Leica Galerie Salzburg
22. Februar – 13. April 2024

In Frames our Story – Fotografinnen des Leica Oskar Barnack Awards

Ana María Arévalo Gosen, Laetitia Vançon, Nanna Heitmann, Rania Matar

Der Leica Oskar Barnack Award (LOBA) würdigt seit 1980 weltweit herausragende Fotograf*innen. Benannt nach dem Erfinder der Leica, geht der LOBA auf dessen bahnbrechende Arbeit mit dem Prototyp der Ur-Leica ab 1914 zurück. Das Nominierungsgremium des Awards, bestehend aus einer fünfköpfigen internationalen Jury von Fotografie-Expert*innen, wählt jährlich zwei Preisträger sowie zwölf Shortlist-Nominierte aus.

Einzige Voraussetzung für die Nominierung ist, dass es sich um dokumentarische oder konzeptionellkünstlerische Arbeiten handelt, die sich mit dem Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt auseinandersetzen. Diese humanistische Konstante begleitet den LOBA-Wettbewerb seit seiner ersten Ausschreibung im Jahr 1979.

Er zählt zu den bedeutendsten und höchstdotierten Fotopreisen der Welt und wurde 2023 bereits zum 43. Mal von der Leica Camera AG verliehen.

Aus einer Vielzahl von Teilnehmerinnen der letzten Jahre fiel unsere Wahl auf vier herausragende Serien. Jede Fotografin erzählt mit beeindruckender visueller Bildsprache eine bewegende Geschichte, die sie persönlich berührt und fesselt, dabei gekonnt und einfühlsam fotografisch in Szene gesetzt.

Depuis 1980, le Leica Oskar Barnack Award (LOBA) rend hommage à des photographes* exceptionnels dans le monde entier. Nommé d'après l'inventeur du Leica, le LOBA se réfère à son travail révolutionnaire avec le prototype du Leica original à partir de 1914. Le comité de nomination du prix, composé d'un jury international de cinq experts en photographie*, sélectionne chaque année deux lauréats et douze nominés sur liste restreinte.

La seule condition pour être nominé est qu'il s'agisse d'œuvres documentaires ou d'art conceptuel qui traitent de la relation de l'homme avec son environnement. Cette constante humaniste accompagne le concours LOBA depuis sa première mise au concours en 1979.

Il compte parmi les prix de photographie les plus importants et les mieux dotés au monde et a été décerné pour la 43e fois en 2023 par Leica Camera AG.

Parmi les nombreuses participantes de ces dernières années, notre choix s'est porté sur quatre séries exceptionnelles. Chaque photographe raconte, avec un langage visuel impressionnant, une histoire émouvante qui la touche personnellement et la captive, tout en étant mise en scène de manière habile et sensible par la photographie.

Il Premio Leica Oskar Barnack (LOBA) premia fotografi eccellenti in tutto il mondo dal 1980. Il LOBA, che prende il nome dall'inventore della Leica, risale al suo lavoro innovativo con il prototipo della Leica originale del 1914. Il comitato di nomina del premio, composto da una giuria internazionale di cinque membri esperti di fotografia, seleziona ogni anno due vincitori e dodici candidati.

L'unico requisito per la candidatura è che l'opera sia documentaria o di arte concettuale che tratti del rapporto tra le persone e il loro ambiente. Questa costante umanistica ha accompagnato il concorso LOBA fin dal suo primo bando nel 1979.

È uno dei premi fotografici più importanti e più ricchi al mondo ed è stato assegnato da Leica Camera AG per la 43a volta nel 2023.

Tra i numerosi partecipanti degli ultimi anni, abbiamo scelto quattro serie eccezionali. Ogni fotografo utilizza immagini impressionanti per raccontare una storia commovente che lo tocca e lo affascina personalmente, mentre viene fotografato con abilità e sensibilità.

The Leica Oskar Barnack Award (LOBA) has been honoring outstanding photographers worldwide since 1980. Named after the inventor of the Leica, the LOBA goes back to his groundbreaking work with the prototype of the original Leica from 1914. The award's nomination committee, consisting of a five-member international jury of photography experts, selects two award winners and twelve shortlist nominees each year.

The only requirement for nomination is that the work must be documentary or conceptual art that deals with the relationship between people and their environment. This humanistic constant has accompanied the LOBA competition since it was first announced in 1979.

It is one of the most important and most highly endowed photography prizes in the world and was awarded by Leica Camera AG for the 43rd time in 2023.

From a large number of participants in recent years, we chose four outstanding series. Each photographer tells a moving story with impressive visual imagery that touches and captivates them personally, skillfully and sensitively staged photographically.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
20. Februar – 17. März 2024

An die Freude
Mariko Tagashira

„Alle Menschen werden Brüder!“ Ludwig van Beethovens 9. Sinfonie in d-Moll ist die letzte, die der zu diesem Zeitpunkt beinahe gehörlose Komponist 1824 vollenden konnte. Anlässlich des 200-Jahr-Jubiläums ihrer Uraufführung in Wien setzt das Fotomuseum WestLicht nun ein Zeichen ganz im Sinne der in der Sinfonie proklamierten Geschwisterlichkeit: Die Ausstellung AN DIE FREUDE zeigt poetische Langzeitbelichtungen, Soundinstallationen und Tastbilder, die die japanische Fotografin Mariko Tagashira in Zusammenarbeit mit dem inklusiven Kinderchor White Hands Chorus Nippon und dessen künstlerischer Leiterin, der Sopranistin Erika Colon, entwickelt hat. Die Eröffnung findet am 19. Februar 2024 in Anwesenheit von Mitgliedern des Chors und der Fotografin statt. Die Ausstellung ist bis 17. März 2024 bei freiem Eintritt zu sehen.

Ludwig van Beethovens An die Freude, der 4. Satz der Sinfonie, ist eines der populärsten Stücke der Musikgeschichte. Mit ihrem Appell an die Geschwisterlichkeit ist die Vertonung von Friedrich Schillers Gedicht nicht nur zur Hymne der Europäischen Union geworden, sondern erfreut sich auch in Japan großer Beliebtheit, wo sie jeweils zum Jahresende in hunderten Konzerten aufgeführt wird.

Aus Anlass des Jubiläums der Uraufführung von Beethovens Neunter – bei der der Komponist bereits nahezu taub war – reist der japanische Chor White Hands nach Wien, um im Rahmen der Zero Project Conference 2024 für eine Welt ohne Barrieren in der UNO-City sowie im österreichischen Parlament Auszüge der Ode zu performen.

Der White Hands Chorus Nippon ist ein inklusiver Chor, in dem Kinder mit und ohne körperliche Behinderungen gemeinsam singen. Gehörlose Mitglieder singen in Gebärdensprache und mithilfe ihrer Mimik. Die Fotografin Mariko Tagashira begleitet den Chor seit mehreren Jahren und hat einen einzigartigen Weg gefunden, die Gebärdensprache der Kinder mithilfe von Langzeitbelichtungen als poetische Lichtspuren in ihren Bildern festzuhalten. Ihre Arbeiten werden im WestLicht in Kombination mit Soundinstallationen und Tastbildern gezeigt und bilden einen sinnlichen Raum der Diversität, der die Arbeit des Chors als Beispiel gelebter Inklusion in den Fokus der Aufmerksamkeit rückt.

"Tous les hommes deviennent frères !" La 9e symphonie en ré mineur de Ludwig van Beethoven est la dernière que le compositeur, alors presque sourd, a pu achever en 1824. À l'occasion du bicentenaire de sa première représentation à Vienne, le Fotomuseum WestLicht fait désormais un geste tout à fait dans l'esprit de la fraternité proclamée dans la symphonie : l'exposition AN DIE FREUDE présente des expositions poétiques de longue durée, des installations sonores et des images tactiles que la photographe japonaise Mariko Tagashira a développées en collaboration avec le chœur d'enfants inclusif White Hands Chorus Nippon et sa directrice artistique, la soprano Erika Colon. Le vernissage aura lieu le 19 février 2024 en présence de membres du chœur et de la photographe. L'exposition sera visible jusqu'au 17 mars 2024 et l'entrée sera gratuite.

An die Freude de Ludwig van Beethoven, le quatrième mouvement de la symphonie, est l'un des morceaux les plus populaires de l'histoire de la musique. Avec son appel à la fraternité, la mise en musique du poème de Friedrich Schiller n'est pas seulement devenue l'hymne de l'Union européenne, mais jouit également d'une grande popularité au Japon, où elle est jouée dans des centaines de concerts à chaque fin d'année.

À l'occasion de l'anniversaire de la création de la Neuvième Symphonie de Beethoven - à laquelle le compositeur était déjà presque sourd - le chœur japonais White Hands se rendra à Vienne pour interpréter des extraits de l'ode dans le cadre de la Zero Project Conference 2024 pour un monde sans barrières, à l'UNO-City et au Parlement autrichien.

Le White Hands Chorus Nippon est un chœur inclusif dans lequel des enfants avec et sans handicap physique chantent ensemble. Les membres sourds chantent en langue des signes et à l'aide de leurs mimiques. La photographe Mariko Tagashira accompagne la chorale depuis plusieurs années et a trouvé un moyen unique de capturer la langue des signes des enfants dans ses photos à l'aide d'une exposition longue durée sous forme de traces lumineuses poétiques. Ses travaux sont présentés à WestLicht en combinaison avec des installations sonores et des images tactiles, créant ainsi un espace sensoriel de la diversité qui place le travail de la chorale au centre de l'attention en tant qu'exemple d'inclusion vécue.

"Tutti gli uomini diventano fratelli!" La Nona Sinfonia in re minore di Ludwig van Beethoven è l'ultima opera che il compositore, all'epoca quasi sordo, riuscì a completare nel 1824. In occasione del 200° anniversario della sua prima esecuzione a Vienna, il Fotomuseum WestLicht fa ora una dichiarazione nello spirito della fratellanza proclamata nella sinfonia: la mostra AN DIE FREUDE presenta lunghe esposizioni poetiche, installazioni sonore e immagini tattili sviluppate dalla fotografa giapponese Mariko Tagashira in collaborazione con il coro inclusivo di bambini White Hands Chorus Nippon e il suo direttore artistico, il soprano Erika Colon. L'inaugurazione avrà luogo il 19 febbraio 2024 alla presenza dei membri del coro e della fotografa. La mostra sarà visitabile gratuitamente fino al 17 marzo 2024.

An die Freude, il quarto movimento della sinfonia di Ludwig van Beethoven, è uno dei brani più popolari della storia della musica. Con il suo appello alla fratellanza, l'ambientazione del poema di Friedrich Schiller non solo è diventata l'inno dell'Unione Europea, ma gode anche di grande popolarità in Giappone, dove viene eseguita in centinaia di concerti alla fine di ogni anno.

In occasione dell'anniversario della prima esecuzione della Nona di Beethoven - quando il compositore era già quasi sordo - il coro giapponese White Hands si reca a Vienna per eseguire estratti dell'ode nell'ambito della Conferenza del Progetto Zero 2024 per un mondo senza barriere nella Città dell'ONU e nel Parlamento austriaco.

Il White Hands Chorus Nippon è un coro inclusivo in cui bambini con e senza disabilità fisiche cantano insieme. I membri sordi cantano nel linguaggio dei segni e con l'aiuto delle loro espressioni facciali. La fotografa Mariko Tagashira ha accompagnato il coro per diversi anni e ha trovato un modo unico per catturare il linguaggio dei segni dei bambini come tracce poetiche di luce nelle sue immagini utilizzando lunghe esposizioni. Il suo lavoro sarà esposto al WestLicht in combinazione con installazioni sonore e immagini tattili, creando uno spazio sensoriale di diversità che focalizza l'attenzione sul lavoro del coro come esempio di inclusione in azione.

"All men become brothers!" Ludwig van Beethoven's 9th Symphony in D minor was the last that the composer, who was almost deaf at the time, was able to complete in 1824. To mark the 200th anniversary of its premiere in Vienna, the Fotomuseum WestLicht is now making a statement in the spirit of the fraternity proclaimed in the symphony: the exhibition AN DIE FREUDE shows poetic long exposures, sound installations and tactile images developed by Japanese photographer Mariko Tagashira in collaboration with the inclusive children's choir White Hands Chorus Nippon and its artistic director, soprano Erika Colon. The opening will take place on February 19, 2024 in the presence of members of the choir and the photographer. The exhibition will be on display free of charge until March 17, 2024.

Ludwig van Beethoven's An die Freude, the 4th movement of the symphony, is one of the most popular pieces in music history. With its appeal to fraternity, the setting of Friedrich Schiller's poem has not only become the anthem of the European Union, but also enjoys great popularity in Japan, where it is performed in hundreds of concerts at the end of each year.

To mark the anniversary of the world premiere of Beethoven's Ninth - when the composer was already almost deaf - the Japanese choir White Hands is traveling to Vienna to perform excerpts of the ode in the UNO City and in the Austrian Parliament as part of the Zero Project Conference 2024 for a world without barriers.

The White Hands Chorus Nippon is an inclusive choir in which children with and without physical disabilities sing together. Deaf members sing in sign language and with the help of their facial expressions. Photographer Mariko Tagashira has accompanied the choir for several years and has found a unique way to capture the children's sign language as poetic traces of light in her pictures using long exposures. Her work will be shown at WestLicht in combination with sound installations and tactile images, creating a sensory space of diversity that focuses attention on the choir's work as an example of inclusion in action.

(Text: WestLicht. Schauplatz für Fotografie, Wien)

OstLicht. Galerie für Fotografie | Wien
15. Februar – 13. April 2024

IN LOVE WITH …

Am 14. Februar ist Valentinstag. Ausgehend vom Fest der Liebenden wir􀅌 die Galerie OstLicht ein Schlaglicht auf Fotografien, die das amouröse Hochgefühl durch ihre zutiefst emotionale Prägung nachempfindbar machen: Die Verkaufsschau IN LOVE WITH … versammelt bildgewordene Frühlingsgefühle von Fotograf:innen wie Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki oder Luisa Hübner und kreist um eine dem kürzlich verstorbenen Elliot Erwitt gewidmete Hommage. Als Herzstück der Präsentation zu sehen sind jüngere und ältere Arbeiten der Magnum-Legende, die diese ab den 1940er-Jahren bei ihren wiederkehrenden Streifzügen durch die Stadt der Liebe anfertigte. Erwitts Schwarz-Weiß-Ansichten von Paris umspannen mehr als sieben Jahrzehnte und gehören mit zum Sinnlichsten, was die Reportagefotografie hervorgebracht hat.

Bis in die 2010er-Jahre kehrte Elliot Erwitt wiederholt in seine Geburtsstadt zurück, um mit den Augen eines Flaneurs den Blick auf Boulevards, Straßencafés, Jardins und Cabarets zu werfen – stets mit der Gabe, das Besondere im Alltäglichen zu entdecken. Erwitts Arbeiten zeichnet eine elegante Leichtigkeit und ein verschmitzter, warmherziger Humor aus, der in der Fotogeschichte seinesgleichen sucht. Seine Bilder scheinen uns beharrlich zuzuzwinkern. Diese charakteristische Sicht der Dinge hat sowohl Elliot Erwitts Auftragsarbeiten als auch seine freie Fotografie geprägt. Sie gibt den Grundton seiner Fotografien vor und verleiht damit insbesondere den politischen Reportagen und Alltagsbeobachtungen eine emotionale Komplexität, die weit über den stets auf den Punkt getroffenen Moment hinausreicht.

Die Hommage auf Elliot Erwitt baut auf der Ausstellung PARIS auf, die 2021 im Anschluss an die Präsentation in der Chanel Nexus Hall in Tokio in der Galerie OstLicht in Wien zu sehen war.

Elliot Erwitt wurde 1928 als Sohn russischer Emigrant:innen in Paris geboren und wuchs in Mailand auf. 1939 flüchtete die Familie vor dem Nationalsozialismus in die USA, lebte kurzzeitig in New York und zog 1941 nach Los Angeles. In Hollywood fand der 15-jährige Erwitt seine erste Anstellung in einem kommerziellen Fotostudio, wo er in der Dunkelkammer Kontaktabzüge von berühmten Persönlichkeiten anfertigte. 1946 siedelte Erwitt zurück an die Ostküste – New York blieb ab dann seine Heimat. Hier lernte er Robert Capa kennen. Edward Steichen und Roy Stryker verschaffen ihm erste Aufträge. Ende der 1940er-Jahre bereiste Erwitt Frankreich und Italien, die frühesten Fotografien der Ausstellung stammen aus dieser Zeit. 1951 wurde Erwitt in die United States Army eingezogen. Statt der befürchteten Versetzung nach Korea erhielt er einen Posten als Dunkelkammerassistent bei einer in Deutschland und Frankreich stationierten Nachrichteneinheit. Nach Erwitts Entlassung aus dem Militärdienst gewann Robert Capa den jungen Fotografen für die Agentur Magnum, der er bis zu seinem Tod im November 2023 angehörte und der er in den 1960ern für drei Jahre als Präsident vorstand. Erwitt arbeitete für die großen Namen des goldenen Zeitalters der Magazine, darunter Look, Life, Collier’s oder Holiday. Journalistische Aufträge wechselten mit kommerzieller Fotografie, daneben blieb immer Zeit für Erwitts freie Arbeiten – seine Snapshots, wie er sie nannte. In den 1970er-Jahren wandte sich Erwitt verstärkt dem Film zu. Es entstanden verschiedene Dokumentationen und in den 1980ern eine Reihe von Komödien für den amerikanischen Sender HBO. Erwitts Fotografien sind weltweit in renommierten Sammlungen vertreten, Einzelausstellungen wurden in Institutionen wie dem MoMA in New York, dem Smithsonian, dem Art Institute of Chicago, dem Museé d’art moderne de la Ville de Paris oder dem Kunsthaus Zürich gezeigt.

