Leica Galerie Konstanz
17. Januar – 5. April 2025

Where photography meets art – taking creativity beyond the camera
David Osborn

Lange Zeit existierten Fotografie und Malerei entlang einer technischen Trennlinie in unterschiedlichen Welten. Fotografen „lichteten ab“, um die Welt einzufangen; Maler „erschufen Bilder“ als künstlerische Interpretationen der Welt. Traditionell haben Fotografen mit den Möglichkeiten gearbeitet, die ihnen die Realität geboten hat. Das bedeutete, sie mußten verwenden, was die Kamera einfing und damit ihre Kreativität zum Ausdruck bringen. Die Arbeit der Fotografen bestand darin, mit eben diesen Möglichkeiten fotografische Kunst zu generieren!

Digitale Fotografie revolutionierte diese Dynamik. David Osborn zeigt, dass Fotografien heutzutage unter anderem das Produkt der Bearbeitungssoftware sind. Diese Verschiebung hat Fotografen die kreativen Freiheiten gegeben, wie sie jahrhundertelang Malern vorenthalten war. Digitale Software hat die Trennlinie zwischen Fotografen und Malern überbrückt; Kreativität erstreckt sich nun weiter als die bloße Abbildung von Motiven.

Diese künstlerische Freiheit bringt jedoch auch neue Herausforderungen mit sich. Die neueröffneten kreativen Möglichkeiten haben bei vielen Fotografen ein kreatives Vakuum aufgezeigt, eine „künstlerische Wissenslücke“. Anders als Maler, die umfangreiches künstlerisches Verständnis mitbringen müssen, bevor sie ein Gemälde beginnen, fangen Fotografen ein vorbereitetes Bild mit einem Knopfdruck ein.

Mit meiner Erfahrung von über 40 Jahren als professioneller Fotograf suche ich mit meiner Fotografie nach Lösungen, diese „künstlerische Wissenslücke“ zu schließen. Wie bringt man Kreativität einer Generation bei, die daran gewöhnt ist, Bilder abzulichten, aber nicht zu „erschaffen“?

Meine Lösung besteht darin, das menschliche Naturell zu verstehen, um die unerschütterlichen visuellen Grundregeln eines Bildes festzulegen, und in künstlerischem Wissen, um die künstlerische Freiheit innerhalb dieser Grundregeln zu verstehen. In Kombination ergeben sich daraus innovative Richtlinien, die Fotografie-Enthusiasten beigebracht werden können, damit diese ihre Kreativität verbessern können, ohne einem festgelegten künstlerischen Stil zu folgen.

Ich machte mich auf, all diese Prinzipien zu vereinen in einem System, das auf Kunst und Wissenschaft basiert. Es sollte dem Prozess der Bilderschaffung eine logische Basis und Struktur verleihen; anhand meiner eigenen Fotografien prüfte ich, ob meine Schlussfolgerungen korrekt sind und die kreativen Richtlinien funktionieren.

Pendant longtemps, la photographie et la peinture ont coexisté dans des mondes différents le long d'une ligne de démarcation technique. Les photographes « photographiaient » pour capturer le monde ; les peintres « créaient des images » en tant qu'interprétations artistiques du monde. Traditionnellement, les photographes ont travaillé avec les possibilités que leur offrait la réalité. Cela signifiait qu'ils devaient utiliser ce que l'appareil photo capturait et exprimer ainsi leur créativité. Le travail des photographes consistait à générer de l'art photographique avec ces mêmes possibilités !

La photographie numérique a révolutionné cette dynamique. David Osborn montre qu'aujourd'hui, les photographies sont, entre autres, le produit des logiciels de retouche. Ce changement a donné aux photographes la liberté de création dont les peintres ont été privés pendant des siècles. Les logiciels numériques ont comblé la ligne de démarcation entre photographes et peintres ; la créativité s'étend désormais au-delà de la simple reproduction de motifs.

Cette liberté artistique s'accompagne toutefois de nouveaux défis. Les nouvelles possibilités créatives ont mis en évidence un vide créatif chez de nombreux photographes, un « déficit de connaissances artistiques ». Contrairement aux peintres, qui doivent faire preuve d'une grande compréhension artistique avant de commencer un tableau, les photographes capturent une image préparée en appuyant sur un bouton.

Fort d'une expérience de plus de 40 ans en tant que photographe professionnel, je cherche à combler ce « déficit de connaissances artistiques » avec ma photographie. Comment enseigner la créativité à une génération habituée à prendre des photos mais pas à les « créer » ?

Ma solution consiste à comprendre la nature humaine afin d'établir les règles visuelles de base inébranlables d'une image, et en connaissances artistiques afin de comprendre la liberté artistique au sein de ces règles de base. La combinaison de ces deux éléments donne des directives innovantes qui peuvent être enseignées aux passionnés de photographie afin qu'ils puissent améliorer leur créativité sans suivre un style artistique défini.

J'ai entrepris de réunir tous ces principes dans un système basé sur l'art et la science. J'ai utilisé mes propres photographies pour vérifier que mes conclusions étaient correctes et que les directives créatives fonctionnaient.

Per molto tempo, la fotografia e la pittura sono esistite in mondi diversi, lungo una linea di demarcazione tecnica. I fotografi “fotografavano” per catturare il mondo; i pittori “creavano immagini” come interpretazioni artistiche del mondo. Tradizionalmente, i fotografi lavoravano con le possibilità che la realtà offriva loro. Ciò significava che dovevano usare ciò che la macchina fotografica catturava per esprimere la loro creatività. Il lavoro dei fotografi consisteva nel generare arte fotografica con queste stesse possibilità!

La fotografia digitale ha rivoluzionato questa dinamica. David Osborn dimostra che oggi le fotografie sono, tra l'altro, il prodotto di un software di editing. Questo cambiamento ha dato ai fotografi la libertà creativa che per secoli è stata negata ai pittori. Il software digitale ha colmato il divario tra fotografi e pittori; la creatività ora si estende oltre la semplice rappresentazione del soggetto.

Tuttavia, questa libertà artistica porta con sé anche nuove sfide. Le nuove possibilità creative hanno rivelato un vuoto creativo per molti fotografi, un “gap di conoscenza artistica”. A differenza dei pittori, che devono avere una conoscenza artistica approfondita prima di iniziare un dipinto, i fotografi catturano un'immagine preparata con la semplice pressione di un pulsante.

Con la mia esperienza di oltre 40 anni come fotografo professionista, uso la mia fotografia per trovare soluzioni per colmare questo “gap di conoscenze artistiche”. Come si insegna la creatività a una generazione abituata a scattare foto ma non a “crearle”?

La mia soluzione consiste nel comprendere la natura umana per stabilire le regole visive irremovibili di un'immagine e la conoscenza artistica per comprendere la libertà artistica all'interno di tali regole. Combinati insieme, si ottengono linee guida innovative che possono essere insegnate agli appassionati di fotografia per migliorare la loro creatività senza seguire uno stile artistico prestabilito.

Ho deciso di combinare tutti questi principi in un sistema basato su arte e scienza. L'obiettivo era quello di dare una base logica e una struttura al processo di creazione delle immagini; utilizzando le mie fotografie, ho testato se le mie conclusioni erano corrette e se le linee guida creative funzionavano.

For a long time, photography and painting existed in different worlds, separated by a technical dividing line. Photographers “shot” to capture the world; painters “painted” images as artistic interpretations of the world. Traditionally, photographers have worked with the possibilities that reality offered them. This meant that they had to use what the camera captured and express their creativity with it. The work of the photographers was to generate photographic art with these very possibilities!

Digital photography revolutionized this dynamic. David Osborn shows that photographs today are, among other things, the product of the editing software. This shift has given photographers the creative freedoms that were denied to painters for centuries. Digital software has bridged the divide between photographers and painters; creativity now extends beyond the mere depiction of subjects.

However, this artistic freedom also brings new challenges. The new creative possibilities have revealed a creative vacuum in many photographers, an “artistic knowledge gap”. Unlike painters, who must have extensive artistic understanding before they begin a painting, photographers capture a prepared image with the push of a button.

With my experience of over 40 years as a professional photographer, I seek to close this “artistic knowledge gap” with my photography. How do you teach creativity to a generation that is accustomed to copying images but not “creating” them?

My solution involves an understanding of human nature to establish the unalterable visual principles of an image, and artistic knowledge to understand the artistic freedom within those principles. Combined, these provide innovative guidelines that photography enthusiasts can be taught to improve their creativity without following a prescribed artistic style.

I set out to combine all these principles into a system based on art and science. It should give the process of image creation a logical basis and structure; I used my own photographs to check whether my conclusions were correct and the creative guidelines worked.

(Text: David Osborn)

Leica Galerie Konstanz
19. Oktober 2024 – 13. Januar 2025

Magie des Lichts – Fotografien von 1942 – 1987
Pan Walther

Portrait, Landschaft und Fotografik stehen im Mittelpunkt des jahrzehntelangen Schaffens von Pan Walther. Aufnahmen mit harten Schwarz-Weiß-Kontrasten, Gegenlicht, Unter- oder Aufsichten, Verfremdungseffekten sind charakteristisch für den Künstler, der sich Lichtbildner nannte und das Bilden mit Licht wörtlich nahm. Sein Umgang mit dem Medium ist erfinderisch, kreativ, experimentell, ja spielerisch. Ausgebildet in den Niederlanden und bei Franz Fiedler in seiner Heimatstadt Dresden sowie beeinflusst von der großen Portraitkunst Hugo Erfurths, entwickelt er in den 1940er Jahren eine eigene Methode, die sich keiner Stilrichtung eindeutig zuordnen lässt.

Für seine Portraits wählt Walther neutrale Hintergründe und meist enge Ausschnitte. Den Aufnahmen gehen Licht- und Perspektivstudien voraus. Bei Wilhelm Rudolph konzentriert er sich auf das Profil des Malers. Die raffinierte Lichtregie erforscht und betont die markanten Züge und sie erzeugt eine plastische Wirkung aus Höhen und Tiefen. Einfühlsam und ausdrucksstark ist auch das Halbporträt Josef Hegenbarths, eher eine Beobachtung aus dem Augenblick heraus, die den Maler in zeichnerischer Versunkenheit durchdringt.

1950 zieht Walther mit seiner Frau, der Fotografin Christine Bellmann, aus politischen Gründen von Dresden nach Münster und gründet mit ihr ein neues Atelier, das er bis 1985 betreibt. Neben den Bildnissen berühmter Zeitgenossen, darunter Otto Dix und Willy Brandt, rückt nun auch die Landschafts- und Reisefotografie in den Fokus. Besonders der Mittelmeerraum hat es ihm angetan. In der Türkei fängt er den Zauber antiker Kultstätten ein. Sein Hauptaugenmerk gilt aber weiterhin den Menschen. Wie im Atelier sucht er auch draußen die intensive und lebendige Begegnung mit den Protagonisten. Häufig reist er nach Saintes-Maries-de-la-Mer in der Carmargue, wo sich Sinti und Roma zur Wallfahrt einfinden. Ihre Lebensweise und ihr Temperament kommen dem Freigeist Walther sehr nahe. Als würde er an ihrem Leben teilhaben, erzählt er in atmosphärisch dichten, teils poetischen Bildern von ihren Bräuchen zu Ehren ihrer Schutzpatronin, der schwarzen Sara.

Bis zu seinem Weggang aus Dresden experimentiert Walther auch mit Edeldrucken. Die Kopierverfahren mit feinen Tonabstufungen und reizvollen Oberflächenstrukturen haben eine malerische Anmutung. An ihre Stelle treten formstrenge Bilder mit expressiven schwarzen und weißen Flächenaufteilungen. Die Arbeit in der Dunkelkammer bleibt essentiell, erst hier erhält das Bild durch den gekonnten Einsatz technischer Verfahren seine endgültige Form. In seinen Fotografiken reizt er die Wirkungskraft der künstlerischen Gestaltungsmittel bis zum Äußersten aus, wovon Landschaftsaufnahmen aus Kappadokien oder von der Insel Krk zeugen.

Bis etwa 1980 favorisiert Walther das Einzelbild und steht hinter der Kamera. Dann wechselt er die Seiten, wird sein eigenes Modell und inszeniert sich in verschiedenen Rollen. Mal steht er auf einem wackeligen Podest, entblößt bis auf ein paar Streifen lumpigen Tuchs, mal ist sein nackter Körper von Sonnenblumen und Kohl umhüllt. Die clownesken Auftritte wirken wie eine Ironie gegen sich selbst, können aber auch als eine Art hilfloser Protest gegen die Widrigkeiten des Lebens gelesen werden. Er selbst spricht von seinen Aktionen als liebenswerte Formen einer Abneigung gegen Strammstehen, Heldentum, Totschießenlassen und falsches Ehrgefühl.

Alle ausgestellten Fotografien stammen von der Aufnahme bis zum fertigen Abzug aus der Hand Walthers. Seine Prinzipien und seine Arbeitsweise hat er 1981 und 1986 in „Sehen, Empfinden, Gestalten“ und „Künstlerische Porträt-Fotografie“ in Bild und Text treffend dargestellt.

Le portrait, le paysage et la photographie sont au cœur de l'œuvre de Pan Walther, qui s'étend sur plusieurs décennies. Les prises de vue avec des contrastes durs en noir et blanc, des contre-jours, des contre-plongées ou des vues en plongée, des effets de distanciation sont caractéristiques de l'artiste qui se disait photographe de lumière et prenait au pied de la lettre la création d'images avec la lumière. Son utilisation du médium est inventive, créative, expérimentale, voire ludique. Formé aux Pays-Bas et auprès de Franz Fiedler dans sa ville natale de Dresde, et influencé par le grand art du portrait de Hugo Erfurth, il développe dans les années 1940 sa propre méthode, qui ne peut être clairement rattachée à aucun style.

Pour ses portraits, Walther choisit des arrière-plans neutres et des cadrages généralement serrés. Les prises de vue sont précédées d'études de lumière et de perspective. Dans le cas de Wilhelm Rudolph, il se concentre sur le profil du peintre. La mise en scène raffinée de la lumière explore et souligne les traits marquants et elle crée un effet plastique fait de hauteurs et de profondeurs. Le demi-portrait de Josef Hegenbarth est également sensible et expressif, il s'agit plutôt d'une observation de l'instant qui imprègne le peintre dans un état d'absorption par le dessin.

En 1950, Walther déménage de Dresde à Münster avec sa femme, la photographe Christine Bellmann, pour des raisons politiques, et fonde avec elle un nouvel atelier qu'il gère jusqu'en 1985. Outre les portraits de contemporains célèbres, dont Otto Dix et Willy Brandt, l'accent est désormais mis sur la photographie de paysages et de voyages. Il est particulièrement attiré par le bassin méditerranéen. En Turquie, il capture la magie des lieux de culte antiques. Mais son attention se porte toujours sur les gens. Comme dans son atelier, il cherche à rencontrer ses protagonistes à l'extérieur, de manière intense et vivante. Il se rend souvent aux Saintes-Maries-de-la-Mer, dans le Carmargue, où les Sinti et les Roms se retrouvent en pèlerinage. Leur mode de vie et leur tempérament sont très proches de l'esprit libre de Walther. Comme s'il participait à leur vie, il raconte leurs coutumes en l'honneur de leur patronne, Sara la noire, dans des visuels à l'atmosphère dense et parfois poétique.

Jusqu'à son départ de Dresde, Walther expérimente également des impressions nobles. Les procédés de copie avec de fines nuances de tons et de charmantes structures de surface ont un aspect pictural. Ils sont remplacés par des visuels aux formes strictes, avec des répartitions expressives de surfaces noires et blanches. Le travail en chambre noire reste essentiel, ce n'est qu'ici que le visuel prend sa forme définitive grâce à l'utilisation habile de procédés techniques. Dans ses photographies, il exploite à l'extrême la force d'impact des moyens de création artistique, comme en témoignent les paysages de Cappadoce ou de l'île de Krk.

Jusqu'en 1980 environ, Walther favorise la photo individuelle et se tient derrière l'appareil. Puis il change de camp, devient son propre modèle et se met en scène dans différents rôles. Tantôt il se tient sur un piédestal branlant, dénudé à l'exception de quelques bandes de tissu pouilleux, tantôt son corps nu est enveloppé de tournesols et de choux. Ses apparitions clownesques ressemblent à une ironie contre lui-même, mais peuvent aussi être lues comme une sorte de protestation impuissante contre l'adversité de la vie. Lui-même parle de ses actions comme des formes aimables d'aversion pour le garde-à-vous, l'héroïsme, le fait de se faire tuer et le faux sens de l'honneur.

Toutes les photographies exposées proviennent de la main de Walther, de la prise de vue jusqu'au tirage final. Il a exposé avec pertinence ses principes et sa méthode de travail en 1981 et 1986 dans « Sehen, Empfinden, Gestalten » et « Künstlerische Porträt-Fotografie », en images et en textes.

Ritratti, paesaggi e fotografie sono al centro dell'opera decennale di Pan Walther. Fotografie con aspri contrasti in bianco e nero, controluce, vedute dall'alto o dal basso ed effetti di straniamento sono caratteristiche dell'artista, che si definiva fotografo e prendeva alla lettera l'uso della luce. Il suo approccio al mezzo è inventivo, creativo, sperimentale, persino giocoso. Formatosi nei Paesi Bassi e con Franz Fiedler nella sua città natale, Dresda, e influenzato dalla grande ritrattistica di Hugo Erfurth, negli anni Quaranta sviluppò un proprio metodo che non può essere chiaramente classificato in uno stile particolare.

Per i suoi ritratti, Walther ha scelto sfondi neutri e soprattutto primi piani. Le fotografie sono precedute da studi sulla luce e sulla prospettiva. Nel caso di Wilhelm Rudolph, si concentra sul profilo del pittore. L'illuminazione sofisticata esplora ed enfatizza i tratti salienti e crea un effetto tridimensionale di altezze e profondità. Anche il mezzo ritratto di Josef Hegenbarth è sensibile ed espressivo, più che altro un'osservazione del momento che permea il disegno assorto del pittore.

Nel 1950, Walther si trasferisce da Dresda a Münster con la moglie, la fotografa Christine Bellmann, per motivi politici e fonda con lei un nuovo studio, che gestisce fino al 1985. Oltre ai ritratti di famosi contemporanei, tra cui Otto Dix e Willy Brandt, si dedicò alla fotografia di paesaggio e di viaggio. Era particolarmente appassionato della regione mediterranea. In Turchia ha catturato la magia degli antichi luoghi di culto. Tuttavia, la sua attenzione principale è ancora rivolta alle persone. Come in studio, cerca anche incontri intensi e vivaci con i protagonisti all'aperto. Si reca spesso a Saintes-Maries-de-la-Mer, nel Carmargue, dove Sinti e Rom si riuniscono in pellegrinaggio. Il loro stile di vita e il loro temperamento sono molto vicini allo spirito libero di Walther. Come se partecipasse alla loro vita, racconta le loro usanze in onore della loro patrona, Sara Nera, con immagini dense di atmosfera e talvolta poetiche.

