Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
4. Mai – 29. Juni 2024

La Plaiv
Petra Wunderlich

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

Petra Wunderlich wendet einen raffinierten und didaktischen Ansatz an, um stoische Schwarz-Weiß-Fotografien zu erstellen, die in der Einzelausstellung 'La Plaiv' die architektonischen Fassaden der malerischen und romantischen Dörfer der gleichnamigen Region in der Schweiz sorgfältig untersuchen.

Wunderlich studierte bei Bernd und Hilla Becher an der Kunstakademie Düsseldorf und wurde Teil der Studierendengeneration der Düsseldorfer Fotoschule. Heute pflegt sie die Tradition der Düsseldorfer Schule der strengen Dokumentation durch eng beschnittene Fotografien, die dem Thema jedes Werkes einen distanzierten, aber diskreten Blick verleihen. Ihre sachliche Haltung und die Serialisierung der Fotografien greifen nüchterne Themen in Stil und Inhalt auf und verstärken die architektonischen Geometrien, die diese Schweizer Landschaft prägen – sowie die mysteriöse Abwesenheit ihrer Bewohnerinnen und Bewohner.

Petra Wunderlich applique une approche raffinée et didactique pour créer des photographies stoïques en noir et blanc qui, dans l'exposition individuelle 'La Plaiv', examinent soigneusement les façades architecturales des villages pittoresques et romantiques de la région du même nom en Suisse.

Wunderlich a étudié avec Bernd et Hilla Becher à l'Académie des arts de Düsseldorf et a fait partie de la génération d'étudiants de l'école de photographie de Düsseldorf. Aujourd'hui, elle cultive la tradition de l'école de Düsseldorf de la documentation rigoureuse par des photographies étroitement recadrées, qui confèrent au sujet de chaque œuvre un regard distancié mais discret. Son attitude objective et la sérialisation des photographies reprennent des thèmes sobres dans leur style et leur contenu et renforcent les géométries architecturales qui caractérisent ce paysage suisse - ainsi que l'absence mystérieuse de ses habitants.

Petra Wunderlich applica un approccio raffinato e didattico per creare stoiche fotografie in bianco e nero che esaminano attentamente le facciate architettoniche dei pittoreschi e romantici villaggi dell'omonima regione svizzera nella mostra personale "La Plaiv".

Wunderlich ha studiato sotto la guida di Bernd e Hilla Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf ed è entrata a far parte della generazione di studenti della Scuola di Fotografia di Düsseldorf. Oggi mantiene la tradizione della Scuola di Düsseldorf di una documentazione rigorosa, attraverso fotografie dai ritagli stretti che conferiscono al soggetto di ogni opera uno sguardo distante ma discreto. Il suo approccio materico e la serialità delle fotografie riprendono temi sobri nello stile e nel contenuto e rafforzano le geometrie architettoniche che caratterizzano questo paesaggio svizzero, così come la misteriosa assenza dei suoi abitanti.

Petra Wunderlich applies a refined and didactic approach to create stoic black and white photographies that carefully examine the architectural facades of the picturesque and romantic villages of the eponymous region in Switzerland in the solo exhibition 'La Plaiv'.

Wunderlich studied under Bernd and Hilla Becher at the Düsseldorf Art Academy and became part of the student generation of the Düsseldorf School of Photography. Today, she maintains the Düsseldorf School's tradition of strict documentation through tightly cropped photographs that lend the subject of each work a distanced but discreet gaze. Her pragmatic approach and the serialisation of the photographs take up sober themes in style and content and reinforce the architectural geometries that characterise this Swiss landscape - as well as the mysterious absence of its inhabitants.

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Fotografie Forum Frankfurt
3. Mai – 1. September 2024

RAY ECHOES IDENTITY

Die Ausstellung findet im Rahmen der RAY – Triennale der Fotografie statt.

Zum fünften Mal werden Frankfurt und die Rhein-Main-Region vom 03.05. bis 01.09.2024 mit Ausstellungen, zahlreichen Events und einem dreitägigen Festival Schauplatz von RAY – Triennale der Fotografie.

Die Künstler*innen der Triennale erforschen und reflektieren mittels Fotografie und verwandter Medien die Herausforderungen und Spannungsfelder der Selbstwahrnehmung und des menschlichen Miteinanders und stellen ihre Perspektiven zum Leitthema ECHOES vor.

Ihre Arbeiten spannen Bögen zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sowie vom Intimen und Persönlichen bis zum Kollektiven. Durch das Festhalten dieser vielfältigen Momente und Phänomene schaffen sie ein Echo, das die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf ihre Themen lenkt. Ähnlich einem Schallerlebnis erzeugen sie so einen Nachhall, der über das Abgebildete hinaus als eigenständiges Ereignis wahrgenommen wird. RAY ECHOES konzentriert sich auf die drei Schwerpunkte.

Im Fotografie Forum Frankfurt fokussiert sich die Schau als einer von drei zentralen Ausstellungen der Triennale auf die Beziehung zwischen Fotografie und Identität. Die ausgestellten Künstler*innen Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li und Inuuteq Storch untersuchen in ihren Arbeiten das Entstehen und die Veränderung von Identitäten. Echos finden sich in Form von Reflexionen über persönliche Erfahrungen, Transzendenz und die Aktualität des Rückblicks. Neben aktuellen zeitgenössischen Fotografien und einer Videoinstallation werden frühere ikonografische Arbeiten in Zeiten politischer Polarisierung in Bezug auf Minderheiten, Kultur und Geschlecht wieder in den Vordergrund gerückt.

Das Konzept von RAY ECHOES wurde gemeinsam entwickelt von Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (Freie Kuratorin), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), und Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Pour la cinquième fois, Francfort et la région Rhin-Main seront le théâtre de RAY - Triennale der Fotografie du 03.05. au 01.09.2024 avec des expositions, de nombreux événements et un festival de trois jours.

Les artistes* de la Triennale explorent et réfléchissent, par le biais de la photographie et des médias apparentés, aux défis et aux champs de tension de la perception de soi et des interactions humaines, et transmettent leurs perspectives sur le thème directeur ECHOES.

Leurs travaux couvrent des domaines allant du passé, du présent et du futur, de l'intime et du personnel au collectif. En capturant ces multiples moments et phénomènes, ils créent un écho qui attire l'attention du public sur leurs sujets. A l'instar d'une expérience sonore, ils créent ainsi une réverbération qui est perçue comme un événement à part entière, au-delà de ce qui est représenté. RAY ECHOES se concentre sur ces trois points forts.

Au Fotografie Forum Frankfurt, l'exposition est l'une des trois expositions centrales de la Triennale et se concentre sur la relation entre la photographie et l'identité. Les artistes* exposés, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li et Inuuteq Storch, examinent dans leurs travaux l'émergence et la transformation des identités. Des échos se retrouvent sous la forme de réflexions sur les expériences personnelles, la transcendance et l'actualité de la rétrospective. Outre des photographies contemporaines récentes et une installation vidéo, des travaux iconographiques antérieurs sont remis au premier plan en ces temps de polarisation politique concernant les minorités, la culture et le genre.

Le concept de RAY ECHOES a été développé conjointement par Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (conservatrice indépendante), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), et Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

Per la quinta volta, Francoforte e la regione del Reno-Meno saranno teatro di RAY - Triennale di Fotografia dal 3 maggio al 1° settembre 2024 con mostre, numerosi eventi e un festival di tre giorni.

Utilizzando la fotografia e i media correlati, gli artisti della triennale esplorano e riflettono sulle sfide e le tensioni della percezione di sé e dell'interazione umana e presentano le loro prospettive sul tema centrale di ECHOES.

Le loro opere spaziano tra passato, presente e futuro, dall'intimo e personale al collettivo. Catturando questi diversi momenti e fenomeni, creano un'eco che attira l'attenzione del pubblico sui loro temi. Simili a un'esperienza sonora, creano un riverbero che viene percepito come un evento indipendente al di là di ciò che viene rappresentato. RAY ECHOES si concentra su questi tre punti focali.

Come una delle tre mostre centrali della Triennale, l'esposizione al Fotografie Forum di Francoforte si concentra sul rapporto tra fotografia e identità. Gli artisti esposti, Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li e Inuuteq Storch, esaminano l'emergere e la trasformazione delle identità nelle loro opere. Gli echi si trovano sotto forma di riflessioni sulle esperienze personali, sulla trascendenza e sull'attualità del guardare indietro. Oltre a fotografie contemporanee attuali e a un'installazione video, vengono riportate alla ribalta opere iconografiche precedenti in tempi di polarizzazione politica in relazione a minoranze, cultura e genere.

Il concetto di RAY ECHOES è stato sviluppato congiuntamente da Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (curatrice indipendente), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt) e Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

The fifth edition of the RAY – Triennial of Photography offers numerous exhibitions, events and 3-day Festival in Frankfurt and the Rhine-Main region.

The artists of the triennial use photography and related media to explore and reflect on the challenges and tensions of self-perception and human interaction. Their works span the past, present, and future, from the intimate and personal to the collective. By capturing these diverse moments and phenomena, they create an echo that draws the public’s attention to their themes. Similar to a sound experience, they create reverberation that is perceived as an independent event beyond what is depicted.

