Galerie Le Château d’Eau | Toulouse
25. Januar – 14. April 2024

« Rien à perdre »
Philémon Barbier

In dieser Ausstellung soll die Identitätsbildung von Jugendlichen aus der Arbeiterklasse anhand der Rap-Musik dokumentiert werden, die ein fester Bestandteil ihres Alltags ist. Indem sie sich auf die Szene in Toulouse konzentriert, geht es darum, anhand des Rap die Themen Männlichkeit und Sensibilität in den Arbeitervierteln zu behandeln.

Vom Rap haben wir widersprüchliche Bilder, die ebenso auffällig wie zwangsläufig verkürzt und falsch sind. Die der Selbstinszenierung der Akteure, die für sich selbst werben, indem sie einen Look, eine Identität und eine Andersartigkeit behaupten, und die oft von den Medien vermittelten Bilder von Gewalt und Anekdoten, die unter der Rubrik "faits divers" abgelegt werden. Und wie in der übrigen Musikszene beschränkt sich die Ikonografie häufig auf Porträts und Fotos von Auftritten.

Kommen wir zu den Fakten. Innerhalb weniger Jahrzehnte hat sich Rap weltweit zur dominierenden Musikrichtung entwickelt und macht in Frankreich 65 % der Hörerzahlen auf Streaming-Plattformen aus. Eine enorme finanzielle Herausforderung also. Sie ist eine Musik, deren Erfolg zum Träumen anregt und die für die gesamte Jugend als Mittel zum sozialen Aufstieg oder zur Selbstverwirklichung erscheint. Für die 10,6 % der Jugendlichen, die laut Insee weder studieren noch eine Ausbildung absolvieren, wird Rap zu einer Möglichkeit, sich eine Zukunft aufzubauen, zumal er nicht unbedingt eine sehr große finanzielle Investition erfordert.

Philémon Barbier konnte den mit Rap verbundenen Pontifikaten entgehen, weil er in die sehr junge Szene in Toulouse eintauchen konnte, in eine Gemeinschaft, die auf der Suche nach Texten, Musik und einer Lebensweise war. Und nach einer Zukunft. Er hat es geschafft, intensive Momente der Komplizenschaft, der Pause, der Aufregung, eigentlich des Alltags einzufangen und sorgt für Kohärenz, indem er eine Farbpalette beibehält, die sich mit den Farben der Nacht schmückt. In dieser Männerwelt weiß er, der es gewohnt ist, mit der Presse zusammenzuarbeiten, die bedeutenden Momente einzufangen, um die Herausforderungen einer Situation zusammenzufassen, die viel komplexer ist, als sie auf den ersten Blick erscheint. Und weil ein Foto, so gelungen es auch sein mag, nicht alles sagen kann, werden die Bilder von umfangreichen Texten begleitet, die mehr als nur Bildunterschriften sind und berichtete Worte enthalten.

"Die Jugendlichen, deren Alltag ich im Jahr 2022 dokumentiert habe, sind zwischen 18 und 25 Jahre alt, stammen aus unterschiedlichen sozialen und kulturellen Milieus und haben verschiedene Hintergründe. Einige politisieren sich, andere entfernen sich von diesen Themen, bis sie ein Gefühl des Misstrauens gegenüber den Institutionen empfinden. Zwischen Einigkeit und Uneinigkeit versucht dieses Projekt also, die Suche nach einer musikalischen wie auch bürgerlichen Identität darzustellen".

Cette exposition propose de documenter la construction de l’identité des jeunes des milieux populaires à travers la musique rap qui fait partie intégrante de leur quotidien. En se concentrant sur la scène toulousaine, il s’agit à travers le rap d’aborder les thématiques de la masculinité et de la sensibilité dans les quartiers populaires.

Du rap, nous avons des images contradictoires, aussi frappantes que forcément réductrices et fausses. Celles de la mise en scène des acteurs eux-mêmes qui assurent leur promotion en affirmant un look, une identité et une différence et celles, souvent véhiculées par les media, de violence et d’anecdotes rangées à la rubrique des faits divers. Et, comme pour le reste de la scène musicale, l’iconographie se résume bien souvent à des portraits et à des photographies de spectacle.

Venons-en aux faits. Le rap est devenu, en quelques petites dizaines d’années, la musique dominante dans le monde entier et, en France, elle représente 65% des écoutes sur les plateformes de streaming. Un énorme enjeu financier, donc. Née et adoptée très tôt dans les milieux populaires c’est une musique dont la réussite fait rêver et apparait comme un moyen d’ascension sociale ou d’accomplissement pour toute une jeunesse. Pour les 10,6 % de jeunes qui, selon L’Insee, ne sont ni en études, ni en formation, le rap devient, d’autant qu’il ne nécessite pas forcément un très grand investissement financier initial, une possibilité de se construire un avenir.

Philémon Barbier a su échapper aux poncifs attachés au rap parce qu’il a pu s’immerger dans la très jeune scène toulousaine, dans une communauté en recherche de paroles, de musique, et d’un mode de vie. Et d’un futur. Il a réussi à saisir des moments intenses de complicité, de pause, d’excitation, de quotidien en fait et en assure la cohérence en maintenant une gamme chromatique qui se pare des couleurs de la nuit. Dans cet univers masculin, lui qui a l’habitude de travailler avec la presse, sait saisir les instants significatifs pour résumer les enjeux d’une situation bien plus complexe qu’elle n’apparait à première vue. Et parce qu’une photographie, aussi réussie soit-elle, ne peut tout dire, des textes copieux, qui sont bien davantage que des légendes et qui comportent des paroles rapportées, accompagnent les images

« Les jeunes dont j’ai documenté le quotidien en 2022 ont entre 18 et 25 ans, sont issus de milieux sociaux et culturels différenciés et ont des bagages variés. Certains se politisent, d’autres s’éloignent de ces sujets jusqu’à éprouver un sentiment de défiance pour les institutions. Entre union et désunion, ce projet s’attache donc à rendre compte de la recherche d’une identité musicale autant que citoyenne. ».

L'obiettivo di questa mostra è documentare la costruzione dell'identità dei giovani dei quartieri popolari attraverso la musica rap che è parte integrante della loro vita quotidiana. Concentrandosi sulla scena di Tolosa, l'obiettivo è quello di utilizzare il rap per esplorare i temi della mascolinità e della sensibilità nei quartieri popolari.

Del rap abbiamo immagini contraddittorie, tanto sorprendenti quanto riduttive e false. Quella degli attori stessi, che si promuovono affermando un look, un'identità e una differenza, e quella, spesso veicolata dai media, della violenza e degli aneddoti archiviati sotto la voce della cronaca. E, come per il resto della scena musicale, l'iconografia è spesso limitata a ritratti e fotografie di esibizioni dal vivo.

Veniamo ai fatti. Nel giro di pochi decenni, il rap è diventato la forma musicale dominante in tutto il mondo e in Francia rappresenta il 65% degli ascolti sulle piattaforme di streaming. Un'enorme posta in gioco, dunque. Nata e adottata molto presto negli ambienti della classe operaia, è una musica il cui successo fa sognare ed è vista come un mezzo di ascesa sociale e di realizzazione per i giovani. Per il 10,6% dei giovani che, secondo l'INSEE, non frequentano corsi di istruzione o formazione, il rap è un modo per costruirsi un futuro, soprattutto perché non richiede necessariamente un grande esborso finanziario iniziale.

Philémon Barbier è riuscito a evitare i cliché legati al rap perché ha saputo immergersi nella giovanissima scena di Tolosa, in una comunità alla ricerca di parole, musica e stile di vita. E di un futuro. È riuscito a catturare momenti intensi di complicità, di pausa, di eccitazione, di vita quotidiana appunto, e garantisce la coerenza mantenendo una gamma cromatica che si adorna dei colori della notte. In questo mondo maschile, lui, abituato a lavorare con la stampa, sa cogliere momenti significativi per riassumere la posta in gioco di una situazione che è molto più complessa di quanto non appaia a prima vista. E poiché una fotografia, per quanto buona, non può raccontare tutto, le immagini sono accompagnate da testi abbondanti che sono molto più di didascalie, e che includono parole riportate.

"I giovani di cui ho documentato la vita quotidiana nel 2022 hanno un'età compresa tra i 18 e i 25 anni, provengono da contesti sociali e culturali diversi e hanno un bagaglio differente. Alcuni si politicizzano, altri prendono le distanze da questi temi fino a diffidare delle istituzioni. Tra unione e disunione, questo progetto vuole riflettere la ricerca di un'identità musicale e civica.

This exhibition documents the construction of the identity of working-class youth through rap music, which is an integral part of their daily lives. Focusing on the Toulouse scene, rap music is used to explore the themes of masculinity and sensitivity in working-class neighborhoods.

We have contradictory images of rap, which are as striking as they are reductive and false. Those of the actors themselves, who promote themselves by asserting a look, an identity and a difference, and those, often conveyed by the media, of violence and anecdotes filed away under the heading of miscellaneous facts. And, as with the rest of the music scene, the iconography is often limited to portraits and show photos.

Let's get down to the facts. In the space of just a few decades, rap has become the dominant form of music worldwide, and in France it accounts for 65% of listening on streaming platforms. A huge financial stake, therefore. Born and adopted at a very early age in working-class circles, it is a music whose success is the stuff of dreams, and appears to be a means of social ascent or fulfillment for a whole generation of young people. For the 10.6% of young people who, according to INSEE, are neither in education nor training, rap becomes a means of building a future, especially as it doesn't necessarily require a huge initial financial investment.

Philémon Barbier was able to escape the clichés attached to rap because he was able to immerse himself in Toulouse's very young scene, in a community in search of words, music and a way of life. And a future. He has succeeded in capturing intense moments of complicity, pause, excitement, everyday life in fact, and ensures coherence by maintaining a chromatic range that is adorned with the colors of the night. In this masculine world, he, who is used to working with the press, knows how to capture significant moments to sum up the stakes of a situation that is far more complex than it appears at first glance. And because a photograph, no matter how good, can't tell the whole story, the images are accompanied by copious texts that are much more than captions, and include reported words.

