare la stampa e non esita a ricoprire le sue stampe quasi interamente con piccoli tratti di penna. Paradossalmente, questo sublima la carta fotografica e l'atto fisico della stampa, tradizionalmente confinato nella camera oscura, viene deportato o esteso oltre le sue pareti.

Galerie Bigaignon presents the first solo show by Iranian artist Morvarid K. This exhibition, entitled "This Too Shall Pass", follows on from the Bibliothèque nationale de France's acquisition of three works from the same series, and enables the gallery to expand the scope of the series, which was partially exhibited in Amsterdam last September during a participation in the Unbound fair.

Born in Teheran in 1982, Morvarid K's attachment to Iranian identity forms the basis of her relationship with the world and her artistic sensibility. Through the manipulation of photographic material, her work questions our relationship to the world, transformative memory and the in-between. The photographic medium is the starting point, anchoring her work in reality, while superimposition and transformation techniques provide the additional expressions that photography cannot capture.

Overwhelmed by the images of the fires in Australia in 2019 and 2020, Morvarid K feels the compelling need to go there and see the static, silent, empty landscapes, to witness the overwhelming absence of life, to confront what remains despite the devastation. Begun in Australia in 2020 and continued in France in 2021 and 2022, the "This too shall pass" series questions the complexity of human perception, the adjustment mechanism that enables us to tame the brutal, the destructive, to make Thanatos bearable.

The project is divided into three phases: the persistence of the past, which recounts the initial difficulty of accepting the destruction caused by fire; the trace of the present, the moment of awareness and the desire to be as close as possible to the problem in order to understand it better; and, finally, the weaving of the future, the moment when the subject slips into the background and our attention turns to other things, even though the mega-fires persist.

At the first sight of this devastated landscape, a kind of denial sets in, characterized by visual compensation, a reassuring retinal persistence replacing black with green. A mental weave that fades to reveal the real.

It's time to take the measure of things, to gather a tangible trace through body-to-body contact. Morvarid K collects the charred imprints of charred tree trunks, wrapping them in photographic prints made in situ. The silent voice of the trees mingles with his photographic writing. These impressions are materialized by the transition from a monochrome risograph (strong contrast between green and black) to a color print on Kuzo paper (which softens the features and camouflages the black), thus underlining the beginning of the subject's slide into oblivion. An installation of charcoal from various burnt forests completes the picture.

Finally comes the time of the subject's trivialization, illustrated by the use of photographic fragments with burnt outlines, representing the bark of living trees. In this body of work, this dense mass heralds and denounces the intensification of fires. The burnt contours and gradual disappearance of the image in favor of an empty, white space underline the destruction of the forests, as well as the fading of the subject in our minds.

In Morvarid K's work, the print becomes a material, a stage in the creative process, before the gesture or performative experience completes the work. As a visual artist and performer, Morvarid K attempts to desacralize the print, not hesitating to cover her prints almost entirely with small pen strokes. Paradoxically, photographic paper is sublimated, and the physical act of printing, traditionally confined to the darkroom, is deported or extended beyond its walls.

(Text: Galerie Bigaignon, Paris)

MEP – Maison Européenne de la Photographie | Paris
18. Oktober 2023 - 11. Februar 2024

Viviane Sasse

Das MEP - Maison Européenne de la Photographie präsentiert die erste Retrospektive der niederländischen Künstlerin Viviane Sassen in Frankreich. Die Ausstellung umfasst mehr als 200 Werke und zeichnet die 30-jährige Produktion eines proteiformen Werks nach, in dem die Fotografie mit der Collage, der Malerei und dem Video vereint ist.

Die Ausstellung erstreckt sich über die beiden Hauptebenen des MEP und umfasst ihre ikonischen Serien, darunter "Umbra", "Parasomnia", "Flamboya" und "Roxane", unveröffentlichte Archive, ihre Werke in Mischtechniken aus Fotoabzügen, Malerei, Collagen und Videos sowie eine Auswahl ihrer Modefotografien. Die Ausstellung soll den kreativen Prozess von Viviane Sassen beleuchten und dabei zwei Hauptachsen verfolgen: die ständige Suche nach Erneuerung der fotografischen Formen und die Bedeutung der Intimsphäre in ihrem Werk. Bei Sassen ist die Fotografie nicht einfach nur eine Oberfläche, sondern ein offener Ort, an dem sie ihre Träume, Wünsche und Ängste mit der greifbaren Realität der Welt zusammenbringt.

Nachdem sie einige Jahre Mode studiert hatte, wandte sich Viviane Sassen schnell der Fotografie zu, wo sie sich an der Utrecht School of the Arts (HKU) ausbilden ließ. Nach Abschluss ihres Studiums wechselte sie zwischen persönlichen Projekten und kommerziellen Aufträgen. Ihr fotografischer Stil - mit seinen intensiven Farben, dem grafischen Spiel mit Licht und Schatten und dem einzigartigen Blick auf den Körper - fand schnell Anklang. Sassen erlangte internationales Ansehen, sowohl in der Modebranche als auch in kulturellen Einrichtungen.

Anlässlich dieser Ausstellung wird ein über 400 Seiten starkes Buch mit Essays und Fotografien im Prestel-Verlag und in Zusammenarbeit mit der MEP veröffentlicht. Das Buch wird von der niederländischen Grafikdesignerin Irma Boom gestaltet.

Kuratorin: Clothilde Morette, Programmverantwortliche, MEP, unterstützt von Aden Vincendeau, Ausstellungsassistentin, MEP, und Elisa Monteillet, Produktionsbeauftragte, MEP.

La MEP – Maison Européenne de la Photographie présente la première rétrospective en France de l’artiste néerlandaise Viviane Sassen. L'exposition réunit plus de 200 créations et retrace 30 ans de production d’une œuvre protéiforme où la photographie côtoie le collage, la peinture et la vidéo.

