FotoNostrum | Barcelona
26. Januar – 24 März 2024

Becoming Marilyn & Becoming Elvis
André de Dienes, Alfred Wertheimer

MUUS Collection freut sich, eine Doppelausstellung mit Werken von André de Dienes und Alfred Wertheimer in Zusammenarbeit mit FotoNostrum in Barcelona, Spanien, ankündigen zu können. Becoming Marilyn & Becoming Elvis erforscht den Aufstieg von Marilyn Monroe und Elvis Presley, wie er von André de Dienes bzw. Alfred Wertheimer dokumentiert wurde, den beiden Fotografen, die die beiden Stars kennenlernten, als sie an der Schwelle zum Ruhm standen. Obwohl sich Elvis und Marilyn angeblich nur ein einziges Mal trafen, wurden sie zu den größten Sexsymbolen des 20. Jahrhunderts, mit einem so ungebrochenen öffentlichen Interesse, dass beide kürzlich Gegenstand großer biografischer Filme waren. Becoming Marilyn & Becoming Elvis zeigt den kulturellen Einfluss der beiden Stars anhand von Fotografien, die Marilyns Leben im Rampenlicht von ihren ersten Model-Shootings an dokumentieren, und Fotos von Elvis im zarten Alter von 21 Jahren, als er sich auf die Show vorbereitet, die seine Karriere für immer verändern sollte. Die Ausstellung umfasst fast einhundert Fotografien der beiden Künstler.

Das MUUS setzt seine Mission fort, diese außergewöhnlichen Archive einem neuen Publikum auf der ganzen Welt zugänglich zu machen. Wir freuen uns, bei dieser Ausstellung mit FotoNostrum zusammenzuarbeiten, einer Organisation, die sich der Förderung des kulturellen Bewusstseins für Fotografie durch Ausstellungen und Publikationen verschrieben hat. Becoming Marilyn & Becoming Elvis wird kuratiert von Leonor Fernandes, Exhibition Manager bei FotoNostrum, mit der kuratorischen Unterstützung von Lucrezia di Martino, Director of Partnerships bei MUUS Collection.

La Collection MUUS est fière d'annoncer une double exposition d'œuvres d'André de Dienes et d'Alfred Wertheimer en collaboration avec FotoNostrum à Barcelone, Espagne. Becoming Marilyn & Becoming Elvis explore l'ascension de Marilyn Monroe et d'Elvis Presley vers la célébrité, telle qu'elle a été documentée par André de Dienes et Alfred Wertheimer respectivement, les deux photographes qui se sont intimement familiarisés avec les stars lorsqu'elles étaient au seuil de la célébrité. Bien qu'Elvis et Marilyn ne se soient, selon la rumeur, rencontrés qu'une seule fois, ils sont devenus les plus grands sex-symbols du XXe siècle, suscitant un tel intérêt de la part du public qu'ils ont tous deux fait récemment l'objet de films biographiques importants. Becoming Marilyn & Becoming Elvis démontre l'impact culturel des deux stars à travers des photographies documentant la vie de Marilyn sous les feux de la rampe depuis ses premières séances de mannequinat et des photos d'Elvis à l'âge tendre de 21 ans, se préparant pour le spectacle qui allait changer sa carrière à jamais. L'exposition comprend près d'une centaine de photographies des deux artistes.

Alors que MUUS poursuit sa mission de faire connaître ces archives extraordinaires à de nouveaux publics dans le monde entier, nous sommes heureux de nous associer à FotoNostrum pour cette exposition, une organisation qui se consacre à la sensibilisation culturelle à la photographie par le biais d'expositions et de publications. Becoming Marilyn & Becoming Elvis est organisée par Leonor Fernandes, responsable des expositions à FotoNostrum, avec l'aide de Lucrezia di Martino, directrice des partenariats à la Collection MUUS.

MUUS Collection è orgogliosa di annunciare una doppia mostra di opere di André de Dienes e Alfred Wertheimer in collaborazione con FotoNostrum a Barcellona, Spagna. Becoming Marilyn & Becoming Elvis esplora l'ascesa alla celebrità di Marilyn Monroe ed Elvis Presley, documentata rispettivamente da André de Dienes e Alfred Wertheimer, i due fotografi che hanno conosciuto intimamente le star quando erano all'apice della fama. Anche se si dice che Elvis e Marilyn si siano incontrati una sola volta, sono diventati i più grandi sex symbol del XX secolo, con un interesse pubblico così forte che entrambi sono stati recentemente oggetto di importanti film biografici. Becoming Marilyn & Becoming Elvis mostra l'impatto culturale delle due star attraverso fotografie che documentano la vita di Marilyn sotto i riflettori, dai primi servizi come modella in poi, e le foto di Elvis alla tenera età di 21 anni, mentre si prepara per lo spettacolo che avrebbe cambiato per sempre la sua carriera. La mostra comprende quasi cento fotografie dei due artisti.

Il MUUS continua la sua missione di portare questi straordinari archivi a un nuovo pubblico in tutto il mondo e per questa mostra è lieto di collaborare con FotoNostrum, un'organizzazione dedicata alla sensibilizzazione culturale sulla fotografia attraverso mostre e pubblicazioni. Becoming Marilyn & Becoming Elvis è curata da Leonor Fernandes, Exhibition Manager di FotoNostrum, con l'assistenza curatoriale di Lucrezia di Martino, Direttore delle partnership della MUUS Collection.

MUUS Collection is proud to announce a double exhibition of works by André de Dienes and Alfred Wertheimer in collaboration with FotoNostrum in Barcelona, Spain. Becoming Marilyn & Becoming Elvis explores the rise to stardom of Marilyn Monroe and Elvis Presley, as documented by André de Dienes and Alfred Wertheimer respectively, the two photographers who became intimately acquainted with the stars when they were on the cusp of fame. Though Elvis and Marilyn were rumored to have met only once, they became the biggest sex symbols of the 20th century, with a public interest so unrelenting that both were recently the subjects of major biographical films. Becoming Marilyn & Becoming Elvis demonstrates the cultural impact of the two stars through photographs documenting Marilyn’s life in the spotlight from her earliest modeling shoots onward and photos of Elvis at the tender age of 21, preparing for the show that would change his career forever. The exhibition comprises nearly one hundred photographs by the two artists.

As MUUS continues our mission to bring these extraordinary archives to new audiences around the world, we are pleased to partner with FotoNostrum for this exhibition, an organization dedicated to raising the cultural awareness about photography through exhibitions and publications. Becoming Marilyn & Becoming Elvis is curated by Leonor Fernandes, Exhibition Manager at FotoNostrum, with the curatorial assistance of Lucrezia di Martino, Director of Partnerships at MUUS Collection.

(Text: MUUS Collection)

Foto Colectania | Barcelona
18. Januar – 2. Juni 2024

El curso de los acontecimientos. Un atlas de la colección Foto Colectania

Eine Geschichte der modernen Fotografie in Spanien und Portugal

Die Sammlung Foto Colectania umfasst eine Sammlung von mehr als 3 000 Fotografien katalanischer, spanischer und portugiesischer Fotografen. Sie ist zweifellos die private Sammlung mit der umfassendsten Darstellung der Geschichte der Fotografie, die in der zweiten Hälfte des 20. Ihre Bilder zeugen von einem doppelten Modernisierungsprozess, dem des fotografischen Mediums selbst und dem der südeuropäischen Gesellschaften.