"The young people whose daily lives I documented in 2022 are between 18 and 25 years old, from different social and cultural backgrounds and with different baggage. Some become politicized, others distance themselves from these issues to the point of distrusting institutions. Between union and disunity, this project aims to reflect the search for a musical and civic identity.

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique)

Galerie Le Château d’Eau | Toulouse
25. Januar – 14. April 2024

« Us »
Arno Brignon

Die Galerie Le Château d'Eau präsentiert Arno Brigons fotografische Reise "Us", die er von 2018 bis 2022 mit seiner Familie in die zwölf gleichnamigen Städte der historischen Hauptstädte Europas und durch die USA unternommen hat.

Von diesem Roadtrip nimmt er 60 Farb- und NB-Silberfotografien auf abgelaufenen Filmen mit, um diese Ausstellung zu realisieren.

Amsterdam, Kopenhagen, Berlin, Lissabon, London, Dublin, Brüssel, Luxemburg, Rom, Athen, Paris, Madrid. Anders als es diese Liste der Hauptstädte vermuten lassen könnte, hat Arno Brignon keine große Zickzack-Tour durch Europa unternommen. Er ist ab 2018 in die Vereinigten Staaten gereist und hat eine unterhaltsame Route aufgebaut, die ihn in drei Etappen in zwölf Städte führte, die nach europäischen Hauptstädten benannt sind.

Er ist nicht der Erste, der sich auf einen Roadtrip als Echo auf Robert Frank, Jack Kerouac und Wim Wenders - unter anderem - begibt. Die Vereinigten Staaten sind sicherlich das Land, das weltweit am meisten fotografiert wurde. Zunächst von den Amerikanern selbst, die die Fotografie in einem Land, das damals keine bedeutende Bildtradition hatte, zur wichtigsten Kunstform erhoben, und dann von Tausenden von Ausländern, die von der Weite der Räume, ihrer Vielfalt, den Bevölkerungskontrasten und dem geschickt aufgebauten Mythos einer Nation, die die Welt beherrschen will, angezogen wurden.

Arno Brignon hat diese amerikanische Reise auf eine einzigartige Weise unternommen. Die Fotografie ist eine einsame Übung par excellence, aber um den Zusammenhalt einer Familie zu wahren, die durch seine wiederholte Abwesenheit erschüttert wurde, reiste er mit Caroline und Josephine, seiner Lebensgefährtin und seiner Tochter, ab. Keine einfache Aufgabe, erst recht nicht, wenn man seine Legitimität in Frage stellt und nicht immer weiß, ob man in Amerika Urlaub macht oder als Fotograf unterwegs ist. Wie er es schön formuliert: "Ich muss lernen, miteinander zu spielen".

In diesem Land, in dem es "schwierig ist, nicht von der Geschichte der Fotografie eingeholt zu werden", hat er, indem er Schwarzweiß- und Farbfotografien mischt und es schafft, Familienfotos und Reiseeindrücke nebeneinander zu stellen, eine ebenso literarische wie filmische Erzählung aufgebaut, eine Erzählung, die eine Erfahrung ebenso wiedergibt wie sie ein fiktionales Amerika erfindet. Landschaften und Porträts, Momente der Begegnung, Straßen und Momente des Lichts fassen zusammen, was natürlich nicht den Anspruch hat, ein Porträt der neuen Welt zu sein. Arno Brignon lädt uns sowohl dazu ein, eine intime und subjektive Reise zu teilen, die ihre Wurzeln in seiner persönlichen Geschichte hat, als auch dazu, die großen amerikanischen Städte zu vergessen. Und schließlich: "Diese Städte im Inneren, banal, intim, zerbrechlich, von Leere und Verschwinden bedroht, sind letztlich nur eine Metapher. Das Subjekt ist nicht draußen, sondern in mir. Das Subjekt ist wir".

La Galerie Le Château d’Eau présente le voyage photographique d’Arno Brigon « Us » effectué de 2018 à 2022 avec sa famille dans les douze villes éponymes des capitales historiques Européennes, à travers les Etats-Unis.

De ce road trip, il retiendra 60 photographies couleur et NB argentiques sur films périmés, pour réaliser cette exposition.

Amsterdam, Copenhagen, Berlin, Lisbon, London, Dublin, Brussels, Luxemburg, Rome, Athens, Paris, Madrid. Contrairement à ce que pourrait laisser penser cette liste de villes capitales, Arno Brignon n’a pas effectué un grand tour d’Europe en zigzags. Il est parti, à partir de 2018, pour les États-Unis, en construisant un parcours amusé qui, en trois étapes, l’a amené dans douze villes portant des noms de capitales européennes.

Il n’est pas le premier à se lancer dans un road trip en écho à Robert Frank, Jack Kerouac et Wim Wenders – entre autres. Les États-Unis sont certainement le pays qui a été le plus photographié au monde. D’abord par les américains eux-mêmes qui ont porté la photographie au rang d’art majeur dans un pays qui n’avait alors aucune tradition picturale importante, puis par des milliers d’étrangers attirés par l’immensité des espaces, leur diversité, les contrastes de population et le mythe, savamment construit, d’une nation voulant dominer le monde.

Arno Brignon a fait ce parcours américain d’une façon singulière. La photographie est un exercice solitaire par excellence mais, pour préserver la cohésion d’une famille ébranlée par ses absences répétées, il est parti avec Caroline et Joséphine, sa compagne et sa fille. Pas simple, encore moins lorsque l’on s’interroge sur sa légitimité et que l’on ne sait pas toujours si l’on est en Amérique en vacances ou en tant que photographe. Comme il le dit joliment : « Il faut que j’apprenne à jouer ensemble ».

Dans ce pays où il est « difficile de ne pas être rattrapé par l’histoire de la photographie », il a, en mêlant noir et blanc et couleur, en réussissant à faire cohabiter photographies de famille et impressions de voyage, construit un récit aussi littéraire que cinématographique, une narration qui restitue une expérience autant qu’elle invente une Amérique de fiction. Paysages et portraits, moments de rencontres, routes et instants de lumière résument ce qui n’a évidemment pas la prétention d’être un portrait du nouveau monde. Arno Brignon nous invite autant à partager un voyage intime et subjectif qui puise ses racines dans son histoire personnelle qu’à oublier les grandes cités américaines. Et, au final, « Ces villes de l’intérieur, banales, intimes, fragiles, menacées par le vide et la disparition, ne sont finalement qu’une métaphore. Le sujet n’est pas dehors, mais en moi. Le sujet est nous. »

La Galerie Le Château d'Eau presenta il viaggio fotografico "Us" di Arno Brigon, realizzato con la sua famiglia dal 2018 al 2022 nelle dodici città omonime delle capitali storiche europee, attraverso gli Stati Uniti.

Da questo viaggio on the road trarrà 60 fotografie a colori e NB stampe all'argento su pellicole obsolete, per creare questa mostra.

Amsterdam, Copenhagen, Berlino, Lisbona, Londra, Dublino, Bruxelles, Lussemburgo, Roma, Atene, Parigi, Madrid. Contrariamente a quanto potrebbe far pensare questo elenco di capitali, Arno Brignon non ha intrapreso un tour a zig zag dell'Europa. A partire dal 2018 è partito per gli Stati Uniti, costruendo un divertente itinerario che, in tre tappe, lo ha portato in dodici città che portano i nomi di capitali europee.

Non è il primo a intraprendere un viaggio on the road che riecheggia Robert Frank, Jack Kerouac e Wim Wenders - tra gli altri. Gli Stati Uniti sono certamente il Paese più fotografato al mondo. In primo luogo dagli americani stessi, che hanno elevato la fotografia al rango di una forma d'arte importante in un Paese che all'epoca non aveva una grande tradizione pittorica, e poi da migliaia di stranieri attratti dall'immensità degli spazi, dalla loro diversità, dai contrasti tra le popolazioni e dal mito, abilmente costruito, di una nazione intenzionata a dominare il mondo.

Arno Brignon ha compiuto questo viaggio americano in modo singolare. La fotografia è un'attività solitaria per eccellenza, ma per preservare la coesione di una famiglia scossa dalle sue ripetute assenze, è partito con Caroline e Joséphine, la sua compagna e la figlia. Non è facile, soprattutto quando si mette in dubbio la propria legittimità e non si sa sempre se si è in America in vacanza o come fotografo. Come dice lui stesso: "Devo imparare a giocare insieme".

In un Paese in cui è "difficile non farsi coinvolgere dalla storia della fotografia", egli ha costruito, mescolando bianco e nero e colore, e riuscendo a far convivere fotografie di famiglia e impressioni di viaggio, una narrazione tanto letteraria quanto cinematografica, una narrazione che ricrea un'esperienza tanto quanto inventa un'America immaginaria. Paesaggi e ritratti, momenti di incontro, strade e momenti di luce riassumono quello che chiaramente non vuole essere un ritratto del Nuovo Mondo. Arno Brignon ci invita a condividere un viaggio intimo e soggettivo che affonda le radici nella sua storia personale, così come a dimenticare le grandi città americane. E, alla fine, "queste città dell'entroterra, banali, intime, fragili, minacciate dal vuoto e dalla scomparsa, non sono altro che una metafora. Il soggetto non è fuori, ma dentro di me. Il soggetto siamo noi.

Galerie Le Château d'Eau presents Arno Brigon's photographic journey "Us", made from 2018 to 2022 with his family in the twelve eponymous cities of Europe's historic capitals, across the United States.

From this road trip, he will retain 60 color photographs and NB silver on out-of-date film, to create this exhibition.

Amsterdam, Copenhagen, Berlin, Lisbon, London, Dublin, Brussels, Luxemburg, Rome, Athens, Paris, Madrid. Contrary to what this list of capital cities might suggest, Arno Brignon did not embark on a zigzag tour of Europe. Starting in 2018, he set off for the United States, constructing an amusing itinerary that, in three stages, took him to twelve cities bearing the names of European capitals.

