Villa Garbald | Castasegna
2. Juli 2022 - 24. Juni 2023

Kunsteinrichtungen
Alexander Jaquemet

Das Bündner Kunstmuseum organisiert jährlich "Kunsteinrichtungen" für die Villa Garbald in Castasegna im Bergell und lädt dazu zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler ein, ihr fotografisches Werk zu zeigen.

Dieses Jahr ist der in Biel lebende Fotograf und Künstler Alexander Jaquemet zu Gast. Er macht in seinen für diesen besonderen Ort ausgewählten Fotografien deutlich, dass er mit seiner Kamera nicht den Moment sucht, in dem sich Aufsehenerregendes ereignet, sondern vorsichtig und aufmerksam durch die Gegend zieht und lange beobachtet, bis eine andere Wirklichkeit erscheint. Die poetischen Bilder von Alexander Jaquemet erschliessen sich nicht dem schnellen Blick, sondern verlangen von uns besondere Aufmerksamkeit und eine Sensibilität für die Geheimnisse, die in jeder Aufnahme zu finden sind. Die Villa Garbald ist ein besonders geeigneter Ort, sich darauf einzulassen und das Unsichtbare zu entdecken.

Le Bündner Kunstmuseum organise chaque année des "installations artistiques" pour la Villa Garbald à Castasegna dans le Bergell et invite à cette occasion des artistes contemporains à présenter leur travail photographique.

Cette année, c'est le photographe et artiste Alexander Jaquemet, qui vit à Bienne, qui est invité. Dans ses photographies choisies pour ce lieu particulier, il montre clairement qu'avec son appareil photo, il ne cherche pas le moment où il se passe quelque chose de sensationnel, mais qu'il parcourt la région avec prudence et attention et observe longuement jusqu'à ce qu'une autre réalité apparaisse. Les images poétiques d'Alexander Jaquemet ne se dévoilent pas au regard rapide, mais exigent de nous une attention particulière et une sensibilité aux mystères qui se cachent dans chaque prise de vue. La Villa Garbald est un lieu particulièrement approprié pour s'y plonger et découvrir l'invisible.

Ogni anno, il Bündner Kunstmuseum organizza "installazioni d'arte" per la Villa Garbald di Castasegna in Bregaglia, invitando artisti contemporanei a mostrare le loro opere fotografiche.

L'ospite di quest'anno è il fotografo e artista Alexander Jaquemet, che vive a Bienne. Nelle sue fotografie selezionate per questo luogo speciale, l'autore chiarisce che non cerca il momento in cui accade qualcosa di sensazionale con la sua macchina fotografica, ma si muove con attenzione e cura nell'area e osserva a lungo finché non appare un'altra realtà. Le immagini poetiche di Alexander Jaquemet non si rivelano ad uno sguardo veloce, ma richiedono da parte nostra un'attenzione particolare e una sensibilità per i segreti che si possono trovare in ogni scatto. Villa Garbald è un luogo particolarmente adatto per affrontare questo tema e scoprire l'invisibile.

Every year, the Bündner Kunstmuseum organizes "art installations" for the Villa Garbald in Castasegna in Bergell, inviting contemporary artists to show their photographic work.

This year the guest is the photographer and artist Alexander Jaquemet, who lives in Biel. In his photographs selected for this special place, he makes it clear that he does not look for the moment when something sensational happens with his camera, but moves carefully and attentively through the area, observing for a long time until another reality appears. The poetic images of Alexander Jaquemet do not reveal themselves to the quick glance, but demand from us special attention and a sensitivity for the secrets that are to be found in every shot. The Villa Garbald is a particularly suitable place to get involved and discover the invisible.

(Text: Stephan Kunz, Bündner Kunstmuseum, Chur)

Foam | Amsterdam
28. Mai – 4. Dezember 2022

Blessings from Mousganistan
Mous Lamrabat

Schönheit und ein Gefühl der Hoffnung stehen im Mittelpunkt von Lamrabats Arbeit. Sein Werk ist eine erheiternde und manchmal auch konfrontierende Verschmelzung seines Lebens in der Diaspora. Er nutzt Schönheit und Humor, um kraftvolle neue Erzählungen zu sensiblen Themen wie Rassismus, Religion und Frauenrechte zu schaffen. In Blessings from Mousganistan (Segnungen aus Mousganistan) vermittelt der Künstler eine Botschaft der Liebe durch ein farbenfrohes und vielseitiges visuelles Erlebnis.

Die Welt von Mous Lamrabat ist ein Ort, an dem das Leben in Frieden verläuft und die Menschen geliebt werden, ganz gleich, woher man kommt oder wohin man geht. Das ist die Erfahrung, die der Künstler in der Ausstellung Blessings from Mousganistan vermitteln möchte: Sie treten ein in die faszinierende Utopie, die der Künstler innerhalb der Museumsmauern geschaffen hat. Er fordert den Betrachter auf und drängt ihn manchmal dazu, die Bilder vor ihm anders zu betrachten; er hat seine Fotografien in großen Lentikularabzügen oder vakuumgezogenen Porträts um ein Nike-Logo und das "M" von McDonalds, das der Künstler in sein Werk integriert hat, überlagert. Indem er die Formen bekannter Symbole und Bilder verändert, dekonstruiert Lamrabat die Vorstellung von "normal".

La beauté et le sens de l'espoir sont au cœur de l'œuvre de Lamrabat. Son travail est une fusion exaltante et parfois confrontante de sa vie diasporique, utilisant la beauté et l'humour pour créer de nouveaux récits puissants liés à des questions sensibles comme le racisme, la religion et les droits des femmes. Dans Blessings from Mousganistan, l'artiste partage un message d'amour à travers une expérience visuelle colorée et éclectique.

Le monde de Mous Lamrabat est un endroit où la vie est en paix et où les gens sont aimés, peu importe d'où vous venez ou où vous allez. C'est l'expérience que l'artiste veut faire vivre dans l'exposition Blessings from Mousganistan : vous entrez dans l'utopie fascinante que l'artiste a créée dans les murs du musée. Il demande et parfois pousse le spectateur à regarder différemment les images qu'il a devant lui ; il a superposé ses photographies dans de grands tirages lenticulaires ou des portraits sous vide autour d'un logo Nike et du "M" de McDonalds que l'artiste a incorporé dans son œuvre. En modifiant les formes de symboles et d'images connus, Lamrabat déconstruit la notion de "normalité".

La bellezza e il senso di speranza sono centrali nel lavoro di Lamrabat. Il suo lavoro è esaltante e a volte una fusione di confronto della sua vita diasporica, usando la bellezza e l'umorismo per creare nuove potenti narrazioni relative a questioni delicate come il razzismo, la religione e i diritti delle donne. In Blessings from Mousganistan, l'artista condivide un messaggio d'amore attraverso un'esperienza visiva colorata ed eclettica.

Il mondo di Mous Lamrabat è un luogo dove la vita è in pace e le persone sono amate, non importa da dove vieni o dove vai. Questa è l'esperienza che l'artista vuole trasmettere nella mostra Blessings from Mousganistan: si entra nell'affascinante utopia che l'artista ha creato tra le mura del museo. Egli chiede e a volte spinge lo spettatore a guardare in modo diverso le immagini che ha davanti; ha sovrapposto le sue fotografie in grandi stampe lenticolari o ritratti sottovuoto intorno a un logo Nike e alla "M" di McDonalds che l'artista ha incorporato nel suo lavoro. Cambiando le forme di simboli e immagini ben noti, Lamrabat decostruisce la nozione di "normale".

Beauty and a sense of hope are central to Lamrabat’s work. His work is exhilarating and at times a confronting fusion of his diasporic life, using beauty and humour to create powerful new narratives related to sensitive issues like racism, religion and women’s rights. In Blessings from Mousganistan, the artist shares a message of love through a colourful and eclectic visual experience.

The world of Mous Lamrabat is a place where life is at peace and people are loved, no matter where you are from or where you are going. This is the experience the artist wants to bring across in the exhibition Blessings from Mousganistan: you step into the fascinating utopia the artist has created within the museum walls. He asks and sometimes pushes the viewer to look differently at the images in front of them; he has superimposed his photographs in large lenticular prints or vacuum-pulled portraits around a Nike logo and the McDonalds “M” the artist incorporated into his work. By changing the shapes of well-known symbols and images, Lamrabat deconstructs the notion of 'normal'.

(Text: Foam, Amsterdam)

Ulster Museum | Belfast
27. Mai - 30. Oktober 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen des Belfast Photo Festival statt.

Against The Image: Photography. Media. Manipulation

Das Belfast Photo Festival und das Ulster Museum freuen sich, die Ausstellung Against The Image: Fotografie. Medien. Manipulation zu präsentieren, mit Arbeiten von Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland und Now You See Me Moria.

Die Ausstellung untersucht die Autorität der Fotografie in unserem Zeitalter der Massenmedien und der Massen(fehl)information. Die Art und Weise, wie wir Nachrichten und Medienbilder konsumieren, hat sich weiterentwickelt, und der Zugang zur Welt scheint zum Greifen nahe: Ist das, was wir sehen, die Realität?

Künstler stellen dieses Spannungsverhältnis zwischen der Wahrheit der Ereignisse und der Art und Weise, wie sie dargestellt werden, heraus. Als Reaktion auf verschiedene globale Ereignisse und Konflikte hinterfragen und entlarven die hier vertretenen Künstler den höchst subjektiven und vermittelten Charakter der Fotografie. Sie tun dies, indem sie das Medium selbst untergraben - indem sie die Oberfläche von Bildern bearbeiten, verzerren oder anderweitig manipulieren -, um Erzählungen zu enthüllen, die oft ungesehen bleiben oder sich in gewisser Weise der Darstellung entziehen. Auf diese Weise regen sie uns dazu an, zu hinterfragen, was fotografische Praxis im modernen Zeitalter ist, und darüber nachzudenken, wie wir Medien in unserem täglichen Leben aufnehmen.

Diese Ausstellung wird von Clare Gormley, Leiterin der Abteilung Programme und Partnerschaften beim Belfast Photo Festival, und Anna Liesching, Kuratorin für Kunst im Ulster Museum (National Museums NI), gemeinsam kuratiert.Le Belfast Photo Festival et l'Ulster Museum ont le plaisir de présenter Against The Image : Photographie. Médias. Manipulation, qui présente les travaux de Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland et Now You See Me Moria.

L'exposition cherche à examiner l'autorité de la photographie à notre époque de médias de masse et de (mauvaise) information de masse. La façon dont nous consommons les nouvelles et les images des médias a évolué, avec un accès au monde apparemment au bout des doigts : ce que nous voyons est-il la réalité ?

Les artistes exposent cette tension, entre la vérité des événements et la façon dont ils sont présentés. Réagissant à divers événements et conflits mondiaux, les artistes présentés ici remettent en question et exposent la nature hautement subjective et médiatisée de la photographie. Ils y parviennent en subvertissant le médium lui-même - en travaillant sur la surface des images, en les déformant ou en les manipulant - afin d'exposer des récits qui passent souvent inaperçus ou qui, d'une certaine manière, résistent à la représentation. Ce faisant, ils nous encouragent à nous interroger sur ce qu'est la pratique photographique à l'ère moderne et à réfléchir à la manière dont nous absorbons les médias dans notre vie quotidienne.

Cette exposition est organisée conjointement par Clare Gormley, responsable des programmes et des partenariats au Belfast Photo Festival, et Anna Liesching, conservatrice d'art à l'Ulster Museum (National Museums NI).

Il Belfast Photo Festival e l'Ulster Museum sono lieti di presentare Against The Image: Fotografia. Media. Manipulation, con le opere di Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland e Now You See Me Moria.

La mostra si propone di esaminare l'autorità della fotografia nella nostra epoca di mass media e di (errata) informazione di massa. Il modo in cui consumiamo le notizie e le immagini dei media si è evoluto, con l'accesso al mondo apparentemente a portata di mano: quello che vediamo è la realtà?

Gli artisti mettono a nudo questa tensione tra la verità degli eventi e il modo in cui vengono presentati. Rispondendo a vari eventi e conflitti globali, gli artisti qui inclusi sfidano ed espongono la natura altamente soggettiva e mediata della fotografia. Lo fanno sovvertendo il mezzo stesso - lavorando sulla superficie, distorcendo o manipolando in altro modo le immagini - per esporre narrazioni che spesso non vengono viste o che in qualche modo resistono alla rappresentazione. In questo modo ci incoraggiano a mettere in discussione la pratica fotografica nell'era moderna e a riflettere sul modo in cui assorbiamo i media nella nostra vita quotidiana.

La mostra è co-curata da Clare Gormley, responsabile dei programmi e delle partnership del Belfast Photo Festival, e da Anna Liesching, curatrice d'arte dell'Ulster Museum (National Museums NI).

Belfast Photo Festival and Ulster Museum are delighted to present, Against The Image: Photography. Media. Manipulation, featuring the work of Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland and Now You See Me Moria.

The exhibition looks to examine the authority of the photograph in our era of mass media and mass (mis)information. How we consume news and media imagery has evolved, with access to the world seemingly at our fingertips: is what we see the reality?

Artists are exposing this tension, between the truth of events and how they are presented. Responding to various global events and conflicts, the artists included here challenge and expose photography’s highly subjective and mediated nature. They do this by subverting the medium itself — working onto the surface of, distorting or otherwise manipulating images — to expose narratives that often go unseen or some ways resist representation. In doing so they encourage us to question what photographic practice is in the modern age and reflect on how we absorb media in our daily lives.

This exhibition is co-curated by Clare Gormley, Head of Programmes and Partnerships at Belfast Photo Festival, and Anna Liesching, Curator of Art at Ulster Museum (National Museums NI).  

(Text: Belfast Photo Festival)

Foam | Amsterdam
27. Mai - 7. September 2022

Open for Business Magnum Photographers on Commission

Seit über 75 Jahren haben die Fotografen von Magnum Photos nicht nur fotografische Ikonen zu großen Ereignissen und verborgenen Geschichten geschaffen, sondern gleichzeitig auch Auftragsarbeiten durchgeführt. Die Ausstellung Open for Business - Magnum Photographers on Commission zeigt eine Seite von Magnum, die der breiten Öffentlichkeit kaum bekannt ist und mit der die Fotografen nur selten für sich werben. In acht Kapiteln wird das Publikum mitgenommen auf eine Vielzahl von kommerziellen Aufträgen: von Carte blanche-Gruppenaufträgen für Regierungen bis zu den angesagtesten Modefotografien; von schicken Publikationen für Großindustrien bis zur Berichterstattung im Dienste von NGOs.

Ziel der Ausstellung ist es, einen interessanten und weniger bekannten Aspekt der Portfolios von Magnum-Fotografen zu enthüllen und damit die Realität einer Fotografenkarriere zu zeigen: Open For Business zeigt die wahre Natur des Berufs, der mit Aufträgen verbunden ist, die die Qualitäten der visuellen Geschichtenerzähler von Magnum auf ganz unterschiedliche Weise hervorheben.

Open for Business beleuchtet die Vielfalt der Auftragsarbeiten von Magnum von den 1950er Jahren bis 2019. Von Anfang an hat die Balance zwischen unabhängiger und kommerzieller Arbeit zu heftigen Diskussionen unter den Magnum-Fotografen geführt. Jedes Mitglied der Agentur geht anders mit den Aufträgen der Unternehmen um. Die Ausstellung zeigt die Ergebnisse dieser Erfahrungen und legt den Fokus auf die ethischen Fragen, die sich daraus ergeben. Sie zeigt die Wechselwirkungen zwischen kommerzieller und persönlicher Fotografie auf und unterstreicht die Art und Weise, wie Fotografen die visuelle Sprache von Unternehmen geprägt oder verändert haben, indem sie ihre persönliche Sensibilität auf Aufträge anwendeten - mit überraschenden, ironischen und oft humorvollen Ergebnissen.

Depuis plus de 75 ans, les photographes de Magnum Photos ne se contentent pas de créer des icônes photographiques sur les grands événements et les histoires cachées, mais travaillent simultanément sur commande. L'exposition Open for Business - Magnum Photographers on Commission montre une facette de Magnum que le grand public connaît à peine, et dont ses photographes font rarement la promotion. En huit chapitres, le public est amené à découvrir une variété de missions commerciales : des missions de groupe carte blanche pour les gouvernements aux photographies de mode les plus branchées ; et des publications chics pour les grandes industries aux reportages au service des ONG.

L'exposition vise à dévoiler un aspect intéressant et moins connu des portefeuilles des photographes de Magnum et, ce faisant, la réalité d'une carrière dans la photographie : Open For Business expose la véritable nature du métier, qui s'accompagne de missions mettant en valeur les qualités des conteurs visuels de Magnum de manière totalement différente.

Open for Business met en lumière la diversité des travaux de commande de Magnum des années 1950 à 2019. Depuis le début, l'équilibre entre le travail indépendant et le travail commercial a donné lieu à d'âpres discussions entre les photographes de Magnum. Chaque membre de l'agence considère les commandes commerciales différemment. Cette exposition présente le résultat de ces expériences, en mettant l'accent sur les questions éthiques qu'elles soulèvent. Elle révèle les interactions entre la photographie commerciale et la photographie personnelle, en mettant l'accent sur la manière dont les photographes ont façonné ou modifié les langages visuels des entreprises en appliquant leur sensibilité personnelle aux missions, avec des résultats surprenants, ironiques et souvent humoristiques.

Per oltre 75 anni, i fotografi di Magnum Photos non solo hanno creato icone fotografiche su grandi eventi e storie nascoste, ma hanno anche lavorato su commissione. La mostra Open for Business - Magnum Photographers on Commission mostra un lato di Magnum che il grande pubblico conosce poco e con il quale i suoi fotografi si promuovono raramente. In otto capitoli, il pubblico viene accompagnato in una varietà di incarichi commerciali: dagli incarichi di gruppo con carta bianca per i governi alla fotografia di moda più alla moda; dalle pubblicazioni chic per le grandi industrie ai reportage al servizio delle ONG.

La mostra mira a svelare un aspetto interessante e meno conosciuto dei portafogli dei fotografi Magnum e, in tal modo, la realtà di una carriera fotografica: Open For Business espone la vera natura del lavoro, che prevede incarichi che mettono in luce le qualità dei narratori visivi di Magnum in modi completamente diversi.

Open for Business mette in luce la diversità dei lavori commissionati da Magnum dagli anni Cinquanta al 2019. Fin dall'inizio, l'equilibrio tra lavoro indipendente e commerciale ha portato a feroci discussioni tra i fotografi Magnum. Ogni membro dell'agenzia considera le commissioni aziendali in modo diverso. La mostra presenta il risultato di queste esperienze, ponendo l'accento sulle questioni etiche che ne derivano. Rivela le interazioni tra fotografia commerciale e personale, sottolineando i modi in cui i fotografi hanno plasmato o modificato i linguaggi visivi delle aziende applicando la loro sensibilità personale agli incarichi, con risultati sorprendenti, ironici e spesso umoristici.

For over 75 years, the photographers of Magnum Photos have not only created photographic icons on both major events and hidden stories but have simultaneously worked on commission. The exhibition Open for Business - Magnum Photographers on Commission shows a side of Magnum that the general public is hardly aware of, and with which its photographers rarely promote themselves. In eight chapters, the audience is taken on a variety of commercial assignments: from carte blanche group assignments for governments to the hippest fashion photography; and from chic publications for major industries to reporting in the service of NGOs.

The exhibition aims to unveil an interesting and lesser-known aspect of Magnum photographers’ portfolios and, in so doing, the reality of a career in photography: Open For Business exposes the true nature of the job, which comes with assignments that highlight the qualities of Magnum’s visual storytellers in completely different ways.

Open for Business shines a light on the diversity of Magnum’s commissioned work from the 1950s to 2019. From the beginning, the balance between independent and commercial work has led to fierce discussions amongst Magnum photographers. Every member of the agency considers corporate commissions differently. This exhibition features the outcome of these experiences, putting a sharp focus on the ethical questions that arise with them. It reveals interactions between commercial and personal photography, emphasizing the ways in which photographers have shaped or changed the visual languages of corporations by applying their personal sensitivity to assignments, with surprising, ironic and often humorous results.

(Text: Foam, Amsterdam)

Maupetit, côté galerie | Marseille
27. Mai – 25. Juni 2022

Arménie, année zéro
Patrick Rollier

Die Ausstellung "Armenien, Jahr Null" zeigt eine Auswahl der Fotografien, die Patrick Rollier während acht Reisen nach Armenien zwischen 2015 und 2018 gemacht hat.

Die Worte von Armeniern, die er dort ebenfalls mit der Komplizenschaft und dem Engagement seiner Übersetzerin Hermineh gesammelt hat, unterbrechen die Hängung.

Die menschlichen und respektvollen Bilder von Patrick Rollier öffnen unseren Blick auf die letzten dreißig Jahre der armenischen Geschichte.

1988-2018, dreißig Jahre, die Zeit einer Generation. Drei Jahrzehnte, die durch ein katastrophales Erdbeben, die Unabhängigkeit des Landes und den Krieg um Berg-Karabach unterbrochen wurden.

Heute geht das Leben weiter, aber "es ist heute schwieriger als gestern". Daher das nostalgische Gefühl, das diejenigen empfinden, die die Zeit davor erlebt haben.

Patrick Rolliers ethnografischer Ansatz lädt uns dazu ein, Teile der Geschichte der Armenierinnen und Armenier zu teilen, die ihm ihre Türen und Herzen geöffnet haben.

Ihre Erzählungen und Fotografien sind von den Spuren dieser Umwälzungen erfüllt.

Patrick Rollier hat schon immer fotografiert.

Als Reisender und Wanderer ist seine Praxis in die lange Zeit der Begegnungen eingebettet.

Der Austausch mit Claudine Doury war ein Schlüsselmoment für seine Entscheidung, seine Arbeit über Armenien zu teilen.

Diese Arbeit hat es ihm ermöglicht, seine fotografische Handschrift zu festigen und sein Vorgehen in eine lange, menschliche und respektvolle Zeitschiene einzuordnen.

L’exposition «Arménie, année zéro» présente une sélection des photographies que Patrick Rollier a réalisées lors de huit voyages en Arménie entre 2015 et 2018.

Les paroles d’Arméniens qu’il y a également recueillies, avec la complicité et l’engagement d’Hermineh, sa traductrice, ponctuent l’accrochage.

Les images humaines et respectueuses de Patrick Rollier ouvrent notre regard sur les trente dernières années de l’histoire de l’Arménie.

1988–2018, trente ans, le temps d’une génération. Trois décennies ponctuées par un catastrophique tremblement de terre, l’Indépendance du pays et la guerre du Haut Karabakh.

Aujourd’hui, la vie se poursuit, mais «elle est plus difficile aujourd’hui qu’hier». D’où ce sentiment de nostalgie éprouvé par ceux et celles qui ont connu le temps d’avant.

La démarche de Patrick Rollier, proche de l’ethnographie, nous invite à partager des bribes de l’histoire des Arméniennes et des Arméniens qui lui ont ouvert leur porte, leur coeur.

Leurs récits et ses photographies sont emplis des traces de ces bouleversements.

Patrick Rollier a toujours pratiqué la photographie.

Voyageur, marcheur, sa pratique s’inscrit dans le temps long des rencontres.

Ses échanges avec Claudine Doury ont été un moment clé dans sa décision de partager son travail sur l’Arménie.

Ce travail lui a permis de consolider son écriture photographique et d’inscrire sa démarche dans une temporalité longue, humaine et respectueuse.

La mostra "Armenia, anno zero" presenta una selezione di fotografie che Patrick Rollier ha scattato durante otto viaggi in Armenia tra il 2015 e il 2018.

Le parole degli armeni che ha raccolto anche lì, con la complicità e l'impegno di Hermineh, la sua traduttrice, punteggiano la mostra.

Le immagini umane e rispettose di Patrick Rollier ci aprono gli occhi sugli ultimi trent'anni di storia armena.

1988-2018, trent'anni, il tempo di una generazione. Tre decenni costellati da un terremoto catastrofico, dall'indipendenza del Paese e dalla guerra in Nagorno Karabakh.

Oggi la vita continua, ma "oggi è più difficile di ieri". Da qui il sentimento di nostalgia provato da chi ha conosciuto il tempo precedente.

L'approccio di Patrick Rollier, vicino all'etnografia, ci invita a condividere frammenti di storia di uomini e donne armeni che gli hanno aperto le porte e il cuore.

