180 Studios | London
29. Mai – 23. Juni 2024

Back in the Dazed
Rankin

Von Kult-Prominenten über Musik-Ikonen bis hin zu den Top-Supermodels der Welt - Rankin stand an der Spitze von Cool Britannia und dem Stil der 90er Jahre, der auch heute noch beliebt ist. Als Mitbegründer und erster Fotoredakteur von Dazed & Confused trug Rankins visueller Stil zum Start des Magazins bei und prägte die Ästhetik mehrerer Generationen der britischen Jugend.

In 10 Jahren fotografierte Rankin über 200 ikonische Editorial-Shootings für das Magazin, und seine Arbeiten aus dieser Zeit bilden ein Manifest darüber, wie man die Welt sieht, ein politisches Statement, das nicht mit Worten, sondern mit einer Kameralinse vermittelt wird.

Ohne Angst vor dem Druck des Mainstreams setzte sich Rankin bei Dazed für die Darstellung von LGBTQIA+ ein, ging mit seiner Kamera auf die Straße, um Arbeiterkinder zu fotografieren, wurde "der" Fotograf für Brit-Pop-Bands und schuf prägende Bilder von aufstrebenden Kultschauspielern.

Rankin war kein Künstler mit gehobenem Geschmack, sondern übertrug die Vorstellungen von "Hochkultur" auf ganz normale Menschen. Mit Dazed gab er gewöhnlichen Teenagern eine Stimme und ermöglichte ihnen Zugang zu und Meinungen über alles, von zeitgenössischer Kunst bis hin zu experimenteller Musik.

Back in the Dazed ist die erste Retrospektive von Rankins bahnbrechenden Arbeiten aus diesem Jahrzehnt im Vereinigten Königreich. Lebendiger denn je sind Sie eingeladen, mit Rankins Blick die Kultur und die kreative Gemeinschaft zu erkunden, die in der ganzen Welt gefeiert wurde.

Back in the Dazed ist ein Liebesbrief an die jugendliche Kreativität, wie sie von einem legendären Fotografen festgehalten und von einem bahnbrechenden Magazin veröffentlicht wurde.

Des célébrités cultes aux icônes musicales en passant par les plus grands mannequins du monde, Rankin a été à l'avant-garde de la "Cool Britannia" et du style des années 90 qui est encore populaire aujourd'hui. Cofondateur et premier rédacteur en chef photographique de Dazed & Confused, le style visuel de Rankin a contribué à lancer le magazine et à définir l'esthétique de plusieurs générations de jeunes britanniques.

En dix ans, Rankin a photographié plus de 200 clichés éditoriaux emblématiques pour le magazine, et son travail de cette période constitue un manifeste sur la façon de voir le monde, une déclaration politique communiquée non pas avec des mots, mais avec l'objectif d'un appareil photo.

Avec Dazed, Rankin a été le fer de lance de la représentation des personnes LGBTQIA+, a pris son appareil photo dans la rue pour photographier les enfants de la classe ouvrière, est devenu "le" photographe des groupes de Brit-pop et a créé des images marquantes d'acteurs cultes émergents.

Rankin n'était pas un artiste aux goûts raréfiés, il a transmis les notions de "haute culture" aux gens de tous les jours. Avec Dazed, il a donné la parole à des adolescents ordinaires et leur a permis d'avoir accès à tout, de l'art contemporain à la musique expérimentale, et d'exprimer leur opinion à ce sujet.

Back in the Dazed est la première rétrospective au Royaume-Uni des travaux révolutionnaires de Rankin au cours de cette décennie prémonitoire. Plus vivant que jamais, l'œil de Rankin vous invite à explorer la culture et la communauté créative qui ont été célébrées dans le monde entier.

Back in the Dazed est une lettre d'amour à la créativité de la jeunesse, telle qu'elle a été capturée par un photographe légendaire et publiée par un magazine de référence.

Dalle celebrità di culto alle icone musicali e alle top model di tutto il mondo, Rankin è stato all'avanguardia della Cool Britannia e dello stile anni '90 che è ancora oggi popolare. Co-fondatore e primo Photographic Editor di Dazed & Confused, lo stile visivo di Rankin ha contribuito a lanciare la rivista e a definire l'estetica di diverse generazioni di giovani britannici.

Nell'arco di 10 anni Rankin ha fotografato oltre 200 servizi editoriali iconici per la rivista e il suo lavoro di questo periodo costituisce un manifesto sul modo di vedere il mondo, una dichiarazione politica comunicata non con le parole ma con l'obiettivo della macchina fotografica.

Senza temere le pressioni del mainstream, con Dazed, Rankin ha promosso la rappresentazione delle persone LGBTQIA+, ha portato la sua macchina fotografica in strada per fotografare i ragazzi della classe operaia, è diventato "il" fotografo delle band Brit-pop e ha creato le immagini fondamentali degli attori di culto emergenti.

Non è un artista dai gusti rarefatti, Rankin ha trasmesso le nozioni di "alta cultura" alla gente comune. Con Dazed, ha dato voce agli adolescenti comuni e ha permesso loro di avere accesso e opinioni su tutto, dall'arte contemporanea alla musica sperimentale.

Back in the Dazed è la prima retrospettiva nel Regno Unito delle opere rivoluzionarie di Rankin in questo decennio preveggente. Più vitale che mai, attraverso l'occhio di Rankin si è invitati a esplorare la cultura e la comunità creativa che è stata celebrata in tutto il mondo.

