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Weiss war der Schnee – Thomas Wrede | Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
Feb.
7
bis 18. Apr.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Weiss war der Schnee – Thomas Wrede | Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
7. Februar – 19. April 2025

Weiss war der Schnee
Thomas Wrede

Rhonegletscher inside #5, 2019, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

Die Galerie Bernhard Knaus Fine Art präsentiert ihre erste Einzelausstellung mit Werken aus dem Glacier Project von Thomas Wrede. In seinem fotografischen OEuvre lotet Wrede die faszinierende Grenze zwischen Inszenierung und Wirklichkeit aus, wobei Landschaften als zentrales Sujet fungieren. Seine Werke ergründen sowohl vorgefundene als auch eigens kreierte Konstruktionen in der Natur, stets im Spannungsfeld zwischen Authentizität und Artifizialität.

Bereits Wredes frühere Werkgruppen thematisieren Umwelt, Naturkatastrophen und menschliche Spuren in der Landschaft, was zu einer einzigartigen Bildästhetik zwischen surrealer Verfremdung, kritischer Dokumentation und apokalyptischer Fiktion führt. Seine spektakulären Landschaftsaufnahmen der alpinen Gletscher spiegeln dabei auf erschreckend bildliche Weise den fortschreitenden Klimawandel und seine Folgen wider und sind damit aktueller denn je.

Während die Serie Real Landscapes sich durch gezielte Inszenierungen mit Miniaturmodellen in natürlichen Umgebungen auszeichnet, in denen der Künstler bewusst mit der Perspektive spielt und eine Spannung zwischen Realität und Fiktion erzeugt, verschmelzen bei den Gletscherfotografien natürliche Landschaften mit menschlichen Eingriffen.

Wredes Glacier Project, das 2017 mit Aufnahmen des Schweizer Rhonegletschers begann, umfasst großformatige Panoramen sowie Außen- und Innenansichten der Gletscherhöhlen. Es basiert auf dem Konzept der verpackten Landschaft. Um das rapide Abschmelzen der Gletscher zu verlangsamen, werden große Eisflächen – temporär oder auch dauerhaft – mit Vlies abgedeckt. Detailaufnahmen zeigen die verwitterten Abdeckungen, die Geröll und schmutzigen Schnee freilegen. Die morbide Ästhetik der Falten, die gewählten Ausschnitte und die vielfältigen Grautöne ergeben einzigartige malerische Motive. Diese Aufnahmen erinnern an Wredes frühe Serie Samsö aus den 1990er Jahren, in der Plastikfolien auf einer dänischen Insel in atmosphärischen Schwarzweiß-Aufnahmen eine beklemmende Schönheit entfalten.

Im Kontrast zur maroden "Außenhaut" steht das faszinierende Farben- und Lichtspiel der jahrhundertealten Eisschichten im Inneren. Die Vliesabdeckungen scheinen durch das dünner werdende Eis und brechen teilweise in die Höhle ein, wodurch Außen und Innen, Natürliches und Künstliches verschmelzen.

In der neueren Arbeiten Blutschnee erkundet Wrede ein faszinierendes Naturphänomen am Presena-Gletscher in Südtirol. Die rosarot schimmernden Algen im Tauwasser verwandeln den Schnee in abstrakte, fast surreale Farbkompositionen, die die fragile Schönheit, Vergänglichkeit und klimatische Transformation der alpinen Landschaft eindringlich visualisieren.

Der Titel WEISS WAR DER SCHNEE unserer Ausstellung deutet auf eine verlorene Reinheit hin, evoziert eine elegische Meditation über die einst unberührte alpine Landschaft. Er changiert zwischen melancholischer Reminiszenz und zeitdiagnostischer Klage, indem er die jungfräuliche Reinheit des Schnees als Metapher für eine unwiederbringlich verlorene Ursprünglichkeit heraufbeschwört und symbolisiert so Vergänglichkeit und Wandel in Wredes Gletscherfotografien.

Wredes Ziel ist keine dokumentarische Erfassung der Gletscherveränderungen, sondern vielmehr die Verwendung der Fotografie als anschauliches Denken. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Gletschern resultiert in verstörend schönen Bildern, die zwischen Idylle und Katastrophe, Inszenierung und Wirklichkeit oszillieren.

Als engagierter Künstler setzt Wrede das Glacier Project fort und besteigt weitere Gletscher, um die bedrohte Schönheit und Fragilität des Eises festzuhalten: „Ich will Bilder zwischen Dokumentation und subjektivem Sehen finden, die die Spuren der Klimakrise und die rapiden Veränderungen mitten in Europa sichtbar werden lassen. (2018)“. Seine Werke finden sich in renommierten Sammlungen weltweit. Zudem war er an der Klima Biennale im Museum für Angewandte Kunst in Wien (2021) sowie an der Ausstellung Weather Engines im Onassis Stegi in Athen (2022) beteiligt.

Rhonegletscher inside #10, 2019, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

La galerie Bernhard Knaus Fine Art présente sa première exposition individuelle avec des œuvres du Glacier Project de Thomas Wrede. Dans son œuvre photographique, Wrede explore la frontière fascinante entre mise en scène et réalité, avec les paysages comme sujet central. Ses œuvres explorent aussi bien les constructions trouvées dans la nature que celles qu'il a lui-même créées, toujours dans le champ de tension entre l'authenticité et l'artificialité.

Les groupes d'œuvres antérieurs de Wrede traitent déjà de l'environnement, des catastrophes naturelles et des traces humaines dans le paysage, ce qui donne lieu à une esthétique picturale unique entre altération surréaliste, documentation critique et fiction apocalyptique. Ses photos de paysages spectaculaires des glaciers alpins reflètent ainsi de manière terriblement imagée le changement climatique en cours et ses conséquences, et sont donc plus actuelles que jamais.

Alors que la série Real Landscapes se caractérise par des mises en scène ciblées avec des modèles miniatures dans des environnements naturels, dans lesquelles l'artiste joue délibérément avec la perspective et crée une tension entre réalité et fiction, les photographies de glaciers mêlent paysages naturels et interventions humaines.

Le Glacier Project de Wrede, qui a débuté en 2017 avec des prises de vue du glacier suisse du Rhône, comprend des panoramas grand format ainsi que des vues extérieures et intérieures des grottes glaciaires. Il est basé sur le concept de paysage emballé. Afin de ralentir la fonte rapide des glaciers, de grandes surfaces de glace sont recouvertes - temporairement ou durablement - de non-tissé. Des photos de détail montrent les couvertures usées par les intempéries, laissant apparaître des éboulis et de la neige sale. L'esthétique morbide des plis, les découpes choisies et les multiples nuances de gris créent des motifs picturaux uniques. Ces clichés rappellent la première série de Wrede, Samsö, réalisée dans les années 1990, dans laquelle des films plastiques d'une île danoise déploient une beauté oppressante dans des prises de vue atmosphériques en noir et blanc.

En contraste avec la « peau extérieure » délabrée, le jeu fascinant de couleurs et de lumière des couches de glace séculaires à l'intérieur. Les couvertures en non-tissé brillent à travers la glace qui s'amincit et s'enfoncent partiellement dans la grotte, fusionnant ainsi l'extérieur et l'intérieur, le naturel et l'artificiel.

Dans son œuvre récente Blutschnee, Wrede explore un phénomène naturel fascinant sur le glacier Presena dans le Tyrol du Sud. Les algues aux reflets roses dans l'eau de fonte transforment la neige en compositions de couleurs abstraites, presque surréalistes, qui visualisent avec force la beauté fragile, l'éphémère et la transformation climatique du paysage alpin.

Le titre WEISS WAR DER SCHNEE de notre exposition suggère une pureté perdue, évoque une méditation élégiaque sur le paysage alpin autrefois intact. Il oscille entre réminiscence mélancolique et complainte diagnostique contemporaine, en évoquant la pureté virginale de la neige comme métaphore d'une originalité irrémédiablement perdue, symbolisant ainsi l'éphémère et le changement dans les photographies de glaciers de Wrede.

L'objectif de Wrede n'est pas d'enregistrer de manière documentaire les changements survenus sur les glaciers, mais plutôt d'utiliser la photographie comme un mode de pensée descriptif. Sa confrontation artistique avec les glaciers se traduit par des images d'une beauté troublante, qui oscillent entre idylle et catastrophe, mise en scène et réalité.

En tant qu'artiste engagé, Wrede poursuit le Glacier Project et escalade d'autres glaciers afin d'immortaliser la beauté menacée et la fragilité de la glace : « Je veux trouver des images à mi-chemin entre le documentaire et la vision subjective, qui rendent visibles les traces de la crise climatique et les changements rapides au cœur de l'Europe. (2018) ». Ses œuvres se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier. Il a également participé à la Biennale sur le climat au Museum für Angewandte Kunst de Vienne (2021) et à l'exposition Weather Engines à l'Onassis Stegi d'Athènes (2022).

Presena Gletscher, Blutschnee #2, 2020, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

La Galerie Bernhard Knaus Fine Art presenta la sua prima mostra personale con opere del Glacier Project di Thomas Wrede. Nella sua opera fotografica, Wrede esplora l'affascinante confine tra messa in scena e realtà, con i paesaggi come soggetto centrale. Le sue opere esplorano sia le costruzioni trovate che quelle create appositamente in natura, sempre nel campo della tensione tra autenticità e artificialità.

I precedenti gruppi di opere di Wrede tematizzano già l'ambiente, i disastri naturali e le tracce umane nel paesaggio, dando vita a un'estetica visiva unica tra alienazione surreale, documentazione critica e finzione apocalittica. Le sue spettacolari fotografie paesaggistiche dei ghiacciai alpini riflettono in modo spaventosamente visivo l'avanzare del cambiamento climatico e le sue conseguenze e sono quindi più attuali che mai.

Mentre la serie Real Landscapes è caratterizzata da una deliberata messa in scena con modelli in miniatura in ambienti naturali, in cui l'artista gioca consapevolmente con la prospettiva e crea una tensione tra realtà e finzione, le fotografie dei ghiacciai fondono paesaggi naturali con l'intervento umano.

Il Glacier Project di Wrede, iniziato nel 2017 con le fotografie del ghiacciaio svizzero del Rodano, comprende panorami di grande formato e vedute esterne e interne di grotte glaciali. Si basa sul concetto di paesaggio impacchettato. Per rallentare il rapido scioglimento dei ghiacciai, vaste aree di ghiaccio vengono coperte - temporaneamente o permanentemente - con veli. I primi piani mostrano le coperture rovinate dalle intemperie che espongono macerie e neve sporca. L'estetica morbosa delle pieghe, i dettagli selezionati e le diverse tonalità di grigio creano motivi pittorici unici. Queste immagini ricordano le prime serie Samsö di Wrede degli anni '90, in cui i teli di plastica su un'isola danese dispiegano una bellezza opprimente in suggestivi scatti in bianco e nero.

In contrasto con la fatiscente “pelle esterna” è l'affascinante gioco di colori e luce degli strati di ghiaccio secolari all'interno. Le coperture in pile risplendono attraverso l'assottigliamento del ghiaccio e irrompono parzialmente nella grotta, fondendo esterno e interno, naturale e artificiale.

Nell'opera più recente Blutschnee, Wrede esplora un affascinante fenomeno naturale sul ghiacciaio Presena in Alto Adige. Le alghe rosa scintillanti nell'acqua di disgelo trasformano la neve in composizioni di colori astratti, quasi surreali, che visualizzano vividamente la fragile bellezza, la transitorietà e la trasformazione climatica del paesaggio alpino.

Il titolo WHITE WAS THE SNOW della nostra mostra allude a una purezza perduta, evocando una meditazione elegiaca sul paesaggio alpino un tempo incontaminato. Oscilla tra la reminiscenza malinconica e il lamento del tempo, evocando la purezza vergine della neve come metafora di un'originalità irrimediabilmente perduta, simboleggiando così la transitorietà e il cambiamento nelle fotografie dei ghiacciai di Wrede.

L'obiettivo di Wrede non è quello di documentare i cambiamenti dei ghiacciai, ma piuttosto di usare la fotografia come un modo vivido di pensare. La sua esplorazione artistica dei ghiacciai si traduce in immagini di inquietante bellezza che oscillano tra idillio e catastrofe, tra messa in scena e realtà.

Come artista impegnato, Wrede continua il Glacier Project e scala altri ghiacciai per catturare la bellezza minacciata e la fragilità dei ghiacci: “Voglio trovare immagini tra la documentazione e la visione soggettiva che rendano visibili le tracce della crisi climatica e i rapidi cambiamenti nel centro dell'Europa”. (2018)”. Le sue opere si trovano in collezioni rinomate in tutto il mondo. È stato inoltre coinvolto nella Biennale del Clima al Museo di Arti Applicate di Vienna (2021) e nella mostra Weather Engines all'Onassis Stegi di Atene (2022).

Rhonegletscher outside #2, 2019, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

The gallery Bernhard Knaus Fine Art presents its first solo exhibition of works from the Glacier Project by Thomas Wrede. In his photographic oeuvre, Wrede explores the fascinating boundary between staging and reality, with landscapes as the central subject. His works explore both found and specially created constructions in nature, always in the field of tension between authenticity and artificiality.

Wrede's earlier work groups already address the environment, natural disasters and human traces in the landscape, which leads to a unique pictorial aesthetic between surreal alienation, critical documentation and apocalyptic fiction. His spectacular landscape photographs of Alpine glaciers are a shocking visual reflection of the ongoing climate change and its consequences, making them more relevant than ever.

While the series Real Landscapes is characterised by deliberate staging with miniature models in natural settings, in which the artist consciously plays with perspective and creates a tension between reality and fiction, the glacier photographs merge natural landscapes with human intervention.

Wrede's Glacier Project, which began in 2017 with photographs of the Rhône Glacier in Switzerland, includes large-format panoramas as well as exterior and interior views of the glacier caves. It is based on the concept of the packed landscape. To slow the rapid melting of the glaciers, large areas of ice are covered with fleece – either temporarily or permanently. Close-up shots show the weathered covers revealing debris and dirty snow. The morbid aesthetic of the folds, the chosen details, and the varied shades of grey create unique painterly motifs. These images recall Wrede's earlier Samsö series from the 1990s, in which plastic sheets on a Danish island unfold an oppressive beauty in atmospheric black and white photographs.

In contrast to the dilapidated ‘outer skin’ stands the fascinating play of colours and light of the centuries-old ice layers inside. The fleece covers shine through the thinning ice and partially collapse into the cave, merging the outside and inside, natural and artificial.

In his more recent work, Blutschnee (Blood Snow), Wrede explores a fascinating natural phenomenon at the Presena Glacier in South Tyrol. The pink-shimmering algae in the meltwater transform the snow into abstract, almost surreal colour compositions that vividly visualise the fragile beauty, transience and climatic transformation of the Alpine landscape.

The title of our exhibition, WEISS WAR DER SCHNEE (White Was The Snow), suggests a lost purity and evokes an elegiac meditation on the once untouched Alpine landscape. It oscillates between melancholy reminiscence and a lament on the state of the times, conjuring up the virgin purity of the snow as a metaphor for an irretrievably lost naturalness, and thus symbolising transience and change in Wrede's glacier photographs.

Wrede's aim is not to document the changes to the glaciers, but rather to use photography as a vivid way of thinking. His artistic exploration of the glaciers results in disturbingly beautiful images that oscillate between idyll and catastrophe, staging and reality.

As a committed artist, Wrede is continuing the Glacier Project and climbing more glaciers to capture the threatened beauty and fragility of the ice: ‘I want to find images between documentation and subjective vision that reveal the traces of the climate crisis and the rapid changes taking place in the heart of Europe. (2018). His works are part of renowned collections worldwide. He also participated in the Climate Biennale at the Museum of Applied Arts in Vienna (2021) and the exhibition Weather Engines at the Onassis Stegi in Athens (2022).

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

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Robert Lebeck. Hierzulande | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
Feb.
9
bis 15. Juni
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Robert Lebeck. Hierzulande | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim

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Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
9. Februar – 15. Juni 2025

Robert Lebeck. Hierzulande

Maria Callas auf dem Werksgelände von Daimler-Benz in Sindelfingen bei Stuttgart, 1959 © Archiv Robert Lebeck

Ob Willy Brandt, Elvis Presley oder Romy Schneider - Robert Lebeck (1929-2014) kam allen ganz nah. Der bedeutende Fotograf Robert Lebeck schuf in über dreißig Jahren ein umfangreiches Werk, das im Fotojournalismus und in der Porträtfotografie neue Maßstäbe setzte. Sein sicheres Gespür für aktuelle Themen und die Begabung, sie mit wenigen Bildern zu erfassen, setzte vielbewunderte Standards auf dem Gebiet der Reportagefotografie. Dabei interessierten Lebeck stets die Menschen mehr als die Ereignisse; er richtete den Blick oft auf das Kleine, wenig Beachtete und wurde mit persönlichen Aufnahmen zu einem scharfsichtigen Illustrator und visionären Deuter der Geschichte.

Die Ausstellung »Hierzulande« beleuchtet mit ausgewählten Reportagen aus Deutschland von 1955 bis 1983 sein unbestechliches Auge für den entscheidenden Moment: Lebeck fotografierte, wenn geküsst, getrunken und getanzt, aber auch, wenn geweint und gelitten wurde. Mit seiner charismatischen Gabe zur stillen Beobachtung kam er den Menschen nahe. Für »Deutschland im März« fuhr er beispielsweise 1983 ohne Ziel und konkreten Plan los und fand seine Motive in ausgelassen feiernden Karnevaljecken, einem sterbenden Wald im Schwäbischen, Hunger und Armut am Hamburger Hafen oder einer alten Dame, die Unterwäsche im Sonderangebot unter die Lupe nimmt. Mit seinen Aufnahmen dokumentierte Robert Lebeck die kleinen und großen Szenen des Alltags in der alten Bundesrepublik und hielt damit ein Stück Zeitgeschichte fest. Gleichzeitig fand Lebeck Zugang zu hohen Persönlichkeiten: Willy Brandt begleitete er für mehr als zwei Jahre, dokumentierte Wahlkampf, Wahlsieg und die ersten Schritte im Amt des Bundeskanzlers; zahlreiche Porträtfotografien von Romy Schneider zeugen von dem hohen Vertrauen, das die Schauspielerin Lebeck entgegenbrachte. Auch Maria Callas, Alfred Hitchcock oder Josef Beuys hielt er subtil und ebenso eindringlich fest.

Im Fokus seiner Ausstellung »Hierzulande« stehen seine prägenden Deutschlandbilder. Das Besondere ist, dass zum Teil noch nie veröffentlichte Fotografien von Robert Lebeck auch Teil der Retrospektive sind. Heimkehrer, Bonner Republik, Deutschland im März bilden in der umfassenden Schau über 150 Fotografien ebenso Themenblöcke wie Elvis Presley, Maria Callas oder Romy Schneider.

Alfred Hitchcock auf einer Barkasse im Hamburger Hafen, 1960 © Archiv Robert Lebeck

Que ce soit Willy Brandt, Elvis Presley ou Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) les a tous approchés de très près. En plus de trente ans, le grand photographe Robert Lebeck a créé une œuvre considérable qui a posé de nouveaux jalons dans le photojournalisme et la photographie de portrait. Son flair sûr pour les sujets d'actualité et son talent pour les saisir en quelques clichés ont établi des normes très admirées dans le domaine de la photographie de reportage. Lebeck s'intéressait toujours plus aux personnes qu'aux événements ; il portait souvent son regard sur ce qui était petit et peu remarqué et devint, avec ses photos personnelles, un illustrateur perspicace et un interprète visionnaire de l'histoire.

L'exposition « Hierzulande » met en lumière, à travers une sélection de reportages réalisés en Allemagne entre 1955 et 1983, son œil incorruptible pour les moments décisifs : Lebeck photographiait quand on s'embrassait, buvait et dansait, mais aussi quand on pleurait et souffrait. Avec son don charismatique pour l'observation silencieuse, il était proche des gens. Pour « L'Allemagne en mars », il est par exemple parti en 1983 sans but ni plan concret et a trouvé ses motifs dans des joyeux fêtards de carnaval, une forêt mourante en Souabe, la faim et la pauvreté dans le port de Hambourg ou une vieille dame examinant à la loupe des sous-vêtements en promotion. Avec ses clichés, Robert Lebeck a documenté les petites et grandes scènes de la vie quotidienne dans l'ancienne République fédérale d'Allemagne et a ainsi enregistré une partie de l'histoire contemporaine. Parallèlement, Lebeck a eu accès à de hautes personnalités : Il a accompagné Willy Brandt pendant plus de deux ans, documentant la campagne électorale, la victoire électorale et les premiers pas dans la fonction de chancelier fédéral ; de nombreux portraits photographiques de Romy Schneider témoignent de la grande confiance que l'actrice accordait à Lebeck. Il a également immortalisé Maria Callas, Alfred Hitchcock ou Josef Beuys avec subtilité et tout autant d'insistance.

Ses images marquantes de l'Allemagne sont au cœur de son exposition « Hierzulande ». La particularité est que des photographies de Robert Lebeck, dont certaines n'ont jamais été publiées, font également partie de la rétrospective. Les retours au pays, la République de Bonn, l'Allemagne en mars forment des blocs thématiques dans cette exposition complète de plus de 150 photographies, tout comme Elvis Presley, Maria Callas ou Romy Schneider.

Auf der Karl-Marx-Straße, Berlin-Neukölln, 1961 © Archiv Robert Lebeck

Che si tratti di Willy Brandt, Elvis Presley o Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) è stato molto vicino a tutti loro. In più di trent'anni, l'importante fotografo Robert Lebeck ha creato un ampio corpus di lavori che hanno stabilito nuovi standard nel fotogiornalismo e nella fotografia di ritratto. Il suo istinto sicuro per i temi di attualità e il suo talento nel catturarli in poche immagini hanno stabilito standard molto apprezzati nel campo della fotografia di reportage. Lebeck è sempre stato più interessato alle persone che agli eventi; si è spesso concentrato sul piccolo, sul poco notato ed è diventato un illustratore acuto e un interprete visionario della storia con le sue fotografie personali.

La mostra “Hierzulande”, con una selezione di reportage realizzati in Germania tra il 1955 e il 1983, mette in luce il suo occhio infallibile per il momento decisivo: Lebeck ha fotografato quando la gente baciava, beveva e ballava, ma anche quando piangeva e soffriva. Con il suo carismatico dono di osservazione silenziosa, si è avvicinato alle persone. Per “Germania in marzo”, ad esempio, è partito nel 1983 senza una meta o un piano concreto e ha trovato i suoi motivi nei festeggiamenti esuberanti del carnevale, in una foresta morente in Svevia, nella fame e nella povertà del porto di Amburgo o in un'anziana signora che esamina la biancheria intima in vendita. Con le sue fotografie, Robert Lebeck ha documentato le piccole e grandi scene di vita quotidiana della vecchia Repubblica Federale, catturando così un pezzo di storia contemporanea. Allo stesso tempo, Lebeck ebbe accesso a personalità di alto livello: Accompagnò Willy Brandt per più di due anni, documentando la sua campagna elettorale, la vittoria elettorale e i primi passi nella carica di Cancelliere; numerosi ritratti fotografici di Romy Schneider testimoniano l'alto livello di fiducia che l'attrice riponeva in Lebeck. Ha anche immortalato Maria Callas, Alfred Hitchcock e Josef Beuys in modo sottile e altrettanto vivido.

La mostra “Hierzulande” si concentra sulle sue immagini formative della Germania. La particolarità è che fanno parte della retrospettiva anche alcune fotografie di Robert Lebeck, alcune delle quali mai pubblicate prima. Gli abitanti della casa, la Repubblica di Bonn, la Germania a marzo, Elvis Presley, Maria Callas e Romy Schneider formano dei blocchi tematici nella mostra completa di oltre 150 fotografie.

Willy Brandt im Speisewagen, Süddeutschland, 1973 © Archiv Robert Lebeck

Whether Willy Brandt, Elvis Presley or Romy Schneider – Robert Lebeck (1929-2014) got up close and personal with them all. Over a period of more than thirty years, the renowned photographer Robert Lebeck created an extensive body of work that set new standards in photojournalism and portrait photography. His keen sense for current affairs and his talent for capturing them in just a few images set much-admired standards in the field of reportage photography. Lebeck was always more interested in the people than the events; he often turned his attention to the small, the little-noticed, and with his personal photographs he became a sharp-sighted illustrator and visionary interpreter of history.

The exhibition “Hierzulande” (In these parts) uses selected reportages from Germany from 1955 to 1983 to illuminate his unerring eye for the decisive moment: Lebeck took pictures when people were kissing, drinking and dancing, but also when they were crying and suffering. With his charismatic gift for silent observation, he was able to get close to people. In 1983, for example, he set out for “Germany in March” without a specific destination or plan, and found his motifs in people celebrating the carnival, a dying forest in Swabia, hunger and poverty in the port of Hamburg, or an old lady examining underwear on sale. With his photographs, Robert Lebeck documented the small and large scenes of everyday life in the old Federal Republic of Germany, thereby capturing a piece of contemporary history. At the same time, Lebeck was able to gain access to high-ranking personalities: he accompanied Willy Brandt for more than two years, documenting his election campaign, election victory and the first steps he took in office as Chancellor; numerous portrait photographs of Romy Schneider testify to the great trust that the actress placed in Lebeck. He also captured Maria Callas, Alfred Hitchcock and Josef Beuys in a subtle and equally haunting way.

The focus of his exhibition “Hierzulande” is on his defining images of Germany. What makes this retrospective so special is that it includes photographs by Robert Lebeck that have never been published before. The comprehensive show, which includes over 150 photographs, covers topics such as returnees, the Bonn Republic, and Germany in March 1990, as well as Elvis Presley, Maria Callas, and Romy Schneider.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim)

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Andreas Mühe. Im Banne des Zorns | DZ BANK Kunststiftung GmbH | Frankfurt am Main
Feb.
26
bis 24. Mai
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Andreas Mühe. Im Banne des Zorns | DZ BANK Kunststiftung GmbH | Frankfurt am Main

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DZ BANK Kunststiftung GmbH | Frankfurt am Main
26. Februar – 24. Mai 2025

Andreas Mühe. Im Banne des Zorns

Andreas Mühe, Katze 9, 2024, aus der Serie Beates Katzen © Andreas Mühe, VG Bild-Kunst 2025

Mit Hilfe fotografischer Bilder und Installationen sucht Andreas Mühe nach spürbaren Folgen der deutschen Geschichte. Er befragt die Vergangenheit als einen Zeitraum, der Narben und Traumata hinterlassen hat, die noch immer nicht zur Genüge aufgearbeitet sind. Dabei lässt das Erstarken antidemokratischer und radikaler Tendenzen in unserer gegenwärtigen politischen Landschaft die Dringlichkeit einer Auseinandersetzung mit unserer Geschichte wichtiger werden denn je. Mit der Präsentation seiner Werke aus einer über 20-jährigen Schaffenszeit gibt die Kunststiftung DZ BANK einen breiten Überblick über das OEuvre von Andreas Mühe und möchte damit zu einem Dialog über demokratisches Handeln anregen.

»Mit der Kamera ins Herz der Finsternis« lautet die Überschrift eines Textes über die Bildserie »Obersalzberg« (2010–2012) von Andreas Mühe. Mit dieser Werkreihe beginnt die Ausstellung »Im Banne des Zorns«. Auch das Titelmotiv der Ausstellung, »Mooslahnerkopf« (2010) entstammt dieser Serie. Demgegenüber werden unter anderem Werke aus seiner Serie »RAFNSU« (2023–fortlaufend) zu sehen sein, eine Auseinandersetzung mit dem Grauen des deutschen Terrorismus sowie dem Schrecken der Radikalisierung. Je drei Mitglieder der Roten Armee Fraktion sowie des Nationalsozialistischen Untergrunds setzt er auf diese Weise in Beziehung zueinander. So wie sich die RAF aus der Radikalisierung der Studentenbewegung entwickelte und gegen das Establishment der BRD wandte, richteten die rechten Terroristen des NSU sich gegen eine offene Gesellschaft und töteten in ihrem Hass deutsche Mitbürgerinnen und Mitbürger mit Migrationshintergrund. Darüber hinaus werden fotografische Arbeiten aus den Serien »Beates Katzen« (2024), »Prora, Rügen« (2004), »A.M. Bunker« (2023), »Mischpoche« (2016–2019) und »Kanzlerbungalow« (2021) gezeigt. Die Werkreihe »Wandlitz« (2011), in der Andreas Mühe zwanzig Häuser von Mitgliedern des SED-Politbüros in der Waldsiedlung bei Wandlitz porträtiert, komplettiert den umfassenden Überblick über seine Schaffenszyklen und machen spürbar, dass die Diktatur der damaligen DDR, des ganzen totalitären Regimes, so doktrinär auf die Bevölkerung Einfluss nahm, dass die Folgen bis heute und vielleicht noch lange darüber hinaus spürbar sind und sein werden.