Fino alla sua partenza da Dresda, Walther sperimenta anche la stampa fine. I processi di copiatura con sottili gradazioni tonali e attraenti strutture superficiali hanno un aspetto pittorico. Sono sostituite da immagini strettamente formali con aree espressive in bianco e nero. Il lavoro in camera oscura rimane essenziale; solo qui l'immagine assume la sua forma finale attraverso l'uso sapiente dei processi tecnici. Nelle sue fotografie ha spinto all'estremo la potenza del disegno artistico, come dimostrano le fotografie di paesaggi della Cappadocia o dell'isola di Krk.

Fino al 1980 circa, Walther prediligeva l'immagine singola e stava dietro la macchina fotografica. Poi ha cambiato faccia, è diventato il modello di se stesso e si è messo in scena in vari ruoli. A volte si trova su un piedistallo traballante, spogliato fino a qualche striscia di stoffa stracciata, altre volte il suo corpo nudo è ricoperto di girasoli e cavoli. Le performance clownesche sembrano un'ironia contro se stesso, ma possono anche essere lette come una sorta di protesta impotente contro le avversità della vita. Lui stesso parla delle sue azioni come di forme accattivanti di avversione allo stare sull'attenti, all'eroismo, alla fucilazione e a un falso senso dell'onore.

Tutte le fotografie esposte sono state realizzate da Walther dal momento in cui sono state scattate fino alla stampa finita. I suoi principi e metodi di lavoro sono stati descritti in modo appropriato nel 1981 e nel 1986 in “Sehen, Empfinden, Gestalten” e “Künstlerische Porträt-Fotografie”.

Portraits, landscapes and photography are the focus of Pan Walther's decades of work. Images with harsh black and white contrasts, backlighting, low-angle shots or high-angle shots, and alienation effects are characteristic of the artist, who called himself a “light shaper” and took the forming of light literally. His approach to the medium is inventive, creative, experimental, even playful. Trained in the Netherlands and by Franz Fiedler in his hometown of Dresden, and influenced by the great portraiture of Hugo Erfurth, he developed his own method in the 1940s that cannot be clearly assigned to any particular style.

For his portraits, Walther chooses neutral backgrounds and usually narrow sections. The photographs are preceded by light and perspective studies. In the case of Wilhelm Rudolph, he focuses on the painter's profile. The sophisticated lighting explores and emphasizes the striking features and creates a plastic effect of heights and depths. Josef Hegenbarth's half-length portrait is also empathetic and expressive, more of an observation of the moment, which penetrates the painter in graphic contemplation.

In 1950, Walther and his wife, the photographer Christine Bellmann, moved from Dresden to Münster for political reasons and set up a new studio with her, which he ran until 1985. In addition to portraits of famous contemporaries, including Otto Dix and Willy Brandt, he now also focused on landscape and travel photography. He was particularly taken with the Mediterranean region. In Turkey, he captures the magic of ancient places of worship. But his main focus continues to be on the people. As in his studio, he seeks out intense and lively encounters with the protagonists. He often travels to Saintes-Maries-de-la-Mer in the Carmargue, where Sinti and Roma gather for a pilgrimage. Their way of life and temperament are very close to the free spirit Walther. As if he were part of their lives, he tells of their customs in honor of their patron saint, Black Sara, in atmospherically dense, sometimes poetic images.

Until he left Dresden, Walther also experimented with noble prints. The copying processes with fine tonal gradations and charming surface structures have a painterly look. They are replaced by austere images with expressive black and white surface divisions. The work in the darkroom remains essential; it is only here that the image takes on its final form through the skillful use of technical processes. In his photographics, he pushes the effectiveness of the artistic means of design to the limit, as evidenced by landscape photographs from Cappadocia or the island of Krk.

Until around 1980, Walther favored the single image and stood behind the camera. Then he changed sides, becoming his own model and staging himself in various roles. Sometimes he stands on a wobbly pedestal, naked except for a few strips of ragged cloth; sometimes his naked body is wrapped in sunflowers and cabbages. The clownish performances seem ironic to themselves, but can also be read as a kind of helpless protest against the adversities of life. He himself speaks of his actions as an endearing form of aversion to standing at attention, heroism, being shot dead and false honor.

Walther was responsible for every step of the process from taking the photograph to producing the finished print. In 1981 and 1986, he aptly presented his principles and working methods in text and visual form in his books “Sehen, Empfinden, Gestalten” (Seeing, Feeling, Creating) and “Künstlerische Porträt-Fotografie” (Artistic Portrait Photography).

(Text: Dorothea Cremer-Schacht)

Leica Galerie Konstanz
20. Juli – 12. Oktober 2024

HOPE
Alexander von Wiedenbeck

Die Hoffnung stirbt zuletzt – so heißt es doch. Aber ist dem wirklich so? Kann es Hoffnung geben, wenn Kinder auf Friedhöfen leben und in Gräbern nächtigen müssen? Kann es Hoffnung geben, wenn junge Mädchen, kaum acht Jahre alt, von ihrem Onkel oder Großvater missbraucht werden? Kann es Hoffnung geben, wenn die Kinder von früh morgens bis spät abends in Müllhalden nach Verwertbarem suchen, um am Ende des Tages mit Glück eine Mahlzeit zu bekommen? Kann es Hoffnung geben, wenn ein kleines Mädchen in der Zwangsprostitution bereits zwei Abtreibungen hinter sich hat? Die Antwort – ein klares JA – es sind der Glaube, die Liebe und die Hoffnung, welche die Kinder antreiben. Die Hoffnung auf ein besseres Leben & das Streben nach Glück treiben sie an und geben ihnen Kraft. Zwischen all dem Durcheinander, der Armut und den dunklen Schatten, ist es diese Hoffnung und dieser unbeirrbare Glaube, welchen man in den Augen der Kinder sehen und in ihren Herzen spüren kann. Sie machen weiter, sie kämpfen, sie geben nicht auf… und das dürfen wir auch nicht!

Es war der Gedanke etwas zurück zu geben. Bei all den zahlreichen Werbeproduktionen, den Modestrecken, den Portraits rund um den Globus hat man natürlich viel erlebt und viel gesehen… zumeist nur Gutes. Ich habe inspirierende Menschen getroffen, magische Orte bereist und intensive Momente erlebt. Die Welt hat mir viel gegeben und es war nun an der Zeit sich zu revanchieren. Doch wie, wo und vor allem bei wem? Zehn deutsche Hilfsorganisationen hatte ich daher angeschrieben und meine Unterstützung angeboten und viel mehr noch, meine Vision in den Raum gestellt von einem Pionierprojekt der sozialen Verantwortung innerhalb der Fotografie. Nach zahlreichen Gesprächen, Überlegungen und beim Vergleich der knallharten Fakten, viel meine Wahl auf die Projekte der Aktionsgruppe Kinder in Not e.V. auf den Philippinen. Friedhofskinder, Müllkippenkinder, Zwangsprostitution von Kindern waren dabei die Begriffe, welche mich erstarren ließen und mich dazu bewegt hatten hier zu beginnen.

Der erste Schritt war getan, das Projekt steht, doch wie geht’s weiter? Sollte man sich vorbereiten, körperlich mit Impfungen et cetera… oder die viel wichtigere Frage, mental? Schließlich möchte man meinen, dass einen einiges erwartet, wenn man von Kindern auf Friedhöfen und Müllkippen hört. Selbstverständlich informiert man sich dann im Vorfeld, liest Berichte, sieht Reportagen darüber… aber nun, im Nachhinein betrachtet, hätte es nichts gegeben, was mich tatsächlich auf diese Reise hätte vorbereiten können. Wenn man erst mal in mitten des Sumpfes aus Müll, Ratten, abgemagerten und erkrankten Hunden steht und dann in einem Bretterverschlag, gerade mal 2×2 Meter ein kleines Mädchen, weinend und umzingelt von Fliegen vor einem steht… was will man sich da vorbereiten und wie könnte man sich überhaupt anmaßen, dass man sich auf so etwas vorbereiten könnte. Und doch, ich habe meine Mission und muss daher funktionieren, als der welcher ich bin… der Fotograf, der vermeintliche Voyeur, der das Unmittelbare realisiert und festhält, ohne dabei zu interagieren, ohne zu verändern. Und was sollte man auch verändern, einem weinenden Kind sagen „Bitte lächeln, hier kommt das Vöglein“?… Schwachsinn! Der Moment war da, in seiner vollen und gnadenlosen Härte, ungeschönt… also halte ich drauf und drücke den Auslöser…

L'espoir meurt en dernier - dit-on. Mais est-ce vraiment le cas ? Peut-il y avoir de l'espoir lorsque des enfants vivent dans des cimetières et doivent passer la nuit dans des tombes ? Peut-il y avoir de l'espoir lorsque des jeunes filles, à peine âgées de huit ans, sont abusées par leur oncle ou leur grand-père ? Peut-il y avoir de l'espoir lorsque les enfants cherchent ce qui est récupérable dans les décharges du matin au soir pour avoir la chance de recevoir un repas à la fin de la journée ? Peut-il y avoir de l'espoir lorsqu'une petite fille en situation de prostitution forcée a déjà subi deux avortements ? La réponse - un OUI clair - ce sont la foi, l'amour et l'espoir qui poussent les enfants. L'espoir d'une vie meilleure & la quête du bonheur les poussent et leur donnent de la force. Au milieu du chaos, de la pauvreté et des ombres, c'est cet espoir et cette foi inébranlable que l'on peut voir dans les yeux des enfants et ressentir dans leur cœur. Vous continuez, vous vous battez, vous n'abandonnez pas... et nous ne devons pas le faire non plus !

C'était l'idée de donner quelque chose en retour. Avec toutes les productions publicitaires, les séries de mode, les portraits autour du monde, on a bien sûr vécu beaucoup de choses et vu beaucoup de choses... la plupart du temps, que du bon. J'ai rencontré des personnes inspirantes, voyagé dans des endroits magiques et vécu des moments intenses. Le monde m'a beaucoup donné et il était maintenant temps de lui rendre la pareille. Mais comment, où et surtout auprès de qui ? J'ai donc écrit à dix organisations humanitaires allemandes pour leur proposer mon soutien et, plus encore, transmettre ma vision d'un projet pionnier de responsabilité sociale au sein de la photographie. Après de nombreux entretiens, des réflexions et la comparaison de faits concrets, mon choix s'est porté sur les projets du groupe d'action Kinder in Not e.V. aux Philippines. Les enfants des cimetières, les enfants des décharges, la prostitution forcée des enfants sont autant de termes qui m'ont pétrifié et qui m'ont poussé à commencer ici.

La première étape était franchie, le projet était prêt, mais que faire ensuite ? Faut-il se préparer physiquement, avec des vaccins et autres... ou, question plus importante, mentalement ? Après tout, quand on entend parler d'enfants dans les cimetières et les décharges, on se dit que quelque chose nous attend. Bien sûr, on se renseigne alors en amont, on lit des rapports, on voit des reportages sur le sujet... mais bon, avec le recul, rien n'aurait pu me préparer réellement à ce voyage. Quand on se retrouve au milieu d'un marécage d'ordures, de rats, de chiens amaigris et malades, et qu'on a devant soi, dans une cabane en planches d'à peine 2×2 mètres, une petite fille en pleurs et entourée de mouches... qu'est-ce qu'on veut préparer, et comment pourrait-on même avoir la prétention de pouvoir se préparer à une telle chose. Et pourtant, j'ai ma mission et je dois donc fonctionner comme celui que je suis... le photographe, le voyeur présumé qui réalise et capture l'immédiat sans pour autant interagir, sans changer. Et qu'est-ce qu'il faudrait changer, dire à un enfant qui pleure "Souriez, voici le petit oiseau" ? Conneries ! L'instant était là, dans sa pleine et impitoyable dureté, sans fard... alors je le maintiens et j'appuie sur le déclencheur...

La speranza muore per ultima, o almeno così dice il proverbio. Ma è davvero così? Può esserci speranza quando i bambini devono vivere nei cimiteri e passare la notte nelle tombe? Può esserci speranza quando bambine di appena otto anni vengono abusate dallo zio o dal nonno? C'è speranza quando i bambini cercano i materiali riciclabili nelle discariche dalla mattina presto fino a tarda notte per avere la fortuna di avere un pasto alla fine della giornata? C'è speranza quando una bambina costretta a prostituirsi ha già avuto due aborti? La risposta è un sonoro SÌ: sono la fede, l'amore e la speranza a guidare i bambini. La speranza di una vita migliore e la ricerca della felicità li spingono e danno loro forza. In mezzo a tutta la confusione, la povertà e le ombre scure, è questa speranza e questa fede incrollabile che si può vedere negli occhi dei bambini e sentire nei loro cuori. Vanno avanti, lottano, non si arrendono... e nemmeno noi dovremmo farlo!

Era l'idea di restituire qualcosa. Con tutte le numerose produzioni pubblicitarie, le serie di moda, i ritratti in giro per il mondo, avete naturalmente vissuto e visto molto... per lo più solo cose belle. Ho incontrato persone stimolanti, viaggiato in luoghi magici e vissuto momenti intensi. Il mondo mi ha dato molto ed era ora di restituire il favore. Ma come, dove e, soprattutto, a chi? Ho scritto a dieci organizzazioni umanitarie tedesche offrendo il mio sostegno e, soprattutto, proponendo la mia visione di un progetto pionieristico di responsabilità sociale nell'ambito della fotografia. Dopo numerose discussioni, deliberazioni e un confronto di fatti concreti, ho deciso di sostenere i progetti dell'Aktionsgruppe Kinder in Not e.V. nelle Filippine. I bambini dei cimiteri, i bambini delle discariche, la prostituzione forzata dei bambini sono stati i termini che mi hanno fatto raggelare e mi hanno motivato a partire da qui.

Il primo passo era stato fatto, il progetto era attivo e funzionante, ma poi? Prepararsi fisicamente con vaccinazioni ecc... o la domanda più importante, mentalmente? Dopo tutto, quando si sente parlare di bambini nei cimiteri e nelle discariche, si potrebbe pensare che c'è molto da aspettarsi. Certo, ci si informa in anticipo, si leggono resoconti, si guardano reportage... ma ora, ripensandoci, non c'era nulla che potesse prepararmi a questo viaggio. Quando ti trovi in mezzo a una palude di rifiuti, ratti, cani emaciati e malati e poi una bambina si trova di fronte a te in una baracca di legno, di appena 2×2 metri, che piange ed è circondata da mosche... a cosa vuoi prepararti e come puoi anche solo presumere di poterti preparare a una cosa del genere? Eppure, ho la mia missione e quindi devo funzionare come quello che sono... il fotografo, il presunto voyeur che realizza e cattura l'immediato senza interagire, senza cambiare. E cosa si dovrebbe cambiare, dicendo a un bambino che piange: "Per favore, sorridi, sta arrivando l'uccellino"?... Sciocchezze! Il momento era lì, in tutta la sua piena e spietata durezza, non abbellito... quindi lo tengo e premo il pulsante di scatto...

Hope dies last - or so the saying goes. But is that really the case? Can there be hope when children have to live in cemeteries and spend the night in graves? Can there be hope when young girls, barely eight years old, are abused by their uncle or grandfather? Can there be hope when children search for recyclables in garbage dumps from early in the morning until late at night in order to be lucky enough to get a meal at the end of the day? Can there be hope when a little girl in forced prostitution has already had two abortions? The answer - a resounding YES - it is faith, love and hope that drive the children. The hope for a better life & the pursuit of happiness drive them and give them strength. Amidst all the confusion, poverty and dark shadows, it is this hope and unwavering faith that you can see in the children's eyes and feel in their hearts. They carry on, they fight, they don't give up... and neither should we!

It was the idea of giving something back. With all the numerous advertising productions, the fashion series, the portraits around the globe, you have of course experienced a lot and seen a lot... mostly only good things. I've met inspiring people, traveled to magical places and experienced intense moments. The world has given me a lot and it was now time to return the favor. But how, where and, above all, to whom? I wrote to ten German aid organizations and offered my support and, what's more, put forward my vision of a pioneering social responsibility project within photography. After numerous discussions, deliberations and a comparison of the hard facts, I chose the projects of Aktionsgruppe Kinder in Not e.V. in the Philippines. Cemetery children, garbage dump children, forced prostitution of children were the terms that made me freeze and motivated me to start here.

The first step had been taken, the project was up and running, but what next? Should you prepare yourself physically with vaccinations etc... or the much more important question, mentally? After all, when you hear about children in cemeteries and garbage dumps, you might think you have a lot to look forward to. Of course, you inform yourself in advance, read reports, see reports about it... but now, looking back, there was nothing that could have really prepared me for this trip. When you're standing in the middle of a swamp of garbage, rats, emaciated and sick dogs and then a little girl stands in front of you in a wooden shed, just 2×2 meters, crying and surrounded by flies... what do you want to prepare for and how could you even presume that you could prepare for something like that? And yet, I have my mission and therefore have to function as who I am... the photographer, the supposed voyeur who realizes and captures the immediate without interacting, without changing. And what should you change, telling a crying child "Please smile, here comes the little bird"?... Bullshit! The moment was there, in its full and merciless severity, unembellished... so I hold it and press the shutter release...

(Text: Leica Galerie Konstanz)

Leica Galerie Salzburg
25. April – 20. Juli 2024

Life at its best
Herlinde Koelbl

Vielfältige Themen der Ausstellung: Die Ausstellung "Life at its best" präsentiert eine Auswahl von Kölbls herausragenden Themen, darunter "Metamorphosen", "Haare", "Frauen und Männerakte", "Schriftsteller Hände", "Feine Leute" und "Here There Everywhere".

"Metamorphosen" - Die Vergänglichkeit der Natur: In der Serie "Metamorphosen" widmet sich Herlinde Kölbl nicht dem Menschen, sondern der vergänglichen Natur. Die Fotografien von Flecken, weißem Flaum und abgeknickten Köpfen zeigen Pflanzen in ihrer Vergänglichkeit. Überraschenderweise erzeugen die Bilder jedoch keine Melancholie, sondern vermitteln dem Betrachter eine tiefe Ruhe. Die Fotografien regen dazu an, über das Unverfügbare nachzudenken und das Unveränderliche zu akzeptieren.

Projekt Schriftsteller: Herlinde Kölbls ambitioniertes Projekt über Schriftsteller und ihre Arbeitswelten sieht vor, Persönlichkeiten fotografisch und textlich zu porträtieren, wobei nicht die Gesichter, sondern die Hände und Schreibwerkzeuge der Autoren im Mittelpunkt stehen. Durch Gespräche mit den Schriftstellern über die Wahl ihrer Schreibutensilien, ihren Arbeitsrhythmus und vor allem ihre Motivation zu schreiben, entsteht eine tiefe Annäherung. Die Zusammenstellung des ursprünglich 40-teiligen Zyklus umfasst namhafte Autoren wie Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass und Peter Handke.

