Hôtel de Ville | Thann
8. Juni – 13. Oktober 2024

Fixing the Shadows
Vanessa Cowling

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie de Mulhouse statt.

Für ihr Projekt Fixing the Shadows verwendete Vanessa Cowling gerätefreie und wenig umweltschädliche fotografische Verfahren, um die Silhouetten von Pflanzen einzufangen, ohne sie einzufangen. Lumen Prints, Anthotypen und Phytogramme bilden hier ein Fresko mit manchmal verwirrenden Farben. Diese aus Schatten entstandenen Bilder, die durch den direkten Kontakt der Pflanzen mit dem Papierträger gewonnen wurden, sind hier in dieser Installation auf Glaswänden im vollen Licht zu sehen. Diese Ausstellung ist die erste der Künstlerin in Europa.

Vanessa Cowling schloss 1998 ihr Studium an der Michaelis School of Fine Art (UCT) ab. Ihre erste Einzelausstellung, Strings and Flight, fand 2005 im Rahmen des Cape Town Month of Photography statt. Sie hat außerdem an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen. Der Struik Verlag veröffentlichte 2006 ihr erstes Buch mit Reisefotografien West Coast Cederberg to sea. Shoreline ist die zweite Einzelausstellung der Künstlerin in der Barnard Gallery, zusammen mit der Ausstellung von Stephen Inggs. Im Jahr 2023 gewann sein Projekt Fixing the Shadows den Projektaufruf Blurring the Lines.

Pour son projet Fixing the Shadows, Vanessa Cowling a utilisé des procédés photographiques sans appareil et peu nocifs pour l’environnement afin de capter, sans capturer, des silhouettes de végétaux. Lumen prints, anthotypes et phytogrammes composent ici une fresque aux couleurs parfois déroutantes. Obtenues par contact direct des plantes avec le support papier, ces images nées d’ombres sont ici en pleine lumière au sein de cette installation sur parois vitrées. Cette exposition est la première de l’artiste en Europe.

Vanessa Cowling est diplômée de la Michaelis School of Fine Art (UCT) en 1998. Sa première exposition personnelle, Strings and Flight, a eu lieu en 2005 dans le cadre du Cape Town Month of Photography. Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives. Les éditions Struik ont publié son premier livre de photographies de voyage West Coast Cederberg to sea en 2006. Shoreline est la deuxième exposition personnelle de l’artiste à la Barnard Gallery, en même temps que celle de Stephen Inggs. En 2023, son projet Fixing the Shadows remporte l’appel à projet “Blurring the Lines”.

Per il suo progetto Fixing the Shadows, Vanessa Cowling ha utilizzato processi fotografici privi di fotocamera e poco dannosi per l'ambiente per catturare, senza immortalare, le silhouette delle piante. Stampe Lumen, antotipi e fitogrammi compongono un affresco di colori a volte sconcertanti. Ottenute dal contatto diretto tra piante e carta, queste immagini nascono dalle ombre e sono qui in piena luce in questa installazione su pareti di vetro. Si tratta della prima mostra dell'artista in Europa.

Vanessa Cowling si è laureata alla Michaelis School of Fine Art (UCT) nel 1998. La sua prima mostra personale, Strings and Flight, si è svolta nel 2005 nell'ambito del Mese della Fotografia di Città del Capo. Ha partecipato anche a numerose mostre collettive. Il suo primo libro di fotografie di viaggio, West Coast Cederberg to sea, è stato pubblicato da Struik nel 2006. Shoreline è la seconda mostra personale dell'artista alla Barnard Gallery, contemporaneamente a quella di Stephen Inggs. Nel 2023, il suo progetto Fixing the Shadows ha vinto il bando "Blurring the Lines".

For her Fixing the Shadows project, Vanessa Cowling used camera-free, environmentally-friendly photographic processes to capture, without capturing, plant silhouettes. Lumen prints, anthotypes and phytograms make up a fresco of sometimes disconcerting colors. Obtained by direct contact between plants and paper, these images, born of shadows, are here in full light within this installation on glass walls. This exhibition is the artist's first in Europe.

Vanessa Cowling graduated from the Michaelis School of Fine Art (UCT) in 1998. Her first solo exhibition, Strings and Flight, took place in 2005 as part of Cape Town Month of Photography. She has also participated in numerous group exhibitions. Struik Editions published her first book of travel photographs, West Coast Cederberg to sea, in 2006. Shoreline is the artist's second solo exhibition at the Barnard Gallery, alongside that of Stephen Inggs. In 2023, his project Fixing the Shadows won the "Blurring the Lines" call for projects.

(Text: Biennale de la photographie de Mulhouse)

Berges de la Thur | Thann
8. Juni – 13. Oktober 2024

Cloud physics
Terri Weifenbach

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie de Mulhouse statt.

Die Fotografien von Terri Weifenbach, die aus ihrem jüngsten Verlagsprojekt Cloud Physics hervorgegangen sind, treten hier in Resonanz sowohl mit dem Strom der Thur als auch mit den Weinbergen des Rangen, die sie umgeben. Sie treffen sich entlang des Weges und weisen auf Details einer sensiblen Welt hin, die allzu oft aus der Ferne betrachtet wird. Der Nieselregen, der Rauch oder die Unschärfe, die sich darin finden, schaffen traumhafte Atmosphären, zu denen meteorologische Instrumente präzise Daten beisteuern.

Terri Weifenbach wurde in New York geboren. Sie ließ sich an der Universität von Maryland ausbilden und verbrachte anschließend ein Dutzend Jahre in New Mexico und Kalifornien. Heute lebt sie in Frankreich. Die Gestaltung von Büchern steht im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Praxis. Seit der Veröffentlichung ihres ersten Buches In Your Dreams im Jahr 1997 hat sie zwanzig weitere Titel verfasst, darunter Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers und Gift. Ihre bevorzugten Themen sind die natürliche und lebendige Welt, ihre Elemente und ihre Bewohner. Sie enthüllt deren diskreten und stillen Charme, insbesondere durch die Unschärfeeffekte, die ihre Arbeit prägen.

Issues de son projet éditorial le plus récent, Cloud Physics, les photographies de Terri Weifenbach entrent ici en résonance à la fois avec le courant de la Thur et les vignes du Rangen qui les entourent. Elles se rencontrent le long de la piste et pointent des détails d’un monde sensible trop souvent regardé de loin. La bruine, la fumée ou le flou qui s’y retrouvent créent des atmosphères oniriques auxquelles des instruments météorologiques apportent des données précises.

Née à New York, Terri Weifenbach se forme à l’université du Maryland, puis passe une douzaine d’années au Nouveau-Mexique et en Californie. Elle réside aujourd’hui en France. La création de livres est au cœur de sa pratique artistique. Depuis la publication de son premier livre, In Your Dreams, en 1997, elle est l’auteure de vingt autres titres, dont Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers ou Gift. Ses sujets de prédilection proviennent du monde naturel et vivant, ses éléments et ses habitant·es. Elle révèle leur charme discret et silencieux, notamment par les effets de flou qui marquent son travail.

Tratte dal suo più recente progetto editoriale, Cloud Physics, le fotografie di Terri Weifenbach risuonano sia con la corrente della Thur sia con i vigneti di Rangen che li circondano. Si incontrano lungo il sentiero e mettono in evidenza i dettagli di un mondo sensibile che troppo spesso viene visto da lontano. La pioggerellina, il fumo e la foschia che incontrano creano atmosfere oniriche a cui gli strumenti meteorologici forniscono dati precisi.

Nata a New York, Terri Weifenbach si è formata all'Università del Maryland, poi ha trascorso una dozzina di anni in New Mexico e California. Ora vive in Francia. La creazione di libri è al centro della sua pratica artistica. Dalla pubblicazione del suo primo libro, In Your Dreams, nel 1997, ha scritto altri venti titoli, tra cui Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers e Gift. I suoi soggetti preferiti sono il mondo naturale e vivente, i suoi elementi e i suoi abitanti. Ne rivela il fascino discreto e silenzioso, in particolare attraverso gli effetti di sfocatura che caratterizzano il suo lavoro.

From her most recent editorial project, Cloud Physics, Terri Weifenbach's photographs here resonate with both the Thur current and the surrounding Rangen vineyards. They meet along the trail, pointing out details of a sensitive world too often viewed from afar. The drizzle, smoke and blur they encounter create dreamlike atmospheres to which meteorological instruments provide precise data.

Born in New York, Terri Weifenbach trained at the University of Maryland, then spent a dozen years in New Mexico and California. She now lives in France. The creation of books is at the heart of her artistic practice. Since the publication of her first book, In Your Dreams, in 1997, she has authored twenty other titles, including Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers and Gift. Her favorite subjects are the natural, living world, its elements and its inhabitants. She reveals their discreet, silent charm, notably through the blurred effects that mark her work.

(Text: Biennale de la photographie de Mulhouse)

CREA Cantieri del Contemporaneo | Venezia
20. Mai - 31. August 2023

Portal
Lidia Russkova-Hasaya

Die Ausstellung findet im Rahmen der Architektur Biennale statt.

Die Installation "Portal" von Lidia Russkova-Hasaya ist eine drei Meter hohe, leuchtende Glastür, die von Metall umrahmt und in einen massiven Metallsockel eingelassen ist. Die LED-Beleuchtung umreißt die Silhouette der Tür und verleiht ihr den Anschein, als würde sie in der Luft schweben.

Auf der Grundlage jahrelanger Recherchen des Künstlers in den Bereichen Kunstgeschichte, Symbolismus, Urbanismus und Architektur steht "Portal" für Hoffnung und die Möglichkeit eines Neuanfangs - ein Durchgang zu einem besseren und sichereren Ort. Die Tür ist jedoch nicht zugänglich, so dass die Besucher in ihrer gegenwärtigen Realität gefangen sind.

"Der Künstler fordert uns auf, über den Weg zu unseren Zielen nachzudenken und zu erkennen, dass gerade diese Reise Freude und Wert bringen sollte. Die heutigen Realitäten zwingen uns jedoch, an Ersatzwerte zu glauben, die unsere Aufmerksamkeit auf eine vergängliche Zukunft lenken", sagt Alena Stetsiukevich, die Kuratorin des Projekts.

Die Installation von 'Portal' in Venedig ist ein symbolischer Akt. Seit der Renaissance dienen Türen in Italien als wichtige dekorative Elemente und Statusindikatoren. Die Eingangstür verrät, was man im Inneren des Raumes zu erwarten hat. Venezianische Türen sind auch sehr funktionell. Das Design der Türen, die in die Kanäle führen, trägt dazu bei, dem Acqua Alta zu widerstehen, einem Ereignis, bei dem Venedig zu verschiedenen Zeitpunkten im Jahr durch die steigende Flut der Adria vorübergehend überschwemmt wird.

Lidia interagiert auch mit dem Raum des Internationalen Kulturzentrums CREA, das sich an den Docks in der Nähe der Gondel- und Motorbootreparatur befindet. Die Umgebung ist einer der Gründe, warum der Künstler Metall, Glas und Neon für die Installation gewählt hat. Die bei der Herstellung von "Portal" verwendeten Materialien verwandeln einen gewöhnlichen Gegenstand in ein Kunstwerk: Die einfache Tür wird zu einem bedeutungsvollen Symbol mit zahlreichen Interpretationen.  Die Installation wurde im Einklang mit den Grundsätzen der nachhaltigen Entwicklung geschaffen.

L'installation "Portal" de Lidia Russkova-Hasaya est une porte en verre incandescent de trois mètres de haut, encadrée de métal et placée dans une base métallique massive. Un éclairage LED dessine la silhouette de la porte, lui donnant l'impression de flotter dans l'air.

S'appuyant sur des années de recherche de l'artiste dans les domaines de l'histoire de l'art, du symbolisme, de l'urbanisme et de l'architecture, "Portal" représente l'espoir et la possibilité d'un nouveau départ - un passage vers un espace meilleur et plus sûr. La porte, cependant, n'est pas accessible, laissant les visiteurs confinés dans leur réalité actuelle.

"L'artiste nous invite à contempler le chemin qui mène à nos objectifs et à reconnaître que c'est ce voyage même qui devrait nous apporter joie et valeur. Les réalités contemporaines, cependant, nous obligent à croire en des valeurs de substitution qui concentrent notre attention sur un avenir éphémère", explique Alena Stetsiukevich, commissaire du projet.

L'installation de "Portal" à Venise est un acte symbolique. Depuis la Renaissance, les portes sont des éléments décoratifs importants et des indicateurs de statut en Italie. La porte d'entrée révèle ce que l'on attend à l'intérieur de l'espace. Les portes vénitiennes sont également très fonctionnelles. La conception des portes menant aux canaux permet de résister à l'Acqua Alta, un événement qui voit Venise temporairement inondée à différents moments de l'année par la marée montante de la mer Adriatique.

Lidia interagit également avec l'espace du centre culturel international CREA, situé sur les quais, à proximité de la réparation des gondoles et des bateaux à moteur. C'est l'une des raisons pour lesquelles l'artiste a choisi le métal, le verre et le néon pour construire l'installation. Les matériaux utilisés pour la réalisation de "Portal" transforment un objet ordinaire en œuvre d'art : la simple porte devient un symbole significatif aux multiples interprétations.  L'installation a été réalisée dans le respect des principes du développement durable.

L'installazione "Portal" di Lidia Russkova-Hasaya è una porta di vetro incandescente alta tre metri, incorniciata in metallo e inserita in una massiccia base metallica. L'illuminazione a LED delinea la silhouette della porta, dandole l'impressione di fluttuare a mezz'aria.

Basata su anni di ricerca dell'artista in storia dell'arte, simbolismo, urbanistica e architettura, "Portal" rappresenta la speranza e la possibilità di un nuovo inizio, un passaggio verso uno spazio migliore e più sicuro. La porta, tuttavia, non è accessibile, lasciando i visitatori confinati nella loro realtà attuale.

"L'artista ci invita a contemplare il percorso che ci porta alla meta e a riconoscere che è proprio questo viaggio che dovrebbe portare gioia e valore. La realtà contemporanea, tuttavia, ci costringe a credere in valori sostitutivi che focalizzano la nostra attenzione su un futuro effimero", afferma Alena Stetsiukevich, curatrice del progetto.