Le 14 février, c'est la Saint-Valentin. Partant de la fête des amoureux, la galerie OstLicht wir􀅌 met en lumière des photographies qui, par leur caractère profondément émotionnel, permettent de ressentir l'exaltation amoureuse : L'exposition-vente IN LOVE WITH ... rassemble des sentiments printaniers mis en images par des photographes comme Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki ou Luisa Hübner et s'articule autour d'un hommage à Elliot Erwitt, récemment décédé. Le cœur de la présentation est constitué de travaux récents et anciens de la légende Magnum, réalisés à partir des années 1940 lors de ses incursions récurrentes dans la ville de l'amour. Les vues en noir et blanc de Paris d'Erwitt couvrent plus de sept décennies et font partie des plus sensuelles que la photographie de reportage ait produites.

Jusque dans les années 2010, Elliot Erwitt est retourné à plusieurs reprises dans sa ville natale pour jeter un regard de flâneur sur les boulevards, les terrasses de café, les jardins et les cabarets - toujours avec le don de découvrir l'extraordinaire dans le quotidien. Le travail d'Erwitt se caractérise par une légèreté élégante et un humour malicieux et chaleureux qui n'a pas son pareil dans l'histoire de la photographie. Ses images semblent nous faire des clins d'œil insistants. Cette vision caractéristique des choses a marqué aussi bien les travaux de commande d'Elliot Erwitt que sa photographie indépendante. Elle donne le ton de base de ses photographies et confère ainsi, en particulier aux reportages politiques et aux observations quotidiennes, une complexité émotionnelle qui va bien au-delà de l'instant toujours saisi sur le vif.

L'hommage à Elliot Erwitt s'appuie sur l'exposition PARIS, qui a été présentée en 2021 à la galerie OstLicht de Vienne, à la suite de sa présentation au Chanel Nexus Hall de Tokyo.

Elliot Erwitt, fils d'émigrés russes, est né à Paris en 1928 et a grandi à Milan. En 1939, la famille a fui le nazisme pour les États-Unis, a vécu brièvement à New York et s'est installée à Los Angeles en 1941. C'est à Hollywood que le jeune Erwitt, âgé de 15 ans, a trouvé son premier emploi dans un studio photo commercial, où il réalisait des planches-contact de personnalités célèbres dans la chambre noire. En 1946, Erwitt retourne sur la côte Est - New York reste alors sa patrie. C'est là qu'il a fait la connaissance de Robert Capa. Edward Steichen et Roy Stryker lui procurent ses premières commandes. A la fin des années 1940, Erwitt voyage en France et en Italie, les premières photographies de l'exposition datent de cette époque. En 1951, Erwitt est enrôlé dans l'armée américaine. Au lieu de la mutation en Corée qu'il craignait, il obtint un poste d'assistant en chambre noire dans une unité de renseignement stationnée en Allemagne et en France. Après la démobilisation d'Erwitt, Robert Capa a recruté le jeune photographe pour l'agence Magnum, dont il a fait partie jusqu'à sa mort en novembre 2023 et dont il a été le président pendant trois ans dans les années 1960. Erwitt a travaillé pour les grands noms de l'âge d'or des magazines, dont Look, Life, Collier's ou Holiday. Les commandes journalistiques alternaient avec la photographie commerciale, tout en laissant toujours du temps pour les travaux libres d'Erwitt - ses snapshots, comme il les appelait. Dans les années 1970, Erwitt se tourne de plus en plus vers le cinéma. Il réalise plusieurs documentaires et, dans les années 1980, une série de comédies pour la chaîne américaine HBO. Les photographies d'Erwitt sont représentées dans des collections renommées du monde entier, des expositions individuelles ont été présentées dans des institutions telles que le MoMA de New York, le Smithsonian, l'Art Institute de Chicago, le Musée d'art moderne de la Ville de Paris ou le Kunsthaus de Zurich.

Il 14 febbraio è San Valentino. Prendendo spunto dalla celebrazione degli innamorati, la Galleria OstLicht wir􀅌 punta i riflettori su fotografie che rendono tangibile l'euforia amorosa grazie al loro carattere profondamente emotivo: La mostra IN LOVE WITH ... riunisce la febbre primaverile visualizzata da fotografi come Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki e Luisa Hübner e ruota attorno a un omaggio dedicato a Elliot Erwitt, recentemente scomparso. Al centro della presentazione ci saranno opere giovani e meno giovani della leggenda Magnum, realizzate a partire dagli anni Quaranta durante le sue ricorrenti incursioni nella città dell'amore. Le vedute in bianco e nero di Parigi di Erwitt coprono più di sette decenni e sono tra le più sensuali che la fotografia di reportage abbia mai prodotto.

Fino agli anni 2010, Elliot Erwitt è tornato ripetutamente nella città natale per osservare con l'occhio del flaneur i boulevard, i caffè di strada, i jardin e i cabaret, sempre con il dono di scoprire il particolare nel quotidiano. Il lavoro di Erwitt è caratterizzato da un'elegante leggerezza e da un umorismo malizioso e caloroso che non ha eguali nella storia della fotografia. Le sue immagini sembrano ammiccare continuamente a noi. Questa caratteristica visione delle cose ha caratterizzato sia i lavori commissionati da Elliot Erwitt sia la sua fotografia indipendente. Essa stabilisce il tono di base delle sue fotografie e conferisce ai suoi reportage politici e alle sue osservazioni quotidiane, in particolare, una complessità emotiva che va ben oltre il momento, che è sempre azzeccato.

L'omaggio a Elliot Erwitt si basa sulla mostra PARIS, esposta alla Galerie OstLicht di Vienna nel 2021 dopo la presentazione nella Chanel Nexus Hall di Tokyo.

Elliot Erwitt è nato a Parigi nel 1928 da emigranti russi ed è cresciuto a Milano. Nel 1939 la famiglia si rifugiò negli Stati Uniti per sfuggire al nazionalsocialismo, visse per un breve periodo a New York e si trasferì a Los Angeles nel 1941. A Hollywood, il quindicenne Erwitt trova il suo primo lavoro in uno studio fotografico commerciale, dove produce in camera oscura stampe a contatto di personaggi famosi. Nel 1946 Erwitt si trasferisce nuovamente sulla East Coast: da quel momento New York rimane la sua casa. È qui che incontra Robert Capa. Edward Steichen e Roy Stryker gli procurano le prime commissioni. Alla fine degli anni Quaranta, Erwitt viaggiò in Francia e in Italia; le prime fotografie in mostra risalgono a questo periodo. Nel 1951 Erwitt viene arruolato nell'esercito degli Stati Uniti. Invece del temuto trasferimento in Corea, gli viene assegnato un posto come assistente di camera oscura in un'unità di intelligence di stanza in Germania e Francia. Dopo il congedo dal servizio militare, Robert Capa reclutò il giovane fotografo per l'agenzia Magnum, di cui rimase membro fino alla sua morte, avvenuta nel novembre 2023, e che guidò come presidente per tre anni negli anni Sessanta. Erwitt lavorò per i grandi nomi dell'epoca d'oro delle riviste, tra cui Look, Life, Collier's e Holiday. Gli incarichi giornalistici si alternavano alla fotografia commerciale, ma c'era sempre tempo per il lavoro libero di Erwitt - le sue istantanee, come le chiamava lui. Negli anni Settanta, Erwitt si dedica sempre più al cinema. Realizza diversi documentari e, negli anni Ottanta, una serie di commedie per l'emittente americana HBO. Le fotografie di Erwitt sono presenti in rinomate collezioni di tutto il mondo e sono state organizzate mostre personali in istituzioni come il MoMA di New York, lo Smithsonian, l'Art Institute di Chicago, il Museé d'art moderne de la Ville de Paris e la Kunsthaus Zürich.

February 14 is Valentine's Day. Taking the celebration of lovers as its starting point, the OstLicht gallery wir􀅌 is shining a spotlight on photographs that make amorous elation tangible through their deeply emotional imprint: The sales show IN LOVE WITH ... brings together pictorial spring fever by photographers such as Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki and Luisa Hübner and revolves around a tribute dedicated to the recently deceased Elliot Erwitt. At the heart of the presentation are younger and older works by the Magnum legend, which he produced from the 1940s onwards during his recurring forays through the city of love. Erwitt's black and white views of Paris span more than seven decades and are among the most sensual that reportage photography has produced.

Until the 2010s, Elliot Erwitt repeatedly returned to the city of his birth to take a flaneur's eye view of boulevards, street cafés, jardins and cabarets - always with the gift of discovering the extraordinary in the everyday. Erwitt's work is characterized by an elegant lightness and a mischievous, warm-hearted humour that is unparalleled in the history of photography. His pictures seem to persistently wink at us. This characteristic view of things has characterized both Elliot Erwitt's commissioned work and his free photography. It sets the tone of his photographs and lends his political reportage and everyday observations in particular an emotional complexity that goes far beyond the moment, which is always spot on.

The homage to Elliot Erwitt builds on the exhibition PARIS, which was shown at Galerie OstLicht in Vienna in 2021 following the presentation in the Chanel Nexus Hall in Tokyo.

Elliot Erwitt was born in Paris in 1928 to Russian emigrants and grew up in Milan. In 1939, the family fled to the USA to escape National Socialism, lived briefly in New York and moved to Los Angeles in 1941. In Hollywood, the 15-year-old Erwitt found his first job in a commercial photo studio, where he made contact prints of famous personalities in the darkroom. In 1946, Erwitt moved back to the East Coast - New York remained his home from then on. It was here that he met Robert Capa. Edward Steichen and Roy Stryker provided him with his first commissions. At the end of the 1940s, Erwitt traveled to France and Italy; the earliest photographs in the exhibition date from this period. In 1951, Erwitt was drafted into the United States Army. Instead of the feared transfer to Korea, he was given a post as a darkroom assistant in an intelligence unit stationed in Germany and France. After Erwitt's discharge from military service, Robert Capa recruited the young photographer for the Magnum agency, which he remained a member of until his death in November 2023 and which he headed as president for three years in the 1960s. Erwitt worked for the big names of the golden age of magazines, including Look, Life, Collier's and Holiday. Journalistic assignments alternated with commercial photography, but there was always time for Erwitt's free work - his snapshots, as he called them. In the 1970s, Erwitt increasingly turned to film. He produced various documentaries and, in the 1980s, a series of comedies for the American broadcaster HBO. Erwitt's photographs are represented in renowned collections worldwide, and solo exhibitions have been shown in institutions such as the MoMA in New York, the Smithsonian, the Art Institute of Chicago, the Museé d'art moderne de la Ville de Paris and the Kunsthaus Zürich.

(Text: OstLicht. Galerie für Fotografie, Wien)

Fotohof | Salzburg
2. Februar – 30. März 2024

Kerstin Flake / Benoît Grimbert

Mit dem Ausstellungsprojekt Kerstin Flake / Benoît Grimbert führt der Fotohof zwei internationale Positionen zusammen, deren geistige Verwandtschaft sich wohl erst auf den zweiten Blick zu erkennen gibt. Die Leipziger Künstlerin Kerstin Flake inszeniert als Regisseurin und Bühnenbildnerin in einer Person bizarre Stücke. Während in ihren Bildserien die Gesetze der Physik nur bedingt zu gelten scheinen, gleichen Benoît Grimberts präzise Fotografien einer nahezu archäologischen Untersuchung urbaner Räume. Verbindet der in Paris lebende Künstler seine Bilder mit den Biografien von Jim Morrison und Charles Manson und lässt so zeitliche Schichtungen durcheinander geraten, geht es Kerstin Flake, neben dem Spiel mit Erwartungshaltungen, um eine Überlagerung von Vergangenem und Gegenwärtigen, um das Verschwinden und Verschieben von Perspektive und Bedeutung.

Avec le projet d'exposition Kerstin Flake / Benoît Grimbert, Fotohof réunit deux positions internationales dont la parenté spirituelle ne se révèle sans doute qu'au deuxième coup d'œil. L'artiste de Leipzig Kerstin Flake met en scène des pièces bizarres en tant que metteur en scène et décoratrice de théâtre. Alors que dans ses séries d'images, les lois de la physique ne semblent s'appliquer que de manière limitée, les photographies précises de Benoît Grimbert ressemblent à une étude presque archéologique des espaces urbains. Si l'artiste vivant à Paris relie ses visuels aux biographies de Jim Morrison et de Charles Manson et fait ainsi se confondre les strates temporelles, il s'agit pour Kerstin Flake, outre le jeu avec les attentes, d'une superposition du passé et du présent, de la disparition et du déplacement de la perspective et de la signification.

Con il progetto espositivo Kerstin Flake / Benoît Grimbert, il Fotohof riunisce due posizioni internazionali la cui affinità intellettuale è riconoscibile solo a un secondo sguardo. L'artista di Lipsia Kerstin Flake mette in scena bizzarri spettacoli come regista e scenografa in una sola persona. Mentre le leggi della fisica sembrano essere applicate solo in misura limitata nella sua serie di immagini, le precise fotografie di Benoît Grimbert assomigliano a un'indagine quasi archeologica degli spazi urbani. Mentre l'artista parigino combina le sue immagini con le biografie di Jim Morrison e Charles Manson, confondendo così gli strati temporali, Kerstin Flake si preoccupa non solo di giocare con le aspettative, ma anche di sovrapporre il passato e il presente, di far scomparire e spostare la prospettiva e il significato.

The exhibition project Kerstin Flake / Benoît Grimbert brings together two international positions whose intellectual links probably emerge only at second glance. The Leipzig artist Kerstin Flake stages bizarre plays as a director and stage designer in one person. While the laws of physics only seem to apply to a limited extent in her image series, Benoît Grimbert's precise photographic tableaus resemble an almost archaeological investigation of urban space. While the Paris-based artist ties his images to the biographies of Jim Morrison and Charles Manson, allowing layers of time and mythological subtext to become mixed up, Kerstin Flake is concerned not only with the play of expectations, but also with the superimposition of past and present, with disappearance and shifting of perspective and meaning.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Foto Arsenal Wien
15. Dezember 2023 – 10. März 2024

ON ABORTION
Laia Abril

Laia Abril dokumentiert und konzeptualisiert die Gefahren und Schäden, die entstehen, wenn gebärfähige Personen keinen legalen, sicheren und kostenlosen Zugang zur Abtreibung haben. Die Ausstellung webt ein Netz von Fragen zu Ethik und Moral und enthüllt Stigmata und Tabus in Bezug auf Abtreibung.

Was verbindet das Bild eines Kleiderbügels, ein Paar an einem Bettgestell fixierte Handschellen und ein unscharfes Porträt einer Frau miteinander? Im Kontext des Begriffs „Abortion“ (Abtreibung) erwecken diese Bilder nicht nur unmittelbar zahlreiche Assoziationen, sondern auch eine unglaublich brutale Kraft.

Unter „natürlichen“ Umständen würde eine gebärfähige Person in ihrem Leben etwa 15 Mal schwanger werden, was zu zehn Geburten führen würde. Lediglich sieben dieser Kinder würden die Kindheit überleben. Über Jahrhunderte hinweg suchten die Menschen nach Möglichkeiten, eine Schwangerschaft zu verzögern oder abzubrechen. Heute gibt es sichere und wirksame Abtreibungsmethoden, dennoch greifen betroffene Personen weltweit weiterhin auf alte, illegale oder riskante Methoden zurück.

„Vergewaltigung ist legitim. Der weibliche Körper hat Möglichkeiten zu versuchen, die ganze Sache zu beenden.“ Diese Aussage eines US-Amerikanischen Politikers aus dem Jahr 2012 verdeutlicht, wie stark bis vor wenigen Jahren Selbstbestimmung am eigenen Körper fundamental in Frage gestellt wurde und in den meisten Ländern der Welt immer noch wird. Beispielsweise erlaubte Papst Franziskus im Jahr 2016 erstmals in der Geschichte katholischen Frauen, die eine Abtreibung vorgenommen hatten, in der Beichte um Vergebung zu bitten. Was wie ein Fortschritt scheint, wirkt jedoch immer noch in Formen von Stigmatisierung und Schuld weiter und verdeutlicht jene grundlegende globale Problematik.