Zyklen "Starke Frauen" und „Männer“: Mit den "Starken Frauen" zeigt Kölbl die Kraft der frühen Göttinnen, während die Männer als spannungsvoller Gegenpol in der ganzen Widersprüchlichkeit von Zärtlichkeit, Stärke und Aggression präsentiert werden. Die Haut als sichtbarer Mittler des Begehrens verbindet beide Geschlechter in ihrer Weichheit und ihrem Glanz.

Eine weitere Serie ist "Feine Leute 1979 - 1985", in der die Fotografin sechs Jahre lang Bälle, Partys und gesellschaftliche Ereignisse in Deutschland dokumentierte und damit einen einzigartigen Einblick in die High Society gewährt.

Thèmes variés de l'exposition : l'exposition "Life at its best" présente une sélection des thèmes les plus remarquables de Kölbl, dont "Métamorphoses", "Cheveux", "Femmes et nus masculins", "Mains d'écrivain", "Gens raffinés" et "Here There Everywhere".

"Métamorphoses" - Le caractère éphémère de la nature : Dans la série "Metamorphosen", Herlinde Kölbl ne se consacre pas à l'homme, mais à la nature éphémère. Les photographies de taches, de duvet blanc et de têtes pliées montrent les plantes dans leur caractère éphémère. De manière surprenante, les images ne génèrent toutefois pas de mélancolie, mais transmettent au spectateur une profonde sérénité. Les photographies incitent à réfléchir à l'indisponible et à accepter l'immuable.

Projet écrivains : le projet ambitieux d'Herlinde Kölbl sur les écrivains et leurs univers de travail prévoit de faire le portrait de personnalités par la photographie et le texte, en se concentrant non pas sur les visages, mais sur les mains et les outils d'écriture des auteurs. En discutant avec les écrivains du choix de leurs outils d'écriture, de leur rythme de travail et surtout de leur motivation à écrire, un rapprochement profond s'opère. La composition du cycle, qui comportait à l'origine 40 parties, comprend des auteurs de renom tels que Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass et Peter Handke.

Cycles "Femmes fortes" et "Hommes" : avec les "Femmes fortes", Kölbl montre la force des déesses primitives, tandis que les hommes sont présentés comme un contrepoint tendu, dans toute la contradiction de la tendresse, de la force et de l'agression. La peau, médiateur visible du désir, relie les deux sexes dans sa douceur et son éclat.

Une autre série est "Feine Leute 1979 - 1985", dans laquelle la photographe a documenté pendant six ans des bals, des fêtes et des événements sociaux en Allemagne, offrant ainsi un aperçu unique de la haute société.

Temi espositivi diversi: la mostra "La vita al suo meglio" presenta una selezione dei temi più importanti di Kölbl, tra cui "Metamorfosi", "Capelli", "Nudi femminili e maschili", "Mani di scrittori", "Belle persone" e "Qui, là, ovunque".

"Metamorfosi" - La caducità della natura: Nella serie "Metamorphoses", Herlinde Kölbl non si concentra sulle persone, ma sulla natura transitoria. Le fotografie di macchie, peluria bianca e teste staccate mostrano le piante nella loro transitorietà. Sorprendentemente, però, le immagini non evocano malinconia, ma piuttosto trasmettono allo spettatore un profondo senso di calma. Le fotografie ci incoraggiano a riflettere sull'irraggiungibile e ad accettare l'immutabile.

Writers project: l'ambizioso progetto di Herlinde Kölbl sugli scrittori e i loro ambienti di lavoro mira a ritrarre le personalità dal punto di vista fotografico e testuale, concentrandosi non sui loro volti ma sulle loro mani e sugli strumenti di scrittura. Parlando con gli scrittori della loro scelta di strumenti di scrittura, del loro ritmo di lavoro e, soprattutto, della loro motivazione a scrivere, si crea un profondo avvicinamento. La compilazione del ciclo originale in 40 parti comprende autori noti come Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass e Peter Handke.

I cicli "Donne forti" e "Uomini": con le "Donne forti", Kölbl mostra il potere delle prime dee, mentre gli uomini sono presentati come una tesa antitesi in tutte le loro contraddizioni di tenerezza, forza e aggressività. La pelle come mediatore visibile del desiderio unisce entrambi i sessi nella sua morbidezza e lucentezza.

Un'altra serie è "Feine Leute 1979 - 1985", in cui il fotografo ha documentato per sei anni balli, feste ed eventi sociali in Germania, offrendo uno sguardo unico sull'alta società.

Diverse exhibition themes: The exhibition "Life at its best" presents a selection of Kölbl's outstanding themes, including "Metamorphoses", "Hair", "Women and Men's Nudes", "Writers' Hands", "Fine People" and "Here There Everywhere".

"Metamorphoses" - The transience of nature: In the "Metamorphoses" series, Herlinde Kölbl focuses not on people, but on transient nature. The photographs of spots, white fluff and snapped-off heads show plants in their transience. Surprisingly, however, the images do not evoke melancholy, but rather convey a deep sense of calm to the viewer. The photographs encourage us to reflect on the unavailable and to accept the unchangeable.

Writers project: Herlinde Kölbl's ambitious project about writers and their working environments aims to portray personalities photographically and textually, focusing not on their faces but on their hands and writing tools. Through conversations with the writers about their choice of writing utensils, their working rhythm and, above all, their motivation to write, a deep rapprochement is created. The compilation of the original 40-part cycle includes well-known authors such as Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass and Peter Handke.

The "Strong Women" and "Men" cycles: With the "Strong Women", Kölbl shows the power of the early goddesses, while the men are presented as a tense antithesis in all their contradictions of tenderness, strength and aggression. The skin as a visible mediator of desire unites both sexes in its softness and radiance.

Another series is "Feine Leute 1979 - 1985", in which the photographer documented balls, parties and social events in Germany for six years, providing a unique insight into high society.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
22. Februar – 13. April 2024

In Frames our Story – Fotografinnen des Leica Oskar Barnack Awards

Ana María Arévalo Gosen, Laetitia Vançon, Nanna Heitmann, Rania Matar

Der Leica Oskar Barnack Award (LOBA) würdigt seit 1980 weltweit herausragende Fotograf*innen. Benannt nach dem Erfinder der Leica, geht der LOBA auf dessen bahnbrechende Arbeit mit dem Prototyp der Ur-Leica ab 1914 zurück. Das Nominierungsgremium des Awards, bestehend aus einer fünfköpfigen internationalen Jury von Fotografie-Expert*innen, wählt jährlich zwei Preisträger sowie zwölf Shortlist-Nominierte aus.

Einzige Voraussetzung für die Nominierung ist, dass es sich um dokumentarische oder konzeptionellkünstlerische Arbeiten handelt, die sich mit dem Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt auseinandersetzen. Diese humanistische Konstante begleitet den LOBA-Wettbewerb seit seiner ersten Ausschreibung im Jahr 1979.

Er zählt zu den bedeutendsten und höchstdotierten Fotopreisen der Welt und wurde 2023 bereits zum 43. Mal von der Leica Camera AG verliehen.

Aus einer Vielzahl von Teilnehmerinnen der letzten Jahre fiel unsere Wahl auf vier herausragende Serien. Jede Fotografin erzählt mit beeindruckender visueller Bildsprache eine bewegende Geschichte, die sie persönlich berührt und fesselt, dabei gekonnt und einfühlsam fotografisch in Szene gesetzt.

Depuis 1980, le Leica Oskar Barnack Award (LOBA) rend hommage à des photographes* exceptionnels dans le monde entier. Nommé d'après l'inventeur du Leica, le LOBA se réfère à son travail révolutionnaire avec le prototype du Leica original à partir de 1914. Le comité de nomination du prix, composé d'un jury international de cinq experts en photographie*, sélectionne chaque année deux lauréats et douze nominés sur liste restreinte.

La seule condition pour être nominé est qu'il s'agisse d'œuvres documentaires ou d'art conceptuel qui traitent de la relation de l'homme avec son environnement. Cette constante humaniste accompagne le concours LOBA depuis sa première mise au concours en 1979.

Il compte parmi les prix de photographie les plus importants et les mieux dotés au monde et a été décerné pour la 43e fois en 2023 par Leica Camera AG.

Parmi les nombreuses participantes de ces dernières années, notre choix s'est porté sur quatre séries exceptionnelles. Chaque photographe raconte, avec un langage visuel impressionnant, une histoire émouvante qui la touche personnellement et la captive, tout en étant mise en scène de manière habile et sensible par la photographie.

Il Premio Leica Oskar Barnack (LOBA) premia fotografi eccellenti in tutto il mondo dal 1980. Il LOBA, che prende il nome dall'inventore della Leica, risale al suo lavoro innovativo con il prototipo della Leica originale del 1914. Il comitato di nomina del premio, composto da una giuria internazionale di cinque membri esperti di fotografia, seleziona ogni anno due vincitori e dodici candidati.

L'unico requisito per la candidatura è che l'opera sia documentaria o di arte concettuale che tratti del rapporto tra le persone e il loro ambiente. Questa costante umanistica ha accompagnato il concorso LOBA fin dal suo primo bando nel 1979.

È uno dei premi fotografici più importanti e più ricchi al mondo ed è stato assegnato da Leica Camera AG per la 43a volta nel 2023.

Tra i numerosi partecipanti degli ultimi anni, abbiamo scelto quattro serie eccezionali. Ogni fotografo utilizza immagini impressionanti per raccontare una storia commovente che lo tocca e lo affascina personalmente, mentre viene fotografato con abilità e sensibilità.

The Leica Oskar Barnack Award (LOBA) has been honoring outstanding photographers worldwide since 1980. Named after the inventor of the Leica, the LOBA goes back to his groundbreaking work with the prototype of the original Leica from 1914. The award's nomination committee, consisting of a five-member international jury of photography experts, selects two award winners and twelve shortlist nominees each year.

The only requirement for nomination is that the work must be documentary or conceptual art that deals with the relationship between people and their environment. This humanistic constant has accompanied the LOBA competition since it was first announced in 1979.

It is one of the most important and most highly endowed photography prizes in the world and was awarded by Leica Camera AG for the 43rd time in 2023.

From a large number of participants in recent years, we chose four outstanding series. Each photographer tells a moving story with impressive visual imagery that touches and captivates them personally, skillfully and sensitively staged photographically.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

Leica Galerie Konstanz
20. Januar – 13. April 2024

Fashion Papers
Hans Kollmer

Klare Bildsprache, wenig Ablenkung, kein Schnickschnack: Hans Kollmers fotografischer Grundsatz lautet reduced to the max, also „aufs Äußerste reduziert“ – und dieser Leitsatz war es auch, die ihn mit zu einem der bekanntesten und profiliertesten deutschen Modefotografen der 1990er und 2000er Jahre werden ließ.

Sein Werdegang begann zwar mit der Produkt- und Werbefotografie, doch seine große Leidenschaft war die Mode. Der Einstieg in dieses beliebte, aber schwierige Genre gelang ihm mit der Beauty- und Frisurenfotografie, etwa durch Kampagnen für Schwarzkopf, Redken Deutschland und Pivot Point in Chicago, aber auch mit Fotostrecken für Magazine wie TopHair und DFZ. Um sein Portfolio zu erweitern und die eigene Handschrift zu verfeinern, reiste er Ende der 80er mehrmals in 2 Jahren nach Sydney, wo er u.a. für australische Modehersteller und -zeitschriften arbeitete, und seine neue Bildsprache entwickelte.

Hans Kollmers Durchbruch kam 1989, als Breuninger – heute Deutschlands erfolgreichstes Mode- und Lifestyle-Unternehmen – auf ihn aufmerksam wurde und ihn über mehrere Jahre für Imagebroschüren buchte. Es folgten Aufträge aus ganz Deutschland für Image- und Modekampagnen und redaktionelle Strecken in namenhaften Zeitschriften, die er weltweit agierend z.B. in Paris, New York, London und Los Angeles, aber auch in Nordafrika, der Karibik oder auf Capri fotografierte.

Die Maxime, seine Fotos so weit wie möglich zu reduzieren, hob ihn von vielen anderen Modefotografen ab. Für Hans Kollmer ging es nie darum, opulente Szenen zu konstruieren, in denen sich das Auge verirren konnte; er konzentrierte sich stets auf das Wesentliche: die Mode und das Model. Aus diesem Grund bevorzugte er zurückhaltende Locations, beispielsweise Gebäude im Bauhaus-Stil, die Dünen der Sahara, oder die endlosen Weiten von Salzseen in Kalifornien und Nevada. Es waren sein klarer Blick, sein gutes Auge für die Situation, das Licht, den Ort, seine fokussierte Bildsprache, und sein empathischer Umgang, die ihm immer größere Aufträge von immer bekannteren Auftraggebern einbrachten und ihn mit den bekanntesten Models arbeiten ließ.

Heute stehen über 100 nationale und internationale Modehersteller und -magazine in Hans Kollmers Vita, darunter bekannte Namen wie Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani und Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud und Windsor u.v.a.m. Zudem Portraits zahlreicher SchauspielerInnen, SportlerInnen, Persönlichkeiten aus der Wirtschaft, und Weltstars der internationalen Ballettszene.

In der Ausstellung „Fashion Papers“ zeigt die Leica Galerie Konstanz ca. 40 Fotos aus dem langen und erfolgreichen Wirken Hans Kollmers.

Un langage visuel clair, peu de distractions, pas de fioritures : le principe photographique de Hans Kollmer est reduced to the max, c'est-à-dire "réduit à l'extrême" - et c'est ce principe qui a fait de lui l'un des photographes de mode allemands les plus connus et les plus en vue des années 1990 et 2000.

Son parcours a certes commencé par la photographie de produits et de publicité, mais sa grande passion était la mode. Il s'est lancé dans ce genre populaire mais difficile avec la photographie de beauté et de coiffure, notamment par le biais de campagnes pour Schwarzkopf, Redken Allemagne et Pivot Point à Chicago, mais aussi avec des séries de photos pour des magazines comme TopHair et DFZ. Afin d'élargir son portefeuille et d'affiner sa propre écriture, il s'est rendu à Sydney à la fin des années 80, plusieurs fois en deux ans, où il a notamment travaillé pour des fabricants et des magazines de mode australiens, et a développé son nouveau langage photographique.

Hans Kollmer a percé en 1989, lorsque Breuninger - aujourd'hui l'entreprise de mode et de lifestyle la plus prospère d'Allemagne - l'a remarqué et l'a engagé pendant plusieurs années pour des brochures d'image. S'ensuivirent des commandes de toute l'Allemagne pour des campagnes d'image et de mode et des parcours rédactionnels dans des magazines renommés, qu'il photographia en agissant dans le monde entier, par exemple à Paris, New York, Londres et Los Angeles, mais aussi en Afrique du Nord, dans les Caraïbes ou à Capri.

La maxime selon laquelle ses photos devaient être aussi réduites que possible le distinguait de nombreux autres photographes de mode. Pour Hans Kollmer, il ne s'agissait jamais de construire des scènes opulentes dans lesquelles l'œil pouvait se perdre ; il se concentrait toujours sur l'essentiel : la mode et le modèle. C'est pourquoi il préférait les lieux discrets, par exemple les bâtiments de style Bauhaus, les dunes du Sahara ou les étendues infinies des lacs salés de Californie et du Nevada. C'est son regard clair, son bon œil pour la situation, la lumière, le lieu, son langage visuel focalisé et son approche empathique qui lui ont valu des commandes de plus en plus importantes de la part de commanditaires de plus en plus connus et qui lui ont permis de travailler avec les mannequins les plus célèbres.

Aujourd'hui, le CV de Hans Kollmer compte plus de 100 fabricants et magazines de mode nationaux et internationaux, dont des noms connus comme Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani et Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud et Windsor, entre autres. En outre, des portraits de nombreux acteurs et actrices, de sportifs et sportives, de personnalités du monde de l'économie et de stars mondiales de la scène internationale du ballet.

Dans l'exposition "Fashion Papers", la Leica Galerie de Constance présente environ 40 photos de la longue et fructueuse activité de Hans Kollmer.

Immagini chiare, poche distrazioni, niente fronzoli: il principio fotografico di Hans Kollmer è "ridurre al massimo", ed è questo principio guida che lo ha reso uno dei più noti e importanti fotografi di moda tedeschi degli anni '90 e 2000.

Sebbene la sua carriera sia iniziata con la fotografia di prodotto e pubblicitaria, la sua grande passione era la moda. È entrato in questo genere popolare ma difficile con la fotografia di bellezza e acconciatura, ad esempio con le campagne per Schwarzkopf, Redken Germany e Pivot Point a Chicago, ma anche con serie fotografiche per riviste come TopHair e DFZ. Per ampliare il suo portfolio e perfezionare il suo stile personale, alla fine degli anni '80 si è recato più volte a Sydney in due anni, dove ha lavorato, tra l'altro, per produttori e riviste di moda australiane e ha sviluppato il suo nuovo linguaggio visivo.

La svolta di Hans Kollmer è arrivata nel 1989, quando Breuninger - oggi l'azienda di moda e lifestyle di maggior successo in Germania - si è accorta di lui e lo ha ingaggiato per diversi anni per la realizzazione di brochure d'immagine. Seguirono commissioni da tutta la Germania per campagne d'immagine e di moda e per redazionali di note riviste, che egli fotografò in tutto il mondo, ad esempio a Parigi, New York, Londra e Los Angeles, ma anche in Nord Africa, nei Caraibi e a Capri.

La sua massima di ridurre al minimo le foto lo distingueva da molti altri fotografi di moda. Per Hans Kollmer non si trattava mai di costruire scene sfarzose in cui l'occhio potesse perdersi; si concentrava sempre sull'essenziale: la moda e la modella. Per questo motivo, prediligeva location sobrie, come edifici in stile Bauhaus, le dune del Sahara o le infinite distese di laghi salati in California e Nevada. La sua visione chiara, il suo buon occhio per la situazione, la luce, il luogo, il suo linguaggio visivo mirato e il suo approccio empatico gli hanno permesso di ottenere commissioni sempre più grandi da clienti sempre più noti e di lavorare con le modelle più famose.

Oggi, il curriculum di Hans Kollmer comprende oltre 100 case di moda e riviste nazionali e internazionali, tra cui nomi noti come Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani e Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud e Windsor, tra molti altri. Inoltre, ritratti di numerosi attori, atleti, personalità del mondo degli affari e stelle del balletto internazionale.

Nella mostra "Fashion Papers", la Leica Gallery Constance espone circa 40 fotografie della lunga e fortunata carriera di Hans Kollmer.

