Kunstmuseum Luzern
30. September 2023 - 4. Februar 2024

Tracings
Daniel Schwartz

Daniel Schwartz (*1955) reist dahin, wo es brennt, in die Krisenregionen dieser Welt. Akribisch hält er Situationen mit der Kamera fest, in denen andere wegschauen. Der Schweizer Fotograf ist ein Fährtenleser, der sich auf die Spur seines eigenen Werks macht. Für die Ausstellung Tracings öffnet er sein Archiv, das einen umfangreichen Bildkorpus aus den letzten 50 Jahren umfasst, und zeigt unveröffentlichte Schätze. Auch in seinen Bildern folgt Daniel Schwartz Spuren: traurigen Überresten von verschwindenden Gletschern auf der ganzen Welt, dem Marsch von Khmer-Soldaten auf einer verminten Strasse in Kambodscha, die leer zurückgelassene Nische der von den Taliban zerstörten Buddhastatuen in Bamiyan oder von Uigur:innen unter Zwang gegrabenen Bewässerungskanälen in der chinesischen Wüste. Dabei vertritt er eine engagierte Haltung, niemals die Menschen blossstellend, die er unter schwierigen Umständen porträtiert. Ausschliesslich analog und meist schwarzweiss zeugen Schwartz’ Bilder von seinem kritischen Auge, mit dem er die Brutalität der Wirklichkeit in den Fokus nimmt.

Kuratiert von Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) se rend là où ça brûle, dans les régions en crise du monde. Il immortalise méticuleusement avec son appareil photo des situations où d'autres détournent le regard. Le photographe suisse est un traqueur qui part sur les traces de son propre travail. Pour l'exposition Tracings, il ouvre ses archives, qui comprennent un vaste corpus d'images des 50 dernières années, et montre des trésors inédits. Dans ses images aussi, Daniel Schwartz suit des pistes : les tristes vestiges de glaciers en voie de disparition dans le monde entier, la marche de soldats khmers sur une route minée au Cambodge, la niche laissée vide des statues de Bouddha détruites par les talibans à Bamiyan ou des canaux d'irrigation creusés sous la contrainte par des Ouïghours dans le désert chinois. Il adopte une attitude engagée, ne mettant jamais à nu les personnes dont il fait le portrait dans des conditions difficiles. Exclusivement analogiques et le plus souvent en noir et blanc, les images de Schwartz témoignent de son œil critique, avec lequel il met l'accent sur la brutalité de la réalité.

Commissariat de Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) viaggia dove c'è il fuoco, nelle aree di crisi di questo mondo. Con la sua macchina fotografica cattura meticolosamente situazioni in cui gli altri guardano altrove. Il fotografo svizzero è un segugio che si mette sulle tracce del proprio lavoro. Per la mostra Tracings, apre il suo archivio, che comprende un ampio corpus di immagini degli ultimi 50 anni, e mostra tesori inediti. Daniel Schwartz segue le tracce anche nelle sue immagini: i tristi resti di ghiacciai scomparsi in tutto il mondo, la marcia dei soldati khmer su una strada minata in Cambogia, la nicchia vuota delle statue di Buddha a Bamiyan distrutte dai Talebani o i canali di irrigazione nel deserto cinese scavati sotto costrizione dagli Uigur:ins. Nel farlo, assume una posizione impegnata, senza mai esporre le persone che ritrae in circostanze difficili. Esclusivamente analogiche e per lo più in bianco e nero, le immagini di Schwartz testimoniano il suo occhio critico, con cui mette a fuoco la brutalità della realtà.

A cura di Beat Wismer

Daniel Schwartz (*1955) travels to hot spots, the world’s crisis regions. He meticulously photographs situations others looks away from. The Swiss photographer is a tracker, who is now setting out on the trail of his own work. For the exhibition Tracings he is opening his archive, with its extensive range of images from the past 50 years, and showing unpublished treasures. Daniel Schwartz also follows trails in his images: sad remains of disappearing glaciers all over the world, Khmer soldiers marching along a mined road in Cambodia, an empty niche left by the Buddha statues in Bamyan destroyed by the Taliban or irrigation tunnels in the Chinese desert which Uyghurs were forced to dig. In doing so the photographer adopts an involved attitude, never showing up the people he portrays under such difficult circumstances. Schwartz’ photographs, all of them analogue and most of them black-and-white, testify to the critical eye he casts on the brutality of reality.

Curated by Beat Wismer

                (Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunsthaus Glarus
26. Februar - 25. Juni 2023

Swan Lake
Karen Kilimnik

Das Werk von Karen Kilimnik nimmt seit den 1990er-Jahren eine bedeutsame Position in der internationalen zeitgenössischen Kunst ein. Kilimnik verbindet in ihrer Praxis kunsthistorische Stile, kulturelle Codes und prominente Figuren aus der romantischen Malereitradition, dem Ballett und der Oper mit denjenigen des zeitgenössischen Glamours und der Popkultur. In ihrer künstlerischen Praxis verwendet sie vielfältige Medien wie Malerei, Zeichnung, Collage, Fotografie, Video und Installation. Ihre Arbeit ist von der Aura einer gewissen Leidenschaft geprägt, die sich aus umfangreichem Wissen über ausgewählte Themenbereiche speist. In Kilimniks Werk nehmen das «Aufführen» und die «Aufführung» selbst eine bedeutsame Rolle ein. Schon in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren zeigte Kilimnik Mise en Scène-Installationen, die Übertragungen von Bühnenaufführungen darstellten. Immer wieder hervorgehoben wurde hierbei ihre Leidenschaft für das russische Ballett. Mit fragmentarischen Mitteln aus Bühnenprops, Nebelschwaden, Sound und Licht lässt Kilimnik eine Situation entstehen, die das Abschweifen in imaginierte Erzählungen anregt. Die aktuelle Ausstellung zeigt zwei installative Situationen mit Kilimniks Werken Swan Lake (1992) und Kitri and friends at the garden folly (2004). Sie werden von Malereien aus verschiedenen Herkunftsjahren flankiert, die das Motiv der «Lichtung als Bühne» abbilden sowie sich inhärent mit dem Erscheinenden und Abwesenden beschäftigen. Mit diesen und weiteren Werken hebt die Ausstellung Kilimniks Fähigkeit hervor, als Künstlerin die Bedingungen etablierter Narrative in und ausserhalb ihrer Zeit immer wieder neu zu verhandeln.

Depuis les années 1990, l'œuvre de Karen Kilimnik occupe une position significative dans l'art contemporain international. Dans sa pratique, Kilimnik associe les styles de l'histoire de l'art, les codes culturels et les figures éminentes de la tradition picturale romantique, du ballet et de l'opéra à ceux du glamour contemporain et de la culture pop. Dans sa pratique artistique, elle utilise des médias variés tels que la peinture, le dessin, le collage, la photographie, la vidéo et l'installation. Son travail est empreint d'une aura de passion qui se nourrit de vastes connaissances sur des thèmes choisis. Dans l'œuvre de Kilimnik, la "représentation" et la "performance" elle-même occupent une place importante. Dès la fin des années 1980 et le début des années 1990, Kilimnik a présenté des installations de mise en scène représentant des retransmissions de spectacles. Sa passion pour le ballet russe a toujours été mise en avant. À l'aide de moyens fragmentaires composés d'accessoires de scène, de nappes de brouillard, de sons et de lumières, Kilimnik crée une situation qui incite à s'égarer dans des récits imaginaires. L'exposition actuelle présente deux situations installatives avec les œuvres de Kilimnik Swan Lake (1992) et Kitri and friends at the garden folly (2004). Elles sont accompagnées de peintures de différentes années d'origine, qui représentent le motif de la "clairière comme scène" et qui traitent de manière inhérente de l'apparition et de l'absence. Avec ces œuvres et d'autres, l'exposition met en évidence la capacité de Kilimnik, en tant qu'artiste, à renégocier sans cesse les conditions des récits établis dans et hors de son époque.

Il lavoro di Karen Kilimnik ha occupato una posizione significativa nell'arte contemporanea internazionale a partire dagli anni Novanta. La pratica di Kilimnik combina stili storici dell'arte, codici culturali e figure di spicco della tradizione pittorica romantica, del balletto e dell'opera con quelli del glamour contemporaneo e della cultura pop. Nella sua pratica artistica utilizza diversi media come la pittura, il disegno, il collage, la fotografia, il video e l'installazione. Il suo lavoro è caratterizzato dall'aura di una certa passione, alimentata da una vasta conoscenza di aree tematiche selezionate. Nel lavoro di Kilimnik, la "performance" e la "performance" stessa assumono un ruolo significativo. Già tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90, Kilimnik ha presentato installazioni mise en scène che erano trasmissioni di spettacoli teatrali. La sua passione per il balletto russo è stata ripetutamente sottolineata. Utilizzando mezzi frammentari di oggetti di scena, nebbie, suoni e luci, la Kilimnik crea una situazione che incoraggia lo spettatore a immergersi in narrazioni immaginarie. La mostra attuale presenta due situazioni installative con le opere di Kilimnik Il lago dei cigni (1992) e Kitri e amici al giardino folle (2004). Sono affiancate da dipinti di diversi anni di provenienza che raffigurano il motivo della "radura come palcoscenico" e che trattano intrinsecamente dell'apparire e dell'assente. Con queste e altre opere, la mostra mette in evidenza la capacità dell'artista Kilimnik di rinegoziare continuamente i termini delle narrazioni consolidate dentro e fuori il suo tempo.

The work of Karen Kilimnik has occupied a significant position in international contemporary art since the 1990s. Kilimnik's practice combines art historical styles, cultural codes, and prominent figures from the Romantic painting tradition, ballet, and opera with those of contemporary glamour and pop culture. In her artistic practice, she uses a variety of media including painting, drawing, collage, photography, video, and installation. Her work is imbued with the aura of a certain passion, which is fed by extensive knowledge of selected subjects. In Kilimnik's work, "performing" and the "performance" itself take on a significant role. As early as the late 1980s and early 1990s, Kilimnik showed mise en scène installations that were transmissions of stage performances. Her passion for Russian ballet was emphasized again and again. Using fragmentary means of stage props, wafts of fog, sound and light, Kilimnik creates a situation that stimulates digression into imagined narratives. The current exhibition features two installation situations with Kilimnik's works Swan Lake (1992) and Kitri and friends at the garden folly (2004). They are flanked by paintings from various years of origin that depict the motif of "clearing as stage" as well as inherently engage with the appearing and the absent. With these and other works, the exhibition highlights Kilimnik's ability as an artist to continually renegotiate the terms of established narratives in and out of her time.

(Text: Kunsthaus Glarus)

CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia | Torino
25. Februar - 25. Juni 2023

L’opera 1950-1980
Eve Arnold

CAMERA präsentiert vom 25. Februar bis zum 4. Juni 2023 eine Legende der Fotografie des 20. Jahrhunderts: Eve Arnold, die amerikanische Fotografin, die es verstand, die Welt mit einer "leidenschaftlichen persönlichen Annäherung" zu erzählen, dem einzigen Werkzeug, das sie als unverzichtbar für einen Fotografen ansah. Um ihre Bedeutung in der Geschichte der Fotografie zu verstehen, genügt es, sich in Erinnerung zu rufen, dass Eve Arnold 1951 zusammen mit Inge Morath die erste Frau war, die der renommierten Agentur Magnum Photos beitrat.

Entschlossenheit, Neugier und vor allem der Wunsch, sich von Stereotypen und Kategorisierungen zu lösen, haben ihr ein vielseitiges Werk beschert: von Porträts der großen Stars des Kinos und des Showbusiness bis hin zu investigativen Reportagen, in denen sie sich mit Themen und Fragen auseinandersetzt, die für die öffentliche Debatte von gestern und heute absolut zentral sind.

Die von Monica Poggi kuratierte und in Zusammenarbeit mit Magnum Photos realisierte Ausstellung umfasst rund 170 Bilder, von denen viele noch nie zuvor ausgestellt wurden, und präsentiert das Gesamtwerk der Fotografin von ihren ersten Schwarz-Weiß-Aufnahmen von New York in den 50er Jahren bis zu ihren letzten Farbarbeiten, die sie im Alter von 85 Jahren am Ende des Jahrhunderts machte. Die ausgewählten Werke befassen sich mit Themen und Fragen wie dem Rassismus in den Vereinigten Staaten, der Emanzipation der Frau und der Interaktion zwischen den verschiedenen Kulturen der Welt. Obwohl sein weltweiter Ruhm zweifellos mit seinen zahlreichen Dreharbeiten an den Kulissen unvergesslicher Filme zusammenhängt, bei denen er die großen Stars der damaligen Zeit von Marlene Dietrich bis Marilyn Monroe, von Joan Crawford bis Orson Welles porträtierte.

Arnolds Karriere ist in der Tat eine Hymne an die weibliche Emanzipation. Seine Sujets sind in den meisten Fällen Frauen: Arbeiterinnen, Mütter, Kinder, Diven, Nonnen, Models, Studentinnen, verewigt, ohne jemals in Stereotypen oder einfache Kategorisierungen zu verfallen, mit der einzigen Absicht zu wissen, zu verstehen und zu erzählen. Die Auswahl und Anordnung der Bilder in der Ausstellung zielt darauf ab, den Reichtum des Werks dieses Autors wiederherzustellen, der auch durch zahlreiche Archivdokumente, Texte, Druckvorlagen, Bücher und Zeitschriften unterstrichen wird, die die Entdeckung einer wahren Legende der Fotografie bereichern.

CAMERA présente, du 25 février au 4 juin 2023, une légende de la photographie du XXe siècle : Eve Arnold, la photographe américaine qui a su raconter le monde avec une " approche personnelle passionnée ", seul outil qu'elle jugeait indispensable pour un photographe. Pour comprendre son importance dans l'histoire de la photographie, il suffit de rappeler qu'Eve Arnold a été la première femme, avec Inge Morath, à rejoindre la prestigieuse agence Magnum Photos en 1951.

La détermination, la curiosité et, surtout, le désir d'échapper à tout stéréotype ou à toute catégorisation facile lui ont permis de produire une œuvre éclectique : des portraits des grandes stars du cinéma et du show-business aux reportages d'investigation où elle a abordé des thèmes et des questions absolument centraux dans le débat public d'hier et d'aujourd'hui.

L'exposition, dont le commissaire est Monica Poggi et qui a été réalisée en collaboration avec Magnum Photos, comprend environ 170 images, dont beaucoup n'ont jamais été exposées auparavant, et présente l'œuvre complète de la photographe, depuis ses premiers clichés en noir et blanc de New York dans les années 1950 jusqu'à ses derniers travaux en couleur, réalisés à l'âge de 85 ans, à la fin du siècle. Les œuvres sélectionnées traitent de thèmes et de questions tels que le racisme aux États-Unis, l'émancipation des femmes et l'interaction entre les différentes cultures du monde. Si sa renommée mondiale est sans doute liée à ses nombreux tournages sur les plateaux de films inoubliables, où il a incarné les grandes stars de l'époque, de Marlene Dietrich à Marilyn Monroe, de Joan Crawford à Orson Welles.

La carrière d'Arnold est en effet un hymne à l'émancipation féminine. Ses sujets sont le plus souvent des femmes : ouvrières, mères, enfants, divas, nonnes, mannequins, étudiantes, immortalisées sans jamais glisser dans les stéréotypes ou les catégorisations faciles, avec la seule intention de savoir, de comprendre et de raconter. Le choix et la disposition des images de l'exposition visent à restituer la richesse de l'œuvre de cet auteur, également mise en valeur par de nombreux documents d'archives, textes, épreuves de presse, livres et revues qui enrichissent la découverte d'une véritable légende de la photographie.

CAMERA propone, dal 25 febbraio al 4 giugno 2023, una leggenda della fotografia del XX secolo: Eve Arnold, la fotografa americana che ha saputo raccontare il mondo con un «appassionato approccio personale», unico strumento reputato da lei indispensabile per un fotografo. Per intendere la sua importanza nella storia della fotografia, è sufficiente ricordare che Eve Arnold è stata la prima donna, insieme a Inge Morath, a far parte della prestigiosa agenzia Magnum Photos nel 1951.

Determinazione, curiosità e, soprattutto, la volontà di fuggire da qualsiasi stereotipo o facile categorizzazione le hanno permesso di produrre un corpus eclettico di opere: dai ritratti delle grandi star del cinema e dello spettacolo ai reportage d’inchiesta dove ha affrontato temi e questioni assolutamente centrali nel dibattito pubblico di ieri e di  oggi.

L’esposizione, curata da Monica Poggi e realizzata in collaborazione con Magnum Photos, si compone di circa 170 immagini, di cui molte mai esposte fino ad ora, e presenta l’opera completa della  fotografa a partire dai primi scatti in bianco e nero della New York degli anni Cinquanta fino agli ultimi lavori a colori, realizzati all’età di 85 anni, alla fine del secolo. Le opere selezionate affrontano temi e questioni come il razzismo negli Stati Uniti, l’emancipazione femminile, l’interazione fra le differenti culture del mondo. Anche se la sua fama planetaria è senza dubbio legata ai numerosi servizi sui set di film indimenticabili, dove ha ritratto le grandi star del periodo da Marlene Dietrich a Marilyn Monroe, da Joan Crawford a Orson Welles.

La  carriera di Arnold è a tutti gli effetti un inno all’emancipazione femminile. I suoi soggetti sono nella maggior parte dei casi donne: lavoratrici, madri, bambine, dive, suore, modelle, studentesse, immortalate senza mai scivolare in stereotipi o facili categorizzazioni, con il solo intento di conoscere, capire e raccontare. La scelta e la disposizione delle immagini in mostra è finalizzata a restituire la ricchezza dell’opera di questa autrice, sottolineata anche attraverso numerosi documenti d’archivio, testi, provini di stampa, libri e riviste in grado di arricchire la scoperta di una vera e propria leggenda della fotografia.

CAMERA presents, from February 25 to June 4, 2023, a legend of 20th-century photography: Eve Arnold, the American photographer who knew how to tell the world with a "passionate personal approach," the only tool she deemed indispensable for a photographer. To understand her importance in the history of photography, it is sufficient to recall that Eve Arnold was the first woman, along with Inge Morath, to join the prestigious Magnum Photos agency in 1951.

Determination, curiosity and, above all, a willingness to escape from any stereotype or easy categorization allowed her to produce an eclectic body of work: from portraits of the great stars of film and show business to investigative reportage where she tackled themes and issues absolutely central to the public debate of yesterday and today.

The exhibition, curated by Monica Poggi and produced in collaboration with Magnum Photos, consists of about 170 images, many of which have never before been exhibited, and presents the photographer's complete oeuvre from her earliest black-and-white shots of 1950s New York to her last color works, taken at the age of 85 at the turn of the century. The selected works address themes and issues such as racism in the United States, women's empowerment, and the interaction between different cultures of the world. Although his planetary fame is undoubtedly linked to his numerous shoots on the sets of unforgettable films, where he portrayed the great stars of the period from Marlene Dietrich to Marilyn Monroe, from Joan Crawford to Orson Welles.