L'installazione di "Portal" a Venezia è un atto simbolico. Fin dal Rinascimento, le porte sono state un importante elemento decorativo e un indicatore di status in Italia. La porta d'ingresso rivela cosa ci si aspetta all'interno dello spazio. Le porte veneziane sono anche altamente funzionali. Il design delle porte che conducono ai canali aiuta a resistere all'Acqua Alta, un evento che vede Venezia temporaneamente allagata in vari momenti dell'anno dall'innalzamento della marea dell'Adriatico.

Lidia interagisce anche con lo spazio del Centro Culturale Internazionale CREA, situato sulle banchine vicino alla riparazione di gondole e motoscafi. L'area è uno dei motivi per cui l'artista ha scelto metallo, vetro e neon per costruire l'installazione. I materiali utilizzati per la realizzazione di "Portal" trasformano un oggetto ordinario in un'opera d'arte: la semplice porta diventa un simbolo significativo dalle molteplici interpretazioni.  L'installazione è stata realizzata secondo i principi dello sviluppo sostenibile.

‘Portal’ installation by Lidia Russkova-Hasaya is a three–metre tall glowing glass door framed in metal and set into a massive metal base. LED lighting outlines the silhouette of the door, giving it the appearance of floating in mid-air.

Based on years of research by the artist in art history, symbolism, urbanism, and architecture, 'Portal' represents hope and the possibility of a new beginning — a passage to a better and safer space. The door, however, is not accessible, leaving visitors confined to their present reality.

“The artist beckons us to contemplate the path leading to our goals and to recognise that it is this very journey which should bring joy and value. Contemporary realities, however, compel us to believe in substitute values that focus our attention on an ephemeral future,” says Alena Stetsiukevich, the curator of the project.

Installing ‘Portal’ in Venice is a symbolic act. Since the Renaissance, doors have served as significant decorative elements and indicators of status in Italy. The front door reveals what to expect inside the space. Venetian doors are also highly functional. The design of doors leading into the canals helps to withstand Acqua Alta, an event that sees Venice temporarily flooded at various points during the year by the rising Adriatic Sea tide.

Lidia also interacts with the space of the CREA International Cultural Centre, located on the docks near the gondolas and motorboats repair. The area is one of the reasons the artist chose metal, glass, and neon to construct the installation. The materials used in the making of ‘Portal’ transform an ordinary object into a work of art: the simple door becomes a meaningful symbol with numerous interpretations.  The installation is created in accordance with the principles of sustainable development.

(Text: Surface Lab Art)

Isola San Servolo - Palazzina Libeccio | Venezia
19. Mai - 26. November 2023

Rosso Sahel
Luca Casonato

Die Ausstellung findet im Rahmen der Architektur Biennale statt.

"Rosso Sahel" ist das visuelle Tagebuch meiner Reise nach Niger im Jahr 2022 als Fotograf und Mitglied des technisch-wissenschaftlichen Komitees des Pavillons der Republik Niger auf der Architekturbiennale 2023 in Venedig.

"Rosso Sahel" ist sowohl ein visuelles als auch ein inneres Tagebuch, in dem die Bilder, die absoluten Protagonisten des Projekts, lebendig und hautnah sind, heiß und in der ersten Person aufgenommen. Die kurzen Texte, die sie begleiten, sind dem Tagebuch entnommen, das ich an Bord des Geländewagens geführt habe, kurz nachdem die Bilder aufgenommen wurden.

Die Reise nach Niger war anstrengend und intensiv für mich, nicht so sehr wegen der materiellen Bedingungen, die sich so sehr von denen unterscheiden, an die wir in Europa gewöhnt sind, sondern vor allem, weil ich ständig in Situationen der Not und der Armut eingetaucht bin. Ich habe die Privilegien, die ich in diesem Moment genoss, ständig und deutlich wahrgenommen, fast ohne es zu merken: eine Klimaanlage zu benutzen, ein kaltes Getränk aus der Dose zu trinken, gute Schuhe zu tragen, zu wissen, dass es immer eine Alternative gab.

Das Projekt bietet dem Besucher eher eine empathische als eine ästhetische Beziehung zu den Bildern. "Rosso Sahel" ist eine Einladung, Fotografie und Bilder als Gelegenheit zu nutzen, um eine innere Reise zu unternehmen und sich zu fragen, wie wir das Beste aus der Alternative machen können, die uns glücklicherweise zur Verfügung steht.

"Rosso Sahel" ist auch ein Buch, das im Pavillon der Republik Niger auf der Architekturbiennale 2023 in Venedig ausgestellt wird.

"Rosso Sahel" est le journal visuel du voyage que j'ai effectué au Niger en 2022 en tant que photographe et membre du comité technico-scientifique du Pavillon de la République du Niger à la Biennale d'Architecture de Venise 2023.

"Rosso Sahel" est un journal visuel et intérieur dans lequel les images, protagonistes absolus du projet, sont vives et rapprochées, prises à chaud et à la première personne. Les courts textes qui les accompagnent sont extraits du journal que j'ai tenu à bord du véhicule tout-terrain peu après la prise de vue.

Le voyage au Niger a été exigeant et intense pour moi, non pas tant en raison des conditions matérielles si différentes de celles auxquelles nous sommes habitués en Europe, mais surtout parce que j'ai été constamment immergé dans des situations de besoin et de pauvreté. Je percevais constamment et clairement les privilèges dont je jouissais à ce moment précis, presque sans m'en rendre compte : utiliser l'air conditionné, boire une boisson fraîche dans une canette, porter de bonnes chaussures, savoir qu'il y avait toujours une alternative disponible.

Le projet propose au visiteur une relation empathique plutôt qu'esthétique avec les images. "Rosso Sahel" est une invitation à utiliser la photographie et les images comme une opportunité de faire un voyage intérieur, de se demander comment tirer le meilleur parti de cette alternative que nous avons heureusement à notre disposition.

"Rosso Sahel" est également un livre exposé au Pavillon de la République du Niger à la Biennale d'architecture de Venise 2023.

“Rosso Sahel” è il diario visivo del viaggio che ho compiuto in Niger nel 2022 in qualità di fotografo e membro del comitato tecnico-scientifico del Padiglione della Repubblica del Niger alla Biennale di Architettura di Venezia 2023.

“Rosso Sahel” è un diario sia visivo che interiore in cui le immagini, assolute protagoniste del progetto, sono vivide e ravvicinate, scattate a caldo e in prima persona. I brevi testi che le accompagnano sono estrapolati dal diario che ho tenuto a bordo del fuoristrada poco dopo lo scatto delle immagini stesse.

Il viaggio in Niger è stato per me impegnativo e intenso, non tanto per le condizioni materiali così diverse da quelle a cui siamo abituati in Europa, ma soprattutto per il fatto di trovarmi costantemente immerso in situazioni di bisogno e di povertà. Ho percepito costantemente e con chiarezza i privilegi di cui stavo in quel preciso momento godendo, quasi senza accorgermene: utilizzare l’aria condizionata, il bere una bibita fresca in lattina, l'indossare delle buone scarpe, il sapere che c'era sempre un'alternativa a disposizione.

Il progetto propone al visitatore una relazione empatica più che estetica con le immagini. “Rosso Sahel” è un invito ad utilizzare la fotografia e le immagini come occasione per compiere un viaggio interiore, per chiedersi come sfruttare al meglio quell’alternativa che fortunatamente abbiamo a disposizione.

“Rosso Sahel” è anche un libro esposto presso il Padiglione della Repubblica del Niger alla Biennale di Architettura di Venezia 2023.

“Rosso Sahel” is the visual diary of the journey across Niger I undertook in 2022 as a photographer and member of the Technical Committee of the Republic of Niger Pavilion at the 2023 Venice Architecture Biennale.

"Rosso Sahel" is both a visual and an inner diary in which the images, the absolute protagonists of the project, are vivid and close, shot in the heat of the moment and in first person. The short texts that accompany them are taken from the diary I kept aboard the off-road vehicle and written as soon as I finished taking the pictures.

I found the journey challenging and intense. Not just for the lack of material goods, such a different condition from what I'm used to as a European citizen, but above all for the fact that I found myself constantly immersed in an environment of need and poverty.

I constantly and clearly perceived the privileges I was enjoying at that very moment, privileges that I usually take for granted: air conditioning, drinking a cold can of soda, wearing good shoes, knowing that there is always an alternative available.

The project offers the visitor an empathic rather than aesthetic relationship with the images. "Rosso Sahel" is an invitation to use photography and images as an opportunity to take an inner journey, to ask ourselves how we can make the most of that alternative that we fortunately have available to us.

"Rosso Sahel" is also a self-published book exhibited at the Pavilion of the Republic of Niger Pavilion at the 2023 Venice Architecture Biennale.

(Text: Luca Casonato, Milano)

Musée des Beaux-Arts | Mulhouse
10. Juni - 18. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie Mulhouse statt.

Sous influence

Bénédicte Blondeau, Agnès Geoffray, Matthew Genitempo, Sarah Ritter, Yannis Roger, Batia Suter, Penelope Umbrico

"Die Ausstellung zeugt von der Bedeutung der Verbindung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt durch den Einfluss der Gestirne und insbesondere des Mondes und bietet einen poetischen und fiktionalen Parcours, der durch die Beobachtung des Sternenhimmels inspiriert ist. Die Serie Geistersonnen von Sarah Ritter versetzt uns in einen seltsamen Traumraum, der sich an der Grenze zwischen uraltem Feuer und Laser befindet und einen Übergang von der Materialität der Himmelskörper zu den vom Menschen geschaffenen Formen bewirkt.

Was wäre, wenn Quallen wie Sterne glitzern würden? Wenn die Lichter auf den Start- und Landebahnen von Flughäfen der Milchstraße ähneln würden? Diese Vorstellungswelt ist in der Serie Ce qu'il reste von Bénédicte Blondeau am Werk, während The Ghostkeeper von Yannis Roger uns zu einem kosmischen Spaziergang einlädt, bei dem die Körper in einer "himmlischen Maschinerie, die Ereignisse und Zufälle produziert", in Bewegung gesetzt werden. Seine Bilder können, wie die von Matthew Genitempo, mit Findlingen verglichen werden - Felsbrocken, die von Gletschern auf der Oberfläche eines Bodens abgelagert werden, dem sie völlig fremd sind. So wirken diese mineralischen Massen wie Einbrüche aus einem unendlich weit entfernten Anderswo.

Matthew Genitempos Jasper erforscht die Faszination für eine Lebensweise, die es ermöglicht, sich so nah wie möglich am Erdmagnetismus zu bewegen. Die von Agnès Geoffray inszenierten Körper scheinen die Gesetze der Schwerkraft außer Kraft zu setzen. Diese blassen, mondähnlichen, essentialisierten Figuren treffen auf die von Penelope Umbrico gesammelten Schwarzen Sonnen und Monde.

Indem sie sich in geografische Atlanten, Enzyklopädien und Fachzeitschriften vertiefte, stellte Batia Suter eine riesige poetische, gelehrte und spielerische Konstellation zusammen. In einem vergleichbaren postfotografischen Ansatz sammelt Penelope Umbrico Fotografien von Monden, um ein Archiv zu generieren und die Produktionsweise der Fotografie im digitalen Zeitalter zu hinterfragen."

Die Fotografin, Kuratorin und promovierte Kunstwissenschaftlerin Anne Immelé lebt und arbeitet in Mulhouse. Ihre Fotografien hinterfragen unsere Beziehung zum Territorium in seinen vielfältigen Dimensionen: geografisch, menschlich, sozial, aber auch erinnerungsbezogen und poetisch. Sie ist Autorin mehrerer Bücher, darunter WIR mit dem Philosophen Jean-Luc Nancy im Verlag Filigrane oder Oublie Oublie, erschienen bei Médiapop im Jahr 2021. Ihre fotografischen Arbeiten werden regelmäßig ausgestellt. Als Dozentin an der HEAR, Haute école des arts du Rhin, gründete sie 2013 an der Seite von Jean-Yves Guénier die BPM-Biennale de la photographie de Mulhouse, deren künstlerische Leitung sie übernimmt und einige Ausstellungen kuratiert.

« Témoignant de l’importance de l’interconnexion entre l’humain et son environnement par l’influence des astres et notamment de la Lune, l’exposition propose un parcours poétique et fictionnel inspiré par l’observation du ciel étoilé. La série Soleils Fantômes de Sarah Ritter nous situe dans un espace onirique étrange, aux confins du feu ancestral et du laser, provoquant un passage de la matérialité des corps célestes vers les formes créées par l’humain.

Et si les méduses scintillaient comme des étoiles ? Si les lumières des pistes d’aéroports ressemblaient à la Voie Lactée ? Cet imaginaire est à l’œuvre dans la série Ce qu’il reste de Bénédicte Blondeau, tandis que The Ghostkeeper de Yannis Roger nous invite à une promenade cosmique dans laquelle les corps sont mis en mouvement dans une «  machinerie céleste produisant des événements et des coïncidences   ». Ses images, comme celles de Matthew Genitempo, peuvent être comparées à des blocs erratiques – ces rochers déposés par les glaciers à la surface d’un sol auxquels ils sont totalement étrangers. Ainsi ces masses minérales agissent-elles comme les irruptions d’un ailleurs infiniment lointain.

Jasper de Matthew Genitempo explore la fascination pour un mode de vie permettant de se placer au plus proche du magnétisme terrestre. Les corps mis en scène par Agnès Geoffray semblent défier les lois de la pesanteur. Pâles et lunaires, ces figures essentialisées vont à la rencontre des Soleils noirs et des Lunes collectées par Penelope Umbrico.

En se plongeant dans des atlas géographiques, encyclopédies et revues spécialisées, Batia Suter a constitué une immense constellation poétique, érudite et ludique. Dans une démarche post-photographique comparable, Penelope Umbrico rassemble des photographies de lunes pour générer des archives et questionner le mode de production de la photographie à l’ère digitale. »

Photographe, curatrice et docteur en art, Anne Immelé vit et travaille à Mulhouse. Ses photographies interrogent notre rapport au territoire dans ses multiples dimensions : géographique, humaine, sociale mais aussi mémorielle et poétique. Elle est l’auteur de plusieurs livres, dont WIR avec le philosophe Jean-Luc Nancy aux éditions Filigrane, ou Oublie Oublie, paru chez Médiapop en 2021. Son travail photographique est régulièrement exposé. Enseignante à la HEAR, Haute école des arts du Rhin, elle fonde en 2013, au côté de Jean-Yves Guénier, la BPM-Biennale de la photographie de Mulhouse, dont elle assure la direction artistique et le commissariat de certaines expositions.

