Museum Alpin Pontresina
10. Juni - 26. Oktober 2024 / 16. Dezember 2024 - 19. April 2025

Im Auge des Lichts
Guido Baselgia

Saisonpause: 27. Oktober - 15. Dezember 2024

Baselgia selbst, der als einer der herausragenden Fotografen der Schweiz gilt, hat die eindrückliche Ausstellung konzipiert und kuratiert.

Gezeigt werden Arbeiten aus den Zyklen «Lungo Guardo» und «Camera Obscura - Lichteinfälle» im Kontext der astro-physikalischen Phänomene, die der Künstler in seinem Werk thematisiert und studiert. «Für mich malt das Licht», hat Baselgia einmal festgestellt und man sollte ihn deshalb einen «Lichtbildner» nennen. «Guido Baselgia - Im Auge des Lichts» konzentriert sich in den beiden Ausstellungsräumen des Museums Alpin auf die Werk-Zyklen «Lungo Guardo» (Raum 1/Hauptraum) und «Camera Obscura-Lichteinfälle» (Raum 2), die beide Teil sind des jüngsten Werk-Zyklus von Guido Baselgia «Lichtstoff und Luftfarben».

Baselgia lui-même, considéré comme l'un des photographes les plus remarquables de Suisse, a conçu et organisé cette exposition impressionnante.

Sont présentés des travaux issus des cycles "Lungo Guardo" et "Camera Obscura - Lichteinfälle" dans le contexte des phénomènes astro-physiques que l'artiste thématise et étudie dans son œuvre. "Pour moi, c'est la lumière qui peint", a constaté un jour Baselgia, et c'est pourquoi on devrait l'appeler un "photographe de lumière". "Guido Baselgia - Dans l'œil de la lumière" se concentre, dans les deux salles d'exposition du Musée Alpin, sur les cycles d'œuvres "Lungo Guardo" (salle 1/pièce principale) et "Camera Obscura-Lichteinfälle" (salle 2), qui font tous deux partie du cycle d'œuvres le plus récent de Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Lo stesso Baselgia, considerato uno dei più importanti fotografi svizzeri, ha ideato e curato questa imponente mostra.

Sono esposte opere dei cicli "Lungo Guardo" e "Camera Obscura - Lichteinfälle" nel contesto dei fenomeni astrofisici che l'artista tematizza e studia nel suo lavoro. "Per me la luce dipinge", ha detto una volta Baselgia, che dovrebbe quindi essere definito un "pittore della luce". Nelle due sale espositive del Museo Alpin, "Guido Baselgia - In the Eye of Light" si concentra sui cicli di opere "Lungo Guardo" (sala 1/principale) e "Camera Obscura-Lichteinfälle" (sala 2), entrambi facenti parte del più recente ciclo di opere di Guido Baselgia "Lichtstoff und Luftfarben".

Baselgia himself, who is considered one of Switzerland's outstanding photographers, conceived and curated the impressive exhibition.

On display are works from the "Lungo Guardo" and "Camera Obscura - Lichteinfälle" cycles in the context of the astrophysical phenomena that the artist explores and studies in his work. "For me, light paints", Baselgia once said, and he should therefore be called a "light painter". "Guido Baselgia - In the Eye of Light" in the two exhibition rooms of the Museum Alpin focuses on the work cycles "Lungo Guardo" (room 1/main room) and "Camera Obscura-Lichteinfälle" (room 2), both of which are part of Guido Baselgia's most recent work cycle "Lichtstoff und Luftfarben".

(Text: Museum Alpin Pontresina)

Villa Garbald | Castasegna
29. Juni 2024 – 21. Juni 2025

Focus. Alex Hanimann präsentiert Fotografien aus dem Bildarchiv der ETH Zürich

Seit 2005 nutzt das Bündner Kunstmuseum die Villa Garbald in Castasegna als Aussenstelle. Die Räumlichkeiten dienen nicht als Galerie, vielmehr sollen mit Kunst Impulse im "Denklabor Villa Garbald" gesetzt werden.

Aus Anlass des Jubiläums «20 Jahre Seminarzentrum Villa Garbald» haben wir den Fokus der Kunsteinrichtung in Castasegna verschoben: Wir gehen diesmal nicht vom Werk eines Künstlers oder einer Künstlerin aus, sondern wollen Einblick geben ins unermessliche Bildarchiv wissenschaftlicher Fotografien der ETH Zürich. Niemand kann sich der Faszination dieses Reichtums entziehen. Daraus aber eine Auswahl zu treffen und diese in der Villa Garbald und im Neubau des Roccolo zu präsentieren, stellt eine besondere Herausforderung dar. Wir konnten dafür Alex Hanimann (*1955) gewinnen, der in seinem künstlerischen Werk immer wieder mit vorgefundenen Bildern arbeitet und uns daher für diese Aufgabe prädestiniert schien. Er setzt die von ihm aufgegriffenen Bilder meist in Zeichnung, Malerei oder Skulptur um oder bearbeitet sie durch Vergrösserung, Ausschnitte oder Raster. Für die Kunsteinrichtung in der Villa Garbald hat er fotografische Aufnahmen von Pflanzen aus dem Bildarchiv der ETH Zürich ausgewählt, präsentiert sie aber nüchtern und ohne weitere Verfremdung. Er interessiert sich vielmehr für die Schnittstellen und Brüche in den einzelnen Aufnahmen: Begeistert von der besonderen Bildqualität lässt er sich dabei einerseits von der Ästhetik leiten, von der Schönheit der Wachstumsformen und ihrer Erscheinung im fotografischen Bild. Andererseits erkennt er die wissenschaftlichen Ansprüche, die in fast jedem Bild zum Tragen kommen. Und letztlich interessieren ihn als Künstler die Formen der Inszenierung, an denen die Naturwissenschaftler ebenso teilhaben wie die Forscher des fotografischen Instituts. Alle haben sie ihre Methoden und ihre eigenen Praktiken, um den Bildern eine Form und einen Wert zu geben. Alex Hanimann eröffnet neue Perspektiven: Indem er die Aufnahmen aus ihrem klaren Kontext herauslöst, verleiht er ihnen eine überraschende Vielschichtigkeit und wir sehen nicht mehr nur die eine oder andere Pflanze, sondern zauberhafte Fotografien, in denen sich die Wissenschaft in der Kunst spiegelt und die Kunst in der Wissenschaft.

Depuis 2005, le Bündner Kunstmuseum utilise la Villa Garbald à Castasegna comme antenne. Les locaux ne servent pas de galerie, mais l'art doit plutôt donner des impulsions au "laboratoire de réflexion Villa Garbald".

A l'occasion du jubilé des "20 ans du centre de séminaires Villa Garbald", nous avons déplacé le centre d'intérêt de l'institution artistique de Castasegna : Cette fois-ci, nous ne partons pas de l'œuvre d'un artiste, mais nous voulons donner un aperçu des immenses archives d'images de photographies scientifiques de l'ETH Zurich. Personne ne peut se soustraire à la fascination de cette richesse. Mais en faire une sélection et la présenter dans la Villa Garbald et dans le nouveau bâtiment du Roccolo représente un défi particulier. Nous avons pu faire appel à Alex Hanimann (*1955), qui travaille toujours avec des visuels trouvés dans son œuvre artistique et qui nous semblait donc prédestiné à cette tâche. Il transpose généralement les visuels qu'il a repris en dessin, peinture ou sculpture, ou les retravaille en les agrandissant, en les découpant ou en les quadrillant. Pour l'installation artistique de la Villa Garbald, il a sélectionné des prises de vue photographiques de plantes provenant des archives photographiques de l'EPF de Zurich, mais il les présente de manière sobre, sans les détourner davantage. Il s'intéresse plutôt aux interfaces et aux ruptures dans les différentes prises de vue : Enthousiasmé par la qualité particulière des images, il se laisse ainsi guider d'une part par l'esthétique, par la beauté des formes de croissance et de leur apparition dans le visuel photographique. D'autre part, il reconnaît les exigences scientifiques qui interviennent dans presque chaque visuel. Et finalement, en tant qu'artiste, il s'intéresse aux formes de mise en scène auxquelles participent les scientifiques tout comme les chercheurs de l'institut photographique. Tous ont leurs méthodes et leurs propres pratiques pour donner une forme et une valeur aux visuels. Alex Hanimann ouvre de nouvelles perspectives : En sortant les prises de vue de leur contexte bien défini, il leur confère une complexité surprenante et nous ne voyons plus seulement l'une ou l'autre plante, mais des photographies magiques dans lesquelles la science se reflète dans l'art et l'art dans la science.

Dal 2005 il Bündner Kunstmuseum utilizza Villa Garbald a Castasegna come avamposto. La sede non funge da galleria, ma piuttosto da luogo in cui l'arte può dare impulso al "Villa Garbald Thinking Lab".

In occasione del 20° anniversario del centro seminariale di Villa Garbald, abbiamo spostato il focus dell'installazione artistica a Castasegna: Questa volta non partiamo dal lavoro di un artista, ma vogliamo offrire una visione dell'immenso archivio di fotografie scientifiche del Politecnico di Zurigo. Nessuno può sottrarsi al fascino di questa ricchezza. Ma farne una selezione e presentarla nella Villa Garbald e nel nuovo edificio del Roccolo è una sfida speciale. Siamo riusciti a convincere Alex Hanimann (*1955), che lavora ripetutamente con immagini trovate nel suo lavoro artistico e che quindi sembrava predestinato a questo compito. Di solito trasforma le immagini raccolte in disegni, dipinti o sculture, oppure ci lavora sopra ingrandendole, ritagliandole o utilizzando griglie. Per l'installazione artistica a Villa Garbald, ha selezionato immagini fotografiche di piante dall'archivio di immagini del Politecnico di Zurigo, ma le presenta in modo sobrio e senza ulteriore alienazione. È più interessato alle interfacce e alle interruzioni delle singole fotografie: Ispirato dalla particolare qualità dell'immagine, è guidato da un lato dall'estetica, dalla bellezza delle forme di crescita e dal loro aspetto nell'immagine fotografica. Dall'altro, riconosce le esigenze scientifiche che si manifestano in quasi tutte le immagini. E infine, come artista, è interessato alle forme di messa in scena a cui partecipano tanto gli scienziati naturali quanto i ricercatori dell'istituto fotografico. Tutti hanno i loro metodi e le loro pratiche per dare alle immagini una forma e un valore. Alex Hanimann apre nuove prospettive: Togliendo le fotografie dal loro contesto chiaro, conferisce loro una complessità sorprendente e non vediamo più solo una pianta o un'altra, ma fotografie incantevoli in cui la scienza si riflette nell'arte e l'arte nella scienza.

Since 2005, the Bündner Kunstmuseum has been using the Villa Garbald in Castasegna as an outpost. The premises do not serve as a gallery, but rather as a place where art can provide impetus in the "Villa Garbald Thinking Lab".

To mark the 20th anniversary of the Villa Garbald seminar center, we have shifted the focus of the art installation in Castasegna: This time we are not starting from the work of an artist, but want to give an insight into the immeasurable image archive of scientific photographs at ETH Zurich. No one can escape the fascination of this wealth. But making a selection from it and presenting it in the Villa Garbald and in the new Roccolo building is a special challenge. We were able to win over Alex Hanimann (*1955), who repeatedly works with found visuals in his artistic work and therefore seemed predestined for this task. He usually transforms the visuals he takes up into drawings, paintings or sculptures or works on them by enlarging them, cutting them out or using grids. For the art installation at Villa Garbald, he has selected photographic images of plants from the ETH Zurich image archive, but presents them soberly and without further alienation. He is more interested in the interfaces and breaks in the individual photographs: Enthused by the special image quality, he is guided on the one hand by aesthetics, by the beauty of the growth forms and their appearance in the photographic image. On the other hand, he recognizes the scientific claims that come to bear in almost every visual. And ultimately, as an artist, he is interested in the forms of staging in which the natural scientists participate just as much as the researchers at the photographic institute. They all have their own methods and their own practices to give the visuals a form and a value. Alex Hanimann opens up new perspectives: By removing the photographs from their clear context, he gives them a surprising complexity and we no longer see just one plant or another, but enchanting photographs in which science is reflected in art and art in science.

(Text: Bündner Kunstmuseum)

Alpines Museum der Schweiz
25. Oktober 2024 – 16. August 2026

Grönland. Alles wird anders

Eine neue filmische Ausstellung über Klimawandel und Dekolonialisierung, Overtourism, die Jagd nach Bodenschätzen, Wege zu einer neuen Landwirtschaft, die Zukunft der Jugend und die lebendige grönländische Musikszene.

Rasant schmelzende Eismassen, boomender Tourismus, drei neue Flughäfen im Bau, wachsende Müllberge, globale Investoren auf der Suche nach Bodenschätzen und ein selbstbewusstes Grönland auf dem Weg zu einer indigenen Identität und Unabhängigkeit. Grönlands Wandel ist heftig, ungestüm und widersprüchlich. Doch wie sehen das die Menschen dort? Und was lernen wir daraus über die Welt, in der wir leben? Wie gehen wir mit Dilemmas und Widersprüchen um? Was macht Angst, und wo liegen Chancen? Eine bewegende Filminstallation mit original Grönland-Soundtrack.

Une nouvelle exposition cinématographique sur le changement climatique et la décolonisation, l'overtourism, la chasse aux ressources minières, les voies vers une nouvelle agriculture, l'avenir des jeunes et la scène musicale vivante du Groenland.

Des masses de glace qui fondent à toute vitesse, un tourisme en plein essor, trois nouveaux aéroports en construction, des montagnes de déchets qui ne cessent de croître, des investisseurs mondiaux à la recherche de ressources naturelles et un Groenland sûr de lui, en route vers une identité indigène et l'indépendance. Les changements au Groenland sont violents, impétueux et contradictoires. Mais comment les habitants le perçoivent-ils ? Et qu'est-ce que cela nous apprend sur le monde dans lequel nous vivons ? Comment gérons-nous les dilemmes et les contradictions ? Qu'est-ce qui fait peur et où se trouvent les opportunités ? Une installation cinématographique émouvante avec une bande-son originale du Groenland.

Una nuova rassegna cinematografica sui cambiamenti climatici e la decolonizzazione, l'overtourism, la caccia alle risorse naturali, i percorsi verso una nuova agricoltura, il futuro dei giovani e la vivace scena musicale groenlandese.

Il rapido scioglimento delle masse di ghiaccio, il boom del turismo, tre nuovi aeroporti in costruzione, montagne di rifiuti in crescita, investitori globali alla ricerca di risorse naturali e una Groenlandia sicura di sé, in cammino verso un'identità e un'indipendenza autoctone. Il cambiamento della Groenlandia è violento, impetuoso e contraddittorio. Ma come lo vede la gente del posto? E cosa possiamo imparare da questo sul mondo in cui viviamo? Come affrontiamo i dilemmi e le contraddizioni? Cosa ci spaventa e dove sono le opportunità? Un'installazione cinematografica in movimento con una colonna sonora originale della Groenlandia.

A new cinematic exhibition about climate change and decolonization, overtourism, the race for natural resources, paths to a new agriculture, the future of young people and the vibrant Greenlandic music scene.

Rapidly melting ice masses, booming tourism, three new airports under construction, growing mountains of garbage, global investors looking for natural resources and a self-confident Greenland on the path to an indigenous identity and independence. Greenland's transformation is intense, impetuous and contradictory. But how do the people there see it? And what can we learn about the world we live in? How do we deal with dilemmas and contradictions? What causes fear and where do we see opportunities? A moving film installation with an original Greenlandic soundtrack.

(Text: Alpines Museum der Schweiz, Bern)

Landesmuseum Zürich
20. Dezember 2024 – 21. April 2024

Konsumwelten. Alltägliches im Fokus

Ob auf Märkten, an der Haustür, im Warenhaus oder online: Wo und wie wir einkaufen, hat sich in den letzten 170 Jahren stark verändert. Und auch was und wie wir konsumieren, wandelt sich ständig. Davon zeugen unterschiedlichste Fotografien ebenso wie grafische Erzeugnisse vom Plakat bis zur Einkaufstasche. Die Ausstellung im Landesmuseum Zürich zeigt eine vielschichtige und abwechslungsreiche Bildwelt mitten aus dem Alltag.

Der erste Teil der Ausstellung nimmt die Geschichte der wichtigsten Verkaufsorte in den Blick. Diese haben sich ab Mitte des 19. Jahrhunderts im Zuge wirtschaftlicher und gesellschaftlicher Entwicklungen von der Industrialisierung bis zur Digitalisierung vervielfältigt. Zu Märkten und dem Strassen- und Hausierhandel gesellten sich im Laufe der Zeit Läden, Grossverteiler, Warenhäuser, Einkaufszentren und Onlineshops. Foto- und Grafikobjekte bezeugen deren je eigenen Charakter sowie historische Aspekte des Detailhandels. Dazu gehören zum Beispiel die Einführung der Selbstbedienung, die Präsentation von Produkten in Schaufenstern, die Werbung oder das Einkaufen als Freizeiterlebnis.

Ein Herzstück der Ausstellung ist ein Kiosk, der schon zu Beginn des 20. Jahrhunderts am Viale Francesco Balli in Locarno stand. Lange Zeit ein klassischer Kiosk mit Zeitungen, Süssigkeiten und Zigaretten, erweiterte sich sein Angebot ab Ende der 1990er-Jahre um abenteuerliche Outdoor-Aktivitäten und Computer mit Internetzugang. Wie das Sortiment hat sich auch das Erscheinungsbild des Kiosks im Laufe der Jahre verändert. Immer neue Anstriche sowie bunte Werbetafeln und -aufkleber verliehen dem für die Ausstellung aufwändig restaurierten Kiosk sein unverwechselbares Aussehen und machen ihn zu einem vielschichtigen Zeugen für Alltags- und Konsumkultur.

Was gekauft wird, will auch konsumiert werden. Und so beschäftigt sich die Ausstellung im zweiten Teil mit Konsummomenten, die in Fotografie und Grafik dokumentiert und idealisiert worden sind. Essen, Trinken, Autofahren, Reisen, Fernsehen und das Befolgen von Moden spiegeln nicht nur Grundbedürfnisse, sondern gesellschaftliche Trends sowie das Streben nach Wohlergehen, Status oder Identität.

Eine Diashow mit Ferienbildern des Ehepaars Yvonne und Jakob Hohl-Galbiati steht in diesem Teil der Ausstellung beispielhaft für den zunehmenden Wohlstand ab 1950. Wie viele andere Schweizerinnen und Schweizer konnten es sich die Reiseleiterin und der Versicherungsinspektor in den 1960er-Jahren leisten, regelmässig ins Ausland zu verreisen – nicht zuletzt dank einem wachsenden Angebot an erschwinglichen Flugreisen sowie bezahltem Urlaub. Die Fotos zeigen das Ehepaar auf Kreuzfahrten, beim Sightseeing oder beim entspannten Sonnenbaden am Meer. Die Bilder liessen sich an Dia-Abenden gemeinsam mit Familie und Freunden anschauen und bezeugen die Suche nach Abwechslung und Erholung sowie ein stark ansteigendes Reisefieber.

Die Ausstellung schöpft aus den Sammlungsbeständen des Schweizerischen Nationalmuseums und gibt mit einer reichen Auswahl an Bildern, Objekten und Geschichten vielfältige Einblicke in die Entwicklung und die wirtschaftliche, soziale und kulturelle Bedeutung des Konsumalltags.

Que ce soit sur les marchés, au pas de la porte, dans les grands magasins ou en ligne : Le lieu et la manière dont nous faisons nos achats ont fortement évolué au cours des 170 dernières années. Et ce que nous consommons et comment nous le consommons évolue également en permanence. Les photographies les plus diverses en témoignent, tout comme les produits graphiques, de l'affiche au sac à provisions. L'exposition du Musée national de Zurich présente un monde d'images complexe et varié au cœur du quotidien.

La première partie de l'exposition se penche sur l'histoire des principaux lieux de vente. Ceux-ci se sont multipliés à partir du milieu du 19e siècle au gré des évolutions économiques et sociales, de l'industrialisation à la numérisation. Aux marchés et au commerce de rue et de colportage se sont ajoutés au fil du temps les magasins, les grands distributeurs, les grands magasins, les centres commerciaux et les boutiques en ligne. Des objets photographiques et graphiques témoignent de leur caractère propre ainsi que des aspects historiques du commerce de détail. Il s'agit par exemple de l'introduction du libre-service, de la présentation des produits dans les vitrines, de la publicité ou du shopping comme expérience de loisirs.

Une pièce maîtresse de l'exposition est un kiosque qui se trouvait déjà au début du 20e siècle sur la Viale Francesco Balli à Locarno. Longtemps un kiosque classique proposant des journaux, des friandises et des cigarettes, son offre s'est élargie à partir de la fin des années 1990 avec des activités de plein air aventureuses et des ordinateurs avec accès à Internet. Tout comme l'assortiment, l'apparence du kiosque a également évolué au fil des années. De nouvelles peintures ainsi que des panneaux et des autocollants publicitaires multicolores ont conféré au kiosque, restauré à grands frais pour l'exposition, son aspect unique et en font un témoin à multiples facettes de la culture quotidienne et de la consommation.

Ce qui est acheté doit aussi être consommé. C'est pourquoi la deuxième partie de l'exposition est consacrée à des moments de consommation qui ont été documentés et idéalisés par la photographie et le graphisme. Manger, boire, conduire, voyager, regarder la télévision et suivre la mode ne reflètent pas seulement des besoins fondamentaux, mais aussi des tendances sociales ainsi que la recherche du bien-être, du statut ou de l'identité.

Dans cette partie de l'exposition, un diaporama de photos de vacances du couple Yvonne et Jakob Hohl-Galbiati illustre la prospérité croissante à partir de 1950. Comme beaucoup d'autres Suisses, la guide touristique et l'inspecteur des assurances ont pu se permettre de partir régulièrement à l'étranger dans les années 1960, notamment grâce à une offre croissante de voyages aériens abordables et de congés payés. Les photos montrent le couple en croisière, en train de faire du tourisme ou de prendre un bain de soleil en toute décontraction au bord de la mer. Les images pouvaient être regardées lors de soirées diapositives en famille ou entre amis et témoignent de la recherche de changement et de détente ainsi que d'une forte augmentation de la fièvre du voyage.

L'exposition puise dans les collections du Musée national suisse et donne, grâce à une riche sélection d'images, d'objets et d'histoires, un aperçu varié de l'évolution et de l'importance économique, sociale et culturelle de la consommation au quotidien.

Nei mercati, sulla soglia di casa, nei grandi magazzini o online: Dove e come facciamo la spesa è cambiato radicalmente negli ultimi 170 anni. E anche cosa e come consumiamo è in continua evoluzione. Lo testimonia un'ampia varietà di fotografie e prodotti grafici, dai manifesti alle borse della spesa. La mostra al Museo Nazionale di Zurigo presenta un mondo di immagini variegato e stratificato, al centro della vita quotidiana.

La prima parte della mostra si concentra sulla storia dei più importanti punti vendita. Questi si sono moltiplicati a partire dalla metà del XIX secolo nel corso degli sviluppi economici e sociali, dall'industrializzazione alla digitalizzazione. Nel corso del tempo, ai mercati e al commercio ambulante si sono aggiunti negozi, grossisti, grandi magazzini, centri commerciali e negozi online. Gli oggetti fotografici e grafici testimoniano il loro carattere individuale e gli aspetti storici del commercio al dettaglio. Questi includono, ad esempio, l'introduzione del self-service, la presentazione dei prodotti nelle vetrine, la pubblicità e lo shopping come esperienza di svago.

Il fulcro della mostra è un chiosco che si trovava in Viale Francesco Balli a Locarno all'inizio del XX secolo. Per lungo tempo un classico chiosco con giornali, dolciumi e sigarette, dalla fine degli anni Novanta la sua offerta si è ampliata fino a comprendere attività avventurose all'aperto e computer con accesso a Internet. Come la gamma di prodotti, anche l'aspetto del chiosco è cambiato nel corso degli anni. Nuove verniciature, pannelli pubblicitari e adesivi colorati hanno conferito al chiosco, accuratamente restaurato per la mostra, un aspetto inconfondibile, rendendolo un testimone a più livelli della vita quotidiana e della cultura del consumo.

Anche ciò che viene acquistato vuole essere consumato. E così la seconda parte della mostra tratta di momenti di consumo che sono stati documentati e idealizzati nella fotografia e nella grafica. Mangiare, bere, guidare, viaggiare, guardare la televisione e seguire le mode riflettono non solo i bisogni primari, ma anche le tendenze sociali e la ricerca di benessere, status e identità.

In questa parte della mostra, una proiezione di diapositive con foto di vacanze della coppia di coniugi Yvonne e Jakob Hohl-Galbiati esemplifica il crescente benessere a partire dal 1950: come molti altri svizzeri, la guida turistica e l'ispettore assicurativo poterono permettersi di viaggiare regolarmente all'estero negli anni Sessanta, non da ultimo grazie alla crescente disponibilità di viaggi aerei a prezzi accessibili e di vacanze pagate. Le foto mostrano la coppia in crociera, mentre visita la città o si rilassa al sole in riva al mare. Le immagini potevano essere guardate durante le serate di diapositive con la famiglia e gli amici e testimoniano la ricerca di varietà e relax, nonché la rapida crescita della mania dei viaggi.

La mostra attinge alle collezioni del Museo Nazionale Svizzero e, con una ricca selezione di immagini, oggetti e storie, offre un'ampia gamma di spunti di riflessione sullo sviluppo e sul significato economico, sociale e culturale del consumismo quotidiano.

Whether at markets, at the front door, in department stores or online: where and how we shop has changed dramatically over the last 170 years. And what and how we consume is also constantly changing. This is evidenced by a wide variety of photographs, as well as graphic products ranging from posters to shopping bags. The exhibition at the National Museum in Zurich presents a multi-layered and varied world of images from the heart of everyday life.

The first part of the exhibition focuses on the history of the most important points of sale. These have multiplied from the mid-19th century onwards in the wake of economic and social developments from industrialization to digitalization. Over time, markets and street and door-to-door selling were joined by shops, wholesalers, department stores, shopping centers and online shops. Photographic and graphic objects testify to their own character as well as to historical aspects of the retail trade. These include, for example, the introduction of self-service, the presentation of products in shop windows, advertising or shopping as a leisure experience.

One of the centerpieces of the exhibition is a kiosk that stood on Viale Francesco Balli in Locarno at the beginning of the 20th century. For many years, it was a classic kiosk selling newspapers, sweets and cigarettes, but from the late 1990s, its range was expanded to include adventurous outdoor activities and computers with internet access. Like the range of goods, the appearance of the kiosk has also changed over the years. A succession of new coats of paint and colorful advertising signs and stickers have given the kiosk, which was carefully restored for the exhibition, its unmistakable look and make it a complex witness to everyday and consumer culture.

What is bought also wants to be consumed. And so the second part of the exhibition deals with moments of consumption that have been documented and idealized in photography and graphics. Eating, drinking, driving, traveling, watching TV and following fashion not only reflect basic needs, but also social trends and the pursuit of well-being, status or identity.

A slide show of vacation pictures taken by the married couple Yvonne and Jakob Hohl-Galbiati is an example of increasing prosperity from 1950 onwards in this part of the exhibition. Like many other Swiss people, afford to travel abroad regularly in the 1960s, thanks in no small part to an increasing range of affordable air travel and paid vacations. The photos show the couple on cruises, sightseeing or sunbathing by the sea. The pictures could be viewed at slide evenings together with family and friends and testify to the search for variety and recreation, as well as to a rapidly increasing travel bug.