Back in the Dazed è una lettera d'amore alla creatività giovanile, catturata da un fotografo leggendario e pubblicata da una rivista fondamentale.

From cult celebrities, to musical icons and the world’s top Supermodels, Rankin was at the forefront of Cool Britannia and the 90’s style which is still popular today. Co-founder and Dazed & Confused’s first Photographic Editor, Rankin’s visual style helped launch the magazine and defined the aesthetics of multiple generations of British youth.

Across 10 years Rankin photographed over 200 iconic editorial shoots for the magazine, and his work from this period forms a manifesto about how to view the world, a political statement communicated not with words but with a camera lens.

Unafraid of mainstream pressures, with Dazed, Rankin spearheaded LGBTQIA+ representation, took his camera to the street to photograph working-class kids, became “the” photographer for Brit-pop bands, and created defining images of emerging cult actors.

Not an artist of rarefied tastes, Rankin handed notions of “high-culture” to everyday people. With Dazed, he gave ordinary teenagers their voice and allowed them access to, and opinions on, everything from contemporary art to experimental music.

Back in the Dazed is the first retrospective in the UK of Rankin’s ground breaking works over this prescient decade. More vital than ever, through Rankin’s eye you’re invited to explore the culture and creative community that was celebrated world-over.

Back in the Dazed is a love letter to youthful creativity, all as captured by one legendary photographer and published by one seminal magazine.

(Text: 180 Studios, London)

Belfast Exposed Photography | Belfast
12. Oktober – 23. Dezember 2023

BEYOND
Victor Sloan

Beyond enthält sowohl einige von Sloans ikonischen Werken als auch eine Reihe noch nie ausgestellter Bilder und Videoarbeiten und bietet dem Publikum die Möglichkeit, einen umfassenden Überblick über das Werk eines der wichtigsten irischen Künstler zu erhalten, der Sloans gesamte Karriere umfasst. Die Ausstellung zeigt sowohl Sloans charakteristische, von Hand manipulierte konzeptionelle Bilder als auch eine Reihe seiner Dokumentarfotografien und Videoarbeiten.

Die Arbeiten haben einen starken internationalen Bezug, wobei Bilder aus Berlin, Polen, Deutschland, den Golanhöhen, Syrien und Jordanien neben Arbeiten aus Nordirland gezeigt werden.

"Wir freuen uns sehr, Victor Sloan erneut bei Belfast Exposed for Beyond begrüßen zu dürfen, einer breit gefächerten Übersicht über sein Werk aus den letzten vier Jahrzehnten. Diese Ausstellung, die sowohl seine konzeptionellen als auch seine dokumentarischen Arbeiten umfasst, zeigt die außergewöhnliche Bandbreite eines Künstlers, der einen unglaublichen Einfluss auf die irische bildende Kunst ausgeübt hat. Vor allem Sloans analoge Methoden der Bildmanipulation sind eine sofort erkennbare künstlerische Handschrift, die einzigartige, fesselnde Bilder hervorbringt. Die Gegenüberstellung dieser Arbeiten mit einer Auswahl von Sloans Dokumentarfotografie - die von Nordirland bis zu den Golanhöhen reicht - unterstreicht die Tiefe und Breite von Sloans Werk und seine Vielseitigkeit in verschiedenen Formen der Fotografie.

Contenant à la fois certaines des œuvres emblématiques de Sloan et une série d'images et de pièces vidéo jamais exposées, Beyond donne au public la possibilité de voir un large éventail d'œuvres de l'un des principaux artistes irlandais, couvrant l'ensemble de la carrière de Sloan. L'exposition présente à la fois les images conceptuelles manipulées à la main qui sont la marque de fabrique de Sloan et une série de photographies documentaires et d'œuvres vidéo.

Le travail est fortement axé sur l'international, avec des images de Berlin, de Pologne, d'Allemagne, du plateau du Golan, de Syrie et de Jordanie, ainsi que des pièces d'Irlande du Nord.

"Nous sommes ravis d'accueillir à nouveau Victor Sloan à Belfast Exposed for Beyond, une vaste étude de son travail des quatre dernières décennies. Combinant à la fois son travail conceptuel et documentaire, cette exposition présente l'extraordinaire éventail d'un artiste qui a exercé une influence incroyable sur l'art visuel irlandais. Les méthodes analogiques de manipulation d'images de Sloan, en particulier, constituent une signature artistique immédiatement reconnaissable qui produit des images uniques et saisissantes. La mise en parallèle de ces œuvres avec une sélection de photographies documentaires de Sloan - prises partout, de l'Irlande du Nord au plateau du Golan - souligne la profondeur et l'étendue de l'œuvre de Sloan et sa polyvalence dans les différentes formes de photographie.

Con alcune delle opere iconiche di Sloan e una serie di immagini e video mai esposti prima, Beyond offre al pubblico la possibilità di vedere un'ampia rassegna di lavori di uno dei maggiori artisti irlandesi, che abbraccia l'intera carriera di Sloan. La mostra presenta sia le immagini concettuali manipolate a mano, marchio di fabbrica di Sloan, sia una serie di fotografie documentarie e di video.

Il lavoro ha un forte tema internazionale, con immagini provenienti da Berlino, Polonia, Germania, Alture del Golan, Siria e Giordania, oltre a pezzi provenienti dall'Irlanda del Nord.

