Reflector Contemporary Art Gallery - zu Gast im Volume | Bern
11. - 24. Januar 2025

Fragments of Memory
Tim Rod

Das Meer liegt da, ein paar Millionen Jahre schon. Der Himmel hängt oder liegt oder schläft, noch länger. Landschaften. Aber dort hat ein Mensch eine Schraube reingedreht. Dort hat er was liegengelassen, einen Griff angebracht. Fliesen gelegt, hier hat er es festgehalten mit seiner Kamera.

Tim Rod fotografiert Spuren, er fotografiert Löcher, durch die der Mond zünden kann. Er fotografiert Stecken, auf die wir die Lichter spiessen können. Er fotografiert den Schein, wenn er kleckert oder als Sonnenlicht präzise in eine Scherbe zündet. Tim stellt in Fragments of Memory Fotografien aus. Aber wessen Erinnerungen? Wer erinnert sich an die unscheinbare Ordnung eines warmen Nachmittags um 15:12 in einem südlichen Vorort? Wer an das Brett, das gegen ein Haus gelehnt war oder an das Haus, das sich am Brett abstützte? Wir müssen nicht vor Ort gewesen sein, um uns zu erinnern. Wir müssen das Meer nicht gesehen haben, damit in unserem Kopf eine eigene Erinnerung auftaucht. Diffus. An eine Fahrt mit dem Zug durch unbekannte Dörfer? An auf Balkongeländern flatternde Wäsche, geblümt und verlassen? An einen fernen Nachmittag in der Zukunft?

Tim’s Fotografien sind poetische Angebote, Spielplätze für unsere Köpfe. Es sind Einladungen, mit den Augen Löcher zu bohren, Einladungen, mit der Vorstellungskraft die Monde zu rollen.

La mer est là, depuis quelques millions d'années déjà. Le ciel est suspendu, couché ou endormi, depuis plus longtemps encore. Les paysages. Mais là, un homme a mis une vis. Là, il a laissé quelque chose, il a posé une poignée. Poser des carreaux, ici il l'a immortalisé avec son appareil photo.

Tim Rod photographie des traces, il photographie des trous par lesquels la lune peut s'allumer. Il photographie des bâtons sur lesquels on peut empaler les lumières. Il photographie la lueur lorsqu'elle tache ou lorsqu'elle s'allume avec précision comme la lumière du soleil dans un tesson. Tim expose des photographies dans Fragments of Memory. Mais la mémoire de qui ? Qui se souvient de l'ordre anodin d'un après-midi chaud à 15h12 dans une banlieue du sud ? Qui se souvient de la planche appuyée contre une maison ou de la maison qui s'appuyait sur la planche ? Nous n'avons pas besoin d'avoir été sur place pour nous en souvenir. Nous n'avons pas besoin d'avoir vu la mer pour qu'un souvenir personnel surgisse dans notre tête. De manière diffuse. D'un voyage en train à travers des villages inconnus ? De linge flottant sur les balustrades des balcons, fleuri et abandonné ? D'un après-midi lointain dans le futur ?

Les photographies de Tim sont des propositions poétiques, des terrains de jeu pour nos têtes. Ce sont des invitations à percer des trous avec les yeux, des invitations à faire rouler les lunes avec l'imagination.

Il mare è lì da qualche milione di anni. Il cielo pende o giace o dorme, ancora più a lungo. Paesaggi. Ma qualcuno ha girato una vite lì dentro. Ha lasciato qualcosa lì, ha attaccato una maniglia. Le piastrelle sono state posate e lui le ha immortalate con la sua macchina fotografica.

Tim Rod fotografa tracce, fotografa buchi attraverso i quali la luna può brillare. Fotografa i bastoncini su cui possiamo sputare le luci. Fotografa il bagliore quando si sparge o quando si accende esattamente come la luce del sole in un frammento. Tim espone le fotografie in Frammenti di memoria. Ma di chi sono i ricordi? Chi ricorda l'ordine poco appariscente di un caldo pomeriggio alle 15:12 in un sobborgo del sud? Chi ricorda la tavola appoggiata a una casa o la casa appoggiata alla tavola? Non è necessario essere stati lì per ricordare. Non è necessario aver visto il mare perché un nostro ricordo emerga nella nostra mente. Diffuso. Un viaggio in treno attraverso villaggi sconosciuti? Di panni che svolazzano sulle ringhiere dei balconi, fioriti e abbandonati? Di un pomeriggio lontano nel futuro?

Le fotografie di Tim sono offerte poetiche, campi da gioco per la nostra mente. Sono inviti a praticare buchi con gli occhi, inviti a far rotolare le lune con l'immaginazione.

The sea has been lying there for a few million years. The sky has been hanging or lying or sleeping for even longer. Landscapes. But a person has screwed something into it. They have left something there, attached a handle. They have laid tiles, and here they have held it with their camera.

Tim Rod photographs traces, he photographs holes through which the moon can ignite. He photographs sticks on which we can impale the lights. He photographs the glow when he spills the lights or when sunlight ignites precisely in a shard. Tim is exhibiting photographs in Fragments of Memory. But whose memories? Who remembers the inconspicuous order of a warm afternoon at 3:12 p.m. in a southern suburb? Who remembers the board that was leaning against a house or the house that was leaning against the board? We don't have to have been there to remember. We don't have to have seen the sea for our own memory to emerge in our minds. Vague. Of a train ride through unfamiliar villages? Of laundry fluttering on balcony railings, flowery and abandoned? Of a distant afternoon in the future?

Tim's photographs are poetic offerings, playgrounds for our minds. They are invitations to drill holes with our eyes, invitations to roll the moons with our imagination.

(Text: Noemi Somalvico)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
8. Dezember 2024 – 26. Januar 2025

Prix Photoforum 2024

Tiziana Amico, Lisa Karnadi, Yann Haeberlin, Khashayar Javanmardi, Nina Pacherova, Peter Pflügler, Hameed Raisan, Jordi Ruiz Cirera, Barbara Truog, Tianyu Wang

Jährlich versammelt der Prix Photoforum Künstler:innen, deren Projekte das breite Spektrum zeitgenössischer Fotografie repräsentieren und künstlerische Grenzen ausloten. Die Auswahl 2024 befasst sich mit Themen wie Familie, Identität und den drängenden gesellschaftlichen Herausforderungen unserer Zeit. Ihre Arbeiten basieren auf persönlichen Archiven, Erinnerungen und kraftvollen Darstellungen globaler Fragen und bieten dadurch einzigartige Perspektiven. Sie verbinden lokale und historische Erzählungen auf eine symbolische und emotionale Weise.

Mit einem einfühlsamen Blick zeigt Tiziana Amico das Leben jugendlicher Mütter in Argentinien, hinterfragt gesellschaftliche Urteile und porträtiert ihre Resilienz in intimen Bildern. Khashayar Javanmardi, Gewinner des diesjährigen Preises, beleuchtet die Umweltkrise in der Kaspischen Meer-Region und zeigt mit emotional aufgeladenen Fotografien die ökologische Zerstörung. Yann Haeberlin hinterfragt das gestörte Verhältnis der Menschheit zur Natur, indem er invasive Arten und den den Verlust ökologischer Vielfalt thematisiert.

In Where the Line Blurs untersucht Jordi Ruiz Cirera die mexikanische Nordgrenze und bietet einen differenzierten Blick auf das Leben jenseits der Schlagzeilen über Konflikte und Migration. Lisa Karnadi nimmt die Betrachter:innen mit auf eine persönliche Reise von Migration und Verlust, zurück zu ihrem Zuhause in Jakarta. Peter Pflügler teilt eine intime Geschichte von Familiengeheimnissen und vererbtem Trauma, welche die stille Komplexität von Erinnerung einfängt.

Mit einem kritischen Blick auf das digitale Zeitalter thematisiert Nina Pacherova die ethischen Fragen der elterlichen „Überveröffentlichung“ und der „Sharenting“-Kultur in spekulativen Video-Installationen. Raisan Hameed reflektiert über Zerstörung und Erinnerung und verwendet beschädigte Familienfotos, um Themen von Krieg und Vergänglichkeit zu beleuchten. Tianyu Wang konfrontiert patriarchale Strukturen innerhalb der Familie, und zeigt mit Selbstporträts Widerstand und persönliche Transformation. Schliesslich erforscht Barbara Truog das Leben von Marco Camenisch und stellt Fragen zu Aktivismus, Umweltschutz und den Grenzen von Heldentum und Übertretung.

Diese Künstler:innen bieten kritische Reflexionen über die Welt um uns herum und nutzen die Fotografie, um aktuelle Fragen aus einer neuen und eindrucksvollen Perspektive zu beleuchten.

Chaque année, le Prix Photoforum réunit des artistes dont les projets représentent le large spectre de la photographie contemporaine et explorent les frontières artistiques. La sélection 2024 aborde des thèmes tels que la famille, l'identité et les défis sociaux urgents de notre époque. Leurs travaux sont basés sur des archives personnelles, des souvenirs et des représentations puissantes de questions mondiales, offrant ainsi des perspectives uniques. Ils associent des récits locaux et historiques de manière symbolique et émotionnelle.

À travers un regard sensible, Tiziana Amico révèle la vie des mères adolescentes en Argentine, remettant en question les jugements de la société et capturant la résilience dans des images intimes. Khashayar Javanmardi, lauréat du prix de cette année, met en lumière la crise environnementale dans la région de la mer Caspienne, en utilisant des photographies chargées d'émotion pour dépeindre la dévastation écologique. Avec un regard sur les déséquilibres écologiques, le travail de Yann Haeberlin questionne la relation difficile de l'humanité avec la nature, mettant en scène des espèces invasives et le déclin de l'environnement.

Dans Where the Line Blurs, Jordi Ruiz Cirera explore la frontière nord du Mexique, offrant une vision nuancée de la vie au-delà des gros titres sur les conflits et les migrations. Lisa Karnadi emmène les spectateurs dans un voyage profondément personnel de migration et de perte, en renouant avec la maison de son enfance à Jakarta. Peter Pflügler partage une histoire intime de secrets de famille et de traumatismes hérités, évoquant les complexités silencieuses de la mémoire.

Posant un regard critique sur l'ère numérique, Nina Pacherova examine le « sharenting » et les implications éthiques du surpartage parental à travers des installations vidéo spéculatives. Raisan Hameed réfléchit à la destruction et à la mémoire, en utilisant des photographies de famille endommagées pour aborder les thèmes de la guerre et de l'impermanence. Tianyu Wang confronte les structures patriarcales de la famille en utilisant l'autoportrait pour symboliser la résistance et la transformation personnelle. Enfin, Barbara Truog explore la vie de Marco Camenisch, entremêlant des questions sur l'activisme, l'environnementalisme et les limites de l'héroïsme et de la transgression.

Ensemble, ces artistes proposent des réflexions critiques sur le monde qui nous entoure, chacun·e utilisant la photographie pour questionner les problèmes contemporains à travers un objectif unique et convaincant.

Ogni anno, il Prix Photoforum riunisce artisti i cui progetti rappresentano l'ampio spettro della fotografia contemporanea ed esplorano i confini artistici. La selezione 2024 affronta temi come la famiglia, l'identità e le pressanti sfide sociali del nostro tempo. Le loro opere si basano su archivi personali, ricordi e potenti rappresentazioni di questioni globali, offrendo prospettive uniche. Combinano narrazioni locali e storiche in modo simbolico ed emotivo.

Con occhio empatico, Tiziana Amico mostra la vita delle madri adolescenti in Argentina, mette in discussione i giudizi sociali e ritrae la loro resilienza in immagini intime. Khashayar Javanmardi, vincitore del premio di quest'anno, fa luce sulla crisi ambientale nella regione del Mar Caspio e mostra la distruzione ecologica con fotografie di grande impatto emotivo. Yann Haeberlin si interroga sul rapporto disturbato dell'umanità con la natura, concentrandosi sulle specie invasive e sulla perdita di diversità ecologica.

In Where the Line Blurs, Jordi Ruiz Cirera esamina il confine settentrionale del Messico e offre una visione differenziata della vita al di là dei titoli dei giornali su conflitti e migrazioni. Lisa Karnadi accompagna lo spettatore in un viaggio personale di migrazione e perdita, fino alla sua casa di Giacarta. Peter Pflügler condivide una storia intima di segreti familiari e traumi ereditati che cattura la tranquilla complessità della memoria.

Con uno sguardo critico sull'era digitale, Nina Pacherova affronta le questioni etiche della cultura dell'“over-sharing” e dello “sharenting” dei genitori in installazioni video speculative. Raisan Hameed riflette sulla distruzione e sulla memoria, utilizzando fotografie di famiglia danneggiate per illuminare i temi della guerra e della transitorietà. Tianyu Wang affronta le strutture patriarcali all'interno della famiglia e utilizza autoritratti per mostrare la resistenza e la trasformazione personale. Infine, Barbara Truog esplora la vita di Marco Camenisch e pone domande sull'attivismo, l'ambientalismo e i confini dell'eroismo e della trasgressione.

Questi artisti offrono riflessioni critiche sul mondo che ci circonda e usano la fotografia per far luce su questioni attuali da una prospettiva nuova e sorprendente.

Every year, the Prix Photoforum brings together artists whose projects represent the broad spectrum of contemporary photography and explore artistic boundaries. The 2024 selection deals with themes such as family, identity and the pressing social challenges of our time. Their works are based on personal archives, memories and powerful representations of global issues, offering unique perspectives. They combine local and historical narratives in a symbolic and emotional way.

This year’s Prix Photoforum 2024 brings together ten artists who explore themes of family, identity, and the urgent challenges facing society today. Through personal archives, reflections on memory, and powerful portrayals of global issues, their works offer unique perspectives that navigate local and historical narratives, blending symbolic and emotional depth.

Through a poignant lens, Tiziana Amico reveals the lives of adolescent mothers in Argentina, challenging societal judgments and capturing resilience in intimate images. Khashayar Javanmardi, winner of this year’s prize, highlights the environmental crisis in the Caspian Sea region, using emotionally charged photographs to depict ecological devastation. With an eye on ecological imbalances, Yann Haeberlin’s work questions humanity’s fraught relationship with nature, featuring invasive species and environmental decline.

In Where the Line Blurs, Jordi Ruiz Cirera explores Mexico’s northern border, offering a nuanced view of life beyond the headlines of conflict and migration. Lisa Karnadi takes viewers into a deeply personal journey of migration and loss, reconnecting with her childhood home in Jakarta. Peter Pflügler shares an intimate story of family secrets and inherited trauma, evoking the silent complexities of memory.

Turning a critical eye to the digital age, Nina Pacherova examines “sharenting” and the ethical implications of parental oversharing through speculative video installations. Raisan Hameed reflects on destruction and memory, using damaged family photographs to address themes of war and impermanence. Tianyu Wang confronts patriarchal structures in the family, using self-portraiture to symbolize resistance and personal transformation. Finally, Barbara Truog explores the life of Marco Camenisch, interweaving questions about activism, environmentalism, and the boundaries of heroism and transgression.

Together, these artists offer critical reflections on the world around us, each using photography to question contemporary issues through a unique and compelling lens.

(Text: Amelie Schüle, Direktorin & Kuratorin, Photoforum)

Galerie Bernhard Bischoff & Partner | Bern
8. November – 21. Dezember 2024

Elsbeth Böniger / Christian Indermühle

Weite Farbräume öffnen sich hinter schlingernden Linien- und Formgeflechten in den neusten Bildern von Elsbeth Böniger. Verwunschenen Landschaften gleich oder, worauf die Titel hindeuten: «Eisdecken» oder «Schloten im Meer». Dann abstrakter: ein Teppich mit Anlagechips, wobei hier komplementäres Grün auf Rot tritt, flimmernd, irisierend, “wuchernd” wie andernorts vielleicht Geldflüsse. Auf Tiefgründiges mögen weiter die in gleissendes Licht getauchten Farben auf den Bildern «Die geheime Matrix» anspielen. Sie leuchten aus dem Hintergrund durch ein Dickicht von Farbaufträgen, die mal pflanzlich, mal wesenhaft erscheinen. Beim Bild «Nicht ganz dicht» werden wir hingegen in eine dichte oder eben “nicht ganz dichte” Pflanzung versetzt, in ein Waldinneres vielleicht. Das Leck, der Mangel im Sinne des nicht immer Lenkbaren ist auch beim Zusammenwirken des Farbauftrags mit dem Malgrund – der Öl- und Acrylfarben mit den Aluplatten – von eminenter Bedeutung: durch die unterschiedlichen Mal- und Trockungsprozesse, durch die Formungen und Verformungen beim Zutun der Künstlerin sowie unter Einfluss verschiedener chemischer Prozesse.