The exhibition draws from the collections of the Swiss National Museum and, with a rich selection of images, objects and stories, provides a variety of insights into the development and economic, social and cultural significance of everyday consumption.

(Text: Landesmuseum Zürich)

Kunstmuseum Solothurn
19. Januar – 4. Mai 2025

Jurabilder

Das Kunstmuseum Solothurn und die Solothurner Filmtage setzen in ihrer ersten umfassenden Zusammenarbeit den Jura in Szene, jenes Gebiet, das Solothurn beheimatet und gleichzeitig eine Brücke über Landes- und Sprachgrenzen hinweg schlägt - von Baselland über die Neuenburger Täler bis weit nach Frankreich hinein.

In einer multidisziplinären Ausstellung, die im 18. Jahrhundert startet und bis in die Gegenwart führt, lenkt das Kunstmuseum Solothurn den Blick auf die Jura-Landschaft als Schauplatz und Motiv. Sie nimmt das Publikum mit auf eine Reise quer durch das visuelle Erbe einer Region und fragt nach deren künstlerischer Biografie, die mal in leiseren, mal in drastischeren Tönen von unterschiedlichen Auffassungen und Realitäten zeugt.

Die Schau vereint Malerei und Fotografie im Dialog und spannt den Bogen weiter von Filmdokumenten bis hin zu Werken von Anne und Jean Rochat oder Augustin Rebetez, die eigens für das Projekt entstanden sind. Die 60. Solothurner Filmtage (22.-29.1.25) widmen dem Drehort Jura ein Spezialprogramm, das mit einer internationalen Retrospektive und aktuellen Filmen die Topografie des Jurabogens erkundet.

Pour leur première collaboration d'envergure, le Kunstmuseum de Soleure et les Journées cinématographiques de Soleure mettent en scène le Jura, cette région qui abrite Soleure et qui jette en même temps un pont par-delà les frontières nationales et linguistiques - de Bâle-Campagne aux vallées neuchâteloises, jusqu'à la France.

Dans une exposition pluridisciplinaire qui débute au 18e siècle et se poursuit jusqu'à nos jours, le Kunstmuseum de Soleure attire le regard sur le paysage jurassien en tant que décor et motif. Elle emmène le public dans un voyage à travers le patrimoine visuel d'une région et s'interroge sur sa biographie artistique, qui témoigne tantôt de manière plus discrète, tantôt de manière plus radicale, de conceptions et de réalités différentes.

L'exposition réunit la peinture et la photographie dans un dialogue et s'étend à des documents cinématographiques ainsi qu'à des œuvres d'Anne et Jean Rochat ou d'Augustin Rebetez, créées spécialement pour le projet. Le site 60e Journées cinématographiques de Soleure (22-29.1.25) consacrent un programme spécial au Jura, lieu de tournage, qui explore la topographie de l'Arc jurassien avec une rétrospective internationale et des films récents.

Nella loro prima collaborazione globale, il Museo d'Arte di Soletta e il Festival del Cinema di Soletta mettono in mostra il Giura, la regione che ospita Soletta e allo stesso tempo getta un ponte attraverso i confini nazionali e linguistici - dal Canton Basilea alle valli di Neuchâtel fino alla Francia.

In una mostra multidisciplinare che parte dal XVIII secolo e arriva fino ai giorni nostri, il Museo d'arte di Soletta si concentra sul paesaggio del Giura come scenario e motivo. La mostra accompagna il pubblico in un viaggio attraverso il patrimonio visivo di una regione e indaga sulla sua biografia artistica, che testimonia percezioni e realtà diverse, a volte con toni più morbidi, a volte più drastici.

La mostra mette in dialogo pittura e fotografia e spazia dai documenti cinematografici alle opere di Anne e Jean Rochat o Augustin Rebetez, create appositamente per il progetto. Il 60° Festival del Cinema di Soletta (22.-29.1.25) dedica un programma speciale al Giura come location cinematografica, esplorando la topografia dell'arco giurassiano con una retrospettiva internazionale e film attuali.

In their first comprehensive collaboration, the Solothurn Art Museum and the Solothurn Film Festival are putting the spotlight on the Jura, the region that is home to Solothurn and at the same time builds a bridge across national and linguistic borders – from Baselland via the Neuchâtel valleys and well into France.

In a multidisciplinary exhibition that starts in the 18th century and continues to the present day, the Solothurn Art Museum draws attention to the Jura landscape as a setting and motif. It takes the public on a journey through the visual heritage of a region and asks about its artistic biography, which testifies to different perceptions and realities in sometimes quieter, sometimes more drastic tones.

The show combines painting and photography in a dialogue and spans an arc from film documents to works by Anne and Jean Rochat or Augustin Rebetez, which were created especially for the project. The 60th Solothurn Film Festival (22-29.1.25) is dedicating a special program to the Jura as a film location, exploring the topography of the Jura Arc with an international retrospective and current films.

Christophe Guye Galerie | Zürich
24. Januar – 10. Mai 2025

Erik Madigan Heck – The Tapestry

Die Christophe Guye Galerie freut sich sehr, die dritte Einzelausstellung „The Tapestry“ von Erik Madigan Heck (*1983, Vereinigte Staaten) in der Galerie anzukündigen. Gezeigt wird eine Auswahl von Werken, von denen die meisten aus seiner jüngsten Monografie „The Tapestry“ stammen, die Ende 2024 bei Thames & Hudson erschienen ist. „The Tapestry“ ist sowohl eine Erkundung von Farbe und Form als auch ein schillerndes künstlerisches Statement und eine einzigartige Retrospektive – eine, die in einer Zeit grosser beruflicher und persönlicher Unsicherheit für den Künstler entstand. Heck, der unermüdlich kreativ ist, nutzte die erzwungene Pause in seinem Leben vor dem Hintergrund der weltweiten Pandemie als kontemplativen Raum, um seine Arbeit als Fotograf und Künstler aus einem Jahrzehnt Revue passieren zu lassen. Diese Auswahl dient als meditative Erkundung von Hecks einzigartiger Verschmelzung von Fotografie und Malerei, die sich durch eine konsequente Nutzung des natürlichen Lichts auszeichnet und zu einer atemberaubenden Serie von unverschämt schönen und farbintensiven Bildern führt.

La galerie Christophe Guye est très heureuse d'annoncer la troisième exposition individuelle « The Tapestry » d'Erik Madigan Heck (*1983, États-Unis) à la galerie. Sera présentée une sélection d'œuvres, dont la plupart sont issues de sa dernière monographie « The Tapestry », publiée fin 2024 par Thames & Hudson. « The Tapestry » est à la fois une exploration de la couleur et de la forme, une déclaration artistique éblouissante et une rétrospective unique en son genre - une rétrospective qui a vu le jour à une époque de grande incertitude professionnelle et personnelle pour l'artiste. Créateur infatigable, Heck a utilisé cette pause forcée dans sa vie, sur fond de pandémie mondiale, comme un espace contemplatif pour passer en revue une décennie de son travail de photographe et d'artiste. Cette sélection sert d'exploration méditative de la fusion unique de Heck entre la photographie et la peinture, qui se caractérise par une utilisation systématique de la lumière naturelle et donne lieu à une série époustouflante de visuels d'une beauté insolente et aux couleurs intenses.

La Christophe Guye Galerie è lieta di annunciare la terza mostra personale di Erik Madigan Heck (*1983, Stati Uniti) “The Tapestry”. In mostra una selezione di opere, la maggior parte delle quali tratte dalla sua ultima monografia “The Tapestry”, pubblicata da Thames & Hudson alla fine del 2024. “The Tapestry” è allo stesso tempo un'esplorazione del colore e della forma, una dichiarazione artistica folgorante e una retrospettiva unica nel suo genere, giunta in un momento di grande incertezza professionale e personale per l'artista. Heck, che è un creativo incessante, ha usato la pausa forzata della sua vita sullo sfondo della pandemia globale come spazio contemplativo per rivedere un decennio di lavoro come fotografo e artista. Questa selezione è un'esplorazione meditativa della fusione unica di fotografia e pittura di Heck, caratterizzata da un uso costante della luce naturale, che si traduce in una serie di immagini di straordinaria bellezza e intensamente colorate.

Christophe Guye Galerie is delighted to announce the third solo exhibition at the gallery, ‘The Tapestry,’ by Erik Madigan Heck (b. 1983, United States). On display will be a selection of works, most of which are from his most recent monograph, The Tapestry, published by Thames & Hudson at the end of 2024. The book is both an exploration of colour and form and a dazzling artistic statement, and a unique retrospective – one that was created during a time of great professional and personal uncertainty for the artist. Heck, who is relentlessly creative, used the forced pause in his life against the backdrop of the global pandemic as a contemplative space to review a decade of his work as a photographer and artist. This selection serves as a meditative exploration of Heck's unique fusion of photography and painting, characterised by a consistent use of natural light that results in a stunning series of outrageously beautiful and intensely coloured visuals.

(Text: Christophe Guye Galerie AG, Zürich)

Museum im Bellpark | Kriens
1. Februar – 6. Juli 2025

Fred Waldvogel - Pilz Fotografie

Fred Waldvogel (1922-1997), Pilzkenner und Fotograf, holte sich vierzig Jahre lang Pilze aller Art vor seine Linse und fotografierte diese in weltweit einmaliger Qualität. Hinterlassen hat er ein Werk von über 1000 Aufnahmen, die in der Pilzfotografie neue Massstäbe setzten. Wir präsentieren ab Februar 2025 eine Auswahl des aussergewöhnlichen Schaffens von Waldvogel in einer Kabinettausstellung im zweiten Obergeschoss des Museums, parallel zur Ausstellung „One Million Bears“ der konzeptuellen Malerin Tina Braegger.

Fred Waldvogels Darstellungsweise reicht weit über eine wissenschaftliche Aufarbeitung der Pilze hinaus. Seine Einzel- und Gruppenportraits, mit teils landschaftlichem Charakter, die er als Pilz-Tableaus auf seinem Reprotisch im Studio sorgfältig arrangierte, machen ein erstaunliches und wundersames Paralleluniversum sichtbar. Aus den Bildern spricht nicht nur sein unbändiges Interesse, die Welt der Pilze besser zu verstehen, sondern auch seine sehr respektvolle und wertschätzende Haltung gegenüber diesen Lebewesen. Die Komposition und Inszenierung des Fotografen zeugen von beeindruckendem Sachverstand und enormen ästhetischem Bewusstsein. In einem Interview erwähnte Waldvogel einmal, dass ihn vor allem die Vielfalt der Pilze beeindrucke und begeistere. Tatsächlich gelang ihm immer wieder, das einzigartige Wesen und den individuellen Charme seiner „Modelle“ auf berührende und amüsante Weise herauszuarbeiten.

Die Ausstellung gewährt nun erstmals einen repräsentativen Einblick in das Pilzarchiv des Fotografen, das heute an der Universitätsbibliothek Zürich, Bereich Pflanzenwissenschaft aufbewahrt wird. In Zusammenarbeit mit Martin Stollenwerk, Leiter Fotografie am Schweizerischen Institut für Kunstwissenschaft SIK-ISEA, sowie Andreas Hertach, freier Kurator, haben wir den Fotobestand von über tausend Diapositiven gesichtet und daraus eine prägnante Auswahl für eine Inszenierung in unseren Ausstellungsräumen herausgelöst.

In Zusammenarbeit von Museum im Bellpark und Zeughaus Teufen entsteht ein Fotobuch über Fred Waldvogels Pilzfotografie, das von Bänziger Hug gestaltet und bei Jungle Books erscheinen wird. Das Buch wird im Verlauf der Ausstellung anlässlich einer Buchpräsentation im Wald, nahe dem Ort von Fred Waldvogels Fotostudio, der interessierten Öffentlichkeit vorgestellt. Termingerecht zur Herbstsaison werden die Myzelien dieser Pilzausstellung wundersam von Kriens nach Teufen im Appenzellerland ausgreifen: Im Zeughaus Teufen wird ab September ebenfalls eine Auswahl aus dem Bestand von Fred Waldvogel aufscheinen.

Fred Waldvogel (1922-1997), mycologue et photographe, a photographié pendant quarante ans des champignons de toutes sortes avec une qualité unique au monde. Il a laissé derrière lui une œuvre de plus de 1000 clichés qui ont posé de nouveaux jalons dans la photographie de champignons. À partir de février 2025, nous présenterons une sélection de l'œuvre exceptionnelle de Waldvogel dans une exposition de cabinet au deuxième étage du musée, parallèlement à l'exposition « One Million Bears » de la peintre conceptuelle Tina Braegger.

Le mode de représentation de Fred Waldvogel va bien au-delà d'un traitement scientifique des champignons. Ses portraits individuels et de groupe, parfois à caractère paysager, qu'il a soigneusement arrangés comme des tableaux de champignons sur sa table de reproduction dans son studio, rendent visible un univers parallèle étonnant et miraculeux. Ce qui ressort de ces images, c'est non seulement son intérêt irrépressible à mieux comprendre le monde des champignons, mais aussi son attitude très respectueuse et valorisante envers ces êtres vivants. La composition et la mise en scène du photographe témoignent d'une expertise impressionnante et d'une énorme conscience esthétique. Dans une interview, Waldvogel a mentionné un jour que c'était surtout la diversité des champignons qui l'impressionnait et l'enthousiasmait. En effet, il a toujours réussi à faire ressortir la nature unique et le charme individuel de ses « modèles » de manière touchante et amusante.

L'exposition donne pour la première fois un aperçu représentatif des archives du photographe sur les champignons, aujourd'hui conservées à la bibliothèque universitaire de Zurich, domaine des sciences végétales. En collaboration avec Martin Stollenwerk, directeur de la photographie à l'Institut suisse pour l'étude de l'art SIK-ISEA, et Andreas Hertach, commissaire d'exposition indépendant, nous avons examiné le fonds photographique de plus de mille diapositives et en avons extrait une sélection concise pour une mise en scène dans nos salles d'exposition.

Un livre de photos sur la photographie de champignons de Fred Waldvogel, conçu par Bänziger Hug et publié par Jungle Books, est né de la collaboration entre le Museum im Bellpark et l'arsenal de Teufen. Le livre sera présenté au public intéressé au cours de l'exposition, à l'occasion d'une présentation du livre dans la forêt, à proximité du lieu du studio photo de Fred Waldvogel. A l'approche de l'automne, le mycélium de cette exposition de champignons s'étendra miraculeusement de Kriens à Teufen, dans le pays d'Appenzell : A l'arsenal de Teufen, une sélection de champignons provenant du stock de Fred Waldvogel sera également exposée à partir de septembre.

Fred Waldvogel (1922-1997), conoscitore e fotografo di funghi, ha trascorso quarant'anni a fotografare funghi di ogni tipo davanti al suo obiettivo, catturandoli con una qualità ineguagliabile. Ha lasciato un'opera di oltre 1000 fotografie che hanno stabilito nuovi standard nella fotografia dei funghi. A partire da febbraio 2025, presenteremo una selezione della straordinaria opera di Waldvogel in un'esposizione in vetrina al primo piano del museo, accanto alla mostra “Un milione di orsi” della pittrice concettuale Tina Braegger.

Lo stile di rappresentazione di Fred Waldvogel va ben oltre l'analisi scientifica dei funghi. I suoi ritratti individuali e di gruppo, alcuni dei quali di carattere paesaggistico, disposti con cura come tableaux di funghi sul suo tavolo di riproduzione in studio, rivelano un universo parallelo sorprendente e meraviglioso. Le immagini riflettono non solo il suo irrefrenabile interesse per una migliore comprensione del mondo dei funghi, ma anche il suo atteggiamento di grande rispetto e apprezzamento nei confronti di queste creature. La composizione e la messa in scena del fotografo testimoniano la sua impressionante competenza e la sua enorme consapevolezza estetica. In un'intervista, Waldvogel ha detto di essere particolarmente colpito e ispirato dalla diversità dei funghi. In effetti, è sempre riuscito a sottolineare la natura unica e il fascino individuale dei suoi “modelli” in modo toccante e divertente.

La mostra offre ora la prima visione rappresentativa dell'archivio di funghi del fotografo, ora conservato presso la Biblioteca Universitaria di Zurigo, Dipartimento di Scienze Vegetali. In collaborazione con Martin Stollenwerk, responsabile della fotografia presso l'Istituto Svizzero per la Ricerca Artistica SIK-ISEA, e Andreas Hertach, curatore freelance, abbiamo passato al setaccio la collezione fotografica di oltre mille diapositive e ne abbiamo fatto una selezione concisa da presentare nelle nostre sale espositive.

Il Museum im Bellpark e Zeughaus Teufen stanno collaborando alla realizzazione di un libro fotografico sulla fotografia di funghi di Fred Waldvogel, che sarà progettato da Bänziger Hug e pubblicato da Jungle Books. Il libro sarà presentato al pubblico interessato durante la mostra, in occasione del lancio del libro nella foresta, vicino alla sede dello studio fotografico di Fred Waldvogel. Giusto in tempo per la stagione autunnale, i miceli di questa mostra di funghi si diffonderanno miracolosamente da Kriens a Teufen in Appenzello: Una selezione della collezione di Fred Waldvogel sarà esposta anche nella Zeughaus Teufen a partire da settembre.

For forty years, mycologist and photographer Fred Waldvogel (1922-1997) captured mushrooms of all kinds on film, producing images of unparalleled quality. He left behind a body of work comprising over 1000 photographs that set new standards in the field of fungus photography. From February 2025, we will be presenting a selection of Waldvogel's extraordinary work in a cabinet exhibition on the second floor of the museum, parallel to the exhibition ‘One Million Bears’ by conceptual painter Tina Braegger.

Fred Waldvogel's approach goes far beyond a scientific study of mushrooms. His individual and group portraits, some of which have a landscape-like character, carefully arranged as mushroom tableaux on his studio table, reveal a wondrous and wondrous parallel universe. The images not only reflect his overwhelming interest in better understanding the world of fungi, but also his great respect and appreciation for these creatures. The photographer's composition and staging testify to his impressive expertise and enormous aesthetic awareness. In an interview, Waldvogel once mentioned that it was above all the diversity of fungi that impressed and inspired him. And indeed, he repeatedly succeeded in bringing out the unique essence and individual charm of his ‘models’ in a touching and amusing way.

The exhibition now provides a representative insight into the photographer's fungus archive, which is now kept at the University of Zurich's Botanical Science Department. In collaboration with Martin Stollenwerk, head of photography at the Swiss Institute for Art Research SIK-ISEA, and Andreas Hertach, freelance curator, we have sifted through the photographic collection of over a thousand slides and selected a concise selection for a staging in our exhibition spaces.

A photo book about Fred Waldvogel's mushroom photography is being created in collaboration with the Museum im Bellpark and the Zeughaus Teufen. The book will be designed by Bänziger Hug and published by Jungle Books. The book will be presented to the public during the exhibition at a book presentation in the forest near the location of Fred Waldvogel's photo studio. Just in time for the autumn season, the mycelia of this mushroom exhibition will miraculously spread from Kriens to Teufen in the Appenzell region: a selection from Fred Waldvogel's collection will also be on display at the Zeughaus Teufen from September.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

Bildhalle | Zürich
7. Februar - 5. April 2025

Where are you
Chantal Elisabeth Ariëns

Die Fotografien der bildenden Künstlerin Chantal Elisabeth Ariëns bringen die Stärke unseres menschlichen Inneren mit unserem anmutigen, zerbrechlichen, physischen Äußeren zusammen. Die Taktilität von Couture, Voile, Federn in ihrer Welt, die von eleganten Frauen bewohnt wird, wirft ein Licht auf unser Gefühlsleben. Dort stehen wir an der Schwelle zwischen Tat und Traum, in der Stille und im Verlangen. Mit ihren visuellen Geschichten gelingt es Ariëns, Bewegung und Ruhe im selben Moment darzustellen und uns in eine Zwischenwelt zu entführen, in der unsere Seele, unser Bewusstsein und unsere Träume schweifen. Ihre Arbeiten zeigen Momente, die zugleich jetzt und ewig sind, zugleich voll von reinem Licht und allen nur denkbaren Schatten.

Die Bilder scheinen oft etwas anzukündigen, was noch kommen wird, sie sind lediglich ein Einatmen kurz vor dem Moment suprême. Die Inspiration dieser durchscheinenden Momente ist das, wonach wir uns so sehr sehnen, und Ariëns weiß genau, wie sie dies in ihren Fotografien umsetzen kann.

Ariëns' Werk atmet Freiheit und Unabhängigkeit. Ihre autonome Arbeitsweise und ihre Art, Couture zu fotografieren, letzteres manchmal in enger Zusammenarbeit, ergänzen sich. Die Einzigartigkeit ihrer autonomen und modischen Fotografie wird durch die Tatsache verstärkt, dass sie mit Photopolymer-Radierung arbeitet, einer alten Drucktechnik. Bei diesem zeitintensiven und manuellen Verfahren verwendet die Künstlerin eine Druckplatte, die mit einem Photopolymerfilm belichtet wird, und erweckt die Bilder dann mit Tinte und ihren Händen zum Leben. Mit diesem Verfahren kann sie wie eine Malerin arbeiten: Sie streicht mit der Hand Schicht für Schicht, so dass sich die Tinte auf den Kunstdrucken ausbreitet. Das Bild erscheint buchstäblich unter ihren Händen, so dass sie intuitiv Feinheiten und Raffinessen hinzufügen kann. Diese Handarbeit sorgt dafür, dass Ariëns maximalen Raum für den entscheidenden Moment schafft; den Moment, in dem sie die Lebendigkeit und Seele ihrer Bilder erkennt. Und so fängt sie das richtige Bild, das Kunstwerk, immer wieder neu ein, ergreift und umarmt es.

Les photographies de l'artiste visuelle Chantal Elisabeth Ariëns associent la force de notre moi intérieur à notre extérieur physique, gracieux et fragile. La tactilité de la couture, du voile, des plumes dans son monde, habité par des femmes élégantes, met en lumière notre vie émotionnelle. Nous sommes là, au seuil de l'acte et du rêve, dans l'immobilité et le désir. Avec ses histoires visuelles, Ariëns est capable de dépeindre le mouvement et la sérénité dans le même moment, nous transportant dans un monde intermédiaire où notre âme, notre conscience et nos rêves se promènent. Son travail montre des moments qui sont à la fois actuels et éternels, à la fois pleins de lumière pure et de toutes les ombres imaginables.

Les images semblent souvent annoncer quelque chose qui est encore à venir, elles ne sont qu'une inspiration juste avant le moment suprême. L'inspiration de ces instants translucides est ce à quoi nous aspirons si intensément, et Ariëns sait exactement comment la traduire dans ses photographies.

L'œuvre d'Ariëns respire la liberté et l'indépendance. Sa méthode de travail autonome et sa façon de photographier la couture, parfois en étroite collaboration, se complètent. Le caractère unique de ses photographies autonomes et de mode est renforcé par le fait qu'elle travaille avec la gravure au photopolymère, une ancienne technique d'impression. Dans ce processus manuel qui prend beaucoup de temps, l'artiste utilise une plaque d'impression exposée à un film photopolymère, puis utilise de l'encre et ses mains pour donner vie aux images. Ce procédé lui permet de travailler comme un peintre : elle effleure couche après couche avec sa main pour que l'encre se répande sur les tirages d'art. L'image apparaît littéralement sous ses mains, ce qui lui permet d'ajouter de la subtilité et du raffinement de manière intuitive. Ce travail manuel permet à Ariëns de créer un maximum d'espace pour l'instant décisif, le moment où elle reconnaît la vivacité et l'âme de ses images. C'est ainsi qu'elle capture, saisit et embrasse la bonne image, l'œuvre d'art, encore et encore.

Le fotografie dell'artista visiva Chantal Elisabeth Ariëns mettono insieme la forza della nostra interiorità umana con la nostra grazia, la fragilità e l'esteriorità fisica. La tattilità della couture, del voile, delle piume nel suo mondo, abitato da donne eleganti, fa luce sulla nostra vita emotiva. Ci troviamo sulla soglia tra l'atto e il sogno, nell'immobilità e nel desiderio. Con le sue storie visive, Ariëns è in grado di rappresentare il movimento e la serenità nello stesso momento, trasportandoci in un mondo intermedio dove vagano la nostra anima, la nostra coscienza e i nostri sogni. Il suo lavoro mostra momenti che sono allo stesso tempo attuali ed eterni, pieni di luce pura e di ogni ombra immaginabile.

Le immagini sembrano spesso annunciare qualcosa che deve ancora venire, sono solo un'inspirazione prima del momento supremo. L'ispirazione di questi momenti traslucidi è ciò che desideriamo così intensamente e Ariëns sa esattamente come tradurla nelle sue fotografie.

Il lavoro di Ariëns traspira libertà e indipendenza. Il suo metodo di lavoro autonomo e il suo modo di fotografare l'alta moda, a volte in stretta collaborazione, si completano a vicenda. L'unicità della sua fotografia autonoma e di moda è esaltata dal fatto che lavora con l'incisione a fotopolimeri, un'antica tecnica di stampa. In questo processo manuale e dispendioso in termini di tempo, l'artista utilizza una lastra di stampa esposta con una pellicola fotopolimerica, poi usa l'inchiostro e le sue mani per dare vita alle immagini. Questo processo le permette di lavorare come un pittore: con la mano accarezza strato su strato in modo che l'inchiostro si diffonda sulle stampe. L'immagine appare letteralmente sotto le sue mani, permettendole di aggiungere sottigliezza e raffinatezza in modo intuitivo. Questo lavoro manuale fa sì che Ariëns crei il massimo spazio per il momento decisivo, quello in cui riconosce la vivacità e l'anima delle sue immagini. E così cattura, afferra e abbraccia l'immagine giusta, l'opera d'arte, ancora e ancora.

The photographs of visual artist Chantal Elisabeth Ariëns bring together the strength of our human inner self with our graceful, fragile, physical exterior. The tactility of couture, voile, feathers in her world, inhabited by elegant women, shed light on our emotional life. There we stand on the threshold between deed and dream in stillness, and desire. With her visual stories, Ariëns is able to depict movement and serenity in the same moment, transporting us to an in-between world where our soul, consciousness and dreams roam. Her work shows moments that are at once now and eternal, at once full of pure light and every shadow imaginable.

The images often seem to announce something that is yet to come, they are merely an inhalation just before the moment suprême. The inspiration of these translucent moments is what we long for so intensely, and Ariëns knows exactly how to translate this into her photographs.

Ariëns‘ work breathes freedom and independence. Her autonomous working method and her way of photographing couture, the latter sometimes in close collaboration, complement each other. The uniqueness of her autonomous and fashion photography is enhanced by the fact that she works with photopolymer etching; an old printing technique. In this time-intensive and manual process, the artist uses a printing plate exposed with photopolymer film, then uses ink and her hands to bring the images to life. This process allows her to work like a painter, she strokes layer upon layer with her hand so that the ink spreads across the art prints. The image literally appears under her hands, allowing her to add subtlety and refinement intuitively. This handwork ensures that Ariëns creates maximum space for the decisive moment; the moment when she recognises the liveliness and soul in her images. And so she captures, grasps and embraces the right image, the work of art, again and again.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bildhalle – Showroom | Zürich
7. Februar – 5. April 2025

Champions
Bastiaan Woudt

Das Projekt „CHAMPIONS“ von Bastiaan Woudt besteht aus einer Reihe eindrucksvoller Bilder aus Sambia, die in Zusammenarbeit mit Orange Babies entstanden sind, einer Organisation, die sich für HIV-infizierte Schwangere und ihre Kinder in Entwicklungsländern wie Namibia, Südafrika und Sambia einsetzt.