"Siamo entusiasti di accogliere ancora una volta Victor Sloan a Belfast Exposed per Beyond, un'ampia rassegna del suo lavoro degli ultimi quarant'anni. Combinando sia il suo lavoro concettuale che quello documentario, questa mostra presenta la straordinaria gamma di un artista che ha esercitato un'incredibile influenza sull'arte visiva irlandese. I metodi analogici di manipolazione delle immagini di Sloan, in particolare, sono una firma artistica immediatamente riconoscibile che produce immagini uniche e sorprendenti. L'accostamento di queste opere a una selezione di fotografie documentarie di Sloan - scattate ovunque, dall'Irlanda del Nord alle alture del Golan - sottolinea la profondità e l'ampiezza del lavoro di Sloan e la sua versatilità in diverse forme di fotografia".

Containing both some of Sloan’s iconic works and a series of never before exhibited images and video pieces, Beyond gives audiences a chance to view a broad survey of work from one of Ireland’s major artists, spanning Sloan’s entire career. The exhibition features both Sloan’s trademark hand-manipulated conceptual images and a range of his documentary photography and video pieces.

The work has a strong international theme, with images from Berlin, Poland, Germany, The Golan Heights, Syria and Jordan displayed, alongside pieces from Northern Ireland.

“We’re thrilled to once again welcome Victor Sloan to Belfast Exposed for Beyond, a broad ranging survey of his work from over the last four decades. Combining both his conceptual and documentary work, this exhibition showcases the extraordinary range of an artist who has exerted an incredible influence upon Irish visual art. Sloan’s analogue methods of image manipulation in particular is an instantly recognisable artistic signature that produces unique, arresting images. The placing of this work alongside a selection of Sloan's documentary photography - taken everywhere from Northern Ireland to the Golan Heights - emphasises the depth and breadth of Sloan’s body of work and his versatility across different forms of photography”

(Text: Deirdre Robb, Chief Executive of Belfast Exposed)

Tate Modern | London
6. Juli 2023 - 14. Januar 2024

A World in Common: Contemporary African Photography

Die Tate Modern eröffnet eine große neue Ausstellung, die die dynamische Landschaft der Fotografie auf dem afrikanischen Kontinent heute feiert. A World in Common: Contemporary African Photography bringt 36 Künstler aus verschiedenen Generationen und Regionen zusammen und untersucht, wie Fotografie und Video es Künstlern ermöglicht haben, das Erbe der Vergangenheit zu untersuchen und sich gleichzeitig eine hoffnungsvollere Zukunft vorzustellen. In drei Kapiteln zeichnet die Ausstellung den Dialog zwischen Fotografie und zeitgenössischen Perspektiven auf kulturelles Erbe, Spiritualität, Urbanisierung und Klimawandel nach, um gemeinsame künstlerische Visionen zu enthüllen, die Afrikas Geschichte zurückfordern und seinen Platz in der Welt neu definieren.

Seit der Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert ist Afrika weitgehend durch westliche Bilder seiner Kulturen und Traditionen definiert worden. Während der Kolonialzeit wurde die Fotografie als Werkzeug eingesetzt, um die Darstellung afrikanischer Gesellschaften durch eine eurozentrische Linse zu konstruieren. A World in Common stellt diese vorherrschenden Bilder des Kontinents in Frage und zeigt anhand von mehr als 150 Werken, wie die Fotografie alternative Visionen von Afrikas vielen Geschichten, Kulturen und Identitäten vermitteln kann. Königliche Porträts von Königen und Königinnen stehen neben intimen Szenen aus dem Familienleben und nüchternen Dokumentaraufnahmen von postindustriellen Ruinen. Familienfotoalben und stilvoll komponierte Studioporträts spiegeln das gemeinsame Gefühl von Gemeinschaft und Zugehörigkeit wider, das Afrika und seine globale Diaspora verbindet, während Szenen von verwüsteten Küsten und jenseitigen Landschaften die wachsenden Auswirkungen der Klimakrise thematisieren. Die Ausstellung führt den Betrachter entlang zahlreicher Landschaften, Grenzen und Zeitzonen und zeigt, wie die Fotografie es ermöglicht, dass Vergangenheit und Zukunft auf kraftvolle und unerwartete Weise nebeneinander existieren.

In der vorkolonialen Zeit wurden viele afrikanische Gesellschaften als Königreiche regiert, in denen alte Dynastien eine wichtige Rolle bei der Gestaltung der geistigen und kulturellen Identität spielten. Künstler wie George Osodi und Kudzanai Chiurai verweben historische Erzählungen mit imaginären Szenen aus der königlichen Vergangenheit Afrikas und erkunden die Geschichte des antikolonialen Widerstands und der politischen Revolte. Die Macht des Rituals spielt in vielen afrikanischen Religionen und spirituellen Praktiken eine wichtige Rolle. Für Künstler wie Khadija Saye, Rotimi Fani-Kayode und Maïmouna Guerresi stellen diese Übergangsriten und Gedenkakte eine Verbindung zwischen den Lebenden und ihren Vorfahren her. Die westafrikanische Maskerade, die zwischen der spirituellen und der physischen Welt hin- und herwechselt, wird traditionell verwendet, um bei Aufführungen und Zeremonien Geister zu verkörpern. In den fotografischen Arbeiten von Edson Chagas und Zina Saro-Wiwa wird sie zu einem kraftvollen Medium für die Aktivierung des kulturellen Gedächtnisses und der kollektiven Identität.