Le loro storie e le sue fotografie sono piene di tracce di questi sconvolgimenti.

Patrick Rollier ha sempre praticato la fotografia.

Viaggiatore e camminatore, la sua pratica fa parte di un lungo processo di incontri.

Gli scambi con Claudine Doury sono stati un momento chiave nella decisione di condividere il suo lavoro sull'Armenia.

Questo lavoro gli ha permesso di consolidare la sua scrittura fotografica e di inscrivere il suo approccio in una temporalità lunga, umana e rispettosa.

The exhibition "Armenia, Year Zero" presents a selection of photographs that Patrick Rollier took during eight trips to Armenia between 2015 and 2018.

The words of Armenians that he also collected, with the complicity and commitment of Hermineh, his translator, punctuate the display.

The human and respectful images of Patrick Rollier open our eyes on the last thirty years of Armenian history.

1988-2018, thirty years, the time of a generation. Three decades punctuated by a catastrophic earthquake, the country's independence and the war in Nagorno Karabakh.

Today, life goes on, but "it is more difficult today than yesterday". Hence this feeling of nostalgia experienced by those who knew the time before.

Patrick Rollier's approach, close to ethnography, invites us to share snippets of the history of the Armenian men and women who have opened their doors, their hearts.

Their stories and his photographs are filled with the traces of these upheavals.

Patrick Rollier has always practiced photography.

Traveler, walker, his practice is part of the long time of meetings.

His exchanges with Claudine Doury were a key moment in his decision to share his work on Armenia.

This work allowed him to consolidate his photographic writing and to inscribe his approach in a long, human and respectful temporality.

(Text: Maupetit, côté galerie, Marseille)

Galerie C | Paris
25. Mai – 25. Juni 2022

Soleils Sensibles
Marie Ouazzani & Nicolas Carrier

Die Kunst des Flanierens wird seit Jahrhunderten mit der Stadt Paris in Verbindung gebracht. Obwohl sich ihre Bedeutung im Laufe der Zeit verändert hat, war sie immer mit der Idee verbunden, entlang der Boulevards zu schlendern, in dem Wunsch, die Moderne, das industrialisierte und städtische Leben zu erleben. Als aufmerksamer Beobachter der Stadtlandschaft nimmt sich der Flaneur die Zeit, auch die kleinsten Details zu bemerken und sich nach ihren Sehenswürdigkeiten zu erkundigen. Interessanterweise lässt sich diese Praxis mit einer viel älteren Wissenschaft in Verbindung bringen, deren wichtigstes Werk vom Römischen Reich bis in die moderne Geschichte überdauert hat: die Historia naturalis (Naturgeschichte) von Plinius dem Älteren. In dieser Enzyklopädie hielt der Autor unzählige unglaubliche Details über seine Zeit fest, vom Leben über die Wissenschaft, die Künste, die Artefakte und darüber hinaus. Der Einfluss der intellektuellen Neugierde von Plinius dem Älteren und die Faszination der Flaneure für den städtischen Raum spiegeln sich in den Werken von Marie Ouazzani & Nicolas Carrier wider. Man kann sich das Künstlerduo leicht als Stadtforscher des Großraums Paris vorstellen, die durch die Avenuen streifen, um die Schichten, aus denen sie bestehen, zu verstehen, und dabei die Spuren des Niedergangs der modernen Architektur der 1970er Jahre und der strahlenden Städte einfangen. Wenn wir eine gründliche Erkundung der Île-de-France vornehmen würden, welche Details würden dann im Naturkundebuch unseres Jahrtausends stehen? Welche Vegetation würde die Seiten des Herbariums des Paris des 21. Jahrhunderts füllen?

In Ouazzani Carriers erster Ausstellung Soleils sensibles in der Galerie C treten drei Werke in einen Dialog: eine Reihe von Fotografien, ein Video und eine Aufgussinstallation. Die als Diptychon präsentierte Sofortbildserie Cité palmiers erscheint wie eine visuelle Kartografie von Palmen, die vor Gebäuden aufgestellt und in der Stadt Paris verstreut sind. Diese Serie hinterfragt die Gründe für den Import von Exotik, den möglichen Wunsch, uns von einer Welt fernab unseres Alltags träumen zu lassen, bestimmte Zeichen des Reichtums oder solche, die aus unserer kolonialen Vergangenheit stammen, zur Schau zu stellen. In diesen Werken haben sich Ouazzani Carrier des Mediums der Fotografie in all seiner Feinheit bemächtigt. Das Material, diese kleinen Sofortbilder, und das fotografierte Objekt, diese einsamen Palmen, die aus ihrer natürlichen Umgebung vertrieben und in die Stadt verpflanzt wurden, teilen eine gewisse Zerbrechlichkeit. Wussten Sie, dass ein Sofortbildfilm das Wetter zum Zeitpunkt der Aufnahme des Bildes festhält? Diese jahreszeitlichen Schwankungen zeigen sich in den Fotografien des Duos, in denen der Himmel mit einem rosigen Farbton wiedergegeben wird, wenn sie im Sommer aufgenommen wurden, oder mit einem bläulichen Farbton im Winter. Auch Momentaufnahmen verschwinden irgendwann, fallen der vergehenden Zeit und den chemischen Prozessen zum Opfer, die sie nicht unbegrenzt konservieren können. Diese Zerbrechlichkeit der Materie, des menschlichen und pflanzlichen Körpers findet ein starkes Echo in der zweiten Arbeit der Ausstellung. In dem Video Maisons Avocados (11:41 min) lässt ein Mann in einer dunklen Wohnung Avocadobäume wachsen. In einer scheinbar zukünftigen Zeit angesiedelt, zeigt der Film den Protagonisten, wie er sich um die Sprossen kümmert und sie in einer Umgebung voller Autos in der Hitze einer sengenden Sonne einpflanzt. Das botanische Vokabular und die Poesie der Worte - die im Mittelpunkt vieler Werke des Duos stehen - offenbaren langsam die Bedeutung dieser Begegnung. Während sein Körper sich um die Pflanze kümmert, hilft die Pflanze ihm zu überleben.

Um zwei unterschiedlich intensive Aufgüsse einer gelb blühenden Pflanze namens Ringelblume versammelt, serviert in zwei Edelstahlthermoskannen, die direkt aus einer Bürobesprechung zu kommen scheinen und auf Konstruktionen aus Quadern und Steinplatten installiert sind, begegnen sich die Zuschauer und tauschen sich aus. Dieses dritte partizipative Werk Grands soucis schöpft erneut aus dem Vokabular der Formen und Gegenstände unseres Alltags und könnte ein Augenzwinkern an die Welt der Überproduktivität sein. Es ist an der Zeit, eine Pause einzulegen und die Realität der uns umgebenden Umwelt kritisch zu betrachten. Ouazzani Carriers Werke sind moderne Reportagen, die unsere Beziehung zur Natur, zur Landschaft und zum Stadtleben sowie zum zeitgenössischen ökologischen Denken hinterfragen.

L'art de la flânerie est associé à la ville de Paris depuis des siècles. Bien que sa signification ait varié au fil du temps, il a toujours été lié à l'idée de déambuler le long des boulevards dans un désir de vivre la modernité, la vie industrialisée et urbaine. Observateur attentif du paysage urbain, le flâneur prend le temps de remarquer ses moindres détails et de s'interroger sur ses curiosités. Il est intéressant de noter que cette pratique peut être liée à une science beaucoup plus ancienne, dont l'œuvre la plus importante a survécu de l'Empire romain à l'histoire moderne : l'Historia naturalis (Histoire naturelle) de Pline l'Ancien. Dans cette encyclopédie, l'auteur a consigné un nombre infini de détails incroyables sur son époque, de la vie à la science, en passant par les arts, les artefacts et au-delà. L’influence de la curiosité intellectuelle de Pline l'Ancien et de la fascination des flâneurs pour l'espace urbain se retrouvent dans les œuvres de Marie Ouazzani & Nicolas Carrier. On imagine aisément le duo artistique en explorateurs urbains du Grand Paris, arpentant les avenues cherchant à comprendre les strates qui les composent, tout en captant les traces du déclin de l'architecture moderne des années 1970 et des cités radieuses. Si nous devions entreprendre une exploration approfondie de l'Île-de-France, quels détails figureraient dans le livre d'histoire naturelle de notre millénaire ? Quelle végétation remplirait les pages de l'herbier du Paris du XXIe siècle ?

Dans la première exposition Soleils sensibles de Ouazzani Carrier à la Galerie C, trois œuvres entrent en dialogue : une série de photographies, une vidéo et une installation d’infusion. Présentée en diptyque, la série de films instantanés Cité palmiers apparaît comme une cartographie visuelle de palmiers placés devant des immeubles et disséminés dans la ville de Paris. Cette série interroge les raisons de l'importation de l'exotisme, celle d'une possible volonté de nous faire rêver d'un monde éloigné de notre quotidien, d'afficher certains signes de richesse ou ceux hérités de notre passé colonial. Dans ces œuvres, Ouazzani Carrier se sont emparés du médium de la photographie dans toute sa finesse. Le matériau, ces petites images instantanées, et l'objet photographié, ces palmiers solitaires déplacés de leur environnement naturel et transplantés dans la ville, partagent une certaine fragilité. Saviez-vous qu’un film instantané capte le temps qu'il fait au moment où l'image est prise ? Ces variations saisonnières apparaissent dans les photographies du duo, où les ciels sont rendus avec une teinte rosée lorsqu'elles ont été prises en été ou une teinte bleutée en hiver. Les images instantanées finissent aussi par disparaître, victimes du temps qui passe et des procédés chimiques qui ne peuvent les conserver indéfiniment. Cette fragilité de la matière, du corps humain et végétal trouve un fort écho dans la seconde œuvre de l'exposition. Dans la vidéo Maisons avocats (11:41 min), un homme fait pousser des avocatiers dans un appartement sombre. Situé dans un temps apparemment futur, le film montre le protagoniste prenant soin de ses pousses et les plantant dans un environnement rempli de voitures sous la chaleur d'un soleil étouffant. Le vocabulaire botanique et la poésie des mots - au cœur de nombreuses œuvres du duo - révèlent lentement l'importance de cette rencontre. Alors que son corps s'occupe de la plante, la plante l’aide à survivre.

Réunis autour de deux infusions d’intensité différentes d'une plante à fleurs jaunes appelée Souci, servis dans deux thermos en inox qui semblent tout droit sortis d'une réunion de bureau installés sur des constructions en parpaings et en dalles de pierre, les spectateurs se rencontrent et échangent. Cette troisième œuvre participative Grands soucis puise une nouvelle fois dans le vocabulaire de la forme et des objets de notre quotidien et pourrait être un clin d’œil au monde de la surproductivité. Le temps est venu de faire une pause et d’observer de manière critique la réalité de l’environnement qui nous entoure. Les œuvres de Ouazzani Carrier sont autant de reportages modernes qui questionnent notre rapport à la nature, au paysage et à la vie urbaine ainsi qu’à la pensée écologique contemporaine.

L'arte della flânerie è stata associata alla città di Parigi per secoli. Sebbene il suo significato sia variato nel tempo, è sempre stato legato all'idea di passeggiare lungo i boulevard nel desiderio di sperimentare la vita urbana moderna e industrializzata. Come un attento osservatore del paesaggio urbano, il flâneur si prende il tempo per notarne i più piccoli dettagli e per interrogarsi sulle sue curiosità. È interessante notare che questa pratica può essere collegata a una scienza molto più antica, la cui opera più importante è sopravvissuta dall'Impero romano alla storia moderna: la Historia naturalis (Storia naturale) di Plinio il Vecchio. In questa enciclopedia, l'autore ha registrato un'infinità di incredibili dettagli sul suo tempo, dalla vita alla scienza, alle arti, ai manufatti e oltre. L'influenza della curiosità intellettuale di Plinio il Vecchio e il fascino dei flâneurs per lo spazio urbano si riflettono nelle opere di Marie Ouazzani e Nicolas Carrier. È facile immaginare il duo artistico come un esploratore urbano della Grande Parigi, che percorre i viali alla ricerca di comprendere gli strati che li compongono, cogliendo le tracce del declino dell'architettura moderna degli anni Settanta e delle Città radiose. Se dovessimo intraprendere un'esplorazione approfondita dell'Île-de-France, quali dettagli sarebbero inclusi nel libro di storia naturale del nostro millennio? Quale vegetazione riempirebbe le pagine dell'erbario della Parigi del XXI secolo?

Nella prima mostra di Ouazzani Carrier, Soleils sensibles alla Galerie C, tre opere entrano in dialogo: una serie di fotografie, un video e un'installazione di infusione. Presentata come un dittico, la serie di film istantanei Cité palmiers appare come una cartografia visiva di palme collocate davanti agli edifici e sparse per la città di Parigi. Questa serie si interroga sulle ragioni dell'importazione dell'esotismo, sul possibile desiderio di farci sognare un mondo lontano dalla nostra vita quotidiana, di mostrare certi segni di ricchezza o quelli ereditati dal nostro passato coloniale. In queste opere, Ouazzani Carrier ha colto il mezzo fotografico in tutta la sua finezza. Il materiale, queste piccole istantanee, e l'oggetto fotografato, queste palme solitarie spostate dal loro ambiente naturale e trapiantate in città, condividono una certa fragilità. Sapevate che la pellicola istantanea cattura le condizioni atmosferiche nel momento in cui viene scattata l'immagine? Queste variazioni stagionali appaiono nelle fotografie del duo, dove i cieli sono resi con una tonalità rosata se scattati in estate o bluastra in inverno. Anche le immagini istantanee finiscono per scomparire, vittime del passare del tempo e dei processi chimici che non possono conservarle all'infinito. Questa fragilità della materia, del corpo umano e vegetale, trova una forte eco nella seconda opera della mostra. Nel video Avocado Houses (11:41 min), un uomo coltiva alberi di avocado in un appartamento buio. Ambientato in un tempo apparentemente futuro, il film mostra il protagonista che cura i suoi germogli e li pianta in un ambiente pieno di automobili sotto il calore di un sole soffocante. Il vocabolario botanico e la poesia delle parole, centrali in molte opere del duo, rivelano lentamente l'importanza di questo incontro. Mentre il suo corpo si occupa della pianta, la pianta la aiuta a sopravvivere.

Riunito intorno a due infusi di diversa intensità di una pianta a fiore giallo chiamata Calendula, serviti in due thermos di acciaio inossidabile che sembrano appena usciti da una riunione d'ufficio, installati su costruzioni di blocchi di cemento e lastre di pietra, il pubblico si incontra e si scambia. Questa terza opera partecipativa Grands soucis attinge ancora una volta al vocabolario delle forme e degli oggetti quotidiani e potrebbe essere un cenno al mondo dell'iperproduttività. È tempo di fermarsi e di osservare criticamente la realtà dell'ambiente che ci circonda. Le opere di Ouazzani Carrier sono reportage moderni che mettono in discussione il nostro rapporto con la natura, il paesaggio e la vita urbana, nonché il pensiero ecologico contemporaneo.

The art of flânerie has been associated to the city of Paris for centuries. Although its meaning has varied over time, it has always been connected to the idea of strolling the boulevards in a desire to experience modernity, industrialized and urban life. As a keen observer of the cityscape, the flaneur takes the time to notice its smallest details and to wonder about its curiosities. Interestingly, this practice can be linked to a much older science, one whose most important works has survived from the Roman Empire to modern history: the Historia naturalis (Natural History) by Pliny the Elder. In this encyclopedia, the author has recorded an endless number of incredible details about his time, from life to science, arts, artifacts and beyond. The influence of the intellectual curiosity of Pliny the Elder and the fascination of the flâneurs for the urban space can both be found in the work of Marie Ouazzani & Nicolas Carrier. One can easily picture the artistic duo as urban explorers of the Grand Paris, strolling the avenues seeking to understand the layers that make it up, while capturing the traces of the decline of the 1970s modern architecture and radiant cities. If we were to undertake an intensive exploration of the Île-de-France, what details would be included in our millennium’s natural history book? What vegetation would fill the pages of the herbarium of 21st century Paris?

In Ouazzani Carrier’s first exhibition Soleils sensibles at Galerie C, three bodies of work enter into dialogue: a series of photographs, a video, and an installation of infusion. Presented in diptychs, the series of instant films Cité palmiers appears as a visual cartography of palm trees placed in front of buildings and scattered throughout the city of Paris. The work questions the reasons for the importation of exoticism, that of a desire to make us dream of a world far from our daily lives, to display certain signs of wealth or those inherited from our colonial past. In this series, Ouazzani Carrier have grasped the medium of photography in all its finesse. The material, these small instant films images and the object photographed, these solitary palm trees displaced from their natural environment and transplanted into the city, share a certain fragility. Were you aware that an instant film captures the weather at the time the image is taken? These seasonal variations appear in the duo's photography, where skies are rendered with a pinkish tinge when taken in summer and bluish hue in winter. Moreover, the images captured by an instant camera will eventually disappear – a casualty of the passage of time and the chemical processes that cannot preserve them indefinitely. The fragility of matter, of the human and vegetal body find a strong echo in the second piece of the exhibition. In the video Maisons avocats (11:41 min), a man grows avocado trees in a darkened house. Set in a seemingly future time, the film shows the protagonist taking care of his sprouts and planting them in an environment full of passing cars while being under the heat of the stifling sun. The botanical vocabulary and the poetry of words – at the heart of many of the duo’s works – slowly reveal the importance of this encounter. While his body is taking care of the plant, the plant helps him to survive.

Gathering around two infusions of different intensities of a yellow blooming plant called Calendula – or Souci in French, which means worry – served in two stainless steel thermos that seems to come straight out of an office meeting that are installed on constructions of breeze blocks and stone slabs, the audience mingles and exchanges. This latest participatory work Grands soucisdraws once again on the vocabulary of the form and objects of our daily lives and could be a wink to the world of overproductivity. Now is the time to take a break and critically observe the reality of the environment that surrounds us. Ouazzani Carrier’s works are modern-day reportages that question our relationship to nature, landscape and urban life as well as current ecological thinking.

(Text: Liberty Adrien)

Jenisch Haus | Hamburg
22. Mai 2022 - 12. Februar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Chiffren einer Stadt
Hans Meyer-Veden

Auf dem Weg zum Meer trifft die Elbe auf Hamburg und gibt der Stadt am Fluss ihren besonderen Charakter. Der Fotograf Hans Meyer-Veden hat die Stadt am Strom über mehr als drei Jahrzehnte hinweg in ausdrucksstarken Bildern festgehalten: Ein Flaneur mit Kamera, zu Fuß unterwegs in den Straßen und Gassen, am Wasser und in der Marsch. Mit sicherem fotografischem Blick wählte er seine Motive: Architekturensembles und -details in den schmalen Gassen von Altona und zwischen den Kontorhäusern der Speicherstadt, technische Apparaturen und Anlagen im Hafen, Natur in Stadt und Land und die immer wieder neu erscheinende Wasseroberfläche der Elbe.

Geboren 1931 in Stade und 1982 nach Altona gezogen hat Meyer-Veden den urbanen Raum in seiner Vielfalt und seinem Wandel bis zu seinem Tod 2018 in seiner ihm eigenen Bildsprache fixiert. Seine fotografischen Erkundungen gewinnen ihre Spannung aus dem Gegensatz zwischen der subjektiven, fein gestalteten Ästhetik einerseits und einem Streben nach objektiver Darstellung andererseits. Auffallend ist dabei die Abwesenheit der Menschen: Im krassen Gegensatz zu den Vertretern der klassischen Street Photography rückte Hans Meyer-Veden die Bewohner der Stadt nicht in den Fokus seiner Aufnahmen. Diese besondere Haltung hat er selbst mit einem „radikale[n] Wechsel in der Gebrauchsweise von Photographie“ erklärt, die er 1982 in der Begegnung mit der Großstadt als notwendig empfand: Weg von der „Ästhetik eines repräsentativen Augenblicks“ hin zu einer „auf das Ganze gerichteten Beobachtung“.

Im Rahmen der 8. Triennale der Photographie unter dem Motto ‚Currency‘ ergänzen drei Interventionen die Ausstellung um alternative Blickwinkel, die Hans Meyer-Vedens Themen und Aufnahmen perspektivisch erweitern: Eine Werkgruppe des Fotografen Michael Meyborg zeigt das Leben der vor allem türkischstämmigen Gastarbeiter in Altona um 1980, der Film „Terrible Houses in Danger“ der mpz Filmgruppe holt den Protest der Hausbesetzer an der Hafenstraße bis 1985 ins Bild und die seit 1999 entstandenen Arbeiten des Street-Art Künstlers TONA  laden zu einer aktuellen Form der visuellen Auseinandersetzung mit der urbanen Gesellschaft am Fluss ein.

Die Ausstellung umfasst 100 Handabzüge des Fotografen Hans Meyer-Veden, eine Tafel mit Dokumentarfotografien von Michael Meyborg, eine Videopräsentation der mpz Filmgruppe und eine Wandinstallation von TONA.

Kuratiert von Sebastian Lux, Jasmin Seck (Stiftung F.C. Gundlach) und Nicole Tiedemann-Bischop (Leiterin des Jenisch Hauses).

Sur le chemin de la mer, l'Elbe rencontre Hambourg et donne à la ville au bord du fleuve son caractère particulier. Le photographe Hans Meyer-Veden a immortalisé la ville sur le fleuve pendant plus de trois décennies dans des images expressives : Un flâneur muni d'un appareil photo, se déplaçant à pied dans les rues et les ruelles, au bord de l'eau et dans le marais. Il choisissait ses sujets avec un regard photographique sûr : ensembles et détails architecturaux dans les ruelles étroites d'Altona et entre les immeubles de bureaux de la Speicherstadt, appareils et installations techniques dans le port, nature en ville et à la campagne et la surface de l'Elbe qui apparaît toujours nouvelle.

Né en 1931 à Stade et installé à Altona en 1982, Meyer-Veden a fixé l'espace urbain dans sa diversité et sa transformation jusqu'à sa mort en 2018, dans un langage visuel qui lui est propre. Ses explorations photographiques tirent leur tension de l'opposition entre une esthétique subjective et finement façonnée d'une part, et une aspiration à une représentation objective d'autre part. Ce qui frappe ici, c'est l'absence de l'être humain : Contrairement aux représentants de la street photography classique, Hans Meyer-Veden n'a pas placé les habitants de la ville au centre de ses prises de vue. Il a lui-même expliqué cette attitude particulière par un "changement radical dans la manière d'utiliser la photographie", qu'il a ressenti comme nécessaire en 1982 lors de sa rencontre avec la grande ville : S'éloigner de "l'esthétique d'un instant représentatif" pour aller vers une "observation orientée vers l'ensemble".

Dans le cadre de la 8. Triennale der Photographie sous le thème 'Currency', trois interventions complètent l'exposition par des points de vue alternatifs qui élargissent la perspective des thèmes et des prises de vue de Hans Meyer-Veden : Un groupe d'œuvres du photographe Michael Meyborg montre la vie des travailleurs immigrés, principalement d'origine turque, à Altona vers 1980, le film "Terrible Houses in Danger" du mpz Filmgruppe fait entrer dans l'image la protestation des squatters de la Hafenstraße jusqu'en 1985 et les travaux de l'artiste de street art TONA, réalisés depuis 1999, invitent à une forme actuelle de confrontation visuelle avec la société urbaine au bord du fleuve.

L'exposition comprend 100 tirages à la main du photographe Hans Meyer-Veden, un panneau de photographies documentaires de Michael Meyborg, une présentation vidéo du mpz Filmgruppe et une installation murale de TONA.

Organisé par Sebastian Lux, Jasmin Seck (Fondation F.C. Gundlach) et Nicole Tiedemann-Bischop (directrice de la Jenisch Haus).

Sulla sua strada verso il mare, l'Elba incontra Amburgo e dà alla città sul fiume il suo carattere speciale. Il fotografo Hans Meyer-Veden ha catturato la città sul fiume in immagini espressive per più di tre decenni: Un flâneur con una macchina fotografica, a piedi nelle strade e nei vicoli, sull'acqua e nella palude. Sceglie i suoi motivi con un occhio fotografico sicuro: insiemi architettonici e dettagli negli stretti vicoli di Altona e tra gli edifici di uffici di Speicherstadt, apparati tecnici e installazioni nel porto, la natura nella città e nella campagna e la superficie dell'acqua dell'Elba che cambia continuamente.

