Musée du Pavillon de Vendôme | Aix-en-Provence
17. Februar – 28. April 2024

Ni tout à fait la même, ni tout à fait un autre
Édith Laplane, Michaël Serfaty

Édith Laplane und Michaël Serfaty haben beide ihre eigene künstlerische Praxis.

Edith ist bildende Künstlerin; sie kreiert, gestaltet und arrangiert Werke aus wiederverwendeten Materialien (Stoffe, Spitzen, Papier, Antiquitäten...) rund um ein Hauptthema: die Weiblichkeit und insbesondere das weibliche Geschlecht. Unter Verwendung traditionell weiblicher Techniken wie Nähen und Sticken erinnern seine zarten Werke an die zerbrechlichen Reliquien von Kuriositätenkabinetten.

Michaël ist Fotograf. Die Bilder, die er einfängt, konfrontieren uns mit den Sinnen und den Spuren, die in den Körpern der Frauen eingeschrieben sind. "Materie, Rauheit und Unfälle prägen seine Fotografien [...] wie ein geduldiger Archäologe des Menschlichen." Olivier Bourgoin - Agentur révélateur.

Dieses Künstlerpaar teilt sich das gleiche Atelier, aber jeder arbeitet separat. Die Ausstellung im Musée du Pavillon de Vendôme bringt sie zum ersten Mal zusammen, um ein gemeinsames Werk zu schaffen, das in Resonanz, im Dialog und in Ergänzung zu ihrem Lebensthema, der Frau, steht.

Édith Laplane et Michaël Serfaty, ont chacun leur propre pratique artistique.

Édith est plasticienne ; elle crée, façonne, agence des œuvres à partir de matériaux récupérés (tissus, dentelles, papiers, objets chinés...) autour d’une thématique principale : la féminité et en particulier le sexe féminin. Utilisant des techniques traditionnellement féminines telle que la couture et la broderie, ses œuvres délicates évoquent les reliques fragiles des cabinets de curiosité.

Michaël est photographe, les images qu’il saisit nous confrontent aux sens et aux traces inscrites dans le corps des femmes. « Matières, rugosités, accidents impriment ses photographies […] tel un patient archéologue de l’humain. » Olivier Bourgoin - agence révélateur.

Ce couple d’artistes partage le même atelier mais chacun œuvre distinctement. L’exposition du Musée du Pavillon de Vendôme les réunit pour la première fois pour faire œuvre commune en résonance, en dialogue, en complémentarité sur leur thématique de vie, la Femme.

Édith Laplane e Michaël Serfaty hanno ciascuno una propria pratica artistica.

Édith è un'artista visiva che crea, modella e dispone opere con materiali riciclati (tessuti, pizzi, carta, oggetti di seconda mano, ecc.) attorno a un tema principale: la femminilità, e in particolare il sesso femminile. Utilizzando tecniche tradizionalmente femminili come il cucito e il ricamo, le sue opere delicate evocano le fragili reliquie dei gabinetti delle curiosità.

Michaël è un fotografo e le immagini che cattura ci mettono a confronto con i sensi e le tracce inscritte nei corpi delle donne. "La materia, le asperità e gli incidenti lasciano il segno sulle sue fotografie [...] come un paziente archeologo dell'essere umano". Olivier Bourgoin - agence révélateur.

Questa coppia di artisti condivide lo stesso studio, ma lavora separatamente. La mostra al Musée du Pavillon de Vendôme li riunisce per la prima volta per lavorare insieme in risonanza, dialogo e complementarità sul tema della loro vita, la donna.

Édith Laplane and Michaël Serfaty each have their own artistic practice.

Édith is a visual artist, creating, shaping and arranging works from recycled materials (fabric, lace, paper, mismatched objects, etc.) around one main theme: femininity, and particularly the female sex. Using traditionally feminine techniques such as sewing and embroidery, her delicate works evoke the fragile relics of curiosity cabinets.

Michaël is a photographer, and the images he captures confront us with the senses and traces inscribed in women's bodies. "Matter, roughness, accidents imprint his photographs [...] like a patient archaeologist of the human." Olivier Bourgoin - agence révélateur.

These two artists share the same studio, but each works separately. The exhibition at the Musée du Pavillon de Vendôme brings them together for the first time to work together in resonance, dialogue and complementarity on their life's theme, Woman.

(Text: Christel Pélissier-Roy Directrice des musées d’art et d’histoire de la ville d’Aix et responsable du musée du Pavillon de Vendôme.)

Centre de la photographie de Mougins
4. November 2023 – 4. Februar 2024

Point sublime
Anna Niskanen

Indem man sich traditioneller fotografischer Techniken bemächtigt, versucht man, solange es noch möglich ist, der Uniformierung der Abzüge als Folge der digitalen Techniken zu widerstehen.

Ein fotografischer Abzug ist aufgrund seiner Einzigartigkeit mehr als ein handwerkliches Refugium, er bekräftigt ein Lebensprinzip, eine Art, der Natur zu huldigen, und eine Absage an die unausweichliche ökologische Gefahr. Die Cyanotypie, das preußische Blau, und das erdige Pigment Gomme bichromatée berichten hier von einem Aufenthalt der aus Finnland stammenden Fotografin Anna Niskanen in Mougins.

Die Abdrücke, Blau für das Mittelmeer und Ocker für das Hinterland, in Form von großen Formaten, sollen die von der Sonne verbrannten Orte einfangen. In der Nähe von Mougins gibt es eine schöne und wilde Gegend, aber auch eine beschädigte Küste und einen verwundeten Berg. So lässt sich die einzigartige Erfahrung der Fotografin im Umgang mit komplexen Landschaften zusammenfassen: das Eingeständnis, dass es sich um einfache poetische Artefakte handelt, und die Bestätigung eines Spiels mit dem Pittoresken, mit den eigenen Erinnerungen. Als ob die Fabrik der Landschaft uns schützen und trösten könnte.

Anna Niskanens Fotografie findet in der Herstellung von Bildern diese primitiven Leidenschaften und die emotionale Spontaneität wieder, die sich auf bescheidene Weise der falschen Rationalität der Welt entgegenstellen. Eine unsichtbare Präsenz, die nur die Sonne zu enthüllen vermag.

Unter der Sonne genau.

En s’emparant de techniques photographiques traditionnelles, on tente, tant qu’il est encore possible, de résister à l’uniformisation des tirages, conséquence des techniques numériques.

Une épreuve photographique par son unicité est plus qu’un refuge artisanal, elle affirme un principe de vie, une manière de rendre hommage à la nature, un refus de l’inéluctable péril écologique. Le cyanotype, ce bleu de Prusse, et la gomme bichromatée, ce pigment terreux, rendent compte ici d’une résidence effectuée à Mougins par Anna Niskanen, photographe d’origine finlandaise.

Les empreintes, le bleu pour la Méditerranée et l’ocre pour l’arrière-pays, sous la forme de grands formats, se veulent saisir les lieux, brulés par le soleil. Il est, aux abords de Mougins, une contrée belle et sauvage, mais aussi une côte abimée, une montagne blessée. Voilà ainsi résumée l’expérience singulière de la photographe face aux paysages complexes, admettre que ce ne sont que de simples artefacts poétiques, et l’affirmation d’un jeu avec le pittoresque, avec ses propres souvenirs. Comme si la fabrique du paysage nous protégeait, pouvait réconforter.

La photographie d’Anna Niskanen retrouve dans la fabrication des images ces passions primitives et la spontanéité émotionnelle qui s’opposent, modestement, à la fausse rationalité du monde. Une présence invisible que seul le soleil est en capacité de révéler.

Sous le soleil exactement.

Abbracciando le tecniche fotografiche tradizionali, cerchiamo, finché possiamo, di resistere alla standardizzazione delle stampe che è la conseguenza delle tecniche digitali.

In virtù della sua unicità, una stampa fotografica è più di un rifugio artigianale; afferma un principio di vita, un modo di rendere omaggio alla natura, un rifiuto dell'ineluttabile pericolo ecologico. La cianotipia, il blu di Prussia, e il bicromato di gomma, il pigmento terroso, sono qui utilizzati per illustrare una residenza a Mougins della fotografa finlandese Anna Niskanen.

Le stampe, blu per il Mediterraneo e ocra per l'entroterra, in grande formato, catturano il luogo mentre brucia al sole. Alla periferia di Mougins c'è una terra selvaggia e bellissima, ma anche una costa danneggiata e una montagna ferita. Questo riassume la singolare esperienza della fotografa nei confronti di paesaggi complessi, ammettendo che non sono altro che artefatti poetici e affermando il suo gioco con il pittoresco, con i propri ricordi. È come se il tessuto del paesaggio ci proteggesse e ci confortasse.

La fotografia di Anna Niskanen riscopre nella realizzazione delle immagini quelle passioni primitive e quella spontaneità emotiva che si oppongono modestamente alla falsa razionalità del mondo. Una presenza invisibile che solo il sole può rivelare.

Sotto il sole, per essere precisi.

Reclaiming traditional photographic techniques is an attempt, while it is still possible, to resist the standardisation of prints that is a consequence of digital techniques.

By virtue of its uniqueness, a photographic print is more than an artisanal refuge; it affirms a principle of life, a way of paying homage to nature and a refusal of the inevitability of ecological peril. Cyanotype, Prussian blue and gum bichromate, an earthy pigment, are used here to capture a residency in Mougins by Finnish-born photographer Anna Niskanen.

The prints, blue for the Mediterranean and ochre for the hinterland, in large format, capture the place as it burns in the sun. The area around Mougins is beautiful and wild, yet there is also a damaged coastline and a scarred mountain. This sums up the photographer's singular experience of complex landscapes, an admission that they are no more than poetic artefacts, an affirmation of a play on the picturesque as well as her own memories. It is as if the fabric of the landscape could protect and comfort us.

Anna Niskanen's photography rediscovers through the making of images these primitive passions and the emotional spontaneity that stands in modest opposition to the false rationality of the world. An invisible presence that only the sun is capable of revealing.

Under the sun, to be precise.

(Text: François Cheval)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
23. September - 10. November 2023

4807
Bernard Pesce, Bernard Tartinville

Diese neue Ausstellung ist ein Aufstieg, den wir Ihnen vorschlagen...

Bernard Pesce (der diesen Sommer in der Carmignac-Stiftung ausgestellt wurde und in die Sammlung von Antoine de Galbert aufgenommen wurde) beschwört in seinen Bildern die Vertikalität, das Licht, bis hin zur Auslöschung seines Gegenstands. seines Themas: Queyras!

Mit Bernard Tartinville machen wir uns auf, den Mont Blanc zu besteigen ... diese Panoramen strahlen die ganze Schönheit der Berge und eine heitere Gelassenheit aus!

C’est une ascension que l’on vous propose pour cette nouvelle exposition…

Bernard Pesce, (exposé à la Fondation Carmignac cet été, et entré dans la collection d’Antoine de Galbert) évoque dans ses images la verticalité, la lumière, jusqu’a l’effacement de son sujet : le Queyras !

Avec Bernard Tartinville, nous partons gravir le Mont Blanc …de ces panoramiques émanent toute la beauté de la montagne, une sérénité !

È una scalata che proponiamo per questa nuova mostra...

Bernard Pesce, (esposto quest'estate alla Fondation Carmignac e ora parte della collezione Antoine de Galbert) evoca nelle sue immagini la verticalità e la luce, fino a cancellare il suo soggetto: il Queyras!

Con Bernard Tartinville, partiamo per scalare il Monte Bianco... da questi scatti panoramici emana tutta la bellezza della montagna, una serenità!

It's a climb we're proposing for this new exhibition...

Bernard Pesce (exhibited at the Fondation Carmignac this summer, and now part of the Antoine de Galbert collection) evokes verticality and light in his images, to the point of obliterating his subject: the Queyras!

With Bernard Tartinville, we set off to climb Mont Blanc ... from these panoramic shots emanate all the beauty of the mountains, a serenity!

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
7. Juli - 19. August 2023

Abstraction

Martin Becka, Pascal Bonneau, Denis Brihat, Choi Kunsu, Olivier de Zarate, Denis Felix, Anthony Morel, Jean-Pierre Sudre

Tauchen Sie ein in eine Welt, in der die Fotografie das Vorstellungsbild neu definiert und Sie auf eine Reise über die Sterne hinaus mitnimmt, um neue Fußabdrücke zu entdecken.

