Pavillon Populaire | Montpellier
26. Juni – 29. September 2024

Gabriele Münter, Eudora Welty. Au début, la photographie

Mit dieser neuen Ausstellung stellt der Pavillon Populaire zwei bedeutende Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts ins Rampenlicht, deren Besonderheit darin bestand, dass sie ihre künstlerische Praxis mit der Fotografie begannen, bevor sie ihre Karriere anderen Disziplinen widmeten: die eine der Literatur und die andere der Malerei.

Nachdem sie mit der Fotografie experimentiert hatte, wählte Eudora Welty das Schreiben als ihr bevorzugtes Terrain, um den Süden der Vereinigten Staaten zu beschreiben, und wurde zu einer angesehenen Kurzgeschichten- und Romanautorin (für ihren Roman Die Tochter des Optimisten erhielt sie 1973 den Pulitzer-Preis).

Gabriele Münter verkörperte als Mitglied der Kunstbewegung Der Blaue Reiter und als Lebensgefährtin von Wassily Kandinsky eine der Vertreterinnen der expressionistischen Avantgarde in München.

Es sind also zwei sich ergänzende Blickwinkel, die uns die Ausstellung anhand der Fotografien dieser Künstlerinnen vorstellt, die sie im Abstand von einigen Jahren in einem gemeinsamen geografischen Gebiet, dem Südosten der Vereinigten Staaten, aufgenommen haben.

Gabriele Münter erinnert sich an ihre Initiationsreise zu ihrer Familie, die 1846 in die USA ausgewandert war, und an ihre Entdeckung der weiten amerikanischen Landschaften, der Städte und ihrer technischen Fortschritte, der amerikanischen Lebensweise und der unterschiedlichen Rechte der weißen und schwarzen Bevölkerung. Eudora Welty berichtet deutlicher über ihre Heimatregion Mississippi, die von Armut und endemischem Rassismus geprägt ist, und richtet ihr Augenmerk auf Menschen am Rande der Gesellschaft oder auf die Lage schwarzer Frauen in den USA.

Unterschwellig zeichnen sich bei beiden die künstlerischen Verfahren ab, die sie in ihren weiteren Karrieren anwenden werden: Münters Vorliebe für die Bildkomposition und die Gruppenarchitektur, Weltys Sinn für menschliche Beziehungen und die Einbettung des Körpers in sein soziales Umfeld.

Die Ausstellung "Gabriele Münter, Eudora Welty. Am Anfang war die Fotografie" und ihre Kuratoren Isabelle Jansen und Gilles Mora laden uns ein, anhand dieser Frauenwege eine sensible und facettenreiche Lesart der Geschichte des Südens der Vereinigten Staaten im zwanzigsten Jahrhundert wiederzuentdecken.

Gabriele Münter, Eudora Welty. Au début, la photographie Avec cette nouvelle exposition, le Pavillon Populaire met sur le devant de la scène deux femmes artistes majeures du xxe siècle qui ont eu pour particularité de débuter leurs pratiques artistiques par la photographie avant de consacrer leurs carrières à d’autres champs disciplinaires : la littérature pour l’une et la peinture pour l’autre.

Après avoir expérimenté la photographie, Eudora Welty choisira l’écriture comme terrain de prédilection pour décrire le Sud des États-Unis et deviendra une nouvelliste et romancière de grande réputation (elle obtiendra le Prix Pulitzer en 1973 pour son roman La Fille de l’optimiste).

Gabriele Münter incarnera quant à elle l’une des représentantes de l’avant-garde expressionniste munichoise en tant que membre du mouvement artistique Der Blaue Reiter et compagne de Vassily Kandinsky.

Ce sont donc deux regards complémentaires que nous propose l’exposition au travers des photographies réalisées par ces femmes artistes, à quelques années de différence, sur un territoire géographique commun : le sud-est des États-Unis.

De son voyage initiatique auprès de sa famille émigrée aux États-Unis en 1846, Gabriele Münter retient sa découverte des vastes étendues américaines, des villes et de leurs progrès techniques, des modes de vie américains et des différences de droits entre les communautés blanches et noires. Eudora Welty apporte un témoignage plus tranché sur sa région natale du Mississippi acculée par la pauvreté et le racisme endémique qui la traverse, en fixant son objectif sur des personnes en marge de la société ou sur la condition des femmes noires aux États-Unis.

En filigrane se dessinent, pour l’une comme pour l’autre, les procédés artistiques qu’elles utiliseront dans la suite de leurs carrières : un goût pour la composition picturale et l’architecture de groupe chez Münter, un sens des relations humaines et l’inscription du corps dans son environnement social pour Welty.

L’exposition « Gabriele Münter, Eudora Welty. Au début, la photographie » et ses commissaires Isabelle Jansen et Gilles Mora nous invitent à redécouvrir au travers de ces parcours de femmes une lecture sensible et protéiforme de l’histoire du Sud des États-Unis au vingtième siècle.

Gabriele Münter, Eudora Welty. All'inizio la fotografia Con questa nuova mostra, il Pavillon Populaire porta alla ribalta due importanti artiste del XX secolo che hanno avuto la particolarità di iniziare la loro pratica artistica con la fotografia prima di dedicarsi ad altre discipline: la letteratura per una e la pittura per l'altra.

Dopo aver sperimentato la fotografia, Eudora Welty ha scelto la scrittura come mezzo privilegiato per descrivere il Sudamericano, diventando una scrittrice di racconti e romanzi di grande fama (ha vinto il Premio Pulitzer nel 1973 per il romanzo La figlia dell'ottimista).

Gabriele Münter è stato uno dei rappresentanti dell'avanguardia espressionista di Monaco, membro del movimento artistico Der Blaue Reiter e compagno di Vassily Kandinsky.

La mostra ci offre due prospettive complementari, attraverso le fotografie scattate da queste due artiste, a pochi anni di distanza l'una dall'altra, in un'area geografica comune: il sud-est degli Stati Uniti.

