Alpines Museum der Schweiz
25. Oktober 2024 – 16. August 2026

Grönland. Alles wird anders

Eine neue filmische Ausstellung über Klimawandel und Dekolonialisierung, Overtourism, die Jagd nach Bodenschätzen, Wege zu einer neuen Landwirtschaft, die Zukunft der Jugend und die lebendige grönländische Musikszene.

Rasant schmelzende Eismassen, boomender Tourismus, drei neue Flughäfen im Bau, wachsende Müllberge, globale Investoren auf der Suche nach Bodenschätzen und ein selbstbewusstes Grönland auf dem Weg zu einer indigenen Identität und Unabhängigkeit. Grönlands Wandel ist heftig, ungestüm und widersprüchlich. Doch wie sehen das die Menschen dort? Und was lernen wir daraus über die Welt, in der wir leben? Wie gehen wir mit Dilemmas und Widersprüchen um? Was macht Angst, und wo liegen Chancen? Eine bewegende Filminstallation mit original Grönland-Soundtrack.

Une nouvelle exposition cinématographique sur le changement climatique et la décolonisation, l'overtourism, la chasse aux ressources minières, les voies vers une nouvelle agriculture, l'avenir des jeunes et la scène musicale vivante du Groenland.

Des masses de glace qui fondent à toute vitesse, un tourisme en plein essor, trois nouveaux aéroports en construction, des montagnes de déchets qui ne cessent de croître, des investisseurs mondiaux à la recherche de ressources naturelles et un Groenland sûr de lui, en route vers une identité indigène et l'indépendance. Les changements au Groenland sont violents, impétueux et contradictoires. Mais comment les habitants le perçoivent-ils ? Et qu'est-ce que cela nous apprend sur le monde dans lequel nous vivons ? Comment gérons-nous les dilemmes et les contradictions ? Qu'est-ce qui fait peur et où se trouvent les opportunités ? Une installation cinématographique émouvante avec une bande-son originale du Groenland.

Una nuova rassegna cinematografica sui cambiamenti climatici e la decolonizzazione, l'overtourism, la caccia alle risorse naturali, i percorsi verso una nuova agricoltura, il futuro dei giovani e la vivace scena musicale groenlandese.

Il rapido scioglimento delle masse di ghiaccio, il boom del turismo, tre nuovi aeroporti in costruzione, montagne di rifiuti in crescita, investitori globali alla ricerca di risorse naturali e una Groenlandia sicura di sé, in cammino verso un'identità e un'indipendenza autoctone. Il cambiamento della Groenlandia è violento, impetuoso e contraddittorio. Ma come lo vede la gente del posto? E cosa possiamo imparare da questo sul mondo in cui viviamo? Come affrontiamo i dilemmi e le contraddizioni? Cosa ci spaventa e dove sono le opportunità? Un'installazione cinematografica in movimento con una colonna sonora originale della Groenlandia.

A new cinematic exhibition about climate change and decolonization, overtourism, the race for natural resources, paths to a new agriculture, the future of young people and the vibrant Greenlandic music scene.

Rapidly melting ice masses, booming tourism, three new airports under construction, growing mountains of garbage, global investors looking for natural resources and a self-confident Greenland on the path to an indigenous identity and independence. Greenland's transformation is intense, impetuous and contradictory. But how do the people there see it? And what can we learn about the world we live in? How do we deal with dilemmas and contradictions? What causes fear and where do we see opportunities? A moving film installation with an original Greenlandic soundtrack.

(Text: Alpines Museum der Schweiz, Bern)

Museum im Bellpark | Kriens
1. Februar – 6. Juli 2025

Fred Waldvogel - Pilz Fotografie

Fred Waldvogel (1922-1997), Pilzkenner und Fotograf, holte sich vierzig Jahre lang Pilze aller Art vor seine Linse und fotografierte diese in weltweit einmaliger Qualität. Hinterlassen hat er ein Werk von über 1000 Aufnahmen, die in der Pilzfotografie neue Massstäbe setzten. Wir präsentieren ab Februar 2025 eine Auswahl des aussergewöhnlichen Schaffens von Waldvogel in einer Kabinettausstellung im zweiten Obergeschoss des Museums, parallel zur Ausstellung „One Million Bears“ der konzeptuellen Malerin Tina Braegger.

Fred Waldvogels Darstellungsweise reicht weit über eine wissenschaftliche Aufarbeitung der Pilze hinaus. Seine Einzel- und Gruppenportraits, mit teils landschaftlichem Charakter, die er als Pilz-Tableaus auf seinem Reprotisch im Studio sorgfältig arrangierte, machen ein erstaunliches und wundersames Paralleluniversum sichtbar. Aus den Bildern spricht nicht nur sein unbändiges Interesse, die Welt der Pilze besser zu verstehen, sondern auch seine sehr respektvolle und wertschätzende Haltung gegenüber diesen Lebewesen. Die Komposition und Inszenierung des Fotografen zeugen von beeindruckendem Sachverstand und enormen ästhetischem Bewusstsein. In einem Interview erwähnte Waldvogel einmal, dass ihn vor allem die Vielfalt der Pilze beeindrucke und begeistere. Tatsächlich gelang ihm immer wieder, das einzigartige Wesen und den individuellen Charme seiner „Modelle“ auf berührende und amüsante Weise herauszuarbeiten.

Die Ausstellung gewährt nun erstmals einen repräsentativen Einblick in das Pilzarchiv des Fotografen, das heute an der Universitätsbibliothek Zürich, Bereich Pflanzenwissenschaft aufbewahrt wird. In Zusammenarbeit mit Martin Stollenwerk, Leiter Fotografie am Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft SIK-ISEA, sowie Andreas Hertach, freier Kurator, haben wir den Fotobestand von über tausend Diapositiven gesichtet und daraus eine prägnante Auswahl für eine Inszenierung in unseren Ausstellungsräumen herausgelöst.

In Zusammenarbeit von Museum im Bellpark und Zeughaus Teufen entsteht ein Fotobuch über Fred Waldvogels Pilzfotografie, das von Bänziger Hug gestaltet und bei Jungle Books erscheinen wird. Das Buch wird im Verlauf der Ausstellung anlässlich einer Buchpräsentation im Wald, nahe dem Ort von Fred Waldvogels Fotostudio, der interessierten Öffentlichkeit vorgestellt. Termingerecht zur Herbstsaison werden die Myzelien dieser Pilzausstellung wundersam von Kriens nach Teufen im Appenzellerland ausgreifen: Im Zeughaus Teufen wird ab September ebenfalls eine Auswahl aus dem Bestand von Fred Waldvogel aufscheinen.

Fred Waldvogel (1922-1997), mycologue et photographe, a photographié pendant quarante ans des champignons de toutes sortes avec une qualité unique au monde. Il a laissé derrière lui une œuvre de plus de 1000 clichés qui ont posé de nouveaux jalons dans la photographie de champignons. À partir de février 2025, nous présenterons une sélection de l'œuvre exceptionnelle de Waldvogel dans une exposition de cabinet au deuxième étage du musée, parallèlement à l'exposition « One Million Bears » de la peintre conceptuelle Tina Braegger.

Le mode de représentation de Fred Waldvogel va bien au-delà d'un traitement scientifique des champignons. Ses portraits individuels et de groupe, parfois à caractère paysager, qu'il a soigneusement arrangés comme des tableaux de champignons sur sa table de reproduction dans son studio, rendent visible un univers parallèle étonnant et miraculeux. Ce qui ressort de ces images, c'est non seulement son intérêt irrépressible à mieux comprendre le monde des champignons, mais aussi son attitude très respectueuse et valorisante envers ces êtres vivants. La composition et la mise en scène du photographe témoignent d'une expertise impressionnante et d'une énorme conscience esthétique. Dans une interview, Waldvogel a mentionné un jour que c'était surtout la diversité des champignons qui l'impressionnait et l'enthousiasmait. En effet, il a toujours réussi à faire ressortir la nature unique et le charme individuel de ses « modèles » de manière touchante et amusante.

L'exposition donne pour la première fois un aperçu représentatif des archives du photographe sur les champignons, aujourd'hui conservées à la bibliothèque universitaire de Zurich, domaine des sciences végétales. En collaboration avec Martin Stollenwerk, directeur de la photographie à l'Institut suisse pour l'étude de l'art SIK-ISEA, et Andreas Hertach, commissaire d'exposition indépendant, nous avons examiné le fonds photographique de plus de mille diapositives et en avons extrait une sélection concise pour une mise en scène dans nos salles d'exposition.

Un livre de photos sur la photographie de champignons de Fred Waldvogel, conçu par Bänziger Hug et publié par Jungle Books, est né de la collaboration entre le Museum im Bellpark et l'arsenal de Teufen. Le livre sera présenté au public intéressé au cours de l'exposition, à l'occasion d'une présentation du livre dans la forêt, à proximité du lieu du studio photo de Fred Waldvogel. A l'approche de l'automne, le mycélium de cette exposition de champignons s'étendra miraculeusement de Kriens à Teufen, dans le pays d'Appenzell : A l'arsenal de Teufen, une sélection de champignons provenant du stock de Fred Waldvogel sera également exposée à partir de septembre.

Fred Waldvogel (1922-1997), conoscitore e fotografo di funghi, ha trascorso quarant'anni a fotografare funghi di ogni tipo davanti al suo obiettivo, catturandoli con una qualità ineguagliabile. Ha lasciato un'opera di oltre 1000 fotografie che hanno stabilito nuovi standard nella fotografia dei funghi. A partire da febbraio 2025, presenteremo una selezione della straordinaria opera di Waldvogel in un'esposizione in vetrina al primo piano del museo, accanto alla mostra “Un milione di orsi” della pittrice concettuale Tina Braegger.

Lo stile di rappresentazione di Fred Waldvogel va ben oltre l'analisi scientifica dei funghi. I suoi ritratti individuali e di gruppo, alcuni dei quali di carattere paesaggistico, disposti con cura come tableaux di funghi sul suo tavolo di riproduzione in studio, rivelano un universo parallelo sorprendente e meraviglioso. Le immagini riflettono non solo il suo irrefrenabile interesse per una migliore comprensione del mondo dei funghi, ma anche il suo atteggiamento di grande rispetto e apprezzamento nei confronti di queste creature. La composizione e la messa in scena del fotografo testimoniano la sua impressionante competenza e la sua enorme consapevolezza estetica. In un'intervista, Waldvogel ha detto di essere particolarmente colpito e ispirato dalla diversità dei funghi. In effetti, è sempre riuscito a sottolineare la natura unica e il fascino individuale dei suoi “modelli” in modo toccante e divertente.

La mostra offre ora la prima visione rappresentativa dell'archivio di funghi del fotografo, ora conservato presso la Biblioteca Universitaria di Zurigo, Dipartimento di Scienze Vegetali. In collaborazione con Martin Stollenwerk, responsabile della fotografia presso l'Istituto Svizzero per la Ricerca Artistica SIK-ISEA, e Andreas Hertach, curatore freelance, abbiamo passato al setaccio la collezione fotografica di oltre mille diapositive e ne abbiamo fatto una selezione concisa da presentare nelle nostre sale espositive.

Il Museum im Bellpark e Zeughaus Teufen stanno collaborando alla realizzazione di un libro fotografico sulla fotografia di funghi di Fred Waldvogel, che sarà progettato da Bänziger Hug e pubblicato da Jungle Books. Il libro sarà presentato al pubblico interessato durante la mostra, in occasione del lancio del libro nella foresta, vicino alla sede dello studio fotografico di Fred Waldvogel. Giusto in tempo per la stagione autunnale, i miceli di questa mostra di funghi si diffonderanno miracolosamente da Kriens a Teufen in Appenzello: Una selezione della collezione di Fred Waldvogel sarà esposta anche nella Zeughaus Teufen a partire da settembre.

For forty years, mycologist and photographer Fred Waldvogel (1922-1997) captured mushrooms of all kinds on film, producing images of unparalleled quality. He left behind a body of work comprising over 1000 photographs that set new standards in the field of fungus photography. From February 2025, we will be presenting a selection of Waldvogel's extraordinary work in a cabinet exhibition on the second floor of the museum, parallel to the exhibition ‘One Million Bears’ by conceptual painter Tina Braegger.

Fred Waldvogel's approach goes far beyond a scientific study of mushrooms. His individual and group portraits, some of which have a landscape-like character, carefully arranged as mushroom tableaux on his studio table, reveal a wondrous and wondrous parallel universe. The images not only reflect his overwhelming interest in better understanding the world of fungi, but also his great respect and appreciation for these creatures. The photographer's composition and staging testify to his impressive expertise and enormous aesthetic awareness. In an interview, Waldvogel once mentioned that it was above all the diversity of fungi that impressed and inspired him. And indeed, he repeatedly succeeded in bringing out the unique essence and individual charm of his ‘models’ in a touching and amusing way.

The exhibition now provides a representative insight into the photographer's fungus archive, which is now kept at the University of Zurich's Botanical Science Department. In collaboration with Martin Stollenwerk, head of photography at the Swiss Institute for Art Research SIK-ISEA, and Andreas Hertach, freelance curator, we have sifted through the photographic collection of over a thousand slides and selected a concise selection for a staging in our exhibition spaces.

A photo book about Fred Waldvogel's mushroom photography is being created in collaboration with the Museum im Bellpark and the Zeughaus Teufen. The book will be designed by Bänziger Hug and published by Jungle Books. The book will be presented to the public during the exhibition at a book presentation in the forest near the location of Fred Waldvogel's photo studio. Just in time for the autumn season, the mycelia of this mushroom exhibition will miraculously spread from Kriens to Teufen in the Appenzell region: a selection from Fred Waldvogel's collection will also be on display at the Zeughaus Teufen from September.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

MASI Lugano
16. Februar – 20. Juli 2025

Many Moons
Louisa Gagliardi

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Schweiz) ist heute eine der interessantesten Stimmen in der zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz. In ihren Arbeiten, in denen sich traditionelle Maltechniken mit digitaler Technologie verbinden, untersucht sie Themen wie die Identität, den sozialen Wandel und die Beziehung zwischen dem Individuum und seinem Umfeld. In ihrer Einzelausstellung im MASI Lugano, der ersten in einem Schweizer Museum, stellt sie eine Serie mit neuen Werken – Malerei und Skulpturen – in einem in einem für das Untergeschoss des LAC maßgeschneiderten Parcours vor.

Kuratiert von Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Suisse) s'est imposée comme l'une des artistes les plus intéressantes de la scène suisse contemporaine. Dans ses œuvres, où elle combine les techniques de peinture traditionnelles et la technologie numérique, elle explore des thèmes tels que l'identité, les transformations sociales et la relation entre l'individu et son environnement. Pour son exposition personnelle au MASI Lugano - la première dans un musée suisse - l'artiste présente une série de nouvelles productions, peintures et sculptures, dans un parcours taillé sur mesure pour l'espace en sous-sol du LAC.

Sous la direction de Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Svizzera) si è affermata come una delle voci più interessanti della scena svizzera contemporanea. Nei suoi lavori, in cui unisce tecniche pittoriche tradizionali e tecnologia digitale, esplora temi come l’identità, le trasformazioni sociali e il rapporto tra l’individuo e il suo ambiente. Per la sua personale al MASI – la prima in un museo svizzero – l’artista presenta una serie di nuove produzioni, dipinti e sculture in un percorso sviluppato su misura per lo spazio ipogeo del LAC.

A cura di Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Switzerland) has established herself as one of the most interesting voices on the Swiss contemporary art scene. In her works, which combine traditional painting techniques and digital technology, she explores themes such as identity, how society is changing, and the relationship between the individual and their environment. For her solo exhibition at MASI Lugano – the first in a Swiss museum – the artist will be showing a series of new works, paintings and sculptures in a site-specific presentation designed for the LAC's lower ground floor.

Curated by Francesca Benini

(Text: MASI Lugano)

Palazzo Reali | Lugano
16. März – 12. Oktober 2025

Eugenio Schmidhauser. Über das Malcantone hinaus

Als erste museale Institution präsentiert das MASI Lugano eine Ausstellung mit Werken des Tessiner Fotografen Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astrano, 1952). Das in Zusammenarbeit mit dem Staatsarchiv des Kantons Tessin realisierte Ausstellungsprojekt ist eine gute Gelegenheit, um die Arbeiten dieses Fotografen wieder zu entdecken, der das Image des Tessin Anfang des 19. Jahrhundert gepägt und dazu beitagen hat, den Tourismus in der Region auf eine innovative Art und Weise zu fördern.

Kuratiert von Gianmarco Talamona und Ludovica Introini

Le MASI présente la première exposition consacrée par une institution muséale au photographe tessinois Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Le projet d'exposition, réalisé en collaboration avec les Archives d'État du Canton du Tessin, est l'occasion de redécouvrir l'œuvre d'un photographe qui a façonné l'imagerie du Tessin au début du XXe siècle, en contribuant à promouvoir le tourisme dans la région de manière innovante.

Sous la direction de Gianmarco Talamona et Ludovica Introini

Il MASI presenta la prima mostra dedicata da un'istituzione museale al fotografo ticinese Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Il progetto espositivo, realizzato in collaborazione con l’Archivio di Stato del Canton Ticino, è un’occasione per riscoprire il lavoro di un fotografo che ha modellato l’immaginario del Ticino di inizio secolo, contribuendo a promuovere il turismo della regione con modalità innovative.

A cura di Gianmarco Talamona e Ludovica Introini

MASI Lugano presents the first museum exhibition devoted to the Ticino photographer Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). The exhibition, in collaboration with the State Archive of the Canton of Ticino, is an opportunity to rediscover the work of a photographer who shaped the image of Ticino at the turn of the century, helping in innovative ways to promote tourism to the region.

Curated by Gianmarco Talamona and Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Kulturmuseum St. Gallen
22. März – 10. August 2025

St. Gallen – ein Jahrhundert in Fotografien. - Die Sammlung Foto Gross

Sonderausstellung und Publikation «St.Gallen – ein Jahrhundert in Fotografien. Die Sammlung Foto Gross»: Kooperation von Kulturmuseum und Stadtarchiven

Die Sammlung Foto Gross». Gleichzeitig erscheint eine Publikation, verfasst und herausgegeben durch das Stadtarchiv der Ortsbürger- und der Politischen Gemeinde St.Gallen. Buch und Ausstellung gewähren faszinierende Einblicke in ein Jahrhundert Ostschweizer Geschichte und beleuchten dabei die grossen gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Veränderungen der Region. Die Sammlung im Besitz der Stadtarchive umfasst Hunderttausende Fotografien, die von Alltagsszenen bis hin zu historischen Ereignissen reichen – eine visuelle Reise durch die Zeit. In Ausstellung und Buch wird eine breite Auswahl der Fotografien inszeniert. In mehreren Kapiteln laden sie zu einem Spaziergang durch hundert Jahre Geschichte ein.

Ein vielseitiger Blick auf den Wandel der Gesellschaft: Ein erster Themenblock in der Ausstellung ist den tiefgreifenden Veränderungen der Arbeitswelt und Ausbildung gewidmet. Von Klassenfotos, die ab den 1970er-Jahren einen gelockerten Zeitgeist widerspiegeln, bis hin zu den sich wandelnden Berufsbildern – die Aufnahmen zeigen den strukturellen und sozialen Wandel eindrucksvoll. Ein weiteres interessantes Thema ist der Konsum: Stand vor dem Zweiten Weltkrieg die Grundversorgung im Fokus, brachte das Wirtschaftswunder der Nachkriegszeit einen rasanten Anstieg der Kaufkraft und des Produkteangebots mit sich.

Die Besucherinnen und Besucher erhalten ebenfalls spannende Einblicke in die Freizeitgestaltung des 20. Jahrhunderts – von frühen Bergbahnen und Skiliften über das Aufkommen von Freizeitparks bis hin zur Omnipräsenz des Fernsehens. Auch die Mobilität wird beleuchtet: Historische Aufnahmen dokumentieren die Ablösung der Trams durch Trolleybusse, den Ausbau der Verkehrsinfrastruktur und die Veränderungen im Stadtbild St. Gallens.

Tradition, Architektur und die Stadt im Wandel: Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf Bräuchen und Festen, die Foto Gross über Jahrzehnte hinweg festgehalten hat – von der OLMA und OFFA über Gewerbeumzüge bis hin zu traditionellen Prozessionen. Auch die Stadtentwicklung wird sichtbar: Durch wiederkehrende Blickwinkel der Fotografen lassen sich bauliche Veränderungen direkt vergleichen, von den Jugendstilvillen am Rosenberg bis zu den Sichtbeton-Bauten der Universität St.Gallen.

Exposition spéciale et publication « St.Gallen - ein Jahrhundert in Fotografien. La collection Foto Gross » : coopération entre le musée de la culture et les archives de la ville.

La collection Foto Gross ». Une publication, rédigée et éditée par les archives municipales de la bourgeoisie locale et de la commune politique de Saint-Gall, paraît simultanément. Le livre et l'exposition offrent un aperçu fascinant d'un siècle d'histoire de la Suisse orientale et mettent en lumière les grands changements sociaux et économiques de la région. La collection détenue par les archives de la ville comprend des centaines de milliers de photographies, allant de scènes quotidiennes à des événements historiques - un voyage visuel à travers le temps. L'exposition et le livre mettent en scène une large sélection de ces photographies. En plusieurs chapitres, elles invitent à une promenade à travers cent ans d'histoire.