On this basis, RAY ECHOES concentrates on three focal points: identity, memory, and emotion.

Fotografie Forum Frankfurt is showing one of three central exhibitions of the Triennial focussing on the relationship between photography and identity.

The exhibited artists of Echoes Identity Mónica Alcázar-Duarte, Joy Gregory, Jürgen Klauke, Dinu Li, and Inuuteq Storch explore the making and breaking away from identities. Echoes are present in the form of reflections on personal experience, transcendence, and the currency of retrospection. Alongside recent contemporary photographs and a video installation, earlier iconographic works are brought back to the fore in times of political polarisation over minorities, culture, and gender.

The RAY Echoes concept was developed jointly by Anne-Marie Beckmann (Deutsche Börse Photography Foundation), Alexandra Lechner (freelance curator), Celina Lunsford (Fotografie Forum Frankfurt), and Matthias Wagner K (Museum Angewandte Kunst).

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
24. April – 11. August 2024

Alice Springs. Retrospektive

Die Ausstellung ist ein Partnerprojekt der internationalen Triennale der Fotografie RAY.

Anlässlich des 1 00. Geburtstags von June Newton alias Alice Springs im letzten Jahr wurden über 200 Fotografien von der Helmut Newton Foundation in Berlin neu zusammengetragen. Diese teilweise spektakulären Ergebnisse werden in den Opelvillen vorgestellt.

Unter dem Pseudonym Alice Springs arbeitete June Newton (1923-2021) seit 1970 als Fotografin. Am Anfang des eigenen Oeuvres stand eine Grippe ihres Mannes Helmut Newtons. Danach entstanden zahlreiche Porträts, Menschenbilder voller Empathie, die bis heute die für Alice Springs so charakteristische Mischung aus Einfühlung und Neugierde auf ihre Zeitgenossen transportieren.

In Kooperation mit der Helmut Newton Foundation, Berlin. Im Anschluss wird die Ausstellung vom 15. September 2024 bis 2. Februar 2025 im Stiftung Museum Schloss Moyland zu sehen sein.

À l'occasion du 100e anniversaire de June Newton, alias Alice Springs, l'année dernière, plus de 200 photographies ont été réassemblées par la Helmut Newton Foundation à Berlin. Ces résultats, parfois spectaculaires, sont présentés dans les Opelvillen.

Sous le pseudonyme d'Alice Springs, June Newton (1923-2021) a travaillé comme photographe depuis 1970. Au début de sa propre œuvre, elle a été victime de la grippe de son mari Helmut Newton. Elle a ensuite réalisé de nombreux portraits, des images humaines pleines d'empathie qui véhiculent encore aujourd'hui le mélange d'empathie et de curiosité envers ses contemporains si caractéristique d'Alice Springs.

En coopération avec la Helmut Newton Foundation, Berlin. L'exposition sera ensuite présentée du 15 septembre 2024 au 2 février 2025 à la fondation Museum Schloss Moyland.

L'exposition est un projet partenaire de la Triennale internationale de la photographie RAY.

In occasione del centesimo compleanno di June Newton, alias Alice Springs, lo scorso anno, la Fondazione Helmut Newton di Berlino ha raccolto oltre 200 nuove fotografie. Questi risultati, alcuni dei quali spettacolari, saranno presentati all'Opelvillen.

June Newton (1923-2021) ha lavorato come fotografa con lo pseudonimo di Alice Springs a partire dal 1970. La sua opera personale è iniziata quando il marito Helmut Newton si è ammalato di influenza. In seguito, ha creato numerosi ritratti, immagini di persone piene di empatia, che ancora oggi trasmettono la caratteristica miscela di empatia e curiosità di Alice Springs nei confronti dei suoi contemporanei.

In collaborazione con la Fondazione Helmut Newton di Berlino. La mostra sarà poi esposta alla Fondazione Museum Schloss Moyland dal 15 settembre 2024 al 2 febbraio 2025.

La mostra è un progetto partner della triennale internazionale di fotografia RAY.

To mark the 100th birthday of June Newton, alias Alice Springs, last year, the Helmut Newton Foundation in Berlin has compiled over 200 new photographs. These results, some of which are spectacular, will be presented in the Opelvillen.

June Newton (1923-2021) worked as a photographer under the pseudonym Alice Springs from 1970 onwards. Her own oeuvre began when her husband Helmut Newton caught the flu. After that, she produced numerous portraits, images of people full of empathy, which still convey Alice Springs' characteristic mixture of empathy and curiosity about her contemporaries.

In cooperation with the Helmut Newton Foundation, Berlin. The exhibition will then be on display at the Museum Schloss Moyland Foundation from September 15, 2024 to February 2, 2025.

The exhibition is a partner project of the international photography triennial RAY.

(Text: Openvillen, Rüsselheim)

KunstforuM51 | Hamburg
2. Juni - 2. Juli 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Trienniale Expanded der 8. Phototriennale Hamburg statt.

Gstettn
Regina Anzenberger

Das Ausstellungsprojekt im KunstforuM51 wurde für das ausgerufene Thema CURRENCY der Triennale ausgewählt.

Das KunstforuM51 präsentiert erstmals in Deutschland die Serie Gstettn der Wiener Künstlerin Regina Anzenberger.

Die Gstettn ist ein Ort der Wildnis und Freiheit, ein Grundstück, das auf eine Bebauung wartet und in der Zwischenzeit von der Natur erobert wurde. Von 2017 bis 2021 fotografierte Regina Anzenberger die Essenz der Gstettn gleich hinter der Ankerbrotfabrik in Wien, dort wo einst die größte Brotfabrik Europas stand. Die fotografierte natürliche Gstettn existiert heute nicht mehr. Sie wurde inzwischen abgesperrt, alle Bäume gefällt und der Baubeginn von Wohnungen für 3000 Menschen wird täglich erwartet.

Mit ihren Fotografien, die übermalt, weitergezeichnet und mit Fundstücken versehen werden, hat Regina Anzenberger die Naturerfahrung von Gstettn in den sieben Kapiteln Winterblumen, Naturplaneten, Die Illusion des Sommers, Ursprung, Die Rückeroberung der Natur/6 Pfeiler, Schnecken, Frost festgehalten. In ihren Werken verwischt sie die Grenze zwischen Objekt und Realität.

An seiner Collector´s Wall zeigt das KunstforuM51 im Rahmen dieser Triennale-Ausstellung die gesamte zwölfteilige Fotoserie TREES der Berliner Künstlerin Annette Apel, die bereits zuvor mit Arbeiten an der von Lars Teichmann kuratierten ersten Gruppenausstellung broken Romantik zur Eröffnung des KunstforuM51 teilgenommen hat.

Le projet d'exposition du KunstforuM51 a été sélectionné pour le thème CURRENCY de la Triennale.

Le KunstforuM51 présente pour la première fois en Allemagne la série Gstettn de l'artiste viennoise Regina Anzenberger.

Le Gstettn est un lieu de nature sauvage et de liberté, un terrain qui attend d'être construit et qui, entre-temps, a été conquis par la nature. De 2017 à 2021, Regina Anzenberger a photographié l'essence du Gstettn juste derrière l'usine Ankerbrot à Vienne, là où se trouvait autrefois la plus grande usine de pain d'Europe. Le Gstettn naturel photographié n'existe plus aujourd'hui. Elle a entre-temps été fermée, tous les arbres ont été abattus et le début de la construction de logements pour 3000 personnes est attendu chaque jour.

Avec ses photographies, repeintes, redessinées et agrémentées d'objets trouvés, Regina Anzenberger a immortalisé l'expérience naturelle de Gstettn en sept chapitres : Fleurs d'hiver, Planètes naturelles, L'illusion de l'été, Origine, La reconquête de la nature/6 piliers, Escargots, Gel. Dans ses œuvres, elle brouille la frontière entre l'objet et la réalité.

Sur son Collector's Wall, le KunstforuM51 présente dans le cadre de cette exposition triennale l'ensemble de la série de douze photos TREES de l'artiste berlinoise Annette Apel, qui avait déjà participé auparavant avec des travaux à la première exposition de groupe broken Romantik organisée par Lars Teichmann pour l'ouverture du KunstforuM51.

Il progetto espositivo di KunstforuM51 è stato selezionato per il tema proclamato dalla Triennale, CURRENCY.

Per la prima volta in Germania, KunstforuM51 presenta la serie Gstettn dell'artista viennese Regina Anzenberger.

Il Gstettn è un luogo di natura selvaggia e di libertà, un terreno che aspetta di essere costruito e nel frattempo conquistato dalla natura. Dal 2017 al 2021, Regina Anzenberger ha fotografato l'essenza del Gstettn proprio dietro la Ankerbrotfabrik di Vienna, dove un tempo sorgeva la più grande fabbrica di pane d'Europa. Il Gstettn naturale fotografato oggi non esiste più. Nel frattempo è stato transennato, tutti gli alberi sono stati abbattuti e a giorni si prevede l'inizio della costruzione di appartamenti per 3000 persone.

Con le sue fotografie, dipinte, disegnate e con oggetti trovati, Regina Anzenberger ha catturato l'esperienza naturale di Gstettn nei sette capitoli Fiori invernali, Pianeti naturali, L'illusione dell'estate, Origine, La riconquista della natura/6 Pilastri, Lumache, Gelo. Nelle sue opere, l'artista confonde il confine tra oggetto e realtà.