Arnold's career is in effect a paean to women's emancipation. His subjects are in most cases women: workers, mothers, children, divas, nuns, models, students, immortalized without ever slipping into stereotypes or easy categorization, with the sole intent of knowing, understanding and telling. The choice and arrangement of the images in the exhibition is aimed at restoring the richness of this author's work, also emphasized through numerous archival documents, texts, press proofs, books and magazines that can enrich the discovery of a true legend of photography.

(Text: CAMERA - Centro Italiano per la Fotografie, Torino)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
25. Februar - 13. August 2023

Bunt entfaltet sich mein Anderssein
Annelies Štrba

Annelies Štrba (*1947) ist Beobachterin und Magierin: Sie hält flüchtige Momente fest und schafft Traumbilder; Leben und Kunst fliessen ineinander. Als ihre Kinder klein waren, gehörte die Kamera zum Familienalltag; nachts entwickelte die Mutter in der Dunkelkammer ihre Abzüge. Immer wieder eignete sie sich neue Techniken und Präsentationsformen an, so etwa als sie in den 1990er-Jahren mit ihren Videoarbeiten begann und zuletzt anfing, auf Leinwand gedruckte Fotografien zu übermalen. Während ihre früheren analogen Arbeiten mit einer Schnappschussästhetik spielen, erreichen die Video-Stills und bearbeiteten Digitalfotografien die Intensität expressionistischer Gemälde.

In der Sammlung der Fotostiftung Schweiz befindet sich eine grosse Gruppe von Štrbas frühen schwarzweissen Fotoleinwänden und den Farbfotografien – intime Familienszenen, aber auch trostlose Fassaden von Plattenbauten und Hochhäusern.

Die retrospektive Ausstellung, deren Titel ein Gedicht von Emmy Hennings zitiert, präsentiert diese Arbeiten zum ersten Mal. Sie positionieren sich um zwei neu komponierte Projektionen jener Werkzyklen, mit denen Annelies Štrba ihren Blick auf die Familie in Bilder übersetzte: Shades of Time fasst zwischen 1974 und 1997 entstandene Fotografien zusammen und zeigt das Aufwachsen der Kinder Sonja, Samuel und Linda. Noonday ist den Kindern ihrer Kinder gewidmet. In der Zusammenschau dieser Serien wird das Ineinandergreifen der Zeiten spürbar. Die von Subjektivität und Intuition geprägten Bildwelten fügen sich zu einem umfassenden Kosmos.

Annelies Štrba (*1947) est une observatrice et une magicienne : elle capture des moments fugaces et crée des images de rêve ; la vie et l’art s’entremêlent. Lorsque ses enfants étaient petits, l’appareil photo faisait partie du quotidien de la famille ; la nuit, la mère développait ses tirages dans la chambre noire. Elle n’a cessé d’acquérir de nouvelles techniques et formes de présentation, comme lorsqu’elle a commencé ses travaux vidéo dans les années 1990 et qu’elle s’est, par la suite, mise à peindre par-dessus des photographies imprimées sur toile. Alors que ses anciens travaux analogiques jouaient sur une esthétique d’instantanés, les images vidéo fixes et les photographies numériques retravaillées atteignent l’intensité des peintures expressionnistes.

La collection de la Fotostiftung Schweiz contient un vaste groupe de toiles photographiques en noir et blanc et de photographies en couleur de Štrba – des scènes familiales intimes dans des intérieurs confortables et chaotiques, mais aussi des façades désolées d’immeubles en préfabriqué et de gratte-ciel.

L’exposition rétrospective, dont le titre cite un poème d’Emmy Hennings, présente ces travaux pour la première fois. Ils se positionnent autour de deux projections recomposées des cycles d’oeuvres avec lesquels Annelies Štrba a traduit en images son regard sur la famille : Shades of Time regroupe des photographies prises entre 1974 et 1997 et montre ses enfants Sonja, Samuel et Linda grandir. Noonday est consacré aux enfants de ses enfants. L’imbrication des époques est perceptible dans l’ensemble de ces séries. Les mondes d’images marqués par la subjectivité et l’intuition s’assemblent en un cosmos global.

immagini oniriche; vita e arte confluiscono l'una nell'altra. Quando i suoi figli erano piccoli, la macchina fotografica era parte integrante della vita familiare di tutti i giorni. Di notte, la madre sviluppava le sue stampe nella camera oscura. Nel corso del tempo, Annelies Štrba ha iniziato ad acquisire nuove tecniche e forme di presentazione, come dimostrano i video prodotti negli anni '90 e i dipinti realizzati su fotografie stampate su tela. Mentre i lavori analogici della prima fase giocano con un'estetica istantanea, i fotogrammi video e le fotografie digitali raggiungono l'intensità dei dipinti espressionisti.

La collezione della Fondazione svizzera per la fotografia comprende un ampio numero delle prime tele fotografiche in bianco e nero e delle fotografie a colori di Štrba, le quali mostrano non solo scene d'intimità familiare, ma anche facciate desolate di prefabbricati e grattacieli.

La mostra retrospettiva, il cui titolo cita una poesia di Emmy Hennings, presenta queste opere per la prima volta in assoluto: esse si posizionano attorno a due nuove proiezioni di quei cicli di lavoro con cui Annelies Štrba ha tradotto in immagini la sua visione della famiglia: Shades of Time riassume le fotografie realizzate tra il 1974 e il 1997 e illustra la crescita dei figli Sonja, Samuel e Linda. Noonday è dedicata ai figli dei suoi figli. L'intreccio dei tempi diventa piuttosto palpabile nella sintesi di questa serie. Gli immaginari, contraddistinti dalla soggettività e dall'intuizione, si combinano per formare un cosmo omnicomprensivo.

Annelies Štrba (*1947) is an observer and magician: She captures fleeting moments and creates dream images; life and art intertwine. When her children were small, the camera was part of everyday family life; at night, the mother would develop her prints in the darkroom. Again and again, she adopted new techniques and forms of presentation, for instance when she began working with video in the 1990s and when she eventually started to paint over photographs printed on canvas. While her earlier analogue works play with snapshot aesthetics, her video stills and edited digital photographs achieve the intensity of expressionist paintings.

The Fotostiftung Schweiz collection contains a big group of Štrba’s early black-and-white photo canvases and colour photographs – intimate family scenes, but also bleak facades of large-panel-system buildings and high-rises.

This retrospective exhibition, whose title quotes a poem by Emmy Hennings, presents these works for the first time. They are positioned around two newly conceived projections of the work cycles with which Annelies Štrba translated her view of the family into images: Shades of Time brings together photographs taken between 1974 and 1997, showing the children Sonja, Samuel and Linda as they grow up. Noonday is dedicated to her children’s children. When these series are seen together, the interweaving of eras becomes tangible. The visual worlds, characterised by subjectivity and intuition, merge to form one comprehensive cosmos.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Fotomuseum Winterthur
25. Februar - 29. Mai 2023

Die Fotografien
Valie Export

Die Ausstellung VALIE EXPORT – Die Fotografien stellt erstmals das fotografische Oeuvre der Künstlerin VALIE EXPORT (*1940), die insbesondere mit ihren teils provozierenden Performances und experimentellen Installationen für Aufsehen sorgte, in den Mittelpunkt. Die Fotografien sowie die Gegenüberstellung fotografischer und nichtfotografischer Medien an der Schnittstelle von Film, Videokunst und Body-Art erlauben eine neue Perspektive auf das Schaffen von EXPORT.

Ob zu dokumentarischen Zwecken, als Experiment, als Bestandteil multimedialer Installationen oder als eigenständiges Werk: Die Fotografie spielt im Schaffen der Medienund Performancekünstlerin eine zentrale Rolle. EXPORT fertigte ab den 1970er-Jahren, also bereits zu Beginn ihrer Karriere, fotografische Serien an, die sich der kritischen Untersuchung von Abbildungsprozessen widmen. Mit ihren Konzeptfotografien analysiert EXPORT die Funktions-, Darstellungs- und Wahrnehmungsweise von Bildern und Massenmedien.

In ihrer experimentellen Herangehensweise erkundet die Künstlerin die Fotografie auf vielfältige Art. Sie integriert Besonderheiten sowie Merkmale anderer Medien und Kunstformen in ihre Arbeit mit der Fotografie oder verwendet die Fotokamera zum Teil entgegen ihrer technischen Möglichkeiten, wobei EXPORT die Grenzen zwischen medialen Genres durchbricht. Dabei untersucht die Künstlerin gesellschaftspolitische und feministische Fragestellungen: Im Zentrum ihres Werks steht das Verhältnis von Subjekt und Raum, Körper und Blick, Weiblichkeit und Repräsentation.

Die Ausstellung wird kuratiert von Walter Moser und ist eine Kooperation mit der Albertina, Wien.

L'exposition VALIE EXPORT - Les photographies transmet pour la première fois l'œuvre photographique de l'artiste VALIE EXPORT (*1940), qui a notamment fait sensation avec ses performances parfois provocantes et ses installations expérimentales. Les photographies ainsi que la confrontation de médias photographiques et non photographiques, à la croisée du film, de l'art vidéo et du body art, permettent d'ouvrir une nouvelle perspective sur l'œuvre d'EXPORT.

Que ce soit à des fins documentaires, expérimentales, en tant que partie intégrante d'installations multimédias ou en tant qu'œuvre autonome, la photographie joue un rôle central dans l'œuvre de l'artiste médiatique et de performance. Dès les années 1970, c'est-à-dire dès le début de sa carrière, EXPORT a réalisé des séries photographiques consacrées à l'étude critique des processus de représentation. Avec ses photographies conceptuelles, EXPORT analyse les modes de fonctionnement, de représentation et de perception des visuels et des médias de masse.

Dans son approche expérimentale, l'artiste explore la photographie de diverses manières. Elle intègre les particularités ainsi que les caractéristiques d'autres médias et formes d'art dans son travail avec la photographie ou utilise l'appareil photo en partie à l'encontre de ses possibilités techniques, EXPORT brisant ainsi les frontières entre les genres médiatiques. Ce faisant, l'artiste explore des questions sociopolitiques et féministes : Au cœur de son œuvre se trouve la relation entre le sujet et l'espace, le corps et le regard, la féminité et la représentation.

L'exposition est organisée par Walter Moser et est le fruit d'une coopération avec l'Albertina, Vienne.

La mostra VALIE EXPORT - The Photographs si concentra per la prima volta sull'opera fotografica dell'artista VALIE EXPORT (*1940), che ha fatto scalpore soprattutto per le sue performance talvolta provocatorie e le sue installazioni sperimentali. Le fotografie e l'accostamento di media fotografici e non fotografici all'interfaccia tra film, videoarte e body art permettono di aprire una nuova prospettiva sul lavoro di EXPORT.

Che sia a scopo documentario, come esperimento, come componente di installazioni multimediali o come opera indipendente, la fotografia svolge un ruolo centrale nel lavoro dei media e dei performance artist. A partire dagli anni Settanta, cioè già all'inizio della sua carriera, EXPORT realizza serie fotografiche dedicate all'indagine critica dei processi di rappresentazione. Con le sue fotografie concettuali, EXPORT analizza il modo in cui le immagini e i mass media funzionano, sono rappresentati e percepiti.

Nel suo approccio sperimentale, l'artista esplora la fotografia in molti modi diversi. Integra nel suo lavoro con la fotografia peculiarità e caratteristiche di altri media e forme d'arte o talvolta utilizza la macchina fotografica contro le sue possibilità tecniche, per cui EXPORT supera i confini tra i generi mediatici. In questo modo, l'artista esplora questioni socio-politiche e femministe: Al centro del suo lavoro c'è la relazione tra soggetto e spazio, corpo e sguardo, femminilità e rappresentazione.

La mostra è curata da Walter Moser e nasce dalla collaborazione con l'Albertina di Vienna.

The exhibition VALIE EXPORT - The Photographs focuses for the first time on the photographic oeuvre of the artist VALIE EXPORT (*1940), who caused a sensation in particular with her sometimes provocative performances and experimental installations. The photographs, as well as the juxtaposition of photographic and non-photographic media at the intersection of film, video art, and body art, allow a new perspective on EXPORT's oeuvre.

Whether for documentary purposes, as an experiment, as a component of multimedia installations, or as an independent work, photography plays a central role in the work of the media and performance artist. Beginning in the 1970s, i.e., at the very beginning of her career, EXPORT produced photographic series dedicated to the critical investigation of processes of representation. With her conceptual photographs, EXPORT analyzes the ways in which images and mass media function, are represented, and are perceived.

In her experimental approach, the artist explores photography in a variety of ways. She integrates peculiarities as well as characteristics of other media and art forms into her work with photography or uses the photographic camera partly against its technical possibilities, whereby EXPORT breaks through the boundaries between media genres. In doing so, the artist explores sociopolitical and feminist issues: Her work focuses on the relationship between subject and space, body and gaze, femininity and representation.

The exhibition is curated by Walter Moser and is a cooperation with the Albertina, Vienna.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Fotomuseum Winterthur
25. Februar - 29. Mai 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen von Photographic Encounters 2022–2023 statt.

Aphasia
Adji Dieye

In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sich die in Zürich und Dakar lebende italienisch-senegalesische Künstlerin Adji Dieye (*1991) mit den Themen Postkolonialismus und Nationalstaatenbildung. Dabei untersucht sie, welche Rolle Sprache und Bilder in der Geschichtsschreibung spielen und hinterfragt diese als lineare Abfolge von Ereignissen kritisch. Im Mittelpunkt von Dieyes Ausstellung steht die Videoinstallation Aphasia (2022), die während eines mehrmonatigen Forschungsaufenthalts in Dakar, Senegal, eigens für das Fotomuseum Winterthur produziert wurde.

Orten in Dakar. An der Schnittstelle von Fotografie, Video und Performance legt Dieye die Widersprüche institutioneller Erzählungen in Bezug auf nationale Wissensproduktionen offen. Aphasia beleuchtet nicht nur die Funktion, die institutionelle Archive bei der Konstruktion von Identität und dem öffentlichen Raum einnehmen, sondern untersucht auch Sprache an sich sowie die Bedeutung des mündlichen Geschichtenerzählens als alternatives Wissenssystem. Hierbei bezieht sich die Künstlerin unter anderem auf ihren eigenen biografischen Hintergrund.

Das Ausstellungsprojekt wurde im Rahmen von Photographic Encounters entwickelt, einem biennalen Format, mit dem das Fotomuseum Winterthur in Zusammenarbeit mit dem Christoph Merian Verlag Fotograf_innen und Künstler_innen die Realisierung einer Ausstellung sowie einer begleitenden Publikation ermöglicht und damit die Umsetzung und Präsentation eines fotografischen Langzeitprojekts unterstützt. Adji Dieye wurde für die erste Ausgabe ausgewählt.

Das Format Photographic Encounters wird durch die Kollaboration mit der Christoph Merian Stiftung und der Verena und Roland Geissmann Stiftung: Geissmann Scholarship for Photography ermöglicht.

Dans sa pratique artistique, l'artiste italo-sénégalaise Adji Dieye (*1991), qui vit à Zurich et à Dakar, s'intéresse aux thèmes du postcolonialisme et de la formation des États-nations. Ce faisant, elle examine le rôle que jouent le langage et les visuels dans l'écriture de l'histoire et remet en question de manière critique cette dernière en tant que succession linéaire d'événements. L'exposition de Dieye est centrée sur l'installation vidéo Aphasia (2022), qui a été produite spécialement pour le Fotomuseum Winterthur lors d'un séjour de recherche de plusieurs mois à Dakar, au Sénégal.

lieux à Dakar. À l'intersection de la photographie, de la vidéo et de la performance, Dieye met à jour les contradictions des récits institutionnels en ce qui concerne les productions nationales de savoir. Aphasia ne met pas seulement en lumière la fonction des archives institutionnelles dans la construction de l'identité et de l'espace public, mais examine également le langage en soi ainsi que l'importance du récit oral comme système de connaissance alternatif. Pour ce faire, l'artiste se réfère entre autres à son propre contexte biographique.

Le projet d'exposition a été développé dans le cadre de Photographic Encounters, un format biennal par lequel le Fotomuseum Winterthur, en collaboration avec les éditions Christoph Merian, permet à des photographes et des artistes de réaliser une exposition ainsi qu'une publication d'accompagnement, soutenant ainsi la réalisation et la présentation d'un projet photographique à long terme. Adji Dieye a été choisie pour la première édition.

Le format Photographic Encounters est rendu possible grâce à la collaboration avec la Fondation Christoph Merian et la Fondation Verena et Roland Geissmann : Geissmann Scholarship for Photography.

Nella sua pratica artistica, l'artista italo-senegalese Adji Dieye (*1991), che vive a Zurigo e Dakar, affronta i temi del postcolonialismo e della formazione dello Stato-nazione. In questo modo, esamina il ruolo che il linguaggio e le immagini giocano nella scrittura della storia e la mette criticamente in discussione come sequenza lineare di eventi. Al centro della mostra di Dieye c'è la videoinstallazione Aphasia (2022), realizzata appositamente per il Fotomuseum Winterthur durante un soggiorno di ricerca di alcuni mesi a Dakar, in Senegal.

Sedi a Dakar. All'incrocio tra fotografia, video e performance, Dieye espone le contraddizioni delle narrazioni istituzionali in relazione alle produzioni nazionali di conoscenza. Afasia non solo illumina la funzione che gli archivi istituzionali svolgono nella costruzione dell'identità e dello spazio pubblico, ma esamina anche il linguaggio stesso e l'importanza della narrazione orale come sistema alternativo di conoscenza. Qui l'artista fa riferimento, tra l'altro, al proprio background biografico.

Il progetto espositivo è stato sviluppato nell'ambito di Photographic Encounters, un format biennale con cui il Fotomuseum Winterthur, in collaborazione con Christoph Merian Verlag, consente a fotografi e artisti di realizzare una mostra e una pubblicazione di accompagnamento, sostenendo così la realizzazione e la presentazione di un progetto fotografico a lungo termine. Adji Dieye è stato selezionato per la prima edizione.

Il format Incontri fotografici è reso possibile dalla collaborazione con la Fondazione Christoph Merian e la Fondazione Verena e Roland Geissmann: Borsa di studio Geissmann per la fotografia.

In her artistic practice, the Italian-Senegalese artist Adji Dieye (*1991), who lives in Zurich and Dakar, deals with the themes of postcolonialism and nation-state formation. In doing so, she examines the role that language and images play in the writing of history and critically questions it as a linear sequence of events. At the center of Dieye's exhibition is the video installation Aphasia (2022), which was produced especially for Fotomuseum Winterthur during a research stay of several months in Dakar, Senegal.

Locations in Dakar. At the intersection of photography, video, and performance, Dieye exposes the contradictions of institutional narratives in relation to national productions of knowledge. Aphasia not only illuminates the function that institutional archives play in the construction of identity and public space, but also examines language itself and the importance of oral storytelling as an alternative system of knowledge. Here, the artist refers to her own biographical background, among other things.

The exhibition project was developed within the framework of Photographic Encounters, a biennial format with which the Fotomuseum Winterthur, in collaboration with Christoph Merian Verlag, enables photographers and artists to realize an exhibition as well as an accompanying publication, thus supporting the realization and presentation of a long-term photographic project. Adji Dieye was selected for the first edition.