Modernisierung wurde jedoch oft gleichbedeutend mit Ikonisierung, Reduktion und Synthese der Realität durch ein emblematisches Bild. Es waren die Fotografien, die die Ereignisse prägten. Auch wenn jedes Ereignis viele weitere Versionen des Geschehens hätte hervorbringen können, erlangte nur eine den Status eines ikonischen Bildes. Eines, bei dem eine stillschweigende Zustimmung ausreicht, um es zu erkennen.

Vor dem Hintergrund dieser Bilder, deren Macht niemand bestreitet, bewahrt die Fotografie unzählige Momente und Sequenzen. Der halb entstellte Mann auf dem Foto von Xavier Miserachs mit dem Titel Carrer Pelai, Barcelona (1962) behält seine Ikonizität in Abhängigkeit von der Menge, der er angehört; das Porträt von General Franco, das Ramón Masats 1964 aufnahm, beruht auf einem Bild der Autorität, das mit dem Caudillismo, der in der einzelnen Figur konzentrierten Macht, verbunden ist.

Aber es gibt auch andere Arten von Ereignissen, kollektive Momente wie Demonstrationen, Prozessionen, Riten und ganz allgemein Menschenmengen, die den im Wesentlichen prozesshaften und quantitativen Charakter der Fotografie hervorrufen. Diese Momente erfordern mehr als nur ein Bild. Trotz der natürlichen Beschränkungen durch den Ausstellungsraum umfasst die Auswahl fast 160 Werke.

Une histoire de la photographie moderne en Espagne et au Portugal

La collection Foto Colectania rassemble plus de 3 000 photographies de photographes catalans, espagnols et portugais. Il s'agit sans aucun doute de la collection privée qui représente de la manière la plus exhaustive l'histoire de la photographie produite au cours de la seconde moitié du XXe siècle dans la péninsule ibérique. Ses images témoignent d'un double processus de modernisation, celui du médium photographique lui-même et celui des sociétés du sud de l'Europe.

Cependant, moderniser devient souvent synonyme d'iconiser, de réduire et de synthétiser la réalité par une image emblématique. Ce sont ces photographies qui ont façonné les événements. Même si chaque événement aurait pu donner lieu à de nombreuses autres versions de ce qui s'est passé, une seule a acquis le statut d'image emblématique. Celle à laquelle il suffit d'un accord tacite pour la reconnaître.

Face à ces images dont personne ne conteste le pouvoir, la photographie conserve d'innombrables instants et séquences. L'homme semi-défiguré de la photographie de Xavier Miserachs intitulée Carrer Pelai, Barcelone (1962) conserve son iconicité en fonction de la foule à laquelle il appartient ; le portrait du général Franco réalisé par Ramón Masats en 1964 repose sur une image d'autorité liée au caudillismo, au pouvoir concentré dans la figure individuelle.

Mais il existe d'autres types d'événements, des moments collectifs tels que les manifestations, les processions, les rites et, en général, les foules qui évoquent le caractère essentiellement processuel et quantitatif de la photographie. Ces moments nécessitent plus d'une image. Ainsi, malgré les limites naturelles imposées par l'espace d'exposition, la sélection rassemble près de 160 œuvres.

Una storia della fotografia moderna in Spagna e Portogallo

La Collezione Foto Colectania riunisce una raccolta di oltre 3.000 fotografie di fotografi catalani, spagnoli e portoghesi. Si tratta senza dubbio della collezione privata con la rappresentazione più esaustiva della storia della fotografia prodotta nella seconda metà del XX secolo nella penisola iberica. Le sue immagini testimoniano un duplice processo di modernizzazione, quello del mezzo fotografico stesso e quello delle società dell'Europa meridionale.

Tuttavia, modernizzare divenne spesso sinonimo di iconizzare, ridurre e sintetizzare la realtà con un'immagine emblematica. Sono state le fotografie a dare forma agli eventi. Anche se ogni evento avrebbe potuto dare origine a molte altre versioni di ciò che è accaduto, solo una ha acquisito lo status di immagine iconica. Un'immagine per la quale è sufficiente un tacito accordo per riconoscerla.

Sullo sfondo di quelle immagini di cui nessuno contesta il potere, la fotografia conserva innumerevoli istanti e sequenze. L'uomo semi-sfigurato nella fotografia di Xavier Miserachs intitolata Carrer Pelai, Barcellona (1962) mantiene la sua iconicità in funzione della folla a cui appartiene; il ritratto del generale Franco scattato da Ramón Masats nel 1964 si basa su un'immagine di autorità legata al caudillismo, al potere concentrato nella singola figura.

Ma ci sono altri tipi di eventi, momenti collettivi come manifestazioni, processioni, riti e, in generale, folle che evocano la natura essenzialmente processuale e quantitativa della fotografia. Questi momenti richiedono più di un'immagine. Così, nonostante le limitazioni naturali imposte dallo spazio espositivo, la selezione riunisce quasi 160 opere.

A history of modern photography in Spain and Portugal

The Foto Colectania Collection holds over 3.000 photographs by Catalan, Spanish and Portuguese authors. It is, undoubtedly, the most comprehensive private collection representing the history of photography during the second half of the 20th century in the Iberian Peninsula. Its images bear witness to a dual process of modernization, both within the photographic medium itself and that of southern European societies.

However, modernising often became a synonym for iconising, reducing and synthesising reality into an emblematic image. Those were the photographs that shaped the events. Although each event would have spawned many more versions of what happened, only one image acquired the iconic status. An image that is recognized with just a tacit agreement.

Contrary to these images whose power is undisputed, photography preserves countless moments and sequences. The semi-disfigured man in Xavier Miserachs’ photograph entitled Carrer Pelai, Barcelona (1962) maintains its iconicity in terms of the crowd to which he belongs; the portrait of General Franco taken by Ramon Masats in 1964 relies on an image of authority linked to autocracy, to power concentrated in the individual figure.

There are, though, other types of collective events–such as demonstrations, processions, rituals, crowds in general–that evoke the essentially processual and quantitative nature of photography. These moments require more than just one image. Hence, despite the natural limitations of the exhibition space, the selection brings together around 160 works.

Una historia de la fotografía moderna en España y Portugal

La Colección Foto Colectania reúne un fondo de más de 3.000 fotografías de autores catalanes, españoles y portugueses. Es, sin duda, la colección privada con una representación más exhaustiva de la historia de la fotografía realizada durante la segunda mitad del siglo XX en la península ibérica. Sus imágenes dan fe de un doble proceso de modernización, el del propio medio fotográfico y el de las sociedades del sur de Europa.

Sin embargo, modernizar a menudo se convirtió en sinónimo de iconizar, reducir y sintetizar la realidad con una imagen emblemática. Esas fueron las fotografías que dieron forma a los acontecimientos. Aunque cada hecho hubiera deparado muchas más versiones de lo ocurrido solo una adquiría el estatuto de la imagen icónica. Una a la que basta un acuerdo tácito para reconocerla.

A contrapelo de esas imágenes cuya potencia nadie discute, la fotografía preserva innumerables instantes y secuencias. El hombre semidesfigurado de la foto de Xavier Miserachs titulada Carrer Pelai, Barcelona (1962) mantiene su iconicidad en función de la multitud a la que pertenece; el retrato del general Franco realizado por Ramón Masats en 1964 se apoya en una imagen de la autoridad ligada al caudillismo, al poder concentrado en la figura individual.

Pero existen otro tipo de acontecimientos, momentos colectivos tales como las manifestaciones, procesiones, ritos y, en general, multitudes que evocan el carácter esencialmente procesual y cuantitativo de la fotografía. Esos instantes requieren más de una imagen. Así que a pesar de las limitaciones naturales que impone el espacio de la exposición, la selección reúne cerca de 160 obras.