Nel suo Collector's Wall, KunstforuM51 espone l'intera serie fotografica in dodici parti TREES dell'artista berlinese Annette Apel, che ha già partecipato con opere alla prima mostra collettiva broken Romantik curata da Lars Teichmann all'apertura di KunstforuM51.

The exhibition project at KunstforuM51 was selected for the proclaimed theme CURRENCY of the Triennale.

For the first time in Germany, KunstforuM51 presents the series Gstettn by Viennese artist Regina Anzenberger.

Gstettn is a place of wilderness and freedom, a plot of land waiting to be built on and in the meantime conquered by nature. From 2017 to 2021, Regina Anzenberger photographed the essence of the Gstettn just behind the Ankerbrotfabrik in Vienna, where the largest bread factory in Europe once stood. The photographed natural Gstettn no longer exists today. It has now been cordoned off, all the trees cut down, and the start of construction of apartments for 3000 people is expected any day.

With her photographs, painted over, drawn on and with found objects, Regina Anzenberger has captured the natural experience of Gstettn in the seven chapters Winter Flowers, Natural Planets, The Illusion of Summer, Origin, The Reconquest of Nature/6 Pillars, Snails, Frost. In her works, she blurs the line between object and reality.

On its Collector's Wall, KunstforuM51 is showing the entire twelve-part photo series TREES by Berlin-based artist Annette Apel, who previously participated with works in the first group exhibition broken Romantik curated by Lars Teichmann at the opening of KunstforuM51, as part of this triennial exhibition.

(Text: KunstforuM51, Hamburg)

Jenisch Haus | Hamburg
22. Mai 2022 - 12. Februar 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Chiffren einer Stadt
Hans Meyer-Veden

Auf dem Weg zum Meer trifft die Elbe auf Hamburg und gibt der Stadt am Fluss ihren besonderen Charakter. Der Fotograf Hans Meyer-Veden hat die Stadt am Strom über mehr als drei Jahrzehnte hinweg in ausdrucksstarken Bildern festgehalten: Ein Flaneur mit Kamera, zu Fuß unterwegs in den Straßen und Gassen, am Wasser und in der Marsch. Mit sicherem fotografischem Blick wählte er seine Motive: Architekturensembles und -details in den schmalen Gassen von Altona und zwischen den Kontorhäusern der Speicherstadt, technische Apparaturen und Anlagen im Hafen, Natur in Stadt und Land und die immer wieder neu erscheinende Wasseroberfläche der Elbe.

Geboren 1931 in Stade und 1982 nach Altona gezogen hat Meyer-Veden den urbanen Raum in seiner Vielfalt und seinem Wandel bis zu seinem Tod 2018 in seiner ihm eigenen Bildsprache fixiert. Seine fotografischen Erkundungen gewinnen ihre Spannung aus dem Gegensatz zwischen der subjektiven, fein gestalteten Ästhetik einerseits und einem Streben nach objektiver Darstellung andererseits. Auffallend ist dabei die Abwesenheit der Menschen: Im krassen Gegensatz zu den Vertretern der klassischen Street Photography rückte Hans Meyer-Veden die Bewohner der Stadt nicht in den Fokus seiner Aufnahmen. Diese besondere Haltung hat er selbst mit einem „radikale[n] Wechsel in der Gebrauchsweise von Photographie“ erklärt, die er 1982 in der Begegnung mit der Großstadt als notwendig empfand: Weg von der „Ästhetik eines repräsentativen Augenblicks“ hin zu einer „auf das Ganze gerichteten Beobachtung“.

Im Rahmen der 8. Triennale der Photographie unter dem Motto ‚Currency‘ ergänzen drei Interventionen die Ausstellung um alternative Blickwinkel, die Hans Meyer-Vedens Themen und Aufnahmen perspektivisch erweitern: Eine Werkgruppe des Fotografen Michael Meyborg zeigt das Leben der vor allem türkischstämmigen Gastarbeiter in Altona um 1980, der Film „Terrible Houses in Danger“ der mpz Filmgruppe holt den Protest der Hausbesetzer an der Hafenstraße bis 1985 ins Bild und die seit 1999 entstandenen Arbeiten des Street-Art Künstlers TONA  laden zu einer aktuellen Form der visuellen Auseinandersetzung mit der urbanen Gesellschaft am Fluss ein.

Die Ausstellung umfasst 100 Handabzüge des Fotografen Hans Meyer-Veden, eine Tafel mit Dokumentarfotografien von Michael Meyborg, eine Videopräsentation der mpz Filmgruppe und eine Wandinstallation von TONA.

Kuratiert von Sebastian Lux, Jasmin Seck (Stiftung F.C. Gundlach) und Nicole Tiedemann-Bischop (Leiterin des Jenisch Hauses).

Sur le chemin de la mer, l'Elbe rencontre Hambourg et donne à la ville au bord du fleuve son caractère particulier. Le photographe Hans Meyer-Veden a immortalisé la ville sur le fleuve pendant plus de trois décennies dans des images expressives : Un flâneur muni d'un appareil photo, se déplaçant à pied dans les rues et les ruelles, au bord de l'eau et dans le marais. Il choisissait ses sujets avec un regard photographique sûr : ensembles et détails architecturaux dans les ruelles étroites d'Altona et entre les immeubles de bureaux de la Speicherstadt, appareils et installations techniques dans le port, nature en ville et à la campagne et la surface de l'Elbe qui apparaît toujours nouvelle.

Né en 1931 à Stade et installé à Altona en 1982, Meyer-Veden a fixé l'espace urbain dans sa diversité et sa transformation jusqu'à sa mort en 2018, dans un langage visuel qui lui est propre. Ses explorations photographiques tirent leur tension de l'opposition entre une esthétique subjective et finement façonnée d'une part, et une aspiration à une représentation objective d'autre part. Ce qui frappe ici, c'est l'absence de l'être humain : Contrairement aux représentants de la street photography classique, Hans Meyer-Veden n'a pas placé les habitants de la ville au centre de ses prises de vue. Il a lui-même expliqué cette attitude particulière par un "changement radical dans la manière d'utiliser la photographie", qu'il a ressenti comme nécessaire en 1982 lors de sa rencontre avec la grande ville : S'éloigner de "l'esthétique d'un instant représentatif" pour aller vers une "observation orientée vers l'ensemble".

Dans le cadre de la 8. Triennale der Photographie sous le thème 'Currency', trois interventions complètent l'exposition par des points de vue alternatifs qui élargissent la perspective des thèmes et des prises de vue de Hans Meyer-Veden : Un groupe d'œuvres du photographe Michael Meyborg montre la vie des travailleurs immigrés, principalement d'origine turque, à Altona vers 1980, le film "Terrible Houses in Danger" du mpz Filmgruppe fait entrer dans l'image la protestation des squatters de la Hafenstraße jusqu'en 1985 et les travaux de l'artiste de street art TONA, réalisés depuis 1999, invitent à une forme actuelle de confrontation visuelle avec la société urbaine au bord du fleuve.

L'exposition comprend 100 tirages à la main du photographe Hans Meyer-Veden, un panneau de photographies documentaires de Michael Meyborg, une présentation vidéo du mpz Filmgruppe et une installation murale de TONA.

Organisé par Sebastian Lux, Jasmin Seck (Fondation F.C. Gundlach) et Nicole Tiedemann-Bischop (directrice de la Jenisch Haus).

Sulla sua strada verso il mare, l'Elba incontra Amburgo e dà alla città sul fiume il suo carattere speciale. Il fotografo Hans Meyer-Veden ha catturato la città sul fiume in immagini espressive per più di tre decenni: Un flâneur con una macchina fotografica, a piedi nelle strade e nei vicoli, sull'acqua e nella palude. Sceglie i suoi motivi con un occhio fotografico sicuro: insiemi architettonici e dettagli negli stretti vicoli di Altona e tra gli edifici di uffici di Speicherstadt, apparati tecnici e installazioni nel porto, la natura nella città e nella campagna e la superficie dell'acqua dell'Elba che cambia continuamente.

Nato a Stade nel 1931 e trasferitosi ad Altona nel 1982, Meyer-Veden ha fissato lo spazio urbano nella sua diversità e cambiamento nel suo linguaggio visivo fino alla sua morte nel 2018. Le sue esplorazioni fotografiche traggono la loro tensione dal contrasto tra un'estetica soggettiva e finemente elaborata da un lato e la ricerca di una rappresentazione oggettiva dall'altro. Ciò che si nota qui è l'assenza di persone: In netto contrasto con i rappresentanti della fotografia di strada classica, Hans Meyer-Veden non ha messo gli abitanti della città al centro delle sue fotografie. Lui stesso ha spiegato questo particolare atteggiamento con un "cambiamento radicale nel modo di usare la fotografia", che ha ritenuto necessario nel 1982 quando ha incontrato la grande città: Lontano dall'"estetica di un momento rappresentativo" a un'"osservazione rivolta all'insieme".