Das Herzstück des Projekts liegt in Sambia, wo Bastiaan Woudt eine Gruppe junger Erwachsener fotografiert hat, die in ihren Gemeinden als „Champions“ auftreten. Diese jungen, starken Persönlichkeiten spielen eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung über HIV und der Schaffung sicherer Räume für Gleichaltrige, um über wichtige Themen wie sexuelle Aufklärung zu diskutieren.

Bastiaan Woudt hat diese jungen Erwachsenen nicht nur als Fürsprecher in ihrer Gemeinschaft, sondern auch als Symbole für Stärke und Würde festgehalten. Durch seine Linse wollte er diese jungen Menschen in Helden, Krieger, Könige und Königinnen verwandeln, um ihre unverzichtbare Rolle im Kampf gegen HIV und AIDS visuell darzustellen.

Dank der Großzügigkeit unserer Unterstützer haben wir bereits über 200.000 Euro gesammelt, um Orange Babies bei der Fortsetzung ihrer wichtigen Arbeit zu helfen. Darüber hinaus werden 10 % aller Einnahmen aus der Ausstellung direkt an Orange Babies gespendet. Lassen Sie uns auf dieser Dynamik aufbauen, während wir uns für eine Zukunft ohne HIV einsetzen.

Le projet CHAMPIONS de Bastiaan Woudt est une série d'images fortes de Zambie, réalisées en collaboration avec Orange Babies, une organisation dévouée qui apporte son soutien aux femmes enceintes infectées par le VIH et à leurs enfants dans les pays en développement tels que la Namibie, l'Afrique du Sud et la Zambie.

Le cœur du projet se trouve en Zambie, où Bastiaan Woudt a photographié un groupe de jeunes adultes qui agissent comme des « champions » dans leurs communautés. Ces jeunes individus puissants jouent un rôle essentiel dans la sensibilisation au VIH et dans la création d'espaces sûrs permettant à leurs pairs de discuter de sujets essentiels tels que l'éducation sexuelle.

Bastiaan Woudt a choisi de photographier ces jeunes adultes non seulement comme des défenseurs de leur communauté, mais aussi comme des symboles de force et de dignité. À travers son objectif, il a voulu transformer ces jeunes en héros, en guerriers, en rois et en reines, une représentation visuelle de leur rôle indispensable dans la lutte contre le VIH et le sida.

Grâce à la générosité de nos supporters, nous avons déjà récolté plus de 200 000 euros pour aider Orange Babies à poursuivre son travail vital. En outre, 10 % de toutes les ventes de l'exposition seront directement reversés à Orange Babies. Continuons sur notre lancée et œuvrons pour un avenir sans VIH.

Il progetto CHAMPIONS di Bastiaan Woudt è una serie di immagini potenti dallo Zambia, realizzate in collaborazione con Orange Babies, un'organizzazione dedicata che fornisce supporto alle donne incinte infettate dall'HIV e ai loro bambini nei Paesi in via di sviluppo come Namibia, Sudafrica e Zambia.

Il cuore del progetto si trova in Zambia, dove Bastiaan Woudt ha fotografato un gruppo di giovani adulti che agiscono come 'campioni' nelle loro comunità. Queste persone giovani e potenti svolgono un ruolo fondamentale nel diffondere la consapevolezza sull'HIV e nel creare spazi sicuri per i coetanei per discutere di argomenti essenziali come l'educazione sessuale.

Bastiaan Woudt ha scelto di immortalare questi giovani adulti non solo come sostenitori della loro comunità, ma anche come simboli di forza e dignità. Attraverso il suo obiettivo, ha voluto trasformare questi giovani in eroi, guerrieri, re e regine, una rappresentazione visiva del loro ruolo indispensabile nella lotta contro l'HIV e l'AIDS.

Grazie alla generosità dei nostri sostenitori, abbiamo già raccolto oltre 200.000 euro per aiutare Orange Babies a continuare il suo lavoro vitale. Inoltre, il 10% di tutte le vendite della mostra sarà donato direttamente a Orange Babies. Continuiamo a costruire su questo slancio, mentre ci impegniamo per un futuro libero dall'HIV.

Bastiaan Woudt‘s CHAMPIONS project is a series of powerful images from Zambia, realized in collaboration with Orange Babies, a dedicated organization providing support to HIV-infected pregnant women and their children in developing countries such as Namibia, South Africa, and Zambia.

The heart of the project lies in Zambia, where Bastiaan Woudt has photographed a group of young adults who act as “champions” in their communities. These young, powerful individuals play a vital role in spreading awareness about HIV and creating safe spaces for peers to discuss essential topics such as sexual education.

Bastiaan Woudt chose to capture these young adults not only as advocates in their community but also as symbols of strength and dignity. Through his lens, he aimed to transform these young people into heroes, warriors, kings, and queens, a visual representation of their indispensable role in the fight against HIV and AIDS.

Thanks to the generosity of our supporters, we’ve already raised over €200,000 to help Orange Babies continue their vital work. Additionally, 10% of all sales from the exhibition will be donated directly to Orange Babies. Let’s keep building on that momentum as we strive for a future free of HIV.

(Text: Bildhalle, Zürich + Amsterdam)

IPFO – Haus der Fotografie Olten
7. Februar – 4. Mai 2025

TO HEAL A WORLD
160 Jahre Fotografien aus den Sammlungen des Roten Kreuzes und des Rotes Halbmondes

Das Haus der Fotografie präsentiert zum Jahresbeginn mit „To heal a world“ eine ganz besondere Ausstellung. In Kooperation mit dem Internationalen Roten Kreuz- und Rothalbmondmuseum werden ab 7. Februar 2025 rund 600 Fotografien aus mehr als 160 Jahren humanitäre Hilfe gezeigt. Damit wird ein Einblick in ein bisher nur wenig erforschtes, riesiges Kulturerbe ermöglicht; gleichzeitig hinterfragt die Ausstellung, die für drei Monate zu sehen ist, die Bilder der humanitären Arbeit und unseren Blick darauf.

Die Bilder humanitärer Einsätze sind allgegenwertig und gehören seit mehr als einem Jahrhundert zu unserem Alltag. Oft wirken sie so unmittelbar und eindeutig, dass wir glauben, genau zu verstehen, worum es geht, ohne daran zu denken, was ausserhalb des Bildes passiert. Die Realität vor Ort ist jedoch stets komplexer als ihre Darstellung, denn Letztere kann nur Fragmente festhalten.

Einblicke in ein aussergewöhnliches fotografisches Erbe
Mit über 600 Fotografien von 1850 bis heute zeigt «To heal a world» das Ergebnis einer mehr als zweijährigen Recherche in den Sammlungen des MICR, des Internationalen Komitees vom Roten Kreuz (IKRK) und der Internationalen Föderation der Rotkreuz- und Rothalbmondgesellschaften (IFRC). «Die Ausstellung beleuchtet ein reiches, fotografisches Erbe, das in unserem Land bewahrt wird», sagt Pascal Hufschmid, Museumsdirektor des IKRK-Museums in Genf und Co-Kurator der Ausstellung. «Sie spiegelt alle Herausforderungen des humanitären Völkerrechts wider und regt dazu an, unseren Blick auf die Bilder von Konflikten und Naturkatastrophen, die wir täglich in den Nachrichten sehen, zu überdenken.» Dabei zeigt die Ausstellung sowohl Bilder für die Öffentlichkeit, welche versuchen, die Dringlichkeit der humanitären Hilfe zu vermitteln, als auch private Fotografien.

«To heal a world» beinhaltet Arbeiten von bekannten Fotografinnen und Fotografen, unter anderem der weltberühmten Agentur Magnum Photos, wie Werner Bischof und Susan Meiselas. Auch der französische Fotograf Henri Cartier-Bresson ist vertreten. Es werden aber auch Bilder von direkt Betroffenen sowie von Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern der Rotkreuz- und Rothalbmondbewegung gezeigt. Ein Teilbereich der Ausstellung präsentiert zudem die Arbeiten des Fotografen Alexis Cordesse mit persönlichen Fotos von Migratinnen und Migranten.

Für die Co-Ausstellungskuratorin Nathalie Herschdorfer geht es darum, den Nutzen der Fotografie hervorzuheben und zu zeigen, was diese Bilder über unsere Zeit aussagen: «Das Wissen über die Vergangenheit, über unsere Geschichte wurde häufig mittels Schriftdokumenten erlangt. Doch die Geschichte der humanitären Arbeit kann nicht ohne die Geschichte der Fotografie berichtet werden. Die Erfindung der Fotografie im Jahr 1839 liegt nur 25 Jahre vor der Gründung des IKRK 1864 – ihre Schicksale sind eng miteinander verknüpft. Heute ist es schwieriger denn je, sich die humanitäre Arbeit ohne Bilder vorzustellen.»

En ce début d'année, la Haus der Fotografie présente une exposition très particulière intitulée « To heal a world ». En coopération avec le Musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge, quelque 600 photographies couvrant plus de 160 ans d'aide humanitaire seront présentées à partir du 7 février 2025. Cela permet d'avoir un aperçu d'un immense patrimoine culturel encore peu exploré ; en même temps, l'exposition, qui sera visible pendant trois mois, questionne les images de l'action humanitaire et le regard que nous portons sur elles.

Les images des missions humanitaires sont omniprésentes et font partie de notre quotidien depuis plus d'un siècle. Souvent, elles semblent si immédiates et si claires que nous pensons comprendre exactement de quoi il s'agit, sans penser à ce qui se passe en dehors de l'image. La réalité sur le terrain est cependant toujours plus complexe que sa représentation, car cette dernière ne peut en retenir que des fragments.

Aperçu d'un patrimoine photographique exceptionnel
Avec plus de 600 photographies de 1850 à nos jours, « To heal a world » présente le résultat de plus de deux ans de recherches dans les collections du MICR, du Comité international de la Croix-Rouge (CICR) et de la Fédération internationale des Sociétés de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge (FICR). « L'exposition met en lumière un riche patrimoine photographique préservé dans notre pays », explique Pascal Hufschmid, directeur du Musée du CICR à Genève et co-commissaire de l'exposition. « Elle reflète tous les défis du droit international humanitaire et nous incite à repenser notre regard sur les images de conflits et de catastrophes naturelles que nous voyons tous les jours dans les actualités ». Pour ce faire, l'exposition présente aussi bien des images destinées au public, qui tentent de faire comprendre l'urgence de l'aide humanitaire, que des photographies privées.

« To heal a world » comprend des travaux de photographes connus, notamment de l'agence mondialement connue Magnum Photos, comme Werner Bischof et Susan Meiselas. Le photographe français Henri Cartier-Bresson est également représenté. Mais des photos de personnes directement concernées ainsi que de collaborateurs du Mouvement de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge sont également présentées. Une partie de l'exposition présente en outre les travaux du photographe Alexis Cordesse avec des photos personnelles de migrants.

Pour Nathalie Herschdorfer, co-commissaire de l'exposition, il s'agit de mettre en avant l'utilité de la photographie et de montrer ce que ces images révèlent de notre époque : « La connaissance du passé, de notre histoire, a souvent été acquise par le biais de documents écrits. Mais l'histoire de l'action humanitaire ne peut pas être racontée sans l'histoire de la photographie. L'invention de la photographie en 1839 précède de seulement 25 ans la création du CICR en 1864 - leurs destins sont étroitement liés. Aujourd'hui, il est plus difficile que jamais d'imaginer le travail humanitaire sans images ».

La Casa della Fotografia presenta una mostra molto speciale all'inizio dell'anno con “To heal a world”. In collaborazione con il Museo Internazionale della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa, dal 7 febbraio 2025 saranno esposte circa 600 fotografie di oltre 160 anni di aiuti umanitari. La mostra, che rimarrà allestita per tre mesi, analizzerà le immagini del lavoro umanitario e la nostra visione di esso.

Le immagini delle missioni umanitarie sono onnipresenti e fanno parte della nostra vita quotidiana da più di un secolo. Spesso appaiono così immediate e chiare che crediamo di capire esattamente cosa sta succedendo senza pensare a ciò che accade al di fuori dell'immagine. Tuttavia, la realtà sul campo è sempre più complessa della sua rappresentazione, poiché quest'ultima può catturare solo dei frammenti.

Approfondimenti su un patrimonio fotografico straordinario
Con oltre 600 fotografie datate dal 1850 a oggi, “To heal a world” è il risultato di oltre due anni di ricerche nelle collezioni del MICR, del Comitato Internazionale della Croce Rossa (CICR) e della Federazione Internazionale della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa (IFRC). “La mostra fa luce su un ricco patrimonio fotografico conservato nel nostro Paese”, afferma Pascal Hufschmid, direttore del Museo del CICR di Ginevra e co-curatore della mostra. “Riflette tutte le sfide del diritto internazionale umanitario e ci incoraggia a ripensare la nostra visione delle immagini di conflitti e disastri naturali che vediamo ogni giorno nei notiziari”. La mostra presenta sia immagini destinate al pubblico, che cercano di trasmettere l'urgenza degli aiuti umanitari, sia fotografie private.

“To heal a world” comprende opere di noti fotografi, tra cui la famosa agenzia Magnum Photos, come Werner Bischof e Susan Meiselas. È rappresentato anche il fotografo francese Henri Cartier-Bresson. Ma ci sono anche immagini dei diretti interessati e dei dipendenti della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa. Una sezione della mostra presenta anche il lavoro del fotografo Alexis Cordesse con foto personali di migranti.

Per la co-curatrice della mostra, Nathalie Herschdorfer, l'obiettivo è sottolineare i vantaggi della fotografia e mostrare ciò che queste immagini rivelano del nostro tempo: “La conoscenza del passato, della nostra storia, è stata spesso acquisita attraverso documenti scritti. Ma la storia del lavoro umanitario non può essere raccontata senza la storia della fotografia. L'invenzione della fotografia nel 1839 precede di soli 25 anni la fondazione del CICR nel 1864: i loro destini sono strettamente legati. Oggi è più difficile che mai immaginare il lavoro umanitario senza immagini”.

The House of Photography is presenting a very special exhibition at the beginning of the year: “To heal a world”. In cooperation with the International Red Cross and Red Crescent Museum, around 600 photographs from more than 160 years of humanitarian aid will be on display from February 7, 2025. This will provide insight into a vast cultural heritage that has been little researched to date; at the same time, the exhibition, which will be on display for three months, questions the images of humanitarian work and our view of it.

Images of humanitarian action are ubiquitous and have been part of our daily lives for more than a century. Often they seem so immediate and unambiguous that we think we understand exactly what is at stake, without thinking about what is happening outside the image. However, the reality on the ground is always more complex than its representation, because the latter can only capture fragments.

A glimpse of an extraordinary photographic heritage
With more than 600 photographs dating from 1850 to the present day, “To heal a world” showcases the results of more than two years of research in the collections of the MICR, the International Committee of the Red Cross (ICRC) and the International Federation of Red Cross and Red Crescent Societies (IFRC). “The exhibition highlights the rich photographic heritage preserved in our country,” says Pascal Hufschmid, director of the ICRC Museum in Geneva and co-curator of the exhibition. “It reflects all the challenges of international humanitarian law and encourages us to rethink our view of the images of conflicts and natural disasters that we see in the news every day.” The exhibition shows both images intended for the public, which seek to convey the urgency of humanitarian aid, and private photographs.

'To heal a world' includes works by well-known photographers, including those of the world-famous Magnum Photos agency, such as Werner Bischof and Susan Meiselas. French photographer Henri Cartier-Bresson is also represented. However, images by those directly affected and by employees of the Red Cross and Red Crescent Movement are also shown. One section of the exhibition also presents the work of photographer Alexis Cordesse, who has incorporated personal photos sent by migrants.

For Nathalie Herschdorfer, co-curator of the exhibition, the aim is to highlight the usefulness of photography and show what these images can tell us about our times: “Knowledge about the past, about our history, has often been acquired through written documents. But the history of humanitarian work cannot be told without the history of photography. The invention of photography in 1839 was only 25 years before the founding of the ICRC in 1864 – their fates are closely intertwined. Today, it is more difficult than ever to imagine humanitarian work without images.”

(Text: IPFO - Haus der Fotografie, Olten)

Luma Westbau | Zürich
8. Februar – 18. Mai 2025

A Trilogy: The Tempest Society, The Circle, and The Public Storyteller
Bouchra Khalili

Bouchra Khalili arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Film, Video, Installation, Fotografie, Arbeiten auf Papier, Textil und redaktionellen Plattformen. Ihre multidisziplinäre Praxis eröffnet neue Perspektiven auf Bürgerschaft an, die es uns ermöglichen, andere Formen der Zugehörigkeit zu erdenken.

Film und Video spielen eine zentrale Rolle in ihrem Denken. Bekannt für komplexe und vielschichtige narrative Konstruktionen, greifen Khalilis filmische Arbeiten auf verdrängte historische Momente kollektiver Emanzipation zurück, die unterschiedliche Geschichten, Geografien und Generationen umfassen. Weder Dokumentarfilm noch Fiktion, ihre tiefgründig recherchierten „Film-Hypothesen“ artikulieren Sprache, mündliche Überlieferung, poetische Beschwörungen, Erzählkunst und innovative visuelle Formen.

Durch Experimente mit der Montage wird Khalilis Schnittprozess zu einem zentralen Werkzeug ihrer Erzähltechniken. In ihren Filmen übernehmen die nicht-professionellen Darsteller zugleich die Rollen von Erzählern und „Editoren“. Sie erzählen und inszenieren textliche und visuelle Konstellationen unarchivierter Geschichten kollektiver Emanzipation, die von offiziellen Narrativen unterdrückt wurden. Durch die Verknüpfung von Fragmenten mündlicher Überlieferungen mit persönlichen Zeugnissen, Texten, Fotografien und bewegten Bildern wird die Vergangenheit dynamisch aktiviert und ihre Verbindungen zur Gegenwart sichtbar gemacht. Mit poetischer Kraft beschwören Khalilis Filme die Geister unerfüllter Versprechen und das Scheitern moderner Politik herauf und laden die Zuschauer ein, als Zeugen unserer Geschichte aufzutreten und über mögliche kollektive Zukünfte nachzudenken.

Die Ausstellung vereint drei von Khalilis bedeutendsten filmischen Werken: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) – eine Mixed-Media-Installation, die die Video-Installation The Circle (2023), das Wandplakat A Timeline for a Constellation (2023) und die Film-Installation The Storytellers (2023) umfasst – sowie The Public Storyteller (2024). Diese Werkserie gipfelt in der synchronisierten Zweikanal-Installation The Public Storyteller, einer poetischen Meditation über die Kraft des Erzählens. Das Werk führt die Erzählungen aus The Tempest Society und The Circle zu ihren ursprünglichen Wurzeln zurück und hebt die Bedeutung der Fabulierung als kollektiven Prozess hervor.

Diese Werkreihe basiert auf Khalilis umfangreicher Forschung zum Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Bewegung der arabischen Arbeiter) und seinen Theatergruppen Al Assifa (Der Sturm auf Arabisch) und Al Halaka (Der Kreis auf Arabisch, der sich auch auf die in Nordafrika verbreitete Tradition des öffentlichen Geschichtenerzählens bezieht). Das MTA war eine wegweisende, autonome Organisation, die in den 1970er Jahren von maghrebinischen Arbeitern in Frankreich gegründet wurde und sich für gleiche Rechte einsetzte. Das Theater stand im Zentrum ihres Aktivismus und verkörperte ihre Vorstellung von Solidarität und Verbundenheit, da es maghrebinische Arbeiter und ihre französischen Verbündeten zusammenbrachte.

The Tempest Society spielt in Athen und greift die Theaterexperimente von Al Assifa auf, um deren Relevanz im Kontext der humanitären, sozialen und wirtschaftlichen Krise zu unter-suchen, die die griechische Hauptstadt 2016 prägte. The Circle setzt die Erzählung fort und beleuchtet die Gründung des MTA im Jahr 1973 in Paris und Marseille, seine Theatergruppen sowie die Kandidatur eines ihrer undokumentierten Mitglieder bei der französischen Präsidentschaftswahl 1974. Darüber hinaus bietet The Storytellers (2023) einen kontemplativen Raum für Geschichte, in dem ehemalige Mitglieder von Al Assifa und Al Halaka fünfzig Jahre nach ihrer ersten Aufführung Teile ihres nicht archivierten mündlichen Repertoires präsentieren. The Public Storyteller (2024) zeigt die Performance eines Geschichtenerzählers in Marrakesch, der fünfzig Jahre später den Wahlkampf von Djellali Kamel in der Tradition der "Halka" (der Kreis, die Versammlung) – der ältesten Form des öffentlichen Geschichtenerzählens in Marokko – nacherzählt. Der Akt des Erzählens und Zuhörens verwandelt sich in ein Ritual, das den Geist von Djellali beschwört, indem es alte mündliche Traditionen mit der Diaspora verbindet und so potenzielle Formen transnationaler Zugehörigkeit aufzeigt.

Gemeinsam präsentieren die Werke in der Ausstellung alternative Formen der Zugehörigkeit und der Kollektivbildung durch und mit Performance. Sie bieten einen meditativen Zugang zu unterdrückten Geschichten, zur Kraft kollektiver Fabulierung, wie sie vom öffentlichen Geschichtenerzähler verkörpert wird, und zur „Montage“ als Kunstform, die begrabene Geschichte wieder zum Leben erwecken kann.

Bouchra Khalili travaille avec différents médias, dont le film, la vidéo, l'installation, la photographie, le travail sur papier, le textile et les plateformes éditoriales. Sa pratique multidisciplinaire ouvre de nouvelles perspectives sur la citoyenneté, nous permettant d'imaginer d'autres formes d'appartenance.

Le film et la vidéo jouent un rôle central dans sa réflexion. Connues pour leurs constructions narratives complexes et multidimensionnelles, les œuvres cinématographiques de Khalili font appel à des moments historiques refoulés d'émancipation collective, englobant différentes histoires, géographies et générations. Ni documentaire, ni fiction, ses « hypothèses cinématographiques », profondément recherchées, articulent langage, tradition orale, évocations poétiques, art du récit et formes visuelles innovantes.

En expérimentant avec le montage, le processus de montage de Khalili devient un outil central de ses techniques narratives. Dans ses films, les acteurs non-professionnels jouent à la fois le rôle de narrateurs et de « monteurs ». Ils racontent et mettent en scène des constellations textuelles et visuelles d'histoires non archivées d'émancipation collective qui ont été réprimées par les récits officiels. En associant des fragments de traditions orales à des témoignages personnels, des textes, des photographies et des images animées, le passé est activé de manière dynamique et ses liens avec le présent sont rendus visibles. Avec une force poétique, les films de Khalili évoquent les fantômes des promesses non tenues et l'échec de la politique moderne, invitant les spectateurs à devenir les témoins de notre histoire et à réfléchir aux futurs collectifs possibles.

L'exposition réunit trois des œuvres cinématographiques les plus importantes de Khalili : The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - une installation de médias mixtes qui comprend l'installation vidéo The Circle (2023), l'affiche murale A Timeline for a Constellation (2023) et l'installation cinématographique The Storytellers (2023) - et The Public Storyteller (2024). Cette série d'œuvres culmine avec l'installation synchronisée à deux canaux The Public Storyteller, une méditation poétique sur le pouvoir de la narration. L'œuvre ramène les récits de The Tempest Society et de The Circle à leurs racines originelles et souligne l'importance de la fabulation en tant que processus collectif.

Cette série d'œuvres s'appuie sur les recherches approfondies de Khalili sur le Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA) et ses troupes de théâtre Al Assifa (La Tempête en arabe) et Al Halaka (Le Cercle en arabe, qui fait également référence à la tradition de narration publique répandue en Afrique du Nord). Le MTA était une organisation pionnière et autonome, fondée dans les années 1970 par des travailleurs maghrébins en France, qui militaient pour l'égalité des droits. Le théâtre était au cœur de leur activisme et incarnait leur conception de la solidarité et du lien, puisqu'il réunissait les travailleurs maghrébins et leurs alliés français.

The Tempest Society se déroule à Athènes et reprend les expériences théâtrales d'Al Assifa pour en explorer la pertinence dans le contexte de la crise humanitaire, sociale et économique qui a marqué la capitale grecque en 2016. The Circle poursuit le récit en mettant en lumière la création du MTA en 1973 à Paris et à Marseille, ses troupes de théâtre et la candidature d'un de leurs membres sans papiers à l'élection présidentielle française de 1974. En outre, The Storytellers (2023) offre un espace contemplatif pour l'histoire, dans lequel d'anciens membres d'Al Assifa et d'Al Halaka présentent des parties de leur répertoire oral non archivé, cinquante ans après leur première représentation. The Public Storyteller (2024) présente la performance d'un conteur à Marrakech qui, cinquante ans plus tard, raconte la campagne électorale de Djellali Kamel dans la tradition de la « halka » (le cercle, l'assemblée) - la plus ancienne forme de narration publique au Maroc. L'acte de raconter et d'écouter se transforme en un rituel qui convoque l'esprit de Djellali en reliant les anciennes traditions orales à la diaspora, révélant ainsi des formes potentielles d'appartenance transnationale.

Ensemble, les œuvres de l'exposition présentent des formes alternatives d'appartenance et de création de collectifs par et avec la performance. Elles offrent un accès méditatif aux histoires refoulées, au pouvoir de la fabulation collective incarnée par le conteur public, et au « montage » comme forme d'art capable de faire revivre une histoire enterrée.

Bouchra Khalili lavora con diversi media, tra cui film, video, installazioni, fotografia, opere su carta, tessuti e piattaforme editoriali. La sua pratica multidisciplinare apre nuove prospettive sulla cittadinanza che ci permettono di immaginare altre forme di appartenenza.

Il cinema e il video svolgono un ruolo centrale nel suo pensiero. Conosciute per le costruzioni narrative complesse e multistrato, le opere filmiche di Khalili attingono a momenti storici repressi di emancipazione collettiva che attraversano storie, geografie e generazioni diverse. Né documentario né fiction, le sue “ipotesi cinematografiche” profondamente studiate articolano linguaggio, tradizione orale, incantesimi poetici, arte narrativa e forme visive innovative.

Sperimentando con il montaggio, il processo di editing di Khalili diventa uno strumento centrale delle sue tecniche narrative. Nei suoi film, gli attori non professionisti assumono contemporaneamente il ruolo di narratori e “montatori”. Essi narrano e mettono in scena costellazioni testuali e visive di storie non archiviate di emancipazione collettiva che sono state soppresse dalle narrazioni ufficiali. Collegando frammenti di tradizione orale con testimonianze personali, testi, fotografie e immagini in movimento, il passato viene attivato dinamicamente e le sue connessioni con il presente rese visibili. Con forza poetica, i film di Khalili evocano i fantasmi di promesse non mantenute e il fallimento della politica moderna, invitando gli spettatori ad agire come testimoni della nostra storia e a riflettere su possibili futuri collettivi.

La mostra riunisce tre delle opere cinematografiche più significative di Khalili: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - un'installazione a tecnica mista che comprende la videoinstallazione The Circle (2023), il poster murale A Timeline for a Constellation (2023) e l'installazione cinematografica The Storytellers (2023) - e The Public Storyteller (2024). Questa serie di opere culmina nell'installazione sincronizzata a due canali The Public Storyteller, una meditazione poetica sul potere della narrazione. L'opera riporta le narrazioni di The Tempest Society e The Circle alle loro origini e sottolinea l'importanza della narrazione come processo collettivo.

Questa serie di opere si basa sull'approfondita ricerca di Khalili sul Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Movimento dei Lavoratori Arabi) e sui suoi gruppi teatrali Al Assifa (La Tempesta in arabo) e Al Halaka (Il Cerchio in arabo, che si riferisce anche alla tradizione della narrazione pubblica prevalente in Nord Africa). L'MTA è stata un'organizzazione pionieristica e autonoma fondata dai lavoratori magrebini in Francia negli anni '70, che si batteva per la parità di diritti. Il teatro è stato al centro del loro attivismo e ha incarnato la loro idea di solidarietà e di connessione, in quanto ha riunito i lavoratori magrebini e i loro alleati francesi.

