Fotohof | Salzburg
31. März - 20. Mai 2023

FOTOTECHNIKa
Caroline Heider, Ruth Horak, Lisa Rastl, Claudia Rohrauer

Kann man Fototechnik gendern? Ja! Wenn technikaffine Fotografinnen digitale und analoge Arbeitsabläufe und Werkzeuge ins Bild holen, den Fetisch um Kamera-Modelle wörtlich nehmen, wenn sie 3D-modellierte Körperfragmente aus dem Nichts heraustreten lassen, mit Proben des radioaktiven Minerals Pechblende Autoradiografien herstellen oder Gleichgewichtsstudien nach Lucia Moholy inszenieren.

FOTOTECHNIKA ergänzt die Geschichte der Fototechnik (History) um eine Herstory, ist künstlerisch und wissenschaftlich, sinnlich und sachlich. Wer sein Medium liebt, ergründet sein Wesen, versteht seine Technik und beobachtet seine Verfahren.

Die Ausstellung wurde von Ruth Horak kuratiert.

Peut-on utiliser un genre pour la technique photographique ? Oui ! Lorsque des photographes technophiles font entrer dans le visuel des processus de travail et des outils numériques et analogiques, lorsqu'elles prennent au pied de la lettre le fétichisme autour des modèles d'appareils photo, lorsqu'elles font surgir du néant des fragments de corps modélisés en 3D, lorsqu'elles réalisent des autoradiographies avec des échantillons de pechblende, un minéral radioactif, ou lorsqu'elles mettent en scène des études sur l'équilibre selon Lucia Moholy.

FOTOTECHNIKA complète l'histoire de la technique photographique (History) par une herstory, elle est artistique et scientifique, sensuelle et objective. Celui qui aime son médium, sonde son essence, comprend sa technique et observe ses procédés.

L'exposition a été organisée par Ruth Horak.

La tecnologia fotografica può essere di genere? Sì! Quando le fotografe con un'affinità per la tecnologia mettono in scena processi e strumenti di lavoro digitali e analogici, quando prendono alla lettera il feticcio dei modelli di macchina fotografica, quando lasciano che frammenti di corpo modellati in 3D emergano dal nulla, quando producono autoradiografie con campioni del minerale radioattivo pechblenda o quando mettono in scena studi di equilibrio secondo Lucia Moholy.

FOTOTECHNIKA aggiunge una Herstory alla storia della tecnologia fotografica (History), è artistica e scientifica, sensuale e fattuale. Chi ama il proprio mezzo ne scandaglia l'essenza, ne comprende la tecnica e ne osserva i processi.

La mostra è stata curata da Ruth Horak.

Can you gender photo technology? Yes! When female photographers with an affinity for technology bring digital and analog work processes and tools into the picture, when they take the fetish around camera models literally, when they let 3D-modeled body fragments emerge from nowhere, when they produce autoradiographs with samples of the radioactive mineral pitchblende, or when they stage equilibrium studies after Lucia Moholy.

FOTOTECHNIKA adds a Herstory to the history of photographic technology (History), is artistic and scientific, sensual and factual. Those who love their medium fathom its essence, understand its technique and observe its procedures.

The exhibition was curated by Ruth Horak.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
25. Februar - 4. Juni 2023

Maske und Gesicht.
Inge Morath und Saul Steinberg

Anlässlich des 100. Geburtstags der österreichischen Fotografin Inge Morath (1923 Graz, AT – 2002 New York, NY, US) präsentiert die Ausstellung Vintage-Prints aus der Serie „Masken“. Diese Werkgruppe entstand in Zusammenarbeit mit dem Zeichner Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO – 1999 New York, NY, US), den Morath im Jahr 1959 erstmals besuchte und porträtierte. Bei dieser Begegnung trug Steinberg eine Papiermaske mit einem aufgezeichneten Selbstporträt. In der Ausstellung sind einige der Originalmasken, die das Museum der Moderne Salzburg als Schenkung erhalten hat, erstmals zusammen mit den Fotografien von Morath, die zwischen 1959 und 1962 entstanden, zu sehen. Diese künstlerische Kooperation von Morath und Steinberg gilt als eine der interessantesten zwischen einem Zeichner und einer Fotografin; sie markierte zudem den Beginn einer lange anhaltenden Freundschaft. Steinberg, bekannt vor allem durch seine Cartoons und Titelblätter für das amerikanische Magazin The New Yorker, kreierte auf Papiertüten weitere ganz unterschiedliche Charaktere, die durch die Fotografien von Morath berühmt wurden.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

À l'occasion du 100e anniversaire de la photographe autrichienne Inge Morath (1923 Graz, AT - 2002 New York, NY, US), l'exposition présente des tirages vintage de la série "Masques". Ce groupe d'œuvres a été créé en collaboration avec le dessinateur Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO - 1999 New York, NY, US), auquel Morath a rendu visite pour la première fois en 1959 et dont elle a fait le portrait. Lors de cette rencontre, Steinberg portait un masque en papier avec un autoportrait enregistré. L'exposition présente pour la première fois quelques-uns des masques originaux, qui ont été donnés au Museum der Moderne Salzburg, ainsi que des photographies de Morath prises entre 1959 et 1962. Cette coopération artistique entre Morath et Steinberg est considérée comme l'une des plus intéressantes entre un dessinateur et une photographe ; elle a également marqué le début d'une amitié durable. Steinberg, connu surtout pour ses cartoons et ses couvertures pour le magazine américain The New Yorker, a créé sur des sacs en papier d'autres personnages très différents qui sont devenus célèbres grâce aux photographies de Morath.

Commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

In occasione del centesimo compleanno della fotografa austriaca Inge Morath (1923 Graz, AT - 2002 New York, NY, USA), la mostra presenta stampe vintage della serie "Masks". Questo gruppo di opere è stato realizzato in collaborazione con il disegnatore Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO - 1999 New York, NY, USA), che Morath ha visitato e ritratto per la prima volta nel 1959. In questo incontro, Steinberg indossò una maschera di carta con un autoritratto registrato. Nella mostra, alcune delle maschere originali, che il Museum der Moderne Salzburg ha ricevuto in donazione, sono visibili per la prima volta insieme alle fotografie di Morath, scattate tra il 1959 e il 1962. Questa collaborazione artistica tra Morath e Steinberg è considerata una delle più interessanti tra un disegnatore e un fotografo; segnò anche l'inizio di una duratura amicizia. Steinberg, noto soprattutto per le sue vignette e i frontespizi della rivista americana The New Yorker, ha creato altri personaggi molto diversi su sacchetti di carta che sono diventati famosi grazie alle fotografie di Morath.

