Fotohof | Salzburg
9. August – 28. September 2024

ANTI/KÖRPER
Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch, Sarah Tasha

Mit ANTI/KÖRPER führt der FOTOHOF sieben künstlerische Positionen zusammen, welche Körper als konkretes Werkzeug nutzen, um Erzählungen zu schaffen, die sich einer klaren Zuordnung in ein bestehendes, durch einen wie auch immer gearteten »Herrschaftsblick« etabliertes, System entziehen. Mit Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch und Sarah Tasha wurden zeitgenössische Künstler:innen eingeladen, die ihre jeweiligen künstlerischen Praxen als strategische Mittel zur symbolischen und expliziten Selbstbehauptung einsetzen und auf diese Weise der, aus der Aufklärung noch heute auf uns kommenden patriarchalen Vernunft, mit ihrer Leidensspur von Ausgegrenztem, Abgespaltenem, Marginalisiertem, Zerstörtem und Verdrängtem, dezidiert entgegenstehen.

Der titelgebende Begriff »Antikörper,« welcher sich üblicherweise auf, vom Immunsystem zur Bekämpfung von Krankheitserregern produzierte Proteine bezieht, symbolisiert in diesem Zusammenhang unter anderem die Idee des Widerstands und der Abwehr. Die ausgewählten Positionen diskutieren gesellschaftliche Normen, Zwänge und Stereotypen, erkunden individuelle wie kollektive Identitäten und blicken auf Formen der Unterdrückung. Sie schaffen alternative Perspektiven auf bestehende Wertesysteme, hinterfragen traditionelle Narrative und erfüllen so eine kulturelle Schutzfunktion, welche in jener organischer Antikörper ihre Entsprechung finden könnte.

Avec ANTI/KÖRPER, la FOTOHOF réunit sept positions artistiques qui utilisent le corps comme un outil concret pour créer des récits qui échappent à une classification claire dans un système existant, établi par un "regard de domination" quel qu'il soit. Avec Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch et Sarah Tasha, nous avons invité des artistes contemporains qui utilisent leurs pratiques artistiques respectives comme des moyens stratégiques pour s'affirmer symboliquement et explicitement, et qui s'opposent ainsi résolument à la raison patriarcale issue des Lumières, avec son cortège de souffrances liées à ce qui est exclu, séparé, marginalisé, détruit et refoulé.

Le terme "anticorps", qui donne son titre à l'ouvrage, se réfère généralement aux protéines produites par le système immunitaire pour lutter contre les agents pathogènes et symbolise, dans ce contexte, l'idée de résistance et de défense. Les positions sélectionnées discutent des normes sociales, des contraintes et des stéréotypes, explorent les identités individuelles et collectives et portent un regard sur les formes d'oppression. Elles créent des perspectives alternatives sur les systèmes de valeurs existants, remettent en question les récits traditionnels et remplissent ainsi une fonction de protection culturelle qui pourrait trouver son équivalent dans celle des anticorps organiques.

Con ANTI/KÖRPER, FOTOHOF riunisce sette posizioni artistiche che utilizzano il corpo come strumento concreto per creare narrazioni che sfidano una chiara categorizzazione in un sistema esistente stabilito da qualsiasi tipo di "visione dominante". Con Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch e Sarah Tasha, sono stati invitati artisti contemporanei che utilizzano le rispettive pratiche artistiche come mezzo strategico di autoaffermazione simbolica ed esplicita e che in questo modo si oppongono decisamente alla ragione patriarcale che ancora oggi ci arriva dall'Illuminismo, con la sua scia di sofferenza degli esclusi, degli scissi, degli emarginati, dei distrutti e dei repressi.

Il termine omonimo "anticorpo", che di solito si riferisce alle proteine prodotte dal sistema immunitario per combattere gli agenti patogeni, simboleggia in questo contesto l'idea di resistenza e difesa. Le posizioni selezionate discutono le norme sociali, le costrizioni e gli stereotipi, esplorano le identità individuali e collettive ed esaminano le forme di oppressione. Creano prospettive alternative sui sistemi di valori esistenti, mettono in discussione le narrazioni tradizionali e svolgono una funzione di protezione culturale che potrebbe trovare un equivalente in quella degli anticorpi organici.

With ANTI/BODY, FOTOHOF brings together artistic positions that use the body as a concrete tool to create narratives and images that defy clear categorization in an existing system established by a »dominant view« (of whatever kind). With Claudia Holzinger, Leon Höllhumer, Kai Kuss, Xenia Lesniewski, Daniel Rajcsanyi, Sophia Süßmilch and Sarah Tasha, contemporary artists have been invited who use their respective artistic practices as a strategic means of symbolic and explicit self-assertion and in this way resolutely oppose the patriarchal reason that still comes to us today from the Enlightenment with its trail of suffering of the excluded, the split off, the marginalized, the destroyed and the repressed.

The eponymous term »antibody«, which usually refers to proteins produced by the immune system to combat pathogens, symbolizes the idea of resistance and defence in this context. The selected artistic positions discuss social norms, constraints and stereotypes, explore individual and collective identities and look at forms of oppression. They create alternative perspectives on existing value systems, question traditional narratives and thus fulfill a cultural protective function that could find its counterpart in the biological nature of antibodies.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
9. August – 28. September 2024

Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber: Serien aus den 1980er Jahren

Mit Fotoserien von Lillian Birnbaum und Heidi Harsieber präsentieren wir im FOTOHOF>STUDIO Kooperationen, die diese beiden Künstlerinnen in den 1980er Jahren mit Künstlerkollegen geschaffen haben, die sich im Umfeld des Aktionismus bewegten. Entsprechend der Konzeption des FOTOHOF>ARCHIV haben wir gemeinsam mit den beiden Fotografinnen frühe Projekte, die in der Zwischenzeit nur mehr schwer zugänglich sind, im Rahmen des Archivs neu herausgegeben und zum Teil neu ausgearbeitet, um sie wieder für den Kunstdiskurs zur Verfügung zu stellen.

Lillian Birnbaum dokumentiert in Zusammenarbeit mit Günter Brus in der Fotoserie »Der Selbstmensch« (1987) das Entstehen der gleichnamigen aktionistischen Arbeit. Heidi Harsieber zeigt Herman Nitsch bei einer »Probe zum 3-Tages Spiel in Prinzendorf« (1984) und von Heidi Harsieber stammt auch die dritte Fotoserie, »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)«.

Lillian Birnbaum fotografierte die Serie »Der Selbstmensch« (ursprünglich verlegt von den Galerien Heike Curtze und Petra Seiser) im Atelier von Günter Brus. Er schreibt in einem Text aus dem Jahr 2015 zu ihrer Zusammenarbeit: »…) wir entwickelten die Idee, dass Lillian Birnbaum eine Fotoserie vom Entstehen einer lebensgroßen Zeichnung in meinem Atelier machen würde. (…) Damit stellte ich die Aktion, das Zeichnen und Schreiben gemeinsam zur Schau, was Lillian Birnbaum kongenial festhielt.«

Heidi Harsieber nutzte eine Probe, die Hermann Nitsch vor Beginn seines 3-Tage-Spiels 1984 in Prinzendorf im erdigen Keller seines Schlosses durchführte, bei der sie auch selbst ihre fotografischen Möglichkeiten ohne Kunstlicht oder andere Hilfsmittel mit analogem Film testete. So entstand eine einmalige Serie in einer lockeren Probensituation, die aber gleichzeitig eine besondere Authentizität besitzt, da sie ohne die spätere Inszenierung des großen Festes auskommt. Die dunkle Stimmung der Fotos und ihre fast malerische Körnigkeit sind diesen besonderen Entstehungsbedingungen geschuldet.

Mit der Fotoserie »Franz Koglmann, Probe zu Tanzmusik für Paszstücke von Franz West (1983)« arbeitete Heidi Harsieber mit zwei Künstlern zusammen: sie dokumentiert eine Probe für eine Komposition, die der österreichische Jazzmusiker Franz Koglmann mit und für die bildhauerischen Objekte von Franz West durchgeführt hat. Mit diesen »Paszstücken«, die sich menschlichen Körperformen anpassen oder sie erweitern (auch im übertragenen Sinn), versuchte Franz West seit Mitte der 1970er Jahre die Trennung von Kunst/Objekt und Betrachter/Nutzer aufzuheben, eine Zielsetzung, die ja auch dem Wiener Aktionismus eigen ist.

Avec les séries photographiques de Lillian Birnbaum et Heidi Harsieber, nous présentons au FOTOHOF>STUDIO des coopérations que ces deux artistes ont créées dans les années 1980 avec des collègues artistes qui évoluaient dans le milieu de l'actionnisme. Conformément à la conception du FOTOHOF>ARCHIV, nous avons, en collaboration avec les deux photographes, réédité dans le cadre des archives des projets précoces devenus entre-temps difficilement accessibles, et nous les avons en partie réélaborés afin de les transmettre à nouveau au discours artistique.

Lillian Birnbaum, en collaboration avec Günter Brus, documente dans la série de photos "Der Selbstmensch" (1987) la naissance du travail actionniste du même nom. Heidi Harsieber montre Herman Nitsch lors d'une "Répétition pour le jeu de 3 jours à Prinzendorf" (1984) et c'est également à Heidi Harsieber que l'on doit la troisième série de photos, "Franz Koglmann, Répétition sur musique de danse pour pastiches de Franz West (1983)".

Lillian Birnbaum a photographié la série "Der Selbstmensch" (initialement publiée par les galeries Heike Curtze et Petra Seiser) dans l'atelier de Günter Brus. Celui-ci écrit dans un texte de 2015 à propos de leur collaboration : "...) nous avons développé l'idée que Lillian Birnbaum réaliserait une série de photos de la naissance d'un dessin grandeur nature dans mon atelier. (...) Je transmettais ainsi l'action, le dessin et l'écriture ensemble, ce que Lillian Birnbaum immortalisait de manière congéniale".

Heidi Harsieber a profité d'une répétition organisée par Hermann Nitsch avant le début de son jeu de 3 jours en 1984 à Prinzendorf, dans la cave terreuse de son château, au cours de laquelle elle a également testé elle-même ses possibilités photographiques sans lumière artificielle ou autres moyens, avec un film analogique. C'est ainsi qu'est née une série unique dans une situation de répétition décontractée, mais qui possède en même temps une authenticité particulière, car elle se passe de la mise en scène ultérieure de la grande fête. L'ambiance sombre des photos et leur granularité presque picturale sont dues à ces conditions de réalisation particulières.

Avec la série de photos "Franz Koglmann, répétition de musique de danse pour Paszstücke de Franz West (1983)", Heidi Harsieber a collaboré avec deux artistes : elle documente une répétition pour une composition que le musicien de jazz autrichien Franz Koglmann a réalisée avec et pour les objets sculpturaux de Franz West. Avec ces "pièces de passeport" qui s'adaptent aux formes du corps humain ou les élargissent (également au sens figuré), Franz West a tenté, depuis le milieu des années 1970, d'abolir la séparation entre l'art/l'objet et le spectateur/l'utilisateur, un objectif qui est après tout également propre à l'actionnisme viennois.

Con le serie fotografiche di Lillian Birnbaum e Heidi Harsieber, il FOTOHOF>STUDIO presenta le collaborazioni che queste due artiste hanno creato negli anni Ottanta con altri artisti attivi nel campo dell'Azionismo. In linea con il concetto di FOTOHOF>ARCHIVE, abbiamo lavorato insieme ai due fotografi per ripubblicare i primi progetti, oggi difficilmente accessibili, come parte dell'archivio e, in alcuni casi, per rielaborarli al fine di renderli nuovamente disponibili per il discorso artistico.

In collaborazione con Günter Brus, Lillian Birnbaum documenta la creazione dell'omonima opera actionista nella serie fotografica "Der Selbstmensch" (1987). Heidi Harsieber mostra Herman Nitsch durante una "Prova per lo spettacolo di tre giorni a Prinzendorf" (1984) e la terza serie di foto, "Franz Koglmann, prove di musica per Paszstücke di Franz West (1983)", è anch'essa di Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum ha fotografato la serie "Der Selbstmensch" (originariamente pubblicata dalle gallerie Heike Curtze e Petra Seiser) nello studio di Günter Brus. In un testo del 2015, egli ha scritto a proposito della loro collaborazione: "...) abbiamo sviluppato l'idea che Lillian Birnbaum avrebbe scattato una serie di fotografie della creazione di un disegno a grandezza naturale nel mio studio. (...) L'ho usato per mostrare l'azione, il disegno e la scrittura insieme, che Lillian Birnbaum ha catturato in modo congeniale".

Heidi Harsieber ha approfittato di una prova che Hermann Nitsch ha effettuato nella cantina terrosa del suo castello a Prinzendorf prima dell'inizio del suo spettacolo di tre giorni nel 1984, durante il quale ha anche testato le proprie possibilità fotografiche senza luce artificiale o altri ausili utilizzando una pellicola analogica. Ne è nata una serie unica in una situazione di prova rilassata, che allo stesso tempo possiede una speciale autenticità, in quanto priva della successiva messa in scena della grande festa. L'atmosfera cupa delle foto e la loro granulosità quasi pittorica sono dovute alle condizioni speciali in cui sono state scattate.

Con la serie fotografica "Franz Koglmann, prove di musica da ballo per Paszstücke di Franz West (1983)", Heidi Harsieber ha lavorato insieme a due artisti: documenta le prove di una composizione che il musicista jazz austriaco Franz Koglmann ha eseguito con e per gli oggetti scultorei di Franz West. Con questi "Paszstücke", che si adattano alle forme del corpo umano o le estendono (anche in senso figurativo), Franz West ha cercato di eliminare la separazione tra arte/oggetto e spettatore/fruitore fin dalla metà degli anni Settanta, un obiettivo che è anche caratteristico dell'Azionismo viennese.

With photo series by Lillian Birnbaum and Heidi Harsieber, the FOTOHOF>STUDIO presents collaborations that these two artists created in the 1980s with fellow artists who were active in the field of Actionism. In line with the concept of the FOTOHOF>ARCHIVE, we have worked with the two photographers to republish early projects, which are now difficult to access, as part of the archive and in some cases reworked them in order to make them available again for the art discourse.

In collaboration with Günter Brus, Lillian Birnbaum documents the creation of the actionist work of the same name in the photo series »Der Selbstmensch« (1987). Heidi Harsieber shows Herman Nitsch at a »Rehearsal for the 3-day play in Prinzendorf« (1984) and the third photo series, »Franz Koglmann, rehearsals for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, is also by Heidi Harsieber.

Lillian Birnbaum photographed the series »Der Selbstmensch« (originally published by the galleries Heike Curtze and Petra Seiser) in Günter Brus' studio. In a text from 2015, he wrote about their collaboration: »…) we developed the idea that Lillian Birnbaum would take a series of photographs of the creation of a life-size drawing in my studio. (...) I used it to showcase the action, drawing and writing together, which Lillian Birnbaum captured congenially.«

Heidi Harsieber took advantage of a rehearsal that Hermann Nitsch carried out in the earthy cellar of his castle in Prinzendorf before the start of his 3-Day-Play in 1984, during which she also tested her own photographic possibilities without artificial light or other aids using analog film. This resulted in a unique series in a relaxed rehearsal situation, which at the same time possesses a special authenticity, as it does without the later staging of the great festival. The dark mood of the photos and their almost painterly graininess are due to these special conditions under which they were taken.

With the photo series »Franz Koglmann, rehearsal for dance music for Paszstücke by Franz West (1983)«, Heidi Harsieber collaborated with two artists: she documents a rehearsal for a composition that the Austrian jazz musician Franz Koglmann performed with and for Franz West's sculptural objects. With these »Paszstücke«, which adapt to human body shapes or extend them (also in a figurative sense), Franz West has been attempting to eliminate the separation between art/object and viewer/user since the mid-1970s, an objective that is also characteristic of Viennese Actionism.

(Text: Kurt Kaindl)

WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
19. Juni – 11. August 2024

INSIDE VIEWS – Zeitgenössische Fotografie aus China

Repressive Autokratie, globaler Player, wirtschaftliche Supermacht mit Expansionsdrang – der europäische Blick auf China ist von einer Reihe wiederkehrender Zuschreibungen geprägt. Misstrauen und Neugierde treffen dabei genauso aufeinander wie Kritik und Faszination für die asiatische Volksrepublik. Wie aber sehen sich chinesische Künstler:innen selbst? Welche Bilder finden sie für die Lebensrealitäten vor Ort? Und was erzählen ihre individuellen Innensichten über die Gesellschaft als Ganzes? Die Ausstellung INSIDE VIEWS versammelt Arbeiten von elf Künstler:innen aus China, die seit der Jahrtausendwende vor dem Hintergrund eines rasanten Wirtschaftswachstums und eines radikalen sozialen Wandels entstanden sind. Als ergänzendes Highlight in der Schau zu sehen sind hierzulande bisher noch nie im größeren Rahmen gezeigte Fotografien des Ausnahmekünstlers Ren Hang, die dieser 2015 bei seinem Aufenthalt in Wien angefertigt hat.

Der Fokus aller in der Ausstellung INSIDE VIEWS gezeigten Bildserien liegt auf dem Individuum und dessen Verhältnis zur umgebenden Gesellschaft – seien es private Beziehungen oder Abhängigkeiten von sozialen Makrostrukturen. Ausgangspunkt und Motiv ist oft der Körper. Er fungiert als Experimentierfeld, als Medium, Zeichen und Material. Das Spektrum der Arbeiten reicht von den an seine Performances anschließenden Körperinszenierungen von Zhang Huan (*1965) über Chen Ronghui (*1989) und seine Serie Freezing Land zu den Folgen des Strukturwandels bis hin zu Luo Yang (*1984), die in ihren Fotografien junger Frauen das Porträt einer selbstbewussten, aber gleichwohl um ihre Identität und ihren Platz ringenden Generation zeichnet.

