Maison Européenne de la Photographie | Paris
30. März - 21. August 2022

Love Songs
Photographies de l'intime

Die Gruppenausstellung Love Songs bietet einen neuen Blick auf die Geschichte der Fotografie durch das Prisma der Liebesbeziehungen. Die Ausstellung, die 14 Serien der größten Fotografen des 20. und 21. Jahrhunderts umfasst, vereint Meisterwerke aus der Sammlung der MEP und Leihgaben von bedeutenden zeitgenössischen Künstlern, von denen einige zum ersten Mal in Europa gezeigt werden.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Ensembles von Nobuyoshi Araki und Nan Goldin, die den Ausgangspunkt dieser neuartigen Neuinterpretation bilden. Das Werk der beiden Fotografen wird den Serien anderer bedeutender Autoren wie René Groebli, Emmet Gowin, Larry Clark, Sally Mann, Leigh Ledare, Hervé Guibert oder Alix Cléo Roubaud und zeitgenössischer Künstler wie JH Engström & Margot Wallard, RongRong&inri, Lin Zhipeng (aka No 223), Hideka Tonomura oder Collier Schorr gegenübergestellt.

In Anlehnung an Nan Goldins "Ballade" ("The Ballad of Sexual Dependency", 1986) ist Love Songs wie eine Musikkompilation konzipiert, die man einem Liebhaber schenken würde. Der erste Teil der Ausstellung - die A-Seite - besteht aus Serien aus den 1950er bis 1990er Jahren. Der zweite Teil - die B-Seite - zeigt Bilder aus den 1980er Jahren bis heute.

Im Laufe des Rundgangs laden die Bilder dazu ein, eine Vielzahl von intimen Geschichten und eine Vielfalt von Liebesmustern zu entdecken. Die ersten Tage einer Beziehung, Hochzeit und Flitterwochen, das kleine häusliche Glück, aber auch der Schmerz der Trennung oder die letzten gemeinsamen Tage mit dem geliebten Menschen... Die von der Kamera eingefangene Intimität wird hier in all ihrer Poesie und Offenheit enthüllt.

Love Songs ist vor allem eine Reflexion über das Wesen der Fotografie. Während die Kamera oft mit dem Streben nach Objektivität in Verbindung gebracht wird, wird sie seit jeher dazu verwendet, das Subjektive, das sich jedem Konsens entzieht, einzufangen. Wir können uns nicht darauf einigen, was Liebe ist oder wie sie aussehen sollte, wie sie uns verändert oder wie sie uns die Welt sehen lässt. Nichtsdestotrotz ist sie das Thema einiger der wichtigsten und erschütterndsten fotografischen Werke des letzten Jahrhunderts.

L’exposition collective Love Songs offre un nouveau regard sur l’histoire de la photographie à travers le prisme des relations amoureuses. Aujourd’hui, comme hier, les auteurs font oeuvre de leur intimité.Réunissant 14 séries réalisées par les plus grands photographes des 20e et 21e siècles, l’exposition rassemble des chefs d’oeuvre de la collection de la MEP et des prêts d’artistes contemporains majeurs, dont certains sont présentés pour la première fois en Europe.

Au coeur de l'exposition, les ensembles de Nobuyoshi Araki et Nan Goldin constituent le point de départ de cette relecture inédite. L'oeuvre des deux photographes est confrontée aux séries d'autres auteurs majeurs tels que René Groebli, Emmet Gowin, Larry Clark, Sally Mann, Leigh Ledare, Hervé Guibert ou Alix Cléo Roubaud et d'artistes contemporains comme JH Engström & Margot Wallard, RongRong&inri, Lin Zhipeng (aka No 223), Hideka Tonomura ou Collier Schorr.

S’inspirant de la « Ballade » de Nan Goldin (“The Ballad of Sexual Dependency”, 1986), Love Songs est conçue comme une compilation musicale que l’on offrirait à un amant. La première partie de l’exposition – la face A – est composée de séries des années 1950 à 1990. La deuxième partie – la face B – présente des images des années 1980 à aujourd'hui.

Tout au long du parcours, les images invitent à découvrir une multitude d'histoires intimes et une diversité de schémas amoureux. Premiers jours d’une relation, mariage et lune de miel, petits bonheurs domestiques mais aussi douleur de la séparation ou derniers jours partagés avec l'être aimé… l’intimité captée par l’objectif est ici révélée dans toute sa poésie et toute sa franchise.

Love Songs est avant tout une réflexion sur l’essence même de la photographie. Si l’appareil photo est souvent associé à une quête d'objectivité, il est utilisé depuis toujours pour capturer ce qui est subjectif et qui échappe à tout consensus. Nous ne saurions nous accorder sur ce qu’est l’amour ou ce à quoi il doit ressembler, sur la façon dont il nous transforme ou nous fait voir le monde. Il n'en reste pas moins le sujet de certaines des oeuvres photographiques les plus importantes et bouleversantes du siècle dernier.

La mostra collettiva Love Songs offre un nuovo sguardo alla storia della fotografia attraverso il prisma delle relazioni romantiche. Riunendo 14 serie dei più grandi fotografi del XX e XXI secolo, la mostra riunisce capolavori della collezione del MEP e prestiti di grandi artisti contemporanei, alcuni dei quali vengono esposti per la prima volta in Europa.

Nel cuore della mostra, gli ensemble di Nobuyoshi Araki e Nan Goldin costituiscono il punto di partenza di questa nuova lettura. Il lavoro dei due fotografi si confronta con serie di altri grandi autori come René Groebli, Emmet Gowin, Larry Clark, Sally Mann, Leigh Ledare, Hervé Guibert e Alix Cléo Roubaud, ma anche di artisti contemporanei come JH Engström & Margot Wallard, RongRong&inri, Lin Zhipeng (aka No 223), Hideka Tonomura e Collier Schorr.

Ispirato da "The Ballad of Sexual Dependency" (1986) di Nan Goldin, Love Songs è concepito come una compilation musicale da regalare a un amante. La prima parte della mostra - lato A - consiste in serie dagli anni '50 agli anni '90. La seconda parte - lato B - presenta immagini dagli anni '80 ad oggi.

In tutta la mostra, le immagini ci invitano a scoprire una moltitudine di storie intime e una diversità di modelli d'amore. I primi giorni di una relazione, il matrimonio e la luna di miele, le piccole gioie domestiche ma anche il dolore della separazione o gli ultimi giorni condivisi con la persona amata... l'intimità catturata dall'obiettivo si rivela qui in tutta la sua poesia e franchezza.

Love Songs è soprattutto una riflessione sull'essenza stessa della fotografia. Mentre la macchina fotografica è spesso associata alla ricerca dell'oggettività, è sempre stata usata per catturare ciò che è soggettivo e al di là del consenso. Non possiamo essere d'accordo su cosa sia l'amore o su come dovrebbe essere, su come ci trasforma o ci fa vedere il mondo. Eppure è il soggetto di alcuni dei lavori fotografici più importanti e commoventi del secolo scorso.

The group exhibition Love Songs offers a new look at the history of photography through the prism of romantic relationships. Bringing together 14 series by the greatest photographers of the 20th and 21st centuries, the exhibition features masterpieces from the MEP's collection and loans from major contemporary artists, some of which are presented for the first time in Europe.

At the heart of the exhibition, the ensembles of Nobuyoshi Araki and Nan Goldin constitute the starting point of this new reading. The work of the two photographers is confronted with series by other major authors such as René Groebli, Emmet Gowin, Larry Clark, Sally Mann, Leigh Ledare, Hervé Guibert and Alix Cléo Roubaud, as well as contemporary artists such as JH Engström & Margot Wallard, RongRong&inri, Lin Zhipeng (aka No 223), Hideka Tonomura and Collier Schorr.

Inspired by Nan Goldin's "The Ballad of Sexual Dependency" (1986), Love Songs is conceived as a musical compilation that one would offer to a lover. The first part of the exhibition - side A - is composed of series from the 1950s to the 1990s. The second part - side B - presents images from the 1980s to today.

Throughout the exhibition, the images invite us to discover a multitude of intimate stories and a diversity of love patterns. The first days of a relationship, marriage and honeymoon, small domestic joys but also the pain of separation or the last days shared with the loved one... the intimacy captured by the lens is revealed here in all its poetry and all its frankness.

Love Songs is above all a reflection on the very essence of photography. If the camera is often associated with a quest for objectivity, it has always been used to capture that which is subjective and which escapes all consensus. We cannot agree on what love is or what it should look like, how it transforms us or makes us see the world. Yet it is the subject of some of the most important and moving photographic works of the last century.

(Text: Maison Européenne de la Photographie, Paris)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
26. März - 7. Mai 2022

Memories of Perception
Mona Kuhn, Marianna Rothen

Die ausgestellten Fotografien spielen mit Reflexionen, Spiegeleffekten und Transparenzen, fangen den Moment ein oder betonen inszenierte Kompositionen und erforschen die emotionalen Qualitäten von Licht und Schatten. Die als chimärische Erzählung präsentierten Werke beider Künstlerinnen greifen ineinander und ihre Bilder loten die Tiefen des Unterbewusstseins aus, indem sie diese in einer bestimmten Umgebung oder einem bestimmten Rahmen aufstellen und ihre Figuren in metaphorischen Tableaus darstellen. 

"Ein Bild kann eine unterdrückte Erinnerung hervorholen und einen bestimmten Moment viel schneller ins Gedächtnis rufen als Worte. Das ist möglich, weil unser Gehirn die 'Essenz' eines Bildes sehr gut speichern kann, indem es nicht nur das Motiv, sondern auch bestimmte visuelle Qualitäten festhält."[1] Bei beiden Künstlerinnen geht es um die Flüchtigkeit der Realität und um die Erinnerung. In ihren Arbeiten, die zwischen persönlicher, kultureller und kollektiver Identität oszillieren, geht es um das intime Zeugnis des Selbst bei Marianna Rothen und um das des Anderen bei Mona Kuhn. 

Während Mona Kuhn in ihrem experimentellen Umgang mit dem Akt in enger Beziehung zu ihren Modellen arbeitet, indem sie ihnen die Freiheit des Ausdrucks in Bezug auf ihre Darstellung lässt, inszeniert Marianna Rothen sich und ihre Freunde in eigentümlichen Szenarien unter Verwendung von Archetypen und Idealen aus der Filmwelt. 

Jede Szene ist wie ein visuelles Tagebuch gestaltet und wirkt durch Licht, Schatten und Reflexion wie aus Vergangenheit und Gegenwart zusammengefügt. Die Fotografien, die reich an Metaphern und harmonischen Details sind, spielen sowohl mit der Konstruktion von Raum als auch von Zeit. Schatten vervielfachen sich, Muster antworten, es ist fast so, als ob unser Sehen unsere Erinnerung konfrontiert und uns auffordert zu hinterfragen, was es bedeutet, einen Raum nicht nur zu sehen, sondern in ihm zu existieren. 

Daher ist die Betrachtung der Fotografien der beiden Künstlerinnen wie die Betrachtung einer Vielzahl von Geschichten, die wir mit unserer eigenen inneren Erfahrung in Verbindung bringen können. Indem sie die Erinnerung an unbewusste Erfahrungen wachrufen, beleuchten sie eine Geschichte, die uns allen gehören könnte. Indem wir die Grenzen zwischen Abwesenheit und Anwesenheit, zwischen dem Möglichen und dem Unmöglichen, zwischen dem Sichtbaren und dem Verborgenen verwischen, rufen wir Erinnerungen an die Wahrnehmung wach.

[1] Zitat Dr Daniel Glaser, Leiter Wissenschaftsgalerie, King’s College London

Les photographies exposées jouent avec les reflets, les effets de miroir et les transparences, captent l'instant ou soulignent des compositions mises en scène et explorent les qualités émotionnelles de l'ombre et de la lumière. Présentées comme un récit chimérique, les œuvres des deux artistes s'imbriquent les unes dans les autres et leurs images sondent les profondeurs de l'inconscient en les plaçant dans un environnement ou un cadre particulier et en représentant leurs personnages dans des tableaux métaphoriques. 

"Une image peut faire ressurgir un souvenir refoulé et rappeler un moment précis bien plus rapidement que des mots. Cela est possible parce que notre cerveau peut très bien enregistrer l'"essence" d'une image en retenant non seulement le motif, mais aussi certaines qualités visuelles"[1]. Chez les deux artistes, il s'agit de la fugacité de la réalité et de la mémoire. Dans leurs travaux, qui oscillent entre identité personnelle, culturelle et collective, il est question du témoignage intime de soi chez Marianna Rothen et de celui de l'autre chez Mona Kuhn. 

Alors que Mona Kuhn, dans son approche expérimentale du nu, travaille en étroite relation avec ses modèles, leur laissant la liberté d'expression quant à leur représentation, Marianna Rothen se met en scène, elle et ses amis, dans des scénarios singuliers en utilisant des archétypes et des idéaux issus du monde du cinéma. 

Chaque scène est conçue comme un journal intime visuel et donne l'impression, grâce à la lumière, aux ombres et aux reflets, d'être composée du passé et du présent. Les photographies, riches en métaphores et en détails harmonieux, jouent à la fois sur la construction de l'espace et du temps. Les ombres se multiplient, les motifs se répondent, c'est presque comme si notre vision confrontait notre mémoire et nous invitait à nous interroger sur ce que signifie non seulement voir un espace, mais aussi exister en son sein. 

C'est pourquoi regarder les photographies des deux artistes revient à contempler une multitude d'histoires que nous pouvons mettre en relation avec notre propre expérience intérieure. En évoquant le souvenir d'expériences inconscientes, elles mettent en lumière une histoire qui pourrait bien nous appartenir à tous. En brouillant les frontières entre l'absence et la présence, entre le possible et l'impossible, entre le visible et le caché, nous évoquons des souvenirs de perception.

[1] Citation du Dr Daniel Glaser, directeur de la galerie des sciences du King's College de Londres.

Le fotografie in mostra giocano con i riflessi, gli effetti specchio e le trasparenze, catturando il momento o enfatizzando le composizioni inscenate ed esplorando le qualità emotive della luce e dell'ombra. Presentate come narrazioni chimeriche, le opere di entrambi gli artisti si intrecciano e le loro immagini scandagliano le profondità del subconscio situandole in un particolare ambiente o cornice e raffigurando le loro figure in tableaux metaforici. 

"Un'immagine può far emergere un ricordo represso e richiamare un momento particolare molto più velocemente delle parole. Questo è possibile perché il nostro cervello è molto bravo a memorizzare l'"essenza" di un'immagine, catturando non solo il soggetto ma anche certe qualità visive."[1] Entrambi gli artisti sono interessati alla natura fugace della realtà e della memoria. Oscillando tra identità personale, culturale e collettiva, le loro opere riguardano la testimonianza intima del sé per Marianna Rothen e quella dell'altro per Mona Kuhn. 

Mentre Mona Kuhn lavora in stretta relazione con le sue modelle nel suo approccio sperimentale al nudo, lasciando loro libertà di espressione in termini di ritratto, Marianna Rothen mette in scena se stessa e le sue amiche in scenari particolari utilizzando archetipi e ideali del mondo del cinema. 

Ogni scena è progettata come un diario visivo e, attraverso la luce, l'ombra e il riflesso, sembra essere cucita insieme dal passato e dal presente. Ricche di metafora e di dettagli armoniosi, le fotografie giocano con la costruzione dello spazio e del tempo. Le ombre si moltiplicano, i modelli rispondono, è quasi come se il nostro vedere si confrontasse con la nostra memoria e ci chiedesse di mettere in discussione ciò che significa non solo vedere uno spazio ma esistere in esso. 

Perciò, guardare le fotografie dei due artisti è come guardare una moltitudine di storie che possiamo collegare alla nostra esperienza interiore. Evocando la memoria di esperienze inconsce, illuminano una storia che potrebbe appartenere a tutti noi. Sfumando i confini tra assenza e presenza, tra il possibile e l'impossibile, tra il visibile e il nascosto, evochiamo ricordi di percezione.

[1] Cita il dottor Daniel Glaser, capo della Galleria delle Scienze, King's College di Londra

Playing with reflections, mirroring effects and transparencies, capturing the moment or emphasizing staged compositions, the displayed photographs are exploring the emotional qualities of light and shadow. Presented as a chimeric storytelling, the works of both artists intertwine and their images plumb the depths of the subconscious by setting them up in a specific environment or frame, rendering their subjects in metaphorical tableaux. 

“A picture can trigger a buried memory and recall a precise moment in time much more rapidly than words. This is possible because our brains are extremely efficient at storing the 'essence' of a picture, capturing not just the subject but specific visual qualities.”[1] Both artists' approach is about the elusiveness of reality as well as memory. Presenting works that oscillate between personal, cultural, and collective identity, they relate to intimate testimony of the self in Marianna Rothen’s work versus the other’s in Mona Kuhn’s portrayal process.  

While Mona Kuhn, in her experimental approach of the nude, works in close relationship with her models by giving them a freedom of expression in regard to their depiction, Marianna Rothen stages herself and friends in peculiar scenarios using archetypes and ideals taken from the silver screen imagery. 

Formatted as a visual diary, each scene feels stitched together of both past and present, via light, shadow and reflection. The photographs, rich with metaphor and abounding harmonious details, play with the construction of space as much as time. Shadows multiply, patterns reply, it is almost as if our vision is confronting our memory, asking us to question what it means not only to see a space but to exist within it. 

As a result, looking at both artists’ photographs is like looking at a multiplicity of stories in which we can relate to our own inner experience. Recollecting the memory of subconscious experiences, they shed light on a story that could belong to us all. By blurring the boundaries between absence and presence; between the possible and the impossible, between the visible and the hidden, we recall memories of perception. 

[1] Quote by Dr Daniel Glaser, director of Science Gallery at King’s College London

(Text: Alice Le Campion, New York)

Galerie Vazerol14 | Chur
26. März - 30. April 2022

Langzeitblicke
Elisabetha Günthardt

Elisabetha Günthardt künstlerisches Medium ist die Camera obscura.

Während ihrer Zeit in Berlin entstanden kleinere und grössere Projekte, die sie mit einer zylindrisch geformten Büchse/Lochkamera realisierte.

Die Länge der Belichtungszeit und das statische Verhalten des Subjekts bilden die Essenz dieser fotografie. die künstlerische Sprache beinhaltet auch Erkundung und suche nach eigener Sehweise.

Le médium artistique d'Elisabetha Günthardt est la camera obscura.

Pendant son séjour à Berlin, elle a réalisé des projets plus ou moins importants à l'aide d'une boîte/caméra à trou de forme cylindrique.

La longueur du temps d'exposition et le comportement statique du sujet constituent l'essence de cette photographie. le langage artistique comprend également l'exploration et la recherche de sa propre manière de voir.

Il mezzo artistico di Elisabetha Günthardt è la camera oscura.

Durante il suo periodo a Berlino, ha creato progetti più piccoli e più grandi usando una macchina fotografica a forma di lattina/foro cilindrico.

La lunghezza del tempo di esposizione e il comportamento statico del soggetto costituiscono l'essenza di questa fotografia. il linguaggio artistico include anche l'esplorazione e la ricerca del proprio modo di vedere.

Elisabetha Günthardt artistic medium is the camera obscura.

During her time in Berlin, she created smaller and larger projects using a cylindrically shaped can/hole camera.

The length of the exposure time and the static behavior of the subject form the essence of this photography. the artistic language also includes exploration and the search for one's own way of seeing.

(Text: Galerie Vazerol14, Chur)

Kunstmuseum St. Gallen
26. März - 9. Oktober 2022

Che bella voce
Manon de Boer

Manon de Boer (* 1966 Kodaikanal) arbeitet hauptsächlich im Medium Film. Die Wahrnehmung der Zeit und die Inspiration für Schaffensprozesse stehen genauso im Zentrum ihrer Arbeit wie die Produktions- und Rezeptionsbedingungen des Films. Tänzerinnen und Tänzer, Musikerinnen und Musiker und Intellektuelle sind mit ihrer physischen oder sonoren Präsenz die Protagonistinnen und Protagonisten in den Werken von de Boer. Mit Intro- und Extrospektion geht sie dem Rhythmus eines Menschen in Beziehung zu sich selbst, dem anderen, einem Raum, einer Stadt oder einer Landschaft nach.

Bei diesen porträtähnlichen Filmen spielt de Boer mit den für uns gewohnten Hierarchien der Sinneswahrnehmung. Die gesamte kulturelle Produktion sowie die Art und Weise menschlicher Interaktion ist durch die Gewichtung der Sinne beeinflusst. Wir konsumieren Streamingdienste für Musik und Filme, sind vertraut mit Radio, Podcasts sowie Video-, Text- und Sprachnachrichten. Aber sind wir uns auch der verschiedenen Bedeutungsebenen der jeweiligen Medien bewusst? Und welchen natürlich erzeugten Phänomenen schenken wir noch Beachtung? Wer sind wir, wenn wir ohne Gerätezugang auf uns selbst zurückgeworfen sind? Welche Gedanken und Ideen entwickeln sich daraus?

De Boer legt in ihrem Werk nahe, dass die Bild- und Tonebene sowie das Medium selbst auch als eigenständige Erzählungen betrachtet werden können. Zudem verleiht de Boer der Stimme einen besonderen Status – nicht nur als Mittel zur Kommunikation, sondern auch als politischer oder ästhetischer Bedeutungsträger.

Die Ausstellung im Kunstmuseum St.Gallen gibt einen Überblick über die Arbeit de Boers und bietet als erste Präsentation der Künstlerin in der Schweiz vielfältige Hör- und Seherlebnisse.

Manon de Boer (*1966 Kodaikanal, Indien) lebt und arbeitet in Brüssel, wo sie derzeit an der ERG École de recherche graphique unterrichtet. Ihre Arbeiten wurden regelmässig auf Biennalen wie der Biennale di Venezia 2007, der Berlin Biennale 2008, der São Paulo Biennale 2010 und der Documenta 2012 in Kassel gezeigt. In den letzten Jahren wurde ihr Schaffen mit institutionellen Einzelausstellungen gewürdigt, u.a. 2016 in der Secession in Wien, 2019 im KANAL – Centre Pompidou in Brüssel und 2020 im Museu Calouste Gulbenkian in Lissabon.

Kurator: Fabian Flückiger

Manon de Boer (née en 1966 à Kodaikanal) travaille principalement dans le médium cinématographique. La perception du temps et l'inspiration des processus de création sont au cœur de son travail, tout comme les conditions de production et de réception du film. Danseurs, musiciens et intellectuels sont, par leur présence physique ou sonore, les protagonistes des œuvres de de Boer. Avec introspection et extrospection, elle s'intéresse au rythme d'une personne en relation avec elle-même, l'autre, un espace, une ville ou un paysage.

Dans ces films qui s'apparentent à des portraits, de Boer joue avec les hiérarchies de la perception sensorielle auxquelles nous sommes habitués. L'ensemble de la production culturelle ainsi que le mode d'interaction humaine sont influencés par la pondération des sens. Nous consommons des services de streaming pour la musique et les films, nous sommes familiers avec la radio, les podcasts et les messages vidéo, textuels et vocaux. Mais sommes-nous conscients des différents niveaux de signification de chaque média ? Et à quels phénomènes naturels prêtons-nous encore attention ? Qui sommes-nous lorsque nous sommes renvoyés à nous-mêmes sans accès aux appareils ? Quelles pensées et idées en découlent ?

Dans son œuvre, De Boer suggère que les niveaux de l'image et du son ainsi que le média lui-même peuvent également être considérés comme des récits indépendants. En outre, de Boer confère à la voix un statut particulier - non seulement comme moyen de communication, mais aussi comme porteur de sens politique ou esthétique.

L'exposition du Kunstmuseum de Saint-Gall donne un aperçu du travail de de Boer et offre, en tant que première présentation de l'artiste en Suisse, de multiples expériences auditives et visuelles.

Manon de Boer (*1966 Kodaikanal, Inde) vit et travaille à Bruxelles, où elle enseigne actuellement à l'ERG École de recherche graphique. Son travail a été régulièrement présenté lors de biennales telles que la Biennale de Venise 2007, la Biennale de Berlin 2008, la Biennale de São Paulo 2010 et la Documenta 2012 à Kassel. Ces dernières années, son travail a été honoré par des expositions individuelles institutionnelles, notamment à la Sécession à Vienne en 2016, au KANAL - Centre Pompidou à Bruxelles en 2019 et au Museu Calouste Gulbenkian à Lisbonne en 2020.

Curateur : Fabian Flückiger

Manon de Boer (* 1966 Kodaikanal) lavora principalmente nel mezzo del film. La percezione del tempo e l'ispirazione dei processi creativi sono al centro del suo lavoro tanto quanto le condizioni di produzione e ricezione del film. Ballerini, musicisti e intellettuali, con la loro presenza fisica o sonora, sono i protagonisti delle opere di de Boer. Con l'intro e l'estro, traccia il ritmo di una persona in relazione con se stessa, l'altro, uno spazio, una città o un paesaggio.

In questi film, simili a ritratti, de Boer gioca con le gerarchie della percezione sensoriale a cui siamo abituati. L'intera produzione culturale, così come il modo di interazione umana, è influenzata dalla ponderazione dei sensi. Consumiamo servizi di streaming per musica e film, abbiamo familiarità con radio, podcast e video, messaggi di testo e vocali. Ma siamo anche consapevoli dei diversi livelli di significato dei rispettivi media? E a quali fenomeni generati naturalmente prestiamo ancora attenzione? Chi siamo noi quando siamo ripiegati su noi stessi senza accesso ai dispositivi? Quali pensieri e idee si sviluppano da questo?

Il lavoro di De Boer suggerisce che l'immagine e i livelli sonori, così come il mezzo stesso, possono anche essere considerati come narrazioni indipendenti. Inoltre, de Boer dà alla voce uno status speciale - non solo come mezzo di comunicazione, ma anche come portatore di significato politico o estetico.