Die Ausstellung erforscht den Aufstieg der Studiofotografie auf dem gesamten Kontinent in den 1950er und 60er Jahren - einer Zeit, in der viele afrikanische Länder ihre Unabhängigkeit erlangten. Pionierfotografen wie James Barnor in Ghana und Lazhar Mansouri in Algerien fotografierten Familien und Einzelpersonen, die sich stolz versammelten, um sich porträtieren zu lassen - oft zum ersten Mal. Künstlerinnen und Künstler wie Atong Atem, Sabelo Mlangeni und Ruth Ossai knüpfen an diese reiche Geschichte der Selbstdarstellung und Repräsentation an und betrachten die zeitgenössische Relevanz von Familienporträts als Raum der Verwandtschaft und Verbindung.

Das Erbe der postkolonialen Utopien inspiriert die Künstler weiterhin zur Auseinandersetzung mit den heutigen Landschaften in einer Zeit, in der der Platz Afrikas in der Welt noch nie so wichtig war wie heute. Die harten Realitäten der Globalisierung und Ungleichheit werden sichtbar, wenn die Künstler die Auswirkungen des Klimawandels und der Urbanisierung auf die lokalen Gemeinschaften betrachten. Die Arbeiten von François-Xavier Gbré, Andrew Esiebo und Kiluanji Kia Henda dokumentieren die Ausdehnung und den Wandel urbaner Stadtlandschaften, während Mário Macilau, Aida Muluneh und Julianknxx Themen wie Migration und Klimaaktivismus auf eine Art und Weise erforschen, die den Betrachter ermutigt, sich eine hoffnungsvolle neue Zukunft vorzustellen.

Inspiriert vom Ethos von A World in Common hat der in London lebende Designer und Fotograf Ronan Mckenzie einen öffentlichen Raum außerhalb der Ausstellung geschaffen, in dem sich die Menschen treffen und entspannen können. Ausgestattet mit Sofas, Schreibtischen und Polstermöbeln lädt Common Ground die Besucher ein, ein Buch aus der Bibliothek zu nehmen oder einer speziell von Touching Bass zusammengestellten Playlist zu lauschen - ein einladender Ort, um zu arbeiten, sich auszuruhen und mit anderen in Kontakt zu treten.

A World in Common: Zeitgenössische afrikanische Fotografie wird kuratiert von Osei Bonsu, Kurator, Internationale Kunst, mit Jess Baxter und Genevieve Barton, Assistenzkuratoren, Internationale Kunst, und Katy Wan, ehemalige Assistenzkuratorin, Internationale Kunst, Tate. Die Ausstellung wird unterstützt vom A World in Common Exhibition Supporters Circle, der Tate Americas Foundation, dem Tate International Council, Tate Patrons und Tate-Mitgliedern.

La Tate Modern lance une nouvelle exposition majeure célébrant le paysage dynamique de la photographie sur le continent africain aujourd'hui. Réunissant 36 artistes de différentes générations et géographies, A World in Common : Contemporary African Photography explore la manière dont la photographie et la vidéo ont permis aux artistes d'examiner les héritages du passé tout en imaginant des avenirs plus prometteurs. L'exposition, qui se déroule en trois chapitres, retrace le dialogue entre la photographie et les perspectives contemporaines sur l'héritage culturel, la spiritualité, l'urbanisation et le changement climatique, pour révéler des visions artistiques partagées qui se réapproprient l'histoire de l'Afrique et réimaginent sa place dans le monde.

Depuis l'invention de la photographie au XIXe siècle, l'Afrique a été largement définie par les images occidentales de ses cultures et de ses traditions. Pendant la période coloniale, la photographie a servi d'outil pour construire la représentation des sociétés africaines à travers un prisme eurocentrique. Remettant en question ces images dominantes du continent, A World in Common présente plus de 150 œuvres qui montrent comment la photographie peut imaginer des visions alternatives des nombreuses histoires, cultures et identités de l'Afrique. Des portraits royaux de rois et de reines côtoient des scènes intimes de la vie familiale et des images documentaires austères de ruines post-industrielles. Des albums de photos de famille et des portraits de studio élégamment composés reflètent le sentiment partagé de communauté et d'appartenance qui relie l'Afrique et sa diaspora mondiale, tandis que des scènes de côtes dévastées et des paysages d'un autre monde évoquent l'impact croissant de l'urgence climatique. En guidant les visiteurs le long de nombreux paysages, frontières et fuseaux horaires, l'exposition montre comment la photographie permet au passé et à l'avenir de coexister de manière puissante et inattendue.

Pendant la période précoloniale, de nombreuses sociétés africaines étaient gouvernées comme des royaumes où les anciennes dynasties jouaient un rôle important dans la formation de l'identité spirituelle et culturelle. Entremêlant récits historiques et scènes imaginées du passé royal de l'Afrique, des artistes tels que George Osodi et Kudzanai Chiurai explorent l'histoire de la résistance anticoloniale et de la révolte politique. Le pouvoir du rituel joue un rôle important dans de nombreuses religions et pratiques spirituelles africaines. Pour des artistes comme Khadija Saye, Rotimi Fani-Kayode et Maïmouna Guerresi, ces rites de passage et ces actes de commémoration offrent des portails entre les vivants et leurs ancêtres. Se déplaçant entre le monde spirituel et le monde physique, la mascarade ouest-africaine a traditionnellement été utilisée pour incarner des esprits lors de spectacles et de cérémonies. Dans les œuvres photographiques d'Edson Chagas et de Zina Saro-Wiwa, elle devient un puissant moyen d'activation de la mémoire culturelle et de l'identité collective.