Un regard multiple sur les changements de la société : un premier bloc thématique de l'exposition est consacré aux profonds changements du monde du travail et de la formation. Des photos de classe, qui reflètent un esprit du temps assoupli à partir des années 1970, aux profils professionnels en pleine mutation, les clichés illustrent de manière impressionnante les changements structurels et sociaux. La consommation est un autre thème intéressant : alors qu'avant la Seconde Guerre mondiale, l'accent était mis sur l'approvisionnement de base, le miracle économique de l'après-guerre a entraîné une augmentation fulgurante du pouvoir d'achat et de l'offre de produits.

Les visiteurs auront également un aperçu passionnant des loisirs du 20e siècle - des premiers téléphériques et téléskis à l'omniprésence de la télévision en passant par l'apparition des parcs de loisirs. La mobilité est également mise en lumière : Des photos historiques documentent le remplacement des trams par des trolleybus, l'extension de l'infrastructure de transport et les changements dans le paysage urbain de Saint-Gall.

Tradition, architecture et ville en mutation : l'accent est également mis sur les coutumes et les fêtes que Foto Gross a immortalisées au fil des décennies - de l'OLMA et de l'OFFA aux processions traditionnelles en passant par les défilés commerciaux. Le développement de la ville est également visible : les angles de vue récurrents des photographes permettent de comparer directement les changements architecturaux, des villas Art nouveau du Rosenberg aux bâtiments en béton apparent de l'Université de Saint-Gall.

Mostra speciale e pubblicazione “San Gallo - un secolo in fotografie. La collezione Foto Gross": collaborazione tra il Museo della Cultura e l'Archivio della Città.

La Collezione Foto Gross”. Contemporaneamente verrà pubblicata una pubblicazione scritta e curata dall'archivio cittadino dell'Ortsbürger- e Politische Gemeinde St.Gallen. Il libro e la mostra offrono un'affascinante visione di un secolo di storia della Svizzera orientale e fanno luce sui principali cambiamenti sociali ed economici della regione. La collezione dell'archivio comunale comprende centinaia di migliaia di fotografie, che spaziano da scene quotidiane a eventi storici - un viaggio visivo nel tempo. Un'ampia selezione di fotografie è presentata nella mostra e nel libro. In diversi capitoli, vi invitano a fare una passeggiata attraverso cento anni di storia.

Uno sguardo sfaccettato sulla trasformazione della società: un primo blocco tematico della mostra è dedicato ai profondi cambiamenti nel mondo del lavoro e dell'istruzione. Dalle foto di classe, che riflettono uno spirito più rilassato a partire dagli anni Settanta, al cambiamento dei profili professionali, le foto illustrano in modo impressionante i cambiamenti strutturali e sociali. Un altro tema interessante è quello dei consumi: se prima della Seconda guerra mondiale l'attenzione era rivolta ai beni di prima necessità, il miracolo economico del dopoguerra ha portato a un rapido aumento del potere d'acquisto e dell'offerta di prodotti.

Il visitatore potrà anche scoprire le attività del tempo libero del XX secolo, dalle prime ferrovie di montagna e dagli impianti di risalita fino alla nascita dei parchi di divertimento e all'onnipresenza della televisione. Anche la mobilità viene messa in evidenza: Le fotografie storiche documentano la sostituzione dei tram con i filobus, l'espansione delle infrastrutture di trasporto e i cambiamenti nel paesaggio urbano di San Gallo.

Tradizione, architettura e città che cambia: un altro punto focale è rappresentato dalle usanze e dalle feste che Foto Gross ha immortalato nel corso dei decenni, dall'OLMA e dall'OFFA alle sfilate commerciali e alle processioni tradizionali. Anche lo sviluppo urbano diventa visibile: le prospettive ricorrenti dei fotografi consentono un confronto diretto dei cambiamenti architettonici, dalle ville art nouveau sul Rosenberg agli edifici in cemento a vista dell'Università di San Gallo.

Special exhibition and publication ‘St.Gallen – a century in photographs. The Foto Gross Collection’: a collaboration between the Culture Museum and the City Archives

The Foto Gross Collection. At the same time, a publication is being written and edited by the City Archives of the Local Citizens' and Political Community of St.Gallen. The book and exhibition provide fascinating insights into a century of history in Eastern Switzerland, shedding light on the major social and economic changes in the region. The collection held by the city archives includes hundreds of thousands of photographs, ranging from scenes of everyday life to historical events – a visual journey through time. A broad selection of the photographs is presented in the exhibition and book. Divided into several chapters, they invite you to take a stroll through a hundred years of history.

A multifaceted view of social change: the first thematic block in the exhibition is dedicated to the profound changes in the world of work and education. From class photos, which reflect a more relaxed zeitgeist from the 1970s onwards, to changing job profiles – the photographs impressively demonstrate the structural and social transformation. Another interesting topic is consumption: before the Second World War, the focus was on basic supplies, but the economic miracle of the post-war period brought with it a rapid increase in purchasing power and the range of products available.

Visitors also get exciting insights into how people spent their leisure time in the 20th century – from early mountain railways and ski lifts to the advent of amusement parks and the omnipresence of television. Mobility is also highlighted: historical photographs document the replacement of trams by trolley buses, the expansion of the transport infrastructure and the changes in the cityscape of St. Gallen.

Tradition, architecture and the city in transition: another focus is on customs and festivals that Foto Gross has captured over decades – from the OLMA and OFFA to trade parades and traditional processions. The city's development is also visible: recurring perspectives of the photographers allow direct comparison of structural changes, from the Art Nouveau villas on the Rosenberg to the exposed concrete buildings of the University of St.Gallen.

(Text: Kulturmuseum St. Gallen)

Photo Elysée | Lausanne
28. März – 17. August 2025

Le sport à l'épreuve – Collections du Musée Olympique et de Photo Elysée

Seit über einem Jahrhundert werden wichtige Sportveranstaltungen von Bildern begleitet. Mit dem Aufkommen der Amateurfotografie Ende des 19. Jahrhunderts, die mit den ersten modernen Olympischen Spielen 1896 zusammenfiel, haben sich Fotografie und Sport in vielerlei Hinsicht gemeinsam weiterentwickelt. Die Ausstellung Sport im Fokus enthüllt die umfangreichen fotografischen Sammlungen des Olympischen Museums und des Photo Elysée. Mit der Erkundung eines weitgehend unveröffentlichten fotografischen Erbes bietet die Ausstellung, die im Rahmen der Rencontres d’Arles zu den Olympischen Spielen 2024 in Paris eröffnet wurde, eine Perspektive, die neues Licht auf die Sportfotografie wirft.

Die Sichtbarkeit von Sportveranstaltungen wird zwangsläufig durch das fotografische Bild vermittelt. Der Sport ist ein Leistungssport, bei dem Anstrengung und Gestik miteinander verbunden sind. Die Ausübung des Sports unterliegt genauen Regeln und wird zur Schau gestellt, wenn sie im Hinblick auf einen Wettkampf erfolgt. Die Inszenierung des Sports wird von den Fotografen weitergegeben, die rund um das Stadion Platz nehmen.

Die Ausstellung zeigt die visuelle Grammatik der Sportfotografie anhand verschiedener Themen auf: die Medienpräsenz, die 1896 in Athen begann; die Technik, die versucht, Bewegung durch Standbilder einzufangen; die Komposition, die die visuelle Erzählung beeinflusst und die Feier des Sports aufbaut; die Figuren im Stadion, wo die Athleten einer emotionalen Menge gegenüberstehen; und die Fotografen, die die Sportfotografie als reine Dokumentation der Leistung und andere als künstlerisches Mittel einsetzen. Die zahlreichen Fokussierungen bieten uns eine Erzählung, die die Fotografie des Sports und der Olympischen Spiele im Besonderen beleuchtet.

Depuis plus d’un siècle, les grands événements sportifs sont accompagnés d’images. Avec l’essor de la photographie amateur à la fin du XIXe siècle, qui coïncide avec les premiers Jeux Olympiques modernes en 1896, la photographie et le sport ont, à bien des égards, évolué de concert. Cette exposition lève le voile sur les vastes collections photographiques du Musée Olympique et de Photo Elysée. En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition, dévoilée aux Rencontres d'Arles pour les Jeux de Paris 2024, nous offre un récit qui met en lumière la photographie du sport.

La visibilité donnée aux manifestations sportives passe nécessairement par l’image photographique. Recherche de la performance, alliant l’effort à la gestuelle, la pratique du sport répond à des règles précises et se donne en spectacle lorsqu’elle est réalisée en vue d’une compétition. La mise en scène du sport est relayée par les photographes qui prennent place autour du stade.

En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition dévoile la grammaire visuelle de la photographie de sport à travers plusieurs thèmes : la médiatisation qui débute à Athènes en 1896 ; la technique qui cherche à capturer le mouvement par des arrêts sur image ; la composition qui influence la narration visuelle et construit la célébration du sport ; les figures qui prennent place dans le stade où les athlètes font face à une foule emprise avec des émotions ; et les photographes qui utilisent la photographie de sport comme documentation pure de l’exploit et d’autres comme moyen artistique. Les nombreux focus nous offrent un récit qui met en lumière la photographie du sport et des Jeux Olympiques en particulier.

Da oltre un secolo, i grandi eventi sportivi sono corredati da immagini. Con lo sviluppo della fotografia amatoriale a fine Ottocento, che coincide con le prime Olimpiadi moderne nel  1896, la fotografia e lo sport sono, sotto vari aspetti, evoluti di pari passo. Questa mostra alza il velo sulle vaste collezioni fotografiche del Musée Olympique e di Photo Elysée. Nel percorrere un patrimonio fotografico ampiamente inedito, la mostra, presentata in anteprima alle Rencontres d'Arles per le Olimpiadi di Parigi 2024, ci offre un racconto che mette in luce la fotografia sportiva.

Per oltre un secolo, i principali eventi sportivi sono stati accompagnati da immagini. Con la nascita della fotografia amatoriale alla fine del XIX secolo, in concomitanza con i primi Giochi Olimpici moderni nel 1896, la fotografia e lo sport si sono evoluti per molti versi insieme. La visibilità data agli eventi sportivi coinvolge necessariamente l'immagine fotografica. Ricerca della prestazione, combinazione di sforzo e movimento, lo sport è regolato da regole precise e si trasforma in spettacolo quando viene praticato in vista di una competizione. La messa in scena dello sport è trasmessa dai fotografi che prendono posizione intorno allo stadio.

Esplorando un patrimonio fotografico in gran parte inedito, la mostra rivela la grammatica visiva della fotografia sportiva attraverso una serie di temi: la copertura mediatica iniziata ad Atene nel 1896; la tecnica che cerca di catturare il movimento attraverso il fermo immagine; la composizione che influenza la narrazione visiva e costruisce la celebrazione dello sport; le figure che si svolgono nello stadio, dove gli atleti si trovano di fronte a una folla emozionata; i fotografi che usano la fotografia sportiva come pura documentazione dell'impresa e altri come mezzo artistico. I numerosi focus forniscono una narrazione che fa luce sulla fotografia dello sport e dei Giochi Olimpici in particolare.

For over a century, major sporting events have been accompanied by images. With the boom in amateur photography in the late 19th century, coinciding with the first modern Olympic Games in 1896, photography and sport have, in many ways, evolved together. This exhibition reveals the vast photographic collections of the Olympic Museum and Photo Elysée. The exhibition, which was unveiled at the Rencontres d'Arles for the Paris 2024 Games, explores a largely untold photographic heritage, offering us a narrative that shines the spotlight on sports photography.

The visibility given to sports events necessarily involves photographic imagery. Pursuing performance, combining effort with gesture, the practice of sports follows precise rules and is showcased when performed for competition. The staging of sports is relayed by photographers who position themselves around the stadium.

By exploring a largely unpublished photographic heritage, the exhibition reveals the visual grammar of sports photography through several themes: the mediatization that began in Athens in 1896; the technique that seeks to capture movement through freeze frames; the composition that influences visual narration and constructs the celebration of sports; the figures that take place in the stadium where athletes face a crowd gripped with emotions; and the photographers who use sports photography as pure documentation of achievement and others as an artistic means. The numerous focuses offer us a narrative that highlights sports photography and the Olympic Games in particular.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
28. März – 17. August 2025

Wish this was real – Tyler Mitchell

Der amerikanische Fotograf Tyler Mitchell träumt von einem Paradies vor dem Hintergrund der Geschichte. Seit seinem Aufstieg in der Modewelt hat Mitchell eine visuelle Erzählung über Schönheit, Stil, Utopie und Landschaft entwickelt, die die Visionen des schwarzen Lebens erweitert. Photo Elysée präsentiert Mitchells erste Einzelausstellung in der Schweiz, die neue Perspektiven auf seine langjährigen Themen der Selbstbestimmung und der aussergewöhnlichen Aura des Alltäglichen eröffnet und zeigt, wie Fotografie in der Vergangenheit verwurzelt sein und gleichzeitig eine imaginäre Zukunft heraufbeschwören kann.

Wish This Was Real erkundet Mitchells Werk von seinen frühen Porträts und Videos, die Träume von Freizeit und Selbstdarstellung verfolgen, bis hin zu seinen aufwendigen Landschaftsaufnahmen, die in Visionen vom Paradies schwelgen und die von der Komplexität der Geschichte und der sozialen Identität der Vereinigten Staaten unterstrichen werden. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Fotografien und Mixed-Media-Skulpturen von Künstlern, deren Werk eng mit Mitchells kreativem Schaffen verbunden ist, darunter Rashid Johnson, Gordon Parks und Carrie Mae Weems - ein einzigartiger Dialog zwischen den Generationen, der Mitchells Fotografie in ein breites Spektrum visueller Experimente und intellektueller Hinterlassenschaften einbettet.

 Wish This Was Real wird von Brendan Embser und Sophia Greiff kuratiert und von der C/O Berlin Foundation produziert.

Le photographe américain Tyler Mitchell est animé par des rêves de paradis sur fond d'histoire. Depuis son ascension dans le monde de la mode, il a constitué un récit visuel de la beauté, du style, de l'utopie et du paysage qui élargit les visions de l'expérience noire. Photo Elysée présente sa première exposition personnelle en Suisse, offrant de nouvelles perspectives sur ses thèmes de prédilection, comme l’autodétermination et l'extraordinaire éclat du quotidien, et montrant comment la photographie peut être enracinée dans le passé tout en évoquant des futurs hypothétiques.

 Intitulée Wish This Was Real, l’exposition parcourt l’ensemble de l’œuvre de Mitchell, de ses premiers portraits et vidéos qui dépeignent des rêves de loisirs et d'expression personnelle, jusqu'à ses paysages minutieusement élaborés qui se délectent de visions paradisiaques contrastées par la complexité de l'histoire et de l'identité sociale américaine. S’y ajoute une présentation de photographies et de sculptures mixtes d'artistes dont le travail entre en résonance avec sa propre ligne créative, tels que Rashid Johnson, Gordon Parks et Carrie Mae Weems. Wish This Was Real devient alors le point de départ d’un dialogue intergénérationnel unique, plaçant la photographie de Mitchell au cœur d'un vaste spectre d'expérimentations visuelles et d'héritage intellectuel.

 Le commissariat de Wish This Was Real est assuré par Brendan Embser et Sophia Greiff et l’exposition produite par la C/O Berlin Foundation.

Il fotografo americano Tyler Mitchell è mosso da sogni di paradiso sullo sfondo della sua storia. Dalla sua ascesione nel mondo della moda, ha costruito una narrazione visiva di bellezza, stile, utopia e paesaggio che va oltre le tradizionali visioni della vita della communità nera. Photo Elysée presenta la sua prima mostra personale in Svizzera, offrendo nuove prospettive sui temi a lui più cari, come l'autodeterminazione e la straordinaria brillantezza del quotidiano, e mostrando come la fotografia possa essere radicata nel passato e, al contempo, evocare ipotetici futuri.

Intitolata Wish This Was Real, la mostra ripercorre l'intera opera di Mitchell, dai primi ritratti e video che ritraggono sogni di svago e di autoespressione, ai paesaggi meticolosamente realizzati che rivelano visioni paradisiache in contrasto con le complessità della storia e dell'identità sociale americana. A ciò si aggiunge una presentazione di fotografie e sculture a tecnica mista di artisti il cui lavoro risuona con la sua linea creativa, come Rashid Johnson, Gordon Parks e Carrie Mae Weems. Wish This Was Real diventa così il punto di partenza di un dialogo intergenerazionale senza precedenti, mettendo la fotografia di Mitchell al centro di un ampio spettro di sperimentazione visiva e di eredità intellettuale. 

Wish This Was Real è curata da Brendan Embser e Sophia Greiff e prodotta dalla Fondazione C/O Berlin.

American photographer Tyler Mitchell is driven by dreams of paradise against the backdrop of history. Since his rise to prominence in the world of fashion, Mitchell has propelled a visual narrative of beauty, style, utopia, and the landscape that expands visions of Black life. Photo Elysée presents Mitchell’s first solo exhibition in Switzerland, offering new perspectives on his longstanding themes of self-determination and the extraordinary radiance of the everyday, and showing how photography can be rooted in the past while evoking imagined futures.

Wish This Was Real explores Mitchell’s work, from his early portraits and videos that pursue dreams of leisure and self-expression to his elaborate landscapes that revel in visions of paradise underscored by the complexities of history and social identity in the United States. Central to the exhibition is a display featuring photography and mixed-media sculptures by artists whose work deeply resonates with Mitchell’s own creative lineage, such as Rashid Johnson, Gordon Parks, and Carrie Mae Weems, a unique intergenerational dialogue that sets Mitchell’s photography within a wide spectrum of visual experimentation and intellectual heritage.

Wish This Was Real is curated by Brendan Embser and Sophia Greiff and is produced by the C/O Berlin Foundation.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Kunsthaus Zürich
4. April – 17. August 2025

Roman Signer – Landschaft

Unerwartete Begegnungen, spielerische Experimente und die Kräfte der Natur – in Roman Signers Kunst entfaltet sich eine Welt voller Energie und Transformation. Der grosse Ausstellungssaal im Kunsthaus Zürich wird zu einer offenen Landschaft, in der Zeit, Bewegung und Material auf überraschende Weise miteinander in Dialog treten.

Ein neuer Blick auf die Welt
Roman Signer ist ein Meister der Transformation. Seit über fünf Jahrzehnten lotet er mit einfachsten Mitteln die Möglichkeiten von Zeit, Raum und Energie aus. Alltägliche Gegenstände wie Eimer, Flaschen oder Kajaks werden in seiner Kunst zu Trägern überraschender, poetischer Ereignisse. Mit Neugier und Experimentierfreude stellt er die Ordnung der Welt auf den Kopf und lädt dazu ein, ihre Schönheit und Kraft aus neuen Perspektiven zu betrachten.

Inspiriert vom Leben selbst, war Signer nie ein Atelierkünstler. Seine Werke entstehen oft in freier Natur oder in urbanen Räumen. Bereits in den 1970er-Jahren, während eines Studienaufenthalts in Warschau, wurde die Strasse zu seiner «Akademie». Dieser spielerische, offene Zugang prägt sein Schaffen bis heute.

Rencontres inattendues, expériences ludiques et forces naturelles—l’art de Roman Signer dévoile un monde où l’énergie et la transformation prennent vie. La grande salle d’exposition du Kunsthaus Zürich se transformera en un paysage ouvert où le temps, le mouvement et la matière dialoguent de façon surprenante.

Un nouveau regard sur le monde
Roman Signer est un maître de la transformation. Depuis plus de cinq décennies, il explore les possibilités du temps, de l’espace et de l’énergie avec des matériaux des plus simples. Des objets du quotidien, comme des seaux, des bouteilles ou des kayaks, deviennent dans son art les vecteurs d’événements poétiques et surprenants. Avec curiosité et esprit d’expérimentation, Signer défie l’ordre du monde et nous invite à redécouvrir sa beauté et sa force sous un angle nouveau.

Inspiré par la vie elle-même, Signer n’a jamais été un artiste d’atelier. Ses œuvres naissent souvent en plein air ou dans des espaces urbains. Lors d’un séjour d’études à Varsovie dans les années 1970, les rues devinrent son « cadémie». Cet esprit ludique et ouvert imprègne son travail depuis lors.

Incontri inaspettati, esperimenti ludici e forze della natura: un mondo pieno di energia e trasformazione si dispiega nell'arte di Roman Signer. La grande sala espositiva del Kunsthaus Zürich diventa un paesaggio aperto in cui tempo, movimento e materia entrano in un sorprendente dialogo reciproco.

Una nuova visione del mondo
Roman Signer è un maestro della trasformazione. Da oltre cinque decenni esplora le possibilità del tempo, dello spazio e dell'energia con i mezzi più semplici. Nella sua arte, oggetti quotidiani come secchi, bottiglie o kayak diventano portatori di eventi sorprendenti e poetici. Con curiosità e amore per la sperimentazione, capovolge l'ordine del mondo e ci invita a vedere la sua bellezza e il suo potere da nuove prospettive.

Ispirato dalla vita stessa, Signer non è mai stato un artista da studio. Le sue opere sono spesso create all'aperto o in spazi urbani. Già negli anni Settanta, durante un soggiorno di studio a Varsavia, la strada è diventata la sua “accademia”. Questo approccio aperto e giocoso caratterizza tuttora il suo lavoro.

Unexpected encounters, playful experiments, and the forces of nature Roman Signer’s art reveals a world full of energy and transformation. The large exhibition gallery at the Kunsthaus Zürich will become an open landscape where time, movement, and material come together in surprising ways.