Nato a Stade nel 1931 e trasferitosi ad Altona nel 1982, Meyer-Veden ha fissato lo spazio urbano nella sua diversità e cambiamento nel suo linguaggio visivo fino alla sua morte nel 2018. Le sue esplorazioni fotografiche traggono la loro tensione dal contrasto tra un'estetica soggettiva e finemente elaborata da un lato e la ricerca di una rappresentazione oggettiva dall'altro. Ciò che si nota qui è l'assenza di persone: In netto contrasto con i rappresentanti della fotografia di strada classica, Hans Meyer-Veden non ha messo gli abitanti della città al centro delle sue fotografie. Lui stesso ha spiegato questo particolare atteggiamento con un "cambiamento radicale nel modo di usare la fotografia", che ha ritenuto necessario nel 1982 quando ha incontrato la grande città: Lontano dall'"estetica di un momento rappresentativo" a un'"osservazione rivolta all'insieme".

Nel contesto dell'8. Triennale der Photographie sotto il motto 'Currency', tre interventi completano la mostra con prospettive alternative che ampliano i temi e le fotografie di Hans Meyer-Veden: Un gruppo di opere del fotografo Michael Meyborg mostra la vita dei lavoratori ospiti, principalmente di origine turca, ad Altona intorno al 1980, il film 'Terrible Houses in Danger' del mpz Filmgruppe porta in scena la protesta degli squatters sulla Hafenstraße fino al 1985, e le opere dell'artista di strada TONA, create dal 1999, invitano a una forma attuale di esame visivo della società urbana sul fiume.

La mostra comprende 100 stampe a mano del fotografo Hans Meyer-Veden, un pannello di fotografie documentarie di Michael Meyborg, una presentazione video del gruppo cinematografico mpz e un'installazione a muro di TONA.

A cura di Sebastian Lux, Jasmin Seck (Fondazione F.C. Gundlach) e Nicole Tiedemann-Bischop (Direttore della Jenisch Haus).

On its way to the sea, the Elbe meets Hamburg and gives the city on the river its special character. Photographer Hans Meyer-Veden has captured the city on the river in expressive images over more than three decades: A flâneur with camera, on foot in the streets and alleys, on the water and in the marsh. He chose his motifs with a sure photographic eye: architectural ensembles and details in the narrow alleys of Altona and between the office buildings of Speicherstadt, technical apparatus and equipment in the harbor, nature in the city and the countryside, and the ever-changing water surface of the Elbe.

Born in Stade in 1931 and moved to Altona in 1982, Meyer-Veden fixed the urban space in its diversity and change in his own visual language until his death in 2018. His photographic explorations gain their tension from the contrast between subjective, finely crafted aesthetics on the one hand and a striving for objective representation on the other. What is conspicuous here is the absence of people: In stark contrast to the representatives of classical street photography, Hans Meyer-Veden did not make the inhabitants of the city the focus of his photographs. He himself explained this particular attitude with a "radical change in the way photography is used," which he felt was necessary in 1982 when he encountered the big city: Away from the "aesthetics of a representative moment" to an "observation directed at the whole."

In the context of the 8. Triennale der Photographie under the motto 'Currency', three interventions complement the exhibition with alternative perspectives that broaden Hans Meyer-Veden's themes and photographs in terms of perspective: A group of works by photographer Michael Meyborg shows the life of mainly Turkish-born guest workers in Altona around 1980, the film "Terrible Houses in Danger" by the mpz Filmgruppe brings the protest of squatters on Hafenstraße into the picture until 1985, and the works of street artist TONA, created since 1999, invite a current form of visual engagement with urban society on the river.

The exhibition includes 100 hand prints by photographer Hans Meyer-Veden, a panel of documentary photographs by Michael Meyborg, a video presentation by mpz Filmgruppe, and a wall installation by TONA.

Curated by Sebastian Lux, Jasmin Seck (F.C. Gundlach Foundation) and Nicole Tiedemann-Bischop (Director of the Jenisch Haus).

ConsArc Galleria | Chiasso
22. Mai – 24. Juli 2022

First Aid
Mariapia Borgnini

Mit den Fotografien von Mariapia Borgnini setzen wir die Vorschläge der bereits in der Galerie vertretenen Autoren fort, mit denen der Dialog weitergeht, genährt wird und wächst.

Die zeitgenössische Kunst erlaubt es der Künstlerin, sich in den verschiedensten Formen auszudrücken, und Mariapia Borgnini ist es nicht fremd, alltägliche Materialien zu verwenden. Diesmal ist es die isothermische Decke mit ihren zwei Schichten aus Gold und Silber, die als Träger für Bilder dient, die uns helfen, über Kunst und Leben nachzudenken, das immer zwischen Fülle und Leere schwankt.

In einer kürzlich erschienenen Publikation schreibt die Autorin über Erinnerungen, die sie in verschiedene Richtungen führen: die der Kunst und die Macht dessen, was von der Kindheit übrig geblieben ist, in einer Entfaltung der Affektivität.

In dem Buch erzählt sie von "Erster Hilfe", der Aufschrift auf der Verpackung einer Isothermdecke, die wir vor Jahren von einer humanitären Organisation für eine Geldsammlung erhalten haben.

"Er schützt das Motorrad eines Freundes vor dem Regen, im Winter umhüllt er die Zitronenpflanze eines Freundes, er wird zum Duschvorhang, wenn ich Bilder machen will. Fotografien, die von der Verwendung der Decke in unserem bequemen Leben zeugen. Ich drucke sie auf der silbernen Seite, damit die Gegensätze, Gold und Silber, in einem Bild zusammenfallen".

Die Einladung lautet, dass diese Bilder uns helfen können, der Gleichgültigkeit der Welt entgegenzuwirken.

Avec les photographies de Mariapia Borgnini, nous poursuivons les propositions des auteurs déjà accueillis dans la galerie, avec eux le dialogue continue, se nourrit et grandit.

L'art contemporain permet à l'artiste de s'exprimer à travers les formes les plus variées, et Mariapia Borgnini n'est pas étrangère à l'utilisation des matériaux du quotidien. Cette fois, c'est la couverture isotherme, avec ses deux couches d'or et d'argent, qui sert de support à des images qui nous aident à réfléchir sur l'art et la vie, toujours en équilibre entre le plein et le vide.

Dans une publication récente, l'auteur évoque des souvenirs qui la conduisent dans différentes directions : celle de l'art et du pouvoir de ce qui reste de l'enfance dans un déploiement de l'affectivité.

Dans le livre, elle parle de "Premiers secours", l'inscription sur l'emballage d'une couverture isotherme que nous avons reçue d'une organisation humanitaire il y a des années, pour une collecte d'argent.

"Il protège la moto d'un ami de la pluie, en hiver il enveloppe le citronnier d'un ami, il devient un rideau de douche quand je suis sur le point de faire des photos. Des photographies qui témoignent de l'utilisation de la couverture dans nos vies confortables. Je les imprime sur la face argentée, pour faire coïncider les opposés, l'or et l'argent, dans une même image".

L'invitation est que ces images peuvent nous aider à contrer l'indifférence du monde.

Con le fotografie di Mariapia Borgnini proseguiamo nelle proposte di autori già ospitati in galleria, con loro il dialogo continua, si alimenta e cresce.

L’arte contemporanea permette all’artista di esprimersi attraverso le forme più svariate e Mariapia Borgnini non è nuova a utilizzare materiali di uso quotidiano. Questa volta è la coperta isotermica, con i suoi due strati d’oro e d’argento, a essere supporto di immagini che ci aiutano a riflettere sull’arte e sulla vita, sempre in bilico tra pieni e vuoti.

In una recente pubblicazione l’autrice scrive di ricordi che la conducono in direzioni diverse: quella dell’arte e alla forza di ciò che resta dell’infanzia in un dispiegarsi di affettività.

Nel libro racconta di “First aid”, la dicitura che si legge sulla confezione di una coperta isotermica che abbiamo ricevuto da un’organizzazione umanitaria anni fa, per una raccolta di denaro.

“Protegge dalla pioggia la motocicletta di un amico, d’inverno avvolge una pianta di limoni di un’amica, diventa una tenda della doccia quando mi accingo a costruire immagini. Fotografie che testimoniano l’uso della coperta nelle nostre comode vite. Le stampo sulla parte argento, per far coincidere gli opposti, oro e argento, in un’unica immagine”.

L’invito è che queste immagini ci possano aiutare a contrastare l’indifferenza del mondo.

With the photographs of Mariapia Borgnini we continue in the proposals of authors already hosted in the gallery, with them the dialogue continues, feeds and grows.

Contemporary art allows the artist to express herself through the most varied forms, and Mariapia Borgnini is no stranger to using everyday materials. This time it is the isothermal blanket, with its two layers of gold and silver, that is the support of images that help us reflect on art and life, always poised between fullness and emptiness.

In a recent publication the author writes about memories that lead her in different directions: that of art and to the power of what remains of childhood in an unfolding of affectivity.

In the book she tells of "First aid," the wording on the wrapping of an isothermal blanket we received from a humanitarian organization years ago, for a fundraiser.

"It protects a friend's motorcycle from the rain, in winter it wraps a friend's lemon plant, it becomes a shower curtain when I am about to build pictures. Photographs that testify to the use of the blanket in our comfortable lives. I print them on the silver side, to make the opposites, gold and silver, coincide in one image."

The invitation is that these images can help us counter the world's indifference.

(Text: ConsArc Galleria, Chiasso)

Galerie Vazerol14 | Chur
21. Mai - 18. Juni 2022

Stille Momente
Erich Dal Canton

Erich Dal Canton untersucht mit seinen Bildern Zeit und Zeitlichkeit. Das richtige Licht zu finden ist für ihn eine Obsession. Das Herzstück seiner künstlerischen Arbeit sind zweifelsohne die sogenannten „Waterscapes”.

Seine in der Galerie Vazerol 14 präsentierten Silbergelatine-Abzüge auf Barytpapier zeigen stille Momente aus der Schweiz, Frankreich und Deutschland. Seine aufwändig eingesetzte fotografische Technik ist reines analoges Handwerk. Es kamen konventionelle Printverfahren, wie auch die von ihm bevorzugte Lithprint-Technik zur Anwendung.

Dal Canton arbeitet seit über 35 Jahren ausschliesslich auf Schwarzweissfilm und setzt verschiedene Kameras und Negativformate ein, um seine Bildideen zu realisieren. Er verwendet aber bevorzugt die Grossformate 4x5in., 8x10in. und 6x17cm.

Bei der Betrachtung der Bilder von Erich Dal Canton werden wir in eine andere Welt entführt, in eine Welt der Ruhe und Stille.

Erich Dal Canton (geb. 1954) lebt und arbeitet in Wettingen.

Erich Dal Canton étudie le temps et la temporalité à travers ses images. Trouver la bonne lumière est pour lui une obsession. Le cœur de son travail artistique est sans aucun doute ce qu'il appelle les "waterscapes".

Ses tirages au gélatino-argent sur papier baryté présentés à la galerie Vazerol 14 montrent des moments de silence en Suisse, en France et en Allemagne. La technique photographique qu'il utilise est purement analogique.

Dal Canton travaille depuis plus de 35 ans exclusivement sur des films noir et blanc et utilise différents appareils et formats de négatifs pour réaliser ses idées d'images. Il utilise cependant de préférence les grands formats 4x5in, 8x10in et 6x17cm.En regardant les images d'Erich Dal Canton, nous sommes transportés dans un autre monde, un monde de calme et de tranquillité.

Erich Dal Canton (né en 1954) vit et travaille à Wettingen.

Erich Dal Canton esplora il tempo e la temporalità con i suoi dipinti. Trovare la luce giusta è un'ossessione per lui. Il cuore del suo lavoro artistico sono senza dubbio i cosiddetti "paesaggi acquatici".

le sue stampe alla gelatina d'argento su carta baritata presentate nella galleria Vazerol 14 mostrano momenti di fermo immagine della Svizzera, della Francia e della Germania. La sua elaborata tecnica fotografica è puro artigianato analogico.

Da oltre 35 anni, Dal Canton lavora esclusivamente su pellicola in bianco e nero e utilizza diverse macchine fotografiche e formati di negativo per realizzare le sue idee pittoriche. Tuttavia, preferisce utilizzare i grandi formati 4x5in., 8x10in. e 6x17cm. Quando si guardano le immagini di Erich Dal Canton, siamo trasportati in un altro mondo, un mondo di pace e tranquillità.

Erich Dal Canton (nato nel 1954) vive e lavora a Wettingen.

Erich Dal Canton explores time and temporality with his images. Finding the right light is an obsession for him. The heart of his artistic work are undoubtedly the so-called "Waterscapes".

His silver gelatin prints on baryta paper presented in the gallery Vazerol 14 show still moments from Switzerland, France and Germany. His elaborately employed photographic technique is pure analog craft. Conventional printing processes were used, as well as the lithprint technique he prefers.

Dal Canton has been working exclusively on black-and-white film for over 35 years and uses various cameras and negative formats to realize his image ideas. However, he prefers to use the large formats 4x5in., 8x10in. and 6x17cm.When viewing the images of Erich Dal Canton, we are transported into another world, a world of peace and tranquility.

Erich Dal Canton (born 1954) lives and works in Wettingen.

(Text: Galerie Vazerol14, Chur)

Hartmann Projects | Stuttgart
20. Mai – 25. September 2022

Fairies
Kathrin Linkersdorff

Die zutiefst poetischen Bilder von Kathrin Linkersdorff sind von der japanischen Wabi-Sabi Philosophie inspiriert, die die Schönheit des Unvollkommenen und Vergänglichen betont. Die hier erstmals umfassend präsentierten Bilder der »Fairies« Serie halten ganz in diesem Sinne schwindende Momente von Vergänglichkeit in größtmöglicher Feinheit fest. Zwischen der Anmutung von altmeisterlicher Stillleben- oder Vanitasmalerei und kühler, sezierender Abstraktion entwickeln sie eine geheimnisvolle Faszination.

Kathrin Linkersdorff (*1966 in Berlin) ist eine der vielversprechendsten fotografischen Entdeckungen der letzten Jahre in Deutschland. Sie begann ihre Karriere als Architektin, wesentlichen Einfluss auf ihr Werk hat ein mehrjähriger Arbeitsaufenthalt in Japan. »In ihrer bestechenden Klarheit erinnern ihre Arbeiten an die Pflanzenfotografien von Karl Blossfeldt und in ihrer Ästhetik an die Bilder von Edward Weston«, (Zitat Barbara Esch-Marowski, aus einem Text zur ersten Ausstellung der Bilder in der Ausstellung »Draussenstadt«, im öffentlichen Raum im Herbst 2020 in Berlin.

»Mich interessiert die Vergänglichkeit von Blumen als Metapher für den Kreislauf des Lebens. Meine fotografischen Porträts ergründen das Wesen und die verborgenen Strukturen eines jeden lebenden Organismus«. (Zitat Kathrin Linkersdorff)

Les images profondément poétiques de Kathrin Linkersdorff s'inspirent de la philosophie japonaise du wabi-sabi, qui souligne la beauté de l'imperfection et de l'éphémère. Les tableaux de la série "Fairies", présentés ici pour la première fois dans leur intégralité, capturent dans cet esprit des moments de fugacité avec la plus grande finesse possible. Entre l'impression d'une nature morte ou d'une peinture de vanité de maître ancien et une abstraction froide et disséquante, ils développent une fascination mystérieuse.

Kathrin Linkersdorff (née en 1966 à Berlin) est l'une des découvertes photographiques les plus prometteuses de ces dernières années en Allemagne. Elle a commencé sa carrière en tant qu'architecte, un séjour de travail de plusieurs années au Japon a eu une influence essentielle sur son œuvre. "Par leur clarté saisissante, ses travaux rappellent les photographies de plantes de Karl Blossfeldt et, par leur esthétique, les images d'Edward Weston", (citation de Barbara Esch-Marowski, tirée d'un texte sur la première exposition des photos dans l'exposition "Draussenstadt", dans l'espace public à l'automne 2020 à Berlin.

"Je m'intéresse au caractère éphémère des fleurs comme métaphore du cycle de la vie. Mes portraits photographiques sondent l'essence et les structures cachées de tout organisme vivant". (Citation de Kathrin Linkersdorff)

I dipinti profondamente poetici di Kathrin Linkersdorff si ispirano alla filosofia giapponese wabi-sabi, che enfatizza la bellezza dell'imperfetto e dell'effimero. Le immagini della serie "Fate", presentate qui per la prima volta in modo esaustivo, catturano con la massima delicatezza possibile attimi di transizione, interamente in questo senso. Tra l'impressione di un'antica natura morta o di una pittura vanitas e l'astrazione fredda e dissezionante, sviluppano un fascino misterioso.

Kathrin Linkersdorff (*1966 a Berlino) è una delle scoperte fotografiche più promettenti degli ultimi anni in Germania. Ha iniziato la sua carriera come architetto e un soggiorno di diversi anni in Giappone ha influenzato notevolmente il suo lavoro. "Nella loro accattivante chiarezza, le sue opere ricordano le fotografie di piante di Karl Blossfeldt e nella loro estetica le immagini di Edward Weston", (citazione di Barbara Esch-Marowski, da un testo per la prima esposizione delle immagini nella mostra "Draussenstadt", nello spazio pubblico nell'autunno 2020 a Berlino.

"Mi interessa la transitorietà dei fiori come metafora del ciclo della vita. I miei ritratti fotografici scandagliano l'essenza e le strutture nascoste di ogni organismo vivente". (Citazione di Kathrin Linkersdorff)

Kathrin Linkerdorff’s deeply poetic images are inspired by the Japanese philosophy of wabi sabi, which focuses on the beauty of the imperfect and fleeting. Presented here comprehensively for the first time, the pictures from the series Fairies capture fading moments of transience with the lightest possible touch. Caught between the impression of old masters’ still life or vanitas paintings and cool, dissecting abstraction, they build a mysterious fascination.

Photographer Kathrin Linkersdorff (*1966 in Berlin) is one of the most promising recent discoveries in Germany. She started her career as an architect. A job related multi-year stay in Japan provided important influence for her work. »With their captivating clarity, her works are reminiscent of Karl Blossfeldt’s photographs of plants. Their aesthetics refers to photographs by Edward Weston.« wrote Barbara Esch-Marowski (in a text for the first exhibition of the images,“Draussenstadt”, presented in public spaces in Berlin in the fall of 2020). “I am interested in the impermanence of flowers as a metaphor for the cycle of life. My photographic portraits fathom every living organism’s essence and hidden structures.” (Kathrin Linkersdorff)

(Text: Hartmann Projects, Stuttgart)

Camera Work | Berlin
21. Mai - 6. August 2022

David Yarrow

Die Galerie CAMERA WORK präsen[ert ab dem 21. Mai 2022 die Ausstellung »David Yarrow«. Die ereignisreiche Karriere des Ausnahme-Fotografen schreibt, wie auch seine Arbeiten, Geschichte. Mit größter Passion und höchster Professionalität hat David Yarrow eine eigene Bildsprache definiert, die seine Werke unverkennbar macht. Dieses fotografische Storytelling macht ihn zu einem der gefragtesten zeitgenössischen Fotokünstler der Welt. CAMERA WORK gibt mit einer umfassenden Präsenta[on teilweise noch nie gezeigter Werke des Künstlers Einblick in dessen beeindruckende visuelle Narra[on. David Yarrow wird in Deutschland exklusiv von CAMERA WORK vertreten. Es ist die erste große Einzelausstellung des Künstlers hierzulande.

David Yarrow wurde 1966 in Glasgow geboren. Seine Leidenschaj für das Fotografieren begann früh. So gelang ihm bereits als 20-Jähriger im Aujrag der »The London Times« zum Finale der Fußballweltmeisterschat in Mexiko-Stadt das legendäre Porträt des jubelnden Pokalträgers Diego Maradona. Erst viele Jahre später wendete sich Yarrow der künstlerischen Fotografie zu und widmete sich einem neuen Mo[v: der Natur und ihrer Tierwelt. Diese Entscheidung sollte seine Karriere nachhaltig prägen.

David Yarrows stimmungsvolle Naturaufnahmen und eindringliche Tierporträts sind unverwechselbar und eine imposante Dokumenta[on der vergänglichen und bestechenden Schönheit unserer Erde, für deren Erhalt sich der Fotograf mit großem Engagement einsetzt. Infolgedessen wurden in nur zwei Jahren – von 2020 bis heute – Spenden von 4,7 Millionen Pfund aus dem Verkauf von David Yarrows Werken generiert. Yarrows Hingabe zur Fotografie begründet sich zudem in seiner Leidenschaj für das Erzählen, die er in meisterlich inszenierten Projekten umsetzt. So kollaborierte er u. a. mit weltberühmten Models wie Cindy Crawford und Cara Delevingne, der Sängerin und Grammy-Preisträgerin Ciara oder dem »Wolf of Wall Street«, Jordan Belfort. Mit ihnen schuf er themenbasierte Foto-Serien, denen der Künstler ganze Drehbücher zugrunde legte. Diese monumentalen Porträts, in welchen Yarrow auch Tieren eine Bühne bietet, sind eine Homage an das bewegte Bild, das Kino. Jedes dieser Werke vermag es, auf eindrucksvolle Weise eine Geschichte zu erzählen, wobei Yarrow zunehmend mit einem einzigar[gen Duktus Tierfotografie und inszenierte Fotografie vereint.

David Yarrows Werke erzielen auf dem weltweiten Kunstmark beeindruckende Preise. So wurde 2019 eine von den Oscarpreisträgern Leonardo DiCaprio und Mar[n Scorsese signierte Arbeit aus der Serie »Wolf of Wall Street« für eine Summe von 200.000 US-Dollar verkauj. Auch auf dem sekundären Kunstmarkt – u. a. Sotheby’s – verzeichnen Yarrows Arbeiten Rekordergebnisse.

Die Werke des Fotokünstlers sind in interna[onal renommierten Museen und öffentlichen sowie privaten Sammlungen vertreten. NFL-Star Tom Brady und Supermodel Gisele Bündchen sowie die Schauspieler:innen Chris Hemsworth und Elsa Pataky zählen zu Sammlern von David Yarrows Kunst.

La galerie CAMERA WORK présentera l'exposition "David Yarrow" à partir du 21 mai 2022. La carrière riche en événements de ce photographe d'exception, tout comme ses œuvres, écrit l'histoire. Avec la plus grande passion et le plus grand professionnalisme, David Yarrow a défini son propre langage visuel, qui rend ses œuvres reconnaissables entre toutes. Ce storytelling photographique fait de lui l'un des artistes photographes contemporains les plus demandés au monde. CAMERA WORK donne un aperçu de l'impressionnante narration visuelle de l'artiste à travers une présentation complète de ses œuvres, dont certaines n'ont jamais été montrées. David Yarrow est représenté en Allemagne en exclusivité par CAMERA WORK. Il s'agit de la première grande exposition individuelle de l'artiste dans ce pays.

David Yarrow est né en 1966 à Glasgow. Sa passion pour la photographie a commencé très tôt. À l'âge de 20 ans, il a réalisé le légendaire portrait de Diego Maradona en train de célébrer la finale de la Coupe du monde de football à Mexico, à la demande du London Times. Ce n'est que bien des années plus tard que Yarrow s'est tourné vers la photographie artistique et s'est consacré à un nouveau mo[v] : la nature et sa faune. Cette décision allait marquer durablement sa carrière.

Les photographies de nature évocatrices et les portraits d'animaux saisissants de David Yarrow sont incomparables et constituent une imposante documentation sur la beauté éphémère et captivante de notre planète, pour la préservation de laquelle le photographe s'engage avec beaucoup d'engagement. En conséquence, en seulement deux ans, de 2020 à aujourd'hui, la vente des œuvres de David Yarrow a généré des dons de 4,7 millions de livres. L'engagement de Yarrow dans la photographie s'explique également par sa passion pour la narration, qu'il met en œuvre dans des projets magistralement mis en scène. Il a ainsi collaboré avec des mannequins de renommée mondiale comme Cindy Crawford et Cara Delevingne, la chanteuse et lauréate d'un Grammy Award Ciara ou le "Wolf of Wall Street", Jordan Belfort. Avec eux, il a créé des séries de photos à thème, sur lesquelles l'artiste s'est appuyé pour écrire des scénarios entiers. Ces portraits monumentaux, dans lesquels Yarrow offre également une scène aux animaux, sont un hommage à l'image en mouvement, au cinéma. Chacune de ces œuvres est capable de raconter une histoire de manière impressionnante, Yarrow combinant de plus en plus la photographie animalière et la photographie mise en scène avec un style unique.