Déployée sur les deux principaux niveaux de la MEP, cette exposition réunit ses séries iconiques, parmi lesquelles « Umbra », « Parasomnia », « Flamboya » ou « Roxane », des archives inédites, ses oeuvres aux techniques mixtes mêlant tirages photographiques, peintures, collages et vidéos ainsi qu’une sélection de ses photographies de mode. L'exposition ambitionne d’éclairer le processus créatif de Viviane Sassen en suivant deux grands axes : la recherche constante de renouvellement des formes photographiques et l’importance de la sphère intime dans son oeuvre. Chez Sassen, la photographie n’est pas une simple surface mais un lieu ouvert où elle fait cohabiter ses rêves, ses désirs et ses craintes avec la réalité tangible du monde.

Après quelques années passées à étudier la mode, Viviane Sassen se tourne rapidement vers la photographie où elle se forme à la Utrecht School of the Arts (HKU). Dès la fin de ses études, elle alterne entre projets personnels et commandes commerciales. Son style photographique – aux couleurs intenses, aux jeux graphiques sur l’ombre et la lumière ainsi que le regard singulier qu’elle porte sur les corps – est rapidement plébiscité. Sassen acquiert une renommée internationale, aussi bien dans la sphère de la mode qu’au sein des institutions culturelles.

Un ouvrage de plus de 400 pages, mêlant essais et photographies, sera publié à l’occasion de cette exposition aux éditions Prestel et en collaboration avec la MEP. La conception du livre est assurée par la graphiste néerlandaise Irma Boom.

Commissaire : Clothilde Morette, responsable de la programmation, MEP assistée par Aden Vincendeau, assistante d'exposition, MEP et Elisa Monteillet, chargée de production, MEP.

La MEP - Maison Européenne de la Photographie presenta la prima retrospettiva in Francia dell'artista olandese Viviane Sassen. L'esposizione riunisce più di 200 opere e ripercorre 30 anni di produzione proteiforme, in cui la fotografia si confronta con il collage, la pittura e il video.

Distribuita sui due livelli principali del MEP, la mostra riunisce le sue serie iconiche, tra cui "Umbra", "Parasomnia", "Flamboya" e "Roxane", oltre ad archivi inediti, opere a tecnica mista che combinano stampe fotografiche, dipinti, collage e video, e una selezione delle sue fotografie di moda. La mostra intende far luce sul processo creativo di Viviane Sassen, concentrandosi su due temi principali: la sua costante ricerca di nuove forme fotografiche e l'importanza della sfera intima nel suo lavoro. Per Sassen, la fotografia non è solo una superficie, ma uno spazio aperto in cui far coesistere i suoi sogni, i suoi desideri e le sue paure con la realtà tangibile del mondo.

Dopo alcuni anni di studi di moda, Viviane Sassen si è rapidamente dedicata alla fotografia, dove si è formata alla Utrecht School of the Arts (HKU). Dalla fine degli studi, alterna progetti personali a commissioni commerciali. Il suo stile fotografico, con i suoi colori intensi, i suoi giochi grafici di luci e ombre e il suo modo unico di guardare il corpo, è stato rapidamente apprezzato. Sassen ha acquisito fama internazionale, sia nel mondo della moda che tra le istituzioni culturali.

In concomitanza con la mostra, Prestel pubblicherà un libro di 400 pagine con saggi e fotografie, in collaborazione con il MEP. Il libro è stato progettato dall'artista grafica olandese Irma Boom.

Curatore: Clothilde Morette, responsabile della programmazione del MEP, assistita da Aden Vincendeau, assistente alla mostra del MEP e da Elisa Monteillet, responsabile della produzione del MEP.

The MEP – Maison Européenne de la Photographie – is proud to present the first retrospective in France by Dutch artist Viviane Sassen. Under the title This exhibition, which comprises more than 200 works, reveals over thirty years of multifaceted creation bringing together photography, collage, painting and video.

Taking up the two main floors of the MEP, the exhibition gathers together emblematic series, including "Umbra", "Parasomnia", "Flamboya" and "Roxane", as well as unseen archives, mixed-media works incorporating photography, painting, collage and video, and fashion photography. This exhibition will shed light on Viviane Sassen's creative process by focusing on two main themes: the incessant search for new photographic forms and the importance of intimacy in her work. For Sassen, photography is more than a mere surface: it is an opening onto a place where her dreams, desires and fears co-exist with the world in all its tangible reality.

Initially studying fashion design, Viviane Sassen quickly turned to photography, pursuing her education at the Utrecht School of the Arts (HKU). After completing her studies, she alternated between personal projects and commercial work. Her photographic style – with its saturated colours, interplay of light and shadow and unique portrayals of the human body – was soon in great demand. Viviane Sassen rapidly gained worldwide recognition, both in the fashion industry and in the cultural world.

On the occasion of this exhibition, a 400-page, fully illustrated book comprising several essays and designed by Dutch graphic artist Irma Boom, will be published by Prestel in collaboration with the MEP.

Curator: Clothilde Morette, head of programme, MEP assited by Aden Vincendeau, exhibition assistant, MEP and Elisa Monteillet, production officer, MEP.

(Text: MEP - Maison Européenne de la Photographie, Paris)

Galerie C | Paris
15. Oktober – 18. November 2023

Target
Lukas Hoffmann

In die Fotografien von Lukas Hoffmann einzutauchen, ist wie die Geschichte der Malerei zu erforschen: Die in "Target" gezeigten Werke sind voller Anspielungen auf die Kompositionen eines Clyfford Stil und Verbindungen zu den Kraftlinien eines Franz Kline. Sie erinnern an die Radikalität einer Helen Frankenthaler und die evokative Kraft der Formen, die in ihren Werken zu erkennen sind. Und das aus gutem Grund: Die Fotografie, wie Lukas Hoffmann sie versteht und entfaltet, ist nicht nur eine Öffnung zur Welt, sondern auch eine Brücke zum Motiv. Durch sein Objektiv wird die Realität eines Raums, eines Objekts, seiner Beschaffenheit oder seiner materiellen Natur zu ihrer eigenen Symbolkraft hinzugefügt. Der Titel der Ausstellung selbst erinnert natürlich an die Zielbilder (Target) von Jasper Johns, der mit seinen Enkaustikbildern in die Materie investierte, ohne dabei in eine totale Abstraktion zu verfallen.