Petit à petit, la forme se perd, les contours ne se déterminent plus,l'image disparaît, mais le trait reste et nous accompagne tout aulong d’une exposition qui court vers l’abstraction la plus totale.Plongez dans un univers où la photographie redéfinit l’image-inaireet vous emmène en voyage par-delà les astres, pour découvrir denouvelles empreintes.

A poco a poco, la forma si perde, i contorni non sono più definiti, l'immagine scompare, ma la linea rimane e ci accompagna in una mostra che corre verso l'astrazione totale. Tuffatevi in un universo in cui la fotografia ridefinisce l'immaginario e vi porta in un viaggio oltre le stelle, alla scoperta di nuove impronte.

Gradually, form is lost, contours are no longer defined, the image disappears, but the line remains and accompanies us throughout an exhibition that races towards total abstraction. Dive into a universe where photography redefines the imaginary and takes you on a journey beyond the stars, to discover new imprints.

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

Galerie de l'Instant | Nice
4. Juli - 1. Oktober 2023

Album de famille par Andrew Birkin

Ende 2019 haben wir die erste Ausstellung zu Jane Birkin präsentiert, ein Duett zwischen Tony Frank, dem Porträtisten von Serge Gainsbourg, und Andrew Birkin, Janes Bruder?

Wir nutzen die diesjährige Veröffentlichung von Andrews sehr schönem Buch "l'album de famille intime", das bei Albin Michel erschienen ist, um die Bilder dieser etwas ungewöhnlichen Familie zu zeigen, deren Geschichte jeder Franzose kennt.

Als privilegierter Zeuge des Lebens seiner Schwester hat Andrew die verschiedenen Lebensabschnitte eingefangen: das brave Mädchen mit der Schleife im Haar, die junge Mutter von Kate nach ihrer Heirat mit dem Komponisten John Barry, dann die Anfänge ihrer Romanze mit dem großen Serge Gainsbourg und ihr gemeinsames Leben, die Ankunft von Charlotte, die Geburtstage, die Ferien, die Rue de Verneuil, London, das Land... diesen Alltag, den wir dank ihm für einen Moment teilen können.

Als Regieassistent an der Seite von Stanley Kubrick, Drehbuchautor und Regisseur hat er sein Leben mit Künstlern verbracht und in diesen Familienbildern die Energie und die Intimität dieser außergewöhnlichen Charaktere eingefangen. Das Profilbild von Serge mit seiner Hündin Nana und ihren beiden langen Nasen ist ebenso einfach wie perfekt. Der britische Humor auf dem Foto von Serge, der seine Zeitung liest und mit der Schlagzeile "Das Geschirrtuch brennt bei den Gainsbougs" und panischem Gesicht titelt, ist ein Genuss. Ganz zu schweigen von den Emotionen, die von den Bildern der Kinder ausgehen, die immer anwesend und bereit sind, mit dem Objektiv zu spielen!

Wir freuen uns, diese Reise in die Vergangenheit und diese Momente aus dem Leben einer einzigartigen und liebenswerten Familie mit Ihnen teilen zu können!

Fin 2019 nous avions présenté la première exposition consacrée à Jane Birkin, un duo entre Tony Frank, le portraitiste de Serge Gainsbourg et Andrew Birkin le frère de Jane…

Nous profitons de la sortie cette année du très beau livre d’Andrew "l’album de famille intime" publié chez Albin Michel pour montrer les images de cette famille un peu particulière et dont chaque français connait l’histoire.

Témoin privilégié de la vie de sa soeur, Andrew a su capter les différentes périodes de sa vie, jeune fille sage au ruban dans les cheveux, jeune mère de Kate après son mariage avec le compositeur John Barry, puis les débuts de sa romance avec le grand Serge Gainsbourg et leur vie ensemble, l’arrivée de Charlotte, les anniversaires, les vacances, la rue de Verneuil, Londres, la campagne…ce quotidien que grâce a lui nous avons le sentiment de pouvoir partager pour un instant.

Assistant réalisateur aux côtés de Stanley Kubrick, scénariste, réalisateur, il a passé sa vie entouré d’artistes, et dans ces images de famille a su capter l’énergie et l’intimité de ces personnages hors du commun. Le portrait de Serge de profil avec sa chienne Nana et leurs 2 longs nez est aussi simple que parfaite. L’humour, tout british de la photo de Serge lisant son journal titrant « le torchon brûle chez les Gainsboug » le visage affolé , est un régal. Sans compter sur l’émotion dégagé par les clichés des enfants toujours présents et prêts à jouer avec l’objectif !

Nous sommes heureux de partager ce voyage dans le temps et ces instants de vie d’une famille unique et si attachante !

Alla fine del 2019, abbiamo presentato la prima mostra dedicata a Jane Birkin, un duo tra Tony Frank, ritrattista di Serge Gainsbourg, e Andrew Birkin, fratello di Jane...

Approfittiamo della pubblicazione quest'anno del bellissimo libro di Andrew "L'album de famille intime" (L'album di famiglia intimo), edito da Albin Michel, per mostrare le immagini di questa famiglia piuttosto insolita, la cui storia è familiare a ogni francese.

Testimone privilegiato della vita di sua sorella, Andrew ha saputo cogliere i diversi periodi della sua vita: da ragazzina educata con il nastro tra i capelli, a giovane madre di Kate dopo il suo matrimonio con il compositore John Barry, poi gli inizi della sua storia d'amore con il grande Serge Gainsbourg e la loro vita insieme, l'arrivo di Charlotte, i compleanni, le vacanze, la rue de Verneuil, Londra, la campagna... questa quotidianità che, grazie a lui, ci sembra di poter condividere per un momento.

Come assistente alla regia di Stanley Kubrick, sceneggiatore e regista, ha trascorso la sua vita circondato da artisti, e in queste immagini di famiglia cattura l'energia e l'intimità di queste persone straordinarie. Il ritratto di Serge di profilo con il suo cane Nana e i loro due lunghi nasi è tanto semplice quanto perfetto. L'umorismo molto british della foto di Serge che legge il suo giornale con il titolo "I Gainsboug sono in fiamme", con il volto in preda al panico, è delizioso. Per non parlare dell'emozione generata dagli scatti dei bambini, sempre presenti e pronti a giocare con l'obiettivo!

Siamo felici di poter condividere questo viaggio a ritroso nel tempo e questi momenti di vita di una famiglia unica e affettuosa!

At the end of 2019, we presented the first exhibition dedicated to Jane Birkin, a duo between Tony Frank, Serge Gainsbourg's portraitist, and Andrew Birkin, Jane's brother...

We're taking advantage of this year's release of Andrew's beautiful book "L'album de famille intime" (The Intimate Family Album), published by Albin Michel, to show images of this rather unusual family, whose story is known to every Frenchman.

A privileged witness to his sister's life, Andrew was able to capture the different periods of her life, from the wise young girl with the ribbon in her hair, to Kate's young mother after her marriage to composer John Barry, then the beginnings of her romance with the great Serge Gainsbourg and their life together, the arrival of Charlotte, birthdays, vacations, the rue de Verneuil, London, the countryside...this daily life that thanks to him we feel we can share for a moment.

Assistant director to Stanley Kubrick, screenwriter, director, he spent his life surrounded by artists, and in these family images has captured the energy and intimacy of these extraordinary characters. The portrait of Serge in profile with his dog Nana and their 2 long noses is as simple as it is perfect. The very British humor of the photo of Serge reading his newspaper with the headline "The Gainsbougs are on fire", his face in a panic, is a delight. Not to mention the emotion generated by the shots of the children, always present and ready to play with the lens!

We're delighted to share this journey back in time, and these moments in the life of a unique and endearing family!

(Text (f): Julia Gragnon)

Fondation Manuel-Rivera-Ortiz | Arles
3. Juli - 24. September 2023

Grow Up

Pepe Atocha, Teo Belton et Florence Goupil, Thomas Brasey, Steph Cop et Bálint Pörneczi, Céline Croze, Mathias De Lattre, José Diniz, Arguiñe Escandón et Yann Gross, Nicolas Henry, Andrea Hernández Briceño, Samir Laghouati-Rashwan, Marc Lathuillère, Gabriel Moraes, Mads Nissen, Tommaso Protti, Antoine Renard, Cheng-Tang Hsu, Che-Hsi Kuo, Chuan-Lun Wu, Verdiana Albano, Isabelle Chapuis, Philippine Schaefer, LesAssociés, Docks Collective, fiVe collective

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie statt.

Grow Up ist ein Ausstellungsprogramm, das die Bewegung von Pflanzen auf der ganzen Welt aus verschiedenen Blickwinkeln beleuchtet. Die rund zwanzig Künstler sind in Süd- und Mittelamerika sowie in Taiwan verankert, wo sie die Wiege der Biodiversität und der Umweltspannungen sind.

Jeder Fokus stellt die Beziehung zwischen Pflanzen und Menschen in den Vordergrund und erforscht die lokalen Beziehungen eines Gebietes, aber auch die internationalen. Diese geografische Ebene durchzieht politische, soziale, ökologische und postkolonialistische Erzählungen und Fragen. Vom Amazonas über Costa Rica bis nach Taiwan kreuzen sich die Projekte mit den Hauptpflanzen, dem Schamanismus, den Drogen, aber auch mit der sensiblen Erforschung eines Territoriums.

Diese Beziehung zu den Pflanzen ist zentral, sie sind heilig und stehen im Zentrum der lokalen Kulturen und Glaubensrichtungen. Grow up möchte das Bewusstsein für unsere Beziehung zum Lebendigen kultivieren und wachsen lassen. Fotohaus ist eingeladen, dieses Programm mit Nature et Société zu verlängern.

Künstlerische Leitung: Florent Basiletti
Eingeladene Kuratoren/innen : Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

Grow Up est un programme d’expositions, proposant des regards croisés sur le mouvement des plantes à travers le monde. Berceau de la biodiversité et des tensions environnementales, la vingtaine d’artistes ont un ancrage géographique en Amérique du Sud, Amérique Central ou encore à Taïwan.

Chaque focus met en avant la relation entre les plantes et l’Homme, explorant les relations locales d’un territoire mais aussi internationales. Cette échelle géographique traverse les récits et questions politiques, sociales, environnementales mais aussi les questions post colonialistes. De l’Amazonie, au Costa Rica, jusqu’à Taïwan, les projets croisent les plantes maîtresses, le chamanisme, la drogue mais aussi l’exploration sensible d’un territoire.

Cette relation aux plantes est centrale, elles sont sacrées et au coeur des cultures et croyances locales, Grow up souhaite cultiver et faire grandir les consciences sur notre rapport au vivant. Fotohaus est invité à prolonger ce programme avec Nature et Société.

Direction artistique : Florent Basiletti
Commissaires invité.e.s : Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

Grow Up è un programma di mostre che analizza in modo interdisciplinare il movimento delle piante nel mondo. Culla di biodiversità e di tensioni ambientali, la ventina di artisti ha sede in Sud America, America Centrale e Taiwan.

Ciascuna mostra mette in evidenza il rapporto tra piante ed esseri umani, esplorando relazioni locali e internazionali. Questa scala geografica attraversa narrazioni e questioni politiche, sociali e ambientali, nonché questioni post-coloniali. Dall'Amazzonia, al Costa Rica, a Taiwan, i progetti attraversano piante maestre, sciamanesimo, droghe, ma anche l'esplorazione sensibile di un territorio.

Il rapporto con le piante è centrale, in quanto sacre e al centro delle culture e delle credenze locali. Grow up mira a coltivare e sensibilizzare la nostra relazione con gli esseri viventi. Fotohaus è stata invitata a estendere questo programma con Nature et Société.

Direttore artistico: Florent Basiletti
Curatori ospiti: Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

Grow Up is a programme of exhibitions, offering a cross-section of views on the movement of plants around the world. Cradle of biodiversity and environmental tensions, the twenty or so artists are based in South America, Central America and Taiwan.