Nel contesto dell'8. Triennale der Photographie sotto il motto 'Currency', tre interventi completano la mostra con prospettive alternative che ampliano i temi e le fotografie di Hans Meyer-Veden: Un gruppo di opere del fotografo Michael Meyborg mostra la vita dei lavoratori ospiti, principalmente di origine turca, ad Altona intorno al 1980, il film 'Terrible Houses in Danger' del mpz Filmgruppe porta in scena la protesta degli squatters sulla Hafenstraße fino al 1985, e le opere dell'artista di strada TONA, create dal 1999, invitano a una forma attuale di esame visivo della società urbana sul fiume.

La mostra comprende 100 stampe a mano del fotografo Hans Meyer-Veden, un pannello di fotografie documentarie di Michael Meyborg, una presentazione video del gruppo cinematografico mpz e un'installazione a muro di TONA.

A cura di Sebastian Lux, Jasmin Seck (Fondazione F.C. Gundlach) e Nicole Tiedemann-Bischop (Direttore della Jenisch Haus).

On its way to the sea, the Elbe meets Hamburg and gives the city on the river its special character. Photographer Hans Meyer-Veden has captured the city on the river in expressive images over more than three decades: A flâneur with camera, on foot in the streets and alleys, on the water and in the marsh. He chose his motifs with a sure photographic eye: architectural ensembles and details in the narrow alleys of Altona and between the office buildings of Speicherstadt, technical apparatus and equipment in the harbor, nature in the city and the countryside, and the ever-changing water surface of the Elbe.

Born in Stade in 1931 and moved to Altona in 1982, Meyer-Veden fixed the urban space in its diversity and change in his own visual language until his death in 2018. His photographic explorations gain their tension from the contrast between subjective, finely crafted aesthetics on the one hand and a striving for objective representation on the other. What is conspicuous here is the absence of people: In stark contrast to the representatives of classical street photography, Hans Meyer-Veden did not make the inhabitants of the city the focus of his photographs. He himself explained this particular attitude with a "radical change in the way photography is used," which he felt was necessary in 1982 when he encountered the big city: Away from the "aesthetics of a representative moment" to an "observation directed at the whole."

In the context of the 8. Triennale der Photographie under the motto 'Currency', three interventions complement the exhibition with alternative perspectives that broaden Hans Meyer-Veden's themes and photographs in terms of perspective: A group of works by photographer Michael Meyborg shows the life of mainly Turkish-born guest workers in Altona around 1980, the film "Terrible Houses in Danger" by the mpz Filmgruppe brings the protest of squatters on Hafenstraße into the picture until 1985, and the works of street artist TONA, created since 1999, invite a current form of visual engagement with urban society on the river.

The exhibition includes 100 hand prints by photographer Hans Meyer-Veden, a panel of documentary photographs by Michael Meyborg, a video presentation by mpz Filmgruppe, and a wall installation by TONA.

Curated by Sebastian Lux, Jasmin Seck (F.C. Gundlach Foundation) and Nicole Tiedemann-Bischop (Director of the Jenisch Haus).

Deichtorhallen - Sammlung Falckenberg | Hamburg
21. Mai - 28. August 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Charlotte March

Die groß angelegte Werkschau Charlotte Marchs (1929–2005) in der Sammlung Falckenberg legt den Fokus auf die bisher wenig bekannten Arbeiten der für Ihre Mode- und Werbeaufnahmen bekannten Hamburger Fotografin. Der knapp 7000 Werke umfassenden Nachlass ist seit 2006 Bestandteil der Sammlung Falckenberg. Er bildet die Grundlage für die Neuentdeckung der Fotografin, die für Magazine wie Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazaar und Twen gearbeitet hat. Das 1977 im Selbstverlag veröffentlichte Buch „Mann, oh Mann – Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes“ wurde breit diskutierte, zeigte es doch erstmalig explizit eine weibliche Sicht auf den männlichen Körper.

Die Ausstellung zeigt einen Querschnitt durch alle Schaffensphasen der Künstlerin, von ihren frühen Fotografien im Hamburg der 1950er Jahre, ihren Reisen nach Italien in den 1960ern, bis hin zu ihren späteren internationalen Mode- und Werbefotografien. Ein besonderer Fokus liegt dabei auf Marchs Tätigkeit in und ihrem Bezug zur Stadt Hamburg, in der sie Zeit ihres Lebens wohnte.

Schon in den 1950er Jahren zeigt uns ihr hochsensibler Blick auf das Nachkriegs Hamburg die verschiedenen Facetten der Stadt und des Menschseins. Ihr Interesse an den Menschen und wie sie ihren Lebensunterhalt bestreiten, ihr Blick auf die Ränder der Gesellschaft und der Stadt führt sie auch an marginalisierte, gänzlich unglamoröse Orte. Ihr Blick hinter die Kulissen der Stadt zeigt uns die Lebensumstände von Bonbon-Machern, Schmieden und Kassiererinnen wie auch das Leben auf der Reeperbahn. 

Gerade ihr frühes Werk bildet ein wichtigen, bisher wenig beachteten Beitrag zum kulturellen Gedächtnis der Stadt Hamburg und darüber hinaus. Die Ausstellung in der Sammlung Falckenberg wird in enger Zusammenarbeit mit Manju Sawhney realisiert, Fotografin und langjährigen Assistentin Marchs und Archivarin des Bestands.

Kuratiert von Goesta Diercks und Dirk Luckow in Kooperation mit Manju Sawhney.

L'exposition à grande échelle de l'œuvre de Charlotte March (1929-2005) dans la collection Falckenberg met l'accent sur les travaux peu connus de la photographe hambourgeoise connue pour ses photos de mode et de publicité. Le fonds de près de 7000 œuvres fait partie de la collection Falckenberg depuis 2006. Il constitue la base de la redécouverte de la photographe, qui a travaillé pour des magazines tels que Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper's Bazaar et Twen. Le livre "Mann, oh Mann - Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes" (Homme, oh homme - Une proposition pour l'émancipation de l'homme séduisant), publié à compte d'auteur en 1977, a été largement discuté, car il montrait pour la première fois explicitement un point de vue féminin sur le corps masculin.

L'exposition présente une coupe transversale de toutes les phases de création de l'artiste, de ses premières photographies à Hambourg dans les années 1950, de ses voyages en Italie dans les années 1960, jusqu'à ses photographies internationales de mode et de publicité plus tardives. L'accent est mis en particulier sur l'activité de March à Hambourg et sur son rapport à la ville où elle a vécu toute sa vie.

Dès les années 1950, son regard très sensible sur le Hambourg de l'après-guerre nous montre les différentes facettes de la ville et de l'humanité. Son intérêt pour les gens et la manière dont ils gagnent leur vie, son regard sur les marges de la société et de la ville la conduisent également dans des lieux marginalisés et totalement nonlamoraux. Son regard sur les coulisses de la ville nous montre les conditions de vie des fabricants de bonbons, des forgerons et des caissières, ainsi que la vie sur la Reeperbahn. 

Son œuvre de jeunesse est une contribution importante à la mémoire culturelle de la ville de Hambourg et au-delà, qui n'a pas été très remarquée jusqu'à présent. L'exposition de la Collection Falckenberg est réalisée en étroite collaboration avec Manju Sawhney, photographe, assistante de longue date de March et archiviste du fonds.

Organisée par Goesta Diercks et Dirk Luckow en coopération avec Manju Sawhney.

La grande mostra delle opere di Charlotte March (1929-2005) nella Collezione Falckenberg si concentra sulle opere finora poco conosciute della fotografa di Amburgo nota per le sue fotografie di moda e pubblicitarie. Il patrimonio di quasi 7000 opere fa parte della Collezione Falckenberg dal 2006. È la base per la riscoperta del fotografo, che ha lavorato per riviste come Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper's Bazaar e Twen. Il libro autopubblicato "Mann, oh Mann - Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes" (Uomo, oh uomo - Una proposta per l'emancipazione dell'uomo attraente), pubblicato nel 1977, fu ampiamente discusso, poiché mostrava esplicitamente per la prima volta una visione femminile del corpo maschile.

La mostra mostra uno spaccato di tutte le fasi creative dell'artista, dalle sue prime fotografie ad Amburgo negli anni '50, ai suoi viaggi in Italia negli anni '60, alle sue successive fotografie internazionali di moda e pubblicità. Un'attenzione particolare è dedicata alle attività di March e al suo rapporto con la città di Amburgo, dove ha vissuto per tutta la vita.

Già negli anni '50, la sua visione molto sensibile della Amburgo del dopoguerra ci mostra le diverse sfaccettature della città e dell'essere umano. Il suo interesse per le persone e per come si guadagnano da vivere, la sua visione dei margini della società e della città la porta anche in luoghi emarginati e del tutto privi di fascino. Il suo sguardo dietro le quinte della città ci mostra le condizioni di vita dei produttori di caramelle, dei fabbri e dei cassieri e la vita sulla Reeperbahn. 

I suoi primi lavori in particolare costituiscono un contributo importante, finora poco notato, alla memoria culturale della città di Amburgo e oltre. La mostra nella Collezione Falckenberg è stata realizzata in stretta collaborazione con Manju Sawhney, fotografa e assistente di March per molti anni e archivista della collezione.

A cura di Goesta Diercks e Dirk Luckow in collaborazione con Manju Sawhney.