Ambientato ad Atene, The Tempest Society prende spunto dagli esperimenti teatrali di Al Assifa per esplorarne la rilevanza nel contesto della crisi umanitaria, sociale ed economica che ha colpito la capitale greca nel 2016. The Circle continua la narrazione, evidenziando la fondazione dell'MTA nel 1973 a Parigi e Marsiglia, i suoi gruppi teatrali e la candidatura di uno dei suoi membri senza documenti alle elezioni presidenziali francesi del 1974. Inoltre, The Storytellers (2023) offre uno spazio contemplativo per la storia, in cui gli ex membri di Al Assifa e Al Halaka presentano parti del loro repertorio orale non archiviato a cinquant'anni dalla loro prima esibizione. The Public Storyteller (2024) mostra la performance di un cantastorie di Marrakech che, cinquant'anni dopo, racconta la campagna elettorale di Djellali Kamel nella tradizione dell'“Halka” (il cerchio, la riunione) - la più antica forma di narrazione pubblica in Marocco. L'atto del raccontare e dell'ascoltare si trasforma in un rituale che evoca lo spirito di Djellali collegando le antiche tradizioni orali con la diaspora, rivelando potenziali forme di appartenenza transnazionale.

Insieme, le opere in mostra presentano forme alternative di appartenenza e collettivizzazione attraverso e con la performance. Offrono un approccio meditativo alle storie soppresse, al potere della creazione collettiva incarnato dal narratore pubblico e al “montaggio” come forma d'arte che può riportare in vita la storia sepolta.

Bouchra Khalili works across different media including film, video, installation, photography, works on paper, textile, and editorial platforms. Her multidisciplinary practice suggests civic imaginations that can allow us to envision other ways of belonging.

Film and video play a central role in her thinking. Known for complex and multilayered narrative constructions, Khalili’s filmic works draw on suppressed historical moments of collective emancipation that span diverse histories, geographies, and generations. Neither documentary nor fiction, her deeply researched “film hypotheses” articulate language, oral transmission, poetic invocations, storytelling, and innovative visual forms.

Experimenting withmontage, Khalili’s editing process is a key tool of her narration techniques. In her films, the non-professional performers are, at the same time, the film’s storytellers and “editors”. They narrate and act out textual and visual constellations of unarchived stories of collective emancipation that were suppressed by official narratives. Putting together fragments of oral histories with personal testimonies, texts, photographs, and moving images, they dynamically activate the pastwhile revealing its connections to the present. Summoning poetically the ghosts of unachieved promises and the failures ofmodern politics, Khalili’s films invite viewers to become the witnesses of our history and to contemplate our potential collective future.

The exhibition brings together three of Khalili’s seminal film works: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023)—a mixed-media installation that includes the video installation The Circle (2023), the mural poster A Timeline for a Constellation (2023), and the film installation The Storytellers (2023)—as well as The Public Storyteller (2024). This series of works conclude with the synchronized dual-channel installation The Public Storyteller, a poetic meditation on the power of storytelling. The work reconnects the narratives from The Tempest Society and The Circle to their original roots, highlighting the force of fabulation as a collective process.

This set of works departs from Khalili’s extensive research on the Mouvement des travailleurs arabes (MTA, Movement of Arab Workers) and its theater groups, Al Assifa (The Tempest in Arabic) and Al Halaka (The Circle in Arabic, which is also referencing the tradition of public storytelling that is common in North Africa). The MTA was a pioneering autonomous organization led by Maghrebi workers during the 1970s in France, advocating for equal rights. Theater was central to their activism, epitomizing their conception of solidarity and allyship, as it brought together Maghrebi workers and their French allies.

Set in Athens, The Tempest Society references the theatrical experiments of Al Assifa in order to examine their topicality in the context of the humanitarian, social, and economic crisis that marked the Greek capital in 2016. The Circle continues the same story, examining closely the birth of the MTA in 1973 both in Paris and in Marseille, its theater groups, and the candidacy of one of their undocumented members in the French presidential election in 1974. Further to these, The Storytellers (2023) suggests a contemplative space for history, where former members of Al Assifa and Al Halaka perform parts of their unarchived oral repertory fifty years after their first performance. The Public Storyteller (2024) shows the performance of a storyteller in Marrakesh narrating, 50 years later, the campaign of Djellali Kamel in the tradition of the "Halka" (the circle, the assembly), Morocco's most ancient form of public storytelling. The act of storytelling and of listening becomes a ritual for summoning the specter of Djellali to appear, blending ancient oral traditions with the diaspora, eventually suggesting potential forms of transnational belonging.

Together, the works in the exhibition propose alternative forms of belonging, production of collectivizes with and through performance. They offer a meditative approach to witnessing suppressed histories, the power of collective fabulation as epitomized by the public storyteller, and “montage” as the art capable of resurrecting buried history.

(Text: Luma Westbau)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
8. Februar – 9. Juni 2025

Exposures
Lucia Moholy

Lucia Moholy (1894–1989) gehört zu den international bekanntesten und wichtigsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts. Ihre Architekturaufnahmen und Porträts aus den Jahren am Dessauer Bauhaus wurden zu Ikonen der Fotografiegeschichte und prägen bis heute die Wahrnehmung dieser Institution. Moholy war jedoch nicht nur Fotografin, sondern auch Kunsthistorikerin, Kritikerin, Schriftstellerin und Archivarin; sie selbst bezeichnete sich als «Dokumentarin» und machte sich auf dem Gebiet der Informationswissenschaft einen Namen.

Die Ausstellung Lucia Moholy – Exposures zeigt erstmals die grosse Bandbreite ihres Schaffens von den 1910er bis zu den 1970er-Jahren: Präsentiert wird das fotografische Werk zusammen mit zahlreichen zum Teil neu entdeckten Dokumenten, die neben Moholys Rolle in der Avantgarde der Zwischenkriegszeit auch ihre Jugend in Prag, ihre redaktionelle Tätigkeit in Deutschland, die Arbeit als Porträtistin in London sowie ihre Beschäftigung mit der frühen Mikrofilmtechnik in England und der Türkei beleuchten.

Nicht zuletzt lädt die Ausstellung dazu ein, Lucia Moholy im Kontext von Zürich zu begegnen, wo sie die letzten dreissig Jahre ihres Lebens verbrachte. In dieser Zeit pflegte sie auch eine Beziehung zur damals noch jungen Fotostiftung, wo sich heute ein grosser Bestand von ihren Fotografien befindet.

Lucia Moholy – Exposures ist ein Ausstellungsprojekt der Kunsthalle Praha in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz. Der Kurator der Ausstellung und Künstler Jan Tichy zeigt in den oxyd-Kunsträumen vom 08.02. bis zum 02.03.2025 zeitgenössische Kunstwerke im Dialog mit dem Vermächtnis von Lucia Moholy.

Zur Ausstellung erschien 2024 eine begleitende Publikation bei Hatje-Cantz.

Lucia Moholy (1894-1989) fait partie des femmes photographes les plus connues et les plus importantes du 20e siècle au niveau international. Ses photos d'architecture ainsi que ses portraits réalisés pendant les années passées au Bauhaus de Dessau sont devenus des icônes de l'histoire de la photographie et marquent jusqu'à ce jour la perception de cette institution. Moholy n'était cependant pas seulement photographe, mais aussi historienne de l'art, critique, écrivaine et archiviste ; se qualifiant elle-même de « documentaliste », elle s'est fait un nom dans le domaine des sciences de l'information.

L'exposition Lucia Moholy – Exposures montre pour la première fois le large éventail de son travail, des années 1910 aux années 1970. La présentation de son œuvre photographique est accompagnée de nombreux documents, en partie nouvellement découverts, qui mettent en lumière, outre le rôle de Moholy dans l'avant-garde de l'entredeux-guerres, sa jeunesse à Prague, son activité rédactionnelle en Allemagne, son travail de portraitiste à Londres ainsi que son implication dans les débuts de la technique du microfilm en Angleterre et en Turquie.

Enfin et surtout, l'exposition invite à rencontrer Lucia Moholy dans le contexte de Zurich, où elle a passé les trente dernières années de sa vie. C'est durant cette période qu'elle a également entretenu des relations avec la Fotostiftung, alors encore toute jeune, où se trouve aujourd'hui un grand nombre de ses photographies.

Lucia Moholy – Exposures est un projet d'exposition de la Kunsthalle Praha en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz. Le commissaire de l’exposition et artiste Jan Tichy présente une sélection de ses travaux sur Lucia Moholy au oxyd-Kunsträume du 08.02. au 02.03.2025.

Une publication accompagnant l'exposition est parue en 2024 chez Hatje Cantz

Lucia Moholy (1894–1989) è una delle fotografe più conosciute e importanti del ventesimo secolo, a livello internazionale. Le sue fotografie di architettura e i ritratti degli anni trascorsi al Bauhaus di Dessau sono diventate icone della storia della fotografia e caratterizzano, ancora oggi, l’immagine di questa istituzione. Moholy non era soltanto una fotografa, ma anche storica dell’arte, critica, scrittrice e archivista. Lei stessa si definiva una «documentarista» e si fece un nome nel campo della scienza dell’informazione.

La mostra Lucia Moholy – Exposures propone per la prima volta un ampio ventaglio dei suoi lavori, dagli anni Dieci e agli anni Settanta. Assieme all’opera fotografica, si possono vedere numerosi documenti, alcuni di recente scoperta, che illustrano, oltre al ruolo di Moholy nell’avanguardia del periodo tra le due guerre, la sua gioventù a Praga, l’attività redazionale in Germania, il suo impiego come ritrattista a Londra e il suo lavoro con i primi microfilm in Inghilterra e in Turchia.

Infine, la mostra invita a incontrare Lucia Moholy nel contesto zurighese, dove trascorse gli ultimi trent’anni della sua vita. In quel periodo coltivò buoni rapporti con l’allora giovane Fotostiftung, che conserva oggi gran parte delle sue fotografie.

Lucia Moholy – Exposures è un progetto espositivo della Kunsthalle Praha, sviluppato in collaborazione con la Fotostiftung Schweiz. Il curatore e artista Jan Tichy espone un’installazione su Lucia Moholy nella oxyd-Kunsträumen, dall’08.02. al 02.03.2025.

La mostra è accompagnata da un catalogo, pubblicato da Hatje-Cantz nel 2024.

Lucia Moholy (1894–1989) was one of the 20th century’s most internationally recognised and important female photographers. Her architectural photographs and portraits from her years at the Bauhaus in Dessau, which have become icons of photographic history, still shape how that institution is perceived today. However, Moholy was not just a photographer, but also an art historian, critic, writer and archivist; she described herself as a ‘documentalist’ and made a name for herself in the field of information science.

The exhibition Lucia Moholy – Exposures is the first to show the broad scope of her work from the 1910s to the 1970s. Her photographic oeuvre is presented together with numerous documents, some of them newly discovered, which shed light on Moholy’s role in the avant-garde during the interwar period, as well as her youth in Prague, her editorial work in Germany, her activity as a portraitist in London, and her involvement with early microfilm technology in England and Turkey.

Finally, the exhibition also invites visitors to encounter Lucia Moholy in the context of Zurich, where she spent the last thirty years of her life. During that time, she also maintained a relationship with the then fledgling Fotostiftung Schweiz, which today is home to a large collection of her photographs.

Lucia Moholy – Exposures is an exhibition project by Kunsthalle Praha in cooperation with Fotostiftung Schweiz. The curator of the exhibition and artist Jan Tichy is showing contemporary works in dialogue with Moholy with the legacy of Lucia Moholy at oxyd Kunsträume from 08.02. to 02.03.2025.

A publication to accompany the exhibition was published by Hatje Cantz in 2024.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Canavetto Luganese | Lugano
11. Februar – 10. Mai 2025

Blue Highways
Flavia Leuenberger Ceppi

Die hier gezeigten Bilder wurden auf sieben Reisen durch die Vereinigten Staaten aufgenommen. Ich wollte nicht nur einige ikonische Orte besuchen, sondern auch Routen planen, die es mir ermöglichten, durch unbekannte und ungewöhnliche Gegenden zu reisen. Ich war schon immer fasziniert von der „einfachen“ Betrachtung der Weite dieser Gebiete und ihrer Details, Szenarien, in denen der Mensch fast nicht vorkommt. Einige der Routen mit den entsprechenden Bildern, die hier gezeigt werden, wurden auch in der Absicht geplant, Orte zu besuchen, die das amerikanische Kino und die Fotografie inspiriert haben.

So entstand die Idee, diese Ausstellung „Blue Highways“ zu nennen, den Titel des autobiografischen Buches von William Least Heat Moon, denn Blau war auf alten amerikanischen Karten die Farbe der Straßen, denen er folgte, der Nebenstraßen, die durch den Bau der Interstates obsolet wurden.

Meine Reisen folgten nicht den Routen des Schriftstellers, aber der Geist der Suche nach authentischeren Orten, an denen die Straße oft der Protagonist ist, ist vielleicht ähnlich.

Les images exposées ici ont été prises au cours de sept voyages à travers les États-Unis. J'ai toujours été fasciné par la contemplation « simple » de l'immensité de ces territoires et de ses détails, des scénarios dans lesquels l'être humain est presque absent. Certains itinéraires, avec les images correspondantes présentées ici, ont également été tracés dans l'intention de visiter des lieux qui ont inspiré le cinéma et la photographie américains.

D'où l'idée d'intituler cette exposition « Blue Highways », titre du livre autobiographique de William Least Heat Moon, parce que le bleu était la couleur, sur les vieilles cartes américaines, des routes qu'il suivait, les routes secondaires rendues obsolètes par la construction des interstates.

Mes voyages n'ont pas suivi les itinéraires de l'écrivain, mais l'esprit de recherche de lieux plus authentiques où la route est souvent le protagoniste peut être similaire.

Le immagini qui esposte sono state realizzate nel corso di sette viaggi attraverso gli Stati Uniti. Oltre a visitare alcune località iconiche, ho voluto tracciare degli itinerari che mi hanno permesso di percorrere aree sconosciute e insolite: mi ha sempre affascinato la “semplice” contemplazione della vastità di questi territori e dei suoi dettagli, scenari in cui l’essere umano è quasi assente. Alcuni tragitti, con le realtive immagini qui presentate, sono inoltre stati delineati con l’intento di poter visitare luoghi che hanno ispirato il cinema e la fotografia americana.

Da qui l’idea di chiamare questa esposizione “Blue Highways”, (Strade Blu): titolo del libro autobiografico di William Least Heat Moon, perché blu era il colore, sulle vecchie mappe americane, delle strade che seguiva, quelle secondarie rese obsolete dalla costruzione delle interstatali.

I miei viaggi non hanno seguito i percorsi dello scrittore, ma lo spirito volto a cercare località più autentiche in cui la strada ne è spesso la protagonista, potrebbe essere simile.

The images exhibited here were taken during seven trips across the United States. In addition to visiting some iconic locations, I wanted to map out itineraries that allowed me to travel through unknown and unusual areas.I have always been fascinated by the “simple” contemplation of the vastness of these territories and its details, scenarios in which human beings are almost absent. Some routes, with the realtive images presented here, have also been outlined with the intention of being able to visit places that have inspired American cinema and photography.

Hence the idea of calling this exhibition “Blue Highways,” (Blue Roads): the title of William Least Heat Moon's autobiographical book, because blue was the color, on old American maps, of the roads he followed, the secondary ones made obsolete by the construction of interstates.

My travels have not followed the writer's routes, but the spirit aimed at seeking more authentic locations in which the road is often the protagonist may be similar.

(Text: Fondazione Diamante)

Musée suisse de l’appareil photographique | Vevey
13. Februar - 8. Juni 2025

Mining Fotografie - Die ökologischen Auswirkungen der Bildproduktion

Ist Fotografieren umweltschädlich? Die Ausstellung Mining Photography widmet sich der materiellen Geschichte der wichtigsten Ressourcen, die für die Herstellung von Bildern verwendet werden, und geht dabei auf den sozialen und politischen Kontext ihrer Gewinnung und Verschwendung sowie auf ihre Beziehung zum Klimawandel ein. Seit ihrer Erfindung ist die Fotografie von der weltweiten Gewinnung und Ausbeutung sogenannter natürlicher Ressourcen abhängig. Jahrhunderts waren dies Salz, fossile Brennstoffe wie Bitumen und Kohlenstoff sowie Kupfer und Silber, die alle für die ersten Bilder auf Kupferplatten und für Abzüge auf Salzpapier verwendet wurden. Jahrhunderts war die Fotoindustrie einer der größten Silberverbraucher, der zu seiner Blütezeit für mehr als die Hälfte des weltweiten Verbrauchs dieses Metalls verantwortlich war. Heute, mit dem Aufkommen der Digitalfotografie und der Allgegenwart von Mobilgeräten, ist die Bildproduktion von seltenen Erden und Metallen wie Coltan, Kobalt und Europium abhängig. Auch die Speicherung und Verbreitung von Bildern verbraucht immense Mengen an Energie. Ein Forscher beobachtete kürzlich, dass die Amerikaner alle zwei Minuten mehr Fotografien produzieren, als sie im gesamten 19. Mit historischen Fotografien, zeitgenössischen künstlerischen Angeboten sowie Interviews mit Restauratoren, Geologen und Klimaforschern erzählt die Ausstellung die Geschichte der Fotografie als industrielle Produktion und zeigt, wie tief dieses Medium mit der Entwicklung der Umwelt durch den Menschen verbunden war. Indem sie sich darauf konzentriert, wie die industrielle Bildproduktion materiell und ideologisch in den Klimawandel involviert war, anstatt sie lediglich zur Darstellung seiner Folgen zu verwenden, nimmt die Ausstellung eine radikal neue Perspektive auf das Thema ein.

Kommissariat: Boaz Levin und Esther Ruelfs

Eine Ausstellung des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg

Photographier est-il polluant ? L’exposition Mining Photography est consacrée à l'histoire matérielle des principales ressources utilisées pour la production d'images, en abordant le contexte social et politique de leur extraction et de leur gaspillage, ainsi que leur relation avec le changement climatique. Depuis son invention, la photographie dépend de l'extraction et de l'exploitation, à l'échelle mondiale, de ce que l'on appelle les ressources naturelles. Au début du XIXe siècle, il s'agissait du sel, des combustibles fossiles tels que le bitume et le carbone, ainsi que du cuivre et de l'argent, qui ont tous été utilisés pour les premières images sur plaques de cuivre et pour les tirages sur papier salé. À la fin du XXe siècle, l'industrie photographique était l'un des plus importants consommateurs d'argent, responsable, à son apogée, de plus de la moitié de la consommation mondiale de ce métal. Aujourd'hui, avec l'avènement de la photographie numérique et l'omniprésence des appareils mobiles, la production d'images dépend de terres rares et de métaux tels que le coltan, le cobalt et l'europium. Le stockage et la distribution des images consomment également d'immenses quantités d'énergie. Un chercheur a récemment observé que les Américains produisent plus de photographies toutes les deux minutes qu’ils n’en ont produit au cours du XIXe siècle. Avec des photographies historiques, des propositions artistiques contemporaines, ainsi que des entretiens avec des restaurateurs, des géologues et des chercheurs en climatologie, l'exposition raconte l'histoire de la photographie en tant que production industrielle, montrant à quel point ce médium a été profondément lié à l'évolution de l'environnement par l'homme. En se concentrant sur les façons dont la production industrielle d'images a été matériellement et idéologiquement impliquée dans le changement climatique, plutôt que de l'utiliser simplement pour dépeindre ses conséquences, l'exposition adopte une perspective radicalement nouvelle sur ce sujet.

Commissariat : Boaz Levin et Esther Ruelfs

Une exposition du Museum für Kunst und Gewerbe Hambourg

La fotografia è dannosa per l'ambiente? La mostra Mining Photography è dedicata alla storia materiale delle più importanti risorse utilizzate per la produzione di immagini e affronta il contesto sociale e politico della loro estrazione e del loro spreco, nonché il loro rapporto con il cambiamento climatico. Fin dalla sua invenzione, la fotografia è stata dipendente dall'estrazione e dallo sfruttamento globale delle cosiddette risorse naturali. All'inizio del XX secolo, queste erano il sale, i combustibili fossili come il bitume e il carbonio, nonché il rame e l'argento, tutti utilizzati per le prime immagini su lastre di rame e per le stampe su carta salata. L'industria fotografica è stata uno dei maggiori consumatori di argento all'inizio del XX secolo, rappresentando più della metà del consumo mondiale di questo metallo al suo apice. Oggi, con l'avvento della fotografia digitale e l'ubiquità dei dispositivi mobili, la produzione di immagini dipende da terre rare e metalli come il coltan, il cobalto e l'europio. Anche l'archiviazione e la distribuzione delle immagini consumano immense quantità di energia. Un ricercatore ha recentemente osservato che gli americani producono più fotografie ogni due minuti di quante ne abbiano prodotte nell'intero XIX secolo. Utilizzando fotografie storiche, offerte artistiche contemporanee e interviste con conservatori, geologi e climatologi, la mostra racconta la storia della fotografia come produzione industriale e mostra quanto profondamente questo mezzo sia stato legato allo sviluppo dell'ambiente da parte dell'uomo. Concentrandosi sul modo in cui la produzione industriale di immagini è stata materialmente e ideologicamente implicata nel cambiamento climatico, piuttosto che semplicemente utilizzata per raffigurarne le conseguenze, la mostra assume una prospettiva radicalmente nuova sull'argomento.

Commissariato: Boaz Levin e Esther Ruelfs

Una mostra del Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo

Is Photography Polluting? The exhibition Mining Photography is dedicated to the material history of the main resources used to produce images, addressing the social and political context of their extraction and waste, as well as their relationship to climate change. Since its invention, photography has depended on the global extraction and exploitation of natural resources. In the early 19th century, these included salt, fossil fuels such as bitumen and carbon, as well as copper and silver, all of which were used for the first images on copper plates and salted paper prints. By the end of the 20th century, the photographic industry was one of the largest consumers of silver, responsible at its peak for more than half of the world's consumption of this metal. Today, with the rise of digital photography and the ubiquity of mobile devices, image production depends on rare elements and metals such as coltan, cobalt, and europium. The storage and distribution of images also consume immense amounts of energy. A researcher recently noted that Americans produce more photographs every two minutes than they did throughout the entire 19th century. Featuring historical photographs, contemporary artistic works, as well as interviews with restorers, geologists and climate researchers, the exhibition tells the story of photography as an industrial process, showing how deeply this medium has been linked to human environmental change. By focusing on the ways in which the industrial production of images has been materially and ideologically involved in climate change, rather than merely using photography to depict its consequences, the exhibition adopts a radically new perspective on the subject.

Curated by: Boaz Levin and Esther Ruelfs

An exhibition from the Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg

(Text: Musée suisse de l’appareil photographique, Vevey)

MASI Lugano
16. Februar – 20. Juli 2025

Many Moons
Louisa Gagliardi

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Schweiz) ist heute eine der interessantesten Stimmen in der zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz. In ihren Arbeiten, in denen sich traditionelle Maltechniken mit digitaler Technologie verbinden, untersucht sie Themen wie die Identität, den sozialen Wandel und die Beziehung zwischen dem Individuum und seinem Umfeld. In ihrer Einzelausstellung im MASI Lugano, der ersten in einem Schweizer Museum, stellt sie eine Serie mit neuen Werken – Malerei und Skulpturen – in einem in einem für das Untergeschoss des LAC maßgeschneiderten Parcours vor.

Kuratiert von Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Suisse) s'est imposée comme l'une des artistes les plus intéressantes de la scène suisse contemporaine. Dans ses œuvres, où elle combine les techniques de peinture traditionnelles et la technologie numérique, elle explore des thèmes tels que l'identité, les transformations sociales et la relation entre l'individu et son environnement. Pour son exposition personnelle au MASI Lugano - la première dans un musée suisse - l'artiste présente une série de nouvelles productions, peintures et sculptures, dans un parcours taillé sur mesure pour l'espace en sous-sol du LAC.

Sous la direction de Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Svizzera) si è affermata come una delle voci più interessanti della scena svizzera contemporanea. Nei suoi lavori, in cui unisce tecniche pittoriche tradizionali e tecnologia digitale, esplora temi come l’identità, le trasformazioni sociali e il rapporto tra l’individuo e il suo ambiente. Per la sua personale al MASI – la prima in un museo svizzero – l’artista presenta una serie di nuove produzioni, dipinti e sculture in un percorso sviluppato su misura per lo spazio ipogeo del LAC.

A cura di Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Switzerland) has established herself as one of the most interesting voices on the Swiss contemporary art scene. In her works, which combine traditional painting techniques and digital technology, she explores themes such as identity, how society is changing, and the relationship between the individual and their environment. For her solo exhibition at MASI Lugano – the first in a Swiss museum – the artist will be showing a series of new works, paintings and sculptures in a site-specific presentation designed for the LAC's lower ground floor.

Curated by Francesca Benini

(Text: MASI Lugano)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
16. Februar – 21. April 2025

Janis Polar - Antarctic Archives

In Antarctic Archives untersucht Janis Polar, wie die Antarktis als „letzte unberührte Naturgrenze“ konstruiert wird – um dann mit diesem Bild zu brechen. Seine Arbeit hinterfragt die Gewalt der Entdeckung sowie geopolitische, ökologische und koloniale Erzählungen, die diesen Kontinenten  prägen. Dabei beleuchtet er die Rolle technologischer und kultureller Konstruktionen sowie die Macht von Bildern in der Wahrnehmung von Naturräumen. Antarctic Archives experimentiert mit verstrickten Zwischenräumen, Lücken und Ambivalenzen der Geschichts-, Gegenwarts- und Zukunftsschreibung künstlerisch und fragt: Wofür vermessen wir die Welt eigentlich noch?

Die Arbeit setzt sich kulturwissenschaftlich und audiovisuell intensiv mit Mehrfachrollen der Antarktis auseinander: als Forschungsobjekt, als politischer Raum, als Lebensgrundlage für das Nicht-Menschliche und Menschliche. Janis Polar reflektiert, wie wissenschaftliche Technologien genutzt wurden, um die für Menschen verborgene Welt unter dem Eis sichtbar zu machen – und wie diese Entdeckungen oft ambivalent bleiben oder zugleich koloniale und geopolitische Interessen wecken können. Dabei thematisiert er auch, wie Menschen und Nationen durch ihre  technischen Errungenschaften nicht nur ‘Natur’ kartieren, sondern auch manipulieren und instrumentalisieren.

Gleichzeitig spürt Janis Polar der Frage nach, wie das Narrativ der Antarktis als „unberührtes“ Terrain, als gefrorene Wüste, auch die tatsächlichen Machtkämpfe um diese Region verschleiern können. Seine Arbeit legt offen, wie Vorstellungen und Bilder von Eigentum, Kontrolle und Entdeckung die Wahrnehmung der Antarktis prägen und damit auch unsere Beziehung zur natürlichen Welt unterschiedlich beeinflussen.

Die Ausstellung kombiniert Janis Polars eigenes Filmmaterial, wissenschaftliche Bilder und , Archivmaterial sowie immersive Klanglandschaften, die in Zusammenarbeit mit dem Taonga Puoro Māori-Komponisten Jerome Kavanagh Poutama entstanden sind. Diese auditive Ebene gibt der Antarktis nochmals eine andere „Stimme“ und lädt das Publikum ein, die Region nicht nur als leere Landschaft, sondern als aktiven Akteur in globalen Narrativen wahrzunehmen.