Die Farbaufträge zeugen von einer besonderen Physis, einer Körperlichkeit, die häufig expressiv, aber auch mal zart, mal flächig, mal linear zum Ausdruck kommt. Durch deren Vielschichtigkeit und Dichte mögen sich schliesslich die Künstlerin wie auch wir uns immer wieder eigene, neue Wege bahnen.

Elsbeth Böniger sammelt leidenschaftlich Materialien sowie Eindrücke und schöpft daraus ihre Inspiration und Bildideen. Phänomene von Oberflächen wie das Reflektieren eines Spiegels oder ein buchstäblich kaum durschaubarer, mehrschichtiger Farbauftrag faszinieren sie gleichermassen. Beim Schaffensprozess treten Planung und Perfektion neben den Zufall, der wiederum gelenkt sein kann durch die Erfahrung im Umgang mit dem Material. Insofern haftet der Malerei von Elsbeth Böniger etwas Alchemistisches an, das bisweilen wie beim Erahnen hinter geschlossenen Augen in Erscheinung tritt.

Der «Central Park» oder das «Flat Iron»-Gebäude in New York, der «Grosse St. Bernhard» oder schlicht «Reisen» und das «Atelier» zeugen von Orten, von Motiven aus der Nähe und der Ferne, die Christian Indermühle für seine Fotografie inspirieren. So sehr seine Aufnahmen von unterwegs oder seine arrangierten Bilder nicht einfach alltäglich sind. Wie entrückt ragt etwa das ikonische New Yorker Hochhaus hinter einem scheinbar dichten Wald empor. Natur, wenn auch domestizierte, trifft auf eine Ikone der Baukultur aus den Anfängen des 20. Jahrhunderts. Dank des eher selten gewählten Standpunkts im angrenzenden Madison Square Park mit Baumbestand.

Christian Indermühle interessiert sich seit jeher für Architekturaufnahmen in der Landschaft und gelangt so zu Bildern von bestechender Eigenheit und Schönheit. Durch den Fokus auf bestimmte Licht-Schatten-Ver-hältnisse wirkt die Tektonik der Landschaft wie modelliert, ja skulptural. So erscheint etwa das Massiv des Grossen St. Bernhard stellenweise wie eine weiche Decke. Nicht selten werden die Orte zu subtil dramatischen Schauplätzen, so auch der Central Park mit den Menschengruppen im Schatten der Bäume. Sie mögen an Michelangelo Antonionis Film «Blow Up» oder an Edouard Manets berühmtes Gemälde «Frühstück im Grünen» (1863) erinnern, die je mit weiteren Kunstwerken in Bezug stehen. Die Bilder von Christian Indermühle sind eine Art Archetypen, zeitlose Dokumente der Welt. Sie künden aber auch von deren steten Lauf, von einem Werden und Vergehen. Prozesse, wie sie etwa auf dem Bild «Atelier» zum Ausdruck kommen, mit einer Malerei seiner Partnerin Elsbeth Böniger, die noch im Entstehen ist.

Dans les derniers visuels d'Elsbeth Böniger, de vastes espaces colorés s'ouvrent derrière des enchevêtrements de lignes et de formes. On dirait des paysages enchantés ou, comme le suggèrent les titres, des « nappes de glace » ou des « cheminées dans la mer ». Puis, plus abstrait : un tapis avec des jetons de placement, où le vert complémentaire côtoie le rouge, scintillant, irisé, « proliférant », comme peut-être ailleurs les flux d'argent. Les couleurs des visuels de « La matrice secrète », plongées dans une lumière aveuglante, peuvent également faire allusion à des choses profondes. Vous rayonnez depuis l'arrière-plan à travers un fourré d'applications de couleurs qui semblent tantôt végétales, tantôt essentielles. Dans le tableau « Pas tout à fait dense », nous sommes en revanche transportés dans une plantation dense ou justement « pas tout à fait dense », à l'intérieur d'une forêt peut-être. La fuite, le manque dans le sens de ce qui n'est pas toujours dirigeable, est également d'une importance capitale dans l'interaction entre l'application de la peinture et le support - les peintures à l'huile et acryliques avec les plaques d'aluminium - : par les différents processus de peinture et de séchage, par les formations et les déformations dues à l'intervention de l'artiste et à l'influence de différents processus chimiques.

Les applications de peinture témoignent d'une physique particulière, d'une corporalité qui s'exprime souvent de manière expressive, mais aussi parfois avec délicatesse, parfois en aplats, parfois de manière linéaire. Grâce à leur complexité et à leur densité, l'artiste et nous-mêmes pouvons nous frayer sans cesse de nouveaux chemins.

Elsbeth Böniger collectionne avec passion les matériaux et les impressions et y puise son inspiration et ses idées d'images. Les phénomènes de surface tels que le reflet d'un miroir ou l'application de plusieurs couches de peinture, littéralement à peine compréhensibles, la fascinent tout autant. Dans le processus de création, la planification et la perfection côtoient le hasard, qui peut à son tour être guidé par l'expérience de la manipulation du matériau. Dans ce sens, il y a quelque chose d'alchimique dans la peinture d'Elsbeth Böniger, qui se manifeste parfois comme un pressentiment derrière les yeux fermés.

Central Park » ou le bâtiment “Flat Iron” à New York, le “Grand Saint-Bernard” ou tout simplement “Voyages” et “Atelier” témoignent de lieux, de motifs proches ou lointains qui inspirent Christian Indermühle pour ses photographies. Ses clichés pris sur le vif ou ses visuels arrangés ne sont pas simplement quotidiens. L'emblématique gratte-ciel new-yorkais, par exemple, se dresse derrière une forêt apparemment dense. La nature, même si elle est domestiquée, rencontre une icône de la culture architecturale du début du 20e siècle. Merci au point de vue plutôt rarement choisi dans le Madison Square Park adjacent, avec ses arbres.

Christian Indermühle s'intéresse depuis toujours aux photos d'architecture dans le paysage, ce qui lui permet d'obtenir des visuels d'une singularité et d'une beauté saisissantes. En se concentrant sur certains rapports d'ombre et de lumière, la tectonique du paysage semble modelée, voire sculpturale. Ainsi, le massif du Grand Saint-Bernard apparaît par endroits comme une couverture souple. Il n'est pas rare que les lieux deviennent des scènes subtilement dramatiques, comme Central Park avec ses groupes de personnes à l'ombre des arbres. Vous pouvez penser au film « Blow Up » de Michelangelo Antonioni ou au célèbre tableau d'Edouard Manet « Petit déjeuner sur l'herbe » (1863), qui sont chacun en relation avec d'autres œuvres d'art. Les visuels de Christian Indermühle sont des sortes d'archétypes, des documents intemporels du monde. Mais vous évoquez aussi son évolution constante, son devenir et sa disparition. Des processus qui s'expriment par exemple dans le visuel « Atelier », avec une peinture de sa partenaire Elsbeth Böniger qui est encore en cours de réalisation.

Vasti spazi di colore si aprono dietro il sinuoso intreccio di linee e forme degli ultimi dipinti di Elsbeth Böniger. Sembrano paesaggi incantati o, come suggeriscono i titoli, “lastre di ghiaccio” o “sfiatatoi nel mare”. Poi, più astratti: un tappeto con trucioli di investimento, dove il verde complementare incontra il rosso, tremolante, iridescente, “proliferante” come i flussi di denaro altrove. Anche i colori immersi in una luce scintillante nelle immagini “The Secret Matrix” possono alludere a qualcosa di profondo. Essi risplendono dallo sfondo attraverso una selva di applicazioni cromatiche che a volte sembrano vegetali, a volte eteree. Nel dipinto “Not quite dense”, invece, siamo trasportati in una piantagione densa o “non abbastanza densa”, forse all'interno di una foresta. La perdita, la mancanza nel senso di non sempre gestibile, riveste un'importanza eminente anche nell'interazione della stesura del colore con il fondo pittorico - i colori a olio e acrilici con i pannelli di alluminio: attraverso i diversi processi di pittura e di essiccazione, attraverso la modellazione e le deformazioni durante l'intervento dell'artista e sotto l'influenza di vari processi chimici.

Le applicazioni di colore testimoniano una particolare fisicità, una corporeità spesso espressiva, ma anche a volte delicata, a volte bidimensionale, a volte lineare. Attraverso la loro complessità e densità, sia l'artista che noi possiamo trovare sempre nuovi percorsi.

Elsbeth Böniger raccoglie con passione materiali e impressioni e ne trae ispirazione e idee pittoriche. È ugualmente affascinata dai fenomeni di superficie, come il riflesso di uno specchio o un'applicazione di colore a più strati, letteralmente quasi impenetrabile. Nel processo creativo, la pianificazione e la perfezione si affiancano al caso, che a sua volta può essere guidato dall'esperienza nel trattare il materiale. In questo senso, c'è qualcosa di alchemico nella pittura di Elsbeth Böniger, che a volte appare dietro gli occhi chiusi, come se stesse divinando qualcosa.

Il “Central Park” o l'edificio “Flat Iron” di New York, il “Gran San Bernardo” o semplicemente “Travelling” e lo “Studio” testimoniano luoghi, motivi vicini e lontani che ispirano la fotografia di Christian Indermühle. Così come i suoi scatti realizzati in viaggio o le sue immagini organizzate non sono semplicemente luoghi comuni. Ad esempio, l'iconico grattacielo di New York svetta dietro una foresta apparentemente fitta, come in uno stato di fantasticheria. La natura, sebbene addomesticata, incontra un'icona della cultura edilizia dell'inizio del XX secolo. Grazie all'ubicazione raramente scelta nel vicino Madison Square Park con i suoi alberi.

Christian Indermühle si è sempre interessato alle fotografie di architettura nel paesaggio, ottenendo immagini di accattivante originalità e bellezza. Concentrandosi su determinati rapporti luce-ombra, la tettonica del paesaggio appare modellata, persino scultorea. Il massiccio del Gran San Bernardo, ad esempio, appare in alcuni punti come una morbida coperta. Non è raro che i luoghi diventino scenari sottilmente drammatici, come Central Park con i suoi gruppi di persone all'ombra degli alberi. Possono ricordare il film “Blow Up” di Michelangelo Antonioni o il famoso dipinto di Edouard Manet “Colazione sul prato” (1863), ognuno dei quali è collegato ad altre opere d'arte. I dipinti di Christian Indermühle sono una sorta di archetipi, documenti senza tempo del mondo. Ma raccontano anche il suo corso costante, il suo divenire e il suo tramonto. Processi come quelli espressi nel quadro “Atelier”, con un dipinto della sua compagna Elsbeth Böniger, ancora in fase di realizzazione.

Vast spaces of color open up behind the sinuous interweaving of lines and shapes in Elsbeth Böniger‘s latest paintings. They resemble enchanted landscapes or, as the titles suggest, «Eisdecken» (ice sheets) or «Schlote im Meer» (vents in the sea). Then more abstract: a carpet with investment chips, where complementary green meets red, flickering, iridescent, “proliferating” like flows of money elsewhere. The colors bathed in glistening light in the pictures «Die geheime Matrix» (The Secret Matrix) may also allude to something profound. They shine out of the background through a thicket of color applications, which sometimes appear plant-like, sometimes ethereal. In the painting «Nicht ganz dicht» (Not quite dense), on the other hand, we are transported into a dense or “not quite dense” plantation, perhaps into the interior of a forest. The leak, the lack in the sense of the not always manageable, is also of eminent importance in the interaction of the paint application with the painting ground – the oil and acrylic paints with the aluminum plates: through the different painting and drying processes, through the shaping and deformations during the artist’s intervention as well as under the influence of various chemical processes. The applications of paint testify to a special physicality, a corporeality that is often expressive, but also sometimes delicate, sometimes two-dimensional, sometimes linear. Through their complexity and density, both the artist and we may find our own new paths again and again.

Elsbeth Böniger passionately collects materials and impressions and draws her inspiration and pictorial ideas from them. She is equally fascinated by surface phenomena such as the reflection of a mirror or a literally almost impenetrable, multi-layered application of paint. In the creative process, planning and perfection come alongside chance, which in turn can be guided by experience in dealing with the material. In this respect, there is something alchemical about Elsbeth Böniger’s painting, which sometimes appears in the imagination behind closed eyes.

«Central Park» or the «Flat Iron» Building in New York, the «Gd. St. Bernhard» (Great St. Bernard) or simply «Reisen» (Travel) and the «Atelier» (Studio) bear witness to places, motifs from near and far that inspire Christian Indermühle ‘s photography. As much as his shots from the road or his arranged images are not simply everyday. For example, the iconic New York skyscraper towers up behind a seemingly dense forest, as if in a state of reverie. Nature, albeit domesticated, meets an icon of building culture from the beginning of the 20th century. Thanks to the rarely chosen location in the adjacent Madison Square Park with its trees.

Christian Indermühle has always been interested in architectural shots in the landscape, resulting in images of captivating uniqueness and beauty. By focusing on certain light-shadow ratios, the tectonics of the landscape appear modeled, even sculptural. The massif of the Great St. Bernard, for example, appears in places like a soft blanket. Often the places become subtly dramatic settings, such as Central Park with the groups of people in the shade of the trees. They may be reminiscent of Michelangelo Antonioni’s film «Blow Up» or Edouard Manet’s famous painting «Breakfast on the Green» (1863), each of which is related to other works of art. Christian Indermühle’s paintings are a kind of archetype, timeless documents of the world. But they also tell of its constant course, of becoming and passing away. Processes such as those are expressed in the photograph «Atelier», with a painting by his partner Elsbeth Böniger, which is still in the making.

(Text: Marc Munter)

Ortsmuseum | Lotzwil
12. Oktober – 3. November 2024

Dagobert Scharf

Die Schwerpunktthemen der Ausstellung sind: handkolorierte analoge Photo-Art, extreme Makroaufnahmen von Achatscheiben, «Der Mensch als Bestandteil der Natur, in ihr eingeschlossen», «Mystische Gesichter, gefunden in Achatscheiben», Achatbilder in alten Fenster-/Spiegelrahmen, «Die filigrane Schönheit von Brot», «Die Schönheit der Verzasca» und Achat-Schwemmholz-Skulpturen. Aber es gibt noch vieles mehr zu sehen.

Les thèmes principaux de l'exposition sont : Photo-Art analogique coloré à la main, macrophotographies extrêmes de tranches d'agate, « L'homme comme partie intégrante de la nature, enfermé en elle », « Visages mystiques trouvés dans des tranches d'agate », images d'agate dans de vieux cadres de fenêtres/miroirs, « La beauté filigrane du pain », « La beauté de la Verzasca » et sculptures en bois flotté d'agate. Mais il y a encore bien d'autres choses à voir.

I temi principali della mostra sono: arte fotografica analogica colorata a mano, scatti macro estremi di fette di agata, “L'uomo come parte della natura, racchiuso in essa”, “Volti mistici trovati nelle fette di agata”, immagini di agata in vecchie cornici di finestre/specchi, “La bellezza in filigrana del pane”, “La bellezza della Verzasca” e sculture in legno alluvionale di agata. Ma c'è molto altro da vedere.

The main topics of the exhibition are: hand-colored analog photo art, extreme macro shots of agate slices, “Man as a part of nature, enclosed in it”, “Mystical faces found in agate slices”, agate pictures in old window/mirror frames, “The delicate beauty of bread”, “The beauty of the Verzasca” and agate-driftwood sculptures. But there is much more to see.

(Text: Dagobert Scharf)

Photoforum Pasquart | Biel
15. September – 24. November 2024

How like a leaf I am
Alexandra Baumgartner & Seed Carriers

Die Ausstellung findet im Rahmen des Swiss Photomonth statt.

Das Photoforum freut sich, die Ausstellung "How like a leaf I am" der Künstlerin Alexandra Baumgartner zu präsentieren. Diese tiefgründige und faszinierende Ausstellung wird vom 14. September bis zum 24. November 2024 im Kulturzentrum Pasquart in Biel zu sehen sein. Baumgartner, die bereits im Rahmen des Prix Photoforum gezeigt wurde, stellt nun den Abschluss ihres Langzeitprojektes vor.