The major retrospective on Charlotte March (1929–2005) at the Falckenberg Collection focuses on the previously little-known works of this photographer from Hamburg, who is known for her fashion and advertising photos. Her estate, comprising nearly seven thousand works, has been part of the Falckenberg Collection since 2006. It forms the basis for the rediscovery of this photographer, who worked for magazines such as Brigitte, Stern, Vogue, Vanity Fair, Harper’s Bazaar, and Twen. Her 1977 self-published book Mann, oh Mann: Ein Vorschlag zur Emanzipation des attraktiven Mannes was widely discussed, since it was the first to explicitly show a female view of the male body.

The exhibition offers an overview of all the artist’s creative periods, from her early photographs in Hamburg in the 1950s to her trips to Italy in the 1960s and her later international fashion and advertising photographs. It focuses in particular on March’s work in and relationship to the city of Hamburg, where she lived throughout her life.

Starting in the 1950s, her highly sensitive view of postwar Hamburg shows the various facets of the city and of human life. Her interest in people and how they make a living, as well as her perspective on the fringes of society and the city, also led her to marginalized, utterly unglamorous places. This behind-the-scenes glimpse of the city shows what life was like for candymakers, blacksmiths, and cashiers, as well as in the Reeperbahn, Hamburg’s red-light district.

March’s early work in particular made an important, previously little-known contribution to the cultural memory of the city of Hamburg and beyond. The exhibition in the Falckenberg Collection is being realized in close collaboration with Manju Sawhney, a photographer and March’s longtime assistant, as well as archivist of her estate.

Curated by Goesta Diercks and Dirk Luckow in cooperation with Manju Sawhney.

(Text: Triennale Hamburg)

Deichtorhallen - PHOXXI. Haus der Photographie temporär | Hamburg
20. Mai - 14. August 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Behind the Scenes

Die zweiteilige Ausstellung »Behind the Scenes« im PHOXXI, dem temporären Haus der Photographie der Deichtorhallen Hamburg dreht sich um Prozesse von Austausch und Veränderung, mit denen die fotografische Sammlung des Hauses konfrontiert ist.

Der Fotograf, Geschäftsmann und Sammler F.C. Gundlach (1926–2021) hat das Sammeln nie ausschließlich als Wertanlage verstanden, sondern ist vor allem seiner Leidenschaft und seinem Engagement, Fotografie zu fördern, nachgegangen. Dennoch ist die private Sammlung F.C. Gundlach mit ihrem hohen kulturellen Wert eine machtvolle kulturelle „Währung“, die zur Gründung des Haus der Photographie in der südlichen Deichtorhalle 2003 führte. 

Im Fokus dieser Ausstellung steht der Umzug der Bestände der Sammlung F.C. Gundlach, der durch die umfassende, dreijährige Sanierung des Gebäudes notwendig wurde. Der in Hamburg ansässige Fotograf Christoph Irrgang begreift den Umzug der Sammlung F.C. Gundlach als künstlerische Herausforderung, die er fotografisch in ebenso sachlicher wie poetischer Auseinandersetzung begleitet. Fasziniert ihn dabei die nicht öffentliche und sehr intime Arbeitssituation in den Magazinen und Depots, bildet er anhand begrifflicher Gegensätze wie ‚hell/dunkel‘ oder ‚innen/aussen‘ sichtbare, aber auch erst sichtbar zu machende Details der Arbeit mit der Sammlung ab.

Ergänzt wird Irrgangs analytisch-fotografische Arbeit durch eine Kooperation mit der Hamburger Fotofachzeitschrift Photonews. Zeitung für Fotografie. Die Atmosphäre und das internationale Flair der Paris Photo, der seit 1997 weltweit größten fotografischen Messe mit Beteiligung internationaler Galerien, Verlage und Prominenz, wird von den Photonews Redakteur*innen Anna Gripp und Denis Brudna regelmäßig fotografisch beleuchtet. Die alljährlich im November im Grand Palais stattfindende internationale Messe mit etwa 200 beteiligten Galerien und Verlagen hat längst die Bedeutung einer machtvollen „Börse“ der Fotografie erlangt. Für den Sammler F.C. Gundlach hatte die Paris Photo im Jahreskalender größte Bedeutung – dort traf er andere Sammler, Freunde, Galeristen und Künstler, frischte seine Kontakte auf, knüpfte neue Verbindungen und – kaufte fotografische Kunst. 

Bieten Irrgangs farbige und schwarz-weiße Fotografien in detaillierten Ansichten einen Einblick in den Mikrokosmos einer privaten Sammlung, eröffnen Brudna und Gripp in Form filmischer Beiträge und einer Fülle von Fotografien der Paris Photo einen spannungsvollen und atmosphärisch dichten Blick über das vibrierende Treiben des internationalen Events unter der gläsernen Kuppel des Grand Palais.

Kuratiert von Dr. Sabine Schnakenberg (Kuratorin der Sammlung F.C. Gundlach).

L'exposition en deux parties "Behind the Scenes" au PHOXXI, la maison temporaire de la photographie des Deichtorhallen de Hambourg, s'articule autour des processus d'échange et de changement auxquels est confrontée la collection photographique de la maison.

Le photographe, homme d'affaires et collectionneur F.C. Gundlach (1926-2021) n'a jamais considéré la collection exclusivement comme un placement de valeur, mais s'est avant tout consacré à sa passion et à son engagement pour la promotion de la photographie. Néanmoins, la collection privée de F.C. Gundlach, avec sa grande valeur culturelle, est une puissante "monnaie" culturelle qui a conduit à la création de la Haus der Photographie dans le sud de la Deichtorhalle en 2003.

Cette exposition se concentre sur le déménagement des fonds de la collection F.C. Gundlach, rendu nécessaire par la rénovation complète du bâtiment, qui a duré trois ans. Le photographe Christoph Irrgang, établi à Hambourg, considère le déménagement de la collection F.C. Gundlach comme un défi artistique qu'il accompagne d'une réflexion à la fois objective et poétique. Fasciné par la situation de travail non publique et très intime dans les magasins et les dépôts, il reproduit, à l'aide d'oppositions conceptuelles telles que 'clair/obscur' ou 'intérieur/extérieur', les détails visibles, mais aussi ceux qui doivent être rendus visibles, du travail avec la collection.

Le travail analytique et photographique d'Irrgang est complété par une coopération avec la revue photographique spécialisée de Hambourg Photonews. Journal de la photographie. L'atmosphère et l'ambiance internationale de Paris Photo, la plus grande foire photographique du monde depuis 1997 avec la participation de galeries internationales, de maisons d'édition et de célébrités, sont régulièrement mises en lumière par la photographie des rédacteurs* de Photonews, Anna Gripp et Denis Brudna. La foire internationale qui se tient chaque année en novembre au Grand Palais et à laquelle participent environ 200 galeries et éditeurs a depuis longtemps acquis l'importance d'une puissante "bourse" de la photographie. Pour le collectionneur F.C. Gundlach, Paris Photo revêtait une importance capitale dans le calendrier annuel - il y rencontrait d'autres collectionneurs, amis, galeristes et artistes, rafraîchissait ses contacts, nouait de nouvelles relations et - achetait de l'art photographique.

Si les photographies en couleur et en noir et blanc d'Irrgang offrent un aperçu détaillé du microcosme d'une collection privée, Brudna et Gripp proposent, sous forme de films et d'une multitude de photographies de Paris Photo, une vue captivante et à l'atmosphère dense sur l'agitation vibrante de l'événement international sous la coupole de verre du Grand Palais.

Sabine Schnakenberg (conservatrice de la collection F.C. Gundlach).

La mostra in due parti "Dietro le quinte" a PHOXXI, la casa temporanea della fotografia al Deichtorhallen di Amburgo, ruota intorno ai processi di scambio e di cambiamento con cui la collezione fotografica della casa si confronta.

Il fotografo, uomo d'affari e collezionista F.C. Gundlach (1926-2021) non ha mai inteso il collezionismo esclusivamente come un investimento di valore, ma ha perseguito soprattutto la sua passione e l'impegno di promuovere la fotografia. Tuttavia, la collezione privata di F.C. Gundlach con il suo alto valore culturale è una potente "moneta" culturale che ha portato alla fondazione della Haus der Photographie nella Deichtorhalle meridionale nel 2003.

Questa mostra si concentra sul trasferimento del patrimonio della Collezione F.C. Gundlach, reso necessario dalla vasta ristrutturazione triennale dell'edificio. Il fotografo amburghese Christoph Irrgang vede il trasferimento della Collezione F.C. Gundlach come una sfida artistica, che lui accompagna fotograficamente in un modo tanto oggettivo quanto poetico. Affascinato dalla situazione di lavoro non pubblica e molto intima nelle riviste e nei depositi, usa contrasti concettuali come 'luce/buio' o 'dentro/fuori' per rappresentare i dettagli del lavoro con la collezione che sono visibili, ma anche quelli che possono essere solo resi visibili.