Curatori: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

On the occasion of the 100th birthday of the Austrian photographer Inge Morath (1923 Graz, AT - 2002 New York, NY, US), the exhibition presents vintage prints from the series "Masks". This group of works was created in collaboration with the draftsman Saul Steinberg (1914 Râmnicu Sărat, RO - 1999 New York, NY, US), whom Morath first visited and portrayed in 1959. At this meeting, Steinberg wore a paper mask with a recorded self-portrait. In the exhibition, some of the original masks, which the Museum der Moderne Salzburg received as a donation, can be seen for the first time together with Morath's photographs, which were taken between 1959 and 1962. This artistic collaboration between Morath and Steinberg is considered one of the most interesting between a draftsman and a photographer; it also marked the beginning of a long-lasting friendship. Steinberg, best known for his cartoons and covers for the American magazine The New Yorker, created other very different characters on paper bags that became famous through Morath's photographs.

Curators: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
25. Februar - 4. Juni 2023

Die Geometrie der Nicht-Ordnungen
Gunda Gruber

Seit vielen Jahren arbeitet die Künstlerin Gunda Gruber (1971 Salzburg, AT – Salzburg, AT) an der Schnittstelle von Video, Fotografie, Grafik und Architektur. Zahlreiche Werkgruppen bestehen aus mehrschichtigen Elementen und multimedialen Installationen, welche die Wahrnehmung von Raum und Zeit herausfordern und Brüche und Unsicherheiten sowie den künstlerischen Arbeitsprozess erlebbar machen. In Grubers OEuvre überlagern sich Realitätsstufen, der physische Raum wird um den filmischen erweitert, und von der Natur entlehnte wie gesellschaftliche Strukturen werden hinterfragt. Der Dialog steht im Zentrum: der der Künstlerin mit dem Material, der der Formen und Schichten innerhalb eines Werkes und schlussendlich der Dialog der Werke mit den Betrachter_innen.

Aus Anlass der Verleihung des Großen Kunstpreises Bildende Kunst des Landes Salzburg 2022 präsentiert das Museum der Moderne Salzburg die erste museale Personale der Künstlerin und zeigt einen Querschnitt ihres Schaffens der letzten zehn Jahre.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation im Verlag für moderne Kunst, Wien.

Depuis de nombreuses années, l'artiste Gunda Gruber (1971 Salzbourg, AT - Salzbourg, AT) travaille à l'interface de la vidéo, de la photographie, du graphisme et de l'architecture. De nombreux groupes d'œuvres se composent d'éléments multicouches et d'installations multimédias qui défient la perception de l'espace et du temps et rendent perceptibles les ruptures et les incertitudes ainsi que le processus de travail artistique. Dans l'œuvre de Gruber, les niveaux de réalité se superposent, l'espace physique est élargi à l'espace cinématographique, et les structures sociales et naturelles sont remises en question. Le dialogue est au centre de l'œuvre : celui de l'artiste avec le matériau, celui des formes et des couches au sein d'une œuvre et, enfin, le dialogue des œuvres avec les spectateurs.

À l'occasion de la remise du Grand Prix des arts visuels du Land de Salzbourg en 2022, le Museum der Moderne Salzburg présente la première exposition personnelle de l'artiste dans un musée et montre un échantillon de son travail des dix dernières années.

Une publication paraîtra à l'occasion de l'exposition aux éditions Verlag für moderne Kunst, Vienne.

Da molti anni l'artista Gunda Gruber (1971 Salisburgo, AT - Salisburgo, AT) lavora all'interfaccia tra video, fotografia, grafica e architettura. Numerosi gruppi di opere sono costituiti da elementi multistrato e installazioni multimediali che sfidano la percezione dello spazio e del tempo e rendono tangibili le rotture e le incertezze, nonché il processo di lavoro artistico. Nell'opera di Gruber, i livelli di realtà si sovrappongono, lo spazio fisico si espande fino a includere il cinema e le strutture prese in prestito dalla natura e quelle sociali vengono messe in discussione. Il dialogo è centrale: quello dell'artista con la materia, quello delle forme e degli strati all'interno di un'opera e infine il dialogo delle opere con gli spettatori.

In occasione dell'assegnazione del Gran Premio per le Belle Arti della Provincia di Salisburgo nel 2022, il Museum der Moderne Salzburg presenta la prima mostra museale dell'artista ed espone uno spaccato del suo lavoro degli ultimi dieci anni.

Una pubblicazione che accompagna la mostra sarà edita da Verlag für moderne Kunst, Vienna.

For many years, artist Gunda Gruber (1971 Salzburg, AT - Salzburg, AT) has been working at the intersection of video, photography, graphics and architecture. Numerous groups of works consist of multi-layered elements and multimedia installations that challenge the perception of space and time and make breaks and uncertainties as well as the artistic working process tangible. In Gruber's oeuvre, levels of reality overlap, physical space is extended by cinematic space, and structures borrowed from nature as well as social structures are questioned. The dialogue is central: that of the artist with the material, that of the forms and layers within a work, and finally the dialogue of the works with the viewers.

On the occasion of the awarding of the Grand Prize for Fine Arts of the Province of Salzburg in 2022, the Museum der Moderne Salzburg presents the first museum exhibition of the artist's work and shows a cross-section of her work over the past ten years.

The exhibition is accompanied by a publication published by Verlag für moderne Kunst, Vienna.