Eines haben seine Werkreihen immer gemeinsam: die bedachte und inszenierende Art des Fotografierens mit einer Plattenkamera gibt Andreas Mühe die Möglichkeit, die Szenerie sowie seine persönliche Position und Haltung immer wieder zu überprüfen, bevor er auf den Auslöser drückt. Dasselbe gilt auch für den Betrachtenden seiner Werke. Andreas Mühes Werke öffnen den Raum für die Auseinandersetzung mit der eigenen und der gesellschaftlichen Geschichte, die bis ins Jetzt hineinragt.

Andreas Mühe, Mooslahnerkopf, 2010, aus der Serie Obersalzberg, © Andreas Mühe, VG Bild-Kunst 2025

À l'aide d'images photographiques et d'installations, Andreas Mühe recherche les conséquences perceptibles de l'histoire allemande. Il interroge le passé comme une période qui a laissé des cicatrices et des traumatismes qui ne sont toujours pas suffisamment traités. La montée des tendances antidémocratiques et radicales dans notre paysage politique actuel rend plus importante que jamais l'urgence d'une réflexion sur notre histoire. En présentant les œuvres d'Andreas Mühe, qui s'étendent sur plus de 20 ans, la Kunststiftung DZ BANK donne un large aperçu de son œuvre et souhaite ainsi inciter à un dialogue sur l'action démocratique.

« Mit der Kamera ins Herz der Finsternis », tel est le titre d'un texte consacré à la série de tableaux “Obersalzberg” (2010-2012) d'Andreas Mühe. C'est avec cette série d'œuvres que débute l'exposition « Im Banne des Zorns ». Le motif du titre de l'exposition, « Mooslahnerkopf » (2010), est également issu de cette série. En face, on pourra voir entre autres des œuvres de sa série « RAFNSU » (2023-continue), une confrontation avec l'horreur du terrorisme allemand ainsi que l'horreur de la radicalisation. Il met ainsi en relation trois membres de la Fraction armée rouge et trois membres de l'underground national-socialiste. Tout comme la RAF s'est développée à partir de la radicalisation du mouvement étudiant et s'est tournée contre l'establishment de la RFA, les terroristes de droite du NSU se sont dirigés contre une société ouverte et ont tué dans leur haine des concitoyens allemands issus de l'immigration. En outre, des travaux photographiques des séries « Beates Katzen » (2024), « Prora, Rügen » (2004), « A.M. Bunker » (2023), « Mischpoche » (2016-2019) et « Kanzlerbungalow » (2021) seront présentés. La série d'œuvres « Wandlitz » (2011), dans laquelle Andreas Mühe fait le portrait de vingt maisons de membres du Politburo du SED dans la cité forestière près de Wandlitz, complète le vaste aperçu de ses cycles de création et rendent perceptible le fait que la dictature de la RDA de l'époque, de tout le régime totalitaire, a exercé une telle influence doctrinale sur la population que les conséquences sont et seront perceptibles jusqu'à aujourd'hui et peut-être encore longtemps après.

Ses séries d'œuvres ont toujours un point commun : la manière réfléchie et mise en scène de photographier avec un appareil à plaque donne à Andreas Mühe la possibilité de toujours vérifier le décor ainsi que sa position et son attitude personnelles avant d'appuyer sur le déclencheur. Il en va de même pour le spectateur de ses œuvres. Les œuvres d'Andreas Mühe ouvrent l'espace pour une confrontation avec sa propre histoire et celle de la société, qui s'étend jusqu'au présent.

Con l'aiuto di immagini fotografiche e installazioni, Andreas Mühe cerca conseguenze tangibili della storia tedesca. Mette in discussione il passato come un periodo che ha lasciato cicatrici e traumi non ancora sufficientemente affrontati. L'ascesa di tendenze antidemocratiche e radicali nel nostro attuale panorama politico rende più importante che mai fare i conti con la nostra storia. Con la presentazione delle sue opere di un periodo creativo di oltre 20 anni, la DZ BANK Art Foundation offre un'ampia panoramica dell'opera di Andreas Mühe e mira a incoraggiare un dialogo sull'azione democratica.

“Con la macchina fotografica nel cuore delle tenebre” è il titolo di un testo sulla serie ‘Obersalzberg’ (2010-2012) di Andreas Mühe. La mostra “Im Banne des Zorns” inizia con questa serie di opere. Anche il motivo del titolo della mostra, “Mooslahnerkopf” (2010), proviene da questa serie. Al contrario, saranno esposte opere della serie “RAFNSU” (2023 in corso), un esame dell'orrore del terrorismo tedesco e dell'orrore della radicalizzazione. In questo modo, l'artista mette in relazione tre membri della Fazione dell'Armata Rossa e tre membri della National Socialist Underground. Proprio come la RAF si sviluppò dalla radicalizzazione del movimento studentesco e si rivolse contro l'istituzione della RFT, i terroristi di destra della NSU erano diretti contro una società aperta e uccisero cittadini tedeschi con un background migratorio nel loro odio. Saranno esposte anche opere fotografiche delle serie “Beates Katzen” (2024), “Prora, Rügen” (2004), “A.M. Bunker” (2023), “Mischpoche” (2016-2019) e “Kanzlerbungalow” (2021). La serie di opere “Wandlitz” (2011), in cui Andreas Mühe ritrae venti case di membri del Politburo della SED nell'insediamento forestale vicino a Wandlitz, completa la panoramica completa dei suoi cicli creativi e chiarisce che la dittatura dell'ex DDR, l'intero regime totalitario, ha avuto un'influenza così dottrinaria sulla popolazione che le conseguenze si fanno e si faranno sentire ancora oggi e forse per molto tempo.

Le sue serie di opere hanno sempre una cosa in comune: il modo ponderato e inscenato di fotografare con una macchina a lastre dà ad Andreas Mühe l'opportunità di scrutare ripetutamente lo scenario, nonché la sua posizione e il suo atteggiamento personale prima di premere il pulsante di scatto. Lo stesso vale per chi guarda le sue opere. Le opere di Andreas Mühe aprono lo spazio per un esame della propria storia e di quella della società, che si estende fino al presente.

Andreas Mühe uses photographic images and installations to explore the tangible consequences of German history. He questions the past as a period that has left scars and traumas that have still not been sufficiently addressed. The rise of anti-democratic and radical tendencies in our current political landscape makes the urgency of coming to terms with our history more important than ever. The DZ BANK Art Foundation is presenting a broad overview of Andreas Mühe's oeuvre with this exhibition of works spanning more than 20 years of creativity, with the aim of encouraging a dialogue about democratic action.

‘With the camera into the heart of darkness’ is the title of a text about the series of pictures ‘Obersalzberg’ (2010-2012) by Andreas Mühe. The exhibition ‘Im Banne des Zorns’ begins with this series of works. The exhibition's title motif, ‘Mooslahnerkopf’ (2010), also comes from this series. In contrast, works from his series ‘RAFNSU’ (2023–ongoing), among others, will be on display, an examination of the horror of German terrorism and the terror of radicalisation. In this way, he relates three members of the Red Army Faction and three members of the National Socialist Underground to one another. Just as the RAF developed out of the radicalisation of the student movement and turned against the establishment of the FRG, the right-wing terrorists of the NSU turned against an open society, killing fellow German citizens with migrant backgrounds in their hatred. Photographic works from the series ‘Beate's Cats’ (2024), ‘Prora, Rügen’ (2004), ‘A.M. Bunker’ (2023), ‘Mishpocheh’ (2016–2019) and ‘Chancellor's Bungalow’ (2021) will also be on display. The series ‘Wandlitz’ (2011), in which Andreas Mühe portrays twenty houses belonging to members of the SED Politburo in the forest settlement near Wandlitz, completes the comprehensive overview of his creative cycles and makes it tangible that the dictatorship of the former GDR, the entire totalitarian regime, exerted such doctrinaire influence on the population that the consequences can be and will be felt to this day and perhaps for a long time to come.

All of his series have one thing in common: the deliberate and staged way of photographing with a plate camera gives Andreas Mühe the opportunity to repeatedly examine the scenery as well as his personal position and attitude before he presses the shutter release. The same applies to the viewer of his works. Andreas Mühe's works open up space for an examination of one's own and society's history, which extends into the present.

(Text: DZ BANK Kunststiftung GmbH, Frankfurt am Main)

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Michael Kerstgens. Out of Control | Fotografie Forum Frankfurt
März
8
bis 11. Mai
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Michael Kerstgens. Out of Control | Fotografie Forum Frankfurt

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Fotografie Forum Frankfurt
8. März – 11. Mai 2025

Michael Kerstgens. Out of Control

Kigoma, Tanzania, 1996 © Michael Kerstgens 2025

Euphorie auf der Tanzfläche, Aufruhr in den Fabriken, sich stetig wandelnde Landschaften – in Michael Kerstgens. Out of Control präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) die erste umfassende Ausstellung zum Werk des deutschen Dokumentarfotografen Michael Kerstgens (*1960). Die Schau gibt einen tiefen Einblick in sein über 40-jähriges Schaffen und zeigt gesellschaftspolitische Langzeit-Fotoessays in Schwarz-Weiß und Farbe. Mit großer Sensibilität dokumentiert Kerstgens in seinen Fotografien den Wandel von Lebenswelten – von industriell geprägten Gemeinschaften hin zu Konsum- und Freizeitgesellschaften.

Geboren in Wales und aufgewachsen in Mülheim an der Ruhr, studierte Michael Kerstgens Kommunikationsdesign und Fotografie an der Folkwang-Hochschule (GHS) in Essen. Bekannt wurde er durch seine Serie »The Enemy Within« über den britischen Bergarbeiterstreik 1984/85. Während dieser Zeit lebte er bei einer streikenden Familie – eine prägende Erfahrung, die seine fotografische Perspektive nachhaltig beeinflusste.

Seine Arbeiten, häufig autobiografisch geprägt, widmen sich dem Wandel von Orten und Menschen und spiegeln gesellschaftliche Umbrüche wider: 1987 dokumentierte Kerstgens den Stahlarbeiterstreik in Duisburg-Rheinhausen, 1990 hielt er die Veränderungen in der thüringischen Stadt Mühlhausen während der Zeit vor der deutschen Wiedervereinigung fest. In den Farbaufnahmen von »1986, Back to the Present« thematisierte er die Konsum- und Freizeitgesellschaft der 1980er Jahre.

Das breite Spektrum seines Schaffens umfasst auch seine jüngsten Industrie- und Küstenlandschaften sowie eindrucksvolle Porträts aus der Musik- und Kunstszene. Zu den von Michael Kerstgens porträtierten Persönlichkeiten gehören unter anderem Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier und Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens hat zahlreiche Bücher veröffentlicht, darunter »Neues Leben. Russen Juden Deutsche« (2012, Kehrer Verlag), »The Miners’ Strike 1984/1985« (2014, Dewi Lewis Publishing), »The Final Winter. Der letzte Winter der UdSSR« (2018, Peperoni Books), »1986. Zurück in die Gegenwart« (2021, Hartmann Books). Für sein fotografisches Werk erhielt er viele Auszeichnungen, darunter den Wissenschaftspreis der Hochschule Darmstadt in der Kategorie Outreach (2018) sowie den Imke-Folkerts-Kunstpreis für Ostfriesland (2004).

Als freier Fotograf arbeitete Michael Kerstgens international für Redaktionen und Unternehmen, bevor er sich der Lehre zuwandte. Nach ersten Lehraufträgen in Ostfriesland und Dessau ist er seit 2007 Professor für Fotografie an der Hochschule Darmstadt.

Kuratiert von Celina Lunsford in Zusammenarbeit mit Michael Kerstgens, präsentiert die Ausstellung Michael Kerstgens. Out of Control rund 100 Werke.

Lake Tanganyika, Kigoma, Tanzania, 1996 © Michael Kerstgens 2025

Euphorie sur la piste de danse, agitation dans les usines, paysages en constante évolution - dans Michael Kerstgens. Out of Control, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente la première exposition complète sur l'œuvre du photographe documentaire allemand Michael Kerstgens (*1960). L'exposition donne un aperçu profond de son travail de plus de 40 ans et présente des essais photographiques sociopolitiques à long terme en noir et blanc et en couleur. Avec une grande sensibilité, Kerstgens documente dans ses photographies l'évolution des milieux de vie - des communautés marquées par l'industrie vers les sociétés de consommation et de loisirs.

Né au Pays de Galles et ayant grandi à Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens a étudié le design de communication et la photographie à la Folkwang-Hochschule (GHS) d'Essen. Il s'est fait connaître par sa série « The Enemy Within » sur la grève des mineurs britanniques de 1984/85, période pendant laquelle il a vécu avec une famille de grévistes - une expérience marquante qui a durablement influencé sa perspective photographique.

Ses travaux, souvent autobiographiques, sont consacrés à la transformation des lieux et des personnes et reflètent les bouleversements sociaux : en 1987, Kerstgens a documenté la grève des sidérurgistes à Duisburg-Rheinhausen ; en 1990, il a immortalisé les changements survenus dans la ville thuringienne de Mühlhausen pendant la période précédant la réunification allemande. Dans les photos en couleur de « 1986, Back to the Present », il a pris pour thème la société de consommation et de loisirs des années 1980.

Le large spectre de son œuvre comprend également ses paysages industriels et côtiers les plus récents ainsi que des portraits impressionnants de la scène musicale et artistique. Parmi les personnalités dont Michael Kerstgens a fait le portrait, on trouve notamment Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier et Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens a publié de nombreux livres, dont « Neues Leben. Russen Juden Deutsche«  (2012, Kehrer Verlag), “The Miners” Strike 1984/1985 » (2014, Dewi Lewis Publishing), « The Final Winter. Le dernier hiver de l'URSS » (2018, Peperoni Books), “1986. Retour au présent” (2021, Hartmann Books). Il a reçu de nombreuses distinctions pour son œuvre photographique, dont le prix scientifique de l'université de Darmstadt dans la catégorie Outreach (2018) et le prix artistique Imke Folkerts pour la Frise orientale (2004).

En tant que photographe indépendant, Michael Kerstgens a travaillé au niveau international pour des rédactions et des entreprises avant de se tourner vers l'enseignement. Après avoir commencé à enseigner en Frise orientale et à Dessau, il est depuis 2007 professeur de photographie à l'école supérieure de Darmstadt.

Organisée par Celina Lunsford en collaboration avec Michael Kerstgens, l'exposition Michael Kerstgens. Out of Control présente une centaine d'œuvres.

New Year’s Eve, Mühlheim/Ruhr, Deutschland, 1983/84 © Michael Kerstgens 2025

Euforia sulla pista da ballo, tumulti nelle fabbriche, paesaggi in continuo cambiamento: in Michael Kerstgens. Out of Control, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta la prima mostra completa del lavoro del fotografo documentarista tedesco Michael Kerstgens (*1960). La mostra offre una visione approfondita dei suoi oltre 40 anni di lavoro e presenta saggi fotografici socio-politici a lungo termine in bianco e nero e a colori. Con grande sensibilità, Kerstgens documenta nelle sue fotografie la trasformazione degli ambienti di vita, dalle comunità industrializzate alle società del consumo e del tempo libero.

Nato in Galles e cresciuto a Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens ha studiato design della comunicazione e fotografia alla Folkwang-Hochschule (GHS) di Essen. È diventato noto per la serie “The Enemy Within” sullo sciopero dei minatori britannici del 1984/85, durante il quale ha vissuto con una famiglia di scioperanti - un'esperienza formativa che ha influenzato in modo duraturo la sua prospettiva fotografica.

Le sue opere, spesso di natura autobiografica, sono dedicate alla trasformazione di luoghi e persone e riflettono gli sconvolgimenti sociali: nel 1987 Kerstgens ha documentato lo sciopero degli operai siderurgici a Duisburg-Rheinhausen, nel 1990 ha immortalato i cambiamenti della città turingia di Mühlhausen nel periodo precedente la riunificazione tedesca. Nelle fotografie a colori di “1986, Back to the Present”, si è concentrato sulla società dei consumi e del tempo libero degli anni Ottanta.

L'ampio spettro del suo lavoro comprende anche i suoi più recenti paesaggi industriali e costieri, nonché impressionanti ritratti della scena musicale e artistica. Tra le personalità ritratte da Michael Kerstgens figurano Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier e Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens ha pubblicato numerosi libri, tra cui “Neues Leben. Russen Juden Deutsche“ (2012, Kehrer Verlag), ‘The Miners’ Strike 1984/1985” (2014, Dewi Lewis Publishing), “The Final Winter. L'ultimo inverno dell'URSS” (2018, Peperoni Books), ‘1986. Ritorno al presente’ (2021, Hartmann Books). Ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro fotografico, tra cui il Darmstadt University of Applied Sciences Science Award nella categoria Outreach (2018) e l'Imke Folkerts Art Prize for East Frisia (2004).

Come fotografo freelance, Michael Kerstgens ha lavorato a livello internazionale per redazioni e aziende prima di dedicarsi all'insegnamento. Dopo i primi incarichi di insegnamento nella Frisia orientale e a Dessau, dal 2007 è professore di fotografia all'Università di Scienze Applicate di Darmstadt.

Curata da Celina Lunsford in collaborazione con Michael Kerstgens, la mostra Michael Kerstgens. Out of Control presenta circa 100 opere.

Norderney, 2019 © Michael Kerstgens 2025

Euphoria on the dance floor, turmoil in the factories, ever-changing landscapes – the Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents the first comprehensive exhibition of the work of German documentary photographer Michael Kerstgens (b. 1960) in Michael Kerstgens. Out of Control. The show provides a deep insight into his work spanning over 40 years and presents socio-political long-term photo essays in black and white and colour. With great sensitivity, Kerstgens' photographs document the transformation of living environments – from industrial communities to consumer and leisure societies.

Born in Wales and raised in Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens studied communication design and photography at the Folkwang University of the Arts (GHS) in Essen. He became known for his series ‘The Enemy Within’ about the British miners' strike of 1984/85. During this time, he lived with a striking family – a formative experience that had a lasting influence on his photographic perspective.

His works, often autobiographical, are dedicated to the transformation of places and people and reflect social upheaval: in 1987, Kerstgens documented the steelworkers' strike in Duisburg-Rheinhausen, and in 1990 he captured the changes in the Thuringian town of Mühlhausen during the period before German reunification. In the colour photographs of ‘1986, Back to the Present’, he addressed the consumer and leisure society of the 1980s.

The broad spectrum of his work also includes his most recent industrial and coastal landscapes, as well as impressive portraits from the music and art scenes. Among the personalities portrayed by Michael Kerstgens are Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier and Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens has published numerous books, including ‘Neues Leben. Russians Jews Germans’ (2012, Kehrer Verlag), ‘The Miners’ Strike 1984/1985’ (2014, Dewi Lewis Publishing), ’The Final Winter. The Last Winter of the USSR (2018, Peperoni Books), 1986. Back to the Present (2021, Hartmann Books). He has received many awards for his photographic work, including the Darmstadt University of Applied Sciences Science Award in the Outreach category (2018) and the Imke Folkerts Art Prize for East Frisia (2004).

Michael Kerstgens worked internationally as a freelance photographer for editorial offices and companies before turning to teaching. After initial teaching assignments in East Frisia and Dessau, he has been a professor of photography at the Darmstadt University of Applied Sciences since 2007.

Curated by Celina Lunsford in collaboration with Michael Kerstgens, the exhibition Michael Kerstgens. Out of Control presents around 100 works.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

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Weiss war der Schnee – Thomas Wrede | Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
Feb.
6
7:00 PM19:00
Vernissage, Hessen, Deutschland

Weiss war der Schnee – Thomas Wrede | Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
6. Februar 2025

Einführung durch Prof. Dr. Robert Fleck

Weiss war der Schnee
Thomas Wrede

Rhonegletscher inside #5, 2019, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

Die Galerie Bernhard Knaus Fine Art präsentiert ihre erste Einzelausstellung mit Werken aus dem Glacier Project von Thomas Wrede. In seinem fotografischen OEuvre lotet Wrede die faszinierende Grenze zwischen Inszenierung und Wirklichkeit aus, wobei Landschaften als zentrales Sujet fungieren. Seine Werke ergründen sowohl vorgefundene als auch eigens kreierte Konstruktionen in der Natur, stets im Spannungsfeld zwischen Authentizität und Artifizialität.

Bereits Wredes frühere Werkgruppen thematisieren Umwelt, Naturkatastrophen und menschliche Spuren in der Landschaft, was zu einer einzigartigen Bildästhetik zwischen surrealer Verfremdung, kritischer Dokumentation und apokalyptischer Fiktion führt. Seine spektakulären Landschaftsaufnahmen der alpinen Gletscher spiegeln dabei auf erschreckend bildliche Weise den fortschreitenden Klimawandel und seine Folgen wider und sind damit aktueller denn je.

Während die Serie Real Landscapes sich durch gezielte Inszenierungen mit Miniaturmodellen in natürlichen Umgebungen auszeichnet, in denen der Künstler bewusst mit der Perspektive spielt und eine Spannung zwischen Realität und Fiktion erzeugt, verschmelzen bei den Gletscherfotografien natürliche Landschaften mit menschlichen Eingriffen.

Wredes Glacier Project, das 2017 mit Aufnahmen des Schweizer Rhonegletschers begann, umfasst großformatige Panoramen sowie Außen- und Innenansichten der Gletscherhöhlen. Es basiert auf dem Konzept der verpackten Landschaft. Um das rapide Abschmelzen der Gletscher zu verlangsamen, werden große Eisflächen – temporär oder auch dauerhaft – mit Vlies abgedeckt. Detailaufnahmen zeigen die verwitterten Abdeckungen, die Geröll und schmutzigen Schnee freilegen. Die morbide Ästhetik der Falten, die gewählten Ausschnitte und die vielfältigen Grautöne ergeben einzigartige malerische Motive. Diese Aufnahmen erinnern an Wredes frühe Serie Samsö aus den 1990er Jahren, in der Plastikfolien auf einer dänischen Insel in atmosphärischen Schwarzweiß-Aufnahmen eine beklemmende Schönheit entfalten.

Im Kontrast zur maroden "Außenhaut" steht das faszinierende Farben- und Lichtspiel der jahrhundertealten Eisschichten im Inneren. Die Vliesabdeckungen scheinen durch das dünner werdende Eis und brechen teilweise in die Höhle ein, wodurch Außen und Innen, Natürliches und Künstliches verschmelzen.

In der neueren Arbeiten Blutschnee erkundet Wrede ein faszinierendes Naturphänomen am Presena-Gletscher in Südtirol. Die rosarot schimmernden Algen im Tauwasser verwandeln den Schnee in abstrakte, fast surreale Farbkompositionen, die die fragile Schönheit, Vergänglichkeit und klimatische Transformation der alpinen Landschaft eindringlich visualisieren.

Der Titel WEISS WAR DER SCHNEE unserer Ausstellung deutet auf eine verlorene Reinheit hin, evoziert eine elegische Meditation über die einst unberührte alpine Landschaft. Er changiert zwischen melancholischer Reminiszenz und zeitdiagnostischer Klage, indem er die jungfräuliche Reinheit des Schnees als Metapher für eine unwiederbringlich verlorene Ursprünglichkeit heraufbeschwört und symbolisiert so Vergänglichkeit und Wandel in Wredes Gletscherfotografien.

Wredes Ziel ist keine dokumentarische Erfassung der Gletscherveränderungen, sondern vielmehr die Verwendung der Fotografie als anschauliches Denken. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Gletschern resultiert in verstörend schönen Bildern, die zwischen Idylle und Katastrophe, Inszenierung und Wirklichkeit oszillieren.

Als engagierter Künstler setzt Wrede das Glacier Project fort und besteigt weitere Gletscher, um die bedrohte Schönheit und Fragilität des Eises festzuhalten: „Ich will Bilder zwischen Dokumentation und subjektivem Sehen finden, die die Spuren der Klimakrise und die rapiden Veränderungen mitten in Europa sichtbar werden lassen. (2018)“. Seine Werke finden sich in renommierten Sammlungen weltweit. Zudem war er an der Klima Biennale im Museum für Angewandte Kunst in Wien (2021) sowie an der Ausstellung Weather Engines im Onassis Stegi in Athen (2022) beteiligt.

Rhonegletscher inside #10, 2019, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

La galerie Bernhard Knaus Fine Art présente sa première exposition individuelle avec des œuvres du Glacier Project de Thomas Wrede. Dans son œuvre photographique, Wrede explore la frontière fascinante entre mise en scène et réalité, avec les paysages comme sujet central. Ses œuvres explorent aussi bien les constructions trouvées dans la nature que celles qu'il a lui-même créées, toujours dans le champ de tension entre l'authenticité et l'artificialité.

Les groupes d'œuvres antérieurs de Wrede traitent déjà de l'environnement, des catastrophes naturelles et des traces humaines dans le paysage, ce qui donne lieu à une esthétique picturale unique entre altération surréaliste, documentation critique et fiction apocalyptique. Ses photos de paysages spectaculaires des glaciers alpins reflètent ainsi de manière terriblement imagée le changement climatique en cours et ses conséquences, et sont donc plus actuelles que jamais.

Alors que la série Real Landscapes se caractérise par des mises en scène ciblées avec des modèles miniatures dans des environnements naturels, dans lesquelles l'artiste joue délibérément avec la perspective et crée une tension entre réalité et fiction, les photographies de glaciers mêlent paysages naturels et interventions humaines.

Le Glacier Project de Wrede, qui a débuté en 2017 avec des prises de vue du glacier suisse du Rhône, comprend des panoramas grand format ainsi que des vues extérieures et intérieures des grottes glaciaires. Il est basé sur le concept de paysage emballé. Afin de ralentir la fonte rapide des glaciers, de grandes surfaces de glace sont recouvertes - temporairement ou durablement - de non-tissé. Des photos de détail montrent les couvertures usées par les intempéries, laissant apparaître des éboulis et de la neige sale. L'esthétique morbide des plis, les découpes choisies et les multiples nuances de gris créent des motifs picturaux uniques. Ces clichés rappellent la première série de Wrede, Samsö, réalisée dans les années 1990, dans laquelle des films plastiques d'une île danoise déploient une beauté oppressante dans des prises de vue atmosphériques en noir et blanc.

En contraste avec la « peau extérieure » délabrée, le jeu fascinant de couleurs et de lumière des couches de glace séculaires à l'intérieur. Les couvertures en non-tissé brillent à travers la glace qui s'amincit et s'enfoncent partiellement dans la grotte, fusionnant ainsi l'extérieur et l'intérieur, le naturel et l'artificiel.

Dans son œuvre récente Blutschnee, Wrede explore un phénomène naturel fascinant sur le glacier Presena dans le Tyrol du Sud. Les algues aux reflets roses dans l'eau de fonte transforment la neige en compositions de couleurs abstraites, presque surréalistes, qui visualisent avec force la beauté fragile, l'éphémère et la transformation climatique du paysage alpin.

Le titre WEISS WAR DER SCHNEE de notre exposition suggère une pureté perdue, évoque une méditation élégiaque sur le paysage alpin autrefois intact. Il oscille entre réminiscence mélancolique et complainte diagnostique contemporaine, en évoquant la pureté virginale de la neige comme métaphore d'une originalité irrémédiablement perdue, symbolisant ainsi l'éphémère et le changement dans les photographies de glaciers de Wrede.

L'objectif de Wrede n'est pas d'enregistrer de manière documentaire les changements survenus sur les glaciers, mais plutôt d'utiliser la photographie comme un mode de pensée descriptif. Sa confrontation artistique avec les glaciers se traduit par des images d'une beauté troublante, qui oscillent entre idylle et catastrophe, mise en scène et réalité.

En tant qu'artiste engagé, Wrede poursuit le Glacier Project et escalade d'autres glaciers afin d'immortaliser la beauté menacée et la fragilité de la glace : « Je veux trouver des images à mi-chemin entre le documentaire et la vision subjective, qui rendent visibles les traces de la crise climatique et les changements rapides au cœur de l'Europe. (2018) ». Ses œuvres se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier. Il a également participé à la Biennale sur le climat au Museum für Angewandte Kunst de Vienne (2021) et à l'exposition Weather Engines à l'Onassis Stegi d'Athènes (2022).

Presena Gletscher, Blutschnee #2, 2020, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

La Galerie Bernhard Knaus Fine Art presenta la sua prima mostra personale con opere del Glacier Project di Thomas Wrede. Nella sua opera fotografica, Wrede esplora l'affascinante confine tra messa in scena e realtà, con i paesaggi come soggetto centrale. Le sue opere esplorano sia le costruzioni trovate che quelle create appositamente in natura, sempre nel campo della tensione tra autenticità e artificialità.

