Ortsmuseum | Lotzwil
12. Oktober – 3. November 2024

Dagobert Scharf

Die Schwerpunktthemen der Ausstellung sind: handkolorierte analoge Photo-Art, extreme Makroaufnahmen von Achatscheiben, «Der Mensch als Bestandteil der Natur, in ihr eingeschlossen», «Mystische Gesichter, gefunden in Achatscheiben», Achatbilder in alten Fenster-/Spiegelrahmen, «Die filigrane Schönheit von Brot», «Die Schönheit der Verzasca» und Achat-Schwemmholz-Skulpturen. Aber es gibt noch vieles mehr zu sehen.

Les thèmes principaux de l'exposition sont : Photo-Art analogique coloré à la main, macrophotographies extrêmes de tranches d'agate, « L'homme comme partie intégrante de la nature, enfermé en elle », « Visages mystiques trouvés dans des tranches d'agate », images d'agate dans de vieux cadres de fenêtres/miroirs, « La beauté filigrane du pain », « La beauté de la Verzasca » et sculptures en bois flotté d'agate. Mais il y a encore bien d'autres choses à voir.

I temi principali della mostra sono: arte fotografica analogica colorata a mano, scatti macro estremi di fette di agata, “L'uomo come parte della natura, racchiuso in essa”, “Volti mistici trovati nelle fette di agata”, immagini di agata in vecchie cornici di finestre/specchi, “La bellezza in filigrana del pane”, “La bellezza della Verzasca” e sculture in legno alluvionale di agata. Ma c'è molto altro da vedere.

The main topics of the exhibition are: hand-colored analog photo art, extreme macro shots of agate slices, “Man as a part of nature, enclosed in it”, “Mystical faces found in agate slices”, agate pictures in old window/mirror frames, “The delicate beauty of bread”, “The beauty of the Verzasca” and agate-driftwood sculptures. But there is much more to see.

(Text: Dagobert Scharf)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
9. Juni – 25. August 2024

Oro Verde - Ritual Inhabitual

Oro Verde ist eine Mythodokumentation, die die Geschichte der Revolution des Volkes der P’urhépecha in der zentralen Region des Bundesstaates Michoacán in Mexiko erzählt. Im Mittelpunkt des Projekts steht ein sozialer Aufstand, der von Frauen initiiert wurde, denen es gelang, eines der vielen gewalttätigen Drogenkartelle, die die mexikanische Avocadoindustrie übernehmen, aus Cherán zu vertreiben. Basierend auf dem Anspruch auf Selbstbestimmung indigener Völker, die den Umweltschutz in den Mittelpunkt ihrer politischen Organisation stellen, entwickelte Ritual Inhabitual eine Erzählung des Aufstands, indem es sich auf ein Ritual konzentriert, das die P’urhépecha mit den wilden Bienen der Wälder, die sie schützen, pflegen.

Die Arbeit des Kollektivs ehrt den mutigen Einsatz der P’urhépecha gegen ökologische Schäden und die Erosion ihrer Kultur. Sie fängt zudem die Essenz des Widerstands sowie den Mut zum Schutz ihres Erbes ein. "Oro Verde" entsteht aus dem Zusammenklang vielfältiger Stimmen, eingebettet in den unablässigen Widerstand von Cherán. Es ist eine vielschichtige Erzählung, die die Geschichte aus unterschiedlichen Blickwinkeln neu betrachtet und einen Dialog schafft, der Grenzen überschreitet.

Kurator: Sergio Valenzuela Escobedo

Die Ausstellung ist eine Co-production zwischen La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde est un mytho-documentaire qui retrace l’histoire de la révolution du peuple P’urhépecha dans la région centrale de l’État du Michoacán au Mexique. Le projet met l’accent sur une révolte sociale initiée par des femmes qui ont réussi à chasser un cartel de la drogue violent de Cherán, lequel faisait partie des nombreux groupes criminels qui prennent le contrôle de l’industrie de l’avocat au Mexique. Basé sur la revendication d’autodétermination des peuples indigènes qui placent la protection de l’environnement au centre de leur organisation politique, Ritual Inhabitual a élaboré un récit de la révolte en se concentrant sur un rituel que les P’urhépecha entretiennent avec les abeilles sauvages des forêts qu’il.elle.x.s protègent.

Le travail du collectif rend hommage à la position vaillante du peuple P’urhépecha contre les dommages écologiques et l'érosion de la culture, capturant l'essence de la défiance et la valeur de la protection de leur héritage. "Oro Verde" se déroule comme un chœur de voix diverses, sur fond de la lutte tenace de Cherán. C'est une histoire de multiples registres, réimaginant l'histoire à travers un prisme de perspectives et une conversation qui traverse les frontières.

Commissaire d’exposition: Sergio Valenzuela Escobedo

L'exposition est une coproduction entre La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde è un mitodocumentario che racconta la rivoluzione del popolo P'urhépecha nella regione centrale dello stato di Michoacán in Messico. Il progetto è incentrato su una rivolta sociale iniziata dalle donne che sono riuscite a cacciare da Cherán uno dei numerosi e violenti cartelli della droga che hanno preso il controllo dell'industria messicana dell'avocado. Basandosi sulla rivendicazione dell'autodeterminazione dei popoli indigeni che pongono la tutela dell'ambiente al centro della loro organizzazione politica, Ritual Inhabitual ha sviluppato una narrazione dell'insurrezione concentrandosi su un rituale che i P'urhépecha mantengono con le api selvatiche delle foreste che proteggono.

Il lavoro del collettivo rende onore al coraggioso impegno dei P'urhépecha contro i danni ecologici e l'erosione della loro cultura. Cattura anche l'essenza della resistenza e del coraggio di proteggere il loro patrimonio. "Oro Verde" emerge dall'armonia di più voci incorporate nell'implacabile resistenza di Cherán. È una narrazione a più livelli che rivisita la storia da diverse angolazioni e crea un dialogo che trascende i confini.

Curatore: Sergio Valenzuela Escobedo

La mostra è una coproduzione tra La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde is a mytho-documentary that traces the history of the revolution of the P’urhépecha people in the central region of the state of Michoacán in Mexico. The project focuses on a social revolt initiated by women who succeeded in driving out of Cherán one of the many violent drug cartels that are taking over Mexico’s avocado industry. Based on the claim to self-determination of indigenous peoples who place environmental protection at the center of their political organization, Ritual Inhabitual elaborated a narrative of the uprising by focusing on a ritual that the P’urhépecha maintain with the wild bees of the forests they protect.

The collective's work pays homage to the P’urhépecha people's valiant stance against ecological damage and the erosion of culture, capturing the essence of defiance and the valor of safeguarding their heritage.  "Oro Verde" unfolds as a chorus of diverse voices, set against the tenacious backdrop of Cherán's struggle. It is a story of multiple registers, reimagining history through a prism of perspectives and a conversation that crosses borders.

Curator: Sergio Valenzuela Escobedo

The exhibition is a co-production between La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Kunstmuseum Thun
11. Mai – 28. Juli 2024

All that you see
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im Thun-Panorama operiert der Künstler – wie seinerzeit dessen Erschaffer Marquard Wocher – vor allem in seinen gegenständlichen Arbeiten, mit illusionistischen Effekten und einer an die Fotografie angelehnten Abbildhaftigkeit. Die zweidimensionalen Werke werden durch monumentale Rauminstallationen ergänzt, die ein Eintauchen in den Bildraum ermöglichen und dadurch einen direkten Bezug zum historischen Panorama schaffen.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le panorama de Thoune, l'artiste - comme son créateur Marquard Wocher en son temps - opère surtout dans ses œuvres figuratives, avec des effets illusionnistes et une imagerie inspirée de la photographie. Les œuvres bidimensionnelles sont complétées par des installations spatiales monumentales qui permettent de s'immerger dans l'espace pictural et créent ainsi un lien direct avec le panorama historique.

Commissaire d'exposition : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

L'exposition est une collaboration avec la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nel Thun-Panorama, l'artista - come il suo creatore Marquard Wocher - opera principalmente nelle sue opere figurative, con effetti illusionistici e una qualità dell'immagine che ricorda la fotografia. Le opere bidimensionali sono completate da installazioni spaziali monumentali che permettono ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico e creare così un legame diretto con il panorama storico.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

La mostra è una collaborazione con la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist of Italian-Spanish descent who unites in his works a wide variety of painterly traditions while making use of new tools, techniques and materials to probe in-depth the possibilities, limits and conditions of contemporary painting. In his nearly twenty years as a painter, Rogado has produced an extensive body of work that has never before been presented in a survey exhibition. He is furthermore the first artist to be featured simultaneously at both the Thunerhof and Thun-Panorama. Across an area of over 1000 square metres, Rogado will respond directly to the specific challenges of each exhibition venue. At the Thun-Panorama, he will display primarily figurative works, following in the footsteps of the panorama’s painter, Marquard Wocher, by using illusionistic effects and a realistic style based on photography. Accompanying the two-dimensional works will be monumental installations that invite viewers to immerse themselves in the pictorial space, creating a direct link to the historical panorama.

Curation: Helen Hirsch, director Kunstmuseum Thun

The exhibition is a collaboration with the Kunsthalle Göppingen.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
4. Mai – 25. August 2024

Stammtisch
Collectif Le Salon & Guests
Pauline Aellen, Clément Ardin, Claude Baechtold, Lorie Bettiol, Julien Bono, Matthieu Croizier, Charles Frôté, Elise Gagnebin-de Bons, Geert Goiris, Lea Kunz, Lisa Lurati, Giona Mottura, Cécile Monnier, Alessia Olivieri, Antigoni Papantoni

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bieler Fototage stat.

"Stammtisch" von Collectif Le Salon und sieben Gastkünstlern erforscht die Symbolik traditioneller Begegnungsorte. In der Ausstellung steht ein runder Tisch im Mittelpunkt, der als Bühne für die Betrachtung des Stammtischs als Ort von Komfort und Kontroverse dient. Die Installation, die im Rahmen der Bieler Fototage lanciert wird, umfasst 15 Zeitungen, die das Konzet des Stammtisch aus verschiedenen künstlerischen Perspektiven interpretieren. Von gesellschaftlichen Beobachtungen des Eidgenössischen Departements des Innern bis hin zu den Reflexionen von Reiner Maria Rilke, Marie Curie und Pablo Escobar inspiriert.

Diese Zeitungen bieten Einblicke in den Stammtisch als Raum für intime Diskussionen, lebhafte Debatten und gemeinsame Erfahrungen. Die dynamische Darstellung regt die Besucher dazu an, über die komplexe Natur von Gemeinschaftsinteraktionen nachzudenken und die Rolle dieser Räume im gesellschaftlichen Diskurs zu hinterfragen. "Stammtisch" ist nicht nur eine Ausstellung; es ist eine anregende Reise in das Wesen von Gemeinschaft und menschlicher Verbindung durch die Linse der zeitgenössischen Fotografie.

Die Ausstellung "Stammtisch" geht über den Zeitraum der Bieler Fototage hinaus und wird durch eine Reihe von Veranstaltungen begleitet, die einen Dialog über Gemeinschaft, Zusammenarbeit und kollektive Identität im digitalen Zeitalter anregen.

"Stammtisch" (table des habitué.e.x.s) du Collectif Le Salon et de sept artistes invité.e.x.s explore la symbolique des lieux de rencontre traditionnels. Au cœur de l'exposition se trouve une table ronde, servant de scène pour examiner la Stammtisch en tant que lieu de confort et de controverse. L'installation, lancée dans le cadre des Journées photographiques de Bienne, comprend 15 journaux interprétant le concept de Stammtisch sous différentes perspectives artistiques. Inspirés des observations sociales du Département fédéral de l'intérieur aux réflexions de Reiner Maria Rilke, Marie Curie et Pablo Escobar.

Ces journaux offrent un regard sur le Stammtisch en tant que lieu de discussions intimes, de débats animés et d'expériences partagées. La présentation dynamique incite les visiteur.euse.x.s à réfléchir à la nature complexe des interactions communautaires et au rôle de ces espaces dans le discours sociétal. "Stammtisch" n'est pas seulement une exposition ; c'est un voyage stimulant dans la nature de la communauté et de la connexion humaine à travers l'objectif de la photographie contemporaine.

L'exposition "Stammtisch" va au-delà de la période des Journées photographiques de Bienne et est accompagnée d'une série d'événements qui encouragent le dialogue sur la communauté, la collaboration et l'identité collective à l'ère numérique.

"Stammtisch" del Collectif Le Salon e di sette artisti ospiti esplora il simbolismo dei luoghi di incontro tradizionali. La mostra è incentrata su un tavolo rotondo che funge da palcoscenico per la contemplazione del tavolo degli habitué come luogo di conforto e di controversia. L'installazione, lanciata nell'ambito dei Photo Days di Biel/Bienne, comprende 15 giornali che interpretano il concetto di tavolo degli habitué da diverse prospettive artistiche. Dalle osservazioni sociali del Dipartimento federale dell'Interno alle riflessioni ispirate da Reiner Maria Rilke, Marie Curie e Pablo Escobar.

Questi giornali offrono uno spaccato del tavolo degli habitué come spazio per discussioni intime, dibattiti vivaci ed esperienze condivise. L'esposizione dinamica incoraggia i visitatori a riflettere sulla natura complessa delle interazioni comunitarie e a interrogarsi sul ruolo di questi spazi nel discorso sociale. "Stammtisch" non è solo una mostra, ma un viaggio stimolante nella natura della comunità e delle connessioni umane attraverso l'obiettivo della fotografia contemporanea.

La mostra "Stammtisch" si estende oltre il Festival della Fotografia di Biel/Bienne e sarà accompagnata da una serie di eventi che stimolano un dialogo sulla comunità, la collaborazione e l'identità collettiva nell'era digitale.

"Stammtisch" by Collectif Le Salon and seven guest artists explores the symbolism of traditional meeting places. At the heart of the exhibition is a round table, serving as a stage to examine the Stammtisch as a place of comfort and controversy. The installation, launched as part of the Bieler Fototage, includes 15 newspapers interpreting the concept of Stammtisch from various artistic perspectives. Inspired by social observations from the Federal Department of the Interior to the reflections of Reiner Maria Rilke, Marie Curie, and Pablo Escobar.

These newspapers offer insights into the Stammtisch as a space for intimate discussions, lively debates, and shared experiences. The dynamic presentation encourages visitors to reflect on the complex nature of community interactions and the role of these spaces in societal discourse. "Stammtisch" is not just an exhibition; it is a thought-provoking journey into the nature of community and human connection through the lens of contemporary photography.

The "Stammtisch" exhibition extends beyond the Bieler Fototage period and is accompanied by a series of events that foster dialogue on community, collaboration, and collective identity in the digital age.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Musée jurassien des Arts | Moutier
17. März – 26. Mai 2024

Bernd Nicolaisen, Amedeo Baumgartner

Die Natur steht im Mittelpunkt des Schaffens von Bernd Nicolaisen und Amedeo Baumgartner. Die Ausstellung zeigt den einzigartigen Ansatz jedes dieser Berner Künstler, um sich mit diesem Thema zu befassen, das im Kontext der aktuellen Umweltkrisen von zentraler Bedeutung ist. Sie betont aber auch ihre Konvergenzen insbesondere die Aufmerksamkeit für die Nahaufnahme als Mikrokosmos in einem Dialog zwischen Nicolaisens Werken, die auf Fotografie basieren, und Baumgartners Gemälden.

Einzigartikeit
In der alten Villa, die das Museum beherbergt, wird den Künstler n je eine Etage zur Verfügung gestellt , wo man die Einzigartigkeit von Nicolaisens auf Fotografie basierenden Arbeiten und Baumgartners malerischen Forschungen vertiefen kann.

Bernd Nicolaisen nimmt grundlegende Elemente, Eis, tausendjähriges Holz oder Fels auf , oder reflektiert einen Kometen . Er arbeitet bei seinen Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten und achtet besonders auf die natürliche Lichtverteilung, ohne auf künstliche Beleuchtung oder Retusche zurückzugreifen . In Werken wie seinen Stratagram s versucht er jedoch , über die dokumentarische Spiegelung hinauszugehen, indem er vor Ort gefundene Mineralien und Pigmente verwendet, als Echo auf das, was sich in den Tiefen der Erde verbirgt.