Im Zentrum der Ausstellung steht eine umfangreiche Werkgruppe von Ren Hang (1987–2017). Seine ebenso expliziten wie kunstvollen Kompositionen ineinander verschlungener nackter Körper in teils akrobatisch anmutenden Posen machten ihn in den 2010er-Jahren nicht nur über Nacht zum Star, sondern auch zum Vorreiter für eine breitere Rezeption zeitgenössischer chinesischer Fotografie in Europa und den USA. In seinem Heimatland geriet Ren Hang indessen immer wieder ins Visier der Zensur. Er verstand seine Fotografie zwar nie als Provokation, schon gar nicht als politisch. Gleichwohl lassen sich seine zumeist mit Freunden und Bekannten im privaten Raum inszenierten Arbeiten mit ihrem gelassenen Umgang mit Sexualität als Akt des Nonkonformismus lesen. In einer konservativen, streng reglementierten Gesellschaft stellten Ren Hangs Fotografien so – auch vor dem Hintergrund seiner Homosexualität – eine Sehnsucht nach Selbstbestimmung und eine Utopie von Freiheit und Gemeinschaft jenseits staatlich sanktionierter Modelle dar.

2015 präsentierte die Galerie OstLicht Ren Hangs erste umfassende Einzelschau in Europa. Während seines Aufenthalts in Wien entstanden Arbeiten, die nun als Teil der Ausstellung INSIDE VIEWS zum ersten Mal prominent zugänglich gemacht werden. Begleitet wird die Serie von einem umfangreichen Making-of, fotografiert von WestLicht-Direktor Peter Coeln, der Ren Hangs Fotoshooting im Wienerwald mit seiner Kamera festhielt und so einen einzigartigen Einblick in die Arbeitsweise des 2017 verstorbenen Ausnahmekünstlers aus China ermöglicht. Aus Anlass der Ausstellung erscheint die Dokumentation auch als Fotobuch in limitierter Auflage unter dem Titel Ren Hang at Work.

Die Ausstellung INSIDE VIEWS ist eine Kooperation mit der Alexander Tutsek-Stiftung, München. Mit Arbeiten von Chen Ronghui, He Chengyao, Liang Xiu, Pixy Liao, Liu Ke und Huang Huang, Liu Tao, Luo Yang, Ren Hang, Silin Liu, Wang Bing und Zhang Huan. Die Publikation About Us. Young Photography in China – zur Ausstellung erhältlich im WestLicht-Bookshop – vereint alle Leihgaben aus der Sammlung der Alexander Tutsek-Stiftung.

Autocratie répressive, acteur mondial, superpuissance économique en quête d'expansion - le regard européen sur la Chine est marqué par une série de qualificatifs récurrents. Méfiance et curiosité s'y côtoient, tout comme la critique et la fascination pour la République populaire d'Asie. Mais comment les artistes chinois se voient-ils eux-mêmes ? Quels visuels trouvent-ils pour illustrer les réalités de la vie sur place ? Et que révèlent leurs visions intérieures individuelles sur la société dans son ensemble ? L'exposition INSIDE VIEWS rassemble les travaux de onze artistes chinois qui ont vu le jour depuis le début du millénaire dans le contexte d'une croissance économique fulgurante et d'un changement social radical. En complément, l'exposition présente des photographies de l'artiste d'exception Ren Hang, jamais exposées à grande échelle dans notre pays, réalisées en 2015 lors de son séjour à Vienne.

Toutes les séries d'images présentées dans l'exposition INSIDE VIEWS mettent l'accent sur l'individu et sa relation avec la société environnante - qu'il s'agisse de relations privées ou de dépendances à des macrostructures sociales. Le point de départ et le motif sont souvent le corps. Il fait office de terrain d'expérimentation, de médium, de signe et de matériau. L'éventail des travaux va des mises en scène corporelles de Zhang Huan (*1965), qui font suite à ses performances, à Luo Yang (*1984), qui dresse dans ses photographies de jeunes femmes le portrait d'une génération sûre d'elle, mais qui lutte néanmoins pour son identité et sa place, en passant par Chen Ronghui (*1989) et sa série Freezing Land sur les conséquences du changement structurel.

Au centre de l'exposition se trouve un vaste groupe d'œuvres de Ren Hang (1987-2017). Ses compositions aussi explicites qu'artistiques de corps nus entrelacés dans des poses parfois acrobatiques ont fait de lui, dans les années 2010, non seulement une star du jour au lendemain, mais aussi le précurseur d'une réception plus large de la photographie chinoise contemporaine en Europe et aux États-Unis. Dans son pays, Ren Hang a cependant toujours été dans le collimateur de la censure. Il n'a certes jamais considéré sa photographie comme une provocation, et encore moins comme politique. Néanmoins, ses travaux, généralement mis en scène avec des amis et des connaissances dans l'espace privé, peuvent être lus comme des actes anticonformistes, avec leur approche sereine de la sexualité. Dans une société conservatrice et strictement réglementée, les photographies de Ren Hang transmettaient ainsi - notamment dans le contexte de son homosexualité - un désir d'autodétermination et une utopie de liberté et de communauté au-delà des modèles sanctionnés par l'État.

En 2015, la galerie OstLicht a présenté la première exposition individuelle complète de Ren Hang en Europe. Pendant son séjour à Vienne, il a réalisé des travaux qui sont aujourd'hui accessibles pour la première fois de manière bien visible dans le cadre de l'exposition INSIDE VIEWS. La série est accompagnée d'un making-of complet, photographié par le directeur de WestLicht Peter Coeln, qui a immortalisé avec son appareil photo la séance photo de Ren Hang dans la forêt viennoise, offrant ainsi un aperçu unique de la méthode de travail de cet artiste chinois d'exception décédé en 2017. À l'occasion de l'exposition, la documentation est également publiée sous forme de livre de photos en édition limitée sous le titre Ren Hang at Work.

L'exposition INSIDE VIEWS est organisée en coopération avec la fondation Alexander Tutsek, Munich. Avec des œuvres de Chen Ronghui, He Chengyao, Liang Xiu, Pixy Liao, Liu Ke et Huang Huang, Liu Tao, Luo Yang, Ren Hang, Silin Liu, Wang Bing et Zhang Huan. La publication About Us. Young Photography in China - disponible à la librairie WestLicht à l'occasion de l'exposition - réunit toutes les œuvres prêtées par la collection de la Fondation Alexander Tutsek.

Autocrazia repressiva, attore globale, superpotenza economica con sete di espansione: la visione europea della Cina è caratterizzata da una serie di attribuzioni ricorrenti. Diffidenza e curiosità si scontrano tanto quanto la critica e il fascino per la Repubblica Popolare Asiatica. Ma come si vedono gli artisti cinesi? Quali immagini trovano per la realtà della vita sul campo? E cosa ci dicono i loro punti di vista individuali sulla società nel suo complesso? La mostra INSIDE VIEWS riunisce le opere di undici artisti cinesi realizzate a partire dall'inizio del millennio, in un contesto di rapida crescita economica e di radicali cambiamenti sociali. Un ulteriore punto di forza della mostra sono le fotografie dell'eccezionale artista Ren Hang, che non sono mai state esposte su larga scala in questo Paese e che ha realizzato durante il suo soggiorno a Vienna nel 2015.

Tutte le serie di immagini presentate nella mostra INSIDE VIEWS sono incentrate sull'individuo e sul suo rapporto con la società circostante, sia che si tratti di relazioni private che di dipendenze da macrostrutture sociali. Il punto di partenza e il motivo è spesso il corpo. Esso funziona come campo di sperimentazione, come mezzo, segno e materiale. Lo spettro delle opere spazia dalle messe in scena del corpo di Zhang Huan (*1965) in seguito alle sue performance, a Chen Ronghui (*1989) e alla sua serie Freezing Land sulle conseguenze dei cambiamenti strutturali, fino a Luo Yang (*1984), le cui fotografie di giovani donne dipingono il ritratto di una generazione sicura di sé ma che allo stesso tempo lotta per trovare la propria identità e il proprio posto.

Al centro della mostra c'è un ampio gruppo di opere di Ren Hang (1987-2017). Le sue composizioni esplicite e artistiche di corpi nudi intrecciati in pose a volte acrobatiche non solo lo hanno reso una star degli anni 2010, ma anche un pioniere per una più ampia ricezione della fotografia cinese contemporanea in Europa e negli Stati Uniti. In patria, tuttavia, Ren Hang è stato ripetutamente preso di mira dalla censura. Non ha mai visto la sua fotografia come provocatoria, né tanto meno come politica. Tuttavia, le sue opere, per lo più realizzate in privato con amici e conoscenti, possono essere lette come un atto di anticonformismo con il loro trattamento rilassato della sessualità. In una società conservatrice e rigidamente regolamentata, le fotografie di Ren Hang rappresentano quindi un desiderio di autodeterminazione e un'utopia di libertà e comunità al di là dei modelli sanciti dallo Stato, anche sullo sfondo della sua omosessualità.

Nel 2015, la Galerie OstLicht ha presentato la prima mostra personale completa di Ren Hang in Europa. Durante il suo soggiorno a Vienna, l'artista ha creato opere che ora vengono rese accessibili per la prima volta nell'ambito della mostra INSIDE VIEWS. La serie è accompagnata da un ampio making-of, fotografato dal direttore di WestLicht Peter Coeln, che ha immortalato con la sua macchina fotografica il servizio fotografico di Ren Hang nel bosco viennese, fornendo così una visione unica dei metodi di lavoro dell'eccezionale artista cinese, scomparso nel 2017. In occasione della mostra, la documentazione sarà pubblicata anche in un libro fotografico in edizione limitata intitolato Ren Hang at Work.

La mostra INSIDE VIEWS è realizzata in collaborazione con la Alexander Tutsek-Stiftung di Monaco. Con opere di Chen Ronghui, He Chengyao, Liang Xiu, Pixy Liao, Liu Ke e Huang Huang, Liu Tao, Luo Yang, Ren Hang, Silin Liu, Wang Bing e Zhang Huan. La pubblicazione About Us. Young Photography in China - disponibile presso la libreria WestLicht per accompagnare la mostra - raccoglie tutte le opere in prestito dalla collezione della Alexander Tutsek-Stiftung.

Repressive autocracy, global player, economic superpower with a thirst for expansion - the European view of China is characterized by a series of recurring attributions. Mistrust and curiosity clash just as much as criticism and fascination for the Asian People's Republic. But how do Chinese artists see themselves? What visuals do they find for the realities of life on the ground? And what do their individual inside views tell us about society as a whole? The INSIDE VIEWS exhibition brings together works by eleven artists from China that have been created since the turn of the millennium against a backdrop of rapid economic growth and radical social change. An additional highlight of the show are photographs by the exceptional artist Ren Hang, which have never been shown on a larger scale in this country before and which he created during his stay in Vienna in 2015.

The focus of all the image series shown in the INSIDE VIEWS exhibition is on the individual and their relationship to the surrounding society - be it private relationships or dependencies on social macrostructures. The starting point and motif is often the body. It functions as a field of experimentation, as a medium, sign and material. The spectrum of works ranges from Zhang Huan's (*1965) body stagings following his performances to Chen Ronghui (*1989) and his series Freezing Land on the consequences of structural change to Luo Yang (*1984), whose photographs of young women paint a portrait of a generation that is self-confident but at the same time struggling to find its identity and place.

At the center of the exhibition is an extensive group of works by Ren Hang (1987-2017). His explicit and artistic compositions of intertwined naked bodies in sometimes acrobatic poses not only made him an overnight star in the 2010s, but also a pioneer for a broader reception of contemporary Chinese photography in Europe and the USA. In his home country, however, Ren Hang was repeatedly targeted by the censors. He never saw his photography as provocative, let alone political. Nevertheless, his works, mostly staged in private with friends and acquaintances, can be read as an act of non-conformism with their relaxed approach to sexuality. In a conservative, strictly regulated society, Ren Hang's photographs thus represented - also against the background of his homosexuality - a longing for self-determination and a utopia of freedom and community beyond state-sanctioned models.

In 2015, Galerie OstLicht presented Ren Hang's first comprehensive solo show in Europe. During his stay in Vienna, he created works that are now being made prominently accessible for the first time as part of the INSIDE VIEWS exhibition. The series is accompanied by an extensive making-of, photographed by WestLicht director Peter Coeln, who captured Ren Hang's photo shoot in the Vienna Woods with his camera and thus provides a unique insight into the working methods of the exceptional artist from China, who died in 2017. To mark the exhibition, the documentation will also be published as a limited edition photo book entitled Ren Hang at Work.

The INSIDE VIEWS exhibition is a cooperation with the Alexander Tutsek-Stiftung, Munich. With works by Chen Ronghui, He Chengyao, Liang Xiu, Pixy Liao, Liu Ke and Huang Huang, Liu Tao, Luo Yang, Ren Hang, Silin Liu, Wang Bing and Zhang Huan. The publication About Us. Young Photography in China - available from the WestLicht bookshop to accompany the exhibition - brings together all the works on loan from the collection of the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: WestLicht. Schauplatz für Fotografie, Wien)

Camera Austria
8. Juni – 18. August 2024

Actinism
Anouk Tschanz

Anouk Tschanz untersucht in ihren Arbeiten den Prozess des Sehens und Wahrnehmens der uns umgebenden Welt und deren fotografische Wiedergabe. Dabei setzt Tschanz bewusst auf die aufwendigen Verfahren der analogen Schwarz-Weiß-Fotografie, um in einer von beschleunigten digitalen Bildentstehungsprozessen geprägten visuellen Kultur den Fokus auf die Wahrnehmung des Einzelbildes zu richten. In der Ausstellung sind drei jüngere Bildserien kombiniert, die jeweils klassische Naturfoto-Sujets aufgreifen: Steine (2024), Sonnenblumen (2023) und Blätter (seit 2019). Letztere stehen im Zentrum von Actinism. Die überwältigende Anzahl der Blätter mit ihren formalen Eigenheiten lässt sich als Auseinandersetzung mit Biodiversität, mit Klima- und Witterungseinflüssen verstehen. Gleichzeitig geht es der Künstlerin in allen drei Fotoserien um Prozesse der Bildfindung, um Oberflächen, Materialität, Licht, Tiefe. In gleichem Maße wie der doppeldeutige Begriff des Blattes – des pflanzlichen wie des (foto-)papierenen – die Polarisierung von Natur und Kultur aufbricht, oszillieren Tschanz’ konzentrierte Bildkompositionen zwischen Repräsentation und Abstraktion – wodurch wir angeregt sind, ihre Fotografien eingehender zu betrachten. Actinism ist Tschanz’ erste institutionelle Einzelausstellung außerhalb der Schweiz.

Dans ses travaux, Anouk Tschanz étudie le processus de vision et de perception du monde qui nous entoure et sa reproduction photographique. Pour ce faire, Tschanz mise délibérément sur les procédés complexes de la photographie analogique en noir et blanc, afin de mettre l'accent sur la perception de l'image individuelle dans une culture visuelle marquée par l'accélération des processus de création d'images numériques. L'exposition combine trois séries d'images récentes qui reprennent chacune des sujets photographiques classiques de la nature : les pierres (2024), les tournesols (2023) et les feuilles (depuis 2019). Ces dernières sont au centre d'Actinism. Le nombre impressionnant de feuilles avec leurs particularités formelles peut être compris comme une confrontation avec la biodiversité, avec les influences climatiques et météorologiques. Parallèlement, l'artiste s'intéresse dans les trois séries de photos aux processus de création d'images, aux surfaces, à la matérialité, à la lumière, à la profondeur. De même que la notion ambiguë de feuille - végétale ou de papier (photographique) - brise la polarisation entre nature et culture, les compositions d'images concentrées de Tschanz oscillent entre représentation et abstraction - ce qui nous incite à regarder ses photographies de plus près. Actinism est la première exposition institutionnelle de Tschanz en dehors de la Suisse.

Nelle sue opere, Anouk Tschanz esamina il processo di visione e percezione del mondo circostante e la sua riproduzione fotografica. Tschanz si basa deliberatamente sui processi elaborati della fotografia analogica in bianco e nero per concentrarsi sulla percezione dell'immagine individuale in una cultura visiva caratterizzata da processi accelerati di creazione di immagini digitali. La mostra combina tre recenti serie di immagini, ognuna delle quali riprende soggetti classici della fotografia naturalistica: pietre (2024), girasoli (2023) e foglie (dal 2019). Queste ultime sono al centro di Actinism. Il numero eccessivo di foglie con le loro peculiarità formali può essere inteso come un esame della biodiversità, del clima e delle influenze meteorologiche. Allo stesso tempo, in tutte e tre le serie fotografiche l'artista si occupa dei processi di creazione dell'immagine, delle superfici, della materialità, della luce e della profondità. Così come il concetto ambiguo di foglia - sia pianta che carta (fotografica) - rompe la polarizzazione tra natura e cultura, le composizioni di immagini concentrate di Tschanz oscillano tra rappresentazione e astrazione, incoraggiandoci a guardare le sue fotografie più da vicino. Actinism è la prima mostra personale istituzionale di Tschanz al di fuori della Svizzera.

Anouk Tschanz, in her work, delves into the process of seeing and perceiving the world around us, and of reproducing it through photographs. Amid a visual culture characterized by accelerated digital image generation, Tschanz purposely employs the elaborate technique of analogue black-and-white photography, with the aim of training the focus on the perception of each individual image. In the exhibition, three recent photographic series are combined, all touching on classic subjects found in nature photos: Steine (Stones, 2024), Sonnenblumen (Sunflowers, 2023), and Blätter (Leaves, 2019–ongoing). The latter take center stage in the Actinism project. The staggering number of leaves with their idiosyncrasies of form can be read as an examination of biodiversity, of climatic conditions and weather effects. At the same time, in all three photographic series, the artist deals with processes of image creation, with surfaces, materiality, light, and depth. The word Blatt has two meanings—“leaf” as plant and “sheet” as (photo) paper—which gives rise to a polarization of nature and culture. In this same vein, Tschanz’s dense image compositions oscillate between representation and abstraction, encouraging us to view her photographs up close. Actinism is Tschanz’s first solo exhibition at a venue outside of Switzerland.

(Text: Camera Austria, Graz)

Fotohof
7. Juni – 3. August 2024

Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten
Edith Tudor-Hart

Das Werk der österreichisch-britischen Exilfotografin Edith Tudor-Hart (1908 – 1973) wird in der Ausstellung „Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten“ in einer umfangreichen Retrospektive gezeigt.

Das FOTOHOF>ARCHIV hat in den letzten Jahren alle noch vorhandenen Negative, einen umfangreichen Bestand an Vintage Prints und ihr Scrapbook (ein Sammelalbum ihrer Publikationstätigkeit) erhalten und aufgearbeitet, die jetzt zum ersten Mal gesammelt der Öffentlichkeit präsentiert werden.