"Testimoniando l'importanza dell'interconnessione tra l'uomo e il suo ambiente attraverso l'influenza degli astri e in particolare della Luna, la mostra propone un percorso poetico e narrativo ispirato all'osservazione del cielo stellato". La serie Phantom Suns di Sarah Ritter ci colloca in uno strano spazio onirico, ai confini del fuoco ancestrale e del laser, provocando un passaggio dalla materialità dei corpi celesti alle forme create dall'uomo.

E se le meduse brillassero come stelle? E se le luci delle piste degli aeroporti somigliassero alla Via Lattea? Questa immaginazione è all'opera nella serie Ce qu'il reste di Bénédicte Blondeau, mentre The Ghostkeeper di Yannis Roger ci invita a una passeggiata cosmica in cui i corpi sono messi in movimento in una "macchina celeste che produce eventi e coincidenze". Le sue immagini, come quelle di Matteo Genitempo, possono essere paragonate a blocchi erratici - rocce depositate dai ghiacciai sulla superficie di un terreno a cui sono totalmente estranee. Queste masse minerali agiscono quindi come irruzioni da un altrove infinitamente lontano.

Jasper di Matthew Genitempo esplora il fascino di uno stile di vita che permette di essere il più vicino possibile al magnetismo terrestre. I corpi messi in scena da Agnès Geoffray sembrano sfidare le leggi della gravità. Pallide e lunari, queste figure essenzializzate incontrano i Soli e le Lune nere raccolte da Penelope Umbrico.

Immergendosi in atlanti geografici, enciclopedie e riviste specializzate, Batia Suter ha creato un'immensa costellazione poetica, erudita e giocosa. Con un approccio post-fotografico simile, Penelope Umbrico raccoglie fotografie di lune per generare un archivio e mettere in discussione il modo di produzione della fotografia nell'era digitale.

Fotografa, curatrice e dottoressa d'arte, Anne Immelé vive e lavora a Mulhouse. Le sue fotografie interrogano il nostro rapporto con il territorio nelle sue molteplici dimensioni: geografica, umana, sociale, ma anche memoriale e poetica. È autrice di diversi libri, tra cui WIR con il filosofo Jean-Luc Nancy, pubblicato da Filigrane, o Oublie Oublie, pubblicato da Médiapop nel 2021. Il suo lavoro fotografico viene regolarmente esposto. Insegna all'HEAR, Haute école des arts du Rhin, e nel 2013, insieme a Jean-Yves Guénier, ha fondato la BPM-Biennale de la photographie de Mulhouse, di cui è direttore artistico e curatore di alcune mostre.

"Testifying to the importance of the interconnection between humans and their environment through the influence of the stars and especially the Moon, the exhibition offers a poetic and fictional journey inspired by the observation of the starry sky. The series Phantom Suns by Sarah Ritter places us in a strange dreamlike space, on the border of ancestral fire and laser, provoking a passage from the materiality of celestial bodies to the forms created by humans.

What if jellyfish twinkled like stars? What if the lights on airport runways looked like the Milky Way? This imagination is at work in Bénédicte Blondeau's series Ce qu'il reste, while Yannis Roger's The Ghostkeeper invites us on a cosmic walk in which bodies are set in motion in a "celestial machinery producing events and coincidences". His images, like those of Matthew Genitempo, can be compared to erratic blocks - rocks deposited by glaciers on the surface of a ground to which they are totally foreign. Thus these mineral masses act as irruptions from an infinitely distant elsewhere.

Matthew Genitempo's Jasper explores the fascination for a way of life that allows one to be close to the earth's magnetism. The bodies staged by Agnès Geoffray seem to defy the laws of gravity. Pale and lunar, these essentialized figures go to the meeting of the Black Suns and the Moons collected by Penelope Umbrico.

By immersing herself in geographical atlases, encyclopedias and specialized magazines, Batia Suter has created an immense poetic, erudite and playful constellation. In a comparable post-photographic approach, Penelope Umbrico collects photographs of moons to generate an archive and question the mode of production of photography in the digital age."

Photographer, curator and doctor of art, Anne Immelé lives and works in Mulhouse. Her photographs question our relationship with the territory in its multiple dimensions: geographical, human, social but also memorial and poetic. She is the author of several books, including WIR with the philosopher Jean-Luc Nancy, published by Filigrane, or Oublie Oublie, published by Médiapop in 2021. Her photographic work is regularly exhibited. She teaches at the HEAR, Haute école des arts du Rhin, and in 2013, together with Jean-Yves Guénier, she founded the BPM-Biennale de la photographie de Mulhouse, of which she is the artistic director and curator of certain exhibitions.

(Text: Musée des Beaux-Arts, Mulhouse)

Berges de la Thur | Thann
4. Juni - 3. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie de Mulhouse statt.

Face au vent du monde
Bernard Plossu

An den Ufern der Thur bietet die Ausstellung Face au vent du monde eine subjektive Reise durch das immense Werk von Bernard Plossu anhand einer Auswahl von Fotografien, die in Wüsten und bei Wanderungen im Hochgebirge entstanden sind. Plossus fotografischer Ansatz wurde durch seine Jahre in New Mexico (1977-1985) und seine Entdeckung von Landschaften geprägt, die er zuvor durch die Western seiner Kindheit kennengelernt hatte. Als physische und metaphysische Erfahrung ist die amerikanische Wüste vor allem eine Begegnung mit der Unermesslichkeit und dem Unvordenklichen, wobei die felsige Umgebung es uns ermöglicht, uns mit der siderischen Welt zu verbinden. Als Raum der Stille und Meditation ist die Wüste in Afrika auch ein Ort der Begegnung mit den Tuareg, den Fulbe- und Bororo-Nomaden, die mit ihren Herden umherziehen. Das Wandern ist eine begleitende Praxis der Fotografie. Bernard Plossu meint: "Noch mehr als das Gehirn oder das Auge ist es der Körper, der beim Gehen das Foto macht. Selbst in der Stille der Wüste, von einem Stein zum anderen wie bei einer Moräne im Hochgebirge".

Bernard Plossu wurde 1945 in Vietnam geboren. Seine ersten Fotos machte er im Alter von 13 Jahren, als er mit seinem Vater in die Sahara reiste. 1965 reiste er nach Mexiko, wo er seine Beatnik-Freunde fotografierte, mit denen er das Wandern und die Freiheit erprobte. Er reist zu den Maya-Indianern, nach Kalifornien, Ägypten, Indien und in den Niger. 1977 lässt sich Bernard Plossu in New Mexico nieder. Dort perfektioniert er einen direkten visuellen Stil, der sich durch das völlige Fehlen von Effekten auszeichnet. In den 1980er Jahren kehrte er nach Europa zurück und wanderte vor allem in Spanien, Frankreich, der Türkei und auf den kleinen italienischen Inseln. Seine sinnlichen und stillen Bilder erinnern an die Weichheit der Körper, der Materie und der Bewegung. Er ist Autor zahlreicher bahnbrechender Werke wie Die mexikanische Reise, The African Desert, Au Nord, Avant l'âge de raison oder L'heure immobile.

Sur les berges de la Thur, l'exposition Face au vent du monde propose une traversée subjective de l'oeuvre immense de Bernard Plossu à partir d'une sélection de photographies réalisées dans des déserts et lors de randonnées en haute montagne. L'approche photographique de Plossu a été marquée par ses années au Nouveau Mexique (1977-1985) et sa découverte de paysages qu'il avait auparavant connu au travers des westerns de son enfance. Expérience physique et métaphysique, le désert américain est avant tout une rencontre avec l'immensité et l'immémorial, le milieu rocheux permettant de nous relier au monde sidéral. Espace de silence et de méditation, le désert est aussi, en Afrique, un lieu de rencontre avec les Touaregs, nomades Peuls et Bororos qui se déplacent avec leurs troupeaux. La marche est une pratique concomitante de la photographie. Pour Bernard Plossu, « Encore plus que le cerveau ou l'oeil, c'est le corps qui fait la photo en marchant. Même dans le calme du désert, d'une pierre à l'autre comme dans une morène en haute montagne. »

Né en 1945 au Vietnam, Bernard Plossu réalise ses premières photos à 13 ans, lors d’un voyage au Sahara avec son père. En 1965, il part au Mexique où il photographie ses amis beatniks avec lesquels il expérimente l’errance et la liberté. Il voyage chez les Indiens mayas, en Californie, en Égypte, en Inde, au Niger. En 1977, Bernard Plossu s’installe au Nouveau Mexique. Il y perfectionne un style visuel direct caractérisé par une absence totale d’effet. Dans les années 80, Il revient vivre en Europe et continue de marcher notamment en Espagne, en France, en Turquie ou sur les petites îles italiennes. Ses images sensuelles et silencieuses évoquent la douceur des corps, de la matière, du mouvement. Il est l’auteur de très nombreux ouvrages ayant fait date, tels que Le Voyage mexicain, The African Desert, Au Nord, Avant l’âge de raison ou L’heure immobile.

Sulle rive della Thur, la mostra Face au vent du monde propone un viaggio soggettivo attraverso l'immenso lavoro di Bernard Plossu, basato su una selezione di fotografie scattate nei deserti e durante le escursioni in alta montagna. L'approccio fotografico di Plossu è stato segnato dagli anni trascorsi in New Mexico (1977-1985) e dalla scoperta di paesaggi che aveva precedentemente conosciuto attraverso i film western della sua infanzia. Esperienza fisica e metafisica, il deserto americano è soprattutto un incontro con l'immensità e l'immemorabile, l'ambiente roccioso ci permette di connetterci con il mondo siderale. Spazio di silenzio e meditazione, il deserto è anche, in Africa, un luogo di incontro con i nomadi Tuareg, Fulani e Bororo che viaggiano con le loro mandrie. Camminare è una pratica concomitante della fotografia. Per Bernard Plossu, "ancor più del cervello o dell'occhio, è il corpo che fa la fotografia mentre cammina. Anche nella calma del deserto, da una pietra all'altra come in una morena in alta montagna.

Nato nel 1945 in Vietnam, Bernard Plossu ha scattato le sue prime foto all'età di 13 anni, durante un viaggio nel Sahara con il padre. Nel 1965 parte per il Messico dove fotografa i suoi amici beatnik con i quali sperimenta il vagabondaggio e la libertà. Ha viaggiato presso gli indiani Maya, in California, in Egitto, in India e in Niger. Nel 1977, Bernard Plossu si trasferì nel Nuovo Messico. Qui ha perfezionato uno stile visivo diretto, caratterizzato da una totale assenza di effetti. Negli anni Ottanta torna in Europa e continua a viaggiare, in particolare in Spagna, Francia, Turchia e nelle piccole isole italiane. Le sue immagini sensuali e silenziose evocano la morbidezza dei corpi, della materia e del movimento. È autore di molte opere fondamentali, come Le Voyage mexicain, Il deserto africano, Au Nord, Avant l'âge de raison e L'heure immobile.

The exhibition Face au vent du monde proposes a personal journey through the vast body of Bernard Plossu's work through a selection of photographs from his treks through the deserts and high mountains. Plossu's time in New Mexico (1977-1985) influenced his photographic approach, as did the landscapes he discovered there, previously known to him from the Westerns of his childhood. The American desert is a physical and metaphysical experience. Above all, it is an encounter with the immense and the immemorial; its rocky terrains allowing connection with the sidereal world. In Africa, this expanse of silence and meditation is also a space of encounter with Tuaregs, Fulani and Bororo nomads traveling with their herds. Walking is a practice concomitant with photography. For Bernard Plossu, “More than the brain or the eye, it is the body taking pictures while walking. Even in the calm of the desert, from one stone to another, like a moraine in the high mountains.”

Born in 1945 in Vietnam, Bernard Plossu took his first photos at the age of 13, during a trip to the Sahara with his father. In 1965, he left for Mexico where he photographed his beatnik friends with whom he experimented with wandering and freedom. He travels to the Mayan Indians, California, Egypt, India and Niger. In 1977, Bernard Plossu moved to New Mexico. There he perfected a direct visual style characterized by a total absence of effect. In the 1980s, he returned to Europe and continued to travel, notably in Spain, France, Turkey and the small Italian islands. His sensual and silent images evoke the softness of bodies, matter and movement. He is the author of many landmark works, such as Le Voyage mexicain, The African Desert, Au Nord, Avant l'âge de raison and L'heure immobile.

(Text: Biennale de la photographie de Mulhouse)

Médiathèque de Thann
4. Juni - 3. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie Mulhouse statt.

Là où les routes s'arrêtent
Bernard Plossu, Francis Kauffmann

In der Ausstellung Là où les routes s'arrêent entsteht ein Dialog zwischen dem klaren Licht der amerikanischen Wüste, das in den Miniaturen von Bernard Plossus Jardin de poussière so intelligent wiedergegeben wird, und dem Licht, das Francis Kauffmann seit zwanzig Jahren in den entlegensten Gebieten des Hohen Atlas in Marokko einfängt. Mit Geduld, Bescheidenheit und Langsamkeit, fernab von ausgetretenen Pfaden, drang der Fotograf aus Mulhouse in diese uralten Berge ein und ließ das Licht, das sie in sich bergen, in sich und auf das Prisma seiner Kamera fallen. Wie sein Freund Bernard Plossu ist er ein Anhänger der visuellen Diskretion, die das 50-mm-Objektiv bietet, und präsentiert hier Schwarz-Weiß-Bilder, die größtenteils noch nie zuvor veröffentlicht wurden.

Francis Kauffmann, 1966 in Mulhouse geboren, entwickelt eine autodidaktische und instinktive Fotografie, die auf Verfügbarkeit, Beharrlichkeit und langer Zeit beruht. Seit 2002 durchstreift er regelmäßig und zu Fuß eine wilde Region des Hohen Atlas in Marokko, geleitet von Plänen, die von Dorfbewohnern gekritzelt wurden, oder von alten Karten, die Maultierpfade zeigen. 2014 wurde Du thé et des sourires, das erste Buch, das seine Bilder aus Marokko versammelt, im Verlag Médiapop veröffentlicht. Im Jahr 2021 fotografierte er die verlassenen Räumlichkeiten eines Ferienlagers für La colo, das im selben Verlag erschien.

