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Erinnerung im Jetzt – 80 Jahre später - Vom Krieg damals und heute | Museum für Photographie Braunschweig
Mai
3
bis 29. Juni
Ausstellung, Niedersachsen, Deutschland

Erinnerung im Jetzt – 80 Jahre später - Vom Krieg damals und heute | Museum für Photographie Braunschweig

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Museum für Photographie Braunschweig
3. Mai – 29. Juni 2025

Erinnerung im Jetzt – 80 Jahre später
Vom Krieg damals und heute

Boris Becker, Gertrud Bergmann, Robert Capa, Hein Gorny, Heinrich Gramann, Margret Hoppe, Mykyta Manuilov, Lee Miller, Gerhard Richter, Ruprecht Rieger, Yvonne Salzmann, Hans Steffens, Tony Vaccaro, Marcel van Eeden, Michael Wesely

Bunkerszene, Braunschweig, 1945 © Nachlass/Estate Hans Steffens – Sammlung Museum für Photographie Braunschweig / Depositum Stadtarchiv Braunschweig

Am 8.5.1945 endete der 2. Weltkrieg. Anlässlich des 80. Jahrestages dieses einschneidenden Ereignisses, das auch als Tag der Befreiung vom Nationalsozialismus gefeiert wird, erinnert die Ausstellung an die Auswirkungen des Krieges und Aspekte der gesellschaftlichen Realitäten, die bis heute Auswirkungen haben.

Neben historischen Bildzeugnissen aus dem Stadtarchiv Braunschweig und der Museumssammlung sowie weiteren Leihgaben, die als Dokumentationen entstanden, sind künstlerische Arbeiten zu sehen, die sich der Kriegsthematik und damit verbundenen Aspekten in einer bildnerischen Auseinandersetzung widmen. Hierbei werden auch künstlerische Projekte einbezogen, die den aktuellen Krieg in der Ukraine zum Gegenstand haben.

Eine Teilkooperation mit dem Stadtarchiv Braunschweig

Kuratiert von Barbara Hofmann-Johnson

Hochbunker Braunschweig Madamenweg, 1987 © Boris Becker und VG Bild-Kunst, Bonn 2025, Courtesy der Künstler

Le 8 mai 1945, la Seconde Guerre mondiale prenait fin. À l'occasion du 80e anniversaire de cet événement décisif, également célébré comme le jour de la libération du nazisme, l'exposition rappelle les effets de la guerre et les aspects des réalités sociales qui ont encore des répercussions aujourd'hui.

Outre des témoignages visuels historiques provenant des archives de la ville de Braunschweig et de la collection du musée, ainsi que d'autres objets prêtés à titre de documentation, on peut voir des travaux artistiques qui se consacrent à la thématique de la guerre et aux aspects qui y sont liés dans le cadre d'une confrontation plastique. Des projets artistiques portant sur la guerre actuelle en Ukraine seront également présentés.

Une coopération partielle avec les archives de la ville de Braunschweig.

Commissariat d'exposition de Barbara Hofmann-Johnson

Aus der Serie: WAR und ist KRIEG, 2022 © Yvonne Salzmann

La Seconda Guerra Mondiale terminò l'8 maggio 1945. In occasione dell'80° anniversario di questo evento decisivo, che viene celebrato anche come il giorno della liberazione dal nazionalsocialismo, la mostra ricorda gli effetti della guerra e gli aspetti della realtà sociale che hanno un impatto ancora oggi.

Oltre alle immagini storiche dell'Archivio della città di Braunschweig e della collezione del museo, oltre ad altri oggetti in prestito creati come documentazione, sono esposte opere artistiche dedicate al tema della guerra e agli aspetti correlati in un esame pittorico. Questo include anche progetti artistici che riguardano l'attuale guerra in Ucraina.

Una cooperazione parziale con l'Archivio della Città di Braunschweig

A cura di Barbara Hofmann-Johnson

Aus der Serie: Südwall, Marseille, 2017-2018 © Margret Hoppe und VG Bild-Kunst, Bonn 2025

The Second World War ended on 8 May 1945. On the occasion of the 80th anniversary of this momentous event, which is also celebrated as the day of liberation from National Socialism, the exhibition commemorates the effects of the war and aspects of social realities that continue to have an impact today.

In addition to historical visual evidence from the Braunschweig City Archives and the museum collection, as well as other loans that were created as documentation, artistic works can be seen that are dedicated to the theme of war and related aspects in a visual exploration. This also includes artistic projects that deal with the current war in Ukraine.

A partial cooperation with the Braunschweig City Archives

Curated by Barbara Hofmann-Johnson

(Text: Museum für Photographie Braunschweig)

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Karin Székessy – Zeitspuren einer Ikone der Fotografie | Kunsthalle Lüneburg
Mai
4
bis 27. Juli
Ausstellung, Niedersachsen, Deutschland

Karin Székessy – Zeitspuren einer Ikone der Fotografie | Kunsthalle Lüneburg

  • Kunsthalle Lüneburg in der KulturBäckerei (Karte)
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Kunsthalle Lüneburg
4. Mai – 27. Juli 2025

Karin Székessy – Zeitspuren einer Ikone der Fotografie

Die doppelte Braut © Karin Székessy

Manchmal genügt ein einziges Bild, um eine ganze Welt zu öffnen.
Wer einmal in die Werke von Karin Székessy eingetaucht ist, wird sie nicht vergessen. Ihre Fotografien berühren mit einer stillen Kraft, mit einem feinen Gespür für Licht, Schatten und Emotionen. Sie sind mehr als Momentaufnahmen – sie erzählen von Schönheit, Intimität und Würde, ohne sich aufzudrängen. In ihren Bildern begegnen wir nicht nur ihren Modellen, sondern auch ihr selbst: einer Künstlerin, die ihren eigenen Blick nie verleugnete, die mit Respekt und Empathie fotografierte und die bis heute Maßstäbe setzt.