La mostra al Kunstmuseum di San Gallo fornisce una panoramica del lavoro di de Boer e, come prima presentazione dell'artista in Svizzera, offre una varietà di esperienze di ascolto e visione.

Manon de Boer (*1966 Kodaikanal, India) vive e lavora a Bruxelles, dove attualmente insegna alla ERG École de recherche graphique. Il suo lavoro è stato regolarmente esposto in biennali come la Biennale di Venezia 2007, la Biennale di Berlino 2008, la Biennale di San Paolo 2010 e Documenta 2012 a Kassel. Negli ultimi anni, il suo lavoro è stato riconosciuto con mostre personali istituzionali, tra cui alla Secession di Vienna nel 2016, KANAL - Centre Pompidou di Bruxelles nel 2019 e Museu Calouste Gulbenkian di Lisbona nel 2020.

Curatore: Fabian Flückiger

Manon de Boer (*1966, Kodaikanal) works mainly in the medium of film. The perception of time and the inspiration for creative processes are central to her work, as are the conditions of the production and reception of film. People appear in de Boer’s works through their physical or sonic presence. Their gaze is directed inward, in relation to themselves. Or it is connected to others, a space, a city, or a landscape.

In these portrait-like films, de Boer plays with our accustomed hierarchies of sensory perception. The entirety of cultural production as well as the way we interact with each other are influenced by the weighting of the senses. We consume streaming services for music and films, and are familiar with radio, podcasts, as well as video, text, and voice messages. But are we also aware of the different levels of meaning of the respective media? And what natural phenomena do we pay attention to? Who are we when we must rely on ourselves, without access to electronic devices? What thoughts and ideas develop out of this?

In her work, de Boer suggests that the visual and sonic levels as well as the medium itself can also be viewed as independent narratives. In addition, she gives the voice a special status—not only as a means of communication, but also as a political or aesthetic bearer of meaning.

The exhibition at the Kunstmuseum St. Gallen gives an overview of de Boer’s work and, as the artist’s first presentation in Switzerland, offers a variety of listening and viewing experiences.

Manon de Boer (*1966, Kodaikanal, India) lives and works in Brussels, where she currently teaches at the École de recherche graphique. Her works have regularly been shown at biennials, such as the Venice Biennale in 2007, the Berlin Biennale in 2008, the Bienal de São Paulo in 2010, and Documenta 2012 in Kassel. In recent years her work has been recognized with solo exhibitions at institutions including the Secession in Vienna in 2016, KANAL – Centre Pompidou in Brussels in 2019, and the Calouste Gulbenkian Museum in Lisbon in 2020.

Curator: Fabian Flückiger

(Text: Kunstmuseum St. Gallen)

Kunsthalle Bremen
26. März – 31. Juli 2022

Richard Mosse

Der 1980 im irischen Kilkenny geborene Richard Mosse lotet in seinen Fotografien und Filmen die Grenzen zwischen konventioneller Reportagefotografie und zeitgenössischer Konzeptkunst aus. Dabei setzt er den Fokus auf aktuelle politische und ökologische Krisen wie den Bürgerkrieg in der Demokratischen Republik Kongo, die europäische Flüchtlings- und Migrationspolitik sowie aktuell die Bedrohung der tropischen Regenwälder im Amazonasgebiet.

Für seine monumentalen Fotografien greift Mosse auf Bildtechnologien zurück, die ursprünglich für militärische oder wissenschaftliche Zwecke entwickelt wurden und Dinge sichtbar machen, die für das menschliche Auge eigentlich nicht wahrnehmbar sind. Spannungsvoll changieren Mosses Werke zwischen Ästhetik und aktueller politischer wie auch ethischer Brisanz. Damit fordern sie zur intensiven Auseinandersetzung mit den Krisen und Zukunftsfragen unserer Zeit heraus. 2013 vertrat Mosse Irland auf der Biennale in Venedig, 2014 gewann er den Deutsche Börse Photography Foundation Prize.

Die Ausstellung mit Richard Mosse in der Kunsthalle Bremen ist seine erste umfassende Werkschau in Deutschland. Sie gibt anhand von repräsentativen Fotoarbeiten sowie einer neuen Videoinstallation einen breiten Überblick über seine zentralen Werkphasen.

Eine Ausstellung des Förderkreises für Gegenwartskunst im Kunstverein in Bremen

Né en 1980 à Kilkenny, en Irlande, Richard Mosse explore dans ses photographies et ses films les frontières entre la photographie de reportage conventionnelle et l'art conceptuel contemporain. Il met l'accent sur les crises politiques et écologiques actuelles telles que la guerre civile en République démocratique du Congo, la politique européenne en matière de réfugiés et de migration ainsi que, actuellement, la menace qui pèse sur les forêts tropicales d'Amazonie.

Pour ses photographies monumentales, Mosse a recours à des technologies d'imagerie qui ont été développées à l'origine à des fins militaires ou scientifiques et qui rendent visibles des choses qui ne sont en fait pas perceptibles par l'œil humain. Les œuvres de Mosse oscillent avec tension entre l'esthétique et les questions politiques et éthiques actuelles. Elles incitent ainsi à une réflexion intensive sur les crises et les questions d'avenir de notre époque. En 2013, Mosse a représenté l'Irlande à la Biennale de Venise et en 2014, il a remporté le Deutsche Börse Photography Foundation Prize.

L'exposition consacrée à Richard Mosse à la Kunsthalle de Brême est la première présentation complète de son œuvre en Allemagne. Elle donne un large aperçu des phases centrales de son œuvre à l'aide de travaux photographiques représentatifs ainsi que d'une nouvelle installation vidéo.

Une exposition du Förderkreis für Gegenwartskunst au Kunstverein de Brême

Nato a Kilkenny, Irlanda, nel 1980, le fotografie e i film di Richard Mosse esplorano i confini tra la fotografia di reportage convenzionale e l'arte concettuale contemporanea. Si concentra sulle attuali crisi politiche ed ecologiche come la guerra civile nella Repubblica Democratica del Congo, la politica europea dei rifugiati e delle migrazioni e, attualmente, la minaccia alle foreste pluviali tropicali nella regione amazzonica.

Per le sue fotografie monumentali, Mosse utilizza tecnologie di immagine che sono state originariamente sviluppate per scopi militari o scientifici e rendono visibili cose che sono in realtà impercettibili all'occhio umano. Le opere di Mosse oscillano tra l'estetica e l'attuale esplosività politica ed etica. In questo modo, ci sfidano a impegnarci intensamente con le crisi e le questioni future del nostro tempo. Nel 2013, Mosse ha rappresentato l'Irlanda alla Biennale di Venezia e nel 2014 ha vinto il Deutsche Börse Photography Foundation Prize.

La mostra con Richard Mosse alla Kunsthalle Bremen è la sua prima mostra completa di lavoro in Germania. Fornisce un'ampia panoramica delle fasi centrali del suo lavoro attraverso opere fotografiche rappresentative e una nuova installazione video.

Una mostra del Förderkreis für Gegenwartskunst al Kunstverein di Brema

Born in Kilkenny in 1980, the Irish artist Richard Mosse explores the boundaries between conventional documentary photography and contemporary conceptual art in his photographs and films. In doing so, he focusses on current political and ecological crises such as the civil war in the Democratic Republic of Congo, European refugee and migration policy, and the threat to tropical rainforests in the Amazon. 

In his monumental photographs, Mosse uses imaging technology that was originally developed for military and scientific use and makes objects visible that cannot usually be perceived by the human eye. Mosse’s work fluctuates between aesthetics and hot-button political and ethical issues, challenging viewers to explore current crises and the future issues of our time in depth. In 2013, Mosse represented Ireland at the Biennale in Venice and in 2014 he was awarded the Deutsche Börse Photography Foundation Prize.

The Richard Mosse exhibition at the Kunsthalle Bremen is the first comprehensive show of his work in Germany. It presents a broad overview of pivotal periods in his oeuvre through representative photographs and a new video installation.

An exhibition of the Supporters’ Circle for Contemporary Art in the Kunstverein Bremen

(Text: Kunsthalle, Bremen)

Galerie Milchhütte | Zumikon
25. März - 10. April 2022

Fotografische Tagträume
André Roth

Die Galerie Milchhütte lädt ein zu einer Ausstellung mit Werken von André Roth. Fotografische Tagträume entführt die Besucher*innen in eine poetisch verzauberte und entrückte Sinneswelt, während damals in der realen Welt die Zeit im ersten Lockdown verharrte. Die Fotografien sind subtile bis zur Abstraktion übersetzte Stimmungskompositionen von gestalterisch überzeugender Ästhetik, welche Raum lassen für Imagination.

Seit nunmehr 26 Jahren arbeitet André Roth (*1961) als freischaffender Fotograf. Zwei Monate vor der Pandemie begründete er in einer 3,5-Zimmer-Wohnung sein Home-Office – und stellte das Zuhause und den umliegenden Park ins Zentrum einer künstlerischen Serie. Rund 80 Bilder sind im Corona bedingten Stillstand entstanden; allesamt Liebeserklärung an seinen Fluchtort.

Die Aufnahmen wirken wie fotografische Tagträume. Ein Sonnenstrahl, der kurz durch das Fenster fällt; ein Kabel, das lose vor einer weissen Wand hängt; das Spiel zwischen drinnen und draussen: allesamt intime Momentaufnahmen, die Zeit und Aufmerksamkeit bedürfen. André Roth ist nicht am eigentlichen Sujet interessiert, für ihn sind Stimmungen, die Auseinandersetzung mit dem Ort und das Spiel mit Tiefe, Schärfe, Unschärfe und dem Licht weit wichtiger.

La galerie Milchhütte invite à une exposition d'œuvres d'André Roth. Rêves éveillés photographiques transporte les visiteurs* dans un monde sensoriel poétiquement enchanté et enlevé, alors qu'à l'époque, dans le monde réel, le temps était figé dans le premier lockdown. Les photographies sont des compositions d'ambiance subtiles, traduites jusqu'à l'abstraction, à l'esthétique convaincante, qui laissent place à l'imagination. 

André Roth (*1961) travaille depuis 26 ans en tant que photographe indépendant. Deux mois avant la pandémie, il a créé son home-office dans un appartement de 3,5 pièces - et a placé son domicile et le parc environnant au centre d'une série artistique. Environ 80 photos ont été réalisées dans l'immobilité due à la maladie de Corona ; toutes sont des déclarations d'amour à son lieu de fuite. 

Les clichés ressemblent à des rêves éveillés photographiques. Un rayon de soleil qui passe brièvement à travers la fenêtre ; un câble qui pend vaguement devant un mur blanc ; le jeu entre l'intérieur et l'extérieur : autant d'instantanés intimes qui nécessitent du temps et de l'attention. André Roth ne s'intéresse pas au sujet à proprement parler, pour lui, les ambiances, la confrontation avec le lieu et le jeu avec la profondeur, la netteté, le flou et la lumière sont bien plus importants. 

La Galerie Milchhütte vi invita a una mostra di opere di André Roth. Photographic Daydreams trasporta i visitatori in un mondo dei sensi poeticamente incantato e rapito, mentre allora nel mondo reale il tempo era bloccato nel primo blocco. Le fotografie sono sottili composizioni d'atmosfera, tradotte in astrazione, con un'estetica convincente che lascia spazio all'immaginazione. 

André Roth (*1961) lavora come fotografo freelance da 26 anni. Due mesi prima della pandemia, ha allestito il suo studio in un appartamento di 3,5 stanze - e ha messo la casa e il parco circostante al centro di una serie artistica. Circa 80 quadri sono stati creati durante il blocco indotto da Corona; tutte dichiarazioni d'amore per il suo luogo di fuga. 

Le fotografie sembrano sogni fotografici ad occhi aperti. Un raggio di sole che cade brevemente dalla finestra; un cavo che pende allentato di fronte a un muro bianco; l'interazione tra interno ed esterno: tutte istantanee intime che richiedono tempo e attenzione. André Roth non è interessato al soggetto reale; per lui sono molto più importanti gli stati d'animo, l'impegno con il luogo e il gioco con la profondità, la nitidezza, la sfocatura e la luce. 

Galerie Milchhütte invites you to an exhibition of works by André Roth. Photographic Daydreams transports visitors into a poetically enchanted and enraptured sensory world, while at that time in the real world time remained in the first lockdown. The photographs are subtle mood compositions of convincing aesthetics, translated to abstraction, which leave room for imagination. 

André Roth (*1961) has been working as a freelance photographer for 26 years now. Two months before the pandemic, he set up his home office in a 3.5-room apartment - and placed the home and the surrounding park at the center of an artistic series. Around 80 pictures were created in the Corona-conditioned standstill; all of them declarations of love for his place of escape. 

The shots seem like photographic daydreams. A ray of sunlight briefly falling through the window; a cable hanging loosely in front of a white wall; the interplay between indoors and outdoors: all intimate snapshots that require time and attention. André Roth is not interested in the actual subject; for him, moods, the engagement with the place, and the play with depth, sharpness, blurriness, and the light are far more important.

(Text: Galerie Milchhütte, Zumikon)

Haus am Kleistpark | Berlin
25. März – 29. Mai 2022

A worm crossed the street
Nadja Bournonville

Nadja Bournonville beschäftigt sich in ihrem neuen künstlerischen Projekt auf vielseitige Weise mit dem Leben, der Artenvielfalt, dem Vermächtnis, der Darstellung und dem Aussterben von Tieren. Die Künstlerin hat im Naturhistorischen Museum Wien Objekte und Präparate fotografiert. Entstanden ist ein visueller ästhetischer Kosmos, tief verwurzelt im Sein zwischen Schönheit und Deformation. Die den Exponaten eingeschriebenen wissenschaftlichen Erkenntnisse verschwinden hinter einem abstrakten Moment. Die Fotografien verweisen zugleich auf die dem Museum innewohnende Heterotopien.  Bournonville zeigt diese Fotografien in einer Ausstellungsinstallation neben Videos und realen wie virtuellen Objekten. 2020 erschien das gleichnamige Buch, das mit dem Swedish Photobook Award ausgezeichnet wurde.

Dans son nouveau projet artistique, Nadja Bournonville s'intéresse de manière variée à la vie, à la biodiversité, à l'héritage, à la représentation et à l'extinction des animaux. L'artiste a photographié des objets et des spécimens au Musée d'histoire naturelle de Vienne. Il en résulte un cosmos esthétique visuel, profondément enraciné dans l'être entre beauté et déformation. Les connaissances scientifiques inscrites dans les objets exposés disparaissent derrière un moment abstrait. Les photographies renvoient en même temps aux hétérotopies inhérentes au musée.  Bournonville présente ces photographies dans une installation d'exposition à côté de vidéos et d'objets réels et virtuels. En 2020, le livre du même nom a été publié et a reçu le Swedish Photobook Award.

Nel suo nuovo progetto artistico, Nadja Bournonville affronta la vita, la biodiversità, l'eredità, la rappresentazione e l'estinzione degli animali in modo multiforme. L'artista ha fotografato oggetti ed esemplari nel Museo di Storia Naturale di Vienna. Il risultato è un cosmo estetico visivo, profondamente radicato nell'essere tra bellezza e deformazione. La conoscenza scientifica inscritta nei reperti scompare dietro un momento astratto. Allo stesso tempo, le fotografie fanno riferimento alle eterotopie inerenti al museo.  Bournonville mostra queste fotografie in un'installazione espositiva insieme a video e oggetti reali e virtuali. Nel 2020 è stato pubblicato il libro con lo stesso nome, che ha vinto lo Swedish Photobook Award.

Nadja Bournonville's new artistic project deals in a multifaceted way with the life, biodiversity, legacy, representation and extinction of animals. The artist photographed objects and specimens at the Natural History Museum in Vienna. The result is a visual aesthetic cosmos, deeply rooted in being between beauty and deformation. The scientific knowledge inscribed in the exhibits disappears behind an abstract moment. At the same time, the photographs refer to the inherent heterotopia of the museum.  Bournonville shows these photographs in an exhibition installation alongside videos and both real and virtual objects. In 2020, the book of the same name was published, which won the Swedish Photobook Award.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Galerie Susanne Albrecht | Berlin
25. März - 19. Mai 2022

Shrubs, Flowers and Decay
Tilyen Mucik, Zadok Ben-David

„In die Natur hineingehen und in dieser Natur nichts als tatsächlich und für immer Zuhause zu sein, das empfände er als das große Glück.“, sagt der Burgschauspieler in Thomas Bernhards Roman „Holzfällen“.

Gerade in Zeiten der Umbrüche und Veränderungen scheint Natur das einzig Tröstliche zu sein. Gibt sie doch die Gewissheit, dass Leben weitergeht und sich immer wieder neu orientiert. Gerade an den wenigen vom Menschen unberührten Orten, entwickelt sich eine große Vielfalt - sie ist Bedingung für Leben. Im Zeitalter des Anthropozäns gibt es fast keine Orte mehr, in die der Mensch nicht eingegriffen hätte. Obwohl wir uns wünschen, „in der freien Natur, [....], nicht in ihr eingesperrt, überhaupt in der Natur, nicht in der Künstlichkeit“ (Holzfällen)  zu sein, lässt es sich fast nicht mehr erleben.

In der Ausstellung „Stauden, Blumen und Verfall“ entdeckt die junge Fotografin Tilyen Mucik (*1995 Ljubljana) die Vielfalt der Natur, der Bildhauer Zadok Ben-David (*1949 Bayhan, Jemen) erschafft sie mit eigener Hand. Künstliche und natürliche Natur treffen aufeinander. In der Natur spielt bei der Entwicklung von Vielfalt Zufall eine große Rolle, diesen möchte der Mensch in seinem Schaffen möglichst ausschliessen. Vorhersehbare Beständigkeit ist ihm ein großes Gut. Die in Zadok Ben-Davids weltweit gezeigtem „Blackfield“ dargebotene Vielfalt ist geplant, nicht zufällig entstanden. Es ist eine Fläche bestehend aus fingergroßen Blumen, wie ein Scherenschnitt aus Edelstahl geschnitten. Je nach Größe der Fläche sind es Hunderte oder Tausende, auf der einen Seite farbig, ein Meer von Farben, auf der anderen schwarz, ein Meer filigraner Formen. Die eine Seite nehmen wir mit den Sinnen wahr, die andere mit dem Verstand, im Herumgehen bewegen wir uns vom sinnlichen zum analytischen Betrachten und zurück. Wir hatten ein Blackfield 2009 in der Galerie, diesmal zeigen wir ausgewählte Einzelstücken.

Tilyen Munik Serie „Halophytes“ entstand während eines Aufenthalts am Strand in Kroatien. Auf den Strandspaziergängen betrachtete sie die um sie herum wachsenden kleinen Pflanzen und stellte bei nährerem Hinsehen fest, dass sie alle verschieden waren. „Upon closer inspecton of the flora, I realised numerous species of plants grew in this area –“. Sie nahm ein Stück weißes Papier, legte sie einzeln darauf und dokumentierte Viefalt und Grazie der unscheinbaren Flora.  Dazu schreibt sie „I once again marvel at the miracle of evolution and beauty of mother nature, at the eternal batles for survival and the wonderful diversity of the world of plants.“ In den „Shrubs“ versucht sie durch nachträgliche Bearbeitung der Fotos mit der Hand, die durch das Fotografieren verloren gegangene Natürlichkeit wieder zurückzubringen. „With the photographic process I robbed the nature of its natural; it contained nothing organic, it became sterile and not wild anymore. I needed to return what I have taken - I started adding the natural to the photographic medium.“ Sie koloriert oder stickt mit in der Natur gewonnenem Material oder vergräbt den fotografischen Film in die Erde. In der neuesten Arbeit koloriert sie nur Teile des sonst schwarz/weißen Fotos und schafft ein Dokument des Verfalls. Wir zeigen Fotos aus allen drei Serien.

Tilyen Mucik (*1995) studierte an der Visoka šola za storitve (VIST) in Lubljana und schloss das Studium 2018 ab mit dem Projekt Flora Femina, in dem weibliche und botanische Motive fotografisch miteinander verband. 2013 erhielt sie den ersten Preis beim Tresk Festival für die beste Konzertfotografie, 2018 eine spezielle Erwähnung der Jury. Bei den Rovinj Fototagen wurde sie zweite in der Kategorie „Art Concept“ mit der Fotoserie „Pink“. Ihre Arbeiten wurden bereits vielfach ausgestellt, u.a. im Museum of Arts and Craft, Kranj, im Museum für Zeigenössische Kunst, Zagreb und im Enthnografischen Museum, Barcelona. Sie beendet gerade ihr Studium der Fotografie an der Akademie für Bildende Künste und Design, Ljubljana. 

Zadok Ben-David (*1949) ist ein vielfach ausgezeichneter, in London lebender Künstler, seine Skulpturen, Installationen und öffentlichen Arbeiten sind weltweit zu sehen, u.a. in London und Tel Aviv. Evolution und die menschliche Natur sind ein grundlegendes Thema seiner Arbeit, die häufig als poetisch und magisch bezeichnet wird, sie bewegt sich zwischen feinen Miniaturen und monumentalen  Installationen. Er arbeitet überwiegend in Metall. 1988 repräsentierte er Israel auf der Biennale Venedig, nahm in der Folge an weltweit an zahlreichen Biennalen teil und seine Arbeit wurde international in Museen ausgestellt, in Europa, Australien, Amerika, Zentralasien and den Mittleren Osten. Gleich nach seiner Geburt in Bayhan, Jemen, wanderte seine Familie nach Israel aus. Er studierte Bildhauerei an der St. Martin‘s School of Art in London, wo er nach abgeschlossenem Studium von 1977-1982 lehrte.

"Entrer dans la nature et n'être dans cette nature que réellement et pour toujours chez soi, voilà ce qu'il ressentirait comme le grand bonheur", dit l'acteur du château dans le roman "Holzfällen" de Thomas Bernhard.

C'est justement en période de bouleversements et de changements que la nature semble être la seule chose réconfortante. Elle donne en effet la certitude que la vie continue et qu'elle se réoriente toujours. C'est précisément dans les rares endroits non touchés par l'homme que se développe une grande diversité - c'est la condition de la vie. A l'ère de l'anthropocène, il n'y a presque plus d'endroits où l'homme n'est pas intervenu. Bien que nous souhaitions être "dans la nature libre, [....], pas enfermés en elle, en général dans la nature, pas dans l'artificialité" (Holzfällen), il n'est presque plus possible d'en faire l'expérience.

Dans l'exposition "Plantes vivaces, fleurs et décadence", la jeune photographe Tilyen Mucik (*1995 Ljubljana) découvre la diversité de la nature, le sculpteur Zadok Ben-David (*1949 Bayhan, Yémen) la recrée de ses propres mains. La nature artificielle et la nature naturelle se rencontrent. Dans la nature, le hasard joue un rôle important dans le développement de la diversité, l'homme souhaite l'exclure autant que possible dans ses créations. La stabilité prévisible est pour lui un grand bien. La diversité présentée dans le "Blackfield" de Zadok Ben-David, exposé dans le monde entier, est planifiée, elle n'est pas le fruit du hasard. Il s'agit d'une surface composée de fleurs de la taille d'un doigt, découpées dans de l'acier inoxydable comme des ciseaux. Selon la taille de la surface, il y en a des centaines ou des milliers, d'un côté colorées, une mer de couleurs, de l'autre noires, une mer de formes filigranes. Nous percevons un côté avec nos sens, l'autre avec notre raison, en nous promenant nous passons de la contemplation sensuelle à la contemplation analytique et inversement. Nous avons eu un Blackfield 2009 dans la galerie, cette fois nous présentons des pièces uniques sélectionnées.

La série "Halophytes" de Tilyen Munik a été créée lors d'un séjour à la plage en Croatie. Lors de ses promenades sur la plage, elle a observé les petites plantes qui poussaient autour d'elle et, en y regardant de plus près, elle a constaté qu'elles étaient toutes différentes. "Upon closer inspecton of the flora, I realized numerous species of plants grewing in this area -". Elle a pris un morceau de papier blanc, les a posés un par un et a documenté la diversité et la grâce de cette flore insignifiante.  Elle écrit à ce sujet "I again marvel at the miracle of evolution and beauty of mother nature, at the eternal batailles for survival and the wonderful diversity of the world of plants". Dans les "Shrubs", elle tente, par un traitement ultérieur des photos à la main, de rendre le naturel perdu lors de la prise de vue. "Avec le processus photographique, j'ai volé la nature de son naturel ; elle ne contenait rien d'organique, elle est devenue stérile et non plus sauvage. J'avais besoin de restituer ce que j'avais pris - j'ai commencé à ajouter le naturel au médium photographique". Elle colorie ou brode avec des matériaux prélevés dans la nature ou enterre le film photographique dans la terre. Dans son dernier travail, elle ne colore que certaines parties de la photo, par ailleurs en noir et blanc, et crée un document sur la dégradation. Nous présentons des photos des trois séries.

Tilyen Mucik (*1995) a étudié à la Visoka šola za storitve (VIST) de Lubljana et a obtenu son diplôme en 2018 avec le projet Flora Femina, dans lequel des motifs féminins et botaniques ont été combinés photographiquement. En 2013, elle a reçu le premier prix du Tresk Festival pour la meilleure photographie de concert, et en 2018, une mention spéciale du jury. Lors des Journées photographiques de Rovinj, elle a terminé deuxième dans la catégorie "Art Concept" avec la série de photos "Pink". Son travail a déjà été exposé à de nombreuses reprises, notamment au Museum of Arts and Craft, Kranj, au Musée d'art contemporain de Zagreb et au Musée enthnographique de Barcelone. Elle termine actuellement ses études de photographie à l'Académie des beaux-arts et du design de Ljubljana. 