Clear imagery, few distractions, no frills: Hans Kollmer's photographic principle is "reduced to the max" - and it was this guiding principle that made him one of the best-known and most prominent German fashion photographers of the 1990s and 2000s.

Although his career began with product and advertising photography, his great passion was fashion. He entered this popular but difficult genre with beauty and hairstyle photography, for example with campaigns for Schwarzkopf, Redken Germany and Pivot Point in Chicago, but also with photo series for magazines such as TopHair and DFZ. In order to expand his portfolio and refine his own signature style, he traveled to Sydney several times in two years at the end of the 1980s, where he worked for Australian fashion manufacturers and magazines, among others, and developed his new visual language.

Hans Kollmer's breakthrough came in 1989, when Breuninger - today Germany's most successful fashion and lifestyle company - became aware of him and booked him for image brochures for several years. This was followed by commissions from all over Germany for image and fashion campaigns and editorial spreads in well-known magazines, which he photographed worldwide, e.g. in Paris, New York, London and Los Angeles, but also in North Africa, the Caribbean or on Capri.

The maxim of reducing his photos as much as possible set him apart from many other fashion photographers. For Hans Kollmer, it was never about constructing opulent scenes in which the eye could get lost; he always concentrated on the essentials: the fashion and the model. For this reason, he preferred understated locations, such as Bauhaus-style buildings, the dunes of the Sahara, or the endless expanses of salt lakes in California and Nevada. It was his clear vision, his good eye for the situation, the light, the location, his focused visual language and his empathetic approach that brought him ever larger commissions from increasingly well-known clients and allowed him to work with the most famous models.

Today, Hans Kollmer's CV includes over 100 national and international fashion manufacturers and magazines, including well-known names such as Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani and Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud and Windsor, among many others. In addition, portraits of numerous actors, athletes, business personalities and world stars of the international ballet scene.

In the exhibition "Fashion Papers", the Leica Gallery Constance is showing around 40 photos from Hans Kollmer's long and successful career.

(Text: Leica Galerie Konstanz)

Leica Galerie Salzburg
8. Dezember 2023 – 29. Februar 2024

SugarWow
Jan von Holleben

„Keine andere Droge ist so weit verbreitet und niemand kann ohne sie. Zucker ist einfach das Allertollste für uns Lebewesen,“ so der Fotograf Jan von Holleben. In seinem Berliner Fotostudio ist er ihr erlegen, der süßesten Versuchung, seit es Nahrungsmittel gibt. „Ich wollte ganz eintauchen in diese Welt. Besonders die klassischen Süßigkeiten, die eine klare Formsprache hatten, fand ich interessant.“

Die Ausstellung Sugar Wow zeigt ein Schlaraffenland, das aus einer visuellen Welt von Süßigkeiten besteht. Die ästhetisch farbenfrohen Bilder, deren Sujets komplett aus den süßen Zuckermaterialien aufgebaut sind, zeigen einerseits die Farben- und Formenvielfalt eines der wohl wichtigsten Lebensmittel unserer Zeit, andererseits aber auch ein sehr kritisch zu betrachtendes Thema, das aus unserer Gesellschaft nicht mehr wegzudenken ist.

„Die Welt der Süßigkeiten ist sehr komplex und intensiv. Wir Menschen haben in allen Kulturen einen sehr speziellen Umgang mit Zucker. Dabei ist der Übergang von essenzieller Ernährung (Kohlenhydrate, Säuren etc., die im Körper zu Zucker umgewandelt werden) über süßes Gebäck zu dem, was wir Süßigkeiten nennen, fließend. Süßigkeiten sind das extremste Zuckerzeug – Zucker fast in Reinform, versetzt mit etwas Farbe und ein paar anderen Inhaltsstoffen für noch bessere Haltbarkeit, Materialität oder Sensorik.“

Jan von Holleben nimmt den Betrachter in seinen Bildern mit auf eine Reise Zucker einmal anders zu erleben und sich mit dem Thema auseinanderzusetzen. Humorvolles, Ästhetisches und Dekoratives gehen dabei eine essentielle Symbiose ein, die zum Schmunzeln einlädt.

Jan von Holleben arbeitet als Kinderbuchautor, er veröffentlichte bereits mehr als 20 Kinder- und Künstlerbücher. Seine Arbeiten sind international in der Werbung und in unzähligen Magazinen zu sehen.

"Aucune autre drogue n'est aussi répandue et personne ne peut s'en passer. Le sucre est tout simplement ce qu'il y a de plus délicieux pour nous, les êtres vivants", déclare le photographe Jan von Holleben. Dans son studio photo berlinois, il a succombé à la tentation la plus douce depuis l'apparition de la nourriture. "Je voulais m'immerger complètement dans ce monde. J'ai trouvé particulièrement intéressants les bonbons classiques, qui avaient un langage formel clair".

L'exposition Sugar Wow présente un pays de cocagne constitué d'un univers visuel de sucreries. Les images esthétiques et colorées, dont les sujets sont entièrement construits à partir des matériaux sucrés du sucre, montrent d'une part la diversité des couleurs et des formes de l'un des aliments sans doute les plus importants de notre époque, mais d'autre part aussi un thème très critique dont on ne peut plus se passer dans notre société.

"Le monde des sucreries est très complexe et intense. Dans toutes les cultures, nous autres humains avons une approche très particulière du sucre. Dans ce contexte, la transition entre l'alimentation essentielle (glucides, acides, etc. qui sont transformés en sucre dans le corps) et ce que nous appelons les sucreries, en passant par les pâtisseries sucrées, est fluide. Les bonbons sont le truc sucré le plus extrême - du sucre presque à l'état pur, mélangé à un peu de couleur et à quelques autres ingrédients pour une conservation, une matérialité ou une sensorialité encore meilleures".

Dans ses images, Jan von Holleben emmène le spectateur dans un voyage pour découvrir le sucre autrement et se confronter à ce thème. L'humour, l'esthétique et le décoratif y forment une symbiose essentielle qui invite à sourire.

Jan von Holleben travaille comme auteur de livres pour enfants, il a déjà publié plus de 20 livres pour enfants et livres d'artistes. Ses travaux sont visibles dans la publicité internationale et dans d'innombrables magazines.

"Nessun'altra droga è così diffusa e nessuno può farne a meno. Lo zucchero è semplicemente la cosa più dolce per noi creature", afferma il fotografo Jan von Holleben. Nel suo studio fotografico di Berlino, ha ceduto alla tentazione più dolce da quando esiste il cibo. "Volevo immergermi completamente in questo mondo. Ero particolarmente interessato ai dolci classici, che avevano un chiaro linguaggio di design".

La mostra Sugar Wow mostra una terra di latte e miele costituita da un mondo visivo di dolci. Le immagini esteticamente colorate, i cui soggetti sono realizzati interamente con materiali zuccherini, mostrano la varietà di colori e forme di uno degli alimenti più importanti del nostro tempo, ma anche un tema molto critico che è diventato parte integrante della nostra società.

"Il mondo dei dolci è molto complesso e intenso. Noi esseri umani, in tutte le culture, abbiamo un modo molto particolare di rapportarci allo zucchero. Il passaggio dall'alimentazione essenziale (carboidrati, acidi, ecc. che vengono convertiti in zucchero nell'organismo) alla pasticceria dolce e a ciò che chiamiamo dolci è fluido. I dolci sono gli zuccheri più estremi: zucchero quasi allo stato puro, mescolato con un po' di colore e qualche altro ingrediente per migliorare la conservabilità, la materialità o le proprietà sensoriali".

Nelle sue immagini, Jan von Holleben accompagna lo spettatore in un viaggio che lo porta a sperimentare lo zucchero in modo diverso e a confrontarsi con il soggetto. Elementi umoristici, estetici e decorativi entrano in una simbiosi essenziale che fa sorridere.

Jan von Holleben lavora come autore di libri per bambini e ha già pubblicato più di 20 libri per bambini e per artisti. I suoi lavori sono visibili a livello internazionale in pubblicità e in innumerevoli riviste.

"No other drug is so widespread and nobody can do without it. Sugar is simply the sweetest thing for us creatures," says photographer Jan von Holleben. In his Berlin photo studio, he succumbed to it, the sweetest temptation since food has existed. "I wanted to immerse myself completely in this world. I was particularly interested in the classic sweets, which had a clear design language."

The Sugar Wow exhibition shows a land of milk and honey consisting of a visual world of sweets. The aesthetically colorful pictures, whose subjects are made up entirely of sweet sugar materials, show the variety of colors and shapes of one of the most important foods of our time, but also a very critical topic that has become an integral part of our society.

"The world of sweets is very complex and intense. We humans have a very special way of dealing with sugar in all cultures. The transition from essential food (carbohydrates, acids, etc., which are converted into sugar in the body) to sweet pastries and what we call sweets is a fluid one. Sweets are the most extreme sugar stuff - sugar almost in its pure form, mixed with some color and a few other ingredients for even better shelf life, materiality or sensory properties."

In his pictures, Jan von Holleben takes the viewer on a journey to experience sugar in a different way and to engage with the subject. Humorous, aesthetic and decorative elements enter into an essential symbiosis that invites smiles.

Jan von Holleben works as a children's book author and has already published more than 20 children's and artist's books. His work can be seen internationally in advertising and in countless magazines.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Leica Galerie Konstanz
14. Oktober 2023 - 14. Januar 2024

Ordinary People
Bernhard Frei

Ordinary People aus der Enge eines gebundenen Buches befreit.

Größe zeigen. Eintauchen in entwaffnende Ehrlichkeit. Verletzlichkeit. Verlorene Makellosigkeit. Manchmal arrogant, manchmal introvertiert. Manchmal selbstverständlich. Aber auch: faszinierende Schönheit. Porträtiert in schwarz-weiß. Als ein stiller Begleiter von Menschen, die ich als Freund, Bekannter oder aber als Bewunderer über ein Jahr hinweg in Deutschland und Europa mit meiner LEICA begleitet, beobachtet und gezeichnet habe. So nahe, intim und respektvoll wie möglich. Und immer war ich beeindruckt vom Mensch als Individuum.

Ordinary People libéré de l'enfermement d'un livre relié.

Faire preuve de grandeur. Plonger dans une honnêteté désarmante. De la vulnérabilité. L'impeccabilité perdue. Parfois arrogant, parfois introverti. Parfois évident. Mais aussi : une beauté fascinante. Portraits en noir et blanc. Comme un compagnon silencieux de personnes que j'ai accompagnées, observées et dessinées avec mon LEICA pendant plus d'un an en Allemagne et en Europe, en tant qu'ami, connaissance ou admirateur. De manière aussi proche, intime et respectueuse que possible. Et j'ai toujours été impressionné par l'être humain en tant qu'individu.

Persone comuni liberate dai confini di un libro rilegato.

Mostrando la grandezza. Tuffarsi in un'onestà disarmante. Vulnerabilità. Impeccabilità perduta. A volte arroganti, a volte introversi. A volte evidente. Ma anche: affascinante bellezza. Ritratta in bianco e nero. Come un compagno silenzioso di persone che ho accompagnato, osservato e disegnato con la mia LEICA per un anno in Germania e in Europa come amico, conoscente o ammiratore. Il più vicino, intimo e rispettoso possibile. E sono sempre stato colpito dalle persone come individui.

Ordinary People liberated from the constraints of a bound book.

Revealing true greatness. Embracing disarmingly honest moments. Vulnerability. Embracing imperfections. At times, displaying arrogance, at others, introversion. Sometimes taken for granted, but also possessing a captivating beauty. Portrayed in classic black and white. As a silent observer and companion, I journeyed alongside people – friends, acquaintances or people of whom I’m a fan of – throughout Germany and Europe for a whole year, capturing their essence through my LEICA. I aimed to get as close, intimate and respectful as possible. Each individual left me consistently impressed.

(Text: Bernhard Frei)

Leica Galerie Salzburg
22. September - 2. Dezember 2023

Der Stille am nächsten
Steffen Diemer

Der renommierte Fotograf Steffen Diemer zeigt seine neueste Ausstellung in der Leica Galerie Salzburg. Die Ausstellung präsentiert eine beeindruckende Sammlung von Stillleben, die in einem seltenen und archaischen Verfahren, dem Nassplattenverfahren, entstanden sind. Die Besucher haben die einzigartige Gelegenheit, in die Welt der Langsamkeit und Besonnenheit einzutauchen und eine Bilderwelt voller Poesie und Schönheit zu entdecken.

Das Herzstück der Ausstellung sind Diemers Stillleben, in denen er sich vor allem auf Tulpen konzentriert. Doch diese Blumen werden nicht in ihrer Pracht erblühen - stattdessen zeigt der Künstler sie in verschiedenen Zuständen, angefangen von ihrer Jugend bis hin zu ihrem verwelkten Ende. Die Fotografien werden zu Grazien des Vergänglichen und laden den Betrachter ein, über das Werden und Vergehen nachzudenken.

Steffen Diemers Werke zeichnen sich durch eine besondere Technik aus. Er nutzt das Nassplattenverfahren, das bereits im 19. Jahrhundert in der Fotografie Verwendung fand. Es ist ein aufwendiger Prozess, der Feingefühl und Präzision erfordert. Doch gerade diese Langsamkeit und die händische Herangehensweise verleihen seinen Bildern eine einzigartige Tiefe und Aura.

Die Ausstellung präsentiert eine Sammlung von Stillleben, die nicht nur Blumen, sondern auch verschiedene Alltagsgegenstände umfasst - von Birnen und Feigen über Eier und Fische bis hin zu Schokoküssen. Die Arrangements sind sorgfältig inszeniert und laden den Betrachter ein, in eine Welt der Ruhe und Kontemplation einzutauchen.

Die Ausstellung "Der Stille am nächsten" von Steffen Diemer ist ein Plädoyer für Langsamkeit, Besonnenheit und Wahrnehmung. Sie lädt die Besucher ein, eine Welt der Schönheit im Alltäglichen zu entdecken und sich von der Magie des Unvergänglichen verzaubern zu lassen.

Über Steffen Diemer: Steffen Diemer ist ein renommierter Fotograf mit einer langjährigen Karriere als Bildjournalist in der er Krisen und Konflikte in über 70 Ländern dokumentierte. Seine Arbeiten wurden in internationalen Magazinen und Tageszeitungen wie National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ und The Guardian veröffentlicht und in Ausstellungen präsentiert. Doch trotz des Erfolgs begann er an seiner Mission zu zweifeln, was zu Erschöpfung und einem Burnout führte. 2011 entschied er sich, sich von der journalistischen Fotografie zu verabschieden. In dieser Zeit fand er jedoch seine Leidenschaft für die Stillleben-Fotografie und entdeckte das über 170 Jahre alte Nassplattenverfahren, das seinen Werken eine einzigartige Poesie und Schönheit verlieh. Heute ist Steffen Diemer bekannt für seine fesselnden Stillleben-Bilder, die die Grenzen der Fotokunst erweitern und die Herzen der Betrachter berühren. Seine Biografie zeigt, wie eine schwierige Phase zu einer transformativen und erfüllenden kreativen Reise führte.

Le célèbre photographe Steffen Diemer présente sa dernière exposition à la Leica Galerie de Salzbourg. L'exposition présente une impressionnante collection de natures mortes réalisées selon un procédé rare et archaïque, le procédé de la plaque humide. Les visiteurs ont l'occasion unique de se plonger dans le monde de la lenteur et de la réflexion et de découvrir un monde d'images plein de poésie et de beauté.

Les natures mortes de Diemer, dans lesquelles il se concentre principalement sur les tulipes, constituent le cœur de l'exposition. Mais ces fleurs ne s'épanouissent pas dans leur splendeur - au lieu de cela, l'artiste les montre dans différents états, depuis leur jeunesse jusqu'à leur fin fanée. Les photographies deviennent des grâces de l'éphémère et invitent le spectateur à réfléchir sur le devenir et la disparition.

Les œuvres de Steffen Diemer se distinguent par une technique particulière. Il utilise le procédé de la plaque humide, qui était déjà utilisé dans la photographie au 19e siècle. C'est un processus laborieux qui exige délicatesse et précision. Mais c'est justement cette lenteur et cette approche manuelle qui confèrent à ses images une profondeur et une aura uniques.

L'exposition présente une collection de natures mortes qui comprend non seulement des fleurs, mais aussi différents objets du quotidien - des poires et des figues aux œufs et aux poissons, en passant par les noix en chocolat. Les arrangements sont soigneusement mis en scène et invitent le spectateur à se plonger dans un monde de calme et de contemplation.

L'exposition "Der Stille am nah" de Steffen Diemer est un plaidoyer pour la lenteur, la réflexion et la perception. Elle invite les visiteurs à découvrir un monde de beauté dans le quotidien et à se laisser envoûter par la magie de l'impérissable.

À propos de Steffen Diemer : Steffen Diemer est un photographe renommé qui a mené une longue carrière de photojournaliste au cours de laquelle il a documenté des crises et des conflits dans plus de 70 pays. Ses travaux ont été publiés dans des magazines et des quotidiens internationaux tels que National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ et The Guardian et ont été présentés dans des expositions. Mais malgré le succès, il a commencé à douter de sa mission, ce qui l'a conduit à l'épuisement et à un burnout. En 2011, il a décidé de faire ses adieux à la photographie journalistique. C'est cependant à cette époque qu'il se passionne pour la photographie de natures mortes et découvre le procédé de la plaque humide, vieux de plus de 170 ans, qui confère à ses œuvres une poésie et une beauté uniques. Aujourd'hui, Steffen Diemer est connu pour ses images captivantes de natures mortes, qui repoussent les limites de l'art photographique et touchent le cœur des spectateurs. Sa biographie montre comment une période difficile a débouché sur un voyage créatif transformateur et épanouissant.

Il famoso fotografo Steffen Diemer presenta la sua ultima mostra alla Leica Galerie di Salisburgo. La mostra presenta un'impressionante collezione di nature morte create con un processo raro e arcaico, il metodo della lastra umida. I visitatori hanno l'opportunità unica di immergersi nel mondo della lentezza e della contemplazione e di scoprire un mondo di immagini pieno di poesia e bellezza.

Il cuore della mostra sono le nature morte di Diemer, in cui l'artista si concentra soprattutto sui tulipani. Ma questi fiori non vengono mostrati nel loro splendore, bensì in vari stati, dalla giovinezza all'appassimento. Le fotografie diventano grazie dell'effimero e invitano lo spettatore a riflettere sul divenire e sul passare.

Le opere di Steffen Diemer sono caratterizzate da una tecnica particolare. Utilizza il processo della lastra umida, già utilizzato in fotografia nel XIX secolo. Si tratta di un processo elaborato che richiede sensibilità e precisione. Ma sono proprio la lentezza e l'approccio manuale a conferire alle sue immagini una profondità e un'aura uniche.