Ihre Fotografien sind Zeitspuren – Spuren einer Künstlerin, die die Fotografie geprägt und ihr eine neue Tiefe gegeben hat.
Die Kunsthalle der KulturBäckerei widmet Karin Székessy eine große Retrospektive unter dem Titel Zeitspuren einer Ikone der Fotografie. Ihr Werk, geprägt von Sensibilität, Poesie und einer kompromisslosen Bildsprache, hat die Kunstfotografie des 20. Jahrhunderts wesentlich mitgestaltet. Die Ausstellung bietet die Gelegenheit, ihre einzigartige Bildwelt neu zu entdecken und in die Atmosphäre ihrer Fotografien einzutauchen. Sie hat mit ihrer Kunst wichtige Spuren in der Zeit hinterlassen – nicht nur in der Geschichte der Fotografie, sondern auch im kollektiven Gedächtnis der Menschen, die ihre Werke berühren.

Székessys Bilder sind mehr als Fotografien – sie sind Erzählungen über das Menschliche, über Nähe, Würde und den Zauber des Moments. „Ich bin eine Frau, doch meine Perspektive ist nicht weiblich. Wer das meint, versteht mich nicht“, sagte sie einst. Ihre Akte sind weit mehr als bloße Darstellungen des Körpers – sie sind von einer Selbstverständlichkeit und Ehrlichkeit geprägt, die bis heute berühren. Ihre Fotografien zeigen Frauen nackt, aber niemals entblößt. Immer bewahrte sie ihre Modelle vor dem distanzierten Blick – ihre Nähe war echt, nicht inszeniert.

Die Retrospektive in der Kunsthalle der KulturBäckerei vereint die vielen Facetten ihres Schaffens: ikonische Künstlerporträts von Joseph Beuys, Horst Janssen und Meret Oppenheim, intime Stillleben, poetische Landschaftsaufnahmen und natürlich ihre unverwechselbaren Akte.

Erstmals wird zudem ein umfassender Einblick in ihre frühe Reportage- und Straßenfotografie in London, Paris und Rom gegeben. Besonders bemerkenswert ist, dass Karin Székessy bis heute als Fotografin aktiv ist. Die Ausstellung zeigt daher nicht nur ihre bedeutenden historischen Werke, sondern auch aktuelle Arbeiten, die ihre ungebrochene Schaffenskraft und ihre kontinuierliche künstlerische Entwicklung dokumentieren.

Ein Leben für die Fotografie
Karin Székessys Weg war nicht immer leicht. In den 1960er-Jahren behauptete sie sich in einer von Männern dominierten Kunstwelt – nicht mit lauten Worten, sondern mit ihrer Arbeit. Ihre erste Dunkelkammer war eine kleine Küche in Hamburg, in der sie nachts arbeitete, wenn ihre Kinder schliefen. Kunst war für sie immer auch Überleben. Und doch durchdringt ihr Werk eine tiefe Liebe zum Schönen, eine Sehnsucht nach Ausdruck und Echtheit.

„Székessy steht in der Fotogeschichte des 20. Jahrhunderts dafür, dass Frauen andere Frauen fotografieren – mit Respekt, mit Empathie, mit Verständnis“, beschreibt es die Autorin Daniele Muscionico. Ihr Blick war nicht distanziert, sondern mitfühlend. Ihre Modelle waren keine Objekte, sondern Teil einer künstlerischen Begegnung. Diese Bilder sind Momente der Vertrautheit, eingefangen mit der stillen Intensität einer Fotografin, die wusste, wann sie unsichtbar sein musste.

Die Retrospektive ist chronologisch aufgebaut und macht Székessys künstlerische Entwicklung über die Jahrzehnte hinweg erlebbar – von ihren frühen experimentellen Arbeiten über ikonische Werke der 1970er- und 1980er-Jahre bis hin zu ihren neuesten Fotografien.

Eine enge Verbindung zu Lüneburg
Diese Ausstellung hat für Lüneburg eine besondere Bedeutung. Es war Székessys Wunsch, einen großen Teil ihres künstlerischen Vorlasses dem Kunstarchiv der Sparkassenstiftung Lüneburg anzuvertrauen – ein Zeichen des Vertrauens, das zugleich eine Verpflichtung ist. Ihr Werk soll nicht nur bewahrt, sondern auch erforscht und weitergegeben werden. Die Retrospektive bildet den Auftakt für diese Auseinandersetzung.

Begleitend zur Ausstellung erscheint ein umfangreiches Buch, das nicht nur ihre Werke dokumentiert, sondern auch Gespräche mit ihr, Texte von Wegbegleiter*innen und bislang unveröffentlichte Fotografien enthält. Ein sehr persönlicher Blick auf eine Künstlerin, die ihr ganzes Leben in Bildern erzählt hat.

Karins Kleider © Karin Székessy

Parfois, un seul visuel suffit pour ouvrir tout un monde.
Quiconque s'est déjà plongé dans l'œuvre de Karin Székessy ne l'oubliera jamais. Ses photographies touchent par leur force tranquille, leur sens aigu de la lumière, des ombres et des émotions. Plus que de simples instantanés, elles racontent la beauté, l'intimité et la dignité sans s'imposer. Dans ses visuels, nous ne rencontrons pas seulement ses modèles, mais aussi elle-même : une artiste qui n'a jamais renié son propre regard, qui photographiait avec respect et empathie et qui continue aujourd'hui encore de poser des jalons.

Ses photographies sont des traces du temps, les traces d'une artiste qui a marqué la photographie et lui a donné une nouvelle profondeur.
La Kunsthalle der KulturBäckerei consacre à Karin Székessy une grande rétrospective intitulée « Traces d'une icône de la photographie ». Son œuvre, empreinte de sensibilité, de poésie et d'un langage visuel sans compromis, a profondément marqué la photographie artistique du XXe siècle. L'exposition offre l'occasion de redécouvrir son univers visuel unique et de s'immerger dans l'atmosphère de ses photographies. Avec son art, elle a laissé une empreinte importante dans le temps, non seulement dans l'histoire de la photographie, mais aussi dans la mémoire collective des personnes touchées par ses œuvres.