L'exposition explore l'essor de la photographie de studio sur le continent au cours des années 1950 et 1960, époque à laquelle de nombreuses nations africaines ont accédé à l'indépendance. Travaillant au sein de leurs communautés locales, des photographes pionniers tels que James Barnor au Ghana et Lazhar Mansouri en Algérie ont photographié des familles et des individus qui se rassemblaient fièrement pour se faire tirer le portrait, souvent pour la première fois. Enrichissant cette riche histoire d'expression et de représentation, des artistes comme Atong Atem, Sabelo Mlangeni et Ruth Ossai considèrent la pertinence contemporaine du portrait de famille en tant qu'espace de parenté et de connexion.

L'héritage des utopies postcoloniales continue d'inspirer les artistes à se confronter aux paysages actuels à un moment où la place de l'Afrique dans le monde n'a jamais été aussi vitale. Les dures réalités de la mondialisation et de l'inégalité sont rendues visibles lorsque les artistes contemplent l'impact du changement climatique et de l'urbanisation sur les communautés locales. Les œuvres de François-Xavier Gbré, Andrew Esiebo et Kiluanji Kia Henda documentent l'expansion et la transformation des paysages urbains, tandis que Mário Macilau, Aida Muluneh et Julianknxx explorent les thèmes de la migration et de l'activisme climatique d'une manière qui permet au spectateur d'imaginer de nouveaux avenirs pleins d'espoir.

Inspiré par l'éthique d'Un monde en commun, le designer et photographe londonien Ronan Mckenzie a créé un espace public gratuit à l'extérieur de l'exposition pour permettre aux visiteurs de se rassembler et de se détendre. Équipé de canapés, de bureaux et de meubles moelleux, Common Ground invite les visiteurs à prendre un livre dans sa bibliothèque ou à écouter une playlist spécialement conçue par Touching Bass, offrant ainsi un lieu accueillant pour travailler, se reposer et nouer des liens avec d'autres personnes.

A World in Common : Contemporary African Photography est organisée par Osei Bonsu, conservateur de l'art international, avec Jess Baxter et Genevieve Barton, conservateurs adjoints de l'art international, et Katy Wan, ancienne conservatrice adjointe de l'art international à la Tate. L'exposition est soutenue par le cercle des sponsors de l'exposition A World in Common, la fondation Tate Americas, le conseil international de la Tate, les mécènes de la Tate et les membres de la Tate.

La Tate Modern inaugura una nuova grande mostra che celebra il dinamico panorama della fotografia nel continente africano. Riunendo 36 artisti di generazioni e geografie diverse, A World in Common: Contemporary African Photography esplora il modo in cui la fotografia e il video hanno permesso agli artisti di esaminare le eredità del passato e di immaginare un futuro più speranzoso. Articolata in tre capitoli, la mostra traccia il dialogo tra la fotografia e le prospettive contemporanee sul patrimonio culturale, la spiritualità, l'urbanizzazione e il cambiamento climatico per rivelare visioni artistiche condivise che rivendicano la storia dell'Africa e ne reimmaginano il posto nel mondo.

Dall'invenzione della fotografia nel XIX secolo, l'Africa è stata ampiamente definita dalle immagini occidentali delle sue culture e tradizioni. Durante il periodo coloniale, la fotografia è stata utilizzata come strumento per costruire la rappresentazione delle società africane attraverso una lente eurocentrica. Sfidando queste immagini dominanti del continente, A World in Common presenta oltre 150 opere che illuminano il modo in cui la fotografia può immaginare visioni alternative delle molte storie, culture e identità dell'Africa. Ritratti regali di re e regine si uniscono a scene intime di vita familiare e a crude immagini documentarie di rovine post-industriali. Album fotografici di famiglia e ritratti in studio elegantemente composti riflettono il senso condiviso di comunità e appartenenza che collega l'Africa e la sua diaspora globale, mentre scene di coste devastate e paesaggi ultraterreni considerano il crescente impatto dell'emergenza climatica. Guidando gli spettatori lungo molti paesaggi, confini e fusi orari, la mostra mostra mostra come la fotografia permetta al passato e al futuro di coesistere in modi potenti e inaspettati.

Durante il periodo precoloniale, molte società africane erano governate come regni in cui le antiche dinastie avevano un ruolo importante nella formazione dell'identità spirituale e culturale. Intrecciando narrazioni storiche con scene immaginarie del passato regale dell'Africa, artisti come George Osodi e Kudzanai Chiurai esplorano storie di resistenza anticoloniale e di rivolta politica. Il potere del rituale gioca un ruolo importante in molte religioni e pratiche spirituali africane. Per artisti come Khadija Saye, Rotimi Fani-Kayode e Maïmouna Guerresi, questi riti di passaggio e atti di ricordo offrono portali tra i vivi e gli antenati. Muovendosi tra il mondo spirituale e quello fisico, la mascherata dell'Africa occidentale è stata tradizionalmente utilizzata per incarnare gli spiriti durante gli spettacoli e le cerimonie. Nelle opere fotografiche di Edson Chagas e Zina Saro-Wiwa, diventa un potente mezzo per attivare la memoria culturale e l'identità collettiva.

La mostra esplora l'ascesa della fotografia in studio in tutto il continente durante gli anni Cinquanta e Sessanta, periodo in cui molte nazioni africane ottennero l'indipendenza. Lavorando all'interno delle loro comunità locali, fotografi pionieri come James Barnor in Ghana e Lazhar Mansouri in Algeria, hanno fotografato famiglie e individui che si riunivano orgogliosi per farsi ritrarre, spesso per la prima volta. Per valorizzare ulteriormente questa ricca storia di auto-espressione e rappresentazione, artisti come Atong Atem, Sabelo Mlangeni e Ruth Ossai considerano l'attualità del ritratto di famiglia come spazio di parentela e connessione.