La mostra presenta una collezione di nature morte che comprende non solo fiori, ma anche vari oggetti di uso quotidiano - da pere e fichi a uova, pesci e baci di cioccolato. Le composizioni sono allestite con cura e invitano lo spettatore a entrare in un mondo di tranquillità e contemplazione.

La mostra "Closest to Silence" di Steffen Diemer è un appello alla lentezza, alla prudenza e alla percezione. Invita i visitatori a scoprire un mondo di bellezza nel quotidiano e a lasciarsi incantare dalla magia dell'imperituro.

Informazioni su Steffen Diemer: Steffen Diemer è un rinomato fotografo con una lunga carriera di fotoreporter che ha documentato crisi e conflitti in oltre 70 Paesi. Il suo lavoro è stato pubblicato su riviste e quotidiani internazionali come National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ e The Guardian e presentato in mostre. Ma nonostante il successo, ha cominciato a dubitare della sua missione, il che ha portato all'esaurimento e al burnout. Nel 2011 ha deciso di dire addio alla fotografia giornalistica. In quel periodo, però, ha ritrovato la passione per la fotografia di still-life e ha scoperto il procedimento della lastra umida, che ha più di 170 anni e che conferisce alle sue opere una poesia e una bellezza uniche. Oggi Steffen Diemer è noto per le sue accattivanti immagini di still life che superano i confini dell'arte fotografica e toccano il cuore degli spettatori. La sua biografia mostra come una fase difficile abbia portato a un viaggio creativo trasformativo e appagante.

Renowned photographer Steffen Diemer presents his latest exhibition at the Leica Galerie Salzburg. The exhibition presents an impressive collection of still lifes created using a rare and archaic process, the wet plate process. Visitors have the unique opportunity to immerse themselves in the world of slowness and contemplation and discover a world of images full of poetry and beauty.

At the heart of the exhibition are Diemer's still lifes, in which he focuses primarily on tulips. But these flowers are not shown blooming in their glory - instead, the artist shows them in various states, starting from their youth to their withered end. The photographs become graces of the ephemeral, inviting the viewer to reflect on becoming and passing.

Steffen Diemer's works are characterized by a special technique. He uses the wet plate process, which was already used in photography in the 19th century. It is a laborious process that requires sensitivity and precision. However, it is this slowness and manual approach that gives his images a unique depth and aura.

The exhibition presents a collection of still lifes that includes not only flowers, but also various everyday objects - from pears and figs to eggs, fish and chocolate kisses. The arrangements are carefully staged and invite the viewer to enter a world of tranquility and contemplation.

The exhibition "Closest to Silence" by Steffen Diemer is a plea for slowness, contemplation and perception. It invites visitors to discover a world of beauty in the everyday and to be enchanted by the magic of the imperishable.

About Steffen Diemer: Steffen Diemer is a renowned photographer with a long career as a photojournalist documenting crises and conflicts in over 70 countries. His work has been published in international magazines and daily newspapers such as National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ and The Guardian and presented in exhibitions. But despite the success, he began to doubt his mission, leading to exhaustion and a burnout. In 2011, he decided to say goodbye to journalistic photography. However, during this time he found his passion for still life photography and discovered the wet plate process, which is more than 170 years old, which gave his works a unique poetry and beauty. Today, Steffen Diemer is known for his captivating still life images that push the boundaries of photographic art and touch the hearts of viewers. His biography shows how a difficult period led to a transformative and fulfilling creative journey.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Leica Galerie | Zürich
1. September - 31. Oktober 2023

Zwischen Schiffsschrauben und Alphütte
René Pfluger

René Pfluger ist einer jener Fotografen, welche mit immer neuen Ideen, Projekten und Sichtweisen überraschen. Und obwohl er am liebsten Menschen und ihre Umgebung dokumentiert, wird er Ende August im Leica Store Zürich eine Ausstellung präsentieren, welche sich um Farben und Formen von 100 Jahre alten katalonischen Fischerbooten dreht. Wie es dazu kam? Genau dies wollten wir auch von ihm wissen.

«Letztes Jahr im Sommer war ich in Katalonien und wollte unbedingt ein Thema fotografieren, welches mich aus meiner Comfort-Zone herausbringt. Also überlegte ich, was ich machen könnte. Dann entdeckte ich diese Werft, wo uralte heimische Fischerboote revidiert werden. Manche sind über 100 Jahre alt. Ich war sofort begeistert, vor allem von den vielen Farben, mit welchen die Einheimischen ihre Boote bemalen. Als ich dies sah wusste ich, dass es mein nächstes Projekt sein wird».

M11 mit Fokus auf das Detail
Die nächsten paar Tage verbrachte René Pfluger mehrheitlich in der Werft. Er baute eine Verbindung zu den Arbeitern auf und durfte sich schliesslich zwischen den Booten bewegen, wie er wollte. Pfluger nutzte diese Freiheit und seine neue Umgebung, um das gewisse Etwas zu finden, welches seine Reportage auszeichnen sollte. «Ich überlegte mir wirklich ganz genau, was ich fotografieren will. Und was mich schliesslich am meisten faszinierte, waren die Farben und Formen dieser alten Boote. Die kleinen Details, welche auf den Bildern ein Eigenleben entwickeln und teilweise aussehen wie Gesichter oder Figuren. Die Einheimischen schienen sehr stolz auf ihre Boote zu sein und auch darauf, sie bunt bemalen zu können. Meine Aufgabe war es, die Dinge zu finden, welche sich für ein Bild eignen und zusammenpassen. Ich versuchte stets, möglichst im Detail zu bleiben».

Zum allerersten Mal benutzte der erfahrene Leica-Fotograf die M11 für eine Reportage. Und hat diese auch gleich zu seiner neuen Lieblingskamera erkoren. «Es war die perfekte Kamera für dieses Projekt und entsprach genau meinen Vorstellungen. Ich konnte exakt arbeiten mit Schärfe und Unschärfe, was für die Detail-Fotografie entscheidend war. Auch das Zusammenspiel mit dem 90mm-Objektiv und dem 50er-Summilux passte perfekt. Vor allem das 90mm erlaubte es mir, mich intensiv auf die Dinge zu fokussieren. Insgesamt ist es sicherlich ein anderes Fotografieren mit der M11, viel intensiver, exakter, mit idealer Auflösung».

Mit der Q3 auf der Alp
Trotz seiner Lobeshymne auf die M11 hatte René Pfluger auch in der Werft stets eine zweite Kamera umgehängt. Die Leica Q3. «Ich habe sie eigentlich immer dabei. Es ist meine «point and shoot»-Kamera, die ideale Alternative zur M11 und perfekte Zweitkamera, mit welcher ich zudem auch Videoaufnahmen machen kann. Ein weiterer Vorteil ist, dass ich mit der Q3 auch ein Weitwinkel habe und dadurch kein zusätzliches Objektiv für die M11 brauche. Für mich die perfekte Ergänzung». Auch kürzlich in den Schweizer Alpen hatte Pfluger die Q3 mit dabei, als er seine Freunde im hinteren Lauterbrunnental besuchte. Denn nicht nur alte Boote, sondern auch alte Bräuche haben es dem kreativen Fotografen angetan. «Es ist eine völlig andere Welt und bringt mich aus meinem Alltag in Zürich. Ich liebe es, dort zu wandern, die Leute zu besuchen und diese wunderschöne Umgebung zu fotografieren. Und wie in der Werft in Katalonien, möchte ich auch in der Käserei nichts verstellen, es ist alles wie in einem Bilderbuch, sehr authentisch, fast alchemistisch. Und am Abend schauen sie nicht Serien auf Netflix, sondern erzählen sich die alten Geschichten und Sagen aus dem Tal. Faszinierend». René Pfluger schläft dann jeweils neben der Hütte im Zelt, ist stiller Beobachter und dokumentiert diese Welt mit wunderschönen Bildern.

Es überrascht auch nicht, dass er bereits wieder ein Fotobuch in Planung hat, über eben diese Käserei. «Es ist eine Geschichte, die ich erzählen will. Ich war nicht nur einmal dort, habe paar Fotos gemacht und bin wieder verschwunden. Ich besuche die Hütte, die Käserei, die Menschen dort das ganze Jahr, begleite sie durch den Tag, will wissen und erfahren, wie sie leben». Ob Werft und Schiffsschrauben oder Käserei und das Stillleben einer Alphütte, René Pfluger dokumentiert Momente, Details und auch Menschen mit seiner ganz persönlichen feinen Fotografie. Aber wenn er nun wählen müsste zwischen Leica M11 und Leica Q3? «Wenn ich mich für eine Kamera entscheiden müsste, es wäre die M11», antwortet er bestimmt, aber froh darüber, nicht wirklich wählen zu müssen. Und auch seine letzte Antwort auf die Frage nach seinen nächsten Projekten scheint nur logisch: «Ich habe eine Liste mit mindesten 20 Projekten, welche ich in den nächsten Jahren realisieren möchte». Fortsetzung folgt.

René Pfluger est l'un de ces photographes qui surprennent toujours avec de nouvelles idées, de nouveaux projets et de nouveaux points de vue. Et bien qu'il préfère documenter les gens et leur environnement, il présentera fin août au Leica Store de Zurich une exposition centrée sur les couleurs et les formes de bateaux de pêche catalans vieux de 100 ans. Comment en est-on arrivé là ? C'est précisément ce que nous avons voulu savoir de lui.

"L'été dernier, j'étais en Catalogne et je voulais absolument photographier un sujet qui me ferait sortir de ma zone de confort. J'ai donc réfléchi à ce que je pouvais faire. J'ai alors découvert ce chantier naval où l'on révise de très vieux bateaux de pêche locaux. Certains ont plus de 100 ans. J'ai tout de suite été enthousiasmé, surtout par les nombreuses couleurs avec lesquelles les gens du coin peignent leurs bateaux. Quand j'ai vu ça, j'ai su que ce serait mon prochain projet".

M11 avec focalisation sur les détails
Les jours suivants, René Pfluger a passé la plupart du temps dans le chantier naval. Il a créé des liens avec les ouvriers et a finalement été autorisé à se déplacer comme il le souhaitait entre les bateaux. Pfluger a profité de cette liberté et de son nouvel environnement pour trouver le petit quelque chose qui allait caractériser son reportage. "J'ai vraiment réfléchi très précisément à ce que je voulais photographier. Et ce qui m'a finalement le plus fasciné, ce sont les couleurs et les formes de ces vieux bateaux. Les petits détails qui développent une vie propre sur les visuels et ressemblent parfois à des visages ou des personnages. Les autochtones semblaient très fiers de leurs bateaux et aussi de pouvoir les peindre de manière colorée. Ma tâche consistait à trouver les éléments qui se prêtaient à un visuel et qui allaient ensemble. J'ai toujours essayé de rester dans les détails".

C'est la toute première fois que ce photographe Leica expérimenté utilise le M11 pour un reportage. Et il en a immédiatement fait son nouvel appareil photo préféré. "C'était l'appareil photo parfait pour ce projet et il correspondait exactement à mes attentes. J'ai pu travailler avec précision sur la netteté et le flou, ce qui était essentiel pour la photographie de détails. L'interaction avec l'objectif de 90 mm et le summilux de 50 était également parfaite. Le 90 mm, en particulier, m'a permis de me focaliser intensément sur les choses. Globalement, c'est certainement une autre façon de photographier avec le M11, beaucoup plus intense, plus précise, avec une résolution idéale".

Avec le Q3 sur l'alpage
Malgré son éloge du M11, René Pfluger avait toujours un deuxième appareil photo autour du cou, même sur le chantier. Le Leica Q3. "En fait, je l'ai toujours avec moi. C'est mon appareil photo "point and shoot", l'alternative idéale au M11 et le deuxième appareil photo parfait, avec lequel je peux également faire des enregistrements vidéo. Un autre avantage est qu'avec le Q3, je dispose également d'un grand angle et que je n'ai donc pas besoin d'un objectif supplémentaire pour le M11. Pour moi, c'est le complément parfait". Récemment encore, dans les Alpes suisses, Pfluger a emporté le Q3 avec lui lorsqu'il a rendu visite à ses amis au fond de la vallée de Lauterbrunnen. Car ce ne sont pas seulement les vieux bateaux, mais aussi les vieilles coutumes qui ont séduit le photographe créatif. "C'est un monde complètement différent et cela me fait sortir de mon quotidien à Zurich. J'aime m'y promener, aller à la rencontre des gens et photographier cet environnement magnifique. Et comme dans le chantier naval en Catalogne, je ne veux rien faire semblant dans la fromagerie, tout est comme dans un livre d'images, très authentique, presque alchimique. Et le soir, vous ne regardez pas des séries sur Netflix, mais vous vous racontez les vieilles histoires et les légendes de la vallée. C'est fascinant". René Pfluger dort alors à chaque fois à côté de la cabane dans la tente, il est un observateur silencieux et documente ce monde avec de magnifiques visuels.

Il n'est pas non plus surprenant qu'il ait déjà un nouveau livre de photos en projet, sur cette même fromagerie. "C'est une histoire que je veux raconter. Je n'y suis pas allé une seule fois, j'ai pris quelques photos et je suis reparti. Je visite la cabane, la fromagerie, les gens qui y vivent toute l'année, je les accompagne tout au long de la journée, je veux savoir et apprendre comment ils vivent". Qu'il s'agisse d'un chantier naval et d'hélices de bateau ou d'une fromagerie et de la nature morte d'un chalet d'alpage, René Pfluger documente des moments, des détails et aussi des personnes avec sa photographie fine toute personnelle. Mais s'il devait choisir entre le Leica M11 et le Leica Q3 ? "Si je devais choisir un appareil photo, ce serait le M11", répond-il fermement, mais heureux de ne pas avoir vraiment à choisir. Et sa dernière réponse à la question sur ses prochains projets semble tout aussi logique : "J'ai une liste d'au moins 20 projets que j'aimerais réaliser dans les prochaines années". La suite suit.

René Pfluger è uno di quei fotografi che ci sorprendono sempre con nuove idee, progetti e prospettive. Sebbene preferisca documentare le persone e l'ambiente circostante, alla fine di agosto presenterà una mostra presso il Leica Store di Zurigo che ruota attorno ai colori e alle forme dei pescherecci catalani di 100 anni fa. Come è nato tutto questo? È proprio questo che volevamo sapere da lui.

"La scorsa estate sono stato in Catalogna e volevo davvero fotografare un soggetto che mi portasse fuori dalla mia zona di comfort. Così ho pensato a cosa avrei potuto fare. Poi ho scoperto questo cantiere navale dove vengono rimesse a nuovo antiche barche da pesca locali. Alcune hanno più di 100 anni. Sono rimasta subito colpita, soprattutto dai molti colori con cui gli abitanti del luogo dipingono le loro barche. Quando l'ho visto ho capito che sarebbe stato il mio prossimo progetto".

M11 con un'attenzione particolare ai dettagli
René Pfluger trascorse la maggior parte dei giorni successivi nel cantiere navale. Instaurò un rapporto con gli operai e alla fine gli fu permesso di muoversi tra le barche a suo piacimento. Pfluger ha sfruttato questa libertà e il nuovo ambiente per trovare quel qualcosa che distinguesse il suo reportage. "Ho pensato molto attentamente a ciò che volevo fotografare. E ciò che mi affascinava di più erano i colori e le forme di queste vecchie imbarcazioni. I piccoli dettagli che assumono una vita propria nelle immagini e che a volte sembrano volti o figure. Gli abitanti del luogo sembravano molto orgogliosi delle loro barche e anche di saperle dipingere in modo colorato. Il mio compito era quello di trovare le cose che fossero adatte a un quadro e che stessero bene insieme. Ho sempre cercato di rimanere nei dettagli il più possibile".

Per la prima volta, l'esperto fotografo Leica ha utilizzato la M11 per un reportage. E l'ha subito scelta come sua nuova fotocamera preferita. "È stata la fotocamera perfetta per questo progetto e ha soddisfatto esattamente le mie aspettative. Ho potuto lavorare con precisione sulla messa a fuoco e sulla sfocatura, un aspetto cruciale per la fotografia di dettaglio. Anche l'interazione con l'obiettivo da 90 mm e il 50 Summilux era perfetta. Il 90 mm in particolare mi ha permesso di concentrarmi intensamente sulle cose. Nel complesso, è sicuramente un modo diverso di fotografare con la M11, molto più intenso, preciso, con una risoluzione ideale".

Con la Q3 sulla malga
Nonostante le sue lodi per la M11, René Pfluger ha sempre avuto una seconda fotocamera a tracolla, anche in cantiere. La Leica Q3. "In realtà la porto sempre con me. È la mia fotocamera "punta e scatta", l'alternativa ideale alla M11 e la seconda fotocamera perfetta con cui posso anche girare video. Un altro vantaggio è che con la Q3 ho anche un grandangolo e quindi non ho bisogno di un obiettivo aggiuntivo per la M11. Per me è il complemento perfetto". Di recente Pfluger ha avuto con sé la Q3 anche nelle Alpi svizzere, quando ha fatto visita ai suoi amici nella retrostante Valle di Lauterbrunnen. Non sono solo le vecchie imbarcazioni, ma anche le vecchie usanze ad attirare l'attenzione del fotografo creativo. "È un mondo completamente diverso e mi porta fuori dalla mia vita quotidiana a Zurigo. Mi piace passeggiare, visitare la gente e fotografare questi bellissimi dintorni. E proprio come nel cantiere navale in Catalogna, non voglio nascondere nulla nel caseificio, è tutto come un libro illustrato, molto autentico, quasi alchemico. E la sera non guardano serie su Netflix, ma si raccontano le vecchie storie e leggende della valle. Affascinante". René Pfluger dorme poi in una tenda accanto al rifugio, è un osservatore silenzioso e documenta questo mondo con bellissime immagini.

Non c'è da stupirsi che stia già progettando un altro libro fotografico, proprio su questo caseificio. "È una storia che voglio raccontare. Non sono stato lì solo una volta, ho scattato qualche foto e sono scomparso di nuovo. Visito la malga, il caseificio, le persone che vi abitano tutto l'anno, le accompagno durante la giornata, voglio sapere e sperimentare come vivono". Che si tratti di un cantiere navale e delle eliche di una nave o di un caseificio e della natura morta di una malga, René Pfluger documenta momenti, dettagli e anche persone con la sua personalissima fotografia di qualità. Ma se ora dovesse scegliere tra la Leica M11 e la Leica Q3? "Se dovessi scegliere una sola fotocamera, sarebbe la M11", risponde con fermezza, ma felice di non dover scegliere davvero. E la sua ultima risposta alla domanda sui suoi prossimi progetti sembra logica: "Ho un elenco di almeno 20 progetti che vorrei realizzare nei prossimi anni". Da continuare.

