Kunstmuseum Solothurn
16. März 2024

Begegnungen mit dem Letzteiszeitlichen Maximum
Ausstellungsrundgang mit Daniel Schwartz und Lorenz Hurni, Prof. für Kartografie, ETH Zürich

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz

Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.

L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.

La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.

The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

Kunstmuseum Solothurn
24. Februar 2024

Die Alpen von grün zu grün
Ausstellungsrundgang mit Daniel Schwartz und Christian Schlüchter, Prof. em., Geologe, Institut für Geologie der Universität Bern

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz

Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.

L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.

La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.

The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
14. Februar 2024

Women
Ruth Orkin

Ruth Orkin gehörte zu den professionellen Fotografinnen der 1940er und 1950er Jahre. Obwohl sie in zahlreichen Zeitungen und Magazinen wie New York Times, Life oder Look publizierte und ihre Fotografien Teil der legendären Ausstellung The Family of Man im MoMA waren, ist ihr Werk, das sich mit dem der großen Fotografinnen und Fotografen ihrer Zeit messen lässt, international noch wenig bekannt. Eine ihrer wichtigsten Aufnahmen ist »American Girl in Italy« aus dem Jahr 1951, das zu einem Sinnbild der Frauenbewegung der 1960er und 1970er Jahren wurde. Die Straßenszene zeigt eine junge Frau, die durch ein Spalier pfeifender Männer schreitet.

Auf den Spuren der Fotografin stießen Nadine Barth, Kuratorin und Publizistin @barthouseprojects, und Katharina Mouratidi, Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie, auf ein zum größten Teil unveröffentlichtes, vielschichtiges und einzigartiges Werk, das eine wenig bekannte Seite von Ruth Orkin offenbart: Die einer feinfühligen, interessierten, geistreichen und witzigen Chronistin amerikanischer Frauen der 1940er und 1950er Jahre.

Mit beißendem Humor erdachte die Fotografin Reportagen, wie »Who Works Harder«, die das Leben einer Hausfrau und Mutter mit dem einer Karrierefrau vergleicht, dokumentierte Frauen in Beauty-Salons, auf Cocktail-Parties, bei Hundeshows und am Filmset in Hollywood. In den Aufnahmen begegnen wir Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor und Doris Day, aber auch Kellnerinnen, Stewardessen, Soldatinnen und besten Freundinnen.

Was Ruth Orkins subtile aber radikal subversive Aufnahmen einfangen, sind Bilder von Frauen im Aufbruch die beginnen, die ihnen auferlegten Konventionen abzustreifen, ihre eigenen Wege zu gehen: selbstbewusst, stylisch, smart und ihrer Zeit weit voraus.

Ruth Orkin (1921–1985) begann bereits im Alter von zehn Jahren zu fotografieren. 1939 studierte sie Fotojournalismus am Los Angeles City College, im selben Jahr entstand ihre erste große fotografische Arbeit. Im Alter von 17 Jahren durchquerte sie die USA mit dem Fahrrad und der Kamera auf dem Weg zur Weltausstellung, einmal von Los Angeles nach New York. Als freie Fotografin arbeitete sie u.a. für die Magazine Life, Look und Ladies Home Journal. Anlässlich ihres 100. Geburtstages im Jahr 2021 wurde ihre Arbeit wieder entdeckt und erstmals in einer Einzelausstellung in Deutschland im f³ – freiraum für fotografie gezeigt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth und Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin faisait partie des photographes professionnelles des années 1940 et 1950. Bien qu'elle ait publié dans de nombreux journaux et magazines tels que le New York Times, Life ou Look et que ses photographies aient fait partie de la légendaire exposition The Family of Man au MoMA, son œuvre, qui peut être comparée à celle des grands photographes de son époque, est encore peu connue au niveau international. L'une de ses photos les plus importantes est "American Girl in Italy", prise en 1951, qui est devenue un symbole du mouvement féministe des années 1960 et 1970. La scène de rue montre une jeune femme qui marche à travers une file d'hommes qui sifflent.

En suivant les traces de la photographe, Nadine Barth, curatrice et publiciste @barthouseprojects, et Katharina Mouratidi, directrice artistique f³ - freiraum für fotografie, sont tombées sur une œuvre en grande partie inédite, complexe et unique, qui révèle une facette peu connue de Ruth Orkin : Celle d'une chroniqueuse sensible, intéressée, spirituelle et drôle des femmes américaines des années 1940 et 1950.

Avec un humour décapant, la photographe a imaginé des reportages tels que "Who Works Harder", qui compare la vie d'une femme au foyer et d'une mère à celle d'une femme de carrière, a documenté des femmes dans des salons de beauté, lors de cocktails, de spectacles canins et sur le plateau de tournage à Hollywood. Dans les prises de vue, nous rencontrons Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor et Doris Day, mais aussi des serveuses, des hôtesses de l'air, des soldates et des meilleures amies.

Les images subtiles mais radicalement subversives de Ruth Orkin sont celles de femmes en mouvement qui commencent à se débarrasser des conventions qui leur sont imposées et à suivre leur propre voie : sûres d'elles, stylées, intelligentes et très en avance sur leur temps.

Ruth Orkin (1921-1985) a commencé à photographier dès l'âge de dix ans. En 1939, elle a étudié le photojournalisme au Los Angeles City College, et la même année, elle a réalisé son premier grand travail photographique. À l'âge de 17 ans, elle a traversé les États-Unis à vélo avec son appareil photo pour se rendre à l'exposition universelle, une fois de Los Angeles à New York. En tant que photographe indépendante, elle a travaillé entre autres pour les magazines Life, Look et Ladies Home Journal. À l'occasion de son 100e anniversaire en 2021, son travail a été redécouvert et présenté pour la première fois dans une exposition individuelle en Allemagne au f³ - freiraum für fotografie.

L'exposition a été organisée par Nadine Barth et Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin è stata una delle fotografe professioniste degli anni Quaranta e Cinquanta. Nonostante abbia pubblicato su numerosi giornali e riviste come il New York Times, Life o Look e le sue fotografie abbiano fatto parte della leggendaria mostra The Family of Man al MoMA, il suo lavoro, pari a quello dei grandi fotografi del suo tempo, è ancora poco conosciuto a livello internazionale. Una delle sue fotografie più importanti è "American Girl in Italy" del 1951, che divenne un simbolo del movimento femminile degli anni Sessanta e Settanta. La scena di strada mostra una giovane donna che cammina in mezzo a una fila di uomini che fischiano.

Seguendo le tracce della fotografa, Nadine Barth, curatrice e pubblicista @barthouseprojects, e Katharina Mouratidi, direttrice artistica f³ - freiraum für fotografie, si sono imbattute in un corpus di lavori in gran parte inedito, stratificato e unico, che rivela un lato poco conosciuto di Ruth Orkin: Quello di una cronista sensibile, interessata, arguta e spiritosa delle donne americane degli anni '40 e '50.

Con umorismo mordace, la fotografa ha ideato reportage come "Who Works Harder", che mette a confronto la vita di una casalinga e madre con quella di una donna in carriera, ha documentato le donne nei saloni di bellezza, ai cocktail party, alle mostre canine e sul set cinematografico di Hollywood. Nei filmati incontriamo Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor e Doris Day, ma anche cameriere, hostess, soldatesse e migliori amiche.

Le fotografie di Ruth Orkin, sottili ma radicalmente sovversive, catturano immagini di donne in movimento che iniziano a liberarsi delle convenzioni imposte loro e a percorrere la propria strada: sicure di sé, eleganti, intelligenti e molto avanti nel tempo.

Ruth Orkin (1921-1985) inizia a fotografare all'età di dieci anni. Nel 1939 studia fotogiornalismo al Los Angeles City College e nello stesso anno realizza il suo primo lavoro fotografico importante. All'età di 17 anni attraversa gli Stati Uniti in bicicletta e macchina fotografica per recarsi all'Esposizione Universale, da Los Angeles a New York. Come fotografa freelance ha lavorato, tra l'altro, per le riviste Life, Look e Ladies Home Journal. In occasione del suo centesimo compleanno nel 2021, il suo lavoro è stato riscoperto e presentato per la prima volta in una mostra personale in Germania presso f³ - freiraum für fotografie.

La mostra è stata curata da Nadine Barth e Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin was one of the professional women photographers of the 1940s and 1950s. Although she published in numerous newspapers and magazines such as the New York Times, Life or Look, and her photographs were part of the legendary exhibition The Family of Man at MoMA, her work, which is on a par with that of the great photographers of her time, is still little known internationally. One of her most important photographs is »American Girl in Italy« from 1951, which became a symbol of the women's movement of the 1960s and 1970s. The street scene shows a young woman striding through a line of whistling men.

Tracing the photographer's footsteps, Nadine Barth, curator and publicist @barthouseprojects, and Katharina Mouratidi, Artistic Director f³ – freiraum für fotografie, came across a largely unpublished, multi-layered and unique body of work that reveals a little-known side of Ruth Orkin: That of a sensitive, interested, witty, and funny chronicler of American women of the 1940s and 1950s.

With biting humor, the photographer devised reportages such as »Who Works Harder«, which compares the life of a housewife and mother with that of a career woman, documented women in beauty salons, at cocktail parties, at dog shows and on the film set in Hollywood. In the footage we encounter Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor, and Doris Day, but also waitresses, stewardesses, soldiers, and best friends.

What Ruth Orkin's subtle but radically subversive shots capture are images of women on the move who are beginning to shed the conventions imposed on them and go their own way: self-confident, stylish, smart and far ahead of their time.

Ruth Orkin (1921–1985) began taking photographs at the age of ten. In 1939 she studied photojournalism at Los Angeles City College, the same year she produced her first major photographic work. At the age of 17, she crossed the United States by bicycle and camera on her way to the World's Fair, once from Los Angeles to New York. As a freelance photographer, she worked for Life, Look and Ladies Home Journal, among other magazines. On the occasion of her 100th birthday in 2021, her work was rediscovered and shown for the first time in a solo exhibition in Germany at f³ – freiraum für fotografie.

The exhibition was curated by Nadine Barth and Katharina Mouratidi.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
4. Februar 2024

Women
Ruth Orkin

Ruth Orkin gehörte zu den professionellen Fotografinnen der 1940er und 1950er Jahre. Obwohl sie in zahlreichen Zeitungen und Magazinen wie New York Times, Life oder Look publizierte und ihre Fotografien Teil der legendären Ausstellung The Family of Man im MoMA waren, ist ihr Werk, das sich mit dem der großen Fotografinnen und Fotografen ihrer Zeit messen lässt, international noch wenig bekannt. Eine ihrer wichtigsten Aufnahmen ist »American Girl in Italy« aus dem Jahr 1951, das zu einem Sinnbild der Frauenbewegung der 1960er und 1970er Jahren wurde. Die Straßenszene zeigt eine junge Frau, die durch ein Spalier pfeifender Männer schreitet.

Auf den Spuren der Fotografin stießen Nadine Barth, Kuratorin und Publizistin @barthouseprojects, und Katharina Mouratidi, Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie, auf ein zum größten Teil unveröffentlichtes, vielschichtiges und einzigartiges Werk, das eine wenig bekannte Seite von Ruth Orkin offenbart: Die einer feinfühligen, interessierten, geistreichen und witzigen Chronistin amerikanischer Frauen der 1940er und 1950er Jahre.

Mit beißendem Humor erdachte die Fotografin Reportagen, wie »Who Works Harder«, die das Leben einer Hausfrau und Mutter mit dem einer Karrierefrau vergleicht, dokumentierte Frauen in Beauty-Salons, auf Cocktail-Parties, bei Hundeshows und am Filmset in Hollywood. In den Aufnahmen begegnen wir Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor und Doris Day, aber auch Kellnerinnen, Stewardessen, Soldatinnen und besten Freundinnen.

Was Ruth Orkins subtile aber radikal subversive Aufnahmen einfangen, sind Bilder von Frauen im Aufbruch die beginnen, die ihnen auferlegten Konventionen abzustreifen, ihre eigenen Wege zu gehen: selbstbewusst, stylisch, smart und ihrer Zeit weit voraus.

Ruth Orkin (1921–1985) begann bereits im Alter von zehn Jahren zu fotografieren. 1939 studierte sie Fotojournalismus am Los Angeles City College, im selben Jahr entstand ihre erste große fotografische Arbeit. Im Alter von 17 Jahren durchquerte sie die USA mit dem Fahrrad und der Kamera auf dem Weg zur Weltausstellung, einmal von Los Angeles nach New York. Als freie Fotografin arbeitete sie u.a. für die Magazine Life, Look und Ladies Home Journal. Anlässlich ihres 100. Geburtstages im Jahr 2021 wurde ihre Arbeit wieder entdeckt und erstmals in einer Einzelausstellung in Deutschland im f³ – freiraum für fotografie gezeigt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth und Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin faisait partie des photographes professionnelles des années 1940 et 1950. Bien qu'elle ait publié dans de nombreux journaux et magazines tels que le New York Times, Life ou Look et que ses photographies aient fait partie de la légendaire exposition The Family of Man au MoMA, son œuvre, qui peut être comparée à celle des grands photographes de son époque, est encore peu connue au niveau international. L'une de ses photos les plus importantes est "American Girl in Italy", prise en 1951, qui est devenue un symbole du mouvement féministe des années 1960 et 1970. La scène de rue montre une jeune femme qui marche à travers une file d'hommes qui sifflent.

En suivant les traces de la photographe, Nadine Barth, curatrice et publiciste @barthouseprojects, et Katharina Mouratidi, directrice artistique f³ - freiraum für fotografie, sont tombées sur une œuvre en grande partie inédite, complexe et unique, qui révèle une facette peu connue de Ruth Orkin : Celle d'une chroniqueuse sensible, intéressée, spirituelle et drôle des femmes américaines des années 1940 et 1950.

Avec un humour décapant, la photographe a imaginé des reportages tels que "Who Works Harder", qui compare la vie d'une femme au foyer et d'une mère à celle d'une femme de carrière, a documenté des femmes dans des salons de beauté, lors de cocktails, de spectacles canins et sur le plateau de tournage à Hollywood. Dans les prises de vue, nous rencontrons Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor et Doris Day, mais aussi des serveuses, des hôtesses de l'air, des soldates et des meilleures amies.

Les images subtiles mais radicalement subversives de Ruth Orkin sont celles de femmes en mouvement qui commencent à se débarrasser des conventions qui leur sont imposées et à suivre leur propre voie : sûres d'elles, stylées, intelligentes et très en avance sur leur temps.

Ruth Orkin (1921-1985) a commencé à photographier dès l'âge de dix ans. En 1939, elle a étudié le photojournalisme au Los Angeles City College, et la même année, elle a réalisé son premier grand travail photographique. À l'âge de 17 ans, elle a traversé les États-Unis à vélo avec son appareil photo pour se rendre à l'exposition universelle, une fois de Los Angeles à New York. En tant que photographe indépendante, elle a travaillé entre autres pour les magazines Life, Look et Ladies Home Journal. À l'occasion de son 100e anniversaire en 2021, son travail a été redécouvert et présenté pour la première fois dans une exposition individuelle en Allemagne au f³ - freiraum für fotografie.

L'exposition a été organisée par Nadine Barth et Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin è stata una delle fotografe professioniste degli anni Quaranta e Cinquanta. Nonostante abbia pubblicato su numerosi giornali e riviste come il New York Times, Life o Look e le sue fotografie abbiano fatto parte della leggendaria mostra The Family of Man al MoMA, il suo lavoro, pari a quello dei grandi fotografi del suo tempo, è ancora poco conosciuto a livello internazionale. Una delle sue fotografie più importanti è "American Girl in Italy" del 1951, che divenne un simbolo del movimento femminile degli anni Sessanta e Settanta. La scena di strada mostra una giovane donna che cammina in mezzo a una fila di uomini che fischiano.

Seguendo le tracce della fotografa, Nadine Barth, curatrice e pubblicista @barthouseprojects, e Katharina Mouratidi, direttrice artistica f³ - freiraum für fotografie, si sono imbattute in un corpus di lavori in gran parte inedito, stratificato e unico, che rivela un lato poco conosciuto di Ruth Orkin: Quello di una cronista sensibile, interessata, arguta e spiritosa delle donne americane degli anni '40 e '50.

Con umorismo mordace, la fotografa ha ideato reportage come "Who Works Harder", che mette a confronto la vita di una casalinga e madre con quella di una donna in carriera, ha documentato le donne nei saloni di bellezza, ai cocktail party, alle mostre canine e sul set cinematografico di Hollywood. Nei filmati incontriamo Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor e Doris Day, ma anche cameriere, hostess, soldatesse e migliori amiche.

Le fotografie di Ruth Orkin, sottili ma radicalmente sovversive, catturano immagini di donne in movimento che iniziano a liberarsi delle convenzioni imposte loro e a percorrere la propria strada: sicure di sé, eleganti, intelligenti e molto avanti nel tempo.

Ruth Orkin (1921-1985) inizia a fotografare all'età di dieci anni. Nel 1939 studia fotogiornalismo al Los Angeles City College e nello stesso anno realizza il suo primo lavoro fotografico importante. All'età di 17 anni attraversa gli Stati Uniti in bicicletta e macchina fotografica per recarsi all'Esposizione Universale, da Los Angeles a New York. Come fotografa freelance ha lavorato, tra l'altro, per le riviste Life, Look e Ladies Home Journal. In occasione del suo centesimo compleanno nel 2021, il suo lavoro è stato riscoperto e presentato per la prima volta in una mostra personale in Germania presso f³ - freiraum für fotografie.

La mostra è stata curata da Nadine Barth e Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin was one of the professional women photographers of the 1940s and 1950s. Although she published in numerous newspapers and magazines such as the New York Times, Life or Look, and her photographs were part of the legendary exhibition The Family of Man at MoMA, her work, which is on a par with that of the great photographers of her time, is still little known internationally. One of her most important photographs is »American Girl in Italy« from 1951, which became a symbol of the women's movement of the 1960s and 1970s. The street scene shows a young woman striding through a line of whistling men.

Tracing the photographer's footsteps, Nadine Barth, curator and publicist @barthouseprojects, and Katharina Mouratidi, Artistic Director f³ – freiraum für fotografie, came across a largely unpublished, multi-layered and unique body of work that reveals a little-known side of Ruth Orkin: That of a sensitive, interested, witty, and funny chronicler of American women of the 1940s and 1950s.

With biting humor, the photographer devised reportages such as »Who Works Harder«, which compares the life of a housewife and mother with that of a career woman, documented women in beauty salons, at cocktail parties, at dog shows and on the film set in Hollywood. In the footage we encounter Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor, and Doris Day, but also waitresses, stewardesses, soldiers, and best friends.

What Ruth Orkin's subtle but radically subversive shots capture are images of women on the move who are beginning to shed the conventions imposed on them and go their own way: self-confident, stylish, smart and far ahead of their time.

Ruth Orkin (1921–1985) began taking photographs at the age of ten. In 1939 she studied photojournalism at Los Angeles City College, the same year she produced her first major photographic work. At the age of 17, she crossed the United States by bicycle and camera on her way to the World's Fair, once from Los Angeles to New York. As a freelance photographer, she worked for Life, Look and Ladies Home Journal, among other magazines. On the occasion of her 100th birthday in 2021, her work was rediscovered and shown for the first time in a solo exhibition in Germany at f³ – freiraum für fotografie.

The exhibition was curated by Nadine Barth and Katharina Mouratidi.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Kornschütte Luzern
24. Januar 2024

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Kunsthaus Zug
21. Januar 2024

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia, Dr. Beat Stutzer, ehemaliger Direktor Bündner Kunstmuseum Chur, Dr. Peter Pfrunder, Direktor Fotostiftung Schweiz, Winterthur, und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
17. Januar 2024

Women
Ruth Orkin

Ruth Orkin gehörte zu den professionellen Fotografinnen der 1940er und 1950er Jahre. Obwohl sie in zahlreichen Zeitungen und Magazinen wie New York Times, Life oder Look publizierte und ihre Fotografien Teil der legendären Ausstellung The Family of Man im MoMA waren, ist ihr Werk, das sich mit dem der großen Fotografinnen und Fotografen ihrer Zeit messen lässt, international noch wenig bekannt. Eine ihrer wichtigsten Aufnahmen ist »American Girl in Italy« aus dem Jahr 1951, das zu einem Sinnbild der Frauenbewegung der 1960er und 1970er Jahren wurde. Die Straßenszene zeigt eine junge Frau, die durch ein Spalier pfeifender Männer schreitet.