In allen Ländern und Religionen wird Millionen von schwangeren Menschen durch gesetzliche Regelungen und gesellschaftlichen Zwang der Zugang zu Abtreibungstechnologien verwehrt. Sie werden gezwungen, Schwangerschaften gegen ihren Willen auszutragen. Darunter befinden sich Minderjährige und Opfer von Vergewaltigungen. In vielen Fällen ist der Fötus nicht lebensfähig oder die Schwangerschaft stellt ein Gesundheitsrisiko dar. In Ländern, in denen Schwangerschaftsabbrüche illegal sind, werden gebärfähige Menschen häufig kriminalisiert und strafrechtlich verfolgt. Beispielsweise ist Abtreibung in El Salvador grundsätzlich verboten und wird mit Gefängnis bestraft. Die betroffenen Personen selbst können auch wegen Mordes angeklagt werden, was im Falle einer Verurteilung zu einer Haftstrafe von 30 bis 50 Jahren führen kann. Diese beispielhafte Rechtslage spiegelt die strenge und kompromisslose Haltung vieler Länder in der Abtreibungsfrage wider.

Laia Abrils (* 1986) Langzeitprojekt A History of Misogyny (Eine Geschichte der Frauenfeindlichkeit) ist eine visuelle Recherche, die anhand historischer und aktueller Vergleiche durchgeführt wird. In ihrem ersten Kapitel On Abortion (2016) dokumentiert und konzeptualisiert Abril die Gefahren und Schäden, die entstehen, wenn gebärfähige Personen keinen legalen, sicheren und kostenlosen Zugang zur Abtreibung haben. Mit ihrer sorgfältigen Forschungsmethodik greift sie in die Vergangenheit zurück, um die lange und kontinuierliche Erosion der reproduktiven Rechte von gebärfähigen Menschen bis in die Gegenwart aufzuzeigen.

Ihre Sammlung von Bild-, Ton- und Textmaterial, deren Recherche in Wien im Museum für Verhütung und Schwangerschaftsabbruch begann, webt ein Netz von Fragen zu Ethik und Moral und enthüllt eine Reihe von sozialen Auslösern, Stigmata und Tabus in Bezug auf die Abtreibung, die lange Zeit unsichtbar geblieben sind.

Erstmals in Österreich und im deutschsprachigen Raum präsentiert FOTO ARSENAL WIEN zirka 120 Fotografien, Videos und Installationen der spanischen Künstlerin Laia Abril in einer Einzelausstellung.

Mit Unterstützung des Museums für Verhütung und Schwangerschaftsabbruch

Kurator: Felix Hoffmann

Laia Abril documente et conceptualise les dangers et les dommages qui surviennent lorsque les personnes en âge de procréer n'ont pas accès à l'avortement de manière légale, sûre et gratuite. L'exposition tisse une toile de questions sur l'éthique et la morale et révèle les stigmates et les tabous liés à l'avortement.

Quel est le lien entre le visuel d'un cintre, une paire de menottes fixées à un cadre de lit et un portrait flou de femme ? Dans le contexte du terme "avortement", ces visuels éveillent non seulement immédiatement de nombreuses associations, mais aussi une force incroyablement brutale.

Dans des circonstances "naturelles", une personne en âge de procréer tomberait enceinte environ 15 fois au cours de sa vie, ce qui donnerait lieu à dix naissances. Seuls sept de ces enfants survivraient à l'enfance. Pendant des siècles, les gens ont cherché des moyens de retarder ou d'interrompre une grossesse. Il existe aujourd'hui des méthodes d'avortement sûres et efficaces, mais les personnes concernées dans le monde entier continuent de recourir à des méthodes anciennes, illégales ou risquées.

"Le viol est légitime. Le corps féminin a des possibilités d'essayer de mettre fin à tout cela". Cette déclaration d'un homme politique américain en 2012 illustre à quel point l'autodétermination sur son propre corps était fondamentalement remise en question il y a encore quelques années et l'est toujours dans la plupart des pays du monde. Par exemple, en 2016, le pape François a autorisé, pour la première fois dans l'histoire, les femmes catholiques ayant eu recours à l'avortement à demander pardon dans leur confession. Ce qui semble être un progrès continue cependant de se traduire par des formes de stigmatisation et de culpabilité et illustre cette problématique mondiale fondamentale.

Dans tous les pays et toutes les religions, des millions de femmes enceintes se voient refuser l'accès aux technologies d'avortement par des dispositions légales et des contraintes sociales. Vous êtes obligées de mener votre grossesse à terme contre votre gré. Parmi elles se trouvent des mineures et des victimes de viols. Dans de nombreux cas, le fœtus n'est pas viable ou la grossesse transmet un risque pour la santé. Dans les pays où l'avortement est illégal, les personnes en âge de procréer sont souvent criminalisées et poursuivies en justice. Par exemple, au Salvador, l'avortement est en principe interdit et passible d'une peine de prison. Les personnes concernées elles-mêmes peuvent également être accusées de meurtre, ce qui peut entraîner une peine de 30 à 50 ans de prison en cas de condamnation. Cette situation juridique exemplaire reflète la position stricte et intransigeante de nombreux pays sur la question de l'avortement.

Le projet à long terme de Laia Abril (* 1986), A History of Misogyny (Une histoire de misogynie), est une recherche visuelle menée à partir de comparaisons historiques et actuelles. Dans son premier chapitre On Abortion (2016), Abril documente et conceptualise les dangers et les dommages qui surviennent lorsque les personnes en âge de procréer n'ont pas accès à l'avortement de manière légale, sûre et gratuite. Grâce à sa méthodologie de recherche minutieuse, elle revient sur le passé pour mettre en évidence la longue et continue érosion des droits reproductifs des personnes en âge de procréer jusqu'à nos jours.

Sa collection de visuels, de sons et de textes, dont la recherche a commencé à Vienne au Musée de la contraception et de l'interruption de grossesse, tisse une toile de questions sur l'éthique et la morale et révèle une série de déclencheurs sociaux, de stigmates et de tabous liés à l'avortement qui sont restés longtemps invisibles.

Pour la première fois en Autriche et dans les pays germanophones, FOTO ARSENAL WIEN présente environ 120 photographies, vidéos et installations de l'artiste espagnole Laia Abril dans une exposition individuelle.

Avec le soutien du Musée de la contraception et de l'interruption de grossesse.

Curateur : Felix Hoffmann

Laia Abril documenta e concettualizza i pericoli e i danni che sorgono quando le persone in età fertile non hanno accesso legale, sicuro e gratuito all'aborto. La mostra tesse una rete di domande sull'etica e la morale, rivelando stigmi e tabù che circondano l'aborto.

Qual è il legame tra l'immagine di un appendiabiti, un paio di manette fissate a un letto e un ritratto sfocato di una donna? Nel contesto del termine "aborto", queste immagini non solo evocano immediatamente numerose associazioni, ma anche una forza incredibilmente brutale.

In circostanze "naturali", una donna in età fertile rimarrebbe incinta circa 15 volte nel corso della sua vita, con dieci nascite. Solo sette di questi bambini sopravvivono all'infanzia. Per secoli, le persone hanno cercato modi per ritardare o interrompere una gravidanza. Oggi sono disponibili metodi di aborto sicuri ed efficaci, ma in tutto il mondo si continua a ricorrere a metodi vecchi, illegali o rischiosi.

"Lo stupro è legittimo. Il corpo femminile ha dei modi per cercare di porre fine a tutta la faccenda". Questa dichiarazione di un politico statunitense del 2012 illustra quanto l'autodeterminazione sul proprio corpo fosse fondamentalmente messa in discussione fino a pochi anni fa e lo sia ancora nella maggior parte dei Paesi del mondo. Nel 2016, ad esempio, Papa Francesco ha permesso alle donne cattoliche che avevano subito un aborto di chiedere perdono in confessione per la prima volta nella storia. Quello che sembra un progresso, tuttavia, continua ad avere un impatto sotto forma di stigmatizzazione e senso di colpa e mette in evidenza questo fondamentale problema globale.

In tutti i Paesi e in tutte le religioni, a milioni di persone incinte viene negato l'accesso alle tecnologie abortive attraverso norme legali e coercizione sociale. Sono costrette a portare a termine la gravidanza contro la loro volontà. Questo vale anche per le minorenni e le vittime di stupro. In molti casi, il feto non è vitale o la gravidanza rappresenta un rischio per la salute. Nei Paesi in cui l'aborto è illegale, le persone in grado di partorire sono spesso criminalizzate e perseguite. Ad esempio, in El Salvador l'aborto è generalmente vietato ed è punito con la reclusione. Le persone interessate possono anche essere accusate di omicidio, che può comportare una pena detentiva da 30 a 50 anni in caso di condanna. Questa situazione legale esemplare riflette la posizione rigida e intransigente di molti Paesi sulla questione dell'aborto.

Il progetto a lungo termine di Laia Abril (* 1986) A History of Misogyny è un'indagine visiva basata su confronti storici e contemporanei. Nel suo primo capitolo, On Abortion (2016), Abril documenta e concettualizza i pericoli e i danni che sorgono quando le persone in età fertile non hanno accesso legale, sicuro e gratuito all'aborto. Con la sua meticolosa metodologia di ricerca, l'autrice risale al passato per mostrare la lunga e continua erosione dei diritti riproduttivi delle persone in età fertile fino ai giorni nostri.

La sua collezione di materiale visivo, audio e testuale, la cui ricerca è iniziata a Vienna presso il Museo della Contraccezione e dell'Aborto, tesse una rete di domande sull'etica e la morale, rivelando una serie di fattori sociali, stigmi e tabù relativi all'aborto che sono rimasti a lungo invisibili.

Per la prima volta in Austria e nei Paesi di lingua tedesca, FOTO ARSENAL WIEN presenta in una mostra personale circa 120 fotografie, video e installazioni dell'artista spagnola Laia Abril.

Con il sostegno del Museo della Contraccezione e dell'Aborto.

Curatore: Felix Hoffmann

Laia Abril documents and conceptualizes the dangers and harm that results when women of childbearing age do not have access to legal and safe abortions that are free of charge. The exhibition weaves a web of questions on ethics and morality, revealing an array of social causes and abortion-related stigmas and taboos.

What do a picture of a coat hanger, a pair of handcuffs attached to a bed frame, and a blurry portrait of a woman have in common? In context of the term abortion, these pictures immediately evoke numerous associations; they are also extremely violent.

Under “natural” circumstances, a woman would normally get pregnant around fifteen times during her childbearing years, which would result in up to ten births. Only seven of these children could expect to live beyond childhood. For centuries, people have searched for ways to delay or abort a pregnancy. Today there are certainly safer and effective methods of abortion, yet women all over the world are forced to still depend on old, illegal, or risky methods.

“If it’s a legitimate rape, the female body has ways to try to shut that whole thing down.” This statement by an American politician in 2012 shows how strongly the self-determination of one’s own body was fundamentally questioned just a few years ago and how in most countries of the world it continues to be. For example, in 2016, for the first time in history Pope Francis permitted Catholic women who had had abortions to ask for forgiveness in confession. What may seem to be progress nevertheless perpetuates forms of stigmatization and guilt, illustrating the basic global predicament.

Millions of pregnant women in all countries and religions are prevented by laws and social constraints from accessing abortion technology. They are forced to carry their pregnancies to term against their will. This includes minors and victims of rape, and in many cases, the fetus is unhealthy or the pregnancy poses a health risk. In countries where abortions are illegal, childbearing women are frequently criminalized and prosecuted. For example, abortion is forbidden in El Salvador, and violators are punished in prison. The women who are found guilty can also be accused of murder, which results in considerably longer prison terms of between thirty and fifty years. This example reflects the strict and uncompromising attitude in many countries on the question of abortion.

A History of Misogyny by Laia Abril (b. 1986) is a long-term visual research project that works with historical and contemporary comparisons. In the first chapter, On Abortion (2016), Abril documents and conceptualizes the dangers and harm that results when childbearing individuals do not have access to legal and safe abortions that are free of charge. Using her meticulous research methods, Abril delves into the past to explore the long and continual erosion of the reproductive rights of childbearing people up to the present.

Her collection of images, audio material, and texts from her research that began in Vienna, at the Museum of Contraception and Abortion, weaves a web of questions on ethics and morality, revealing an array of social causes and abortion-related stigmas and taboos that have long remained invisible.

FOTO ARSENAL WIEN presents around 120 photographs, videos, and installations by the Spanish artist in her first solo exhibition in Austria and in a German-speaking country.

With the support of the Museum of Contraception and Abortion

(Text: Foto Arsenal Wien)

Foto Arsenal Wien
15. Dezember 2023 – 10. März 2024

PLAY AND PUNISH
Karolina Wojtas

Karolina Wojtas wirft mit der Ausstellung Play and Punish Fragen nach Grenzen und Regeln im Erziehungs- und Schulsystem auf. In ihren surrealen Bildern gibt sie keine Antworten, sondern stiftet durch spielerische und absurde Interpretationen weitere Verwirrung.

Warum wurde der Stift mit einem riesigen Knäuel aus grellrotem Klebeband an einer Kinderhand fixiert? Ist es eine spielerische Performance oder eine brutale Bestrafung?

Die polnische Künstlerin Karolina Wojtas (* 1996) wirft Fragen nach Grenzen und Regeln im Erziehungs- und Schulsystem auf. Der umstrittenen Entscheidung, die gymnasiale Schulbildung in Polen 2017 radikal zu verändern, begegnet Wojtas mit extrem in Szene gesetztem erneutem Chaos. In ihren surrealen Bildern schafft sie nicht durch Antworten Struktur, sondern stiftet weitere Verwirrung: Spielen, Toben, absurdes und unreflektiertes Handeln - Qualitäten kindlicher Aktivität. Und so steckt sie beispielsweise den Kopf ihres Bruders in einen Käfig, oder inszeniert jene Hand mit Klebeband, bei der man erst auf den zweiten Blick erkennt, was Finger und was Schreibwerkzeug ist.

Spiel, Ironie und Kritik setzt sie in Bezug zu Exzentrik und einer fantastischen Welt kindlicher Ideen, indem sie Objekte zweckentfremdet und Kinderzimmer zu Spielplätzen macht: Bauklötze werden zu raumgreifenden, riesenhaften, fotografisch bedruckten Skulpturen, durch die sie uns in die Welt von Liliput in Gullivers Reisen entführt. Aus der Perspektive der Kinder hinterfragt sie die Macht eines rigiden und bisweilen militärisch wirkenden Schulsystems, wie es nicht nur in ihrem Heimatland Polen zu finden ist.

In Ihrer Arbeitsweise verzichtet die Künstlerin auf minutiöse Planung. Stattdessen pflegt sie Unvorhersehbarkeit und Spontanität. Karolina Wojtas lädt die Besucher:innen auf einen Ausstellungsspielplatz ein, der die Normen des Erwachsenseins in Frage stellt. Ihre Ablehnung von Konventionen, Reife und Ernsthaftigkeit spiegelt sich in ihrer Ablehnung der traditionellen Ausstellungform von Fotografie wider. Sie strebt Ausstellungen an, die über das Zweidimensionale hinausgehen und zu einem partizipatorischen Erlebnis werden.

Erstmals in Österreich präsentiert FOTO ARSENAL WIEN zirka 30 Fotografien, Videos und Installationen der polnischen Künstlerin in einer Einzelausstellung.

Karolina Wojtas graduierte von der Łódź Film School und dem Institute of Creative Photography in der Tschechischen Republik. Sie wurde für zahlreiche Preise nominiert und erhielt 2019 den ING Award, Amsterdam und 2022 den C/O Berlin Talent Award. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in Ausstellungen im Foam Museum in Amsterdam, im Museum of Modern Art in Warschau, in der Fotogalleri Vasli Souza in Oslo, im Beijing 1+1 Art Center in Peking und im MNAC – Museu Nacional de Arte Contemporânea in Lissabon. Sie lebt in Polen.

Avec l'exposition Play and Punish, Karolina Wojtas soulève des questions sur les limites et les règles du système éducatif et scolaire. Dans ses visuels surréalistes, elle ne donne pas de réponses, mais sème davantage de confusion par des interprétations ludiques et absurdes.

Pourquoi le stylo a-t-il été fixé à la main d'un enfant par une énorme pelote de ruban adhésif rouge vif ? S'agit-il d'une performance ludique ou d'une punition brutale ?

