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Oreille coupée - Julien Coquentin | La Chambre | Strasbourg
Juni
29
bis 1. Sept.

Oreille coupée - Julien Coquentin | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
29. Juni – 1. September 2024

Oreille coupée
Julien Coquentin


Oreille coupée © Julien Coquentin


Julien Coquentin mischt analoge und digitale Verfahren und widmet seine Fotografie Realisierungen, die zwischen Dokumentation und einer gewissen Form von Intimität angesiedelt sind. Die Arbeit mit Körnung, Hell und Dunkel verleiht seinen Bildern eine melancholische Poesie. Seine Inspirationen sind größtenteils mit Orten verbunden, die Recherchen, Erinnerungen und Fiktionen hervorrufen.

"Meine wichtigsten Serien wurden bei Éditions Lamaindonne veröffentlicht: die zweijährige Stadtwanderung durch die Straßen von Montreal, tôt un dimanche matin (2013), ein Projekt rund um die Erinnerung, Saisons noires (2016) und schließlich Tropiques (2020), eine Fiktion, die Fotografien und Kurzgeschichten in der Art eines Märchens miteinander verbindet. Seit 2020 arbeite ich an der Rückkehr des Wolfs in die Wälder und Bauernländereien des Zentralmassivs."

Mit diesem fotografischen Märchen führt Julien Coquentin eine Untersuchung über die Rückkehr des Wolfs in das Aveyron durch. Seit 2015 streifen wieder neue Individuen durch die Wälder und beleben schaurige Legenden und ökologische Kontroversen. Im Laufe der Bilder nimmt uns der Künstler mit auf eine Suche nicht nach dem Wolf, sondern nach dem Gefühl seiner Anwesenheit. Das "abgeschnittene Ohr" ist der Spitzname einer einsamen Wölfin, die man kaum zu Gesicht bekommt, die aber die Angst, das Geheimnis und die Faszination, die ihrer Spezies gewidmet sind, kristallisiert. Mal ausgerottet, mal verehrt, scheint sich der Wolf hier vor den Blicken zu verstecken, um im geschützteren Bereich der Fantasie zu bleiben. Diese findet ihre Parallele in den allgegenwärtigen tiefen Wäldern, die manchmal im Helldunkel den (subjektiven?) Blick auf ein von einem Ansitz aus beobachtetes Beutetier bieten.

Die Serie wechselt zwischen Landschaftsansichten, Porträts von Landwirten, verlassenen Häusern und Szenen im Unterholz und verläuft entlang der Grenze zwischen Zivilisation und Wildnis, die durch den Waldrand symbolisiert wird. Der Künstler kreuzt Archive, Zeugenaussagen, medizinische Berichte, topografische Beobachtungen... und sammelt so die Spuren des Wolfs in der kollektiven Kultur und im kollektiven Unterbewusstsein. Die Sichtweisen prallen aufeinander und werfen die Frage nach dem Zusammenleben der Arten auf. Die melancholische Poesie der Werke erinnert daran, dass die Natur im Laufe der Zeit allgegenwärtig ist, sowohl in uns als auch außerhalb von uns, und dass wir uns in Verbindung mit ihr konstruieren.


Mêlant les procédés argentiques et numériques, Julien Coquentin consacre sa photographie à des réalisations à mi-chemin entre le documentaire et une certaine forme d’intimité. Le travail du grain, du clair et de l’obscur confère une poésie mélancolique à ses images. Ses inspirations sont en grande partie liées à des lieux, qui suscitent des recherches, des souvenirs et des fictions.

« Mes principales séries ont été publiées aux Éditions Lamaindonne : l’errance urbaine de deux années dans les rues de Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un projet autour de la mémoire, Saisons noires (2016) et enfin Tropiques (2020), une fiction associant photographies et nouvelles à la manière du conte. Depuis 2020, je travaille sur le retour du loup dans les forêts et terres paysannes du Massif central. »

Avec ce conte photographique, Julien Coquentin mène une enquête sur le retour du loup en Aveyron. Depuis 2015, de nouveaux individus rôdent à nouveau dans les forêts, ravivant des légendes effrayantes et des controverses écologiques. Au fil des images, l’artiste nous emmène dans une recherche non pas du loup, mais du sentiment de sa présence. « Oreille coupée » est le surnom donné à une louve solitaire que l’on entr’aperçoit à peine mais qui cristallise la peur, le mystère et la fascination dédiés à son espèce. Tantôt éradiqué, tantôt adulé, le loup semble ici se cacher des regards pour rester dans le domaine plus protégé du fantasme. Celui-ci trouve son parallèle dans les forêts profondes omniprésentes, qui offrent parfois en clair-obscur la vision (subjective ?) d’une proie observée depuis un affût.

Alternant les vues de paysages, les portraits d’agriculteurs, les maisons abandonnées et les scènes de sous-bois, la série parcourt la limite entre civilisation et monde sauvage symbolisée par l’orée du bois. L’artiste croise archives, témoignages, rapports médicaux, observations topographiques… et rassemble ainsi les traces du loup dans la culture et l’inconscient collectifs. Les points de vue se confrontent et posent la question de la cohabitation des espèces. La poésie mélancolique des œuvres rappelle que la nature est omniprésente dans le temps, à l’intérieur comme à l’extérieur de nous, et que nous nous construisons en lien avec elle.


Julien Coquentin utilizza una miscela di argento e processi digitali e la sua fotografia è a metà strada tra il documentario e un certo tipo di intimità. Il suo lavoro con la grana, la luce e l'oscurità conferisce una poesia malinconica alle sue immagini. Le sue ispirazioni sono in gran parte legate ai luoghi, che danno origine a ricerche, ricordi e finzioni.

"Le mie serie principali sono state pubblicate da Éditions Lamaindonne: le peregrinazioni urbane di due anni per le strade di Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un progetto sulla memoria, Saisons noires (2016) e infine Tropiques (2020), una fiction che combina fotografie e brevi storie nello stile di un racconto. Dal 2020, sto lavorando al ritorno del lupo nelle foreste e nei terreni agricoli del Massiccio Centrale".

In questo racconto fotografico, Julien Coquentin indaga sul ritorno del lupo in Aveyron. Dal 2015, nuovi individui si aggirano per le foreste, riaccendendo leggende spaventose e controversie ecologiche. Nel corso delle immagini, l'artista ci porta alla ricerca non del lupo, ma della sensazione della sua presenza. "Orecchio mozzato" è il soprannome dato a una lupa solitaria che si intravede appena, ma che cristallizza la paura, il mistero e il fascino dedicati alla sua specie. Talvolta estirpata, talvolta adorata, la lupa sembra nascondersi per rimanere nel regno più protetto della fantasia. A ciò si aggiungono le onnipresenti foreste profonde, che a volte offrono una visione chiaroscurale (soggettiva?) della preda osservata da una vedetta.

Alternando scorci paesaggistici, ritratti di contadini, case abbandonate e scene di sottobosco, la serie esplora il confine tra civiltà e natura selvaggia, simboleggiato dal limite del bosco. L'artista combina archivi, testimonianze oculari, rapporti medici, osservazioni topografiche e così via, per riunire le tracce del lupo nella nostra cultura collettiva e nel nostro subconscio. I punti di vista si confrontano e sollevano la questione della convivenza tra le specie. La poesia malinconica delle opere ci ricorda che la natura è onnipresente nel tempo, sia dentro che fuori di noi, e che ci costruiamo in relazione ad essa.


Mixing silver and digital processes, Julien Coquentin's photography is halfway between documentary and a certain kind of intimacy. His work with grain, light and darkness lends a melancholy poetry to his images. Her inspirations are largely linked to places, which give rise to research, memories and fictions.

"My main series have been published by Éditions Lamaindonne: the urban wanderings of two years in the streets of Montreal, tôt un dimanche matin (2013), a project around memory, Saisons noires (2016) and finally Tropiques (2020), a fiction combining photographs and short stories in the style of storytelling. Since 2020, I've been working on the return of the wolf to the forests and farmlands of the Massif Central."

With this photographic tale, Julien Coquentin investigates the return of the wolf to Aveyron. Since 2015, new individuals have been prowling the forests once again, reviving frightening legends and ecological controversies. As the images unfold, the artist takes us on a search not for the wolf, but for the feeling of its presence. "Severed Ear" is the nickname given to a solitary she-wolf that is barely glimpsed, but which crystallizes the fear, mystery and fascination dedicated to its species. Sometimes eradicated, sometimes adored, the wolf here seems to hide from view, remaining in the more protected realm of fantasy. The latter finds its parallel in the omnipresent deep forests, which sometimes offer a chiaroscuro vision (subjective?) of prey observed from a lookout.

