Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
7. September – 19. Oktober 2024

Landschaften
Barbara Klemm

Zum Saisonstart 2024 zeigen wir eine neue Ausstellung von Barbara Klemm, die, wie so viele andere Genres, auch das der Landschaftsfotografie virtuos beherrscht. Die Ausstellung vereint um die dreißig ihrer Landschaftsporträts aus  Deutschland und der Welt  — vom Allgäu bis zum Plöner See, von der mongolischen Steppe bis zu den Wasserfällen von Iguazú. Barbara Klemms Landschaftsfotografien, die allesamt als Silbergelatineabzüge von eigener Hand gezeigt werden, zeichnen sich durch meisterhafte Kompositionen aus, die Licht und Landschaft modellieren.

„Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (…) blicken aus Barbara Klemms Landschaftsbildern auf uns, die deutsche Romantik, mit ihrer Malerei und Graphik und deren Tröstlichkeit, Gewicht und Abgründen, erscheint hier in neuer ästhetischer Qualität.“ Péter Nádas (aus „Schwarze Strahlung: Barbara Klemm, die Philosophin der Begebenheiten“)

Barbara Klemm gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen der deutschen Gegenwart. Sie wurde 1939 in Münster, Westfalen, geboren und wuchs in Karlsruhe auf. Seit 1959 war sie für die Frankfurter Allgemeine Zeitung tätig, seit 1970 als Redaktionsfotografin mit den Schwerpunkten Politik und Feuilleton. Ihr Werk wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, darunter der Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Fotografie (1989), der Hugo-Erfurth-Preis der Stadt Leverkusen (1989), der Maria-Sibylla-Merian-Preis für bildende Künstlerinnen in Hessen (1998), der Hessische Kulturpreis (2000) und der Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm ist bislang die einzige Frau, die mit dem Leica Hall of Fame Award ausgezeichnet wurde (2012). Seit 1992 ist sie Mitglied der Akademie der Künste Berlin, 2010 wurde sie in den Orden „Pour le mérite“ gewählt. Barbara Klemm lebt in Frankfurt am Main.

Pour le début de la saison 2024, nous présentons une nouvelle exposition de Barbara Klemm qui, comme tant d'autres genres, maîtrise avec virtuosité celui de la photographie de paysage. L'exposition réunit une trentaine de ses portraits de paysages d'Allemagne et du monde entier - de l'Allgäu au lac de Plön, de la steppe mongole aux chutes d'Iguazú. Les photographies de paysages de Barbara Klemm, toutes présentées sous forme de tirages au gélatino-argent de sa propre main, se distinguent par des compositions magistrales qui modèlent la lumière et le paysage.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) nous regardent à travers les paysages de Barbara Klemm, le romantisme allemand, avec sa peinture et son graphisme et leur consolation, leur poids et leurs abîmes, apparaît ici dans une nouvelle qualité esthétique". Péter Nádas (extrait de "Rayonnement noir : Barbara Klemm, la philosophe des événements")

Barbara Klemm est considérée comme l'une des photographes les plus importantes de l'Allemagne contemporaine. Elle est née en 1939 à Münster, en Westphalie, et a grandi à Karlsruhe. Depuis 1959, elle travaillait pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung, et depuis 1970 comme photographe de rédaction spécialisée dans la politique et le feuilleton. Son œuvre a été récompensée par de nombreux prix, dont le prix Dr. Erich Salomon de la Société allemande de photographie (1989), le prix Hugo Erfurth de la ville de Leverkusen (1989), le prix Maria Sibylla Merian pour les femmes artistes plasticiennes de Hesse (1998), le prix culturel de Hesse (2000) et le prix Max Beckmann de la ville de Francfort-sur-le-Main (2009). Barbara Klemm est à ce jour la seule femme à avoir été récompensée par le Leica Hall of Fame Award (2012). Depuis 1992, elle est membre de l'Académie des arts de Berlin, et en 2010, elle a été élue à l'Ordre du mérite. Barbara Klemm vit à Francfort-sur-le-Main.

In occasione dell'inizio della stagione 2024, presentiamo una nuova mostra di Barbara Klemm, che, come molti altri generi, è una virtuosa della fotografia di paesaggio. La mostra riunisce una trentina di suoi ritratti paesaggistici provenienti dalla Germania e da tutto il mondo: dall'Allgäu al lago di Plön, dalla steppa mongola alle cascate di Iguazú. Le fotografie di paesaggio di Barbara Klemm, tutte presentate come stampe alla gelatina d'argento realizzate con le sue mani, sono caratterizzate da composizioni magistrali che modellano la luce e il paesaggio.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) ci guardano dalle fotografie di paesaggio di Barbara Klemm; il Romanticismo tedesco, con la sua pittura e la sua grafica, con il suo conforto, il peso e gli abissi, appare qui in una nuova qualità estetica". Péter Nádas (da "Black Radiance: Barbara Klemm, la filosofa degli eventi")

Barbara Klemm è considerata una delle più importanti fotografe della Germania contemporanea. È nata a Münster, in Westfalia, nel 1939 ed è cresciuta a Karlsruhe. Ha lavorato per la Frankfurter Allgemeine Zeitung dal 1959, dal 1970 come fotografa editoriale specializzata in politica e articoli di cronaca. Il suo lavoro è stato premiato con numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Dr Erich Salomon della Società tedesca per la fotografia (1989), il Premio Hugo Erfurth della città di Leverkusen (1989), il Premio Maria Sibylla Merian per le artiste visive dell'Assia (1998), il Premio della cultura dell'Assia (2000) e il Premio Max Beckmann della città di Francoforte sul Meno (2009). Ad oggi, Barbara Klemm è l'unica donna ad essere stata premiata con il Leica Hall of Fame Award (2012). È membro dell'Akademie der Künste Berlin dal 1992 ed è stata eletta nell'Ordine "Pour le mérite" nel 2010. Barbara Klemm vive a Francoforte sul Meno.

To inaugurate the autumn 2024 gallery season, we are pleased to present a new exhibition by Barbara Klemm. Known for her mastery across various genres, Klemm also excels in landscape photography.

This exhibition features around thirty of her landscape portraits from Germany and around the world — from the Allgäu to Lake Plön, from the Mongolian steppe to the Iguazú waterfalls. Each photograph, printed by the artist as a silver gelatin print, showcases her skillful composition and deep connection to the landscapes she captures.

"Karl Friedrich Schinkel, Caspar David Friedrich, Georg Friedrich Kersting (...) gaze upon us from Barbara Klemm's landscape images. The German Romanticism, with its painting and graphics, and its solace, gravity, and abysses, reappears here in a new aesthetic quality.“ Péter Nádas

Barbara Klemm is considered one of the most important photographers in contemporary Germany. She was born in 1939 in Münster, Westphalia, and grew up in Karlsruhe. Since 1959, she worked for the Frankfurter Allgemeine Zeitung, and from 1970 onwards, she served as an editorial photographer with a focus on politics and culture. Her work has received numerous awards, including the Dr.-Erich-Salomon-Preis from the German Society for Photography (1989), the Hugo-Erfurth-Preis from the city of Leverkusen (1989), the Maria Sibylla Merian Prize for female visual artists in Hesse (1998), the Hessian Culture Prize (2000), and the Max Beckmann Prize from the city of Frankfurt am Main (2009). Barbara Klemm is the only woman to have been honored with the Leica Hall of Fame Award (2012). Since 1992, she has been a member of the Academy of Arts Berlin, and in 2010, she was elected to the Order Pour le Mérite. Barbara Klemm lives in Frankfurt am Main.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
22. Juni – 24. August 2024

Nightcall — The Frankfurt Edition
Satijn Panyigay

Nachdem Satijn Panyigay in der Vergangenheit vor allem leere Innenräume – Museen, Depots, neu errichtete Wohngebäude — fotografiert hat, richtet sie mit ihrer neuen Arbeit „Nightcall“ ihr Augenmerk auf städtische Außenbereiche. In ihrer Heimatstadt Utrecht sowie in Frankfurt am Main sucht sie auf einsamen nächtlichen Streifzügen nach unbeabsichtigten Kompositionen innerhalb der urbanen Strukturen.

Ihre analogen Fotografien nutzen das minimale Licht des Mondes und der Straßenlaternen, wobei der Unterschied kaum auszumachen ist. So entstehen in der düsteren, monotonen und funktionalen Industrielandschaft reizvolle Kontraste.

Dabei erzeugt die Abwesenheit von Menschen in Satijn Panyigays Fotografien paradoxerweise ein Gefühl von Präsenz. Die Künstlerin fühlt sich von der ätherischen Welt der Nacht und ihrer rätselhaften Atmosphäre angezogen. „Nightcall“ ermöglicht uns Begegnungen mit einer Gegenwelt, in der sich unsere eigene widerspiegelt, wenn auch mit einer unheimlichen Distanz.

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so im Centre D’art Contemporain de Meymac, Frankreich sowie in den Niederlanden im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Ihre Arbeitem befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam, des Museum W., der DZ Bank Kunststiftung, der KPMG sowie in zahlreichen Privatsammlungen. Ihr Buch VOID erschien 2023 bei Hartmann Books.

Après avoir surtout photographié des espaces intérieurs vides - musées, dépôts, immeubles d'habitation récemment construits -, Satijn Panyigay porte son attention sur les espaces extérieurs urbains avec son nouveau travail "Nightcall". Dans sa ville natale d'Utrecht ainsi qu'à Francfort-sur-le-Main, elle recherche des compositions involontaires au sein des structures urbaines lors d'errances nocturnes solitaires.

Ses photographies analogiques utilisent la lumière minimale de la lune et des lampadaires, la différence étant à peine perceptible. Ainsi, des contrastes charmants apparaissent dans le paysage industriel sombre, monotone et fonctionnel.

Ce faisant, l'absence de personnes dans les photographies de Satijn Panyigay crée paradoxalement un sentiment de présence. L'artiste est attirée par le monde éthéré de la nuit et son atmosphère énigmatique. "Nightcall" nous permet de faire des rencontres avec un contre-monde dans lequel le nôtre se reflète, même si c'est avec une distance inquiétante.

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nijmegen, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école des beaux-arts d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions, notamment au Centre d'art contemporain de Meymac, en France, et aux Pays-Bas, au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Son travail se trouve entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam, du Museum W., de la DZ Bank Kunststiftung, de KPMG ainsi que dans de nombreuses collections privées. Son livre VOID est paru en 2023 chez Hartmann Books.

Dopo aver fotografato in passato soprattutto spazi interni vuoti - musei, depositi, edifici residenziali di nuova costruzione - il nuovo lavoro di Satijn Panyigay "Nightcall" si concentra sugli esterni urbani. Nella sua città natale, Utrecht, e a Francoforte sul Meno, l'artista cerca composizioni involontarie all'interno delle strutture urbane durante le sue incursioni notturne.

Le sue fotografie analogiche utilizzano la luce minima della luna e dei lampioni, dove la differenza è appena percettibile. Questo crea contrasti attraenti nel paesaggio industriale cupo, monotono e funzionale.

Paradossalmente, l'assenza di persone nelle fotografie di Satijn Panyigay crea un senso di presenza. L'artista si sente attratto dal mondo etereo della notte e dalla sua atmosfera enigmatica. "Nightcall" ci permette di incontrare un contro-mondo che rispecchia il nostro, anche se con una distanza inquietante.

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia all'Università delle Arti di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre, tra cui al Centre D'art Contemporain de Meymac, in Francia, e nei Paesi Bassi presso il Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam), il Fotomuseum Den Haag, il Museum Tot Zover (Amsterdam), il Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Le sue opere si trovano nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam, del Museum W., della DZ Bank Kunststiftung, della KPMG e di numerose collezioni private. Il suo libro VOID è stato pubblicato da Hartmann Books nel 2023.

Having primarily photographed vacant interior spaces—museums, depots, and newly constructed residential buildings—in the past, Satijn Panyigay now shifts her attention to urban exteriors with her new series “Nightcall“. Embarking on solitary nocturnal strolls through her hometown of Utrecht and Frankfurt am Main, she seeks unintentional compositions within urban structures.

Utilizing the minimal light of the moon and street lamps in her analogue photographs, Panyigay blurs the distinction between them. Thus, amidst the bleak, monotonous, and utilitarian industrial landscape, captivating contrasts emerge.

Paradoxically, the absence of people in Satijn Panyigay's photographs evokes a sense of presence. Drawn to the ethereal realm of the night and its enigmatic ambiance, the artist invites us into encounters with a parallel world, reflecting our own, albeit with an eerie distance.

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in exhibitions at Centre D’art Contemporain de Meymac, France, and in the Netherlands at Museum Escher in the Palace; Depot Boijmans Van Beuningen; Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover; Verwey Museum Haarlem, Villa Mondriaan. Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam, Museum W., DZ Bank, KPMG, among others, as well as in numerous private collections. Panyigay’s artist book VOID was published by Hartmann Books (Germany) in 2023.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Historisches Museum Frankfurt
29. Mai – 22. September 2024

Stadt der Fotografinnen. Frankfurt 1844 – 2024

Die Ausstellung findet im Rahmen der Triennale der Fotografie RAY 2024 statt.

Frankfurts Entwicklung zur internationalen Großstadt seit der Industrialisierung ist eng verknüpft mit der Entwicklung des Mediums Fotografie, aber auch mit der gesellschaftlichen wie künstlerischen Emanzipationsgeschichte von Fotografinnen. Dass Frankfurt zum künstlerischen, beruflichen und lebensweltlichen Schaffenszentrum der Fotografinnen wurde, ist dabei viel mehr als eine zufällige Koinzidenz des Orts: Hier entstehen bis heute vielfältige Ausbildungs-, Arbeits- und Wirkungsmöglichkeiten für sie; aber auch die Stadt als fotografisches Objekt verbindet ihre Werke.

Die Ausstellung präsentiert in fünf Kapiteln chronologisch Frankfurter Fotogeschichte unter besonderer Berücksichtigung des fotografischen Wirkens von Frauen:

Frühe Foto-Pionierinnen wie Julie Vogel sind ab den 1840er Jahren in Frankfurt tätig und werden mit ihren Fotoateliers und Fotozeugnissen wie ersten Salzpapierabzügen oder der dann entstehenden sogenannten kleinen Carte de Visite vorgestellt. In der Kaiserzeit entstehen die ersten selbständig von Frauen geführten Fotoateliers, wie das der Porträt- und Theaterfotografin Katharina Culié, die auf ersten Fotoausstellungen für sich warb und Preise gewann.

Durch das „Neue Frankfurt“ in den 1920er Jahren wird kultureller und gesellschaftlicher Wandel vorangetrieben, von dem unter anderem die Fotografinnen Grete Leistikow, Jeanne Mandello und Ilse Mayer Gehrken beeinflusst sind. Emanzipation und Aufbruch stehen neben Exil und Zerstörung – hier werden weitere Werke von Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck und Marta Hoepffner präsentiert. Die Fotokunst der Nachkriegszeit bestimmten nachdrücklich Hoepffner und ihre Lebensgefährtin Irm Schoffers mit ihrem Werk und der ab 1949 in Hofheim gegründeten privaten Fotoschule.

Besonders mit der 1968er-Generation ist die Stadt geprägt vom bildjournalistisch einzigartigen Stil Barbara Klemms, Erika Sulzer-Kleinemeiers, Inge Werths, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz‘ oder Abisag Tüllmanns. Ab der Nachkriegszeit spielen auch die Themen Mode, hier dargestellt durch das Werk von Lilo Gwosdz, und Architektur im Schaffen zahlreicher Fotografinnen eine Rolle. Das im Wandel befindliche Stadtbild ist bis heute im Fokus, so im Werk von Ursula Edelmann, die besonders den fotografischen Blick auf die 1950er Jahre prägt. Fast 40 Jahre wird auch die Theaterfotografie geprägt von der an Frankfurter Schauspiel und Oper wirkenden Mara Eggert.