Edith Tudor-Hart (geb. Edith Suschitzky) war eine zentrale Protagonistin der Sozialdokumentarischen Fotografie zwischen 1930 und 1955. Sie wies auf gesellschaftliche Missstände hin, behandelte Themen wie Armut, Integration und Frauenrechte und bildete die Lebensbedingungen der arbeitenden Klasse ab. Ihr Werk ist zudem von der Stilrichtung des Neuen Sehens beeinflusst und leistete einen wichtigen Beitrag zur Darstellung progressiver Erziehungsmethoden, modernistischer Architektur und des modernen Tanzes.

Aus einer jüdischen Familie in Wien stammend und als überzeugte Kommunistin war ihr Lebensweg von politischer Verfolgung und persönlichen Schicksalsschlägen gezeichnet.

Während ihres Lebens kämpfte Edith Tudor-Hart gegen den aufkommenden Faschismus und die Ausgrenzung von Minderheiten an und vereint in ihrem Werk persönliche Haltung mit dem gesellschaftlichen Abbild ihrer Zeit.

L'œuvre de la photographe austro-britannique en exil Edith Tudor-Hart (1908 - 1973) fait l'objet d'une vaste rétrospective dans le cadre de l'exposition "Ein klarer Blick in turbulenten Zeiten".

Ces dernières années, le FOTOHOF>ARCHIV a conservé et traité tous les négatifs encore disponibles, un important stock d'impressions vintage et son scrapbook (un album de ses publications), qui sont maintenant présentés au public pour la première fois de manière collective.

Edith Tudor-Hart (née Edith Suschitzky) a été une protagoniste centrale de la photographie documentaire sociale entre 1930 et 1955. Elle a attiré l'attention sur les dysfonctionnements sociaux, a traité des thèmes tels que la pauvreté, l'intégration et les droits des femmes et a illustré les conditions de vie de la classe ouvrière. Son œuvre est en outre influencée par le style de la Nouvelle vision et a apporté une contribution importante à la représentation des méthodes d'éducation progressistes, de l'architecture moderniste et de la danse moderne.

Issue d'une famille juive de Vienne et communiste convaincue, son parcours a été marqué par la persécution politique et les coups du sort personnels.

Tout au long de sa vie, Edith Tudor-Hart a lutté contre la montée du fascisme et l'exclusion des minorités, alliant dans son œuvre une attitude personnelle et le reflet de la société de son époque.

L'opera della fotografa austriaca-britannica in esilio Edith Tudor-Hart (1908-1973) è esposta nella mostra "A clear view in turbulent times" in un'ampia retrospettiva.

Negli ultimi anni, il FOTOHOF>ARCHIV ha ricevuto ed elaborato tutti i negativi ancora esistenti, una vasta collezione di stampe d'epoca e il suo scrapbook (un album delle sue attività di pubblicazione), che ora vengono presentati al pubblico per la prima volta.

Edith Tudor-Hart (nata Edith Suschitzky) è stata una protagonista centrale della fotografia documentaria sociale tra il 1930 e il 1955, mettendo in luce le rivendicazioni sociali, affrontando temi come la povertà, l'integrazione e i diritti delle donne e ritraendo le condizioni di vita della classe operaia. Il suo lavoro è stato anche influenzato dallo stile New Vision e ha dato un importante contributo alla rappresentazione dei metodi educativi progressisti, dell'architettura modernista e della danza moderna.

Proveniente da una famiglia ebrea di Vienna e convinta comunista, la sua vita fu segnata da persecuzioni politiche e disgrazie personali.

Per tutta la vita, Edith Tudor-Hart ha lottato contro l'ascesa del fascismo e l'emarginazione delle minoranze, combinando nel suo lavoro atteggiamenti personali e l'immagine sociale del suo tempo.

The work of the Austrian-British exile photographer Edith Tudor-Hart (1908 - 1973) is shown in the exhibition »A Steady Eye in Turbulent Times« in an extensive retrospective.

In recent years, the FOTOHOF>ARCHIVE has preserved and processed all the negatives still in existence, an extensive collection of vintage prints and her scrapbook (an account of her publication activities), which are now being presented to the public for the first time.

Edith Tudor-Hart (née Edith Suschitzky) was a central protagonist of social documentary photography between 1930 and 1955. She drew attention to social grievances, dealt with topics such as poverty, integration and women's rights and depicted the living conditions of the working class. Her work was also influenced by the Neues Sehen [New Vision] style and made an important contribution to the depiction of progressive educational methods, modernist architecture and modern dance.

Coming from a Jewish family in Vienna and a staunch communist, her life was marked by political persecution and personal misfortune.

Throughout her life, Edith Tudor-Hart fought against the rise of fascism and the marginalization of minorities, combining personal attitudes with the social image of her time in her work.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Flatz Museum – Zentrum für Photographie | Dornbirn
7. Juni – 12. Oktober 2024

NO LIMITS – Körper Performance und Photographie

Die Ausstellung präsentiert exemplarische Arbeiten von Pionieren der Performance-Kunst:
Marina Abramović, VALIE EXPORT, Gina Pane, Günter Brus und Jürgen Klauke. Die Künstlerinnen und Künstler machten ihren Körper zum künstlerischen Medium, den sie im Laufe ihrer künstlerischen Karrieren radikalen physischen und psychischen Grenzüberschreitungen aussetzten.

Die Ausstellung im FLATZ Museum – Zentrum für Photographie untersucht im Dialog fünf unterschiedlicher künstlerischer Perspektiven der Performance- und Körperkunst das vieldimensionale und komplizierte Verhältnis zwischen der transitorischen, an Ort und Zeit gebundenen Performance-Kunst und ihrer medialen Aufzeichnung. Denn es ist insbesondere die Photographie, die die Rezeption vergänglicher künstlerischer Aktionen bis heute prägt. Die photographischen Werke der Ausstellung stellen nicht Dokumentationen vergangener künstlerischer Aktionen dar, sondern nehmen einen autonomen künstlerischen Ausdruck und Wert ein.

Ihr „Nachleben“, wie Aby Warburg es einmal nannte, lässt auch das Verhältnis zwischen dem Ereignis und seiner Reproduktion in produktiver Weise befragen.

Die Arbeiten sind Leihgaben der Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, der Galerie Krinzinger und dem Atelier VALIE EXPORT.

Kurator: Dr. Gerald Matt.

L'exposition présente des travaux exemplaires de pionniers de l'art de la performance :
Marina Abramović, VALIE EXPORT, Gina Pane, Günter Brus et Jürgen Klauke. Ces artistes ont fait de leur corps un médium artistique qu'ils ont exposé, au cours de leurs carrières artistiques, à des transgressions physiques et psychiques radicales.

L'exposition du FLATZ Museum - Zentrum für Photographie explore, à travers le dialogue de cinq perspectives artistiques différentes de l'art de la performance et de l'art corporel, la relation multidimensionnelle et compliquée entre l'art de la performance, qui est transitoire et lié au lieu et au temps, et son enregistrement par les médias. Car c'est en particulier la photographie qui a marqué jusqu'à aujourd'hui la réception d'actions artistiques éphémères. Les œuvres photographiques de l'exposition ne transmettent pas la documentation d'actions artistiques passées, mais prennent une expression et une valeur artistiques autonomes.

Leur "postérité", pour reprendre l'expression d'Aby Warburg, permet également d'interroger de manière productive le rapport entre l'événement et sa reproduction.

Les œuvres sont prêtées par la Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, la Galerie Krinzinger et l'Atelier VALIE EXPORT.

Curateur : Dr. Gerald Matt.

La mostra presenta opere esemplari di pionieri dell'arte performativa:
Marina Abramović, VALIE EXPORT, Gina Pane, Günter Brus e Jürgen Klauke. Gli artisti hanno trasformato il loro corpo in un mezzo artistico, che hanno esposto a radicali trasgressioni fisiche e psicologiche nel corso della loro carriera artistica.

In un dialogo tra cinque diverse prospettive artistiche sulla performance e sulla body art, la mostra al Museo FLATZ - Centro per la Fotografia esamina il rapporto multidimensionale e complicato tra l'arte performativa transitoria, legata al luogo e al tempo, e la sua registrazione mediatica. È la fotografia, in particolare, che continua a caratterizzare la ricezione delle azioni artistiche transitorie fino ad oggi. Le opere fotografiche in mostra non sono documentazioni di azioni artistiche passate, ma hanno un'espressione e un valore artistico autonomo.

La loro "vita dopo la morte", come l'ha definita Aby Warburg, ci permette anche di interrogarci in modo produttivo sul rapporto tra l'evento e la sua riproduzione.

Le opere sono in prestito dalla Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, dalla Galerie Krinzinger e dall'Atelier VALIE EXPORT.

Curatore: Dr. Gerald Matt

The exhibition presents exemplary works by pioneers of performance art:
Marina Abramović, VALIE EXPORT, Gina Pane, Günter Brus and Jürgen Klauke. The artists turned their bodies into an artistic medium, which they exposed to radical physical and psychological transgressions in the course of their artistic careers.

In a dialog between five different artistic perspectives on performance and body art, the exhibition at the FLATZ Museum - Center for Photography examines the multi-dimensional and complicated relationship between transitory performance art, which is bound to place and time, and its medial recording. For it is photography in particular that has shaped the reception of transient artistic actions to this day. The photographic works in the exhibition are not documentations of past artistic actions, but have an autonomous artistic expression and value.

Their "afterlife", as Aby Warburg once called it, also allows us to question the relationship between the event and its reproduction in a productive way.

The works are on loan from Galerie Elisabeth & Klaus Thoman, Galerie Krinzinger and Atelier VALIE EXPORT.

Curator: Dr. Gerald Matt.

(Text: Flatz Museum – Zentrum für Photographie, Dornbirn)

Museum der Moderne | Salzburg
26. April – 15. September 2024

Poesie des Alltäglichen
Elfriede Mejchar

2024 finden an drei Museen Ausstellungen mit Arbeiten der österreichischen Fotografin Elfriede Mejchar (1924–2020 Wien, AT) statt. Das Museum der Moderne Salzburg ist Teil einer Kooperation mit der Landesgalerie Niederösterreich und dem Wien Museum, die zum 100. Geburtstag der Künstlerin deren Werk an drei verschiedenen Standorten mit jeweils unterschiedlichen Schwerpunkten würdigt.

Salzburgs Beitrag zu diesem gemeinschaftlichen Projekt präsentiert die Künstlerin als Porträtistin. Mit ihrer Werkserie „Künstler bei der Arbeit“ (1954–1961) zeigt Mejchar beispielsweise eindrücklich, wie sie sich durch eine genaue Kartierung der Arbeitssituation im Atelier der Künstlerpersönlichkeit von Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl und Arnulf Rainer annähert. Mit der gleichen präzisen Wahrnehmung begegnet sie aber auch den unbelebten Dingen ihrer Umgebung und verleiht Landschaften, Blumen und ausrangiertem Mobiliar die Anmutung von beseelten Porträtaufnahmen.

Der Bestand an Fotografien von Mejchar in den Fotosammlungen am Museum der Moderne Salzburg umfasst insgesamt 665 Werke. Otto Breicha, der erste Direktor der Vorläuferinstitution, war ein langjähriger Wegbegleiter Mejchars, der den künstlerischen Wert ihrer fotografischen Arbeit erkannte und förderte. So gelangte bereits 1982, ein Jahr vor der offiziellen Eröffnung des Rupertinum, ein umfassendes Konvolut in die fotografische Sammlung, das durch weitere Ankäufe und Schenkungen anwuchs und einen Schwerpunkt im Bestand darstellt.

Kuratorin: Katharina Ehrl

Zur Ausstellung erscheint in Kooperation mit den Partnermuseen die erste Standardpublikation zum Werk von Elfriede Mejchar.

In Kooperation mit dem Wien Museum und der Landesgalerie Niederösterreich

En 2024, trois musées accueilleront des expositions consacrées aux travaux de la photographe autrichienne Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienne, AT). Le Musée d'art moderne de Salzbourg fait partie d'une coopération avec la Galerie régionale de Basse-Autriche et le Musée de Vienne qui, à l'occasion du centenaire de la naissance de l'artiste, rend hommage à son œuvre dans trois lieux différents, chacun avec un accent différent.

La contribution de Salzbourg à ce projet commun présente l'artiste en tant que portraitiste. Avec sa série d'œuvres "Artistes au travail" (1954-1961), Mejchar montre par exemple de manière impressionnante comment elle s'approche de la personnalité des artistes Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl et Arnulf Rainer en cartographiant avec précision la situation de travail dans l'atelier. Mais c'est aussi avec la même perception précise qu'elle rencontre les choses inanimées de son environnement et donne aux paysages, aux fleurs et au mobilier mis au rebut l'apparence de portraits animés.

Le fonds de photographies de Mejchar dans les collections de photos du Museum der Moderne Salzburg comprend 665 œuvres au total. Otto Breicha, le premier directeur de l'institution précédente, était un compagnon de longue date de Mejchar, qui a reconnu et encouragé la valeur artistique de son travail photographique. C'est ainsi qu'en 1982 déjà, un an avant l'ouverture officielle du Rupertinum, un vaste ensemble est entré dans la collection photographique, qui s'est agrandie grâce à d'autres achats et donations et constitue un point fort du fonds.

Commissaire d'exposition : Katharina Ehrl

À l'occasion de l'exposition, la première publication standard sur l'œuvre d'Elfriede Mejchar est publiée en coopération avec les musées partenaires.

En coopération avec le Wien Museum et la Landesgalerie Niederösterreich

Nel 2024, tre musei ospiteranno mostre di opere della fotografa austriaca Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienna, AT). Il Museum der Moderne di Salisburgo fa parte di una collaborazione con la Landesgalerie Niederösterreich e il Wien Museum, che rende omaggio all'opera dell'artista in tre sedi diverse, ciascuna con un focus differente, in occasione del centenario della sua nascita.

Il contributo di Salisburgo a questo progetto comune presenta l'artista come ritrattista. Con la serie di opere "Artisti al lavoro" (1954-1961), ad esempio, Mejchar mostra in modo impressionante come si avvicina alla personalità artistica di Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl e Arnulf Rainer, mappando con precisione la situazione lavorativa nello studio. Con la stessa percezione precisa, tuttavia, incontra anche gli oggetti inanimati del suo ambiente e conferisce a paesaggi, fiori e mobili dismessi l'aspetto di ritratti animati.

La raccolta di fotografie di Mejchar nelle collezioni fotografiche del Museum der Moderne Salzburg comprende un totale di 665 opere. Otto Breicha, il primo direttore dell'istituzione precedente, era un compagno di lunga data di Mejchar, che riconosceva e promuoveva il valore artistico del suo lavoro fotografico. Già nel 1982, un anno prima dell'apertura ufficiale del Rupertinum, alla collezione fotografica si aggiunse un'ampia raccolta, che crebbe attraverso ulteriori acquisti e donazioni e che oggi rappresenta un punto focale del patrimonio.

Curatore: Katharina Ehrl

La prima pubblicazione standard sul lavoro di Elfriede Mejchar sarà pubblicata in collaborazione con i musei partner per accompagnare la mostra.

In collaborazione con il Museo di Vienna e la Landesgalerie Niederösterreich

In 2024, three museums will host exhibitions of works by Austrian photographer Elfriede Mejchar (1924-2020 Vienna, AT). The Museum der Moderne Salzburg is part of a cooperation with the Landesgalerie Niederösterreich and the Wien Museum, which is honoring the artist's work at three different locations, each with a different focus, to mark the 100th anniversary of her birth.

Salzburg's contribution to this joint project presents the artist as a portraitist. With her series of works "Artists at Work" (1954-1961), for example, Mejchar impressively shows how she approaches the artistic personality of Christa Hauer, Friedensreich Hundertwasser, Josef Mikl and Arnulf Rainer by precisely mapping the working situation in the studio. With the same precise perception, however, she also encounters the inanimate objects in her surroundings and lends landscapes, flowers and discarded furniture the appearance of animated portraits.

The collection of photographs by Mejchar in the photo collections at the Museum der Moderne Salzburg comprises a total of 665 works. Otto Breicha, the first director of the predecessor institution, was a long-time companion of Mejchar, who recognized and promoted the artistic value of her photographic work. As early as 1982, one year before the official opening of the Rupertinum, a comprehensive collection was added to the photographic collection, which grew through further purchases and donations and is a focal point of the holdings.

Curator: Katharina Ehrl

The first standard publication on the work of Elfriede Mejchar will be published in cooperation with the partner museums to accompany the exhibition.

In cooperation with the Wien Museum and the Landesgalerie Niederösterreich

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne - Rupertinum | Salzburg
26. April – 7. Juli 2024

Spannungsfeld Fotografie - 7 Versuche einer Standortbestimmung

Hubert Blanz, backhaus+froschauer, Anna Breit, Maurizio Cirillo, Nilbar Güreş, Ferhat Özgür, Rudolf Zündel

Der Versuch, einen Standort zu bestimmen, bezieht sich in der Regel auf die Definition der gegenwärtigen geografischen Position eines Objekts oder Individuums. Eine Standortbestimmung kann aber weit komplexer und vielschichtiger sein und Selbstreflexionen über Werte und die aktuelle Position im Leben einschließen.

Die Ausstellung zeigt sieben künstlerische Auseinandersetzungen mit der Positionierung in Raum und Zeit, die neben geografischen auch kulturellen, sozialen, emotionalen oder ideologischen Dimensionen umfassen. Sie werfen zudem Fragen nach dem eigenen Standpunkt in der Welt und den Wechselwirkungen zwischen individueller Identität und Umgebung auf. Auf diese Art und Weise reflektieren und erforschen die Künstler:innen nicht nur die Ambivalenz von Orten, sondern auch Fragen nach Zugehörigkeit, Globalisierung oder der persönlichen Perspektive. In einer Welt, die sich ständig verändert und in der Identität und gesellschaftliche Verortung oft in Frage gestellt werden, bieten die sieben Positionen verschiedene Ansätze mit unterschiedlichen Blickwinkeln zum Umgang damit.