„How like a leaf I am“ ist ein umfassendes Ausstellungsprojekt, das die komplexen Beziehungen zwischen Menschen und pflanzlichem Leben untersucht. Ziel ist es, die kollektive Verantwortung für den Schutz und die Bewahrung der Agrobiodiversität zu beleuchten. Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit zwischen Alexandra Baumgartner und dem Kollektiv Seed Carriers, bekannt für ihre interdisziplinären Ansätze und künstlerischen Interventionen.

Alexandra Baumgartner kombiniert eine dokumentarische Herangehensweise mit künstlerischen Interventionen, um einen reflektierenden und erforschenden Raum zu schaffen. Die Szenografie lädt die Besucher ein, die Verbindung zwischen Menschen und Pflanzen auf intuitive und sinnliche Weise zu erforschen. Jeder Raum beleuchtet spezifische Aspekte des Projekts, wie zum Beispiel „Seed-Keeper’s Hands“, das die Hände und Bewegungen derjenigen zeigt, die Saatgut pflegen und bewahren.

Das Begleitprogramm zur Ausstellung umfasst besondere Veranstaltungen und Partnerschaften, die das Thema der Ausstellung vertiefen und erweitern. Dazu gehört eine Intervention im Botanischen Garten Bern, die die beiden Ausstellungen verlinkt und das Bewusstsein für die Bedeutung der Agrobiodiversität stärkt.

„How like a leaf I am“ strebt danach, das Bewusstsein und die Wertschätzung für die Rolle von Pflanzen in unserem Ökosystem zu fördern und gleichzeitig die Bedeutung der Saatgutvielfalt als Schlüssel für nachhaltige Zukunftslösungen hervorzuheben. Die Ausstellung beleuchtet ein wichtiges Thema und stellt einen entscheidenden Moment in der künstlerischen Praxis von Alexandra Baumgartner dar.

Le Photoforum a le plaisir de présenter l'exposition "How like a leaf I am" de l'artiste Alexandra Baumgartner. Cette exposition profonde et fascinante sera visible du 14 septembre au 24 novembre 2024 au Centre culturel Pasquart à Bienne. Baumgartner, déjà présentée dans le cadre du Prix Photoforum, présente l'aboutissement de son projet à long terme.

« How like a leaf I am » est un projet d'exposition complet qui examine les relations complexes entre les humains et la vie végétale. Son objectif est de mettre en lumière notre responsabilité collective pour la protection et la préservation de l'agrobiodiversité. L'exposition est une collaboration entre Alexandra Baumgartner et le collectif Seed Carriers, connu pour ses approches interdisciplinaires et ses interventions artistiques.

Alexandra Baumgartner combine une approche documentaire avec des interventions artistiques pour créer un espace de réflexion et d'exploration. La scénographie invite les visiteur.euse.x.s à explorer intuitivement et sensuellement la connexion entre les humains et les plantes. Chaque salle met en lumière des aspects spécifiques du projet, comme « Seed-Keeper’s Hands », qui présente les mains et les mouvements de celleux qui s'occupent des graines et les préservent.

Le programme d'accompagnement comprend des événements spéciaux et des partenariats qui approfondissent et élargissent le thème de l'exposition. Cela inclut une intervention au Jardin botanique de Berne, reliant les deux expositions et sensibilisant à l'importance de l'agrobiodiversité.

« How like a leaf I am » vise à promouvoir la sensibilisation et l'appréciation du rôle des plantes dans notre écosystème tout en soulignant l'importance de la diversité des semences comme clé de solutions durables pour l'avenir. L'exposition éclaire un sujet important et marque un moment significatif dans la pratique artistique d'Alexandra Baumgartner.

Il Photoforum è lieto di presentare la mostra "How like a leaf I am" dell'artista Alexandra Baumgartner. Questa mostra profonda e affascinante sarà esposta presso il Centro culturale Pasquart di Bienne dal 14 settembre al 24 novembre 2024. La Baumgartner, già esposta nell'ambito del Prix Photoforum, presenta ora la conclusione del suo progetto a lungo termine.

"How like a leaf I am" è un progetto espositivo completo che esplora le complesse relazioni tra l'uomo e la vita vegetale. L'obiettivo è quello di far luce sulla responsabilità collettiva per la protezione e la conservazione dell'agrobiodiversità. La mostra nasce dalla collaborazione tra Alexandra Baumgartner e il collettivo Seed Carriers, noto per i suoi approcci interdisciplinari e interventi artistici.

Alexandra Baumgartner combina un approccio documentario con interventi artistici per creare uno spazio riflessivo ed esplorativo. La scenografia invita i visitatori a esplorare la connessione tra le persone e le piante in modo intuitivo e sensuale. Ogni sala mette in luce aspetti specifici del progetto, come "Seed-Keeper's Hands", che mostra le mani e i movimenti di chi cura e conserva i semi.

Il programma che accompagna la mostra prevede eventi speciali e collaborazioni che approfondiscono e ampliano il tema della mostra. Tra questi, un intervento nel Giardino Botanico di Berna, che collega le due mostre e sensibilizza sull'importanza dell'agrobiodiversità.

"Come una foglia" si propone di sensibilizzare e apprezzare il ruolo delle piante nel nostro ecosistema, sottolineando l'importanza della diversità dei semi come chiave per soluzioni sostenibili per il futuro. La mostra mette in luce un tema importante e rappresenta un momento cruciale nella pratica artistica di Alexandra Baumgartner.

The Photoforum Biel is pleased to present the exhibition "How like a leaf I am" by artist Alexandra Baumgartner. This profound and fascinating exhibition will be on display from September 14 to November 24, 2024, at the Pasquart Cultural Center in Biel. Baumgartner, previously featured as part of the Prix Photoforum, now presents the culmination of her long-term project.

“How like a leaf I am” is a comprehensive exhibition project that examines the complex relationships between humans and plant life. Its goal is to highlight our collective responsibility for the protection and preservation of agrobiodiversity. The exhibition is a collaboration between Alexandra Baumgartner and the Seed Carriers collective, known for their interdisciplinary approaches and artistic interventions.

Alexandra Baumgartner combines a documentary approach with artistic interventions to create a reflective and explorative space. The scenography invites visitors to intuitively and sensually explore the connection between humans and plants. Each room highlights specific aspects of the project, such as “Seed-Keeper’s Hands,” which showcases the hands and movements of those who care for and preserve seeds.

The accompanying program includes special events and partnerships that deepen and expand the exhibition's theme. This includes an intervention at the Botanical Garden of Bern, linking the two exhibitions and raising awareness of the importance of agrobiodiversity.

“How like a leaf I am” aims to promote awareness and appreciation for the role of plants in our ecosystem while highlighting the importance of seed diversity as a key to sustainable future solutions. The exhibition illuminates an important issue and marks a significant moment in Alexandra Baumgartner's artistic practice.

(Text: Amelie Schüle, Direktorin Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
9. Juni – 25. August 2024

Oro Verde - Ritual Inhabitual

Oro Verde ist eine Mythodokumentation, die die Geschichte der Revolution des Volkes der P’urhépecha in der zentralen Region des Bundesstaates Michoacán in Mexiko erzählt. Im Mittelpunkt des Projekts steht ein sozialer Aufstand, der von Frauen initiiert wurde, denen es gelang, eines der vielen gewalttätigen Drogenkartelle, die die mexikanische Avocadoindustrie übernehmen, aus Cherán zu vertreiben. Basierend auf dem Anspruch auf Selbstbestimmung indigener Völker, die den Umweltschutz in den Mittelpunkt ihrer politischen Organisation stellen, entwickelte Ritual Inhabitual eine Erzählung des Aufstands, indem es sich auf ein Ritual konzentriert, das die P’urhépecha mit den wilden Bienen der Wälder, die sie schützen, pflegen.

Die Arbeit des Kollektivs ehrt den mutigen Einsatz der P’urhépecha gegen ökologische Schäden und die Erosion ihrer Kultur. Sie fängt zudem die Essenz des Widerstands sowie den Mut zum Schutz ihres Erbes ein. "Oro Verde" entsteht aus dem Zusammenklang vielfältiger Stimmen, eingebettet in den unablässigen Widerstand von Cherán. Es ist eine vielschichtige Erzählung, die die Geschichte aus unterschiedlichen Blickwinkeln neu betrachtet und einen Dialog schafft, der Grenzen überschreitet.

Kurator: Sergio Valenzuela Escobedo

Die Ausstellung ist eine Co-production zwischen La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde est un mytho-documentaire qui retrace l’histoire de la révolution du peuple P’urhépecha dans la région centrale de l’État du Michoacán au Mexique. Le projet met l’accent sur une révolte sociale initiée par des femmes qui ont réussi à chasser un cartel de la drogue violent de Cherán, lequel faisait partie des nombreux groupes criminels qui prennent le contrôle de l’industrie de l’avocat au Mexique. Basé sur la revendication d’autodétermination des peuples indigènes qui placent la protection de l’environnement au centre de leur organisation politique, Ritual Inhabitual a élaboré un récit de la révolte en se concentrant sur un rituel que les P’urhépecha entretiennent avec les abeilles sauvages des forêts qu’il.elle.x.s protègent.

Le travail du collectif rend hommage à la position vaillante du peuple P’urhépecha contre les dommages écologiques et l'érosion de la culture, capturant l'essence de la défiance et la valeur de la protection de leur héritage. "Oro Verde" se déroule comme un chœur de voix diverses, sur fond de la lutte tenace de Cherán. C'est une histoire de multiples registres, réimaginant l'histoire à travers un prisme de perspectives et une conversation qui traverse les frontières.

Commissaire d’exposition: Sergio Valenzuela Escobedo

L'exposition est une coproduction entre La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde è un mitodocumentario che racconta la rivoluzione del popolo P'urhépecha nella regione centrale dello stato di Michoacán in Messico. Il progetto è incentrato su una rivolta sociale iniziata dalle donne che sono riuscite a cacciare da Cherán uno dei numerosi e violenti cartelli della droga che hanno preso il controllo dell'industria messicana dell'avocado. Basandosi sulla rivendicazione dell'autodeterminazione dei popoli indigeni che pongono la tutela dell'ambiente al centro della loro organizzazione politica, Ritual Inhabitual ha sviluppato una narrazione dell'insurrezione concentrandosi su un rituale che i P'urhépecha mantengono con le api selvatiche delle foreste che proteggono.

Il lavoro del collettivo rende onore al coraggioso impegno dei P'urhépecha contro i danni ecologici e l'erosione della loro cultura. Cattura anche l'essenza della resistenza e del coraggio di proteggere il loro patrimonio. "Oro Verde" emerge dall'armonia di più voci incorporate nell'implacabile resistenza di Cherán. È una narrazione a più livelli che rivisita la storia da diverse angolazioni e crea un dialogo che trascende i confini.

Curatore: Sergio Valenzuela Escobedo

La mostra è una coproduzione tra La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde is a mytho-documentary that traces the history of the revolution of the P’urhépecha people in the central region of the state of Michoacán in Mexico. The project focuses on a social revolt initiated by women who succeeded in driving out of Cherán one of the many violent drug cartels that are taking over Mexico’s avocado industry. Based on the claim to self-determination of indigenous peoples who place environmental protection at the center of their political organization, Ritual Inhabitual elaborated a narrative of the uprising by focusing on a ritual that the P’urhépecha maintain with the wild bees of the forests they protect.

The collective's work pays homage to the P’urhépecha people's valiant stance against ecological damage and the erosion of culture, capturing the essence of defiance and the valor of safeguarding their heritage.  "Oro Verde" unfolds as a chorus of diverse voices, set against the tenacious backdrop of Cherán's struggle. It is a story of multiple registers, reimagining history through a prism of perspectives and a conversation that crosses borders.

Curator: Sergio Valenzuela Escobedo

The exhibition is a co-production between La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Thun-Panorama
11. Mai – 1. Dezember 2024

Ausser Sicht
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im verglasten Ergänzungsbau des Thun-Panoramas arbeitet er mit dem Innen- wie auch mit dem Aussenraum, dem idyllischen Schadaupark. Eine raumgreifende Installation ermöglicht den Besuchenden ein Eintauchen in den Bildraum. Gleichzeitig erweitert sich das Werk im Dialog mit der Umgebung um eine weitere Dimension.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le bâtiment complémentaire vitré du panorama de Thoune, il travaille aussi bien avec l'espace intérieur qu'avec l'espace extérieur, le parc idyllique de Schadau. Une installation qui occupe tout l'espace permet aux visiteurs de s'immerger dans l'espace pictural. En même temps, l'œuvre s'élargit d'une autre dimension en dialoguant avec l'environnement.

Curatrice : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nell'estensione vetrata del Thun Panorama, Rogado lavorerà sia con lo spazio interno che con quello esterno, l'idilliaco Schadaupark. Un'ampia installazione permette ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico. Allo stesso tempo, l'opera si espande in un'altra dimensione in dialogo con l'ambiente circostante.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist with Italian-Spanish roots who combines the most diverse traditions of the painterly medium in his works and intensively explores the possibilities, limits and conditions of contemporary painting with the help of new tools, techniques and materials. In his almost 20 years of artistic activity as a painter, Rogado has created an extensive body of work that has never before been exhibited in an overview. He is also the first artist to exhibit at both locations, the Thunerhof and the Thun Panorama. On a total area of over 1000 m2, Rogado will respond directly to the specific challenges of the exhibition venues. In the glazed extension to the Thun Panorama, he works with both the interior and exterior space, the idyllic Schadaupark. An expansive installation allows visitors to immerse themselves in the pictorial space. At the same time, the work expands into another dimension in dialog with its surroundings.

Curator: Helen Hirsch, Director Kunstmuseum Thun

(Text: Kunstmuseum Thun)

Kunstmuseum Thun
11. Mai – 28. Juli 2024

All that you see
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im Thun-Panorama operiert der Künstler – wie seinerzeit dessen Erschaffer Marquard Wocher – vor allem in seinen gegenständlichen Arbeiten, mit illusionistischen Effekten und einer an die Fotografie angelehnten Abbildhaftigkeit. Die zweidimensionalen Werke werden durch monumentale Rauminstallationen ergänzt, die ein Eintauchen in den Bildraum ermöglichen und dadurch einen direkten Bezug zum historischen Panorama schaffen.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le panorama de Thoune, l'artiste - comme son créateur Marquard Wocher en son temps - opère surtout dans ses œuvres figuratives, avec des effets illusionnistes et une imagerie inspirée de la photographie. Les œuvres bidimensionnelles sont complétées par des installations spatiales monumentales qui permettent de s'immerger dans l'espace pictural et créent ainsi un lien direct avec le panorama historique.

Commissaire d'exposition : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

L'exposition est une collaboration avec la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nel Thun-Panorama, l'artista - come il suo creatore Marquard Wocher - opera principalmente nelle sue opere figurative, con effetti illusionistici e una qualità dell'immagine che ricorda la fotografia. Le opere bidimensionali sono completate da installazioni spaziali monumentali che permettono ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico e creare così un legame diretto con il panorama storico.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

La mostra è una collaborazione con la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist of Italian-Spanish descent who unites in his works a wide variety of painterly traditions while making use of new tools, techniques and materials to probe in-depth the possibilities, limits and conditions of contemporary painting. In his nearly twenty years as a painter, Rogado has produced an extensive body of work that has never before been presented in a survey exhibition. He is furthermore the first artist to be featured simultaneously at both the Thunerhof and Thun-Panorama. Across an area of over 1000 square metres, Rogado will respond directly to the specific challenges of each exhibition venue. At the Thun-Panorama, he will display primarily figurative works, following in the footsteps of the panorama’s painter, Marquard Wocher, by using illusionistic effects and a realistic style based on photography. Accompanying the two-dimensional works will be monumental installations that invite viewers to immerse themselves in the pictorial space, creating a direct link to the historical panorama.

Curation: Helen Hirsch, director Kunstmuseum Thun

The exhibition is a collaboration with the Kunsthalle Göppingen.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
4. Mai – 25. August 2024

Stammtisch
Collectif Le Salon & Guests
Pauline Aellen, Clément Ardin, Claude Baechtold, Lorie Bettiol, Julien Bono, Matthieu Croizier, Charles Frôté, Elise Gagnebin-de Bons, Geert Goiris, Lea Kunz, Lisa Lurati, Giona Mottura, Cécile Monnier, Alessia Olivieri, Antigoni Papantoni

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bieler Fototage stat.