Gabriele Münter, emigrata negli Stati Uniti con la famiglia nel 1846, ricorda la sua scoperta delle vaste distese americane, delle città e del loro progresso tecnico, dell'American way of life e delle differenze di diritti tra la comunità bianca e quella nera. Eudora Welty offre una visione più nitida della sua terra natale, il Mississippi, afflitta dalla povertà e dal razzismo endemico, concentrandosi sulle persone ai margini della società e sulla condizione delle donne nere negli Stati Uniti.

In entrambi i casi, sono evidenti anche i processi artistici che avrebbero utilizzato nelle loro successive carriere: il gusto per la composizione pittorica e l'architettura di gruppo nel caso di Münter, e il senso delle relazioni umane e del corpo come parte del suo ambiente sociale nel caso di Welty.

La mostra "Gabriele Münter, Eudora Welty. In principio, la fotografia" e i suoi curatori Isabelle Jansen e Gilles Mora ci invitano a riscoprire, attraverso i viaggi di queste donne, una lettura sensibile e proteiforme della storia del Sudamericano nel XX secolo.

Gabriele Münter, Eudora Welty. In the beginning, photography with this new exhibition, the Pavillon Populaire brings to the fore two major women artists of the 20th century who had the distinction of beginning their artistic practices with photography before devoting their careers to other disciplinary fields: literature for one and painting for the other.

After experimenting with photography, Eudora Welty chose writing as her preferred medium for depicting the American South, becoming a short story writer and novelist of great repute (she won the Pulitzer Prize in 1973 for her novel The Optimist's Daughter).

Gabriele Münter, on the other hand, represented the Munich Expressionist avant-garde as a member of the Der Blaue Reiter art movement and companion of Vassily Kandinsky.

The exhibition offers two complementary perspectives, through photographs taken by these women artists, just a few years apart, on a common geographic territory: the southeastern United States.

Gabriele Münter's voyage of initiation with her family, who emigrated to the United States in 1846, led her to discover the vast expanses of America, the cities and their technical progress, American lifestyles and the differences in rights between the white and black communities. Eudora Welty provides a sharper view of her native Mississippi, which is plagued by poverty and endemic racism, focusing on people on the margins of society and on the condition of black women in the United States.

For both of them, the artistic processes they would use in their subsequent careers are implicit: for Münter, a taste for pictorial composition and group architecture; for Welty, a sense of human relationships and the body's place in its social environment.

The exhibition "Gabriele Münter, Eudora Welty. In the beginning, photography" and its curators Isabelle Jansen and Gilles Mora invite us to rediscover, through these women's journeys, a sensitive and protean reading of the history of the American South in the twentieth century.

(Text: Michaël Delafosse, Maire de Montpellier, Président de Montpellier Méditerranée Métropole)

Pavillon Populaire | Montpellier

17. Januar – 14. April 2024

L’Homme au Leica
Paul Wolff

Diese erste in Frankreich gezeigte Retrospektive eröffnet dem Publikum das Werk eines der kulturhistorisch bedeutendsten deutschen Fotografen der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Paul Wolff gilt als einer der Pioniere des fotografischen Kleinformats, das mit der Erfindung der gleichnamigen Kamera durch die Firma Leica im Jahr 1929 entstand, die durch ihre Handlichkeit die Zukunft der modernen und zeitgenössischen Fotografie verändern sollte. In dieser Ausstellung wird aus privaten und öffentlichen Sammlungen der Großteil von Paul Wolffs publizistischem und fotografischem Werk zusammengestellt.

Cette première rétrospective montrée en France, ouvre au public l’œuvre d’un des photographes allemands les plus significatifs, sur le plan culturel et historique, de la première partie du XXe siècle. Paul Wolff est considéré comme l’un des pionniers dans l’utilisation du petit format photographique, né avec l’invention, en 1929, par la firme Leica, de l’appareil éponyme qui allait changer, par sa maniabilité, le devenir de la photographie moderne et contemporaine. Cette exposition rassemblera, à partir de collections privées et publiques, l’essentiel de l’œuvre éditoriale et photographique de Paul Wolff.

Questa prima retrospettiva esposta in Francia presenta al pubblico l'opera di uno dei fotografi tedeschi più significativi dal punto di vista culturale e storico della prima parte del XX secolo. Paul Wolff è considerato uno dei pionieri dell'uso della fotografia di piccolo formato, iniziato con l'invenzione nel 1929 da parte della società Leica dell'omonima macchina fotografica che, grazie alla sua facilità d'uso, avrebbe cambiato il volto della fotografia moderna e contemporanea. Questa mostra riunirà la maggior parte del lavoro editoriale e fotografico di Paul Wolff, proveniente da collezioni private e pubbliche.

This first retrospective to be shown in France introduces the public to the work of one of the most culturally and historically significant German photographers of the first part of the 20th century. Paul Wolff is considered one of the pioneers of the small-format photograph, born of the Leica company's 1929 invention of the eponymous camera, which, thanks to its ease of use, was to change the face of modern and contemporary photography. This exhibition will bring together, from private and public collections, most of Paul Wolff's editorial and photographic work.

Centre photographique documentaire - ImageSingulières | Sète
15. September - 23. Dezember 2023

Le Monde en Face
Gilles Favier

Während wir Gilles Favier als künstlerischen Leiter von ImageSingulières kennen, wissen wir weniger über seine persönliche Arbeit. Gilles Favier ist in erster Linie ein Fotograf, Humanist und Politiker im weitesten Sinne des Wortes.

Da ImageSingulières neue Richtungen einschlägt, wollte ich die letzte Ausstellung des Jahres seiner fotografischen Arbeit widmen, um ihn besser bekannt zu machen.

Als 30-jähriges Mitglied der Agence VU' und treuer Mitarbeiter der Zeitung Libération leistet er dokumentarische Arbeit, die uns dazu bringt, die Gesellschaft mit anderen Augen zu sehen und uns neu zu hinterfragen. Seine Fotografien fangen mit Empathie Lebensabschnitte ein, die uns nicht so fremd, sondern manchmal sogar vertraut sind.