Each focus highlights the relationship between plants and humans, exploring the local relationships of a territory but also international ones. This geographical scale cuts across political, social and environmental narratives and issues, as well as post-colonial issues. From the Amazon, to Costa Rica, to Taiwan, the projects cross master plants, shamanism, drugs but also the sensitive exploration of a territory.

This relation to plants is central, they are sacred and at the heart of local cultures and beliefs, Grow up wishes to cultivate and increase awareness of our relationship with living things. Fotohaus is invited to extend this programme with Nature et Société.

Art director: Florent Basiletti
Curators: Pascal Beausse, Christel Boget, Meg Chang, Ioana Mello, Klaus Kehrer

(Text: Florent Basiletti)

Musée Réattu | Arles
3. Juli - 24. September 2023

L'ésprit nomade
Jacques Léonard

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie Arles statt.

Das Museum stellt in Zusammenarbeit mit der Stiftung Photographic Social Vision in Barcelona und dank der Großzügigkeit der Jacques-Leonard-Archive das in Frankreich wenig bekannte Werk von Jacques Léonard mit einer Auswahl von über 150 Bildern aus.

Seine Fotografien, die eine sehr humanistische Ader haben, geben das Stadtleben wieder: Straßen, Märkte, Feste, Vergnügungsparks, Sport, Messen, den Hafen und die von der Entwicklung des Tourismus geprägte Strandpromenade...

Seine Heirat mit Rosario Amaya, einer Zigeunerin aus dem Stadtteil Montjuïc, öffnete ihm die Türen zu ihrer Gemeinschaft. Mit dem Blick eines Familienmitglieds auf sie bilden seine Bilder eine der bedeutendsten Sammlungen über die Zigeunerkultur.

Die Ausstellung beleuchtet auch zwei außergewöhnliche Serien: Évadés (1943), eine Reportage über Franzosen, die vor dem Faschismus durch Spanien nach Afrika flohen, und La División Azul (1954), die die Rückkehr der Überlebenden der División Azul (45.000 Mann, die Franco zur Unterstützung der Nazi-Armee bei der Invasion Russlands schickte) nach Spanien dokumentiert.

Le musée expose, en partenariat avec la Fondation Photographic Social Vision de Barcelone et grâce à la générosité des Archives Jacques Léonard, le travail peu connu en France de Jacques Léonard, avec une sélection de plus de 150 images.

Ses photographies, d’une veine très humaniste, rendent compte de la vie citadine : rues, marchés, fêtes, parcs d’attractions, sport, foires, port et front de mer marqué par le développement du tourisme…

Son mariage avec Rosario Amaya, gitane du quartier de Montjuïc, lui ouvre les portes de sa communauté. Portant sur elle le regard d’un membre de la famille, ses images constituent l’une des collections les plus importantes sur la culture gitane.

L’exposition mettra aussi en lumière deux séries exceptionnelles : Évadés, de 1943, reportage sur le passage par l’Espagne de Français fuyant le fascisme pour embarquer vers l’Afrique ; La División Azul, de 1954, qui témoigne du retour en Espagne des survivants de la División Azul, 45 000 hommes envoyés par Franco en soutien à l’armée nazie dans l’invasion de la Russie.

In collaborazione con la Photographic Social Vision Foundation di Barcellona e grazie alla generosità dell'Archivio Jacques Léonard, il museo espone il lavoro di Jacques Léonard, poco conosciuto in Francia, con una selezione di oltre 150 immagini.

Le sue fotografie altamente umanistiche catturano la vita della città: le strade, i mercati, le feste, i parchi di divertimento, lo sport, le fiere, il porto e il lungomare segnati dallo sviluppo del turismo, ecc.

Il matrimonio con Rosario Amaya, una gitana del quartiere di Montjuïc, gli ha aperto le porte della sua comunità. Guardandola con gli occhi di un membro della famiglia, le sue immagini costituiscono una delle più importanti collezioni sulla cultura gitana.

La mostra metterà inoltre in evidenza due serie eccezionali: Evadés, del 1943, un reportage sul passaggio in Spagna dei francesi in fuga dal fascismo e diretti in Africa; e La División Azul, del 1954, che documenta il ritorno in Spagna dei sopravvissuti della División Azul, 45.000 uomini inviati da Franco a sostenere l'esercito nazista nell'invasione della Russia.

The museum is happy to exhibit, in partnership with the Fondation Photographic Social Vision of Barcelona and thanks to the generosity of the Jacques Léonard Archives, a selection of over 150 images by Jacques Léonard.

His photographs, highly humanist in tendency, record urban life: streets, markets, festivals, amusement parks, sports, fairs, port and waterfront marked by the development of tourism…

His marriage with Rosario Amaya, a Roma woman from the Montjuïc neighborhood, opened the doors of her community. Looking at her with the eyes of a family member, his images form one of the most important collections dealing with Roma culture.

The exhibition will also highlight two exceptional series: Escapees [Évadés], 1943, captures the passage through Spain of French people fleeing fascism to embark for Africa; The Blue Division [La División Azul], 1954, documents the return to Spain of the survivors of the División Azul, 45,000 men sent by Franco to support the Nazi army’s invasion of Russia.

(Text: Musée Réattu, Arles)

Musée Réattu | Arles
3. Juli - 24. September 2023

Portraits - Collection Florence et Damien Bachelot

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie Arles statt.

Das Musée Réattu hat dank der Dynamik seiner Fotoabteilung schon immer enge Beziehungen zu Künstlern, Galeristen und Sammlern aus der ganzen Welt geknüpft. Doch zum ersten Mal in seiner Geschichte öffnet es seine Wände für eine Privatsammlung. Die Sammlung von Florence und Damien Bachelot umfasst fast tausend Werke. Sie legt großen Wert auf die Qualität und den historischen Wert der Abzüge und ist in der humanistischen, dokumentarischen und sozialen Fotografie von Anfang des 20.

Für die Bachelots ist das Sammeln ebenso ein Engagement für das Medium in all seiner Materialität und Einzigartigkeit wie die Unterstützung von Künstlern. Dies entspricht dem Ansatz des Réattu, das sich als erstes Kunstmuseum in Frankreich für die patrimoniale Dimension der Fotografie interessierte und gleichzeitig die Werke der Fotografen förderte.

Hundertzwanzig Werke wurden zum Thema Porträt ausgewählt. Sie sind in den ständigen Sammlungen zwischen Gemälden und Skulpturen zu sehen und zeichnen dann in den Räumen, die ganz der Sammlung Bachelot gewidmet sind, eine einzigartige Geschichte der Fotografie. Auf die großen amerikanischen Fotografen (Diane Arbus, Saul Leiter), die französischen Fotografen (Robert Doisneau, Brassaï) und die absoluten Ikonen - Young boy von Paul Strand, Lella von Édouard Boubat - folgen neuere Erwerbungen (Luc Delahaye, Laura Henno), die die Dynamik der Sammlung widerspiegeln, die heute stärker auf das zeitgenössische Kunstschaffen ausgerichtet ist.

Le musée Réattu, grâce au dynamisme de son département photographique, a toujours noué des liens étroits avec des artistes, galeristes et collectionneurs du monde entier. Mais pour la première fois de son histoire, il ouvre ses cimaises à une collection privée. Comptant près de mille œuvres, la collection Florence et Damien Bachelot, profondément attachée à la qualité et à la valeur historique des tirages, est ancrée dans la photographie humaniste, documentaire et sociale du début du XXe siècle à nos jours.

Pour les Bachelot, collectionner est autant un engagement en faveur du médium dans toute sa matérialité et sa singularité qu'un soutien aux artistes. Cette démarche fait écho à celle du Réattu, qui fut le premier musée d'art en France à s'intéresser à la dimension patrimoniale de la photographie, tout en promouvant l’œuvre des photographes.

Cent-vingt œuvres ont été sélectionnées sur le thème du portrait. Elles s'invitent dans les collections permanentes entre peintures et sculptures, puis, dans des salles entièrement consacrées à la collection Bachelot, dessinent une histoire singulière de la photographie. Aux grands photographes américains (Diane Arbus, Saul Leiter) français (Robert Doisneau, Brassaï) et aux icônes absolues – Young boy de Paul Strand, Lella d’Édouard Boubat – succèdent des acquisitions récentes (Luc Delahaye, Laura Henno) qui reflètent le dynamisme de la collection, aujourd'hui plus orientée vers la création contemporaine.

Grazie al suo dinamico dipartimento di fotografia, il Musée Réattu ha sempre stretto legami con artisti, galleristi e collezionisti di tutto il mondo. Ma per la prima volta nella sua storia, apre le porte a una collezione privata. Composta da quasi mille opere, la collezione di Florence e Damien Bachelot è profondamente impegnata nella qualità e nel valore storico delle sue stampe, ed è radicata nella fotografia umanistica, documentaria e sociale dall'inizio del XX secolo ai giorni nostri.

Per i Bachelot, il collezionismo è un impegno verso il mezzo fotografico in tutta la sua materialità e unicità, oltre che verso il sostegno agli artisti. Questo approccio fa eco a quello del Réattu, che è stato il primo museo d'arte in Francia a interessarsi alla dimensione patrimoniale della fotografia, promuovendo al contempo il lavoro dei fotografi.

Centoventi opere sono state selezionate sul tema del ritratto. Esse sono esposte nelle collezioni permanenti, accanto a dipinti e sculture, e poi, in sale interamente dedicate alla collezione Bachelot, ripercorrono una singolare storia della fotografia. Ai grandi fotografi americani (Diane Arbus, Saul Leiter), francesi (Robert Doisneau, Brassaï) e alle icone assolute - Young Boy di Paul Strand, Lella di Édouard Boubat - seguono le recenti acquisizioni (Luc Delahaye, Laura Henno) che riflettono il dinamismo della collezione, ora più orientata verso la creazione contemporanea.

The Florence and Damien Bachelot Collection encompasses humanist, documentary, and social photography from the early 20th century to today, committed as much to the photographic medium, in its unique materiality, as to its artists. This principle echoes that of the Réattu, the first French art museum to explore the heritage as well as the artistic aspect of photography.

Portrait-themed photographs from the Collection are juxtaposed with the Réattu’s paintings and sculptures, delineating a unique history of photography. Great photographers, American (Diane Arbus, Saul Leiter) and French (Robert Doisneau, Brassaï), and iconic images–Paul Strand’s Young Boy, Édouard Boubat’s Lella–are followed by recent acquisitions (Luc Delahaye, Laura Henno) reflecting the collection’s dynamic turn towards contemporary creation.

(Text: Musée Réattu, Arles)

Galerie de l'Instant | Nice
1. Juli - 1. Oktober 2023

Time is on my side - Mick Jagger's Birthday

Am 26. Juli dieses Jahres feiert Sir Mick Jagger seinen 80. Geburtstag! Wer hätte nach 60 Jahren Karriere der größten Rockband, die je existiert hat, gedacht, dass dieser Geburtstag jemals eintreten würde?

Seit den 60er Jahren verkörpert er den Mythos, den Archetyp des Rockstars...

Seine Sinnlichkeit, sein Charisma, natürlich sein Körper und seine Stimme tragen gemeinsam dazu bei, diesen außergewöhnlichen Mann namens Mick Jagger zu erschaffen.

Wenn er auf die Bühne kommt, nimmt er den Raum und das Publikum buchstäblich in Besitz. Seine Stimme und seine Bühnenkraft machen ihn zum unbestrittenen Herrscher über Stadien und andere Konzertsäle. Diese Aura, diese Kraft hat Millionen von Männern und Frauen auf der ganzen Welt und über die Jahre hinweg fasziniert. Diese Ausstellung ist ein Zeugnis der Liebe und der Faszination für diese lebende Legende. Vor zehn Jahren hatte ich ihn dank Dominique Tarlé in Cannes kennengelernt, und nach den ersten fünf Minuten der Verblüffung hatte ich ihn schnell gebeten, mir von seinen Erinnerungen an Fotoshootings mit meinen Lieblingsfotografen zu erzählen - ein magischer und spannender Moment... So entstand die Idee einer Hommage-Ausstellung.