Il lavoro fotografico analitico di Irrgang è completato da una collaborazione con la rivista fotografica di Amburgo Photonews. Giornale per la fotografia. L'atmosfera e l'atmosfera internazionale di Paris Photo, la più grande fiera fotografica del mondo dal 1997 con la partecipazione di gallerie internazionali, editori e celebrità, è regolarmente illuminata fotograficamente dai redattori di Photonews Anna Gripp e Denis Brudna. Tenuto ogni anno a novembre al Grand Palais, la fiera internazionale con circa 200 gallerie ed editori partecipanti ha acquisito da tempo il significato di una potente "borsa" della fotografia. Per il collezionista F.C. Gundlach, Paris Photo aveva il più grande significato nel calendario annuale - lì incontrò altri collezionisti, amici, galleristi e artisti, rinfrescò i suoi contatti, fece nuove connessioni e - comprò arte fotografica.

Mentre le fotografie a colori e in bianco e nero di Irrgang offrono uno sguardo nel microcosmo di una collezione privata in vedute dettagliate, Brudna e Gripp aprono una visione emozionante e densa di atmosfera del vibrante trambusto dell'evento internazionale sotto la cupola di vetro del Grand Palais sotto forma di contributi cinematografici e una ricchezza di fotografie di Paris Photo.

A cura della dottoressa Sabine Schnakenberg (curatrice della Collezione F.C. Gundlach).

The two-part exhibition Behind the Scenes in the PHOXXI, the Temporary House of Photography at the Deichtorhallen Hamburg, revolves around processes of exchange and change confronting the institution’s photography collection.

The photographer, businessman, and collector F.C. Gundlach (1926–2021) never thought of collecting solely as an investment, and instead primarily pursued his passion for and commitment to supporting photography. Nonetheless, the private F.C. Gundlach Collection, with its great cultural value, is a powerful cultural “currency” that led to the establishment of the House of Photography in the southern hall of the Deichtorhallen in 2003.

The focus of this exhibition is the relocation of the F.C. Gundlach Collection, which became necessary due to the extensive three-year renovation of the House of Photography building. Hamburg-based photographer Christoph Irrgang understands the relocation of the F.C. Gundlach Collection as an artistic challenge, which he documents in photography in both matter-of-fact and poetic manners. While he is fascinated by the non-public and very intimate working situation in the storage areas, he uses conceptual opposites such as light/dark and interior/exterior to depict visible details of the work with the collection as well as those that remain hidden from view.

Irrgang’s analytical photographic work is complemented by a cooperation with the Hamburg-based photography magazine Photonews. The atmosphere and international flair of Paris Photo—since 1997 the world’s largest photography fair, featuring international galleries, publishers, and prominent figures—is regularly photographed by Photonews editors Anna Gripp and Denis Brudna. The international fair, which takes place every November in the Grand Palais with some two hundred participating galleries and publishers, has long since attained the status of a powerful “stock exchange” for photography. For Gundlach, Paris Photo was an annual event of supreme importance: there he met other collectors, friends, gallerists, and artists, maintained contacts, made new connections, and purchased photographic artworks.

While Irrgang’s color and black-and-white photographs offer detailed insights into the microcosm of a private collection, in videos and numerous photographs from Paris Photo, Brudna and Gripp reveal an exciting and atmospherically concentrated view of the pulsating activity at the international event under the glass dome of the Grand Palais.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, Curator of the F.C. Gundlach Collection.

(Text: Phototriennale Hamburg)

Deichtorhallen - Halle für aktuelle Kunst | Hamburg
20. Mai - 18. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Currency: Photography Beyond Capture

Die Ausstellung Currency: Photography Beyond Capture (Währung - Photographie jenseits der Aufnahme) untersucht die künstlerische Auseinandersetzung mit Photographie im "retinalen Zeitalter", in dem Bilder nicht nur Themen und Ereignisse dokumentieren, sondern das Sehen und Gesehen-werden grundlegend prägen. Die Ausstellung zeigt Photographie nicht als Dokument von Essenz oder verbindlicher Wahrheit, sondern als Rahmen und Kontext für erzählerische Erfindungen. Currency betrachtet wie Wissen gewonnen wird und wie dieses über die konzeptuellen Ansätze des Mediums Photographie neu gedacht werden kann.

Die Ausstellung verwebt Formen experimenteller Aufnahmen mit archivarischer und dokumentarischer Praxis und beschwört alle Sinne ansprechende Erscheinungen herauf. Sie inszeniert Arbeiten vielgestaltiger photographischer Praxen und strukturiert diese anhand wesentlicher Motive: der Gegenüberstellung und Dekonstruktion visueller Kanons, der Darstellung aus dem Inneren von Gemeinschaften und sozialen Beziehungen, einer Gegenkartierung des Anthropozäns anhand von durch militärische Besatzung oder extraktivem Kapitalismus geprägten Landschaften, der Zärtlichkeit und der Währung des Intimen jenseits konventioneller Porträts, sowie poetischer Erkundungen alchemistischer Prozesse der Photographie.

Mit Arbeiten von Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin, Paul Yeung und anderen.

Kuratiert von Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo und Oluremi C. Onabanjo.

L'exposition Currency : Photography Beyond Capture (Monnaie - la photographie au-delà de la prise de vue) examine l'approche artistique de la photographie à l'"ère rétinienne", dans laquelle les images ne se contentent pas de documenter des thèmes et des événements, mais marquent fondamentalement la façon de voir et d'être vu. L'exposition montre la photographie non pas comme un document d'essence ou de vérité obligatoire, mais comme un cadre et un contexte pour des inventions narratives. Currency examine comment le savoir est acquis et comment il peut être repensé à travers les approches conceptuelles du médium photographique.

L'exposition mêle des formes de prises de vue expérimentales à des pratiques archivistiques et documentaires et évoque des apparitions qui attirent tous les sens. Elle met en scène des travaux issus de pratiques photographiques multiples et les structure autour de motifs essentiels : la confrontation et la déconstruction de canons visuels, la représentation de l'intérieur de communautés et de relations sociales, une contre-cartographie de l'anthropocène à travers des paysages marqués par l'occupation militaire ou le capitalisme extractif, la tendresse et la monnaie de l'intime au-delà des portraits conventionnels, ainsi que des explorations poétiques des processus alchimiques de la photographie.

Avec des travaux d'Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin, Paul Yeung et autres.

Organisé par Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo et Oluremi C. Onabanjo.

La mostra Currency: Photography Beyond Capture esplora l'impegno artistico con la fotografia nell'"era della retina", in cui le immagini non solo documentano soggetti ed eventi, ma modellano fondamentalmente il modo in cui vediamo e siamo visti. La mostra presenta la fotografia non come documento di essenza o verità vincolante, ma come quadro e contesto per l'invenzione narrativa. Currency guarda a come la conoscenza viene acquisita e come può essere ripensata attraverso gli approcci concettuali del mezzo fotografico.

La mostra intreccia forme di fotografia sperimentale con la pratica archivistica e documentaria, evocando apparizioni che fanno appello a tutti i sensi. Mette in scena opere di pratiche fotografiche poliedriche e le struttura intorno a motivi essenziali: la giustapposizione e la decostruzione dei canoni visivi, la rappresentazione dall'interno delle comunità e delle relazioni sociali, una contro-mappatura dell'Antropocene attraverso paesaggi modellati dall'occupazione militare o dal capitalismo estrattivo, la tenerezza e la valuta dell'intimo oltre il ritratto convenzionale, e le esplorazioni poetiche dei processi alchemici della fotografia.

Con opere di Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin, Paul Yeung e altri.

A cura di Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo e Oluremi C. Onabanjo.

Currency: Photography Beyond Capture (Währung - Photographie jenseits der Aufnahme) explores artistic engagements with photography in the “retinal age,” where images not only act as records and imprints but fundamentally shape acts of seeing and being seen. The exhibition approaches photographs as contextual frames for narrative invention rather than as documents of binding truth or essence. Currency considers how knowledge is sought and reimagined through conceptual approaches to the photographic medium.   

The exhibition weaves modes of experimental capture, appearance, multisensory evocation, and archival and documentative practice. In staging works by visual artists and photographers, several motifs will structure Currency: the deconstruction and juxtaposition of visual canons; portrayals of community and social relations from within; countermapping in the Anthropocene across landscapes of extractive capitalism and military occupation; tenderness and the currency of intimacy beyond the conventions of portraiture; and poetic explorations into the alchemical processes of photography. With works by artists including Akinbode Akinbiyi, Ziad Antar, Vartan Avakian, Oroma Elewa, Anne-Marie Filaire, Alfredo Jaar, Clifford Prince King, Marilyn Nance, Guevara Namer, Otobong Nkanga, Rana El Nemr, Jo Ractliffe, Cecilia Reynoso, RaMell Ross, Raed Yassin and Paul Yeung.

Curated by Koyo Kouoh, Rasha Salti, Gabriella Beckhurst Feijoo, and Oluremi C. Onabanjo.

(Text: Phototriennale Hamburg)

Hamburger Kunsthalle
19. Mai - 28. August 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Give and Take. Bilder über Bilder

»Give and Take« – Geben und Nehmen – beschreibt Prozesse des Austauschs und der Aneignung von Bildmaterial in der zeitgenössischen Fotografie. Bilder zirkulieren und migrieren über geographische, kulturelle und soziale Grenzen hinweg. Die Kontexte, in der ein und dieselbe Fotografie heute erscheint, haben sich potenziert und damit auch ihre Wirkung. Die Bedeutung von Bildern – auch des eigenen – lässt sich kaum noch kontrollieren. In diesem Spannungsfeld eignen sich Künstler*innen Bilder aus den verschiedensten Feldern an, um die Mechanismen der Produktion von Realitäten und Identitäten zu erforschen.