Auf den Spuren der Fotografin stießen Nadine Barth, Kuratorin und Publizistin @barthouseprojects, und Katharina Mouratidi, Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie, auf ein zum größten Teil unveröffentlichtes, vielschichtiges und einzigartiges Werk, das eine wenig bekannte Seite von Ruth Orkin offenbart: Die einer feinfühligen, interessierten, geistreichen und witzigen Chronistin amerikanischer Frauen der 1940er und 1950er Jahre.

Mit beißendem Humor erdachte die Fotografin Reportagen, wie »Who Works Harder«, die das Leben einer Hausfrau und Mutter mit dem einer Karrierefrau vergleicht, dokumentierte Frauen in Beauty-Salons, auf Cocktail-Parties, bei Hundeshows und am Filmset in Hollywood. In den Aufnahmen begegnen wir Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor und Doris Day, aber auch Kellnerinnen, Stewardessen, Soldatinnen und besten Freundinnen.

Was Ruth Orkins subtile aber radikal subversive Aufnahmen einfangen, sind Bilder von Frauen im Aufbruch die beginnen, die ihnen auferlegten Konventionen abzustreifen, ihre eigenen Wege zu gehen: selbstbewusst, stylisch, smart und ihrer Zeit weit voraus.

Ruth Orkin (1921–1985) begann bereits im Alter von zehn Jahren zu fotografieren. 1939 studierte sie Fotojournalismus am Los Angeles City College, im selben Jahr entstand ihre erste große fotografische Arbeit. Im Alter von 17 Jahren durchquerte sie die USA mit dem Fahrrad und der Kamera auf dem Weg zur Weltausstellung, einmal von Los Angeles nach New York. Als freie Fotografin arbeitete sie u.a. für die Magazine Life, Look und Ladies Home Journal. Anlässlich ihres 100. Geburtstages im Jahr 2021 wurde ihre Arbeit wieder entdeckt und erstmals in einer Einzelausstellung in Deutschland im f³ – freiraum für fotografie gezeigt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth und Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin faisait partie des photographes professionnelles des années 1940 et 1950. Bien qu'elle ait publié dans de nombreux journaux et magazines tels que le New York Times, Life ou Look et que ses photographies aient fait partie de la légendaire exposition The Family of Man au MoMA, son œuvre, qui peut être comparée à celle des grands photographes de son époque, est encore peu connue au niveau international. L'une de ses photos les plus importantes est "American Girl in Italy", prise en 1951, qui est devenue un symbole du mouvement féministe des années 1960 et 1970. La scène de rue montre une jeune femme qui marche à travers une file d'hommes qui sifflent.

En suivant les traces de la photographe, Nadine Barth, curatrice et publiciste @barthouseprojects, et Katharina Mouratidi, directrice artistique f³ - freiraum für fotografie, sont tombées sur une œuvre en grande partie inédite, complexe et unique, qui révèle une facette peu connue de Ruth Orkin : Celle d'une chroniqueuse sensible, intéressée, spirituelle et drôle des femmes américaines des années 1940 et 1950.

Avec un humour décapant, la photographe a imaginé des reportages tels que "Who Works Harder", qui compare la vie d'une femme au foyer et d'une mère à celle d'une femme de carrière, a documenté des femmes dans des salons de beauté, lors de cocktails, de spectacles canins et sur le plateau de tournage à Hollywood. Dans les prises de vue, nous rencontrons Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor et Doris Day, mais aussi des serveuses, des hôtesses de l'air, des soldates et des meilleures amies.

Les images subtiles mais radicalement subversives de Ruth Orkin sont celles de femmes en mouvement qui commencent à se débarrasser des conventions qui leur sont imposées et à suivre leur propre voie : sûres d'elles, stylées, intelligentes et très en avance sur leur temps.

Ruth Orkin (1921-1985) a commencé à photographier dès l'âge de dix ans. En 1939, elle a étudié le photojournalisme au Los Angeles City College, et la même année, elle a réalisé son premier grand travail photographique. À l'âge de 17 ans, elle a traversé les États-Unis à vélo avec son appareil photo pour se rendre à l'exposition universelle, une fois de Los Angeles à New York. En tant que photographe indépendante, elle a travaillé entre autres pour les magazines Life, Look et Ladies Home Journal. À l'occasion de son 100e anniversaire en 2021, son travail a été redécouvert et présenté pour la première fois dans une exposition individuelle en Allemagne au f³ - freiraum für fotografie.

L'exposition a été organisée par Nadine Barth et Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin è stata una delle fotografe professioniste degli anni Quaranta e Cinquanta. Nonostante abbia pubblicato su numerosi giornali e riviste come il New York Times, Life o Look e le sue fotografie abbiano fatto parte della leggendaria mostra The Family of Man al MoMA, il suo lavoro, pari a quello dei grandi fotografi del suo tempo, è ancora poco conosciuto a livello internazionale. Una delle sue fotografie più importanti è "American Girl in Italy" del 1951, che divenne un simbolo del movimento femminile degli anni Sessanta e Settanta. La scena di strada mostra una giovane donna che cammina in mezzo a una fila di uomini che fischiano.

Seguendo le tracce della fotografa, Nadine Barth, curatrice e pubblicista @barthouseprojects, e Katharina Mouratidi, direttrice artistica f³ - freiraum für fotografie, si sono imbattute in un corpus di lavori in gran parte inedito, stratificato e unico, che rivela un lato poco conosciuto di Ruth Orkin: Quello di una cronista sensibile, interessata, arguta e spiritosa delle donne americane degli anni '40 e '50.

Con umorismo mordace, la fotografa ha ideato reportage come "Who Works Harder", che mette a confronto la vita di una casalinga e madre con quella di una donna in carriera, ha documentato le donne nei saloni di bellezza, ai cocktail party, alle mostre canine e sul set cinematografico di Hollywood. Nei filmati incontriamo Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor e Doris Day, ma anche cameriere, hostess, soldatesse e migliori amiche.

Le fotografie di Ruth Orkin, sottili ma radicalmente sovversive, catturano immagini di donne in movimento che iniziano a liberarsi delle convenzioni imposte loro e a percorrere la propria strada: sicure di sé, eleganti, intelligenti e molto avanti nel tempo.

Ruth Orkin (1921-1985) inizia a fotografare all'età di dieci anni. Nel 1939 studia fotogiornalismo al Los Angeles City College e nello stesso anno realizza il suo primo lavoro fotografico importante. All'età di 17 anni attraversa gli Stati Uniti in bicicletta e macchina fotografica per recarsi all'Esposizione Universale, da Los Angeles a New York. Come fotografa freelance ha lavorato, tra l'altro, per le riviste Life, Look e Ladies Home Journal. In occasione del suo centesimo compleanno nel 2021, il suo lavoro è stato riscoperto e presentato per la prima volta in una mostra personale in Germania presso f³ - freiraum für fotografie.

La mostra è stata curata da Nadine Barth e Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin was one of the professional women photographers of the 1940s and 1950s. Although she published in numerous newspapers and magazines such as the New York Times, Life or Look, and her photographs were part of the legendary exhibition The Family of Man at MoMA, her work, which is on a par with that of the great photographers of her time, is still little known internationally. One of her most important photographs is »American Girl in Italy« from 1951, which became a symbol of the women's movement of the 1960s and 1970s. The street scene shows a young woman striding through a line of whistling men.

Tracing the photographer's footsteps, Nadine Barth, curator and publicist @barthouseprojects, and Katharina Mouratidi, Artistic Director f³ – freiraum für fotografie, came across a largely unpublished, multi-layered and unique body of work that reveals a little-known side of Ruth Orkin: That of a sensitive, interested, witty, and funny chronicler of American women of the 1940s and 1950s.

With biting humor, the photographer devised reportages such as »Who Works Harder«, which compares the life of a housewife and mother with that of a career woman, documented women in beauty salons, at cocktail parties, at dog shows and on the film set in Hollywood. In the footage we encounter Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor, and Doris Day, but also waitresses, stewardesses, soldiers, and best friends.

What Ruth Orkin's subtle but radically subversive shots capture are images of women on the move who are beginning to shed the conventions imposed on them and go their own way: self-confident, stylish, smart and far ahead of their time.

Ruth Orkin (1921–1985) began taking photographs at the age of ten. In 1939 she studied photojournalism at Los Angeles City College, the same year she produced her first major photographic work. At the age of 17, she crossed the United States by bicycle and camera on her way to the World's Fair, once from Los Angeles to New York. As a freelance photographer, she worked for Life, Look and Ladies Home Journal, among other magazines. On the occasion of her 100th birthday in 2021, her work was rediscovered and shown for the first time in a solo exhibition in Germany at f³ – freiraum für fotografie.

The exhibition was curated by Nadine Barth and Katharina Mouratidi.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
7. Januar 2024

Women
Ruth Orkin

Ruth Orkin gehörte zu den professionellen Fotografinnen der 1940er und 1950er Jahre. Obwohl sie in zahlreichen Zeitungen und Magazinen wie New York Times, Life oder Look publizierte und ihre Fotografien Teil der legendären Ausstellung The Family of Man im MoMA waren, ist ihr Werk, das sich mit dem der großen Fotografinnen und Fotografen ihrer Zeit messen lässt, international noch wenig bekannt. Eine ihrer wichtigsten Aufnahmen ist »American Girl in Italy« aus dem Jahr 1951, das zu einem Sinnbild der Frauenbewegung der 1960er und 1970er Jahren wurde. Die Straßenszene zeigt eine junge Frau, die durch ein Spalier pfeifender Männer schreitet.

Auf den Spuren der Fotografin stießen Nadine Barth, Kuratorin und Publizistin @barthouseprojects, und Katharina Mouratidi, Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie, auf ein zum größten Teil unveröffentlichtes, vielschichtiges und einzigartiges Werk, das eine wenig bekannte Seite von Ruth Orkin offenbart: Die einer feinfühligen, interessierten, geistreichen und witzigen Chronistin amerikanischer Frauen der 1940er und 1950er Jahre.

Mit beißendem Humor erdachte die Fotografin Reportagen, wie »Who Works Harder«, die das Leben einer Hausfrau und Mutter mit dem einer Karrierefrau vergleicht, dokumentierte Frauen in Beauty-Salons, auf Cocktail-Parties, bei Hundeshows und am Filmset in Hollywood. In den Aufnahmen begegnen wir Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor und Doris Day, aber auch Kellnerinnen, Stewardessen, Soldatinnen und besten Freundinnen.

Was Ruth Orkins subtile aber radikal subversive Aufnahmen einfangen, sind Bilder von Frauen im Aufbruch die beginnen, die ihnen auferlegten Konventionen abzustreifen, ihre eigenen Wege zu gehen: selbstbewusst, stylisch, smart und ihrer Zeit weit voraus.

Ruth Orkin (1921–1985) begann bereits im Alter von zehn Jahren zu fotografieren. 1939 studierte sie Fotojournalismus am Los Angeles City College, im selben Jahr entstand ihre erste große fotografische Arbeit. Im Alter von 17 Jahren durchquerte sie die USA mit dem Fahrrad und der Kamera auf dem Weg zur Weltausstellung, einmal von Los Angeles nach New York. Als freie Fotografin arbeitete sie u.a. für die Magazine Life, Look und Ladies Home Journal. Anlässlich ihres 100. Geburtstages im Jahr 2021 wurde ihre Arbeit wieder entdeckt und erstmals in einer Einzelausstellung in Deutschland im f³ – freiraum für fotografie gezeigt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth und Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin faisait partie des photographes professionnelles des années 1940 et 1950. Bien qu'elle ait publié dans de nombreux journaux et magazines tels que le New York Times, Life ou Look et que ses photographies aient fait partie de la légendaire exposition The Family of Man au MoMA, son œuvre, qui peut être comparée à celle des grands photographes de son époque, est encore peu connue au niveau international. L'une de ses photos les plus importantes est "American Girl in Italy", prise en 1951, qui est devenue un symbole du mouvement féministe des années 1960 et 1970. La scène de rue montre une jeune femme qui marche à travers une file d'hommes qui sifflent.

En suivant les traces de la photographe, Nadine Barth, curatrice et publiciste @barthouseprojects, et Katharina Mouratidi, directrice artistique f³ - freiraum für fotografie, sont tombées sur une œuvre en grande partie inédite, complexe et unique, qui révèle une facette peu connue de Ruth Orkin : Celle d'une chroniqueuse sensible, intéressée, spirituelle et drôle des femmes américaines des années 1940 et 1950.

Avec un humour décapant, la photographe a imaginé des reportages tels que "Who Works Harder", qui compare la vie d'une femme au foyer et d'une mère à celle d'une femme de carrière, a documenté des femmes dans des salons de beauté, lors de cocktails, de spectacles canins et sur le plateau de tournage à Hollywood. Dans les prises de vue, nous rencontrons Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor et Doris Day, mais aussi des serveuses, des hôtesses de l'air, des soldates et des meilleures amies.

Les images subtiles mais radicalement subversives de Ruth Orkin sont celles de femmes en mouvement qui commencent à se débarrasser des conventions qui leur sont imposées et à suivre leur propre voie : sûres d'elles, stylées, intelligentes et très en avance sur leur temps.

Ruth Orkin (1921-1985) a commencé à photographier dès l'âge de dix ans. En 1939, elle a étudié le photojournalisme au Los Angeles City College, et la même année, elle a réalisé son premier grand travail photographique. À l'âge de 17 ans, elle a traversé les États-Unis à vélo avec son appareil photo pour se rendre à l'exposition universelle, une fois de Los Angeles à New York. En tant que photographe indépendante, elle a travaillé entre autres pour les magazines Life, Look et Ladies Home Journal. À l'occasion de son 100e anniversaire en 2021, son travail a été redécouvert et présenté pour la première fois dans une exposition individuelle en Allemagne au f³ - freiraum für fotografie.

L'exposition a été organisée par Nadine Barth et Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin è stata una delle fotografe professioniste degli anni Quaranta e Cinquanta. Nonostante abbia pubblicato su numerosi giornali e riviste come il New York Times, Life o Look e le sue fotografie abbiano fatto parte della leggendaria mostra The Family of Man al MoMA, il suo lavoro, pari a quello dei grandi fotografi del suo tempo, è ancora poco conosciuto a livello internazionale. Una delle sue fotografie più importanti è "American Girl in Italy" del 1951, che divenne un simbolo del movimento femminile degli anni Sessanta e Settanta. La scena di strada mostra una giovane donna che cammina in mezzo a una fila di uomini che fischiano.

Seguendo le tracce della fotografa, Nadine Barth, curatrice e pubblicista @barthouseprojects, e Katharina Mouratidi, direttrice artistica f³ - freiraum für fotografie, si sono imbattute in un corpus di lavori in gran parte inedito, stratificato e unico, che rivela un lato poco conosciuto di Ruth Orkin: Quello di una cronista sensibile, interessata, arguta e spiritosa delle donne americane degli anni '40 e '50.

Con umorismo mordace, la fotografa ha ideato reportage come "Who Works Harder", che mette a confronto la vita di una casalinga e madre con quella di una donna in carriera, ha documentato le donne nei saloni di bellezza, ai cocktail party, alle mostre canine e sul set cinematografico di Hollywood. Nei filmati incontriamo Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor e Doris Day, ma anche cameriere, hostess, soldatesse e migliori amiche.

Le fotografie di Ruth Orkin, sottili ma radicalmente sovversive, catturano immagini di donne in movimento che iniziano a liberarsi delle convenzioni imposte loro e a percorrere la propria strada: sicure di sé, eleganti, intelligenti e molto avanti nel tempo.

Ruth Orkin (1921-1985) inizia a fotografare all'età di dieci anni. Nel 1939 studia fotogiornalismo al Los Angeles City College e nello stesso anno realizza il suo primo lavoro fotografico importante. All'età di 17 anni attraversa gli Stati Uniti in bicicletta e macchina fotografica per recarsi all'Esposizione Universale, da Los Angeles a New York. Come fotografa freelance ha lavorato, tra l'altro, per le riviste Life, Look e Ladies Home Journal. In occasione del suo centesimo compleanno nel 2021, il suo lavoro è stato riscoperto e presentato per la prima volta in una mostra personale in Germania presso f³ - freiraum für fotografie.

La mostra è stata curata da Nadine Barth e Katharina Mouratidi.

Ruth Orkin was one of the professional women photographers of the 1940s and 1950s. Although she published in numerous newspapers and magazines such as the New York Times, Life or Look, and her photographs were part of the legendary exhibition The Family of Man at MoMA, her work, which is on a par with that of the great photographers of her time, is still little known internationally. One of her most important photographs is »American Girl in Italy« from 1951, which became a symbol of the women's movement of the 1960s and 1970s. The street scene shows a young woman striding through a line of whistling men.

Tracing the photographer's footsteps, Nadine Barth, curator and publicist @barthouseprojects, and Katharina Mouratidi, Artistic Director f³ – freiraum für fotografie, came across a largely unpublished, multi-layered and unique body of work that reveals a little-known side of Ruth Orkin: That of a sensitive, interested, witty, and funny chronicler of American women of the 1940s and 1950s.

With biting humor, the photographer devised reportages such as »Who Works Harder«, which compares the life of a housewife and mother with that of a career woman, documented women in beauty salons, at cocktail parties, at dog shows and on the film set in Hollywood. In the footage we encounter Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor, and Doris Day, but also waitresses, stewardesses, soldiers, and best friends.

What Ruth Orkin's subtle but radically subversive shots capture are images of women on the move who are beginning to shed the conventions imposed on them and go their own way: self-confident, stylish, smart and far ahead of their time.

Ruth Orkin (1921–1985) began taking photographs at the age of ten. In 1939 she studied photojournalism at Los Angeles City College, the same year she produced her first major photographic work. At the age of 17, she crossed the United States by bicycle and camera on her way to the World's Fair, once from Los Angeles to New York. As a freelance photographer, she worked for Life, Look and Ladies Home Journal, among other magazines. On the occasion of her 100th birthday in 2021, her work was rediscovered and shown for the first time in a solo exhibition in Germany at f³ – freiraum für fotografie.

The exhibition was curated by Nadine Barth and Katharina Mouratidi.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
10. Dezember 2023

Art Tour mit Marco Frauchiger und Roland Schmid

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Kunsthaus Zug
3. Dezember 2023

Guided Tour in English with Fabienne Loosli, art historian, exhibition management

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Kunsthaus Zug
26. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
19. November 2023

Art Tour mit Marco Frauchiger und Roland Schmid

Morgennebel
Marco Frauchiger, Roland Schmid

Wie sprechen über Krieg in Zeiten des Krieges? Soll oder darf man das: Bilder zeigen aus vergangenen Kriegen angesichts der Überwältigung durch Bilder aus den gegenwärtigen Kriegen? Aber die Zeit des Krieges ist nicht heute, nicht damals: Krieg ist immer – oder immer wieder, und er bleibt: Er prägt die Erinnerung und das Handeln; er hinterlässt seine Spuren in der Landschaft und in den Körpern der Menschen, die einen Umgang finden müssen mit seinen Konsequenzen – über Generationen hinweg.

Die Ausstellung des Berner Fotografen und Künstlers Marco Frauchiger und des Basler Fotografen Roland Schmid vereint zwei Sichtweisen auf die bis heute in den betroffenen Ländern erleb- und sichtbaren Auswirkungen des von 1955 bis 1975 dauernden Vietnamkrieges.

Um die Versorgungsrouten für den Vietcong in Laos zu zerstören, warf der US-Geheimdienst in einem geheimen Krieg über zwei Millionen Tonnen Bomben über dem Land ab; das sind mehr als alle eingesetzten Bomben im Zweiten Weltkrieg zusammen. In der Ausstellung sind Bilder zu sehen, die der Werkreihe «How to dismantle a bomb» entstammen, einem Langzeitprojekt, in dem Frauchiger zeigt, wie die Bevölkerung in Laos mit dem Erbe dieses Krieges umgeht. Die Arbeiten, entstanden in Zusammenarbeit und im Dialog mit den Menschen vor Ort, offenbaren eine künstlerische Strategie, die gängige Erzählweisen fotografischer Bilder und das Wirklichkeitsversprechen der Kriegsberichterstattung hinterfragt.