Ab den 1980er Jahren setzt sich die Auseinandersetzung mit der Stadt im fotokünstlerischen Arbeiten intensiv fort, etwa durch Laura J. Padgett mit ihren fotoseriellen Untersuchungen historischer Bauten oder Meike Fischer mit einem gesellschaftspolitischen Blick auf aktuelle Neubauprojekte. Verdiana Albano hingegen fokussiert aktuell den städtebaulichen Wandel in globaler Perspektive. In Angewandter Fotografie und Fotokunst gehen Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer und Irene Peschick schon seit den 1960er Jahren vielfältige neue Wege. Susa Templin, Christiane Feser und Sandra Mann sind seit den 1990er Jahren in der internationalen Ausstellungs- und Fotoszene vernetzt.

Die künstlerische Ausbildung von Fotografinnen an der HfG Offenbach wie an der Städelschule zeigen, dass sich die Stadt von einem Zentrum der Pressefotografie nach 1945 zu einem Ort der Fotokunst der Gegenwart entwickelt hat. Das verdeutlichen im die Ausstellung abschließenden Raum zur gegenwärtigen Fotografie und Fotokunst in Frankfurt die vielfältigen Werke von Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir und Wagehe Raufi.

Le développement de Francfort en tant que grande ville internationale depuis l'industrialisation est étroitement lié à l'évolution du médium photographique, mais aussi à l'histoire de l'émancipation sociale et artistique des femmes photographes. Le fait que Francfort soit devenu le centre de création artistique, professionnelle et de vie des femmes photographes est bien plus qu'une coïncidence fortuite de lieu : c'est ici que se créent aujourd'hui encore de multiples possibilités de formation, de travail et d'activité pour elles ; mais c'est aussi la ville en tant qu'objet photographique qui relie leurs œuvres.

L'exposition présente en cinq chapitres chronologiques l'histoire de la photographie à Francfort, avec une attention particulière pour l'activité photographique des femmes :

Les premières pionnières de la photographie, comme Julie Vogel, sont actives à Francfort à partir des années 1840 et sont présentées avec leurs ateliers photographiques et leurs témoignages photographiques, tels que les premiers tirages sur papier salé ou ce que l'on appelle alors la petite carte de visite. Sous l'Empire, les premiers ateliers de photographie dirigés de manière indépendante par des femmes voient le jour, comme celui de la photographe de portraits et de théâtre Katharina Culié, qui fait sa promotion lors des premières expositions photographiques et remporte des prix.

Le "nouveau Francfort" des années 1920 est à l'origine de changements culturels et sociaux qui influencent entre autres les photographes Grete Leistikow, Jeanne Mandello et Ilse Mayer Gehrken. L'émancipation et le départ côtoient l'exil et la destruction - d'autres œuvres d'Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck et Marta Hoepffner sont présentées ici. Hoepffner et sa compagne Irm Schoffers ont fortement déterminé l'art photographique de l'après-guerre avec leur œuvre et l'école de photographie privée fondée à Hofheim à partir de 1949.

C'est surtout avec la génération de 1968 que la ville est marquée par le style unique de Barbara Klemm, Erika Sulzer-Kleinemeier, Inge Werth, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz ou Abisag Tüllmann en matière de photojournalisme. A partir de l'après-guerre, les thèmes de la mode, représentés ici par l'œuvre de Lilo Gwosdz, et de l'architecture jouent également un rôle dans l'œuvre de nombreuses photographes. Le paysage urbain en pleine mutation est encore aujourd'hui au centre de l'attention, notamment dans l'œuvre d'Ursula Edelmann, qui marque particulièrement le regard photographique sur les années 1950. Pendant près de 40 ans, la photographie de théâtre est également marquée par Mara Eggert, qui travaille au théâtre et à l'opéra de Francfort.

À partir des années 1980, la confrontation avec la ville se poursuit de manière intensive dans le travail photo-artistique, par exemple avec Laura J. Padgett et ses recherches photo-sérielles sur les bâtiments historiques ou Meike Fischer avec un regard socio-politique sur les projets actuels de construction de nouveaux bâtiments. Verdiana Albano, quant à elle, se concentre actuellement sur les changements urbanistiques dans une perspective globale. Dans le domaine de la photographie appliquée et de l'art photographique, Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer et Irene Peschick explorent de nouvelles voies variées depuis les années 1960. Susa Templin, Christiane Feser et Sandra Mann font partie du réseau international des expositions et de la scène photographique depuis les années 1990.

La formation artistique des femmes photographes à la HfG Offenbach comme à la Städelschule montre que la ville est passée d'un centre de la photographie de presse après 1945 à un lieu de l'art photographique contemporain. C'est ce qu'illustrent les œuvres variées d'Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir et Wagehe Raufi dans la salle consacrée à la photographie et à l'art photographique contemporains à Francfort, qui clôt l'exposition.

Lo sviluppo di Francoforte come grande città internazionale dopo l'industrializzazione è strettamente legato allo sviluppo del mezzo fotografico, ma anche all'emancipazione sociale e artistica delle fotografe. Il fatto che Francoforte sia diventata il centro artistico, professionale e creativo quotidiano delle fotografe è molto più di una coincidenza di luogo: ancora oggi, qui è stata creata per loro un'ampia gamma di opportunità di formazione, lavoro e attività; ma la città come oggetto fotografico collega anche le loro opere.

La mostra presenta la storia fotografica di Francoforte in cinque capitoli cronologici, con un'attenzione particolare al lavoro fotografico delle donne:

Le prime pioniere della fotografia, come Julie Vogel, furono attive a Francoforte a partire dagli anni Quaranta dell'Ottocento e vengono presentate con i loro studi fotografici e le loro testimonianze fotografiche, come le prime stampe su carta salata o le cosiddette piccole carte de visite, nate in quel periodo. In epoca imperiale nacquero i primi studi fotografici gestiti autonomamente da donne, come quello della fotografa di ritratti e di teatro Katharina Culié, che si fece notare alle prime mostre fotografiche e vinse dei premi.

Negli anni Venti, la "Nuova Francoforte" fu un catalizzatore di cambiamenti culturali e sociali, che influenzarono fotografe come Grete Leistikow, Jeanne Mandello e Ilse Mayer Gehrken. L'emancipazione e il risveglio si affiancano all'esilio e alla distruzione: qui vengono presentate altre opere di Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck e Marta Hoepffner. Hoepffner e il suo compagno Irm Schoffers hanno avuto un'influenza decisiva sull'arte fotografica del dopoguerra con il loro lavoro e la scuola privata di fotografia fondata a Hofheim nel 1949.

Soprattutto con la generazione del 1968, la città fu caratterizzata dallo stile fotogiornalistico unico di Barbara Klemm, Erika Sulzer-Kleinemeier, Inge Werth, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz e Abisag Tüllmann. Dal dopoguerra in poi, anche la moda, qui rappresentata dal lavoro di Lilo Gwosdz, e l'architettura hanno avuto un ruolo nel lavoro di numerose fotografe. Il paesaggio urbano in evoluzione è ancora oggi al centro dell'attenzione, ad esempio nel lavoro di Ursula Edelmann, che caratterizza in modo particolare la visione fotografica degli anni Cinquanta. Per quasi 40 anni, anche la fotografia teatrale è stata plasmata da Mara Eggert, che ha lavorato al teatro e all'opera di Francoforte.

A partire dagli anni Ottanta, l'esame della città è proseguito intensamente nelle opere fotografiche, ad esempio di Laura J. Padgett con le sue indagini fotografiche sugli edifici storici o di Meike Fischer con una visione socio-politica dei nuovi progetti edilizi in corso. Verdiana Albano, invece, si concentra attualmente sui cambiamenti urbani da una prospettiva globale. Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer e Irene Peschick hanno aperto nuove strade nella fotografia applicata e nell'arte fotografica fin dagli anni Sessanta. Susa Templin, Christiane Feser e Sandra Mann sono presenti sulla scena espositiva e fotografica internazionale dagli anni Novanta.

La formazione artistica delle fotografe presso la HfG Offenbach e la Städelschule dimostra che la città si è sviluppata da centro della fotografia giornalistica dopo il 1945 a luogo di arte fotografica contemporanea. Ciò è illustrato dalle diverse opere di Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir e Wagehe Raufi nella sala dedicata alla fotografia contemporanea e all'arte fotografica a Francoforte, che conclude la mostra.

Frankfurt's development into a major international city since industrialization is closely linked to the development of the medium of photography, but also to the social and artistic emancipation of women photographers. The fact that Frankfurt became the artistic, professional and life-world creative center of women photographers is much more than a coincidence of location: to this day, a wide range of training, work and activity opportunities have been created for them here; but the city as a photographic object also connects their works.

The exhibition presents Frankfurt's photographic history in five chronological chapters, with a special focus on the photographic work of women:

Early female photography pioneers such as Julie Vogel were active in Frankfurt from the 1840s onwards and are presented with their photo studios and photographic testimonies such as the first salt paper prints or the so-called small carte de visite that emerged at that time. In the imperial era, the first photo studios run independently by women emerged, such as that of the portrait and theater photographer Katharina Culié, who advertised herself at the first photo exhibitions and won prizes.

The "New Frankfurt" of the 1920s drove cultural and social change, which influenced photographers such as Grete Leistikow, Jeanne Mandello and Ilse Mayer Gehrken. Emancipation and awakening stand alongside exile and destruction - further works by Ilse Bing, Emy Limpert, Elisabeth Hase, Hannah Reeck and Marta Hoepffner are presented here. Hoepffner and her partner Irm Schoffers had a decisive influence on post-war photographic art with their work and the private photography school founded in Hofheim in 1949.

Particularly with the 1968 generation, the city is characterized by the unique photojournalistic style of Barbara Klemm, Erika Sulzer-Kleinemeier, Inge Werth, Gerda Jäger-Links, Digne Meller Marcovicz and Abisag Tüllmann. From the post-war period onwards, fashion, represented here by the work of Lilo Gwosdz, and architecture also played a role in the work of numerous female photographers. The changing cityscape is still in focus today, for example in the work of Ursula Edelmann, who particularly shapes the photographic view of the 1950s. For almost 40 years, theater photography was also shaped by Mara Eggert, who worked at Frankfurt's theater and opera.

From the 1980s onwards, the examination of the city continued intensively in photographic works, for example by Laura J. Padgett with her photographic investigations of historical buildings or Meike Fischer with a socio-political view of current new building projects. Verdiana Albano, on the other hand, is currently focusing on urban change from a global perspective. Annegret Soltau, Gabriele Lorenzer, Gisa Hillesheimer and Irene Peschick have been breaking new ground in applied photography and photographic art since the 1960s. Susa Templin, Christiane Feser and Sandra Mann have been networked in the international exhibition and photography scene since the 1990s.

The artistic training of female photographers at the HfG Offenbach and the Städelschule show that the city has developed from a center of press photography after 1945 to a place of contemporary photographic art. This is illustrated by the diverse works of Ana Paula dos Santos, Lilly Lulay, Laura Schawelka, Aslı Özdemir and Wagehe Raufi in the room on contemporary photography and photographic art in Frankfurt, which concludes the exhibition.

(Text: Historisches Museum Frankfurt)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
4. Mai – 29. Juni 2024

La Plaiv
Petra Wunderlich

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

Petra Wunderlich wendet einen raffinierten und didaktischen Ansatz an, um stoische Schwarz-Weiß-Fotografien zu erstellen, die in der Einzelausstellung 'La Plaiv' die architektonischen Fassaden der malerischen und romantischen Dörfer der gleichnamigen Region in der Schweiz sorgfältig untersuchen.

Wunderlich studierte bei Bernd und Hilla Becher an der Kunstakademie Düsseldorf und wurde Teil der Studierendengeneration der Düsseldorfer Fotoschule. Heute pflegt sie die Tradition der Düsseldorfer Schule der strengen Dokumentation durch eng beschnittene Fotografien, die dem Thema jedes Werkes einen distanzierten, aber diskreten Blick verleihen. Ihre sachliche Haltung und die Serialisierung der Fotografien greifen nüchterne Themen in Stil und Inhalt auf und verstärken die architektonischen Geometrien, die diese Schweizer Landschaft prägen – sowie die mysteriöse Abwesenheit ihrer Bewohnerinnen und Bewohner.

Petra Wunderlich applique une approche raffinée et didactique pour créer des photographies stoïques en noir et blanc qui, dans l'exposition individuelle 'La Plaiv', examinent soigneusement les façades architecturales des villages pittoresques et romantiques de la région du même nom en Suisse.

Wunderlich a étudié avec Bernd et Hilla Becher à l'Académie des arts de Düsseldorf et a fait partie de la génération d'étudiants de l'école de photographie de Düsseldorf. Aujourd'hui, elle cultive la tradition de l'école de Düsseldorf de la documentation rigoureuse par des photographies étroitement recadrées, qui confèrent au sujet de chaque œuvre un regard distancié mais discret. Son attitude objective et la sérialisation des photographies reprennent des thèmes sobres dans leur style et leur contenu et renforcent les géométries architecturales qui caractérisent ce paysage suisse - ainsi que l'absence mystérieuse de ses habitants.

Petra Wunderlich applica un approccio raffinato e didattico per creare stoiche fotografie in bianco e nero che esaminano attentamente le facciate architettoniche dei pittoreschi e romantici villaggi dell'omonima regione svizzera nella mostra personale "La Plaiv".

Wunderlich ha studiato sotto la guida di Bernd e Hilla Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf ed è entrata a far parte della generazione di studenti della Scuola di Fotografia di Düsseldorf. Oggi mantiene la tradizione della Scuola di Düsseldorf di una documentazione rigorosa, attraverso fotografie dai ritagli stretti che conferiscono al soggetto di ogni opera uno sguardo distante ma discreto. Il suo approccio materico e la serialità delle fotografie riprendono temi sobri nello stile e nel contenuto e rafforzano le geometrie architettoniche che caratterizzano questo paesaggio svizzero, così come la misteriosa assenza dei suoi abitanti.

Petra Wunderlich applies a refined and didactic approach to create stoic black and white photographies that carefully examine the architectural facades of the picturesque and romantic villages of the eponymous region in Switzerland in the solo exhibition 'La Plaiv'.

Wunderlich studied under Bernd and Hilla Becher at the Düsseldorf Art Academy and became part of the student generation of the Düsseldorf School of Photography. Today, she maintains the Düsseldorf School's tradition of strict documentation through tightly cropped photographs that lend the subject of each work a distanced but discreet gaze. Her pragmatic approach and the serialisation of the photographs take up sober themes in style and content and reinforce the architectural geometries that characterise this Swiss landscape - as well as the mysterious absence of its inhabitants.

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Fotografie Forum Frankfurt
3. Mai – 1. September 2024

RAY ECHOES IDENTITY

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

Zum fünften Mal werden Frankfurt und die Rhein-Main-Region vom 03.05. bis 01.09.2024 mit Ausstellungen, zahlreichen Events und einem dreitägigen Festival Schauplatz von RAY – Triennale der Fotografie.

Die Künstler*innen der Triennale erforschen und reflektieren mittels Fotografie und verwandter Medien die Herausforderungen und Spannungsfelder der Selbstwahrnehmung und des menschlichen Miteinanders und stellen ihre Perspektiven zum Leitthema ECHOES vor.

Ihre Arbeiten spannen Bögen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sowie vom Intimen und Persönlichen bis zum Kollektiven. Durch das Festhalten dieser vielfältigen Momente und Phänomene schaffen sie ein Echo, das die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf ihre Themen lenkt. Ähnlich einem Schallerlebnis erzeugen sie so einen Nachhall, der über das Abgebildete hinaus als eigenständiges Ereignis wahrgenommen wird. RAY ECHOES konzentriert sich auf die drei Schwerpunkte.

Im Fotografie Forum Frankfurt fokussiert sich die Schau als einer von drei zentralen Ausstellungen der Triennale auf die Beziehung zwischen Fotografie und Identität. Die ausgestellten Künstler*innen Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li und Inuuteq Storch untersuchen in ihren Arbeiten das Entstehen und die Veränderung von Identitäten. Echos finden sich in Form von Reflexionen über persönliche Erfahrungen, Transzendenz und die Aktualität des Rückblicks. Neben aktuellen zeitgenössischen Fotografien und einer Videoinstallation werden frühere ikonografische Arbeiten in Zeiten politischer Polarisierung in Bezug auf Minderheiten, Kultur und Geschlecht wieder in den Vordergrund gerückt.