In der Mediathek werden Fotografien aus dem Buch Der Garten des Staubs ausgestellt. Das 1989 erschienene, mittlerweile legendäre Buch ist das Ergebnis langer Wanderungen durch die Wüste im Westen der USA. Abseits der modernen Zivilisation, aber ganz nah an den Geistern der Apachen, die in diesen trockenen Weiten spuken, konfrontierte sich Plossu mit der Stille und der Unendlichkeit der Landschaft, mit dem Geheimnis des Sichtbaren. Er brachte Bilder mit, die durch ihre extreme formale Nüchternheit und die bewusste Wahl des kleinen Formats der Idee des Spektakulären widersprechen und stattdessen eine intime, subtile Verbindung zu diesen von Kosmizität und Mythen geprägten Orten offenbaren. "Man muss immer dorthin gehen, wo die Straßen auf den Karten enden, wo es nichts mehr gibt", erinnert Bernard Plossu gerne und liefert mit diesen Worten einen wesentlichen Schlüssel zu seiner Beziehung zur Welt.

Bernard Plossu wurde 1945 in Vietnam geboren. Seine ersten Fotos machte er im Alter von 13 Jahren, als er mit seinem Vater in die Sahara reiste. 1965 reiste er nach Mexiko, wo er seine Beatnik-Freunde fotografierte, mit denen er das Wandern und die Freiheit erprobte. Er reist zu den Maya-Indianern, nach Kalifornien, Ägypten, Indien und in den Niger. 1977 lässt sich Bernard Plossu in New Mexico nieder. Dort perfektioniert er einen direkten visuellen Stil, der sich durch das völlige Fehlen von Effekten auszeichnet. In den 1980er Jahren kehrte er nach Europa zurück und wanderte vor allem in Spanien, Frankreich, der Türkei und auf den kleinen italienischen Inseln. Seine sinnlichen und stillen Bilder erinnern an die Weichheit der Körper, der Materie und der Bewegung. Er ist Autor zahlreicher bahnbrechender Werke wie Die mexikanische Reise, The African Desert, Au Nord, Avant l'âge de raison oder L'heure immobile.

Dans l'exposition Là où les routes s'arrêtent, un dialogue se noue entre la lumière limpide du désert américain, si intelligemment restituée dans les miniatures du Jardin de poussière de Bernard Plossu, et celle captée par Francis Kauffmann depuis vingt ans dans les zones les plus reculées du Haut Atlas marocain. Avec patience, humilité et lenteur, à distance des sentiers battus, le photographe mulhousien a pénétré ces montagnes ancestrales, laissant se déposer en lui et sur le prisme de son appareil les lumières qu'elles renferment. Adepte, tout comme son ami Bernard Plossu, de la discrétion visuelle qu'offre l'objectif de 50 mm, il présente ici des images en noir et blanc pour la plupart inédites.

Né en 1966 à Mulhouse, Francis Kauffmann développe une photographie autodidacte et instinctive fondée sur la disponibilité, la persévérance et le temps long. Depuis 2002, c'est régulièrement et à pied qu'il arpente une région sauvage du Haut Atlas Marocain, guidé par des plans griffonnés par des villageois ou d'anciennes cartes montrant les sentiers de mules. En 2014, Du thé et des sourires, premier livre rassemblant ses images du Maroc, a été publié aux éditions Médiapop. En 2021, il a photographié les locaux abandonnés d'une colonie de vacances pour La colo, paru chez le même éditeur.

A la médiathèque sont exposées des photographies issues du livre Le jardin de poussière. Paru en 1989, ce livre, devenu mythique, est le fruit de longues marches dans le désert de l'Ouest des États-Unis. À l'écart de la civilisation moderne, mais au plus près des esprits Apaches qui hantent ces étendues de sécheresse, Plossu s'est confronté au silence et à l'infini du paysage, au mystère du visible. Il en a rapporté des images qui, par leur extrême sobriété formelle et le choix assumé du petit format, contredisent l'idée de spectaculaire, et révèlent au contraire un lien intime, subtil, avec ces lieux empreints de cosmicité et de mythes. « Il faut toujours aller là où les routes s'arrêtent sur les cartes, là où il n'y a plus rien », aime à rappeler Bernard Plossu, livrant par ces mots une clé essentielle de son rapport au monde.

Né en 1945 au Vietnam, Bernard Plossu réalise ses premières photos à 13 ans, lors d'un voyage au Sahara avec son père. En 1965, il part au Mexique où il photographie ses amis beatniks avec lesquels il expérimente l'errance et la liberté. Il voyage chez les Indiens mayas, en Californie, en Égypte, en Inde, au Niger. En 1977, Bernard Plossu s'installe au Nouveau Mexique. Il y perfectionne un style visuel direct caractérisé par une absence totale d'effet. Dans les années 80, Il revient vivre en Europe et continue de marcher notamment en Espagne, en France, en Turquie ou sur les petites îles italiennes. Ses images sensuelles et silencieuses évoquent la douceur des corps, de la matière, du mouvement. Il est l'auteur de très nombreux ouvrages ayant fait date, tels que Le Voyage mexicain, The African Desert, Au Nord, Avant l'âge de raison ou L'heure immobile.

Nella mostra Where the Roads End si instaura un dialogo tra la luce limpida del deserto americano, così intelligentemente resa nelle miniature del Giardino di polvere di Bernard Plossu, e quella catturata da Francis Kauffmann negli ultimi vent'anni nelle zone più remote dell'Alto Atlante marocchino. Con pazienza, umiltà e lentezza, a distanza dai sentieri battuti, il fotografo di Mulhouse è penetrato in queste montagne ancestrali, lasciando che la luce che esse contengono si depositasse dentro di lui e sul prisma della sua macchina fotografica. Come il suo amico Bernard Plossu, è un fan della discrezione visiva offerta dall'obiettivo 50 mm e qui presenta immagini in bianco e nero per lo più inedite.

Nato nel 1966 a Mulhouse, Francis Kauffmann sviluppa una fotografia autodidatta e istintiva, basata su disponibilità, perseveranza e tempo. Dal 2002 cammina regolarmente nella natura selvaggia dell'Alto Atlante marocchino, guidato dalle mappe scarabocchiate dagli abitanti dei villaggi o da vecchie carte che riportano le mulattiere. Nel 2014, Du thé et des sourires, il suo primo libro di immagini del Marocco, è stato pubblicato da Médiapop. Nel 2021 fotografa i locali abbandonati di un campo di vacanza per La colo, pubblicato dallo stesso editore.

Nella mediateca sono esposte le fotografie del libro Il giardino della polvere. Pubblicato nel 1989, questo libro, divenuto mitico, è il risultato di lunghe passeggiate nel deserto degli Stati Uniti occidentali. Lontano dalla civiltà moderna, ma il più vicino possibile agli spiriti apache che infestano queste distese aride, Plossu si è confrontato con il silenzio e l'infinito del paesaggio, il mistero del visibile. Ha riportato immagini che, attraverso la loro estrema sobrietà formale e la scelta del piccolo formato, contraddicono l'idea di spettacolarità e rivelano invece un legame intimo e sottile con questi luoghi intrisi di cosmicità e mito. "Bisogna sempre andare dove le strade finiscono sulle mappe, dove non c'è più niente", ama ricordare Bernard Plossu, consegnando con queste parole una chiave essenziale del suo rapporto con il mondo.

Nato nel 1945 in Vietnam, Bernard Plossu ha scattato le sue prime fotografie all'età di 13 anni, durante un viaggio nel Sahara con il padre. Nel 1965 parte per il Messico dove fotografa i suoi amici beatnik con i quali sperimenta il vagabondaggio e la libertà. Ha viaggiato presso gli indiani Maya, in California, in Egitto, in India e in Niger. Nel 1977, Bernard Plossu si trasferì nel Nuovo Messico. Qui ha perfezionato uno stile visivo diretto, caratterizzato da una totale assenza di effetti. Negli anni Ottanta torna in Europa e continua a camminare, in particolare in Spagna, Francia, Turchia e nelle piccole isole italiane. Le sue immagini sensuali e silenziose evocano la morbidezza dei corpi, della materia e del movimento. È autore di molte opere fondamentali, come Le Voyage mexicain, Il deserto africano, Au Nord, Avant l'âge de raison e L'heure immobile.

In the exhibition Where the Roads End, a dialogue is established between the limpid light of the American desert, so intelligently rendered in the miniatures of Bernard Plossu's Garden of Dust, and the light captured by Francis Kauffmann over the past twenty years in the most remote areas of the Moroccan High Atlas. With patience, humility and slowness, at a distance from the beaten track, the photographer from Mulhouse has penetrated these ancestral mountains, letting the light they contain settle in him and on the prism of his camera. Like his friend Bernard Plossu, he is a fan of the visual discretion offered by the 50 mm lens, and here he presents mostly unpublished black and white images.

Born in 1966 in Mulhouse, Francis Kauffmann develops a self-taught and instinctive photography based on availability, perseverance and time. Since 2002, he has regularly walked through the wilderness of the Moroccan High Atlas, guided by maps scribbled by villagers or old maps showing the mule tracks. In 2014, Du thé et des sourires, the first book gathering his images of Morocco, was published by Médiapop. In 2021, he photographed the abandoned premises of a summer camp for La colo, published by the same publisher.

The exhibition Là où les routes s'arrêtent is presenting pictures from his 1989 cult publication Le jardin de poussière, fruit of long journeys through the Western desert of the United States. In haunting expanses of dry earth, cut off from modern civilization and immersed in the spirit of the Apache, Plossu confronted silence, infinity and the mysteries of the visible. The sober and small-scale photographs which emerged from this journey clash with notions of the spectacular and capture instead an intimate and subtle connection with the cosmic and mythic nature of the place. Bernard Plossu likes to remind us that “one must always go to uncharted territory, where maps are left unmarked.” These words mirror his relationship with the world.

Born in 1945 in Vietnam, Bernard Plossu took his first photographs at the age of 13, during a trip to the Sahara with his father. In 1965, he left for Mexico where he photographed his beatnik friends with whom he experimented with wandering and freedom. He travels to the Mayan Indians, California, Egypt, India and Niger. In 1977, Bernard Plossu moved to New Mexico. There he perfected a direct visual style characterized by a total absence of effect. In the 1980s, he returned to Europe and continued to travel, notably in Spain, France, Turkey and the small Italian islands. His sensual and silent images evoke the softness of bodies, matter and movement. He is the author of many landmark works, such as Le Voyage mexicain, The African Desert, Au Nord, Avant l'âge de raison and L'heure immobile.

(Text: Biennale de la photographie Mulhouse)

Fondamenta dell’Abbazia | Venezia
21. April – 27. November 2022

Light of Grey
Bae Bien-U

Die Fondation Wilmotte präsentiert "Light of Grey", ein fotografisches Werk von Bae Bien-U, das von der Fondation für die 59. Internationale Kunstausstellung (Biennale von Venedig) in Zusammenarbeit mit der Galerie RX in Auftrag gegeben wurde.

La Fondation Wilmotte présente "Light of Grey", une œuvre photographique de Bae Bien-U, commandée par la Fondation pour la 59e exposition internationale d'art (Biennale de Venise) en collaboration avec la Galerie RX.

In concomitanza con la 59. Esposizione Internationale d’Arte (Biennale di Venezia), la Fondazione Wilmotte presenta l’esposizione “Light of Grey” dell’artista Bae Bien-U, in collaborazione con Galerie RX.

The Wilmotte Foundation presents “Light of Grey”, a photographic work by Bae Bien-U, commissioned by the Foundation for the 59th International Art Exhibition (Biennal of Venice) in collaboration with Galerie RX.

Kunstverein Ludwigshafen
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Bodies in (e)Motion

Archive of Public Protests, Michał Iwanowski, Giya Makondo-Wills, Mashid Mohadjerin, Gloria Oyarzabal, Felipe Romero Beltrán

Im Internet tauschen Menschen viele Ideen, Meinungen und Haltungen miteinander aus. Dennoch bleibt der Körper das wichtigste Mittel, um die eigene kulturelle, religiöse und politische Identität auszudrücken. Menschen verkörpern ihre Erfahrungen und Meinungen bei Massenprotesten im Kampf für Redefreiheit, für Frauenrechte und gegen den Klimawandel. Zugleich ist der Körper aber auch zerbrechlich und anfällig für staatliche Gewalt und für Angriffe aufgrund unterschiedlicher Anschauungen.

Gesellschaftliche Strukturen und Konzepte haben sich im Laufe der Geschichte herausgebildet: Sie wandern und werden adaptiert, wann immer Menschen migrieren. Kolonialismus, Imperialismus, globaler Handel und Massenmedien haben westliche Werte und Perspektiven auf der ganzen Welt verbreitet. Die ausgewählten Künstler*innen in der Ausstellung Bodies in (e)Motion fungieren als Vermittler*innen, um Gedanken und Haltungen zu Freiheit, Feminismus und Religion zu veranschaulichen, die in der westlichen Welt wenig bekannt sind.

In der Ausstellung werden die Ergebnisse präsentiert, die aus ausführlichen Dialogen zwischen den Künstler*innen und ihren Mitstreiter*innen hervorgegangen sind. Performances, Zeitungen und Collagen zeigen, wie Menschen selbstbestimmt und im ständigen Ideenaustausch mit anderen ihre eigene Identität geformt haben.

Sur Internet, les gens échangent de nombreuses idées, opinions et attitudes. Cependant, le corps reste le principal moyen d'exprimer sa propre identité culturelle, religieuse et politique. Les gens incarnent leurs expériences et leurs opinions lors de manifestations de masse dans la lutte pour la liberté d'expression, pour les droits des femmes et contre le changement climatique. Mais en même temps, le corps est fragile et vulnérable à la violence étatique et aux attaques fondées sur des opinions différentes.

Les structures et les concepts sociaux se sont développés au cours de l'histoire : Elles se déplacent et s'adaptent à chaque fois que les gens migrent. Le colonialisme, l'impérialisme, le commerce mondial et les médias de masse ont diffusé les valeurs et les perspectives occidentales dans le monde entier. Les artistes sélectionnés* dans l'exposition Bodies in (e)Motion agissent en tant que médiateurs* pour illustrer des pensées et des attitudes sur la liberté, le féminisme et la religion qui sont peu connues dans le monde occidental.

L'exposition présente les résultats issus de dialogues approfondis entre les artistes* et leurs compagnons de route. Des performances, des journaux et des collages montrent comment des personnes ont façonné leur propre identité de manière autodéterminée et en échangeant constamment des idées avec d'autres.