A New Perspective on the World
Roman Signer is a master of transformation. For over five decades, he has explored the possibilities of time, space, and energy using the simplest of materials. Everyday objects such as buckets, bottles, or kayaks become carriers of surprising, poetic events in his art. With curiosity and a sense of experimentation, Signer challenges the order of the world and invites us to rediscover its beauty and power from new perspectives.

Inspired by life itself, Signer has never been a studio artist. His works often emerge in the open air or urban spaces. During a study stay in Warsaw in the 1970s, the streets became his "academy." This playful and open approach has shaped his artistic practice ever since.

(Text: Kunsthaus Zürich)

Fondazione Rolla – Kindergarten | Bruzella
5. April – 14. September 2025

Phytostopia
Pino Musi

Die 24. von der Rolla-Stiftung präsentierte Ausstellung ist Pino Musi gewidmet, einem Autor, der den Sammlern Philip und Rosella Rolla sehr am Herzen liegt. Ihre Verbindung geht auf das Jahr 2002 zurück, als sie gemeinsam die Giuseppe Terragni gewidmete Ausstellung in den Räumen von Borgovico33, der entweihten Kirche Santa Caterina in Como, organisierten. Von da an wurden sie zu häufigen Besuchern und mehrere Werke von Musi kamen in ihre Sammlung.

Für diese Ausstellung baten die Eheleute Rolla ihn, ein unveröffentlichtes Projekt auszustellen, das Pino Musi in dem zu diesem Anlass herausgegebenen Katalog wie folgt vorstellt: „Im Jahr 2021, während der Zeit der Covid-19-Pandemie, fotografierte ich in Frankreich, Belgien und Italien einige ‚Vegetationsmauern‘, die nicht gepflegt wurden, sowie eine Reihe von Situationen, die in ihrer Form ebenso bizarr wie beunruhigend sind und in denen die Vegetation ein scheinbares Gleichgewicht zwischen Natur, Kultur und Lebensraum verändert hat...“

Die elf ausgestellten Fotografien stammen aus dem Archiv von Pino Musi und aus der Privatsammlung von Philip und Rosella Rolla.

Der Katalog, der kostenlos an die Besucher verteilt wird, enthält auch einen Text des Landschaftshistorikers und -theoretikers Michael Jakob, der zum Nachdenken über das schwierige Verhältnis zwischen Natur und Stadt anregt.

La 24e exposition présentée par la Fondation Rolla est consacrée à Pino Musi, un auteur cher aux collectionneurs Philip et Rosella Rolla. Leur lien remonte à 2002, lorsqu'ils ont monté ensemble l'exposition consacrée à Giuseppe Terragni dans les espaces de Borgovico33, l'église déconsacrée de Santa Caterina à Côme. Dès lors, ils sont devenus des visiteurs assidus et plusieurs œuvres de Musi sont entrées dans leur collection.

For this exhibition, Mr and Mrs Rolla asked him to exhibit an unpublished project, which Pino Musi presents in the catalogue published for the occasion as follows: « In 2021, during the period of the Covid-19 pandemic, I photographed in France, Belgium and Italy some “vegetation walls” that had not been maintained, and a series of situations just as bizarre in their form as they are disturbing, where vegetation has altered an apparent balance between nature, culture and habitat... »

Les onze photographies exposées proviennent des archives de Pino Musi et de la collection privée de Philip et Rosella Rolla.

Le catalogue, distribué gratuitement aux visiteurs, contient également un texte écrit par l'historien et théoricien du paysage Michael Jakob qui nous invite à réfléchir sur la relation difficile entre la nature et la ville.

La ventiquattresima mostra presentata dalla Fondazione Rolla, è dedicata a Pino Musi, un autore caro ai collezionisti Philip e Rosella Rolla. Il loro legame risale al 2002, quando hanno allestito insieme l’esposizione dedicata a Giuseppe Terragni ospitata negli spazi di Borgovico33, la chiesa sconsacrata di Santa Caterina a Como. Da quel momento in poi le frequentazioni sono diventate assidue e diverse opere di Musi sono entrate nella loro collezione.

Per questa mostra i coniugi Rolla gli hanno chiesto di esporre un progetto inedito che, nel catalogo pubblicato per l’occasione, Pino Musi presenta così: “Nel 2021, durante il periodo della pandemia Covid-19, ho fotografato in Francia, Belgio e Italia alcuni ‘muri vegetali’ che non avevano ricevuto manutenzione, ed una serie di situazioni altrettanto-bizzarre nella loro forma, quanto inquietanti, dove la vegetazione ha modificato un apparente equilibrio fra natura, cultura e habitat…”

Le undici fotografie esposte provengono dall’archivio di Pino Musi e dalla collezione privata di Philip e Rosella Rolla.

Nel catalogo, che viene distribuito gratuitamente ai visitatori, è presente anche un testo scritto dallo storico e teorico del paesaggio Michael Jakob che ci invita a riflettere sul difficile rapporto tra natura e città.

The twenty-fourth exhibition presented by the Rolla Foundation is dedicated to Pino Musi,

an author dear to collectors Philip and Rosella Rolla. Their connection dates back to 2002, when they set up together the exhibition dedicated to Giuseppe Terragni hosted in the spaces of Borgovico33, the deconsecrated church of Santa Caterina in Como. From that moment on, the meetings have become assiduous and works by Musi have entered their collection.

For this exhibition, the Rolla’s asked him to exhibit an unreleased project that, in the catalog published for the occasion, Pino Musi presents as follows: “In 2021, during the Covid-19 pandemic, in France, Belgium, and Italy I photographed a number of ‘living walls’ that had not been tended to. I also took pictures of a series of situations that were bizarre in terms of their shape, as well as disturbing, where the plant life had altered the apparent equilibrium between nature, culture and habitat…”

The eleven photographs on display come from the archives of Pino Musi and the private collection of Philip and Rosella Rolla.

The catalog, which is free to visitors, also features a text written by landscape historian and theorist Michael Jakob that invites us to reflect on the difficult relationship between nature and the city.

(Text: Fondazione Rolla, Bruzella)

L’Appartement – Espace Images Vevey
9. April – 20. Juli 2025

SESSION 11
James Barnor & Nico Krijno

In seiner 11. Ausstellungsreihe bringt L'Appartement James Barnor und Nico Krijno zusammen: zwei Künstler vom afrikanischen Kontinent mit komplementären Visionen, zwei Länder, zwei Generationen, zwei Arten, sich der Realität durch Bilder zu nähern. Auf der einen Seite zeigt James Barnor (geboren 1929 in Ghana) eine Reihe von Bildern, die den soziokulturellen Wandel in Ghana und im Vereinigten Königreich von den 1950er Jahren bis heute dokumentieren. Auf der anderen Seite dekonstruiert Nico Krijno (geboren 1981 in Südafrika) die Codes der traditionellen Fotografie durch einen experimentellen Ansatz, der digitale Collagen, abstrakte Kompositionen und leuchtende Farben miteinander verbindet. Zwischen Erinnerung und Neuerfindung konfrontiert diese Ausstellung Barnors historische und dokumentarische Erzählung mit Krijnos experimentellem Ansatz. Sie beleuchtet die Art und Weise, wie diese beiden Künstler, jeder auf seine Weise, an der Neudefinition des Bildes des Kontinents mitwirken.

Pour sa 11e session d’expositions, L’Appartement réunit James Barnor et Nico Krijno : deux artistes issus du continent africain aux visions complémentaires, deux pays, deux générations, deux façons d’aborder le réel à travers l’image. D’un côté, James Barnor (né en 1929 au Ghana) expose une série d’images documentant les mutations socioculturelles du Ghana et du Royaume-Uni, des années 1950 à aujourd’hui. De l’autre, Nico Krijno (né en 1981 en Afrique du Sud) déconstruit les codes de la photographie traditionnelle à travers une approche expérimentale, mêlant collages numériques, compositions abstraites et couleurs vives. Entre mémoire et réinvention, cette exposition confronte la narration historique et documentaire de Barnor à la démarche expérimentale de Krijno. Elle met en lumière la manière dont ces deux artistes, chacun à sa manière, participent à la redéfinition de l’image du continent.

Per la sua undicesima serie di mostre, L'Appartement riunisce James Barnor e Nico Krijno: due artisti del continente africano con visioni complementari, due Paesi, due generazioni, due modi di affrontare la realtà attraverso le immagini. Da un lato, James Barnor (nato in Ghana nel 1929) espone una serie di immagini che documentano i cambiamenti socioculturali in Ghana e nel Regno Unito dagli anni Cinquanta a oggi. Dall'altro, Nico Krijno (nato nel 1981 in Sudafrica) decostruisce i codici della fotografia tradizionale attraverso un approccio sperimentale, combinando collage digitali, composizioni astratte e colori vivaci. Tra memoria e reinvenzione, questa mostra mette a confronto la narrazione storica e documentaria di Barnor con l'approccio sperimentale di Krijno. L'esposizione mette in evidenza il modo in cui questi due artisti, ciascuno a suo modo, contribuiscono a ridefinire l'immagine del continente.

For its 11th exhibition session, L’Appartement brings together James Barnor and Nico Krijno: two artists from the African continent with complementary visions, two countries, two generations, two ways of approaching reality through images. On one side, James Barnor (born in 1929, Ghana) presents a series of images documenting the sociocultural transformations of Ghana and the United Kingdom from the 1950s to today. On the other, Nico Krijno (born in 1981, South Africa) deconstructs traditional photography through an experimental approach, blending digital collages, abstract compositions, and vibrant colors. Between memory and reinvention, this exhibition confronts Barnor’s historical and documentary narration with Krijno’s experimental approach. It highlights how these two artists, each in their own way, contribute to redefining the image of the continent.

(Text: L’Appartement – Espace Images Vevey)

Bildhalle | Zürich
10. April -  30. Juni 2025

BLOOMING - Der Künstler Arne Quinze im Dialog mit 12 Fotografinnen und Fotografen

Albarrán Cabrera, Laurent Champoussin, Paul Cupido, Sandro Diener, René Goebli, François Halard, Cig Harvey, Thomas Hoepker, Simone Kappeler, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thirza Schaap, Arne Quinze

Nach zwei Jahren Vorbereitung freut sich das Team der Bildhalle, die grosse Gruppenausstellung BLOOMING zu eröffnen. Sie erstreckt sich über beide Räumlichkeiten in Zürich und kombiniert Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen des renommierten belgischen Künstlers Arne Quinze mit Werken von 12 Fotografinnen und Fotografen rund um das Thema «Blooming».

Arne Quinze ist buchstäblich besessen von Blumen und der Pflanzenwelt. Er kultiviert Blumen zu Tausenden im Garten seines Ateliers und malt sie mit einer Leidenschaft und Beharrlichkeit, die der von Monet in seinem Garten in Giverny gleichkommt. Wie Botaniker:innen versuchen, neue Stecklinge zu setzen, zu veredeln und zu hybridisieren, so keimt und blüht auch die Ausstellung auf, in der Werke mit unterschiedlichen Medien und Bildsprachen zusammengebracht werden: Ihre Techniken mögen variieren, aber das, was die Künstler:innen in ihrer jeweiligen Ausdrucksweise einzufangen versuchen, vereint sie: eine vergängliche Schönheit, die festzuhalten, fixieren zu wollen, fast unmöglich erscheint.

Arne Quinze, der für seine monumentalen Gemälde und Installationen international bekannt ist, antwortet mit eigens für diese Ausstellung geschaffenen Zeichnungen auf die Werke von

Albarrán Cabrera, setzt seine Skulpturen in einen Dialog mit Thirza Schaap und kreiert Diptychen mit den Arbeiten von Paul Cupido und Sandro Diener.

Arne Quinze’s florale Bildsprache trifft auf die blumigen Elemente in den Werken von Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker und René Groebli. Zwei spannende Vertreter der französischen Fotoszene, François Halard und Laurent Champoussin, ergänzen die Arbeiten der zehn Fotografinnen und Fotografen aus der Bildhalle.

Man sagt, der Frühling bringe Liebe, Lebensfreude und Neubeginn – BLOOMING ist all dies zugleich und eine Ode an das Leben und die Schönheit der pflanzlichen Welt.

BLOOMING - L'artiste Arne Quinze en dialogue avec 12 photographes

Après deux ans de préparation, l'équipe de la Bildhalle est heureuse d'inaugurer la grande exposition de groupe BLOOMING. Elle s'étend sur les deux espaces de Zurich et combine des peintures, des dessins et des sculptures du célèbre artiste belge Arne Quinze avec les œuvres de 12 photographes autour du thème « Blooming ».

Arne Quinze est littéralement obsédé par les fleurs et le monde végétal. Il cultive des fleurs par milliers dans le jardin de son atelier et les peint avec une passion et une persévérance comparables à celles de Monet dans son jardin de Giverny. Tout comme les botanistes tentent de faire de nouvelles boutures, de les greffer et de les hybrider, l'exposition germe et fleurit, réunissant des œuvres aux médias et aux langages visuels différents : Leurs techniques peuvent varier, mais ce que les artistes tentent de capturer dans leur mode d'expression respectif les réunit : une beauté éphémère qu'il semble presque impossible de retenir, de fixer.

Arne Quinze, connu internationalement pour ses peintures et installations monumentales, répond aux œuvres d'Arbara Cabrera avec des dessins créés spécialement pour cette exposition.

Albarrán Cabrera, fait dialoguer ses sculptures avec Thirza Schaap et crée des diptyques avec les travaux de Paul Cupido et Sandro Diener.

Le langage visuel floral d'Arne Quinze rencontre les éléments floraux des œuvres de Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker et René Groebli. Deux représentants passionnants de la scène photographique française, François Halard et Laurent Champoussin, complètent les travaux des dix photographes de la Bildhalle.

On dit que le printemps apporte l'amour, la joie de vivre et un nouveau départ - BLOOMING est tout cela à la fois et une ode à la vie et à la beauté du monde végétal.

BLOOMING - L'artista Arne Quinze in dialogo con 12 fotografi

Dopo due anni di preparazione, il team della Bildhalle è lieto di inaugurare la grande mostra collettiva BLOOMING. L'esposizione si estende su entrambi gli spazi di Zurigo e combina dipinti, disegni e sculture del rinomato artista belga Arne Quinze con opere di 12 fotografi sul tema della “fioritura”.

Arne Quinze è letteralmente ossessionato dai fiori e dal mondo vegetale. Coltiva migliaia di fiori nel giardino del suo studio e li dipinge con una passione e una tenacia che rivaleggia con quella di Monet nel suo giardino di Giverny. Proprio come i botanici cercano di piantare nuove talee, innestare e ibridare, così la mostra germoglia e fiorisce, riunendo opere con media e linguaggi visivi diversi: Le tecniche possono variare, ma ciò che gli artisti cercano di catturare nelle rispettive modalità espressive li accomuna: una bellezza effimera che sembra quasi impossibile da catturare, da voler fissare.

Arne Quinze, riconosciuto a livello internazionale per i suoi dipinti e installazioni monumentali, risponde alle opere di Albarrán Cabrera con disegni creati appositamente per questa mostra.

Albarrán Cabrera pone le sue sculture in dialogo con Thirza Schaap e crea dittici con le opere di Paul Cupido e Sandro Diener.

Il linguaggio visivo floreale di Arne Quinze incontra gli elementi floreali nelle opere di Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker e René Groebli. Due interessanti rappresentanti della scena fotografica francese, François Halard e Laurent Champoussin, completano le opere dei dieci fotografi della Bildhalle.

Si dice che la primavera porti amore, gioia di vivere e nuovi inizi: BLOOMING è tutto questo allo stesso tempo e un'ode alla vita e alla bellezza del mondo vegetale.

BLOOMING - The artist Arne Quinze in dialogue with 12 photographers

After two years of preparation, the Bildhalle team is pleased to announce the opening of the group exhibition BLOOMING. It extends over both premises in Zurich and combines paintings, drawings and sculptures by the renowned Belgian artist Arne Quinze with works by 12 photographers on the theme of ‘Blooming’.

Arne Quinze is literally obsessed with flowers and the plant world. He cultivates thousands of flowers in the garden of his studio and paints them with a passion and persistence that matches Monet's in his garden at Giverny. Just as botanists attempt to plant, graft and hybridise new cuttings, the exhibition also comes to life and blossoms, bringing together works in a range of different media and visual languages: Their techniques may vary, but what the artists are trying to capture in their respective modes of expression unites them: an ephemeral beauty that seems almost impossible to hold on to, to capture.

Arne Quinze, who is internationally known for his monumental paintings and installations, responds to the works of

Cabrera, places his sculptures in dialogue with Thirza Schaap and creates diptychs with the works of Paul Cupido and Sandro Diener.

Arne Quinze's floral imagery meets the flowery elements in the works of Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker and René Groebli. Two exciting representatives of the French photography scene, François Halard and Laurent Champoussin, complement the works of the ten photographers from the Bildhalle.

It is said that spring brings love, joie de vivre and new beginnings – BLOOMING is all of this at once and an ode to life and the beauty of the plant world.

(Text: Bildhalle, Zürich)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
3. Mai – 31. August 2025

Olvidamos cómo contemplar la madre tierra?
Naara Bahler

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bieler Fototage statt.

Das Photoforum Pasquart freut sich, im Rahmen der Bieler Fototage 2025 die Einzelausstellung von Naara Bahler zu präsentieren. Die diesjährige Ausgabe des Festivals steht unter dem Thema Horizons und befasst sich mit der Frage, wie Landschaften wahrgenommen, genutzt und dargestellt werden.

Ob Stadt, Wald oder Industrie – Landschaft ist nicht nur ein physischer Raum, sondern auch ein kulturelles und emotionales Konstrukt. Sie wird beschrieben, kartiert, fotografiert und interpretiert. Die Bieler Fototage 2025 erkunden neue Horizonte der Landschaftsdarstellung und stellen künstlerische Positionen vor, die alternative Perspektiven auf unser Verhältnis zur Umwelt aufzeigen.

Mit ihrer Arbeit setzt sich Naara Bahler auf poetische und experimentelle Weise mit der Verbindung zwischen Mensch und Natur auseinander. Ihre Werke stehen in einem spannungsvollen Dialog mit dem Festivalthema, indem sie eine persönliche, sinnliche Annäherung an Landschaften und deren Darstellung ermöglichen. Die Ausstellung wird über die Bieler Fototage hinaus verlängert und durch eine künstlerische Erweiterung ergänzt.

Haben wir vergessen, wie man Mutter Erde betrachtet? Diese Frage stellt sich Naara Bahler in ihrer Arbeit und lädt die Betrachter:innen dazu ein, innezuhalten und ihre Verbindung zur Natur neu zu überdenken. Inspiriert von Kindheitserinnerungen an stundenlanges Beobachten der Natur, sucht sie in ihrer künstlerischen Praxis nach einer Form der Kontemplation – einem Moment der Stille, in dem Raum für Reflexion und Vorstellungskraft entsteht.

Bahler kombiniert analoge, cyanotypische und digitale fotografische Techniken, um Bilder zu schaffen, die zeitgenössische Elemente mit der Natur verschmelzen lassen. Blumen, Blätter und menschliche Spuren treten in Dialog miteinander und erschaffen Kompositionen, die eine stille Mystik ausstrahlen und teils imaginäre Wesen hervorrufen. Ihre Werke thematisieren die Spannung zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit, indem sie der schnellen, immateriellen digitalen Fotografie einen bewussten, langsamen Schaffensprozess entgegensetzt.

Mit ihrer monatelangen, experimentellen Arbeitsweise lädt Bahler die Betrachter:innen dazu ein, sich auf eine tiefere Auseinandersetzung mit ihrer Umwelt einzulassen. Ihre Werke bieten eine Gelegenheit zur bewussten Betrachtung – eine Einladung, innezuhalten und die eigene Verbindung zur Erde neu zu entdecken.

Le Photoforum Pasquart est heureux de présenter une exposition individuelle de Naara Bahler dans le cadre des Journées photographiques de Bienne 2025. Cette édition du festival est dédiée au thème Horizons, qui explore comment les paysages sont perçus, utilisés et représentés.

Qu’ils soient urbains, forestiers ou industriels, les paysages ne sont pas seulement des espaces physiques, mais aussi des constructions culturelles et émotionnelles. Ils sont décrits, cartographiés, photographiés et interprétés. Les Journées photographiques de Bienne 2025 explorent de nouveaux horizons de la représentation du paysage, mettant en avant des perspectives artistiques qui interrogent notre relation à l’environnement.

À travers une approche poétique et expérimentale, Naara Bahler examine la relation entre l’humain et la nature. Son travail entre en résonance avec le thème du festival en proposant une exploration sensorielle et personnelle des paysages et de leur représentation. L’exposition se poursuivra après les Journées photographiques de Bienne et sera enrichie d’une intervention artistique spécifique au site.

Avons-nous oublié comment regarder la Terre-Mère ? Cette question est au cœur du travail de Naara Bahler, qui invite les visiteur·x·e·s à s’arrêter un instant et à reconsidérer leur relation avec la nature. Inspirée par des souvenirs d’enfance passés à observer son environnement, Bahler cherche à créer, dans sa pratique artistique, des moments de contemplation—des espaces de calme où la réflexion et l’imagination peuvent se déployer.