Zadok Ben-David (né en 1949) est un artiste primé qui vit à Londres. Ses sculptures, installations et œuvres publiques sont exposées dans le monde entier, notamment à Londres et à Tel Aviv. L'évolution et la nature humaine sont un thème fondamental de son travail, souvent qualifié de poétique et de magique, qui oscille entre miniatures délicates et installations monumentales. Il travaille principalement en métal. En 1988, il a représenté Israël à la Biennale de Venise et a ensuite participé à de nombreuses biennales dans le monde entier. Son travail a été exposé dans des musées internationaux, en Europe, en Australie, en Amérique, en Asie centrale et au Moyen-Orient. Dès sa naissance à Bayhan, au Yémen, sa famille a émigré en Israël. Il a étudié la sculpture à la St. Martin's School of Art de Londres, où il a enseigné de 1977 à 1982 après avoir obtenu son diplôme.

"Andare nella natura e non essere altro che effettivamente e per sempre a casa in questa natura, questo lo sentirebbe come la grande felicità", dice l'attore del castello nel romanzo "Holzfällen" di Thomas Bernhard.

Soprattutto in tempi di sconvolgimenti e cambiamenti, la natura sembra essere l'unica cosa confortante. Dopo tutto, dà la certezza che la vita continua e si riorienta sempre. È proprio nei pochi luoghi non toccati dall'uomo che si sviluppa una grande diversità - è la condizione per la vita. Nell'era dell'Antropocene, non ci sono quasi più luoghi dove l'uomo non sia intervenuto. Anche se desideriamo essere "all'aria aperta, [....], non rinchiusi in essa, nella natura del tutto, non nell'artificialità" (Holzfällen), è quasi impossibile farne esperienza.

Nella mostra "Perennials, Flowers and Decay", il giovane fotografo Tilyen Mucik (*1995 Ljubljana) scopre la diversità della natura, lo scultore Zadok Ben-David (*1949 Bayhan, Yemen) la crea con le sue mani. La natura artificiale e quella naturale si incontrano. In natura, il caso gioca un ruolo importante nello sviluppo della diversità; l'uomo vorrebbe escluderlo il più possibile nelle sue creazioni. La coerenza prevedibile è una grande risorsa per lui. La diversità presentata in "Blackfield" di Zadok Ben-David, che viene mostrato in tutto il mondo, è pianificata, non creata per caso. Si tratta di un'area composta da fiori grandi come un dito, tagliati nell'acciaio inossidabile come una silhouette. A seconda delle dimensioni della superficie, ce ne sono centinaia o migliaia, da una parte colorate, un mare di colori, dall'altra nere, un mare di forme in filigrana. Da una parte percepiamo con i sensi, dall'altra con la mente, camminando passiamo dall'osservazione sensuale a quella analitica e ritorno. Abbiamo avuto un Blackfield 2009 nella galleria, questa volta mostriamo pezzi singoli selezionati.

La serie "Halophytes" di Tilyen Munik è stata creata durante un soggiorno in spiaggia in Croazia. Mentre camminava sulla spiaggia guardava le piccole piante che crescevano intorno a lei e a ben guardare si rese conto che erano tutte diverse. "Dopo un'attenta ispezione della flora, mi sono reso conto che numerose specie di piante crescevano in questa zona -". Ha preso un pezzo di carta bianca, li ha messi uno per uno su di esso e ha documentato la diversità e la grazia della flora poco appariscente.  Scrive: "Mi meraviglio ancora una volta del miracolo dell'evoluzione e della bellezza di madre natura, delle eterne battaglie per la sopravvivenza e della meravigliosa diversità del mondo delle piante. In "Shrubs", cerca di restituire la naturalezza persa attraverso il processo fotografico modificando successivamente le foto a mano. "Con il processo fotografico ho derubato la natura della sua naturalezza; non conteneva nulla di organico, è diventata sterile e non più selvaggia. Avevo bisogno di restituire ciò che ho preso - ho iniziato ad aggiungere il naturale al mezzo fotografico". Colora o ricama con materiale ottenuto dalla natura o seppellisce la pellicola fotografica nella terra. Nell'ultimo lavoro, colora solo parti della foto altrimenti in bianco e nero, creando un documento di decadenza. Mostriamo foto di tutte e tre le serie.

Tilyen Mucik (nato nel 1995) ha studiato alla Visoka šola za storitve (VIST) di Lubiana e si è laureato nel 2018 con il progetto Flora Femina, in cui motivi femminili e botanici sono stati combinati fotograficamente. Nel 2013 ha ricevuto il primo premio al Tresk Festival per la migliore fotografia di concerto, e nel 2018 una menzione speciale dalla giuria. Ai Photo Days di Rovigno, è arrivata seconda nella categoria Art Concept con la serie fotografica "Pink". Il suo lavoro è stato esposto molte volte, tra cui al Museo di Arti e Mestieri, Kranj, il Museo di Arte Contemporanea, Zagabria e il Museo Enthnografico, Barcellona. Attualmente sta completando i suoi studi di fotografia all'Accademia di Belle Arti e Design di Lubiana. 

Zadok Ben-David (nato nel 1949) è un pluripremiato artista londinese le cui sculture, installazioni e opere pubbliche possono essere viste in tutto il mondo, anche a Londra e Tel Aviv. L'evoluzione e la natura umana sono un tema fondamentale del suo lavoro, spesso descritto come poetico e magico, che si muove tra miniature delicate e installazioni monumentali. Lavora prevalentemente in metallo. Nel 1988 ha rappresentato Israele alla Biennale di Venezia e successivamente ha partecipato a numerose biennali in tutto il mondo e il suo lavoro è stato esposto in musei internazionali, in Europa, Australia, America, Asia centrale e Medio Oriente. Subito dopo la sua nascita a Bayhan, nello Yemen, la sua famiglia emigrò in Israele. Ha studiato scultura alla St. Martin's School of Art di Londra, dove ha insegnato dal 1977 al 1982 dopo la laurea.

‘Going into nature and being in that nature nothing but truly and forever at home, that would feel like his greatest joy’, says the actor at Vienna’s Burgtheater in Thomas Bernhard’s novel Woodcutters.

Especially at times of upheaval and great change, nature seems the only available source of comfort. After all, it gives us the certainty that life will continue and always reorient itself. Especially at the few places that are untouched by humans, a great diversity develops, which is a condition for life. In the age of the Anthropocene, there are hardly any places left where humans have not intervened. Although we desire to be ‘in free nature […], not locked in it, just in nature, not in artificiality’ (Woodcutting), nowadays it is hardly possible to experience this anymore. 

In the exhibition Shrubs, Flowers, and Decay, the young photographer Tilyen Mucik (born in Ljubljana in 1995) discovers the variety and diversity of nature, and the sculptor Zadok Ben-David (born in Bayhan, Yemen in 1949) creates it by his own hand. Artificial and natural nature meet. In nature, chance plays a large role in the development of variety, while humans in their work want to eliminate chance as much as possible. Predictable consistency is highly important to them. The variety presented in Zadok Ben-David’s Blackfield, which has been exhibited internationally, is planned, not the result of chance. It is a field consisting of finger-sized flowers, cut like silhouettes from stainless steel. Depending of the size of the field, they amount to hundreds or even thousands, on one side in colour, on the other black: a sea of delicate shapes. One side, we perceive with our senses, the other one rationally, and while walking around it, we oscillate between sensual and analytical perception. In 2009, we had one Blackfield in the gallery; this time, we are showing select individual pieces. 

Tilyen Mucik’s series was conceived when the artist spent time at the beach in Croatia. On her walks on the beach, she observed the small plants growing around her, and noticed on closer examination that they were all different. ‘Upon closer inspection of the flora, I realised numerous species of plants grew in this area.’ She took a white sheet of paper, placed single plants on it, and thus documented the variety and elegance of the inconspicuous flora. She explains: ‘I once again marvel at the miracle of evolution and beauty of mother nature, at the eternal battles for survival and the wonderful diversity of the world of plants.’ In her Shrubs, she tries through manual editing of the photographs to bring back their naturalness that has been lost through the process of photographing. ‘With the photographic process I robbed nature of its natural; it contained nothing organic, it became sterile and not wild anymore. I needed to return what I had  taken – I started adding the natural to the photographic medium.’ She colours or embroiders with materials gained in nature, or buries the photographic film in the earth for a while. In her latest work, she colours only parts of the otherwise black-and-white photograph, creating a document of decay. We are showing works from all three series. 

Tilyen Mucik (born in 1995) finished her graduate studies in 2018 at Visoka šola za storitve (VIST) with a thesis project Flora Femina – combining female and botanical motifs in the field of photography. In 2013 she received first prize at Tresk festival for best concert photography, and again a special jury mention in 2018. At Rovinj PhotoDays Festival she placed second in the category ”Art Concept” with her photoseries ”Pink”. Her works have been exhibited in Slovenia and abroad (Museum of Arts and Crafts – Zagreb, Museum of Contemporary Art Metelkova – Ljubljana, Ethnographic Museum – Ljubljana). She is currently finishing her master studies in Photography at the Academy of Visual art and Design in Ljubljana.

Zadok Ben-David is an award-winning, London-based artist, widely acclaimed for his sculptures, installations and public artworks. Ben-David explores themes linked to human nature and evolution. His work is often referred to as poetic and magical, always oscillating between delicate miniature-work and monumental installations. Metalworking has become Ben-David’s preferred language in contrast to the subtle optical illusions that he creates thanks to a sometimes-rough medium. Ben-David represented his country Israel at the Venice Biennale in 1988 and participated to numerous biennales worldwide. His works are exhibited in illustrious national museums and art galleries across Europe, Australia, America, Central Asia and the Middle East. Born in Bayhan, Yemen in 1949, Ben-David immigrated to Israel the same year and graduated in Advanced Sculpture from St. Martin’s School of Art, in London, where he taught from 1977-1982.

(Text: Galerie Susanne Albrecht, Berlin)

Museo Madre | Napoli
25. März – 5. September 2022

Lawrence Carroll

Während in den 1980er Jahren die Pop Art in den USA historisiert wurde und der Abstrakte Expressionismus und der Minimalismus ihr Ende fanden, zog Lawrence Carroll (Melbourne 1954 - Köln 2019) ins euphorische New York, wo er als Grafikdesigner und Illustrator seine ersten Werke schuf, die sich nicht auf eine bestimmte Strömung zurückführen lassen: Seine Bilder waren von Anfang an Werkzeuge, um die Kunst der Malerei jenseits der Schulen und Theorien der Nachkriegszeit zu erforschen.

Drei Jahre nach seinem Tod widmet das Madre in Neapel Lawrence Carroll seine erste große Museumsretrospektive. Die von Gianfranco Maraniello kuratierte Ausstellung untersucht die Geschichte und die Figur dieses Protagonisten der nordamerikanischen und internationalen Kunstszene, der sich nicht in die Geschichte der Avantgarde und Neoavantgarde einordnen lässt.

Wir sind stolz darauf, im Madre diese Hommage an Lawrence Carroll zu präsentieren, einen Künstler, der zwischen den USA und Italien gelebt hat", so Präsidentin Angela Tecce und Direktorin Kathryn Weir, "ein Ausstellungsprojekt, das sich in die Tradition der großen Ausstellungen einreiht, die das Museum führenden Persönlichkeiten der zeitgenössischen künstlerischen Forschung gewidmet hat. Carrolls Gemälde, Skulpturen, Installationen und Fotografien zeugen von seiner tiefen inneren Reflexion und seiner ständigen Auseinandersetzung mit der Existenz und dem Bedürfnis des Menschen nach Kunst. Seine Werke mit ihren gedämpften, geschichteten Farben und essentiellen Formen nehmen Erinnerungen an Erfahrungen und Spuren der Realität auf und verwandeln sie in eine strenge und evokative Sprache".

Die Ausstellung präsentiert 80 Werke des Künstlers, die im Laufe seiner mehr als 30-jährigen Karriere (von 1985 bis 2019) entstanden sind. Sie sind in einer Reihenfolge angeordnet, die - wie Carroll selbst meinte - die Beziehung der Werke zum Raum und zu den Gefühlen gegenüber einer lähmenden chronologischen oder thematischen Einordnung bevorzugt. Carroll betrachtete seine Werke als physische Präsenzen, die Räume bewohnen und dem Betrachter begegnen, um mit ihm in einen Dialog zu treten. Jede seiner Schöpfungen hat daher die gleiche Unvollkommenheit wie der Mensch und, um es mit seinen eigenen Worten zu sagen, eine notwendige "Verankerung in der Welt".

Lawrence Carroll spielt in der Geschichte der amerikanischen Kunst eine herausragende Rolle, da er Horizonte und Öffnungen jenseits der Sackgasse der theoretischen Dogmatismen aufgezeigt hat, die die Systeme der Moderne und der Postmoderne bis Mitte der 1980er Jahre aufrechterhielten", sagt Gianfranco Maraniello, Kurator der Ausstellung, "heute eine Lawrence Carroll-Ausstellung zu veranstalten bedeutet, seiner Unruhe treu zu bleiben, die der Vitalität der Werke entspricht, die weiterhin nach ihrem Platz im Leben suchen, indem sie die unaufhörlichen Möglichkeiten der Malerei befragen.

In Carrolls Werken finden sich Themen und Formen der zeitgenössischen Malerei in den Vereinigten Staaten, von Jasper Johns bis Robert Ryman, von Ad Reinhardt bis Robert Rauschenberg, sowie die Bildhauerei von Donald Judd und Carl André; ausgehend von der schrittweisen Aufhebung bereits vorhandener Bilder gelangt Carroll zu weißen Farbschichten, die der Leinwand selbst ähneln. Die Oberfläche des Gemäldes offenbart sich so nicht nur als geschichtetes Pigmentfeld, sondern auch als eine Möglichkeit, das unendliche Potenzial der Malerei zu betrachten.

In seinen Gemälden stellt Carroll weiterhin die Werkzeuge der Kunst in Frage, indem er Teile der Leinwand ausschneidet und neu zusammensetzt, wobei die Nähte wie Zeichnungen oder Wunden aussehen, organische oder anorganische Objekte - Blumen, Blätter, Handschuhe, Schuhe, den Staub seines Ateliers - aufpfropft, wodurch überraschende Volumina entstehen und eine ständige Neudefinition der Malerei erfolgt.

Mit seinen Werken stellt der Künstler unablässig seine Position gegenüber der Realität in Frage, seine Einsamkeit angesichts der Welt, der Welt, die er geschaffen hat. Zu seinen jüngsten Werken gehören eine Reihe von Fotografien, die bisher nur in einer Ausstellung in der Fondazione Rolla (Schweiz) zu sehen waren, sowie einige bisher unveröffentlichte schwarze Zeichnungen.

Die Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit Lucy Jones Carroll für das Lawrence Carroll Archiv realisiert, die erklärt: "Es ist ein Traum, dass diese erste große Retrospektive von Lawrence im Museum Madre in Neapel stattfindet, einem Ort, der ihm so am Herzen liegt! Es war eine Freude, Raum für Raum die von Gianfranco Maraniello kuratierte Ausstellung zu entdecken. Mein besonderer Dank gilt ihm, Angela Tecce, Kathryn Weir, dem Museum und all jenen, die dieses Projekt unterstützt haben; ich habe diese Zusammenarbeit sehr geschätzt.

Alors que les années 1980 voient l'historicisation du Pop Art aux États-Unis et la fin de l'Expressionnisme abstrait et du Minimalisme, Lawrence Carroll (Melbourne 1954 - Cologne 2019) s'installe dans l'euphorie de New York où, tout en travaillant comme graphiste et illustrateur, il crée ses premières œuvres, qui ne peuvent être rattachées à une tendance spécifique : dès le départ, ses peintures sont des outils d'investigation de l'art de la peinture au-delà des écoles et des théories de l'après-Seconde Guerre mondiale.

Trois ans après sa mort, Madre, à Naples, consacre la première grande rétrospective muséale à Lawrence Carroll. L'exposition - dont le commissaire est Gianfranco Maraniello - étudie l'histoire et la figure de ce protagoniste de la scène artistique nord-américaine et internationale, qui ne peut être assimilé à l'histoire de l'avant-garde et de la néo-avant-garde.

Nous sommes fiers de présenter à Madre cet hommage à Lawrence Carroll, un artiste qui a vécu entre les États-Unis et l'Italie", déclarent la présidente Angela Tecce et la directrice Kathryn Weir, "un projet d'exposition qui s'inscrit dans la tradition des grandes expositions que le musée a consacrées à des figures de premier plan de la recherche artistique contemporaine. Les peintures, sculptures, installations et photographies de Carroll témoignent de sa profonde réflexion intérieure et de sa recherche constante sur l'existence et le besoin d'art de l'humanité. Ses œuvres aux couleurs subtiles et superposées et aux formes essentielles intègrent les souvenirs de l'expérience et les traces de la réalité, en les transfigurant dans un langage rigoureux et évocateur".

L'exposition présente 80 œuvres de l'artiste créées au cours d'une carrière de plus de 30 ans (de 1985 à 2019), disposées selon un parcours qui - comme le ressentait Carroll lui-même - privilégie la relation des œuvres avec l'espace et les sentiments plutôt qu'un classement chronologique ou thématique paralysant. Carroll considérait ses œuvres comme des présences physiques qui habitent les espaces et rencontrent l'observateur, entrant en dialogue avec lui. Chacune de ses créations conserve donc la même imperfection que l'être humain et, selon ses propres termes, un nécessaire "ancrage au monde".

Lawrence Carroll joue un rôle éminent dans l'histoire de l'art américain pour avoir montré des horizons et des ouvertures au-delà de l'impasse des dogmatismes théoriques qui avaient soutenu les systèmes du modernisme et du postmodernisme jusqu'au milieu des années 1980", déclare Gianfranco Maraniello, commissaire de l'exposition, "organiser une exposition Lawrence Carroll aujourd'hui signifie rester fidèle à son agitation, correspondant à la vitalité des œuvres qui continuent à chercher leur place dans la vie en interrogeant les possibilités incessantes de la peinture.

On retrouve dans les œuvres de Carroll les thèmes et les manières de la peinture contemporaine des États-Unis, de Jasper Johns à Robert Ryman, d'Ad Reinhardt à Robert Rauschenberg, ainsi que la sculpture de Donald Judd et de Carl André ; en partant de l'annulation progressive des images préexistantes, Carroll arrive à des couches de couleur blanche semblables à la toile elle-même. La surface du tableau se révèle ainsi non seulement comme un champ stratifié de pigments, mais aussi comme une manière d'observer le potentiel infini de la peinture.

Dans ses peintures, Carroll n'a cessé de questionner les outils de l'art, découpant et recombinant des portions de toile dont les coutures ressemblent à des dessins ou à des blessures, greffant des objets organiques ou inorganiques - fleurs, feuilles, gants, chaussures, poussière de son atelier - donnant lieu à des volumétries surprenantes, mettant en œuvre une redéfinition constante de la peinture.

À travers ses œuvres, l'artiste propose un questionnement incessant sur sa position par rapport à la réalité, sa solitude face au monde, celui qu'il a créé. Ses travaux les plus récents comprennent une série de photographies qui n'avaient été exposées que lors d'une exposition à la Fondazione Rolla (Suisse), ainsi que des dessins noirs inédits.

L'exposition est réalisée en collaboration avec Lucy Jones Carroll pour les archives Lawrence Carroll, qui déclare : "Que cette première grande rétrospective de l'œuvre de Lawrence soit accueillie par le musée Madre à Naples, un lieu si proche de son cœur, est un rêve ! C'est avec joie que nous avons découvert, pièce par pièce, l'exposition organisée par Gianfranco Maraniello. Je tiens tout particulièrement à le remercier, ainsi qu'Angela Tecce, Kathryn Weir, le musée et tous ceux qui ont soutenu ce projet, j'ai vraiment apprécié cette collaboration".

Mentre negli anni Ottanta si assiste negli Stati Uniti alla storicizzazione della Pop Art, all’esaurirsi dell’Espressionismo Astratto e del Minimalismo, Lawrence Carroll (Melbourne 1954 – Colonia 2019) si trasferisce in un’euforica New York dove, finchè lavora come grafico e illustratore, dà vita alle sue prime opere, non riconducibili a una specifica tendenza: fin da subito i suoi quadri sono strumenti di indagine del fare pittura al di là delle scuole e delle teorie del secondo dopoguerra.

A tre anni dalla sua scomparsa il Madre di Napoli dedica la prima grande retrospettiva museale a Lawrence Carroll. La mostra – a cura di Gianfranco Maraniello – indaga lastoria e la figura di questo protagonista della scena artistica nordamericana einternazionale, non assimilabile alla storia delle avanguardie e neoavanguardie.

"Siamo orgogliose di presentare al Madre questo omaggio a Lawrence Carroll, artista vissuto tra gli Stati Uniti e l'Italia – affermano la Presidente Angela Tecce e la Direttrice Kathryn Weir –, progetto espositivo che si inserisce nella tradizione delle grandi mostre che il museo ha dedicato a protagonisti della ricerca artistica contemporanea. La pittura, la scultura, le installazioni e le foto di Carroll sono testimonianze di una profonda riflessioneinteriore e della sua costante indagine sull'esistenza e sulla necessità che l'umanità hadell'arte. Le sue opere dai colori sommessi, stratificati e dalle forme essenziali inglobano memorie del vissuto e tracce del reale, trasfigurandoli in un linguaggio rigoroso ed evocativo".

La mostra presenta 80 opere dell’artista realizzate nel corso di oltre trent’anni di carriera (dal 1985 al 2019), allestite in un percorso che – come nel sentire dello stesso Carroll – privilegia le relazioni delle opere con lo spazio e con i sentimenti rispetto alla paralizzante classificazione cronologica o tematica. Carroll considerava infatti i suoi lavori presenzefisiche che abitano gli spazi e che incontrano l’osservatore, entrandoci in dialogo. Ogni suarealizzazione mantiene per questo la stessa imperfezione dell’essere umano e, usando le sue stesse parole, un necessario “ancoraggio al mondo”.

“Lawrence Carroll ha un ruolo eminente nella storia dell’arte americana per avere mostrato orizzonti e aperture oltre l’impasse dei dogmatismi teorici che avevano sostenuto gli impianti di modernismo e postmodernismo fino alla metà degli anni Ottanta – dice Gianfranco Maraniello, curatore della mostra –. Realizzare oggi una mostra di Lawrence Carroll significa restare fedeli alla sua inquietudine, corrispondere alla vitalità di opere che continuano a cercare il loro luogo dove vivere interrogando le incessanti possibilità della pittura.”

Nelle opere di Carroll sono presenti temi e maniere della pittura contemporanea negli Stati Uniti, da Jasper Johns a Robert Ryman, da Ad Reinhardt a Robert Rauschenberg, come della scultura di Donald Judd e Carl André; partendo dalla progressiva cancellazione di immagini preesistenti, Carroll arriva a stesure di colore bianco simili alla tela stessa. La superficie del quadro si rivela così non solo un campo stratificato di pigmento, ma anche un modo per osservare il potenziale infinito di dipingere.

Nei suoi quadri Carroll ha continuato a interrogare gli strumenti dell’arte, tagliando e ricombinando porzioni di tela dove le cuciture sembrano disegni o ferite, innestando oggetti organici o inorganici – fiori, foglie, guanti, scarpe, la polvere del suo studio – dandoluogo a sorprendenti volumetrie, attuando una costante ridefinizione della pittura.

Attraverso le sue opere l’artista propone un’incessante interrogazione su quale sia la sua posizione nei confronti della realtà, della sua solitudine di fronte al mondo, del mondo da lui creato. Tra i suoi lavori più recenti si annovera una serie di fotografie esposte precedentemente soltanto in occasione di una mostra presso la Fondazione Rolla (Svizzera), oltre ad alcunidisegni inediti (black drawings).

La mostra è realizzata in collaborazione con Lucy Jones Carroll per l’Archivio Lawrence Carroll, che dichiara “Che questa prima e importante retrospettiva dell'opera di Lawrence sia ospitata dal museo Madre di Napoli, un luogo così vicino al suo cuore, è un sogno! È stata una gioia scoprire sala per sala la mostra curata da Gianfranco Maraniello. Voglio ringraziare in particolare lui, Angela Tecce, Kathryn Weir, il museo e tutti coloro che hanno sostenuto questo progetto, ho apprezzato davvero molto questa collaborazione”.

While in the 1980s in the United States we witnessed the historicization of Pop Art, the exhaustion of Abstract Expressionism and Minimalism, Lawrence Carroll (Melbourne 1954 - Cologne 2019) moved to a euphoric New York where, as long as he worked as a graphic designer and illustrator, he gave life to his first works, not ascribable to a specific trend: right from the start his paintings are instruments of investigation of painting beyond the schools and theories of the second post-war period.

Three years after his death, the Madre in Naples dedicates the first major museum retrospective to Lawrence Carroll. The exhibition - curated by Gianfranco Maraniello - investigates the history and the figure of this protagonist of the North American and international art scene, not comparable to the history of the avant-garde and neo-avant-garde.

"We are proud to present at Madre this tribute to Lawrence Carroll, an artist who lived between the United States and Italy - say President Angela Tecce and Director Kathryn Weir -, an exhibition project that is part of the tradition of major exhibitions that the museum has dedicated to the protagonists of contemporary art research. Carroll's paintings, sculptures, installations and photographs are evidence of his profound inner reflection and his constant investigation into existence and humanity's need for art. His works of subdued colors, layered and essential forms incorporate memories of experience and traces of reality, transfiguring them into a rigorous and evocative language.

The exhibition presents 80 of the artist's works created over the course of more than thirty years of his career (from 1985 to 2019), arranged in a path that - as in the feeling of Carroll himself - privileges the relationships of the works with space and feelings rather than the paralyzing chronological or thematic classification. In fact, Carroll considered his works as physical presences that inhabit spaces and meet the observer, entering into a dialogue. Each of his realizations maintains for this reason the same imperfection of the human being and, using his own words, a necessary "anchorage to the world".