(Text: Museum der Moderne, Sazlburg)

Fotohof | Salzburg
3. Februar - 25. März 2023

Stammersdorf Fries 1972/2018
Heinz Cibulka

Der „Stammersdorf Fries“ von Heinz Cibulka ist Teil einer Aktion, die er 1972 im Forum Stadtpark in Graz erstmals aufgeführt hat. Die multimediale Inszenierung bot traditionelles Essen und Trinken, Musik, Abschriften von Heurigengesprächen und einen Fries großformatiger SW-Fotografien, die in Stammersdorf bei Wien aufgenommen worden waren. 2018 hat Heinz Cibulka in Zusammenarbeit mit dem FOTOHOF archiv von den originalen Negativen neue autorisierte Kopien hergestellt.

Diese Arbeiten werden nun in einer Ausstellung des FOTOHOF archiv gezeigt. Der "Stammersdorf Fries" ist die einzige Schwarzweiß-Arbeit von Heinz Cibulka und wurde unmittelbar nach seiner Mitarbeit als Akteur im Wiener Aktionismus fotografiert. In dieser Serie beschäftigte er sich bereits mit jenen Themen, die er später in seinen Bildgedichten immer wieder aufnimmt.

La "Stammersdorf Fries" de Heinz Cibulka fait partie d'une action qu'il a présentée pour la première fois en 1972 au Forum Stadtpark de Graz. La mise en scène multimédia proposait de la nourriture et des boissons traditionnelles, de la musique, des transcriptions de conversations de Heuriger et une frise de photographies noir et blanc grand format prises à Stammersdorf, près de Vienne. En 2018, Heinz Cibulka a réalisé de nouvelles copies autorisées des négatifs originaux en collaboration avec le FOTOHOF archiv.

Ces travaux sont maintenant présentés dans une exposition du FOTOHOF archiv. La "Frise de Stammersdorf" est le seul travail en noir et blanc de Heinz Cibulka et a été photographié immédiatement après sa collaboration en tant qu'acteur de l'actionnisme viennois. Dans cette série, il s'intéressait déjà aux thèmes qu'il reprendra plus tard dans ses poèmes illustrés.

Le "patatine fritte di Stammersdorf" di Heinz Cibulka fanno parte di un'azione eseguita per la prima volta nel 1972 al Forum Stadtpark di Graz. L'allestimento multimediale comprendeva cibi e bevande tradizionali, musica, trascrizioni di conversazioni di Heurigen e un fregio di fotografie in bianco e nero di grande formato scattate a Stammersdorf, vicino a Vienna. Nel 2018, Heinz Cibulka ha prodotto nuove copie autorizzate dai negativi originali in collaborazione con l'archivio FOTOHOF.

Queste opere sono ora esposte in una mostra presso l'archivio FOTOHOF. Le "Patatine fritte di Stammersdorf" sono l'unica opera in bianco e nero di Heinz Cibulka e sono state fotografate subito dopo il suo coinvolgimento come attore nell'Azionismo viennese. In questa serie affrontava già quei temi che avrebbe poi ripreso più volte nei suoi poemi illustrati.

The "Stammersdorf Fries" by Heinz Cibulka is part of an action he first performed in 1972 at the Forum Stadtpark in Graz. The multimedia staging featured traditional food and drink, music, transcripts of Heurigen conversations, and a frieze of large-format B/W photographs taken up in Stammersdorf near Vienna. In 2018, Heinz Cibulka collaborated with the FOTOHOF archive to produce new authorized copies from the original negatives.

These works are now shown in an exhibition of the FOTOHOF archiv. The "Stammersdorf Fries" is the only black and white work by Heinz Cibulka and was photographed immediately after his involvement as an actor in Viennese Actionism. In this series, he was already dealing with those themes that he would later take up again and again in his picture poems.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
3. Februar - 25. März 2023

4./5. Oktober 2003 daheim - Fotografien
Oswald Wiener

Als Oswald Wiener und seine Frau Ingrid 1984 nach Kanada zogen, war das nicht nur ein Akt der Erkenntnissuche, sondern auch ein bewusster Schritt des Schriftstellers, die Kunst hinter sich zu lassen. Interesse an den Extremen der Natur am Polarkreis, an außergewöhnlichen gesellschaftlichen Umständen machte Dawson City in der arktischen Tundra zum idealen Schauplatz eines Lebensexperiments: Wohnen und Arbeiten, das Haus im Wald, das Claims-Café − ein vom Künstlerpaar Wiener betriebenes Restaurant − wurden zu Stätten der Selbstbeobachtung und zu einer Praxis des Denkens jenseits von Kunst, Wissenschaft und Philosophie.

Das Ende des langjährigen Aufenthalts Mitte der 1990er Jahre ließ das Bedürfnis entstehen, das Haus, den innersten Ort des Wirkens und der langen Reflexionen, festzuhalten. Auf den über 300 von Wiener noch zu Lebzeiten angefertigten Fotografien machte er das Haus, die Lebens- und Arbeitsbedingungen zum Gegenstand einer fotografischen Vermessung.

Diese Bilder sind als Dokument eines persönlichen Denk- und Wahrnehmungsraums eine Welt für sich, aber symptomatisch stehen sie für den größeren Kontext Oswald Wieners künstlerischen Denkens. (Aus Peter Pakesch (Kurator der Ausstellung): "Oswald Wiener − 4./5. Oktober 2003 daheim")

Lorsqu'Oswald Wiener et sa femme Ingrid se sont installés au Canada en 1984, ce n'était pas seulement un acte de recherche de la connaissance, mais aussi une démarche consciente de l'écrivain pour laisser l'art derrière lui. L'intérêt pour les extrêmes de la nature du cercle polaire, pour les circonstances sociales exceptionnelles, fit de Dawson City, dans la toundra arctique, le théâtre idéal d'une expérience de vie : habiter et travailler, la maison dans la forêt, le Claims-Café - un restaurant géré par le couple d'artistes Wiener - devinrent des lieux d'introspection et une pratique de la pensée au-delà de l'art, de la science et de la philosophie.

La fin du long séjour au milieu des années 1990 a fait naître le besoin de fixer la maison, le lieu le plus intime de l'activité et des longues réflexions. Sur les plus de 300 photographies réalisées par Wiener de son vivant, il a fait de la maison, des conditions de vie et de travail, l'objet d'un arpentage photographique.