Von frühen Bildarchiven, historischen Filmaufnahmen und Museumssammlungen, über die klassischen Printmedien bis hin zu digitalen Bildern auf Social Media und in Bildersuchmaschinen reichen die Materialsammlungen, aus der sich Künstler*innen der Ausstellung bedienen. In fotografischen, filmischen und installativen Arbeiten reagieren sie auf Bilder, die aus einer anderen Zeit stammen oder für einen anderen Zweck entwickelt wurden. Angefragte Künstler*innen: Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Louise Lawler, Max Pinckers, Walid Raad, Volker Renner, Taryn Simon, Wolfgang Tillmans u. a.

"Give and Take" - donner et prendre - décrit les processus d'échange et d'appropriation de matériel visuel dans la photographie contemporaine. Les images circulent et migrent au-delà des frontières géographiques, culturelles et sociales. Les contextes dans lesquels une seule et même photographie apparaît aujourd'hui se sont potentialisés et, par conséquent, son impact aussi. Il n'est plus guère possible de contrôler la signification des images - y compris la sienne. Dans ce contexte tendu, les artistes* s'approprient des images issues des champs les plus divers pour explorer les mécanismes de production de réalités et d'identités.

Des premières archives photographiques, des films historiques et des collections de musées, en passant par les médias imprimés classiques, jusqu'aux images numériques sur les médias sociaux et dans les moteurs de recherche d'images, les collections de matériaux dont se servent les artistes* de l'exposition sont nombreuses. Dans leurs travaux photographiques, cinématographiques et installatifs, ils réagissent à des images qui proviennent d'une autre époque ou qui ont été développées dans un autre but. Artistes invités* : Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Louise Lawler, Max Pinckers, Walid Raad, Volker Renner, Taryn Simon, Wolfgang Tillmans et autres.

"Give and Take" descrive i processi di scambio e appropriazione del materiale visivo nella fotografia contemporanea. Le immagini circolano e migrano attraverso le frontiere geografiche, culturali e sociali. I contesti in cui una stessa fotografia appare oggi si sono moltiplicati, e così il suo impatto. Il significato delle immagini - comprese le proprie - non può più essere controllato. In questo campo di tensione, gli artisti si appropriano di immagini provenienti dai campi più diversi per esplorare i meccanismi di produzione di realtà e identità.

Le collezioni di materiale da cui gli artisti in mostra attingono vanno dai primi archivi di immagini, filmati storici e collezioni di musei, fino alla stampa classica e alle immagini digitali sui social media e nei motori di ricerca di immagini. Nelle opere fotografiche, cinematografiche e installative, reagiscono a immagini che provengono da un'altra epoca o sono state sviluppate per uno scopo diverso. Artisti in primo piano: Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Louise Lawler, Max Pinckers, Walid Raad, Volker Renner, Taryn Simon, Wolfgang Tillmans, ecc.

Give and Take describes the processes of exchange and appropriation of visual material in contemporary photography. More and more images are circulating and migrating across geographical, cultural, and social boundaries. One and the same photograph may appear today in myriad contexts, multiplying its impact exponentially. We have thus lost control of all the meanings that may be assigned to an image once it is released into the world. In this “give and take,” artists appropriate images from a variety of fields as they explore the mechanisms behind the production of realities and identities.

From early picture archives, historical film footage, and museum collections to classic print media and digital images found on social media and through search engines, the artists featured in the exhibition draw on a rich trove of material. With their photographs, films, and installations, the artists respond to images that originated in another time or were made for a different purpose. Featuring work by Viktoria Binschtok, Sara Cwynar, Louise Lawler, Max Pinckers, Walid Raad, Volker Renner, Taryn Simon, Wolfgang Tillmans, among others.

(Text: Triennale Hamburg)

Bargheer Museum | Hamburg
15. Mai - 18. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Triennale der Photografie Hamburg statt.

passione e destino
Aufbruch des Fotografen Herbert List und des Malers Eduard Bargheer in die mediterrane Welt

Das Bargheer Museum zeigt in Zusammenarbeit mit dem Herbert List Estate eine Mixed Media Ausstellung der befreundeten Hamburger Künstler. Beide erleben in Hamburg das Aufkommen der nationalsozialistischen Herrschaft, die sie künstlerisch und geistig zunehmend einschränkt und ihre Entwicklung bedroht. Auf unterschiedlichen Wegen entkommen sie den wachsenden Repressionen in Deutschland in den mediterranen Süden, von dem sie sich kulturell, aber vor allem auch menschlich stark angezogen fühlen.

Das Licht und die Kultur des Südens sind Katalysatoren für entscheidende Weiterentwicklungen ihrer künstlerischen Arbeit. Trotz der Zäsur des Weltkriegs bleibt der Süden auch nach 1945 Lebensmittelpunkt beider. Sie begegnen sich wieder auf der Insel Ischia, wo sich Bargheer inzwischen endgültig niedergelassen hat. Lists Foto-Essay 1951 von Ischia belegt die einmalige Atmosphäre des geheimnisvollen Treffpunkts der westlichen Kunstwelt mit deren alternativen Liebes- und Lebensentwürfen. Die Arbeiten Bargheers zu dieser Zeit belegen seinen Anschluss an die gefeierte Moderne des Mid-Century.

Die spannungsvolle Gegenüberstellung von Malerei und Fotografie ist Zeugnis unterschiedlicher und dennoch ähnlicher Lebenswege und beleuchtet mit 90 Fotos sowie zahlreichen Aquarell- und Ölbildern fast nebenbei die spezifischen Ausdrucksmöglichkeiten der beiden Kunstgattungen.

Schwerpunkt der Ausstellung bilden Arbeiten beider Künstler aus den 1930er Jahren in Hamburg und Umgebung, sowie Arbeiten, die Anfang der 50er Jahre auf Ischia entstanden sind.

Kuratiert wird die Ausstellung von Dirk Justus und Peer-Olaf Richter.

Le Bargheer Museum présente, en collaboration avec le Herbert List Estate, une exposition de mixed media des artistes amis de Hambourg. Tous deux vivent à Hambourg la montée du régime national-socialiste, qui les restreint de plus en plus sur le plan artistique et intellectuel et menace leur développement. Par des voies différentes, ils échappent à la répression croissante en Allemagne pour se rendre dans le Sud méditerranéen, dont ils se sentent fortement attirés, culturellement mais aussi et surtout humainement.

La lumière et la culture du Sud sont des catalyseurs pour des développements décisifs de leur travail artistique. Malgré la césure de la guerre mondiale, le Sud reste le centre de leur vie après 1945. Ils se rencontrent à nouveau sur l'île d'Ischia, où Bargheer s'est entre-temps définitivement installé. L'essai photographique de List sur Ischia en 1951 témoigne de l'atmosphère unique de ce lieu de rencontre mystérieux du monde de l'art occidental avec ses projets d'amour et de vie alternatifs. Les travaux de Bargheer à cette époque témoignent de son adhésion au modernisme célébré du mid-century.

La confrontation passionnante de la peinture et de la photographie témoigne de parcours de vie différents et pourtant similaires et éclaire presque en passant, avec 90 photos ainsi que de nombreuses aquarelles et huiles, les possibilités d'expression spécifiques des deux disciplines artistiques.

L'exposition met l'accent sur les travaux des deux artistes réalisés dans les années 1930 à Hambourg et dans ses environs, ainsi que sur des œuvres créées au début des années 1950 à Ischia.

Le commissariat de l'exposition est assuré par Dirk Justus et Peer-Olaf Richter.

In collaborazione con la Herbert List Estate, il Museo Bargheer presenta una mostra a tecnica mista degli artisti amici di Amburgo. Entrambi vivono l'ascesa del regime nazionalsocialista ad Amburgo, che li limita sempre più dal punto di vista artistico e intellettuale e minaccia il loro sviluppo. In modi diversi sfuggono alle crescenti repressioni in Germania per raggiungere il sud del Mediterraneo, da cui si sentono fortemente attratti culturalmente, ma soprattutto umanamente.

La luce e la cultura del Sud sono catalizzatori di ulteriori e decisivi sviluppi del loro lavoro artistico. Nonostante la cesura della guerra mondiale, il Sud rimase il centro della vita di entrambi dopo il 1945. Si rincontrarono sull'isola d'Ischia, dove nel frattempo Bargheer si era stabilito definitivamente. Il saggio fotografico 1951 di Ischia di List documenta l'atmosfera unica del misterioso luogo di incontro tra il mondo dell'arte occidentale e le sue concezioni alternative dell'amore e della vita. Il lavoro di Bargheer in questo periodo dimostra il suo legame con il celebre modernismo del Mid-Century.

L'emozionante accostamento tra pittura e fotografia testimonia percorsi di vita diversi ma simili e, con 90 fotografie e numerosi acquerelli e dipinti a olio, fa luce quasi incidentalmente sulle specifiche possibilità espressive dei due generi artistici.