Gilles Favier, der von den Bildern von Diane Arbus inspiriert wurde, fotografiert die Menschen, die das heutige Frankreich zum Teil aufgebaut haben. Franzosen, die trotz der Krise stolz auf ihre republikanischen Werte bleiben und bereit sind, sie zu verteidigen, aber nicht nur das. Er interessiert sich im weiteren Sinne für diese Männer und Frauen, die der Volksklasse angehören, und das weit über das Hexagon hinaus.

In dieser Retrospektive zeigen wir insbesondere seine Arbeiten über den Nordirlandkonflikt in Belfast, die Nebenschauplätze der Dreharbeiten zu La Haine, seine intime Sicht auf Valparaiso, die Nordviertel von Marseille, die Spuren der Arbeiterwelt in Saint-Etienne, die Sklavenroute, auf den Spuren von Pierre Verger zwischen Benin und Bahia sowie seine Serie One Star Hôtel.

Gilles Favier beansprucht seine Funktion als Dokumentarfotograf, als Zeuge, Analyst und Komplize, und bekräftigt die Notwendigkeit einer fotografischen, unspektakulären Form, um zu berichten. (Valérie Laquittant, Direktorin von ImageSingulières)

Sie leben in Marseille oder in Benin, in Belfast, in Saint-Etienne, in Valparaiso oder in einem Pariser Vorort, und sie schauen uns an.

Sie, Männer, Frauen oder Kinder, sind Figuren, denen Gilles Favier im Laufe seiner verschiedenen Projekte begegnet ist.

Er hat sich dazu entschlossen, sie zusammenzufassen, weil sie Schlüsselelemente seiner Erkundung von sozialen Gruppen oder Situationen waren, die er für seine visuellen Untersuchungen ausgewählt hat, die einen Zustand der heutigen Welt offenbaren. Das liegt auch daran, dass er nach Abschluss seiner Arbeit weiterhin Beziehungen pflegte, meist freundschaftlicher Natur, und sie als eine Art Familie betrachtete, die aus der Arbeit entstanden war.

All diese Menschen, die uns in dem frontalen Ansatz, den Gilles Favier liebt, betrachten, kennen sich nicht. Und doch existieren sie, abgesehen von ihrer eigenen Situation (Arbeitslose in Europa, Minenopfer in Angola, Immigranten), als eine zusammenhängende Gruppe. Oder, genauer gesagt, der Blick, der auf sie gerichtet ist, sorgt für Kohärenz zwischen diesen so unterschiedlichen Gesichtern.

Dieser Blick ohne Manierismen ist in erster Linie ein Blick des Respekts, eine Hervorhebung des Menschlichen und Würdigen in jedem, den der Fotograf festhält, indem er seinen Standpunkt mit dem ihren vergleicht, für diese seltsame Übung des Porträts, die sich in einer Gegenüberstellung, einer Spannung, einem Austausch zusammenfassen lässt. Denn in diesen scheinbar so einfachen Porträts gab es einen echten Austausch.

Es gibt Fotografen, die ihre "Modelle" gerne in eine vorgegebene Form pressen. Gilles Favier hingegen versucht, das unvermeidliche Aufeinandertreffen der Blicke, dem das Genre gehorcht, in eine Art des Teilens zu verwandeln. In einem Moment der Enthüllung, in dem jeder wieder auf seine Kosten kommt, weil der Respekt zwischen zwei Individuen offensichtlich ist. Dann, und nur dann, ist es möglich, dass wir, die wir keine der Figuren kennen, die uns direkt in die Augen schauen, sie ebenfalls anschauen, ohne uns in Voyeure zu verwandeln.

Dieser Beweis der Menschlichkeit ist auch eine Anerkennung, eine Art, sich bei denjenigen zu bedanken, die die Konfrontation und das Risiko auf sich genommen haben, so dargestellt zu werden, wie sie es sich nicht vorgestellt haben. Der Ansatz, während Fotografen oft räuberisch sind, ist selten genug, um Gilles Favier dafür zu danken. (Christian Caujolle)

Si nous connaissons Gilles Favier comme le directeur artistique d’ImageSingulières, nous connaissons moins son travail personnel. Gilles Favier est avant tout un photographe, humaniste et politique au sens large du terme.

ImageSingulières prenant de nouvelles directions, j’ai souhaité consacrer la dernière exposition de l’année à son travail photographique afin de mieux le faire connaître.

Membre de l’Agence VU’ pendant 30 ans, fidèle du journal Libération, il accomplit un travail de documentariste qui nous amène à porter sur la société un regard différent, à nous réinterroger. Ses photographies saisissent avec empathie des tranches de vie qui ne nous sont pas si étrangères, parfois même familières.

Nourrit aux images de Diane Arbus, Gilles Favier photographie celles et ceux qui ont, en partie, construit la France d’aujourd’hui. Des Français qui malgré la crise restent fiers de leurs valeurs républicaines et prêts à les défendre, mais pas seulement. Il s’intéresse plus largement à ces hommes et ces femmes qui appartiennent à la classe populaire, et ce, bien au-delà de l’Hexagone.

Pour cette rétrospective, nous montrerons notamment ses travaux sur le conflit nord-irlandais à Belfast, les à-côtés du tournage de La Haine, sa vision intime de Valparaiso, les quartiers nord de Marseille, les traces du monde ouvrier à Saint-Etienne, la route des esclaves, sur les traces de Pierre Verger entre le Bénin et Bahia, et sa série One Star Hôtel.

Gilles Favier revendique sa fonction de photographe documentaire, de témoin, analyste et complice, et affirme la nécessité d’une forme photographique, non spectaculaire, pour rendre compte. (Valérie Laquittant, directrice d’ImageSingulières)

Ils vivent à Marseille, ou au Bénin, à Belfast, à Saint-Etienne, à Valparaiso ou en banlieue parisienne et ils nous regardent.

Eux, hommes, femmes ou enfants, ce sont des personnages que Gilles Favier a rencontrés au cours de ses divers projets.