Les visuels de Székessy sont plus que des photographies, ce sont des récits sur l'humain, sur la proximité, la dignité et la magie de l'instant. « Je suis une femme, mais ma perspective n'est pas féminine. Ceux qui pensent cela ne me comprennent pas », a-t-elle déclaré un jour. Ses nus sont bien plus que de simples représentations du corps : ils sont empreints d'une évidence et d'une honnêteté qui touchent encore aujourd'hui. Ses photographies montrent des femmes nues, mais jamais exposées. Elle a toujours préservé ses modèles du regard distant : leur proximité était authentique, non mise en scène.

La rétrospective présentée à la Kunsthalle der KulturBäckerei rassemble les nombreuses facettes de son œuvre : portraits iconiques d'artistes tels que Joseph Beuys, Horst Janssen et Meret Oppenheim, natures mortes intimes, photographies poétiques de paysages et, bien sûr, ses nus incomparables.

Pour la première fois, cette exposition offre également un aperçu complet de ses premiers reportages et de ses photographies de rue à Londres, Paris et Rome. Il est particulièrement remarquable que Karin Székessy soit toujours active en tant que photographe. L'exposition présente donc non seulement ses œuvres historiques importantes, mais aussi ses travaux actuels, qui témoignent de sa créativité intacte et de son évolution artistique continue.

Une vie consacrée à la photographie
Le parcours de Karin Székessy n'a pas toujours été facile. Dans les années 1960, elle s'est imposée dans un monde artistique dominé par les hommes, non pas avec des mots forts, mais avec son travail. Sa première chambre noire était une petite cuisine à Hambourg, où elle travaillait la nuit, une fois ses enfants endormis. Pour elle, l'art a toujours été une question de survie. Et pourtant, son œuvre est imprégnée d'un amour profond pour la beauté, d'un désir d'expression et d'authenticité.

« Dans l'histoire de la photographie du XXe siècle, Székessy incarne le fait que les femmes photographient d'autres femmes – avec respect, empathie et compréhension », explique l'auteure Daniele Muscionico. Son regard n'était pas distant, mais compatissant. Ses modèles n'étaient pas des objets, mais faisaient partie d'une rencontre artistique. Ces visuels sont des moments d'intimité, capturés avec l'intensité silencieuse d'une photographe qui savait quand elle devait être invisible.

La rétrospective est structurée chronologiquement et permet de découvrir l'évolution artistique de Székessy au fil des décennies, depuis ses premières œuvres expérimentales jusqu'à ses photographies les plus récentes, en passant par ses œuvres emblématiques des années 1970 et 1980.

Un lien étroit avec Lunebourg
Cette exposition revêt une importance particulière pour Lunebourg. Székessy avait souhaité léguer une grande partie de son héritage artistique aux archives d'art de la Sparkassenstiftung Lüneburg, un signe de confiance qui est aussi un engagement. Son œuvre doit non seulement être préservée, mais aussi étudiée et transmise. La rétrospective marque le début de cette réflexion.

Un livre complet accompagne l'exposition. Il documente non seulement ses œuvres, mais contient également des entretiens avec elle, des textes de ses compagnons de route et des photographies inédites. Un regard très personnel sur une artiste qui a raconté toute sa vie à travers ses visuels.

Die Füsse © Karin Székessy

A volte basta una sola immagine per aprire un mondo intero.
Chiunque si sia immerso nelle opere di Karin Székessy non le dimenticherà mai. Le sue fotografie colpiscono con una forza silenziosa, con una sensibilità raffinata per la luce, le ombre e le emozioni. Sono più che semplici istantanee: raccontano di bellezza, intimità e dignità, senza imporsi. Nelle sue immagini non incontriamo solo i suoi modelli, ma anche lei stessa: un'artista che non ha mai rinnegato il proprio sguardo, che ha fotografato con rispetto ed empatia e che ancora oggi detta gli standard.

Le sue fotografie sono tracce del tempo, tracce di un'artista che ha plasmato la fotografia e le ha dato una nuova profondità.
La Kunsthalle della KulturBäckerei dedica a Karin Székessy una grande retrospettiva dal titolo Zeitspuren einer Ikone der Fotografie (Tracce temporali di un'icona della fotografia). Il suo lavoro, caratterizzato da sensibilità, poesia e un linguaggio visivo senza compromessi, ha contribuito in modo significativo a plasmare la fotografia artistica del XX secolo. La mostra offre l'opportunità di riscoprire il suo mondo visivo unico e di immergersi nell'atmosfera delle sue fotografie. Con la sua arte ha lasciato un'impronta importante nel tempo, non solo nella storia della fotografia, ma anche nella memoria collettiva delle persone che sono state toccate dalle sue opere.

Le immagini di Székessy sono più che semplici fotografie: sono racconti sull'umanità, sulla vicinanza, sulla dignità e sulla magia del momento. “Sono una donna, ma la mia prospettiva non è femminile. Chi la pensa così non mi capisce”, ha affermato una volta. I suoi nudi sono molto più che semplici rappresentazioni del corpo: sono caratterizzati da una naturalezza e un'onestà che ancora oggi commuovono. Le sue fotografie mostrano donne nude, ma mai esposte. Ha sempre protetto le sue modelle da sguardi distaccati: la loro vicinanza era autentica, non messa in scena.

La retrospettiva alla Kunsthalle della KulturBäckerei riunisce le molteplici sfaccettature della sua opera: ritratti iconici di artisti come Joseph Beuys, Horst Janssen e Meret Oppenheim, nature morte intime, poetici paesaggi e, naturalmente, i suoi nudi inconfondibili.

Per la prima volta viene inoltre offerta una panoramica completa dei suoi primi reportage e della sua fotografia di strada a Londra, Parigi e Roma. Particolarmente degno di nota è il fatto che Karin Székessy sia ancora attiva come fotografa. La mostra non presenta quindi solo le sue importanti opere storiche, ma anche lavori attuali che documentano la sua ininterrotta creatività e il suo continuo sviluppo artistico.