(Text: Foto Colectania, Barcelona)

Fundación Foto Colectania | Barcelona
28. Juni 2023 - 7. Januar 2024

Lo Indestructible
Albarrán Cabrera

Foto Colectania präsentiert "Lo Indestructible", die erste monografische Ausstellung von Albarrán Cabrera in einem Kunstzentrum.

Das Künstlerduo hat ein Universum von erlesener Schönheit rund um Zeit, Identität und Erinnerung geschaffen.

Ihr Werk zeichnet sich durch die Vielfalt der von ihnen verwendeten fotografischen Techniken aus, die ihren Bildern eine ganz besondere Ästhetik und handwerkliche Qualität verleihen.

Die Ausstellung, die fast 90 Fotografien aus seinen emblematischsten Serien versammelt, wurde bei Foto Colectania dank der maßgeblichen Mitarbeit der Stiftung Banco Sabadell organisiert.

Ángel Albarrán und Anna Cabrera arbeiten seit 1996 als Fotografen zusammen. Beeinflusst von westlichen und östlichen Denkern, Filmemachern, Schriftstellern und Künstlern, nutzen sie das Medium der Fotografie, um vorgefasste Meinungen über Zeit, Ort und Identität zu hinterfragen. Auf diese Weise gelingt es ihnen, einen neuen Begriff von Wahrnehmung als Schlüsselelement für das Verständnis nicht nur der Kunst, sondern der Lebenserfahrung selbst zu gewinnen.

"Die Fotografie hilft uns, die Realität zu verstehen, die Bilder sind wie visuelle Notizen in einem Notizbuch", erklärt Albarrán Cabrera. Sein poetisches Universum lädt uns auf eine traumhafte Reise ein. Die Anfänge des Fluges, eingefangen zwischen den Aushöhlungen des Dickichts, das Gleiten über die glatte Wasseroberfläche, perlschwarze oder schneeweiße Federn, funkelnde, samtige Blütenblätter... Seine Bilder zwischen Realität und Illusion untersuchen unsere Beziehung zu einer greifbaren Welt. Zeit, Erinnerung und eine fast physische Präsenz der Schönheit ziehen sich durch die Arbeiten dieser Fotografen.

Um dies zu erreichen, verwendet Albarrán Cabrera verschiedene fotografische Verfahren: Platin-/Palladiumdruck, Silbergelatine, Cyanotypie, Pigmentdruck usw., was ihren Bildern eine besondere Textur verleiht und ihr Angebot einzigartig macht: "Wir verstehen die Fotografie als ein Objekt und das fotografische Medium als ein Werkzeug, das uns erlaubt, von einem Konzept zu einem Bild und schließlich zu diesem spezifischen Objekt zu gelangen. Wir sind nicht daran interessiert, dass das Bild die Realität wiedergibt, sondern wir versuchen, ein Objekt zu schaffen, das genügend Informationen und Interesse bietet, um Teil der Erzählungen des Betrachters zu werden. Dabei ist jeder Prozess mit seinen spezifischen Merkmalen in der Lage, eine Realität mit eigenem Stil zu schaffen.

Die Arbeiten von Albarrán Cabrera befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen, und seine redaktionellen Veröffentlichungen finden national und international große Beachtung.

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von mehr als 90 Bildern aus seinen wichtigsten Serien, die er in fast zwei Jahrzehnten fotografischer Arbeit geschaffen hat: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos und Nyx.

Die Kernserie und diejenige mit der größten Anzahl von Werken in der Ausstellung ist The Mouth of Krishna, inspiriert von der Legende des Gottes Krishna als Kind: Während andere Kinder Früchte von einem Baum pflückten, pflückte Krishna die Früchte vom Boden und aß sie. Seine Mutter schimpfte mit ihm und verlangte, dass er seinen Mund öffnete, und darin sah sie die überwältigende Weite des Universums. Diese Geschichte ist die Metapher, die als Ausgangspunkt für The Mouth of Krishna dient, eine Serie mit offenem Ende, die das Ergebnis einer Untersuchung der Vielfältigkeit, Struktur und Wahrhaftigkeit der von uns wahrgenommenen Realität ist.

Die übrigen Serien der Autoren sind aus dieser Serie hervorgegangen, als Ableger eines bestimmten Themas, das im Laufe der Zeit seine eigene Bedeutung erlangt hat.

Darüber hinaus werden in der Ausstellung Elemente gezeigt, die Teil des komplexen Herstellungsprozesses der Fotografien sind, für den Albarrán Cabrera mehrere Tage braucht. Und eine Auswahl seiner Fotobücher, von denen einige bereits vergriffen sind.

Es handelt sich um die erste monografische Ausstellung der Autoren in unserem Land in einem Kunstzentrum, die eine Auswahl von Fotografien aus den Sammlungen der Künstler, der Galería Elvira González und der Fundación Foto Colectania selbst zusammenführt.

Foto Colectania présente "Lo Indestructible", la première exposition monographique d'Albarrán Cabrera dans un centre d'art.

Le duo d'artistes a créé un univers d'une exquise beauté autour du temps, de l'identité et de la mémoire.

Leur travail se caractérise par la diversité des techniques photographiques qu'ils utilisent et qui confèrent à leurs images une esthétique très particulière et une charge artisanale.

L'exposition, qui rassemble près de 90 photographies de ses séries les plus emblématiques, a été organisée à Foto Colectania grâce à la collaboration principale de la Fondation Banco Sabadell.

Ángel Albarrán et Anna Cabrera collaborent en tant que photographes depuis 1996. Influencés par des penseurs, des cinéastes, des écrivains et des artistes occidentaux et orientaux, ils utilisent le médium photographique pour remettre en question les idées préconçues sur le temps, le lieu et l'identité. Son travail parvient ainsi à atteindre une nouvelle notion de la perception en tant qu'élément clé de la compréhension non seulement de l'art, mais aussi de l'expérience de la vie elle-même.

"La photographie nous aide à comprendre la réalité, les images sont comme des notes visuelles dans un carnet", déclare Albarrán Cabrera. Son univers poétique nous invite à un voyage onirique. Des prémices de vol saisies entre les creux des fourrés, des glissements sur la surface lisse de l'eau, des plumes d'un noir nacré ou d'un blanc neigeux, des pétales veloutés et étincelants... Ses images, entre réalité et illusion, interrogent notre rapport à un monde tangible. Le temps, la mémoire et la présence presque physique de la beauté traversent le travail de ces photographes.

Pour y parvenir, Albarrán Cabrera utilise de multiples procédés photographiques : impression au platine/palladium, gélatine argentique, cyanotype, impression pigmentée, etc., ce qui donne à leurs images une texture particulière et rend leur proposition très unique : "Nous comprenons la photographie comme un objet, et le médium photographique comme un outil qui nous permet de passer d'un concept à une image et enfin à cet objet spécifique. Nous ne cherchons pas à ce que l'image reproduise la réalité, mais nous essayons de créer un objet qui possède suffisamment d'informations et d'intérêt pour s'intégrer dans les récits des spectateurs. C'est là que chaque processus, avec ses caractéristiques spécifiques, est capable de créer une réalité avec son propre style.

Le travail d'Albarrán Cabrera est présent dans des collections publiques et privées, et ses publications éditoriales sont bien accueillies au niveau national et international.