S’il a décidé de les regrouper c’est qu’ils ont été des éléments clé de son exploration de groupes sociaux ou de situations sur lesquels il a choisi de mener ses enquêtes visuelles qui révèlent un état du monde d’aujourd’hui. C’est également parce qu’après avoir terminé son travail, il a continué à entretenir des relations, amicales la plupart du temps, et qu’il les a considérées comme une sorte de famille née du travail.

Tous ces gens qui nous regardent dans l’approche frontale que Gilles Favier affectionne ne se connaissent pas. Et pourtant, au-delà de leur situation propre (chômeurs en Europe, victimes de mines en Angola, immigrés) ils existent comme un groupe cohérent. Ou, plus exactement, le regard porté sur eux assure la cohérence entre ces visages si divers.

Ce regard sans maniérisme est d’abord un regard de respect, une mise en évidence de ce qu’il y a d’humain et de digne dans chacun de ceux que le photographe fixe, confrontant son point de vue au leur pour cet étrange exercice du portrait qui se résume en un face à face, en une tension, en un échange. Car, dans ces portraits apparemment si simples il y avait véritablement échange.

Il existe des photographes qui aiment plier leurs « modèles » à une forme pré-établie. Gilles Favier, lui, cherche à transformer l’inévitable affrontement des regards auquel obéit le genre en une manière de partage. En un instant de dévoilement où chacun retrouvera son compte parce que le respect est évident entre deux individus. Alors, et seulement alors, il est possible que nous, qui ne connaissons aucun des personnages qui nous regardent droit dans les yeux, les regardions également sans nous transformer en voyeurs.

Cette preuve d’humanité est également une reconnaissance, une façon de dire merci à ceux qui ont accepté la confrontation et le risque de se voir représentés tels qu’ils ne s’imaginaient pas. La démarche, alors que les photographes sont souvent prédateurs est suffisamment rare pour que Gilles Favier en soit remercié. (Christian Caujolle)

Conosciamo Gilles Favier come direttore artistico di ImageSingulières, ma sappiamo meno del suo lavoro personale. Gilles Favier è soprattutto un fotografo, umanista e politico nel senso più ampio del termine.

Mentre ImageSingulières intraprende nuove strade, ho voluto dedicare l'ultima mostra dell'anno al suo lavoro fotografico per farlo conoscere meglio.

Membro dell'Agence VU' da 30 anni e collaboratore regolare del quotidiano Libération, il suo lavoro di documentarista ci spinge a guardare la società con occhi diversi e a metterci in discussione. Le sue fotografie catturano con empatia spaccati di vita che non ci sono così estranei, a volte addirittura familiari.

Nutrito dalle immagini di Diane Arbus, Gilles Favier fotografa coloro che hanno, in parte, costruito la Francia di oggi. Francesi che, nonostante la crisi, restano orgogliosi dei loro valori repubblicani e pronti a difenderli. Il suo interesse si rivolge anche agli uomini e alle donne della classe operaia, ben oltre la Francia stessa.

Per questa retrospettiva, mostreremo in particolare il suo lavoro sul conflitto nordirlandese a Belfast, le conseguenze delle riprese di La Haine, la sua visione intima di Valparaiso, i quartieri settentrionali di Marsiglia, le tracce del mondo operaio a Saint-Etienne, la rotta degli schiavi, sulle orme di Pierre Verger tra Benin e Bahia, e la serie One Star Hôtel.

Gilles Favier afferma il suo ruolo di fotografo documentarista, di testimone, analista e complice, e ribadisce la necessità di una forma di reportage fotografico non spettacolare. (Valérie Laquittant, direttrice di ImageSingulières)

Vivono a Marsiglia, nel Benin, a Belfast, a Saint-Etienne, a Valparaiso o nella periferia parigina, e ci osservano.

Sono uomini, donne e bambini, personaggi che Gilles Favier ha incontrato nel corso dei suoi vari progetti.

Se ha deciso di raggrupparli, è perché sono stati elementi chiave nella sua esplorazione dei gruppi sociali o delle situazioni che ha scelto di indagare visivamente, rivelando uno stato del mondo di oggi. È anche perché, una volta terminato il suo lavoro, ha continuato a mantenere relazioni, per lo più amichevoli, e a vederle come una sorta di famiglia nata dal lavoro.

Tutte queste persone che ci guardano con l'approccio frontale preferito da Gilles Favier non si conoscono. Eppure, al di là della loro situazione (disoccupati in Europa, vittime delle mine in Angola, immigrati) esistono come un gruppo coerente. O, per essere più precisi, il modo in cui vengono visti fa sì che questi volti diversi siano coerenti.

Questo sguardo disadorno è prima di tutto uno sguardo di rispetto, che mette in evidenza ciò che di umano e dignitoso c'è in ognuno di coloro che il fotografo fotografa, mettendo a confronto il suo punto di vista con il loro in questo strano esercizio di ritrattistica che si riduce a un incontro faccia a faccia, a una tensione, a uno scambio. Perché in questi ritratti, apparentemente così semplici, c'è stato un vero e proprio scambio.

Ci sono fotografi che amano piegare i loro "modelli" a una forma prestabilita. Gilles Favier, invece, cerca di trasformare l'inevitabile confronto di sguardi a cui il genere è soggetto in una sorta di condivisione. In un momento di svelamento in cui ognuno troverà ciò che cerca, perché il rispetto è evidente tra due individui. Allora, e solo allora, è possibile per noi, che non conosciamo nessuno dei personaggi che ci guardano, guardarli senza diventare voyeur.

Questa dimostrazione di umanità è anche una forma di riconoscimento, un modo per dire grazie a chi ha accettato il confronto e il rischio di vedersi ritratto in un modo che non avrebbe mai immaginato. In un'epoca in cui i fotografi sono spesso predatori, questo approccio è sufficientemente raro perché Gilles Favier possa essere ringraziato. (Christian Caujolle)

While we know Gilles Favier as the artistic director of ImageSingulières, we are less familiar with his personal work. Gilles Favier is above all a photographer, humanist and political in the broadest sense of the term.

As ImageSingulières takes on new directions, I wanted to dedicate the last exhibition of the year to his photographic work, in order to make him better known.