He's not the first to embark on a road trip echoing Robert Frank, Jack Kerouac and Wim Wenders - among others. The United States is certainly the most photographed country in the world. Firstly by the Americans themselves, who elevated photography to the status of a major art form in a country that had no major pictorial tradition at the time, and then by thousands of foreigners attracted by the immensity of the spaces, their diversity, the contrasts in population and the myth, skilfully constructed, of a nation bent on world domination.

Arno Brignon has made this American journey in a singular way. Photography is a solitary exercise par excellence, but to preserve the cohesion of a family shaken by his repeated absences, he left with Caroline and Joséphine, his partner and daughter. It's not easy, especially when you're questioning your legitimacy and not always sure whether you're in America on vacation or as a photographer. As he puts it, "I have to learn to play together".

In this country, where it's "hard not to be caught up in the history of photography", he has, by mixing black & white and color, and by successfully combining family photographs and travel impressions, constructed a narrative that is as literary as it is cinematographic, a narrative that recounts an experience as much as it invents a fictional America. Landscapes and portraits, moments of encounters, roads and moments of light sum up what is obviously not intended to be a portrait of the New World. Arno Brignon invites us to share an intimate, subjective journey rooted in his personal history, as much as to forget the great American cities. And, in the end, "These inland cities, banal, intimate, fragile, threatened by emptiness and disappearance, are ultimately no more than a metaphor. The subject is not outside, but inside me. The subject is us."

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique)

Galerie le Château d’Eau | Toulouse
11. September 2023 - 7. Januar 2024

Septembre au Chili,1971/1973
Raymond Depardon, David Burnett

Jahrestag des Staatsstreichs gegen die Volksregierung in Chile organisiert die Galerie le Château d'Eau eine Ausstellung, die die Blicke des französischen Fotografen Raymond Depardon und des amerikanischen Fotografen David Burnett auf das Land zu dieser Zeit vereint.

Anlässlich des ersten Jahrestages der Wahl von Präsident Salvador Allende im Jahr 1971 entdeckte Raymond Depardon Chile in Begleitung des Redaktionssekretärs des Magazins Zoom, seines Freundes Robert Pledge. Ein unruhiger Kontext, für den er jedoch behauptet, dass er "noch nie so glücklich gewesen sei". 1973 berichtete der Amerikaner David Burnett über den Staatsstreich von General Pinochet, der das Land in eine blutige Militärdiktatur stürzte. Von der Erstürmung des Moneda-Palastes bis zu Nerudas Beerdigung bilden seine Bilder zusammen mit denen von Depardon eine kollektive Reportage, die in New York mit der Robert Capa Gold Medal, der höchsten Auszeichnung für Fotojournalismus, ausgezeichnet wird.

Am Nachmittag des 11. September 1973 bombardierte die chilenische Militärluftwaffe den Präsidentenpalast La Moneda in Santiago und die Armee besetzte den Sitz der Macht. Der sozialistische Präsident Salvador Allende weigerte sich, sich den Putschisten zu ergeben und beging Selbstmord nach drei Jahren eines linksgerichteten Regimes, das eine starke Hoffnung für das Land darstellte, unter anderem für die Bauern und die Arbeiterklasse, aber auch für einen ganzen Kontinent, der an Militärputsche und eine oft von den USA manipulierte Gewalt gewöhnt war. Die Diktatur von General Pinochet wurde errichtet und dauerte bis 1990, begleitet von Menschenrechtsverletzungen, 3200 Toten und "Verschwundenen" und etwa 38.000 gefolterten Menschen. Mehrere Tausend Menschen, vielleicht sogar eine Million, gehen ins Exil.

Zwei Jahre zuvor, 1971, kommt Raymond Depardon, ein junger Reporter der Agentur Gamma, die er einige Jahre zuvor mitbegründet hatte, anlässlich des ersten Jahrestages des Sieges der Unidad Popular nach Chile. Er wurde von seinem Freund, dem Journalisten Robert Pledge, begleitet, der zu dieser Zeit für das Magazin Zoom arbeitete. Im September 1973 berichtete David Burnett, Reporter bei Gamma New York, der gerade einen Vertrag mit dem Life-Magazin unterschrieben hatte und sich der Agentur Contact Press Images anschließen sollte, als Robert Pledge diese 1976 in New York gründete, unter schwierigen Bedingungen über die Zeit nach dem Staatsstreich. Mit Verhaftungen, dem Abtransport der Gefangenen zum Nationalstadion, wo sie gefoltert und hingerichtet werden, der Selbstverbrennung von Büchern, dem riesigen Friedhof, auf dem die Opfer begraben sind, der Beerdigung des Dichters Pablo Neruda, der zwölf Tage nach dem Putsch starb und von dem immer mehr angenommen wird, dass er vergiftet wurde, dokumentiert er die Anfänge dessen, was zu einer blutigen Diktatur werden sollte.

Diese Fotografien, die ursprünglich nur für die Presse und den Nachrichtenbereich bestimmt waren, sind heute historische Dokumente, Teile der Erinnerung. Sie sind auch Zeugnis einer epochalen Ästhetik des journalistischen Bildes, einer Zeit, in der die Fotografie für die Presse dominant und bestimmend war. Auch aus diesem Grund erschien es uns notwendig, die verschiedenen Auflagenzustände zu präsentieren: die von gestern, die an die Zeitungen verteilt wurden, und die von heute, die für die Ausstellung und das Buch gedacht sind.

Pour marquer les 50 ans du coup d’état contre le gouvernement populaire au Chili, la Galerie le Château d’Eau organise une exposition qui réunit les regards du photographe français Raymond Depardon et du photographe américain David Burnett, sur le pays à cette époque.

C’est à l’occasion du premier anniversaire de l’élection du président Salvador Allende, en 1971, que Raymond Depardon découvre le Chili, accompagné du secrétaire de rédaction du magazine Zoom, son ami Robert Pledge. Un contexte agité mais pour lequel il prétend qu’il « n’a jamais été si heureux ». En 1973, l’américain David Burnett couvre le coup d’Etat du général Pinochet, qui précipite le pays dans une dictature militaire sanglante. De la prise du Palais de la Moneda aux funérailles de Neruda, ses images constituent avec celles de Depardon un reportage collectif, qui remporte à New York la Robert Capa Gold Medal, la plus haute distinction du photojournalisme.

Dans l’après-midi du 11 septembre 1973 l’aviation militaire chilienne bombarde le palais présidentiel de La Moneda à Santiago et l’armée investit le siège du pouvoir. Le président socialiste Salvador Allende refuse de se rentre aux putschistes et se suicide après trois années d’un régime de gauche qui a représenté un espoir fort dans le pays, entre autres chez les paysans et la classe ouvrière et également dans tout un continent habitué aux coups d’état militaires et à une violence souvent manipulée par les Etats-Unis. La dictature du général Pinochet est en place et durera jusqu’en 1990, accompagnée des atteintes aux droits de l’homme, des 3200 morts et « disparus » et avec environ 38'000 personnes torturées. Plusieurs milliers de personnes, peut-être un million, s’exilent.

Deux ans auparavant, en 1971, Raymond Depardon, jeune reporter de l’agence Gamma dont il a été l’un des fondateurs quelques années plus tôt, vient au Chili à l’occasion du premier anniversaire de la victoire de l’Union populaire. Il est accompagné de son ami le journaliste Robert Pledge, à l’époque rattaché au magazine Zoom. Outre un rendez-vous avec le président Allende, il se concentre surtout sur le monde paysan dans lequel il retrouve des échos de ses origines.En septembre 1973, David Burnett, reporter à Gamma New York, qui vient de signer un contrat avec Life magazine et qui rejoindra l’agence Contact Press Images lorsque Robert Pledge la créera à New York en 1976, couvre, dans des conditions difficiles, les lendemains du coup d’état. Arrestations, parcage des détenus au stade national – où ils seront torturés et exécutés -, autodafés de livres, l’immense cimetière où sont enterrées les victimes, obsèques du poète Pablo Neruda, mort douze jours après le coup d’état – dont on pense de plus en plus qu’il a été empoisonné -, il chronique les débuts de ce qui va devenir une sanglante dictature.

Ces photographies, à l’origine destinées à la presse et au seul champ de l’information sont aujourd’hui des documents historiques, des pans de mémoire. Elles sont aussi le témoignage d’une esthétique d’époque de l’image de journalisme, d’un moment où la photographie était dominante et déterminante pour la presse. C’est aussi pour cela qu’il nous a semblé nécessaire de présenter les différents états de tirage, ceux d’hier qui étaient distribués aux journaux, ceux d’aujourd’hui pensés pour l’exposition et le livre.

In occasione del 50° anniversario del colpo di Stato contro il governo popolare cileno, la Galerie le Château d'Eau organizza una mostra che riunisce i punti di vista del fotografo francese Raymond Depardon e del fotografo americano David Burnett sul Paese in quel periodo.

Nel 1971, nel primo anniversario dell'elezione del presidente Salvador Allende, Raymond Depardon scoprì il Cile, accompagnato dal segretario di redazione della rivista Zoom, l'amico Robert Pledge. Fu un periodo turbolento, ma in cui affermò di non essere "mai stato così felice". Nel 1973, l'americano David Burnett seguì il colpo di Stato del generale Pinochet, che fece sprofondare il Paese in una sanguinosa dittatura militare. Dalla presa del Palazzo della Moneda ai funerali di Neruda, le sue immagini, insieme a quelle di Depardon, costituirono un reportage collettivo che vinse la Medaglia d'oro Robert Capa a New York, il più alto riconoscimento del fotogiornalismo.

