Solothurner Filmtage
21. Januar 2024

Guido Baselgia - The dark light
Regie: Casper Nicca

Ein Film über die Suche eines Fotografen nach dem letzten gültigen Bild. Dafür reist er paradoxerweise genau dorthin, wo kaum noch Licht ist. Diese Reise zeigt den inneren Kampf eines Künstlers, der mit Kontrolle und Perfektionismus gegen das hereinbrechende Chaos des Lebens ankämpft und daraus Bilder schöpft, um hinter die Oberfläche der Dinge zu sehen.

Le film accompagne un photographe à l’orée de la lumière dans sa quête de l’ultime image. Son parcours montre le combat intérieur d'un artiste perfectionniste qui lutte contre le chaos de la vie pour en tirer des images qui révèlent ce qui se cache sous la surface.

Un film sulla ricerca dell'ultima immagine valida da parte di un fotografo. Paradossalmente, viaggia in luoghi dove non c'è quasi luce. Questo viaggio mostra la lotta interiore di un artista che combatte con controllo e perfezionismo contro il caos della vita e ne trae immagini per vedere oltre la superficie delle cose.

A film about a photographer's search for the last valid visual. Paradoxically, he travels to places where there is hardly any light. This journey shows the inner struggle of an artist who fights the chaos of life with control and perfectionism and draws visuals from it to see beyond the surface of things.

(Text: Solothurner Filmtage)

Solothurner Filmtage
18. Januar 2024

Guido Baselgia - The dark light
Regie: Casper Nicca

Ein Film über die Suche eines Fotografen nach dem letzten gültigen Bild. Dafür reist er paradoxerweise genau dorthin, wo kaum noch Licht ist. Diese Reise zeigt den inneren Kampf eines Künstlers, der mit Kontrolle und Perfektionismus gegen das hereinbrechende Chaos des Lebens ankämpft und daraus Bilder schöpft, um hinter die Oberfläche der Dinge zu sehen.

Le film accompagne un photographe à l’orée de la lumière dans sa quête de l’ultime image. Son parcours montre le combat intérieur d'un artiste perfectionniste qui lutte contre le chaos de la vie pour en tirer des images qui révèlent ce qui se cache sous la surface.

Un film sulla ricerca dell'ultima immagine valida da parte di un fotografo. Paradossalmente, viaggia in luoghi dove non c'è quasi luce. Questo viaggio mostra la lotta interiore di un artista che combatte con controllo e perfezionismo contro il caos della vita e ne trae immagini per vedere oltre la superficie delle cose.

A film about a photographer's search for the last valid visual. Paradoxically, he travels to places where there is hardly any light. This journey shows the inner struggle of an artist who fights the chaos of life with control and perfectionism and draws visuals from it to see beyond the surface of things.

(Text: Solothurner Filmtage)

Kornschütte Luzern
17. Januar 2024

Videoportrait über Pat Treyer und Stephan Wittmer
In Anwesenheit der Filmemacherinnen Kim da Motta und Liv Burkhard

Photographie retouchée
Stephan Wittmer

Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]

Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]

Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]

The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

Stattkino Luzern
2. September 2023

Chasing Beauty: Filmporträt von Walter Pfeiffer, anschliessend Gespräch mit Walter Pfeiffer, Künstler, und Iwan Schumacher, Regisseur, moderiert von Ursula Helg, Kunstvermittlerin, im stattkino Luzern

Sincerely
Walter Pfeiffer

Walter Pfeiffer (*1946) sucht mit der fotografischen Linse nach Schönheit, der Darstellung des männlichen Körpers fernab klischeehafter Ideale, nach verspielter Erotik und Leichtigkeit. Der Schweizer Künstler schult sein Auge schon früh als Schaufensterdekorateur, porträtiert später rebellische Heranwachsende aus der schwulen Zürcher Untergrundszene und beliefert schliesslich die angesagtesten internationalen Modezeitschriften mit seinen Fotostrecken. Walter Pfeiffer gelingt es, zwischen Modefotografie und bildender Kunst zu changieren. So sind seine Landschaften, Stillleben und Porträts nie platt. Sie zeigen keine vollendete Schönheit und tragen den revolutionären Geist der Gegenkultur der 1970er-Jahre in sich. Bald gehen bei ihm Freunde und Liebhaber ein und aus, um sich fotografieren zu lassen. Die meist männlichen Modelle entziehen sich klassischen Assoziationen von männlich und weiblich. Typisch für Walter Pfeiffers Kunst sind kleine Makel, grelles Blitzlicht, nackte Haut, kräftige Farben, intensive Blicke. Wie in einem Fiebertraum sprechen seine Bilder von Sehnsüchten, reizvoller als die Realität, vom Begehren, unbeschwerter Lebensfreude, jugendlicher Liebe.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer kuratiert.