En tant que document d'un espace personnel de pensée et de perception, ces visuels sont un monde en soi, mais ils sont symptomatiques du contexte plus large de la pensée artistique d'Oswald Wiener. (Extrait de Peter Pakesch (commissaire de l'exposition) : "Oswald Wiener - 4 et 5 octobre 2003 à la maison")

Quando Oswald Wiener e sua moglie Ingrid si trasferirono in Canada nel 1984, non fu solo un atto di ricerca della conoscenza, ma anche un passo consapevole dello scrittore per lasciarsi alle spalle l'arte. L'interesse per gli estremi della natura del Circolo Polare Artico e per le straordinarie circostanze sociali hanno fatto di Dawson City, nella tundra artica, l'ambiente ideale per un esperimento di vita: vivere e lavorare, la casa nella foresta, il Claims Café - un ristorante gestito dalla coppia di artisti Wiener - sono diventati luoghi di introspezione e una pratica di pensiero al di là dell'arte, della scienza e della filosofia.

La fine della loro lunga residenza, a metà degli anni Novanta, ha fatto nascere l'esigenza di registrare la casa, il luogo più intimo del loro lavoro e delle loro lunghe riflessioni. Nelle oltre 300 fotografie che Wiener scattò durante la sua vita, rese la casa, le condizioni di vita e di lavoro oggetto di un'indagine fotografica.

Come documenti di uno spazio personale di pensiero e percezione, queste immagini sono un mondo a sé stante, ma sintomaticamente rappresentano il contesto più ampio del pensiero artistico di Oswald Wiener. (Da Peter Pakesch, curatore della mostra): "Oswald Wiener - 4/5 ottobre 2003 a casa")

When Oswald Wiener and his wife Ingrid moved to Canada in 1984, it was not only an act of seeking knowledge, but also a conscious step by the writer to leave art behind. An interest in the extremes of nature in the Arctic Circle, in extraordinary social circumstances, made Dawson City in the Arctic tundra the ideal setting for a life experiment: living and working, the house in the forest, the Claims Café - a restaurant run by the artist couple Wiener - became sites of introspection and a practice of thinking beyond art, science and philosophy.

The end of the long residency in the mid-1990s gave rise to the need to record the house, the innermost place of work and long reflections. In the more than 300 photographs taken by Wiener during his lifetime, he made the house, the living and working conditions the subject of a photographic survey.

As a document of a personal space of thought and perception, these images are a world apart, but symptomatically they stand for the larger context of Oswald Wiener's artistic thought. (From Peter Pakesch (curator of the exhibition): "Oswald Wiener - October 4/5, 2003 at Home.")

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
3. Dezember 2022 - 28. Januar 2023

Soleil of Persian Square
Hannah Darabi

Mit Soleil of Persian Square begibt sich Hannah Darabi auf die Suche nach der visuellen Identität der iranischen Diaspora in Los Angeles. Seit der islamischen Revolution im Jahr 1979, die eine enorme Auswanderungswelle nach sich zog, findet sich die größte iranische Gemeinschaft außerhalb des Iran in den USA. Etwas mehr als ein Drittel der in den Vereinigten Staaten lebenden Iraner:innen ließen sich in Los Angeles und den umliegenden Kleinstädten, insbesondere in Orange County, nieder. Diesem, umgangssprachlich auch als "Teherangeles" bezeichneten Gebiet, versucht Hannah Darabi ein Gesicht zu geben. Sie selbst hat es als Teenager in Teheran über verschiedene popkulturelle, oft nicht frei zugängliche, Quellen kennengelernt. So galt Popmusik seit der islamischen Revolution als nicht mit der staatlichen Moral vereinbar, weshalb sie im Iran offiziell nicht verfügbar war.

Hannah Darabi verbindet Stadtansichten aus dem Großraum Los Angeles, in denen sie Spuren der iranischen Diaspora ausmacht, mit Portraits ihrer Bewohner:innen sowie mit popkulturellen Artefakten, wie Kassettenhüllen, Songtexten, Screenshots von Musikvideos aus den 1980er und 1990er Jahren. Sie öffnet ihre Sammlung und richtet den Blick auf einen realen, aber auch auf einen imaginären Raum, auf ein popkulturelles Phänomen, das sich zwar in Opposition zur iranischen Staatsdoktrin formiert hat, von säkularen Intellektuellen aber als niedere Kunstform verschmäht wird und nicht zuletzt auf ihre eigene Position inmitten vielfältiger Formen von innerer und äußerer Emigration.

Die Ausstellung im FOTOHOF findet in Kooperation mit dem Centre d'art GwinZegal, Guingamp statt.

Avec Soleil of Persian Square, Hannah Darabi part à la recherche de l'identité visuelle de la diaspora iranienne à Los Angeles. Depuis la révolution islamique de 1979, qui a entraîné une énorme vague d'émigration, la plus grande communauté iranienne en dehors de l'Iran se trouve aux États-Unis. Un peu plus d'un tiers des Iraniens vivant aux États-Unis se sont installés à Los Angeles et dans les petites villes environnantes, notamment dans le comté d'Orange. Hannah Darabi tente de donner un visage à cette région, appelée familièrement "Teherangeles". Elle-même l'a découvert à l'adolescence à Téhéran par le biais de différentes sources de culture pop, souvent non librement accessibles. Ainsi, depuis la révolution islamique, la musique pop était considérée comme incompatible avec la morale d'État, raison pour laquelle elle n'était officiellement pas disponible en Iran.

Hannah Darabi associe des vues urbaines de l'agglomération de Los Angeles, dans lesquelles elle repère des traces de la diaspora iranienne, à des portraits de ses habitants:es ainsi qu'à des artefacts de la culture pop, comme des pochettes de cassettes, des paroles de chansons, des captures d'écran de clips musicaux des années 1980 et 1990. Elle ouvre sa collection et porte son regard sur un espace réel, mais aussi imaginaire, sur un phénomène de culture pop qui s'est certes formé en opposition à la doctrine de l'État iranien, mais que les intellectuels laïcs dédaignent comme une forme d'art inférieure, et enfin sur sa propre position au milieu de multiples formes d'émigration intérieure et extérieure.