Una vita per la fotografia
Il percorso di Karin Székessy non è stato sempre facile. Negli anni '60 si è affermata in un mondo artistico dominato dagli uomini, non con parole forti, ma con il suo lavoro. La sua prima camera oscura era una piccola cucina ad Amburgo, dove lavorava di notte, quando i suoi figli dormivano. L'arte è sempre stata per lei anche una questione di sopravvivenza. Eppure, la sua opera è permeata da un profondo amore per il bello, da un desiderio di espressione e autenticità.

“Nella storia della fotografia del XX secolo, Székessy rappresenta le donne che fotografano altre donne con rispetto, empatia e comprensione”, la descrive l'autrice Daniele Muscionico. Il suo sguardo non era distaccato, ma compassionevole. Le sue modelle non erano oggetti, ma parte di un incontro artistico. Queste immagini sono momenti di intimità, catturati con la silenziosa intensità di una fotografa che sapeva quando doveva rendersi invisibile.

La retrospettiva è strutturata cronologicamente e permette di seguire l'evoluzione artistica di Székessy nel corso dei decenni, dai suoi primi lavori sperimentali alle opere iconiche degli anni '70 e '80, fino alle sue fotografie più recenti.

Uno stretto legame con Lüneburg
Questa mostra ha un significato particolare per Lüneburg. È stato desiderio di Székessy affidare gran parte del suo lascito artistico all'archivio d'arte della Sparkassenstiftung Lüneburg, un segno di fiducia che è anche un impegno. La sua opera non deve solo essere conservata, ma anche studiata e tramandata. La retrospettiva costituisce l'inizio di questo percorso.

A corredo della mostra è stato pubblicato un volume che non solo documenta le sue opere, ma contiene anche interviste all'artista, testi di compagni di viaggio e fotografie inedite. Uno sguardo molto personale su un'artista che ha raccontato tutta la sua vita attraverso le immagini.

Junger Mann mit seinem Hund © Karin Székessy

Sometimes a single visual is enough to open up a whole world.
Once you have immersed yourself in the works of Karin Székessy, you will never forget them. Her photographs touch us with a quiet power, with a fine sense of light, shadow and emotion. They are more than snapshots – they tell of beauty, intimacy and dignity without imposing themselves. In her visuals, we encounter not only her models, but also herself: an artist who never denied her own perspective, who photographed with respect and empathy, and who continues to set standards to this day.

Her photographs are traces of time – traces of an artist who shaped photography and gave it a new depth.
The Kunsthalle der KulturBäckerei is dedicating a major retrospective to Karin Székessy entitled Traces of Time by an Icon of Photography. Her work, characterised by sensitivity, poetry and an uncompromising visual language, has had a significant influence on 20th-century art photography. The exhibition offers an opportunity to rediscover her unique visual world and immerse oneself in the atmosphere of her photographs. With her art, she has left an important mark on her time – not only in the history of photography, but also in the collective memory of the people who are touched by her works.

Székessy's images are more than photographs – they are narratives about humanity, about closeness, dignity and the magic of the moment. ‘I am a woman, but my perspective is not female. Anyone who thinks that doesn't understand me,’ she once said. Her nudes are far more than mere representations of the body – they are characterised by a naturalness and honesty that still move us today. Her photographs show women naked, but never exposed. She always protected her models from a distanced gaze – their closeness was genuine, not staged.

The retrospective at the Kunsthalle der KulturBäckerei brings together the many facets of her work: iconic artist portraits of Joseph Beuys, Horst Janssen and Meret Oppenheim, intimate still lifes, poetic landscape photographs and, of course, her unmistakable nudes.

For the first time, the exhibition also provides a comprehensive insight into her early reportage and street photography in London, Paris and Rome. It is particularly remarkable that Karin Székessy is still active as a photographer today. The exhibition therefore not only shows her important historical works, but also current works that document her unbroken creative power and continuous artistic development.

A life dedicated to photography
Karin Székessy's path was not always easy. In the 1960s, she asserted herself in a male-dominated art world – not with loud words, but with her work. Her first darkroom was a small kitchen in Hamburg, where she worked at night when her children were asleep. For her, art was always a means of survival. And yet her work is imbued with a deep love of beauty, a longing for expression and authenticity.

‘In the history of 20th-century photography, Székessy stands for women photographing other women – with respect, empathy and understanding,’ writes author Daniele Muscionico. Her gaze was not distant, but compassionate. Her models were not objects, but part of an artistic encounter. These visuals are moments of intimacy, captured with the quiet intensity of a photographer who knew when to be invisible.

The retrospective is structured chronologically and brings Székessy's artistic development over the decades to life – from her early experimental works to iconic pieces from the 1970s and 1980s to her most recent photographs.

A close connection to Lüneburg
This exhibition has a special significance for Lüneburg. It was Székessy's wish to entrust a large part of her artistic legacy to the art archive of the Sparkassenstiftung Lüneburg – a sign of trust that is also a commitment. Her work should not only be preserved, but also researched and passed on. The retrospective marks the beginning of this endeavour.

Accompanying the exhibition is a comprehensive book that not only documents her works, but also includes conversations with her, texts by companions and previously unpublished photographs. It is a very personal look at an artist who told her whole life story in visuals.

(Text: Kunsthalle Lüneburg)

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Der heimliche Kaiser. Fotoarbeiten und Zeichnungen - Marcel van Eeden | Museum für Photogarphie Braunschweig
Feb.
18
bis 21. Apr.
Ausstellung, Niedersachsen, Deutschland

Der heimliche Kaiser. Fotoarbeiten und Zeichnungen - Marcel van Eeden | Museum für Photogarphie Braunschweig

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Museum für Photogarphie Braunschweig
18. Februar – 21. April 2024

Der heimliche Kaiser. Fotoarbeiten und Zeichnungen
Marcel van Eeden

Marcel van Eeden, ohne Titel (Braunschweig), 2023, Gummidruck auf Aquarellpapier © Marcel van Eeden, Courtesy der Künstler und Barbara Seiler Galerie

Die Ausstellung stellt neue Fotoarbeiten und wichtige Werkgruppen von Zeichnungen des niederländischen Künstlers Marcel van Eeden (*1965 in Den Haag, lebt in Den Haag, Karlsruhe und Zürich) vor. Sie stellt den Auftakt zum Ausstellungsprogramm des 40. Gründungs-Jubiläums des Museums für Photographie Braunschweig dar und ist erstmals eine Kooperation mit dem Mönchehaus Museum Goslar. Auch dort werden unter dem selben Titel weitere Arbeiten von Marcel van Eeden gezeigt.