Den Anfang macht eine Arbeit von Rudolf Zündel aus den 1970er-Jahren, die sich mit der unentbehrlichen ersten Gastarbeiter:innen-generation beschäftigt und Fragen nach Heimat, Integration und dem Gefühl stellt, sich in einer ungewohnten Gesellschaft zu bewegen. Die Arbeiten des Künstlerduos backhaus+froschauer und von Hubert Blanz haben den urbanen Raum und die Zwiespältigkeit von Orten im Fokus. Auch Maurizio Cirillos Serie setzt sich mit dem Stadtraum auseinander, aber im Hinblick auf die Suche nach den Beziehungen zu unserer Umgebung und Umwelt. Wie bei Zündel finden sich in den Positionen von Anna Breit, Nilbar Güreş und Ferhat Özgür Fragen von Integration und Zugehörigkeit, aber auch das Hinterfragen von kulturellen und gesellschaftlichen Normen und Traditionen.

La tentative de détermination d'un emplacement se réfère généralement à la définition de la position géographique actuelle d'un objet ou d'un individu. Mais une définition de la position peut être bien plus complexe et multidimensionnelle et inclure des réflexions sur soi-même, sur les valeurs et la position actuelle dans la vie.

L'exposition présente sept réflexions artistiques sur le positionnement dans l'espace et le temps, qui englobent non seulement des dimensions géographiques, mais aussi culturelles, sociales, émotionnelles ou idéologiques. Vous soulevez en outre des questions sur votre propre position dans le monde et sur les interactions entre l'identité individuelle et l'environnement. De cette manière, les artistes ne réfléchissent et n'explorent pas seulement l'ambivalence des lieux, mais aussi les questions d'appartenance, de mondialisation ou de perspective personnelle. Dans un monde en constante évolution, où l'identité et la localisation sociale sont souvent remises en question, les sept positions proposent différentes approches avec différents points de vue sur la manière de les aborder.

Tout commence par un travail de Rudolf Zündel datant des années 1970, qui s'intéresse à l'indispensable première génération de travailleurs immigrés et transmet des questions sur la patrie, l'intégration et le sentiment d'évoluer dans une société inhabituelle. Les travaux du duo d'artistes backhaus+froschauer et d'Hubert Blanz se concentrent sur l'espace urbain et l'ambiguïté des lieux. La série de Maurizio Cirillo aborde elle aussi l'espace urbain, mais dans l'optique d'une recherche sur les relations avec notre environnement et notre entourage. Comme chez Zündel, on retrouve dans les positions d'Anna Breit, Nilbar Güreş et Ferhat Özgür des questions d'intégration et d'appartenance, mais aussi la remise en question des normes et des traditions culturelles et sociales.

Il tentativo di determinare una posizione si riferisce solitamente alla definizione dell'attuale posizione geografica di un oggetto o di un individuo. Tuttavia, la determinazione di una posizione può essere molto più complessa e stratificata e includere un'auto-riflessione sui valori e sulla propria posizione attuale nella vita.

La mostra presenta sette esplorazioni artistiche del posizionamento nello spazio e nel tempo, che comprendono non solo la dimensione geografica ma anche quella culturale, sociale, emotiva o ideologica. Esse sollevano anche domande sulla propria posizione nel mondo e sulle interazioni tra identità individuale e ambiente. In questo modo, gli artisti riflettono ed esplorano non solo l'ambivalenza dei luoghi, ma anche questioni di appartenenza, globalizzazione e prospettiva personale. In un mondo in costante mutamento, in cui l'identità e la localizzazione sociale sono spesso messe in discussione, le sette posizioni offrono approcci diversi con prospettive differenti su come affrontare la questione.

La mostra inizia con un'opera di Rudolf Zündel degli anni Settanta, che tratta dell'indispensabile prima generazione di lavoratori ospiti e pone domande sulla casa, l'integrazione e la sensazione di muoversi in una società sconosciuta. Le opere del duo di artisti backhaus+froschauer e Hubert Blanz si concentrano sullo spazio urbano e sull'ambivalenza dei luoghi. Anche la serie di Maurizio Cirillo si occupa dello spazio urbano, ma in termini di ricerca di relazioni con l'ambiente circostante. Come per Zündel, le posizioni di Anna Breit, Nilbar Güreş e Ferhat Özgür affrontano questioni di integrazione e appartenenza, ma analizzano anche norme e tradizioni culturali e sociali.

The attempt to determine a location usually refers to the definition of the current geographical position of an object or individual. However, determining a location can be far more complex and multi-layered and include self-reflection on values and one's current position in life.

The exhibition shows seven artistic explorations of positioning in space and time, which encompass not only geographical but also cultural, social, emotional or ideological dimensions. They also raise questions about one's own position in the world and the interactions between individual identity and environment. In this way, the artists reflect on and explore not only the ambivalence of places, but also questions of belonging, globalization and personal perspective. In a world that is constantly changing and in which identity and social location are often called into question, the seven positions offer different approaches with different perspectives on how to deal with this.

The exhibition begins with a work by Rudolf Zündel from the 1970s, which deals with the indispensable first generation of guest workers and poses questions about home, integration and the feeling of moving in an unfamiliar society. The works of the artist duo backhaus+froschauer and Hubert Blanz focus on urban space and the ambivalence of places. Maurizio Cirillo's series also deals with urban space, but in terms of the search for relationships with our surroundings and environment. As with Zündel, the positions of Anna Breit, Nilbar Güreş and Ferhat Özgür address issues of integration and belonging, but also question cultural and social norms and traditions.

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
25. April – 20. Juli 2024

Life at its best
Herlinde Koelbl

Vielfältige Themen der Ausstellung: Die Ausstellung "Life at its best" präsentiert eine Auswahl von Kölbls herausragenden Themen, darunter "Metamorphosen", "Haare", "Frauen und Männerakte", "Schriftsteller Hände", "Feine Leute" und "Here There Everywhere".

"Metamorphosen" - Die Vergänglichkeit der Natur: In der Serie "Metamorphosen" widmet sich Herlinde Kölbl nicht dem Menschen, sondern der vergänglichen Natur. Die Fotografien von Flecken, weißem Flaum und abgeknickten Köpfen zeigen Pflanzen in ihrer Vergänglichkeit. Überraschenderweise erzeugen die Bilder jedoch keine Melancholie, sondern vermitteln dem Betrachter eine tiefe Ruhe. Die Fotografien regen dazu an, über das Unverfügbare nachzudenken und das Unveränderliche zu akzeptieren.

Projekt Schriftsteller: Herlinde Kölbls ambitioniertes Projekt über Schriftsteller und ihre Arbeitswelten sieht vor, Persönlichkeiten fotografisch und textlich zu porträtieren, wobei nicht die Gesichter, sondern die Hände und Schreibwerkzeuge der Autoren im Mittelpunkt stehen. Durch Gespräche mit den Schriftstellern über die Wahl ihrer Schreibutensilien, ihren Arbeitsrhythmus und vor allem ihre Motivation zu schreiben, entsteht eine tiefe Annäherung. Die Zusammenstellung des ursprünglich 40-teiligen Zyklus umfasst namhafte Autoren wie Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass und Peter Handke.

Zyklen "Starke Frauen" und „Männer“: Mit den "Starken Frauen" zeigt Kölbl die Kraft der frühen Göttinnen, während die Männer als spannungsvoller Gegenpol in der ganzen Widersprüchlichkeit von Zärtlichkeit, Stärke und Aggression präsentiert werden. Die Haut als sichtbarer Mittler des Begehrens verbindet beide Geschlechter in ihrer Weichheit und ihrem Glanz.

Eine weitere Serie ist "Feine Leute 1979 - 1985", in der die Fotografin sechs Jahre lang Bälle, Partys und gesellschaftliche Ereignisse in Deutschland dokumentierte und damit einen einzigartigen Einblick in die High Society gewährt.

Thèmes variés de l'exposition : l'exposition "Life at its best" présente une sélection des thèmes les plus remarquables de Kölbl, dont "Métamorphoses", "Cheveux", "Femmes et nus masculins", "Mains d'écrivain", "Gens raffinés" et "Here There Everywhere".

"Métamorphoses" - Le caractère éphémère de la nature : Dans la série "Metamorphosen", Herlinde Kölbl ne se consacre pas à l'homme, mais à la nature éphémère. Les photographies de taches, de duvet blanc et de têtes pliées montrent les plantes dans leur caractère éphémère. De manière surprenante, les images ne génèrent toutefois pas de mélancolie, mais transmettent au spectateur une profonde sérénité. Les photographies incitent à réfléchir à l'indisponible et à accepter l'immuable.

Projet écrivains : le projet ambitieux d'Herlinde Kölbl sur les écrivains et leurs univers de travail prévoit de faire le portrait de personnalités par la photographie et le texte, en se concentrant non pas sur les visages, mais sur les mains et les outils d'écriture des auteurs. En discutant avec les écrivains du choix de leurs outils d'écriture, de leur rythme de travail et surtout de leur motivation à écrire, un rapprochement profond s'opère. La composition du cycle, qui comportait à l'origine 40 parties, comprend des auteurs de renom tels que Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass et Peter Handke.

Cycles "Femmes fortes" et "Hommes" : avec les "Femmes fortes", Kölbl montre la force des déesses primitives, tandis que les hommes sont présentés comme un contrepoint tendu, dans toute la contradiction de la tendresse, de la force et de l'agression. La peau, médiateur visible du désir, relie les deux sexes dans sa douceur et son éclat.

Une autre série est "Feine Leute 1979 - 1985", dans laquelle la photographe a documenté pendant six ans des bals, des fêtes et des événements sociaux en Allemagne, offrant ainsi un aperçu unique de la haute société.

Temi espositivi diversi: la mostra "La vita al suo meglio" presenta una selezione dei temi più importanti di Kölbl, tra cui "Metamorfosi", "Capelli", "Nudi femminili e maschili", "Mani di scrittori", "Belle persone" e "Qui, là, ovunque".

"Metamorfosi" - La caducità della natura: Nella serie "Metamorphoses", Herlinde Kölbl non si concentra sulle persone, ma sulla natura transitoria. Le fotografie di macchie, peluria bianca e teste staccate mostrano le piante nella loro transitorietà. Sorprendentemente, però, le immagini non evocano malinconia, ma piuttosto trasmettono allo spettatore un profondo senso di calma. Le fotografie ci incoraggiano a riflettere sull'irraggiungibile e ad accettare l'immutabile.

Writers project: l'ambizioso progetto di Herlinde Kölbl sugli scrittori e i loro ambienti di lavoro mira a ritrarre le personalità dal punto di vista fotografico e testuale, concentrandosi non sui loro volti ma sulle loro mani e sugli strumenti di scrittura. Parlando con gli scrittori della loro scelta di strumenti di scrittura, del loro ritmo di lavoro e, soprattutto, della loro motivazione a scrivere, si crea un profondo avvicinamento. La compilazione del ciclo originale in 40 parti comprende autori noti come Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass e Peter Handke.

I cicli "Donne forti" e "Uomini": con le "Donne forti", Kölbl mostra il potere delle prime dee, mentre gli uomini sono presentati come una tesa antitesi in tutte le loro contraddizioni di tenerezza, forza e aggressività. La pelle come mediatore visibile del desiderio unisce entrambi i sessi nella sua morbidezza e lucentezza.

Un'altra serie è "Feine Leute 1979 - 1985", in cui il fotografo ha documentato per sei anni balli, feste ed eventi sociali in Germania, offrendo uno sguardo unico sull'alta società.

Diverse exhibition themes: The exhibition "Life at its best" presents a selection of Kölbl's outstanding themes, including "Metamorphoses", "Hair", "Women and Men's Nudes", "Writers' Hands", "Fine People" and "Here There Everywhere".

"Metamorphoses" - The transience of nature: In the "Metamorphoses" series, Herlinde Kölbl focuses not on people, but on transient nature. The photographs of spots, white fluff and snapped-off heads show plants in their transience. Surprisingly, however, the images do not evoke melancholy, but rather convey a deep sense of calm to the viewer. The photographs encourage us to reflect on the unavailable and to accept the unchangeable.

Writers project: Herlinde Kölbl's ambitious project about writers and their working environments aims to portray personalities photographically and textually, focusing not on their faces but on their hands and writing tools. Through conversations with the writers about their choice of writing utensils, their working rhythm and, above all, their motivation to write, a deep rapprochement is created. The compilation of the original 40-part cycle includes well-known authors such as Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass and Peter Handke.

The "Strong Women" and "Men" cycles: With the "Strong Women", Kölbl shows the power of the early goddesses, while the men are presented as a tense antithesis in all their contradictions of tenderness, strength and aggression. The skin as a visible mediator of desire unites both sexes in its softness and radiance.

Another series is "Feine Leute 1979 - 1985", in which the photographer documented balls, parties and social events in Germany for six years, providing a unique insight into high society.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

musa – Wien Museum
18. April – 1. September 2024

Im Alleingang – Die Fotografin Elfriede Mejchar

Mit Elfriede Mejchar (1924–2020) ist eine große Fotokünstlerin zu entdecken, deren vielseitiges Werk mehr als ein halbes Jahrhundert umspannt, von den späten 1940er Jahren bis ins 21. Jahrhundert. Die Fotografin, die als Künstlerin erst spät Anerkennung gefunden hat, gehört mittlerweile zu den wichtigsten Vertreter:innen der österreichischen und internationalen Fotoszene. Am 10. Mai 2024 wäre die Wiener Fotografin hundert Jahre alt geworden.

Die Ausstellung im musa präsentiert einen breiten Querschnitt durch das Gesamtwerk Mejchars und zeigt, wie eine künstlerische Außenseiterin die österreichische Fotografie der Nachkriegszeit quasi „im Alleingang“ erneuerte. Elfriede Mejchar setzte sich bewusst vom fotografischen Mainstream und vom gängigen Reportage-Stil ihrer Zeit ab. Sie suchte nicht den sogenannten „entscheidenden Augenblick“, sondern näherte sie sich ihren Themen sehr stark auf konzeptuelle, serielle Weise an. Nicht das Außergewöhnliche rückte sie ins Zentrum, sondern das Unspektakuläre und Gewöhnliche, das Alltägliche und das Banale, das sie in ihren Werkserien auf immer neue Weise umkreiste.

Ihre Heimatstadt Wien erschloss sich die Fotografin von den Rändern her, das tausendfach abgelichtete ikonische Stadtzentrum hingegen interessierte sie wenig. Als Fotografin war Elfriede Mejchar dort zu Hause, wo die Stadt ins Ländliche ausufert, wo sich die Zonen der Stadterweiterung, des Brach- und Grünlandes und des postindustriellen Zerfalls mischen. Aufmerksam und zugleich nüchtern dokumentierte sie in ihren Langzeitstudien die architektonischen und sozialen Texturen der Wiener Vorstadt: Neubauten, die sich immer weiter ins Grün hinausschieben, die Monotonie endloser Ausfallsstraßen, verfallene Industrieareale, Gemüseplantagen und in die Jahre gekommenen Gasometer, Barackensiedlungen und vergessene Schutt- und Brachlandschaften. Das Gesicht der Vorstadt ist bei Mejchar aber nicht nur grau, immer wieder blitzen aus der Ödnis des Brachlandes und des Verfalls auch Momente unvermuteter Schönheit auf.

Auch wenn die Wiener Stadt- und Architekturfotografie einen zentralen Stellenwert in Elfriede Mejchars Werk einnimmt, ist ihr OEuvre thematisch weitaus breiter. So wie die Fotografin vergessene Landschaften und Bauwerke in einem neuen fotografischen Licht erscheinen lässt, so nähert sie sich auch Menschen und Pflanzen, Orten und Dinge auf ungewohnte, überraschende Weise. In ihrer unvergleichlichen Serie „Hotels“ buchstabiert sie die Interieurs und Typologien österreichischer Unterkünfte durch, in ihren faszinierenden, oft in leuchtenden Farben gehaltenen Pflanzen- und Blumenstilleben lotet sie die Zwischenstufen zwischen Blühen und Verwelken ästhetisch aus. Und in ihren frechen Collagen und Montagen, einem Werkkomplex, den sie bis ins hohe Alter weiterführte, baute sie gewitzte Fantasiewelten, die gesellschaftskritisch und humorvoll gleichermaßen sind.

In einer österreichweiten Ausstellungskooperation zwischen dem Wien Museum, der Landesgalerie Niederösterreich und dem Museum der Moderne Salzburg wird das umfangreiche Gesamtwerk Elfriede Mejchars 2024 erstmals österreichweit parallel an drei Orten gezeigt. Die Ausstellungen in Wien, Krems und Salzburg erschließen das Werk Mejchars aus unterschiedlichen Perspektiven. Begleitend zu den drei Präsentationen erscheint ein gemeinsam konzipierter Katalog im Hirmer Verlag.

Avec Elfriede Mejchar (1924-2020), c'est une grande artiste de la photographie que l'on découvre, dont l'œuvre variée couvre plus d'un demi-siècle, de la fin des années 1940 jusqu'au 21e siècle. La photographe, qui n'a été reconnue que tardivement en tant qu'artiste, fait désormais partie des représentants les plus importants de la scène photographique autrichienne et internationale. Le 10 mai 2024, la photographe viennoise aurait eu cent ans.

L'exposition du musa présente un large aperçu de l'ensemble de l'œuvre de Mejchar et montre comment une outsider artistique a renouvelé quasiment "à elle seule" la photographie autrichienne de l'après-guerre. Elfriede Mejchar s'est délibérément démarquée du mainstream photographique et du style de reportage courant de son époque. Elle ne recherchait pas le soi-disant "instant décisif", mais abordait ses sujets de manière très conceptuelle et sérielle. Ce n'est pas l'extraordinaire qu'elle mettait en avant, mais le peu spectaculaire et l'ordinaire, le quotidien et le banal, qu'elle abordait de manière toujours nouvelle dans ses séries d'œuvres.

La photographe s'est intéressée à sa ville natale, Vienne, à partir de ses marges, alors que le centre-ville iconique, photographié des milliers de fois, ne l'intéressait guère. En tant que photographe, Elfriede Mejchar était chez elle là où la ville déborde sur la campagne, là où se mêlent les zones d'extension urbaine, de friches et de prairies et de délabrement postindustriel. Dans ses études à long terme, elle a documenté avec attention et en même temps sobriété les textures architecturales et sociales de la banlieue viennoise : les nouvelles constructions qui s'étendent toujours plus loin dans la verdure, la monotonie des interminables routes de sortie, les sites industriels en ruine, les plantations de légumes et les gazomètres vieillissants, les bidonvilles et les paysages de décombres et de friches oubliés. Mais chez Mejchar, le visage de la banlieue n'est pas seulement gris, des moments d'une beauté insoupçonnée surgissent régulièrement de la désolation des friches et du délabrement.