Seit Ende der 90er-Jahre bereist Roland Schmid auf Einladung des Schweizer Journalisten Peter Jaeggi Vietnam. In seinen Bildreihen thematisiert Schmid die Folgen des massiven Einsatzes von Herbiziden, v. a. von Agent Orange, durch die USA und ihre Verbündeten während des Krieges. Auch fast 50 Jahre danach finden sich noch Spuren des in Agent Orange enthaltenen Dioxins in der Nahrungskette; ebenso verheerend wirkt sich die Vererbung des durch Agent Orange geschädigten Genoms von einem Elternteil auf nachfolgende Generationen aus. Beides hat zur Folge, dass bis heute in Vietnam Kinder geboren werden, die unter Krankheiten und schweren Missbildungen leiden. Roland Schmids dokumentarischen Bildern inhärent ist eine aufklärerische Absicht, die aber auch immer – dies ganz in der Tradition einer «humanistischen» Fotografie – auf die Würde des Menschen abzielt.

Comment parler de la guerre en temps de guerre ? Doit-on ou peut-on le faire : montrer des images de guerres passées face à l'accablement d'images de guerres actuelles ? Mais le temps de la guerre n'est pas d'aujourd'hui, ni d'hier : la guerre est toujours - ou encore et encore - et elle reste : Elle marque la mémoire et l'action ; elle laisse ses traces dans le paysage et dans le corps des hommes, qui doivent trouver un moyen de gérer ses conséquences - au fil des générations.

L'exposition du photographe et artiste bernois Marco Frauchiger et du photographe bâlois Roland Schmid réunit deux points de vue sur les conséquences de la guerre du Vietnam, qui a duré de 1955 à 1975, et qui sont encore visibles aujourd'hui dans les pays concernés.

Afin de détruire les routes d'approvisionnement du Viêt-Cong au Laos, les services secrets américains ont largué plus de deux millions de tonnes de bombes sur le pays dans le cadre d'une guerre secrète ; c'est plus que toutes les bombes utilisées pendant la Seconde Guerre mondiale réunies. L'exposition présente des images issues de la série d'œuvres "How to dismantle a bomb", un projet à long terme dans lequel Frauchiger montre comment la population du Laos gère l'héritage de cette guerre. Les travaux, réalisés en collaboration et en dialogue avec les gens sur place, révèlent une stratégie artistique qui remet en question les modes de narration courants des images photographiques et la promesse de réalité des reportages de guerre.

Depuis la fin des années 90, Roland Schmid se rend au Vietnam à l'invitation du journaliste suisse Peter Jaeggi. Dans ses séries d'images, Schmid thématise les conséquences de l'utilisation massive d'herbicides, en particulier de l'agent orange, par les États-Unis et leurs alliés pendant la guerre. Près de 50 ans plus tard, on trouve encore des traces de la dioxine contenue dans l'agent orange dans la chaîne alimentaire ; la transmission du génome endommagé par l'agent orange d'un parent aux générations suivantes a également des effets dévastateurs. Ces deux facteurs ont pour conséquence qu'aujourd'hui encore, des enfants naissent au Vietnam et souffrent de maladies et de graves malformations. Les images documentaires de Roland Schmid ont une intention éclairante, mais elles visent aussi toujours - dans la tradition d'une photographie "humaniste" - la dignité de l'être humain.

Come parlare di guerra in tempo di guerra? Si devono o si possono: mostrare immagini di guerre passate di fronte alla sopraffazione di immagini di guerre presenti? Ma il tempo della guerra non è oggi, non è allora: la guerra è sempre - o sempre di nuovo, e rimane: Dà forma alla memoria e all'azione; lascia le sue tracce nel paesaggio e nei corpi delle persone che devono trovare un modo per affrontare le sue conseguenze - per generazioni.

La mostra del fotografo e artista bernese Marco Frauchiger e del fotografo basilese Roland Schmid unisce due prospettive sugli effetti della guerra del Vietnam, durata dal 1955 al 1975, che possono essere vissuti e visti ancora oggi nei Paesi colpiti.

Per distruggere le vie di rifornimento dei Vietcong in Laos, i servizi segreti statunitensi sganciarono più di due milioni di tonnellate di bombe sul Paese in una guerra segreta; una quantità superiore a tutte le bombe utilizzate nella Seconda Guerra Mondiale messe insieme. La mostra presenta immagini della serie "How to dismantle a bomb", un progetto a lungo termine in cui Frauchiger mostra come la popolazione del Laos affronta l'eredità di questa guerra. Le opere, create in collaborazione e in dialogo con le persone sul posto, rivelano una strategia artistica che mette in discussione le comuni modalità narrative delle immagini fotografiche e la promessa di realtà nel reportage di guerra.

Dalla fine degli anni '90, Roland Schmid si è recato in Vietnam su invito del giornalista svizzero Peter Jaeggi. Nella sua serie di immagini, Schmid affronta le conseguenze dell'uso massiccio di erbicidi, in particolare dell'Agente Arancio, da parte degli Stati Uniti e dei loro alleati durante la guerra. Anche a distanza di quasi 50 anni, tracce della diossina contenuta nell'Agente Arancio si trovano ancora nella catena alimentare; l'ereditarietà del genoma danneggiato dall'Agente Arancio da un genitore alle generazioni successive ha un effetto altrettanto devastante. Il risultato di entrambi è che ancora oggi in Vietnam nascono bambini affetti da malattie e gravi deformità. Nelle immagini documentarie di Roland Schmid è insito un intento illuminante che, tuttavia, mira sempre anche alla dignità dell'essere umano, nel pieno rispetto della tradizione della fotografia "umanistica".

How to talk about war in times of war? Should or may one: show images from past wars in the face of being overwhelmed by images from present wars? But the time of war is not today, not then: war is always - or again and again, and it remains: It shapes memory and action; it leaves its traces in the landscape and in the bodies of people who have to find a way to deal with its consequences - over generations.

The exhibition by Bernese photographer and artist Marco Frauchiger and Basel-based photographer Roland Schmid combines two perspectives on the effects of the Vietnam War, which lasted from 1955 to 1975 and can still be experienced and seen today in the countries affected.

To destroy supply routes for the Viet Cong in Laos, U.S. intelligence dropped more than two million tons of bombs over the country in a secret war; more than all the bombs used in World War II combined. The exhibition features images taken from the series of works "How to dismantle a bomb," a long-term project in which Frauchiger shows how the people of Laos deal with the legacy of that war. The works, created in collaboration and dialogue with the people on the ground, reveal an artistic strategy that questions common narrative modes of photographic images and the promise of reality in war reporting.

Since the late 1990s, Roland Schmid has travelled to Vietnam at the invitation of Swiss journalist Peter Jaeggi. In his series of images, Schmid addresses the consequences of the massive use of herbicides, especially Agent Orange, by the USA and its allies during the war. Even almost 50 years later, traces of the dioxin contained in Agent Orange can still be found in the food chain; the inheritance of the genome damaged by Agent Orange from one parent to subsequent generations has an equally devastating effect. As a result, children are still being born in Vietnam today suffering from diseases and severe deformities. Inherent in Roland Schmid's documentary images is an enlightening intention, which also always - in the tradition of "humanistic" photography - aims at the dignity of the human being.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Kunsthaus Zug
12. November 2023

Ausstellungsrundgang mit Guido Baselgia und Matthias Haldemann

Lichtstoff und Luftfarben
Guido Baselgia

«Luftfarben» nennt Guido Baselgia (*1953) seine neusten Arbeiten. Es sind, nach jahrzehntelangem Schaffen, seine ersten Farbfotografien. Mit einer mobilen Camera Obscura fing der Künstler faszinierende Bilder ein, wie beispielsweise die Himmelsfarben des blauen Planeten, die durch die Lichtbrechung der Camera Obscura sichtbar werden. Entstanden sind die Bilder im nördlichen Norwegen und auf dem Piz Languard bei Pontresina.

Ausgehend von dieser farbigen Werkgruppe versammelt die Ausstellung ausgewählte Arbeiten aus allen Werkperioden Baselgias seit den 1980er Jahren. Den Auftakt macht die wenig bekannte Serie über Galizien in der heutigen Westukraine. Im Zusammenhang mit dem gegenwärtigen Krieg erhalten die Bilder der damals zerfallenden Sowjetunion eine schmerzlich neue Aktualität.

In neueren Arbeiten rücken die Natur und die Materialität des Lichts stärker in seinen Fokus. So entstanden bei den Gletschern Graubündens Bilder mit ungeahnten Mustern und Grautönen. Fasziniert von der elementaren Naturwelt reiste Baselgia in den hohen Norden sowie in die Wüsten und das Amazonasgebiet in Südamerika. Schliesslich wurde der Lauf von Sonne und Gestirnen zum global verbindenden Lichtthema. Mit dem Kunsthaus Zug verbindet ihn eine langjährige und enge Zusammenarbeit.

Baselgias zeichnerische und malerische Lichtbilder zeugen von einer lebenslangen Welterkundung. Es ist eine Suche nach immer neuen Anfängen. Seine Leidenschaft für unbekannte Bilder verweist auf die Suche nach den Anfängen der Fotografie – von ihrem Zauber als unverfälschtes, natürliches Bild aus Lichtstoff und Luftfarben.

Kuratiert von Matthias Haldemann, Direktor

Guido Baselgia (*1953) appelle ses derniers travaux "Luftfarben" (couleurs aériennes). Il s'agit, après des décennies de travail, de ses premières photographies en couleur. A l'aide d'une camera obscura mobile, l'artiste a capturé des visuels fascinants, comme les couleurs du ciel de la planète bleue, rendues visibles par la réfraction de la lumière de la camera obscura. Les visuels ont été réalisés dans le nord de la Norvège et sur le Piz Languard près de Pontresina.

Partant de ce groupe d'œuvres colorées, l'exposition rassemble des travaux sélectionnés de toutes les périodes de travail de Baselgia depuis les années 1980. La série peu connue sur la Galicie, dans l'actuelle Ukraine occidentale, ouvre le bal. Dans le contexte de la guerre actuelle, les visuels de l'Union soviétique, alors en pleine déliquescence, acquièrent une nouvelle actualité douloureuse.

Dans des travaux plus récents, la nature et la matérialité de la lumière occupent une place plus importante. C'est ainsi qu'il a réalisé des visuels aux motifs et aux nuances de gris insoupçonnés sur les glaciers des Grisons. Fasciné par le monde élémentaire de la nature, Baselgia a voyagé dans le Grand Nord ainsi que dans les déserts et la région amazonienne d'Amérique du Sud. Finalement, la course du soleil et des astres est devenue un thème de lumière fédérateur à l'échelle mondiale. Une collaboration étroite et de longue date le lie au Kunsthaus Zug.

Les images lumineuses dessinées et peintes de Baselgia témoignent d'une exploration du monde tout au long de sa vie. Il s'agit d'une quête de commencements toujours nouveaux. Sa passion pour les images inconnues renvoie à la recherche des débuts de la photographie - de sa magie en tant que visuel naturel inaltéré, fait de matière lumineuse et de couleurs aériennes.

Curaté par Matthias Haldemann, directeur

Guido Baselgia (*1953) chiama le sue ultime opere "Colori dell'aria". Dopo decenni di lavoro, queste sono le sue prime fotografie a colori. Utilizzando una camera obscura mobile, l'artista ha catturato immagini affascinanti, come i colori del cielo del pianeta blu, che diventano visibili grazie alla rifrazione della luce della camera obscura. Le immagini sono state scattate nel nord della Norvegia e sul Piz Languard, vicino a Pontresina.

Partendo da questo coloratissimo gruppo di opere, la mostra riunisce lavori selezionati da tutti i periodi di lavoro di Baselgia a partire dagli anni Ottanta. La mostra si apre con la serie poco conosciuta sulla Galizia, nell'attuale Ucraina occidentale. Nel contesto dell'attuale guerra, le immagini dell'Unione Sovietica allora in disgregazione assumono una dolorosa attualità.

Nelle opere più recenti, la natura e la materialità della luce sono sempre più al centro dell'attenzione. Così, sui ghiacciai dei Grigioni, ha creato immagini con motivi inaspettati e sfumature di grigio. Affascinato dal mondo elementare della natura, Baselgia ha viaggiato nell'estremo nord, nei deserti e nella regione amazzonica del Sud America. Infine, il corso del sole e delle stelle è diventato il tema unificante della luce. La sua collaborazione con la Kunsthaus Zug è stata lunga e stretta.

I disegni e i dipinti di luce di Baselgia testimoniano un'esplorazione del mondo durata tutta la vita. È una ricerca di sempre nuovi inizi. La sua passione per le immagini sconosciute si riferisce alla ricerca degli inizi della fotografia - della sua magia come immagine naturale e non adulterata fatta di materia leggera e colori dell'aria.

A cura di Matthias Haldemann, Direttore

“Colours of the air” are what Guido Baselgia (*1953) calls his latest works. He has been active for several decades, but these are his first-ever colour photographs. Using a mobile camera obscura, Baselgia has captured fascinating images such as the colours of our blue planet’s sky that become visible through the refraction of light in the camera obscura. These images were made in northern Norway and on the Piz Languard near Pontresina.

Taking this colourful group of works as its starting point, our exhibition brings together selected works from all of Baselgia’s work periods since the 1980s. It opens with his little-known series on Galicia in what is now western Ukraine. In the context of the ongoing war there, these images of the disintegrating Soviet Union assume a painful, new topicality.

In Baselgia’s more recent works, nature and the materiality of light draw more into his focus. Near the glaciers of Canton Grisons, he has created images with unimagined patterns and shades of grey. Baselgia is fascinated by the elemental world of nature, and has travelled to the far north, into deserts and to the Amazon region of South America. Ultimately, the course of the sun and the stars became his globally unifying theme of light. He has enjoyed a close collaboration with the Kunsthaus Zug for several years now.

Baselgia’s photographs of light have a painterly, graphic quality about them and bear witness to his lifelong exploration of the world. His is a search for ever-new beginnings. His passion for unknown images refers back to a search for the beginnings of photography itself – for its magic as an unadulterated, natural image made of the materiality of light and the colours of the air.

Curated by Matthias Haldemann, Director

(Text: Kunsthaus Zug)

Kunstmuseum Luzern
30. September 2023

Rundgang mit Daniel Schwartz und Beat Wismer

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
12. Juli 2023

Gespräch in der Ausstellung: Rundgang mit dem Künstler Walter Pfeiffer und Fanni Fetzer, Kuratorin

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
8. Juli 2023

Gespräch in der Ausstellung: Rundgang mit Yasufumi Nakamori, Senior Curator Tate Modern und Fanni Fetzer, Kuratorin

Zanele Muholi

Zanele Muholis (*1972) Schwarzweissfotografien sind kontrastreich. Muholi will uns jedoch nicht eine Realität in schwarz und weiss zeigen, eher das vielfältige Spektrum dazwischen: Muholis Arbeit erzählt Geschichten von lesbischen, schwulen, bisexuellen, queeren, trans* und inter* People of Color, die aus Muholis Heimat Südafrika stammen. In Südafrika werden queere Menschen oft gehasst, bedroht und verfolgt. Sexualpolitik, rassistische Gewalt und Selbstbehauptung sind Inhalte von Muholis Arbeiten. Muholi bezeichnet sich als «visuelle:r Aktivist:in» und fordert mit Porträts, die nicht gängigen Erwartungen und Konventionen entsprechen, das Denken in binären Kategorien – Mann/Frau, schwarz/weiss – heraus.

Liebevolle Umarmungen, zärtliche Blicke, gemeinsames Waschen: Die Serie Being (seit 2006) verschafft einen intimen Einblick in das alltägliche Leben queerer Paare. Auch nach dem Ende der Apartheid und dem Aufbau eines demokratischen Staates in den letzten dreissig Jahren leben queere Menschen in Südafrika unterdrückt. Für sie hat sich trotz der Demokratie kaum etwas verändert, denn die Gesellschaft ist von heteronormativem Denken geprägt. Faces and Phases (seit 2006) ist mit über 500 Arbeiten Muholis wohl umfangreichste Porträtreihe. In regelmässigen Abständen porträtiert Muholi Personen aus der Schwarzen LGBTQIA+- Community Südafrikas und hält damit deren Gesichter (Faces) sowie die Phasen (Phases) der Geschlechteridentitäten fest. Es ist Muholis zentrales Anliegen, ein Bewusstsein für die unterdrückten Communitys und damit eine positive Sichtbarkeit zu schaffen. Brave Beauties (seit 2014) ist eine Porträtserie von Transfrauen und nicht-binären Menschen, von denen einige an Schönheitswettbewerben teilnehmen. Queere Schönheitswettbewerbe bieten einen sicheren Raum innerhalb der Schwarzen LGBTQIA+-Community, in denen die Teilnehmer:innen ihrer eigenen Schönheit Ausdruck verleihen. Gleichzeitig sollen diese Bilder queer- und transphobische Stereotype in Frage stellen und Widerstand gegen den vorherrschenden binären Blick leisten. Die porträtierten Menschen sieht Muholi als Kollaborateur:innen der Bildgestaltung, dank deren Zusammenarbeit die Werke entstehen. In der Porträtreihe Somnyama Ngonyama («Gepriesen sei die dunkle Löwin» auf isiZulu, seit 2012) setzt sich Muholi selbst vor die Kamera und nimmt verschiedene Posen und Charaktere ein. Die Bilder reflektieren auf persönliche Weise die Kolonial- und Apartheidsgeschichte. Alltägliche Materialien wie Wäscheklammern, Velopneus oder Plastikrohre werden zu politisch aufgeladenen Requisiten und Kostümen verwandelt, um Fragen nach Repräsentation und race (diskriminierungssensible Bezeichnung für den deutschen Begriff «Rasse», um auf die menschgemachten Kategorisierungen aufmerksam zu machen) zu verhandeln. Ein starker schwarz-weiss Kontrast führt dazu, dass die Hautfarbe dunkler wirkt. Muholi fordert damit das Schwarzsein für sich zurück. Mit dieser Arbeit erlangt Muholi an der Venedig Biennale 2019 internationale Bekanntheit.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Luzern präsentiert zum ersten Mal umfassend das Werk von Zanele Muholi in der Zentralschweiz. Dem Publikum steht die Website www.divers2023.ch für ergänzende Informationen sowie Begriffserklärung zur Verfügung. Dieses digitale Angebot rundet die Ausstellung zum Thema Diversität inhaltlich ab.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer und Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern kuratiert.

Les photographies en noir et blanc de Zanele Muholi (*1972) sont très contrastées. Muholi ne veut cependant pas nous montrer une réalité en noir et blanc, mais plutôt le spectre varié entre les deux : Le travail de Muholi raconte des histoires de personnes lesbiennes, gays, bisexuelles, queer, trans* et inter* de couleur, originaires de l'Afrique du Sud, pays d'origine de Muholi. En Afrique du Sud, les personnes queer sont souvent haïes, menacées et persécutées. La politique sexuelle, la violence raciste et l'affirmation de soi sont des contenus du travail de Muholis. Muholi se définit comme un "activiste visuel" et défie la pensée binaire - homme/femme, noir/blanc - avec des portraits qui ne correspondent pas aux attentes et aux conventions habituelles.