"Stammtisch" von Collectif Le Salon und sieben Gastkünstlern erforscht die Symbolik traditioneller Begegnungsorte. In der Ausstellung steht ein runder Tisch im Mittelpunkt, der als Bühne für die Betrachtung des Stammtischs als Ort von Komfort und Kontroverse dient. Die Installation, die im Rahmen der Bieler Fototage lanciert wird, umfasst 15 Zeitungen, die das Konzet des Stammtisch aus verschiedenen künstlerischen Perspektiven interpretieren. Von gesellschaftlichen Beobachtungen des Eidgenössischen Departements des Innern bis hin zu den Reflexionen von Reiner Maria Rilke, Marie Curie und Pablo Escobar inspiriert.

Diese Zeitungen bieten Einblicke in den Stammtisch als Raum für intime Diskussionen, lebhafte Debatten und gemeinsame Erfahrungen. Die dynamische Darstellung regt die Besucher dazu an, über die komplexe Natur von Gemeinschaftsinteraktionen nachzudenken und die Rolle dieser Räume im gesellschaftlichen Diskurs zu hinterfragen. "Stammtisch" ist nicht nur eine Ausstellung; es ist eine anregende Reise in das Wesen von Gemeinschaft und menschlicher Verbindung durch die Linse der zeitgenössischen Fotografie.

Die Ausstellung "Stammtisch" geht über den Zeitraum der Bieler Fototage hinaus und wird durch eine Reihe von Veranstaltungen begleitet, die einen Dialog über Gemeinschaft, Zusammenarbeit und kollektive Identität im digitalen Zeitalter anregen.

"Stammtisch" (table des habitué.e.x.s) du Collectif Le Salon et de sept artistes invité.e.x.s explore la symbolique des lieux de rencontre traditionnels. Au cœur de l'exposition se trouve une table ronde, servant de scène pour examiner la Stammtisch en tant que lieu de confort et de controverse. L'installation, lancée dans le cadre des Journées photographiques de Bienne, comprend 15 journaux interprétant le concept de Stammtisch sous différentes perspectives artistiques. Inspirés des observations sociales du Département fédéral de l'intérieur aux réflexions de Reiner Maria Rilke, Marie Curie et Pablo Escobar.

Ces journaux offrent un regard sur le Stammtisch en tant que lieu de discussions intimes, de débats animés et d'expériences partagées. La présentation dynamique incite les visiteur.euse.x.s à réfléchir à la nature complexe des interactions communautaires et au rôle de ces espaces dans le discours sociétal. "Stammtisch" n'est pas seulement une exposition ; c'est un voyage stimulant dans la nature de la communauté et de la connexion humaine à travers l'objectif de la photographie contemporaine.

L'exposition "Stammtisch" va au-delà de la période des Journées photographiques de Bienne et est accompagnée d'une série d'événements qui encouragent le dialogue sur la communauté, la collaboration et l'identité collective à l'ère numérique.

"Stammtisch" del Collectif Le Salon e di sette artisti ospiti esplora il simbolismo dei luoghi di incontro tradizionali. La mostra è incentrata su un tavolo rotondo che funge da palcoscenico per la contemplazione del tavolo degli habitué come luogo di conforto e di controversia. L'installazione, lanciata nell'ambito dei Photo Days di Biel/Bienne, comprende 15 giornali che interpretano il concetto di tavolo degli habitué da diverse prospettive artistiche. Dalle osservazioni sociali del Dipartimento federale dell'Interno alle riflessioni ispirate da Reiner Maria Rilke, Marie Curie e Pablo Escobar.

Questi giornali offrono uno spaccato del tavolo degli habitué come spazio per discussioni intime, dibattiti vivaci ed esperienze condivise. L'esposizione dinamica incoraggia i visitatori a riflettere sulla natura complessa delle interazioni comunitarie e a interrogarsi sul ruolo di questi spazi nel discorso sociale. "Stammtisch" non è solo una mostra, ma un viaggio stimolante nella natura della comunità e delle connessioni umane attraverso l'obiettivo della fotografia contemporanea.

La mostra "Stammtisch" si estende oltre il Festival della Fotografia di Biel/Bienne e sarà accompagnata da una serie di eventi che stimolano un dialogo sulla comunità, la collaborazione e l'identità collettiva nell'era digitale.

"Stammtisch" by Collectif Le Salon and seven guest artists explores the symbolism of traditional meeting places. At the heart of the exhibition is a round table, serving as a stage to examine the Stammtisch as a place of comfort and controversy. The installation, launched as part of the Bieler Fototage, includes 15 newspapers interpreting the concept of Stammtisch from various artistic perspectives. Inspired by social observations from the Federal Department of the Interior to the reflections of Reiner Maria Rilke, Marie Curie, and Pablo Escobar.

These newspapers offer insights into the Stammtisch as a space for intimate discussions, lively debates, and shared experiences. The dynamic presentation encourages visitors to reflect on the complex nature of community interactions and the role of these spaces in societal discourse. "Stammtisch" is not just an exhibition; it is a thought-provoking journey into the nature of community and human connection through the lens of contemporary photography.

The "Stammtisch" exhibition extends beyond the Bieler Fototage period and is accompanied by a series of events that foster dialogue on community, collaboration, and collective identity in the digital age.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Musée jurassien des Arts | Moutier
17. März – 26. Mai 2024

Bernd Nicolaisen, Amedeo Baumgartner

Die Natur steht im Mittelpunkt des Schaffens von Bernd Nicolaisen und Amedeo Baumgartner. Die Ausstellung zeigt den einzigartigen Ansatz jedes dieser Berner Künstler, um sich mit diesem Thema zu befassen, das im Kontext der aktuellen Umweltkrisen von zentraler Bedeutung ist. Sie betont aber auch ihre Konvergenzen insbesondere die Aufmerksamkeit für die Nahaufnahme als Mikrokosmos in einem Dialog zwischen Nicolaisens Werken, die auf Fotografie basieren, und Baumgartners Gemälden.

Einzigartikeit
In der alten Villa, die das Museum beherbergt, wird den Künstler n je eine Etage zur Verfügung gestellt , wo man die Einzigartigkeit von Nicolaisens auf Fotografie basierenden Arbeiten und Baumgartners malerischen Forschungen vertiefen kann.

Bernd Nicolaisen nimmt grundlegende Elemente, Eis, tausendjähriges Holz oder Fels auf , oder reflektiert einen Kometen . Er arbeitet bei seinen Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten und achtet besonders auf die natürliche Lichtverteilung, ohne auf künstliche Beleuchtung oder Retusche zurückzugreifen . In Werken wie seinen Stratagram s versucht er jedoch , über die dokumentarische Spiegelung hinauszugehen, indem er vor Ort gefundene Mineralien und Pigmente verwendet, als Echo auf das, was sich in den Tiefen der Erde verbirgt.

Amedeo Baumgartner schöpft die Motive für seinen umfangreichen Zyklus Ex Natura aus seinen Wanderungen in der Natur. Er fotografiert einen Farn, einen Ast oder einen Felsen und verwendet diese Bilder dann als Vorbereitungsskizze n , die auf die Leinwand übertragen w erden. Er baut seine Bilder dann in einem komplexen Prozess malerisch auf , indem er Schichten von feinsten Pinselstrichen und Firnissen überlagert, wodurch die Farben von selbst Tiefe gewinnen. Seine Werke bewegen sich zwischen Hyperrealismus und poetischer Interpretation.

Der Künstler zeigt auch Werke aus seinem anderen Zyklus, Ex Cinema , die von Filmszenen inspiriert sind.

Konvergenzen
Der große Saal des Musée jurassien des Arts legt den Schwerpunkt auf die Konvergenzen zwischen den beiden Künstlern in Form eines Dialogs zwischen ihren Werken Das lebendige Wasser der Bäche, gemalt von Amedeo Baumgartner, antwortet auf das uralte Eis, fotografiert von Bernd Nicolaisen. Auf überraschende Weise harmoniert eine Blumenwiese oder ein Waldpfad des Ersteren mit Nahaufnahmen der tausendjährigen Bergpinienrinde des Letzteren.

Abgesehen von diesen formalen und thematischen Anklängen konvergieren beide Künstler durch ihren bedeutungsvollen Bildausschnitt. Weit entfernt von einem breiten Blickwinkel, der zur Ansicht einer Landschaft tendieren würde, konzentrieren sie sich auf das Detail . Jeder betrachtet diese Fragmente zudem als einen Mikrokosmos, der die Quintessenz der natürlichen Welt zusammenfasst, und hofft, auf diese Weise beim Betrachter Fragen über sein e Beziehung zur Natur zu wecken.

Schließlich spielt die Zeitlichkeit eine Rolle im Ansatz beide r Künstler .

Bernd Nicolaisen verbindet und konfrontiert Erdzyklen mit fotografischer Dauer. In seinen Aufnahmen verdichtet er die zeitliche Dimension von Überresten natürlicher Elemente die manchmal Zehntausende von Jahren alt sind. Auf diese Weise untersucht er die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz vor dem Hintergrund des Ausmaßes der Erdgeschichte.

Amedeo Baumgartner seinerseits integriert ebenfalls die Dimension der Zeit, indem er seine Gemälde als Ergebnis einer Verkettung von Erfahrungen und Ideen versteht, die er auf seiner Suche nach Motiven in der Natur erlebt. Ein Mosaik dieser Momente, die sich allmählich zusammenfügen, bildet das endgültige Bild.

La nature est au coeur des oeuvres de Bernd Nicolaisen, basées sur la photographie, et des toiles d’Amedeo Baumgartner. L'exposition présente l'approche singulière avec laquelle chacun de ces artistes bernois aborde ce thème crucial, à l'ère des enjeux écologiques actuels. Mais elle souligne aussi les convergences qui existent entre les démarches des deux créateurs, notamment leur attention au gros plan en tant que microcosme.

Singularités
Dans l’ancienne villa qui abrite le musée, un étage réservé à chacun permet d’approfondir la singularité des travaux de Nicolaisen, basée sur la photographie, et celle des recherches picturales de Baumgartner.

Bernd Nicolaisen capte des éléments fondamentaux et ancestraux, bois, glace ou roche millénaires, ou reflète librement une comète. Il travaille ses prises de vue avec de longs temps de pause et porte une attention particulière à la distribution naturelle de la lumière, n’ayant jamais recours à un éclairage artificiel ou à la retouche. Pourtant, dans des oeuvres telles que ses Stratagrams, il cherche à dépasser le reflet documentaire en utilisant des minéraux et des pigments trouvés sur place, en écho à ce qui se cache dans les profondeurs de la terre.

De son côté, Amedeo Baumgartner puise les motifs de son vaste cycle Ex Natura lors de ses randonnées dans la nature. Il photographie une fougère, un branchage, un rocher et utilise ensuite ces images comme esquisses préparatoires. Il construit ensuite ses images picturalement au fil d’un processus complexe. Il superpose des strates de coups de pinceau très fin et de vernis, afin que les couleurs acquièrent une profondeur par elles-mêmes. Ses oeuvres oscillent entre hyperréalisme et interprétation poétique.

L’artiste présente également des oeuvres de son autre cycle, Ex Cinema, inspirées par des scènes de films.

Convergences
La grande salle du musée met l’accent sur les convergences entre les deux artistes, sous la forme d’un dialogue entre leurs oeuvres. L’eau vive des ruisseaux peinte par Amedeo Baumgartner répond à la glace ancestrale photographiée par Bernd Nicolaisen. Un pré fleuri ou un sentier forestier du premier s’accorde de manière surprenante avec certains gros plans d’écorce de pins millénaires du second.

Au-delà de ces échos thématiques et formels, les deux artistes se rejoignent par leurs cadrages porteurs de sens. Loin d’un large point de vue qui tendrait vers le paysage, ils se concentrent sur le détail. Chacun considère en outre ces fragments comme un microcosme, synthétisant la quintessence

du monde naturel, et espère par ce biais éveiller un questionnement du spectateur sur le plan de son rapport à la nature.

Enfin, la temporalité traverse l’approche des deux artistes.

Bernd Nicolaisen associe et confronte cycles terrestres et durée photographique. Il condense dans ses prises de vue la dimension temporelle de vestiges d’éléments naturels – qui remontent parfois à des dizaines de milliers d’année. Il interroge ainsi le caractère éphémère de l’existence humaine à l’aune de l’étendue de l’histoire terrestre.

De son côté, Amedeo Baumgartner intègre également la dimension du temps en concevant ses peintures comme le résultat d’un enchaînement d’expériences et d’idées, vécues au fil de sa quête de motifs dans la nature. Le tableau final est fait d’une mosaïque de ces moments qui s’assemblent progressivement.

La natura è al centro del lavoro di Bernd Nicolaisen e Amedeo Baumgartner. La mostra mostra l'approccio unico di ciascuno di questi artisti bernesi a questo tema, di importanza centrale nel contesto delle attuali crisi ambientali. Ma evidenzia anche le loro convergenze, in particolare l'attenzione al primo piano come microcosmo in un dialogo tra le opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e i dipinti di Baumgartner.

Unicità
Nell'antica villa che ospita il museo, gli artisti hanno a disposizione un piano per esplorare l'unicità delle opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e della ricerca pittorica di Baumgartner.

Bernd Nicolaisen cattura elementi fondamentali, ghiaccio, legno o roccia millenaria, o riflette una cometa. Lavora con tempi di posa lenti e presta particolare attenzione alla distribuzione naturale della luce, senza ricorrere all'illuminazione artificiale o al ritocco. In opere come i suoi stratagrammi, tuttavia, cerca di andare oltre la riflessione documentaria utilizzando minerali e pigmenti trovati sul posto come eco di ciò che si nasconde nelle profondità della terra.

Amedeo Baumgartner trae i motivi del suo ampio ciclo Ex Natura dalle sue passeggiate nella natura. Fotografa una felce, un ramo o una roccia e utilizza queste immagini come schizzi preparatori da trasferire sulla tela. Poi costruisce i suoi quadri con un complesso processo pittorico, sovrapponendo strati di pennellate e vernici finissime, in modo che i colori acquistino profondità da soli. Le sue opere si muovono tra iperrealismo e interpretazione poetica.

L'artista espone anche opere del suo altro ciclo, Ex Cinema, ispirate a scene di film.

Convergenze
La grande sala del Musée jurassien des Arts si concentra sulle convergenze tra i due artisti sotto forma di dialogo tra le loro opere L'acqua viva dei ruscelli, dipinta da Amedeo Baumgartner, risponde al ghiaccio antico, fotografato da Bernd Nicolaisen. In modo sorprendente, un prato fiorito o un sentiero forestale del primo si armonizza con i primi piani della corteccia millenaria di pino mugo del secondo.

Oltre a questi echi formali e tematici, entrambi gli artisti convergono attraverso la loro significativa inquadratura. Lontani da una prospettiva ampia che tenderebbe a una visione paesaggistica, si concentrano sul dettaglio. Ognuno di loro vede questi frammenti come un microcosmo che riassume la quintessenza del mondo naturale, sperando in questo modo di risvegliare nello spettatore domande sul proprio rapporto con la natura.

Infine, la temporalità gioca un ruolo importante nell'approccio di entrambi gli artisti.

Bernd Nicolaisen combina e confronta i cicli della terra con la durata fotografica. Nelle sue fotografie condensa la dimensione temporale di resti di elementi naturali che a volte hanno decine di migliaia di anni. In questo modo, esamina la transitorietà dell'esistenza umana sullo sfondo della scala della storia della Terra.

Anche Amedeo Baumgartner, da parte sua, integra la dimensione del tempo intendendo i suoi dipinti come il risultato di una concatenazione di esperienze e idee che sperimenta nella sua ricerca di motivi nella natura. Un mosaico di questi momenti, che si uniscono gradualmente, forma l'immagine finale.

Nature is at the heart of the work of Bernd Nicolaisen and Amedeo Baumgartner. The exhibition demonstrates the unique approach of each of these Bernese artists to this theme, which is central in the context of current environmental crises. But it also emphasizes their convergences in particular the attention to the close-up as a microcosm in a dialogue between Nicolaisen's works based on photography and Baumgartner's paintings.