Amedeo Baumgartner schöpft die Motive für seinen umfangreichen Zyklus Ex Natura aus seinen Wanderungen in der Natur. Er fotografiert einen Farn, einen Ast oder einen Felsen und verwendet diese Bilder dann als Vorbereitungsskizze n , die auf die Leinwand übertragen w erden. Er baut seine Bilder dann in einem komplexen Prozess malerisch auf , indem er Schichten von feinsten Pinselstrichen und Firnissen überlagert, wodurch die Farben von selbst Tiefe gewinnen. Seine Werke bewegen sich zwischen Hyperrealismus und poetischer Interpretation.

Der Künstler zeigt auch Werke aus seinem anderen Zyklus, Ex Cinema , die von Filmszenen inspiriert sind.

Konvergenzen
Der große Saal des Musée jurassien des Arts legt den Schwerpunkt auf die Konvergenzen zwischen den beiden Künstlern in Form eines Dialogs zwischen ihren Werken Das lebendige Wasser der Bäche, gemalt von Amedeo Baumgartner, antwortet auf das uralte Eis, fotografiert von Bernd Nicolaisen. Auf überraschende Weise harmoniert eine Blumenwiese oder ein Waldpfad des Ersteren mit Nahaufnahmen der tausendjährigen Bergpinienrinde des Letzteren.

Abgesehen von diesen formalen und thematischen Anklängen konvergieren beide Künstler durch ihren bedeutungsvollen Bildausschnitt. Weit entfernt von einem breiten Blickwinkel, der zur Ansicht einer Landschaft tendieren würde, konzentrieren sie sich auf das Detail . Jeder betrachtet diese Fragmente zudem als einen Mikrokosmos, der die Quintessenz der natürlichen Welt zusammenfasst, und hofft, auf diese Weise beim Betrachter Fragen über sein e Beziehung zur Natur zu wecken.

Schließlich spielt die Zeitlichkeit eine Rolle im Ansatz beide r Künstler .

Bernd Nicolaisen verbindet und konfrontiert Erdzyklen mit fotografischer Dauer. In seinen Aufnahmen verdichtet er die zeitliche Dimension von Überresten natürlicher Elemente die manchmal Zehntausende von Jahren alt sind. Auf diese Weise untersucht er die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz vor dem Hintergrund des Ausmaßes der Erdgeschichte.

Amedeo Baumgartner seinerseits integriert ebenfalls die Dimension der Zeit, indem er seine Gemälde als Ergebnis einer Verkettung von Erfahrungen und Ideen versteht, die er auf seiner Suche nach Motiven in der Natur erlebt. Ein Mosaik dieser Momente, die sich allmählich zusammenfügen, bildet das endgültige Bild.

La nature est au coeur des oeuvres de Bernd Nicolaisen, basées sur la photographie, et des toiles d’Amedeo Baumgartner. L'exposition présente l'approche singulière avec laquelle chacun de ces artistes bernois aborde ce thème crucial, à l'ère des enjeux écologiques actuels. Mais elle souligne aussi les convergences qui existent entre les démarches des deux créateurs, notamment leur attention au gros plan en tant que microcosme.

Singularités
Dans l’ancienne villa qui abrite le musée, un étage réservé à chacun permet d’approfondir la singularité des travaux de Nicolaisen, basée sur la photographie, et celle des recherches picturales de Baumgartner.

Bernd Nicolaisen capte des éléments fondamentaux et ancestraux, bois, glace ou roche millénaires, ou reflète librement une comète. Il travaille ses prises de vue avec de longs temps de pause et porte une attention particulière à la distribution naturelle de la lumière, n’ayant jamais recours à un éclairage artificiel ou à la retouche. Pourtant, dans des oeuvres telles que ses Stratagrams, il cherche à dépasser le reflet documentaire en utilisant des minéraux et des pigments trouvés sur place, en écho à ce qui se cache dans les profondeurs de la terre.

De son côté, Amedeo Baumgartner puise les motifs de son vaste cycle Ex Natura lors de ses randonnées dans la nature. Il photographie une fougère, un branchage, un rocher et utilise ensuite ces images comme esquisses préparatoires. Il construit ensuite ses images picturalement au fil d’un processus complexe. Il superpose des strates de coups de pinceau très fin et de vernis, afin que les couleurs acquièrent une profondeur par elles-mêmes. Ses oeuvres oscillent entre hyperréalisme et interprétation poétique.

L’artiste présente également des oeuvres de son autre cycle, Ex Cinema, inspirées par des scènes de films.

Convergences
La grande salle du musée met l’accent sur les convergences entre les deux artistes, sous la forme d’un dialogue entre leurs oeuvres. L’eau vive des ruisseaux peinte par Amedeo Baumgartner répond à la glace ancestrale photographiée par Bernd Nicolaisen. Un pré fleuri ou un sentier forestier du premier s’accorde de manière surprenante avec certains gros plans d’écorce de pins millénaires du second.

Au-delà de ces échos thématiques et formels, les deux artistes se rejoignent par leurs cadrages porteurs de sens. Loin d’un large point de vue qui tendrait vers le paysage, ils se concentrent sur le détail. Chacun considère en outre ces fragments comme un microcosme, synthétisant la quintessence

du monde naturel, et espère par ce biais éveiller un questionnement du spectateur sur le plan de son rapport à la nature.

Enfin, la temporalité traverse l’approche des deux artistes.

Bernd Nicolaisen associe et confronte cycles terrestres et durée photographique. Il condense dans ses prises de vue la dimension temporelle de vestiges d’éléments naturels – qui remontent parfois à des dizaines de milliers d’année. Il interroge ainsi le caractère éphémère de l’existence humaine à l’aune de l’étendue de l’histoire terrestre.

De son côté, Amedeo Baumgartner intègre également la dimension du temps en concevant ses peintures comme le résultat d’un enchaînement d’expériences et d’idées, vécues au fil de sa quête de motifs dans la nature. Le tableau final est fait d’une mosaïque de ces moments qui s’assemblent progressivement.

La natura è al centro del lavoro di Bernd Nicolaisen e Amedeo Baumgartner. La mostra mostra l'approccio unico di ciascuno di questi artisti bernesi a questo tema, di importanza centrale nel contesto delle attuali crisi ambientali. Ma evidenzia anche le loro convergenze, in particolare l'attenzione al primo piano come microcosmo in un dialogo tra le opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e i dipinti di Baumgartner.

Unicità
Nell'antica villa che ospita il museo, gli artisti hanno a disposizione un piano per esplorare l'unicità delle opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e della ricerca pittorica di Baumgartner.

Bernd Nicolaisen cattura elementi fondamentali, ghiaccio, legno o roccia millenaria, o riflette una cometa. Lavora con tempi di posa lenti e presta particolare attenzione alla distribuzione naturale della luce, senza ricorrere all'illuminazione artificiale o al ritocco. In opere come i suoi stratagrammi, tuttavia, cerca di andare oltre la riflessione documentaria utilizzando minerali e pigmenti trovati sul posto come eco di ciò che si nasconde nelle profondità della terra.

Amedeo Baumgartner trae i motivi del suo ampio ciclo Ex Natura dalle sue passeggiate nella natura. Fotografa una felce, un ramo o una roccia e utilizza queste immagini come schizzi preparatori da trasferire sulla tela. Poi costruisce i suoi quadri con un complesso processo pittorico, sovrapponendo strati di pennellate e vernici finissime, in modo che i colori acquistino profondità da soli. Le sue opere si muovono tra iperrealismo e interpretazione poetica.

L'artista espone anche opere del suo altro ciclo, Ex Cinema, ispirate a scene di film.

Convergenze
La grande sala del Musée jurassien des Arts si concentra sulle convergenze tra i due artisti sotto forma di dialogo tra le loro opere L'acqua viva dei ruscelli, dipinta da Amedeo Baumgartner, risponde al ghiaccio antico, fotografato da Bernd Nicolaisen. In modo sorprendente, un prato fiorito o un sentiero forestale del primo si armonizza con i primi piani della corteccia millenaria di pino mugo del secondo.

Oltre a questi echi formali e tematici, entrambi gli artisti convergono attraverso la loro significativa inquadratura. Lontani da una prospettiva ampia che tenderebbe a una visione paesaggistica, si concentrano sul dettaglio. Ognuno di loro vede questi frammenti come un microcosmo che riassume la quintessenza del mondo naturale, sperando in questo modo di risvegliare nello spettatore domande sul proprio rapporto con la natura.

Infine, la temporalità gioca un ruolo importante nell'approccio di entrambi gli artisti.

Bernd Nicolaisen combina e confronta i cicli della terra con la durata fotografica. Nelle sue fotografie condensa la dimensione temporale di resti di elementi naturali che a volte hanno decine di migliaia di anni. In questo modo, esamina la transitorietà dell'esistenza umana sullo sfondo della scala della storia della Terra.

Anche Amedeo Baumgartner, da parte sua, integra la dimensione del tempo intendendo i suoi dipinti come il risultato di una concatenazione di esperienze e idee che sperimenta nella sua ricerca di motivi nella natura. Un mosaico di questi momenti, che si uniscono gradualmente, forma l'immagine finale.

Nature is at the heart of the work of Bernd Nicolaisen and Amedeo Baumgartner. The exhibition demonstrates the unique approach of each of these Bernese artists to this theme, which is central in the context of current environmental crises. But it also emphasizes their convergences in particular the attention to the close-up as a microcosm in a dialogue between Nicolaisen's works based on photography and Baumgartner's paintings.

Uniqueness
In the old villa that houses the museum, the artists are each given a floor to explore the uniqueness of Nicolaisen's photography-based works and Baumgartner's painterly research.

Bernd Nicolaisen takes up basic elements, ice, millennial wood or rock, or reflects a comet . He works with slow shutter speeds and pays particular attention to the natural distribution of light, without resorting to artificial lighting or retouching. In works such as his Stratagram s, however, he tries to go beyond documentary reflection by using minerals and pigments found on site as an echo of what is hidden in the depths of the earth.

Amedeo Baumgartner draws the motifs for his extensive Ex Natura cycle from his walks in nature. He photographs a fern, a branch or a rock and then uses these images as preparatory sketches w hich are transferred to the canvas. He then builds up his visuals in a complex painterly process by superimposing layers of the finest brushstrokes and varnishes, allowing the colors to gain depth on their own. His works move between hyperrealism and poetic interpretation.

The artist is also showing works from his other cycle, Ex Cinema , which are inspired by film scenes.

Convergences
The large room of the Musée jurassien des Arts focuses on the convergences between the two artists in the form of a dialog between their works The living water of the streams, painted by Amedeo Baumgartner, responds to the ancient ice, photographed by Bernd Nicolaisen. In a surprising way, a flower meadow or a forest path by the former harmonizes with close-ups of the thousand-year-old mountain pine bark by the latter.

Apart from these formal and thematic echoes, both artists converge through their meaningful framing. Far from a broad perspective that would tend towards a view of a landscape, they focus on the detail . Each also sees these fragments as a microcosm that summarizes the quintessence of the natural world, hoping in this way to awaken questions in the viewer about their relationship with nature.

Finally, temporality plays a role in the approach of both artists.

Bernd Nicolaisen combines and confronts earth cycles with photographic duration. In his photographs, he condenses the temporal dimension of the remains of natural elements that are sometimes tens of thousands of years old. In this way, he examines the transience of human existence against the backdrop of the scale of the earth's history.

Amedeo Baumgartner, for his part, also integrates the dimension of time by understanding his paintings as the result of a concatenation of experiences and ideas that he encounters in his search for motifs in nature. A mosaic of these moments, which gradually come together, forms the final visual.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Kunsthaus Interlaken
10. März – 12. Mai 2024

Schwanden – Santa Monica – Fotografische Künstlerporträts vom 19. Jahrhundert bis heute

Kurt Blum, René Burri, Alexander Egger, Bernhard Giger, René Groebli, Peter von Gunten, Vera Isler, Yoshiko Kusano, Jean-Luc Meyssonnier, Ernst Scheidegger, Paul Senn, Michel Sima

Die Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert veränderte die Kunst sichtbar. Die Porträtfotografie löste die klassische Malerei bald ab und trug viel zur schnellen Verbreitung des neuen Mediums bei, das zunehmend auch Interesse bei Künstlerinnen und Künstlern fand.

Diese und ihre Ateliers rückten selbst bald in den Fokus der Fotografinnen und Fotografen und wurden zum Sujet. Die erhaltenen Aufnahmen geben uns spannende Einblicke in die Welt der Kunstwerkstätten und in die Arbeitsweise der Künstlerinnen und Künstler. Als einer der ersten hat der deutsche Fotograf Carl Teufel (1845−1912) systematisch Künstler und Künstlerinnen in ihren Ateliers fotografiert und insgesamt ab 1890 mehr als 300 Fotografien von Münchner Ateliers aufgenommen.

Vor und nach dem Zweiten Weltkrieg wurden Ateliers berühmter Künstlerinnen und Künstler zu wichtigen Motiven von Fotografinnen und Fotografen, die mit diesen Arbeiten eigenständige Kunst geschaffen und viel zur Anerkennung der Gattung als Kunstform beigetragen haben.

Die hohe Intensität dieser Werke, deren Sinnlichkeit und letztlich deren Qualität, entsprangen häufig einer engen Beziehung zwischen den Porträtierten und den Fotografinnen und Fotografen. Viele in dieser Ausstellung gezeigte Aufnahmen sind schöne Belege dafür.

Der französische Fotograf Michel Sima (1912−1987) etwa hatte eine sehr enge Verbindung zu Pablo Picasso, der ihn nach seiner Rückkehr aus dem Konzentrationslager Blechhammer nicht nur unterstützt hat, sondern ihn auch ermunterte, wieder zu fotografieren.

In der Folge fotografierte Michel Sima für Picasso sein Work in Progress.

Die aktuelle Ausstellung im Kunsthaus umfasst gegen 100 fotografische Porträts, meist schwarz-weiss Aufnahmen, aus den Ateliers von Künstlerinnen und Künstlern mit nationaler oder internationaler Bedeutung. Im Zentrum stehen Fotografien von Sima, der über mehrere Jahre fast alle wichtigen Künstler der Ecole de Paris in ihren Ateliers besucht und fotografiert hat. Von Sima sind Abzüge von Pablo Picasso und noch nie veröffentlichte Abzüge von Alberto Giacometti in Paris ausgestellt.

Der wiedergefundene Film Einundzwanzig (21 Schweizer Künstler, 1968) von Peter von Gunten

erweitert die Ausstellung hin zum gefilmten Künstlerporträt.

Schwanden−Santa Monica, der Titel der Ausstellung, ist sinnbildlich für die Vielfalt der Schau und nimmt Bezug auf die Aufnahmen von Paul Senn (1901−1953) im Atelier von Johann Peter Flück in Schwanden Anfang der 40er Jahre und auf jene von Kurt Blum (1922−2005) im Atelier von Sam Francis in Santa Monica im Jahr 1980.

Die Ausstellung verbindet Regionales mit Internationalem und umfasst Arbeiten von den Anfängen der Fotografie bis in die Gegenwart.

L'invention de la photographie au 19e siècle a visiblement changé l'art. La photographie de portrait a rapidement pris le relais de la peinture classique et a largement contribué à la diffusion rapide de ce nouveau média, qui a suscité un intérêt croissant chez les artistes.

Ces derniers et leurs ateliers se sont eux-mêmes rapidement retrouvés dans la ligne de mire des photographes et sont devenus des sujets. Les clichés conservés nous donnent un aperçu passionnant de l'univers des ateliers d'art et de la méthode de travail des artistes. Le photographe allemand Carl Teufel (1845-1912) a été l'un des premiers à photographier systématiquement les artistes dans leurs ateliers et a pris au total plus de 300 photographies d'ateliers munichois à partir de 1890.