Alternating views of landscapes, portraits of farmers, abandoned houses and scenes of undergrowth, the series explores the boundary between civilization and the wild, symbolized by the edge of the forest. The artist combines archives, testimonies, medical reports, topographical observations... and thus gathers traces of the wolf in the collective culture and unconscious. Different points of view confront each other, raising the question of species cohabitation. The melancholy poetry of the works reminds us that nature is omnipresent throughout time, both inside and outside us, and that we build ourselves in relation to it.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Oreille coupée - Julien Coquentin | La Chambre | Strasbourg
Juni
28
6:00 PM18:00

Oreille coupée - Julien Coquentin | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
28. Juni 2024

Oreille coupée
Julien Coquentin


Oreille coupée © Julien Coquentin


Julien Coquentin mischt analoge und digitale Verfahren und widmet seine Fotografie Realisierungen, die zwischen Dokumentation und einer gewissen Form von Intimität angesiedelt sind. Die Arbeit mit Körnung, Hell und Dunkel verleiht seinen Bildern eine melancholische Poesie. Seine Inspirationen sind größtenteils mit Orten verbunden, die Recherchen, Erinnerungen und Fiktionen hervorrufen.

"Meine wichtigsten Serien wurden bei Éditions Lamaindonne veröffentlicht: die zweijährige Stadtwanderung durch die Straßen von Montreal, tôt un dimanche matin (2013), ein Projekt rund um die Erinnerung, Saisons noires (2016) und schließlich Tropiques (2020), eine Fiktion, die Fotografien und Kurzgeschichten in der Art eines Märchens miteinander verbindet. Seit 2020 arbeite ich an der Rückkehr des Wolfs in die Wälder und Bauernländereien des Zentralmassivs."

Mit diesem fotografischen Märchen führt Julien Coquentin eine Untersuchung über die Rückkehr des Wolfs in das Aveyron durch. Seit 2015 streifen wieder neue Individuen durch die Wälder und beleben schaurige Legenden und ökologische Kontroversen. Im Laufe der Bilder nimmt uns der Künstler mit auf eine Suche nicht nach dem Wolf, sondern nach dem Gefühl seiner Anwesenheit. Das "abgeschnittene Ohr" ist der Spitzname einer einsamen Wölfin, die man kaum zu Gesicht bekommt, die aber die Angst, das Geheimnis und die Faszination, die ihrer Spezies gewidmet sind, kristallisiert. Mal ausgerottet, mal verehrt, scheint sich der Wolf hier vor den Blicken zu verstecken, um im geschützteren Bereich der Fantasie zu bleiben. Diese findet ihre Parallele in den allgegenwärtigen tiefen Wäldern, die manchmal im Helldunkel den (subjektiven?) Blick auf ein von einem Ansitz aus beobachtetes Beutetier bieten.

Die Serie wechselt zwischen Landschaftsansichten, Porträts von Landwirten, verlassenen Häusern und Szenen im Unterholz und verläuft entlang der Grenze zwischen Zivilisation und Wildnis, die durch den Waldrand symbolisiert wird. Der Künstler kreuzt Archive, Zeugenaussagen, medizinische Berichte, topografische Beobachtungen... und sammelt so die Spuren des Wolfs in der kollektiven Kultur und im kollektiven Unterbewusstsein. Die Sichtweisen prallen aufeinander und werfen die Frage nach dem Zusammenleben der Arten auf. Die melancholische Poesie der Werke erinnert daran, dass die Natur im Laufe der Zeit allgegenwärtig ist, sowohl in uns als auch außerhalb von uns, und dass wir uns in Verbindung mit ihr konstruieren.


Mêlant les procédés argentiques et numériques, Julien Coquentin consacre sa photographie à des réalisations à mi-chemin entre le documentaire et une certaine forme d’intimité. Le travail du grain, du clair et de l’obscur confère une poésie mélancolique à ses images. Ses inspirations sont en grande partie liées à des lieux, qui suscitent des recherches, des souvenirs et des fictions.

« Mes principales séries ont été publiées aux Éditions Lamaindonne : l’errance urbaine de deux années dans les rues de Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un projet autour de la mémoire, Saisons noires (2016) et enfin Tropiques (2020), une fiction associant photographies et nouvelles à la manière du conte. Depuis 2020, je travaille sur le retour du loup dans les forêts et terres paysannes du Massif central. »

Avec ce conte photographique, Julien Coquentin mène une enquête sur le retour du loup en Aveyron. Depuis 2015, de nouveaux individus rôdent à nouveau dans les forêts, ravivant des légendes effrayantes et des controverses écologiques. Au fil des images, l’artiste nous emmène dans une recherche non pas du loup, mais du sentiment de sa présence. « Oreille coupée » est le surnom donné à une louve solitaire que l’on entr’aperçoit à peine mais qui cristallise la peur, le mystère et la fascination dédiés à son espèce. Tantôt éradiqué, tantôt adulé, le loup semble ici se cacher des regards pour rester dans le domaine plus protégé du fantasme. Celui-ci trouve son parallèle dans les forêts profondes omniprésentes, qui offrent parfois en clair-obscur la vision (subjective ?) d’une proie observée depuis un affût.

Alternant les vues de paysages, les portraits d’agriculteurs, les maisons abandonnées et les scènes de sous-bois, la série parcourt la limite entre civilisation et monde sauvage symbolisée par l’orée du bois. L’artiste croise archives, témoignages, rapports médicaux, observations topographiques… et rassemble ainsi les traces du loup dans la culture et l’inconscient collectifs. Les points de vue se confrontent et posent la question de la cohabitation des espèces. La poésie mélancolique des œuvres rappelle que la nature est omniprésente dans le temps, à l’intérieur comme à l’extérieur de nous, et que nous nous construisons en lien avec elle.


Julien Coquentin utilizza una miscela di argento e processi digitali e la sua fotografia è a metà strada tra il documentario e un certo tipo di intimità. Il suo lavoro con la grana, la luce e l'oscurità conferisce una poesia malinconica alle sue immagini. Le sue ispirazioni sono in gran parte legate ai luoghi, che danno origine a ricerche, ricordi e finzioni.

"Le mie serie principali sono state pubblicate da Éditions Lamaindonne: le peregrinazioni urbane di due anni per le strade di Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un progetto sulla memoria, Saisons noires (2016) e infine Tropiques (2020), una fiction che combina fotografie e brevi storie nello stile di un racconto. Dal 2020, sto lavorando al ritorno del lupo nelle foreste e nei terreni agricoli del Massiccio Centrale".

In questo racconto fotografico, Julien Coquentin indaga sul ritorno del lupo in Aveyron. Dal 2015, nuovi individui si aggirano per le foreste, riaccendendo leggende spaventose e controversie ecologiche. Nel corso delle immagini, l'artista ci porta alla ricerca non del lupo, ma della sensazione della sua presenza. "Orecchio mozzato" è il soprannome dato a una lupa solitaria che si intravede appena, ma che cristallizza la paura, il mistero e il fascino dedicati alla sua specie. Talvolta estirpata, talvolta adorata, la lupa sembra nascondersi per rimanere nel regno più protetto della fantasia. A ciò si aggiungono le onnipresenti foreste profonde, che a volte offrono una visione chiaroscurale (soggettiva?) della preda osservata da una vedetta.

Alternando scorci paesaggistici, ritratti di contadini, case abbandonate e scene di sottobosco, la serie esplora il confine tra civiltà e natura selvaggia, simboleggiato dal limite del bosco. L'artista combina archivi, testimonianze oculari, rapporti medici, osservazioni topografiche e così via, per riunire le tracce del lupo nella nostra cultura collettiva e nel nostro subconscio. I punti di vista si confrontano e sollevano la questione della convivenza tra le specie. La poesia malinconica delle opere ci ricorda che la natura è onnipresente nel tempo, sia dentro che fuori di noi, e che ci costruiamo in relazione ad essa.


Mixing silver and digital processes, Julien Coquentin's photography is halfway between documentary and a certain kind of intimacy. His work with grain, light and darkness lends a melancholy poetry to his images. Her inspirations are largely linked to places, which give rise to research, memories and fictions.

"My main series have been published by Éditions Lamaindonne: the urban wanderings of two years in the streets of Montreal, tôt un dimanche matin (2013), a project around memory, Saisons noires (2016) and finally Tropiques (2020), a fiction combining photographs and short stories in the style of storytelling. Since 2020, I've been working on the return of the wolf to the forests and farmlands of the Massif Central."

With this photographic tale, Julien Coquentin investigates the return of the wolf to Aveyron. Since 2015, new individuals have been prowling the forests once again, reviving frightening legends and ecological controversies. As the images unfold, the artist takes us on a search not for the wolf, but for the feeling of its presence. "Severed Ear" is the nickname given to a solitary she-wolf that is barely glimpsed, but which crystallizes the fear, mystery and fascination dedicated to its species. Sometimes eradicated, sometimes adored, the wolf here seems to hide from view, remaining in the more protected realm of fantasy. The latter finds its parallel in the omnipresent deep forests, which sometimes offer a chiaroscuro vision (subjective?) of prey observed from a lookout.

Alternating views of landscapes, portraits of farmers, abandoned houses and scenes of undergrowth, the series explores the boundary between civilization and the wild, symbolized by the edge of the forest. The artist combines archives, testimonies, medical reports, topographical observations... and thus gathers traces of the wolf in the collective culture and unconscious. Different points of view confront each other, raising the question of species cohabitation. The melancholy poetry of the works reminds us that nature is omnipresent throughout time, both inside and outside us, and that we build ourselves in relation to it.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Fixing the Shadows - Vanessa Cowling | Hôtel de Ville | Thann
Juni
8
bis 13. Okt.