Das Konzept von RAY ECHOES wurde gemeinsam entwickelt von Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (Freie Kuratorin), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), und Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Pour la cinquième fois, Francfort et la région Rhin-Main seront le théâtre de RAY - Triennale der Fotografie du 03.05. au 01.09.2024 avec des expositions, de nombreux événements et un festival de trois jours.

Les artistes* de la Triennale explorent et réfléchissent, par le biais de la photographie et des médias apparentés, aux défis et aux champs de tension de la perception de soi et des interactions humaines, et transmettent leurs perspectives sur le thème directeur ECHOES.

Leurs travaux couvrent des domaines allant du passé, du présent et du futur, de l'intime et du personnel au collectif. En capturant ces multiples moments et phénomènes, ils créent un écho qui attire l'attention du public sur leurs sujets. A l'instar d'une expérience sonore, ils créent ainsi une réverbération qui est perçue comme un événement à part entière, au-delà de ce qui est représenté. RAY ECHOES se concentre sur ces trois points forts.

Au Fotografie Forum Frankfurt, l'exposition est l'une des trois expositions centrales de la Triennale et se concentre sur la relation entre la photographie et l'identité. Les artistes* exposés, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li et Inuuteq Storch, examinent dans leurs travaux l'émergence et la transformation des identités. Des échos se retrouvent sous la forme de réflexions sur les expériences personnelles, la transcendance et l'actualité de la rétrospective. Outre des photographies contemporaines récentes et une installation vidéo, des travaux iconographiques antérieurs sont remis au premier plan en ces temps de polarisation politique concernant les minorités, la culture et le genre.

Le concept de RAY ECHOES a été développé conjointement par Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (conservatrice indépendante), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), et Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Per la quinta volta, Francoforte e la regione del Reno-Meno saranno teatro di RAY - Triennale di Fotografia dal 3 maggio al 1° settembre 2024 con mostre, numerosi eventi e un festival di tre giorni.

Utilizzando la fotografia e i media correlati, gli artisti della triennale esplorano e riflettono sulle sfide e le tensioni della percezione di sé e dell'interazione umana e presentano le loro prospettive sul tema centrale di ECHOES.

Le loro opere spaziano tra passato, presente e futuro, dall'intimo e personale al collettivo. Catturando questi diversi momenti e fenomeni, creano un'eco che attira l'attenzione del pubblico sui loro temi. Simili a un'esperienza sonora, creano un riverbero che viene percepito come un evento indipendente al di là di ciò che viene rappresentato. RAY ECHOES si concentra su questi tre punti focali.

Come una delle tre mostre centrali della Triennale, l'esposizione al Fotografie Forum di Francoforte si concentra sul rapporto tra fotografia e identità. Gli artisti esposti, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li e Inuuteq Storch, esaminano l'emergere e la trasformazione delle identità nelle loro opere. Gli echi si trovano sotto forma di riflessioni sulle esperienze personali, sulla trascendenza e sull'attualità del guardare indietro. Oltre a fotografie contemporanee attuali e a un'installazione video, vengono riportate alla ribalta opere iconografiche precedenti in tempi di polarizzazione politica in relazione a minoranze, cultura e genere.

Il concetto di RAY ECHOES è stato sviluppato congiuntamente da Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (curatrice indipendente), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt) e Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

The fifth edition of the RAY – Triennial of Photography offers numerous exhibitions, events and 3-day Festival in Frankfurt and the Rhine-Main region.

The artists of the triennial use photography and related media to explore and reflect on the challenges and tensions of self-perception and human interaction. Their works span the past, present, and future, from the intimate and personal to the collective. By capturing these diverse moments and phenomena, they create an echo that draws the public’s attention to their themes. Similar to a sound experience, they create reverberation that is perceived as an independent event beyond what is depicted.

On this basis, RAY ECHOES concentrates on three focal points: identity, memory, and emotion.

Fotografie Forum Frankfurt is showing one of three central exhibitions of the Triennial focussing on the relationship between photography and identity.

The exhibited artists of Echoes Identity Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li, and Inuuteq Storch explore the making and breaking away from identities. Echoes are present in the form of reflections on personal experience, transcendence, and the currency of retrospection. Alongside recent contemporary photographs and a video installation, earlier iconographic works are brought back to the fore in times of political polarisation over minorities, culture, and gender.

The RAY Echoes concept was developed jointly by Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (freelance curator), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), and Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
24. April – 11. August 2024

Alice Springs. Retrospektive

Die Ausstellung ist ein Partnerprojekt der internationalen Triennale der Fotografie RAY.

Anlässlich des 1 00. Geburtstags von June Newton alias Alice Springs im letzten Jahr wurden über 200 Fotografien von der Helmut Newton Foundation in Berlin neu zusammengetragen. Diese teilweise spektakulären Ergebnisse werden in den Opelvillen vorgestellt.

Unter dem Pseudonym Alice Springs arbeitete June Newton (1923-2021) seit 1970 als Fotografin. Am Anfang des eigenen Oeuvres stand eine Grippe ihres Mannes Helmut Newtons. Danach entstanden zahlreiche Porträts, Menschenbilder voller Empathie, die bis heute die für Alice Springs so charakteristische Mischung aus Einfühlung und Neugierde auf ihre Zeitgenossen transportieren.

In Kooperation mit der Helmut Newton Foundation, Berlin. Im Anschluss wird die Ausstellung vom 15. September 2024 bis 2. Februar 2025 im Stiftung Museum Schloss Moyland zu sehen sein.

À l'occasion du 100e anniversaire de June Newton, alias Alice Springs, l'année dernière, plus de 200 photographies ont été réassemblées par la Helmut Newton Foundation à Berlin. Ces résultats, parfois spectaculaires, sont présentés dans les Opelvillen.

Sous le pseudonyme d'Alice Springs, June Newton (1923-2021) a travaillé comme photographe depuis 1970. Au début de sa propre œuvre, elle a été victime de la grippe de son mari Helmut Newton. Elle a ensuite réalisé de nombreux portraits, des images humaines pleines d'empathie qui véhiculent encore aujourd'hui le mélange d'empathie et de curiosité envers ses contemporains si caractéristique d'Alice Springs.

En coopération avec la Helmut Newton Foundation, Berlin. L'exposition sera ensuite présentée du 15 septembre 2024 au 2 février 2025 à la fondation Museum Schloss Moyland.

L'exposition est un projet partenaire de la Triennale internationale de la photographie RAY.

In occasione del centesimo compleanno di June Newton, alias Alice Springs, lo scorso anno, la Fondazione Helmut Newton di Berlino ha raccolto oltre 200 nuove fotografie. Questi risultati, alcuni dei quali spettacolari, saranno presentati all'Opelvillen.

June Newton (1923-2021) ha lavorato come fotografa con lo pseudonimo di Alice Springs a partire dal 1970. La sua opera personale è iniziata quando il marito Helmut Newton si è ammalato di influenza. In seguito, ha creato numerosi ritratti, immagini di persone piene di empatia, che ancora oggi trasmettono la caratteristica miscela di empatia e curiosità di Alice Springs nei confronti dei suoi contemporanei.

In collaborazione con la Fondazione Helmut Newton di Berlino. La mostra sarà poi esposta alla Fondazione Museum Schloss Moyland dal 15 settembre 2024 al 2 febbraio 2025.

La mostra è un progetto partner della triennale internazionale di fotografia RAY.

To mark the 100th birthday of June Newton, alias Alice Springs, last year, the Helmut Newton Foundation in Berlin has compiled over 200 new photographs. These results, some of which are spectacular, will be presented in the Opelvillen.

June Newton (1923-2021) worked as a photographer under the pseudonym Alice Springs from 1970 onwards. Her own oeuvre began when her husband Helmut Newton caught the flu. After that, she produced numerous portraits, images of people full of empathy, which still convey Alice Springs' characteristic mixture of empathy and curiosity about her contemporaries.

In cooperation with the Helmut Newton Foundation, Berlin. The exhibition will then be on display at the Museum Schloss Moyland Foundation from September 15, 2024 to February 2, 2025.

The exhibition is a partner project of the international photography triennial RAY.

(Text: Openvillen, Rüsselheim)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
20. April – 1. Juni 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux

Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.

Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.

I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.

The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Fotografie Forum Frankfurt
1. Februar – 14. April 2024

On the edge of past future
Aïda Muluneh

Mit kraftvollen Farben und einer außergewöhnlichen Bildsprache widmet sich die Künstlerin Aïda Muluneh dem ungleich verteilten Zugang zu Ressourcen wie Wasser, Nahrung und Bildung, dem Missbrauch von Macht und Menschenrechten sowie dem Empowerment von Frauen. Muluneh wurde 1974 in Addis Abeba, Äthiopien, geboren, wuchs im Jemen, England und Kanada auf und studierte in den USA Kommunikation mit Schwerpunkt Film. Für ihre fotografischen Inszenierungen verwebt sie verschiedene kulturelle Traditionen und Perspektiven und nutzt Methoden von Film und Bühne. Ihre Werke sind international ausgezeichnet und in zahlreichen Museumssammlungen vertreten. 2020 wurde ihre Serie »Road of Glory« in der Ausstellung zum Friedensnobelpreis gezeigt. Aïda Muluneh ist Gründerin und Direktorin von Addis Foto Fest, Ostafrikas erstem internationalen Fotofestival, und Africa Foto Fair, Elfenbeinküste.

Aïda Muluneh. On the edge of past future präsentiert großformatige Arbeiten aus verschiedenen Serien. Die von Celina Lunsford und Andrea Horvay kuratierte Ausstellung ist Mulunehs erste Einzelschau in Deutschland.

Avec des couleurs puissantes et un langage visuel exceptionnel, l'artiste Aïda Muluneh se consacre à l'accès inégalement réparti aux ressources telles que l'eau, la nourriture et l'éducation, à l'abus de pouvoir et aux droits de l'homme ainsi qu'à l'autonomisation des femmes. Muluneh est née en 1974 à Addis Abeba, en Éthiopie, a grandi au Yémen, en Angleterre et au Canada et a étudié la communication aux États-Unis, avec une spécialisation en cinéma. Pour ses mises en scène photographiques, elle entrelace différentes traditions et perspectives culturelles et utilise des méthodes issues du cinéma et de la scène. Ses œuvres ont reçu des prix internationaux et sont représentées dans de nombreuses collections de musées. En 2020, sa série "Road of Glory" a été présentée dans le cadre de l'exposition du prix Nobel de la paix. Aïda Muluneh est la fondatrice et la directrice d'Addis Foto Fest, le premier festival international de photographie d'Afrique de l'Est, et d'Africa Foto Fair, en Côte d'Ivoire.

Aïda Muluneh. On the edge of past future présente des œuvres grand format de différentes séries. L'exposition, organisée par Celina Lunsford et Andrea Horvay, est la première exposition individuelle de Muluneh en Allemagne.

Con colori potenti e un linguaggio visivo straordinario, l'artista Aïda Muluneh si concentra sulla distribuzione ineguale dell'accesso a risorse come l'acqua, il cibo e l'istruzione, sull'abuso di potere e di diritti umani e sull'emancipazione delle donne. Muluneh è nata ad Addis Abeba, in Etiopia, nel 1974, è cresciuta nello Yemen, in Inghilterra e in Canada e ha studiato comunicazione con specializzazione in cinema negli Stati Uniti. Per le sue produzioni fotografiche, Muluneh intreccia diverse tradizioni e prospettive culturali e utilizza metodi cinematografici e teatrali. Le sue opere hanno vinto premi internazionali e sono presenti in numerose collezioni museali. Nel 2020, la sua serie "Road of Glory" è stata esposta nella mostra per il Premio Nobel per la Pace. Aïda Muluneh è la fondatrice e direttrice dell'Addis Foto Fest, il primo festival fotografico internazionale dell'Africa orientale, e dell'Africa Foto Fair, in Costa d'Avorio.

Aïda Muluneh. On the edge of past future presenta opere di grande formato tratte da varie serie. La mostra, curata da Celina Lunsford e Andrea Horvay, è la prima personale di Muluneh in Germania.

With vibrant colours and an extraordinary visual language, the artist Aïda Muluneh  focuses on the unequal distribution of existential resources such as water, food and education, the abuse of power and human rights and the empowerment of women. Muluneh was born in Addis Ababa/Ethiopia in 1974, grew up in Yemen, England and Canada and studied communication with a focus on film in the USA. For her photographic compositions, she interweaves different cultural traditions and perspectives and uses methods from film and stage. Muluneh’s works have been awarded internationally and are represented in numerous museum collections. In 2020 her series Road of Glory was exhibited at the Nobel Peace Prize. Muluneh is founder and director of Addis Foto Fest, East Africa’s first international photography festival, and more recently Africa Foto Fair, Ivory Coast.

Aïda Muluneh. On the edge of past future presents large-format works from diverse series. The exhibition, curated by Celina Lunsford and Andrea Horvay, is Muluneh’s first solo show in Germany.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
20. Januar – 16. März 2024

Strata
Laura J. Padgett

Laura J. Padgett legt in ihrer künstlerischen Praxis die historischen Schichtungen frei, deren Oberfläche unsere Gegenwart bildet. Ihre neuen Arbeiten, die über fast zwei Jahre hinweg im Frankfurter Poelzig-Bau entstanden sind, werfen Licht auf die komplexe Geschichte des Bauwerks. Architektur- und Industriehistorie, Verstrickung in den Nationalsozialismus, Nachkriegsgeschichte unter amerikanischer Militärverwaltung und der Bezug durch die J.-W.-Goethe-Universität bilden markante Überlagerungen. Daneben macht Padgett einen weiteren Gedächtnisraum des Gebäudes aus: Die universitären Sammlungen als Materialisierung von Kulturgeschichte und der permanenten Metamorphose unseres Blickes darauf.

"Was ich suche, sind Orte, die mit Geschichte in Verbindung stehen, die gewissermaßen unauffällige Monumente sind, um die Geschichte sichtbar und greifbar zu machen. Denn unsere Vergangenheit gehört für immer uns." (Laura J. Padgett)

Dans sa pratique artistique, Laura J. Padgett met à nu les stratifications historiques dont la surface constitue notre présent. Ses nouveaux travaux, réalisés pendant près de deux ans dans le Poelzig-Bau de Francfort, mettent en lumière l'histoire complexe de ce bâtiment. L'histoire de l'architecture et de l'industrie, l'implication dans le national-socialisme, l'histoire d'après-guerre sous administration militaire américaine et la référence à l'université J.-W. Goethe forment des superpositions marquantes. Par ailleurs, Padgett identifie un autre espace de mémoire du bâtiment : Les collections universitaires comme matérialisation de l'histoire culturelle et de la métamorphose permanente de notre regard sur elle.

"Ce que je cherche, ce sont des lieux liés à l'histoire, qui sont en quelque sorte des monuments discrets pour rendre l'histoire visible et tangible. Car notre passé nous appartient à jamais". (Laura J. Padgett)

Nella sua pratica artistica, Laura J. Padgett scopre gli strati storici la cui superficie forma il nostro presente. Le sue nuove opere, realizzate nell'arco di quasi due anni nell'edificio Poelzig di Francoforte, fanno luce sulla complessa storia dell'edificio. La storia architettonica e industriale, il coinvolgimento nel nazionalsocialismo, la storia del dopoguerra sotto l'amministrazione militare americana e il riferimento all'Università J.-W.-Goethe formano suggestive sovrapposizioni. Padgett individua anche un ulteriore spazio di memoria nell'edificio: Le collezioni universitarie come materializzazione della storia culturale e della metamorfosi permanente della nostra visione di essa.

"Quello che cerco sono luoghi connessi alla storia, che siano, in un certo senso, monumenti non invadenti per rendere la storia visibile e tangibile. Perché il nostro passato ci appartiene per sempre". (Laura J. Padgett)

In her artistic practice, Laura J. Padgett reveals the historical layers beneath the outer crust of the present. Her new work, which she made during the last two years at the Poelzig-Bau in Frankfurt, sheds light on the complex background of the building. Architectural and industrial history, collusion  with National Socialism, post WWII history under the American military administration, and most recently becoming home to the J.W. Goethe University since 2001 manifest themselves in significant overlays. Further, Padgett has identified another area of memory within the building: the university collections are evidence of our cultural history and the ongoing metamorphosis how we perceive it.