Wir beginnen mit den 60er Jahren, den Bildern des jungen Mick Jagger von Terry O'Neill oder Gered Mankowitz, die meist in London aufgenommen wurden... Die Hochzeit mit Bianca Anfang der 70er Jahre und die Explosion seiner Sinnlichkeit, natürlich die französische Zeit in der Villa Nellcote von Dominique Tarlé, aber auch einige unveröffentlichte Bilder, darunter ein erhabenes Porträt während des Rock N Roll Circus in London, und die berühmte US-Tour 1972, die von Ethan Russell begleitet wurde, mit Mick am Fuß seines Flugzeugs mit der berühmten Zunge der Gruppe. Dann die 80er Jahre mit Jerry Hall, dem ikonischen Paar, fotografiert von Norman Parkinson, und auch neuere Bilder wie dieses Porträt von Anton Corbijn, dessen Talent nicht mehr zu beweisen ist.

Wie der berühmte Song der Rolling Stones "Time is on my side" besagt, ist die Zeit auf der Seite von Mick Jagger.

Le 26 juillet prochain, Sir Mick Jagger fêtera ses 80 ans ! Qui eût cru après 60 ans de carrière du plus grand groupe de rock ayant jamais existé, que cet anniversaire puisse un jour arriver ?

Depuis les années 60, il incarne le mythe, l’archétype de la rock star…

Sa sensualité, son charisme, son corps bien sûr et sa voix participent ensemble à créer cette homme hors du commun qu’est Mick Jagger.

Lorsqu’il arrive sur scène, il prend littéralement possession de l’espace et du public. Sa voix et sa puissance scénique en font le maître incontesté des stades et autres salles de concerts. Cette aura, cette puissance a fasciné des millions d’hommes et de femmes à travers le mondeet les années. Cette exposition est un témoignage d’amour et de fascination pour cette légende vivante. En effet je l’avais rencontré grâce à Dominique Tarlé il y a une dizaine d’années à Cannes, et, passées les 5 premières minutes d’éblouissement je lui avais rapidement demandé de ma parler de ses souvenirs de séances photos avec mes photographes préférés, un moment magique et passionnant…c’est ainsi qu’est née l’idée d’une exposition hommage.

Nous commençons avec les années 60, les images du tout jeune Mick Jagger par Terry O’Neill ou Gered Mankowitz, prises la plupart du temps à Londres…Le mariage avec Bianca au début des années 70 et l’explosion de sa sensualité, avec bien sûr la période française à la Villa Nellcote par Dominique Tarlé mais aussi quelques inédits dont un sublime portrait lors du Rock N roll Circus de Londres, et la célèbre tournée américaine de 1972, suivie par Ethan Russell, avec Mick au pied de son avion avec la fameuse langue du groupe. Puis les années 80, avec Jerry Hall, couple iconique, photographié par Norman Parkinson, et aussi des images plus récentes comme ce portrait d’Anton Corbijn dont le talent n’est plus à prouver.

Force est donc de constater comme le dit la fameuse chanson des Rolling Stones « Time is on my side » que le temps est décidément du côté de Mick Jagger !

Il 26 luglio Sir Mick Jagger compie 80 anni! Chi avrebbe mai pensato, dopo 60 anni di attività della più grande rock band mai esistita, che un giorno sarebbe arrivato questo compleanno?

Fin dagli anni '60 ha incarnato il mito, l'archetipo della rock star...

La sua sensualità, il suo carisma, il suo corpo e la sua voce contribuiscono a creare l'uomo straordinario che è Mick Jagger.

Quando arriva sul palco, si impossessa letteralmente dello spazio e del pubblico. La sua voce e il suo potere sul palco lo rendono il padrone indiscusso degli stadi e delle altre sale da concerto. Quest'aura, questo potere ha affascinato milioni di uomini e donne in tutto il mondo e nel corso degli anni. Questa mostra è una testimonianza del mio amore e del mio fascino per questa leggenda vivente. Infatti, l'ho incontrato tramite Dominique Tarlé dieci anni fa a Cannes, e dopo i primi 5 minuti di abbaglio, gli ho subito chiesto di raccontarmi i suoi ricordi dei servizi fotografici con i miei fotografi preferiti, un momento magico e affascinante... e così è nata l'idea di una mostra tributo.

Si parte dagli anni '60, con le immagini di un giovanissimo Mick Jagger scattate da Terry O'Neill o Gered Mankowitz, per lo più a Londra... Il matrimonio con Bianca all'inizio degli anni '70 e l'esplosione della sua sensualità, con ovviamente il periodo francese a Villa Nellcote di Dominique Tarlé, ma anche alcune immagini inedite tra cui un sublime ritratto al Rock N roll Circus di Londra, e il famoso tour americano del 1972, seguito da Ethan Russell, con Mick ai piedi dell'aereo con la famosa lingua della band. Poi gli anni '80, con Jerry Hall, l'iconica coppia fotografata da Norman Parkinson, e immagini più recenti come questo ritratto di Anton Corbijn, il cui talento non ha più bisogno di essere dimostrato.

Come dice la famosa canzone dei Rolling Stones "Time is on my side", il tempo è decisamente dalla parte di Mick Jagger!

On July 26, Sir Mick Jagger celebrates his 80th birthday! Who would have thought, after 60 years of the greatest rock band ever to exist, that this birthday would ever come?

Since the 60s, he has embodied the myth, the archetype of the rock star…

His sensuality, his charisma, his body of course, and his voice all contribute to creating the extraordinary man that is Mick Jagger.

When he arrives on stage, he literally takes possession of the space and the audience. His voice and stage power make him the undisputed master of stadiums and concert halls. This aura, this power, has fascinated millions of men and women throughout the world and over the years. This exhibition is a testimony to my love and fascination for this living legend. Indeed, I met him through Dominique Tarlé ten years ago in Cannes, and after the first 5 minutes of dazzlement, I quickly asked him to tell me about his memories of photo shoots with my favorite photographers, a magical and fascinating moment… and so the idea of a tribute exhibition was born.

We start with the 60's, with images of the young Mick Jagger by Terry O'Neill or Gered Mankowitz, mostly taken in London… The marriage to Bianca in the early 70's and the explosion of his sensuality, with of course the French period at Villa Nellcote by Dominique Tarlé, but also some previously unpublished images, including a sublime portrait at the Rock N roll Circus in London, and the famous 1972 American tour, followed by Ethan Russell, with Mick at the foot of his plane with the band's famous tongue. Then the 80s, with Jerry Hall, the iconic couple, photographed by Norman Parkinson, and more recent images such as this portrait by Anton Corbijn, whose talent no longer needs proving.

As the famous Rolling Stones song "Time is on my side" says, time is definitely on Mick Jagger's side!

(Text (f): Julia Gragnon)

Centre de la photographie de Mougins
1. Juli - 8. Oktober 2023

La roue des merveilles
Harold Feinstein

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie Arles statt.

Harold Feinstein lässt sich nicht auf eine Serie reduzieren. Doch für den auf Coney Island geborenen Feinstein bleibt dieses "Land ohne Schatten" vor allem das Terrain einer fotografischen Praxis und vor allem die perfekte Illustration einer Vision der amerikanischen Gesellschaft. Es geht in diesen Bildern nicht um "reine" Kontemplation, sondern in erster Linie um eine ethische Disposition, eine Ästhetik des Banalen. All dies bildet letztendlich ein Ganzes, einen großen musikalischen Roman inmitten der Umwälzungen der amerikanischen Gesellschaft, mit der Großen Depression, der Verschärfung des Rassenproblems, dem McCarthyismus usw.

Dort fand sich der junge Harold Feinstein 1952, als er von der Armee eingezogen wurde, im amerikanischen Expeditionskorps in Korea wieder. Die Form, die Harold Feinstein in der koreanischen Erzählung erprobt, besteht darin, den Alltag und die Kunst des Blues zusammenzubringen. Er schreibt eine Geschichte voller Grautöne und zarter Kontraste. Der langsame Rhythmus, die dumpfen Klänge, all das verleiht einer Serie, die aus einer sensiblen Aneignung und der Hingabe des Modells an den Wunsch des Fotografen besteht, eine extreme Konsistenz.

Nach seiner Rückkehr in die USA ließ sich Harold Feinstein im Jazz Loft in New York nieder, wo er die Musiker Hall Overton und Dick Cary kennenlernte. Aus dieser Zeit stammt auch seine Zusammenarbeit mit dem Label Blue Note Records. In dieser Zeit lernte er den für ihn wichtigen Fotografen W. Eugene Smith kennen, mit dem er an der Vorlage für das Pittsburgh Project zusammenarbeitete.

Es ist diese Weltanschauung einer engagierten Fotografie zugunsten einer versammelten Menschheit, die der Fotograf vermitteln will. Sein Ansatz ist in gewisser Weise mit dem der Street Photography verwandt. Seine Bilder, die in der U-Bahn und auf den Straßen von New York mit all ihren Details aufgenommen wurden, bilden einen einzigen Gedanken. Die Erzählwelten entfalten sich, aber das Werk ist eins. Harold Feinstein führt in die narrative Ästhetik eine einzigartige Spannung zwischen Zufällen und Spiegeleffekten ein; das Werk ist eine Totalität, die sich als präsenter Gedanke durchsetzt und mehr durch ihren eigenen Stil als durch ihr Thema zusammenhält.

Kuratiert von: François Cheval und Yasmine Chemali.

Ausstellung in Partnerschaft mit dem Harold Feinstein Photography Trust.

Harold Feinstein ne peut se réduire à une série. Mais pour ce natif de Coney Island, cette « terre sans ombres » restera avant tout le terrain d’une pratique photographique, et surtout la parfaite illustration d’une vision de la société américaine. Il n’est pas de contemplation « pure » dans ces images, il s’agit avant tout d’une disposition éthique, d’une esthétique du banal. Tout cela compose, in fine, un ensemble, un grand roman musical au milieu des bouleversements de la société américaine, avec la Grande Dépression, l’exacerbation du problème racial, le maccarthysme, etc.

C’est là, en 1952, mobilisé par l’armée, que le jeune Harold Feinstein se retrouve dans le corps expéditionnaire américain en Corée. La forme qu’Harold Feinstein expérimente dans le récit coréen consiste à faire se rejoindre le quotidien et l’art du blues. Il écrit une histoire tout en nuances de gris et en contrastes délicats. Le rythme lent, les sonorités sourdes, tout cela donne une extrême consistance à une série faite d’appropriation sensible et d’abandon du modèle au désir du photographe.

De retour aux États-Unis, Harold Feinstein s’établit au Jazz Loft, à New York, où il rencontre les musiciens Hall Overton et Dick Cary. De cette période date sa collaboration avec le label Blue Note Records. Il fait alors la connaissance, essentielle pour lui, du photographe W. Eugene Smith, avec qui il collabore sur la maquette du Pittsburgh Project.

C’est cette vision du monde d’une photographie engagée au profit d’une humanité rassemblée que le photographe va vouloir transmettre. Sa démarche est d’une certaine manière proche de celle de la street photography. Ses images réalisées dans le métro, dans les rues de New York saisies avec tous leurs détails, ne forment qu’une seule pensée. Les mondes narratifs se déroulent, mais l’œuvre est une. Harold Feinstein introduit une tension singulière dans l’esthétique narrative entre les accidents et les effets de miroir ; l’œuvre est une totalité qui s’impose comme une pensée présente et tient par son propre style plus que par son sujet.

Commissariat : François Cheval et Yasmine Chemali

Exposition réalisée en partenariat avec le Harold Feinstein Photography Trust.

Harold Feinstein non può essere ridotto a una serie. Ma per questo nativo di Coney Island, questa "terra senza ombre" rimarrà soprattutto il terreno di una pratica fotografica, e soprattutto la perfetta illustrazione di una visione della società americana. Non c'è contemplazione "pura" in queste immagini; è soprattutto una disposizione etica, un'estetica del banale. Alla fine, il tutto si risolve in un insieme, un grande romanzo musicale nel bel mezzo degli sconvolgimenti della società americana, con la Grande Depressione, l'acuirsi del problema razziale, il maccartismo e così via.

È qui, nel 1952, che il giovane Harold Feinstein viene arruolato nella Forza di Spedizione Americana in Corea. La forma che Harold Feinstein sperimenta nella storia coreana è quella di unire la vita quotidiana e l'arte del blues. Scrive una storia piena di sfumature di grigio e di delicati contrasti. Il ritmo lento, i toni ovattati, danno estrema consistenza a una serie fatta di appropriazione sensibile e di abbandono del modello al desiderio del fotografo.