Même si la photographie urbaine et architecturale viennoise occupe une place centrale dans le travail d'Elfriede Mejchar, son œuvre est bien plus large sur le plan thématique. De même que la photographe fait apparaître des paysages et des bâtiments oubliés sous une nouvelle lumière photographique, elle aborde également les personnes et les plantes, les lieux et les choses de manière inhabituelle et surprenante. Dans son incomparable série "Hotels", elle épelle les intérieurs et les typologies des hébergements autrichiens ; dans ses fascinantes natures mortes de plantes et de fleurs, souvent aux couleurs vives, elle explore esthétiquement les étapes intermédiaires entre l'éclosion et le flétrissement. Et dans ses collages et montages impertinents, un ensemble d'œuvres qu'elle a poursuivi jusqu'à un âge avancé, elle a construit des mondes imaginaires amusants, à la fois critiques de la société et pleins d'humour.

Dans le cadre d'une coopération d'exposition à l'échelle autrichienne entre le Wien Museum, la Landesgalerie Niederösterreich et le Museum der Moderne Salzburg, la vaste œuvre d'Elfriede Mejchar sera présentée pour la première fois en 2024 dans trois lieux en parallèle dans toute l'Autriche. Les expositions de Vienne, Krems et Salzbourg permettront de découvrir l'œuvre de Mejchar sous différentes perspectives. Les trois présentations seront accompagnées d'un catalogue conçu en commun et publié aux éditions Hirmer.

Elfriede Mejchar (1924-2020) è una grande artista della fotografia, la cui opera poliedrica abbraccia più di mezzo secolo, dalla fine degli anni Quaranta al XXI secolo. La fotografa, che si è fatta conoscere come artista solo in tarda età, è oggi una delle più importanti rappresentanti della scena fotografica austriaca e internazionale. Il fotografo viennese avrebbe compiuto cento anni il 10 maggio 2024.

La mostra al musa presenta un ampio spaccato dell'intera opera di Mejchar e mostra come un outsider artistico abbia rivoluzionato praticamente "da solo" la fotografia austriaca del dopoguerra. Elfriede Mejchar si è consapevolmente distanziata dal mainstream fotografico e dal comune stile di reportage del suo tempo. Non cercava il cosiddetto "momento decisivo", ma si avvicinava ai suoi soggetti in modo concettuale e seriale. Non si concentrava sullo straordinario, ma sul non spettacolare e sull'ordinario, sul quotidiano e sul banale, che ruotava costantemente intorno a nuovi modi nelle sue serie di lavori.

La fotografa ha esplorato la sua città natale, Vienna, dalla periferia, mentre l'iconico centro della città, fotografato migliaia di volte, era di scarso interesse per lei. Come fotografa, Elfriede Mejchar si è trovata a suo agio dove la città si riversa nella campagna, dove si mescolano le zone di espansione urbana, i terreni incolti, i prati e il degrado post-industriale. Nei suoi studi a lungo termine, l'autrice ha documentato in modo attento ma sobrio le trame architettoniche e sociali della periferia viennese: nuovi edifici che si spingono sempre più nel verde, la monotonia di interminabili arterie stradali, aree industriali fatiscenti, piantagioni di ortaggi e gasometri invecchiati, baraccopoli e macerie e terreni abbandonati. Tuttavia, il volto della periferia non è solo grigio nell'opera di Mejchar; di volta in volta, momenti di inaspettata bellezza emergono dalla terra desolata e dal degrado.

Anche se la fotografia urbana e architettonica viennese gioca un ruolo centrale nel lavoro di Elfriede Mejchar, la sua opera è tematicamente molto più ampia. Così come la fotografa presenta paesaggi ed edifici dimenticati sotto una nuova luce fotografica, si avvicina anche a persone e piante, luoghi e cose in modi insoliti e sorprendenti. Nella sua incomparabile serie di "Hotel", scandisce gli interni e le tipologie delle strutture ricettive austriache; nelle sue affascinanti nature morte di piante e fiori, spesso dai colori vivaci, esplora esteticamente le fasi intermedie tra la fioritura e l'appassimento. E nei suoi sfacciati collage e montaggi, una serie di lavori che ha portato avanti fino alla vecchiaia, ha creato spiritosi mondi fantastici, socialmente critici e umoristici in egual misura.

Nell'ambito di una cooperazione espositiva a livello austriaco tra il Wien Museum, la Landesgalerie Niederösterreich e il Museum der Moderne Salzburg, l'ampia opera di Elfriede Mejchar sarà esposta per la prima volta nel 2024 contemporaneamente in tre località dell'Austria. Le mostre di Vienna, Krems e Salisburgo esploreranno l'opera di Mejchar da diverse prospettive. Un catalogo concepito congiuntamente sarà pubblicato da Hirmer Verlag per accompagnare le tre presentazioni.

Elfriede Mejchar (1924–2020) was a major photographic artist, whose richly-varied oeuvre spans more than five decades, from the late 1940s well into the 21st century. The Viennese photographer, who only achieved recognition as an artist towards the end of her career, is now regarded as one of the most important representatives of the Austrian and the international photography scenes. May 10, 2024 marks the hundredth anniversary of her birth.

The exhibition in musa presents a broad cross-section of the work of this artistic outsider, and demonstrates how the renewal of postwar Austrian photography was almost “all her own work.” Elfriede Mejchar consciously broke away from the photographic mainstream and the reportage style that was popular at the time. Rather than searching for the socalled “decisive moment,” she approached her subjects in a strongly conceptual and serial manner. She focused not on the extraordinary but on the unspectacular and the commonplace, the everyday and the banal, repeatedly addressing these in new ways in her photographic series.

Elfriede Mejchar revealed her hometown Vienna from the periphery and had little interest in its iconic center, which was already the subject of countless thousands of photographs. As a photographer, she was at home where the city became rural, at the meeting point between urban development zones, derelict sites, green spaces, and post-industrial decay. In her long-term studies she documented the architectural and social textures of Vienna’s suburbs in a way that was both attentive and sober: new buildings advancing ever further onto green land, the monotony of endless arterial roads, derelict industrial complexes, market gardens and aging gasometers, run-down housing and forgotten areas of landfill and decay. For Mejchar, however, the image of the urban periphery is not gray and the wasteland and its dereliction are repeatedly brightened by moments of unsuspected beauty.

Even if the urban and architectural photography of Vienna plays a major role in Elfriede Mejchar’s oeuvre, the range of subjects addressed in her work is far broader. Just as the photographer sheds a new photographic light on forgotten landscapes and buildings, she also approaches people and plants, places and things, in unexpected and surprising ways. In her incomparable series “Hotels,” she studies the interiors and typologies of Austrian accommodation in great detail, producing fascinating and often brightly colored still lifes of plants and flowers as a means of aesthetically investigating the intermediate stages between blooming and withering. And in her bold collages and montages, a complex of work that continued to occupy her into her latter years, she created clever fantasy worlds, whose social criticism is only matched by their humor.

In an Austria-wide cooperation between the Wien Museum, the State Gallery of Lower Austria, and the Museum der Moderne Salzburg, Elfriede Mejchar’s extensive oeuvre is being presented in 2024 for the first time, simultaneously, in three locations across the country. The exhibitions in Vienna, Krems, and Salzburg approach the work of Mejchar from different perspectives. And the three presentations are accompanied by a jointly conceived catalog published by Hirmer Verlag.

(Text: musa – Wien Museum)

Fotohof | Salzburg
5. April – 1. Juni 2024

Wolf Suschitzky Fotopreis 2023/24

Moira Lovell (UK) und Olivia Coeln (Austria)
Shortlist:
AT: Nicole Maria Winkler, Julius Werner Chromecek, Philipp Hoelzgen, Sona Andreasyan
UK: Alfie White, Andreas Billman, Cal Cole, Jan McCullough

Der FOTOHOF zeigt in dieser Ausstellung des »Wolf Suschitzky Fotopreis 2023« Werke der beiden Gewinnerinnen Moira Lovell (GB) und Olivia Coeln (A) und je 4 Künstler:innen der Shortlist aus beiden Ländern.

Thema des Preises war »Im Augenblick gefangen / Capturing the Moment«. Das Österreichische Kulturforum London hat den Preis 2018 nach dem Tod von Wolf Suschitzky (1912-2016) ins Leben gerufen. In Anbetracht der doppelten Natur von Suschitzkys Identität richtet sich der Preis an Fotograf:innen, die in Großbritannien oder in Österreich leben. Der Preis wurde von einer Jury mit Fachleuten aus Österreich und Großbritannien vergeben. Ihr gehörten Carla Mitchell (Four Corners Gallery, London), Clare Grafik (The Photographers' Gallery London), Prof. Gabriele Rothemann (Klasse Fotografie Universität für angewandte Kunst, Vienna), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (Schule Friedl Kubelka, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzburg), Nela Eggenberger (EIKON Chefredaktion, Wien), Val Williams (UAL Professor of the History and Culture of Photography) und Peter Suschitzky (representing the Suschitzky Family) an. Das FOTOHOF>ARCHIV beherbergt den Nachlass von Wolf Suschitzky, daher wird der Preis als Kooperation der beiden Institutionen Austrian Cultural Forum London und dem FOTOHOF in Salzburg präsentiert.

Dans le cadre de cette exposition du "Prix de la photographie Wolf Suschitzky 2023", la FOTOHOF présente les œuvres des deux lauréates Moira Lovell (GB) et Olivia Coeln (A) ainsi que de quatre artistes de chaque pays figurant sur la liste des finalistes.

Le thème du prix était "Capturing the Moment". Le Forum culturel autrichien de Londres a créé ce prix en 2018 après le décès de Wolf Suschitzky (1912-2016). Compte tenu de la double nature de l'identité de Suschitzky, le prix s'adresse aux photographes vivant en Grande-Bretagne ou en Autriche. Le prix a été décerné par un jury composé d'experts autrichiens et britanniques. Il était composé de Carla Mitchell (Four Corners Gallery, Londres), Clare Grafik (The Photographers' Gallery, Londres), Prof. Gabriele Rothemann (classe de photographie à l'université des arts appliqués de Vienne), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (école Friedl Kubelka, Vienne), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzbourg), Nela Eggenberger (rédaction en chef de EIKON, Vienne), Val Williams (professeur UAL d'histoire et de culture de la photographie) et Peter Suschitzky (représentant la famille Suschitzky). Le FOTOHOF>ARCHIV abrite l'héritage de Wolf Suschitzky, c'est pourquoi le prix est présenté en coopération entre les deux institutions Austrian Cultural Forum London et FOTOHOF à Salzbourg.

In questa mostra del "Premio fotografico Wolf Suschitzky 2023", il FOTOHOF espone le opere delle due vincitrici Moira Lovell (GB) e Olivia Coeln (A) e di 4 artisti selezionati per ogni paese.

Il tema del premio era "Im Augenblick gefangen / Capturing the Moment". Il Forum culturale austriaco di Londra ha istituito il premio nel 2018 in seguito alla morte di Wolf Suschitzky (1912-2016). Data la duplice natura dell'identità di Suschitzky, il premio è rivolto a fotografi residenti nel Regno Unito o in Austria. Il premio è stato assegnato da una giuria di esperti provenienti dall'Austria e dal Regno Unito. Era composta da Carla Mitchell (Four Corners Gallery, Londra), Clare Grafik (The Photographers' Gallery Londra), il prof. Gabriele Rothemann (Corso di Fotografia, Università di Arti Applicate, Vienna), Katharina Manojlovic e Anja Manfredi (Scuola Friedl Kubelka, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salisburgo), Nela Eggenberger (caporedattore di EIKON, Vienna), Val Williams (professore di Storia e Cultura della Fotografia dell'UAL) e Peter Suschitzky (in rappresentanza della famiglia Suschitzky). Il FOTOHOF>ARCHIVE ospita il patrimonio di Wolf Suschitzky, motivo per cui il premio è presentato in collaborazione tra l'Austrian Cultural Forum di Londra e il FOTOHOF di Salisburgo.

In this exhibition of the "Wolf Suschitzky Photography Prize 2023", FOTOHOF shows works by the two winners Moira Lovell (GB) and Olivia Coeln (A) and 4 artists from both countries from the shortlist. The theme of the award was »Im Augenblick gefangen / Capturing the moment«.

The Austrian Cultural Forum London established the prize in 2018 following the death of Wolf Suschitzky (1912-2016). Given the dual nature of Suschitzky's identity, the prize is aimed at photographers living in the UK or Austria. The prize was awarded by a jury of experts from Austria and the UK. The jury consisted of Carla Mitchell (Four Corners Gallery, London), Clare Grafik (The Photographers' Gallery London), Prof. Gabriele Rothemann (Photography Class University of Applied Arts, Vienna), Katharina Manojlovic & Anja Manfredi (Friedl Kubelka School, Vienna), Kurt Kaindl (FOTOHOF, Salzburg), Nela Eggenberger (EIKON Editor in Chief, Wien), Val Williams (UAL Professor of the History and Culture of Photography) and Peter Suschitzky (representing the Suschitzky Family).FOTOHOF>ARCHIVE houses the estate of Wolf Suschitzky, which is why the prize is presented as a co-operation between the two institutions Austrian Cultural Forum London and FOTOHOF in Salzburg.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
5. April – 1. Juni 2024

(noch kleben die plakate…)*
Julius Deutschbauer

Seit 30 Jahren entwickelt Julius Deutschbauer öffentlichkeitswirksam und stets zeitaktuell ein komplexes künstlerisches Werk, das sich in Form von klassischen A0-Plakaten unübersehbar präsentiert. Die im Eigenauftrag entstandenen und in dieser Ausstellung in ihrer Gesamtheit präsentierten 210 Plakate zeigen den Künstler als permanenten Beobachter gesellschaftlicher Entwicklungen. Dabei setzt er sich auf satirische Weise mit Fragen der Politik, der Sprache und den Medien auseinander.

Die Fotografie ist – wie bei vielen Performancekünstler:innen - ein entscheidendes Medium bei der Realisierung der Arbeiten. Deutschbauer am Plakat, immer ernst blickend, mit Texten und Kommentaren zur politischen Lage, aber auch zu Ausstellungen, Performances, Festivals, wird zu einer ikonischen vieltausendfach vervielfältigten und im öffentlichen und privaten Räumen affichierten Kunstfigur. Seine Selbstinszenierung steigert er teilweise bis zur Peinlichkeit und lässt den Betrachter:innen stets gegenpolige Interpretationsmöglichkeiten offen.

Depuis 30 ans, Julius Deutschbauer développe une œuvre artistique complexe, visible par le public et toujours en phase avec l'actualité, qui se présente de manière évidente sous la forme d'affiches classiques A0. Les 210 affiches réalisées sur commande personnelle et présentées dans leur intégralité dans cette exposition montrent l'artiste comme un observateur permanent des évolutions sociales. Il aborde ainsi de manière satirique les questions de politique, de langage et de médias.

La photographie est - comme pour beaucoup d'artistes de performance - un moyen décisif pour la réalisation des travaux. Deutschbauer à l'affiche, le regard toujours sérieux, avec des textes et des commentaires sur la situation politique, mais aussi sur des expositions, des performances, des festivals, devient une figure artistique iconique, reproduite à des milliers d'exemplaires et affichée dans des espaces publics et privés. Il pousse parfois sa mise en scène jusqu'à l'embarras, laissant aux spectateurs des possibilités d'interprétation contradictoires.

Da 30 anni Julius Deutschbauer sviluppa un'opera artistica complessa, sempre attuale e ben visibile sotto forma di classici manifesti A0. I 210 manifesti auto-commissionati presentati integralmente in questa mostra mostrano l'artista come un osservatore permanente degli sviluppi sociali. Il suo sguardo è satirico su questioni di politica, linguaggio e media.

Come per molti artisti performativi, la fotografia è un mezzo decisivo per la realizzazione delle sue opere. Deutschbauer sul manifesto, dall'aspetto sempre serio, con testi e commenti sulla situazione politica, ma anche su mostre, spettacoli e festival, diventa una figura artistica iconica, riprodotta migliaia di volte ed esposta in spazi pubblici e privati. La sua autodrammatizzazione raggiunge talvolta il punto di imbarazzo e lascia sempre lo spettatore aperto a interpretazioni opposte.

For 30 years, Julius Deutschbauer has been developing a complex artistic oeuvre that is always up-to-date and highly visible in the form of posters. The 210 self-commissioned posters presented in their entirety in this exhibition show the artist as a permanent observer of social developments. He takes a satirical look at questions of politics, language and the media.

As with many performance artists, photography is a decisive medium in the realization of his works. Deutschbauer on the poster, always looking serious, with texts and comments on the political situation, but also on exhibitions, performances and festivals, becomes an iconic art figure, reproduced thousands of times and displayed in public and private spaces. His self-dramatization sometimes reaches the point of embarrassment and always leaves the viewer open to opposing interpretations.

(Text: Fotohof, Salzburg)

WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
5. April – 2. Juni 2024

René Groebli

Bewegung ist das Leitmotiv im Werk des Schweizer Fotografen René Groebli. Sie durchzieht seine Bildsprache ebenso wie seine professionelle Entwicklung, die ihn – getrieben von der Neugierde auf die Möglichkeiten des Mediums – in den verschiedensten fotografischen Genres reüssieren ließ.

René Groebli wurde 1927 in Zürich geboren und ist eigentlich ausgebildeter Dokumentarfilmkameramann. Obwohl der heute 96-Jährige nie für das Kino arbeiten sollte, gelten seine Fotografien nicht zuletzt durch ihre cineastische Dimension als bahnbrechend: In seinen frühen Fotobüchern Magie der Schiene (1949) und Das Auge der Liebe (1954) arbeitete Groebli etwa virtuos mit Montagen und dynamischen Unschärfen, mit denen er die Bewegung selbst zum Thema macht. Magie der Schiene macht die Geschwindigkeit, das rhythmische Rattern der Stahlräder auf den Gleisen, den Ruß und die schweißtreibende Arbeit der Heizer fast körperlich spürbar. In Das Auge der Liebe umkreist Groeblis Kamera in einer fast tänzerischen Bewegung seine Frau Rita. Die Fotografien entstanden auf einer nachgeholten Hochzeitsreise der beiden nach Paris: ein Fotobuch als Liebesgedicht, das zeigt, wie fotografisches Erzählen jenseits der Reportage funktionieren kann. Groebli war seiner Zeit voraus. Die beiden in Eigenregie verlegten Bücher fanden bei ihrer Erstveröffentlichung kaum Beachtung, heute gelten sie als einflussreiche Meilensteine der Fotogeschichte.