"Lawrence Carroll has an eminent role in the history of American art for having shown horizons and openings beyond the impasse of theoretical dogmatisms that had supported the systems of modernism and postmodernism until the mid-eighties - says Gianfranco Maraniello, curator of the exhibition -. Realizing today an exhibition of Lawrence Carroll means to remain faithful to his restlessness, to correspond to the vitality of works that continue to seek their place to live questioning the incessant possibilities of painting."

In Carroll's works are present themes and manners of contemporary painting in the United States, from Jasper Johns to Robert Ryman, from Ad Reinhardt to Robert Rauschenberg, as of the sculpture of Donald Judd and Carl André; starting from the progressive erasure of pre-existing images, Carroll arrives at drafts of white color similar to the canvas itself. The surface of the painting is thus revealed not only as a layered field of pigment, but also as a way to observe the infinite potential of painting.

In his paintings Carroll has continued to question the tools of art, cutting and recombining portions of canvas where the seams look like drawings or wounds, grafting organic or inorganic objects - flowers, leaves, gloves, shoes, the dust from his studio - giving rise to surprising volumetries, implementing a constant redefinition of painting.

Through his works, the artist proposes an incessant questioning on what is his position towards reality, his solitude in front of the world, the world he created. His most recent works include a series of photographs previously exhibited only at an exhibition at the Fondazione Rolla (Switzerland), as well as some unpublished black drawings.

The exhibition is organized in collaboration with Lucy Jones Carroll for the Lawrence Carroll Archive, who declares "That this first major retrospective of Lawrence's work should be hosted by the Madre Museum in Naples, a place so close to his heart, is a dream! It was a joy to discover room by room the exhibition curated by Gianfranco Maraniello. I especially want to thank him, Angela Tecce, Kathryn Weir, the museum and all those who supported this project, I really appreciated this collaboration." 

(Text: Museo Madre, Napoli)

Galerie Bene Taschen | Köln
23. März – 4. Juni 2022

Photographs by Jamel Shabazz: 1980 – 1989

Der amerikanische Fotograf Jamel Shabazz ist in Brooklyn, New York geboren und aufgewachsen. Bereits im Alter von 15 Jahren nahm er seine erste Kamera zur Hand; dies war nicht nur der Auftakt seiner fotografischen Reise, sondern auch das erste Kapitel seines berühmten "Visual Diary". Seit den frühen 1980er-Jahren hat Shabazz die Energie des New Yorker Strassenlebens eingefangen und gleichzeitig ikonische Bilder der Community, deren Stil und Lebensart geschaffen.

Shabazz war einer der ersten Fotografen, der die aufkommende Jugendkultur und seine eigenen Erlebnisse in den Vierteln East Flatbush, Bedford-Stuyvesant, Downtown Brooklyn bis hin zum Times Square dokumentierte. Die Strassen von New York und das U-Bahn-System der Stadt längst aus unserem Gedächtnis verschwunden ist, und die gleichzeitig ein breites Spektrum sozialer Verhältnisse zeigen.

Shabazz einzigartige Portraitfotografie wurde bereits vielerorts ausgestellt – von der Rockefeller Plaza in New York und dem J. Paul Getty Museum in Los Angeles bis hin zum Victoria and Albert Museum in London und dem Addis Foto Fest in Addis Abeba, Äthiopien. Seine Arbeiten sind Teil der Sammlungen des Whitney Museum, des Art Institute of Chicago, des Smithsonian National Museum of African American History and Culture und dem Fashion Institute of Technology. Seine Bücher "Back in the Days" und "A Time Before Crack" gelten als Klassiker; nicht nur wegen ihrer starken Ausdruckskraft und Authentizität, sondern auch, weil sie weiterhin junge Generationen von Fotografen inspirieren.

Le photographe américain Jamel Shabazz est né et a grandi à Brooklyn, New York. Dès l'âge de 15 ans, il a pris en main son premier appareil photo ; ce fut non seulement le début de son voyage photographique, mais aussi le premier chapitre de son célèbre "Visual Diary". Depuis le début des années 1980, Shabazz a capturé l'énergie de la vie de rue new-yorkaise tout en créant des images iconiques de la communauté, de son style et de son mode de vie.

Shabazz a été l'un des premiers photographes à documenter la culture naissante des jeunes et ses propres expériences dans les quartiers d'East Flatbush, Bedford-Stuyvesant, Downtown Brooklyn et jusqu'à Times Square. Les rues de New York et le système de métro de la ville ont depuis longtemps disparu de notre mémoire, et qui montrent en même temps un large éventail de conditions sociales.

La photographie de portrait unique de Shabazz a déjà été exposée dans de nombreux endroits, de la Rockefeller Plaza de New York et du J. Paul Getty Museum de Los Angeles au Victoria and Albert Museum de Londres et à l'Addis Foto Fest d'Addis Abeba, en Éthiopie. Son travail fait partie des collections du Whitney Museum, de l'Art Institute of Chicago, du Smithsonian National Museum of African American History and Culture et du Fashion Institute of Technology. Ses livres "Back in the Days" et "A Time Before Crack" sont considérés comme des classiques ; non seulement en raison de leur forte expressivité et de leur authenticité, mais aussi parce qu'ils continuent d'inspirer les jeunes générations de photographes.

Il fotografo americano Jamel Shabazz è nato e cresciuto a Brooklyn, New York. Prese la sua prima macchina fotografica all'età di 15 anni; questo non fu solo l'inizio del suo viaggio fotografico, ma anche il primo capitolo del suo famoso "Visual Diary". Dai primi anni '80, Shabazz ha catturato l'energia della vita di strada di New York creando immagini iconiche della comunità, del suo stile e del suo modo di vivere.

Shabazz fu uno dei primi fotografi a documentare la cultura giovanile emergente e le sue esperienze nei quartieri di East Flatbush, Bedford-Stuyvesant, Downtown Brooklyn e Times Square. Le strade di New York e il sistema sotterraneo della città da tempo sbiadito dalla nostra memoria, mentre mostra un ampio spettro di condizioni sociali.

La fotografia di ritratto unica di Shabazz è stata esposta in molti luoghi - dal Rockefeller Plaza di New York e il J. Paul Getty Museum di Los Angeles al Victoria and Albert Museum di Londra e l'Addis Foto Fest di Addis Abeba, Etiopia. Il suo lavoro fa parte delle collezioni del Whitney Museum, dell'Art Institute di Chicago, dello Smithsonian National Museum of African American History and Culture e del Fashion Institute of Technology. I suoi libri "Back in the Days" e "A Time Before Crack" sono considerati dei classici; non solo per la loro forte espressività e autenticità, ma anche perché continuano a ispirare le giovani generazioni di fotografi.

American photographer Jamel Shabazz was born and raised in Brooklyn, New York. He picked up his first camera at the age of 15; this was not only the start of his photographic journey, but also the first chapter of his famous "Visual Diary." Since the early 1980s, Shabazz has captured the energy of New York street life while creating iconic images of the community, its style and way of life.

Shabazz was one of the first photographers to document the emerging youth culture and his own experiences in neighborhoods ranging from East Flatbush, Bedford-Stuyvesant, Downtown Brooklyn to Times Square. The streets of New York and the city's subway system long gone from our memories, while showing a wide range of social conditions.

Shabazz's unique portrait photography has been exhibited in many places - from Rockefeller Plaza in New York and the J. Paul Getty Museum in Los Angeles to the Victoria and Albert Museum in London and the Addis Foto Fest in Addis Ababa, Ethiopia. His work is part of the collections of the Whitney Museum, the Art Institute of Chicago, the Smithsonian National Museum of African American History and Culture, and the Fashion Institute of Technology. His books "Back in the Days" and "A Time Before Crack" are considered classics; not only for their strong expressiveness and authenticity, but also because they continue to inspire younger generations of photographers.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Bildhalle | Amsterdam
25. März - 28. Mai 2022

The way it was
Thomas Hoepker

THE WAY IT WAS ist die erste Einzelausstellung des renommierten Magnum-Fotografen Thomas Hoepker in den Niederlanden. Die Ausstellung zeigt eine umfassende Retrospektive, die von seinen frühen Arbeiten aus den 1960er Jahren, als er in den USA und anderen fernen Destinationen unterwegs war, über seine Porträts von Muhammad Ali bis hin zu seinen New York-Fotografien aus den 1970er und 1980er Jahren reicht. Eine ganze Etage ist den ikonischen Ali-Fotografien gewidmet, darunter exklusive und seltene Vintage-Prints.

Der 1936 in München geborene Hoepker zählt zu den bedeutendsten deutschen Fotojournalisten des späten 20. Jahrhunderts. Als solcher hat er das zweite goldene Zeitalter des Fotojournalismus nach den 1920er und 30er Jahren nicht nur erlebt, sondern massgeblich mitgestaltet. Nicht nur durch seine Beiträge für Zeitschriften wie Stern, Geo, Kristall und die Münchner Illustrierte, sondern auch als Art Director, Autor und Filmemacher hat er Fotogeschichte geschrieben. Viele seiner Foto-Essays gehören zum Besten, was der Fotojournalismus zu bieten hat.

Als Reporter für den Stern hatte er 1964 die Gelegenheit, den Boxer Muhammad Ali zu porträtieren, was er 10 Jahre lang in regelmässigen Abständen tat. 1966 begleiteten Hoepker und seine damalige Frau, die Stern-Journalistin Eva Windmöller, die Boxlegende in London und Chicago. 1970 war Hoepker mit der Kamera dabei, als Ali, der schon länger nicht mehr im Ring stand, sich auf den «Kampf des Jahrhunderts» gegen Joe Frazier vorbereitete. Er traf ihn Jahre später wieder, als er bereits durch Parkinson geschwächt war. Viele dieser Bilder sind weltweit bekannt und zu Ikonen der Fotografie geworden. Sie wurden in vielen Museen ausgestellt und sind in wichtigen Sammlungen vertreten.

THE WAY IT WAS est la première exposition individuelle aux Pays-Bas du célèbre photographe de Magnum, Thomas Hoepker. L'exposition présente une rétrospective complète allant de ses premiers travaux des années 1960, lorsqu'il voyageait aux États-Unis et vers d'autres destinations lointaines, à ses portraits de Muhammad Ali et à ses photographies de New York des années 1970 et 1980. Un étage entier est consacré aux photographies iconiques d'Ali, dont des tirages vintage exclusifs et rares.

Né en 1936 à Munich, Hoepker compte parmi les plus grands photojournalistes allemands de la fin du 20e siècle. En tant que tel, il n'a pas seulement vécu le deuxième âge d'or du photojournalisme après les années 1920 et 1930, mais il y a largement contribué. Il a écrit l'histoire de la photographie non seulement par ses contributions à des magazines comme Stern, Geo, Kristall et Münchner Illustrierte, mais aussi en tant que directeur artistique, auteur et cinéaste. Nombre de ses essais photographiques font partie de ce que le photojournalisme a de mieux à offrir.

En tant que reporter pour le Stern, il a eu l'occasion de faire le portrait du boxeur Muhammad Ali en 1964, ce qu'il a fait à intervalles réguliers pendant 10 ans. En 1966, Hoepker et sa femme de l'époque, la journaliste du Stern Eva Windmöller, ont accompagné la légende de la boxe à Londres et à Chicago. En 1970, Hoepker était présent avec sa caméra lorsque Ali, qui n'était plus monté sur le ring depuis un certain temps, se préparait pour le "combat du siècle" contre Joe Frazier. Il le rencontra à nouveau des années plus tard, alors qu'il était déjà affaibli par la maladie de Parkinson. Nombre de ces photos sont connues dans le monde entier et sont devenues des icônes de la photographie. Elles ont été exposées dans de nombreux musées et font partie d'importantes collections.

THE WAY IT WAS è la prima mostra personale del famoso fotografo Magnum Thomas Hoepker nei Paesi Bassi. La mostra presenta una retrospettiva completa che va dai suoi primi lavori degli anni '60, quando viaggiava negli Stati Uniti e in altre destinazioni lontane, ai suoi ritratti di Muhammad Ali e alle sue fotografie di New York degli anni '70 e '80. Un intero piano è dedicato alle fotografie iconiche di Ali, comprese stampe esclusive e rare d'epoca.

Nato a Monaco nel 1936, Hoepker è uno dei più importanti fotoreporter tedeschi della fine del XX secolo. Come tale, non solo ha vissuto la seconda età dell'oro del fotogiornalismo dopo gli anni '20 e '30, ma ha anche avuto un ruolo decisivo nel plasmarla. Non solo attraverso i suoi contributi a riviste come Stern, Geo, Kristall e Münchner Illustrierte, ma anche come direttore artistico, autore e regista, ha fatto la storia della fotografia. Molti dei suoi saggi fotografici sono tra i migliori che il fotogiornalismo ha da offrire.

Come reporter per la rivista Stern, ebbe l'opportunità di ritrarre il pugile Muhammad Ali nel 1964, cosa che fece a intervalli regolari per 10 anni. Nel 1966, Hoepker e sua moglie di allora, la giornalista di Stern Eva Windmöller, accompagnarono la leggenda della boxe a Londra e a Chicago. Nel 1970, Hoepker era presente con la sua telecamera quando Ali, che non saliva sul ring da tempo, si preparava al "combattimento del secolo" contro Joe Frazier. Lo incontrò di nuovo anni dopo, quando era già indebolito dal morbo di Parkinson. Molte di queste immagini sono conosciute in tutto il mondo e sono diventate icone della fotografia. Sono stati esposti in molti musei e sono rappresentati in importanti collezioni.

THE WAY IT WAS is the first solo exhibition of renowned Magnum photographer Thomas Hoepker in the Netherlands. The exhibition features a comprehensive retrospective ranging from his early work from the 1960s, when he was traveling in the U.S. and other far-flung destinations, to his portraits of Muhammad Ali and his New York photographs from the 1970s and 1980s. An entire floor is dedicated to iconic Ali photographs, including exclusive and rare vintage prints.

Born in Munich in 1936, Hoepker is one of the most important German photojournalists of the late 20th century. As such, he not only experienced the second golden age of photojournalism after the 1920s and 30s, but also played a significant role in shaping it. He made photographic history not only through his contributions to magazines such as Stern, Geo, Kristall and Münchner Illustrierte, but also as an art director, author and filmmaker. Many of his photo essays are among the best that photojournalism has to offer.

As a reporter for Stern magazine in 1964, he had the opportunity to portray boxer Muhammad Ali, which he did at regular intervals for 10 years. In 1966, Hoepker and his then-wife, Stern journalist Eva Windmöller, accompanied the boxing legend in London and Chicago. In 1970, Hoepker was there with his camera when Ali, who had not been in the ring for some time, was preparing for the "fight of the century" against Joe Frazier. He met him again years later, when he was already weakened by Parkinson's disease. Many of these images are known worldwide and have become icons of photography. They have been exhibited in many museums and are represented in important collections.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Hartmann Projects | Stuttgart
22. März - 14. Mai 2022

Schweizer Chalets
Patrick Lambertz

Das Chalet – im Sinne der luxuriös-romantischen abgelegenen Berghütte, in der »splendid isolation« einer sonnenverwöhnten Winterlandschaft – ist eines der beliebteren Klischeebilder der Schweiz. Die eigentliche Bedeutung des Begriffes »Chalet« (von lat. cala, »geschützter Ort«) ist aber einfach nur Sennhütte oder Unterstand. Auf vielen Reisen durch seine Wahlheimat ist Patrick Lambertz (geborener Aachener) immer wieder Häusern begegnet, die sich dem typischen Klischee des Schweizer Chalets entziehen. Es sind in die Jahre gekommene Häuser, die von der in der Schweiz seit Jahrzehnten grassierenden Bau- und Renovierungswut gerade noch verschont geblieben sind. Indem er sie vor winterlichem Hintergrund fotografiert, abstrahiert er die Häuser, hebt ihren individuellen Charakter hervor und gibt Ihnen eine poetisch-ironische Aura. Er hebt sie im besten Blossfeldt/Becherschen Sinne auf den fototypologischen Altar vergessener aber erinnerungswürdiger Schweizer Häuser. Dabei benützt er die Natur selbst als Fotostudio: Das weiche kontrastarme Licht liefern bedeckte Himmel und starke Nebel, den neutralen Hintergrund bilden schneebedeckte Schweizer Berge und Hügel.

Während der Ausstellung erscheint im April 2022 bei Hartmann Books die Publikation »Chalets of Switzerland«, mit einer zusätzlichen, exklusiven Vorzugsausgabe.

Le chalet - dans le sens d'une cabane de montagne isolée, luxueuse et romantique, dans le "splendide isolement" d'un paysage hivernal baigné de soleil - est l'un des clichés les plus populaires de Suisse. Pourtant, la signification réelle du terme "chalet" (du latin cala, "lieu protégé") est simplement une cabane d'estive ou un abri. Au cours de ses nombreux voyages dans son pays d'adoption, Patrick Lambertz (né à Aix-la-Chapelle) a toujours rencontré des maisons qui échappent au cliché typique du chalet suisse. Il s'agit de maisons vieillissantes, tout juste épargnées par la frénésie de construction et de rénovation qui sévit en Suisse depuis des décennies. En les photographiant sur un fond hivernal, il les rend abstraites, met en valeur leur caractère individuel et leur confère une aura poétique et ironique. Il les élève, dans le meilleur sens de Blossfeldt/Becher, sur l'autel phototypologique des maisons suisses oubliées mais dignes de mémoire. Pour ce faire, il utilise la nature elle-même comme studio photo : la lumière douce et peu contrastée est fournie par des ciels couverts et de forts brouillards, tandis que l'arrière-plan neutre est constitué de montagnes et de collines suisses recouvertes de neige.

Pendant l'exposition, la publication "Chalets of Switzerland" paraîtra en avril 2022 chez Hartmann Books, avec une édition préférentielle supplémentaire et exclusive.

Lo chalet - nel senso del rifugio di montagna appartato e lussuosamente romantico, nello "splendido isolamento" di un paesaggio invernale assolato - è una delle immagini cliché più popolari della Svizzera. Ma il significato reale del termine "chalet" (dal latino cala, "luogo riparato") è semplicemente una capanna o un riparo a falde. In molti viaggi attraverso il suo paese d'adozione, Patrick Lambertz (nato ad Aachen) ha incontrato ripetutamente case che sfidano il tipico cliché dello chalet svizzero. Sono case che vanno avanti negli anni e che sono state appena risparmiate dalla frenesia di costruire e ristrutturare che dilaga in Svizzera da decenni. Fotografandole su uno sfondo invernale, astrae le case, sottolinea il loro carattere individuale e dà loro un'aura poetico-ironica. Nel miglior senso Blossfeldt/Becher, li innalza sull'altare fototipologico di case svizzere dimenticate ma memorabili. Usa la natura stessa come studio fotografico: la luce morbida e a basso contrasto è fornita dal cielo coperto e dalla nebbia pesante, mentre le montagne e le colline svizzere coperte di neve formano lo sfondo neutro.

Durante la mostra, la pubblicazione "Chalets of Switzerland" sarà pubblicata da Hartmann Books nell'aprile 2022, con un'edizione speciale supplementare ed esclusiva.

The chalet - in the sense of the luxuriously romantic remote mountain hut, in the "splendid isolation" of a sun-drenched winter landscape - is one of Switzerland's more popular cliché images. But the real meaning of the term "chalet" (from Latin cala, "sheltered place") is simply sennhütte or shelter. On many trips through his adopted country, Patrick Lambertz (born in Aachen, Germany) has repeatedly encountered houses that defy the typical cliché of the Swiss chalet. They are aging houses that have just barely been spared the building and renovation frenzy that has been rampant in Switzerland for decades. By photographing them against a wintry background, he abstracts the houses, emphasizing their individual character and giving them a poetic-ironic aura. In the best Blossfeldt/Becher sense, he raises them to the phototypological altar of forgotten but memorable Swiss houses. He uses nature itself as a photo studio: the soft low-contrast light is provided by overcast skies and heavy fog, while snow-covered Swiss mountains and hills form the neutral background.

During the exhibition, the publication "Chalets of Switzerland" will be published by Hartmann Books in April 2022, with an additional, exclusive special edition.

(Text: Hartmann Projects, Stuttgart)

philomena & art & architecture platform | Wien
21. März - 25. Mai 2022

Die Ausstellug findet im Rahmen von Foto Wien (European Month of Photography) statt.

Résistance Naturelle
Abdessamad el Montassir

Die forschungsbasierten Arbeiten von Abdessamad El Montassir erzeugen reflexive Prozesse. Dabei arbeitet der Künstler vor allem mit dem Wissen um nicht-menschliche Identitäten, d.h. mit den Traumata von Pflanzen oder Steinen, die als Zeugen historischer, nicht dokumentierter Ereignisse fungieren. Er tut dies, um neue Denkansätze für unser soziales Umfeld zu schaffen. Der geografische Ausgangspunkt seiner Forschungen ist sein Herkunftsland Marokko, genauer gesagt die Sahara im Süden Marokkos, ein politisch stark umstrittenes Gebiet. In der Fotoausstellung Résistance Naturelle bei philomena+ wird Al Amakine vorgestellt. Anhand von Kartografien, die durch die Archivierung von Pflanzen, Poesie und Steinformationen entstanden sind, erzählt der Künstler alternative Erzählungen, so genannte Mikrogeschichten, die von der offiziellen Geschichte überschattet oder sogar ausgelöscht wurden. In seinem Film geht der Künstler Ereignissen nach, die die Landschaft der Sahara, der Wüste im Süden Marokkos, tiefgreifend verändert haben. Der Filmemacher sah sich mit einer stillen Umgebung konfrontiert, die von ihrer komplexen sozio-politischen Geschichte heimgesucht wird. Als Alternative beschloss er, sich auf das organische Leben in der Wüste zu konzentrieren, um die Amnesie der Menschen zu dekonstruieren.

Abdessamad El Montassir, geboren 1989 in Boujdour, Marokko, lebt heute in Marseille, Frankreich. Nach seinem Abschluss am Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Marokko absolvierte Abdessamad El Montassir einen MA in künstlerischer und ästhetischer Erziehung an der École Normale Supérieure in Meknès/Marokko. Er hat an mehreren nationalen und internationalen Ausstellungen teilgenommen, darunter Invisible, kuratiert von Alya Sebti und präsentiert auf der 13. Biennale für zeitgenössische afrikanische Kunst in Dakar/Senegal und in der ifa-Galerie Berlin/Deutschland (2018), De liens et d'exils in La Villa Empain - Fondation Boghossian in Brüssel/Belgien (2018), Al Amakine im Rahmen der 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy in der Hinterland Galerie in Wien/Österreich und in Le Cube - independent art room in Rabat/Marokko (2017). Abdessamad El Montassir ist derzeit auch Stipendiat des Schlosses Solitude in Stuttgart.

Abdessamad El Montassir’s research-based works produce reflexive processes. In so doing, the artist works primarily with the knowledge of non-human identities, i.e. with the traumas of plants or stones, which function as witnesses to historical, non-documented events. He does this in order to generate new ways of thinking about our social environment. The geographical starting point for his research is his country of origin, Morocco, more specifically, the Sahara in southern Morocco, a territory much-disputed politically. The photo exhibition Résistance Naturelle at philomena+  will present Al Amakine. Using cartography created by archiving plants, poetry and stone formations, the artist tells alternative narratives, so-called micro-histories, which have been overshadowed or even erased by official history.The exhibition will also be accompanied by a screening of Abdessamad El Montassir’s most recent film project Galb’Echaouf. In his film, the artist investigates incidents that have profoundly altered the landscape of the Sahara, the desert in the southern part of Morocco. The filmmaker found himself facing a silent environment, haunted by its complex socio-political history. As an alternative, he decided to focus on the organic life that inhabits the desert, in an effort to deconstruct people’s amnesia.

Abdessamad El Montassir, born in 1989 in Boujdour, Morocco, Abdessamad El Montassir now lives in Marseille, France. After graduating from the Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Morocco, Abdessamad El Montassir completed an MA in artistic and aesthetic education at the École Normale Supérieure in Meknès/Morocco. He has participated in several national and international exhibitions, including Invisible, curated by Alya Sebti and presented at the 13th Biennale of Contemporary African Art in Dakar/Senegal and at the ifa-Galerie Berlin/Germany (2018), De liens et d’exils at La Villa Empain – Fondation Boghossian in Brussels/Belgium (2018), Al Amakine in the context of the 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy at the Hinterland Galerie in Vienna/Austria, and at Le Cube – independent art room in Rabat/Morocco (2017). Abdessamad El Montassir is presently also a fellow resident of the Schloss Solitude in Stuttgart.

Le opere di Abdessamad El Montassir, basate sulla ricerca, producono processi riflessivi. Così facendo, l'artista lavora principalmente con la conoscenza delle identità non umane, cioè con i traumi delle piante o delle pietre, che funzionano come testimoni di eventi storici non documentati. Lo fa per generare nuovi modi di pensare al nostro ambiente sociale. Il punto di partenza geografico della sua ricerca è il suo paese d'origine, il Marocco, più precisamente il Sahara nel sud del Marocco, un territorio molto conteso politicamente. La mostra fotografica Résistance Naturelle presso philomena+ presenterà Al Amakine. Utilizzando la cartografia creata archiviando piante, poesia e formazioni di pietra, l'artista racconta narrazioni alternative, le cosiddette microstorie, che sono state messe in ombra o addirittura cancellate dalla storia ufficiale.La mostra sarà inoltre accompagnata dalla proiezione del più recente progetto cinematografico di Abdessamad El Montassir, Galb'Echaouf. Nel suo film, l'artista indaga sugli incidenti che hanno profondamente alterato il paesaggio del Sahara, il deserto nella parte meridionale del Marocco. Il cineasta si è trovato di fronte a un ambiente silenzioso, ossessionato dalla sua complessa storia socio-politica. Come alternativa, ha deciso di concentrarsi sulla vita organica che abita il deserto, nel tentativo di decostruire l'amnesia della gente.