Al suo ritorno negli Stati Uniti, Harold Feinstein si stabilisce al Jazz Loft di New York, dove incontra i musicisti Hall Overton e Dick Cary. È di questo periodo la sua collaborazione con l'etichetta Blue Note Records. Incontra anche il fotografo W. Eugene Smith, con il quale collabora al modello Pittsburgh Project.

Era questa visione del mondo, una fotografia impegnata a riunire l'umanità, che il fotografo voleva trasmettere. In un certo senso, il suo approccio è vicino a quello della street photography. Le sue immagini, scattate nella metropolitana, nelle strade di New York, catturate in tutti i loro dettagli, formano un unico pensiero. I mondi narrativi si dispiegano, ma l'opera è una sola. Harold Feinstein introduce nell'estetica narrativa una singolare tensione tra incidenti ed effetti speculari; l'opera è una totalità che si impone come un pensiero presente ed è tenuta insieme dal suo stile piuttosto che dal suo soggetto.

A cura di François Cheval e Yasmine Chemali

Mostra organizzata in collaborazione con l'Harold Feinstein Photography Trust.

Harold Feinstein cannot be reduced to a single series. Nevertheless, for this native of Coney Island, this ‘land without shadows’ remains first and foremost the field of his photographic practice and above all the perfect illustration of a certain vision of American society. There is no ‘pure’ contemplation in these images, it is above all an ethical disposition, an aesthetic of the ordinary. There is nothing important in these series of small moments. All of this ultimately composes an ensemble, a great songbook in the midst of the upheavals of American society, with the Great Depression, the exacerbation of racial tensions, McCarthyism, etc.

It was then, in 1952, that the young Harold Feinstein, drafted by the army, found himself in the American expeditionary force in Korea. The format that Harold Feinstein experiments with in the Korean narrative brings together the every day and the art of the blues. He invents a narrative full of shades of grey and delicate contrasts. The slow rhythm and muted tones all provide extreme consistency to a series made up of sensitive appropriation and abandonment of the subject to the photographer’s desire.

Upon his return to the United States, Harold Feinstein established himself in the Jazz Loft, New York, where he met the musicians Hall Overton and Dick Cary. This was the period in which he began his collaboration with the Blue Note Records label. Crucially, he also met W. Eugene Smith, with whom he collaborated on the layout of the Pittsburgh Project.

It is this vision of the world, of photography committed to the benefit of a united humanity, that the photographer seeks to convey. His approach is in some ways close to ‘street photography’. His images taken in the underground or the streets of New York, captured with all their details, form a singular perspective. Narrative worlds unfold yet the work remains a unified whole. Harold Feinstein introduces a singular tension into the narrative aesthetic between accidents and mirror effects; the work is an entity that imposes itself as an immediate sentiment, held together by its style rather than its subject matter.

Curators: François Cheval and Yasmine Chemali

In partnership with The Harold Feinstein Photography Trust.

(Text: Centre de la photographie de Mougins)

Musée Estrine | Saint-Rémy-de-Provence
13. Juni - 24. September 2023

À l'épreuve
Louise Bossut

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie d'Arles statt.

Angesichts der Hektik der Welt schlägt diese Ausstellung vor, einen Schritt zur Seite zu machen; inmitten eines zerbrechlichen Gleichgewichts, das zwischen Zusammenbruch und Utopie, Nostalgie und Resilienz schwankt.

Dieses neue Projekt befasst sich mit einer Vision, die auf Begegnungen, Durchquerungen und Irrfahrten beruht. So versuchen immer mehr Menschen, manchmal im Kampf, oft im Bündnis mit dem Lebendigen, andere Wege zu finden, die Erde zu bewohnen. Auf diesem Weg tauchten Fragen auf: Könnten wir einen "neuen Raum der Möglichkeiten" schaffen, indem wir weniger zentrale Plätze innerhalb des Planeten wieder einnehmen, indem wir uns unter den Lebenden und den Nicht-Lebenden befinden? Und wie würden wir uns "in diesem neuen Raum" gegenseitig beeinflussen und aufeinander einwirken?

Face à la frénésie du monde, cette exposition propose d'effectuer un pas de côté ; au cœur d'un équilibre fragile, oscillant entre effondrement et utopie, nostalgie et résilience.

Ce nouveau projet aborde une vision construite à partir de rencontres, de traversées et d’errances. Ainsi, des individus, de plus en plus nombreux, tentent, parfois dans la lutte, souvent dans l’alliance au vivant, d'autres manières d'habiter la Terre. Des interrogations ont émergé lors de ce cheminement : en réintégrant des places moins centrales au sein de la planète, en nous situant parmi les vivants et les non-vivants, pourrions-nous créer un « nouvel espace des possibles » ? Et comment, « dans ce nouvel espace », nous influencerions-nous mutuellement et réciproquement ?

Di fronte al ritmo frenetico del mondo, questa mostra ci invita a fare un passo di lato, nel cuore di un fragile equilibrio che oscilla tra crollo e utopia, nostalgia e resilienza.

Questo nuovo progetto ha una visione costruita su incontri, attraversamenti e vagabondaggi. Un numero crescente di individui sta tentando, a volte in lotta, spesso in alleanza con i viventi, di trovare altri modi di abitare la Terra. Lungo il percorso sono emerse alcune domande: potremmo creare un "nuovo spazio di possibilità" tornando in luoghi meno centrali del pianeta, collocandoci tra i viventi e i non viventi? E come, "in questo nuovo spazio", potremmo influenzare gli altri e le vite degli altri?

This show offers a respite from the world’s stressful pace by exploring the fragile balance between collapse and utopia, nostalgia and resilience.

Its vision is based on encounters, crossings and wanderings. More and more people are trying alternative ways of inhabiting the Earth, sometimes with difficulty, often in alliance with nature. Questions have emerged during this process. By moving to less central places on the planet, by situating ourselves among the living and the non-living, could we create a "new space of possibilities"? And how would we influence each other in this new space?

(Text: Louise Bossut)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
6. Mai - 21. Juni 2023

Petites cosmogonies
Patrick Bailly Maitre Grand

Nach einem wissenschaftlichen Studium (Abschluss als Maître es Sciences Physiques) und zehn Jahren, die er der Malerei gewidmet hat, arbeitet Patrick Bailly-Maître-Grand seit 1980 mit fotografischen Werkzeugen.

Seine streng analogen, schwarz-weißen Silberarbeiten zeichnen sich durch eine spielerische Vorstellungswelt aus, die mit einer Vorliebe für komplexe Technologien wie Daguerreotypie, Periphotographie, Strobophotographie, chemische Kurven, direkte Monotypien, Rayogramme und andere Erfindungen seinerseits einhergeht. Da er der Vorstellung von Perspektive entflieht, haben seine Bilder, obwohl sie in ihrer Entstehung sehr anspruchsvoll sind, die Vereinfachung von visuellen Sprichwörtern, die wie Haikus gereinigt sind.

Après des études scientifiques (diplômé Maître es Sciences Physiques) et dix années consacrées à la peinture, Patrick Bailly-Maître-Grand travaille avec les outils photographiques depuis 1980.

Ses oeuvres, strictement analogiques, argentiques noir & blanc, se caractérisent par un imaginaire ludique, associé à un goût pour les technologies complexes telles que le Daguerréotype, la périphotographie, la strobophotographie, les virages chimiques, les monotypes directs, les rayogrammes et d'autres inventions de son cru. Fuyant la notion de la perspective, ses images, bien que très sophistiquées pour leur élaboration, ont la simplification de proverbes visuels, épurés comme des haïkus.

Dopo studi scientifici (Master in Fisica) e dieci anni dedicati alla pittura, Patrick Bailly-Maître-Grand lavora con strumenti fotografici dal 1980.

Le sue opere rigorosamente analogiche, in bianco e nero e argento, sono caratterizzate da un'immaginazione giocosa, unita al gusto per tecnologie complesse come il dagherrotipo, la perifotografia, la strobofotografia, le curve chimiche, i monotipi diretti, i rayogrammi e altre sue invenzioni. Rifuggendo dalla nozione di prospettiva, le sue immagini, pur essendo molto sofisticate nella loro costruzione, hanno la semplificazione di proverbi visivi, ridotti come haiku.

After scientific studies (Master of Physics) and ten years devoted to painting, Patrick Bailly-Maître-Grand has been working with photographic tools since 1980.

His works, strictly analog, black & white silver, are characterized by a playful imagination, associated with a taste for complex technologies such as the Daguerreotype, periphotography, strobophotography, chemical curves, direct monotypes, rayograms and other inventions of his own. Shunning the notion of perspective, his images, though highly sophisticated in their elaboration, have the simplification of visual proverbs, purified like haikus.

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
5. - 29. April 2023

Sensible ligne
Sujung Han & Gaëlle Villedary

Eine sensible Linie, in der sich zwei Künstlerinnen begegnen: Sujung Han, eine koreanische Fotografin, und Gaëlle Villedary, eine französische Künstlerin.

Beide untersuchen und beobachten die Natur...

Sujung Han fotografiert die Pflanzen, um nur ein Tuch zu bewahren. Gaëlle Villedary sammelt minutiös, zeichnet dann und transzendiert die Pflanzen.

Wie eine Hommage an die Natur eröffnet uns diese sensible Linie neue Perspektiven...

Sujung Han: Unsere Welt besteht aus natürlichen und künstlichen Linien, die mit den Spuren des Menschen oder der Natur in Verbindung gebracht werden. In der Malerei ist die Qualität der Linie wichtig, ob sie nun kurvig, gerade, dick oder dünn ist. Sie ist ein Synonym für Reinheit. In der Fotografie stützt sich der Künstler auf Kraft- und Fluchtlinien, um mit dem Licht zu schreiben. Sujung Han fängt diese Linien ein, indem er gewöhnliche Pflanzen erkundet. Die natürliche Kurve der Pflanze wird so zum zentralen Thema. Die Fotografin spielt wie ein Maler mit diesen Linien, der Fülle und der Leere und lässt uns das Wesen der Natur sehen. Indem sie sich die Technik des Bichromat-Gummis (Ende des 19. Jahrhunderts in Europa populär) zu eigen macht, enthüllt ihre Hand das Bild wie ein Aquarellist. Indem sie eine einzige Farbe aufträgt, konzentriert sich Sujung Han auf die eingefangene Form. So enthüllt uns die Fotografin die für unsere Augen fast unsichtbare Natur, die der Welt des Künstlers eigen ist.

Gaëlle Villedary: Gaëlle Villedarys künstlerischer Ansatz wird von einer zwingenden Sensibilität für die Natur und einer humanistischen Ethik getragen, die alles berücksichtigt, was unser Planet zu bieten hat, weil sie ihn gewissenhaft und sorgfältig beobachtet. [...] Getragen von ihrer unersättlichen Neugier, drückt sie ihren Sinn für Ästhetik und ihre immense Geduld aus, indem sie sowohl mit dem rohen Material als auch mit der delikaten Operation umgeht. [...] Alles ist in der Natur, scheint sie abschließend zu sagen, in diesem dichten Busch, der zwischen den Stäben eines Käfigs eingeschlossen ist: So rätselhaft wie der "Garten der Lüste" von J. Bosch (dem sie im Titel ihres Werks eine diskrete Hommage erweist), lädt uns Gaëlle Villedarys "Jardin des lices" dazu ein, in diesem Gehege, das auch die Fantasien unseres Innenraums widerspiegeln kann, die Geheimnisse der Natur oder die unserer Intimität zu entdecken: Man muss nur suchen! (Odile Crespy)

Une sensible ligne où se rencontrent deux artistes : Sujung Han, photographe coréenne et Gaëlle Villedary, artiste française.

Chacune scrute, observe la nature…

Sujung Han photographie les plantes pour n'en préserver qu'un linge. Gaëlle Villedary collecteminutieusement, puis dessine et transcende le végétal.