Objekte oder Themen? Die Werke von Jasper Johns stellen unbestreitbar eine Verbindung zwischen Kunst und Leben her, indem sie Motive darstellen, die jeder kennt, um uns einen Blick dahinter zu ermöglichen. In diesem Zwischenraum liegt auch die Poesie der Werke von Lukas Hoffmann: Er untersucht die Realität. Er friert einen Raum ein, Spuren, Splitter an den Wänden, Brachland, Zeichen des Zeitablaufs und der Aktivitäten, die an den Orten, an denen er umherwandert, ausgeübt werden. Seine Fotografie schafft Momente, in denen der Blick kippt, und zwingt unsere Augen, sich immer wieder neu zu positionieren. Lukas Hoffmanns Arbeit ist eher eine Erinnerung als ein Abbild. Wenn der Titel von EEW Heringen (Boden) auf den Boden des Ortes anspielt, an dem die Aufnahme gemacht wurde, können wir darin ein Stück Haut sehen: Ist es eine mit Narben durchzogene Epidermis? Eine solche fleischliche Wahrnehmung des Motivs führt zu einer x-ten Umkehrung und bringt uns an seinen ursprünglichen Ort zurück. Sagt dieser Boden und seine Stigmata - ebenso wie die Körper der Menschen, die ihn betreten haben - nicht viel über seine früheren Aktivitäten aus? Diese doppelte Umkehrung findet sich in vielen Fotografien von Lukas Hoffmann. So vermittelt in Container die gesäumte, kreisförmige Linie den Eindruck einer jahrtausendealten Spur, doch die Regelmäßigkeit dieses Abblätterns suggeriert gleichzeitig eine viel zeitgenössischere, mechanische Schrift. Diese doppelte Kippbewegung, die wie ein System angelegt ist, zeigt sich auch in den Pflanzenbildern des Künstlers: Die Knospen, Stängel und Dornen der Brachlandpflanzen sind wie die Funken eines Schweißers.

Lukas Hoffmanns Werke sind wahre Linsen auf die Realität und erforschen auch das menschliche Wesen. In seinen Berliner Straßenbildern - der berühmten Serie des Künstlers, in der er Passanten im Vorbeigehen und in der Kammer fotografiert - fängt er nur Körperausschnitte, Kleidungsdetails oder Schattenstücke ein und untergräbt so die Darstellung von Individuen. Der Luftzug, den eine Passantin verursacht, wenn sie uns streift, die Haarsträhne, die in der Sonne funkelt, die Venenmuskeln einer laufenden Wade, die Linien und Muster eines Kleidungsstücks sind allesamt Details, die uns hier mehr über die Emotionen eines Augenblicks, die Vernetzung und die Aufmerksamkeit, die wir anderen entgegenbringen, verraten, als es ein Frontalporträt könnte. In ihrer bewohnten Stille sagen die Werke von Lukas Hoffmann viel, lassen uns viel sehen und ihre Formen überleben in diesem Hiatus zwischen Kunst und Leben.

Se plonger dans les photographies de Lukas Hoffmann est comme sonder l’histoire de la peinture : les œuvres présentées au sein de « Target » regorgent, en effet, de références aux compositions d’un Clyfford Stil et de liens avec les lignes de force d’un Franz Kline. Elles rappellent la radicalité d’une Helen Frankenthaler et le pouvoir évocateur des formes qu’on décèle dans ses œuvres. Et pour cause, la photographie, telle que Lukas Hoffmann la comprend et la déploie, n’est pas seulement une ouverture sur le monde, elle est un pont vers le motif. Au travers de son objectif, la réalité d’un espace, d’un objet, de sa texture ou de sa nature matérielle s’additionne à leur propre force symbolique. Le titre de l’exposition lui-même n’est, bien sûr, pas sans rappeler les tableaux-cibles (Target) de Jasper Johns qui, avec ses peintures à l’encaustique investissait la matière sans pour autant tomber dans une abstraction totale.

Objets ou sujets ? Les œuvres de Jasper Johns font indéniablement le lien entre l’art et la vie en représentant des motifs connus de tou.te.s pour nous permettre de voir au-delà. C’est dans cet interstice, aussi, que se situe la poésie des œuvres de Lukas Hoffmann : il investigue le réel. Il fige un espace, des traces, des éclats sur les murs, des friches, des signes du passage du temps et des activités exercées sur les lieux où il déambule. Sa photographie créée des moments de basculement du regard et forcent nos yeux à se repositionner sans cesse. Plus qu’il ne représente, le travail de Lukas Hoffmann évoque. Si le titre de EEW Heringen (Boden) fait allusion au sol de l’endroit où le cliché a été pris, nous pouvons y voir un morceau de peau : est-ce un épiderme strié de cicatrices ? Charnelle, une telle perception du motif provoque un énième retournement et nous ramène à son lieu originel. Ce sol et ses stigmates -tout comme les corps des personnes qui l’ont foulé -ne dit-il pas beaucoup de ses activités passées ? Ce double renversement opère dans beaucoup de photographies de Lukas Hoffmann. Ainsi, dans Container, la ligne ourlée et circulaire donne des impressions de trace millénaire mais la régularité de cet écaillement suggère en même temps, une graphie mécanique bien plus contemporaine. Instauré comme un système, ce double basculement apparait également dans les images de végétaux prises par l’artiste : les bourgeons, tiges et épines des plantes de friches sont autant d’étincelles d’un soudeur.

