Villa Garbald | Castasegna
2. Juli 2022 - 24. Juni 2023

Kunsteinrichtungen
Alexander Jaquemet

Das Bündner Kunstmuseum organisiert jährlich "Kunsteinrichtungen" für die Villa Garbald in Castasegna im Bergell und lädt dazu zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler ein, ihr fotografisches Werk zu zeigen.

Dieses Jahr ist der in Biel lebende Fotograf und Künstler Alexander Jaquemet zu Gast. Er macht in seinen für diesen besonderen Ort ausgewählten Fotografien deutlich, dass er mit seiner Kamera nicht den Moment sucht, in dem sich Aufsehenerregendes ereignet, sondern vorsichtig und aufmerksam durch die Gegend zieht und lange beobachtet, bis eine andere Wirklichkeit erscheint. Die poetischen Bilder von Alexander Jaquemet erschliessen sich nicht dem schnellen Blick, sondern verlangen von uns besondere Aufmerksamkeit und eine Sensibilität für die Geheimnisse, die in jeder Aufnahme zu finden sind. Die Villa Garbald ist ein besonders geeigneter Ort, sich darauf einzulassen und das Unsichtbare zu entdecken.

Le Bündner Kunstmuseum organise chaque année des "installations artistiques" pour la Villa Garbald à Castasegna dans le Bergell et invite à cette occasion des artistes contemporains à présenter leur travail photographique.

Cette année, c'est le photographe et artiste Alexander Jaquemet, qui vit à Bienne, qui est invité. Dans ses photographies choisies pour ce lieu particulier, il montre clairement qu'avec son appareil photo, il ne cherche pas le moment où il se passe quelque chose de sensationnel, mais qu'il parcourt la région avec prudence et attention et observe longuement jusqu'à ce qu'une autre réalité apparaisse. Les images poétiques d'Alexander Jaquemet ne se dévoilent pas au regard rapide, mais exigent de nous une attention particulière et une sensibilité aux mystères qui se cachent dans chaque prise de vue. La Villa Garbald est un lieu particulièrement approprié pour s'y plonger et découvrir l'invisible.

Ogni anno, il Bündner Kunstmuseum organizza "installazioni d'arte" per la Villa Garbald di Castasegna in Bregaglia, invitando artisti contemporanei a mostrare le loro opere fotografiche.

L'ospite di quest'anno è il fotografo e artista Alexander Jaquemet, che vive a Bienne. Nelle sue fotografie selezionate per questo luogo speciale, l'autore chiarisce che non cerca il momento in cui accade qualcosa di sensazionale con la sua macchina fotografica, ma si muove con attenzione e cura nell'area e osserva a lungo finché non appare un'altra realtà. Le immagini poetiche di Alexander Jaquemet non si rivelano ad uno sguardo veloce, ma richiedono da parte nostra un'attenzione particolare e una sensibilità per i segreti che si possono trovare in ogni scatto. Villa Garbald è un luogo particolarmente adatto per affrontare questo tema e scoprire l'invisibile.

Every year, the Bündner Kunstmuseum organizes "art installations" for the Villa Garbald in Castasegna in Bergell, inviting contemporary artists to show their photographic work.

This year the guest is the photographer and artist Alexander Jaquemet, who lives in Biel. In his photographs selected for this special place, he makes it clear that he does not look for the moment when something sensational happens with his camera, but moves carefully and attentively through the area, observing for a long time until another reality appears. The poetic images of Alexander Jaquemet do not reveal themselves to the quick glance, but demand from us special attention and a sensitivity for the secrets that are to be found in every shot. The Villa Garbald is a particularly suitable place to get involved and discover the invisible.

(Text: Stephan Kunz, Bündner Kunstmuseum, Chur)

Institut pour la photographie | Lille
29. Juni - 25. September 2022

Déjà view

Martin Parr & The Anonymous Project
Une exposition inédite en partenariat avec Magnum Photos et The Anonymous Project

Das Institut für Fotografie präsentiert in Zusammenarbeit mit The Anonymous Project und Magnum Photos eine unveröffentlichte Ausstellung nach der Publikation Déjà View von Martin Parr und Lee Shulman, die 2021 von Textuel herausgegeben wird.

Die Farbfotografie entwickelte sich ab den 1930er Jahren dank des Diapositivs und war zunächst eine Amateurpraxis. Die umfangreiche Sammlung von über 500.000 Amateur-Farbdias des Anonymous Project zeugt von dieser populären Begeisterung ab den 1940er Jahren. Es dauerte bis in die 1970er Jahre, bis die Farbfotografie aufgrund ihrer ästhetischen Qualitäten von der Fachwelt anerkannt wurde.

Der 1952 geborene britische Fotograf Martin Parr gilt als Pionier auf diesem Gebiet. Seit über fünfzig Jahren stellt Martin Parr mit einer gewissen Ironie die zeitgenössische Gesellschaft in ihrem Alltag dar, wobei er insbesondere mit den für die ersten Farbfotografien charakteristischen Effekten des Bildausschnitts und der gesättigten Farben spielt.

Der Urlaub oder die Freizeit, ein bevorzugter Rahmen für die Amateurfotografie, zählt zu den bevorzugten Themen des Fotografen. Diese visuelle Konversation zwischen den Fotografien von Martin Parr und den Amateurfotografien des Anonymous Project - offenbart die Schärfe des Blicks des Fotografen sowie seine tiefe Kenntnis unserer Gesellschaft. Auch wenn seine Bilder ein Gefühl des "Déjà-vu" hervorrufen, laden sie uns dazu ein, unsere Gewohnheiten zu hinterfragen.

Kuratiert von: Anne Lacoste

Realisiert in enger Zusammenarbeit mit der Mediathek von Le Portel und dem Château Coquelle in Dunkerque sowie in Partnerschaft mit der Stadt Le Portel und der Stadt und Stadtgemeinschaft Dunkerque.

L’Institut pour la photographie présente, en partenariat avec The Anonymous Project et Magnum Photos, une exposition inédite d’après la publication Déjà View de Martin Parr et de Lee Shulman, éditée par Textuel en 2021.

La photographie couleur se développe à partir des années 1930 grâce à la diapositive et est d’abord une pratique amateur. L’importante collection de plus de 500.000 diapositives couleur amateurs d’Anonymous Project témoigne de cet engouement populaire à partir des années 1940. Il faut attendre les années 1970 pour que la photographie couleur soit reconnue pour ses qualités esthétiques par le milieu spécialisé.

Le photographe britannique Martin Parr, né en 1952, fait figure de pionnier dans ce domaine. Depuis plus d’une cinquantaine d’années, Martin Parr dépeint, avec une certaine ironie, la société contemporaine dans son quotidien, en jouant notamment sur les effets de cadrage et des couleurs saturées caractéristiques des premières photographies couleur.

Les vacances ou loisirs, cadre privilégié de la pratique amateur, comptent parmi les sujets de prédilection du photographe. Cette conversation visuelle entre les photographies de Martin Parr et les photographies amateurs d’Anonymous Project – révèle l’acuité du regard du photographe ainsi que sa profonde connaissance de notre société. Si ses images suscitent une impression de « déjà vu », elles nous invitent à questionner nos habitudes.

Commissariat : Anne Lacoste

Réalisée en étroite collaboration avec la médiathèque du Portel et le Château Coquelle à Dunkerque, et en partenariat avec la Ville du Portel et la Ville et la Communauté Urbaine de Dunkerque

L'Istituto di Fotografia presenta, in collaborazione con The Anonymous Project e Magnum Photos, una nuova mostra basata sulla pubblicazione Déjà View di Martin Parr e Lee Shulman, edita da Textuel nel 2021.

La fotografia a colori si è sviluppata a partire dagli anni '30 grazie alla diapositiva e inizialmente era una pratica amatoriale. L'ampia collezione di oltre 500.000 diapositive amatoriali a colori del Progetto Anonimo testimonia questa moda popolare degli anni Quaranta. Solo negli anni '70 la fotografia a colori è stata riconosciuta per le sue qualità estetiche dalla comunità degli specialisti.

Il fotografo britannico Martin Parr, nato nel 1952, è stato un pioniere in questo campo. Da oltre cinquant'anni Martin Parr ritrae, con una certa ironia, la società contemporanea nella sua quotidianità, giocando in particolare con gli effetti di inquadratura e i colori saturi caratteristici delle prime fotografie a colori.

Le vacanze o le attività del tempo libero, scenario privilegiato della pratica amatoriale, sono tra i soggetti preferiti del fotografo. Questa conversazione visiva tra le fotografie di Martin Parr e quelle amatoriali del Progetto Anonimo rivela l'acutezza di visione del fotografo e la sua profonda conoscenza della nostra società. Se le sue immagini danno un'impressione di "déjà vu", ci invitano a mettere in discussione le nostre abitudini.

Curatore: Anne Lacoste

Realizzato in stretta collaborazione con la mediateca di Le Portel e lo Château Coquelle di Dunkerque, e in partenariato con la città di Le Portel e la città e la comunità urbana di Dunkerque.

The Institut pour la photographie presents, in partnership with The Anonymous Project and Magnum Photos, an original exhibition based on the book Déjà View by Martin Parr and Lee Shulman, published by Textuel en 2021.

Colour photography developed in the 1930s with slides and was initially an amateur activity. The Anonymous Project’s large collection of over 500,000 amateur colour slides bears witness to this craze which became extremely popular in the 1940s. However, it was not until the 1970s that colour photography was recognised by the specialist community for its aesthetic qualities. The British photographer, Martin Parr, born in 1952, is a pioneer in this field.

For more than fifty years, Martin Parr has, with a certain degree of irony, depicted contemporary society through everyday life, in particular using the effects of framing and saturated colours characteristic of early colour photographs. Holidays or leisure activities, the privileged setting for amateur shots, are among the photographer’s favourite subjects.

This visual conversation between Martin Parr’s photographs and the Anonymous Project’s amateur photographers reveals a sharp eye and a deep understanding of our society. His images give us an impression of “déjà vu” and invite us to question our habits.

(Text: Institut pour la photographie, Lille)

Museumsberg Flensburg
26. Juni - 23. Oktober 2022

PHOTO no SHOOTING! - Ukraine. Russland. Exil.

Der Museumsberg Flensburg hat seine geplante Sommerausstellung abgesagt, um kurzfristig Platz zu schaffen für ein ganz aktuelles Thema – den Krieg in der Ukraine. Präsentiert werden zwei preisgekrönte Fotografen, die beide ihr Land verlassen mussten und jetzt im Exil leben: Yuriy Kosin, der aus Irpin in der Ukraine fliehen konnte, sowie Dmitry Vyshemirsky, der bereits vor einigen Jahren aus Russland nach Berlin emigrieren musste, um der russischen Zensur zu entgehen.

Beide Fotografen sind seit Jahrzehnten gute Freunde, beide haben Wurzeln in der Ukraine wie auch in Belarus und Russland, beide haben sich in ihren Fotografien mit der Geschichte und den Menschen, aber auch mit den Problemen in ihren Ländern auseinandergesetzt. Und beide wollen jetzt gemeinsam ein Zeichen gegen den Krieg setzen, indem sie ihre Bilder zusammen ausstellen.

Yuriy Kosin ist seit Jahrzehnten international bekannt durch seine bewegenden Fotografien aus Tschernobyl, aber auch von den Demonstrationen auf dem Maidan und dem Krieg im Donbass. Zugleich porträtiert er liebevoll seine Mitmenschen und die Landschaften der Ukraine, die dem Betrachter dadurch besonders nahekommen. Deswegen ist es so wichtig, diese Bilder jetzt und hier zu zeigen: Nur was man kennt, kann man verstehen und lieben.

Für Dmitry Vyshemirsky ist es bedeutend, sich gerade als russischer Staatbürger im Exil gegen den Krieg zu stellen. Er wird zu der Ausstellung unter anderem eine aktuelle Fotoserie beisteuern, die frisch in Berlin entstand und Demonstrationen gegen den Krieg genauso zeigt wie die täglich am Berliner Hauptbahnhof ankommenden Geflüchteten aus der Ukraine.

Le Museumsberg Flensburg a annulé son exposition d'été prévue pour faire de la place à court terme à un sujet très actuel : la guerre en Ukraine. Deux photographes primés, qui ont tous deux dû quitter leur pays et vivent désormais en exil, y sont présentés : Yuriy Kosin, qui a réussi à s'enfuir d'Irpin en Ukraine, et Dmitry Vyshemirsky, qui a dû émigrer de Russie à Berlin il y a quelques années déjà pour échapper à la censure russe.

Les deux photographes sont de bons amis depuis des décennies, tous deux ont des racines en Ukraine ainsi qu'en Biélorussie et en Russie, tous deux se sont penchés dans leurs photographies sur l'histoire et les gens, mais aussi sur les problèmes de leurs pays. Et tous deux souhaitent désormais faire un geste commun contre la guerre en exposant ensemble leurs visuels.

Yuriy Kosin est connu internationalement depuis des décennies pour ses photographies émouvantes de Tchernobyl, mais aussi des manifestations sur le Maidan et de la guerre dans le Donbass. Parallèlement, il dresse avec amour le portrait de ses concitoyens et des paysages d'Ukraine, qui deviennent ainsi particulièrement proches du spectateur. C'est pourquoi il est si important de montrer ces visuels ici et maintenant : On ne peut comprendre et aimer que ce que l'on connaît.

Pour Dmitry Vyshemirsky, il est important de s'opposer à la guerre en tant que citoyen russe en exil. Il contribuera entre autres à l'exposition avec une série de photos récentes, prises à Berlin, qui montrent aussi bien les manifestations contre la guerre que les réfugiés ukrainiens qui arrivent chaque jour à la gare centrale de Berlin.

Il Museumsberg di Flensburg ha cancellato la mostra estiva prevista per dare spazio, con breve preavviso, a un tema di grande attualità: la guerra in Ucraina. Saranno presentati due fotografi pluripremiati, entrambi costretti a lasciare il proprio Paese e che ora vivono in esilio: Yuriy Kosin, che è riuscito a fuggire da Irpin in Ucraina, e Dmitry Vyshemirsky, che alcuni anni fa è dovuto emigrare dalla Russia a Berlino per sfuggire alla censura russa.

Entrambi i fotografi sono buoni amici da decenni, entrambi hanno radici in Ucraina, Bielorussia e Russia, entrambi hanno affrontato nelle loro fotografie la storia e la gente, ma anche i problemi dei loro Paesi. Ed entrambi ora vogliono dare un segno comune contro la guerra esponendo le loro foto insieme.

Yuriy Kosin è noto a livello internazionale da decenni per le sue toccanti fotografie di Chernobyl, ma anche delle manifestazioni di Maidan e della guerra nel Donbass. Allo stesso tempo, ritrae con amore i suoi simili e i paesaggi dell'Ucraina, che diventano così particolarmente vicini allo spettatore. Ecco perché è così importante mostrare queste immagini qui e ora: Si può capire e amare solo ciò che si conosce.

Per Dmitry Vyshemirsky è importante opporsi alla guerra, soprattutto come cittadino russo in esilio. Tra le altre cose, contribuirà alla mostra con una serie di foto attuali, appena scattate a Berlino, che mostrano le manifestazioni contro la guerra e i rifugiati ucraini che arrivano ogni giorno alla stazione ferroviaria principale di Berlino.

The Museumsberg Flensburg has canceled its planned summer exhibition to make room at short notice for a very current topic - the war in Ukraine. Presented are two award-winning photographers who both had to leave their country and now live in exile: Yuriy Kosin, who escaped from Irpin in Ukraine, and Dmitry Vyshemirsky, who had to emigrate from Russia to Berlin several years ago to escape Russian censorship.

Both photographers have been good friends for decades, both have roots in Ukraine as well as in Belarus and Russia, both have dealt with the history and the people, but also with the problems in their countries in their photographs. And both now want to set a sign together against the war by exhibiting their pictures together.

Yuriy Kosin has been internationally known for decades for his moving photographs from Chernobyl, but also from the demonstrations on the Maidan and the war in the Donbass. At the same time, he lovingly portrays his fellow human beings and the landscapes of Ukraine, which thus come particularly close to the viewer. That is why it is so important to show these pictures here and now: Only what you know can you understand and love.

For Dmitry Vyshemirsky it is significant to oppose the war, especially as a Russian citizen in exile. Among other things, he will contribute a current photo series to the exhibition, which was freshly taken in Berlin and shows demonstrations against the war as well as the refugees from Ukraine arriving daily at Berlin's main train station.

(Text: Museumsberg Flensburg)

L’Imagerie centre d’art | Lannion
25. Juni - 8. Oktober 2022

Vert menthe, jaune canari. La couleur en photographie
John Batho, Piero Percoco, Luke Stephenson, Dorian Teti, Laure Tiberghien

Die Serie "Photocolore", die Ende der 1970er Jahre begonnen wurde, als die künstlerische Fotografie fast ausschließlich eine schwarz-weiße Angelegenheit war, ist besonders aufschlussreich für die Praxis von John Batho (geb. 1939). Die Ausstellung "Mintgrün, Kanariengelb" nimmt diese Serie von Fotografien als Ausgangspunkt, die nach den 1980er Jahren mit Ausnahme einiger emblematischer Bilder kaum noch gezeigt wurden. Einundvierzig Abzüge werden für diese Gelegenheit zusammengestellt, die aus dem umfangreichen Konvolut ausgewählt wurden, das der Künstler im Herbst 2021 in der Médiathèque de l'architecture et du patrimoine hinterlegt.

Diese historischen Fotografien werden mit den Bildern von vier Künstlern aus den 1980er und 1990er Jahren verglichen: Luke Stephenson (1983), Dorian Teti (1983), Piero Percoco (1987) und Laure Tiberghien (1992). Obwohl sie einer anderen Generation von Farbkünstlern angehören und keiner von ihnen eine direkte Verbindung zu den Arbeiten ihrer älteren Kollegen beansprucht, haben sie alle die Farbe in den Mittelpunkt ihrer Arbeit gestellt. Seit mehreren Jahren führen sie bestimmte plastische Prinzipien fort, die sie bereits in "Photocolore" angewandt haben, und aktualisieren sie gleichzeitig: die Anziehungskraft und das Verführungspotenzial der Farbe, ihre Beziehung zum Banalen, die Beziehung zur Malerei und zur Abstraktion, ihre narrative Dimension als strukturierendes Element einer Erzählung.

Es geht ihnen nicht nur darum, in Farbe zu fotografieren, sondern auch darum, Farbe zu fotografieren. Von Minzgrün bis Kanariengelb, von Nachtblau bis Taubengrau - die evokative Kraft der Farben ist bereits in ihrem Namen enthalten und beweist - wenn es noch eines Beweises bedürfte - ihre immer neue Fähigkeit, Bilder zu machen.

Initiée à la fin des années 1970, à une période où la photographie artistique est presque exclusivement une affaire de noir et blanc, la série « Photocolore » est particulièrement révélatrice de la pratique de John Batho (né en 1939). L’exposition « Vert menthe, jaune canari » prend comme point de départ cette série de photographies, peu montrées après les années 1980, à l’exception de quelques images emblématiques. Quarante-et-un tirages sont réunis pour l’occasion, sélectionnés à partir du vaste ensemble déposé par l’artiste à la Médiathèque de l’architecture et du patrimoine à l’automne 2021.

Ces photographies historiques sont mises en perspective avec celles de quatre artistes nés dans les années 1980 et 1990: Luke Stephenson (1983), Dorian Teti (1983), Piero Percoco (1987) et Laure Tiberghien (1992). Même s’ils appartiennent à une autre génération de la couleur et même si aucun d’entre eux ne revendique une filiation directe avec le travail de leur aîné, ils ont chacun placé la couleur au coeur de leur pratique. Depuis plusieurs années, ils reconduisent tout en les actualisant certains principes plastiques déjà à l’oeuvre dans «Photocolore» : le potentiel d’attraction et de séduction de la couleur, sa relation au banal, le rapport à la peinture et à l’abstraction, sa dimension narrative en tant qu’élément structurant d’un récit.

Il ne s’agit pas pour eux de seulement photographier en couleurs mais bien de photographier la couleur. Du vert menthe au jaune canari, du bleu nuit au gris tourterelle, le pouvoir évocateur des couleurs est inscrit jusque dans leur nom, attestant – s’il était encore nécessaire de le démontrer – de leur capacité sans cesse renouvelée à faire image.

Iniziata alla fine degli anni Settanta, in un periodo in cui la fotografia artistica era quasi esclusivamente un affare in bianco e nero, la serie "Photocolour" è particolarmente rivelatrice della pratica di John Batho (nato nel 1939). La mostra "Verde menta, giallo canarino" prende spunto da questa serie di fotografie, raramente esposte dopo gli anni Ottanta, ad eccezione di alcune immagini emblematiche. Per l'occasione vengono riunite quarantuno stampe, selezionate dalla vasta collezione depositata dall'artista presso la Médiathèque de l'architecture et du patrimoine nell'autunno del 2021.

Queste fotografie storiche sono messe in prospettiva con quelle di quattro artisti nati negli anni '80 e '90: Luke Stephenson (1983), Dorian Teti (1983), Piero Percoco (1987) e Laure Tiberghien (1992). Anche se appartengono a una diversa generazione di artisti del colore e anche se nessuno di loro rivendica una filiazione diretta con il lavoro del fratello maggiore, ognuno di loro ha posto il colore al centro della propria pratica. Da diversi anni rinnovano e aggiornano alcuni principi plastici già presenti in "Photocolour": il potenziale attrattivo e seduttivo del colore, il suo rapporto con il banale, la relazione con la pittura e l'astrazione, la sua dimensione narrativa come elemento strutturante di una storia.

Per loro non si tratta solo di fotografare a colori, ma di fotografare il colore. Dal verde menta al giallo canarino, dal blu notte al grigio tortora, la forza evocativa dei colori è inscritta persino nel loro nome, ad attestare - se fosse ancora necessario dimostrarlo - la loro sempre rinnovata capacità di fare immagine.

Initiated in the late 1970s, at a time when artistic photography was almost exclusively a black and white affair, the "Photocolor" series is particularly revealing of the practice of John Batho (born 1939). The exhibition "Mint Green, Canary Yellow" takes as its starting point this series of photographs, rarely shown after the 1980s, except for a few emblematic images. Forty-one prints are brought together for the occasion, selected from the vast collection deposited by the artist at the Médiathèque de l'architecture et du patrimoine in the fall of 2021.

These historical photographs are placed in perspective with those of four artists born in the 1980s and 1990s: Luke Stephenson (1983), Dorian Teti (1983), Piero Percoco (1987) and Laure Tiberghien (1992). Even if they belong to another generation of color and even if none of them claims a direct filiation with the work of their elder, they have each placed color at the heart of their practice. For several years, they have been renewing and updating certain plastic principles already at work in "Photocolor": the potential attraction and seduction of color, its relationship to the banal, the relationship to painting and abstraction, its narrative dimension as a structuring element of a story.

For them, it's not just a matter of photographing in color but of photographing color. From mint green to canary yellow, from midnight blue to turtle-dove gray, the evocative power of colors is inscribed in their very name, attesting - if it were still necessary to demonstrate it - to their unceasingly renewed capacity to make images.

(Text: L’Imagerie centre d’art, Lannion)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
25. Juni - 20. August 2022

Daguerre
Christoph Sillem

“Daguerres Dioramen schufen die Illusion eines anderen Ortes. Sie stellten oft politische Ereignisse oder Naturkatastrophen nach. Bei den Baustellen-Verkleidungen in Christoph Sillems ‚Daguerre‘-Projekt haben wir es mit der perfekten Gegenüberstellung eines Gegenstandes und seiner Kopie zu tun. Die Plane dient lediglich dazu, eine Kontinuität zwischen dem Davor des Verfallenen und dem Danach des Renovierten zu gewährleisten. Die Zeit wird ausgelöscht, die Perspektive ist a-historisch und spricht Bände über das Paris, von dem Investoren und Stadtplaner träumen. Christoph Sillem würdigt mit seiner Serie Daguerre und enthüllt gleichzeitig ein Antlitz des heutigen Paris.  Mit seinen Fotografien verleiht er einer Kunst der Illusion, die auf bloße Funktionalität reduziert wurde, wieder den Charme der Magie.“ Sonia Voss in ihrem Essay zur Ausstellung

Christoph Sillem (geb. 1965) ist ein deutscher Fotograf, der seit 1988 in seiner Wahlheimat Paris lebt. Nach seinem Studium an der Bayerischen Staatslehranstalt für Photographie München begann er seine professionelle Karriere in den neunziger Jahren mit Kampagnen u.a. für Kenzo und Guerlain. Neben Editorials für große Publikationen wie The Face, Vogue Japan oder iD fotografierte er für Marken wie Hermès und Issey Miyake. Seine Fotografien sind international veröffentlicht worden, so unter anderem in The Guardian, The Independent, Le Figaro, Vogue Homme International, Le Monde Hermès, Telerama und Süddeutsche Zeitung Magazin.

Christoph Sillems Arbeiten waren u.a. 2015 bei der Triennale Photographie et Architecture Bruxelles, 2018 in der Ausstellung „Paysages français“ in der Bibliothèque nationale de France Paris und bei den Photaumnales Beauvais zu sehen.