Weit über diese und andere kinematografisch inspirierte Arbeiten hinaus erstreckt sich Groeblis OEuvre über Genres wie den Bildjournalismus und die Straßenfotografie genauso wie das Porträt und das Farbexperiment, die Autorenfotografie oder kommerzielle Auftragswerke. Ab Ende der 1940er-Jahre verdiente Groebli seinen Lebensunterhalt als Fotoreporter für die in London ansässige Agentur Black Star, die ihn vor allem in den Nahen Osten und auf den afrikanischen Kontinent entsandte. Veröffentlichungen seiner Fotografien in den wichtigsten Magazinen der Zeit wie Life, Picture Post, Paris Match und Stern zeugen von der Qualität seiner Arbeit. Gleichwohl hängte er diese Laufbahn 1953 mit nur 26 Jahren an den Nagel, um in Zürich ein Fotostudio aufzubauen, in dem er sich vor allem seinen Versuchen mit dem damals noch neuen Medium der Farbfotografie widmete.

Das Fotomuseum WestLicht zeigt vom 5. April bis zum 2. Juni 2024 rund 100 Arbeiten aus Groeblis kreativster Schaffensperiode von den späten 1940ern bis zum Ende der 1970er-Jahre.

Die Ausstellung ist eine Kooperation mit der Fondation Auer Ory pour la photographie.

Le mouvement est le leitmotiv de l'œuvre du photographe suisse René Groebli. Il traverse son langage visuel tout comme son évolution professionnelle, qui lui a permis de réussir dans les genres photographiques les plus divers, poussé par sa curiosité pour les possibilités du médium.

René Groebli est né en 1927 à Zurich et a suivi une formation de caméraman de films documentaires. Bien que l'homme, aujourd'hui âgé de 96 ans, ne travaillera jamais pour le cinéma, ses photographies sont considérées comme révolutionnaires, notamment en raison de leur dimension cinématographique : dans ses premiers livres de photographies Magie der Schiene (1949) et Das Auge der Liebe (1954), Groebli travaille avec virtuosité sur des montages et des flous dynamiques, faisant du mouvement lui-même un sujet. Magie der Schiene rend presque physiquement perceptible la vitesse, le cliquetis rythmique des roues en acier sur les rails, la suie et le travail exténuant des chauffeurs. Dans L'œil de l'amour, l'appareil photo de Groebli tourne autour de sa femme Rita dans un mouvement presque dansant. Les photographies ont été prises lors d'un voyage de noces rattrapé du couple à Paris : un livre de photos comme poème d'amour, qui montre comment la narration photographique peut fonctionner au-delà du reportage. Groebli était en avance sur son temps. Les deux livres publiés à compte d'auteur n'ont guère attiré l'attention lors de leur première publication, mais ils sont aujourd'hui considérés comme des jalons influents de l'histoire de la photographie.

Bien au-delà de ces travaux et d'autres inspirés par le cinéma, l'œuvre de Groebli s'étend à des genres tels que le photojournalisme et la photographie de rue, ainsi qu'au portrait et à l'expérimentation de la couleur, à la photographie d'auteur ou aux œuvres de commande commerciales. Dès la fin des années 1940, Groebli a gagné sa vie en tant que photoreporter pour l'agence Black Star basée à Londres, qui l'envoyait principalement au Proche-Orient et sur le continent africain. Les publications de ses photographies dans les principaux magazines de l'époque, tels que Life, Picture Post, Paris Match et Stern, témoignent de la qualité de son travail. Néanmoins, en 1953, à l'âge de 26 ans seulement, il abandonne cette carrière pour ouvrir un studio de photographie à Zurich, dans lequel il se consacre principalement à ses essais avec le médium encore nouveau de la photographie couleur.

Du 5 avril au 2 juin 2024, le Fotomuseum WestLicht présente une centaine d'œuvres de la période la plus créative de Groebli, de la fin des années 1940 à la fin des années 1970.

L'exposition est organisée en coopération avec la Fondation Auer Ory pour la photographie.

Il movimento è il leitmotiv del lavoro del fotografo svizzero René Groebli. Pervade il suo linguaggio visivo e il suo sviluppo professionale, che - guidato dalla curiosità per le possibilità del mezzo - gli ha permesso di affermarsi in un'ampia varietà di generi fotografici.

René Groebli è nato a Zurigo nel 1927 e si è formato come operatore di documentari. Sebbene l'ormai 96enne non abbia mai lavorato per il cinema, le sue fotografie sono considerate innovative, non da ultimo per la loro dimensione cinematografica: nei suoi primi libri fotografici Magie der Schiene (1949) e Das Auge der Liebe (1954), ad esempio, Groebli ha lavorato virtuosamente con montaggi e sfocature dinamiche, con cui ha reso il movimento stesso il soggetto. Magie der Schiene rende quasi fisicamente tangibile la velocità, lo sferragliare ritmico delle ruote d'acciaio sui binari, la fuliggine e il lavoro sudato dei fuochisti. In The Eye of Love, la macchina fotografica di Groebli gira intorno alla moglie Rita con un movimento quasi di danza. Le fotografie sono state scattate durante una tardiva luna di miele a Parigi: un libro fotografico come poesia d'amore che mostra come la narrazione fotografica possa funzionare al di là del reportage. Groebli era in anticipo sui tempi. I due libri autopubblicati ricevettero poca attenzione al momento della loro pubblicazione, ma oggi sono considerati pietre miliari della storia della fotografia.

L'opera di Groebli si estende ben oltre questi e altri lavori di ispirazione cinematografica, coprendo generi come il fotogiornalismo e la fotografia di strada, ma anche ritratti ed esperimenti a colori, fotografia d'autore e lavori su commissione. Dalla fine degli anni Quaranta, Groebli si guadagnò da vivere come fotoreporter per l'agenzia londinese Black Star, che lo inviò soprattutto in Medio Oriente e nel continente africano. Le pubblicazioni delle sue fotografie sulle più importanti riviste dell'epoca, come Life, Picture Post, Paris Match e Stern, testimoniano la qualità del suo lavoro. Tuttavia, nel 1953, a soli 26 anni, abbandonò questa carriera per aprire uno studio fotografico a Zurigo, dove si dedicò principalmente agli esperimenti con l'allora ancora nuovo mezzo della fotografia a colori.

Dal 5 aprile al 2 giugno 2024, il Fotomuseum WestLicht espone circa 100 opere del periodo più creativo di Groebli, dalla fine degli anni Quaranta alla fine degli anni Settanta.

La mostra è realizzata in collaborazione con la Fondation Auer Ory pour la photographie.

Movement is the leitmotif in the work of Swiss photographer René Groebli. It permeates his visual language as well as his professional development, which - driven by his curiosity about the possibilities of the medium - has allowed him to succeed in a wide variety of photographic genres.

René Groebli was born in Zurich in 1927 and actually trained as a documentary film cameraman. Although the now 96-year-old was never to work for the cinema, his photographs are considered groundbreaking, not least because of their cinematic dimension: in his early photo books Magie der Schiene (1949) and Das Auge der Liebe (1954), for example, Groebli worked virtuously with montages and dynamic blurring, with which he made movement itself the subject. Magie der Schiene makes the speed, the rhythmic rattling of the steel wheels on the tracks, the soot and the sweaty work of the stokers almost physically tangible. In The Eye of Love, Groebli's camera circles his wife Rita in an almost dance-like movement. The photographs were taken on a belated honeymoon trip to Paris: a photo book as a love poem that shows how photographic storytelling can function beyond reportage. Groebli was ahead of his time. The two self-published books received little attention when they were first published, but today they are considered influential milestones in the history of photography.

Groebli's oeuvre extends far beyond these and other cinematographically inspired works, covering genres such as photojournalism and street photography as well as portraits and color experiments, author photography and commercially commissioned works. From the end of the 1940s, Groebli earned his living as a photojournalist for the London-based Black Star agency, which sent him mainly to the Middle East and the African continent. Publications of his photographs in the most important magazines of the time, such as Life, Picture Post, Paris Match and Stern, testify to the quality of his work. Nevertheless, he gave up this career in 1953 at the age of just 26 to set up a photo studio in Zurich, where he devoted himself primarily to his experiments with the then still new medium of color photography.

From April 5 to June 2, 2024, the Fotomuseum WestLicht is showing around 100 works from Groebli's most creative period from the late 1940s to the end of the 1970s.

The exhibition is a collaboration with the Fondation Auer Ory pour la photographie.

(Text: WestLicht. Schauplatz für Fotografie, Wien)

Foto Arsenal Wien
22. März – 23. Juni 2024

Laure Winants: From a Tongue We Are Losing

Wie filtert Licht, was wir wahrnehmen? Wie hören sich Eisberge an? Und wie sieht die chemische Zusammensetzung von Wasser gedruckt aus?

Für ihre umfangreichen Projekte begibt sich Laure Winants (* 1991) an Orte, die mit virulenten klimatischen Veränderungen zu kämpfen haben: schmelzende Gletscher, tauendes arktisches Eis oder sich verändernde Berggipfel. Mit fotografischen Mitteln setzt sie sich mit der Erfassung und Kartierung der Auswirkungen des Klimawandels auseinander. Für ihr Fotoprojekt From a Tongue We Are Losing begab sich die Künstlerin zusammen mit einem multidisziplinären Forscher:innen-Team auf eine viermonatige Expedition ins arktische Eis – eine weiße Wüste, in deren Weiten sich der Mensch winzig klein verliert.

Um die einzigartigen Lichtphänomene dieser außergewöhnlichen Weltregion hoch im Norden einzufangen, hat sie spezielle Techniken entwickelt. Damit macht sie abstrakte Daten greifbar und emotional erfassbar und macht uns die wechselseitige Abhängigkeit von Ökosystemen bewusst. In ihrer Herangehensweise eröffnet Laure Winants einen Dialog zwischen Kunst, Naturwissenschaften und Technik.

Die Ergebnisse ihrer Experimente sind ebenso vielfältig wie einzigartig: 1000 Jahre umspannende Zeitkapseln, Kompositionen aus Licht, akustische Flexionen von Eisbergen, gedruckte chemische Zusammensetzungen von Wasser oder Proben aus Permafrost. Die in diesen Zeitkapseln enthaltenen Daten krempeln unsere bisherigen Vorstellungen um.

Mit ihrer in der Ausstellung gezeigten experimentellen Serie Time Capsule erkundet Winants die Phänomene von Licht und Farbe in der Arktis. Diese Arbeiten sind Prints von Photogrammen, auf die aus Eis geschnittene Formen angebracht wurden. Sie enthüllen die Struktur der Kristalle, hinterlassen jedoch einen Schatten über bestimmten Elementen, die über Millionen von Jahren präsent waren.

FOTO ARSENAL WIEN zeigt Laure Winants erste Einzelausstellung in Österreich mit rund 25 Arbeiten im Rahmen der Klima Biennale. Während der Klima Biennale Wien verwandelt sich FOTO ARSENAL WIEN in ein eigenes Diskurszentrum in Kooperation mit ISTA zu aktuellen ökologischen Fragen. Die Ausstellung wurde von Felix Hoffmann, Artistic Director, kuratiert und findet im MQ Salon statt.

Comment la lumière filtre-t-elle ce que nous percevons ? Quel est le son des icebergs ? Et à quoi ressemble la composition chimique de l'eau imprimée ?

Pour ses projets de grande envergure, Laure Winants (* 1991) se rend dans des lieux confrontés à des changements climatiques virulents : glaciers qui fondent, glace arctique qui fond ou sommets de montagne qui se transforment. Avec des moyens photographiques, elle se penche sur le recensement et la cartographie des effets du changement climatique. Pour son projet photographique From a Tongue We Are Losing, l'artiste s'est lancée, avec une équipe pluridisciplinaire de chercheurs, dans une expédition de quatre mois dans la glace arctique, un désert blanc dans l'immensité duquel l'homme se perd, minuscule.

Elle a développé des techniques spéciales pour capturer les phénomènes lumineux uniques de cette région extraordinaire du monde située très au nord. Elle rend ainsi des données abstraites tangibles et émotionnellement saisissables et nous fait prendre conscience de l'interdépendance des écosystèmes. Dans son approche, Laure Winants ouvre un dialogue entre l'art, les sciences naturelles et la technique.

Les résultats de ses expériences sont aussi variés qu'uniques : capsules temporelles couvrant 1000 ans, compositions de lumière, inflexions acoustiques d'icebergs, compositions chimiques imprimées d'eau ou échantillons de permafrost. Les données contenues dans ces capsules temporelles bouleversent nos idées reçues.

Avec sa série expérimentale Time Capsule présentée dans l'exposition, Winants explore les phénomènes de lumière et de couleur dans l'Arctique. Ces travaux sont des impressions de photogrammes sur lesquels ont été appliquées des formes découpées dans la glace. Elles révèlent la structure des cristaux, mais laissent une ombre sur certains éléments qui ont été présents pendant des millions d'années.

FOTO ARSENAL WIEN présente la première exposition individuelle de Laure Winant en Autriche avec quelque 25 œuvres dans le cadre de la Klima Biennale. Pendant la Biennale climatique de Vienne, FOTO ARSENAL WIEN se transforme en un centre de discussion à part entière, en coopération avec l'ISTA, sur les questions écologiques actuelles. L'exposition a été organisée par Felix Hoffmann, directeur artistique, et se déroule au MQ Salon.

Come la luce filtra ciò che percepiamo? Che suono hanno gli iceberg? E come appare la composizione chimica dell'acqua stampata?

Per i suoi ampi progetti, Laure Winants (* 1991) viaggia in luoghi che stanno lottando con cambiamenti climatici virulenti: ghiacciai che si sciolgono, ghiaccio artico che si scongela o cime di montagna che cambiano. Utilizza mezzi fotografici per registrare e mappare gli effetti del cambiamento climatico. Per il suo progetto fotografico From a Tongue We Are Losing, l'artista e un team multidisciplinare di ricercatori hanno intrapreso una spedizione di quattro mesi tra i ghiacci dell'Artico, un deserto bianco nella cui vastità gli esseri umani si perdono in miniatura.

L'artista ha sviluppato tecniche speciali per catturare i fenomeni luminosi unici di questa straordinaria regione del mondo, in alto nel nord. In questo modo, rende tangibili ed emotivamente concreti i dati astratti e ci rende consapevoli dell'interdipendenza degli ecosistemi. Nel suo approccio, Laure Winants apre un dialogo tra arte, scienza e tecnologia.

I risultati dei suoi esperimenti sono tanto diversi quanto unici: capsule del tempo che abbracciano 1000 anni, composizioni di luce, inflessioni acustiche di iceberg, composizioni chimiche stampate dell'acqua o campioni di permafrost. I dati contenuti in queste capsule temporali stravolgono le nostre idee precedenti.

Winants esplora i fenomeni della luce e del colore nell'Artico con la sua serie sperimentale Time Capsule, esposta in mostra. Queste opere sono stampe di fotogrammi su cui sono state applicate forme tagliate dal ghiaccio. Esse rivelano la struttura dei cristalli, ma lasciano un'ombra su alcuni elementi presenti da milioni di anni.

FOTO ARSENAL WIEN presenta la prima mostra personale di Laure Winant in Austria con circa 25 opere nell'ambito della Biennale sul clima. Durante la Biennale sul clima di Vienna, FOTO ARSENAL VIENNA si trasformerà in un centro di discussione sulle attuali questioni ecologiche in collaborazione con l'ISTA. La mostra è stata curata da Felix Hoffmann, direttore artistico, e si svolge nel Salone MQ.

How does light filter our perception? What do icebergs sound like? What does a printout of the chemical composition of water look like?

For her photography project From a Tongue We Are Losing, which is being presented at the Klima Biennale Wien, the artist joined a team of multidisciplinary researchers embarking on a four-month expedition to the ice of the Arctic—a vast white desert in which humans make up only a minute part of the environment.

Winants has developed special techniques to capture the unique light phenomena of this special region. She makes the data tangible and emotionally perceptible, highlighting the interdependence of ecosystems.

In the experimental series Time Capsule, which is also presented in the exhibition, Winants explores the phenomena of light and color in the Arctic. These works are prints of photograms onto which forms cut out of ice were applied. While they reveal the structure of the crystals, they also cast a shadow on certain elements that have been present for millions of years.

FOTO ARSENAL WIEN is showing approximately twenty-five works by Laure Winants in a solo show at the MQ Salon.

(Text: Foto Arsenal Wien)

Foto Arsenal Wien
22. März – 23. Juni 2024

Beate Gütschow. Widerstand, Flut, Brand, Widerstand.

Dystopische Situationen, bei denen Menschen an einem Abgrund stehen, menschenleere Landschaften, ausgestorbene Dörfer – bei den Bildern von Beate Gütschow wird erst auf den zweiten Blick deutlich, dass es sich um protestierende Menschenansammlungen, Überreste von zivilisatorischen Eingriffen nach einer Flutkatastrophe oder Spuren von Bränden in Wäldern und Landschaften handelt. Alle gezeigten Ereignisse haben in den letzten Jahren nicht irgendwo auf dem Globus, sondern in Deutschland stattgefunden.

Erst Wochen nach den Ereignissen kommt Beate Gütschow an jene Orte. In fotografischen Langzeitstudien entwickelt sie Gegenbilder zu den üblichen medial verbreiteten Katastrophendarstellungen. Es sind stillere Bilder, die einen emotionalen und analytischen Zugang ermöglichen. Gleichzeitig ist Gütschow Teil der Klimagerechtigkeitsbewegung: Hier dokumentiert sie teilnehmend und aufzeichnend Aktionen, Besetzungen und Demonstrationen – eine Innenperspektive, die sich zu tagebuchartigen Aufzeichnungen transformiert, die einerseits von Erlebnissen und Begegnungen vor Ort berichten, andererseits die politischen Rahmenbedingungen und den psychologischen Umgang mit der Erderhitzung reflektieren.

FOTO ARSENAL WIEN zeigt die erste Soloausstellung von Beate Gütschow in Wien vom 22.3. bis 23.6.2024 mit rund 100 Arbeiten, die in Kooperation mit der Klima Biennale Wien (5.4. bis 14.6.2024) stattfindet und von Felix Hoffmann, Artistic Director Foto Arsenal Wien, kuratiert wird.