“What I look for now are places that resonate with history, that are, in a way, unmarked landmarks, and to make this history visible and palpable. Because our past is ours forever.“ (Laura J. Padgett)

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Opelvillen | Rüsselheim
5. November 2023 - 7. April 2024

Frida Kahlo. Ihre Fotografien

Die Opelvillen präsentieren über 200 Fotografien aus der umfangreichen Bildersammlung von Frida Kahlo (1907- 1954), die ihr als Erinnerung, lnspirationsquelle und Arbeitsmaterial diente. Die mexikanische Künstlerin wurde durch ihre besondere Malerei zwischen Naiver Kunst, Surrealismus und Neuer Sachlichkeit weltbekannt, nicht zuletzt durch ihre autobiografischen Themen und die Verarbeitung ihres bewegten Lebens - ihre Krankheit, ihre Leiden, ihre Ehe mit Diego Rivera. Erst fünfzig Jahre nach Kahlos Tod kam ihr immenses privates Fotoarchiv ans Licht, das noch einmal ganz neue Einblicke vermittelt.

In der Ausstellung »Frida Kahlo. Ihre Fotografien« sind eine Reihe von Bildern ihres fotografischen Nachlasses zu sehen, die bis vor kurzem völlig unbekannt waren. Bei der Sichtung dieses großartigen Archivs wurden von dem Fotohistoriker Pablo Ortiz Monasterio 241 Fotos ausgewählt, um neue Erkenntnisse zum Verständnis einer der ikonischsten Figuren des 20. Jahrhunderts zu teilen.

Dank der Sammlung von Frida Kahlo wird es möglich, die ureigene Geschichte dieser starken Persönlichkeit offenzulegen und ihr Land in der Zeit zu zeigen, in der sie lebte. Die Fülle an fotografischen Bildern wird in sechs Hauptthemen geordnet, in denen ihre Herkunft, ihr Blaues Haus (Casa Azul), Diego Rivera und die Revolution sowie ihr geschundener Körper, ihre Lieben und ihr Faible für Fotografie beleuchtet werden. Zugleich repräsentieren die Exponate auch die Kunst und die spezifischen Perspektiven anderer Fotografinnen und Fotografen aus der Zeit von Frida Kahlo. Bemerkenswerte Aufnahmen von Brassa"i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti oder Man Ray sind ebenso Teil der ausgestellten historischen Bilddokumente.

Wenig bekannt ist, dass Frida Kahlo eine besondere Beziehung zur Fotografie hatte. Sowohl ihr Vater als auch ihr Großvater waren professionelle Fotografen, und sie selbst machte sich die Fotografie auf unterschiedliche Weise zunutze. Sie sammelte unter anderem Daguerreotypien und Postkarten aus dem 19. Jahrhundert und bewahrte Fotografien auf, denen sie ihren persönlichen Stempel aufdrückte, indem sie Dinge aus ihnen ausschnitt, Widmungen auf sie schrieb und sie personalisierte. Sie schenkte sie ihren Freunden, sie waren Erinnerungen an ihre verstorbenen Angehörigen und sie wurden zu einer wichtigen lnspirationsquelle für ihre Gemälde. Darüber hinaus dienten sie ihrer Selbstdarstellung. Frida Kahlo war sich bewusst, dass die Fotografie ein wirkungsvolles Medium war, um das Bild von sich zu vermitteln, das sie anderen zeigen wollte.

Durch ihre Fotos, anonyme private Bilder und Porträts ihres Vaters sowie durch die von ihr gesammelten Aufnahmen renommierter Fotografinnen und Fotografen entsteht ein eindringliches Dokument der Zeit und ein intimer Einblick in das Leben einer der bemerkenswertesten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

Eine Ausstellung der Frida Kahlo und Anahuacalli Museen, Bank of Mexico, Treuhänder im Diego Rivera und Frida Kahlo Museum Trust.

Les Opelvillen présentent plus de 200 photographies issues de la vaste collection d'images de Frida Kahlo (1907- 1954), qui lui a servi de souvenir, de source d'inspiration et de matériel de travail. L'artiste mexicaine est devenue célèbre dans le monde entier grâce à sa peinture particulière, à mi-chemin entre l'art naïf, le surréalisme et la nouvelle objectivité, mais aussi grâce à ses thèmes autobiographiques et au traitement de sa vie mouvementée - sa maladie, ses souffrances, son mariage avec Diego Rivera. Ce n'est que cinquante ans après la mort de Kahlo que ses immenses archives photographiques privées ont été mises au jour, offrant une fois de plus des perspectives inédites.

L'exposition "Frida Kahlo. Ses photographies", on peut voir une série d'images de son héritage photographique qui étaient totalement inconnues jusqu'à récemment. En examinant ces magnifiques archives, l'historien de la photographie Pablo Ortiz Monasterio a sélectionné 241 photos afin de partager de nouvelles connaissances sur la compréhension de l'une des figures les plus iconiques du XXe siècle.

Grâce à la collection de Frida Kahlo, il devient possible de dévoiler l'histoire intrinsèque de cette forte personnalité et de montrer son pays à l'époque où elle vivait. La richesse des images photographiques est organisée en six thèmes principaux qui mettent en lumière ses origines, sa Maison bleue (Casa Azul), Diego Rivera et la révolution, ainsi que son corps meurtri, ses amours et son penchant pour la photographie. En même temps, les pièces exposées représentent également l'art et les perspectives spécifiques d'autres photographes de l'époque de Frida Kahlo. Des photos remarquables de Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti ou Man Ray font également partie des documents photographiques historiques exposés.

On sait peu que Frida Kahlo avait une relation particulière avec la photographie. Son père et son grand-père étaient tous deux des photographes professionnels, et elle a elle-même utilisé la photographie de différentes manières. Elle collectionnait, entre autres, les daguerréotypes et les cartes postales du 19e siècle et conservait des photographies auxquelles elle apportait sa touche personnelle en y découpant des choses, en y écrivant des dédicaces et en les personnalisant. Elle les offrait à ses amis, elles étaient des souvenirs de ses proches décédés et elles devenaient une source d'inspiration importante pour ses peintures. En outre, ils lui servaient à se représenter elle-même. Frida Kahlo était consciente que la photographie était un moyen efficace de transmettre l'image d'elle-même qu'elle voulait montrer aux autres.

À travers ses photos, des images privées anonymes et des portraits de son père, ainsi qu'à travers les clichés qu'elle a collectés auprès de photographes renommés, l'exposition constitue un document saisissant sur l'époque et un aperçu intime de la vie de l'une des artistes les plus remarquables du XXe siècle.

Une exposition des musées Frida Kahlo et Anahuacalli, de la Bank of Mexico, des fiduciaires du Diego Rivera et du Frida Kahlo Museum Trust.

Le Opelvillen presentano oltre 200 fotografie tratte dalla vasta collezione di quadri di Frida Kahlo (1907-1954), che le servirono come memoria, fonte di ispirazione e materiale di lavoro. L'artista messicana divenne famosa in tutto il mondo per la sua particolare pittura a cavallo tra l'arte naïve, il surrealismo e la nuova oggettività, non da ultimo per i temi autobiografici e l'elaborazione della sua vita movimentata - la malattia, la sofferenza, il matrimonio con Diego Rivera. Solo cinquant'anni dopo la morte della Kahlo, il suo immenso archivio fotografico privato è venuto alla luce, fornendo ancora una volta spunti di riflessione completamente nuovi.

Nella mostra "Frida Kahlo. Le sue fotografie", è possibile ammirare una serie di immagini del suo patrimonio fotografico che fino a poco tempo fa erano completamente sconosciute. Setacciando questo magnifico archivio, lo storico della fotografia Pablo Ortiz Monasterio ha selezionato 241 fotografie per condividere nuovi spunti di riflessione su una delle figure più iconiche del XX secolo.

Grazie alla collezione Frida Kahlo, diventa possibile svelare la storia personale di questa forte personalità e mostrare il suo Paese nell'epoca in cui visse. La ricchezza di immagini fotografiche è organizzata in sei temi principali che evidenziano le sue origini, la sua Casa Azul, Diego Rivera e la Rivoluzione, ma anche il suo corpo martoriato, i suoi amori e la sua inclinazione per la fotografia. Allo stesso tempo, le mostre rappresentano anche l'arte e le prospettive specifiche di altri fotografi dell'epoca di Frida Kahlo. Notevoli fotografie di Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti o Man Ray fanno parte dei documenti storici esposti.

È poco noto che Frida Kahlo aveva un rapporto speciale con la fotografia. Sia il padre che il nonno erano fotografi professionisti e lei stessa faceva uso della fotografia in vari modi. Tra l'altro, collezionava dagherrotipi e cartoline del XIX secolo e conservava fotografie a cui dava la sua impronta personale ritagliandole, scrivendoci sopra dediche e personalizzandole. Le regalava agli amici, ricordavano i parenti defunti e diventavano un'importante fonte di ispirazione per i suoi dipinti. Inoltre, servivano alla sua espressione personale. Frida Kahlo era consapevole che la fotografia era un mezzo potente per trasmettere l'immagine di sé che voleva che gli altri vedessero.

Attraverso le sue fotografie, le immagini private anonime e i ritratti del padre, così come le immagini che raccoglieva da fotografi famosi, emerge un documento ossessionante dei tempi e uno sguardo intimo sulla vita di una delle artiste più straordinarie del XX secolo.

Una mostra dei Musei Frida Kahlo e Anahuacalli, della Banca del Messico, dei fiduciari del Diego Rivera and Frida Kahlo Museum Trust.

The Opelvillen present over 200 photographs from the extensive picture collection of Frida Kahlo (1907- 1954), which served her as memory, source of inspiration and working material. The Mexican artist became world-famous for her special painting between Naive Art, Surrealism and New Objectivity, not least for her autobiographical themes and the processing of her eventful life - her illness, her suffering, her marriage to Diego Rivera. It was only fifty years after Kahlo's death that her immense private photographic archive came to light, once again providing completely new insights.

In the exhibition "Frida Kahlo. Her Photographs," a number of images from her photographic estate are on view that were completely unknown until recently. In sifting through this magnificent archive, 241 photographs were selected by photo historian Pablo Ortiz Monasterio to share new insights into understanding one of the most iconic figures of the 20th century.

Thanks to the collection of Frida Kahlo, it becomes possible to reveal the very history of this strong personality and show her country in the time in which she lived. The abundance of photographic images is organized into six main themes that highlight her origins, her Blue House (Casa Azul), Diego Rivera and the Revolution, as well as her battered body, her loves and her penchant for photography. At the same time, the exhibits also represent the art and specific perspectives of other photographers from Frida Kahlo's time. Remarkable photographs by Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti, and Man Ray are also part of the historical visual documents on display.

It is little known that Frida Kahlo had a special relationship with photography. Both her father and grandfather were professional photographers, and she herself made use of photography in various ways. Among other things, she collected 19th-century daguerreotypes and postcards and kept photographs to which she put her personal stamp by cutting things out of them, writing dedications on them, and personalizing them. She gave them to her friends, they were reminders of her deceased loved ones, and they became an important source of inspiration for her paintings. In addition, they served her self-expression. Frida Kahlo was aware that photography was a powerful medium to convey the image of herself that she wanted others to see.

Through her photographs, anonymous private images, and portraits of her father, as well as the images she collected from renowned photographers, a haunting document of the times and an intimate glimpse into the life of one of the 20th century's most remarkable artists emerges.

An exhibition of the Frida Kahlo and Anahuacalli Museums, Bank of Mexico, Trustees in the Diego Rivera and Frida Kahlo Museum Trust.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselsheim)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
4. November – 16. Dezember 2023

Frequencies
Alia Ali

"Bewegung ist Emotion. Alles sendet Energiestrahlen aus, auch Frequenzen genannt. Sie sind der Grundstoff unseres Seins.“ Alia Ali

In ihrer inzwischen vierten Einzelausstellung bei uns zeigt Alia Ali neue Arbeiten, in denen es sehr dynamisch und spannungsreich zugeht. Häufiger sind Ganzkörperporträts zu sehen, die vielfach in Bewegung zu sein scheinen, auch sind die Formate variabler geworden. Erstmals arbeitet Alia Ali auch plastisch — ihre Skulpturen aus Lapis Lazuli re-imaginieren jahrtausendealte Artefakte aus ihrem Heimatland Jemen und sind Teil ihres „Yemeni Futurism“ Projekts.

Alia Ali (Arabisch: عاليه علي) ist eine jemenitisch-bosnisch-US-amerikanische Multimedia-Künstlerin, deren Arbeit kulturelle Gegensätze erforscht, kulturell sanktionierte Unterdrückung hinterfragt und die dualistischen Barrieren konfrontiert, die mit Vorstellungen von Geschlecht, Politik, Medien und Staatsbürgerschaft einhergehen. Sie arbeitet mit Sprache, Fotografie, Video, Textil und Installation und thematisiert die Politisierung des Körpers, die Geschichte der Kolonialisierung, des Imperialismus, des Sexismus und des Rassismus, wobei Muster und Textilien ihr Hauptmotiv bilden.

Alia Ali erweitert derzeit ihre Praxis, indem sie Geschichten aus dem Jemen aufgreift, einschließlich jener der Königin Belquis von Saba (auch als Königin von Saba bekannt). Sie setzt sich mit den Realitäten der dystopischen Gegenwart auseinander, um Räume für radikal imaginierte Möglichkeiten der Zukunft zu schaffen, die sich zu einem jemenitischen Futurismus entwickelt haben.

Alia Ali ist Absolventin des Wellesley College und des California Institute of the Arts. Sie lebt und arbeitet in Marrakesch, Paris und Jaipur und wurde mit dem renommierten ARTSY Vanguard Emerging Artist Award ausgezeichnet. Zudem ist sie NIKON Global Ambassador.

"Le mouvement est une émotion. Tout émet des rayons d'énergie, également appelés fréquences. Elles sont la matière première de notre être". Alia Ali

Pour sa quatrième exposition individuelle chez nous, Alia Ali présente de nouveaux travaux dans lesquels le dynamisme et la tension sont très présents. On y voit plus souvent des portraits de corps entiers, qui semblent souvent en mouvement, et les formats sont également devenus plus variables. Pour la première fois, Alia Ali travaille aussi sur le plan plastique - ses sculptures en lapis-lazuli ré-imaginent des artefacts millénaires de son pays natal, le Yémen, et font partie de son projet "Yemeni Futurism".

Alia Ali (arabe : عاليه علي) est une artiste multimédia yéménite-bosniaque-américaine dont le travail explore les contrastes culturels, remet en question l'oppression culturellement sanctionnée et confronte les barrières dualistes associées aux notions de genre, de politique, de médias et de citoyenneté. Elle travaille avec le langage, la photographie, la vidéo, le textile et l'installation et aborde la politisation du corps, l'histoire de la colonisation, de l'impérialisme, du sexisme et du racisme, les motifs et les textiles constituant son principal motif.

Alia Ali élargit actuellement sa pratique en reprenant des histoires du Yémen, notamment celle de la reine Belquis de Saba (également connue sous le nom de Reine de Saba). Elle s'attaque aux réalités d'un présent dystopique pour créer des espaces de possibilités d'avenir radicalement imaginées, qui ont évolué vers un futurisme yéménite.

Alia Ali est diplômée du Wellesley College et du California Institute of the Arts. Elle vit et travaille à Marrakech, Paris et Jaipur et a reçu le prestigieux ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. Elle est également ambassadrice mondiale de NIKON.

"Il movimento è emozione. Tutto emette raggi di energia, chiamati anche frequenze. Sono la materia prima del nostro essere". Alia Ali

In quella che è la sua quarta mostra personale con noi, Alia Ali presenta nuovi lavori in cui le cose sono molto dinamiche e piene di tensione. I ritratti a corpo intero, che spesso sembrano in movimento, sono presentati con maggiore frequenza; anche i formati sono diventati più variabili. Per la prima volta, Alia Ali lavora anche a livello scultoreo: le sue sculture in lapislazzuli reimmaginano manufatti millenari del suo Paese d'origine, lo Yemen, e fanno parte del suo progetto "Futurismo yemenita".