Abdessamad El Montassir, nato nel 1989 a Boujdour, Marocco, Abdessamad El Montassir vive oggi a Marsiglia, Francia. Dopo essersi diplomato all'Institut National des Beaux-Arts di Tetouan/Marocco, Abdessamad El Montassir ha completato un MA in educazione artistica ed estetica all'École Normale Supérieure di Meknès/Marocco. Ha partecipato a diverse mostre nazionali e internazionali, tra cui Invisible, curata da Alya Sebti e presentata alla 13a Biennale di arte africana contemporanea di Dakar/Senegal e alla ifa-Galerie di Berlino/Germania (2018), De liens et d'exils a La Villa Empain - Fondation Boghossian a Bruxelles/Belgio (2018), Al Amakine nel contesto degli 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy alla Hinterland Galerie di Vienna/Austria, e a Le Cube - independent art room di Rabat/Marocco (2017). Abdessamad El Montassir è attualmente anche borsista dello Schloss Solitude di Stoccarda.

Abdessamad El Montassir’s research-based works produce reflexive processes. In so doing, the artist works primarily with the knowledge of non-human identities, i.e. with the traumas of plants or stones, which function as witnesses to historical, non-documented events. He does this in order to generate new ways of thinking about our social environment. The geographical starting point for his research is his country of origin, Morocco, more specifically, the Sahara in southern Morocco, a territory much-disputed politically. The photo exhibition Résistance Naturelle at philomena+  will present Al Amakine. Using cartography created by archiving plants, poetry and stone formations, the artist tells alternative narratives, so-called micro-histories, which have been overshadowed or even erased by official history.The exhibition will also be accompanied by a screening of Abdessamad El Montassir’s most recent film project Galb’Echaouf. In his film, the artist investigates incidents that have profoundly altered the landscape of the Sahara, the desert in the southern part of Morocco. The filmmaker found himself facing a silent environment, haunted by its complex socio-political history. As an alternative, he decided to focus on the organic life that inhabits the desert, in an effort to deconstruct people’s amnesia.

Abdessamad El Montassir, born in 1989 in Boujdour, Morocco, Abdessamad El Montassir now lives in Marseille, France. After graduating from the Institut National des Beaux-Arts in Tetouan/Morocco, Abdessamad El Montassir completed an MA in artistic and aesthetic education at the École Normale Supérieure in Meknès/Morocco. He has participated in several national and international exhibitions, including Invisible, curated by Alya Sebti and presented at the 13th Biennale of Contemporary African Art in Dakar/Senegal and at the ifa-Galerie Berlin/Germany (2018), De liens et d’exils at La Villa Empain – Fondation Boghossian in Brussels/Belgium (2018), Al Amakine in the context of the 11ème Rencontres de Bamako/Mali (2017), Attokoussy at the Hinterland Galerie in Vienna/Austria, and at Le Cube – independent art room in Rabat/Morocco (2017). Abdessamad El Montassir is presently also a fellow resident of the Schloss Solitude in Stuttgart.

 (Text: philomena+ art & architecture platform, Wien)

Kunsthalle St. Annen | Lübeck
20. März - 3. Juli 2022

Female View - Modefotografinnen von der Moderne bis zum Digitalen Zeitalter

Die Ausstellung Female View rückt die, zu Unrecht oft vernachlässigte Modefotografie von Fotografinnen in den Fokus. Dieses Medium wurde über Jahrzehnte von Frauen geprägt. Die Meisten von ihnen haben für einflussreiche Magazine, wie Harpers Bazaar und Vogue gearbeitet und so den Stil ihrer Zeit sowie andere Künstler:innen geprägt. Eine Vielzahl von Ausstellungen zur Modefotografie bildete bislang den männlichen Blick auf den weiblichen Körper ab, anhand dessen, zuweilen zweifelhafter Darstellungen die Kleidungsstücke inszeniert werden. Dabei sind Betrachter:innen dieser Bilder meist weiblich. Diese Problematik verknüpft sich mit dem weiter gefassten Bereich des Mode-Business, das zwar zu großen Teilen auf weibliche Zielgruppen ausgerichtet ist, dessen Vorstandsgremien jedoch vielfach von männlichen Führungspersönlichkeiten besetzt sind. In diesem Kontext lässt sich ebenfalls der gesellschaftliche und politische Wandel nachzeichnen, der sich anhand der weiblichen und männlichen Körperbilder und Mode der verschiedenen Dekaden vollzieht. Die gegenwärtige Modebild-Produktion ist vielfältiger, als sie es noch im 20. Jahrhundert war. Der Blick richtet sich nicht mehr ausschließlich auf vermeintliche Idealbilder von Schönheit. Die Begriffe Schönheit, Geschlechterzuordnung, kulturelle Teilhabe und Identität werden zur Disposition gestellt. Diese Tendenz hat den Mainstream bereits erreicht und spiegelt sich in Werbung sowie TV-Formaten wieder. Um die Bandbreite der heutigen Produktion aufzuzeigen, sind Fotografinnen mit queeren und feministischen Schwerpunkten in ihren Arbeiten ebenso Teil der Künstlerinnenauswahl wie BIPOC. 

In der Ausstellung wird der Wandel des fotografischen Bildes und seine mediale Verbreitung ästhetisch dargestellt und im jeweiligen historischen und gesellschaftlichen Kontext verortet: von der Modezeitschrift über den Ausstellungsraum und das Coffee Table Book bis zur Videoinszenierung und vor allem zur digitalen Selbstinszenierung in den heutigen sozialen Medien, deren Relevanz in der Gegenwart ständig wächst. Die Entwicklung ab den 1930er Jahren wird exemplarisch anhand ausgewählter Positionen dargestellt werden. Diese Auswahl konzentriert sich auf Fotografinnen aus Europa und den USA, mit Streiflichtern auf die Entwicklung in den jeweiligen Mode-Zentren der beschriebenen Zeiträume.

L'exposition Female View met l'accent sur la photographie de mode des femmes photographes, souvent négligée à tort. Ce média a été marqué par des femmes pendant des décennies. La plupart d'entre elles ont travaillé pour des magazines influents tels que Harpers Bazaar et Vogue, marquant ainsi le style de leur époque et celui d'autres artistes. Jusqu'à présent, un grand nombre d'expositions sur la photographie de mode ont mis en avant le regard masculin sur le corps féminin, à travers lequel les vêtements sont mis en scène, parfois de manière douteuse. Or, les spectateurs de ces images sont généralement des femmes. Cette problématique est liée au domaine plus large de l'industrie de la mode, qui s'adresse en grande partie à des groupes cibles féminins, mais dont les conseils d'administration sont souvent dirigés par des hommes. Dans ce contexte, il est également possible de retracer les changements sociaux et politiques qui s'opèrent à travers les images corporelles et la mode féminines et masculines des différentes décennies. La production actuelle d'images de mode est plus diversifiée qu'elle ne l'était au 20e siècle. Le regard ne se porte plus exclusivement sur de prétendues images idéales de la beauté. Les notions de beauté, d'attribution de genre, de participation culturelle et d'identité sont remises en question. Cette tendance a déjà atteint le mainstream et se reflète dans la publicité ainsi que dans les formats télévisés. Afin de montrer l'étendue de la production actuelle, les photographes dont le travail met l'accent sur les aspects queer et féministes font partie de la sélection des artistes au même titre que BIPOC. 

L'exposition présente de manière esthétique l'évolution de l'image photographique et sa diffusion médiatique et les situe dans leur contexte historique et social respectif : du magazine de mode à la mise en scène vidéo, en passant par la salle d'exposition et le coffee table book, et surtout la mise en scène numérique de soi dans les médias sociaux actuels, dont la pertinence ne cesse de croître à l'heure actuelle. L'évolution à partir des années 1930 sera illustrée de manière exemplaire par une sélection de positions. Cette sélection se concentre sur des femmes photographes d'Europe et des États-Unis, avec des éclairages sur l'évolution dans les centres de la mode respectifs des périodes décrites.

La mostra Female View si concentra sulla fotografia di moda delle donne fotografe, spesso ingiustamente trascurata. Questo mezzo è stato plasmato dalle donne per decenni. La maggior parte di loro ha lavorato per riviste influenti come Harpers Bazaar e Vogue e quindi ha influenzato lo stile del loro tempo così come altri artisti. Un gran numero di mostre sulla fotografia di moda hanno finora rappresentato lo sguardo maschile sul corpo femminile, attraverso il quale vengono messe in scena rappresentazioni, a volte dubbie, degli abiti. Gli spettatori di queste immagini sono per lo più donne. Questo problema è legato al campo più ampio del business della moda, che è in gran parte orientato verso i gruppi target femminili, ma i cui comitati esecutivi sono spesso composti da leader maschili. In questo contesto, è anche possibile tracciare i cambiamenti sociali e politici che hanno avuto luogo nelle immagini del corpo femminile e maschile e nella moda dei vari decenni. L'attuale produzione di immagini di moda è più diversificata di quella del XX secolo. Lo sguardo non è più diretto esclusivamente verso presunte immagini ideali di bellezza. I concetti di bellezza, classificazione di genere, partecipazione culturale e identità vengono messi in discussione. Questa tendenza ha già raggiunto il mainstream e si riflette nella pubblicità e nei formati televisivi. Al fine di mostrare la gamma della produzione odierna, i fotografi con enfasi queer e femminista nel loro lavoro sono parte della selezione degli artisti tanto quanto BIPOC. 

Nella mostra, la trasformazione dell'immagine fotografica e la sua diffusione mediale viene presentata esteticamente e collocata nel rispettivo contesto storico e sociale: dalla rivista di moda allo spazio espositivo e al coffee table book fino alla messa in scena video e, soprattutto, all'autoscena digitale nei social media di oggi, la cui rilevanza è in costante crescita nel presente. Lo sviluppo a partire dagli anni '30 sarà esemplificato da posizioni selezionate. Questa selezione si concentra su donne fotografe dell'Europa e degli Stati Uniti, con riflettori sugli sviluppi nei rispettivi centri di moda dei periodi descritti.

The exhibition Female View focuses on fashion photography by women photographers, which is often unjustly neglected. This medium has been shaped by women for decades. Most of them have worked for influential magazines such as Harpers Bazaar and Vogue and thus influenced the style of their time as well as other artists. A large number of exhibitions on fashion photography have so far depicted the male view of the female body, on the basis of which, sometimes dubious representations of the garments are staged. The viewers of these images are mostly female. This problem is linked to the broader field of the fashion business, which is largely geared to female target groups, but whose executive committees are often staffed by male managers. In this context, it is also possible to trace the social and political changes that are taking place in terms of female and male body images and fashion in the various decades. The current production of fashion images is more diverse than it was in the 20th century. The focus is no longer exclusively on supposed ideal images of beauty. The concepts of beauty, gender assignment, cultural participation and identity are being called into question. This tendency has already reached the mainstream and is reflected in advertising as well as TV formats. In order to show the range of today's production, photographers with queer and feminist emphases in their work are as much a part of the artist selection as BIPOC. 

In the exhibition, the transformation of the photographic image and its medial dissemination is presented aesthetically and located in the respective historical and social context: from the fashion magazine to the exhibition space and the coffee table book to video staging and, above all, to digital self-staging in today's social media, whose relevance is constantly growing in the present. The development from the 1930s onwards will be exemplified by selected positions. This selection focuses on women photographers from Europe and the USA, with spotlights on the development in the respective fashion centers of the periods described.

(Text: Kunsthalle St. Annen, Lübeck)

Stadthaus Ulm
20. März – 6. Juni 2022

Graubaum und Himmelmeer
Loredana Nemes

Die Arbeit "Graubaum und Himmelmeer" entstand über einen Zeitraum von zweieinhalb Jahren auf der Insel Rügen, einem Ort, den sich die Künstlerin als Rückzugsort ausgesucht hat. Im Nationalpark Jasmund begann sie, den Buchenwald zu fotografieren und setzt diesen Aufnahmen Blicke auf die Weite der See gegenüber. Mittlerweile war sie mehr als ein Dutzend Mal und zu jeder Jahreszeit dort. Die Serie wird im Frühsommer 2022 publiziert und im Stadthaus Ulm erstmalig ausgestellt.

Ihre vielen Besuche ließen Nemes mit dem Buchenwald vertraut werden. Die immergleichen Wege, die immergleichen Buchen mit Wurzeln, über die sie immer wieder stolpert. Und doch ist jedes Mal vieles neu: Das rasch wechselnde Licht an der See, die Winde, die Wolken.

Nemes‘ Mittelformatkamera übersetzt die Elemente in feine Grautöne. Das zarte Grün des Mais und die hellen Gelbtöne des Oktobers werden auf ihren Silbergelantineabzügen dabei zum selben Grau. Es wirkt wie eine Klammer, die den ewigen Kreislauf der Jahreszeiten, das Werden und Vergehen betont.

Le travail "Graubaum und Himmelmeer" a été réalisé sur une période de deux ans et demi sur l'île de Rügen, un endroit que l'artiste a choisi comme lieu de retraite. Dans le parc national de Jasmund, elle a commencé à photographier la forêt de hêtres et oppose à ces prises de vue des regards sur l'immensité de la mer. Entre-temps, elle s'y est rendue plus d'une douzaine de fois et à toutes les saisons. La série sera publiée au début de l'été 2022 et exposée pour la première fois à l'hôtel de ville d'Ulm.

Ses nombreuses visites ont permis à Nemes de se familiariser avec le Buchenwald. Les mêmes chemins, les mêmes hêtres avec des racines sur lesquelles elle trébuche à chaque fois. Et pourtant, à chaque fois, beaucoup de choses sont nouvelles : la lumière qui change rapidement au bord de la mer, les vents, les nuages.

L'appareil photo moyen format de Nemes traduit les éléments en fines nuances de gris. Le vert tendre du maïs et les tons jaunes clairs d'octobre deviennent ainsi le même gris sur ses tirages à la gélatine argentée. Cela agit comme une parenthèse qui souligne le cycle éternel des saisons, le devenir et la disparition.

L'opera "Graubaum und Himmelmeer" è stata creata durante un periodo di due anni e mezzo sull'isola di Rügen, un luogo che l'artista ha scelto come ritiro. Ha iniziato a fotografare la foresta di faggi nel parco nazionale di Jasmund e giustappone questi scatti con viste della distesa del mare. Nel frattempo, ci è stata più di una dozzina di volte e in tutte le stagioni. La serie sarà pubblicata all'inizio dell'estate 2022 ed esposta per la prima volta nel municipio di Ulm.

Le sue numerose visite permisero a Nemes di familiarizzare con Buchenwald. Gli stessi vecchi sentieri, gli stessi vecchi faggi con le radici su cui inciampa continuamente. Eppure c'è molto di nuovo ogni volta: la luce che cambia rapidamente sul mare, i venti, le nuvole.

La telecamera di medio formato di Nemes traduce gli elementi in sottili sfumature di grigio. Il verde delicato del mais e i toni gialli brillanti di ottobre diventano lo stesso grigio nelle sue stampe alla gelatina d'argento. Agisce come una parentesi che sottolinea il ciclo eterno delle stagioni, il divenire e il passare.

The work Greytree and Heavensea by Loredana Nemes was created over a period of two and a half years on the island of Rügen, a place the artist had chosen as a shelter and retreat. She began photographing the beech trees in the Jasmund National Park and juxtaposes these shots with views of the expanse of the sea. To date she has visited a dozen times in every season. The resulting series will be published in spring 2022 and exhibited for the first time at the Stadthaus Ulm.

Her frequent visits allowed Nemes to become familiar with the beech forest. Always the same paths, always the same beech trees, always the same roots over which she stumbles. And yet many things are new each time: the rapidly changing light by the sea, the winds, the clouds. Nemes' medium format camera translates the elements into subtle nuances of grey.

(Text: Stadthaus Ulm)

Kunstverein Ludwigshafen
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Bodies in (e)Motion

Archive of Public Protests, Michał Iwanowski, Giya Makondo-Wills, Mashid Mohadjerin, Gloria Oyarzabal, Felipe Romero Beltrán

Im Internet tauschen Menschen viele Ideen, Meinungen und Haltungen miteinander aus. Dennoch bleibt der Körper das wichtigste Mittel, um die eigene kulturelle, religiöse und politische Identität auszudrücken. Menschen verkörpern ihre Erfahrungen und Meinungen bei Massenprotesten im Kampf für Redefreiheit, für Frauenrechte und gegen den Klimawandel. Zugleich ist der Körper aber auch zerbrechlich und anfällig für staatliche Gewalt und für Angriffe aufgrund unterschiedlicher Anschauungen.

Gesellschaftliche Strukturen und Konzepte haben sich im Laufe der Geschichte herausgebildet: Sie wandern und werden adaptiert, wann immer Menschen migrieren. Kolonialismus, Imperialismus, globaler Handel und Massenmedien haben westliche Werte und Perspektiven auf der ganzen Welt verbreitet. Die ausgewählten Künstler*innen in der Ausstellung Bodies in (e)Motion fungieren als Vermittler*innen, um Gedanken und Haltungen zu Freiheit, Feminismus und Religion zu veranschaulichen, die in der westlichen Welt wenig bekannt sind.

In der Ausstellung werden die Ergebnisse präsentiert, die aus ausführlichen Dialogen zwischen den Künstler*innen und ihren Mitstreiter*innen hervorgegangen sind. Performances, Zeitungen und Collagen zeigen, wie Menschen selbstbestimmt und im ständigen Ideenaustausch mit anderen ihre eigene Identität geformt haben.

Sur Internet, les gens échangent de nombreuses idées, opinions et attitudes. Cependant, le corps reste le principal moyen d'exprimer sa propre identité culturelle, religieuse et politique. Les gens incarnent leurs expériences et leurs opinions lors de manifestations de masse dans la lutte pour la liberté d'expression, pour les droits des femmes et contre le changement climatique. Mais en même temps, le corps est fragile et vulnérable à la violence étatique et aux attaques fondées sur des opinions différentes.

Les structures et les concepts sociaux se sont développés au cours de l'histoire : Elles se déplacent et s'adaptent à chaque fois que les gens migrent. Le colonialisme, l'impérialisme, le commerce mondial et les médias de masse ont diffusé les valeurs et les perspectives occidentales dans le monde entier. Les artistes sélectionnés* dans l'exposition Bodies in (e)Motion agissent en tant que médiateurs* pour illustrer des pensées et des attitudes sur la liberté, le féminisme et la religion qui sont peu connues dans le monde occidental.

L'exposition présente les résultats issus de dialogues approfondis entre les artistes* et leurs compagnons de route. Des performances, des journaux et des collages montrent comment des personnes ont façonné leur propre identité de manière autodéterminée et en échangeant constamment des idées avec d'autres.

Su internet, la gente si scambia molte idee, opinioni e atteggiamenti tra di loro. Eppure il corpo rimane il mezzo più importante per esprimere la propria identità culturale, religiosa e politica. Le persone incarnano le loro esperienze e opinioni in proteste di massa nella lotta per la libertà di parola, per i diritti delle donne e contro il cambiamento climatico. Allo stesso tempo, il corpo è anche fragile e vulnerabile alla violenza dello Stato e agli attacchi basati su opinioni diverse.

Le strutture e i concetti sociali si sono evoluti nel corso della storia: Migrano e si adattano ogni volta che le persone migrano. Il colonialismo, l'imperialismo, il commercio globale e i mass media hanno diffuso i valori e le prospettive occidentali nel mondo. Gli artisti selezionati nella mostra Bodies in (e)Motion agiscono come mediatori per illustrare pensieri e atteggiamenti sulla libertà, il femminismo e la religione che sono poco conosciuti nel mondo occidentale.

La mostra presenta i risultati di ampi dialoghi tra gli artisti e i loro collaboratori. Spettacoli, giornali e collage mostrano come le persone hanno plasmato la propria identità in modo autodeterminato e in un costante scambio di idee con gli altri.

In the digital sphere, ideas, opinions and attitudes are widely exchanged. Yet the body itself is still the most important means of truly expressing one's cultural, religious and political identity. This embodied expression of experiences and belief systems is used in mass protests for the struggle for freedom of speech, women's rights and climate change. At the same time, the body is a fragile shell and vulnerable to state violence and opposing views. 

Ideas and beliefs are formed throughout history, and they migrate and are adapted when people move. Colonialism, imperialism, global trade and mass media have ensured that values and beliefs from the West have spread around the world. The selected artists in Bodies in (e)Motion act as mediators to show thoughts and attitudes related to freedom, feminism and religion which are less known in the Western world. And they reveal how, in a more subtle way, the body can also act individually against the views that are forced upon it. 

Bodies in (e)Motion presents in-depth dialogues that took place between the artists and their collaborators during the creation of their work. These resulting performances, newspapers and collages show how people have formed their identity based on their own conditions and the ongoing exchange of ideas.

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Museum Weltkulturen | Mannheim
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Narratives of Resistance
Poulomi Basu, Silvy Crespo, Nepal Picture Library

Die Ausstellung Narratives of Resistance konzentriert sich auf wenig beachtete Konflikte zwischen Regierungen und lokalen Bevölkerungsgruppen. Der groß angelegte Lithium-Abbau im nördlichen Portugal, der langwierige Kampf um das Adivasi-Territorium in Zentralindien und die ökologischen Herausforderungen, vor denen Nepal in der Chitwan-Region steht: Alle diese Auseinandersetzungen haben gravierende Folgen für die Bewohner*innen und ihre Umwelt.

Die Künstler*innen haben diese sozialen und politischen Aufstände gegen Landraub, Ressourcenausbeutung und die anhaltende Verletzung von Menschenrechten sorgfältig dokumentiert. Indem sie fiktionale Erzählstrategien anwenden und historische Dokumente sowie Bildmaterial von Betroffenen hinzufügen, haben sie innovative Formen gefunden, um die Geschichten zugänglich zu machen. Erzählt wird aus den Perspektiven derjenigen, die die Ereignisse seit Langem miterleben und spüren, wie sie die Beziehung zu ihrer Umwelt auf Dauer verlieren und wie tiefgreifend sich diese verändert.

Könnten diese Erzählungen des Widerstands zu lebendigen Archiven werden, die zu einer größeren, verdienten Aufmerksamkeit für diese Bewegungen beitragen?

L'exposition Narratives of Resistance se concentre sur des conflits peu médiatisés entre les gouvernements et les populations locales. L'exploitation à grande échelle du lithium dans le nord du Portugal, la longue lutte pour le territoire adivasi dans le centre de l'Inde et les défis écologiques auxquels le Népal est confronté dans la région de Chitwan : Tous ces conflits ont de graves conséquences pour les habitants* et leur environnement.

Les artistes* ont soigneusement documenté ces soulèvements sociaux et politiques contre l'accaparement des terres, l'exploitation des ressources et la violation continue des droits de l'homme. En utilisant des stratégies narratives fictionnelles et en ajoutant des documents historiques et des images des personnes concernées, ils ont trouvé des formes innovantes pour rendre ces histoires accessibles. Le récit est fait du point de vue de ceux qui vivent les événements depuis longtemps et qui ressentent la perte durable de leur relation avec leur environnement et la transformation profonde de celui-ci.

Ces récits de résistance pourraient-ils devenir des archives vivantes, contribuant à une attention plus grande et méritée pour ces mouvements ? 

La mostra Narratives of Resistance si concentra su conflitti poco noti tra governi e popolazioni locali. L'estrazione di litio su larga scala nel nord del Portogallo, la lotta prolungata per il territorio Adivasi nell'India centrale e le sfide ecologiche che il Nepal deve affrontare nella regione di Chitwan: Tutte queste lotte hanno gravi conseguenze per gli abitanti e il loro ambiente.

Gli artisti hanno accuratamente documentato queste rivolte sociali e politiche contro l'accaparramento delle terre, lo sfruttamento delle risorse e la continua violazione dei diritti umani. Usando strategie narrative fittizie e aggiungendo documenti storici e filmati delle persone colpite, hanno trovato modi innovativi per rendere le storie accessibili. Le narrazioni sono raccontate dal punto di vista di coloro che assistono agli eventi da molto tempo e sentono come stanno perdendo permanentemente la loro relazione con l'ambiente e come questo stia cambiando profondamente.

Queste narrazioni di resistenza potrebbero diventare archivi viventi che contribuiscono a una maggiore e meritata attenzione a questi movimenti?

The exhibition Narratives of Resistance focuses on marginalised conflicts between national governments and indigenous communities. Large-scale lithium mining infrastructure in northern Portugal, the protracted struggle for Adivasi territory in central India and the ecological challenges facing Nepal in the Chitwan region: these have all had a serious impact on the inhabitants and their lands.

The artists have carefully documented these social and political uprisings against land grabbing, resource exploitation and the continued disregard for human rights. By using fictional storytelling strategies while adding historical documents and images of the people themselves, they have found innovative ways to tell these histories.

The perspective of the accounts is of those who have been living through the events for a long time and feel the loss of a lasting relationship with their environment and its profound transformations. Could these narratives of resistance become living archives that can contribute to the recognition of, and justice for, these resistance movements?

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

PORT25 – Raum für Gegenwartskunst | Mannheim
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Collective Minds
Anna Ehrenstein, Anouk Kruithof, Kelebogile Ntladi

In unserer vernetzten Gesellschaft nutzen wir Bilder, teilen sie und kommunizieren mit ihnen, um Kontakte zu knüpfen und uns mit anderen verbunden zu fühlen. Sich selbst zu fotografieren und zu filmen ist ein mächtiges Werkzeug, um die eigene Identität auszudrücken und online nach Gleichgesinnten zu suchen. Soziale Medien fungieren als Plattformen, auf denen vom Mainstream abweichende Lebensentwürfe präsentiert werden und Unterstützung finden.