Avant et après la Seconde Guerre mondiale, les ateliers d'artistes célèbres sont devenus des motifs importants pour les photographes qui, avec ces travaux, ont créé un art à part entière et ont largement contribué à la reconnaissance du genre en tant que forme d'art.

La grande intensité de ces œuvres, leur sensualité et, en fin de compte, leur qualité, sont souvent le fruit d'une relation étroite entre les sujets et les photographes. De nombreuses photos présentées dans cette exposition en sont de belles preuves.

Le photographe français Michel Sima (1912-1987), par exemple, avait une relation très étroite avec Pablo Picasso, qui non seulement l'a soutenu à son retour du camp de concentration de Blechhammer, mais l'a également encouragé à reprendre la photographie.

Par la suite, Michel Sima a photographié son Work in Progress pour Picasso.

L'exposition actuelle au Kunsthaus comprend près de 100 portraits photographiques, pour la plupart en noir et blanc, issus des ateliers d'artistes d'envergure nationale ou internationale. L'accent est mis sur les photographies de Sima qui, pendant plusieurs années, a rendu visite à presque tous les artistes importants de l'Ecole de Paris dans leurs ateliers et les a photographiés. Des tirages de Sima de Pablo Picasso et des tirages inédits d'Alberto Giacometti sont exposés à Paris.

Le film retrouvé de Peter von Gunten, Vingt-et-un (21 artistes suisses, 1968), permet d'élargir l'exposition.

Élargit l'exposition vers le portrait filmé d'artistes.

Schwanden-Santa Monica, le titre de l'exposition, est emblématique de la diversité de l'exposition et fait référence aux prises de vue de Paul Senn (1901-1953) dans l'atelier de Johann Peter Flück à Schwanden au début des années 40 et à celles de Kurt Blum (1922-2005) dans l'atelier de Sam Francis à Santa Monica en 1980.

L'exposition associe le régional et l'international et comprend des travaux allant des débuts de la photographie à nos jours.

L'invenzione della fotografia nel XIX secolo ha cambiato visibilmente l'arte. La fotografia di ritratto sostituì presto la pittura classica e contribuì notevolmente alla rapida diffusione del nuovo mezzo, che suscitò anche un crescente interesse da parte degli artisti.

Questi artisti e i loro studi divennero presto oggetto di attenzione da parte dei fotografi stessi e divennero soggetti. Le fotografie sopravvissute ci offrono un'affascinante visione del mondo degli studi artistici e dei metodi di lavoro degli artisti. Il fotografo tedesco Carl Teufel (1845-1912) fu uno dei primi a fotografare sistematicamente gli artisti nei loro studi e scattò più di 300 fotografie degli studi di Monaco a partire dal 1890.

Prima e dopo la Seconda guerra mondiale, gli studi di artisti famosi divennero motivi importanti per i fotografi, che con queste opere crearono un'arte indipendente e contribuirono notevolmente al riconoscimento del genere come forma d'arte.

L'alta intensità di queste opere, la loro sensualità e infine la loro qualità, erano spesso il risultato di una stretta relazione tra i soggetti e i fotografi. Molte delle fotografie esposte in questa mostra ne sono un ottimo esempio.

Il fotografo francese Michel Sima (1912-1987), ad esempio, ebbe un rapporto molto stretto con Pablo Picasso, che non solo lo sostenne dopo il suo ritorno dal campo di concentramento di Blechhammer, ma lo incoraggiò anche a riprendere a fotografare.

Michel Sima ha poi fotografato i suoi lavori in corso per Picasso.

L'attuale mostra al Kunsthaus comprende circa 100 ritratti fotografici, per lo più in bianco e nero, provenienti dagli studi di artisti di rilevanza nazionale o internazionale. Al centro ci sono le fotografie di Sima, che per diversi anni ha visitato e fotografato quasi tutti gli artisti importanti dell'Ecole de Paris nei loro studi. Le stampe di Sima di Pablo Picasso e le stampe mai pubblicate di Alberto Giacometti sono esposte a Parigi.

Il film riscoperto Einundzwanzig (21 artisti svizzeri, 1968) di Peter von Gunten

amplia la mostra con ritratti filmati di artisti.

Schwanden-Santa Monica, il titolo della mostra, simboleggia la diversità dell'esposizione e si riferisce alle fotografie scattate da Paul Senn (1901-1953) nello studio di Johann Peter Flück a Schwanden nei primi anni Quaranta e a quelle scattate da Kurt Blum (1922-2005) nello studio di Sam Francis a Santa Monica nel 1980.

La mostra combina il regionale con l'internazionale e comprende opere dagli inizi della fotografia fino ai giorni nostri.

The invention of photography in the 19th century visibly changed art. Portrait photography soon replaced classical painting and contributed greatly to the rapid spread of the new medium, which also attracted increasing interest from artists.

These artists and their studios soon became the focus of photographers themselves and became subjects. The surviving photographs give us exciting insights into the world of art workshops and the artists' working methods. The German photographer Carl Teufel (1845-1912) was one of the first to systematically photograph artists in their studios and took up more than 300 photographs of Munich studios from 1890 onwards.

Before and after the Second World War, the studios of famous artists became important motifs for photographers, who created independent art with these works and contributed greatly to the recognition of the genre as an art form.

The high intensity of these works, their sensuality and ultimately their quality, were often the result of a close relationship between the subjects and the photographers. Many of the photographs shown in this exhibition are fine examples of this.

The French photographer Michel Sima (1912-1987), for example, had a very close relationship with Pablo Picasso, who not only supported him after his return from the Blechhammer concentration camp, but also encouraged him to take photographs again.

Michel Sima subsequently photographed his work in progress for Picasso.

The current exhibition at the Kunsthaus comprises around 100 photographic portraits, mostly in black and white, from the studios of artists of national or international importance. The focus is on photographs by Sima, who visited and photographed almost all the important artists of the Ecole de Paris in their studios over several years. Sima's prints of Pablo Picasso and never before published prints of Alberto Giacometti are exhibited in Paris.

The rediscovered film Einundzwanzig (21 Swiss Artists, 1968) by Peter von Gunten

extends the exhibition to include filmed portraits of artists.

Schwanden-Santa Monica, the title of the exhibition, is emblematic of the diversity of the show and takes up the photographs taken by Paul Senn (1901-1953) in Johann Peter Flück's studio in Schwanden in the early 1940s and those taken by Kurt Blum (1922-2005) in Sam Francis' studio in Santa Monica in 1980.

The exhibition combines the regional with the international and includes works from the beginnings of photography to the present day.

(Text: Kunsthaus Interlaken)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
29. Februar – 14. April 2024

Shipwreck of Dreams
Emilio Nasser

"Die Menschen verbrachten Tage und Nächte an den Rändern des Sees und sehnten sich danach, das magische Schiff zu sehen und ihre Wünsche erfüllt zu bekommen", heisst es in einer vergessenen Legende.

Im Kern jeder Reise liegt die Suche nach einem Zuhause, einem Ort, an dem wir hingehören und wir selbst sein können. "Shipwreck of Dreams" erkundet diese universellen Themen durch das Prisma der Migration und die transformative Kraft der kollaborativen Fotografie.

Inspiriert von einem alten Schweizer Mythos über ein wunscherfüllendes Boot auf dem Genfersee, verwebt Nassers Projekt die Hoffnungen und Sehnsüchte der Migranten in der Schweiz. Die Ausstellung ist mehr als eine Schau von Bildern; sie ist eine tiefgründige Erzählung über das Finden des eigenen Platzes in einer sich ständig wandelnden Welt.

In der Schweiz, einem Land, das für seine sprachliche Vielfalt bekannt ist, erstreckt sich das Konzept des Zuhauses über physische Grenzen hinaus. Sich innerhalb dieser Nation zu bewegen, bedeutet oft, sich an eine neue Sprache und Kultur anzupassen, was den breiteren Kontext der Migration widerspiegelt. "Shipwreck of Dreams" resoniert mit dieser Erfahrung und zeigt, wie unser Gefühl von Zuhause durch unsere Lebenswege und Erfahrungen, sowohl wörtlich als auch metaphorisch, geformt und umgeformt wird.

Die 'Autonome Schule' in Zürich, eine Graswurzelbewegung, die sich inmitten der Auseinandersetzungen gegen strenge Asylgesetze entwickelt hat, dient als zentraler Punkt in dieser Erzählung. Ihre Geschichte von Widerstandsfähigkeit und Solidarität hebt die fortwährende Suche nach einem dauerhaften Raum der Freiheit und Zugehörigkeit hervor. Diese Schule, ein Zusammentreffen von Einheimischen und Migranten, spiegelt das vielfältige Gefüge unserer Gesellschaft wider und erinnert uns daran, dass jede Stimme zählt, besonders jene, die oft ungehört bleiben.

Emilio Nassers Arbeit ist ein Zeugnis für die Kraft der Zusammenarbeit in der zeitgenössischen Fotografie. Wir sehen, wie der Akt des Bilderschaffens eine gemeinsame Reise ist, bei der sich vielfältige Stimmen und Perspektiven kreuzen. Es erinnert uns daran, dass die fotografierte Person, der Fotograf und die Betrachter alle zum sich entfaltenden Narrativ in jedem Bild beitragen.

"Les gens passaient des jours et des nuits sur les bords du lac, aspirant à voir le bateau magique et à voir leurs vœux exaucés", dit une légende oubliée.

Au cœur de chaque voyage se trouve une quête de foyer, un lieu où nous appartenons et pouvons être nous-mêmes. Dans l'exposition captivante d'Emilio Nasser, "Shipwreck of Dreams", nous explorons ces thèmes universels à travers le prisme unique de la migration et la puissance transformatrice de la photographie collaborative.

Inspiré par un ancien mythe suisse d'un bateau exauçant les vœux sur le Lac Léman, le projet de Nasser tisse ensemble les espoirs et les aspirations des migrants en Suisse. L'exposition est plus qu'une vitrine d'images; c'est un récit profond sur la recherche de sa place dans un monde en constante évolution.

En Suisse, un pays connu pour sa diversité linguistique, le concept de foyer s'étend au-delà des frontières physiques. Se déplacer au sein de cette nation signifie souvent s'adapter à une nouvelle langue et culture, reflétant le contexte plus large de la migration. "Shipwreck of Dreams" résonne avec cette expérience, révélant comment notre sens du foyer est façonné et remodelé par nos parcours, à la fois littéraux et métaphoriques.

L'École Autonome de Zurich, un mouvement populaire né au milieu des défis contre les lois d'asile rigoureuses, sert de point central dans ce récit. Son histoire de résilience et de solidarité met en lumière la quête continue d'un espace permanent de liberté et d'appartenance. Cette école, un point de convergence entre locaux et migrants, reflète la trame diverse de notre société, nous rappelant que chaque voix compte, surtout celles qui sont souvent inentendues.

Le travail d'Emilio Nasser est un témoignage de la puissance de la collaboration en photographie contemporaine. Nous voyons comment l'acte de créer des images est un voyage partagé durant lequel plusieurs voix et perspectives se croisent. Cela nous rappelle que la personne photographiée, le photographe et les spectateurs contribuent tous au récit qui se déroule dans chaque image.

"La gente trascorreva giorni e notti ai bordi del lago, desiderosa di vedere la nave magica e di vedere esauditi i propri desideri", dice una leggenda dimenticata.

Al centro di ogni viaggio c'è la ricerca di una casa, un luogo a cui appartenere e dove poter essere se stessi. "Shipwreck of Dreams" esplora questi temi universali attraverso il prisma della migrazione e il potere trasformativo della fotografia collaborativa.

Ispirato a un vecchio mito svizzero su una barca che esaudisce i desideri sul lago di Ginevra, il progetto di Nasser intreccia le speranze e le aspirazioni dei migranti in Svizzera. La mostra è più di un'esposizione di immagini: è un racconto profondo sulla ricerca del proprio posto in un mondo in costante cambiamento.

In Svizzera, un Paese noto per la sua diversità linguistica, il concetto di casa va oltre i confini fisici. Spostarsi all'interno di questa nazione significa spesso adattarsi a una nuova lingua e cultura, riflettendo il contesto più ampio della migrazione. "Shipwreck of Dreams" risuona con questa esperienza e mostra come il nostro senso di casa sia plasmato e rimodellato dai nostri viaggi e dalle nostre esperienze di vita, sia letterali che metaforiche.

L'"Autonome Schule" di Zurigo, un movimento di base che si è sviluppato nel bel mezzo delle lotte contro le rigide leggi sull'asilo, funge da punto centrale di questa narrazione. La sua storia di resilienza e solidarietà sottolinea la continua ricerca di uno spazio permanente di libertà e appartenenza. Questa scuola, che riunisce nativi e migranti, riflette il tessuto eterogeneo della nostra società e ci ricorda che ogni voce conta, soprattutto quelle che spesso rimangono inascoltate.

Il lavoro di Emilio Nasser è una testimonianza del potere della collaborazione nella fotografia contemporanea. Vediamo come l'atto di creare immagini sia un viaggio condiviso in cui si incrociano più voci e prospettive. Ci ricorda che la persona fotografata, il fotografo e lo spettatore contribuiscono tutti alla narrazione che si svolge in ogni immagine.

“'People would spend days and nights at the lake margins, longing to see the magical ship and have their desires met', a forgotten legend once told."

At the heart of every journey lies a quest for home, a place where we belong and can be ourselves. "Shipwreck of Dreams," explores these universal themes through the lens of migration and the transformative power of collaborative photography.

Inspired by an ancient Swiss myth of a wish-fulfilling boat on Lake Geneva, Nasser's project weaves together the hopes and longings of migrants in Switzerland. The exhibition is more than a showcase of images; it is a profound narrative about finding one's place in a world that is constantly changing.

In Switzerland, a country known for its linguistic diversity, the concept of home extends beyond physical borders. Moving within this nation often means adapting to a new language and culture, mirroring the broader context of migration. "Shipwreck of Dreams" resonates with this experience, revealing how our sense of home is shaped and reshaped by our journeys, both literal and metaphorical.

The 'Autonomous School' in Zurich, a grassroots movement born amidst the struggles against stringent asylum laws, serves as a focal point in this narrative. Its story of resilience and solidarity highlights the ongoing quest for a permanent space of freedom and belonging. This school, a convergence of locals and migrants, reflects the diverse fabric of our society, reminding us that every voice matters, especially those that are often unheard.

Emilio Nasser's work is a testament to the power of collaboration in contemporary photography. We see how the act of creating images is a shared journey during which multiple voices and perspectives intersect. It reminds us that the person photographed, the photographer, and the viewers all contribute to the narrative that unfolds in each image.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Kunstmuseum Bern
23. Februar – 11. August 2024

Shooting Down Babylon
Tracey Rose

Das Kunstmuseum Bern präsentiert die bisher grösste Retrospektive des Werks von Tracey Rose. Die südafrikanische Künstlerin ist seit Mitte der 1990er-Jahre eine radikale Stimme in der internationalen Kunst. Im Zentrum ihrer Arbeiten stehen die Kraft der Performance und der Körper als Ort des Widerstands und des Diskurses.

Mit mehr als hundert Arbeiten zeigt das Kunstmuseum Bern die bisher grösste Retrospektive des Werks der südafrikanischen Performancekünstlerin Tracey Rose (*1974). In ihren Arbeiten setzt sie sich mit Themen wie Postkolonialismus, Geschlecht, Sexualität, Rassismus und Apartheid auseinander. Im Zentrum stehen dabei die Kraft der Performancekunst und des Körpers, der für Tracey Rose ein Ort des Protests, der Empörung, des Widerstands, des Diskurses aber auch der Heilung ist.

Ihre aufsehenerregende performative Praxis setzt die Künstlerin in verschiedenen Medien wie Video, Skulptur, Fotografie, Installation und Zeichnung um, wobei sie insbesondere zentrale Erfahrungen im Übergang zu einer postkolonialen Welt beleuchtet und kritisch kommentiert. Oft wird Roses Werk als absurd, anarchisch und karnevalesk beschrieben.