Su internet, la gente si scambia molte idee, opinioni e atteggiamenti tra di loro. Eppure il corpo rimane il mezzo più importante per esprimere la propria identità culturale, religiosa e politica. Le persone incarnano le loro esperienze e opinioni in proteste di massa nella lotta per la libertà di parola, per i diritti delle donne e contro il cambiamento climatico. Allo stesso tempo, il corpo è anche fragile e vulnerabile alla violenza dello Stato e agli attacchi basati su opinioni diverse.

Le strutture e i concetti sociali si sono evoluti nel corso della storia: Migrano e si adattano ogni volta che le persone migrano. Il colonialismo, l'imperialismo, il commercio globale e i mass media hanno diffuso i valori e le prospettive occidentali nel mondo. Gli artisti selezionati nella mostra Bodies in (e)Motion agiscono come mediatori per illustrare pensieri e atteggiamenti sulla libertà, il femminismo e la religione che sono poco conosciuti nel mondo occidentale.

La mostra presenta i risultati di ampi dialoghi tra gli artisti e i loro collaboratori. Spettacoli, giornali e collage mostrano come le persone hanno plasmato la propria identità in modo autodeterminato e in un costante scambio di idee con gli altri.

In the digital sphere, ideas, opinions and attitudes are widely exchanged. Yet the body itself is still the most important means of truly expressing one's cultural, religious and political identity. This embodied expression of experiences and belief systems is used in mass protests for the struggle for freedom of speech, women's rights and climate change. At the same time, the body is a fragile shell and vulnerable to state violence and opposing views. 

Ideas and beliefs are formed throughout history, and they migrate and are adapted when people move. Colonialism, imperialism, global trade and mass media have ensured that values and beliefs from the West have spread around the world. The selected artists in Bodies in (e)Motion act as mediators to show thoughts and attitudes related to freedom, feminism and religion which are less known in the Western world. And they reveal how, in a more subtle way, the body can also act individually against the views that are forced upon it. 

Bodies in (e)Motion presents in-depth dialogues that took place between the artists and their collaborators during the creation of their work. These resulting performances, newspapers and collages show how people have formed their identity based on their own conditions and the ongoing exchange of ideas.

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Museum Weltkulturen | Mannheim
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Narratives of Resistance
Poulomi Basu, Silvy Crespo, Nepal Picture Library

Die Ausstellung Narratives of Resistance konzentriert sich auf wenig beachtete Konflikte zwischen Regierungen und lokalen Bevölkerungsgruppen. Der groß angelegte Lithium-Abbau im nördlichen Portugal, der langwierige Kampf um das Adivasi-Territorium in Zentralindien und die ökologischen Herausforderungen, vor denen Nepal in der Chitwan-Region steht: Alle diese Auseinandersetzungen haben gravierende Folgen für die Bewohner*innen und ihre Umwelt.

Die Künstler*innen haben diese sozialen und politischen Aufstände gegen Landraub, Ressourcenausbeutung und die anhaltende Verletzung von Menschenrechten sorgfältig dokumentiert. Indem sie fiktionale Erzählstrategien anwenden und historische Dokumente sowie Bildmaterial von Betroffenen hinzufügen, haben sie innovative Formen gefunden, um die Geschichten zugänglich zu machen. Erzählt wird aus den Perspektiven derjenigen, die die Ereignisse seit Langem miterleben und spüren, wie sie die Beziehung zu ihrer Umwelt auf Dauer verlieren und wie tiefgreifend sich diese verändert.

Könnten diese Erzählungen des Widerstands zu lebendigen Archiven werden, die zu einer größeren, verdienten Aufmerksamkeit für diese Bewegungen beitragen?

L'exposition Narratives of Resistance se concentre sur des conflits peu médiatisés entre les gouvernements et les populations locales. L'exploitation à grande échelle du lithium dans le nord du Portugal, la longue lutte pour le territoire adivasi dans le centre de l'Inde et les défis écologiques auxquels le Népal est confronté dans la région de Chitwan : Tous ces conflits ont de graves conséquences pour les habitants* et leur environnement.

Les artistes* ont soigneusement documenté ces soulèvements sociaux et politiques contre l'accaparement des terres, l'exploitation des ressources et la violation continue des droits de l'homme. En utilisant des stratégies narratives fictionnelles et en ajoutant des documents historiques et des images des personnes concernées, ils ont trouvé des formes innovantes pour rendre ces histoires accessibles. Le récit est fait du point de vue de ceux qui vivent les événements depuis longtemps et qui ressentent la perte durable de leur relation avec leur environnement et la transformation profonde de celui-ci.

Ces récits de résistance pourraient-ils devenir des archives vivantes, contribuant à une attention plus grande et méritée pour ces mouvements ? 

La mostra Narratives of Resistance si concentra su conflitti poco noti tra governi e popolazioni locali. L'estrazione di litio su larga scala nel nord del Portogallo, la lotta prolungata per il territorio Adivasi nell'India centrale e le sfide ecologiche che il Nepal deve affrontare nella regione di Chitwan: Tutte queste lotte hanno gravi conseguenze per gli abitanti e il loro ambiente.

Gli artisti hanno accuratamente documentato queste rivolte sociali e politiche contro l'accaparramento delle terre, lo sfruttamento delle risorse e la continua violazione dei diritti umani. Usando strategie narrative fittizie e aggiungendo documenti storici e filmati delle persone colpite, hanno trovato modi innovativi per rendere le storie accessibili. Le narrazioni sono raccontate dal punto di vista di coloro che assistono agli eventi da molto tempo e sentono come stanno perdendo permanentemente la loro relazione con l'ambiente e come questo stia cambiando profondamente.

Queste narrazioni di resistenza potrebbero diventare archivi viventi che contribuiscono a una maggiore e meritata attenzione a questi movimenti?

The exhibition Narratives of Resistance focuses on marginalised conflicts between national governments and indigenous communities. Large-scale lithium mining infrastructure in northern Portugal, the protracted struggle for Adivasi territory in central India and the ecological challenges facing Nepal in the Chitwan region: these have all had a serious impact on the inhabitants and their lands.

The artists have carefully documented these social and political uprisings against land grabbing, resource exploitation and the continued disregard for human rights. By using fictional storytelling strategies while adding historical documents and images of the people themselves, they have found innovative ways to tell these histories.

The perspective of the accounts is of those who have been living through the events for a long time and feel the loss of a lasting relationship with their environment and its profound transformations. Could these narratives of resistance become living archives that can contribute to the recognition of, and justice for, these resistance movements?

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

PORT25 – Raum für Gegenwartskunst | Mannheim
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Collective Minds
Anna Ehrenstein, Anouk Kruithof, Kelebogile Ntladi

In unserer vernetzten Gesellschaft nutzen wir Bilder, teilen sie und kommunizieren mit ihnen, um Kontakte zu knüpfen und uns mit anderen verbunden zu fühlen. Sich selbst zu fotografieren und zu filmen ist ein mächtiges Werkzeug, um die eigene Identität auszudrücken und online nach Gleichgesinnten zu suchen. Soziale Medien fungieren als Plattformen, auf denen vom Mainstream abweichende Lebensentwürfe präsentiert werden und Unterstützung finden.

Die ausgewählten Künstler*innen haben on- und offline Netzwerke mit jungen Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund aufgebaut, mit kreativen Unternehmer*innen im Senegal ebenso wie mit queeren Gemeinschaften in Südafrika. Die Arbeiten in der Ausstellung Collective Minds sind in den Bereichen Mode, Sport und populäre Musik angesiedelt, in denen Identität eine zentrale Rolle spielt. Die Künstler*innen zeigen alternative Formen des Zusammenlebens auf und schaffen ein kollektives Bewusstsein über Grenzen und Vorurteile hinweg.

Dank dieser gemeinschaftlichen Leistung setzt die Ausstellung Collective Minds eine mitreißende Energie frei, in der der Entstehungsprozess der Werke spürbar wird.

Dans notre société en réseau, nous utilisons les images, les partageons et communiquons avec elles pour établir des contacts et nous sentir connectés aux autres. Se photographier et se filmer est un outil puissant pour exprimer sa propre identité et rechercher en ligne des personnes partageant les mêmes idées. Les médias sociaux fonctionnent comme des plateformes sur lesquelles les projets de vie qui s'écartent du courant dominant sont présentés et soutenus.

Les artistes sélectionnés* ont créé des réseaux en ligne et hors ligne avec des jeunes d'horizons différents, avec des entrepreneurs créatifs au Sénégal ainsi qu'avec des communautés queer en Afrique du Sud. Les travaux présentés dans l'exposition Collective Minds s'inscrivent dans les domaines de la mode, du sport et de la musique populaire, dans lesquels l'identité joue un rôle central. Les artistes* mettent en évidence des formes alternatives de cohabitation et créent une conscience collective au-delà des frontières et des préjugés.

Grâce à cette performance collective, l'exposition Collective Minds libère une énergie entraînante dans laquelle le processus de création des œuvres est palpable.

Nella nostra società in rete, usiamo le immagini, le condividiamo e comunichiamo con esse per socializzare e sentirci connessi agli altri. Fotografare e filmare se stessi è uno strumento potente per esprimere la propria identità e cercare persone simili online. I social media fungono da piattaforma per mostrare e sostenere gli stili di vita che si discostano dal mainstream.

Gli artisti selezionati hanno costruito reti online e offline con giovani provenienti da diversi contesti, da imprenditori creativi in Senegal a comunità queer in Sud Africa. Le opere della mostra Collective Minds sono situate nei campi della moda, dello sport e della musica popolare, in cui l'identità gioca un ruolo centrale. Gli artisti mostrano modi alternativi di vivere insieme e creano una coscienza collettiva al di là delle frontiere e dei pregiudizi.

Grazie a questo sforzo collaborativo, la mostra Collective Minds sprigiona un'energia inebriante in cui si può sentire il processo di creazione delle opere.

In our networked society we use, share, and communicate with images in order to get and feel connected. To photograph and film oneself is a powerful tool to express one's identity and to search for like-minded people. Social media platforms offer spaces to present and find support for lifestyles which deviate from mainstream views.

The artists presented in Port25 have created networks on- and offline with young people from a multitude of backgrounds, with creative entrepreneurs in Senegal and queer communities in South Africa. The works in Collective Minds are situated in fashion, sports, and popular music spheres, in which identity plays a central role. In doing so, the artists bring forward modes of living together and create collective minds across borders and beyond prejudices.

Through this collective effort, the exhibition Collective Minds evokes a vibrating energy, in which the process of making the works becomes tangible.

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Heidelberger Kunstverein | Heidelberg
19. März - 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Changing Ecosystems

Der menschliche Bedarf an Energie, Baumaterialien und Chemikalien hat ebenso wie der intensive Anbau von Nahrungsmitteln zum Rückgang natürlicher Ökosysteme geführt. Die ausgewählten Künstler*innen in Changing Ecosystems haben verschiedene Ökosysteme dokumentiert, indem sie deren aktuellen Zustand als Folge von Veränderungsprozessen erfassen. Diese zeitintensive und entschleunigte Herangehensweise ermöglicht es ihnen, die Auswirkungen globaler Entwicklungen auf die Flora und Fauna ausgewählter Gebiete detailliert offenzulegen.

Einerseits können die ausgestellten Werke als Indikatoren verstanden werden, die die Veränderungen in der Tier- und Pflanzenwelt sichtbar werden lassen. Andererseits stehen sie für einen allmählichen Bewusstseinswandel. Sie zeigen, wie sich unser Verhältnis zur Natur verändert: Der Versuch des Menschen, die Natur zu unterwerfen, weicht langsam dem Wunsch, mit ihr in Einklang zu leben.

Können wir den Wert vielfältiger Ökosysteme auf der ganzen Welt durch die Bemühungen der Künstler*innen, diese Veränderungsprozesse sicht- und begreifbar zu machen, besser verstehen?

Les besoins humains en énergie, en matériaux de construction et en produits chimiques ont entraîné le déclin des écosystèmes naturels, tout comme la culture intensive de denrées alimentaires. Les artistes* sélectionnés dans Changing Ecosystems ont documenté différents écosystèmes en saisissant leur état actuel comme conséquence des processus de changement. Cette approche chronophage et décélérée leur permet de révéler en détail les effets des développements mondiaux sur la flore et la faune de régions sélectionnées.

D'une part, les œuvres exposées peuvent être considérées comme des indicateurs qui rendent visibles les changements dans le monde animal et végétal. D'autre part, elles représentent un changement progressif des mentalités. Elles montrent comment notre rapport à la nature évolue : La tentative de l'homme de soumettre la nature fait lentement place au désir de vivre en harmonie avec elle.

Pouvons-nous mieux comprendre la valeur des écosystèmes variés dans le monde entier grâce aux efforts des artistes* pour rendre ces processus de changement visibles et compréhensibles ?

La domanda umana di energia, materiali da costruzione e prodotti chimici ha portato al declino degli ecosistemi naturali, così come la coltivazione intensiva di cibo. Gli artisti selezionati in Changing Ecosystems hanno documentato diversi ecosistemi registrando il loro stato attuale come risultato dei processi di cambiamento. Questo approccio che richiede tempo e decelerazione permette loro di rivelare in dettaglio gli effetti degli sviluppi globali sulla flora e la fauna di aree selezionate.

Da un lato, le opere esposte possono essere intese come indicatori che rendono visibili i cambiamenti nel mondo animale e vegetale. D'altra parte, sono sinonimo di un cambiamento graduale della coscienza. Mostrano come il nostro rapporto con la natura stia cambiando: Il tentativo dell'uomo di sottomettere la natura sta lentamente cedendo il passo al desiderio di vivere in armonia con essa.

Possiamo comprendere meglio il valore dei diversi ecosistemi nel mondo attraverso gli sforzi degli artisti per rendere questi processi di cambiamento visibili e comprensibili?

Human demand for energy, building materials, chemicals as well as intensive food cultivation has caused natural ecosystems to diminish. The selected artists in Changing Ecosystems have each documented specific ecosystems, portrayed their current state, and mapped natural processes taking place at a specific moment in time. This slow-paced approach allows them to meticulously unravel the impact of global developments on the flora and fauna of certain localities.

On the one hand, the exhibited works can be regarded as indicators which make changes in vegetation and animal life visible to the eye; on the other hand, the images make us aware of a slow change in our consciousness. In the recent past, a reversal has become noticeable in our relationship to nature: the desire for control is turning into a relationship in which nature is treated as an equal organism.