Alia Ali (arabo: عاليه علي) è un'artista multimediale yemenita-bosniaca-statunitense il cui lavoro esplora le opposizioni culturali, mette in discussione l'oppressione culturalmente sancita e affronta le barriere dualistiche associate alle nozioni di genere, politica, media e cittadinanza. Lavorando con il linguaggio, la fotografia, il video, i tessuti e l'installazione, l'artista affronta la politicizzazione del corpo, le storie di colonizzazione, l'imperialismo, il sessismo e il razzismo, con modelli e tessuti come motivo principale.

Attualmente Alia Ali sta ampliando la sua pratica riprendendo le storie dello Yemen, tra cui quella della regina Belquis di Saba (nota anche come Regina di Saba). L'artista si confronta con la realtà di un presente distopico per creare spazi per possibilità di futuro radicalmente immaginate, che si sono evolute in un futurismo yemenita.

Alia Ali si è laureata al Wellesley College e al California Institute of the Arts. Vive e lavora a Marrakech, Parigi e Jaipur e ha ricevuto il prestigioso ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. È anche ambasciatrice globale di NIKON.

“Motion is emotion. Everything gives off waves of energy, otherwise called frequencies. They are the very fiber of our being.“ Alia Ali

In her fourth solo exhibition with us, Alia Ali presents vibrant and energetic new work. Full-body portraits are seen more frequently, often appearing to be in motion, and her formats have become more variable. For the first time, Alia Ali also ventures into sculpture — her hand-carved works made of Lapis Lazuli re-imagine millennia-old artifacts from her home country Yemen and are part of her "Yemeni Futurism" project.

Alia Ali (Arabic: عاليه علي) is a Yemeni-Bosnian-US multi-media artist whose work explores cultural binaries, challenges culturally sanctioned oppression, and confronts the dualistic barriers of conflicted notions of gender, politics, media, and citizenship. Working between language, photography, video, textile, and installation, Ali’s work addresses the politicization of the body, histories of colonization, imperialism, sexism, and racism through projects that take pattern and textile as their primary motif.

Ali is currently expanding her practice by drawing on stories from Yemen including the nostalgic past of Queen Belquis of Saba (also known as the Queen of Sheba). By investigating histories of the distant past, she addresses the realities of the dystopian present in order to carve out spaces for radically imagined possibilities for the future in what has evolved to be Yemeni Futurism.

Ali is a graduate of Wellesley College and the California Institute of the Arts. She lives and works in and between New Orleans, Paris and Jaipur and is the recipient of the prestigious ARTSY Vanguard Emerging Artist Award and is a NIKON Global Ambassador.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Fotografie Forum Frankfurt
7. Oktober 2023 – 7. Januar 2024

Paradise Performance Replica. Slovenian Photographic Art
Vanja Bućan, Jošt Dolinšek, Bojan Radovič

Mit der Ausstellung PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) drei Positionen zeitgenössischer Fotografie aus Slowenien. In den Arbeiten von Vanja Bućan, Jošt Dolinšek und Bojan Radovič geht es um die Inszenierung sozialer Rollen, den Blick des Individuums auf seine Umgebung und um das Spiel mit dem Phänomen der Wiederholung. Zugleich loten alle drei Künstler*innen auf jeweils eigene Weise die Grenzen von Fotografie experimentell und erfrischend aus.

Mit surreal inszenierten Bildkompositionen hinterfragt Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) gesellschaftspolitische Themen. In ihrer Serie Birds of Paradise – entstanden von 2021 bis 2023 im pandemiebedingten Rückzug ins Häusliche – thematisiert die Fotokünstlerin tradierte weibliche Rollen in der Abgeschiedenheit des Privaten. Die Frau primär zuständig für Kinderbetreuung und Haushalt oder reduziert auf dienstbereite Hände – solche Frauen-Bilder entstehen, indem Bućan ihre Fotografien zerlegt und dann zu humorvoll-hintergründigen Fotocollagen zusammenfügt, als Spiegel von Erlebtem und Einladung zum Nachdenken.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) untersucht in seinen Werken die visuelle Wahrnehmung und Wirkung von Umgebung, insbesondere von Landschaft und Natur. Dabei beschäftigen den jungen Künstler weniger Umweltkrisen und deren Gründe, sondern grundsätzlicher die existenzielle und individuelle Haltung zu Zeit und Raum. Im Zentrum seiner Arbeit steht immer wieder der Umgang mit Ungewissheit, Verlust und Veränderung. Dolinšek experimentiert mit Medien, Materialien und Formen und kombiniert Fotografie mit Bewegtbild, Ton und Skulptur.

Seit den 1980er Jahren beschäftigt sich Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) in seinen Werken mit dem Prinzip von Wiederholung, Kopie und Nachbildung. Der faszinierenden Bedeutungs- und Variationsvielfalt der „Replik“ geht der Fotokünstler mit sichtlichem Vergnügen nach, auf inhaltlicher und verfahrenstechnischer Ebene sowie mittels diverser Verweise in Fotografie- und Kunstgeschichte. Neben seiner künstlerischen Arbeit nimmt Radovič auch als Ausstellungs-macher, Verleger und Gründer der Foto-Institutionen Fotogalerie Novo mesto und House of Photography eine wichtige Rolle in der Fotoszene Sloweniens ein.

Zu sehen sind insgesamt rund 60 Arbeiten, darunter Fotografien, Installationen und Multimedia-Projekte. PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART wurde kuratiert von Celina Lunsford und Co-Kuratorin Andrea Horvay. Die Ausstellung ist Beitrag des FFF zum Ehrengastprogramm Sloweniens bei der Frankfurter Buchmesse 2023.

Avec l'exposition PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente trois positions de la photographie contemporaine de Slovénie. Dans les travaux de Vanja Bućan, Jošt Dolinšek et Bojan Radovič, il est question de la mise en scène des rôles sociaux, du regard de l'individu sur son environnement et du jeu avec le phénomène de la répétition. Parallèlement, les trois artistes* explorent chacun à leur manière les limites de la photographie de manière expérimentale et rafraîchissante.

Avec des compositions d'images mises en scène de manière surréaliste, Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) s'interroge sur des thèmes sociopolitiques. Dans sa série Birds of Paradise - créée entre 2021 et 2023 dans le cadre d'un repli sur soi domestique dû à la pandémie - l'artiste photographe aborde les rôles féminins traditionnels dans l'isolement de la sphère privée. La femme principalement responsable de la garde des enfants et du ménage ou réduite à des mains prêtes à servir - de tels visuels de femmes naissent du fait que Bućan décompose ses photographies et les assemble ensuite en collages photographiques pleins d'humour et de subtilité, comme un miroir du vécu et une invitation à la réflexion.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) étudie dans ses œuvres la perception visuelle et l'effet de l'environnement, en particulier du paysage et de la nature. Le jeune artiste s'intéresse moins aux crises environnementales et à leurs causes qu'à l'attitude existentielle et individuelle face au temps et à l'espace. Le rapport à l'incertitude, à la perte et au changement est toujours au cœur de son travail. Dolinšek expérimente avec les médias, les matériaux et les formes et combine la photographie avec l'image en mouvement, le son et la sculpture.

Depuis les années 1980, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) s'intéresse dans ses œuvres au principe de la répétition, de la copie et de la réplique. C'est avec un plaisir évident que l'artiste photographe explore la fascinante diversité de significations et de variations de la "réplique", au niveau du contenu et du procédé, ainsi qu'au moyen de diverses références à l'histoire de la photographie et de l'art. Outre son travail artistique, Radovič joue également un rôle important sur la scène photographique slovène en tant que créateur d'expositions, éditeur et fondateur des institutions photographiques Fotogalerie Novo mesto et House of Photography.

On peut y voir au total une soixantaine de travaux, dont des photographies, des installations et des projets multimédias. PARADISE, PERFORMANCE, RÉPLIQUE. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART a été organisée par Celina Lunsford et la co-commissaire Andrea Horvay. L'exposition est la contribution du FFF au programme d'invité d'honneur de la Slovénie à la Foire du livre de Francfort 2023.

Con la mostra PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta tre posizioni della fotografia contemporanea slovena. Le opere di Vanja Bućan, Jošt Dolinšek e Bojan Radovič trattano la messa in scena di ruoli sociali, la visione individuale dell'ambiente circostante e il gioco con il fenomeno della ripetizione. Allo stesso tempo, tutti e tre gli artisti esplorano i confini della fotografia in modo sperimentale e innovativo.

Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) mette in discussione temi socio-politici con composizioni di immagini surreali. Nella serie Birds of Paradise - realizzata tra il 2021 e il 2023 durante il ritiro in casa indotto dalla pandemia - la fotoartista affronta i tradizionali ruoli femminili nell'isolamento della sfera privata. La donna principalmente responsabile della cura dei figli e delle faccende domestiche o ridotta a un'attività di servizio: queste immagini di donne emergono quando Bućan seziona le sue fotografie e le assembla in collage fotografici ironici ed enigmatici come specchio dell'esperienza e invito alla riflessione.

Jošt Dolinšek (*1997, Lubiana) esplora nelle sue opere la percezione visiva e l'effetto dell'ambiente, in particolare del paesaggio e della natura. Il giovane artista non è tanto interessato alle crisi ambientali e alle loro cause, quanto piuttosto agli atteggiamenti esistenziali e individuali nei confronti del tempo e dello spazio. Il suo lavoro è sempre incentrato sul tema dell'incertezza, della perdita e del cambiamento. Dolinšek sperimenta con i media, i materiali e le forme e combina la fotografia con le immagini in movimento, il suono e la scultura.

Dagli anni Ottanta, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) si occupa del principio della ripetizione, della copia e dell'imitazione nelle sue opere. L'affascinante varietà di significati e variazioni della "replica" viene esplorata dal fotoartista con evidente piacere, a livello di contenuto e di processo, nonché attraverso vari riferimenti alla fotografia e alla storia dell'arte. Oltre al suo lavoro artistico, Radovič svolge un ruolo importante nella scena fotografica slovena come organizzatore di mostre, editore e fondatore delle istituzioni fotografiche Fotogalerie Novo mesto e House of Photography.

In totale sono esposte circa 60 opere, tra cui fotografie, installazioni e progetti multimediali. PARADISO, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART è stata curata da Celina Lunsford e dalla co-curatrice Andrea Horvay. La mostra è il contributo del FFF al programma "Ospite d'onore" della Slovenia alla Fiera del Libro di Francoforte 2023.

With the exhibition PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents three positions of contemporary photography from Slovenia. The works of Vanja Bućan, Jošt Dolinšek and Bojan Radovič are about the staging of social roles, the view of the individual on his environment and the play with the phenomenon of repetition. At the same time, all three artists explore the boundaries of photography in their own experimental and refreshing ways.

With surreally staged image compositions, Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) questions socio-political themes. In her series Birds of Paradise - created from 2021 to 2023 during the pandemic-related retreat into the domestic - the photo artist addresses traditional female roles in the seclusion of the private sphere. The woman primarily responsible for childcare and household chores or reduced to hands on duty - such visuals of women emerge as Bućan dissects her photographs and then assembles them into humorously enigmatic photo collages, as a mirror of experience and an invitation to reflection.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) investigates in his works the visual perception and effect of surroundings, especially of landscape and nature. The young artist is less concerned with environmental crises and their causes, but more fundamentally with existential and individual attitudes to time and space. The focus of his work is always on dealing with uncertainty, loss and change. Dolinšek experiments with media, materials and forms, combining photography with moving image, sound and sculpture.

Since the 1980s, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) has been dealing with the principle of repetition, copying and replication in his works. The fascinating variety of meanings and variations of the "replica" is explored by the photo artist with obvious pleasure, on the level of content and process, as well as by means of various references in photography and art history. In addition to his artistic work, Radovič also plays an important role in Slovenia's photo scene as an exhibition maker, publisher and founder of the photo institutions Fotogalerie Novo mesto and House of Photography.

On display are a total of around 60 works, including photographs, installations and multimedia projects. PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART was curated by Celina Lunsford and co-curator Andrea Horvay. The exhibition is FFF's contribution to Slovenia's Guest of Honor program at the Frankfurt Book Fair 2023.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
9. September - 21. Oktober 2023

Im Hintergrund Wald
Frank Mädler

Von früher Kindheit an ist der Wald für Frank Mädler ein Sehnsuchtsort, der das Heimischsein mit dem Unheimlichen verbindet, ein Ort, an dem man sich verlieren kann. Doch mit welchen formalen Möglichkeiten lässt sich Wald, zumal in Zeiten, in denen er unmittelbar von Zerstörung bedroht ist, künstlerisch darstellen?

Frank Mädler arbeitet mit fotografischen Mitteln wie Schärfe und Unschärfe, greift aber auch, etwa mit Hilfe von Übermalungen, Ergänzungen und Kratzen, ins fotografische Material ein. Seine keramischen Skulpturen unter dem Titel „Doppeltierhälften“ erweitern die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Wald in den Ausstellungsraum hinein. Frank Mädler wurde 1963 in Torgelow geboren. Er studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, der Universidad Complutense de Madrid und der Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, und war Meisterschüler bei Astrid Klein. Seit 2000 arbeitet er als freischaffender Künstler in Leipzig. Frank Mädler wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so u.a. 2004 mit dem Stipendium der Villa Massimo, Rom, 2007 mit dem Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaats Sachsen und 2017 mit der Künstlerresidenz Al Lado in Lima, Peru. Frank Mädlers Arbeiten befinden sich in zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen wie der American Bank Collection, der Fondation Antoine de Galbert Paris, der Art Gallery of Ontario, Kanada, dem Kupferstichkabinett Dresden, der DZ BANK Kunstsammlung, der Sammlung Deutsche Telekom sowie den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler hat mehrere Monographien und Bücher veröffentlicht, verschiedene Kuratoren und Kritikerinnen haben über seine Arbeit geschrieben, darunter Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel und Insa Wilke.

Depuis sa plus tendre enfance, la forêt est pour Frank Mädler un lieu de nostalgie, qui associe le sentiment d'être chez soi à l'étrange, un lieu où l'on peut se perdre. Mais avec quelles possibilités formelles la forêt peut-elle être représentée artistiquement, surtout à une époque où elle est directement menacée de destruction ?

Frank Mädler travaille avec des moyens photographiques tels que la netteté et le flou, mais il intervient également dans le matériau photographique, par exemple à l'aide de repeints, d'ajouts et de grattages. Ses sculptures en céramique, intitulées "Doppeltierhälfte" (moitiés d'animaux doubles), étendent la réflexion artistique sur la forêt à l'espace d'exposition. Frank Mädler est né en 1963 à Torgelow. Il a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig, à l'Universidad Complutense de Madrid et à l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, et a été élève maître d'Astrid Klein. Depuis 2000, il travaille en tant qu'artiste indépendant à Leipzig. Frank Mädler a reçu de nombreux prix, notamment une bourse de la Villa Massimo à Rome en 2004, une bourse de travail de la Fondation culturelle de l'État libre de Saxe en 2007 et une résidence d'artiste Al Lado à Lima, au Pérou, en 2017. Les œuvres de Frank Mädler se trouvent dans de nombreuses collections publiques et privées internationales telles que l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert Paris, l'Art Gallery of Ontario, Canada, le Kupferstichkabinett Dresden, la DZ BANK Kunstsammlung, la collection Deutsche Telekom ainsi que les Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler a publié plusieurs monographies et livres, plusieurs conservateurs et critiques ont écrit sur son travail, notamment Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel et Insa Wilke.

Fin dalla prima infanzia, la foresta è stata un luogo di desiderio per Frank Mädler, un luogo che combina l'essere a casa con il perturbante, un luogo in cui ci si può perdere. Ma quali sono le possibilità formali per rappresentare artisticamente la foresta, soprattutto in tempi in cui è direttamente minacciata dalla distruzione?