Comme un hommage à la nature, cette sensible ligne nous ouvre de nouvvelles perspectives…

Sujung Han : Notre univers est composé de lignes naturelles et artificielles, associées à l’empreinte de l’homme ou à la nature. En peinture, la qualité de la ligne est importante, courbe, droite, épaisse ou fine. Elle est synonyme de pureté. En photographie, l’artiste s’appuie sur des lignes de force, de fuite pour écrire avec la lumière. Sujung Han capte ses lignes, en explorant les plantes communes. La courbe naturelle du végétal devient alors le sujet central. Jouant comme un peintre, avec ces lignes, le plein, le vide, la photographe nous donne à voir l’essence de la nature. S’appropriant la technique de la gomme bichromate (populaire en Europe à la fin du 19e siècle), sa main révèle l’image tel un aquarelliste. En appliquant une seule couleur, Sujung Han se concentre sur la forme capturée. Ainsi la photographe nous révèle cette nature presque invisible à nos yeux, propre a l’univers de l’artiste.

Gaëlle Villedary: La démarche artistique de Gaëlle Villedary est sous-tendue par une sensibilité à la nature impérieuse et une éthique humaniste qui tiennent compte de tout ce qu’offre notre planète, parce qu’elle l’observe scrupuleusement et minutieusement. [...] Portée par son insatiable curiosité, elle exprime son sens de l’esthétique et son immense patience en maniant aussi bien le matériau brut que l’opération délicate. [...] Tout est dans la nature, semble-t-elle dire, en conclusion, dans ce buisson touffu enfermé entre les barreaux d’une cage : aussi énigmatique que « Le Jardin des délices » de J.Bosch (auquel elle rend un hommage discret dans le titre qu’elle donne à son oeuvre), Le Jardin des lices de Gaëlle Villedary nous invite à découvrir, dans cet enclos qui peut aussi refléter les fantasmes de notre espace intérieur, les secrets de la nature ou ceux de notre intimité : il suffit de chercher ! (Odile Crespy)

Una linea sensibile in cui si incontrano due artisti: Sujung Han, fotografa coreana e Gaëlle Villedary, artista francese.

Ognuna di loro scruta e osserva la natura...

Sujung Han fotografa le piante per conservarne solo una tela. Gaëlle Villedary raccoglie, poi disegna e trascende la pianta.

Come un omaggio alla natura, questa linea sensibile apre nuove prospettive...

Sujung Han: Il nostro universo è composto da linee naturali e artificiali, associate all'impronta dell'uomo o della natura. In pittura, la qualità della linea è importante: curva, dritta, spessa o sottile. È sinonimo di purezza. Nella fotografia, l'artista si affida a linee di forza, di fuga per scrivere con la luce. Sujung Han cattura queste linee esplorando piante comuni. La curva naturale della pianta diventa quindi il soggetto centrale. Giocando come un pittore, con queste linee, il pieno e il vuoto, il fotografo ci fa vedere l'essenza della natura. Appropriandosi della tecnica del bicromato di gomma (popolare in Europa alla fine del XIX secolo), la sua mano rivela l'immagine come un acquerellista. Applicando un unico colore, Sujung Han si concentra sulla forma catturata. In questo modo, il fotografo ci rivela la natura quasi invisibile ai nostri occhi, che fa parte dell'universo dell'artista.

Gaëlle Villedary: L'approccio artistico di Gaëlle Villedary è sostenuto da una sensibilità imperiosa per la natura e da un'etica umanista che tiene conto di tutto ciò che il nostro pianeta ha da offrire, perché lo osserva scrupolosamente e meticolosamente. [...] Spinta dalla sua insaziabile curiosità, esprime il suo senso estetico e la sua immensa pazienza maneggiando sia la materia prima che la delicata operazione. [...] Tutto è in natura, sembra dire, in conclusione, in questo cespuglio di arbusti racchiuso tra le sbarre di una gabbia: enigmatico come il "Giardino delle delizie" di J. Bosch (al quale rende un discreto omaggio nel titolo che dà alla sua opera), "Le Jardin des lices" (Il giardino dei lice) di Gaëlle Villedary ci invita a scoprire, in questo recinto che può anche riflettere le fantasie del nostro spazio interiore, i segreti della natura o quelli della nostra intimità: basta guardare! (Odile Crespy)

A sensitive line where two artists meet: Sujung Han, Korean photographer and Gaëlle Villedary, French artist.

Each one scans, observes nature...

Sujung Han photographs the plants to preserve only a linen. Gaëlle Villedary collectsminutiausement, then draws and transcends the plant.

Like a tribute to nature, this sensitive line opens new perspectives...

Sujung Han : Our universe is composed of natural and artificial lines, associated with the imprint of man or nature. In painting, the quality of the line is important, curved, straight, thick or thin. It is synonymous with purity. In photography, the artist relies on lines of force, of escape to write with the light. Sujung Han captures these lines by exploring common plants. The natural curve of the plant then becomes the central subject. Playing like a painter, with these lines, the full, the empty, the photographer gives us to see the essence of nature. Appropriating the gum bichromate technique (popular in Europe at the end of the 19th century), her hand reveals the image like a watercolorist. By applying a single color, Sujung Han focuses on the captured form. Thus the photographer reveals to us this nature almost invisible to our eyes, specific to the universe of the artist.

Gaëlle Villedary: Gaëlle Villedary's artistic approach is underpinned by an imperious sensitivity to nature and a humanist ethic that takes into account all that our planet has to offer, because she observes it scrupulously and meticulously. [...] Driven by her insatiable curiosity, she expresses her sense of aesthetics and her immense patience in handling both the raw material and the delicate operation. [...] Everything is in nature, she seems to say, in conclusion, in this bushy bush enclosed between the bars of a cage: as enigmatic as "The Garden of Delights" of J.Bosch (to whom she pays a discreet homage in the title she gives to her work), The Garden of the Lices of Gaëlle Villedary invites us to discover, in this enclosure which can also reflect the fantasies of our interior space, the secrets of nature or those of our intimacy: it is enough to seek! (Odile Crespy)

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

La Galerie de l'Instant | Nice
17. März - 15. Mai 2023

Paul de Cordon

Es ist wieder ein einzigartiges Abenteuer, das uns zu dieser Ausstellung führt, die dem Fotografen Paul de Cordon (1908-1998) gewidmet ist.

Vor drei Jahren stellte mir mein Freund und Mitarbeiter Thomas Consani, ein anerkannter Silberschütze, bei den Rencontres d'Arles Pierre Elie de Pibrac vor, einen talentierten Fotografen, mit dem er auch zusammenarbeitet.

Einige Zeit später zeigte mir Pierre-Elie einige Aufnahmen seines Großvaters "Pachou", dessen Arbeit er ausstellen wollte.

Das war ein Schock für mich! Ich bin kein großer Freund von Zirkusfotografie, aber hier geht die Arbeit über die üblichen Bilder hinaus. Zunächst spürt man schnell die Verbindung zwischen den Artisten, dann die zu den Tieren, in einer Liebe und Komplizenschaft, die Respekt einflößt. Es stimmt, dass sich die Zeiten geändert haben und man diese Bilder heute nicht mehr machen könnte. Aber diese so kraftvollen Bilder versetzen uns in eine vergangene, liebenswerte, so kandide Zeit zurück.

Als wir über dieses Ausstellungsprojekt sprachen, erschien es mir interessant, die Karriere von Paul de Cordon in ihrer Gesamtheit zu betrachten. Ich war überrascht, als ich erfuhr, dass dieser Mann vor seinem Leben als Fotograf noch tausend andere Dinge erlebt hatte: Reiter, Militär, Regisseur und Stuntman - dieser Mann hatte wirklich eine ungewöhnliche Vergangenheit.

Es war ein großes Privileg für mich, völlig frei auf die Archive des Künstlers zugreifen zu können. Und obwohl er vor allem für seine Bilder vom Zirkus und Crazy Horse bekannt ist, war es mir wichtig, auch andere Facetten seines beeindruckenden Werks zu zeigen. Paul de Cordon war ein fantastischer Fotograf in allen Kategorien (sein erstes Modefoto machte er erst mit 51 Jahren).

Seine Akte sind von einer wunderbaren Sinnlichkeit, ohne einen Hauch von Vulgarität. Auf den Kontaktbühnen entdeckt man die Komplizenschaft mit seinen Modellen, das Lachen, das Wohlwollen, den gemeinsamen Drang zum gewünschten Foto, zur Schönheit. Seine Porträts und Modefotos spiegeln eine Epoche wider, die heute durch ihre Magie und Eleganz glänzt.

Er war ein talentierter Zeuge faszinierender Momente, auf die sein Enkel und ich mehr als stolz sind, um sie dem Pariser Publikum zu zeigen.

C’est encore une aventure singulière qui nous amène à cette exposition consacrée au photographe Paul de Cordon (1908-1998).

Il y a 3 ans, lors des Rencontres d’Arles, mon ami et collaborateur Thomas Consani tireur argentique reconnu me présenta Pierre Elie de Pibrac, photographe talentueux, avec qui il travaille également.

Quelques temps après, Pierre-Elie me fit découvrir quelques clichés de son grand-père «Pachou» dont il souhaitait exposer le travail.

Ce fut pour moi un choc ! Je ne suis guère amatrice de photographie de cirque, mais ici, le travail est au-delà des images habituelles. Tout d’abord on ressent rapidement le lien entre les artistes, puis celui avec les animaux, dans un amour et une complicité qui force le respect. Il est vrai que les temps ont changé, on ne pourrait de nos jours refaire ces photos. Mais ces images si puissantes nous renvoient à une époque révolue, attachante, si candide.

Et lorsque nous avons parlé de ce projet d’exposition, il m’a semblé intéressant de considérer la carrière de Paul de Cordon dans sa totalité. Quelle ne fût pas ma surprise d’apprendre qu’avant la vie de photographe, cet homme en avait connu mille autres : cavalier puis militaire, réalisateur et cascadeur, cet homme avait véritablement un passé hors du commun.

Ce fût pour moi un immense privilège de pouvoir accéder avec une totale liberté aux archives de l’artiste. Et bien qu’il soit surtout connu pour ses images de Cirque et du Crazy Horse, il m’a semblé important de montrer d’autres facettes de son oeuvre impressionnante. Paul de Cordon fut un formidable photographe, toutes catégories confondues (il ne prit sa première photo de mode qu’à 51 ans).

Ses nus sont d’une merveilleuse sensualité, sans une once de vulgarité. Sur les planches contact on découvre sa complicité avec ses modèles, les rires, la bienveillance, l’élan partagé vers la photo voulue, vers la beauté. Ses portraits et ses photos de mode reflètent quant à eux, une époque qui aujourd’hui, brille par sa magie et son élégance.

Il fut le talentueux témoin de moments fascinants que nous sommes plus que fiers, son petit-fils et moi, de faire découvrir au public parisien.

È un'altra singolare avventura quella che ci porta a questa mostra dedicata al fotografo Paul de Cordon (1908-1998).

Tre anni fa, durante i Rencontres d'Arles, il mio amico e collaboratore Thomas Consani, noto stampatore d'argento, mi ha presentato Pierre Elie de Pibrac, un fotografo di talento con cui lavora anche.

Qualche tempo dopo, Pierre-Elie mi ha mostrato alcune foto di suo nonno "Pachou", di cui voleva esporre il lavoro.

È stato uno shock per me! Non sono un grande fan della fotografia circense, ma qui il lavoro va oltre le solite immagini. Innanzitutto, si percepisce subito il legame tra gli artisti, poi con gli animali, in un amore e una complicità che incutono rispetto. È vero che i tempi sono cambiati, non potremmo rifare queste foto al giorno d'oggi. Ma queste immagini potenti ci riportano a un'epoca passata, così accattivante, così candida.

Quando abbiamo parlato di questo progetto espositivo, ho pensato che sarebbe stato interessante considerare la carriera di Paul de Cordon nella sua interezza. Mi ha sorpreso sapere che, prima della vita di fotografo, quest'uomo ne aveva conosciute mille altre: cavaliere, poi soldato, regista e stuntman, quest'uomo ha avuto un passato davvero straordinario.

È stato un grande privilegio per me poter accedere agli archivi dell'artista in piena libertà. E sebbene sia conosciuto soprattutto per le sue immagini del Circo e del Crazy Horse, ho ritenuto importante mostrare altri aspetti del suo impressionante lavoro. Paul de Cordon è stato un fotografo formidabile in tutte le categorie (ha scattato la sua prima foto di moda all'età di 51 anni).