Dans Antarctic Archives, Janis Polar examine comment l’Antarctique est construit comme « dernière frontière naturelle intacte » – pour ensuite rompre avec cette image. Son travail interroge la violence de la découverte ainsi que les récits géopolitiques, écologiques et coloniaux qui façonnent ce continent. Ce faisant, il met en lumière le rôle des constructions technologiques et culturelles ainsi que le pouvoir des images dans la perception des espaces naturels. Antarctic Archives expérimente artistiquement les interstices enchevêtrés, les lacunes et les ambivalences de l’écriture de l’histoire, du présent et de l’avenir, et pose la question suivante : pourquoi mesurons-nous encore le monde ?

Le travail aborde de manière intensive, sur le plan culturel et audiovisuel, les rôles multiples de l’Antarctique : comme objet de recherche, comme espace politique, comme base vitale pour le non-humain et l’humain. Janis Polar réfléchit à la manière dont les technologies scientifiques ont été utilisées pour rendre visible le monde caché à l’homme sous la glace – et comment ces découvertes restent souvent ambivalentes ou peuvent éveiller des intérêts coloniaux et géopolitiques. Ce faisant, il aborde également la manière dont les hommes et les nations, grâce à leurs acquisitions techniques, ne se contentent pas de cartographier la ‘nature’, mais la manipulent et l’instrumentalisent.

Parallèlement, Janis Polar s’interroge sur la manière dont le récit de l’Antarctique comme territoire « vierge », comme désert gelé, peut également masquer les véritables luttes de pouvoir autour de cette région. Son travail révèle comment les idées et les images de propriété, de contrôle et de découverte façonnent la perception de l’Antarctique et influencent ainsi différemment notre relation au monde naturel.

L’exposition combine le propre matériel cinématographique de Janis Polar, des images scientifiques et des documents d’archives ainsi que des paysages sonores immersifs créés en collaboration avec le compositeur de Taonga Puoro Māori, Jerome Kavanagh Poutama. Cette couche auditive donne encore une fois une autre « voix » à l’Antarctique et invite le public à percevoir la région non seulement comme un paysage vide, mais aussi comme un acteur actif dans des récits globaux.

In Antarctic Archives, Janis Polar indaga come l'Antartide sia costruita come “l'ultimo confine naturale incontaminato” - per poi rompere con questa immagine. Il suo lavoro mette in discussione la violenza della scoperta e le narrazioni geopolitiche, ecologiche e coloniali che caratterizzano questi continenti. Nel fare ciò, mette in luce il ruolo delle costruzioni tecnologiche e culturali e il potere delle immagini nella percezione degli spazi naturali. Antarctic Archives sperimenta artisticamente con spazi intermedi intricati, lacune e ambivalenze della scrittura storica, presente e futura, e chiede: per cosa misuriamo ancora il mondo?

Il lavoro esplora intensamente i molteplici ruoli dell'Antartide dal punto di vista delle scienze culturali e audiovisive: come oggetto di ricerca, come spazio politico, come base di vita per il non umano e l'umano. Janis Polar riflette su come le tecnologie scientifiche siano state utilizzate per rendere visibile il mondo nascosto sotto il ghiaccio per gli esseri umani e su come queste scoperte rimangano spesso ambivalenti o possano risvegliare interessi coloniali e geopolitici allo stesso tempo. In questo contesto, affronta anche il tema di come le persone e le nazioni, attraverso le loro conquiste tecniche, non solo mappano la “natura”, ma la manipolano e la strumentalizzano.

Allo stesso tempo, Janis Polar indaga su come la narrativa dell'Antartide come territorio “incontaminato”, come deserto ghiacciato, possa anche mascherare le reali lotte di potere per questa regione. Il suo lavoro rivela come le idee e le immagini di proprietà, controllo e scoperta modellino la percezione dell'Antartide e quindi influenzino in modo diverso anche il nostro rapporto con il mondo naturale.

La mostra combina il materiale filmato di Janis Pola, immagini scientifiche e materiale d'archivio, nonché paesaggi sonori immersivi creati in collaborazione con il compositore taonga puoro māori Jerome Kavanagh Poutama. Questo livello uditivo dà all'Antartide un'altra “voce” e invita il pubblico a percepire la regione non solo come un paesaggio vuoto, ma come un attore attivo nelle narrazioni globali.

In Antarctic Archives, Janis Polar examines how Antarctica is constructed as the “last untouched natural frontier” – only to break with this image. His work questions the violence of discovery and the geopolitical, ecological and colonial narratives that characterise this continent. In doing so, he sheds light on the role of technological and cultural constructions and the power of images in the perception of natural spaces. Antarctic Archives experiments artistically with entangled interstices, gaps and ambivalences in the writing of history, the present and the future and asks: What are we still measuring the world for?

The work deals intensively with the multiple roles of Antarctica in cultural studies and audiovisually: as an object of research, as a political space, as the basis of life for the non-human and human. Janis Polar reflects on how scientific technologies have been used to make the world under the ice visible to humans – and how these discoveries often remain ambivalent or can simultaneously arouse colonial and geopolitical interests. In doing so, he also addresses how people and nations not only map ‘nature’ through their technical achievements but also manipulate and instrumentalise it.

At the same time, Janis Polar explores the question of how the narrative of Antarctica as an “untouched” terrain, as a frozen desert, can also conceal the actual power struggles over this region. His work reveals how ideas and images of ownership, control and discovery shape perceptions of Antarctica and thus influence our relationship to the natural world in different ways.

The exhibition combines Janis Polar’s own film footage, scientific images and archival material, as well as immersive soundscapes created in collaboration with Taonga Puoro Māori composer Jerome Kavanagh Poutama. This auditory layer gives Antarctica another “voice” and invites the audience to perceive the region not just as an empty landscape, but as an active player in global narratives.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
16. Februar – 21. April 2025

Cécile Monnier - turn around, turn around, turn around

Cécile Monnier befasst sich in ihrer Arbeit mit der Frage, wie menschliche Praktiken und persönliche Erinnerungen unsere Beziehung zur „Natur“ prägen.  Durch die Kombination von Fotografie und Installation sucht sie nach neuen Wegen, um das Lebendige* sehen zu lernen und unsere Beziehung zu ihm zu überdenken.

Die Ausstellung zeigt zwei Arbeiten, die Cécile Monniers persönliche und künstlerische Auseinandersetzung mit der Beziehung zwischen Mensch und Natur vertiefen. In „Tout est fichu comme un sandwich à la soupe“ beschäftigt sie sich mit der Praxis des Fliegenfischens – einer symbolischen Schnittstelle zwischen den Menschen und ihrer Umwelt. Sie interessiert sich dafür, wie die Angler diesen Lebensraum, den Fluss, pflegen und ihn gleichzeitig stören. Fotografien von handgefertigten künstlichen Fliegen (welche als Köder verwendet werden), kombiniert mit einer Videoinstallation, hinterfragen die Ästhetik und Ambivalenz einer Tätigkeit, die den Menschen mit einem Lebensraum und einem Ökosystem verbindet, aber auch die Machtverhältnisse und Abhängigkeiten zwischen ihnen offenbart.

In „turn around, turn around, turn around“, einer Langzeitarbeit, blickt Cécile auf ihre eigene Vergangenheit zurück. Die Installation, in der Bilder als fortlaufende Bänder von der Decke hängen, ist nicht nur eine visuelle Hommage an ihre Kindheit auf dem Land, sondern auch eine Reflexion darüber, wie unsere Erfahrungen unsere Beziehung zur Natur prägen. Auch hier sind die wechselseitigen Abhängigkeiten zwischen dem Menschen und dem, was er beobachtet, kultiviert oder züchtet, komplex. Cécile sieht in den Erinnerungen an das Landleben eine Verbindung zwischen individueller Verantwortung und der dringenden und universellen Notwendigkeit, unsere Beziehung zur Welt neu zu überdenken. Diese Arbeit dient als Prolog zu ihrem künstlerischen Ansatz, indem sie den Dialog zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart sowie zwischen dem Menschen und anderen Lebewesen betont.

Le travail de Cécile Monnier interroge les modalités par lesquelles les pratiques humaines et les souvenirs personnels façonnent notre rapport à la « nature ».  En combinant photographie et installation, elle recherche de nouveaux moyens pour apprendre à voir le vivant*, repenser nos liens avec celui-ci.

L’exposition présente deux travaux qui approfondissent la réflexion personnelle et artistique de Cécile Monnier sur la relation entre l’homme et la nature. Dans « Tout est fichu comme un sandwich à la soupe », elle se penche sur la pratique de la pêche à la mouche – une interface symbolique entre les humains et leur environnement. Elle s’intéresse à la manière dont les pêcheurs prennent soin de cet habitat qu’est la rivière, en même temps qu’ils le perturbent. Des photographies de mouches artificielles fabriqués à la main, combinées à une installation vidéo, interrogent l’esthétique et l’ambivalence d’une activité qui relie l’homme à un habitat et un écosystème, mais qui révèle aussi les rapports de pouvoir et les dépendances qui s’établissent entre eux.

Dans turn around, turn around, turn around, travail au long cours, Cécile se tourne vers son propre passé. L’installation photographique, dans laquelle des images sont suspendues au plafond sous la forme de bandes continues, n’est pas seulement un hommage visuel à son enfance à la campagne, mais aussi une réflexion sur la manière dont notre vécu façonne notre rapport à la nature. Là encore les relations d’interdépendances entre l’homme et ce qu’il observe, cultive ou élève sont complexes. Cécile voit dans les souvenirs de la vie rurale un lien entre responsabilité individuelle et et la nécessitée urgente et universelle de re-considérer notre rapport au monde. Ce travail sert de prologue à sa démarche artistique en mettant l’accent sur le dialogue entre le passé et le présent ainsi qu’entre l’homme et les autres vivants.

Nel suo lavoro, Cécile Monnier si occupa di come le pratiche umane e i ricordi personali modellino il nostro rapporto con la “natura”.  Combinando fotografia e installazione, cerca nuovi modi per imparare a vedere il vivente* e a ripensare il nostro rapporto con esso.

La mostra presenta due opere che approfondiscono l'esplorazione personale e artistica di Cécile Monnier sul rapporto tra uomo e natura. In “Tout est fichu comme un sandwich à la soupe” si occupa della pratica della pesca a mosca, un'interfaccia simbolica tra l'uomo e il suo ambiente. È interessata a come i pescatori si prendono cura e allo stesso tempo disturbano questo habitat, il fiume. Le fotografie di mosche artificiali fatte a mano (che vengono utilizzate come esche), combinate con un'installazione video, mettono in discussione l'estetica e l'ambivalenza di un'attività che collega l'uomo a un habitat e a un ecosistema, ma rivelano anche i rapporti di potere e le dipendenze tra di loro.

In “turn around, turn around, turn around”, un lavoro a lungo termine, Cécile guarda al suo passato. L'installazione, in cui le immagini sono appese al soffitto come nastri continui, non è solo un omaggio visivo alla sua infanzia in campagna, ma anche una riflessione su come le nostre esperienze plasmano il nostro rapporto con la natura. Anche in questo caso, le interdipendenze tra l'uomo e ciò che osserva, coltiva o alleva sono complesse. Cécile vede nei ricordi della vita di campagna un legame tra la responsabilità individuale e la necessità urgente e universale di ripensare il nostro rapporto con il mondo. Questo lavoro funge da prologo al suo approccio artistico, sottolineando il dialogo tra passato e presente, nonché tra l'uomo e gli altri esseri viventi.

Cécile Monnier’s work questions the ways in which human practices and personal memories shape our relationship with ‘nature’.  By combining photography and installation, she is looking for new ways of learning to see living things* and rethinking our relationship with them.

The exhibition presents two works that explore Cécile Monnier’s personal and artistic reflections on the relationship between man and nature. In ‘Tout est fichu comme un sandwich à la soupe’, she looks at the practice of fly fishing – a symbolic interface between humans and their environment. She is interested in the way in which anglers care for the habitat that is the river, while at the same time disturbing it. Photographs of hand-made artificial flies, combined with a video installation, question the aesthetics and ambivalence of an activity that connects humans to a habitat and an ecosystem, but also reveals the power relationships and dependencies that are established between them.

In ‘turn around, turn around, turn around’, Cécile turns to her own past. The photographic installation, in which images are suspended from the ceiling in the form of continuous strips, is not only a visual tribute to her childhood in the countryside, but also a reflection on the way in which our experience shapes our relationship with nature. Here again, the interdependence between man and what he observes, cultivates or nurtures is complex. Cécile sees in the memories of rural life a link between individual responsibility and the urgent and universal need to re-consider our relationship with the world. This work serves as a prologue to her artistic approach, emphasising the dialogue between past and present, and between man and other living things.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Kunstmuseum Luzern
8. März – 15. Juni 2025

WAKALIGA – ACTION! AND CUT!

Das Wakaliga Filmstudio Uganda produziert grosse Actionfilme mit sehr kleinen Budgets. Prallvoll mit Kung-Fu-Kämpfen, wilden Schiessereien, blutigen Momenten, heftigen Explosionen und witzigen Spezialeffekten sind die Filme grossartige Unterhaltung. Wie beiläufig erzählen sie von gesellschaftlichen Problemen und kriminellen Machenschaften, von Korruption, Erpressung oder Strassenkindern. Bei Genrefans haben die Filme weltweit Kultstatus; seit der documenta 15 in Kassel sind sie auch dem Kunstpublikum ein Begriff.

Der Cast besteht aus Familienmitgliedern, Freund:innen und Nachbar:innen. Alle sitzen im Hof unter einem schattigen Dach zusammen, wo Isaac Nabwana als Begründer und Regisseur von Wakaliga seine Filmidee erläutert. Gemeinsam entscheidet das eingespielte Team, wie Aufgaben und Rollen verteilt werden. Wie in den Anfängen Hollywoods wird spontan gedreht. Die selbstgebauten Kulissen aus Karton brechen die Illusion und verhindern jeden Realismusverdacht. Als Set dient das eigene Grundstück oder die Nachbarschaft. Wenn nötig, werden weitere Hände, Statist:innen oder Knowhow aus der nächsten Umgebung im Stadtteil Wakaliga hinzugeholt.

Kuratiert von Eveline Suter

Le studio de cinéma Wakaliga en Ouganda produit de grands films d'action avec de très petits budgets. Remplis de combats de kung-fu, de fusillades endiablées, de moments sanglants, d'explosions violentes et d'effets spéciaux amusants, ces films sont un grand divertissement. Comme en passant, ils parlent de problèmes sociaux et de machinations criminelles, de corruption, de chantage ou d'enfants des rues. Ces films sont devenus cultes pour les fans du genre dans le monde entier ; depuis la documenta 15 de Cassel, ils sont également connus du public artistique.

Le casting est composé de membres de la famille, d'amis et de voisins. Tous sont assis ensemble dans la cour, sous un toit ombragé, où Isaac Nabwana, fondateur et réalisateur de Wakaliga, explique son idée de film. L'équipe bien rodée décide ensemble de la répartition des tâches et des rôles. Comme aux débuts d'Hollywood, le tournage se fait spontanément. Les décors en carton que l'on construit soi-même brisent l'illusion et empêchent tout soupçon de réalisme. Le propre terrain ou le voisinage sert de plateau. Si nécessaire, on fait appel à d'autres mains, à des figurants ou au savoir-faire de l'environnement proche du quartier de Wakaliga.

Commissariat d'Eveline Suter

Lo studio cinematografico Wakaliga in Uganda produce grandi film d'azione con budget molto ridotti. Ricchi di combattimenti di kung fu, sparatorie selvagge, momenti di sangue, esplosioni violente e divertenti effetti speciali, i film sono un grande intrattenimento. Quasi di sfuggita, raccontano problemi sociali e macchinazioni criminali, corruzione, ricatti e bambini di strada. I film sono diventati un cult tra gli appassionati del genere in tutto il mondo; dopo la documenta 15 di Kassel, sono diventati un nome familiare anche tra gli amanti dell'arte.

Il cast è composto da membri della famiglia, amici e vicini di casa. Siedono tutti insieme nel cortile sotto un tetto ombreggiato, dove Isaac Nabwana, fondatore e regista di Wakaliga, spiega la sua idea di film. La squadra, ben preparata, decide insieme come distribuire i compiti e i ruoli. Come agli albori di Hollywood, il film viene girato spontaneamente. I fondali di cartone autocostruiti rompono l'illusione e impediscono qualsiasi sospetto di realismo. Il set è la loro proprietà o il quartiere. Se necessario, vengono portate altre mani, comparse o competenze dal quartiere di Wakaliga.

A cura di Eveline Suter

The Wakaliga Film Studio Uganda produces great action films on very low budgets. Brim-full of kung-fu fights, wild shoot-outs, bloody moments, mighty explosions and amusing special effects, the films provide marvellous entertainment. They also speak, en passant, of social problems and criminal intrigues, corruption, blackmail and street children. The films have gained a cult status among genre fans worldwide; since documenta 15 in Kassel, they now also mean something to art audiences.

The cast is made up of family members, friends and neighbours. They all sit together in a courtyard under a shady roof, where Isaac Nabwana, founder and director of Wakaliga, explains his film concept. Together, the well-practised team decides how tasks and roles are to be distributed. Like in the very early days in Hollywood, shooting the films is spontaneous. The hand-made cardboard sets shatter the illusion and thwart any suspicion of realism. Their own plots of land or places in the neighbourhood serve as settings. If necessary, other helping hands, extras and knowhow are obtained from the Wakaliga district nearby.

Curated by Eveline Suter

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Palazzo Reali | Lugano
16. März – 12. Oktober 2025

Eugenio Schmidhauser. Über das Malcantone hinaus

Als erste museale Institution präsentiert das MASI Lugano eine Ausstellung mit Werken des Tessiner Fotografen Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astrano, 1952). Das in Zusammenarbeit mit dem Staatsarchiv des Kantons Tessin realisierte Ausstellungsprojekt ist eine gute Gelegenheit, um die Arbeiten dieses Fotografen wieder zu entdecken, der das Image des Tessin Anfang des 19. Jahrhundert gepägt und dazu beitagen hat, den Tourismus in der Region auf eine innovative Art und Weise zu fördern.

Kuratiert von Gianmarco Talamona und Ludovica Introini

Le MASI présente la première exposition consacrée par une institution muséale au photographe tessinois Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Le projet d'exposition, réalisé en collaboration avec les Archives d'État du Canton du Tessin, est l'occasion de redécouvrir l'œuvre d'un photographe qui a façonné l'imagerie du Tessin au début du XXe siècle, en contribuant à promouvoir le tourisme dans la région de manière innovante.

Sous la direction de Gianmarco Talamona et Ludovica Introini

Il MASI presenta la prima mostra dedicata da un'istituzione museale al fotografo ticinese Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Il progetto espositivo, realizzato in collaborazione con l’Archivio di Stato del Canton Ticino, è un’occasione per riscoprire il lavoro di un fotografo che ha modellato l’immaginario del Ticino di inizio secolo, contribuendo a promuovere il turismo della regione con modalità innovative.

A cura di Gianmarco Talamona e Ludovica Introini

MASI Lugano presents the first museum exhibition devoted to the Ticino photographer Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). The exhibition, in collaboration with the State Archive of the Canton of Ticino, is an opportunity to rediscover the work of a photographer who shaped the image of Ticino at the turn of the century, helping in innovative ways to promote tourism to the region.

Curated by Gianmarco Talamona and Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Kulturmuseum St. Gallen
22. März – 10. August 2025

St. Gallen – ein Jahrhundert in Fotografien. - Die Sammlung Foto Gross

Sonderausstellung und Publikation «St.Gallen – ein Jahrhundert in Fotografien. Die Sammlung Foto Gross»: Kooperation von Kulturmuseum und Stadtarchiven

Die Sammlung Foto Gross». Gleichzeitig erscheint eine Publikation, verfasst und herausgegeben durch das Stadtarchiv der Ortsbürger- und der Politischen Gemeinde St.Gallen. Buch und Ausstellung gewähren faszinierende Einblicke in ein Jahrhundert Ostschweizer Geschichte und beleuchten dabei die grossen gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Veränderungen der Region. Die Sammlung im Besitz der Stadtarchive umfasst Hunderttausende Fotografien, die von Alltagsszenen bis hin zu historischen Ereignissen reichen – eine visuelle Reise durch die Zeit. In Ausstellung und Buch wird eine breite Auswahl der Fotografien inszeniert. In mehreren Kapiteln laden sie zu einem Spaziergang durch hundert Jahre Geschichte ein.

Ein vielseitiger Blick auf den Wandel der Gesellschaft: Ein erster Themenblock in der Ausstellung ist den tiefgreifenden Veränderungen der Arbeitswelt und Ausbildung gewidmet. Von Klassenfotos, die ab den 1970er-Jahren einen gelockerten Zeitgeist widerspiegeln, bis hin zu den sich wandelnden Berufsbildern – die Aufnahmen zeigen den strukturellen und sozialen Wandel eindrucksvoll. Ein weiteres interessantes Thema ist der Konsum: Stand vor dem Zweiten Weltkrieg die Grundversorgung im Fokus, brachte das Wirtschaftswunder der Nachkriegszeit einen rasanten Anstieg der Kaufkraft und des Produkteangebots mit sich.

Die Besucherinnen und Besucher erhalten ebenfalls spannende Einblicke in die Freizeitgestaltung des 20. Jahrhunderts – von frühen Bergbahnen und Skiliften über das Aufkommen von Freizeitparks bis hin zur Omnipräsenz des Fernsehens. Auch die Mobilität wird beleuchtet: Historische Aufnahmen dokumentieren die Ablösung der Trams durch Trolleybusse, den Ausbau der Verkehrsinfrastruktur und die Veränderungen im Stadtbild St. Gallens.

Tradition, Architektur und die Stadt im Wandel: Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf Bräuchen und Festen, die Foto Gross über Jahrzehnte hinweg festgehalten hat – von der OLMA und OFFA über Gewerbeumzüge bis hin zu traditionellen Prozessionen. Auch die Stadtentwicklung wird sichtbar: Durch wiederkehrende Blickwinkel der Fotografen lassen sich bauliche Veränderungen direkt vergleichen, von den Jugendstilvillen am Rosenberg bis zu den Sichtbeton-Bauten der Universität St.Gallen.

Exposition spéciale et publication « St.Gallen - ein Jahrhundert in Fotografien. La collection Foto Gross » : coopération entre le musée de la culture et les archives de la ville.

La collection Foto Gross ». Une publication, rédigée et éditée par les archives municipales de la bourgeoisie locale et de la commune politique de Saint-Gall, paraît simultanément. Le livre et l'exposition offrent un aperçu fascinant d'un siècle d'histoire de la Suisse orientale et mettent en lumière les grands changements sociaux et économiques de la région. La collection détenue par les archives de la ville comprend des centaines de milliers de photographies, allant de scènes quotidiennes à des événements historiques - un voyage visuel à travers le temps. L'exposition et le livre mettent en scène une large sélection de ces photographies. En plusieurs chapitres, elles invitent à une promenade à travers cent ans d'histoire.

Un regard multiple sur les changements de la société : un premier bloc thématique de l'exposition est consacré aux profonds changements du monde du travail et de la formation. Des photos de classe, qui reflètent un esprit du temps assoupli à partir des années 1970, aux profils professionnels en pleine mutation, les clichés illustrent de manière impressionnante les changements structurels et sociaux. La consommation est un autre thème intéressant : alors qu'avant la Seconde Guerre mondiale, l'accent était mis sur l'approvisionnement de base, le miracle économique de l'après-guerre a entraîné une augmentation fulgurante du pouvoir d'achat et de l'offre de produits.

Les visiteurs auront également un aperçu passionnant des loisirs du 20e siècle - des premiers téléphériques et téléskis à l'omniprésence de la télévision en passant par l'apparition des parcs de loisirs. La mobilité est également mise en lumière : Des photos historiques documentent le remplacement des trams par des trolleybus, l'extension de l'infrastructure de transport et les changements dans le paysage urbain de Saint-Gall.

Tradition, architecture et ville en mutation : l'accent est également mis sur les coutumes et les fêtes que Foto Gross a immortalisées au fil des décennies - de l'OLMA et de l'OFFA aux processions traditionnelles en passant par les défilés commerciaux. Le développement de la ville est également visible : les angles de vue récurrents des photographes permettent de comparer directement les changements architecturaux, des villas Art nouveau du Rosenberg aux bâtiments en béton apparent de l'Université de Saint-Gall.

Mostra speciale e pubblicazione “San Gallo - un secolo in fotografie. La collezione Foto Gross": collaborazione tra il Museo della Cultura e l'Archivio della Città.

La Collezione Foto Gross”. Contemporaneamente verrà pubblicata una pubblicazione scritta e curata dall'archivio cittadino dell'Ortsbürger- e Politische Gemeinde St.Gallen. Il libro e la mostra offrono un'affascinante visione di un secolo di storia della Svizzera orientale e fanno luce sui principali cambiamenti sociali ed economici della regione. La collezione dell'archivio comunale comprende centinaia di migliaia di fotografie, che spaziano da scene quotidiane a eventi storici - un viaggio visivo nel tempo. Un'ampia selezione di fotografie è presentata nella mostra e nel libro. In diversi capitoli, vi invitano a fare una passeggiata attraverso cento anni di storia.

Uno sguardo sfaccettato sulla trasformazione della società: un primo blocco tematico della mostra è dedicato ai profondi cambiamenti nel mondo del lavoro e dell'istruzione. Dalle foto di classe, che riflettono uno spirito più rilassato a partire dagli anni Settanta, al cambiamento dei profili professionali, le foto illustrano in modo impressionante i cambiamenti strutturali e sociali. Un altro tema interessante è quello dei consumi: se prima della Seconda guerra mondiale l'attenzione era rivolta ai beni di prima necessità, il miracolo economico del dopoguerra ha portato a un rapido aumento del potere d'acquisto e dell'offerta di prodotti.

Il visitatore potrà anche scoprire le attività del tempo libero del XX secolo, dalle prime ferrovie di montagna e dagli impianti di risalita fino alla nascita dei parchi di divertimento e all'onnipresenza della televisione. Anche la mobilità viene messa in evidenza: Le fotografie storiche documentano la sostituzione dei tram con i filobus, l'espansione delle infrastrutture di trasporto e i cambiamenti nel paesaggio urbano di San Gallo.

Tradizione, architettura e città che cambia: un altro punto focale è rappresentato dalle usanze e dalle feste che Foto Gross ha immortalato nel corso dei decenni, dall'OLMA e dall'OFFA alle sfilate commerciali e alle processioni tradizionali. Anche lo sviluppo urbano diventa visibile: le prospettive ricorrenti dei fotografi consentono un confronto diretto dei cambiamenti architettonici, dalle ville art nouveau sul Rosenberg agli edifici in cemento a vista dell'Università di San Gallo.

Special exhibition and publication ‘St.Gallen – a century in photographs. The Foto Gross Collection’: a collaboration between the Culture Museum and the City Archives

The Foto Gross Collection. At the same time, a publication is being written and edited by the City Archives of the Local Citizens' and Political Community of St.Gallen. The book and exhibition provide fascinating insights into a century of history in Eastern Switzerland, shedding light on the major social and economic changes in the region. The collection held by the city archives includes hundreds of thousands of photographs, ranging from scenes of everyday life to historical events – a visual journey through time. A broad selection of the photographs is presented in the exhibition and book. Divided into several chapters, they invite you to take a stroll through a hundred years of history.

A multifaceted view of social change: the first thematic block in the exhibition is dedicated to the profound changes in the world of work and education. From class photos, which reflect a more relaxed zeitgeist from the 1970s onwards, to changing job profiles – the photographs impressively demonstrate the structural and social transformation. Another interesting topic is consumption: before the Second World War, the focus was on basic supplies, but the economic miracle of the post-war period brought with it a rapid increase in purchasing power and the range of products available.