A member of Agence VU' for 30 years, and a regular contributor to the newspaper Libération, his work as a documentary photographer leads us to take a different look at society, and to question ourselves. His photographs capture with empathy slices of life that are not so foreign to us, sometimes even familiar.

Nourished by the images of Diane Arbus, Gilles Favier photographs those who have, in part, built the France of today. French people who, despite the crisis, remain proud of their republican values and ready to defend them, but not only. He is also interested in the men and women of the working class, far beyond France's borders.

For this retrospective, we'll be showing his work on the Northern Irish conflict in Belfast, the aftermath of the filming of La Haine, his intimate vision of Valparaiso, Marseille's northern suburbs, traces of the working-class world in Saint-Etienne, the slave route, in the footsteps of Pierre Verger between Benin and Bahia, and his One Star Hôtel series.

Gilles Favier asserts his role as documentary photographer, as witness, analyst and accomplice, and asserts the need for a photographic, non-spectacular form of reporting. (Valérie Laquittant, director of ImageSingulières)

They live in Marseille, Benin, Belfast, Saint-Etienne, Valparaiso or the Paris suburbs, and they're watching us.

Men, women and children, these are the characters Gilles Favier has met in the course of his various projects.

If he has decided to group them together, it's because they have been key elements in his exploration of the social groups or situations he has chosen to investigate visually, revealing a state of the world today. It's also because, after completing his work, he continued to maintain relationships, mostly friendly, and considered them a kind of family born of work.

All these people who look at us with Gilles Favier's trademark frontal approach don't know each other. And yet, beyond their individual situations (unemployed in Europe, mine victims in Angola, immigrants) they exist as a coherent group. Or, to be more precise, the way we look at them ensures coherence between these diverse faces.

This unmannered gaze is first and foremost a gaze of respect, a focus on what is human and dignified in each of those whom the photographer captures, confronting his point of view with theirs in this strange portraiture exercise that boils down to a face-to-face encounter, a tension, an exchange. For, in these seemingly simple portraits, there was a genuine exchange.

There are photographers who like to bend their "models" to a pre-established form. Gilles Favier, on the other hand, seeks to transform the genre's inevitable confrontation of gazes into a kind of sharing. In a moment of unveiling, everyone will find what they're looking for, because respect is evident between two individuals. Then, and only then, can we, who don't know any of the characters staring back at us, look at them without becoming voyeurs.

This demonstration of humanity is also a form of recognition, a way of saying thank you to those who have accepted the confrontation and the risk of seeing themselves portrayed in ways they never imagined. At a time when photographers are often predatory, this approach is sufficiently rare for Gilles Favier to be thanked. (Christian Caujolle)

Carré d'art-Musée d'art contemporain | Nîmes
9. Mai - 17. September 2023

Ugly Plymouths
Martine Syms

Die Ausstellung findet im Rahmen der Rencontres de la photographie d'Arles statt.

Martine Syms nutzt Videos, um die Darstellung schwarzer Körper in der zeitgenössischen visuellen Kultur zu erforschen. In ihrem Projekt Lessons produziert sie eine Reihe von Videos, die die Zeit von Werbefilmen aufgreifen und sich gleichzeitig auf die Bildwirksamkeit von Sitcoms und Online-Nachrichten beziehen. Wie ein langes Gedicht über die Begriffe Identität und "Blackness". Indem sie mit den verschiedenen Quellen der Bilder spielt, hinterfragt sie die Wahrnehmungsmuster des Publikums, das durch den Informationsfluss manipuliert wird. In Ugly Plymouths setzt Martine Syms ihre Erforschung von Performance, Narration und verschiedenen Modalitäten der Bildproduktion fort. Sie geht von Strandszenen zu alltäglichen Aktivitäten über, die durch die Dialoge von drei nicht sichtbaren Figuren unterstrichen werden. In Los Angeles gedreht, wird die Stadt, in der gedreht wird, sowohl zum Ort als auch zur Situation. Man begegnet allen möglichen Personen, die in einem Strom von Bildern gefangen sind, die sich zu vervielfältigen scheinen und dazu führen, dass man den Kontakt mit der Realität verliert. Martine Syms schafft mit dieser Installation ein Porträt von Los Angeles im digitalen Zeitalter.

Martine Syms utilise la vidéo, pour explorer la représentation des corps noirs dans la culture visuelle contemporaine. Dans son projet Lessons, elle réalise une série de vidéos qui reprennent le temps des films publicitaires, tout en faisant référence à l’efficacité des images des sitcoms et à l’information online. Comme un long poème sur les notions d’identité et de « blackness ». En jouant avec les différentes sources des images, elle interroge les modes de perception du public, manipulé par le flux d’informations. Dans Ugly Plymouths, Martine Syms poursuit son exploration de la performance, de la narration et des différentes modalités de production d’images. Elle va de scènes de plages à des activités du quotidien soulignées par les dialogues de trois personnages non visibles. Tourné à Los Angeles, la ville du tournage, devient à la fois un site et une situation. On y croise toutes sortes de personnes prises dans un flux d’images qui semblent se démultiplier et amener à perdre tout contact avec le réel. Martine Syms réalise avec cette installation un portrait de Los Angeles à l’ère numérique.

Martine Syms utilizza il video per esplorare la rappresentazione dei corpi neri nella cultura visiva contemporanea. Nel suo progetto Lessons, ha prodotto una serie di video che occupano il tempo dei filmati pubblicitari, pur facendo riferimento all'efficacia delle immagini delle sitcom e delle informazioni online. È come un lungo poema sull'identità e sulla blackness. Giocando con le diverse fonti delle immagini, l'artista mette in discussione le modalità di percezione del pubblico, manipolate dal flusso di informazioni. In Ugly Plymouths, Martine Syms continua la sua esplorazione della performance, della narrazione e dei diversi modi in cui le immagini vengono prodotte. Spazia da scene di spiaggia ad attività quotidiane sottolineate dai dialoghi di tre personaggi inediti. Girato a Los Angeles, la città in cui è stato girato il film diventa sia un luogo che una situazione. Incontriamo persone di ogni tipo coinvolte in un flusso di immagini che sembrano moltiplicarsi e che ci portano a perdere ogni contatto con la realtà. L'installazione di Martine Syms è un ritratto di Los Angeles nell'era digitale.