Les œuvres de David Yarrow atteignent des prix impressionnants sur le marché mondial de l'art. En 2019, une œuvre de la série "Wolf of Wall Street" signée par Leonardo DiCaprio et Mar[n Scorsese, lauréats de l'Oscar, s'est vendue pour 200 000 dollars US. Les œuvres de Yarrow ont également enregistré des résultats records sur le marché secondaire de l'art, notamment chez Sotheby's.

Les œuvres de l'artiste photographe sont représentées dans des musées de renommée internationale et des collections publiques et privées. La star de la NFL Tom Brady, le top model Gisele Bündchen et les acteurs Chris Hemsworth et Elsa Pataky font partie des collectionneurs de l'art de David Yarrow.

La galleria CAMERA WORK presenta la mostra "David Yarrow" dal 21 maggio 2022. La carriera movimentata di questo fotografo eccezionale, come il suo lavoro, sta facendo storia. Con la massima passione e professionalità, David Yarrow ha definito un proprio linguaggio visivo che rende le sue opere inconfondibili. Questo storytelling fotografico lo rende uno degli artisti fotografici contemporanei più ricercati al mondo. CAMERA WORK fornisce una visione dell'impressionante narrazione visiva dell'artista con una presentazione completa delle opere, alcune delle quali non sono mai state esposte prima. David Yarrow è rappresentato in Germania esclusivamente da CAMERA WORK. È la prima grande mostra personale dell'artista in questo paese.

David Yarrow è nato a Glasgow nel 1966. La sua passione per la fotografia è iniziata presto. All'età di 20 anni, per esempio, ha scattato il leggendario ritratto del giubilante vincitore della coppa Diego Maradona su incarico del "The London Times" durante la finale della Coppa del Mondo a Città del Messico. Fu solo molti anni dopo che Yarrow si rivolse alla fotografia artistica e si dedicò a un nuovo motivo: la natura e la sua fauna. Questa decisione avrebbe avuto un impatto duraturo sulla sua carriera.

Le fotografie atmosferiche della natura di David Yarrow e gli inquietanti ritratti di animali sono inconfondibili e un'impressionante documentazione dell'effimera e accattivante bellezza della nostra terra, che il fotografo si impegna a preservare. Come risultato, in soli due anni - dal 2020 ad oggi - sono state generate donazioni per 4,7 milioni di sterline dalla vendita delle opere di David Yarrow. La dedizione di Yarrow alla fotografia è anche radicata nella sua passione per lo storytelling, che traduce in progetti magistralmente messi in scena. Ha collaborato con modelle di fama mondiale come Cindy Crawford e Cara Delevingne, la cantante e vincitrice di Grammy Award Ciara e il "lupo di Wall Street", Jordan Belfort. Con loro, ha creato serie fotografiche a tema su cui l'artista ha basato intere sceneggiature. Questi ritratti monumentali, in cui Yarrow offre anche un palcoscenico agli animali, sono un omaggio all'immagine in movimento, al cinema. Ognuno di questi lavori è in grado di raccontare una storia in modo impressionante, per cui Yarrow unisce sempre più la fotografia di animali e la fotografia di scena con uno stile unico.

Le opere di David Yarrow raggiungono prezzi impressionanti sul mercato globale dell'arte. Nel 2019, ad esempio, un'opera della serie Wolf of Wall Street firmata dai premi Oscar Leonardo DiCaprio e Mar[n Scorsese è stata venduta per una somma di 200.000 dollari. Le opere di Yarrow stanno anche ottenendo risultati record sul mercato dell'arte secondaria - anche da Sotheby's.

Le opere dell'artista fotografico sono rappresentate in musei di fama internazionale e in collezioni pubbliche e private. La star della NFL Tom Brady e la top model Gisele Bündchen, nonché gli attori Chris Hemsworth ed Elsa Pataky sono tra i collezionisti dell'arte di David Yarrow.

CAMERA WORK Gallery presents the exhibition "David Yarrow" from May 21, 2022. The eventful career of the exceptional photographer, like his works, makes history. With the utmost passion and professionalism, David Yarrow has defined his own visual language that makes his works unmistakable. This photographic storytelling makes him one of the most sought-after contemporary photographic artists in the world. CAMERA WORK provides insight into the artist's impressive visual narra[on with a comprehensive presenta[on of works, some of which have never been shown before. David Yarrow is represented in Germany exclusively by CAMERA WORK. It is the artist's first major solo exhibition in this country.

David Yarrow was born in Glasgow in 1966. His passion for photography began early. At the age of 20, for example, he took the legendary portrait of the jubilant cup winner Diego Maradona on assignment for "The London Times" at the final of the World Cup in Mexico City. It was not until many years later that Yarrow turned to artistic photography and dedicated himself to a new mo[v: nature and its wildlife. This decision was to have a lasting impact on his career.

David Yarrow's atmospheric nature photographs and haunting animal portraits are unmistakable and an imposing documenta[on of the ephemeral and captivating beauty of our earth, which the photographer is committed to preserving. As a result, in just two years - from 2020 to the present - donations of £4.7 million have been generated from the sale of David Yarrow's work. Yarrow's dedication to photography is also grounded in his passion for storytelling, which he translates into masterfully staged projects. He has collaborated with world-famous models such as Cindy Crawford and Cara Delevingne, singer and Grammy Award winner Ciara, and the "Wolf of Wall Street," Jordan Belfort, among others. With them, he created theme-based photo series, on which the artist based entire scripts. These monumental portraits, in which Yarrow also offers animals a stage, are a homage to the moving image, the cinema. Each of these works is able to tell a story in an impressive way, and Yarrow increasingly combines animal photography and staged photography with a unique ductus.

David Yarrow's works fetch impressive prices on the global art market. In 2019, for example, a work from the "Wolf of Wall Street" series signed by Oscar winners Leonardo DiCaprio and Mar[n Scorsese sold for a sum of $200,000. Yarrow's works are also seeing record results on the secondary art market - including Sotheby's.

The photo artist's works are represented in interna[onally renowned museums and public and private collections. NFL star Tom Brady and supermodel Gisele Bündchen as well as actors Chris Hemsworth and Elsa Pataky are among the collectors of David Yarrow's art.

Musée des beaux-arts | Le Locle
21. Mai – 25. September 2022

Ukraine, Hundred hidden Faces
Emeric Lhuisset

„Manche haben zu den Waffen gegriffen, andere fertigen Tarnnetze oder Molotowcocktails, wieder andere kümmern sich um die Logistik oder um die Verwundeten... Aus jenen, die ihr früheres Leben aufgegeben haben, um zu kämpfen, besteht der ukrainische zivile Widerstand. Auf diesen Bildern sehen Sie jene Menschen, ihre Hoffnungen und ihre Ängste. Nur ihre Gesichter bleiben unsichtbar... vorläufig. Zu ihrem Schutz, denn zweifellos werden viele von ihnen den Kampf im Untergrund fortsetzen. Doch eines Tages werden diese Gesichter vor den Augen aller auftauchen, jene Gesichter, die ich für später fotografiert habe. An dem Tag, an dem die Ukraine ihre Souveränität wiedererlangen wird, werden diese Gesichter auftauchen. An dem Tag, an dem der Widerstand siegen wird.“

Die Ausstellung vereint in sich 100 Portraits, die im März 2022 von Emeric Lhuisset aufgenommen wurden. Dass kein einziges Gesicht zu sehen ist, liegt daran, dass alle fotografierten Personen der ukrainischen zivilen Widerstandsbewegung angehören und heute im Untergrund kämpfen. Die Reihe knüpft an das im September 2014 in Kiew entstandene Projekt „Maydan – Hundred Portraits” an. Damals porträtierte Lhuisset 100 Demonstranten, die auf dem Maidan, dem berühmten Platz der Unabhängigkeit im Herzen der ukrainischen Hauptstadt, zu Revolutionären geworden waren. Er fotografierte 100 Personen zum Gedenken an die etwa 100 Todesopfer der unerbittlichen Unterdrückung der Maidan-Revolution - des entscheidenden Aufstands, der im Februar 2014 zum Sturz des prorussischen Präsidenten Viktor Janukowitsch führte. Diese gewaltfreie Revolution, zu der es gekommen war, weil sich der ukrainische Präsident geweigert hatte, das Assoziierungsabkommen mit Europa zu unterzeichnen, wurde von der russischen Regierung als Verrat des ukrainischen Volkes betrachtet. Putin annektierte daraufhin die Krim und unterstützte die prorussischen Separatisten in der Region Donbas im Osten der Ukraine. Durch die groß angelegte russische Invasion in der gesamten Ukraine am Donnerstag, den 24. Februar 2022 weitete sich der seit 2014 tobende Krieg aus. Am 13. März 2022 kehrte Lhuisset in die Ukraine zurück, um erneut 100 Portraits aufzunehmen, diesmal von ukrainischen Widerstandskämpfern. 2014 hatte der Fotograf seinen Modellen zwei Fragen gestellt: „Was erhoffen Sie sich von der Zukunft?“ „Wie sieht Ihre Zukunftsprognose aus?“ Acht Jahre später stellt Lhuisset den Mitgliedern des ukrainischen zivilen Widerstands dieselben Fragen. Ihre Antworten sind immer noch genauso ergreifend und bestürzend.

Emeric Lhuisset (Frankreich, 1983) ist Absolvent der École des Beaux-Arts de Paris und der Ecole Normale Supérieure Ulm - Centre de géostratégie / Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit lehrt er an der Hochschule Sciences Po Zeitgenössische Kunst und Geopolitik. Lhuisset, dessen Werke von zahlreichen Museen ausgestellt und gesammelt werden, hat diverse Auszeichnungen erhalten, insbesondere den British Journal of Photography International Photography Award 2020, die Résidence BMW pour la Photographie 2018 und den Grand Prix Images Vevey - Leica Prize 2017. Er ist Autor von vier Büchern. Seine Portraits von ukrainischen Widerstandskämpfern wurden 2022 von den Verlagen André Frères Editions und Paradox (Ydoc) veröffentlicht und setzen das 2014 bei denselben Herausgebern erschienene Buch Maydan - Hundred portraits fort.

Dieses Projekt wurde mit der Unterstützung der Verlage Paradox und André Frère Editions verwirklicht.

« Certains ont pris les armes, d’autres fabriquent des filets de camouflage ou des cocktails Molotov, d’autres encore sont à la logistique ou auprès des blessés... Ils sont la résistance civile ukrainienne, ceux qui ont abandonné leur vie passée pour lutter. Ce sont ceux que vous voyez sur ces images, ce sont leurs espoirs, leurs craintes...leurs visages eux resteront invisibles... pour le moment. Pour les protéger alors que beaucoup seront certainement amené à continuer la lutte dans la clandestinité. Mais un jour ces visages apparaîtront aux yeux de tous, ces visages que j’ai photographiés pour plus tard. Ces visages apparaîtront le jour où l’Ukraine retrouvera sa souveraineté. Ce sera le jour où la résistance vaincra. »

L’ exposition réunit cent portraits réalisés en mars 2022 par Emeric Lhuisset. Si aucun visage n’est visible c’est parce que les personnes photographiées appartiennent toutes à la résistance civile ukrainienne et luttent aujourd’hui dans la clandestinité. La série fait écho au projet «Maydan - Hundred Portraits» réalisé à Kyiv en septembre 2014. Lhuisset y avait fait le portrait de 100 manifestants devenus révolutionnaires sur la place Maïdan, la célèbre place de l’indépendance située au coeur de la capitale ukrainienne. Lhuisset y a photographié 100 personnes en hommage à la centaine de morts qui ont péri lors de la révolution de Maïdan – l’important mouvement de mobilisation sévèrement réprimé et qui a abouti en février 2014 au renversement du président prorusse Viktor Ianoukovitch. Cette révolution violente, causée par le refus du président ukrainien de signer un accord d’association avec l’Europe, fut vue par le gouvernement russe comme une trahison du peuple ukrainien. Poutine annexa ensuite la Crimée et soutint les séparatistes prorusses dans la région du Donbass, à l'est de l'Ukraine. La guerre en cours depuis 2014 s'est intensifiée le jeudi 24 février 2022, avec une invasion russe massive de toute l’Ukraine. Le 13 mars 2022, Lhuisset est retourné en Ukraine réaliser 100 nouveaux portraits, cette fois de résistants ukrainiens. En 2014, le photographe avait posé deux questions à ses sujets : « Qu'espérezvous qu'il se passe ensuite ? », « Que pensez-vous qu'il va se passer ? ». Huit ans plus tard, Lhuisset pose les mêmes questions aux membres de la résistance civile ukrainienne. Leurs réponses sont toujours aussi émouvantes et troublantes.

Emeric Lhuisset (France, 1983) est diplômé de l’Ecole des Beaux-Arts de Paris et de l’Ecole Normale Supérieure Ulm – Centre de géostratégie / Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Parallèlement à sa pratique artistique, il enseigne à Sciences Po la thématique art contemporain et géopolitique. Exposé et collectionné dans de nombreux musées, Lhuisset a remporté différents prix, notamment le British Journal of Photography International Photography Award 2020, la Résidence BMW pour la Photographie 2018 et le Grand Prix Images Vevey - Leica Prize 2017. Il est l’auteur de quatre livres. Ses portraits de résistants ukrainiens sont publiés en 2022 chez André Frère Editions et Paradox (Ydoc) et font suite au livre Maydan – Hundred portraits, sorti chez les mêmes éditeurs en 2014.

Un projet réalisé avec le soutien de Paradox et d’André Frère Editions.

"Alcuni hanno imbracciato le armi, altri fabbricano reti mimetiche o bombe molotov, altri ancora si occupano di logistica o di ferite.... Coloro che hanno abbandonato le loro vite per combattere costituiscono la resistenza civile ucraina. In queste immagini si vedono quelle persone, le loro speranze e le loro paure. Solo i loro volti rimangono invisibili.... per il momento. Per la loro protezione, perché senza dubbio molti di loro continueranno la lotta in clandestinità. Ma un giorno questi volti appariranno davanti agli occhi di tutti, quei volti che ho fotografato per il futuro. Il giorno in cui l'Ucraina riacquisterà la sua sovranità, quei volti emergeranno. Nel giorno in cui la resistenza sarà vittoriosa".

La mostra riunisce 100 ritratti scattati da Emeric Lhuisset nel marzo 2022. Il fatto che non sia visibile nemmeno un volto è dovuto al fatto che tutte le persone fotografate appartengono al movimento di resistenza civile ucraino e oggi combattono in clandestinità. La serie fa seguito al progetto "Maydan - Hundred Portraits", realizzato a Kiev nel settembre 2014. All'epoca, Lhuisset ritrasse 100 manifestanti che erano diventati rivoluzionari sul Maidan, la famosa piazza dell'Indipendenza nel cuore della capitale ucraina. Ha fotografato 100 persone per commemorare le circa 100 vittime dell'implacabile repressione della Rivoluzione di Maidan, la rivolta decisiva che ha portato al rovesciamento del presidente filorusso Viktor Yanukovych nel febbraio 2014. Questa rivoluzione non violenta, avvenuta perché il presidente ucraino si era rifiutato di firmare l'accordo di associazione con l'Europa, è stata vista dal governo russo come un tradimento del popolo ucraino. Putin ha poi annesso la Crimea e ha sostenuto i separatisti filorussi nella regione del Donbas, nell'Ucraina orientale. L'invasione russa su larga scala di tutta l'Ucraina, avvenuta giovedì 24 febbraio 2022, ha ampliato la guerra che infuriava dal 2014. Il 13 marzo 2022, Lhuisset torna in Ucraina per scattare nuovamente 100 ritratti, questa volta di combattenti della resistenza ucraina. Nel 2014, il fotografo aveva posto alle sue modelle due domande: "Cosa sperate per il futuro?". "Qual è la sua previsione per il futuro?". Otto anni dopo, Lhuisset pone le stesse domande ai membri della resistenza civile ucraina. Le loro risposte sono ancora altrettanto toccanti e sconcertanti.

Emeric Lhuisset (Francia, 1983) si è laureato all'École des Beaux-Arts de Paris e all'Ecole Normale Supérieure Ulm - Centre de géostratégie / Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Oltre all'attività artistica, insegna Arte contemporanea e Geopolitica all'Università Sciences Po. Lhuisset, le cui opere sono esposte e collezionate da numerosi musei, ha ricevuto diversi riconoscimenti, in particolare il British Journal of Photography International Photography Award 2020, il Résidence BMW pour la Photographie 2018 e il Grand Prix Images Vevey - Leica Prize 2017. È autore di quattro libri. Il suo Ritratti di combattenti della Resistenza ucraina è stato pubblicato nel 2022 da André Frères Editions e Paradox (Ydoc) e prosegue il libro Maydan - Cento ritratti pubblicato dagli stessi editori nel 2014.

Questo progetto è stato realizzato con il sostegno di Paradox e André Frère Editions.

"Some have taken up arms, some are making camouflage nets or Molotov cocktails, others are working on logistics or helping the injured... They are the Ukrainian civil resistance, those who gave up their past life to fight. These are the people you see in these pictures, these are their hopes, their fears... their faces will remain invisible... for the moment. To protect them while many will certainly be led to continue the struggle in hiding. But one day these faces will appear to the eyes of all, these faces that I have photographed for later. These faces will appear on the day Ukraine regains its sovereignty. That will be the day when the resistance wins."

The exhibition brings together one hundred portraits taken in March 2022 by Emeric Lhuisset. If no faces are visible, it is because the people photographed all belong to the Ukrainian civil resistance and are now fighting clandestinely. The series echoes the project “Maydan - Hundred Portraits” carried out in Kyiv in September 2014. There, Lhuisset took photographs of 100 demonstrators who became revolutionaries on Maydan Square, the famous independence square in the heart of the Ukrainian capital. Lhuisset photographed 100 people there as a tribute to the 100 who died during the Mayan revolution - the large-scale, severely repressed protest movement that led to the overthrow of the pro-Russian president Viktor Yanukovych in February 2014. This violent revolution, caused by the Ukrainian president's refusal to sign an association agreement with Europe, was seen by the Russian government as a betrayal of the Ukrainian people. Putin then annexed Crimea and supported pro-Russian separatists in the Donbass region in eastern Ukraine. The war that had been going on since 2014 escalated on Thursday 24 February 2022, with a massive Russian invasion of the entire Ukraine. On 13 March 2022, Lhuisset returned to Ukraine to take another 100 photographs, this time of Ukrainian resistance fighters. In 2014, the photographer had asked his subjects two questions: "What do you hope will happen next?", "What do you think will happen?". Eight years later, Lhuisset asks the same questions to the members of the Ukrainian civil resistance. Their answers are as moving and disturbing as before.

Emeric Lhuisset (France, 1983) graduated from the Ecole des Beaux-Arts de Paris and the Ecole Normale Supérieure Ulm - Centre de géostratégie / Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. In parallel to his artistic practice, he teaches contemporary art and geopolitics at Sciences Po. Exhibited and collected in many museums, Lhuisset has won various awards, including the British Journal of Photography International Photography Award 2020, the BMW Residency for Photography 2018, and the Grand Prix Images Vevey - Leica Prize 2017. He is the author of four books. His portraits of Ukrainian resistance fighters are published in 2022 by André Frère Editions and Paradox (Ydoc) and follow the book Maydan – Hundred portraits, released by the same publishers in 2014.

A project realized with the support of Paradox and André Frère Editions.

(Text: Nathalie Herschdorfer, Lausanne)

Musée des beaux-arts | Le Locle
21. Mai – 25. September 2022

Parures d'Art brut

Als eigenwillige, unangepasste Exzentriker finden die Schöpfer:innen der Art Brut kaum einen Platz in der Gemeinschaft, in die sie sich weder einfügen können noch wollen. Den einzigen Sinn ihres Daseins erkennen sie im Ausdruck ihrer Fiktionen: Werke, die sie als Autodidakten gegen den Strom entwickeln und von denen sie sich weder Wertschätzung noch soziale oder kulturelle Anerkennung erhoffen.

Die einzigartigen Kleidungsstücke der Art Brut, die in dieser Ausstellung gezeigt werden, besitzen eine starke Symbolkraft. Indem sie sich selbst mit ihren Kreationen bekleideten, nutzten alle Künstler:innen den eigenen Körper als Ausdrucksmedium, bis auf Kenneth Rasmussen, der seine Werke nicht trägt. Diese Prunkstücke aus bescheidenen, häufig selbst gesammelten und aufbereiteten Textilien, die genäht, gestrickt, gehäkelt, bestickt, gewebt oder bemalt wurden, vereinen in sich Sinn für Romantik und Ironie und besitzen eine rebellische Dimension.

Helga Goetze und Giovanni Battista Podestà tragen ihre „Verkündigungsgewänder“ bei sonderbaren öffentlichen Auftritten, während derer sie Passanten direkt anpöbeln, in der Absicht ihre moralischen Werte anzupreisen. Das ganze Jahr über und bei jedem Wetter erscheint Helga Goetze (1922-2008) täglich in dieser Aufmachung vor der Gedächtniskirche im Zentrum von Berlin, um Verklemmtheit und Tabus anzuprangern und lautstark die sexuelle Befreiung der Frau einzufordern. Ihre Parole „Ficken ist Frieden“ gehört zu ihrer persönlichen „Mythologie“, die sie farbenfroh auf ihren Mantel und ihre Mütze stickt.

Auch Giovanni Battista Podestà (1895-1974) geht auf die Straße, um auf unübliche Weise zu protestieren. Mit langem Bart und langen Haaren, üppig geschmücktem Hut und Stock spaziert er in einem farbenfrohen Überzieher mit historischen Motiven durch die Kleinstadt Laveno. Er wehrt sich gegen soziale Ungleichheiten und Ungerechtigkeiten, Machtmissbrauch und Geiz, für die er die moderne, materialistische und kapitalistische Gesellschaft verantwortlich macht. Mit seinen einfallsreichen und dreisten Darbietungen möchte er sich für spirituelle Werte einsetzen und eine Erlösungsbotschaft verkünden.

Die nicht weniger glanzvollen, aber einsamen Auftritte von Vahan Poladian (1902 oder 1905-1982) spielen sich auf den Straßen von Saint-Raphaël in Südfrankreich ab. Täglich finden sie als symbolische Hommage an die orientalische Pracht seines fernen Heimatlandes Armenien statt, dem er schonungslos entrissen wurde. Seine Aufmachungen aus bunten und reich verzierten Stoffen, die häufig funkeln und üppig mit Bordüren, Borten, Hängeschmuck und Medaillen dekoriert sind, trägt er stolz zur Schau, während er seine öffentlichen Auftritte mit pausenlosem Lachen untermalt. Verspieltheit und Parodie begegnen einander. Humor und leidenschaftliche Kreativität vereinen sich ebenfalls in den Werken des Dänen Kenneth Rasmussen (1972). Die gestrickten oder gehäkelten Büstenhalter, Schlüpfer und Suspensorien in übertriebenen Dimensionen und ausgefallener Gestaltung stellen eine heitere Würdigung sinnlicher Reize dar.

Im krassen Gegensatz dazu entwirft und entwickelt Giuseppe Versino (1882-1963) seine Werke in der äußersten Abgeschiedenheit des riesigen psychiatrischen Krankenhauses von Collegno in Turin, wo er in der geschlossenen Abteilung lebt. Nach der Erledigung seiner Reinigungsaufgaben sammelt er die gebrauchten Scheuerlappen und Lumpen ein, wäscht sie und zerfetzt sie, bevor er daraus Bänder anfertigt, um sie von Hand zu verweben und eine vollständige Bekleidungsgarnitur herzustellen - Umhang, Hose oder Kleid, Kopfbedeckung, Stiefel und Tasche. Für den Künstler, der sein Kostüm im Sommer wie im Winter trägt, obwohl er mehr als 40 Kilo wiegt, besitzt diese körperliche Hülle vermutlich eine schützende und beschwörende oder sogar heilsame Dimension. Diese Außenseiter unter den Künstlern erfinden eigenwillige und intime Aufmachungen für ihren persönlichen Bedarf, außerhalb jedes kulturellen Hintergrundes und jedes offiziellen Rahmens. Mit ihrer Hilfe entziehen sie sich der Wirklichkeit, indem sie zugleich in eine Traumwelt und in eine theatralische Inszenierung eintauchen.