Die Ausstellung wurden von Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff unterstützt.

Walter Pfeiffer (*1946) recherche avec son objectif photographique la beauté, la représentation du corps masculin loin des idéaux clichés, l'érotisme ludique et la légèreté. L'artiste suisse forme son œil très tôt en tant que décorateur de vitrines, fait plus tard le portrait d'adolescents rebelles issus de la scène underground gay zurichoise et fournit finalement ses séries de photos aux magazines de mode internationaux les plus en vogue. Walter Pfeiffer parvient à osciller entre la photographie de mode et les arts visuels. Ainsi, ses paysages, natures mortes et portraits ne sont jamais plats. Ils ne montrent pas une beauté accomplie et portent en eux l'esprit révolutionnaire de la contre-culture des années 1970. Bientôt, amis et amants vont et viennent chez lui pour se faire photographier. Les modèles, pour la plupart des hommes, échappent aux associations classiques entre masculin et féminin. Les petites imperfections, la lumière crue du flash, la peau nue, les couleurs vives, les regards intenses sont typiques de l'art de Walter Pfeiffer. Comme dans un rêve fiévreux, ses visuels parlent de désirs, plus charmants que la réalité, de désir, de joie de vivre insouciante, d'amour juvénile.

L'exposition a été organisée par Fanni Fetzer.

L'exposition a été soutenue par la fondation Landis & Gyr, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) utilizza il suo obiettivo fotografico per ricercare la bellezza, la rappresentazione del corpo maschile lontano dagli ideali comuni, l'erotismo giocoso e la leggerezza. L'artista svizzero ha allenato il suo occhio fin da subito come vetrinista, per poi ritrarre adolescenti ribelli della scena underground gay di Zurigo e infine fornire le serie fotografiche alle riviste di moda internazionali più in voga. Walter Pfeiffer è riuscito a oscillare tra fotografia di moda e belle arti. I suoi paesaggi, nature morte e ritratti non sono mai piatti. Non mostrano una bellezza perfetta e portano con sé lo spirito rivoluzionario della controcultura degli anni Settanta. Ben presto amici e amanti entrano ed escono da casa sua per farsi fotografare. I modelli, per lo più uomini, sfuggono alle associazioni classiche di maschile e femminile. Tipici dell'arte di Walter Pfeiffer sono le piccole imperfezioni, i flash abbaglianti, la pelle nuda, i colori forti, gli sguardi intensi. Come in un sogno febbrile, i suoi quadri parlano di desideri, più affascinanti della realtà, di desiderio, di spensierata gioia di vivere, di amore giovanile.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer.

La mostra è stata sostenuta da Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

Walter Pfeiffer (*1946) uses the photographic lens to search for beauty, the depiction of the male body far removed from clichéd ideals, playful eroticism and lightness. The Swiss artist trained his eye early as a window dresser, later portrayed rebellious adolescents from the gay Zurich underground scene, and finally supplied the hottest international fashion magazines with his photo series. Walter Pfeiffer succeeds in oscillating between fashion photography and fine art. His landscapes, still lifes and portraits are never flat. They do not show consummate beauty and carry the revolutionary spirit of the counterculture of the 1970s. Soon friends and lovers are going in and out of his house to have their pictures taken. The mostly male models defy classic associations of male and female. Typical of Walter Pfeiffer's art are small blemishes, glaring flash, naked skin, strong colors, intense looks. As if in a fever dream, his pictures speak of longings, more charming than reality, of desire, carefree joie de vivre, youthful love.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer.