Fixing the Shadows - Vanessa Cowling | Hôtel de Ville | Thann


Hôtel de Ville | Thann
8. Juni – 13. Oktober 2024

Fixing the Shadows
Vanessa Cowling

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie de Mulhouse statt.


détail de Untitled (Garden), 2022 © Vanessa Cowling


Für ihr Projekt Fixing the Shadows verwendete Vanessa Cowling gerätefreie und wenig umweltschädliche fotografische Verfahren, um die Silhouetten von Pflanzen einzufangen, ohne sie einzufangen. Lumen Prints, Anthotypen und Phytogramme bilden hier ein Fresko mit manchmal verwirrenden Farben. Diese aus Schatten entstandenen Bilder, die durch den direkten Kontakt der Pflanzen mit dem Papierträger gewonnen wurden, sind hier in dieser Installation auf Glaswänden im vollen Licht zu sehen. Diese Ausstellung ist die erste der Künstlerin in Europa.

Vanessa Cowling schloss 1998 ihr Studium an der Michaelis School of Fine Art (UCT) ab. Ihre erste Einzelausstellung, Strings and Flight, fand 2005 im Rahmen des Cape Town Month of Photography statt. Sie hat außerdem an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen. Der Struik Verlag veröffentlichte 2006 ihr erstes Buch mit Reisefotografien West Coast Cederberg to sea. Shoreline ist die zweite Einzelausstellung der Künstlerin in der Barnard Gallery, zusammen mit der Ausstellung von Stephen Inggs. Im Jahr 2023 gewann sein Projekt Fixing the Shadows den Projektaufruf Blurring the Lines.


détail de Untitled (Garden), 2022 © Vanessa Cowling


Pour son projet Fixing the Shadows, Vanessa Cowling a utilisé des procédés photographiques sans appareil et peu nocifs pour l’environnement afin de capter, sans capturer, des silhouettes de végétaux. Lumen prints, anthotypes et phytogrammes composent ici une fresque aux couleurs parfois déroutantes. Obtenues par contact direct des plantes avec le support papier, ces images nées d’ombres sont ici en pleine lumière au sein de cette installation sur parois vitrées. Cette exposition est la première de l’artiste en Europe.

Vanessa Cowling est diplômée de la Michaelis School of Fine Art (UCT) en 1998. Sa première exposition personnelle, Strings and Flight, a eu lieu en 2005 dans le cadre du Cape Town Month of Photography. Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives. Les éditions Struik ont publié son premier livre de photographies de voyage West Coast Cederberg to sea en 2006. Shoreline est la deuxième exposition personnelle de l’artiste à la Barnard Gallery, en même temps que celle de Stephen Inggs. En 2023, son projet Fixing the Shadows remporte l’appel à projet “Blurring the Lines”.

Per il suo progetto Fixing the Shadows, Vanessa Cowling ha utilizzato processi fotografici privi di fotocamera e poco dannosi per l'ambiente per catturare, senza immortalare, le silhouette delle piante. Stampe Lumen, antotipi e fitogrammi compongono un affresco di colori a volte sconcertanti. Ottenute dal contatto diretto tra piante e carta, queste immagini nascono dalle ombre e sono qui in piena luce in questa installazione su pareti di vetro. Si tratta della prima mostra dell'artista in Europa.

Vanessa Cowling si è laureata alla Michaelis School of Fine Art (UCT) nel 1998. La sua prima mostra personale, Strings and Flight, si è svolta nel 2005 nell'ambito del Mese della Fotografia di Città del Capo. Ha partecipato anche a numerose mostre collettive. Il suo primo libro di fotografie di viaggio, West Coast Cederberg to sea, è stato pubblicato da Struik nel 2006. Shoreline è la seconda mostra personale dell'artista alla Barnard Gallery, contemporaneamente a quella di Stephen Inggs. Nel 2023, il suo progetto Fixing the Shadows ha vinto il bando "Blurring the Lines".

For her Fixing the Shadows project, Vanessa Cowling used camera-free, environmentally-friendly photographic processes to capture, without capturing, plant silhouettes. Lumen prints, anthotypes and phytograms make up a fresco of sometimes disconcerting colors. Obtained by direct contact between plants and paper, these images, born of shadows, are here in full light within this installation on glass walls. This exhibition is the artist's first in Europe.

Vanessa Cowling graduated from the Michaelis School of Fine Art (UCT) in 1998. Her first solo exhibition, Strings and Flight, took place in 2005 as part of Cape Town Month of Photography. She has also participated in numerous group exhibitions. Struik Editions published her first book of travel photographs, West Coast Cederberg to sea, in 2006. Shoreline is the artist's second solo exhibition at the Barnard Gallery, alongside that of Stephen Inggs. In 2023, his project Fixing the Shadows won the "Blurring the Lines" call for projects.

(Text: Biennale de la photographie de Mulhouse)

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Cloud physics - Terri Weifenbach | Berges de la Thur | Thann
Juni
8
bis 13. Okt.

Cloud physics - Terri Weifenbach | Berges de la Thur | Thann


Berges de la Thur | Thann
8. Juni – 13. Oktober 2024

Cloud physics
Terri Weifenbach

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie de Mulhouse statt.


July 7, 2019 © Terri Weifenbach


Die Fotografien von Terri Weifenbach, die aus ihrem jüngsten Verlagsprojekt Cloud Physics hervorgegangen sind, treten hier in Resonanz sowohl mit dem Strom der Thur als auch mit den Weinbergen des Rangen, die sie umgeben. Sie treffen sich entlang des Weges und weisen auf Details einer sensiblen Welt hin, die allzu oft aus der Ferne betrachtet wird. Der Nieselregen, der Rauch oder die Unschärfe, die sich darin finden, schaffen traumhafte Atmosphären, zu denen meteorologische Instrumente präzise Daten beisteuern.

Terri Weifenbach wurde in New York geboren. Sie ließ sich an der Universität von Maryland ausbilden und verbrachte anschließend ein Dutzend Jahre in New Mexico und Kalifornien. Heute lebt sie in Frankreich. Die Gestaltung von Büchern steht im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Praxis. Seit der Veröffentlichung ihres ersten Buches In Your Dreams im Jahr 1997 hat sie zwanzig weitere Titel verfasst, darunter Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers und Gift. Ihre bevorzugten Themen sind die natürliche und lebendige Welt, ihre Elemente und ihre Bewohner. Sie enthüllt deren diskreten und stillen Charme, insbesondere durch die Unschärfeeffekte, die ihre Arbeit prägen.


January 10, 2017 © Terri Weifenbach


Issues de son projet éditorial le plus récent, Cloud Physics, les photographies de Terri Weifenbach entrent ici en résonance à la fois avec le courant de la Thur et les vignes du Rangen qui les entourent. Elles se rencontrent le long de la piste et pointent des détails d’un monde sensible trop souvent regardé de loin. La bruine, la fumée ou le flou qui s’y retrouvent créent des atmosphères oniriques auxquelles des instruments météorologiques apportent des données précises.

Née à New York, Terri Weifenbach se forme à l’université du Maryland, puis passe une douzaine d’années au Nouveau-Mexique et en Californie. Elle réside aujourd’hui en France. La création de livres est au cœur de sa pratique artistique. Depuis la publication de son premier livre, In Your Dreams, en 1997, elle est l’auteure de vingt autres titres, dont Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers ou Gift. Ses sujets de prédilection proviennent du monde naturel et vivant, ses éléments et ses habitant·es. Elle révèle leur charme discret et silencieux, notamment par les effets de flou qui marquent son travail.

Tratte dal suo più recente progetto editoriale, Cloud Physics, le fotografie di Terri Weifenbach risuonano sia con la corrente della Thur sia con i vigneti di Rangen che li circondano. Si incontrano lungo il sentiero e mettono in evidenza i dettagli di un mondo sensibile che troppo spesso viene visto da lontano. La pioggerellina, il fumo e la foschia che incontrano creano atmosfere oniriche a cui gli strumenti meteorologici forniscono dati precisi.

Nata a New York, Terri Weifenbach si è formata all'Università del Maryland, poi ha trascorso una dozzina di anni in New Mexico e California. Ora vive in Francia. La creazione di libri è al centro della sua pratica artistica. Dalla pubblicazione del suo primo libro, In Your Dreams, nel 1997, ha scritto altri venti titoli, tra cui Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers e Gift. I suoi soggetti preferiti sono il mondo naturale e vivente, i suoi elementi e i suoi abitanti. Ne rivela il fascino discreto e silenzioso, in particolare attraverso gli effetti di sfocatura che caratterizzano il suo lavoro.

From her most recent editorial project, Cloud Physics, Terri Weifenbach's photographs here resonate with both the Thur current and the surrounding Rangen vineyards. They meet along the trail, pointing out details of a sensitive world too often viewed from afar. The drizzle, smoke and blur they encounter create dreamlike atmospheres to which meteorological instruments provide precise data.

Born in New York, Terri Weifenbach trained at the University of Maryland, then spent a dozen years in New Mexico and California. She now lives in France. The creation of books is at the heart of her artistic practice. Since the publication of her first book, In Your Dreams, in 1997, she has authored twenty other titles, including Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers and Gift. Her favorite subjects are the natural, living world, its elements and its inhabitants. She reveals their discreet, silent charm, notably through the blurred effects that mark her work.