Die Ausstellung wurde von Lucienne Peiry kuratiert.

Excentriques, inadaptés, déviants, les créateurs·trices d’Art Brut ne trouvent guère de place dans la communauté où ils ne peuvent ni ne veulent s’inscrire. Ils n’envisagent de raison d’être qu’à travers l’expression de leurs fictions: des oeuvres qu’ils réalisent en autodidactes, à contre-courant, et pour lesquelles ils n’éprouvent le besoin ni d’une reconnaissance ni d’une approbation sociale ou culturelle.

Les singulières «Parures d’Art Brut» présentées dans cette exposition ont une portée symbolique forte. Chaque auteur·e les ont revêtues, faisant de leur propre corps le support de leur expression, hormis Kenneth Rasmussen qui ne porte pas ses créations. Conçues avec des matériaux humbles, souvent récupérés et transformés, ces tenues d’apparat ont été cousues, tricotées, crochetées, brodées, tissées ou peintes dans un esprit de féérie et d’ironie tout à la fois. Elles ont valeur de résistance.

Helga Goetze et Giovanni Battista Podestà portent leurs vêtements de «prédication» lors d’étranges parades publiques, apostrophant directement les passants, dans l’idée de prôner des valeurs morales. Tout au long de l’année et par tous les temps, Helga Goetze (1922–2008) se rend chaque jour, ainsi costumée, devant la Gedächtniskirche, une église au coeur de Berlin, pour dénoncer l’inhibition et les tabous et revendiquer haut et fort la libération sexuelle de la femme. Son mot d’ordre «Ficken is Frieden» (baiser c’est la paix) fait partie de sa «Mythologie» personnelle qu’elle brode en couleurs sur son manteau et son bonnet.

C’est dans la rue aussi que Giovanni Battista Podestà (1895–1974) proteste de manière surprenante. Il défile dans la petite ville de Laveno, arborant longue barbe et cheveux longs, portant un pardessus historié et vivement coloré, un couvre-chef et une canne, ornés avec exubérance. ll dénonce les inégalités et les injustices sociales, les abus de pouvoir et l’avarice, dont il rend responsable la société moderne, matérialiste et capitaliste. Par ses performancesinventives et transgressives, il défend les valeurs spirituelles et entend apporter un message de rédemption.

Tout aussi fastueuses mais solitaires, les parades de Vahan Poladian (1902 ou 1905–1982) se déroulent dans les rues de Saint-Raphaël, dans le sud de la France. Elles sont organisées au quotidien pour célébrer symboliquement la splendeur orientale de son Arménie lointaine, de laquelle il a été brutalement coupé. Portant haut ses tenues aux étoffes bigarrées et chamarrées, souvent scintillantes et abondamment décorées de festons, galons, pendeloques et médailles, il accompagne ses sorties publiques d’un rire inextinguible. Espièglerie et parodie sont au rendez-vous.

L’humour et la créativité délirante s’invitent également dans les oeuvres du Danois Kenneth Rasmussen (1972). Soutiens-gorge, culottes et protège-pénis, tricotés et crochetés dans la démesure et l’extravagance, évoquent des parures sexuelles jubilatoires.

Tout à l’inverse, Giuseppe Versino (1882–1963) conçoit et crée ses oeuvres dans l’isolement extrême du vaste hôpital psychiatrique de Collegno à Turin, où il est enfermé. Après s’être acquitté de ses tâches de nettoyage, il récupère serpillières et chiffons usagés, les lave, les effiloche avant de confectionner des cordons avec lesquels il tisse à la main et monte un ensemble complet – tunique, pantalon ou robe, couvre-chef, bottes et sac. Pour le créateur qui porte son costume été comme hiver, bien qu’il pèse plus de quarante kilos, cette enveloppe corporelle a probablement une dimension protectrice et conjuratoire, voire salvatrice.

Ces créateurs de la marge inventent des parures fantasques et intimes pour leur propre usage, hors de tout cadre culturel et de toute officialité. Elles leur permettent de s’extraire de la réalité, leur offrant une aventure onirique et théâtrale.

L'exposition a été organisée par Lucienne Peiry.

Eccentrici, disadattati, devianti, i creatori dell'Art Brut difficilmente trovano un posto nella comunità in cui non possono o non vogliono inserirsi. Vedono la loro ragion d'essere solo nell'espressione delle loro finzioni: opere che producono da autodidatti, controcorrente, e per le quali non sentono alcun bisogno di riconoscimento o approvazione sociale o culturale.

Le singolari "Parures d'Art Brut" presentate in questa mostra hanno un forte significato simbolico. Ogni artista li ha indossati, facendo del proprio corpo il mezzo di espressione, tranne Kenneth Rasmussen che non indossa le sue creazioni. Disegnati con materiali umili, spesso recuperati e trasformati, questi abiti da cerimonia sono stati cuciti, lavorati a maglia, all'uncinetto, ricamati, intrecciati o dipinti con uno spirito di incanto e ironia allo stesso tempo. Hanno il valore di resistenza.

Helga Goetze e Giovanni Battista Podestà indossano i loro abiti da "predicatori" in strane parate pubbliche, rivolgendosi direttamente ai passanti, con l'idea di sostenere i valori morali. Per tutto l'anno e con qualsiasi tempo, Helga Goetze (1922-2008) si reca ogni giorno in costume davanti alla Gedächtniskirche, una chiesa nel cuore di Berlino, per denunciare inibizioni e tabù e chiedere a gran voce la liberazione sessuale delle donne. Il suo motto "Ficken is Frieden" (scopare è pace) fa parte della sua personale "mitologia", che ricama a colori sul cappotto e sul berretto.

Anche Giovanni Battista Podestà (1895-1974) protestò in strada in modo sorprendente. Ha sfilato per la piccola città di Laveno, sfoggiando barba e capelli lunghi, indossando un cappotto istoriato dai colori vivaci, un copricapo e un bastone, decorato in modo esuberante. Ha denunciato le disuguaglianze e le ingiustizie sociali, gli abusi di potere e l'avidità, di cui ha incolpato la società moderna, materialista e capitalista. Attraverso le sue performance inventive e trasgressive, difende i valori spirituali e intende portare un messaggio di redenzione.

Le sfilate di Vahan Poladian (1902 o 1905-1982) sono altrettanto sontuose ma solitarie e si svolgono nelle strade di Saint-Raphaël, nel sud della Francia. Vengono organizzate quotidianamente per celebrare simbolicamente lo splendore orientale della sua lontana Armenia, da cui è stato brutalmente tagliato fuori. Indossando i suoi abiti colorati e variopinti, spesso scintillanti e abbondantemente decorati con festoni, trecce, ciondoli e medaglie, accompagna le sue uscite pubbliche con una risata inestinguibile. La malizia e la parodia sono all'ordine del giorno.

Umorismo e creatività delirante sono presenti anche nelle opere dell'artista danese Kenneth Rasmussen (1972). Reggiseni, mutandine e protezioni per il pene, lavorati a maglia e all'uncinetto in modo eccessivo e stravagante, evocano un'esultanza sessuale.

Al contrario, Giuseppe Versino (1882-1963) concepisce e realizza le sue opere nell'estremo isolamento del vasto ospedale psichiatrico di Collegno, a Torino, dove era rinchiuso. Dopo aver svolto le sue mansioni di pulizia, raccoglie stracci e panni usati, li lava, li sfilaccia prima di ricavarne corde con cui intreccia e assembla a mano un abito completo: tunica, pantaloni o vestito, copricapo, stivali e borsa. Per il creatore che indossa il suo costume in estate e in inverno, anche se pesa più di quaranta chili, questo involucro corporeo ha probabilmente una dimensione protettiva ed evocativa, persino salvifica.

Questi creatori ai margini inventano ornamenti estrosi e intimi per il loro uso personale, al di fuori di qualsiasi quadro culturale o ufficialità. Permettono loro di evadere dalla realtà, offrendo un'avventura onirica e teatrale.

L'esposizione è stata curata da Lucienne Peiry.

Eccentric, maladjusted, deviant, the creators of Art Brut hardly find a place in the community where they cannot or do not want to fit in. They see their raison d'être only in the expression of their fictions : works that they produce as self-taught artists, against the trend, and for which they feel no need for social or cultural recognition or approval.

The singular Art Brut ornaments presented in this exhibition have a strong symbolic significance. Each artist has worn them, making their own body the medium of their expression, except for Kenneth Rasmussen who does not wear his creations. Designed with humble materials, often recovered and transformed, these ceremonial outfits have been sewn, knitted, crocheted, embroidered, woven or painted in a spirit of both enchantment and irony. They have a value of resistance.

Helga Goetze and Giovanni Battista Podestà wear their "preaching" clothes in strange public parades, directly addressing passers-by with the idea of proclaiming moral values. Helga Goetze (1922-2008) goes to the Gedächtniskirche, a church in the heart of Berlin, every day in her costume to denounce inhibitions and taboos and to call for women's sexual liberation. Her motto "Ficken is Frieden" (fucking is peace) is part of her personal "mythology", which she embroiders in colour on her coat and cap.

Giovanni Battista Podestà (1895-1974) also protested in the street in a surprising way. He paraded through the small town of Laveno, with a long beard and long hair, wearing a brightly coloured overcoat, a headdress and a cane, exuberantly decorated. He denounces inequality and social injustice, abuse of power and greed, for which he blames modern, materialistic and capitalist society. Through his inventive and transgressive performances, he defends spiritual values and intends to bring a message of redemption.

The parades of Vahan Poladian (1902 or 1905-1982) are equally lavish but solitary, taking place in the streets of Saint-Raphaël in the south of France. They are organised daily to symbolically celebrate the Eastern splendour of his faraway Armenia, from which he was brutally cut off. Wearing his brightly coloured outfits, often glittering and abundantly decorated with festoons, braids, pendants and medals, he accompanies his public outings with an unquenchable laugh. Playfulness and parody are the order of the day.

The humour and delirious creativity are also present in the works of the Danish Kenneth Rasmussen (1972). Bras, panties and penis protectors, knitted and crocheted in excess and extravagance, evoke jubilant sexual finery.

In contrast, Giuseppe Versino (1882-1963) conceived and created his works in the extreme isolation of the vast psychiatric hospital of Collegno in Turin, where he was confined. After completing his cleaning duties, he collected used rags and cloths, washed and frayed them before making cords with which he hand wove and assembled a complete outfit - tunic, trousers or dress, headdress, boots and bag. For the creator who wears his costume in summer and winter, even though it weighs more than forty kilos, this body envelope probably has a protective and conjuring dimension, even a saving one.

These marginal creators invent whimsical and intimate adornments for their own use, beyond any cultural framework or officialdom. They allow them to escape from reality, offering them a dreamlike and theatrical adventure.
The exhibition was curated by Lucienne Peiry.

(Text: Lucienne Peiry)

Musée des beaux-arts | Le Locle
21. Mai – 25. September 2022

Seconde Peau
Emma Lucy Linford

Bei Emma Lucy Linford wird die Kleidung zum Sinnbild für Schutz. Ihr bildnerisches Werk beruht auf dem Begriff „Über-Bekleidung“. Es befasst sich mit dem Kleidungsstück als zweite Haut, die man je nach Bedarf überzieht oder ablegt, die uns aber vor allem schützt und abschirmt. Als Aushängeschild des Innenlebens und Statussymbol nach außen wird dieses Kleidungsstück zum Boten des Körpers, den es bedeckt. Die Werke der Künstlerin aus Lausanne zeugen von der Sehnsucht nach Leben und der Entschlossenheit zur Auflehnung, insbesondere gegen körperliche Schönheitsideale. Deshalb hüllen sie den Körper nicht nur schützend ein, sondern stilisieren ihn zugleich, während sie die darin verborgene Seele spiegeln. Ihre zarten und luftigen Kreationen aus Messingdraht oder gehäkelten Müllbeuteln schweben im Raum und vermitteln einen Eindruck von Leichtigkeit. Durch die Erkundung der Häkeltechnik erweckt Emma Lucy Linford ihre Formensprache zum Leben. Diese Installation - die aus zwei hängenden Einzelstücken besteht - stellt eine Auseinandersetzung mit der Identität der Künstlerin und ihrem Status in der zeitgenössischen Gesellschaft dar. Während das erste („L’artiste (ou le tombeau)“, 2020), das sowohl an einen Sarkophag und als auch an einen schützenden Kokon für den Körper erinnert, mitten im Lockdown entstanden ist, wurde das zweite („Le boudoir“, 2021) - das ein Jahr später entstand - von der Künstlerin als Antwort auf das vorausgegangene Werk entwickelt, gleichsam als Zuflucht. Da beide Stücke maßgefertigt sind, stellt jedes für sich auf seine Weise eine Schutzschicht für den gesamten Körper dar, die der Künstlerin den Rückzug in die völlige Abschirmung ermöglicht oder der inneren Leere Anmut verleiht. Denn wenn sich die Künstlerin nicht darin befindet, erahnt der Betrachter lediglich ihren Körper, der allein durch die von ihm geformte, im Raum schwebende Leere wahrnehmbar ist. Emma Lucy Linford sensibilisiert uns symbolisch für das „Kleidungsstück“ als Schutz der Seele.

Emma Lucy Linford (Schweiz, 1992) lebt und arbeitet in Lausanne. Nach einem Jahr an der Ecole Nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris erwirbt sie 2015 an der Hochschule für Kunst und Design (HEAD) in Genf einen Bachelor in Innenarchitektur-Design. Ihre Werke wurden vor allem im Rahmen von Gruppenausstellungen in den Ateliers de Bellevaux im Jahr 2018 präsentiert und anschließend im MUDAC - Kantonales Museum für Design und angewandte Kunst (Lausanne) - sowie im Museo Villa dei Cedri (Bellinzona) im Jahr 2020. Die jüngsten Ausstellungen fanden 2021 in der Galerie C (Neuenburg) und 2022 in der Praxis Valentin 61 (Lausanne) statt.

Chez Emma Lucy Linford, le vêtement devient symbole de protection. Son travail plastique s’articule autour de la notion de «re-vêtement». Il s’agit du vêtement comme seconde peau, celle que l’on endosse, et que l’on enlève en fonction des besoins, mais surtout celle qui nous protège et nous abrite. Aussi bien vitrine de l’intime que marqueur social pour les autres, il fait office de messager du corps qu’il recèle. Tentatives d’existence et de résistance, notamment contre les diktats sur l’esthétique du corps, les pièces de l’artiste lausannoise sont autant des couches protectrices pour le corps que des artifices ou encore des reflets de l’esprit qui s’y cache. En fil de laiton ou en sac poubelle crocheté, ses oeuvres délicates et aériennes flottent dans l’espace, donnant une impression de légèreté. C’est par l’exploration de la technique du crochet qu’Emma Lucy Linford donne naissance à son langage plastique. Cette installation – composée de deux pièces en suspension – constitue une réflexion sur l’identité et le statut de l’artiste au sein de la société contemporaine. Si la première («L’artiste (ou le tombeau)», 2020), à mi-chemin entre un sarcophage et un cocon de protection pour le corps, a été réalisée en plein confinement, la seconde («Le boudoir», 2021) – réalisée une année plus tard – a été pensée par l’artiste en écho à cette dernière, comme un refuge. Toutes deux faites sur mesure, elles représentent chacune à leur manière une couche de protection pour l’intégralité du corps, dans laquelle l’artiste peut se retirer en toute intimité ou le vide intérieur s’y voir sublimé. Car quand l’artiste n’y est pas, son corps n’est que suggéré, uniquement perceptible par le vide qu’il forme, flottant dans l’espace. Emma Lucy Linford nous renvoie symboliquement à l’idée du vêtement comme une protection de l’âme.

Emma Lucy Linford (Suisse, 1992) vit et travaille à Lausanne. Après une année à l’Ecole Nationale supérieure de Beaux-Arts à Paris, elle obtient un bachelor en design d’architecture d’intérieur à la Haute Ecole d’art et de design (HEAD) à Genève en 2015. Ses travaux ont été notamment présentés lors d’expositions collectives en 2018 aux Ateliers de Bellevaux, puis au MUDAC – Musée cantonal de design et d’arts appliqués contemporains (Lausanne) et au Museo Villa dei Credi (Bellinzone) en 2020. Et plus récemment, à la Galerie C (Neuchâtel) en 2021 et à Valentin61 (Lausanne) en 2022.

Nel lavoro di Emma Lucy Linford, l'abbigliamento diventa un simbolo di protezione. Il suo lavoro visivo si basa sul concetto di "sovra-abbigliamento". Si tratta dell'abito come una seconda pelle, che si indossa o si toglie a seconda delle necessità, ma che ci protegge e ci ripara da tutto. Come figura della vita interiore e status symbol per il mondo esterno, questo indumento diventa il messaggero del corpo che copre. Le opere dell'artista losannese testimoniano l'anelito alla vita e la determinazione a ribellarsi, soprattutto agli ideali fisici di bellezza. Per questo motivo, non solo avvolgono il corpo in modo protettivo, ma allo stesso tempo lo stilizzano e riflettono l'anima nascosta al loro interno. Le loro creazioni delicate e ariose, realizzate con fili di ottone o sacchi della spazzatura all'uncinetto, fluttuano nello spazio e trasmettono un'impressione di leggerezza. Esplorando la tecnica dell'uncinetto, Emma Lucy Linford dà vita al suo linguaggio formale. Questa installazione - composta da due pezzi singoli appesi - rappresenta un'esplorazione dell'identità dell'artista e del suo status nella società contemporanea. Mentre il primo ("L'artiste (ou le tombeau)", 2020), che ricorda sia un sarcofago che un bozzolo protettivo per il corpo, è stato creato nel bel mezzo di Lockdown, il secondo ("Le boudoir", 2021) - realizzato un anno dopo - è stato sviluppato dall'artista come risposta all'opera precedente, come un rifugio per così dire. Poiché entrambi i pezzi sono realizzati su misura, ognuno di essi rappresenta a suo modo uno strato protettivo per l'intero corpo, che consente all'artista di ritirarsi in un isolamento completo o di dare grazia al vuoto interiore. Infatti, quando l'artista non è al suo interno, lo spettatore si limita a intravedere il suo corpo, percepibile solo attraverso il vuoto che forma, fluttuando nello spazio. Emma Lucy Linford ci sensibilizza simbolicamente alla "veste" come protezione dell'anima.

Emma Lucy Linford (Svizzera, 1992) vive e lavora a Losanna. Dopo un anno all'Ecole Nationale supérieure des Beaux-Arts di Parigi, nel 2015 ha conseguito un bachelor in interior design presso la Geneva School of Art and Design (HEAD). Le sue opere sono state presentate principalmente in mostre collettive presso gli Ateliers de Bellevaux nel 2018 e poi al MUDAC - Museo cantonale di design e arti applicate (Losanna) - e al Museo Villa dei Cedri (Bellinzona) nel 2020. Le mostre più recenti si sono tenute alla Galerie C (Neuchâtel) nel 2021 e alla Praxis Valentin 61 (Losanna) nel 2022.

For Emma Lucy Linford, clothing becomes a symbol of protection. Her work revolves around the notion of "re-clothing". It is about clothing as a second skin, the one we put on and take off as needed, but above all the one that protects and shelters us. Both a showcase of intimacy and a social marker for others, it acts as a messenger of the body it conceals. As attempts to exist and resist, particularly against the diktats on the aesthetics of the body, the pieces of the Lausanne-based artist are as much protective layers for the body as they are artifices or reflections of the spirit that hides within. Made of brass wire or crocheted garbage bags, her delicate and airy works float in space, giving an impression of lightness. Emma Lucy Linford's exploration of the crochet technique gives rise to her visual language. This installation - composed of two suspended pieces - is a reflection on the identity and status of the artist in contemporary society. While the first (“The Artist” (or “The Tomb”), 2020), halfway between a sarcophagus and a protective cocoon for the body, was created in the midst of confinement, the second (“The Boudoir”, 2021) - produced a year later - was conceived by the artist as an echo of the latter, as a refuge. Both were made to measure, and each in its own way represents a layer of protection for the whole body, in which the artist can withdraw in complete privacy or see the inner void sublimated. Because when the artist is not there, her body is only suggested, perceptible only by the void it forms, floating in space. Emma Lucy Linford symbolically refers us to the idea of "clothing" as a protection for the soul.

Emma Lucy Linford (Switzerland, 1992) lives and works in Lausanne. After a year studying at the Ecole Nationale Supérieure de Beaux-Arts in Paris, she obtained a bachelor's degree in interior design at the Haute Ecole d'art et de design (HEAD) in Geneva in 2015. Her work has been presented in group exhibitions in 2018 at the Ateliers de Bellevaux, then at the MUDAC - Musée cantonal de design et d'arts appliqués contemporains (Lausanne) and at the Museo Villa dei Credi (Bellinzona) in 2020. More recently, her work as been shown at the Galerie C (Neuchâtel) in 2021 and at Valentin61 (Lausanne) in 2022.

(Text: Nathalie Herschdorfer, Lausanne)

Musée des beaux-arts | Le Locle
21. Mai – 25. September 2022

De la Collection
Alexandre Girod

Das Faszinierende an den Gemälden von Alexandre Girod (1889-1929) ist die dekorative Dimension der Kleidung, von der die Gesamtkomposition beherrscht wird. Der Neuenburger Maler, der bereits im Alter von 40 Jahren verstarb, ist nahezu unbekannt. Als Einzelgänger unter den Künstlern war er sehr produktiv, stellte aber selten aus. Durch seine Kindheit in Madrid und seine Ausbildung in Florenz wurde Girod sowohl von den großen spanischen Meistern geprägt als auch von der toskanischen Kunst inspiriert. Sein Werk umfasst der Mystik entlehnte, allegorische und religiöse Kompositionen sowie Landschaften des Jura und Ganzkörperporträts.

Die beiden hier ausgestellten Porträts veranschaulichen die bildnerische Detailtreue des Künstlers. Die Schlichtheit der Linien und die Intensität der Farben unterstützen die Wiedergabe von Textilien. Pflanzenmotive, als Volltonflächen gestaltet, verleihen den Textilien eine unwiderstehliche Anziehungskraft, welche den Blick fesselt. Während sie im Gemälde „Harmonie en bleu (Portrait de ma femme)“ mit dem Modell konkurrieren, indem sie seine Umrisse formen, bekleiden sie im Gemälde „Portrait de Madame B. G.“ den Raum, in dem das Modell erscheint. Diese Werke zeugen vom Interesse des Künstlers für die dekorative Komposition, die er dank des Großformats voll ausschöpfen konnte.

Als Sohn eines aus dem Jura stammenden Uhrmachers, der nach Spanien ausgewandert war, wird Alexandre Girod 1889 in Madrid geboren. Nach dem Abbruch seines Studiums der Uhrmacherei in Le Locle schreibt er sich 1910 an der Kunsthochschule Genf ein und setzt seine Ausbildung anschließend in Florenz fort, bevor er sich 1913 mit seiner Ehefrau Elisabeth Meylan oberhalb von Le Locle niederlässt. Das Wohnhaus des Paares in Les Petits-Monts bleibt trotz zahlreicher Reisen sein Rückzugsort. Sein Werk wird erfolgreich im Ausland ausgestellt, insbesondere 1922 in Madrid, 1924 in London und zwischen 1923 und 1928 in Paris. Nach seinem frühen Tod im Jahr 1929 eröffnet seine Witwe auf dem Familienanwesen ein Museum, das seinem Werk gewidmet ist. 1984 wird das jahrzehntelang im Originalzustand aufrechterhaltende Musée Alexandre Girod endgültig geschlossen, und im Jahr darauf erfolgt die Hinterlegung seiner vollständigen Sammlung im Kunstmuseum Le Locle.

Les peintures d’Alexandre Girod (1889-1929) sont fascinantes tant la dimension ornementale du vêtement domine la composition. Décédé à seulement 40 ans, le peintre neuchâtelois est peu connu du public. Artiste solitaire, il produit beaucoup mais expose peu. Marqué par les grands maîtres espagnols de son enfance à Madrid et inspiré par l’art toscan de ses années de formation à Florence, Girod réalise des compositions allé-goriques et religieuses emprunts de mysticisme, des paysages jurassiens ainsi que des portraits en pied.