Martine Syms uses video to explore the representation of black bodies in contemporary visual culture. In her Lessons project, she creates a series of videos that take up the time of advertising films, while referring to the effectiveness of sitcom images and online information. Like a long poem on notions of identity and blackness. Playing with the different sources of images, she questions the public's modes of perception, manipulated by the flow of information. In Ugly Plymouths, Martine Syms continues her exploration of performance, narrative and the different modalities of image production. It ranges from beach scenes to everyday activities underlined by the dialogues of three unseen characters. Filmed in Los Angeles, the city of the shoot becomes both site and situation. We meet all kinds of people caught up in a flow of images that seem to multiply and lead us to lose all contact with reality. With this installation, Martine Syms creates a portrait of Los Angeles in the digital age.

Pavillon Populaire | Montpellier
18. Februar - 16. April 2023

La Surface et la Chair. Madame d'Ora, Vienne-Paris, 1907-1957

Unter dem Namen Madame d'Ora war Dora KALLMUS (1881-1963) eine bekannte Fotografin, die als mondäne Porträtfotografin zunächst in Wien arbeitete, das damals ein wichtiges kulturelles Zentrum und Labor der Moderne in Europa war, und später im Paris der Années folles.

Von ihrem Porträt des Malers Gustav Klimt im Jahr 1908 bis zu ihrem Porträt von Picasso im Jahr 1958, bei dem sie die modernsten Techniken einsetzte, behandelte sie im Laufe ihrer über 50-jährigen außergewöhnlichen Karriere zahlreiche Themen.

Als Vordenkerin war sie 1908 eine der ersten Frauen, die in Wien ein Fotostudio eröffneten. Aristokraten, Schauspielerinnen und Modedesigner schätzten ihre künstlerische Intuition, ihr Talent, die Persönlichkeit ihrer Modelle zu erfassen und Kleidung und Accessoires zu arrangieren, und bald veröffentlichten viele Zeitschriften regelmäßig ihre Bilder.

Im Jahr 1925 zog sie nach Paris, wo sie sofort von Haute-Couture-Häusern wie Balenciaga und Chanel gerufen wurde, um die eleganten Kleider zu fotografieren, die Tamara de Lempicka, Josephine Baker und viele andere trugen. Sie war eine wichtige Figur in der Kunstszene und schuf zahlreiche Atelierporträts der angesagten Persönlichkeiten, mit denen sie in der High Society ihrer Zeit verkehrte.

Doch der Krieg erschüttert ihr Leben und ihre Arbeit. Als Jüdin verlor sie während der Besatzung ihr Pariser Studio und musste sich mehrere Jahre lang in der Ardèche verstecken, wo ihre Familie und ihre Freunde verfolgt wurden. Als sie nach 1945, nachdem sie alles verloren hatte, nach Paris zurückkehrte, hatte sie einen scharfen, aber empathischen Blick auf die Opfer des Krieges und einen weitaus distanzierteren auf Glamour und Geld. Von den schillernden bis zu den dunkelsten Zeiten, von Avantgardekünstlern über mittellose Flüchtlinge bis hin zu einer erstaunlichen metaphorischen Arbeit über die Pariser Schlachthöfe erzählen Madame d'Oras Porträts auf unnachahmliche Weise von den Umwälzungen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Die Ausstellung zeigt Sammlungen von Vintage-Abzügen aus Museen in Wien, Linz (Österreich), Hamburg, Berlin (Deutschland) und Paris, zusammen mit einer umfangreichen Dokumentation, die den historischen Kontext illustriert.

Kuratorin der Ausstellung: Monika FABER, war Kuratorin am Museum Moderner Kunst in Wien und danach Chefkuratorin der Fotosammlung der Albertina. Seit 2011 ist sie Direktorin des Photoinstittu Bonartes, das sich der Erforschung der historischen Fotografie in Österreich und Mitteleuropa widmet. Sie ist außerdem Autorin zahlreicher Publikationen über die Geschichte der Fotografie.

Magdalena VUKOVIC, ist Fotohistorikerin und Ausstellungskuratorin, spezialisiert auf Fotografie in Österreich bis zu den 1950er Jahren. Seit 2011 arbeitet sie als Kuratorin am Photoinstitut Bonartes in Wien. In ihrer Arbeit bevorzugt sie einen interdisziplinären Ansatz und arbeitet eng mit Forschern aus verschiedenen Bereichen zusammen.

En effet, sous le nom de Madame d’Ora, Dora KALLMUS (1881–1963) fut une photographe renommée, travaillant comme portraitiste mondaine d’abord à Vienne, alors centre culturel majeur et laboratoire de la modernité en Europe, puis dans le Paris des Années folles.

De son portrait du peintre Gustav Klimt en 1908 jusqu’à celui de Picasso en 1958, utilisant les techniques les plus modernes, elle traite de nombreux sujets au fil d’une carrière extraordinaire de plus de cinquante ans.

Précurseure, elle est en 1908, l’une des premières femmes à ouvrir un studio de photographie à Vienne. Les aristocrates, les actrices et les créateurs de mode apprécient son intuition artistique, son talent pour saisir la personnalité de ses modèles, pour agencer les vêtements et les accessoires, et bientôt de nombreux magazines publient régulièrement ses images.

C'est en 1925 qu'elle s’installe à Paris, où elle est immédiatement appelée par les maisons de haute couture comme Balenciaga et Chanel pour photographier les tenues élégantes portées par Tamara de Lempicka, Josephine Baker et beaucoup d’autres. Figure majeure de la scène artistique, elle réalise de nombreux portraits d’atelier des personnalités en vogue, qu’elle côtoie dans la haute société de son temps.