The format Photographic Encounters is made possible by the collaboration with the Christoph Merian Foundation and the Verena and Roland Geissmann Foundation: Geissmann Scholarship for Photography.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Museum der Moderne | Salzburg
25. Februar - 4. Juni 2023

Maske und Gesicht.
Inge Morath und Saul Steinberg

Anlässlich des 100. Geburtstags der österreichischen Fotografin Inge Morath (1923 Graz, AT – 2002 New York, NY, US) präsentiert die Ausstellung Vintage-Prints aus der Serie „Masken“. Diese Werkgruppe entstand in Zusammenarbeit mit dem Zeichner Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO – 1999 New York, NY, US), den Morath im Jahr 1959 erstmals besuchte und porträtierte. Bei dieser Begegnung trug Steinberg eine Papiermaske mit einem aufgezeichneten Selbstporträt. In der Ausstellung sind einige der Originalmasken, die das Museum der Moderne Salzburg als Schenkung erhalten hat, erstmals zusammen mit den Fotografien von Morath, die zwischen 1959 und 1962 entstanden, zu sehen. Diese künstlerische Kooperation von Morath und Steinberg gilt als eine der interessantesten zwischen einem Zeichner und einer Fotografin; sie markierte zudem den Beginn einer lange anhaltenden Freundschaft. Steinberg, bekannt vor allem durch seine Cartoons und Titelblätter für das amerikanische Magazin The New Yorker, kreierte auf Papiertüten weitere ganz unterschiedliche Charaktere, die durch die Fotografien von Morath berühmt wurden.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

À l'occasion du 100e anniversaire de la photographe autrichienne Inge Morath (1923 Graz, AT - 2002 New York, NY, US), l'exposition présente des tirages vintage de la série "Masques". Ce groupe d'œuvres a été créé en collaboration avec le dessinateur Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO - 1999 New York, NY, US), auquel Morath a rendu visite pour la première fois en 1959 et dont elle a fait le portrait. Lors de cette rencontre, Steinberg portait un masque en papier avec un autoportrait enregistré. L'exposition présente pour la première fois quelques-uns des masques originaux, qui ont été donnés au Museum der Moderne Salzburg, ainsi que des photographies de Morath prises entre 1959 et 1962. Cette coopération artistique entre Morath et Steinberg est considérée comme l'une des plus intéressantes entre un dessinateur et une photographe ; elle a également marqué le début d'une amitié durable. Steinberg, connu surtout pour ses cartoons et ses couvertures pour le magazine américain The New Yorker, a créé sur des sacs en papier d'autres personnages très différents qui sont devenus célèbres grâce aux photographies de Morath.

Commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

In occasione del centesimo compleanno della fotografa austriaca Inge Morath (1923 Graz, AT - 2002 New York, NY, USA), la mostra presenta stampe vintage della serie "Masks". Questo gruppo di opere è stato realizzato in collaborazione con il disegnatore Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO - 1999 New York, NY, USA), che Morath ha visitato e ritratto per la prima volta nel 1959. In questo incontro, Steinberg indossò una maschera di carta con un autoritratto registrato. Nella mostra, alcune delle maschere originali, che il Museum der Moderne Salzburg ha ricevuto in donazione, sono visibili per la prima volta insieme alle fotografie di Morath, scattate tra il 1959 e il 1962. Questa collaborazione artistica tra Morath e Steinberg è considerata una delle più interessanti tra un disegnatore e un fotografo; segnò anche l'inizio di una duratura amicizia. Steinberg, noto soprattutto per le sue vignette e i frontespizi della rivista americana The New Yorker, ha creato altri personaggi molto diversi su sacchetti di carta che sono diventati famosi grazie alle fotografie di Morath.

Curatori: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

On the occasion of the 100th birthday of the Austrian photographer Inge Morath (1923 Graz, AT - 2002 New York, NY, US), the exhibition presents vintage prints from the series "Masks". This group of works was created in collaboration with the draftsman Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO - 1999 New York, NY, US), whom Morath first visited and portrayed in 1959. At this meeting, Steinberg wore a paper mask with a recorded self-portrait. In the exhibition, some of the original masks, which the Museum der Moderne Salzburg received as a donation, can be seen for the first time together with Morath's photographs, which were taken between 1959 and 1962. This artistic collaboration between Morath and Steinberg is considered one of the most interesting between a draftsman and a photographer; it also marked the beginning of a long-lasting friendship. Steinberg, best known for his cartoons and covers for the American magazine The New Yorker, created other very different characters on paper bags that became famous through Morath's photographs.

Curators: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
25. Februar - 4. Juni 2023

Die Geometrie der Nicht-Ordnungen
Gunda Gruber

Seit vielen Jahren arbeitet die Künstlerin Gunda Gruber (1971 Salzburg, AT – Salzburg, AT) an der Schnittstelle von Video, Fotografie, Grafik und Architektur. Zahlreiche Werkgruppen bestehen aus mehrschichtigen Elementen und multimedialen Installationen, welche die Wahrnehmung von Raum und Zeit herausfordern und Brüche und Unsicherheiten sowie den künstlerischen Arbeitsprozess erlebbar machen. In Grubers OEuvre überlagern sich Realitätsstufen, der physische Raum wird um den filmischen erweitert, und von der Natur entlehnte wie gesellschaftliche Strukturen werden hinterfragt. Der Dialog steht im Zentrum: der der Künstlerin mit dem Material, der der Formen und Schichten innerhalb eines Werkes und schlussendlich der Dialog der Werke mit den Betrachter_innen.

Aus Anlass der Verleihung des Großen Kunstpreises Bildende Kunst des Landes Salzburg 2022 präsentiert das Museum der Moderne Salzburg die erste museale Personale der Künstlerin und zeigt einen Querschnitt ihres Schaffens der letzten zehn Jahre.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation im Verlag für moderne Kunst, Wien.

Depuis de nombreuses années, l'artiste Gunda Gruber (1971 Salzbourg, AT - Salzbourg, AT) travaille à l'interface de la vidéo, de la photographie, du graphisme et de l'architecture. De nombreux groupes d'œuvres se composent d'éléments multicouches et d'installations multimédias qui défient la perception de l'espace et du temps et rendent perceptibles les ruptures et les incertitudes ainsi que le processus de travail artistique. Dans l'œuvre de Gruber, les niveaux de réalité se superposent, l'espace physique est élargi à l'espace cinématographique, et les structures sociales et naturelles sont remises en question. Le dialogue est au centre de l'œuvre : celui de l'artiste avec le matériau, celui des formes et des couches au sein d'une œuvre et, enfin, le dialogue des œuvres avec les spectateurs.

À l'occasion de la remise du Grand Prix des arts visuels du Land de Salzbourg en 2022, le Museum der Moderne Salzburg présente la première exposition personnelle de l'artiste dans un musée et montre un échantillon de son travail des dix dernières années.

Une publication paraîtra à l'occasion de l'exposition aux éditions Verlag für moderne Kunst, Vienne.

Da molti anni l'artista Gunda Gruber (1971 Salisburgo, AT - Salisburgo, AT) lavora all'interfaccia tra video, fotografia, grafica e architettura. Numerosi gruppi di opere sono costituiti da elementi multistrato e installazioni multimediali che sfidano la percezione dello spazio e del tempo e rendono tangibili le rotture e le incertezze, nonché il processo di lavoro artistico. Nell'opera di Gruber, i livelli di realtà si sovrappongono, lo spazio fisico si espande fino a includere il cinema e le strutture prese in prestito dalla natura e quelle sociali vengono messe in discussione. Il dialogo è centrale: quello dell'artista con la materia, quello delle forme e degli strati all'interno di un'opera e infine il dialogo delle opere con gli spettatori.

In occasione dell'assegnazione del Gran Premio per le Belle Arti della Provincia di Salisburgo nel 2022, il Museum der Moderne Salzburg presenta la prima mostra museale dell'artista ed espone uno spaccato del suo lavoro degli ultimi dieci anni.

Una pubblicazione che accompagna la mostra sarà edita da Verlag für moderne Kunst, Vienna.

For many years, artist Gunda Gruber (1971 Salzburg, AT - Salzburg, AT) has been working at the intersection of video, photography, graphics and architecture. Numerous groups of works consist of multi-layered elements and multimedia installations that challenge the perception of space and time and make breaks and uncertainties as well as the artistic working process tangible. In Gruber's oeuvre, levels of reality overlap, physical space is extended by cinematic space, and structures borrowed from nature as well as social structures are questioned. The dialogue is central: that of the artist with the material, that of the forms and layers within a work, and finally the dialogue of the works with the viewers.

On the occasion of the awarding of the Grand Prize for Fine Arts of the Province of Salzburg in 2022, the Museum der Moderne Salzburg presents the first museum exhibition of the artist's work and shows a cross-section of her work over the past ten years.

The exhibition is accompanied by a publication published by Verlag für moderne Kunst, Vienna.

(Text: Museum der Moderne, Sazlburg)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
24. Februar - 7. Mai 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP – European Month of Photography satt.

Intimate History
Thomas Höpker

Wie kaum ein anderer hat Thomas Höpker den Bildjournalismus in Deutschland geprägt. Seine Fotoreportagen führten ihn durch die ganze Welt. Als Reporter arbeitete er für die Münchner Illustrierte, später für die Zeitschriften Kristall und Stern. Seine Aufgabe sah Höpker schon zu Beginn seiner Karriere darin, „im engen Kontakt mit der Zeit zu leben, das Gegenwärtige zu ergründen und zu enträtseln“. 1979 zog er nach New York und wurde 1989 als erster deutscher Fotograf Vollmitglied der Agentur MAGNUM-Photos.

Aus der Fülle seines Lebenswerks zeigt Thomas Höpker – Intimate History international bekannte sowie nie gezeigte Aufnahmen. Die Zusammenschau vermittelt Höpkers Interesse an gesellschaftlichen Themen und seine Empathie für die von ihm porträtierten Menschen. Authentizität und die fotografische Zeug*innenschaft sind die prägenden Konstanten seiner Arbeit. Unaufgeregt, subtil und fern von Sensationslust wurden viele seiner Motive durch ihre präzise Bildgestaltung und die dichten Bildaussagen zu Ikonen der sozialdokumentarischen Fotografie, auch als Concerned Photography bekannt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Katharina Mouratidi und Miriam Zlobinski.

In Kooperation mit dem Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker a marqué le photojournalisme en Allemagne comme personne d'autre. Ses reportages photographiques l'ont mené dans le monde entier. En tant que reporter, il a travaillé pour le Münchner Illustrierte, puis pour les magazines Kristall et Stern. Dès le début de sa carrière, Höpker considérait que sa mission consistait à "vivre en contact étroit avec le temps, à sonder et à décrypter le présent". En 1979, il s'installe à New York et devient en 1989 le premier photographe allemand membre à part entière de l'agence MAGNUM-Photos.

Thomas Höpker - Intimate History présente des clichés connus à l'échelle internationale ainsi que des photos inédites tirées de l'ensemble de son œuvre. Cette compilation transmet l'intérêt de Höpker pour les sujets de société et son empathie pour les personnes dont il fait le portrait. L'authenticité et le témoignage photographique* sont les constantes marquantes de son travail. Sans complaisance, subtilement et loin du sensationnalisme, nombre de ses sujets sont devenus des icônes de la photographie documentaire sociale, également connue sous le nom de Concerned Photography, grâce à leur cadrage précis et à la densité de leur message visuel.

L'exposition a été organisée par Katharina Mouratidi et Miriam Zlobinski.

En coopération avec le Ernst-Leitz-Museum, Wetzlar.

Thomas Höpker ha plasmato il fotogiornalismo in Germania come nessun altro. I suoi reportage fotografici lo hanno portato in tutto il mondo. Come reporter ha lavorato per il Münchner Illustrierte, poi per le riviste Kristall e Stern. Fin dall'inizio della sua carriera, Höpker vedeva il suo compito come "vivere a stretto contatto con il tempo, scandagliare e svelare il presente". Nel 1979 si trasferisce a New York e nel 1989 diventa il primo fotografo tedesco a diventare membro a pieno titolo dell'agenzia MAGNUM-Photos.

Dalla ricchezza del lavoro di una vita, Thomas Höpker - Storia intima presenta fotografie note a livello internazionale e inedite. La sinossi trasmette l'interesse di Höpker per le questioni sociali e la sua empatia per le persone ritratte. L'autenticità e la testimonianza fotografica sono le costanti del suo lavoro. Poco agitati, sottili e lontani dal sensazionalismo, molti dei suoi motivi sono diventati icone della fotografia documentaria sociale, nota anche come Concerned Photography, grazie alla loro precisa composizione dell'immagine e alle dense dichiarazioni pittoriche.

La mostra è stata curata da Katharina Mouratidi e Miriam Zlobinski.

In collaborazione con il Museo Ernst Leitz di Wetzlar.

Thomas Höpker has shaped photojournalism in Germany like no other. His photo reportages took him all over the world. As a reporter, he worked for Münchner Illustrierte, and later for Kristall and Stern magazines. Right from the beginning of his career, Höpker saw his task as "living in close contact with time, fathoming and unraveling the present." In 1979 he moved to New York and in 1989 became the first German photographer to become a full member of the MAGNUM-Photos agency.

From the abundance of his life's work, Thomas Höpker - Intimate History shows internationally known as well as never shown photographs. The synopsis conveys Höpker's interest in social issues and his empathy for the people he portrays. Authenticity and photographic testimony are the defining constants of his work. Unagitated, subtle and far from sensationalism, many of his subjects became icons of social documentary photography, also known as Concerned Photography, due to their precise image composition and dense pictorial statements.

The exhibition was curated by Katharina Mouratidi and Miriam Zlobinski.

In cooperation with the Ernst Leitz Museum, Wetzlar.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Städel Museum | Frankfurt am Main
23. Februar - 3. September

Italien vor Augen - Frühe Fotografien ewiger Sehnsuchtsorte

Auf dem Canal Grande schippernde Gondolieri, der Schiefe Turm von Pisa oder die Altertümer Roms: Zahlreiche Fotografien von Giorgio Sommer, dem Unternehmen der Gebrüder Alinari, Carlo Naya oder auch Robert Macpherson prägten das Bild von Italien als Sehnsuchtsort. Das Städel Museum präsentiert eine Auswahl früher Italienfotografie. Die Ausstellung versammelt insgesamt 90 bedeutende Aufnahmen der Jahre 1850 bis 1880 aus der eigenen Sammlung.

Seit Generationen träumen sich die Menschen nach Italien: Das mediterrane Klima, die facettenreiche Natur und die vielfältige Kultur machten das Land schon früh zu einem bevorzugten Reiseziel. Als mit dem Ausbau der Eisenbahnstrecken in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ein reger Tourismus entstand, eröffneten an den Orten mit den wichtigsten Sehenswürdigkeiten Fotografenstudios. Für Reisende wurden die dort angebotenen Aufnahmen noch vor Erfindung der Bildpostkarte zu einem beliebten Souvenir, das auch per Versandhandel international vertrieben wurde. Bereits in den 1850er-Jahren erwarb der damalige Direktor Johann David Passavant Fotografien für die Sammlung des Städel Museums. Sowohl das kunstinteressierte Publikum als auch die Schüler der angegliederten Kunstakademie sollten sich anhand der Abzüge eine Vorstellung vom Süden Europas und seinen Kunst- und Naturschätzen machen. Damit rückte die Ferne näher und gleichzeitig bestimmten die im Umlauf befindlichen Motive, was als sehenswürdig zu erachten ist. Noch heute wirken die Szenerien von damals fotografisch nach.

Kuratorin: Dr. Kristina Lemke (Sammlungsleiterin Fotografie, Städel Museum)

Des gondoliers naviguant sur le Grand Canal, la Tour penchée de Pise ou les antiquités de Rome : de nombreuses photographies de Giorgio Sommer, de l'entreprise des frères Alinari, de Carlo Naya ou encore de Robert Macpherson ont marqué le visuel de l'Italie comme lieu de nostalgie. Le Städel Museum présente une sélection des premières photographies d'Italie. L'exposition rassemble au total 90 clichés importants des années 1850 à 1880 issus de sa propre collection.

Depuis des générations, les gens rêvent d'Italie : le climat méditerranéen, la nature aux multiples facettes et la culture variée ont très tôt fait de ce pays une destination de voyage privilégiée. Lorsque le développement des lignes de chemin de fer dans la seconde moitié du 19e siècle a entraîné un tourisme actif, des studios de photographie ont ouvert leurs portes dans les lieux abritant les principales attractions touristiques. Avant même l'invention de la carte postale illustrée, les clichés proposés aux voyageurs sont devenus des souvenirs très appréciés, également vendus par correspondance à l'échelle internationale. Dès les années 1850, le directeur de l'époque, Johann David Passavant, a acquis des photographies pour la collection du Städel Museum. Les tirages devaient permettre au public amateur d'art et aux élèves de l'Académie des Beaux-Arts de se faire une idée du sud de l'Europe et de ses trésors artistiques et naturels. Ainsi, le lointain se rapprochait et, en même temps, les motifs en circulation déterminaient ce qu'il fallait considérer comme digne d'être vu. Aujourd'hui encore, les scènes de l'époque ont des répercussions photographiques.

Conservatrice : Dr. Kristina Lemke (directrice de la collection de photographie, Städel Museum)

Gondolieri che navigano sul Canal Grande, la Torre di Pisa o le antichità di Roma: numerose fotografie di Giorgio Sommer, della compagnia dei fratelli Alinari, di Carlo Naya o anche di Robert Macpherson hanno plasmato l'immagine dell'Italia come luogo del desiderio. Lo Städel Museum presenta una selezione della prima fotografia italiana. La mostra riunisce un totale di 90 importanti fotografie degli anni dal 1850 al 1880 provenienti dalla collezione del museo.

Da generazioni si sogna l'Italia: il clima mediterraneo, la natura multiforme e la cultura variegata hanno reso il Paese una delle mete preferite per i viaggi. Quando, nella seconda metà del XIX secolo, l'espansione delle linee ferroviarie portò a un vivace commercio turistico, vennero aperti studi fotografici nei luoghi di maggiore interesse. Per i viaggiatori, le fotografie offerte in questi luoghi divennero un souvenir popolare già prima dell'invenzione della cartolina illustrata, che veniva distribuita anche a livello internazionale per corrispondenza. Già negli anni Cinquanta del XIX secolo, l'allora direttore Johann David Passavant acquistò fotografie per la collezione dello Städel Museum. Sia il pubblico interessato all'arte che gli studenti dell'Accademia d'arte affiliata dovevano farsi un'idea dell'Europa meridionale e dei suoi tesori artistici e naturali grazie alle stampe. Questo avvicinava la distanza e allo stesso tempo i motivi in circolazione determinavano ciò che doveva essere considerato degno di essere visto. Ancora oggi, gli scenari di quell'epoca hanno un effetto fotografico.

Curatore: Dott.ssa Kristina Lemke (Responsabile della Collezione di Fotografia, Museo Städel)

Gondoliers on the Grand Canal, the Leaning Tower of Pisa, and the antiquities of Rome: Numerous photographs by Giorgio Sommer, the Alinari brothers, Carlo Naya, and Robert Macpherson, among others, shaped the image of Italy as a place of longing. The Städel Museum is presenting a selection of early photographs of Italy. The exhibition unites altogether ninety major photos of the years 1850 to 1880 from the museum’s own collection.