Visitors also get exciting insights into how people spent their leisure time in the 20th century – from early mountain railways and ski lifts to the advent of amusement parks and the omnipresence of television. Mobility is also highlighted: historical photographs document the replacement of trams by trolley buses, the expansion of the transport infrastructure and the changes in the cityscape of St. Gallen.

Tradition, architecture and the city in transition: another focus is on customs and festivals that Foto Gross has captured over decades – from the OLMA and OFFA to trade parades and traditional processions. The city's development is also visible: recurring perspectives of the photographers allow direct comparison of structural changes, from the Art Nouveau villas on the Rosenberg to the exposed concrete buildings of the University of St.Gallen.

(Text: Kulturmuseum St. Gallen)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
23. März - 13. April 2025

Black Cotton Candy
Anne Gabriel-Jürgens, Gabi Vogt

In «Black Cotton Candy» ergänzen die Fotografinnen Gabi Vogt und Anne Gabriel-Jürgens ihre Perspektiven zu einem kraftvollen Porträt des Erwachsenwerdens. Unabhängig voneinander sind sie in ihren Langzeit-Buchprojekten den Themen Coming of Age und Aufwachsen in der aktuellen Zeit nachgegangen. Erstmals präsentieren sie gemeinsam Fotografien aus ihren Büchern in einer Ausstellung.

Die Arbeit «Ich. Jetzt.» von Gabi Vogt gibt Einblick in die Gedankenwelt von Jugendlichen im Alter zwischen 13 und 20 Jahren. Welche Ziele, Wünsche, Träume haben sie? Wovor haben sie Angst oder Respekt? Wie fühlen sich junge Menschen hier und jetzt? Entstanden ist ein eindrückliches Zeitdokument in Bild und Text. Die Porträts, ungeschminkt und authentisch, zeigen die vielfältigen Emotionen und Gedanken der Jugendlichen und laden ein, in ihre Geschichten einzutauchen.

Parallel dazu beleuchtet Anne Gabriel-Jürgens ihre persönliche Beziehung zu ihrer Stieftochter Zoe. Seit 2009 dokumentiert sie Zoes Weg vom Kind zur jungen Erwachsenen. Die Fotografien, unter dem Titel «Viel Glück zum Muttertag», erzählen poetisch und märchenhaft von den Herausforderungen des Erwachsenwerdens in der Generation Z und von den emotionalen Kämpfen innerhalb einer modernen Familie. Anne Gabriel-Jürgens thematisiert die Suche nach Identität und Zugehörigkeit und stellt die Frage: Was ist eine Familie?

«Black Cotton Candy» – eine Anspielung auf gegensätzliche Gefühle beim Heranwachsen – zeigt berührende Momentaufnahmen des Jungseins. Die Gemeinschaftsausstellung erzählt von vielfachen Anliegen und Bedürfnissen und gibt Einblick in familiäre Bindungen.

Dans « Black Cotton Candy », les photographes Gabi Vogt et Anne Gabriel-Jürgens complètent leurs perspectives pour dresser un portrait puissant du passage à l'âge adulte. Indépendamment l'une de l'autre, elles se sont penchées sur les thèmes du coming of age et du grandir dans la période actuelle dans le cadre de leurs projets de livres à long terme. Pour la première fois, ils présentent ensemble des photographies tirées de leurs livres dans une exposition.

Le travail « Ich. Jetzt. » de Gabi Vogt donne un aperçu du monde des pensées des jeunes âgés de 13 à 20 ans. Quels sont leurs objectifs, leurs souhaits, leurs rêves ? Que craignent-ils ou respectent-ils ? Comment les jeunes se sentent-ils ici et maintenant ? Il en résulte un document d'époque impressionnant en images et en textes. Les portraits, sans fard et authentiques, montrent les multiples émotions et pensées des jeunes et invitent à se plonger dans leurs histoires.

Parallèlement, Anne Gabriel-Jürgens met en lumière sa relation personnelle avec sa belle-fille Zoé. Depuis 2009, elle documente le parcours de Zoé de l'enfant à la jeune adulte. Les photographies, sous le titre « Bonne chance pour la fête des mères », racontent de manière poétique et féerique les défis du passage à l'âge adulte dans la génération Z et les luttes émotionnelles au sein d'une famille moderne. Anne Gabriel-Jürgens thématise la recherche d'identité et d'appartenance et pose la question : qu'est-ce qu'une famille ?

« Black Cotton Candy » - une allusion aux sentiments contradictoires de l'adolescence - montre des instantanés touchants de la jeunesse. L'exposition collective parle de préoccupations et de besoins multiples et donne un aperçu des liens familiaux.

In “Black Cotton Candy”, le fotografe Gabi Vogt e Anne Gabriel-Jürgens uniscono le loro prospettive per creare un potente ritratto della crescita. Indipendentemente l'una dall'altra, hanno esplorato i temi della maturità e della crescita nel presente nei loro progetti di libri a lungo termine. Per la prima volta, presentano insieme le fotografie dei loro libri in una mostra.

L'opera “Me. Now.” di Gabi Vogt offre uno sguardo sui pensieri dei giovani tra i 13 e i 20 anni. Quali obiettivi, desideri e sogni hanno? Cosa temono o rispettano? Come si sentono i giovani qui e ora? Il risultato è un impressionante documento contemporaneo in immagini e testi. I ritratti, non crudi e autentici, mostrano le diverse emozioni e i pensieri dei giovani e invitano a immergersi nelle loro storie.

Allo stesso tempo, Anne Gabriel-Jürgens fa luce sul suo rapporto personale con la figliastra Zoe. Dal 2009 documenta il viaggio di Zoe da bambina a giovane adulta. Le fotografie, intitolate “Viel Glück zum Muttertag” (Buona fortuna per la festa della mamma), raccontano una storia poetica e fiabesca sulle sfide della crescita nella Generazione Z e sulle lotte emotive all'interno di una famiglia moderna. Anne Gabriel-Jürgens tematizza la ricerca di identità e di appartenenza e pone la domanda: che cos'è una famiglia?

“Black Cotton Candy” - un'allusione ai sentimenti contrastanti della crescita - mostra toccanti istantanee della giovinezza. La mostra congiunta racconta di molteplici preoccupazioni ed esigenze e fornisce una visione dei legami familiari.

In ‘Black Cotton Candy’, photographers Gabi Vogt and Anne Gabriel-Jürgens combine their perspectives to create a powerful portrait of growing up. Independently of each other, they have been exploring the themes of coming of age and growing up in the current era in their long-term book projects. For the first time, they are presenting photographs from their books together in an exhibition.

Gabi Vogt's work ‘Me. Now.’ provides insights into the minds of young people between the ages of 13 and 20. What are their goals, desires, dreams? What are they afraid of or respect? How do young people feel here and now? The result is an impressive contemporary document in image and text. The unvarnished and authentic portraits show the young people's wide range of emotions and thoughts and invite the reader to delve into their stories.

At the same time, Anne Gabriel-Jürgens sheds light on her personal relationship with her stepdaughter Zoe. Since 2009, she has been documenting Zoe's journey from child to young adult. The photographs, entitled ‘Happy Mother's Day’, tell a poetic and fairytale-like story of the challenges of growing up in Generation Z and the emotional struggles within a modern family. Anne Gabriel-Jürgens addresses the search for identity and belonging and asks the question: What is a family?

‘Black Cotton Candy’ – an allusion to the contrasting feelings of growing up – shows touching snapshots of being young. The group exhibition tells of multiple concerns and needs and provides insight into family ties.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Photo Elysée | Lausanne
28. März – 17. August 2025

Le sport à l'épreuve – Collections du Musée Olympique et de Photo Elysée

Seit über einem Jahrhundert werden wichtige Sportveranstaltungen von Bildern begleitet. Mit dem Aufkommen der Amateurfotografie Ende des 19. Jahrhunderts, die mit den ersten modernen Olympischen Spielen 1896 zusammenfiel, haben sich Fotografie und Sport in vielerlei Hinsicht gemeinsam weiterentwickelt. Die Ausstellung Sport im Fokus enthüllt die umfangreichen fotografischen Sammlungen des Olympischen Museums und des Photo Elysée. Mit der Erkundung eines weitgehend unveröffentlichten fotografischen Erbes bietet die Ausstellung, die im Rahmen der Rencontres d’Arles zu den Olympischen Spielen 2024 in Paris eröffnet wurde, eine Perspektive, die neues Licht auf die Sportfotografie wirft.

Die Sichtbarkeit von Sportveranstaltungen wird zwangsläufig durch das fotografische Bild vermittelt. Der Sport ist ein Leistungssport, bei dem Anstrengung und Gestik miteinander verbunden sind. Die Ausübung des Sports unterliegt genauen Regeln und wird zur Schau gestellt, wenn sie im Hinblick auf einen Wettkampf erfolgt. Die Inszenierung des Sports wird von den Fotografen weitergegeben, die rund um das Stadion Platz nehmen.

Die Ausstellung zeigt die visuelle Grammatik der Sportfotografie anhand verschiedener Themen auf: die Medienpräsenz, die 1896 in Athen begann; die Technik, die versucht, Bewegung durch Standbilder einzufangen; die Komposition, die die visuelle Erzählung beeinflusst und die Feier des Sports aufbaut; die Figuren im Stadion, wo die Athleten einer emotionalen Menge gegenüberstehen; und die Fotografen, die die Sportfotografie als reine Dokumentation der Leistung und andere als künstlerisches Mittel einsetzen. Die zahlreichen Fokussierungen bieten uns eine Erzählung, die die Fotografie des Sports und der Olympischen Spiele im Besonderen beleuchtet.

Depuis plus d’un siècle, les grands événements sportifs sont accompagnés d’images. Avec l’essor de la photographie amateur à la fin du XIXe siècle, qui coïncide avec les premiers Jeux Olympiques modernes en 1896, la photographie et le sport ont, à bien des égards, évolué de concert. Cette exposition lève le voile sur les vastes collections photographiques du Musée Olympique et de Photo Elysée. En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition, dévoilée aux Rencontres d'Arles pour les Jeux de Paris 2024, nous offre un récit qui met en lumière la photographie du sport.

La visibilité donnée aux manifestations sportives passe nécessairement par l’image photographique. Recherche de la performance, alliant l’effort à la gestuelle, la pratique du sport répond à des règles précises et se donne en spectacle lorsqu’elle est réalisée en vue d’une compétition. La mise en scène du sport est relayée par les photographes qui prennent place autour du stade.

En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition dévoile la grammaire visuelle de la photographie de sport à travers plusieurs thèmes : la médiatisation qui débute à Athènes en 1896 ; la technique qui cherche à capturer le mouvement par des arrêts sur image ; la composition qui influence la narration visuelle et construit la célébration du sport ; les figures qui prennent place dans le stade où les athlètes font face à une foule emprise avec des émotions ; et les photographes qui utilisent la photographie de sport comme documentation pure de l’exploit et d’autres comme moyen artistique. Les nombreux focus nous offrent un récit qui met en lumière la photographie du sport et des Jeux Olympiques en particulier.

Da oltre un secolo, i grandi eventi sportivi sono corredati da immagini. Con lo sviluppo della fotografia amatoriale a fine Ottocento, che coincide con le prime Olimpiadi moderne nel  1896, la fotografia e lo sport sono, sotto vari aspetti, evoluti di pari passo. Questa mostra alza il velo sulle vaste collezioni fotografiche del Musée Olympique e di Photo Elysée. Nel percorrere un patrimonio fotografico ampiamente inedito, la mostra, presentata in anteprima alle Rencontres d'Arles per le Olimpiadi di Parigi 2024, ci offre un racconto che mette in luce la fotografia sportiva.

Per oltre un secolo, i principali eventi sportivi sono stati accompagnati da immagini. Con la nascita della fotografia amatoriale alla fine del XIX secolo, in concomitanza con i primi Giochi Olimpici moderni nel 1896, la fotografia e lo sport si sono evoluti per molti versi insieme. La visibilità data agli eventi sportivi coinvolge necessariamente l'immagine fotografica. Ricerca della prestazione, combinazione di sforzo e movimento, lo sport è regolato da regole precise e si trasforma in spettacolo quando viene praticato in vista di una competizione. La messa in scena dello sport è trasmessa dai fotografi che prendono posizione intorno allo stadio.

Esplorando un patrimonio fotografico in gran parte inedito, la mostra rivela la grammatica visiva della fotografia sportiva attraverso una serie di temi: la copertura mediatica iniziata ad Atene nel 1896; la tecnica che cerca di catturare il movimento attraverso il fermo immagine; la composizione che influenza la narrazione visiva e costruisce la celebrazione dello sport; le figure che si svolgono nello stadio, dove gli atleti si trovano di fronte a una folla emozionata; i fotografi che usano la fotografia sportiva come pura documentazione dell'impresa e altri come mezzo artistico. I numerosi focus forniscono una narrazione che fa luce sulla fotografia dello sport e dei Giochi Olimpici in particolare.

For over a century, major sporting events have been accompanied by images. With the boom in amateur photography in the late 19th century, coinciding with the first modern Olympic Games in 1896, photography and sport have, in many ways, evolved together. This exhibition reveals the vast photographic collections of the Olympic Museum and Photo Elysée. The exhibition, which was unveiled at the Rencontres d'Arles for the Paris 2024 Games, explores a largely untold photographic heritage, offering us a narrative that shines the spotlight on sports photography.

The visibility given to sports events necessarily involves photographic imagery. Pursuing performance, combining effort with gesture, the practice of sports follows precise rules and is showcased when performed for competition. The staging of sports is relayed by photographers who position themselves around the stadium.

By exploring a largely unpublished photographic heritage, the exhibition reveals the visual grammar of sports photography through several themes: the mediatization that began in Athens in 1896; the technique that seeks to capture movement through freeze frames; the composition that influences visual narration and constructs the celebration of sports; the figures that take place in the stadium where athletes face a crowd gripped with emotions; and the photographers who use sports photography as pure documentation of achievement and others as an artistic means. The numerous focuses offer us a narrative that highlights sports photography and the Olympic Games in particular.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
28. März – 17. August 2025

Wish this was real – Tyler Mitchell

Der amerikanische Fotograf Tyler Mitchell träumt von einem Paradies vor dem Hintergrund der Geschichte. Seit seinem Aufstieg in der Modewelt hat Mitchell eine visuelle Erzählung über Schönheit, Stil, Utopie und Landschaft entwickelt, die die Visionen des schwarzen Lebens erweitert. Photo Elysée präsentiert Mitchells erste Einzelausstellung in der Schweiz, die neue Perspektiven auf seine langjährigen Themen der Selbstbestimmung und der aussergewöhnlichen Aura des Alltäglichen eröffnet und zeigt, wie Fotografie in der Vergangenheit verwurzelt sein und gleichzeitig eine imaginäre Zukunft heraufbeschwören kann.

Wish This Was Real erkundet Mitchells Werk von seinen frühen Porträts und Videos, die Träume von Freizeit und Selbstdarstellung verfolgen, bis hin zu seinen aufwendigen Landschaftsaufnahmen, die in Visionen vom Paradies schwelgen und die von der Komplexität der Geschichte und der sozialen Identität der Vereinigten Staaten unterstrichen werden. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Fotografien und Mixed-Media-Skulpturen von Künstlern, deren Werk eng mit Mitchells kreativem Schaffen verbunden ist, darunter Rashid Johnson, Gordon Parks und Carrie Mae Weems - ein einzigartiger Dialog zwischen den Generationen, der Mitchells Fotografie in ein breites Spektrum visueller Experimente und intellektueller Hinterlassenschaften einbettet.

 Wish This Was Real wird von Brendan Embser und Sophia Greiff kuratiert und von der C/O Berlin Foundation produziert.

Le photographe américain Tyler Mitchell est animé par des rêves de paradis sur fond d'histoire. Depuis son ascension dans le monde de la mode, il a constitué un récit visuel de la beauté, du style, de l'utopie et du paysage qui élargit les visions de l'expérience noire. Photo Elysée présente sa première exposition personnelle en Suisse, offrant de nouvelles perspectives sur ses thèmes de prédilection, comme l’autodétermination et l'extraordinaire éclat du quotidien, et montrant comment la photographie peut être enracinée dans le passé tout en évoquant des futurs hypothétiques.

 Intitulée Wish This Was Real, l’exposition parcourt l’ensemble de l’œuvre de Mitchell, de ses premiers portraits et vidéos qui dépeignent des rêves de loisirs et d'expression personnelle, jusqu'à ses paysages minutieusement élaborés qui se délectent de visions paradisiaques contrastées par la complexité de l'histoire et de l'identité sociale américaine. S’y ajoute une présentation de photographies et de sculptures mixtes d'artistes dont le travail entre en résonance avec sa propre ligne créative, tels que Rashid Johnson, Gordon Parks et Carrie Mae Weems. Wish This Was Real devient alors le point de départ d’un dialogue intergénérationnel unique, plaçant la photographie de Mitchell au cœur d'un vaste spectre d'expérimentations visuelles et d'héritage intellectuel.

 Le commissariat de Wish This Was Real est assuré par Brendan Embser et Sophia Greiff et l’exposition produite par la C/O Berlin Foundation.

Il fotografo americano Tyler Mitchell è mosso da sogni di paradiso sullo sfondo della sua storia. Dalla sua ascesione nel mondo della moda, ha costruito una narrazione visiva di bellezza, stile, utopia e paesaggio che va oltre le tradizionali visioni della vita della communità nera. Photo Elysée presenta la sua prima mostra personale in Svizzera, offrendo nuove prospettive sui temi a lui più cari, come l'autodeterminazione e la straordinaria brillantezza del quotidiano, e mostrando come la fotografia possa essere radicata nel passato e, al contempo, evocare ipotetici futuri.

Intitolata Wish This Was Real, la mostra ripercorre l'intera opera di Mitchell, dai primi ritratti e video che ritraggono sogni di svago e di autoespressione, ai paesaggi meticolosamente realizzati che rivelano visioni paradisiache in contrasto con le complessità della storia e dell'identità sociale americana. A ciò si aggiunge una presentazione di fotografie e sculture a tecnica mista di artisti il cui lavoro risuona con la sua linea creativa, come Rashid Johnson, Gordon Parks e Carrie Mae Weems. Wish This Was Real diventa così il punto di partenza di un dialogo intergenerazionale senza precedenti, mettendo la fotografia di Mitchell al centro di un ampio spettro di sperimentazione visiva e di eredità intellettuale. 

Wish This Was Real è curata da Brendan Embser e Sophia Greiff e prodotta dalla Fondazione C/O Berlin.

American photographer Tyler Mitchell is driven by dreams of paradise against the backdrop of history. Since his rise to prominence in the world of fashion, Mitchell has propelled a visual narrative of beauty, style, utopia, and the landscape that expands visions of Black life. Photo Elysée presents Mitchell’s first solo exhibition in Switzerland, offering new perspectives on his longstanding themes of self-determination and the extraordinary radiance of the everyday, and showing how photography can be rooted in the past while evoking imagined futures.

Wish This Was Real explores Mitchell’s work, from his early portraits and videos that pursue dreams of leisure and self-expression to his elaborate landscapes that revel in visions of paradise underscored by the complexities of history and social identity in the United States. Central to the exhibition is a display featuring photography and mixed-media sculptures by artists whose work deeply resonates with Mitchell’s own creative lineage, such as Rashid Johnson, Gordon Parks, and Carrie Mae Weems, a unique intergenerational dialogue that sets Mitchell’s photography within a wide spectrum of visual experimentation and intellectual heritage.

Wish This Was Real is curated by Brendan Embser and Sophia Greiff and is produced by the C/O Berlin Foundation.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Kunsthaus Zürich
4. April – 17. August 2025

Roman Signer – Landschaft

Unerwartete Begegnungen, spielerische Experimente und die Kräfte der Natur – in Roman Signers Kunst entfaltet sich eine Welt voller Energie und Transformation. Der grosse Ausstellungssaal im Kunsthaus Zürich wird zu einer offenen Landschaft, in der Zeit, Bewegung und Material auf überraschende Weise miteinander in Dialog treten.

Ein neuer Blick auf die Welt
Roman Signer ist ein Meister der Transformation. Seit über fünf Jahrzehnten lotet er mit einfachsten Mitteln die Möglichkeiten von Zeit, Raum und Energie aus. Alltägliche Gegenstände wie Eimer, Flaschen oder Kajaks werden in seiner Kunst zu Trägern überraschender, poetischer Ereignisse. Mit Neugier und Experimentierfreude stellt er die Ordnung der Welt auf den Kopf und lädt dazu ein, ihre Schönheit und Kraft aus neuen Perspektiven zu betrachten.

Inspiriert vom Leben selbst, war Signer nie ein Atelierkünstler. Seine Werke entstehen oft in freier Natur oder in urbanen Räumen. Bereits in den 1970er-Jahren, während eines Studienaufenthalts in Warschau, wurde die Strasse zu seiner «Akademie». Dieser spielerische, offene Zugang prägt sein Schaffen bis heute.

Rencontres inattendues, expériences ludiques et forces naturelles—l’art de Roman Signer dévoile un monde où l’énergie et la transformation prennent vie. La grande salle d’exposition du Kunsthaus Zürich se transformera en un paysage ouvert où le temps, le mouvement et la matière dialoguent de façon surprenante.

Un nouveau regard sur le monde
Roman Signer est un maître de la transformation. Depuis plus de cinq décennies, il explore les possibilités du temps, de l’espace et de l’énergie avec des matériaux des plus simples. Des objets du quotidien, comme des seaux, des bouteilles ou des kayaks, deviennent dans son art les vecteurs d’événements poétiques et surprenants. Avec curiosité et esprit d’expérimentation, Signer défie l’ordre du monde et nous invite à redécouvrir sa beauté et sa force sous un angle nouveau.

Inspiré par la vie elle-même, Signer n’a jamais été un artiste d’atelier. Ses œuvres naissent souvent en plein air ou dans des espaces urbains. Lors d’un séjour d’études à Varsovie dans les années 1970, les rues devinrent son « cadémie». Cet esprit ludique et ouvert imprègne son travail depuis lors.

Incontri inaspettati, esperimenti ludici e forze della natura: un mondo pieno di energia e trasformazione si dispiega nell'arte di Roman Signer. La grande sala espositiva del Kunsthaus Zürich diventa un paesaggio aperto in cui tempo, movimento e materia entrano in un sorprendente dialogo reciproco.

Una nuova visione del mondo
Roman Signer è un maestro della trasformazione. Da oltre cinque decenni esplora le possibilità del tempo, dello spazio e dell'energia con i mezzi più semplici. Nella sua arte, oggetti quotidiani come secchi, bottiglie o kayak diventano portatori di eventi sorprendenti e poetici. Con curiosità e amore per la sperimentazione, capovolge l'ordine del mondo e ci invita a vedere la sua bellezza e il suo potere da nuove prospettive.

Ispirato dalla vita stessa, Signer non è mai stato un artista da studio. Le sue opere sono spesso create all'aperto o in spazi urbani. Già negli anni Settanta, durante un soggiorno di studio a Varsavia, la strada è diventata la sua “accademia”. Questo approccio aperto e giocoso caratterizza tuttora il suo lavoro.

Unexpected encounters, playful experiments, and the forces of nature Roman Signer’s art reveals a world full of energy and transformation. The large exhibition gallery at the Kunsthaus Zürich will become an open landscape where time, movement, and material come together in surprising ways.

A New Perspective on the World
Roman Signer is a master of transformation. For over five decades, he has explored the possibilities of time, space, and energy using the simplest of materials. Everyday objects such as buckets, bottles, or kayaks become carriers of surprising, poetic events in his art. With curiosity and a sense of experimentation, Signer challenges the order of the world and invites us to rediscover its beauty and power from new perspectives.

Inspired by life itself, Signer has never been a studio artist. His works often emerge in the open air or urban spaces. During a study stay in Warsaw in the 1970s, the streets became his "academy." This playful and open approach has shaped his artistic practice ever since.

(Text: Kunsthaus Zürich)

Fondazione Rolla – Kindergarten | Bruzella
5. April – 14. September 2025

Phytostopia
Pino Musi

Die 24. von der Rolla-Stiftung präsentierte Ausstellung ist Pino Musi gewidmet, einem Autor, der den Sammlern Philip und Rosella Rolla sehr am Herzen liegt. Ihre Verbindung geht auf das Jahr 2002 zurück, als sie gemeinsam die Giuseppe Terragni gewidmete Ausstellung in den Räumen von Borgovico33, der entweihten Kirche Santa Caterina in Como, organisierten. Von da an wurden sie zu häufigen Besuchern und mehrere Werke von Musi kamen in ihre Sammlung.

Für diese Ausstellung baten die Eheleute Rolla ihn, ein unveröffentlichtes Projekt auszustellen, das Pino Musi in dem zu diesem Anlass herausgegebenen Katalog wie folgt vorstellt: „Im Jahr 2021, während der Zeit der Covid-19-Pandemie, fotografierte ich in Frankreich, Belgien und Italien einige ‚Vegetationsmauern‘, die nicht gepflegt wurden, sowie eine Reihe von Situationen, die in ihrer Form ebenso bizarr wie beunruhigend sind und in denen die Vegetation ein scheinbares Gleichgewicht zwischen Natur, Kultur und Lebensraum verändert hat...“

Die elf ausgestellten Fotografien stammen aus dem Archiv von Pino Musi und aus der Privatsammlung von Philip und Rosella Rolla.

Der Katalog, der kostenlos an die Besucher verteilt wird, enthält auch einen Text des Landschaftshistorikers und -theoretikers Michael Jakob, der zum Nachdenken über das schwierige Verhältnis zwischen Natur und Stadt anregt.

La 24e exposition présentée par la Fondation Rolla est consacrée à Pino Musi, un auteur cher aux collectionneurs Philip et Rosella Rolla. Leur lien remonte à 2002, lorsqu'ils ont monté ensemble l'exposition consacrée à Giuseppe Terragni dans les espaces de Borgovico33, l'église déconsacrée de Santa Caterina à Côme. Dès lors, ils sont devenus des visiteurs assidus et plusieurs œuvres de Musi sont entrées dans leur collection.

For this exhibition, Mr and Mrs Rolla asked him to exhibit an unpublished project, which Pino Musi presents in the catalogue published for the occasion as follows: « In 2021, during the period of the Covid-19 pandemic, I photographed in France, Belgium and Italy some “vegetation walls” that had not been maintained, and a series of situations just as bizarre in their form as they are disturbing, where vegetation has altered an apparent balance between nature, culture and habitat... »

Les onze photographies exposées proviennent des archives de Pino Musi et de la collection privée de Philip et Rosella Rolla.

Le catalogue, distribué gratuitement aux visiteurs, contient également un texte écrit par l'historien et théoricien du paysage Michael Jakob qui nous invite à réfléchir sur la relation difficile entre la nature et la ville.

La ventiquattresima mostra presentata dalla Fondazione Rolla, è dedicata a Pino Musi, un autore caro ai collezionisti Philip e Rosella Rolla. Il loro legame risale al 2002, quando hanno allestito insieme l’esposizione dedicata a Giuseppe Terragni ospitata negli spazi di Borgovico33, la chiesa sconsacrata di Santa Caterina a Como. Da quel momento in poi le frequentazioni sono diventate assidue e diverse opere di Musi sono entrate nella loro collezione.