"Les dioramas de Daguerre créaient l'illusion d'un autre lieu. Ils reproduisaient souvent des événements politiques ou des catastrophes naturelles. Dans le cas des revêtements de chantier du projet 'Daguerre' de Christoph Sillem, nous avons affaire à la juxtaposition parfaite d'un objet et de sa copie. La bâche ne sert qu'à assurer une continuité entre l'avant de ce qui est en ruine et l'après de ce qui est rénové. Le temps est effacé, la perspective est a-historique et en dit long sur le Paris dont rêvent les investisseurs et les urbanistes. Avec sa série, Christoph Sillem rend hommage à Daguerre tout en dévoilant un visage du Paris d'aujourd'hui.  Avec ses photographies, il redonne le charme de la magie à un art de l'illusion réduit à une simple fonctionnalité". Sonia Voss dans son essai sur l'exposition

Christoph Sillem (né en 1965) est un photographe allemand qui vit depuis 1988 à Paris, sa ville d'adoption. Après des études à la Bayerische Staatslehranstalt für Photographie de Munich, il a commencé sa carrière professionnelle dans les années 1990 avec des campagnes pour Kenzo et Guerlain, entre autres. Outre des éditoriaux pour de grandes publications comme The Face, Vogue Japan ou iD, il a photographié pour des marques comme Hermès et Issey Miyake. Ses photographies ont été publiées à l'échelle internationale, notamment dans The Guardian, The Independent, Le Figaro, Vogue Homme International, Le Monde Hermès, Telerama et Süddeutsche Zeitung Magazin.

Le travail de Christoph Sillem a été présenté, entre autres, à la Triennale Photographie et Architecture Bruxelles en 2015, à l'exposition "Paysages français" à la Bibliothèque nationale de France Paris en 2018 et aux Photaumnales Beauvais.

"I diorami di Daguerre creavano l'illusione di un altro luogo. Spesso ricreavano eventi politici o disastri naturali. Con i rivestimenti del cantiere nel progetto "Daguerre" di Christoph Sillem, abbiamo a che fare con la perfetta giustapposizione di un oggetto e della sua copia. Il telone serve solo a garantire la continuità tra il prima del degrado e il dopo del restauro. Il tempo è cancellato, la prospettiva è a-storica e parla della Parigi che investitori e urbanisti sognano. La serie di Christoph Sillem rende omaggio a Daguerre e allo stesso tempo rivela un volto della Parigi di oggi.  Con le sue fotografie, restituisce il fascino della magia a un'arte dell'illusione che è stata ridotta a mera funzionalità". Sonia Voss nel suo saggio sulla mostra

Christoph Sillem (nato nel 1965) è un fotografo tedesco che vive a Parigi, sua patria d'adozione, dal 1988. Dopo aver studiato alla Bayerische Staatslehranstalt für Photographie di Monaco, ha iniziato la sua carriera professionale negli anni Novanta con campagne per Kenzo e Guerlain, tra gli altri. Oltre agli editoriali per importanti pubblicazioni come The Face, Vogue Japan e iD, ha fotografato per marchi come Hermès e Issey Miyake. Le sue fotografie sono state pubblicate a livello internazionale, tra cui The Guardian, The Independent, Le Figaro, Vogue Homme International, Le Monde Hermès, Telerama e Süddeutsche Zeitung Magazin.

Il lavoro di Christoph Sillem è stato esposto, tra l'altro, alla Triennale Photographie et Architecture Bruxelles nel 2015, nella mostra "Paysages français" alla Bibliothèque nationale de France Paris e alla Photaumnales Beauvais nel 2018.

“Daguerre’s dioramas transported viewers “elsewhere”. They often reproduced political events or natural disasters. The tarps photographed by Christoph Sillem in ‟Daguerre,” by contrast, cloak a present referent with its perfect copy—they serve to ensure the continuity between a decayed before and the refreshed after. In a word, they seek to erase time, manifesting an ahistorical perspective which speaks volumes on the Paris that investors and urban planners dream of today. Sillem here pays homage to Daguerre, while also revealing one significant face of contemporary Paris. With his photographs he re-instills, into an art of illusion that has been reduced to merely serving a function, a multi-valent, magical charm.“ Sonia Voss in her catalogue essay

Christoph Sillem (b. 1965) is a German photographer who has lived in his adopted home of Paris since 1988. After studying at the Bayerische Staatslehranstalt für Photographie in Munich, he began his professional career in the nineties with campaigns for Kenzo and Guerlain, among others. In addition to editorials for major publications such as The Face, Vogue Japan or iD, he has photographed for brands such as Hermès and Issey Miyake. His photographs have been published internationally, including The Guardian, The Independent, Le Figaro, Vogue Homme International, Le Monde Hermès, Telerama and Süddeutsche Zeitung Magazin.

Christoph Sillem's work was shown at the Triennale Photographie et Architecture Bruxelles in 2015, in the exhibition "Paysages français" at the Bibliothèque nationale de France Paris and at the Photaumnales Beauvais in 2018, among others.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Musée Estrine | Saint-Rémy-de-Provence
25. Juni – 25. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt.

Nature Morte
John Stewart

John Stewart wurde 1919 in London geboren und wuchs in Paris auf. Er war britischer Kämpfer im Zweiten Weltkrieg und wurde drei Jahre lang von den Japanern gefangen gehalten. Henri Cartier-Bresson, den er zufällig traf, ermutigte ihn, weiterzumachen, nachdem er seine Porträts von Picasso, Braque und Matisse gesehen hatte, die er mit seiner ersten Kamera aufgenommen hatte. In New York arbeitete er 1951 für Harper's Bazaar, bevor er für das Fortune Magazine und verschiedene Modezeitschriften tätig wurde und Persönlichkeiten wie Andy Warhol und Muhammad Ali fotografierte. Als technischer Berater bei den Dreharbeiten zu The Bridge on the River Kwai kehrte er häufig zurück, um asiatische Landschaften auf Film festzuhalten. 1965 zog er nach Frankreich und arbeitete für Vogue und Elle. 1976 kehrte er der Mode und der Werbung endgültig den Rücken und begann eine persönliche Suche nach fotografischen Stillleben, die er bis zu seinem Tod im Jahr 2017 fortsetzte.

Ihm wurden zahlreiche Ausstellungen auf der ganzen Welt gewidmet.Né à Londres en 1919 et élevé à Paris, John Stewart a été combattant britannique pendant la deuxième guerre mondiale et détenu par les Japonais durant trois ans. Henri Cartier-Bresson, rencontré par hasard, l’encourage à continuer après avoir vu ses portraits de Picasso, Braque et Matisse réalisés avec son premier appareil photo. À New York, en 1951, il travaille pour le Harper’s Bazaar avant de collaborer à Fortune Magazine et à diverses revues de mode, et photographie des personnalités comme Andy Warhol et Muhammad Ali. Conseiller technique sur le tournage du Pont de la Rivière Kwaï, il retourne souvent fixer les paysages asiatiques sur sa pellicule, puis s’installe en France en 1965 et travaille pour Vogue et Elle. En 1976, il tourne définitivement le dos à la mode et la publicité pour se lancer dans une recherche personnelle sur les natures mortes photographiques, qu’il continuera jusqu’à son décès en 2017. De nombreuses expositions lui ont été consacrées à travers le monde.

Nato a Londra nel 1919 e cresciuto a Parigi, John Stewart era un soldato britannico nella seconda guerra mondiale e fu trattenuto dai giapponesi per tre anni. Henri Cartier-Bresson, che incontrò per caso, lo incoraggiò a continuare dopo aver visto i suoi ritratti di Picasso, Braque e Matisse realizzati con la sua prima macchina fotografica. A New York, nel 1951, ha lavorato per Harper's Bazaar prima di collaborare con Fortune Magazine e varie riviste di moda, fotografando personalità come Andy Warhol e Muhammad Ali. Consulente tecnico per le riprese di The Bridge on the River Kwai, tornò spesso per catturare paesaggi asiatici su pellicola, poi si trasferì in Francia nel 1965 e lavorò per Vogue e Elle. Nel 1976, voltò definitivamente le spalle alla moda e alla pubblicità per intraprendere una ricerca personale sullo still life fotografico, che avrebbe continuato fino alla sua morte nel 2017. Numerose mostre sono state dedicate a lui in tutto il mondo.

Born in London in 1919 and raised in Paris, John Stewart was a British serviceman in World War II and was held by the Japanese for three years. Henri Cartier-Bresson, whom he met by chance, encouraged him to continue after seeing his portraits of Picasso, Braque and Matisse made with his first camera. In New York, in 1951, he worked for Harper's Bazaar before collaborating with Fortune Magazine and various fashion magazines, and photographed personalities such as Andy Warhol and Muhammad Ali. Technical advisor on the shooting of The Bridge on the River Kwai, he often returns to fix Asian landscapes on his film, then moves to France in 1965 and works for Vogue and Elle. In 1976, he definitively turned his back on fashion and advertising to embark on a personal research on photographic still life, which he will continue until his death in 2017. Numerous exhibitions have been devoted to him throughout the world.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
25. Juni – 21. August 2022

New Queer Photography - Focus on the Margins

Mohamad Abdouni, Michael Bailey-Gates, Maika Elan, Milan Gies, Julia Gunther, Robin Hammond, Claudia Kent, Clifford Prince King, Laurence Rasti, Bradley Secker, Shahria Sharmin, Melody Melamed, Laurence Philomene, Pauliana Valente Pimentel, Soraya Zaman

New Queer Photography ist allen queeren Menschen gewidmet, die wegen ihrer Lebensweise

leiden, für sie kämpfen oder einfach nur ihre Art zu leben feiern.

Julia Gunther nimmt uns in ihrer Serie „Rainbow Girls“ mit auf einen lesbischen Schönheitswettbewerb in einem südafrikanischen Township, Bradley Secker portätiert in „SEXugees“ LGBTIQ+ Asylsuchende im Mittleren und Nahen Osten, Shahria Sharmin dokumentiert das Leben von „Hijras“, die seit Jahrhunderten als Transgender- und Intergeschlechtliche Menschen auf dem indischen Subkontinent geduldet werden, Maika Elan zeigt alltägliches queeres Leben in Vietnam und Clifford Prince King teilt mit uns intime Momente zwischen homosexuellen People of Colour.

Obwohl aktuelle Filme, Serien und die westlich geprägte Kultur eine breite gesellschaftliche Akzeptanz suggerieren, bedeutet lesbisch-, schwul-, bisexuell-, trans-, intergeschlechtlich (LGBTIQ+) oder einfach queer – als verbindenen Überbegriff – zu sein in zahlreichen Ländern und Gesellschaften noch immer Diskriminierung, Stigmatisierung und Ausgrenzung. Auch in Europa wird nach wie vor jede zehnte Person, die offen damit umgeht queer zu sein, Ziel körperlicher Gewalt oder sexueller Übergriffe, wie eine im Jahr 2020 veröffentlichte Umfrage der EU-Grundrechteagentur (FRA) bestätigt.

Über vier Jahre lang trug der engagierte Art Director und Editor Benjamin Wolbergs für seine Publikation New Queer Photography Positionen von queeren Fotograf:innen aus aller Welt zusammen, darunter Arbeiten aus Indien, aus dem Libanon, aus Südafrika, aus Vietnam und von den Kapverdischen Inseln. In ihrer experimentierfreudigen künstlerischen Praxis reflektieren sie das Lebensgefühl einer neuen und jungen Generation queererMenschen, die – trotz Diskriminierungen – ihre Identität selbstbewusst und stolz leben. Die Bildautor:innen nutzen den künstlerischen Raum für das vorurteilsfreie und gefahrlose Spiel mit Geschlechtern und zugeschrieben Rollenbildern. Ihre fotografischen Ansätze reichen dabei von einer rein dokumentarischen Berichterstattung, bis hin zu einer künstlerisch/inszenierten Auseinandersetzung mit dem eigenen Körperbild. Vom Bedürfnis nach Selbstdarstellung, -vergewisserung und -spiegelung bis hin zur zersetzenden aber auch affirmativen Kraft pornografischer Darstellungen beleuchten sie die unterschiedlichsten Perspektiven queeren Lebens.

New Queer Photography zeigt bisher ungesehene Bildwelten und widersetzt sich ästhetisch dem gängigen Schubladendenken von Geschlechterrollen. Die 15 fotografischen Positionen, die in der Ausstellung präsentiert werden, themastisieren Fragen der eigenen Identität und Sexualität jenseits von Tabugrenzen, tradierten Normen und Erwartungen. Sie rücken diejenigen in den Fokus, deren Lebensrealitäten, Interessen und Bedürfnisse in den Medien, der Öffentlichkeit und im Privaten noch immer zu wenig Akzeptanz und Sichtbarkeit erfahren.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Benjamin Wolbergs und Katharina Mouratidi.

New Queer Photography est dédiée à toutes les personnes queer qui, à cause de leur mode de vie

souffrent, se battent pour elles ou célèbrent tout simplement leur façon de vivre.

Dans sa série "Rainbow Girls", Julia Gunther nous emmène à un concours de beauté lesbien dans un township sud-africain, Bradley Secker fait le portrait de demandeurs d'asile LGBTIQ+ au Moyen et au Proche-Orient dans "SEXugees", Shahria Sharmin documente la vie des "hijras", qui sont tolérés depuis des siècles en tant que personnes transgenres et intersexuées dans le sous-continent indien, Maika Elan montre la vie quotidienne queer au Vietnam et Clifford Prince King partage avec nous des moments intimes entre des personnes homosexuelles de couleur.

Bien que les films et séries actuels et la culture occidentale suggèrent une large acceptation sociale, être lesbienne, gay, bisexuel, transgenre, intersexe (LGBTIQ+) ou simplement queer - en tant que terme générique unificateur - est encore synonyme de discrimination, de stigmatisation et d'exclusion dans de nombreux pays et sociétés. En Europe également, une personne sur dix qui assume ouvertement son identité queer est toujours la cible de violences physiques ou d'agressions sexuelles, comme le confirme une enquête de l'Agence des droits fondamentaux de l'UE (FRA) publiée en 2020.

Pendant plus de quatre ans, Benjamin Wolbergs, directeur artistique et éditeur engagé, a rassemblé pour sa publication New Queer Photography des positions de photographes queer du monde entier, dont des travaux d'Inde, du Liban, d'Afrique du Sud, du Vietnam et des îles du Cap-Vert. Leur pratique artistique expérimentale reflète le mode de vie d'une nouvelle et jeune génération de personnes queer qui, malgré les discriminations, vivent leur identité avec assurance et fierté. Les auteurs des photos utilisent l'espace artistique pour jouer avec les genres et les rôles attribués, sans préjugés et sans risques. Leurs approches photographiques vont d'un reportage purement documentaire à une confrontation artistique et mise en scène avec leur propre image corporelle. Du besoin de se représenter, de s'affirmer et de se refléter jusqu'à la force corrosive mais aussi affirmative des représentations pornographiques, ils mettent en lumière les perspectives les plus diverses de la vie queer.

New Queer Photography montre des mondes d'images jusqu'ici invisibles et s'oppose esthétiquement au cloisonnement habituel des rôles sexuels. Les 15 positions photographiques présentées dans l'exposition abordent les questions de l'identité personnelle et de la sexualité au-delà des limites des tabous, des normes traditionnelles et des attentes. Elles mettent l'accent sur ceux dont les réalités de vie, les intérêts et les besoins sont encore trop peu acceptés et visibles dans les médias, le public et la sphère privée.

L'exposition a été organisée par Benjamin Wolbergs et Katharina Mouratidi.

New Queer Photography è dedicata a tutte le persone queer che soffrono, lottano o semplicemente celebrano il loro modo di vivere.

soffrono, lottano o semplicemente celebrano il loro stile di vita.

Julia Gunther ci porta in un concorso di bellezza lesbico in una township sudafricana nella serie "Rainbow Girls", Bradley Secker ritrae i richiedenti asilo LGBTIQ+ in Medio Oriente in "SEXugees", Shahria Sharmin documenta la vita delle "Hijras", che sono stati tollerati per secoli come transgender e intersessuali nel subcontinente indiano, Maika Elan mostra la vita quotidiana queer in Vietnam e Clifford Prince King condivide momenti di intimità tra persone omosessuali di colore.

Sebbene i film, le serie e la cultura occidentale attuali suggeriscano un'ampia accettazione sociale, essere lesbiche, gay, bisessuali, transgender, intersessuali (LGBTIQ+) o semplicemente queer - come termine ombrello unificante - significa ancora discriminazione, stigmatizzazione ed esclusione in numerosi Paesi e società. Anche in Europa, una persona su dieci che si dichiara apertamente omosessuale è ancora oggetto di violenza fisica o sessuale, come conferma un'indagine pubblicata nel 2020 dall'Agenzia dell'UE per i diritti fondamentali (FRA).

Per oltre quattro anni, il direttore artistico e redattore Benjamin Wolbergs ha raccolto per la sua pubblicazione New Queer Photography le posizioni di fotografi queer di tutto il mondo, tra cui opere provenienti da India, Libano, Sudafrica, Vietnam e Capo Verde. Nella loro pratica artistica sperimentale, riflettono l'atteggiamento verso la vita di una nuova e giovane generazione di persone queer che, nonostante le discriminazioni, vivono la propria identità con fiducia e orgoglio. Gli autori di immagini utilizzano lo spazio artistico per giocare con i generi e i modelli di ruolo attribuiti senza pregiudizi o pericoli. I loro approcci fotografici spaziano dal reportage puramente documentario all'esame artistico/scenografico della propria immagine corporea. Dal bisogno di auto-rappresentazione, auto-assicurazione e riflessione al potere corrosivo ma anche affermativo delle rappresentazioni pornografiche, illuminano le più diverse prospettive della vita queer.

La New Queer Photography mostra mondi visivi inediti e resiste esteticamente alla comune etichettatura dei ruoli di genere. Le 15 posizioni fotografiche presentate in mostra affrontano questioni di identità e sessualità al di là dei confini dei tabù, delle norme e delle aspettative tradizionali. Mettono in luce le realtà di vita, gli interessi e i bisogni di coloro che ricevono ancora troppo poca accettazione e visibilità nei media, in pubblico e in privato.

La mostra è stata curata da Benjamin Wolbergs e Katharina Mouratidi.

New Queer Photography is dedicated to all queer people who suffer for their way of life, fight for it or simply celebrate it.

Julia Gunther takes us in her series "Rainbow Girls" on a lesbian beauty pageant in a South African township, Bradley Secker portrays LGBTIQ+ asylum seekers in the Middle East in his work "Sexugees", Shahria Sharmin documents the lives of "Hijras" who have been tolerated as transgender and intersex people on the Indian subcontinent for centuries, Maika Elan shows everyday queer life in Vietnam and Clifford Prince King shares intimate moments between gaypeople of colour.

Although current films, series and Western culture suggest a broad social acceptance, being lesbian, gay, bisexual, transgender, intersex (LGBTIQ+) or simply queer – as a unifying umbrella term – still means discrimination, stigmatization and exclusion in numerous countries and societies. Also in Europe, one in ten people who are open about being queer are still the target of physical violence or sexual assault, as confirmed by a survey published in 2020 by the EU Agency for Fundamental Rights (FRA).

For over four years, the dedicated art director and editor Benjamin Wolbergs collected positions from queer photographers around the world for his publication New Queer Photography, including works from India, Lebanon, South Africa, Vietnam and the Cape Verde Islands. In their experimental artistic practice, the photographers reflect the attitude towards life of a new and young generation of queer people who – despite discrimination – live their identity selfconfidently and proudly. The picture authors use the artistic space to play with genders and ascribed role models without prejudice or danger. The photographic approaches range from purely documentary reporting to an artistic/staged examination of one's own body image. From the need for self-expression, self-assurance and self-reflection to the corrosive but also affirmative power of pornographic depictions, they illuminate the most diverse perspectives of queer life.

New Queer Photography shows hitherto unseen visual worlds and aesthetically opposes and resists the common pigeonholing of gender roles. The 15 photographic positions presented in the exhibition address questions of identity and sexuality beyond taboos, traditional norms and expectations of mainstream society. The exhibition and its accompanying program focus on those whose realities, interests and needs are still not sufficiently accepted and visible in the media, in public and in private.

The exhibition has been curated by Benjamin Wolbergs and Katharina Mouratidi.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Bildhalle | Zürich
25. Juni - 27. August 2022

Dear Memories
Thomas Hoepker

Die Ausstellung «Dear Memories» ist nach sieben Jahren die zweite Einzelausstellung des berühmten Magnum-Fotografen in der Bildhalle Zürich und kann als umfassende Retrospektive verstanden werden. Die Präsentation beginnt mit seinen frühen Arbeiten aus 1960er Jahren, in denen er die USA und die Welt bereiste, setzt einen Schwerpunkt mit seinen ikonischen Ali-Bildern und reicht bis hin zu den starken Arbeiten aus dem New York der 1970er und 1980er Jahre.

1936 in München geboren, zählt Thomas Hoepker zu den profiliertesten deutschen Fotojournalisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Als solcher hat er das – nach den 1920er und 30er Jahren – zweite goldene Zeitalter des Fotojournalismus nicht nur erlebt, er hat es mitgeprägt. Als Bildjournalist für Zeitschriften wie Stern, Geo, Kristall oder die Münchner Illustrierte, als Art Director, Buchautor, Filmemacher hat Hoepker Fotogeschichte geschrieben. Nicht wenige seiner Reportagen in Schwarzweiss und Farbe zählen zu den Höhepunkten des neueren Fotojournalismus.

1964 bekam er als Fotoreporter für den Stern die Möglichkeit, den Boxer Muhammad Ali während 10 Jahren in regelmässigen Abständen zu porträtieren. 1966 reiste er nach London und Chicago und begleitete die Boxerlegende zusammen mit seiner damaligen Frau und Stern-Journalistin Eva Windmöller. 1970 dokumentierte Hoepker, wie sich Ali nach einigen Jahren des Rückzugs auf den «Jahrhundertkampf» gegen Joe Frazier vorbereitete, nochmals Jahre später begegnete er einem von Parkinson bereits stark geschwächten Ali. Viele dieser Bilder gingen um die Welt und wurden zu fotografischen Ikonen. Sie wurden in Museen ausgestellt und sind Bestandteil vieler Sammlungen.

1976 zog Thomas Hoepker als Korrespondent für den Stern nach New York und war bis 1981 Fotodirektor der amerikanischen Ausgabe des GEO. 1987 bis 1989 folgten dann Jahre als Art Director für den Stern in Hamburg. 1989 wurde Thomas Hoepker das erste deutsche Vollmitglied bei der renommierten Fotografenagentur Magnum. Von 2003 bis 2006 war er Präsident von Magnum.

Heute ist Thomas Hoepker mit der Filmemacherin Christine Kruchen verheiratet und lebt und arbeitet in New York.

L'exposition "Dear Memories" est, après sept ans, la deuxième exposition individuelle du célèbre photographe Magnum à la Bildhalle de Zurich et peut être considérée comme une rétrospective complète. La présentation commence par ses premiers travaux des années 1960, durant lesquels il a parcouru les États-Unis et le monde, met l'accent sur ses images iconiques d'Ali et s'étend jusqu'aux travaux forts du New York des années 1970 et 1980.

Né en 1936 à Munich, Thomas Hoepker compte parmi les photojournalistes allemands les plus en vue de la deuxième moitié du XXe siècle. En tant que tel, il n'a pas seulement vécu le deuxième âge d'or du photojournalisme - après les années 1920 et 1930 - mais il l'a également marqué de son empreinte. En tant que photojournaliste pour des magazines comme Stern, Geo, Kristall ou la Münchner Illustrierte, en tant que directeur artistique, auteur de livres et réalisateur de films, Hoepker a écrit l'histoire de la photographie. Un grand nombre de ses reportages en noir et blanc et en couleur comptent parmi les points forts du photojournalisme moderne.

En 1964, en tant que photoreporter pour le Stern, il a eu la possibilité de faire le portrait du boxeur Muhammad Ali à intervalles réguliers pendant 10 ans. En 1966, il se rendit à Londres et à Chicago et accompagna la légende de la boxe avec sa femme de l'époque, la journaliste du Stern Eva Windmöller. En 1970, Hoepker a documenté la manière dont Ali, après quelques années de retraite, se préparait au "combat du siècle" contre Joe Frazier. Des années plus tard encore, il a rencontré un Ali déjà très affaibli par la maladie de Parkinson. Nombre de ces photos ont fait le tour du monde et sont devenues des icônes photographiques. Elles ont été exposées dans des musées et font partie de nombreuses collections.

En 1976, Thomas Hoepker s'installe à New York en tant que correspondant pour le Stern et devient directeur de la photographie de l'édition américaine de GEO jusqu'en 1981. De 1987 à 1989, il a ensuite travaillé comme directeur artistique pour le Stern à Hambourg. En 1989, Thomas Hoepker est devenu le premier membre allemand à part entière de la célèbre agence de photographes Magnum. De 2003 à 2006, il a été président de Magnum.

Aujourd'hui, Thomas Hoepker est marié à la cinéaste Christine Kruchen et vit et travaille à New York.

La mostra "Dear Memories" è la seconda personale del famoso fotografo Magnum alla Bildhalle di Zurigo dopo sette anni e può essere intesa come una retrospettiva completa. La presentazione inizia con i primi lavori degli anni '60, durante i quali ha viaggiato per gli Stati Uniti e per il mondo, si concentra sulle immagini iconiche di Ali e si estende fino alle opere più forti della New York degli anni '70 e '80.

Nato a Monaco nel 1936, Thomas Hoepker è uno dei più illustri fotoreporter tedeschi della seconda metà del XX secolo. In quanto tale, non solo ha vissuto - dopo gli anni Venti e Trenta - la seconda età dell'oro del fotogiornalismo, ma ha contribuito a plasmarla. Come fotoreporter per riviste come Stern, Geo, Kristall o Münchner Illustrierte, come direttore artistico, autore di libri e regista, Hoepker ha scritto la storia della fotografia. Alcuni dei suoi reportage in bianco e nero e a colori sono tra i punti salienti del fotogiornalismo recente.

Nel 1964, come fotoreporter per la rivista Stern, gli fu data l'opportunità di ritrarre il pugile Muhammad Ali a intervalli regolari per un periodo di 10 anni. Nel 1966 si recò a Londra e a Chicago e accompagnò la leggenda della boxe insieme all'allora moglie e giornalista di Stern Eva Windmöller. Nel 1970, Hoepker ha documentato come Ali si sia preparato per il "combattimento del secolo" contro Joe Frazier dopo alcuni anni di ritiro, e ancora anni dopo ha incontrato un Ali già gravemente indebolito dal morbo di Parkinson. Molte di queste immagini hanno fatto il giro del mondo e sono diventate icone fotografiche. Sono stati esposti nei musei e fanno parte di molte collezioni.