Uniqueness
In the old villa that houses the museum, the artists are each given a floor to explore the uniqueness of Nicolaisen's photography-based works and Baumgartner's painterly research.

Bernd Nicolaisen takes up basic elements, ice, millennial wood or rock, or reflects a comet . He works with slow shutter speeds and pays particular attention to the natural distribution of light, without resorting to artificial lighting or retouching. In works such as his Stratagram s, however, he tries to go beyond documentary reflection by using minerals and pigments found on site as an echo of what is hidden in the depths of the earth.

Amedeo Baumgartner draws the motifs for his extensive Ex Natura cycle from his walks in nature. He photographs a fern, a branch or a rock and then uses these images as preparatory sketches w hich are transferred to the canvas. He then builds up his visuals in a complex painterly process by superimposing layers of the finest brushstrokes and varnishes, allowing the colors to gain depth on their own. His works move between hyperrealism and poetic interpretation.

The artist is also showing works from his other cycle, Ex Cinema , which are inspired by film scenes.

Convergences
The large room of the Musée jurassien des Arts focuses on the convergences between the two artists in the form of a dialog between their works The living water of the streams, painted by Amedeo Baumgartner, responds to the ancient ice, photographed by Bernd Nicolaisen. In a surprising way, a flower meadow or a forest path by the former harmonizes with close-ups of the thousand-year-old mountain pine bark by the latter.

Apart from these formal and thematic echoes, both artists converge through their meaningful framing. Far from a broad perspective that would tend towards a view of a landscape, they focus on the detail . Each also sees these fragments as a microcosm that summarizes the quintessence of the natural world, hoping in this way to awaken questions in the viewer about their relationship with nature.

Finally, temporality plays a role in the approach of both artists.

Bernd Nicolaisen combines and confronts earth cycles with photographic duration. In his photographs, he condenses the temporal dimension of the remains of natural elements that are sometimes tens of thousands of years old. In this way, he examines the transience of human existence against the backdrop of the scale of the earth's history.

Amedeo Baumgartner, for his part, also integrates the dimension of time by understanding his paintings as the result of a concatenation of experiences and ideas that he encounters in his search for motifs in nature. A mosaic of these moments, which gradually come together, forms the final visual.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Kunsthaus Interlaken
10. März – 12. Mai 2024

Schwanden – Santa Monica – Fotografische Künstlerporträts vom 19. Jahrhundert bis heute

Kurt Blum, René Burri, Alexander Egger, Bernhard Giger, René Groebli, Peter von Gunten, Vera Isler, Yoshiko Kusano, Jean-Luc Meyssonnier, Ernst Scheidegger, Paul Senn, Michel Sima

Die Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert veränderte die Kunst sichtbar. Die Porträtfotografie löste die klassische Malerei bald ab und trug viel zur schnellen Verbreitung des neuen Mediums bei, das zunehmend auch Interesse bei Künstlerinnen und Künstlern fand.

Diese und ihre Ateliers rückten selbst bald in den Fokus der Fotografinnen und Fotografen und wurden zum Sujet. Die erhaltenen Aufnahmen geben uns spannende Einblicke in die Welt der Kunstwerkstätten und in die Arbeitsweise der Künstlerinnen und Künstler. Als einer der ersten hat der deutsche Fotograf Carl Teufel (1845−1912) systematisch Künstler und Künstlerinnen in ihren Ateliers fotografiert und insgesamt ab 1890 mehr als 300 Fotografien von Münchner Ateliers aufgenommen.

Vor und nach dem Zweiten Weltkrieg wurden Ateliers berühmter Künstlerinnen und Künstler zu wichtigen Motiven von Fotografinnen und Fotografen, die mit diesen Arbeiten eigenständige Kunst geschaffen und viel zur Anerkennung der Gattung als Kunstform beigetragen haben.

Die hohe Intensität dieser Werke, deren Sinnlichkeit und letztlich deren Qualität, entsprangen häufig einer engen Beziehung zwischen den Porträtierten und den Fotografinnen und Fotografen. Viele in dieser Ausstellung gezeigte Aufnahmen sind schöne Belege dafür.

Der französische Fotograf Michel Sima (1912−1987) etwa hatte eine sehr enge Verbindung zu Pablo Picasso, der ihn nach seiner Rückkehr aus dem Konzentrationslager Blechhammer nicht nur unterstützt hat, sondern ihn auch ermunterte, wieder zu fotografieren.

In der Folge fotografierte Michel Sima für Picasso sein Work in Progress.

Die aktuelle Ausstellung im Kunsthaus umfasst gegen 100 fotografische Porträts, meist schwarz-weiss Aufnahmen, aus den Ateliers von Künstlerinnen und Künstlern mit nationaler oder internationaler Bedeutung. Im Zentrum stehen Fotografien von Sima, der über mehrere Jahre fast alle wichtigen Künstler der Ecole de Paris in ihren Ateliers besucht und fotografiert hat. Von Sima sind Abzüge von Pablo Picasso und noch nie veröffentlichte Abzüge von Alberto Giacometti in Paris ausgestellt.

Der wiedergefundene Film Einundzwanzig (21 Schweizer Künstler, 1968) von Peter von Gunten

erweitert die Ausstellung hin zum gefilmten Künstlerporträt.

Schwanden−Santa Monica, der Titel der Ausstellung, ist sinnbildlich für die Vielfalt der Schau und nimmt Bezug auf die Aufnahmen von Paul Senn (1901−1953) im Atelier von Johann Peter Flück in Schwanden Anfang der 40er Jahre und auf jene von Kurt Blum (1922−2005) im Atelier von Sam Francis in Santa Monica im Jahr 1980.

Die Ausstellung verbindet Regionales mit Internationalem und umfasst Arbeiten von den Anfängen der Fotografie bis in die Gegenwart.

L'invention de la photographie au 19e siècle a visiblement changé l'art. La photographie de portrait a rapidement pris le relais de la peinture classique et a largement contribué à la diffusion rapide de ce nouveau média, qui a suscité un intérêt croissant chez les artistes.

Ces derniers et leurs ateliers se sont eux-mêmes rapidement retrouvés dans la ligne de mire des photographes et sont devenus des sujets. Les clichés conservés nous donnent un aperçu passionnant de l'univers des ateliers d'art et de la méthode de travail des artistes. Le photographe allemand Carl Teufel (1845-1912) a été l'un des premiers à photographier systématiquement les artistes dans leurs ateliers et a pris au total plus de 300 photographies d'ateliers munichois à partir de 1890.

Avant et après la Seconde Guerre mondiale, les ateliers d'artistes célèbres sont devenus des motifs importants pour les photographes qui, avec ces travaux, ont créé un art à part entière et ont largement contribué à la reconnaissance du genre en tant que forme d'art.

La grande intensité de ces œuvres, leur sensualité et, en fin de compte, leur qualité, sont souvent le fruit d'une relation étroite entre les sujets et les photographes. De nombreuses photos présentées dans cette exposition en sont de belles preuves.

Le photographe français Michel Sima (1912-1987), par exemple, avait une relation très étroite avec Pablo Picasso, qui non seulement l'a soutenu à son retour du camp de concentration de Blechhammer, mais l'a également encouragé à reprendre la photographie.

Par la suite, Michel Sima a photographié son Work in Progress pour Picasso.

L'exposition actuelle au Kunsthaus comprend près de 100 portraits photographiques, pour la plupart en noir et blanc, issus des ateliers d'artistes d'envergure nationale ou internationale. L'accent est mis sur les photographies de Sima qui, pendant plusieurs années, a rendu visite à presque tous les artistes importants de l'Ecole de Paris dans leurs ateliers et les a photographiés. Des tirages de Sima de Pablo Picasso et des tirages inédits d'Alberto Giacometti sont exposés à Paris.

Le film retrouvé de Peter von Gunten, Vingt-et-un (21 artistes suisses, 1968), permet d'élargir l'exposition.

Élargit l'exposition vers le portrait filmé d'artistes.

Schwanden-Santa Monica, le titre de l'exposition, est emblématique de la diversité de l'exposition et fait référence aux prises de vue de Paul Senn (1901-1953) dans l'atelier de Johann Peter Flück à Schwanden au début des années 40 et à celles de Kurt Blum (1922-2005) dans l'atelier de Sam Francis à Santa Monica en 1980.

L'exposition associe le régional et l'international et comprend des travaux allant des débuts de la photographie à nos jours.

L'invenzione della fotografia nel XIX secolo ha cambiato visibilmente l'arte. La fotografia di ritratto sostituì presto la pittura classica e contribuì notevolmente alla rapida diffusione del nuovo mezzo, che suscitò anche un crescente interesse da parte degli artisti.

Questi artisti e i loro studi divennero presto oggetto di attenzione da parte dei fotografi stessi e divennero soggetti. Le fotografie sopravvissute ci offrono un'affascinante visione del mondo degli studi artistici e dei metodi di lavoro degli artisti. Il fotografo tedesco Carl Teufel (1845-1912) fu uno dei primi a fotografare sistematicamente gli artisti nei loro studi e scattò più di 300 fotografie degli studi di Monaco a partire dal 1890.

Prima e dopo la Seconda guerra mondiale, gli studi di artisti famosi divennero motivi importanti per i fotografi, che con queste opere crearono un'arte indipendente e contribuirono notevolmente al riconoscimento del genere come forma d'arte.

L'alta intensità di queste opere, la loro sensualità e infine la loro qualità, erano spesso il risultato di una stretta relazione tra i soggetti e i fotografi. Molte delle fotografie esposte in questa mostra ne sono un ottimo esempio.

Il fotografo francese Michel Sima (1912-1987), ad esempio, ebbe un rapporto molto stretto con Pablo Picasso, che non solo lo sostenne dopo il suo ritorno dal campo di concentramento di Blechhammer, ma lo incoraggiò anche a riprendere a fotografare.

Michel Sima ha poi fotografato i suoi lavori in corso per Picasso.

L'attuale mostra al Kunsthaus comprende circa 100 ritratti fotografici, per lo più in bianco e nero, provenienti dagli studi di artisti di rilevanza nazionale o internazionale. Al centro ci sono le fotografie di Sima, che per diversi anni ha visitato e fotografato quasi tutti gli artisti importanti dell'Ecole de Paris nei loro studi. Le stampe di Sima di Pablo Picasso e le stampe mai pubblicate di Alberto Giacometti sono esposte a Parigi.

Il film riscoperto Einundzwanzig (21 artisti svizzeri, 1968) di Peter von Gunten

amplia la mostra con ritratti filmati di artisti.

Schwanden-Santa Monica, il titolo della mostra, simboleggia la diversità dell'esposizione e si riferisce alle fotografie scattate da Paul Senn (1901-1953) nello studio di Johann Peter Flück a Schwanden nei primi anni Quaranta e a quelle scattate da Kurt Blum (1922-2005) nello studio di Sam Francis a Santa Monica nel 1980.

La mostra combina il regionale con l'internazionale e comprende opere dagli inizi della fotografia fino ai giorni nostri.

The invention of photography in the 19th century visibly changed art. Portrait photography soon replaced classical painting and contributed greatly to the rapid spread of the new medium, which also attracted increasing interest from artists.

These artists and their studios soon became the focus of photographers themselves and became subjects. The surviving photographs give us exciting insights into the world of art workshops and the artists' working methods. The German photographer Carl Teufel (1845-1912) was one of the first to systematically photograph artists in their studios and took up more than 300 photographs of Munich studios from 1890 onwards.

Before and after the Second World War, the studios of famous artists became important motifs for photographers, who created independent art with these works and contributed greatly to the recognition of the genre as an art form.

The high intensity of these works, their sensuality and ultimately their quality, were often the result of a close relationship between the subjects and the photographers. Many of the photographs shown in this exhibition are fine examples of this.

The French photographer Michel Sima (1912-1987), for example, had a very close relationship with Pablo Picasso, who not only supported him after his return from the Blechhammer concentration camp, but also encouraged him to take photographs again.

Michel Sima subsequently photographed his work in progress for Picasso.

The current exhibition at the Kunsthaus comprises around 100 photographic portraits, mostly in black and white, from the studios of artists of national or international importance. The focus is on photographs by Sima, who visited and photographed almost all the important artists of the Ecole de Paris in their studios over several years. Sima's prints of Pablo Picasso and never before published prints of Alberto Giacometti are exhibited in Paris.

The rediscovered film Einundzwanzig (21 Swiss Artists, 1968) by Peter von Gunten

extends the exhibition to include filmed portraits of artists.

Schwanden-Santa Monica, the title of the exhibition, is emblematic of the diversity of the show and takes up the photographs taken by Paul Senn (1901-1953) in Johann Peter Flück's studio in Schwanden in the early 1940s and those taken by Kurt Blum (1922-2005) in Sam Francis' studio in Santa Monica in 1980.

The exhibition combines the regional with the international and includes works from the beginnings of photography to the present day.

(Text: Kunsthaus Interlaken)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
29. Februar – 14. April 2024

Shipwreck of Dreams
Emilio Nasser

"Die Menschen verbrachten Tage und Nächte an den Rändern des Sees und sehnten sich danach, das magische Schiff zu sehen und ihre Wünsche erfüllt zu bekommen", heisst es in einer vergessenen Legende.

Im Kern jeder Reise liegt die Suche nach einem Zuhause, einem Ort, an dem wir hingehören und wir selbst sein können. "Shipwreck of Dreams" erkundet diese universellen Themen durch das Prisma der Migration und die transformative Kraft der kollaborativen Fotografie.

Inspiriert von einem alten Schweizer Mythos über ein wunscherfüllendes Boot auf dem Genfersee, verwebt Nassers Projekt die Hoffnungen und Sehnsüchte der Migranten in der Schweiz. Die Ausstellung ist mehr als eine Schau von Bildern; sie ist eine tiefgründige Erzählung über das Finden des eigenen Platzes in einer sich ständig wandelnden Welt.

In der Schweiz, einem Land, das für seine sprachliche Vielfalt bekannt ist, erstreckt sich das Konzept des Zuhauses über physische Grenzen hinaus. Sich innerhalb dieser Nation zu bewegen, bedeutet oft, sich an eine neue Sprache und Kultur anzupassen, was den breiteren Kontext der Migration widerspiegelt. "Shipwreck of Dreams" resoniert mit dieser Erfahrung und zeigt, wie unser Gefühl von Zuhause durch unsere Lebenswege und Erfahrungen, sowohl wörtlich als auch metaphorisch, geformt und umgeformt wird.

Die 'Autonome Schule' in Zürich, eine Graswurzelbewegung, die sich inmitten der Auseinandersetzungen gegen strenge Asylgesetze entwickelt hat, dient als zentraler Punkt in dieser Erzählung. Ihre Geschichte von Widerstandsfähigkeit und Solidarität hebt die fortwährende Suche nach einem dauerhaften Raum der Freiheit und Zugehörigkeit hervor. Diese Schule, ein Zusammentreffen von Einheimischen und Migranten, spiegelt das vielfältige Gefüge unserer Gesellschaft wider und erinnert uns daran, dass jede Stimme zählt, besonders jene, die oft ungehört bleiben.

Emilio Nassers Arbeit ist ein Zeugnis für die Kraft der Zusammenarbeit in der zeitgenössischen Fotografie. Wir sehen, wie der Akt des Bilderschaffens eine gemeinsame Reise ist, bei der sich vielfältige Stimmen und Perspektiven kreuzen. Es erinnert uns daran, dass die fotografierte Person, der Fotograf und die Betrachter alle zum sich entfaltenden Narrativ in jedem Bild beitragen.

"Les gens passaient des jours et des nuits sur les bords du lac, aspirant à voir le bateau magique et à voir leurs vœux exaucés", dit une légende oubliée.

Au cœur de chaque voyage se trouve une quête de foyer, un lieu où nous appartenons et pouvons être nous-mêmes. Dans l'exposition captivante d'Emilio Nasser, "Shipwreck of Dreams", nous explorons ces thèmes universels à travers le prisme unique de la migration et la puissance transformatrice de la photographie collaborative.

Inspiré par un ancien mythe suisse d'un bateau exauçant les vœux sur le Lac Léman, le projet de Nasser tisse ensemble les espoirs et les aspirations des migrants en Suisse. L'exposition est plus qu'une vitrine d'images; c'est un récit profond sur la recherche de sa place dans un monde en constante évolution.