People have been dreaming their way to Italy for generations: the Mediterranean climate, multifaceted natural environment, and wealth of culture and art treasures have long since made the country a favourite travel destination. When the development of the railway system led to a boom in tourism in the second half of the nineteenth century, photography studios opened in the vicinity of the most popular sights. Even before the invention of the picture postcard, the photographic views on sale there were a prized souvenir for travellers, and also sold internationally by mail order. Johann David Passavant, then director of the Städel, began purchasing photos for the museum’s collection as far back as the 1850s. From these prints, both the art-interested public and students of the affiliated art academy were able to get an idea of southern Europe and its artistic and natural treasures. This brought distant countries closer while, simultaneously, the motifs in circulation determined what was considered worth seeing. To this day, the sceneries captured in photographs at that time continue to have an impact.

Curator: Dr Kristina Lemke (Head of Photography, Städel Museum)

(Text: Städel Museum, Frankfurt am Main)

Fontaine obscure | Aix-en-Provence
22. Februar - 18. März 2023

Arménie, année zéro
Patrick Rollier

ARMENIEN, Jahr Null ist das Ergebnis einer fotografischen Arbeit, die sich in acht Reisen zwischen 2015 und 2018 niederschlug, während denen der Fotograf Armenier und Armenierinnen begegnete.

Drei Umwälzungen prägten das Jahr 1988 und führten zu einem Bruch im Leben der Armenierinnen und Armenier.

"Ich war tief bewegt von all diesen persönlichen Geschichten, in denen sich die Geschichte Armeniens verwoben hat."

Für diese Samstagsbegegnung schlagen wir die Entdeckung eines jungen und einzigartigen Verlagshauses vor, mit Patrick ROLLIER, dem Gründer von Éditions d'une rive à l'autre.

Dieser direkte Austausch mit Patrick ROLLIER soll uns mehr über die Arbeit eines Verlegers, die künstlerischen Entscheidungen und die eingesetzten Techniken im Dienste des Anliegens, der Verbindung zwischen Text und Bild, vermitteln. In einer Zeit, in der entmaterialisierte Bilder massenhaft produziert werden, erinnert die Materialität der Fotografie an ihre Bedeutung. Bücher, die im Dienste eines Blicks auf die Welt stehen sollen.

ARMÉNIE, année zéro est le résultat d’un travail photographique qui s’est traduit par huit voyages entre 2015 et 2018 pendant lesquels le photographe a été à la rencontre des Arméniens et des Arméniennes.

Trois bouleversements marquèrent l’année 1988, entraînant une rupture dans la vie des Arméniens.

« J’ai été profondément ému par toutes ces histoires personnelles dans lesquelles s’imbrique l’histoire de l’Arménie. »

Pour cette Rencontre du samedi, nous proposons la découverte d’une jeune et singulière maison d’édition, avec Patrick ROLLIER, créateur des Éditions d’une rive à l’autre.

Cet échange direct avec Patrick ROLLIER vise à nous en apprendre davantage sur le travail d’éditeur, les choix artistiques et les techniques mises en œuvre au service du propos, le lien texte/image. Dans une époque où les images dématérialisées sont produites en masse, la matérialité de la photographie rappelle son importance. Des livres pensés pour être au service d’un regard sur le monde.

ARMENIA, Year Zero è il risultato di un lavoro fotografico che ha coinvolto otto viaggi tra il 2015 e il 2018 durante i quali il fotografo ha incontrato gli armeni.

Tre sconvolgimenti hanno segnato l'anno 1988, provocando una frattura nella vita degli armeni.

"Sono rimasto profondamente colpito da tutte queste storie personali in cui si intreccia la storia dell'Armenia".

Per questo incontro di sabato, proponiamo la scoperta di una casa editrice giovane e singolare, con Patrick ROLLIER, creatore di Éditions d'une rive à l'autre.

Questo scambio diretto con Patrick ROLLIER vuole insegnarci qualcosa di più sul lavoro di un editore, sulle scelte artistiche e sulle tecniche utilizzate per servire lo scopo, il legame testo/immagine. In un'epoca di immagini smaterializzate prodotte in serie, la materialità della fotografia ci ricorda la sua importanza. Libri progettati per servire una visione del mondo.

ARMENIA, Year Zero is the result of a photographic work that resulted in eight trips between 2015 and 2018 during which the photographer met with Armenians.

Three upheavals marked the year 1988, causing a rupture in the lives of Armenians.

"I was deeply moved by all these personal stories in which the history of Armenia is interwoven.

For this Saturday meeting, we propose the discovery of a young and singular publishing house, with Patrick ROLLIER, creator of Éditions d'une rive à l'autre.

This direct exchange with Patrick ROLLIER aims to teach us more about the work of a publisher, the artistic choices and techniques used to serve the purpose, the link text / image. In an era where dematerialized images are mass produced, the materiality of photography reminds us of its importance. Books thought to be at the service of a look on the world.

(Text: Fontaine obscure, Aix-en-Provence)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
19. Februar - 4. Juni 2023

Frieda Riess und Yva. Fotografien 1919–1937

Frieda Riess und Yva waren zwei deutsche Fotografinnen, die bereits in jungen Jahren erste Fotoateliers gründeten, innovative Fotokunst schufen und trotz ihrer Erfolge vergessen wurden. Mit 130 Fotografien verdeutlicht die Ausstellung die Werdegänge und fotografischen Besonderheiten der Pionierinnen. Gefeiert als »die Riess«, verfolgte Frieda Gertrud Riess (geboren 1890 in Czarnikau, Provinz Posen (heute Czarnków, Polen), gestorben 1957 in Paris) eine Nähe zur expressionistischen Malerei. Die zehn Jahre jüngere Yva (geboren 1900 in Berlin als Else Ernestine Neuländer, gestorben 1942 im Vernichtungslager Sobibór) verwandte avantgardistische Techniken und wurde zur Spezialistin der Mode- und Werbefotografie. Ihr bekanntester Schüler war Helmut Newton. »Es war wahrscheinlich die glücklichste Zeit meiner Jugend in Berlin. […] Yva war eine wunderbare Fotografin und phantastische Frau«, so Newton, der von 1936 bis 1938 eine Lehre bei ihr absolvierte.

Neben Mode- und Werbeaufnahmen sind in der Ausstellung zahlreiche Porträts zu sehen. Die an der expressionistischen Malerei orientierten Bildnisse von Frieda Riess wurden 1925 zum ersten Mal in der Berliner Galerie Alfred Flechtheim ausgestellt. Durch den renommierten Kunstsammler und Händler schaffte Riess den endgültigen Durchbruch, auch über die Grenzen Berlins hinaus, und wurde nur noch als »die Riess« bezeichnet.

1932 gab Riess ihr Atelier in Berlin auf und folgte dem Diplomaten Pierre de Margerie (1861–1942) nach Paris, der zuvor zehn Jahre als Botschafter in Berlin tätig war. Nachdem deutsche Truppen 1940 Paris besetzt hatten, nannte sie sich »Riess de Belsine«, um ihre jüdische Herkunft zu verschleiern. Eine Krankheit, die zu fortschreitenden Lähmungen führt, bestimmte ihre Lebensumstände. Mit dem Tod ihres Lebensgefährten de Margerie 1942 verlor Riess den Schutz vor Verfolgung als Jüdin. 1943 wurde ihr Restvermögen in Berlin beschlagnahmt und die Fotografin verarmte. Über ihre letzten Lebensjahre ist wenig bekannt. Vermutlich starb Riess Mitte der 1950er-Jahre.

Aufgrund ihrer jüdischen Herkunft musste Yva 1938 ihr Atelier aufgeben und arbeitete als Röntgenassistentin im Jüdischen Krankenhaus Berlin. 1942 wurden Yva und ihr Mann verhaftet und am 13. Juni 1942 in das Vernichtungslager Sobibór deportiert, nachdem sie vorher noch Vorbereitungen zur Auswanderung getroffen hatten. Wahrscheinlich wurde sie nach Ankunft des Transports am 15. Juni 1942 ermordet. In der gerichtlichen Todeserklärung wurde als Sterbedatum der 31. Dezember 1944 festgesetzt.

In der Ausstellung werden rund 110 Fotografien von Frieda Riess und Yva aus der Sammlung des Fotografie Forums in Monschau gezeigt. Es handelt sich, wenn nicht anders gekennzeichnet, um Modern Prints. Daneben sind in Vitrinen zahlreiche Faksimiles von Originalzeitschriften aus Eigenrecherche zu sehen.

Unser Dank gilt außerordentlich dem Leihgeber, dem Fotografie Forum der StädteRegion Aachen in Monschau, wo die Ausstellung unter dem Titel »Yva. Frieda Riess. Fotografien (1919—1937)« vom 13. März bis zum 5. Juni 2022 zu sehen war. Abschließend danken wir dem Team des Fotografie Forums, insbesondere Dr. Nina Mika-Helfmeier und Sophie Kratzke, für ihre enorme und großartige Unterstützung.

Frieda Riess et Yva étaient deux photographes allemandes qui, très jeunes, ont fondé leurs premiers ateliers de photographie, ont créé un art photographique innovant et ont été oubliées malgré leurs succès. Avec 130 photographies, l'exposition illustre les parcours et les particularités photographiques de ces pionnières. Célébrée comme "la Riess", Frieda Gertrud Riess (née en 1890 à Czarnikau, province de Poznan (aujourd'hui Czarnków, Pologne), décédée en 1957 à Paris) poursuivait une proximité avec la peinture expressionniste. De dix ans sa cadette, Yva (née en 1900 à Berlin sous le nom d'Else Ernestine Neuländer, décédée en 1942 au camp d'extermination de Sobibór) utilisait des techniques d'avant-garde et devint une spécialiste de la photographie de mode et de publicité. Son élève le plus connu était Helmut Newton. "Ce fut probablement la période la plus heureuse de ma jeunesse à Berlin. [...] Yva était une photographe merveilleuse et une femme fantastique", déclare Newton, qui a fait son apprentissage chez elle de 1936 à 1938.

Outre des photos de mode et de publicité, l'exposition présente de nombreux portraits. Les portraits de Frieda Riess, inspirés de la peinture expressionniste, ont été exposés pour la première fois en 1925 à la galerie berlinoise Alfred Flechtheim. Grâce à ce collectionneur d'art et marchand renommé, Riess réussit à percer définitivement, même au-delà des frontières de Berlin, et ne fut plus appelée que "la Riess".

En 1932, Riess abandonna son atelier à Berlin et suivit à Paris le diplomate Pierre de Margerie (1861-1942), qui avait auparavant travaillé dix ans comme ambassadeur à Berlin. Après l'occupation de Paris par les troupes allemandes en 1940, elle se fit appeler "Riess de Belsine" afin de dissimuler ses origines juives. Une maladie entraînant une paralysie progressive a déterminé ses conditions de vie. Avec la mort de son compagnon de Margerie en 1942, Riess perdit la protection contre la persécution en tant que juive. En 1943, le reste de ses biens fut confisqué à Berlin et la photographe s'appauvrit. On sait peu de choses sur les dernières années de sa vie. Riess est probablement décédée au milieu des années 1950.

En raison de ses origines juives, Yva a dû abandonner son atelier en 1938 et a travaillé comme assistante en radiologie à l'hôpital juif de Berlin. En 1942, Yva et son mari ont été arrêtés et déportés le 13 juin 1942 au camp d'extermination de Sobibór, alors qu'ils avaient auparavant pris des dispositions pour émigrer. Elle a probablement été assassinée après l'arrivée du convoi le 15 juin 1942. Dans la déclaration judiciaire de décès, la date de décès a été fixée au 31 décembre 1944.

L'exposition présente environ 110 photographies de Frieda Riess et d'Yva issues de la collection du Fotografie Forum à Monschau. Il s'agit, sauf indication contraire, de Modern Prints. En outre, de nombreux fac-similés de magazines originaux issus de recherches personnelles sont exposés dans des vitrines.

Nous remercions vivement le prêteur, le Fotografie Forum der StädteRegion Aachen à Monschau, où l'exposition a été présentée sous le titre "Yva. Frieda Riess. Photographies (1919-1937)", a été présentée du 13 mars au 5 juin 2022. Enfin, nous remercions l'équipe du Fotografie Forum, en particulier le Dr Nina Mika-Helfmeier et Sophie Kratzke, pour leur énorme et formidable soutien.

Frieda Riess e Yva sono state due fotografe tedesche che hanno fondato i loro primi studi fotografici in giovane età, hanno creato un'arte fotografica innovativa e sono state dimenticate nonostante i loro successi. Con 130 fotografie, la mostra illustra le carriere e le caratteristiche fotografiche di queste donne pioniere. Celebrata come "la Riess", Frieda Gertrud Riess (nata nel 1890 a Czarnikau, nella provincia di Poznan (oggi Czarnków, Polonia), e morta nel 1957 a Parigi) si avvicinò alla pittura espressionista. Yva (nata Else Ernestine Neuländer a Berlino nel 1900, morta nel 1942 nel campo di sterminio di Sobibór), di dieci anni più giovane, utilizzò tecniche d'avanguardia e si specializzò nella fotografia di moda e pubblicitaria. Il suo allievo più famoso fu Helmut Newton. "È stato probabilmente il periodo più felice della mia giovinezza a Berlino. [...] Yva era una fotografa meravigliosa e una donna fantastica", ha dichiarato Newton, che fece il suo apprendistato con lei dal 1936 al 1938.

Oltre alle fotografie di moda e pubblicitarie, la mostra presenta numerosi ritratti. I ritratti di Frieda Riess, orientati verso la pittura espressionista, furono esposti per la prima volta nel 1925 alla Galleria Alfred Flechtheim di Berlino. Grazie al noto collezionista e mercante d'arte, la Riess si affermò definitivamente anche al di fuori dei confini di Berlino e fu conosciuta solo come "la Riess".

Nel 1932, Riess abbandonò il suo studio a Berlino e seguì a Parigi il diplomatico Pierre de Margerie (1861-1942), che in precedenza aveva lavorato come ambasciatore a Berlino per dieci anni. Dopo l'occupazione di Parigi da parte delle truppe tedesche nel 1940, si fa chiamare "Riess de Belsine" per nascondere le sue origini ebraiche. Una malattia che porta a una paralisi progressiva determina la sua situazione. Con la morte del suo compagno de Margerie nel 1942, Riess perse la protezione dalla persecuzione in quanto ebrea. Nel 1943, i suoi beni rimasti a Berlino furono confiscati e la fotografa si impoverì. Poco si sa degli ultimi anni della sua vita. Riess morì presumibilmente a metà degli anni Cinquanta.

A causa delle sue origini ebraiche, Yva dovette abbandonare il suo studio nel 1938 e lavorò come assistente ai raggi X presso l'ospedale ebraico di Berlino. Nel 1942, Yva e suo marito furono arrestati e deportati nel campo di sterminio di Sobibór il 13 giugno 1942, dopo essersi precedentemente preparati a emigrare. Probabilmente fu uccisa dopo l'arrivo del trasporto, il 15 giugno 1942. La dichiarazione di morte rilasciata dal tribunale indica il 31 dicembre 1944 come data del decesso.

La mostra presenta circa 110 fotografie di Frieda Riess e Yva provenienti dalla collezione del Fotografie Forum di Monschau. Se non diversamente indicato, si tratta di stampe moderne. Inoltre, sono esposti in vetrine numerosi facsimili di riviste originali provenienti dalle nostre ricerche.

Un ringraziamento particolare va al prestatore, il Fotografie Forum der StädteRegion Aachen di Monschau, dove la mostra è stata presentata con il titolo "Yva. Frieda Riess. Fotografie (1919-1937)" è stata esposta dal 13 marzo al 5 giugno 2022. Infine, desideriamo ringraziare il team di Fotografie Forum, in particolare la dott.ssa Nina Mika-Helfmeier e Sophie Kratzke, per il loro enorme e grande supporto.

Frieda Riess and Yva were two German women photographers who founded their first photo studios at a young age, created innovative photographic art, and were forgotten despite their successes. With 130 photographs, the exhibition illustrates the careers and photographic characteristics of these pioneering women. Celebrated as "the Riess," Frieda Gertrud Riess (born 1890 in Czarnikau, Poznan Province (now Czarnków, Poland), died 1957 in Paris) pursued a closeness to Expressionist painting. Ten years younger, Yva (born Else Ernestine Neuländer in Berlin in 1900, died in the Sobibór death camp in 1942) used avant-garde techniques and became a specialist in fashion and advertising photography. Her most famous student was Helmut Newton. "It was probably the happiest time of my youth in Berlin. [...] Yva was a wonderful photographer and fantastic woman," said Newton, who apprenticed with her from 1936 to 1938.

In addition to fashion and advertising photographs, the exhibition includes numerous portraits. Frieda Riess's portraits, which were oriented toward Expressionist painting, were first exhibited in 1925 at the Alfred Flechtheim Gallery in Berlin. Through the renowned art collector and dealer, Riess made her final breakthrough, even beyond the borders of Berlin, and was known only as "the Riess".

In 1932, Riess gave up her studio in Berlin and followed the diplomat Pierre de Margerie (1861-1942) to Paris, who had previously served as ambassador to Berlin for ten years. After German troops occupied Paris in 1940, she called herself "Riess de Belsine" to disguise her Jewish origins. An illness leading to progressive paralysis determined her circumstances. With the death of her partner de Margerie in 1942, Riess lost protection from persecution as a Jew. In 1943, her remaining assets in Berlin were confiscated and the photographer became impoverished. Little is known about the last years of her life. Riess presumably died in the mid-1950s.

Because of her Jewish background, Yva was forced to give up her studio in 1938 and worked as an X-ray assistant at the Jewish Hospital in Berlin. In 1942, Yva and her husband were arrested and deported to the Sobibór extermination camp on June 13, 1942, having previously made preparations to emigrate. She was probably murdered after the arrival of the transport on June 15, 1942. In the court declaration of death, the date of death was set as December 31, 1944.

The exhibition will feature around 110 photographs of Frieda Riess and Yva from the collection of the Fotografie Forum in Monschau. Unless otherwise indicated, these are Modern Prints. In addition, numerous facsimiles of original magazines from our own research are on display in showcases.

Our special thanks go to the lender, the Fotografie Forum der StädteRegion Aachen in Monschau, where the exhibition is shown under the title "Yva. Frieda Riess. Photographs (1919-1937)" was on view from March 13 to June 5, 2022. Finally, we would like to thank the Fotografie Forum team, especially Dr. Nina Mika-Helfmeier and Sophie Kratzke, for their tremendous and great support.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselheim)

Galerie ART87 | Andermatt
18. Februar - 9. April 2023

Seen - Not Seen
Robert Bösch

Die Ausstellung ist eine eigentliche Werkschau von Robert Bösch und umfasst die drei Projektkreise, die ihn als Künstler in den letzten Jahren intensiv beschäftigt haben: Mountains, No Man's Land und Not Seen.