Der Titel der Ausstellung „Der heimliche Kaiser“ bezieht sich auf die Auseinandersetzung des Künstlers mit Julius Langbehn (1851-1907), einem völkisch-national denkenden Antisemiten. Dessen Schrift „Rembrandt als Erzieher“ (Erstauflage 1890) ist der Titel entnommen. Sie wurde zum Bestseller und bis in die 1960er Jahre rezipiert. Die künstlerische Interpretation von Geschichte ist im Werk van Eedens ein konstantes, künstlerisch-konzeptuelles Thema.

„Der heimliche Kaiser“ ist nicht nur Ausstellungstitel, sondern auch der Titel einer neuen, für Braunschweig und Goslar produzierten Serie von Gummidrucken. In Aufnahmen von Bauten und Orten u. a. in Braunschweig, Goslar, Den Haag und Potsdam verweist van Eeden auf kritische Aspekte der deutschen und auch niederländischen Geschichte und stellt Fragen an das Heute, vor dem Hintergrund des Erstarkens rechter und antisemitischer Kräfte in vielen Ländern.

2023 erhielt Marcel van Eeden den Hans-Thoma-Preis, Staatspreis des Landes Baden-Württemberg. Im Kontext des Preises begann seine Recherche zu Julius Langbehn und dessen völkischer Gesinnung. Sie erlangte u. a. in den Lehrinhalten der Nationalsozialisten an der Akademie für Jugendführung in Braunschweig eigene Bedeutung. Motive der Akademie sind ebenfalls Teil der Ausstellung.

L'exposition transmet de nouveaux travaux photographiques et d'importants groupes de dessins de l'artiste néerlandais Marcel van Eeden (né en 1965 à La Haye, vit à La Haye, Karlsruhe et Zurich). Elle transmet le programme d'exposition du 40e anniversaire de la fondation du Museum für Photographie Braunschweig et constitue pour la première fois une coopération avec le Mönchehaus Museum de Goslar. Là aussi, d'autres travaux de Marcel van Eeden seront présentés sous le même titre.

Le titre de l'exposition "Der heimliche Kaiser" (L'empereur secret) fait référence à la confrontation de l'artiste avec Julius Langbehn (1851-1907), un antisémite aux idées nationalistes et völkisch. Le titre est tiré de son ouvrage "Rembrandt als Erzieher" (première édition en 1890). Il est devenu un best-seller et a été reçu jusque dans les années 1960. L'interprétation artistique de l'histoire est un thème artistique et conceptuel constant dans l'œuvre de van Eeden.

"L'empereur secret" n'est pas seulement le titre de l'exposition, mais aussi celui d'une nouvelle série d'impressions sur caoutchouc produite pour Brunswick et Goslar. En photographiant des bâtiments et des lieux, notamment à Brunswick, Goslar, La Haye et Potsdam, van Eeden fait référence à des aspects critiques de l'histoire allemande, mais aussi néerlandaise, et transmet des questions sur le présent, dans le contexte de la montée des forces de droite et antisémites dans de nombreux pays.

En 2023, Marcel van Eeden a reçu le prix Hans Thoma, prix d'État du Land de Bade-Wurtemberg. C'est dans le contexte de ce prix qu'a débuté sa recherche sur Julius Langbehn et ses convictions völkisch. Vous avez notamment acquis une importance propre dans les contenus d'enseignement des nationaux-socialistes à l'Académie pour la direction de la jeunesse à Brunswick. Des motifs de l'académie font également partie de l'exposition.

La mostra presenta nuove opere fotografiche e importanti gruppi di disegni dell'artista olandese Marcel van Eeden (*1965 a L'Aia, vive a L'Aia, Karlsruhe e Zurigo). La mostra segna l'inizio del programma espositivo per il 40° anniversario della fondazione del Museum für Photographie Braunschweig e rappresenta la prima collaborazione con il Mönchehaus Museum Goslar. Altre opere di Marcel van Eeden saranno esposte con lo stesso titolo.

Il titolo della mostra "L'imperatore segreto" si riferisce al confronto dell'artista con Julius Langbehn (1851-1907), un antisemita con una visione nazionalista. Il titolo è tratto dal suo libro "Rembrandt als Erzieher" (prima edizione 1890). Il libro divenne un bestseller e fu molto letto fino agli anni Sessanta. L'interpretazione artistica della storia è un tema artistico-concettuale costante nell'opera di van Eeden.

"L'imperatore segreto" non è solo il titolo della mostra, ma anche quello di una nuova serie di stampe su gomma realizzate per Braunschweig e Goslar. Nelle immagini di edifici e luoghi di Braunschweig, Goslar, L'Aia e Potsdam, tra gli altri, van Eeden fa riferimento ad aspetti critici della storia tedesca e olandese e pone domande sul presente, sullo sfondo dell'ascesa delle forze di destra e antisemite in molti Paesi.

Nel 2023, Marcel van Eeden ha ricevuto il Premio Hans Thoma, il premio statale del Baden-Württemberg. La sua ricerca su Julius Langbehn e le sue convinzioni völkisch è iniziata nel contesto del premio. Tra l'altro, ha acquisito importanza nel contenuto dell'insegnamento dei nazionalsocialisti presso l'Accademia per la leadership giovanile di Braunschweig. Anche i motivi dell'accademia fanno parte della mostra.