Bahler associe des techniques photographiques analogiques, cyanotypiques et numériques pour créer des images qui fusionnent des éléments contemporains et le monde naturel. Fleurs, feuilles et traces humaines entrent en dialogue pour former des compositions empreintes de mysticisme, évoquant parfois des êtres imaginaires. Son travail explore la tension entre permanence et éphémérité, en opposant à la rapidité et l’immatérialité de la photographie numérique un processus de création lent et intentionnel.

À travers une méthode de travail expérimentale et prolongée, Bahler encourage les visiteur·x·e·s à approfondir leur relation avec leur environnement. Ses œuvres invitent à une contemplation consciente—une occasion de ralentir et de redécouvrir notre lien à la Terre.

Il Photoforum Pasquart è lieto di presentare la mostra personale di Naara Bahler nell'ambito dei Biel/Bienne Photo Days 2025. Il tema dell'edizione di quest'anno del festival è Orizzonti e affronta la questione di come i paesaggi vengono percepiti, utilizzati e rappresentati.

Che si tratti di città, foreste o industrie, il paesaggio non è solo uno spazio fisico, ma anche un costrutto culturale ed emotivo. Viene descritto, mappato, fotografato e interpretato. Le Giornate fotografiche di Biel/Bienne 2025 esplorano nuovi orizzonti della rappresentazione del paesaggio e presentano posizioni artistiche che mostrano prospettive alternative sul nostro rapporto con l'ambiente.

Nel suo lavoro, Naara Bahler esplora la connessione tra uomo e natura in modo poetico e sperimentale. Le sue opere instaurano un dialogo emozionante con il tema del festival, consentendo un approccio personale e sensuale al paesaggio e alla sua rappresentazione. La mostra sarà estesa oltre il Festival della Fotografia di Biel/Bienne e completata da un'estensione artistica.

Abbiamo dimenticato come guardare la Madre Terra? Naara Bahler pone questa domanda nel suo lavoro e invita gli spettatori a fermarsi e a ripensare il loro legame con la natura. Ispirata dai ricordi d'infanzia delle ore trascorse a osservare la natura, cerca una forma di contemplazione nella sua pratica artistica - un momento di quiete che crea spazio per la riflessione e l'immaginazione.

Bahler combina tecniche fotografiche analogiche, cianotipiche e digitali per creare immagini che fondono elementi contemporanei con la natura. Fiori, foglie e tracce umane entrano in dialogo tra loro, creando composizioni che emanano un tranquillo misticismo e talvolta evocano esseri immaginari. Le sue opere tematizzano la tensione tra permanenza e transitorietà, contrapponendo la fotografia digitale veloce e immateriale a un processo creativo lento e consapevole.

Con il suo approccio sperimentale, che dura da mesi, Bahler invita gli spettatori a impegnarsi in un esame più profondo del loro ambiente. Le sue opere offrono un'opportunità di contemplazione consapevole, un invito a fermarsi e a riscoprire il proprio legame con la terra.

The Photoforum Pasquart is delighted to present a solo exhibition by Naara Bahler as part of Bieler Fototage 2025. This year’s edition of the festival is dedicated to the theme Horizons, exploring how landscapes are perceived, used, and represented.

Whether urban, forested, or industrial, landscapes are not just physical spaces but also cultural and emotional constructs. They are described, mapped, photographed, and interpreted. Bieler Fototage 2025 explores new horizons in landscape representation, showcasing artistic perspectives that challenge and redefine our relationship with the environment.

Through a poetic and experimental approach, Naara Bahler examines the relationship between humans and nature. Her work resonates with the festival theme by offering a personal and sensory exploration of landscapes and their depiction. The exhibition will continue beyond Biel/Bienne Festival of photography and will be expanded with a site-specific addition.

Have We Forgotten How to Look at Mother Earth? This question is at the heart of Naara Bahler’s work, inviting viewers to pause and reconsider their connection with nature. Inspired by childhood memories of spending hours observing her surroundings, Bahler’s artistic practice seeks to create moments of contemplation—spaces of stillness where reflection and imagination can unfold.

Bahler combines analog, cyanotype, and digital photographic techniques to create images that merge contemporary elements with the natural world. Flowers, leaves, and human traces interact to form compositions that radiate a quiet mysticism and conjure almost imaginary beings. Her work explores the tension between permanence and transience, countering the rapid, immaterial nature of digital photography with a slow, intentional creative process.

Through her long and experimental working methods, Bahler encourages viewers to engage deeply with their environment. Her images invite a mindful way of seeing—an opportunity to pause and rediscover one’s connection to the Earth.

(Text: Amelie Schüle, Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Landesmuseum Zürich
9. Mai – 29. Juni 2025

Das Weltgeschehen im Fokus

Jeweils im Frühling zeigt das Landesmuseum Zürich die besten Pressefotografien der Schweiz und der Welt. Auch 2025 ermöglichen die beiden Ausstellungen «Swiss Press Photo 25» und «World Press Photo 2025» einen beeindruckenden Rückblick auf das vergangene Kalenderjahr. Die Bilder zeigen aktuelles Zeitgeschehen aus oft unbekannten Perspektiven und nehmen die Besucherinnen und Besucher mit auf Reisen. Etwa nach Kampala (Uganda), wo der Bodybuilder Tamale Safalu landesweit als erster Athlet mit Behinderung gegen nicht behinderte Sportler antritt. Das im Rahmen von «World Press Photo» prämierte Bild von Marijn Fidder zeigt Safalu beim Training und inspiriert durch dessen Stärke und Entschlossenheit.

Eine Fotoserie in der Ausstellung «Swiss Press Photo» führt zu vier heruntergekommenen Wohnblocks in der Nähe des Hauptbahnhofs. Sie gehören der SBB und wurden 1965 für unverheiratete Gastarbeiter gebaut. Eigentlich als Provisorien geplant, stehen die «Junggesellenheime» bis heute. Annick Ramp porträtiert mit ihrer Serie zwei Arbeiter aus Portugal und Ostdeutschland, die in den an Plattenbauten erinnernden Häusern wohnen.

In der Ausstellung «Swiss Press Photo» werden rund 150 Bilder in den Kategorien Aktualität, Alltag, Schweizer Geschichten, Porträt, Sport und Ausland gezeigt. Die Gewinnerinnen und Gewinner der verschiedenen Kategorien sind alle mit ihren eindrücklichen Werken im Landesmuseum vertreten. Bei «World Press Photo» sind rund 160 Bilder zu sehen. Sie decken alle Kontinente ab und werden danach in über 80 weiteren Städten auf der ganzen Welt gezeigt. Die beiden Ausstellungen werden ab Mitte November 2025 auch im Château de Prangins zu sehen sein.

Die World Press Photo Foundation wird unterstützt von ihren strategischen Partnern, der Dutch Postcode Lottery, PwC und der FUJIFILM Corporation.

Chaque printemps, le Musée national Zurich présente les meilleures photographies de presse de la Suisse et du monde. En 2025 également, les deux expositions «Swiss Press Photo 25» et «World Press Photo 2025» constituent une rétrospective impressionnante de l’année écoulée. En plus de montrer l’actualité récente sous un angle souvent inédit, ces images embarquent les visiteurs et visiteuses dans des voyages qui les mènent par exemple à Kampala (Ouganda), où Tamale Safalu est devenu le premier culturiste en situation de handicap de son pays à se mesurer à des athlètes valides. Le cliché de Marijn Fidder, récompensé dans le cadre du concours «World Press Photo», montre Safalu à l’entraînement et inspire par sa force et sa détermination.

Une série de clichés de l’exposition «Swiss Press Photo» mène à quatre immeubles d’habitation délabrés près de la gare centrale de Zurich. Ils appartiennent aux CFF et ont été construits en 1965 à destination des travailleurs immigrés non mariés. Ces «foyers de célibataires», qui devaient à l’origine être provisoires, existent encore aujourd’hui. La série d’Annick Ramp représente deux travailleurs, originaires du Portugal et d’Allemagne de l’Est, qui habitent dans ces maisons rappelant des immeubles préfabriqués.

L’exposition «Swiss Press Photo» dévoile près de 150 images dans les catégories Actualité, Vie quotidienne, Reportages suisses, Portrait, Sports et Étranger. Les gagnants et gagnantes des différentes catégories sont tous représentés au Musée national Zurich au travers de leurs œuvres impressionnantes. L’exposition «World Press Photo» compte quelque 160 images qui couvrent tous les continents et seront ensuite présentées dans plus de 80 autres villes à travers le monde. Les deux expositions seront également à découvrir au Château de Prangins à partir de la mi-novembre 2025.

La fondation World Press Photo est soutenue par ses partenaires stratégiques, à savoir la Dutch Postcode Lottery, PwC et la FUJIFILM Corporation.

Ogni primavera il Museo nazionale Zurigo espone le migliori fotografie giornalistiche della Svizzera e del mondo. Anche nel 2025, le mostre «Swiss Press Photo 25» e «World Press Photo 2025» permettono di gettare uno sguardo retrospettivo sull’anno trascorso ricco di scoperte. Oltre a trattare molti temi di attualità da prospettive spesso inedite, le immagini sono un invito al viaggio rivolto ai visitatori. Per esempio a Kampala (Uganda), dove il culturista Tamale Safalu è il primo atleta con disabilità del Paese a gareggiare contro atleti non disabili. La foto di Marijn Fidder, premiata nell’ambito di «World Press Photo», mostra Safalu mentre si allena e con la sua forza e determinazione è fonte di ispirazione.

Una serie di foto della mostra «Swiss Press Photo» ci porta in quattro fatiscenti palazzine vicino alla stazione ferroviaria. Appartengono alle FFS e furono costruiti nel 1965 per i lavoratori stranieri non sposati. Originariamente progettate come alloggi temporanei, le «case degli scapoli» sono abitate ancora oggi. Nella sua serie, Annick Ramp ritrae due lavoratori provenienti dal Portogallo e dalla Germania dell'Est che vivono nelle case che ricordano i caseggiati popolari oltre la cortina di ferro.

La mostra «Swiss Press Photo» presenta circa 150 fotografie nelle categorie attualità, vita quotidiana, storie svizzere, ritratti, sport ed estero. Il Museo nazionale Zurigo espone tutte le opere dei vincitori delle diverse categorie. Nella categoria «World Press Photo» sono esposte circa 160 fotografie scattate in tutti i continenti e che saranno successivamente esposte in oltre 80 città di tutto il mondo. Da metà novembre 2025 le due mostre potranno essere viste anche al Castello di Prangins.

La Fondazione World Press Photo è sostenuta dai suoi partner commerciali, Dutch Postcode Lottery, PwC e FUJIFILM Corporation.

Each spring, the National Museum Zurich presents a selection of the best photojournalism from Switzerland and around the world. Once again in 2025, the exhibitions ‘Swiss Press Photo 25’ and ‘World Press Photo 2025’ take a look back at some striking images from the previous calendar year. As well as showing current events, frequently from fresh perspectives, the photos take visitors on a journey. For example, to Kampala, where Tamale Safalu became the first disabled bodybuilder in Uganda to compete against able-bodied athletes. The photo by Marijn Fidder, which picked up an award in the ‘World Press Photo’ competition, shows Safalu training with a strength and determination that serves as an inspiration to others.

One series of photos in the ‘Swiss Press Photo’ exhibition takes viewers to four run-down apartment blocks near Zurich’s main station. They are owned by the Swiss Federal Railways (SBB) and were built in 1965 to house unmarried migrant workers. Intended as nothing more than a temporary solution, these ‘bachelor pads’ are still standing today. Annick Ramp’s photo spread portrays two workers, one from Portugal and one from eastern Germany, who live in the buildings, which are similar in style to the prefabricated housing typically found throughout the former Soviet bloc.

In the ‘Swiss Press Photo’ exhibition, some 150 pictures will be exhibited in the categories News, Daily Life, Swiss Stories, People, Sports and World. Impressive works by the winners in each of the various categories will be on show at the National Museum Zurich. Meanwhile, the ‘World Press Photo’ exhibition comprises some 160 photos, covering all continents, which will subsequently tour to more than 80 cities around the world. Both exhibitions will also be shown at the Château de Prangins from mid-November 2025.

The World Press Photo Foundation is supported by its strategic partners, the Dutch Postcode Lottery, PwC and FUJIFILM Corporation.

(Text: Landesmuseum Zürich)

Galerie 94 | Baden
9. Mai - 28. Juni 2025

Zehn Jahre Kunst und Kreativität

Die Galerie 94 feiert ihr zehnjähriges Bestehen – ein Jahrzehnt voller bemerkenswerter Ausstellungen, inspirierender Künstler und unvergesslicher Momente. Seit ihrer Gründung hat die Galerie 94 nicht nur als Plattform für etablierte Künstler gedient, sondern auch aufstrebenden Talenten eine Bühne geboten und sich als wichtiger Akteur in der Kunstszene etabliert. In den letzten zehn Jahren hat Galerie 94 insgesamt 50 Ausstellungen präsentiert, die eine breite Palette von Kunststilen und -medien abdecken. Von Malerei und Skulptur über Fotografie bis hin zu digitalen Kunstformen – die Galerie hat stets ein vielfältiges und spannendes Programm angeboten. Jede Ausstellung war eine sorgfältig kuratierte Erfahrung, die das Publikum dazu einlud, Kunst aus neuen Perspektiven zu betrachten und sich mit den Werken intensiv auseinanderzusetzen.

La Galerie 94 célèbre son dixième anniversaire, une décennie marquée par des expositions remarquables, des artistes inspirants et des moments inoubliables. Depuis sa création, la Galerie 94 n'a pas seulement servi de plateforme aux artistes établis, elle a également offert une scène aux talents émergents et s'est imposée comme un acteur important de la scène artistique. Au cours des dix dernières années, la Galerie 94 a présenté un total de 50 expositions couvrant un large éventail de styles et de médias artistiques. De la peinture et la sculpture à la photographie et aux formes d'art numérique, la galerie a toujours proposé un programme varié et passionnant. Chaque exposition était une expérience soigneusement commissariée qui invitait le public à découvrir l'art sous un nouveau jour et à s'immerger dans les œuvres.

La Galerie 94 festeggia il suo decimo anniversario: un decennio ricco di mostre straordinarie, artisti stimolanti e momenti indimenticabili. Sin dalla sua fondazione, la Galerie 94 non è stata solo una piattaforma per artisti affermati, ma ha anche offerto un palcoscenico a talenti emergenti, affermandosi come attore di primo piano nella scena artistica. Negli ultimi dieci anni, la Galleria 94 ha presentato un totale di 50 mostre che coprono un'ampia gamma di stili e mezzi artistici. Dalla pittura e scultura alla fotografia e alle forme d'arte digitale, la galleria ha sempre offerto un programma variegato e stimolante. Ogni mostra è stata un'esperienza accuratamente curata, che ha invitato il pubblico a guardare l'arte da nuove prospettive e a confrontarsi intensamente con le opere.

Galerie 94 is celebrating its tenth anniversary - a decade full of remarkable exhibitions, inspiring artists and unforgettable moments. Since its inception, Galerie 94 has not only served as a platform for established artists, but has also provided a stage for emerging talents and established itself as an important player in the art scene. Over the past ten years, Galerie 94 has presented a total of 50 exhibitions covering a wide range of art styles and media. From painting and sculpture to photography and digital art forms, the gallery has always offered a diverse and exciting program. Each exhibition has been a carefully curated experience, inviting audiences to view art from new perspectives and engage with the works in depth.

(Text: Galerie 94, Baden)

Christophe Guye Galerie | Zürich
15. Mai – 28. August 2025

Fading into Fullness

Linus Bill, Anthony Friedkin, Stephen Gill, Erik Madigan Heck, John Yuyi, Syoin Kajii, Rinko Kawauchi, Jung Lee, Lieko Shiga, Emma Summerton, Risaku Suzuki, Miroslav Tichy, Albert Watson

Es gibt diese besonderen Momente zwischen Frühling und Sommer, wenn sich das Licht verändert, die Farben intensiver werden und die Welt einen anderen Rhythmus annimmt. Fading into Fullness widmet sich diesem saisonalen und emotionalen Übergang mit dem Medium der zeitgenössischen Fotografie. Die Ausstellung vereint dreizehn internationale Künstlerinnen und Künstler, deren mehr als 30 Arbeiten sich mit Wahrnehmung, Zeit, Wandel und Vergänglichkeit auseinandersetzen – inspiriert von japanischen Ästhetiken wie wabi-sabi und mono no aware.

Im Zentrum steht das Interesse an subtilen Transformationen: Wie sich Licht, Textur und Form mit dem Wechsel der Jahreszeit verändern – und wie sich diese Verschiebungen auch in uns selbst widerspiegeln. Die Arbeiten erforschen Zustände der Erwartungen und des Innehaltens: Momente, in denen die Wahrnehmung geschärft wird und innere Befindlichkeiten sichtbar werden.

Die delikaten Kompositionen von Rinko Kawauchi, die leuchtenden Kirschblüten von Risaku Suzuki und die meditativen Meereslandschaften von Syoin Kajii bieten visuelle Studien der natürlichen Vergänglichkeit. Lieko Shiga und Stephen Gill untersuchen Erinnerung, Ort und die Spuren des Erlebten, während Künstler wie Erik Madigan Heck, Emma Summerton und John Yuyi mit dem Körper, der Präsenz und der Performance arbeiten und Bilder konstruieren, die sowohl emotionale als auch ästhetische Aspekte widerspiegeln.

Von Jung Lees leuchtenden Neonskulpturen über die analogen Interventionen von Linus Bill bis hin zur stillen Monumentalität von Anthony Friedkins Surf-Bildern - Fading into Fullness bringt fotografische Praktiken zusammen, die formal unterschiedlich und doch konzeptionell aufeinander abgestimmt sind. Es ist eine Ausstellung über Grenzbereiche - zwischen Bild und Erinnerung, Kontrolle und Zufall, Natur und Figur, Sehen und Fühlen.

In einer Zeit, die oft von Beschleunigung und Überfluss geprägt ist, lädt Fading into Fullness dazu ein, sich der Stille und dem Übergang zu widmen – dem Reichtum eines Zustands, der gerade erst beginnt, sich zu entfalten.

Il existe ces moments particuliers entre le printemps et l'été où la lumière change, les couleurs s'intensifient et le monde prend un autre rythme. Fading into Fullness se consacre à cette transition saisonnière et émotionnelle à travers le médium de la photographie contemporaine. L'exposition réunit treize artistes internationaux dont plus de 30 œuvres explorent la perception, le temps, le changement et l'éphémère, inspirées par l'esthétique japonaise telle que le wabi-sabi et le mono no aware.

Au centre de l'exposition se trouve l'intérêt pour les transformations subtiles : comment la lumière, la texture et la forme changent avec le passage des saisons, et comment ces changements se reflètent également en nous. Les œuvres explorent des états d'attente et de pause : des moments où la perception s'affine et où les sensibilités intérieures deviennent visibles.

Les compositions délicates de Rinko Kawauchi, les fleurs de cerisier lumineuses de Risaku Suzuki et les paysages marins méditatifs de Syoin Kajii offrent des études visuelles de la nature éphémère. Lieko Shiga et Stephen Gill explorent la mémoire, le lieu et les traces de l'expérience, tandis que des artistes tels qu'Erik Madigan Heck, Emma Summerton et John Yuyi travaillent avec le corps, la présence et la performance, construisant des visuels qui reflètent à la fois des aspects émotionnels et esthétiques.

Des sculptures néon lumineuses de Jung Lee aux interventions analogiques de Linus Bill, en passant par la monumentalité silencieuse des images de surf d'Anthony Friedkin, Fading into Fullness rassemble des pratiques photographiques formellement différentes mais conceptuellement cohérentes. C'est une exposition sur les zones limites - entre image et mémoire, contrôle et hasard, nature et figure, vision et sensation.

À une époque souvent marquée par l'accélération et l'abondance, Fading into Fullness invite à se consacrer au silence et à la transition, à la richesse d'un état qui commence tout juste à s'épanouir.

Ci sono momenti speciali tra la primavera e l'estate, quando la luce cambia, i colori diventano più intensi e il mondo assume un ritmo diverso. Fading into Fullness è dedicata a questa transizione stagionale ed emotiva attraverso il mezzo della fotografia contemporanea. La mostra riunisce tredici artisti internazionali, le cui oltre 30 opere esplorano la percezione, il tempo, il cambiamento e la caducità, ispirandosi all'estetica giapponese del wabi-sabi e del mono no aware.

Al centro dell'attenzione c'è l'interesse per le trasformazioni sottili: come la luce, la consistenza e la forma cambiano con il mutare delle stagioni e come questi cambiamenti si riflettono anche in noi stessi. Le opere esplorano stati di attesa e di pausa: momenti in cui la percezione si acuisce e le sensazioni interiori diventano visibili.

Le delicate composizioni di Rinko Kawauchi, i luminosi fiori di ciliegio di Risaku Suzuki e i meditativi paesaggi marini di Syoin Kajii offrono studi visivi sulla caducità della natura. Lieko Shiga e Stephen Gill esplorano la memoria, il luogo e le tracce dell'esperienza, mentre artisti come Erik Madigan Heck, Emma Summerton e John Yuyi lavorano con il corpo, la presenza e la performance, costruendo immagini che riflettono aspetti sia emotivi che estetici.

Dalle scintillanti sculture al neon di Jung Lee agli interventi analogici di Linus Bill, fino alla silenziosa monumentalità delle immagini di surf di Anthony Friedkin, Fading into Fullness riunisce pratiche fotografiche formalmente diverse ma concettualmente affini. È una mostra sui confini: tra immagine e memoria, controllo e casualità, natura e figura, vedere e sentire.