Auch wenn die Berge in seinem Schaffen eine wichtige Rolle spielen, geht es ihm eigentlich nicht um den Berg, sondern um das Bild. Er bezeichnet sich als einen Bildersuchenden - egal ob im Gebirge oder in der Grossstadt, ob am Meer oder neben einer Strasse. Fotografieren ist für Robert Bösch die Kunst des Bildersehens, was gleichzeitig die Kunst des Weglassens ist: Das Bild wird erst zum Bild, weil das Davor und das Danach und das Drumherum weggelassen sind. "Bilder sind wie aus dem Zusammenhang gerissene Zitate", so Robert Bösch.

L'exposition est une véritable rétrospective de l'œuvre de Robert Bösch et comprend les trois cercles de projets qui l'ont intensément occupé en tant qu'artiste ces dernières années : Mountains, No Man's Land et Not Seen.

Même si les montagnes jouent un rôle important dans son œuvre, ce n'est pas vraiment la montagne qui l'intéresse, mais le visuel. Il se définit comme un chercheur d'images, que ce soit en montagne ou dans une grande ville, au bord de la mer ou à côté d'une route. Pour Robert Bösch, la photographie est l'art de voir les images, ce qui est en même temps l'art d'omettre : le visuel ne devient une image que parce que l'avant, l'après et ce qui l'entoure sont omis. "Les visuels sont comme des citations sorties de leur contexte", explique Robert Bösch.

La mostra è una vera e propria esposizione del lavoro di Robert Bösch e comprende i tre ambiti progettuali che lo hanno impegnato intensamente come artista negli ultimi anni: Montagne, Terra di nessuno e Non visto.

Anche se le montagne giocano un ruolo importante nel suo lavoro, l'artista non è realmente interessato alla montagna, ma all'immagine. Si descrive come un cercatore di immagini, in montagna o in una grande città, in riva al mare o vicino a una strada. Per Robert Bösch, la fotografia è l'arte di vedere l'immagine, che è anche l'arte dell'omissione: l'immagine diventa un'immagine solo perché il prima e il dopo e gli orpelli sono omessi. "Le immagini sono come citazioni estrapolate dal contesto", afferma Robert Bösch.

The exhibition is an actual show of Robert Bösch's work and encompasses the three project circles that have occupied him intensively as an artist in recent years: Mountains, No Man's Land and Not Seen.

Even though mountains play an important role in his work, he is not really concerned with the mountain, but with the image. He describes himself as a picture seeker - whether in the mountains or in the big city, whether by the sea or next to a road. For Robert Bösch, photography is the art of seeing the picture, which is at the same time the art of omission: the picture only becomes a picture because the before and after and the trappings are omitted. "Pictures are like quotes taken out of context," says Robert Bösch.

(Text: Corinna Biasiutti)

Pavillon Populaire | Montpellier
18. Februar - 16. April 2023

La Surface et la Chair. Madame d'Ora, Vienne-Paris, 1907-1957

Unter dem Namen Madame d'Ora war Dora KALLMUS (1881-1963) eine bekannte Fotografin, die als mondäne Porträtfotografin zunächst in Wien arbeitete, das damals ein wichtiges kulturelles Zentrum und Labor der Moderne in Europa war, und später im Paris der Années folles.

Von ihrem Porträt des Malers Gustav Klimt im Jahr 1908 bis zu ihrem Porträt von Picasso im Jahr 1958, bei dem sie die modernsten Techniken einsetzte, behandelte sie im Laufe ihrer über 50-jährigen außergewöhnlichen Karriere zahlreiche Themen.

Als Vordenkerin war sie 1908 eine der ersten Frauen, die in Wien ein Fotostudio eröffneten. Aristokraten, Schauspielerinnen und Modedesigner schätzten ihre künstlerische Intuition, ihr Talent, die Persönlichkeit ihrer Modelle zu erfassen und Kleidung und Accessoires zu arrangieren, und bald veröffentlichten viele Zeitschriften regelmäßig ihre Bilder.

Im Jahr 1925 zog sie nach Paris, wo sie sofort von Haute-Couture-Häusern wie Balenciaga und Chanel gerufen wurde, um die eleganten Kleider zu fotografieren, die Tamara de Lempicka, Josephine Baker und viele andere trugen. Sie war eine wichtige Figur in der Kunstszene und schuf zahlreiche Atelierporträts der angesagten Persönlichkeiten, mit denen sie in der High Society ihrer Zeit verkehrte.

Doch der Krieg erschüttert ihr Leben und ihre Arbeit. Als Jüdin verlor sie während der Besatzung ihr Pariser Studio und musste sich mehrere Jahre lang in der Ardèche verstecken, wo ihre Familie und ihre Freunde verfolgt wurden. Als sie nach 1945, nachdem sie alles verloren hatte, nach Paris zurückkehrte, hatte sie einen scharfen, aber empathischen Blick auf die Opfer des Krieges und einen weitaus distanzierteren auf Glamour und Geld. Von den schillernden bis zu den dunkelsten Zeiten, von Avantgardekünstlern über mittellose Flüchtlinge bis hin zu einer erstaunlichen metaphorischen Arbeit über die Pariser Schlachthöfe erzählen Madame d'Oras Porträts auf unnachahmliche Weise von den Umwälzungen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Die Ausstellung zeigt Sammlungen von Vintage-Abzügen aus Museen in Wien, Linz (Österreich), Hamburg, Berlin (Deutschland) und Paris, zusammen mit einer umfangreichen Dokumentation, die den historischen Kontext illustriert.

Kuratorin der Ausstellung: Monika FABER, war Kuratorin am Museum Moderner Kunst in Wien und danach Chefkuratorin der Fotosammlung der Albertina. Seit 2011 ist sie Direktorin des Photoinstittu Bonartes, das sich der Erforschung der historischen Fotografie in Österreich und Mitteleuropa widmet. Sie ist außerdem Autorin zahlreicher Publikationen über die Geschichte der Fotografie.

Magdalena VUKOVIC, ist Fotohistorikerin und Ausstellungskuratorin, spezialisiert auf Fotografie in Österreich bis zu den 1950er Jahren. Seit 2011 arbeitet sie als Kuratorin am Photoinstitut Bonartes in Wien. In ihrer Arbeit bevorzugt sie einen interdisziplinären Ansatz und arbeitet eng mit Forschern aus verschiedenen Bereichen zusammen.

En effet, sous le nom de Madame d’Ora, Dora KALLMUS (1881–1963) fut une photographe renommée, travaillant comme portraitiste mondaine d’abord à Vienne, alors centre culturel majeur et laboratoire de la modernité en Europe, puis dans le Paris des Années folles.

De son portrait du peintre Gustav Klimt en 1908 jusqu’à celui de Picasso en 1958, utilisant les techniques les plus modernes, elle traite de nombreux sujets au fil d’une carrière extraordinaire de plus de cinquante ans.

Précurseure, elle est en 1908, l’une des premières femmes à ouvrir un studio de photographie à Vienne. Les aristocrates, les actrices et les créateurs de mode apprécient son intuition artistique, son talent pour saisir la personnalité de ses modèles, pour agencer les vêtements et les accessoires, et bientôt de nombreux magazines publient régulièrement ses images.

C'est en 1925 qu'elle s’installe à Paris, où elle est immédiatement appelée par les maisons de haute couture comme Balenciaga et Chanel pour photographier les tenues élégantes portées par Tamara de Lempicka, Josephine Baker et beaucoup d’autres. Figure majeure de la scène artistique, elle réalise de nombreux portraits d’atelier des personnalités en vogue, qu’elle côtoie dans la haute société de son temps.

Mais la guerre vient bouleverser sa vie et son travail. Juive, elle perd son studio parisien pendant l’Occupation, ce qui la contraint à se cacher en Ardèche durant plusieurs années au cours desquelles sa famille et ses amis sont persécutés. Retournant à Paris après 1945, ayant tout perdu, elle porte alors un regard aiguisé mais empathique sur les victimes de la guerre, et beaucoup plus distant sur le glamour et l’argent. Des éblouissements aux temps les plus sombres, des artistes d'avant-garde aux réfugiés démunis, jusqu’à l’étonnant travail métaphorique sur les abattoirs parisiens, les portraits de Madame d'Ora racontent de manièresaisissante les bouleversements de la première moitié du XXe siècle.

L'exposition présentera des collections de tirages vintage de musées de Vienne, Linz (Autriche), Hambourg, Berlin (Allemagne), et Paris, avec un important fonds documentaire illustrant le contexte historique.

Commissaire de l'exposition: Monika FABER, a été conservatrice au Museum Moderner Kunst de Vienne puis conservatrice en chef de la collection de photographies de l'Albertina. Depuis 2011, elle est directrice du Photoinstittu Bonartes, qui se consacre à la recherche sur la photographie historique en Autriche et en Europe centrale. Elle a également signé de nombreuses publications sur l'histoire de la photographie.

Magdalena VUKOVIC, est historienne de la photographie et commissaire d'exposition, spécialisée dans la photographie en Autriche jusqu'aux années 1950. Depuis 2011, elle travaille en tant que conservatrice au Photoinstitut Bonartes à Vienne. Dans son travail, elle privilégie une approche interdisciplinaire collaborant étroitement avec des chercheurs de différents domaines.

Infatti, con il nome di Madame d'Ora, Dora KALLMUS (1881-1963) è stata una fotografa rinomata, che ha lavorato come ritrattista mondana prima a Vienna, allora importante centro culturale e laboratorio della modernità in Europa, e poi nella Parigi dei ruggenti anni Venti.

Dal ritratto del pittore Gustav Klimt nel 1908 a quello di Picasso nel 1958, utilizzando le tecniche più moderne, ha trattato numerosi soggetti nel corso di una straordinaria carriera durata più di cinquant'anni.

Nel 1908 è stata una delle prime donne ad aprire uno studio fotografico a Vienna. Aristocratici, attrici e stilisti apprezzano il suo intuito artistico, il suo talento nel cogliere la personalità delle modelle, nel sistemare abiti e accessori, e ben presto molte riviste pubblicano regolarmente le sue immagini.

Nel 1925 si trasferisce a Parigi, dove viene subito chiamata da case di alta moda come Balenciaga e Chanel per fotografare gli eleganti abiti indossati da Tamara de Lempicka, Josephine Baker e molte altre. Figura di spicco della scena artistica, realizzò numerosi ritratti in studio delle personalità alla moda che frequentava nell'alta società del suo tempo.

Ma la guerra ha sconvolto la sua vita e il suo lavoro. Ebrea, perse il suo studio parigino durante l'occupazione, che la costrinse a nascondersi nell'Ardèche per diversi anni, durante i quali la sua famiglia e i suoi amici furono perseguitati. Tornata a Parigi dopo il 1945, dopo aver perso tutto, l'autrice rivolge uno sguardo acuto ma empatico alle vittime della guerra e uno sguardo molto più distante al glamour e al denaro. Dagli abbagli ai tempi più bui, dagli artisti d'avanguardia ai rifugiati indigenti, fino allo stupefacente lavoro metaforico sui mattatoi parigini, i ritratti di Madame d'Ora raccontano in modo suggestivo gli sconvolgimenti della prima metà del XX secolo.

La mostra presenterà collezioni di stampe d'epoca provenienti dai musei di Vienna, Linz (Austria), Amburgo, Berlino (Germania) e Parigi, insieme a un'ampia raccolta di documenti che illustrano il contesto storico.

Curatore della mostra: Monika FABER, ex curatore del Museum Moderner Kunst di Vienna ed ex curatore capo della collezione fotografica dell'Albertina. Dal 2011 è direttrice di Photoinstittu Bonartes, che si dedica alla ricerca sulla fotografia storica in Austria e in Europa centrale. È anche autrice di numerose pubblicazioni sulla storia della fotografia.

Magdalena VUKOVIC, storica della fotografia e curatrice, è specializzata nella fotografia in Austria fino agli anni Cinquanta. Dal 2011 lavora come curatrice presso il Photoinstitut Bonartes di Vienna. Nel suo lavoro privilegia un approccio interdisciplinare, lavorando a stretto contatto con ricercatori di diversi settori.

Indeed, under the name of Madame d'Ora, Dora KALLMUS (1881-1963) was a renowned photographer, working as a socialite portraitist first in Vienna, then a major cultural center and laboratory of modernity in Europe, and then in the Paris of the Roaring Twenties.

From her portrait of the painter Gustav Klimt in 1908 to that of Picasso in 1958, using the most modern techniques, she treated numerous subjects over the course of an extraordinary career lasting more than fifty years.

In 1908, she was one of the first women to open a photography studio in Vienna. Aristocrats, actresses and fashion designers appreciated her artistic intuition, her talent for capturing the personality of her models, for arranging clothes and accessories, and soon many magazines regularly published her images.

In 1925 she moved to Paris, where she was immediately called upon by haute couture houses such as Balenciaga and Chanel to photograph the elegant outfits worn by Tamara de Lempicka, Josephine Baker and many others. A major figure on the art scene, she made numerous studio portraits of fashionable personalities, whom she rubbed shoulders with in the high society of her time.

But the war disrupted her life and her work. A Jew, she lost her Paris studio during the Occupation, which forced her to hide in the Ardèche for several years during which her family and friends were persecuted. Returning to Paris after 1945, having lost everything, she takes a sharp but empathetic look at the victims of the war, and a much more distant look at glamour and money. From the dazzling to the darkest times, from avant-garde artists to destitute refugees, to the astonishing metaphorical work on the Parisian slaughterhouses, Madame d'Ora's portraits tell the story of the upheavals of the first half of the twentieth century in a powerful way.

The exhibition will feature collections of vintage prints from museums in Vienna, Linz (Austria), Hamburg, Berlin (Germany), and Paris, along with an extensive collection of documents illustrating the historical context.

Curator of the exhibition: Monika FABER, was curator at the Museum Moderner Kunst in Vienna and then chief curator of the photography collection at the Albertina. Since 2011, she has been the director of Photoinstittu Bonartes, which is dedicated to research on historical photography in Austria and Central Europe. She has also authored numerous publications on the history of photography.

Magdalena VUKOVIC, is a photographic historian and curator, specializing in photography in Austria until the 1950s. Since 2011 she has been working as a curator at the Photoinstitut Bonartes in Vienna. In her work, she favors an interdisciplinary approach collaborating closely with researchers from different fields.

(Text: Pavillon Polulpair, Montpellier)

Aargauer Kunsthaus | Aarau
18. Februar - 29. Mai 2023

Vitamin
Augustin Rebetez

Es kann laut und unbequem werden. Augustin Rebetez (*1986) ist das recht: Er hat keine Angst davor, sein Publikum herauszufordern, und bekämpft gerne Feuer mit Feuer. So wird es im grauen Winter plötzlich wohlig warm. Rebetez’ Werke spenden Energie und zeigen seine Freude, die Überforderungen und Widersprüche des modernen Lebens zu einem Sinnesgewitter aufzubauen. Die Arbeiten des Westschweizer Künstlers lassen fantastische Welten entstehen und lösen Alltagskonventionen mit düsterer Leichtigkeit auf.

Rebetez ist Sammler und Dichter zugleich. Er eignet sich einfach verständliche Zeichen an, die interkulturell lesbar sind, und kondensiert sie zu Ensembles und Szenografien. Aus den unterschiedlichsten Medien erschafft er so raumgreifende, vielschichtige Installationen. Ihm gelingt damit ein poetisches Spiel zwischen high und low art.

Im Zeichen der belebenden und universellen Wirkung von Kunst vereint die grosse Einzelausstellung Vitamin eine Fülle neuer Arbeiten zu einem einmaligen Kunsterlebnis.

Cela peut devenir bruyant et inconfortable, ce qui convient à Augustin Rebetez (*1986): il n'a pas peur de défier son public et aime combattre le feu avec le feu. Une confortable chaleur émane ainsi soudainement de la grisaille hivernale. Les œuvres d'Augustin Rebetez dégagent de l'énergie et traduisent son plaisir d'ériger les surmenages et les contradictions de la vie moderne en une tempête des sens. Les ouvrages de l'artiste romand font naître des mondes fantastiques et défont, d’une facilité affligeante, les conventions du quotidien.

Rebetez est à la fois collectionneur et poète. S'appropriant des signes faciles à comprendre et d'une lisibilité interculturelle, il les condense dans des ensembles et des scénographies. A partir des médiums les plus divers, il réalise des installations éclectiques de grande ampleur. Il réussit ainsi à créer un jeu poétique entre art noble (high art) et art populaire (low art).

Placée sous le signe de l'effet vivifiant et universel de l'art, l'importante exposition individuelle Vitamine réunit une pléiade de nouvelles réalisations en une expérience artistique hors du commun.

Un’atmosfera rumorosa e un sentimento di disagio. A Augustin Rebetez (*1986) piace così: non ha paura di sfidare il suo pubblico e ama combattere il fuoco con il fuoco. Nel grigiore dell’inverno, eccoci improvvisamente immersi in un piacevole tepore. Le opere dell’artista romando emanano energia e nascono dal desiderio di trasformare il sovraffaticamento e le contraddizioni della vita moderna in una tempesta sensoriale. I suoi lavori creano mondi fantastici e dissolvono le convenzioni della quotidianità con cupa leggerezza.

Rebetez è al tempo stesso collezionista e poeta. Si appropria di segni facilmente comprensibili, leggibili in modo interculturale e li condensa in scenografici assiemi. Servendosi di una varietà di media, crea complesse installazioni ambientali, intessendo un poetico gioco tra arte alta e bassa.

All’insegna dell’effetto vitalizzante e universale dell’arte, l’ampia mostra personale, intitolata Vitamin, coniuga numerose opere inedite in un’esperienza unica.

It may get loud and uncomfortable. That suits Augustin Rebetez (*1986) just fine: He has no qualms about challenging his public and is happy to fight fire with fire. In an instant, the bleak chill of winter is replaced with a pleasant warmth. Rebetez’ works crackle with energy and declare his delight in transforming the challenges and contradictions of modern life into a sensory storm. The  creations by the artist from western Switzerland conjure up fantastical worlds and shatter everyday conventions with sinister nonchalance.

Rebetez is both a collector and a storyteller. He simply assimilates relatable symbols which resonate between cultures and condenses them into ensembles and scenographies. Thus, he creates expansive, multi-layered installations from the most diverse media to achieve a poetic blend of high and low art.

In keeping with the theme of the revitalizing, universal effect of Art, this large solo exhibition Vitamin brings together many new works in an extraordinary artistic experience.

(Text: Aargauer Kunsthaus, Aarau)

Foam | Amsterdam
17. Februar - 21. Mai 2023

Haufi nyana? I’ve come to take you home
Lebohang Kganye

Lebohang Kganye konzentriert sich auf die Erforschung der persönlichen und kollektiven "Mikrogeschichten" ihrer Familie. Ihre Arbeit ist eingebettet in die breitere Geschichte Südafrikas vor, während und nach der Apartheid und dem Kolonialismus. Die Ausstellung zeigt das komplexe visuelle Vokabular der Künstlerin und die Vielfalt der Medien und Herangehensweisen, mit denen sie arbeitet - von Fotomontagen bis zu Rauminstallationen, von Filmanimationen bis zu Patchwork.

Die Idee der Heimat

Kganye bewegt sich mühelos in der Sphäre der Möglichkeiten und entwickelt Methoden zur Dekolonialisierung des Mediums Fotografie und des südafrikanischen Kulturerbes.