René Pfluger is one of those photographers who always surprises with new ideas, projects and perspectives. And although he prefers to document people and their surroundings, he will be presenting an exhibition at the Leica Store Zurich at the end of August that revolves around the colors and shapes of 100-year-old Catalonian fishing boats. How did this come about? This is exactly what we wanted to know from him as well.

"Last summer I was in Catalonia and I really wanted to photograph a subject that would take me out of my comfort zone. So I was thinking about what I could do. Then I discovered this shipyard where ancient local fishing boats are being refurbished. Some are over 100 years old. I was immediately excited, especially by the many colors with which the locals paint their boats. When I saw this I knew it would be my next project."

M11 with focus on detail
René Pfluger spent the majority of the next few days in the shipyard. He built a rapport with the workers and was eventually allowed to move among the boats as he pleased. Pfluger used this freedom and his new surroundings to find that certain something that would distinguish his reportage. "I really thought very carefully about what I wanted to photograph. And what finally fascinated me the most were the colors and shapes of these old boats. The little details, which take on a life of their own in the pictures and sometimes look like faces or figures. The locals seemed to be very proud of their boats and also of being able to paint them colorfully. My job was to find the things that would lend themselves to a picture and fit together. I always tried to stay in the details as much as possible."

For the very first time, the experienced Leica photographer used the M11 for a reportage. And immediately chose it as his new favorite camera. "It was the perfect camera for this project and met my expectations exactly. I could work precisely with focus and blur, which was crucial for detail photography. The interaction with the 90mm lens and the 50 Summilux was also a perfect fit. The 90mm in particular allowed me to focus intensely on things. Overall, it is of course a different way of photographing with the M11, much more intense, exact, with ideal resolution."

With the Q3 on the alp
Despite his praise for the M11, René Pfluger always had a second camera strapped to him, even in the shipyard. The Leica Q3. "I actually always have it with me. It is my "point and shoot" camera, the ideal alternative to the M11 and perfect second camera, with which I can also shoot video. Another advantage is that with the Q3 I also have a wide-angle and thus do not need an additional lens for the M11. For me, it's the perfect complement." Pfluger also recently had the Q3 with him in the Swiss Alps when he visited his friends in the rear Lauterbrunnen Valley. That's because it's not just old boats that appeal to the creative photographer, but also old customs. "It's a completely different world and takes me out of my everyday life in Zurich. I love walking there, visiting the people and photographing this beautiful environment. And like in the shipyard in Catalonia, I don't want to disguise anything in the cheese factory, it's all like a picture book, very authentic, almost alchemical. And in the evening they do not watch series on Netflix, but tell each other the old stories and legends of the valley. Fascinating." René Pfluger then sleeps in the tent next to the hut in each case, is a silent observer and documents this world with beautiful pictures.

It is also not surprising that he already has another photo book in planning, about this very cheese dairy. "It's a story I want to tell. I didn't just go there once, take some pictures and leave again. I visit the cottage, the cheese factory, the people there all year round, accompany them through the day, want to know and experience how they live." Whether it's a shipyard and ship propellers or a cheese dairy and the still life of an alpine hut, René Pfluger documents moments, details and also people with his own personal fine photography. But if he now had to choose between the Leica M11 and the Leica Q3? "If I had to choose one camera, it would be the M11," he answers firmly, but happy not to really have to choose. And his final answer to the question about his next projects also seems logical: "I have a list of at least 20 projects that I would like to realize in the next few years. To be continued.

(Text (d): Leica Galerie, Zürich)

Weitere Informationen: The Leica Camera Blog

Leica Galerie | Konstanz
22. Juli - 7. Oktober 2023

TIME TRAVELERS – my inner child & me
Petra Gerwers

REISE DURCH DIE ZEIT oder LIEBES KLEINES ICH

Es ist eine Frage, die sich vermutlich die meisten schon einmal gestellt haben: Was würde ich sagen, wenn ich meinem kindlichen Ich begegnete? Welchen Rat würde ich ihm geben? In ihrer Ausstellung „My Inner Child And Me: A Document From Individual TIME TRAVELERS“ bietet die deutsche Fotografin Petra Gerwers bekannten Persönlichkeiten eine Bühne für diese Frage.

Vor acht Jahren begann Petra Gerwers mit den „TIME TRAVELERS“: Sie bat Fotografen, Schauspieler und andere, einen Brief an ihr früheres Ich im Kindesalter zu schreiben. Es waren sehr persönliche, bewegende Worte, die dabei herauskamen: „Ich denke noch ab und zu an Dich. Dann hoffe ich, dass ich Dich nicht zurückgelassen habe und Dich noch irgendwo in mir mittrage […]“ schreibt etwa Esther Schuler, Schauspielerin und Übersetzerin für Zeichensprache. „Ich fühle es immer“, schreibt der Fotograf Ivo von Renner an das Kind mit „unterdrückter“ Hochbegabung, „aber wenn Du es mir nur einmal sagen könntest, um mich in der Welt der Anderen gleichwertig fühlen zu können, würde das vieles verändern“.

Doch Petra Gerwers beließ es nicht bei dem Brief, sondern fragte auch ein Kindheitsfoto an, um zu visualisieren, wer der Empfänger des Schreibens ist. Vervollständigt wird das Projekt von einem aktuellen Portrait, aufgenommen von der Fotografin selbst, stets durch eine Fensterscheibe hindurch; die Reflexionen im Glas geben einen Hinweis, welcher Ort oder welches Geschehen besonders richtungsweisend in der jeweiligen Vergangenheit war, beziehungsweise für die Gegenwart des/der Portraitierten ist.

„My Inner Child And Me: A Document From Individual TIME TRAVELERS“ ist eine authentische Auseinandersetzung mit verschiedenen Lebensentwürfen und eine Selbstreflexion durch die Protagonisten. Petra Gerwers‘ Portraits wurden dabei zum größten Teil mit einer Leica Monochrom aufgenommen. Insgesamt 25 Personen finden sich in der Ausstellung wieder, darunter Nick Ùt und Kim Phuc (beide bekannt durch das Bild eines von Napalm verbrannten Mädchens im Vietnamkrieg), Kristian Schuller (Modefotograf), Klaus Honnef (Kunsthistoriker und -kritiker), Andrea Lüdke (Schauspielerin), sowie Ivo von Renner und Esther Schuler.

VOYAGE A TRAVERS LE TEMPS ou CHER PETIT MOI

C'est une question que la plupart d'entre nous se sont probablement déjà transmise : Que dirais-je si je rencontrais mon moi enfantin ? Quel conseil lui donnerais-je ? Dans son exposition "My Inner Child And Me : A Document From Individual TIME TRAVELERS", la photographe allemande Petra Gerwers offre à des personnalités connues une scène pour répondre à cette question.

Il y a huit ans, Petra Gerwers a commencé les "TIME TRAVELERS" : elle a demandé à des photographes, des acteurs et d'autres d'écrire une lettre à leur ancien moi enfant. Il en est ressorti des mots très personnels et émouvants : "Je pense encore à vous de temps en temps. J'espère alors que je ne t'ai pas laissé derrière moi et que je te porte encore quelque part en moi [...]", écrit par exemple Esther Schuler, actrice et traductrice en langue des signes. "Je le sens toujours", écrit le photographe Ivo von Renner à l'enfant à haut potentiel "réprimé", "mais si tu pouvais me le dire une seule fois, pour pouvoir me sentir égale dans le monde des autres, cela changerait beaucoup de choses".

Mais Petra Gerwers ne s'est pas arrêtée à la lettre, elle a également demandé une photo d'enfance pour visualiser qui est le destinataire de la lettre. Le projet est complété par un portrait actuel, pris par la photographe elle-même, toujours à travers une vitre ; les reflets dans la vitre donnent une note indiquant quel lieu ou quel événement a été particulièrement significatif dans le passé, respectivement pour le présent du/de la portraituré(e).

"My Inner Child And Me : A Document From Individual TIME TRAVELERS" est une confrontation authentique avec différents projets de vie et une autoréflexion de la part des protagonistes. Les portraits de Petra Gerwers ont été réalisés en grande partie avec un Leica Monochrom. Au total, 25 personnes se retrouvent dans l'exposition, dont Nick Ùt et Kim Phuc (tous deux connus pour le visuel d'une jeune fille brûlée par le napalm pendant la guerre du Vietnam), Kristian Schuller (photographe de mode), Klaus Honnef (historien et critique d'art), Andrea Lüdke (actrice), ainsi que Ivo von Renner et Esther Schuler.

VIAGGIO NEL TEMPO o LITTLE ME.

È una domanda che probabilmente la maggior parte delle persone si è posta prima o poi: Cosa direi se incontrassi il mio io bambino? Che consiglio gli darei? Nella sua mostra "My Inner Child And Me: A Document From Individual TIME TRAVELERS", la fotografa tedesca Petra Gerwers offre a personaggi noti un palcoscenico per questa domanda.

Otto anni fa, Petra Gerwers ha iniziato "TIME TRAVELERS": ha chiesto a fotografi, attori e altre persone di scrivere una lettera al loro ex sé da bambino. Le parole che ne sono uscite sono state molto personali e commoventi: "Di tanto in tanto penso ancora a te. Allora spero di non averti lasciato indietro e di portarti ancora da qualche parte dentro di me [...]", scrive ad esempio Esther Schuler, attrice e traduttrice di lingua dei segni. "Lo sento sempre", scrive il fotografo Ivo von Renner al bambino con un talento "represso", "ma se tu potessi dirmelo solo una volta, in modo che io possa sentirmi uguale al mondo degli altri, cambierebbe molto".

Ma Petra Gerwers non si è limitata alla lettera, ma ha richiesto anche una foto d'infanzia per visualizzare chi è il destinatario della lettera. Il progetto è completato da un ritratto attuale, scattato dalla stessa fotografa, sempre attraverso il vetro di una finestra; i riflessi nel vetro danno un indizio su quale luogo o quale evento sia stato particolarmente indicativo nel rispettivo passato, o lo sia per il presente della persona ritratta.

"My Inner Child And Me: A Document From Individual TIME TRAVELERS" è un'autentica disamina di diversi modi di vivere e un'auto-riflessione dei protagonisti. I ritratti di Petra Gerwers sono stati realizzati principalmente con una Leica Monochrom. La mostra presenta un totale di 25 persone, tra cui Nick Ùt e Kim Phuc (entrambi noti per la foto di una ragazza bruciata dal napalm durante la guerra del Vietnam), Kristian Schuller (fotografo di moda), Klaus Honnef (storico e critico d'arte), Andrea Lüdke (attrice), nonché Ivo von Renner ed Esther Schuler.

JOURNEY THROUGH TIME or LITTLE ME

It's a question that of course most of us have asked ourselves at one time or another: What would I say if I met my child self? What advice would I give him? In her exhibition "My Inner Child And Me: A Document From Individual TIME TRAVELERS," German photographer Petra Gerwers offers well-known personalities a stage for this question.

Eight years ago Petra Gerwers started "TIME TRAVELERS": she asked photographers, actors and others to write a letter to their former self in childhood. The words that came out were very personal and moving: "I still think of you from time to time. Then I hope that I have not left you behind and still carry you somewhere inside me [...]" writes, for example, Esther Schuler, actress and translator of sign language. "I always feel it," writes photographer Ivo von Renner to the child with "suppressed" giftedness, "but if you could tell me just once, to make me feel equal in the world of others, that would change a lot."

But Petra Gerwers did not leave it at the letter, but also requested a childhood photo to visualize who the recipient of the letter is. The project is completed by a current portrait, taken up by the photographer herself, always through a window pane; the reflections in the glass give a note, which place or which event was particularly directional in the respective past, respectively is for the present of the portrayed.

"My Inner Child And Me: A Document From Individual TIME TRAVELERS" is an authentic examination of different ways of life and a self-reflection by the protagonists. Petra Gerwers' portraits were mostly taken up with a Leica Monochrom. A total of 25 people can be found in the exhibition, including Nick Ùt and Kim Phuc (both known for their picture of a girl burned by napalm during the Vietnam War), Kristian Schuller (fashion photographer), Klaus Honnef (art historian and critic), Andrea Lüdke (actress), as well as Ivo von Renner and Esther Schuler.

(Text: Leica Galerie, Konstanz)

Leica Galerie Salzburg
21. Juli - 16. September 2023

The Legendary Photography of Douglas Kirkland

Die Leica Galerie Salzburg präsentiert mit " The Legendary Photography of Douglas Kirkland" eine Ausstellung, die einen spannenden Einblick in die Karriere des sehr bekannten kanadischen Fotografen Douglas Kirkland gibt, der im Jahr 2022 verstorben ist.

Kirkland ist berühmt für seine Porträts von Prominenten wie Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson uvm . Seine Fotografien zeichnen sich durch eine einzigartige Mischung aus technischer Perfektion und emotionalem Ausdruck aus.

Die Ausstellung zeigt eine umfassende Auswahl von Kirklands bekanntesten Arbeiten und ist eine Hommage an seine Karriere als Fotograf. Die Besucherinnen und Besucher erwartet eine fotografische Zeitreise durch eine Welt voller Prominenz aus Film-, Show- und Musikbusiness.

Kirkland, geboren 1934 in Toronto, begann seine Fotografenlaufbahn im Alter von 24 Jahren als Staff Photographer beim US-Magazin Look. Seine weltweit bekannte Serie "Eine Nacht mit Marilyn" entstand im Jahr 1961 für Look, gefolgt von einer Serie über Coco Chanel im Jahr 1962. Kirkland war auch als Special Photographer bei über 150 Filmproduktionen engagiert (2001: Odysee im Weltall, Saturday Night Fever, Titanic uvm) und erhielt für sein Lebenswerk als Still Photographer zahlreiche Auszeichnungen. 2019 wurde er im Dokumentarfilm "That Click" gewürdigt.

Françoise Kirkland, seit 1967 mit Douglas Kirkland verheiratet, war bis zu seinem Tod an seiner Seite und hat schon immer sein Archiv verwaltet. Wir freuen uns sehr, dass sie uns einen sehr persönlichen Einblick in das Werk ihres Mannes geben wird.

Avec "The Legendary Photography of Douglas Kirkland", la Leica Galerie Salzburg présente une exposition qui donne un aperçu passionnant de la carrière du très célèbre photographe canadien Douglas Kirkland, décédé en 2022.

Kirkland est célèbre pour ses portraits de célébrités comme Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson et bien d'autres. Ses photographies se distinguent par un mélange unique de perfection technique et d'expression émotionnelle.

L'exposition présente une sélection complète des travaux les plus connus de Kirkland et rend hommage à sa carrière de photographe. Les visiteurs peuvent s'attendre à un voyage photographique dans le temps à travers un monde de célébrités du cinéma, du show-business et de la musique.

Kirkland, né en 1934 à Toronto, a commencé sa carrière de photographe à l'âge de 24 ans en tant que Staff Photographer pour le magazine américain Look. Sa série mondialement connue "Une nuit avec Marilyn" a été réalisée pour Look en 1961, suivie d'une série sur Coco Chanel en 1962. Kirkland a également été engagé comme photographe spécial dans plus de 150 productions cinématographiques (2001 : l'Odyssée de l'espace, Saturday Night Fever, Titanic et bien d'autres) et a reçu de nombreuses récompenses pour l'ensemble de son œuvre en tant que Still Photographer. En 2019, il a été mis à l'honneur dans le documentaire "That Click".

Françoise Kirkland, marié à Douglas Kirkland depuis 1967, a été à ses côtés jusqu'à sa mort et a toujours géré ses archives. Nous sommes très heureux qu'elle nous donne un aperçu très personnel de l'œuvre de son mari.

La Leica Galerie Salzburg presenta "The Legendary Photography of Douglas Kirkland", una mostra che offre un'emozionante panoramica sulla carriera del famosissimo fotografo canadese Douglas Kirkland, scomparso nel 2022.

Kirkland è famoso per i suoi ritratti di celebrità come Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson e molti altri. Le sue fotografie sono caratterizzate da una miscela unica di perfezione tecnica ed espressione emotiva.

La mostra presenta una selezione completa delle opere più note di Kirkland e rappresenta un omaggio alla sua carriera di fotografo. I visitatori possono aspettarsi un viaggio fotografico attraverso il tempo e un mondo pieno di celebrità del cinema, dello spettacolo e della musica.

Kirkland, nato a Toronto nel 1934, ha iniziato la sua carriera di fotografo all'età di 24 anni come collaboratore della rivista statunitense Look. La sua serie di fama mondiale "A Night with Marilyn" è stata prodotta per Look nel 1961, seguita da una serie su Coco Chanel nel 1962. Kirkland è stato inoltre impegnato come fotografo speciale in oltre 150 produzioni cinematografiche (2001: Odissea nello spazio, La febbre del sabato sera, Titanic e molte altre) e ha ricevuto numerosi premi per il suo lavoro di fotografo di scena. Nel 2019 è stato premiato nel documentario "That Click".

Françoise Kirkland, sposato con Douglas Kirkland dal 1967, è stato al suo fianco fino alla sua morte e ha sempre gestito il suo archivio. Siamo molto contenti che ci darà una visione molto personale del lavoro del marito.

Leica Galerie Salzburg presents " The Legendary Photography of Douglas Kirkland", an exhibition that gives an exciting insight into the career of the very famous Canadian photographer Douglas Kirkland, who passed away in 2022.

Kirkland is famous for his portraits of celebrities such as Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson and many more . His photographs are characterized by a unique blend of technical perfection and emotional expression.

The exhibition features a comprehensive selection of Kirkland's best-known work and is a tribute to his career as a photographer. Visitors can expect a photographic journey through time and a world of celebrities from film, show and music business.

Kirkland, born in Toronto in 1934, began his photography career at the age of 24 as a staff photographer at the US magazine Look. His world-renowned series "A Night with Marilyn" was produced for Look in 1961, followed by a series on Coco Chanel in 1962. Kirkland was also engaged as a Special Photographer on over 150 film productions (2001: A Space Odyssey, Saturday Night Fever, Titanic, and many more) and received numerous awards for his life's work as a Still Photographer. In 2019, he was recognized in the documentary "That Click".

Françoise Kirkland, married to Douglas Kirkland since 1967, was by his side until his death and has always managed his archive. We are very pleased that she will give us a very personal insight into her husband's work.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Leica Galerie | Konstanz
15. April - 15. Juli 2023

DAS EWIGE ICH?!
Simon Diefenbach

Fotografien machen sichtbar, was Worte nicht vermitteln können. Die besondere Kraft dieser Erzähltechnik nutzt Simon Diefenbach. Er setzt sich mit dem vielschichtigen Thema der Identität auseinander: Wer bin ich? Wer hätte ich sein können, sein sollen? Wer musste oder durfte ich sein? Diesen Fragen und seinen Protagonist*innen begegnet der in Konstanz lebende Fotograf in visueller Formatierung. In der Ausstellung «Das ewige Ich?!» erlauben ihm sechs Menschen aus der Bodenseeregion einen unverstellten Blick auf ihre privaten und beruflichen Lebensrollen.