Shooting Down Babylon
Die Ausstellung im Kunstmuseum Bern verfolgt Roses Weg vom frühen Interesse an Identitätsfragen hin zur Ästhetik der Gewalt und einer Auseinandersetzung mit Heilungsprozessen und Ritualen. Sie zeigt Arbeiten aus den Jahren 1990 bis 2021. Darunter das Werk T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) aus der Sammlung des Kunstmuseum Bern, in der die Künstlerin seit 2001 vertreten ist.

Der Ausstellungstitel Shooting Down Babylon stammt von der gleichnamigen Installation, welche 2016 als Reaktion auf den Wahlsieg Donald Trumps entstand. Rose unterzog sich dabei Reinigungsritualen, die sie filmte und in einer physisch eindringlichen Videoskulptur wiedergibt. Als Auftakt der Ausstellung verdeutlicht dieses Werk, wie verwurzelt Tracey Roses Schaffen im Körperlichen, in der Wut und in der Suche nach Spiritualität ist.

Speziell für die aktuelle Ausstellung entstanden zehn neue Auftragsarbeiten, die Teil der fortlaufenden Serie der Mandela Balls sind. Basierend auf dem Gedicht Dream Deferred von Langston Hughes baut die Künstlerin dem Freiheitskämpfer Nelson Mandela insgesamt 95 Denkmäler – eines für jedes Lebensjahr. Mit diesen fragilen und zum Teil skurrilen Objekten fragt sie nach dem Vermächtnis, das von seinem hoffnungsvollen Aufbruch übriggeblieben ist.

Le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective de l'œuvre de Tracey Rose à ce jour. Depuis le milieu des années 1990, l'artiste sud-africaine est une voix radicale dans l'art international. La force de la performance et le corps comme lieu de résistance et de discours sont au cœur de son travail.

Avec plus d'une centaine d'œuvres, le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective à ce jour de l'œuvre de l'artiste de performance sud-africaine Tracey Rose (*1974). Dans ses travaux, elle aborde des thèmes tels que le postcolonialisme, le genre, la sexualité, le racisme et l'apartheid. La force de l'art de la performance et du corps, qui est pour Tracey Rose un lieu de protestation, d'indignation, de résistance, de discours mais aussi de guérison, est au centre de ses préoccupations.

L'artiste transpose sa pratique performative sensationnelle dans différents médias tels que la vidéo, la sculpture, la photographie, l'installation et le dessin, en mettant notamment en lumière et en commentant de manière critique les expériences centrales de la transition vers un monde postcolonial. L'œuvre de Rose est souvent décrite comme absurde, anarchique et carnavalesque.

Shooting Down Babylon

L'exposition du Kunstmuseum de Berne suit le parcours de Rose, de son intérêt précoce pour les questions d'identité à l'esthétique de la violence et à une réflexion sur les processus de guérison et les rituels. Elle présente des travaux datant de 1990 à 2021, dont l'œuvre T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) issue de la collection du Kunstmuseum de Berne, dans laquelle l'artiste est représentée depuis 2001.

Le titre de l'exposition Shooting Down Babylon provient de l'installation du même nom, créée en 2016 en réaction à la victoire électorale de Donald Trump. Rose s'est alors soumise à des rituels de purification qu'elle a filmés et reproduits dans une sculpture vidéo physiquement saisissante. En guise de prélude à l'exposition, cette œuvre illustre à quel point l'œuvre de Tracey Rose est enracinée dans le physique, la colère et la quête de spiritualité.

Dix nouvelles œuvres de commande, qui font partie de la série continue des Mandela Balls, ont été créées spécialement pour l'exposition actuelle. En se basant sur le poème Dream Deferred de Langston Hughes, l'artiste construit au total 95 monuments au combattant de la liberté Nelson Mandela - un pour chaque année de sa vie. Avec ces objets fragiles et parfois bizarres, elle s'interroge sur l'héritage qui subsiste de son départ plein d'espoir. 

Il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata di Tracey Rose. L'artista sudafricana è una voce radicale dell'arte internazionale dalla metà degli anni Novanta. Il suo lavoro è incentrato sul potere della performance e sul corpo come sito di resistenza e discorso.

Con oltre cento opere, il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata sull'opera della performance artist sudafricana Tracey Rose (*1974). Nelle sue opere l'artista esplora temi come il post-colonialismo, il genere, la sessualità, il razzismo e l'apartheid. Al centro di tutto ciò ci sono il potere della performance art e il corpo, che per Tracey Rose è un luogo di protesta, indignazione, resistenza, discorso e guarigione.

L'artista realizza la sua sensazionale pratica performativa in vari media come il video, la scultura, la fotografia, l'installazione e il disegno, con cui illumina e commenta criticamente in particolare le esperienze centrali nella transizione verso un mondo post-coloniale. Il lavoro di Rose è spesso descritto come assurdo, anarchico e carnevalesco.

Abbattere Babilonia
La mostra al Kunstmuseum di Berna ripercorre il percorso di Rose da un iniziale interesse per le questioni di identità all'estetica della violenza e all'esame dei processi e dei rituali di guarigione. Sono esposte opere dal 1990 al 2021, tra cui l'opera T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) della collezione del Kunstmuseum Bern, dove l'artista è rappresentato dal 2001.

Il titolo della mostra Shooting Down Babylon deriva dall'omonima installazione realizzata nel 2016 in risposta alla vittoria elettorale di Donald Trump. Rose si è sottoposta a rituali di purificazione, che ha filmato e riprodotto in una scultura video fisicamente ossessionante. Come preludio alla mostra, quest'opera illustra quanto il lavoro di Tracey Rose sia radicato nel fisico, nella rabbia e nella ricerca della spiritualità.

Dieci nuove opere commissionate sono state create appositamente per la mostra in corso e fanno parte della serie Mandela Balls. Basandosi sulla poesia Dream Deferred di Langston Hughes, l'artista ha costruito un totale di 95 monumenti al combattente per la libertà Nelson Mandela, uno per ogni anno della sua vita. Con questi oggetti fragili e talvolta bizzarri, l'artista si interroga sull'eredità che rimane della sua partenza piena di speranza.

The Kunstmuseum Bern is presenting the largest retrospective of Tracey Rose's work to date. The South African artist has been a radical voice in international art since the mid-1990s. Her works focus on the power of performance and the body as a site of resistance and discourse.

With more than one hundred works, the Kunstmuseum Bern is showing the largest retrospective to date of the work of South African performance artist Tracey Rose (*1974). In her works, she explores themes such as post-colonialism, gender, sexuality, racism and apartheid. The focus is on the power of performance art and the body, which for Tracey Rose is a place of protest, outrage, resistance, discourse and healing.

The artist realizes her sensational performative practice in various media such as video, sculpture, photography, installation and drawing, whereby she particularly illuminates and critically comments on central experiences in the transition to a post-colonial world. Rose's work is often described as absurd, anarchic and carnivalesque.

Shooting Down Babylon
The exhibition at the Kunstmuseum Bern traces Rose's path from an early interest in questions of identity to the aesthetics of violence and an examination of healing processes and rituals. It shows works from the years 1990 to 2021, including the work T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) from the collection of the Kunstmuseum Bern, where the artist has been represented since 2001.

The exhibition title Shooting Down Babylon comes from the installation of the same name, which was created in 2016 in response to Donald Trump's election victory. Rose underwent cleansing rituals, which she filmed and reproduced in a physically haunting video sculpture. As a prelude to the exhibition, this work illustrates how rooted Tracey Rose's work is in the physical, in anger and in the search for spirituality.

Ten new commissioned works were created especially for the current exhibition and form part of the ongoing Mandela Balls series. Based on the poem Dream Deferred by Langston Hughes, the artist has built a total of 95 monuments to the freedom fighter Nelson Mandela - one for each year of his life. With these fragile and sometimes bizarre objects, she questions the legacy that remains of his hopeful departure.

(Text: Kunstmuseum Bern)

Kunstmuseum Thun
10. Februar – 21. April 2024

Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung

Landidylle, Stadtromantik, Stille, pulsierender Alltag und das Fliessen zwischen den beiden Lebenswelten. Mit der Ausstellung Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung untersucht das Kunstmuseum Thun das Spannungsverhältnis zwischen ländlicher Herkunft und städtischem Lebensraum in Gustav Stettlers Werk. Dieses wird im Kontext von Sammlungsbeständen gezeigt, die sich ebenfalls mit Urbanität und Natur auseinandersetzen und die Besucher:inner zur eigenen Reflexion auffordern.

1913 im Bernischen Oberdiessbach geboren und 2005 in Basel verstorben, war Gustav Stettler ein von einer ländlichen Kindheit und Jugend geprägter Städter. Themen wie Anonymität und zwischenmenschliche Entfremdung zogen sich durch sein Schaffen, aber auch das Zusammenkommen von Menschen, auf der Strasse, in Galerien, in kleinen und grossen Gruppen. Im Kontrast dazu schuf Stettler Darstellungen von Natur und Landschaften.

Stadt – Land - Fluss befasst sich mit dem vielseitigen künstlerischen Wirken des Schweizer Malers und untersucht die Synergie zwischen Stadt und Land. So werden Stettlers Arbeiten von einer thematischen Auswahl an Sammlungswerken des Kunstmuseums Thun flankiert. Diese stammen von Kunstschaffenden, die zwischen dem städtischen Ambiente und der ländlichen Umgebung navigieren. Wie beispielsweise dem Thuner Künstler Michael Streun, der sagt: «Auf dem Land erhole ich mich körperlich und geistig, komme zur Entspannung». Inspiration dagegen hole er sich mit Vorliebe in der Stadt – «alles, was nicht schön ist, inspiriert mich». Oder der in Bern und Leipzig lebenden Künstlerin Zora Berweger, die die Natur als ihre Inspirationsquelle nennt, während «in der Stadt jederzeit alle benötigten Materialien und Dienstleistungen verfügbar sind».

Diese und weitere Gedanken zum wortwörtlichen Stadt-Land-Fluss der Menschen, werden die von Kunstmuseums-Direktorin Helen Hirsch kuratierte Ausstellung (kuratorische Assistenz: Astrid Sedlmeier) ergänzen. Und auch die Besucher:innen dazu anregen, sich Gedanken zu ihrem eigenen Verhältnis zum urbanen beziehungsweise ländlichen Raum zu machen. Stadt – Land - Fluss entsteht in Kooperation mit dem Kunst Raum Riehen, wo Stettler im Herbst 2023 als Porträtist der Stadt und ihren Menschen im Zentrum stand.

Neben Gustav Stettler zeigt das Kunstmuseum Thun Sammlungswerke folgender Künstler:innen: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Les promenades dans la campagne et le romantisme de la ville, le calme et l’animation - et le flux dans lequel ces deux espaces de vie se rejoignent. Avec l’exposition intitulée Ville - campagne - confluences. Gustav Stettler en dialogue avec la Collection, le Kunstmuseum Thun explore la tension entre l’origine rurale et l’espace de vie urbain dans les créations de Gustav Stettler. Celles-ci sont exposées aux côtés d’œuvres de la Collection du Musée qui se penchent elles aussi sur l’urbanité et la nature, et invitent les spectatrices et les spectateurs à se livrer à leurs propres réflexions.

Né en 1913 à Oberdiessbach, dans le canton de Berne, et décédé en 2005 à Bâle, Gustav Stettler était un citadin, mais il était également marqué par son enfance et son adolescence à la campagne. Des thèmes tels que l’anonymat et l’éloignement des individus, mais aussi leur rencontre, que ce soit dans la rue, dans des galeries, en petits et en grands groupes, apparaissent constamment dans ses œuvres. Parallèlement à ces vues urbaines, Gustav Stettler a créé des représentations de la nature et de paysages.

L’exposition Ville - campagne - confluences est consacrée à l’activité créatrice variée de l’artiste suisse et explore la synergie entre la ville et la campagne. Les travaux de Gustav Stettler sont accompagnés d’une sélection thématique des œuvres de la Collection du Kunstmuseum Thun. Celles-ci ont été créées par des artistes qui oscillent entre l’atmosphère urbaine et l’environnement rural. À cet égard, on peut par exemple citer les propos de l’artiste thounois Michael Streun : « À la campagne, je me repose physiquement et spirituellement, je parviens à me détendre ». En revanche, c’est en ville qu’il déclare puiser de préférence son inspiration : « tout ce qui n’est pas beau m’inspire ». On peut également évoquer l’artiste Zora Berweger, qui vit à Berne et à Leipzig, et qui trouve dans la nature sa source d’inspiration, même si « en ville, tous les matériaux et tous les services nécessaires sont disponibles à tout moment ».

Ces réflexions, et d’autres encore, sur (pour coller au titre) les confluences-campagne-ville qui caractérisent l’être humain viennent compléter l’exposition organisée par la directrice du Kunstmuseum Thun, Helen Hirsch (assistante curatrice : Astrid Sedlmeier). Elles inciteront également les visiteuses et les visiteurs à méditer sur leur propre rapport au milieu urbain et à l’espace rural. Ville - campagne - confluences a vu le jour dans le cadre d‘une coopération avec le Kunst Raum Riehen, où Gustav Stettler a occupé, à l’automne 2023, une place centrale en tant que portraitiste de la ville et de ses habitants.

Aux côtés des travaux de Gustav Stettler, le Kunstmuseum Thun présente des œuvres de sa Collection, créées par les artistes suivants : Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Idillio di campagna, romanticismo di città, tranquillità, vita quotidiana pulsante e flusso tra i due mondi. Con la mostra Città - campagna - fiume. Gustav Stettler in dialogo con la collezione, il Kunstmuseum Thun esplora il rapporto teso tra origini rurali e spazio vitale urbano nell'opera di Gustav Stettler. L'opera è presentata nel contesto della collezione, che si occupa anche di urbanità e natura e invita i visitatori a riflettere sulla propria.

Nato a Oberdiessbach a Berna nel 1913 e deceduto a Basilea nel 2005, Gustav Stettler era un abitante della città caratterizzato da un'infanzia e una giovinezza rurale. Temi come l'anonimato e l'alienazione interpersonale attraversano la sua opera, ma anche l'incontro tra le persone, per strada, nelle gallerie, in piccoli e grandi gruppi. Al contrario, Stettler ha creato rappresentazioni della natura e dei paesaggi.

City - Country - River esamina la poliedrica opera artistica del pittore svizzero ed esplora la sinergia tra città e campagna. Le opere di Stettler sono affiancate da una selezione tematica di lavori della collezione del Kunstmuseum Thun. Queste provengono da artisti che si muovono tra l'ambiente urbano e quello rurale. Come l'artista di Thun Michael Streun, che afferma: "In campagna mi ricarico fisicamente e mentalmente e trovo relax". Al contrario, preferisce trovare ispirazione in città: "Tutto ciò che non è bello mi ispira". Oppure l'artista Zora Berweger, che vive a Berna e a Lipsia e cita la natura come fonte di ispirazione, mentre "tutti i materiali e i servizi di cui ho bisogno sono sempre disponibili in città".

Queste e altre riflessioni sul letterale flusso urbano-rurale delle persone completeranno la mostra curata dalla direttrice del Kunstmuseum Helen Hirsch (assistenza curatoriale: Astrid Sedlmeier). Inoltre, incoraggerà i visitatori a riflettere sul proprio rapporto con gli spazi urbani e rurali. Stadt - Land - Fluss è stata realizzata in collaborazione con Kunst Raum Riehen, dove Stettler è stato protagonista di un ritratto della città e della sua gente nell'autunno del 2023.

Oltre a Gustav Stettler, il Kunstmuseum Thun presenta opere dei seguenti artisti: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Country idyll, city romance, tranquillity, pulsating everyday life and the flow between the two worlds. With the exhibition Stadt - Land - Fluss. Gustav Stettler in Dialogue with the Collection, the Kunstmuseum Thun explores the tense relationship between rural origins and urban living space in Gustav Stettler's work. This is shown in the context of the collection's holdings, which also deal with urbanity and nature and invite visitors to reflect on their own.

Born in Oberdiessbach in Bern in 1913 and deceased in Basel in 2005, Gustav Stettler was a city dweller shaped by a rural childhood and youth. Themes such as anonymity and interpersonal alienation ran through his work, but also the coming together of people, on the street, in galleries, in small and large groups. In contrast, Stettler created depictions of nature and landscapes.