Frank Mädler lavora con mezzi fotografici come la nitidezza e la sfocatura, ma interviene anche sul materiale fotografico, ad esempio con l'aiuto di sovrapitture, aggiunte e graffi. Le sue sculture in ceramica dal titolo "Doppelierhälften" (doppie metà di animali) estendono l'esame artistico della foresta allo spazio espositivo. Frank Mädler è nato a Torgelow nel 1963. Ha studiato fotografia presso l'Accademia di Arti Visive di Lipsia, l'Universidad Complutense de Madrid e l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, ed è stato allievo di Astrid Klein. Dal 2000 lavora come artista libero professionista a Lipsia. Frank Mädler è stato insignito di numerosi premi, tra cui una borsa di studio di Villa Massimo, a Roma, nel 2004, una borsa di lavoro della Fondazione Culturale dello Stato Libero di Sassonia nel 2007 e la residenza d'artista Al Lado a Lima, in Perù, nel 2017. Le opere di Frank Mädler sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private internazionali come l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert di Parigi, l'Art Gallery of Ontario, Canada, il Kupferstichkabinett di Dresda, la DZ BANK Kunstsammlung, la Sammlung Deutsche Telekom e la Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler ha pubblicato diverse monografie e libri e vari curatori e critici hanno scritto sul suo lavoro, tra cui Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel e Insa Wilke.

Since early childhood, the forest has been a place of longing for Frank Mädler, connecting the familiar with the uncanny, a place where one can get lost. However, how can the forest be artistically represented, especially in times when it is directly threatened by destruction, using formal means?

Frank Mädler employs photographic techniques such as focus and blur, but also intervenes in the photographic material through methods like overlays, additions, and scratches. His ceramic sculptures titled "Doppeltierhälften" expand the artistic exploration of the forest into the exhibition space.

Frank Mädler (1963, Torgelow, Germany) studied photography at the Academy of Visual Arts Leipzig, the Universidad Complutense de Madrid, and the Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca. He was a master student under Astrid Klein. Since 2000, he has worked as a freelance artist in Leipzig. Frank Mädler has been honored with numerous awards, including the Villa Massimo Fellowship in Rome in 2004, the Working Grant from the Cultural Foundation of the Free State of Saxony in 2007, and the artist residency Al Lado in Lima, Peru, in 2017. His works can be found in various international public and private collections, such as the American Bank Collection, Fondation Antoine de Galbert Paris, Art Gallery of Ontario, Canada, Kupferstichkabinett Dresden, DZ BANK Art Collection, and the State Art Collections Dresden. Frank Mädler has published several monographs and books, and his work has been discussed by various curators and critics, including Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel, and Insa Wilke.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
15. Juli - 26. August 2023

Übers Meer
Peter Bialobrzeski

Peter Bialobrzeskis Fotografien der Meeresküste lassen uns etwas Unmittelbares erleben, die Präsenz von etwas Erhabenem — die Erinnerung an eine Idealvorstellung von Landschaft. Seine Bilder auch zu lesen als eine poetische Meditation über Veränderung und über das Verschwinden — wie einst das Versinken des sagenhaften Rungholts, des Atlantis des Nordens. Zugleich befassen sie sich mit dem Verhältnis von Mensch zu Natur sowie, formal, von Figur zu Meer und Horizont.

Peter Bialobrzeski, geb. 1961, ist einer der prägenden deutschen Fotografen der letzten Jahrzehnte. Er gewann unter anderem zweimal den World Press Photo Award und wurde 2012 mit dem Erich Salomon Preis ausgezeichnet. In den letzten 17 Jahren veröffentlichte er 21 Bücher. Seine Arbeiten wurden in Europa, USA, Asien, Afrika und Australien ausgestellt und befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, so u.a. im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, der Sammlung FC Gundlach Hamburg, dem Ruhrmuseum Essen, Fotoforum Köln, Museo di Fotografia Contemporanea Mailand, der DZ Bank Frankfurt am Main, der Hessischen Landesbank Frankfurt am Main, der Quandt Holding Frankfurt am Main, der ING Bank Niederlande, der Deutsche Börse Photography Foundation Frankfurt am Main, dem Museo Vaticano Rom und der Uni Credit Art Collection München. Peter Bialobrzeski war bis 2021 Professor für Fotografie an der Hochschule der Künste Bremen.

Les photographies du bord de mer de Peter Bialobrzeski nous font vivre quelque chose d'immédiat, la présence de quelque chose de sublime - le souvenir d'une représentation idéale du paysage. Ses visuels peuvent également être lus comme une méditation poétique sur le changement et la disparition - comme autrefois l'engloutissement du fabuleux Rungholt, l'Atlantide du Nord. En même temps, elles traitent de la relation de l'homme à la nature et, formellement, de la figure à la mer et à l'horizon.

Peter Bialobrzeski, né en 1961, est l'un des photographes allemands les plus marquants de ces dernières décennies. Il a notamment remporté deux fois le World Press Photo Award et a été récompensé par le prix Erich Salomon en 2012. Au cours des 17 dernières années, il a publié 21 livres. Son travail a été exposé en Europe, aux États-Unis, en Asie, en Afrique et en Australie et se trouve dans de nombreuses collections privées et publiques, notamment au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg, à la collection FC Gundlach de Hambourg, au Ruhrmuseum de Essen, au Fotoforum de Cologne, au Museo di Fotografia Contemporanea de Milan, à la DZ Bank de Francfort-sur-le-Main, à la Hessische Landesbank de Francfort-sur-le-Main, à la Quandt Holding de Francfort-sur-le-Main, à la ING Bank des Pays-Bas, à la Deutsche Börse Photography Foundation de Francfort-sur-le-Main, au Museo Vaticano de Rome et à l'Uni Credit Art Collection de Munich. Peter Bialobrzeski a été professeur de photographie à la Hochschule der Künste de Brême jusqu'en 2021.

Le fotografie di Peter Bialobrzeski in riva al mare ci fanno sperimentare qualcosa di immediato, la presenza di qualcosa di sublime - la memoria di un paesaggio ideale. Le sue immagini possono essere lette anche come una meditazione poetica sul cambiamento e sulla scomparsa, come l'affondamento della leggendaria Rungholt, l'Atlantide del Nord. Allo stesso tempo, affrontano il rapporto dell'uomo con la natura e, formalmente, della figura con il mare e l'orizzonte.

Peter Bialobrzeski, nato nel 1961, è uno dei fotografi tedeschi più importanti degli ultimi decenni. Ha vinto due volte il World Press Photo Award e nel 2012 ha ricevuto il Premio Erich Salomon. Negli ultimi 17 anni ha pubblicato 21 libri. Le sue opere sono state esposte in Europa, Stati Uniti, Asia, Africa e Australia e sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private, tra cui il Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, la FC Gundlach Collection di Amburgo, il Ruhrmuseum di Essen, il Fotoforum di Colonia, il Museo di Fotografia Contemporanea di Milano, la DZ Bank di Francoforte sul Meno, la Hessische Landesbank di Francoforte sul Meno, la Quandt Holding di Francoforte sul Meno, la ING Bank Netherlands, la Deutsche Börse Photography Foundation di Francoforte sul Meno, il Museo Vaticano di Roma e la Uni Credit Art Collection di Monaco. Peter Bialobrzeski è stato professore di fotografia alla Hochschule der Künste Bremen fino al 2021.

Peter Bialobrzeski's photographs of the seashore allow us to experience something immediate, the presence of something sublime - the memory of an idealized notion of landscape. His images can also be read as a poetic meditation on change and disappearance — like the sinking of the legendary Rungholt, the Atlantis of the North. At the same time, they explore the relationship between humans and nature as well as formally, the interplay between figure, sea, and horizon.

Peter Bialobrzeski (b. 1961) studied politics and sociology before he became a photographer for a local paper in his native Wolfsburg/Germany. He travelled extensively in Asia before he went back to study photography at the Folkwangschule in Essen and the LCP in London. In the last seventeen years he has published twenty-one books. His work has been exhibited in Europe, USA, Asia, Africa and Australia and is held in various major public and private collections, including Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Sammlung FC Gundlach Hamburg, Ruhrmuseum Essen, Fotoforum Cologne, Museo di Fotografia Contemporanea Milano, DZ Bank Frankfurt am Main, Hessische Landesbank Frankfurt am Main, Quandt Holding Frankfurt am Main, ING Bank, Netherlands, Deutsche Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, Museo Vaticano, Rome, and the Uni Credit Art Collection in Munich. Until 2021 Peter Bialobrzeski taught photography at the University of the Arts in Bremen/Germany. He has received various awards, including the World Press Photo Award 2003 and 2010 and the Erich Salomon Award of the German Photographic Society 2012.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
8. Juli - 2. September 2023

POOL
Kyungwoo Chun, Serena Ferrario, Andy Fitz, Katharina Hinsberg, Myriam Holme, Levin Oehler, Ralf Peters, Giacomo Santiago Rogado, Theresa Weber

Kunst hat kein Haltbarkeitsdatum
In der Regel werden Kunstwerke für Ausstellungen in Galerien neu produziert. Einmal geschaffen, existieren sie für die Ewigkeit, beispielsweise in den Schränken von Museumsdepots oder in den Wohnzimmern von privat Sammelnden. Die Kunstwerke verändern sich, sie tragen die Spuren ihrer Geschichten in sich. Ebenso verändern sie auch ihre Umwelt und hinterlassen selbst Spuren. Die konstante Produktion von neuen künstlerischen Arbeiten für täglich rund um den Globus eröffnende Ausstellungen unter der Verwendung enormer Ressourcen ist alles andere als nachhaltig und kann unmöglich endlos fortgeführt werden.

Künstlerische Arbeit ist Transformation
Jede Form von künstlerischer Arbeit bedeutet die (Um-)Nutzung von Dingen und alle Arbeit verbraucht zwangsläufig materielle oder menschliche Ressourcen. Arbeit und menschliches Leben sind ohne Verbrauch nicht möglich. Doch es ist möglich, diesen Verbrauch zu reduzieren. Dazu muss das Neue in eine engere Beziehung mit dem Alten gebracht werden.

Neue Kontexte mit Altem schaffen
Das Thema Nachhaltigkeit beschäftigt zwar die Kunstwelt, in der Praxis ändert sich allerdings wenig. Für die Gruppenausstellung POOL werden Kunstwerke aus dem Galeriebestand von Bernhard Knaus Fine Art mit jungen internationalen Positionen zusammengebracht. Vier Künstler*innen zeigen ihre Arbeiten im Kontext von ausgewählten Werken von fünf etablierten Positionen aus dem Galerieprogramm. Es geht um den Raum zwischen An- und Abwesenheit, Altem und Neuem, zwischen gestern und morgen, um einen Deep Dive in Themen, die uns alle seit Langem und genau in diesem Moment beschäftigen.

L'art n'a pas de date de péremption
En règle générale, les œuvres d'art sont produites pour être exposées dans des galeries. Une fois créées, elles existent pour l'éternité, par exemple dans les armoires des dépôts de musées ou dans les salons des collectionneurs privés. Les œuvres d'art changent, elles portent en elles les traces de leurs histoires. De même, elles modifient leur environnement et laissent elles-mêmes des traces. La production constante de nouveaux travaux artistiques pour des expositions qui s'ouvrent chaque jour dans le monde entier, en utilisant d'énormes ressources, est tout sauf durable et ne peut pas être poursuivie indéfiniment.

Le travail artistique est une transformation
Toute forme de travail artistique implique la (ré)utilisation de choses et tout travail consomme inévitablement des ressources matérielles ou humaines. Le travail et la vie humaine ne sont pas possibles sans consommation. Il est toutefois possible de réduire cette consommation. Pour ce faire, le nouveau doit être mis en relation plus étroite avec l'ancien.

Créer de nouveaux contextes avec l'ancien
Le thème de la durabilité préoccupe certes le monde de l'art, mais dans la pratique, peu de choses changent. Pour l'exposition de groupe POOL, des œuvres d'art du fonds de la galerie Bernhard Knaus Fine Art sont réunies avec de jeunes positions internationales. Quatre artistes* présentent leurs travaux dans le contexte d'œuvres sélectionnées parmi cinq positions établies du programme de la galerie. Il s'agit de l'espace entre la présence et l'absence, l'ancien et le nouveau, entre hier et demain, d'une plongée en profondeur dans des thèmes qui nous préoccupent tous depuis longtemps et précisément en ce moment.

L'arte non ha una data di scadenza
Di norma, le opere d'arte vengono prodotte di recente per le mostre nelle gallerie. Una volta create, esistono per l'eternità, ad esempio negli armadi dei depositi dei musei o nei salotti dei collezionisti privati. Le opere d'arte cambiano, portano con sé le tracce delle loro storie. Allo stesso modo, cambiano anche il loro ambiente e lasciano tracce loro stesse. La costante produzione di nuove opere d'arte per le mostre che si aprono ogni giorno in tutto il mondo, utilizzando enormi risorse, è tutt'altro che sostenibile e non può continuare all'infinito.

Il lavoro artistico è trasformazione
Ogni forma di lavoro artistico implica il (ri)uso di cose e ogni lavoro consuma inevitabilmente risorse materiali o umane. Il lavoro e la vita umana non sono possibili senza consumo. Ma è possibile ridurre questo consumo. Per farlo, è necessario avvicinare il nuovo al vecchio.

Creare nuovi contesti con il vecchio
Il tema della sostenibilità preoccupa il mondo dell'arte, ma nella pratica cambia poco. Per la mostra collettiva POOL, le opere della collezione della galleria Bernhard Knaus Fine Art sono riunite con giovani posizioni internazionali. Quattro artisti esporranno le loro opere nel contesto di lavori selezionati da cinque posizioni affermate del programma della galleria. Si tratta dello spazio tra presenza e assenza, vecchio e nuovo, tra ieri e domani, di un'immersione profonda in temi che ci occupano da tempo e in questo momento.

Art has no shelf life
As a rule, works of art are newly produced for exhibitions in galleries. Once created, they exist for eternity, for example in the cabinets of museum depots or in the living rooms of private collectors. The artworks change, they carry the traces of their stories within them. Likewise, they also change their environment and leave traces themselves. The constant production of new artistic works for exhibitions opening daily around the globe, using enormous resources, is anything but sustainable and cannot possibly continue indefinitely.

Artistic work is transformation
Any form of artistic work involves the (re)use of things, and all work inevitably consumes material or human resources. Work and human life are not possible without consumption. But it is possible to reduce this consumption. To do so, the new must be brought into closer relationship with the old.

Creating new contexts with the old
While the issue of sustainability is preoccupying the art world, little is changing in practice. For the group exhibition POOL, artworks from Bernhard Knaus Fine Art's gallery holdings are brought together with young international positions. Four artists show their works in the context of selected works by five established positions from the gallery program. It is about the space between presence and absence, old and new, between yesterday and tomorrow, about a deep dive into topics that have occupied us all for a long time and at this very moment.

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
25. Juni - 1. Oktober 2023

»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden

Die Ausstellung in den Opelvillen öffnet den Blick in die popkulturelle Stargeschichte der 1960er- bis 2000er-Jahre. Anhand von Sammelobjekten und ausgewählten »BRAVO«-Starschnitten werden Rockstar-Legenden und längst vergessene Sternchen aus Film, Fernsehen und Musik wieder wach. Erinnert wird, wie eine Zeitschrift, die über 25 Jahre eine Auflage von mehr als einer Millionen Exemplaren hatte, Jugendkultur in westdeutschen Zimmern abbildete. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg oder James Dean – alle klebten lebensgroß an Wänden von Heranwachsenden.

Für die kuratorische Unterstützung bedanken wir uns bei der Leihgeberin, der Sparkassenstiftung Lüneburg, die im Frühjahr 2017 erstmals in einer Ausstellung unter dem Titel »Der Bravo-Starschnitt« über 100 Starschnitte in der Kunsthalle Lüneburg in der KulturBäckerei zeigte.

L'exposition dans les Opelvillen ouvre les yeux sur l'histoire des stars de la culture pop des années 1960 à 2000. Des objets de collection et une sélection de coupures de stars de "BRAVO" font revivre des légendes de rock stars et des starlettes du cinéma, de la télévision et de la musique oubliées depuis longtemps. On se souvient de la manière dont un magazine, tiré à plus d'un million d'exemplaires pendant 25 ans, représentait la culture des jeunes dans les chambres d'Allemagne de l'Ouest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg ou James Dean - tous étaient collés grandeur nature sur les murs des adolescents.

Nous remercions le prêteur, la Sparkassenstiftung Lüneburg, pour son soutien en tant que conservateur. Au printemps 2017, elle a présenté pour la première fois plus de 100 coupures de stars dans une exposition intitulée "Der Bravo-Starschnitt" à la Kunsthalle Lüneburg dans la KulturBäckerei.