L'eredità delle utopie postcoloniali continua a ispirare gli artisti a confrontarsi con i paesaggi attuali in un momento in cui il posto dell'Africa nel mondo non è mai stato così vitale. Le crude realtà della globalizzazione e della disuguaglianza sono rese visibili mentre gli artisti contemplano l'impatto del cambiamento climatico e dell'urbanizzazione sulle comunità locali. Le opere di François-Xavier Gbré, Andrew Esiebo e Kiluanji Kia Henda documentano l'espansione e la trasformazione dei paesaggi urbani, mentre Mário Macilau, Aida Muluneh e Julianknxx esplorano i temi della migrazione e dell'attivismo climatico in modi che permettono allo spettatore di immaginare nuovi futuri di speranza.

Ispirandosi all'etica di A World in Common, il designer e fotografo londinese Ronan Mckenzie ha creato uno spazio pubblico gratuito all'esterno della mostra per consentire alle persone di riunirsi e rilassarsi. Dotato di divani, scrivanie e arredi morbidi, Common Ground invita i visitatori a prendere un libro dalla sua biblioteca o ad ascoltare una playlist appositamente curata da Touching Bass, offrendo un luogo accogliente per lavorare, riposare e connettersi con gli altri.

A World in Common: Contemporary African Photography è curata da Osei Bonsu, Curatore, International Art, con Jess Baxter e Genevieve Barton, Assistenti Curatori, International Art e Katy Wan, ex Assistente Curatore, International Art, Tate. La mostra è sostenuta da A World in Common Exhibition Supporters Circle, Tate Americas Foundation, Tate International Council, Tate Patrons e Tate Members.

Tate Modern launches a major new exhibition celebrating the dynamic landscape of photography across the African continent today. Bringing together 36 artists from different generations and geographies, A World in Common: Contemporary African Photography explores how photography and video has allowed artists to examine legacies of the past while imagining more hopeful futures. Unfolding across three chapters, the exhibition charts the dialogue between photography and contemporary perspectives on cultural heritage, spirituality, urbanisation, and climate change to reveal shared artistic visions that reclaim Africa’s histories and reimagine its place in the world.

Since the invention of photography in the 19th century, Africa has been broadly defined by Western images of its cultures and traditions. During the colonial period, it was used as a tool to construct the representation of African societies through a Eurocentric lens. Challenging these dominant images of the continent, A World in Common features over 150 works that illuminate how photography can imagine alternative visions of Africa’s many histories, cultures and identities. Regal portraits of kings and queens join intimate scenes of family life and stark documentary images of post-industrial ruin. Family photo albums and stylishly composed studio portraits reflect the shared sense of community and belonging that connects Africa and its global diaspora, while scenes of devastated coastlines and otherworldly landscapes consider the growing impact of the climate emergency. Guiding viewers along many landscapes, borders, and time zones, the exhibition showcases how photography allows the past and future to co-exist in powerful and unexpected ways.

During the precolonial period, many African societies were governed as kingdoms where ancient dynasties held an important role in the shaping of spiritual and cultural identity. Interweaving historical narratives with imagined scenes of Africa’s regal past, artists including George Osodi and Kudzanai Chiurai explore histories of anticolonial resistance and political revolt. The power of ritual plays an important role in many African religions and spiritual practices. For artists such as Khadija Saye, Rotimi Fani-Kayode and Maïmouna Guerresi these rites of passage and acts of remembrance offer portals between the living and their ancestors. Shape shifting between the spiritual and physical world, West African masquerade has traditionally been used to embody spirits during performances and ceremonies. In photographic works by Edson Chagas and Zina Saro-Wiwa, it becomes a powerful medium for the activation of cultural memory and collective identity.

The exhibition explores the rise of studio photography across the continent during the 1950s and 60s – a time when many African nations gained independence. Working within their local communities, pioneering photographers such as James Barnor in Ghana and Lazhar Mansouri in Algeria, photographed families and individuals who would gather proudly to have their portraits taken, often for the first time. Further enhancing this rich history of self-expression and representation, artists such as Atong Atem, Sabelo Mlangeni and Ruth Ossai consider the contemporary relevance of family portraiture as a space of kinship and connection.

The legacy of postcolonial utopias continues to inspire artists to confront present-day landscapes at a time when Africa’s place in the world has never been more vital. The stark realities of globalisation and inequality are made visible as artists contemplate the impact of climate change and urbanisation on local communities. The work of François-Xavier Gbré, Andrew Esiebo and Kiluanji Kia Henda documents the expansion and transformation of urban cityscapes while Mário Macilau, Aida Muluneh, and Julianknxx explore themes of migration and climate activism in ways that empower the viewer to imagine hopeful new futures.

Inspired by the ethos of A World in Common, London-based designer and photographer Ronan Mckenzie has created a free public space outside the exhibition for people to gather and relax. Equipped with sofas, desks and soft furnishings, Common Ground invites visitors to take a book from its library or listen to a specially curated playlist by Touching Bass, offering a welcoming place to work, rest and connect with others.

A World in Common: Contemporary African Photography is curated by Osei Bonsu, Curator, International Art, with Jess Baxter and Genevieve Barton, Assistant Curators, International Art and Katy Wan, former Assistant Curator, International Art, Tate. The exhibition is supported by the A World in Common Exhibition Supporters Circle, Tate Americas Foundation, Tate International Council, Tate Patrons and Tate Members.