Might we understand the value of a variety of ecosystems around the world better through the artists’ efforts in making these hidden processes visual and tangible?

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Wilhelm-Hack-Museum | Ludwigshafen am Rhein
19. März – 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Shaping Data
Mónica Alcázar-Duarte, Heba Y. Amin, Alexandra Davenport, Matthieu Gafsou, Thomas Kuijpers, Yufan Lu, Paulien Oltheten, Sara, Peter & Tobias, Salvatore Vitale

Die Ausstellung Shaping Data untersucht, wie sich die weit verbreitete Nutzung digitaler Technologien auf unseren Körper auswirkt, unsere Meinungen prägt und zwischenmenschliche Beziehungen verändert. Wir verbringen einen Großteil unserer Zeit mit technischen Geräten und geben dabei oft persönliche Daten preis, die Algorithmen füttern. Diese Algorithmen wiederum entscheiden, was wir sehen und hören. Die unmittelbare Rückkopplung lässt uns annehmen, dass wir sowohl unser eigenes Leben als auch das Leben anderer unter Kontrolle hätten.

Die ausgewählten Künstler*innen analysieren das Verhältnis zwischen der analogen und der virtuellen Welt kritisch, indem sie für bestehende Technologien neue Anwendungen finden und Muster versuchen aufzudecken, die Künstliche Intelligenz geschaffen hat. Denn wo immer es voreingenommene Menschen gibt, gibt es voreingenommene Bilder und voreingenommene Algorithmen, die diese Bilder sortiert haben.

Die Ausstellung Shaping Data zeigt auch Zukunftsszenarien auf, in denen unsere optimierten Körper und Leben zur neuen Norm werden. Was bedeutet es, als Mensch in einer hochgradig automatisierten Umgebung zu leben, und wie können wir Daten so verarbeiten, dass wir eine gerechtere Welt schaffen? 

L'exposition Shaping Data explore la manière dont l'utilisation généralisée des technologies numériques affecte notre corps, façonne nos opinions et modifie les relations interpersonnelles. Nous passons une grande partie de notre temps avec des appareils technologiques et, ce faisant, nous divulguons souvent des données personnelles qui alimentent des algorithmes. Ces algorithmes décident à leur tour de ce que nous voyons et entendons. La rétroaction immédiate nous fait croire que nous contrôlons à la fois notre propre vie et celle des autres.

Les artistes sélectionnés* analysent de manière critique la relation entre le monde analogique et le monde virtuel en trouvant de nouvelles applications aux technologies existantes et en essayant de découvrir les modèles que l'intelligence artificielle a créés. Car partout où il y a des personnes partiales, il y a des images partiales et des algorithmes partiaux qui ont trié ces images.

L'exposition Shaping Data présente également des scénarios d'avenir dans lesquels nos corps et nos vies optimisés deviennent la nouvelle norme. Que signifie vivre en tant qu'être humain dans un environnement hautement automatisé et comment pouvons-nous traiter les données de manière à créer un monde plus juste ?

La mostra Shaping Data esplora come l'uso diffuso delle tecnologie digitali influenza i nostri corpi, modella le nostre opinioni e cambia le relazioni interpersonali. Passiamo gran parte del nostro tempo utilizzando dispositivi tecnologici, spesso rivelando dati personali che alimentano algoritmi. Questi algoritmi decidono a loro volta ciò che vediamo e sentiamo. Il feedback immediato ci fa supporre che abbiamo il controllo della nostra vita e di quella degli altri.

Gli artisti selezionati analizzano criticamente la relazione tra il mondo analogico e quello virtuale, trovando nuove applicazioni per le tecnologie esistenti e cercando di scoprire i modelli che l'intelligenza artificiale ha creato. Perché ovunque ci siano persone di parte, ci sono immagini di parte e algoritmi di parte che hanno ordinato queste immagini.

La mostra Shaping Data presenta anche scenari futuri in cui i nostri corpi e le nostre vite ottimizzate diventano la nuova norma. Cosa significa vivere come essere umano in un ambiente altamente automatizzato e come possiamo elaborare i dati per creare un mondo più giusto?

Shaping Data explores how the widespread use of digital technologies affects our physical bodies, frames our opinions, and alters human interactions. We spend lots of our time with our devices sharing often personal data that fuels algorithms. In turn, these algorithmic processes decide what we see and hear. This immediate feedback creates the illusion that we are in control of our own lives and the lives of others.

The selected artists in Shaping Data critically examine the relationship between physical and virtual worlds while disrupting existing technologies. They try to reveal patterns created by artificial intelligence; for example: wherever there are biased people, there are biased images, and biased algorithms that have sorted those images.

Shaping Data also presents possible futures in which our enhanced bodies and lives become the new norm. What does it mean to be human in a highly automated world and how can we shape the data in an effort to create a more equal world?

(Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Kunsthalle Mannheim
13. März - 22. Mai 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie statt.

Contested Landscapes
Aàdesokan, Lisa Barnard, Awoiska van der Molen, Rune Peitersen, Yan Wang Preston, Małgorzata Stankiewicz, Katja Stuke & Oliver Sieber, Misha Vallejo Prut

Die Ausstellung Contested Landscapes widmet sich den ökologischen Herausforderungen, vor denen die Welt heute steht. Seit Jahrhunderten führen imperialistische und kapitalistische Bestrebungen zur Ausbeutung der Erde. Die Natur wird als Ressource für wirtschaftliches Wachstum betrachtet: Ihr ökonomischer Wert wiegt mehr als ihr ökologischer. Doch angesichts des Klimawandels ist ein Umdenken nötig. Es stellt sich die Frage, wie wir das Verhältnis zwischen Mensch und Umwelt wieder ins Gleichgewicht bringen können, um künftigen Generationen ein nachhaltigeres Leben zu ermöglichen.

Die ausgewählten Künstler*innen führen uns von der Ostsee bis nach Südamerika, um die Folgen von Meeresverschmutzung, Abfallwirtschaft und Mineralienabbau aufzuzeigen. Anstatt die topografischen Veränderungen aus der Ferne zu beobachten, beziehen sie die Menschen vor Ort und deren Geschichten mit ein, um zu verdeutlichen, was sozial und politisch auf dem Spiel steht.

Denn: Eine Landschaft zu fotografieren bedeutet auch, ein Bild von ihr zu erschaffen, das gesellschaftlich konstruiert ist. Doch welches Recht haben wir, die Erde lediglich von unserem Standpunkt aus zu betrachten und zu bewerten?

 L'exposition Contested Landscapes est consacrée aux défis écologiques auxquels le monde est confronté aujourd'hui. Depuis des siècles, les aspirations impérialistes et capitalistes conduisent à l'exploitation de la terre. La nature est considérée comme une ressource pour la croissance économique : Sa valeur économique l'emporte sur sa valeur écologique. Mais face au changement climatique, un changement de mentalité s'impose. La question se pose de savoir comment nous pouvons rééquilibrer la relation entre l'homme et l'environnement afin de permettre aux générations futures de vivre de manière plus durable.

Les artistes* sélectionnés nous emmènent de la mer Baltique à l'Amérique du Sud pour mettre en évidence les conséquences de la pollution marine, de la gestion des déchets et de l'extraction de minéraux. Au lieu d'observer les changements topographiques de loin, ils impliquent les personnes sur place et leurs histoires afin de mettre en évidence les enjeux sociaux et politiques.

Car : photographier un paysage signifie aussi créer une image de celui-ci qui est socialement construite. Mais de quel droit regardons-nous et évaluons-nous la Terre uniquement de notre point de vue ?

La mostra Contested Landscapes è dedicata alle sfide ecologiche che il mondo di oggi deve affrontare. Per secoli, le aspirazioni imperialiste e capitaliste hanno portato allo sfruttamento della terra. La natura è vista come una risorsa per la crescita economica: Il suo valore economico supera quello ecologico. Ma di fronte al cambiamento climatico, è necessario un ripensamento. La questione è come possiamo riequilibrare la relazione tra gli esseri umani e l'ambiente per permettere alle generazioni future di vivere in modo più sostenibile.

Gli artisti selezionati ci portano dal Mar Baltico al Sud America per mostrare le conseguenze dell'inquinamento marino, della gestione dei rifiuti e dell'estrazione mineraria. Invece di osservare i cambiamenti topografici da lontano, coinvolgono la gente locale e le loro storie per evidenziare ciò che è in gioco socialmente e politicamente.

Dopo tutto, fotografare un paesaggio significa anche crearne un'immagine socialmente costruita. Ma che diritto abbiamo di guardare e valutare la terra solo dal nostro punto di vista?

Contested Landscapes addresses the ecological challenges the world is facing today. For centuries, capitalist economies and imperialist forces have heavily taxed and manufactured the earth for their own benefit. Nature is seen as a resource for economic growth: its economic value carries more weight than its ecological value. How can we rebalance the relationship between humans and the environment so that future generations can benefit from sustainable alternatives? 

The selected artists take us to landscapes, from South America to the Baltic Sea, to show the effects of mineral extraction, waste management and marine pollution. Instead of observing topographical transformations at a distance, they include local sources and histories to demonstrate the social and political forces at stake. 

To photograph a landscape is also to preserve an image of it and to make it part of a desired cultural identity. However, what rights do we have to use planet Earth and only assign our values to it?

 (Text: Biennale für aktuelle Fotografie)

Palazzo Mora | Venezia
22. Mai - 21. November 2021

Die Ausstellung findet im Rahmen der Architektur Biennale statt.

Time Space Existence

Das Europäische Kulturzentrum präsentiert die fünfte Ausgabe der umfangreichen biennalen Architekturausstellung. Die Ausstellung wird parallel zur Biennale Architettura am 22. Mai 2021 eröffnet und läuft sechs Monate lang bis zum 21. November 2021 im Palazzo Bembo, im Palazzo Mora und in den Giardini della Marinaressa, mit Pressevorschauen und Eröffnungspartys an jedem Ort am 20. und 21. Mai 2021.

TIME SPACE EXISTENCE zeigt abgeschlossene und laufende Projekte, innovative Vorschläge und utopische Träume von architektonischen Ausdrucksformen. Durch eine breite Auswahl an Projekten, die von konzeptionellen Arbeiten, Modellen, Fotografien, Videos, Skulpturen bis hin zu ortsspezifischen Installationen reichen, wird jeder Raum den Besuchern Informationen und Inspiration zu unserer Umgebung bieten.

Indem es eine vielfältige Gruppe von Teilnehmern zusammenbringt, die interdisziplinär arbeiten, möchte das Europäische Kulturzentrum einen Austausch zwischen Architekten, Universitäten, legendären Meistern, aufstrebenden Studios, etablierten globalen Praktiken, Designern, Künstlern, Fotografen, Entwicklern und Ingenieurbüros anregen, die gemeinsam eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der Zukunft unseres Lebens spielen können.

Darüber hinaus präsentiert das Europäische Kulturzentrum die Serie TIME SPACE EXISTENCE, eine spezielle Sammlung von Video-Interviews mit Meistern der Architektur. Ricardo Bofill, Balkrishna Doshi, Bjarke Ingels, Odile Decq, Toshiko Mori und viele andere werden die grundlegenden Themen Zeit, Raum und Existenz durch ihre persönlichen und beruflichen Perspektiven erkunden.

Le Centre culturel européen présente la cinquième édition de la grande exposition biennale d'architecture. L'exposition sera inaugurée parallèlement à la Biennale Architettura le 22 mai 2021 et se tiendra pendant six mois, jusqu'au 21 novembre 2021, à Palazzo Bembo, Palazzo Mora et Giardini della Marinaressa, avec des avant-premières de presse et des fêtes d'ouverture dans chaque lieu les 20 et 21 mai 2021.

TIME SPACE EXISTENCE présente des projets achevés et en cours, des propositions innovantes et des rêves utopiques d'expressions architecturales. À travers une large sélection de projets allant d'œuvres conceptuelles, de maquettes, de photographies, de vidéos, de sculptures, à des installations spécifiques à un site, chaque salle fournira aux visiteurs des informations et de l'inspiration sur notre environnement.

En réunissant un groupe diversifié de participants travaillant dans plusieurs disciplines, le Centre culturel européen vise à stimuler un échange entre les architectes, les universités, les maîtres légendaires, les studios émergents, les pratiques mondiales établies, les designers, les artistes, les photographes, les promoteurs, les sociétés d'ingénierie, qui, ensemble, peuvent jouer un rôle crucial dans l'élaboration de l'avenir de notre vie.

En outre, le Centre culturel européen présente la série TIME SPACE EXISTENCE, une collection spéciale d'entretiens vidéo avec des maîtres de l'architecture. Ricardo Bofill, Balkrishna Doshi, Bjarke Ingels, Odile Decq, Toshiko Mori et bien d'autres exploreront les thèmes fondamentaux du temps, de l'espace et de l'existence à travers leurs perspectives personnelles et professionnelles.

Il Centro Culturale Europeo presenta la quinta edizione della grande mostra biennale di architettura. La mostra aprirà in parallelo con la Biennale Architettura il 22 maggio 2021 e durerà sei mesi fino al 21 novembre 2021 a Palazzo Bembo, Palazzo Mora e Giardini della Marinaressa, con anteprime per la stampa e feste di inaugurazione in ogni sede il 20 e 21 maggio 2021.

TIME SPACE EXISTENCE presenta progetti completati e in corso, proposte innovative e sogni utopici di espressioni architettoniche. Attraverso un'ampia selezione di progetti che vanno da opere concettuali, modelli, fotografie, video, sculture, a installazioni site specific, ogni sala fornirà ai visitatori informazioni e ispirazione su ciò che ci circonda.

Riunendo un gruppo eterogeneo di partecipanti che lavorano attraverso le discipline, il Centro Culturale Europeo mira a stimolare uno scambio tra architetti, università, maestri leggendari, studi emergenti, pratiche globali consolidate, designer, artisti, fotografi, sviluppatori, società di ingegneria, che insieme possono avere un ruolo cruciale nel plasmare il futuro del nostro vivere.

Inoltre, il Centro Culturale Europeo presenta la serie TIME SPACE EXISTENCE, una collezione speciale di video interviste a maestri dell'architettura. Ricardo Bofill, Balkrishna Doshi, Bjarke Ingels, Odile Decq, Toshiko Mori, e molti altri esploreranno i temi fondamentali di tempo, spazio ed esistenza attraverso le loro prospettive personali e professionali.