Nel 1976, Thomas Hoepker si è trasferito a New York come corrispondente di Stern ed è stato direttore fotografico dell'edizione americana di GEO fino al 1981. Dal 1987 al 1989 ha lavorato come direttore artistico per Stern ad Amburgo. Nel 1989, Thomas Hoepker è diventato il primo membro tedesco a pieno titolo della celebre agenzia fotografica Magnum. Dal 2003 al 2006 è stato presidente di Magnum.

Oggi Thomas Hoepker è sposato con la regista Christine Kruchen e vive e lavora a New York.

The exhibition "Dear Memories" is the second solo show of the famous Magnum photographer at the Bildhalle Zurich after seven years and can be understood as a comprehensive retrospective. The presentation begins with his early works from the 1960s, when he traveled the U.S. and the world, sets a focus with his iconic Ali images, and extends to the strong works from New York in the 1970s and 1980s.

Born in Munich in 1936, Thomas Hoepker is one of the most distinguished German photojournalists of the second half of the 20th century. As such, he not only experienced the second golden age of photojournalism - after the 1920s and 30s - he helped shape it. As a photojournalist for magazines such as Stern, Geo, Kristall and Münchner Illustrierte, as an art director, book author and filmmaker, Hoepker made photographic history. Quite a few of his reportages in black and white and color are among the highlights of recent photojournalism.

In 1964, as a photo reporter for Stern magazine, he was given the opportunity to portray the boxer Muhammad Ali at regular intervals over a period of 10 years. In 1966, he traveled to London and Chicago and accompanied the boxing legend together with his then wife and Stern journalist Eva Windmöller. In 1970, Hoepker documented how Ali prepared for the "fight of the century" against Joe Frazier after several years of retreat, and again years later he met an Ali already severely weakened by Parkinson's disease. Many of these pictures went around the world and became photographic icons. They were exhibited in museums and are part of many collections.

In 1976, Thomas Hoepker moved to New York as a correspondent for Stern and was photo director of the American edition of GEO until 1981. This was followed by years as art director for Stern in Hamburg from 1987 to 1989. In 1989, Thomas Hoepker became the first German full member of the renowned Magnum photography agency. From 2003 to 2006 he was president of Magnum.

Today, Thomas Hoepker is married to filmmaker Christine Kruchen and lives and works in New York.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Museum für Photographie Brauchschweig
25. Juni - 18. September 2022

Architekturbilder
Irmel Kamp

In einem umfangreichen Überblick über ihre seit 1978 entstandenen Bildserien stellt das Museum für Photographie Braunschweig vom 25.6. – 18.9. 2022 die fotografische Arbeit von Irmel Kamp (*1937, lebt in Aachen und in der Schweiz) vor. Seit einigen Jahren gehört dieses auf Themen der Architektur konzentrierte Werk zu den künstlerischen Entdeckungen einer typologisch orientierten und dabei von individuellen Perspektiven und kulturhistorischen ebenso wie soziologisch-atmosphärischen Verweisen geprägten S/W-Fotografie. Die Ausstellung im Museum für Photographie Braunschweig stellt hierzu Arbeiten aus den Werkgruppen Zink (1978-1982), Tel Aviv (1987-92), Bruxelles-Brussel (1996/97) und Moderne in Europa (1998–2006) vor. Neben individuellen Blickwinkeln auf Bauten und ihre Prägung durch Form und Ästhetik gehören stets auch durch den Menschen und die Natur geprägte Aspekte zu den besonderen Merkmalen der Fotografien von Irmel Kamp. Einen besonderen Werkkomplex stellt die frühe umfangreiche Werkgruppe Zink und die auch von einer Forschungsarbeit begleitete Werkgruppe Tel Aviv dar. Mit ihr erlangte Irmel Kamp bereits vor etwa zwei Jahrzehnten durch eine Ausstellungstournee des ifa-Instituts Aufmerksamkeit. Ihre Arbeiten wurden seither vereinzelt in Einzelausstellungen im Ludwig-Forum in Aachen, im IKOB in Eupen und in unterschiedlichen Gruppenausstellungen, wie beispielsweise kürzlich im NRW Forum in Düsseldorf innerhalb der Ausstellung Made in Düsseldorf#4 – Architektur (Februar–März 2022) sowie einigen Galerieausstellungen gezeigt und sind inzwischen Teil wichtiger Sammlungen. Nachdem das Museum für Photographie einige Arbeiten von Irmel Kamp mit Bezug zum Bauhausjubiläum im Jahr 2019 vorstellte, widmet sich die nun präsentierte Einzelausstellung in einem Überblick ihrem gesamten fotografischen Werk, das im Kontext typologisch-künstlerischer Konzepte innerhalb einer dokumentarisch ausgerichteten S/W-Fotografie betrachtet werden kann. Hierbei erinnert es in einigen Aspekten an das auf frühe Industriearchitektur konzentrierte Werk von Bernd und Hilla Becher, wenngleich die Auswahl der Motive und Bauten sowie die bildnerische Herangehensweise von Irmel Kamp individuellere und subjektivere Betrachtungen von Architektur im urbanen und ländlichen Raum zulässt. Die hochwertigen S/WFotografien sind weitgehend Handabzüge auf Baryt- oder PE Papier.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation (dt./engl.) im Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König mit Texten von: Bettina Brosowsky, Prof. Dr. Tatjana Schneider, Andreas Prinzing und einem Gespräch mit Irmel Kamp und den Kurator:innen Barbara Hofmann-Johnson (Direktorin Museum für Photographie Braunschweig) und Markus Mascher (Kurator, stellvertretender Direktor Leopold-Hoesch-Museum, Düren). Zudem erscheinen zwei Sondereditionen aus der Werkreihe Zink.

Die Ausstellung stellt eine Ausstellungskooperation mit dem Leopold-Hoesch-Museum, Düren dar (Ausstellungszeitraum dort: 29.1. – 23.4.2023) / Kuratorin am Museum für Photographie Braunschweig: Barbara Hofmann-Johnson, Direktorin Museum für Photographie Braunschweig / Kurator am Leopold-Hoesch-Museum Düren: Markus Mascher, Kurator und stellvertretender Direktor.

Dans un vaste aperçu de ses séries d'images réalisées depuis 1978, le Museum für Photographie Braunschweig présente du 25.6. au 18.9. 2022 le travail photographique d'Irmel Kamp (*1937, vit à Aix-la-Chapelle et en Suisse). Depuis quelques années, cette œuvre concentrée sur des thèmes de l'architecture fait partie des découvertes artistiques d'une photographie N/B orientée vers la typologie et marquée par des perspectives individuelles et des références culturelles et historiques ainsi que sociologiques et atmosphériques. L'exposition du Museum für Photographie Braunschweig présente des travaux issus des groupes Zink (1978-1982), Tel Aviv (1987-92), Bruxelles-Brussel (1996/97) et Moderne in Europa (1998-2006). Outre les points de vue individuels sur les bâtiments et leur empreinte par la forme et l'esthétique, les aspects marqués par l'homme et la nature font toujours partie des caractéristiques particulières des photographies d'Irmel Kamp. Le vaste groupe d'œuvres Zink, réalisé à ses débuts, et le groupe d'œuvres Tel Aviv, accompagné d'un travail de recherche, constituent un ensemble d'œuvres particulier. C'est avec ce dernier qu'Irmel Kamp a attiré l'attention il y a environ deux décennies, lors d'une tournée d'exposition de l'institut ifa. Depuis, ses travaux ont été présentés de manière isolée dans des expositions individuelles au Ludwig-Forum d'Aix-la-Chapelle, à l'IKOB d'Eupen et dans différentes expositions de groupe, comme récemment au NRW Forum de Düsseldorf dans le cadre de l'exposition Made in Düsseldorf#4 - Architektur (février-mars 2022), ainsi que dans quelques expositions de galerie, et font désormais partie d'importantes collections. Après que le Museum für Photographie a présenté quelques travaux d'Irmel Kamp en rapport avec l'anniversaire du Bauhaus en 2019, l'exposition individuelle présentée maintenant est consacrée à un aperçu de l'ensemble de son œuvre photographique, qui peut être considérée dans le contexte de concepts typologiques et artistiques au sein d'une photographie N&B à orientation documentaire. Par certains aspects, elle rappelle l'œuvre de Bernd et Hilla Becher, qui se concentre sur les débuts de l'architecture industrielle, même si le choix des motifs et des bâtiments ainsi que l'approche picturale d'Irmel Kamp permettent des observations plus individuelles et subjectives de l'architecture dans les espaces urbains et ruraux. Les photographies N&B de haute qualité sont en grande partie des tirages à la main sur papier baryté ou PE.

L'exposition est accompagnée d'une publication (allemand/anglais) aux éditions de la librairie Walther und Franz König, avec des textes de : Bettina Brosowsky, Prof. Dr. Tatjana Schneider, Andreas Prinzing et un entretien avec Irmel Kamp et les conservateurs Barbara Hofmann-Johnson (directrice du Museum für Photographie Braunschweig) et Markus Mascher (conservateur, directeur adjoint du Leopold-Hoesch-Museum, Düren). En outre, deux éditions spéciales de la série d'œuvres Zink seront publiées.

L'exposition est organisée en coopération avec le Leopold-Hoesch-Museum, Düren (période d'exposition : 29.1. - 23.4.2023) / Conservatrice au Museum für Photographie Braunschweig : Barbara Hofmann-Johnson, directrice du Museum für Photographie Braunschweig / Conservateur au Leopold-Hoesch-Museum Düren : Markus Mascher, conservateur et directeur adjoint.

Il Museum für Photographie Braunschweig presenta l'opera fotografica di Irmel Kamp (*1937, vive ad Aquisgrana e in Svizzera) in una panoramica completa delle sue serie di immagini scattate a partire dal 1978 dal 25.6. al 18.9. 2022. Da alcuni anni questo lavoro, incentrato su temi architettonici, è una delle scoperte artistiche di una fotografia in b/n tipologicamente orientata e caratterizzata da prospettive individuali e riferimenti storico-culturali e sociologico-atmosferici. La mostra al Museum für Photographie Braunschweig presenta opere dei gruppi di lavoro Zink (1978-1982), Tel Aviv (1987-92), Bruxelles-Brussel (1996/97) e Moderne in Europa (1998-2006). Oltre alle prospettive individuali sugli edifici e alla loro impronta attraverso la forma e l'estetica, gli aspetti modellati dalle persone e dalla natura sono sempre tra le caratteristiche speciali delle fotografie di Irmel Kamp. Il primo gruppo di lavoro estensivo Zink e il gruppo di lavoro Tel Aviv, che è anche accompagnato da un progetto di ricerca, rappresentano un complesso speciale di opere. Irmel Kamp si è fatta notare con questo gruppo circa due decenni fa, grazie a un tour espositivo dell'Istituto ifa. Da allora, le sue opere sono state esposte sporadicamente in mostre personali al Ludwig Forum di Aachen, all'IKOB di Eupen e in varie mostre collettive, come recentemente al NRW Forum di Düsseldorf nell'ambito della mostra Made in Düsseldorf#4 - Architecture (febbraio-marzo 2022), oltre che in alcune mostre in galleria, e fanno ora parte di importanti collezioni. Dopo che il Museum für Photographie ha presentato alcune opere di Irmel Kamp in riferimento all'anniversario del Bauhaus nel 2019, la mostra personale ora presentata è dedicata a una panoramica della sua intera opera fotografica, che può essere vista nel contesto di concetti tipologico-artistici all'interno di una fotografia in b/n orientata al documentario. Per certi aspetti ricorda il lavoro di Bernd e Hilla Becher, che si concentrava sulla prima architettura industriale, anche se la selezione di motivi ed edifici e l'approccio pittorico di Irmel Kamp consentono osservazioni più individuali e soggettive dell'architettura negli spazi urbani e rurali. Le fotografie in bianco e nero di alta qualità sono in gran parte impronte di mani su carta baritata o PE.

La mostra è accompagnata da una pubblicazione (in tedesco e inglese) edita dalla libreria Walther und Franz König con testi di: Bettina Brosowsky, Prof. Dr. Tatjana Schneider, Andreas Prinzing e una conversazione con Irmel Kamp e i curatori Barbara Hofmann-Johnson (Direttrice del Museum für Photographie Braunschweig) e Markus Mascher (Curatore, Vice Direttore del Leopold-Hoesch-Museum, Düren). Inoltre, saranno pubblicate due edizioni speciali della serie Zink.

La mostra rappresenta una collaborazione con il Leopold-Hoesch-Museum di Düren (periodo di esposizione: 29.1. - 23.4.2023) / Curatore del Museum für Photographie Braunschweig: Barbara Hofmann-Johnson, Direttore Museum für Photographie Braunschweig / Curatore del Leopold-Hoesch-Museum Düren: Markus Mascher, Curatore e Vice Direttore.

In a comprehensive overview of her series of images created since 1978, the Museum für Photographie Braunschweig presents the photographic work of Irmel Kamp (*1937, lives in Aachen and Switzerland) from June 25 - September 18, 2022. For several years, this work, which focuses on architectural themes, has been one of the artistic discoveries of a typologically oriented B/W photography that is characterized by individual perspectives and cultural-historical as well as sociological-atmospheric references. The exhibition at the Museum für Photographie Braunschweig presents works from the work groups Zink (1978-1982), Tel Aviv (1987-92), Bruxelles-Brussel (1996/97) and Moderne in Europa (1998-2006). In addition to individual perspectives on buildings and their imprint through form and aesthetics, aspects shaped by people and nature are always among the special characteristics of Irmel Kamp's photographs. A special complex of works is represented by the early extensive work group Zink and the work group Tel Aviv, which is also accompanied by a research project. With this group, Irmel Kamp already gained attention about two decades ago through an exhibition tour of the ifa Institute. Since then, her works have been shown sporadically in solo exhibitions at the Ludwig Forum in Aachen, at the IKOB in Eupen, and in various group exhibitions, such as recently at the NRW Forum in Düsseldorf within the exhibition Made in Düsseldorf#4 - Architecture (February-March 2022), as well as in some gallery exhibitions, and are now part of important collections. After the Museum für Photographie presented some of Irmel Kamp's works with reference to the Bauhaus anniversary in 2019, the solo exhibition now presented is dedicated to an overview of her entire photographic oeuvre, which can be viewed in the context of typological-artistic concepts within a documentary-oriented B/W photography. In some aspects, it is reminiscent of the work of Bernd and Hilla Becher, which focuses on early industrial architecture, although the selection of motifs and buildings as well as Irmel Kamp's pictorial approach allow for more individual and subjective observations of architecture in urban and rural spaces. The high-quality b/w photographs are largely hand prints on baryt or PE paper.

The exhibition is accompanied by a publication (German/English) published by the Walther und Franz König bookstore with texts by: Bettina Brosowsky, Prof. Dr. Tatjana Schneider, Andreas Prinzing and a conversation with Irmel Kamp and the curators Barbara Hofmann-Johnson (Director Museum für Photographie Braunschweig) and Markus Mascher (Curator, Deputy Director Leopold-Hoesch-Museum, Düren). In addition, two special editions from the Zink series of works will be published.

The exhibition represents an exhibition cooperation with the Leopold-Hoesch-Museum, Düren (exhibition period there: 29.1. - 23.4.2023) / Curator at the Museum für Photographie Braunschweig: Barbara Hofmann-Johnson, Director Museum für Photographie Braunschweig / Curator at the Leopold-Hoesch-Museum Düren: Markus Mascher, Curator and Deputy Director.

(Text: Museum für Photographie Brauchschweig)

Museum Franz Gertsch | Burgdorf
25. Juni 2022 – 04. September 2022

Seeing through the light
Katsutoshi Yuasa

Der japanische Künstler Katsutoshi Yuasa (*1978) zeigt farbige und schwarz-weisse Holzschnitte vom Kleinformat bis zur Wandinstallation im Kabinett des Museum Franz Gertsch. Er arbeitet mit Fotografie und Holzschnitt und bindet neben zeitlosen Naturmotiven auch zeitgenössische Elemente in die Arbeiten mit ein.

Der japanische Künstler Katsutoshi Yuasa verbindet in seiner Druckgrafik die Jahrhunderte alte Tradition des japanischen Holzschnitts mit der heutigen, digitalisierten Welt. Flüchtige Momentaufnahmen, selbst fotografiert oder den Medien entnommen, bilden die Grundlage seiner Holzschnitte, die in einem zeit- und arbeitsintensiven Schaffensprozess neben Naturmotiven auch zeitgenössische Elemente einbinden und zu zeitloser Gültigkeit erheben.

In seiner Druckgrafik visualisiert der Künstler den Prozess der Erinnerung und betrachtet sie als ein Bildmedium, das mit der Vergangenheit, der Gegenwart und der Zukunft verbunden ist. Für ihn ist sie nach wie vor ein Werkzeug der Vermittlung: „Seit dem grossen Erdbeben in Ostjapan haben wir verstanden, dass wir in einer instabilen Welt leben. Während wir uns auf die nächste Katastrophe vorbereiten, leben wir in Harmonie mit der Natur und müssen ernsthaft darüber nachdenken, was wir in die Zukunft tragen möchten.“

In der Ausstellung im Kabinett des Museum Franz Gertsch zeigt der Künstler farbige und schwarz-weisse Holzschnitte vom Kleinformat bis zur Wandinstallation.

Katsutoshi Yuasa wurde 1978 in Tokio (J) geboren. 2002 schloss er sein Studium an der Musashino Art University in Tokio ab und erhielt 2005 den MA Fine Art Printmaking vom Royal College of Art in London. Seitdem hat Yuasa an renommierten Künstlerresidenzen wie der Rijksakademie van beeldende kunsten (Amsterdam), Cité des Arts (Paris) und dem Kala Art Institute (Berkeley) teilgenommen. Seine Arbeiten werden weltweit in Galerien und Museen ausgestellt und sind in zahlreichen öffentlichen Sammlungen vertreten. Im Jahr 2011 wurde er sowohl mit dem Hauptpreis der Northern Print Biennale als auch mit dem Towry Print Prize in Großbritannien ausgezeichnet. Yuasa lebt und arbeitet in Tokio und ist Dozent an der Tama Art University.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Anna Wesle in Zusammenarbeit mit dem Künstler und Micheko Galerie, München.

Es erscheint ein Katalog im modo Verlag, Freiburg i. Br.

L'artiste japonais Katsutoshi Yuasa (*1978) présente des gravures sur bois en couleur et en noir et blanc, du petit format à l'installation murale, dans le cabinet du musée Franz Gertsch. Il travaille avec la photographie et la gravure sur bois et intègre dans ses œuvres, outre des motifs naturels intemporels, des éléments contemporains.

Dans ses estampes, l'artiste japonais Katsutoshi Yuasa associe la tradition séculaire de la gravure sur bois japonaise au monde numérisé d'aujourd'hui. Des instantanés fugaces, photographiés par lui-même ou tirés des médias, constituent la base de ses gravures sur bois qui, au cours d'un processus de création exigeant beaucoup de temps et de travail, intègrent non seulement des motifs naturels mais aussi des éléments contemporains et les élèvent à une validité intemporelle.

Dans ses gravures, l'artiste visualise le processus de la mémoire et la considère comme un médium visuel lié au passé, au présent et au futur. Pour lui, elle reste un outil de transmission : "Depuis le grand tremblement de terre dans l'est du Japon, nous avons compris que nous vivions dans un monde instable. Alors que nous nous préparons à la prochaine catastrophe, nous vivons en harmonie avec la nature et devons réfléchir sérieusement à ce que nous voulons porter dans le futur".

Dans l'exposition du cabinet du musée Franz Gertsch, l'artiste présente des gravures sur bois en couleur et en noir et blanc allant du petit format à l'installation murale.

Katsutoshi Yuasa est né en 1978 à Tokyo (J). En 2002, il a terminé ses études à la Musashino Art University de Tokyo et a obtenu en 2005 le MA Fine Art Printmaking du Royal College of Art de Londres. Depuis, Yuasa a participé à des résidences d'artistes renommées telles que la Rijksakademie van beeldende kunsten (Amsterdam), la Cité des Arts (Paris) et le Kala Art Institute (Berkeley). Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées du monde entier et sont représentées dans de nombreuses collections publiques. En 2011, il a remporté à la fois le grand prix de la Northern Print Biennale et le Towry Print Prize en Grande-Bretagne. Yuasa vit et travaille à Tokyo et enseigne à la Tama Art University.

L'exposition a été organisée par Anna Wesle en collaboration avec l'artiste et la galerie Micheko, Munich.

Un catalogue est publié aux éditions modo, Freiburg i. Br.

L'artista giapponese Katsutoshi Yuasa (*1978) espone delle xilografie a colori e in bianco e nero dal piccolo formato all'installazione a muro nella vetrina del Museo Franz Gertsch. Lavora con la fotografia e le stampe su legno e incorpora elementi contemporanei nelle opere accanto a motivi di natura senza tempo.

Nelle sue stampe, l'artista giapponese Katsutoshi Yuasa combina la tradizione secolare della stampa giapponese su legno con il mondo digitalizzato di oggi. Istantanee fugaci, fotografate da lui stesso o prese dai media, formano la base delle sue stampe su legno che, in un processo creativo che richiede tempo e lavoro, incorporano non solo motivi naturali ma anche elementi contemporanei e li elevano a validità senza tempo.

Nelle sue stampe, l'artista visualizza il processo della memoria e la considera come un mezzo d'immagine collegato al passato, al presente e al futuro. Per lui, rimane uno strumento di mediazione: "Dopo il grande terremoto nel Giappone orientale, abbiamo capito che viviamo in un mondo instabile. Mentre ci prepariamo al prossimo disastro, viviamo in armonia con la natura e dobbiamo pensare seriamente a ciò che vogliamo portare nel futuro".

Nella mostra nel gabinetto del Museo Franz Gertsch, l'artista espone xilografie a colori e in bianco e nero che vanno dai piccoli formati alle installazioni a muro.

Katsutoshi Yuasa è nato a Tokyo (J) nel 1978. Si è laureato alla Musashino Art University di Tokyo nel 2002 e ha ricevuto un MA Fine Art Printmaking dal Royal College of Art di Londra nel 2005. Da allora, Yuasa ha partecipato a prestigiose residenze d'artista come la Rijksakademie van beeldende kunsten (Amsterdam), Cité des Arts (Parigi) e il Kala Art Institute (Berkeley). Il suo lavoro è esposto in gallerie e musei di tutto il mondo ed è incluso in numerose collezioni pubbliche. Nel 2011 ha ricevuto sia il primo premio alla Northern Print Biennale che il Towry Print Prize nel Regno Unito. Yuasa vive e lavora a Tokyo ed è docente alla Tama Art University.

La mostra è stata curata da Anna Wesle in collaborazione con l'artista e la Micheko Galerie di Monaco.

Un catalogo sarà pubblicato da Modo Verlag, Freiburg i. Br.

The Japanese artist Katsutoshi Yuasa (born 1978) shows coloured and black-and-white woodcuts from small format to wall installation in the Cabinet of the Museum Franz Gertsch. He works with photography and woodblock prints and incorporates contemporary elements into the works alongside timeless nature motifs.

The Japanese artist Katsutoshi Yuasa combines in his printed oeuvre the centuries-old tradition of Japanese woodcuts with today's digitalised world. Fleeting snapshots, photographed by the artist himself or taken from the media, form the basis of his woodcuts. In a time-consuming and labour-intensive creative process, he incorporates not only natural motifs but also contemporary elements, elevating them to timeless validity.

The artist visualises the process of memory in his prints, which he regards as an image medium that is connected to the past, the present and the future. For him, it remains a tool of conveyance: ‘Since the great earthquake in East Japan, we have understood that we live in an unstable world. While preparing for the next disaster, we live in harmony with nature and need to think seriously about what we want to carry into the future.’

In his exhibition in the Museum Franz Gertsch's Cabinet, the artist shows coloured and black-and-white woodcuts ranging in size from small to wall installation.

Katsutoshi Yuasa was born in Tokyo (J) in 1978. He graduated from Musashino Art University in Tokyo in 2002 and received an MA in Fine Art Printmaking from the Royal College of Art in London in 2005. Since then, Yuasa has participated in prestigious artist residencies such as the Rijksakademie van beeldende kunsten (Amsterdam), Cité des Arts (Paris) and the Kala Art Institute (Berkeley). His work has been exhibited in galleries and museums worldwide and is included in numerous public collections. In 2011, he was awarded the main prize of the Northern Print Biennale as well as the Towry Print Prize in the UK. Yuasa lives and works in Tokyo and is a lecturer at Tama Art University in Tokyo.

The exhibition was curated by Anna Wesle in collaboration with the artist and Micheko Gallery, Munich.

The accompanying catalogue will be published by modo Verlag, Freiburg i. Br.

(Text: Museum Franz Gertsch, Burgdorf)

Musée du Pavillon de Vendôme | Aix-en-Provence
25. Juni - 30. Oktober 2022

Ce qu’on ne peut pas dire
Carolle Bénitah

Die plastische Intervention auf den Fotografien mithilfe von Stickerei, Schrift oder auch Blattgold erinnert an Konflikte, Drama und Schmerz und ruft die dunkle Materie der Familiengeschichte auf den Plan.

Carolle Bénitah pflegt einen proteiformen kreativen Ansatz und entwickelt Installationen, in denen sie Objekte schafft, Bettlaken webt und die Klischees des häuslichen Universums verfremdet, um die Identität und die Konstruktion des Selbst zu hinterfragen.