L'artiste polonaise Karolina Wojtas (* 1996) soulève des questions sur les limites et les règles du système éducatif et scolaire. Wojtas répond à la décision controversée de modifier radicalement l'enseignement secondaire en Pologne en 2017 par une mise en scène extrême d'un nouveau chaos. Dans ses visuels surréalistes, elle ne crée pas de structure en donnant des réponses, mais en semant davantage de confusion : jeux, ébats, actions absurdes et irréfléchies - des qualités de l'activité enfantine. C'est ainsi qu'elle place par exemple la tête de son frère dans une cage ou met en scène cette main avec du ruban adhésif dont on ne reconnaît qu'au deuxième coup d'œil ce qui est doigt et ce qui est outil d'écriture.

Elle met le jeu, l'ironie et la critique en relation avec l'excentricité et un monde fantastique d'idées enfantines en détournant des objets et en transformant des chambres d'enfants en terrains de jeu : les blocs de construction deviennent des sculptures géantes qui occupent tout l'espace et sont imprimées de photos, grâce auxquelles elle nous entraîne dans le monde de Lilliput dans les Voyages de Gulliver. Du point de vue des enfants, elle remet en question le pouvoir d'un système scolaire rigide et parfois militaire, tel qu'on le trouve non seulement dans son pays d'origine, la Pologne.

Dans sa méthode de travail, l'artiste renonce à une planification minutieuse. Au lieu de cela, elle cultive l'imprévisibilité et la spontanéité. Karolina Wojtas invite les visiteurs sur un terrain de jeu qui remet en question les normes de l'âge adulte. Son refus des conventions, de la maturité et du sérieux se reflète dans son rejet de la forme traditionnelle d'exposition de la photographie. Elle aspire à des expositions qui dépassent les deux dimensions et deviennent des expériences participatives.

Pour la première fois en Autriche, FOTO ARSENAL WIEN présente environ 30 photographies, vidéos et installations de l'artiste polonaise dans le cadre d'une exposition individuelle.

Karolina Wojtas est diplômée de la Łódź Film School et de l'Institute of Creative Photography en République tchèque. Elle a été nominée pour de nombreux prix et a reçu le ING Award, Amsterdam en 2019 et le C/O Berlin Talent Award en 2022. Son travail a été exposé, entre autres, au Foam Museum à Amsterdam, au Museum of Modern Art à Varsovie, à la Fotogalleri Vasli Souza à Oslo, au Beijing 1+1 Art Center à Pékin et au MNAC - Museu Nacional de Arte Contemporânea à Lisbonne. Vous vivez en Pologne.

Con la mostra Play and Punish, Karolina Wojtas si interroga sui confini e sulle regole del sistema educativo e scolastico. Nelle sue immagini surreali non fornisce risposte, ma crea ulteriore confusione attraverso interpretazioni giocose e assurde.

Perché la matita è stata fissata alla mano di un bambino con un'enorme palla di nastro rosso brillante? Si tratta di una performance ludica o di una punizione brutale?

L'artista polacca Karolina Wojtas (* 1996) si interroga sui confini e sulle regole del sistema educativo e scolastico. Wojtas affronta la controversa decisione di cambiare radicalmente l'istruzione scolastica in Polonia nel 2017 con un caos rinnovato estremamente inscenato. Nelle sue immagini surreali, non crea una struttura attraverso le risposte, ma crea invece ulteriore confusione: il gioco, il divertimento, il comportamento assurdo e impensato - qualità dell'attività infantile. Così mette la testa del fratello in una gabbia, ad esempio, o mette in scena una mano con del nastro adesivo, dove ci si rende conto solo a un secondo sguardo di cosa sia un dito e cosa uno strumento di scrittura.

Mette in relazione il gioco, l'ironia e la critica con l'eccentricità e il mondo fantastico delle idee dei bambini, appropriandosi di oggetti e trasformando le stanze dei bambini in campi da gioco: i blocchi da costruzione diventano sculture gigantesche, stampate fotograficamente, attraverso le quali ci trasporta nel mondo di Lilliput nei Viaggi di Gulliver. Dal punto di vista dei bambini, l'artista mette in discussione il potere di un sistema scolastico rigido e a volte militarista, che non si trova solo nel suo Paese d'origine, la Polonia.

Nel suo metodo di lavoro, l'artista si astiene da una pianificazione meticolosa. Al contrario, privilegia l'imprevedibilità e la spontaneità. Karolina Wojtas invita i visitatori a visitare un parco giochi che mette in discussione le norme dell'età adulta. Il suo rifiuto delle convenzioni, della maturità e della serietà si riflette nel rifiuto della forma espositiva tradizionale della fotografia. L'artista cerca di realizzare mostre che vadano oltre la bidimensionalità e diventino un'esperienza partecipativa.

Per la prima volta in Austria, FOTO ARSENAL WIEN presenta circa 30 fotografie, video e installazioni dell'artista polacca in una mostra personale.

Karolina Wojtas si è diplomata alla Scuola di Cinema di Łódź e all'Istituto di Fotografia Creativa della Repubblica Ceca. È stata nominata per numerosi premi e ha ricevuto l'ING Award di Amsterdam nel 2019 e il C/O Berlin Talent Award nel 2022. I suoi lavori sono stati esposti, tra gli altri, al Foam Museum di Amsterdam, al Museo d'Arte Moderna di Varsavia, alla Fotogalleri Vasli Souza di Oslo, al Beijing 1+1 Art Centre di Pechino e al MNAC - Museu Nacional de Arte Contemporânea di Lisbona. Vive in Polonia.

Karolina Wojtas challenges the limitations and rules of schools and the education system. In her surreal images, she provides no answers, but creates further confusion through playful and absurd interpretations.

Why was a pen taped around a child’s hand with bright red packing tape? Does this photograph depict a playful performance or a brutal punishment?

Polish artist Karolina Wojtas (b. 1996) challenges the limitations and rules of schools and the education system. She reacted to the controversial decision to radically change the school system in 2017 by introducing even more chaos. Her surreal images of playing, fooling around, and acting without thinking—characteristics of children’s activities—contribute confusion rather than provide answers that might encourage discipline and structure. This includes putting a cage on her brother’s head or wrapping packing tape around his hand, captured in a photograph in which the viewer does not see at first glance that the finger and writing instrument are interchangeable.

Wojtas establishes an eccentric relationship between play, irony, and criticism with a fantastical world of childish ideas by alienating objects and making children’s rooms into playgrounds: she transforms building blocks into enormous, room-filling sculptures that are printed with photographs, through which she transports viewers to the world of the Lilliputians in Gulliver’s Travels. From the perspective of children, she challenges the power of a rigid and militaristic school system that is not only found in her own country.

In her working method, the artist renounces meticulous planning, instead fostering unpredictability and spontaneity. Wojtas invites visitors to an exhibition playground that challenges the norms of being an adult. Her rejection of convention, maturity, and seriousness is reflected in her rejection of the traditional manner of exhibiting photography. She strives for exhibitions that go beyond two-dimensionality and become a participatory experience.

FOTO ARSENAL WIEN presents around thirty photographs, videos, and installations by the Polish artist in her first solo show in Austria.

Karolina Wojtas graduated from Łódź Film School and Institute of Creative Photography in the Czech Republic. She has been nominated for numerous prizes and received the ING Award in Amsterdam in 2019 and the C/O Berlin Talent Award in 2022. Her works have been shown at Foam Museum in Amsterdam, Museum of Modern Art in Warsaw, Fotogalleri Vasli Souza in Oslo, Beijing 1+1 Art Center in Beijing and MNAC – Museu Nacional de Arte Contemporânea in Lisboa, among others. She lives in Poland.

(Text: Foto Arsenal Wien)

Leica Galerie Salzburg
8. Dezember 2023 – 29. Februar 2024

SugarWow
Jan von Holleben

„Keine andere Droge ist so weit verbreitet und niemand kann ohne sie. Zucker ist einfach das Allertollste für uns Lebewesen,“ so der Fotograf Jan von Holleben. In seinem Berliner Fotostudio ist er ihr erlegen, der süßesten Versuchung, seit es Nahrungsmittel gibt. „Ich wollte ganz eintauchen in diese Welt. Besonders die klassischen Süßigkeiten, die eine klare Formsprache hatten, fand ich interessant.“

Die Ausstellung Sugar Wow zeigt ein Schlaraffenland, das aus einer visuellen Welt von Süßigkeiten besteht. Die ästhetisch farbenfrohen Bilder, deren Sujets komplett aus den süßen Zuckermaterialien aufgebaut sind, zeigen einerseits die Farben- und Formenvielfalt eines der wohl wichtigsten Lebensmittel unserer Zeit, andererseits aber auch ein sehr kritisch zu betrachtendes Thema, das aus unserer Gesellschaft nicht mehr wegzudenken ist.

„Die Welt der Süßigkeiten ist sehr komplex und intensiv. Wir Menschen haben in allen Kulturen einen sehr speziellen Umgang mit Zucker. Dabei ist der Übergang von essenzieller Ernährung (Kohlenhydrate, Säuren etc., die im Körper zu Zucker umgewandelt werden) über süßes Gebäck zu dem, was wir Süßigkeiten nennen, fließend. Süßigkeiten sind das extremste Zuckerzeug – Zucker fast in Reinform, versetzt mit etwas Farbe und ein paar anderen Inhaltsstoffen für noch bessere Haltbarkeit, Materialität oder Sensorik.“

Jan von Holleben nimmt den Betrachter in seinen Bildern mit auf eine Reise Zucker einmal anders zu erleben und sich mit dem Thema auseinanderzusetzen. Humorvolles, Ästhetisches und Dekoratives gehen dabei eine essentielle Symbiose ein, die zum Schmunzeln einlädt.

Jan von Holleben arbeitet als Kinderbuchautor, er veröffentlichte bereits mehr als 20 Kinder- und Künstlerbücher. Seine Arbeiten sind international in der Werbung und in unzähligen Magazinen zu sehen.

"Aucune autre drogue n'est aussi répandue et personne ne peut s'en passer. Le sucre est tout simplement ce qu'il y a de plus délicieux pour nous, les êtres vivants", déclare le photographe Jan von Holleben. Dans son studio photo berlinois, il a succombé à la tentation la plus douce depuis l'apparition de la nourriture. "Je voulais m'immerger complètement dans ce monde. J'ai trouvé particulièrement intéressants les bonbons classiques, qui avaient un langage formel clair".

L'exposition Sugar Wow présente un pays de cocagne constitué d'un univers visuel de sucreries. Les images esthétiques et colorées, dont les sujets sont entièrement construits à partir des matériaux sucrés du sucre, montrent d'une part la diversité des couleurs et des formes de l'un des aliments sans doute les plus importants de notre époque, mais d'autre part aussi un thème très critique dont on ne peut plus se passer dans notre société.

"Le monde des sucreries est très complexe et intense. Dans toutes les cultures, nous autres humains avons une approche très particulière du sucre. Dans ce contexte, la transition entre l'alimentation essentielle (glucides, acides, etc. qui sont transformés en sucre dans le corps) et ce que nous appelons les sucreries, en passant par les pâtisseries sucrées, est fluide. Les bonbons sont le truc sucré le plus extrême - du sucre presque à l'état pur, mélangé à un peu de couleur et à quelques autres ingrédients pour une conservation, une matérialité ou une sensorialité encore meilleures".

Dans ses images, Jan von Holleben emmène le spectateur dans un voyage pour découvrir le sucre autrement et se confronter à ce thème. L'humour, l'esthétique et le décoratif y forment une symbiose essentielle qui invite à sourire.

Jan von Holleben travaille comme auteur de livres pour enfants, il a déjà publié plus de 20 livres pour enfants et livres d'artistes. Ses travaux sont visibles dans la publicité internationale et dans d'innombrables magazines.

"Nessun'altra droga è così diffusa e nessuno può farne a meno. Lo zucchero è semplicemente la cosa più dolce per noi creature", afferma il fotografo Jan von Holleben. Nel suo studio fotografico di Berlino, ha ceduto alla tentazione più dolce da quando esiste il cibo. "Volevo immergermi completamente in questo mondo. Ero particolarmente interessato ai dolci classici, che avevano un chiaro linguaggio di design".

La mostra Sugar Wow mostra una terra di latte e miele costituita da un mondo visivo di dolci. Le immagini esteticamente colorate, i cui soggetti sono realizzati interamente con materiali zuccherini, mostrano la varietà di colori e forme di uno degli alimenti più importanti del nostro tempo, ma anche un tema molto critico che è diventato parte integrante della nostra società.

"Il mondo dei dolci è molto complesso e intenso. Noi esseri umani, in tutte le culture, abbiamo un modo molto particolare di rapportarci allo zucchero. Il passaggio dall'alimentazione essenziale (carboidrati, acidi, ecc. che vengono convertiti in zucchero nell'organismo) alla pasticceria dolce e a ciò che chiamiamo dolci è fluido. I dolci sono gli zuccheri più estremi: zucchero quasi allo stato puro, mescolato con un po' di colore e qualche altro ingrediente per migliorare la conservabilità, la materialità o le proprietà sensoriali".

Nelle sue immagini, Jan von Holleben accompagna lo spettatore in un viaggio che lo porta a sperimentare lo zucchero in modo diverso e a confrontarsi con il soggetto. Elementi umoristici, estetici e decorativi entrano in una simbiosi essenziale che fa sorridere.

Jan von Holleben lavora come autore di libri per bambini e ha già pubblicato più di 20 libri per bambini e per artisti. I suoi lavori sono visibili a livello internazionale in pubblicità e in innumerevoli riviste.

"No other drug is so widespread and nobody can do without it. Sugar is simply the sweetest thing for us creatures," says photographer Jan von Holleben. In his Berlin photo studio, he succumbed to it, the sweetest temptation since food has existed. "I wanted to immerse myself completely in this world. I was particularly interested in the classic sweets, which had a clear design language."

The Sugar Wow exhibition shows a land of milk and honey consisting of a visual world of sweets. The aesthetically colorful pictures, whose subjects are made up entirely of sweet sugar materials, show the variety of colors and shapes of one of the most important foods of our time, but also a very critical topic that has become an integral part of our society.

"The world of sweets is very complex and intense. We humans have a very special way of dealing with sugar in all cultures. The transition from essential food (carbohydrates, acids, etc., which are converted into sugar in the body) to sweet pastries and what we call sweets is a fluid one. Sweets are the most extreme sugar stuff - sugar almost in its pure form, mixed with some color and a few other ingredients for even better shelf life, materiality or sensory properties."

In his pictures, Jan von Holleben takes the viewer on a journey to experience sugar in a different way and to engage with the subject. Humorous, aesthetic and decorative elements enter into an essential symbiosis that invites smiles.

Jan von Holleben works as a children's book author and has already published more than 20 children's and artist's books. His work can be seen internationally in advertising and in countless magazines.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
2. Dezember 2023 - 1. April 2024

Mediathek+ Die Video- und Filmsammlung der Generali Foundation

Die Generali Foundation hat seit ihrer Gründung eine der bedeutendsten internationalen Medienkunstsammlungen ab den 1960er-Jahren aufgebaut, mit einem Schwerpunkt auf experimenteller, medienreflexiver Film- und Videokunst, politischem Film sowie feministischen und performancebasierten Videoarbeiten. Sie umfasst sämtliche Filme und Videos von Künstler_innen wie Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler und Heimo Zobernig. Die Mediathek im Generali Foundation Studienzentrum macht einen großen Teil dieser Filme und Videos für Forscher_innen und alle interessierten Besucher_innen jederzeit zugänglich. Darüber hinaus können wichtige Veranstaltungen, die seit den 1990er-Jahren in der Generali Foundation stattgefunden haben – Vorträge, Symposien, Gespräche mit Künstler_innen und Performances – angesehen werden.

Die Ausstellung erweitert die Mediathek in den Ausstellungsraum, um die gesamte Bandbreite der Film- und Videosammlung sichtbar zu machen und grundlegende Entwicklungen der Film- und Videokunst der letzten Jahrzehnte zu veranschaulichen. Gleichzeitig unterstreicht sie die Bedeutung des freien Zugangs zu Film- und Videoarchiven als Teil des kulturellen Gedächtnisses der jüngeren Zeit.

Kurator_innen: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Depuis sa création, la Generali Foundation a constitué l'une des plus importantes collections internationales d'art médiatique à partir des années 1960, en mettant l'accent sur le cinéma et l'art vidéo expérimentaux et reflétant les médias, le cinéma politique ainsi que les œuvres vidéo féministes et basées sur la performance. Elle comprend tous les films et vidéos d'artistes tels que Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler et Heimo Zobernig. La médiathèque du centre d'études de la Fondation Generali rend une grande partie de ces films et vidéos accessibles à tout moment aux chercheurs et à tous les visiteurs intéressés. En outre, les événements importants qui ont eu lieu à la Fondation Generali depuis les années 1990 - conférences, symposiums, entretiens avec des artistes et performances - peuvent être visionnés.