City - Country - River examines the Swiss painter's multifaceted artistic work and explores the synergy between city and country. Stettler's works are flanked by a thematic selection of works from the Kunstmuseum Thun collection. These come from artists who navigate between the urban ambience and the rural surroundings. Such as the Thun artist Michael Streun, who says: "In the countryside, I recover physically and mentally, I find relaxation". By contrast, he prefers to find inspiration in the city - "anything that isn't beautiful inspires me". Or the artist Zora Berweger, who lives in Bern and Leipzig and cites nature as her source of inspiration, while "all the materials and services I need are always available in the city".

These and other thoughts on the literal urban-rural flow of people will complement the exhibition curated by Kunstmuseum Director Helen Hirsch (curatorial assistance: Astrid Sedlmeier). It will also encourage visitors to reflect on their own relationship to urban and rural spaces. Stadt - Land - Fluss is being created in cooperation with Kunst Raum Riehen, where Stettler was the focus in autumn 2023 as a portraitist of the city and its people.

In addition to Gustav Stettler, the Kunstmuseum Thun is showing works by the following artists: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Studio Naegeli | Gstaad
21. Dezember 2023 – 15. März 2024

On the move
Hannes Schmid, Mikhail Romadin

Nach den weihnachtlichen Preview-Tagen zeigen wir, wie Schmids "American Myth" Cowboys langsam und gentlemanlike den neuen weiblichen Helden von heute weichen, und die "Poets" aus Romadins Leinwänden treten in einen gleichberechtigten Dialog mit seinen "Beauties" aus dem Jahr 2000.

Die Ausstellung zeigt Hannes Schmids Fotografien aus den Serien "Missing Marylin", "El Matador" sowie Aufnahmen von seinen faszinierenden Reisen von Bolivien bis in die Mongolei, Mikhail Romadins zwei ikonische Diptychen "The Beauties" und "The Artists", seine Aquarelle aus Indien, Nepal und den USA sowie Buchillustrationen, die das Bekenntnis zur ewigen Fortbewegung unterstreichen.

Hannes Schmid und Mikhail Romadin teilen beide ihr Interesse an visueller Anthropologie. Nach den Prinzipien der "teilnehmenden Beobachtung" steht hinter jedem Kunstwerk eine eigene Geschichte, die die Künstler mit ihren Protagonisten erleben. "Es genügte mir nicht, eine Geschichte nur zu erleben, ich musste sie auch leben", sagt Hannes Schmid. Mikhail Romadin wandte eine ähnliche Methode an, er malte meist vor Ort und lebte und illustrierte gleichzeitig den gegenwärtigen Moment.

So werden auch Schmids inszenierte Fotografien und Romadins Gemälde, in denen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verschwimmen, zur Dokumentation einer authentischen kulturellen Erfahrung. Dieser inszenierte narrativ-konzeptionelle Ansatz Schmids steht ganz im Zeichen des postmodernen Diskurses über die Authentizität des Fakes und die Originalität der Kopie (Matthias Frehner). Die Detaildichte in Romadins Werk ist beeindruckend, und der Betrachter wird dazu verleitet, jedes Stück einzeln zu betrachten, aber dieser Realismus ist auch trügerisch. Romadin erreicht dies mit einer filmischen Herangehensweise, indem er Nahaufnahmen, ausdrucksstarke Blickwinkel und die Illusion einer filmischen Kompositionsdynamik einsetzt.

Andrej Tarkowskij über Michail Romadin: "Seine (Michail Romadins) schöpferischen Prinzipien verstellen uns nicht den Blick auf die einfachen und entscheidenden Verbindungen zur Realität. Sie sind jedoch nicht so fiktiv, dass wir in diesen Prinzipien nicht eine Tendenz zu einer fruchtbaren emotionalen Dynamik erkennen könnten, die in seinen kreativen Prozess einfliesst".

Matthias Frehner, Kurator der Einzelausstellung von Hannes Schmid im Kunstmuseum Bern, schreibt: "Wenn er (Hannes Schmid) als Fotograf Mitglied einer spezifischen Gruppe und ästhetischen Gemeinschaft wird, bleibt er dabei immer noch Hannes Schmid, der sich an seine eigene ästhetische Vision hält. (...) Die quasiethnologischen Bilder, die so entstehen, sind weder Schnappschüsse noch radikale Inszenierungen. Sie sind vielmehr situative Arrangements von Realitat im entscheidenden Augenblick, am richtigen Ort, mit den richtigen Objekten und Menschen".

Après les journées d'avant-première de Noël, nous montrons comment les cow-boys du "mythe américain" de Schmid cèdent lentement et en gentleman aux nouveaux héros féminins d'aujourd'hui, et les "poètes" des toiles de Romadin entament un dialogue d'égal à égal avec ses "beautés" de l'an 2000.

L'exposition présente les photographies de Hannes Schmid issues des séries "Missing Marylin", "El Matador" ainsi que des clichés de ses fascinants voyages de la Bolivie à la Mongolie, les deux diptyques iconiques de Mikhail Romadin "The Beauties" et "The Artists", ses aquarelles d'Inde, du Népal et des États-Unis ainsi que des illustrations de livres qui soulignent son attachement à la locomotion éternelle.

Hannes Schmid et Mikhail Romadin partagent tous deux leur intérêt pour l'anthropologie visuelle. Selon les principes de "l'observation participante", il y a derrière chaque œuvre d'art une histoire propre que les artistes vivent avec leurs protagonistes. "Il ne me suffisait pas de vivre une histoire, je devais aussi la vivre", explique Hannes Schmid. Mikhail Romadin a utilisé une méthode similaire, il a généralement peint sur place, vivant et illustrant en même temps le moment présent.

Ainsi, les photographies mises en scène de Schmid et les peintures de Romadin, dans lesquelles les frontières entre fiction et réalité s'estompent, deviennent elles aussi la documentation d'une expérience culturelle authentique. Cette approche narrative et conceptuelle mise en scène de Schmid s'inscrit pleinement dans le discours postmoderne sur l'authenticité du faux et l'originalité de la copie (Matthias Frehner). La densité des détails dans l'œuvre de Romadin est impressionnante et le spectateur est amené à observer chaque pièce individuellement, mais ce réalisme est également trompeur. Romadin y parvient par une approche cinématographique, en utilisant des gros plans, des angles de vue expressifs et l'illusion d'une dynamique de composition cinématographique.

Andreï Tarkovski à propos de Mikhaïl Romadin : "Ses (Mikhaïl Romadin) principes créatifs ne nous empêchent pas de voir les liens simples et décisifs avec la réalité. Mais ils ne sont pas fictifs au point que nous ne puissions pas reconnaître dans ces principes une tendance à une dynamique émotionnelle féconde, qui s'inscrit dans son processus créatif".

Matthias Frehner, commissaire de l'exposition individuelle de Hannes Schmid au Kunstmuseum de Berne, écrit : "S'il (Hannes Schmid) devient, en tant que photographe, membre d'un groupe et d'une communauté esthétique spécifiques, il n'en reste pas moins Hannes Schmid, qui s'en tient à sa propre vision esthétique. (...) Les visuels quasi-ethnologiques qui en résultent ne sont ni des instantanés ni des mises en scène radicales. Elles sont plutôt des arrangements situationnels de la réalité au moment décisif, au bon endroit, avec les bons objets et les bonnes personnes".

Dopo i giorni di anteprima natalizia, mostriamo come i cowboy del "Mito Americano" di Schmid cedono lentamente e gentilmente il passo ai nuovi eroi femminili di oggi, e i "Poeti" delle tele di Romadin entrano in dialogo alla pari con le sue "Bellezze" del 2000.

La mostra presenta le fotografie di Hannes Schmid della serie "Missing Marylin", "El Matador" e le fotografie dei suoi affascinanti viaggi dalla Bolivia alla Mongolia, i due iconici dittici di Mikhail Romadin "The Beauties" e "The Artists", i suoi acquerelli dall'India, dal Nepal e dagli Stati Uniti e le illustrazioni di libri che sottolineano il suo impegno per il moto perpetuo.

Hannes Schmid e Mikhail Romadin condividono l'interesse per l'antropologia visiva. Secondo i principi dell'"osservazione partecipante", ogni opera d'arte ha una sua storia che gli artisti vivono con i loro protagonisti. "Per me non era sufficiente vivere una storia, dovevo anche viverla", dice Hannes Schmid. Mikhail Romadin utilizzava un metodo simile; di solito dipingeva sul posto, vivendo e illustrando il momento presente allo stesso tempo.

Le fotografie di Schmid e i dipinti di Romadin, in cui i confini tra finzione e realtà si confondono, diventano così la documentazione di un'autentica esperienza culturale. L'approccio narrativo-concettuale di Schmid è perfettamente in linea con il discorso postmoderno sull'autenticità del falso e sull'originalità della copia (Matthias Frehner). La densità dei dettagli nel lavoro di Romadin è impressionante e lo spettatore è tentato di guardare ogni singolo pezzo, ma questo realismo è anche ingannevole. Romadin ottiene questo risultato con un approccio cinematografico, utilizzando primi piani, angolazioni espressive e l'illusione di dinamiche compositive cinematografiche.

Andrei Tarkovsky su Mikhail Romadin: "I suoi principi creativi (di Mikhail Romadin) non oscurano la nostra visione delle connessioni semplici e decisive con la realtà. Tuttavia, non sono così fittizi da non poter riconoscere in questi principi una tendenza verso una fruttuosa dinamica emotiva che confluisce nel suo processo creativo".

Matthias Frehner, curatore della mostra personale di Hannes Schmid al Kunstmuseum di Berna, scrive: "Anche quando Hannes Schmid, come fotografo, diventa membro di un gruppo specifico e di una comunità estetica, rimane sempre Hannes Schmid, che aderisce alla propria visione estetica. (...) Le immagini quasi-etnologiche che emergono in questo modo non sono né istantanee né messe in scena radicali. Sono piuttosto disposizioni situazionali della realtà nel momento decisivo, nel posto giusto, con gli oggetti e le persone giuste.

After the Christmas preview days, we show how Schmid's "American Myth" cowboys slowly and gentlemanly give way to the new female heroes of today, and the "Poets" from Romadin's canvases enter into an equal dialog with his "Beauties" from the year 2000.

The exhibition shows Hannes Schmid's photographs from the series "Missing Marylin", "El Matador" as well as photographs from his fascinating travels from Bolivia to Mongolia, Mikhail Romadin's two iconic diptychs "The Beauties" and "The Artists", his watercolors from India, Nepal and the USA as well as book illustrations that underline his commitment to eternal locomotion.

Hannes Schmid and Mikhail Romadin both share an interest in visual anthropology. According to the principles of "participant observation", behind each work of art there is a separate story that the artists experience with their protagonists. "It wasn't enough for me to just experience a story, I also had to live it," says Hannes Schmid. Mikhail Romadin used a similar method; he usually painted on location, living and illustrating the present moment at the same time.

Schmid's staged photographs and Romadin's paintings, in which the boundaries between fiction and reality are blurred, thus become documentation of an authentic cultural experience. Schmid's staged narrative-conceptual approach is very much in line with the postmodern discourse on the authenticity of the fake and the originality of the copy (Matthias Frehner). The density of detail in Romadin's work is impressive, and the viewer is tempted to look at each piece individually, but this realism is also deceptive. Romadin achieves this with a cinematic approach, using close-ups, expressive angles and the illusion of a cinematic compositional dynamic.

Andrei Tarkovsky on Mikhail Romadin: "His (Mikhail Romadin's) creative principles do not obscure our view of the simple and decisive connections to reality. However, they are not so fictitious that we cannot recognize in these principles a tendency towards a fruitful emotional dynamic that flows into his creative process".

Matthias Frehner, curator of Hannes Schmid's solo exhibition at the Kunstmuseum Bern, writes: "When he (Hannes Schmid) becomes a member of a specific group and aesthetic community as a photographer, he still remains Hannes Schmid, adhering to his own aesthetic vision. (...) The quasi-ethnological visuals that emerge in this way are neither snapshots nor radical stagings. Rather, they are situational arrangements of reality at the decisive moment, in the right place, with the right objects and people.

(Text: Studio Naegeli, Gstaad)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne

3. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

Prix Photoforum 2023

Naara Bahler, Anna-Tia Buss, Jonas Feige, Laura Gauch, Laura Paloma, Mahmoud Khattab, Thomas Annaheim Lambert, Pablo Lerma, Mathilda Olmi, Mikko Rikala, Pedro Rodrigues

Photoforum ist stolz darauf, in der Gruppenausstellung Prix Photoforum 2023 die Arbeiten von elf herausragenden Kunstschaffenden zu präsentieren. Die Positionen beschäftigen sich mit den drängenden Problemen unserer Zeit. Gemeinsam erkunden und erweitern sie die Grenzen dessen, was Fotografie heute ist und sein kann.

Als vielfältige Gruppe von Kunstschaffenden präsentiert jede:r von ihnen eine eigene visuelle Sprache. Was sie gemeinsam haben, ist ihr kritischer Blick auf die Welt um uns herum. Sie nutzen das Medium der Fotografie, um gesellschaftliche Fragestellungen und aktuelle Probleme in der Welt zu hinterfragen. Gleichzeitig erforschen sie, wie sich diese Themen auf persönlicher Ebene auswirken, wobei sie zwischen lokaler, historischer, symbolischer, emotionaler und körperlicher Perspektive navigieren.

Die Teilnehmenden der Ausstellung wurden durch den jährlichen Open Call des Prix Photoforum ausgewählt. 130 Kunstschaffende aus allen Bereichen der Fotografie haben ihre Arbeiten eingereicht. Der Prix Photoforum ist bekannt für seine Offenheit gegenüber Kunstschaffenden aus allen Bereichen der Fotografie, unabhängig von Nationalität, Alter oder Karrierestufe. Unsere Jury, bestehend aus Daniel Blochwitz (freiberuflicher Kurator, Dozent, Publizist und Berater), Federica Chiocchetti (Direktorin Museum of Fine Arts Le Locle), Brigitte Lustenberger (Künstlerin, Fotohistorikerin, Vorstandsmitglied), Yann Mingard (Fotograf, Vorstandsmitglied) und Amélie Schüle (Direktorin Photoforum), die elf Positionen für die Ausstellung sowie die diesjährigen Preisträgerinnen Laura Gauch (1. Preis) und Naara Bahler (2. Preis) ausgewählt.

Le Photoforum est fier de présenter, dans l’exposition collective Prix Photoforum 2023, les œuvres de onze artistes exceptionnelles. Ces artistes abordent les problèmes pressants de notre époque et, ensemble, explorent et élargissent les limites de ce que la photographie est et peut être aujourd’hui.

En tant que groupe diversifié, chaque artiste présente son propre langage visuel. Ce qui les unit, c’est leur regard critique sur le monde qui nous entoure en utilisant le médium de la photographie pour remettre en question les problématiques sociétales et les enjeux actuels. Parallèlement, leurs projets explorent comment ces thèmes ont un impact au niveau personnel, en naviguant entre des perspectives locales, historiques, symboliques, émotionnelles et corporelles.

Les participantes à l'exposition ont été sélectionnés par le biais de l'appel ouvert annuel du Prix Photoforum. 130 artistes de tous horizons de la photographie ont soumis leurs œuvres. Le Prix Photoforum est reconnu pour son ouverture envers les artistes de tous horizons de la photographie, indépendamment de leur nationalité, de leur âge ou de leur stade de carrière. Notre jury, composé de Daniel Blochwitz (commissaire d'exposition indépendant, enseignant, écrivain et conseiller), Federica Chiocchetti (directrice du Musée des Beaux-Arts du Locle), Brigitte Lustenberger (artiste, historienne de la photographie, membre du comité), Yann Mingard (photographe, membre du comité) et Amélie Schüle (directrice du Photoforum), a sélectionné onze projets pour l'exposition ainsi que les lauréates de cette année, Laura Gauch (1er prix) et Naara Bahler (2e prix).

Photoforum è orgoglioso di presentare il lavoro di undici artisti di spicco nella mostra collettiva Prix Photoforum 2023. Le posizioni affrontano i problemi urgenti del nostro tempo. Insieme, esplorano ed espandono i confini di ciò che la fotografia è e può essere oggi.