I suoi nudi sono meravigliosamente sensuali, senza un briciolo di volgarità. Nei fogli a contatto scopriamo la complicità con le sue modelle, le risate, la benevolenza, l'impulso condiviso verso la foto desiderata, verso la bellezza. I suoi ritratti e le sue foto di moda riflettono un'epoca che oggi risplende di magia ed eleganza.

Era il testimone talentuoso di momenti affascinanti che suo nipote e io siamo più che orgogliosi di condividere con il pubblico parigino.

It is still a singular adventure that brings us to this exhibition dedicated to the photographer Paul de Cordon (1908-1998).

Three years ago, during the Rencontres d'Arles, my friend and collaborator Thomas Consani, a well-known silver printer, introduced me to Pierre Elie de Pibrac, a talented photographer with whom he also works.

Some time later, Pierre-Elie showed me some pictures of his grandfather "Pachou" whose work he wanted to exhibit.

It was a shock for me! I am not a big fan of circus photography, but here, the work is beyond the usual images. First of all, we quickly feel the link between the artists, then the one with the animals, in a love and complicity that forces respect. It is true that times have changed, we could not nowadays remake these photos. But these images are so powerful that they take us back to a bygone era, so endearing, so candid.

And when we talked about this exhibition project, I thought it would be interesting to consider Paul de Cordon's career in its entirety. What a surprise to learn that before the life of a photographer, this man had known a thousand other lives: horseman, then military, director and stuntman, this man had a truly extraordinary past.

It was a great privilege for me to be able to access the artist's archives with total freedom. And although he is best known for his images of the Circus and the Crazy Horse, I felt it was important to show other facets of his impressive work. Paul de Cordon was a wonderful photographer in all categories (he took his first fashion picture at the age of 51).

His nudes are of a wonderful sensuality, without an ounce of vulgarity. On the contact boards, we discover his complicity with his models, the laughter, the benevolence, the shared impulse towards the desired photo, towards beauty. His portraits and fashion photos reflect an era that today shines by its magic and elegance.

He was the talented witness of fascinating moments that we are more than proud, his grandson and I, to make discover to the Parisian public.

(Text: Julia Gragnon)

Fondation Manuel Rivera-Ortiz | Arles
4. März - 28. Mai 2023

L'espace entre les choses
Gilles Massot

Über eine Disziplin hinaus drückt Gilles vielfältige Ausdrucksformen aus, in denen sich das Gewebe gemischter Geschichten webt, die von besonderen Emotionen geprägt sind, mit dem Ziel, uns die Eleganz des Augenblicks zu vermitteln, getragen von einem ständigen Fluss innerer Musik. Als Tänzer trägt er seine Energie in ein grenzenloses Anderswo, während er gleichzeitig durch das Raster der Welt gerahmt wird, insbesondere durch sein Architekturstudium. Der Tanz bietet Intervalle wie das Zifferblatt von Zeit und Raum und ermöglicht es, den Lebensfluss anzupassen, der die Wesen verbindet und die Dinge fühlen lässt. Gilles provoziert diese flüchtige und knappe Raumzeit, um sie zu beschweren. Die Ausstellung l'Espace entre les choses ist eine Retrospektive der Arbeit von Gilles Massot, deren roter Faden die Geschichte des Bildes, seiner Herstellung und seiner Reproduktion ist. Die Ausstellung ist vor allem eine Frage nach den vielfältigen Verbindungen, die Gilles Massots multidisziplinäre Arbeit ausmachen, und vereint die Spuren eines großen Teils seines Lebens als Künstler und reisender Historiker. Die Sequenzen der Ausstellung beziehen sich auf den Prozess, der seiner Arbeit zugrunde liegt; ein Prozess, der ihn über die Jahre hinweg Verbindungen zwischen Erzählungen, Techniken, Vorkommen und Teilen der Welt herstellen lässt. Die Auswahl der Werke ist eine Entschlüsselung der Ideen und Reflexionen des Künstlers über unsere Beziehung zum Bild, zur Fotografie und zur Schöpfung; Zeit und Raum, zwei Themen, die im Mittelpunkt seiner Suche stehen. Als Vorläuferblick auf die Vermischung der Medien, durch die Theorie, enthüllt uns Gilles einen komplexen weißen Raum, ein Bild, das im Werden oder bereits vergangen und somit unsichtbar ist. Er schlägt uns eine Neuschreibung der Geschichte der Fotografie vor, indem er die Anfänge eines der ersten Fotoreporter Jules Itier bis hin zu den Geheimnissen der Pyramiden in Ägypten durchläuft. Das Ganze konfrontiert die Globalisierung mit der Vielfalt und der Vervielfältigung der Verwendungsmöglichkeiten.

Kurator der Ausstellung: Florent Basiletti

Au-delà d’une discipline, Gilles exprime des expressions multiples où se tissent la trame d’histoires mêlées, empreintes d’émotions particulières, dans le but de nous transmettre l’élégance du moment, portées par un flux constant de musique intérieure. Danseur, il porte son énergie vers un ailleurs, sans frontières, tout en étant cadré par la grille du monde, notamment à travers ses études d’architecture. La danse offre des intervalles comme le cadran du temps et de l’espace et permet d’ajuster le flux vital qui lient les êtres et fait ressentir les choses. Gilles provoque cet espace-temps fugitif et succinct pour le rendre leste. L’exposition l’Espace entre les choses est une volonté de rétrospective sur le travail de Gilles Massot dont le fil rouge est l’histoire de l’image, sa fabrication et sa reproduction. L’exposition est avant tout une question sur les multiples connexions qui font le travail pluridisciplinaire de Gilles Massot, réunissant les traces d’une grande partie de sa vie d’artiste et d’historien voyageur. Les séquences de l’exposition font référence au processus qui sous-tend son travail ; un processus qui lui fait établir au fil des ans des liens entre des récits, des techniques, des occurrences et des parties du monde. La sélection d’œuvres s’engage comme un décryptage des idées et réflexions de l’artiste sur notre rapport à l’image, à la photographie et à la création ; le temps et l’espace, deux thèmes au cœur de sa quête. Regard précurseur sur le mélange des médiums, par la théorie, Gilles nous dévoile un espace blanc complexe, une image en devenir ou déjà passée et ainsi invisible. Il nous propose une réécriture de l’histoire de la photographie, en parcourant les prémices d’un des premiers reporters photographe Jules Itier, jusqu’aux mystères des pyramides d’Égypte. L’ensemble confronte la mondialisation à la diversité et la multiplication des usages.

Commissaire d’exposition: Florent Basiletti

Al di là di una disciplina, Gilles esprime molteplici espressioni dove si intrecciano trame di storie miste, segnate da emozioni particolari, con l'obiettivo di trasmettere l'eleganza del momento, trasportato da un flusso costante di musica interiore. Come danzatore, porta la sua energia verso un altrove senza confini, pur essendo inquadrato dalla griglia del mondo, in particolare attraverso i suoi studi di architettura. La danza offre intervalli come il quadrante del tempo e dello spazio e permette di regolare il flusso vitale che lega gli esseri e li fa sentire. Gilles provoca questo spazio-tempo fugace e succinto per renderlo leggero. La mostra l'Espace entre les choses è una retrospettiva del lavoro di Gilles Massot, il cui tema principale è la storia dell'immagine, della sua produzione e riproduzione. La mostra è soprattutto una domanda sulle molteplici connessioni che costituiscono il lavoro multidisciplinare di Gilles Massot, che riunisce tracce di gran parte della sua vita di artista e di storico itinerante. Le sequenze in mostra si riferiscono al processo che sta alla base del suo lavoro; un processo che lo ha visto stabilire collegamenti tra narrazioni, tecniche, eventi e parti del mondo nel corso degli anni. La selezione di opere si confronta con le idee e le riflessioni dell'artista sul nostro rapporto con l'immagine, la fotografia e la creazione; il tempo e lo spazio, due temi al centro della sua ricerca. Uno sguardo pionieristico sulla mescolanza dei mezzi, attraverso la teoria, Gilles rivela un complesso spazio bianco, un'immagine in divenire o già passata e quindi invisibile. Ci offre una riscrittura della storia della fotografia, dagli inizi di uno dei primi reporter fotografici, Jules Itier, ai misteri delle piramidi d'Egitto. La mostra affronta la globalizzazione con la diversità e la moltiplicazione degli usi.

Curatore della mostra: Florent Basiletti

Beyond a discipline, Gilles expresses multiple expressions where the weft of mixed stories, marked by particular emotions, are woven, with the aim of transmitting us the elegance of the moment, carried by a constant flow of inner music. As a dancer, he carries his energy towards an elsewhere, without borders, while being framed by the grid of the world, in particular through his architectural studies. Dance offers intervals like the dial of time and space and allows to adjust the vital flow that links beings and makes things feel. Gilles provokes this fleeting and succinct space-time to make it light. The exhibition Space between things is a retrospective of Gilles Massot's work, whose common thread is the history of the image, its manufacture and reproduction. The exhibition is above all a question about the multiple connections that make up Gilles Massot's multidisciplinary work, bringing together traces of a large part of his life as an artist and a traveling historian. The sequences in the exhibition refer to the process that underlies his work; a process that has seen him make connections between narratives, techniques, occurrences and parts of the world over the years. The selection of works engages as a deciphering of the artist's ideas and reflections on our relationship to the image, to photography and to creation; time and space, two themes at the heart of his quest. A pioneering look at the mixing of mediums, through theory, Gilles reveals a complex white space, an image in the making or already past and thus invisible. He offers us a rewriting of the history of photography, from the beginnings of one of the first photographic reporters, Jules Itier, to the mysteries of the pyramids of Egypt. The ensemble confronts globalization with the diversity and multiplication of uses.

Curator of the exhibition: Florent Basiletti

(Text: Fondation Manuel Rivera-Ortiz, Arles)

Centre de la photographie de Mougins
4. März - 4. Juni 2023

Amexica
Marie Baronnet

An der Grenze zwischen den USA und Mexiko steht ein Zaun, eine düstere Mauer, die jeder kennt. Sie verkörpert alle Mauern und die Ablehnung des Anderen. In Amexica ist die Fotografie ein Schlachtfeld. Hier wird ein Kampf zwischen Gemeinschaften, Kulturen und Ländern ausgetragen. Vor allem aber wird ein gnadenloser Kampf zwischen Individuen und Geschlechtern ausgetragen.

In einem von aggressiven Materialien umgrenzten Gebiet können die Widersprüche nicht reibungslos ausgetragen werden; eine Arena, in der sich am Ende immer die gleichen Leute geschlagen geben müssen. Rassentrennung, Klassenspaltung, alles hier steht sich in einer Konfrontation gegenüber, in der einer der Protagonisten bettelt und der andere erniedrigt. Eine binäre Welt, in der sich blendendes Tageslicht und Dunkelheit abwechseln, Unsicherheit gegen Überfluss, Stadt gegen Wüste, Do-it-yourself und Raffinesse, Milizen gegen Kojoten - als ob dieser Teil der Welt nur in schematischen Begriffen funktionieren würde! Man muss jedoch zugeben, dass in Vollmondnächten, im Wechsel von Tag und Nacht, der Kampf zwischen zwei Kräften, zwischen zwei Impulsen, denen des Lebens und des Todes, der Liebe und des Hasses, ausgetragen wird. Die Grenzlinie zeigt deutlich das Territorium des Herrschers und das Territorium des Schwachen an.

Auf der Seite der USA ist die Mauer der Ausgangspunkt einer allgemeinen Psychose, einer Realitätsverweigerung, die von einer ängstlichen Gemeinschaft geteilt wird. Die Grenze zu schließen bedeutet, "das Volk vor dem Verbrechen zu schützen" und der Mauer einen heiligen Charakter zu verleihen. Die Mauer soll "undurchdringlich, schön und solide" (Donald Trump) sein, 3200 Kilometer lang und die Grenzen der Zivilisation gegen die modernen "Barbaren" abstecken.