Les deux portraits exposés illustrent la précision du geste pictural de l’artiste. La simplicité des lignes et l’intensité des couleurs sont mises au service du traitement du tissu. Ornés de motifs végétaux traités en aplat, les tissus s’imposent au regard par la puissance de leur réalisation. Tandis que dans Harmonie en bleu («Portrait de ma femme»), leur présence rivalise avec le sujet en façonnant sa silhouette, ils habillent l’espace dans lequel le modèle s’inscrit dans «Portrait de Madame B. G.» Ces oeuvres témoignent de l’intérêt de Girod pour la composition décorative que le grand format lui permet d’explorer pleinement.

Fils d’un horloger jurassien expatrié en Espagne, Alexandre Girod naît à Madrid en 1889. Après des études interrompues d’horlogerie au Locle, il entre à l’Ecole des Beaux-Arts de Genève en 1910, poursuit sa formation à Florence avant de s’installer dans les hauteurs du Locle en 1913 avec son épouse, Elisabeth Meylan. La résidence du couple aux Petits-Monts demeure son port d’attache malgré de nombreux voyages. Son travail connait un succès à l’étranger, présenté notamment à Madrid en 1922, à Londres en 1924 et à Paris entre 1923 et 1928. Suite à sa mort prématurée en 1929, sa veuve ouvre un musée dédié à son travail dans la propriété familiale. Maintenu en l’état jusqu’en 1984, le Musée Alexandre Girod ferme définitivement ses portes et l’ensemble de sa collection fait l’objet d’un dépôt au Musée des beaux-arts du Locle l’année suivante.

L'aspetto affascinante dei dipinti di Alexandre Girod (1889-1929) è la dimensione decorativa degli abiti che domina la composizione complessiva. Il pittore di Neuchâtel, morto all'età di 40 anni, è quasi sconosciuto. Solitario tra gli artisti, fu molto produttivo ma espose raramente. Grazie alla sua infanzia a Madrid e alla sua formazione a Firenze, Girod è stato influenzato dai grandi maestri spagnoli e ispirato dall'arte toscana. La sua opera comprende composizioni allegoriche e religiose prese in prestito dal misticismo, oltre a paesaggi del Giura e ritratti a figura intera.

I due ritratti qui esposti illustrano l'attenzione pittorica dell'artista per i dettagli. La semplicità delle linee e l'intensità dei colori favoriscono la resa dei tessuti. I motivi vegetali, disegnati come tinte unite, conferiscono ai tessuti un'attrazione irresistibile che cattura lo sguardo. Mentre nel quadro "Harmonie en bleu (Portrait de ma femme)" competono con la modella formandone il contorno, nel quadro "Portrait de Madame B. G." rivestono lo spazio in cui appare la modella. Queste opere testimoniano l'interesse dell'artista per la composizione decorativa, che ha potuto sfruttare al meglio grazie al grande formato.

Nato a Madrid nel 1889, Alexandre Girod era figlio di un orologiaio di formazione giuridica emigrato in Spagna. Dopo aver abbandonato gli studi di orologeria a Le Locle, nel 1910 si iscrive alla Scuola d'Arte di Ginevra e prosegue la sua formazione a Firenze prima di stabilirsi con la moglie Elisabeth Meylan a Le Locle nel 1913. La casa della coppia a Les Petits-Monts è rimasta il suo rifugio, nonostante i numerosi viaggi. Le sue opere furono esposte con successo all'estero, in particolare a Madrid nel 1922, a Londra nel 1924 e a Parigi tra il 1923 e il 1928. Dopo la sua prematura scomparsa nel 1929, la vedova aprì un museo dedicato al suo lavoro nella tenuta di famiglia. Nel 1984 il Musée Alexandre Girod, mantenuto per decenni nel suo stato originale, fu definitivamente chiuso e l'anno successivo la sua collezione completa fu depositata nel Museo d'Arte di Le Locle.

The paintings of Alexandre Girod (1889-1929) are fascinating because of the ornamental dimension of the clothing that dominates the composition. The painter from Neuchâtel, who died at the age of 40, is little known by the public. As a solitary artist he was prolific but exhibited rarely. Influenced by the great Spanish masters of his childhood in Madrid and inspired by the Tuscan art of his formative years in Florence, Girod produced allegorical and religious compositions imbued with mysticism, Jura landscapes and fulllength portraits.

The two portraits on exhibit illustrate the precision of the artist's pictorial gesture. The simplicity of the lines and the intensity of the colours are placed at the service of the treatment of the fabric. The fabrics, adorned with plant motifs treated in flat colours, impose themselves on the viewer by the power of their execution. While in “Harmonie en bleu” (Portrait de ma femme), their presence competes with the subject by shaping her silhouette, in “Portrait de Madame B. G.” they dress the space in which the model is inscribed. These works testify to Girod's interest in decorative composition, which he could fully explore in large format.

Son of a Jura watchmaker expatriated in Spain, Alexandre Girod was born in Madrid in 1889. After interrupting his watchmaking studies in Le Locle, he joined the Ecole des Beaux-Arts in Geneva in 1910 and continued his training in Florence before taking up residence in the mountains of Le Locle in 1913 with his wife, Elisabeth Meylan. The couple's residence at Les Petits-Monts remained their permanent home, despite numerous trips. His work was successful abroad, presented in Madrid in 1922, in London in 1924 and in Paris between 1923 and 1928. Following his sudden death in 1929, his widow opened a museum dedicated to his work in the family estate. Maintained unchanged until 1984, the Musée Alexandre Girod closed its doors for good and the entire collection was transferred to the Museum of Fine Arts in Le Locle the following year.

(Text: Nathalie Herschdorfer, Lausanne)

Musée des beaux-arts | Le Locle
21. Mai – 25. September 2022

Fabula
Charles Fréger

In den vergangenen 20 Jahren hat Charles Fréger eine umfangreiche Porträtsammlung aufgebaut. Zunächst interessierte er sich für Kleidungsstücke und Uniformen, später erkundete er Kostümtraditionen auf allen Kontinenten. Durch seine Fotografien begegnen wir archaischen Gestalten, Wesen mit vielfacher und mehrdeutiger Identität, die in unserer Fantasie auf Resonanz stoßen. Vier Reihen vereinen sich in dieser umfangreichen Ausstellung: „Commedia dell'Arte“ ist in Venedig entstanden und konzentriert sich auf die Choreografie der maskierten Charaktere, in „Yokainoshima“ befasst sich der Fotograf mit den rituellen Gestalten Japans, „Wilder Mann“ ist ein Fotografie-Projekt, das über viele Jahre in 20 europäischen Ländern verwirklicht wurde, und „Cimarron“ führt den Fotografen in das Amerika mit afrikanischen Wurzeln, das sich vom Süden der USA bis nach Peru erstreckt. Die von Fréger fotografierten Gestalten, die Tiere oder sonderbare, lustige, ausgefallene und mitunter furchterregende Geschöpfe verkörpern, vermitteln einen Eindruck von der Vielfalt der Kostüme und Kulturen rund um den Globus. Indem der Künstler seine ganze Aufmerksamkeit den Aufmachungen und würdevollen Körperhaltungen widmet, lässt er uns mit diesen maskierten Gestalten allein. Also bleibt es uns selbst überlassen, die Geschichte jeder einzelnen Gestalt zur ersinnen.

Charles Fréger (Frankreich, 1975) lebt und arbeitet in Rouen. Er hat an der École des Beaux-Arts in Rouen studiert. Seit Beginn des Jahrhunderts widmet er sich einer Bestandsaufnahme mit dem Titel „Fotografische Porträts und Uniformen” deren Reihen er in zahlreichen Ländern der Erde zusammenstellt. Die von ihm porträtierten Gestalten sind geschminkt, tragen Masken, Kostüme, Schmuckstücke und Accessoires, um ihre Kultur, die Geschichte ihrer Gemeinschaft und ihr Erbe zu vermitteln. Fréger hat in diversen Museen und auf verschiedenen Festivals ausgestellt und zahlreiche Werke veröffentlicht, darunter Cimarron (2019), Yokainoshima (2016), Bretonnes (2015) und Wilder Mann (2012). Er ist Gründungsmitglied des europäisch-amerikanischen Fotografen-Netzwerks Piece of Cake.

Charles Fréger a constitué depuis une vingtaine d’années un vaste corpus de portraits, d’abord en s’intéressant aux tenues et uniformes, puis en partant à la rencontre de traditions masquées sur tous les continents. Ses photographies nous confrontent avec des figures séculaires, des êtres aux identités multiples et ambiguës sur lesquelles se projette notre imaginaire. Incarnant des animaux ou des créatures étranges, comiques voire effrayantes ou extravagantes, les figures photographiées par Fréger donnent la mesure de la variété des coutumes et des cultures à travers le monde. En portant son attention aux parures et à la solennité de la pose, l’artiste nous laisse seul face à ces figures masquées. À nous, dès lors, d’imaginer le récit lié à ces personnages.

Charles Fréger (France, 1975) vit et travaille à Rouen. Il a étudié à l’école des beaux-arts de Rouen. Depuis le début des années 2000, il poursuit un inventaire intitulé «Portraits photographiques et uniformes» voyageant sur tous les continents pour réaliser ses portraits. Les sujets qu’il photographie portent des masques, maquillages, costumes, parures et accessoires pour raconter leur culture, l’histoire de leur communauté et leur héritage. Fréger a exposé dans divers musées et festivals et a publié de nombreux ouvrages, parmi lesquels Cimarron (2019), Yokainoshima (2016), Bretonnes (2015) et Wilder Mann (2012). Il est membre fondateur du réseau de photographes européens et américains, Piece of Cake.

Nel corso degli ultimi vent'anni, Charles Fréger ha costruito un vasto corpus di ritratti, prima un vasto corpus di ritratti, concentrandosi in primo luogo sull'abbigliamento e sul e uniformi, e poi andando a incontrare tradizioni mascherate in tutti i continenti. Le sue fotografie ci mettono di fronte con figure secolari, esseri dall'identità multipla e ambigua identità ambigue su cui si proietta la nostra immaginazione. Incarnare animali o strane creature, comiche o addirittura spaventose o stravaganti, le figure fotografate da Fréger danno la varietà di costumi e culture in tutto il mondo. il mondo. Prestando attenzione alla raffinatezza e alla solennità della posa posa, l'artista ci lascia soli ad affrontare queste figure mascherate. Dipende da noi, immaginare la narrazione legata a questi personaggi.

Charles Fréger (Francia, 1975) vive e lavora a Rouen. Ha studiato presso la Scuola di Belle Arti di Rouen. Dall'inizio del 2000, ha lavorato a un inventario intitolato "Ritratti fotografici e uniformi", viaggiando in tutti i continenti per produrre le sue i suoi ritratti. I soggetti che fotografa indossano maschere, trucco, costumi, ornamenti e accessori per raccontare la storia della loro la loro cultura, la storia della loro comunità e il loro patrimonio. Fréger ha ha esposto in diversi musei e festival e ha pubblicato numerose libri, tra cui Cimarron (2019), Yokainoshima (2016), Bretonnes (2015) e Wilder Mann (2012). È membro fondatore dell'associazione rete di fotografi europei e americani, Piece of Cake.

Over the past twenty years, Charles Fréger has built up a vast collection of portraits, first by focusing on outfits and uniforms, then by exploring masked traditions on every continent. His photographs confront us with secular figures, beings with multiple and ambiguous identities on which our imagination is projected. Four series are brought together in this vast exhibition : “Commedia dell'Arte”, produced in Venice and showing the body play of his masked characters ; “Yokainoshima”, in which the photographer explores the ritual figures of Japan ; “Wilder Mann”, a photographic campaign carried out over many years in 20 European countries ; and “Cimarron”, which takes the photographer to Afro-descendant America, from the southern United States to Peru. Embodying strange, comical, sometimes frightening or extravagant animals or creatures, the figures Fréger photographs give a measure of the variety of customs and cultures around the world. By paying attention to the finery and the solemnity of the pose, the artist leaves us alone in front of these masked figures. It is then up to us to imagine the story of each of the characters.

Charles Fréger (France, 1975) lives and works in Rouen. He studied at the Rouen School of Fine Arts. Since the beginning of the 2000s, he has been pursuing an inventory entitled "Portraits photographiques et uniformes, carrying out his series in many countries around the world. In his portraits, the characters wear masks, make-up, costumes, ornaments and accessories to tell the story of their culture, their community and their heritage. Fréger has exhibited in various museums and festivals, and has published numerous books, including “Cimarron” (2019), Yokainoshima (2016), Bretonnes (2015) and Wilder Mann (2012). He is a founding member of the European and American photographers' network, Piece of Cake.

(Text: Nathalie Herschdorfer, Lausanne)

Musée des beaux-arts | Le Locle
21. Mai – 25. September 2022

Orbit_E
Salvatore Vitale

Die innovative digitale Plattform ORBIT_E stellt eine virtuelle Erweiterung des MBAL dar. Als disziplinübergreifendes experimentelles digitales Kunstlabor ist dieser virtuelle Raum dazu bestimmt, die Programmgestaltung in den analogen Räumen des Museums zu verlängern und zu ergänzen. Mithilfe von ORBIT_E kann das MBAL auch in Zukunft durch Produktion und Verbreitung performativer Werke Künstler direkt unterstützen, und zugleich einen Ort der Inspiration und der Entdeckung schaffen. Es handelt sich um eine einzigartige Chance, den performativen Ansatz zur Geltung zu bringen, seine Vielseitigkeit und Stärke unter Beweis zu stellen und auf diese Weise zu seiner institutionellen Anerkennung beizutragen. Durch neuartige Rezeptionsbedingungen (Räumlichkeit, Distanz usw.) bietet ORBIT_E die Möglichkeit, künstlerisches Schaffen an einem virtuellen Ort auszuprobieren und zugleich ein weltweites Publikum anzusprechen.

Das Werk „Decompressed Prism” bildet eine neue Stufe in der künstlerischen Auseinandersetzung mit der Technologie, der sich Salvatore Vitale widmet. Den experimentellen Ansatz dieser Installation, die ursprünglich für einen analogen Raum entworfen wurde, nämlich für den Palazzo Santa Margherita in Mailand, verfolgt der Künstler weiter, indem er sich den 2022 vom MBAL ins Leben gerufenen digitalen Ausstellungsraum Orbit_e zunutze machte. Hier entwickelt er ein beispielloses, interaktives Werk, das die ursprüngliche Installation widerspiegelt.

Im digitalen Raum erhält „Decompressed Prism” die Form einer nicht-linearen Erzählung am Scheideweg zwischen Philosophie und Technologie, deren ursprüngliche Struktur vom Künstler zerlegt und anschließend in mehreren Kapiteln wieder zusammengefügt wird. Sie ist als Erlebnis für den Besucher angelegt, entfaltet sich auf unterhaltsame Weise und behandelt Themen, die dem Künstler besonders am Herzen liegen, wie z. B. Bewusstseinsbildung, Empathie, sozialer Realismus, Raum und Körper. Das Werk von Salvatore Vitale, das Fakten und Fiktionen, Videomaterial, Texte, Akustikdesign und Echtdaten in sich vereint, gliedert sich in vier Abschnitte, von denen jeder in einem separaten digitalen Raum eine spezifische Thematik und ein eigenes interaktives Erlebnis bietet. Decompressed Prism offenbart das Widersinnige hinter der systemischen Logik einer allgegenwärtigen Überwachung, die von automatisierten Sicherheitsvorrichtungen übernommen wird. Durch die Erkundung verschiedener Anwendungsformen von Überwachungstechnologien in Polen, in der Slowakei, in der Schweiz und in Italien hinterfragt der Künstler die Art und Weise, in der diese Instrumente unsere Beziehung zur Welt und zu uns selbst als Individuen prägen. Eigentlich interessiert sich Salvatore Vitale für den Körper, der sich zwischen Digitalisierung und Realität bewegt, sowie für dessen Verwandlung in ein Produkt, das von der Technologie kontrolliert wird. Auf der Grundlage zeitgenössischer Texte aus der Philosophie und aus der Soziologie ersinnt der Künstler eine andere Realität, die den Besucher einlädt, die Möglichkeit von Gegennarrativen auszuloten. Dieses Werk zeigt ebenfalls die beunruhigende Normalisierung der Gefahrenabwehr und rhizomatischen Überwachung, deren Auswirkung auf das menschliche Verhalten eher einen Anlass zur Besorgnis darstellen sollte.

Salvatore Vitale wurde 1986 in Palermo, Italien, geboren und lebt und arbeitet in Zürich. Seit einigen Jahren befasst er sich mit der Entstehung der modernen Gesellschaften und mit ihrer Komplexität. Die Arbeit des Künstlers, der als Bildhauer, Herausgeber und Pädagoge zugleich tätig ist, umfasst zahlreiche Ausdrucksformen, die von der Fotografie über den Film und das kreative Schreiben bis zur Entwicklung von Ausstellungen reichen. Vitale wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet und ist außerdem im Rahmen des Programms Transmedia Storytelling Dozent an der Hochschule Luzern sowie Mitbegründer der internationalen Zeitschrift YET Magazine. Seine Werke werden regelmäßig in der Schweiz und im Ausland ausgestellt, insbesondere in den Niederlanden, in Deutschland, in Slowenien und in Japan.

Plateforme digitale innovante, l’ORBIT_E est une extension virtuelle du MBAL. Laboratoire de création numérique, expérimental et transdisciplinaire, cet espace vient prolonger et compléter la programmation artistique accueillie dans les espaces physiques du musée.

L’ORBIT_E permet au MBAL de poursuivre son soutien direct aux artistes par la production et la diffusion d’oeuvres performatives, tout en ouvrant un lieu d’inspiration et de découverte. Il s’agit d’une occasion unique de valoriser la pratique performative, de montrer sa diversité, sa qualité et contribuer ainsi à sa reconnaissance institutionnelle. En s’inscrivant dans des conditions de réception nouvelles (spatialité, distance etc.), l’ORBIT_E permet d’expérimenter la pratique artistique dans un lieu virtuel tout en s’adressant à un public du monde entier.

«Decompressed Prism» constitue une nouvelle étape dans la réflexion artistique que Salvatore Vitale mène sur la technologie. L’artiste poursuit la démarche expérimentale portée par cette installation, initialement conçue un espace physique, le Palazzo Santa Margherita à Milan, en investissant l'Orbit_e, l’espace d’exposition digital que le MBAL lance en 2022. Il réalise ici une création inédite et interactive faisant écho à l’installation initiale. Dans l’espace numérique, «Decompressed Prism» prend la forme d’un récit non linéaire situé à la croisée entre la philosophie et la technologie, dans lequel l’artiste s’attache à fragmenter puis à rassembler la trame initiale en plusieurs chapitres. Pensée comme une expérience pour le visiteur, l’oeuvre se développe dans un espace ludique et aborde des sujets de ré-flexion chers à l’artiste, tels que la conscientisation, l’empathie, le réalisme social, l’espace et le corps. Divisée en quatre parties proposant chacune, dans un espace numérique distinct, une thématique spécifique et une expérience interactive propre, l’oeuvre de Salvatore Vitale allie éléments fictionnels et documentaires, archives vidéos, texte, designs sonores ainsi que données réelles.

«Decompressed Prism» révèle les paradoxes derrière la logique systémique d’une surveillance omniprésente, assurée par des outils de sécurités automatisés. Explorant différentes utilisa-tions des technologies de contrôle en Pologne, en Slovaquie, en Suisse et en Italie, l’artiste interroge la manière dont ces dernières façonnent notre rapport au monde et à nous-mêmes en tant qu’individu. En effet, Salvatore Vitale questionne la notion de corps évoluant entre digitalisation et réalité ainsi que la transformation de ce dernier en un produit contrôlé par la technologie. S’appuyant sur des textes contemporains de philosophie et de sociologie, l’artiste imagine une réalité différente dans laquelle le visiteur est invité à interroger la pos-sibilité de contre-récits. Cette oeuvre démontre également l’inquiétante normalisation de la sécurité et de la surveillance rhizomatique, dont l’impact sur le comportement humain de-vrait plutôt susciter un sentiment de préoccupation.

Né à Palerme en Italie, Salvatore Vitale (1986) vit et travaille à Zurich. Depuis plusieurs an-nées, il s’intéresse au développement et à la complexité des sociétés modernes. A la fois plasticien, éditeur et enseignant, son travail intègre de multiples formes d’expression: de la photographie à la vidéo, à l’écriture et la conception d’expositions. Ayant remporté de nom-breux prix, Vitale est aussi maître de conférence à la Haute école spécialisée de Lucerne au sein du programme Transmedia Storytelling, ainsi que co-fondateur du magazine international YET. Ses oeuvres sont régulièrement exposées en Suisse et à l’étranger, notamment en Hollande, en Allemagne, en Slovénie et au Japon.

L'innovativa piattaforma digitale ORBIT_E rappresenta un'estensione virtuale del MBAL. Come laboratorio sperimentale interdisciplinare di arte digitale, questo spazio virtuale è stato progettato per estendere e integrare la programmazione negli spazi analogici del museo. Con l'aiuto di ORBIT_E, il MBAL può continuare a sostenere direttamente gli artisti attraverso la produzione e la distribuzione di opere performative, creando al contempo un luogo di ispirazione e di scoperta. Si tratta di un'occasione unica per mettere in mostra l'approccio performativo, dimostrarne la versatilità e la forza e contribuire così al suo riconoscimento istituzionale. Attraverso nuove condizioni di ricezione (spazialità, distanza, ecc.), ORBIT_E offre la possibilità di sperimentare la creazione artistica in un luogo virtuale rivolgendosi a un pubblico mondiale.

L'opera "Prisma decompresso" rappresenta una nuova tappa nell'esplorazione artistica della tecnologia a cui Salvatore Vitale si dedica. L'approccio sperimentale di questa installazione, originariamente pensata per uno spazio analogico, ovvero Palazzo Santa Margherita a Milano, viene ulteriormente perseguito dall'artista sfruttando lo spazio espositivo digitale Orbit_e, lanciato da MBAL nel 2022. Qui sviluppa un'opera inedita e interattiva che rispecchia l'installazione originale.

Nello spazio digitale, Decompressed Prism assume la forma di una narrazione non lineare all'incrocio tra filosofia e tecnologia, la cui struttura originale viene smontata dall'artista e poi riassemblata in diversi capitoli. È concepita come un'esperienza per il visitatore, che si svolge in modo divertente e affronta temi che stanno particolarmente a cuore all'artista, come la presa di coscienza, l'empatia, il realismo sociale, lo spazio e il corpo. Combinando fatti e finzione, filmati, testi, design acustico e dati reali, l'opera di Salvatore Vitale è suddivisa in quattro sezioni, ognuna delle quali offre un tema specifico e un'esperienza interattiva in uno spazio digitale separato. Decompressed Prism rivela l'assurdità della logica sistemica della sorveglianza onnipresente dirottata da dispositivi di sicurezza automatizzati. Esplorando le diverse applicazioni delle tecnologie di sorveglianza in Polonia, Slovacchia, Svizzera e Italia, l'artista si interroga sui modi in cui questi strumenti modellano il nostro rapporto con il mondo e con noi stessi come individui. Salvatore Vitale è in realtà interessato al corpo che si muove tra digitalizzazione e realtà, e alla sua trasformazione in un prodotto controllato dalla tecnologia. Sulla base di testi contemporanei di filosofia e sociologia, l'artista inventa un'altra realtà che invita il visitatore a esplorare la possibilità di contro-narrazioni. Questo lavoro mostra anche l'inquietante normalizzazione della prevenzione delle minacce e della sorveglianza rizomatica, il cui impatto sul comportamento umano dovrebbe piuttosto essere motivo di preoccupazione.

Salvatore Vitale è nato nel 1986 a Palermo e vive e lavora a Zurigo. Da diversi anni si occupa dell'emergere delle società moderne e della loro complessità. Lavorando contemporaneamente come scultore, editore ed educatore, il lavoro di Vitale comprende numerose forme di espressione, che vanno dalla fotografia al cinema, dalla scrittura creativa allo sviluppo di mostre. Vitale è stato insignito di numerosi premi ed è anche docente presso l'Università di Scienze Applicate e Arti di Lucerna nell'ambito del programma Transmedia Storytelling, nonché cofondatore della rivista internazionale YET Magazine. Le sue opere sono regolarmente esposte in Svizzera e all'estero, in particolare nei Paesi Bassi, in Germania, in Slovenia e in Giappone.

ORBIT_E is an innovative digital platform and a virtual extension of the MBAL. This experimental and transdisciplinary laboratory for digital creation extends and completes the artistic programme hosted in the physical spaces of the museum.