Die ausgewählten Künstler*innen haben on- und offline Netzwerke mit jungen Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund aufgebaut, mit kreativen Unternehmer*innen im Senegal ebenso wie mit queeren Gemeinschaften in Südafrika. Die Arbeiten in der Ausstellung Collective Minds sind in den Bereichen Mode, Sport und populäre Musik angesiedelt, in denen Identität eine zentrale Rolle spielt. Die Künstler*innen zeigen alternative Formen des Zusammenlebens auf und schaffen ein kollektives Bewusstsein über Grenzen und Vorurteile hinweg.

Dank dieser gemeinschaftlichen Leistung setzt die Ausstellung Collective Minds eine mitreißende Energie frei, in der der Entstehungsprozess der Werke spürbar wird.

Dans notre société en réseau, nous utilisons les images, les partageons et communiquons avec elles pour établir des contacts et nous sentir connectés aux autres. Se photographier et se filmer est un outil puissant pour exprimer sa propre identité et rechercher en ligne des personnes partageant les mêmes idées. Les médias sociaux fonctionnent comme des plateformes sur lesquelles les projets de vie qui s'écartent du courant dominant sont présentés et soutenus.

Les artistes sélectionnés* ont créé des réseaux en ligne et hors ligne avec des jeunes d'horizons différents, avec des entrepreneurs créatifs au Sénégal ainsi qu'avec des communautés queer en Afrique du Sud. Les travaux présentés dans l'exposition Collective Minds s'inscrivent dans les domaines de la mode, du sport et de la musique populaire, dans lesquels l'identité joue un rôle central. Les artistes* mettent en évidence des formes alternatives de cohabitation et créent une conscience collective au-delà des frontières et des préjugés.

Grâce à cette performance collective, l'exposition Collective Minds libère une énergie entraînante dans laquelle le processus de création des œuvres est palpable.

Nella nostra società in rete, usiamo le immagini, le condividiamo e comunichiamo con esse per socializzare e sentirci connessi agli altri. Fotografare e filmare se stessi è uno strumento potente per esprimere la propria identità e cercare persone simili online. I social media fungono da piattaforma per mostrare e sostenere gli stili di vita che si discostano dal mainstream.

Gli artisti selezionati hanno costruito reti online e offline con giovani provenienti da diversi contesti, da imprenditori creativi in Senegal a comunità queer in Sud Africa. Le opere della mostra Collective Minds sono situate nei campi della moda, dello sport e della musica popolare, in cui l'identità gioca un ruolo centrale. Gli artisti mostrano modi alternativi di vivere insieme e creano una coscienza collettiva al di là delle frontiere e dei pregiudizi.

Grazie a questo sforzo collaborativo, la mostra Collective Minds sprigiona un'energia inebriante in cui si può sentire il processo di creazione delle opere.

In our networked society we use, share, and communicate with images in order to get and feel connected. To photograph and film oneself is a powerful tool to express one's identity and to search for like-minded people. Social media platforms offer spaces to present and find support for lifestyles which deviate from mainstream views.

The artists presented in Port25 have created networks on- and offline with young people from a multitude of backgrounds, with creative entrepreneurs in Senegal and queer communities in South Africa. The works in Collective Minds are situated in fashion, sports, and popular music spheres, in which identity plays a central role. In doing so, the artists bring forward modes of living together and create collective minds across borders and beyond prejudices.

Through this collective effort, the exhibition Collective Minds evokes a vibrating energy, in which the process of making the works becomes tangible.

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Heidelberger Kunstverein | Heidelberg
19. März - 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Changing Ecosystems

Der menschliche Bedarf an Energie, Baumaterialien und Chemikalien hat ebenso wie der intensive Anbau von Nahrungsmitteln zum Rückgang natürlicher Ökosysteme geführt. Die ausgewählten Künstler*innen in Changing Ecosystems haben verschiedene Ökosysteme dokumentiert, indem sie deren aktuellen Zustand als Folge von Veränderungsprozessen erfassen. Diese zeitintensive und entschleunigte Herangehensweise ermöglicht es ihnen, die Auswirkungen globaler Entwicklungen auf die Flora und Fauna ausgewählter Gebiete detailliert offenzulegen.

Einerseits können die ausgestellten Werke als Indikatoren verstanden werden, die die Veränderungen in der Tier- und Pflanzenwelt sichtbar werden lassen. Andererseits stehen sie für einen allmählichen Bewusstseinswandel. Sie zeigen, wie sich unser Verhältnis zur Natur verändert: Der Versuch des Menschen, die Natur zu unterwerfen, weicht langsam dem Wunsch, mit ihr in Einklang zu leben.

Können wir den Wert vielfältiger Ökosysteme auf der ganzen Welt durch die Bemühungen der Künstler*innen, diese Veränderungsprozesse sicht- und begreifbar zu machen, besser verstehen?

Les besoins humains en énergie, en matériaux de construction et en produits chimiques ont entraîné le déclin des écosystèmes naturels, tout comme la culture intensive de denrées alimentaires. Les artistes* sélectionnés dans Changing Ecosystems ont documenté différents écosystèmes en saisissant leur état actuel comme conséquence des processus de changement. Cette approche chronophage et décélérée leur permet de révéler en détail les effets des développements mondiaux sur la flore et la faune de régions sélectionnées.

D'une part, les œuvres exposées peuvent être considérées comme des indicateurs qui rendent visibles les changements dans le monde animal et végétal. D'autre part, elles représentent un changement progressif des mentalités. Elles montrent comment notre rapport à la nature évolue : La tentative de l'homme de soumettre la nature fait lentement place au désir de vivre en harmonie avec elle.

Pouvons-nous mieux comprendre la valeur des écosystèmes variés dans le monde entier grâce aux efforts des artistes* pour rendre ces processus de changement visibles et compréhensibles ?

La domanda umana di energia, materiali da costruzione e prodotti chimici ha portato al declino degli ecosistemi naturali, così come la coltivazione intensiva di cibo. Gli artisti selezionati in Changing Ecosystems hanno documentato diversi ecosistemi registrando il loro stato attuale come risultato dei processi di cambiamento. Questo approccio che richiede tempo e decelerazione permette loro di rivelare in dettaglio gli effetti degli sviluppi globali sulla flora e la fauna di aree selezionate.

Da un lato, le opere esposte possono essere intese come indicatori che rendono visibili i cambiamenti nel mondo animale e vegetale. D'altra parte, sono sinonimo di un cambiamento graduale della coscienza. Mostrano come il nostro rapporto con la natura stia cambiando: Il tentativo dell'uomo di sottomettere la natura sta lentamente cedendo il passo al desiderio di vivere in armonia con essa.

Possiamo comprendere meglio il valore dei diversi ecosistemi nel mondo attraverso gli sforzi degli artisti per rendere questi processi di cambiamento visibili e comprensibili?

Human demand for energy, building materials, chemicals as well as intensive food cultivation has caused natural ecosystems to diminish. The selected artists in Changing Ecosystems have each documented specific ecosystems, portrayed their current state, and mapped natural processes taking place at a specific moment in time. This slow-paced approach allows them to meticulously unravel the impact of global developments on the flora and fauna of certain localities.

On the one hand, the exhibited works can be regarded as indicators which make changes in vegetation and animal life visible to the eye; on the other hand, the images make us aware of a slow change in our consciousness. In the recent past, a reversal has become noticeable in our relationship to nature: the desire for control is turning into a relationship in which nature is treated as an equal organism.

Might we understand the value of a variety of ecosystems around the world better through the artists’ efforts in making these hidden processes visual and tangible?

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

BelleVue - Ort für Fotografie | Basel
19. März - 26. Juni 2022

Kleinbasel

Kleinbasel im Fokus: Der Ausstellungsraum von BelleVue befindet sich mitten im Kleinbasel. Was liegt also näher, als das eigene Umfeld fotografisch zu erkunden? BelleVue hat für die zweite Ausstellung der Reihe «Im Bild – Archivierte und zeitgenössische Fotografie im Dialog» vier FotografInnen beauftragt, eine aktuelle Arbeit mit jeweils eigenem Fokus auf das Kleinbasel zu realisieren. Auch Schülerinnen und Schüler des Bläsi- und des Sandgrubenschulhauses haben Fotoarbeiten zum Thema entwickelt. Die zeitgenössischen Bilder treten in der Ausstellung in einen Austausch mit historischen Fotografien von 1880 bis 1920 aus dem Staatsarchiv Basel-Stadt und mit Postkarten, die in der damaligen Zeit ein neues Bildmedium darstellten.

Fotografie vor Ort: Die FotografInnen haben ihre Projekte ab Herbst 2020 umgesetzt: Maria Patzschke hielt in einer Art fotografischem Tagebuch diverse, zufällig angetroffene Situationen fest. Ursula Sprecher besuchte mit Viviane Herzog (Interviews) Menschen ganz unterschiedlicher Herkunft in ihrem Kleinbasler Zuhause, um sie in Bild und Text zu porträtieren. Roland Schmid spürte in seinen Fotoreportagen der Arbeitswelt im Kleinbasel nach und Christian Jaeggi setzte sich fotografisch mit den Grün- und Erholungsräumen der acht Quartiere auseinander.

Neue Fragen an alte Bilder: Das Staatsarchiv Basel-Stadt macht in der Ausstellung an einzelnen Strassenansichten, Porträts und Baustellenbildern aus dem frühen 20. Jahrhundert erlebbar, was die historischen Fotografien über das Leben und Arbeiten im Kleinbasel erzählen können. Eine filmische Visualisierung, Fotoalben und Bildauszüge laden ein, sich auch in die Details zu vertiefen. Zudem ermöglicht eine von Richard Spillmann zusammengestellte Auswahl alter Ansichtskarten einen speziellen Einblick in das damalige Kleinbasel.

Einladung zum Hinsehen: Im Zentrum der Ausstellung steht der fotografische Blick auf einzelne Quartiere, Strassen und Plätze, auf Menschen, die hier wohnen, arbeiten oder ihre Freizeit verbringen. Die FotografInnen machen ein Stück Kleinbasler Alltag sichtbar und öffnen neue Blickwinkel auf das Altbekannte. Für Überraschungen sorgt die Ausstellung auch durch das genaue Befragen der historischen Fotografien und durch die Bezüge, die sich zwischen den alten und neuen Bildern herstellen lassen. – Eine Einladung zum Hinsehen, Entdecken und Nachdenken, aber auch zu eigenen Streifzügen durch die Stadt.

Im Rahmen der Reihe «Im Bild – Archivierte und zeitgenössische Fotografie im Dialog»

Le Petit-Bâle en point de mire : la salle d'exposition de BelleVue se trouve au cœur du Petit-Bâle. Quoi de plus naturel donc que d'explorer son propre environnement par la photographie ? Pour la deuxième exposition de la série "Im Bild - Archivierte und zeitgenössische Fotografie im Dialog", BelleVue a demandé à quatre photographes de réaliser un travail actuel en se concentrant chacun sur le Kleinbasel. Des élèves de l'école Bläsi et de l'école Sandgruben ont également développé des travaux photographiques sur ce thème. Dans l'exposition, les images contemporaines entrent en interaction avec des photographies historiques de 1880 à 1920 provenant des archives d'État de Bâle-Ville et avec des cartes postales, qui représentaient à l'époque un nouveau support d'images.

Photographie sur place : les photographes ont mis en œuvre leurs projets à partir de l'automne 2020 : Maria Patzschke a consigné dans une sorte de journal photographique diverses situations rencontrées par hasard. Ursula Sprecher, accompagnée de Viviane Herzog (interviews), a rendu visite à des personnes d'origines très diverses dans leur foyer du Petit-Bâle pour en faire le portrait par l'image et le texte. Dans ses reportages photographiques, Roland Schmid s'est intéressé au monde du travail dans le Petit-Bâle et Christian Jaeggi a photographié les espaces verts et de détente des huit quartiers.

De nouvelles questions sur de vieilles images : Les Archives d'État de Bâle-Ville font découvrir dans l'exposition, à travers quelques vues de rues, portraits et images de chantiers du début du 20e siècle, ce que les photographies historiques peuvent raconter sur la vie et le travail dans le Petit-Bâle. Une visualisation filmée, des albums photos et des extraits d'images invitent également à se plonger dans les détails. De plus, une sélection d'anciennes cartes postales rassemblées par Richard Spillmann permet de se faire une idée particulière du Petit-Bâle de l'époque.

Une invitation à regarder : Le regard photographique sur les différents quartiers, rues et places, sur les personnes qui y vivent, y travaillent ou y passent leur temps libre, est au centre de l'exposition. Les photographes rendent visible une partie du quotidien du Petit-Bâle et ouvrent de nouvelles perspectives sur ce qui est déjà connu. L'exposition réserve également des surprises par l'interrogation précise des photographies historiques et par les liens que l'on peut établir entre les anciennes et les nouvelles images. - Une invitation à regarder, à découvrir et à réfléchir, mais aussi à se promener soi-même dans la ville.

Dans le cadre de la série "Im Bild - Dialogue entre la photographie archivée et la photographie contemporaine".

Kleinbasel a fuoco: lo spazio espositivo di BelleVue si trova al centro di Kleinbasel. Cosa c'è quindi di più naturale che esplorare fotograficamente il proprio ambiente? Per la seconda mostra della serie "Im Bild - Archivierte und zeitgenössische Fotografie im Dialog" (Nell'immagine - Fotografia archivistica e contemporanea in dialogo), BelleVue ha incaricato quattro fotografi di produrre un lavoro attuale, ognuno con il proprio focus su Kleinbasel. Gli alunni delle scuole Bläsi e Sandgruben hanno anche sviluppato lavori fotografici sul tema. Nella mostra, le immagini contemporanee entrano in uno scambio con fotografie storiche dal 1880 al 1920 dall'Archivio di Stato di Basel-Stadt e con cartoline, che rappresentavano un nuovo mezzo visivo all'epoca.

Fotografia sul posto: i fotografi hanno realizzato i loro progetti a partire dall'autunno 2020: Maria Patzschke ha registrato varie situazioni incontrate per caso in una sorta di diario fotografico. Ursula Sprecher ha visitato persone di origini molto diverse nelle loro case di Kleinbasel con Viviane Herzog (interviste) per ritrarle in immagini e testi. Roland Schmid ha tracciato il mondo del lavoro di Kleinbasel nei suoi reportage fotografici e Christian Jaeggi si è occupato fotograficamente degli spazi verdi e ricreativi degli otto quartieri.

Nuove domande per vecchie foto: Nella mostra, l'Archivio di Stato di Basilea Città utilizza singole vedute di strade, ritratti e immagini di cantieri dell'inizio del 20° secolo per portare in vita ciò che le fotografie storiche possono dirci sulla vita e il lavoro a Kleinbasel. Una visualizzazione di film, album fotografici ed estratti di immagini invitano i visitatori ad approfondire anche i dettagli. Inoltre, una selezione di vecchie cartoline illustrate compilate da Richard Spillmann fornisce una visione speciale di Kleinbasel a quel tempo.

Invito a dare un'occhiata: Al centro della mostra c'è la visione fotografica di singoli quartieri, strade e piazze, di persone che vivono, lavorano o trascorrono il loro tempo libero qui. I fotografi rendono visibile un pezzo della vita quotidiana di Kleinbasel e aprono nuove prospettive sul familiare. La mostra sorprende anche per l'interrogazione ravvicinata delle fotografie storiche e per le connessioni che si possono fare tra le vecchie e le nuove immagini. - Un invito a guardare, scoprire e riflettere, ma anche a fare le proprie incursioni nella città.

Come parte della serie "In the Picture - Archival and Contemporary Photography in Dialogue".

Kleinbasel in focus: BelleVue's exhibition space is located in the middle of Kleinbasel. So what could be more natural than to explore one's own surroundings photographically? For the second exhibition in the series "Im Bild - Archivierte und zeitgenössische Fotografie im Dialog" (In the Picture - Archival and Contemporary Photography in Dialogue), BelleVue commissioned four photographers to produce a current work, each with its own focus on Kleinbasel. Students from the Bläsi and Sandgruben Schoolhouses have also developed photographic works on the theme. In the exhibition, the contemporary images enter into an exchange with historical photographs from 1880 to 1920 from the Basel-Stadt State Archives and with postcards, which represented a new image medium at the time.

Photography on location: the photographers implemented their projects from the fall of 2020: Maria Patzschke recorded various situations encountered by chance in a kind of photographic diary. Ursula Sprecher visited people of very different origins in their Kleinbasel homes with Viviane Herzog (interviews) to portray them in pictures and text. Roland Schmid traced the working world in Kleinbasel in his photo reportages, and Christian Jaeggi dealt photographically with the green and recreational spaces of the eight quarters.

New questions to old pictures: In the exhibition, the Basel-Stadt State Archive uses individual street views, portraits and construction site images from the early 20th century to bring to life what the historical photographs can tell us about life and work in Kleinbasel. A cinematic visualization, photo albums and picture excerpts invite visitors to delve into the details as well. In addition, a selection of old picture postcards compiled by Richard Spillmann provides a special insight into Kleinbasel at that time.

Invitation to take a look: The focus of the exhibition is the photographic view of individual quarters, streets and squares, of people who live, work or spend their leisure time here. The photographers make a piece of everyday life in Kleinbasel visible and open up new perspectives on the old familiar. The exhibition also provides surprises by closely questioning the historical photographs and by the references that can be made between the old and new pictures. - An invitation to look, discover and reflect, but also to make your own forays through the city.

As part of the series "In the Picture - Archival and Contemporary Photography in Dialog".

(Text: BelleVue - Ort für Fotografie, Basel)

Camera Austria | Graz
19. März – 22. Mai 2022

Über die Ränder
Tizza Covi & Rainer Frimmel

Vielfach ausgezeichnet und auf internationalen Filmfestivals vorgestellt, gehören die Filme des Wiener Regie-Duos Tizza Covi und Rainer Frimmel zu den interessantesten und sinnlichsten Arbeiten der jüngeren österreichischen Filmgeschichte. Sozialrealistisch und poetisch zugleich faszinieren die Filme nicht zuletzt durch ihre zärtliche Hinwendung und Zuneigung zu ihren Protagonist*innen. Weniger bekannt ist hingegen das fotografische Œuvre von Covi und Frimmel, das nicht nur als Vorstudie zu ihren Filmen gesehen werden muss, sondern eigenständigen Betrachtungsweisen und künstlerischen Konzepten folgt – wiewohl etwa der Einsatz von analogem Film- und Fotomaterial eine Parallele darstellt.

In zugleich präzisen wie behutsamen Bildern wird Fotografie zum Schauplatz einer besonderen Zusammenarbeit zwischen den Künstler*innen und ihren Protagonist*innen. Sie erlauben uns durch ihre Arbeitsweise nicht nur, in ein anderes Verhältnis zu dem zu treten, was wir als Ränder der Gesellschaft zu verstehen gewohnt sind, sondern auch Vorstellungen über unsere Gesellschaft von diesen Rändern her neu zu denken.

Die Diagonale widmet Tizza Covi und Rainer Frimmel vom 6. – 10.4.2022 eine umfassende Filmschau im Rahmen der Programmreihe »Zur Person«, während Camera Austria eine Ausstellung ihrer Fotografien zeigt. Das gemeinsame Vorhaben ist die erste umfassendere Werkschau zu Tizza Covi und Rainer Frimmel überhaupt.

Tizza Covi, geboren 1971 in Bozen (IT), und Rainer Frimmel, geboren 1971 in Wien (AT), besuchten beide von 1992 bis 1994 das Kolleg für Fotografie an der Graphischen Lehranstalt in Wien. Seit 1996 arbeiten sie gemeinsam an Projekten in den Bereichen Fotografie, Theater und Film. 2002 gründeten sie die Produktionsfirma Vento Film, um ihre Filme unabhängig zu produzieren. Ihre Dokumentar,- und Spielfilme, die sie immer mit Laiendarstellern besetzen und auf analogem 16mm-Filmmaterial drehen, wurden auf internationalen Filmfestivals vielfach ausgezeichnet.

Récompensés à de nombreuses reprises et présentés dans des festivals de cinéma internationaux, les films du duo de réalisateurs viennois Tizza Covi et Rainer Frimmel comptent parmi les œuvres les plus intéressantes et les plus sensuelles de l'histoire récente du cinéma autrichien. Réalistes sur le plan social et poétiques à la fois, ces films fascinent notamment par l'attention et l'affection qu'ils portent à leurs protagonistes*. En revanche, l'œuvre photographique de Covi et Frimmel est moins connue. Elle ne doit pas seulement être considérée comme une étude préliminaire à leurs films, mais suit des méthodes d'observation et des concepts artistiques autonomes - même si l'utilisation de films et de matériel photographique analogiques constitue un parallèle.

Dans des images à la fois précises et prudentes, la photographie devient le théâtre d'une collaboration particulière entre les artistes* et leurs protagonistes. Par leur méthode de travail, ils nous permettent non seulement d'entrer dans un autre rapport à ce que nous avons l'habitude de considérer comme les marges de la société, mais aussi de repenser les idées sur notre société à partir de ces marges.

Du 6 au 10 avril 2022, la Diagonale consacrera à Tizza Covi et Rainer Frimmel une vaste exposition de films dans le cadre de la série de programmes "Zur Person", tandis que Camera Austria présentera une exposition de leurs photographies. Ce projet commun est la première exposition complète de l'œuvre de Tizza Covi et Rainer Frimmel.

Tizza Covi, né en 1971 à Bolzano (IT), et Rainer Frimmel, né en 1971 à Vienne (AT), ont tous deux fréquenté le Kolleg für Fotografie à la Graphische Lehranstalt de Vienne de 1992 à 1994. Depuis 1996, ils travaillent ensemble sur des projets dans les domaines de la photographie, du théâtre et du cinéma. En 2002, ils ont fondé la société de production Vento Film afin de produire leurs films de manière indépendante. Leurs films documentaires et de fiction, toujours réalisés avec des acteurs non professionnels et tournés sur du matériel analogique 16 mm, ont été récompensés à de nombreuses reprises dans des festivals de cinéma internationaux.

I film del duo di registi viennesi Tizza Covi e Rainer Frimmel, che hanno vinto numerosi premi e sono stati presentati in festival internazionali, sono tra le opere più interessanti e sensuali della recente storia del cinema austriaco. Socialmente realistici e poetici allo stesso tempo, i film sono affascinanti non da ultimo per la tenera devozione e l'affetto verso i loro protagonisti. Meno conosciuta, tuttavia, è l'opera fotografica di Covi e Frimmel, che non deve essere vista solo come uno studio preparatorio per i loro film, ma segue anche approcci e concetti artistici indipendenti - anche se l'uso di pellicola analogica e materiale fotografico è un parallelo.

In immagini che sono allo stesso tempo precise e attente, la fotografia diventa lo scenario di una speciale collaborazione tra gli artisti e i loro protagonisti. Attraverso il loro modo di lavorare, non solo ci permettono di entrare in un rapporto diverso con ciò che siamo abituati a intendere come i margini della società, ma anche di ripensare le idee sulla nostra società da questi margini.

La Diagonale dedica a Tizza Covi e Rainer Frimmel un'ampia rassegna cinematografica dal 6 al 10 aprile 2022 nell'ambito della serie di programmi "Zur Person", mentre Camera Austria presenta una mostra delle loro fotografie. Il progetto congiunto è la prima mostra completa di opere di Tizza Covi e Rainer Frimmel.

Tizza Covi, nata nel 1971 a Bolzano (IT), e Rainer Frimmel, nato nel 1971 a Vienna (AT), hanno entrambi frequentato la scuola di fotografia alla Graphische Lehranstalt di Vienna dal 1992 al 1994. Dal 1996 lavorano insieme a progetti nel campo della fotografia, del teatro e del cinema. Nel 2002 hanno fondato la società di produzione Vento Film per produrre i loro film in modo indipendente. I loro documentari e lungometraggi, sempre realizzati con attori non professionisti e girati su materiale analogico in 16mm, hanno vinto numerosi premi in festival internazionali.

The films by Vienna’s director duo Tizza Covi and Rainer Frimmel count among the most fascinating and sensuous works of recent Austrian film history. They are shown at international film festivals and have received numerous awards. At once social realistic and poetic, the films are compelling not least due to their tender treatment of and affection for their protagonists, sometimes played by amateurs. Less well known is the photographic oeuvre of Covi and Frimmel. While these photographs may be considered a preliminary study for the duo’s films, they must also be seen as independent perspectives and artistic concepts—though analogue film and photo materials represent a parallel use.

In images that are at once concise and gentle, Tizza Covi and Rainer Frimmel’s photographs make photography the scene of a special cooperation between the artists and their protagonists. Through their method, the filmmakers do not only allow us to enter into an entirely different relationship to what we are used to understand as the fringes of society, but also to rethink the ideas about our society from the perspective of these fringes.

The Diagonale has dedicated the extensive film program “Spotlight on” to Tizza Covi and Rainer Frimmel, which will be presented from April 6 to 10, 2022, and Camera Austria presents a first comprehensive exhibition of their photographic work. This joint endeavor is the first sweeping presentation of Tizza Covi and Rainer Frimmel’s oeuvre.

Tizza Covi, born in Bolzano (IT) in 1971, and Rainer Frimmel, born in Vienna (AT) in 1971, both attended the Kolleg für Fotografie at the Graphische Lehranstalt in Vienna from 1992 to 1994. They have been collaborating since 1996 on projects in the fields of photography, theater, and film. They established the production company Vento Film in 2002 in order to produce their films independently. Their documentary and feature films, which are always cast with amateur actors and shot on 16mm film, have been awarded prizes at many international festivals.