Véritables lentilles sur le réel, les œuvres de Lukas Hoffmann sondent aussi l’être humain. Dans ses Strassenbilder berlinois -célèbre série de l’artiste où il photographie à la volée et à la chambre des passants -il ne capture que des bribes de corps, des détails de vêtements ou des morceaux d’ombres et bouscule ainsi la représentation des individus. L’air provoqué par une passante qui nous frôle, la mèche de cheveux qui étincelle au soleil, les muscles veineux d’un mollet en marche, les lignes et motifs d’un vêtement sont autant de détails qui nous en disent plus, ici, sur l’émotion d’un instant, l’interconnexion et l’attention que nous portons aux autres que ne le ferait un portrait frontal. Dans leur silence habité, les œuvres de Lukas Hoffmann disent beaucoup, nous laissent voir beaucoup et leurs formes survivent dans ce hiatus entre l’art et la vie.

Immergersi nelle fotografie di Lukas Hoffmann è come immergersi nella storia della pittura: le opere presentate in "Target" sono ricche di riferimenti alle composizioni di Clyfford Stil e di collegamenti con le linee di forza di Franz Kline. Ricordano il radicalismo di Helen Frankenthaler e il potere evocativo delle forme nel suo lavoro. E per una buona ragione: la fotografia, come la intende e la utilizza Lukas Hoffmann, non è solo un'apertura sul mondo, è un ponte verso il motivo. Attraverso il suo obiettivo, la realtà di uno spazio, di un oggetto, la sua consistenza o la sua natura materiale si aggiungono alla loro forza simbolica. Il titolo stesso della mostra ricorda naturalmente i dipinti Target di Jasper Johns, i cui encausti esploravano la materia senza scadere nell'astrazione totale.

Oggetti o soggetti? Le opere di Jasper Johns creano innegabilmente un legame tra arte e vita, raffigurando motivi familiari a tutti noi e permettendoci di vedere oltre. Anche la poesia del lavoro di Lukas Hoffmann si trova in questo interstizio: egli indaga la realtà. Congela uno spazio, tracce, frammenti sui muri, terreni incolti, segni del passare del tempo e delle attività svolte nei luoghi in cui si aggira. La sua fotografia crea momenti in cui lo sguardo è inclinato, costringendo i nostri occhi a riposizionarsi continuamente. Il lavoro di Lukas Hoffmann evoca piuttosto che rappresentare. Mentre il titolo di EEW Heringen (Boden) allude al terreno dove è stata scattata la fotografia, possiamo anche vedere un pezzo di pelle: è forse epidermide striata di cicatrici? Una tale percezione carnale del motivo provoca un'ulteriore inversione, riportandoci al suo luogo originario. Questo terreno e le sue stigmate - come i corpi delle persone che vi hanno camminato - non dicono forse molto sulle sue attività passate? Questa doppia inversione opera in molte fotografie di Lukas Hoffmann. In Container, ad esempio, la linea circolare orlata dà l'impressione di una traccia millenaria, ma la regolarità di questa sfaldatura suggerisce allo stesso tempo uno stile di scrittura molto più contemporaneo e meccanico. Questa duplice inclinazione, che si presenta come un sistema, è evidente anche nelle immagini di piante scattate dall'artista: i germogli, gli steli e le spine delle piante incolte sono come le scintille di una saldatrice.

Come lenti sulla realtà, le opere di Lukas Hoffmann sondano anche l'essere umano. Nei suoi Strassenbilder berlinesi - una famosa serie in cui l'artista fotografa i passanti al volo e con la sua macchina fotografica - cattura solo frammenti di corpi, dettagli di abiti o frammenti di ombre, ribaltando così la rappresentazione degli individui. L'aria provocata da un passante che ci sfiora, la ciocca di capelli che scintilla al sole, i muscoli venosi di un polpaccio che cammina, le linee e i motivi di un indumento: sono tutti dettagli che ci raccontano l'emozione di un momento, l'interconnessione e l'attenzione che prestiamo agli altri più di quanto potrebbe mai fare un ritratto frontale. Nel loro silenzio abitato, le opere di Lukas Hoffmann dicono molto, ci fanno vedere molto, e le loro forme sopravvivono in questo iato tra arte e vita.

Immersing oneself in Lukas Hoffmann's photographs is like delving into the history of painting: the works presented in "Target" abound in references to the compositions of a Clyfford Stil and links to the force lines of a Franz Kline. They recall the radicalism of Helen Frankenthaler and the evocative power of the forms in her work. And for good reason: photography, as Lukas Hoffmann understands and deploys it, is not just an opening onto the world, it is a bridge to the motif. Through his lens, the reality of a space, an object, its texture or its material nature is added to their own symbolic force. The title of the exhibition itself is, of course, reminiscent of Jasper Johns' "Target" paintings, in which encaustic was used to invest the material without falling into total abstraction.

Objects or subjects? Jasper Johns' works undeniably bridge the gap between art and life, depicting motifs that are familiar to us all and enabling us to see beyond them. The poetry of Lukas Hoffmann's work also lies in this interstice: he investigates reality. He freezes a space, traces, fragments on walls, wastelands, signs of the passage of time and the activities carried out in the places where he wanders. His photography creates moments of tilted gaze, forcing our eyes to constantly reposition themselves. Lukas Hoffmann's work evokes rather than represents. If the title of EEW Heringen (Boden) alludes to the ground where the photograph was taken, we can also see a piece of skin: is it an epidermis streaked with scars? Such a carnal perception of the motif provokes an umpteenth reversal, taking us back to its original location. Doesn't this ground and its stigmata - like the bodies of the people who have walked on it - tell us a great deal about his past activities? This double reversal operates in many of Lukas Hoffmann's photographs. In Container, for example, the hemmed, circular line gives the impression of a thousand-year-old trace, but the regularity of the flaking also suggests a much more contemporary, mechanical style. Established as a system, this double tilt is also apparent in the artist's images of plants: the buds, stems and thorns of wasteland plants are the sparks of a welder.

Like lenses on reality, Lukas Hoffmann's works also probe the human being. In his Berlin Strassenbilder - the artist's most famous series, in which he photographs passers-by on the fly and in his camera - he captures only snatches of bodies, details of clothing or bits of shadows, thus overturning the representation of individuals. The air provoked by a passer-by brushing past us, the lock of hair that sparkles in the sunlight, the veiny muscles of a walking calf, the lines and patterns of a garment are all details that tell us more, here, about the emotion of a moment, the interconnection and the attention we pay to others than a frontal portrait ever could. In their inhabited silence, Lukas Hoffmann's works say much, let us see much, and their forms survive in this hiatus between art and life.