(Text: Biennale de la photographie de Mulhouse)

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Souls Against the Concrete - Khalik Allah | La Chambre | Strasbourg
Apr.
6
bis 26. Mai

Souls Against the Concrete - Khalik Allah | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
6. April – 26. Mai 2024

Souls Against the Concrete
Khalik Allah


125th & Lexington, Harlem, New York, 2017 © Khalik Allah


Khalik Allah wurde als Sohn jamaikanischer und iranischer Eltern geboren und wuchs in New York City mit der Hip-Hop-Kultur auf. Er bekennt sich zum Einfluss der Five Percent Nation, einer Bildungsbewegung für Jugendliche, die an die Rolle der Schwarzen in der Weltgeschichte erinnert. Er ist als Autor und Auftragnehmer von Dokumentarfilmen tätig und arbeitet regelmäßig mit dem Wu-Tang Clan zusammen. Im Jahr 2020 trat er der Agentur Magnum bei und realisierte hier eine seiner ersten Ausstellungen in Europa.

Khalik Allah spielte schon als Kind mit Kameras und schildert die Welt um ihn herum mit einem Stil, der als Street Opera bezeichnet wurde.

Für seine Serie 125th & Lexington positioniert er sich an dieser Straßenkreuzung, die tagsüber in rasender Geschwindigkeit von Leben wimmelt und in den Nachtstunden einer ganz anderen Bevölkerung und Atmosphäre Platz macht. Die Zeit der Beobachtung verlangsamt das Tempo durch den Blick und er findet Schönheit, wo man nur Dunkelheit zu finden glaubte. Die Nachtaufnahmen betonen die Lichter und Kontraste und lassen so ein "Gedicht im nächtlichen Harlem" entstehen. Der Fotograf ist bestrebt, die Straße auf ehrliche Weise zu porträtieren, indem er ein Vertrauensverhältnis zu seinen Motiven aufbaut. Er wirft einen wohlwollenden Blick, ohne zu idealisieren oder zu miserabilisieren, auf die meist schwarzen Außenseiter und Drogenabhängigen, die diese Ecke New Yorks bevölkern. Die jahrhundertelange Geschichte der Beziehungen zwischen Weißen und Schwarzen in den USA hat dazu geführt, dass die Begriffe "Gemeinschaft" und "Hautfarbe" eine besondere Bedeutung haben. Diese Spannungen, die durch hartnäckige sozioökonomische Unterschiede aufrechterhalten und durch den Tod von George Floyd im Jahr 2020 neu entfacht wurden, basieren auf gegenseitiger Angst. Mit seinen Porträts mit brennenden Blicken, die an intensive persönliche Geschichten erinnern, eröffnet der Künstler eine Möglichkeit, sich unter Menschen mit seinen Modellen zu identifizieren und sie lieben zu lernen.

Khalik Allah wird drei Monate lang auf einer Tournee zwischen Deutschland, der Schweiz und Frankreich anwesend sein. Dieses von La Chambre und dem internationalen Dokumentarfilmfestival Kings of Doc Expanded getragene Projekt wird in Partnerschaft mit Répliques, dem Kino Cosmos, der Universität Straßburg, Tënk, der HEAD, FilmArche, Zeegotoh und der Ostkreuzschule durchgeführt. Das Programm umfasst Ausstellungen, Filmvorführungen, Meisterklassen und Workshops.


Né de parents jamaïcain et iranien, Khalik Allah a grandi à New York au contact de la culture hip-hop. Il se revendique de l’influence de la Nation des Cinq pour Cent, un mouvement d’éducation pour les jeunes qui rappelle le rôle des Noires dans l’histoire mondiale. Il est réalisateur de films documentaires en tant qu’auteur ou prestataire, travaillant régulièrement avec le Wu-Tang Clan. Il intègre l’agence Magnum en 2020 et réalise ici l’une de ses premières expositions en Europe.

Jouant depuis tout petit avec des caméras, Khalik Allah dépeint le monde qui l’entoure avec un style qui a été qualifié de Street Opera.

Pour sa série 125th & Lexington, il se poste à cette intersection de rues, grouillant de vie à toute vitesse en journée et laissant place à une population et une ambiance bien différente au fil des heures nocturnes. Le temps de l’observation ralentit le rythme par le regard, et il trouve la beauté là où on ne pensait trouver que la noirceur. Les prises de vues nocturnes soulignent les lumières et les contrastes pour donner naissance à un « poème à Harlem la nuit ». Le photographe s’attache à dépeindre la rue de façon honnête, en créant un lien de confiance avec ses sujets. Il pose un regard bienveillant, sans idéalisation ni misérabilisme, sur les marginaux et drogué·es, principalement Noir·es, qui peuplent ce coin de New York. Découlant de siècles d’histoire tourmentée, le contexte américain des relations entre Blanc·hes et Noir·es donne une importance particulière aux notions de communauté et de couleur de peau. Entretenue par des différences socio-économiques tenaces et rallumée par la mort de George Floyd en 2020, cette tension se base sur la peur mutuelle. Avec ses portraits aux regards brûlants, évocateurs d’histoires personnelles intenses, l’artiste ouvre une possibilité de s’identifier, entre humains, à ses modèles et d’apprendre à les aimer.

Khalik Allah sera présent trois mois durant pour une tournée entre l’Allemagne, la Suisse et la France. Ce projet porté par La Chambre et le festival international de films documentaires Kings of Doc Expanded est réalisé en partenariat avec Répliques, le cinéma Cosmos, l’Université de Strasbourg, Tënk, la HEAD, FilmArche, Zeegotoh, Ostkreuzschule. Le programme comprend expositions, projections, masterclasses et workshops.


Nato da genitori giamaicani e iraniani, Khalik Allah è cresciuto a New York a contatto con la cultura hip-hop. Sostiene di essere stato influenzato dalla Five Percent Nation, un movimento di educazione giovanile che mette in evidenza il ruolo dei neri nella storia del mondo. È un documentarista, sia come autore che come collaboratore, e lavora regolarmente con il Wu-Tang Clan. È entrato a far parte dell'agenzia Magnum nel 2020 e questa è una delle sue prime mostre in Europa.

Avendo giocato con le macchine fotografiche fin da bambino, Khalik Allah ritrae il mondo che lo circonda con uno stile che è stato descritto come Street Opera.

Per la serie 125th & Lexington, l'artista si posiziona in questo incrocio di strade, che di giorno brulica di vita a pieno ritmo e che di notte lascia il posto a una popolazione e a un'atmosfera molto diverse. Il tempo per l'osservazione rallenta il ritmo e l'artista trova la bellezza dove si pensava ci fosse solo l'oscurità. Gli scatti notturni evidenziano le luci e i contrasti, dando vita a una "poesia di Harlem di notte". Il fotografo cerca di ritrarre la strada in modo onesto, creando un legame di fiducia con i suoi soggetti. Guarda con simpatia, senza idealizzazione o miseria, agli emarginati e ai tossicodipendenti, soprattutto neri, che popolano questo angolo di New York. Il contesto americano delle relazioni tra bianchi e neri, frutto di secoli di storia tormentata, dà particolare importanza alle nozioni di comunità e al colore della pelle. Alimentata da ostinate differenze socio-economiche e riaccesa dalla morte di George Floyd nel 2020, questa tensione si basa sulla paura reciproca. Con i suoi ritratti dagli sguardi ardenti, evocativi di intense storie personali, l'artista apre la possibilità di un'identificazione umana con i suoi modelli e di imparare ad amarli.

Khalik Allah sarà in tournée in Germania, Svizzera e Francia per tre mesi. Il progetto, sostenuto da La Chambre e dal festival internazionale del documentario Kings of Doc Expanded, è realizzato in collaborazione con Répliques, Cosmos cinema, Università di Strasburgo, Tënk, HEAD, FilmArche, Zeegotoh e Ostkreuzschule. Il programma prevede mostre, proiezioni, masterclass e workshop.


Born of Jamaican and Iranian parents, Khalik Allah grew up in New York City in contact with hip-hop culture. He claims to be influenced by the Five Percent Nation, a youth education movement that recalls the role of Black people in world history. He is a documentary filmmaker, both as an author and as a contractor, working regularly with the Wu-Tang Clan. He joined the Magnum agency in 2020, and this is one of his first exhibitions in Europe.

Playing with cameras from an early age, Khalik Allah depicts the world around him with a style that has been described as Street Opera.

For his 125th & Lexington series, he positions himself at this intersection of streets, teeming with life at full speed during the day and giving way to a very different population and atmosphere as the night progresses. Time for observation slows the pace through the eyes, and he finds beauty where we thought only darkness could be found. The night shots emphasize light and contrast to create a "poem of Harlem at night". The photographer strives to depict the street in an honest way, creating a bond of trust with his subjects. He takes a sympathetic look, without idealization or misery, at the marginalized and drug-addicted, mainly black, people who populate this corner of New York. Deriving from centuries of tormented history, the American context of relations between Whites and Blacks gives particular importance to notions of community and skin color. Nurtured by stubborn socio-economic differences and rekindled by the death of George Floyd in 2020, this tension is based on mutual fear. With his portraits of burning gazes, evocative of intense personal histories, the artist opens up a possibility for human beings to identify with his models and learn to love them.