I precedenti gruppi di opere di Wrede tematizzano già l'ambiente, i disastri naturali e le tracce umane nel paesaggio, dando vita a un'estetica visiva unica tra alienazione surreale, documentazione critica e finzione apocalittica. Le sue spettacolari fotografie paesaggistiche dei ghiacciai alpini riflettono in modo spaventosamente visivo l'avanzare del cambiamento climatico e le sue conseguenze e sono quindi più attuali che mai.

Mentre la serie Real Landscapes è caratterizzata da una deliberata messa in scena con modelli in miniatura in ambienti naturali, in cui l'artista gioca consapevolmente con la prospettiva e crea una tensione tra realtà e finzione, le fotografie dei ghiacciai fondono paesaggi naturali con l'intervento umano.

Il Glacier Project di Wrede, iniziato nel 2017 con le fotografie del ghiacciaio svizzero del Rodano, comprende panorami di grande formato e vedute esterne e interne di grotte glaciali. Si basa sul concetto di paesaggio impacchettato. Per rallentare il rapido scioglimento dei ghiacciai, vaste aree di ghiaccio vengono coperte - temporaneamente o permanentemente - con veli. I primi piani mostrano le coperture rovinate dalle intemperie che espongono macerie e neve sporca. L'estetica morbosa delle pieghe, i dettagli selezionati e le diverse tonalità di grigio creano motivi pittorici unici. Queste immagini ricordano le prime serie Samsö di Wrede degli anni '90, in cui i teli di plastica su un'isola danese dispiegano una bellezza opprimente in suggestivi scatti in bianco e nero.

In contrasto con la fatiscente “pelle esterna” è l'affascinante gioco di colori e luce degli strati di ghiaccio secolari all'interno. Le coperture in pile risplendono attraverso l'assottigliamento del ghiaccio e irrompono parzialmente nella grotta, fondendo esterno e interno, naturale e artificiale.

Nell'opera più recente Blutschnee, Wrede esplora un affascinante fenomeno naturale sul ghiacciaio Presena in Alto Adige. Le alghe rosa scintillanti nell'acqua di disgelo trasformano la neve in composizioni di colori astratti, quasi surreali, che visualizzano vividamente la fragile bellezza, la transitorietà e la trasformazione climatica del paesaggio alpino.

Il titolo WHITE WAS THE SNOW della nostra mostra allude a una purezza perduta, evocando una meditazione elegiaca sul paesaggio alpino un tempo incontaminato. Oscilla tra la reminiscenza malinconica e il lamento del tempo, evocando la purezza vergine della neve come metafora di un'originalità irrimediabilmente perduta, simboleggiando così la transitorietà e il cambiamento nelle fotografie dei ghiacciai di Wrede.

L'obiettivo di Wrede non è quello di documentare i cambiamenti dei ghiacciai, ma piuttosto di usare la fotografia come un modo vivido di pensare. La sua esplorazione artistica dei ghiacciai si traduce in immagini di inquietante bellezza che oscillano tra idillio e catastrofe, tra messa in scena e realtà.

Come artista impegnato, Wrede continua il Glacier Project e scala altri ghiacciai per catturare la bellezza minacciata e la fragilità dei ghiacci: “Voglio trovare immagini tra la documentazione e la visione soggettiva che rendano visibili le tracce della crisi climatica e i rapidi cambiamenti nel centro dell'Europa”. (2018)”. Le sue opere si trovano in collezioni rinomate in tutto il mondo. È stato inoltre coinvolto nella Biennale del Clima al Museo di Arti Applicate di Vienna (2021) e nella mostra Weather Engines all'Onassis Stegi di Atene (2022).

Rhonegletscher outside #2, 2019, Pigmentdruck auf Fine Art Paper
Credit: Courtesy Bernhard Knaus Fine Art, © Thomas Wrede, VG Bild-Kunst, Bonn

The gallery Bernhard Knaus Fine Art presents its first solo exhibition of works from the Glacier Project by Thomas Wrede. In his photographic oeuvre, Wrede explores the fascinating boundary between staging and reality, with landscapes as the central subject. His works explore both found and specially created constructions in nature, always in the field of tension between authenticity and artificiality.

Wrede's earlier work groups already address the environment, natural disasters and human traces in the landscape, which leads to a unique pictorial aesthetic between surreal alienation, critical documentation and apocalyptic fiction. His spectacular landscape photographs of Alpine glaciers are a shocking visual reflection of the ongoing climate change and its consequences, making them more relevant than ever.

While the series Real Landscapes is characterised by deliberate staging with miniature models in natural settings, in which the artist consciously plays with perspective and creates a tension between reality and fiction, the glacier photographs merge natural landscapes with human intervention.

Wrede's Glacier Project, which began in 2017 with photographs of the Rhône Glacier in Switzerland, includes large-format panoramas as well as exterior and interior views of the glacier caves. It is based on the concept of the packed landscape. To slow the rapid melting of the glaciers, large areas of ice are covered with fleece – either temporarily or permanently. Close-up shots show the weathered covers revealing debris and dirty snow. The morbid aesthetic of the folds, the chosen details, and the varied shades of grey create unique painterly motifs. These images recall Wrede's earlier Samsö series from the 1990s, in which plastic sheets on a Danish island unfold an oppressive beauty in atmospheric black and white photographs.

In contrast to the dilapidated ‘outer skin’ stands the fascinating play of colours and light of the centuries-old ice layers inside. The fleece covers shine through the thinning ice and partially collapse into the cave, merging the outside and inside, natural and artificial.

In his more recent work, Blutschnee (Blood Snow), Wrede explores a fascinating natural phenomenon at the Presena Glacier in South Tyrol. The pink-shimmering algae in the meltwater transform the snow into abstract, almost surreal colour compositions that vividly visualise the fragile beauty, transience and climatic transformation of the Alpine landscape.

The title of our exhibition, WEISS WAR DER SCHNEE (White Was The Snow), suggests a lost purity and evokes an elegiac meditation on the once untouched Alpine landscape. It oscillates between melancholy reminiscence and a lament on the state of the times, conjuring up the virgin purity of the snow as a metaphor for an irretrievably lost naturalness, and thus symbolising transience and change in Wrede's glacier photographs.

Wrede's aim is not to document the changes to the glaciers, but rather to use photography as a vivid way of thinking. His artistic exploration of the glaciers results in disturbingly beautiful images that oscillate between idyll and catastrophe, staging and reality.

As a committed artist, Wrede is continuing the Glacier Project and climbing more glaciers to capture the threatened beauty and fragility of the ice: ‘I want to find images between documentation and subjective vision that reveal the traces of the climate crisis and the rapid changes taking place in the heart of Europe. (2018). His works are part of renowned collections worldwide. He also participated in the Climate Biennale at the Museum of Applied Arts in Vienna (2021) and the exhibition Weather Engines at the Onassis Stegi in Athens (2022).

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

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Absurda - Josef Fischnaller | Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main
Jan.
16
bis 26. Feb.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Absurda - Josef Fischnaller | Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main

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Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main
16. Januar – 26. Februar 2025

Absurda
Josef Fischnaller

White Poppies, Berlin 2024 © Josef Fischnaller

Die lebendigen Portraits und Stillleben von Josef Fischnaller verweisen auf die Malerei der Renaissance und die des Barocks und zeigen die visionäre Planung und verführerische Theatralik seiner meisterhaften Inszenierungen. So bleiben seine Arrangements rätselhaft in ihrer Konstruktion und beruhen auf der faszinierenden Gegenseitigkeit moderner Absurdität und der Allgegenwart kunsthistorischer Hinweise. Dazu baut Fischnaller selbstreflexive Präsenzen auf, die den Betrachter gleichzeitig überraschen und mit auf eine Zeitreise nehmen.

Licht und Inszenierung sind die zentralen Bildelemente in Josef Fischnallers Arbeiten. In den Portraits dominiert der Hell-Dunkel-Kontrast, das Chiaroscuro. Die Parodie des gewohnten Sehens, Humor sowie eine hohe Ästhetik zeichnen die Werke von Josef Fischnaller aus. Mit opulenten Requisiten und farbenprächtigen Ornamenten wird ein eklektisches Renaissance-Interieur erschaffen. Die Stillleben erinnern an barocke Vanitas-Gemälde, auch durch die Vergänglichkeit der Schönheit der dargestellten Sujets.

Während wir in Fischnallers opulenten Werken den einen oder anderen Alten Meister wieder erkennen, muten die dargestellten Personen sehr zeitgenössisch und modern an. So sieht man auf dem Schlüsselmotiv und Titel-gebenden Bild eine junge Frau mit dem tätowierten Schriftzug „Absurda“, auf einem anderen Bild den berühmten Anwalt und Kunstmäzen Peter Raue in der Rolle von Rembrandts „Mann mit dem Goldhelm“. So reihen sich Gegenwart und Vergangenheit eng aneinander und verschmelzen im fotografischen Reigen des Fotokünstlers.

Absurda, Berlin, 2024 © Josef Fischnaller

Les portraits vivants et les natures mortes de Josef Fischnaller font référence à la peinture de la Renaissance et à celle de l'époque baroque, et révèlent la planification visionnaire et la théâtralité séduisante de ses mises en scène magistrales. Ainsi, ses arrangements restent énigmatiques dans leur construction et reposent sur la fascinante réciprocité de l'absurdité moderne et de l'omniprésence des notes de l'histoire de l'art. Pour cela, Fischnaller construit des présences autoréflexives qui surprennent en même temps le spectateur et l'emmènent dans un voyage dans le temps.

La lumière et la mise en scène sont les éléments centraux des travaux de Josef Fischnaller. Dans les portraits, le contraste clair-obscur, le clair-obscur, domine. La parodie de la vision habituelle, l'humour ainsi qu'une grande esthétique caractérisent les œuvres de Josef Fischnaller. Un intérieur Renaissance éclectique est créé à l'aide d'accessoires opulents et d'ornements aux couleurs vives. Les natures mortes rappellent les tableaux baroques Vanitas, notamment par le caractère éphémère de la beauté des sujets représentés.

Alors que nous reconnaissons l'un ou l'autre maître ancien dans les œuvres opulentes de Fischnaller, les personnages représentés ont l'air très contemporains et modernes. Ainsi, sur le motif clé et le visuel qui donne son titre à l'exposition, on voit une jeune femme tatouée de l'inscription « Absurda », et sur un autre visuel, le célèbre avocat et mécène d'art Peter Raue dans le rôle de « l'homme au casque d'or » de Rembrandt. Ainsi, le présent et le passé s'enchaînent étroitement et se fondent dans la ronde photographique de l'artiste photographe.

Electric, Berlin 2024 © Josef Fischnaller

I vivaci ritratti e le nature morte di Josef Fischnaller ricordano la pittura rinascimentale e barocca e mostrano la pianificazione visionaria e la seducente teatralità delle sue magistrali messe in scena. I suoi allestimenti rimangono enigmatici nella loro costruzione e si basano sull'affascinante reciprocità dell'assurdità moderna e sull'onnipresenza di riferimenti storici dell'arte. A tal fine, Fischnaller costruisce presenze autoriflessive che sorprendono lo spettatore e lo accompagnano in un viaggio nel tempo.

La luce e la messa in scena sono gli elementi pittorici centrali delle opere di Josef Fischnaller. I ritratti sono dominati dal contrasto tra luce e buio, il chiaroscuro. Le opere di Josef Fischnaller sono caratterizzate da una parodia dei modi di vedere familiari, dall'umorismo e dall'alta estetica. Viene creato un interno rinascimentale eclettico con oggetti di scena opulenti e ornamenti colorati. Le nature morte ricordano le vanitas barocche, anche per la transitorietà della bellezza dei soggetti raffigurati.

Mentre riconosciamo uno o due antichi maestri nelle opulente opere di Fischnaller, le persone raffigurate sembrano molto contemporanee e moderne. Nel motivo chiave e nel quadro che dà il titolo all'opera, ad esempio, vediamo una giovane donna con la scritta tatuata “Absurda”, in un altro quadro il famoso avvocato e mecenate Peter Raue nel ruolo dell'“Uomo dall'elmo d'oro” di Rembrandt. In questo modo, il presente e il passato sono strettamente intrecciati e si fondono nel girotondo fotografico del fotografo.

Vanity, Berlin 2023 © Josef Fischnaller

Josef Fischnaller's lively portraits and still lifes reference Renaissance and Baroque painting and show the visionary planning and seductive theatricality of his masterful stagings. His arrangements remain enigmatic in their construction and rely on the fascinating reciprocity of modern absurdity and the omnipresence of art historical notes. In addition, Fischnaller builds self-reflective presences that simultaneously surprise the viewer and take him on a journey through time.

Light and staging are the central pictorial elements in Josef Fischnaller's works. The portraits are dominated by the contrast between light and dark, the chiaroscuro. The parody of the usual way of seeing, humor as well as a high level of aesthetics characterize the works of Josef Fischnaller. With opulent props and colorful ornaments, an eclectic Renaissance interior is created. The still lifes are reminiscent of baroque vanitas paintings, also through the transience of the beauty of the subjects depicted.

While we recognize one or the other old master in Fischnaller's opulent works, the depicted persons appear very contemporary and modern. In the key motif and title-giving image, for example, we see a young woman with the tattooed word “Absurda”; in another visual, we see the famous lawyer and patron of the arts Peter Raue in the role of Rembrandt's “Man with the Gold Helmet”. In this way, the present and the past are closely intertwined and merge in the photographic series of the photo artist.

(Text: Galerie Barbara von Stechow, Frankfurt am Main)

Veranstaltung ansehen →
Absurda - Josef Fischnaller | Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main
Jan.
15
6:00 PM18:00
Vernissage, Hessen, Deutschland

Absurda - Josef Fischnaller | Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main

Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt am Main
15. Januar 2025

Absurda
Josef Fischnaller

White Poppies, Berlin 2024 © Josef Fischnaller

Die lebendigen Portraits und Stillleben von Josef Fischnaller verweisen auf die Malerei der Renaissance und die des Barocks und zeigen die visionäre Planung und verführerische Theatralik seiner meisterhaften Inszenierungen. So bleiben seine Arrangements rätselhaft in ihrer Konstruktion und beruhen auf der faszinierenden Gegenseitigkeit moderner Absurdität und der Allgegenwart kunsthistorischer Hinweise. Dazu baut Fischnaller selbstreflexive Präsenzen auf, die den Betrachter gleichzeitig überraschen und mit auf eine Zeitreise nehmen.

Licht und Inszenierung sind die zentralen Bildelemente in Josef Fischnallers Arbeiten. In den Portraits dominiert der Hell-Dunkel-Kontrast, das Chiaroscuro. Die Parodie des gewohnten Sehens, Humor sowie eine hohe Ästhetik zeichnen die Werke von Josef Fischnaller aus. Mit opulenten Requisiten und farbenprächtigen Ornamenten wird ein eklektisches Renaissance-Interieur erschaffen. Die Stillleben erinnern an barocke Vanitas-Gemälde, auch durch die Vergänglichkeit der Schönheit der dargestellten Sujets.

Während wir in Fischnallers opulenten Werken den einen oder anderen Alten Meister wieder erkennen, muten die dargestellten Personen sehr zeitgenössisch und modern an. So sieht man auf dem Schlüsselmotiv und Titel-gebenden Bild eine junge Frau mit dem tätowierten Schriftzug „Absurda“, auf einem anderen Bild den berühmten Anwalt und Kunstmäzen Peter Raue in der Rolle von Rembrandts „Mann mit dem Goldhelm“. So reihen sich Gegenwart und Vergangenheit eng aneinander und verschmelzen im fotografischen Reigen des Fotokünstlers.

Absurda, Berlin, 2024 © Josef Fischnaller

Les portraits vivants et les natures mortes de Josef Fischnaller font référence à la peinture de la Renaissance et à celle de l'époque baroque, et révèlent la planification visionnaire et la théâtralité séduisante de ses mises en scène magistrales. Ainsi, ses arrangements restent énigmatiques dans leur construction et reposent sur la fascinante réciprocité de l'absurdité moderne et de l'omniprésence des notes de l'histoire de l'art. Pour cela, Fischnaller construit des présences autoréflexives qui surprennent en même temps le spectateur et l'emmènent dans un voyage dans le temps.

La lumière et la mise en scène sont les éléments centraux des travaux de Josef Fischnaller. Dans les portraits, le contraste clair-obscur, le clair-obscur, domine. La parodie de la vision habituelle, l'humour ainsi qu'une grande esthétique caractérisent les œuvres de Josef Fischnaller. Un intérieur Renaissance éclectique est créé à l'aide d'accessoires opulents et d'ornements aux couleurs vives. Les natures mortes rappellent les tableaux baroques Vanitas, notamment par le caractère éphémère de la beauté des sujets représentés.

Alors que nous reconnaissons l'un ou l'autre maître ancien dans les œuvres opulentes de Fischnaller, les personnages représentés ont l'air très contemporains et modernes. Ainsi, sur le motif clé et le visuel qui donne son titre à l'exposition, on voit une jeune femme tatouée de l'inscription « Absurda », et sur un autre visuel, le célèbre avocat et mécène d'art Peter Raue dans le rôle de « l'homme au casque d'or » de Rembrandt. Ainsi, le présent et le passé s'enchaînent étroitement et se fondent dans la ronde photographique de l'artiste photographe.

Electric, Berlin 2024 © Josef Fischnaller

I vivaci ritratti e le nature morte di Josef Fischnaller ricordano la pittura rinascimentale e barocca e mostrano la pianificazione visionaria e la seducente teatralità delle sue magistrali messe in scena. I suoi allestimenti rimangono enigmatici nella loro costruzione e si basano sull'affascinante reciprocità dell'assurdità moderna e sull'onnipresenza di riferimenti storici dell'arte. A tal fine, Fischnaller costruisce presenze autoriflessive che sorprendono lo spettatore e lo accompagnano in un viaggio nel tempo.

La luce e la messa in scena sono gli elementi pittorici centrali delle opere di Josef Fischnaller. I ritratti sono dominati dal contrasto tra luce e buio, il chiaroscuro. Le opere di Josef Fischnaller sono caratterizzate da una parodia dei modi di vedere familiari, dall'umorismo e dall'alta estetica. Viene creato un interno rinascimentale eclettico con oggetti di scena opulenti e ornamenti colorati. Le nature morte ricordano le vanitas barocche, anche per la transitorietà della bellezza dei soggetti raffigurati.

Mentre riconosciamo uno o due antichi maestri nelle opulente opere di Fischnaller, le persone raffigurate sembrano molto contemporanee e moderne. Nel motivo chiave e nel quadro che dà il titolo all'opera, ad esempio, vediamo una giovane donna con la scritta tatuata “Absurda”, in un altro quadro il famoso avvocato e mecenate Peter Raue nel ruolo dell'“Uomo dall'elmo d'oro” di Rembrandt. In questo modo, il presente e il passato sono strettamente intrecciati e si fondono nel girotondo fotografico del fotografo.

Vanity, Berlin 2023 © Josef Fischnaller

Josef Fischnaller's lively portraits and still lifes reference Renaissance and Baroque painting and show the visionary planning and seductive theatricality of his masterful stagings. His arrangements remain enigmatic in their construction and rely on the fascinating reciprocity of modern absurdity and the omnipresence of art historical notes. In addition, Fischnaller builds self-reflective presences that simultaneously surprise the viewer and take him on a journey through time.

Light and staging are the central pictorial elements in Josef Fischnaller's works. The portraits are dominated by the contrast between light and dark, the chiaroscuro. The parody of the usual way of seeing, humor as well as a high level of aesthetics characterize the works of Josef Fischnaller. With opulent props and colorful ornaments, an eclectic Renaissance interior is created. The still lifes are reminiscent of baroque vanitas paintings, also through the transience of the beauty of the subjects depicted.

While we recognize one or the other old master in Fischnaller's opulent works, the depicted persons appear very contemporary and modern. In the key motif and title-giving image, for example, we see a young woman with the tattooed word “Absurda”; in another visual, we see the famous lawyer and patron of the arts Peter Raue in the role of Rembrandt's “Man with the Gold Helmet”. In this way, the present and the past are closely intertwined and merge in the photographic series of the photo artist.

(Text: Galerie Barbara von Stechow, Frankfurt am Main)

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Image Cities - Anastasia Samoylova | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Nov.
9
bis 14. Dez.
Ausstellung, Deutschland, Hessen, Mediacooperation

Image Cities - Anastasia Samoylova | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
9. November – 14. Dezember 2024

Image Cities
Anastasia Samoylova

Jewellery Advertisement, Soho, New York, 2021, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallel zu Anastasia Samoylovas soeben eröffneten, großen institutionellen Ausstellungen im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery London zeigen wir ihre Serie Image Cities eine fotografische Reise durch die bedeutendsten Metropolen der Welt, darunter New York, Paris, London, Zürich, Tokio und Mailand. Die Künstlerin richtet ihren Blick auf die öffentlich sichtbaren Bilder, die die Fassaden dieser Städte prägen. Sie zeigt uns nicht das Einzigartige dieser Orte, sondern das Gemeinsame: Die bedrohliche und schleichende Vereinheitlichung der Konsumkultur, die aus einer zunehmend von Konzernen dominierten Welt entsteht.

Anastasia Samoylova (*1984) lebt in Miami. In ihrer künstlerischen Arbeit bewegt sie sich zwischen beobachtender Fotografie, Studiopraxis und Installation. Ihre Bücher FloodZone und Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans wurden vom Steidl Verlag veröffentlicht, ihr Buch Image Cities ist bei Hatje Cantz erschienen. Ihre Arbeiten wurden in Einzelausstellungen im Chrysler Museum of Art, im Orlando Museum of Art, im Contemporary Art Museum in Tampa, im The Print Center in Philadelphia, im Eastman Museum in Rochester, NY, bei C/O Berlin und im KBr Fundación MAPFRE in Barcelona, Spanien, sowie an vielen weiteren Orten gezeigt. Im Herbst/Winter 2024/25 sind zwei große institutionelle Ausstellungen von ihr im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery in London zu sehen. Anastasia Samoylovas Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art in New York, des Perez Art Museum in Miami, des High Museum of Art in Atlanta und des Museum of Contemporary Photography in Chicago. Anastasia Samoylova war Finalistin des Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 und erhielt den ersten KBr Photo Award der KBr Fundación MAPFRE. Soeben ist ihre Monografie Adaptations bei Thames and Hudson erschienen.

Paris, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallèlement aux grandes expositions institutionnelles d'Anastasia Samoylova qui viennent d'être inaugurées au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres, nous présentons sa série Image Cities un voyage photographique à travers les plus grandes métropoles du monde, dont New York, Paris, Londres, Zurich, Tokyo et Milan. L'artiste porte son regard sur les visuels visibles par le public qui caractérisent les façades de ces villes. Elle ne nous montre pas ce que ces lieux ont d'unique, mais ce qu'ils ont en commun : l'uniformisation menaçante et insidieuse de la culture de consommation qui résulte d'un monde de plus en plus dominé par les multinationales.

Anastasia Samoylova (*1984) vit à Miami. Dans son travail artistique, elle évolue entre la photographie d'observation, la pratique en studio et l'installation. Ses livres FloodZone et Floridas : Anastasia Samoylova & Walker Evans ont été publiés par Steidl Verlag, son livre Image Cities est paru chez Hatje Cantz. Leurs travaux ont été présentés dans des expositions individuelles au Chrysler Museum of Art, à l'Orlando Museum of Art, au Contemporary Art Museum de Tampa, au The Print Center de Philadelphie, au Eastman Museum de Rochester, NY, chez C/O Berlin et au KBr Fundación MAPFRE de Barcelone, Espagne, ainsi que dans de nombreux autres lieux. En automne/hiver 2024/25, elle fera l'objet de deux grandes expositions institutionnelles au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres. Le travail d'Anastasia Samoylova figure notamment dans les collections du Metropolitan Museum of Art de New York, du Perez Art Museum de Miami, du High Museum of Art d'Atlanta et du Museum of Contemporary Photography de Chicago. Anastasia Samoylova a été finaliste du Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 et a reçu le premier KBr Photo Award de la KBr Fundación MAPFRE. Sa monographie Adaptations vient de paraître chez Thames and Hudson.

Madison Avenue, New York, 2022, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallelamente alle grandi mostre istituzionali recentemente inaugurate da Anastasia Samoylova al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra, presentiamo la sua serie Image Cities, un viaggio fotografico attraverso le più importanti metropoli del mondo, tra cui New York, Parigi, Londra, Zurigo, Tokyo e Milano. L'artista concentra il suo sguardo sulle immagini pubblicamente visibili che caratterizzano le facciate di queste città. Non ci mostra l'unicità di questi luoghi, ma ciò che li accomuna: la minacciosa e strisciante standardizzazione della cultura consumistica che emerge da un mondo sempre più dominato dalle multinazionali.

Anastasia Samoylova (*1984) vive a Miami. Nel suo lavoro artistico si muove tra fotografia d'osservazione, pratica in studio e installazione. I suoi libri FloodZone e Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans sono stati pubblicati da Steidl Verlag, mentre il suo libro Image Cities è stato pubblicato da Hatje Cantz. Le loro opere sono state esposte in mostre personali al Chrysler Museum of Art, all'Orlando Museum of Art, al Contemporary Art Museum di Tampa, al Print Center di Philadelphia, all'Eastman Museum di Rochester, NY, al C/O Berlin e alla KBr Fundación MAPFRE di Barcellona, Spagna, oltre che in molte altre sedi. Nell'autunno/inverno 2024/25, l'artista terrà due importanti mostre istituzionali al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra. Le opere di Anastasia Samoylova sono presenti nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art di New York, del Perez Art Museum di Miami, dell'High Museum of Art di Atlanta e del Museum of Contemporary Photography di Chicago, tra gli altri. Anastasia Samoylova è stata finalista del Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 e ha ricevuto il primo KBr Photo Award dalla KBr Fundación MAPFRE. La sua monografia Adaptations è stata appena pubblicata da Thames and Hudson.

Peeling Poster, Los Angeles, 2022, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallel to Anastasia Samoylova's major institutional exhibitions at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London, we are delighted to present her latest series, Image Cities, a photographic journey through some of the world's most prominent metropolises, including New York, Paris, London, Zurich, Tokyo, and Milan. The artist turns her camera towards the publicly visible images that shape the façades of these cities. Rather than highlighting what makes these places unique, she reveals what they have in common: the menacing and gradual homogenization of consumer culture, emerging from a world increasingly dominated by corporations.

Anastasia Samoylova (1984) is an American artist who moves between observational photography, studio practice and installation. By utilizing tools related to digital media and commercial photography, her work explores notions of environmentalism, consumerism and the picturesque.

Her books FloodZone and Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans were published by Steidl, her book Image Cities is out with Hatje Cantz. Her works have been presented in solo exhibitions at the Chrysler Museum of Art; Orlando Museum of Art; Contemporary Art Museum, Tampa; The Print Center Philadelphia, the Eastman Museum, Rochester, NY, C/O Berlin, Germany, and the KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, Spain, among others. Her work is in the collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; Perez Art Museum, Miami; High Museum of Art, Atlanta; and Museum of Contemporary Photography, Chicago; among others.

Anastasia Samoylova was shortlisted for the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 and received the first KBr Photo Award by KBr Fundación MAPFRE. In the Fall/Winter of 2024/25, two major institutional exhibitions of her work will be on view at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London. Her monograph Adaptations has just been published by Thames and Hudson.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Image Cities - Anastasia Samoylova | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Nov.
8
6:00 PM18:00
Deutschland, Hessen, Mediacooperation, Vernissage

Image Cities - Anastasia Samoylova | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
8. November 2024

Image Cities
Anastasia Samoylova

Jewellery Advertisement, Soho, New York, 2021, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallel zu Anastasia Samoylovas soeben eröffneten, großen institutionellen Ausstellungen im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery London zeigen wir ihre Serie Image Cities eine fotografische Reise durch die bedeutendsten Metropolen der Welt, darunter New York, Paris, London, Zürich, Tokio und Mailand. Die Künstlerin richtet ihren Blick auf die öffentlich sichtbaren Bilder, die die Fassaden dieser Städte prägen. Sie zeigt uns nicht das Einzigartige dieser Orte, sondern das Gemeinsame: Die bedrohliche und schleichende Vereinheitlichung der Konsumkultur, die aus einer zunehmend von Konzernen dominierten Welt entsteht.