En Suisse, un pays connu pour sa diversité linguistique, le concept de foyer s'étend au-delà des frontières physiques. Se déplacer au sein de cette nation signifie souvent s'adapter à une nouvelle langue et culture, reflétant le contexte plus large de la migration. "Shipwreck of Dreams" résonne avec cette expérience, révélant comment notre sens du foyer est façonné et remodelé par nos parcours, à la fois littéraux et métaphoriques.

L'École Autonome de Zurich, un mouvement populaire né au milieu des défis contre les lois d'asile rigoureuses, sert de point central dans ce récit. Son histoire de résilience et de solidarité met en lumière la quête continue d'un espace permanent de liberté et d'appartenance. Cette école, un point de convergence entre locaux et migrants, reflète la trame diverse de notre société, nous rappelant que chaque voix compte, surtout celles qui sont souvent inentendues.

Le travail d'Emilio Nasser est un témoignage de la puissance de la collaboration en photographie contemporaine. Nous voyons comment l'acte de créer des images est un voyage partagé durant lequel plusieurs voix et perspectives se croisent. Cela nous rappelle que la personne photographiée, le photographe et les spectateurs contribuent tous au récit qui se déroule dans chaque image.

"La gente trascorreva giorni e notti ai bordi del lago, desiderosa di vedere la nave magica e di vedere esauditi i propri desideri", dice una leggenda dimenticata.

Al centro di ogni viaggio c'è la ricerca di una casa, un luogo a cui appartenere e dove poter essere se stessi. "Shipwreck of Dreams" esplora questi temi universali attraverso il prisma della migrazione e il potere trasformativo della fotografia collaborativa.

Ispirato a un vecchio mito svizzero su una barca che esaudisce i desideri sul lago di Ginevra, il progetto di Nasser intreccia le speranze e le aspirazioni dei migranti in Svizzera. La mostra è più di un'esposizione di immagini: è un racconto profondo sulla ricerca del proprio posto in un mondo in costante cambiamento.

In Svizzera, un Paese noto per la sua diversità linguistica, il concetto di casa va oltre i confini fisici. Spostarsi all'interno di questa nazione significa spesso adattarsi a una nuova lingua e cultura, riflettendo il contesto più ampio della migrazione. "Shipwreck of Dreams" risuona con questa esperienza e mostra come il nostro senso di casa sia plasmato e rimodellato dai nostri viaggi e dalle nostre esperienze di vita, sia letterali che metaforiche.

L'"Autonome Schule" di Zurigo, un movimento di base che si è sviluppato nel bel mezzo delle lotte contro le rigide leggi sull'asilo, funge da punto centrale di questa narrazione. La sua storia di resilienza e solidarietà sottolinea la continua ricerca di uno spazio permanente di libertà e appartenenza. Questa scuola, che riunisce nativi e migranti, riflette il tessuto eterogeneo della nostra società e ci ricorda che ogni voce conta, soprattutto quelle che spesso rimangono inascoltate.

Il lavoro di Emilio Nasser è una testimonianza del potere della collaborazione nella fotografia contemporanea. Vediamo come l'atto di creare immagini sia un viaggio condiviso in cui si incrociano più voci e prospettive. Ci ricorda che la persona fotografata, il fotografo e lo spettatore contribuiscono tutti alla narrazione che si svolge in ogni immagine.

“'People would spend days and nights at the lake margins, longing to see the magical ship and have their desires met', a forgotten legend once told."

At the heart of every journey lies a quest for home, a place where we belong and can be ourselves. "Shipwreck of Dreams," explores these universal themes through the lens of migration and the transformative power of collaborative photography.

Inspired by an ancient Swiss myth of a wish-fulfilling boat on Lake Geneva, Nasser's project weaves together the hopes and longings of migrants in Switzerland. The exhibition is more than a showcase of images; it is a profound narrative about finding one's place in a world that is constantly changing.

In Switzerland, a country known for its linguistic diversity, the concept of home extends beyond physical borders. Moving within this nation often means adapting to a new language and culture, mirroring the broader context of migration. "Shipwreck of Dreams" resonates with this experience, revealing how our sense of home is shaped and reshaped by our journeys, both literal and metaphorical.

The 'Autonomous School' in Zurich, a grassroots movement born amidst the struggles against stringent asylum laws, serves as a focal point in this narrative. Its story of resilience and solidarity highlights the ongoing quest for a permanent space of freedom and belonging. This school, a convergence of locals and migrants, reflects the diverse fabric of our society, reminding us that every voice matters, especially those that are often unheard.

Emilio Nasser's work is a testament to the power of collaboration in contemporary photography. We see how the act of creating images is a shared journey during which multiple voices and perspectives intersect. It reminds us that the person photographed, the photographer, and the viewers all contribute to the narrative that unfolds in each image.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Kunstmuseum Bern
23. Februar – 11. August 2024

Shooting Down Babylon
Tracey Rose

Das Kunstmuseum Bern präsentiert die bisher grösste Retrospektive des Werks von Tracey Rose. Die südafrikanische Künstlerin ist seit Mitte der 1990er-Jahre eine radikale Stimme in der internationalen Kunst. Im Zentrum ihrer Arbeiten stehen die Kraft der Performance und der Körper als Ort des Widerstands und des Diskurses.

Mit mehr als hundert Arbeiten zeigt das Kunstmuseum Bern die bisher grösste Retrospektive des Werks der südafrikanischen Performancekünstlerin Tracey Rose (*1974). In ihren Arbeiten setzt sie sich mit Themen wie Postkolonialismus, Geschlecht, Sexualität, Rassismus und Apartheid auseinander. Im Zentrum stehen dabei die Kraft der Performancekunst und des Körpers, der für Tracey Rose ein Ort des Protests, der Empörung, des Widerstands, des Diskurses aber auch der Heilung ist.

Ihre aufsehenerregende performative Praxis setzt die Künstlerin in verschiedenen Medien wie Video, Skulptur, Fotografie, Installation und Zeichnung um, wobei sie insbesondere zentrale Erfahrungen im Übergang zu einer postkolonialen Welt beleuchtet und kritisch kommentiert. Oft wird Roses Werk als absurd, anarchisch und karnevalesk beschrieben.

Shooting Down Babylon
Die Ausstellung im Kunstmuseum Bern verfolgt Roses Weg vom frühen Interesse an Identitätsfragen hin zur Ästhetik der Gewalt und einer Auseinandersetzung mit Heilungsprozessen und Ritualen. Sie zeigt Arbeiten aus den Jahren 1990 bis 2021. Darunter das Werk T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) aus der Sammlung des Kunstmuseum Bern, in der die Künstlerin seit 2001 vertreten ist.

Der Ausstellungstitel Shooting Down Babylon stammt von der gleichnamigen Installation, welche 2016 als Reaktion auf den Wahlsieg Donald Trumps entstand. Rose unterzog sich dabei Reinigungsritualen, die sie filmte und in einer physisch eindringlichen Videoskulptur wiedergibt. Als Auftakt der Ausstellung verdeutlicht dieses Werk, wie verwurzelt Tracey Roses Schaffen im Körperlichen, in der Wut und in der Suche nach Spiritualität ist.

Speziell für die aktuelle Ausstellung entstanden zehn neue Auftragsarbeiten, die Teil der fortlaufenden Serie der Mandela Balls sind. Basierend auf dem Gedicht Dream Deferred von Langston Hughes baut die Künstlerin dem Freiheitskämpfer Nelson Mandela insgesamt 95 Denkmäler – eines für jedes Lebensjahr. Mit diesen fragilen und zum Teil skurrilen Objekten fragt sie nach dem Vermächtnis, das von seinem hoffnungsvollen Aufbruch übriggeblieben ist.

Le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective de l'œuvre de Tracey Rose à ce jour. Depuis le milieu des années 1990, l'artiste sud-africaine est une voix radicale dans l'art international. La force de la performance et le corps comme lieu de résistance et de discours sont au cœur de son travail.

Avec plus d'une centaine d'œuvres, le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective à ce jour de l'œuvre de l'artiste de performance sud-africaine Tracey Rose (*1974). Dans ses travaux, elle aborde des thèmes tels que le postcolonialisme, le genre, la sexualité, le racisme et l'apartheid. La force de l'art de la performance et du corps, qui est pour Tracey Rose un lieu de protestation, d'indignation, de résistance, de discours mais aussi de guérison, est au centre de ses préoccupations.

L'artiste transpose sa pratique performative sensationnelle dans différents médias tels que la vidéo, la sculpture, la photographie, l'installation et le dessin, en mettant notamment en lumière et en commentant de manière critique les expériences centrales de la transition vers un monde postcolonial. L'œuvre de Rose est souvent décrite comme absurde, anarchique et carnavalesque.

Shooting Down Babylon

L'exposition du Kunstmuseum de Berne suit le parcours de Rose, de son intérêt précoce pour les questions d'identité à l'esthétique de la violence et à une réflexion sur les processus de guérison et les rituels. Elle présente des travaux datant de 1990 à 2021, dont l'œuvre T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) issue de la collection du Kunstmuseum de Berne, dans laquelle l'artiste est représentée depuis 2001.

Le titre de l'exposition Shooting Down Babylon provient de l'installation du même nom, créée en 2016 en réaction à la victoire électorale de Donald Trump. Rose s'est alors soumise à des rituels de purification qu'elle a filmés et reproduits dans une sculpture vidéo physiquement saisissante. En guise de prélude à l'exposition, cette œuvre illustre à quel point l'œuvre de Tracey Rose est enracinée dans le physique, la colère et la quête de spiritualité.

Dix nouvelles œuvres de commande, qui font partie de la série continue des Mandela Balls, ont été créées spécialement pour l'exposition actuelle. En se basant sur le poème Dream Deferred de Langston Hughes, l'artiste construit au total 95 monuments au combattant de la liberté Nelson Mandela - un pour chaque année de sa vie. Avec ces objets fragiles et parfois bizarres, elle s'interroge sur l'héritage qui subsiste de son départ plein d'espoir. 

Il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata di Tracey Rose. L'artista sudafricana è una voce radicale dell'arte internazionale dalla metà degli anni Novanta. Il suo lavoro è incentrato sul potere della performance e sul corpo come sito di resistenza e discorso.

Con oltre cento opere, il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata sull'opera della performance artist sudafricana Tracey Rose (*1974). Nelle sue opere l'artista esplora temi come il post-colonialismo, il genere, la sessualità, il razzismo e l'apartheid. Al centro di tutto ciò ci sono il potere della performance art e il corpo, che per Tracey Rose è un luogo di protesta, indignazione, resistenza, discorso e guarigione.

L'artista realizza la sua sensazionale pratica performativa in vari media come il video, la scultura, la fotografia, l'installazione e il disegno, con cui illumina e commenta criticamente in particolare le esperienze centrali nella transizione verso un mondo post-coloniale. Il lavoro di Rose è spesso descritto come assurdo, anarchico e carnevalesco.

Abbattere Babilonia
La mostra al Kunstmuseum di Berna ripercorre il percorso di Rose da un iniziale interesse per le questioni di identità all'estetica della violenza e all'esame dei processi e dei rituali di guarigione. Sono esposte opere dal 1990 al 2021, tra cui l'opera T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) della collezione del Kunstmuseum Bern, dove l'artista è rappresentato dal 2001.

Il titolo della mostra Shooting Down Babylon deriva dall'omonima installazione realizzata nel 2016 in risposta alla vittoria elettorale di Donald Trump. Rose si è sottoposta a rituali di purificazione, che ha filmato e riprodotto in una scultura video fisicamente ossessionante. Come preludio alla mostra, quest'opera illustra quanto il lavoro di Tracey Rose sia radicato nel fisico, nella rabbia e nella ricerca della spiritualità.

Dieci nuove opere commissionate sono state create appositamente per la mostra in corso e fanno parte della serie Mandela Balls. Basandosi sulla poesia Dream Deferred di Langston Hughes, l'artista ha costruito un totale di 95 monumenti al combattente per la libertà Nelson Mandela, uno per ogni anno della sua vita. Con questi oggetti fragili e talvolta bizzarri, l'artista si interroga sull'eredità che rimane della sua partenza piena di speranza.

The Kunstmuseum Bern is presenting the largest retrospective of Tracey Rose's work to date. The South African artist has been a radical voice in international art since the mid-1990s. Her works focus on the power of performance and the body as a site of resistance and discourse.

With more than one hundred works, the Kunstmuseum Bern is showing the largest retrospective to date of the work of South African performance artist Tracey Rose (*1974). In her works, she explores themes such as post-colonialism, gender, sexuality, racism and apartheid. The focus is on the power of performance art and the body, which for Tracey Rose is a place of protest, outrage, resistance, discourse and healing.

The artist realizes her sensational performative practice in various media such as video, sculpture, photography, installation and drawing, whereby she particularly illuminates and critically comments on central experiences in the transition to a post-colonial world. Rose's work is often described as absurd, anarchic and carnivalesque.

Shooting Down Babylon
The exhibition at the Kunstmuseum Bern traces Rose's path from an early interest in questions of identity to the aesthetics of violence and an examination of healing processes and rituals. It shows works from the years 1990 to 2021, including the work T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) from the collection of the Kunstmuseum Bern, where the artist has been represented since 2001.

The exhibition title Shooting Down Babylon comes from the installation of the same name, which was created in 2016 in response to Donald Trump's election victory. Rose underwent cleansing rituals, which she filmed and reproduced in a physically haunting video sculpture. As a prelude to the exhibition, this work illustrates how rooted Tracey Rose's work is in the physical, in anger and in the search for spirituality.

Ten new commissioned works were created especially for the current exhibition and form part of the ongoing Mandela Balls series. Based on the poem Dream Deferred by Langston Hughes, the artist has built a total of 95 monuments to the freedom fighter Nelson Mandela - one for each year of his life. With these fragile and sometimes bizarre objects, she questions the legacy that remains of his hopeful departure.

(Text: Kunstmuseum Bern)

Kunstmuseum Thun
10. Februar – 21. April 2024

Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung

Landidylle, Stadtromantik, Stille, pulsierender Alltag und das Fliessen zwischen den beiden Lebenswelten. Mit der Ausstellung Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung untersucht das Kunstmuseum Thun das Spannungsverhältnis zwischen ländlicher Herkunft und städtischem Lebensraum in Gustav Stettlers Werk. Dieses wird im Kontext von Sammlungsbeständen gezeigt, die sich ebenfalls mit Urbanität und Natur auseinandersetzen und die Besucher:inner zur eigenen Reflexion auffordern.

1913 im Bernischen Oberdiessbach geboren und 2005 in Basel verstorben, war Gustav Stettler ein von einer ländlichen Kindheit und Jugend geprägter Städter. Themen wie Anonymität und zwischenmenschliche Entfremdung zogen sich durch sein Schaffen, aber auch das Zusammenkommen von Menschen, auf der Strasse, in Galerien, in kleinen und grossen Gruppen. Im Kontrast dazu schuf Stettler Darstellungen von Natur und Landschaften.

Stadt – Land - Fluss befasst sich mit dem vielseitigen künstlerischen Wirken des Schweizer Malers und untersucht die Synergie zwischen Stadt und Land. So werden Stettlers Arbeiten von einer thematischen Auswahl an Sammlungswerken des Kunstmuseums Thun flankiert. Diese stammen von Kunstschaffenden, die zwischen dem städtischen Ambiente und der ländlichen Umgebung navigieren. Wie beispielsweise dem Thuner Künstler Michael Streun, der sagt: «Auf dem Land erhole ich mich körperlich und geistig, komme zur Entspannung». Inspiration dagegen hole er sich mit Vorliebe in der Stadt – «alles, was nicht schön ist, inspiriert mich». Oder der in Bern und Leipzig lebenden Künstlerin Zora Berweger, die die Natur als ihre Inspirationsquelle nennt, während «in der Stadt jederzeit alle benötigten Materialien und Dienstleistungen verfügbar sind».

Diese und weitere Gedanken zum wortwörtlichen Stadt-Land-Fluss der Menschen, werden die von Kunstmuseums-Direktorin Helen Hirsch kuratierte Ausstellung (kuratorische Assistenz: Astrid Sedlmeier) ergänzen. Und auch die Besucher:innen dazu anregen, sich Gedanken zu ihrem eigenen Verhältnis zum urbanen beziehungsweise ländlichen Raum zu machen. Stadt – Land - Fluss entsteht in Kooperation mit dem Kunst Raum Riehen, wo Stettler im Herbst 2023 als Porträtist der Stadt und ihren Menschen im Zentrum stand.