Khalik Allah will be touring Germany, Switzerland and France for three months. The project is supported by La Chambre and the Kings of Doc Expanded international documentary film festival, in partnership with Répliques, Cosmos cinema, Strasbourg University, Tënk, HEAD, FilmArche, Zeegotoh and Ostkreuzschule. The program includes exhibitions, screenings, masterclasses and workshops.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Souls Against the Concrete - Khalik Allah | La Chambre | Strasbourg
Apr.
5
6:00 PM18:00

Souls Against the Concrete - Khalik Allah | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
5. April 2024

Souls Against the Concrete
Khalik Allah


125th & Lexington, Harlem, New York, 2017 © Khalik Allah


Khalik Allah wurde als Sohn jamaikanischer und iranischer Eltern geboren und wuchs in New York City mit der Hip-Hop-Kultur auf. Er bekennt sich zum Einfluss der Five Percent Nation, einer Bildungsbewegung für Jugendliche, die an die Rolle der Schwarzen in der Weltgeschichte erinnert. Er ist als Autor und Auftragnehmer von Dokumentarfilmen tätig und arbeitet regelmäßig mit dem Wu-Tang Clan zusammen. Im Jahr 2020 trat er der Agentur Magnum bei und realisierte hier eine seiner ersten Ausstellungen in Europa.

Khalik Allah spielte schon als Kind mit Kameras und schildert die Welt um ihn herum mit einem Stil, der als Street Opera bezeichnet wurde.

Für seine Serie 125th & Lexington positioniert er sich an dieser Straßenkreuzung, die tagsüber in rasender Geschwindigkeit von Leben wimmelt und in den Nachtstunden einer ganz anderen Bevölkerung und Atmosphäre Platz macht. Die Zeit der Beobachtung verlangsamt das Tempo durch den Blick und er findet Schönheit, wo man nur Dunkelheit zu finden glaubte. Die Nachtaufnahmen betonen die Lichter und Kontraste und lassen so ein "Gedicht im nächtlichen Harlem" entstehen. Der Fotograf ist bestrebt, die Straße auf ehrliche Weise zu porträtieren, indem er ein Vertrauensverhältnis zu seinen Motiven aufbaut. Er wirft einen wohlwollenden Blick, ohne zu idealisieren oder zu miserabilisieren, auf die meist schwarzen Außenseiter und Drogenabhängigen, die diese Ecke New Yorks bevölkern. Die jahrhundertelange Geschichte der Beziehungen zwischen Weißen und Schwarzen in den USA hat dazu geführt, dass die Begriffe "Gemeinschaft" und "Hautfarbe" eine besondere Bedeutung haben. Diese Spannungen, die durch hartnäckige sozioökonomische Unterschiede aufrechterhalten und durch den Tod von George Floyd im Jahr 2020 neu entfacht wurden, basieren auf gegenseitiger Angst. Mit seinen Porträts mit brennenden Blicken, die an intensive persönliche Geschichten erinnern, eröffnet der Künstler eine Möglichkeit, sich unter Menschen mit seinen Modellen zu identifizieren und sie lieben zu lernen.

Khalik Allah wird drei Monate lang auf einer Tournee zwischen Deutschland, der Schweiz und Frankreich anwesend sein. Dieses von La Chambre und dem internationalen Dokumentarfilmfestival Kings of Doc Expanded getragene Projekt wird in Partnerschaft mit Répliques, dem Kino Cosmos, der Universität Straßburg, Tënk, der HEAD, FilmArche, Zeegotoh und der Ostkreuzschule durchgeführt. Das Programm umfasst Ausstellungen, Filmvorführungen, Meisterklassen und Workshops.


Né de parents jamaïcain et iranien, Khalik Allah a grandi à New York au contact de la culture hip-hop. Il se revendique de l’influence de la Nation des Cinq pour Cent, un mouvement d’éducation pour les jeunes qui rappelle le rôle des Noires dans l’histoire mondiale. Il est réalisateur de films documentaires en tant qu’auteur ou prestataire, travaillant régulièrement avec le Wu-Tang Clan. Il intègre l’agence Magnum en 2020 et réalise ici l’une de ses premières expositions en Europe.

Jouant depuis tout petit avec des caméras, Khalik Allah dépeint le monde qui l’entoure avec un style qui a été qualifié de Street Opera.

Pour sa série 125th & Lexington, il se poste à cette intersection de rues, grouillant de vie à toute vitesse en journée et laissant place à une population et une ambiance bien différente au fil des heures nocturnes. Le temps de l’observation ralentit le rythme par le regard, et il trouve la beauté là où on ne pensait trouver que la noirceur. Les prises de vues nocturnes soulignent les lumières et les contrastes pour donner naissance à un « poème à Harlem la nuit ». Le photographe s’attache à dépeindre la rue de façon honnête, en créant un lien de confiance avec ses sujets. Il pose un regard bienveillant, sans idéalisation ni misérabilisme, sur les marginaux et drogué·es, principalement Noir·es, qui peuplent ce coin de New York. Découlant de siècles d’histoire tourmentée, le contexte américain des relations entre Blanc·hes et Noir·es donne une importance particulière aux notions de communauté et de couleur de peau. Entretenue par des différences socio-économiques tenaces et rallumée par la mort de George Floyd en 2020, cette tension se base sur la peur mutuelle. Avec ses portraits aux regards brûlants, évocateurs d’histoires personnelles intenses, l’artiste ouvre une possibilité de s’identifier, entre humains, à ses modèles et d’apprendre à les aimer.

Khalik Allah sera présent trois mois durant pour une tournée entre l’Allemagne, la Suisse et la France. Ce projet porté par La Chambre et le festival international de films documentaires Kings of Doc Expanded est réalisé en partenariat avec Répliques, le cinéma Cosmos, l’Université de Strasbourg, Tënk, la HEAD, FilmArche, Zeegotoh, Ostkreuzschule. Le programme comprend expositions, projections, masterclasses et workshops.


Nato da genitori giamaicani e iraniani, Khalik Allah è cresciuto a New York a contatto con la cultura hip-hop. Sostiene di essere stato influenzato dalla Five Percent Nation, un movimento di educazione giovanile che mette in evidenza il ruolo dei neri nella storia del mondo. È un documentarista, sia come autore che come collaboratore, e lavora regolarmente con il Wu-Tang Clan. È entrato a far parte dell'agenzia Magnum nel 2020 e questa è una delle sue prime mostre in Europa.

Avendo giocato con le macchine fotografiche fin da bambino, Khalik Allah ritrae il mondo che lo circonda con uno stile che è stato descritto come Street Opera.

Per la serie 125th & Lexington, l'artista si posiziona in questo incrocio di strade, che di giorno brulica di vita a pieno ritmo e che di notte lascia il posto a una popolazione e a un'atmosfera molto diverse. Il tempo per l'osservazione rallenta il ritmo e l'artista trova la bellezza dove si pensava ci fosse solo l'oscurità. Gli scatti notturni evidenziano le luci e i contrasti, dando vita a una "poesia di Harlem di notte". Il fotografo cerca di ritrarre la strada in modo onesto, creando un legame di fiducia con i suoi soggetti. Guarda con simpatia, senza idealizzazione o miseria, agli emarginati e ai tossicodipendenti, soprattutto neri, che popolano questo angolo di New York. Il contesto americano delle relazioni tra bianchi e neri, frutto di secoli di storia tormentata, dà particolare importanza alle nozioni di comunità e al colore della pelle. Alimentata da ostinate differenze socio-economiche e riaccesa dalla morte di George Floyd nel 2020, questa tensione si basa sulla paura reciproca. Con i suoi ritratti dagli sguardi ardenti, evocativi di intense storie personali, l'artista apre la possibilità di un'identificazione umana con i suoi modelli e di imparare ad amarli.

Khalik Allah sarà in tournée in Germania, Svizzera e Francia per tre mesi. Il progetto, sostenuto da La Chambre e dal festival internazionale del documentario Kings of Doc Expanded, è realizzato in collaborazione con Répliques, Cosmos cinema, Università di Strasburgo, Tënk, HEAD, FilmArche, Zeegotoh e Ostkreuzschule. Il programma prevede mostre, proiezioni, masterclass e workshop.


Born of Jamaican and Iranian parents, Khalik Allah grew up in New York City in contact with hip-hop culture. He claims to be influenced by the Five Percent Nation, a youth education movement that recalls the role of Black people in world history. He is a documentary filmmaker, both as an author and as a contractor, working regularly with the Wu-Tang Clan. He joined the Magnum agency in 2020, and this is one of his first exhibitions in Europe.

Playing with cameras from an early age, Khalik Allah depicts the world around him with a style that has been described as Street Opera.

For his 125th & Lexington series, he positions himself at this intersection of streets, teeming with life at full speed during the day and giving way to a very different population and atmosphere as the night progresses. Time for observation slows the pace through the eyes, and he finds beauty where we thought only darkness could be found. The night shots emphasize light and contrast to create a "poem of Harlem at night". The photographer strives to depict the street in an honest way, creating a bond of trust with his subjects. He takes a sympathetic look, without idealization or misery, at the marginalized and drug-addicted, mainly black, people who populate this corner of New York. Deriving from centuries of tormented history, the American context of relations between Whites and Blacks gives particular importance to notions of community and skin color. Nurtured by stubborn socio-economic differences and rekindled by the death of George Floyd in 2020, this tension is based on mutual fear. With his portraits of burning gazes, evocative of intense personal histories, the artist opens up a possibility for human beings to identify with his models and learn to love them.