Nel pomeriggio dell'11 settembre 1973, gli aerei militari cileni bombardano il palazzo presidenziale de La Moneda a Santiago e l'esercito prende possesso della sede del potere. Il presidente socialista Salvador Allende rifiutò di arrendersi ai putschisti e si suicidò dopo tre anni di un regime di sinistra che aveva rappresentato una grande speranza nel Paese, tra i contadini e la classe operaia tra gli altri, ma anche in tutto il continente abituato ai colpi di stato militari e alla violenza spesso manipolata dagli Stati Uniti. La dittatura del generale Pinochet fu in vigore e durò fino al 1990, accompagnata da violazioni dei diritti umani, 3.200 morti e "scomparsi" e circa 38.000 persone torturate. Diverse migliaia di persone, forse un milione, andarono in esilio.

Due anni prima, nel 1971, Raymond Depardon, giovane reporter dell'agenzia Gamma, da lui stesso fondata qualche anno prima, si recò in Cile in occasione del primo anniversario della vittoria dell'Unione Popolare. Era accompagnato dal suo amico, il giornalista Robert Pledge, all'epoca collaboratore della rivista Zoom. Nel settembre 1973, David Burnett, reporter di Gamma New York che aveva appena firmato un contratto con la rivista Life e che sarebbe entrato a far parte dell'agenzia Contact Press Images quando Robert Pledge l'avrebbe fondata a New York nel 1976, coprì le conseguenze del colpo di Stato in condizioni difficili. Arresti, detenuti parcheggiati nello stadio nazionale - dove vennero torturati e giustiziati - roghi di libri, l'enorme cimitero dove vennero sepolte le vittime, i funerali del poeta Pablo Neruda, morto dodici giorni dopo il colpo di Stato - e che sempre più spesso si pensa sia stato avvelenato - raccontano gli inizi di quella che sarebbe diventata una dittatura sanguinaria.

Queste fotografie, originariamente destinate solo alla stampa e ai media, sono ora documenti storici, parte della nostra memoria. Esse testimoniano anche l'estetica dell'immagine giornalistica in un'epoca in cui la fotografia era dominante e decisiva per la stampa. Anche per questo abbiamo ritenuto necessario presentare le diverse tirature, da quelle distribuite ai giornali in passato a quelle destinate a mostre e libri oggi.

To mark the 50th anniversary of the coup d'état against the popular government in Chile, Galerie le Château d'Eau is organizing an exhibition that brings together the views of French photographer Raymond Depardon and American photographer David Burnett on the country at that time.

It was on the first anniversary of the election of President Salvador Allende, in 1971, that Raymond Depardon discovered Chile, accompanied by Zoom magazine's editorial secretary, his friend Robert Pledge. It was a turbulent time, but one in which he claims he "has never been happier". In 1973, American David Burnett covered General Pinochet's coup d'état, which plunged the country into a bloody military dictatorship. From the seizure of the Moneda Palace to Neruda's funeral, his images, along with those of Depardon, make up a collective reportage, which won the Robert Capa Gold Medal in New York, the highest distinction in photojournalism.

On the afternoon of September 11, 1973, Chilean military aircraft bomb the presidential palace of La Moneda in Santiago, and the army occupies the seat of power. Socialist President Salvador Allende refused to surrender to the putschists, and committed suicide after three years of a left-wing regime that had brought great hope to the country's peasants and working class, and to a continent accustomed to military coups and violence often manipulated by the United States. General Pinochet's dictatorship lasted until 1990, accompanied by human rights violations, 3,200 deaths and "disappearances", and the torture of some 38,000 people. Many thousands, perhaps as many as a million, fled into exile.

Two years earlier, in 1971, Raymond Depardon, a young reporter with the Gamma agency of which he had been one of the founders a few years earlier, came to Chile to mark the first anniversary of the Popular Union's victory. He was accompanied by his friend, journalist Robert Pledge, at the time with Zoom magazine. In September 1973, Gamma New York reporter David Burnett, who had just signed a contract with Life magazine and would join Contact Press Images when Robert Pledge founded it in New York in 1976, covered the aftermath of the coup d'état under difficult conditions. Arrests, detainees parked in the national stadium - where they were tortured and executed - book burning, the immense cemetery where the victims were buried, the funeral of the poet Pablo Neruda, who died twelve days after the coup - and who is increasingly thought to have been poisoned - he chronicles the beginnings of what was to become a bloody dictatorship.

These photographs, originally intended for the press and the news field alone, are now historical documents, fragments of memory. They also bear witness to the aesthetics of the journalistic image at a time when photography was dominant and decisive for the press. This is also why we felt it necessary to present the different print runs, from those distributed to newspapers in the past, to those designed for exhibitions and books today.

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique)

Galerie Le Château d’Eau | Toulouse
2. Juni - 27. August 2023

Mous Lamrabat

Die marokkanisch-belgische Fotografin Mous Lamrabat nutzt ihre doppelte Kultur, um auf humorvolle Weise die Codes des Luxus in Kombination mit traditionellen marokkanischen Objekten zu verwenden, um eine Botschaft des Friedens zu vermitteln und die westliche und orientalische Welt zu vereinen. Der Künstler baut mit seinen stets eleganten Bildern ein farbenfrohes, leicht surrealistisches, sensibles und subtil provokantes Universum auf.

Der marokkanisch-belgische Fotograf Mous Lamrabat gestaltet ein Paralleluniversum, in dem er seine eigene multikulturelle Marke durch Humor, Empathie und Respektlosigkeit filtert. Er stellt nordafrikanische Stereotypen auf den Kopf, indem er Western Brands und Popkultur gekonnt mit Symbolen überlagert, die aus seinem euro-afrikanischen Erbe und seinem Glauben entnommen sind. Das Ergebnis? Jubel. Farben, Kühnheit und eine geschickte Inszenierung bestimmen sein Werk, und darüber hinaus eine positive Energie, die ebenso unwiderstehlich wie provokativ ist.Mous Lamrabat wurde in einem Amazigh-Dorf im Norden Marokkos geboren und wuchs in Belgien auf, wo er sich daran erinnert, sich anders als die anderen zu fühlen, und diese Andersartigkeit hat seine fotografische Vision genährt. Es war während einer Reise nach Marokko, als er eine Offenbarung hatte, wie ein heller Blitz: "Alles war da, direkt vor mir".

Er begann, ein überladenes Universum aufzubauen, in dem nichts verboten ist und alle sich mischen. Die Charaktere, die aus seinen Werken hervorgehen, gehen dorthin, wo sie wollen, und werden zu dem, den sie verkörpern wollen. Von Ethno-Wandbehängen bis zu Mondlandschaften, Logos, Luftballons, Herzen und Blumen nehmen uns mit auf eine exotische Reise; er teilt seine Welt, in der die Fantasie verrückt spielt. Mit einem transkulturellen Geist und seiner nicht-binären Vision dieser Welt und wie man sich in ihr bewegt, bricht Mous Lamrabat Barrieren auf und verbreitet seine Doktrin der Inklusion und Vielfalt: "Ich bin ein Weltbürger."

Mous Lamrabat, photographe maroco-belge, se sert de sa double culture pour utiliser, avec humour, les codes du luxe combinés avec des objets traditionnels marocains pour transmettre un message de paix et réunir le monde Occidental et Oriental. L’artiste construit un univers coloré, légèrement surréaliste, sensible et subtilement provocant à travers des images toujours élégantes.

Photographe maroco-belge Mous Lamrabat façonne un univers en parallèle, où il filtre sa propre marque multiculturelle à travers l’humour, l’empathie, et de l’irrévérence. Il renverse les stéréotypes nord-africains, savamment superposant les Western brands et la culture pop avec des symboles extraits de son patrimoine euro-africain, et de sa foi. Le résultat ? La jubilation. Les couleurs, l’audace, et une mise en scène habile définissent son oeuvre, avec de surcroît une énergie positive qui est aussi irrésistible que provocatrice.Né dans un village amazigh du nord du Maroc, Mous Lamrabat a grandi en Belgique, où il se souvient de se sentir différent des autres, et cette altérité a alimenté sa vision photographique. C’était lors d’un voyage au Maroc qu’il a eu une révélation, tel un éclair lumineux : « Tout était là, juste en face de moi ».

Il s’est mis à construire un univers surchargé, où rien n’est interdit et tout le monde se met à la mixité. Les personnages qui émanent de ses oeuvres vont là où ils veulent, et deviennent qui ils souhaitent incarner. Des tentures ethno aux paysages lunaires, des logos, des ballons, des coeurs et des fleurs nous embarquent dans un voyage exotique ; il partage son monde, où l’imagination s’emballe. Avec un esprit transculturel et sa vision non-binaire de ce monde et comment y naviguer, Mous Lamrabat brise les barrières et répand sa doctrine d’inclusion et de la diversité : « Je suis un citoyen du monde. »

Mous Lamrabat, fotografo marocchino-belga, sfrutta la sua doppia cultura per utilizzare, con umorismo, i codici del lusso abbinati agli oggetti tradizionali marocchini per trasmettere un messaggio di pace e avvicinare il mondo occidentale e quello orientale. L'artista costruisce un universo colorato, leggermente surreale, sensibile e sottilmente provocatorio attraverso immagini sempre eleganti.

Il fotografo marocchino-belga Mous Lamrabat crea un universo parallelo, dove filtra il proprio marchio multiculturale attraverso l'umorismo, l'empatia e l'irriverenza. Rovescia gli stereotipi nordafricani, mescolando abilmente i marchi occidentali e la cultura pop con i simboli della sua eredità euro-africana e della sua fede. Il risultato? L'esultanza. Il colore, l'audacia e l'abile messa in scena definiscono il suo lavoro, con un'energia positiva tanto avvincente quanto provocatoria.Nato in un villaggio amazigh nel nord del Marocco, Mous Lamrabat è cresciuto in Belgio, dove ricorda di essersi sentito diverso dagli altri, e questa alterità ha alimentato la sua visione fotografica. È stato durante un viaggio in Marocco che ha avuto una rivelazione, come un lampo di luce: "Era tutto lì, proprio davanti a me".