La mostra allestita nell'Opelvillen apre lo sguardo sulla storia delle star della cultura pop dagli anni '60 al 2000. Con l'aiuto di oggetti da collezione e di ritagli selezionati di "BRAVO", vengono riportate in vita le leggende delle rockstar e le star del cinema, della televisione e della musica ormai dimenticate. La mostra ricorda come una rivista che ha avuto una tiratura di oltre un milione di copie in 25 anni ha rappresentato la cultura giovanile nelle camere da letto della Germania Ovest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg o James Dean: tutti erano attaccati a grandezza naturale sulle pareti degli adolescenti.

Ringraziamo il finanziatore, la Sparkassenstiftung Lüneburg, per il suo sostegno curatoriale. Nella primavera del 2017, la Sparkassenstiftung Lüneburg ha esposto per la prima volta oltre 100 ritagli di stelle in una mostra intitolata "Der Bravo-Starschnitt" (Il taglio delle stelle Bravo) alla Kunsthalle Lüneburg nella KulturBäckerei.

The exhibition in the Opelvillen opens the view into the pop cultural star history of the 1960s to 2000s. Collectibles and selected "BRAVO" star clippings bring rock star legends and long-forgotten starlets from film, television and music back to life. The exhibition recalls how a magazine that had a circulation of more than one million copies over 25 years depicted youth culture in West German bedrooms. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg or James Dean - all of them were stuck life-size on the walls of adolescents.

We would like to thank the lender, the Sparkassenstiftung Lüneburg, for its curatorial support. In spring 2017, the Sparkassenstiftung Lüneburg showed more than 100 star cut-outs for the first time in an exhibition entitled "Der Bravo-Starschnitt" at the Kunsthalle Lüneburg in the KulturBäckerei.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselheim)

Ernst Leitz Museum | Wetzlar
26. Mai - 27. September 2023

Zeitsprünge
Rankin

Ebenso elegant wie provokativ, so dynamisch wie cool, so kreativ wie stilbildend: das Werk des britischen Starfotografen Rankin hat viele Facetten und längst zählt er zu den gefragtesten und einflussreichen Fotografen unserer Zeit. Die Ausstellung „Rankin Zeitsprünge“ die vom 26. Mai bis zum 27. September 2023 im Ernst Leitz Museum präsentiert wird, gibt spannende und überraschende Einblicke in sein grandioses Werk. Hier werden einige seiner besten Aufnahmen aus über dreißig Jahren vorgestellt. So finden sich in der Ausstellung viele ikonische Porträts und Celebrity Shots, die längs t Zeitgeschichte geschrieben haben, krachbunte Beauty und klassische Modeaufnahmen, ebenso wie Beispiele aus seinen tiefgründigen konzeptionellen Serien. Unter dem Titel „ verbinden sich die Motive aus den 1990er bis 2000er Jahren dialogisch mit brandneuen und noch nie veröffentlichten Aufnahmen aus 2023.

Vor seiner Kamera waren bereits die berühmtesten Größen aus Politik und Showgeschäft: Elizabeth II., Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie die Reihe lässt sic h beliebig fortsetzen. Dass Rankin weit mehr als ein Fashion- und Lifestylefotograf ist, hat er eindrücklich mit seiner Leidenschaft für Magazine belegt. Zu Beginn der 1990er Jahre gründete er zusammen mit Jefferson Hack das damals provokanteste Zeitgeist Magazin Dazed Confused, eine Mischung verschiedener Genres wie Mode, Grafik, Design und Fotografie. Seine Editorials für zahlreiche internationale Magazine ließen ihn zu einem viel beschäftigten Fotografen und Gestalter werden. Darüber hinaus ist er auch längst in der Filmwelt zu Hause. Neben langen TV Filmen entstanden über die Jahre zahllose Musikvideos und auch hier liest sich die Künstlerliste wie ein Who’s Who der Musikszene.

Als Fotograf, Filmemacher, Publizist und Gestalter hat Rankin ohne Zweifel ganze Generationen begeistert und inspiriert. Bis heute erfindet er immer wieder rastlos neue kreative Ausdrucksmöglichkeiten der Fotografie gerne auch mit Leica Kameras. Die Ausstellung „ ist eine Einladung, in die unvergleichliche Rankin Welt einzutauchen.

Aussi élégante que provocante, aussi dynamique que cool, aussi créative que créatrice de style : l'œuvre du photographe vedette britannique Rankin présente de nombreuses facettes et il compte depuis longtemps parmi les photographes les plus demandés et les plus influents de notre époque. L'exposition "Rankin Zeitsprünge", qui sera présentée du 26 mai au 27 septembre 2023 au musée Ernst Leitz, donne des aperçus passionnants et surprenants de son œuvre grandiose. Quelques-uns de ses meilleurs clichés, pris sur plus de trente ans, y sont présentés. L'exposition présente ainsi de nombreux portraits iconiques et des photos de célébrités qui ont marqué l'histoire contemporaine, des photos de beauté aux couleurs vives et des photos de mode classiques, ainsi que des exemples de ses séries conceptuelles profondes. Sous le titre " les motifs des années 1990 à 2000 se combinent de manière dialogique avec des photos flambant neuves et inédites de 2023.

Les plus grands noms de la politique et du show-business ont déjà posé devant son objectif : Elizabeth II, Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie - et la liste est encore longue. La passion de Rankin pour les magazines prouve qu'il est bien plus qu'un photographe de mode et de style de vie. Au début des années 1990, il a fondé avec Jefferson Hack le magazine contemporain le plus provocateur de l'époque, Dazed Confused, un mélange de différents genres comme la mode, le graphisme, le design et la photographie. Ses éditoriaux pour de nombreux magazines internationaux ont fait de lui un photographe et un créateur très occupé. En outre, il est depuis longtemps à l'aise dans le monde du cinéma. Outre de longs films pour la télévision, d'innombrables clips musicaux ont été réalisés au fil des ans et, là aussi, la liste des artistes se lit comme un who's who de la scène musicale.

En tant que photographe, cinéaste, publiciste et créateur, Rankin a sans aucun doute enthousiasmé et inspiré des générations entières. Aujourd'hui encore, il ne cesse d'inventer de nouvelles possibilités d'expression créative de la photographie, notamment avec des appareils Leica. L'exposition "est une invitation à se plonger dans l'univers incomparable de Rankin.

Tanto elegante quanto provocatorio, tanto dinamico quanto cool, tanto creativo quanto determinante per lo stile: il lavoro della star britannica Rankin ha molte sfaccettature ed è da tempo uno dei fotografi più ricercati e influenti del nostro tempo. La mostra "Rankin Zeitsprünge", che sarà presentata all'Ernst Leitz Museum dal 26 maggio al 27 settembre 2023, offre uno sguardo emozionante e sorprendente sul suo magnifico lavoro. Vengono presentate alcune delle sue migliori fotografie di oltre trent'anni. La mostra presenta quindi molti ritratti iconici e scatti di celebrità che hanno scritto a lungo la storia contemporanea, scatti di bellezza mozzafiato e classici della moda, oltre a esempi delle sue profonde serie concettuali. Sotto il titolo ", i motivi degli anni Novanta e Duemila sono combinati in dialogo con scatti inediti e mai pubblicati del 2023.

Davanti alla sua macchina fotografica si sono avvicendati i più famosi personaggi della politica e dello spettacolo: Elisabetta II, Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie - l'elenco continua. La passione di Rankin per le riviste ha dimostrato in modo impressionante che è molto più di un fotografo di moda e lifestyle. All'inizio degli anni '90, insieme a Jefferson Hack, ha fondato la rivista più provocatoria dello Zeitgeist, Dazed Confused, un mix di generi diversi come moda, grafica, design e fotografia. I suoi editoriali per numerose riviste internazionali lo hanno reso un fotografo e un designer molto impegnato. Da tempo si trova a suo agio anche nel mondo del cinema. Oltre a lunghi film per la TV, ha realizzato innumerevoli video musicali nel corso degli anni e anche in questo caso la sua lista di artisti è un vero e proprio Who's Who della scena musicale.

Come fotografo, regista, pubblicitario e designer, Rankin ha indubbiamente ispirato e suggestionato intere generazioni. Ancora oggi, continua a inventare senza sosta nuovi modi creativi di esprimersi attraverso la fotografia, spesso con fotocamere Leica. La mostra "è un invito a immergersi nell'incomparabile mondo di Rankin.

As elegant as it is provocative, as dynamic as it is cool, as creative as it is style-defining: the work of the British star photographer Rankin has many facets and he has long been one of the most sought-after and influential photographers of our time. The exhibition "Rankin Zeitsprünge" which will be presented at the Ernst Leitz Museum from May 26 to September 27, 2023, provides exciting and surprising insights into his magnificent work. Some of his best photographs from over thirty years are presented here. Thus, the exhibition features many iconic portraits and celebrity shots that have long t written contemporary history, jaw-dropping beauty and classic fashion shots, as well as examples from his profound conceptual series. Titled ", the motifs from the 1990s to the 2000s combine dialogically with brand-new and never-before-published shots from 2023.

In front of his camera have been the most famous personalities from politics and show business: Elizabeth II, Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie - the list goes on and on. Rankin's passion for magazines is impressive proof that he is much more than a fashion and lifestyle photographer. In the early 1990s, together with Jefferson Hack, he founded the then most provocative zeitgeist magazine Dazed Confused, a mixture of different genres such as fashion, graphics, design and photography. His editorials for numerous international magazines made him a busy photographer and designer. In addition, he has also long been at home in the film world. In addition to long TV films, he has created countless music videos over the years, and here, too, the list of artists reads like a Who's Who of the music scene.

As a photographer, filmmaker, publicist and designer, Rankin has undoubtedly inspired and inspired entire generations. To this day, he continues to restlessly invent new creative ways of expressing himself through photography, often with Leica cameras. The exhibition " is an invitation to immerse yourself in Rankin's incomparable world.

(Text: Ernst Leitz Museum, Wetzlar)

Fotografie Forum Frankfurt
20. Mai - 17. September 2023

Chameleon
Abe Frajndlich

Er hat Kreative aus Musik, Kunst und Showbiz porträtiert, die Grenzenlosigkeit der Großstadt surreal abgebildet und die Größen der Fotogeschichte vor die Kamera geholt. Mit ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) die schillernde Themenvielfalt des amerikanischen Fotografen Abe Frajndlich (*1946, Frankfurt/Main).

Zu sehen sind rund 160 Arbeiten ab den 1970er-Jahren, darunter Frajndlichs früheste Vintage-Prints aus Cleveland. Als einen Schwerpunkt präsentiert die FFF-Retrospektive Porträts von Künstler*innen, die Abe Frajndlichs Leben beeinflusst haben; allen voran die Performerin Rosebud Conway, genannt „Rosie“, sowie Minor White, Fotograf, Gründer des Magazins Aperture und Frajndlichs fotografischer Mentor. Ebenfalls Teil der Schau ist das Projekt Masters of Light – Frajndlichs erste große Serie in Farbe. Dafür porträtierte er Ikonen der Fotografie, die aus seiner Sicht maßgeblich das 20. Jahrhundert beeinflusst haben, darunter Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott oder Ilse Bing. Jedes dieser inszenierten Bilder spielt auf Aspekte des jeweiligen Lebens oder Schaffens an.

Im Auftrag des FAZ-Magazins konnte Frajndlich in den 1980er- und 90er-Jahren seine Sicht auf die amerikanische Kunstszene zeigen. Dafür stehen Atelier-Stories mit Cindy Sherman, Nancy Spero und David Ireland, die das FFF erstmals zeigt. Außerdem dabei: experimentelle Straßenfotografie sowie die sinnlichen Assoziationen aus seinem Buch Eros Eterna (1999), ohne die „das Chamäleon“ Fraijndlich nicht denkbar wäre.

Abe Frajndlichs zentrale Themen – Kreativität, Identität, Hoffnung , Freiheit – hängen eng mit seiner Biografie zusammen. Geboren wurde er in einem „DP Camp“ in Frankfurt-Zeilsheim. Frühe Migrationserfahrungen führten ihn über Israel, Deutschland, Frankreich und Brasilien in die USA. Nach einem Literaturstudium wandte er sich 1970 der Fotografie zu. Frajndlich veröffentlichte zahlreiche Bücher, u.a. Figments (1975), Portraits (2000), Penelope’s Hungry Eyes (2011), The Shooting (über Charles Bukowski, 2021) und Seventyfive at Seventyfive (2022). Seine Arbeiten wurden international ausgestellt und befinden sich in großen Sammlungen wie dem Whitney Museum of American Art (New York City), Musée Nicéphore Nièpce (Frankreich), Museum Ludwig (Köln), Jüdischen Museum (Frankfurt) und der National Portrait Gallery (Washington D.C.). Ab 1985 arbeitete Frajndlich für Magazine wie The New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair und das FAZ-Magazin. Heute lebt der Fotograf in Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, kuratiert von Celina Lunsford, künstlerische Leiterin des FFF, und Co-Kuratorin Esra Klein, ist Beitrag des FFF zum Festprogramm des 175. Paulskirchenjubiläums.

Il a fait le portrait de créateurs issus de la musique, de l'art et du showbiz, a représenté de manière surréaliste l'absence de limites de la grande ville et a fait venir devant son objectif les grands noms de l'histoire de la photographie. Avec ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente la diversité éblouissante des thèmes du photographe américain Abe Frajndlich (*1946, Francfort/Main).

On peut y voir environ 160 travaux datant des années 1970, dont les premiers tirages vintage de Frajndlich réalisés à Cleveland. La rétrospective du FFF met l'accent sur les portraits d'artistes qui ont influencé la vie d'Abe Frajndlich, en particulier la performeuse Rosebud Conway, surnommée "Rosie", et Minor White, photographe, fondateur du magazine Aperture et mentor photographique de Frajndlich. Le projet Masters of Light, la première grande série en couleur de Frajndlich, fait également partie de l'exposition. Pour cela, il a fait le portrait d'icônes de la photographie qui, selon lui, ont eu une influence déterminante sur le 20e siècle, comme Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott ou Ilse Bing. Chacun de ces visuels mis en scène fait allusion à des aspects de la vie ou de l'œuvre en question.

Sur commande du magazine FAZ, Frajndlich a pu montrer sa vision de la scène artistique américaine dans les années 1980 et 1990. Des histoires d'atelier avec Cindy Sherman, Nancy Spero et David Ireland, que le FFF présente pour la première fois, en sont la preuve. Sont également présentées la photographie de rue expérimentale et les associations sensuelles de son livre Eros Eterna (1999), sans lesquelles "le caméléon" Fraijndlich ne serait pas concevable.

Les thèmes centraux d'Abe Frajndlich - créativité, identité, espoir, liberté - sont étroitement liés à sa biographie. Il est né dans un "camp DP" à Frankfurt-Zeilsheim. Ses premières expériences migratoires l'ont mené aux États-Unis en passant par Israël, l'Allemagne, la France et le Brésil. Après des études de littérature, il s'est tourné vers la photographie en 1970. Frajndlich a publié de nombreux livres, notamment Figments (1975), Portraits (2000), Penelope's Hungry Eyes (2011), The Shooting (sur Charles Bukowski, 2021) et Seventyfive at Seventyfive (2022). Son travail a été exposé à l'échelle internationale et se trouve dans de grandes collections telles que le Whitney Museum of American Art (New York City), le Musée Nicéphore Nièpce (France), le Museum Ludwig (Cologne), le Jüdisches Museum (Francfort) et la National Portrait Gallery (Washington D.C.). À partir de 1985, Frajndlich a travaillé pour des magazines tels que The New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair et le magazine FAZ. Aujourd'hui, le photographe vit à Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, organisé par Celina Lunsford, directrice artistique du FFF, et Esra Klein, co-commissaire, est la contribution du FFF au programme de festivités du 175e anniversaire de l'église Saint-Paul.

Ha ritratto i creativi della musica, dell'arte e dello spettacolo, ha raffigurato in modo surreale la sconfinatezza della grande città e ha portato davanti alla macchina fotografica i grandi della storia della fotografia. Con ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta l'abbagliante varietà di temi del fotografo americano Abe Frajndlich (*1946, Francoforte sul Meno).