The exhibition presents new photographic works and important groups of drawings by Dutch artist Marcel van Eeden (*1965 in The Hague, lives in The Hague, Karlsruhe and Zurich). It marks the start of the exhibition program for the 40th anniversary of the founding of the Museum für Photographie Braunschweig and is the first cooperation with the Mönchehaus Museum Goslar. Further works by Marcel van Eeden will also be shown there under the same title.

The title of the exhibition „The Secret Emperor“ refers to the artist‘s dispute with Julius Langbehn (1851-1907), a nationalist and anti-Semite. The title is taken from his book „Rembrandt als Erzieher“ (first edition 1890). It became a bestseller and was received until the 1960s. The artistic interpretation of history is a constant, artistic-conceptual theme in van Eeden‘s work. „The Secret Emperor“ is not only the title of the exhibition, but also the title of a new series of rubber prints produced for Braunschweig and Goslar.

In photographs of buildings and places in Braunschweig, Goslar, The Hague and Potsdam, among others, van Eeden refers to critical aspects of German and Dutch history and poses questions about today, against the background of the strengthening of rightwing and anti-Semitic forces in many countries.

2023 Marcel van Eeden received the Hans Thoma Prize, State Prize of the State of Baden-Württemberg. His research into Julius Langbehn and his nationalist views began in the context of the prize. Among other things, it gained its own significance in the teaching content of the National Socialists at the Academy for Youth Leadership in Braunschweig. Motifs from the Academy are also part of the exhibition.

(Text: Museum für Photographie Braunschweig)

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Zufall und Ordnung - Alex Hanimann | Museum für Photographie Braunschweig
Sept.
30
bis 3. Dez.
Ausstellung, Niedersachsen, Deutschland

Zufall und Ordnung - Alex Hanimann | Museum für Photographie Braunschweig

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Museum für Photographie Braunschweig
30. September – 3. Dezember 2023

Zufall und Ordnung
Alex Hanimann

Alex Hanimann, o.T., aus der Serie Driving, undatiert, ca. 2019 © Alex Hanimann / ProLitteris

Mit unterschiedlichen Werkgruppen und inhaltlichen Gegenüberstellungen zeigt die Ausstellung erstmals in einem Museum in Deutschland die komplexe fotografische und filmische Arbeit des Schweizer Künstlers Alex Hanimann (*1955, lebt in St. Gallen) der vergangenen Jahre. Fotografie und mitunter auch filmische Projekte stellen ein wichtiges Segment innerhalb des Werkes von Alex Hanimann dar und stehen oft in Wechselwirkung zu seiner Malerei und Skulptur sowie seinen medienübergreifenden Arbeiten. Skulpturale Arbeiten im öffentlichen Raum mit übergroßen Typisierungen von jungen Menschen sind in den letzten Jahren ebenso entstanden. Auch hier bildet die Fotografie einen eigenständigen Ausgangs- und Bezugspunkt für die Entwicklung der Arbeiten, wie es zwei neue Werkgruppen innerhalb der Ausstellung im Museum für Photographie Braunschweig zeigen.

Bereits zu einer etablierteren Generation von zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern gehörend, verbindet das Werk von Alex Hanimann verschiedene Medien. Hierzu zählt früh die Zeichnung, Malerei, Arbeiten mit Sprache und Bildkompositionen, die als Bildreferenzen den vielschichtigen Gebrauch des fotografischen Bildes in unserer Kultur vergegenwärtigen.

Natur und Kultur, Mensch, Tier, Landschaft, die Wahrnehmung des Stadtraums und des Naturraums werden dabei im Nebeneinander von Werkgruppen sowohl mit dokumentarischer Bildsprache als auch in Inszenierungen wahrnehmbar. Fragen über Aspekte des Sehens, der Wahrnehmung, der Zeit und der Erkenntnis erscheinen innerhalb der Themen von Alex Hanimann mit unterschiedlichen bildnerischen Herangehensweisen thematisiert. Wie sehen wir die Welt? Was ist bildwürdig? Wie sehen wir uns selbst oder werden wir betrachtet und was ist unsere kulturelle Identität? Fragen, die innerhalb der Themen von Alex Hanimann in Wechselwirkung miteinander stehen und auch ikonografische Bezüge zur Kunstgeschichte erinnern lassen.

Die Entstehung der in der Ausstellung vorgestellten fotografischen Arbeiten basiert dabei sowohl auf eigenen Aufnahmen, auf Inszenierungen wie auch auf gefundenem Bildmaterial aus Medien- oder Internetquellen. Fⁿr seine Auseinandersetzung mit medialen Bildern hat Hanimann ein umfangreiches Bildarchiv aus Zeitungs-, Buch- und Filmstillvorlagen angelegt. Es wird zum Bezugspunkt von Rastercollagen in der Ausstellung oder von Tierbildern der Werkgruppe Trapped.

Zufall und Ordnung bestimmen in unterschiedlicher Weise als Werkkonstanten die Begegnung, Entstehung,

Konzeption und Anordnung der fotografischen Arbeiten von Alex Hanimann.

Avec différents groupes d'œuvres et des confrontations de contenus, l'exposition montre pour la première fois dans un musée en Allemagne le travail photographique et cinématographique complexe de l'artiste suisse Alex Hanimann (*1955, vit à Saint-Gall) de ces dernières années. La photographie et parfois les projets cinématographiques constituent un segment important au sein de l'œuvre d'Alex Hanimann et interagissent souvent avec sa peinture et sa sculpture, ainsi qu'avec ses travaux transmédias. Des travaux de sculpture dans l'espace public avec des typifications surdimensionnées de jeunes gens ont également vu le jour ces dernières années. Ici aussi, la photographie constitue un point de départ et de référence autonome pour le développement des travaux, comme le montrent deux nouveaux groupes d'œuvres au sein de l'exposition du Museum für Photographie Braunschweig.

Appartenant déjà à une génération d'artistes contemporains bien établie, l'œuvre d'Alex Hanimann combine différents médias. On y trouve très tôt le dessin, la peinture, le travail sur le langage et les compositions d'images qui, en tant que références visuelles, matérialisent l'utilisation complexe du visuel photographique dans notre culture.