L'exposition étend la médiathèque à l'espace d'exposition afin de rendre visible toute la gamme de la collection de films et de vidéos et d'illustrer les développements fondamentaux de l'art cinématographique et vidéo des dernières décennies. En même temps, elle souligne l'importance du libre accès aux archives cinématographiques et vidéo en tant que partie intégrante de la mémoire culturelle récente.

Commissaires d'exposition : Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Dalla sua fondazione, la Fondazione Generali ha costituito una delle più importanti collezioni internazionali di media art a partire dagli anni Sessanta, con particolare attenzione al cinema e alla videoarte sperimentale e riflessiva sui media, al cinema politico e alle opere video femministe e performative. Include tutti i film e i video di artisti come Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler e Heimo Zobernig. La mediateca del Centro Studi della Fondazione Generali rende gran parte di questi film e video accessibili ai ricercatori e a tutti i visitatori interessati in qualsiasi momento. Inoltre, è possibile visionare importanti eventi che si sono svolti alla Fondazione Generali a partire dagli anni Novanta - conferenze, simposi, colloqui con artisti e spettacoli.

La mostra estende la mediateca allo spazio espositivo per rendere visibile l'intera gamma della collezione di film e video e per illustrare gli sviluppi fondamentali dell'arte cinematografica e video degli ultimi decenni. Allo stesso tempo, sottolinea l'importanza del libero accesso agli archivi di film e video come parte della memoria culturale dei tempi recenti.

Curatori: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Since its establishment, the Generali Foundation has built up one of the most important international media art collections from the 1960s onwards, with a focus on experimental, media-reflexive film and video art, political film, and feminist and performance-based video works. It includes all films and videos by artists such as Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler and Heimo Zobernig. The Media Library at the Generali Foundation Study Center makes a large part of these films and videos accessible to researchers and all interested visitors at any time. In addition, important events that have taken place at the Generali Foundation since the 1990s - lectures, symposia, talks with artists, and performances - can be viewed.

The exhibition extends the media library into the exhibition space in order to make the entire range of the film and video collection visible and to illustrate fundamental developments in film and video art over the past decades. At the same time, it underscores the importance of free access to film and video archives as part of recent cultural memory.

Curators: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
2. Dezember 2023 - 1. April 2024

Otto-Breicha-Preis für Fotokunst 2021
Anna Jermolaewa

Anna Jermolaewa (1970 Leningrad, UdSSR – Wien, AT) ist die Preisträgerin des Otto-Breicha-Preises 2021. Sie wurde 1989 ausgebürgert und kam nach Österreich, wo sie zunächst Kunstgeschichte studierte und 2002 ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste Wien abschloss. Seit 2018 ist sie Professorin für Experimentelle Gestaltung an der Kunstuniversität Linz. Die Konzeptkünstlerin bezeichnet sich selbst als „Realistin“ und ihre Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit ist oft kritisch und abgründig humorvoll. „Hostile Architecture“ etwa ist eine 2019 begonnene Fotoserie, die erfasst, wie im öffentlichen Raum Metallstacheln und Ähnliches so montiert sind, dass Obdachlose sich dort nicht aufhalten können. Gleichzeitig dokumentiert Jermolaewa die schmerzhaften Spuren dieser menschenverachtenden Architektur am eigenen Körper.

Oft entwickeln sich ihre Arbeiten, meist in den Medien Fotografie und Video, aus der Beobachtung alltäglicher Dinge und sind mit ihrer eigenen Biographie verknüpft. Jermolaewa reflektiert Themen wie Erinnerung, Entwurzelung und Neubeginn. Vor allem aus ihren Erfahrungen als aufmerksame Reisende resultieren Projekte, die die Lebensbedingungen und Machtstrukturen in der Welt untersuchen. Eine Arbeit, die Jermolaewa 2014 begonnen hat und bis heute fortsetzt, ist „Chernobyl Safari“: Im menschenleeren Sperrgebiet von Tschernobyl, sind Filmbilder von großer Schönheit entstanden, beispielsweise von wieder ausgewilderten Urpferden, die dort ideale Bedingungen fanden. Dass die Natur es ohne Menschen besser hat, ist eine Erkenntnis dieser Arbeit.

Otto-Breicha-Preis für Fotokunst
Seit 1983 vergibt das Museum der Moderne Salzburg alle zwei Jahre einen Preis für Fotokunst. Seit 2007 wird dieser Preis von der Familie Breicha gefördert und als „Otto-Breicha-Preis für Fotokunst – Museum der Moderne Salzburg“ an eine_n österreichische_n oder in Österreich lebende_n Fotokünstler_in verliehen. Der Preis ist nach Otto Breicha, dem Gründungsdirektor der Modernen Galerie und Graphischen Sammlung – Rupertinum, der Vorläuferinstitution des heutigen Museums, benannt. Anna Jermolaewa ist die 18. Trägerin des Preises.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Yermolaeva (1970 Leningrad, URSS - Vienne, AT) est la lauréate du prix Otto-Breicha 2021. Expatriée en 1989, elle est venue en Autriche où elle a d'abord étudié l'histoire de l'art avant de terminer ses études à l'Académie des beaux-arts de Vienne en 2002. Depuis 2018, elle est professeur de design expérimental à l'université des arts de Linz. L'artiste conceptuelle se définit elle-même comme une "réaliste" et sa confrontation avec la réalité est souvent critique et empreinte d'un humour abyssal. "Hostile Architecture", par exemple, est une série de photos commencée en 2019 qui saisit comment, dans l'espace public, des pics métalliques et autres sont montés de manière à ce que les sans-abri ne puissent pas y rester. Parallèlement, Yermolaeva documente sur son propre corps les traces douloureuses de cette architecture inhumaine.

Souvent, ses travaux, généralement réalisés dans les médias de la photographie et de la vidéo, se développent à partir de l'observation de choses quotidiennes et sont liés à sa propre biographie. Jermolaewa réfléchit à des thèmes tels que la mémoire, le déracinement et le nouveau départ. C'est surtout de son expérience de voyageuse attentive que résultent des projets qui examinent les conditions de vie et les structures de pouvoir dans le monde. Un travail que Jermolaewa a commencé en 2014 et qu'elle poursuit encore aujourd'hui est "Chernobyl Safari" : dans la zone interdite de Tchernobyl, désertée par les hommes, des images filmées d'une grande beauté ont été réalisées, par exemple de chevaux préhistoriques réintroduits dans la nature et qui y ont trouvé des conditions idéales. L'une des conclusions de ce travail est que la nature se porte mieux sans l'homme.

Prix Ottoreicha pour l'art photographique
Depuis 1983, le Museum der Moderne Salzburg décerne tous les deux ans un prix pour l'art photographique. Depuis 2007, ce prix est parrainé par la famille Breicha et attribué sous le nom de "Otto-Breicha-Preis für Fotokunst - Museum der Moderne Salzburg" à un(e) artiste photographe autrichien(ne) ou vivant en Autriche. Le prix porte le nom d'Otto Breicha, le directeur fondateur de la Moderne Galerie und Graphische Sammlung - Rupertinum, l'institution qui a précédé le musée actuel. Anna Ermolaewa est la 18e lauréate du prix.

Les commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Jermolaewa (1970 Leningrado, URSS - Vienna, AT) è la vincitrice del Premio Ottoreicha 2021. Espatriata nel 1989, è arrivata in Austria, dove ha studiato storia dell'arte e si è laureata all'Accademia di Belle Arti di Vienna nel 2002. Dal 2018 è docente di design sperimentale presso la Kunstuniversität di Linz. L'artista concettuale si definisce "realista" e il suo impegno con la realtà è spesso critico e abissalmente umoristico. "Hostile Architecture", ad esempio, è una serie di foto iniziata nel 2019 che immortala il modo in cui punte di metallo e simili vengono montate negli spazi pubblici in modo tale da impedire ai senzatetto di soggiornarvi. Allo stesso tempo, Jermolaewa documenta le dolorose tracce di questa architettura disumana sul proprio corpo.

Le sue opere, per lo più nei media della fotografia e del video, si sviluppano spesso dall'osservazione di cose quotidiane e sono legate alla sua biografia. Jermolaewa riflette su temi come la memoria, lo sradicamento e i nuovi inizi. Soprattutto, le sue esperienze di viaggiatrice attenta si traducono in progetti che esaminano le condizioni di vita e le strutture di potere nel mondo. Un lavoro che Jermolaewa ha iniziato nel 2014 e continua tuttora è "Chernobyl Safari": nella zona di esclusione di Chernobyl, ormai deserta, sono state create immagini cinematografiche di grande bellezza, ad esempio dei cavalli primordiali reintrodotti che hanno trovato lì le condizioni ideali. Una delle intuizioni di questo lavoro è che la natura sta meglio senza l'uomo.

Premio Otto-Breicha per l'arte fotografica
Dal 1983, il Museum der Moderne Salzburg assegna ogni due anni un premio per l'arte fotografica. Dal 2007, questo premio è sponsorizzato dalla famiglia Breicha e assegnato come "Premio Otto Breicha per l'arte fotografica - Museum der Moderne Salzburg" a un artista fotografico austriaco o con sede in Austria. Il premio prende il nome da Otto Breicha, il direttore fondatore della Moderne Galerie und Graphische Sammlung - Rupertinum, l'istituzione che ha preceduto l'attuale museo. Anna Jermolaewa è il 18° destinatario del premio.

Curatori: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Jermolaewa (1970 Leningrad, USSR - Vienna, AT) is the winner of the Ottoreicha Award 2021. She was expatriated in 1989 and came to Austria, where she first studied art history and graduated from the Academy of Fine Arts Vienna in 2002. Since 2018, she has been a professor of experimental design at the University of Art in Linz. The conceptual artist describes herself as a "realist," and her engagement with reality is often critical and abysmally humorous. "Hostile Architecture," for example, is a photo series begun in 2019 that captures how metal spikes and the like are mounted in public spaces in such a way that homeless people cannot stay there. At the same time, Jermolaewa documents the painful traces of this inhumane architecture on her own body.

Often her works, mostly in the media of photography and video, develop from the observation of everyday things and are linked to her own biography. Jermolaewa reflects on themes such as memory, uprooting, and new beginnings. Above all, her experiences as an observant traveler result in projects that examine living conditions and power structures in the world. One work that Jermolaewa began in 2014 and continues to this day is "Chernobyl Safari": in the deserted Chernobyl exclusion zone, film images of great beauty have been created, for example of reintroduced primeval horses that found ideal conditions there. The fact that nature has it better without humans is a realization of this work.

Otto-Breicha Prize for Photographic Art
Since 1983, the Museum der Moderne Salzburg has awarded a prize for photographic art every two years. Since 2007, this prize has been sponsored by the Breicha family and awarded as the "Otto Breicha Prize for Photographic Art - Museum der Moderne Salzburg" to an Austrian or Austrian-based photographic artist. The prize is named after Otto Breicha, the founding director of the Modern Gallery and Graphic Collection - Rupertinum, the predecessor institution of today's museum. Anna Jermolaewa is the 18th recipient of the prize.

Curators: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
1. Dezember 2023 – 27. Januar 2024

Open Territory
Libor Fojtik, Jana Ilkova, Ema Lančaričová, Martin Kollar, Ivana Palečková, Lucia Nimcová, Daniel Šperl

»Open Territory« zeigt sieben dokumentarfotografische Positionen, die sich mit verschiedenen Aspekten des alltäglichen Lebens in Tschechien und der Slowakei beschäftigen. Während die Positionen dieser Gruppenausstellung in erster Linie aus Beobachtungen und Dokumentation der Außenwelt bestehen, lassen ihre Stile, Perspektiven und der Kern ihrer künstlerischen Methoden an die Tradition des in der Zwischenkriegszeit entstandenen magischen Realismus denken − eine Tradition, die weiterhin viele dazu inspiriert, einen realistischen Ansatz bei der Beobachtung der Außenwelt beizubehalten und gleichzeitig ermutigt, eine surreale Gegenüberstellung von Objekten und Menschen zu schaffen, die die Grenze zwischen Realität und der Fantasie zu verwischen sucht.

"Open Territory" présente sept positions photographiques documentaires qui s'intéressent à différents aspects de la vie quotidienne en République tchèque et en Slovaquie. Alors que les positions de cette exposition de groupe consistent principalement à observer et à documenter le monde extérieur, leurs styles, leurs perspectives et l'essence de leurs méthodes artistiques font penser à la tradition du réalisme magique née dans l'entre-deux-guerres - une tradition qui continue d'inspirer de nombreuses personnes à maintenir une approche réaliste dans l'observation du monde extérieur tout en les encourageant à créer une juxtaposition surréaliste d'objets et de personnes qui cherche à effacer la frontière entre la réalité et l'imagination.

"Open Territory" presenta sette posizioni fotografiche documentarie che affrontano diversi aspetti della vita quotidiana nella Repubblica Ceca e in Slovacchia. Sebbene le posizioni di questa mostra collettiva consistano principalmente in osservazioni e documentazioni del mondo esterno, i loro stili, le prospettive e il nucleo dei loro metodi artistici ricordano la tradizione del realismo magico emersa nel periodo tra le due guerre - una tradizione che continua a ispirare molti a mantenere un approccio realistico all'osservazione del mondo esterno, incoraggiandoli al contempo a creare una giustapposizione surreale di oggetti e persone che cerca di sfumare il confine tra realtà e immaginazione.

»Open Territory« features seven positions in documentary photography focused on various aspects of everyday life in Czechia and Slovakia. While the collection in this group exhibition primarily consist of documentation of the outside world, their styles, perspectives, and the core of their artistic methods can be associated with a touch of the tradition of surrealism that was developed between two wars—a tradition that continues to inspire many to maintain a realistic approach in documenting the outside world while encouraging them to create a surreal juxtaposition of objects and people blurring the line between so-called reality and fantasy.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
1. Dezember 2023 – 27. Januar 2024

Lokalaugenschein
Peter Dressler

Wie wenige andere Persönlichkeiten hat Peter Dressler als Künstler, Akademielehrer, Sammler und kritischer Teilnehmer der Kunstszene die österreichische Fotografie seit den 1970er-Jahren mit beeinflusst. Die Beziehung mit ihm geht bis in die frühen Gründungsjahre des Fotohofs zurück – 1985 erstmals in einer Gruppenausstellung gezeigt, folgte 1989 die Einzelausstellung »Zwischenspiel« und weitere danach. Auch die meisten seiner Künstlerbücher konnten wir in der FOTOHOF>EDITION herausbringen. Zwei Jahre nach seinem Tod 2013 übernahmen wir im FOTOHOF>ARCHIV seinen gesamten künstlerischen Nachlass. »Wiener Gold« war der Titel seiner aus dem Nachlass erarbeiteten Retrospektive 2016 im Kunsthaus Wien mit umfangreichem Katalogbuch.

Dresslers Interesse an der Fotografie war seit jeher (kunst)historisch fundiert. Sein frühes Abgehen vom Einzelbildprinzip, die Entwicklung einer eigenen Bildsprache und im weiteren assoziativer und narrativer Sequenzen –- komplex und witzig gleichermaßen –, das Bestehen auf formalen Definitionen – Bildformat, Ausschnitt, Printqualität, Präsentationsform – stehen für eine souveräne künstlerische Haltung im Umgang mit den Möglichkeiten des Mediums.

Die aktuelle Ausstellung reflektiert Dresslers lebenslanges Interesse an unseren osteuropäischen Nachbarländern und ihrer Fotografie. In bisher ungezeigten Werkgruppen folgen wir Dressler nach Prag, Bukarest oder Chisinău und erleben seine Sensibilität für den »spirit of the place«, seinen Humor und Sinn für manchmal absurde Komik.

Comme peu d'autres personnalités, Peter Dressler a contribué à influencer la photographie autrichienne depuis les années 1970 en tant qu'artiste, professeur d'académie, collectionneur et participant critique à la scène artistique. Notre relation avec lui remonte aux premières années de fondation de Fotohof - présenté pour la première fois en 1985 dans une exposition de groupe, il a été suivi en 1989 par l'exposition individuelle "Zwischenspiel" et d'autres par la suite. Nous avons également pu éditer la plupart de ses livres d'artistes dans la FOTOHOF>EDITION. Deux ans après sa mort en 2013, nous avons repris l'ensemble de son héritage artistique dans les FOTOHOF>ARCHIVES. "Wiener Gold" était le titre de sa rétrospective 2016 au Kunsthaus Wien, élaborée à partir de son héritage et accompagnée d'un livre-catalogue très complet.

L'intérêt de Dressler pour la photographie a toujours été fondé sur l'histoire (de l'art). Son abandon précoce du principe de l'image unique, le développement d'un langage visuel propre et, par la suite, de séquences associatives et narratives -- à la fois complexes et drôles -, l'insistance sur les définitions formelles - format d'image, cadrage, qualité d'impression, forme de présentation - témoignent d'une attitude artistique souveraine dans l'utilisation des possibilités du médium.