In einer fotografischen Suite, die der Darstellung einer apokalyptischen Realität an der Grenze zwischen Mexiko und den USA gewidmet ist, lässt Marie Baronnet nichts im Dunkeln. Durch die Verwendung einer klaren, oft kontrastreichen Farbe mit einem dämmrigen Tonfall macht die Fotografin die Natur eines Konflikts deutlich, der die Gemeinschaften auseinanderreißt. Ihre Aufmerksamkeit richtet sich auf beliebige Augenblicke und stellt Momente nebeneinander, die den Prozess, die durch die Mauer errichtete Apartheid verständlich machen, in der Dringlichkeit, Porträt für Porträt, das Drama zu erfassen, das uns gegenübersteht, seine Protagonisten und seine Modalitäten.

À la frontière séparant les États-Unis et le Mexique se dresse une barrière, une muraille sinistre et connue de tous. À elle seule, elle incarne tous les murs et refus de l’autre. Dans Amexica, la photographie est un champ de bataille. On s’y affronte dans un combat entre communautés, cultures et pays. On y voit surtout s’y mener une lutte sans merci entre individus et entre genres.

Dans un territoire circonscrit par des matériaux agressifs, les contradictions ne peuvent se régler sans heurts ; une arène où, à la fin, ce sont toujours les mêmes qui doivent s’avouer vaincus. Clivage racial, clivage de classe, tout ici s’oppose dans un affrontement où l’un des protagonistes supplie, et l’autre humilie. Monde binaire, alternance de lumière naturelle, aveuglante, et d’obscurité, précarité contre abondance, ville et désert, bricolage et sophistication, milices opposées aux coyotes, comme si cette partie du monde ne fonctionnait qu’en termes schématiques ! Il faut pourtant en convenir, les soirs de pleine lune, dans l’alternance du jour et de la nuit, se joue le combat entre deux forces, entre deux pulsions, celles de la vie et de la mort, de l’amour et de la haine. La ligne de démarcation indique clairement le territoire du maître et le territoire du faible.

Côté États-Unis, le mur est le point de départ d’une psychose généralisée, un déni de réalité partagé par une communauté angoissée. Fermer la frontière, c’est « protéger le peuple contre le crime » et investir le mur d’un caractère sacré. L’ouvrage se veut « impénétrable, beau et solide » (Donald Trump), prévu sur 3 200 kilomètres, borne les confins de la civilisation contre ces modernes « barbares ».

Dans une suite photographique consacrée à la représentation d’une réalité apocalyptique à la frontière entre le Mexique et les États-Unis, Marie Baronnet ne laisse rien dans l’ombre. Par l’emploi d’une couleur franche, souvent contrastée, avec une tonalité crépusculaire, la photographe fait ressortir la nature d’un conflit qui déchire les communautés. Son attention se porte sur des instants quelconques et juxtapose des moments qui rendent intelligibles le processus, l’apartheid mis en place par le mur, dans l’urgence, portrait par portrait, de saisir le drame qui nous fait face, ses protagonistes et ses modalités.

Al confine tra Stati Uniti e Messico si erge una barriera, un muro sinistro noto a tutti. Da solo incarna tutti i muri e i rifiuti dell'altro. In Amexica, la fotografia è un campo di battaglia. È una battaglia tra comunità, culture e Paesi. Soprattutto, assistiamo a una lotta spietata tra individui e tra generi.

In un territorio circoscritto da materiali aggressivi, le contraddizioni non possono essere risolte senza scontri; un'arena dove, alla fine, sono sempre le stesse persone a dover ammettere la sconfitta. Divario razziale, divario di classe, tutto qui si oppone in un confronto in cui uno dei protagonisti implora e l'altro umilia. Un mondo binario, che alterna natura, luce accecante e oscurità, precarietà contro abbondanza, città e deserto, bricolage e sofisticazione, milizie contro coyote, come se questa parte del mondo funzionasse solo in termini schematici! Eppure bisogna ammettere che nelle sere di luna piena, nell'alternarsi del giorno e della notte, si gioca la battaglia tra due forze, tra due impulsi, quelli della vita e della morte, dell'amore e dell'odio. La linea di demarcazione indica chiaramente il territorio del padrone e quello del debole.

Da parte statunitense, il muro è il punto di partenza di una psicosi generalizzata, una negazione della realtà condivisa da una comunità angosciata. Chiudere il confine significa "proteggere il popolo dal crimine" e investire il muro di un carattere sacro. L'opera è destinata a essere "impenetrabile, bella e solida" (Donald Trump), progettata su 3.200 chilometri, segnando i limiti della civiltà contro questi moderni "barbari".

In una suite fotografica dedicata alla rappresentazione di una realtà apocalittica al confine tra Messico e Stati Uniti, Marie Baronnet non lascia nulla al buio. Attraverso l'uso di colori decisi e spesso contrastanti, con un tono crepuscolare, la fotografa fa emergere la natura di un conflitto che sta lacerando le comunità. La sua attenzione si concentra su momenti casuali e giustappone attimi che rendono intelligibile il processo, l'apartheid messo in atto dal muro, nell'urgenza, ritratto per ritratto, di catturare il dramma che ci si para davanti, i suoi protagonisti e le sue modalità.

A barrier stands at the border between the United States and Mexico, a sinister defensive wall known to all. It alone embodies all walls, all refusals of the other. In Amexica, photography is a battleground, a fight between communities, cultures, countries, and, above all, a merciless struggle taking place between individuals and between genders.

In a territory surrounded with aggressive materials, contradictions cannot be resolved without clashes; an arena where, in the end, the same people always end up accepting defeat. Racial divide, class divide, here everything is opposed in a confrontation in which one of the protagonists begs and the other humiliates. A binary world: blinding daylight alternating with darkness, precarity with abundance, city with desert, DIY with sophistication, militia with coyotes, as if this part of the world only operates in schematic terms! But under the full moon, in the alternance between day and night, it is obvious that a battle between two forces, two impulses, is being played out: between life and death, between love and hate. The dividing line clearly indicates the territory of the master and the territory of the weak.

On the US side, the wall is the starting point of a generalized psychosis, a denial of reality shared by a fearful community. The enclosure is just a question of ‘protecting people against crime’. The wall becomes sacred. The construction that is meant to be ‘impenetrable, beautiful and solid’ (Donald Trump), planned over 3,200 kilometres, sets out the limits of civilization versus or modern Barbarians.

In a photographic series dedicated to the representation of the apocalyptic reality at the Mexico-US border, Marie Baronnet doesn’t leave anything hidden. Through her use of strong, often contrasting colour, combined with a dusky tonality, she draws out the nature of a conflict that rips apart communities in which the differences between contradictory aspirations are irreconcilable. Everyday moments captured by the photographer are simply juxtaposed with other scenes that render the process intelligible – the apartheid created by the wall. It is vital to describe, portrait by portrait, all the protagonists of the drama to better understand what is taking place.

(Text: Centre de la photographie de Mougins)

Fontaine obscure | Aix-en-Provence
22. Februar - 18. März 2023

Arménie, année zéro
Patrick Rollier

ARMENIEN, Jahr Null ist das Ergebnis einer fotografischen Arbeit, die sich in acht Reisen zwischen 2015 und 2018 niederschlug, während denen der Fotograf Armenier und Armenierinnen begegnete.

Drei Umwälzungen prägten das Jahr 1988 und führten zu einem Bruch im Leben der Armenierinnen und Armenier.

"Ich war tief bewegt von all diesen persönlichen Geschichten, in denen sich die Geschichte Armeniens verwoben hat."

Für diese Samstagsbegegnung schlagen wir die Entdeckung eines jungen und einzigartigen Verlagshauses vor, mit Patrick ROLLIER, dem Gründer von Éditions d'une rive à l'autre.

Dieser direkte Austausch mit Patrick ROLLIER soll uns mehr über die Arbeit eines Verlegers, die künstlerischen Entscheidungen und die eingesetzten Techniken im Dienste des Anliegens, der Verbindung zwischen Text und Bild, vermitteln. In einer Zeit, in der entmaterialisierte Bilder massenhaft produziert werden, erinnert die Materialität der Fotografie an ihre Bedeutung. Bücher, die im Dienste eines Blicks auf die Welt stehen sollen.

ARMÉNIE, année zéro est le résultat d’un travail photographique qui s’est traduit par huit voyages entre 2015 et 2018 pendant lesquels le photographe a été à la rencontre des Arméniens et des Arméniennes.

Trois bouleversements marquèrent l’année 1988, entraînant une rupture dans la vie des Arméniens.

« J’ai été profondément ému par toutes ces histoires personnelles dans lesquelles s’imbrique l’histoire de l’Arménie. »

Pour cette Rencontre du samedi, nous proposons la découverte d’une jeune et singulière maison d’édition, avec Patrick ROLLIER, créateur des Éditions d’une rive à l’autre.

Cet échange direct avec Patrick ROLLIER vise à nous en apprendre davantage sur le travail d’éditeur, les choix artistiques et les techniques mises en œuvre au service du propos, le lien texte/image. Dans une époque où les images dématérialisées sont produites en masse, la matérialité de la photographie rappelle son importance. Des livres pensés pour être au service d’un regard sur le monde.

ARMENIA, Year Zero è il risultato di un lavoro fotografico che ha coinvolto otto viaggi tra il 2015 e il 2018 durante i quali il fotografo ha incontrato gli armeni.

Tre sconvolgimenti hanno segnato l'anno 1988, provocando una frattura nella vita degli armeni.

"Sono rimasto profondamente colpito da tutte queste storie personali in cui si intreccia la storia dell'Armenia".

Per questo incontro di sabato, proponiamo la scoperta di una casa editrice giovane e singolare, con Patrick ROLLIER, creatore di Éditions d'une rive à l'autre.

Questo scambio diretto con Patrick ROLLIER vuole insegnarci qualcosa di più sul lavoro di un editore, sulle scelte artistiche e sulle tecniche utilizzate per servire lo scopo, il legame testo/immagine. In un'epoca di immagini smaterializzate prodotte in serie, la materialità della fotografia ci ricorda la sua importanza. Libri progettati per servire una visione del mondo.

ARMENIA, Year Zero is the result of a photographic work that resulted in eight trips between 2015 and 2018 during which the photographer met with Armenians.

Three upheavals marked the year 1988, causing a rupture in the lives of Armenians.

"I was deeply moved by all these personal stories in which the history of Armenia is interwoven.

For this Saturday meeting, we propose the discovery of a young and singular publishing house, with Patrick ROLLIER, creator of Éditions d'une rive à l'autre.

This direct exchange with Patrick ROLLIER aims to teach us more about the work of a publisher, the artistic choices and techniques used to serve the purpose, the link text / image. In an era where dematerialized images are mass produced, the materiality of photography reminds us of its importance. Books thought to be at the service of a look on the world.

(Text: Fontaine obscure, Aix-en-Provence)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
11. Februar - 25. März 2023

Être au Monde
Denis Felix, Matthias Olmeta

Zwei Fotografen kreuzen ihren Blick auf das menschliche Wesen...

Auf der ganzen Welt hat Denis Felix Blicke hinter seiner großformatigen Kamera eingefangen. Diese Gesichter mustern uns, beobachten uns ...

Matthias Olmeta porträtiert seine Zeitgenossen - Männer, Frauen, Kinder. In einer Mischung aus Schrift und Fotografie hinterfragen sie unsere Zukunft ...

Deux photographes croisent leur regard sur l’être humain…

De par le monde, Denis Felix a capté des regards derrière sa chambre grand format. Ces visages nous scrutent, nous observent …

Matthias Olmeta réalise des portraits de ses contemporains, homme, femme, enfant. Mélant écriture et photographie, ils questionnent notre devenir…

Due fotografi incrociano lo sguardo sull'essere umano...

In tutto il mondo, Denis Felix ha catturato sguardi dietro la sua macchina fotografica di grande formato. Questi volti ci scrutano, ci osservano...

Matthias Olmeta crea ritratti dei suoi contemporanei, uomini, donne e bambini. Mescolando scrittura e fotografia, si interrogano sul nostro futuro...

Two photographers cross their glance on the human being...

Throughout the world, Denis Felix has captured glances behind his large format camera. These faces scrutinize us, observe us...

Matthias Olmeta creates portraits of his contemporaries, men, women and children. Mixing writing and photography, they question our future...

                (Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)