Khalik Allah will be touring Germany, Switzerland and France for three months. The project is supported by La Chambre and the Kings of Doc Expanded international documentary film festival, in partnership with Répliques, Cosmos cinema, Strasbourg University, Tënk, HEAD, FilmArche, Zeegotoh and Ostkreuzschule. The program includes exhibitions, screenings, masterclasses and workshops.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Perspectives #23 | La Chambre | Strasbourg
Feb.
10
bis 31. März

Perspectives #23 | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
10. Februar – 31. März 2024

Perspectives #23
Christopher Barraja, Emma Cossée Cruz, Safia Delta, Angéline Girard, Loïc Laforge


Le Cercle ou l’enracinement impossible, 2020 © Sofia Delta


Das Programm Perspectives unterstützt aufstrebende Fotografen bei der Strukturierung und Professionalisierung ihrer Tätigkeit, indem es konkrete Lösungen für die Notwendigkeit einer dauerhaften Existenzsicherung bietet. Diese Ausstellung bildet den Abschluss eines Jahres, in dem professionelle Bildbearbeiter, künstlerische Begleitung und individuelle Betreuung angeboten wurden, und zeigt die Arbeiten der fünf Begünstigten dieser vierten Ausgabe.

Christopher Barraja fotografiert seit mehreren Jahren seine Sommer in Südfrankreich: Unbeschwertheit, Exzesse, Sinnlichkeit oder Spuren der Abwesenheit von Körpern - sein fotografisches Tagebuch schwankt zwischen Melancholie und Feier des Lebens.

Emma Cossée Cruz interessiert sich für Gegenstände, die mit Körper und Bewegung zu tun haben: Nach Stadtmöbeln für den Sport beschäftigt sie sich nun mit Geräten, die in der Rehabilitationstherapie eingesetzt werden. Sie arbeitet mit Pflegekräften und Patienten zusammen, um gemeinsam Skulpturen zu erschaffen, die manipuliert und fotografiert werden können und die die Interaktion mit dem Körper darstellen.

Safia Delta hinterfragt die Umrisse ihres Lebensraums in Marseille und sucht ihren Platz in einer Umgebung, die von einer unsichtbaren Hand gebaut wurde. Die Formen mit ihren symbolischen Bedeutungen werden mit poetischen Porträts der Bewohnerinnen und Bewohner verglichen.

Angéline Girard konfrontiert sich mit dem Außen, im Gegensatz zu den gesellschaftlichen und familiären Zwängen. Ihren Körper bewohnen, die Natur bewohnen, poetische Verbindungen mit der Landschaft schaffen: Das sind die Herausforderungen ihrer Bilder, die in Form von Ausstellungen oder Veröffentlichungen präsentiert werden.

Loïc Laforge entwickelt eine sensible und schamhafte Langzeitarbeit über das Leben von Kindern, die in Heimen untergebracht sind. Sie wachsen in einem strengen Rahmen mit wenig emotionalen Anhaltspunkten auf. Durch Zuhören und Fotografieren erwerben sie eine Geschichte und Erinnerungen.


En apportant des solutions concrètes aux nécessités de pérennisation de leur activité, le programme Perspectives soutient les photographes émergent·es dans le processus de structuration et de professionnalisation de leur activité. Cette exposition clôture une année d’interventions assurées par des professionnel·les de l’image, d’accompagnement artistique, de suivi individuel et présente les travaux des cinq bénéficiaires de cette quatrième édition.

Christopher Barraja photographie depuis plusieurs années ses étés dans le Sud de la France : insouciance, excès, sensualité ou traces de l’absence des corps, son journal photographique oscille entre mélancolie et célébration de la vie.

Emma Cossée Cruz s’intéresse aux objets liés au corps et au mouvement : après le mobilier urbain sportif, elle se penche sur les dispositifs utilisés en thérapies rééducatives. Elle collabore avec des soignant·es et des soigné·es pour co-créer des sculptures à manipuler et à photographier figurant l’interaction avec le corps.

Safia Delta interroge les contours de son lieu de vie à Marseille, cherchant sa place dans un environnement construit par une main invisible. Les formes, aux significations symboliques, sont mises en regard avec des portraits de ses habitant·es, au vocable poétique.

Angéline Girard se confronte au dehors, par opposition aux contraintes sociétales et familiales. Habiter son corps, habiter la nature, créer des liens poétiques avec le paysage : tels sont les enjeux de ses images, présentées sous forme d’exposition ou de publication.

Loïc Laforge développe un travail au long cours sensible et pudique sur les vies des enfants placés en centre. Ils·elles grandissent dans un cadre strict avec peu de repères affectifs. Par l’écoute et la photographie, ils·elles acquièrent une histoire et des souvenirs.


Fornendo soluzioni pratiche alla necessità di stabilire le loro attività a lungo termine, il programma Perspectives sostiene i fotografi emergenti nel processo di strutturazione e professionalizzazione del loro lavoro. Questa mostra conclude un anno di lavoro di fotografi professionisti, di sostegno artistico e di follow-up individuale e presenta il lavoro dei cinque beneficiari di questa quarta edizione.

Christopher Barraja fotografa da diversi anni le sue estati nel Sud della Francia: spensierato, eccessivo, sensuale o traccia dell'assenza di corpi, il suo diario fotografico oscilla tra malinconia e celebrazione della vita.

Emma Cossée Cruz è interessata agli oggetti legati al corpo e al movimento: dopo gli arredi sportivi urbani, si occupa ora dei dispositivi utilizzati nella terapia riabilitativa. Collabora con assistenti e pazienti per co-creare sculture che possono essere manipolate e fotografate, immaginando l'interazione con il corpo.

Safia Delta si interroga sui contorni della sua casa a Marsiglia, cercando il suo posto in un ambiente costruito da una mano invisibile. Le forme, con i loro significati simbolici, sono contrapposte a ritratti poetici dei residenti.

Angéline Girard si confronta con il mondo esterno, in opposizione alle costrizioni sociali e familiari. Abitare il proprio corpo, abitare la natura, creare legami poetici con il paesaggio: questi sono i temi in gioco nelle sue immagini, presentate sotto forma di mostre o pubblicazioni.

Loïc Laforge sta sviluppando uno studio a lungo termine, sensibile e discreto, sulla vita dei bambini affidati ai servizi sociali. Crescono in un ambiente rigido, con pochi punti di riferimento emotivi. Attraverso l'ascolto e la fotografia, acquisiscono una storia e dei ricordi.


By providing concrete solutions to the need to sustain their activity, the Perspectives program supports emerging photographers in the process of structuring and professionalizing their business. This exhibition brings to a close a year of interventions by image professionals, artistic accompaniment and individual follow-up, and presents the work of the five beneficiaries of this fourth edition.

Christopher Barraja has been photographing his summers in the South of France for several years: carefree, excessive, sensual or traces of the absence of bodies, his photographic diary oscillates between melancholy and celebration of life.

Emma Cossée Cruz is interested in objects linked to the body and movement: after urban sports furniture, she now turns her attention to devices used in rehabilitation therapy. She collaborates with caregivers and patients to co-create sculptures to be manipulated and photographed, featuring interaction with the body.

Safia Delta questions the contours of her home in Marseille, seeking her place in an environment built by an invisible hand. The shapes, with their symbolic meanings, are contrasted with poetic portraits of the inhabitants.

Angéline Girard confronts the outside, in opposition to societal and family constraints. Inhabiting her body, inhabiting nature, creating poetic links with the landscape: these are the issues at stake in her images, presented in the form of exhibitions or publications.

Loïc Laforge is developing a sensitive and discreet long-term study of the lives of children placed in care centers. They grow up in a strict environment with few emotional references. Through listening and photography, they acquire a history and memories.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Perspectives #23 | La Chambre | Strasbourg
Feb.
9
6:00 PM18:00

Perspectives #23 | La Chambre | Strasbourg



Le Cercle ou l’enracinement impossible, 2020 © Sofia Delta


Das Programm Perspectives unterstützt aufstrebende Fotografen bei der Strukturierung und Professionalisierung ihrer Tätigkeit, indem es konkrete Lösungen für die Notwendigkeit einer dauerhaften Existenzsicherung bietet. Diese Ausstellung bildet den Abschluss eines Jahres, in dem professionelle Bildbearbeiter, künstlerische Begleitung und individuelle Betreuung angeboten wurden, und zeigt die Arbeiten der fünf Begünstigten dieser vierten Ausgabe.

Christopher Barraja fotografiert seit mehreren Jahren seine Sommer in Südfrankreich: Unbeschwertheit, Exzesse, Sinnlichkeit oder Spuren der Abwesenheit von Körpern - sein fotografisches Tagebuch schwankt zwischen Melancholie und Feier des Lebens.