Mais la guerre vient bouleverser sa vie et son travail. Juive, elle perd son studio parisien pendant l’Occupation, ce qui la contraint à se cacher en Ardèche durant plusieurs années au cours desquelles sa famille et ses amis sont persécutés. Retournant à Paris après 1945, ayant tout perdu, elle porte alors un regard aiguisé mais empathique sur les victimes de la guerre, et beaucoup plus distant sur le glamour et l’argent. Des éblouissements aux temps les plus sombres, des artistes d'avant-garde aux réfugiés démunis, jusqu’à l’étonnant travail métaphorique sur les abattoirs parisiens, les portraits de Madame d'Ora racontent de manièresaisissante les bouleversements de la première moitié du XXe siècle.

L'exposition présentera des collections de tirages vintage de musées de Vienne, Linz (Autriche), Hambourg, Berlin (Allemagne), et Paris, avec un important fonds documentaire illustrant le contexte historique.

Commissaire de l'exposition: Monika FABER, a été conservatrice au Museum Moderner Kunst de Vienne puis conservatrice en chef de la collection de photographies de l'Albertina. Depuis 2011, elle est directrice du Photoinstittu Bonartes, qui se consacre à la recherche sur la photographie historique en Autriche et en Europe centrale. Elle a également signé de nombreuses publications sur l'histoire de la photographie.

Magdalena VUKOVIC, est historienne de la photographie et commissaire d'exposition, spécialisée dans la photographie en Autriche jusqu'aux années 1950. Depuis 2011, elle travaille en tant que conservatrice au Photoinstitut Bonartes à Vienne. Dans son travail, elle privilégie une approche interdisciplinaire collaborant étroitement avec des chercheurs de différents domaines.

Infatti, con il nome di Madame d'Ora, Dora KALLMUS (1881-1963) è stata una fotografa rinomata, che ha lavorato come ritrattista mondana prima a Vienna, allora importante centro culturale e laboratorio della modernità in Europa, e poi nella Parigi dei ruggenti anni Venti.

Dal ritratto del pittore Gustav Klimt nel 1908 a quello di Picasso nel 1958, utilizzando le tecniche più moderne, ha trattato numerosi soggetti nel corso di una straordinaria carriera durata più di cinquant'anni.

Nel 1908 è stata una delle prime donne ad aprire uno studio fotografico a Vienna. Aristocratici, attrici e stilisti apprezzano il suo intuito artistico, il suo talento nel cogliere la personalità delle modelle, nel sistemare abiti e accessori, e ben presto molte riviste pubblicano regolarmente le sue immagini.

Nel 1925 si trasferisce a Parigi, dove viene subito chiamata da case di alta moda come Balenciaga e Chanel per fotografare gli eleganti abiti indossati da Tamara de Lempicka, Josephine Baker e molte altre. Figura di spicco della scena artistica, realizzò numerosi ritratti in studio delle personalità alla moda che frequentava nell'alta società del suo tempo.

Ma la guerra ha sconvolto la sua vita e il suo lavoro. Ebrea, perse il suo studio parigino durante l'occupazione, che la costrinse a nascondersi nell'Ardèche per diversi anni, durante i quali la sua famiglia e i suoi amici furono perseguitati. Tornata a Parigi dopo il 1945, dopo aver perso tutto, l'autrice rivolge uno sguardo acuto ma empatico alle vittime della guerra e uno sguardo molto più distante al glamour e al denaro. Dagli abbagli ai tempi più bui, dagli artisti d'avanguardia ai rifugiati indigenti, fino allo stupefacente lavoro metaforico sui mattatoi parigini, i ritratti di Madame d'Ora raccontano in modo suggestivo gli sconvolgimenti della prima metà del XX secolo.

La mostra presenterà collezioni di stampe d'epoca provenienti dai musei di Vienna, Linz (Austria), Amburgo, Berlino (Germania) e Parigi, insieme a un'ampia raccolta di documenti che illustrano il contesto storico.

Curatore della mostra: Monika FABER, ex curatore del Museum Moderner Kunst di Vienna ed ex curatore capo della collezione fotografica dell'Albertina. Dal 2011 è direttrice di Photoinstittu Bonartes, che si dedica alla ricerca sulla fotografia storica in Austria e in Europa centrale. È anche autrice di numerose pubblicazioni sulla storia della fotografia.

Magdalena VUKOVIC, storica della fotografia e curatrice, è specializzata nella fotografia in Austria fino agli anni Cinquanta. Dal 2011 lavora come curatrice presso il Photoinstitut Bonartes di Vienna. Nel suo lavoro privilegia un approccio interdisciplinare, lavorando a stretto contatto con ricercatori di diversi settori.

Indeed, under the name of Madame d'Ora, Dora KALLMUS (1881-1963) was a renowned photographer, working as a socialite portraitist first in Vienna, then a major cultural center and laboratory of modernity in Europe, and then in the Paris of the Roaring Twenties.

From her portrait of the painter Gustav Klimt in 1908 to that of Picasso in 1958, using the most modern techniques, she treated numerous subjects over the course of an extraordinary career lasting more than fifty years.

In 1908, she was one of the first women to open a photography studio in Vienna. Aristocrats, actresses and fashion designers appreciated her artistic intuition, her talent for capturing the personality of her models, for arranging clothes and accessories, and soon many magazines regularly published her images.

In 1925 she moved to Paris, where she was immediately called upon by haute couture houses such as Balenciaga and Chanel to photograph the elegant outfits worn by Tamara de Lempicka, Josephine Baker and many others. A major figure on the art scene, she made numerous studio portraits of fashionable personalities, whom she rubbed shoulders with in the high society of her time.

But the war disrupted her life and her work. A Jew, she lost her Paris studio during the Occupation, which forced her to hide in the Ardèche for several years during which her family and friends were persecuted. Returning to Paris after 1945, having lost everything, she takes a sharp but empathetic look at the victims of the war, and a much more distant look at glamour and money. From the dazzling to the darkest times, from avant-garde artists to destitute refugees, to the astonishing metaphorical work on the Parisian slaughterhouses, Madame d'Ora's portraits tell the story of the upheavals of the first half of the twentieth century in a powerful way.