(Text (e): Tate Modern, London)

City Quays Gallery | Belfast
15. Juni - 4. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen des Belfast Photo Festival statt.

Blaschka: Creatures of the sea
Guido Mocafico

Das Belfast Photo Festival freut sich, dieses Projekt des bekannten italienischen Fotografen Guido Mocafico zu präsentieren. Mocafico, der als zeitgenössischer Meister der Stilllebenfotografie anerkannt ist, hat sich für dieses Projekt vorgenommen, eine Sammlung beeindruckender Glasmodelle zu dokumentieren, die von den berühmten Glaskünstlern Leopold und Rudolf Blaschka geschaffen wurden. Mit seinem einzigartigen Stil fotografierte Mocafico diese Meisterwerke, die eine Hommage an die Kunstfertigkeit dieser Handwerksmeister darstellen und gleichzeitig unsere Aufmerksamkeit auf die vielen Meereslebewesen lenken, die wir durch den Klimawandel zu verlieren drohen.

Für die Stillleben beleuchtet Mocafico jedes Objekt vor einem tiefschwarzen Hintergrund, wobei er die winzigen Details jedes Stücks einfängt und die Skulpturen zum Leben erweckt. Auf diese Weise verwischt er die Grenzen zwischen Realität und Künstlichkeit und lässt den Betrachter im Unklaren darüber, ob das, was er sieht, real ist oder nicht. Seine Werke fordern uns heraus, darüber nachzudenken, ob diese Kreaturen existieren oder nicht, und erinnern uns eindringlich daran, dass ohne einen besseren Schutz unserer Umwelt viele Kreaturen aus der Tiefsee schließlich dem Klimawandel zum Opfer fallen werden; ihre Existenz wird in Museen und in Mocaficos fotografische Darstellung verbannt.

Le Belfast Photo Festival a le plaisir de présenter ce projet du célèbre photographe italien Guido Mocafico. Reconnu comme un maître contemporain de la photographie de natures mortes, Mocafico s'est attaché, pour ce projet, à documenter une collection d'impressionnants modèles en verre créés par les célèbres artistes verriers Leopold et Rudolf Blaschka. Utilisant son style unique, Mocafico a photographié ces chefs-d'œuvre, rendant ainsi hommage au savoir-faire de ces maîtres artisans, tout en attirant notre attention sur l'ensemble des créatures marines que nous risquons de perdre en raison du changement climatique.

Pour créer ces natures mortes, Mocafico éclaire chaque objet sur un fond noir, capturant ainsi les moindres détails de chaque pièce et donnant vie aux sculptures. Ce faisant, son travail brouille les frontières entre réalité et artifice, et laisse le spectateur dans l'incertitude quant à la réalité de ce qu'il voit. En nous mettant au défi de nous demander si ces créatures existent ou non, ses œuvres nous rappellent brutalement que si nous ne prenons pas davantage soin de notre environnement, de nombreuses créatures des profondeurs marines finiront par disparaître à cause du changement climatique, leur existence étant reléguée dans les musées et dans la représentation photographique de Mocafico.

Il Belfast Photo Festival è lieto di presentare il progetto del noto fotografo italiano Guido Mocafico. Riconosciuto come un maestro contemporaneo della fotografia di still life, per questo progetto Mocafico ha voluto documentare una collezione di impressionanti modelli in vetro creati dai celebri artisti del vetro Leopold e Rudolf Blaschka. Utilizzando il suo stile unico, Mocafico ha fotografato questi capolavori, rendendo omaggio all'abilità di questi maestri artigiani e richiamando al contempo la nostra attenzione sulla serie di creature marine che rischiamo di perdere a causa dei cambiamenti climatici.

Per creare le immagini di still life, Mocafico illumina ogni oggetto su uno sfondo nero, catturando i minimi dettagli di ogni pezzo e dando vita alle sculture. In questo modo, il suo lavoro confonde i confini tra realtà e artificio, lasciando lo spettatore incerto se ciò che sta vedendo sia reale o meno. Sfidandoci a riflettere sull'esistenza o meno di queste creature, le sue opere ci ricordano che, senza una maggiore attenzione per l'ambiente, molte creature degli abissi marini finiranno per perdersi a causa dei cambiamenti climatici; la loro esistenza sarà relegata ai musei e alla rappresentazione fotografica di Mocafico.

Belfast Photo Festival is delighted to present this project by renowned Italian photographer Guido Mocafico. Recognised as a contemporary master of still life photography, for this project Mocafico set out to document a collection of impressive glass models created by celebrated glass artists, Leopold and Rudolf Blaschka. Using his unique style, Mocafico photographed these masterpieces, paying homage to the skill of these master craftsmen, while also drawing our attention to the array of sea creatures we risk losing as a result of climate change.

To create the still life images, Mocafico illuminates each object against a stark black background, capturing the minute details of each piece and bringing the sculptures to life. In doing so, his work blurs the lines between reality and artifice, and leave the viewer unsure as to whether what they are seeing is real or not. Challenging us to consider whether these creatures exist or not, his works are a stark reminder that without greater care for our environment, many creatures from the deep sea will eventually be lost to climate change; their existence relegated to museums, and Mocafico’s photographic representation.

(Text: Belfast Photo Festival)

Ulster Museum | Belfast
27. Mai - 30. Oktober 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen des Belfast Photo Festival statt.