The European Cultural Centre presents the fifth edition of the extensive biennial architecture exhibition. The exhibition will open in parallel with Biennale Architettura on May 22nd, 2021 and it will run for six months until November 21th, 2021 at Palazzo Bembo, Palazzo Mora and Giardini della Marinaressa, with press previews and opening parties in each location on May 20th and 21st, 2021.

TIME SPACE EXISTENCE features completed and ongoing projects, innovative proposals, and utopian dreams of architectural expressions. Through a wide selection of projects ranging from conceptual works, models, photographs, videos, sculptures, to site specific installations, each room will provide visitors information and inspiration on our surroundings. 

By bringing together a diverse group of participants working across disciplines, the European Cultural Centre aims at stimulating an exchange among architects, universities, legendary masters, emerging studios, established global practices, designers, artists, photographers, developers, engineering companies, who together can have a crucial role in shaping the future of our living.

In addition, the European Cultural Centre presents the TIME SPACE EXISTENCE series,  a special collection of video interviews featuring masters in architecture. Ricardo Bofill, Balkrishna Doshi, Bjarke Ingels, Odile Decq, Toshiko Mori, and many others will explore the fundamental topics of time, space and existence through their personal and professional perspectives.

(Text: European Cultural Centre)

Kunsthaus L6 | Freiburg im Breisgau
18. September - 1. November 2020

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la Photographie de Mulhouse statt

The And
Irene de Andres, Julius Brauckmann, Lorraine Hellwig, Daniel Kurth, David Meskhi, Barbara Probst, Laura Schawelka

Die Ausstellung "Das und" im Kunsthaus L6 in Freiburg zeigt sieben Künstlerinnen und Künstler, die mit dem Thema - und der Metapher - des visuellen Mechanismus dieser (Selbst-)Vermarktungs- und Optimierungsstrategien spielen. Zu den Themen gehören: klassische Merchandising-Produkte, sportliche Körper, "Orgien" des exzessiven Reisens, Kunstkonsum oder das Zuhause als exklusives Symbol des Luxus. So thematisieren die Arbeiten sowohl materielle Fetischisierung als auch übertriebene Selbstgefälligkeit, menschlichen Profit, Optimierung des Körpers und die Vergänglichkeit der Werbekultur.

L’exposition « The and » au Kunsthaus L6 de Fribourg expose sept artistes jouant avec le thème – et la métaphore – du mécanisme visuel de ces stratégies d’(auto) marketing et d’optimisation. Parmi les thèmes abordés : les produits classiques du merchandising, des corps athlétiques, des « orgies » de voyages excessives, la consommation d’art ou encore l’habitat comme symbole exclusif de luxe. Les travaux thématisent ainsi autant la fétichisation matérielle que la complaisance exagérée, le profit humain, l’optimisation du corps et l’éphémère de la culture de la publicité.

The exhibition shows 7 artists toying with the theme– and metaphor – of visual marketing strategies. Among the themes addressed: conventional merchandising products, athletic bodies, the ‘debauchery’ of excessive travel, consumption of art and property as an exclusive symbol of luxury. The works address both fetishized commodities and exaggerated indulgence, human profit, body enhancement and the ephemeral world of advertising. However, we are not witnessing a condemnation of images from the ‘culture of advertising’ and everyday life for ‘fraudulent manipulation’. These works as a whole read more like a critical, humorous and distanced commentary, and question the role of photography as complicit with the modern aesthetics of advertising and goods.

(Text: Biennale de la Photographie de Mulhouse)

Musée des Beaux-Arts | Mulhouse
11. September 2020 - 10. Januar 2021

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la Photographie de Mulhouse statt

Ce noir tout autour qui parait nous cerner
Nolwenn Brod, Isabelle Giovacchini, Geert Goiris, Jean-Baptiste Grangier, Raymond Meeks, Giovanna Silva, Alain Willaume
Photographies de la collection de Madeleine Millot-Durrenberger: Manuel Alvarez-Bravo, John Baldessari, Patrick Bailly-Maître-Grand, Zsolt-Peter Barta, Hervé Bohnert, Sophie Calle, Rudolf Schäfer

Die Ausstellung durchkreuzt mehrere Zugänge zur Idee der Unvermeidbarkeit und des Zusammenbruchs und bringt das Schicksal der Menschen dem der ausgebeuteten, vernichteten oder verschwundenen Landschaften näher.

Heute wird unsere Beziehung zu den Lebenden untergraben. Liegt es daran, dass sich die Menschen der Kürze ihrer Existenz bewusst sind, dass sie in einer Gegenwart des Ultra-Konsums, der verheerenden Natur leben, bis hin zu der Frage, ob das Leben auf der Erde auch nach ihnen noch möglich sein wird?

Die Ausstellung entfaltet sich in drei Teilen, die sich durch die Räume ziehen: Was war (Isabelle Giovacchini, Sammlung Madeleine Millot-Durrenberger, Giovanna Silva), Gegenwart (Nolwenn Brod, Raymond Meeks, Alain Willaume) und Visionen der Zukunft (Gert Goiris, Jean-Baptiste Grangier).

Der Titel der Ausstellung ist dem Text entnommen, den Gérard Haller den Fotografien von Alain Willaume in dem Buch Coordonnées 72/18 gewidmet hat, dessen Abfolge "den Ängsten, Spannungen und Instabilität, die uns umgeben, Gestalt verleiht". Verwundbarkeit und Zweifel herrschen vor, in einer maskierten Welt und in Form eines Epos, das sich am Rande des Nichts entfaltet...".

L’exposition croise plusieurs approches de l’idée d’inéluctable et d’effondrement, rapprochant le destin des humains de celui de paysages surexploités, anéantis ou disparus.

Aujourd’hui notre relation au vivant est mise à mal. Est-ce parce que l’humain est conscient de la brièveté de son existence qu’il vit dans un présent d’ultra-consommation, dévastant la nature, au point de se demander si la vie sur terre restera possible après lui ?

L’exposition se déploie en trois parties qui s’entremêlent au fil des salles : ce qui fut (Isabelle Giovacchini, collection Madeleine Millot-Durrenberger, Giovanna Silva), le temps présent (Nolwenn Brod, Raymond Meeks, Alain Willaume) et les visions du futur (Gert Goiris, Jean-Baptiste Grangier).

Le titre de l’exposition est issu du texte que Gérard Haller a consacré aux photographies d’Alain Willaume dans le livre Coordonnées 72/18, dont la séquence « donne forme aux peurs, à la tension et à l’instabilité qui nous environnent. La vulnérabilité et le doute prévalent, dans un monde masqué et sous la forme d’une épopée qui se déploierait au bord du néant… »

The exhibition combines several approaches to the notion of ineluctable and collapse, drawing the fate of human beings closer to that of over-exploited, devastated or extinct landscapes.

These days our relationship with nature has been thrown into jeopardy. Do human beings live in an ultra-consumerist present, destroying nature to the point of wondering if life on earth will continue to be possible after them, because they are aware of their fleeting existence?

The exhibition is presented in three sections which are interwoven through the various rooms: what was, the present and visions of the future.

The title of the exhibition is from the text that Gérard Haller dedicated to Alain Willaume’s photographs in the book Coordonnées 72/18, including the excerpt, ‘gives shape to the fears, tension and instability that surround us. Vulnerability and doubt prevail, in a masked world and in the shape of an odyssey that would unfold on the brink of emptiness…’

(Text: Biennale de la Photographie de Mulhouse)

Bibliothèque Grand’rue | Mulhouse
11. September - 7. November 2020

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la Photographie de Mulhouse statt

Comme des troubillons de poussières
Absalon, François Deladerrière, Emmet Gowin, Paul Graham, Richard Kalvar, Olivier Kervern, Géraldine Lay, Benoit Linder, Jean Marquès, Nicolas Nixon, Louis Perreault, Antoine Seiter, Issei Suda, Johan van der Keuken

"Comme des tourbillons de poussière" ist eine vorgeschlagene Antwort auf das Thema der Biennale "Dies ist das Ende", dessen unwiderrufliche Ladung sie in Frage stellt, um sie wieder in Bewegung zu bringen, in Bildern und in den Lücken zwischen Bildern. Hat nicht die Fotografie selbst, indem sie aus einem Verschwinden heraus entsteht, die Fähigkeit, in sich selbst Gegenwart und Vergangenheit, Erscheinen und Verschwinden gleichzeitig erscheinen zu lassen? Wie kann dies also das Ende sein? Ist die Zeit der Fotografie nicht eher die Zeit des Werdens? 

Da die Ausstellung die Fotografie als einen Ort der Passage versteht, wird sie auch dem Buch einen großen Platz einräumen, eine Form, die ein einzigartiges Verhältnis zur Zeitlichkeit aufrechterhält. Der Lauf der Zeit entfaltet sich in der Leere und Stille, in der Pause zwischen den Bildern, die sowohl durch den Anziehungsabstand der Doppelseite als auch durch das Blättern durch einfaches Umblättern ermöglicht wird. Wie bei einer Fotografie oszilliert die Zeit des Buches ständig zwischen dem Ende der Bewegung und dem Wiederbeginn. Was passiert am Ende, nach dem Ende? Das Leben ist leicht geworden. Licht ist zum Bild geworden. »

« Comme des tourbillons de poussière est une proposition de réponse au thème de la Biennale « This Is the End », dont elle vient interroger la charge irrévocable pour la remettre en mouvement, en images et dans les écarts entre les images. En s’originant dans une disparition, la photographie n’a-t-elle pas en propre justement de faire apparaître simultanément, en elle, présent et passé, apparition et disparition ? Alors comment cela pourrait-il être la fin ? Le temps de la photographie n'est-il pas plutôt celui d'un devenir ? 

Concevant la photographie comme lieu de passage, l’exposition, donnera également une grande place au livre, forme qui entretient un rapport singulier à la temporalité. Le passage du temps s'y déploie dans le vide et les silences, dans l’intervalle entre les images, que permet à la fois l’espace d’attraction-écart de la double page, et le feuilletage, simple fait de tourner les pages. Comme dans une photographie, le temps du livre oscille constamment entre fin du mouvement et reprise. Qu’advient-il de la fin, après la fin ? La vie est devenue lumière. La lumière s’est faite image. »

This exhibition originates in a disappearance. Isn’t the specific nature of photography to make the present and the past, appearance and disappearance appear simultaneously? So how can that be the end? Isn’t photography more about the future?

Perceiving photography as a place of passage, the exhibition gives great emphasis to books, a form that has a unique relationship with temporality. The passage of time unfurls in the emptiness and silences, in the space between the images, to allow the space of attraction/distance of the double page, and leafing through, simply turning the pages. Like in a photograph, the time of the book constantly shifts between end of the movement and resumption. 

What happens to the end, after the end? Life becomes light. Light makes image.

(Text: Pascal Amoyel)

Le Séchoir | Mulhouse
4. - 20. September 2020

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la Photographie de Mulhouse statt

pour tout le sel de la terre
Bernard Birsinger, Stéphane Spach, Dominique Bannwarth, Jacky Naegelen & Sylvain Scubbi

"Pour tout le sel de la terre" bietet eine postindustrielle, ökologische und soziale Lesart des elsässischen Kalibeckens anhand einer Auswahl von Fotografien, die eine sensible Durchquerung einer Welt und eines Arbeitsterritoriums zeigen, das nicht mehr von Menschen bewohnt ist, Infrastrukturen und Landschaften, die durch ein Jahrhundert Bergbauaktivitäten geprägt und verändert wurden.

Einzigartig durch seine geologische, industrielle und soziale Geschichte und seine zukünftige Landschaft ist das Territorium des Kalibeckens in der Tat durch seine Physiognomie eine Ansammlung von Überresten - Zeugen einer langen Aktivität der Ausbeutung der Bodenressourcen und der Raumplanung zu diesem Zweck, einschließlich unterbrochen durch die Existenz von Schlackenhalden und Kopfrahmen, Industriebauten und Bergbaustädte und heute neben einer dichten Stadt- und Gewerbeentwicklung, charakteristisch für die Neuqualifizierung dieses Lebensraumes und den Wandel der Funktionen, die heute für viele im tertiären Sektor liegen, wie z.B. die Erweiterung von Gewerbegebieten und Wohnbezirken zeigt.

Während viele der Bewohner dieses Gebiets Akteure und Beobachter an vorderster Front des Abenteuers des industriellen Bergbaus im elsässischen Kalibecken und seiner Auswirkungen auf das tägliche Leben und die Umwelt sowie seiner Umstellung waren, können die neuen Generationen von Bewohnern auf diese jüngste Vergangenheit nur durch das Prisma der fragmentarischen Spuren blicken, die hier und da in einer Landschaft zu finden sind, die inzwischen umgestaltet wurde und aus der der größte Teil des Stigmas verschwunden ist, das der Erde durch die Ausbeutung der Kaliumressourcen des Untergrunds zugefügt wurde.

In einer Zeit, in der die Gesellschaften aufgefordert sind, die Auswirkungen menschlicher Aktivitäten auf die Ökosysteme kritisch zu messen, zielt diese Ausstellung darauf ab, einen Korpus historischer Fotografien wieder aufleben zu lassen, von denen die meisten in den letzten beiden Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts aufgenommen wurden, als der Rückgang der Tätigkeit der elsässischen Kalibergwerke angekündigt und der Übergang seit den 60er Jahren organisiert wurde, um zum Verständnis eines Territoriums beizutragen, dessen heutige Entwicklung das Ergebnis einer industriellen und menschlichen Geschichte ist, die für das Anthropozän charakteristisch ist.

In diesem Sinne präsentiert die Ausstellung eine Originalausgabe der Fotoserie aus der Plaine d'Alsace, die 1984 von Bernard Birsinger für die Fotomission DATAR produziert wurde. Darüber hinaus wird dieses Ensemble von einigen neueren Fotografien aus der Serie "DATAR, suite" begleitet, einer Erweiterung der Serie mehr als 20 Jahre nach dem Blick auf die Landschaft der Plaine d'Alsace.

Stéphane Spach präsentiert eine Auswahl von Fotografien, die für die 1999 erschienene Publikation Terres fertiles (éditions de l'Imprimeur) in Zusammenarbeit mit dem Autor Gilles Clément aufgenommen wurden.