(Text: Camera Austria, Graz)

Wilhelm-Hack-Museum | Ludwigshafen am Rhein
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Shaping Data
Mónica Alcázar-Duarte, Heba Y. Amin, Alexandra Davenport, Matthieu Gafsou, Thomas Kuijpers, Yufan Lu, Paulien Oltheten, Sara, Peter & Tobias, Salvatore Vitale

Die Ausstellung Shaping Data untersucht, wie sich die weit verbreitete Nutzung digitaler Technologien auf unseren Körper auswirkt, unsere Meinungen prägt und zwischenmenschliche Beziehungen verändert. Wir verbringen einen Großteil unserer Zeit mit technischen Geräten und geben dabei oft persönliche Daten preis, die Algorithmen füttern. Diese Algorithmen wiederum entscheiden, was wir sehen und hören. Die unmittelbare Rückkopplung lässt uns annehmen, dass wir sowohl unser eigenes Leben als auch das Leben anderer unter Kontrolle hätten.

Die ausgewählten Künstler*innen analysieren das Verhältnis zwischen der analogen und der virtuellen Welt kritisch, indem sie für bestehende Technologien neue Anwendungen finden und Muster versuchen aufzudecken, die Künstliche Intelligenz geschaffen hat. Denn wo immer es voreingenommene Menschen gibt, gibt es voreingenommene Bilder und voreingenommene Algorithmen, die diese Bilder sortiert haben.

Die Ausstellung Shaping Data zeigt auch Zukunftsszenarien auf, in denen unsere optimierten Körper und Leben zur neuen Norm werden. Was bedeutet es, als Mensch in einer hochgradig automatisierten Umgebung zu leben, und wie können wir Daten so verarbeiten, dass wir eine gerechtere Welt schaffen? 

L'exposition Shaping Data explore la manière dont l'utilisation généralisée des technologies numériques affecte notre corps, façonne nos opinions et modifie les relations interpersonnelles. Nous passons une grande partie de notre temps avec des appareils technologiques et, ce faisant, nous divulguons souvent des données personnelles qui alimentent des algorithmes. Ces algorithmes décident à leur tour de ce que nous voyons et entendons. La rétroaction immédiate nous fait croire que nous contrôlons à la fois notre propre vie et celle des autres.

Les artistes sélectionnés* analysent de manière critique la relation entre le monde analogique et le monde virtuel en trouvant de nouvelles applications aux technologies existantes et en essayant de découvrir les modèles que l'intelligence artificielle a créés. Car partout où il y a des personnes partiales, il y a des images partiales et des algorithmes partiaux qui ont trié ces images.

L'exposition Shaping Data présente également des scénarios d'avenir dans lesquels nos corps et nos vies optimisés deviennent la nouvelle norme. Que signifie vivre en tant qu'être humain dans un environnement hautement automatisé et comment pouvons-nous traiter les données de manière à créer un monde plus juste ?

La mostra Shaping Data esplora come l'uso diffuso delle tecnologie digitali influenza i nostri corpi, modella le nostre opinioni e cambia le relazioni interpersonali. Passiamo gran parte del nostro tempo utilizzando dispositivi tecnologici, spesso rivelando dati personali che alimentano algoritmi. Questi algoritmi decidono a loro volta ciò che vediamo e sentiamo. Il feedback immediato ci fa supporre che abbiamo il controllo della nostra vita e di quella degli altri.

Gli artisti selezionati analizzano criticamente la relazione tra il mondo analogico e quello virtuale, trovando nuove applicazioni per le tecnologie esistenti e cercando di scoprire i modelli che l'intelligenza artificiale ha creato. Perché ovunque ci siano persone di parte, ci sono immagini di parte e algoritmi di parte che hanno ordinato queste immagini.

La mostra Shaping Data presenta anche scenari futuri in cui i nostri corpi e le nostre vite ottimizzate diventano la nuova norma. Cosa significa vivere come essere umano in un ambiente altamente automatizzato e come possiamo elaborare i dati per creare un mondo più giusto?

Shaping Data explores how the widespread use of digital technologies affects our physical bodies, frames our opinions, and alters human interactions. We spend lots of our time with our devices sharing often personal data that fuels algorithms. In turn, these algorithmic processes decide what we see and hear. This immediate feedback creates the illusion that we are in control of our own lives and the lives of others.

The selected artists in Shaping Data critically examine the relationship between physical and virtual worlds while disrupting existing technologies. They try to reveal patterns created by artificial intelligence; for example: wherever there are biased people, there are biased images, and biased algorithms that have sorted those images.

Shaping Data also presents possible futures in which our enhanced bodies and lives become the new norm. What does it mean to be human in a highly automated world and how can we shape the data in an effort to create a more equal world?

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Magazzino delle Idee | Trieste
19. März - 26. Juni 2022

Io, lei, l’altra - Ritratti e autoritratti fotografici di donne artiste

Das Magazzino delle Idee in Triest präsentiert die Ausstellung Io, lei, l'altra - Porträts und fotografische Selbstporträts von Künstlerinnen, kuratiert von Guido Comis in Zusammenarbeit mit Simona Cossu und Alessandra Paulitti. Die von ERPAC - Ente Regionale per il Patrimonio Culturale del Friuli Venezia Giulia - produzierte und organisierte Ausstellung zeichnet anhand von neunzig Werken die Fotografie der letzten hundert Jahre nach und ermöglicht es, die neue Auffassung von Frauen und ihrer Rolle anhand einer Reihe außergewöhnlicher Bilder von Wanda Wulz bis Cindy Sherman, von Florence Henri bis Nan Goldin zu bewerten.

Das fotografische Porträt und das Selbstporträt sind ein außergewöhnliches Zeugnis des schwierigen Prozesses der Selbstbehauptung und der Eroberung einer neuen sozialen Identität durch Künstlerinnen im 20. Jahrhundert und in den ersten Jahren des neuen Jahrhunderts. Porträts und Selbstporträts sind Orte der Konfrontation, aber auch des Konflikts zwischen verschiedenen Ausdrucksformen der Identität. Konventionelle Darstellungsformen werden mit neuen Ausdrucksformen der Persönlichkeit kontrastiert; die verfestigten Rollen der Frauendarstellung, die sich wiederholenden, dem traditionellen Porträt entlehnten Posen weichen neuen Ausdrucksformen.

Vom Modell im Dienste des Künstlers wurden die Frauen zu aktiven und kreativen Persönlichkeiten. Porträts von Männern - wie Man Ray, Edward Weston, Henry Cartier-Bresson und Robert Mapplethorpe, um nur einige der in der Ausstellung vertretenen Fotografen zu nennen - werden Porträts und Selbstporträts von Künstlerinnen und Fotografinnen gegenübergestellt, darunter Wanda Wulz, Inge Morath, Vivian Maier, Nan Goldin, Cindy Sherman und Marina Abramović.

Die Beziehung zwischen dem Motiv und dem Autor des Fotos trägt zur Schichtung der Bedeutungen bei und bereichert die Interpretationsmöglichkeiten. Wenn die Intuition uns zu der Annahme verleitet, dass Selbstporträts ein authentischeres Bild der Autorin vermitteln als Porträts, die von anderen aufgenommen wurden, so erzählen die Werke eine oft andere Geschichte, in der die Frauen ihre Fähigkeit demonstrieren, der Person auf der anderen Seite des Objektivs ihre eigene Persönlichkeit aufzudrücken; gleichzeitig offenbaren die Fotografen eine außergewöhnliche Fähigkeit, den Charakter der Person vor ihnen zu interpretieren. Leonor Fini, Marquise Luisa Casati und Meret Oppenheim nutzten die Linse ihrer männlichen Kollegen, um ihren Charme und ihre Verführungskraft zum Ausdruck zu bringen. Florence Henri, Francesca Woodman und Nan Goldin hingegen richten das Kameraobjektiv auf sich selbst

Florence Henri, Francesca Woodman und Nan Goldin hingegen nutzen das Objektiv der Kamera, um sich selbst und dem Betrachter verborgene Aspekte ihrer Persönlichkeit zu offenbaren und in einigen Fällen auch ihre Schwächen zu zeigen.

Die Ausstellung ist in Abschnitte unterteilt, die jeweils eine andere Form der Darstellung der Rolle der Frau in der Fotografie berücksichtigen. Die Rubrik "Künstlerinnen und Modelle" ist Frauen gewidmet, die sowohl als Schöpferinnen tätig waren als auch ihr Gesicht und ihren Körper für die Werke anderer zur Verfügung stellten, wie Meret Oppenheim, Tina Modotti und Dora Maar. Die Sektion "Der Körper in Fragmenten" versammelt Selbstporträts, die Bilder von Teilkörpern zeigen, die in zerbrochenen Spiegeln reflektiert werden, wobei die Epidermis von Linien durchzogen ist, die ihre Integrität unterbrechen, als ob dies die Schwierigkeit der Selbstdarstellung widerspiegelt. Die Porträts von Valie Export, Jo Spence und Renate Bertlmann aus den 1970er Jahren imitieren ironisch das traditionelle Bild der Frau als Mutter, Hausfrau oder Sexualobjekt. "One, None and a Hundred Thousand" versammelt die Selbstporträts von Künstlern, die - von Claude Cahun bis Cindy Sherman - ihren Körper benutzt haben, um verschiedene Identitäten oder Stereotypen durch Masken zu interpretieren. Ein weiterer Abschnitt befasst sich mit dem Thema der Stereotypen bei der Darstellung kultureller und sexueller Identitäten, ein anderer mit denen bei der Definition des Schönheitskanons, während einige Fotografien weiblichen Künstlern neben ihren eigenen Schöpfungen gewidmet sind, wie im Fall von Robert Mapplethorpes berühmtem Porträt von Louise Bourgeois.

Abschließend sei darauf hingewiesen, dass die Ausstellung Io, lei, l'altra Teil eines Projekts ist, das von den zum ERPAC gehörenden Kultureinrichtungen ins Leben gerufen wurde und sich mit dem Thema des Selbstporträts und des Porträts in einer kunsthistorischen Perspektive von der Renaissance bis zur Gegenwart befasst. Ab Mai findet im Palazzo Attems Petzenstein in Gorizia die Ausstellung Riflessi (Reflexionen) statt, die das Thema des Porträts mit Hilfe von Leihgaben zahlreicher europäischer Institutionen weiterentwickelt, während die Ausstellung Artista + Artista (Künstler + Künstler) in der Galleria Regionale d'Arte contemporanea Luigi Spazzapan Forschungsprojekte von Künstlern mit Bezug zu Friaul-Julisch-Venetien zusammenführt.

Le Magazzino delle Idee de Trieste présente l'exposition Io, lei, l'altra - Portraits et autoportraits photographiques de femmes artistes, organisée par Guido Comis en collaboration avec Simona Cossu et Alessandra Paulitti. Produite et organisée par l'ERPAC - Ente Regionale per il Patrimonio Culturale del Friuli Venezia Giulia - l'exposition retrace, à travers quatre-vingt-dix œuvres, la photographie des cent dernières années et nous permet d'évaluer la nouvelle conception de la femme et de son rôle à travers une succession d'images extraordinaires de Wanda Wulz à Cindy Sherman, de Florence Henri à Nan Goldin.

Le portrait et l'autoportrait photographiques constituent un témoignage extraordinaire du difficile processus d'affirmation de soi et de la conquête d'une nouvelle identité sociale par les artistes féminines au XXe siècle et dans les premières années du nouveau siècle. Les portraits et autoportraits sont des lieux de confrontation, mais aussi de conflit entre différentes expressions de l'identité. Aux formes conventionnelles de représentation s'opposent de nouveaux modes d'expression de la personnalité ; les rôles consolidés de la représentation des femmes, les poses répétitives empruntées aux portraits traditionnels font place à de nouveaux modes d'expression.

D'un modèle au service d'un artiste, les femmes sont devenues des figures actives et créatives. Des portraits d'hommes - tels que Man Ray, Edward Weston, Henry Cartier-Bresson et Robert Mapplethorpe, pour ne citer que quelques-uns des photographes présentés dans l'exposition - sont juxtaposés à des portraits et autoportraits de femmes artistes et photographes, notamment Wanda Wulz, Inge Morath, Vivian Maier, Nan Goldin, Cindy Sherman et Marina Abramović.

La relation entre le sujet et l'auteur de la photo contribue à la stratification des significations et enrichit les possibilités d'interprétation. Si l'intuition nous amène à penser que les autoportraits offrent une image plus authentique de l'auteur que les portraits pris par d'autres, les œuvres racontent une histoire souvent différente dans laquelle les femmes démontrent leur capacité à imposer leur propre personnalité à la personne de l'autre côté de l'objectif ; dans le même temps, les photographes révèlent une extraordinaire capacité à interpréter le caractère de la personne en face d'eux. Leonor Fini, la marquise Luisa Casati et Meret Oppenheim ont utilisé l'objectif de leurs collègues masculins pour exprimer leur charme et leur pouvoir de séduction. Florence Henri, Francesca Woodman et Nan Goldin, quant à elles, tournent l'objectif de l'appareil photo vers elles-mêmes.

Florence Henri, Francesca Woodman et Nan Goldin, quant à elles, utilisent l'objectif de l'appareil photo pour révéler des aspects cachés de leur personnalité à eux-mêmes et au spectateur, révélant dans certains cas leurs faiblesses.

L'exposition est divisée en sections, dont chacune rend compte d'une forme différente de représentation des rôles que jouent les femmes dans les photographies. La section intitulée "Artistes et modèles" est consacrée aux femmes qui ont été à la fois créatrices et ont prêté leur visage et leur corps aux œuvres des autres, comme Meret Oppenheim, Tina Modotti et Dora Maar. La section intitulée "Le corps en fragments" rassemble des autoportraits qui présentent des images de corps partiels, reflétés dans des miroirs brisés, avec l'épiderme traversé par des lignes qui en interrompent l'intégrité, comme si cela reflétait la difficulté de se représenter soi-même. Les portraits de Valie Export, Jo Spence et Renate Bertlmann datant des années 1970 imitent ironiquement l'image traditionnelle de la femme en tant que mère, femme au foyer ou objet sexuel. "One, None and a Hundred Thousand" rassemble les autoportraits d'artistes qui, de Claude Cahun à Cindy Sherman, ont utilisé leur corps pour interpréter différentes identités ou stéréotypes à travers des masques. Une autre section aborde le thème des stéréotypes dans la représentation des identités culturelles et sexuelles, une autre celui de la définition des canons de beauté, tandis que certaines photographies sont consacrées à des artistes féminines aux côtés de leurs propres créations, comme dans le cas du célèbre portrait de Louise Bourgeois par Robert Mapplethorpe.

Enfin, il convient de noter que l'exposition Io, lei, l'altra fait partie d'un projet lancé par les institutions culturelles appartenant à l'ERPAC, consacré au thème de l'autoportrait et du portrait dans une perspective d'histoire de l'art allant de la Renaissance à nos jours. À partir du mois de mai, l'exposition Riflessi (Réflexions) se tiendra au Palazzo Attems Petzenstein de Gorizia, développant le thème du portrait grâce à des prêts de nombreuses institutions européennes, tandis que l'exposition Artista + Artista (Artiste + Artiste) se tiendra à la Galleria Regionale d'Arte contemporanea Luigi Spazzapan, rassemblant des projets de recherche d'artistes liés à Friuli Venezia Giulia.

Il Magazzino delle Idee di Trieste presenta la mostra Io, lei, l’altra – Ritratti e autoritratti fotografici di donne artiste, a cura di Guido Comis in collaborazione con Simona Cossu e Alessandra Paulitti. Prodotta e organizzata da ERPAC – Ente Regionale per il Patrimonio Culturale del Friuli Venezia Giulia – l’esposizione ripercorre, attraverso novanta opere, la fotografia degli ultimi cento anni e permette di valutare la nuova concezione della donna e il suo ruolo attraverso una successione di straordinarie immagini da Wanda Wulz a Cindy Sherman, da Florence Henri a Nan Goldin.

Il ritratto e l’autoritratto fotografico sono una testimonianza straordinaria del difficile processo di affermazione di sé e della conquista di una nuova identità sociale da parte delle artiste donne nel Novecento e nei primi anni del nuovo secolo. I ritratti e gli autoritratti sono luoghi di confronto, ma anche di conflitto fra espressioni diverse dell’identità. A forme convenzionali di rappresentazione si contrappongono nuovi modi di esprimere la propria personalità; i ruoli consolidati della rappresentazione della donna, le pose ripetitive mutuate dai ritratti tradizionali cedono spazio a modalità di espressione inedite.

Da modella al servizio di un artista la donna si trasforma in figura attiva e creativa. Ai ritratti eseguiti da uomini – come Man Ray, Edward Weston, Henry Cartier-Bresson, Robert Mapplethorpe, solo per citare alcuni dei fotografi presentati in mostra – si accostano ritratti e autoritratti di donne artiste e fotografe, tra cui Wanda Wulz, Inge Morath, Vivian Maier, Nan Goldin, Cindy Sherman, Marina Abramović.

Il rapporto fra soggetto e autore della foto contribuisce alla stratificazione dei significati e arricchisce le possibilità di interpretazione. Se l’intuito ci porta a pensare che le autorappresentazioni offrano un’immagine dell’autore più autentica rispetto ai ritratti eseguiti da altri, le opere raccontano una storia spesso diversa in cui le donne dimostrano di saper imporre la propria personalità a colui che sta dall’altra parte dell’obiettivo; allo stesso tempo i fotografi rivelano una straordinaria capacità nell’interpretare il carattere di chi sta loro di fronte. Leonor Fini, la marchesa Luisa Casati, Meret Oppenheim si servono dell’obiettivo dei colleghi uomini per esprimere tutto il loro fascino e la loro forza seduttiva. Florence Henri, Francesca Woodman e Nan Goldin al contrario, puntano su di sé

l’obiettivo della macchina fotografica per rivelare a loro stesse e a chi le osserva aspetti celati della propria personalità, mettendo in scena, in alcuni casi, le proprie debolezze.

La mostra è suddivisa in sezioni, ognuna delle quali rende conto di una diversa forma di rappresentazione dei ruoli che le donne interpretano nelle fotografie. La sezione “Artiste e modelle” è dedicata alle donne che sono state creatrici e allo stesso tempo hanno prestato i loro volti e i loro corpi per opere altrui, come è il caso di Meret Oppenheim, Tina Modotti, Dora Maar. La sezione intitolata “Il corpo in frammenti” raccoglie gli autoritratti che restituiscono immagini di corpi parziali, riflessi in specchi fratturati, con l’epidermide percorsa da linee che ne interrompono l’integrità, come se in ciò si rispecchiasse la difficoltà di rappresentarsi. I ritratti degli anni Settanta che hanno per protagoniste Valie Export, Jo Spence e Renate Bertlmann mimano ironicamente l’immagine tradizionale della donna come madre, donna di casa o oggetto sessuale. “Una, nessuna e centomila” raccoglie gli autoritratti delle artiste che, da Claude Cahun a Cindy Sherman, hanno utilizzato il proprio corpo per interpretare attraverso mascheramenti identità o stereotipi diversi. Un’altra sezione affronta il tema degli stereotipi nella rappresentazione dalle identità culturali e sessuali, un’altra ancora a quelli nella definizione dei canoni di bellezza mentre alcune fotografie sono dedicate ad artiste accanto a proprie creazioni come nel caso del celeberrimo ritratto di Louise Bourgeois eseguito da Robert Mapplethorpe.

Va infine segnalato che l’esposizione Io, lei, l'altra si inserisce in un progetto avviato dalle istituzioni culturali afferenti l'ERPAC dedicato al tema dell'autoritratto e del ritratto in una prospettiva storico-artistica che spazia dal rinascimento fino ai giorni nostri. A partire dal mese di maggio avrà luogo a Palazzo Attems Petzenstein di Gorizia la mostra Riflessi, che svilupperà il tema del ritratto attraverso prestiti da numerose istituzioni europee mentre alla Galleria Regionale d'Arte contemporanea Luigi Spazzapan si terrà l’esposizione Artista + Artista che vedrà riuniti interventi di ricerca di artisti legati al Friuli Venezia Giulia.

The Magazzino delle Idee in Trieste presents the exhibition Io, lei, l'altra - Portraits and photographic self-portraits of women artists, curated by Guido Comis in collaboration with Simona Cossu and Alessandra Paulitti. Produced and organized by ERPAC - Ente Regionale per il Patrimonio Culturale del Friuli Venezia Giulia (Regional Agency for the Cultural Heritage of Friuli Venezia Giulia) - the exhibition traces, through ninety works, the photography of the last one hundred years and allows to evaluate the new conception of women and their role through a succession of extraordinary images from Wanda Wulz to Cindy Sherman, from Florence Henri to Nan Goldin.

The photographic portrait and self-portrait are an extraordinary testimony to the difficult process of self-affirmation and the conquest of a new social identity by women artists in the twentieth century and the first years of the new century. Portraits and self-portraits are places of confrontation, but also of conflict between different expressions of identity. Conventional forms of representation are contrasted with new ways of expressing one's personality; the established roles of the representation of women, the repetitive poses borrowed from traditional portraits give way to new modes of expression.

From a model at the service of an artist, women are transformed into active and creative figures. Portraits by men - such as Man Ray, Edward Weston, Henry Cartier-Bresson, Robert Mapplethorpe, just to name a few of the photographers presented in the exhibition - are juxtaposed with portraits and self-portraits of women artists and photographers, including Wanda Wulz, Inge Morath, Vivian Maier, Nan Goldin, Cindy Sherman and Marina Abramović.

The relationship between the subject and the author of the photo contributes to the stratification of meanings and enriches the possibilities of interpretation. If intuition leads us to think that self-representations offer a more authentic image of the author than portraits taken by others, the works tell an often different story in which the women demonstrate that they are able to impose their own personality on the person on the other side of the lens; at the same time, the photographers reveal an extraordinary ability to interpret the character of the person in front of them. Leonor Fini, the Marquise Luisa Casati, Meret Oppenheim use the lens of their male colleagues to express all their charm and seductive power. Florence Henri, Francesca Woodman and Nan Goldin, on the other hand, focus on themselves

the camera lens to reveal to themselves and to those who observe them hidden aspects of their personalities, staging, in some cases, their weaknesses.

The exhibition is divided into sections, each of which accounts for a different form of representation of the roles that women play in photographs. The section "Artists and Models" is dedicated to women who have been creators and at the same time have lent their faces and bodies to the works of others, as is the case with Meret Oppenheim, Tina Modotti, Dora Maar. The section entitled "The Body in Fragments" gathers together the self-portraits that present images of partial bodies, reflected in fractured mirrors, with the epidermis traversed by lines that interrupt its integrity, as if this reflected the difficulty of representing oneself. The portraits from the 1970s featuring Valie Export, Jo Spence and Renate Bertlmann ironically mimic the traditional image of women as mothers, housewives or sexual objects. "One, None and a Hundred Thousand" collects the self-portraits of artists who, from Claude Cahun to Cindy Sherman, have used their bodies to interpret different identities or stereotypes through masks. Another section deals with the theme of stereotypes in the representation of cultural and sexual identities, another with those in the definition of the canons of beauty, while some photographs are dedicated to artists alongside their own creations, as in the case of the famous portrait of Louise Bourgeois by Robert Mapplethorpe.

Finally, the exhibition Io, lei, l'altra (I, her, the other) is part of a project launched by the ERPAC cultural institutions dedicated to the theme of self-portraits and portraits in a historical-artistic perspective that ranges from the Renaissance to the present day. Starting in May, the exhibition Riflessi (Reflections) will take place at Palazzo Attems Petzenstein in Gorizia, developing the theme of portraits through loans from numerous European institutions, while the exhibition Artista + Artista (Artist + Artist) will be held at the Galleria Regionale d'Arte contemporanea Luigi Spazzapan, bringing together research projects by artists linked to Friuli Venezia Giulia.

(Text: Magazzino delle Idee, Trieste)

Galerie 94 | Baden
18. März - 30. April 2022

Berge
Sandro Livio Straube & Zak van Biljon

Die zwei völlig unterschiedlichen Arbeiten von Sandro Livio Straube und Zak van Biljon finden sich in der Doppelausstellung «BERGE». Bei beiden Fotografen sind die Berge ein sehr grosser Bestandteil Ihres Lebens, die sie aber auf verschiedene Arten begegnen und auch umsetzen.

Bei Zak van Biljon ist es eine neue Sichtweise auf die Natur. Die zunehmende Urbanisierung der Menschheit beendet heute ein für allemal unsere symbiotische Beziehung zur Natur. Städte wachsen zu Megastädten heran, mehr als die Hälfte der heutigen Bevölkerung wurde in Städten geboren, und diese neue Generation ist eine technologische Generation, die auf Bequemlichkeit ausgerichtet ist, aber: ohne Natur. Und doch: Die Menschheit kann sich niemals von der Natur befreien. Die lebhaften Rosa- und Rottöne in Zak van Biljons Werk werden daher jene neonfarbenen Stadtbewohner anziehen, die glauben, die Natur überwunden zu haben, und die dennoch unbewusst an die Natur da draußen erinnert werden. Seine Kunst will, dass sich der Betrachter beim Betrachten der vermeintlich unwirklichen Welt seiner Fotografien an die reale Landschaft erinnert.

Die Serie von Sandro Livio Straube zeigt abseits des Tourismus und reiner Infrastruktur Orte im Val Lumnezia, die einfach noch sein dürfen. Ohne Ansprüche auf Sinn und Zweck für die Masse. Die reine Anspruchslosigkeit an sich - Auf den ersten Blick. Denn sie benötigen grosse Aufmerksamkeit für das scheinbar Unsichtbare. Dinge, die uns im ersten Moment als belanglos erscheinen und erst bei genauem und intensivem Betrachten etwas weitaus Tieferes mitteilen. Nur, dass dabei keine physischen Gestalten anwesend sind, die erzählen. So kann die Absenz des Menschen an solchen Orten das Gefühl hervorrufen, beobachtet zu werden. Sei es ein dunkles Fensterchen, der verschleiernde Vorhang hinter dem Glas, oder dicke Baumstämme, die einem umgeben - Das Ungewisse führt zu neuen Vorstellungen, Geschichten und neuem Glauben und endet in neuen Bildern. Vom anfänglich scheuen Schimmern, eröffnet sich einem ein eigenes und kristallklares Strahlen.