Emma Cossée Cruz interessiert sich für Gegenstände, die mit Körper und Bewegung zu tun haben: Nach Stadtmöbeln für den Sport beschäftigt sie sich nun mit Geräten, die in der Rehabilitationstherapie eingesetzt werden. Sie arbeitet mit Pflegekräften und Patienten zusammen, um gemeinsam Skulpturen zu erschaffen, die manipuliert und fotografiert werden können und die die Interaktion mit dem Körper darstellen.

Safia Delta hinterfragt die Umrisse ihres Lebensraums in Marseille und sucht ihren Platz in einer Umgebung, die von einer unsichtbaren Hand gebaut wurde. Die Formen mit ihren symbolischen Bedeutungen werden mit poetischen Porträts der Bewohnerinnen und Bewohner verglichen.

Angéline Girard konfrontiert sich mit dem Außen, im Gegensatz zu den gesellschaftlichen und familiären Zwängen. Ihren Körper bewohnen, die Natur bewohnen, poetische Verbindungen mit der Landschaft schaffen: Das sind die Herausforderungen ihrer Bilder, die in Form von Ausstellungen oder Veröffentlichungen präsentiert werden.

Loïc Laforge entwickelt eine sensible und schamhafte Langzeitarbeit über das Leben von Kindern, die in Heimen untergebracht sind. Sie wachsen in einem strengen Rahmen mit wenig emotionalen Anhaltspunkten auf. Durch Zuhören und Fotografieren erwerben sie eine Geschichte und Erinnerungen.


En apportant des solutions concrètes aux nécessités de pérennisation de leur activité, le programme Perspectives soutient les photographes émergent·es dans le processus de structuration et de professionnalisation de leur activité. Cette exposition clôture une année d’interventions assurées par des professionnel·les de l’image, d’accompagnement artistique, de suivi individuel et présente les travaux des cinq bénéficiaires de cette quatrième édition.

Christopher Barraja photographie depuis plusieurs années ses étés dans le Sud de la France : insouciance, excès, sensualité ou traces de l’absence des corps, son journal photographique oscille entre mélancolie et célébration de la vie.

Emma Cossée Cruz s’intéresse aux objets liés au corps et au mouvement : après le mobilier urbain sportif, elle se penche sur les dispositifs utilisés en thérapies rééducatives. Elle collabore avec des soignant·es et des soigné·es pour co-créer des sculptures à manipuler et à photographier figurant l’interaction avec le corps.

Safia Delta interroge les contours de son lieu de vie à Marseille, cherchant sa place dans un environnement construit par une main invisible. Les formes, aux significations symboliques, sont mises en regard avec des portraits de ses habitant·es, au vocable poétique.

Angéline Girard se confronte au dehors, par opposition aux contraintes sociétales et familiales. Habiter son corps, habiter la nature, créer des liens poétiques avec le paysage : tels sont les enjeux de ses images, présentées sous forme d’exposition ou de publication.

Loïc Laforge développe un travail au long cours sensible et pudique sur les vies des enfants placés en centre. Ils·elles grandissent dans un cadre strict avec peu de repères affectifs. Par l’écoute et la photographie, ils·elles acquièrent une histoire et des souvenirs.


Fornendo soluzioni pratiche alla necessità di stabilire le loro attività a lungo termine, il programma Perspectives sostiene i fotografi emergenti nel processo di strutturazione e professionalizzazione del loro lavoro. Questa mostra conclude un anno di lavoro di fotografi professionisti, di sostegno artistico e di follow-up individuale e presenta il lavoro dei cinque beneficiari di questa quarta edizione.

Christopher Barraja fotografa da diversi anni le sue estati nel Sud della Francia: spensierato, eccessivo, sensuale o traccia dell'assenza di corpi, il suo diario fotografico oscilla tra malinconia e celebrazione della vita.

Emma Cossée Cruz è interessata agli oggetti legati al corpo e al movimento: dopo gli arredi sportivi urbani, si occupa ora dei dispositivi utilizzati nella terapia riabilitativa. Collabora con assistenti e pazienti per co-creare sculture che possono essere manipolate e fotografate, immaginando l'interazione con il corpo.

Safia Delta si interroga sui contorni della sua casa a Marsiglia, cercando il suo posto in un ambiente costruito da una mano invisibile. Le forme, con i loro significati simbolici, sono contrapposte a ritratti poetici dei residenti.

Angéline Girard si confronta con il mondo esterno, in opposizione alle costrizioni sociali e familiari. Abitare il proprio corpo, abitare la natura, creare legami poetici con il paesaggio: questi sono i temi in gioco nelle sue immagini, presentate sotto forma di mostre o pubblicazioni.

Loïc Laforge sta sviluppando uno studio a lungo termine, sensibile e discreto, sulla vita dei bambini affidati ai servizi sociali. Crescono in un ambiente rigido, con pochi punti di riferimento emotivi. Attraverso l'ascolto e la fotografia, acquisiscono una storia e dei ricordi.


By providing concrete solutions to the need to sustain their activity, the Perspectives program supports emerging photographers in the process of structuring and professionalizing their business. This exhibition brings to a close a year of interventions by image professionals, artistic accompaniment and individual follow-up, and presents the work of the five beneficiaries of this fourth edition.

Christopher Barraja has been photographing his summers in the South of France for several years: carefree, excessive, sensual or traces of the absence of bodies, his photographic diary oscillates between melancholy and celebration of life.

Emma Cossée Cruz is interested in objects linked to the body and movement: after urban sports furniture, she now turns her attention to devices used in rehabilitation therapy. She collaborates with caregivers and patients to co-create sculptures to be manipulated and photographed, featuring interaction with the body.

Safia Delta questions the contours of her home in Marseille, seeking her place in an environment built by an invisible hand. The shapes, with their symbolic meanings, are contrasted with poetic portraits of the inhabitants.

Angéline Girard confronts the outside, in opposition to societal and family constraints. Inhabiting her body, inhabiting nature, creating poetic links with the landscape: these are the issues at stake in her images, presented in the form of exhibitions or publications.

Loïc Laforge is developing a sensitive and discreet long-term study of the lives of children placed in care centers. They grow up in a strict environment with few emotional references. Through listening and photography, they acquire a history and memories.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Silhouettes - Charles Fréger | La Chambre | Strasbourg
Nov.
18
bis 14. Jan.

Silhouettes - Charles Fréger | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
18. November 2023 – 14. Januar 2024

Silhouettes
Charles Fréger


Série Souvenir d’Alsace, 2019 © Charles Fréger


Charles Fréger interessiert sich für Kostüme als Marker für die individuelle Identität und die Zugehörigkeit zu einer Gruppe. Seit über zwanzig Jahren verfolgt er eine fotografische Bestandsaufnahme von sozialen, kulturellen, beruflichen... Gemeinschaften, deren Mitglieder er mit gestellten Porträts beschreibt, die ihre charakteristischen Attribute einschließen. Auf diese Weise fotografiert er Gemeinschaften auf der ganzen Welt und wird international vielfach ausgestellt und veröffentlicht.

La Chambre hat in Zusammenarbeit mit dem Musée Alsacien de Strasbourg die Arbeit von Charles Fréger fünf Jahre lang begleitet, um seine neue Serie Souvenir d'Alsace zu schaffen, die die Konstruktion der elsässischen Identität hinterfragt.

Zusammen mit der Ausstellung im Museum bietet La Chambre eine Perspektive auf das Werk des Künstlers durch die Präsentation von Auszügen aus seinen Serien, die sich auf die fotografische Silhouette konzentrieren.

Diese Behandlung, die er seit mehreren Jahren in verschiedenen Formen entwickelt, wird auf Figuren angewendet, die aus einer gemeinsamen visuellen Kultur ausgewählt werden, und essentialisiert sie auf ihre Umrisse.

Die Arbeit wird von ikonografischen Recherchen genährt, die absichtlich das Gelehrte mit dem Populären mischen und gerne die Epochen vom modernen Zeitalter bis zum 21. In L'Épopée de Jeanne d'Arc zum Beispiel geht es neben der historischen Erzählung auch um die Darstellung der Figur und ihre "Gebräuche" im Laufe der Jahrhunderte. In der Bretagne, im Baskenland und im Elsass beschäftigt sich der Künstler mit den Darstellungen stark ausgeprägter regionaler Kulturen. In den beiden letztgenannten Grenzregionen ritzen die Bisse der Geschichte die glatte Oberfläche des folkloristischen Bildes an. Die Silhouette legt dann in der ruhigen Nacktheit, die sie vorantreibt, die manchmal brutalen Triebfedern einer volkstümlichen Bildsprache offen, die auf der Herstellung archetypischer Figuren beruht, die teils zum Zweck des Zusammenhalts, teils - und manchmal in der gleichen Bewegung - zum Zweck der Stigmatisierung dienen.


En s’intéressant au costume en tant que marqueur de l’identité individuelle et de l’appartenance à un groupe, Charles Fréger poursuit depuis plus de vingt ans un inventaire photographique des communautés sociales, culturelles, professionnelles… dont il décrit les membres avec des portraits posés incluant leurs attributs caractéristiques. Il photographie ainsi des communautés dans le monde entier et est largement exposé et publié à l’international.

La Chambre, en collaboration avec le Musée Alsacien de Strasbourg, a accompagné le travail de Charles Fréger durant cinq ans pour la création de sa nouvelle série Souvenir d’Alsace interrogeant la construction de l’identité alsacienne.