L'exposition au FOTOHOF a lieu en coopération avec le Centre d'art GwinZegal, Guingamp.

Con Soleil of Persian Square, Hannah Darabi va alla ricerca dell'identità visiva della diaspora iraniana a Los Angeles. Dopo la Rivoluzione islamica del 1979, che ha provocato un'enorme ondata di emigrazione, la più grande comunità iraniana al di fuori dell'Iran si trova negli Stati Uniti. Poco più di un terzo degli iraniani residenti negli Stati Uniti si è stabilito a Los Angeles e nelle piccole città circostanti, soprattutto nella Orange County. Hannah Darabi cerca di dare un volto a questa zona, conosciuta colloquialmente come "Tehrangeles". Lei stessa lo ha conosciuto da adolescente a Teheran attraverso varie fonti culturali pop, molte delle quali non erano liberamente accessibili. Ad esempio, dopo la Rivoluzione islamica, la musica pop è stata considerata incompatibile con la morale di Stato, motivo per cui non era ufficialmente disponibile in Iran.

Hannah Darabi combina vedute di città dell'area di Los Angeles, in cui individua tracce della diaspora iraniana, con ritratti dei suoi abitanti e con artefatti della cultura pop come copertine di cassette, testi di canzoni e schermate di video musicali degli anni Ottanta e Novanta. L'artista apre la sua collezione e dirige lo sguardo verso uno spazio reale, ma anche immaginario, verso un fenomeno pop-culturale che si è formato in opposizione alla dottrina dello Stato iraniano, ma che viene disprezzato dagli intellettuali laici come una forma d'arte di basso livello, e non da ultimo verso la propria posizione in mezzo a diverse forme di emigrazione interna ed esterna.

La mostra al FOTOHOF si svolge in collaborazione con il Centre d'art GwinZegal di Guingamp.

In the exhibition Soleil of Persian Square, Hannah Darabi embarks on a search for the visual identity of the Iranian diaspora in Los Angeles. Since the Islamic Revolution in 1979, which resulted in an enormous wave of emigration, the largest Iranian community outside of Iran is found in the United States. Slightly more than one-third of Iranians living in the United States settled in Los Angeles and surrounding small towns, particularly Orange County. Hannah Darabi tries to give a face to this area, colloquially known as "Tehrangeles". She herself got to know it as a teenager in Tehran through various pop cultural sources, many of which were not freely accessible. Since the Islamic Revolution, for example, pop music was considered incompatible with state morality, which is why it was officially unavailable in Iran. Hannah Darabi combines cityscapes from the greater Los Angeles area, in which she identifies traces of the Iranian diaspora, with portraits of its inhabitants, as well as with pop cultural artifacts such as cassette covers, song lyrics, and screenshots of music videos from the 1980s and 1990s.

She opens her collection and directs the gaze to a real, but also to an imaginary space, to a pop cultural phenomenon that formed in opposition to Iranian state doctrine but is spurned by secular intellectuals as a lowly art form, and not least to her own position amidst multiple forms of internal and external emigration.

The exhibition at FOTOHOF takes place in cooperation with the Centre d'art GwinZegal, Guingamp.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
26. November 2022 - 12. März 2023

Schirmherrschaft
Günther Selichar

Günther Selichar (1960 Linz, AT – Wien, AT) ist Fotograf, Medienkünstler und -theoretiker und arbeitet seit mehr als 35 Jahren an Themen, die sich mit der Vermittlung, Technik, Wahrnehmung und Präsentation von Bildern befassen. Dabei analysiert Selichar die Wechselwirkung zwischen Mensch und medialer Maschine. Mit einem sowohl wissenschaftlichen als auch philosophischen Blick beobachtet der Künstler die durch Massenmedien gefilterte Wahrnehmung der Wirklichkeit. Eine wesentliche Rolle dabei spielt – als das „Fenster zur Welt“ – der Bildschirm, der unseren Alltag durchdringt und uns nur einen vermeintlich unverstellten und unbegrenzten Blick auf das wahre Geschehen ermöglicht. Neben dem Monitor stehen auch das mediale Licht und der Scanner – als standardisiertes Eingabemedium – im Zentrum der Auseinandersetzung.

In der formalen Umsetzung seiner Werke arbeitet Günther Selichar reduziert und minimalistisch. Dabei fügt er der Geschichte der Abstraktion einen wesentlichen medialen Aspekt hinzu, der zahlreiche Bezüge zur Malerei aufweist. Gerade heute, in einer zunehmend durchdigitalisierten Lebenswelt, sind Selichars Werke relevanter denn je.

Die Ausstellung wurde von Kerstin Stremmel und Andrea Lehner-Hagwood kuratiert.

Günther Selichar (1960 Linz, AT - Vienne, AT) est photographe, artiste et théoricien des médias. Il travaille depuis plus de 35 ans sur des thèmes liés à la médiation, la technique, la perception et la présentation des visuels. Dans ce cadre, Selichar analyse l'interaction entre l'homme et la machine médiatique. Avec un regard à la fois scientifique et philosophique, l'artiste observe la perception de la réalité filtrée par les médias de masse. L'écran joue ici un rôle essentiel - en tant que "fenêtre sur le monde" - qui imprègne notre quotidien et ne nous offre qu'une vue prétendument dégagée et illimitée sur les véritables événements. Outre l'écran, la lumière médiatique et le scanner - en tant que moyen d'entrée standardisé - sont également au centre de la réflexion.

Dans la réalisation formelle de ses œuvres, Günther Selichar travaille de manière réduite et minimaliste. Ce faisant, il ajoute à l'histoire de l'abstraction un aspect médiatique essentiel, qui présente de nombreux liens avec la peinture. Aujourd'hui, dans un monde de plus en plus numérisé, les œuvres de Selichar sont plus pertinentes que jamais.

L'exposition a été organisée par Kerstin Stremmel et Andrea Lehner-Hagwood.