Inizia a costruire un universo sovraccarico, dove nulla è proibito e tutti sono mescolati. I personaggi che escono dalle sue opere vanno dove vogliono e diventano chiunque vogliano incarnare. Da penzoloni etnici a paesaggi lunari, loghi, palloncini, cuori e fiori ci accompagnano in un viaggio esotico; egli condivide il suo mondo, dove l'immaginazione si scatena. Con una mentalità transculturale e la sua visione non binaria di questo mondo e di come navigarlo, Mous Lamrabat rompe le barriere e diffonde la sua dottrina di inclusione e diversità: "Sono un cittadino del mondo.

Mous Lamrabat, Moroccan-Belgian photographer, uses his double culture to use, with humor, the codes of luxury combined with traditional Moroccan objects to transmit a message of peace and to reunite the Western and Oriental world. The artist builds a colorful, slightly surreal, sensitive and subtly provocative universe through images that are always elegant.

Moroccan-Belgian photographer Mous Lamrabat fashions a parallel universe, where he filters his own multicultural brand through humor, empathy, and irreverence. He reverses North African stereotypes, cleverly layering Western brands and pop culture with symbols from his Euro-African heritage, and his faith. The result? Jubilation. Color, boldness, and skillful staging define his work, with a positive energy that is as compelling as it is provocative.Born in an Amazigh village in northern Morocco, Mous Lamrabat grew up in Belgium, where he remembers feeling different from others, and this otherness fueled his photographic vision. It was during a trip to Morocco that he had a revelation, like a flash of light: "Everything was there, right in front of me.

He began to build an overloaded universe, where nothing is forbidden and everyone is mixed. The characters that emanate from his works go where they want, and become who they wish to embody. Ethno hangings to lunar landscapes, logos, balloons, hearts and flowers take us on an exotic journey; he shares his world, where the imagination runs wild. With a transcultural mindset and his non-binary vision of this world and how to navigate it, Mous Lamrabat breaks down barriers and spreads his doctrine of inclusion and diversity: "I am a citizen of the world."

(Text: Kristi Ann Jones)

Galerie le Château d’Eau | Toulouse
13. April - 14. Mai 2023

Crépuscule[s]
Guillaume Herbaut

Mit seinen Fotografien kehrt Guillaume Herbaut in die Landschaften von Eugène Trutat zurück und konzentriert sich dabei auf das Luchonnais. Er verbindet Archive, Landschaften und Stillleben und schlägt uns ein neuartiges Gespräch vor, um die visuellen und sensiblen Konturen einer neuen Beziehung zur Welt neu zu definieren.

Guillaume Herbaut, Fotojournalist, ist Preisträger der Residenz 1+2 Factory im Jahr 2022. Seit mehreren Monaten realisiert er in Partnerschaft mit dem Muséum d'Histoire Naturelle de Toulouse eine unveröffentlichte Serie, die auf dem Fundus von Eugène Trutat basiert. Eugène Trutat, der erste Direktor des Museums, Fotograf, Pyrenäenforscher, Geologe und Naturforscher am Ende des 19. Jahrhunderts, ist auch einer der Vorläufer der Fotografie. Ein außergewöhnlicher Fundus, der aus Tausenden von Glasplattenfotografien über den Alltag der Jahre 1860-1910 besteht, ist der Ausgangspunkt für Guillaume Herbauts Ansatz.

Die Wissenschaft stand noch nie so sehr im Mittelpunkt der öffentlichen Debatte. Wissenschaftler analysieren, forschen, vergleichen, veröffentlichen Artikel und Berichte. Kurz gesagt: Sie stehen an vorderster Front. Unsere Fotografen in Residence sind oft die privilegierten Zeugen ihrer zeitgenössischen Fragestellungen und bringen ihre distanzierten und innovativen Blicke ein. In dieser sensiblen und kreativen Furche bewegen sich seit 2016 alle Aktionen der Résidence 1+2 in Toulouse: in Gebieten in der Nähe neuartige visuelle Inhalte zu schaffen, um universellere Herausforderungen zu hinterfragen. Seit ihren Anfängen steht die Fotografie im Dialog mit den Wissenschaften. Fotografen und Wissenschaftler haben den gemeinsamen Wunsch, dem Sichtbaren oder Unsichtbaren einen neuen Sinn zu geben und somit neue Interpretationsformen zu konstruieren. Die Fotografie mit den Wissenschaften zu verbinden, bedeutet, eine Kette der tugendhaften Weitergabe von Wissen und Praktiken zu schaffen. Das 1+2 nimmt für sich in Anspruch, ein Ideenlabor und eine Fabrik der Möglichkeiten zu sein. Ist das nicht auch die ideale Definition für einen kreativen Wohnsitz?

Es stimmt, dass auf den ersten Blick alles zwischen Fotografie und Wissenschaft steht: Sie haben weder denselben Gegenstand noch dieselben Methoden und Zielsetzungen. Während erstere das Gefühl und die Phantasie anspricht, ist letztere der Vernunft und der Realität verpflichtet. Und doch haben sie bei genauerem Hinsehen gemeinsam, dass sie die Welt hinterfragen, indem sie das Unsichtbare sichtbar machen, die Grenzen des Wissens verschieben und auf andere Weise zu sehen geben. Durch die Verbindung von Fotografie und Wissenschaft produziert, valorisiert und fördert die Résidence 1+2 Autorenfotografie in enger Verbindung mit einem außergewöhnlichen wissenschaftlichen Erbe in den Gebieten. Sie hat sich auch zum Ziel gesetzt, Menschen zusammenzubringen, die auf den ersten Blick keine Chance hatten, miteinander ins Gespräch zu kommen. In einer Zeit, in der die Grenzen zwischen den verschiedenen Disziplinen immer mehr bröckeln, sollen Fotografen und Wissenschaftler in einem Projekt zusammengebracht werden, um ihre Kräfte zu bündeln, neue Querverbindungen zu schaffen und kreative Formen zu erneuern, damit wir gemeinsam die Herausforderungen der heutigen Welt besser verstehen und handeln können.

Im Naturhistorischen Museum von Toulouse taucht Guillaume Herbaut zum ersten Mal in seiner langen Karriere als Fotojournalist in eine fotografische Sammlung ein, die außergewöhnliche Sammlung des Fonds Eugène Trutat, die aus Tausenden von Fotografien auf Glasplatten über das Alltagsleben in den Jahren 1860-1910 besteht. Der Fotograf, Pyrenäenforscher, Geologe und Naturforscher Eugène Trutat war Ende des 19. Jahrhunderts auch einer der Vorläufer der Fotografie. Dieser Fundus ist der Ausgangspunkt für die Überlegungen von Guillaume Herbaut, der sich darüber hinaus bemüht hat, visuelle Brücken zu mehreren anderen wissenschaftlichen Disziplinen, darunter der Präparation, zu bauen. Mithilfe seiner Fotografien kehrt er in die Landschaften von Eugene Trutat zurück und konzentriert sich dabei auf das Luchonnais. Er verbindet Archive, Landschaften und Stillleben und schlägt uns ein neuartiges Gespräch vor, um die visuellen und sensiblen Konturen einer neuen Beziehung zur Welt neu zu definieren.

Ende des 19. Jahrhunderts lebte Eugène Trutat in einer Welt voller Entdeckungen, in der die Wissenschaft viele menschliche Erfahrungen unterstützte, im Guten wie im Schlechten. Der westliche Mensch war dort allmächtig.

Guillaume Herbauts fotografischer Ansatz ist in einer entscheidenden Zeit angesiedelt, der Zeit, die wir derzeit erleben, in der der Klimawandel und ein unsicherer europäischer Konflikt herrschen. Er wird sich der Endlichkeit unserer heutigen Welt bewusst, und wir sind die privilegierten Zeugen seiner Fragen. Sind sie Vorboten einer neuen Ära?

A travers ses photographies, Guillaume Herbaut retourne dans les paysages d’Eugène Trutat en se focalisant sur le Luchonnais. Associant archives, paysages et natures mortes, il nous propose une conversation inédite pour redéfinir les contours visuels et sensibles d’un nouveau rapport au monde.

Guillaume Herbaut, photojournaliste est lauréat de la Résidence 1+2 Factory en 2022. Depuis plusieurs mois, il réalise une série inédite en partenariat avec le Muséum d’Histoire Naturelle de Toulouse, à partir du fonds Eugène Trutat. Premier directeur du Muséum, photographe, pyrénéiste, géologue et naturaliste à la fin du XIXème siècle, Eugène Trutat est aussi l’un des précurseurs de la photographie. Un exceptionnel fonds constitué de milliers de photographies sur plaques de verre sur le quotidien des années 1860-1910 est le point de départ de la démarche de Guillaume Herbaut.

Les sciences n’ont jamais été autant au centre du débat public. Les scientifiques analysent, cherchent, comparent, éditent des articles et des rapports. Bref, ils sont en première ligne. Nos photographes en résidence sont souvent les témoins privilégiés de leurs questionnements contemporains et apportent leurs regards distanciés et novateurs. C’est dans ce sillon sensible et créatif que s’inscrivent depuis 2016 toutes les actions de la Résidence 1+2 à Toulouse : créer sur des territoires de proximité des contenus visuels inédits afin d’interroger des enjeux plus universels. Dès les origines, la photographie dialogue avec les sciences. Photographes et scientifiques ont la volonté commune de redonner du sens au visible ou à l’invisible et donc de construire des formes interprétatives nouvelles. Associer la photographie aux sciences, c’est créer une chaîne de transmission vertueuse des savoirs et des pratiques. Le 1+2 se revendique comme un laboratoire d’idées et une fabrique des possibles. N’est-ce pas aussi la définition idoine d’une résidence de création ?