Anastasia Samoylova (*1984) lebt in Miami. In ihrer künstlerischen Arbeit bewegt sie sich zwischen beobachtender Fotografie, Studiopraxis und Installation. Ihre Bücher FloodZone und Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans wurden vom Steidl Verlag veröffentlicht, ihr Buch Image Cities ist bei Hatje Cantz erschienen. Ihre Arbeiten wurden in Einzelausstellungen im Chrysler Museum of Art, im Orlando Museum of Art, im Contemporary Art Museum in Tampa, im The Print Center in Philadelphia, im Eastman Museum in Rochester, NY, bei C/O Berlin und im KBr Fundación MAPFRE in Barcelona, Spanien, sowie an vielen weiteren Orten gezeigt. Im Herbst/Winter 2024/25 sind zwei große institutionelle Ausstellungen von ihr im Metropolitan Museum New York und in der Saatchi Gallery in London zu sehen. Anastasia Samoylovas Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Metropolitan Museum of Art in New York, des Perez Art Museum in Miami, des High Museum of Art in Atlanta und des Museum of Contemporary Photography in Chicago. Anastasia Samoylova war Finalistin des Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 und erhielt den ersten KBr Photo Award der KBr Fundación MAPFRE. Soeben ist ihre Monografie Adaptations bei Thames and Hudson erschienen.

Paris, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallèlement aux grandes expositions institutionnelles d'Anastasia Samoylova qui viennent d'être inaugurées au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres, nous présentons sa série Image Cities un voyage photographique à travers les plus grandes métropoles du monde, dont New York, Paris, Londres, Zurich, Tokyo et Milan. L'artiste porte son regard sur les visuels visibles par le public qui caractérisent les façades de ces villes. Elle ne nous montre pas ce que ces lieux ont d'unique, mais ce qu'ils ont en commun : l'uniformisation menaçante et insidieuse de la culture de consommation qui résulte d'un monde de plus en plus dominé par les multinationales.

Anastasia Samoylova (*1984) vit à Miami. Dans son travail artistique, elle évolue entre la photographie d'observation, la pratique en studio et l'installation. Ses livres FloodZone et Floridas : Anastasia Samoylova & Walker Evans ont été publiés par Steidl Verlag, son livre Image Cities est paru chez Hatje Cantz. Leurs travaux ont été présentés dans des expositions individuelles au Chrysler Museum of Art, à l'Orlando Museum of Art, au Contemporary Art Museum de Tampa, au The Print Center de Philadelphie, au Eastman Museum de Rochester, NY, chez C/O Berlin et au KBr Fundación MAPFRE de Barcelone, Espagne, ainsi que dans de nombreux autres lieux. En automne/hiver 2024/25, elle fera l'objet de deux grandes expositions institutionnelles au Metropolitan Museum de New York et à la Saatchi Gallery de Londres. Le travail d'Anastasia Samoylova figure notamment dans les collections du Metropolitan Museum of Art de New York, du Perez Art Museum de Miami, du High Museum of Art d'Atlanta et du Museum of Contemporary Photography de Chicago. Anastasia Samoylova a été finaliste du Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 et a reçu le premier KBr Photo Award de la KBr Fundación MAPFRE. Sa monographie Adaptations vient de paraître chez Thames and Hudson.

Madison Avenue, New York, 2022, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallelamente alle grandi mostre istituzionali recentemente inaugurate da Anastasia Samoylova al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra, presentiamo la sua serie Image Cities, un viaggio fotografico attraverso le più importanti metropoli del mondo, tra cui New York, Parigi, Londra, Zurigo, Tokyo e Milano. L'artista concentra il suo sguardo sulle immagini pubblicamente visibili che caratterizzano le facciate di queste città. Non ci mostra l'unicità di questi luoghi, ma ciò che li accomuna: la minacciosa e strisciante standardizzazione della cultura consumistica che emerge da un mondo sempre più dominato dalle multinazionali.

Anastasia Samoylova (*1984) vive a Miami. Nel suo lavoro artistico si muove tra fotografia d'osservazione, pratica in studio e installazione. I suoi libri FloodZone e Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans sono stati pubblicati da Steidl Verlag, mentre il suo libro Image Cities è stato pubblicato da Hatje Cantz. Le loro opere sono state esposte in mostre personali al Chrysler Museum of Art, all'Orlando Museum of Art, al Contemporary Art Museum di Tampa, al Print Center di Philadelphia, all'Eastman Museum di Rochester, NY, al C/O Berlin e alla KBr Fundación MAPFRE di Barcellona, Spagna, oltre che in molte altre sedi. Nell'autunno/inverno 2024/25, l'artista terrà due importanti mostre istituzionali al Metropolitan Museum di New York e alla Saatchi Gallery di Londra. Le opere di Anastasia Samoylova sono presenti nelle collezioni del Metropolitan Museum of Art di New York, del Perez Art Museum di Miami, dell'High Museum of Art di Atlanta e del Museum of Contemporary Photography di Chicago, tra gli altri. Anastasia Samoylova è stata finalista del Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 e ha ricevuto il primo KBr Photo Award dalla KBr Fundación MAPFRE. La sua monografia Adaptations è stata appena pubblicata da Thames and Hudson.

Peeling Poster, Los Angeles, 2022, aus der Serie Image Cities © Anastasia Samoylova

Parallel to Anastasia Samoylova's major institutional exhibitions at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London, we are delighted to present her latest series, Image Cities, a photographic journey through some of the world's most prominent metropolises, including New York, Paris, London, Zurich, Tokyo, and Milan. The artist turns her camera towards the publicly visible images that shape the façades of these cities. Rather than highlighting what makes these places unique, she reveals what they have in common: the menacing and gradual homogenization of consumer culture, emerging from a world increasingly dominated by corporations.

Anastasia Samoylova (1984) is an American artist who moves between observational photography, studio practice and installation. By utilizing tools related to digital media and commercial photography, her work explores notions of environmentalism, consumerism and the picturesque.

Her books FloodZone and Floridas: Anastasia Samoylova & Walker Evans were published by Steidl, her book Image Cities is out with Hatje Cantz. Her works have been presented in solo exhibitions at the Chrysler Museum of Art; Orlando Museum of Art; Contemporary Art Museum, Tampa; The Print Center Philadelphia, the Eastman Museum, Rochester, NY, C/O Berlin, Germany, and the KBr Fundación MAPFRE, Barcelona, Spain, among others. Her work is in the collections of the Metropolitan Museum of Art, New York; Perez Art Museum, Miami; High Museum of Art, Atlanta; and Museum of Contemporary Photography, Chicago; among others.

Anastasia Samoylova was shortlisted for the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2022 and received the first KBr Photo Award by KBr Fundación MAPFRE. In the Fall/Winter of 2024/25, two major institutional exhibitions of her work will be on view at the Metropolitan Museum in New York and the Saatchi Gallery in London. Her monograph Adaptations has just been published by Thames and Hudson.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse | The Cube | Eschborn
Okt.
10
bis 10. März
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse | The Cube | Eschborn

The Cube | Eschborn
10. Oktober 2024 – 9. März 2025

Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse

Sabiha Çimen, Lynne Cohen, Philip-Lorca diCorcia, Mitch Epstein, Lucas Foglia, Samuel Fosso, Paul Graham, Marvel Harris, Candida Höfer, Lebohang Kganye, Hsu-Pin Lee, Helen Levitt, Dana Lixenberg, Daniel Jack Lyons, Sabelo Mlangeni, Gordon Parks, Inge Rambow, Thomas Ruff, Aida Silvestri, Chi Yin Sim, Vanessa Winship und Tobias Zielony

Besuch im Rahmen von Führungen mit vorheriger Anmeldung über die Homepage sowie am Open Saturday am 30. November zwischen 11 und 16 Uhr

Untitled , Mobile, Alabama, USA, 1956 © Gordon Parks

Die Deutsche Börse Photography Foundation präsentiert die Ausstellung «Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse». Die 1999 ins Leben gerufene Sammlung zeitgenössischer Fotografie umfasst heute über 2.300 Werke von rund 160 Künstler*innen aus 35 Nationen. «Look at Us» zeigt Neuerwerbungen der letzten zwei Jahre und veranschaulicht, wie diese den Sammlungskörper bereichern und in den Dialog mit bereits vorhandenen Werkgruppen treten. Anknüpfend an die Leitgedanken des Jubiläumsjahres – Kooperation, Dialog und Vielfalt – vereint die Ausstellung facettenreiche Bildsprachen und Narrative junger sowie etablierter Künstler*innen. Die gezeigten Werkgruppen befassen sich auf vielfältige Weise mit dem zentralen Thema der Art Collection Deutsche Börse, der «conditio humana» – dem Ausloten der Bedingungen des menschlichen Daseins und seiner Verortung in der Welt. Im Rahmen dieser Auseinandersetzung erkunden die Künstler*innen das vielschichtige Verhältnis von Fotografie zu Fragen nach Identität und Gemeinschaft – von persönlichen Erfahrungen über kulturelle und historische Zusammenhänge bis hin zu Fragen von Zugehörigkeit und sozialer Ungleichheit. Darüber hinaus widmen sie sich der komplexen Beziehung zwischen Mensch und Natur, sei es in Form menschlicher Eingriffe in natürliche Lebensräume oder in der wechselseitigen Wirkung urbaner Landschaften auf das Individuum und die Gemeinschaft.

Ke bala buka ke apere naeterese II, from the series “Ke Lefa Laka: Her-Story, 2013 © Lebohang Kganye

La Deutsche Börse Photography Foundation présente l'exposition « Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse ». Créée en 1999, la collection de photographie contemporaine comprend aujourd'hui plus de 2.300 œuvres d'environ 160 artistes* de 35 nationalités différentes. « Look at Us » présente les nouvelles acquisitions des deux dernières années et illustre comment celles-ci enrichissent le corps de la collection et entrent en dialogue avec des groupes d'œuvres déjà existants. S'appuyant sur les idées directrices de l'année anniversaire - coopération, dialogue et diversité - l'exposition réunit des langages visuels et des récits aux multiples facettes de jeunes artistes* ainsi que d'artistes établis. Les groupes d'œuvres présentés traitent de manière variée du thème central de l'Art Collection Deutsche Börse, la « condition humaine » - la mise à l'épreuve des conditions de l'existence humaine et de son positionnement dans le monde. Dans le cadre de cette confrontation, les artistes* explorent le rapport complexe de la photographie aux questions d'identité et de communauté - des expériences personnelles aux questions d'appartenance et d'inégalité sociale en passant par les contextes culturels et historiques. En outre, ils se consacrent à la relation complexe entre l'homme et la nature, que ce soit sous la forme d'interventions humaines dans des habitats naturels ou dans l'effet réciproque des paysages urbains sur l'individu et la communauté.

The River Valley next to Namasia, from the series “Disastrous Landscapes”, 2010 © Hsu-Pin Lee

La Fondazione Fotografia Deutsche Börse presenta la mostra “Guardateci. 25 anni di collezione d'arte Deutsche Börse”. Istituita nel 1999, la collezione di fotografia contemporanea comprende oggi oltre 2.300 opere di circa 160 artisti provenienti da 35 nazioni. “Look at Us” presenta le nuove acquisizioni degli ultimi due anni e illustra come esse arricchiscano il corpus della collezione ed entrino in dialogo con i gruppi di opere esistenti. Seguendo i principi guida dell'anno dell'anniversario - cooperazione, dialogo e diversità - la mostra riunisce linguaggi visivi e narrazioni multiformi di artisti giovani e affermati. I gruppi di opere in mostra affrontano il tema centrale della Collezione d'Arte Deutsche Börse, la “conditio humana” - l'esplorazione delle condizioni dell'esistenza umana e del suo posto nel mondo. Nell'ambito di questo dialogo, gli artisti esplorano la complessa relazione tra la fotografia e le questioni di identità e comunità - dalle esperienze personali e dai contesti culturali e storici alle questioni di appartenenza e disuguaglianza sociale. Si concentrano inoltre sul complesso rapporto tra uomo e natura, sia sotto forma di interventi umani negli habitat naturali che di impatto reciproco dei paesaggi urbani sull'individuo e sulla comunità.

Untitled, from the series “Hafiz”, 2021 © Sabiha Çimen

The Deutsche Börse Photography Foundation presents the exhibition “Look at Us. 25 Years of Art Collection Deutsche Börse”. Launched in 1999, the contemporary photography collection now comprises over 2,300 works by around 160 artists from 35 nations. ‘Look at Us’ showcases new acquisitions from the last two years and illustrates how they enrich the collection and enter into dialogue with existing groups of works. In keeping with the guiding principles of the anniversary year – cooperation, dialog and diversity – the exhibition brings together the multifaceted visual languages and narratives of both young and established artists. The groups of works on display address the central theme of the Art Collection Deutsche Börse, the “human condition”, in a variety of ways – exploring the conditions of human existence and its place in the world. In the context of this examination, the artists explore the complex relationship between photography and questions of identity and community – from personal experiences to cultural and historical contexts, to questions of belonging and social inequality. They also address the complex relationship between humans and nature, whether in the form of human intervention in natural habitats or in the reciprocal effect of urban landscapes on the individual and the community.

(Text: Deutsche Börse Photography Foundation)

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MARTIN PARR. EARLY WORKS | Fotografie Forum Frankfurt
Sept.
13
bis 16. Feb.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

MARTIN PARR. EARLY WORKS | Fotografie Forum Frankfurt

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Fotografie Forum Frankfurt
13. September 2024 – 16. Februar 2025

MARTIN PARR. EARLY WORKS

Stonehenge, Wiltshire, England, 1976 © Martin Parr / Magnum Photos

Mit der Ausstellung MARTIN PARR. EARLY WORKS zeigt das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) einen weiteren Höhepunkt im Jubiläumsjahr 40 JAHRE FFF. Als Beobachter des Lebens ist der ironische und sozialkritische Blick des MAGNUM-Fotografen Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) zu einem festen Bestandteil der Fotografiegeschichte geworden. Erstmals in Deutschland werden Bilder des britischen Fotografen präsentiert, die zwischen 1970 und 1985 entstanden sind.

Vogelclub-Aktivitäten im englischen Surrey, Pilgerfahrten zum Papst in Irland, Ferienorte und Dorfbankette sind nur einige der gesellschaftlichen Aktivitäten, die Martin Parrs erstes Interesse weckten. Mit einer Auswahl von mehr als fünfzig selten gezeigten Schwarz-Weiß-Fotografien konzentriert sich die Ausstellung im FFF auf die Feinheiten der unbemerkten Episoden des Alltags: Ob es sich um die von lokalen Traditionen geprägten Gemeinschaften, das Straßenleben oder das unvergesslich wechselhafte Inselwetter handelt, Parr lässt uns immer zweimal hinschauen, um die humorvollen Seiten des Lebens zu würdigen.

Dazu gehören auch einige von Parrs eindrucksvollen Ansichten, wie die Szene am Buffet in »Mayor of Todmorden’s inaugural banquet« aus dem Jahr 1977, an dem sich hungrige Gäste Schulter an Schulter drängen, um die beste Speise nicht zu verpassen; oder zwei gläubige Katholiken, die 1979 in Dublin auf der Küchenleiter einen Blick auf Papst Johannes Paul II. erhaschen wollen; sowie tierische Protagonisten, wie eine Kuh, die wie ein Ausflügler am Hang von Glastonbury Tor posiert.

MARTIN PARR. EARLY WORKS wurde kuratiert von Celina Lunsford in enger Zusammenarbeit mit dem Fotografen und der Martin Parr Foundation.

Elland, West Yorkshire, England, 1978 © Martin Parr / Magnum Photos

Avec l'exposition MARTIN PARR. EARLY WORKS, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente un autre temps fort de l'année anniversaire des 40 ans du FFF. En tant qu'observateur de la vie, le regard ironique et sociocritique du photographe de MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, GB) est devenu un élément incontournable de l'histoire de la photographie. Pour la première fois en Allemagne, des visuels du photographe britannique, réalisés entre 1970 et 1985, seront présentés.

Les activités des clubs d'oiseaux dans le Surrey anglais, les pèlerinages au pape en Irlande, les lieux de vacances et les banquets de village ne sont que quelques-unes des activités sociales qui ont suscité le premier intérêt de Martin Parr. Avec une sélection de plus de cinquante photographies en noir et blanc rarement montrées, l'exposition du FFF se concentre sur les subtilités des épisodes inaperçus de la vie quotidienne : qu'il s'agisse des communautés marquées par les traditions locales, de la vie dans la rue ou du temps changeant et inoubliable des îles, Parr nous fait toujours y regarder à deux fois pour apprécier les aspects humoristiques de la vie.

Cela inclut certaines vues impressionnantes de Parr, comme la scène du buffet dans « Mayor of Todmorden's inaugural banquet » de 1977, où des invités affamés se pressent épaule contre épaule pour ne pas manquer le meilleur plat ; ou deux catholiques fervents qui tentent d'apercevoir le pape Jean-Paul II sur l'échelle de cuisine à Dublin en 1979 ; ainsi que des protagonistes animaux, comme une vache qui pose comme un excursionniste sur la pente de Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS a été organisé par Celina Lunsford en étroite collaboration avec le photographe et la Martin Parr Foundation.

Glastonbury Tor, Somerset, England, 1975 © Martin Parr / Magnum Photos

Con la mostra MARTIN PARR. EARLY WORKS, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta un altro evento di spicco nell'anno del 40° anniversario del FFF. Come osservatore della vita, lo sguardo ironico e socialmente critico del fotografo MAGNUM Martin Parr (*1953, Epsom, Surrey, Regno Unito) è diventato parte integrante della storia della fotografia. Per la prima volta in Germania, saranno presentate immagini del fotografo britannico scattate tra il 1970 e il 1985.

Le attività del club degli uccelli nel Surrey, in Inghilterra, i pellegrinaggi dal Papa in Irlanda, i luoghi di villeggiatura e i banchetti nei villaggi sono solo alcune delle attività sociali che hanno suscitato l'interesse di Martin Parr. Con una selezione di oltre cinquanta fotografie in bianco e nero raramente esposte, la mostra al FFF si concentra sulle sottigliezze degli episodi inosservati della vita quotidiana: che si tratti delle comunità plasmate dalle tradizioni locali, della vita di strada o del clima indimenticabilmente mutevole dell'isola, Parr ci fa sempre guardare due volte per apprezzare il lato umoristico della vita.

Tra questi, alcuni degli scorci più suggestivi di Parr, come la scena del buffet del banchetto inaugurale del sindaco di Todmorden nel 1977, in cui i commensali affamati si accalcano per non perdere il cibo migliore; o due devoti cattolici che cercano di intravedere Papa Giovanni Paolo II sulla scala della cucina a Dublino nel 1979; e anche i protagonisti animali, come una mucca che si atteggia a gitante sulla collina di Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS è stata curata da Celina Lunsford in stretta collaborazione con il fotografo e la Martin Parr Foundation.

Wedding at Crimsworth Dean Methodist Chapel, Hebden Bridge, Calderdale, West Yorkshire, England, 1977 © Martin Parr / Magnum Photos

With the exhibition MARTIN PARR. EARLY WORKS, the Fotografie Forum Frankfurt (FFF) is presenting another highlight in the anniversary year of 40 YEARS OF FFF. As an observer of life, the ironic and socially critical eye of MAGNUM photographer Martin Parr (born 1953 in Epsom, Surrey, GB) has become an integral part of the history of photography. For the first time in Germany, the British photographer's images, taken between 1970 and 1985, are being presented.

Bird club activities in Surrey, England, pilgrimages to the Pope in Ireland, holiday resorts and village banquets are just some of the social activities that sparked Martin Parr's initial interest. With a selection of more than fifty rarely shown black-and-white photographs, the exhibition at the FFF focuses on the subtleties of unnoticed episodes of everyday life: whether it's communities shaped by local traditions, street life, or the unforgettably changeable island weather, Parr always makes us look twice to appreciate the humorous sides of life.

These include some of Parr's most striking images, such as the scene at the buffet in “Mayor of Todmorden's inaugural banquet” from 1977, where hungry guests crowd shoulder to shoulder to get the best food; or two devout Catholics on a kitchen ladder in Dublin in 1979, trying to catch a glimpse of Pope John Paul II; and animal protagonists, such as a cow posing like a hiker on the hillside of Glastonbury Tor.

MARTIN PARR. EARLY WORKS was curated by Celina Lunsford in close collaboration with the photographer and the Martin Parr Foundation.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

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Landschaften – Barbara Klemm | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Sept.
7
bis 19. Okt.
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Landschaften – Barbara Klemm | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
7. September – 19. Oktober 2024

Landschaften
Barbara Klemm

Hausen vor der Höhe, 2016 © Barbara Klemm

Zum Saisonstart 2024 zeigen wir eine neue Ausstellung von Barbara Klemm, die, wie so viele andere Genres, auch das der Landschaftsfotografie virtuos beherrscht. Die Ausstellung vereint um die dreißig ihrer Landschaftsporträts aus  Deutschland und der Welt  — vom Allgäu bis zum Plöner See, von der mongolischen Steppe bis zu den Wasserfällen von Iguazú. Barbara Klemms Landschaftsfotografien, die allesamt als Silbergelatineabzüge von eigener Hand gezeigt werden, zeichnen sich durch meisterhafte Kompositionen aus, die Licht und Landschaft modellieren.

„Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (…) blicken aus Barbara Klemms Landschaftsbildern auf uns, die deutsche Romantik, mit ihrer Malerei und Graphik und deren Tröstlichkeit, Gewicht und Abgründen, erscheint hier in neuer ästhetischer Qualität.“ Péter Nádas (aus „Schwarze Strahlung: Barbara Klemm, die Philosophin der Begebenheiten“)

Barbara Klemm gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen der deutschen Gegenwart. Sie wurde 1939 in Münster, Westfalen, geboren und wuchs in Karlsruhe auf. Seit 1959 war sie für die Frankfurter Allgemeine Zeitung tätig, seit 1970 als Redaktionsfotografin mit den Schwerpunkten Politik und Feuilleton. Ihr Werk wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Fotografie (1989), der Hugo-Erfurth-Preis der Stadt Leverkusen (1989), der Maria-Sibylla-Merian-Preis für bildende Künstlerinnen in Hessen (1998), der Hessische Kulturpreis (2000) und der Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm ist bislang die einzige Frau, die mit dem Leica Hall of Fame Award ausgezeichnet wurde (2012). Seit 1992 ist sie Mitglied der Akademie der Künste Berlin, 2010 wurde sie in den Orden „Pour le mérite“ gewählt. Barbara Klemm lebt in Frankfurt am Main.

Matterhorn, Zermatt, Schweiz, 1993 © Barbara Klemm

Pour le début de la saison 2024, nous présentons une nouvelle exposition de Barbara Klemm qui, comme tant d'autres genres, maîtrise avec virtuosité celui de la photographie de paysage. L'exposition réunit une trentaine de ses portraits de paysages d'Allemagne et du monde entier - de l'Allgäu au lac de Plön, de la steppe mongole aux chutes d'Iguazú. Les photographies de paysages de Barbara Klemm, toutes présentées sous forme de tirages au gélatino-argent de sa propre main, se distinguent par des compositions magistrales qui modèlent la lumière et le paysage.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) nous regardent à travers les paysages de Barbara Klemm, le romantisme allemand, avec sa peinture et son graphisme et leur consolation, leur poids et leurs abîmes, apparaît ici dans une nouvelle qualité esthétique". Péter Nádas (extrait de "Rayonnement noir : Barbara Klemm, la philosophe des événements")

Barbara Klemm est considérée comme l'une des photographes les plus importantes de l'Allemagne contemporaine. Elle est née en 1939 à Münster, en Westphalie, et a grandi à Karlsruhe. Depuis 1959, elle travaillait pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung, et depuis 1970 comme photographe de rédaction spécialisée dans la politique et le feuilleton. Son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, dont le prix Dr. Erich Salomon de la Société allemande de photographie (1989), le prix Hugo Erfurth de la ville de Leverkusen (1989), le prix Maria Sibylla Merian pour les femmes artistes plasticiennes de Hesse (1998), le prix culturel de Hesse (2000) et le prix Max Beckmann de la ville de Francfort-sur-le-Main (2009). Barbara Klemm est à ce jour la seule femme à avoir été récompensée par le Leica Hall of Fame Award (2012). Depuis 1992, elle est membre de l'Académie des arts de Berlin, et en 2010, elle a été élue à l'Ordre du mérite. Barbara Klemm vit à Francfort-sur-le-Main.

Mongolei, 1992 © Barbara Klemm

In occasione dell'inizio della stagione 2024, presentiamo una nuova mostra di Barbara Klemm, che, come molti altri generi, è una virtuosa della fotografia di paesaggio. La mostra riunisce una trentina di suoi ritratti paesaggistici provenienti dalla Germania e da tutto il mondo: dall'Allgäu al lago di Plön, dalla steppa mongola alle cascate di Iguazú. Le fotografie di paesaggio di Barbara Klemm, tutte presentate come stampe alla gelatina d'argento realizzate con le sue mani, sono caratterizzate da composizioni magistrali che modellano la luce e il paesaggio.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) ci guardano dalle fotografie di paesaggio di Barbara Klemm; il Romanticismo tedesco, con la sua pittura e la sua grafica, con il suo conforto, il peso e gli abissi, appare qui in una nuova qualità estetica". Péter Nádas (da "Black Radiance: Barbara Klemm, la filosofa degli eventi")

Barbara Klemm è considerata una delle più importanti fotografe della Germania contemporanea. È nata a Münster, in Westfalia, nel 1939 ed è cresciuta a Karlsruhe. Ha lavorato per la Frankfurter Allgemeine Zeitung dal 1959, dal 1970 come fotografa editoriale specializzata in politica e articoli di cronaca. Il suo lavoro è stato premiato con numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Dr Erich Salomon della Società tedesca per la fotografia (1989), il Premio Hugo Erfurth della città di Leverkusen (1989), il Premio Maria Sibylla Merian per le artiste visive dell'Assia (1998), il Premio della cultura dell'Assia (2000) e il Premio Max Beckmann della città di Francoforte sul Meno (2009). Ad oggi, Barbara Klemm è l'unica donna ad essere stata premiata con il Leica Hall of Fame Award (2012). È membro dell'Akademie der Künste Berlin dal 1992 ed è stata eletta nell'Ordine "Pour le mérite" nel 2010. Barbara Klemm vive a Francoforte sul Meno.

Iguazú Wasserfall, Brasilien, 2011 © Barbara Klemm

To inaugurate the autumn 2024 gallery season, we are pleased to present a new exhibition by Barbara Klemm. Known for her mastery across various genres, Klemm also excels in landscape photography.

This exhibition features around thirty of her landscape portraits from Germany and around the world — from the Allgäu to Lake Plön, from the Mongolian steppe to the Iguazú waterfalls. Each photograph, printed by the artist as a silver gelatin print, showcases her skillful composition and deep connection to the landscapes she captures.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) gaze upon us from Barbara Klemm's landscape images. The German Romanticism, with its painting and graphics, and its solace, gravity, and abysses, reappears here in a new aesthetic quality.“ Péter Nádas

Barbara Klemm is considered one of the most important photographers in contemporary Germany. She was born in 1939 in Münster, Westphalia, and grew up in Karlsruhe. Since 1959, she worked for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, and from 1970 onwards, she served as an editorial photographer with a focus on politics and culture. Her work has received numerous awards, including the Dr.-Erich-Salomon-Preis from the German Society for Photography (1989), the Hugo-Erfurth-Preis from the city of Leverkusen (1989), the Maria Sibylla Merian Prize for female visual artists in Hesse (1998), the Hessian Culture Prize (2000), and the Max Beckmann Prize from the city of Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm is the only woman to have been honored with the Leica Hall of Fame Award (2012). Since 1992, she has been a member of the Academy of Arts Berlin, and in 2010, she was elected to the Order Pour le Mérite. Barbara Klemm lives in Frankfurt am Main.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Landschaften – Barbara Klemm | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Sept.
6
6:00 PM18:00
Vernissage, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Landschaften – Barbara Klemm | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
6. September 2024

Landschaften
Barbara Klemm

Hausen vor der Höhe, 2016 © Barbara Klemm

Zum Saisonstart 2024 zeigen wir eine neue Ausstellung von Barbara Klemm, die, wie so viele andere Genres, auch das der Landschaftsfotografie virtuos beherrscht. Die Ausstellung vereint um die dreißig ihrer Landschaftsporträts aus  Deutschland und der Welt  — vom Allgäu bis zum Plöner See, von der mongolischen Steppe bis zu den Wasserfällen von Iguazú. Barbara Klemms Landschaftsfotografien, die allesamt als Silbergelatineabzüge von eigener Hand gezeigt werden, zeichnen sich durch meisterhafte Kompositionen aus, die Licht und Landschaft modellieren.

„Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (…) blicken aus Barbara Klemms Landschaftsbildern auf uns, die deutsche Romantik, mit ihrer Malerei und Graphik und deren Tröstlichkeit, Gewicht und Abgründen, erscheint hier in neuer ästhetischer Qualität.“ Péter Nádas (aus „Schwarze Strahlung: Barbara Klemm, die Philosophin der Begebenheiten“)

Barbara Klemm gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen der deutschen Gegenwart. Sie wurde 1939 in Münster, Westfalen, geboren und wuchs in Karlsruhe auf. Seit 1959 war sie für die Frankfurter Allgemeine Zeitung tätig, seit 1970 als Redaktionsfotografin mit den Schwerpunkten Politik und Feuilleton. Ihr Werk wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Fotografie (1989), der Hugo-Erfurth-Preis der Stadt Leverkusen (1989), der Maria-Sibylla-Merian-Preis für bildende Künstlerinnen in Hessen (1998), der Hessische Kulturpreis (2000) und der Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm ist bislang die einzige Frau, die mit dem Leica Hall of Fame Award ausgezeichnet wurde (2012). Seit 1992 ist sie Mitglied der Akademie der Künste Berlin, 2010 wurde sie in den Orden „Pour le mérite“ gewählt. Barbara Klemm lebt in Frankfurt am Main.

Matterhorn, Zermatt, Schweiz, 1993 © Barbara Klemm

Pour le début de la saison 2024, nous présentons une nouvelle exposition de Barbara Klemm qui, comme tant d'autres genres, maîtrise avec virtuosité celui de la photographie de paysage. L'exposition réunit une trentaine de ses portraits de paysages d'Allemagne et du monde entier - de l'Allgäu au lac de Plön, de la steppe mongole aux chutes d'Iguazú. Les photographies de paysages de Barbara Klemm, toutes présentées sous forme de tirages au gélatino-argent de sa propre main, se distinguent par des compositions magistrales qui modèlent la lumière et le paysage.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) nous regardent à travers les paysages de Barbara Klemm, le romantisme allemand, avec sa peinture et son graphisme et leur consolation, leur poids et leurs abîmes, apparaît ici dans une nouvelle qualité esthétique". Péter Nádas (extrait de "Rayonnement noir : Barbara Klemm, la philosophe des événements")

Barbara Klemm est considérée comme l'une des photographes les plus importantes de l'Allemagne contemporaine. Elle est née en 1939 à Münster, en Westphalie, et a grandi à Karlsruhe. Depuis 1959, elle travaillait pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung, et depuis 1970 comme photographe de rédaction spécialisée dans la politique et le feuilleton. Son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, dont le prix Dr. Erich Salomon de la Société allemande de photographie (1989), le prix Hugo Erfurth de la ville de Leverkusen (1989), le prix Maria Sibylla Merian pour les femmes artistes plasticiennes de Hesse (1998), le prix culturel de Hesse (2000) et le prix Max Beckmann de la ville de Francfort-sur-le-Main (2009). Barbara Klemm est à ce jour la seule femme à avoir été récompensée par le Leica Hall of Fame Award (2012). Depuis 1992, elle est membre de l'Académie des arts de Berlin, et en 2010, elle a été élue à l'Ordre du mérite. Barbara Klemm vit à Francfort-sur-le-Main.

Mongolei, 1992 © Barbara Klemm

In occasione dell'inizio della stagione 2024, presentiamo una nuova mostra di Barbara Klemm, che, come molti altri generi, è una virtuosa della fotografia di paesaggio. La mostra riunisce una trentina di suoi ritratti paesaggistici provenienti dalla Germania e da tutto il mondo: dall'Allgäu al lago di Plön, dalla steppa mongola alle cascate di Iguazú. Le fotografie di paesaggio di Barbara Klemm, tutte presentate come stampe alla gelatina d'argento realizzate con le sue mani, sono caratterizzate da composizioni magistrali che modellano la luce e il paesaggio.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) ci guardano dalle fotografie di paesaggio di Barbara Klemm; il Romanticismo tedesco, con la sua pittura e la sua grafica, con il suo conforto, il peso e gli abissi, appare qui in una nuova qualità estetica". Péter Nádas (da "Black Radiance: Barbara Klemm, la filosofa degli eventi")

Barbara Klemm è considerata una delle più importanti fotografe della Germania contemporanea. È nata a Münster, in Westfalia, nel 1939 ed è cresciuta a Karlsruhe. Ha lavorato per la Frankfurter Allgemeine Zeitung dal 1959, dal 1970 come fotografa editoriale specializzata in politica e articoli di cronaca. Il suo lavoro è stato premiato con numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Dr Erich Salomon della Società tedesca per la fotografia (1989), il Premio Hugo Erfurth della città di Leverkusen (1989), il Premio Maria Sibylla Merian per le artiste visive dell'Assia (1998), il Premio della cultura dell'Assia (2000) e il Premio Max Beckmann della città di Francoforte sul Meno (2009). Ad oggi, Barbara Klemm è l'unica donna ad essere stata premiata con il Leica Hall of Fame Award (2012). È membro dell'Akademie der Künste Berlin dal 1992 ed è stata eletta nell'Ordine "Pour le mérite" nel 2010. Barbara Klemm vive a Francoforte sul Meno.

Iguazú Wasserfall, Brasilien, 2011 © Barbara Klemm

To inaugurate the autumn 2024 gallery season, we are pleased to present a new exhibition by Barbara Klemm. Known for her mastery across various genres, Klemm also excels in landscape photography.

This exhibition features around thirty of her landscape portraits from Germany and around the world — from the Allgäu to Lake Plön, from the Mongolian steppe to the Iguazú waterfalls. Each photograph, printed by the artist as a silver gelatin print, showcases her skillful composition and deep connection to the landscapes she captures.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) gaze upon us from Barbara Klemm's landscape images. The German Romanticism, with its painting and graphics, and its solace, gravity, and abysses, reappears here in a new aesthetic quality.“ Péter Nádas

Barbara Klemm is considered one of the most important photographers in contemporary Germany. She was born in 1939 in Münster, Westphalia, and grew up in Karlsruhe. Since 1959, she worked for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, and from 1970 onwards, she served as an editorial photographer with a focus on politics and culture. Her work has received numerous awards, including the Dr.-Erich-Salomon-Preis from the German Society for Photography (1989), the Hugo-Erfurth-Preis from the city of Leverkusen (1989), the Maria Sibylla Merian Prize for female visual artists in Hesse (1998), the Hessian Culture Prize (2000), and the Max Beckmann Prize from the city of Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm is the only woman to have been honored with the Leica Hall of Fame Award (2012). Since 1992, she has been a member of the Academy of Arts Berlin, and in 2010, she was elected to the Order Pour le Mérite. Barbara Klemm lives in Frankfurt am Main.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Nightcall — The Frankfurt Edition - Satijn Panyigay | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Juni
22
3:00 PM15:00
Artist Talk, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Nightcall — The Frankfurt Edition - Satijn Panyigay | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
22. Juni 2024

Gespräch und Signierstunde
How to Publish a Photography Book

Angelika & Markus Hartmann (Hartmann Books) im Gespräch mit Satijn Panyigay

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

© Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

© Satijn Panyigay

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

© Satijn Panyigay

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

© Satijn Panyigay

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Nightcall — The Frankfurt Edition - Satijn Panyigay | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Juni
22
bis 24. Aug.
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Nightcall — The Frankfurt Edition - Satijn Panyigay | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
22. Juni – 24. August 2024

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

© Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

© Satijn Panyigay

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

© Satijn Panyigay

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

© Satijn Panyigay

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Nightcall — The Frankfurt Edition - Satijn Panyigay | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Juni
21
6:00 PM18:00
Vernissage, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Nightcall — The Frankfurt Edition - Satijn Panyigay | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
21. Juni 2024

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

© Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

© Satijn Panyigay

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

© Satijn Panyigay

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

© Satijn Panyigay

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Stadt der Fotografinnen. Frankfurt 1844–2024 | Historisches Museum Frankfurt
Mai
29
bis 22. Sept.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Stadt der Fotografinnen. Frankfurt 1844–2024 | Historisches Museum Frankfurt

Historisches Museum Frankfurt
29. Mai – 22. September 2024

Stadt der Fotografinnen. Frankfurt 1844 – 2024

Die Ausstellung findet im Rahmen der Triennale der Fotografie RAY 2024 statt.

Ilse Bing, Selbstporträt mit Leica im Spiegel, Silbergelatineabzug, Frankfurt 1931 © Historisches Museum Frankfurt

Frankfurts Entwicklung zur internationalen Großstadt seit der Industrialisierung ist eng verknüpft mit der Entwicklung des Mediums Fotografie, aber auch mit der gesellschaftlichen wie künstlerischen Emanzipationsgeschichte von Fotografinnen. Dass Frankfurt zum künstlerischen, beruflichen und lebensweltlichen Schaffenszentrum der Fotografinnen wurde, ist dabei viel mehr als eine zufällige Koinzidenz des Orts: Hier entstehen bis heute vielfältige Ausbildungs-, Arbeits- und Wirkungsmöglichkeiten für sie; aber auch die Stadt als fotografisches Objekt verbindet ihre Werke.

Die Ausstellung präsentiert in fünf Kapiteln chronologisch Frankfurter Fotogeschichte unter besonderer Berücksichtigung des fotografischen Wirkens von Frauen:

Frühe Foto-Pionierinnen wie Julie Vogel sind ab den 1840er Jahren in Frankfurt tätig und werden mit ihren Fotoateliers und Fotozeugnissen wie ersten Salzpapierabzügen oder der dann entstehenden sogenannten kleinen Carte de Visite vorgestellt. In der Kaiserzeit entstehen die ersten selbständig von Frauen geführten Fotoateliers, wie das der Porträt- und Theaterfotografin Katharina Culié, die auf ersten Fotoausstellungen für sich warb und Preise gewann.

Durch das „Neue Frankfurt“ in den 1920er Jahren wird kultureller und gesellschaftlicher Wandel vorangetrieben, von dem unter anderem die Fotografinnen Grete Leistikow, Jeanne Mandello und Ilse Mayer Gehrken beeinflusst sind. Emanzipation und Aufbruch stehen neben Exil und Zerstörung – hier werden weitere Werke von Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck und Marta Hoepffner präsentiert. Die Fotokunst der Nachkriegszeit bestimmten nachdrücklich Hoepffner und ihre Lebensgefährtin Irm Schoffers mit ihrem Werk und der ab 1949 in Hofheim gegründeten privaten Fotoschule.

Besonders mit der 1968er-Generation ist die Stadt geprägt vom bildjournalistisch einzigartigen Stil Barbara Klemms, Erika Sulzer-Kleinemeiers, Inge Werths, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz‘ oder Abisag Tüllmanns. Ab der Nachkriegszeit spielen auch die Themen Mode, hier dargestellt durch das Werk von Lilo Gwosdz, und Architektur im Schaffen zahlreicher Fotografinnen eine Rolle. Das im Wandel befindliche Stadtbild ist bis heute im Fokus, so im Werk von Ursula Edelmann, die besonders den fotografischen Blick auf die 1950er Jahre prägt. Fast 40 Jahre wird auch die Theaterfotografie geprägt von der an Frankfurter Schauspiel und Oper wirkenden Mara Eggert.

Ab den 1980er Jahren setzt sich die Auseinandersetzung mit der Stadt im fotokünstlerischen Arbeiten intensiv fort, etwa durch Laura J. Padgett mit ihren fotoseriellen Untersuchungen historischer Bauten oder Meike Fischer mit einem gesellschaftspolitischen Blick auf aktuelle Neubauprojekte. Verdiana Albano hingegen fokussiert aktuell den städtebaulichen Wandel in globaler Perspektive. In Angewandter Fotografie und Fotokunst gehen Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer und Irene Peschick schon seit den 1960er Jahren vielfältige neue Wege. Susa Templin, Christiane Feser und Sandra Mann sind seit den 1990er Jahren in der internationalen Ausstellungs- und Fotoszene vernetzt.

Die künstlerische Ausbildung von Fotografinnen an der HfG Offenbach wie an der Städelschule zeigen, dass sich die Stadt von einem Zentrum der Pressefotografie nach 1945 zu einem Ort der Fotokunst der Gegenwart entwickelt hat. Das verdeutlichen im die Ausstellung abschließenden Raum zur gegenwärtigen Fotografie und Fotokunst in Frankfurt die vielfältigen Werke von Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir und Wagehe Raufi.

Susa Templin, Fotoserie Putzen, 1992-1993 © Historisches Museum Frankfurt

Le développement de Francfort en tant que grande ville internationale depuis l'industrialisation est étroitement lié à l'évolution du médium photographique, mais aussi à l'histoire de l'émancipation sociale et artistique des femmes photographes. Le fait que Francfort soit devenu le centre de création artistique, professionnelle et de vie des femmes photographes est bien plus qu'une coïncidence fortuite de lieu : c'est ici que se créent aujourd'hui encore de multiples possibilités de formation, de travail et d'activité pour elles ; mais c'est aussi la ville en tant qu'objet photographique qui relie leurs œuvres.

L'exposition présente en cinq chapitres chronologiques l'histoire de la photographie à Francfort, avec une attention particulière pour l'activité photographique des femmes :

Les premières pionnières de la photographie, comme Julie Vogel, sont actives à Francfort à partir des années 1840 et sont présentées avec leurs ateliers photographiques et leurs témoignages photographiques, tels que les premiers tirages sur papier salé ou ce que l'on appelle alors la petite carte de visite. Sous l'Empire, les premiers ateliers de photographie dirigés de manière indépendante par des femmes voient le jour, comme celui de la photographe de portraits et de théâtre Katharina Culié, qui fait sa promotion lors des premières expositions photographiques et remporte des prix.

Le "nouveau Francfort" des années 1920 est à l'origine de changements culturels et sociaux qui influencent entre autres les photographes Grete Leistikow, Jeanne Mandello et Ilse Mayer Gehrken. L'émancipation et le départ côtoient l'exil et la destruction - d'autres œuvres d'Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck et Marta Hoepffner sont présentées ici. Hoepffner et sa compagne Irm Schoffers ont fortement déterminé l'art photographique de l'après-guerre avec leur œuvre et l'école de photographie privée fondée à Hofheim à partir de 1949.

C'est surtout avec la génération de 1968 que la ville est marquée par le style unique de Barbara Klemm, Erika Sulzer-Kleinemeier, Inge Werth, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz ou Abisag Tüllmann en matière de photojournalisme. A partir de l'après-guerre, les thèmes de la mode, représentés ici par l'œuvre de Lilo Gwosdz, et de l'architecture jouent également un rôle dans l'œuvre de nombreuses photographes. Le paysage urbain en pleine mutation est encore aujourd'hui au centre de l'attention, notamment dans l'œuvre d'Ursula Edelmann, qui marque particulièrement le regard photographique sur les années 1950. Pendant près de 40 ans, la photographie de théâtre est également marquée par Mara Eggert, qui travaille au théâtre et à l'opéra de Francfort.

À partir des années 1980, la confrontation avec la ville se poursuit de manière intensive dans le travail photo-artistique, par exemple avec Laura J. Padgett et ses recherches photo-sérielles sur les bâtiments historiques ou Meike Fischer avec un regard socio-politique sur les projets actuels de construction de nouveaux bâtiments. Verdiana Albano, quant à elle, se concentre actuellement sur les changements urbanistiques dans une perspective globale. Dans le domaine de la photographie appliquée et de l'art photographique, Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer et Irene Peschick explorent de nouvelles voies variées depuis les années 1960. Susa Templin, Christiane Feser et Sandra Mann font partie du réseau international des expositions et de la scène photographique depuis les années 1990.

La formation artistique des femmes photographes à la HfG Offenbach comme à la Städelschule montre que la ville est passée d'un centre de la photographie de presse après 1945 à un lieu de l'art photographique contemporain. C'est ce qu'illustrent les œuvres variées d'Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir et Wagehe Raufi dans la salle consacrée à la photographie et à l'art photographique contemporains à Francfort, qui clôt l'exposition.

Grete Leistikow, Palmengarten-Gesellschaftshaus, Silbergelatineabzug, Frankfurt 1929 © Historisches Museum Frankfurt

Lo sviluppo di Francoforte come grande città internazionale dopo l'industrializzazione è strettamente legato allo sviluppo del mezzo fotografico, ma anche all'emancipazione sociale e artistica delle fotografe. Il fatto che Francoforte sia diventata il centro artistico, professionale e creativo quotidiano delle fotografe è molto più di una coincidenza di luogo: ancora oggi, qui è stata creata per loro un'ampia gamma di opportunità di formazione, lavoro e attività; ma la città come oggetto fotografico collega anche le loro opere.

La mostra presenta la storia fotografica di Francoforte in cinque capitoli cronologici, con un'attenzione particolare al lavoro fotografico delle donne:

Le prime pioniere della fotografia, come Julie Vogel, furono attive a Francoforte a partire dagli anni Quaranta dell'Ottocento e vengono presentate con i loro studi fotografici e le loro testimonianze fotografiche, come le prime stampe su carta salata o le cosiddette piccole carte de visite, nate in quel periodo. In epoca imperiale nacquero i primi studi fotografici gestiti autonomamente da donne, come quello della fotografa di ritratti e di teatro Katharina Culié, che si fece notare alle prime mostre fotografiche e vinse dei premi.

Negli anni Venti, la "Nuova Francoforte" fu un catalizzatore di cambiamenti culturali e sociali, che influenzarono fotografe come Grete Leistikow, Jeanne Mandello e Ilse Mayer Gehrken. L'emancipazione e il risveglio si affiancano all'esilio e alla distruzione: qui vengono presentate altre opere di Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck e Marta Hoepffner. Hoepffner e il suo compagno Irm Schoffers hanno avuto un'influenza decisiva sull'arte fotografica del dopoguerra con il loro lavoro e la scuola privata di fotografia fondata a Hofheim nel 1949.

Soprattutto con la generazione del 1968, la città fu caratterizzata dallo stile fotogiornalistico unico di Barbara Klemm, Erika Sulzer-Kleinemeier, Inge Werth, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz e Abisag Tüllmann. Dal dopoguerra in poi, anche la moda, qui rappresentata dal lavoro di Lilo Gwosdz, e l'architettura hanno avuto un ruolo nel lavoro di numerose fotografe. Il paesaggio urbano in evoluzione è ancora oggi al centro dell'attenzione, ad esempio nel lavoro di Ursula Edelmann, che caratterizza in modo particolare la visione fotografica degli anni Cinquanta. Per quasi 40 anni, anche la fotografia teatrale è stata plasmata da Mara Eggert, che ha lavorato al teatro e all'opera di Francoforte.

A partire dagli anni Ottanta, l'esame della città è proseguito intensamente nelle opere fotografiche, ad esempio di Laura J. Padgett con le sue indagini fotografiche sugli edifici storici o di Meike Fischer con una visione socio-politica dei nuovi progetti edilizi in corso. Verdiana Albano, invece, si concentra attualmente sui cambiamenti urbani da una prospettiva globale. Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer e Irene Peschick hanno aperto nuove strade nella fotografia applicata e nell'arte fotografica fin dagli anni Sessanta. Susa Templin, Christiane Feser e Sandra Mann sono presenti sulla scena espositiva e fotografica internazionale dagli anni Novanta.

La formazione artistica delle fotografe presso la HfG Offenbach e la Städelschule dimostra che la città si è sviluppata da centro della fotografia giornalistica dopo il 1945 a luogo di arte fotografica contemporanea. Ciò è illustrato dalle diverse opere di Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir e Wagehe Raufi nella sala dedicata alla fotografia contemporanea e all'arte fotografica a Francoforte, che conclude la mostra.

Meike Fischer, Serie Abriss Frankfurt, Henninger Turm. Rohbau des neuen Henninger Turms, C-Print, Frankfurt 2016 © Historisches Museum Frankfurt / Meike Fischer

Frankfurt's development into a major international city since industrialization is closely linked to the development of the medium of photography, but also to the social and artistic emancipation of women photographers. The fact that Frankfurt became the artistic, professional and life-world creative center of women photographers is much more than a coincidence of location: to this day, a wide range of training, work and activity opportunities have been created for them here; but the city as a photographic object also connects their works.

The exhibition presents Frankfurt's photographic history in five chronological chapters, with a special focus on the photographic work of women:

Early female photography pioneers such as Julie Vogel were active in Frankfurt from the 1840s onwards and are presented with their photo studios and photographic testimonies such as the first salt paper prints or the so-called small carte de visite that emerged at that time. In the imperial era, the first photo studios run independently by women emerged, such as that of the portrait and theater photographer Katharina Culié, who advertised herself at the first photo exhibitions and won prizes.

The "New Frankfurt" of the 1920s drove cultural and social change, which influenced photographers such as Grete Leistikow, Jeanne Mandello and Ilse Mayer Gehrken. Emancipation and awakening stand alongside exile and destruction - further works by Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck and Marta Hoepffner are presented here. Hoepffner and her partner Irm Schoffers had a decisive influence on post-war photographic art with their work and the private photography school founded in Hofheim in 1949.

Particularly with the 1968 generation, the city is characterized by the unique photojournalistic style of Barbara Klemm, Erika Sulzer-Kleinemeier, Inge Werth, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz and Abisag Tüllmann. From the post-war period onwards, fashion, represented here by the work of Lilo Gwosdz, and architecture also played a role in the work of numerous female photographers. The changing cityscape is still in focus today, for example in the work of Ursula Edelmann, who particularly shapes the photographic view of the 1950s. For almost 40 years, theater photography was also shaped by Mara Eggert, who worked at Frankfurt's theater and opera.

From the 1980s onwards, the examination of the city continued intensively in photographic works, for example by Laura J. Padgett with her photographic investigations of historical buildings or Meike Fischer with a socio-political view of current new building projects. Verdiana Albano, on the other hand, is currently focusing on urban change from a global perspective. Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer and Irene Peschick have been breaking new ground in applied photography and photographic art since the 1960s. Susa Templin, Christiane Feser and Sandra Mann have been networked in the international exhibition and photography scene since the 1990s.

The artistic training of female photographers at the HfG Offenbach and the Städelschule show that the city has developed from a center of press photography after 1945 to a place of contemporary photographic art. This is illustrated by the diverse works of Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir and Wagehe Raufi in the room on contemporary photography and photographic art in Frankfurt, which concludes the exhibition.

(Text: Historisches Museum Frankfurt)

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La Plaiv - Petra Wunderlich | Bernhard Knaus Fine Art| Frankfurt am Main
Mai
4
bis 29. Juni
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Triennale

La Plaiv - Petra Wunderlich | Bernhard Knaus Fine Art| Frankfurt am Main

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
4. Mai – 29. Juni 2024

La Plaiv
Petra Wunderlich

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

Castell aus La Plaiv © Petra Wunderlich

Petra Wunderlich wendet einen raffinierten und didaktischen Ansatz an, um stoische Schwarz-Weiß-Fotografien zu erstellen, die in der Einzelausstellung 'La Plaiv' die architektonischen Fassaden der malerischen und romantischen Dörfer der gleichnamigen Region in der Schweiz sorgfältig untersuchen.

Wunderlich studierte bei Bernd und Hilla Becher an der Kunstakademie Düsseldorf und wurde Teil der Studierendengeneration der Düsseldorfer Fotoschule. Heute pflegt sie die Tradition der Düsseldorfer Schule der strengen Dokumentation durch eng beschnittene Fotografien, die dem Thema jedes Werkes einen distanzierten, aber diskreten Blick verleihen. Ihre sachliche Haltung und die Serialisierung der Fotografien greifen nüchterne Themen in Stil und Inhalt auf und verstärken die architektonischen Geometrien, die diese Schweizer Landschaft prägen – sowie die mysteriöse Abwesenheit ihrer Bewohnerinnen und Bewohner.

Plaz aus La Plaiv © Petra Wunderlich

Petra Wunderlich applique une approche raffinée et didactique pour créer des photographies stoïques en noir et blanc qui, dans l'exposition individuelle 'La Plaiv', examinent soigneusement les façades architecturales des villages pittoresques et romantiques de la région du même nom en Suisse.

Wunderlich a étudié avec Bernd et Hilla Becher à l'Académie des arts de Düsseldorf et a fait partie de la génération d'étudiants de l'école de photographie de Düsseldorf. Aujourd'hui, elle cultive la tradition de l'école de Düsseldorf de la documentation rigoureuse par des photographies étroitement recadrées, qui confèrent au sujet de chaque œuvre un regard distancié mais discret. Son attitude objective et la sérialisation des photographies reprennent des thèmes sobres dans leur style et leur contenu et renforcent les géométries architecturales qui caractérisent ce paysage suisse - ainsi que l'absence mystérieuse de ses habitants.

Ritscha aus La Plaiv © Petra Wunderlich

Petra Wunderlich applica un approccio raffinato e didattico per creare stoiche fotografie in bianco e nero che esaminano attentamente le facciate architettoniche dei pittoreschi e romantici villaggi dell'omonima regione svizzera nella mostra personale "La Plaiv".

Wunderlich ha studiato sotto la guida di Bernd e Hilla Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf ed è entrata a far parte della generazione di studenti della Scuola di Fotografia di Düsseldorf. Oggi mantiene la tradizione della Scuola di Düsseldorf di una documentazione rigorosa, attraverso fotografie dai ritagli stretti che conferiscono al soggetto di ogni opera uno sguardo distante ma discreto. Il suo approccio materico e la serialità delle fotografie riprendono temi sobri nello stile e nel contenuto e rafforzano le geometrie architettoniche che caratterizzano questo paesaggio svizzero, così come la misteriosa assenza dei suoi abitanti.

Via Maistra aus La Plaiv © Petra Wunderlich

Petra Wunderlich applies a refined and didactic approach to create stoic black and white photographies that carefully examine the architectural facades of the picturesque and romantic villages of the eponymous region in Switzerland in the solo exhibition 'La Plaiv'.

Wunderlich studied under Bernd and Hilla Becher at the Düsseldorf Art Academy and became part of the student generation of the Düsseldorf School of Photography. Today, she maintains the Düsseldorf School's tradition of strict documentation through tightly cropped photographs that lend the subject of each work a distanced but discreet gaze. Her pragmatic approach and the serialisation of the photographs take up sober themes in style and content and reinforce the architectural geometries that characterise this Swiss landscape - as well as the mysterious absence of its inhabitants.

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

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RAY ECHOES IDENTITY | Fotografie Forum Frankfurt
Mai
3
bis 1. Sept.
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Triennale

RAY ECHOES IDENTITY | Fotografie Forum Frankfurt

  • Fotografie Forum Frankfurt (Karte)
  • Google Kalender ICS

Fotografie Forum Frankfurt
3. Mai – 1. September 2024

RAY ECHOES IDENTITY

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

The Ghost Orchid Gesture, 2021 | Film still | © Dinu Li, 2024

Zum fünften Mal werden Frankfurt und die Rhein-Main-Region vom 03.05. bis 01.09.2024 mit Ausstellungen, zahlreichen Events und einem dreitägigen Festival Schauplatz von RAY – Triennale der Fotografie.

Die Künstler*innen der Triennale erforschen und reflektieren mittels Fotografie und verwandter Medien die Herausforderungen und Spannungsfelder der Selbstwahrnehmung und des menschlichen Miteinanders und stellen ihre Perspektiven zum Leitthema ECHOES vor.

Ihre Arbeiten spannen Bögen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sowie vom Intimen und Persönlichen bis zum Kollektiven. Durch das Festhalten dieser vielfältigen Momente und Phänomene schaffen sie ein Echo, das die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf ihre Themen lenkt. Ähnlich einem Schallerlebnis erzeugen sie so einen Nachhall, der über das Abgebildete hinaus als eigenständiges Ereignis wahrgenommen wird. RAY ECHOES konzentriert sich auf die drei Schwerpunkte.

Im Fotografie Forum Frankfurt fokussiert sich die Schau als einer von drei zentralen Ausstellungen der Triennale auf die Beziehung zwischen Fotografie und Identität. Die ausgestellten Künstler*innen Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li und Inuuteq Storch untersuchen in ihren Arbeiten das Entstehen und die Veränderung von Identitäten. Echos finden sich in Form von Reflexionen über persönliche Erfahrungen, Transzendenz und die Aktualität des Rückblicks. Neben aktuellen zeitgenössischen Fotografien und einer Videoinstallation werden frühere ikonografische Arbeiten in Zeiten politischer Polarisierung in Bezug auf Minderheiten, Kultur und Geschlecht wieder in den Vordergrund gerückt.

Das Konzept von RAY ECHOES wurde gemeinsam entwickelt von Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (Freie Kuratorin), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), und Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Aus der Serie Keepers of the Ocean, 2022/2024 © Inuuteq Storch, 2024

Pour la cinquième fois, Francfort et la région Rhin-Main seront le théâtre de RAY - Triennale der Fotografie du 03.05. au 01.09.2024 avec des expositions, de nombreux événements et un festival de trois jours.

Les artistes* de la Triennale explorent et réfléchissent, par le biais de la photographie et des médias apparentés, aux défis et aux champs de tension de la perception de soi et des interactions humaines, et transmettent leurs perspectives sur le thème directeur ECHOES.

Leurs travaux couvrent des domaines allant du passé, du présent et du futur, de l'intime et du personnel au collectif. En capturant ces multiples moments et phénomènes, ils créent un écho qui attire l'attention du public sur leurs sujets. A l'instar d'une expérience sonore, ils créent ainsi une réverbération qui est perçue comme un événement à part entière, au-delà de ce qui est représenté. RAY ECHOES se concentre sur ces trois points forts.