The exhibition will feature collections of vintage prints from museums in Vienna, Linz (Austria), Hamburg, Berlin (Germany), and Paris, along with an extensive collection of documents illustrating the historical context.

Curator of the exhibition: Monika FABER, was curator at the Museum Moderner Kunst in Vienna and then chief curator of the photography collection at the Albertina. Since 2011, she has been the director of Photoinstittu Bonartes, which is dedicated to research on historical photography in Austria and Central Europe. She has also authored numerous publications on the history of photography.

Magdalena VUKOVIC, is a photographic historian and curator, specializing in photography in Austria until the 1950s. Since 2011 she has been working as a curator at the Photoinstitut Bonartes in Vienna. In her work, she favors an interdisciplinary approach collaborating closely with researchers from different fields.

(Text: Pavillon Polulpair, Montpellier)

Centre photographique documentaire - ImageSingulières | Sète
20. Januar - 9. April 2023

Amour. Une odyssée sibérienne
Claudine Doury

Claudine wurde auf Umwegen zur Fotografin. Wir lernten uns in einer kleinen Fotoagentur und später bei der Zeitung Libération kennen, wo sie Anfang der 1980er Jahre als Ikonographin arbeitete. Auf diesem Umweg gelangte sie zu ihrem Ziel, indem sie sich zunächst an der Arbeit anderer bereicherte, bis sie schließlich selbst ihrer Leidenschaft nachgehen konnte.

Sehr schnell wurde sie Mitglied der Agentur VU', einer Brutstätte der neuen Fotografie der 80er und 90er Jahre, wo sie sich mit der Hilfe des unumgänglichen Christian Caujolle als große Fotografin etablierte und 2004 unter anderem den Niepce-Preis gewann.

Claudine ist auch eine unermüdliche Arbeiterin, die so perfektionistisch wie möglich ist. Sie hat in der ehemaligen UdSSR ein großes dokumentarisches Werk geschaffen, indem sie auf langen, riskanten Reisen das Terrain durchpflügte, wo sich die Romantik ihrer fernen Wanderungen mit einer Form von sozialer Ethnologie vermischt, in der die Sorge um die Menschen, die sie fotografiert, immer präsent ist.

Die Arbeit von Claudine Doury passt perfekt zur Linie des Centre photographique documentaire, wo wir abwechselnd aufstrebende Fotografie und wichtige Autoren der fotografischen Szene zeigen, die aber unterschiedslos immer über eine lange Zeit arbeiten, eine Kardinaltugend des von uns vertretenen Stils.

Claudine est devenue photographe en empruntant les chemins de traverse. Nous nous sommes rencontrés dans une petite agence photo puis au journal Libération où elle officiait comme iconographe, à l’orée des années80. C’est donc par ce biais détourné qu’elle est arrivée à ses fins, en s’enrichissant tout d’abord du travail des autres jusqu’à pouvoir assouvir elle-même sa passion.

Très vite elle intègre l’agence VU’, vivier de la nouvelle photographie des années 80/90 où, avec l’aide de l’incontournable Christian Caujolle, elle s’affirme comme une grande photographe, lauréate entre autres du Prix Niepce en 2004.

Claudine c’est aussi une travailleuse infatigable, perfectionniste au possible. Elle a produit une oeuvre documentaire majeure en ex-URSS, labourant le terrain lors de longs voyages hasardeux où le romantisme de ses pérégrinations lointaines se mêle à une forme d’ethnologie sociale dans laquelle le souci des gens qu’elle photographie est toujours présent.

Le travail de Claudine Doury répond parfaitement à la ligne du Centre photographique documentaire où nous montrons en alternance de la photographie émergente et des auteurs importants de la scène photographique, mais qui indifféremment travaillent toujours sur un temps long, vertu cardinale du style que nous défendons.

Claudine è diventata fotografa percorrendo le strade secondarie. Ci siamo conosciuti in una piccola agenzia fotografica e poi al quotidiano Libération, dove lavorava come iconografa all'inizio degli anni Ottanta. È così che, per vie traverse, è arrivata al suo obiettivo, arricchendosi prima di tutto con il lavoro degli altri, finché non è riuscita a soddisfare la sua passione da sola.

Ben presto entra a far parte dell'agenzia VU', terreno fertile per la nuova fotografia degli anni '80 e '90, dove, con l'aiuto di Christian Caujolle, si afferma come grande fotografa, vincendo il Premio Niepce nel 2004.

Claudine è anche una lavoratrice instancabile, una perfezionista fino al midollo. Ha realizzato un'importante opera documentaria nell'ex URSS, solcando il terreno in lunghi e pericolosi viaggi in cui il romanticismo delle sue lontane peregrinazioni si mescola a una forma di etnologia sociale in cui la preoccupazione per le persone che fotografa è sempre presente.

Il lavoro di Claudine Doury si inserisce perfettamente nella linea del Centre photographique documentaire, dove si alternano fotografia emergente e autori importanti della scena fotografica, ma che lavorano sempre su un lungo periodo di tempo, virtù cardine dello stile che difendiamo.

Claudine became a photographer by taking the side roads. We met in a small photo agency and then at the newspaper Libération where she worked as an iconographer, at the beginning of the 80s. It is thus by this diverted way that she arrived at her ends, by being enriched at first of the work of the others until being able to assuage herself her passion.

She quickly joined the VU' agency, the breeding ground of the new photography of the 80s and 90s, where, with the help of the unavoidable Christian Caujolle, she asserted herself as a great photographer, winner of the Niepce Prize in 2004, among others.

Claudine is also a tireless worker, a perfectionist to the core. She has produced a major documentary work in the former USSR, ploughing the ground during long and hazardous journeys where the romanticism of her distant peregrinations mixes with a form of social ethnology in which the concern for the people she photographs is always present.

Claudine Doury's work is perfectly in keeping with the line of the Centre photographique documentaire, where we alternate between emerging photography and important authors of the photographic scene, but who are always working over a long period of time, the cardinal virtue of the style we defend.

(Text: Gilles Favier, directeur artistique d’ImageSingulières)