L'exposition présente une sélection de plus de 90 images issues de ses séries les plus importantes, qu'il a produites au cours de près de deux décennies de travail photographique : The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos et Nyx.

La série principale et celle qui compte le plus grand nombre d'œuvres dans l'exposition est The Mouth of Krishna, inspirée par la légende du dieu Krishna enfant : alors que les autres enfants cueillaient des fruits sur un arbre, Krishna ramassait les fruits sur le sol et les mangeait. Sa mère l'a grondé et lui a demandé d'ouvrir la bouche. À l'intérieur, elle a vu l'immensité écrasante de l'univers. Cette histoire est la métaphore qui sert de point de départ à La bouche de Krishna, une série ouverte, fruit d'une recherche sur la multiplicité, la structure et la vraisemblance de la réalité que nous percevons.

Les autres séries des auteurs ont été générées à partir de celle-ci, comme des ramifications d'un thème spécifique qui, au fil du temps, a acquis sa propre importance.

En outre, l'exposition présentera des éléments qui font partie du processus complexe de production des photographies, qui peut prendre plusieurs jours à Albarrán Cabrera. Et une sélection de ses livres de photos, dont certains sont déjà épuisés.

Il s'agit de la première exposition monographique des auteurs dans un centre d'art de notre pays. Elle réunira une sélection de photographies provenant des collections des artistes, de la Galería Elvira González et de la Fundación Foto Colectania elle-même.

Foto Colectania presenta "Lo Indestructible", la prima mostra monografica di Albarrán Cabrera in un centro d'arte.

Il duo artistico ha creato un universo di squisita bellezza intorno al tempo, all'identità e alla memoria.

Il loro lavoro è caratterizzato dalla diversità delle tecniche fotografiche utilizzate, che conferiscono alle loro immagini una carica estetica e artigianale molto particolare.

La mostra, che riunisce quasi 90 fotografie delle sue serie più emblematiche, è stata organizzata da Foto Colectania grazie alla collaborazione principale della Fondazione Banco Sabadell.

Ángel Albarrán e Anna Cabrera collaborano come fotografi dal 1996. Influenzati da pensatori, registi, scrittori e artisti, sia occidentali che orientali, utilizzano il mezzo fotografico per mettere in discussione idee preconcette su tempo, luogo e identità. Il suo lavoro riesce così a raggiungere una nuova nozione di percezione come elemento chiave per comprendere non solo l'arte, ma la stessa esperienza di vita.

"La fotografia ci aiuta a capire la realtà, le immagini sono come appunti visivi su un quaderno", dichiara Albarrán Cabrera. Il suo universo poetico ci invita a un viaggio onirico. Inizi di volo catturati tra le cavità della boscaglia, planate sulla superficie liscia dell'acqua, piume di un nero perlaceo o di un bianco candido, petali scintillanti e vellutati... Le sue immagini, tra realtà e illusione, indagano il nostro rapporto con un mondo tangibile. Il tempo, la memoria e la presenza quasi fisica della bellezza attraversano il lavoro di questi fotografi.

Per ottenere questo risultato, Albarrán Cabrera utilizza molteplici procedimenti fotografici: stampa al platino/palladio, gelatina d'argento, cianotipia, stampa pigmentata, ecc. che conferiscono alle loro immagini una consistenza speciale e rendono la loro proposta davvero unica: "Intendiamo la fotografia come un oggetto, e il mezzo fotografico come uno strumento che ci permette di passare da un concetto a un'immagine e infine a quell'oggetto specifico. Non ci interessa che l'immagine riproduca la realtà, ma cerchiamo di creare un oggetto che abbia abbastanza informazioni e interesse da diventare parte della narrazione dello spettatore. È qui che ogni processo, con le sue caratteristiche specifiche, è in grado di creare una realtà con un proprio stile.

Il lavoro di Albarrán Cabrera è presente in collezioni pubbliche e private e le sue pubblicazioni editoriali sono ben accolte a livello nazionale e internazionale.

La mostra presenta una selezione di oltre 90 immagini tratte dalle sue serie più importanti, realizzate nel corso di quasi due decenni di lavoro fotografico: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos e Nyx.

La serie principale e quella con il maggior numero di opere in mostra è La bocca di Krishna, ispirata alla leggenda del dio Krishna bambino: mentre gli altri bambini coglievano la frutta da un albero, Krishna raccoglieva la frutta da terra e la mangiava. Sua madre lo rimproverò e gli chiese di aprire la bocca e lì dentro vide la sconvolgente vastità dell'universo. Questa storia è la metafora che funge da punto di partenza per La bocca di Krishna, una serie aperta, frutto di una ricerca sulla molteplicità, la struttura e la verosimiglianza della realtà che percepiamo.

Le altre serie degli autori sono state generate da questa come propaggini di un tema specifico che nel tempo ha acquisito un proprio rilievo.

Inoltre, la mostra esporrà elementi che fanno parte del complesso processo di produzione delle fotografie, che può richiedere ad Albarrán Cabrera diversi giorni per essere completato. E una selezione dei suoi libri fotografici, alcuni dei quali già esauriti.

Si tratta della prima mostra monografica nel nostro Paese degli autori in un centro d'arte e riunirà una selezione di fotografie provenienti dalle collezioni degli artisti, dalla Galería Elvira González e dalla stessa Fundación Foto Colectania.

Foto Colectania presents 'Lo Indestructible', the first monographic exhibition of Albarran Cabrera in an art center

The artistic duo has created a universe of exquisite beauty around time, identity and memory

His work is characterized by the diversity of photographic techniques that use and that give his images a very special aesthetic and artisan load

The exhibition, which gathers about 90 photographs of its most emblematic series, has been organized in Foto Colectania thanks to the main collaboration of the Banco Sabadell Foundation

Angel Albarrán and Anna Cabrera have been working collaboratively as photographers since 1996. Influenced by both Western and Eastern thinkers and artists, they use the photographic medium to question preconceived ideas about time, place and identity. In this way their work achieves a new notion of perception as a key element in understanding not only art but life experience itself.

"Photography helps us understand reality, the images are like visual annotations in a notebook," Albarrán Cabrera said. His poetic universe invites us to a dreamlike journey. Beginnings of flight caught between the hollows of the thicket, glides on the smooth surface of the waters, feathers of pearly black or of a white níveo, sparkling of velvety petals... His images, between reality and illusion, investigate our relationship with a tangible world. Time, memory and an almost physical presence of beauty run through the work of these photographers.

To achieve this, Albarrán Cabrera employs multiple photographic procedures: platinum/palladium printing, silver gelatin, cyanotype, pigmented printing, etc., which gives its images a special texture and makes its proposal very unique: "We understand photography as an object, and the photographic medium as a tool that allows us to reach from a concept to an image and at the end to that specific object. We do not want the image to reproduce reality, but we try to create an object that has enough information and interest to become part of the narratives of the looking. That is where each process with its specific characteristics is able to create a reality with its own style".

The work of Albarrán Cabrera is present in collections, both public and private, and its editorial publications are widely received nationally and internationally.

The exhibition shows a selection of more than 90 images from their most relevant series, which they have produced during almost two decades of photographic work: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos and Nyx.

The main series and the one with the largest number of works in the show is The Mouth of Krishna, inspired by the legend of the god Krishna when he was a child: while other children plucked fruits from a tree, Krishna picked up the fruit from the ground and gave it to him. I used to eat. His mother scolded him and demanded that he open his mouth and inside there, she saw the overwhelming immensity of the universe. This story is the metaphor that serves as the starting point for The Mouth of Krishna, an open series, the result of research into the multiplicity, structure, and plausibility of the reality we perceive.