Au Fotografie Forum Frankfurt, l'exposition est l'une des trois expositions centrales de la Triennale et se concentre sur la relation entre la photographie et l'identité. Les artistes* exposés, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li et Inuuteq Storch, examinent dans leurs travaux l'émergence et la transformation des identités. Des échos se retrouvent sous la forme de réflexions sur les expériences personnelles, la transcendance et l'actualité de la rétrospective. Outre des photographies contemporaines récentes et une installation vidéo, des travaux iconographiques antérieurs sont remis au premier plan en ces temps de polarisation politique concernant les minorités, la culture et le genre.

Le concept de RAY ECHOES a été développé conjointement par Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (conservatrice indépendante), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), et Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Autoportrait, 1990/2024 © Joy Gregory, 2024, Courtesy: the artist

Per la quinta volta, Francoforte e la regione del Reno-Meno saranno teatro di RAY - Triennale di Fotografia dal 3 maggio al 1° settembre 2024 con mostre, numerosi eventi e un festival di tre giorni.

Utilizzando la fotografia e i media correlati, gli artisti della triennale esplorano e riflettono sulle sfide e le tensioni della percezione di sé e dell'interazione umana e presentano le loro prospettive sul tema centrale di ECHOES.

Le loro opere spaziano tra passato, presente e futuro, dall'intimo e personale al collettivo. Catturando questi diversi momenti e fenomeni, creano un'eco che attira l'attenzione del pubblico sui loro temi. Simili a un'esperienza sonora, creano un riverbero che viene percepito come un evento indipendente al di là di ciò che viene rappresentato. RAY ECHOES si concentra su questi tre punti focali.

Come una delle tre mostre centrali della Triennale, l'esposizione al Fotografie Forum di Francoforte si concentra sul rapporto tra fotografia e identità. Gli artisti esposti, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li e Inuuteq Storch, esaminano l'emergere e la trasformazione delle identità nelle loro opere. Gli echi si trovano sotto forma di riflessioni sulle esperienze personali, sulla trascendenza e sull'attualità del guardare indietro. Oltre a fotografie contemporanee attuali e a un'installazione video, vengono riportate alla ribalta opere iconografiche precedenti in tempi di polarizzazione politica in relazione a minoranze, cultura e genere.

Il concetto di RAY ECHOES è stato sviluppato congiuntamente da Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (curatrice indipendente), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt) e Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Ixchel – Mayan Moon and Birth Deity, 2023, Aus der Serie Digital Clouds Don’t Carry Rain, 2021–2024 © Mónica Alcázar-Duarte, 2024

The fifth edition of the RAY – Triennial of Photography offers numerous exhibitions, events and 3-day Festival in Frankfurt and the Rhine-Main region.

The artists of the triennial use photography and related media to explore and reflect on the challenges and tensions of self-perception and human interaction. Their works span the past, present, and future, from the intimate and personal to the collective. By capturing these diverse moments and phenomena, they create an echo that draws the public’s attention to their themes. Similar to a sound experience, they create reverberation that is perceived as an independent event beyond what is depicted.

On this basis, RAY ECHOES concentrates on three focal points: identity, memory, and emotion.

Fotografie Forum Frankfurt is showing one of three central exhibitions of the Triennial focussing on the relationship between photography and identity.

The exhibited artists of Echoes Identity Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li, and Inuuteq Storch explore the making and breaking away from identities. Echoes are present in the form of reflections on personal experience, transcendence, and the currency of retrospection. Alongside recent contemporary photographs and a video installation, earlier iconographic works are brought back to the fore in times of political polarisation over minorities, culture, and gender.

The RAY Echoes concept was developed jointly by Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (freelance curator), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), and Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

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Alice Springs. Retrospektive | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
Apr.
24
bis 11. Aug.
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Triennale

Alice Springs. Retrospektive | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim

  • Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselsheim (Karte)
  • Google Kalender ICS

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
24. April – 11. August 2024

Alice Springs. Retrospektive

Die Ausstellung ist ein Partnerprojekt der internationalen Triennale der Fotografie RAY.

Alice Springs, Charlotte Rampling, Paris 1982 © Helmut Newton Foundation

Anlässlich des 1 00. Geburtstags von June Newton alias Alice Springs im letzten Jahr wurden über 200 Fotografien von der Helmut Newton Foundation in Berlin neu zusammengetragen. Diese teilweise spektakulären Ergebnisse werden in den Opelvillen vorgestellt.

Unter dem Pseudonym Alice Springs arbeitete June Newton (1923-2021) seit 1970 als Fotografin. Am Anfang des eigenen Oeuvres stand eine Grippe ihres Mannes Helmut Newtons. Danach entstanden zahlreiche Porträts, Menschenbilder voller Empathie, die bis heute die für Alice Springs so charakteristische Mischung aus Einfühlung und Neugierde auf ihre Zeitgenossen transportieren.

In Kooperation mit der Helmut Newton Foundation, Berlin. Im Anschluss wird die Ausstellung vom 15. September 2024 bis 2. Februar 2025 im Stiftung Museum Schloss Moyland zu sehen sein.

À l'occasion du 100e anniversaire de June Newton, alias Alice Springs, l'année dernière, plus de 200 photographies ont été réassemblées par la Helmut Newton Foundation à Berlin. Ces résultats, parfois spectaculaires, sont présentés dans les Opelvillen.

Sous le pseudonyme d'Alice Springs, June Newton (1923-2021) a travaillé comme photographe depuis 1970. Au début de sa propre œuvre, elle a été victime de la grippe de son mari Helmut Newton. Elle a ensuite réalisé de nombreux portraits, des images humaines pleines d'empathie qui véhiculent encore aujourd'hui le mélange d'empathie et de curiosité envers ses contemporains si caractéristique d'Alice Springs.

En coopération avec la Helmut Newton Foundation, Berlin. L'exposition sera ensuite présentée du 15 septembre 2024 au 2 février 2025 à la fondation Museum Schloss Moyland.

L'exposition est un projet partenaire de la Triennale internationale de la photographie RAY.

In occasione del centesimo compleanno di June Newton, alias Alice Springs, lo scorso anno, la Fondazione Helmut Newton di Berlino ha raccolto oltre 200 nuove fotografie. Questi risultati, alcuni dei quali spettacolari, saranno presentati all'Opelvillen.

June Newton (1923-2021) ha lavorato come fotografa con lo pseudonimo di Alice Springs a partire dal 1970. La sua opera personale è iniziata quando il marito Helmut Newton si è ammalato di influenza. In seguito, ha creato numerosi ritratti, immagini di persone piene di empatia, che ancora oggi trasmettono la caratteristica miscela di empatia e curiosità di Alice Springs nei confronti dei suoi contemporanei.

In collaborazione con la Fondazione Helmut Newton di Berlino. La mostra sarà poi esposta alla Fondazione Museum Schloss Moyland dal 15 settembre 2024 al 2 febbraio 2025.

La mostra è un progetto partner della triennale internazionale di fotografia RAY.

To mark the 100th birthday of June Newton, alias Alice Springs, last year, the Helmut Newton Foundation in Berlin has compiled over 200 new photographs. These results, some of which are spectacular, will be presented in the Opelvillen.

June Newton (1923-2021) worked as a photographer under the pseudonym Alice Springs from 1970 onwards. Her own oeuvre began when her husband Helmut Newton caught the flu. After that, she produced numerous portraits, images of people full of empathy, which still convey Alice Springs' characteristic mixture of empathy and curiosity about her contemporaries.

In cooperation with the Helmut Newton Foundation, Berlin. The exhibition will then be on display at the Museum Schloss Moyland Foundation from September 15, 2024 to February 2, 2025.

The exhibition is a partner project of the international photography triennial RAY.

(Text: Openvillen, Rüsselheim)

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Misr — mon Égypte – Denis Dailleux | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Apr.
20
bis 1. Juni
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Misr — mon Égypte – Denis Dailleux | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
20. April – 1. Juni 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux

La Danseuse de la Fin du Mariage, 2000 © Denis Dailleux

Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.

Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.

I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.

The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Misr — mon Égypte – Denis Dailleux | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Apr.
19
6:00 PM18:00
Vernissage, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Misr — mon Égypte – Denis Dailleux | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
19. April 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux

Un Vendeur de Citronnade, 2000 © Denis Dailleux

Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.

Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.

I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.

The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Aïda Muluneh. On the edge of past future | Fotografie Forum Frankfurt
Feb.
1
bis 14. Apr.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Aïda Muluneh. On the edge of past future | Fotografie Forum Frankfurt

  • Fotografie Forum Frankfurt (Karte)
  • Google Kalender ICS

Fotografie Forum Frankfurt
1. Februar – 14. April 2024

On the edge of past future
Aïda Muluneh

The Shackles of Limitations, 2018, Aus der Serie Water Life, Commissioned by WaterAid and supported by the H&M Foundation © Aïda Muluneh, 2024

Mit kraftvollen Farben und einer außergewöhnlichen Bildsprache widmet sich die Künstlerin Aïda Muluneh dem ungleich verteilten Zugang zu Ressourcen wie Wasser, Nahrung und Bildung, dem Missbrauch von Macht und Menschenrechten sowie dem Empowerment von Frauen. Muluneh wurde 1974 in Addis Abeba, Äthiopien, geboren, wuchs im Jemen, England und Kanada auf und studierte in den USA Kommunikation mit Schwerpunkt Film. Für ihre fotografischen Inszenierungen verwebt sie verschiedene kulturelle Traditionen und Perspektiven und nutzt Methoden von Film und Bühne. Ihre Werke sind international ausgezeichnet und in zahlreichen Museumssammlungen vertreten. 2020 wurde ihre Serie »Road of Glory« in der Ausstellung zum Friedensnobelpreis gezeigt. Aïda Muluneh ist Gründerin und Direktorin von Addis Foto Fest, Ostafrikas erstem internationalen Fotofestival, und Africa Foto Fair, Elfenbeinküste.

Aïda Muluneh. On the edge of past future präsentiert großformatige Arbeiten aus verschiedenen Serien. Die von Celina Lunsford und Andrea Horvay kuratierte Ausstellung ist Mulunehs erste Einzelschau in Deutschland.

Avec des couleurs puissantes et un langage visuel exceptionnel, l'artiste Aïda Muluneh se consacre à l'accès inégalement réparti aux ressources telles que l'eau, la nourriture et l'éducation, à l'abus de pouvoir et aux droits de l'homme ainsi qu'à l'autonomisation des femmes. Muluneh est née en 1974 à Addis Abeba, en Éthiopie, a grandi au Yémen, en Angleterre et au Canada et a étudié la communication aux États-Unis, avec une spécialisation en cinéma. Pour ses mises en scène photographiques, elle entrelace différentes traditions et perspectives culturelles et utilise des méthodes issues du cinéma et de la scène. Ses œuvres ont reçu des prix internationaux et sont représentées dans de nombreuses collections de musées. En 2020, sa série "Road of Glory" a été présentée dans le cadre de l'exposition du prix Nobel de la paix. Aïda Muluneh est la fondatrice et la directrice d'Addis Foto Fest, le premier festival international de photographie d'Afrique de l'Est, et d'Africa Foto Fair, en Côte d'Ivoire.

Aïda Muluneh. On the edge of past future présente des œuvres grand format de différentes séries. L'exposition, organisée par Celina Lunsford et Andrea Horvay, est la première exposition individuelle de Muluneh en Allemagne.

Con colori potenti e un linguaggio visivo straordinario, l'artista Aïda Muluneh si concentra sulla distribuzione ineguale dell'accesso a risorse come l'acqua, il cibo e l'istruzione, sull'abuso di potere e di diritti umani e sull'emancipazione delle donne. Muluneh è nata ad Addis Abeba, in Etiopia, nel 1974, è cresciuta nello Yemen, in Inghilterra e in Canada e ha studiato comunicazione con specializzazione in cinema negli Stati Uniti. Per le sue produzioni fotografiche, Muluneh intreccia diverse tradizioni e prospettive culturali e utilizza metodi cinematografici e teatrali. Le sue opere hanno vinto premi internazionali e sono presenti in numerose collezioni museali. Nel 2020, la sua serie "Road of Glory" è stata esposta nella mostra per il Premio Nobel per la Pace. Aïda Muluneh è la fondatrice e direttrice dell'Addis Foto Fest, il primo festival fotografico internazionale dell'Africa orientale, e dell'Africa Foto Fair, in Costa d'Avorio.

Aïda Muluneh. On the edge of past future presenta opere di grande formato tratte da varie serie. La mostra, curata da Celina Lunsford e Andrea Horvay, è la prima personale di Muluneh in Germania.

With vibrant colours and an extraordinary visual language, the artist Aïda Muluneh  focuses on the unequal distribution of existential resources such as water, food and education, the abuse of power and human rights and the empowerment of women. Muluneh was born in Addis Ababa/Ethiopia in 1974, grew up in Yemen, England and Canada and studied communication with a focus on film in the USA. For her photographic compositions, she interweaves different cultural traditions and perspectives and uses methods from film and stage. Muluneh’s works have been awarded internationally and are represented in numerous museum collections. In 2020 her series Road of Glory was exhibited at the Nobel Peace Prize. Muluneh is founder and director of Addis Foto Fest, East Africa’s first international photography festival, and more recently Africa Foto Fair, Ivory Coast.

Aïda Muluneh. On the edge of past future presents large-format works from diverse series. The exhibition, curated by Celina Lunsford and Andrea Horvay, is Muluneh’s first solo show in Germany.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

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Strata - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Jan.
20
bis 16. März
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Strata - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
20. Januar – 16. März 2024

Strata
Laura J. Padgett

Protrusion © Laura J. Padgett

Laura J. Padgett legt in ihrer künstlerischen Praxis die historischen Schichtungen frei, deren Oberfläche unsere Gegenwart bildet. Ihre neuen Arbeiten, die über fast zwei Jahre hinweg im Frankfurter Poelzig-Bau entstanden sind, werfen Licht auf die komplexe Geschichte des Bauwerks. Architektur- und Industriehistorie, Verstrickung in den Nationalsozialismus, Nachkriegsgeschichte unter amerikanischer Militärverwaltung und der Bezug durch die J.-W.-Goethe-Universität bilden markante Überlagerungen. Daneben macht Padgett einen weiteren Gedächtnisraum des Gebäudes aus: Die universitären Sammlungen als Materialisierung von Kulturgeschichte und der permanenten Metamorphose unseres Blickes darauf.

"Was ich suche, sind Orte, die mit Geschichte in Verbindung stehen, die gewissermaßen unauffällige Monumente sind, um die Geschichte sichtbar und greifbar zu machen. Denn unsere Vergangenheit gehört für immer uns." (Laura J. Padgett)

Dans sa pratique artistique, Laura J. Padgett met à nu les stratifications historiques dont la surface constitue notre présent. Ses nouveaux travaux, réalisés pendant près de deux ans dans le Poelzig-Bau de Francfort, mettent en lumière l'histoire complexe de ce bâtiment. L'histoire de l'architecture et de l'industrie, l'implication dans le national-socialisme, l'histoire d'après-guerre sous administration militaire américaine et la référence à l'université J.-W. Goethe forment des superpositions marquantes. Par ailleurs, Padgett identifie un autre espace de mémoire du bâtiment : Les collections universitaires comme matérialisation de l'histoire culturelle et de la métamorphose permanente de notre regard sur elle.

"Ce que je cherche, ce sont des lieux liés à l'histoire, qui sont en quelque sorte des monuments discrets pour rendre l'histoire visible et tangible. Car notre passé nous appartient à jamais". (Laura J. Padgett)

Nella sua pratica artistica, Laura J. Padgett scopre gli strati storici la cui superficie forma il nostro presente. Le sue nuove opere, realizzate nell'arco di quasi due anni nell'edificio Poelzig di Francoforte, fanno luce sulla complessa storia dell'edificio. La storia architettonica e industriale, il coinvolgimento nel nazionalsocialismo, la storia del dopoguerra sotto l'amministrazione militare americana e il riferimento all'Università J.-W.-Goethe formano suggestive sovrapposizioni. Padgett individua anche un ulteriore spazio di memoria nell'edificio: Le collezioni universitarie come materializzazione della storia culturale e della metamorfosi permanente della nostra visione di essa.

"Quello che cerco sono luoghi connessi alla storia, che siano, in un certo senso, monumenti non invadenti per rendere la storia visibile e tangibile. Perché il nostro passato ci appartiene per sempre". (Laura J. Padgett)

In her artistic practice, Laura J. Padgett reveals the historical layers beneath the outer crust of the present. Her new work, which she made during the last two years at the Poelzig-Bau in Frankfurt, sheds light on the complex background of the building. Architectural and industrial history, collusion  with National Socialism, post WWII history under the American military administration, and most recently becoming home to the J.W. Goethe University since 2001 manifest themselves in significant overlays. Further, Padgett has identified another area of memory within the building: the university collections are evidence of our cultural history and the ongoing metamorphosis how we perceive it.

“What I look for now are places that resonate with history, that are, in a way, unmarked landmarks, and to make this history visible and palpable. Because our past is ours forever.“ (Laura J. Padgett)

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Strata - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Jan.
19
6:00 PM18:00
Vernissage, Hessen, Deutschland

Strata - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
19. Januar 2024

Strata
Laura J. Padgett

Blueprint © Laura J. Padgett

Laura J. Padgett legt in ihrer künstlerischen Praxis die historischen Schichtungen frei, deren Oberfläche unsere Gegenwart bildet. Ihre neuen Arbeiten, die über fast zwei Jahre hinweg im Frankfurter Poelzig-Bau entstanden sind, werfen Licht auf die komplexe Geschichte des Bauwerks. Architektur- und Industriehistorie, Verstrickung in den Nationalsozialismus, Nachkriegsgeschichte unter amerikanischer Militärverwaltung und der Bezug durch die J.-W.-Goethe-Universität bilden markante Überlagerungen. Daneben macht Padgett einen weiteren Gedächtnisraum des Gebäudes aus: Die universitären Sammlungen als Materialisierung von Kulturgeschichte und der permanenten Metamorphose unseres Blickes darauf.

"Was ich suche, sind Orte, die mit Geschichte in Verbindung stehen, die gewissermaßen unauffällige Monumente sind, um die Geschichte sichtbar und greifbar zu machen. Denn unsere Vergangenheit gehört für immer uns." (Laura J. Padgett)

Dans sa pratique artistique, Laura J. Padgett met à nu les stratifications historiques dont la surface constitue notre présent. Ses nouveaux travaux, réalisés pendant près de deux ans dans le Poelzig-Bau de Francfort, mettent en lumière l'histoire complexe de ce bâtiment. L'histoire de l'architecture et de l'industrie, l'implication dans le national-socialisme, l'histoire d'après-guerre sous administration militaire américaine et la référence à l'université J.-W. Goethe forment des superpositions marquantes. Par ailleurs, Padgett identifie un autre espace de mémoire du bâtiment : Les collections universitaires comme matérialisation de l'histoire culturelle et de la métamorphose permanente de notre regard sur elle.

"Ce que je cherche, ce sont des lieux liés à l'histoire, qui sont en quelque sorte des monuments discrets pour rendre l'histoire visible et tangible. Car notre passé nous appartient à jamais". (Laura J. Padgett)

Nella sua pratica artistica, Laura J. Padgett scopre gli strati storici la cui superficie forma il nostro presente. Le sue nuove opere, realizzate nell'arco di quasi due anni nell'edificio Poelzig di Francoforte, fanno luce sulla complessa storia dell'edificio. La storia architettonica e industriale, il coinvolgimento nel nazionalsocialismo, la storia del dopoguerra sotto l'amministrazione militare americana e il riferimento all'Università J.-W.-Goethe formano suggestive sovrapposizioni. Padgett individua anche un ulteriore spazio di memoria nell'edificio: Le collezioni universitarie come materializzazione della storia culturale e della metamorfosi permanente della nostra visione di essa.

"Quello che cerco sono luoghi connessi alla storia, che siano, in un certo senso, monumenti non invadenti per rendere la storia visibile e tangibile. Perché il nostro passato ci appartiene per sempre". (Laura J. Padgett)

In her artistic practice, Laura J. Padgett reveals the historical layers beneath the outer crust of the present. Her new work, which she made during the last two years at the Poelzig-Bau in Frankfurt, sheds light on the complex background of the building. Architectural and industrial history, collusion  with National Socialism, post WWII history under the American military administration, and most recently becoming home to the J.W. Goethe University since 2001 manifest themselves in significant overlays. Further, Padgett has identified another area of memory within the building: the university collections are evidence of our cultural history and the ongoing metamorphosis how we perceive it.

“What I look for now are places that resonate with history, that are, in a way, unmarked landmarks, and to make this history visible and palpable. Because our past is ours forever.“ (Laura J. Padgett)

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Frida Kahlo. Ihre Fotografien | Opelvillen | Rüsselheim
Nov.
5
bis 7. Apr.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Frida Kahlo. Ihre Fotografien | Opelvillen | Rüsselheim

  • Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen (Karte)
  • Google Kalender ICS

Opelvillen | Rüsselheim
5. November 2023 - 7. April 2024

Frida Kahlo. Ihre Fotografien

Frida Kahlo, fotografiert von Lola Alvarez Bravo, ca. 1944.
Frida Kahlo & Diego Rivera Archives, Bank of Mexico, Treuhänder im Diego Rivera and Frida Kahlo Museum Trust© VG Bild-Kunst, Bonn 2023

Die Opelvillen präsentieren über 200 Fotografien aus der umfangreichen Bildersammlung von Frida Kahlo (1907- 1954), die ihr als Erinnerung, lnspirationsquelle und Arbeitsmaterial diente. Die mexikanische Künstlerin wurde durch ihre besondere Malerei zwischen Naiver Kunst, Surrealismus und Neuer Sachlichkeit weltbekannt, nicht zuletzt durch ihre autobiografischen Themen und die Verarbeitung ihres bewegten Lebens - ihre Krankheit, ihre Leiden, ihre Ehe mit Diego Rivera. Erst fünfzig Jahre nach Kahlos Tod kam ihr immenses privates Fotoarchiv ans Licht, das noch einmal ganz neue Einblicke vermittelt.

In der Ausstellung »Frida Kahlo. Ihre Fotografien« sind eine Reihe von Bildern ihres fotografischen Nachlasses zu sehen, die bis vor kurzem völlig unbekannt waren. Bei der Sichtung dieses großartigen Archivs wurden von dem Fotohistoriker Pablo Ortiz Monasterio 241 Fotos ausgewählt, um neue Erkenntnisse zum Verständnis einer der ikonischsten Figuren des 20. Jahrhunderts zu teilen.

Dank der Sammlung von Frida Kahlo wird es möglich, die ureigene Geschichte dieser starken Persönlichkeit offenzulegen und ihr Land in der Zeit zu zeigen, in der sie lebte. Die Fülle an fotografischen Bildern wird in sechs Hauptthemen geordnet, in denen ihre Herkunft, ihr Blaues Haus (Casa Azul), Diego Rivera und die Revolution sowie ihr geschundener Körper, ihre Lieben und ihr Faible für Fotografie beleuchtet werden. Zugleich repräsentieren die Exponate auch die Kunst und die spezifischen Perspektiven anderer Fotografinnen und Fotografen aus der Zeit von Frida Kahlo. Bemerkenswerte Aufnahmen von Brassa"i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti oder Man Ray sind ebenso Teil der ausgestellten historischen Bilddokumente.

Wenig bekannt ist, dass Frida Kahlo eine besondere Beziehung zur Fotografie hatte. Sowohl ihr Vater als auch ihr Großvater waren professionelle Fotografen, und sie selbst machte sich die Fotografie auf unterschiedliche Weise zunutze. Sie sammelte unter anderem Daguerreotypien und Postkarten aus dem 19. Jahrhundert und bewahrte Fotografien auf, denen sie ihren persönlichen Stempel aufdrückte, indem sie Dinge aus ihnen ausschnitt, Widmungen auf sie schrieb und sie personalisierte. Sie schenkte sie ihren Freunden, sie waren Erinnerungen an ihre verstorbenen Angehörigen und sie wurden zu einer wichtigen lnspirationsquelle für ihre Gemälde. Darüber hinaus dienten sie ihrer Selbstdarstellung. Frida Kahlo war sich bewusst, dass die Fotografie ein wirkungsvolles Medium war, um das Bild von sich zu vermitteln, das sie anderen zeigen wollte.

Durch ihre Fotos, anonyme private Bilder und Porträts ihres Vaters sowie durch die von ihr gesammelten Aufnahmen renommierter Fotografinnen und Fotografen entsteht ein eindringliches Dokument der Zeit und ein intimer Einblick in das Leben einer der bemerkenswertesten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

Eine Ausstellung der Frida Kahlo und Anahuacalli Museen, Bank of Mexico, Treuhänder im Diego Rivera und Frida Kahlo Museum Trust.

Les Opelvillen présentent plus de 200 photographies issues de la vaste collection d'images de Frida Kahlo (1907- 1954), qui lui a servi de souvenir, de source d'inspiration et de matériel de travail. L'artiste mexicaine est devenue célèbre dans le monde entier grâce à sa peinture particulière, à mi-chemin entre l'art naïf, le surréalisme et la nouvelle objectivité, mais aussi grâce à ses thèmes autobiographiques et au traitement de sa vie mouvementée - sa maladie, ses souffrances, son mariage avec Diego Rivera. Ce n'est que cinquante ans après la mort de Kahlo que ses immenses archives photographiques privées ont été mises au jour, offrant une fois de plus des perspectives inédites.

L'exposition "Frida Kahlo. Ses photographies", on peut voir une série d'images de son héritage photographique qui étaient totalement inconnues jusqu'à récemment. En examinant ces magnifiques archives, l'historien de la photographie Pablo Ortiz Monasterio a sélectionné 241 photos afin de partager de nouvelles connaissances sur la compréhension de l'une des figures les plus iconiques du XXe siècle.

Grâce à la collection de Frida Kahlo, il devient possible de dévoiler l'histoire intrinsèque de cette forte personnalité et de montrer son pays à l'époque où elle vivait. La richesse des images photographiques est organisée en six thèmes principaux qui mettent en lumière ses origines, sa Maison bleue (Casa Azul), Diego Rivera et la révolution, ainsi que son corps meurtri, ses amours et son penchant pour la photographie. En même temps, les pièces exposées représentent également l'art et les perspectives spécifiques d'autres photographes de l'époque de Frida Kahlo. Des photos remarquables de Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti ou Man Ray font également partie des documents photographiques historiques exposés.

On sait peu que Frida Kahlo avait une relation particulière avec la photographie. Son père et son grand-père étaient tous deux des photographes professionnels, et elle a elle-même utilisé la photographie de différentes manières. Elle collectionnait, entre autres, les daguerréotypes et les cartes postales du 19e siècle et conservait des photographies auxquelles elle apportait sa touche personnelle en y découpant des choses, en y écrivant des dédicaces et en les personnalisant. Elle les offrait à ses amis, elles étaient des souvenirs de ses proches décédés et elles devenaient une source d'inspiration importante pour ses peintures. En outre, ils lui servaient à se représenter elle-même. Frida Kahlo était consciente que la photographie était un moyen efficace de transmettre l'image d'elle-même qu'elle voulait montrer aux autres.

À travers ses photos, des images privées anonymes et des portraits de son père, ainsi qu'à travers les clichés qu'elle a collectés auprès de photographes renommés, l'exposition constitue un document saisissant sur l'époque et un aperçu intime de la vie de l'une des artistes les plus remarquables du XXe siècle.

Une exposition des musées Frida Kahlo et Anahuacalli, de la Bank of Mexico, des fiduciaires du Diego Rivera et du Frida Kahlo Museum Trust.

Le Opelvillen presentano oltre 200 fotografie tratte dalla vasta collezione di quadri di Frida Kahlo (1907-1954), che le servirono come memoria, fonte di ispirazione e materiale di lavoro. L'artista messicana divenne famosa in tutto il mondo per la sua particolare pittura a cavallo tra l'arte naïve, il surrealismo e la nuova oggettività, non da ultimo per i temi autobiografici e l'elaborazione della sua vita movimentata - la malattia, la sofferenza, il matrimonio con Diego Rivera. Solo cinquant'anni dopo la morte della Kahlo, il suo immenso archivio fotografico privato è venuto alla luce, fornendo ancora una volta spunti di riflessione completamente nuovi.

Nella mostra "Frida Kahlo. Le sue fotografie", è possibile ammirare una serie di immagini del suo patrimonio fotografico che fino a poco tempo fa erano completamente sconosciute. Setacciando questo magnifico archivio, lo storico della fotografia Pablo Ortiz Monasterio ha selezionato 241 fotografie per condividere nuovi spunti di riflessione su una delle figure più iconiche del XX secolo.