In mostra circa 160 opere dagli anni '70 in poi, tra cui le prime stampe vintage di Frajndlich provenienti da Cleveland. Come punto focale, la retrospettiva FFF presenta ritratti di artisti che hanno influenzato la vita di Abe Frajndlich, soprattutto la performer Rosebud Conway, nota come "Rosie", e Minor White, fotografo, fondatore della rivista Aperture e mentore fotografico di Frajndlich. Fa parte della mostra anche il progetto Masters of Light, la prima grande serie a colori di Frajndlich. Per questa serie, Frajndlich ha ritratto icone della fotografia che, a suo parere, hanno avuto un'influenza decisiva sul XX secolo, come Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott o Ilse Bing. Ognuna di queste immagini inscenate allude ad aspetti della vita o del lavoro dei rispettivi protagonisti.

Frajndlich è stato incaricato dalla rivista FAZ di mostrare la sua visione della scena artistica americana degli anni Ottanta e Novanta. Questo è rappresentato dalle storie in studio con Cindy Sherman, Nancy Spero e David Ireland, che il FFF presenta per la prima volta. Sono incluse anche la fotografia di strada sperimentale e le associazioni sensuali del suo libro Eros Eterna (1999), senza il quale il "camaleonte" Fraijndlich sarebbe impensabile.

I temi centrali di Abe Frajndlich - creatività, identità, speranza, libertà - sono strettamente legati alla sua biografia. È nato in un "campo DP" a Francoforte-Zeilsheim. Le prime esperienze di migrazione lo hanno portato negli Stati Uniti attraverso Israele, Germania, Francia e Brasile. Dopo aver studiato letteratura, nel 1970 si è dedicato alla fotografia. Frajndlich ha pubblicato numerosi libri, tra cui Figments (1975), Portraits (2000), Penelope's Hungry Eyes (2011), The Shooting (su Charles Bukowski, 2021) e Seventyfive at Seventyfive (2022). Le sue opere sono state esposte a livello internazionale e sono presenti in importanti collezioni come il Whitney Museum of American Art (New York), il Musée Nicéphore Nièpce (Francia), il Museum Ludwig (Colonia), il Jewish Museum (Francoforte) e la National Portrait Gallery (Washington D.C.). Dal 1985 Frajndlich ha lavorato per riviste come il New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair e la rivista FAZ. Oggi il fotografo vive a Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, curata da Celina Lunsford, direttore artistico del FFF, e dalla co-curatrice Esra Klein, è il contributo del FFF al programma di festeggiamenti per il 175° anniversario di Paulskirchen.

He has portrayed creatives from music, art and showbiz, surreally depicted the boundlessness of the big city and brought the greats of photographic history before his camera. With ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents the dazzling variety of subjects by American photographer Abe Frajndlich (*1946, Frankfurt/Main).

On view are some 160 works from the 1970s onward, including Frajndlich's earliest vintage prints from Cleveland. As a focal point, the FFF retrospective presents portraits of artists* who influenced Abe Frajndlich's life; most notably performer Rosebud Conway, known as "Rosie," and Minor White, photographer, founder of Aperture magazine, and Frajndlich's photographic mentor. Also part of the show is the Masters of Light project - Frajndlich's first major series in color. For this, he portrayed icons of photography who he considers to have had a significant influence on the 20th century, including Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott, and Ilse Bing. Each of these staged images alludes to aspects of the respective life or work.

Commissioned by FAZ magazine, Frajndlich was able to show his view of the American art scene in the 1980s and '90s. This is represented by studio stories with Cindy Sherman, Nancy Spero and David Ireland, which the FFF is showing for the first time. Also included: experimental street photography and the sensual associations from his book Eros Eterna (1999), without which "the chameleon" Fraijndlich would be unthinkable.

Abe Frajndlich's central themes - creativity, identity, hope , freedom - are closely related to his biography. He was born in a "DP Camp" in Frankfurt-Zeilsheim. Early migration experiences led him via Israel, Germany, France and Brazil to the USA. After studying literature, he turned to photography in 1970. Frajndlich has published numerous books, including Figments (1975), Portraits (2000), Penelope's Hungry Eyes (2011), The Shooting (about Charles Bukowski, 2021), and Seventyfive at Seventyfive (2022). His work has been exhibited internationally and is in major collections such as the Whitney Museum of American Art (New York City), Musée Nicéphore Nièpce (France), Museum Ludwig (Cologne), Jewish Museum (Frankfurt), and the National Portrait Gallery (Washington D.C.). Beginning in 1985, Frajndlich worked for magazines such as The New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair, and FAZ Magazine. Today, the photographer lives in Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, curated by Celina Lunsford, artistic director of the FFF, and co-curator Esra Klein, is the FFF's contribution to the festive program of the 175th Paulskirchen anniversary.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Städel Museum | Frankfurt am Main
12. Mai - 5. November 2023

Phantominseln
Philipp Fürhofer

Die Illusion und das Hinterfragen der Realität sind zentrale Motive im Schaffen des Künstlers Philipp Fürhofer (*1982). An der Schnittstelle von Installation und Malerei zeigen seine Werke komplexe Bildwelten. Das Städel Museum präsentiert in einer Einzelausstellung des Künstlers insgesamt 16 Werke, darunter eine raumspezifische Arbeit. In der Sammlung Gegenwartskunst entwirft Fürhofer eine mystische Dschungellandschaft, in der nichts ist, wie es scheint. Den Besuchern strahlen Sonnenuntergänge und tropische Wälder aus Gemälden und Leuchtkästen entgegen, deren langsam pulsierendes Licht eine geheimnisvolle Atmosphäre erzeugt. Mit einer eigens für die Ausstellung konzipierten Arbeit reagiert Fürhofer zudem auf die Architektur des Raumes: Ein knapp sechs Meter hoher Vorhang greift die Motive der umliegenden vermeintlich paradiesischen Landschaften auf. Die Besucher sind eingeladen, durch den Vorhang hindurchzutreten und einen Blick dahinter zu werfen.

Mit dem Ausstellungstitel „Phantominseln“ bezieht sich Fürhofer auf einst kartografierte Inseln, deren Existenz später widerlegt wurde. Auch die Naturromantik von Fürhofers Wäldern und Stränden erweist sich als Trugbild: Unter aufgekratzten Schichten von Malerei offenbart sich die Frage nach der existenziellen, wechselseitigen Beeinflussung von Mensch und Natur, einer kapitalistischen Zivilisation und der stetigen Zerstörung ihres eigenen Lebensraums. Mit Referenzen aus der Pop-Kultur verdeutlicht Fürhofer den in Zeiten des Umbruchs und der Unsicherheit stetig wachsenden Wunsch des Menschen nach Kontrolle über seine unmittelbare Umgebung und sein Selbst.

Kuratorin: Svenja Grosser (Stellvertretende Leiterin Sammlung Gegenwartskunst, Städel Museum)

Projektleiterin: Maja Lisewski (Wissenschaftliche Volontärin, Sammlung Gegenwartskunst, Städel Museum)

L'illusion et la remise en question de la réalité sont des motifs centraux dans l'œuvre de l'artiste Philipp Fürhofer (*1982). À l'intersection de l'installation et de la peinture, ses œuvres présentent des univers visuels complexes. Le Städel Museum présente dans une exposition individuelle de l'artiste un total de 16 œuvres, dont un travail spécifique à l'espace. Dans la collection d'art contemporain, Fürhofer crée un paysage de jungle mystique dans lequel rien n'est ce qu'il semble être. Les couchers de soleil et les forêts tropicales rayonnent vers les visiteurs à partir de peintures et de caissons lumineux dont la lumière pulsant lentement crée une atmosphère mystérieuse. Avec une œuvre spécialement conçue pour l'exposition, Fürhofer réagit en outre à l'architecture de la salle : un rideau de près de six mètres de haut reprend les motifs des paysages environnants, supposés paradisiaques. Les visiteurs sont invités à passer à travers le rideau et à jeter un coup d'œil derrière.

Avec le titre de l'exposition "Îles fantômes", Fürhofer fait référence à des îles autrefois cartographiées, dont l'existence a été réfutée par la suite. Le romantisme naturel des forêts et des plages de Fürhofer s'avère également être un leurre : sous des couches de peinture éraillée se révèle la question de l'influence existentielle et réciproque de l'homme et de la nature, d'une civilisation capitaliste et de la destruction constante de son propre espace vital. Avec des références issues de la culture pop, Fürhofer met en évidence le désir sans cesse croissant de l'homme, en ces temps de bouleversement et d'incertitude, de contrôler son environnement immédiat et son moi.

Curatrice : Svenja Grosser (directrice adjointe de la collection d'art contemporain, Städel Museum)

Chef de projet : Maja Lisewski (bénévole scientifique, collection d'art contemporain, Städel Museum)

L'illusione e la messa in discussione della realtà sono motivi centrali nel lavoro dell'artista Philipp Fürhofer (*1982). All'interfaccia tra installazione e pittura, le sue opere mostrano mondi visivi complessi. In una mostra personale dell'artista, lo Städel Museum presenta un totale di 16 opere, tra cui un lavoro specifico per lo spazio. Nella Collezione d'arte contemporanea, Fürhofer crea un paesaggio mistico nella giungla in cui nulla è come sembra. Tramonti e foreste tropicali si irradiano verso i visitatori da dipinti e light box la cui luce lentamente pulsante crea un'atmosfera misteriosa. Fürhofer reagisce anche all'architettura della sala con un'opera concepita appositamente per la mostra: una tenda alta quasi sei metri riprende i motivi dei paesaggi paradisiaci circostanti. I visitatori sono invitati ad attraversare la tenda e a guardare dietro di essa.

Con il titolo della mostra "Isole fantasma", Fürhofer fa riferimento a isole un tempo mappate la cui esistenza è stata poi smentita. Anche il romanticismo della natura nelle foreste e nelle spiagge di Fürhofer si rivela un miraggio: sotto strati pittorici graffiati, si rivela la questione dell'influenza esistenziale e reciproca dell'uomo e della natura, della civiltà capitalista e della costante distruzione del suo stesso habitat. Con riferimenti alla cultura pop, Fürhofer illustra il crescente desiderio dell'uomo di controllare l'ambiente circostante e se stesso in tempi di sconvolgimenti e incertezze.

Curatore: Svenja Grosser (Vice responsabile della collezione d'arte contemporanea, Städel Museum)

Responsabile del progetto: Maja Lisewski (Assistente di ricerca, Collezione d'arte contemporanea, Städel Museum)

Illusion and the questioning of reality are key motifs in the oeuvre of artist Philipp Fürhofer (born 1982). At the interface between installation and painting, his works depict complex pictorial worlds. From 12 May to 5 November 2023 the Städel Museum is presenting a solo exhibition with altogether 16 pieces by Fürhofer, including a site-specific work. In the rooms devoted to the museum’s contemporary art collection, the artist will stage a mystical jungle landscape in which nothing is as it seems to be. Sunsets and tropical forests shine out at the viewer from paintings and light boxes, their slowly pulsating light creating an enigmatic atmosphere. With a work conceived especially for the show, he moreover reacts to the architecture of the place: a curtain nearly six metres high echoes motifs from the seemingly paradisiacal landscapes around it. The visitors are invited to step through the curtain and take a look at what is behind.

Fürhofer’s exhibition title “Phantom Islands” is an allusion to once-mapped islands whose existence was later refuted. The romanticism of Fürhofer’s forests and beaches prove similarly deceptive. Scratched-open layers of paint reveal the question as to the existential mutual influence between human being and nature, between the capitalist civilization and its ongoing destruction of its own habitat. With pop-culture references, the artist calls attention to humankind’s constantly growing desire to control itself and its immediate surroundings in times of upheaval and uncertainty.

Curator: Svenja Grosser (Deputy Head of Contemporary Art, Städel Museum)

(Text: Städel Museum, Frankfurt am Main)

Galerie-Peter-Sillem | Frankfurt am Main
29. April - 10. Juni 2023

of a Traveling Bird Collector
Malte Sänger

Malte Sängers fotografische Erzählung „of a Traveling Bird Collector“ folgt den Spuren des „Harzer Rollers“, eines Kanarienvogels, der im 19. Jahrhundert eines der bekanntesten und zumal in den USA beliebtesten deutschen Exportgüter war.

Der in den Dörfern des Harz gezüchtete Vogel war nicht nur wegen seines rollenden Gesangs beliebt, er wurde auch weltweit von Bergleuten eingesetzt, um sie vor dem Tod in den Minen zu bewahren. Wenn einer der Kanarienvögel in den dunklen Schächten aufhörte zu singen und bewusstlos von der Stange fiel, dann bewahrte dieses Alarmsignal die Arbeiter vor dem Einatmen überhöhter Gaskonzentrationen und ermöglichte ihnen, sich rechtzeitig in Sicherheit zu bringen.

Mit Hilfe einer für diese Arbeit selbst gebauten Großformat-Kamera folgt Malte Sänger den verschlungenen, transatlantischen Wegen des Harzer Rollers und erkundet das Leben tief in den Schichten der Geologie und in den Rissen unserer Geschichte. Sein Interesse gilt den blinden Flecken der Erzählungen dieser Geschichte sowie den ökonomischen, und ideologischen Interessen dahinter.

Le récit photographique de Malte Sänger, "of a Traveling Bird Collector", suit les traces du "Harzer Roller", un canari qui était au XIXe siècle l'un des produits d'exportation allemands les plus connus et, en particulier, les plus appréciés aux États-Unis.

Élevé dans les villages du Harz, l'oiseau n'était pas seulement apprécié pour son chant roulant, il était également utilisé par les mineurs du monde entier pour leur éviter de mourir dans les mines. Si l'un des canaris cessait de chanter dans les puits sombres et tombait inconscient de son perchoir, ce signal d'alarme empêchait les travailleurs d'inhaler des concentrations excessives de gaz et leur permettait de se mettre à l'abri à temps.

À l'aide d'une caméra grand format qu'il a lui-même fabriquée pour ce travail, Malte Sänger suit les chemins tortueux et transatlantiques du Harzer Roller et explore la vie au plus profond des couches de la géologie et des fissures de notre histoire. Il s'intéresse aux points aveugles des récits de cette histoire ainsi qu'aux intérêts économiques et idéologiques qui se cachent derrière.

La narrazione fotografica di Malte Sänger "di un collezionista di uccelli in viaggio" segue le tracce dell'"Harzer Roller", un canarino che è stato uno dei più noti prodotti tedeschi da esportazione nel XIX secolo e particolarmente popolare negli Stati Uniti.

Allevato nei villaggi dello Harz, l'uccello non era popolare solo per il suo canto rotolante, ma veniva anche utilizzato dai minatori di tutto il mondo per salvarli dalla morte in miniera. Se uno dei canarini smetteva di cantare nei pozzi bui e cadeva svenuto dal palo, questo segnale di allarme salvava i lavoratori dall'inalazione di concentrazioni eccessive di gas e permetteva loro di mettersi in salvo in tempo.

Con l'aiuto di una telecamera di grande formato costruita da lui stesso per questo lavoro, Malte Sänger segue i sentieri tortuosi e transatlantici dell'Harz Roller ed esplora la vita nelle profondità degli strati geologici e nelle crepe della nostra storia. È interessato ai punti ciechi delle narrazioni di questa storia e agli interessi economici e ideologici che vi stanno dietro.

Malte Sänger's photographic narrative of a Traveling Bird Collector follows the traces of the "Harzer Roller", a canary that was one of the best-known and most popular German export goods in the 19th century, especially in the USA.

Bred in the villages of the Harz Mountains, the bird was not only popular for its melodius song, it was also used by miners around the world to save them from dying in the mines. If one of the canaries in the dark shafts stopped singing and fell unconscious from the perch, this signal protected the workers from inhaling excessive gas concentrations and enabled them to get to safety in time.

With the help of a large format camera he built especially for this series, Malte Sänger follows the winding paths of the Harz Roller and explores life deep in the layers of geology and in the cracks in our history. He is interested in the blind spots of this story and in the economic and ideological interests behind them.

(Text: Galerie-Peter-Sillem, Frankfurt am Main)