Il est vrai qu’à première vue, tout oppose photographie et science : elles n’ont ni le même objet, ni les mêmes méthodes et finalités. Si la première convoque le sensible et les imaginaires, la seconde s’inscrit dans la raison et la réalité. Et pourtant, à y regarder de plus près, elles ont en commun de questionner le monde en rendant visible l’invisible, repoussant les frontières de la connaissance, donnant à voir autrement. En associant la photographie et les sciences, la Résidence 1+2 produit, valorise et promeut une photographie d’auteur en liens étroits avec un patrimoine scientifique exceptionnel sur les territoires. Elle a aussi pour ambition de faire se rencontrer des personnes qui à priori n’avaient aucune chance de dialoguer ensemble. À une époque où les frontières s’effritent entre toutes les disciplines, réunir dans un même projet photographe et scientifiques, c’est les inviter à unir leurs forces, à impulser de nouvelles transversalités, à renouveler les formes créatives pour nous aider, ensemble, à mieux comprendre et agir face aux enjeux du monde contemporain.

Au Muséum d’Histoire Naturelle de Toulouse, Guillaume Herbaut est pour la première fois dans sa longue carrière de photojournaliste en immersion au sein d’une collection photographique, celle exceptionnelle du fonds Eugène Trutat constitué de milliers de photographies sur plaques de verre sur le quotidien des années 1860-1910. Photographe, pyrénéiste, géologue et naturaliste à la fin du XIXème siècle, Eugène Trutat est aussi l’un des précurseurs de la photographie. Ce fonds est le point de départ des réflexions de Guillaume Herbaut qui s’est attaché par ailleurs à créer des passerelles visuelles avec plusieurs autres disciplines scientifiques dont la taxidermie. A travers ses photographies, il retourne dans les paysages d’Eugène Trutat en se focalisant sur le Luchonnais. Associant archives, paysages et natures mortes, il nous propose une conversation inédite afin de redéfinir les contours visuels et sensibles d’un nouveau rapport au monde.

A la fin du XIXème siècle, Eugène Trutat a vécu dans un monde de découvertes protéiformes dans lequel les sciences cautionnaient bien des expériences humaines, pour le meilleur et pour le pire. L’Homme occidental y était tout puissant.

La démarche photographique de Guillaume Herbaut s’inscrit dans une période charnière, celle que nous vivons actuellement, celle du changement climatique et d’un conflit européen incertain. Il prend conscience de la finitude de notre monde contemporain et nous sommes les témoins privilégiés de ses questionnements. Sont-ils annonciateurs d’une nouvelle ère ?

Attraverso le sue fotografie, Guillaume Herbaut ritorna ai paesaggi di Eugène Trutat concentrandosi sul Luchonnais. Combinando archivi, paesaggi e nature morte, ci offre una conversazione originale per ridefinire i contorni visivi e sensibili di un nuovo rapporto con il mondo.

Guillaume Herbaut, fotoreporter, è il vincitore della residenza 1+2 Factory nel 2022. Da alcuni mesi sta lavorando a una nuova serie in collaborazione con il Museo di Storia Naturale di Tolosa, basata sulla collezione di Eugène Trutat. Eugène Trutat è stato il primo direttore del Museo, fotografo, geologo e naturalista dei Pirenei alla fine del XIX secolo e uno dei precursori della fotografia. Un'eccezionale collezione di migliaia di fotografie su lastre di vetro della vita quotidiana dal 1860 al 1910 è il punto di partenza dell'approccio di Guillaume Herbaut.

La scienza non è mai stata così centrale nel dibattito pubblico. Gli scienziati analizzano, ricercano, confrontano, pubblicano articoli e rapporti. In breve, sono in prima linea. I nostri fotografi in residenza sono spesso testimoni privilegiati delle loro domande contemporanee e portano il loro punto di vista distanziato e innovativo. È in questo solco sensibile e creativo che si collocano tutte le azioni della Residenza 1+2 a Tolosa dal 2016: creare nuovi contenuti visivi in ambito locale per interrogarsi su questioni più universali. Fin dall'inizio, la fotografia ha dialogato con la scienza. Fotografi e scienziati condividono il desiderio di dare un significato al visibile o all'invisibile e quindi di costruire nuove forme di interpretazione. Associare la fotografia alla scienza significa creare una catena virtuosa di trasmissione di conoscenze e pratiche. 1+2 vuole essere un laboratorio di idee e una fabbrica di possibilità. Non è questa anche la definizione ideale di residenza creativa?

È vero che a prima vista tutto si oppone alla fotografia e alla scienza: non hanno lo stesso oggetto, né gli stessi metodi e obiettivi. Se la prima richiama il sensibile e l'immaginario, la seconda si basa sulla ragione e sulla realtà. Eppure, a ben guardare, entrambe mettono in discussione il mondo rendendo visibile l'invisibile, allontanando le frontiere della conoscenza, offrendoci un modo diverso di vedere. Associando fotografia e scienza, la Residenza 1+2 produce, sviluppa e promuove la fotografia di un autore in stretta connessione con un eccezionale patrimonio scientifico dei territori. L'ambizione è anche quella di far incontrare persone che, a prima vista, non avevano la possibilità di parlarsi. In un momento in cui i confini tra tutte le discipline si stanno sgretolando, riunire fotografi e scienziati in uno stesso progetto è un invito a unire le forze, a incoraggiare nuovi approcci interdisciplinari, a rinnovare le forme creative per aiutarci, insieme, a comprendere meglio e ad agire di fronte alle sfide del mondo contemporaneo.

Per la prima volta nella sua lunga carriera di fotoreporter, Guillaume Herbaut si immerge in una collezione fotografica del Museo di Storia Naturale di Tolosa, l'eccezionale collezione di Eugène Trutat, composta da migliaia di fotografie su lastre di vetro della vita quotidiana dal 1860 al 1910. Eugène Trutat fu fotografo, specialista dei Pirenei, geologo e naturalista alla fine del XIX secolo, nonché uno dei precursori della fotografia. Questa collezione è il punto di partenza per le riflessioni di Guillaume Herbaut, che ha anche cercato di creare collegamenti visivi con diverse altre discipline scientifiche, tra cui la tassidermia. Attraverso le sue fotografie, ritorna ai paesaggi di Eugène Trutat concentrandosi sul Luchonnais. Combinando archivi, paesaggi e nature morte, ci offre una conversazione originale per ridefinire i contorni visivi e sensibili di un nuovo rapporto con il mondo.

Alla fine del XIX secolo, Eugène Trutat vive in un mondo di scoperte proteiformi in cui le scienze sostengono molte esperienze umane, nel bene e nel male. L'uomo occidentale era onnipotente.

L'approccio fotografico di Guillaume Herbaut si inserisce in un periodo cruciale, quello che stiamo vivendo, quello dei cambiamenti climatici e dell'incerto conflitto europeo. Egli è consapevole della finitezza del nostro mondo contemporaneo e noi siamo testimoni privilegiati delle sue domande. Sono forse foriere di una nuova era?

Through his photographs, Guillaume Herbaut returns to the landscapes of Eugène Trutat by focusing on the Luchonnais. Combining archives, landscapes and still lifes, he offers us an original conversation to redefine the visual and sensitive contours of a new relationship to the world.

Guillaume Herbaut, photojournalist, is laureate of the 1+2 Factory Residence in 2022. For several months, he has been working on a new series in partnership with the Natural History Museum of Toulouse, based on the Eugène Trutat collection. Eugène Trutat was the first director of the Museum, a photographer, a Pyrenean, a geologist and a naturalist at the end of the 19th century. He is also one of the precursors of photography. An exceptional collection of thousands of photographs on glass plates of daily life from 1860-1910 is the starting point of Guillaume Herbaut's approach.

Science has never been so central to public debate. Scientists analyze, research, compare, publish articles and reports. In short, they are in the front line. Our photographers in residence are often the privileged witnesses of their contemporary questioning and bring their distanced and innovative views. It is in this sensitive and creative groove that all the actions of the 1+2 Residency in Toulouse have been taking place since 2016: to create new visual content in local territories in order to question more universal issues. From the beginning, photography has been in dialogue with science. Photographers and scientists share a common desire to give meaning to the visible or the invisible and thus to construct new interpretative forms. Associating photography with the sciences is to create a virtuous chain of transmission of knowledge and practices. The 1+2 claims to be a laboratory of ideas and a factory of possibilities. Isn't this also the ideal definition of a creative residency?

It is true that at first sight, everything opposes photography and science: they have neither the same object, nor the same methods and purposes. If the first one summons the sensitive and the imaginary, the second one is inscribed in the reason and the reality. And yet, if we look closely, they have in common to question the world by making visible the invisible, pushing back the frontiers of knowledge, giving to see differently. By associating photography and science, the 1+2 Residence produces, develops and promotes an author's photography in close connection with an exceptional scientific heritage in the territories. It also aims to bring together people who, at first glance, would have no chance to talk to each other. At a time when the boundaries between all disciplines are crumbling, bringing together photographers and scientists in the same project is an invitation to join forces, to stimulate new transversalities, to renew creative forms to help us, together, to better understand and act in the face of the challenges of the contemporary world.

At the Museum of Natural History in Toulouse, Guillaume Herbaut is for the first time in his long career as a photojournalist immersed in a photographic collection, the exceptional Eugène Trutat collection of thousands of photographs on glass plates of daily life from 1860-1910. Eugène Trutat was a photographer, a Pyrenean, a geologist and a naturalist at the end of the 19th century. He was also one of the precursors of photography. This collection is the starting point for Guillaume Herbaut's reflections, who has also endeavored to create visual links with several other scientific disciplines, including taxidermy. Through his photographs, he returns to the landscapes of Eugène Trutat by focusing on the Luchonnais. Combining archives, landscapes and still lifes, he proposes an original conversation in order to redefine the visual and sensitive contours of a new relationship to the world.

At the end of the 19th century, Eugène Trutat lived in a world of protean discoveries in which the sciences supported many human experiences, for better or for worse. Western man was all powerful.