Diefenbach wagt in einem fotografischen Praxisversuch, das Ich zu visualisieren. Sein Leitgedanke: Wir alle spielen verschiedene Rollen in unserem Leben, sind beispielsweise Mutter oder Sohn, Freund oder Geliebte. Zeitgleich üben wir Berufe aus. Die Grenzen zwischen unseren Rollen verwischen im Alltag. Aus dem Ich wird für Diefenbach im Laufe des Lebens zwangsläufig ein Wir. Er begreift das Leben als zeitintensives, aber endliches Schauspiel. Angelehnt an unser Bild davon, verändern wir im Laufe der Zeit unser Ich, passen unser Verständnis davon an: an Erwartungen, äußere und innere Wünsche, an Ziele. Nur: Wann bin ich dann wirklich Ich? Und: gibt es ein solches überhaupt? Dieses Ringen um mögliche, mitunter widersprüchliche Lebensrollen wolle er mit Hilfe der Fotografie sichtbar machen, erklärt der Fotograf.

Drei Männer und drei Frauen aus der Bodenseeregion hat er für sein Projekt über zwei Jahre hinweg begleitet (2021 - 2023). Bei Gesprächen, Spaziergängen und Reisen definierten sie je vier bedeutsame Rollen ihres Lebens. Anschließend planten die Beteiligten die visuelle Umsetzung. Der Anspruch aller: So nah wie möglich an die Szenerie der definierten Rolle zu gelangen. Je weiter diese in der Vergangenheit lag, desto aufwendiger, aber auch reizvoller gestaltete sich die Aufgabe. Es galt, Inszenierungsorte zu suchen und Ausstattungsoptionen zu diskutieren. Die Idee schien aufzugehen und nahm immer deutlicher Gestalt an - aber sie forderte auch Ressourcen. Diefenbach fragte um Unterstützung und Rat für Requisiten, Ausstattung und Technik. Der Zuspruch überwältigte den Fotografen: Der Kulturfonds der Stadt Konstanz, der Konstanzer Hospizverein, das Theater Konstanz und das Fotofachgeschäft Lichtblick beteiligten sich mit großem Engagement und Vertrauen.

Diefenbach produzierte die Fotografien gemeinsam mit den Protagonist*innen zu allen Jahreszeiten, zu unbequemen Uhrzeiten, an unzugänglichen Orten, teils doppelt und dreifach – bis sich die Porträts „richtig“ anfühlten. Gemeinsam gelang es, den persönlichen und beruflichen Widrigkeiten der Pandemie sowie des Alltags zu begegnen. Dabei vertieften die Beteiligten gerade in dieser unklaren Gegenwart ihren Austausch.

Diefenbach misst sein Projekt an zwei Faktoren: der geteilten Zeit und der authentischen Visualisierung der Lebensrolle. Für die Produktion fotografierte er auf digitalem Mittelformat, nutzte in der Regel eine Mischung aus natürlichen und künstlichen Lichtquellen und legte Wert auf aussagekräftige Farbschemata.

Die Leica Galerie zeigt nun den außergewöhnlichen Blick auf die Rollen mehrerer Leben: 30 Porträts von sechs Menschen aus Konstanz, Radolfzell und Kreuzlingen. In einer begleitenden Broschüre kleiden die Inszenierten ihre Lebensrollen in Worte. Ihre Beschreibungen geben den Besucher*Innen einen Einblick in die eigene Gedankenwelt. Anhand von sensiblen Fotografien erzählt Simon Diefenbach Wünsche nach aufrichtiger Tiefe in der zwischenmenschlichen Begegnung. Er lässt unter die Oberflächen blicken, was in der maßlosen Drehgeschwindigkeit unserer Zeit allzu oft versäumt wird.

Les photographies rendent visible ce que les mots ne peuvent pas transmettre. Simon Diefenbach exploite la force particulière de cette technique narrative. Il se penche sur le thème complexe de l'identité : Qui suis-je ? Qui aurais-je pu ou dû être ? Qui devais-je ou pouvais-je être ? Le photographe, qui vit à Constance, rencontre ces questions et ses protagonistes* dans un formatage visuel. Dans l'exposition "Das ewige Ich ?!", six personnes de la région du lac de Constance lui permettent de jeter un regard sans complaisance sur leurs rôles dans la vie privée et professionnelle.

Dans un essai photographique pratique, Diefenbach ose visualiser le moi. Son idée directrice : nous jouons tous différents rôles dans notre vie, nous sommes par exemple mère ou fils, ami ou amant. Nous exerçons en même temps des professions. Les frontières entre nos rôles s'estompent au quotidien. Pour Diefenbach, le "je" devient inévitablement un "nous" au cours de la vie. Il conçoit la vie comme un spectacle qui prend du temps, mais qui est fini. En nous appuyant sur notre visuel, nous modifions notre moi au fil du temps, nous adaptons notre compréhension de celui-ci : aux attentes, aux souhaits extérieurs et intérieurs, aux objectifs. Mais alors, quand suis-je vraiment moi ? Et : existe-t-il vraiment un tel moi ? C'est cette lutte autour des rôles possibles et parfois contradictoires de la vie qu'il souhaite rendre visible à l'aide de la photographie, explique le photographe.

Pour son projet, il a suivi trois hommes et trois femmes de la région du lac de Constance pendant deux ans (2021 - 2023). Lors d'entretiens, de promenades et de voyages, ils ont chacun défini quatre rôles significatifs de leur vie. Les participants ont ensuite planifié la réalisation visuelle. L'exigence de tous : se rapprocher le plus possible du décor du rôle défini. Plus celui-ci se situait dans le passé, plus la tâche s'avérait complexe, mais aussi attrayante. Il s'agissait de chercher des lieux de mise en scène et de discuter des options d'équipement. L'idée semblait porter ses fruits et prenait de plus en plus forme - mais elle exigeait aussi des ressources. Diefenbach a demandé du soutien et des conseils pour les accessoires, l'équipement et la technique. La réponse a submergé le photographe : le fonds culturel de la ville de Constance, l'association des soins palliatifs de Constance, le théâtre de Constance et le magasin de photos Lichtblick ont participé avec beaucoup d'engagement et de confiance.

Diefenbach a produit les photographies avec les protagonistes* à toutes les saisons, à des heures inconfortables, dans des endroits inaccessibles, parfois en double ou triple exemplaire - jusqu'à ce que les portraits se sentent "justes". Ensemble, ils ont réussi à faire face aux difficultés personnelles et professionnelles de la pandémie et de la vie quotidienne. Les participants ont ainsi pu approfondir leurs échanges dans ce présent incertain.

Diefenbach mesure son projet à deux facteurs : le temps partagé et la visualisation authentique du rôle de la vie. Pour la production, il a photographié en moyen format numérique, a utilisé en règle générale un mélange de sources de lumière naturelles et artificielles et a accordé une grande importance aux schémas de couleurs expressifs.

La Leica Galerie présente maintenant ce regard extraordinaire sur les rôles de plusieurs vies : 30 portraits de six personnes de Constance, Radolfzell et Kreuzlingen. Dans une brochure d'accompagnement, les personnes mises en scène mettent des mots sur les rôles de leur vie. Leurs descriptions donnent aux visiteurs* un aperçu de leur propre monde mental. À l'aide de photographies sensibles, Simon Diefenbach raconte les désirs de profondeur sincère dans les rencontres humaines. Il permet de voir sous les surfaces, ce qui est trop souvent négligé dans la vitesse de rotation démesurée de notre époque.

Le fotografie rendono visibile ciò che le parole non possono trasmettere. Simon Diefenbach sfrutta il potere speciale di questa tecnica narrativa. Affronta il tema multistrato dell'identità: chi sono? Chi avrei potuto o dovuto essere? Chi dovevo o potevo essere? Il fotografo, che vive a Costanza, si confronta con queste domande e con i suoi protagonisti nella formattazione visiva. Nella mostra "L'eterno me?!", sei persone della regione del Lago di Costanza gli permettono di dare uno sguardo imparziale alla loro vita privata e professionale.

In un esperimento fotografico pratico, Diefenbach osa visualizzare l'ego. La sua idea guida: tutti noi svolgiamo ruoli diversi nella nostra vita, ad esempio siamo madre o figlio, amico o amante. Allo stesso tempo, esercitiamo delle professioni. I confini tra i nostri ruoli si confondono nella vita quotidiana. Per Diefenbach, l'io diventa inevitabilmente un noi nel corso della vita. Egli intende la vita come un gioco che richiede tempo, ma che è finito. In base all'immagine che ne abbiamo, cambiamo il nostro io nel corso del tempo, adattiamo la nostra comprensione di esso: alle aspettative, ai desideri esteriori e interiori, agli obiettivi. Ma quando sono veramente io? E: esiste davvero? Il fotografo spiega di voler rendere visibile con l'aiuto della fotografia questa lotta per ruoli di vita possibili, a volte contraddittori.

Per il suo progetto ha accompagnato tre uomini e tre donne della regione del Lago di Costanza per due anni (2021-2023). Durante conversazioni, passeggiate e viaggi, ognuno di loro ha definito quattro ruoli significativi nella propria vita. I partecipanti hanno poi pianificato l'implementazione visiva. L'obiettivo di ognuno: avvicinarsi il più possibile allo scenario del ruolo definito. Più il ruolo era lontano nel tempo, più il compito diventava elaborato ma anche più attraente. Bisognava trovare i luoghi e discutere le opzioni di equipaggiamento. L'idea sembrava prendere forma, ma richiedeva anche risorse. Diefenbach chiese supporto e consigli su oggetti di scena, attrezzature e tecnologia. Il fotografo è stato travolto dalla risposta: il Fondo Culturale della Città di Costanza, l'Associazione Ospizio di Costanza, il Teatro di Costanza e il negozio di fotografia Lichtblick hanno partecipato con grande impegno e fiducia.

Diefenbach ha realizzato le fotografie insieme ai protagonisti in ogni momento dell'anno, in orari scomodi, in luoghi inaccessibili, a volte due o tre volte - finché i ritratti non sono sembrati "giusti". Insieme, sono riusciti ad affrontare le avversità personali e professionali della pandemia e della vita quotidiana. Nel processo, i partecipanti hanno approfondito il loro scambio proprio in questo presente poco chiaro.

Diefenbach misura il suo progetto in base a due fattori: il tempo condiviso e la visualizzazione autentica del ruolo della vita. Per la produzione ha fotografato con il medio formato digitale, ha utilizzato generalmente una miscela di fonti di luce naturale e artificiale e ha dato importanza a schemi di colore espressivi.

La Leica Galerie presenta ora questa straordinaria visione dei ruoli di diverse vite: 30 ritratti di sei persone di Costanza, Radolfzell e Kreuzlingen. In un opuscolo di accompagnamento, le persone ritratte esprimono a parole i ruoli della loro vita. Le loro descrizioni offrono ai visitatori una visione del loro mondo di pensiero. Con l'aiuto di fotografie sensibili, Simon Diefenbach racconta il desiderio di profondità sincera negli incontri interpersonali. Ci permette di guardare sotto la superficie, cosa che troppo spesso sfugge nell'eccessiva velocità del nostro tempo.

Photographs make visible what words cannot convey. Simon Diefenbach uses the special power of this narrative technique. He deals with the complex issue of identity: Who am I? Who could I have been, should I have been? Who did I have to be or was I allowed to be? The photographer, who lives in Constance, encounters these questions and his protagonists in visual formatting. In the exhibition "The eternal me?!" six people from the Lake Constance region allow him an undisguised look at their private and professional life roles.

Diefenbach dares to visualize the ego in a photographic practical experiment. His guiding principle: We all play different roles in our lives, for example, we are mother or son, friend or lover. At the same time, we practice professions. The boundaries between our roles become blurred in everyday life. For Diefenbach, the "I" inevitably becomes a "we" in the course of life. He understands life as a time-intensive but finite spectacle. Based on our image of it, we change our I in the course of time, adapt our understanding of it: to expectations, external and internal desires, to goals. But: when am I really me? And: is there such a thing at all? The photographer explains that he wants to make this struggle for possible, sometimes contradictory life roles visible with the help of photography.

He accompanied three men and three women from the Lake Constance region for his project over a period of two years (2021 - 2023). During conversations, walks and trips, they each defined four significant roles in their lives. The participants then planned the visual implementation. Everyone's goal: to get as close as possible to the scenery of the defined role. The further back in time this role was, the more time-consuming but also more appealing the task became. Locations had to be found and equipment options discussed. The idea seemed to be taking shape, but it also demanded resources. Diefenbach asked for support and advice on props, equipment and technology. The photographer was overwhelmed by the response: the Cultural Fund of the City of Constance, the Constance Hospice Association, the Constance Theater and the photo store Lichtblick all participated with great commitment and trust.

Diefenbach produced the photographs together with the protagonists* at all times of the year, at inconvenient hours, in inaccessible places, sometimes twice and three times - until the portraits felt "right." Together, they succeeded in confronting the personal and professional adversities of the pandemic as well as everyday life. In the process, the participants deepened their exchange precisely in this ambiguous present.

Diefenbach measures his project by two factors: the time shared and the authentic visualization of the life role. For the production, he photographed on digital medium format, generally used a mixture of natural and artificial light sources, and emphasized expressive color schemes.

Leica Galerie is now showing this extraordinary look at the roles of several lives: 30 portraits of six people from Constance, Radolfzell and Kreuzlingen. In an accompanying brochure, those staged clothe their life roles in words. Their descriptions give visitors an insight into their own world of thought. On the basis of sensitive photographs, Simon Diefenbach tells of desires for sincere depth in interpersonal encounters. He allows us to look beneath the surfaces, something that is all too often missed in the excessive speed of our time.

(Text: Leica Galerie, Konstanz)

Leica Galerie | Konstanz
28. Januar - 8. April 2023

Genius Loci
Paolo Burlando

„Ich liebe Fotografie.“ Mit diesem Gefühl steht Paolo Burlando nicht alleine da, soviel ist sicher. Doch wenn man seine Fotografien betrachtet, wird schnell klar, wie groß seine Faszination, wie innig seine Beziehung zu Kamera und Bild ist. Paolo Burlando, eigentlich Professor für Hydrologie und Wasserwirtschaft, ist leidenschaftlicher und außergewöhnlicher Dokumentarfotograf, fängt Augenblicke und Gefühle ein, die anderen entgehen würden.

Er beobachte sehr gerne, sagt Burlando, und versuche dann, die Situation zu lesen, den Moment zu erkennenund auf das digitale Medium zu bannen. Er strebe stets danach, Ästhetik und Aussage zu verbinden – ein Gefühl, einen rationalen Gedanken, vielleicht einfach nur eine humorvolle Begebenheit. Und dabei sind seine Bilder nie laut, nie aufdringlich; er selbst liebe es, wenn Fotografie diskret sei und Menschen abbilde, ohne den Respekt vor ihnen zu verlieren.

Treue Begleiter sind ihm dabei seine Leica M6, M9 und M262, meist kombiniert mit 35er-und 50er-Summicron-Objektiven – den klassischen Brennweiten des Dokumentarfotografen. Burlando schätzt insbesondere die Größe und Unauffälligkeit der Kameras, ihre Flexibilität und ihre Konzentration auf das Wesentliche. Geprägt von Fotografen wie Bischof, Cartier-Bresson, Erwitt und Frank sind seine Bilder immer Schwarzweiß, denn dies erlaube den Betrachtern eine eigene Lesart aufzubauen, die Botschaft der Fotografie oder die Ästhetik wertzuschätzen. Außerdem, so sagt er, sei Schwarzweißfotografie auch herausfordernder und verzeihe weniger Fehler.

Die Leica Galerie Konstanz zeigt nun rund 60 Aufnahmen Burlandos unter dem Titel „Genius Loci“, also „Geist des Ortes“. Dabei handelt es sich um Fotografien, die auf Reisen durch Asien, Europa und Amerika entstanden sind. Man solle das Gefühl haben, an diesen Orten zu sein, wenn man seine Bilder betrachte, sagt Burlando. Es gehe ihm darum, den Charakter und die Gewohnheiten einzufangen und für die Betrachter sicht- und spürbar zu machen. Von beschaulichen Fischerdörfern in Europa über Straßenszenen aus Südostasien bis hin zu Fotografien, die direkt aus einem amerikanischen Roadmovie stammen könnten – die Bilder von „Genius Loci“ bestechen durch ihre Authentizität, nicht zuletzt, weil die Aufnahmen unbeschnitten bleiben.

"J'aime la photographie". Avec ce sentiment, Paolo Burlando n'est pas seul, c'est certain. Mais lorsqu'on regarde ses photographies, on se rend vite compte de l'ampleur de sa fascination, de l'intimité de sa relation avec l'appareil photo et le visuel. Paolo Burlando, qui est en fait professeur d'hydrologie et de gestion de l'eau, est un photographe documentaire passionné et exceptionnel, qui capture des moments et des émotions qui échapperaient à d'autres.

Il aime beaucoup observer, dit Burlando, et essaie ensuite de lire la situation, de reconnaître le moment et de le capturer sur le support numérique. Il s'efforce toujours de combiner l'esthétique et le message - un sentiment, une pensée rationnelle, peut-être tout simplement un événement humoristique. Et ses visuels ne sont jamais bruyants, jamais envahissants ; lui-même aime que la photographie soit discrète et qu'elle représente les gens sans perdre le respect qu'il leur porte.

Ses fidèles compagnons sont ses Leica M6, M9 et M262, généralement combinés à des objectifs Summicron 35 et 50 - les focales classiques du photographe documentaire. Burlando apprécie particulièrement la taille et la discrétion des appareils, leur flexibilité et leur concentration sur l'essentiel. Marqué par des photographes comme Bischof, Cartier-Bresson, Erwitt et Frank, ses visuels sont toujours en noir et blanc, car cela permet aux spectateurs de construire leur propre lecture, d'apprécier le message de la photographie ou son esthétique. De plus, dit-il, la photographie en noir et blanc est aussi plus stimulante et pardonne moins les erreurs.

La Leica Galerie de Constance présente à présent une soixantaine de clichés de Burlando sous le titre "Genius Loci", c'est-à-dire "l'esprit du lieu". Il s'agit de photographies prises lors de voyages en Asie, en Europe et en Amérique. En regardant ses visuels, on devrait avoir l'impression d'être dans ces lieux, explique Burlando. Il s'agit pour lui de capturer le caractère et les habitudes et de les rendre visibles et perceptibles pour le spectateur. Des paisibles villages de pêcheurs d'Europe aux scènes de rue d'Asie du Sud-Est, en passant par des photographies qui pourraient tout droit sortir d'un road movie américain, les visuels de "Genius Loci" séduisent par leur authenticité, notamment parce que les prises de vue ne sont pas recadrées.