The exhibition was supported by Landis & Gyr Stiftung, Stadt Zürich Kultur, David Streiff.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Kunstmuseum Luzern
23. August 2023

Difficult Love: Film von Zanele Muholi und Peter Goldsmid, anschliessend Austausch mit Hannah Horst, Leiterin Kunstvermittlung, Courtesy The South African Broadcasting Corporation

Zanele Muholi

Zanele Muholis (*1972) Schwarzweissfotografien sind kontrastreich. Muholi will uns jedoch nicht eine Realität in schwarz und weiss zeigen, eher das vielfältige Spektrum dazwischen: Muholis Arbeit erzählt Geschichten von lesbischen, schwulen, bisexuellen, queeren, trans* und inter* People of Color, die aus Muholis Heimat Südafrika stammen. In Südafrika werden queere Menschen oft gehasst, bedroht und verfolgt. Sexualpolitik, rassistische Gewalt und Selbstbehauptung sind Inhalte von Muholis Arbeiten. Muholi bezeichnet sich als «visuelle:r Aktivist:in» und fordert mit Porträts, die nicht gängigen Erwartungen und Konventionen entsprechen, das Denken in binären Kategorien – Mann/Frau, schwarz/weiss – heraus.

Liebevolle Umarmungen, zärtliche Blicke, gemeinsames Waschen: Die Serie Being (seit 2006) verschafft einen intimen Einblick in das alltägliche Leben queerer Paare. Auch nach dem Ende der Apartheid und dem Aufbau eines demokratischen Staates in den letzten dreissig Jahren leben queere Menschen in Südafrika unterdrückt. Für sie hat sich trotz der Demokratie kaum etwas verändert, denn die Gesellschaft ist von heteronormativem Denken geprägt. Faces and Phases (seit 2006) ist mit über 500 Arbeiten Muholis wohl umfangreichste Porträtreihe. In regelmässigen Abständen porträtiert Muholi Personen aus der Schwarzen LGBTQIA+- Community Südafrikas und hält damit deren Gesichter (Faces) sowie die Phasen (Phases) der Geschlechteridentitäten fest. Es ist Muholis zentrales Anliegen, ein Bewusstsein für die unterdrückten Communitys und damit eine positive Sichtbarkeit zu schaffen. Brave Beauties (seit 2014) ist eine Porträtserie von Transfrauen und nicht-binären Menschen, von denen einige an Schönheitswettbewerben teilnehmen. Queere Schönheitswettbewerbe bieten einen sicheren Raum innerhalb der Schwarzen LGBTQIA+-Community, in denen die Teilnehmer:innen ihrer eigenen Schönheit Ausdruck verleihen. Gleichzeitig sollen diese Bilder queer- und transphobische Stereotype in Frage stellen und Widerstand gegen den vorherrschenden binären Blick leisten. Die porträtierten Menschen sieht Muholi als Kollaborateur:innen der Bildgestaltung, dank deren Zusammenarbeit die Werke entstehen. In der Porträtreihe Somnyama Ngonyama («Gepriesen sei die dunkle Löwin» auf isiZulu, seit 2012) setzt sich Muholi selbst vor die Kamera und nimmt verschiedene Posen und Charaktere ein. Die Bilder reflektieren auf persönliche Weise die Kolonial- und Apartheidsgeschichte. Alltägliche Materialien wie Wäscheklammern, Velopneus oder Plastikrohre werden zu politisch aufgeladenen Requisiten und Kostümen verwandelt, um Fragen nach Repräsentation und race (diskriminierungssensible Bezeichnung für den deutschen Begriff «Rasse», um auf die menschgemachten Kategorisierungen aufmerksam zu machen) zu verhandeln. Ein starker schwarz-weiss Kontrast führt dazu, dass die Hautfarbe dunkler wirkt. Muholi fordert damit das Schwarzsein für sich zurück. Mit dieser Arbeit erlangt Muholi an der Venedig Biennale 2019 internationale Bekanntheit.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Luzern präsentiert zum ersten Mal umfassend das Werk von Zanele Muholi in der Zentralschweiz. Dem Publikum steht die Website www.divers2023.ch für ergänzende Informationen sowie Begriffserklärung zur Verfügung. Dieses digitale Angebot rundet die Ausstellung zum Thema Diversität inhaltlich ab.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer und Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern kuratiert.

Les photographies en noir et blanc de Zanele Muholi (*1972) sont très contrastées. Muholi ne veut cependant pas nous montrer une réalité en noir et blanc, mais plutôt le spectre varié entre les deux : Le travail de Muholi raconte des histoires de personnes lesbiennes, gays, bisexuelles, queer, trans* et inter* de couleur, originaires de l'Afrique du Sud, pays d'origine de Muholi. En Afrique du Sud, les personnes queer sont souvent haïes, menacées et persécutées. La politique sexuelle, la violence raciste et l'affirmation de soi sont des contenus du travail de Muholis. Muholi se définit comme un "activiste visuel" et défie la pensée binaire - homme/femme, noir/blanc - avec des portraits qui ne correspondent pas aux attentes et aux conventions habituelles.