Schließlich werden der "Tapetenwechsel" und die Menschlichkeit des Kalibeckens durch die Präsentation von Fotoabzügen für die 1980 erschienene Publikation KALI (Styx-Editionen) unter der Leitung des damaligen Fotografentrios Dominique Bannwarth, Jacky Naegelen und Sylvain Scubbi hervorgehoben. Scubbi wird einige ergänzende Fotografien zu diesem historischen Projekt präsentieren, die mehr als drei Jahrzehnte später aufgenommen wurden, als wollten sie von der Beständigkeit eines Themas zeugen, das die Tiefen, die Reliefs und den Horizont eines Landes so sehr geprägt hat, das all seine Ressourcen in den Dienst eines übermenschlichen Projekts gestellt hat.

Mit einem Schritt durch einen Korpus von Bildern, die teilweise die Vergangenheit dieses Gebietes beleuchten, möchte diese Ausstellung ein neues Interesse an der fotografischen Dokumentation des Kalibeckens wecken, eines Gebietes, das es verdient, auch heute noch betrachtet zu werden, wegen der Vielfältigkeit seiner Bestandteile, seiner Falten, seiner Ecken, wegen der Erschütterungen seiner Geschichte wie auch wegen der Aktualität seiner Veränderungen. "(Mickaël Roy)

« Pour tout le sel de la terre propose une lecture post-industrielle, environnementale et sociale du Bassin potassique alsacien à travers une sélection de photographies donnant à voir une traversée sensible d’un monde et d’un territoire ouvrier révolus, fait d’hommes, d’infrastructures et de paysages marqués et transformés par un siècle d’activité minière.

Singulier par son histoire géologique, industrielle, sociale et son devenir-paysager, le territoire du Bassin potassique constitue en effet par sa physionomie, un agrégat de vestiges-témoins d’une longue activité d’exploitation des ressources du sol et d’aménagement de l’espace à cette fin, notamment ponctué par la subsistance de terrils, de chevalements, d’édifices industriels et de cités minières, et co-existant aujourd’hui avec un développement urbain et commercial dense, caractéristique de la requalification de ce bassin de vie et de la mutations des fonctions relevant désormais pour beaucoup du secteur tertiaire, dont témoigne par exemple l’extension des zones commerciales et des quartiers résidentiels.

Alors que nombre d’habitants de ce territoire ont été des acteurs et observateurs de première ligne de l’aventure industrielle minière du Bassin potassique d’Alsace et de ses effets sur la vie quotidienne comme sur l’environnement, ainsi que de sa reconversion, de nouvelles générations d’habitants ne peuvent envisager ce passé récent qu’à travers le prisme des traces fragmentaires présentes ici ou là dans un paysage désormais reconfiguré et d’où ont disparu l’essentiel des stigmates infligés à la terre par l’exploitation des ressources du sous-sol en potassium.

A l’heure où les sociétés sont invitées à prendre la mesure critique des effets des activités humaines sur les écosystèmes, cette exposition souhaite faire réemerger un corpus de photographies historiques, réalisées pour la plupart durant les deux dernières décennies du 20e siècle alors que le déclin de l’activité des Mines de potasse d’Alsace était annoncé et la transition organisée depuis les années 60, afin de contribuer à la compréhension d’un territoire dont le développement contemporain est le résultat d’une histoire industrielle et humaine caractéristique du moment anthropocène.

Dans cette perspective, l’exposition présente un ensemble inédit de la série photographique Plaine d’Alsace réalisée en 1984 par Bernard Birsinger pour la mission photographique de la DATAR. Par ailleurs, cet ensemble sera accompagné de quelques photographies récentes de la série « DATAR, suite », prolongement plus de 20 ans après le regard sur le paysage de la Plaine d’Alsace.

Stéphane Spach présentera une sélection de photographies réalisées pour la publication Terres fertiles parue en 1999 (éditions de l’Imprimeur) avec la collaboration de l’auteur Gilles Clément.

Enfin, le « dépaysement » et la part d’humanité du Bassin potassique seront mis en lumière par l’intermédiaire de la présentation de tirages photographiques réalisés pour la publication KALI, parue en 1980 (éditions Styx), travail conduit alors par le trio de photographes Dominique Bannwarth, Jacky Naegelen et Sylvain Scubbi. Ce dernier présentera quelques photographies complémentaires à ce projet historique, prises plus de trois décennies plus tard, comme pour témoigner de la permanence d’un sujet qui a tant façonné les profondeurs, les reliefs et l’horizon d’une terre qui a livré toutes ses ressources au service d’un projet surhumain.

En faisant étape à travers un corpus d’images éclairant partiellement le passé de ce territoire, cette exposition souhaiterait initier un nouvel intérêt pour la documentation photographique du Bassin potassique, territoire qui mérite d’être regardé encore aujourd’hui pour la multiplicité de ses composantes, de ses plis, de ses recoins, pour les soubresauts de son histoire comme pour l’actualité de ses transformations. » (Mickaël Roy)

"Pour tout le sel de la terre offers a post-industrial, environmental and social reading of the Alsatian potassium basin through a selection of photographs showing a sensitive crossing of a world and a working class territory that is no longer inhabited by men, infrastructures and landscapes marked and transformed by a century of mining activity.

Singular by its geological, industrial and social history and its future landscape, the territory of the Potassic Basin is in fact, by its physiognomy, an aggregate of vestiges-witnesses of a long activity of exploitation of the resources of the soil and the development of space for this purpose, notably punctuated by the subsistence of slag heaps, headframes, industrial buildings and mining towns, and now co-existing with dense urban and commercial development, characteristic of the requalification of this living area and of the changes in functions that are now largely the responsibility of the tertiary sector, as evidenced for example by the expansion of commercial zones and residential areas.

While many of the inhabitants of this area have been front-line actors and observers of the industrial mining adventure of the Alsace potassium basin and its effects on daily life and the environment, as well as its reconversion, new generations of inhabitants can only look at this recent past through the prism of fragmentary traces present here and there in a landscape that has now been reconfigured and from which most of the stigmas inflicted on the earth by the exploitation of the subsoil's potassium resources have disappeared.

At a time when societies are invited to take a critical measure of the effects of human activities on ecosystems, this exhibition aims to re-emerge a corpus of historical photographs, most of which were taken during the last two decades of the 20th century when the decline of the activity of the Potash Mines of Alsace was announced and the transition organized since the 1960s, in order to contribute to the understanding of a territory whose contemporary development is the result of an industrial and human history characteristic of the anthropocene moment.

With this in mind, the exhibition presents an original set of the Plaine d'Alsace photographic series produced in 1984 by Bernard Birsinger for the DATAR's photographic mission. In addition, this ensemble will be accompanied by some recent photographs from the series "DATAR, suite", an extension of the look at the landscape of the Plaine d'Alsace more than 20 years later.

Stéphane Spach will present a selection of photographs taken for the publication Terres fertiles published in 1999 (éditions de l'Imprimeur) with the collaboration of the author Gilles Clément.

Finally, the "change of scenery" and the humanity of the Potassium Basin will be highlighted through the presentation of photographic prints made for the publication KALI, published in 1980 (Styx editions), a work led at the time by the trio of photographers Dominique Bannwarth, Jacky Naegelen and Sylvain Scubbi. Scubbi will present some complementary photographs to this historical project, taken more than three decades later, as if to testify to the permanence of a subject that has so much shaped the depths, the reliefs and the horizon of a land that has given all its resources to the service of a superhuman project.

By taking a step through a corpus of images partially illuminating the past of this territory, this exhibition would like to initiate a new interest in the photographic documentation of the Potassic Basin, a territory that still deserves to be looked at today for the multiplicity of its components, its folds, its corners, for the jolts of its history as well as for the topicality of its transformations. "(Mickaël Roy)

Kohi Caffee | Mulhouse
4. September - 31. Oktober 2020

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la Photographie de Mulhouse statt

Carnet de Mulhouse
Thomas Boivin

"Diese Bilder sind das Ergebnis eines dreiwöchigen Aufenthaltes in Mulhouse im Oktober 2017. Ich kam dorthin mit der Idee, Porträts in Farbe zu machen. Diese Bilder haben bei mir nicht funktioniert. Stattdessen kam ich mit diesem Notizbuch der Stadtlandschaften in Schwarz-Weiß zurück. Diese Fotografien spiegeln die Entdeckung einer Stadt, ihres industriellen Erbes und ihrer Bergbauvororte durch lange Spaziergänge vom Zentrum zum Stadtrand und in ihren Parks wider. An Paris und seine Dichte gewöhnt, verlor ich mich in seinen Arbeitervierteln und Industriebrachen. Als Zeichen meiner Neugierde spiegeln diese Fotografien die Distanz, die mich von dieser damals unbekannten Stadt trennt, und meine Bemühungen, ihr näher zu kommen, wider. “

« Ces images sont le résultat de trois semaines de résidence à Mulhouse, en octobre 2017. J’y suis venu avec l’idée de faire des portraits, en couleur. Ces images-là ne m’ont pas réussi. À la place, je suis revenu avec ce carnet de paysages urbains en noir & blanc. Ces photographies sont le reflet de la découverte d’une ville, de son patrimoine industriel et de ses banlieues minières, au gré de longues marches du centre vers la périphérie, et dans ses parcs. Habitué à Paris et à sa densité, je me suis perdu dans ses quartiers ouvriers et ses friches industrielles. Signes de ma curiosité, ces photographies sont le reflet de la distance qui me sépare de cette ville alors inconnue, et de mes efforts pour m’en approcher. »

‘These images are the result of a three-week residency in Mulhouse in October 2017. I came back with a book of black and white urban landscapes. These photographs reflect my discovery of the city, its industrial patrimony and mining suburbs, spanning long walks from the centre towards the outskirts, and in its parks. Familiar with Paris and its density, I became lost in its working-class districts and industrial wastelands. These photographs are a sign of my curiosity, reflecting the distance separating me from this previously unknown city, and my attempts to get to know it.’

(Text: Thomas Boivin)

La Filature | Mulhouse
22. August - 13. September 2020

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la Photographie de Mulhouse statt

Avant la nuit
Christophe Bourguedieu

Christophe Bourguedieus Fotografien geben das melancholische Klima seiner langen Aufenthalte in Finnland, Australien oder der französischen Provinz wieder. Da sie auf Lichter und Gesichter achten, verweilen sie auf Empfindungen, während sie unmerklich einen Zusammenbruch suggerieren. In diesen Klischees, die unsichere Gemütszustände sichtbar machen, ist die Idee eines Dramas nie weit entfernt.

Die Ausstellung versammelt Fotografien aus Eden (Vereinigte Staaten), Les Passagers (Australien) sowie Fotografien, die in Frankreich in Clermont-Ferrand, Marseille, Saint-Nazaire und Mulhouse aufgenommen wurden. Diese Verknüpfung ermöglicht Passagen und Verschiebungen zwischen Reihen, die in verschiedenen Registern arbeiten. Die dominierende kinematografische Dimension in amerikanischen und australischen Fotografien weicht somit einer direkteren Übersetzung einer Form von sozialer Mutlosigkeit und Spannung. Die Ausstellung präsentiert die Fotografien, die 2019 in Mulhouse im Rahmen eines mit Mulhouse Art Contemporain organisierten Aufenthaltes entstanden sind.

Christophe Bourguedieu lebt in Paris. Er hat lange im Ausland gearbeitet - in Marokko, wo er geboren wurde, in Finnland, den Vereinigten Staaten und Australien. In den letzten zwölf Jahren fotografierte er vor allem Frankreich, von Chambord bis Marseille oder von Saint-Nazaire bis Clermont-Ferrand und Mulhouse. Er hat in Frankreich und im Ausland ausgestellt und mehrere Bücher veröffentlicht, darunter Tavastia, Éden, Les Passagers (Le Point du Jour) und La Montagne (Loco).

Les photographies de Christophe Bourguedieu retranscrivent les climats mélancoliques de ses longs séjours en Finlande, en Australie ou dans la province française. Attentives aux lumières, aux visages, elles s’attardent sur des sensations tout en suggérant imperceptiblement un effondrement. L’idée d’un drame n’est jamais loin dans ces clichés qui rendent visibles des états d’âme incertains.

L’exposition réunit des photographies issues d’Éden (États-Unis), des Passagers (Australie), ainsi que des photographies réalisées en France à Clermont-Ferrand, Marseille, Saint-Nazaire et Mulhouse. Cette mise en relation permet des passages, des glissements entre des séries fonctionnant pourtant sur des registres différents. La dimension cinématographique dominante dans les photographies américaines et australiennes laisse ainsi place à la traduction plus directe d’une forme d'abattement et de tension sociale. L’exposition présente les photographies réalisées à Mulhouse en 2019 dans le cadre d’une résidence organisée avec Mulhouse Art Contemporain.

Christophe Bourguedieu vit à Paris. Il a longtemps travaillé à l’étranger - au Maroc, où il est né, en Finlande, aux États-Unis ou en Australie. Depuis une douzaine d’années, il photographie majoritairement la France, de Chambord à Marseille ou de Saint-Nazaire à Clermont-Ferrand et Mulhouse. Il a exposé en France et à l’étranger, et publié plusieurs livres, dont Tavastia, Éden, Les Passagers chez Le Point du Jour et La Montagne, chez Loco.

Christophe Bourguedieu's photographs transcribe the melancholic climates of his long stays in Finland, Australia or the French province. Attentive to lights and faces, they linger on sensations while imperceptibly suggesting a collapse. The idea of a drama is never far away in these clichés that make uncertain states of mind visible.

The exhibition brings together photographs from Eden (United States), Les Passagers (Australia), as well as photographs taken in France in Clermont-Ferrand, Marseille, Saint-Nazaire and Mulhouse. This linking allows passages and shifts between series that operate in different registers. The dominant cinematographic dimension in American and Australian photographs thus gives way to a more direct translation of a form of social despondency and tension. The exhibition presents photographs taken in Mulhouse in 2019 as part of a residency organized with Mulhouse Art Contemporain.

Christophe Bourguedieu lives in Paris. He has long worked abroad - in Morocco, where he was born, in Finland, the United States or Australia. For the past twelve years, he has been photographing mostly France, from Chambord to Marseille or from Saint-Nazaire to Clermont-Ferrand and Mulhouse. He has exhibited in France and abroad, and published several books, including Tavastia, Éden, Les Passagers (Le Point du Jour) and La Montagne (Loco).

(Text: Biennale de la Photographie de Mulhouse)