Guillaume Herbaut's photographic approach is part of a pivotal period, the one we are currently experiencing, that of climate change and an uncertain European conflict. He is aware of the finiteness of our contemporary world and we are the privileged witnesses of his questioning. Are they the harbingers of a new era?

(Text: Philippe Guionie, commissaire de l’exposition, Directeur de la Résidence 1+2 -Toulouse)

Galerie Le Château d'eau | Toulouse

1. Februar - 14. Mai 2023

Retours à Beyrouth
Gabriele Basilico

Der italienische Fotograf Gabriele Basilico (1944-2013) gilt als einer der bedeutendsten Dokumentarfotografen. Fast vierzig Jahre lang hat er seinen Blick auf Städte in aller Welt gerichtet und eine Reflexion über die Landschaftsfotografie entwickelt. Die Ausstellung "Retours à Beyrouth", in der zum ersten Mal die vier Fotomissionen aus den Jahren 1991, 2003, 2008 und 2011 gezeigt werden, dokumentiert den allmählichen Wiederaufbau der Stadt und zeugt von der großen Zuneigung des Fotografen zur libanesischen Hauptstadt.

1991 finanzierte die Hariri-Stiftung auf Initiative der libanesischen Schriftstellerin Dominique Eddé eine Dokumentationskampagne über das Stadtzentrum von Beirut, das damals nach 15 Jahren Bürgerkrieg fast völlig zerstört war. Daran nahmen Gabriele Basilico, René Burri, Raymond Depardon, Fouad Elkoury, Robert Frank und Josef Koudelka teil. Es folgten ein Buch und eine Ausstellung, die einen Meilenstein darstellten.

Gabriele Basilico liebte klare, strukturierte und abgeschlossene Projekte und kehrte kaum von seinen Schritten zurück. Beirut war für ihn eine bemerkenswerte Ausnahme, denn er reiste viermal dorthin, fotografierte in Schwarzweiß und in Farbe und stellte sogar einen Teil seiner fotografischen Untersuchung aus. Er hatte geplant, ein Buch zu veröffentlichen, das alle seine vier Reisen zusammenfasst, aber er fand nicht die Zeit dazu. Es ist daher das erste Mal, dass diese Arbeit in ihrer ganzen Ausdehnung gezeigt wird und dass der Contrasto-Verlag bei dieser Gelegenheit das Referenzwerk herausgibt. In dieser visuellen Untersuchung, die sich über zwanzig Jahre hinweg entwickelt hat, findet man den charakteristischen und rigorosen Ansatz des ehemaligen Architekturstudenten wieder. Eine ständige Reflexion über die Bedeutung der Frontalität und der Aufnahmewinkel, ein Wille, den städtischen Raum zu entschlüsseln und ihn lesbar zu machen. Gabriele Basilico war kein Kriegsfotograf und wusste zunächst nicht, wie er sich der Zerstörung des Zentrums der libanesischen Hauptstadt nähern sollte. Nach der Feststellung und der direkten Konfrontation mit der Ruine entschied er sich, den Wiederaufbauprozess zu verfolgen. Eine Form von Optimismus.

Le photographe italien Gabriele Basilico (1944-2013) est considéré comme l’un des plus importants photographes documentaristes. Durant près de quarante ans, il a posé son regard sur les villes du monde entier et a développé une réflexion sur la photographie de paysage. L’exposition « Retours à Beyrouth », qui présente pour la première fois les quatre missions photographiques effectuées en 1991, en 2003, en 2008 et 2011, documente la reconstruction progressive de la ville et témoigne de la grande affection du photographe envers la capitale libanaise.

En 1991, à l’initiative de l’écrivaine libanaise Dominique Eddé, la Fondation Hariri finança une campagne documentaire sur le centre-ville de Beyrouth, alors quasiment détruit après quinze années de guerre civile. Y participèrent, en toute liberté, Gabriele Basilico, René Burri, Raymond Depardon, Fouad Elkoury, Robert Frank et Josef Koudelka. S’en suivirent un livre et une exposition qui ont fait date.

Gabriele Basilico aimait les projets clairs, structurés, clos, et ne revenait guère sur ses pas. Beyrouth a été pour lui une exception notable puisqu’il s’y est rendu à quatre reprises, qu’il y a photographié en noir et blanc et en couleurs, et qu’il y a même exposé une partie de son enquête photographique. Il avait le projet de publier un ouvrage regroupant l’ensemble de ses quatre voyages mais il n’en eut pas le temps. C’est donc la première fois que ce travail est montré dans son extension et que, à cette occasion, les éditions Contrasto publient l’ouvrage de référence. On retrouve dans cette enquête visuelle qui s’est développée sur vingt ans l’approche caractéristique et rigoureuse de l’ancien étudiant en architecture. Une réflexion permanente sur le sens de la frontalité et des angles de prise de vue, une volonté de décrypter l’espace urbain et de le rendre lisible. Gabriele Basilico n’était pas un photographe de guerre et il ne sut, d’abord, comment aborder la destruction du centre de la capitale libanaise. Après le constat et la confrontation directe à la ruine, il décida de suivre le processus de reconstruction. Une forme d’optimisme.

Il fotografo italiano Gabriele Basilico (1944-2013) è considerato uno dei più importanti fotografi documentaristi. Per quasi quarant'anni ha osservato le città di tutto il mondo e ha sviluppato una riflessione sulla fotografia di paesaggio. La mostra "Returns to Beirut", che presenta per la prima volta le quattro missioni fotografiche realizzate nel 1991, 2003, 2008 e 2011, documenta la graduale ricostruzione della città e testimonia il grande affetto del fotografo per la capitale libanese.

Nel 1991, su iniziativa dello scrittore libanese Dominique Eddé, la Fondazione Hariri ha finanziato una campagna documentaria sul centro di Beirut, allora quasi distrutto dopo quindici anni di guerra civile. Gabriele Basilico, René Burri, Raymond Depardon, Fouad Elkoury, Robert Frank e Josef Koudelka hanno partecipato liberamente. Ne sono nati un libro e una mostra che sono diventati punti di riferimento.

Gabriele Basilico amava i progetti chiari, strutturati e chiusi, e non tornava quasi mai sui suoi passi. Beirut è stata una notevole eccezione per lui, che l'ha visitata quattro volte, l'ha fotografata in bianco e nero e a colori e vi ha persino esposto parte della sua indagine fotografica. Aveva progettato di pubblicare un libro su tutti i suoi quattro viaggi, ma non è mai riuscito a farlo. È quindi la prima volta che quest'opera viene presentata nella sua interezza e che, in questa occasione, le Edizioni Contrasto pubblicano l'opera di riferimento. In questa indagine visiva, che si è sviluppata nell'arco di vent'anni, ritroviamo l'approccio caratteristico e rigoroso dell'ex studente di architettura. Una riflessione permanente sul significato della frontalità e degli angoli di visuale, un desiderio di decifrare lo spazio urbano e renderlo leggibile. Gabriele Basilico non era un fotografo di guerra e non sapeva, all'inizio, come approcciarsi alla distruzione del centro della capitale libanese. Dopo l'osservazione e il confronto diretto con la rovina, ha deciso di seguire il processo di ricostruzione. Una forma di ottimismo.

The Italian photographer Gabriele Basilico (1944-2013) is considered one of the most important documentary photographers. For almost forty years, he has been looking at cities around the world and has developed a reflection on landscape photography. The exhibition "Returns to Beirut", which presents for the first time the four photographic missions carried out in 1991, 2003, 2008 and 2011, documents the progressive reconstruction of the city and testifies to the photographer's great affection for the Lebanese capital.

In 1991, on the initiative of the Lebanese writer Dominique Eddé, the Hariri Foundation financed a documentary campaign on downtown Beirut, then almost destroyed after fifteen years of civil war. Gabriele Basilico, René Burri, Raymond Depardon, Fouad Elkoury, Robert Frank and Josef Koudelka freely participated. The result was a book and an exhibition that made history.

Gabriele Basilico liked clear, structured, closed projects, and hardly ever went back on his steps. Beirut was a notable exception for him, as he went there four times, photographed there in black and white and in color, and even exhibited part of his photographic investigation there. He had the project to publish a book gathering all his four trips but he did not have the time. It is therefore the first time that this work is shown in its entirety and that, on this occasion, the Contrasto editions publish the reference work. In this visual investigation, which has developed over twenty years, we find the characteristic and rigorous approach of the former architecture student. A permanent reflection on the meaning of frontality and angles of view, a desire to decipher urban space and make it readable. Gabriele Basilico was not a war photographer and he did not know, at first, how to approach the destruction of the center of the Lebanese capital. After the observation and direct confrontation with the ruin, he decided to follow the reconstruction process. A form of optimism.

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique, Galerie Le Château d'eau, Toulouse)

Galerie Le Château d'eau | Toulouse
1. Februar - 2. April 2023

West
Francesco Jodice

WEST ist ein Forschungsprojekt, das vom Aufstieg und Niedergang des amerikanischen Jahrhunderts erzählt und die Ursprünge der aktuellen Krise des liberalen Modells und des Westens im Allgemeinen in einem Bogen zwischen dem Beginn des Goldrauschs (1848) und dem Bankrott von Lehman Brothers (2008) untersucht. Das 2014 begonnene WEST besteht aus drei langen Reisen durch einige der Staaten, in denen der Goldrausch stattfand: Kalifornien, Nevada, Utah, Wyoming, Arizona, Colorado, New Mexico, Nebraska, Texas, wobei auch angrenzende mexikanische Gebiete einbezogen wurden.

Der Schwerpunkt des gesamten Werks liegt an der Schnittstelle zwischen der besonderen Geologie dieser Region (eine der ältesten geologischen Strukturen der Erde) und den archäologischen Ruinen (Minen, Geisterstädte, Utopien, Komplexe und verlassene Infrastruktur) dieser Jahreszeit, die von einem unbändigen Streben nach unmittelbarem Reichtum angetrieben wird.