The rest of the series by the authors have been generated from this one as ramifications of a specific theme that over time has acquired a leading role of its own.

In addition, in the exhibition you will be able to see elements that are part of the complex process of producing the photographs, in which Albarrán Cabrera can spend several days. And a selection of his photobooks, some of which are already out of print.

This is the first monographic exhibition in our country of the authors in an art center and will bring together a selection of photographs from collections from the artists, the Elvira González Gallery and the Foto Colectania Foundation itself.

Foto Colectania presenta ‘Lo Indestructible’, la primera exposición monográfica de Albarrán Cabrera en un centro de arte

El dúo artístico ha creado un universo de belleza exquisita en torno al tiempo, la identidad y la memoria

Su obra se caracteriza por la diversidad de técnicas fotográficas que utilizan y que dan a sus imágenes una carga estética y artesanal muy especial

La muestra, que reúne cerca de 90 fotografías de sus series más emblemáticas, se ha organizado en Foto Colectania gracias a la colaboración principal de la Fundación Banco Sabadell

Ángel Albarrán y Anna Cabrera han trabajado de manera colaborativa como fotógrafos desde 1996. Influidos por pensadores, cineastas, escritores y artistas, tanto occidentales como orientales, utilizan el medio fotográfico para cuestionar las ideas preconcebidas sobre el tiempo, el lugar o la identidad. Su trabajo logra así, alcanzar una nueva noción de la percepción como elemento clave a la hora de entender no sólo el arte, sino la propia experiencia vital.

“La fotografía nos ayuda a comprender la realidad, las imágenes son como anotaciones visuales en un cuaderno”, declaran Albarrán Cabrera. Su universo poético nos invita a un viaje onírico. Inicios de vuelo captados entre los huecos de la espesura, deslizamientos sobre la superficie tersa de las aguas, plumas de color negro nacarado o de un blanco níveo, centelleo de pétalos aterciopelados… Sus imágenes, entre la realidad y la ilusión, indagan en nuestra relación con un mundo tangible. El tiempo, la memoria y una presencia casi física de la belleza recorren toda la obra de estos fotógrafos.

Para lograrlo, Albarrán Cabrera emplean múltiples procedimientos fotográficos: impresión en platino/paladio, gelatina de plata, cianotipo, impresión pigmentada, etc., lo que confiere a sus imágenes una textura especial y hace su propuesta muy singular: “Entendemos la fotografía como un objeto, y el medio fotográfico, como una herramienta que nos permite llegar desde un concepto a una imagen y al final a ese objeto concreto. No nos interesa que la imagen reproduzca la realidad, sino que intentamos crear un objeto que tenga información e interés suficientes para que entre a formar parte de las narrativas del que mira. Ahí es donde cada proceso con sus características concretas es capaz de crear una realidad con un estilo propio”.

La obra de Albarrán Cabrera está presente en colecciones, tanto públicas como privadas, y sus publicaciones editoriales tienen una gran acogida a nivel nacional e internacional.

La exposición muestra una selección de más de 90 imágenes de sus series más relevantes, que han realizado durante casi dos décadas de labor fotográfica: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos y Nyx.

La serie troncal y de la que habrá mayor número de obra en la muestra es The Mouth of Krishna, inspirada en la leyenda del dios Krishna cuando era niño: mientras otros niños arrancaban frutas de un árbol, Krishna recogía la fruta del suelo y se la comía. Su madre lo regañó y le exigió que abriera la boca y allí dentro, ella vio la abrumadora inmensidad del universo. Esta historia es la metáfora que sirve de punto de partida a The Mouth of Krishna, una serie abierta, resultado de la investigación de la multiplicidad, estructura y verosimilitud de la realidad que percibimos.

El resto de series de los autores se han generado a partir de ésta como ramificaciones de un tema específico que a lo largo del tiempo ha adquirido un protagonismo propio.

Además, en la exposición se podrán ver elementos que forman parte del complejo proceso de producción de las fotografías, en el que Albarrán Cabrera pueden llegar a emplear varios días. Y una selección de sus fotolibros, algunos de los cuales están ya agotados.

Esta es la primera muestra monográfica en nuestro país de los autores en un centro de arte y reunirá una selección de fotografías de fondos procedentes de los artistas, de la Galería Elvira González y de la propia Fundación Foto Colectania.

Ángel Albarrán i Anna Cabrera han treballat de manera col·laborativa com a fotògrafs des de l’any 1996. Influïts per pensadors, cineastes, escriptors i artistes, tant occidentals com orientals, utilitzen el mitjà fotogràfic per qüestionar les idees preconcebudes sobre el temps, el lloc o la identitat. D’aquesta manera, el seu treball aconsegueix assolir una nova noció de la percepció com a element clau per entendre no només l'art, sinó la pròpia experiència vital.

“La fotografia ens ajuda a comprendre la realitat, les imatges són com notes visuals en un quadern”, subratllen Albarrán Cabrera. El seu univers poètic ens convida a fer un viatge oníric: emprendre el vol entre els buits de l'espessor, lliscar sobre la superfície plana de les aigües, plomatge de color negre nacrat o d'un blanc immaculat, centelleig de pètals vellutats… Les seves imatges, entre la realitat i la il·lusió, exploren la nostra relació amb un món tangible. El temps, la memòria i la presència gairebé física de la bellesa recorren tota l'obra d'aquests fotògrafs.

Per aconseguir-ho, Albarrán Cabrera utilitzen una gran varietat de procediments fotogràfics: impressió en platí/pal·ladi, gelatina de plata, cianotípia, impressió pigmentada, etc. Tot plegat confereix a les seves imatges una textura especial i fa que la seva proposta sigui molt singular: “Entenem la fotografia com un objecte, i el mitjà fotogràfic, com una eina que ens permet passar d’un concepte a una imatge i, finalment, a un objecte concret. No ens interessa que la imatge reprodueixi la realitat, sinó intentar crear un artefacte que tingui prou informació i interès perquè entri a formar part de la narrativa de qui se’l mira. És aquí on cada procés, amb les seves característiques concretes, és capaç de crear una realitat amb estil propi”.

L'obra d'Albarrán Cabrera és present en col·leccions públiques i privades, i les seves publicacions editorials gaudeixen d’una gran acollida, tant a nivell nacional com internacional.

L'exposició mostra una selecció de més de 90 imatges de les sèries de major rellevància que han realitzat durant gairebé dues dècades de treball fotogràfic: Mouth of Krishna, Indestructible, This is you here, Kairos i Nyx.

La sèrie troncal, i que serà la més representada a la mostra, és The Mouth of Krishna, inspirada en la llegenda del déu Krishna d’infant: quan els altres nens arrencaven les fruites d'un arbre, el Déu Krishna les recollia del terra i se les menjava. En veure-ho, la seva mare va renyar-lo i li va exigir que obrís la boca. Dins seu, ella hi va veure l’aclaparadora immensitat de l’univers.

Aquesta història és la metàfora que serveix de punt de partida a The Mouth of Krishna, una sèrie oberta, que és el resultat de la investigació de la multiplicitat, de la estructura i de la versemblança de la realitat que percebem. La resta de sèries d’Albarran Cabrera s'han generat a partir d'aquesta com a ramificacions d'un tema específic que ha adquirit un protagonisme propi al llarg del temps.