Haufi nyana?" bedeutet "Zu nah?" in Sesotho, einer der elf offiziellen Sprachen Südafrikas. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf die Art des Dialogs zwischen einem Betrachter und dem Künstler: Wie weit kann man sich einerseits auf eine fotografische Autobiografie einlassen und wie sehr kann man andererseits eine persönliche Geschichte teilen? Es bezieht sich auch auf die Idee von "Heimat" - die weit weg, nah oder zu nah sein kann... vielleicht sogar gleichzeitig.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) erhielt ihre Einführung in die Fotografie beim Market Photo Workshop in Johannesburg im Jahr 2009 und schloss das Programm für fortgeschrittene Fotografie im Jahr 2011 ab. Sie erwarb 2014 ein Diplom in Bildender Kunst an der Universität von Johannesburg und macht derzeit ihren Master in Bildender Kunst an der Witwatersrand University. Neben dem Foam Paul Huf Award 2022 erhielt sie in jüngster Zeit unter anderem den Grand Prix Images Vevey 2021/22, den Paulo Cunha e Silva Art Prize 2020 und den Camera Austria Award of 2019.

Lebohang Kganye s'attache à explorer les "micro-histoires" personnelles et collectives de sa famille. Son travail s'inscrit dans l'histoire plus large de l'Afrique du Sud, avant, pendant et après l'apartheid et le colonialisme. L'exposition montre le vocabulaire visuel complexe de l'artiste et la diversité des médias et des approches qu'elle utilise - des montages photographiques à l'installation spatiale, et de l'animation cinématographique au patchwork.

L'idée du foyer

Se déplaçant avec aisance dans la sphère des possibilités, Kganye développe des méthodes de décolonisation du médium de la photographie et du patrimoine culturel sud-africain.

Haufi nyana ?" signifie "Trop près ?" en sesotho, l'une des onze langues officielles de l'Afrique du Sud. Le titre de l'exposition fait référence à la nature du dialogue entre un spectateur et l'artiste : jusqu'où peut-on entrer dans une autobiographie photographique d'une part, et jusqu'où peut-on partager une histoire personnelle d'autre part ? Cela renvoie également à l'idée de "chez soi", qui peut être loin, proche ou trop proche... peut-être même simultanément.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) s'est initiée à la photographie au Market Photo Workshop de Johannesburg en 2009 et a suivi le programme avancé de photographie en 2011. Elle a obtenu un diplôme en beaux-arts de l'université de Johannesburg en 2014 et fait actuellement son master en beaux-arts à l'université de Witwatersrand. Outre le prix Foam Paul Huf 2022, d'autres récompenses récentes notables incluent le Grand Prix Images Vevey 2021/22, le prix Paulo Cunha e Silva Art 2020 et le prix Camera Austria de 2019.

Lebohang Kganye si concentra sull'esplorazione delle "microstorie" personali e collettive della sua famiglia. Il suo lavoro è inserito nella più ampia storia del Sudafrica, prima, durante e dopo l'apartheid e il colonialismo. La mostra mostra il complesso vocabolario visivo dell'artista e la diversità dei media e degli approcci con cui si impegna: dai montaggi fotografici alle installazioni spaziali, dall'animazione cinematografica al patchwork.

L'idea di casa

Muovendosi con disinvoltura nella sfera delle possibilità, Kganye sviluppa metodi per decolonizzare il mezzo fotografico e il patrimonio culturale sudafricano.

Haufi nyana?" significa "Troppo vicino?" in Sesotho, una delle undici lingue ufficiali del Sudafrica. Il titolo della mostra si riferisce alla natura del dialogo tra lo spettatore e l'artista: fino a che punto si può entrare in un'autobiografia fotografica, da un lato, e quanto si può condividere una storia personale, dall'altro? Si riferisce anche all'idea di "casa", che può essere lontana, vicina o troppo vicina... forse anche contemporaneamente.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) si è avvicinata alla fotografia al Market Photo Workshop di Johannesburg nel 2009 e ha completato il programma di fotografia avanzata nel 2011. Nel 2014 ha conseguito un diploma in Belle Arti presso l'Università di Johannesburg e attualmente sta svolgendo un master in Belle Arti presso la Witwatersrand University. Oltre al Foam Paul Huf Award 2022, altri importanti riconoscimenti recenti includono il Grand Prix Images Vevey 2021/22, il Paulo Cunha e Silva Art Prize 2020 e il Camera Austria Award 2019.

Lebohang Kganye focuses on exploring her family's personal and collective ‘micro histories’. Her work is embedded in the wider history of South Africa from before, during, and in the aftermath of apartheid and colonialism. The exhibition shows the artist's complex visual vocabulary and the diversity of media and approaches she engages with — from photographic montages to spatial installation, and from film animation to patchwork.

The idea of home

Effortlessly moving within the sphere of possibilities, Kganye develops methods of decolonizing the medium of photography and South African cultural heritage.

‘Haufi nyana?’ means ‘Too close?’ in Sesotho, one of the eleven official languages of South Africa. The exhibition title refers to the nature of the dialogue between a viewer and the artist: how far can one enter a photographic autobiography on the one hand, and how much can one share a personal story on the other? It also refers to the idea of ‘home’ — which can be far, close, or too close… perhaps even simultaneously.

Lebohang Kganye (1990, Johannesburg, SA) received her introduction to photography at the Market Photo Workshop in Johannesburg, in 2009 and completed the Advanced Photography Programme in 2011. She obtained a diploma in Fine Arts from the University of Johannesburg in 2014 and is currently doing her masters' in Fine Arts at Witwatersrand University. Apart from the Foam Paul Huf Award 2022, other notable recent awards include the Grand Prix Images Vevey 2021/22, Paulo Cunha e Silva Art Prize 2020 and the Camera Austria Award of 2019.

(Text: Foam, Amsterdam)

Centre de la photographie Genève
15. Februar - 16. April 2023

Avez-vous déjà vu un iceberg sous la pluie ?
Anastasia Mityukova

Die Arktis stinkt hier nach Tod. Während ihres Aufenthalts in Qaanaaq, dem nördlichsten Ort Grönlands, misst Anastasia Mityukova die Distanz zwischen der Vorstellung des Polarkreises und seiner Realität. Seit mehreren Jahren untersucht, dekonstruiert und konfrontiert sie die westliche visuelle Kultur des Nordpols mit der Realität. Sie wurde durch unzählige Dokumentarfilme, Bildbände und Fotoreportagen geprägt und beruht auf Forschern, die als Helden gefeiert werden, einer Tierwelt, die zu einem generischen Symbol für die globale Erwärmung geworden ist, oder unberührten Landschaften. Sie vermittelt Phantasien von Reinheit, Abenteuer, Exotik und Authentizität und stößt sich dabei an komplexeren Realitäten: geopolitische Interessen aller Art, eine Kolonialgeschichte, die als solche kaum diskutiert wird, oder eine gewisse Ambivalenz gegenüber dem Klimawandel. Der Künstler greift diese Widersprüche auf, um diesen Darstellungen Nuancen und Komplexität zu verleihen und zu betonen, wie sehr unser Blick konstruiert und geformt ist.

L’Arctique, ici, pue la mort. En résidence à Qaanaaq, localité la plus septentrionale du Groenland, Anastasia Mityukova mesure la distance qui sépare l’imaginaire du cercle polaire de sa réalité. Depuis plusieurs années, elle étudie, déconstruit et confronte au réel la culture visuelle occidentale du pôle Nord. Façonnée par d’innombrables films documentaires, livres illustrés ou reportages photographiques, elle repose sur des explorateurs acclamés en héros, une faune devenue un symbole générique du réchauffement climatique, ou des paysages immaculés. Elle fait la part belle à des fantasmes de pureté, d’aventure, d’exotisme et d’authenticité, offusquant des réalités plus complexes : des intérêts géopolitiques de tous bords, une histoire coloniale peu débattue comme telle, ou une certaine ambivalence face aux changements climatiques. L’artiste se saisit de ces contradictions pour apporter nuance et complexité à ces représentations, et souligner à quel point notre regard est construit et modelé.

L'Artico qui puzza di morte. In residenza a Qaanaaq, la città più settentrionale della Groenlandia, Anastasia Mityukova misura la distanza che separa l'immaginario del Circolo Polare Artico dalla sua realtà. Da diversi anni studia, decostruisce e confronta la cultura visiva occidentale del Polo Nord con la realtà. Plasmata da innumerevoli documentari, libri illustrati o reportage fotografici, si basa su esploratori acclamati come eroi, su una fauna divenuta simbolo generico del riscaldamento globale o su paesaggi immacolati. Dà spazio a fantasie di purezza, avventura, esotismo e autenticità, offendendo realtà più complesse: interessi geopolitici da tutte le parti, una storia coloniale poco discussa in quanto tale o una certa ambivalenza nei confronti del cambiamento climatico. L'artista coglie queste contraddizioni per dare sfumature e complessità a queste rappresentazioni e per sottolineare quanto la nostra visione sia costruita e modellata.

The Arctic here stinks of death. In residence in Qaanaaq, the northernmost town in Greenland, Anastasia Mityukova measures the distance that separates the imaginary of the Arctic Circle from its reality. For several years, she has been studying, deconstructing and confronting the Western visual culture of the North Pole with reality. Shaped by countless documentary films, illustrated books or photographic reports, it is based on explorers acclaimed as heroes, a fauna that has become a generic symbol of global warming, or immaculate landscapes. It gives pride of place to fantasies of purity, adventure, exoticism and authenticity, offending more complex realities: geopolitical interests on all sides, a colonial history little discussed as such, or a certain ambivalence in the face of climate change. The artist seizes on these contradictions to bring nuance and complexity to these representations, and to underline the extent to which our view is constructed and shaped.

(Text: Centre de la photographie Genève)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
14. Februar - 23. April 2023

L'équilibre des forces
Paul Strand

Die Stiftung HCB wirft einen neuen Blick auf das Werk des amerikanischen Fotografen Paul Strand (1890-1976) aus den Sammlungen der Fundación MAPFRE, Madrid. Strand wird oft als Pionier der Straight Photography gefeiert, doch die Ausstellung geht auch auf die zutiefst politische Dimension seiner Arbeit ein.

"Gegensätze werden durch Gegensätze geheilt", lautet ein bekanntes Sprichwort. Paul Strand ist der Erbe zweier großer fotografischer Traditionen, die oft als antagonistisch dargestellt werden. Eine formalistische Tendenz, die zu beweisen versucht, dass die Fotografie eine Kunst ist. Eine soziale Tendenz, die sie eher als ein dokumentarisches Werkzeug im Dienste eines politischen Projekts betrachtet. Alfred Stieglitz und Lewis Hine, die in der Geschichte der Fotografie diese beiden Pole verkörpern, waren beide Strands Mentoren während seiner Ausbildungsjahre, was vielleicht eine Erklärung dafür ist.

Obwohl Strand Mitte der 1910er Jahre die Gesichter der Menschen in den Straßen von New York fotografierte, war der erste Teil seines Werks besonders stark vom Formalismus geprägt. Als Stieglitz ihm 1917 die letzte Ausgabe seiner berühmten Zeitschrift Camera Work widmete, ging es ihm vor allem darum, zu zeigen, dass die Fotografie eine eigenständige künstlerische Sprache besitzt. Nach einem Aufenthalt in Mexiko (1932-1934) und einer Reise nach Moskau (1935) wurde sein Ansatz stärker politisiert. Er ist Mitglied der American Labor Party und arbeitet mit mehr als zwanzig Organisationen zusammen, die zur Zeit des McCarthyismus als "antiamerikanisch" eingestuft werden. Dies führt dazu, dass er die USA verlässt und nach Frankreich zieht. Viele von Strands Entscheidungen sind von diesem politischen Bewusstsein bestimmt: seine Themen, die Orte, an denen er fotografiert, die Schriftsteller, mit denen er zusammenarbeitet, aber auch die Wahl des Buches als Hauptvektor für die Verbreitung seiner Bilder.

In den letzten Jahrzehnten haben sich viele Strand gewidmete Ausstellungen auf seinen formalistischen Ansatz konzentriert. Ohne diesen Aspekt zu vernachlässigen, soll das vorliegende Projekt Strand neu kontextualisieren, indem es die Bedeutung seines politischen Engagements in Erinnerung ruft. Zwischen formaler Forschung und sozialem Engagement geht es hier darum, die Kräfte, die in seiner Praxis am Werk sind, wieder ins Gleichgewicht zu bringen. Denn wenn Strand oft als einer der größten Fotografen des 20. Jahrhunderts bezeichnet wird, dann gerade deshalb, weil er es auf bewundernswerte Weise verstanden hat, eine Synthese zwischen diesen beiden Polaritäten vorzuschlagen.

Die Ausstellung zeigt rund 120 Abzüge aus der Sammlung der Fundación MAPFRE, Madrid, den Film Manhatta, der 1921 von Paul Strand und Charles Sheeler gedreht wurde, sowie einige Abzüge, die vom Centre Pompidou ausgeliehen wurden.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux

Produktion: Eine von der Fondation Henri Cartier-Bresson organisierte Ausstellung mit den Sammlungen der Fundación MAPFRE, Madrid.

La Fondation HCB porte un nouveau regard sur l'oeuvre du photographe américain Paul Strand (1890‑1976) à partir des collections de la Fundación MAPFRE, Madrid. Alors que Strand est souvent célébré comme étant pionnier de la straight photography (ou photographie directe), cette exposition revient également sur la dimension profondément politique de son travail.

« Les contraires se guérissent par les contraires » dit la formule. Paul Strand est l’héritier de deux grandes traditions photographiques souvent présentées comme antagonistes. Une tendance formaliste cherchant à démontrer que la photographie est un art. Une tendance sociale, l’envisageant davantage comme un outil documentaire au service d’un projet politique. Alfred Stieglitz et Lewis Hine, qui, dans l’histoire de la photographie, incarnent ces deux pôles, ont tous les deux été les mentors de Strand durant ses années de formation, ceci explique peut‑être cela.

Même si, au milieu des années 1910, Strand photographie le visage du peuple dans les rues de New York, la première partie de son œuvre est particulièrement marquée par le formalisme. Lorsqu’en 1917, Stieglitz lui consacre le dernier numéro de sa fameuse revue Camera Work, il s’agit surtout de démontrer que la photographie possède un langage artistique autonome. C’est à partir d’un séjour au Mexique (1932-1934), puis d’un voyage à Moscou (1935), que sa démarche se politise davantage. Il est membre de l’American Labor Party et travaille avec plus d’une vingtaine d’organisations qui, au moment du maccarthysme, seront classées comme « anti-américaines ». Ce qui le conduira à quitter les États-Unis et à venir s’installer en France. Beaucoup des choix de Strand sont déterminés par cette conscience politique : ses sujets, les lieux où il photographie, les écrivains avec lesquelles il travaille, mais aussi le choix du livre comme principal vecteur de diffusion de ses images.

Ces dernières décennies, nombre d’expositions consacrées à Strand se sont focalisées sur son approche formaliste. Sans aucunement minimiser cette dimension, le présent projet se propose de recontextualiser Strand en rappelant l’importance de son engagement politique. Entre recherche formelle et implication sociale, il s’agit bien ici de rééquilibrer les forces à l’oeuvre dans sa pratique. Car si Strand est souvent présenté comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle, c’est précisément parce qu’il a su admirablement proposer une synthèse entre ces deux polarités.

L'exposition présente près de 120 tirages issus des collections de la Fundación MAPFRE, Madrid, le film Manhatta réalisé par Paul Strand et Charles Sheeler en 1921 ainsi que quelques tirages prêtés par le Centre Pompidou.

Commissaire de l'exposition: Clément Chéroux

Production: Une exposition organisée par la Fondation Henri Cartier-Bresson avec les collections de la Fundación MAPFRE, Madrid.

La Fondation HCB presenta una nuova opera del fotografo americano Paul Strand (1890-1976) proveniente dalle collezioni della Fundación MAPFRE di Madrid. Se Strand è spesso celebrato come pioniere della fotografia diretta, questa mostra analizza anche la dimensione profondamente politica del suo lavoro.

Si dice che "gli opposti si curano con gli opposti". Paul Strand è l'erede di due grandi tradizioni fotografiche spesso presentate come antagoniste. Una tendenza formalista che cerca di dimostrare che la fotografia è un'arte. Una tendenza sociale che lo vede più come uno strumento documentario al servizio di un progetto politico. Alfred Stieglitz e Lewis Hine, che nella storia della fotografia incarnano questi due poli, sono stati entrambi mentori di Strand negli anni della sua formazione, quindi forse questo spiega il motivo.

Sebbene Strand abbia fotografato i volti della gente per le strade di New York a metà degli anni Dieci, la prima parte del suo lavoro è stata particolarmente caratterizzata dal formalismo. Quando, nel 1917, Stieglitz gli dedicò l'ultimo numero della sua famosa rivista Camera Work, fu soprattutto per dimostrare che la fotografia aveva un linguaggio artistico autonomo. È dopo un soggiorno in Messico (1932-1934) e un viaggio a Mosca (1935) che il suo approccio diventa più politico. È stato membro del Partito Laburista Americano e ha collaborato con più di venti organizzazioni che, all'epoca del maccartismo, erano classificate come "antiamericane". Questo lo portò a lasciare gli Stati Uniti e a trasferirsi in Francia. Molte delle scelte di Strand sono state determinate da questa consapevolezza politica: i soggetti, i luoghi in cui ha fotografato, gli scrittori con cui ha lavorato, ma anche la scelta del libro come principale veicolo di diffusione delle sue immagini.

Negli ultimi decenni, molte mostre dedicate a Strand si sono concentrate sul suo approccio formalista. Senza minimizzare in alcun modo questa dimensione, il presente progetto intende ricontestualizzare Strand ricordando l'importanza del suo impegno politico. Tra ricerca formale e coinvolgimento sociale, l'obiettivo è quello di riequilibrare le forze in gioco nella sua pratica. Infatti, se Strand viene spesso presentato come uno dei più grandi fotografi del XX secolo, è proprio perché ha saputo proporre una sintesi tra queste due polarità.

La mostra presenta quasi 120 stampe provenienti dalle collezioni della Fundación MAPFRE di Madrid, il film Manhatta realizzato da Paul Strand e Charles Sheeler nel 1921 e alcune stampe in prestito dal Centre Pompidou.

Curatore della mostra: Clément Chéroux

Produzione: Mostra organizzata dalla Fondazione Henri Cartier-Bresson con le collezioni della Fundación MAPFRE, Madrid.

The HCB Foundation takes a new look at the work of American photographer Paul Strand (1890-1976) from the collections of the Fundación MAPFRE, Madrid. While Strand is often celebrated as a pioneer of straight photography, this exhibition also revisits the deeply political dimension of his work.

"Opposites are cured by opposites" goes the saying. Paul Strand is the heir of two great photographic traditions often presented as antagonistic. A formalist tendency seeking to demonstrate that photography is an art. A social trend, considering it more as a documentary tool in the service of a political project. Alfred Stieglitz and Lewis Hine, who, in the history of photography, embody these two poles, were both Strand's mentors during his formative years, which perhaps explains this.