"Ich habe Anfang der 2000er Jahre nach einer starken persönlichen Infragestellung mit der Fotografie begonnen. Die zerbrechliche Dimension des Lebens drängte sich mir auf und die Fotografie funktionierte wie eine existenzielle Krücke. Angesichts einer schwer fassbaren Realität - wie die Krankheit in der Serie "Selbstporträt mit rotem Vorhang" (2002) oder in der Serie "Ein Rosenbeet" (2001-2008) - wirkte die Fotografie wie ein neues Sinnesorgan. Von Anfang an habe ich meine Praxis im Bereich des Intimen angesiedelt. Heute mündet meine Arbeit in offenere Themen wie Familie, Verlangen, Verlust, Trauer und Einschließung und berührt das Universelle.

In "Photos Souvenirs" erstelle ich aus meinem persönlichen Archiv ein imaginäres Album wie eine Reise durch den Schein. Ich dekonstruiere den Mythos der idealen Familie, um ein nuancierteres Bild entstehen zu lassen und die in diesen Fotografien abwesende schwarze Materie heraufzubeschwören. Ich benutze die falsch dekorative Funktion der Stickerei, um ihnen eine andere Bedeutung zu geben, als sie in der Familienmythologie hatten.

Diese langsame und präzise Arbeit ist eine Metapher für eine sorgfältige Herstellung des Selbst und der vergehenden Zeit. Ich verfolge einen vielgestaltigen kreativen Ansatz und entwickle Installationen, mit denen ich die Identität und die Konstruktion des Selbst hinterfrage.

Ich verwende Materialien, die das häusliche Universum bevölkern (Deckchen, Taschentuch mit gesticktem Monogramm, Geschirrtuch, Aussteuerlaken...). Durch die trivialen Gegenstände, die ich entwerfe und besticke, kehre ich die Hierarchie der Künste um.

 Der Philosoph Jacques Derrida schrieb: "Was man nicht sagen kann, sollte man vor allem nicht verschweigen, sondern schreiben." In "Was man nicht sagen kann" und "Was man nicht sehen kann" sind das Schreiben und Zeichnen eine Form des Widerstands gegen das Schweigen. Ich spreche vom Schweigen der Frauen gegenüber ihren Wünschen und der Schwierigkeit, den eigenen Körper als begehrendes Objekt zu akzeptieren." Carolle Bénitah

L’intervention plastique sur les photographies à l’aide de la broderie, l’écriture ou encore la feuille d’or rappellent les conflits, le drame, la douleur et convoquent la matière noire de l’histoire familiale.

Carolle Bénitah cultive une approche protéiforme de la création en développant des installations où elle crée des objets, tisse des draps, détourne les clichés de l’univers domestique pour interroger l’identité et la construction de soi.

« J’ai commencé à pratiquer la photographie au début des années 2000 suite à des remises en cause personnelles très fortes. La dimension fragile de la vie s’est imposée à moi et la photographie a fonctionné comme une béquille existentielle. Face à une réalité difficile à appréhender- comme la maladie dans la série « Autoportrait au rideau rouge » (2002), ou encore dans la série « Un parterre de roses » (2001-2008), la photographie a agi comme un nouvel organe de sens. D’emblée, j’ai placé ma pratique dans le champ de l’intime. Aujourd’hui, mon travail débouche sur des sujets plus ouverts comme la famille, le désir, la perte, le deuil et l’enfermement et touchent à l’universel.

Dans « Photos Souvenirs », je crée, à partir de mes archives personnelles, un album imaginaire comme une traversée des apparences. Je déconstruis le mythe de la famille idéale afin de laisser émerger une image plus nuancée et convoquer la matière noire absente de ces photographies-là. Je me sers de la fonction faussement décorative de la broderie pour en donner un sens différent qu’elles avaient dans la mythologie familiale.

Ce travail lent et précis est la métaphore d’une fabrique minutieuse de soi et du temps qui passe. Je cultive une approche protéiforme de la création en développant des installations à travers lesquelles j’interroge l’identité, la construction de soi.

J’utilise des matériaux qui peuplent l’univers domestiques (napperons, mouchoir avec monogramme brodé, torchon, drap de trousseau…). À travers les objets triviaux que je crée et brode, je renverse la hiérarchie des arts.

 Le philosophe Jacques Derrida a écrit : « Ce qu’on ne peut pas dire, il ne faut surtout pas le taire mais l’écrire » Dans « Ce qu’on ne peut pas dire » et « Ce qu’on ne peut pas voir », l’écriture et le dessin sont une forme de résistance au silence. Je parle du silence des femmes face à leurs désirs et la difficulté d’accepter son corps en tant qu’objet désirant. » Carolle Bénitah

L'intervento plastico sulle fotografie con l'aiuto del ricamo, della scrittura o della foglia d'oro rievoca i conflitti, il dramma, il dolore e richiama la materia oscura della storia familiare.

Carolle Bénitah coltiva un approccio proteiforme alla creazione, sviluppando installazioni in cui crea oggetti, tesse lenzuola e devia i cliché dell'universo domestico per interrogarsi sull'identità e sulla costruzione del sé.

"Ho iniziato a praticare la fotografia all'inizio degli anni Duemila in seguito a una forte messa in discussione personale. La dimensione fragile della vita mi si imponeva e la fotografia fungeva da stampella esistenziale. Di fronte a una realtà difficile da afferrare - come la malattia nella serie "Autoritratto con tenda rossa" (2002), o nella serie "Un letto di rose" (2001-2008) - la fotografia ha agito come nuovo organo di significato. Fin dall'inizio ho collocato la mia pratica nel campo dell'intimità. Oggi il mio lavoro affronta temi più aperti come la famiglia, il desiderio, la perdita, il lutto e la reclusione e tocca l'universale.

In "Photos Souvenirs" creo, a partire dai miei archivi personali, un album immaginario come incrocio di apparizioni. Decostruisco il mito della famiglia ideale per far emergere un'immagine più sfumata e per evocare la materia oscura assente da queste fotografie. Uso la funzione falsamente decorativa del ricamo per dare un significato diverso da quello che avevano nella mitologia familiare.

Questo lavoro lento e preciso è la metafora di una meticolosa costruzione di se stessi e dello scorrere del tempo. Coltivo un approccio proteiforme alla creazione sviluppando installazioni attraverso le quali mi interrogo sull'identità e sulla costruzione del sé.

Utilizzo materiali che popolano l'universo domestico (centrini, fazzoletti con monogrammi ricamati, strofinacci, lenzuola da corredo...). Attraverso gli oggetti banali che creo e ricamo, inverto la gerarchia delle arti.

 Il filosofo Jacques Derrida ha scritto: "Ciò che non possiamo dire, non dobbiamo tacerlo ma scriverlo". In "Ciò che non possiamo dire" e "Ciò che non possiamo vedere", la scrittura e il disegno sono una forma di resistenza al silenzio. Parlo del silenzio delle donne di fronte ai loro desideri e della difficoltà di accettare il proprio corpo come oggetto di desiderio. Carolle Bénitah

The plastic intervention on the photographs with the help of embroidery, writing or gold leaf recall the conflicts, the drama, the pain and summon the dark matter of the family history.

Carolle Bénitah cultivates a protean approach to creation by developing installations where she creates objects, weaves sheets, and diverts the clichés of the domestic universe to question identity and the construction of the self.

"I started practicing photography in the early 2000s following some very strong personal questioning. The fragile dimension of life imposed itself on me and photography functioned as an existential crutch. Faced with a reality that is difficult to apprehend - such as the illness in the series "Self-portrait with a red curtain" (2002), or in the series "A bed of roses" (2001-2008) - photography acted as a new organ of meaning. From the outset, I placed my practice in the field of intimacy. Today, my work leads to more open subjects such as family, desire, loss, mourning and confinement and touches on the universal.

In "Photos Souvenirs", I create, from my personal archives, an imaginary album as a crossing of appearances. I deconstruct the myth of the ideal family in order to let emerge a more nuanced image and to summon the dark matter absent from these photographs. I use the falsely decorative function of the embroidery to give a different meaning than they had in the family mythology.

This slow and precise work is the metaphor of a meticulous manufacture of oneself and of the passing time. I cultivate a protean approach to creation by developing installations through which I question identity and the construction of the self.

I use materials that populate the domestic universe (doilies, handkerchief with embroidered monogram, tea towel, sheet of trousseau ...). Through the trivial objects that I create and embroider, I reverse the hierarchy of the arts.

 The philosopher Jacques Derrida wrote: "What we cannot say, we must not keep silent but write it" In "What we cannot say" and "What we cannot see", writing and drawing are a form of resistance to silence. I speak of the silence of women in the face of their desires and the difficulty of accepting one's body as a desiring object." Carolle Bénitah

(Text: Musée du Pavillon de Vendôme, Aix-en-Provence)

Foam | Amsterdam
24. Juni - 7. September 2022

Surinamese Wedding Portraits

Die Ausstellung Surinamische Hochzeitsporträts ist eine Sammlung denkwürdiger Fotografien. Die Porträts stammen aus der Zeit von 1846 bis 1954, als Surinam noch eine niederländische Kolonie war. Zusammen decken sie fast ein Jahrhundert surinamischer Geschichte ab. Die Familienfotos und -geschichten zeigen, wie sehr die Surinamer unter niederländischer Verwaltung in alle Ecken der Welt auswanderten. Oft fanden sie ihre Partner anderswo, in Orten wie Aruba, Curaçao oder Bonaire, in den ehemaligen Niederländisch-Ostindien, den Niederlanden oder Nordamerika. Die Stärke dieser Sammlung persönlicher Fotos liegt daher in den vielen verschiedenen Verbindungen, die sich über die ganze Welt erstreckten.

Die Ausstellung besteht aus mehr als hundert Hochzeitsfotos und vielen Familiengeschichten. Zusammen erzählen sie die Geschichte unzähliger persönlicher Bindungen, die Grenzen, Ethnien oder Religionen überschreiten. Dies ging nicht immer reibungslos vonstatten, doch die meisten Liebenden folgten dem Weg ihres Herzens und die Liebe triumphierte im Allgemeinen über den Zeitgeist.

Die Familiengeschichten sind oft mit wichtigen Themen verbunden, die die Kolonialgeschichte Surinams kennzeichnen: Sklaverei, Lohnarbeit, Ein- und Auswanderung, Konflikte und Kämpfe. Aber die Geschichten erzählen auch von persönlichen Bindungen, von Vielfalt und Einheit. Aus diesem Grund sind die Fotografien nicht nur für die Menschen, deren Familiengeschichten verewigt wurden, von großer Bedeutung, sondern sie zeigen auch eine gemeinsame (inter)nationale Geschichte.

Die Idee, diese außergewöhnlichen Porträts zusammenzubringen, stammt von Lucia Nankoe, der Initiatorin dieser Ausstellung, aus dem Jahr 2014. Gemeinsam mit ihrem Team sprach sie mit Nachkommen von Brautpaaren, von denen mindestens ein Vorfahre surinamischer Abstammung war. Die daraus entstandene Porträtsammlung ist seit der Veröffentlichung eines Buches und einer Wanderausstellung im Jahr 2019 stetig gewachsen. Das Projekt besteht nun aus mehr als 135 Fotos und Geschichten.

L'exposition Portraits de mariages surinamais est une collection de photographies mémorables. Les portraits proviennent de la période allant de 1846 à 1954, lorsque le Suriname était encore une colonie néerlandaise. Ensemble, ils couvrent près d'un siècle d'histoire du Suriname. Les photos de famille et les récits montrent à quel point les Surinamais, sous l'administration néerlandaise, ont migré aux quatre coins du monde. Ils ont souvent trouvé leur partenaire ailleurs, dans des endroits comme Aruba, Curaçao ou Bonaire, dans les anciennes Indes orientales néerlandaises, aux Pays-Bas ou en Amérique du Nord. La force de cette collection de photos personnelles réside donc dans les nombreux liens qui se sont tissés dans le monde entier.

L'exposition comprend plus d'une centaine de photos de mariage et de nombreuses histoires de famille. Ensemble, elles racontent l'histoire d'innombrables liens personnels qui dépassent les frontières, l'ethnicité ou la religion. Cela ne s'est pas toujours passé sans heurts, mais la plupart des amoureux ont suivi le chemin de leur cœur et l'amour a généralement triomphé de l'esprit du temps.

Les histoires familiales sont souvent liées à des thèmes importants qui caractérisent l'histoire coloniale du Suriname : l'esclavage, le travail sous contrat, l'immigration et l'émigration, les conflits et les luttes. Mais les histoires parlent aussi de liens personnels, de diversité et d'unité. C'est pourquoi les photographies ne revêtent pas seulement une grande importance pour les personnes dont l'histoire familiale a été immortalisée, mais elles témoignent également d'une histoire (inter)nationale partagée.

L'idée de réunir ces portraits extraordinaires est née en 2014 chez Lucia Nankoe, l'initiatrice de cette exposition. Avec son équipe, elle s'est entretenue avec des descendants de couples de mariés ayant au moins un ancêtre d'origine surinamaise. La collection de portraits qui en résulte n'a cessé de croître depuis la publication d'un livre et d'une exposition itinérante en 2019. Le projet compte désormais plus de 135 photos et récits.

La mostra Surinamese Wedding Portraits è una raccolta di fotografie memorabili. I ritratti risalgono al periodo compreso tra il 1846 e il 1954, quando il Suriname era ancora una colonia olandese. Insieme coprono quasi un secolo di storia surinamese. Le foto e le storie di famiglia mostrano quanto i surinamesi, sotto l'amministrazione olandese, siano emigrati in ogni angolo del mondo. Spesso hanno trovato il loro partner altrove, in luoghi come Aruba, Curaçao o Bonaire, nelle ex Indie Orientali Olandesi, nei Paesi Bassi o in Nord America. La forza di questa collezione di foto personali risiede quindi nei numerosi e diversi legami che si estendevano in tutto il mondo.

La mostra comprende più di cento foto di matrimoni e molte storie di famiglia. Insieme raccontano la storia di innumerevoli legami personali che attraversano i confini, l'etnia o la religione. Non sempre le cose sono andate lisce, ma la maggior parte degli innamorati ha seguito la strada del cuore e l'amore ha generalmente trionfato sullo spirito del tempo.

Le storie di famiglia sono spesso legate a temi importanti che caratterizzano la storia coloniale del Suriname: schiavitù, lavoro a contratto, immigrazione ed emigrazione, conflitti e lotte. Ma le storie parlano anche di legami personali, diversità e unità. Per questo motivo, le fotografie non hanno solo un grande significato per le persone le cui storie familiari sono state immortalate, ma mostrano anche una storia (inter)nazionale condivisa.

L'idea di riunire questi straordinari ritratti è nata nel 2014 con Lucia Nankoe, promotrice della mostra. Insieme al suo team ha parlato con i discendenti di coppie di sposi con almeno un antenato di origine surinamese. La collezione di ritratti che ne è scaturita ha continuato a crescere costantemente fino alla pubblicazione di un libro e di una mostra itinerante nel 2019. Il progetto è ora composto da più di 135 foto e storie.

The exhibition Surinamese Wedding Portraits is a collection of memorable photographs. The portraits come from the period from 1846 to 1954, when Suriname was still a Dutch colony. Together they cover almost a century of Surinamese history. The family photos and stories show the extent to which Surinamese people, under Dutch administration, migrated to all corners of the world. They often found their partner elsewhere, in places like Aruba, Curaçao or Bonaire, in the former Dutch East Indies, the Netherlands or North America. The strength of this collection of personal photos, therefore, lies in the many different connections that stretched all over the world.

The exhibition consists of more than one hundred wedding photos and many family histories. Together they tell the story of countless personal bonds that cross borders, ethnicity or religion. This did not always go down smoothly, yet most lovers followed the path of their hearts and love generally triumphed over the spirit of the times.

The family stories are often connected with important themes that characterize the colonial history of Suriname: slavery, contract labour, immigration and emigration, conflict and struggle. But the stories also talk about personal bonds, diversity and unity. For that reason, the photographs are not only of great significance to the people whose family histories were immortalised, but they also show a shared (inter)national history.

The idea to bring these extraordinary portraits together originated with Lucia Nankoe, the initiator of this exhibition, in 2014. Together with her team she spoke with descendants of bridal couples with at least one ancestor of Surinamese descent. The resulting collection of portraits has continued to grow steadily since the publication of a book and a travelling exhibition in 2019. The project now consists of more than 135 photos and stories.

(Text: Foam, Amsterdam)

Berlinische Galerie | Berlin
24. Juni - 10. Oktober 2022

Stad Land Hund - Fotografien 1966 - 2010
Sibylle Bergemann

Sibylle Bergemann (1941–2010) gehört zu den bekanntesten deutschen Fotograf*innen. Berühmt wird die Berlinerin mit der Serie „Das Denkmal“ (1975–1986) und ihren Modefotografien. Die Vielfalt ihres Werkes und die Kontinuität, mit der sie im wiedervereinten Deutschland an ihre frühen Erfolge in der DDR anknüpft, sind hier zu entdecken.

Die Fotografin lebt und arbeitet in Berlin-Mitte und auf dem Land, im Norden Brandenburgs. Die Wohnungen von Sibylle Bergemann und Arno Fischer, ihrem Lebenspartner, sind gleichzeitig Arbeits- wie Rückzugsorte. Hier trifft sich regelmäßig ein lebendiger Freundes- und Bekanntenkreis. Der Austausch mit Gleichgesinnten bildet die Grundlage für Bergemanns Entwicklung einer freien Fotografie. Mit Veröffentlichungen in der Wochenzeitung „Sonntag“ (1967) und in „Sibylle. Zeitschrift für Mode und Kultur“ (1970) beginnt ihre berufliche Laufbahn. Nach Öffnung der Mauer 1990 gründet Bergemann zusammen mit Kolleg*innen „Ostkreuz – Agentur der Fotografen“. Aufträge von Zeitschriften und Zeitungen wie „Geo“ und „Die Zeit“ folgen. Gleichzeitig setzt sie ihre Ausstellungsaktivitäten fort.

Für Bergemann ist die Fotografie ein künstlerisches Ausdrucksmittel. Subjektiv erfasst sie die Wirklichkeit, humorvoll und ernsthaft zugleich. In über vier Jahrzehnten entsteht ein einzigartiger Kosmos aus Mode- und Porträtaufnahmen sowie essayistischen Bildreportagen. Wiederkehrende Motive sind die Stadt, Frauen und – immer wieder – Hunde.

Die Ausstellung richtet einen retrospektiven und persönlichen Blick auf ihr Werk. Von den über 200 gezeigten Fotografien sind 30 zum ersten Mal zu sehen.

Sibylle Bergemann (1941-2010) est l'une des photographes allemandes les plus connues*. La Berlinoise est devenue célèbre avec la série "Das Denkmal" (1975-1986) et ses photographies de mode. On découvre ici la diversité de son œuvre et la continuité avec laquelle elle renoue, dans l'Allemagne réunifiée, avec ses premiers succès en RDA.

La photographe vit et travaille dans le centre de Berlin et à la campagne, dans le nord du Brandebourg. Les appartements de Sibylle Bergemann et d'Arno Fischer, son compagnon, sont à la fois des lieux de travail et de retraite. Un cercle vivant d'amis et de connaissances s'y réunit régulièrement. L'échange avec des personnes partageant les mêmes idées constitue la base du développement de la photographie libre de Bergemann. Avec des publications dans l'hebdomadaire "Sonntag" (1967) et dans "Sibylle. Zeitschrift für Mode und Kultur" (1970), elle commence sa carrière professionnelle. Après l'ouverture du mur en 1990, Bergemann fonde avec des collègues "Ostkreuz - Agentur der Fotografen". Des commandes de magazines et de journaux comme "Geo" et "Die Zeit" suivent. Parallèlement, elle poursuit ses activités d'exposition.

Pour Bergemann, la photographie est un moyen d'expression artistique. Elle saisit la réalité de manière subjective, avec humour et sérieux à la fois. En plus de quatre décennies, elle crée un cosmos unique composé de photos de mode et de portraits ainsi que de reportages photographiques essayistes. Les motifs récurrents sont la ville, les femmes et - toujours - les chiens.

L'exposition pose un regard rétrospectif et personnel sur son œuvre. Sur les plus de 200 photographies présentées, 30 sont exposées pour la première fois.

Sibylle Bergemann (1941-2010) è una delle più note fotografe tedesche. È diventata famosa con la serie "The Monument" (1975-1986) e con le sue fotografie di moda. La diversità del suo lavoro e la continuità con cui continua i suoi primi successi nella DDR nella Germania riunificata possono essere scoperti qui.

Il fotografo vive e lavora a Berlino-Mitte e in campagna, nel nord del Brandeburgo. Gli appartamenti di Sibylle Bergemann e Arno Fischer, suo compagno di vita, sono al tempo stesso luoghi di lavoro e di ritiro. Qui si riunisce regolarmente un vivace circolo di amici e conoscenti. Lo scambio con persone che la pensano allo stesso modo costituisce la base per lo sviluppo della fotografia libera di Bergemann. Con pubblicazioni nel settimanale "Sonntag" (1967) e in "Sibylle. Zeitschrift für Mode und Kultur" (1970) segna l'inizio della sua carriera professionale. Dopo l'apertura del Muro nel 1990, Bergemann ha fondato "Ostkreuz - Agentur der Fotografen" insieme a dei colleghi. Seguono commissioni da parte di riviste e giornali come "Geo" e "Die Zeit". Allo stesso tempo, ha continuato la sua attività espositiva.

Per Bergemann la fotografia è un mezzo di espressione artistica. Cattura la realtà in modo soggettivo, umoristico e serio allo stesso tempo. In più di quarant'anni ha creato un cosmo unico di fotografie di moda e di ritratto, nonché di reportage pittorici saggistici. I motivi ricorrenti sono la città, le donne e, ancora e sempre, i cani.

La mostra offre uno sguardo retrospettivo e personale sul suo lavoro. Delle oltre 200 fotografie esposte, 30 vengono presentate per la prima volta.

Sibylle Bergemann (1941-2010) is one of the most famous German photographers. She became famous with her series "Das Denkmal" (1975-1986) and her fashion photographs. The diversity of her work and the continuity with which she continues her early successes in the GDR in reunified Germany can be discovered here.

The photographer lives and works in Berlin-Mitte and in the countryside, in the north of Brandenburg. The apartments of Sibylle Bergemann and Arno Fischer, her life partner, are both places of work and retreat. A lively circle of friends and acquaintances meets here regularly. The exchange with like-minded people forms the basis for Bergemann's development of free photography. With publications in the weekly newspaper "Sonntag" (1967) and in "Sibylle. Zeitschrift für Mode und Kultur" (1970) mark the beginning of her professional career. After the opening of the Berlin Wall in 1990, Bergemann founded "Ostkreuz - Agentur der Fotografen" together with colleagues. Commissions from magazines and newspapers such as "Geo" and "Die Zeit" followed. At the same time, she continued her exhibition activities.

For Bergemann, photography is a means of artistic expression. Subjectively, she captures reality, humorously and seriously at the same time. In over four decades, a unique cosmos of fashion and portrait shots as well as essayistic pictorial reportages emerges. Recurring motifs are the city, women and - again and again - dogs.

The exhibition takes a retrospective and personal look at her work. Of the more than 200 photographs shown, 30 are on view for the first time.

(Text: Berlinische Galerie, Berlin)

Pavillon Populaire | Montpellier
23. Juni – 25. September 2022

Devenir
Peter Lindbergh

Michelangelo sagte: "Ich habe den Engel im Marmor gesehen und ich habe ihn gemeißelt, um ihn zu befreien". In diesem Sinne hat der legendäre Fotograf Peter Lindbergh im Laufe seiner Karriere die Modefotografie geformt, um die Schönheit zu befreien: sie von versteinerten Begriffen wie Perfektion zu befreien, die Poesie der dunklen und vernachlässigten Orte des Stadtlebens zu enthüllen und die modernen Engel auf den Dächern des Alltags landen zu lassen.

Die Retrospektive "Werden - Peter Lindbergh" ist eine Ode an den Pionier hinter der Kamera, dessen Ideal, eine ehrliche und offene Schönheit, nicht nur unser Denken über Mode, sondern auch uns selbst revolutioniert hat.

Erzählt mit Lindberghs Worten und ausgehend von einer biografischen Notiz, feiert die Ausstellung das Erbe seiner Vision, die nicht nur die Codes einer Branche nachhaltig neu definierte, sondern Frauen (und allen anderen) die Freiheit gab, so zu sein, wie sie sind, "gegen den Terror der Jugend und der Perfektion".

Peter Lindberghs brillante Karriere ist gespickt mit "ersten Malen" in der Geschichte der Modefotografie: Er war der erste, der in den späten 80er Jahren den ästhetischen Kanon durchbrach, die Natürlichkeit auf dem Titelblatt der Vogue einführte und die Populärkultur in den Olymp der Haute Couture beförderte; er war der erste, der die Modefotografie auf die Ebene der schönen Künste hob, indem er sich mit einigen der größten Fotografen des letzten Jahrhunderts unterhielt; Er war der erste, der die Macht der schwarz-weißen Filmerzählung in die Werbung einbrachte; der erste, der die Schwesternschaft mit Empathie darstellte und die existentielle Suche der Frauen anstelle der Kleider, die sie trugen, verherrlichte. Er war derjenige, der vor allen anderen die Models zum Leben erweckte, die durch seinen aufrichtigen Blick nicht nur zu menschlichen Frauen, sondern zu "Supermodels" wurden.

Devenir - Peter Lindbergh ( über 140 Abzüge, Filme und Videos) vereint einige der emblematischsten Bilder und Porträts der zeitgenössischen Mode- und Fotogeschichte sowie seine Zusammenarbeit mit einigen wegweisenden Künstlern wie Pina Bausch und Holly Fisher.

Die Ausstellung beginnt mit der Reise, die Peter Lindbergh unternahm, als er als junger Student und Malerlehrling von Deutschland nach Südfrankreich und in die Gegend von Arles reiste, um nach Van Gogh und später nach seinem authentischsten Ich zu suchen.