A més, a l'exposició es podran veure alguns elements que ajudaran a entendre la complexitat del procés de producció de les fotografies (per enllestir-les, Albarrán Cabrera hi poden dedicar dies), i una selecció dels seus fotollibres, alguns dels quals ja estan exhaurits.

Aquesta és la primera mostra monogràfica dels autors que es realitza en un centre d’art al nostre país, i reunirà una selecció de fotografies de fons procedents dels mateixos artistes, de la Galeria Elvira González i de la Fundació Foto Colectania.

(Text: Fundación Foto Colectania, Barcelona)

Fundación Foto Colectania | Barcelona
2. Februar - 28. Mai 2023

Resistencia poética
Marcelo Brodsky

Die Stiftung Foto Colectania präsentiert dank der Zusammenarbeit mit der Stiftung Banco Sabadell die Ausstellung Marcelo Brodsky. Poetischer Widerstand, kuratiert von Irene de Mendoza.

Marcelo Brodsky wurde in Argentinien geboren und ging während der argentinischen Militärdiktatur in den 1970er und 1980er Jahren nach Spanien ins Exil. Sein Werk kombiniert Bilder und Interventionen mit Farbe und Text und bewegt sich zwischen Fotografie, Installation, Performance und Mahnmal.

Das Thema von Brodskys Werk umspannt die ganze Welt. Es beginnt mit dem Kampf für die Menschenrechte in Argentinien, den Brodsky im Laufe der Jahre auf viele andere Länder ausweitete. Der Rückblick auf das Jahr 1968, der Bilder der weltweiten Proteste zeigt, ist zu einem seiner ehrgeizigsten Projekte geworden, da er uns auch mit anderen miteinander verbundenen Realitäten der Zeit konfrontiert, wie Kolonialismus, Kapitalismus, Rassismus und Patriarchat. In seiner Laufbahn hat er sich auch für Bürgerrechtsbewegungen oder Black Lives Matter in den Vereinigten Staaten eingesetzt, und in jüngster Zeit war er an der Suche nach wiederherstellender Gerechtigkeit für die Opfer des Völkermords im Kolonialstaat Deutsch-Südwestafrika (dem heutigen Namibia) beteiligt.

Jüngste Äußerungen des Autors: "Fotografien sind immer offen für mehrere Interpretationen, und meine Eingriffe in die Bilder geben eine Richtung vor. Die hinzugefügten Texte und Farben konstruieren eine alternative Form der Sprache, eine Poetik des Widerstands. Indem ich in historische Bilder eingreife und ihren Kontext wiederherstelle, versuche ich, Pfeile in die Zukunft, die unsere Gegenwart ist, zu schießen".

Die in der Foto Colectania präsentierte Ausstellung versammelt einige seiner bekanntesten Serien: Sie beginnt mit einer Auswahl von fünf Fotografien, die während seines Exils in Barcelona Ende der 1970er Jahre entstanden sind, und einem Abschnitt, der seinem Projekt Buena Memoria gewidmet ist, in dem er die Folgen der argentinischen Diktatur für seine Schulkameraden untersucht. Diese Arbeit wurde zu einem der Ausgangspunkte für die Interventionen mit Text und Farbe auf Fotografien, die er in seinen späteren Projekten anwenden sollte.

Zu den weiteren ausgestellten Serien gehört sein emblematisches Werk von 1968. El fuego de las ideas, das die 1968 weltweit entfachten Bewegungen zeigt, die Fotografien des Kampfes gegen den Franquismus oder die Apartheid in Südafrika (die er zusammen mit dem Fotografen Gideon Mendel gemacht hat), das beeindruckende Rastros de violencia, das den ersten Völkermord der Geschichte anhand der kolonialistischen Fotografien des Deutschen Reichs im heutigen Namibia zeigt, und schließlich Paro Nacional über die jüngsten Aufstände in Kolumbien im Jahr 2021.

Der Künstler und Aktivist Marcelo Brodsky (Argentinien, 1954) gilt als einer der wichtigsten Autoren, die sich mit der Wiederherstellung des privaten Gedächtnisses und dessen Überschneidung mit der kollektiven Geschichte befassen. Sein Werk basiert auf der Re-Figuration des Bildes: Ausgehend von Archivbildern historischer Ereignisse, definiert Brodsky sie neu und aktualisiert sie, indem er Texte und Farbspuren einfügt und so ihre Bedeutung erweitert. Seine Arbeiten sind in der Regel Teil von konzeptionellen Essays zu einem Ereignis oder Thema.

Marcelo Brodsky ging im Alter von 22 Jahren ins Exil nach Barcelona. Dort absolvierte er eine Ausbildung bei dem Fotografen Manel Esclusa und studierte Wirtschaftswissenschaften an der Universität von Barcelona. Die Serie Exilios (Exilanten), die 1979 entstand, dem Jahr, in dem sein Bruder während der Diktatur in Argentinien verschwand, war das Ergebnis dieser Zeit.

Das Bild seines Selbstporträts, das er auf der Plaça de Sant Felip Neri aufgenommen hat, gilt als eines der wichtigsten Fotos in seiner Chronik des Exils. Nach seinem Abschluss als Fotograf kehrte Brodsky nach Argentinien zurück und eröffnete eine Bildagentur, Latinstock, die 30 Jahre lang tätig war. Der Autor selbst weist darauf hin, dass seine Kontakte und Erfahrungen im Rechtemanagement ausschlaggebend waren, um die am besten geeigneten Bilder für seine künstlerischen Projekte zu finden.

Er ist aktives Mitglied der Menschenrechtsorganisation "Asociación Buena Memoria" und Mitglied des Verwaltungsrats des Parque de la Memoria in Buenos Aires, der den Opfern des Staatsterrorismus gewidmet ist. Seine Werke wurden in renommierten Institutionen wie dem Metropolitan Museum of Art in New York, dem Museum of Fine Arts in Houston, dem Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, der Pinacoteca del Estado de São Paulo oder dem Museo del Banco de la República in Bogotá ausgestellt, neben vielen anderen.

La Fondation Foto Colectania, grâce à la collaboration de la Fondation Banco Sabadell, présente l'exposition Marcelo Brodsky. Résistance poétique, organisée par Irene de Mendoza.

Né en Argentine, Marcelo Brodsky s'est exilé en Espagne pendant la dictature militaire argentine des années 1970 et 1980. Son travail combine des images et des interventions avec de la couleur et du texte, et se situe entre la photographie, l'installation, la performance et le mémorial.

Le sujet de l'œuvre de Brodsky couvre le monde entier. Il commence par la lutte pour les droits de l'homme en Argentine qui, au fil des ans, a été étendue à de nombreux autres pays. La revue de 1968, qui montre des images de manifestations mondiales, est devenue l'un de ses projets les plus ambitieux, car elle nous confronte également à d'autres réalités interconnectées de l'époque, comme le colonialisme, le capitalisme, le racisme et le patriarcat. Au cours de sa carrière, il a également donné raison aux mouvements pour les droits civiques ou Black Lives Matter aux États-Unis, et plus récemment, il a participé à la recherche d'une justice réparatrice pour les victimes du génocide dans l'État colonial du Sud-Ouest africain allemand (la Namibie d'aujourd'hui).

Dans des déclarations récentes de l'auteur : "Les photographies sont toujours ouvertes à de multiples interprétations, et mes interventions dans les images suggèrent une direction. Les textes et les couleurs ajoutés construisent une forme alternative de langage, une poétique de la résistance. Ce que j'essaie de faire en intervenant sur des images historiques et en récupérant leur contexte, c'est de décocher des flèches vers le futur, qui est notre présent".