Although Strand photographed the faces of the people on the streets of New York in the mid-1910s, the first part of his work was particularly marked by formalism. When Stieglitz devoted the last issue of his famous magazine Camera Work to him in 1917, it was mainly to demonstrate that photography had its own artistic language. It was after a stay in Mexico (1932-1934), then a trip to Moscow (1935), that his approach became more political. He was a member of the American Labor Party and worked with more than twenty organizations which, at the time of McCarthyism, were classified as "anti-American". This led him to leave the United States and move to France. Many of Strand's choices were determined by this political awareness: his subjects, the places where he photographed, the writers with whom he worked, but also the choice of the book as the main vehicle for the dissemination of his images.

In recent decades, many exhibitions devoted to Strand have focused on his formalist approach. Without in any way minimizing this dimension, the present project proposes to recontextualize Strand by recalling the importance of his political commitment. Between formal research and social involvement, the aim here is to rebalance the forces at work in his practice. If Strand is often presented as one of the greatest photographers of the 20th century, it is precisely because he was able to propose a synthesis between these two polarities.

The exhibition presents nearly 120 prints from the collections of the Fundación MAPFRE, Madrid, the film Manhatta made by Paul Strand and Charles Sheeler in 1921, as well as a few prints lent by the Centre Pompidou.

Curator of the exhibition: Clément Chéroux

Production: An exhibition organized by the Henri Cartier-Bresson Foundation with the collections of the Fundación MAPFRE, Madrid.

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
14. Februar - 23. April 2023

Mexico
Helen Levitt

Die Fondation HCB freut sich, einen bisher unveröffentlichten Dialog zwischen den mexikanischen Fotografien von Helen Levitt (1913-2009) und denen von Henri Cartier-Bresson (1908-2004) anzubieten. Die beiden Fotografen trafen sich im Frühjahr 1935 in New York. Henri Cartier-Bresson hatte gerade fast ein Jahr in Mexiko verbracht und die amerikanische Fotografin hatte gerade erst begonnen, das New Yorker Straßentheater zu fotografieren. Im Jahr 1941 wählte Helen Levitt, die von den Fotografien des Franzosen fasziniert war, das gleiche Reiseziel. Diese beiden Reisen nach Mexiko erwiesen sich als entscheidend für den Beginn ihrer langen Karrieren, da Henri Cartier-Bresson und Helen Levitt dort ihre jeweiligen Auffassungen von Fotografie formten.

1934 reiste Henri Cartier-Bresson nach Mexiko, um an einer ethnografischen Mission teilzunehmen, die wegen fehlender Finanzierung abgebrochen worden war. Er war von dem Land sehr angetan und beschloss, neun Monate dort zu bleiben. "Er schrieb an seine Eltern: "Es ist keine Sehenswürdigkeit, die man besuchen sollte, sondern ein Leben, das man leben sollte. Er lernte dort viele Künstler kennen und stellte im März 1935 zusammen mit Manuel Álvarez Bravo im Palacio de Bellas Artes in Mexiko-Stadt aus, bevor er nach New York weiterreiste.

Im April 1935 war die 21-jährige Helen Levitt, die noch nie zuvor gereist war, von den mexikanischen Bildern des Franzosen überwältigt, die sie bei der Ausstellung Documentary & Anti-Graphic Photographs in der Julien Levy Gallery in New York entdeckte. Die Fotografien von Henri Cartier-Bresson stehen neben denen von Manuel Álvarez Bravo und Walker Evans. "Walker Evans war brillant, sehr brillant, aber Cartier-Bresson war ein Genie", sagte sie gerne. Die Begegnung mit den beiden letztgenannten entschied Helen Levitt, selbst Fotografin zu werden. Sie half Henri Cartier-Bresson auch bei seinen Abzügen, denn "er schoss nicht gerne", wie sie Jahre später erzählte.

Einige Jahre später, 1941, schiffte sich Helen Levitt zusammen mit Alma Agee, der Frau des Romanautors James Agee, und ihrem Sohn Joel nach Mexiko ein. In ihrer langen fotografischen Karriere ist dies die einzige Auslandsreise, die sie unternimmt. Sie blieb in Mexiko-Stadt und erkundete die Gebiete, die noch an die Landschaft grenzten. Wie in New York sucht sie die Vertrautheit mit den Personen in ihren Bildern. Und wie Cartier-Bresson ist es auch das Pittoreske, das sie meidet.

Die Ausstellung basiert auf den Sammlungen der Fondation Henri Cartier-Bresson und dem Archiv von Helen Levitt, die von der Galerie Thomas Zander (Köln) vertreten werden. Sie zeigt rund 60 Abzüge von Henri Cartier-Bresson und Helen Levitt sowie Dokumente, die die Reisen der beiden Fotografen nach Mexiko dokumentieren.

Kuratoren: Agnès Sire und Clément Chéroux, Direktor, Stiftung HCB

La Fondation HCB est heureuse de proposer un dialogue inédit entre les photographies mexicaines de Helen Levitt (1913-2009) et celles de Henri Cartier‑Bresson (1908-2004). Les deux photographes se rencontrent à New York au printemps 1935. Henri Cartier-Bresson vient de passer presque un an au Mexique et la photographe américaine commence tout juste à photographier le théâtre de la rue new-yorkaise. En 1941, fascinée par les photographies du Français, Helen Levitt choisit la même destination. Ces deux périples au Mexique s’avèrent décisifs au début de leurs longues carrières, Henri Cartier-Bresson et Helen Levitt y forgeant leurs conceptions respectives de la photographie.

En 1934, Henri Cartier-Bresson part au Mexique pour suivre une mission ethnographique interrompue en cours de route, faute de financement. Très séduit par le pays, il décide d’y rester neuf mois. « Ce n’est pas une curiosité à visiter mais une vie à vivre », écrit-il à ses parents. Il y rencontre de nombreux artistes et y expose en mars 1935 avec Manuel Álvarez Bravo au Palacio de Bellas Artes à Mexico, avant de partir pour New York.

En avril 1935, âgée de 21 ans et n’ayant encore jamais voyagé, Helen Levitt est subjuguée par les images mexicaines du Français qu’elle découvre à l’occasion de l’exposition Documentary & Anti‑Graphic Photographs présentée à la galerie Julien Levy à New York. Les photographies d’Henri Cartier‑Bresson côtoient celles de Manuel Álvarez Bravo et de Walker Evans. « Walker Evans était brillant, très brillant, mais Cartier-Bresson était un génie ! » aimait-elle à dire. La rencontre avec ces deux derniers décide Helen Levitt à devenir elle-même photographe. Elle aide aussi Henri Cartier‑Bresson pour ses tirages car « il n’aimait pas tirer », racontera-t-elle des années plus tard.

Quelques années après, en 1941, Helen Levitt embarque pour le Mexique en compagnie d’Alma Agee, épouse du romancier James Agee, et de son fils Joel. De toute sa longue carrière photographique, c’est le seul voyage à l’étranger qu’elle fera. Elle reste dans la ville de Mexico s’attachant à explorer les territoires encore à la limite de la campagne. Comme à New York, c’est l’intimité avec les personnages de ses images qu’elle recherche. Et comme Cartier‑Bresson, c’est aussi le pittoresque qu’elle fuit.

Réalisée à partir des collections de la Fondation Henri Cartier-Bresson et des archives d’Helen Levitt, représentées par la Galerie Thomas Zander (Cologne), cette exposition présente une soixantaine de tirages d’Henri Cartier‑Bresson et d’Helen Levitt, ainsi que des documents retraçant les pérégrinations respectives des deux photographes au Mexique.

Commissariat: Agnès Sire et Clément Chéroux, directeur, Fondation HCB

La Fondazione HCB è lieta di presentare un nuovo dialogo tra le fotografie messicane di Helen Levitt (1913-2009) e quelle di Henri Cartier-Bresson (1908-2004). I due fotografi si incontrano a New York nella primavera del 1935. Henri Cartier-Bresson aveva appena trascorso quasi un anno in Messico e il fotografo americano aveva appena iniziato a fotografare il teatro di strada di New York. Nel 1941, affascinata dalle fotografie del francese, Helen Levitt scelse la stessa destinazione. Questi due viaggi in Messico si rivelarono decisivi per l'inizio della loro lunga carriera: Henri Cartier-Bresson e Helen Levitt forgiarono le loro rispettive concezioni della fotografia.

Nel 1934, Henri Cartier-Bresson partì per il Messico per seguire una missione etnografica che fu interrotta durante il viaggio per mancanza di fondi. Era molto attratto dal Paese e decise di rimanere per nove mesi. "Non è una curiosità da visitare, ma una vita da vivere", scriveva ai suoi genitori. Lì incontra molti artisti e nel marzo 1935 espone con Manuel Álvarez Bravo al Palacio de Bellas Artes di Città del Messico, prima di partire per New York.

Nell'aprile del 1935, all'età di 21 anni e senza aver mai viaggiato prima, Helen Levitt rimase affascinata dalle immagini messicane del francese, che scoprì alla mostra Documentary & Anti-Graphic Photographs presso la Julien Levy Gallery di New York. Le fotografie di Henri Cartier-Bresson si affiancano a quelle di Manuel Álvarez Bravo e Walker Evans. "Walker Evans era brillante, molto brillante, ma Cartier-Bresson era un genio", amava dire. L'incontro con questi due personaggi decise Helen Levitt a diventare lei stessa fotografa. Ha anche aiutato Henri Cartier-Bresson con le sue stampe perché "non gli piaceva scattare", ha detto anni dopo.

Qualche anno dopo, nel 1941, Helen Levitt salpò per il Messico con Alma Agee, moglie del romanziere James Agee, e suo figlio Joel. Questo è stato l'unico viaggio all'estero della sua lunga carriera fotografica. È rimasta a Città del Messico, esplorando i territori ancora ai margini della campagna. Come a New York, è l'intimità con i personaggi delle sue immagini che cerca. E come Cartier-Bresson, anche lei rifugge il pittoresco.

Basata sulle collezioni della Fondazione Henri Cartier-Bresson e sugli archivi di Helen Levitt, rappresentati dalla Galleria Thomas Zander (Colonia), questa mostra presenta una sessantina di stampe di Henri Cartier-Bresson e Helen Levitt, oltre a documenti che raccontano le rispettive peregrinazioni dei due fotografi in Messico.

A cura di Agnès Sire e Clément Chéroux, direttore della Fondazione HCB.

The HCB Foundation is pleased to present a new dialogue between the Mexican photographs of Helen Levitt (1913-2009) and those of Henri Cartier-Bresson (1908-2004). The two photographers met in New York in the spring of 1935. Henri Cartier-Bresson had just spent almost a year in Mexico and the American photographer was just beginning to photograph the New York street scene. In 1941, fascinated by the photographs of the Frenchman, Helen Levitt chose the same destination. These two trips to Mexico proved to be decisive in the beginning of their long careers, as Henri Cartier-Bresson and Helen Levitt forged their respective conceptions of photography.

In 1934, Henri Cartier-Bresson left for Mexico to follow an ethnographic mission that was interrupted en route due to lack of funding. Very attracted by the country, he decided to stay there for nine months. "It is not a curiosity to be visited but a life to be lived," he wrote to his parents. He met many artists and exhibited there in March 1935 with Manuel Álvarez Bravo at the Palacio de Bellas Artes in Mexico City, before leaving for New York.

In April 1935, at the age of 21 and having never traveled before, Helen Levitt was captivated by the Mexican images of the Frenchman, whom she discovered at the Documentary & Anti-Graphic Photographs exhibition presented at the Julien Levy Gallery in New York. The photographs of Henri Cartier-Bresson rub shoulders with those of Manuel Álvarez Bravo and Walker Evans. "Walker Evans was brilliant, very brilliant, but Cartier-Bresson was a genius" she liked to say. The meeting with these two decided Helen Levitt to become a photographer herself. She also helped Henri Cartier-Bresson with his prints because "he didn't like to shoot," she would recount years later.

A few years later, in 1941, Helen Levitt embarked for Mexico with Alma Agee, wife of novelist James Agee, and her son Joel. This was the only foreign trip she made in her long photographic career. She stayed in Mexico City, exploring the territories still on the edge of the countryside. As in New York, it is the intimacy with the characters in her images that she seeks. And like Cartier-Bresson, it is also the picturesque that she flees.

Based on the collections of the Henri Cartier-Bresson Foundation and Helen Levitt's archives, represented by the Thomas Zander Gallery (Cologne), this exhibition presents some sixty prints by Henri Cartier-Bresson and Helen Levitt, as well as documents recounting the respective peregrinations of the two photographers in Mexico.

Curated by Agnès Sire and Clément Chéroux, Director, Fondation HCB

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Centre Photographique d’Île-de-France | Pontault-Combault
12. Februar - 23. April 2023

Mauvaises herbes !

Pepe Atocha, Crystal Bennes, Simon Boudvin, Véronique Ellena, María Elvira Escallón, Lia Giraud, Geoffroy Mathieu, Nelly Monnier et Éric Tabuchi, Jürgen Nefzger, Edith Roux, Bruno Serralongue, SMITH et Kristof Vrancken

"Die Behandlung, die die Gesellschaft Pflanzen angedeihen lässt, ist ein Spiegelbild ihrer selbst", sagte die Botanikerin Lois Weinberger*.

Ihr Werk ist eine Einladung, die sogenannten Vagabunden oder Invasoren, die als "verrückt" oder "schlecht", d. h. als wertlos oder fehlerhaft, bezeichnet werden, mit anderen Augen zu sehen.

Diese Pflanzen, die verunglimpft und verniedlicht werden, sind oftmals dem Untergang geweiht: dem Ausreißen oder der chemischen Vernichtung.

Die Ausstellung Mauvaises herbes! umfasst aktuelle Arbeiten, die sich mithilfe der Fotografie in die lebendige und symbolische Welt dieser Unkrautpflanzen begeben. Diese wachsen und gedeihen überall und nach Belieben, in Zwischenräumen und auf Brachflächen, die oft vom Menschen vernachlässigt werden und zu Räumen der Freiheit und Kreativität werden.

Ein Kuratorium von Luce Lebart und Nathalie Giraudeau

« Le traitement que la société réserve aux plantes est une image-miroir d’elle-même » aimait dire l’artiste botaniste Lois Weinberger*.

Son œuvre est une invitation à considérer autrement celles que l’on appelle les vagabondes ou les invasives, et que l’on qualifie de « folles » ou de « mauvaises » c’est-à-dire sans valeur ou présentant un défaut.

Dénigrées et minorées, ces plantes sont souvent condamnées : à l’arrachage ou à la disparition chimique.

L’exposition Mauvaises herbes ! rassemble des travaux récents qui, impliquant la photographie, s’aventurent dans l’univers autant vivant que symbolique de ces plantes adventices. Celles-ci poussent et repoussent un peu partout et à leur gré, dans les interstices et les friches, zones qui, souvent délaissées par l'homme deviennent espaces de liberté et de créativité.

Un commissariat de Luce Lebart et Nathalie Giraudeau

"Il trattamento riservato dalla società alle piante è un'immagine speculare di se stessa", ha affermato l'artista e botanica Lois Weinberger*.

Il suo lavoro è un invito a guardare in modo diverso ciò che viene definito vagabondo o invasivo e che viene descritto come "pazzo" o "cattivo", cioè privo di valore o difettoso.

Denigrate e sottovalutate, queste piante sono spesso condannate: a essere sradicate o distrutte chimicamente.

La mostra Weeds! riunisce opere recenti che, utilizzando la fotografia, si avventurano nel mondo vivo e simbolico di queste erbacce. Queste piante crescono e ricrescono praticamente ovunque e a loro piacimento, negli interstizi e nelle aree incolte che, spesso trascurate dall'uomo, diventano spazi di libertà e creatività.

A cura di Luce Lebart e Nathalie Giraudeau

"Society's treatment of plants is a mirror image of itself," said the artist and botanist Lois Weinberger*.

Her work is an invitation to consider differently those that are called vagrant or invasive, and that are qualified as "crazy" or "bad", i.e. worthless or defective.

Denigrated and underestimated, these plants are often condemned to be uprooted or chemically destroyed.

The exhibition Mauvaises herbes ! gathers recent works which, involving photography, venture into the universe as much alive as symbolic of these weeds. These plants grow and regrow everywhere and at will, in the interstices and wastelands, areas that, often neglected by man, become spaces of freedom and creativity.

Curated by Luce Lebart and Nathalie Giraudeau

(Text: Centre Photographique d'Île-de-France, Pontault-Combault)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
12. Februar - 16. April 2023

Fotografien 1929-2019
Ellen Auerbach, Barbara Klemm

Die Ausstellung wie atmosphärisch die deutsch-amerikanische Fotografin Ellen Auerbach (geb. Rosenberg) u. a. die Stationen ihres Exils in Palästina und England festzuhalten wusste. Ihre Arbeiten präsentieren wir zusammen mit Werken von Barbara Klemm, der „Grande Dame“ der Schwarz-Weiß-Fotografie, die ein halbes Jahrhundert lang die wichtigen Ereignisse der deutschen Geschichte und Politik in ausdrucksstarken Aufnahmen festhielt. Das beeindruckende Œuvre von Barbara Klemm umfasst Landschaften, ikonenhafte Bilder von zeitgeschichtlich relevanten Ereignissen, Reisereportagen und Porträts künstlerischer Persönlichkeiten.

Ellen Auerbach (1906–2004) stammte aus einem bürgerlich-jüdischen Elternhaus. Mit 18 Jahren begann sie ein Studium der Bildhauerei in Karlsruhe, wo sie die Eltern von Barbara Klemm, Fritz Klemm und Gräfin Antonia von Westphalen, kennenlernte. 1929 zog sie nach Berlin, um eine fotografische Ausbildung bei Walter Peterhans (Bauhaus in Dessau) zu absolvieren. International bekannt wurde sie in den 1930er Jahren durch ihre gemeinsame Arbeit mit der Künstlerin Grete Stern, mit der sie das Berliner Fotostudio ringl + pit gründete. Im Rahmen unserer Ausstellung werden u. a. Arbeiten von perfekt ausgeleuchteten Stillleben aus den 30er Jahren, Landschaften von den Exilstationen Auerbachs sowie Stadtszenen aus dem New York der 40er Jahre zu sehen sein.

Barbara Klemm, 1939 in Münster geboren, trat nach ihrer Ausbildung in einem Porträtatelier in Karlsruhe ab 1959 eine Stelle als Fotolaborantin bei der Frankfurter Allgemeinen Zeitung an. Bald belieferte sie die Redaktion mit eigenen Bildern, zunächst in freier Mitarbeit, ab 1970 bis Ende 2005 als fest angestellte Redaktionsfotografin für Politik und Feuilleton. Zahlreiche Ausstellungen wurden Barbara Klemms fotografischer Arbeit schon gewidmet, etwa 1991 anlässlich der Eröffnung des Museums für Moderne Kunst in Frankfurt a. M., 1999 im Deutschen Historischen Museum in Berlin oder 2013 eine Retrospektive im Martin-Gropius-Bau in Berlin. Barbara Klemm wurde u. a. mit dem Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Photographie, dem Hessischen Kulturpreis und dem Max-Beckmann-Preis der Stadt Frankfurt am Main ausgezeichnet. Im Jahre 2010 wurde sie in den Orden Pour le mérite für Wissenschaft und Künste aufgenommen.