Die Fotografien zeichnen die unauslöschlichen Spuren nach, die Lindbergh hinterlassen hat: Peter wurde nicht nur zu Lindbergh, sondern gab auch anderen den Mut, frei zu werden.

Michel-Ange disait : « J'ai vu l'ange dans le marbre et je l'ai sculpté pour le libérer ». Dans le même esprit, le légendaire photographe Peter Lindbergh a sculpté la photographie de mode tout au long de sa carrière pour libérer la beauté : la libérer de notions pétrifiées comme la perfection, révéler la poésie des lieux sombres et négligés de la vie urbaine, et laisser les anges modernes se poser sur les toits du quotidien.

La rétrospective « Devenir – Peter Lindbergh » est une ode au pionnier derrière la caméra, dont l’idéal, une beauté honnête et franche, a révolutionné non seulement notre façon de penser la mode, mais nous-mêmes.

Racontée avec les mots de Lindbergh, et à partir d'une note biographique, l'exposition célèbre l'héritage de sa vision, qui ne s'est pas limitée à redéfinir durablement les codes d’une industrie, mais qui a rendu les femmes (et tout le monde) libres d'être ce qu’elles sont « contre la terreur de la jeunesse et de la perfection ».

La brillante carrière de Peter Lindbergh est constellée de « premières fois » dans l'histoire de la photographie de mode : il est le premier à avoir décousu les canons esthétiques à la fin des années 80, intronisant le naturel en couverture de Vogue et transportant la culture populaire dans l'Olympe de la haute couture; le premier à avoir élevé la photographie de mode au niveau des beaux-arts, en s'entretenant avec certains des plus grands photographes du siècle dernier; le premier à injecter le pouvoir de la narration cinématographique en noir et blanc dans la publicité; le premier à avoir dépeint avec empathie la sororité, magnifié la quête existentielle des femmes, au lieu des robes qu'elles portaient. Il est celui qui, avant tout le monde, a donné vie aux mannequins, devenus à travers son regard sincère non seulement des femmes humaines, mais des « Supermodels ».

Devenir – Peter Lindbergh ( plus de 140 tirages, films et vidéos) rassemble certaines des images et des portraits les plus emblématiques de l'histoire de la mode et de la photographie contemporaine, ainsi que ses collaborations avec certains artistes pionniers tels que Pina Bausch et Holly Fisher.

L'exposition s'ouvre sur le voyage entrepris par Peter Lindbergh lorsque, encore jeune étudiant et apprenti peintre, il a quitté l'Allemagne pour le sud de la France et la région d’Arles, à la recherche de Van Gogh, puis de son moi le plus authentique.

Les photographies retracent l'empreinte indélébile que Lindbergh a laissée dans son sillage : Peter est non seulement devenu Lindbergh, mais il a également donné aux autres le courage de devenir libres.

Michelangelo disse: "Ho visto l'angelo nel marmo e l'ho scolpito per liberarlo". Nello stesso spirito, il leggendario fotografo Peter Lindbergh ha scolpito la fotografia di moda durante tutta la sua carriera per liberare la bellezza: per liberarla da nozioni pietrificate come la perfezione, per rivelare la poesia dei luoghi oscuri e trascurati della vita urbana, e per far atterrare gli angeli moderni sui tetti del quotidiano.

La retrospettiva "Becoming - Peter Lindbergh" è un'ode al pioniere dietro la macchina fotografica, il cui ideale di bellezza onesta e diretta ha rivoluzionato non solo il nostro pensiero sulla moda, ma anche noi stessi.

Raccontata con le parole di Lindbergh e con una nota biografica, la mostra celebra l'eredità della sua visione, che non solo ha ridefinito i codici di un'industria per sempre, ma ha lasciato le donne (e tutti gli altri) libere di essere ciò che sono "contro il terrore della gioventù e della perfezione".

La brillante carriera di Peter Lindbergh è disseminata di "prime volte" nella storia della fotografia di moda: è stato il primo a sconvolgere il canone estetico alla fine degli anni '80, intronizzando la naturalezza sulla copertina di Vogue e trasportando la cultura popolare nell'Olimpo dell'alta moda; il primo a elevare la fotografia di moda al livello delle belle arti, intervistando alcuni dei più grandi fotografi del secolo scorso; il primo a iniettare il potere della narrazione cinematografica in bianco e nero nella pubblicità; il primo a rappresentare empaticamente la sorellanza, a magnificare la ricerca esistenziale delle donne, invece dei vestiti che indossavano. È lui che, prima di chiunque altro, ha dato vita alle modelle che, attraverso il suo sguardo sincero, sono diventate non solo donne umane, ma "Supermodelle".

Becoming - Peter Lindbergh (oltre 140 stampe, film e video) riunisce alcune delle immagini e dei ritratti più iconici della storia della moda e della fotografia contemporanea, nonché le sue collaborazioni con artisti pionieri come Pina Bausch e Holly Fisher.

La mostra si apre con il viaggio di Peter Lindbergh dalla Germania, come giovane studente e apprendista pittore, al sud della Francia e alla regione di Arles, alla ricerca di Van Gogh e poi del suo io più vero.

Le fotografie tracciano l'impronta indelebile che Lindbergh ha lasciato nella sua scia: Peter non solo è diventato Lindbergh, ma ha anche dato agli altri il coraggio di diventare liberi.

Michelangelo said, "I saw the angel in the marble and I sculpted it to set it free. In the same spirit, legendary photographer Peter Lindbergh has sculpted fashion photography throughout his career to liberate beauty: freeing it from petrified notions like perfection, revealing the poetry of the dark and neglected places of urban life, and letting modern angels land on the rooftops of the everyday.

The retrospective "Becoming - Peter Lindbergh" is an ode to the pioneer behind the camera, whose ideal of honest, straightforward beauty revolutionized not only our thinking about fashion, but ourselves.

Told in Lindbergh's own words, and with a biographical note, the exhibition celebrates the legacy of his vision, which not only redefined the codes of an industry for good, but set women (and everyone else) free to be who they are "against the terror of youth and perfection."

Peter Lindbergh's brilliant career is studded with "firsts" in the history of fashion photography: he was the first to disrupt the aesthetic canon in the late 1980s, enthroning naturalness on the cover of Vogue and transporting popular culture into the Olympus of high fashion; the first to elevate fashion photography to the level of fine art, interviewing some of the greatest photographers of the last century; the first to inject the power of black-and-white cinematic storytelling into advertising; the first to empathetically depict sisterhood, to magnify the existential quest of women, instead of the dresses they wore. He is the one who, before anyone else, gave life to models, who became, through his sincere look, not only human women, but "Supermodels".

Becoming - Peter Lindbergh (over 140 prints, films and videos) brings together some of the most iconic images and portraits in the history of fashion and contemporary photography, as well as his collaborations with some of the pioneering artists such as Pina Bausch and Holly Fisher.

The exhibition opens with Peter Lindbergh's journey from Germany, as a young student and painter's apprentice, to the south of France and the Arles region, in search of Van Gogh and then his truest self.

The photographs trace the indelible imprint that Lindbergh left in his wake: Peter not only became Lindbergh, he also gave others the courage to become free.

(Text: Tara Londi, commissaire de l’exposition)

Foto Colectania | Barcelona
21. Juni - 18. September 2022

Diseños habitados
Helena Almeida & Chema Madoz

Diseños habitados schlägt eine Resonanz zwischen den Werken von zwei der ersten Autoren vor, die Teil der Sammlung Foto Colectania waren, und zeigt einige der Schlüssel zu ihren kreativen Prozessen.

Der Titel der Ausstellung ist eine Hommage an Helena Almeida, die wir der ersten Serie entlehnen, in der sie die Fotografie verwendet hat (Desenho habitado). Wir haben auch den Begriff des Designs in seiner Renaissance-Bedeutung wiedergefunden, der sich sowohl auf die Zeichnung als auch auf das Projekt und den mentalen Prozess der Umsetzung dessen, was sich der Künstler vorstellt, in ein Werk bezieht. Eine Übung, die die faszinierende Arbeit dieser Schöpfer genau definiert.

Der Umstand, dass sowohl Almeida als auch Madoz Skizzen anfertigen, hängt möglicherweise mit ihrem Interesse am Intimen und Erlebten zusammen. Beide Künstler fertigten zahllose Skizzen an - die nicht immer zu endgültigen Werken wurden - als ersten Schritt, um ihre Ideen mit Bleistift und Papier zu verwirklichen. In dieser Ausstellung wollten wir den Eigenwert dieser Zeichnungen als bloße und schöne Skizzen hervorheben, deren Ergebnis sie durch die Fotografie zum Ausdruck bringen.

Almeida greift manchmal mit einstudierten Pinsel- oder Bleistiftstrichen in das Werk ein und fasziniert uns immer wieder mit seinen Übungen in Reflexion und Theatralik. Madoz zeichnet in seinen persönlichen Notizbüchern, die er im Laufe der Jahre geführt hat und die wir in dieser Ausstellung zum ersten Mal zusammen mit einigen Objekten zeigen, die er von Hand zusammenstellt. So werden seine Skizzen zu Objekten und seine Objekte zu Bildern, mit seinem charakteristischen Stil und seiner magischen Note.

Diseños habitados propose une résonance entre les œuvres de deux des premiers auteurs qui ont fait partie de la collection Foto Colectania, en montrant certaines des clés de leurs processus créatifs.

Le titre de l'exposition rend hommage à Helena Almeida, que nous empruntons à la première série dans laquelle elle a utilisé la photographie (Desenho habitado). Nous avons également récupéré le concept de design dans son sens de la Renaissance, qui fait référence à la fois au dessin et au projet et au processus mental de traduction de ce que l'artiste imagine en œuvre. Un exercice qui définit précisément le travail fascinant de ces créateurs.

La coïncidence du fait qu'Almeida et Madoz réalisent tous deux des croquis est peut-être liée à leur intérêt pour l'intime et l'expérientiel. Les deux artistes ont fait d'innombrables croquis - qui ne sont pas toujours devenus des œuvres finales - comme première étape vers la matérialisation de leurs idées par le crayon et le papier. Dans cette exposition, nous avons voulu mettre en évidence la valeur intrinsèque de ces dessins, simples et beaux croquis, dont ils expriment le résultat à travers la photographie.

Almeida intervient parfois dans l'œuvre par des coups de pinceau ou des coups de crayon étudiés, et nous fascine toujours par ses exercices de réflexion et de théâtralité. Madoz dessine dans les carnets personnels qu'il a tenus au fil des ans, que nous montrons pour la première fois dans cette exposition avec certains des objets qu'il assemble à la main. Ainsi, ses croquis deviennent des objets et ses objets deviennent des images, avec son style caractéristique et ses touches magiques.

Diseños habitados propone una risonanza tra le opere di due dei primi autori che hanno fatto parte della collezione Foto Colectania, mostrando alcune delle chiavi dei loro processi creativi.

Il titolo della mostra è un omaggio a Helena Almeida, che prendiamo in prestito dalla prima serie in cui ha utilizzato la fotografia (Desenho habitado). Abbiamo anche recuperato il concetto di disegno nel suo significato rinascimentale, che si riferisce sia al disegno che al progetto e al processo mentale di traduzione di ciò che l'artista immagina nell'opera. Un esercizio che definisce con precisione l'affascinante lavoro di questi creatori.

La coincidenza del fatto che sia Almeida che Madoz realizzino schizzi è forse legata al loro interesse per l'intimo e l'esperienziale. Entrambi gli artisti hanno realizzato innumerevoli schizzi - che non sempre sono diventati opere definitive - come primo passo per materializzare le loro idee con carta e matita. In questa mostra abbiamo voluto evidenziare il valore intrinseco di questi disegni come semplici e bellissimi schizzi, il cui risultato si esprime attraverso la fotografia.

Almeida interviene talvolta nell'opera con studiate pennellate o tratti di matita, e ci affascina sempre con i suoi esercizi di riflessione e teatralità. Madoz disegna nei taccuini personali che ha tenuto nel corso degli anni e che presentiamo per la prima volta in questa mostra insieme ad alcuni degli oggetti che assembla a mano. Così, i suoi schizzi diventano oggetti e i suoi oggetti diventano immagini, con il suo stile caratteristico e i suoi tocchi magici.

Diseños habitados proposes a resonance between the works of two of the first authors that were part of the Foto Colectania collection, showing some keys to their creative processes.

The title of the exhibition pays homage to Helena Almeida, which we borrow from the first series in which she used photography (Desenho habitado). We also recovered the concept of design in its Renaissance meaning, which refers both to the drawing and the project and the mental process of transferring what the artist imagined to the work. An exercise that precisely defines the fascinating work of these creators.

The coincidence that both Almeida and Madoz make sketches is possibly related to their interest in the intimate and experiential. Both artists make countless sketches -which do not always become final works- as a first step to materialize their ideas through pencil and paper. In this exhibition we wanted to highlight the intrinsic value of these drawings as mere and beautiful sketches, the result of which they express through photography.

Almeida sometimes intervenes in the work with studied brushstrokes or pencil strokes, and always fascinates us with his exercises of reflection and theatricality. Madoz draws in the personal notebooks he has kept over the years, which we show for the first time in this exhibition together with some of the objects he assembles by hand. Thus, his sketches become objects and his objects become images, with his characteristic style and magic strokes.

Diseños habitados propone una resonancia entre los trabajos de dos de los primeros autores que formaron parte de la colección de Foto Colectania, mostrando algunas claves de sus procesos creativos.

El título de la muestra rinde homenaje a Helena Almeida, que tomamos prestado de la primera serie en la que utilizó la fotografía (Desenho habitado). También recuperamos el concepto de diseño en su acepción renacentista, que se refiere tanto al dibujo como al proyecto y al proceso mental de trasladar lo imaginado por el artista a la obra. Un ejercicio que define con precisión el fascinante trabajo de estos creadores.

La coincidencia de que tanto Almeida como Madoz realicen bocetos posiblemente guarda relación con su interés por lo íntimo y vivencial. Los dos autores realizan infinidad de esbozos -que no siempre se convierten en obras finales- como primer paso para materializar sus ideas a través del lápiz y el papel. En esta exposición hemos querido resaltar el valor intrínseco de estos dibujos como meros y bellos bocetos, cuyo resultado expresan por medio de la fotografía.

Almeida interviene a veces la obra con estudiadas pinceladas o trazos de lápiz, y siempre nos fascina con sus ejercicios de reflexión y teatralidad. Madoz dibuja en los cuadernos personales que ha ido guardando a lo largo de los años, que mostramos por primera vez en esta exposición junto con algunos de los objetos que ensambla artesanalmente. Así, sus bocetos se convierten en objetos y sus objetos en imágenes, con su característico estilo y golpes de magia.

(Text: Foto Colectania, Barcelona)

Armani/Silos | Milano
19. Juni - 6. November 2022

Magnum Photos - Colors, Places, Faces

Christopher Anderson, Olivia Arthur, Bruno Barbey, Werner Bischof, René Burri, Harry Gruyaert, Gueorgui Pinkhassov, Newsha Tavakolian, Alex Webb

Zeitgleich mit der Mailänder Modewoche eröffnet Giorgio Armani bei Armani/Silos die Ausstellung Magnum Photos - Colors, Places, Faces, die eine einzigartige Mischung aus Kunst, Journalismus und Geschichtenerzählen durch ein Kaleidoskop verschiedener Visionen widerspiegelt.

Die von Giorgio Armani in Zusammenarbeit mit Magnum Photos kuratierte Ausstellung bietet eine eklektische Perspektive aus der Sicht von zehn internationalen Fotografen und ihrem jeweiligen Verständnis von Fotografie. Einige dieser Künstler sind heute noch aktiv, andere sind bereits verstorben, aber sie alle eint der Wunsch, die Realität zu erforschen und Anregungen und Emotionen in Bilder zu übersetzen. Das Spektrum ist breit gefächert: von Christopher Andersons China, das sich eher auf die Gesichter der Menschen als auf die Architektur konzentriert, bis zu Olivia Arthurs Dubai, das mit den Augen eines Schiffbrüchigen gesehen wird, der nach fünfzig Jahren in eine Stadt zurückkehrt, die sich von einem Dorf zu einer Megalopolis entwickelt hat; von Marokko von Bruno Barbey, einer langen Geschichte eines Landes, das sich der Moderne entzogen hat, bis zu Werner Bischofs New York, das in Farbaufnahmen porträtiert wird, die seine Dynamik verewigen; von der Architektur, die von René Burri als soziopolitischer Raum gesehen wird, bis zu den Küsten, die von Harry Gruyaert als Grenzen zwischen Land und Wasser gesehen werden; von Martin Parrs bissiger Sezierung des englischen Lebens bis zu Tokio und Venedig, die von Gueorgui Pinkhassov mit gestohlenen Aufnahmen und unerwarteten Blickwinkeln eingefangen werden; vom Iran, der von Newsha Tavakolian in seinem Alltag dargestellt wird, bis zu den gesättigten Farben Lateinamerikas und der Karibik, wie sie von Alex Webb gesehen werden.

"Die Fotografie hat mich schon immer fasziniert, denn die Emotionen, die sie hervorruft, sind dem Gefühl der Überraschung sehr ähnlich, das man empfindet, wenn man die Realität aus einem unerwarteten Blickwinkel betrachtet. Ich bewundere vor allem die Arbeit der Magnum-Fotografen, die ich kennenlernte, als ich selbst begann, die Welt mit neuen Augen zu sehen. Colors, Places, Faces nimmt uns mit auf eine farbenfrohe Reise durch nahe und ferne Welten und Kulturen, die von jedem der Künstler durch seine ganz persönliche Sichtweise verklärt werden. Es ist die Aufmerksamkeit für die Realität, die mich an ihren Fotografien fasziniert, die niemals einfache Reportagen sind und sich alle voneinander unterscheiden", kommentiert Giorgio Armani.

Magnum Photos wurde vor fünfundsiebzig Jahren von Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, "Chim" Seymour und George Rodger gegründet und ist eine der bekanntesten Fotoagenturen der Welt. Der Name ist eine Hommage an die großen Träume, die Capa für die Zukunft dieses Projekts hegte.

Magnum hat die Geschichte der Welt in Bildern erzählt - und tut dies auch weiterhin. Magnum-Fotografen gehörten zu den ersten, die gegen den Strom schwammen und von der Schwarz-Weiß-Fotografie zur Farbfotografie wechselten, als Puristen dies noch als unelegant betrachteten. Sie berichteten über ihre Reisen und Entdeckungen auf den Seiten von Magazinen und Zeitschriften und beschrieben Orte, Menschen und Kulturen zu einer Zeit, als es noch keine Massenreisen gab. Als aufmerksame Zeugen der Geschichte bieten die Magnum-Fotografen auch heute noch andere Sichtweisen und schlagen neue Wege vor, die Realität zu betrachten.

Mit dieser Ausstellung unterstützt Giorgio Armani die Projekte von Save the Children, der internationalen Organisation, die sich seit über 100 Jahren dafür einsetzt, gefährdete Kinder zu retten und ihre Zukunft zu sichern, um Bildungsarmut und Schulabbruch zu bekämpfen.

Pour coïncider avec la semaine de la mode de Milan, Giorgio Armani inaugurera Magnum Photos - Colors, Places, Faces at Armani/Silos, un récit composite et multiforme qui reflète un mélange unique d'art, de journalisme et de narration à travers un kaléidoscope de visions différentes.

Organisée par Giorgio Armani en collaboration avec Magnum Photos, l'exposition offre une perspective éclectique telle que perçue par dix photographes internationaux et leur compréhension respective de la photographie. Certains de ces artistes sont encore actifs aujourd'hui, d'autres sont décédés, mais ils sont unis par le désir d'explorer la réalité, en traduisant des suggestions et des émotions en images. Le spectre est large : de la Chine de Christopher Anderson, qui se concentre sur les visages des gens plutôt que sur l'architecture, au Dubaï d'Olivia Arthur, vu à travers les yeux d'un naufragé qui revient après cinquante ans dans une ville qui est passée d'un village à une mégalopole ; du Maroc de Bruno Barbey, long récit d'un pays qui a échappé à la modernité, au New York de Werner Bischof, représenté par des clichés en couleur qui immortalisent son dynamisme ; de l'architecture vue comme un espace socio-politique par René Burri, aux côtes vues comme des frontières entre la terre et l'eau par Harry Gruyaert ; de la dissection mordante de la vie anglaise par Martin Parr, à Tokyo et Venise capturées par Gueorgui Pinkhassov à travers des prises de vue volées et des angles inattendus ; de l'Iran dépeint dans sa vie quotidienne par Newsha Tavakolian, aux couleurs saturées de l'Amérique latine et des Caraïbes vues par Alex Webb.

"La photographie m'a toujours fasciné car l'émotion qu'elle inspire est très proche du sentiment de surprise ressenti en observant la réalité d'un point de vue inattendu. J'admire en particulier le travail des photographes de l'agence Magnum, que j'ai appris à connaître lorsque j'ai moi-même commencé à voir le monde d'un œil nouveau. Colors, Places, Faces nous emmène dans un voyage coloré à travers des mondes et des cultures proches et lointains, transfigurés par chacun des artistes, à travers leur vision personnelle. C'est l'attention portée à la réalité qui me fascine dans leurs photographies, qui ne sont jamais de simples reportages et sont toutes si différentes les unes des autres", commente Giorgio Armani.

Fondée il y a soixante-quinze ans par Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, "Chim" Seymour et George Rodger, Magnum Photos est l'une des agences photo les plus célèbres au monde. Le nom rend hommage aux grands rêves que Capa caressait pour l'avenir de ce projet.

Magnum a raconté - et continue de raconter - l'histoire du monde en images. Les photographes de Magnum ont été parmi les premiers à aller à contre-courant, en passant de la photographie en noir et blanc à la couleur, alors que les puristes la considéraient encore comme inélégante. Partageant leurs voyages et leurs découvertes dans les pages des magazines et des périodiques, ils ont décrit des lieux, des personnes et des cultures à une époque où les voyages de masse n'existaient pas encore. Témoins attentifs de l'histoire, les photographes de Magnum proposent aujourd'hui encore des points de vue différents et suggèrent de nouvelles façons de regarder la réalité.

Avec cette exposition, Giorgio Armani soutient les projets de Save the Children, l'Organisation internationale qui œuvre depuis plus de 100 ans pour sauver les enfants en danger et garantir leur avenir, visant à lutter contre la pauvreté éducative et l'abandon scolaire.

In concomitanza con la settimana della moda milanese, Giorgio Armani inaugura Magnum Photos - Colors, Places, Faces at Armani/Silos, una narrazione composita e sfaccettata che riflette un mix unico di arte, giornalismo e storytelling attraverso un caleidoscopio di visioni diverse.

Curata da Giorgio Armani in collaborazione con Magnum Photos, la mostra offre una prospettiva eclettica percepita da dieci fotografi internazionali e dal loro rispettivo modo di intendere la fotografia. Alcuni di questi artisti sono ancora attivi oggi, altri sono scomparsi, ma sono accomunati dal desiderio di esplorare la realtà, traducendo in immagini suggestioni ed emozioni. Lo spettro è ampio: dalla Cina di Christopher Anderson, che si concentra sui volti delle persone più che sulle architetture, alla Dubai di Olivia Arthur, vista con gli occhi di un naufrago che torna dopo cinquant'anni in una città che da villaggio si è trasformata in megalopoli; dal Marocco di Bruno Barbey, lungo racconto di un Paese sfuggito alla modernità, alla New York di Werner Bischof, ritratta con scatti a colori che ne immortalano il dinamismo; dall'architettura intesa come spazio socio-politico di René Burri, alle coste viste come confini tra terra e acqua da Harry Gruyaert; dalla pungente dissezione della vita inglese di Martin Parr, a Tokyo e Venezia catturate da Gueorgui Pinkhassov attraverso scatti rubati e angolazioni inaspettate; dall'Iran ritratto nella sua quotidianità da Newsha Tavakolian, ai colori saturi dell'America Latina e dei Caraibi visti da Alex Webb.

"La fotografia mi ha sempre affascinato perché l'emozione che suscita è molto simile al senso di sorpresa che si prova osservando la realtà da un punto di vista inaspettato. In particolare, ammiro il lavoro dei fotografi Magnum, che ho conosciuto quando ho iniziato a vedere il mondo con occhi nuovi. Colors, Places, Faces ci accompagna in un viaggio colorato attraverso mondi e culture vicini e lontani, trasfigurati da ciascuno degli artisti, attraverso la loro personale visione. È l'attenzione alla realtà che mi affascina delle loro fotografie, che non sono mai semplici reportage e sono tutte così diverse tra loro", commenta Giorgio Armani.

Fondata settantacinque anni fa da Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, "Chim" Seymour e George Rodger, Magnum Photos è una delle agenzie fotografiche più famose al mondo. Il nome rende omaggio ai grandi sogni che Capa nutriva per il futuro di questo progetto.

Magnum ha raccontato - e continua a raccontare - la storia del mondo attraverso le immagini. I fotografi Magnum sono stati tra i primi ad andare controcorrente, passando dalla fotografia in bianco e nero a quella a colori, quando i puristi la consideravano ancora inelegante. Condividendo i loro viaggi e le loro scoperte sulle pagine di riviste e periodici, hanno descritto luoghi, persone e culture in un'epoca in cui non esistevano ancora i viaggi di massa. Attenti testimoni della storia, ancora oggi i fotografi Magnum offrono punti di vista diversi e suggeriscono nuovi modi di guardare la realtà.

Con questa mostra, Giorgio Armani sostiene i progetti di Save the Children, l'Organizzazione internazionale che da oltre 100 anni lavora per salvare i bambini a rischio e garantire loro un futuro, con l'obiettivo di combattere la povertà educativa e l'abbandono scolastico.