Das mit Unterstützung des italienischen Kulturministeriums realisierte WEST wurde als einer der Preisträger der X. Ausgabe des Italian Council (2021) ausgewählt, einem Programm zur internationalen Förderung der italienischen Kunst der Generaldirektion für zeitgenössische Kreativität des Kulturministeriums.

Das Projekt wird vom Museum für zeitgenössische Fotografie in Mailand Cinisello (MUFOCO) präsentiert.

mit der Galerie le Château d'Eau in Zusammenarbeit mit dem Architekturzentrum Arc en rêve in Bordeaux.

Viele europäische Fotografen sind in die USA gegangen, im Hinterkopf die nicht immer zutreffende, sondern meist nostalgische Lektüre von Robert Franks Amerikaner. Und es gibt unzählige subjektive oder sogar sentimentale Roadmovies, Notizbücher, die von den großen Weiten, den kleinen Städten, den verlorenen Motels am Ende der Welt und den Holzhäusern aus einem anderen Jahrhundert fasziniert sind.

Francesco Jodices Ansatz ist das Gegenteil von all dem. Er betrachtet die Fotografie nicht als Träger von Erinnerungen an eine intime Erfahrung, sondern als Werkzeug im Dienste einer Analyse. Die Analyse folgt einem akribisch festgelegten Weg, der sich auf historische Daten stützt und über einen Zeitraum von 160 Jahren die Entwicklung und den Niedergang der größten Weltmacht abbildet. Diese Zeitspanne liegt zwischen dem Beginn des Goldrauschs im Jahr 1848 und dem spektakulären Zusammenbruch der Lehman Brothers Bank im Jahr 2008, der das gesamte amerikanische Bankensystem und darüber hinaus die ganze Welt in Mitleidenschaft zog.

Francesco Jodice fotografiert und hebt eines der vergessenen Elemente dessen hervor, was die Macht der Vereinigten Staaten ausmachte: eine Ikonografie, oder genauer gesagt, eine Mischung aus Ikonografien, die unter anderem die Naturlandschaft und Hollywood mit der Eroberung des Weltraums verbinden und kombinieren und Mythologien und Macht begründen. Doch heute sagt die amerikanische Landschaft einen Bankrott aus und ist mit Ruinen übersät. Und das, obwohl wir uns immer noch im Land des Königs Geld befinden.

WEST est un projet de recherche qui raconte l’essor et le déclin du siècle américain, en enquêtant sur les origines de la crise actuelle du modèle libéral et, plus généralement, de l’Occident dans un arc compris entre le début de la ruée vers l’or (1848) et la faillite de Lehman Brothers (2008). Commencé en 2014, WEST consiste en trois longs voyages à travers certains des États où la ruée vers l’or a eu lieu : Californie, Nevada, Utah, Wyoming, Arizona, Colorado, Nouveau-Mexique, Nebraska, Texas, avec l’inclusion de zones contiguës mexicaines.

Le point central de l’ensemble de l’oeuvre se trouve au carrefour entre la géologie particulière de cette région (l’une des plus anciennes structures géologiques de la planète) et les ruines archéologiques (mines, villes fantômes, utopies, complexes et infrastructures abandonnées) de cette saison animée par une quête irrépressible de richesses immédiates.

Réalisé avec le soutien du Ministère de la Culture italien, WEST a été sélectionné parmi les lauréats de la Xème édition de l’Italian Council (2021) un programme de promotion internationale de l’art italien de la Direction générale de la créativité contemporaine du ministère de la Culture.

Le projet est présenté par le Musée de la photographie contemporaine de Milan Cinisello (MUFOCO).

avec la Galerie le Château d’Eau, en collaboration avec le centre d’architecture Arc en rêve de Bordeaux.

Beaucoup de photographes européens sont partis pour les États-Unis avec en tête des lectures, pas toujours justes mais la plupart du temps nostalgiques, des Américains de Robert Frank. Et l’on ne compte plus les road movies subjectifs voire sentimentaux, carnets de notes fascinés par les grands espaces, les petites villes, les motels perdus au bout du monde et les maisons en bois venues d’un autre siècle.

L’approche de Francesco Jodice est à l’opposé de tout cela. Elle ne considère pas la photographie comme porteuse des souvenirs d’une expérience intime mais comme outil au service d’une analyse. Cette dernière se déroule selon un parcours méticuleusement établi qui se fonde sur des données historiques et va permettre de lire, sur une durée de 160 années l’évolution et le déclin de la plus grande puissance mondiale. Cette durée temporelle est celle qui sépare le début de la ruée vers l’or en 1848 de la faillite spectaculaire de la banque Lehman Brothers en 2008 qui affecta tout le système bancaire américain, et au-delà mondial.

Francesco Jodice photographie et met en évidence un des éléments oubliés de ce qui a fait la puissance des États-Unis : une iconographie, ou plus justement un mélange d’iconographies qui associent et combinent le paysage naturel et Hollywood à la conquête de l’espace, entre autres, et fondent des mythologies et un pouvoir. Mais aujourd’hui le paysage américain dit une faillite et est jonché de ruines. Alors que nous sommes toujours au pays de l’argent roi.

WEST è un progetto di ricerca che racconta la storia dell'ascesa e del declino del secolo americano, indagando le origini dell'attuale crisi del modello liberale e, più in generale, dell'Occidente in un arco di tempo compreso tra l'inizio della corsa all'oro (1848) e il fallimento di Lehman Brothers (2008). Iniziato nel 2014, WEST consiste in tre lunghi viaggi attraverso alcuni degli Stati in cui si svolse la Corsa all'Oro: California, Nevada, Utah, Wyoming, Arizona, Colorado, New Mexico, Nebraska, Texas, con l'inclusione di aree messicane contigue.

Il fulcro dell'intera opera è l'incrocio tra la particolare geologia di questa regione (una delle strutture geologiche più antiche del pianeta) e le rovine archeologiche (miniere, città fantasma, utopie, complessi e infrastrutture abbandonate) di questa stagione guidata da un'irrefrenabile ricerca di ricchezza immediata.

Realizzato con il sostegno del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, WEST è stato selezionato come uno dei vincitori della decima edizione dell'Italian Council (2021), programma di promozione internazionale dell'arte italiana della Direzione Generale per la Creatività Contemporanea del Ministero per i Beni e le Attività Culturali.

Il progetto è presentato dal Museo di Fotografia Contemporanea di Milano Cinisello (MUFOCO).

con la Galerie le Château d'Eau, in collaborazione con il centro di architettura Arc en rêve di Bordeaux.

Molti fotografi europei sono partiti per gli Stati Uniti con letture, non sempre accurate ma il più delle volte nostalgiche, degli americani di Robert Frank. E ci sono innumerevoli road movie soggettivi e persino sentimentali, taccuini affascinati da grandi spazi aperti, piccole città, motel sperduti alla fine del mondo e case di legno di un altro secolo.

L'approccio di Francesco Jodice è l'opposto di tutto questo. Non considera la fotografia come portatrice di ricordi di un'esperienza intima, ma come strumento di analisi. Questa analisi segue un percorso meticolosamente stabilito, basato su dati storici, che ci permette di leggere l'evoluzione e il declino della più grande potenza mondiale in un periodo di 160 anni. Questo arco di tempo è quello che separa l'inizio della corsa all'oro nel 1848 dallo spettacolare fallimento della banca Lehman Brothers nel 2008, che ha colpito l'intero sistema bancario americano e non solo.

Francesco Jodice fotografa e mette in luce uno degli elementi dimenticati di ciò che ha reso potenti gli Stati Uniti: un'iconografia, o più precisamente una miscela di iconografie che associano e combinano il paesaggio naturale e Hollywood con la conquista dello spazio, tra l'altro, e fondano mitologie e potere. Ma oggi il paesaggio americano dice bancarotta ed è disseminato di rovine. Mentre siamo ancora nella terra del re del denaro.

WEST is a research project that tells the story of the rise and fall of the American century, investigating the origins of the current crisis of the liberal model and, more broadly, of the West in an arc between the beginning of the Gold Rush (1848) and the bankruptcy of Lehman Brothers (2008). Begun in 2014, WEST consists of three long journeys through some of the states where the Gold Rush took place-California, Nevada, Utah, Wyoming, Arizona, Colorado, New Mexico, Nebraska, Texas, with the inclusion of contiguous Mexican areas.

The focus of the entire work lies at the crossroads between the particular geology of this region (one of the oldest geological structures on the planet) and the archaeological ruins (mines, ghost towns, utopias, complexes and abandoned infrastructures) of this season driven by an irrepressible quest for immediate wealth.

Produced with the support of the Italian Ministry of Culture, WEST has been selected as one of the winners of the 10th edition of the Italian Council (2021), a program for the international promotion of Italian art of the General Directorate for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture.

The project is presented by the Museum of Contemporary Photography of Milan Cinisello (MUFOCO).

with the Galerie le Château d'Eau, in collaboration with the Arc en rêve architecture center of Bordeaux.

Many European photographers have left for the United States with in mind readings, not always accurate but most of the time nostalgic, of Robert Frank's Americans. And there are countless subjective and even sentimental road movies, notebooks fascinated by wide open spaces, small towns, motels lost at the end of the world and wooden houses from another century.

Francesco Jodice's approach is the opposite of all this. He does not consider photography as the bearer of memories of an intimate experience but as a tool at the service of an analysis. The latter unfolds according to a meticulously established path that is based on historical data and will allow us to read, over a period of 160 years, the evolution and decline of the greatest world power. This time span is the one that separates the beginning of the gold rush in 1848 from the spectacular bankruptcy of the Lehman Brothers bank in 2008, which affected the entire American banking system, and beyond.

Francesco Jodice photographs and highlights one of the forgotten elements of what made the power of the United States: an iconography, or more precisely a mixture of iconographies that associate and combine the natural landscape and Hollywood with the conquest of space, among others, and found mythologies and power. But today the American landscape says bankruptcy and is littered with ruins. While we are still in the land of the money king.

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique, Galerie Le Château d'eau, Toulouse)