Essendo un gruppo eterogeneo di artisti, ognuno di loro presenta un proprio linguaggio visivo. Ciò che li accomuna è la loro visione critica del mondo che ci circonda. Usano il mezzo fotografico per analizzare le questioni sociali e i problemi attuali del mondo. Allo stesso tempo, esplorano il modo in cui questi problemi si manifestano a livello personale, navigando tra prospettive locali, storiche, simboliche, emotive e fisiche.

I partecipanti alla mostra sono stati selezionati attraverso l'Open Call annuale del Prix Photoforum. 130 artisti di tutti i settori della fotografia hanno presentato le loro opere. Il Prix Photoforum è noto per la sua apertura agli artisti di tutti i settori della fotografia, indipendentemente dalla nazionalità, dall'età o dalla fase della carriera. La nostra giuria, composta da Daniel Blochwitz (curatore freelance, docente, pubblicista e consulente), Federica Chiocchetti (direttrice del Museo di Belle Arti di Le Locle), Brigitte Lustenberger (artista, storica della fotografia, membro del consiglio di amministrazione), Yann Mingard (fotografo, membro del consiglio di amministrazione) e Amélie Schüle (direttrice di Photoforum), ha selezionato le undici posizioni per la mostra e i vincitori del premio di quest'anno Laura Gauch (1° premio) e Naara Bahler (2° premio).

Photoforum is proud to present, in the group exhibition Prix Photoforum 2032, the works of eleven outstanding artists. These artists address the pressing issues of our time. Together, they explore and expand the boundaries of what photography is and can be today.

As a diverse group of artists, each of them presents their own visual language. What unites them is their critical view of the world around us. They use the medium of photography to question societal issues and current challenges in the world. At the same time, they explore how these themes impact on a personal level, navigating between local, historical, symbolic, emotional, and physical perspectives.

The participants in the exhibition were selected through the annual open call of Prix Photoforum. 130 artists from all areas of photography submitted their works. Prix Photoforum is known for its openness to artists from all fields of photography, regardless of nationality, age, or career stage. Our jury, consisting of Daniel Blochwitz (freelance curator, lecturer, writer, and consultant), Federica Chiocchetti (Director of the Museum of Fine Arts Le Locle), Brigitte Lustenberger (artist, photo historian, board member), Yann Mingard (photographer, board member), and Amelie Schüle (Director of Photoforum), selected eleven positions for the exhibition, as well as this year's awardees, Laura Gauch (1st prize) and Naara Bahler (2nd prize).

(Text: Amelie Schüle, Direktorin Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Zentrum Paul Klee | Bern
10. November 2023 - 25. Februar 2024

Montierte Welten
Hannah Höch

Die deutsche Künstlerin Hannah Höch gehört zu den Erfinder:innen des Gen-res der Collage. Die Ausstellung im Zentrum Paul Klee stellt diese Werkgat-tung, von Hannah Höch im Geist des Dadaismus auch Fotomontagen genannt, ins Zentrum – und zeigt diese im Dialog mit dem avantgardistischen Kino der 1920er-Jahre. Hannah Höch verstand das Medium Fotomontage als eng mit dem Film verwandt – als statische Filme auf Papier, die mit Hilfe von Schnitt und Komposition neue Blicke auf die Welt ermöglichen können. Erstmals geht eine Ausstellung Höchs Faszination für das damals neuartige Massen-medium Film nach und macht sichtbar, wie sich die Fotomontage als neuarti-ge, im Kern moderne Bildgattung im Spannungsfeld zwischen künstleri-schem Experiment, kommerzieller Verwertung und politischer Vereinnah-mung entwickelte.

L'artiste allemande Hannah Höch fait partie des inventeurs du genre du collage. L'exposition du Zentrum Paul Klee transmet ce type d'œuvre, également appelé photomontage par Hannah Höch dans l'esprit du dadaïsme, et le montre en dialogue avec le cinéma d'avant-garde des années 1920. Hannah Höch considérait le médium du photomontage comme étroitement apparenté au film - comme des films statiques sur papier qui, à l'aide du montage et de la composition, peuvent offrir de nouveaux regards sur le monde. Pour la première fois, une exposition retrace la fascination de Höch pour le nouveau média de masse qu'était le film à l'époque et montre comment le photomontage s'est développé en tant que nouveau genre d'image fondamentalement moderne, à la croisée de l'expérimentation artistique, de l'exploitation commerciale et de l'appropriation politique.

L'artista tedesca Hannah Höch è una delle inventrici del genere collage. La mostra al Zentrum Paul Klee si concentra su questo genere di lavoro, chiamato anche fotomontaggio da Hannah Höch nello spirito del dadaismo, e lo mostra in dialogo con il cinema d'avanguardia degli anni Venti. Per Hannah Höch il mezzo del fotomontaggio è strettamente legato al cinema, come film statici su carta che, con l'aiuto del montaggio e della composizione, possono fornire nuove visioni del mondo. Per la prima volta, una mostra esplora la fascinazione di Höch per l'allora nuovo mezzo di massa del cinema e rende visibile come il fotomontaggio si sia sviluppato come un nuovo genere di immagine essenzialmente moderno nel campo della tensione tra esperimento artistico, sfruttamento commerciale e appropriazione politica.

The German artist Hannah Höch is one of the inventors of the collage genre. The exhibition at the Zentrum Paul Klee focuses on this genre of works, also called photomontages by Hannah Höch in the spirit of Dadaism - and shows them in dialogue with the avant-garde cinema of the 1920s. Hannah Höch understood the medium of photomontage as closely related to film - as static films on paper that, with the help of editing and composition, could provide new views of the world. For the first time, an exhibition explores Höch's fascination with the then novel mass medium of film and makes visible how photomontage developed as a new, essentially modern genre of image in the field of tension between artistic experiment, commercial exploitation, and political appropriation.

(Text: Zentrum Paul Klee, Bern)

Musée jurassien des Arts | Moutier
1. - 29. Oktober 2023

REGARDS

Jean-Louis Steiner, Michel Beuret, Serge Voisard, Claude Gigandet, Dominique Ruch, René Eschen, Michèle Moser, Catherine Frei, Serge Büschi, Alain Saunier, Stéphanie Grava, Fabrice Calgaro, Muriel Schüpbach, Arnold Fleury, Danilo Corvaglia, Edmond Montavon, Alexandra Schaffter, Suzanne Houriet Grosjean, Anne-Marie Varrin, Laurent Schaffter, Philippe Wattenhofer, Lena Ruffieux, Riccardo Vandoni, Michel Cattin, Philippe Maurer, Antonio De Pascalis, Henri Kolzer

Anlässlich des 60-jährigen Bestehens des Photo Club Moutier veranstaltet das MJA die Jubiläumsausstellung "REGARDS".

Diese Gruppenausstellung umfasst fast 300 fotografische Aufnahmen, die von den 28 teilnehmenden Mitgliedern des Photo Club Moutier und Umgebung gemacht wurden.

Alle Räume des Museums werden bespielt. Der große Saal bietet den Fotografen einen Raum für freie Meinungsäußerung. Jeder präsentiert dort ein freies Thema, das es ihm ermöglicht, seine künstlerische Sensibilität und sein geschultes Auge unter Beweis zu stellen.

Die Villa Bechler beherbergt Fotografien, die unter mehreren vorgegebenen Themen zusammengefasst sind: Natur, Industrie, Landwirtschaft, Städtebau, Umweltverschmutzung und Energie. Diese Themen sind brandaktuell und laden die Fotografen dazu ein, ihre Objektive auf die Welt um uns herum und die großen Herausforderungen unserer Zeit zu richten.

unserer Zeit.

Eine Ausstellung, um sich von einer Vielzahl von Blickwinkeln inspirieren zu lassen, die Region (neu) zu entdecken oder in neue Landschaften zu reisen.

A l’occasion des 60 ans d’existence du Photo Club Moutier, le MJA accueille l’exposition anniversaire « REGARDS ».

Cette exposition collective rassemble près de 300 clichés photographiques réalisés par les 28 membres participants du Photo Club Moutier et environs.

L’ensemble des salles du Musée est investi. La grande salle offre un espace d’expression libre aux photographes. Chacun y présente un sujet libre permettant de démontrer sa sensibilité artistique et son œil avisé.

La villa Bechler abrite des photographies rassemblées sous plusieurs thématiques imposées : nature, industrie, agriculture, urbanisme, pollution et énergie. Ces sujets, brulants d’actualité, invitent les photographes à pointer leurs objectifs sur le monde qui nous entoure et les grands enjeux de notre temps.

Une exposition pour se nourrir d’une multitude de regards, (re)découvrir la région ou voyager dans de nouveaux paysages.

In occasione del 60° anniversario del Foto Club Moutier, il MJA ospita la mostra "REGARDS".

Questa mostra collettiva riunisce quasi 300 fotografie scattate dai 28 membri del Foto Club di Moutier e dintorni.

Saranno utilizzate tutte le sale del Museo. La grande sala ha offerto ai fotografi la possibilità di esprimersi liberamente. Ogni fotografo era libero di scegliere un soggetto che mettesse in mostra la sua sensibilità artistica e il suo occhio esigente.

La Villa Bechler ospita fotografie raggruppate sotto alcuni temi obbligatori: natura, industria, agricoltura, urbanistica, inquinamento ed energia. Si tratta di temi di grande attualità, che invitano i fotografi a focalizzare il loro obiettivo sul mondo che ci circonda e sulle principali questioni del nostro tempo.

È una mostra in cui è possibile ammirare un'ampia gamma di punti di vista, (ri)scoprire la regione o viaggiare attraverso nuovi paesaggi.

To mark the 60th anniversary of the Photo Club Moutier, the MJA is hosting the anniversary exhibition "REGARDS".

This collective exhibition brings together almost 300 photographs taken by the 28 participating members of the Photo Club Moutier et environs.

All the Museum's rooms are occupied. The main hall offers free expression to the photographers. Each photographer presents a free subject, demonstrating his or her artistic sensibility and discerning eye.

The Villa Bechler houses photographs grouped under a number of imposed themes: nature, industry, agriculture, urbanism, pollution and energy. These subjects are highly topical, inviting photographers to focus their lenses on the world around us and the major issues of our time.

An exhibition to feed on a multitude of viewpoints, (re)discover the region or travel through new landscapes.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Kunstraum Juraplatz | Biel/Bienne
29. Juli - 19. August 2023

Eine Reise der Kontinuität und Transformation
Martin Kharumwa

Das Aufkommen der Fotografie in den 1900er Jahren war für die visuelle Kultur ein bedeutender Sprung nach vorn und überbrückte die Kluft zwischen Kunst und Technologie. Im Laufe der Jahre hat sich die Fotografie immer wieder an neue Innovationen angepasst, traditionelle Vorstellungen von Kunst in Frage gestellt und gleichzeitig ihren Kern als kraftvolles Ausdrucksmedium bewahrt.

Im 21. Jahrhundert taucht eine neue technologische Innovation auf: Künstliche Intelligenz (KI). So wie die Fotografie die Wahrnehmung von Kunst verändert hat, hat die KI begonnen, die Art und Weise, wie wir heute Kunst schaffen und mit ihr interagieren, neu zu gestalten. KI-Algorithmen können riesige Bilddatenmengen analysieren und dabei lernen, scheinbar originelle Kunstwerke zu schaffen, künstlerische Stile zu imitieren oder Fotos durch ausgefeilte Bildverarbeitungstechniken zu verbessern. Während die KI-Bildgebung Fragen über das Wesen von Kreativität und Urheberschaft aufwirft, eröffnet sie Künstlern auch spannende Möglichkeiten.

Die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und KI-Algorithmen verwischt die Beziehung zwischen traditionellen Kunstformen und der digitalen Welt und verschiebt die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks auf noch nie dagewesene Weise.

Heute, da die KI die Landschaft aller visuellen Kreationen umgestaltet.

Ich hoffe, dass diese Ausstellung Gespräche anregt, die Fantasie beflügelt und zum Nachdenken über die tiefgreifenden Auswirkungen von Fotografie und KI auf die Welt der Kunst anregt.

L'avènement de la photographie dans les années 1900 a constitué un bond en avant pour la culture visuelle, comblant le fossé entre l'art et la technologie. Au fil des ans, la photographie s'est continuellement adaptée aux nouvelles innovations, remettant en question les notions traditionnelles de l'art tout en préservant son essence même en tant que puissant moyen d'expression.

Au XXIe siècle, une nouvelle innovation technologique fait son apparition : l'intelligence artificielle (IA) : L'intelligence artificielle (IA). Tout comme la photographie a bouleversé la perception de l'art, l'imagerie IA a commencé à remodeler la façon dont nous créons et interagissons avec l'art aujourd'hui. Les algorithmes d'IA peuvent analyser de vastes ensembles de données d'images et apprendre à générer des œuvres d'art apparemment originales, à imiter des styles artistiques ou à améliorer des photographies grâce à des techniques sophistiquées de traitement de l'image.

Si l'imagerie artificielle soulève des questions sur la nature de la créativité et de la paternité des œuvres, elle ouvre également des perspectives passionnantes pour les artistes.

Les collaborations entre les artistes et les algorithmes d'IA brouillent la relation entre les formes d'art traditionnelles et le domaine numérique, repoussant les limites de l'expression artistique de manière inédite.

Aujourd'hui, l'imagerie IA redessine le paysage de la création visuelle.

J'espère que cette exposition suscitera des conversations, stimulera l'imagination et encouragera la réflexion sur l'impact profond de la photographie et de l'IA sur le monde de l'art.

La nascita della fotografia nel 1900 ha rappresentato un significativo salto in avanti per la cultura visiva, colmando il divario tra arte e tecnologia. Nel corso degli anni, la fotografia ha continuato ad adattarsi alle nuove innovazioni, sfidando le nozioni tradizionali di arte, pur mantenendo il suo nucleo di potente mezzo di espressione.

Nel 21° secolo sta emergendo una nuova innovazione tecnologica: L'intelligenza artificiale (AI). Così come la fotografia ha cambiato la percezione dell'arte, l'IA ha iniziato a rimodellare il modo in cui oggi creiamo e interagiamo con l'arte. Gli algoritmi di IA possono analizzare grandi quantità di dati di immagini, imparando a creare opere d'arte apparentemente originali, imitando stili artistici o migliorando le fotografie attraverso sofisticate tecniche di elaborazione delle immagini. Se da un lato l'intelligenza artificiale solleva interrogativi sulla natura della creatività e della paternità, dall'altro apre possibilità interessanti per gli artisti.

La collaborazione tra artisti e algoritmi di IA sta rendendo sempre più confusa la relazione tra le forme d'arte tradizionali e il mondo digitale, spingendo i confini dell'espressione artistica in modi mai visti prima.

Oggi, mentre l'IA rimodella il paesaggio di tutte le creazioni visive.

La mia speranza è che questa mostra possa stimolare la conversazione, ispirare l'immaginazione e provocare riflessioni sul profondo impatto della fotografia e dell'IA sul mondo dell'arte.

The emergence of photography in the 1900s was a significant leap forward for visual culture, bridging the gap between art and technology. Over the years, photography has continued to adapt to new innovations, challenging traditional notions of art while maintaining its core as a powerful medium of expression.

In the 21st century, a new technological innovation is emerging: Artificial Intelligence (AI). Just as photography changed the perception of art, AI has begun to reshape the way we create and interact with art today. AI algorithms can analyze massive amounts of image data, learning to create seemingly original works of art, mimic artistic styles, or enhance photographs through sophisticated image processing techniques. While AI imaging raises questions about the nature of creativity and authorship, it also opens up exciting possibilities for artists.

Collaboration between artists and AI algorithms is blurring the relationship between traditional art forms and the digital world, pushing the boundaries of artistic expression in unprecedented ways.

Today, as AI reshapes the landscape of all visual creations.

It is my hope that this exhibition will spark conversation, inspire imagination, and provoke thought about the profound impact photography and AI are having on the world of art.