La nature et la culture, l'homme, l'animal, le paysage, la perception de l'espace urbain et de l'espace naturel sont ainsi perceptibles dans la juxtaposition de groupes d'œuvres, aussi bien avec un langage visuel documentaire que dans des mises en scène. Les questions relatives aux aspects de la vision, de la perception, du temps et de la connaissance sont abordées dans les thèmes d'Alex Hanimann par différentes approches plastiques. Comment voyons-nous le monde ? Qu'est-ce qui est digne d'être représenté ? Comment nous voyons nous-mêmes ou sommes-nous considérés et quelle est notre identité culturelle ? Des questions qui interagissent entre elles au sein des thèmes d'Alex Hanimann et qui rappellent également des références iconographiques à l'histoire de l'art.

La genèse des travaux photographiques présentés dans lʼexposition repose ainsi aussi bien sur des prises de vue personnelles, sur des mises en scène que sur des visuels trouvés dans des sources médiatiques ou sur Internet. Pour sa réflexion sur les images médiatiques, Hanimann a constitué une vaste archive visuelle à partir de modèles de journaux, de livres et d'extraits de films. Il devient le point de référence de collages tramés dans l'exposition ou d'images d'animaux du groupe d'œuvres Trapped.

Le hasard et l'ordre déterminent de différentes manières les constantes de l'œuvre, la rencontre et la création,

La conception et la disposition des travaux photographiques d'Alex Hanimann.

Con diversi gruppi di opere e giustapposizioni di contenuti, la mostra presenta per la prima volta in un museo in Germania il complesso lavoro fotografico e cinematografico degli ultimi anni dell'artista svizzero Alex Hanimann (*1955, vive a San Gallo). I progetti fotografici e talvolta cinematografici rappresentano un segmento importante dell'opera di Alex Hanimann e spesso interagiscono con la pittura e la scultura e con le sue opere crossmediali. Negli ultimi anni sono state realizzate anche opere scultoree nello spazio pubblico con tipizzazioni sovradimensionate di giovani. Anche in questo caso la fotografia costituisce un punto di partenza e di riferimento indipendente per lo sviluppo delle opere, come dimostrano due nuovi gruppi di lavori in mostra al Museum für Photographie Braunschweig.

Già appartenente a una generazione più affermata di artisti contemporanei, il lavoro di Alex Hanimann combina diversi media. Tra questi, il disegno, la pittura, i lavori con il linguaggio e le composizioni pittoriche in fase iniziale, che come riferimenti pittorici visualizzano l'uso multistrato dell'immagine fotografica nella nostra cultura.

Natura e cultura, uomo, animale, paesaggio, percezione dello spazio urbano e dello spazio naturale diventano percepibili nella giustapposizione di gruppi di opere sia con un linguaggio visivo documentario che in allestimenti. Le domande sugli aspetti del vedere, della percezione, del tempo e della cognizione compaiono nei temi di Alex Hanimann con diversi approcci pittorici. Come vediamo il mondo? Cosa è degno di un'immagine? Come vediamo o siamo visti e qual è la nostra identità culturale? Domande che interagiscono tra loro all'interno dei temi di Alex Hanimann e che richiamano anche riferimenti iconografici alla storia dell'arte.

La creazione delle opere fotografiche presentate in mostra si basa sia su fotografie proprie, sia su allestimenti, sia su materiale di immagini trovate da fonti mediatiche o internet. Fⁿr la sua esplorazione delle immagini dei media, Hanimann ha creato un vasto archivio di immagini provenienti da fotogrammi di giornali, libri e film. Esso diventa il punto di riferimento per i collage a griglia della mostra o per le immagini di animali nel gruppo di opere Trapped.

In modi diversi, il caso e l'ordine determinano l'incontro, l'emergere, la concezione e la disposizione delle opere fotografiche come costanti del lavoro,

concezione e disposizione delle opere fotografiche di Alex Hanimann.

With different groups of works and juxtapositions of content, the exhibition shows for the first time in a museum in Germany the complex photographic and cinematic work of the Swiss artist Alex Hanimann (*1955, lives in St. Gallen) of recent years. Photography and sometimes filmic projects represent an important segment within Alex Hanimann's oeuvre and often interact with his painting and sculpture as well as his cross-media works. Sculptural works in public space with oversized typifications of young people have also emerged in recent years. Here, too, photography forms an independent point of departure and reference for the development of the works, as demonstrated by two new groups of works within the exhibition at the Museum für Photographie Braunschweig.

Already belonging to a more established generation of contemporary artists, Alex Hanimann's work combines various media. These include early drawing, painting, works with language, and pictorial compositions that, as pictorial references, envision the multi-layered use of the photographic visual in our culture.

Nature and culture, man, animal, landscape, the perception of urban space and natural space become perceptible in the juxtaposition of groups of works with documentary imagery as well as in stagings. Questions about aspects of seeing, perception, time and cognition appear within Alex Hanimann's themes with different pictorial approaches. How do we see the world? What is worthy of a picture? How do we see ourselves or are we seen and what is our cultural identity? Questions that interact with each other within Alex Hanimann's themes and also recall iconographic references to art history.

The genesis of the photographic works presented in the exhibition is based both on his own takes up, on stagings as well as on found visuals from media or internet sources. Fⁿr his exploration of media visuals, Hanimann has created an extensive archive of images from newspaper, book, and film stills. It becomes the point of reference for grid collages in the exhibition or for animal images in the group of works Trapped.

Chance and order determine in different ways as work constants the encounter, emergence,

conception and arrangement of Alex Hanimann's photographic works.

(Text: Museum für Photographie Braunschweig)

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BOOK_SPACES | Museum für Photographie Braunschweig
Juli
8
bis 10. Sept.
Ausstellung, Niedersachsen, Deutschland

BOOK_SPACES | Museum für Photographie Braunschweig

  • Museum für Photographie Braunschweig (Karte)
  • Google Kalender ICS

Family Portrait, 2020, aus der Serie: One Day Every Day, 2020-2022 © Zuzana Pustaiová

Wie kann eine Buchseite in den dreidimensionalen Raum übersetzt werden? Die Gruppenausstellung BOOK_SPACES stellt Buchprojekte aus unterschiedlichen Kulturräumen vor und rückt die partizipativen und demokratischen Möglichkeiten des Mediums in den Fokus.