L'exposition actuelle reflète l'intérêt de toute une vie de Dressler pour les pays voisins d'Europe de l'Est et leur photographie. Dans des groupes d'œuvres jamais montrés jusqu'à présent, nous suivons Dressler à Prague, Bucarest ou Chisinău et découvrons sa sensibilité à l'"esprit du lieu", son humour et son sens du comique parfois absurde.

Come artista, insegnante d'accademia, collezionista e partecipante critico alla scena artistica, Peter Dressler ha influenzato la fotografia austriaca dagli anni Settanta come poche altre personalità. Il rapporto con lui risale ai primi anni di fondazione del Fotohof - la prima mostra è stata una collettiva nel 1985, seguita dalla personale "Zwischenspiel" nel 1989 e da altre successive. Abbiamo anche potuto pubblicare la maggior parte dei suoi libri d'artista nella FOTOHOF>EDITION. Due anni dopo la sua morte, nel 2013, abbiamo rilevato il suo intero patrimonio artistico nell'ARCHIVIO FOTOHOF>. "Wiener Gold" è il titolo della sua retrospettiva del 2016 alla Kunsthaus Wien, che è stata realizzata a partire dal suo patrimonio e comprende un ampio catalogo.

L'interesse di Dressler per la fotografia è sempre stato radicato nella storia (dell'arte). Il suo precoce allontanamento dal principio dell'immagine singola, lo sviluppo di un proprio linguaggio visivo e successivamente di sequenze associative e narrative - complesse e spiritose in egual misura - e la sua insistenza sulle definizioni formali - formato dell'immagine, ritaglio, qualità di stampa, forma di presentazione - sono sinonimo di un atteggiamento artistico sicuro nell'affrontare le possibilità del mezzo.

La mostra attuale riflette l'interesse di Dressler per i nostri vicini dell'Europa orientale e per la loro fotografia. In gruppi di opere inedite, seguiamo Dressler a Praga, Bucarest o Chisinău e sperimentiamo la sua sensibilità per lo "spirito del luogo", il suo umorismo e il senso della commedia a volte assurda.

As an artist, academy teacher, collector and critical participant in the art scene, Peter Dressler has helped to influence Austrian photography since the 1970s like few other personalities. Our relationship with him goes back to the early founding years of FOTOHOF – first shown in a group exhibition in 1985, followed by the solo exhibition »Zwischenspiel« in 1989 and others thereafter. We were also able to publish most of his artist books with FOTOHOF>EDITION. Two years after his death in 2013, we were able to get his entire artistic estate as part of FOTOHOF>ARCHIV. »Wiener Gold« was the title of his 2016 retrospective at the Kunsthaus Wien, which was compiled from his estate and included an extensive catalog book.

Dressler's interest in photography has always been based on (art) history. His early departure from the single-image principle, the development of his own pictorial language and, by extension, associative and narrative sequences – complex and witty in equal measure –, the insistence on formal definitions – image format, cropping, print quality, form of presentation – stand for a sovereign artistic attitude in dealing with the possibilities of the medium.

The current exhibition reflects Dressler's lifelong interest in our neighboring Eastern European countries and their photography. In previously unseen groups of works, we follow Dressler to Prague, Bucharest, or Chisinău and experience his sensitivity to the »spirit of the place,« his humor and sense for sometimes absurd comedy.

(Text: Rainer Iglar / Brigitte Blüml)

WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
24. November 2023 – 11. Februar 2024

PAPARAZZI!

Verschrien, verkannt, vergöttert: Paparazzi gehören ohne Zweifel zu den schillerndsten Figuren der Fotogeschichte!

Ihre mit ebenso findigen wie ruchlosen Mitteln erjagten Bilder werden von Millionen Menschen gesehen, gleichwohl sind die Namen der Fotograf:innen kaum bekannt, ihre öffentliche Reputation ist gering. Der Begriff Paparazzi geht auf den gleichnamigen Fotografen in Federico Fellinis Filmklassiker La Dolce Vita zurück und galt lange als Schimpfwort, erst in jüngerer Zeit hat sich der Blick auf die Geschichte des Genres gewandelt. Heute werden die Bilder von herausragenden Vertreter:innen wie Ron Galella oder Marcello Geppetti als unverstellte Porträts und Zeugnisse einer Ära gewürdigt.

PAPARAZZI! vereint rund 120 Arbeiten von etwa 20 Bildautor:innen und spannt einen Bogen von den späten 1950er-Jahren bis in die 2000er. Ein Schwerpunkt liegt auf den 1960er- und 1970er-Jahren, als Fotografen wie Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli oder Elio Sorci das Metier zwischen Rom und den USA, Cinecittà und Hollywood definierten. Auf der Suche nach dem ultimativen Scoop rückten sie mit ihren Kameras Schauspieler:innen und anderen Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, darunter Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton oder Jackie Kennedy, zu Leibe – und fingen en passant den Glamour der High Society ein. Dabei kam es mitunter zu denkwürdigen Begegnungen: Anita Ekberg, Star aus La Dolce Vita, wehrte sich gegen die aufdringlichen Paparazzi mit Pfeil und Bogen, Ron Galella kostete seine hartnäckige Verfolgung von Marlon Brando mehrere Zähne.

Die Ausstellung PAPARAZZI! widmet sich der Geschichte, den Methoden und der Ästhetik der Paparazzi-Fotografie, nimmt am Beispiel von Lady Diana und Britney Spears die kontroversen Aspekte des Genres in den Blick und beleuchtet mit Serien von Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson oder der österreichischen Künstlergruppe G.R.A.M. die Faszination, die das Phänomen immer wieder auch auf andere Bereiche der Fotografie und auf die Kunst ausgeübt hat.

Wir danken allen Leihgeber:innen und Künstler:innen der Ausstellung, ohne die die Realisierung dieses Projektes nicht möglich gewesen wäre, allen voran der Nicola Erni Collection als Hauptleihgeberin sowie Anton Corbijn, Ron Galella Ltd., Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Sammlung Reinhold Mittersakschmöller, Helmut Newton Foundation, Fotosammlung OstLicht, Sammlung Mila Palm, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn und David Secchiaroli.

Décriés, méconnus, idolâtrés : les paparazzi font sans aucun doute partie des personnages les plus hauts en couleur de l'histoire de la photographie !

Leurs photos, obtenues par des moyens aussi ingénieux qu'impitoyables, sont vues par des millions de personnes, mais les noms des photographes sont peu connus et leur réputation publique est faible. Le terme de paparazzi, qui remonte au photographe du même nom dans le film classique La Dolce Vita de Federico Fellini, a longtemps été considéré comme une insulte, mais ce n'est que récemment que le regard sur l'histoire du genre a changé. Aujourd'hui, les images d'éminents représentants comme Ron Galella ou Marcello Geppetti sont appréciées comme des portraits sans concession et des témoignages d'une époque.

PAPARAZZI ! réunit environ 120 travaux d'une vingtaine d'auteurs et couvre une période allant de la fin des années 1950 aux années 2000. L'accent est mis sur les années 1960 et 1970, lorsque des photographes comme Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli ou Elio Sorci ont défini le métier entre Rome et les États-Unis, Cinecittà et Hollywood. A la recherche du scoop ultime, ils ont approché avec leurs appareils photo des acteurs et autres personnalités publiques, comme Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton ou Jackie Kennedy, et ont capturé en passant le glamour de la haute société. Des rencontres mémorables ont parfois eu lieu : Anita Ekberg, la star de La Dolce Vita, s'est défendue contre les paparazzi importuns avec un arc et des flèches, Ron Galella a perdu plusieurs dents en poursuivant Marlon Brando avec acharnement.

L'exposition PAPARAZZI ! est consacrée à l'histoire, aux méthodes et à l'esthétique de la photographie de paparazzi. Elle met en lumière les aspects controversés du genre à travers l'exemple de Lady Diana et Britney Spears et met en lumière la fascination que le phénomène a toujours exercée sur d'autres domaines de la photographie et de l'art avec des séries de Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson ou le groupe d'artistes autrichiens G.R.A.M..

Nous remercions tous les prêteurs et artistes de l'exposition sans lesquels la réalisation de ce projet n'aurait pas été possible, en particulier la Nicola Erni Collection en tant que prêteur principal ainsi qu'Anton Corbijn, Ron Galella Ltd, Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Collection Reinhold Mittersakschmöller, Helmut Newton Foundation, Fotosammlung OstLicht, Collection Mila Palm, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn et David Secchiaroli.

Famosi, incompresi, idolatrati: i paparazzi sono senza dubbio alcune delle figure più colorate della storia della fotografia!

Le loro immagini, a cui danno la caccia con mezzi ingegnosi e nefasti, sono viste da milioni di persone, ma i nomi dei fotografi sono poco conosciuti e la loro reputazione pubblica è bassa. Il termine paparazzi risale all'omonimo fotografo del classico film di Federico Fellini La Dolce Vita ed è stato a lungo considerato una parolaccia, ma solo recentemente la visione della storia del genere è cambiata. Oggi, le immagini di rappresentanti di spicco come Ron Galella e Marcello Geppetti sono onorate come candidi ritratti e testimonianze di un'epoca.

PAPARAZZI! raccoglie circa 120 opere di una ventina di autori di immagini e copre un arco temporale che va dalla fine degli anni Cinquanta agli anni Duemila. Un focus è sugli anni Sessanta e Settanta, quando fotografi come Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli ed Elio Sorci definirono il mestiere tra Roma e gli Stati Uniti, Cinecittà e Hollywood. Alla ricerca dello scoop definitivo, usavano le loro macchine fotografiche per avvicinarsi ad attori e personaggi pubblici, tra cui Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton e Jackie Kennedy, e immortalare il glamour dell'alta società en passant. Questo a volte ha portato a incontri memorabili: Anita Ekberg, protagonista de La Dolce Vita, si difese dagli invadenti paparazzi con arco e frecce, Ron Galella si costò diversi denti nel suo ostinato inseguimento di Marlon Brando.

La mostra PAPARAZZI! è dedicata alla storia, ai metodi e all'estetica della fotografia dei paparazzi, utilizza gli esempi di Lady Diana e Britney Spears per esaminare gli aspetti controversi del genere e, con le serie di Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson e del gruppo di artisti austriaci G.R.A.M., fa luce sul fascino che il fenomeno ha ripetutamente esercitato su altri settori della fotografia e dell'arte.

Desideriamo ringraziare tutti i prestatori e gli artisti della mostra, senza i quali la realizzazione di questo progetto non sarebbe stata possibile, in particolare la Collezione Nicola Erni come prestatore principale e Anton Corbijn, Ron Galella Ltd, Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Reinhold Mittersakschmöller Collection, Helmut Newton Foundation, OstLicht Photo Collection, Mila Palm Collection, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn e David Secchiaroli.

Notorious, misunderstood, idolized: paparazzi are without a doubt among the most enigmatic figures in the history of photography!

Their pictures, hunted down with equally resourceful and nefarious means, are seen by millions of people, yet the names of the photographers are hardly known, their public reputation is low. The term paparazzi goes back to the photographer of the same name in Federico Fellini's classic film La Dolce Vita and was long considered a dirty word; only recently has the view of the genre's history changed.

Today, the images of outstanding representatives such as Ron Galella or Marcello Geppetti are appreciated as undisguised portraits and testimonies of an era.

PAPARAZZI! brings together around 120 works by some 20 photographers and spans an arc from the late 1950s to the 2000s. The focus is on the 1960s and 1970s, when photographers such as Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli and Elio Sorci defined the profession between Rome and the USA, Cinecittà and Hollywood. In search of the ultimate scoop, they used their cameras to get close to actors and other public figures, including Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton and Jackie Kennedy - and en passant captured the glamor of high society. In the process, some memorable encounters took place: Anita Ekberg, star of La Dolce Vita, defended herself against the intrusive paparazzi with bow and arrow, Ron Galella's persistent pursuit of Marlon Brando cost him several teeth.

The exhibition PAPARAZZI! is dedicated to the history, methods, and aesthetics of paparazzi photography, takes a look at the controversial aspects of the genre using the examples of Lady Diana and Britney Spears, and, with series by Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson, and the Austrian artists' group G.R.A.M., sheds light on the fascination that the phenomenon has repeatedly exerted on other areas of photography and on art.

We would like to thank all lenders and artists of the exhibition, without whom the realization of this project would not have been possible, first and foremost the Nicola Erni Collection as main lender as well as Anton Corbijn, Ron Galella Ltd, Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Sammlung Reinhold Mittersakschmöller, Helmut Newton Foundation, Fotosammlung OstLicht, Sammlung Mila Palm, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn and David Secchiaroli.

(Text: WestLicht. Schauplatz für Fotografie, Wien)

Museum der Moderne | Salzburg
28. Oktober 2023 - 7. April 2024

Kunst in vier Dimensionen. Medienkunst neu betrachtet

Mit über 500 Werken internationaler Künstler_innen bewahrt, erforscht und präsentiert die Sammlung Generali Foundation am Museum der Moderne Salzburg einen der bedeutendsten Bestände an Medienkunst in Österreich. Anhand ausgewählter Positionen spannt die Sammlung einen Bogen vom Avantgardefilm der 1960er-Jahre über die frühe Videokunst der 1970er-Jahre bis hin zu elaborierten Film-, Video-, Dia- und Soundinstallationen ab den 1990er-Jahren. Mit medienreflexiven, gesellschafts- und institutionskritischen, feministischen und dokumentarischen Arbeiten enthält sie wesentliche Marksteine der westlichen Kunstgeschichte. Die Ausstellung ist einer neuen Lesart der Sammlung gewidmet. Sie stellt ästhetische, psychologische, motivische und methodische Aspekte in den Vordergrund und zeigt unerwartete Querverbindungen und Korrespondenzen zwischen dem künstlerischen Denken verschiedener Zeiten auf. Die Ausstellung ermöglicht so einen neuen Blick auf wichtige Werke der Medienkunst.

Kurator: Jürgen Tabor

Avec plus de 500 œuvres d'artistes internationaux, la collection Generali Foundation du Museum der Moderne Salzburg conserve, étudie et présente l'un des plus importants fonds d'art médiatique d'Autriche. À l'aide d'une sélection de positions, la collection s'étend du film d'avant-garde des années 1960 aux installations élaborées de films, de vidéos, de diapositives et de sons à partir des années 1990, en passant par les débuts de l'art vidéo des années 1970. Avec des œuvres réflexives sur les médias, critiques à l'égard de la société et des institutions, féministes et documentaires, elle contient des repères essentiels de l'histoire de l'art occidental. L'exposition est consacrée à une nouvelle lecture de la collection. Elle transmet les aspects esthétiques, psychologiques, motivationnels et méthodologiques au premier plan et met en évidence des liens transversaux et des correspondances inattendues entre la pensée artistique de différentes époques. L'exposition permet ainsi de jeter un regard nouveau sur des œuvres importantes de l'art médiatique.

Curateur : Jürgen Tabor

Con oltre 500 opere di artisti internazionali, la Generali Foundation Collection del Museum der Moderne Salzburg conserva, ricerca e presenta una delle più importanti collezioni di media art in Austria. Sulla base di posizioni selezionate, la collezione abbraccia un arco che va dal cinema d'avanguardia degli anni Sessanta alla prima videoarte degli anni Settanta, fino alle installazioni cinematografiche, video, diapositive e sonore elaborate a partire dagli anni Novanta. Con opere riflessive sui media, critiche dal punto di vista sociale e istituzionale, femministe e documentaristiche, contiene punti di riferimento essenziali della storia dell'arte occidentale. La mostra è dedicata a una nuova lettura della collezione. Mette in primo piano aspetti estetici, psicologici, motivazionali e metodologici e rivela inaspettate connessioni e corrispondenze tra il pensiero artistico di diversi periodi. La mostra offre quindi una nuova prospettiva su importanti opere d'arte mediale.

Curatore: Jürgen Tabor

With over 500 works by international artists, the Generali Foundation Collection at the Museum der Moderne Salzburg preserves, researches, and presents one of the most important collections of media art in Austria. On the basis of selected positions, the collection spans an arc from the avant-garde film of the 1960s to the early video art of the 1970s to elaborate film, video, slide, and sound installations from the 1990s onward. With media-reflexive, socially and institution-critical, feminist and documentary works, it contains essential landmarks in the history of Western art. The exhibition is dedicated to a new reading of the collection. It foregrounds aesthetic, psychological, motivic, and methodological aspects and reveals unexpected cross-connections and correspondences between the artistic thought of different periods. The exhibition thus provides a new perspective on important works of media art.