In un'epoca spesso caratterizzata dall'accelerazione e dall'eccesso, Fading into Fullness invita a dedicarsi al silenzio e alla transizione, alla ricchezza di uno stato che sta appena iniziando a dispiegarsi.

There are those special moments between spring and summer when the light changes, colours become more intense and the world takes on a different rhythm. Fading into Fullness explores this seasonal and emotional transition through the medium of contemporary photography. The exhibition brings together thirteen international artists whose more than 30 works deal with perception, time, change and transience – inspired by Japanese aesthetics such as wabi-sabi and mono no aware.

At the centre is an interest in subtle transformations: how light, texture and form change with the changing seasons – and how these shifts are also reflected in ourselves. The works explore states of expectation and pause: moments when perception is heightened and inner sensitivities become visible.

Rinko Kawauchi's delicate compositions, Risaku Suzuki's luminous cherry blossoms and Syoin Kajii's meditative seascapes offer visual studies of natural transience. Lieko Shiga and Stephen Gill examine memory, place, and the traces of experience, while artists such as Erik Madigan Heck, Emma Summerton, and John Yuyi work with the body, presence, and performance, constructing visuals that reflect both emotional and aesthetic aspects.

From Jung Lee's luminous neon sculptures to Linus Bill's analogue interventions to the quiet monumentality of Anthony Friedkin's surf images, Fading into Fullness brings together photographic practices that are formally diverse yet conceptually aligned. It is an exhibition about liminal spaces—between image and memory, control and chance, nature and figure, seeing and feeling.

In a time often characterised by acceleration and excess, Fading into Fullness invites us to devote ourselves to silence and transition – to the richness of a state that is just beginning to unfold.

(Text: Christophe Guye Galerie)

Centre de la photographie Genève - Bibliothèque de Genève
16. Mai — 18. Oktober 2025

Bruissements végétaux

Mit Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka und Claudio Pogo, Konservatorium und Botanischer Garten Genf.

Die Ausstellung „Bruissements végétaux“ (Pflanzenrauschen) untersucht unsere oft paradoxen Beziehungen zur Pflanzenwelt und die Art und Weise, wie sie dank ihrer ästhetischen Qualitäten, als Zeichen und Symbol für Umweltveränderungen, als Verkörperung nachhaltigen Konsums oder durch ästhetische oder symbolische Funktionen zum Gegenstand der Zuneigung wird. Während beispielsweise die Monstera deliciosa, obwohl exotisch und eine direkte Folge der kolonialen Expansion, im Westen wegen ihres dekorativen Potenzials geschätzt wird, ist die Tessiner Palme innerhalb weniger Jahre zum Symbol für biologische Invasion und globale Erwärmung geworden. Während viele Pflanzen als unbedeutend, schädlich oder wenig fotogen gelten und daher verpönt sind, erobern andere den Handel, die Innenräume, die sozialen Netzwerke und ganz allgemein unsere visuelle Kultur.

Die Begriffe „Studie“ und „Typologie“ ziehen sich auch durch die gesamte Geschichte der Fotografie, insbesondere wenn sie im Dienste der Wissenschaft oder zu dokumentarischen Zwecken eingesetzt wird. Von den Cyanotypien von Algen der englischen Botanikerin Anna Atkins über die Detailvergrößerungen von Pflanzen des deutschen Künstlers Karl Blossfeldt bis hin zu den zeitgenössischen botanischen Illustrationen der britischen Fotografin Niki Simpson gibt es zahlreiche Studien und Typologien von Pflanzen. Seit den 1840er Jahren haben Fotografen somit einen wichtigen Beitrag zum Wissen über Pflanzen geleistet und unsere visuelle Kultur der Pflanzenwelt bereichert.

Zwischen intimer Erzählung, wissenschaftlicher Dokumentation, spekulativer Erforschung und alltäglicher Beobachtung präsentiert die Ausstellung eine Vielzahl zeitgenössischer botanischer Studien und möchte die komplexen Bedeutungen von Pflanzen im aktuellen kulturellen Kontext würdigen.

Diese Eröffnungsausstellung des neuen Raums des Centre de la photographie Genève knüpft an die Jugendstil-Blumenfriese des Espace Ami-Lullin an, einem 1905 eingeweihten Ausstellungsraum, und an dessen Lage im Herzen des Parc des Bastions. Dieser Park wurde 1817 auf Initiative des Genfer Botanikers Augustin Pyramus de Candolle zum ersten botanischen Garten Genfs. Letzterer war Autor einer der ersten botanischen Klassifikationen und unternahm umfangreiche Arbeiten, die zur Beschreibung von fast 60'000 Pflanzen führten. Schließlich soll diese Ausstellung auch mit dem neuen Rahmen des Centre de la photographie Genève in Resonanz treten: der Bibliothèque de Genève, einem Ort des Studiums und der Bewahrung von Wissen über die Welt.

Kurator: Claus Gunti & Danaé Panchaud

Avec Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka & Claudio Pogo, Conservatoire et Jardin botaniques de Genève.

L’exposition Bruissements végétaux explore nos rapports souvent paradoxaux au monde végétal, et les manières dont il se fait tour à tour objet d’affection grâce à ses qualités esthétiques, signal et symbole des bouleversements environnementaux, incarnation d’une consommation durable, ou investi de fonctions esthétiques ou symboliques. Par exemple, alors que la Monstera deliciosa, pourtant exotique et conséquence directe de l’expansion coloniale, est perçue en Occident pour son potentiel décoratif, le palmier du Tessin est quant à lui devenu en quelques années le symbole de l’invasion biologique et du réchauffement climatique. Alors que de nombreuses plantes sont déconsidérées, car insignifiantes, nuisibles ou peu photogéniques, d’autres envahissent les commerces, les intérieurs, les réseaux sociaux et, plus généralement, notre culture visuelle.

Les notions d’étude et de typologie traversent également toute l’histoire de la photographie, notamment lorsqu’elle est mobilisée au service des sciences ou à des fins documentaires. Des cyanotypes d’algues de la botaniste anglaise Anna Atkins aux agrandissements de détails de plantes de l’artiste allemand Karl Blossfeldt puis aux illustrations botaniques contemporaines de la photographe britannique Niki Simpson, les études et typologies de plantes abondent. Les photographes ont ainsi largement contribué depuis les années 1840 à l’élaboration des savoirs sur les plantes, et à nourrir notre culture visuelle du monde végétal.

Entre récit intime, documentation scientifique, exploration spéculative, ou observation quotidienne, l’exposition présente une multitude d’études botaniques contemporaines, et vise à prendre acte des significations complexes des plantes dans le contexte culturel actuel.

Cette exposition inaugurale du nouvel espace du Centre de la photographie Genève fait écho aux frises florales Art nouveau de l’Espace Ami-Lullin, salle d’exposition inaugurée en 1905, tout comme à sa localisation au coeur du parc des Bastions. En 1817, ce parc devint le premier jardin botanique de Genève, à l’initiative du botaniste genevois Augustin Pyramus de Candolle. Ce dernier fut l’auteur de l’une des premières classifications botaniques, et entreprit un vaste travail aboutissant à la description de près de 60’000 plantes. Enfin, cette exposition entend résonner avec le nouveau cadre du Centre de la photographie Genève: la Bibliothèque de Genève, lieu d’étude et de conservation de savoirs sur le monde.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

Con Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka e Claudio Pogo, Conservatorio e Giardini Botanici di Ginevra.

La mostra Bruissements végétaux esplora il nostro rapporto spesso paradossale con il mondo vegetale e i modi in cui esso diventa oggetto di affetto grazie alle sue qualità estetiche, segnale e simbolo dei cambiamenti ambientali, incarnazione di un consumo sostenibile o investito di funzioni estetiche o simboliche. Ad esempio, mentre la Monstera deliciosa, pur essendo esotica e conseguenza diretta dell'espansione coloniale, è apprezzata in Occidente per il suo potenziale decorativo, la palma del Ticino è diventata in pochi anni il simbolo dell'invasione biologica e del riscaldamento globale. Mentre molte piante sono disprezzate perché insignificanti, nocive o poco fotogeniche, altre invadono i negozi, gli interni, i social network e, più in generale, la nostra cultura visiva.

I concetti di studio e tipologia attraversano anche tutta la storia della fotografia, in particolare quando è al servizio della scienza o a fini documentari. Dalle cianotipie di alghe della botanica inglese Anna Atkins agli ingrandimenti di dettagli di piante dell'artista tedesco Karl Blossfeldt, fino alle illustrazioni botaniche contemporanee della fotografa britannica Niki Simpson, gli studi e le tipologie di piante abbondano. Fin dal 1840, i fotografi hanno così contribuito in modo significativo allo sviluppo delle conoscenze sulle piante e ad arricchire la nostra cultura visiva del mondo vegetale.

Tra racconto intimo, documentazione scientifica, esplorazione speculativa e osservazione quotidiana, la mostra presenta una moltitudine di studi botanici contemporanei e mira a prendere atto dei significati complessi delle piante nel contesto culturale attuale.

Questa mostra inaugurale del nuovo spazio del Centre de la photographie Genève fa eco ai fregi floreali in stile Art Nouveau dell'Espace Ami-Lullin, sala espositiva inaugurata nel 1905, così come alla sua ubicazione nel cuore del Parc des Bastions. Nel 1817, questo parco divenne il primo giardino botanico di Ginevra, su iniziativa del botanico ginevrino Augustin Pyramus de Candolle. Quest'ultimo fu autore di una delle prime classificazioni botaniche e intraprese un vasto lavoro che portò alla descrizione di circa 60.000 piante. Infine, questa mostra intende richiamare la nuova cornice del Centre de la photographie Genève: la Bibliothèque de Genève, luogo di studio e conservazione del sapere sul mondo.

Curatori: Claus Gunti & Danaé Panchaud

With Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka & Claudio Pogo and Conservatoire et Jardin botaniques de Genève.

The exhibition Bruissements végétaux (Botanical Murmurs) explores our often paradoxical relationship with the plant world and the ways in which it becomes, in turn, an object of affection thanks to its aesthetic qualities, a sign and symbol of environmental upheaval, an embodiment of sustainable consumption, or invested with aesthetic or symbolic functions. For example, while the Monstera deliciosa, despite being exotic and a direct consequence of colonial expansion, is perceived in the West for its decorative potential, the Ticino palm tree has become, in just a few years, a symbol of biological invasion and global warming. While many plants are discredited because they are insignificant, harmful or unphotogenic, others are invading shops, interiors, social media and, more generally, our visual culture.

The concepts of study and typology also run through the history of photography, particularly when it is used for scientific or documentary purposes. From the cyanotype prints of algae by English botanist Anna Atkins to the enlarged details of plants by German artist Karl Blossfeldt and the contemporary botanical illustrations of British photographer Niki Simpson, studies and typologies of plants abound. Since the 1840s, photographers have thus contributed greatly to the development of knowledge about plants and to our visual culture of the plant world.

Between intimate narrative, scientific documentation, speculative exploration and everyday observation, the exhibition presents a multitude of contemporary botanical studies and aims to acknowledge the complex meanings of plants in today’s cultural context.

This inaugural exhibition in the new space at the Centre de la Photographie Genève echoes the Art Nouveau floral friezes of the Espace Ami-Lullin, an exhibition hall inaugurated in 1905, as well as its location in the heart of the Parc des Bastions. In 1817, this park became Geneva’s first botanical garden, on the initiative of the Genevan botanist Augustin Pyramus de Candolle. De Candolle was the author of one of the first botanical classifications and undertook a vast project that resulted in the description of nearly 60,000 plants. Finally, this exhibition aims to resonate with the new setting of the Centre de la Photographie Genève: the Bibliothèque de Genève, a place of study and conservation of knowledge about the world.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

Fotomuseum Winterthur
17. Mai – 12. Oktober 2025

The Lure of the Image – Wie Bilder im Netz verlocken

Zoé Aubry, Sara Bezovšek, Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Dina Kelberman, Michael Mandiberg, Joiri Minaya, Simone C. Niquille, Jenny Rova, Jon Rafman, Hito Steyerl, Timur Si-Qin, Noura Tafeche, Ellie Wyatt

The Lure of the Image erkundet die Anziehungs- und Verführungskraft von fotografischen Bildern im Internet. Die Ausstellung beleuchtet die Mechanismen der Verführung und untersucht, wie Verlockung und Begehren, Affekt und Trieb in die zeitgenössische visuelle Kultur eingebettet sind.

Süsse Katzenbilder und Videos tollpatschiger Welpen. Bitterböse Memes einer Netflixserie, die wir nicht ausstehen können aber gleichzeitig lieben, zu kritisieren. Politische Propaganda, die niedlich verpackt und irgendwie schlüssig daherkommt. Die Fotos eines vermeintlich stylischen Airbnb-Apartments, welches sich als fensterlose Falle entpuppt. Selfies und Thirst Traps auf Dating-Apps, die auf Bewunderung und Komplimente aus sind. Dem Sog der digitalen Bilderwelt können wir oft nur schwer widerstehen. Zu sehr entzücken uns die Aufnahmen, lassen uns endlos scrollen und verleiten uns zum immer weiter Klicken.

Wie locken oder betören uns Bilder, wie steuern, ködern oder täuschen sie uns? Welche digitalen und vernetzten Logiken liegen der Anziehungs- und Überzeugungskraft von Bildern zugrunde und welche neuen Formen der Verführung bringen sie hervor? Die  Ausstellung untersucht, wie Bilder Aufmerksamkeit auf sich ziehen, Gefühle hervorrufen, Begehren erzeugen und Werte schaffen. Dabei legt sie auch soziale, politische und wirtschaftliche Strukturen offen, die der Verführungskraft von Bildern zugrunde liegen. Ausgewählte Positionen von Künstler_innen und Fotograf_innen sowie eigens für die Ausstellung entwickelte Arbeiten setzen sich kritisch mit der Verführung durch Bilder auseinander, mitunter subversiv oder indem sie kreativ Widerstand leisten.

The Lure of the Image explore le pouvoir d'attraction et de séduction des images photographiques sur Internet. L'exposition met en lumière les mécanismes de la séduction et examine comment la tentation et le désir, l'affect et la pulsion sont intégrés dans la culture visuelle contemporaine.

Des images de chats mignons et des vidéos de chiots maladroits. Des mèmes amers d'une série Netflix que nous ne supportons pas mais que nous aimons en même temps critiquer. De la propagande politique emballée de manière mignonne et en quelque sorte cohérente. Les photos d'un appartement Airbnb soi-disant stylé qui s'avère être un piège sans fenêtre. Les selfies et les thirst traps sur les applications de rencontre, qui cherchent à susciter l'admiration et les compliments. Il est souvent difficile de résister à l'attraction du monde des images numériques. Les photos nous enchantent trop, nous font défiler sans fin et nous incitent à cliquer encore et encore.

Comment les images nous attirent-elles ou nous envoûtent-elles, comment nous contrôlent-elles, nous appâtent-elles ou nous trompent-elles ? Quelles sont les logiques numériques et en réseau qui sous-tendent le pouvoir d'attraction et de persuasion des images et quelles sont les nouvelles formes de séduction qu'elles engendrent ? L'exposition examine comment les images attirent l'attention, suscitent des sentiments, créent du désir et créent des valeurs. Ce faisant, elle met également à jour les structures sociales, politiques et économiques qui sous-tendent le pouvoir de séduction des images. Une sélection de positions d'artistes et de photographes ainsi que des travaux spécialement conçus pour l'exposition abordent de manière critique la séduction par les images, parfois de manière subversive ou en résistant de manière créative.

The Lure of the Image esplora il potere di attrazione e seduzione delle immagini fotografiche su Internet. La mostra fa luce sui meccanismi della seduzione ed esamina come la tentazione e il desiderio, l'affetto e la pulsione siano incorporati nella cultura visiva contemporanea.

Immagini di gatti carini e video di cuccioli maldestri. Memes amari di una serie Netflix che non sopportiamo ma che allo stesso tempo amiamo criticare. Propaganda politica in un pacchetto carino che in qualche modo risulta coerente. Foto di un appartamento Airbnb apparentemente elegante che si rivela una trappola senza finestre. Selfie e trappole per la sete sulle app di incontri che sono progettate per attirare ammirazione e complimenti. Spesso è difficile resistere all'attrazione del mondo digitale delle immagini. Siamo troppo affascinati dalle immagini, ci fanno scorrere all'infinito e ci invogliano a continuare a cliccare.

In che modo le immagini ci attirano o ci seducono, come ci controllano, ci attirano o ci ingannano? Quali logiche digitali e di rete sono alla base del potere di attrazione e persuasione delle immagini e quali nuove forme di seduzione producono? La mostra esamina come le immagini attirino l'attenzione, evochino sentimenti, generino desiderio e creino valori. Rivela inoltre le strutture sociali, politiche ed economiche che sono alla base del potere di seduzione delle immagini. Posizioni selezionate di artisti e fotografi e opere sviluppate appositamente per la mostra esaminano criticamente il potere seduttivo delle immagini, a volte in modo sovversivo o offrendo una resistenza creativa.

The Lure of the Image explores the seductive powers of photographic images online. The exhibition maps the mechanisms of the lure and investigates how seduction and desire, affect and drive are embedded in contemporary visual culture.

Yet another image of a cat that makes you go 🫶. That TV show you love to hate that keeps popping up as a meme on social media. A picture that baits your click, a thirst trap you can’t resist. Political propaganda embedded in cuteness and the unfulfilled promises of perfect bodies on your dating app. One last Airbnb photograph that tricked you into a windowless trap. It’s hard not to get sucked into the world of digital images, a world that’s so beguiling that we can’t stop scrolling and just keep clicking.

How do images entice or beguile us, how do they control, bait or deceive us? What digital and networked logics underpin the persuasive attraction of images and what new forms of seduction have they spawned? The exhibition explores how images attract attention, evoke feelings, create desire and generate value. It also examines the complex social, political and economic networks in which the lure of the image is ultimately embedded. Selected positions from artists and photographers alongside commissioned works critically investigate, creatively subvert and actively resist the lure(s) of the image.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Canavetto Luganese | Lugano
20. Mai – 27. September 2025

LIMOF
Armando Carlo Adamo

Der Linguist Clive Scott behauptete, dass der Raum, in dem wir leben, Fotografien verbirgt, die wir nicht sehen. Wenn wir das Alltägliche über den ersten Eindruck hinaus betrachten, erkennen wir Details, Formen und Linien, die sich in einem neuen Licht zu Modulen zusammenfügen und das Gewöhnliche in etwas Lyrisches und Emotionales verwandeln.

LIMOF ist das Ergebnis dieser Erfahrung, die darauf abzielt, die Beobachtung in eine weitere sinnliche Dimension zu übertragen.

Le linguiste Clive Scott affirmait que l'espace dans lequel nous vivons cache des photographies que nous ne voyons pas. En regardant le quotidien au-delà des apparences immédiates, nous percevons des détails, des formes et des lignes qui s'assemblent dans une lumière nouvelle, et l'ordinaire se transforme en quelque chose de lyrique et chargé d'émotion.

LIMOF est le fruit de cette expérience qui vise à transférer l'observation dans une dimension sensible supplémentaire.

Il linguista Clive Scott sosteneva che lo spazio in cui viviamo nasconde fotografie che non vediamo. Guardando il quotidiano oltre l’apparenza immediata cogliamo dettagli, forme e linee, si compongono moduli in una luce nuova e l’ordinario si trasforma in qualcosa di lirico e denso d’emozione.

LIMOF rappresenta il frutto di questa esperienza che ambisce a trasferire l’osservazione in una dimensione sensibile ulteriore.

Linguist Clive Scott believed that the space we live in hides photographs that we cannot see. By looking beyond the immediate appearance of everyday objects, we can perceive details, shapes and lines that form patterns in a new light, transforming the ordinary into something lyrical and emotionally charged.

LIMOF is the result of this experience, which aims to transfer observation into a further sensory dimension.

(Text: Fondazione Diamante)

Museum für Gestaltung – Toni-Areal | Zürich
23. Mai - 7. September 2025

Fotoatelier Wolgensinger – Mit vier Augen

Das 1936 gegründete Fotoatelier von Luzzi und Michael Wolgensinger war während sechs Jahrzehnten eine Zürcher Institution und wichtiger Treffpunkt der internationalen Avantgarde. Die Ausstellung Fotoatelier Wolgensinger im Museum für Gestaltung Zürich stellt erstmals das reiche Gesamtwerk in den Fokus. Mit Sachfotografien, Reportagen, Portraits, Industrie-, Architektur- und Theateraufnahmen sowie preisgekrönten Filmen leistete das Paar einen wichtigen Beitrag zur Schweizer Moderne.

Atelier Wolgensinger– Mit vier Augen zeigt erstmals das umfangreiche Oeuvre von Luzzi und Michael Wolgensingers in seiner Gesamtheit. Die Ausstellung gliedert sich in acht thematische Bereiche, die auf die Breite ihres Schaffens verweisen zugleich aber auch gestalterische Leitlinien erkennen lassen, die sich wie rote Fäden durch das Werk ziehen. Neben Originalabzügen und Reproduktionen, sind auch Filme, Fotobücher und persönliche Alben sowie grafische Anwendungen wie Plakate, Broschüren und Werbeanzeigen zu sehen. Grossformatige Reproduktionen ausgewählter Fotografien erlauben dem Publikum in den spannungsvollen Wolgensinger-Kosmos einzutauchen. Vier Interviews mit Wegbegleiter:innen geben persönliche Einblicke in das Leben, die Arbeit und die Freundschaften der Wolgensingers.