Des étreintes affectueuses, des regards tendres, une toilette commune : La série Being (depuis 2006) donne un aperçu intime de la vie quotidienne des couples queer. Même après la fin de l'apartheid et la construction d'un Etat démocratique au cours des trente dernières années, les personnes queer vivent toujours dans l'oppression en Afrique du Sud. Pour elles, rien ou presque n'a changé malgré l'avènement de la démocratie, car la société reste marquée par la pensée hétéronormative. Faces and Phases (depuis 2006) est sans doute la série de portraits la plus complète de Muholi, avec plus de 500 œuvres. A intervalles réguliers, Muholi fait le portrait de personnes issues de la communauté noire LGBTQIA+ d'Afrique du Sud et fixe ainsi leurs visages (Faces) ainsi que les phases (Phases) de leurs identités de genre. L'objectif central de Muholis est de créer une prise de conscience pour les communautés opprimées et ainsi une visibilité positive. Brave Beauties (depuis 2014) est une série de portraits de femmes trans et de personnes non-binaires, dont certaines participent à des concours de beauté. Les concours de beauté queer offrent un espace sûr au sein de la communauté noire LGBTQIA+, dans lequel les participant(e)s expriment leur propre beauté. Parallèlement, ces visuels visent à transmettre des stéréotypes queer et transphobes et à résister au regard binaire dominant. Muholi considère les personnes dont il fait le portrait comme des collaborateurs de la création d'images, grâce à la collaboration desquels les œuvres voient le jour. Dans la série de portraits Somnyama Ngonyama ("Louée soit la lionne sombre" sur isiZulu, depuis 2012), Muholi se place elle-même devant l'appareil photo et prend différentes poses et personnages. Les visuels reflètent de manière personnelle l'histoire coloniale et de l'apartheid. Des matériaux quotidiens tels que des pinces à linge, des pneus de vélo ou des tuyaux en plastique sont transformés en accessoires et en costumes à forte charge politique afin de négocier les questions de représentation et de race (terme sensible à la discrimination pour désigner le terme allemand "Rasse" et attirer l'attention sur les catégorisations faites par l'homme). Un fort contraste noir-blanc fait paraître la couleur de la peau plus sombre. Muholi revendique ainsi la négritude pour elle-même. Avec ce travail, Muholi acquiert une notoriété internationale à la Biennale de Venise 2019.

L'exposition du Kunstmuseum de Lucerne présente pour la première fois l'œuvre de Zanele Muholi de manière complète en Suisse centrale. Le site Internet www.divers2023.ch est à la disposition du public pour des informations complémentaires ainsi que des explications de termes. Cette offre numérique complète le contenu de l'exposition sur le thème de la diversité.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Fanni Fetzer et Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Le fotografie in bianco e nero di Zanele Muholi (*1972) sono ricche di contrasti. Tuttavia, Muholi non vuole mostrarci una realtà in bianco e nero, ma piuttosto il variegato spettro intermedio: Il lavoro di Muholi racconta storie di persone lesbiche, gay, bisessuali, queer, trans* e inter* di colore del Sudafrica, paese natale di Muholi. In Sudafrica, le persone queer sono spesso odiate, minacciate e perseguitate. La politica sessuale, la violenza razzista e l'autoaffermazione sono il contenuto del lavoro di Muholi. Muholi si descrive come un "attivista visivo" e sfida il pensiero in categorie binarie - uomo/donna, bianco/nero - con ritratti che non si conformano alle aspettative e alle convenzioni comuni.