Des situations dystopiques où les gens se tiennent au bord d'un gouffre, des paysages déserts, des villages éteints - dans les visuels de Beate Gütschow, ce n'est qu'au deuxième coup d'œil que l'on se rend compte qu'il s'agit de rassemblements de personnes qui protestent, de vestiges d'interventions de la civilisation après une inondation catastrophique ou de traces d'incendies dans les forêts et les paysages. Tous les événements montrés n'ont pas eu lieu n'importe où sur le globe ces dernières années, mais en Allemagne.

Ce n'est que plusieurs semaines après les événements que Beate Gütschow se rend sur ces lieux. Dans des études photographiques à long terme, elle développe des contre-images aux représentations habituelles des catastrophes diffusées par les médias. Il s'agit de visuels plus silencieux, qui permettent une approche émotionnelle et analytique. Parallèlement, Gütschow fait partie du mouvement pour la justice climatique : Elle y documente des actions, des occupations et des manifestations en y participant et en les enregistrant - une perspective intérieure qui se transforme en enregistrements sous forme de journaux intimes qui, d'une part, relatent des expériences et des rencontres sur place et, d'autre part, reflètent les conditions politiques générales et l'approche psychologique du réchauffement de la planète.

FOTO ARSENAL WIEN présente la première exposition solo de Beate Gütschow à Vienne du 22.3 au 23.6.2024 avec une centaine d'œuvres, en coopération avec la Klima Biennale Wien (5.4 au 14.6.2024) et sous le commissariat de Felix Hoffmann, directeur artistique de Foto Arsenal Wien.

Situazioni distopiche in cui le persone si trovano su un precipizio, paesaggi deserti, villaggi estinti: nelle immagini di Beate Gütschow diventa chiaro solo a un secondo sguardo che si tratta di assembramenti di persone in protesta, resti di interventi della civiltà dopo un disastro alluvionale o tracce di incendi in foreste e paesaggi. Tutti gli eventi mostrati hanno avuto luogo negli ultimi anni, non in tutto il mondo, ma in Germania.

Beate Gütschow visita questi luoghi solo settimane dopo gli eventi. In studi fotografici a lungo termine, sviluppa controimmagini rispetto alle consuete rappresentazioni mediatiche delle catastrofi. Si tratta di immagini più tranquille che consentono un approccio emotivo e analitico. Allo stesso tempo, Gütschow fa parte del movimento per la giustizia climatica: Qui documenta la partecipazione e la registrazione di azioni, occupazioni e manifestazioni - una prospettiva interna che viene trasformata in registrazioni simili a diari, che da un lato riportano le esperienze e gli incontri sul posto, e dall'altro riflettono le condizioni politiche generali e la gestione psicologica del riscaldamento globale.

FOTO ARSENAL WIEN presenta la prima mostra personale di Beate Gütschow a Vienna, dal 22 marzo al 23 giugno 2024, con circa 100 opere, che si svolge in collaborazione con la Biennale del Clima di Vienna (5 aprile - 14 giugno 2024) ed è curata da Felix Hoffmann, direttore artistico di Foto Arsenal Wien.

Dystopian situations with people standing on the edge of an abyss, landscapes devoid of humans, and deserted villages—it takes a second look to realize that these photographs depict crowds of protesters, remains of civilization-related interventions after flood disasters, or traces of fires that have ravaged forests and landscapes. These events did not take place just anywhere on the globe in the past years; they all happened in Germany.

Within weeks of the events, Beate Gütschow visited these places. In long-term photographic studies, she develops antitheses that counter the conventional images of catastrophes spread by the media. Her images are quieter, encouraging an emotional and analytical response. Gütschow is also part of the climate justice movement, documenting activities such as occupations and demonstrations as a participant and chronicler—an insider’s perspective—and transforming them into diary-like entries that tell of experiences and encounters on site as well as reflect on the political context and the psychological impact of global warming.

FOTO ARSENAL WIEN presents Beate Gütschow’s first solo exhibition in Vienna from March 22 to June 23, 2024, including around one hundred works. The show, held in cooperation with the Klima Biennale Wien (April 5 to July 14, 2024), is curated by Felix Hoffmann, artistic director of FOTO ARSENAL WIEN.

(Text: Foto Arsenal Wien)

Camera Austria | Graz
2. März – 12. Mai 2024

Prospect
Alexandra Leykauf

Alexandra Leykauf arbeitet mit fotografischen Bildgebungsverfahren wie Direktbelichtungen auf fotosensitive Oberflächen, um die unmittelbare Beziehung zwischen Bild und Betrachtenden zu untersuchen. Ihre Arbeiten spielen mit dem Übergang vom Körper eines Objekts zur Oberfläche des Bildes und zurück zur räumlichen Erfahrung. Sie analysiert die vielfältigen Implikationen sich ändernder Bildkonventionen und Betrachtungsweisen, Fragen von Herkunft und Urheberschaft(en) und letztlich unsere Position gegenüber den widersprüchlichen Wahrheiten zirkulierender Bilder.

Aufbauend auf länger angelegten Bildrecherchen entwickelt Alexandra Leykauf ortsbezogene Ausstellungskonzepte, die spezifische (kunst-)historische Kontexte von Städten zum Ausgangspunkt nehmen, um Fragen des Blicks, Blickbeziehungen und ihrer körperlichen Verortung nachzugehen. Für Prospect, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Österreich, greift Leykauf auf eine Recherche in den Gemäldesammlungen verschiedener Grazer Museen zurück.

Alexandra Leykauf travaille avec des procédés d'imagerie photographique tels que l'exposition directe sur des surfaces photosensibles afin d'explorer la relation directe entre le visuel et le spectateur. Son travail joue sur le passage du corps d'un objet à la surface du visuel et retour à l'expérience spatiale. Elle analyse les multiples implications de l'évolution des conventions visuelles et des modes d'observation, les questions d'origine et de paternité(s) et, en fin de compte, notre position face aux vérités contradictoires des visuels en circulation.

En s'appuyant sur des recherches iconographiques à long terme, Alexandra Leykauf développe des concepts d'exposition en fonction des lieux, qui prennent pour point de départ des contextes (artistiques) historiques spécifiques des villes, afin d'explorer les questions du regard, des relations entre les regards et de leur localisation physique. Pour Prospect, sa première exposition individuelle institutionnelle en Autriche, Leykauf s'appuie sur une recherche dans les collections de peintures de différents musées de Graz.

Alexandra Leykauf lavora con tecniche di imaging fotografico, come l'esposizione diretta su superfici fotosensibili, per indagare il rapporto immediato tra immagine e spettatore. Le sue opere giocano con il passaggio dal corpo di un oggetto alla superficie dell'immagine e di nuovo all'esperienza spaziale. L'artista analizza le molteplici implicazioni del cambiamento delle convenzioni e dei modi di vedere le immagini, le questioni relative alla provenienza e alla paternità e, in ultima analisi, la nostra posizione rispetto alle verità contraddittorie delle immagini in circolazione.

Basandosi su una ricerca a lungo termine sull'immagine, Alexandra Leykauf sviluppa concetti espositivi site-specific che prendono come punto di partenza specifici contesti storici (artistici) di città per esplorare le questioni dello sguardo, delle relazioni visive e della loro localizzazione fisica. Per Prospect, la sua prima mostra personale istituzionale in Austria, Leykauf si basa sulla ricerca nelle collezioni di pittura di vari musei di Graz.

Alexandra Leykauf works with photographic imaging processes, such as direct exposure on photosensitive surfaces, in order to probe the immediate relationship between image and beholder. Her works play with the transition from the body of an object to the surface of the image, then moving back to the experience of space. She analyzes the many-faceted implications of ever-changing pictorial conventions and points of view, as well as questions related to origin and authorship, but also, ultimately, our position in the face of the contradictory truths found in circulating images.

Based on extensive research into imagery, Alexandra Leykauf develops site-specific exhibition concepts, taking as her point of departure the particular (art-)historical contexts of cities in order to trace questions related to the gaze, visual relationships, and their physical localization. For Prospect, her first solo exhibition in an Austrian venue, Leykauf draws on research into the painting collections of several Graz museums.

(Text: Camera Austria, Graz)

Leica Galerie Salzburg
22. Februar – 13. April 2024

In Frames our Story – Fotografinnen des Leica Oskar Barnack Awards

Ana María Arévalo Gosen, Laetitia Vançon, Nanna Heitmann, Rania Matar

Der Leica Oskar Barnack Award (LOBA) würdigt seit 1980 weltweit herausragende Fotograf*innen. Benannt nach dem Erfinder der Leica, geht der LOBA auf dessen bahnbrechende Arbeit mit dem Prototyp der Ur-Leica ab 1914 zurück. Das Nominierungsgremium des Awards, bestehend aus einer fünfköpfigen internationalen Jury von Fotografie-Expert*innen, wählt jährlich zwei Preisträger sowie zwölf Shortlist-Nominierte aus.

Einzige Voraussetzung für die Nominierung ist, dass es sich um dokumentarische oder konzeptionellkünstlerische Arbeiten handelt, die sich mit dem Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt auseinandersetzen. Diese humanistische Konstante begleitet den LOBA-Wettbewerb seit seiner ersten Ausschreibung im Jahr 1979.

Er zählt zu den bedeutendsten und höchstdotierten Fotopreisen der Welt und wurde 2023 bereits zum 43. Mal von der Leica Camera AG verliehen.

Aus einer Vielzahl von Teilnehmerinnen der letzten Jahre fiel unsere Wahl auf vier herausragende Serien. Jede Fotografin erzählt mit beeindruckender visueller Bildsprache eine bewegende Geschichte, die sie persönlich berührt und fesselt, dabei gekonnt und einfühlsam fotografisch in Szene gesetzt.

Depuis 1980, le Leica Oskar Barnack Award (LOBA) rend hommage à des photographes* exceptionnels dans le monde entier. Nommé d'après l'inventeur du Leica, le LOBA se réfère à son travail révolutionnaire avec le prototype du Leica original à partir de 1914. Le comité de nomination du prix, composé d'un jury international de cinq experts en photographie*, sélectionne chaque année deux lauréats et douze nominés sur liste restreinte.

La seule condition pour être nominé est qu'il s'agisse d'œuvres documentaires ou d'art conceptuel qui traitent de la relation de l'homme avec son environnement. Cette constante humaniste accompagne le concours LOBA depuis sa première mise au concours en 1979.

Il compte parmi les prix de photographie les plus importants et les mieux dotés au monde et a été décerné pour la 43e fois en 2023 par Leica Camera AG.

Parmi les nombreuses participantes de ces dernières années, notre choix s'est porté sur quatre séries exceptionnelles. Chaque photographe raconte, avec un langage visuel impressionnant, une histoire émouvante qui la touche personnellement et la captive, tout en étant mise en scène de manière habile et sensible par la photographie.

Il Premio Leica Oskar Barnack (LOBA) premia fotografi eccellenti in tutto il mondo dal 1980. Il LOBA, che prende il nome dall'inventore della Leica, risale al suo lavoro innovativo con il prototipo della Leica originale del 1914. Il comitato di nomina del premio, composto da una giuria internazionale di cinque membri esperti di fotografia, seleziona ogni anno due vincitori e dodici candidati.

L'unico requisito per la candidatura è che l'opera sia documentaria o di arte concettuale che tratti del rapporto tra le persone e il loro ambiente. Questa costante umanistica ha accompagnato il concorso LOBA fin dal suo primo bando nel 1979.

È uno dei premi fotografici più importanti e più ricchi al mondo ed è stato assegnato da Leica Camera AG per la 43a volta nel 2023.

Tra i numerosi partecipanti degli ultimi anni, abbiamo scelto quattro serie eccezionali. Ogni fotografo utilizza immagini impressionanti per raccontare una storia commovente che lo tocca e lo affascina personalmente, mentre viene fotografato con abilità e sensibilità.

The Leica Oskar Barnack Award (LOBA) has been honoring outstanding photographers worldwide since 1980. Named after the inventor of the Leica, the LOBA goes back to his groundbreaking work with the prototype of the original Leica from 1914. The award's nomination committee, consisting of a five-member international jury of photography experts, selects two award winners and twelve shortlist nominees each year.

The only requirement for nomination is that the work must be documentary or conceptual art that deals with the relationship between people and their environment. This humanistic constant has accompanied the LOBA competition since it was first announced in 1979.

It is one of the most important and most highly endowed photography prizes in the world and was awarded by Leica Camera AG for the 43rd time in 2023.

From a large number of participants in recent years, we chose four outstanding series. Each photographer tells a moving story with impressive visual imagery that touches and captivates them personally, skillfully and sensitively staged photographically.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
20. Februar – 17. März 2024

An die Freude
Mariko Tagashira

„Alle Menschen werden Brüder!“ Ludwig van Beethovens 9. Sinfonie in d-Moll ist die letzte, die der zu diesem Zeitpunkt beinahe gehörlose Komponist 1824 vollenden konnte. Anlässlich des 200-Jahr-Jubiläums ihrer Uraufführung in Wien setzt das Fotomuseum WestLicht nun ein Zeichen ganz im Sinne der in der Sinfonie proklamierten Geschwisterlichkeit: Die Ausstellung AN DIE FREUDE zeigt poetische Langzeitbelichtungen, Soundinstallationen und Tastbilder, die die japanische Fotografin Mariko Tagashira in Zusammenarbeit mit dem inklusiven Kinderchor White Hands Chorus Nippon und dessen künstlerischer Leiterin, der Sopranistin Erika Colon, entwickelt hat. Die Eröffnung findet am 19. Februar 2024 in Anwesenheit von Mitgliedern des Chors und der Fotografin statt. Die Ausstellung ist bis 17. März 2024 bei freiem Eintritt zu sehen.

Ludwig van Beethovens An die Freude, der 4. Satz der Sinfonie, ist eines der populärsten Stücke der Musikgeschichte. Mit ihrem Appell an die Geschwisterlichkeit ist die Vertonung von Friedrich Schillers Gedicht nicht nur zur Hymne der Europäischen Union geworden, sondern erfreut sich auch in Japan großer Beliebtheit, wo sie jeweils zum Jahresende in hunderten Konzerten aufgeführt wird.

Aus Anlass des Jubiläums der Uraufführung von Beethovens Neunter – bei der der Komponist bereits nahezu taub war – reist der japanische Chor White Hands nach Wien, um im Rahmen der Zero Project Conference 2024 für eine Welt ohne Barrieren in der UNO-City sowie im österreichischen Parlament Auszüge der Ode zu performen.

Der White Hands Chorus Nippon ist ein inklusiver Chor, in dem Kinder mit und ohne körperliche Behinderungen gemeinsam singen. Gehörlose Mitglieder singen in Gebärdensprache und mithilfe ihrer Mimik. Die Fotografin Mariko Tagashira begleitet den Chor seit mehreren Jahren und hat einen einzigartigen Weg gefunden, die Gebärdensprache der Kinder mithilfe von Langzeitbelichtungen als poetische Lichtspuren in ihren Bildern festzuhalten. Ihre Arbeiten werden im WestLicht in Kombination mit Soundinstallationen und Tastbildern gezeigt und bilden einen sinnlichen Raum der Diversität, der die Arbeit des Chors als Beispiel gelebter Inklusion in den Fokus der Aufmerksamkeit rückt.

"Tous les hommes deviennent frères !" La 9e symphonie en ré mineur de Ludwig van Beethoven est la dernière que le compositeur, alors presque sourd, a pu achever en 1824. À l'occasion du bicentenaire de sa première représentation à Vienne, le Fotomuseum WestLicht fait désormais un geste tout à fait dans l'esprit de la fraternité proclamée dans la symphonie : l'exposition AN DIE FREUDE présente des expositions poétiques de longue durée, des installations sonores et des images tactiles que la photographe japonaise Mariko Tagashira a développées en collaboration avec le chœur d'enfants inclusif White Hands Chorus Nippon et sa directrice artistique, la soprano Erika Colon. Le vernissage aura lieu le 19 février 2024 en présence de membres du chœur et de la photographe. L'exposition sera visible jusqu'au 17 mars 2024 et l'entrée sera gratuite.

An die Freude de Ludwig van Beethoven, le quatrième mouvement de la symphonie, est l'un des morceaux les plus populaires de l'histoire de la musique. Avec son appel à la fraternité, la mise en musique du poème de Friedrich Schiller n'est pas seulement devenue l'hymne de l'Union européenne, mais jouit également d'une grande popularité au Japon, où elle est jouée dans des centaines de concerts à chaque fin d'année.

À l'occasion de l'anniversaire de la création de la Neuvième Symphonie de Beethoven - à laquelle le compositeur était déjà presque sourd - le chœur japonais White Hands se rendra à Vienne pour interpréter des extraits de l'ode dans le cadre de la Zero Project Conference 2024 pour un monde sans barrières, à l'UNO-City et au Parlement autrichien.

Le White Hands Chorus Nippon est un chœur inclusif dans lequel des enfants avec et sans handicap physique chantent ensemble. Les membres sourds chantent en langue des signes et à l'aide de leurs mimiques. La photographe Mariko Tagashira accompagne la chorale depuis plusieurs années et a trouvé un moyen unique de capturer la langue des signes des enfants dans ses photos à l'aide d'une exposition longue durée sous forme de traces lumineuses poétiques. Ses travaux sont présentés à WestLicht en combinaison avec des installations sonores et des images tactiles, créant ainsi un espace sensoriel de la diversité qui place le travail de la chorale au centre de l'attention en tant qu'exemple d'inclusion vécue.

"Tutti gli uomini diventano fratelli!" La Nona Sinfonia in re minore di Ludwig van Beethoven è l'ultima opera che il compositore, all'epoca quasi sordo, riuscì a completare nel 1824. In occasione del 200° anniversario della sua prima esecuzione a Vienna, il Fotomuseum WestLicht fa ora una dichiarazione nello spirito della fratellanza proclamata nella sinfonia: la mostra AN DIE FREUDE presenta lunghe esposizioni poetiche, installazioni sonore e immagini tattili sviluppate dalla fotografa giapponese Mariko Tagashira in collaborazione con il coro inclusivo di bambini White Hands Chorus Nippon e il suo direttore artistico, il soprano Erika Colon. L'inaugurazione avrà luogo il 19 febbraio 2024 alla presenza dei membri del coro e della fotografa. La mostra sarà visitabile gratuitamente fino al 17 marzo 2024.