To coincide with Milan fashion week, Giorgio Armani will be inaugurating Magnum Photos - Colors, Places, Faces at Armani/Silos, a composite and multifaceted narrative that reflects a unique mix of art, journalism and storytelling through a kaleidoscope of different visions.

Curated by Giorgio Armani in collaboration with Magnum Photos, the exhibition offers an eclectic perspective as perceived by ten international photographers and their respective understanding of photography. Some of these artists are still active today, others have passed away, but they are united by a desire to explore reality, translating suggestions and emotions into images. The spectrum is broad: from Christopher Anderson’s China, focusing on people’s faces rather than architecture, to Olivia Arthur’s Dubai, seen through the eyes of a castaway who returns after fifty years to a city that has grown from a village into a megalopolis; from Morocco by Bruno Barbey, a long tale of a country that has escaped modernity, to Werner Bischof’s New York, portrayed in color shots that immortalise its dynamism; from architecture seen as socio-political space by René Burri, to coasts seen as borders between land and water by Harry Gruyaert; from Martin Parr’s biting dissection of English life, to Tokyo and Venice captured by Gueorgui Pinkhassov through stolen shots and unexpected angles; from Iran depicted in its day-to-day life by Newsha Tavakolian, to the saturated colors of Latin America and the Caribbean as seen by Alex Webb.

“Photography has always fascinated me because the emotion it inspires is very similar to the sense of surprise felt when observing reality from an unexpected point of view. In particular, I admire the work of the Magnum photographers, which I got to know when I myself began to see the world with new eyes. Colors, Places, Faces takes us on a colorful journey through worlds and cultures near and far, transfigured by each of the artists, through their own personal vision. It is the attention to reality that fascinates me about their photographs, which are never simple reportages and are all so different from each other”, comments Giorgio Armani.

Founded seventy-five years ago by Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, “Chim” Seymour and George Rodger, Magnum Photos is one of the most famous photo agencies in the world. The name pays homage to the great dreams that Capa cherished for the future of this project.

Magnum has told – and continues to tell – the story of the world through images. Magnum photographers were among the first to go against the tide, switching from black-and-white photography to color, when purists still considered it inelegant. Sharing their travels and discoveries on the pages of magazines and periodicals, they described places, people and cultures at a time when mass travel did not yet exist. Attentive witnesses of history, to this day Magnum photographers offer different points of view and suggest new ways to look at reality.

With this exhibition, Giorgio Armani supports the projects of Save the Children, the international Organisation which has been working for over 100 years to save children at risk and guarantee their future, aimed at fighting educational poverty and school dropout.

(Text: Armani/Silos, Milano)

Focale galerie - librairie | Nyon
18. Juni - 28. August 2022

Aldeias
Aurélien Fontanet

In den 1960er Jahren zählte die Gemeinschaft der Xikrin im brasilianischen Bundesstaat Pará nur noch knapp 100 Menschen. Die Grippe, die von Nusssuchern mitgebracht worden war, gegen die die Xikrin kämpften, um ihr Territorium zu erhalten, hatte in der Region gewütet. Der engagierte Ethnologe René Fürst riet dem Indianerhäuptling daraufhin, mit seinen Leuten in den Wald zu gehen, um zu überleben, und rettete sie so vor dem Aussterben.

Die Xikrin leben in Dörfern (Aldeias) auf dem indigenen Land Kateté, das 1977 als solches deklariert und 1991 anerkannt wurde. Dennoch genehmigten die Behörden in Brasília 1986 die Errichtung von 22 Stahlwerken in dieser rohstoffreichen Region. Seitdem wurden immer mehr Fabriken errichtet, die das Leben der Menschen in dieser Gemeinde veränderten.

Diese Waldbewohner sowie ein großer Teil der Artenvielfalt sind durch die Schadstoffemissionen eines Bergbauunternehmens infiziert. Diese multinationale Gesellschaft entschädigt die Xikrin, anstatt die Verantwortung für diese Umwelt- und humanitäre Katastrophe zu übernehmen. Sie bringt die Gemeinschaft in eine Abhängigkeit voller Widersprüche. Mit dem Geld, das sie von ihrem Peiniger erhalten haben, setzen die Xikrin ihre ganze Energie nicht mehr für die Jagd oder den Fischfang ein, sondern dafür, ihre Bevölkerung von den Folgen der Verseuchung zu heilen und ihre Sache sichtbar zu machen, ohne jedoch wirklich die Mittel erhalten zu können, um das Problem an der Wurzel zu packen.

Dans les années 1960, la communauté Xikrin, dans l’état du Pará au Brésil, comptait à peine une centaine d’individus. La grippe amenée par des chercheurs de noix, contre qui les Xikrin se battaient pour conserver leur territoire, avait fait des ravages dans la région. René Fuerst, ethnologue engagé, avait alors conseillé au chef des Indiens de s’enfoncer avec les siens dans la forêt pour survivre, les sauvant ainsi de la disparition.

Les Xikrin habitent en villages (Aldeias) sur la terre indigène du Kateté, déclarée comme telle en 1977 puis homologuée en 1991. Pourtant en 1986, les autorités de Brasília ont approuvé la création de vingt-deux usines sidérurgiques dans cette région foisonnante de matières premières. Depuis, les implantations d’usines n’ont cessé de se multiplier et de bouleverser la vie de cette communauté.

Ces habitants de la forêt ainsi qu’une grande partie de la biodiversité sont infectés par les rejets polluants provenant d’une industrie minière. Cette multinationale indemnise les Xikrin plutôt que d’assumer cette catastrophe environnementale et humanitaire. Elle met la communauté dans une dépendance pleine de contradictions. En effet, avec cet argent reçu de leur bourreau les Xikrin mettent toute leur énergie non plus à chasser ou pêcher mais à soigner leur population des conséquences de ces contaminations et à rendre visible leur cause mais sans vraiment pouvoir obtenir les moyens de régler ce problème à sa source.

Negli anni '60, la comunità Xikrin nello stato brasiliano del Pará contava appena 100 persone. L'influenza portata dai cacciatori di noci, contro cui gli Xikrin stavano combattendo per preservare il loro territorio, aveva portato scompiglio nella regione. René Fuerst, un etnologo convinto, consigliò al capo degli indiani di andare nella foresta con il suo popolo per sopravvivere, salvandolo così dall'estinzione.

Gli Xikrin vivono in villaggi (Aldeias) nella terra indigena del Kateté, dichiarata tale nel 1977 e approvata nel 1991. Tuttavia, nel 1986, le autorità di Brasília hanno approvato la creazione di 22 fabbriche di acciaio in questa regione ricca di materie prime. Da allora, il numero di fabbriche è cresciuto costantemente, sconvolgendo la vita di questa comunità.

Questi abitanti della foresta e gran parte della biodiversità sono infettati dagli scarichi inquinanti di un'industria mineraria. Questa multinazionale sta risarcendo gli Xikrin invece di assumersi la responsabilità di questo disastro ambientale e umanitario. La comunità si trova in una situazione di dipendenza piena di contraddizioni. Infatti, con il denaro ricevuto dal loro aguzzino, gli Xikrin impiegano tutte le loro energie non nella caccia o nella pesca, ma nel curare la popolazione per le conseguenze di queste contaminazioni e nel rendere visibile la loro causa, senza però riuscire a procurarsi i mezzi per risolvere il problema alla fonte.

In the 1960s, the Xikrin community in the state of Pará, Brazil, numbered barely 100 individuals. The influenza brought by the nut seekers, against whom the Xikrin were fighting to preserve their territory, had wreaked havoc in the region. René Fuerst, a committed ethnologist, advised the chief of the Indians to go into the forest with his people to survive, thus saving them from extinction.

The Xikrin live in villages (Aldeias) on the indigenous land of Kateté, declared as such in 1977 and then homologated in 1991. However, in 1986, the authorities in Brasília approved the creation of twenty-two iron and steel factories in this region full of raw materials. Since then, the number of factories has continued to multiply and disrupt the life of this community.

These forest dwellers as well as a large part of the biodiversity are infected by the polluting discharges from a mining industry. This multinational company compensates the Xikrin rather than assume this environmental and humanitarian catastrophe. It puts the community in a dependency full of contradictions. Indeed, with this money received from their executioner, the Xikrin put all their energy not in hunting or fishing but in treating their population from the consequences of these contaminations and in making their cause visible, but without really being able to obtain the means to solve this problem at its source.

(Text: Focale galerie - librairie, Nyon)

Photo Élysée | Lausanne
18. Juni – 25. September 2022

Train Zug Treno Tren

Im Rahmen der Eröffnungsveranstaltung Train Zug Treno Tren erkundet die von Photo Elysée konzipierte Ausstellung mit dem Titel Destins croisés (Gekreuzte Schicksale) neue Ansätze zu mehr als anderthalb Jahrhunderten Eisenbahngeschichte, von den frühesten Erfahrungen mit dem Zug im 19.

Unsere Ausstellung zeigt zunächst die wechselseitigen Beziehungen zwischen der Expansion der Eisenbahn, dem Aufkommen des Kinos und den Experimenten der künstlerischen und literarischen Avantgarde in der ersten Hälfte des 20. Von Saal zu Saal entwickelt sie dann den ganzen Reichtum dieser Thematik des Zuges, indem sie das Gefüge der Gleise, Tunnel, Brücken und Stationen in der Schweiz oder anderswo durchstreift; indem sie symbolträchtige Orte wie Saint-Lazare und die Europabrücke in Paris oder die EL-Linien in New York entdeckt; indem sie die komplexen sozialen Beziehungen analysieren, die Bahnhöfen, Zügen und Waggons eigen sind; indem sie die Kämpfe und Auseinandersetzungen derjenigen nachvollziehen, die sich für die Eisenbahn einsetzen; indem sie neue Sichtweisen aus anderen Reiseformen aufzeigen; indem sie zeitgenössische alternative Praktiken enthüllen...

Die Ausstellung besteht aus 370 Werken, Dokumenten und Objekten und ist in drei "Strecken" und fünfzehn "Stationen" gegliedert. Visionen, Utopien und Eroberungsgeist bilden die erste Strecke, die vom 19. bis zum Anfang des 20. Die erste Nutzung der Eisenbahn, zwischen dem Erlernen ihrer Funktionsweise und der Melancholie der Reise an sich, bildet die zweite. Diese befasst sich ebenfalls mit den verschiedenen Formen der Geselligkeit im Raum des Bahnhofs oder des Waggons. Zwischen Faszination, Inspiration und Fragen bilden bestimmte Dimensionen des Eisenbahnuniversums die dritte Dimension: von den Gesichtern derer, die dort arbeiten, bis zu den dunkelsten Stunden seiner Geschichte, von der erstaunlichen Einzigartigkeit der Züge anderer Länder bis zu den zeitgenössischen alternativen Praktiken.

Die Ausstellung bringt so die Fotografie (Ella Maillart, Sabine Weiss, René Burri, Henri Cartier-Bresson, Martine Franck, Jean Mohr, Bernard Plossu), den Film (die Brüder Lumière, Georges Méliès, Charlie Chaplin), die Malerei und Zeichnung (Gustave Caillebotte, Paul Klee, Aloïse Corbaz, Pablo Picasso, Andy Warhol) und die Literatur (Blaise Cendrars) miteinander in Dialog.

Dans le cadre de la manifestation inaugurale Train Zug Treno Tren, l’exposition conçue par Photo Elysée, intitulée Destins croisés, explore de nouvelles approches sur plus d’un siècle et demi d’histoires ferroviaires, depuis les toutes premières expériences du train au cours du XIXe siècle jusqu’aux usages d’aujourd’hui.

Notre exposition témoigne en premier lieu des relations croisées entre l’expansion du chemin de fer, l’avènement du cinéma et les expérimentations des avant-gardes artistiques et littéraires de la première moitié du XXe siècle. Elle développe ensuite, de salle en salle, toute la richesse de cette thématique du train en parcourant le tissu des voies, des tunnels, des ponts et des stations en Suisse ou ailleurs ; en découvrant des lieux emblématiques tels que Saint-Lazare et le pont de l’Europe à Paris ou les lignes de l’EL à New York ; en analysant la complexité des rapports sociaux propres aux gares, aux trains et aux wagons ; en retraçant les luttes et les combats de ceux qui œuvrent pour le rail ; en révélant des points de vue inédits à partir d’autres formes de voyages ; en dévoilant des pratiques alternatives contemporaines…

Composée de près de 370 œuvres, documents et objets, notre exposition foisonnante se déploie selon trois parcours ou « trajets » et quinze thématiques ou « stations ». Les visions, les utopies et l’esprit de conquête composent le premier trajet qui court du XIXe siècle au début du XXe siècle. Les premiers usages du rail, entre apprentissage de son fonctionnement et mélancolie du voyage en lui-même, en forment le deuxième. Celui-ci s’attache également aux différentes formes de sociabilités dans l’espace de la gare ou du wagon. Entre fascination, inspiration et interrogation, certaines dimensions propres à l’univers ferroviaire en constituent le troisième : des visages de ceux qui y travaillent aux heures les plus sombres de son histoire, de l’étonnante singularité des trains d’ailleurs aux pratiques alternatives contemporaines.

L’exposition fait ainsi dialoguer la photographie (Ella Maillart, Sabine Weiss, René Burri, Henri Cartier-Bresson, Martine Franck, Jean Mohr, Bernard Plossu), le film (les frères Lumière, Georges Méliès, Charlie Chaplin), la peinture et le dessin (Gustave Caillebotte, Paul Klee, Aloïse Corbaz, Pablo Picasso, Andy Warhol) et la littérature (Blaise Cendrars).

Nell'ambito dell'evento inaugurale Train Zug Treno Tren, la mostra concepita da Photo Elysée, intitolata Destins croisés, esplora nuovi approcci a più di un secolo e mezzo di storia della ferrovia, dai primi esperimenti con il treno nel XIX secolo agli usi odierni.

La nostra mostra mostra innanzitutto l'interrelazione tra l'espansione delle ferrovie, l'avvento del cinema e gli esperimenti delle avanguardie artistiche e letterarie della prima metà del XX secolo. Sviluppa poi, di sala in sala, tutta la ricchezza di questo tema del treno percorrendo il tessuto dei binari, delle gallerie, dei ponti e delle stazioni in Svizzera e altrove; scoprendo luoghi emblematici come Saint-Lazare e il Pont de l'Europe a Parigi o le linee EL a New York; analizzando la complessità delle relazioni sociali proprie delle stazioni, dei treni e delle carrozze; tracciando le lotte e i combattimenti di coloro che lavorano per le ferrovie; rivelando nuovi punti di vista da altre forme di viaggio; rivelando pratiche contemporanee alternative...

Composta da quasi 370 opere, documenti e oggetti, la nostra mostra brulicante si sviluppa lungo tre percorsi o "sentieri" e quindici temi o "stazioni". Visioni, utopie e spirito di conquista compongono il primo percorso, che va dal XIX all'inizio del XX secolo. La seconda sezione è dedicata ai primi usi delle ferrovie, tra l'apprendimento del loro funzionamento e la malinconia del viaggio stesso. Anche questo si concentra sulle diverse forme di socievolezza nello spazio della stazione o della carrozza. Tra fascino, ispirazione e interrogazione, alcune dimensioni specifiche del mondo ferroviario costituiscono la terza: dai volti di chi vi lavora alle ore più buie della sua storia, dalla sorprendente singolarità dei treni d'altrove alle pratiche alternative contemporanee.

La mostra riunisce fotografia (Ella Maillart, Sabine Weiss, René Burri, Henri Cartier-Bresson, Martine Franck, Jean Mohr, Bernard Plossu), cinema (i fratelli Lumière, Georges Méliès, Charlie Chaplin), pittura e disegno (Gustave Caillebotte, Paul Klee, Aloïse Corbaz, Pablo Picasso, Andy Warhol) e letteratura (Blaise Cendrars).

As part of the inaugural event Train Zug Treno Tren, the exhibition conceived by Photo Elysée, entitled Destins croisés, explores new approaches to more than a century and a half of railway history, from the earliest experiments with the train in the 19th century to today's uses.

Our exhibition first shows the interrelationship between the expansion of the railroad, the advent of cinema and the experiments of the artistic and literary avant-gardes of the first half of the 20th century. It then develops, from room to room, all the richness of this theme of the train by going through the fabric of the tracks, tunnels, bridges and stations in Switzerland or elsewhere; by discovering emblematic places such as Saint-Lazare and the bridge of Europe in Paris or the lines of the EL in New York; by analyzing the complexity of the social relationships specific to stations, trains and carriages; by tracing the struggles and fights of those who work for the railways; by revealing new points of view from other forms of travel; by revealing alternative contemporary practices...

Composed of nearly 370 works, documents and objects, our abundant exhibition unfolds along three paths or "routes" and fifteen themes or "stations". Visions, utopias and the spirit of conquest make up the first route, which runs from the 19th to the early 20th century. The first uses of the railroad, between learning how it works and the melancholy of the journey itself, form the second. This one also focuses on the different forms of sociability in the space of the station or the wagon. Between fascination, inspiration and questioning, certain dimensions specific to the railway world constitute the third: from the faces of those who work there to the darkest hours of its history, from the astonishing singularity of trains from elsewhere to contemporary alternative practices.

The exhibition brings together photography (Ella Maillart, Sabine Weiss, René Burri, Henri Cartier-Bresson, Martine Franck, Jean Mohr, Bernard Plossu), film (the Lumière brothers, Georges Méliès, Charlie Chaplin), painting and drawing (Gustave Caillebotte, Paul Klee, Aloïse Corbaz, Pablo Picasso, Andy Warhol) and literature (Blaise Cendrars).

(Text: Photo Élysée, Lausanne)

Centre de la photographie de Mougins
18. Juni – 16. Oktober 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen von Les Rencontres de la Photographie Arles statt

Every day is saturday (Portraits anglais)
Tom Wood

Zwischen 1978 und 2001 durchstreifte der irischstämmige Fotograf Tom Wood, dessen Familie sich in England niedergelassen hatte, Liverpool mit einer 35-mm-Leica. Er hat es sich zur Aufgabe gemacht, ein Porträt der Stadt und ihrer Bewohner, der kleinen Leute, einer Kohorte einfacher Menschen, zu zeichnen, und hat keine anderen Ambitionen, als sie am lebenden Objekt zu erfassen. Aber er ist auch einer von ihnen - ein Akteur, der sich der emanzipatorischen Rolle der Fotografie bewusst ist. Tom Wood war nicht auf dieses Medium vorbereitet. Zunächst fasziniert vom Experimentalfilm, entdeckte er die Fotografie auf eigene Faust. Ein Autodidakt also, der der Chemie, dem Papier und der Dunkelkammer treu blieb und ein einzigartiges persönliches Register zwischen distanzierter Analyse und Empathie, zwischen Dokument und Kunst aufbaute, eine Fotografie aus dem Bauch heraus, die die Härte der Szenen mit der Zärtlichkeit für seine Figuren vermischt.

Entre 1978 et 2001, le photographe d’origine irlandaise Tom Wood, dont la famille s’est installée en Angleterre, arpente Liverpool, en compagnie d’un Leica 35 mm. Il prend le parti de dresser un portrait de la ville et de ses habitants, le petit peuple, une cohorte de gens simples, sans autre ambition que de les saisir à vif. Mais il est aussi l’un d’entre eux – un acteur conscient du rôle émancipateur de la photographie. Rien ne disposait Tom Wood à ce médium. Fasciné d’abord par le cinéma expérimental, il découvre seul la photographie. Un autodidacte, donc, qui restera fidèle à la chimie, au papier et à la chambre noire, mettant en place un registre personnel unique, entre analyse distanciée et empathie, entre document et art, une photographie à l’instinct, qui mêle la rudesse des scènes à la tendresse pour ses personnages.

Tra il 1978 e il 2001, il fotografo di origine irlandese Tom Wood, la cui famiglia si era stabilita in Inghilterra, viaggiò per Liverpool con una macchina fotografica Leica 35 mm. Ha scelto di fare un ritratto della città e dei suoi abitanti, il piccolo popolo, una coorte di gente semplice, senza altra ambizione che catturarli in carne ed ossa. Ma è anche uno di loro - un attore consapevole del ruolo emancipatore della fotografia. Niente ha preparato Tom Wood per questo mezzo. Inizialmente affascinato dal cinema sperimentale, ha scoperto da solo la fotografia. Un autodidatta, dunque, che è rimasto fedele alla chimica, alla carta e alla camera oscura, stabilendo un registro personale unico, tra analisi distanziata ed empatia, tra documento e arte, una fotografia per istinto, che mescola la durezza delle scene con la tenerezza dei suoi personaggi.

Between 1978 and 2001, the Irish-born photographer Tom Wood, whose family had settled in England, travelled around Liverpool with a Leica 35 mm camera. He chose to draw a portrait of the city and its inhabitants, the little people, a cohort of simple people, with no other ambition than to capture them in the flesh. But he is also one of them - an actor aware of the emancipatory role of photography. Nothing disposed Tom Wood to this medium. Fascinated at first by experimental cinema, he discovered photography alone. A self-taught man, therefore, who will remain faithful to chemistry, paper and the darkroom, setting up a unique personal register, between distanced analysis and empathy, between document and art, a photography by instinct, which mixes the harshness of the scenes with the tenderness for his characters.

(Text: Les Rencontres de la Photographie Arles)

Stadtmuseum Schleswig
17. Juni - 11. September 2022

Rhythm of Nature
Sandra Bartocha

Der Duft einer Blumenwiese, das Flüstern der Schilfhalme im Wind oder die Kälte des Eises: All das ist mit dem Auge nicht wahrnehmbar. Oder doch? Der vielfach preisgekrönten Fotografin Sandra Bartocha gelingt es, das kaleidoskopische Chaos der Natur in einfache und wohldefinierte Elemente zu zerlegen, um sie in perfekten Kompositionen zu arrangieren und in zeitlos schöne Bilder zu verwandeln.

Sie verfügt über ein untrügliches Gespür, Magie im Alltäglichen zu entdecken, im Licht, das auf dem Wasser tanzt, im stillen Zug der Wolken oder den zarten Strukturen einer Blüte. Fernab bloßer Dokumentation vermag sie es, den Betrachter mit ihrer fotografischen Sichtweise in den Rhythmus der Natur zu ziehen, ihn teilhaben zu lassen am Wechsel der Jahreszeiten, am Spiel der Wellen, dem Wogen des Nebels oder dem Fallen der Herbstblätter. Ihre Bilder feiern die Vergänglichkeit des Augenblicks, das Große, das sich im Kleinen verbirgt, die Schönheit des Subtilen.

Le parfum d'une prairie fleurie, le murmure des roseaux dans le vent ou le froid de la glace : tout cela n'est pas perceptible à l'œil nu. Et pourtant ? La photographe Sandra Bartocha, maintes fois récompensée, parvient à décomposer le chaos kaléidoscopique de la nature en éléments simples et bien définis, pour les agencer dans des compositions parfaites et les transformer en images d'une beauté intemporelle.

Elle possède un flair infaillible pour découvrir la magie dans le quotidien, dans la lumière qui danse sur l'eau, dans le défilé silencieux des nuages ou dans les structures délicates d'une fleur. Loin de la simple documentation, elle parvient, grâce à sa vision photographique, à attirer le spectateur dans le rythme de la nature, à le faire participer au changement des saisons, au jeu des vagues, à l'ondulation du brouillard ou à la chute des feuilles d'automne. Ses images célèbrent le caractère éphémère de l'instant, le grand qui se cache dans le petit, la beauté du subtil.

Il profumo di un prato fiorito, il sussurro delle canne al vento o il freddo del ghiaccio: tutto questo è impercettibile all'occhio. O forse no? La pluripremiata fotografa Sandra Bartocha riesce a scomporre il caos caleidoscopico della natura in elementi semplici e ben definiti, disponendoli in composizioni perfette e trasformandoli in immagini di una bellezza senza tempo.

Ha un senso infallibile per scoprire la magia nel quotidiano, nella luce che danza sull'acqua, nella processione silenziosa delle nuvole o nelle delicate strutture di un fiore. Lontana dalla mera documentazione, con la sua prospettiva fotografica riesce a coinvolgere l'osservatore nel ritmo della natura, a renderlo partecipe dell'alternarsi delle stagioni, del gioco delle onde, del gonfiarsi della nebbia o del cadere delle foglie d'autunno. Le sue immagini celebrano la transitorietà del momento, la grandezza nascosta nel piccolo, la bellezza del sottile.

The scent of a flower meadow, the whisper of reed stalks in the wind, or the cold of ice: all this is imperceptible to the eye. Or is it? The multiple award-winning photographer Sandra Bartocha succeeds in breaking down the kaleidoscopic chaos of nature into simple and well-defined elements, arranging them in perfect compositions and transforming them into timelessly beautiful images.

She has an unerring sense for discovering magic in the everyday, in the light dancing on water, in the silent train of clouds or the delicate structures of a blossom. Far from mere documentation, she is able to draw the viewer into the rhythm of nature with her photographic perspective, to let him participate in the changing of the seasons, in the play of the waves, the billowing of the fog or the falling of the autumn leaves. Her images celebrate the transience of the moment, the great hidden in the small, the beauty of the subtle.

(Text: Stadtmuseum Schleswig)

City Quays Gallery | Belfast
15. Juni - 4. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen des Belfast Photo Festival statt.

Blaschka: Creatures of the sea
Guido Mocafico

Das Belfast Photo Festival freut sich, dieses Projekt des bekannten italienischen Fotografen Guido Mocafico zu präsentieren. Mocafico, der als zeitgenössischer Meister der Stilllebenfotografie anerkannt ist, hat sich für dieses Projekt vorgenommen, eine Sammlung beeindruckender Glasmodelle zu dokumentieren, die von den berühmten Glaskünstlern Leopold und Rudolf Blaschka geschaffen wurden. Mit seinem einzigartigen Stil fotografierte Mocafico diese Meisterwerke, die eine Hommage an die Kunstfertigkeit dieser Handwerksmeister darstellen und gleichzeitig unsere Aufmerksamkeit auf die vielen Meereslebewesen lenken, die wir durch den Klimawandel zu verlieren drohen.