ORBIT_E allows the MBAL to continue its direct support to artists through the production and dissemination of performative works, while opening a place of inspiration and discovery. It is a unique opportunity to enhance performative practice, to show its diversity, its quality, and thus to contribute to its institutional recognition. By creating new reception conditions (spatiality, distance, etc.), ORBIT_E allows the artistic practice to be experienced in a virtual place while addressing an audience from all over the world. Decompressed Prism is a new step in Salvatore Vitale's artistic reflection on technology. The artist continues the experimental approach of this installation, initially conceived in a physical space, the Palazzo Santa Margherita in Milan, by investing Orbit_e, the digital exhibition space that the MBAL launched in 2022. Here he created an original and interactive work that echoes the initial installation.

In the digital space, "Decompressed Prism" takes the form of a non-linear narrative situated at the crossroads of philosophy and technology, in which the artist endeavours to fragment and then reassemble the initial storyline into several chapters. Conceived as an experience for the visitor, the work evolves in a playful space and touches on subjects of reflection important to the artist, such as conscientization, empathy, social realism, space and body. Divided into four parts, each offering in a distinct digital space, a specific theme and an interactive experience of its own, Salvatore Vitale's work combines fictional and documentary elements, video archives, text, sound designs and real data.

"Decompressed Prism" reveals the paradoxes behind the systemic logic of ubiquitous surveillance through automated security tools. Exploring different uses of control technologies in Poland, Slovakia, Switzerland and Italy, the artist questions how these technologies shape our relationship to the world and to ourselves as human beings. Indeed, Salvatore Vitale explores the notion of the body evolving between digitalisation and reality, and the transformation of the latter into a product controlled by technology. Drawing on contemporary philosophical and sociological texts, the artist imagines a different reality in which the visitor is invited to question the possibility of counter-narratives. The work also demonstrates the disturbing normalisation of security and rhizomatic surveillance, which should rather give rise to a sense of concern about its impact on human behaviour.

Born in Palermo, Italy, Salvatore Vitale (1986) lives and works in Zurich. For several years, he has been interested in the development and complexity of modern societies. As a visual artist, editor and teacher, his work includes multiple forms of expression : from photography to video, to writing and exhibition design. He is an award-winning artist, lecturer in the Transmedia Storytelling programme at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts, and co-founder of the international magazine YET. His work is regularly exhibited in Switzerland and abroad, including Holland, Germany, Slovenia and Japan.

(Text: Nathalie Herschdorfer, Lausanne)

Vontobel | Zürich
21. Mai – 1. Juli 2022

Dongkyun Vak: «Heatwave» – A New Gaze 3: Art Vontobel Contemporary Photography Prize

Der südkoreanische Künstler Dongkyun Vak (*1992) wurde als dritter Künstler mit dem internationalen Art Vontobel Förderpreis ausgezeichnet und wird im Mai mit einer Einzelausstellung – seiner ersten in Europa – in den Räumlichkeiten des Schweizer Investmenthauses in Zürich geehrt. Der Art Vontobel Förderpreis für junge zeitgenössische Fotografie ist mit CHF 20'000 dotiert und gilt als Sprungbrett für aufstrebende Talente. Wallpaper*, eines der global führenden Magazine für Architektur, Design und Kunst, das alljährlich junge, aufstrebende Kreative aus aller Welt vorstellt, kürte Dongkyun Vak vor kurzem zu einem der «22 Rising Stars of 2022».

Dongkyun Vak beleuchtet in seiner Arbeit das Spannungsfeld zwischen Natur und Kultur, Mensch und Technologie im Anthropozän und fragt sich dabei, wer oder was in welcher Form für die lebensstiftenden Ökosysteme unseres Planeten verantwortlich ist. Der junge Künstler geht dabei von der Annahme aus, dass der Mensch nicht mehr nur ein kleiner Teil einer grossen Natur, sondern der wichtigste Einflussfaktor auf die biologischen, geologischen und atmosphärischen Prozesse der Erde geworden ist. Die daraus resultierenden Problematiken sind bekannt: Erderwärmung, Klimaungleichgewicht, Verlust von Lebensräumen und Biodiversität. Vak begnügt sich nun nicht damit, die Zerstörungen der Erde fotografisch festzuhalten. Stattdessen baut er sein Studio in einen visuellen Denkraum um. Er wendet sich ab vom einzelnen Ereignis und rückt die Bedeutung der Technologie für den historischen Wendepunkt ins Zentrum seiner Arbeit. So entstehen stark stilisierte Objektwelten, die sowohl das Verführerische wie auch das Befremdliche der von neuen Technologien geprägten Umwelt widerspiegeln. Vak erkundet in seiner Ausstellung eine Geschichte, in der sich die Technologie langsam zu einem eigenen Organismus, zu einem eigenen Wesen entwickelt und positioniert so die Frage nach der Verantwortung neu.

Das Thema «Verantwortlichkeit im Zeichen des Anthropozän» stand im Zentrum der Ausschreibung für «A New Gaze 3: Art Vontobel Contemporary Photography Prize». Junge Fotograf:innen aus Südostasien wurden eingeladen, einen Projektvorschlag zum Thema einzureichen. Aus den von Fachleuten nominierten Kandidat:innen setzte sich bei der Jury die Arbeit des jungen Südkoreaners Dongkyun Vak durch – wegen seiner eigenwilligen Interpretation des Themas und aufgrund seiner fotografischen Qualität. Der Vontobel Förderpreis wird alle zwei Jahre verliehen und konzentriert sich bei jeder Ausgabe auf eine andere Region und ein neues Thema. Aufgrund Covid-bedingter Verschiebungen findet die Ausstellung nun ein Jahr später als geplant statt.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Texten (D/E) von Urs Stahel, Georgina Casparis und Buhm Soon Park.

L’artiste sud-coréen Dongkyun Vak (*1992) est le troisième artiste à recevoir le prix international de la photo Vontobel. En mai, une exposition personnelle – sa première en Europe – mettra son travail à l’honneur dans les locaux zurichois de la société d’investissement suisse. Doté de 20 000 francs suisses, le prix Vontobel pour la jeune photographie contemporaine est un tremplin pour les talents prometteurs. Dongkyun Vak fait partie de la liste annuelle des 22 jeunes talents à surveiller dans le monde, établie par Wallpaper*, l’un des magazines d’architecture, art et design les plus en vue.

Dans son travail, Dongkyun Vak met en lumière les tensions entre nature et culture, entre l’humain et la technologie dans l’anthropocène tout en se demandant qui est responsable des écosystèmes vitaux de notre planète. Ce jeune artiste part de l’hypothèse que l’humain n’est plus seulement une petite partie d’une vaste nature, mais qu’il est devenu le principal déterminant des processus biologiques, géologiques et atmosphériques sur terre. Les problèmes qui en résultent sont bien connus: réchauffement et dérèglement climatiques, perte d’habitats et de biodiversité. Vak ne se contente pas de capter des images de la destruction de notre planète: il transforme son studio en un espace de réflexion visuelle. Par delà les événements isolés, il s’intéresse à l’importance de la technologie dans le tournant historique actuel. Il crée ainsi des univers stylisés, qui reflètent à la fois le côté séduisant et les aspects angoissants de notre environnement, façonné par les nouvelles technologies. Dans son exposition, Vak montre comment la technologie devient un acteur à part entière, soulevant la question de la responsabilité.

Le thème «La responsabilité à l’ère de l’anthropocène» était le thème du concours «A New Gaze 3: Art Vontobel Contemporary Photography Prize». De jeunes photographes d’Asie du Sud-Est ont été invités à soumettre un projet sur ce thème. Parmi les candidats présélectionnés par un jury d’experts, le jeune sud-coréen Dongkyun Vak s’est distingué par son interprétation originale du sujet et la qualité de sa photographie. Décerné tous les deux ans, le prix de la photo Vontobel porte chaque fois sur une région et un thème différent. En raison de la pandémie de coronavirus, cette exposition a lieu avec un an de retard.

Elle est accompagnée d’un catalogue (allemand/anglais) comportant des contributions d’Urs Stahel, Georgina Casparis et Buhm Soon Park.

L’artista sudcoreano Dongkyun Vak (*1992), il terzo artista a vincere il premio internazionale per la fotografia Vontobel, sarà celebrato a maggio con una mostra personale – la sua prima in Europa – allestita nei locali della società di investimento svizzera di Zurigo. La borsa di studio Vontobel di CHF 20 000 è stata istituita per promuovere la giovane fotografia contemporanea ed è considerata un trampolino di lancio per giovani talenti. Dongkyun Vak è stato selezionato da Wallpaper*, la rivista di architettura, design e arte più importante al mondo, per la serie annuale che presenta 22 giovani talenti di tutto il mondo da tenere d’occhio.

Nel suo lavoro Dongkyun Vak esamina il conflitto tra natura e cultura, uomo e tecnologia nell’antropocene, interrogandosi su chi o cosa, e in quale forma, sia responsabile degli ecosistemi essenziali per la vita del nostro pianeta. Il giovane artista parte dal presupposto che l’uomo non sia più solo una piccola parte della grande natura, ma che sia diventato il principale fattore che influenza i processi biologici, geologici e atmosferici della Terra. Le problematiche che ne derivano sono ormai note: riscaldamento globale, squilibri climatici, perdita di habitat e biodiversità. Vak non si accontenta di catturare le immagini della distruzione della Terra. Piuttosto trasforma il proprio studio in uno spazio di riflessione virtuale. Allontanandosi dal singolo evento, egli mette al centro del proprio lavoro l’importanza della tecnologia per la svolta storica. Nascono così mondi di oggetti stilizzati, che riflettono l’aspetto sia seducente che sconcertante dell’ambiente influenzato dalle nuove tecnologie. Nella sua mostra, Vak esplora una storia in cui la tecnologia diventa poco a poco un organismo a sé, un’entità a se stante, e riposiziona in tal modo la domanda riguardo alla responsabilità.        

La «Responsabilità nell’era dell’antropocene» era il tema su cui era incentrato il concorso di «A New Gaze 3: Art Vontobel Contemporary Photography Prize». Giovani fotografe e fotografi dell’Asia sud-orientale sono stati invitati a presentare una proposta di progetto sul tema. Tra le candidate e i candidati nominati da esperti si è imposto il lavoro del giovane sudcoreano Dongkyun Vak – per la sua interpretazione originale del tema e la sua qualità fotografica. Il premio per giovani talenti Vontobel viene conferito ogni due anni e a ogni edizione si concentra su una diversa regione e un nuovo tema. A causa dei rinvii dovuti al Covid, l’evento ora si svolge un anno dopo la data originariamente prevista.   

Per la mostra viene pubblicato un catalogo con testi (D/E) di Urs Stahel, Georgina Casparis e Buhm Soon Park.

South Korean artist Dongkyun Vak (*1992) is the third artist to be awarded the international Art Vontobel photography sponsorship prize A New Gaze and will be honored with a solo exhibition—his first in Europe—at the Swiss investment firm's premises in Zurich in May. Dedicated to emerging contemporary photography, A New Gaze is endowed with CHF 20,000 and regarded as a springboard for young talent. Dongkyun Vak was named one of the 22 Rising Stars for 2022 by Wallpaper*, one of the world's leading magazines for architecture, design, and art, in its annual series on noteworthy emerging creatives from around the world.

In his work, Dongkyun Vak explores the tension between nature and culture, man, and technology in the Anthropocene, asking himself who or what is responsible for the life-giving ecosystems of our planet and in what form. The young artist starts from the assumption that man is no longer just a small part of a bigger natural world but has become the most important factor influencing the biological, geological, and atmospheric processes of the earth. The resulting problems are well known: global warming, climate imbalance, and loss of habitats and biodiversity. Vak’s aim however, is not to simply photograph and docu-ment the destruction of our planet. Instead, he turns inwards, building something akin to a mind space in his studio, turning away from the event and instead investigates the structure of the situation. In doing so, the artist places the significance of technology for this historical turning point at the centre of his work. This results in a highly stylized world of objects that reflects both the seductiveness and disconcerting nature of the environment shaped by new technologies. Vak's exhibition explores a history in which technology slowly evolves into its own organism, its own being, thus repositioning the question of responsibility.

The theme of "Responsibility in the Anthropocene age" was central to the call for entries for A New Gaze 3: Art Vontobel Contemporary Photography Prize. Young photographers from Southeast Asia were invited to submit a project proposal on the theme. Out of the numerous candidates nominated by experts, the young South Korean Dongkyun Vak impressed the jury with both his investigative approach and the high quality of his contemplative visual language. The Art Vontobel sponsorship prize is awarded every two years, with each edition focusing on a different region and a new theme. Due to COVID-related restrictions, the exhibition is now taking place one year later than planned.

The exhibition will be accompanied by a catalog with contributions (D/E) by Urs Stahel, Georgina Casparis, and Buhm Soon Park.

(Text: Vontobel, Zürich)

Fondazione Rolla | Bruzella
21. Mai – 30. Oktober 2022

where I came from
Philip Rolla

Öffnungszeiten
jeden zweiten Sonntag im Monat von 14.00 bis 18.00 Uhr und nach Vereinbarung

Where I came from ist die 20. Ausstellung, die von der Fondazione Rolla organisiert wird.

Eine besondere Ausstellung, die aus einer langen Reflexion über sich selbst und seine Vergangenheit entstanden ist, die Philip Rolla selbst durchgeführt hat. Diese Jahre, die von Krankheit und Gefängnis geprägt waren, veranlassten Philip dazu, die in Schubladen verschlossenen Papiere durchzusehen, die jeder im Laufe seines Lebens anhäuft. Neben vielen Erinnerungen und Überraschungen fand Rolla auch Negative, die bis ins Jahr 1972 zurückreichen. Aufnahmen von seinem Kalifornien, von den Orten, an denen er seine Kindheit verbrachte und mit denen so viele Erinnerungen verbunden sind. Orte, die sich 1972 bereits verändert hatten, meist durch Zeit und Vernachlässigung abgenutzt, die aber für ihn eine unvergängliche Seele enthalten, die er verewigen und in Erinnerung behalten möchte.

Philip Rolla zeigt diesmal nicht einen Teil seiner eigenen Sammlung, sondern einen Teil seines eigenen Lebens.

Im Katalog und in der Ausstellung ist eine Auswahl von 24 Fotografien aus der Serie Where I Came From, 1972, direkte Silbersalzabzüge auf Barytpapier im Format 12,6 x 19,2 cm, aus dem Jahr 2022 zu sehen.

Eine von Maria Grazia Rabiolo verfasste Biografie über Philip Rolla wird im Herbst vorgestellt.

D'où je viens est la 20e exposition organisée par la Fondazione Rolla.

Une exposition spéciale née d'une longue réflexion sur lui-même et son passé, réalisée par Philip Rolla lui-même. Ces années, marquées par la maladie et l'emprisonnement, ont conduit Philip à fouiller dans ces papiers enfermés dans des tiroirs que chacun accumule au cours de sa vie. Parmi de nombreux souvenirs et surprises, Rolla a trouvé des négatifs datant de 1972. Des clichés de sa Californie, des lieux où il a passé son enfance et auxquels sont liés tant de souvenirs. Des lieux qui ont déjà changé en 1972, pour la plupart usés par le temps et la négligence, mais qui contiennent, pour lui, une âme impérissable qu'il veut immortaliser et dont il veut se souvenir.

Philip Rolla ne montre pas cette fois-ci une partie de sa propre collection, mais une partie de sa propre vie.

Le catalogue et l'exposition présentent une sélection de 24 photographies de la série Where I Came From, 1972, tirages directs aux sels d'argent sur papier baryté au format 12,6 x 19,2 cm, prises en 2022.

Une biographie de Philip Rolla écrite par Maria Grazia Rabiolo sera présentée à l'automne.

where I came from è la ventesima mostra organizzata dalla Fondazione Rolla.

Una mostra particolare nata da una lunga riflessione su se stesso e sul suo passato fatta proprio da Philip Rolla. Questi anni, segnati dalla malattia e dalla reclusione, hanno portato Philip a passare in rassegna quelle carte chiuse nei cassetti che tutti accumulano durante la loro vita. Tra tanti ricordi e sorprese Rolla ha trovato dei negativi risalenti al 1972. Scatti della sua California, dei luoghi dove ha trascorso l’infanzia e a cui sono legati tanti ricordi. Luoghi che già nel 1972 erano mutati, per lo più logorati dal tempo e dall’incuria, ma che racchiudono, per lui, un’anima imperitura che vuole immortalare e ricordare.

Philip Rolla questa volta non mostra una parte della propria collezione, ma una parte della propria vita.

In catalogo e in mostra una selezione di 24 fotografie dalla serie where I came from, 1972, stampe dirette ai sali d’argento su carta baritata nel formato 12.6 x 19.2 cm, eseguite nel 2022.

In autunno sarà presentata la biografia di Philip Rolla scritta da Maria Grazia Rabiolo.

where I came from is the twentieth exhibition held in the ex-kindergarten of Bruzella, home of the Rolla Foundation.

A particular exhibition born from a long reflection by Philip Rolla, on himself and his past. These years, marked by illness and confinement, have led Philip to review those papers kept in drawers, which we all accumulate during our lives. Among many memories and surprises, Rolla found some negatives dating back to 1972, shots of his California, of the places where he spent his childhood and to which many memories are linked. Places that already in 1972 had changed, mostly worn out by time and neglect but that contained, for him, an imperishable soul that he wanted to immortalize and remember...

This time Philip Rolla does not show a part of his collection, but a part of his life.

In the catalog and in the exhibition a selection of 24 photographs from the series where I came from, 1972, gelatin silver prints on baryta paper in the format 12.6 x 19.2 cm, printed in 2022.

In autumn we will present the biography of Philip Rolla written by Maria Grazia Rabiolo.

                (Text: Fondazione Rolla, Bruzella)

Deichtorhallen - Sammlung Falckenberg | Hamburg
21. Mai - 28. August 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Charlotte March

Die groß angelegte Werkschau Charlotte Marchs (1929–2005) in der Sammlung Falckenberg legt den Fokus auf die bisher wenig bekannten Arbeiten der für Ihre Mode- und Werbeaufnahmen bekannten Hamburger Fotografin. Der knapp 7000 Werke umfassenden Nachlass ist seit 2006 Bestandteil der Sammlung Falckenberg. Er bildet die Grundlage für die Neuentdeckung der Fotografin, die für Magazine wie Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazaar und Twen gearbeitet hat. Das 1977 im Selbstverlag veröffentlichte Buch „Mann, oh Mann – Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes“ wurde breit diskutierte, zeigte es doch erstmalig explizit eine weibliche Sicht auf den männlichen Körper.

Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt durch alle Schaffensphasen der Künstlerin, von ihren frühen Fotografien im Hamburg der 1950er Jahre, ihren Reisen nach Italien in den 1960ern, bis hin zu ihren späteren internationalen Mode- und Werbefotografien. Ein besonderer Fokus liegt dabei auf Marchs Tätigkeit in und ihrem Bezug zur Stadt Hamburg, in der sie Zeit ihres Lebens wohnte.

Schon in den 1950er Jahren zeigt uns ihr hochsensibler Blick auf das Nachkriegs Hamburg die verschiedenen Facetten der Stadt und des Menschseins. Ihr Interesse an den Menschen und wie sie ihren Lebensunterhalt bestreiten, ihr Blick auf die Ränder der Gesellschaft und der Stadt führt sie auch an marginalisierte, gänzlich unglamoröse Orte. Ihr Blick hinter die Kulissen der Stadt zeigt uns die Lebensumstände von Bonbon-Machern, Schmieden und Kassiererinnen wie auch das Leben auf der Reeperbahn. 

Gerade ihr frühes Werk bildet ein wichtigen, bisher wenig beachteten Beitrag zum kulturellen Gedächtnis der Stadt Hamburg und darüber hinaus. Die Ausstellung in der Sammlung Falckenberg wird in enger Zusammenarbeit mit Manju Sawhney realisiert, Fotografin und langjährigen Assistentin Marchs und Archivarin des Bestands.

Kuratiert von Goesta Diercks und Dirk Luckow in Kooperation mit Manju Sawhney.

L'exposition à grande échelle de l'œuvre de Charlotte March (1929-2005) dans la collection Falckenberg met l'accent sur les travaux peu connus de la photographe hambourgeoise connue pour ses photos de mode et de publicité. Le fonds de près de 7000 œuvres fait partie de la collection Falckenberg depuis 2006. Il constitue la base de la redécouverte de la photographe, qui a travaillé pour des magazines tels que Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper's Bazaar et Twen. Le livre "Mann, oh Mann - Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes" (Homme, oh homme - Une proposition pour l'émancipation de l'homme séduisant), publié à compte d'auteur en 1977, a été largement discuté, car il montrait pour la première fois explicitement un point de vue féminin sur le corps masculin.

L'exposition présente une coupe transversale de toutes les phases de création de l'artiste, de ses premières photographies à Hambourg dans les années 1950, de ses voyages en Italie dans les années 1960, jusqu'à ses photographies internationales de mode et de publicité plus tardives. L'accent est mis en particulier sur l'activité de March à Hambourg et sur son rapport à la ville où elle a vécu toute sa vie.

Dès les années 1950, son regard très sensible sur le Hambourg de l'après-guerre nous montre les différentes facettes de la ville et de l'humanité. Son intérêt pour les gens et la manière dont ils gagnent leur vie, son regard sur les marges de la société et de la ville la conduisent également dans des lieux marginalisés et totalement nonlamoraux. Son regard sur les coulisses de la ville nous montre les conditions de vie des fabricants de bonbons, des forgerons et des caissières, ainsi que la vie sur la Reeperbahn. 

Son œuvre de jeunesse est une contribution importante à la mémoire culturelle de la ville de Hambourg et au-delà, qui n'a pas été très remarquée jusqu'à présent. L'exposition de la Collection Falckenberg est réalisée en étroite collaboration avec Manju Sawhney, photographe, assistante de longue date de March et archiviste du fonds.

Organisée par Goesta Diercks et Dirk Luckow en coopération avec Manju Sawhney.

La grande mostra delle opere di Charlotte March (1929-2005) nella Collezione Falckenberg si concentra sulle opere finora poco conosciute della fotografa di Amburgo nota per le sue fotografie di moda e pubblicitarie. Il patrimonio di quasi 7000 opere fa parte della Collezione Falckenberg dal 2006. È la base per la riscoperta del fotografo, che ha lavorato per riviste come Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper's Bazaar e Twen. Il libro autopubblicato "Mann, oh Mann - Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes" (Uomo, oh uomo - Una proposta per l'emancipazione dell'uomo attraente), pubblicato nel 1977, fu ampiamente discusso, poiché mostrava esplicitamente per la prima volta una visione femminile del corpo maschile.

La mostra mostra uno spaccato di tutte le fasi creative dell'artista, dalle sue prime fotografie ad Amburgo negli anni '50, ai suoi viaggi in Italia negli anni '60, alle sue successive fotografie internazionali di moda e pubblicità. Un'attenzione particolare è dedicata alle attività di March e al suo rapporto con la città di Amburgo, dove ha vissuto per tutta la vita.

Già negli anni '50, la sua visione molto sensibile della Amburgo del dopoguerra ci mostra le diverse sfaccettature della città e dell'essere umano. Il suo interesse per le persone e per come si guadagnano da vivere, la sua visione dei margini della società e della città la porta anche in luoghi emarginati e del tutto privi di fascino. Il suo sguardo dietro le quinte della città ci mostra le condizioni di vita dei produttori di caramelle, dei fabbri e dei cassieri e la vita sulla Reeperbahn. 

I suoi primi lavori in particolare costituiscono un contributo importante, finora poco notato, alla memoria culturale della città di Amburgo e oltre. La mostra nella Collezione Falckenberg è stata realizzata in stretta collaborazione con Manju Sawhney, fotografa e assistente di March per molti anni e archivista della collezione.

A cura di Goesta Diercks e Dirk Luckow in collaborazione con Manju Sawhney.

The major retrospective on Charlotte March (1929–2005) at the Falckenberg Collection focuses on the previously little-known works of this photographer from Hamburg, who is known for her fashion and advertising photos. Her estate, comprising nearly seven thousand works, has been part of the Falckenberg Collection since 2006. It forms the basis for the rediscovery of this photographer, who worked for magazines such as Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazaar, and Twen. Her 1977 self-published book Mann, oh Mann: Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes was widely discussed, since it was the first to explicitly show a female view of the male body.