Against The Image: Photography. Media. Manipulation

Das Belfast Photo Festival und das Ulster Museum freuen sich, die Ausstellung Against The Image: Fotografie. Medien. Manipulation zu präsentieren, mit Arbeiten von Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland und Now You See Me Moria.

Die Ausstellung untersucht die Autorität der Fotografie in unserem Zeitalter der Massenmedien und der Massen(fehl)information. Die Art und Weise, wie wir Nachrichten und Medienbilder konsumieren, hat sich weiterentwickelt, und der Zugang zur Welt scheint zum Greifen nahe: Ist das, was wir sehen, die Realität?

Künstler stellen dieses Spannungsverhältnis zwischen der Wahrheit der Ereignisse und der Art und Weise, wie sie dargestellt werden, heraus. Als Reaktion auf verschiedene globale Ereignisse und Konflikte hinterfragen und entlarven die hier vertretenen Künstler den höchst subjektiven und vermittelten Charakter der Fotografie. Sie tun dies, indem sie das Medium selbst untergraben - indem sie die Oberfläche von Bildern bearbeiten, verzerren oder anderweitig manipulieren -, um Erzählungen zu enthüllen, die oft ungesehen bleiben oder sich in gewisser Weise der Darstellung entziehen. Auf diese Weise regen sie uns dazu an, zu hinterfragen, was fotografische Praxis im modernen Zeitalter ist, und darüber nachzudenken, wie wir Medien in unserem täglichen Leben aufnehmen.

Diese Ausstellung wird von Clare Gormley, Leiterin der Abteilung Programme und Partnerschaften beim Belfast Photo Festival, und Anna Liesching, Kuratorin für Kunst im Ulster Museum (National Museums NI), gemeinsam kuratiert.Le Belfast Photo Festival et l'Ulster Museum ont le plaisir de présenter Against The Image : Photographie. Médias. Manipulation, qui présente les travaux de Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland et Now You See Me Moria.

L'exposition cherche à examiner l'autorité de la photographie à notre époque de médias de masse et de (mauvaise) information de masse. La façon dont nous consommons les nouvelles et les images des médias a évolué, avec un accès au monde apparemment au bout des doigts : ce que nous voyons est-il la réalité ?

Les artistes exposent cette tension, entre la vérité des événements et la façon dont ils sont présentés. Réagissant à divers événements et conflits mondiaux, les artistes présentés ici remettent en question et exposent la nature hautement subjective et médiatisée de la photographie. Ils y parviennent en subvertissant le médium lui-même - en travaillant sur la surface des images, en les déformant ou en les manipulant - afin d'exposer des récits qui passent souvent inaperçus ou qui, d'une certaine manière, résistent à la représentation. Ce faisant, ils nous encouragent à nous interroger sur ce qu'est la pratique photographique à l'ère moderne et à réfléchir à la manière dont nous absorbons les médias dans notre vie quotidienne.

Cette exposition est organisée conjointement par Clare Gormley, responsable des programmes et des partenariats au Belfast Photo Festival, et Anna Liesching, conservatrice d'art à l'Ulster Museum (National Museums NI).

Il Belfast Photo Festival e l'Ulster Museum sono lieti di presentare Against The Image: Fotografia. Media. Manipulation, con le opere di Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland e Now You See Me Moria.

La mostra si propone di esaminare l'autorità della fotografia nella nostra epoca di mass media e di (errata) informazione di massa. Il modo in cui consumiamo le notizie e le immagini dei media si è evoluto, con l'accesso al mondo apparentemente a portata di mano: quello che vediamo è la realtà?

Gli artisti mettono a nudo questa tensione tra la verità degli eventi e il modo in cui vengono presentati. Rispondendo a vari eventi e conflitti globali, gli artisti qui inclusi sfidano ed espongono la natura altamente soggettiva e mediata della fotografia. Lo fanno sovvertendo il mezzo stesso - lavorando sulla superficie, distorcendo o manipolando in altro modo le immagini - per esporre narrazioni che spesso non vengono viste o che in qualche modo resistono alla rappresentazione. In questo modo ci incoraggiano a mettere in discussione la pratica fotografica nell'era moderna e a riflettere sul modo in cui assorbiamo i media nella nostra vita quotidiana.

La mostra è co-curata da Clare Gormley, responsabile dei programmi e delle partnership del Belfast Photo Festival, e da Anna Liesching, curatrice d'arte dell'Ulster Museum (National Museums NI).

Belfast Photo Festival and Ulster Museum are delighted to present, Against The Image: Photography. Media. Manipulation, featuring the work of Victor Sloan, Tabitha Soren, Alexandra Rose Howland and Now You See Me Moria.

The exhibition looks to examine the authority of the photograph in our era of mass media and mass (mis)information. How we consume news and media imagery has evolved, with access to the world seemingly at our fingertips: is what we see the reality?

Artists are exposing this tension, between the truth of events and how they are presented. Responding to various global events and conflicts, the artists included here challenge and expose photography’s highly subjective and mediated nature. They do this by subverting the medium itself — working onto the surface of, distorting or otherwise manipulating images — to expose narratives that often go unseen or some ways resist representation. In doing so they encourage us to question what photographic practice is in the modern age and reflect on how we absorb media in our daily lives.

This exhibition is co-curated by Clare Gormley, Head of Programmes and Partnerships at Belfast Photo Festival, and Anna Liesching, Curator of Art at Ulster Museum (National Museums NI).  

(Text: Belfast Photo Festival)