Curator: Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Christine König Galerie | Wien
19. Oktober – 25. November 2023

Iconography of Proof
Gabriel Payer

“Ingenieurwesen, Botanik, Architektur, Mathematik – keine dieser Wissenschaften kann das, worüber sie sprechen, nur durch Texte allein beschreiben; sie müssen die Dinge zeigen. Dieses Zeigen, das zur Überzeugung so wesentlich ist, war vor der Erfindung 'eingravierter Bilder' vollkommen unmöglich. Ein Text konnte nur mit einigen Verfälschungen kopiert werden, nicht jedoch ein Diagramm, ein anatomischer Stich oder eine Karte. (...) Wir sind so an diese Welt von Formen und Bildern gewöhnt, dass wir kaum denken können, wie es ist, etwas ohne Index, Bibliographien, Wörterbücher, Papiere mit Referenzen, Tabellen, Spalten, Fotographien, Peaks, Punkte und Bänder zu wissen“. (zit.n.Bruno Latour)

Bruno Latour beschreibt, wie wissenschaftliche Prozesse letztlich über visuelle Inskriptionen sichtbar gemacht werden: „Was sichtbar ist, ist ein Standbild eines Prozesses von Transformationen, der schwer greifbar ist, eine angemessene Form von Unsichtbarkeit.“ Hier ergeben sich Parallelen zum künstlerischen Prozess des Zeichnens. Auch die Zeichnung beruht auf unzähligen Prozessen des Abwägens, Nachdenkens, Recherchierens, Entscheidens und Verwerfens, die unsichtbar mitschwingen. Die Verwendung wissenschaftlicher „Sujets“ in antidisziplinärer Form ist ein Verweis auf etwaige Unsichtbarkeiten, die wissenschaftliche Bilder mit sich tragen. Eine Verschmelzung, sogar Verwechslung des wissenschaftlichen mit dem künstlerischen Bild, könnte eine besondere Art von epistemischen Objekten erzeugen und zwar, indem Bilder aus ihrem diskursiven und funktionalen Kontext gehoben und damit einer Neubetrachtung unterzogen werden, die sich einer disziplinären Zuordnung entzieht. So ein Wechselbild würde auf eine andere Wirklichkeit verweisen oder auf die Tatsache, dass Bilder eben mehr als eine Wirklichkeit erzeugen. (PAYER GABRIEL)

"L'ingénierie, la botanique, l'architecture, les mathématiques - aucune de ces sciences ne peut décrire ce dont elle parle uniquement par des textes ; elles doivent montrer les choses. Cette démonstration, si essentielle à la conviction, était totalement impossible avant l'invention des 'images gravées'. Un texte ne pouvait être copié qu'avec quelques falsifications, mais pas un diagramme, une gravure anatomique ou une carte. (...) Nous sommes tellement habitués à ce monde de formes et d'images que nous avons du mal à penser ce que c'est que de savoir quelque chose sans index, bibliographies, dictionnaires, papiers avec références, tableaux, colonnes, photographies, pics, points et rubans". (cité par Bruno Latour)

Bruno Latour décrit comment les processus scientifiques sont finalement rendus visibles par le biais d'inscriptions visuelles : "Ce qui est visible est un arrêt sur image d'un processus de transformations insaisissable, une forme appropriée d'invisibilité". Des parallèles s'établissent ici avec le processus artistique du dessin. Le dessin repose lui aussi sur d'innombrables processus de pesée, de réflexion, de recherche, de décision et de rejet, qui résonnent de manière invisible. L'utilisation de "sujets" scientifiques sous une forme antidisciplinaire est une référence aux éventuelles invisibilités que portent les images scientifiques. Une fusion, voire une confusion entre l'image scientifique et l'image artistique, pourrait générer un type particulier d'objets épistémiques et ce, en sortant les images de leur contexte discursif et fonctionnel et en les soumettant ainsi à une nouvelle considération qui échappe à une attribution disciplinaire. Une telle image changeante renverrait à une autre réalité ou au fait que les images génèrent justement plus d'une réalité. (PAYER GABRIEL)

"L'ingegneria, la botanica, l'architettura, la matematica: nessuna di queste scienze può descrivere ciò di cui parla con i soli testi; deve mostrare le cose. Questo mostrare, che è così essenziale per la convinzione, era completamente impossibile prima dell'invenzione delle "immagini incise". Un testo poteva essere copiato solo con alcune falsificazioni, ma non un diagramma, un'incisione anatomica o una mappa. (...) Siamo talmente abituati a questo mondo di forme e immagini che facciamo fatica a pensare cosa significhi conoscere qualcosa senza indici, bibliografie, dizionari, carte con riferimenti, tabelle, colonne, fotografie, picchi, punti e bande". (cit. Bruno Latour)

Bruno Latour descrive come i processi scientifici siano in definitiva resi visibili attraverso iscrizioni visive: "Ciò che è visibile è un fermo immagine di un processo di trasformazioni che è inafferrabile, una forma appropriata di invisibilità". Qui emergono paralleli con il processo artistico del disegno. Anche il disegno si basa su innumerevoli processi di ponderazione, riflessione, ricerca, decisione e scarto che risuonano invisibili. L'uso di "soggetti" scientifici in forma anti-disciplinare è un riferimento alle invisibilità che le immagini scientifiche portano con sé. La fusione, o addirittura la confusione, dell'immagine scientifica con l'immagine artistica potrebbe produrre un tipo speciale di oggetto epistemico, vale a dire sollevare le immagini dal loro contesto discorsivo e funzionale e quindi sottoporle a un riesame che sfida la classificazione disciplinare. Un'immagine alternata di questo tipo farebbe riferimento a un'altra realtà o al fatto che le immagini producono più di una realtà. (PAYER GABRIEL)

“Engineering, botany, architecture, mathematics, none of these sciences can describe what they talk about with texts alone; they need to show the things. But this showing, so essential to convince, was utterly impossible before the invention of “graven images.” A text could be copied with only some adulteration, but not so a diagram, an anatomical plate, or a map. (…) We are so used to this world of print and images that we can hardly think of what it is to know something without indexes, bibliographies, dictionaries, papers with references, tables, columns, photographs, peaks, spots, bands.” (quot.Bruno Latour)

Bruno Latour describes how scientific processes are ultimately rendered by visual inscriptions: “What is visible is only the freeze-frame of a process of transformation that remains extremely difficult to grasp, a proper form of invisibility.” There are parallels here to the artistic process of drawing, which is also based on invisibly resonating consideration, thought, research, decision, and rejection. The use of scientific “subject matter” in anti-disciplinary form is a reference to the many invisibilities that scientific images contain. A conflation, even a confusion, of the scientific with the artistic image could create a particular kind of epistemic object, one that relieves images of their discursive and functional context and reconsiders them in a non-disciplinary way. An ambiguous image of this kind would point to a different reality, or to the fact that images create more than one reality. (PAYER GABRIEL)

Christine König Galerie | Wien
19. Oktober – 25. November 2023

Vessels and other Coincidences
Walter Holzer

„Empty Vessels make most noise“ meinte schon Leopold Bloom. Gefäße sind Hohlformen und Form ist Leere ist Form. Die endgültige Gestalt, Struktur und Oberfläche von hitzegeformten Gefäßen unterliegen dem Zufall. Dies gilt auch für in Serien hergestellte Gefäße, die in ein und derselben Serie voneinander infinitesimal abweichen.

In der fotografischen Aufnahme fixiert die Kamera den Zufall, der für den messbaren Augenblick des Erfassens eines Motivs mit „eye appeal“ verantwortlich ist – welches nach Ferdinando Scianna erblickt wird und zurück blickt, wie in einem Spiegel: „imagine trovate quelle che raccontano e te raccontano come in uno especchio“.

"Empty Vessels make most noise", disait déjà Leopold Bloom. Les récipients sont des formes creuses et la forme est le vide est la forme. La forme, la structure et la surface finales des récipients thermoformés sont soumises au hasard. Il en va de même pour les récipients fabriqués en série, qui varient infiniment les uns des autres dans une seule et même série.

Dans la prise de vue photographique, l'appareil photo fixe le hasard, responsable de l'instant mesurable de la saisie d'un motif avec "eye appeal" - qui, selon Ferdinando Scianna, est aperçu et regarde en arrière, comme dans un miroir : "imagine trovate quelle che raccontano e te raccontano come in uno especchio".

"I vasi vuoti fanno più rumore", diceva Leopold Bloom. I vasi sono forme vuote e la forma è il vuoto è la forma. La forma finale, la struttura e la superficie dei vasi formati a caldo sono soggette al caso. Questo vale anche per i vasi prodotti in serie, che variano infinitamente l'uno dall'altro in una stessa serie.

Nell'immagine fotografica, la macchina fotografica fissa il caso, che è responsabile del momento misurabile della cattura di un motivo con "fascino per gli occhi" - che, secondo Ferdinando Scianna, si intravede e si guarda indietro, come in uno specchio: "immagina di trovare quelle che raccontano e te raccontano come in uno specchio".

“Empty vessels make most noise” Leopold Bloom once thought. Vessels are empty forms and form is emptiness is form. The final shape, structure and surface of heat-formed vessels are subject to chance. This is also true for vessels fashioned in series, which in one and the same series deviate from each other infinitesimally.

In the photographic recording, the camera fixes the contingency that is responsible for the measurable moment of capturing a motif with “eye appeal” – which according to Ferdinando Scianna is seen and which returns the gaze, as in a mirror: "imagine trovate quelle che raccontano e te raccontano come in uno especchio“.

(Text: Christine König Galerie, Wien)

Fotohof | Salzburg
10. Oktober - 25. November 2023

Phänomene
Marina Gadonneix

Die großformatigen Fotografien von Marina Gardonneix zeigen Naturphänomene wie Lawinen, Blitze, Meteoriten und Polarlichter als Simulationen. In ihrer über einen langen Zeitraum hinweg in Versuchslaboren fotografierten Serie Phänomene verschmelzen die Tradition und die Ästhetik der Landschaftsfotografie mit dem wissenschaftlichen Dokument.

Obwohl alle Bilder in speziell für wissenschaftliche Experimente konzipierten Räumen entstanden sind, ist es die reale Welt, für die sich Marina Gadonneix interessiert.

Die Labore, in denen sie arbeitet, sind Orte der Darstellung, Modellierung und Abstrahierung physikalischer Vorgänge; hochgradig kontrollierte Umgebungen sowie Geräte und Konstruktionen, die Naturereignisse erzeugen und skalieren. Auf diese konzentriert sich Marina Gadonneix in ihrer Erforschung des Wunders dieser Phänomene.

Es scheint angemessen, dass Marina Gadonneix die Fotografie, ein Medium an der Schnittstelle zwischen Realität und Fiktion, nutzt, um sich mit dem Paradoxon der Darstellung der Realität auseinanderzusetzen; der gleichzeitigen Messung und Kontrolle dessen, was wir in der realen Welt sehen.

Les photographies grand format de Marina Gardonneix montrent des phénomènes naturels tels que les avalanches, la foudre, les météorites et les aurores boréales sous forme de simulations. Dans sa série Phénomènes, photographiée sur une longue période dans des laboratoires expérimentaux, la tradition et l'esthétique de la photographie de paysage fusionnent avec le document scientifique.

Bien que toutes les images aient été prises dans des espaces spécialement conçus pour des expériences scientifiques, c'est au monde réel que Marina Gadonneix s'intéresse.

Les laboratoires dans lesquels elle travaille sont des lieux de représentation, de modélisation et d'abstraction de processus physiques ; des environnements hautement contrôlés ainsi que des appareils et des constructions qui génèrent et mettent à l'échelle des phénomènes naturels. C'est sur ces derniers que Marina Gadonneix se concentre dans son exploration du miracle de ces phénomènes.

Il semble approprié que Marina Gadonneix utilise la photographie, un médium à la croisée de la réalité et de la fiction, pour aborder le paradoxe de la représentation de la réalité ; la mesure et le contrôle simultanés de ce que nous voyons dans le monde réel.

Le fotografie di grande formato di Marina Gardonneix mostrano fenomeni naturali come valanghe, fulmini, meteoriti e aurore come simulazioni. Nella serie Phenomena, fotografata per un lungo periodo di tempo in laboratori sperimentali, la tradizione e l'estetica della fotografia di paesaggio si fondono con il documento scientifico.

Sebbene tutte le immagini siano state scattate in spazi appositamente progettati per gli esperimenti scientifici, è il mondo reale che interessa a Marina Gadonneix.

I laboratori in cui lavora sono luoghi di rappresentazione, modellazione e astrazione di processi fisici; ambienti altamente controllati e dispositivi e costruzioni che creano e scalano eventi naturali. È su questi aspetti che Marina Gadonneix si concentra nella sua esplorazione della meraviglia di questi fenomeni.

Sembra appropriato che Marina Gadonneix utilizzi la fotografia, un mezzo che si trova all'intersezione tra realtà e finzione, per affrontare il paradosso della rappresentazione della realtà; la misurazione e il controllo simultanei di ciò che vediamo nel mondo reale.

Marina Gardonneix's large-format photographs show natural phenomena such as avalanches, lightning, meteorites, and auroras as simulations. In her Phenomena series, photographed over a long period of time in experimental laboratories, the tradition and aesthetics of landscape photography merge with the scientific document.

Although all the images were taken in spaces specifically designed for scientific experiments, it is the real world that Marina Gadonneix is interested in.

The laboratories in which she works are places of representation, modeling, and abstraction of physical processes; highly controlled environments and devices and constructions that create and scale natural events. These are what Marina Gadonneix focuses on in her exploration of the wonder of these phenomena.

It seems appropriate that Marina Gadonneix uses photography, a medium at the intersection of reality and fiction, to address the paradox of representing reality; the simultaneous measurement and control of what we see in the real world.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
10. Oktober − 25. November 2023

Paul Albert Leitner

Paul Albert Leitner ist die Idealbesetzung, wenn es in der österreichischen Gegenwartsfotografie um die Verkörperung des Archivarischen an sich geht. Leitner, der ständig reisende, begibt sich, wenn er heimkehrt, auf »Innendienst«, wie er sagt, nach Hause, zum Ordnen der Gedanken und Bilder, in eine Berglandschaft von Schachteln mit abertausenden penibel beschrifteten Fotos, Fundgegenständen, Zeitungsausschnitten, Texten, Collagen.

Anläßlich einer großzügigen Schenkung von 80 gerahmten Fotografien von Paul Albert Leitner an das FOTOHOF>ARCHIV − Städtebilder, Landschaften, Straßenszenen, Selbstportraits ä wird ein repräsentativer Überblick über das Schaffen dieses großen österreichischen Fotografen gezeigt.

Mit Ironie und Witz taucht er häufig selbst in seinen Bildern auf: »Me, myself in a hotel« − das Hotelzimmer als transitorischer Raum schlechthin − wie immer mit präziser Bildlegende, konkret benannt mit Namen und Zimmernummer, Ort und Zeit wird zur Bühne für die Inszenierung des ganz bewussten Verweilens, des Hier und Heute.

ö Leitner, in seinen Bildern eine Kunstfigur in wechselnden Episoden des Lebens, ist ein Meister das Schimmern im ganz Alltäglichen zu sehen, den Moment als glamorous zu erkennen. So sensibel er für die Poesie im Alltäglichen ist, so konkret und sachlich ist Leitner in seiner fotografischen Haltung, ein Dokumentarist eigentlich. Er zeigt die Schönheit und die Merkwürdigkeit der Welt; und enthüllt dabei auch die Magie der Fotografie: Seine Aufnahmen sind Zeugnisse für die Einzigartigkeit von Konstellationen und die Kostbarkeit des flüchtigen Augenblicks.

Paul Albert Leitner est la personne idéale lorsqu'il s'agit d'incarner l'archivage en soi dans la photographie autrichienne contemporaine. Leitner, qui voyage constamment, se rend chez lui lorsqu'il rentre chez lui, pour un "service intérieur", comme il dit, chez lui, pour mettre de l'ordre dans ses pensées et ses images, dans un paysage montagneux de boîtes contenant des milliers et des milliers de photos méticuleusement étiquetées, des objets trouvés, des coupures de presse, des textes, des collages.

À l'occasion d'une généreuse donation de 80 photographies encadrées de Paul Albert Leitner au FOTOHOF>ARCHIV - photos de villes, paysages, scènes de rue, autoportraits ä, un aperçu représentatif de l'œuvre de ce grand photographe autrichien est présenté.

Avec ironie et humour, il apparaît souvent lui-même dans ses images : "Me, myself in a hotel" - la chambre d'hôtel comme espace transitoire par excellence - comme toujours avec une légende précise, nommée concrètement avec le nom et le numéro de la chambre, le lieu et l'heure, devient une scène pour la mise en scène d'un séjour tout à fait conscient, ici et maintenant.

ö Leitner, dans ses tableaux un personnage artistique dans des épisodes changeants de la vie, est un maître pour voir la lueur dans le quotidien, pour reconnaître le moment comme glamour. Autant il est sensible à la poésie dans le quotidien, autant Leitner est concret et objectif dans son attitude photographique, un documentariste en fait. Il montre la beauté et l'étrangeté du monde ; et révèle aussi la magie de la photographie : ses clichés témoignent de la singularité des constellations et de la préciosité de l'instant fugace.