Günther Selichar (1960 Linz, AT - Vienna, AT) è un fotografo, media artist e teorico dei media che lavora da oltre 35 anni su temi che riguardano la mediazione, la tecnologia, la percezione e la presentazione delle immagini. Nel farlo, Selichar analizza l'interazione tra l'uomo e la macchina mediale. Con occhio scientifico e filosofico, l'artista osserva la percezione della realtà filtrata dai mass media. Un ruolo essenziale in tutto questo - come "finestra sul mondo" - è svolto dallo schermo, che permea la nostra vita quotidiana e ci permette solo una visione presumibilmente libera e senza ostacoli di ciò che sta realmente accadendo. Oltre al monitor, anche la luce mediale e lo scanner - come supporto di input standardizzato - sono al centro della discussione.

Nella realizzazione formale delle sue opere, Günther Selichar lavora in modo ridotto e minimalista. In questo modo, aggiunge un aspetto mediale essenziale alla storia dell'astrazione, che ha numerosi riferimenti alla pittura. Soprattutto oggi, in un mondo sempre più digitalizzato, le opere di Selichar sono più che mai attuali.

La mostra è stata curata da Kerstin Stremmel e Andrea Lehner-Hagwood.

Günther Selichar (1960 Linz, AT - Vienna, AT) is a photographer, media artist and theorist who has been working for more than 35 years on topics dealing with the mediation, technology, perception and presentation of images. In doing so, Selichar analyzes the interaction between humans and the medial machine. With both a scientific and philosophical eye, the artist observes the perception of reality filtered through mass media. An essential role in this - as the "window to the world" - is played by the screen, which permeates our everyday lives and allows us only a supposedly unobstructed and unrestricted view of what is really happening. In addition to the monitor, the medial light and the scanner - as a standardized input medium - are also at the center of the discussion.

In the formal realization of his works, Günther Selichar works in a reduced and minimalist manner. In doing so, he adds an essential medial aspect to the history of abstraction, which shows numerous references to painting. Especially today, in an increasingly digitalized world, Selichar's works are more relevant than ever.

The exhibition was curated by Kerstin Stremmel and Andrea Lehner-Hagwood.

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Leica Galerie | Salzburg
17. November 2022 - 25. März 2023

Esther's World
Esther Haase

Die Ausstellung "Esther ́s World" zeigt eine persönliche Auswahl aus dem Oeuvre der Künstlerin Esther Haase.

Als phantasievolle Regisseurin schafft Esther Haase Bildwelten voller Zauber und Dynamik. Sie ist die von Empathie getriebene Chronistin eines erotischen und stets selbstbewussten Frauenbildes.

In ihrem facettenreichen Schaffen kommt Vieles zusammen: Die Lust am Fotografieren, aber vor allem die Lust an der Inszenierung von Menschen und Moden. Ihre Bilder sind wie Tänze mit der Kamera – und Tanz ist für die Fotografin auch im wahren Leben besonders wichtig. Alles ist Choreographie. Nichts wirkt unnötig schwer, gezwungen oder gestelzt. Schnappschuss-Romantik und Kurzgeschichten sind neben der Bewegungsunschärfe charakteristische Stilmittel. Ihre oft filmisch anmutenden Motive suggerieren mit einem wissenden Augenzwinkern, dass das Leben eine schillernde Bühne ist, auf der man sich und andere hinter all den Kulissen, Kostümen, Masken und Make-up nicht zu ernst nehmen sollte.

"Ihre Arbeiten feiern die Freude am Dasein, die Leidenschaft, das selbstbewusste Spiel mit der Sexualität, den Ausbruch aus dem starren Korsett des Alltags, vor allem aber den Menschen in seiner Ganzheit: abenteuerlustig, stark, mutig, erotisch, manchmal melancholisch und introvertiert, aber immer ganz bei sich. Ihre Frauenfiguren sind durchsetzungsfähig und selbstbewusst; wie Esther selbst sind sie voller Energie und Emotionen, immer in dynamischer Bewegung." (F.C. Gundlach)

Esther Haase arbeitet seit vielen Jahren für internationale Kunden und renommierte Magazine. Die Fotografin wechselt spielerisch zwischen den Genres Mode, Portrait, Reportage und freie Kunstprojekte. Sie hat Vivienne Westwood, Angela Merkel und Karl Lagerfeld fotografiert, für Vogue und Vanity Fair gearbeitet, Werbekampagnen für Guess und Escada realisiert. Ihre Arbeiten sind in Museen und Sammlungen vertreten.

L'exposition "Esther ́s World" présente une sélection personnelle de l'œuvre de l'artiste Esther Haase.

Metteur en scène imaginative, Esther Haase crée des mondes visuels pleins de magie et de dynamisme. Animée par l'empathie, vous êtes la chroniqueuse d'une image de femme érotique et toujours sûre d'elle.

Dans son œuvre aux multiples facettes, beaucoup de choses se rejoignent : L'envie de photographier, mais surtout l'envie de mettre en scène les gens et les modes. Ses visuels sont comme des danses avec l'appareil photo - et la danse est particulièrement importante pour la photographe, même dans la vie réelle. Tout est chorégraphie. Rien n'est inutilement lourd, forcé ou artificiel. Le romantisme de l'instantané et les histoires courtes sont, avec le flou de mouvement, des figures de style caractéristiques. Ses motifs, souvent cinématographiques, suggèrent avec un clin d'œil entendu que la vie est une scène éblouissante sur laquelle il ne faut pas se prendre trop au sérieux, ni les autres, derrière tous les décors, costumes, masques et maquillages.

"Ses œuvres célèbrent la joie d'exister, la passion, le jeu affirmé avec la sexualité, l'évasion du carcan rigide du quotidien, mais surtout l'être humain dans son intégralité : aventureux, fort, courageux, érotique, parfois mélancolique et introverti, mais toujours pleinement lui-même. Ses personnages féminins sont affirmés et sûrs d'eux ; comme Esther elle-même, ils sont pleins d'énergie et d'émotions, toujours en mouvement dynamique". (F.C. Gundlach)

Esther Haase travaille depuis de nombreuses années pour des clients internationaux et des magazines renommés. La photographe alterne de manière ludique entre les genres de la mode, du portrait, du reportage et des projets artistiques libres. Elle a photographié Vivienne Westwood, Angela Merkel et Karl Lagerfeld, a travaillé pour Vogue et Vanity Fair et a réalisé des campagnes publicitaires pour Guess et Escada. Ses travaux sont représentés dans des musées et des collections.