Für die Stillleben beleuchtet Mocafico jedes Objekt vor einem tiefschwarzen Hintergrund, wobei er die winzigen Details jedes Stücks einfängt und die Skulpturen zum Leben erweckt. Auf diese Weise verwischt er die Grenzen zwischen Realität und Künstlichkeit und lässt den Betrachter im Unklaren darüber, ob das, was er sieht, real ist oder nicht. Seine Werke fordern uns heraus, darüber nachzudenken, ob diese Kreaturen existieren oder nicht, und erinnern uns eindringlich daran, dass ohne einen besseren Schutz unserer Umwelt viele Kreaturen aus der Tiefsee schließlich dem Klimawandel zum Opfer fallen werden; ihre Existenz wird in Museen und in Mocaficos fotografische Darstellung verbannt.

Le Belfast Photo Festival a le plaisir de présenter ce projet du célèbre photographe italien Guido Mocafico. Reconnu comme un maître contemporain de la photographie de natures mortes, Mocafico s'est attaché, pour ce projet, à documenter une collection d'impressionnants modèles en verre créés par les célèbres artistes verriers Leopold et Rudolf Blaschka. Utilisant son style unique, Mocafico a photographié ces chefs-d'œuvre, rendant ainsi hommage au savoir-faire de ces maîtres artisans, tout en attirant notre attention sur l'ensemble des créatures marines que nous risquons de perdre en raison du changement climatique.

Pour créer ces natures mortes, Mocafico éclaire chaque objet sur un fond noir, capturant ainsi les moindres détails de chaque pièce et donnant vie aux sculptures. Ce faisant, son travail brouille les frontières entre réalité et artifice, et laisse le spectateur dans l'incertitude quant à la réalité de ce qu'il voit. En nous mettant au défi de nous demander si ces créatures existent ou non, ses œuvres nous rappellent brutalement que si nous ne prenons pas davantage soin de notre environnement, de nombreuses créatures des profondeurs marines finiront par disparaître à cause du changement climatique, leur existence étant reléguée dans les musées et dans la représentation photographique de Mocafico.

Il Belfast Photo Festival è lieto di presentare il progetto del noto fotografo italiano Guido Mocafico. Riconosciuto come un maestro contemporaneo della fotografia di still life, per questo progetto Mocafico ha voluto documentare una collezione di impressionanti modelli in vetro creati dai celebri artisti del vetro Leopold e Rudolf Blaschka. Utilizzando il suo stile unico, Mocafico ha fotografato questi capolavori, rendendo omaggio all'abilità di questi maestri artigiani e richiamando al contempo la nostra attenzione sulla serie di creature marine che rischiamo di perdere a causa dei cambiamenti climatici.

Per creare le immagini di still life, Mocafico illumina ogni oggetto su uno sfondo nero, catturando i minimi dettagli di ogni pezzo e dando vita alle sculture. In questo modo, il suo lavoro confonde i confini tra realtà e artificio, lasciando lo spettatore incerto se ciò che sta vedendo sia reale o meno. Sfidandoci a riflettere sull'esistenza o meno di queste creature, le sue opere ci ricordano che, senza una maggiore attenzione per l'ambiente, molte creature degli abissi marini finiranno per perdersi a causa dei cambiamenti climatici; la loro esistenza sarà relegata ai musei e alla rappresentazione fotografica di Mocafico.

Belfast Photo Festival is delighted to present this project by renowned Italian photographer Guido Mocafico. Recognised as a contemporary master of still life photography, for this project Mocafico set out to document a collection of impressive glass models created by celebrated glass artists, Leopold and Rudolf Blaschka. Using his unique style, Mocafico photographed these masterpieces, paying homage to the skill of these master craftsmen, while also drawing our attention to the array of sea creatures we risk losing as a result of climate change.

To create the still life images, Mocafico illuminates each object against a stark black background, capturing the minute details of each piece and bringing the sculptures to life. In doing so, his work blurs the lines between reality and artifice, and leave the viewer unsure as to whether what they are seeing is real or not. Challenging us to consider whether these creatures exist or not, his works are a stark reminder that without greater care for our environment, many creatures from the deep sea will eventually be lost to climate change; their existence relegated to museums, and Mocafico’s photographic representation.

(Text: Belfast Photo Festival)

arrêt sur l'image galerie | Bordeaux
14. Juni - 30. Juli 2022

Rosa Bonheur… Réminiscences
Irène Jonas

Die Ausstellung von Irène Jonas findet parallel zur großen Retrospektive statt, die Rosa Bonheur den ganzen Sommer über im Musée des Beaux-Arts in Bordeaux gewidmet ist, bevor sie im Herbst nächsten Jahres in das Musée d'Orsay in Paris einziehen wird.

Im Vorfeld des 200. Geburtstags von Rosa Bonheur und der im Laufe des Jahres geplanten Veranstaltungen war Irène Jonas, die auch Soziologin ist, 2021 Teil des Programms "Ile-deFrance" für Schriftstellerresidenzen. Sie verbrachte daher mehrere Aufenthalte im Château de Rosa Bonheur in Thomery, nicht weit vom Wald von Fontainebleau entfernt. Dieser Ort, an dem die Tiermalerin lebte, wurde von ihr 1859 renoviert. Das Schloss und sein Park wurden seitdem nur wenig verändert, was es zu einem seltenen Zeugnis des Kulturerbes macht. Irène Jonas wurde dort aufgenommen, um dazu beizutragen, Rosa Bonheur und das Schaffen von Frauen bekannt zu machen. Sie schrieb dort, nutzte aber auch die Gelegenheit, in historischen Kostümen zu drehen, um den Geist des Ortes einzufangen.

Wie in den meisten ihrer Arbeiten befasst sich Irène Jonas mit der Erinnerung, den Spuren einer persönlichen und kollektiven Geschichte. Indem sie ihre fotografischen Abzüge direkt auf der Oberfläche mit Öl erhöht, verleiht Irène Jonas dieser Erinnerung Farbe. Wir navigieren zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Die Aufnahmen sind zeitgenössisch, das manuelle malerische Verfahren zählt uns eine vergangene Zeit vor, deren Zeugen wir werden. Die zeitliche und räumliche Unbestimmtheit, die einen Großteil der Arbeit von Irène Jonas durchzieht, steht im Mittelpunkt dieser Serie.

Auch das feministische Engagement von Rosa Bonheur war kein Fremdwort für Irène Jonas' Entscheidung, sich an dieser Künstlerresidenz zu beteiligen. Als Soziologin hat sie mehrere Artikel zum Thema Gender veröffentlicht und eine Studie über Fotografinnen durchgeführt.

Die Begegnung lädt sich auch oft in die Schaffenszeit von Irène Jonas ein. Und sie weiß sie zu nutzen. Hier, ohne von der Anwesenheit der Statisten eines Dokumentarfilms, der im Schloss von Rosa Bonheur gedreht wurde, gewarnt worden zu sein, war sie einfach da. Die Magie und der Geist von Rosa Bonheur haben sich festgesetzt. Irène nahm sie im Moment der Aufnahme durch ihren Sucher auf und stellte sich bereits die Farbtöne und Düfte vor.

L’exposition d’Irène Jonas se déroule en parallèle de la grande rétrospective consacrée tout l’été à Rosa Bonheur au Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, avant que celle-ci ne rejoigne à l’automne prochain les cimaises du Musée d’Orsay, à Paris.

En amont du bicentenaire de la naissance de Rosa Bonheur et des événements prévus tout au long de l’année, Irène Jonas, aussi sociologue, a fait partie en 2021 du programme «Ile-deFrance» de résidences d’écrivains. Elle a donc passé plusieurs séjours au Château de Rosa Bonheur, à Thomery, non loin de la forêt de Fontainebleau. Ce lieu où vécu la peintre animalière a été rénové par cette dernière en 1859. Le château et son parc n’ont subi que très peu de transformations depuis, ce qui en fait un témoignage patrimonial rare. Irène Jonas y a été accueillie pour contribuer à faire connaître Rosa Bonheur et la création féminine. Elle y a mené un travail d’écriture mais a profité également d’un tournage en costumes d’époque pour saisir l’esprit du lieu.

Comme dans la majeure partie de son travail, Irène Jonas questionne la mémoire, les traces d’une histoire personnelle et collective. C’est en rehaussant à l’huile ses tirages photographiques directement sur leur surface qu’Irène Jonas donne des couleurs à cette mémoire. Nous naviguons entre passé et présent. Les prises de vue sont contemporaines, le procédé pictural manuel nous compte un temps révolu, dont nous devenons les témoins. L’indétermination temporelle et spatiale qui traverse une grande partie du travail d’Irène Jonas est au coeur de cette série.

L’engagement féministe de Rosa Bonheur n’est pas non plus étranger au choix d’Irène Jonas de s’investir dans cette résidence artistique. En tant que sociologue, elle a publié plusieurs articles sur le genre et réalisé une étude sur les femmes photographes.

La rencontre s’invite aussi souvent dans le temps de la création d’Irène Jonas. Et elle sait s’en saisir. Ici, sans être avertie de la présence des figurants d’un documentaire-fiction qui se tournait au château de Rosa Bonheur, elle étail là. La magie et l’esprit de Rosa Bonheur se sont installés. Irène les a saisi dans son viseur, au moment de la prise de vue, en en imaginant déjà les teintes et les parfums.

La mostra di Irène Jonas si svolge parallelamente alla grande retrospettiva dedicata a Rosa Bonheur al Musée des Beaux-Arts di Bordeaux per tutta l'estate, prima di trasferirsi al Musée d'Orsay di Parigi in autunno.

In vista del bicentenario della nascita di Rosa Bonheur e degli eventi previsti nel corso dell'anno, Irène Jonas, che è anche sociologa, ha partecipato al programma di residenze per scrittori "Ile-de-France" nel 2021. Trascorse diversi soggiorni nel castello di Rosa Bonheur, a Thomery, non lontano dalla foresta di Fontainebleau. Il luogo in cui visse la pittrice di animali fu ristrutturato da lei nel 1859. Il castello e il suo parco hanno subito pochissime modifiche da allora, il che lo rende un raro sito del patrimonio. Irène Jonas è stata accolta lì per contribuire a far conoscere meglio Rosa Bonheur e l'arte femminile. Vi ha condotto un progetto di scrittura, ma ha anche approfittato di una ripresa cinematografica in costumi d'epoca per catturare lo spirito del luogo.

Come nella maggior parte del suo lavoro, Irène Jonas si interroga sulla memoria, sulle tracce di una storia personale e collettiva. Impreziosendo con l'olio le sue stampe fotografiche direttamente sulla loro superficie, Irène Jonas dà colore a questa memoria. Navighiamo tra passato e presente. Le fotografie sono contemporanee, il processo pittorico manuale ci riporta a un'epoca passata, di cui diventiamo testimoni. L'indeterminazione temporale e spaziale che attraversa gran parte del lavoro di Irene Jonas è al centro di questa serie.

L'impegno femminista di Rosa Bonheur è anche un fattore che ha spinto Irène Jonas a investire in questa residenza artistica. Come sociologa, ha pubblicato diversi articoli sul genere e ha condotto uno studio sulle donne fotografe.

Anche gli incontri fanno spesso parte del processo creativo di Irène Jonas. E sa come coglierla. Qui, ignara della presenza delle comparse di un documentario-fiction che girava nel castello di Rosa Bonheur, c'era lei. La magia e lo spirito di Rosa Bonheur si sono insediati. Irène li ha catturati nel suo mirino, al momento dello scatto, immaginando già i colori e i profumi.

The exhibition of Irène Jonas takes place in parallel with the great retrospective devoted all summer to Rosa Bonheur at the Musée des Beaux-Arts in Bordeaux, before it joins the Musée d'Orsay in Paris next fall.

In the run-up to the bicentenary of Rosa Bonheur's birth and the events planned throughout the year, Irène Jonas, who is also a sociologist, was part of the "Ile-de-France" program of writers' residencies in 2021. She spent several stays at the Château de Rosa Bonheur, in Thomery, not far from the forest of Fontainebleau. This place where the animal painter lived was renovated by her in 1859. The castle and its park have undergone very few transformations since then, which makes it a rare patrimonial testimony. Irène Jonas was welcomed there to help make Rosa Bonheur and women's art better known. She wrote a book there, but also took advantage of a shoot in period costumes to capture the spirit of the place.

As in most of her work, Irène Jonas questions memory, the traces of a personal and collective history. It is by enhancing her photographic prints with oil directly on their surface that Irène Jonas gives color to this memory. We navigate between past and present. The shots are contemporary, the manual pictorial process counts us a bygone time, of which we become the witnesses. The temporal and spatial indeterminacy that runs through much of Irene Jonas' work is at the heart of this series.

Rosa Bonheur's feminist commitment is not foreign to Irène Jonas' choice to invest herself in this artistic residency. As a sociologist, she has published several articles on gender and conducted a study on women photographers.

Encounters are also often part of Irène Jonas' creative process. And she knows how to seize it. Here, unaware of the presence of the extras of a documentary-fiction filming at Rosa Bonheur's castle, she was there. The magic and the spirit of Rosa Bonheur were there. Irene captured them in her viewfinder, at the moment of the shooting, already imagining the tones and the perfumes.

(Text: arrêt sur l'image galerie, Bordeaux)

Museum Murten
12. Juni - 25. September 2022

Seeland
Tomas Wüthrich

Das Seeland, das den Neuenburger-, Murten- und Bielersee umfasst, ist ein geschichtsträchtiges Territorium. Lange Zeit bestand es aus zwei verschiedenen Gebieten: den Pfahlbausiedlungen, die seit der Urgeschichte belegt sind, und dem Grossen Moos, das feucht und überschwemmungsgefährdet war und sich daher kaum als Siedlungsgebiet eignete.Das Grosse Moos, Quelle von Ängsten aber auch von Faszination, hat die Fantasie von Schriftstellern und Künstlern beflügelt und gleichzeitig die Initiierung eines Grossprojekts ausgelöst: die Juragewässerkorrektionen (1868-1891 und 1962-1973). Diese hydraulischen Verbesserungen verwandelten ein ungesundes Terrain in den grössten Gemüsegarten des Landes. In weniger als 150 Jahren hat sich das Image des Seelands wesentlich verbessert; und die Leiden von einst scheinen heute der Vergangenheit anzugehören.

Das Seeland ist eine jahrtausendealte, fragile und sich ständig verändernde Region, wo bedeutende natürliche Ressourcen und intensive sozioökonomische Aktivitäten nebeneinander existieren. Was ist morgen?  Die Fotografien von Tomas Wüthrich nehmen uns mit auf eine fiktive Reise durch die Zeit, vom prähistorischen Meer bis zu jenem aus Plastik, und wollen die Besucher für die Veränderung der Landschaft sowie den Verlust der Biodiversität sensibilisieren.

Tomas Wüthrich, 1972 in Kerzers geboren, zeigt seit rund 20 Jahren seine Fotografien als Einzel- oder Gruppenausstellung in Kulturinstitutionen in Freiburg, Bern und Zürich.

Englobant les lacs de Neuchâtel, de Morat et de Bienne, le Seeland est un territoire chargé d’histoires. Longtemps, il s’est composé de deux zones distinctes : celle des villages lacustres attestés dès la Préhistoire, ainsi que celle du Grand-Marais, humide, inondable, insalubre, et donc peu propice à l’habitat. Sources d’angoisses mais aussi de fascination, le Grand-Marais a exalté l’imaginaire des écrivains et des artistes en même temps qu’il a provoqué le lancement d’un projet d’envergure : les corrections des eaux du Jura (1868-1891 et 1962-1973). Ces aménagements hydrauliques l’ont transformé du terrain malpropre au plus grand potager du pays. En moins de 150 ans, l’image du Seeland s’est ainsi sensiblement bonifiée ; les souffrances d’antan semblent de nos jours appartenir à un passé révolu.

Et demain ? Le Seeland est une région en perpétuelle mutation, millénaire et fragile dans laquelle coexistent des ressources naturelles remarquables et des activités socioéconomiques intenses. Le temps est aux interrogations. Les photographies de Tomas Wüthrich nous emmènent dans un voyage fictif à travers le temps, de la mer préhistorique à celle de plastique, et veulent sensibiliser les visiteurs à la transformation du paysage ainsi qu’à la perte de la biodiversité.

Né à Chiètres en 1972, Tomas Wüthrich expose, depuis une vingtaine d’années, ses photographies en solo ou collectivement dans des institutions culturelles fribourgeoises, bernoises et zurichoises.

Il Seeland, che comprende i laghi di Neuchâtel, Murten e Bienne, è un territorio ricco di storia. Il Grande Muschio, fonte di timori ma anche di fascino, ha suscitato l'immaginazione di scrittori e artisti e allo stesso tempo ha dato il via a un grande progetto: le correzioni idriche del Giura (1868-1891 e 1962-1973). Queste migliorie idrauliche hanno trasformato un terreno malsano nel più grande orto del Paese. In meno di 150 anni, l'immagine del Seeland è notevolmente migliorata e le sofferenze di un tempo sembrano ormai appartenere al passato.

La regione dei laghi è una regione millenaria, fragile e in continua evoluzione, dove coesistono importanti risorse naturali e intense attività socio-economiche. Cosa c'è domani?  Le fotografie di Tomas Wüthrich ci portano in un viaggio immaginario nel tempo, dal mare preistorico a quello fatto di plastica, e mirano a sensibilizzare i visitatori sul cambiamento del paesaggio e sulla perdita di biodiversità.

Tomas Wüthrich, nato a Kerzers nel 1972, da circa 20 anni espone le sue fotografie in mostre personali o collettive presso istituzioni culturali di Friburgo, Berna e Zurigo.Tomas Wüthrich, nato a Kerzers nel 1972, da circa 20 anni espone le sue fotografie in mostre personali o collettive presso istituzioni culturali di Friburgo, Berna e Zurigo.

The Seeland, which includes Lakes Neuchâtel, Murten and Biel, is a territory steeped in history. For a long time, it consisted of two distinct areas: the pile-dwelling settlements, documented since prehistoric times, and the Great Marsh, which was wet and prone to flooding and therefore hardly suitable as a settlement area.The Great Marsh, source of fears but also of fascination, has fired the imagination of writers and artists and at the same time triggered the initiation of a major project: the Jura water corrections (1868-1891 and 1962-1973). These hydraulic improvements transformed an unhealthy terrain into the largest vegetable garden in the country. In less than 150 years, the image of Lakeland has improved substantially; and the woes of yesteryear now seem a thing of the past.

The Lakeland is a millennia-old, fragile, and ever-changing region where significant natural resources and intense socioeconomic activity coexist. What is tomorrow?  Tomas Wüthrich's photographs take us on a fictional journey through time, from the prehistoric sea to that of plastic, and aim to sensitize visitors to the changing landscape as well as the loss of biodiversity.

Tomas Wüthrich, born in Kerzers in 1972, has been showing his photographs as solo or group exhibitions in cultural institutions in Fribourg, Bern and Zurich for about 20 years.

(Text: Museum Murten)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
11. Juni - 16. Juli 2022

Home is where the chandelier hangs
Zena Assi

Zena Assis ‹City Walls› konfrontieren und bewegen. Regeln und Gesetzmässigkeiten werden kurzerhand aufgehoben, die Betrachter:innen geraten in einen Sog und betreten eine dichte urbane Komposition. Die Blicke schweifen über ein Konglomerat aus Fassaden, verworrenen Stromkabeln und Beschriftungen, Menschen und ihren Alltagsgegenständen. Wie Ornamente oder Kronen thronen die Stadtbewohner:innen auf der Architektur. Aussenraum und Innenraum verschmelzen, Verortung und Massstäblichkeit von Körpern und Dingen werden neu ausgelegt und sie erhalten eine eigene Wertigkeit.

Die Rede ist von Beirut, der Stadt, welche die libanesische multidisziplinäre Künstlerin Zena Assi verlassen hat. Diese gehört zu den Kunstschaffenden der ‹génération du chaos›. Während dem Bürgerkrieg im Libanon aufgewachsen, kannte sie nur die chaotischen Zustände bis hin zur Explosion vom 4. August 2020. Zena Assis Werke verinnerlichen dieses Chaos, sie eignen sich die soziopolitische Geschichte des Libanons an und stellen die Gesellschaft ihres Heimatlandes in Frage.

Es gibt das Vorher und das Nachher. Der Wegzug von Beirut nach London hat die Perspektive der Künstlerin verändert. Mit der neu entstandenen Distanz zur Heimat schafft sie aus ihrer Erinnerung die Collage Home is where the Chandelier hangs und erobert die Stadtlandschaft und das Chaos in einer neuen Ordnung zurück. Begriffe wie Heimat, Identität, Zugehörigkeit, Leben zwischen zwei Welten werden seziert und bildlich umgesetzt. Die libanesische und die britische Kultur vermengen sich, es entsteht eine neue (Bild-)Sprache und es kommt zu einer Versöhnung mit beiden Kulturen. Home is where the Chandelier hangs ist Zena Assis Stoff, mit dem sie ihre Welten zusammenführt und versöhnt. Ihre Leinwände und Keramiken tragen ein Kaleidoskop von Symbolen, Schriftzüge, Graffitis und Portraits, welche für Heimat und Identität stehen. In ihren Porträts spielt sie mit Wiederholungen und Projektionen. Das urbane Gewebe wird vom Gewand aufgenommen und wird auf der Haut getragen.

Zena Assis Werke zeigen das Alltägliche und das Wahre. Sie sind poetisch und von übersteigerter Emotionalität. Es sind Momentaufnahmen ihrer Stimmung, es sind verewigte Geistesblitze. Sie setzt wortwörtlich ihre Erinnerungen der beiden Welten zusammen und vereint sie. Die entfesselte Dynamik der Grossstadt und deren Bewohner zieht die Betrachter:innen in ihren Bann und lässt sie nicht mehr los.

Les 'City Walls' de Zena Assis confrontent et émeuvent. Les règles et les lois sont balayées d'un revers de main, les spectateurs sont aspirés et pénètrent dans une composition urbaine dense. Les regards errent sur un conglomérat de façades, de câbles électriques enchevêtrés et d'inscriptions, de personnes et de leurs objets quotidiens. Tels des ornements ou des couronnes, les habitants de la ville trônent sur l'architecture. L'espace extérieur et l'espace intérieur fusionnent, la localisation et l'échelle des corps et des choses sont réinterprétées et acquièrent une valeur propre.

Il s'agit de Beyrouth, la ville que l'artiste libanaise multidisciplinaire Zena Assi a quittée. Celle-ci fait partie des artistes de la 'génération du chaos'. Ayant grandi au Liban pendant la guerre civile, elle n'a connu que le chaos jusqu'à l'explosion du 4 août 2020. Les œuvres de Zena Assi intériorisent ce chaos, s'approprient l'histoire sociopolitique du Liban et remettent en question la société de son pays natal.

Il y a l'avant et l'après. Le départ de Beyrouth pour Londres a changé la perspective de l'artiste. Avec la distance nouvellement créée avec sa patrie, elle crée à partir de ses souvenirs le collage Home is where the Chandelier hangs et se réapproprie le paysage urbain et le chaos dans un nouvel ordre. Des notions telles que la patrie, l'identité, l'appartenance, la vie entre deux mondes sont disséquées et mises en images. La culture libanaise et la culture britannique s'entremêlent, un nouveau langage (pictural) est créé et une réconciliation avec les deux cultures a lieu. Home is where the Chandelier hangs est l'étoffe de Zena Assis, avec laquelle elle réunit et réconcilie ses mondes. Ses toiles et ses céramiques portent un kaléidoscope de symboles, d'inscriptions, de graffitis et de portraits qui représentent la patrie et l'identité. Dans ses portraits, elle joue avec les répétitions et les projections. Le tissu urbain est absorbé par le vêtement et est porté à même la peau.

Les œuvres de Zena Asi montrent le quotidien et le vrai. Elles sont poétiques et d'une émotion exacerbée. Ce sont des instantanés de son humeur, des éclairs de lucidité immortalisés. Elle assemble littéralement ses souvenirs des deux mondes et les réunit. La dynamique déchaînée de la grande ville et de ses habitants fascine le spectateur et ne le lâche plus.

I "Muri di città" di Zena Assi affrontano e commuovono. Regole e regolarità vengono abolite senza ulteriori indugi; lo spettatore viene trascinato in una densa composizione urbana. Il loro sguardo vaga su un conglomerato di facciate, cavi elettrici e scritte aggrovigliate, persone e i loro oggetti quotidiani. Come ornamenti o corone, gli abitanti della città: all'interno sono intronizzati sull'architettura. Spazio esterno e spazio interno si fondono, la posizione e la scala dei corpi e delle cose vengono reinterpretate e assumono un valore proprio.

Stiamo parlando di Beirut, la città che l'artista multidisciplinare libanese Zena Assi ha lasciato. È una delle artiste della "génération du chaos". Essendo cresciuta in Libano durante la guerra civile, ha conosciuto solo le condizioni caotiche che hanno portato all'esplosione del 4 agosto 2020. Le opere di Zena Assi interiorizzano questo caos, appropriandosi della storia socio-politica del Libano e mettendo in discussione la società del suo paese d'origine.

C'è il prima e il dopo. Il trasferimento da Beirut a Londra ha cambiato la prospettiva dell'artista. Con la nuova distanza da casa, crea il collage Home is where the Chandelier hangs from her memory, recuperando il paesaggio urbano e il caos in un nuovo ordine. Concetti come casa, identità, appartenenza, vivere tra due mondi vengono sezionati e trasformati in immagini. Le culture libanese e britannica si fondono, emerge un nuovo linguaggio (visivo) e si verifica una riconciliazione con entrambe le culture. Home is where the Chandelier hangs è il materiale con cui Zena Assi fa incontrare e riconciliare i suoi mondi. Le sue tele e ceramiche sono un caleidoscopio di simboli, scritte, graffiti e ritratti che rappresentano la casa e l'identità. Nei suoi ritratti gioca con la ripetizione e la proiezione. Il tessuto urbano viene assorbito dall'indumento e viene indossato sulla pelle.