Des étreintes affectueuses, des regards tendres, une toilette commune : La série Being (depuis 2006) donne un aperçu intime de la vie quotidienne des couples queer. Même après la fin de l'apartheid et la construction d'un Etat démocratique au cours des trente dernières années, les personnes queer vivent toujours dans l'oppression en Afrique du Sud. Pour elles, rien ou presque n'a changé malgré l'avènement de la démocratie, car la société reste marquée par la pensée hétéronormative. Faces and Phases (depuis 2006) est sans doute la série de portraits la plus complète de Muholi, avec plus de 500 œuvres. A intervalles réguliers, Muholi fait le portrait de personnes issues de la communauté noire LGBTQIA+ d'Afrique du Sud et fixe ainsi leurs visages (Faces) ainsi que les phases (Phases) de leurs identités de genre. L'objectif central de Muholis est de créer une prise de conscience pour les communautés opprimées et ainsi une visibilité positive. Brave Beauties (depuis 2014) est une série de portraits de femmes trans et de personnes non-binaires, dont certaines participent à des concours de beauté. Les concours de beauté queer offrent un espace sûr au sein de la communauté noire LGBTQIA+, dans lequel les participant(e)s expriment leur propre beauté. Parallèlement, ces visuels visent à transmettre des stéréotypes queer et transphobes et à résister au regard binaire dominant. Muholi considère les personnes dont il fait le portrait comme des collaborateurs de la création d'images, grâce à la collaboration desquels les œuvres voient le jour. Dans la série de portraits Somnyama Ngonyama ("Louée soit la lionne sombre" sur isiZulu, depuis 2012), Muholi se place elle-même devant l'appareil photo et prend différentes poses et personnages. Les visuels reflètent de manière personnelle l'histoire coloniale et de l'apartheid. Des matériaux quotidiens tels que des pinces à linge, des pneus de vélo ou des tuyaux en plastique sont transformés en accessoires et en costumes à forte charge politique afin de négocier les questions de représentation et de race (terme sensible à la discrimination pour désigner le terme allemand "Rasse" et attirer l'attention sur les catégorisations faites par l'homme). Un fort contraste noir-blanc fait paraître la couleur de la peau plus sombre. Muholi revendique ainsi la négritude pour elle-même. Avec ce travail, Muholi acquiert une notoriété internationale à la Biennale de Venise 2019.

L'exposition du Kunstmuseum de Lucerne présente pour la première fois l'œuvre de Zanele Muholi de manière complète en Suisse centrale. Le site Internet www.divers2023.ch est à la disposition du public pour des informations complémentaires ainsi que des explications de termes. Cette offre numérique complète le contenu de l'exposition sur le thème de la diversité.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Fanni Fetzer et Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Le fotografie in bianco e nero di Zanele Muholi (*1972) sono ricche di contrasti. Tuttavia, Muholi non vuole mostrarci una realtà in bianco e nero, ma piuttosto il variegato spettro intermedio: Il lavoro di Muholi racconta storie di persone lesbiche, gay, bisessuali, queer, trans* e inter* di colore del Sudafrica, paese natale di Muholi. In Sudafrica, le persone queer sono spesso odiate, minacciate e perseguitate. La politica sessuale, la violenza razzista e l'autoaffermazione sono il contenuto del lavoro di Muholi. Muholi si descrive come un "attivista visivo" e sfida il pensiero in categorie binarie - uomo/donna, bianco/nero - con ritratti che non si conformano alle aspettative e alle convenzioni comuni.

Abbracci affettuosi, sguardi teneri, lavaggi insieme: La serie Being (dal 2006) offre uno sguardo intimo sulla vita quotidiana delle coppie queer. Anche dopo la fine dell'apartheid e la creazione di uno Stato democratico negli ultimi trent'anni, le persone queer in Sudafrica vivono una vita oppressa. Per loro, nonostante la democrazia, poco è cambiato, perché la società è dominata dal pensiero eteronormativo. Con oltre 500 opere, Faces and Phases (dal 2006) è probabilmente la serie di ritratti più ampia di Muholi. Muholi ritrae regolarmente persone della comunità LGBTQIA+ nera del Sudafrica, catturando i loro volti e le fasi della loro identità di genere. La preoccupazione principale di Muholi è quella di creare consapevolezza per le comunità oppresse e quindi visibilità positiva. Brave Beauties (dal 2014) è una serie di ritratti di donne trans e persone non binarie, alcune delle quali partecipano a concorsi di bellezza. I concorsi di bellezza queer forniscono uno spazio sicuro all'interno della comunità LGBTQIA+ nera per i concorrenti che vogliono esprimere la propria bellezza. Allo stesso tempo, queste immagini intendono sfidare gli stereotipi queer e transfobici e resistere allo sguardo binario dominante. Muholi considera le persone ritratte come collaboratori nella creazione delle immagini, grazie alla cui collaborazione le opere vengono realizzate. Nella serie di ritratti Somnyama Ngonyama ("Sia lodata la leonessa scura" in isiZulu, dal 2012), Muholi stessa siede davanti alla macchina fotografica e assume varie pose e personaggi. Le immagini riflettono in modo personale la storia coloniale e dell'apartheid. Materiali di uso quotidiano come mollette per il bucato, copertoni di bicicletta o tubi di plastica sono trasformati in oggetti di scena e costumi con un'impronta politica per negoziare le questioni della rappresentazione e della razza (un termine sensibile alla discriminazione per il termine tedesco "Rasse" per richiamare l'attenzione sulle categorizzazioni create dall'uomo). Un forte contrasto tra bianco e nero fa apparire il colore della pelle più scuro. Muholi si riappropria così della sua nerezza. Con quest'opera, Muholi ottiene un riconoscimento internazionale alla Biennale di Venezia 2019.

La mostra al Museo d'Arte di Lucerna è la prima presentazione completa dell'opera di Zanele Muholi nella Svizzera centrale. Il sito web www.divers2023.ch è a disposizione del pubblico per ulteriori informazioni e spiegazioni sui termini. Questa offerta digitale completa la mostra sul tema della diversità in termini di contenuti.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer e Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Zanele Muholi's (*1972) black-and-white photographs are rich in contrast. However, Muholi does not want to show us a reality in black and white, rather the diverse spectrum in between: Muholi's work tells stories of lesbian, gay, bisexual, queer, trans*, and inter* people of color who hail from Muholi's native South Africa. In South Africa, queer people are often hated, threatened, and persecuted. Sexual politics, racial violence, and self-assertion are content of Muholi's work. Muholi calls herself a "visual activist" and challenges thinking in binary categories - man/woman, black/white - with portraits that do not conform to common expectations and conventions.

Loving embraces, tender glances, washing together: The series Being (since 2006) provides an intimate glimpse into the everyday lives of queer couples. Even after the end of apartheid and the establishment of a democratic state in the last thirty years, queer people in South Africa live oppressed lives. For them, despite democracy, little has changed because society is dominated by heteronormative thinking. Faces and Phases (since 2006) is probably Muholi's most extensive portrait series, with over 500 works. Muholi regularly portrays people from South Africa's black LGBTQIA+ community, capturing their faces and the phases of their gender identities. It is Muholi's central concern to create awareness for the oppressed communities and thus positive visibility. Brave Beauties (2014-present) is a portrait series of trans women and non-binary people, some of whom participate in beauty pageants. Queer beauty pageants provide a safe space within the Black LGBTQIA+ community where participant:s express their own beauty. At the same time, these images are meant to challenge queer and transphobic stereotypes and resist the dominant binary gaze. Muholi sees the people portrayed as collaborators in the creation of the images, thanks to whose collaboration the works are created. In the portrait series Somnyama Ngonyama ("Praised be the dark lioness" on isiZulu, since 2012), Muholi herself sits in front of the camera and adopts different poses and characters. The images reflect colonial and apartheid history in a personal way. Everyday materials such as clothespins, bicycle tires, and plastic tubes are transformed into politically charged props and costumes to negotiate questions of representation and race (a discrimination-sensitive term for the German term "Rasse" to draw attention to man-made categorizations). A strong black and white contrast causes the skin color to appear darker. Muholi thus reclaims blackness for herself. With this work, Muholi is gaining international recognition at the 2019 Venice Biennale.

The exhibition at the Museum of Art Lucerne is the first comprehensive presentation of Zanele Muholi's work in Central Switzerland. The public can access the website www.divers2023.ch for supplementary information as well as explanations of terms. This digital offer rounds off the exhibition on the topic of diversity in terms of content.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer and Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Coalmine | Winterthur
13. November 2022

Kurzführung durch die Ausstellung in deutscher und englischer Sprache.
In Kollaboration mit den Int. Kurzfilmtagen Winterthur

To Watch the War – The Moving Image Amidst the Invasion of Ukraine (2014–2022)

Dana Kavelina, Oksana Kazmina, Myro Klochko & AnatoliyTatarenko, Roman Himey&Yarema Malaschuk, Lisa Hoffman, Yuriy Hrystyna, Zoya Laktionova,Sashko Protyah, Vasyl (Tkachenko) Lyakh, Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky, Mykola Ridnyi, ruїns collective, Elias Parvulesco, Anna Scherbyna & Valentyna Petrova, Hito Steyerl, Oleksandr Surovtsov

To Watch the War ist ein Forum für das bewegte Bild, das die Entwicklungen experimenteller Film- und Videoarbeit während der russischen Invasion der Ukraine erkundet. Die Invasion begann 2014 mit dem Versuch, den Volksaufstand des Maidan niederzuschlagen, und weitete sich im Jahr 2022 zu einem umfassenden Krieg aus.

Die Gruppenausstellung präsentiert verschiedene filmische Ansätze und Methoden sich mit den politischen und kulturellen Verhältnissen im Land auseinanderzusetzen. Unter anderem werden Videoarbeiten der vor der Zerstörung der Stadt sehr aktiven Filmszene Mariupols zu sehen sein (von Zoya Laktionova, Sashko Protyah, u.a.), ein surrealer Filmessay über die Kriegserfahrungen und Traumata von Frauen (von Dana Kavelina), eine Videoarbeit mit Found Footage von Minenarbeitern im Donbass (von Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ebenso wie eine neue Arbeit über die aktuellen Bombenangriffe seit Februar 2022 derselben Autoren.

Die Ausstellung ist konzipiert von Oleksiy Radynski und Olexii Kuchanskyi und umgesetzt in Zusammenarbeit mit Annette Amberg.

To Watch the War est un forum pour l'image en mouvement qui explore les développements du cinéma et de la vidéo expérimentaux pendant l'invasion russe de l'Ukraine. L'invasion a commencé en 2014 avec la tentative de réprimer le soulèvement populaire de Maidan et s'est transformée en une guerre généralisée en 2022.

L'exposition collective présente différentes approches et méthodes cinématographiques pour aborder la situation politique et culturelle du pays. On y verra notamment des travaux vidéo de la scène cinématographique de Marioupol, très active avant la destruction de la ville (de Zoya Laktionova, Sashko Protyah, etc.), un essai cinématographique surréaliste sur les expériences de guerre et les traumatismes des femmes (de Dana Kavelina), un travail vidéo avec des found footage de mineurs dans le Donbass (d'Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ainsi qu'un nouveau travail sur les bombardements actuels depuis février 2022 des mêmes auteurs.

L'exposition a été conçue par Oleksiy Radynski et Olexii Kuchanskyi et réalisée en collaboration avec Annette Amberg.

To Watch the War è un forum per l'immagine in movimento che esplora gli sviluppi delle opere cinematografiche e video sperimentali durante l'invasione russa dell'Ucraina. L'invasione è iniziata nel 2014 con il tentativo di sedare la rivolta popolare di Maidan e si è espansa in una guerra totale nel 2022.

La mostra collettiva presenta diversi approcci e metodi cinematografici per affrontare le condizioni politiche e culturali del Paese. Tra gli altri, saranno proiettati lavori video sulla scena cinematografica molto attiva di Mariupol prima della distruzione della città (di Zoya Laktionova, Sashko Protyah, a.o.), un film saggio surreale sulle esperienze di guerra e sui traumi delle donne (di Dana Kavelina), un lavoro video con filmati trovati di lavoratori delle miniere nel Donbass (di Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) e un nuovo lavoro sugli attuali bombardamenti dal febbraio 2022 degli stessi autori.

La mostra è ideata da Oleksiy Radynski e Olexii Kuchanskyi e realizzata in collaborazione con Annette Amberg.

To Watch the War is a forum for the moving image that explores the developments of experimental film and video work during the Russian invasion of Ukraine. The invasion began in 2014 with an attempt to put down the Maidan popular uprising and expanded into full-scale war in 2022.

The group exhibition presents various cinematic approaches and methods to engage with the political and cultural conditions in the country. Among others, video works of Mariupol's film scene, which was very active before the destruction of the city, will be shown (by Zoya Laktionova, Sashko Protyah, among others), a surreal film essay about women's war experiences and traumas (by Dana Kavelina), a video work with found footage of mine workers in Donbass (by Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) as well as a new work about the current bombings since February 2022 by the same authors.

The exhibition is conceived by Oleksiy Radynski and Olexii Kuchanskyi and realized in collaboration with Annette Amberg.

(Text: Coalmine, Winterthur)

Coalmine | Winterthur
13. November 2022

Kurzführung durch die Ausstellung in deutscher und englischer Sprache.
In Kollaboration mit den Int. Kurzfilmtagen Winterthur

To Watch the War – The Moving Image Amidst the Invasion of Ukraine (2014–2022)

Dana Kavelina, Oksana Kazmina, Myro Klochko & AnatoliyTatarenko, Roman Himey&Yarema Malaschuk, Lisa Hoffman, Yuriy Hrystyna, Zoya Laktionova,Sashko Protyah, Vasyl (Tkachenko) Lyakh, Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky, Mykola Ridnyi, ruїns collective, Elias Parvulesco, Anna Scherbyna & Valentyna Petrova, Hito Steyerl, Oleksandr Surovtsov

To Watch the War ist ein Forum für das bewegte Bild, das die Entwicklungen experimenteller Film- und Videoarbeit während der russischen Invasion der Ukraine erkundet. Die Invasion begann 2014 mit dem Versuch, den Volksaufstand des Maidan niederzuschlagen, und weitete sich im Jahr 2022 zu einem umfassenden Krieg aus.

Die Gruppenausstellung präsentiert verschiedene filmische Ansätze und Methoden sich mit den politischen und kulturellen Verhältnissen im Land auseinanderzusetzen. Unter anderem werden Videoarbeiten der vor der Zerstörung der Stadt sehr aktiven Filmszene Mariupols zu sehen sein (von Zoya Laktionova, Sashko Protyah, u.a.), ein surrealer Filmessay über die Kriegserfahrungen und Traumata von Frauen (von Dana Kavelina), eine Videoarbeit mit Found Footage von Minenarbeitern im Donbass (von Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ebenso wie eine neue Arbeit über die aktuellen Bombenangriffe seit Februar 2022 derselben Autoren.

Die Ausstellung ist konzipiert von Oleksiy Radynski und Olexii Kuchanskyi und umgesetzt in Zusammenarbeit mit Annette Amberg.

To Watch the War est un forum pour l'image en mouvement qui explore les développements du cinéma et de la vidéo expérimentaux pendant l'invasion russe de l'Ukraine. L'invasion a commencé en 2014 avec la tentative de réprimer le soulèvement populaire de Maidan et s'est transformée en une guerre généralisée en 2022.

L'exposition collective présente différentes approches et méthodes cinématographiques pour aborder la situation politique et culturelle du pays. On y verra notamment des travaux vidéo de la scène cinématographique de Marioupol, très active avant la destruction de la ville (de Zoya Laktionova, Sashko Protyah, etc.), un essai cinématographique surréaliste sur les expériences de guerre et les traumatismes des femmes (de Dana Kavelina), un travail vidéo avec des found footage de mineurs dans le Donbass (d'Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ainsi qu'un nouveau travail sur les bombardements actuels depuis février 2022 des mêmes auteurs.

L'exposition a été conçue par Oleksiy Radynski et Olexii Kuchanskyi et réalisée en collaboration avec Annette Amberg.

To Watch the War è un forum per l'immagine in movimento che esplora gli sviluppi delle opere cinematografiche e video sperimentali durante l'invasione russa dell'Ucraina. L'invasione è iniziata nel 2014 con il tentativo di sedare la rivolta popolare di Maidan e si è espansa in una guerra totale nel 2022.

La mostra collettiva presenta diversi approcci e metodi cinematografici per affrontare le condizioni politiche e culturali del Paese. Tra gli altri, saranno proiettati lavori video sulla scena cinematografica molto attiva di Mariupol prima della distruzione della città (di Zoya Laktionova, Sashko Protyah, a.o.), un film saggio surreale sulle esperienze di guerra e sui traumi delle donne (di Dana Kavelina), un lavoro video con filmati trovati di lavoratori delle miniere nel Donbass (di Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) e un nuovo lavoro sugli attuali bombardamenti dal febbraio 2022 degli stessi autori.

La mostra è ideata da Oleksiy Radynski e Olexii Kuchanskyi e realizzata in collaborazione con Annette Amberg.

To Watch the War is a forum for the moving image that explores the developments of experimental film and video work during the Russian invasion of Ukraine. The invasion began in 2014 with an attempt to put down the Maidan popular uprising and expanded into full-scale war in 2022.

The group exhibition presents various cinematic approaches and methods to engage with the political and cultural conditions in the country. Among others, video works of Mariupol's film scene, which was very active before the destruction of the city, will be shown (by Zoya Laktionova, Sashko Protyah, among others), a surreal film essay about women's war experiences and traumas (by Dana Kavelina), a video work with found footage of mine workers in Donbass (by Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) as well as a new work about the current bombings since February 2022 by the same authors.

The exhibition is conceived by Oleksiy Radynski and Olexii Kuchanskyi and realized in collaboration with Annette Amberg.

(Text: Coalmine, Winterthur)

Coalmine | Winterthur
12. November 2022

Kurzführung durch die Ausstellung in deutscher und englischer Sprache.
In Kollaboration mit den Int. Kurzfilmtagen Winterthur

To Watch the War – The Moving Image Amidst the Invasion of Ukraine (2014–2022)

Dana Kavelina, Oksana Kazmina, Myro Klochko & AnatoliyTatarenko, Roman Himey&Yarema Malaschuk, Lisa Hoffman, Yuriy Hrystyna, Zoya Laktionova,Sashko Protyah, Vasyl (Tkachenko) Lyakh, Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky, Mykola Ridnyi, ruїns collective, Elias Parvulesco, Anna Scherbyna & Valentyna Petrova, Hito Steyerl, Oleksandr Surovtsov

To Watch the War ist ein Forum für das bewegte Bild, das die Entwicklungen experimenteller Film- und Videoarbeit während der russischen Invasion der Ukraine erkundet. Die Invasion begann 2014 mit dem Versuch, den Volksaufstand des Maidan niederzuschlagen, und weitete sich im Jahr 2022 zu einem umfassenden Krieg aus.

Die Gruppenausstellung präsentiert verschiedene filmische Ansätze und Methoden sich mit den politischen und kulturellen Verhältnissen im Land auseinanderzusetzen. Unter anderem werden Videoarbeiten der vor der Zerstörung der Stadt sehr aktiven Filmszene Mariupols zu sehen sein (von Zoya Laktionova, Sashko Protyah, u.a.), ein surrealer Filmessay über die Kriegserfahrungen und Traumata von Frauen (von Dana Kavelina), eine Videoarbeit mit Found Footage von Minenarbeitern im Donbass (von Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ebenso wie eine neue Arbeit über die aktuellen Bombenangriffe seit Februar 2022 derselben Autoren.

Die Ausstellung ist konzipiert von Oleksiy Radynski und Olexii Kuchanskyi und umgesetzt in Zusammenarbeit mit Annette Amberg.

To Watch the War est un forum pour l'image en mouvement qui explore les développements du cinéma et de la vidéo expérimentaux pendant l'invasion russe de l'Ukraine. L'invasion a commencé en 2014 avec la tentative de réprimer le soulèvement populaire de Maidan et s'est transformée en une guerre généralisée en 2022.

L'exposition collective présente différentes approches et méthodes cinématographiques pour aborder la situation politique et culturelle du pays. On y verra notamment des travaux vidéo de la scène cinématographique de Marioupol, très active avant la destruction de la ville (de Zoya Laktionova, Sashko Protyah, etc.), un essai cinématographique surréaliste sur les expériences de guerre et les traumatismes des femmes (de Dana Kavelina), un travail vidéo avec des found footage de mineurs dans le Donbass (d'Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ainsi qu'un nouveau travail sur les bombardements actuels depuis février 2022 des mêmes auteurs.