(Text: Galerie C, Paris)

Galerie Rachel Hardouin | Paris
12. Oktober – 18. November 2023

et s’éblouir
Dan Aucante, Christine Delory-Momberger, Irène Jonas, Estelle Lagarde, Laure Pubert, Michaël Serfaty

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres photographique du 10e statt.

...et s'éblouir... ist eine Ausstellung, die von der Galerie Rachel Hardouin und der Agentur révélateur organisiert wird. Sie vereint die sechs Autorinnen und Autoren, die letztere begleitet und vertritt. Kuratiert wird sie von Rachel Hardouin und Olivier Bourgoin, dem Leiter der Agentur révélateur. Die Ausstellung wurde in einer verkleinerten Version in der Eröffnungswoche der Rencontres de la Photographie d'Arles gezeigt und von der Fontaine Obscure unterstützt.

"Diese Gruppenausstellung befasst sich mit der Blendung, dem Moment, in dem jeder Fotograf in ein Licht, ein Staunen eingetaucht ist, sei es innerlich, äußerlich oder gleichzeitig mit beiden. Unterschwellig lädt sie uns auch dazu ein, unsere eigenen Blendungen zu betrachten. Mit diesen sechs Vorschlägen kann man sich blenden lassen. Die von Rachel Hardouin und Olivier Bourgoin getroffenen fotografischen Auswahlen bieten ebenso viele Möglichkeiten, das Licht, das in jedem von uns oder in jedem der Fotografen steckt, wenn nicht zu verstehen, so doch zumindest zu begreifen.

Obwohl die Bildwelten der einen und der anderen unabhängig voneinander sind, ergibt sich dennoch ein formaler und sinnlicher Zusammenhalt aus diesem Ensemble. Der Geist navigiert, schweift ab, entflieht und verbindet sich. Das Licht ist da, das Licht, das wir in uns tragen, das Licht, das uns die Künstler schenken. Man muss darin eintauchen, ihm folgen, ohne zu versuchen, ihm einen bestimmten Sinn zu geben. Vielleicht ist es das, sich blenden zu lassen? Diese Fähigkeit, über das hinauszugehen, was ist, und sich eine Welt inmitten der Welt zu erfinden.

In einer Zeit, in der die Magie in unserem Leben praktisch abwesend ist, in der die Virtualität die Menschen dazu verurteilt, nicht mehr miteinander zu sprechen, sich zu kennen, sich zu verbinden, ...und sich zu blenden... wirkt wie ein Moment der Gnade. Diese Momente der Gemeinschaft, des Teilens, des Miteinanders, in denen die Künstler und das Publikum mehr tun als nur zu zeigen und zu schauen, sind selten geworden. Es geht also darum, sie zu nutzen, die Gelegenheit zu ergreifen, die uns gegeben wird, um etwas anderes aufzubauen, selbst wenn es nur für kurze Zeit ist.

Träumen wir, staunen wir über unser Leben, die Bilder und die Kunst. Reisen wir in diese ungleichen und ineinandergreifenden Universen. Lassen wir uns für einen Moment wieder in Erstaunen versetzen...".

…et s’éblouir… est une exposition proposée par la Galerie Rachel Hardouin et l’agence révélateur. Elle réunit les six autrices et auteurs que cette dernière accompagne et représente. Le commissariat est assuré par Rachel Hardouin et Olivier Bourgoin, directeur de l’agence révélateur. L’exposition, dans une version réduite, a été présentée lors de la semaine d’ouverture des Rencontres de la Photographie d’Arles, avec le concours de la Fontaine Obscure.

« Cette exposition collective s’interroge sur l’éblouissement, ce moment où chacun.e des photographes a plongé vers une lumière, un émerveillement qu’il soit interne, externe ou concomitant aux deux. Elle nous invite aussi, de manière sous-jacente, à considérer nos propres éblouissements. Avec ces six propositions, il y a matière à être ébloui. Les sélections photographiques opérées par Rachel Hardouin et Olivier Bourgoin offrent autant de manières, si ce n’est de comprendre cette lumière qui se niche en chacun de nous ou en chacun.e des photographes, au moins de l’appréhender.

Alors que les univers picturaux des un.e.s et des autres sont indépendants, il ressort pourtant une cohésion à la fois formelle et de sens de cet ensemble. L’esprit navigue, divague, s’évade et se rejoint. La lumière est là, celle que nous portons en nous, celle que nous offrent les artistes. Il faut s’y plonger, la suivre, sans chercher à lui donner un sens précis. C’est peut-être ça s’éblouir ? Cette capacité à aller au-delà de ce qui est, à s’inventer un monde au sein du monde.

A une époque où la magie est quasi absente de nos existences, où le virtuel condamne les humains à ne plus se parler, se connaître, se relier, …et s’éblouir… fait figure de moment de grâce. Ils sont devenus rares ces moments de communions, de partages, d’en-commun où les artistes et le public font plus que montrer et regarder. Alors, il s’agit d’en profiter, de saisir cette opportunité qui nous est donnée de construire autre chose, même pour un temps court.

Rêvons, émerveillons-nous de nos vies, des images, de l’Art. Voyageons dans ces univers dissemblables et imbriqués. Redevenons, un moment, éblouis… »

...et s'éblouir... è una mostra organizzata dalla Galerie Rachel Hardouin e dall'agence révélateur. Riunisce i sei autori che l'agenzia accompagna e rappresenta. La mostra è curata da Rachel Hardouin e Olivier Bourgoin, direttore dell'agence révélateur. Una versione ridotta della mostra è stata presentata durante la settimana di apertura dei Rencontres de la Photographie d'Arles, con il sostegno della Fontaine Obscure.