Le opere di Zena Assi mostrano il quotidiano e il reale. Sono poetici e di un'emotività esagerata. Sono istantanee del suo stato d'animo, sono flash immortalati della sua mente. Mette letteralmente insieme i suoi ricordi dei due mondi e li unisce. Le dinamiche scatenate della grande città e dei suoi abitanti catturano lo spettatore e non lo lasciano più.

Zena Assi’s ‘City Walls’ confronts and moves the viewer at first glance. Rules and patterns are abolished and the viewer is drawn into a dense urban composition. Their gaze wanders over a conglomeration of façades, tangled power cables, signage, people and their everyday objects. Like ornaments or crowns, the city inhabitants are enthroned on top of the architecture. Exterior space and interior space merge, the location and scale of bodies and things are reinterpreted and they take on an alternate value.

It is the City of Beirut, which is being described, the city that the Lebanese multidisciplinary artist Zena Assi has left. She is one of the artists of the ‘génération du chaos’. Growing up in Lebanon during the civil war, she only knew chaotic conditions culminating with the explosion in August 2020. Zena Assi’s works internalise this chaos, blending in the socio-political history of Lebanon and taking a critical look at the society of her homeland.

There is the before and the after. Moving away from Beirut to London in 2014 changed the artist’s perspective. With the newly-gained distance from home, she created the collage Home is where the Chandelier hangs from her memory, reconfiguring the urban landscape and chaos in a new order. Concepts such as home, identity, belonging and life between two worlds are dissected and transformed into images. Lebanese and British cultures blend, a new (visual) language emerges and a reconciliation between both of her cultures takes place. Home is where the Chandelier hangs is Zena Assi’s interweaving of both her worlds. Her canvases and ceramics contain a kaleidoscope of people, symbols, calligraphies, and graffitis that represent home and identity. In the portraits on canvas featured in this exhibition, she plays with repetition and projection. The urban fabric is absorbed by the garment and is worn on the skin.

Zena Assi’s work shows the commonplace and the true. They are poetic and turbulent. They are snapshots of her mood, they are immortalised flashes of her mind. She literally puts her memories of the two worlds together, unites them and thereby creates something new. The unleashed dynamics of the big city and its inhabitants captivate the viewer and never lets go.

(Text: Anne-Françoise Spillmann, Zürich)

Fotomuseum | Winterthur
11. Juni - 16. Oktober 2022

Wahlfamilie
Zusammen weniger allein

Familie bedeutet (Wahl-)Verwandtschaft, Blutsbande, manchmal lebenslange Verbundenheit – und das immer wieder Neuverhandeln von Grenzen, seien die Beziehungen auch von noch so viel Zuneigung geprägt. Verwandtschaft hat nichts und doch viel mit Ähnlichkeiten und Gemeinsamkeiten im Alltag und den Vorstellungen von Lebenswirklichkeiten zu tun. Eine Familie ist man – manchmal nur auf dem Papier, manchmal als Gemeinschaft, die sich im Laufe eines Lebens aus sich zugewandten Freund_innen zusammensetzt. Familie und Gemeinschaft ist im besten Fall ein Stück vertraute Heimat.

Die Ausstellung beleuchtet wie (Wahl-)Familie in der Fotografie und Kunst dargestellt wird. Die unterschiedlichen Familiengeschichten und Bildserien zeugen von Individualität und Kollektivität, von Intimität und Distanz. Die präsentierten Fotograf_innen dokumentieren das alltägliche Familienleben oder halten besondere Ereignisse und emotionale Momente fest – und ergründen dabei ihre eigene Lebensgeschichte.

«Familie ist das, was Menschen als Familie definieren und empfinden. Fertig. Welche Form das hat, das ist mittlerweile so vielfältig. Es macht überhaupt keinen Sinn mehr, wie das früher war; also diese bürgerliche Kleinfamilie als das Ideal zu nehmen. Das ist es nicht mehr. Es ist auch nicht mehr die Realität – jedenfalls nicht mehr über das ganze Leben gedacht und auch nicht gesamtgesellschaftlich.»
Prof. Dr. Andrea Maihofer, Universität Basel, Philosophisch-Historische Fakultät, Departement Gesellschaftswissenschaften, Fachbereich Gender Studies

Gezeigt werden Werke aus der Sammlung des Fotomuseum Winterthur und Arbeiten nationaler und internationaler Künstler_innen wie Aarati Akkapeddi, Richard Billingham, Larry Clark, Charlie Engman, Seiichi Furuya, Nan Goldin, Pixy Liao, Dayanita Singh und Annelies Štrba. Zur Ausstellung erscheint eine Publikation mit Textbeiträgen von Lucy Gallun, Stefan Länzlinger, Andrea Maihofer, Patricia Prieto-Blanco, Meredith Talusan und Benjamin von Wyl im Christoph Merian Verlag.

La famille, c'est la parenté (élective), les liens du sang, parfois l'attachement pour la vie - et la renégociation permanente des frontières, même si les relations sont empreintes d'une grande affection. La parenté n'a rien à voir et pourtant beaucoup à voir avec les similitudes et les points communs dans la vie quotidienne et les représentations des réalités de la vie. On est une famille - parfois seulement sur le papier, parfois en tant que communauté qui se compose au cours d'une vie d'ami(e)s qui se font confiance. La famille et la communauté sont, dans le meilleur des cas, une partie de la maison familière.

L'exposition met en lumière la manière dont la famille (d'adoption) est représentée dans la photographie et l'art. Les différentes histoires de famille et séries de photos témoignent de l'individualité et de la collectivité, de l'intimité et de la distance. Les photographes présentés documentent la vie familiale quotidienne ou immortalisent des événements particuliers et des moments émotionnels - tout en explorant leur propre histoire de vie.

"La famille, c'est ce que les gens définissent et ressentent comme étant la famille. C'est terminé. La forme qu'elle prend est devenue tellement variée. Cela n'a plus aucun sens de considérer la famille bourgeoise restreinte comme l'idéal. Ce n'est plus le cas. Ce n'est plus non plus la réalité - en tout cas, ce n'est plus une réalité qui s'étend sur toute la vie, ni sur l'ensemble de la société. "Andrea Maihofer, Université de Bâle, Faculté de philosophie et d'histoire, Département des sciences sociales, Département des études de genre.

L'exposition présente des œuvres de la collection du Fotomuseum Winterthur ainsi que des travaux d'artistes nationaux et internationaux tels que Aarati Akkapeddi, Richard Billingham, Larry Clark, Charlie Engman, Seiichi Furuya, Nan Goldin, Pixy Liao, Dayanita Singh et Annelies Štrba. Une publication avec des textes de Lucy Gallun, Stefan Länzlinger, Andrea Maihofer, Patricia Prieto-Blanco, Meredith Talusan et Benjamin von Wyl paraît aux éditions Christoph Merian à l'occasion de l'exposition.

Famiglia significa parentela (elettiva), legami di sangue, a volte legami per tutta la vita - e la costante rinegoziazione dei confini, non importa quanto affetto caratterizzi le relazioni. La parentela non ha nulla eppure ha molto a che fare con le somiglianze e i punti in comune nella vita quotidiana e le idee sulla realtà della vita. Una è una famiglia - a volte solo sulla carta, a volte come una comunità composta da amici che si rivolgono gli uni agli altri nel corso della vita. Nel migliore dei casi, la famiglia e la comunità sono un pezzo di casa familiare.

La mostra illumina il modo in cui la famiglia (elettiva) è rappresentata nella fotografia e nell'arte. Le diverse storie familiari e le serie di immagini testimoniano l'individualità e la collettività, l'intimità e la distanza. I fotografi presentati documentano la vita quotidiana della famiglia o catturano eventi speciali e momenti emotivi - e nel processo scandagliano le proprie storie di vita.

"La famiglia è ciò che le persone definiscono e sentono come famiglia. Finito. La forma che assume è ora così diversa. Non ha più senso prendere questa famiglia nucleare borghese come ideale. Non è più così. Inoltre non è più la realtà - almeno non è più pensata per tutta la vita e nemmeno in termini di società nel suo complesso". Prof. Dr. Andrea Maihofer, Università di Basilea, Facoltà di Filosofia e Storia, Dipartimento di Scienze Sociali, Divisione Studi di Genere

In mostra ci sono opere della collezione del Fotomuseum Winterthur e lavori di artisti nazionali e internazionali come Aarati Akkapeddi, Richard Billingham, Larry Clark, Charlie Engman, Seiichi Furuya, Nan Goldin, Pixy Liao, Dayanita Singh e Annelies Štrba. Una pubblicazione con contributi testuali di Lucy Gallun, Stefan Länzlinger, Andrea Maihofer, Patricia Prieto-Blanco, Meredith Talusan e Benjamin von Wyl sarà pubblicata da Christoph Merian Verlag per accompagnare la mostra.

Family means (elective) kinship, blood ties, sometimes lifelong attachment - and the constant renegotiation of boundaries, no matter how much affection the relationships are characterized by. Kinship has nothing and yet a lot to do with similarities and commonalities in everyday life and ideas about the realities of life. One is a family - sometimes only on paper, sometimes as a community made up of friends who have turned to each other in the course of a lifetime. At best, family and community are a piece of familiar home.

The exhibition illuminates how (elective) family is represented in photography and art. The different family stories and picture series testify to individuality and collectivity, to intimacy and distance. The presented photographers document everyday family life or capture special events and emotional moments - and fathom their own life stories in the process.

"Family is what people define and feel as family. Done. What form that takes is now so diverse. It doesn't make any sense at all anymore how it used to be; that is, to take this bourgeois nuclear family as the ideal. That's no longer the case. It is also no longer the reality - at least no longer thought about over the whole of life and also not in terms of society as a whole. "Prof. Dr. Andrea Maihofer, University of Basel, Faculty of Philosophy and History, Department of Social Sciences, Department of Gender Studies

On display are works from the collection of the Fotomuseum Winterthur and works by national and international artists such as Aarati Akkapeddi, Richard Billingham, Larry Clark, Charlie Engman, Seiichi Furuya, Nan Goldin, Pixy Liao, Dayanita Singh and Annelies Štrba. A publication with text contributions by Lucy Gallun, Stefan Länzlinger, Andrea Maihofer, Patricia Prieto-Blanco, Meredith Talusan, and Benjamin von Wyl will be published by Christoph Merian Verlag to accompany the exhibition.

(Text: Fotomuseum, Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
11. Juni - 16. Oktober 2021

Silent Transition
Georg Aerni

Georg Aerni, 1959 in Winterthur geboren, hat parallel zu seiner Arbeit als Architekturfotograf ein künstlerisches Werk geschaffen: eine feinfühlige Bestandsaufnahme urbaner Räume und überraschender Schnittstellen zwischen Kultur und Natur. Neben umfangreichen thematischen Essays, etwa zu den ausufernden Gewächshäusern in Südspanien oder den wild wuchernden Wohnquartieren in Kairo, entstanden viele Einzelbilder, die von Veränderung und Zerfall, vom Werden und Vergehen erzählen. Aerni interessiert sich nicht für perfekte Fassaden, sondern für neue und alte Ruinen, improvisierte Behausungen oder nutzlos gewordene Installationen. Er schenkt seine Aufmerksamkeit nicht den pittoresken Landschaften, sondern knorrigen Wucherungen an einem Baumstamm, angeschwemmtem Gehölz oder kargen Felswänden, die von der Erosion gezeichnet sind. Seine visuellen Erforschungen erweisen sich auch als Versuch, das Verfliessen der Zeit sichtbar werden zu lassen. Unaufdringlich und manchmal mit ironischem Unterton stellt er Fragen zum Umgang mit Ressourcen oder zur Nachhaltigkeit scheinbar stabiler Konstruktionen. Sein präziser, dokumentarischer Ansatz verbindet sich mit der surrealen Poesie und Schönheit des Zufälligen. So regt der Fotograf zum Staunen an, ohne die Verhältnisse zu verklären.

Die Ausstellung der Fotostiftung Schweiz präsentiert eine Auswahl von neueren Werken, die seit der umfassenden Publikation Sites & Signs (2011) entstanden sind.

Unter dem Titel Silent Transition erscheint eine Monografie im Verlag Scheidegger & Spiess, herausgegeben von Peter Pfrunder und Nadine Olonetzky.

Georg Aerni, né en 1959 à Winterthour, a créé une œuvre artistique parallèlement à son travail de photographe d'architecture : un inventaire sensible des espaces urbains et des interfaces surprenantes entre culture et nature. Outre de vastes essais thématiques, par exemple sur les serres tentaculaires du sud de l'Espagne ou les quartiers résidentiels sauvages du Caire, il a réalisé de nombreuses photos individuelles qui racontent le changement et la désintégration, le devenir et la disparition. Aerni ne s'intéresse pas aux façades parfaites, mais aux ruines nouvelles et anciennes, aux habitations improvisées ou aux installations devenues inutiles. Il ne prête pas attention aux paysages pittoresques, mais aux excroissances noueuses sur un tronc d'arbre, aux bois échoués ou aux parois rocheuses arides marquées par l'érosion. Ses explorations visuelles se révèlent également être une tentative de rendre visible l'écoulement du temps. De manière discrète et parfois avec un ton ironique, il pose des questions sur la gestion des ressources ou sur la durabilité de constructions apparemment stables. Son approche précise et documentaire s'allie à la poésie surréaliste et à la beauté de l'aléatoire. Le photographe incite ainsi à l'étonnement, sans pour autant transfigurer les conditions.

L'exposition de la Fondation suisse pour la photographie présente une sélection d'œuvres récentes, réalisées depuis la publication complète Sites & Signs (2011).

Une monographie intitulée Silent Transition paraît aux éditions Scheidegger & Spiess, sous la direction de Peter Pfrunder et Nadine Olonetzky.

Georg Aerni, nato a Winterthur nel 1959, ha creato un'opera artistica parallela al suo lavoro di fotografo di architettura: un'indagine sensibile degli spazi urbani e delle sorprendenti interfacce tra cultura e natura. Oltre ad ampi saggi tematici, per esempio sulle serre tentacolari nel sud della Spagna o sui quartieri residenziali selvaggi del Cairo, ha prodotto molte immagini individuali che raccontano del cambiamento e della decadenza, del divenire e del passare. Aerni non è interessato alle facciate perfette, ma alle rovine nuove e vecchie, alle abitazioni improvvisate o alle installazioni che sono diventate inutili. Non presta attenzione ai paesaggi pittoreschi, ma alle escrescenze nodose su un tronco d'albero, al legno dilavato o alle pareti rocciose brulle segnate dall'erosione. Le sue esplorazioni visive sono anche un tentativo di rendere visibile il passaggio del tempo. In modo discreto e a volte con un tono ironico, pone domande sull'uso delle risorse o sulla sostenibilità di costruzioni apparentemente stabili. Il suo approccio preciso e documentario si combina con la poesia surreale e la bellezza del casuale. In questo modo, il fotografo ispira meraviglia senza trasfigurare le circostanze.

La mostra della Fotostiftung Schweiz presenta una selezione di opere recenti create dopo la pubblicazione completa Sites & Signs (2011).

Una monografia intitolata Silent Transition è pubblicata da Scheidegger & Spiess, a cura di Peter Pfrunder e Nadine Olonetzky.

Georg Aerni, born in Winterthur in 1959, has created an artistic oeuvre parallel to his work as an architectural photographer: a sensitive survey of urban spaces and surprising interfaces between culture and nature. In addition to extensive thematic essays, for example on the sprawling greenhouses in southern Spain or the wildly sprawling residential neighborhoods in Cairo, he has created many individual images that tell of change and decay, of becoming and passing. Aerni is not interested in perfect facades, but in new and old ruins, improvised dwellings or installations that have become useless. He pays attention not to picturesque landscapes, but to gnarled growths on a tree trunk, washed-up wood, or barren rock faces scarred by erosion. His visual explorations also prove to be an attempt to make the passage of time visible. Unobtrusively and sometimes with an ironic undertone, he asks questions about the use of resources or the sustainability of seemingly stable constructions. His precise, documentary approach combines with the surreal poetry and beauty of the random. In this way, the photographer inspires wonder without transfiguring the circumstances.

The Fotostiftung Schweiz exhibition presents a selection of recent works created since the comprehensive publication Sites & Signs (2011).

A monograph entitled Silent Transition is published by Scheidegger & Spiess, edited by Peter Pfrunder and Nadine Olonetzky.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

La chambre claire Galerie | Douarnenez
11. Juni - 23. Juli 2022

Les tempêtueuses
Irène Jonas

Die Ausstellung "Les tempêtueuses", die La chambre claire Galerie in Douarnenez zu Beginn dieses Sommers 2022 zeigt, zeugt in ihrem ersten Teil von den meteorologischen und geografischen Elementen, die der Umgebung des Pays Bigoudin nahestehen, in dem Irène Jonas heute zwei Drittel ihrer Zeit verbringt. Sie zeichnet die Stürme nach, die regelmäßig über die bretonische Küste von Lesconil bis Saint-Guénolé hinwegfegen und die den Charakter der Landschaft wie auch den ihrer Bewohner prägen.

Irène Jonas fotografiert sie in aller Heimlichkeit. Sie durchstreift die Orte, die in ihr widerhallen. Irène ist eine Forscherin. Die Bilder, die sie bei ihren Streifzügen einfängt, klingen nach einer verschütteten Erinnerung, die sich nicht sagen will. Nach der Aufnahme in Schwarz-Weiß nimmt sie stillschweigend ihre Positive wieder auf und koloriert sie. Die Farbe ist nur da, um das Licht besser sichtbar zu machen. Die Farben bekräftigen die Fremdheit der Landschaften oder Personen. Sie sucht nach dem, was sich in der tiefen Dunkelheit in ihr regt. Es sind die Ereignisse, die zu ihr kommen, irène provoziert sie nicht. Sie lauscht den Stürmen ebenso wie den Menschen auf ihrer Suche nach einer Soziologin. Die Ästhetik ist immer präsent, wie ein Trost für das Unsagbare.

Im zweiten Teil der Ausstellung werden Fotografien aus ihrer Serie "Amniotiques" gezeigt. Die Fotografin ist unter Wasser gegangen, wie auf der Suche nach einer Beruhigung. Das durch das Wasser gefilterte Licht verwischt die Dunkelheit der schwarzen Monate. Die Schwerelosigkeit lässt die Zeit stillstehen.

Irène Jonas, die seit 2016 Mitglied der Agentur révélateur ist, verfolgt einen doppelten Ansatz, einen in Schwarz-Weiß und einen eher plastischen in Form von gemalten Fotografien, aus denen die in Douarnenez gezeigten stammen. 2018 erhält sie den ersten Preis FotoMasterclass und stellt auf Fotofever aus. 2019 stellt sie in der Oper von Rennes zum Thema "Der fliegende Holländer" aus und erstellt eine Projektion von 80 Fotos zu einem Musikstück von Jean Cras. Im Jahr 2021 stellt sie "un été sans fin" in der Galerie Taylor aus und ist Ehrengast des Fotofestivals "les femmes s'exposent" in Houlgate. Ihr Buch "Dormir, dit- elle" wurdé bei Arnaud Bizalion veröffentlicht, "Crépuscules" bei Éditions de Juillet und "Lettres à Rosa B." (erscheint im September 2022).

L’exposition « Les tempêtueuses » que propose La chambre claire Galerie de Douarnenez au début de cet été 2022 témoigne, dans sa première partie, des éléments météorologiques et géographiques proches de l’environnement du pays Bigoudin dans lequel Irène Jonas vit aujourd’hui les deux tiers de son temps. Elle trace les tempêtes qui déferlent régulièrement sur la côte bretonne, de Lesconil à Saint-Guénolé et qui forgent le caractère du paysage comme celui de ses habitants.

Irène Jonas les photographie en toute discrétion. Elle arpente les lieux qui résonnent en elle. Irène est une chercheuse. Les images qu’elle capte lors de ses déambulations sonnent à une mémoire enfouie qui ne veut pas se dire. Après la prise de vue en noir et blanc, elle reprend silencieusement ses positifs et les colorise. La peinture n’est là que pour mieux faire apparaître la lumière. Les couleurs affirment l’étrangeté des paysages ou des personnages. Elle cherche ce qui se met en elle dans la profonde obscurité. C’est l’évènement qui vient à elle, irène ne les provoque pas. Elle est à l’écoute des tempêtes comme à celle des gens dans sa quête de sociologue. L’esthétique est toujours présente, comme une consolation de l’indicible.

La deuxième partie de l’exposition présente des photographies de sa série « Amniotiques ». La photographe est passée sous l’eau, comme en quête d’un apaisement. La lumière filtrée par l’eau estompe l’obscurité des mois noirs. L’apesanteur suspend le temps.

Membre de l’agence révélateur depuis 2016, Irène Jonas poursuit une double démarche, l’une en noir et blanc, l’autre plus plasticienne en photographies peintes, dont celles présentées à Douarnenez sont issues. En 2018, elle obtient le premier prix FotoMasterclass et expose à Fotofever. En 2019, elle expose à l’Opéra de Rennes sur le thème du Vaisseau fantôme et réalise une projection de 80 photos sur une pièce musicale de Jean Cras. En 2021, elle expose « un été sans fin » à la Galerie Taylor et est l’invitée d’Honneur du festival photo « les femmes s’exposent » à Houlgate. Son livre « Dormir, dit- elle » a été́ publié chez Arnaud Bizalion, « Crépuscules » aux Éditions de Juillet et « Lettres à Rosa B. » (à paraître en septembre 2022)

La prima parte della mostra "Les tempêtueuses" (Le tempestose), allestita alla Galerie La chambre claire di Douarnenez all'inizio dell'estate 2022, testimonia gli elementi meteorologici e geografici vicini all'ambiente della regione del Bigoudin, dove Irène Jonas vive ormai per due terzi del tempo. L'autrice ripercorre le tempeste che si abbattono regolarmente sulla costa bretone, da Lesconil a Saint-Guénolé, e che forgiano il carattere del paesaggio e dei suoi abitanti.

Irène Jonas li fotografa con discrezione. Indaga i luoghi che la colpiscono. Irène è una ricercatrice. Le immagini che cattura durante le sue peregrinazioni sembrano una memoria sepolta che non vuole essere raccontata. Dopo aver scattato in bianco e nero, prende silenziosamente i positivi e li colora. La vernice serve solo a far apparire la luce. I colori affermano la stranezza dei paesaggi o dei personaggi. Cerca ciò che è stato messo dentro di lei nell'oscurità profonda. Sono gli eventi che le arrivano, Irene non li provoca. Nella sua ricerca di sociologa, ascolta le tempeste e le persone. L'estetica è sempre presente, come consolazione per l'indicibile.

La seconda parte della mostra presenta le fotografie della serie "Amniotics". Il fotografo è andato sott'acqua, come se cercasse di placarsi. La luce filtrata dall'acqua offusca l'oscurità dei mesi neri. L'assenza di peso sospende il tempo.

Membro dell'agenzia Revelateur dal 2016, Irène Jonas persegue un duplice approccio, uno in bianco e nero, l'altro più plastico nelle fotografie dipinte, da cui derivano quelle presentate in Douarnenez. Nel 2018 ha vinto il primo premio FotoMasterclass e ha esposto a Fotofever. Nel 2019 ha esposto all'Opéra de Rennes sul tema del Vaisseau fantôme e ha realizzato una proiezione di 80 foto su un brano musicale di Jean Cras. Nel 2021 ha esposto "Un été sans fin" alla Taylor Gallery ed è stata ospite d'onore del festival fotografico "Les femmes s'exposent" a Houlgate. Il suo libro "Dormir, dit- elle" è stato pubblicato da Arnaud Bizalion, "Crépuscules" da Éditions de Juillet e "Lettres à Rosa B." (in uscita a settembre 2022).

The exhibition "Les tempêtueuses" that La chambre claire Galerie de Douarnenez is offering at the beginning of this summer 2022 testifies, in its first part, to the meteorological and geographical elements close to the environment of the Bigoudin country in which Irène Jonas lives today two thirds of her time. She traces the storms that regularly break over the Breton coast, from Lesconil to Saint-Guénolé, and that forge the character of the landscape as well as that of its inhabitants.

Irène Jonas photographs them discreetly. She surveys the places that resonate with her. Irène is a researcher. The images she captures during her wanderings ring with a buried memory that does not want to be told. After shooting in black and white, she silently takes her positives and colors them. The paint is only there to make the light appear better. The colors affirm the strangeness of the landscapes or the characters. She looks for what puts itself in her in the deep darkness. It is the event that comes to her, Irene does not provoke them. She listens to the storms as well as to the people in her quest for sociology. Aesthetics is always present, as a consolation of the unspeakable.

The second part of the exhibition presents photographs from her series "Amniotics". The photographer went underwater, as if in search of appeasement. The light filtered by the water blurs the darkness of the black months. The weightlessness suspends time.

Member of the agency révélateur since 2016, Irene Jonas pursues a dual approach, one in black and white, the other more plastic in painted photographs, from which those presented in Douarnenez are derived. In 2018, she obtained the first FotoMasterclass prize and exhibited at Fotofever. In 2019, she exhibited at the Opera of Rennes on the theme of the Phantom Ship and made a projection of 80 photos on a musical piece by Jean Cras. In 2021, she exhibits "Un été sans fin" at the Taylor Gallery and is the guest of honor of the photo festival "les femmes s'exposent" in Houlgate. Her book "Dormir, dit- elle" has beeń published by Arnaud Bizalion, "Crépuscules" by Éditions de Juillet and "Lettres à Rosa B." (to be published in September 2022)

(Text: Agence révélateur)