La mostra "Esther ́s World" presenta una selezione personale dell'opera dell'artista Esther Haase.

Come regista fantasiosa, Esther Haase crea mondi visivi pieni di magia e dinamismo. È la cronista empatica di un'immagine della donna erotica e sempre sicura di sé.

Nel suo lavoro poliedrico confluiscono molte cose: La voglia di fotografare, ma soprattutto la voglia di mettere in scena persone e mode. Le sue immagini sono come una danza con la macchina fotografica - e la danza è particolarmente importante per il fotografo anche nella vita reale. Tutto è coreografia. Nulla sembra inutilmente pesante, forzato o monco. Il romanticismo istantaneo e le storie brevi sono dispositivi stilistici caratteristici insieme alla sfocatura del movimento. I suoi motivi, spesso dall'aspetto cinematografico, suggeriscono con un ammiccamento consapevole che la vita è un palcoscenico abbagliante dove non bisogna prendere troppo sul serio se stessi e gli altri dietro tutte le scenografie, i costumi, le maschere e il trucco.

"Le sue opere celebrano la gioia di essere, la passione, il gioco sicuro di sé con la sessualità, la fuga dal rigido corsetto della vita quotidiana, ma soprattutto l'essere umano nella sua interezza: avventuroso, forte, coraggioso, erotico, a volte malinconico e introverso, ma sempre completamente con se stesso". I suoi personaggi femminili sono assertivi e sicuri di sé; come Esther stessa, sono pieni di energia ed emozioni, sempre in movimento dinamico". (F.C. Gundlach)

Esther Haase lavora da molti anni per clienti internazionali e riviste rinomate. Il fotografo passa con disinvoltura dai generi della moda, del ritratto, del reportage e dei progetti artistici liberi. Ha fotografato Vivienne Westwood, Angela Merkel e Karl Lagerfeld, ha lavorato per Vogue e Vanity Fair, ha realizzato campagne pubblicitarie per Guess ed Escada. Le sue opere sono rappresentate in musei e collezioni.

The exhibition "Esther ́s World" shows a personal selection from the oeuvre of the artist Esther Haase.

As an imaginative director, Esther Haase creates visual worlds full of magic and dynamics. She is the empathy-driven chronicler of an erotic and always self-confident image of women.

In her multifaceted work, many things come together: The desire to photograph, but above all the desire to stage people and fashions. Her pictures are like dances with the camera - and dance is particularly important to the photographer in real life as well. Everything is choreography. Nothing seems unnecessarily heavy, forced or stilted. Snapshot romance and short stories are characteristic stylistic devices, along with motion blur. Her often cinematic motifs suggest with a knowing wink that life is a dazzling stage where one should not take oneself or others too seriously behind all the scenery, costumes, masks and makeup.

"Her works celebrate the joy of being, passion, self-confident play with sexuality, breaking out of the rigid corset of everyday life, but above all the human being in its wholeness: adventurous, strong, courageous, erotic, sometimes melancholic and introverted, but always completely with herself. Her female characters are assertive and self-confident; like Esther herself, they are full of energy and emotion, always in dynamic motion." (F.C. Gundlach)

Esther Haase has been working for international clients and renowned magazines for many years. The photographer playfully switches between the genres of fashion, portraiture, reportage and free art projects. She has photographed Vivienne Westwood, Angela Merkel and Karl Lagerfeld, worked for Vogue and Vanity Fair, realized advertising campaigns for Guess and Escada. Her work is represented in museums and collections.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
26. Oktober 2022 - 19. März 2023

Samuel Fosso

Samuel Fosso (1962 Kumba, CM – Bangui, CF, und Paris, FR) zählt zu den führenden zeitgenössischen Fotografen Afrikas. Er gab der langen Tradition, die die Studiofotografie in Afrika hat, eine neue Wendung, indem er ab Mitte der 1970er-Jahre eine eigenständige Form eines explizit theatralischen Selbstporträts entwickelte und sukzessive verfeinerte. Die Selbstporträts basieren auf dem Spiel mit Rollen, Identitäten und medialen Bildern, auf Verkörperungen ausgewählter heterogener Charaktere, die von persönlicher ebenso wie von politischer Bedeutung sind. Fosso ist mit seinen Arbeiten in der Lage, gesellschaftliche Codierungen von Körper, Kleidung, Accessoires, Pose und Mimik auf virtuose Weise offenzulegen und Zuschreibungen von Gender, ethnischer Herkunft und sozialer Klasse spielerisch zu durchkreuzen. Ein zentrales Thema mehrerer Werkgruppen sind die vielschichtigen – von Postkolonialismus und Globalisierung geprägten – Beziehungen Afrikas zum Osten und zum Westen seit der Mitte des 20. Jahrhunderts. Die Personale am Museum der Moderne Salzburg beleuchtet unter anderem diese politischen Aspekte in Fossos Werk. Sie ist seine erste umfassende Einzelausstellung im deutschsprachigen Raum.

Samuel Fosso (1962 Kumba, CM - Bangui, CF, et Paris, FR) compte parmi les principaux photographes contemporains d'Afrique. Il a donné une nouvelle tournure à la longue tradition qu'a la photographie de studio en Afrique en développant et en affinant successivement, à partir du milieu des années 1970, une forme autonome d'autoportrait explicitement théâtral. Les autoportraits sont basés sur le jeu de rôles, d'identités et d'images médiatiques, sur l'incarnation de personnages hétérogènes choisis, qui ont une importance aussi bien personnelle que politique. Avec ses travaux, Fosso est en mesure de dévoiler de manière virtuose les codes sociaux du corps, des vêtements, des accessoires, des poses et des expressions faciales, et de déjouer de manière ludique les attributions de genre, d'origine ethnique et de classe sociale. Les relations complexes de l'Afrique avec l'Orient et l'Occident depuis le milieu du 20e siècle, marquées par le postcolonialisme et la mondialisation, constituent un thème central de plusieurs groupes d'œuvres. Le Personale du Museum der Moderne Salzburg met en lumière, entre autres, ces aspects politiques dans l'œuvre de Fosso. Il s'agit de sa première exposition individuelle complète dans les pays germanophones.