Per questa mostra i coniugi Rolla gli hanno chiesto di esporre un progetto inedito che, nel catalogo pubblicato per l’occasione, Pino Musi presenta così: “Nel 2021, durante il periodo della pandemia Covid-19, ho fotografato in Francia, Belgio e Italia alcuni ‘muri vegetali’ che non avevano ricevuto manutenzione, ed una serie di situazioni altrettanto-bizzarre nella loro forma, quanto inquietanti, dove la vegetazione ha modificato un apparente equilibrio fra natura, cultura e habitat…”

Le undici fotografie esposte provengono dall’archivio di Pino Musi e dalla collezione privata di Philip e Rosella Rolla.

Nel catalogo, che viene distribuito gratuitamente ai visitatori, è presente anche un testo scritto dallo storico e teorico del paesaggio Michael Jakob che ci invita a riflettere sul difficile rapporto tra natura e città.

The twenty-fourth exhibition presented by the Rolla Foundation is dedicated to Pino Musi,

an author dear to collectors Philip and Rosella Rolla. Their connection dates back to 2002, when they set up together the exhibition dedicated to Giuseppe Terragni hosted in the spaces of Borgovico33, the deconsecrated church of Santa Caterina in Como. From that moment on, the meetings have become assiduous and works by Musi have entered their collection.

For this exhibition, the Rolla’s asked him to exhibit an unreleased project that, in the catalog published for the occasion, Pino Musi presents as follows: “In 2021, during the Covid-19 pandemic, in France, Belgium, and Italy I photographed a number of ‘living walls’ that had not been tended to. I also took pictures of a series of situations that were bizarre in terms of their shape, as well as disturbing, where the plant life had altered the apparent equilibrium between nature, culture and habitat…”

The eleven photographs on display come from the archives of Pino Musi and the private collection of Philip and Rosella Rolla.

The catalog, which is free to visitors, also features a text written by landscape historian and theorist Michael Jakob that invites us to reflect on the difficult relationship between nature and the city.

(Text: Fondazione Rolla, Bruzella)

Galerie - Librairie FOCALE | Nyon
6. April – 1. Juni 2025

Fulu Act : Kinshasa incarnée
Colin Delfosse

In seiner Serie FULU ACT porträtiert der Fotograf Colin Delfosse die Performer von Kinshasa. Indem er mit diesen kongolesischen Künstlern zusammenarbeitet, trägt er ihre ökologische und gesellschaftliche Botschaft weiter. Als Erben einer afrikanischen Symboltradition und einer urbanen Kultur schmücken sich die Performer von Kinshasa mit Kostümen aus recycelten Gegenständen, um Probleme wie Umweltverschmutzung und übermäßigen Konsum in der kongolesischen Hauptstadt anzuprangern. Durch ihre Auftritte im Herzen der Stadt versuchen diese Künstler, einen Dialog mit den Einwohnern herzustellen und zu Verhaltensänderungen anzuregen.

In den Straßen von Kinshasa - der drittgrößten Stadt des Kontinents - sensibilisieren Künstler die Bürger für die Herausforderungen, mit denen die kongolesische Hauptstadt konfrontiert ist. In einer zunehmend zerstörten Umwelt hinterfragen sie die Fülle an Konsumgütern und Abfällen, die sie in Kostümen wiederverwerten. In einem Kollektiv vereint, perforieren sie im öffentlichen Raum, um gesellschaftliche Probleme anzuprangern: unzureichender Zugang zur Gesundheitsversorgung, Umweltverschmutzung, Entwaldung und übermäßiger Konsum. Durch die Vermischung von urbaner Kultur und Performance stellen sie einen Dialog mit den Bewohnern der Stadt her.

Die Bevölkerungsexplosion dieser Megalopolis, gepaart mit den steigenden Bedürfnissen ihrer Bewohner, einer globalisierten Wirtschaft und einem wachsenden Appetit auf Einwegplastik, hat zu einem massiven Import von Konsumgütern geführt und damit eine Umweltkatastrophe ausgelöst. Die Zahlen sind alarmierend: Mit 13 Millionen Einwohnern erzeugt die Stadt jeden Tag 7000 Tonnen Abfall. Die Armenviertel sind am härtesten betroffen und verschärfen so die Ungleichheiten.

Kinshasa, eine kleine Kolonialstadt mit 200.000 Einwohnern Ende der 1950er Jahre, wurde nach der Unabhängigkeit Anfang der 1960er Jahre zum Herz des Landes. Zwei Kriege und eine ständige Unsicherheit trieben Millionen von Menschen in die Hauptstadt. Jenseits des Stadtzentrums dehnt sich die Stadt zu einem endlosen Dorf aus, dem es an grundlegender Infrastruktur mangelt. Der kongolesische Staat ist nicht in der Lage, grundlegende Herausforderungen wie die Instandhaltung von Straßen, die Abwasserentsorgung oder den Zugang zu Elektrizität zu bewältigen.

In diesen Gebieten erfinden diese Künstler ihre Stadt neu, indem sie zeitgenössische Mythen erschaffen. Nach dem Vorbild traditioneller Masken werden sie zu Archetypen der großen Umweltherausforderungen, die unsere Modernität in Frage stellen.

Dans sa série FULU ACT, le photographe Colin Delfosse portraitise les performeurs de Kinshasa. En collaborant avec ces artistes congolais, il porte leur message écologique et sociétale. Héritiers d’une tradition symbolique africaine et d’une culture urbaine, les performeurs kinois se parent de costumes faits d’objets recyclés pour dénoncer des problématiques telles que la pollution et la surconsommation dans la capitale congolaise. À travers leurs performances au cœur de la ville, ces artistes cherchent à instaurer un dialogue avec les habitants et à inciter au changement des comportements.

Dans les rues de Kinshasa – troisième plus grande ville du continent –, des artistes sensibilisent les citoyens aux défis auxquels la capitale congolaise est confrontée. Dans un environnement de plus en plus dégradé, ils interrogent la profusion des biens de consommation et des déchets, qu’ils recyclent en costumes. Réunis au sein d’un collectif, ils performent dans l’espace public pour dénoncer les problèmes sociétaux : accès insuffisant aux soins de santé, pollution, déforestation et surconsommation. En mêlant culture urbaine et performances, ils instaurent un dialogue avec les habitants de la ville.

L’explosion démographique de cette mégalopole, couplée à l’augmentation des besoins de ses habitants, à une économie mondialisée et à un appétit grandissant pour le plastique à usage unique, a conduit à une importation massive de biens de consommation, engendrant un désastre environnemental. Les chiffres sont alarmants : avec 13 millions d’habitants, la ville génère chaque jour 7 000 tonnes de déchets. Les quartiers pauvres sont les plus durement touchés, aggravant ainsi les inégalités.

Petite ville coloniale de 200 000 habitants à la fin des années 1950, Kinshasa est devenue le cœur du pays après son indépendance au début des années 1960. Deux guerres et une insécurité permanente ont poussé des millions de personnes à rejoindre la capitale. Au-delà du centre urbain, la ville s’étire en un village sans fin, dépourvu d’infrastructures essentielles. L’État congolais est incapable de relever des défis fondamentaux tels que l’entretien des routes, l’assainissement ou l’accès à l’électricité.

Dans ces territoires, ces artistes réinventent leur ville en créant des mythes contemporains. À l’image des masques traditionnels, ils deviennent des archétypes des grands enjeux environnementaux, interrogeant notre modernité.

Nella serie FULU ACT, il fotografo Colin Delfosse ritrae artisti di Kinshasa. Lavorando con questi artisti congolesi, trasmette il loro messaggio ecologico e sociale. Eredi di una tradizione simbolica africana e di una cultura urbana, i performer di Kinshasa indossano costumi realizzati con oggetti riciclati per denunciare problemi come l'inquinamento e il consumo eccessivo nella capitale congolese. Attraverso le loro esibizioni nel cuore della città, questi artisti cercano di instaurare un dialogo con i residenti locali e di incoraggiarli a cambiare il loro comportamento.

Nelle strade di Kinshasa - la terza città del continente - gli artisti stanno sensibilizzando l'opinione pubblica sulle sfide che la capitale congolese deve affrontare. In un ambiente sempre più degradato, si interrogano sulla profusione di beni di consumo e di rifiuti, che riciclano in costumi. Come parte di un collettivo, si esibiscono nello spazio pubblico per denunciare problemi sociali come l'accesso inadeguato all'assistenza sanitaria, l'inquinamento, la deforestazione e il consumo eccessivo. Mescolando cultura urbana e performance, instaurano un dialogo con gli abitanti della città.

L'esplosione demografica di questa megalopoli, unita alle crescenti esigenze dei suoi abitanti, a un'economia globalizzata e a un crescente appetito per la plastica monouso, ha portato a massicce importazioni di beni di consumo, provocando un disastro ambientale. Le cifre sono allarmanti: con 13 milioni di abitanti, la città genera 7.000 tonnellate di rifiuti al giorno. I quartieri poveri sono i più colpiti, esacerbando le disuguaglianze.

Piccola città coloniale di 200.000 abitanti alla fine degli anni Cinquanta, Kinshasa è diventata il cuore del Paese dopo l'indipendenza all'inizio degli anni Sessanta. Due guerre e la costante insicurezza hanno spinto milioni di persone verso la capitale. Al di là del centro urbano, la città si estende come un villaggio sconfinato, privo di infrastrutture essenziali. Lo Stato congolese non è in grado di affrontare sfide fondamentali come la manutenzione delle strade, i servizi igienici o l'accesso all'elettricità.

In questi territori, gli artisti reinventano le loro città creando miti contemporanei. Come le maschere tradizionali, diventano archetipi di grandi questioni ambientali, mettendo in discussione la nostra modernità.

In his series FULU ACT, photographer Colin Delfosse portrays the performers of Kinshasa. By collaborating with these Congolese artists, he carries their ecological and societal message. Heirs to a symbolic African tradition and an urban culture, the Kinshasa performers adorn themselves in costumes made from recycled objects to denounce issues such as pollution and over-consumption in the Congolese capital. Through their performances in the heart of the city, these artists seek to establish a dialogue with the inhabitants and encourage behavioural change.

In the streets of Kinshasa – the third largest city on the continent – artists are raising awareness among citizens of the challenges facing the Congolese capital. In an increasingly degraded environment, they question the profusion of consumer goods and waste, which they recycle into costumes. United in a collective, they perform in public spaces to denounce societal problems: insufficient access to healthcare, pollution, deforestation and overconsumption. By combining urban culture and performances, they establish a dialogue with the city's inhabitants.

The population explosion of this megalopolis, coupled with the increasing needs of its inhabitants, a globalised economy and a growing appetite for single-use plastic, has led to a massive import of consumer goods, causing an environmental disaster. The figures are alarming: with 13 million inhabitants, the city generates 7,000 tonnes of waste every day. The poor neighbourhoods are the hardest hit, thus aggravating inequalities.

A small colonial town of 200,000 inhabitants at the end of the 1950s, Kinshasa became the heart of the country after its independence in the early 1960s. Two wars and permanent insecurity have pushed millions of people to move to the capital. Beyond the urban centre, the city stretches into an endless village, devoid of essential infrastructure. The Congolese state is unable to meet fundamental challenges such as road maintenance, sanitation or access to electricity.

In these territories, these artists reinvent their city by creating contemporary myths. Like traditional masks, they become archetypes of major environmental issues, questioning our modernity.

(Text: Galerie - Librairie FOCALE, Nyon)

L’Appartement – Espace Images Vevey
9. April – 20. Juli 2025

SESSION 11
James Barnor & Nico Krijno

In seiner 11. Ausstellungsreihe bringt L'Appartement James Barnor und Nico Krijno zusammen: zwei Künstler vom afrikanischen Kontinent mit komplementären Visionen, zwei Länder, zwei Generationen, zwei Arten, sich der Realität durch Bilder zu nähern. Auf der einen Seite zeigt James Barnor (geboren 1929 in Ghana) eine Reihe von Bildern, die den soziokulturellen Wandel in Ghana und im Vereinigten Königreich von den 1950er Jahren bis heute dokumentieren. Auf der anderen Seite dekonstruiert Nico Krijno (geboren 1981 in Südafrika) die Codes der traditionellen Fotografie durch einen experimentellen Ansatz, der digitale Collagen, abstrakte Kompositionen und leuchtende Farben miteinander verbindet. Zwischen Erinnerung und Neuerfindung konfrontiert diese Ausstellung Barnors historische und dokumentarische Erzählung mit Krijnos experimentellem Ansatz. Sie beleuchtet die Art und Weise, wie diese beiden Künstler, jeder auf seine Weise, an der Neudefinition des Bildes des Kontinents mitwirken.

Pour sa 11e session d’expositions, L’Appartement réunit James Barnor et Nico Krijno : deux artistes issus du continent africain aux visions complémentaires, deux pays, deux générations, deux façons d’aborder le réel à travers l’image. D’un côté, James Barnor (né en 1929 au Ghana) expose une série d’images documentant les mutations socioculturelles du Ghana et du Royaume-Uni, des années 1950 à aujourd’hui. De l’autre, Nico Krijno (né en 1981 en Afrique du Sud) déconstruit les codes de la photographie traditionnelle à travers une approche expérimentale, mêlant collages numériques, compositions abstraites et couleurs vives. Entre mémoire et réinvention, cette exposition confronte la narration historique et documentaire de Barnor à la démarche expérimentale de Krijno. Elle met en lumière la manière dont ces deux artistes, chacun à sa manière, participent à la redéfinition de l’image du continent.

Per la sua undicesima serie di mostre, L'Appartement riunisce James Barnor e Nico Krijno: due artisti del continente africano con visioni complementari, due Paesi, due generazioni, due modi di affrontare la realtà attraverso le immagini. Da un lato, James Barnor (nato in Ghana nel 1929) espone una serie di immagini che documentano i cambiamenti socioculturali in Ghana e nel Regno Unito dagli anni Cinquanta a oggi. Dall'altro, Nico Krijno (nato nel 1981 in Sudafrica) decostruisce i codici della fotografia tradizionale attraverso un approccio sperimentale, combinando collage digitali, composizioni astratte e colori vivaci. Tra memoria e reinvenzione, questa mostra mette a confronto la narrazione storica e documentaria di Barnor con l'approccio sperimentale di Krijno. L'esposizione mette in evidenza il modo in cui questi due artisti, ciascuno a suo modo, contribuiscono a ridefinire l'immagine del continente.

For its 11th exhibition session, L’Appartement brings together James Barnor and Nico Krijno: two artists from the African continent with complementary visions, two countries, two generations, two ways of approaching reality through images. On one side, James Barnor (born in 1929, Ghana) presents a series of images documenting the sociocultural transformations of Ghana and the United Kingdom from the 1950s to today. On the other, Nico Krijno (born in 1981, South Africa) deconstructs traditional photography through an experimental approach, blending digital collages, abstract compositions, and vibrant colors. Between memory and reinvention, this exhibition confronts Barnor’s historical and documentary narration with Krijno’s experimental approach. It highlights how these two artists, each in their own way, contribute to redefining the image of the continent.

(Text: L’Appartement – Espace Images Vevey)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
3. Mai – 31. August 2025

Olvidamos cómo contemplar la madre tierra?
Naara Bahler

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bieler Fototage statt.

Das Photoforum Pasquart freut sich, im Rahmen der Bieler Fototage 2025 die Einzelausstellung von Naara Bahler zu präsentieren. Die diesjährige Ausgabe des Festivals steht unter dem Thema Horizons und befasst sich mit der Frage, wie Landschaften wahrgenommen, genutzt und dargestellt werden.

Ob Stadt, Wald oder Industrie – Landschaft ist nicht nur ein physischer Raum, sondern auch ein kulturelles und emotionales Konstrukt. Sie wird beschrieben, kartiert, fotografiert und interpretiert. Die Bieler Fototage 2025 erkunden neue Horizonte der Landschaftsdarstellung und stellen künstlerische Positionen vor, die alternative Perspektiven auf unser Verhältnis zur Umwelt aufzeigen.

Mit ihrer Arbeit setzt sich Naara Bahler auf poetische und experimentelle Weise mit der Verbindung zwischen Mensch und Natur auseinander. Ihre Werke stehen in einem spannungsvollen Dialog mit dem Festivalthema, indem sie eine persönliche, sinnliche Annäherung an Landschaften und deren Darstellung ermöglichen. Die Ausstellung wird über die Bieler Fototage hinaus verlängert und durch eine künstlerische Erweiterung ergänzt.

Haben wir vergessen, wie man Mutter Erde betrachtet? Diese Frage stellt sich Naara Bahler in ihrer Arbeit und lädt die Betrachter:innen dazu ein, innezuhalten und ihre Verbindung zur Natur neu zu überdenken. Inspiriert von Kindheitserinnerungen an stundenlanges Beobachten der Natur, sucht sie in ihrer künstlerischen Praxis nach einer Form der Kontemplation – einem Moment der Stille, in dem Raum für Reflexion und Vorstellungskraft entsteht.

Bahler kombiniert analoge, cyanotypische und digitale fotografische Techniken, um Bilder zu schaffen, die zeitgenössische Elemente mit der Natur verschmelzen lassen. Blumen, Blätter und menschliche Spuren treten in Dialog miteinander und erschaffen Kompositionen, die eine stille Mystik ausstrahlen und teils imaginäre Wesen hervorrufen. Ihre Werke thematisieren die Spannung zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit, indem sie der schnellen, immateriellen digitalen Fotografie einen bewussten, langsamen Schaffensprozess entgegensetzt.

Mit ihrer monatelangen, experimentellen Arbeitsweise lädt Bahler die Betrachter:innen dazu ein, sich auf eine tiefere Auseinandersetzung mit ihrer Umwelt einzulassen. Ihre Werke bieten eine Gelegenheit zur bewussten Betrachtung – eine Einladung, innezuhalten und die eigene Verbindung zur Erde neu zu entdecken.

Le Photoforum Pasquart est heureux de présenter une exposition individuelle de Naara Bahler dans le cadre des Journées photographiques de Bienne 2025. Cette édition du festival est dédiée au thème Horizons, qui explore comment les paysages sont perçus, utilisés et représentés.

Qu’ils soient urbains, forestiers ou industriels, les paysages ne sont pas seulement des espaces physiques, mais aussi des constructions culturelles et émotionnelles. Ils sont décrits, cartographiés, photographiés et interprétés. Les Journées photographiques de Bienne 2025 explorent de nouveaux horizons de la représentation du paysage, mettant en avant des perspectives artistiques qui interrogent notre relation à l’environnement.

À travers une approche poétique et expérimentale, Naara Bahler examine la relation entre l’humain et la nature. Son travail entre en résonance avec le thème du festival en proposant une exploration sensorielle et personnelle des paysages et de leur représentation. L’exposition se poursuivra après les Journées photographiques de Bienne et sera enrichie d’une intervention artistique spécifique au site.

Avons-nous oublié comment regarder la Terre-Mère ? Cette question est au cœur du travail de Naara Bahler, qui invite les visiteur·x·e·s à s’arrêter un instant et à reconsidérer leur relation avec la nature. Inspirée par des souvenirs d’enfance passés à observer son environnement, Bahler cherche à créer, dans sa pratique artistique, des moments de contemplation—des espaces de calme où la réflexion et l’imagination peuvent se déployer.

Bahler associe des techniques photographiques analogiques, cyanotypiques et numériques pour créer des images qui fusionnent des éléments contemporains et le monde naturel. Fleurs, feuilles et traces humaines entrent en dialogue pour former des compositions empreintes de mysticisme, évoquant parfois des êtres imaginaires. Son travail explore la tension entre permanence et éphémérité, en opposant à la rapidité et l’immatérialité de la photographie numérique un processus de création lent et intentionnel.

À travers une méthode de travail expérimentale et prolongée, Bahler encourage les visiteur·x·e·s à approfondir leur relation avec leur environnement. Ses œuvres invitent à une contemplation consciente—une occasion de ralentir et de redécouvrir notre lien à la Terre.

Il Photoforum Pasquart è lieto di presentare la mostra personale di Naara Bahler nell'ambito dei Biel/Bienne Photo Days 2025. Il tema dell'edizione di quest'anno del festival è Orizzonti e affronta la questione di come i paesaggi vengono percepiti, utilizzati e rappresentati.

Che si tratti di città, foreste o industrie, il paesaggio non è solo uno spazio fisico, ma anche un costrutto culturale ed emotivo. Viene descritto, mappato, fotografato e interpretato. Le Giornate fotografiche di Biel/Bienne 2025 esplorano nuovi orizzonti della rappresentazione del paesaggio e presentano posizioni artistiche che mostrano prospettive alternative sul nostro rapporto con l'ambiente.

Nel suo lavoro, Naara Bahler esplora la connessione tra uomo e natura in modo poetico e sperimentale. Le sue opere instaurano un dialogo emozionante con il tema del festival, consentendo un approccio personale e sensuale al paesaggio e alla sua rappresentazione. La mostra sarà estesa oltre il Festival della Fotografia di Biel/Bienne e completata da un'estensione artistica.

Abbiamo dimenticato come guardare la Madre Terra? Naara Bahler pone questa domanda nel suo lavoro e invita gli spettatori a fermarsi e a ripensare il loro legame con la natura. Ispirata dai ricordi d'infanzia delle ore trascorse a osservare la natura, cerca una forma di contemplazione nella sua pratica artistica - un momento di quiete che crea spazio per la riflessione e l'immaginazione.

Bahler combina tecniche fotografiche analogiche, cianotipiche e digitali per creare immagini che fondono elementi contemporanei con la natura. Fiori, foglie e tracce umane entrano in dialogo tra loro, creando composizioni che emanano un tranquillo misticismo e talvolta evocano esseri immaginari. Le sue opere tematizzano la tensione tra permanenza e transitorietà, contrapponendo la fotografia digitale veloce e immateriale a un processo creativo lento e consapevole.

Con il suo approccio sperimentale, che dura da mesi, Bahler invita gli spettatori a impegnarsi in un esame più profondo del loro ambiente. Le sue opere offrono un'opportunità di contemplazione consapevole, un invito a fermarsi e a riscoprire il proprio legame con la terra.

The Photoforum Pasquart is delighted to present a solo exhibition by Naara Bahler as part of Bieler Fototage 2025. This year’s edition of the festival is dedicated to the theme Horizons, exploring how landscapes are perceived, used, and represented.

Whether urban, forested, or industrial, landscapes are not just physical spaces but also cultural and emotional constructs. They are described, mapped, photographed, and interpreted. Bieler Fototage 2025 explores new horizons in landscape representation, showcasing artistic perspectives that challenge and redefine our relationship with the environment.

Through a poetic and experimental approach, Naara Bahler examines the relationship between humans and nature. Her work resonates with the festival theme by offering a personal and sensory exploration of landscapes and their depiction. The exhibition will continue beyond Biel/Bienne Festival of photography and will be expanded with a site-specific addition.

Have We Forgotten How to Look at Mother Earth? This question is at the heart of Naara Bahler’s work, inviting viewers to pause and reconsider their connection with nature. Inspired by childhood memories of spending hours observing her surroundings, Bahler’s artistic practice seeks to create moments of contemplation—spaces of stillness where reflection and imagination can unfold.

Bahler combines analog, cyanotype, and digital photographic techniques to create images that merge contemporary elements with the natural world. Flowers, leaves, and human traces interact to form compositions that radiate a quiet mysticism and conjure almost imaginary beings. Her work explores the tension between permanence and transience, countering the rapid, immaterial nature of digital photography with a slow, intentional creative process.

Through her long and experimental working methods, Bahler encourages viewers to engage deeply with their environment. Her images invite a mindful way of seeing—an opportunity to pause and rediscover one’s connection to the Earth.

(Text: Amelie Schüle, Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Fotomuseum Winterthur
17. Mai – 12. Oktober 2025

The Lure of the Image – Wie Bilder im Netz verlocken

Zoé Aubry, Sara Bezovšek, Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Dina Kelberman, Michael Mandiberg, Joiri Minaya, Simone C. Niquille, Jenny Rova, Jon Rafman, Hito Steyerl, Timur Si-Qin, Noura Tafeche, Ellie Wyatt

The Lure of the Image erkundet die Anziehungs- und Verführungskraft von fotografischen Bildern im Internet. Die Ausstellung beleuchtet die Mechanismen der Verführung und untersucht, wie Verlockung und Begehren, Affekt und Trieb in die zeitgenössische visuelle Kultur eingebettet sind.

Süsse Katzenbilder und Videos tollpatschiger Welpen. Bitterböse Memes einer Netflixserie, die wir nicht ausstehen können aber gleichzeitig lieben, zu kritisieren. Politische Propaganda, die niedlich verpackt und irgendwie schlüssig daherkommt. Die Fotos eines vermeintlich stylischen Airbnb-Apartments, welches sich als fensterlose Falle entpuppt. Selfies und Thirst Traps auf Dating-Apps, die auf Bewunderung und Komplimente aus sind. Dem Sog der digitalen Bilderwelt können wir oft nur schwer widerstehen. Zu sehr entzücken uns die Aufnahmen, lassen uns endlos scrollen und verleiten uns zum immer weiter Klicken.

Wie locken oder betören uns Bilder, wie steuern, ködern oder täuschen sie uns? Welche digitalen und vernetzten Logiken liegen der Anziehungs- und Überzeugungskraft von Bildern zugrunde und welche neuen Formen der Verführung bringen sie hervor? Die  Ausstellung untersucht, wie Bilder Aufmerksamkeit auf sich ziehen, Gefühle hervorrufen, Begehren erzeugen und Werte schaffen. Dabei legt sie auch soziale, politische und wirtschaftliche Strukturen offen, die der Verführungskraft von Bildern zugrunde liegen. Ausgewählte Positionen von Künstler_innen und Fotograf_innen sowie eigens für die Ausstellung entwickelte Arbeiten setzen sich kritisch mit der Verführung durch Bilder auseinander, mitunter subversiv oder indem sie kreativ Widerstand leisten.

The Lure of the Image explore le pouvoir d'attraction et de séduction des images photographiques sur Internet. L'exposition met en lumière les mécanismes de la séduction et examine comment la tentation et le désir, l'affect et la pulsion sont intégrés dans la culture visuelle contemporaine.

Des images de chats mignons et des vidéos de chiots maladroits. Des mèmes amers d'une série Netflix que nous ne supportons pas mais que nous aimons en même temps critiquer. De la propagande politique emballée de manière mignonne et en quelque sorte cohérente. Les photos d'un appartement Airbnb soi-disant stylé qui s'avère être un piège sans fenêtre. Les selfies et les thirst traps sur les applications de rencontre, qui cherchent à susciter l'admiration et les compliments. Il est souvent difficile de résister à l'attraction du monde des images numériques. Les photos nous enchantent trop, nous font défiler sans fin et nous incitent à cliquer encore et encore.

Comment les images nous attirent-elles ou nous envoûtent-elles, comment nous contrôlent-elles, nous appâtent-elles ou nous trompent-elles ? Quelles sont les logiques numériques et en réseau qui sous-tendent le pouvoir d'attraction et de persuasion des images et quelles sont les nouvelles formes de séduction qu'elles engendrent ? L'exposition examine comment les images attirent l'attention, suscitent des sentiments, créent du désir et créent des valeurs. Ce faisant, elle met également à jour les structures sociales, politiques et économiques qui sous-tendent le pouvoir de séduction des images. Une sélection de positions d'artistes et de photographes ainsi que des travaux spécialement conçus pour l'exposition abordent de manière critique la séduction par les images, parfois de manière subversive ou en résistant de manière créative.

The Lure of the Image esplora il potere di attrazione e seduzione delle immagini fotografiche su Internet. La mostra fa luce sui meccanismi della seduzione ed esamina come la tentazione e il desiderio, l'affetto e la pulsione siano incorporati nella cultura visiva contemporanea.