(Text (d,f): Kunstraum Juraplatz, Biel/Bienne)

Galerie Bernhard Bischoff & Partner | Bern
29. Juli - 11. August 2023

Imaginatio: innere Welten im Gespräch
Giulia Schlüchter und Tim Rod

Die Galerie Bernhard Bischoff & Partner erstmals ihre Räumlichkeiten dem jungen Linking Art Collective zur Verfügung.

In der bevorstehenden Ausstellung «Imaginatio: innere Welten im Gespräch»wird die innere Landschaft, die imaginierte Welt, die wir alle in uns wissen, als Thema aufgegriffen. Die beiden künstlerischen Positionen Giulia Schlüchter und Tim Rod beschäftigen sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema. Es entsteht ein Kontrast, der konzeptuell und medial angelegt ist. Die Grenzen von Imagination und Realität werden unscharf. Dies spiegelt sich auch in den Kunstwerken, die durch ihre abstrakten Formen einen Zugang zur inneren Welt schaffen. Die Zeichnungen von Giulia Schlüchter eröffnen den Betrachter*innen fantastische Landschaften. Gespeist werden diese durch Eindrücke, die die Künstlerin in ihrem Alltag sammelt. Im Gegensatz dazu hält Tim Rod seine Umwelt fotografisch fest. Durch die Verarbeitung dieser Aufnahmen zu Collagen fliesst seine Imagination in die Werke ein. Die Kunstschaffenden beschäftigen sich, über ihre Werke hinaus, auch auf einer theoretischen Ebene mit dem Thema. Dies dokumentieren die im letzten halben Jahr mit ihnen geführten Interviews. Dank dieser Gespräche lässt sich die «innere Welt» der Künstler*innen ungezwungen entdecken und wird so als wichtige Ergänzung zu den Kunstwerken in der Ausstellung sichtbar. Durch die Verwendung der Interviews als Methode, die auch in den Kunstwissenschaften zur Anwendung kommt, schlägt das Ausstellungsprojekt eine Brücke zwischen Theorie und Praxis. Das Interview dient also einerseits als mögliche Strategie, mittels der Intention der Kunstschaffenden in ein Werk einzutauchen. Als wissenschaftliche Methode bietet es andererseits eine mögliche Basis für zukünftige kunsthistorische Betrachtung und Einordnung der künstlerischen Positionen.

L'exposition à venir "Imaginatio : des mondes intérieurs en conversation" a pour thème le paysage intérieur, le monde imaginé que nous connaissons tous en nous. Les deux positions artistiques de Giulia Schlüchter et Tim Rod traitent ce thème de manière différente. Il en résulte un contraste qui est à la fois conceptuel et médiatique. Les frontières entre l'imagination et la réalité deviennent floues. Cela se reflète également dans les œuvres d'art qui, par leurs formes abstraites, donnent accès au monde intérieur. Les dessins de Giulia Schlüchter ouvrent aux spectateurs* des paysages fantastiques. Ceux-ci sont alimentés par les impressions que l'artiste recueille dans son quotidien. Tim Rod, quant à lui, prend des photos de son environnement. En transformant ces prises de vue en collages, son imagination s'intègre dans les œuvres. Au-delà de leurs œuvres, les artistes se penchent également sur le sujet à un niveau théorique. Les entretiens menés avec eux au cours des six derniers mois en témoignent. Grâce à ces entretiens, le "monde intérieur" des artistes se laisse découvrir sans contrainte et devient ainsi un complément important aux œuvres d'art dans l'exposition. En utilisant les interviews comme méthode, également appliquée dans les sciences de l'art, le projet d'exposition jette un pont entre la théorie et la pratique. L'interview sert donc d'une part de stratégie possible pour se plonger dans une œuvre par le biais de l'intention des artistes. En tant que méthode scientifique, elle offre d'autre part une base possible pour une future observation de l'histoire de l'art et une classification des positions artistiques.

Nella prossima mostra "Imaginatio: mondi interiori in conversazione", il paesaggio interiore, il mondo immaginario che tutti conosciamo dentro di noi, viene ripreso come tema. Le due posizioni artistiche di Giulia Schlüchter e Tim Rod affrontano il tema in modi diversi. Il risultato è un contrasto concettuale e mediale. I confini tra immaginazione e realtà si confondono. Questo si riflette anche nelle opere d'arte, che creano un accesso al mondo interiore attraverso le loro forme astratte. I disegni di Giulia Schlüchter aprono allo spettatore paesaggi fantastici. Sono alimentati dalle impressioni che l'artista raccoglie nella sua vita quotidiana. Tim Rod, invece, cattura il suo ambiente fotograficamente. Elaborando queste fotografie in collage, la sua immaginazione confluisce nelle opere. Al di là delle loro opere, gli artisti affrontano il tema anche a livello teorico. Ciò è documentato dalle interviste condotte con loro negli ultimi sei mesi. Grazie a queste interviste, il "mondo interiore" degli artisti può essere scoperto senza costrizioni e diventa così visibile come un importante complemento alle opere in mostra. Utilizzando le interviste come metodo applicato anche agli studi d'arte, il progetto espositivo getta un ponte tra teoria e pratica. Così, da un lato, l'intervista serve come possibile strategia per immergersi in un'opera d'arte attraverso l'intenzione dell'artista. Dall'altro, come metodo scientifico, offre una possibile base per la futura osservazione storico-artistica e la classificazione delle posizioni artistiche.

In the upcoming exhibition "Imaginatio: inner worlds in conversation "the inner landscape, the imagined world that we all know inside us, is taken up as a theme. The two artistic positions Giulia Schlüchter and Tim Rod deal with the topic in different ways. A contrast emerges that is conceptual and medial. The boundaries between imagination and reality become blurred. This is also reflected in the artworks, which create access to the inner world through their abstract forms. Giulia Schlüchter's drawings open up fantastic landscapes to the viewer. They are fed by impressions that the artist collects in her everyday life. In contrast, Tim Rod captures his environment photographically. By processing these photographs into collages, his imagination flows into the works. Beyond their works, the artists also deal with the subject on a theoretical level. This is documented by the interviews conducted with them over the past six months. Thanks to these interviews, the artists' "inner world" can be discovered without constraint and thus becomes visible as an important complement to the artworks in the exhibition. By using interviews as a method that is also applied in art studies, the exhibition project builds a bridge between theory and practice. Thus, on the one hand, the interview serves as a possible strategy for immersing oneself in a work of art by means of the intention of the artist. On the other hand, as a scientific method, it offers a possible basis for future art-historical observation and classification of the artistic positions.

(Text: Galerie Bernhard Bischoff & Partner, Bern)

Photoforum Pasquart | Biel
1. Juli - 27. August 2023

Back up the future - Fotografien aus der Kunstsammlung der Stadt Biel

23 Jahre jung war der Fotograf Peter Maurer, als er 1986 in Biel/Bienne die Fotoserie «Reise in die Zukunftsstadt» realisierte. Es war seine Eingabe für einen Wettbewerb zum Thema «Zukunft», möglicherweise ausgeschrieben von der Stadt – ganz sicher ist sich Peter Maurer nicht mehr, nicht nach so langer Zeit. Er habe sogar in der Gegend von Biel gewohnt in jenem Jahr, erinnert sich Maurer, er habe ein Praktikum absolviert bei einem Meister der Schweizer Fotografie-Szene, bei Heini Stucki. Mit seiner verträumt-dynamischen Selbstinszenierung als Handelsreisender auf dem Sprung in die Bieler Stadtlandschaft – in eine lichtdurchflutete Zukunftsvision – entschied Peter Maurer den Wettbewerb für sich und konnte CHF 3000 Preisgeld einstreichen – «damals eine Menge Geld», lacht Maurer. Die Fotos wurden dann im Photoforum Pasquart ausgestellt, das gerade sein dreijähriges Bestehen feierte, und in der Folge von der Kunstkommission der Stadt Biel/Bienne angekauft.

Nun ziert eine Fotografie aus Maurers Serie das Plakat der Sommerausstellung des Photoforums mit dem Titel BACK UP THE FUTURE, die in Zusammenarbeit mit der Dienststelle für Kultur entstanden ist. Das Photoforum hat den Bieler Künstler und Fotograf Thalles Piaget, selber kaum älter als es Peter Maurer 1986 war, mit der Aufgabe betraut, eine subjektive Auswahl aus den 2485 fotografischen Werken zu treffen, die in der Kunstsammlung der Stadt Biel/Bienne gelistet sind. Mit seinem frischen und professionellen Blick sowie einem untrüglichen Gespür für fotografische Qualitäten hat er einen ebenso reichhaltigen wie überraschenden Bilderbogen gespannt, von Porträts aus dem 19. Jahrhundert bis zu zeitgenössischer Fotokunst. Vor dem Hintergrund der Stadt Biel/Bienne vereint die Ausstellung sowohl bekannte Bieler Namen wie Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Guadeloupe Ruiz Françoise und Daniel Cartier, Rolf Neeser oder Eric Sandmeier mit internationalen Grössen wie Christian Vogt, Mathieu Gafsou, Raphael Hefti, Oscar Wiggli, Ernst und Margrit Baumann sowie weniger bekannten oder schon wieder vergessenen künstlerischen Positionen. Zudem hat Thalles Piaget einige überraschende Entdeckungen gemacht, so eine Portraitfotografie aus der Kamera der ehemaligen Direktorin des Photoforums und jetzigen Leiterin des Centre de la Photographie in Genf, Danaé Panchaud, oder eine Diaserie von Taiyo Onorato & Nico Krebs, entstanden für und ausgestellt an den Bieler Fototagen vor einigen Jahren. Die Kunstsammlung der Stadt Biel/Bienne entpuppt sich so als reichhaltiges lokales «Back-Up» eines Mediums, das wie kaum ein anderes unsere Gesellschaft geprägt hat und sich stetig weiterentwickelt.

Ein grosser Dank geht an die Dienststelle für Kultur der Stadt Biel/Bienne für den Support, insbesondere an Hannah Külling für die grossartige Zusammenarbeit!

Le photographe Peter Maurer avait 23 ans lorsqu’il a réalisé la série de photos « Voyage dans la ville du futur » à Biel/Bienne en 1986. C’était son projet pour un concours sur le thème de l’avenir, peut-être organisé par la ville – Peter Maurer n’en est plus tout à fait sûr après tant de temps. Il habitait dans la région de Bienne cette année-là et faisait un stage chez un maître de la scène photographique suisse, Heini Stucki. Avec sa mise en scène rêveuse et dynamique de lui-même en tant que voyageur de commerce sur le point d’entrer dans le paysage urbain de Bienne – dans une vision d’avenir inondée de lumière – Peter Maurer a remporté le concours et a pu empocher 3000 CHF de prix – « beaucoup d’argent à l’époque », rit Maurer. Les photos ont ensuite été exposées au Photoforum Pasquart, qui venait de fêter ses trois ans d’existence, avant d’être achetées par la commission artistique de la ville de Biel/Bienne.

Aujourd’hui, une photographie de la série de Maurer orne l’affiche de l’exposition d’été du Photoforum intitulée BACK UP THE FUTURE, réalisée en collaboration avec le Service de la culture. Le Photoforum a confié à l’artiste et photographe biennois Thalles Piaget (à peine plus âgé que Peter Maurer en 1986) la tâche de faire une sélection subjective parmi les 2485 œuvres photographiques répertoriées dans la collection d’art de la ville de Biel/Bienne. Avec son regard frais et professionnel ainsi qu’un flair infaillible pour les qualités photographiques, il a tissé un arc d’images aussi riche que surprenant, des portraits du 19ème siècle à l’art photographique contemporain. Avec la ville de Biel/Bienne en toile de fond, l’exposition réunit aussi bien des noms biennois connus comme Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Raphael Hefti, Françoise et Daniel Cartier, Rolf Neeser ou Eric Sandmeier que des grands noms internationaux comme Christian Vogt, Matthieu Gafsou, Oscar Wiggli, Ernst et Margrit Baumann ainsi que des positions artistiques moins connues ou déjà oubliées. De plus, Thalles Piaget a fait quelques découvertes surprenantes, comme une photographie de portrait prise par l’ancienne directrice du Photoforum et actuelle directrice du Centre de la Photographie à Genève, Danaé Panchaud, ou une série de diapositives de Taiyo Onorato & Nico Krebs, réalisées pour les Journées photographiques de Bienne il y a quelques années. La collection d’art de la ville de Biel/Bienne se révèle ainsi être un riche « back-up » local d’un média qui a façonné notre société comme peu d’autres et qui continue à évoluer.

Un grand merci au Service de la culture de la ville de Biel/Bienne pour son soutien, en particulier à Hannah Külling pour la formidable collaboration ! 

Il fotografo Peter Maurer aveva 23 anni quando realizzò la serie fotografica "Viaggio nella città del futuro" a Biel/Bienne nel 1986. Si trattava della sua partecipazione a un concorso sul tema "Futuro", forse indetto dalla città - Peter Maurer non ne è più sicuro, non dopo tanto tempo. Quell'anno, ricorda Maurer, visse addirittura nella zona di Bienne, dove fece uno stage con un maestro della scena fotografica svizzera, Heini Stucki. Con il suo ritratto sognante e dinamico di un commesso viaggiatore che balza nel paesaggio urbano di Bienne, in una visione del futuro inondata di luce, Peter Maurer vinse il concorso e incassò un premio di 3000 franchi svizzeri: "un sacco di soldi a quei tempi", ride Maurer. Le foto furono esposte al Photoforum Pasquart, che aveva appena festeggiato il suo terzo anniversario, e successivamente acquistate dalla Commissione artistica della città di Biel/Bienne.

Ora una fotografia della serie di Maurer adorna il poster della mostra estiva del Photoforum intitolata BACK UP THE FUTURE, realizzata in collaborazione con il Dipartimento della Cultura. Il Photoforum ha affidato all'artista e fotografo biellese Thalles Piaget, lui stesso poco più anziano di Peter Maurer nel 1986, il compito di effettuare una selezione soggettiva tra le 2485 opere fotografiche presenti nella collezione d'arte della città di Biel/Bienne. Con il suo occhio fresco e professionale e un senso infallibile per le qualità fotografiche, ha spaziato su un arco di immagini altrettanto ricco e sorprendente, dai ritratti del XIX secolo all'arte fotografica contemporanea. Sullo sfondo della città di Biel/Bienne, la mostra riunisce nomi noti di Biel/Bienne come Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Guadalupe Ruiz Françoise e Daniel Cartier, Rolf Neeser o Eric Sandmeier con grandi nomi internazionali come Christian Vogt, Mathieu Gafsou, Raphael Hefti, Oscar Wiggli, Ernst e Margrit Baumann e posizioni artistiche meno note o già dimenticate. Inoltre, Thalles Piaget ha fatto alcune scoperte sorprendenti, come un ritratto fotografico proveniente dalla macchina dell'ex direttore del Photoforum e attuale direttore del Centre de la Photographie di Ginevra, Danaé Panchaud, o una serie di diapositive di Taiyo Onorato & Nico Krebs, create per il Bieler Fototage ed esposte qualche anno fa. La collezione d'arte della città di Biel/Bienne si rivela quindi un ricco "back-up" locale di un mezzo che ha plasmato la nostra società come nessun altro ed è in continua evoluzione.

Un grande ringraziamento va all'Assessorato alla Cultura della Città di Biel/Bienne per il supporto, in particolare ad Hannah Külling per la grande collaborazione!

23 years young, photographer Peter Maurer realized the photo series “Journey to the Future City” in 1986 in Biel/Bienne. It was his entry for a competition on the theme of “Future”, possibly announced by the city – Peter Maurer is no longer quite sure, not after so long. He even lived in the Biel area that year, Maurer remembers, and did an internship with a master of the Swiss photography scene, Heini Stucki. With his dreamy, dynamic self-staging as a traveling salesman leaping into the Biel cityscape – into a light-flooded vision of the future – Peter Maurer won the competition and collected CHF 3,000 in prize money – “a lot of money in those days,” Maurer laughs. The photos were then exhibited at Photoforum Pasquart, which had just celebrated its third anniversary, and subsequently purchased by the art commission of the city of Biel/Bienne.