Grazie alla collezione Frida Kahlo, diventa possibile svelare la storia personale di questa forte personalità e mostrare il suo Paese nell'epoca in cui visse. La ricchezza di immagini fotografiche è organizzata in sei temi principali che evidenziano le sue origini, la sua Casa Azul, Diego Rivera e la Rivoluzione, ma anche il suo corpo martoriato, i suoi amori e la sua inclinazione per la fotografia. Allo stesso tempo, le mostre rappresentano anche l'arte e le prospettive specifiche di altri fotografi dell'epoca di Frida Kahlo. Notevoli fotografie di Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti o Man Ray fanno parte dei documenti storici esposti.

È poco noto che Frida Kahlo aveva un rapporto speciale con la fotografia. Sia il padre che il nonno erano fotografi professionisti e lei stessa faceva uso della fotografia in vari modi. Tra l'altro, collezionava dagherrotipi e cartoline del XIX secolo e conservava fotografie a cui dava la sua impronta personale ritagliandole, scrivendoci sopra dediche e personalizzandole. Le regalava agli amici, ricordavano i parenti defunti e diventavano un'importante fonte di ispirazione per i suoi dipinti. Inoltre, servivano alla sua espressione personale. Frida Kahlo era consapevole che la fotografia era un mezzo potente per trasmettere l'immagine di sé che voleva che gli altri vedessero.

Attraverso le sue fotografie, le immagini private anonime e i ritratti del padre, così come le immagini che raccoglieva da fotografi famosi, emerge un documento ossessionante dei tempi e uno sguardo intimo sulla vita di una delle artiste più straordinarie del XX secolo.

Una mostra dei Musei Frida Kahlo e Anahuacalli, della Banca del Messico, dei fiduciari del Diego Rivera and Frida Kahlo Museum Trust.

The Opelvillen present over 200 photographs from the extensive picture collection of Frida Kahlo (1907- 1954), which served her as memory, source of inspiration and working material. The Mexican artist became world-famous for her special painting between Naive Art, Surrealism and New Objectivity, not least for her autobiographical themes and the processing of her eventful life - her illness, her suffering, her marriage to Diego Rivera. It was only fifty years after Kahlo's death that her immense private photographic archive came to light, once again providing completely new insights.

In the exhibition "Frida Kahlo. Her Photographs," a number of images from her photographic estate are on view that were completely unknown until recently. In sifting through this magnificent archive, 241 photographs were selected by photo historian Pablo Ortiz Monasterio to share new insights into understanding one of the most iconic figures of the 20th century.

Thanks to the collection of Frida Kahlo, it becomes possible to reveal the very history of this strong personality and show her country in the time in which she lived. The abundance of photographic images is organized into six main themes that highlight her origins, her Blue House (Casa Azul), Diego Rivera and the Revolution, as well as her battered body, her loves and her penchant for photography. At the same time, the exhibits also represent the art and specific perspectives of other photographers from Frida Kahlo's time. Remarkable photographs by Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti, and Man Ray are also part of the historical visual documents on display.

It is little known that Frida Kahlo had a special relationship with photography. Both her father and grandfather were professional photographers, and she herself made use of photography in various ways. Among other things, she collected 19th-century daguerreotypes and postcards and kept photographs to which she put her personal stamp by cutting things out of them, writing dedications on them, and personalizing them. She gave them to her friends, they were reminders of her deceased loved ones, and they became an important source of inspiration for her paintings. In addition, they served her self-expression. Frida Kahlo was aware that photography was a powerful medium to convey the image of herself that she wanted others to see.

Through her photographs, anonymous private images, and portraits of her father, as well as the images she collected from renowned photographers, a haunting document of the times and an intimate glimpse into the life of one of the 20th century's most remarkable artists emerges.

An exhibition of the Frida Kahlo and Anahuacalli Museums, Bank of Mexico, Trustees in the Diego Rivera and Frida Kahlo Museum Trust.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselsheim)

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Frequencies - Alia Ali | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Nov.
4
bis 16. Dez.
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Frequencies - Alia Ali | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
4. November – 16. Dezember 2023

Frequencies
Alia Ali

Posing in Pop, 2023, Pigment Print, mounted, framed with hand-printed cotton from Rajasthan © Alia Ali

"Bewegung ist Emotion. Alles sendet Energiestrahlen aus, auch Frequenzen genannt. Sie sind der Grundstoff unseres Seins.“ Alia Ali

In ihrer inzwischen vierten Einzelausstellung bei uns zeigt Alia Ali neue Arbeiten, in denen es sehr dynamisch und spannungsreich zugeht. Häufiger sind Ganzkörperporträts zu sehen, die vielfach in Bewegung zu sein scheinen, auch sind die Formate variabler geworden. Erstmals arbeitet Alia Ali auch plastisch — ihre Skulpturen aus Lapis Lazuli re-imaginieren jahrtausendealte Artefakte aus ihrem Heimatland Jemen und sind Teil ihres „Yemeni Futurism“ Projekts.

Alia Ali (Arabisch: عاليه علي) ist eine jemenitisch-bosnisch-US-amerikanische Multimedia-Künstlerin, deren Arbeit kulturelle Gegensätze erforscht, kulturell sanktionierte Unterdrückung hinterfragt und die dualistischen Barrieren konfrontiert, die mit Vorstellungen von Geschlecht, Politik, Medien und Staatsbürgerschaft einhergehen. Sie arbeitet mit Sprache, Fotografie, Video, Textil und Installation und thematisiert die Politisierung des Körpers, die Geschichte der Kolonialisierung, des Imperialismus, des Sexismus und des Rassismus, wobei Muster und Textilien ihr Hauptmotiv bilden.

Alia Ali erweitert derzeit ihre Praxis, indem sie Geschichten aus dem Jemen aufgreift, einschließlich jener der Königin Belquis von Saba (auch als Königin von Saba bekannt). Sie setzt sich mit den Realitäten der dystopischen Gegenwart auseinander, um Räume für radikal imaginierte Möglichkeiten der Zukunft zu schaffen, die sich zu einem jemenitischen Futurismus entwickelt haben.

Alia Ali ist Absolventin des Wellesley College und des California Institute of the Arts. Sie lebt und arbeitet in Marrakesch, Paris und Jaipur und wurde mit dem renommierten ARTSY Vanguard Emerging Artist Award ausgezeichnet. Zudem ist sie NIKON Global Ambassador.

"Le mouvement est une émotion. Tout émet des rayons d'énergie, également appelés fréquences. Elles sont la matière première de notre être". Alia Ali

Pour sa quatrième exposition individuelle chez nous, Alia Ali présente de nouveaux travaux dans lesquels le dynamisme et la tension sont très présents. On y voit plus souvent des portraits de corps entiers, qui semblent souvent en mouvement, et les formats sont également devenus plus variables. Pour la première fois, Alia Ali travaille aussi sur le plan plastique - ses sculptures en lapis-lazuli ré-imaginent des artefacts millénaires de son pays natal, le Yémen, et font partie de son projet "Yemeni Futurism".

Alia Ali (arabe : عاليه علي) est une artiste multimédia yéménite-bosniaque-américaine dont le travail explore les contrastes culturels, remet en question l'oppression culturellement sanctionnée et confronte les barrières dualistes associées aux notions de genre, de politique, de médias et de citoyenneté. Elle travaille avec le langage, la photographie, la vidéo, le textile et l'installation et aborde la politisation du corps, l'histoire de la colonisation, de l'impérialisme, du sexisme et du racisme, les motifs et les textiles constituant son principal motif.

Alia Ali élargit actuellement sa pratique en reprenant des histoires du Yémen, notamment celle de la reine Belquis de Saba (également connue sous le nom de Reine de Saba). Elle s'attaque aux réalités d'un présent dystopique pour créer des espaces de possibilités d'avenir radicalement imaginées, qui ont évolué vers un futurisme yéménite.

Alia Ali est diplômée du Wellesley College et du California Institute of the Arts. Elle vit et travaille à Marrakech, Paris et Jaipur et a reçu le prestigieux ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. Elle est également ambassadrice mondiale de NIKON.

"Il movimento è emozione. Tutto emette raggi di energia, chiamati anche frequenze. Sono la materia prima del nostro essere". Alia Ali

In quella che è la sua quarta mostra personale con noi, Alia Ali presenta nuovi lavori in cui le cose sono molto dinamiche e piene di tensione. I ritratti a corpo intero, che spesso sembrano in movimento, sono presentati con maggiore frequenza; anche i formati sono diventati più variabili. Per la prima volta, Alia Ali lavora anche a livello scultoreo: le sue sculture in lapislazzuli reimmaginano manufatti millenari del suo Paese d'origine, lo Yemen, e fanno parte del suo progetto "Futurismo yemenita".

Alia Ali (arabo: عاليه علي) è un'artista multimediale yemenita-bosniaca-statunitense il cui lavoro esplora le opposizioni culturali, mette in discussione l'oppressione culturalmente sancita e affronta le barriere dualistiche associate alle nozioni di genere, politica, media e cittadinanza. Lavorando con il linguaggio, la fotografia, il video, i tessuti e l'installazione, l'artista affronta la politicizzazione del corpo, le storie di colonizzazione, l'imperialismo, il sessismo e il razzismo, con modelli e tessuti come motivo principale.

Attualmente Alia Ali sta ampliando la sua pratica riprendendo le storie dello Yemen, tra cui quella della regina Belquis di Saba (nota anche come Regina di Saba). L'artista si confronta con la realtà di un presente distopico per creare spazi per possibilità di futuro radicalmente immaginate, che si sono evolute in un futurismo yemenita.

Alia Ali si è laureata al Wellesley College e al California Institute of the Arts. Vive e lavora a Marrakech, Parigi e Jaipur e ha ricevuto il prestigioso ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. È anche ambasciatrice globale di NIKON.

“Motion is emotion. Everything gives off waves of energy, otherwise called frequencies. They are the very fiber of our being.“ Alia Ali

In her fourth solo exhibition with us, Alia Ali presents vibrant and energetic new work. Full-body portraits are seen more frequently, often appearing to be in motion, and her formats have become more variable. For the first time, Alia Ali also ventures into sculpture — her hand-carved works made of Lapis Lazuli re-imagine millennia-old artifacts from her home country Yemen and are part of her "Yemeni Futurism" project.

Alia Ali (Arabic: عاليه علي) is a Yemeni-Bosnian-US multi-media artist whose work explores cultural binaries, challenges culturally sanctioned oppression, and confronts the dualistic barriers of conflicted notions of gender, politics, media, and citizenship. Working between language, photography, video, textile, and installation, Ali’s work addresses the politicization of the body, histories of colonization, imperialism, sexism, and racism through projects that take pattern and textile as their primary motif.

Ali is currently expanding her practice by drawing on stories from Yemen including the nostalgic past of Queen Belquis of Saba (also known as the Queen of Sheba). By investigating histories of the distant past, she addresses the realities of the dystopian present in order to carve out spaces for radically imagined possibilities for the future in what has evolved to be Yemeni Futurism.

Ali is a graduate of Wellesley College and the California Institute of the Arts. She lives and works in and between New Orleans, Paris and Jaipur and is the recipient of the prestigious ARTSY Vanguard Emerging Artist Award and is a NIKON Global Ambassador.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Frequencies - Alia Ali | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Nov.
3
6:00 PM18:00
Vernissage, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Frequencies - Alia Ali | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
3. November 2023

Frequencies
Alia Ali

Posing in Pop, 2023, Pigment Print, mounted, framed with hand-printed cotton from Rajasthan © Alia Ali

"Bewegung ist Emotion. Alles sendet Energiestrahlen aus, auch Frequenzen genannt. Sie sind der Grundstoff unseres Seins.“ Alia Ali

In ihrer inzwischen vierten Einzelausstellung bei uns zeigt Alia Ali neue Arbeiten, in denen es sehr dynamisch und spannungsreich zugeht. Häufiger sind Ganzkörperporträts zu sehen, die vielfach in Bewegung zu sein scheinen, auch sind die Formate variabler geworden. Erstmals arbeitet Alia Ali auch plastisch — ihre Skulpturen aus Lapis Lazuli re-imaginieren jahrtausendealte Artefakte aus ihrem Heimatland Jemen und sind Teil ihres „Yemeni Futurism“ Projekts.

Alia Ali (Arabisch: عاليه علي) ist eine jemenitisch-bosnisch-US-amerikanische Multimedia-Künstlerin, deren Arbeit kulturelle Gegensätze erforscht, kulturell sanktionierte Unterdrückung hinterfragt und die dualistischen Barrieren konfrontiert, die mit Vorstellungen von Geschlecht, Politik, Medien und Staatsbürgerschaft einhergehen. Sie arbeitet mit Sprache, Fotografie, Video, Textil und Installation und thematisiert die Politisierung des Körpers, die Geschichte der Kolonialisierung, des Imperialismus, des Sexismus und des Rassismus, wobei Muster und Textilien ihr Hauptmotiv bilden.

Alia Ali erweitert derzeit ihre Praxis, indem sie Geschichten aus dem Jemen aufgreift, einschließlich jener der Königin Belquis von Saba (auch als Königin von Saba bekannt). Sie setzt sich mit den Realitäten der dystopischen Gegenwart auseinander, um Räume für radikal imaginierte Möglichkeiten der Zukunft zu schaffen, die sich zu einem jemenitischen Futurismus entwickelt haben.

Alia Ali ist Absolventin des Wellesley College und des California Institute of the Arts. Sie lebt und arbeitet in Marrakesch, Paris und Jaipur und wurde mit dem renommierten ARTSY Vanguard Emerging Artist Award ausgezeichnet. Zudem ist sie NIKON Global Ambassador.

"Le mouvement est une émotion. Tout émet des rayons d'énergie, également appelés fréquences. Elles sont la matière première de notre être". Alia Ali

Pour sa quatrième exposition individuelle chez nous, Alia Ali présente de nouveaux travaux dans lesquels le dynamisme et la tension sont très présents. On y voit plus souvent des portraits de corps entiers, qui semblent souvent en mouvement, et les formats sont également devenus plus variables. Pour la première fois, Alia Ali travaille aussi sur le plan plastique - ses sculptures en lapis-lazuli ré-imaginent des artefacts millénaires de son pays natal, le Yémen, et font partie de son projet "Yemeni Futurism".

Alia Ali (arabe : عاليه علي) est une artiste multimédia yéménite-bosniaque-américaine dont le travail explore les contrastes culturels, remet en question l'oppression culturellement sanctionnée et confronte les barrières dualistes associées aux notions de genre, de politique, de médias et de citoyenneté. Elle travaille avec le langage, la photographie, la vidéo, le textile et l'installation et aborde la politisation du corps, l'histoire de la colonisation, de l'impérialisme, du sexisme et du racisme, les motifs et les textiles constituant son principal motif.

Alia Ali élargit actuellement sa pratique en reprenant des histoires du Yémen, notamment celle de la reine Belquis de Saba (également connue sous le nom de Reine de Saba). Elle s'attaque aux réalités d'un présent dystopique pour créer des espaces de possibilités d'avenir radicalement imaginées, qui ont évolué vers un futurisme yéménite.

Alia Ali est diplômée du Wellesley College et du California Institute of the Arts. Elle vit et travaille à Marrakech, Paris et Jaipur et a reçu le prestigieux ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. Elle est également ambassadrice mondiale de NIKON.

"Il movimento è emozione. Tutto emette raggi di energia, chiamati anche frequenze. Sono la materia prima del nostro essere". Alia Ali

In quella che è la sua quarta mostra personale con noi, Alia Ali presenta nuovi lavori in cui le cose sono molto dinamiche e piene di tensione. I ritratti a corpo intero, che spesso sembrano in movimento, sono presentati con maggiore frequenza; anche i formati sono diventati più variabili. Per la prima volta, Alia Ali lavora anche a livello scultoreo: le sue sculture in lapislazzuli reimmaginano manufatti millenari del suo Paese d'origine, lo Yemen, e fanno parte del suo progetto "Futurismo yemenita".

Alia Ali (arabo: عاليه علي) è un'artista multimediale yemenita-bosniaca-statunitense il cui lavoro esplora le opposizioni culturali, mette in discussione l'oppressione culturalmente sancita e affronta le barriere dualistiche associate alle nozioni di genere, politica, media e cittadinanza. Lavorando con il linguaggio, la fotografia, il video, i tessuti e l'installazione, l'artista affronta la politicizzazione del corpo, le storie di colonizzazione, l'imperialismo, il sessismo e il razzismo, con modelli e tessuti come motivo principale.

Attualmente Alia Ali sta ampliando la sua pratica riprendendo le storie dello Yemen, tra cui quella della regina Belquis di Saba (nota anche come Regina di Saba). L'artista si confronta con la realtà di un presente distopico per creare spazi per possibilità di futuro radicalmente immaginate, che si sono evolute in un futurismo yemenita.

Alia Ali si è laureata al Wellesley College e al California Institute of the Arts. Vive e lavora a Marrakech, Parigi e Jaipur e ha ricevuto il prestigioso ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. È anche ambasciatrice globale di NIKON.

“Motion is emotion. Everything gives off waves of energy, otherwise called frequencies. They are the very fiber of our being.“ Alia Ali

In her fourth solo exhibition with us, Alia Ali presents vibrant and energetic new work. Full-body portraits are seen more frequently, often appearing to be in motion, and her formats have become more variable. For the first time, Alia Ali also ventures into sculpture — her hand-carved works made of Lapis Lazuli re-imagine millennia-old artifacts from her home country Yemen and are part of her "Yemeni Futurism" project.

Alia Ali (Arabic: عاليه علي) is a Yemeni-Bosnian-US multi-media artist whose work explores cultural binaries, challenges culturally sanctioned oppression, and confronts the dualistic barriers of conflicted notions of gender, politics, media, and citizenship. Working between language, photography, video, textile, and installation, Ali’s work addresses the politicization of the body, histories of colonization, imperialism, sexism, and racism through projects that take pattern and textile as their primary motif.

Ali is currently expanding her practice by drawing on stories from Yemen including the nostalgic past of Queen Belquis of Saba (also known as the Queen of Sheba). By investigating histories of the distant past, she addresses the realities of the dystopian present in order to carve out spaces for radically imagined possibilities for the future in what has evolved to be Yemeni Futurism.

Ali is a graduate of Wellesley College and the California Institute of the Arts. She lives and works in and between New Orleans, Paris and Jaipur and is the recipient of the prestigious ARTSY Vanguard Emerging Artist Award and is a NIKON Global Ambassador.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Paradise Performance Replica. Slovenian Photographic Art | Fotografie Forum Frankfurt
Okt.
7
bis 7. Jan.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Paradise Performance Replica. Slovenian Photographic Art | Fotografie Forum Frankfurt

  • Fotografie Forum Frankfurt (Karte)
  • Google Kalender ICS

Fotografie Forum Frankfurt
7. Oktober 2023 – 7. Januar 2024

Paradise Performance Replica. Slovenian Photographic Art
Vanja Bućan, Jošt Dolinšek, Bojan Radovič

Aus der Serie Monochromes, 2007–2022 © Bojan Radovič, 2023

Mit der Ausstellung PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) drei Positionen zeitgenössischer Fotografie aus Slowenien. In den Arbeiten von Vanja Bućan, Jošt Dolinšek und Bojan Radovič geht es um die Inszenierung sozialer Rollen, den Blick des Individuums auf seine Umgebung und um das Spiel mit dem Phänomen der Wiederholung. Zugleich loten alle drei Künstler*innen auf jeweils eigene Weise die Grenzen von Fotografie experimentell und erfrischend aus.

Mit surreal inszenierten Bildkompositionen hinterfragt Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) gesellschaftspolitische Themen. In ihrer Serie Birds of Paradise – entstanden von 2021 bis 2023 im pandemiebedingten Rückzug ins Häusliche – thematisiert die Fotokünstlerin tradierte weibliche Rollen in der Abgeschiedenheit des Privaten. Die Frau primär zuständig für Kinderbetreuung und Haushalt oder reduziert auf dienstbereite Hände – solche Frauen-Bilder entstehen, indem Bućan ihre Fotografien zerlegt und dann zu humorvoll-hintergründigen Fotocollagen zusammenfügt, als Spiegel von Erlebtem und Einladung zum Nachdenken.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) untersucht in seinen Werken die visuelle Wahrnehmung und Wirkung von Umgebung, insbesondere von Landschaft und Natur. Dabei beschäftigen den jungen Künstler weniger Umweltkrisen und deren Gründe, sondern grundsätzlicher die existenzielle und individuelle Haltung zu Zeit und Raum. Im Zentrum seiner Arbeit steht immer wieder der Umgang mit Ungewissheit, Verlust und Veränderung. Dolinšek experimentiert mit Medien, Materialien und Formen und kombiniert Fotografie mit Bewegtbild, Ton und Skulptur.

Seit den 1980er Jahren beschäftigt sich Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) in seinen Werken mit dem Prinzip von Wiederholung, Kopie und Nachbildung. Der faszinierenden Bedeutungs- und Variationsvielfalt der „Replik“ geht der Fotokünstler mit sichtlichem Vergnügen nach, auf inhaltlicher und verfahrenstechnischer Ebene sowie mittels diverser Verweise in Fotografie- und Kunstgeschichte. Neben seiner künstlerischen Arbeit nimmt Radovič auch als Ausstellungs-macher, Verleger und Gründer der Foto-Institutionen Fotogalerie Novo mesto und House of Photography eine wichtige Rolle in der Fotoszene Sloweniens ein.

Zu sehen sind insgesamt rund 60 Arbeiten, darunter Fotografien, Installationen und Multimedia-Projekte. PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART wurde kuratiert von Celina Lunsford und Co-Kuratorin Andrea Horvay. Die Ausstellung ist Beitrag des FFF zum Ehrengastprogramm Sloweniens bei der Frankfurter Buchmesse 2023.

Avec l'exposition PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente trois positions de la photographie contemporaine de Slovénie. Dans les travaux de Vanja Bućan, Jošt Dolinšek et Bojan Radovič, il est question de la mise en scène des rôles sociaux, du regard de l'individu sur son environnement et du jeu avec le phénomène de la répétition. Parallèlement, les trois artistes* explorent chacun à leur manière les limites de la photographie de manière expérimentale et rafraîchissante.

Avec des compositions d'images mises en scène de manière surréaliste, Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) s'interroge sur des thèmes sociopolitiques. Dans sa série Birds of Paradise - créée entre 2021 et 2023 dans le cadre d'un repli sur soi domestique dû à la pandémie - l'artiste photographe aborde les rôles féminins traditionnels dans l'isolement de la sphère privée. La femme principalement responsable de la garde des enfants et du ménage ou réduite à des mains prêtes à servir - de tels visuels de femmes naissent du fait que Bućan décompose ses photographies et les assemble ensuite en collages photographiques pleins d'humour et de subtilité, comme un miroir du vécu et une invitation à la réflexion.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) étudie dans ses œuvres la perception visuelle et l'effet de l'environnement, en particulier du paysage et de la nature. Le jeune artiste s'intéresse moins aux crises environnementales et à leurs causes qu'à l'attitude existentielle et individuelle face au temps et à l'espace. Le rapport à l'incertitude, à la perte et au changement est toujours au cœur de son travail. Dolinšek expérimente avec les médias, les matériaux et les formes et combine la photographie avec l'image en mouvement, le son et la sculpture.

Depuis les années 1980, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) s'intéresse dans ses œuvres au principe de la répétition, de la copie et de la réplique. C'est avec un plaisir évident que l'artiste photographe explore la fascinante diversité de significations et de variations de la "réplique", au niveau du contenu et du procédé, ainsi qu'au moyen de diverses références à l'histoire de la photographie et de l'art. Outre son travail artistique, Radovič joue également un rôle important sur la scène photographique slovène en tant que créateur d'expositions, éditeur et fondateur des institutions photographiques Fotogalerie Novo mesto et House of Photography.

On peut y voir au total une soixantaine de travaux, dont des photographies, des installations et des projets multimédias. PARADISE, PERFORMANCE, RÉPLIQUE. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART a été organisée par Celina Lunsford et la co-commissaire Andrea Horvay. L'exposition est la contribution du FFF au programme d'invité d'honneur de la Slovénie à la Foire du livre de Francfort 2023.

Con la mostra PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta tre posizioni della fotografia contemporanea slovena. Le opere di Vanja Bućan, Jošt Dolinšek e Bojan Radovič trattano la messa in scena di ruoli sociali, la visione individuale dell'ambiente circostante e il gioco con il fenomeno della ripetizione. Allo stesso tempo, tutti e tre gli artisti esplorano i confini della fotografia in modo sperimentale e innovativo.

Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) mette in discussione temi socio-politici con composizioni di immagini surreali. Nella serie Birds of Paradise - realizzata tra il 2021 e il 2023 durante il ritiro in casa indotto dalla pandemia - la fotoartista affronta i tradizionali ruoli femminili nell'isolamento della sfera privata. La donna principalmente responsabile della cura dei figli e delle faccende domestiche o ridotta a un'attività di servizio: queste immagini di donne emergono quando Bućan seziona le sue fotografie e le assembla in collage fotografici ironici ed enigmatici come specchio dell'esperienza e invito alla riflessione.

Jošt Dolinšek (*1997, Lubiana) esplora nelle sue opere la percezione visiva e l'effetto dell'ambiente, in particolare del paesaggio e della natura. Il giovane artista non è tanto interessato alle crisi ambientali e alle loro cause, quanto piuttosto agli atteggiamenti esistenziali e individuali nei confronti del tempo e dello spazio. Il suo lavoro è sempre incentrato sul tema dell'incertezza, della perdita e del cambiamento. Dolinšek sperimenta con i media, i materiali e le forme e combina la fotografia con le immagini in movimento, il suono e la scultura.

Dagli anni Ottanta, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) si occupa del principio della ripetizione, della copia e dell'imitazione nelle sue opere. L'affascinante varietà di significati e variazioni della "replica" viene esplorata dal fotoartista con evidente piacere, a livello di contenuto e di processo, nonché attraverso vari riferimenti alla fotografia e alla storia dell'arte. Oltre al suo lavoro artistico, Radovič svolge un ruolo importante nella scena fotografica slovena come organizzatore di mostre, editore e fondatore delle istituzioni fotografiche Fotogalerie Novo mesto e House of Photography.

In totale sono esposte circa 60 opere, tra cui fotografie, installazioni e progetti multimediali. PARADISO, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART è stata curata da Celina Lunsford e dalla co-curatrice Andrea Horvay. La mostra è il contributo del FFF al programma "Ospite d'onore" della Slovenia alla Fiera del Libro di Francoforte 2023.

With the exhibition PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents three positions of contemporary photography from Slovenia. The works of Vanja Bućan, Jošt Dolinšek and Bojan Radovič are about the staging of social roles, the view of the individual on his environment and the play with the phenomenon of repetition. At the same time, all three artists explore the boundaries of photography in their own experimental and refreshing ways.

With surreally staged image compositions, Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) questions socio-political themes. In her series Birds of Paradise - created from 2021 to 2023 during the pandemic-related retreat into the domestic - the photo artist addresses traditional female roles in the seclusion of the private sphere. The woman primarily responsible for childcare and household chores or reduced to hands on duty - such visuals of women emerge as Bućan dissects her photographs and then assembles them into humorously enigmatic photo collages, as a mirror of experience and an invitation to reflection.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) investigates in his works the visual perception and effect of surroundings, especially of landscape and nature. The young artist is less concerned with environmental crises and their causes, but more fundamentally with existential and individual attitudes to time and space. The focus of his work is always on dealing with uncertainty, loss and change. Dolinšek experiments with media, materials and forms, combining photography with moving image, sound and sculpture.

Since the 1980s, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) has been dealing with the principle of repetition, copying and replication in his works. The fascinating variety of meanings and variations of the "replica" is explored by the photo artist with obvious pleasure, on the level of content and process, as well as by means of various references in photography and art history. In addition to his artistic work, Radovič also plays an important role in Slovenia's photo scene as an exhibition maker, publisher and founder of the photo institutions Fotogalerie Novo mesto and House of Photography.

On display are a total of around 60 works, including photographs, installations and multimedia projects. PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART was curated by Celina Lunsford and co-curator Andrea Horvay. The exhibition is FFF's contribution to Slovenia's Guest of Honor program at the Frankfurt Book Fair 2023.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

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Im Hintergrund Wald - Frank Mädler | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Sept.
9
bis 21. Okt.
Ausstellung, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Im Hintergrund Wald - Frank Mädler | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

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Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
9. September - 21. Oktober 2023

Im Hintergrund Wald
Frank Mädler

Projektion, 2023 © Frank Mädler

Von früher Kindheit an ist der Wald für Frank Mädler ein Sehnsuchtsort, der das Heimischsein mit dem Unheimlichen verbindet, ein Ort, an dem man sich verlieren kann. Doch mit welchen formalen Möglichkeiten lässt sich Wald, zumal in Zeiten, in denen er unmittelbar von Zerstörung bedroht ist, künstlerisch darstellen?