L'exposition a été conçue par Oleksiy Radynski et Olexii Kuchanskyi et réalisée en collaboration avec Annette Amberg.

To Watch the War è un forum per l'immagine in movimento che esplora gli sviluppi delle opere cinematografiche e video sperimentali durante l'invasione russa dell'Ucraina. L'invasione è iniziata nel 2014 con il tentativo di sedare la rivolta popolare di Maidan e si è espansa in una guerra totale nel 2022.

La mostra collettiva presenta diversi approcci e metodi cinematografici per affrontare le condizioni politiche e culturali del Paese. Tra gli altri, saranno proiettati lavori video sulla scena cinematografica molto attiva di Mariupol prima della distruzione della città (di Zoya Laktionova, Sashko Protyah, a.o.), un film saggio surreale sulle esperienze di guerra e sui traumi delle donne (di Dana Kavelina), un lavoro video con filmati trovati di lavoratori delle miniere nel Donbass (di Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) e un nuovo lavoro sugli attuali bombardamenti dal febbraio 2022 degli stessi autori.

La mostra è ideata da Oleksiy Radynski e Olexii Kuchanskyi e realizzata in collaborazione con Annette Amberg.

To Watch the War is a forum for the moving image that explores the developments of experimental film and video work during the Russian invasion of Ukraine. The invasion began in 2014 with an attempt to put down the Maidan popular uprising and expanded into full-scale war in 2022.

The group exhibition presents various cinematic approaches and methods to engage with the political and cultural conditions in the country. Among others, video works of Mariupol's film scene, which was very active before the destruction of the city, will be shown (by Zoya Laktionova, Sashko Protyah, among others), a surreal film essay about women's war experiences and traumas (by Dana Kavelina), a video work with found footage of mine workers in Donbass (by Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) as well as a new work about the current bombings since February 2022 by the same authors.

The exhibition is conceived by Oleksiy Radynski and Olexii Kuchanskyi and realized in collaboration with Annette Amberg.

(Text: Coalmine, Winterthur)

Coalmine | Winterthur
12. November 2022

Kurzführung durch die Ausstellung in deutscher und englischer Sprache.
In Kollaboration mit den Int. Kurzfilmtagen Winterthur

To Watch the War – The Moving Image Amidst the Invasion of Ukraine (2014–2022)

Dana Kavelina, Oksana Kazmina, Myro Klochko & AnatoliyTatarenko, Roman Himey&Yarema Malaschuk, Lisa Hoffman, Yuriy Hrystyna, Zoya Laktionova,Sashko Protyah, Vasyl (Tkachenko) Lyakh, Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky, Mykola Ridnyi, ruїns collective, Elias Parvulesco, Anna Scherbyna & Valentyna Petrova, Hito Steyerl, Oleksandr Surovtsov

To Watch the War ist ein Forum für das bewegte Bild, das die Entwicklungen experimenteller Film- und Videoarbeit während der russischen Invasion der Ukraine erkundet. Die Invasion begann 2014 mit dem Versuch, den Volksaufstand des Maidan niederzuschlagen, und weitete sich im Jahr 2022 zu einem umfassenden Krieg aus.

Die Gruppenausstellung präsentiert verschiedene filmische Ansätze und Methoden sich mit den politischen und kulturellen Verhältnissen im Land auseinanderzusetzen. Unter anderem werden Videoarbeiten der vor der Zerstörung der Stadt sehr aktiven Filmszene Mariupols zu sehen sein (von Zoya Laktionova, Sashko Protyah, u.a.), ein surrealer Filmessay über die Kriegserfahrungen und Traumata von Frauen (von Dana Kavelina), eine Videoarbeit mit Found Footage von Minenarbeitern im Donbass (von Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ebenso wie eine neue Arbeit über die aktuellen Bombenangriffe seit Februar 2022 derselben Autoren.

Die Ausstellung ist konzipiert von Oleksiy Radynski und Olexii Kuchanskyi und umgesetzt in Zusammenarbeit mit Annette Amberg.

To Watch the War est un forum pour l'image en mouvement qui explore les développements du cinéma et de la vidéo expérimentaux pendant l'invasion russe de l'Ukraine. L'invasion a commencé en 2014 avec la tentative de réprimer le soulèvement populaire de Maidan et s'est transformée en une guerre généralisée en 2022.

L'exposition collective présente différentes approches et méthodes cinématographiques pour aborder la situation politique et culturelle du pays. On y verra notamment des travaux vidéo de la scène cinématographique de Marioupol, très active avant la destruction de la ville (de Zoya Laktionova, Sashko Protyah, etc.), un essai cinématographique surréaliste sur les expériences de guerre et les traumatismes des femmes (de Dana Kavelina), un travail vidéo avec des found footage de mineurs dans le Donbass (d'Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ainsi qu'un nouveau travail sur les bombardements actuels depuis février 2022 des mêmes auteurs.

L'exposition a été conçue par Oleksiy Radynski et Olexii Kuchanskyi et réalisée en collaboration avec Annette Amberg.

To Watch the War è un forum per l'immagine in movimento che esplora gli sviluppi delle opere cinematografiche e video sperimentali durante l'invasione russa dell'Ucraina. L'invasione è iniziata nel 2014 con il tentativo di sedare la rivolta popolare di Maidan e si è espansa in una guerra totale nel 2022.

La mostra collettiva presenta diversi approcci e metodi cinematografici per affrontare le condizioni politiche e culturali del Paese. Tra gli altri, saranno proiettati lavori video sulla scena cinematografica molto attiva di Mariupol prima della distruzione della città (di Zoya Laktionova, Sashko Protyah, a.o.), un film saggio surreale sulle esperienze di guerra e sui traumi delle donne (di Dana Kavelina), un lavoro video con filmati trovati di lavoratori delle miniere nel Donbass (di Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) e un nuovo lavoro sugli attuali bombardamenti dal febbraio 2022 degli stessi autori.

La mostra è ideata da Oleksiy Radynski e Olexii Kuchanskyi e realizzata in collaborazione con Annette Amberg.

To Watch the War is a forum for the moving image that explores the developments of experimental film and video work during the Russian invasion of Ukraine. The invasion began in 2014 with an attempt to put down the Maidan popular uprising and expanded into full-scale war in 2022.

The group exhibition presents various cinematic approaches and methods to engage with the political and cultural conditions in the country. Among others, video works of Mariupol's film scene, which was very active before the destruction of the city, will be shown (by Zoya Laktionova, Sashko Protyah, among others), a surreal film essay about women's war experiences and traumas (by Dana Kavelina), a video work with found footage of mine workers in Donbass (by Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) as well as a new work about the current bombings since February 2022 by the same authors.

The exhibition is conceived by Oleksiy Radynski and Olexii Kuchanskyi and realized in collaboration with Annette Amberg.

(Text: Coalmine, Winterthur)

Coalmine | Winterthur
10. November 2022

Kurzführung durch die Ausstellung in deutscher und englischer Sprache.
In Kollaboration mit den Int. Kurzfilmtagen Winterthur

To Watch the War – The Moving Image Amidst the Invasion of Ukraine (2014–2022)

Dana Kavelina, Oksana Kazmina, Myro Klochko & AnatoliyTatarenko, Roman Himey&Yarema Malaschuk, Lisa Hoffman, Yuriy Hrystyna, Zoya Laktionova,Sashko Protyah, Vasyl (Tkachenko) Lyakh, Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky, Mykola Ridnyi, ruїns collective, Elias Parvulesco, Anna Scherbyna & Valentyna Petrova, Hito Steyerl, Oleksandr Surovtsov

To Watch the War ist ein Forum für das bewegte Bild, das die Entwicklungen experimenteller Film- und Videoarbeit während der russischen Invasion der Ukraine erkundet. Die Invasion begann 2014 mit dem Versuch, den Volksaufstand des Maidan niederzuschlagen, und weitete sich im Jahr 2022 zu einem umfassenden Krieg aus.

Die Gruppenausstellung präsentiert verschiedene filmische Ansätze und Methoden sich mit den politischen und kulturellen Verhältnissen im Land auseinanderzusetzen. Unter anderem werden Videoarbeiten der vor der Zerstörung der Stadt sehr aktiven Filmszene Mariupols zu sehen sein (von Zoya Laktionova, Sashko Protyah, u.a.), ein surrealer Filmessay über die Kriegserfahrungen und Traumata von Frauen (von Dana Kavelina), eine Videoarbeit mit Found Footage von Minenarbeitern im Donbass (von Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ebenso wie eine neue Arbeit über die aktuellen Bombenangriffe seit Februar 2022 derselben Autoren.

Die Ausstellung ist konzipiert von Oleksiy Radynski und Olexii Kuchanskyi und umgesetzt in Zusammenarbeit mit Annette Amberg.

To Watch the War est un forum pour l'image en mouvement qui explore les développements du cinéma et de la vidéo expérimentaux pendant l'invasion russe de l'Ukraine. L'invasion a commencé en 2014 avec la tentative de réprimer le soulèvement populaire de Maidan et s'est transformée en une guerre généralisée en 2022.

L'exposition collective présente différentes approches et méthodes cinématographiques pour aborder la situation politique et culturelle du pays. On y verra notamment des travaux vidéo de la scène cinématographique de Marioupol, très active avant la destruction de la ville (de Zoya Laktionova, Sashko Protyah, etc.), un essai cinématographique surréaliste sur les expériences de guerre et les traumatismes des femmes (de Dana Kavelina), un travail vidéo avec des found footage de mineurs dans le Donbass (d'Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ainsi qu'un nouveau travail sur les bombardements actuels depuis février 2022 des mêmes auteurs.

L'exposition a été conçue par Oleksiy Radynski et Olexii Kuchanskyi et réalisée en collaboration avec Annette Amberg.

To Watch the War è un forum per l'immagine in movimento che esplora gli sviluppi delle opere cinematografiche e video sperimentali durante l'invasione russa dell'Ucraina. L'invasione è iniziata nel 2014 con il tentativo di sedare la rivolta popolare di Maidan e si è espansa in una guerra totale nel 2022.

La mostra collettiva presenta diversi approcci e metodi cinematografici per affrontare le condizioni politiche e culturali del Paese. Tra gli altri, saranno proiettati lavori video sulla scena cinematografica molto attiva di Mariupol prima della distruzione della città (di Zoya Laktionova, Sashko Protyah, a.o.), un film saggio surreale sulle esperienze di guerra e sui traumi delle donne (di Dana Kavelina), un lavoro video con filmati trovati di lavoratori delle miniere nel Donbass (di Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) e un nuovo lavoro sugli attuali bombardamenti dal febbraio 2022 degli stessi autori.

La mostra è ideata da Oleksiy Radynski e Olexii Kuchanskyi e realizzata in collaborazione con Annette Amberg.

To Watch the War is a forum for the moving image that explores the developments of experimental film and video work during the Russian invasion of Ukraine. The invasion began in 2014 with an attempt to put down the Maidan popular uprising and expanded into full-scale war in 2022.

The group exhibition presents various cinematic approaches and methods to engage with the political and cultural conditions in the country. Among others, video works of Mariupol's film scene, which was very active before the destruction of the city, will be shown (by Zoya Laktionova, Sashko Protyah, among others), a surreal film essay about women's war experiences and traumas (by Dana Kavelina), a video work with found footage of mine workers in Donbass (by Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) as well as a new work about the current bombings since February 2022 by the same authors.

The exhibition is conceived by Oleksiy Radynski and Olexii Kuchanskyi and realized in collaboration with Annette Amberg.

(Text: Coalmine, Winterthur)

Coalmine | Winterthur
10. November 2022

Kurzführung durch die Ausstellung in deutscher und englischer Sprache.
In Kollaboration mit den Int. Kurzfilmtagen Winterthur

To Watch the War – The Moving Image Amidst the Invasion of Ukraine (2014–2022)

Dana Kavelina, Oksana Kazmina, Myro Klochko & AnatoliyTatarenko, Roman Himey&Yarema Malaschuk, Lisa Hoffman, Yuriy Hrystyna, Zoya Laktionova,Sashko Protyah, Vasyl (Tkachenko) Lyakh, Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky, Mykola Ridnyi, ruїns collective, Elias Parvulesco, Anna Scherbyna & Valentyna Petrova, Hito Steyerl, Oleksandr Surovtsov

To Watch the War ist ein Forum für das bewegte Bild, das die Entwicklungen experimenteller Film- und Videoarbeit während der russischen Invasion der Ukraine erkundet. Die Invasion begann 2014 mit dem Versuch, den Volksaufstand des Maidan niederzuschlagen, und weitete sich im Jahr 2022 zu einem umfassenden Krieg aus.

Die Gruppenausstellung präsentiert verschiedene filmische Ansätze und Methoden sich mit den politischen und kulturellen Verhältnissen im Land auseinanderzusetzen. Unter anderem werden Videoarbeiten der vor der Zerstörung der Stadt sehr aktiven Filmszene Mariupols zu sehen sein (von Zoya Laktionova, Sashko Protyah, u.a.), ein surrealer Filmessay über die Kriegserfahrungen und Traumata von Frauen (von Dana Kavelina), eine Videoarbeit mit Found Footage von Minenarbeitern im Donbass (von Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ebenso wie eine neue Arbeit über die aktuellen Bombenangriffe seit Februar 2022 derselben Autoren.

Die Ausstellung ist konzipiert von Oleksiy Radynski und Olexii Kuchanskyi und umgesetzt in Zusammenarbeit mit Annette Amberg.

To Watch the War est un forum pour l'image en mouvement qui explore les développements du cinéma et de la vidéo expérimentaux pendant l'invasion russe de l'Ukraine. L'invasion a commencé en 2014 avec la tentative de réprimer le soulèvement populaire de Maidan et s'est transformée en une guerre généralisée en 2022.

L'exposition collective présente différentes approches et méthodes cinématographiques pour aborder la situation politique et culturelle du pays. On y verra notamment des travaux vidéo de la scène cinématographique de Marioupol, très active avant la destruction de la ville (de Zoya Laktionova, Sashko Protyah, etc.), un essai cinématographique surréaliste sur les expériences de guerre et les traumatismes des femmes (de Dana Kavelina), un travail vidéo avec des found footage de mineurs dans le Donbass (d'Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) ainsi qu'un nouveau travail sur les bombardements actuels depuis février 2022 des mêmes auteurs.

L'exposition a été conçue par Oleksiy Radynski et Olexii Kuchanskyi et réalisée en collaboration avec Annette Amberg.

To Watch the War è un forum per l'immagine in movimento che esplora gli sviluppi delle opere cinematografiche e video sperimentali durante l'invasione russa dell'Ucraina. L'invasione è iniziata nel 2014 con il tentativo di sedare la rivolta popolare di Maidan e si è espansa in una guerra totale nel 2022.

La mostra collettiva presenta diversi approcci e metodi cinematografici per affrontare le condizioni politiche e culturali del Paese. Tra gli altri, saranno proiettati lavori video sulla scena cinematografica molto attiva di Mariupol prima della distruzione della città (di Zoya Laktionova, Sashko Protyah, a.o.), un film saggio surreale sulle esperienze di guerra e sui traumi delle donne (di Dana Kavelina), un lavoro video con filmati trovati di lavoratori delle miniere nel Donbass (di Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) e un nuovo lavoro sugli attuali bombardamenti dal febbraio 2022 degli stessi autori.

La mostra è ideata da Oleksiy Radynski e Olexii Kuchanskyi e realizzata in collaborazione con Annette Amberg.

To Watch the War is a forum for the moving image that explores the developments of experimental film and video work during the Russian invasion of Ukraine. The invasion began in 2014 with an attempt to put down the Maidan popular uprising and expanded into full-scale war in 2022.

The group exhibition presents various cinematic approaches and methods to engage with the political and cultural conditions in the country. Among others, video works of Mariupol's film scene, which was very active before the destruction of the city, will be shown (by Zoya Laktionova, Sashko Protyah, among others), a surreal film essay about women's war experiences and traumas (by Dana Kavelina), a video work with found footage of mine workers in Donbass (by Andriy Rachynsky & Daniil Revkovsky) as well as a new work about the current bombings since February 2022 by the same authors.

The exhibition is conceived by Oleksiy Radynski and Olexii Kuchanskyi and realized in collaboration with Annette Amberg.

(Text: Coalmine, Winterthur)

König Büro | Zürich
11. Juni 2022

Endlichkeit der Tiefe
Claudio Rasano

Die Fotografien von Claudio Rasano (*1970) berühren. Schnörkellos und direkt portraitiert er Landschaften wie Menschen: In sich ruhend, verletzlich und unausweichlich. Präzis schält der Baseler Künstler das Wesen heraus, bis auf den Kern, bis zum Grundsätzlichen. Die Ausstellung "Endlichkeit der Tiefe" zeigt analoge Mittelformat-Aufnahmen aus Südafrika, Italien und der Schweiz.

Les photographies de Claudio Rasano (*1970) sont touchantes. Sans fioritures et de manière directe, il dépeint des paysages et des personnes : Tranquilles, vulnérables et inéluctables. L'artiste bâlois en extrait l'essence avec précision, jusqu'au noyau, jusqu'au fondamental. L'exposition "Finitude de la profondeur" présente des photos analogiques moyen format d'Afrique du Sud, d'Italie et de Suisse.

Le fotografie di Claudio Rasano (*1970) sono toccanti. Senza fronzoli e in modo diretto, ritrae i paesaggi così come le persone: Dormiente, vulnerabile e ineluttabile. L'artista di Basilea scrosta con precisione l'essenza, fino al nucleo, fino al fondamentale. La mostra "Finitude of Depth" espone fotografie analogiche di medio formato provenienti dal Sudafrica, dall'Italia e dalla Svizzera.

The photographs of Claudio Rasano (*1970) are touching. Straightforward and direct, he portrays landscapes as well as people: Dormant, vulnerable and inescapable. The Basel artist precisely peels out the essence, down to the core, to the fundamental. The exhibition "Finitude of Depth" shows analog medium format photographs from South Africa, Italy and Switzerland.

(Text: König Büro, Zürich)

St. Moritz Design Gallery
13. Februar 2022

Art Tour mit der Kuratorin Melody Gygax

Ski Runs & Champagne Dreams
Werner Bischof, Burt Glinn, Thomas Hoepker, René Burri, Martin Parr, Paolo Pellegrin, Alex Majoli

In der St. Moritz Design Gallery entlang der Fussgänger-Passage vom Badrutt’s Palace Hotel zum See hinunter sind 31 grosse beleuchtete Vitrinen eingebaut, in denen wechselnde Ausstellungen mit wertvollen Plakaten und Fotografien realisiert werden. Diese Wintersaison erwartet die Besucher eine besondere Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der renommierten Fotoagentur Magnum Photos entstanden ist. Unter dem Titel «Ski Runs & Champagne Dreams» sind Bilder der Fotografen Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin und Alex Majoli zu sehen. Gemeinsam und generationsübergreifend ergeben die 31 visuellen Kurzgeschichten ein bemerkenswert schönes, heiteres und manchmal poetisches Porträt des Lebens in der Geburtsstätte des Wintertourismus.

Von Bischoff bis Glinn
Die fotografische Zeitreise beginnt in den späten Vierzigerjahren mit Skibildern des Schweizers Werner Bischoff. Es folgen Fotografien des Amerikaners Burt Glinn, der das gesellschaftliche Leben in St. Moritz ab den späten Fünfzigerjahren von ganz Nahem einzufangen wusste: Da ist etwa der Butler von Sr. Arturo Lopez, der das Privatflugzeug seines Chefs mit Champagnerflaschen belädt. Oder die amerikanische Gossip-Kolumnistin Elsa Maxwell, die im Corviglia Club zur „Queen of the glamour girls“ gekrönt wird. Zum Titelbild der Ausstellung geschafft hat es eine Glinn-Aufnahme von 1959 im Badrutt’s Palace Hotel: Darauf zu sehen ist eine im Bett liegende Frau, die trinkend und rauchend eine Massage geniesst. Das Bild symbolisiert wie kein zweites die Extravaganz, die
St. Moritz schon immer ausgezeichnet hat.