Paul Albert Leitner è la persona ideale quando si tratta di incarnare l'archivio in sé nella fotografia austriaca contemporanea. Leitner, il viaggiatore costante, torna a casa quando torna, in "servizio a casa", come dice lui, per organizzare pensieri e immagini, in un paesaggio montano di scatole con migliaia e migliaia di foto meticolosamente etichettate, oggetti trovati, ritagli di giornale, testi, collage.

In occasione della generosa donazione di 80 fotografie incorniciate di Paul Albert Leitner al FOTOHOF>ARCHIV - paesaggi urbani, paesaggi, scene di strada, autoritratti ä viene presentata una panoramica rappresentativa del lavoro di questo grande fotografo austriaco.

Con ironia e arguzia, egli appare spesso nelle sue immagini: "Io, me stesso in un hotel" - la camera d'albergo come spazio transitorio per eccellenza - come sempre con una didascalia precisa, concretamente denominata con nome e numero di camera, il luogo e il tempo diventano il palcoscenico per la messa in scena del consapevole indugiare, del qui e ora.

Leitner, nei suoi dipinti figura artistica in episodi mutevoli della vita, è un maestro nel vedere il luccichio nel quotidiano, nel riconoscere l'attimo come glamour. Sensibile alla poesia del quotidiano, Leitner è concreto e concreto nel suo approccio fotografico, un vero e proprio documentarista. Mostra la bellezza e la stranezza del mondo; e nel farlo, rivela anche la magia della fotografia: le sue fotografie sono testimonianze dell'unicità delle costellazioni e della preziosità dell'attimo fuggente.

Paul Albert Leitner is the ideal cast when it comes to the embodiment of the archival in itself in contemporary Austrian photography. Leitner, the constant traveler, goes home when he returns, on "home duty," as he says, to organize thoughts and images, to a mountain landscape of boxes with thousands and thousands of meticulously labeled photographs, found objects, newspaper clippings, texts, collages.

On the occasion of a generous donation of 80 framed photographs by Paul Albert Leitner to the FOTOHOF>ARCHIV - cityscapes, landscapes, street scenes, self-portraits ä a representative overview of the work of this great Austrian photographer is shown.

With irony and wit, he often appears himself in his pictures: "Me, myself in a hotel" - the hotel room as transitory space par excellence - as always with a precise caption, concretely named with name and room number, place and time becomes the stage for the staging of the very conscious lingering, the here and now.

ö Leitner, in his paintings an art figure in changing episodes of life, is a master of seeing the glimmer in the very everyday, of recognizing the moment as glamorous. Sensitive as he is to the poetry in the everyday, Leitner is concrete and matter-of-fact in his photographic approach, a documentarist in fact. He shows the beauty and the strangeness of the world; and in doing so, he also reveals the magic of photography: his photographs are testimonies to the uniqueness of constellations and the preciousness of the fleeting moment.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Albertina | Wien
28. September 2023 - 21. Januar 2024

American Prospects
Joel Sternfeld

Joel Sternfeld zählt zu den wichtigsten Vertretern der New Color Photography, die in den 1970er-Jahren die Farbe für die Kunstfotografie entdecken. Als kritischer Beobachter reist Sternfeld über Jahre hinweg durch die USA und hält in umfangreichen Serien das Land und seine Bewohner und Bewohnerinnen in all ihren Eigenheiten und Widersprüchen fest. In seiner grandiosen Serie American Prospects (1978-86) widmet er sich der Beziehung des Menschen zu der von ihm geprägten amerikanischen Landschaft. Die in brillanten Farben festgehaltenen alltäglichen und oftmals skurrilen Begebenheiten zeigen nicht nur die zunehmend wirtschaftlich erschlossene und von Umweltschäden bedrohte Natur, sondern erlauben auch Rückschlüsse auf die sozial-politischen Zustände der Zeit. American Prospects ist Teil einer kapitalen Schenkung des Künstlers an die Albertina, die in dieser Ausstellung zum ersten Mal auszugsweise präsentiert wird.

Joel Sternfeld compte parmi les principaux représentants de la New Color Photography qui, dans les années 1970, découvrent la couleur pour la photographie d'art. Observateur critique, Sternfeld parcourt les États-Unis pendant des années et immortalise dans de vastes séries le pays, ses habitants et ses habitantes dans toutes leurs particularités et leurs contradictions. Dans sa grandiose série American Prospects (1978-86), il se consacre à la relation entre l'homme et le paysage américain qu'il a façonné. Les événements quotidiens et souvent bizarres, saisis dans des couleurs brillantes, ne montrent pas seulement la nature de plus en plus exploitée économiquement et menacée par les dommages environnementaux, mais permettent également de tirer des conclusions sur les conditions socio-politiques de l'époque. American Prospects fait partie d'une donation capitale de l'artiste à l'Albertina, dont des extraits sont présentés pour la première fois dans cette exposition.

Joel Sternfeld è uno dei più importanti rappresentanti della New Color Photography, che ha scoperto il colore per la fotografia d'arte negli anni Settanta. Come osservatore critico, Sternfeld ha viaggiato per anni negli Stati Uniti e ha immortalato il Paese e i suoi abitanti in tutte le loro peculiarità e contraddizioni in ampie serie. Nella grandiosa serie American Prospects (1978-86), si dedicò al rapporto dell'uomo con il paesaggio americano che aveva plasmato. Gli incidenti quotidiani e spesso bizzarri catturati con colori brillanti non solo mostrano la natura sempre più sviluppata economicamente e minacciata dai danni ambientali, ma permettono anche di trarre conclusioni sulle condizioni socio-politiche dell'epoca. American Prospects fa parte di un capitale donato dall'artista all'Albertina, i cui estratti sono presentati per la prima volta in questa mostra.

Joel Sternfeld numbers among the most important protagonists of the New Color Photography movement, which discovered color for art photography in the 1970s. Sternfeld has spent years traveling around the United States as a critical observer, documenting the country and its inhabitants in all their idiosyncrasies and contradictions. His grandiose series American Prospects (1978–86) focuses on how human beings relate to the American landscape—a landscape they’ve helped to shape. In addition to exposing a natural world subject to economic exploitation and threatened by accumulating ecological damage, the frequently whimsical everyday scenes captured by Sternfeld in this series also permit inferences as to the sociopolitical conditions of that era. American Prospects is part of a major donation to the ALBERTINA Museum by the artist himself, and the present exhibition presents a first-ever survey of these donated works.

(Text: Albertina, Wien)

Leica Galerie Salzburg
22. September - 2. Dezember 2023

Der Stille am nächsten
Steffen Diemer

Der renommierte Fotograf Steffen Diemer zeigt seine neueste Ausstellung in der Leica Galerie Salzburg. Die Ausstellung präsentiert eine beeindruckende Sammlung von Stillleben, die in einem seltenen und archaischen Verfahren, dem Nassplattenverfahren, entstanden sind. Die Besucher haben die einzigartige Gelegenheit, in die Welt der Langsamkeit und Besonnenheit einzutauchen und eine Bilderwelt voller Poesie und Schönheit zu entdecken.

Das Herzstück der Ausstellung sind Diemers Stillleben, in denen er sich vor allem auf Tulpen konzentriert. Doch diese Blumen werden nicht in ihrer Pracht erblühen - stattdessen zeigt der Künstler sie in verschiedenen Zuständen, angefangen von ihrer Jugend bis hin zu ihrem verwelkten Ende. Die Fotografien werden zu Grazien des Vergänglichen und laden den Betrachter ein, über das Werden und Vergehen nachzudenken.

Steffen Diemers Werke zeichnen sich durch eine besondere Technik aus. Er nutzt das Nassplattenverfahren, das bereits im 19. Jahrhundert in der Fotografie Verwendung fand. Es ist ein aufwendiger Prozess, der Feingefühl und Präzision erfordert. Doch gerade diese Langsamkeit und die händische Herangehensweise verleihen seinen Bildern eine einzigartige Tiefe und Aura.

Die Ausstellung präsentiert eine Sammlung von Stillleben, die nicht nur Blumen, sondern auch verschiedene Alltagsgegenstände umfasst - von Birnen und Feigen über Eier und Fische bis hin zu Schokoküssen. Die Arrangements sind sorgfältig inszeniert und laden den Betrachter ein, in eine Welt der Ruhe und Kontemplation einzutauchen.

Die Ausstellung "Der Stille am nächsten" von Steffen Diemer ist ein Plädoyer für Langsamkeit, Besonnenheit und Wahrnehmung. Sie lädt die Besucher ein, eine Welt der Schönheit im Alltäglichen zu entdecken und sich von der Magie des Unvergänglichen verzaubern zu lassen.

Über Steffen Diemer: Steffen Diemer ist ein renommierter Fotograf mit einer langjährigen Karriere als Bildjournalist in der er Krisen und Konflikte in über 70 Ländern dokumentierte. Seine Arbeiten wurden in internationalen Magazinen und Tageszeitungen wie National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ und The Guardian veröffentlicht und in Ausstellungen präsentiert. Doch trotz des Erfolgs begann er an seiner Mission zu zweifeln, was zu Erschöpfung und einem Burnout führte. 2011 entschied er sich, sich von der journalistischen Fotografie zu verabschieden. In dieser Zeit fand er jedoch seine Leidenschaft für die Stillleben-Fotografie und entdeckte das über 170 Jahre alte Nassplattenverfahren, das seinen Werken eine einzigartige Poesie und Schönheit verlieh. Heute ist Steffen Diemer bekannt für seine fesselnden Stillleben-Bilder, die die Grenzen der Fotokunst erweitern und die Herzen der Betrachter berühren. Seine Biografie zeigt, wie eine schwierige Phase zu einer transformativen und erfüllenden kreativen Reise führte.

Le célèbre photographe Steffen Diemer présente sa dernière exposition à la Leica Galerie de Salzbourg. L'exposition présente une impressionnante collection de natures mortes réalisées selon un procédé rare et archaïque, le procédé de la plaque humide. Les visiteurs ont l'occasion unique de se plonger dans le monde de la lenteur et de la réflexion et de découvrir un monde d'images plein de poésie et de beauté.

Les natures mortes de Diemer, dans lesquelles il se concentre principalement sur les tulipes, constituent le cœur de l'exposition. Mais ces fleurs ne s'épanouissent pas dans leur splendeur - au lieu de cela, l'artiste les montre dans différents états, depuis leur jeunesse jusqu'à leur fin fanée. Les photographies deviennent des grâces de l'éphémère et invitent le spectateur à réfléchir sur le devenir et la disparition.

Les œuvres de Steffen Diemer se distinguent par une technique particulière. Il utilise le procédé de la plaque humide, qui était déjà utilisé dans la photographie au 19e siècle. C'est un processus laborieux qui exige délicatesse et précision. Mais c'est justement cette lenteur et cette approche manuelle qui confèrent à ses images une profondeur et une aura uniques.

L'exposition présente une collection de natures mortes qui comprend non seulement des fleurs, mais aussi différents objets du quotidien - des poires et des figues aux œufs et aux poissons, en passant par les noix en chocolat. Les arrangements sont soigneusement mis en scène et invitent le spectateur à se plonger dans un monde de calme et de contemplation.

L'exposition "Der Stille am nah" de Steffen Diemer est un plaidoyer pour la lenteur, la réflexion et la perception. Elle invite les visiteurs à découvrir un monde de beauté dans le quotidien et à se laisser envoûter par la magie de l'impérissable.

À propos de Steffen Diemer : Steffen Diemer est un photographe renommé qui a mené une longue carrière de photojournaliste au cours de laquelle il a documenté des crises et des conflits dans plus de 70 pays. Ses travaux ont été publiés dans des magazines et des quotidiens internationaux tels que National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ et The Guardian et ont été présentés dans des expositions. Mais malgré le succès, il a commencé à douter de sa mission, ce qui l'a conduit à l'épuisement et à un burnout. En 2011, il a décidé de faire ses adieux à la photographie journalistique. C'est cependant à cette époque qu'il se passionne pour la photographie de natures mortes et découvre le procédé de la plaque humide, vieux de plus de 170 ans, qui confère à ses œuvres une poésie et une beauté uniques. Aujourd'hui, Steffen Diemer est connu pour ses images captivantes de natures mortes, qui repoussent les limites de l'art photographique et touchent le cœur des spectateurs. Sa biographie montre comment une période difficile a débouché sur un voyage créatif transformateur et épanouissant.

Il famoso fotografo Steffen Diemer presenta la sua ultima mostra alla Leica Galerie di Salisburgo. La mostra presenta un'impressionante collezione di nature morte create con un processo raro e arcaico, il metodo della lastra umida. I visitatori hanno l'opportunità unica di immergersi nel mondo della lentezza e della contemplazione e di scoprire un mondo di immagini pieno di poesia e bellezza.

Il cuore della mostra sono le nature morte di Diemer, in cui l'artista si concentra soprattutto sui tulipani. Ma questi fiori non vengono mostrati nel loro splendore, bensì in vari stati, dalla giovinezza all'appassimento. Le fotografie diventano grazie dell'effimero e invitano lo spettatore a riflettere sul divenire e sul passare.

Le opere di Steffen Diemer sono caratterizzate da una tecnica particolare. Utilizza il processo della lastra umida, già utilizzato in fotografia nel XIX secolo. Si tratta di un processo elaborato che richiede sensibilità e precisione. Ma sono proprio la lentezza e l'approccio manuale a conferire alle sue immagini una profondità e un'aura uniche.

La mostra presenta una collezione di nature morte che comprende non solo fiori, ma anche vari oggetti di uso quotidiano - da pere e fichi a uova, pesci e baci di cioccolato. Le composizioni sono allestite con cura e invitano lo spettatore a entrare in un mondo di tranquillità e contemplazione.

La mostra "Closest to Silence" di Steffen Diemer è un appello alla lentezza, alla prudenza e alla percezione. Invita i visitatori a scoprire un mondo di bellezza nel quotidiano e a lasciarsi incantare dalla magia dell'imperituro.

Informazioni su Steffen Diemer: Steffen Diemer è un rinomato fotografo con una lunga carriera di fotoreporter che ha documentato crisi e conflitti in oltre 70 Paesi. Il suo lavoro è stato pubblicato su riviste e quotidiani internazionali come National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ e The Guardian e presentato in mostre. Ma nonostante il successo, ha cominciato a dubitare della sua missione, il che ha portato all'esaurimento e al burnout. Nel 2011 ha deciso di dire addio alla fotografia giornalistica. In quel periodo, però, ha ritrovato la passione per la fotografia di still-life e ha scoperto il procedimento della lastra umida, che ha più di 170 anni e che conferisce alle sue opere una poesia e una bellezza uniche. Oggi Steffen Diemer è noto per le sue accattivanti immagini di still life che superano i confini dell'arte fotografica e toccano il cuore degli spettatori. La sua biografia mostra come una fase difficile abbia portato a un viaggio creativo trasformativo e appagante.

Renowned photographer Steffen Diemer presents his latest exhibition at the Leica Galerie Salzburg. The exhibition presents an impressive collection of still lifes created using a rare and archaic process, the wet plate process. Visitors have the unique opportunity to immerse themselves in the world of slowness and contemplation and discover a world of images full of poetry and beauty.

At the heart of the exhibition are Diemer's still lifes, in which he focuses primarily on tulips. But these flowers are not shown blooming in their glory - instead, the artist shows them in various states, starting from their youth to their withered end. The photographs become graces of the ephemeral, inviting the viewer to reflect on becoming and passing.

Steffen Diemer's works are characterized by a special technique. He uses the wet plate process, which was already used in photography in the 19th century. It is a laborious process that requires sensitivity and precision. However, it is this slowness and manual approach that gives his images a unique depth and aura.

The exhibition presents a collection of still lifes that includes not only flowers, but also various everyday objects - from pears and figs to eggs, fish and chocolate kisses. The arrangements are carefully staged and invite the viewer to enter a world of tranquility and contemplation.

The exhibition "Closest to Silence" by Steffen Diemer is a plea for slowness, contemplation and perception. It invites visitors to discover a world of beauty in the everyday and to be enchanted by the magic of the imperishable.

About Steffen Diemer: Steffen Diemer is a renowned photographer with a long career as a photojournalist documenting crises and conflicts in over 70 countries. His work has been published in international magazines and daily newspapers such as National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ and The Guardian and presented in exhibitions. But despite the success, he began to doubt his mission, leading to exhaustion and a burnout. In 2011, he decided to say goodbye to journalistic photography. However, during this time he found his passion for still life photography and discovered the wet plate process, which is more than 170 years old, which gave his works a unique poetry and beauty. Today, Steffen Diemer is known for his captivating still life images that push the boundaries of photographic art and touch the hearts of viewers. His biography shows how a difficult period led to a transformative and fulfilling creative journey.

(Text: Leica Galerie Salzburg)