Frank Mädler arbeitet mit fotografischen Mitteln wie Schärfe und Unschärfe, greift aber auch, etwa mit Hilfe von Übermalungen, Ergänzungen und Kratzen, ins fotografische Material ein. Seine keramischen Skulpturen unter dem Titel „Doppeltierhälften“ erweitern die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Wald in den Ausstellungsraum hinein. Frank Mädler wurde 1963 in Torgelow geboren. Er studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, der Universidad Complutense de Madrid und der Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, und war Meisterschüler bei Astrid Klein. Seit 2000 arbeitet er als freischaffender Künstler in Leipzig. Frank Mädler wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so u.a. 2004 mit dem Stipendium der Villa Massimo, Rom, 2007 mit dem Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaats Sachsen und 2017 mit der Künstlerresidenz Al Lado in Lima, Peru. Frank Mädlers Arbeiten befinden sich in zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen wie der American Bank Collection, der Fondation Antoine de Galbert Paris, der Art Gallery of Ontario, Kanada, dem Kupferstichkabinett Dresden, der DZ BANK Kunstsammlung, der Sammlung Deutsche Telekom sowie den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler hat mehrere Monographien und Bücher veröffentlicht, verschiedene Kuratoren und Kritikerinnen haben über seine Arbeit geschrieben, darunter Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel und Insa Wilke.

Depuis sa plus tendre enfance, la forêt est pour Frank Mädler un lieu de nostalgie, qui associe le sentiment d'être chez soi à l'étrange, un lieu où l'on peut se perdre. Mais avec quelles possibilités formelles la forêt peut-elle être représentée artistiquement, surtout à une époque où elle est directement menacée de destruction ?

Frank Mädler travaille avec des moyens photographiques tels que la netteté et le flou, mais il intervient également dans le matériau photographique, par exemple à l'aide de repeints, d'ajouts et de grattages. Ses sculptures en céramique, intitulées "Doppeltierhälfte" (moitiés d'animaux doubles), étendent la réflexion artistique sur la forêt à l'espace d'exposition. Frank Mädler est né en 1963 à Torgelow. Il a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig, à l'Universidad Complutense de Madrid et à l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, et a été élève maître d'Astrid Klein. Depuis 2000, il travaille en tant qu'artiste indépendant à Leipzig. Frank Mädler a reçu de nombreux prix, notamment une bourse de la Villa Massimo à Rome en 2004, une bourse de travail de la Fondation culturelle de l'État libre de Saxe en 2007 et une résidence d'artiste Al Lado à Lima, au Pérou, en 2017. Les œuvres de Frank Mädler se trouvent dans de nombreuses collections publiques et privées internationales telles que l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert Paris, l'Art Gallery of Ontario, Canada, le Kupferstichkabinett Dresden, la DZ BANK Kunstsammlung, la collection Deutsche Telekom ainsi que les Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler a publié plusieurs monographies et livres, plusieurs conservateurs et critiques ont écrit sur son travail, notamment Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel et Insa Wilke.

Fin dalla prima infanzia, la foresta è stata un luogo di desiderio per Frank Mädler, un luogo che combina l'essere a casa con il perturbante, un luogo in cui ci si può perdere. Ma quali sono le possibilità formali per rappresentare artisticamente la foresta, soprattutto in tempi in cui è direttamente minacciata dalla distruzione?

Frank Mädler lavora con mezzi fotografici come la nitidezza e la sfocatura, ma interviene anche sul materiale fotografico, ad esempio con l'aiuto di sovrapitture, aggiunte e graffi. Le sue sculture in ceramica dal titolo "Doppelierhälften" (doppie metà di animali) estendono l'esame artistico della foresta allo spazio espositivo. Frank Mädler è nato a Torgelow nel 1963. Ha studiato fotografia presso l'Accademia di Arti Visive di Lipsia, l'Universidad Complutense de Madrid e l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, ed è stato allievo di Astrid Klein. Dal 2000 lavora come artista libero professionista a Lipsia. Frank Mädler è stato insignito di numerosi premi, tra cui una borsa di studio di Villa Massimo, a Roma, nel 2004, una borsa di lavoro della Fondazione Culturale dello Stato Libero di Sassonia nel 2007 e la residenza d'artista Al Lado a Lima, in Perù, nel 2017. Le opere di Frank Mädler sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private internazionali come l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert di Parigi, l'Art Gallery of Ontario, Canada, il Kupferstichkabinett di Dresda, la DZ BANK Kunstsammlung, la Sammlung Deutsche Telekom e la Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler ha pubblicato diverse monografie e libri e vari curatori e critici hanno scritto sul suo lavoro, tra cui Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel e Insa Wilke.

Since early childhood, the forest has been a place of longing for Frank Mädler, connecting the familiar with the uncanny, a place where one can get lost. However, how can the forest be artistically represented, especially in times when it is directly threatened by destruction, using formal means?

Frank Mädler employs photographic techniques such as focus and blur, but also intervenes in the photographic material through methods like overlays, additions, and scratches. His ceramic sculptures titled "Doppeltierhälften" expand the artistic exploration of the forest into the exhibition space.

Frank Mädler (1963, Torgelow, Germany) studied photography at the Academy of Visual Arts Leipzig, the Universidad Complutense de Madrid, and the Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca. He was a master student under Astrid Klein. Since 2000, he has worked as a freelance artist in Leipzig. Frank Mädler has been honored with numerous awards, including the Villa Massimo Fellowship in Rome in 2004, the Working Grant from the Cultural Foundation of the Free State of Saxony in 2007, and the artist residency Al Lado in Lima, Peru, in 2017. His works can be found in various international public and private collections, such as the American Bank Collection, Fondation Antoine de Galbert Paris, Art Gallery of Ontario, Canada, Kupferstichkabinett Dresden, DZ BANK Art Collection, and the State Art Collections Dresden. Frank Mädler has published several monographs and books, and his work has been discussed by various curators and critics, including Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel, and Insa Wilke.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Im Hintergrund Wald - Frank Mädler | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Sept.
8
6:00 PM18:00
Vernissage, Hessen, Deutschland, Mediacooperation

Im Hintergrund Wald - Frank Mädler | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
8. September 2023

Einführung: Wiebke Loeper

Im Hintergrund Wald
Frank Mädler

Projektion, 2023 © Frank Mädler

Von früher Kindheit an ist der Wald für Frank Mädler ein Sehnsuchtsort, der das Heimischsein mit dem Unheimlichen verbindet, ein Ort, an dem man sich verlieren kann. Doch mit welchen formalen Möglichkeiten lässt sich Wald, zumal in Zeiten, in denen er unmittelbar von Zerstörung bedroht ist, künstlerisch darstellen?

Frank Mädler arbeitet mit fotografischen Mitteln wie Schärfe und Unschärfe, greift aber auch, etwa mit Hilfe von Übermalungen, Ergänzungen und Kratzen, ins fotografische Material ein. Seine keramischen Skulpturen unter dem Titel „Doppeltierhälften“ erweitern die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Wald in den Ausstellungsraum hinein. Frank Mädler wurde 1963 in Torgelow geboren. Er studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, der Universidad Complutense de Madrid und der Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, und war Meisterschüler bei Astrid Klein. Seit 2000 arbeitet er als freischaffender Künstler in Leipzig. Frank Mädler wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so u.a. 2004 mit dem Stipendium der Villa Massimo, Rom, 2007 mit dem Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaats Sachsen und 2017 mit der Künstlerresidenz Al Lado in Lima, Peru. Frank Mädlers Arbeiten befinden sich in zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen wie der American Bank Collection, der Fondation Antoine de Galbert Paris, der Art Gallery of Ontario, Kanada, dem Kupferstichkabinett Dresden, der DZ BANK Kunstsammlung, der Sammlung Deutsche Telekom sowie den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler hat mehrere Monographien und Bücher veröffentlicht, verschiedene Kuratoren und Kritikerinnen haben über seine Arbeit geschrieben, darunter Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel und Insa Wilke.

Depuis sa plus tendre enfance, la forêt est pour Frank Mädler un lieu de nostalgie, qui associe le sentiment d'être chez soi à l'étrange, un lieu où l'on peut se perdre. Mais avec quelles possibilités formelles la forêt peut-elle être représentée artistiquement, surtout à une époque où elle est directement menacée de destruction ?

Frank Mädler travaille avec des moyens photographiques tels que la netteté et le flou, mais il intervient également dans le matériau photographique, par exemple à l'aide de repeints, d'ajouts et de grattages. Ses sculptures en céramique, intitulées "Doppeltierhälfte" (moitiés d'animaux doubles), étendent la réflexion artistique sur la forêt à l'espace d'exposition. Frank Mädler est né en 1963 à Torgelow. Il a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig, à l'Universidad Complutense de Madrid et à l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, et a été élève maître d'Astrid Klein. Depuis 2000, il travaille en tant qu'artiste indépendant à Leipzig. Frank Mädler a reçu de nombreux prix, notamment une bourse de la Villa Massimo à Rome en 2004, une bourse de travail de la Fondation culturelle de l'État libre de Saxe en 2007 et une résidence d'artiste Al Lado à Lima, au Pérou, en 2017. Les œuvres de Frank Mädler se trouvent dans de nombreuses collections publiques et privées internationales telles que l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert Paris, l'Art Gallery of Ontario, Canada, le Kupferstichkabinett Dresden, la DZ BANK Kunstsammlung, la collection Deutsche Telekom ainsi que les Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler a publié plusieurs monographies et livres, plusieurs conservateurs et critiques ont écrit sur son travail, notamment Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel et Insa Wilke.

Fin dalla prima infanzia, la foresta è stata un luogo di desiderio per Frank Mädler, un luogo che combina l'essere a casa con il perturbante, un luogo in cui ci si può perdere. Ma quali sono le possibilità formali per rappresentare artisticamente la foresta, soprattutto in tempi in cui è direttamente minacciata dalla distruzione?

Frank Mädler lavora con mezzi fotografici come la nitidezza e la sfocatura, ma interviene anche sul materiale fotografico, ad esempio con l'aiuto di sovrapitture, aggiunte e graffi. Le sue sculture in ceramica dal titolo "Doppelierhälften" (doppie metà di animali) estendono l'esame artistico della foresta allo spazio espositivo. Frank Mädler è nato a Torgelow nel 1963. Ha studiato fotografia presso l'Accademia di Arti Visive di Lipsia, l'Universidad Complutense de Madrid e l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, ed è stato allievo di Astrid Klein. Dal 2000 lavora come artista libero professionista a Lipsia. Frank Mädler è stato insignito di numerosi premi, tra cui una borsa di studio di Villa Massimo, a Roma, nel 2004, una borsa di lavoro della Fondazione Culturale dello Stato Libero di Sassonia nel 2007 e la residenza d'artista Al Lado a Lima, in Perù, nel 2017. Le opere di Frank Mädler sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private internazionali come l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert di Parigi, l'Art Gallery of Ontario, Canada, il Kupferstichkabinett di Dresda, la DZ BANK Kunstsammlung, la Sammlung Deutsche Telekom e la Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler ha pubblicato diverse monografie e libri e vari curatori e critici hanno scritto sul suo lavoro, tra cui Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel e Insa Wilke.

Since early childhood, the forest has been a place of longing for Frank Mädler, connecting the familiar with the uncanny, a place where one can get lost. However, how can the forest be artistically represented, especially in times when it is directly threatened by destruction, using formal means?

Frank Mädler employs photographic techniques such as focus and blur, but also intervenes in the photographic material through methods like overlays, additions, and scratches. His ceramic sculptures titled "Doppeltierhälften" expand the artistic exploration of the forest into the exhibition space.

Frank Mädler (1963, Torgelow, Germany) studied photography at the Academy of Visual Arts Leipzig, the Universidad Complutense de Madrid, and the Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca. He was a master student under Astrid Klein. Since 2000, he has worked as a freelance artist in Leipzig. Frank Mädler has been honored with numerous awards, including the Villa Massimo Fellowship in Rome in 2004, the Working Grant from the Cultural Foundation of the Free State of Saxony in 2007, and the artist residency Al Lado in Lima, Peru, in 2017. His works can be found in various international public and private collections, such as the American Bank Collection, Fondation Antoine de Galbert Paris, Art Gallery of Ontario, Canada, Kupferstichkabinett Dresden, DZ BANK Art Collection, and the State Art Collections Dresden. Frank Mädler has published several monographs and books, and his work has been discussed by various curators and critics, including Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel, and Insa Wilke.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Übers Meer - Peter Bialobrzeski | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Juli
15
bis 26. Aug.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

Übers Meer - Peter Bialobrzeski | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
15. Juli - 26. August 2023

Übers Meer
Peter Bialobrzeski

Meer #1 © Peter Bialobrzeski

Peter Bialobrzeskis Fotografien der Meeresküste lassen uns etwas Unmittelbares erleben, die Präsenz von etwas Erhabenem — die Erinnerung an eine Idealvorstellung von Landschaft. Seine Bilder auch zu lesen als eine poetische Meditation über Veränderung und über das Verschwinden — wie einst das Versinken des sagenhaften Rungholts, des Atlantis des Nordens. Zugleich befassen sie sich mit dem Verhältnis von Mensch zu Natur sowie, formal, von Figur zu Meer und Horizont.

Peter Bialobrzeski, geb. 1961, ist einer der prägenden deutschen Fotografen der letzten Jahrzehnte. Er gewann unter anderem zweimal den World Press Photo Award und wurde 2012 mit dem Erich Salomon Preis ausgezeichnet. In den letzten 17 Jahren veröffentlichte er 21 Bücher. Seine Arbeiten wurden in Europa, USA, Asien, Afrika und Australien ausgestellt und befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, so u.a. im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, der Sammlung FC Gundlach Hamburg, dem Ruhrmuseum Essen, Fotoforum Köln, Museo di Fotografia Contemporanea Mailand, der DZ Bank Frankfurt am Main, der Hessischen Landesbank Frankfurt am Main, der Quandt Holding Frankfurt am Main, der ING Bank Niederlande, der Deutsche Börse Photography Foundation Frankfurt am Main, dem Museo Vaticano Rom und der Uni Credit Art Collection München. Peter Bialobrzeski war bis 2021 Professor für Fotografie an der Hochschule der Künste Bremen.

Les photographies du bord de mer de Peter Bialobrzeski nous font vivre quelque chose d'immédiat, la présence de quelque chose de sublime - le souvenir d'une représentation idéale du paysage. Ses visuels peuvent également être lus comme une méditation poétique sur le changement et la disparition - comme autrefois l'engloutissement du fabuleux Rungholt, l'Atlantide du Nord. En même temps, elles traitent de la relation de l'homme à la nature et, formellement, de la figure à la mer et à l'horizon.

Peter Bialobrzeski, né en 1961, est l'un des photographes allemands les plus marquants de ces dernières décennies. Il a notamment remporté deux fois le World Press Photo Award et a été récompensé par le prix Erich Salomon en 2012. Au cours des 17 dernières années, il a publié 21 livres. Son travail a été exposé en Europe, aux États-Unis, en Asie, en Afrique et en Australie et se trouve dans de nombreuses collections privées et publiques, notamment au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg, à la collection FC Gundlach de Hambourg, au Ruhrmuseum de Essen, au Fotoforum de Cologne, au Museo di Fotografia Contemporanea de Milan, à la DZ Bank de Francfort-sur-le-Main, à la Hessische Landesbank de Francfort-sur-le-Main, à la Quandt Holding de Francfort-sur-le-Main, à la ING Bank des Pays-Bas, à la Deutsche Börse Photography Foundation de Francfort-sur-le-Main, au Museo Vaticano de Rome et à l'Uni Credit Art Collection de Munich. Peter Bialobrzeski a été professeur de photographie à la Hochschule der Künste de Brême jusqu'en 2021.

Le fotografie di Peter Bialobrzeski in riva al mare ci fanno sperimentare qualcosa di immediato, la presenza di qualcosa di sublime - la memoria di un paesaggio ideale. Le sue immagini possono essere lette anche come una meditazione poetica sul cambiamento e sulla scomparsa, come l'affondamento della leggendaria Rungholt, l'Atlantide del Nord. Allo stesso tempo, affrontano il rapporto dell'uomo con la natura e, formalmente, della figura con il mare e l'orizzonte.

Peter Bialobrzeski, nato nel 1961, è uno dei fotografi tedeschi più importanti degli ultimi decenni. Ha vinto due volte il World Press Photo Award e nel 2012 ha ricevuto il Premio Erich Salomon. Negli ultimi 17 anni ha pubblicato 21 libri. Le sue opere sono state esposte in Europa, Stati Uniti, Asia, Africa e Australia e sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private, tra cui il Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, la FC Gundlach Collection di Amburgo, il Ruhrmuseum di Essen, il Fotoforum di Colonia, il Museo di Fotografia Contemporanea di Milano, la DZ Bank di Francoforte sul Meno, la Hessische Landesbank di Francoforte sul Meno, la Quandt Holding di Francoforte sul Meno, la ING Bank Netherlands, la Deutsche Börse Photography Foundation di Francoforte sul Meno, il Museo Vaticano di Roma e la Uni Credit Art Collection di Monaco. Peter Bialobrzeski è stato professore di fotografia alla Hochschule der Künste Bremen fino al 2021.

Peter Bialobrzeski's photographs of the seashore allow us to experience something immediate, the presence of something sublime - the memory of an idealized notion of landscape. His images can also be read as a poetic meditation on change and disappearance — like the sinking of the legendary Rungholt, the Atlantis of the North. At the same time, they explore the relationship between humans and nature as well as formally, the interplay between figure, sea, and horizon.

Peter Bialobrzeski (b. 1961) studied politics and sociology before he became a photographer for a local paper in his native Wolfsburg/Germany. He travelled extensively in Asia before he went back to study photography at the Folkwangschule in Essen and the LCP in London. In the last seventeen years he has published twenty-one books. His work has been exhibited in Europe, USA, Asia, Africa and Australia and is held in various major public and private collections, including Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Sammlung FC Gundlach Hamburg, Ruhrmuseum Essen, Fotoforum Cologne, Museo di Fotografia Contemporanea Milano, DZ Bank Frankfurt am Main, Hessische Landesbank Frankfurt am Main, Quandt Holding Frankfurt am Main, ING Bank, Netherlands, Deutsche Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, Museo Vaticano, Rome, and the Uni Credit Art Collection in Munich. Until 2021 Peter Bialobrzeski taught photography at the University of the Arts in Bremen/Germany. He has received various awards, including the World Press Photo Award 2003 and 2010 and the Erich Salomon Award of the German Photographic Society 2012.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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POOL | Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
Juli
8
bis 2. Sept.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

POOL | Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
8. Juli - 2. September 2023

POOL
Kyungwoo Chun, Serena Ferrario, Andy Fitz, Katharina Hinsberg, Myriam Holme, Levin Oehler, Ralf Peters, Giacomo Santiago Rogado, Theresa Weber

„Schwarz / Weiß“, 2003, C-Print auf Diasec, 110 x 101 cm, Edition 2 / 5 + 2 AP © Ralf Peters

Kunst hat kein Haltbarkeitsdatum
In der Regel werden Kunstwerke für Ausstellungen in Galerien neu produziert. Einmal geschaffen, existieren sie für die Ewigkeit, beispielsweise in den Schränken von Museumsdepots oder in den Wohnzimmern von privat Sammelnden. Die Kunstwerke verändern sich, sie tragen die Spuren ihrer Geschichten in sich. Ebenso verändern sie auch ihre Umwelt und hinterlassen selbst Spuren. Die konstante Produktion von neuen künstlerischen Arbeiten für täglich rund um den Globus eröffnende Ausstellungen unter der Verwendung enormer Ressourcen ist alles andere als nachhaltig und kann unmöglich endlos fortgeführt werden.

Künstlerische Arbeit ist Transformation
Jede Form von künstlerischer Arbeit bedeutet die (Um-)Nutzung von Dingen und alle Arbeit verbraucht zwangsläufig materielle oder menschliche Ressourcen. Arbeit und menschliches Leben sind ohne Verbrauch nicht möglich. Doch es ist möglich, diesen Verbrauch zu reduzieren. Dazu muss das Neue in eine engere Beziehung mit dem Alten gebracht werden.

Neue Kontexte mit Altem schaffen
Das Thema Nachhaltigkeit beschäftigt zwar die Kunstwelt, in der Praxis ändert sich allerdings wenig. Für die Gruppenausstellung POOL werden Kunstwerke aus dem Galeriebestand von Bernhard Knaus Fine Art mit jungen internationalen Positionen zusammengebracht. Vier Künstler*innen zeigen ihre Arbeiten im Kontext von ausgewählten Werken von fünf etablierten Positionen aus dem Galerieprogramm. Es geht um den Raum zwischen An- und Abwesenheit, Altem und Neuem, zwischen gestern und morgen, um einen Deep Dive in Themen, die uns alle seit Langem und genau in diesem Moment beschäftigen.

L'art n'a pas de date de péremption
En règle générale, les œuvres d'art sont produites pour être exposées dans des galeries. Une fois créées, elles existent pour l'éternité, par exemple dans les armoires des dépôts de musées ou dans les salons des collectionneurs privés. Les œuvres d'art changent, elles portent en elles les traces de leurs histoires. De même, elles modifient leur environnement et laissent elles-mêmes des traces. La production constante de nouveaux travaux artistiques pour des expositions qui s'ouvrent chaque jour dans le monde entier, en utilisant d'énormes ressources, est tout sauf durable et ne peut pas être poursuivie indéfiniment.

Le travail artistique est une transformation
Toute forme de travail artistique implique la (ré)utilisation de choses et tout travail consomme inévitablement des ressources matérielles ou humaines. Le travail et la vie humaine ne sont pas possibles sans consommation. Il est toutefois possible de réduire cette consommation. Pour ce faire, le nouveau doit être mis en relation plus étroite avec l'ancien.

Créer de nouveaux contextes avec l'ancien
Le thème de la durabilité préoccupe certes le monde de l'art, mais dans la pratique, peu de choses changent. Pour l'exposition de groupe POOL, des œuvres d'art du fonds de la galerie Bernhard Knaus Fine Art sont réunies avec de jeunes positions internationales. Quatre artistes* présentent leurs travaux dans le contexte d'œuvres sélectionnées parmi cinq positions établies du programme de la galerie. Il s'agit de l'espace entre la présence et l'absence, l'ancien et le nouveau, entre hier et demain, d'une plongée en profondeur dans des thèmes qui nous préoccupent tous depuis longtemps et précisément en ce moment.

L'arte non ha una data di scadenza
Di norma, le opere d'arte vengono prodotte di recente per le mostre nelle gallerie. Una volta create, esistono per l'eternità, ad esempio negli armadi dei depositi dei musei o nei salotti dei collezionisti privati. Le opere d'arte cambiano, portano con sé le tracce delle loro storie. Allo stesso modo, cambiano anche il loro ambiente e lasciano tracce loro stesse. La costante produzione di nuove opere d'arte per le mostre che si aprono ogni giorno in tutto il mondo, utilizzando enormi risorse, è tutt'altro che sostenibile e non può continuare all'infinito.

Il lavoro artistico è trasformazione
Ogni forma di lavoro artistico implica il (ri)uso di cose e ogni lavoro consuma inevitabilmente risorse materiali o umane. Il lavoro e la vita umana non sono possibili senza consumo. Ma è possibile ridurre questo consumo. Per farlo, è necessario avvicinare il nuovo al vecchio.

Creare nuovi contesti con il vecchio
Il tema della sostenibilità preoccupa il mondo dell'arte, ma nella pratica cambia poco. Per la mostra collettiva POOL, le opere della collezione della galleria Bernhard Knaus Fine Art sono riunite con giovani posizioni internazionali. Quattro artisti esporranno le loro opere nel contesto di lavori selezionati da cinque posizioni affermate del programma della galleria. Si tratta dello spazio tra presenza e assenza, vecchio e nuovo, tra ieri e domani, di un'immersione profonda in temi che ci occupano da tempo e in questo momento.

Art has no shelf life
As a rule, works of art are newly produced for exhibitions in galleries. Once created, they exist for eternity, for example in the cabinets of museum depots or in the living rooms of private collectors. The artworks change, they carry the traces of their stories within them. Likewise, they also change their environment and leave traces themselves. The constant production of new artistic works for exhibitions opening daily around the globe, using enormous resources, is anything but sustainable and cannot possibly continue indefinitely.

Artistic work is transformation
Any form of artistic work involves the (re)use of things, and all work inevitably consumes material or human resources. Work and human life are not possible without consumption. But it is possible to reduce this consumption. To do so, the new must be brought into closer relationship with the old.

Creating new contexts with the old
While the issue of sustainability is preoccupying the art world, little is changing in practice. For the group exhibition POOL, artworks from Bernhard Knaus Fine Art's gallery holdings are brought together with young international positions. Four artists show their works in the context of selected works by five established positions from the gallery program. It is about the space between presence and absence, old and new, between yesterday and tomorrow, about a deep dive into topics that have occupied us all for a long time and at this very moment.

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

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»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
Juni
25
bis 1. Okt.
Ausstellung, Hessen, Deutschland

»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim

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Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
25. Juni - 1. Oktober 2023

»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden

Brigitte Bardot, BRAVO 13-23/1959

Die Ausstellung in den Opelvillen öffnet den Blick in die popkulturelle Stargeschichte der 1960er- bis 2000er-Jahre. Anhand von Sammelobjekten und ausgewählten »BRAVO«-Starschnitten werden Rockstar-Legenden und längst vergessene Sternchen aus Film, Fernsehen und Musik wieder wach. Erinnert wird, wie eine Zeitschrift, die über 25 Jahre eine Auflage von mehr als einer Millionen Exemplaren hatte, Jugendkultur in westdeutschen Zimmern abbildete. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg oder James Dean – alle klebten lebensgroß an Wänden von Heranwachsenden.

Für die kuratorische Unterstützung bedanken wir uns bei der Leihgeberin, der Sparkassenstiftung Lüneburg, die im Frühjahr 2017 erstmals in einer Ausstellung unter dem Titel »Der Bravo-Starschnitt« über 100 Starschnitte in der Kunsthalle Lüneburg in der KulturBäckerei zeigte.

L'exposition dans les Opelvillen ouvre les yeux sur l'histoire des stars de la culture pop des années 1960 à 2000. Des objets de collection et une sélection de coupures de stars de "BRAVO" font revivre des légendes de rock stars et des starlettes du cinéma, de la télévision et de la musique oubliées depuis longtemps. On se souvient de la manière dont un magazine, tiré à plus d'un million d'exemplaires pendant 25 ans, représentait la culture des jeunes dans les chambres d'Allemagne de l'Ouest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg ou James Dean - tous étaient collés grandeur nature sur les murs des adolescents.

Nous remercions le prêteur, la Sparkassenstiftung Lüneburg, pour son soutien en tant que conservateur. Au printemps 2017, elle a présenté pour la première fois plus de 100 coupures de stars dans une exposition intitulée "Der Bravo-Starschnitt" à la Kunsthalle Lüneburg dans la KulturBäckerei.

La mostra allestita nell'Opelvillen apre lo sguardo sulla storia delle star della cultura pop dagli anni '60 al 2000. Con l'aiuto di oggetti da collezione e di ritagli selezionati di "BRAVO", vengono riportate in vita le leggende delle rockstar e le star del cinema, della televisione e della musica ormai dimenticate. La mostra ricorda come una rivista che ha avuto una tiratura di oltre un milione di copie in 25 anni ha rappresentato la cultura giovanile nelle camere da letto della Germania Ovest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg o James Dean: tutti erano attaccati a grandezza naturale sulle pareti degli adolescenti.

Ringraziamo il finanziatore, la Sparkassenstiftung Lüneburg, per il suo sostegno curatoriale. Nella primavera del 2017, la Sparkassenstiftung Lüneburg ha esposto per la prima volta oltre 100 ritagli di stelle in una mostra intitolata "Der Bravo-Starschnitt" (Il taglio delle stelle Bravo) alla Kunsthalle Lüneburg nella KulturBäckerei.

The exhibition in the Opelvillen opens the view into the pop cultural star history of the 1960s to 2000s. Collectibles and selected "BRAVO" star clippings bring rock star legends and long-forgotten starlets from film, television and music back to life. The exhibition recalls how a magazine that had a circulation of more than one million copies over 25 years depicted youth culture in West German bedrooms. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg or James Dean - all of them were stuck life-size on the walls of adolescents.

We would like to thank the lender, the Sparkassenstiftung Lüneburg, for its curatorial support. In spring 2017, the Sparkassenstiftung Lüneburg showed more than 100 star cut-outs for the first time in an exhibition entitled "Der Bravo-Starschnitt" at the Kunsthalle Lüneburg in the KulturBäckerei.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselheim)

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