"Amo la fotografia". Paolo Burlando non è il solo a provare questa sensazione, questo è certo. Ma quando si guardano le sue fotografie, diventa subito chiaro quanto sia grande il suo fascino, quanto sia intimo il suo rapporto con la macchina fotografica e l'immagine. Paolo Burlando, in realtà professore di idrologia e gestione delle acque, è un appassionato e straordinario fotografo documentarista, che cattura momenti e sensazioni che ad altri sfuggirebbero.

Ama osservare, dice Burlando, e poi cerca di leggere la situazione, riconoscere il momento e catturarlo sul supporto digitale. Si sforza sempre di combinare estetica e dichiarazione - un sentimento, un pensiero razionale, forse solo un episodio umoristico. E le sue immagini non sono mai rumorose, mai invadenti; lui stesso ama quando la fotografia è discreta e ritrae le persone senza perdere il rispetto per loro.

I suoi fedeli compagni sono le sue Leica M6, M9 e M262, di solito abbinate a obiettivi 35 e 50 Summicron, le classiche focali del fotografo documentarista. Burlando apprezza in particolare le dimensioni e la non visibilità delle telecamere, la loro flessibilità e la loro concentrazione sull'essenziale. Influenzato da fotografi come Bishop, Cartier-Bresson, Erwitt e Frank, le sue immagini sono sempre in bianco e nero perché questo permette allo spettatore di costruire una propria lettura, di apprezzare il messaggio della fotografia o l'estetica. Inoltre, dice, la fotografia in bianco e nero è anche più impegnativa e non perdona gli errori.

La Leica Galerie Konstanz espone ora circa 60 fotografie di Burlando con il titolo "Genius Loci", ovvero "Spirito del luogo". Si tratta di fotografie scattate durante viaggi in Asia, Europa e America. Quando si guardano le sue foto, si deve avere la sensazione di trovarsi in questi luoghi", dice Burlando. Si preoccupa di catturare il carattere e le abitudini e di renderli visibili e tangibili per lo spettatore. Dai tranquilli villaggi di pescatori in Europa alle scene di strada del sud-est asiatico, fino alle fotografie che potrebbero essere uscite direttamente da un road movie americano: le immagini di "Genius Loci" affascinano per la loro autenticità, anche perché gli scatti non vengono ritagliati.

"I love photography." Paolo Burlando is not alone in this feeling, that much is certain. But when you look at his photographs, it quickly becomes clear how great his fascination is, how intimate his relationship is with the camera and the image. Paolo Burlando, actually a professor of hydrology and water management, is a passionate and extraordinary documentary photographer, capturing moments and feelings that others would miss.

He loves to observe, Burlando says, and then tries to read the situation, recognize the moment and capture it on the digital medium. He always strives to combine aesthetics and message - a feeling, a rational thought, perhaps just a humorous incident. And his images are never loud, never obtrusive; he himself loves it when photography is discreet and depicts people without losing respect for them.

His faithful companions are his Leica M6, M9 and M262, usually combined with 35 and 50 Summicron lenses - the classic focal lengths of the documentary photographer. Burlando particularly appreciates the size and unobtrusiveness of the cameras, their flexibility and their focus on the essentials. Influenced by photographers such as Bishop, Cartier-Bresson, Erwitt, and Frank, his images are always black and white, he says, because this allows viewers to build their own reading, to appreciate the message of the photograph or its aesthetics. In addition, he says, black-and-white photography is also more challenging and less forgiving of mistakes.

Leica Galerie Konstanz is now showing around 60 of Burlando's photographs under the title "Genius Loci," meaning "Spirit of Place." These are photographs taken on journeys through Asia, Europe and America. You should have the feeling of being in these places when you look at his pictures, Burlando says. He is concerned, he says, with capturing the character and customs and making them visible and tangible to the viewer. From tranquil fishing villages in Europe to street scenes from Southeast Asia to photographs that could have come straight out of an American road movie - the images in "Genius Loci" captivate with their authenticity, not least because the shots remain uncropped.

(Text: Leica Galerie, Konstanz)

Leica Galerie | Salzburg
17. November 2022 - 25. März 2023

Esther's World
Esther Haase

Die Ausstellung "Esther ́s World" zeigt eine persönliche Auswahl aus dem Oeuvre der Künstlerin Esther Haase.

Als phantasievolle Regisseurin schafft Esther Haase Bildwelten voller Zauber und Dynamik. Sie ist die von Empathie getriebene Chronistin eines erotischen und stets selbstbewussten Frauenbildes.

In ihrem facettenreichen Schaffen kommt Vieles zusammen: Die Lust am Fotografieren, aber vor allem die Lust an der Inszenierung von Menschen und Moden. Ihre Bilder sind wie Tänze mit der Kamera – und Tanz ist für die Fotografin auch im wahren Leben besonders wichtig. Alles ist Choreographie. Nichts wirkt unnötig schwer, gezwungen oder gestelzt. Schnappschuss-Romantik und Kurzgeschichten sind neben der Bewegungsunschärfe charakteristische Stilmittel. Ihre oft filmisch anmutenden Motive suggerieren mit einem wissenden Augenzwinkern, dass das Leben eine schillernde Bühne ist, auf der man sich und andere hinter all den Kulissen, Kostümen, Masken und Make-up nicht zu ernst nehmen sollte.

"Ihre Arbeiten feiern die Freude am Dasein, die Leidenschaft, das selbstbewusste Spiel mit der Sexualität, den Ausbruch aus dem starren Korsett des Alltags, vor allem aber den Menschen in seiner Ganzheit: abenteuerlustig, stark, mutig, erotisch, manchmal melancholisch und introvertiert, aber immer ganz bei sich. Ihre Frauenfiguren sind durchsetzungsfähig und selbstbewusst; wie Esther selbst sind sie voller Energie und Emotionen, immer in dynamischer Bewegung." (F.C. Gundlach)

Esther Haase arbeitet seit vielen Jahren für internationale Kunden und renommierte Magazine. Die Fotografin wechselt spielerisch zwischen den Genres Mode, Portrait, Reportage und freie Kunstprojekte. Sie hat Vivienne Westwood, Angela Merkel und Karl Lagerfeld fotografiert, für Vogue und Vanity Fair gearbeitet, Werbekampagnen für Guess und Escada realisiert. Ihre Arbeiten sind in Museen und Sammlungen vertreten.

L'exposition "Esther ́s World" présente une sélection personnelle de l'œuvre de l'artiste Esther Haase.

Metteur en scène imaginative, Esther Haase crée des mondes visuels pleins de magie et de dynamisme. Animée par l'empathie, vous êtes la chroniqueuse d'une image de femme érotique et toujours sûre d'elle.

Dans son œuvre aux multiples facettes, beaucoup de choses se rejoignent : L'envie de photographier, mais surtout l'envie de mettre en scène les gens et les modes. Ses visuels sont comme des danses avec l'appareil photo - et la danse est particulièrement importante pour la photographe, même dans la vie réelle. Tout est chorégraphie. Rien n'est inutilement lourd, forcé ou artificiel. Le romantisme de l'instantané et les histoires courtes sont, avec le flou de mouvement, des figures de style caractéristiques. Ses motifs, souvent cinématographiques, suggèrent avec un clin d'œil entendu que la vie est une scène éblouissante sur laquelle il ne faut pas se prendre trop au sérieux, ni les autres, derrière tous les décors, costumes, masques et maquillages.

"Ses œuvres célèbrent la joie d'exister, la passion, le jeu affirmé avec la sexualité, l'évasion du carcan rigide du quotidien, mais surtout l'être humain dans son intégralité : aventureux, fort, courageux, érotique, parfois mélancolique et introverti, mais toujours pleinement lui-même. Ses personnages féminins sont affirmés et sûrs d'eux ; comme Esther elle-même, ils sont pleins d'énergie et d'émotions, toujours en mouvement dynamique". (F.C. Gundlach)

Esther Haase travaille depuis de nombreuses années pour des clients internationaux et des magazines renommés. La photographe alterne de manière ludique entre les genres de la mode, du portrait, du reportage et des projets artistiques libres. Elle a photographié Vivienne Westwood, Angela Merkel et Karl Lagerfeld, a travaillé pour Vogue et Vanity Fair et a réalisé des campagnes publicitaires pour Guess et Escada. Ses travaux sont représentés dans des musées et des collections.

La mostra "Esther ́s World" presenta una selezione personale dell'opera dell'artista Esther Haase.

Come regista fantasiosa, Esther Haase crea mondi visivi pieni di magia e dinamismo. È la cronista empatica di un'immagine della donna erotica e sempre sicura di sé.

Nel suo lavoro poliedrico confluiscono molte cose: La voglia di fotografare, ma soprattutto la voglia di mettere in scena persone e mode. Le sue immagini sono come una danza con la macchina fotografica - e la danza è particolarmente importante per il fotografo anche nella vita reale. Tutto è coreografia. Nulla sembra inutilmente pesante, forzato o monco. Il romanticismo istantaneo e le storie brevi sono dispositivi stilistici caratteristici insieme alla sfocatura del movimento. I suoi motivi, spesso dall'aspetto cinematografico, suggeriscono con un ammiccamento consapevole che la vita è un palcoscenico abbagliante dove non bisogna prendere troppo sul serio se stessi e gli altri dietro tutte le scenografie, i costumi, le maschere e il trucco.

"Le sue opere celebrano la gioia di essere, la passione, il gioco sicuro di sé con la sessualità, la fuga dal rigido corsetto della vita quotidiana, ma soprattutto l'essere umano nella sua interezza: avventuroso, forte, coraggioso, erotico, a volte malinconico e introverso, ma sempre completamente con se stesso". I suoi personaggi femminili sono assertivi e sicuri di sé; come Esther stessa, sono pieni di energia ed emozioni, sempre in movimento dinamico". (F.C. Gundlach)

Esther Haase lavora da molti anni per clienti internazionali e riviste rinomate. Il fotografo passa con disinvoltura dai generi della moda, del ritratto, del reportage e dei progetti artistici liberi. Ha fotografato Vivienne Westwood, Angela Merkel e Karl Lagerfeld, ha lavorato per Vogue e Vanity Fair, ha realizzato campagne pubblicitarie per Guess ed Escada. Le sue opere sono rappresentate in musei e collezioni.

The exhibition "Esther ́s World" shows a personal selection from the oeuvre of the artist Esther Haase.

As an imaginative director, Esther Haase creates visual worlds full of magic and dynamics. She is the empathy-driven chronicler of an erotic and always self-confident image of women.

In her multifaceted work, many things come together: The desire to photograph, but above all the desire to stage people and fashions. Her pictures are like dances with the camera - and dance is particularly important to the photographer in real life as well. Everything is choreography. Nothing seems unnecessarily heavy, forced or stilted. Snapshot romance and short stories are characteristic stylistic devices, along with motion blur. Her often cinematic motifs suggest with a knowing wink that life is a dazzling stage where one should not take oneself or others too seriously behind all the scenery, costumes, masks and makeup.

"Her works celebrate the joy of being, passion, self-confident play with sexuality, breaking out of the rigid corset of everyday life, but above all the human being in its wholeness: adventurous, strong, courageous, erotic, sometimes melancholic and introverted, but always completely with herself. Her female characters are assertive and self-confident; like Esther herself, they are full of energy and emotion, always in dynamic motion." (F.C. Gundlach)

Esther Haase has been working for international clients and renowned magazines for many years. The photographer playfully switches between the genres of fashion, portraiture, reportage and free art projects. She has photographed Vivienne Westwood, Angela Merkel and Karl Lagerfeld, worked for Vogue and Vanity Fair, realized advertising campaigns for Guess and Escada. Her work is represented in museums and collections.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

Leica Galerie | Konstanz
15. Oktober 2022 - 21. Januar 2022

Vivarium
Dirk Hardy

Ein Bild sagt mehr als tausend Worte – selten war dieses gern und oft bemühte Sprichwort so wahr wie in den fotografischen Installationen von Dirk Hardy. Seine Bilderreihe „Vivarium“ besticht durch konzeptionellen Erfindungsreichtum, literarische Tiefe, ausgezeichnetes Fotografenhandwerk sowie eine überraschende Präsentation.

„Vivarium“ ist der Überbegriff für jeden künstlich nachgestellten Lebensraum, beispielsweise ein Aquarium oder Terrarium. Der niederländische Fotograf Dirk Hardy erweitert den Begriff auf Menschen, indem er eine oder mehrere Figuren in einer minutiös geplanten und akribisch ausgestatteten Kulisse platziert. Folgt der Betrachter den Details und Hinweisen, entspinnt sich schnell eine Geschichte, die teilweise auch erst in einer später folgenden Szene ihre Auflösung findet. So sieht man in Episode 4 den italienischen Kinobesitzer Andrea, wie ihn seine gesellschaftlich festgelegte Rolle als Mann quält. Episode 5 zeigt Andrea, wie er sich selbst sieht, befreit von geschlechterspezifischen Identitäten.

Die Fülle an Details, die es in jedem Tableau zu entdecken gibt und gilt, ist schier überwältigend. Der Betrachter wird gefordert, die Beziehung zwischen Mensch und Umgebung zu erkunden, Verbindungen zu erkennen, Schlussfolgerungen zu ziehen. So entspinnt sich ein erzählerischer Faden, durch den das Subjekt unfreiwillig seine Träume, Ängste und Lebensumstände preisgibt. So wird jede intensive Betrachtung auch zu einem voyeuristischen Akt.

Dieser Umstand wird verstärkt durch Dirk Hardys außergewöhnliche Präsentation seiner Werke. In lebensgroßen Lichtkästen werden die hyperrealischen Bilder ausgestellt; es ist, als würde man den Menschen in diesen Tableaus wirklich begegnen und in ihre Welt eintauchen. Die Erstellung jedes dieser zeitgenössischen Trompe-l’œils nimmt drei bis vier Monate in Anspruch.

Un visuel en dit plus que mille mots - ce proverbe souvent invoqué a rarement été aussi vrai que dans les installations photographiques de Dirk Hardy. Sa série d'images "Vivarium" séduit par son inventivité conceptuelle, sa profondeur littéraire, son excellent métier de photographe et sa présentation surprenante.

"Vivarium" est le terme générique pour tout espace de vie reproduit artificiellement, par exemple un aquarium ou un terrarium. Le photographe néerlandais Dirk Hardy élargit le terme aux êtres humains en plaçant un ou plusieurs personnages dans un décor minutieusement planifié et minutieusement aménagé. Si le spectateur suit les détails et les indices, une histoire se déroule rapidement, qui ne trouve parfois sa résolution que dans une scène ultérieure. Ainsi, dans l'épisode 4, on voit Andrea, le propriétaire d'un cinéma italien, tourmenté par son rôle d'homme défini par la société. L'épisode 5 montre Andrea tel qu'il se voit lui-même, libéré des identités sexuées.

La profusion de détails à découvrir dans chaque tableau est tout simplement stupéfiante. Le spectateur est invité à explorer la relation entre l'homme et son environnement, à reconnaître les liens et à tirer des conclusions. Un fil narratif se déroule ainsi, à travers lequel le sujet révèle involontairement ses rêves, ses peurs et ses conditions de vie. Ainsi, toute observation intensive devient également un acte de voyeurisme.

Cet état de fait est renforcé par la présentation exceptionnelle des œuvres de Dirk Hardy. Les visuels hyperréalistes sont exposés dans des caissons lumineux grandeur nature ; c'est comme si l'on rencontrait réellement les personnes de ces tableaux et que l'on s'immergeait dans leur univers. La création de chacun de ces trompe-l'œil contemporains prend trois à quatre mois.

Un'immagine vale più di mille parole - raramente questo adagio è stato così vero come nelle installazioni fotografiche di Dirk Hardy. La sua serie di immagini "Vivarium" affascina per l'inventiva concettuale, la profondità letteraria, l'eccellente abilità di fotografo e la sorprendente presentazione.

Il termine "vivarium" indica qualsiasi habitat ricreato artificialmente, come un acquario o un terrario. Il fotografo olandese Dirk Hardy estende il termine agli esseri umani, collocando una o più figure in un ambiente meticolosamente pianificato e meticolosamente arredato. Se lo spettatore segue i dettagli e gli indizi, si sviluppa rapidamente una storia che a volte trova la sua risoluzione solo in una scena successiva. Nell'episodio 4, ad esempio, vediamo il proprietario di un cinema italiano Andrea tormentato dal suo ruolo di uomo socialmente definito. L'episodio 5 mostra Andrea come si vede, liberato dalle identità di genere.

La ricchezza di dettagli che si possono e si devono scoprire in ogni tavola è semplicemente travolgente. Lo spettatore è chiamato a esplorare il rapporto tra l'uomo e il suo ambiente, a riconoscere le connessioni, a trarre conclusioni. In questo modo, si dipana un filo narrativo attraverso il quale il soggetto rivela involontariamente i suoi sogni, le sue paure e le sue circostanze di vita. Così, ogni osservazione intensa diventa anche un atto voyeuristico.

Questa circostanza è rafforzata dalla straordinaria presentazione delle opere di Dirk Hardy. Le immagini iperrealistiche sono visualizzate in light box a grandezza naturale; è come se si incontrassero davvero le persone in questi tableaux e ci si immergesse nel loro mondo. La creazione di ciascuno di questi trompe-l'œil contemporanei richiede dai tre ai quattro mesi.

A picture is worth a thousand words - rarely has this often-used adage been as true as in the photographic installations of Dirk Hardy. His series of images "Vivarium" captivates with conceptual inventiveness, literary depth, excellent photographer's craft as well as a surprising presentation.

"Vivarium" is the umbrella term for any artificially recreated habitat, such as an aquarium or terrarium. Dutch photographer Dirk Hardy extends the term to humans by placing one or more figures in a meticulously planned and meticulously appointed setting. If the viewer follows the details and clues, a story quickly unfolds, which sometimes only finds its resolution in a scene that follows later. In episode 4, for example, we see the Italian cinema owner Andrea as he is tormented by his socially defined role as a man. Episode 5 shows Andrea as he sees himself, liberated from gendered identities.

The wealth of detail that can and must be discovered in each tableau is sheer overwhelming. The viewer is challenged to explore the relationship between man and his surroundings, to recognize connections, to draw conclusions. Thus, a narrative thread unwinds through which the subject involuntarily reveals his dreams, fears, and life circumstances. Thus, every intense observation also becomes a voyeuristic act.

This circumstance is reinforced by Dirk Hardy's extraordinary presentation of his works. The hyper-realistic images are displayed in life-size light boxes; it is as if one were really meeting the people in these tableaux and immersing oneself in their world. The creation of each of these contemporary trompe-l'œils takes three to four months.

(Text: Leica Galerie, Konstanz)