An die Freude, il quarto movimento della sinfonia di Ludwig van Beethoven, è uno dei brani più popolari della storia della musica. Con il suo appello alla fratellanza, l'ambientazione del poema di Friedrich Schiller non solo è diventata l'inno dell'Unione Europea, ma gode anche di grande popolarità in Giappone, dove viene eseguita in centinaia di concerti alla fine di ogni anno.

In occasione dell'anniversario della prima esecuzione della Nona di Beethoven - quando il compositore era già quasi sordo - il coro giapponese White Hands si reca a Vienna per eseguire estratti dell'ode nell'ambito della Conferenza del Progetto Zero 2024 per un mondo senza barriere nella Città dell'ONU e nel Parlamento austriaco.

Il White Hands Chorus Nippon è un coro inclusivo in cui bambini con e senza disabilità fisiche cantano insieme. I membri sordi cantano nel linguaggio dei segni e con l'aiuto delle loro espressioni facciali. La fotografa Mariko Tagashira ha accompagnato il coro per diversi anni e ha trovato un modo unico per catturare il linguaggio dei segni dei bambini come tracce poetiche di luce nelle sue immagini utilizzando lunghe esposizioni. Il suo lavoro sarà esposto al WestLicht in combinazione con installazioni sonore e immagini tattili, creando uno spazio sensoriale di diversità che focalizza l'attenzione sul lavoro del coro come esempio di inclusione in azione.

"All men become brothers!" Ludwig van Beethoven's 9th Symphony in D minor was the last that the composer, who was almost deaf at the time, was able to complete in 1824. To mark the 200th anniversary of its premiere in Vienna, the Fotomuseum WestLicht is now making a statement in the spirit of the fraternity proclaimed in the symphony: the exhibition AN DIE FREUDE shows poetic long exposures, sound installations and tactile images developed by Japanese photographer Mariko Tagashira in collaboration with the inclusive children's choir White Hands Chorus Nippon and its artistic director, soprano Erika Colon. The opening will take place on February 19, 2024 in the presence of members of the choir and the photographer. The exhibition will be on display free of charge until March 17, 2024.

Ludwig van Beethoven's An die Freude, the 4th movement of the symphony, is one of the most popular pieces in music history. With its appeal to fraternity, the setting of Friedrich Schiller's poem has not only become the anthem of the European Union, but also enjoys great popularity in Japan, where it is performed in hundreds of concerts at the end of each year.

To mark the anniversary of the world premiere of Beethoven's Ninth - when the composer was already almost deaf - the Japanese choir White Hands is traveling to Vienna to perform excerpts of the ode in the UNO City and in the Austrian Parliament as part of the Zero Project Conference 2024 for a world without barriers.

The White Hands Chorus Nippon is an inclusive choir in which children with and without physical disabilities sing together. Deaf members sing in sign language and with the help of their facial expressions. Photographer Mariko Tagashira has accompanied the choir for several years and has found a unique way to capture the children's sign language as poetic traces of light in her pictures using long exposures. Her work will be shown at WestLicht in combination with sound installations and tactile images, creating a sensory space of diversity that focuses attention on the choir's work as an example of inclusion in action.

(Text: WestLicht. Schauplatz für Fotografie, Wien)

OstLicht. Galerie für Fotografie | Wien
15. Februar – 13. April 2024

IN LOVE WITH …

Am 14. Februar ist Valentinstag. Ausgehend vom Fest der Liebenden wir􀅌 die Galerie OstLicht ein Schlaglicht auf Fotografien, die das amouröse Hochgefühl durch ihre zutiefst emotionale Prägung nachempfindbar machen: Die Verkaufsschau IN LOVE WITH … versammelt bildgewordene Frühlingsgefühle von Fotograf:innen wie Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki oder Luisa Hübner und kreist um eine dem kürzlich verstorbenen Elliot Erwitt gewidmete Hommage. Als Herzstück der Präsentation zu sehen sind jüngere und ältere Arbeiten der Magnum-Legende, die diese ab den 1940er-Jahren bei ihren wiederkehrenden Streifzügen durch die Stadt der Liebe anfertigte. Erwitts Schwarz-Weiß-Ansichten von Paris umspannen mehr als sieben Jahrzehnte und gehören mit zum Sinnlichsten, was die Reportagefotografie hervorgebracht hat.

Bis in die 2010er-Jahre kehrte Elliot Erwitt wiederholt in seine Geburtsstadt zurück, um mit den Augen eines Flaneurs den Blick auf Boulevards, Straßencafés, Jardins und Cabarets zu werfen – stets mit der Gabe, das Besondere im Alltäglichen zu entdecken. Erwitts Arbeiten zeichnet eine elegante Leichtigkeit und ein verschmitzter, warmherziger Humor aus, der in der Fotogeschichte seinesgleichen sucht. Seine Bilder scheinen uns beharrlich zuzuzwinkern. Diese charakteristische Sicht der Dinge hat sowohl Elliot Erwitts Auftragsarbeiten als auch seine freie Fotografie geprägt. Sie gibt den Grundton seiner Fotografien vor und verleiht damit insbesondere den politischen Reportagen und Alltagsbeobachtungen eine emotionale Komplexität, die weit über den stets auf den Punkt getroffenen Moment hinausreicht.

Die Hommage auf Elliot Erwitt baut auf der Ausstellung PARIS auf, die 2021 im Anschluss an die Präsentation in der Chanel Nexus Hall in Tokio in der Galerie OstLicht in Wien zu sehen war.

Elliot Erwitt wurde 1928 als Sohn russischer Emigrant:innen in Paris geboren und wuchs in Mailand auf. 1939 flüchtete die Familie vor dem Nationalsozialismus in die USA, lebte kurzzeitig in New York und zog 1941 nach Los Angeles. In Hollywood fand der 15-jährige Erwitt seine erste Anstellung in einem kommerziellen Fotostudio, wo er in der Dunkelkammer Kontaktabzüge von berühmten Persönlichkeiten anfertigte. 1946 siedelte Erwitt zurück an die Ostküste – New York blieb ab dann seine Heimat. Hier lernte er Robert Capa kennen. Edward Steichen und Roy Stryker verschaffen ihm erste Aufträge. Ende der 1940er-Jahre bereiste Erwitt Frankreich und Italien, die frühesten Fotografien der Ausstellung stammen aus dieser Zeit. 1951 wurde Erwitt in die United States Army eingezogen. Statt der befürchteten Versetzung nach Korea erhielt er einen Posten als Dunkelkammerassistent bei einer in Deutschland und Frankreich stationierten Nachrichteneinheit. Nach Erwitts Entlassung aus dem Militärdienst gewann Robert Capa den jungen Fotografen für die Agentur Magnum, der er bis zu seinem Tod im November 2023 angehörte und der er in den 1960ern für drei Jahre als Präsident vorstand. Erwitt arbeitete für die großen Namen des goldenen Zeitalters der Magazine, darunter Look, Life, Collier’s oder Holiday. Journalistische Aufträge wechselten mit kommerzieller Fotografie, daneben blieb immer Zeit für Erwitts freie Arbeiten – seine Snapshots, wie er sie nannte. In den 1970er-Jahren wandte sich Erwitt verstärkt dem Film zu. Es entstanden verschiedene Dokumentationen und in den 1980ern eine Reihe von Komödien für den amerikanischen Sender HBO. Erwitts Fotografien sind weltweit in renommierten Sammlungen vertreten, Einzelausstellungen wurden in Institutionen wie dem MoMA in New York, dem Smithsonian, dem Art Institute of Chicago, dem Museé d’art moderne de la Ville de Paris oder dem Kunsthaus Zürich gezeigt.

Le 14 février, c'est la Saint-Valentin. Partant de la fête des amoureux, la galerie OstLicht wir􀅌 met en lumière des photographies qui, par leur caractère profondément émotionnel, permettent de ressentir l'exaltation amoureuse : L'exposition-vente IN LOVE WITH ... rassemble des sentiments printaniers mis en images par des photographes comme Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki ou Luisa Hübner et s'articule autour d'un hommage à Elliot Erwitt, récemment décédé. Le cœur de la présentation est constitué de travaux récents et anciens de la légende Magnum, réalisés à partir des années 1940 lors de ses incursions récurrentes dans la ville de l'amour. Les vues en noir et blanc de Paris d'Erwitt couvrent plus de sept décennies et font partie des plus sensuelles que la photographie de reportage ait produites.

Jusque dans les années 2010, Elliot Erwitt est retourné à plusieurs reprises dans sa ville natale pour jeter un regard de flâneur sur les boulevards, les terrasses de café, les jardins et les cabarets - toujours avec le don de découvrir l'extraordinaire dans le quotidien. Le travail d'Erwitt se caractérise par une légèreté élégante et un humour malicieux et chaleureux qui n'a pas son pareil dans l'histoire de la photographie. Ses images semblent nous faire des clins d'œil insistants. Cette vision caractéristique des choses a marqué aussi bien les travaux de commande d'Elliot Erwitt que sa photographie indépendante. Elle donne le ton de base de ses photographies et confère ainsi, en particulier aux reportages politiques et aux observations quotidiennes, une complexité émotionnelle qui va bien au-delà de l'instant toujours saisi sur le vif.

L'hommage à Elliot Erwitt s'appuie sur l'exposition PARIS, qui a été présentée en 2021 à la galerie OstLicht de Vienne, à la suite de sa présentation au Chanel Nexus Hall de Tokyo.

Elliot Erwitt, fils d'émigrés russes, est né à Paris en 1928 et a grandi à Milan. En 1939, la famille a fui le nazisme pour les États-Unis, a vécu brièvement à New York et s'est installée à Los Angeles en 1941. C'est à Hollywood que le jeune Erwitt, âgé de 15 ans, a trouvé son premier emploi dans un studio photo commercial, où il réalisait des planches-contact de personnalités célèbres dans la chambre noire. En 1946, Erwitt retourne sur la côte Est - New York reste alors sa patrie. C'est là qu'il a fait la connaissance de Robert Capa. Edward Steichen et Roy Stryker lui procurent ses premières commandes. A la fin des années 1940, Erwitt voyage en France et en Italie, les premières photographies de l'exposition datent de cette époque. En 1951, Erwitt est enrôlé dans l'armée américaine. Au lieu de la mutation en Corée qu'il craignait, il obtint un poste d'assistant en chambre noire dans une unité de renseignement stationnée en Allemagne et en France. Après la démobilisation d'Erwitt, Robert Capa a recruté le jeune photographe pour l'agence Magnum, dont il a fait partie jusqu'à sa mort en novembre 2023 et dont il a été le président pendant trois ans dans les années 1960. Erwitt a travaillé pour les grands noms de l'âge d'or des magazines, dont Look, Life, Collier's ou Holiday. Les commandes journalistiques alternaient avec la photographie commerciale, tout en laissant toujours du temps pour les travaux libres d'Erwitt - ses snapshots, comme il les appelait. Dans les années 1970, Erwitt se tourne de plus en plus vers le cinéma. Il réalise plusieurs documentaires et, dans les années 1980, une série de comédies pour la chaîne américaine HBO. Les photographies d'Erwitt sont représentées dans des collections renommées du monde entier, des expositions individuelles ont été présentées dans des institutions telles que le MoMA de New York, le Smithsonian, l'Art Institute de Chicago, le Musée d'art moderne de la Ville de Paris ou le Kunsthaus de Zurich.

Il 14 febbraio è San Valentino. Prendendo spunto dalla celebrazione degli innamorati, la Galleria OstLicht wir􀅌 punta i riflettori su fotografie che rendono tangibile l'euforia amorosa grazie al loro carattere profondamente emotivo: La mostra IN LOVE WITH ... riunisce la febbre primaverile visualizzata da fotografi come Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki e Luisa Hübner e ruota attorno a un omaggio dedicato a Elliot Erwitt, recentemente scomparso. Al centro della presentazione ci saranno opere giovani e meno giovani della leggenda Magnum, realizzate a partire dagli anni Quaranta durante le sue ricorrenti incursioni nella città dell'amore. Le vedute in bianco e nero di Parigi di Erwitt coprono più di sette decenni e sono tra le più sensuali che la fotografia di reportage abbia mai prodotto.

Fino agli anni 2010, Elliot Erwitt è tornato ripetutamente nella città natale per osservare con l'occhio del flaneur i boulevard, i caffè di strada, i jardin e i cabaret, sempre con il dono di scoprire il particolare nel quotidiano. Il lavoro di Erwitt è caratterizzato da un'elegante leggerezza e da un umorismo malizioso e caloroso che non ha eguali nella storia della fotografia. Le sue immagini sembrano ammiccare continuamente a noi. Questa caratteristica visione delle cose ha caratterizzato sia i lavori commissionati da Elliot Erwitt sia la sua fotografia indipendente. Essa stabilisce il tono di base delle sue fotografie e conferisce ai suoi reportage politici e alle sue osservazioni quotidiane, in particolare, una complessità emotiva che va ben oltre il momento, che è sempre azzeccato.

L'omaggio a Elliot Erwitt si basa sulla mostra PARIS, esposta alla Galerie OstLicht di Vienna nel 2021 dopo la presentazione nella Chanel Nexus Hall di Tokyo.

Elliot Erwitt è nato a Parigi nel 1928 da emigranti russi ed è cresciuto a Milano. Nel 1939 la famiglia si rifugiò negli Stati Uniti per sfuggire al nazionalsocialismo, visse per un breve periodo a New York e si trasferì a Los Angeles nel 1941. A Hollywood, il quindicenne Erwitt trova il suo primo lavoro in uno studio fotografico commerciale, dove produce in camera oscura stampe a contatto di personaggi famosi. Nel 1946 Erwitt si trasferisce nuovamente sulla East Coast: da quel momento New York rimane la sua casa. È qui che incontra Robert Capa. Edward Steichen e Roy Stryker gli procurano le prime commissioni. Alla fine degli anni Quaranta, Erwitt viaggiò in Francia e in Italia; le prime fotografie in mostra risalgono a questo periodo. Nel 1951 Erwitt viene arruolato nell'esercito degli Stati Uniti. Invece del temuto trasferimento in Corea, gli viene assegnato un posto come assistente di camera oscura in un'unità di intelligence di stanza in Germania e Francia. Dopo il congedo dal servizio militare, Robert Capa reclutò il giovane fotografo per l'agenzia Magnum, di cui rimase membro fino alla sua morte, avvenuta nel novembre 2023, e che guidò come presidente per tre anni negli anni Sessanta. Erwitt lavorò per i grandi nomi dell'epoca d'oro delle riviste, tra cui Look, Life, Collier's e Holiday. Gli incarichi giornalistici si alternavano alla fotografia commerciale, ma c'era sempre tempo per il lavoro libero di Erwitt - le sue istantanee, come le chiamava lui. Negli anni Settanta, Erwitt si dedica sempre più al cinema. Realizza diversi documentari e, negli anni Ottanta, una serie di commedie per l'emittente americana HBO. Le fotografie di Erwitt sono presenti in rinomate collezioni di tutto il mondo e sono state organizzate mostre personali in istituzioni come il MoMA di New York, lo Smithsonian, l'Art Institute di Chicago, il Museé d'art moderne de la Ville de Paris e la Kunsthaus Zürich.

February 14 is Valentine's Day. Taking the celebration of lovers as its starting point, the OstLicht gallery wir􀅌 is shining a spotlight on photographs that make amorous elation tangible through their deeply emotional imprint: The sales show IN LOVE WITH ... brings together pictorial spring fever by photographers such as Mario Giacomelli, Henri Car􀆟er-Bresson, Eve Arnold, Cora Pongracz, Franz Hubmann, Nobuyoshi Araki and Luisa Hübner and revolves around a tribute dedicated to the recently deceased Elliot Erwitt. At the heart of the presentation are younger and older works by the Magnum legend, which he produced from the 1940s onwards during his recurring forays through the city of love. Erwitt's black and white views of Paris span more than seven decades and are among the most sensual that reportage photography has produced.

Until the 2010s, Elliot Erwitt repeatedly returned to the city of his birth to take a flaneur's eye view of boulevards, street cafés, jardins and cabarets - always with the gift of discovering the extraordinary in the everyday. Erwitt's work is characterized by an elegant lightness and a mischievous, warm-hearted humour that is unparalleled in the history of photography. His pictures seem to persistently wink at us. This characteristic view of things has characterized both Elliot Erwitt's commissioned work and his free photography. It sets the tone of his photographs and lends his political reportage and everyday observations in particular an emotional complexity that goes far beyond the moment, which is always spot on.

The homage to Elliot Erwitt builds on the exhibition PARIS, which was shown at Galerie OstLicht in Vienna in 2021 following the presentation in the Chanel Nexus Hall in Tokyo.

Elliot Erwitt was born in Paris in 1928 to Russian emigrants and grew up in Milan. In 1939, the family fled to the USA to escape National Socialism, lived briefly in New York and moved to Los Angeles in 1941. In Hollywood, the 15-year-old Erwitt found his first job in a commercial photo studio, where he made contact prints of famous personalities in the darkroom. In 1946, Erwitt moved back to the East Coast - New York remained his home from then on. It was here that he met Robert Capa. Edward Steichen and Roy Stryker provided him with his first commissions. At the end of the 1940s, Erwitt traveled to France and Italy; the earliest photographs in the exhibition date from this period. In 1951, Erwitt was drafted into the United States Army. Instead of the feared transfer to Korea, he was given a post as a darkroom assistant in an intelligence unit stationed in Germany and France. After Erwitt's discharge from military service, Robert Capa recruited the young photographer for the Magnum agency, which he remained a member of until his death in November 2023 and which he headed as president for three years in the 1960s. Erwitt worked for the big names of the golden age of magazines, including Look, Life, Collier's and Holiday. Journalistic assignments alternated with commercial photography, but there was always time for Erwitt's free work - his snapshots, as he called them. In the 1970s, Erwitt increasingly turned to film. He produced various documentaries and, in the 1980s, a series of comedies for the American broadcaster HBO. Erwitt's photographs are represented in renowned collections worldwide, and solo exhibitions have been shown in institutions such as the MoMA in New York, the Smithsonian, the Art Institute of Chicago, the Museé d'art moderne de la Ville de Paris and the Kunsthaus Zürich.

(Text: OstLicht. Galerie für Fotografie, Wien)