The exhibition offers an overview of all the artist’s creative periods, from her early photographs in Hamburg in the 1950s to her trips to Italy in the 1960s and her later international fashion and advertising photographs. It focuses in particular on March’s work in and relationship to the city of Hamburg, where she lived throughout her life.

Starting in the 1950s, her highly sensitive view of postwar Hamburg shows the various facets of the city and of human life. Her interest in people and how they make a living, as well as her perspective on the fringes of society and the city, also led her to marginalized, utterly unglamorous places. This behind-the-scenes glimpse of the city shows what life was like for candymakers, blacksmiths, and cashiers, as well as in the Reeperbahn, Hamburg’s red-light district.

March’s early work in particular made an important, previously little-known contribution to the cultural memory of the city of Hamburg and beyond. The exhibition in the Falckenberg Collection is being realized in close collaboration with Manju Sawhney, a photographer and March’s longtime assistant, as well as archivist of her estate.

Curated by Goesta Diercks and Dirk Luckow in cooperation with Manju Sawhney.

(Text: Triennale Hamburg)

Kunstmuseum Thun
21. Mai - 14. August 2022

Haze
Lorna Simpson

Die US-amerikanische Künstlerin Lorna Simpson (*1960) wurde in den 1980er Jahren durch ihre konzeptuelle Fotografie aus Texten und Bildern bekannt. In ihren Fotografien, Filmen, Gemälden und Collagen stellt sie Fragen zu Erinnerung, Identität, Ethnie, Geschichte, Gender und Fiktion. Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt ihres multivalenten Werkes, darunter auch neuere Arbeiten wie die monumentalen Gemälde von Eis – ein Motiv, dass sich ebenso in ihren Skulpturen widerspiegelt und die Betrachtenden in die Dichotomien von Figuration und Abstraktion eintauchen lässt.

L'artiste américaine Lorna Simpson (*1960) s'est fait connaître dans les années 1980 par sa photographie conceptuelle composée de textes et d'images. Dans ses photographies, films, peintures et collages, elle pose des questions sur la mémoire, l'identité, l'ethnie, l'histoire, le genre et la fiction. L'exposition présente un échantillon de son œuvre multivalent, dont des travaux récents comme les peintures monumentales de glace - un motif qui se reflète également dans ses sculptures et qui plonge les spectateurs dans les dichotomies de la figuration et de l'abstraction.

L'artista statunitense Lorna Simpson (*1960) si è fatta conoscere negli anni '80 per la sua fotografia concettuale di testi e immagini. Nelle sue fotografie, nei suoi film, nei suoi dipinti e nei suoi collage, pone domande sulla memoria, l'identità, l'etnia, la storia, il genere e la finzione. La mostra presenta uno spaccato della sua poliedrica opera, compresi lavori recenti come i monumentali dipinti di ghiaccio - un motivo che si riflette anche nelle sue sculture e che immerge lo spettatore nelle dicotomie tra figurazione e astrazione.

The U.S. artist Lorna Simpson (*1960) became known in the 1980s for her conceptual photography of texts and images. In her photographs, films, paintings, and collages, she poses questions about memory, identity, ethnicity, history, gender, and fiction. The exhibition presents a cross-section of her multivalent oeuvre, including recent works such as the monumental paintings of ice - a motif that is also reflected in her sculptures, immersing viewers in the dichotomies of figuration and abstraction.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Patrick Lambertz Photography Gallery | Lachen
20. Mai – 20. August 2022

Blaue Schatten
Joni Hedinger

Schatten müssen nicht immer schwarz sein. Wäre doch das Leben ohne den Kontrast von Licht und Schatten ganz schön langweilig. Wolken, die Schatten in den unterschiedlichsten Blautönen auf den weissen Schnee zaubern, goldiges Licht, welches auf das kalte Gletschereis trifft oder Dunst, der die Berge sanft ausklingen lässt.

Joni Hedinger ist professioneller Fotograf und Filmemacher, der mit seiner Frau in Rapperswil in der Schweiz lebt. Der gelernte Schreiner kaufte sich mit 23 Jahren seine erste Kamera und entdeckte seine Leidenschaft für die Fotografie unter anderem durch Instagram. 2018 beschloss er, seine Leidenschaft zum Beruf zu machen und ist seither als selbstständiger Fotograf tätig. Künstlerisch hat Joni sich der Portraitierung ergreifender Berglandschaften verschrieben. Bei seinen alpinen Abenteuern ist die Kamera sein steter Begleiter. Dadurch schafft er es Landschaften so einzufangen, als sei der Betrachter im Augenblick der Aufnahme selbst dabei gewesen.

Als Mitglied des Schweizer Fotografenkollektivs «The Alpinists», das auf Instagram mittlerweile über 1.2 Mio. Follower mit spektakulären Bergbildern begeistert, hat er ein Kapitel zum fotografischen Wanderführer «Lost in the Alps» des Kollektivs beigetragen. Das Buch hat über die Schweizer Grenzen hinaus Berühmtheit erlangt und den zehn jungen Fotografen zum Durchbruch auch ausserhalb von Instagram verholfen.

Les ombres ne doivent pas toujours être noires. La vie serait bien ennuyeuse sans le contraste de l'ombre et de la lumière. Les nuages qui créent des ombres dans les tons bleus les plus divers sur la neige blanche, la lumière dorée qui frappe la glace froide des glaciers ou la brume qui laisse les montagnes s'éteindre en douceur.

Joni Hedinger est un photographe et cinéaste professionnel qui vit avec sa femme à Rapperswil, en Suisse. Menuisier de formation, il a acheté son premier appareil photo à l'âge de 23 ans et s'est découvert une passion pour la photographie, notamment grâce à Instagram. En 2018, il a décidé de faire de sa passion son métier et travaille depuis lors comme photographe indépendant. Artistiquement, Joni s'est consacré à la réalisation de portraits de paysages de montagne saisissants. L'appareil photo l'accompagne en permanence dans ses aventures alpines. Il parvient ainsi à capturer des paysages comme si l'observateur était lui-même présent au moment de la prise de vue.

En tant que membre du collectif de photographes suisses "The Alpinists", qui enthousiasme aujourd'hui plus de 1,2 million d'abonnés sur Instagram avec des photos de montagne spectaculaires, il a contribué à un chapitre du guide de randonnée photographique "Lost in the Alps" du collectif. La célébrité de ce livre a dépassé les frontières suisses et a permis aux dix jeunes photographes de percer en dehors d'Instagram.

Le ombre non devono essere sempre nere. Dopo tutto, la vita sarebbe piuttosto noiosa senza il contrasto di luce e ombra. Nuvole che evocano ombre nelle più diverse tonalità di blu sul bianco della neve, luce dorata che colpisce il freddo ghiaccio del ghiacciaio o foschia che lascia sfumare dolcemente le montagne.

Joni Hedinger è un fotografo e regista professionista che vive con sua moglie a Rapperswil, in Svizzera. Il falegname formato ha comprato la sua prima macchina fotografica all'età di 23 anni e ha scoperto la sua passione per la fotografia attraverso Instagram, tra le altre cose. Nel 2018, ha deciso di trasformare la sua passione in una professione e da allora lavora come fotografo freelance. Artisticamente, Joni si è dedicato a ritrarre struggenti paesaggi di montagna. Durante le sue avventure alpine, la macchina fotografica è la sua compagna costante. Questo gli permette di catturare i paesaggi come se lo spettatore fosse lì nel momento in cui la foto è stata scattata.

Come membro del collettivo di fotografi svizzeri "The Alpinists", che ora ispira oltre 1,2 milioni di seguaci con spettacolari immagini di montagna su Instagram, ha contribuito con un capitolo alla guida fotografica escursionistica del collettivo "Lost in the Alps". Il libro è diventato famoso oltre i confini della Svizzera e ha aiutato i dieci giovani fotografi a sfondare al di fuori di Instagram.

Shadows don't always have to be black. After all, life would be quite boring without the contrast of light and shadow. Clouds that conjure up shadows in the most diverse shades of blue on the white snow, golden light that hits the cold glacier ice or haze that lets the mountains gently fade away.

Joni Hedinger is a professional photographer and filmmaker who lives with his wife in Rapperswil, Switzerland. The trained carpenter bought his first camera at the age of 23 and discovered his passion for photography through Instagram, among other things. In 2018, he decided to turn his passion into a profession and has been working as a freelance photographer ever since. Artistically, Joni is dedicated to portraying poignant mountain landscapes. During his alpine adventures, the camera is his constant companion. This allows him to capture landscapes as if the viewer had been there at the moment the picture was taken.

As a member of the Swiss photography collective "The Alpinists," which now delights over 1.2 million followers on Instagram with spectacular mountain images, he contributed a chapter to the collective's photographic hiking guide "Lost in the Alps." The book has gained fame beyond Switzerland's borders and helped the ten young photographers achieve a breakthrough outside Instagram as well.

(Text: Patrick Lambertz Photography Gallery, Lachen)

Deichtorhallen - PHOXXI. Haus der Photographie temporär | Hamburg
20. Mai - 14. August 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Behind the Scenes

Die zweiteilige Ausstellung »Behind the Scenes« im PHOXXI, dem temporären Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg dreht sich um Prozesse von Austausch und Veränderung, mit denen die fotografische Sammlung des Hauses konfrontiert ist.

Der Fotograf, Geschäftsmann und Sammler F.C. Gundlach (1926–2021) hat das Sammeln nie ausschließlich als Wertanlage verstanden, sondern ist vor allem seiner Leidenschaft und seinem Engagement, Fotografie zu fördern, nachgegangen. Dennoch ist die private Sammlung F.C. Gundlach mit ihrem hohen kulturellen Wert eine machtvolle kulturelle „Währung“, die zur Gründung des Haus der Photographie in der südlichen Deichtorhalle 2003 führte. 

Im Fokus dieser Ausstellung steht der Umzug der Bestände der Sammlung F.C. Gundlach, der durch die umfassende, dreijährige Sanierung des Gebäudes notwendig wurde. Der in Hamburg ansässige Fotograf Christoph Irrgang begreift den Umzug der Sammlung F.C. Gundlach als künstlerische Herausforderung, die er fotografisch in ebenso sachlicher wie poetischer Auseinandersetzung begleitet. Fasziniert ihn dabei die nicht öffentliche und sehr intime Arbeitssituation in den Magazinen und Depots, bildet er anhand begrifflicher Gegensätze wie ‚hell/dunkel‘ oder ‚innen/aussen‘ sichtbare, aber auch erst sichtbar zu machende Details der Arbeit mit der Sammlung ab.

Ergänzt wird Irrgangs analytisch-fotografische Arbeit durch eine Kooperation mit der Hamburger Fotofachzeitschrift Photonews. Zeitung für Fotografie. Die Atmosphäre und das internationale Flair der Paris Photo, der seit 1997 weltweit größten fotografischen Messe mit Beteiligung internationaler Galerien, Verlage und Prominenz, wird von den Photonews Redakteur*innen Anna Gripp und Denis Brudna regelmäßig fotografisch beleuchtet. Die alljährlich im November im Grand Palais stattfindende internationale Messe mit etwa 200 beteiligten Galerien und Verlagen hat längst die Bedeutung einer machtvollen „Börse“ der Fotografie erlangt. Für den Sammler F.C. Gundlach hatte die Paris Photo im Jahreskalender größte Bedeutung – dort traf er andere Sammler, Freunde, Galeristen und Künstler, frischte seine Kontakte auf, knüpfte neue Verbindungen und – kaufte fotografische Kunst. 

Bieten Irrgangs farbige und schwarz-weiße Fotografien in detaillierten Ansichten einen Einblick in den Mikrokosmos einer privaten Sammlung, eröffnen Brudna und Gripp in Form filmischer Beiträge und einer Fülle von Fotografien der Paris Photo einen spannungsvollen und atmosphärisch dichten Blick über das vibrierende Treiben des internationalen Events unter der gläsernen Kuppel des Grand Palais.

Kuratiert von Dr. Sabine Schnakenberg (Kuratorin der Sammlung F.C. Gundlach).

L'exposition en deux parties "Behind the Scenes" au PHOXXI, la maison temporaire de la photographie des Deichtorhallen de Hambourg, s'articule autour des processus d'échange et de changement auxquels est confrontée la collection photographique de la maison.

Le photographe, homme d'affaires et collectionneur F.C. Gundlach (1926-2021) n'a jamais considéré la collection exclusivement comme un placement de valeur, mais s'est avant tout consacré à sa passion et à son engagement pour la promotion de la photographie. Néanmoins, la collection privée de F.C. Gundlach, avec sa grande valeur culturelle, est une puissante "monnaie" culturelle qui a conduit à la création de la Haus der Photographie dans le sud de la Deichtorhalle en 2003.

Cette exposition se concentre sur le déménagement des fonds de la collection F.C. Gundlach, rendu nécessaire par la rénovation complète du bâtiment, qui a duré trois ans. Le photographe Christoph Irrgang, établi à Hambourg, considère le déménagement de la collection F.C. Gundlach comme un défi artistique qu'il accompagne d'une réflexion à la fois objective et poétique. Fasciné par la situation de travail non publique et très intime dans les magasins et les dépôts, il reproduit, à l'aide d'oppositions conceptuelles telles que 'clair/obscur' ou 'intérieur/extérieur', les détails visibles, mais aussi ceux qui doivent être rendus visibles, du travail avec la collection.

Le travail analytique et photographique d'Irrgang est complété par une coopération avec la revue photographique spécialisée de Hambourg Photonews. Journal de la photographie. L'atmosphère et l'ambiance internationale de Paris Photo, la plus grande foire photographique du monde depuis 1997 avec la participation de galeries internationales, de maisons d'édition et de célébrités, sont régulièrement mises en lumière par la photographie des rédacteurs* de Photonews, Anna Gripp et Denis Brudna. La foire internationale qui se tient chaque année en novembre au Grand Palais et à laquelle participent environ 200 galeries et éditeurs a depuis longtemps acquis l'importance d'une puissante "bourse" de la photographie. Pour le collectionneur F.C. Gundlach, Paris Photo revêtait une importance capitale dans le calendrier annuel - il y rencontrait d'autres collectionneurs, amis, galeristes et artistes, rafraîchissait ses contacts, nouait de nouvelles relations et - achetait de l'art photographique.

Si les photographies en couleur et en noir et blanc d'Irrgang offrent un aperçu détaillé du microcosme d'une collection privée, Brudna et Gripp proposent, sous forme de films et d'une multitude de photographies de Paris Photo, une vue captivante et à l'atmosphère dense sur l'agitation vibrante de l'événement international sous la coupole de verre du Grand Palais.

Sabine Schnakenberg (conservatrice de la collection F.C. Gundlach).

La mostra in due parti "Dietro le quinte" a PHOXXI, la casa temporanea della fotografia al Deichtorhallen di Amburgo, ruota intorno ai processi di scambio e di cambiamento con cui la collezione fotografica della casa si confronta.

Il fotografo, uomo d'affari e collezionista F.C. Gundlach (1926-2021) non ha mai inteso il collezionismo esclusivamente come un investimento di valore, ma ha perseguito soprattutto la sua passione e l'impegno di promuovere la fotografia. Tuttavia, la collezione privata di F.C. Gundlach con il suo alto valore culturale è una potente "moneta" culturale che ha portato alla fondazione della Haus der Photographie nella Deichtorhalle meridionale nel 2003.

Questa mostra si concentra sul trasferimento del patrimonio della Collezione F.C. Gundlach, reso necessario dalla vasta ristrutturazione triennale dell'edificio. Il fotografo amburghese Christoph Irrgang vede il trasferimento della Collezione F.C. Gundlach come una sfida artistica, che lui accompagna fotograficamente in un modo tanto oggettivo quanto poetico. Affascinato dalla situazione di lavoro non pubblica e molto intima nelle riviste e nei depositi, usa contrasti concettuali come 'luce/buio' o 'dentro/fuori' per rappresentare i dettagli del lavoro con la collezione che sono visibili, ma anche quelli che possono essere solo resi visibili.

Il lavoro fotografico analitico di Irrgang è completato da una collaborazione con la rivista fotografica di Amburgo Photonews. Giornale per la fotografia. L'atmosfera e l'atmosfera internazionale di Paris Photo, la più grande fiera fotografica del mondo dal 1997 con la partecipazione di gallerie internazionali, editori e celebrità, è regolarmente illuminata fotograficamente dai redattori di Photonews Anna Gripp e Denis Brudna. Tenuto ogni anno a novembre al Grand Palais, la fiera internazionale con circa 200 gallerie ed editori partecipanti ha acquisito da tempo il significato di una potente "borsa" della fotografia. Per il collezionista F.C. Gundlach, Paris Photo aveva il più grande significato nel calendario annuale - lì incontrò altri collezionisti, amici, galleristi e artisti, rinfrescò i suoi contatti, fece nuove connessioni e - comprò arte fotografica.

Mentre le fotografie a colori e in bianco e nero di Irrgang offrono uno sguardo nel microcosmo di una collezione privata in vedute dettagliate, Brudna e Gripp aprono una visione emozionante e densa di atmosfera del vibrante trambusto dell'evento internazionale sotto la cupola di vetro del Grand Palais sotto forma di contributi cinematografici e una ricchezza di fotografie di Paris Photo.

A cura della dottoressa Sabine Schnakenberg (curatrice della Collezione F.C. Gundlach).

The two-part exhibition Behind the Scenes in the PHOXXI, the Temporary House of Photography at the Deichtorhallen Hamburg, revolves around processes of exchange and change confronting the institution’s photography collection.

The photographer, businessman, and collector F.C. Gundlach (1926–2021) never thought of collecting solely as an investment, and instead primarily pursued his passion for and commitment to supporting photography. Nonetheless, the private F.C. Gundlach Collection, with its great cultural value, is a powerful cultural “currency” that led to the establishment of the House of Photography in the southern hall of the Deichtorhallen in 2003.

The focus of this exhibition is the relocation of the F.C. Gundlach Collection, which became necessary due to the extensive three-year renovation of the House of Photography building. Hamburg-based photographer Christoph Irrgang understands the relocation of the F.C. Gundlach Collection as an artistic challenge, which he documents in photography in both matter-of-fact and poetic manners. While he is fascinated by the non-public and very intimate working situation in the storage areas, he uses conceptual opposites such as light/dark and interior/exterior to depict visible details of the work with the collection as well as those that remain hidden from view.

Irrgang’s analytical photographic work is complemented by a cooperation with the Hamburg-based photography magazine Photonews. The atmosphere and international flair of Paris Photo—since 1997 the world’s largest photography fair, featuring international galleries, publishers, and prominent figures—is regularly photographed by Photonews editors Anna Gripp and Denis Brudna. The international fair, which takes place every November in the Grand Palais with some two hundred participating galleries and publishers, has long since attained the status of a powerful “stock exchange” for photography. For Gundlach, Paris Photo was an annual event of supreme importance: there he met other collectors, friends, gallerists, and artists, maintained contacts, made new connections, and purchased photographic artworks.

While Irrgang’s color and black-and-white photographs offer detailed insights into the microcosm of a private collection, in videos and numerous photographs from Paris Photo, Brudna and Gripp reveal an exciting and atmospherically concentrated view of the pulsating activity at the international event under the glass dome of the Grand Palais.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, Curator of the F.C. Gundlach Collection.

(Text: Phototriennale Hamburg)

Deichtorhallen - Halle für aktuelle Kunst | Hamburg
20. Mai - 18. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Currency: Photography Beyond Capture

Die Ausstellung Currency: Photography Beyond Capture (Währung - Photographie jenseits der Aufnahme) untersucht die künstlerische Auseinandersetzung mit Photographie im "retinalen Zeitalter", in dem Bilder nicht nur Themen und Ereignisse dokumentieren, sondern das Sehen und Gesehen-werden grundlegend prägen. Die Ausstellung zeigt Photographie nicht als Dokument von Essenz oder verbindlicher Wahrheit, sondern als Rahmen und Kontext für erzählerische Erfindungen. Currency betrachtet wie Wissen gewonnen wird und wie dieses über die konzeptuellen Ansätze des Mediums Photographie neu gedacht werden kann.

Die Ausstellung verwebt Formen experimenteller Aufnahmen mit archivarischer und dokumentarischer Praxis und beschwört alle Sinne ansprechende Erscheinungen herauf. Sie inszeniert Arbeiten vielgestaltiger photographischer Praxen und strukturiert diese anhand wesentlicher Motive: der Gegenüberstellung und Dekonstruktion visueller Kanons, der Darstellung aus dem Inneren von Gemeinschaften und sozialen Beziehungen, einer Gegenkartierung des Anthropozäns anhand von durch militärische Besatzung oder extraktivem Kapitalismus geprägten Landschaften, der Zärtlichkeit und der Währung des Intimen jenseits konventioneller Porträts, sowie poetischer Erkundungen alchemistischer Prozesse der Photographie.

Mit Arbeiten von Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin, Paul Yeung und anderen.

Kuratiert von Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo und Oluremi C. Onabanjo.

L'exposition Currency : Photography Beyond Capture (Monnaie - la photographie au-delà de la prise de vue) examine l'approche artistique de la photographie à l'"ère rétinienne", dans laquelle les images ne se contentent pas de documenter des thèmes et des événements, mais marquent fondamentalement la façon de voir et d'être vu. L'exposition montre la photographie non pas comme un document d'essence ou de vérité obligatoire, mais comme un cadre et un contexte pour des inventions narratives. Currency examine comment le savoir est acquis et comment il peut être repensé à travers les approches conceptuelles du médium photographique.

L'exposition mêle des formes de prises de vue expérimentales à des pratiques archivistiques et documentaires et évoque des apparitions qui attirent tous les sens. Elle met en scène des travaux issus de pratiques photographiques multiples et les structure autour de motifs essentiels : la confrontation et la déconstruction de canons visuels, la représentation de l'intérieur de communautés et de relations sociales, une contre-cartographie de l'anthropocène à travers des paysages marqués par l'occupation militaire ou le capitalisme extractif, la tendresse et la monnaie de l'intime au-delà des portraits conventionnels, ainsi que des explorations poétiques des processus alchimiques de la photographie.

Avec des travaux d'Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin, Paul Yeung et autres.

Organisé par Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo et Oluremi C. Onabanjo.

La mostra Currency: Photography Beyond Capture esplora l'impegno artistico con la fotografia nell'"era della retina", in cui le immagini non solo documentano soggetti ed eventi, ma modellano fondamentalmente il modo in cui vediamo e siamo visti. La mostra presenta la fotografia non come documento di essenza o verità vincolante, ma come quadro e contesto per l'invenzione narrativa. Currency guarda a come la conoscenza viene acquisita e come può essere ripensata attraverso gli approcci concettuali del mezzo fotografico.

La mostra intreccia forme di fotografia sperimentale con la pratica archivistica e documentaria, evocando apparizioni che fanno appello a tutti i sensi. Mette in scena opere di pratiche fotografiche poliedriche e le struttura intorno a motivi essenziali: la giustapposizione e la decostruzione dei canoni visivi, la rappresentazione dall'interno delle comunità e delle relazioni sociali, una contro-mappatura dell'Antropocene attraverso paesaggi modellati dall'occupazione militare o dal capitalismo estrattivo, la tenerezza e la valuta dell'intimo oltre il ritratto convenzionale, e le esplorazioni poetiche dei processi alchemici della fotografia.

Con opere di Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin, Paul Yeung e altri.

A cura di Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo e Oluremi C. Onabanjo.

Currency: Photography Beyond Capture (Währung - Photographie jenseits der Aufnahme) explores artistic engagements with photography in the “retinal age,” where images not only act as records and imprints but fundamentally shape acts of seeing and being seen. The exhibition approaches photographs as contextual frames for narrative invention rather than as documents of binding truth or essence. Currency considers how knowledge is sought and reimagined through conceptual approaches to the photographic medium.   

The exhibition weaves modes of experimental capture, appearance, multisensory evocation, and archival and documentative practice. In staging works by visual artists and photographers, several motifs will structure Currency: the deconstruction and juxtaposition of visual canons; portrayals of community and social relations from within; countermapping in the Anthropocene across landscapes of extractive capitalism and military occupation; tenderness and the currency of intimacy beyond the conventions of portraiture; and poetic explorations into the alchemical processes of photography. With works by artists including Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin and Paul Yeung.

Curated by Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo, and Oluremi C. Onabanjo.

(Text: Phototriennale Hamburg)