Und Hoepker bis Majoli
Nach Glinn wartet der deutsche Fotograf Thomas Hoepker mit einem starken Bild von 1965 auf: Zu sehen ist der bekannte Industrielle, Fotograf und Playboy Gunter Sachs beim Warten auf seine nächste Abfahrt am Cresta Run. Auf Hoepker folgt der Schweizer René Burri, der mit Fotografien des Engadin Skimarathons für eine sportliche Note sorgt. Der nächste Szenenwechsel könnte nicht grösser sein, denn Martin Parrs Bilder von Skifahrern auf der Corviglia verströmen seinen typisch persönlichen, humorvollen und anthropologischen Blick auf Situationen des Alltags. Den Abschluss machen Fotografien der Italiener Paolo Pellegrin und Alex Majoli, die mit ihren Naturbildern für eine ruhige und poetische Abrundung der Ausstellung sorgen.

Die Ausstellung wurde von Melody Gygax kuratiert.

Moritz Design Gallery, le long du passage piéton qui descend de l'hôtel Badrutt's Palace vers le lac, 31 grandes vitrines éclairées ont été installées pour réaliser des expositions temporaires d'affiches et de photographies de valeur. Cette saison d'hiver, une exposition particulière attend les visiteurs, réalisée en collaboration avec la célèbre agence de photographie Magnum Photos. Intitulée "Ski Runs & Champagne Dreams", elle présente des images des photographes Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin et Alex Majoli. Ensemble et toutes générations confondues, ces 31 courtes histoires visuelles forment un portrait remarquablement beau, joyeux et parfois poétique de la vie dans le lieu de naissance du tourisme hivernal.

De Bischoff à Glinn
Le voyage photographique dans le temps commence à la fin des années quarante avec des photos de ski du Suisse Werner Bischoff. Viennent ensuite les photographies de l'Américain Burt Glinn, qui a su saisir de très près la vie sociale à St-Moritz à partir de la fin des années cinquante : on y voit par exemple le majordome de Sr Arturo Lopez, qui charge l'avion privé de son patron de bouteilles de champagne. Ou encore la chroniqueuse américaine de gossips Elsa Maxwell, qui est couronnée "Queen of the glamour girls" au Corviglia Club. C'est une photo de Glinn prise en 1959 au Badrutt's Palace Hotel qui a fait la couverture de l'exposition : on y voit une femme allongée sur un lit, qui boit et fume en se faisant masser. Cette image symbolise mieux que toute autre l'extravagance qui a toujours caractérisé St-Moritz.

Et de Hoepker à Majoli
Après Glinn, le photographe allemand Thomas Hoepker nous offre une image forte de 1965 : On y voit le célèbre industriel, photographe et playboy Gunter Sachs en train d'attendre sa prochaine descente au Cresta Run. Hoepker est suivi par le Suisse René Burri, qui apporte une touche sportive avec des photographies du marathon de ski de l'Engadine. Le changement de décor suivant ne pourrait pas être plus grand, car les images de Martin Parr sur des skieurs à Corviglia dégagent son regard typiquement personnel, humoristique et anthropologique sur des situations du quotidien. L'exposition se termine par les photographies des Italiens Paolo Pellegrin et Alex Majoli, dont les images de la nature apportent une touche de calme et de poésie.

L'exposition a été curatée par Melody Gygax.

Nella St. Moritz Design Gallery, lungo il passaggio pedonale dal Badrutt's Palace Hotel fino al lago, sono installate 31 grandi vetrine illuminate in cui vengono realizzate mostre mutevoli di manifesti e fotografie di valore. Questa stagione invernale, i visitatori potranno ammirare una mostra speciale creata in collaborazione con la rinomata agenzia fotografica Magnum Photos. Intitolata "Ski Runs & Champagne Dreams", presenta immagini dei fotografi Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin e Alex Majoli. Insieme e attraverso le generazioni, i 31 racconti visivi creano un ritratto straordinariamente bello, sereno e talvolta poetico della vita nel luogo di nascita del turismo invernale.

Da Bischoff a Glinn
Il viaggio fotografico nel tempo inizia alla fine degli anni 40 con le immagini di sci dello svizzero Werner Bischoff. Seguono le fotografie dell'americano Burt Glinn, che ha saputo cogliere da molto vicino la vita sociale di St. Moritz a partire dalla fine degli anni 50: c'è il maggiordomo di Sr. Arturo Lopez, per esempio, che carica di bottiglie di champagne l'aereo privato del suo capo. O la giornalista americana di gossip Elsa Maxwell, che viene incoronata "Regina delle ragazze glamour" nel Club Corviglia. Una fotografia di Glinn scattata nel 1959 al Badrutt's Palace Hotel è finita sulla copertina della mostra: mostra una donna sdraiata a letto, che beve e fuma mentre si gode un massaggio. Come nessun altro, il quadro simboleggia la stravaganza che ha sempre caratterizzato St.

E Hoepker a Majoli
Dopo Glinn, il fotografo tedesco Thomas Hoepker si presenta con un'immagine forte del 1965: Il famoso industriale, fotografo e playboy Gunter Sachs può essere visto in attesa della sua prossima discesa alla Cresta Run. Hoepker è seguito dallo svizzero René Burri, che aggiunge un tocco sportivo con fotografie della maratona di sci dell'Engadina. Il prossimo cambio di scenario non potrebbe essere maggiore, poiché le immagini di Martin Parr degli sciatori sul Corviglia trasudano la sua visione tipicamente personale, umoristica e antropologica delle situazioni quotidiane. La mostra si conclude con le fotografie degli italiani Paolo Pellegrin e Alex Majoli, le cui immagini della natura completano la mostra con calma e poesia.

La mostra è stata curata da Melody Gygax.

In the St. Moritz Design Gallery along the pedestrian passage from Badrutt's Palace Hotel down to the lake, 31 large illuminated showcases are installed, in which changing exhibitions of valuable posters and photographs are realized. This winter season, a special exhibition awaits visitors, created in collaboration with the renowned photo agency Magnum Photos. Entitled "Ski Runs & Champagne Dreams", it features images by photographers Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin and Alex Majoli. Together and spanning generations, the 31 visual short stories create a remarkably beautiful, serene and sometimes poetic portrait of life in the birthplace of winter tourism.

From Bischoff to GlinnThe photographic journey through time begins in the late 1940s with ski images by Swiss Werner Bischoff. This is followed by photographs by the American Burt Glinn, who was able to capture the social life in St. Moritz from the late 1950s onwards from very close up: there is Sr. Arturo Lopez's butler, for example, loading his boss's private plane with champagne bottles. Or the American gossip columnist Elsa Maxwell, who is crowned "Queen of the glamour girls" at the Corviglia Club. A Glinn photograph taken in 1959 at the Badrutt's Palace Hotel has made it to the cover of the exhibition: it shows a woman lying in bed, drinking and smoking while enjoying a massage. The picture symbolizes like no other the extravagance that has always characterized St. Moritz.

And Hoepker to MajoliAfter Glinn, the German photographer Thomas Hoepker comes up with a strong picture from 1965: The famous industrialist, photographer and playboy Gunter Sachs can be seen waiting for his next descent at Cresta Run. Hoepker is followed by the Swiss René Burri, who adds a sporty touch with photographs of the Engadin Ski Marathon. The next change of scenery couldn't be bigger, as Martin Parr's images of skiers on Corviglia exude his typically personal, humorous and anthropological take on everyday situations. The exhibition concludes with photographs by Italians Paolo Pellegrin and Alex Majoli, whose images of nature provide a tranquil and poetic rounding of the exhibition.

The exhibition was curated by Melody Gygax.

(Text: St. Moritz Tourismus)

St. Moritz Design Gallery
15. Januar 2022

Art Tour mit der Kuratorin Melody Gygax

Ski Runs & Champagne Dreams
Werner Bischof, Burt Glinn, Thomas Hoepker, René Burri, Martin Parr, Paolo Pellegrin, Alex Majoli

In der St. Moritz Design Gallery entlang der Fussgänger-Passage vom Badrutt’s Palace Hotel zum See hinunter sind 31 grosse beleuchtete Vitrinen eingebaut, in denen wechselnde Ausstellungen mit wertvollen Plakaten und Fotografien realisiert werden. Diese Wintersaison erwartet die Besucher eine besondere Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der renommierten Fotoagentur Magnum Photos entstanden ist. Unter dem Titel «Ski Runs & Champagne Dreams» sind Bilder der Fotografen Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin und Alex Majoli zu sehen. Gemeinsam und generationsübergreifend ergeben die 31 visuellen Kurzgeschichten ein bemerkenswert schönes, heiteres und manchmal poetisches Porträt des Lebens in der Geburtsstätte des Wintertourismus.

Von Bischoff bis Glinn
Die fotografische Zeitreise beginnt in den späten Vierzigerjahren mit Skibildern des Schweizers Werner Bischoff. Es folgen Fotografien des Amerikaners Burt Glinn, der das gesellschaftliche Leben in St. Moritz ab den späten Fünfzigerjahren von ganz Nahem einzufangen wusste: Da ist etwa der Butler von Sr. Arturo Lopez, der das Privatflugzeug seines Chefs mit Champagnerflaschen belädt. Oder die amerikanische Gossip-Kolumnistin Elsa Maxwell, die im Corviglia Club zur „Queen of the glamour girls“ gekrönt wird. Zum Titelbild der Ausstellung geschafft hat es eine Glinn-Aufnahme von 1959 im Badrutt’s Palace Hotel: Darauf zu sehen ist eine im Bett liegende Frau, die trinkend und rauchend eine Massage geniesst. Das Bild symbolisiert wie kein zweites die Extravaganz, die
St. Moritz schon immer ausgezeichnet hat.

Und Hoepker bis Majoli
Nach Glinn wartet der deutsche Fotograf Thomas Hoepker mit einem starken Bild von 1965 auf: Zu sehen ist der bekannte Industrielle, Fotograf und Playboy Gunter Sachs beim Warten auf seine nächste Abfahrt am Cresta Run. Auf Hoepker folgt der Schweizer René Burri, der mit Fotografien des Engadin Skimarathons für eine sportliche Note sorgt. Der nächste Szenenwechsel könnte nicht grösser sein, denn Martin Parrs Bilder von Skifahrern auf der Corviglia verströmen seinen typisch persönlichen, humorvollen und anthropologischen Blick auf Situationen des Alltags. Den Abschluss machen Fotografien der Italiener Paolo Pellegrin und Alex Majoli, die mit ihren Naturbildern für eine ruhige und poetische Abrundung der Ausstellung sorgen.

Die Ausstellung wurde von Melody Gygax kuratiert.

Moritz Design Gallery, le long du passage piéton qui descend de l'hôtel Badrutt's Palace vers le lac, 31 grandes vitrines éclairées ont été installées pour réaliser des expositions temporaires d'affiches et de photographies de valeur. Cette saison d'hiver, une exposition particulière attend les visiteurs, réalisée en collaboration avec la célèbre agence de photographie Magnum Photos. Intitulée "Ski Runs & Champagne Dreams", elle présente des images des photographes Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin et Alex Majoli. Ensemble et toutes générations confondues, ces 31 courtes histoires visuelles forment un portrait remarquablement beau, joyeux et parfois poétique de la vie dans le lieu de naissance du tourisme hivernal.

De Bischoff à Glinn
Le voyage photographique dans le temps commence à la fin des années quarante avec des photos de ski du Suisse Werner Bischoff. Viennent ensuite les photographies de l'Américain Burt Glinn, qui a su saisir de très près la vie sociale à St-Moritz à partir de la fin des années cinquante : on y voit par exemple le majordome de Sr Arturo Lopez, qui charge l'avion privé de son patron de bouteilles de champagne. Ou encore la chroniqueuse américaine de gossips Elsa Maxwell, qui est couronnée "Queen of the glamour girls" au Corviglia Club. C'est une photo de Glinn prise en 1959 au Badrutt's Palace Hotel qui a fait la couverture de l'exposition : on y voit une femme allongée sur un lit, qui boit et fume en se faisant masser. Cette image symbolise mieux que toute autre l'extravagance qui a toujours caractérisé St-Moritz.

Et de Hoepker à Majoli
Après Glinn, le photographe allemand Thomas Hoepker nous offre une image forte de 1965 : On y voit le célèbre industriel, photographe et playboy Gunter Sachs en train d'attendre sa prochaine descente au Cresta Run. Hoepker est suivi par le Suisse René Burri, qui apporte une touche sportive avec des photographies du marathon de ski de l'Engadine. Le changement de décor suivant ne pourrait pas être plus grand, car les images de Martin Parr sur des skieurs à Corviglia dégagent son regard typiquement personnel, humoristique et anthropologique sur des situations du quotidien. L'exposition se termine par les photographies des Italiens Paolo Pellegrin et Alex Majoli, dont les images de la nature apportent une touche de calme et de poésie.

L'exposition a été curatée par Melody Gygax.

Nella St. Moritz Design Gallery, lungo il passaggio pedonale dal Badrutt's Palace Hotel fino al lago, sono installate 31 grandi vetrine illuminate in cui vengono realizzate mostre mutevoli di manifesti e fotografie di valore. Questa stagione invernale, i visitatori potranno ammirare una mostra speciale creata in collaborazione con la rinomata agenzia fotografica Magnum Photos. Intitolata "Ski Runs & Champagne Dreams", presenta immagini dei fotografi Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin e Alex Majoli. Insieme e attraverso le generazioni, i 31 racconti visivi creano un ritratto straordinariamente bello, sereno e talvolta poetico della vita nel luogo di nascita del turismo invernale.

Da Bischoff a Glinn
Il viaggio fotografico nel tempo inizia alla fine degli anni 40 con le immagini di sci dello svizzero Werner Bischoff. Seguono le fotografie dell'americano Burt Glinn, che ha saputo cogliere da molto vicino la vita sociale di St. Moritz a partire dalla fine degli anni 50: c'è il maggiordomo di Sr. Arturo Lopez, per esempio, che carica di bottiglie di champagne l'aereo privato del suo capo. O la giornalista americana di gossip Elsa Maxwell, che viene incoronata "Regina delle ragazze glamour" nel Club Corviglia. Una fotografia di Glinn scattata nel 1959 al Badrutt's Palace Hotel è finita sulla copertina della mostra: mostra una donna sdraiata a letto, che beve e fuma mentre si gode un massaggio. Come nessun altro, il quadro simboleggia la stravaganza che ha sempre caratterizzato St.

E Hoepker a Majoli
Dopo Glinn, il fotografo tedesco Thomas Hoepker si presenta con un'immagine forte del 1965: Il famoso industriale, fotografo e playboy Gunter Sachs può essere visto in attesa della sua prossima discesa alla Cresta Run. Hoepker è seguito dallo svizzero René Burri, che aggiunge un tocco sportivo con fotografie della maratona di sci dell'Engadina. Il prossimo cambio di scenario non potrebbe essere maggiore, poiché le immagini di Martin Parr degli sciatori sul Corviglia trasudano la sua visione tipicamente personale, umoristica e antropologica delle situazioni quotidiane. La mostra si conclude con le fotografie degli italiani Paolo Pellegrin e Alex Majoli, le cui immagini della natura completano la mostra con calma e poesia.

La mostra è stata curata da Melody Gygax.

In the St. Moritz Design Gallery along the pedestrian passage from Badrutt's Palace Hotel down to the lake, 31 large illuminated showcases are installed, in which changing exhibitions of valuable posters and photographs are realized. This winter season, a special exhibition awaits visitors, created in collaboration with the renowned photo agency Magnum Photos. Entitled "Ski Runs & Champagne Dreams", it features images by photographers Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin and Alex Majoli. Together and spanning generations, the 31 visual short stories create a remarkably beautiful, serene and sometimes poetic portrait of life in the birthplace of winter tourism.

From Bischoff to GlinnThe photographic journey through time begins in the late 1940s with ski images by Swiss Werner Bischoff. This is followed by photographs by the American Burt Glinn, who was able to capture the social life in St. Moritz from the late 1950s onwards from very close up: there is Sr. Arturo Lopez's butler, for example, loading his boss's private plane with champagne bottles. Or the American gossip columnist Elsa Maxwell, who is crowned "Queen of the glamour girls" at the Corviglia Club. A Glinn photograph taken in 1959 at the Badrutt's Palace Hotel has made it to the cover of the exhibition: it shows a woman lying in bed, drinking and smoking while enjoying a massage. The picture symbolizes like no other the extravagance that has always characterized St. Moritz.

And Hoepker to MajoliAfter Glinn, the German photographer Thomas Hoepker comes up with a strong picture from 1965: The famous industrialist, photographer and playboy Gunter Sachs can be seen waiting for his next descent at Cresta Run. Hoepker is followed by the Swiss René Burri, who adds a sporty touch with photographs of the Engadin Ski Marathon. The next change of scenery couldn't be bigger, as Martin Parr's images of skiers on Corviglia exude his typically personal, humorous and anthropological take on everyday situations. The exhibition concludes with photographs by Italians Paolo Pellegrin and Alex Majoli, whose images of nature provide a tranquil and poetic rounding of the exhibition.

The exhibition was curated by Melody Gygax.

(Text: St. Moritz Tourismus)

Galerie C | Neuchâtel
26. Januar 2022

Citizens
Christian Lutz

Zwischen 2003 und 2012 realisierte der Fotograf Christian Lutz (1973 in Genf geboren) eine Trilogie über das Thema Macht: zuerst politisch in Protokoll, dann wirtschaftlich in Tropical Gift und religiös in In Jesus' Name. Alle drei Teile wurden in einem Buch im Lars Müller Verlag veröffentlicht und die Trilogie wurde mehrfach ausgestellt. Christian Lutz absolvierte seine Ausbildung in der Kunstschule "Le 75" in Brüssel. Er trat 2007 der Agentur VU bei und war 2017 Mitbegründer der Agentur MAPS. Der Ansatz des Fotografen basiert auf einer gewissenhaften Beobachtung der Dynamiken unserer Gesellschaft. 2016 veröffentlichte er Insert Coins im Verlag André Frère und 2019 The Pearl River im Verlag Patrick Frey. Beide Serien wurden unter dem Titel Eldorado bei der 50. Ausgabe der Rencontres de la Photographies d'Arles 2019 ausgestellt.

Entre 2003 et 2012, le photographe Christian Lutz (né à Genève en 1973) réalise une trilogie sur le thème du pouvoir: politique d’abord avec Protokoll, économique dans Tropical Gift et religieux avec In Jesus’ Name. Les trois volets on chacun fait l’objet d’un livre paru aux éditions Lars Müller et la trilogie fut exposée à de nombreuses reprises. Christian Lutz s’est formé dans l’établissement artistique “le 75” à Bruxelles. Il rejoint l’agence VU en 2007 et co-fonde l’agence MAPS en 2017. La démarche du photographe se base sur une observation scrupuleuse des dynamiques de notre société. En 2016 il publie Insert Coins aux éditions André Frère et en 2019 The Pearl River aux éditions Patrick Frey. Ces deux séries ont été exposées sous le titre Eldorado lors de la 50ème édition des Rencontres de la photographies d’Arles 2019.

Tra il 2003 e il 2012, il fotografo Christian Lutz (nato a Ginevra nel 1973) ha prodotto una trilogia sul tema del potere: prima politico con Protokoll, economico in Tropical Gift e religioso con In Jesus' Name. Le tre parti sono state ciascuna oggetto di un libro pubblicato da Lars Müller e la trilogia è stata esposta in numerose occasioni. Christian Lutz si è formato all'istituto d'arte "le 75" di Bruxelles. È entrato nell'agenzia VU nel 2007 e ha co-fondato l'agenzia MAPS nel 2017. L'approccio del fotografo si basa su un'osservazione scrupolosa delle dinamiche della nostra società. Nel 2016 ha pubblicato Insert Coins con André Frère Editions e nel 2019 The Pearl River con Patrick Frey Editions. Queste due serie sono state esposte con il titolo Eldorado alla 50a edizione dei Rencontres de la photographie d'Arles 2019.