Immagini di gatti carini e video di cuccioli maldestri. Memes amari di una serie Netflix che non sopportiamo ma che allo stesso tempo amiamo criticare. Propaganda politica in un pacchetto carino che in qualche modo risulta coerente. Foto di un appartamento Airbnb apparentemente elegante che si rivela una trappola senza finestre. Selfie e trappole per la sete sulle app di incontri che sono progettate per attirare ammirazione e complimenti. Spesso è difficile resistere all'attrazione del mondo digitale delle immagini. Siamo troppo affascinati dalle immagini, ci fanno scorrere all'infinito e ci invogliano a continuare a cliccare.

In che modo le immagini ci attirano o ci seducono, come ci controllano, ci attirano o ci ingannano? Quali logiche digitali e di rete sono alla base del potere di attrazione e persuasione delle immagini e quali nuove forme di seduzione producono? La mostra esamina come le immagini attirino l'attenzione, evochino sentimenti, generino desiderio e creino valori. Rivela inoltre le strutture sociali, politiche ed economiche che sono alla base del potere di seduzione delle immagini. Posizioni selezionate di artisti e fotografi e opere sviluppate appositamente per la mostra esaminano criticamente il potere seduttivo delle immagini, a volte in modo sovversivo o offrendo una resistenza creativa.

The Lure of the Image explores the seductive powers of photographic images online. The exhibition maps the mechanisms of the lure and investigates how seduction and desire, affect and drive are embedded in contemporary visual culture.

Yet another image of a cat that makes you go 🫶. That TV show you love to hate that keeps popping up as a meme on social media. A picture that baits your click, a thirst trap you can’t resist. Political propaganda embedded in cuteness and the unfulfilled promises of perfect bodies on your dating app. One last Airbnb photograph that tricked you into a windowless trap. It’s hard not to get sucked into the world of digital images, a world that’s so beguiling that we can’t stop scrolling and just keep clicking.

How do images entice or beguile us, how do they control, bait or deceive us? What digital and networked logics underpin the persuasive attraction of images and what new forms of seduction have they spawned? The exhibition explores how images attract attention, evoke feelings, create desire and generate value. It also examines the complex social, political and economic networks in which the lure of the image is ultimately embedded. Selected positions from artists and photographers alongside commissioned works critically investigate, creatively subvert and actively resist the lure(s) of the image.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
21. Juni – 12. Oktober 2025

Fotografien für den geistigen Gebrauch
Roger Humbert

Das Werk von Roger Humbert (1929-2022) positioniert ihn als einen Pionier der Schweizer Fotografie. Sein Leitsatz «Ich fotografiere das Licht» verdeutlicht Humberts künstlerische Erforschung des Zusammenspiels von Subjekt und Objekt, von Materialität und Bewusstsein und somit von Physik und Metaphysik. Seine Fotografien für den «geistigen Gebrauch» produzierte Humbert mehrheitlich in der nächtlichen Einsamkeit der Dunkelkammer: Durch das nicht wiederholbare Spiel mit Schablonen, die dem Künstler als vordigitale Bildgeneratoren dienten, entstanden einzigartige Fotogramme und Luminogramme. Zusammen mit René Mächler, Rolf Schroeter und Jean-Frédéric Schnyder begründete er in den 1960er-Jahren eine «Konkrete Fotografie», die bis heute ein Begriff ist.

Die Ausstellung präsentiert einen Überblick über Humberts Werk, von dem sich ein Grossteil seit 2007 in der Fotostiftung Schweiz befindet. Gezeigt wird nicht nur die kameralose Fotografie, sondern auch Serien, mit denen er die gegenständliche Welt dokumentierte. Noch als 90-Jähriger setzte sich Humbert begeistert mit dem digitalen Aufzeichnen von Licht auseinander. Die Gegenüberstellung dieses Spätwerks mit seinen frühen analogen Lichtexperimenten macht Humberts Ambitionen sichtbar und beleuchtet das Ineinandergreifen von freiem künstlerischem Schaffen und dem Tagesgeschäft eines angewandten Bildautors, der in Basel ein erfolgreiches Studio führte.

Zur Ausstellung erscheint eine gleichnamige Publikation im Vexer Verlag, in Partnerschaft mit dem Turm Zur Katz in Konstanz.

L'oeuvre de Roger Humbert (1929-2022) le positionne parmi les pionniers de la photographie suisse. Sa devise « Je photographie la lumière » illustre son exploration artistique de l'interaction entre le sujet et l'objet, la matérialité et la conscience, et donc la physique et la métaphysique. Humbert réalisait ses photographies pour « stimuler l'esprit » principalement dans la solitude nocturne de la chambre noire où, en jouant avec des pochoirs – jeu impossible à reproduire – qui lui servaient de générateurs d'images pré-numériques, il créa des photogrammes et des luminogrammes uniques. Avec René Mächler, Rolf Schroeter et Jean-Frédéric Schnyder, il fut à l'origine, dans les années 1960, d'une « photographie concrète » qui reste une référence aujourd'hui encore.

L'exposition présente un aperçu de l'oeuvre d'Humbert, dont une grande partie est conservée à la Fotostiftung Schweiz depuis 2007. Le public y découvrira non seulement la photographie sans caméra, mais aussi des séries avec lesquelles le photographe a documenté le monde figuratif. À 90 ans, Humbert s'intéressait encore avec enthousiasme à la capture numérique de la lumière. La confrontation de son oeuvre tardive avec ses premières expériences argentiques avec la lumière met en évidence ses ambitions tout en éclairant l'imbrication entre sa création artistique libre et ses activités quotidiennes en tant qu'auteur d'images dans le domaine appliqué à la tête d'un studio prospère à Bâle.

Une publication du même nom paraît à l'occasion de l'exposition aux éditions Vexer, en partenariat avec l'espace d'exposition Turm zur Katz à Constance.

L’opera di Roger Humbert (1929–2022) lo colloca tra i pionieri della fotografia svizzera. Con l’affermazione «fotografo la luce», chiarisce la sua ricerca artistica sull’interazione tra soggetto e oggetto, materialità e coscienza e quindi tra fisica e metafisica. Humbert produsse la maggior parte delle sue fotografie ad «uso intellettuale» nella solitudine notturna della camera oscura: un irripetibile gioco di sagome, usate dall’artista come generatori di immagini dell’era predigitale, ha dato origine a straordinari fotogrammi e luminogrammi. Negli anni Sessanta, assieme a René Mächler, Rolf Schroeter e Jean-Frédéric Schnyder, fondò la «fotografia concreta», un movimento noto ancora oggi.

La mostra offre una panoramica sull’opera di Humbert, che dal 2007 è in gran parte conservata presso la Fotostiftung Schweiz. Oltre alle fotografie eseguite senza macchina fotografica, si possono vedere alcune serie di immagini con cui il fotografo ha documentato il mondo concreto. Ancora a 90 anni, Humbert si entusiasmava nel catturare la luce con mezzi digitali. Il confronto tra l’opera tarda e i suoi primi esperimenti analogici con la luce evidenzia la sua ambizione. Mette inoltre a fuoco la stretta relazione tra il lavoro artistico personale e quello quotidiano di un autore di fotografia applicata, che conduceva uno studio di successo a Basilea.

La mostra è accompagnata da un’omonima pubblicazione, edita da Vexer Verlag in collaborazione con la Turm Zur Katz di Costanza.

The work of Roger Humbert (1929–2022) positions him as a pioneer of Swiss photography. Humbert’s guiding principle, “I photograph light”, substantiates his artistic exploration of the interplay between subject and object, materiality and consciousness, and thus physics and metaphysics. He produced the majority of his photographs “to engage the mind” in the solitude of the darkroom at night. In non-repeatable ways, this artist played with stencils, which served him as pre-digital image generators, resulting in unique photograms and luminograms. In the 1960s, together with René Mächler, Rolf Schroeter and Jean-Frédéric Schnyder, he established ‘concrete photography’, a movement still well-known today.

The exhibition presents an overview of Humbert’s oeuvre, much of which has been housed at Fotostiftung Schweiz since 2007. Not only camera-less photographs are on display, but also series in which he documented the world of objects. At the age of 90, Humbert was still enthusiastically investigating digital methods of capturing light. The juxtaposition of this late work with his early analogue light experiments visualises Humbert’s ambitions and demonstrates an intertwining of independent artwork with the day-to-day business of a photographer in the applied domain, who ran a successful studio in Basel.

The exhibition is accompanied by an eponymous publication, released by Vexer Verlag in partnership with Turm zur Katz of Constance.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Fotomuseum Winterthur
25. Oktober 2025 – 15. Februar 2025

Miteinander – Kara Springer im Zwiegespräch mit der Sammlung des Fotomuseum Winterthur

Das Fotomuseum Winterthur zeigt eine Sammlungspräsentation der besonderen Art: Im Ausstellungsraum treten Arbeiten der kanadischen, auf Barbados geborenen Künstlerin Kara Springer (*1980) in einen Austausch mit Werken aus der Sammlung des Museums. Durch gezielte Gegenüberstellungen entstehen unerwartete Verknüpfungen und fruchtbare Kontraste. Die Verbindungen zwischen den Arbeiten Springers und denjenigen aus der Sammlung zeigen sich auf unterschiedlichen Ebenen; sie wirken über inhaltliche und ästhetische Gemeinsamkeiten und Unterschiede und werden räumlich erfahrbar.

Springer arbeitet mit Fotografie, Skulptur sowie ortsspezifischen Installationen. Sie setzt sich unter anderem mit Architektur und städtischer Infrastruktur sowie den Machtstrukturen, die sich darin widerspiegeln, auseinander. Ihr Interesse gilt zudem den Wechselwirkungen zwischen dem menschlichen Eingreifen in die Natur und dem Einfluss, den die Natur im Gegenzug auf uns Menschen hat.

Das neue Ausstellungsformat Miteinander ist als Reihe konzipiert. Für diese verfolgt das Fotomuseum Winterthur in enger Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Kunstschaffenden die Aktivierung der Sammlung; in dieser ersten Ausgabe mit Springer. Da dies die erste institutionelle Präsentation der Künstlerin in der Schweiz ist, erweist sich die Kooperation nicht nur als Möglichkeit, die Sammlung des Museums (wieder) zu entdecken, sondern als erstmalige gezielte Begegnung mit dem vielseitigen Schaffen Springers.

Le Fotomuseum Winterthur présente une collection d'un genre particulier : dans la salle d'exposition, les travaux de l'artiste canadienne Kara Springer (*1980), née à la Barbade, entrent en interaction avec des œuvres de la collection du musée. Des juxtapositions ciblées font naître des liens inattendus et des contrastes fructueux. Les liens entre les travaux de Springer et ceux de la collection se manifestent à différents niveaux ; ils agissent par le biais de similitudes et de différences de contenu et d'esthétique et deviennent perceptibles dans l'espace.

Springer travaille avec la photographie, la sculpture ainsi que des installations spécifiques au lieu. Elle s'intéresse entre autres à l'architecture et à l'infrastructure urbaine ainsi qu'aux structures de pouvoir qui s'y reflètent. Elle s'intéresse en outre aux interactions entre l'intervention humaine dans la nature et l'influence que la nature exerce en retour sur les hommes.

Le nouveau format d'exposition Miteinander est conçu comme une série. Pour celle-ci, le Fotomuseum Winterthur poursuit l'activation de sa collection en étroite collaboration avec des artistes contemporains ; pour cette première édition, avec Springer. Comme il s'agit de la première présentation institutionnelle de l'artiste en Suisse, cette coopération ne se révèle pas seulement comme une possibilité de (re)découvrir la collection du musée, mais aussi comme une première rencontre ciblée avec l'œuvre variée de Springer.

Il Fotomuseum Winterthur presenta un tipo particolare di presentazione della collezione: nello spazio espositivo, opere dell'artista canadese Kara Springer (*1980), nata alle Barbados, entrano in uno scambio con opere della collezione del museo. Accostamenti specifici creano legami inaspettati e contrasti fruttuosi. Le connessioni tra le opere della Springer e quelle della collezione sono evidenti a diversi livelli; hanno un effetto attraverso le somiglianze e le differenze di contenuto e di estetica e possono essere vissute spazialmente.

Springer lavora con la fotografia, la scultura e le installazioni site-specific. Tra le altre cose, esplora l'architettura e le infrastrutture urbane e le strutture di potere che vi si riflettono. Si interessa anche alle interazioni tra l'intervento umano nella natura e l'influenza che la natura ha su noi umani.

Il nuovo formato espositivo Togetherness è concepito come una serie. Per questo, il Fotomuseum Winterthur lavora a stretto contatto con artisti contemporanei per attivare la collezione; in questa prima edizione con Springer. Trattandosi della prima presentazione istituzionale dell'artista in Svizzera, la collaborazione non è solo un'occasione per (ri)scoprire la collezione del museo, ma anche il primo incontro mirato con la poliedrica opera di Springer.

Fotomuseum Winterthur is presenting an innovative view of its collection through a dialogue set up between works by Kara Springer and pieces from the museum collection. In the exhibition space specific works are juxtaposed to reveal unexpected connections and productive contrasts. The interplay between Springer’s work and items from the collection unfolds on multiple levels, in a spatial experience that is informed by commonalities and differences at the level of content and aesthetics.

Springer – a Canadian artist with Caribbean roots (she was born in Barbados in 1980) – works with photography, sculpture and site-specific installations to explore architecture and urban infrastructure as well as the power structures they mirror. She is also interested in human interventions in nature and the influence that nature has on us in return, reflecting on how these forces interact with one another.

The museum’s new exhibition format, Together, is conceived as a series and seeks to energise the collection through a process of close collaboration with contemporary artists. Springer’s show is the first in the series – and her first exhibition in a Swiss institution. The collaboration thus presents an opportunity for visitors to encounter Springer’s diverse oeuvre while (re)discovering the museum’s own collection.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
25. Oktober 2025 – 15. Februar 2026

Frauen. Fragen. Fotoarchive.

Die Fotografiegeschichte der Schweiz wurde lange Zeit aus männlicher Perspektive überliefert. Von den rund 160 Archiven in der Fotostiftung Schweiz sind nur 26 Archive weiblichen Fotoschaffenden zuzuschreiben. Diese Archive sind so unterschiedlich wie ihre Autorinnen und deren Biografien: Während das Lebenswerk vieler Fotografinnen Brüche aufweist, zeichnen sich andere durch eine stringente und solide Entwicklung aus. Auch wenn es manchen Bildautorinnen gelang, sich in einem männlich dominierten Berufsfeld zu etablieren, blieben sie oft weniger beachtet im Schatten ihrer Berufskollegen, Lehrmeister und Ehemänner. Auch privilegierte Amateurfotografinnen, die ohne ökonomischen Druck technisch versierte Bilder und eindrucksvolle Zeitzeugnisse schufen, blieben am Rande der Geschichtsschreibung der Schweizer Fotografie.

Die Ausstellung Frauen. Fragen. Fotoarchive. rückt sieben Archive aus der Zeit von 1900 bis 1970 in den Fokus. Ein Kollektiv von Kuratorinnen der Fotostiftung Schweiz untersucht dabei die Besonderheiten und Gemeinsamkeiten dieser Archive und beleuchtet die Hürden und Erfahrungen des weiblichen Fotoschaffens. Wie prägten vorherrschende Rollenbilder, ökonomische Strukturen oder familiäre Verpflichtungen die Arbeit dieser Frauen? Wie spiegeln sich diese Einflüsse in ihren Archiven wider? Und wie kann mit Lücken in den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung Schweiz umgegangen werden?

Mit Fotografien von Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber und Leni Willimann-Thöni.

Pendant longtemps, l'histoire de la photographie en Suisse a surtout été marquée par une perspective masculine. Sur les quelque 160 archives conservées par la Fotostiftung Schweiz, seules 26 concernent des femmes photographes. Ces archives sont aussi différentes que leurs auteures elles-mêmes et leurs biographies respectives : alors que l'oeuvre de nombreuses femmes photographes semble fragmentée en raison de ruptures dans leur parcours professionnel, d'autres se distinguent par un développement net et rigoureux. Si certaines femmes photographes ont réussi à s'imposer dans un domaine professionnel dominé par les hommes, la visibilité qui leur a été accordée reste dans l'ombre de leurs collègues masculins, maîtres et maris. Quelques femmes ayant eu le privilège de s'adonner à la photographie comme loisir, sans pression économique, ont créé des images techniquement fortes et des témoignages impressionnants de leur époque. En tant qu'amatrices, elles i sont toutefois restées en marge de l'historiographie de la photographie suisse.

Avec cette exposition, un collectif de femmes commissaires de la Fotostiftung Schweiz porte son regard sur sept archives datant de 1900 à 1970. Femmes. Questions. Archives Photographiques. examine les particularités et les points communs de ces archives tout en mettant en lumière les obstacles et les expériences spécifiques de la création photographique féminine. Comment les rôles dominants, les structures économiques ou les obligations sociales et familiales ont-ils influencé le travail de ces femmes ? Comment ces influences se reflètent-elles dans leurs archives ? Et comment gérer les lacunes dans les archives et les collections de la Fotostiftung Schweiz ?

Avec les photographies de Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber et Leni Willimann-Thöni.

La storia della fotografia svizzera è stata trasmessa per molto tempo da una prospettiva prevalentemente maschile. Dei circa 160 archivi presenti nella Fotostiftung Schweiz solo 26 sono riconducibili a fotografe donne. Questi archivi sono diversi tra loro come lo sono le autrici stesse e le loro biografie: mentre l’opera di molte fotografe appare frammentaria – a causa di interruzioni nella carriera professionale – altre si distinguono per il loro costante e solido sviluppo. Anche se alcune autrici riuscirono ad affermarsi in un settore di dominio maschile rimasero spesso meno considerate, all’ombra dei loro colleghi, formatori e mariti. Alcune ebbero il privilegio di potersi dedicare alla fotografia senza pressioni economiche, nel loro tempo libero – padroneggiando la tecnica, realizzarono immagini eccezionali e impressionanti testimonianze del loro tempo. Come amatrici, rimasero però marginali nella storiografia della fotografia svizzera.

Con questa mostra, il collettivo delle curatrici della Fotostiftung Schweiz volge lo sguardo a sette archivi del periodo compreso tra il 1900 e il 1970. Donne. Domande. Archivi Fotografici. esplora le particolarità e le similitudini di questi archivi e mette a fuoco le difficoltà specifiche e le esperienze legate alla fotografia al femminile. In che modo i ruoli prestabiliti, le strutture economiche o gli obblighi sociali e famigliari hanno influenzato il lavoro di queste donne? Come si rispecchiano questi influssi nel loro lavoro? E come si possono gestire le lacune negli archivi e nelle collezioni della Fotostiftung Schweiz?

Con fotografie di Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber e Leni Willimann-Thöni.

For a long time, the history of Swiss photography was mainly conveyed from a male perspective. Of the approximately 160 archives at Fotostiftung Schweiz, only 26 can be attributed to female photographers. These archives are as diverse as the women behind them – and the stories of their lives: While the oeuvres of many female photographers appear fragmented due to breaks in their careers, others stand out for their consistency and solidity. Even though some female photographers did manage to establish themselves in the male-dominated profession, they often received little recognition, remaining overshadowed by their male colleagues, mentors and husbands. A number of women had the privilege of pursuing photography as a leisure activity without economic pressure, demonstrating technical skill while creating powerful images that bear witness to their times. As amateurs though, they too were left on the margins by those writing the history of Swiss photography.

In this exhibition, a collective of female curators from Fotostiftung Schweiz focuses on seven archives from 1900 to 1970. Female. Focus. Photo Archives. examines the peculiarities and commonalities of these archives, shedding light on hurdles and experiences specific to female photography. How did prevailing role models, economic structures, social obligations and family duties shape their work? How are these influences reflected in their archives? And how can gaps in the archives and collections at Fotostiftung Schweiz be addressed?

With photographs by Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Gertrud Dübi-Müller, Anita Niesz, Marie Ottoman-Rothacher, Anny Wild-Siber and Leni Willimann-Thöni.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Fotomuseum Winterthur
25. Oktober 2025 – 15. Februar 2026

Phantasmagorie
Poulomi Basu

Die indische Künstlerin Poulomi Basu (*1983) verwebt dokumentarische Aufnahmen und inszenierte Szenen vor fantastischen Kulissen zu multimedialen, oft raumfüllenden Installationen. Der Titel der Ausstellung nimmt Bezug auf die Phantasmagorien des 18. Jahrhunderts, die ihr Publikum mit Projektionen und optischen Täuschungen in den Bann zogen. Auch Basu spielt mit dem Verhältnis von Imagination und Wirklichkeit: Sieentwirft spekulative Zukunftsvisionen, die zugleich die Gegenwart ihrer Protagonist_innen reflektieren und Möglichkeiten der Selbstermächtigung und des Widerstands aufzeigen.

Neben der Fotografie kommen in ihrer transmedialen Praxis auch Virtual Reality, Film und Performance zum Einsatz. Dabei nutzt die Künstlerin das aktivistische Potenzial der Medien, um auf Ausgrenzung, Missstände und geschlechterspezifische Gewalt aufmerksam zu machen.

Das Fotomuseum Winterthur realisiert die erste umfassende museale Einzelausstellung mit der Künstlerin und zeigt eine Auswahl ihrer Werke. In deren Mittelpunkt stehen Geschichten von Frauen, die wie sie aus dem Globalen Süden stammen und an den Rand der Gesellschaft gedrängt werden. In Sisters of the Moon, einer ihrer jüngsten Arbeiten, thematisiert die Künstlerin beispielsweise die Auswirkungen von Wasser- und Ressourcenknappheit auf Frauen in Form von fiktionalisierten Selbstporträts vor dystopischen Landschaften. Sie verweist damit zugleich auf die enge Verflechtung ökologischer und feministischer Fragestellungen. Indem sie sich selbst als Protagonistin vor der Kamera inszeniert, solidarisiert sich die Künstlerin mit denjenigen Frauen, die ihr bislang in ihren Werken Einblick in ihr Leben gewährt haben.

Basus Arbeiten sind ein Aufruf zum Widerstand gegen patriarchalische Strukturen, vorherrschende Machtverhältnisse und die systematische Unterdrückung von Frauen und Mädchen. Wie ein roter Faden zieht sich die Resilienz der Protagonist_innen ihrer Arbeiten durch ihr Werk: Basu ermöglicht es ihnen, die Rolle ermächtigter Akteur_innen einzunehmen, ihre eigenen Stimmen zu erheben, ihre persönlichen Geschichten zu erzählen und so die Wahrnehmung des Publikums herauszufordern.

L'artiste indienne Poulomi Basu (*1983) entrelace des prises de vue documentaires et des scènes mises en scène devant des décors fantastiques pour créer des installations multimédias qui occupent souvent toute la pièce. Le titre de l'exposition fait référence aux fantasmagories du 18e siècle, qui captivaient leur public avec des projections et des illusions d'optique. Basu joue également avec le rapport entre l'imagination et la réalité : elle conçoit des visions d'avenir spéculatives qui reflètent en même temps le présent de ses protagonistes et montrent des possibilités d'autonomisation et de résistance.

Outre la photographie, sa pratique transmédia fait également appel à la réalité virtuelle, au film et à la performance. L'artiste exploite ainsi le potentiel activiste des médias pour attirer l'attention sur l'exclusion, les abus et la violence sexiste.

Le Fotomuseum Winterthur réalise la première exposition individuelle complète de l'artiste dans un musée et présente une sélection de ses œuvres. Celles-ci sont centrées sur des histoires de femmes qui, comme elle, sont originaires du Sud et marginalisées dans la société. Dans Sisters of the Moon, l'une de ses œuvres les plus récentes, l'artiste aborde par exemple les effets de la pénurie d'eau et de ressources sur les femmes sous la forme d'autoportraits fictionnalisés devant des paysages dystopiques. Elle fait ainsi référence à l'étroite interdépendance des questions écologiques et féministes. En se mettant en scène comme protagoniste devant la caméra, l'artiste se solidarise avec les femmes qui, jusqu'à présent, lui ont donné un aperçu de leur vie dans leurs œuvres.

Les travaux de Basu sont un appel à la résistance contre les structures patriarcales, les rapports de force dominants et l'oppression systématique des femmes et des filles. La résilience des protagonistes de ses travaux est le fil conducteur de son œuvre : Basu leur permet d'assumer le rôle d'acteurs habilités, de faire entendre leur propre voix, de raconter leurs histoires personnelles et de défier ainsi la perception du public.

L'artista indiana Poulomi Basu (*1983) intreccia filmati documentari e scene inscenate davanti a fondali fantastici per creare installazioni multimediali che spesso riempiono le stanze. Il titolo della mostra fa riferimento alle fantasmagorie del XVIII secolo, che ipnotizzavano il pubblico con proiezioni e illusioni ottiche. Basu gioca anche con il rapporto tra immaginazione e realtà: crea visioni speculative del futuro che riflettono contemporaneamente il presente dei suoi protagonisti e dimostrano le possibilità di auto-emancipazione e resistenza.

Oltre alla fotografia, nella sua pratica transmediale vengono utilizzati anche la realtà virtuale, il cinema e la performance. L'artista sfrutta il potenziale attivista dei media per attirare l'attenzione sull'emarginazione, le rimostranze e la violenza di genere.

Il Fotomuseum Winterthur sta realizzando la prima mostra museale completa con l'artista e presenta una selezione delle sue opere. Al centro della mostra ci sono storie di donne che, come lei, provengono dal Sud globale e sono spinte ai margini della società. In Sisters of the Moon, una delle sue opere più recenti, ad esempio, l'artista affronta gli effetti della scarsità di acqua e di risorse sulle donne sotto forma di autoritratti romanzati davanti a paesaggi distopici. In questo modo, l'artista fa anche riferimento allo stretto intreccio tra questioni ecologiche e femministe. Mettendo in scena se stessa come protagonista davanti alla macchina fotografica, l'artista si mostra solidale con le donne che le hanno dato uno spaccato della loro vita nelle sue opere fino ad oggi.

Le opere di Basu sono un appello alla resistenza contro le strutture patriarcali, le relazioni di potere prevalenti e l'oppressione sistematica di donne e ragazze. La resilienza delle protagoniste delle sue opere è il filo conduttore del suo lavoro: Basu permette loro di assumere il ruolo di attori responsabili, di alzare la voce, di raccontare le loro storie personali e di sfidare così la percezione del pubblico.

In her works, Indian artist Poulomi Basu (b. 1983) interweaves documentary photographs and staged scenes enacted in front of fantastical backdrops, creating multimedia, often large-scale installations. The title of the exhibition refers to the phantasmagorias of the 18th century, which captivated their audiences with projections and optical illusions. Basu also blurs the lines between imagination and reality: she drafts speculative visions of the future that simultaneously reflect the present of her protagonists and highlight possibilities for self-empowerment and resistance.

In addition to photography, the artist also employs virtual reality, film and performance in her transmedia practice, using the activist potential of the different media to champion the rights of marginalised groups.

Fotomuseum Winterthur is mounting the first major solo museum exhibition with the artist, showing a selection of her pieces. They are centred around the stories of women who, like her, come from the Global South and find themselves pushed to the margins of society. In Sisters of the Moon, for example, one of her most recent works, the artist uses fictionalised self-portraits set against dystopian landscapes to address the effects of water and resource scarcity on women. At the same time, she draws attention to the close intertwining of ecological and feminist issues. By staging herself as the protagonist in front of the camera, the artist shows solidarity with the women who have opened themselves up to her.

Basu’s works call for resistance to patriarchal structures, prevailing hierarchies and the systematic oppression of women and girls. The resilience of the protagonists in her works runs like a common thread through her images: the artist enables them to take on the role of empowered actors and to speak out, telling their personal stories and thus challenging audience perceptions.

(Text: Fotomuseum Winterthur)