L'exposition présentée à Foto Colectania rassemble certaines de ses séries les plus connues : elle débute par une sélection de cinq photographies prises lors de son exil à Barcelone à la fin des années 1970 et une section consacrée à son projet Buena Memoria, dans lequel il étudie les conséquences de la dictature argentine sur ses camarades de classe. Ce travail deviendra l'un des points de départ des interventions avec du texte et de la couleur sur des photographies qu'il appliquera dans ses projets ultérieurs.

Parmi les autres séries exposées, citons sa série emblématique de 1968. El fuego de las ideas, qui montre les mouvements déclenchés dans le monde en 1968, les photographies de la lutte contre le franquisme ou l'apartheid en Afrique du Sud (qu'il a réalisées avec le photographe Gideon Mendel), le saisissant Rastros de violencia, qui montre le premier génocide de l'histoire à travers les photographies colonialistes de l'empire allemand dans l'actuelle Namibie et, enfin, Paro Nacional, sur les récents soulèvements en Colombie en 2021.

Artiste et activiste, Marcelo Brodsky (Argentine, 1954) est considéré comme l'un des auteurs les plus pertinents travaillant sur la récupération de la mémoire privée et son intersection avec les histoires collectives. Son travail est basé sur la refiguration de l'image : partant d'images d'archives d'événements historiques, Brodsky les re-signifie et les actualise en y incorporant des textes et des traces de couleur, étendant ainsi leur signification. Ses œuvres font généralement partie d'essais conceptuels sur un événement ou un thème.

Marcelo Brodsky s'est exilé à Barcelone à l'âge de 22 ans. Il y a suivi une formation avec le photographe Manel Esclusa et a étudié l'économie à l'université de Barcelone. La série Exilios (Exilés), réalisée en 1979, année de la disparition de son frère en Argentine pendant la dictature, est le résultat de cette période.

L'image de son autoportrait prise sur la Plaça de Sant Felip Neri est considérée comme l'une des photographies les plus importantes de sa chronique de l'exil. Après avoir obtenu son diplôme de photographe, Brodsky est retourné en Argentine et a ouvert une agence d'images, Latinstock, qui a fonctionné pendant 30 ans. L'auteur lui-même souligne que ses contacts et son expérience en matière de gestion des droits ont été déterminants pour trouver les images les plus adaptées à ses projets artistiques.

Il est membre actif de l'organisation de défense des droits de l'homme "Asociación Buena Memoria" et du conseil d'administration du Parque de la Memoria à Buenos Aires, dédié aux victimes du terrorisme d'État. Ses œuvres ont été exposées dans des institutions prestigieuses telles que le Metropolitan Museum of Art de New York, le Museum of Fine Arts de Houston, le Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, la Pinacoteca del Estado de São Paulo ou le Museo del Banco de la República de Bogota, entre autres.

La Fondazione Foto Colectania, grazie alla collaborazione della Fondazione Banco Sabadell, presenta la mostra Marcelo Brodsky. Resistenza poetica, a cura di Irene de Mendoza.

Nato in Argentina, Marcelo Brodsky è andato in esilio in Spagna durante la dittatura militare argentina degli anni Settanta e Ottanta. Il suo lavoro combina immagini e interventi con colori e testi e si colloca tra fotografia, installazione, performance e memoriale.

Il soggetto delle opere di Brodsky spazia in tutto il mondo. Inizia con la lotta per i diritti umani in Argentina che, nel corso degli anni, Brodsky ha esteso a molti altri Paesi. La rassegna del 1968, che mostra immagini delle proteste mondiali, è diventata uno dei suoi progetti più ambiziosi, in quanto ci mette di fronte anche ad altre realtà interconnesse dell'epoca, come il colonialismo, il capitalismo, il razzismo e il patriarcato. Nella sua carriera ha anche rivendicato i movimenti per i diritti civili o il Black Lives Matter negli Stati Uniti, e più recentemente è stato coinvolto nella ricerca di una giustizia riparativa per le vittime del genocidio nello stato coloniale dell'Africa tedesca del Sud-Ovest (l'attuale Namibia).

Nelle recenti dichiarazioni dell'autore: "Le fotografie sono sempre aperte a molteplici interpretazioni, e i miei interventi nelle immagini suggeriscono una direzione. I testi e i colori aggiunti costruiscono una forma alternativa di linguaggio, una poetica della resistenza. Quello che cerco di fare intervenendo sulle immagini storiche e recuperando il loro contesto è scagliare frecce nel futuro, che è il nostro presente".

La mostra presentata a Foto Colectania riunisce alcune delle sue serie più note: inizia con una selezione di cinque fotografie scattate durante il suo esilio a Barcellona alla fine degli anni Settanta e una sezione dedicata al suo progetto Buena Memoria, in cui indaga le conseguenze della dittatura argentina sui suoi compagni di scuola. Questo lavoro sarebbe diventato uno dei punti di partenza per gli interventi con testo e colore sulle fotografie che avrebbe applicato nei suoi progetti successivi.

Tra le altre serie in mostra, l'emblematica del 1968. El fuego de las ideas, che mostra i movimenti scatenati in tutto il mondo nel 1968, le fotografie della lotta contro il franchismo o l'Apartheid in Sudafrica (che ha realizzato insieme al fotografo Gideon Mendel), il sorprendente Rastros de violencia, che mostra il primo genocidio della storia attraverso le fotografie colonialiste dell'Impero tedesco nell'attuale Namibia e, infine, Paro Nacional, sulle recenti rivolte in Colombia del 2021.

Artista e attivista, Marcelo Brodsky (Argentina, 1954) è considerato uno degli autori più rilevanti che lavorano sul recupero della memoria privata e sulla sua intersezione con le storie collettive. Il suo lavoro si basa sulla rifigurazione dell'immagine: partendo da immagini d'archivio di eventi storici, Brodsky le risignifica e le aggiorna incorporandovi testi e tracce di colore, estendendone così il significato. Le sue opere fanno generalmente parte di saggi concettuali su un evento o un tema.

Marcelo Brodsky andò in esilio a Barcellona all'età di 22 anni. Lì si è formato con il fotografo Manel Esclusa e ha studiato economia all'Università di Barcellona. La serie Exilios (Esiliati), realizzata nel 1979, anno della scomparsa del fratello in Argentina durante la dittatura, è il risultato di questo periodo.

L'immagine del suo Autoritratto scattata nella Plaça de Sant Felip Neri è considerata una delle fotografie più importanti della sua cronaca dell'esilio. Dopo essersi diplomato come fotografo, Brodsky è tornato in Argentina e ha aperto un'agenzia di immagini, Latinstock, che ha operato per 30 anni. L'autore stesso sottolinea che i suoi contatti e la sua esperienza nella gestione dei diritti sono stati decisivi per trovare le immagini più adatte ai suoi progetti artistici.

È membro attivo dell'organizzazione per i diritti umani "Asociación Buena Memoria" e del Consiglio di amministrazione del Parque de la Memoria di Buenos Aires, dedicato alle vittime del terrorismo di Stato. Le sue opere sono state esposte in istituzioni prestigiose come il Metropolitan Museum of Art di New York, il Museum of Fine Arts di Houston, il Museo Nacional de Bellas Artes di Buenos Aires, la Pinacoteca del Estado de São Paulo o il Museo del Banco de la República di Bogotá, tra le tante.

Foto Colectania Foundation, thanks to the key collaboration of the Banco Sabadell Foundation, presents on February 2, 2023 the exhibition Marcelo Brodsky. Poetic Resistance, curated by Irene de Mendoza.