Abbracci affettuosi, sguardi teneri, lavaggi insieme: La serie Being (dal 2006) offre uno sguardo intimo sulla vita quotidiana delle coppie queer. Anche dopo la fine dell'apartheid e la creazione di uno Stato democratico negli ultimi trent'anni, le persone queer in Sudafrica vivono una vita oppressa. Per loro, nonostante la democrazia, poco è cambiato, perché la società è dominata dal pensiero eteronormativo. Con oltre 500 opere, Faces and Phases (dal 2006) è probabilmente la serie di ritratti più ampia di Muholi. Muholi ritrae regolarmente persone della comunità LGBTQIA+ nera del Sudafrica, catturando i loro volti e le fasi della loro identità di genere. La preoccupazione principale di Muholi è quella di creare consapevolezza per le comunità oppresse e quindi visibilità positiva. Brave Beauties (dal 2014) è una serie di ritratti di donne trans e persone non binarie, alcune delle quali partecipano a concorsi di bellezza. I concorsi di bellezza queer forniscono uno spazio sicuro all'interno della comunità LGBTQIA+ nera per i concorrenti che vogliono esprimere la propria bellezza. Allo stesso tempo, queste immagini intendono sfidare gli stereotipi queer e transfobici e resistere allo sguardo binario dominante. Muholi considera le persone ritratte come collaboratori nella creazione delle immagini, grazie alla cui collaborazione le opere vengono realizzate. Nella serie di ritratti Somnyama Ngonyama ("Sia lodata la leonessa scura" in isiZulu, dal 2012), Muholi stessa siede davanti alla macchina fotografica e assume varie pose e personaggi. Le immagini riflettono in modo personale la storia coloniale e dell'apartheid. Materiali di uso quotidiano come mollette per il bucato, copertoni di bicicletta o tubi di plastica sono trasformati in oggetti di scena e costumi con un'impronta politica per negoziare le questioni della rappresentazione e della razza (un termine sensibile alla discriminazione per il termine tedesco "Rasse" per richiamare l'attenzione sulle categorizzazioni create dall'uomo). Un forte contrasto tra bianco e nero fa apparire il colore della pelle più scuro. Muholi si riappropria così della sua nerezza. Con quest'opera, Muholi ottiene un riconoscimento internazionale alla Biennale di Venezia 2019.

La mostra al Museo d'Arte di Lucerna è la prima presentazione completa dell'opera di Zanele Muholi nella Svizzera centrale. Il sito web www.divers2023.ch è a disposizione del pubblico per ulteriori informazioni e spiegazioni sui termini. Questa offerta digitale completa la mostra sul tema della diversità in termini di contenuti.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer e Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

Zanele Muholi's (*1972) black-and-white photographs are rich in contrast. However, Muholi does not want to show us a reality in black and white, rather the diverse spectrum in between: Muholi's work tells stories of lesbian, gay, bisexual, queer, trans*, and inter* people of color who hail from Muholi's native South Africa. In South Africa, queer people are often hated, threatened, and persecuted. Sexual politics, racial violence, and self-assertion are content of Muholi's work. Muholi calls herself a "visual activist" and challenges thinking in binary categories - man/woman, black/white - with portraits that do not conform to common expectations and conventions.

Loving embraces, tender glances, washing together: The series Being (since 2006) provides an intimate glimpse into the everyday lives of queer couples. Even after the end of apartheid and the establishment of a democratic state in the last thirty years, queer people in South Africa live oppressed lives. For them, despite democracy, little has changed because society is dominated by heteronormative thinking. Faces and Phases (since 2006) is probably Muholi's most extensive portrait series, with over 500 works. Muholi regularly portrays people from South Africa's black LGBTQIA+ community, capturing their faces and the phases of their gender identities. It is Muholi's central concern to create awareness for the oppressed communities and thus positive visibility. Brave Beauties (2014-present) is a portrait series of trans women and non-binary people, some of whom participate in beauty pageants. Queer beauty pageants provide a safe space within the Black LGBTQIA+ community where participant:s express their own beauty. At the same time, these images are meant to challenge queer and transphobic stereotypes and resist the dominant binary gaze. Muholi sees the people portrayed as collaborators in the creation of the images, thanks to whose collaboration the works are created. In the portrait series Somnyama Ngonyama ("Praised be the dark lioness" on isiZulu, since 2012), Muholi herself sits in front of the camera and adopts different poses and characters. The images reflect colonial and apartheid history in a personal way. Everyday materials such as clothespins, bicycle tires, and plastic tubes are transformed into politically charged props and costumes to negotiate questions of representation and race (a discrimination-sensitive term for the German term "Rasse" to draw attention to man-made categorizations). A strong black and white contrast causes the skin color to appear darker. Muholi thus reclaims blackness for herself. With this work, Muholi is gaining international recognition at the 2019 Venice Biennale.

The exhibition at the Museum of Art Lucerne is the first comprehensive presentation of Zanele Muholi's work in Central Switzerland. The public can access the website www.divers2023.ch for supplementary information as well as explanations of terms. This digital offer rounds off the exhibition on the topic of diversity in terms of content.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer and Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

(Text: Kunstmuseum Luzern)