La mostra si concentra su opere di artisti degli anni Trenta ad Amburgo e dintorni e su opere realizzate a Ischia nei primi anni Cinquanta.

La mostra è curata da Dirk Justus e Peer-Olaf Richter.

The Bargheer Museum, in collaboration with the Herbert List Estate, presents a mixed media exhibition of the Hamburg artists, who are friends. Both experience the rise of National Socialist rule in Hamburg, which increasingly restricts them artistically and intellectually and threatens their development. In different ways they escape the growing repressions in Germany to the Mediterranean south, to which they feel strongly attracted culturally, but above all also humanly.

The light and culture of the south are catalysts for decisive further developments in their artistic work. Despite the caesura of the World War, the South remains the center of life for both of them after 1945. They meet again on the island of Ischia, where Bargheer has now settled for good. List's 1951 photo essay of Ischia attests to the unique atmosphere of the mysterious meeting place of the Western art world with its alternative conceptions of love and life. Bargheer's work at this time attests to his connection to the celebrated modernism of the Mid-Century.

The exciting juxtaposition of painting and photography is testimony to different yet similar paths in life and, with 90 photographs and numerous watercolor and oil paintings, sheds light almost incidentally on the specific expressive possibilities of the two art genres.

The exhibition focuses on works by both artists from the 1930s in Hamburg and the surrounding area, as well as works created on Ischia in the early 1950s.

The exhibition is curated by Dirk Justus and Peer-Olaf Richter.

(Text: Bargheer Museum, Hamburg)

Bucerius Kunst Forum | Hamburg
14. Mai – 11. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Phototriennale Hamburg statt.

Das Magische Auge
Herbert List

Das Bucerius Kunst Forum präsentiert die erste internationale Gesamtschau des in Hamburg geborenen Fotografen Herbert List (1903-1975) seit mehr als zwei Jahrzehnten. Die Retrospektive spannt den Bogen von seinen surrealistischen Werken vor 1945 über seine bildgewordenen Träume einer lebendigen Antike und die umfassenden Bildreportagen außereuropäischer Kulturen bis zu den Männerakten, mit denen List ein Bekenntnis zur eigenen Homosexualität ablegte.

Sein Werk vor 1945 ist von der Malerei der pittura metafisica und der Kunst des Surrealismus nachhaltig geprägt. Ähnlich wie Giorgio de Chirico oder René Magritte war es Lists Anliegen, das Hintergründige und Mehrdeutige der Wirklichkeit sichtbar zu machen. Viele seiner Aufnahmen, die in Hamburg, Paris oder Athen entstanden, verströmen eine Aura des Geheimnisvollen und Rätselhaften. Im mediterranen Griechenland und Italien verbildlichte List zudem den Traum von einer lebendigen Antike. Eine Wiederbelegung dieser magischen Bildwelt suchte und fand List später in den Trümmern des zerstörten München nach 1945. Nach Kriegsende wandte er sich vor allem dem Fotoessay zu. Es entstanden umfassende Bildreportagen über Neapel, die Karibik, Mexiko, die als Buch oder in den führenden Magazinen und Illustrierten wie LIFE, Heute oder DU veröffentlicht wurden. Sein Interesse an den außereuropäischen Kulturen führte schließlich zu umfassenden Bildserien von nigerianischen, ozeanischen und präkolumbianischen Skulpturen. Weitere Kapitel sind dem Männerakt und den Porträts von Künstlern der klassischen Moderne wie Picasso, Miró, Braque, Chagall. Calder, Morandi oder Schriftsteller:innen wie Pasolini und Ingeborg Bachmann gewidmet.

Die Ausstellung, die in Zusammenarbeit des Bucerius Kunst Forums mit dem Herbert List-Archiv des Münchner Stadtmuseums entsteht, präsentiert zirka 220 Originalaufnahmen aus dem Zeitraum von 1930 bis 1965. Weitere Informationen.

Le Bucerius Kunst Forum présente la première exposition internationale complète du photographe Herbert List (1903-1975), né à Hambourg, depuis plus de deux décennies. La rétrospective s'étend de ses œuvres surréalistes d'avant 1945 à ses rêves d'une Antiquité vivante, en passant par ses vastes reportages photographiques de cultures extra-européennes, jusqu'aux nus masculins avec lesquels List a avoué sa propre homosexualité.

Son œuvre avant 1945 est durablement marquée par la peinture de la pittura metafisica et l'art du surréalisme. À l'instar de Giorgio de Chirico ou de René Magritte, List s'attachait à rendre visible l'envers du décor et l'ambiguïté de la réalité. Nombre de ses photos, prises à Hambourg, Paris ou Athènes, dégagent une aura de mystère et d'énigme. Dans la Grèce et l'Italie méditerranéennes, List a en outre illustré le rêve d'une Antiquité vivante. Plus tard, List a cherché et trouvé une réoccupation de ce monde magique d'images dans les décombres de Munich détruite après 1945. Après la fin de la guerre, il s'est surtout tourné vers l'essai photographique. Il a réalisé de vastes reportages photographiques sur Naples, les Caraïbes, le Mexique, qui ont été publiés sous forme de livre ou dans les principaux magazines et illustrés comme LIFE, Heute ou DU. Son intérêt pour les cultures extra-européennes l'a finalement conduit à réaliser de vastes séries d'images de sculptures nigérianes, océaniennes et précolombiennes. D'autres chapitres sont consacrés au nu masculin et aux portraits d'artistes du modernisme classique comme Picasso, Miró, Braque, Chagall. Calder, Morandi ou des écrivains comme Pasolini et Ingeborg Bachmann.

L'exposition, qui est le fruit d'une collaboration entre le Bucerius Kunst Forum et les archives Herbert List du Stadtmuseum de Munich, présente environ 220 photos originales prises entre 1930 et 1965. Plus d'informations.

Il Bucerius Kunst Forum presenta la prima retrospettiva internazionale del fotografo amburghese Herbert List (1903-1975) in più di due decenni. La retrospettiva spazia dalle sue opere surrealiste prima del 1945 ai suoi sogni di un'antichità vivente resa figurativa e ai resoconti pittorici completi delle culture extraeuropee fino ai nudi maschili con i quali List fece una confessione della propria omosessualità.

Il suo lavoro prima del 1945 fu profondamente influenzato dalla pittura metafisica e dall'arte del surrealismo. Simile a Giorgio de Chirico o René Magritte, la preoccupazione di List era di rendere visibili gli aspetti enigmatici e ambigui della realtà. Molte delle sue fotografie, scattate ad Amburgo, Parigi o Atene, emanano un'aura di mistero ed enigma. Nella Grecia mediterranea e in Italia, List ha anche visualizzato il sogno di un'antichità vivente. List ha poi cercato e trovato una reinterpretazione di questo magico mondo visivo nelle rovine della Monaco distrutta dopo il 1945. Dopo la fine della guerra, si è rivolto principalmente al fotosaggio. Ha realizzato ampi reportage fotografici su Napoli, i Caraibi, il Messico, che sono stati pubblicati come libro o in importanti riviste e giornali come LIFE, Heute o DU. Il suo interesse per le culture non europee lo portò alla fine a una serie completa di quadri di sculture nigeriane, oceaniche e precolombiane. Altri capitoli sono dedicati al nudo maschile e ai ritratti di artisti moderni classici come Picasso, Miró, Braque, Chagall. Calder, Morandi o scrittori come Pasolini e Ingeborg Bachmann.

La mostra, che è una collaborazione tra il Bucerius Kunst Forum e l'Archivio Herbert List dello Stadtmuseum di Monaco, presenta circa 220 fotografie originali del periodo 1930-1965. Ulteriori informazioni.

The Bucerius Kunst Forum presents the first international survey exhibition of the work of Hamburg-born photographer Herbert List (1903–1975) in more than two decades. The retrospective spans the artist’s entire career, from his Surrealist works made before 1945 to his visions of life in antiquity and extensive pictorial accounts of non-European cultures, all the way to the male nudes with which List avowed his own homosexuality.

List’s work before 1945 betrays the strong influence of pittura metafisica and Surrealism. Like Giorgio de Chirico and René Magritte, he strove to visualize the more inscrutable and ambiguous aspects of reality. Many of his photographs, whether taken in Hamburg, Paris, or Athens, exude an aura of mystery and enigma. While travelling in Mediterranean climes, List set out to bring back to life in his pictures the ideals of classical Greek and Roman antiquity. He later revived this magical world in photographs taken amid the ruins of Munich after 1945. After the war, he devoted his energies primarily to photo essays, producing extensive reports on Naples, the Caribbean, and Mexico, published either in book form or in leading magazines such as Life, Heute, and DU. His interest in non-European cultures eventually led to extensive series on Nigerian, Oceanic, and pre-Columbian sculpture. Further chapters in the exhibition explore List’s penchant for the male nude as well as his portraits of modern artists including Picasso, Miró, Braque, Chagall, Calder, and Morandi, and writers such as Pier Paolo Pasolini and Ingeborg Bachmann.

The exhibition, a collaboration between the Bucerius Kunst Forum and the Herbert List Archive at the Munich City Museum, presents approximately 220 original photographs dating from 1930 to 1965. Find out more.

(Text: Triennale Hamburg)