Originally from Argentina, Marcelo Brodsky was exiled to Spain during his country’s military dictatorship of the 1970s and 1980s. His work combines images and interventions with colour and text, and stands at the intersection between photography, installation, performance and memorial art.

The subject matter of Brodsky's work spans historical and current world events. It begins with the depiction of the struggle for human rights in Argentina which, over the years, the artist extends to many other countries. The review of the year 1968, which shows images of worldwide demonstrations, has become one of his most ambitious projects, confronting us with other interconnected realities of the time, such as colonialism, capitalism, racism and patriarchy. Throughout his career he has also supported civil rights movements, such as Black Lives Matter in the United States, and more recently has been involved in seeking restorative justice for the victims of genocide in the colonial state of German South West Africa, today's Namibia.

As the author himself explains, “Photographs always remain open to multiple interpretations, and my interventions in the images suggest possible directions. The added texts and colours create an alternative language, a poetics of resistance. By intervening in historical images and reclaiming their circumstances, I seek to project them into the future, which is now our present".

The exhibition presented at Foto Colectania brings together some of his best-known series. It begins with a selection of five photographs taken during his exile at the end of the 1970s in Barcelona and a section dedicated to his project Buena Memoria (Good Memory), in which he investigates how Argentina's dictatorship affected his former schoolmates. This work would become one of the starting points for the intervention in photographs using text and colour, a technique he applies in his later projects.

Other series on display include his emblematic 1968. The Fire of Ideas, which depicts the unleashing of the 1968 world demonstrations, the photographs of the fight against Francoism and Apartheid in South Africa (the latter a collaborative project with the photographer Gideon Mendel), the impressive Traces of Violence, which shows history's first genocide through the colonialist photographs of the German Empire in present-day Namibia and, finally, Colombia. National Strike on the 2021 uprisings in Colombia.

An artist and activist, Marcelo Brodsky (Argentina, 1954) is considered one of the most relevant artists working on the recovery of private memory and its intersection with collective histories. His work is based on the refiguration of the image: taking archival images of historical events as a starting point, Brodsky revises them by incorporating text and colour, thus extending their meaning. His works generally form part of conceptual essays on a specific event or theme.

Marcelo Brodsky was exiled to Barcelona at the age of 22. There he studied photography under Manel Esclusa and economics at the University of Barcelona. The series Exilios (Exiles), made in 1979—year in which his brother disappeared in Argentina during the dictatorship—was the result of this period.

His photograph Self-Portrait as Shot to Death, taken in Plaça de Sant Felip Neri, is considered one of the most important images in his chronicle of exile. After graduating as a photographer, Brodsky returned to Argentina and opened the image agency Latinstock, which operated for 30 years. The artist himself points out that his contacts and experience in copyright management were decisive in finding the most suitable images for his artistic projects.

He is an active member of the human rights organisation Asociación Buena Memoria and of the Board of Directors of the Parque de la Memoria in Buenos Aires, dedicated to the victims of state terrorism. His works have been exhibited in renowned institutions such as the Metropolitan Museum of Art in New York, the Museum of Fine Arts in Houston, the Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, the Pinacoteca do Estado de São Paulo in São Paulo and the Museo del Banco de la República in Bogotá, among many others.

La Fundación Foto Colectania, gracias a la colaboración principal de la Fundación Banco Sabadell, presenta el próximo 2 de febrero la exposición Marcelo Brodsky. Resistencia poética, comisariada por Irene de Mendoza.

Nacido en Argentina, Marcelo Brodsky se exilió a España durante la dictadura militar argentina de los años 70 y 80. Su obra combina imágenes e intervenciones con color y texto, ubicándose entre la fotografía, la instalación, la performance y el memorial.

La temática de la obra de Brodsky abarca todo el mundo. Arranca con la lucha por los derechos humanos en Argentina que, con los años, el autor extendería a muchos otros países. La revisión del año 1968, que muestra imágenes de protestas mundiales, se ha convertido en uno de sus proyectos más ambiciosos al enfrentarnos, además, con otras realidades interconectadas de la época como son el colonialismo, el capitalismo, el racismo o el patriarcado. En su trayectoria ha reivindicado también movimientos por los derechos civiles o el Black Lives Matter de Estados Unidos, y más recientemente destaca la búsqueda de la justicia reparadora para las víctimas del genocidio en el estado colonial de África del Sudoeste Alemana (la actual Namibia).

En declaraciones recientes del autor: “Las fotografías siempre quedan abiertas para múltiples interpretaciones, y mis intervenciones en las imágenes sugieren una dirección. Los textos y colores añadidos construyen una forma alternativa de lenguaje, una poética de la resistencia. Lo que intento hacer interviniendo imágenes históricas y recuperando su contexto es lanzar flechas hacia el futuro, que es nuestro presente.”

La exposición que se presenta en Foto Colectania reúne algunas de sus series más conocidas: comienza con una selección de cinco fotografías realizadas durante su exilio a finales de los años 70 en Barcelona y una sección dedicada a su proyecto Buena Memoria, en la que investiga las consecuencias de la dictadura argentina sobre sus compañeros de colegio. Esta obra se convertiría en uno de los puntos de partida para las intervenciones con texto y color sobre fotografías que aplicará en sus proyectos posteriores.

Otras series que se exponen son su emblemática 1968. El fuego de las ideas que muestra los movimientos desencadenados en todo el mundo en 1968, las fotografías de la lucha contra el Franquismo o del Apartheid en Sudáfrica (que realiza junto al fotógrafo Gideon Mendel), la impactante Rastros de violencia, que muestra el primer genocidio de la historia a través de las fotografías colonialistas del Imperio Alemán en la actual Namibia y, por último, Paro Nacional sobre las recientes revueltas de Colombia en 2021.

Artista y activista, Marcelo Brodsky (Argentina, 1954) está considerado uno de los autores más relevantes que trabajan en la recuperación de la memoria privada y su intersección con las historias colectivas. Su obra se basa en la re-figuración de la imagen: tomando como punto de partida imágenes de archivo de sucesos históricos, Brodsky las resignifica y actualiza incorporando textos y trazos de color, extendiendo así sus significados. Sus obras generalmente forman parte de ensayos conceptuales en torno a un acontecimiento o tema.

Marcelo Brodsky se exilió a Barcelona con 22 años. Allí se formó con el fotógrafo Manel Esclusa y estudió Economía en la Universidad de Barcelona. De esta época resultaría la serie Exilios, realizada en 1979, año en que desaparece su hermano en Argentina durante la dictadura.

La imagen de su Autorretrato fusilado, realizada en la plaza de Sant Felip Neri, está considerada como una de las fotografías más importantes de su crónica sobre el exilio. Cuando termina la carrera —y ya como fotógrafo— Brodsky vuelve a Argentina y abre una agencia de imágenes, Latinstock, que funcionó durante 30 años. El propio autor señala que los contactos y la experiencia en la gestión de derechos fueron decisivos a la hora de encontrar las imágenes más idóneas para sus proyectos artísticos.

Es miembro activo de la organización de derechos humanos "Asociación Buena Memoria" y de la Junta Directiva del Parque de la Memoria de Buenos Aires, dedicado a las víctimas del terrorismo de estado. Sus obras han sido expuestas en instituciones de prestigio como el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, la Pinacoteca del Estado de São Paulo o el Museo del Banco de la República de Bogotá, entre muchos otros.

(Text: Fundación Foto Colectania, Barcelona)