Fondé en 1936, l’atelier de photographie de Luzzi et Michael Wolgensinger s’impose pendant six décennies comme une institution zurichoise et un haut lieu de l’avant-garde internationale. L’exposition Fotoatelier Wolgensinger au Museum für Gestaltung Zürich met pour la première fois en lumière cette œuvre foisonnante dans sa globalité. À travers ses photographies d’objets, d’architecture, d’industrie, de théâtre, ses reportages et portraits, mais aussi ses films primés, le couple apporte une contribution majeure au modernisme suisse.

Atelier Wolgensinger– À quatre yeux présente pour la première fois la totalité de l’œuvre foisonnante de Luzzi et Michael Wolgensinger. L’exposition est structurée en huit sections thématiques qui révèlent à la fois la diversité de leur travail et les principes créatifs qui le parcourent tel un fil rouge. Aux côtés de tirages originaux et de reproductions, on pourra y découvrir des films, des livres photo et des albums personnels ainsi que des réalisations graphiques, telles que des affiches, des brochures ou des publicités. Les reproductions grand format d’une sélection de photographies permettent au public de s’immerger dans l’univers captivant des Wolgensinger. Quatre interviews de collègues et ami∙es offrent des aperçus intimes de la vie, du travail et des amitiés des Wolgensinger.

Fondato nel 1936, lo studio fotografico di Luzzi e Michael Wolgensinger è stato per sei decenni un'istituzione zurighese e un importante punto d'incontro dell'avanguardia internazionale. La mostra Fotoatelier Wolgensinger al Museum für Gestaltung Zürich mette per la prima volta in luce la ricca opera complessiva dello studio. Con fotografie di oggetti, reportage, ritratti, immagini di industria, architettura e teatro, nonché film pluripremiati, la coppia ha dato un importante contributo al modernismo svizzero.

Atelier Wolgensinger – Mit vier Augen (Con quattro occhi) presenta per la prima volta l'opera completa di Luzzi e Michael Wolgensinger nella sua interezza. La mostra è suddivisa in otto aree tematiche che rimandano all'ampiezza della loro produzione, ma che allo stesso tempo rivelano le linee guida creative che attraversano come un filo rosso l'intera opera. Oltre a stampe originali e riproduzioni, sono esposti anche film, libri fotografici e album personali, nonché applicazioni grafiche come manifesti, opuscoli e pubblicità. Riproduzioni di grande formato di fotografie selezionate consentono al pubblico di immergersi nell'affascinante universo di Wolgensinger. Quattro interviste con compagni di viaggio offrono uno sguardo personale sulla vita, il lavoro e le amicizie dei Wolgensinger.

Founded in 1936, the Luzzi and Michael Wolgensinger photo studio was a firm fixture in Zurich for six decades. The exhibition Photo Studio Wolgensinger at Museum für Gestaltung Zürich is the first to present their extensive array of works. Their work in product photography, reporting, portraits, photographs of companies, buildings, and theaters, as well as their prizewinning films made the couple a key force in Swiss Modernism.

Photo Studio Wolgensinger —Through Four Eyes presents the extensive oeuvre of Luzzi and Michael Wolgensinger in its entirety for the first time. The exhibition is divided into eight thematic sections which pay tribute to the breadth of their oeuvre, but also to the creative common threads that run through their work, almost leitmotifs. Alongside original prints and reproductions, so too are films, photo books, and personal albums on display, as well as graphic works such as brochures and advertisements. Large reproductions of selected photographs allow the audience to immerse themselves in the captivating Wolgensinger cosmos. Four interviews with acquaintances offer personal insights into the life, work, and friendships of the Wolgensingers.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

Bsinti | Braunwald
29. Mai - 19. Oktober 2025

Hans Peter Jost. Sehnsucht Alpen

Mit einer scheinbar simplen Technik fängt Hans Peter Jost die Essenz der Natur ein: Seine stimmungsvollen Aufnahmen, entstanden mit der traditionsreichen Lochkamera, entführen die Betrachtenden in eine Welt voller Anmut und Stille. Sanfte Konturen, das Spiel von Licht und Schatten sowie die unverwechselbare Unschärfe verleihen den Bildern eine beinahe träumerische Atmosphäre – von majestätischen Bergen bis hin zu stillen Blumenwiesen.

Die Pinhole-Fotografie zählt zu den ältesten fotografischen Verfahren und wirkt gerade deshalb so modern: Ohne Linse und technische Perfektion entsteht eine Ästhetik, die den Blick entschleunigt und die Seele berührt. In Josts Werken werden Landschaften ebenso wie einfache Motive zu leisen Meditationen über die Schönheit des Moments.

Kurator Fridolin Walcher lädt gemeinsam mit Hans Peter Jost zu einer besonderen Entdeckungsreise – im neuen Ambiente des BSINTI verschmelzen künstlerische Vision und raumfüllende Gegenwart. Die Ausstellung offenbart die zeitlose Magie einer der ursprünglichsten fotografischen Ausdrucksformen und eröffnet neue Perspektiven, um die Welt zu sehen.

Avec une technique en apparence simple, Hans Peter Jost saisit l’essence de la nature : ses images atmosphériques, créées avec la traditionnelle caméra obscure, transportent le spectateur dans un monde empreint de grâce et de silence. Des contours doux, le jeu de la lumière et de l’ombre ainsi qu’un flou distinctif confèrent aux photographies une atmosphère presque onirique – des montagnes majestueuses aux prairies fleuries silencieuses.

La photographie au sténopé est l’une des plus anciennes méthodes photographiques et, pour cette raison même, paraît aujourd’hui si contemporaine : sans lentille ni perfection technique, une esthétique naît, ralentissant le regard et émouvant l’âme. Dans les œuvres de Jost, paysages mais aussi motifs simples deviennent des méditations silencieuses sur la beauté de l’instant.

Le commissaire d’exposition Fridolin Walcher invite à un voyage de découverte particulier, en compagnie de Hans Peter Jost – dans la nouvelle ambiance du BSINTI, la vision artistique fusionne avec la présence du lieu. L’exposition dévoile la magie intemporelle d’une des formes d’expression photographique les plus originelles et ouvre de nouvelles perspectives pour voir le monde.

Con una tecnica apparentemente semplice, Hans Peter Jost cattura l’essenza della natura: le sue immagini suggestive, realizzate con la tradizionale fotocamera a foro stenopeico, trasportano lo spettatore in un mondo di grazia e silenzio. Contorni morbidi, il gioco di luce e ombra e una caratteristica sfocatura conferiscono alle fotografie un’atmosfera quasi onirica – dalle maestose montagne ai silenziosi prati in fiore.

La fotografia a foro stenopeico è una delle tecniche fotografiche più antiche e, proprio per questo, appare oggi così moderna: senza lente e senza perfezione tecnica, nasce un’estetica che rallenta lo sguardo e tocca l’anima. Nelle opere di Jost, paesaggi e anche soggetti semplici diventano meditate contemplazioni sulla bellezza dell’attimo.

Il curatore Fridolin Walcher, insieme a Hans Peter Jost, invita a un particolare viaggio di scoperta – nella nuova cornice del BSINTI, visione artistica e spazio espositivo si fondono. La mostra rivela la magia senza tempo di una delle forme più pure di espressione fotografica e offre nuove prospettive per vedere il mondo.

With an apparently simple technique, Hans Peter Jost captures the very essence of nature: his atmospheric images, created with the traditional pinhole camera, transport viewers into a world full of grace and silence. Soft contours, the play of light and shadow, and a distinctive blurriness lend the photographs an almost dreamlike quality – from majestic mountains to quiet wildflower meadows.

Pinhole photography is one of the oldest photographic techniques, and it feels particularly contemporary today: without a lens or technical perfectionism, it gives rise to an aesthetic that slows the gaze and touches the soul. In Jost’s works, landscapes and even simple subjects become meditative reflections on the beauty of the moment.

Curator Fridolin Walcher, together with Hans Peter Jost, invites you on a unique journey of discovery – in the new ambience of BSINTI, artistic vision merges with the present moment. The exhibition reveals the timeless magic of this primal form of photographic expression and opens up new perspectives on how to see the world.

Museo Ciäsa Granda | Stampa
31. Mai – 19. Oktober 2025

Ernst Scheidegger und das Bergell

Ernst Scheidegger (1923–2016) gehört zu den bedeutendsten Schweizer Fotografen des 20. Jahrhunderts. International bekannt sind vor allem seine Künstlerporträts. Während mehr als 50 Jahren hat er immer wieder Zeit im Bergell verbracht und dort auch fotografiert. Diese bisher kaum ausgestellten und wahrgenommenen Fotografien stehen im Zentrum der Ausstellung «Ernst Scheidegger und das Bergell».

Der Fotograf Ernst Scheidegger (1923–2016) kam während seines Militärdienstes 1943 erstmals ins Bergell. In Maloja lernte der Neunzehnjährige Alberto Giacometti kennen – eine Begegnung, die am Anfang einer lebenslangen Freundschaft stand. Diese Freundschaft ermöglichte es Ernst Scheidegger, Alberto Giacometti, sein Schaffen und sein Werk wie kein Zweiter fotografisch zu dokumentieren. Immer wieder kam er dadurch auch ins Bergell, das er durch seinen Freund kennen und schätzen lernte. Auch nach dessen Tod blieb Ernst Scheidegger dem Bergell verbunden. Lange Zeit hatte er einen Zweitwohnsitz in Bondo.

Heute ist Ernst Scheidegger in erster Linie für seine Künstlerporträts und Reportagen bekannt. Eines dieser Künstlerporträts ist in der Schweiz vielen Menschen vertraut: Die Aufnahme von Alberto Giacometti auf der 1998 herausgegebenen 100-Franken-Note ist sein Werk. Im Bergell fotografierte er allerdings nicht nur seine Freunde Alberto Giacometti und später Varlin (Willy Guggenheim). In seinem Nachlass finden sich neben diesen Künstlerporträts rund 5000 Fotografien, die das Bergell selbst zum Gegenstand haben: Landschaften, Dörfer, Gebäude und deutlich seltener auch Menschen. Diese Bergell-Bilder Ernst Scheideggers sind von einer mit seinen berühmten Künstlerporträts vergleichbaren Intensität.

Nachdem das Museo Ciäsa Granda in Stampa in seinen Ausstellungen über Alberto Giacometti (2016) und Varlin (2024) jeweils Fotografien Ernst Scheideggers der beiden Künstler gezeigt hatte, stehen in der Ausstellung «Ernst Scheidegger und das Bergell» erstmals die Aufnahmen des Bergells selbst im Mittelpunkt. Eine Auswahl von rund 60 Schwarz-Weiss-Fotografien ermöglicht die Entdeckung eines wenig bekannten Teils im Werk des berühmten Fotografen. Sie bilden eine Art Langzeitreportage, die es uns ermöglicht, das Bergell, so wie es Ernst Scheidegger gesehen hat, zu entdecken.

Ernst Scheidegger kam während Jahrzehnten immer wieder ins Bergell. Er ist in der kollektiven Erinnerung der älteren Bergellerinnen und Bergeller eine ebenso präsente wie schillernde Figur. Die Ausstellung hat deshalb nach ihren Erinnerungen an Ernst Scheidegger gefragt. Acht Interviews ermöglichen Einblicke in Ernst Scheideggers Bergeller Jahre und ergänzen die ausgestellten Fotografien.

Ernst Scheidegger (1923-2016) compte parmi les photographes suisses les plus importants du XXe siècle. Ses portraits d'artistes sont particulièrement connus à l'échelle internationale. Pendant plus de 50 ans, il a régulièrement séjourné dans le Val Bregaglia, où il a également pris de nombreuses photos. Ces clichés, jusqu'ici peu exposés et méconnus, sont au cœur de l'exposition « Ernst Scheidegger et le Val Bregaglia ».

Le photographe Ernst Scheidegger (1923-2016) est arrivé dans le Val Bregaglia pour la première fois en 1943, pendant son service militaire. À Maloja, le jeune homme de 19 ans a fait la connaissance d'Alberto Giacometti, une rencontre qui a marqué le début d'une amitié qui allait durer toute sa vie. Cette amitié a permis à Ernst Scheidegger de documenter photographiquement Alberto Giacometti, sa création et son œuvre comme personne d'autre. Il revint ainsi régulièrement dans le Val Bregaglia, qu'il avait appris à connaître et à apprécier grâce à son ami. Même après la mort de ce dernier, Ernst Scheidegger resta attaché au Val Bregaglia. Il eut longtemps une résidence secondaire à Bondo.

Aujourd'hui, Ernst Scheidegger est surtout connu pour ses portraits d'artistes et ses reportages. L'un de ces portraits d'artistes est familier à de nombreuses personnes en Suisse : la photo d'Alberto Giacometti figurant sur le billet de 100 francs publié en 1998 est son œuvre. Dans le Val Bregaglia, il n'a toutefois pas seulement photographié ses amis Alberto Giacometti et plus tard Varlin (Willy Guggenheim). Outre ces portraits d'artistes, son héritage comprend environ 5000 photographies consacrées au Val Bregaglia : paysages, villages, bâtiments et, plus rarement, des personnes. Ces visuels du Val Bregaglia réalisés par Ernst Scheidegger sont d'une intensité comparable à celle de ses célèbres portraits d'artistes.

Après avoir présenté les photographies d'Ernst Scheidegger consacrées à ces deux artistes dans ses expositions sur Alberto Giacometti (2016) et Varlin (2024), le Museo Ciäsa Granda de Stampa met pour la première fois à l'honneur les clichés du Val Bregaglia dans l'exposition « Ernst Scheidegger et le Val Bregaglia ». Une sélection d'environ 60 photographies en noir et blanc permet de découvrir une partie méconnue de l'œuvre du célèbre photographe. Elles constituent une sorte de reportage à long terme qui nous permet de découvrir le Val Bregaglia tel qu'Ernst Scheidegger l'a vu.

Ernst Scheidegger est revenu régulièrement dans le Val Bregaglia pendant des décennies. Il est une figure aussi présente que fascinante dans la mémoire collective des anciens habitants de la région. L'exposition a donc recueilli leurs souvenirs d'Ernst Scheidegger. Huit interviews permettent de mieux comprendre les années passées par Ernst Scheidegger dans le Val Bregaglia et complètent les photographies exposées.

Ernst Scheidegger (1923–2016) è uno dei più importanti fotografi svizzeri del XX secolo. A livello internazionale sono noti soprattutto i suoi ritratti di artisti. Per più di 50 anni ha soggiornato ripetutamente in Bregaglia e vi ha anche scattato delle fotografie. Queste fotografie, che finora non sono state quasi mai esposte o erano poco conosciute, sono al centro della mostra «Ernst Scheidegger e la Bregaglia».

Il fotografo Ernst Scheidegger (1923–2016) giunse per la prima volta in Bregaglia durante il servizio militare nel 1943. L’allora diciannovenne incontrò Alberto Giacometti a Maloja. Questo incontro segnò l’inizio di un’amicizia che durò tutta la vita e che permise a Ernst Scheidegger di documentare fotograficamente, come nessun altro, Alberto Giacometti, il suo lavoro creativo e la sua opera. Ciò portò Ernst Scheidegger anche a recarsi ripetutamente in Bregaglia, che imparò a conoscere e ad apprezzare attraverso l’amico. Ernst Scheidegger rimase legato alla Bregaglia pure dopo la morte di Alberto Giacometti. Per molto tempo ebbe un secondo domicilio a Bondo.

Oggi Ernst Scheidegger è conosciuto innanzitutto per i suoi ritratti di artisti e per i suoi reportage. Uno di questi ritratti è familiare a molte persone in Svizzera: la fotografia di Alberto Giacometti sulla banconota da 100 franchi, emessa nel 1998, è opera sua. Tuttavia, in Bregaglia non fotografò soltanto gli amici Alberto Giacometti e più tardi Varlin (Willy Guggenheim). Oltre a questi ritratti di artisti, il suo lascito comprende circa 5000 fotografie che raffigurano la Bregaglia stessa: paesaggi, villaggi, edifici e, decisamente più di rado, anche persone. Queste fotografie della Bregaglia scattate da Ernst Scheidegger hanno un'intensità paragonabile ai suoi famosi ritratti di artisti.

Dopo le mostre su Alberto Giacometti (2016) e Varlin (2024), nella quali il Museo Ciäsa Granda di Stampa ha esposto fotografie scattate da Ernst Scheidegger ai due artisti, la mostra «Ernst Scheidegger e Bregaglia» pone ora per la prima volta al centro dell’attenzione le fotografie che hanno per soggetto la Bregaglia stessa. Una selezione di circa 60 fotografie in bianco e nero consente al pubblico di scoprire una parte poco conosciuta dell'opera del famoso fotografo. Esse costituiscono una sorta di reportage di lungo corso che ci permette di scoprire la Bregaglia come la vedeva Ernst Scheidegger.

Ernst Scheidegger è venuto in Bregaglia ripetutamente nel corso dei decenni. È una figura tanto presente quanto affascinante nella memoria collettiva degli abitanti della Bregaglia di una certa età. Per questo motivo, per la mostra sono stati raccolti i loro ricordi di Ernst Scheidegger. Otto interviste permettono di farsi un’idea degli anni bregagliotti di Ernst Scheidegger e completano le fotografie esposte.

Ernst Scheidegger (1923–2016) is one of the most important Swiss photographers of the 20th century. He is best known internationally for his portraits of artists. He spent more than 50 years in the Bergell region, where he also took photographs. These photographs, which have rarely been exhibited or seen before, form the focus of the exhibition ‘Ernst Scheidegger and the Bergell.’

The photographer Ernst Scheidegger (1923–2016) first came to the Bergell during his military service in 1943. In Maloja, the nineteen-year-old met Alberto Giacometti – an encounter that marked the beginning of a lifelong friendship. This friendship enabled Ernst Scheidegger to document Alberto Giacometti, his work and his oeuvre like no other. This brought him back to the Bergell repeatedly, which he came to know and love through his friend. Even after his death, Ernst Scheidegger remained connected to the Bergell. For many years, he had a second home in Bondo.

Today, Ernst Scheidegger is primarily known for his artist portraits and reportages. One of these artist portraits is familiar to many people in Switzerland: the photograph of Alberto Giacometti on the 100-franc banknote issued in 1998 is his work. However, he did not only photograph his friends Alberto Giacometti and later Varlin (Willy Guggenheim) in the Bergell. In addition to these artist portraits, his estate contains around 5,000 photographs of the Bergell region itself: landscapes, villages, buildings and, much less frequently, people. Ernst Scheidegger's visual images of the Bergell are as intense as his famous artist portraits.

After the Museo Ciäsa Granda in Stampa showed Ernst Scheidegger's photographs of the two artists in its exhibitions on Alberto Giacometti (2016) and Varlin (2024), the exhibition ‘Ernst Scheidegger and the Bergell’ now focuses for the first time on his photographs of the Bergell itself. A selection of around 60 black-and-white photographs allows visitors to discover a little-known part of the famous photographer's work. They form a kind of long-term reportage that enables us to discover the Bergell as Ernst Scheidegger saw it.

Ernst Scheidegger returned to the Bergell region repeatedly over several decades. He is a figure who is both present and colourful in the collective memory of older residents of the Bergell. The exhibition therefore asked them about their memories of Ernst Scheidegger. Eight interviews provide insights into Ernst Scheidegger's years in the Bergell and complement the photographs on display.

(Text: Museo Ciäsa Granda, Stampa)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
8. Juni – 31. August 2025

Tactics and Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Das Photoforum Pasquart präsentiert Tactics and Mythologies – eine fesselnde Ausstellung des in New York ansässigen Künstlerduos Andrea Orejarena & Caleb Stein. Dies ist die erste Station der Wanderausstellung nach ihrer Premiere in den Deichtorhallen Hamburg. Die Ausstellung untersucht das Zusammenspiel von zeitgenössischer Mythologie, Desinformation und visueller Erzählung im digitalen Zeitalter und ist Teil eines fortlaufenden Dialogs darüber, wie Bilder unser kollektives Bewusstsein prägen.

Mit einem vielschichtigen Ansatz verweben Orejarena & Stein dokumentarische, konzeptuelle und forschungsbasierte fotografische Strategien, um zu erforschen, wie sich Narrative und Bildkulturen in einer vernetzten Welt entwickeln. Ihr Projekt American Glitch – das Herzstück dieser Ausstellung – untersucht visuelle Mythologien im Internet sowie deren Verbindungen zu historischen Erinnerungen, Verschwörungstheorien und der Ästhetik digitaler Simulation. Das Duo hat ein umfassendes Archiv mit über 2.000 Bildern aufgebaut – darunter gefundenes Material und KI-generierte Visuals –, das einen kritischen und zugleich poetischen Blick auf die amerikanische Medienlandschaft bietet.

Le Photoforum Pasquart présente Tactics and Mythologies, une exposition captivante du duo d’artistes basé à New York Andrea Orejarena & Caleb Stein. Il s’agit de la première étape de cette exposition itinérante après sa première présentation aux Deichtorhallen de Hambourg. L’exposition explore l’interaction entre la mythologie contemporaine, la désinformation et la narration visuelle à l’ère numérique, faisant partie d’un dialogue continu sur la manière dont les images façonnent notre conscience collective.