"Questa mostra collettiva guarda all'abbagliamento, al momento in cui ciascuno dei fotografi si immerge in una luce, in una meraviglia, che sia interna, esterna o entrambe. Ci invita anche, in modo sottinteso, a considerare il nostro stesso abbagliamento. Con queste sei proposte, c'è molto da rimanere abbagliati. Le selezioni fotografiche di Rachel Hardouin e Olivier Bourgoin offrono tanti modi, se non di capire la luce che si annida in ognuno di noi o in ognuno dei fotografi, almeno di apprezzarla.

Sebbene gli universi pittorici di ciascuno degli artisti siano indipendenti, ciò che emerge è una coesione sia di forma che di significato. La mente naviga, vaga, fugge e si incontra. La luce è lì, la luce che portiamo dentro di noi, la luce che gli artisti ci offrono. Bisogna immergersi in essa, seguirla, senza cercare di darle un significato preciso. Forse è questo il senso dell'abbagliamento? Questa capacità di andare oltre ciò che è, di inventare un mondo nel mondo.

In un'epoca in cui la magia è quasi assente dalle nostre vite, in cui il virtuale condanna gli esseri umani a non parlarsi più, a non conoscersi, a non connettersi... essere abbagliati... è come un momento di grazia. Questi momenti di comunione, condivisione e unione, in cui gli artisti e il pubblico non si limitano a mostrare e guardare, sono diventati rari. Allora approfittiamone, cogliamo l'opportunità di costruire qualcosa di diverso, anche solo per un breve periodo.

Sogniamo, stupiamoci delle nostre vite, delle nostre immagini, della nostra arte. Viaggiamo attraverso questi mondi diversi e intrecciati. Diventiamo, per un momento, di nuovo abbagliati...".

...et s'éblouir... is an exhibition presented by Galerie Rachel Hardouin and agence révélateur. It brings together the six authors that the latter accompanies and represents. The exhibition is curated by Rachel Hardouin and Olivier Bourgoin, director of agence révélateur. A reduced version of the exhibition was presented during the opening week of the Rencontres de la Photographie d'Arles, with the support of La Fontaine Obscure.

"This group show looks at dazzlement, the moment when each of the photographers plunged into a light, a wonder, whether internal, external or concomitant with both. It also invites us, in an underlying way, to consider our own dazzling. With these six propositions, there's plenty to be dazzled by. The photographic selections by Rachel Hardouin and Olivier Bourgoin offer so many ways, if not of understanding the light that nestles in each of us or in each of the photographers, at least of apprehending it.

While the pictorial universes of each artist are independent of the others, a cohesion of both form and meaning emerges from this ensemble. The mind sails, wanders, escapes and comes together. The light is there, the light we carry within us, the light the artists offer us. We must immerse ourselves in it, follow it, without trying to give it a precise meaning. Is that what dazzling is all about? The ability to go beyond what is, to invent a world within the world.

At a time when magic is all but absent from our lives, when the virtual condemns human beings to no longer speak to each other, get to know each other, connect with each other... and to be dazzled... is a moment of grace. These moments of communion, of sharing, of en-community, where artists and audiences do more than just show and watch, have become rare. So let's make the most of them, seize this opportunity to build something else, even if only for a short time.

Let's dream, let's marvel at our lives, our images, our art. Let's travel through these dissimilar and intertwined universes. Let's become, for a moment, dazzled again... "

(Text: Frédéric Martin, photographe, auteur et critique)

Remèdes Galerie | Paris
6. Oktober – 16. November 2023

Jan Saudek - Irène Jonas, correspondances

Auf Initiative von José Nicolas / L'Oeil du Douard entstand diese Ausstellung, die reich an Korrespondenzen und imaginären Dialogen zwischen dem tschechischen Meister Jan Saudek und der französischen Fotografin und Soziologin Irène Jonas ist, die beide Anhänger des kolorierten Silberabzugs sind.

Durch die Arbeit mit dem umfangreichen Korpus an Werken von Jan Saudek, der ihm von einem Sammler anvertraut wurde, und durch die Fortsetzung der seit Anfang 2021 bestehenden Zusammenarbeit mit Irène Jonas wird José Nicolas die Evidenz einer Filiation, eines visuellen und künstlerischen Erbes deutlich.

Ikonografische Assoziationen stellen sich ein, Affinitäten bestätigen sich im Laufe der Konsultation der von den beiden Künstlern personalisierten Abzüge.

Und der Wunsch, diesen Dialog Sammlern und anderen Kunstliebhabern anzubieten.

Es bedurfte eines schönen Schattens und des Auges einer einfühlsamen Galeristin, um diese "Duo"-Ausstellung in Szene zu setzen. Lila Rouquet schloss sich daraufhin dem Ausstellungsprojekt an und bot die Zimelien der Remèdes Galerie - die sie 2019 eröffnete - und ihr Gespür für Szenografie für diese originelle Face-to-Face-Ausstellung an.

Im Einklang mit der Linie ihrer Galerie, die sich besonders neuen Ausdrucksformen zeitloser Themen wie dem Körper und der Pflanze widmet, aber auch plastischen Experimenten gewidmet ist, reagierte Lila Rouquet begeistert auf den Vorschlag von José Nicolas.

Die Agentur révélateur, die Irène Jonas seit 2016 begleitet und vertritt, beteiligt sich ebenfalls mit ihrem Fachwissen an dieser Ausstellung.

Und als "kleine Geschichte" sei daran erinnert, dass Irène Jonas die Arbeit von Jan Saudek 1987 anlässlich seiner ersten Retrospektive im Musée d'Art moderne de la Ville de Paris entdeckt hat.

Diese wichtige, dem Tschechen gewidmete Ausstellung hinterließ bei der Fotografin einen tiefen Eindruck und regte sie dazu an, ihre Forschungen über die gemalte Fotografie weiterzuentwickeln.

Der Kreis schließt sich...

C’est à l’initiative de José Nicolas / L’Oeil du Douard qu’est née cette exposition riche de correspondances et de dialogues imaginaires entre le maître tchèque Jan Saudek et la photographe et sociologue française Irène Jonas, adeptes l’un et l’autre de l’épreuve argentique colorisée.