Les deux travaux totalement différents de Sandro Livio Straube et Zak van Biljon se retrouvent dans la double exposition "MONTAGNES". Pour les deux photographes, les montagnes font partie intégrante de leur vie, mais ils les rencontrent et les mettent en œuvre de différentes manières.

Chez Zak van Biljon, il s'agit d'une nouvelle vision de la nature. L'urbanisation croissante de l'humanité met aujourd'hui fin une fois pour toutes à notre relation symbiotique avec la nature. Les villes grandissent pour devenir des mégapoles, plus de la moitié de la population actuelle est née dans des villes, et cette nouvelle génération est une génération technologique axée sur le confort, mais : sans nature. Et pourtant : l'humanité ne pourra jamais se libérer de la nature. Les tons roses et rouges vifs de l'œuvre de Zak van Biljon attireront donc ces citadins au teint fluo qui pensent avoir vaincu la nature et qui, pourtant, se rappellent inconsciemment la nature extérieure. Son art veut que le spectateur se souvienne du paysage réel en regardant le monde prétendument irréel de ses photographies.

La série de Sandro Livio Straube montre, à l'écart du tourisme et de la pure infrastructure, des lieux du Val Lumnezia qui ont simplement encore le droit d'être. Sans prétentions de sens et d'utilité pour les masses. La pure absence de prétentions en soi - à première vue. Car ils ont besoin d'une grande attention pour ce qui est apparemment invisible. Des choses qui nous paraissent insignifiantes au premier abord et qui ne communiquent quelque chose de bien plus profond qu'en les observant attentivement et intensément. Sauf qu'il n'y a pas de personnages physiques pour les raconter. Ainsi, l'absence de l'homme dans de tels endroits peut donner le sentiment d'être observé. Qu'il s'agisse d'une petite fenêtre sombre, d'un rideau voilant derrière la vitre ou d'épais troncs d'arbres qui vous entourent, l'inconnu conduit à de nouvelles représentations, histoires et croyances et se termine par de nouvelles images. D'une lueur timide au départ, on passe à un rayonnement propre et cristallin.

Le due opere completamente diverse di Sandro Livio Straube e Zak van Biljon si trovano nella doppia mostra "BERGE". Per entrambi i fotografi, le montagne sono una parte molto grande della loro vita, ma le incontrano e le realizzano anche in modi diversi.

Nel caso di Zak van Biljon, è un nuovo modo di guardare la natura. Oggi, la crescente urbanizzazione dell'umanità sta ponendo fine una volta per tutte alla nostra relazione simbiotica con la natura. Le città si stanno trasformando in megalopoli, più della metà della popolazione di oggi è nata in città, e questa nuova generazione è una generazione tecnologica concentrata sulla comodità, ma: senza natura. Eppure: l'umanità non potrà mai liberarsi dalla natura. I rosa e i rossi vividi dell'opera di Zak van Biljon attireranno quindi quegli abitanti di città dai colori al neon che credono di aver superato la natura, eppure si ricordano inconsciamente della natura là fuori. La sua arte vuole che lo spettatore ricordi il paesaggio reale quando guarda il mondo apparentemente irreale delle sue fotografie.

La serie di Sandro Livio Straube mostra luoghi della Val Lumnezia che sono semplicemente ancora permessi, lontani dal turismo e dalle infrastrutture pure. Senza pretese di significato e scopo per le masse. Pura modestia in sé - a prima vista. Perché richiedono una grande attenzione per l'apparentemente invisibile. Cose che ci sembrano insignificanti a prima vista e che comunicano solo qualcosa di molto più profondo quando le guardiamo da vicino e intensamente. L'unica differenza è che non ci sono figure fisiche presenti per raccontare la storia. Così, l'assenza di esseri umani in questi luoghi può evocare la sensazione di essere osservati. Che si tratti di una piccola finestra buia, della tenda velata dietro il vetro, o di spessi tronchi d'albero che ti circondano - l'ignoto porta a nuove idee, storie e nuove credenze e finisce in nuove immagini. Dal timido barlume iniziale, si apre il proprio e cristallino splendore.

The two completely different works of Sandro Livio Straube and Zak van Biljon can be found in the double exhibition "BERGE". For both photographers, the mountains are a very big part of your life, but they encounter and also implement in different ways.

With Zak van Biljon it is a new way of looking at nature. The increasing urbanization of mankind today ends once and for all our symbiotic relationship with nature. Cities are growing into mega-cities, more than half of today's population was born in cities, and this new generation is a technological generation focused on convenience, but: without nature. And yet: humanity can never free itself from nature. The vivid pinks and reds in Zak van Biljon's work will therefore attract those neon city dwellers who believe they have overcome nature, yet are subconsciously reminded of the nature out there. His art wants the viewer to remember the real landscape when looking at the supposedly unreal world of his photographs.

The series of Sandro Livio Straube shows away from tourism and pure infrastructure places in the Val Lumnezia, which are simply still allowed to be. Without claims to meaning and purpose for the masses. The pure unpretentiousness in itself - At first glance. Because they require great attention for the seemingly invisible. Things that seem trivial to us in the first moment and only communicate something far deeper when looked at closely and intensively. Only that there are no physical figures present to tell the story. Thus, the absence of humans in such places can evoke the feeling of being observed. Be it a dark little window, the veiling curtain behind the glass, or thick tree trunks surrounding one - The unknown leads to new ideas, stories and new beliefs and ends in new images. From the initial shy glimmering, one's own and crystal clear radiance opens up.

(Text: Galerie 94, Baden)

Capitain Petzel | Berlin
18. März - 16. April 2022

A View from the Levee
Zoe Leonard

In ihren Skulpturen, Fotografien und Installationen untersucht Zoe Leonard (*1961, Liberty, New York) die Bedingungen der Bildproduktion und setzt sich mit Themen wie Gender und Sexualität, Migration, Verdrängung und der urbanen Landschaft auseinander. Leonard unterzieht die Rolle, die das Medium bei der Konstruktion von Gesellschaft und Geschichte spielt, einer selbstreflexiven Betrachtung und fordert das Publikum dazu auf, den Akt des Sehens und Beobachtens zu hinterfragen. 

Seit 2016 fotografiert Leonard entlang des 2.000 Kilometer langen Flusses Rio Grande (wie er in den Vereinigten Staaten genannt wird) bzw. Río Bravo (wie er in Mexiko genannt wird), der die internationale Grenze zwischen den beiden Ländern markiert. Die Künstlerin ist dem Strom von den Grenzstädten Ciudad Juárez, Mexiko, und El Paso, Texas, bis zum Golf von Mexiko gefolgt. 

A View from the Levee, Leonards erste Einzelpräsentation bei Capitain Petzel, umfasst eine Auswahl von Werken aus diesem Projekt. Im Hauptraum der Galerie wird das 40-teilige Werk Prologue gezeigt, eine Darstellung der Wasseroberfläche des Flusses, die sich entlang der gestaffelten Wände der Galerie schlängelt. 

Ausgehend von der einzigartigen Lage und Architektur der Galerie – einem modernistischen Glaspavillon an der Karl-Marx-Allee – legt Leonard den Fokus ihrer Ausstellung auf politische Demarkationslinien. In der einst geteilten Stadt Berlin fließt ein Fluss von Ost nach West, der ebenfalls das Potenzial hat, sowohl zu verbinden als auch zu trennen. Die bei Capitain Petzel gezeigten S/W-Fotografien vermitteln einen Eindruck vom Terrain und der Dynamik des Grenzmauerbaus sowie von Dämmen, Bewässerungssystemen, Internierungszentren und Kontrollpunkten. Leonard spricht in diesem Sinne von dem Paradoxon, „ein natürliches Element mit einer politischen Aufgabe zu betrauen“. 

Während sich der Fluss durch wechselnde Landschaften windet, prallen das Politische, das Soziale und das Natürliche aufeinander. Die in der Ausstellung präsentierten Fotografien hat Leonard von beiden Seiten der Grenze aus aufgenommen. Von öffentlich zugänglichen Punkten aus hat sie beobachtet, was sich vor ihren Augen abspielt. Während sie sich mit den Traditionen der Dokumentarfotografie auseinandersetzt und die Vielschichtigkeit des subjektiven Blicks untersucht, beobachtet die Künstlerin ihr Sujet mit unerschütterlicher Präzision. 

Seit Beginn des Projekts ist die Grenze zwischen den USA und Mexiko zunehmend in den Mittelpunkt des politischen Diskurses gerückt. Dementsprechend spiegeln die physischen Veränderungen die wachsenden Spannungen wider: Während neue Infrastrukturen zur Überwachung und Kontrolle des Waren- und Personenverkehrs gebaut werden, hat die Militärpräsenz an der Grenze deutlich zugenommen. Auf diese Weise dokumentieren die Fotografien nicht nur das abwechslungsreiche Terrain, durch das der Fluss fließt, sondern auch eine sich verändernde sozio-politische Landschaft. 

Im Rahmen desselben Projekts entlang des Río Bravo / Rio Grande entstandLeonards episches Werk aus über 500 Fotografien Al Río / To the River. Es ist erstmalig im Rahmen ihrer gleichnamigen Einzelpräsentation im MUDAM Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean zu sehen (bis 6. Juni 2022) und wird im Oktober 2022 im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris präsentiert. Die Ausstellung wird von einer zweibändigen Publikation begleitet (Hatje Cantz Verlag, 2022). 

A View from the Levee ist in enger Zusammenarbeit mit der Galerie Gisela Capitain, Köln, entstanden.

Dans ses sculptures, photographies et installations, Zoe Leonard (*1961, Liberty, New York) examine les conditions de production des images et aborde des thèmes tels que le genre et la sexualité, la migration, le refoulement et le paysage urbain. Leonard soumet le rôle que joue le média dans la construction de la société et de l'histoire à une réflexion sur soi-même et invite le public à remettre en question l'acte de voir et d'observer.

Depuis 2016, Leonard photographie le long des 2 000 kilomètres du fleuve Rio Grande (comme on l'appelle aux États-Unis) ou Río Bravo (comme on l'appelle au Mexique), qui marque la frontière internationale entre les deux pays. L'artiste a suivi le fleuve depuis les villes frontalières de Ciudad Juárez, au Mexique, et d'El Paso, au Texas, jusqu'au Golfe du Mexique.

A View from the Levee, la première présentation individuelle de Leonard chez Capitain Petzel, comprend une sélection d'œuvres issues de ce projet. L'espace principal de la galerie présente l'œuvre en 40 parties Prologue, une représentation de la surface de l'eau du fleuve qui serpente le long des murs échelonnés de la galerie.

En partant de l'emplacement et de l'architecture uniques de la galerie - un pavillon de verre moderniste sur la Karl-Marx-Allee - Leonard met l'accent de son exposition sur les lignes de démarcation politiques. Dans la ville autrefois divisée de Berlin, un fleuve coule d'est en ouest, qui a également le potentiel de relier comme de séparer. Les photographies en noir et blanc présentées chez Capitain Petzel donnent une idée du terrain et de la dynamique de la construction du mur frontalier ainsi que des barrages, des systèmes d'irrigation, des centres d'internement et des points de contrôle. Leonard parle en ce sens du paradoxe de "confier à un élément naturel une mission politique".

Alors que le fleuve serpente à travers des paysages changeants, le politique, le social et le naturel s'affrontent. Les photographies présentées dans l'exposition ont été prises par Leonard depuis les deux côtés de la frontière. Depuis des points accessibles au public, elle a observé ce qui se déroulait sous ses yeux. Tout en s'interrogeant sur les traditions de la photographie documentaire et en examinant la complexité du regard subjectif, l'artiste observe son sujet avec une précision inébranlable.

Depuis le début du projet, la frontière entre les États-Unis et le Mexique est de plus en plus au centre du discours politique. En conséquence, les changements physiques reflètent les tensions croissantes : alors que de nouvelles infrastructures sont construites pour surveiller et contrôler la circulation des biens et des personnes, la présence militaire à la frontière s'est considérablement accrue. De cette manière, les photographies documentent non seulement le terrain varié à travers lequel coule le fleuve, mais aussi un paysage socio-politique en mutation.

Dans le cadre du même projet le long du Río Bravo / Rio Grande, Léonard a réalisé une œuvre épique de plus de 500 photographies Al Río / To the River. Elle est présentée pour la première fois dans le cadre de sa présentation individuelle éponyme au MUDAM Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (jusqu'au 6 juin 2022) et sera présentée en octobre 2022 au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. L'exposition est accompagnée d'une publication en deux volumes (Hatje Cantz Verlag, 2022).

A View from the Levee a été réalisée en étroite collaboration avec la galerie Gisela Capitain, Cologne.

Nelle sue sculture, fotografie e installazioni, Zoe Leonard (*1961, Liberty, New York) indaga le condizioni di produzione delle immagini ed esplora temi come il genere e la sessualità, la migrazione, lo spostamento e il paesaggio urbano. Leonard sottopone il ruolo che il medium gioca nella costruzione della società e della storia a un esame autoriflessivo e sfida il pubblico a mettere in discussione l'atto di vedere e osservare.

Dal 2016, Leonard ha fotografato lungo i 2.000 chilometri del Rio Grande (come viene chiamato negli Stati Uniti) o Río Bravo (come viene chiamato in Messico), che segna il confine internazionale tra i due paesi. L'artista ha seguito il fiume dalle città di confine di Ciudad Juárez, Messico, e El Paso, Texas, fino al Golfo del Messico.

A View from the Levee, la prima presentazione personale di Leonard al Capitain Petzel, include una selezione di opere di questo progetto. Nello spazio principale della galleria si trova l'opera di 40 pezzi Prologue, una rappresentazione della superficie dell'acqua del fiume che si snoda lungo le pareti sfalsate della galleria.

Attingendo alla posizione e all'architettura uniche della galleria - un padiglione di vetro modernista sulla Karl-Marx-Allee - Leonard concentra la sua mostra sulle linee di demarcazione politica. Nella città di Berlino, un tempo divisa, scorre un fiume da est a ovest che ha anche il potenziale di collegare e dividere. Le fotografie in b/n mostrate a Capitain Petzel danno un'impressione del terreno e della dinamica della costruzione del muro di confine, così come delle dighe, dei sistemi d'irrigazione, dei centri d'internamento e dei posti di blocco. Leonard parla in questo senso del paradosso di "affidare a un elemento naturale un compito politico".

Mentre il fiume si snoda attraverso paesaggi mutevoli, il politico, il sociale e il naturale si scontrano. Leonard ha scattato le fotografie presentate nella mostra da entrambi i lati del confine. Da punti accessibili al pubblico, ha osservato ciò che accade sotto i suoi occhi. Mentre esplora le tradizioni della fotografia documentaria e le complessità dello sguardo soggettivo, l'artista osserva il suo soggetto con una precisione inflessibile.

Dall'inizio del progetto, il confine tra Stati Uniti e Messico è diventato sempre più il centro del discorso politico. Di conseguenza, i cambiamenti fisici riflettono le crescenti tensioni: mentre si costruiscono nuove infrastrutture per monitorare e controllare il movimento di merci e persone, la presenza militare al confine è aumentata significativamente. In questo modo, le fotografie documentano non solo il terreno vario attraverso il quale scorre il fiume, ma anche un paesaggio socio-politico che cambia.

Come parte dello stesso progetto lungo il Río Bravo / Rio Grande, è stata creata l'opera epica di Leonard di oltre 500 fotografie Al Río / To the River. È esposto per la prima volta nell'ambito della sua presentazione personale omonima al MUDAM Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean (fino al 6 giugno 2022) e sarà presentato al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris nell'ottobre 2022. La mostra sarà accompagnata da una pubblicazione in due volumi (Hatje Cantz Verlag, 2022).

A View from the Levee è stato creato in stretta collaborazione con la Galerie Gisela Capitain, Colonia.

Across sculpture, photography and installation, Zoe Leonard (b. 1961, Liberty, New York) examines the conditions of image making while exploring themes such as gender and sexuality, migration, displacement, and the urban landscape. Leonard self-reflexively considers the role which the medium plays in the construction of society and history, encouraging the viewer to re-consider the act of looking and observation.

Since 2016, Leonard has photographed along the 2,000 km long river Rio Grande (as it is named in the United States) or Río Bravo (as it is named in Mexico) which is used to demarcate the international border between the two countries. The artist followed the river from the border cities Ciudad Juárez, Mexico, and El Paso, Texas, to the Gulf of Mexico.

The exhibition A View from the Levee, Leonard’s first solo presentation at Capitain Petzel, features a selection of works from this project. Presented in the main hall of the gallery is the 40-piece Prologue, a depiction of the rivers’ surface meandering along the staggered walls.

Taking the unique location and architecture of the gallery – a modernist glass pavilion on Karl-Marx-Allee – as a point of departure for her selection, Leonard centers her show on the idea of lines of demarcation, in the political sense. In the once bisected city of Berlin a river flows from East to West, with as much potential for connection as for division. The b/w photographs on view at Capitain Petzel provide an understanding of the terrain and dynamics of border wall construction as well as dams, irrigation systems, detention centers and checkpoints. Leonard considers the paradox of “asking a natural feature to perform a political job”.

The political, social and natural collide as the river flows through changing landscapes. Leonard took these photographs from both sides of the border, from points accessible to the public – observing what is in plain sight. Engaging with traditions of documentary photography and investigating the complexities of a subjective gaze, Leonard observes her subject with unwavering precision.

Since the beginning of the project, the U.S.-Mexican border has increasingly become a central theme of political discourse. Correspondingly, physical changes reflect the growing tension; military presence has increased significantly on the border, while new infrastructure is being constructed to surveil and control the passage of goods and the movement of people. In this way, the photographs depict not only the varied terrain through which the river flows but also a changing socio-political landscape.

Al Río / To the River, an epic work of over 500 photographs drawn from the same project along the Río Bravo / Rio Grande, premiered in Zoe Leonard's eponymous solo presentation at Mudam Luxembourg - Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean, where it is on view until June 6, 2022, traveling to Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris in October 2022. The exhibition is accompanied by a two-volume publication (Hatje Cantz Verlag, 2022).

This exhibition was realized in close collaboration with Galerie Gisela Capitain, Cologne.

Zoe Leonard is among the most influential artists of her generation. Her work merges photography, sculpture, and installation, balancing rigorous conceptualism with a distinctly personal vision. 

Leonard has exhibited widely in the U.S. and internationally since the early 1990s. Her participation in Documenta IX (1992) brought her work to international attention. She has been the subject of solo shows at MOCA – Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2018), Whitney Museum of American Art, New York (2018), MoMA, New York (2015), and Fotomuseum Winterthur, Switzerland (2007–08), among other institutions. Leonard was a finalist for the Deutsche Börse Photography Prize 2010 and was awarded The Whitney Museum Bucksbaum Prize in 2014. In 2020 she was named a Guggenheim Fellow. The artist taught in the MFA program at Bard College where she served as Co-Chair of Photography from 2011-2015.

Zoe Leonard’s works are held in many public institutions, including the Centre Pompidou, Paris; Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Pinakothek der Moderne, Munich; Pinault Collection, Venice; The Museum of Modern Art, New York; San Francisco Museum of Modern Art; Staatsgalerie Stuttgart; The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Tate Modern, London, and the Whitney Museum of American Art, New York.

Zoe Leonard  (*1961 in Liberty, New York) lives and works in New York City and Marfa, Texas.

Gropius Bau | Berlin
18. März - 7. August 2022

Dancing with my Camera
Dayanita Singh

Seit den 1980er Jahren leistet Dayanita Singh Pionierarbeit auf dem Gebiet der Fotografie und überwindet immer wieder die Grenzen des Mediums. Dancing with my Camera präsentiert die wichtigsten Schaffensphasen im Œuvre der international renommierten Künstlerin – von ihren frühesten Arbeiten bis heute. Die Arbeit Let’s See wird speziell für die Ausstellung im Gropius Bau realisiert und zusammen mit ihren Schlüsselwerken wie den „museums“ präsentiert.

Singhs Schwarz-Weiß-Fotografien schaffen Archive und Räume, die Menschen und Architekturen mit unterschiedlichen Hintergründen und aus verschiedenen Regionen miteinander in Verbindung setzen. Fotografien sind in diesen Werken jedoch nur das Rohmaterial. Singh baut mobile Strukturen aus Teakholz, durch die ihre Bilder neu arrangiert, kombiniert und räumlich neu erlebt werden können; ihre Fotografie beginnt und endet immer mit der körperlichen Erfahrung.

Durch einen Prozess der akribischen und zugleich intuitiven Bearbeitung verwandelt Singh ihre Bilder in Fotoarchitekturen, Montagen und Buchobjekte – immer geleitet von Grundsätzen der Fluidität, Musikalität, Choreografie und Bewegung. Mit ihren tragbaren „museums” und Buchobjekten hat Singh eine Form entwickelt, die gleichzeitig Buch, Katalog und Ausstellung ist. Sie schafft erlebbar dynamische, mobile und zugängliche Museen und Ausstellungen.

Begleitend zur Ausstellung Dancing with my Camera erscheint bei Hatje Cantz ein umfangreicher Katalog mit wissenschaftlichen Essays. Die Ausstellung wird außerdem im Museum Villa Stuck, München, im Musée d’art moderne Grand-Duc Jean – MUDAM, Luxemburg und im Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto zu sehen sein.

Kuratiert von Stephanie Rosenthal, Direktorin des Gropius Bau

Depuis les années 1980, Dayanita Singh fait œuvre de pionnière dans le domaine de la photographie et ne cesse de repousser les limites du médium. Dancing with my Camera présente les principales phases de l'œuvre de cette artiste de renommée internationale, de ses premiers travaux à aujourd'hui. L'œuvre Let's See est réalisée spécialement pour l'exposition au Gropius Bau et présentée avec ses œuvres clés comme les "musées".

Les photographies en noir et blanc de Singh créent des archives et des espaces qui mettent en relation des personnes et des architectures de différents horizons et de différentes régions. Dans ces œuvres, les photographies ne sont toutefois que la matière première. Singh construit des structures mobiles en teck, grâce auxquelles ses images peuvent être réarrangées, combinées et revivifiées dans l'espace ; sa photographie commence et se termine toujours par l'expérience physique.

Grâce à un processus de traitement à la fois méticuleux et intuitif, Singh transforme ses images en architectures photographiques, en montages et en livres-objets - toujours guidée par des principes de fluidité, de musicalité, de chorégraphie et de mouvement. Avec ses "musées" portables et ses livres-objets, Singh a développé une forme qui est à la fois un livre, un catalogue et une exposition. Elle crée des musées et des expositions dynamiques, mobiles et accessibles.

L'exposition Dancing with my Camera s'accompagne de la publication chez Hatje Cantz d'un catalogue complet contenant des essais scientifiques. L'exposition sera également présentée au Museum Villa Stuck, Munich, au Musée d'art moderne Grand-Duc Jean - MUDAM, Luxembourg et au Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto.

Commissariat de Stephanie Rosenthal, directrice du Gropius Bau

Dagli anni '80, Dayanita Singh ha fatto un lavoro pionieristico nel campo della fotografia, superando ripetutamente i limiti del mezzo. Dancing with my Camera presenta le fasi creative più importanti dell'opera dell'artista di fama internazionale - dai suoi primi lavori fino ai giorni nostri. L'opera Let's See sarà realizzata appositamente per la mostra nel Gropius Bau e presentata insieme alle sue opere chiave come i "musei".

Le fotografie in bianco e nero di Singh creano archivi e spazi che collegano persone e architetture di diverse origini e regioni. Tuttavia, le fotografie sono solo la materia prima in queste opere. Singh costruisce strutture mobili in teak attraverso le quali le sue immagini possono essere riorganizzate, combinate e ri-sperimentate spazialmente; la sua fotografia inizia e finisce sempre con l'esperienza fisica.

Attraverso un processo di editing meticoloso ma intuitivo, Singh trasforma le sue immagini in architetture fotografiche, montaggi e oggetti libro - sempre guidata da principi di fluidità, musicalità, coreografia e movimento. Con i suoi "musei" portatili e gli oggetti libro, Singh ha sviluppato una forma che è contemporaneamente libro, catalogo e mostra. Crea musei e mostre dinamiche, mobili e accessibili dal punto di vista esperienziale.

Per accompagnare la mostra Dancing with my Camera, sarà pubblicato da Hatje Cantz un catalogo completo con saggi scientifici. La mostra sarà esposta anche al Museo Villa Stuck, Monaco, al Musée d'art moderne Grand-Duc Jean - MUDAM, Lussemburgo e al Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto.

A cura di Stephanie Rosenthal, direttore del Gropius Bau

Since the 1980s, Dayanita Singh has pioneered a genre-defying approach to photography that pushes the limits of the medium. Dancing with my Camera presents the major phases of the internationally renowned artist’s oeuvre, from her earliest works through today. Along with key past works, including her “museums”, the new project, Let’s See, is especially realised for the Gropius Bau exhibition.

Singh’s black-and-white photographs create archives and spaces, presenting people and architectures from distinct backgrounds and geographies in states of interconnection. In her works, the photograph is only the raw material. By building mobile structures out of teak wood, her images are rearranged, recombined and re-experienced spatially; hers is a photography that both begins and ends with bodily experience.

Through a process of meticulous yet intuitive editing, Singh transforms her images into photo-architectures, montages and book objects – always guided by fluidity, music, choreography and movement. With her portable “museums” and book-objects, Singh has pioneered a form that is simultaneously a book, a catalogue and exhibition in itself. Singh shows how we can conceive of dynamic, mobile and accessible museums and exhibitions.

Dancing with my Camera is accompanied by an extensive catalogue with scholarly essays, published by Hatje Cantz. The exhibition will tour to the Museum Villa Stuck, Munich; Musée d’art moderne Grand-Duc Jean – MUDAM, Luxemburg; Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto

Curated by Stephanie Rosenthal, Director, Gropius Bau

(Text: Gropius Bau, Berlin)