Grâce à une approche multi-couches, Orejarena & Stein mêlent des stratégies photographiques documentaires, conceptuelles et fondées sur la recherche pour examiner l’évolution des récits et des cultures visuelles dans un monde en réseau. Leur projet American Glitch — au cœur de cette exposition — étudie les mythologies visuelles circulant en ligne et leurs intersections avec la mémoire historique, les théories du complot et l’esthétique de la simulation numérique. Le duo a constitué une vaste archive de plus de 2 000 images, incluant du matériel trouvé et des visuels générés par l’IA, offrant un regard critique mais poétique sur le paysage médiatique américain.

Il Photoforum Pasquart presenta Tactics and Mythologies, un'affascinante mostra del duo di artisti newyorkesi Andrea Orejarena e Caleb Stein. Questa è la prima tappa della mostra itinerante dopo la sua anteprima alla Deichtorhallen di Amburgo. La mostra esplora l'interazione tra mitologia contemporanea, disinformazione e narrazione visiva nell'era digitale e fa parte di un dialogo continuo su come le immagini plasmano la nostra coscienza collettiva.

Con un approccio multiforme, Orejarena & Stein intrecciano strategie fotografiche documentarie, concettuali e basate sulla ricerca per esplorare come le narrazioni e le culture visive si sviluppano in un mondo interconnesso. Il loro progetto American Glitch, fulcro di questa mostra, esplora le mitologie visive su Internet e i loro legami con la memoria storica, le teorie del complotto e l'estetica della simulazione digitale. Il duo ha creato un archivio completo di oltre 2.000 immagini, tra cui materiale trovato e immagini generate dall'intelligenza artificiale, che offre uno sguardo critico e poetico sul panorama mediatico americano.

Photoforum Pasquart present Tactics and Mythologies, a compelling exhibition by New York-based artist duo Andrea Orejarena & Caleb Stein. This marks the first stop of this traveling exhibition, following its debut at the Deichtorhallen Hamburg. The exhibition explores the interplay between contemporary mythology, disinformation, and visual storytelling in the digital age, forming part of an ongoing dialogue about how images shape our collective consciousness.

Through their multi-layered approach, Orejarena & Stein weave together documentary, conceptual, and research-based photographic strategies to examine how narratives and image cultures evolve in a networked world. Their project American Glitch —at the core of this exhibition— investigates visual mythologies circulating online and their intersections with historical memory, conspiracy theories, and the aesthetics of digital simulation. The duo’s practice involves assembling an extensive archive of over 2,000 images, including found material and AI-generated visuals, offering a critical yet poetic lens on the American media landscape.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Museum Tinguely | Basel
11. Juni – 2. November 2025

Julian Charrière - Midnight Zone

Ein zentrales Anliegen des französisch-schweizerischen Künstlers Julian Charrière ist es aufzuzeigen, wie stark der Mensch und seine Umwelt miteinander verwoben sind und sich gegenseitig beeinflussen. In einer umfassenden Einzelausstellung im Museum Tinguely zeigt er Fotografien, Skulpturen, Installationen und neue Videoarbeiten, die sich mit unserer Beziehung zur Erde als einer Welt des Wassers auseinandersetzen – einem Element, das in Form von Meeren, Seen und Eis den grössten Teil unseres Planeten bedeckt. Es bietet für unzählige Organismen einen Lebensraum, in dem sich zirkuläre Ökosysteme ausgebildet haben, die für die Stabilität des Klimas von entscheidender Bedeutung sind.

Im Mittelpunkt der Ausstellung Midnight Zone, die sich über drei Stockwerke erstreckt, stehen submarine Ökosysteme – vom lokal präsenten und einflussreichen Rhein bis hin zu fernen Ozeanen –, anhand derer sich die Komplexität des Elements Wassers erschliesst, das durch menschliche Einwirkungen erheblich beeinträchtigt wird. Die Einzelausstellung untersucht den Kreislauf des Wassers und dessen Materialität, seine Tiefen und die mit ihm verknüpften politischen Aspekte, seine alltäglichen und sakralen Dimensionen. Vor den Besuchenden entfaltet sich ein Kaleidoskop, das dazu einlädt, tief einzutauchen.

Une des préoccupations centrales de l’artiste franco-suisse Julian Charrière est la question de savoir comment l’homme habite le monde et comment celui-ci nous habite à son tour. Dans le cadre d’une vaste exposition individuelle, le Musée Tinguely présente des photographies, des sculptures, des installations et de nouvelles œuvres vidéo qui traitent de notre relation à la Terre en tant que monde de l’eau – cet élément qui recouvre la majeure partie de notre planète, avec ses mers, ses lacs et ses glaces, à la fois habitat d’une myriade d’organismes et hôte de systèmes circulatoires essentiels à la stabilité de notre climat.

Déployée sur trois étages, l’exposition Midnight Zone explore les écologies sous-marines, de l’influence locale du Rhin aux océans lointains, tout en analysant la complexité de l’eau en tant que milieu élémentaire affecté par les altérations anthropiques. Par la réflexion qu’elle mène sur le flux et la matérialité de l’eau, sur sa profondeur et ses implications politiques, sur ses dimensions à la fois profanes et sacrées, cette exposition personnelle agit comme un kaléidoscope et nous invite à nous immerger pleinement.

Uno dei temi centrali dell'opera dell'artista franco-svizzero Julian Charrière è quello di mostrare quanto l'uomo e l'ambiente siano strettamente interconnessi e si influenzino a vicenda. In una vasta mostra personale al Museo Tinguely, espone fotografie, sculture, installazioni e nuovi lavori video che esplorano il nostro rapporto con la Terra come mondo dell'acqua, un elemento che, sotto forma di mari, laghi e ghiacci, ricopre la maggior parte del nostro pianeta. Essa offre un habitat a innumerevoli organismi, in cui si sono formati ecosistemi circolari fondamentali per la stabilità del clima.

Al centro della mostra Midnight Zone, che si sviluppa su tre piani, vi sono gli ecosistemi sottomarini – dal Reno, presente e influente a livello locale, agli oceani lontani – attraverso i quali si svela la complessità dell'elemento acqua, fortemente compromesso dall'impatto umano. La mostra personale esplora il ciclo dell'acqua e la sua materialità, le sue profondità e gli aspetti politici ad essa legati, le sue dimensioni quotidiane e sacre. Davanti ai visitatori si dispiega un caleidoscopio che invita a immergersi in profondità.

A core concern of French-Swiss artist Julian Charrière is how human beings inhabit the world and how the world, in turn, inhabits us. The comprehensive solo exhibition at Museum Tinguely presents photographs, sculptures, installations and new video works that deal with our relationship to Earth as a world of water—a liquidity that covers most of our planet with seas, lakes and ice, both habitat for a myriad of organisms and host to circulatory systems critical for the stability of our climate.

Unfolding over three floors, the exhibition Midnight Zone engages with underwater ecologies, from the influential local presence of the Rhine to distant oceans, exploring the complexity of water as an elemental medium affected by anthropogenic degradation. Reflecting upon its flow and materiality, profundity and politics, its mundane and sacral dimensions, the solo show acts as a kaleidoscope, inviting us to dive deep.

(Text: Museum Tinguely, Basel)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
21. Juni – 12. Oktober 2025

Fotografien für den geistigen Gebrauch
Roger Humbert

Das Werk von Roger Humbert (1929-2022) positioniert ihn als einen Pionier der Schweizer Fotografie. Sein Leitsatz «Ich fotografiere das Licht» verdeutlicht Humberts künstlerische Erforschung des Zusammenspiels von Subjekt und Objekt, von Materialität und Bewusstsein und somit von Physik und Metaphysik. Seine Fotografien für den «geistigen Gebrauch» produzierte Humbert mehrheitlich in der nächtlichen Einsamkeit der Dunkelkammer: Durch das nicht wiederholbare Spiel mit Schablonen, die dem Künstler als vordigitale Bildgeneratoren dienten, entstanden einzigartige Fotogramme und Luminogramme. Zusammen mit René Mächler, Rolf Schroeter und Jean-Frédéric Schnyder begründete er in den 1960er-Jahren eine «Konkrete Fotografie», die bis heute ein Begriff ist.

Die Ausstellung präsentiert einen Überblick über Humberts Werk, von dem sich ein Grossteil seit 2007 in der Fotostiftung Schweiz befindet. Gezeigt wird nicht nur die kameralose Fotografie, sondern auch Serien, mit denen er die gegenständliche Welt dokumentierte. Noch als 90-Jähriger setzte sich Humbert begeistert mit dem digitalen Aufzeichnen von Licht auseinander. Die Gegenüberstellung dieses Spätwerks mit seinen frühen analogen Lichtexperimenten macht Humberts Ambitionen sichtbar und beleuchtet das Ineinandergreifen von freiem künstlerischem Schaffen und dem Tagesgeschäft eines angewandten Bildautors, der in Basel ein erfolgreiches Studio führte.

Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation im Vexer Verlag, in Partnerschaft mit dem Turm Zur Katz in Konstanz.

L'oeuvre de Roger Humbert (1929-2022) le positionne parmi les pionniers de la photographie suisse. Sa devise « Je photographie la lumière » illustre son exploration artistique de l'interaction entre le sujet et l'objet, la matérialité et la conscience, et donc la physique et la métaphysique. Humbert réalisait ses photographies pour « stimuler l'esprit » principalement dans la solitude nocturne de la chambre noire où, en jouant avec des pochoirs – jeu impossible à reproduire – qui lui servaient de générateurs d'images pré-numériques, il créa des photogrammes et des luminogrammes uniques. Avec René Mächler, Rolf Schroeter et Jean-Frédéric Schnyder, il fut à l'origine, dans les années 1960, d'une « photographie concrète » qui reste une référence aujourd'hui encore.

L'exposition présente un aperçu de l'oeuvre d'Humbert, dont une grande partie est conservée à la Fotostiftung Schweiz depuis 2007. Le public y découvrira non seulement la photographie sans caméra, mais aussi des séries avec lesquelles le photographe a documenté le monde figuratif. À 90 ans, Humbert s'intéressait encore avec enthousiasme à la capture numérique de la lumière. La confrontation de son oeuvre tardive avec ses premières expériences argentiques avec la lumière met en évidence ses ambitions tout en éclairant l'imbrication entre sa création artistique libre et ses activités quotidiennes en tant qu'auteur d'images dans le domaine appliqué à la tête d'un studio prospère à Bâle.

Une publication du même nom paraît à l'occasion de l'exposition aux éditions Vexer, en partenariat avec l'espace d'exposition Turm zur Katz à Constance.

L’opera di Roger Humbert (1929–2022) lo colloca tra i pionieri della fotografia svizzera. Con l’affermazione «fotografo la luce», chiarisce la sua ricerca artistica sull’interazione tra soggetto e oggetto, materialità e coscienza e quindi tra fisica e metafisica. Humbert produsse la maggior parte delle sue fotografie ad «uso intellettuale» nella solitudine notturna della camera oscura: un irripetibile gioco di sagome, usate dall’artista come generatori di immagini dell’era predigitale, ha dato origine a straordinari fotogrammi e luminogrammi. Negli anni Sessanta, assieme a René Mächler, Rolf Schroeter e Jean-Frédéric Schnyder, fondò la «fotografia concreta», un movimento noto ancora oggi.

La mostra offre una panoramica sull’opera di Humbert, che dal 2007 è in gran parte conservata presso la Fotostiftung Schweiz. Oltre alle fotografie eseguite senza macchina fotografica, si possono vedere alcune serie di immagini con cui il fotografo ha documentato il mondo concreto. Ancora a 90 anni, Humbert si entusiasmava nel catturare la luce con mezzi digitali. Il confronto tra l’opera tarda e i suoi primi esperimenti analogici con la luce evidenzia la sua ambizione. Mette inoltre a fuoco la stretta relazione tra il lavoro artistico personale e quello quotidiano di un autore di fotografia applicata, che conduceva uno studio di successo a Basilea.

La mostra è accompagnata da un’omonima pubblicazione, edita da Vexer Verlag in collaborazione con la Turm Zur Katz di Costanza.

The work of Roger Humbert (1929–2022) positions him as a pioneer of Swiss photography. Humbert’s guiding principle, “I photograph light”, substantiates his artistic exploration of the interplay between subject and object, materiality and consciousness, and thus physics and metaphysics. He produced the majority of his photographs “to engage the mind” in the solitude of the darkroom at night. In non-repeatable ways, this artist played with stencils, which served him as pre-digital image generators, resulting in unique photograms and luminograms. In the 1960s, together with René Mächler, Rolf Schroeter and Jean-Frédéric Schnyder, he established ‘concrete photography’, a movement still well-known today.

The exhibition presents an overview of Humbert’s oeuvre, much of which has been housed at Fotostiftung Schweiz since 2007. Not only camera-less photographs are on display, but also series in which he documented the world of objects. At the age of 90, Humbert was still enthusiastically investigating digital methods of capturing light. The juxtaposition of this late work with his early analogue light experiments visualises Humbert’s ambitions and demonstrates an intertwining of independent artwork with the day-to-day business of a photographer in the applied domain, who ran a successful studio in Basel.

The exhibition is accompanied by an eponymous publication, released by Vexer Verlag in partnership with Turm zur Katz of Constance.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Galerie 94 | Baden
29. August - 11. Oktober 2025

Modernising Nature
Zak van Biljon

Der Fotograf Zak van Biljon kehrt in der Serie "Modernising Nature" Sehgewohnheiten um. Mittels Infrarotfotografie verwandelt er die Schweizer Bergwelt in leuchtend rote und pinke Landschaften und hinterfragt unser Verhältnis zur Natur und ihrer Abbildung in Zeiten allgegenwärtiger Social-Media-Filter.

Die Ausstellung "Modernising Nature" des Fotografen Zak van Biljon entfremdet den nostalgischen Blick auf die Schweizer Alpen. Anstelle von "dunkle[n] Tannen [und] grüne[n] Wiesen im Sonnenschein" erwarten das Publikum Bergwälder in leuchtendem Rot und Hochweiden in fluoreszierendem Pink. Nach einer anfänglichen Irritation über die ungewohnte Farbgebung entfalten die Bilder eine magnetische Anziehungskraft.

Die Herkunft dieses alternativen Farbspektrums liegt nicht in digitaler Manipulation, sondern in der Nah-Infrarotfotografie, einer Technik, die Zak van Biljon seit 2009 anwendet.Dieses Verfahren erfasst für das menschliche Auge unsichtbare Infrarotwellenlängen, die insbesondere von pflanzlicher Materie reflektiert werden. Dadurch verwandelt der fotografische Prozess alles, was in der Natur grün erscheint, künstlerisch in eine komplementäre Farbpalette. Van Biljon nutzt hierfür sowohl digitale Technologie als auch eine Handvoll seltener historischer Filmrollen aus dem frühen 20. Jahrhundert, die ursprünglich vor allem für militärische Aufklärung zur Anwendung kamen.

Diese "Falschfarbenfotografie" lädt zur Reflexion über die symbolische Bedeutung von Farben wie Rot, Magenta oder Violett ein. Sozialhistorisch sind diese mit Vorstellungen von Macht, aber auch von Verführung assoziiert, während sie in der Natur biologische Konzepte wie Lebenszyklen, Kraft und Vitalität ausdrücken. Die Wirkung der Farben bleibt dabei subjektiv, wie die Kuratorin Pamela Roberts festhält: "Wir alle sehen Farben unterschiedlich: mein Blaugrün ist vielleicht Grünblau für Sie".

In einer Zeit, in der "bis zur Unkenntlichkeit gefilterte Schnappschüsse von Bergseen und Blumenwiesen unsere Aufmerksamkeitsökonomie dominieren", hinterfragt van Biljon mit seiner Technik bewusst die Auffassungen von Künstlichkeit und Kitsch in der Landschaftsfotografie. Er fotografiert weltbekannte Ikonen wie das Matterhorn oder den Seealpsee und schafft so, im Gegensatz zu kosmetisch bearbeiteten Instagram-Bildern, direkte Zugänge zur naturbelassenen Schönheit. Der Blick wird entschleunigt, die gewohnte Sichtweise herausgefordert. So verschwimmen die Grenzen zwischen Mensch, Natur, Wissenschaft und Technologie im "kaleidoskopischen Infrarotkosmos von Modernising Nature", der nun auch erstmals in Buchform vorliegt.

Dans sa série « Modernising Nature », le photographe Zak van Biljon bouleverse nos habitudes visuelles. À l'aide de la photographie infrarouge, il transforme les montagnes suisses en paysages rouge vif et rose, remettant ainsi en question notre rapport à la nature et à sa représentation à l'ère des filtres omniprésents sur les réseaux sociaux.

L'exposition « Modernising Nature » du photographe Zak van Biljon déconstruise le regard nostalgique que l'on porte sur les Alpes suisses. Au lieu de « sapins sombres et de prairies verdoyantes sous le soleil », le public découvre des forêts de montagne rouge vif et des alpages rose fluo. Après une première irritation due à ces couleurs inhabituelles, les visuels exercent une attraction magnétique.

L'origine de ce spectre de couleurs alternatif ne réside pas dans la manipulation numérique, mais dans la photographie proche infrarouge, une technique utilisée par Zak van Biljon depuis 2009. Ce procédé capture les longueurs d'onde infrarouges invisibles à l'œil humain, qui sont particulièrement réfléchies par la matière végétale. Le processus photographique transforme ainsi artistiquement tout ce qui apparaît vert dans la nature en une palette de couleurs complémentaires. Van Biljon utilise à la fois la technologie numérique et une poignée de pellicules historiques rares du début du XXe siècle, initialement utilisées principalement pour la reconnaissance militaire.

Cette « photographie en fausses couleurs » invite à réfléchir sur la signification symbolique des couleurs telles que le rouge, le magenta ou le violet. D'un point de vue socio-historique, elles sont associées à des notions de pouvoir, mais aussi de séduction, tandis que dans la nature, elles expriment des concepts biologiques tels que les cycles de vie, la force et la vitalité. L'effet des couleurs reste subjectif, comme le souligne la conservatrice Pamela Roberts : « Nous voyons tous les couleurs différemment : mon bleu-vert est peut-être vert-bleu pour vous ».

À une époque où « des clichés de lacs de montagne et de prairies fleuries, filtrés jusqu'à en être méconnaissables, dominent notre économie de l'attention », van Biljon remet délibérément en question, à travers sa technique, les notions d'artificialité et de kitsch dans la photographie de paysage. Il photographie des icônes mondialement connues telles que le Cervin ou le lac Seealpsee et, contrairement aux visuels cosmétiquement retouchés d'Instagram, il crée ainsi un accès direct à la beauté naturelle. Le regard est ralenti, la vision habituelle remise en question. Ainsi, les frontières entre l'homme, la nature, la science et la technologie s'estompent dans le « cosmos infrarouge kaléidoscopique de Modernising Nature », désormais disponible pour la première fois sous forme de livre.

Il fotografo Zak van Biljon ribalta le consuetudini visive nella serie «Modernising Nature». Attraverso la fotografia a infrarossi, trasforma il paesaggio montano svizzero in paesaggi rosso vivo e rosa, mettendo in discussione il nostro rapporto con la natura e la sua rappresentazione in un'epoca in cui i filtri dei social media sono onnipresenti.

La mostra “Modernising Nature” del fotografo Zak van Biljon stravolge la visione nostalgica delle Alpi svizzere. Al posto di “abeti scuri e prati verdi illuminati dal sole”, il pubblico si trova di fronte a boschi di montagna di un rosso brillante e pascoli d'alta quota di un rosa fluorescente. Dopo un iniziale stupore per i colori insoliti, le immagini esercitano un fascino magnetico.

L'origine di questo spettro cromatico alternativo non risiede nella manipolazione digitale, ma nella fotografia nel vicino infrarosso, una tecnica che Zak van Biljon utilizza dal 2009. Questo processo cattura le lunghezze d'onda infrarosse invisibili all'occhio umano, che vengono riflesse in particolare dalla materia vegetale. In questo modo, il processo fotografico trasforma artisticamente tutto ciò che appare verde in natura in una tavolozza di colori complementari. Van Biljon utilizza sia la tecnologia digitale che una manciata di rari rullini storici dell'inizio del XX secolo, originariamente utilizzati principalmente per la ricognizione militare.

Questa “fotografia a falsi colori” invita a riflettere sul significato simbolico di colori come il rosso, il magenta o il viola. Dal punto di vista socio-storico, questi colori sono associati a concetti di potere, ma anche di seduzione, mentre in natura esprimono concetti biologici come i cicli di vita, la forza e la vitalità. L'effetto dei colori rimane soggettivo, come osserva la curatrice Pamela Roberts: “Tutti vediamo i colori in modo diverso: il mio blu-verde potrebbe essere verde-blu per voi”.

In un'epoca in cui “istantanee filtrate fino a renderle irriconoscibili di laghi di montagna e prati fioriti dominano la nostra economia dell'attenzione”, van Biljon, con la sua tecnica, mette consapevolmente in discussione le concezioni di artificialità e kitsch nella fotografia di paesaggio. Fotografa icone famose in tutto il mondo come il Cervino o il Seealpsee e, a differenza delle immagini cosmeticamente ritoccate di Instagram, riesce a creare un accesso diretto alla bellezza naturale. Lo sguardo rallenta, la visione abituale viene messa in discussione. Così, i confini tra uomo, natura, scienza e tecnologia si confondono nel “cosmo caleidoscopico a infrarossi di Modernising Nature”, ora disponibile per la prima volta anche in forma di libro.