Neben Gustav Stettler zeigt das Kunstmuseum Thun Sammlungswerke folgender Künstler:innen: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Les promenades dans la campagne et le romantisme de la ville, le calme et l’animation - et le flux dans lequel ces deux espaces de vie se rejoignent. Avec l’exposition intitulée Ville - campagne - confluences. Gustav Stettler en dialogue avec la Collection, le Kunstmuseum Thun explore la tension entre l’origine rurale et l’espace de vie urbain dans les créations de Gustav Stettler. Celles-ci sont exposées aux côtés d’œuvres de la Collection du Musée qui se penchent elles aussi sur l’urbanité et la nature, et invitent les spectatrices et les spectateurs à se livrer à leurs propres réflexions.

Né en 1913 à Oberdiessbach, dans le canton de Berne, et décédé en 2005 à Bâle, Gustav Stettler était un citadin, mais il était également marqué par son enfance et son adolescence à la campagne. Des thèmes tels que l’anonymat et l’éloignement des individus, mais aussi leur rencontre, que ce soit dans la rue, dans des galeries, en petits et en grands groupes, apparaissent constamment dans ses œuvres. Parallèlement à ces vues urbaines, Gustav Stettler a créé des représentations de la nature et de paysages.

L’exposition Ville - campagne - confluences est consacrée à l’activité créatrice variée de l’artiste suisse et explore la synergie entre la ville et la campagne. Les travaux de Gustav Stettler sont accompagnés d’une sélection thématique des œuvres de la Collection du Kunstmuseum Thun. Celles-ci ont été créées par des artistes qui oscillent entre l’atmosphère urbaine et l’environnement rural. À cet égard, on peut par exemple citer les propos de l’artiste thounois Michael Streun : « À la campagne, je me repose physiquement et spirituellement, je parviens à me détendre ». En revanche, c’est en ville qu’il déclare puiser de préférence son inspiration : « tout ce qui n’est pas beau m’inspire ». On peut également évoquer l’artiste Zora Berweger, qui vit à Berne et à Leipzig, et qui trouve dans la nature sa source d’inspiration, même si « en ville, tous les matériaux et tous les services nécessaires sont disponibles à tout moment ».

Ces réflexions, et d’autres encore, sur (pour coller au titre) les confluences-campagne-ville qui caractérisent l’être humain viennent compléter l’exposition organisée par la directrice du Kunstmuseum Thun, Helen Hirsch (assistante curatrice : Astrid Sedlmeier). Elles inciteront également les visiteuses et les visiteurs à méditer sur leur propre rapport au milieu urbain et à l’espace rural. Ville - campagne - confluences a vu le jour dans le cadre d‘une coopération avec le Kunst Raum Riehen, où Gustav Stettler a occupé, à l’automne 2023, une place centrale en tant que portraitiste de la ville et de ses habitants.

Aux côtés des travaux de Gustav Stettler, le Kunstmuseum Thun présente des œuvres de sa Collection, créées par les artistes suivants : Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Idillio di campagna, romanticismo di città, tranquillità, vita quotidiana pulsante e flusso tra i due mondi. Con la mostra Città - campagna - fiume. Gustav Stettler in dialogo con la collezione, il Kunstmuseum Thun esplora il rapporto teso tra origini rurali e spazio vitale urbano nell'opera di Gustav Stettler. L'opera è presentata nel contesto della collezione, che si occupa anche di urbanità e natura e invita i visitatori a riflettere sulla propria.

Nato a Oberdiessbach a Berna nel 1913 e deceduto a Basilea nel 2005, Gustav Stettler era un abitante della città caratterizzato da un'infanzia e una giovinezza rurale. Temi come l'anonimato e l'alienazione interpersonale attraversano la sua opera, ma anche l'incontro tra le persone, per strada, nelle gallerie, in piccoli e grandi gruppi. Al contrario, Stettler ha creato rappresentazioni della natura e dei paesaggi.

City - Country - River esamina la poliedrica opera artistica del pittore svizzero ed esplora la sinergia tra città e campagna. Le opere di Stettler sono affiancate da una selezione tematica di lavori della collezione del Kunstmuseum Thun. Queste provengono da artisti che si muovono tra l'ambiente urbano e quello rurale. Come l'artista di Thun Michael Streun, che afferma: "In campagna mi ricarico fisicamente e mentalmente e trovo relax". Al contrario, preferisce trovare ispirazione in città: "Tutto ciò che non è bello mi ispira". Oppure l'artista Zora Berweger, che vive a Berna e a Lipsia e cita la natura come fonte di ispirazione, mentre "tutti i materiali e i servizi di cui ho bisogno sono sempre disponibili in città".

Queste e altre riflessioni sul letterale flusso urbano-rurale delle persone completeranno la mostra curata dalla direttrice del Kunstmuseum Helen Hirsch (assistenza curatoriale: Astrid Sedlmeier). Inoltre, incoraggerà i visitatori a riflettere sul proprio rapporto con gli spazi urbani e rurali. Stadt - Land - Fluss è stata realizzata in collaborazione con Kunst Raum Riehen, dove Stettler è stato protagonista di un ritratto della città e della sua gente nell'autunno del 2023.

Oltre a Gustav Stettler, il Kunstmuseum Thun presenta opere dei seguenti artisti: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Country idyll, city romance, tranquillity, pulsating everyday life and the flow between the two worlds. With the exhibition Stadt - Land - Fluss. Gustav Stettler in Dialogue with the Collection, the Kunstmuseum Thun explores the tense relationship between rural origins and urban living space in Gustav Stettler's work. This is shown in the context of the collection's holdings, which also deal with urbanity and nature and invite visitors to reflect on their own.

Born in Oberdiessbach in Bern in 1913 and deceased in Basel in 2005, Gustav Stettler was a city dweller shaped by a rural childhood and youth. Themes such as anonymity and interpersonal alienation ran through his work, but also the coming together of people, on the street, in galleries, in small and large groups. In contrast, Stettler created depictions of nature and landscapes.

City - Country - River examines the Swiss painter's multifaceted artistic work and explores the synergy between city and country. Stettler's works are flanked by a thematic selection of works from the Kunstmuseum Thun collection. These come from artists who navigate between the urban ambience and the rural surroundings. Such as the Thun artist Michael Streun, who says: "In the countryside, I recover physically and mentally, I find relaxation". By contrast, he prefers to find inspiration in the city - "anything that isn't beautiful inspires me". Or the artist Zora Berweger, who lives in Bern and Leipzig and cites nature as her source of inspiration, while "all the materials and services I need are always available in the city".

These and other thoughts on the literal urban-rural flow of people will complement the exhibition curated by Kunstmuseum Director Helen Hirsch (curatorial assistance: Astrid Sedlmeier). It will also encourage visitors to reflect on their own relationship to urban and rural spaces. Stadt - Land - Fluss is being created in cooperation with Kunst Raum Riehen, where Stettler was the focus in autumn 2023 as a portraitist of the city and its people.

In addition to Gustav Stettler, the Kunstmuseum Thun is showing works by the following artists: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Studio Naegeli | Gstaad
21. Dezember 2023 – 15. März 2024

On the move
Hannes Schmid, Mikhail Romadin

Nach den weihnachtlichen Preview-Tagen zeigen wir, wie Schmids "American Myth" Cowboys langsam und gentlemanlike den neuen weiblichen Helden von heute weichen, und die "Poets" aus Romadins Leinwänden treten in einen gleichberechtigten Dialog mit seinen "Beauties" aus dem Jahr 2000.

Die Ausstellung zeigt Hannes Schmids Fotografien aus den Serien "Missing Marylin", "El Matador" sowie Aufnahmen von seinen faszinierenden Reisen von Bolivien bis in die Mongolei, Mikhail Romadins zwei ikonische Diptychen "The Beauties" und "The Artists", seine Aquarelle aus Indien, Nepal und den USA sowie Buchillustrationen, die das Bekenntnis zur ewigen Fortbewegung unterstreichen.

Hannes Schmid und Mikhail Romadin teilen beide ihr Interesse an visueller Anthropologie. Nach den Prinzipien der "teilnehmenden Beobachtung" steht hinter jedem Kunstwerk eine eigene Geschichte, die die Künstler mit ihren Protagonisten erleben. "Es genügte mir nicht, eine Geschichte nur zu erleben, ich musste sie auch leben", sagt Hannes Schmid. Mikhail Romadin wandte eine ähnliche Methode an, er malte meist vor Ort und lebte und illustrierte gleichzeitig den gegenwärtigen Moment.

So werden auch Schmids inszenierte Fotografien und Romadins Gemälde, in denen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verschwimmen, zur Dokumentation einer authentischen kulturellen Erfahrung. Dieser inszenierte narrativ-konzeptionelle Ansatz Schmids steht ganz im Zeichen des postmodernen Diskurses über die Authentizität des Fakes und die Originalität der Kopie (Matthias Frehner). Die Detaildichte in Romadins Werk ist beeindruckend, und der Betrachter wird dazu verleitet, jedes Stück einzeln zu betrachten, aber dieser Realismus ist auch trügerisch. Romadin erreicht dies mit einer filmischen Herangehensweise, indem er Nahaufnahmen, ausdrucksstarke Blickwinkel und die Illusion einer filmischen Kompositionsdynamik einsetzt.

Andrej Tarkowskij über Michail Romadin: "Seine (Michail Romadins) schöpferischen Prinzipien verstellen uns nicht den Blick auf die einfachen und entscheidenden Verbindungen zur Realität. Sie sind jedoch nicht so fiktiv, dass wir in diesen Prinzipien nicht eine Tendenz zu einer fruchtbaren emotionalen Dynamik erkennen könnten, die in seinen kreativen Prozess einfliesst".

Matthias Frehner, Kurator der Einzelausstellung von Hannes Schmid im Kunstmuseum Bern, schreibt: "Wenn er (Hannes Schmid) als Fotograf Mitglied einer spezifischen Gruppe und ästhetischen Gemeinschaft wird, bleibt er dabei immer noch Hannes Schmid, der sich an seine eigene ästhetische Vision hält. (...) Die quasiethnologischen Bilder, die so entstehen, sind weder Schnappschüsse noch radikale Inszenierungen. Sie sind vielmehr situative Arrangements von Realitat im entscheidenden Augenblick, am richtigen Ort, mit den richtigen Objekten und Menschen".

Après les journées d'avant-première de Noël, nous montrons comment les cow-boys du "mythe américain" de Schmid cèdent lentement et en gentleman aux nouveaux héros féminins d'aujourd'hui, et les "poètes" des toiles de Romadin entament un dialogue d'égal à égal avec ses "beautés" de l'an 2000.

L'exposition présente les photographies de Hannes Schmid issues des séries "Missing Marylin", "El Matador" ainsi que des clichés de ses fascinants voyages de la Bolivie à la Mongolie, les deux diptyques iconiques de Mikhail Romadin "The Beauties" et "The Artists", ses aquarelles d'Inde, du Népal et des États-Unis ainsi que des illustrations de livres qui soulignent son attachement à la locomotion éternelle.

Hannes Schmid et Mikhail Romadin partagent tous deux leur intérêt pour l'anthropologie visuelle. Selon les principes de "l'observation participante", il y a derrière chaque œuvre d'art une histoire propre que les artistes vivent avec leurs protagonistes. "Il ne me suffisait pas de vivre une histoire, je devais aussi la vivre", explique Hannes Schmid. Mikhail Romadin a utilisé une méthode similaire, il a généralement peint sur place, vivant et illustrant en même temps le moment présent.

Ainsi, les photographies mises en scène de Schmid et les peintures de Romadin, dans lesquelles les frontières entre fiction et réalité s'estompent, deviennent elles aussi la documentation d'une expérience culturelle authentique. Cette approche narrative et conceptuelle mise en scène de Schmid s'inscrit pleinement dans le discours postmoderne sur l'authenticité du faux et l'originalité de la copie (Matthias Frehner). La densité des détails dans l'œuvre de Romadin est impressionnante et le spectateur est amené à observer chaque pièce individuellement, mais ce réalisme est également trompeur. Romadin y parvient par une approche cinématographique, en utilisant des gros plans, des angles de vue expressifs et l'illusion d'une dynamique de composition cinématographique.

Andreï Tarkovski à propos de Mikhaïl Romadin : "Ses (Mikhaïl Romadin) principes créatifs ne nous empêchent pas de voir les liens simples et décisifs avec la réalité. Mais ils ne sont pas fictifs au point que nous ne puissions pas reconnaître dans ces principes une tendance à une dynamique émotionnelle féconde, qui s'inscrit dans son processus créatif".

Matthias Frehner, commissaire de l'exposition individuelle de Hannes Schmid au Kunstmuseum de Berne, écrit : "S'il (Hannes Schmid) devient, en tant que photographe, membre d'un groupe et d'une communauté esthétique spécifiques, il n'en reste pas moins Hannes Schmid, qui s'en tient à sa propre vision esthétique. (...) Les visuels quasi-ethnologiques qui en résultent ne sont ni des instantanés ni des mises en scène radicales. Elles sont plutôt des arrangements situationnels de la réalité au moment décisif, au bon endroit, avec les bons objets et les bonnes personnes".

Dopo i giorni di anteprima natalizia, mostriamo come i cowboy del "Mito Americano" di Schmid cedono lentamente e gentilmente il passo ai nuovi eroi femminili di oggi, e i "Poeti" delle tele di Romadin entrano in dialogo alla pari con le sue "Bellezze" del 2000.

La mostra presenta le fotografie di Hannes Schmid della serie "Missing Marylin", "El Matador" e le fotografie dei suoi affascinanti viaggi dalla Bolivia alla Mongolia, i due iconici dittici di Mikhail Romadin "The Beauties" e "The Artists", i suoi acquerelli dall'India, dal Nepal e dagli Stati Uniti e le illustrazioni di libri che sottolineano il suo impegno per il moto perpetuo.

Hannes Schmid e Mikhail Romadin condividono l'interesse per l'antropologia visiva. Secondo i principi dell'"osservazione partecipante", ogni opera d'arte ha una sua storia che gli artisti vivono con i loro protagonisti. "Per me non era sufficiente vivere una storia, dovevo anche viverla", dice Hannes Schmid. Mikhail Romadin utilizzava un metodo simile; di solito dipingeva sul posto, vivendo e illustrando il momento presente allo stesso tempo.

Le fotografie di Schmid e i dipinti di Romadin, in cui i confini tra finzione e realtà si confondono, diventano così la documentazione di un'autentica esperienza culturale. L'approccio narrativo-concettuale di Schmid è perfettamente in linea con il discorso postmoderno sull'autenticità del falso e sull'originalità della copia (Matthias Frehner). La densità dei dettagli nel lavoro di Romadin è impressionante e lo spettatore è tentato di guardare ogni singolo pezzo, ma questo realismo è anche ingannevole. Romadin ottiene questo risultato con un approccio cinematografico, utilizzando primi piani, angolazioni espressive e l'illusione di dinamiche compositive cinematografiche.

Andrei Tarkovsky su Mikhail Romadin: "I suoi principi creativi (di Mikhail Romadin) non oscurano la nostra visione delle connessioni semplici e decisive con la realtà. Tuttavia, non sono così fittizi da non poter riconoscere in questi principi una tendenza verso una fruttuosa dinamica emotiva che confluisce nel suo processo creativo".

Matthias Frehner, curatore della mostra personale di Hannes Schmid al Kunstmuseum di Berna, scrive: "Anche quando Hannes Schmid, come fotografo, diventa membro di un gruppo specifico e di una comunità estetica, rimane sempre Hannes Schmid, che aderisce alla propria visione estetica. (...) Le immagini quasi-etnologiche che emergono in questo modo non sono né istantanee né messe in scena radicali. Sono piuttosto disposizioni situazionali della realtà nel momento decisivo, nel posto giusto, con gli oggetti e le persone giuste.

After the Christmas preview days, we show how Schmid's "American Myth" cowboys slowly and gentlemanly give way to the new female heroes of today, and the "Poets" from Romadin's canvases enter into an equal dialog with his "Beauties" from the year 2000.