Between 2003 and 2012, the photographer Christian Lutz (born in Geneva in 1973) created a trilogy on the theme of power: first political with Protokoll, economic in Tropical Gift and religious with In Jesus' Name. The three parts have each been the subject of a book published by Lars Müller and the trilogy has been exhibited on numerous occasions. Christian Lutz trained at the art establishment "le 75" in Brussels. He joined the VU agency in 2007 and co-founded the MAPS agency in 2017. The photographer's approach is based on a scrupulous observation of the dynamics of our society. In 2016 he published Insert Coins with André Frère Editions and in 2019 The Pearl River with Patrick Frey Editions. These two series were exhibited under the title Eldorado at the 50th edition of the Rencontres de la photographie d'Arles 2019.

(Text: Galerie C, Neuchâtel)

St. Moritz Design Gallery
16. Januar 2022

Art Tour mit der Kuratorin Melody Gygax

Ski Runs & Champagne Dreams
Werner Bischof, Burt Glinn, Thomas Hoepker, René Burri, Martin Parr, Paolo Pellegrin, Alex Majoli

In der St. Moritz Design Gallery entlang der Fussgänger-Passage vom Badrutt’s Palace Hotel zum See hinunter sind 31 grosse beleuchtete Vitrinen eingebaut, in denen wechselnde Ausstellungen mit wertvollen Plakaten und Fotografien realisiert werden. Diese Wintersaison erwartet die Besucher eine besondere Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der renommierten Fotoagentur Magnum Photos entstanden ist. Unter dem Titel «Ski Runs & Champagne Dreams» sind Bilder der Fotografen Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin und Alex Majoli zu sehen. Gemeinsam und generationsübergreifend ergeben die 31 visuellen Kurzgeschichten ein bemerkenswert schönes, heiteres und manchmal poetisches Porträt des Lebens in der Geburtsstätte des Wintertourismus.

Von Bischoff bis Glinn
Die fotografische Zeitreise beginnt in den späten Vierzigerjahren mit Skibildern des Schweizers Werner Bischoff. Es folgen Fotografien des Amerikaners Burt Glinn, der das gesellschaftliche Leben in St. Moritz ab den späten Fünfzigerjahren von ganz Nahem einzufangen wusste: Da ist etwa der Butler von Sr. Arturo Lopez, der das Privatflugzeug seines Chefs mit Champagnerflaschen belädt. Oder die amerikanische Gossip-Kolumnistin Elsa Maxwell, die im Corviglia Club zur „Queen of the glamour girls“ gekrönt wird. Zum Titelbild der Ausstellung geschafft hat es eine Glinn-Aufnahme von 1959 im Badrutt’s Palace Hotel: Darauf zu sehen ist eine im Bett liegende Frau, die trinkend und rauchend eine Massage geniesst. Das Bild symbolisiert wie kein zweites die Extravaganz, die
St. Moritz schon immer ausgezeichnet hat.

Und Hoepker bis Majoli
Nach Glinn wartet der deutsche Fotograf Thomas Hoepker mit einem starken Bild von 1965 auf: Zu sehen ist der bekannte Industrielle, Fotograf und Playboy Gunter Sachs beim Warten auf seine nächste Abfahrt am Cresta Run. Auf Hoepker folgt der Schweizer René Burri, der mit Fotografien des Engadin Skimarathons für eine sportliche Note sorgt. Der nächste Szenenwechsel könnte nicht grösser sein, denn Martin Parrs Bilder von Skifahrern auf der Corviglia verströmen seinen typisch persönlichen, humorvollen und anthropologischen Blick auf Situationen des Alltags. Den Abschluss machen Fotografien der Italiener Paolo Pellegrin und Alex Majoli, die mit ihren Naturbildern für eine ruhige und poetische Abrundung der Ausstellung sorgen.

Die Ausstellung wurde von Melody Gygax kuratiert.

Moritz Design Gallery, le long du passage piéton qui descend de l'hôtel Badrutt's Palace vers le lac, 31 grandes vitrines éclairées ont été installées pour réaliser des expositions temporaires d'affiches et de photographies de valeur. Cette saison d'hiver, une exposition particulière attend les visiteurs, réalisée en collaboration avec la célèbre agence de photographie Magnum Photos. Intitulée "Ski Runs & Champagne Dreams", elle présente des images des photographes Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin et Alex Majoli. Ensemble et toutes générations confondues, ces 31 courtes histoires visuelles forment un portrait remarquablement beau, joyeux et parfois poétique de la vie dans le lieu de naissance du tourisme hivernal.

De Bischoff à Glinn
Le voyage photographique dans le temps commence à la fin des années quarante avec des photos de ski du Suisse Werner Bischoff. Viennent ensuite les photographies de l'Américain Burt Glinn, qui a su saisir de très près la vie sociale à St-Moritz à partir de la fin des années cinquante : on y voit par exemple le majordome de Sr Arturo Lopez, qui charge l'avion privé de son patron de bouteilles de champagne. Ou encore la chroniqueuse américaine de gossips Elsa Maxwell, qui est couronnée "Queen of the glamour girls" au Corviglia Club. C'est une photo de Glinn prise en 1959 au Badrutt's Palace Hotel qui a fait la couverture de l'exposition : on y voit une femme allongée sur un lit, qui boit et fume en se faisant masser. Cette image symbolise mieux que toute autre l'extravagance qui a toujours caractérisé St-Moritz.

Et de Hoepker à Majoli
Après Glinn, le photographe allemand Thomas Hoepker nous offre une image forte de 1965 : On y voit le célèbre industriel, photographe et playboy Gunter Sachs en train d'attendre sa prochaine descente au Cresta Run. Hoepker est suivi par le Suisse René Burri, qui apporte une touche sportive avec des photographies du marathon de ski de l'Engadine. Le changement de décor suivant ne pourrait pas être plus grand, car les images de Martin Parr sur des skieurs à Corviglia dégagent son regard typiquement personnel, humoristique et anthropologique sur des situations du quotidien. L'exposition se termine par les photographies des Italiens Paolo Pellegrin et Alex Majoli, dont les images de la nature apportent une touche de calme et de poésie.

L'exposition a été curatée par Melody Gygax.

Nella St. Moritz Design Gallery, lungo il passaggio pedonale dal Badrutt's Palace Hotel fino al lago, sono installate 31 grandi vetrine illuminate in cui vengono realizzate mostre mutevoli di manifesti e fotografie di valore. Questa stagione invernale, i visitatori potranno ammirare una mostra speciale creata in collaborazione con la rinomata agenzia fotografica Magnum Photos. Intitolata "Ski Runs & Champagne Dreams", presenta immagini dei fotografi Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin e Alex Majoli. Insieme e attraverso le generazioni, i 31 racconti visivi creano un ritratto straordinariamente bello, sereno e talvolta poetico della vita nel luogo di nascita del turismo invernale.

Da Bischoff a Glinn
Il viaggio fotografico nel tempo inizia alla fine degli anni 40 con le immagini di sci dello svizzero Werner Bischoff. Seguono le fotografie dell'americano Burt Glinn, che ha saputo cogliere da molto vicino la vita sociale di St. Moritz a partire dalla fine degli anni 50: c'è il maggiordomo di Sr. Arturo Lopez, per esempio, che carica di bottiglie di champagne l'aereo privato del suo capo. O la giornalista americana di gossip Elsa Maxwell, che viene incoronata "Regina delle ragazze glamour" nel Club Corviglia. Una fotografia di Glinn scattata nel 1959 al Badrutt's Palace Hotel è finita sulla copertina della mostra: mostra una donna sdraiata a letto, che beve e fuma mentre si gode un massaggio. Come nessun altro, il quadro simboleggia la stravaganza che ha sempre caratterizzato St.

E Hoepker a Majoli
Dopo Glinn, il fotografo tedesco Thomas Hoepker si presenta con un'immagine forte del 1965: Il famoso industriale, fotografo e playboy Gunter Sachs può essere visto in attesa della sua prossima discesa alla Cresta Run. Hoepker è seguito dallo svizzero René Burri, che aggiunge un tocco sportivo con fotografie della maratona di sci dell'Engadina. Il prossimo cambio di scenario non potrebbe essere maggiore, poiché le immagini di Martin Parr degli sciatori sul Corviglia trasudano la sua visione tipicamente personale, umoristica e antropologica delle situazioni quotidiane. La mostra si conclude con le fotografie degli italiani Paolo Pellegrin e Alex Majoli, le cui immagini della natura completano la mostra con calma e poesia.

La mostra è stata curata da Melody Gygax.

In the St. Moritz Design Gallery along the pedestrian passage from Badrutt's Palace Hotel down to the lake, 31 large illuminated showcases are installed, in which changing exhibitions of valuable posters and photographs are realized. This winter season, a special exhibition awaits visitors, created in collaboration with the renowned photo agency Magnum Photos. Entitled "Ski Runs & Champagne Dreams", it features images by photographers Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin and Alex Majoli. Together and spanning generations, the 31 visual short stories create a remarkably beautiful, serene and sometimes poetic portrait of life in the birthplace of winter tourism.

From Bischoff to GlinnThe photographic journey through time begins in the late 1940s with ski images by Swiss Werner Bischoff. This is followed by photographs by the American Burt Glinn, who was able to capture the social life in St. Moritz from the late 1950s onwards from very close up: there is Sr. Arturo Lopez's butler, for example, loading his boss's private plane with champagne bottles. Or the American gossip columnist Elsa Maxwell, who is crowned "Queen of the glamour girls" at the Corviglia Club. A Glinn photograph taken in 1959 at the Badrutt's Palace Hotel has made it to the cover of the exhibition: it shows a woman lying in bed, drinking and smoking while enjoying a massage. The picture symbolizes like no other the extravagance that has always characterized St. Moritz.

And Hoepker to MajoliAfter Glinn, the German photographer Thomas Hoepker comes up with a strong picture from 1965: The famous industrialist, photographer and playboy Gunter Sachs can be seen waiting for his next descent at Cresta Run. Hoepker is followed by the Swiss René Burri, who adds a sporty touch with photographs of the Engadin Ski Marathon. The next change of scenery couldn't be bigger, as Martin Parr's images of skiers on Corviglia exude his typically personal, humorous and anthropological take on everyday situations. The exhibition concludes with photographs by Italians Paolo Pellegrin and Alex Majoli, whose images of nature provide a tranquil and poetic rounding of the exhibition.

The exhibition was curated by Melody Gygax.

(Text: St. Moritz Tourismus)

St. Moritz Design Gallery
15. Januar 2022

Art Tour mit der Kuratorin Melody Gygax

Ski Runs & Champagne Dreams
Werner Bischof, Burt Glinn, Thomas Hoepker, René Burri, Martin Parr, Paolo Pellegrin, Alex Majoli

In der St. Moritz Design Gallery entlang der Fussgänger-Passage vom Badrutt’s Palace Hotel zum See hinunter sind 31 grosse beleuchtete Vitrinen eingebaut, in denen wechselnde Ausstellungen mit wertvollen Plakaten und Fotografien realisiert werden. Diese Wintersaison erwartet die Besucher eine besondere Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der renommierten Fotoagentur Magnum Photos entstanden ist. Unter dem Titel «Ski Runs & Champagne Dreams» sind Bilder der Fotografen Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin und Alex Majoli zu sehen. Gemeinsam und generationsübergreifend ergeben die 31 visuellen Kurzgeschichten ein bemerkenswert schönes, heiteres und manchmal poetisches Porträt des Lebens in der Geburtsstätte des Wintertourismus.

Von Bischoff bis Glinn
Die fotografische Zeitreise beginnt in den späten Vierzigerjahren mit Skibildern des Schweizers Werner Bischoff. Es folgen Fotografien des Amerikaners Burt Glinn, der das gesellschaftliche Leben in St. Moritz ab den späten Fünfzigerjahren von ganz Nahem einzufangen wusste: Da ist etwa der Butler von Sr. Arturo Lopez, der das Privatflugzeug seines Chefs mit Champagnerflaschen belädt. Oder die amerikanische Gossip-Kolumnistin Elsa Maxwell, die im Corviglia Club zur „Queen of the glamour girls“ gekrönt wird. Zum Titelbild der Ausstellung geschafft hat es eine Glinn-Aufnahme von 1959 im Badrutt’s Palace Hotel: Darauf zu sehen ist eine im Bett liegende Frau, die trinkend und rauchend eine Massage geniesst. Das Bild symbolisiert wie kein zweites die Extravaganz, die
St. Moritz schon immer ausgezeichnet hat.

Und Hoepker bis Majoli
Nach Glinn wartet der deutsche Fotograf Thomas Hoepker mit einem starken Bild von 1965 auf: Zu sehen ist der bekannte Industrielle, Fotograf und Playboy Gunter Sachs beim Warten auf seine nächste Abfahrt am Cresta Run. Auf Hoepker folgt der Schweizer René Burri, der mit Fotografien des Engadin Skimarathons für eine sportliche Note sorgt. Der nächste Szenenwechsel könnte nicht grösser sein, denn Martin Parrs Bilder von Skifahrern auf der Corviglia verströmen seinen typisch persönlichen, humorvollen und anthropologischen Blick auf Situationen des Alltags. Den Abschluss machen Fotografien der Italiener Paolo Pellegrin und Alex Majoli, die mit ihren Naturbildern für eine ruhige und poetische Abrundung der Ausstellung sorgen.

Die Ausstellung wurde von Melody Gygax kuratiert.

Moritz Design Gallery, le long du passage piéton qui descend de l'hôtel Badrutt's Palace vers le lac, 31 grandes vitrines éclairées ont été installées pour réaliser des expositions temporaires d'affiches et de photographies de valeur. Cette saison d'hiver, une exposition particulière attend les visiteurs, réalisée en collaboration avec la célèbre agence de photographie Magnum Photos. Intitulée "Ski Runs & Champagne Dreams", elle présente des images des photographes Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin et Alex Majoli. Ensemble et toutes générations confondues, ces 31 courtes histoires visuelles forment un portrait remarquablement beau, joyeux et parfois poétique de la vie dans le lieu de naissance du tourisme hivernal.

De Bischoff à Glinn
Le voyage photographique dans le temps commence à la fin des années quarante avec des photos de ski du Suisse Werner Bischoff. Viennent ensuite les photographies de l'Américain Burt Glinn, qui a su saisir de très près la vie sociale à St-Moritz à partir de la fin des années cinquante : on y voit par exemple le majordome de Sr Arturo Lopez, qui charge l'avion privé de son patron de bouteilles de champagne. Ou encore la chroniqueuse américaine de gossips Elsa Maxwell, qui est couronnée "Queen of the glamour girls" au Corviglia Club. C'est une photo de Glinn prise en 1959 au Badrutt's Palace Hotel qui a fait la couverture de l'exposition : on y voit une femme allongée sur un lit, qui boit et fume en se faisant masser. Cette image symbolise mieux que toute autre l'extravagance qui a toujours caractérisé St-Moritz.

Et de Hoepker à Majoli
Après Glinn, le photographe allemand Thomas Hoepker nous offre une image forte de 1965 : On y voit le célèbre industriel, photographe et playboy Gunter Sachs en train d'attendre sa prochaine descente au Cresta Run. Hoepker est suivi par le Suisse René Burri, qui apporte une touche sportive avec des photographies du marathon de ski de l'Engadine. Le changement de décor suivant ne pourrait pas être plus grand, car les images de Martin Parr sur des skieurs à Corviglia dégagent son regard typiquement personnel, humoristique et anthropologique sur des situations du quotidien. L'exposition se termine par les photographies des Italiens Paolo Pellegrin et Alex Majoli, dont les images de la nature apportent une touche de calme et de poésie.

L'exposition a été curatée par Melody Gygax.

Nella St. Moritz Design Gallery, lungo il passaggio pedonale dal Badrutt's Palace Hotel fino al lago, sono installate 31 grandi vetrine illuminate in cui vengono realizzate mostre mutevoli di manifesti e fotografie di valore. Questa stagione invernale, i visitatori potranno ammirare una mostra speciale creata in collaborazione con la rinomata agenzia fotografica Magnum Photos. Intitolata "Ski Runs & Champagne Dreams", presenta immagini dei fotografi Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin e Alex Majoli. Insieme e attraverso le generazioni, i 31 racconti visivi creano un ritratto straordinariamente bello, sereno e talvolta poetico della vita nel luogo di nascita del turismo invernale.

Da Bischoff a Glinn
Il viaggio fotografico nel tempo inizia alla fine degli anni 40 con le immagini di sci dello svizzero Werner Bischoff. Seguono le fotografie dell'americano Burt Glinn, che ha saputo cogliere da molto vicino la vita sociale di St. Moritz a partire dalla fine degli anni 50: c'è il maggiordomo di Sr. Arturo Lopez, per esempio, che carica di bottiglie di champagne l'aereo privato del suo capo. O la giornalista americana di gossip Elsa Maxwell, che viene incoronata "Regina delle ragazze glamour" nel Club Corviglia. Una fotografia di Glinn scattata nel 1959 al Badrutt's Palace Hotel è finita sulla copertina della mostra: mostra una donna sdraiata a letto, che beve e fuma mentre si gode un massaggio. Come nessun altro, il quadro simboleggia la stravaganza che ha sempre caratterizzato St.

E Hoepker a Majoli
Dopo Glinn, il fotografo tedesco Thomas Hoepker si presenta con un'immagine forte del 1965: Il famoso industriale, fotografo e playboy Gunter Sachs può essere visto in attesa della sua prossima discesa alla Cresta Run. Hoepker è seguito dallo svizzero René Burri, che aggiunge un tocco sportivo con fotografie della maratona di sci dell'Engadina. Il prossimo cambio di scenario non potrebbe essere maggiore, poiché le immagini di Martin Parr degli sciatori sul Corviglia trasudano la sua visione tipicamente personale, umoristica e antropologica delle situazioni quotidiane. La mostra si conclude con le fotografie degli italiani Paolo Pellegrin e Alex Majoli, le cui immagini della natura completano la mostra con calma e poesia.

La mostra è stata curata da Melody Gygax.

In the St. Moritz Design Gallery along the pedestrian passage from Badrutt's Palace Hotel down to the lake, 31 large illuminated showcases are installed, in which changing exhibitions of valuable posters and photographs are realized. This winter season, a special exhibition awaits visitors, created in collaboration with the renowned photo agency Magnum Photos. Entitled "Ski Runs & Champagne Dreams", it features images by photographers Werner Bischof, René Burri, Burt Glinn, Thomas Hoepker, Martin Parr, Paolo Pellegrin and Alex Majoli. Together and spanning generations, the 31 visual short stories create a remarkably beautiful, serene and sometimes poetic portrait of life in the birthplace of winter tourism.

From Bischoff to GlinnThe photographic journey through time begins in the late 1940s with ski images by Swiss Werner Bischoff. This is followed by photographs by the American Burt Glinn, who was able to capture the social life in St. Moritz from the late 1950s onwards from very close up: there is Sr. Arturo Lopez's butler, for example, loading his boss's private plane with champagne bottles. Or the American gossip columnist Elsa Maxwell, who is crowned "Queen of the glamour girls" at the Corviglia Club. A Glinn photograph taken in 1959 at the Badrutt's Palace Hotel has made it to the cover of the exhibition: it shows a woman lying in bed, drinking and smoking while enjoying a massage. The picture symbolizes like no other the extravagance that has always characterized St. Moritz.

And Hoepker to MajoliAfter Glinn, the German photographer Thomas Hoepker comes up with a strong picture from 1965: The famous industrialist, photographer and playboy Gunter Sachs can be seen waiting for his next descent at Cresta Run. Hoepker is followed by the Swiss René Burri, who adds a sporty touch with photographs of the Engadin Ski Marathon. The next change of scenery couldn't be bigger, as Martin Parr's images of skiers on Corviglia exude his typically personal, humorous and anthropological take on everyday situations. The exhibition concludes with photographs by Italians Paolo Pellegrin and Alex Majoli, whose images of nature provide a tranquil and poetic rounding of the exhibition.

The exhibition was curated by Melody Gygax.