En travaillant sur l’important corpus d’oeuvres de Jan Saudek que lui a confié un collectionneur et en poursuivant la collaboration établie avec Irène Jonas depuis début 2021, l’évidence d’une filiation, d’un héritage visuel et artistique, apparaît à José Nicolas.

Des associations iconographiques s’établissent, des affinités se confirment au gré des consultations des tirages personnalisés par les deux artistes.

Et l’envie de proposer ce dialogue aux collectionneurs et autres amateurs d’art.

Il fallait un bel écrin et l’oeil d’une galeriste sensible pour mettre en scène cette exposition «duo». Lila Rouquet s’associe alors au projet de l’exposition et propose les cimaises de la Remèdes Galerie - qu’elle a ouverte en 2019 - et son sens de la scénographie pour ce face-à- face original.

En cohérence avec la ligne de sa galerie, particulièrement consacrée aux nouvelles expressions de thèmes intemporels tels que le corps et le végétal, mais également dédiée aux expérimentations plasticiennes, Lila Rouquet a répondu avec enthousiasme à la proposition de José Nicolas.

L’agence révélateur, qui accompagne et représente Irène Jonas depuis 2016 s’associe également à cette exposition en apportant son expertise.

Et pour la «petite histoire», on retiendra qu’Irène Jonas a découvert le travail de Jan Saudek en 1987, lors de sa première rétrospective au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

Cette importante exposition consacrée au Tchèque a marqué profondément la photographe et l’a incitée à développer ses recherches sur la photographie peinte.

La boucle est bouclée…

José Nicolas / L'Oeil du Douard ha dato vita a questa mostra ricca di corrispondenze e dialoghi immaginari tra il maestro ceco Jan Saudek e la fotografa e sociologa francese Irène Jonas, entrambi cultori della stampa argentica colorata.

Lavorando sull'ampio corpus di opere di Jan Saudek affidategli da un collezionista e continuando la collaborazione instaurata con Irène Jonas all'inizio del 2021, José Nicolas vede l'evidenza di una filiazione, di un'eredità visiva e artistica.

Le associazioni iconografiche sono state stabilite e le affinità confermate quando i due artisti hanno consultato le loro stampe personalizzate.

E il desiderio di offrire questo dialogo ai collezionisti e agli altri amanti dell'arte.

Per allestire questa mostra "a due" erano necessari una bella cornice e l'occhio di un gallerista sensibile. Lila Rouquet si è unita al progetto espositivo e ha messo a disposizione le pareti della Remèdes Galerie - che ha aperto nel 2019 - e il suo senso della scenografia per questo originale faccia a faccia.

In linea con l'attenzione della sua galleria per le nuove espressioni di temi senza tempo come il corpo e le piante, ma anche dedicata alla sperimentazione nelle arti visive, Lila Rouquet ha risposto con entusiasmo alla proposta di José Nicolas.

Anche l'agenzia Révélateur, che sostiene e rappresenta Irène Jonas dal 2016, contribuisce con la sua esperienza alla mostra.

Per la cronaca, Irène Jonas ha scoperto l'opera di Jan Saudek nel 1987, in occasione della sua prima retrospettiva al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

Questa grande mostra dedicata al ceco ebbe un effetto profondo sulla fotografa e la incoraggiò a sviluppare la sua ricerca sulla fotografia dipinta.

La storia ha chiuso il cerchio...

On the initiative of José Nicolas / L'Oeil du Douard, this exhibition, rich in correspondences and imaginary dialogues, was born between the Czech master Jan Saudek and the French photographer and sociologist Irène Jonas, both adepts of the colorized silver print.

Working on the large corpus of Jan Saudek's work entrusted to him by a collector, and continuing the collaboration established with Irène Jonas in early 2021, José Nicolas sees the evidence of a filiation, a visual and artistic heritage.

Iconographic associations were established, affinities confirmed as the two artists consulted their personalized prints.

And the desire to propose this dialogue to collectors and other art lovers.

A beautiful setting and the eye of a sensitive gallery owner were needed to stage this "duo" exhibition. Lila Rouquet joined the exhibition project and offered the walls of the Remèdes Galerie - which she opened in 2019 - and her sense of scenography for this original face-to-face show.

In keeping with her gallery's focus on new expressions of timeless themes such as the body and plants, but also dedicated to experimentation in the plastic arts, Lila Rouquet responded enthusiastically to José Nicolas' proposal.

The agency révélateur, which has accompanied and represented Irène Jonas since 2016, is also contributing its expertise to this exhibition.

For the record, Irène Jonas discovered Jan Saudek's work in 1987, at his first retrospective at the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

This major exhibition devoted to the Czech artist had a profound impact on the photographer, prompting her to develop her research into painted photography.

The story comes full circle...

(Text: Remèdes Galerie, Paris)

L’ANGLE | Hendaye
5. Oktober – 12. November 2023

être femme...
Maud Wallet

Frau sein ... Ein sensibler Korpus, der aus drei stimmungsvollen Fotoserien hervorgegangen ist.

Subtil jede Rundung und jeden Schatten betonen, die Kurven und Rundungen hervorheben. Die Fragmentierung der Körper zwingt dazu, sich auf diese so verhassten Fettpölsterchen zu konzentrieren und darin eine sinnliche Weiblichkeit, eine Sinnlichkeit ohne Umwege und Vorurteile zu entdecken. Die Bilder der Serie π (Pi) transzendieren die übliche Darstellung des weiblichen Körpers. Ihre Expressivität präsentiert sich unserem mehr oder weniger formatierten Blick auf irrationale Weise. Linien, Kurven und Farbnuancen werden so von der Fotografin an der Grenze zur Abstraktion enthüllt und öffnen den Blick auf neue Landschaften.