Now, a photograph from Maurer’s series adorns the poster for the Photoforum’s summer exhibition titled BACK UP THE FUTURE, produced in collaboration with the Office of Culture. The Photoforum has entrusted Biel artist and photographer Thalles Piaget, himself barely older than Peter Maurer was in 1986, with the task of making a subjective selection from the 2485 photographic works listed in the art collection of the city of Biel/Bienne. With his fresh and professional eye as well as an unerring sense for photographic qualities, he has spanned an arch of images that is as rich as it is surprising, from portraits from the 19th century to contemporary photographic art. Against the backdrop of the city of Biel/Bienne, the exhibition brings together well-known Biel/Bienne names such as Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Guadeloupe Ruiz Françoise and Daniel Cartier, Rolf Neeser or Eric Sandmeier with international greats such as Christian Vogt, Mathieu Gafsou, Raphael Hefti, Oscar Wiggli, Ernst and Margrit Baumann as well as lesser-known or already forgotten artistic positions. In addition, Thalles Piaget has made some surprising discoveries, such as a portrait photograph from the camera of the former director of the Photoforum and current director of the Centre de la Photographie in Geneva, Danaé Panchaud, or a slide series by Taiyo Onorato & Nico Krebs, created for and exhibited at the Bieler Fototage a few years ago. The art collection of the city of Biel/Bienne thus turns out to be a rich local “back-up” of a medium that has shaped our society like hardly any other and is constantly evolving.

A big thank you goes to the Department of Culture of the City of Biel/Bienne for the support, especially to Hannah Külling for the great cooperation.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel)

Kunstmuseum Thun
10. Juni - 3. September 2023

Deep Rivers Run Quiet
Reena Saini Kallat

Reena Saini Kallat beschäftigt sich in ihren multimedialen Werken unter anderem mit nationalen und geo­ grafischen Grenzen. Sie fokussiert dabei geopolitische Grenzkonflikte und deren Auswirkungen auf Umwelt und Mensch. Ihre Arbeiten thematisieren insbesondere Konflikte um Wasser sowie die menschverursachte Wasserknappheit in Grenzgebieten und Kulturlandschaften. Darüber hinaus zeigt die Künstlerin eindrück­ lich, welche Konsequenzen die koloniale Geschichte auf das Schicksal der Menschen in Grenzregionen hat, sichtbar beispielsweise bis heute an deren «Narben» in Pakistan und Indien. Die Künstlerin befasst sich nicht nur mit umkämpften Territorialgrenzen, sondern auch mit sozialen und psychologischen Barrieren. Sie selbst ist von der Trennung ihrer Familie durch die Emigration aus Lahore (Pakistan) betroffen. Über Materi­ alien, u.a. Elektrodraht, lässt sie gewaltsame Trennung wie auch die verbindende Funktion des Drahts spür­ bar werden.

In der Werkgruppe Siamese Trees (2018-19), ist der Elektrodraht die Basis für geflochtene Baumobjekte, die in ihrer Form «Grüne Lungen» verbildlichen. Draht ist hier vor allem leitendes Medium, das analog der Blut­ gefässe im menschlichen Körper die Nährstoffe einer hybriden Pflanzenart aufnimmt.

In Werkgruppen zum Thema Nationalstaat und den teilweise absurden Bedeutungen nationaler Symbole be­ fasst sich die Künstlerin mit der typischen Flora und Fauna von miteinander in Konflikt stehenden National­ staaten, etwa Indien und Pakistan oder den USA und Mexiko. So in der mehrteiligen, multimedialen Serie Hy­ phenated Lives (2014), anhand von tierischen und pflanzlichen Hybriden.

Eine ihrer bekanntesten Arbeiten, die grossformatige Installation Woven Chronicle, interpretiert Kallat ei­ gens für Thun neu, indem sie sie um zusätzliche Bedeutungsebenen erweitert:

«Die neue Version von Woven Chronicle im Kunstmuseum Thun verdeutlicht den Einfluss der Menschen auf die Umwelt durch einen Farbcode, der die verschiedenen sogenannten ökologischen Fussabdrücke der ein­ zelnen Länder veranschaulicht. Wenn der ökologische Fussabdruck einer Bevölkerung ihre Biokapazität übersteigt, besteht in dieser Region ein Biokapazitätsdefizit.[...] Mit dieser Visualisierung von ökologischen

Schuldnern und Gläubigern will das Global Footprint Network den Dialog über die zunehmende Bedeutung der Biokapazität anstossen. Die Karte unterscheidet zwischen dem hohen Lebensstandard des Nordens und dem niedrigeren Lebensstandard des Südens, wobei es nach diesem Massstab zu einer Umkehr der Rollen kommt Der Süden schneidet hier relativ gut ab, während der Fussabdruck des Globalen Nordens deutlich grösser ist als seine Biokapazität,» so die Künstlerin.

Dans ses œuvres multimédias, Reena Saini Kallat s'intéresse entre autres aux frontières nationales et géographiques. Elle se concentre sur les conflits frontaliers géopolitiques et leurs répercussions sur l'environnement et l'homme. Ses travaux traitent en particulier des conflits autour de l'eau ainsi que de la pénurie d'eau causée par l'homme dans les régions frontalières et les paysages culturels. En outre, l'artiste montre de manière impressionnante les conséquences de l'histoire coloniale sur le destin des personnes vivant dans les régions frontalières, visibles par exemple jusqu'à aujourd'hui dans leurs "cicatrices" au Pakistan et en Inde. L'artiste ne s'intéresse pas seulement aux frontières territoriales disputées, mais aussi aux barrières sociales et psychologiques. Elle-même a été touchée par la séparation de sa famille suite à l'émigration de Lahore (Pakistan). Par le biais de matériaux tels que le fil électrique, elle fait ressentir la séparation violente ainsi que la fonction de liaison du fil.

Dans le groupe d'œuvres Siamese Trees (2018-19), le fil électrique est la base d'objets arborés tressés qui, par leur forme, représentent des "poumons verts". Le fil de fer est ici avant tout un média conducteur qui, à l'instar des vaisseaux sanguins du corps humain, absorbe les substances nutritives d'une espèce végétale hybride.

Dans des groupes d'œuvres sur le thème de l'État-nation et des significations parfois absurdes des symboles nationaux, l'artiste se penche sur la flore et la faune typiques d'États-nations en conflit, comme l'Inde et le Pakistan ou les États-Unis et le Mexique. Ainsi, dans la série multimédia en plusieurs parties Hy phenated Lives (2014), elle utilise des hybrides animaux et végétaux.

Kallat réinterprète maintenant pour Thoune l'une de ses œuvres les plus connues, l'installation grand format Woven Chronicle, en l'enrichissant de niveaux de signification supplémentaires :

"La nouvelle version de Woven Chronicle au musée des beaux-arts de Thoune illustre l'influence de l'homme sur l'environnement par un code de couleurs qui montre les différentes empreintes écologiques des différents pays. Si l'empreinte écologique d'une population dépasse sa biocapacité, cela signifie qu'il y a un déficit de biocapacité dans la région.

débiteurs et créanciers, le Global Footprint Network veut lancer le dialogue sur l'importance croissante de la biocapacité. La carte fait la distinction entre le niveau de vie élevé du Nord et le niveau de vie plus bas du Sud, avec une inversion des rôles selon cette échelle Le Sud s'en sort relativement bien ici, tandis que l'empreinte du Nord global est nettement plus grande que sa biocapacité," dit l'artiste.

Nelle sue opere multimediali, Reena Saini Kallat si occupa, tra l'altro, di confini nazionali e geografici. Si concentra sui conflitti geopolitici di confine e sui loro effetti sull'ambiente e sulle persone. Le sue opere si concentrano in particolare sui conflitti per l'acqua e sulla scarsità d'acqua indotta dall'uomo nelle aree di confine e nei paesaggi culturali. Inoltre, l'artista mostra in modo impressionante le conseguenze della storia coloniale sul destino delle persone nelle regioni di confine, visibili ad esempio nelle loro "cicatrici" in Pakistan e in India. L'artista non si occupa solo di confini territoriali contestati, ma anche di barriere sociali e psicologiche. Lei stessa è colpita dalla separazione della sua famiglia a causa dell'emigrazione da Lahore (Pakistan). Utilizzando materiali come il filo elettrico, l'artista rende percepibile la violenta separazione e la funzione di collegamento del filo.

Nel gruppo di opere Siamese Trees (2018-19), il filo elettrico è la base per oggetti arborei intrecciati, che nella loro forma simboleggiano "polmoni verdi". Qui il filo è soprattutto un mezzo conduttore che, analogamente ai vasi sanguigni del corpo umano, assorbe le sostanze nutritive di una specie vegetale ibrida.

Nei gruppi di opere sul tema dello Stato nazionale e dei significati, a volte assurdi, dei simboli nazionali, l'artista si confronta con la flora e la fauna tipiche di Stati nazionali in conflitto, come India e Pakistan o Stati Uniti e Messico. È il caso della serie multimediale in più parti Hy phenated Lives (2014), basata su ibridi animali e vegetali.

Kallat ha reinterpretato per Thun una delle sue opere più note, l'installazione di grande formato Woven Chronicle, aggiungendo ulteriori strati di significato:

"La nuova versione di Woven Chronicle nel Kunstmuseum Thun illustra l'influenza dell'uomo sull'ambiente attraverso un codice di colori che illustra le varie cosiddette impronte ecologiche dei singoli Paesi. Se l'impronta ecologica di una popolazione supera la sua biocapacità, si parla di deficit di biocapacità in questa regione.

Il Global Footprint Network vuole avviare un dialogo sulla crescente importanza della biocapacità. La mappa distingue tra l'alto tenore di vita del Nord e il basso tenore di vita del Sud, e secondo questa scala c'è un'inversione di ruoli Il Sud se la cava relativamente bene, mentre l'impronta del Nord globale è significativamente più grande della sua biocapacità", spiega.

Reena Saini Kallat deals in her multimedia works with themes surrounding national and geographical boundaries, focusing for example on geopolitical border conflicts and their impact on humans and the environment. Disputes over water come to the fore, with water scarcity arising from human habitation in frontier areas and cultivated landscapes. The artist moreover arrestingly demonstrates the consequences of colonial history on the fates of people living in border regions, leaving "scars" that still persist to this day in Pakistan and lndia. Kallat sheds light here not only on contested territorial boundaries but also on social and psychological barriers. She herself experienced a split in her family through emigration from Lahore (Pakistan). Using materials such as electrical wire, she makes this violent separation palpable, while also highlighting the connective function of that same wire.

In a group of works entitled Siamese Trees (2018-19), electrical wire forms the basis for woven tree objects that symbolise "green lungs". Here, wire is primarily a metaphor for how nutrients are conducted in a hybrid plant species, just as blood vessels nourish the human body.

In other work groups, the artist explores how the typical flora and fauna of nation-states that stand in conflict with each other, such as lndia and Pakistan and the USA and Mexico, are sometimes lent absurd meanings as national symbols. Hybrid animals and plants figure for example in the multi-part, multimedia series Hyphenated Lives (2014).

Kallat has reinterpreted one of her best-known works, the large-scale installation Woven Chronicle, expressly for Thun, adding additional layers of meaning:

"The new version of Woven Chronicle at the Kunstmuseum Thun illustrates the impact of humans on the environment using a colour code for the carbon footprint of each country. When a population's carbon footprint exceeds its biocapacity, the region has a biocapacity deficit. [...] With this visualisation of ecological debtors and creditors, the Global Footprint Network intends to initiate a dialogue on the increasing importance of biocapacity. The map distinguishes between the high standard of living in the north and the lower standard in the South, whereby the traditional roles are reversed: The south does relatively weil here, while the footprint of the Global North significantly outstrips its biocapacity," the artist says.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Kornhausforum | Bern
5. Mai - 29. Juli 2023

Postcards from Europe
Eva Leitolf

«Postcards from Europe» ist ein Ausstellungsprojekt des zweiten Blicks. Die Fotografin Eva Leitolf rückt jene Orte in Europa und an den europäischen Aussengrenzen ins Bild, die von Flucht und Migration geprägt sind. Davon ist aber nicht viel zu sehen. Stattdessen zeigen sich grüne Wälder, trockene Wiesen und Küsten in goldenem Licht, oder von Menschen entleerte Strassen und Plätze. Erst, wenn der Blick auf den Stapel Postkarten fällt, der neben jeder Fotografie liegt, wird die jeweilige Szene textlich um das Wissen spezifischer Ereignisse ergänzt. Auf diese Weise kombiniert Leitolf dokumentarische und konzeptuelle Strategien. Was ist sichtbar und was wird der Vorstellung überlassen? «Postcards from Europe» ist ein Projekt, dass die Möglichkeiten und Grenzen visueller Repräsentation intelligent auslotet. Unweigerlich bringt uns Leitolf dazu, unseren ersten Eindruck der gezeigten Szene zu revidieren. Mit der Ausstellung im Kornhausforum Bern wird «Postcards from Europe» nun erstmals in grösserem Umfang in der Schweiz präsentiert.

Die Ausstellung wurde von Rebecka Domig kuratiert.

"Postcards from Europe" est un projet d'exposition du deuxième regard. La photographe Eva Leitolf met en visuel les lieux d'Europe et des frontières extérieures de l'Europe qui sont marqués par la fuite et la migration. Mais on n'y voit pas grand-chose. Au lieu de cela, on voit des forêts vertes, des prairies sèches et des côtes dans une lumière dorée, ou des rues et des places vidées de leurs habitants. Ce n'est que lorsque le regard se pose sur la pile de cartes postales qui se trouve à côté de chaque photographie que la scène en question est complétée par un texte relatant des événements spécifiques. De cette manière, Leitolf combine des stratégies documentaires et conceptuelles. Qu'est-ce qui est visible et qu'est-ce qui est laissé à l'imagination ? "Postcards from Europe" est un projet qui explore intelligemment les possibilités et les limites de la représentation visuelle. Inévitablement, Leitolf nous amène à réviser notre première impression de la scène présentée. Avec l'exposition au Kornhausforum de Berne, "Postcards from Europe" est désormais présenté pour la première fois à grande échelle en Suisse.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Rebecka Domig.

"Cartoline dall'Europa" è un progetto espositivo del secondo sguardo. La fotografa Eva Leitolf mette in scena quei luoghi in Europa e ai confini esterni dell'Europa che sono segnati dalla fuga e dalla migrazione. Ma non c'è molto di tutto ciò da vedere. Invece, le foreste verdi, i prati secchi e le coste sono mostrati in una luce dorata, oppure le strade e le piazze si svuotano di persone. Solo quando si guarda la pila di cartoline che si trova accanto a ogni fotografia, la rispettiva scena viene integrata testualmente con la conoscenza di eventi specifici. In questo modo Leitolf combina strategie documentarie e concettuali. Cosa è visibile e cosa è lasciato all'immaginazione? "Postcards from Europe" è un progetto che esplora con intelligenza le possibilità e i limiti della rappresentazione visiva. Inevitabilmente, Leitolf ci fa rivedere la nostra prima impressione della scena esposta. Con la mostra al Kornhausforum di Berna, "Cartoline dall'Europa" viene presentata per la prima volta in Svizzera su scala più ampia.

La mostra è stata curata da Rebecka Domig.

"Postcards from Europe" is an exhibition project of the second glance. The photographer Eva Leitolf puts those places in Europe and at the European external borders into the picture that are marked by flight and migration. But there is not much of that to be seen. Instead, green forests, dry meadows and coasts are shown in golden light, or streets and squares emptied of people. Only when the viewer looks at the stack of postcards lying next to each photograph is the respective scene supplemented textually with knowledge of specific events. In this way Leitolf combines documentary and conceptual strategies. What is visible and what is left to the imagination? "Postcards from Europe" is a project that intelligently explores the possibilities and limits of visual representation. Inevitably, Leitolf leads us to revise our first impression of the scene on display. With the exhibition at the Kornhausforum Bern, "Postcards from Europe" is now presented for the first time on a larger scale in Switzerland.

The exhibition was curated by Rebecka Domig.

(Text: Kornhausforum, Bern)