Photographer Zak van Biljon turns our viewing habits upside down in his series ‘Modernising Nature’. Using infrared photography, he transforms the Swiss mountains into bright red and pink landscapes, questioning our relationship with nature and its representation in an age of ubiquitous social media filters.

The exhibition ‘Modernising Nature’ by photographer Zak van Biljon alienates the nostalgic view of the Swiss Alps. Instead of ‘dark fir trees [and] green meadows in the sunshine’, the audience is greeted by mountain forests in bright red and high pastures in fluorescent pink. After initial confusion about the unusual colour scheme, the visuals unfold a magnetic appeal.

The origin of this alternative colour spectrum is not digital manipulation, but near-infrared photography, a technique Zak van Biljon has been using since 2009. This process captures infrared wavelengths invisible to the human eye, which are reflected particularly strongly by plant matter. The photographic process thus artistically transforms everything that appears green in nature into a complementary colour palette. Van Biljon uses both digital technology and a handful of rare historical film rolls from the early 20th century, which were originally used primarily for military reconnaissance.

This ‘false-colour photography’ invites reflection on the symbolic meaning of colours such as red, magenta and violet. In a socio-historical context, these are associated with ideas of power, but also of seduction, while in nature they express biological concepts such as life cycles, strength and vitality. The effect of colours remains subjective, as curator Pamela Roberts notes: ‘We all see colours differently: my blue-green may be green-blue to you.’

At a time when ‘snapshots of mountain lakes and flower meadows filtered beyond recognition dominate our attention economy,’ van Biljon deliberately uses his technique to question perceptions of artificiality and kitsch in landscape photography. He photographs world-famous icons such as the Matterhorn or the Seealpsee lake and, in contrast to cosmetically edited Instagram images, creates direct access to natural beauty. The gaze is slowed down, the familiar perspective challenged. Thus, the boundaries between humans, nature, science and technology blur in the ‘kaleidoscopic infrared cosmos of Modernising Nature,’ which is now also available in book form for the first time.

Fotomuseum Winterthur
25. Oktober 2025 – 15. Februar 2025

Miteinander – Kara Springer im Zwiegespräch mit der Sammlung des Fotomuseum Winterthur

Das Fotomuseum Winterthur zeigt eine Sammlungspräsentation der besonderen Art: Im Ausstellungsraum treten Arbeiten der kanadischen, auf Barbados geborenen Künstlerin Kara Springer (*1980) in einen Austausch mit Werken aus der Sammlung des Museums. Durch gezielte Gegenüberstellungen entstehen unerwartete Verknüpfungen und fruchtbare Kontraste. Die Verbindungen zwischen den Arbeiten Springers und denjenigen aus der Sammlung zeigen sich auf unterschiedlichen Ebenen; sie wirken über inhaltliche und ästhetische Gemeinsamkeiten und Unterschiede und werden räumlich erfahrbar.

Springer arbeitet mit Fotografie, Skulptur sowie ortsspezifischen Installationen. Sie setzt sich unter anderem mit Architektur und städtischer Infrastruktur sowie den Machtstrukturen, die sich darin widerspiegeln, auseinander. Ihr Interesse gilt zudem den Wechselwirkungen zwischen dem menschlichen Eingreifen in die Natur und dem Einfluss, den die Natur im Gegenzug auf uns Menschen hat.

Das neue Ausstellungsformat Miteinander ist als Reihe konzipiert. Für diese verfolgt das Fotomuseum Winterthur in enger Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Kunstschaffenden die Aktivierung der Sammlung; in dieser ersten Ausgabe mit Springer. Da dies die erste institutionelle Präsentation der Künstlerin in der Schweiz ist, erweist sich die Kooperation nicht nur als Möglichkeit, die Sammlung des Museums (wieder) zu entdecken, sondern als erstmalige gezielte Begegnung mit dem vielseitigen Schaffen Springers.

Le Fotomuseum Winterthur présente une collection d'un genre particulier : dans la salle d'exposition, les travaux de l'artiste canadienne Kara Springer (*1980), née à la Barbade, entrent en interaction avec des œuvres de la collection du musée. Des juxtapositions ciblées font naître des liens inattendus et des contrastes fructueux. Les liens entre les travaux de Springer et ceux de la collection se manifestent à différents niveaux ; ils agissent par le biais de similitudes et de différences de contenu et d'esthétique et deviennent perceptibles dans l'espace.

Springer travaille avec la photographie, la sculpture ainsi que des installations spécifiques au lieu. Elle s'intéresse entre autres à l'architecture et à l'infrastructure urbaine ainsi qu'aux structures de pouvoir qui s'y reflètent. Elle s'intéresse en outre aux interactions entre l'intervention humaine dans la nature et l'influence que la nature exerce en retour sur les hommes.

Le nouveau format d'exposition Miteinander est conçu comme une série. Pour celle-ci, le Fotomuseum Winterthur poursuit l'activation de sa collection en étroite collaboration avec des artistes contemporains ; pour cette première édition, avec Springer. Comme il s'agit de la première présentation institutionnelle de l'artiste en Suisse, cette coopération ne se révèle pas seulement comme une possibilité de (re)découvrir la collection du musée, mais aussi comme une première rencontre ciblée avec l'œuvre variée de Springer.

Il Fotomuseum Winterthur presenta un tipo particolare di presentazione della collezione: nello spazio espositivo, opere dell'artista canadese Kara Springer (*1980), nata alle Barbados, entrano in uno scambio con opere della collezione del museo. Accostamenti specifici creano legami inaspettati e contrasti fruttuosi. Le connessioni tra le opere della Springer e quelle della collezione sono evidenti a diversi livelli; hanno un effetto attraverso le somiglianze e le differenze di contenuto e di estetica e possono essere vissute spazialmente.

Springer lavora con la fotografia, la scultura e le installazioni site-specific. Tra le altre cose, esplora l'architettura e le infrastrutture urbane e le strutture di potere che vi si riflettono. Si interessa anche alle interazioni tra l'intervento umano nella natura e l'influenza che la natura ha su noi umani.

Il nuovo formato espositivo Togetherness è concepito come una serie. Per questo, il Fotomuseum Winterthur lavora a stretto contatto con artisti contemporanei per attivare la collezione; in questa prima edizione con Springer. Trattandosi della prima presentazione istituzionale dell'artista in Svizzera, la collaborazione non è solo un'occasione per (ri)scoprire la collezione del museo, ma anche il primo incontro mirato con la poliedrica opera di Springer.

Fotomuseum Winterthur is presenting an innovative view of its collection through a dialogue set up between works by Kara Springer and pieces from the museum collection. In the exhibition space specific works are juxtaposed to reveal unexpected connections and productive contrasts. The interplay between Springer’s work and items from the collection unfolds on multiple levels, in a spatial experience that is informed by commonalities and differences at the level of content and aesthetics.

Springer – a Canadian artist with Caribbean roots (she was born in Barbados in 1980) – works with photography, sculpture and site-specific installations to explore architecture and urban infrastructure as well as the power structures they mirror. She is also interested in human interventions in nature and the influence that nature has on us in return, reflecting on how these forces interact with one another.

The museum’s new exhibition format, Together, is conceived as a series and seeks to energise the collection through a process of close collaboration with contemporary artists. Springer’s show is the first in the series – and her first exhibition in a Swiss institution. The collaboration thus presents an opportunity for visitors to encounter Springer’s diverse oeuvre while (re)discovering the museum’s own collection.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
25. Oktober 2025 – 15. Februar 2026

Frauen. Fragen. Fotoarchive.

Die Fotografiegeschichte der Schweiz wurde lange Zeit aus männlicher Perspektive überliefert. Von den rund 160 Archiven in der Fotostiftung Schweiz sind nur 26 Archive weiblichen Fotoschaffenden zuzuschreiben. Diese Archive sind so unterschiedlich wie ihre Autorinnen und deren Biografien: Während das Lebenswerk vieler Fotografinnen Brüche aufweist, zeichnen sich andere durch eine stringente und solide Entwicklung aus. Auch wenn es manchen Bildautorinnen gelang, sich in einem männlich dominierten Berufsfeld zu etablieren, blieben sie oft weniger beachtet im Schatten ihrer Berufskollegen, Lehrmeister und Ehemänner. Auch privilegierte Amateurfotografinnen, die ohne ökonomischen Druck technisch versierte Bilder und eindrucksvolle Zeitzeugnisse schufen, blieben am Rande der Geschichtsschreibung der Schweizer Fotografie.

Die Ausstellung Frauen. Fragen. Fotoarchive. rückt sieben Archive aus der Zeit von 1900 bis 1970 in den Fokus. Ein Kollektiv von Kuratorinnen der Fotostiftung Schweiz untersucht dabei die Besonderheiten und Gemeinsamkeiten dieser Archive und beleuchtet die Hürden und Erfahrungen des weiblichen Fotoschaffens. Wie prägten vorherrschende Rollenbilder, ökonomische Strukturen oder familiäre Verpflichtungen die Arbeit dieser Frauen? Wie spiegeln sich diese Einflüsse in ihren Archiven wider? Und wie kann mit Lücken in den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung Schweiz umgegangen werden?

Mit Fotografien von Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber und Leni Willimann-Thöni.

Pendant longtemps, l'histoire de la photographie en Suisse a surtout été marquée par une perspective masculine. Sur les quelque 160 archives conservées par la Fotostiftung Schweiz, seules 26 concernent des femmes photographes. Ces archives sont aussi différentes que leurs auteures elles-mêmes et leurs biographies respectives : alors que l'oeuvre de nombreuses femmes photographes semble fragmentée en raison de ruptures dans leur parcours professionnel, d'autres se distinguent par un développement net et rigoureux. Si certaines femmes photographes ont réussi à s'imposer dans un domaine professionnel dominé par les hommes, la visibilité qui leur a été accordée reste dans l'ombre de leurs collègues masculins, maîtres et maris. Quelques femmes ayant eu le privilège de s'adonner à la photographie comme loisir, sans pression économique, ont créé des images techniquement fortes et des témoignages impressionnants de leur époque. En tant qu'amatrices, elles i sont toutefois restées en marge de l'historiographie de la photographie suisse.

Avec cette exposition, un collectif de femmes commissaires de la Fotostiftung Schweiz porte son regard sur sept archives datant de 1900 à 1970. Femmes. Questions. Archives Photographiques. examine les particularités et les points communs de ces archives tout en mettant en lumière les obstacles et les expériences spécifiques de la création photographique féminine. Comment les rôles dominants, les structures économiques ou les obligations sociales et familiales ont-ils influencé le travail de ces femmes ? Comment ces influences se reflètent-elles dans leurs archives ? Et comment gérer les lacunes dans les archives et les collections de la Fotostiftung Schweiz ?

Avec les photographies de Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber et Leni Willimann-Thöni.

La storia della fotografia svizzera è stata trasmessa per molto tempo da una prospettiva prevalentemente maschile. Dei circa 160 archivi presenti nella Fotostiftung Schweiz solo 26 sono riconducibili a fotografe donne. Questi archivi sono diversi tra loro come lo sono le autrici stesse e le loro biografie: mentre l’opera di molte fotografe appare frammentaria – a causa di interruzioni nella carriera professionale – altre si distinguono per il loro costante e solido sviluppo. Anche se alcune autrici riuscirono ad affermarsi in un settore di dominio maschile rimasero spesso meno considerate, all’ombra dei loro colleghi, formatori e mariti. Alcune ebbero il privilegio di potersi dedicare alla fotografia senza pressioni economiche, nel loro tempo libero – padroneggiando la tecnica, realizzarono immagini eccezionali e impressionanti testimonianze del loro tempo. Come amatrici, rimasero però marginali nella storiografia della fotografia svizzera.

Con questa mostra, il collettivo delle curatrici della Fotostiftung Schweiz volge lo sguardo a sette archivi del periodo compreso tra il 1900 e il 1970. Donne. Domande. Archivi Fotografici. esplora le particolarità e le similitudini di questi archivi e mette a fuoco le difficoltà specifiche e le esperienze legate alla fotografia al femminile. In che modo i ruoli prestabiliti, le strutture economiche o gli obblighi sociali e famigliari hanno influenzato il lavoro di queste donne? Come si rispecchiano questi influssi nel loro lavoro? E come si possono gestire le lacune negli archivi e nelle collezioni della Fotostiftung Schweiz?

Con fotografie di Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber e Leni Willimann-Thöni.

For a long time, the history of Swiss photography was mainly conveyed from a male perspective. Of the approximately 160 archives at Fotostiftung Schweiz, only 26 can be attributed to female photographers. These archives are as diverse as the women behind them – and the stories of their lives: While the oeuvres of many female photographers appear fragmented due to breaks in their careers, others stand out for their consistency and solidity. Even though some female photographers did manage to establish themselves in the male-dominated profession, they often received little recognition, remaining overshadowed by their male colleagues, mentors and husbands. A number of women had the privilege of pursuing photography as a leisure activity without economic pressure, demonstrating technical skill while creating powerful images that bear witness to their times. As amateurs though, they too were left on the margins by those writing the history of Swiss photography.

In this exhibition, a collective of female curators from Fotostiftung Schweiz focuses on seven archives from 1900 to 1970. Female. Focus. Photo Archives. examines the peculiarities and commonalities of these archives, shedding light on hurdles and experiences specific to female photography. How did prevailing role models, economic structures, social obligations and family duties shape their work? How are these influences reflected in their archives? And how can gaps in the archives and collections at Fotostiftung Schweiz be addressed?

With photographs by Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber and Leni Willimann-Thöni.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Fotomuseum Winterthur
25. Oktober 2025 – 15. Februar 2026

Phantasmagorie
Poulomi Basu

Die indische Künstlerin Poulomi Basu (*1983) verwebt dokumentarische Aufnahmen und inszenierte Szenen vor fantastischen Kulissen zu multimedialen, oft raumfüllenden Installationen. Der Titel der Ausstellung nimmt Bezug auf die Phantasmagorien des 18. Jahrhunderts, die ihr Publikum mit Projektionen und optischen Täuschungen in den Bann zogen. Auch Basu spielt mit dem Verhältnis von Imagination und Wirklichkeit: Sieentwirft spekulative Zukunftsvisionen, die zugleich die Gegenwart ihrer Protagonist_innen reflektieren und Möglichkeiten der Selbstermächtigung und des Widerstands aufzeigen.

Neben der Fotografie kommen in ihrer transmedialen Praxis auch Virtual Reality, Film und Performance zum Einsatz. Dabei nutzt die Künstlerin das aktivistische Potenzial der Medien, um auf Ausgrenzung, Missstände und geschlechterspezifische Gewalt aufmerksam zu machen.

Das Fotomuseum Winterthur realisiert die erste umfassende museale Einzelausstellung mit der Künstlerin und zeigt eine Auswahl ihrer Werke. In deren Mittelpunkt stehen Geschichten von Frauen, die wie sie aus dem Globalen Süden stammen und an den Rand der Gesellschaft gedrängt werden. In Sisters of the Moon, einer ihrer jüngsten Arbeiten, thematisiert die Künstlerin beispielsweise die Auswirkungen von Wasser- und Ressourcenknappheit auf Frauen in Form von fiktionalisierten Selbstporträts vor dystopischen Landschaften. Sie verweist damit zugleich auf die enge Verflechtung ökologischer und feministischer Fragestellungen. Indem sie sich selbst als Protagonistin vor der Kamera inszeniert, solidarisiert sich die Künstlerin mit denjenigen Frauen, die ihr bislang in ihren Werken Einblick in ihr Leben gewährt haben.

Basus Arbeiten sind ein Aufruf zum Widerstand gegen patriarchalische Strukturen, vorherrschende Machtverhältnisse und die systematische Unterdrückung von Frauen und Mädchen. Wie ein roter Faden zieht sich die Resilienz der Protagonist_innen ihrer Arbeiten durch ihr Werk: Basu ermöglicht es ihnen, die Rolle ermächtigter Akteur_innen einzunehmen, ihre eigenen Stimmen zu erheben, ihre persönlichen Geschichten zu erzählen und so die Wahrnehmung des Publikums herauszufordern.

L'artiste indienne Poulomi Basu (*1983) entrelace des prises de vue documentaires et des scènes mises en scène devant des décors fantastiques pour créer des installations multimédias qui occupent souvent toute la pièce. Le titre de l'exposition fait référence aux fantasmagories du 18e siècle, qui captivaient leur public avec des projections et des illusions d'optique. Basu joue également avec le rapport entre l'imagination et la réalité : elle conçoit des visions d'avenir spéculatives qui reflètent en même temps le présent de ses protagonistes et montrent des possibilités d'autonomisation et de résistance.

Outre la photographie, sa pratique transmédia fait également appel à la réalité virtuelle, au film et à la performance. L'artiste exploite ainsi le potentiel activiste des médias pour attirer l'attention sur l'exclusion, les abus et la violence sexiste.

Le Fotomuseum Winterthur réalise la première exposition individuelle complète de l'artiste dans un musée et présente une sélection de ses œuvres. Celles-ci sont centrées sur des histoires de femmes qui, comme elle, sont originaires du Sud et marginalisées dans la société. Dans Sisters of the Moon, l'une de ses œuvres les plus récentes, l'artiste aborde par exemple les effets de la pénurie d'eau et de ressources sur les femmes sous la forme d'autoportraits fictionnalisés devant des paysages dystopiques. Elle fait ainsi référence à l'étroite interdépendance des questions écologiques et féministes. En se mettant en scène comme protagoniste devant la caméra, l'artiste se solidarise avec les femmes qui, jusqu'à présent, lui ont donné un aperçu de leur vie dans leurs œuvres.

Les travaux de Basu sont un appel à la résistance contre les structures patriarcales, les rapports de force dominants et l'oppression systématique des femmes et des filles. La résilience des protagonistes de ses travaux est le fil conducteur de son œuvre : Basu leur permet d'assumer le rôle d'acteurs habilités, de faire entendre leur propre voix, de raconter leurs histoires personnelles et de défier ainsi la perception du public.

L'artista indiana Poulomi Basu (*1983) intreccia filmati documentari e scene inscenate davanti a fondali fantastici per creare installazioni multimediali che spesso riempiono le stanze. Il titolo della mostra fa riferimento alle fantasmagorie del XVIII secolo, che ipnotizzavano il pubblico con proiezioni e illusioni ottiche. Basu gioca anche con il rapporto tra immaginazione e realtà: crea visioni speculative del futuro che riflettono contemporaneamente il presente dei suoi protagonisti e dimostrano le possibilità di auto-emancipazione e resistenza.

Oltre alla fotografia, nella sua pratica transmediale vengono utilizzati anche la realtà virtuale, il cinema e la performance. L'artista sfrutta il potenziale attivista dei media per attirare l'attenzione sull'emarginazione, le rimostranze e la violenza di genere.

Il Fotomuseum Winterthur sta realizzando la prima mostra museale completa con l'artista e presenta una selezione delle sue opere. Al centro della mostra ci sono storie di donne che, come lei, provengono dal Sud globale e sono spinte ai margini della società. In Sisters of the Moon, una delle sue opere più recenti, ad esempio, l'artista affronta gli effetti della scarsità di acqua e di risorse sulle donne sotto forma di autoritratti romanzati davanti a paesaggi distopici. In questo modo, l'artista fa anche riferimento allo stretto intreccio tra questioni ecologiche e femministe. Mettendo in scena se stessa come protagonista davanti alla macchina fotografica, l'artista si mostra solidale con le donne che le hanno dato uno spaccato della loro vita nelle sue opere fino ad oggi.

Le opere di Basu sono un appello alla resistenza contro le strutture patriarcali, le relazioni di potere prevalenti e l'oppressione sistematica di donne e ragazze. La resilienza delle protagoniste delle sue opere è il filo conduttore del suo lavoro: Basu permette loro di assumere il ruolo di attori responsabili, di alzare la voce, di raccontare le loro storie personali e di sfidare così la percezione del pubblico.

In her works, Indian artist Poulomi Basu (b. 1983) interweaves documentary photographs and staged scenes enacted in front of fantastical backdrops, creating multimedia, often large-scale installations. The title of the exhibition refers to the phantasmagorias of the 18th century, which captivated their audiences with projections and optical illusions. Basu also blurs the lines between imagination and reality: she drafts speculative visions of the future that simultaneously reflect the present of her protagonists and highlight possibilities for self-empowerment and resistance.

In addition to photography, the artist also employs virtual reality, film and performance in her transmedia practice, using the activist potential of the different media to champion the rights of marginalised groups.

Fotomuseum Winterthur is mounting the first major solo museum exhibition with the artist, showing a selection of her pieces. They are centred around the stories of women who, like her, come from the Global South and find themselves pushed to the margins of society. In Sisters of the Moon, for example, one of her most recent works, the artist uses fictionalised self-portraits set against dystopian landscapes to address the effects of water and resource scarcity on women. At the same time, she draws attention to the close intertwining of ecological and feminist issues. By staging herself as the protagonist in front of the camera, the artist shows solidarity with the women who have opened themselves up to her.

Basu’s works call for resistance to patriarchal structures, prevailing hierarchies and the systematic oppression of women and girls. The resilience of the protagonists in her works runs like a common thread through her images: the artist enables them to take on the role of empowered actors and to speak out, telling their personal stories and thus challenging audience perceptions.

(Text: Fotomuseum Winterthur)