(Text: St. Moritz Tourismus)

Kornschütte | Luzern
19. Dezember 2021

Eine Fotowerkschau Luzern der Stiftung Fotodokumentation Kanton Luzern (Fotodok)

Rundgang und Podiumsdiskussion mit Ausstellenden und Juanita Escobar

Beyond Borders

Martin Bissig, Pearlie Frisch, Matteo Gariglio, Melchior Imboden, Daniel Infanger, Christian Indergand & Max Ehrengruber, Franca Pedrazzetti, Alexandra Wey
Photographer in Residence Juanita Escobar, Kolumbien
Aus dem Archiv der Stiftung Fotodok Max A. Wyss

Acht professionelle Zentralschweizer Fotografinnen und Fotografen stellen ihre rund um den Globus realisierten Werke aus. Die eingeladene preisge­krönte kolumbianische Fotografin Juanita Escobar zeigt uns ihre Perspektive auf das für uns Heimische, die Zentralschweiz.

Als Photographer in Residence reist Juanita Escobar zehn Tage vor Ausstellungseröffnung nach Luzern. Sie wird sich in dieser Zeit intensiv mit der Zentralschweiz beschäftigen und ihre Wahrnehmung unserer Region fotografisch verarbeiten. „Wir sind sehr gespannt auf Juanita Escobars künstlerische Auseinanderset­zung mit den Menschen, der Kultur und der Natur hier in der Zentralschweiz“, freut sich Albin Bieri, Präsident der Fotodok.

Ein Blick in die Welt
Die Beobachtungen von Juanita Escobar werden an der Fotowerkschau 2021 auf die Arbeiten von acht einheimischen Künstlerinnen und Künstler treffen und ein Spannungsfeld erzeugen: Was macht es mit uns, wenn uns das Vertraute durch eine andere Linse präsentiert wird? Wie gehen die Zentral­schweizer Fotografinnen und Fotografen mit dem Unvertrauten in den Ländern ihres Wirkens um? Die Ausstellung will einen Dialog über Heimisches und Fremdes, über Gewöhnliches und Aussergewöhnliches anregen und den grenzüberschreitenden Perspektivenwechsel fördern.

Neues Konzept
Die Stiftung Fotodok verwaltet fotografische Vor- und Nachlässe und betreut ein Online-Lexikon Zentralschweizer Fotografinnen und Fotografen mit Archivcharakter. Dazu bietet sie mit der zwei­jährlich stattfindenden Fotowerkschau Zentralschweizer Künstlerinnen und Künstlern und insbesondere auch jungen Talenten eine Plattform. Mit dem Photographer in Residence-Konzept will die Stiftung Fotodok die Vermittlung des Kulturguts Fotografie in der Zentral­schweiz weiter voranbringen. „Die diesjährige Fotowerkschau zeigt die Vielfalt und internationale Bedeutung von Zentralschweizer Fotografinnen und Fotografen auf“, sagt Marianne Suppiger, Stiftungsrätin und verantwortlich für die Fotowerkschau 2021. Am Sonntag, 19. Dezember 2021, laden die Veranstalter zur Matinée mit Rundgang durch die Ausstellung und Podiumsdiskussion mit den Ausstellenden.

Huit photographes professionnels de Suisse centrale exposent leurs œuvres réalisées aux quatre coins du monde. La photographe colombienne primée Juanita Escobar, invitée de l'exposition, nous montre sa perspective sur ce qui nous est familier, la Suisse centrale.

En tant que photographe en résidence, Juanita Escobar se rendra à Lucerne dix jours avant l'ouverture de l'exposition. Durant cette période, elle s'intéressera de près à la Suisse centrale et traitera par la photographie sa perception de notre région. "Nous sommes très impatients de voir la confrontation artistique de Juanita Escobar avec les gens, la culture et la nature ici en Suisse centrale", se réjouit Albin Bieri, président de Fotodok.

Un regard sur le monde: Les observations de Juanita Escobar rencontreront les travaux de huit artistes locaux lors de l'exposition de photos 2021 et créeront un champ de tensions : qu'est-ce que cela nous fait lorsque ce qui nous est familier nous est présenté à travers une autre lentille ? Comment les photographes de Suisse centrale abordent-ils ce qui ne leur est pas familier dans les pays où ils travaillent ? L'exposition entend susciter un dialogue sur le local et l'étranger, sur l'ordinaire et l'extraordinaire, et encourager le changement de perspective transfrontalier.

Nouveau concept: La fondation Fotodok gère des fonds photographiques antérieurs et postérieurs et s'occupe d'un lexique en ligne des photographes de Suisse centrale à caractère d'archives. De plus, elle offre une plate-forme aux artistes de Suisse centrale, et notamment aux jeunes talents, avec l'exposition bisannuelle de photos. Avec le concept de Photographer in Residence, la fondation Fotodok souhaite faire progresser la transmission du bien culturel qu'est la photographie en Suisse centrale. "L'exposition de photos de cette année montre la diversité et l'importance internationale des photographes de Suisse centrale", explique Marianne Suppiger, membre du conseil de la fondation et responsable de l'exposition de photos 2021. Le dimanche 19 décembre 2021, les organisateurs invitent à une matinée avec visite de l'exposition et discussion en table ronde avec les exposants.

Otto fotografi professionisti della Svizzera centrale esporranno i loro lavori da tutto il mondo. La premiata fotografa colombiana Juanita Escobar ci mostra la sua prospettiva su ciò che consideriamo casa nostra, la Svizzera centrale.

Come Photographer in Residence, Juanita Escobar si recherà a Lucerna dieci giorni prima dell'apertura della mostra. Durante questo periodo, si occuperà intensamente della Svizzera centrale ed elaborerà fotograficamente la sua percezione della nostra regione. "Siamo molto entusiasti dell'esplorazione artistica di Juanita Escobar della gente, della cultura e della natura della Svizzera centrale", dice un felice Albin Bieri, presidente di Fotodok.

Uno sguardo sul mondo: Le osservazioni di Juanita Escobar incontreranno le opere di otto artisti locali al Fotowerkschau 2021 e creeranno un campo di tensione: cosa ci fa quando il familiare ci viene presentato attraverso una lente diversa? Come affrontano i fotografi della Svizzera centrale l'estraneità nei paesi del loro lavoro? La mostra mira a stimolare un dialogo sul casalingo e lo straniero, l'ordinario e lo straordinario, e a incoraggiare un cambio di prospettiva transfrontaliero.

Nuovo concetto: La Fondazione Fotodok gestisce i patrimoni e i lasciti fotografici e mantiene un'enciclopedia online dei fotografi della Svizzera centrale a carattere archivistico. Inoltre, offre una piattaforma per gli artisti della Svizzera centrale e soprattutto per i giovani talenti con la biennale Fotowerkschau. Con il concetto di Photographer in Residence, la Fondazione Fotodok mira a promuovere ulteriormente la comunicazione della fotografia come bene culturale nella Svizzera centrale. "La Fotowerkschau di quest'anno mette in evidenza la diversità e l'importanza internazionale dei fotografi della Svizzera centrale", dice Marianne Suppiger, membro del consiglio di fondazione e responsabile della Fotowerkschau 2021. Domenica 19 dicembre 2021, gli organizzatori vi invitano a una matinée con una visita della mostra e una tavola rotonda con gli espositori.

Eight professional photographers from Central Switzerland exhibit their works realized around the globe. The invited award-winning Colombian photographer Juanita Escobar shows us her perspective on what is native to us, Central Switzerland.

As Photographer in Residence, Juanita Escobar will travel to Lucerne ten days before the exhibition opens. During this time, she will intensively explore Central Switzerland and process her perception of our region photographically. "We are very excited about Juanita Escobar's artistic exploration of the people, culture and nature here in Central Switzerland," says a delighted Albin Bieri, President of Fotodok.

A look at the worldJuanita Escobar's observations will meet the works of eight local artists at the Fotowerkschau 2021, creating a field of tension: what does it do to us when the familiar is presented to us through a different lens? How do the photographers of Central Switzerland deal with the unfamiliar in the countries of their work? The exhibition aims to stimulate a dialogue about the homely and the foreign, the ordinary and the extraordinary, and to encourage a cross-border change of perspective.

New conceptThe Fotodok Foundation manages photographic estates and bequests and maintains an online encyclopedia of Central Swiss photographers with an archival character. In addition, it offers a platform for Central Swiss artists and especially for young talents with the biennial Fotowerkschau. With the Photographer in Residence concept, the Fotodok Foundation aims to further promote the communication of photography as a cultural asset in Central Switzerland. "This year's Fotowerkschau highlights the diversity and international significance of Central Swiss photographers," says Marianne Suppiger, member of the foundation's board of directors and responsible for the Fotowerkschau 2021. On Sunday, December 19, 2021, the organizers invite you to a matinée with a tour of the exhibition and a panel discussion with the exhibitors.

(Text: Fotodok, Luzern)

BelleVue - Ort für Fotografie | Basel
31. Oktober 2021

Art Tour Marion Bernet, Eleni Kougionis und Regine Flury

Nullachtfünfzehn
Marion Bernet, Eleni Kougionis

Im Vertrauten begegnet uns das Unvertraute, Fremde, im Gewöhnlichen das Ausserordentliche, was uns nah und bekannt scheint, ist doch weit weg. In den Arbeiten von Marion Bernet und Eleni Kougionis geht es aber nicht allein um solche Ambivalenzen; die Werkgruppen zeigen zuallererst Menschen, die sich bewusst gesellschaftlichen Konventionen verweigern oder für das Verwirklichen ihrer Träume Widerstände überwinden (mussten).

Wie zum Beispiel die «Ice Lions» aus Kenia. Marion Bernet porträtiert in ihrer Reportage Frauen und Männer aus dem afrikanischen Land, die eine sehr ungewöhnliche Leidenschaft teilen: ihre Liebe zum Eishockey. Bernets Bildserie zielt aber nicht einfach auf das Offensichtliche: den Kontrast, das Exotische, sondern vermittelt in ihrer Stimmung vor allem, was die Ice Lions durch ihre Beharrlichkeit erreicht haben: das Aussergewöhnliche ist jetzt auch ein Stück Normalität, etwas Selbstverständliches.

In der Reportage «Punk auf Indonesisch» tauchte Eleni Kougionis 2015 und 2018 in die Punkszene in Indonesien ein, dem Land mit der grössten muslimischen Bevölkerung weltweit. Auch hier begegnen wir Menschen, die sich im Spannungsfeld zwischen gesellschaftlichen Zwängen und dem Drang zur Selbstbestimmung bewegen. In den 1980erJahren, als in Europa Punk schon in den modischen Mainstream integriert war, begann sich Punk in Indonesien zu verbreiten und entwickelte sich zu einer breiten Jugendbewegung. Bis heute aber bleibt sie in dem von Armut geprägten Land ausgegrenzt, prekarisiert und zum Teil verfolgt. 2018 begleitete Kougionis die Basler Hardcore Punk Band Heckler auf deren Südostasien Tournee, wo sie bekannte Menschen und Orte wieder traf. Daraus entstanden der Film «Still Wrecked – Heckler Southeast Asia Tour» und weitere Bilder.

In der Arbeit «Alternative Lebensräume in der Schweiz» porträtiert Kougionis Menschen, die sich bewusst normierenden Lebensentwürfen verweigern. Im Zentrum stehen hier die Individualität, die Suche nach Selbstverwirklichung und der Wunsch nach einer selbstbestimmten Lebensform.

Die Ausstellung schliesst mit Objektbildern aus «Don Juan Pedros Wunderkammer» von Marion Bernet. Don Juan Pedro, alias Hans Peter Straumann, hat auf seinen zahlreichen Forschungs- und Vergnügungsreisen durch die Länder dieser Welt Gegenstände zusammengetragen; aber es sind nicht nur exotische Artefakte fremder Kulturen, die uns hier begeg - nen, sondern auch aus unserem Alltag vertraute Objekte, die er zurückgebracht hat und die Bernet in einem museal wirkenden Panoptikum präsentiert.

Das Eintauchen in uns irgendwie bekannte, aber eben doch unbekannte Lebenswelten ermöglichen uns Bernet und Kougionis mit einer analytischen, präzisen Bildsprache, manchmal auch mit Ironie und Witz, immer aber mit der Fähigkeit, uns die Energie und die Emotionen der Menschen spüren zu lassen.

Dans le familier, nous rencontrons le non familier, l'étranger, dans l'ordinaire l'extraordinaire, ce qui nous semble proche et familier est pourtant lointain. Les œuvres de Marion Bernet et d'Eleni Kougionis ne se limitent toutefois pas à de telles ambivalences ; les groupes d'œuvres montrent avant tout des personnes qui refusent consciemment les conventions sociales ou qui ont (dû) surmonter des résistances pour réaliser leurs rêves.

Comme les "lions de glace" du Kenya, par exemple. Dans son reportage, Marion Bernet dresse le portrait de femmes et d'hommes de ce pays africain qui partagent une passion peu commune : leur amour du hockey sur glace. La série de photos de Bernet ne vise cependant pas seulement l'évidence : le contraste, l'exotisme, mais transmet surtout dans son ambiance ce que les Lions des glaces ont obtenu par leur persévérance : l'extraordinaire fait désormais partie de la normalité, de ce qui va de soi.

Dans le reportage "Punk en indonésien", Eleni Kougionis s'est immergée en 2015 et 2018 dans la scène punk en Indonésie, le pays qui compte la plus grande population musulmane au monde. Ici aussi, nous rencontrons des personnes qui sont prises entre les contraintes sociales et le besoin d'autodétermination. Dans les années 1980, alors que le punk était déjà intégré au courant de la mode en Europe, le punk a commencé à se répandre en Indonésie et s'est transformé en un vaste mouvement de jeunesse. Jusqu'à aujourd'hui, cependant, elle reste marginalisée, précaire et parfois persécutée dans ce pays frappé par la pauvreté. En 2018, Kougionis a accompagné le groupe de punk hardcore bâlois Heckler lors de sa tournée en Asie du Sud-Est, où elle a retrouvé des personnes et des lieux familiers. Cela a donné lieu au film "Still Wrecked - Heckler Southeast Asia Tour" et à d'autres images.

Dans l'œuvre "Alternative Lebensräume in der Schweiz" (Espaces de vie alternatifs en Suisse), Kougionis dresse le portrait de personnes qui refusent consciemment les modes de vie normatifs. L'accent est mis ici sur l'individualité, la recherche de l'épanouissement personnel et le désir d'un mode de vie autodéterminé.

L'exposition se termine par des peintures d'objets provenant du "Wunderkammer de Don Juan Pedro" de Marion Bernet. Don Juan Pedro, alias Hans Peter Straumann, a collecté des objets au cours de ses nombreux voyages de recherche et de plaisir à travers les pays de ce monde ; mais ce ne sont pas seulement des artefacts exotiques de cultures étrangères que nous rencontrons ici, mais aussi des objets familiers de notre quotidien qu'il a rapportés et que Bernet présente dans un panoptique aux allures de musée.

Bernet et Kougionis nous permettent de nous immerger dans des mondes qui nous sont en quelque sorte familiers, mais encore inconnus, grâce à un langage visuel analytique et précis, parfois empreint d'ironie et d'esprit, mais toujours capable de nous faire ressentir l'énergie et les émotions des personnes.

Nel familiare incontriamo lo sconosciuto, lo straniero, nell'ordinario lo straordinario, ciò che ci sembra vicino e familiare è tuttavia lontano. Le opere di Marion Bernet ed Eleni Kougionis, tuttavia, non riguardano solo queste ambivalenze; i gruppi di opere mostrano innanzitutto persone che rifiutano consapevolmente le convenzioni sociali o che (hanno dovuto) superare la resistenza per realizzare i loro sogni.

Come i "Leoni di ghiaccio" del Kenya, per esempio. Nel suo reportage, Marion Bernet ritrae donne e uomini del paese africano che condividono una passione molto insolita: il loro amore per l'hockey su ghiaccio. La serie di immagini di Bernet, tuttavia, non mira semplicemente all'ovvio: il contrasto, l'esotico, ma trasmette nel suo stato d'animo soprattutto ciò che i Leoni del Ghiaccio hanno raggiunto con la loro perseveranza: lo straordinario è ora anche un pezzo di normalità, qualcosa di scontato.

Nel rapporto "Punk in indonesiano", Eleni Kougionis si è immersa nella scena punk in Indonesia, il paese con la più grande popolazione musulmana al mondo, nel 2015 e nel 2018. Anche qui, incontriamo persone che si trovano tra le costrizioni sociali e l'impulso all'autodeterminazione. Negli anni '80, quando il punk era già integrato nel mainstream della moda in Europa, il punk cominciò a diffondersi in Indonesia e si sviluppò in un ampio movimento giovanile. Fino ad oggi, tuttavia, rimane emarginato, precario e talvolta perseguitato nel paese colpito dalla povertà. Nel 2018, Kougionis ha accompagnato la band hardcore punk di Basilea Heckler nel loro tour nel sud-est asiatico, dove ha incontrato nuovamente persone e luoghi familiari. Questo ha portato al film "Still Wrecked - Heckler Southeast Asia Tour" e altre immagini.

Nell'opera "Alternative Lebensräume in der Schweiz" (Spazi di vita alternativi in Svizzera), Kougionis ritrae persone che rifiutano consapevolmente stili di vita normativi. Il focus qui è sull'individualità, la ricerca dell'autorealizzazione e il desiderio di un modo di vivere autodeterminato.

La mostra si chiude con gli oggetti dipinti da "Don Juan Pedro's Wunderkammer" di Marion Bernet. Don Juan Pedro, alias Hans Peter Straumann, ha raccolto oggetti durante i suoi numerosi viaggi di ricerca e di piacere attraverso i paesi di questo mondo; ma qui non si incontrano solo manufatti esotici di culture straniere, ma anche oggetti familiari della nostra vita quotidiana che ha riportato e che Bernet presenta in un panopticon simile a un museo.

Bernet e Kougionis ci permettono di immergerci in mondi che ci sono in qualche modo familiari, ma ancora sconosciuti, con un linguaggio visivo analitico e preciso, a volte con ironia e arguzia, ma sempre con la capacità di farci sentire l'energia e le emozioni delle persone.

In the familiar we encounter the unfamiliar, the foreign, in the ordinary the extraordinary, what seems close and familiar to us is nevertheless far away. The works of Marion Bernet and Eleni Kougionis, however, are not only about such ambivalences; the groups of works first and foremost show people who consciously refuse social conventions or who (had to) overcome resistance to realize their dreams.

Like the "Ice Lions" from Kenya, for example. In her reportage, Marion Bernet portrays women and men from the African country who share a very unusual passion: their love of ice hockey. Bernet's series of images, however, does not simply aim at the obvious: the contrast, the exotic, but conveys in its mood above all what the Ice Lions have achieved through their perseverance: the extraordinary is now also a piece of normality, something taken for granted.

In the 2015 and 2018 reportage "Punk in Indonesian," Eleni Kougionis immersed herself in the punk scene in Indonesia, the country with the largest Muslim population in the world. Here, too, we encounter people who are caught between social constraints and the urge for self-determination. In the 1980s, when punk was already integrated into the fashionable mainstream in Europe, punk began to spread in Indonesia and developed into a broad youth movement. To this day, however, it remains marginalized, precarious, and in some cases persecuted in the poverty-stricken country. In 2018, Kougionis accompanied the Basel-based hardcore punk band Heckler on their Southeast Asia tour, where she met familiar people and places again. This resulted in the film "Still Wrecked - Heckler Southeast Asia Tour" and other images.

In the work "Alternative Lebensräume in der Schweiz" (Alternative Living Spaces in Switzerland), Kougionis portrays people who consciously refuse normative lifestyles. The focus here is on individuality, the search for self-realization and the desire for a self-determined way of life.

The exhibition closes with object paintings from "Don Juan Pedro's Wunderkammer" by Marion Bernet. Don Juan Pedro, alias Hans Peter Straumann, has collected objects on his numerous journeys of research and pleasure through the countries of this world; but it is not only exotic artifacts of foreign cultures that we encounter here, but also objects familiar to us from our everyday lives that he has brought back and which Bernet presents in a museum-like panopticon.

Bernet and Kougionis make it possible for us to immerse ourselves in worlds that are somehow familiar to us, yet unknown to us, with an analytical, precise visual language, sometimes with irony and wit, but always with the ability to make us feel the energy and emotions of the people.

(Text: BelleVue - Ort für Fotografie, Basel)