Die Künstler:innen übersetzen die Seiten mithilfe performativer und installativer Praktiken in den musealen und städtischen Raum und machen im Zusammenspiel von Fotografi e mit Film, Sound, Text, Zeichnung und Performance die Vielschichtigkeit der gezeigten Perspektiven sichtbar. Die Auseinandersetzung mit Familiengeschichte(n), der eigenen Identität und deren Wahrnehmung innerhalb der Gesellschaft sowie das Hinterfragen von stereotypen Bildwelten und sozialen Rollenmustern sind Themenfelder der Ausstellung.

Kurator:innen: Franziska Habelt & Finn Schütt

Comment une page de livre peut-elle être traduite dans un espace tridimensionnel ? L'exposition de groupe BOOK_SPACES transmet des projets de livres issus de différents espaces culturels et met l'accent sur les possibilités participatives et démocratiques du média.

Les artistes traduisent les pages à l'aide de pratiques performatives et installatives dans l'espace muséal et urbain et rendent visible la complexité des perspectives présentées en combinant la photographie avec le film, le son, le texte, le dessin et la performance. L'exposition aborde la question de l'histoire(s) familiale(s), de l'identité personnelle et de sa perception au sein de la société ainsi que la remise en question des images stéréotypées et des modèles de rôles sociaux.

Commissaires d'exposition : Franziska Habelt & Finn Schütt

Come si può tradurre la pagina di un libro in uno spazio tridimensionale? La mostra collettiva BOOK_SPACES presenta progetti di libri provenienti da diversi spazi culturali e si concentra sulle possibilità partecipative e democratiche del mezzo.

Gli artisti traducono le pagine in spazi museali e urbani con l'aiuto di pratiche performative e installative e rendono visibile la complessità delle prospettive mostrate nell'interazione tra fotografia, film, suono, testo, disegno e performance. I temi della mostra sono l'esame della storia familiare, della propria identità e della sua percezione all'interno della società, nonché la messa in discussione di immagini stereotipate e di modelli di ruolo sociale.

Curatori: Franziska Habelt & Finn Schütt

How can a book page be translated into three-dimensional space? The group exhibition BOOK_SPACES presents book projects from different cultural spaces and focuses on the participatory and democratic possibilities of the medium.

The artists translate the pages into the museum and urban space with the help of performative and installative practices and make the complexity of the perspectives shown visible in the interplay of photography with film, sound, text, drawing and performance. The exhibition's themes are the examination of family history(s), one's own identity and its perception within society, as well as the questioning of stereotypical image worlds and social role patterns.

Curator(s): Franziska Habelt & Finn Schütt

(Text: Museum für Photographie Braunschweig)

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Through the Looking Glass - Morgaine Schäfer | Museum für Photographie Braunschweig
Feb.
4
bis 9. Apr.
Ausstellung, Niedersachsen, Deutschland

Through the Looking Glass - Morgaine Schäfer | Museum für Photographie Braunschweig

  • Museum für Photographie Braunschweig (Karte)
  • Google Kalender ICS

Museum für Photographie Braunschweig
4. Februar - 9. April 2023

Through the Looking Glass
Morgaine Schäfer

Morgaine Schäfer, magnify BWS 4201 (portrait of a gathering), 2020 | © Morgaine Schäfer und VG Bild-Kunst, Bonn 2023

Die installativ auf die Museumsräume des Museums für Photographie hin konzipierte Ausstellung stellt das fotografische und auch medienübergreifende Werk von Morgaine Schäfer (*1989) vor. Die in Wolfsburg geborene und dort auch aufgewachsene Künstlerin setzt sich in ihrer konzeptuell künstlerischen Arbeit in unterschiedlichen thematischen Schwerpunkten mit ihrem Familienbildarchiv und Aspekten der weiblichen Identität auseinander.

Autobiografisch und dabei gleichzeitig auch stellvertretend erscheint der Blick auf Aspekte der weiblichen Identität mit kulturell und historisch determinierten Bezügen zur Familiengeschichte vergegenwärtigt, um auch kritische Aspekte von Rollenmustern vorzustellen.

L'exposition, conçue comme une installation dans les salles du Museum für Photographie, transmet l'œuvre photographique et plurimédia de Morgaine Schäfer (*1989). Dans son travail artistique conceptuel, l'artiste, née et ayant grandi à Wolfsburg, se penche sur ses archives de photos de famille et sur les aspects de l'identité féminine en se concentrant sur différents thèmes.

De manière autobiographique et en même temps représentative, le regard sur les aspects de l'identité féminine apparaît avec des références culturelles et historiques déterminées à l'histoire familiale, afin de présenter également des aspects critiques des modèles de rôles.

La mostra, concepita come un'installazione negli spazi museali del Museum für Photographie, presenta il lavoro fotografico e crossmediale di Morgaine Schäfer (*1989). Nel suo lavoro artistico concettuale, l'artista, nata e cresciuta a Wolfsburg, affronta l'archivio fotografico di famiglia e gli aspetti dell'identità femminile in diversi focus tematici.

In modo autobiografico e allo stesso tempo rappresentativo, la visione degli aspetti dell'identità femminile con riferimenti culturalmente e storicamente determinati alla storia familiare appare visualizzata per presentare anche aspetti critici dei modelli di ruolo.

The exhibition, conceived as an installation in the Museum für Photgraphie, presents the photographic and cross-media work of Morgaine Schäfer (*1989). The artist, who was born and raised in Wolfsburg (Germany) and today lives in Düsseldorf (Germany) explores her family photo archive and aspects of female identity in her conceptually artistic work with different thematic focuses.

Autobiographical and at the same time also representative, the view of aspects of female identity with culturally and historically determined references to family history appears visualized in order to also present critical aspects of role patterns.

(Text: Museum für Photographie Braunschweig)

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