The exhibition shows Hannes Schmid's photographs from the series "Missing Marylin", "El Matador" as well as photographs from his fascinating travels from Bolivia to Mongolia, Mikhail Romadin's two iconic diptychs "The Beauties" and "The Artists", his watercolors from India, Nepal and the USA as well as book illustrations that underline his commitment to eternal locomotion.

Hannes Schmid and Mikhail Romadin both share an interest in visual anthropology. According to the principles of "participant observation", behind each work of art there is a separate story that the artists experience with their protagonists. "It wasn't enough for me to just experience a story, I also had to live it," says Hannes Schmid. Mikhail Romadin used a similar method; he usually painted on location, living and illustrating the present moment at the same time.

Schmid's staged photographs and Romadin's paintings, in which the boundaries between fiction and reality are blurred, thus become documentation of an authentic cultural experience. Schmid's staged narrative-conceptual approach is very much in line with the postmodern discourse on the authenticity of the fake and the originality of the copy (Matthias Frehner). The density of detail in Romadin's work is impressive, and the viewer is tempted to look at each piece individually, but this realism is also deceptive. Romadin achieves this with a cinematic approach, using close-ups, expressive angles and the illusion of a cinematic compositional dynamic.

Andrei Tarkovsky on Mikhail Romadin: "His (Mikhail Romadin's) creative principles do not obscure our view of the simple and decisive connections to reality. However, they are not so fictitious that we cannot recognize in these principles a tendency towards a fruitful emotional dynamic that flows into his creative process".

Matthias Frehner, curator of Hannes Schmid's solo exhibition at the Kunstmuseum Bern, writes: "When he (Hannes Schmid) becomes a member of a specific group and aesthetic community as a photographer, he still remains Hannes Schmid, adhering to his own aesthetic vision. (...) The quasi-ethnological visuals that emerge in this way are neither snapshots nor radical stagings. Rather, they are situational arrangements of reality at the decisive moment, in the right place, with the right objects and people.

(Text: Studio Naegeli, Gstaad)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne

3. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

Prix Photoforum 2023

Naara Bahler, Anna-Tia Buss, Jonas Feige, Laura Gauch, Laura Paloma, Mahmoud Khattab, Thomas Annaheim Lambert, Pablo Lerma, Mathilda Olmi, Mikko Rikala, Pedro Rodrigues

Photoforum ist stolz darauf, in der Gruppenausstellung Prix Photoforum 2023 die Arbeiten von elf herausragenden Kunstschaffenden zu präsentieren. Die Positionen beschäftigen sich mit den drängenden Problemen unserer Zeit. Gemeinsam erkunden und erweitern sie die Grenzen dessen, was Fotografie heute ist und sein kann.

Als vielfältige Gruppe von Kunstschaffenden präsentiert jede:r von ihnen eine eigene visuelle Sprache. Was sie gemeinsam haben, ist ihr kritischer Blick auf die Welt um uns herum. Sie nutzen das Medium der Fotografie, um gesellschaftliche Fragestellungen und aktuelle Probleme in der Welt zu hinterfragen. Gleichzeitig erforschen sie, wie sich diese Themen auf persönlicher Ebene auswirken, wobei sie zwischen lokaler, historischer, symbolischer, emotionaler und körperlicher Perspektive navigieren.

Die Teilnehmenden der Ausstellung wurden durch den jährlichen Open Call des Prix Photoforum ausgewählt. 130 Kunstschaffende aus allen Bereichen der Fotografie haben ihre Arbeiten eingereicht. Der Prix Photoforum ist bekannt für seine Offenheit gegenüber Kunstschaffenden aus allen Bereichen der Fotografie, unabhängig von Nationalität, Alter oder Karrierestufe. Unsere Jury, bestehend aus Daniel Blochwitz (freiberuflicher Kurator, Dozent, Publizist und Berater), Federica Chiocchetti (Direktorin Museum of Fine Arts Le Locle), Brigitte Lustenberger (Künstlerin, Fotohistorikerin, Vorstandsmitglied), Yann Mingard (Fotograf, Vorstandsmitglied) und Amélie Schüle (Direktorin Photoforum), die elf Positionen für die Ausstellung sowie die diesjährigen Preisträgerinnen Laura Gauch (1. Preis) und Naara Bahler (2. Preis) ausgewählt.

Le Photoforum est fier de présenter, dans l’exposition collective Prix Photoforum 2023, les œuvres de onze artistes exceptionnelles. Ces artistes abordent les problèmes pressants de notre époque et, ensemble, explorent et élargissent les limites de ce que la photographie est et peut être aujourd’hui.

En tant que groupe diversifié, chaque artiste présente son propre langage visuel. Ce qui les unit, c’est leur regard critique sur le monde qui nous entoure en utilisant le médium de la photographie pour remettre en question les problématiques sociétales et les enjeux actuels. Parallèlement, leurs projets explorent comment ces thèmes ont un impact au niveau personnel, en naviguant entre des perspectives locales, historiques, symboliques, émotionnelles et corporelles.

Les participantes à l'exposition ont été sélectionnés par le biais de l'appel ouvert annuel du Prix Photoforum. 130 artistes de tous horizons de la photographie ont soumis leurs œuvres. Le Prix Photoforum est reconnu pour son ouverture envers les artistes de tous horizons de la photographie, indépendamment de leur nationalité, de leur âge ou de leur stade de carrière. Notre jury, composé de Daniel Blochwitz (commissaire d'exposition indépendant, enseignant, écrivain et conseiller), Federica Chiocchetti (directrice du Musée des Beaux-Arts du Locle), Brigitte Lustenberger (artiste, historienne de la photographie, membre du comité), Yann Mingard (photographe, membre du comité) et Amélie Schüle (directrice du Photoforum), a sélectionné onze projets pour l'exposition ainsi que les lauréates de cette année, Laura Gauch (1er prix) et Naara Bahler (2e prix).

Photoforum è orgoglioso di presentare il lavoro di undici artisti di spicco nella mostra collettiva Prix Photoforum 2023. Le posizioni affrontano i problemi urgenti del nostro tempo. Insieme, esplorano ed espandono i confini di ciò che la fotografia è e può essere oggi.

Essendo un gruppo eterogeneo di artisti, ognuno di loro presenta un proprio linguaggio visivo. Ciò che li accomuna è la loro visione critica del mondo che ci circonda. Usano il mezzo fotografico per analizzare le questioni sociali e i problemi attuali del mondo. Allo stesso tempo, esplorano il modo in cui questi problemi si manifestano a livello personale, navigando tra prospettive locali, storiche, simboliche, emotive e fisiche.

I partecipanti alla mostra sono stati selezionati attraverso l'Open Call annuale del Prix Photoforum. 130 artisti di tutti i settori della fotografia hanno presentato le loro opere. Il Prix Photoforum è noto per la sua apertura agli artisti di tutti i settori della fotografia, indipendentemente dalla nazionalità, dall'età o dalla fase della carriera. La nostra giuria, composta da Daniel Blochwitz (curatore freelance, docente, pubblicista e consulente), Federica Chiocchetti (direttrice del Museo di Belle Arti di Le Locle), Brigitte Lustenberger (artista, storica della fotografia, membro del consiglio di amministrazione), Yann Mingard (fotografo, membro del consiglio di amministrazione) e Amélie Schüle (direttrice di Photoforum), ha selezionato le undici posizioni per la mostra e i vincitori del premio di quest'anno Laura Gauch (1° premio) e Naara Bahler (2° premio).

Photoforum is proud to present, in the group exhibition Prix Photoforum 2032, the works of eleven outstanding artists. These artists address the pressing issues of our time. Together, they explore and expand the boundaries of what photography is and can be today.

As a diverse group of artists, each of them presents their own visual language. What unites them is their critical view of the world around us. They use the medium of photography to question societal issues and current challenges in the world. At the same time, they explore how these themes impact on a personal level, navigating between local, historical, symbolic, emotional, and physical perspectives.

The participants in the exhibition were selected through the annual open call of Prix Photoforum. 130 artists from all areas of photography submitted their works. Prix Photoforum is known for its openness to artists from all fields of photography, regardless of nationality, age, or career stage. Our jury, consisting of Daniel Blochwitz (freelance curator, lecturer, writer, and consultant), Federica Chiocchetti (Director of the Museum of Fine Arts Le Locle), Brigitte Lustenberger (artist, photo historian, board member), Yann Mingard (photographer, board member), and Amelie Schüle (Director of Photoforum), selected eleven positions for the exhibition, as well as this year's awardees, Laura Gauch (1st prize) and Naara Bahler (2nd prize).

(Text: Amelie Schüle, Direktorin Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Zentrum Paul Klee | Bern
10. November 2023 - 25. Februar 2024

Montierte Welten
Hannah Höch

Die deutsche Künstlerin Hannah Höch gehört zu den Erfinder:innen des Gen-res der Collage. Die Ausstellung im Zentrum Paul Klee stellt diese Werkgat-tung, von Hannah Höch im Geist des Dadaismus auch Fotomontagen genannt, ins Zentrum – und zeigt diese im Dialog mit dem avantgardistischen Kino der 1920er-Jahre. Hannah Höch verstand das Medium Fotomontage als eng mit dem Film verwandt – als statische Filme auf Papier, die mit Hilfe von Schnitt und Komposition neue Blicke auf die Welt ermöglichen können. Erstmals geht eine Ausstellung Höchs Faszination für das damals neuartige Massen-medium Film nach und macht sichtbar, wie sich die Fotomontage als neuarti-ge, im Kern moderne Bildgattung im Spannungsfeld zwischen künstleri-schem Experiment, kommerzieller Verwertung und politischer Vereinnah-mung entwickelte.

L'artiste allemande Hannah Höch fait partie des inventeurs du genre du collage. L'exposition du Zentrum Paul Klee transmet ce type d'œuvre, également appelé photomontage par Hannah Höch dans l'esprit du dadaïsme, et le montre en dialogue avec le cinéma d'avant-garde des années 1920. Hannah Höch considérait le médium du photomontage comme étroitement apparenté au film - comme des films statiques sur papier qui, à l'aide du montage et de la composition, peuvent offrir de nouveaux regards sur le monde. Pour la première fois, une exposition retrace la fascination de Höch pour le nouveau média de masse qu'était le film à l'époque et montre comment le photomontage s'est développé en tant que nouveau genre d'image fondamentalement moderne, à la croisée de l'expérimentation artistique, de l'exploitation commerciale et de l'appropriation politique.

L'artista tedesca Hannah Höch è una delle inventrici del genere collage. La mostra al Zentrum Paul Klee si concentra su questo genere di lavoro, chiamato anche fotomontaggio da Hannah Höch nello spirito del dadaismo, e lo mostra in dialogo con il cinema d'avanguardia degli anni Venti. Per Hannah Höch il mezzo del fotomontaggio è strettamente legato al cinema, come film statici su carta che, con l'aiuto del montaggio e della composizione, possono fornire nuove visioni del mondo. Per la prima volta, una mostra esplora la fascinazione di Höch per l'allora nuovo mezzo di massa del cinema e rende visibile come il fotomontaggio si sia sviluppato come un nuovo genere di immagine essenzialmente moderno nel campo della tensione tra esperimento artistico, sfruttamento commerciale e appropriazione politica.

The German artist Hannah Höch is one of the inventors of the collage genre. The exhibition at the Zentrum Paul Klee focuses on this genre of works, also called photomontages by Hannah Höch in the spirit of Dadaism - and shows them in dialogue with the avant-garde cinema of the 1920s. Hannah Höch understood the medium of photomontage as closely related to film - as static films on paper that, with the help of editing and composition, could provide new views of the world. For the first time, an exhibition explores Höch's fascination with the then novel mass medium of film and makes visible how photomontage developed as a new, essentially modern genre of image in the field of tension between artistic experiment, commercial exploitation, and political appropriation.

(Text: Zentrum Paul Klee, Bern)

Musée jurassien des Arts | Moutier
1. - 29. Oktober 2023

REGARDS

Jean-Louis Steiner, Michel Beuret, Serge Voisard, Claude Gigandet, Dominique Ruch, René Eschen, Michèle Moser, Catherine Frei, Serge Büschi, Alain Saunier, Stéphanie Grava, Fabrice Calgaro, Muriel Schüpbach, Arnold Fleury, Danilo Corvaglia, Edmond Montavon, Alexandra Schaffter, Suzanne Houriet Grosjean, Anne-Marie Varrin, Laurent Schaffter, Philippe Wattenhofer, Lena Ruffieux, Riccardo Vandoni, Michel Cattin, Philippe Maurer, Antonio De Pascalis, Henri Kolzer

Anlässlich des 60-jährigen Bestehens des Photo Club Moutier veranstaltet das MJA die Jubiläumsausstellung "REGARDS".

Diese Gruppenausstellung umfasst fast 300 fotografische Aufnahmen, die von den 28 teilnehmenden Mitgliedern des Photo Club Moutier und Umgebung gemacht wurden.

Alle Räume des Museums werden bespielt. Der große Saal bietet den Fotografen einen Raum für freie Meinungsäußerung. Jeder präsentiert dort ein freies Thema, das es ihm ermöglicht, seine künstlerische Sensibilität und sein geschultes Auge unter Beweis zu stellen.

Die Villa Bechler beherbergt Fotografien, die unter mehreren vorgegebenen Themen zusammengefasst sind: Natur, Industrie, Landwirtschaft, Städtebau, Umweltverschmutzung und Energie. Diese Themen sind brandaktuell und laden die Fotografen dazu ein, ihre Objektive auf die Welt um uns herum und die großen Herausforderungen unserer Zeit zu richten.

unserer Zeit.

Eine Ausstellung, um sich von einer Vielzahl von Blickwinkeln inspirieren zu lassen, die Region (neu) zu entdecken oder in neue Landschaften zu reisen.

A l’occasion des 60 ans d’existence du Photo Club Moutier, le MJA accueille l’exposition anniversaire « REGARDS ».

Cette exposition collective rassemble près de 300 clichés photographiques réalisés par les 28 membres participants du Photo Club Moutier et environs.

L’ensemble des salles du Musée est investi. La grande salle offre un espace d’expression libre aux photographes. Chacun y présente un sujet libre permettant de démontrer sa sensibilité artistique et son œil avisé.

La villa Bechler abrite des photographies rassemblées sous plusieurs thématiques imposées : nature, industrie, agriculture, urbanisme, pollution et énergie. Ces sujets, brulants d’actualité, invitent les photographes à pointer leurs objectifs sur le monde qui nous entoure et les grands enjeux de notre temps.

Une exposition pour se nourrir d’une multitude de regards, (re)découvrir la région ou voyager dans de nouveaux paysages.

In occasione del 60° anniversario del Foto Club Moutier, il MJA ospita la mostra "REGARDS".

Questa mostra collettiva riunisce quasi 300 fotografie scattate dai 28 membri del Foto Club di Moutier e dintorni.

Saranno utilizzate tutte le sale del Museo. La grande sala ha offerto ai fotografi la possibilità di esprimersi liberamente. Ogni fotografo era libero di scegliere un soggetto che mettesse in mostra la sua sensibilità artistica e il suo occhio esigente.

La Villa Bechler ospita fotografie raggruppate sotto alcuni temi obbligatori: natura, industria, agricoltura, urbanistica, inquinamento ed energia. Si tratta di temi di grande attualità, che invitano i fotografi a focalizzare il loro obiettivo sul mondo che ci circonda e sulle principali questioni del nostro tempo.

È una mostra in cui è possibile ammirare un'ampia gamma di punti di vista, (ri)scoprire la regione o viaggiare attraverso nuovi paesaggi.

To mark the 60th anniversary of the Photo Club Moutier, the MJA is hosting the anniversary exhibition "REGARDS".

This collective exhibition brings together almost 300 photographs taken by the 28 participating members of the Photo Club Moutier et environs.

All the Museum's rooms are occupied. The main hall offers free expression to the photographers. Each photographer presents a free subject, demonstrating his or her artistic sensibility and discerning eye.

The Villa Bechler houses photographs grouped under a number of imposed themes: nature, industry, agriculture, urbanism, pollution and energy. These subjects are highly topical, inviting photographers to focus their lenses on the world around us and the major issues of our time.

An exhibition to feed on a multitude of viewpoints, (re)discover the region or travel through new landscapes.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)