Samuel Fosso (1962 Kumba, CM - Bangui, CF, e Parigi, FR) è uno dei principali fotografi contemporanei africani. Ha dato una nuova svolta alla lunga tradizione della fotografia in studio in Africa sviluppando e successivamente affinando una forma indipendente di autoritratto esplicitamente teatrale a partire dalla metà degli anni 70. Gli autoritratti si basano sul gioco di ruoli, identità e immagini mediatiche, sulle incarnazioni di personaggi eterogenei selezionati che hanno un significato personale e politico. Con le sue opere, Fosso è in grado di rivelare in modo virtuoso le codifiche sociali del corpo, dell'abbigliamento, degli accessori, della posa e dell'espressione facciale e di incrociare giocosamente le attribuzioni di genere, origine etnica e classe sociale. Un tema centrale di diversi gruppi di opere è il rapporto multistrato dell'Africa con l'Oriente e l'Occidente dalla metà del XX secolo - segnato dal post-colonialismo e dalla globalizzazione. La mostra personale al Museum der Moderne di Salisburgo evidenzia, tra l'altro, questi aspetti politici nell'opera di Fosso. È la sua prima mostra personale completa nel mondo di lingua tedesca.

Samuel Fosso (Kumba, CM, 1962 – Bangui, CF, and Paris, FR) is one of Africa’s leading contemporary photographers. From the mid-1970s onwards, he has given a new twist to Africa’s long-standing traditions of studio photography by developing and successively refining an individual form of explicitly theatrical self-portraiture. These self-portraits are based on a play with roles, identities, and media images and on the embodiment of selected, heterogeneous characters that are of both personal and political significance. Fosso’s works enable him to reveal social encodings of the body, clothing, accessories, posture, and facial expressions in a virtuoso manner and to playfully traverse attributions of gender, ethnicity, and social class. A core topic of several groups of his works is to be found in the multilayered relationships of Africa to the East and the West since the mid-twentieth century, which have been marked by postcolonialism and globalization. This exhibition highlights these political aspects of Fosso’s work, among others. It is his first comprehensive solo exhibition in the German-speaking world.

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
1. Oktober 2022 - 5. Februar 2023

Medienintervention

Massenmedien – im Print- und Rundfunkbereich, heute auch online – sind zentrale gesellschaftliche Kommunikationsmittel. Seit den 1960er-Jahren beschäftigen sich Künstler_innen mit der Frage, wie Medien verschiedene Gesellschaftssysteme prägen und unser Verständnis von Realität konstruieren. Ein faszinierendes Instrument, das Künstler_innen dabei einsetzen, sind Interventionen, die sie – offen oder verdeckt – direkt in diesen Medien vollziehen und wirksam werden lassen. Sie spielen mit den Mechanismen der Massenmedien, um diese offenzulegen, um uns in Gewohnheiten zu irritieren und um auf direktem Weg politische und soziale Fragen an die Öffentlichkeit zu stellen. Die Bandbreite dieser Medieninterventionen reicht von Zeitungsinseraten über Plakat- und Fassadenaktionen im öffentlichen Raum bis hin zu Aktionen im Fernsehen und in den sozialen Medien – gemeinsam ist ihnen ihr Aktionsradius außerhalb des klassischen Kunstbetriebs. Die Ausstellung nimmt eine Auswahl historischer und aktueller Medieninterventionen in den Blick, um das Potenzial dieser Kunstform auszuloten.

Les médias de masse - dans le domaine de la presse écrite et de la radio, aujourd'hui également en ligne - sont des moyens de communication sociaux essentiels. Depuis les années 1960, les artistes s'intéressent à la manière dont les médias façonnent les différents systèmes sociaux et construisent notre compréhension de la réalité. L'un des instruments fascinants utilisés par les artistes est l'intervention qu'ils effectuent directement dans ces médias, de manière ouverte ou cachée, et qu'ils rendent efficace. Ils jouent avec les mécanismes des médias de masse pour les dévoiler, pour perturber nos habitudes et pour poser des questions politiques et sociales au public de manière directe. L'éventail de ces interventions médiatiques va des annonces dans les journaux aux actions à la télévision et dans les médias sociaux, en passant par des actions d'affichage et de façade dans l'espace public - leur point commun étant leur champ d'action en dehors du monde de l'art classique. L'exposition se penche sur une sélection d'interventions médiatiques historiques et actuelles afin de sonder le potentiel de cette forme d'art.

I mass media - nella stampa e nella radiodiffusione, oggi anche online - sono mezzi centrali della comunicazione sociale. A partire dagli anni '60, gli artisti si sono occupati della questione di come i media plasmano diversi sistemi sociali e costruiscono la nostra comprensione della realtà. Uno strumento affascinante che gli artisti utilizzano sono interventi che realizzano - apertamente o di nascosto - direttamente in questi media e li rendono efficaci. Giocano con i meccanismi dei mass media per esporli, per irritarci nelle nostre abitudini e per sollevare direttamente al pubblico questioni politiche e sociali. Lo spettro di questi interventi mediatici va dagli annunci sui giornali alle azioni sui manifesti e sulle facciate degli spazi pubblici, alle azioni in televisione e nei social media - ciò che hanno in comune è il loro raggio d'azione al di fuori dell'establishment artistico classico. La mostra esamina una selezione di interventi mediatici storici e attuali per esplorare il potenziale di questa forma d'arte.

Mass media, in the form of print, broadcast, and online media, are core means of communication in society. Since the 1960s, artists have been exploring how media can shape different societal systems and construct our understanding of reality. One fascinating instrument that artists can use to this end is a direct intervention in these media, made either openly or covertly. Such interventions play with the mechanisms of mass media in order to expose them, to irritate ingrained habits, and to pose political and social questions directly to the public. The spectrum of these media interventions ranges from newspaper advertisements to poster and storefront actions in public spaces and to actions on television and on social media. What these all have in common is a radius of action that is outside the classical art scene. This exhibition examines a selection of media interventions, both historical and contemporary, in order to explore and investigate the potential of this art form.

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)