Mit Ellen Auerbach verband Barbara Klemm eine lange Freundschaft. Die Ausstellung vereint die individuellen Sichtweisen und Perspektiven der beiden Freundinnen auf das fotografische Sujet. Gezeigt werden ca. 150 Fotoaufnahmen. Die Ausstellung wurde von Frau Dr. Nina Mika-Helfmeier kuratiert.

L'exposition montre comment la photographe germano-américaine Ellen Auerbach (née Rosenberg) a su capturer l'atmosphère, entre autres, des étapes de son exil en Palestine et en Angleterre. Nous présentons ses travaux avec ceux de Barbara Klemm, la "grande dame" de la photographie en noir et blanc, qui a immortalisé pendant un demi-siècle les événements importants de l'histoire et de la politique allemandes dans des clichés expressifs. L'œuvre impressionnante de Barbara Klemm comprend des paysages, des visuels iconiques d'événements marquants de l'histoire contemporaine, des reportages de voyage et des portraits de personnalités artistiques.

Ellen Auerbach (1906-2004) est issue d'une famille juive bourgeoise. À 18 ans, elle a commencé des études de sculpture à Karlsruhe, où elle a rencontré les parents de Barbara Klemm, Fritz Klemm et la comtesse Antonia von Westphalen. En 1929, elle s'installe à Berlin pour suivre une formation photographique auprès de Walter Peterhans (Bauhaus à Dessau). Elle s'est fait connaître internationalement dans les années 1930 grâce à son travail commun avec l'artiste Grete Stern, avec laquelle elle a fondé le studio de photographie berlinois ringl + pit. Dans le cadre de notre exposition, on pourra voir, entre autres, des travaux de natures mortes parfaitement éclairées des années 30, des paysages des stations d'exil d'Auerbach ainsi que des scènes urbaines du New York des années 40.

Barbara Klemm, née en 1939 à Münster, a commencé à travailler comme laborantine photo pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung en 1959, après avoir suivi une formation dans un atelier de portrait à Karlsruhe. Très vite, elle a fourni à la rédaction ses propres visuels, d'abord en tant que collaboratrice indépendante, puis, à partir de 1970 et jusqu'à fin 2005, en tant que photographe de la rédaction employée à plein temps pour la politique et le feuilleton. De nombreuses expositions ont déjà été consacrées au travail photographique de Barbara Klemm, par exemple en 1991 à l'occasion de l'ouverture du Musée d'art moderne de Francfort-sur-le-Main, en 1999 au Deutsches Historisches Museum de Berlin ou en 2013 lors d'une rétrospective au Martin-Gropius-Bau de Berlin. Barbara Klemm a reçu, entre autres, le prix Dr-Erich Salomon de la Société allemande de photographie, le prix culturel de Hesse et le prix Max Beckmann de la ville de Francfort-sur-le-Main. En 2010, elle a été nommée à l'Ordre Pour le Mérite des Sciences et des Arts.

Une longue amitié liait Barbara Klemm à Ellen Auerbach. L'exposition réunit les points de vue et perspectives individuels des deux amies sur le sujet photographique. Environ 150 photographies sont présentées. L'exposition a été organisée par Mme Dr. Nina Mika-Helfmeier.

La mostra illustra le atmosfere che la fotografa tedesco-americana Ellen Auerbach (nata Rosenberg) ha saputo cogliere, tra l'altro, nelle stazioni del suo esilio in Palestina e in Inghilterra. Presentiamo le sue opere insieme a quelle di Barbara Klemm, la "grande dama" della fotografia in bianco e nero, che per mezzo secolo ha immortalato gli eventi importanti della storia e della politica tedesca in fotografie di grande impatto. L'impressionante opera di Barbara Klemm comprende paesaggi, immagini iconiche di eventi rilevanti per la storia contemporanea, reportage di viaggio e ritratti di personalità artistiche.

Ellen Auerbach (1906-2004) proveniva da una famiglia ebrea della classe media. A 18 anni inizia a studiare scultura a Karlsruhe, dove conosce i genitori di Barbara Klemm, Fritz Klemm e la contessa Antonia von Westphalen. Nel 1929 si trasferisce a Berlino per studiare fotografia con Walter Peterhans (Bauhaus di Dessau). Negli anni Trenta divenne nota a livello internazionale grazie al lavoro congiunto con l'artista Grete Stern, con la quale fondò lo studio fotografico berlinese ringl + pit. La nostra mostra includerà opere di nature morte perfettamente illuminate degli anni Trenta, paesaggi delle stazioni di esilio di Auerbach e scene cittadine della New York degli anni Quaranta.

Barbara Klemm, nata a Münster nel 1939, ha iniziato a lavorare come assistente di laboratorio fotografico per la Frankfurter Allgemeine Zeitung nel 1959, dopo una formazione in uno studio di ritratti a Karlsruhe. Ben presto ha fornito alla redazione le proprie immagini, inizialmente come freelance e, dal 1970 fino alla fine del 2005, come fotografa editoriale a tempo indeterminato per la politica e la sezione artistica. Al lavoro fotografico di Barbara Klemm sono già state dedicate numerose mostre, ad esempio nel 1991 in occasione dell'apertura del Museum für Moderne Kunst di Francoforte sul Meno, nel 1999 al Deutsches Historisches Museum di Berlino o nel 2013 una retrospettiva al Martin-Gropius-Bau di Berlino. Barbara Klemm è stata insignita, tra gli altri, del Premio Dr. Erich Salomon della Società tedesca per la fotografia, del Premio per la cultura dell'Assia e del Premio Max Beckmann della città di Francoforte sul Meno. Nel 2010 è stata ammessa all'Ordine Pour le mérite for Science and the Arts.

Barbara Klemm ha avuto una lunga amicizia con Ellen Auerbach. La mostra combina i punti di vista e le prospettive individuali dei due amici sul soggetto fotografico. Sono esposte circa 150 fotografie. La mostra è stata curata dalla dott.ssa Nina Mika-Helfmeier.

The exhibition shows how atmospherically the German-American photographer Ellen Auerbach (née Rosenberg) was able to capture, among other things, the stations of her exile in Palestine and England. We present her works together with works by Barbara Klemm, the "grande dame" of black-and-white photography, who for half a century took up the important events of German history and politics in expressive photographs. Barbara Klemm's impressive oeuvre includes landscapes, iconic images of events relevant to contemporary history, travel reports and portraits of artistic personalities.

Ellen Auerbach (1906-2004) came from a middle-class Jewish family. At the age of 18, she began studying sculpture in Karlsruhe, where she met Barbara Klemm's parents, Fritz Klemm and Countess Antonia von Westphalen. In 1929 she moved to Berlin to train in photography with Walter Peterhans (Bauhaus in Dessau). She became internationally known in the 1930s through her joint work with the artist Grete Stern, with whom she founded the Berlin photo studio ringl + pit. Our exhibition will include works of perfectly lit still lifes from the 1930s, landscapes from Auerbach's exile stations, and city scenes from 1940s New York.

Barbara Klemm, born in Münster in 1939, began working as a photo lab assistant for the Frankfurter Allgemeine Zeitung in 1959 after training in a portrait studio in Karlsruhe. She soon supplied the editorial staff with her own images, initially on a freelance basis, and from 1970 until the end of 2005 as a permanently employed editorial photographer for politics and the arts section. Numerous exhibitions have already been dedicated to Barbara Klemm's photographic work, for example in 1991 on the occasion of the opening of the Museum für Moderne Kunst in Frankfurt a. M., in 1999 at the Deutsches Historisches Museum in Berlin or in 2013 a retrospective at the Martin-Gropius-Bau in Berlin. Barbara Klemm has been awarded the Dr. Erich Salomon Prize of the German Society for Photography, the Hessian Culture Prize, and the Max Beckmann Prize of the City of Frankfurt am Main, among others. In 2010, she was accepted into the Order Pour le mérite for Science and the Arts.

Barbara Klemm had a long friendship with Ellen Auerbach. The exhibition combines the individual views and perspectives of the two friends on the photographic subject. Approximately 150 photographs are on display. The exhibition was curated by Dr. Nina Mika-Helfmeier.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen, Monschau)

MASI LAC | Lugano
12. Februar - 2. Juli 2023

Unseen Colour
Werner Bischof

Kuratiert von Ludovica Introini und Francesca Bernasconi in Zusammenarbeit mit Marco Bischof

Die Ausstellungssaison 2023 wird mit einer Ausstellung von bisher unveröffentlichten Werken von Werner Bischof (Zürich, 1916 - Trujillo, Peru, 1954) eröffnet.

Anhand von rund 100 digitalen Farbabzügen von Originalnegativen die von 1939 bis Mitte der 1950er-Jahre entstanden sind, wird das farbige Werk des Schweizer Fotografen, der als einer der grossen Meister der Reportage und Fotografie des 20. Jahrhunderts gilt, erstmals umfassend erschlossen.

Die Ausstellung ist als freie Reise durch die von Bischof besuchten und erlebten Welten gedacht und umfasst die gesamte Spanne seines Schaffens. Sie zeigt Farbfotografien, die mit einer Rolleiflex-Kamera mit ihren charakteristischen quadratischen Negativen bzw. mit einer Leica mit ihren klassischen 35-mm-Rollenfilmen aufgenommen wurden. Die Farbexplosion ist besonders auffällig bei einer Gruppe von Werken, die mit einer Devin Tri-Colour Kamera aufgenommen wurden, die eine Farbwiedergabe von höchster Qualität und Schärfe garantiert. Die Bilder, die Bischof mit dieser Kamera gemacht hat, werden hier zum ersten Mal der Öffentlichkeit präsentiert. Die ausgestellten Sujets sind bezeichnend für das Werk Bischofs, dem es in seinen Fotografien aus allen Teilen der Welt gelingt, Ästhetik und Emotion auf unvergleichliche Weise zu vereinen.

Ein Projekt von MASI Lugano und Werner Bischof Estate in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

Commissariat : Ludovica Introini et Francesca Bernasconi avec Marco Bischof

La saison d’exposition 2023 débute par une exposition d’œuvres inédites de Werner Bischof (Zurich, 1916 - Trujillo, Pérou, 1954).

Les œuvres du photographe suisse, considéré comme l’un des grands maîtres du reportage et de la photographie du XXe siècle, sont explorées pour la première fois de manière exhaustive grâce à une centaine de tirages numériques en couleur issus de négatifs originaux des années 1939 et 1950.

L’exposition est conçue comme un voyage libre à travers les mondes que Bischof a visités et expérimentés, et couvre l’ensemble de sa carrière. Elle présente une alternance d’images en couleur obtenues à l’aide d’un appareil photographique Rolleiflex, avec ses négatifs carrés caractéristiques, et d’un Leica, avec ses rouleaux de film classiques de 35 mm. L’explosion des couleurs est particulièrement perceptible dans un groupe d’œuvres prises avec la caméra Devin Tri-Colour, qui garantit un rendu des couleurs de la plus haute qualité et définition. Les images prises par Bischof avec cet appareil sont présentées au public pour la première fois. Les sujets exposés sont ceux bien connus de l’artiste qui, dans des photographies prises aux quatre coins du monde, parvient toujours, comme peu d’autres, à combiner esthétique et émotion dans des compositions parfaites.

Un projet de MASI Lugano et Werner Bischof Estate en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

A cura di Ludovica Introini e Francesca Bernasconi con Marco Bischof

La stagione espositiva 2023 si apre con una mostra di opere inedite di Werner Bischof (Zurigo, 1916 – Trujillo, Perù, 1954).

Attraverso circa 100 stampe digitali a colori dal 1939 agli anni ’50 vengono esplorate per la prima volta in modo completo le opere a colori del fotografo svizzero, considerato uno dei grandi maestri del reportage e della fotografia del Novecento.

L’esposizione si propone come un libero viaggio attraverso i mondi visitati e vissuti da Bischof e copre tutto l’arco della sua carriera. Il percorso presenta un’alternanza di immagini a colori ottenute dall’utilizzo di una macchina fotografica Rolleiflex, dai particolari negativi quadrati, e di una Leica, dai classici rullini da 35 mm. L’esplosione del colore si apprezza soprattutto in un gruppo di opere scattate con la Devin Tri-Color Camera, che garantiva una resa cromatica di altissima qualità e definizione. Le immagini scattate da Bischof con questa macchina sono presentate al pubblico per la prima volta. I soggetti in mostra sono quelli noti dell’artista, che, in scatti fotografici realizzati dai quattro angoli del mondo, riesce sempre a combinare come pochi altri estetica ed emozione in composizioni perfette.

Un progetto di MASI Lugano e Werner Bischof Estate in collaborazione con Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

Curated by Ludovica Introini and Francesca Bernasconi with Marco Bischof

The 2023 exhibition season opens with a show of previously unseen works by Werner Bischof (Zurich, 1916 – Trujillo, Peru, 1954).

It presents around 100 colour digital prints from original negatives from 1939 to the1950s: a chance to explore all of the Swiss photographer’s colour images for the very first time. Bischof is held to be one of the great masters of reportage and photography of the twentieth century.

The exhibition is a tour of the worlds he visited and lived in, and covers the entire span of his career. It alternates between colour photos taken using a Rolleiflex, with its characteristic square negatives, and a Leica, with classic 35 mm film. The impact of colour can be appreciated above all in a group of works taken with a Devin Tri-Color Camera, which delivered exceptionally high quality colour and definition. This will be the first opportunity for the public to see the images Bischof took with this camera. The images featured showcase what he was renowned for: flawlessly composed shots, taken all over the world, that masterfully combine the aesthetic element with and the emotional aspect.

A project by MASI Lugano and Werner Bischof Estate in collaboration with Fotostiftung Schweiz, Winterthur.

(Text: MASI, Lugano)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
11. Februar - 30. April 2023

Unter dem Pflaster
Sara-Lena Maierhofer & Flo Maak

Solange die unsichtbare Infrastruktur funktioniert, Wasser durch Rohre und Daten durch Glasfaserkabel fließen, ist der Untergrund für wenige von uns von Interesse. Doch wer schon länger in Frankfurt lebt, könnte sich an die Parole „Unter dem Pflaster liegt der Strand“ erinnern. Sie war ein Motto der 68er-Proteste und erklärte eine andere Welt für vorstellbar und möglich ‒ sofern wir es nur schaffen, unter die Steine zu blicken. Wir haben diesen poetischen Aufruf zur Veränderung aufgegriffen, weil wir weiter politischen Handlungsbedarf sehen, aber auch weil uns der Blick in geologische Tiefen und Zeiten erlaubt, in den Spuren der Vergangenheit das Ende von Epochen und den Beginn neuer zu begreifen. In unserer Ausstellung werden Dinosaurier zu Akteuren in Finanzskandalen, treffen Steine auf Glasfassaden, und senden Tourist*innen Grüße vom Rande des Vulkans. Menschen haben es geschafft, große Teile der Welt nach ihren Wünschen zu formen. Doch die Klimakatastrophe zeigt zum einen die Folgen dieses Handelns und zum anderen, dass sich nicht alles von Menschen kontrollieren lässt. Natur- und Menschheitsgeschichte sind nicht voneinander zu trennen. Selbst die größten Dinosaurier sind zum Ende ausgestorben und Vulkanausbrüche erinnern als unkontrollierbare Launen des Erdsystems an die Möglichkeit, dass plötzlich alles anders wird.

Tant que l'infrastructure invisible fonctionne, que l'eau circule dans des tuyaux et les données dans des câbles à fibres optiques, le sous-sol n'intéresse que peu d'entre nous. Mais ceux qui vivent depuis longtemps à Francfort se souviennent peut-être du slogan "Unter dem Pflaster liegt der Strand". C'était l'un des slogans des manifestations de 68 et il déclarait qu'un autre monde était imaginable et possible - pour autant que nous parvenions à regarder sous les pavés. Nous avons repris cet appel poétique au changement parce que nous continuons à voir un besoin d'action politique, mais aussi parce que le regard dans les profondeurs et les temps géologiques nous permet de comprendre dans les traces du passé la fin d'époques et le début de nouvelles. Dans notre exposition, les dinosaures deviennent des acteurs de scandales financiers, les pierres rencontrent les façades de verre et les touristes* envoient leurs salutations depuis le bord du volcan. Les hommes ont réussi à modeler de grandes parties du monde selon leurs désirs. Mais la catastrophe climatique montre d'une part les conséquences de cette action et d'autre part que tout ne peut pas être contrôlé par l'homme. L'histoire de la nature et celle de l'humanité sont indissociables. Même les plus grands dinosaures ont fini par disparaître et les éruptions volcaniques, caprices incontrôlables du système terrestre, rappellent la possibilité que tout change soudainement.

Finché l'infrastruttura invisibile funziona, l'acqua scorre attraverso le tubature e i dati attraverso i cavi in fibra ottica, il sottosuolo è di interesse per pochi di noi. Ma chi ha vissuto a Francoforte per un po' potrebbe ricordare lo slogan "Sotto il marciapiede c'è la spiaggia". Era uno slogan delle proteste del '68 e dichiarava un altro mondo immaginabile e possibile - a patto di riuscire a guardare sotto le pietre. Abbiamo raccolto questo appello poetico al cambiamento perché continuiamo a vedere la necessità di un'azione politica, ma anche perché guardare alle profondità e ai tempi geologici ci permette di comprendere la fine delle epoche e l'inizio di nuove nelle tracce del passato. Nella nostra mostra, i dinosauri diventano attori di scandali finanziari, le pietre incontrano facciate di vetro e i turisti inviano saluti dal bordo del vulcano. Gli esseri umani sono riusciti a plasmare gran parte del mondo secondo i loro desideri. Ma la catastrofe climatica mostra da un lato le conseguenze di queste azioni e dall'altro che non tutto può essere controllato dall'uomo. La storia naturale e quella umana non possono essere separate l'una dall'altra. Anche i dinosauri più grandi si sono estinti alla fine e le eruzioni vulcaniche, come capricci incontrollabili del sistema Terra, ci ricordano la possibilità che improvvisamente tutto cambi.

As long as the invisible infrastructure functions, water flows through pipes and data through fiber optic cables, the underground is of interest to few of us. But those who have lived in Frankfurt for a while might remember the slogan "Under the pavement lies the beach." It was a slogan of the '68 protests and declared another world imaginable and possible - as long as we only manage to look under the stones. We have taken up this poetic call for change because we continue to see a need for political action, but also because looking into geological depths and times allows us to understand the end of epochs and the beginning of new ones in the traces of the past. In our exhibition, dinosaurs become actors in financial scandals, stones meet glass facades, and tourists send greetings from the edge of the volcano. Humans have managed to shape large parts of the world according to their wishes. But the climate catastrophe shows on the one hand the consequences of these actions and on the other hand that not everything can be controlled by humans. Natural and human history cannot be separated from each other. Even the largest dinosaurs became extinct at the end, and volcanic eruptions, as uncontrollable whims of the Earth system, remind us of the possibility that suddenly everything will change.

(Text: Sara-Lena Maierhofer & Flo Maak)