Consomption - Augenblicke einer Frau, die sich halbwegs enthüllt. In einer zögerlichen und sinnlichen Entblößung sprechen Frau und Flamme einander an und vermischen sich. Aus diesen Bildern entsteht das Geheimnis eines fragmentierten, glühenden und schamhaften Wesens. Ständig zwischen Verbrennung und Rückzug schwankend, wird der Körper zum Intimsten. Mit Inbrunst existieren, beobachten und zu sehen geben, immer auf eine Chimäre hoffen, sich manchmal darin verlieren, sich vielleicht darin offenbaren. Und wenn Leben bedeutet, mit dem Feuer zu spielen und am Rande des Abgrunds zu tanzen? -Véronique Lauret

L'heure bleue - Es ist dieser kleine Moment vor dem Sonnenuntergang. Ein Licht, das jedes Detail sublimiert, unseren Alltagsgegenständen einen gewissen Zauber einhaucht... Aber es kündigt auch das Schwinden des Tages an, das Vorrücken in die Tiefe der Nacht, das Ende einer Zeit, die uns geschenkt wurde. Frau sein kurz vor dem 50. Lebensjahr - eine Mischung aus Zweifel und Unbeschwertheit. Analysiert, katalogisiert, klassifiziert - jede Emotion wird hier mit Neugier und Aufrichtigkeit inventarisiert.

être femme... Un corpus sensible issu de 3 séries de photographies évocatrices.

Souligner subtilement chaque arrondi et chaque ombre, mettre en valeur les courbes, les rondeurs. La fragmentation des corps oblige à se concentrer sur ces bourrelets tant détestés et à y découvrir une féminité voluptueuse, une sensualité sans détours ni a priori. Les images de la série π (Pi) transcendent la représentation habituelle du corps féminin. Leur expressivité se présente de manière irrationnelle à notre regard plus ou moins formaté. Lignes, courbes et nuances de teintes sont ainsi révélées par la photographe, à la frontière de l’abstraction, ouvrant lecture à des paysages inédits.

Consomption - Instants de femme qui se dévoile, à demi-mots. Dans une mise à nu hésitante et sensuelle, femme et flamme s’interpellent et se mêlent. De ces images naît le mystère d’un être fragmenté, incandescent et pudique. Oscillant sans cesse entre combustion et repli, le corps se fait extime. Exister avec ardeur, observer et donner à voir, espérer toujours la chimère, s’y perdre parfois, s’y révéler peut-être. Et si vivre, c’était accepter de jouer avec le feu, de danser au bord de l’abîme ? -Véronique Lauret

L’heure bleue - C’est ce petit moment qui précède le coucher du soleil. Une lumière qui sublime chaque détail, insuffle une certaine magie sur nos objets quotidiens… Mais elle annonce aussi la déclinaison du jour, l’avancée vers la profondeur de la nuit, la fin d’un temps qui nous était offert. Être femme à la veille de la cinquantaine, un mélange de doute et d’insouciance. Analysée, cataloguée, classée, chaque émotion est inventoriée ici avec curiosité et sincérité.

essere donna... Un corpo di lavoro sensibile basato su 3 serie di fotografie evocative.

Sottolineando ogni curva e ombra, evidenziando curve e pienezze. La frammentazione del corpo ci costringe a concentrarci su questi rigonfiamenti tanto odiati e a scoprire una femminilità voluttuosa, una sensualità senza deviazioni o preconcetti. Le immagini della serie π (Pi) trascendono la rappresentazione abituale del corpo femminile. La loro espressività si presenta in modo irrazionale al nostro sguardo più o meno formattato. Linee, curve e sfumature di colore sono rivelate dal fotografo, al limite dell'astrazione, aprendo nuovi paesaggi.

Consomption - Momenti di una donna che si rivela, in toni sommessi. In un'esposizione esitante e sensuale, la donna e la fiamma si chiamano a vicenda e si mescolano. Queste immagini rivelano il mistero di un essere frammentato, incandescente e discreto. Oscillando costantemente tra combustione e ritiro, il corpo diventa intimo. Esistere con ardore, osservare e mostrare, sperare sempre nella chimera, a volte perdersi in essa, forse rivelarsi in essa. E se vivere significasse accettare di giocare con il fuoco, di danzare sull'orlo dell'abisso? -Véronique Lauret

L'heure bleue - È quel piccolo momento prima del tramonto. Una luce che sublima ogni dettaglio, che infonde una certa magia ai nostri oggetti quotidiani... Ma che annuncia anche il declino della luce del giorno, l'avanzare nel profondo della notte, la fine di un tempo che ci era stato offerto. Essere una donna alla vigilia della mezza età, un misto di dubbio e di insensibilità. Analizzata, catalogata, classificata, ogni emozione è qui inventariata con curiosità e sincerità.

Being a woman... A sensitive corpus of 3 evocative photographic series.

Subtly emphasizing every curve and shadow, highlighting curves and curves. The fragmentation of bodies forces us to focus on these much-hated bulges and discover in them a voluptuous femininity, a sensuality without detours or preconceptions. The images in the π (Pi) series transcend the usual representation of the female body. Their expressiveness presents itself irrationally to our more or less formatted gaze. Lines, curves and shades of color are thus revealed by the photographer, bordering on abstraction, opening the way to unprecedented landscapes.

Consomption - Instants de femme qui se dévoile, à demi-mots. In a hesitant, sensual exposure, woman and flame call out to each other and mingle. From these images emerge the mystery of a fragmented being, incandescent and modest. Constantly oscillating between combustion and withdrawal, the body becomes extimate. Existing with ardor, observing and showing, always hoping for the chimera, sometimes losing oneself in it, perhaps revealing oneself in it. What if living meant accepting to play with fire, to dance on the edge of the abyss? -Véronique Lauret

L'heure bleue - It's that little moment before sunset. A light that sublimates every detail, imbuing our everyday objects with a certain magic... But it also heralds the decline of daylight, the advance into the depths of night, the end of a time that was offered to us. Being a woman on the eve of middle age, a mixture of doubt and insouciance. Analyzed, catalogued, classified, every emotion is inventoried here with curiosity and sincerity.

(Text: L’ANGLE | Hendaye)