Conjointement à l’exposition au musée, La Chambre propose une mise en perspective de l’œuvre de l’artiste par la présentation d’extraits de ses séries axés sur la silhouette photographique.

Ce traitement, qu’il développe depuis plusieurs années sous différentes formes, est appliqué à des figures choisies dans une culture visuelle commune et les essentialise à leurs contours.

Le travail est nourri de recherches iconographiques brassant à dessein l’érudit et le populaire, mêlant volontiers les époques, de l’âge moderne au 21ème siècle. Dans L’Épopée de Jeanne d’Arc par exemple, aux côtés du récit historique se joue également celui des représentations du personnage, de ses « usages » à travers les siècles. En Bretagne, au Pays basque, en Alsace, ce sont les représentations de cultures régionales fortement marquées que l’artiste investit. Dans ces deux dernières régions frontalières, les morsures de l’histoire entament la surface lisse de l’image folklorique. La silhouette, alors, dans le tranquille dénuement qu’elle avance, expose les ressorts parfois brutaux d’une imagerie populaire qui repose sur la fabrication de figures archétypales, tantôt à des fins de cohésion, tantôt – et parfois dans un même mouvement – à des fins de stigmatisation.


L'interesse di Charles Fréger per il costume come marcatore dell'identità individuale e dell'appartenenza a un gruppo lo ha portato per oltre vent'anni a sviluppare un inventario fotografico di comunità sociali, culturali e professionali, i cui membri vengono descritti in ritratti in posa che includono i loro attributi caratteristici. Ha fotografato comunità in tutto il mondo e il suo lavoro è stato ampiamente esposto e pubblicato a livello internazionale.

La Chambre, in collaborazione con il Musée Alsacien di Strasburgo, lavora da cinque anni con Charles Fréger alla sua nuova serie Souvenir d'Alsace, che esamina la costruzione dell'identità alsaziana.

In concomitanza con la mostra al museo, La Chambre offre una prospettiva sul lavoro dell'artista, presentando estratti della sua serie incentrata sulla silhouette fotografica.

Questo trattamento, che l'artista sviluppa da diversi anni in forme diverse, viene applicato a figure scelte da una cultura visiva comune e le essenzializza nei loro contorni.

Il lavoro si nutre di ricerca iconografica, mescolando deliberatamente l'erudito e il popolare, e fondendo volentieri epoche diverse, dall'età moderna al XXI secolo. Ne L'Épopée de Jeanne d'Arc, ad esempio, accanto alla narrazione storica, c'è anche il racconto di come la figura è stata ritratta e "usata" nel corso dei secoli. In Bretagna, nei Paesi Baschi e in Alsazia, l'artista investe nella rappresentazione di culture regionali fortemente marcate. In queste due ultime regioni di confine, i morsi della storia stanno corrodendo la superficie liscia dell'immagine popolare. La silhouette, quindi, nella sua tranquilla indigenza, mette a nudo il funzionamento a volte brutale di un immaginario popolare che si basa sulla creazione di figure archetipiche, a volte a scopo di coesione, a volte - e a volte nello stesso movimento - a scopo di stigmatizzazione.


Interested in costume as a marker of individual identity and group membership, Charles Fréger has for over twenty years pursued a photographic inventory of social, cultural and professional communities, whose members he describes with posed portraits that include their characteristic attributes. He photographs communities all over the world, and his work is widely exhibited and published internationally.

La Chambre, in collaboration with Strasbourg's Musée Alsacien, has supported Charles Fréger's work for five years in the creation of his new Souvenir d'Alsace series, which examines the construction of Alsatian identity.

In conjunction with the museum exhibition, La Chambre offers a perspective on the artist's work, presenting extracts from his series focusing on the photographic silhouette.

This treatment, which he has been developing for several years in various forms, is applied to figures chosen from a common visual culture, essentializing them to their contours.

The work is nourished by iconographic research, deliberately mixing the erudite and the popular, and willingly blending eras from the modern age to the 21st century. In L'Épopée de Jeanne d'Arc, for example, alongside the historical narrative, there is also the representation of the figure, and its "uses" over the centuries. In Brittany, the Basque country and Alsace, the artist takes on the representations of strongly marked regional cultures. In these last two border regions, the bites of history are eating away at the smooth surface of the folk image. The silhouette, then, in the quiet destitution it advances, exposes the sometimes brutal springs of a popular imagery that relies on the fabrication of archetypal figures, sometimes for the purpose of cohesion, sometimes - and sometimes in the same movement - for the purpose of stigmatization.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Silhouettes - Charles Fréger | La Chambre | Strasbourg
Nov.
17
6:00 PM18:00

Silhouettes - Charles Fréger | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
17. November 2023

Silhouettes
Charles Fréger


Série Souvenir d’Alsace, 2019 © Charles Fréger


Charles Fréger interessiert sich für Kostüme als Marker für die individuelle Identität und die Zugehörigkeit zu einer Gruppe. Seit über zwanzig Jahren verfolgt er eine fotografische Bestandsaufnahme von sozialen, kulturellen, beruflichen... Gemeinschaften, deren Mitglieder er mit gestellten Porträts beschreibt, die ihre charakteristischen Attribute einschließen. Auf diese Weise fotografiert er Gemeinschaften auf der ganzen Welt und wird international vielfach ausgestellt und veröffentlicht.

La Chambre hat in Zusammenarbeit mit dem Musée Alsacien de Strasbourg die Arbeit von Charles Fréger fünf Jahre lang begleitet, um seine neue Serie Souvenir d'Alsace zu schaffen, die die Konstruktion der elsässischen Identität hinterfragt.

Zusammen mit der Ausstellung im Museum bietet La Chambre eine Perspektive auf das Werk des Künstlers durch die Präsentation von Auszügen aus seinen Serien, die sich auf die fotografische Silhouette konzentrieren.

Diese Behandlung, die er seit mehreren Jahren in verschiedenen Formen entwickelt, wird auf Figuren angewendet, die aus einer gemeinsamen visuellen Kultur ausgewählt werden, und essentialisiert sie auf ihre Umrisse.

Die Arbeit wird von ikonografischen Recherchen genährt, die absichtlich das Gelehrte mit dem Populären mischen und gerne die Epochen vom modernen Zeitalter bis zum 21. In L'Épopée de Jeanne d'Arc zum Beispiel geht es neben der historischen Erzählung auch um die Darstellung der Figur und ihre "Gebräuche" im Laufe der Jahrhunderte. In der Bretagne, im Baskenland und im Elsass beschäftigt sich der Künstler mit den Darstellungen stark ausgeprägter regionaler Kulturen. In den beiden letztgenannten Grenzregionen ritzen die Bisse der Geschichte die glatte Oberfläche des folkloristischen Bildes an. Die Silhouette legt dann in der ruhigen Nacktheit, die sie vorantreibt, die manchmal brutalen Triebfedern einer volkstümlichen Bildsprache offen, die auf der Herstellung archetypischer Figuren beruht, die teils zum Zweck des Zusammenhalts, teils - und manchmal in der gleichen Bewegung - zum Zweck der Stigmatisierung dienen.


En s’intéressant au costume en tant que marqueur de l’identité individuelle et de l’appartenance à un groupe, Charles Fréger poursuit depuis plus de vingt ans un inventaire photographique des communautés sociales, culturelles, professionnelles… dont il décrit les membres avec des portraits posés incluant leurs attributs caractéristiques. Il photographie ainsi des communautés dans le monde entier et est largement exposé et publié à l’international.

La Chambre, en collaboration avec le Musée Alsacien de Strasbourg, a accompagné le travail de Charles Fréger durant cinq ans pour la création de sa nouvelle série Souvenir d’Alsace interrogeant la construction de l’identité alsacienne.

Conjointement à l’exposition au musée, La Chambre propose une mise en perspective de l’œuvre de l’artiste par la présentation d’extraits de ses séries axés sur la silhouette photographique.

Ce traitement, qu’il développe depuis plusieurs années sous différentes formes, est appliqué à des figures choisies dans une culture visuelle commune et les essentialise à leurs contours.

Le travail est nourri de recherches iconographiques brassant à dessein l’érudit et le populaire, mêlant volontiers les époques, de l’âge moderne au 21ème siècle. Dans L’Épopée de Jeanne d’Arc par exemple, aux côtés du récit historique se joue également celui des représentations du personnage, de ses « usages » à travers les siècles. En Bretagne, au Pays basque, en Alsace, ce sont les représentations de cultures régionales fortement marquées que l’artiste investit. Dans ces deux dernières régions frontalières, les morsures de l’histoire entament la surface lisse de l’image folklorique. La silhouette, alors, dans le tranquille dénuement qu’elle avance, expose les ressorts parfois brutaux d’une imagerie populaire qui repose sur la fabrication de figures archétypales, tantôt à des fins de cohésion, tantôt – et parfois dans un même mouvement – à des fins de stigmatisation.


L'interesse di Charles Fréger per il costume come marcatore dell'identità individuale e dell'appartenenza a un gruppo lo ha portato per oltre vent'anni a sviluppare un inventario fotografico di comunità sociali, culturali e professionali, i cui membri vengono descritti in ritratti in posa che includono i loro attributi caratteristici. Ha fotografato comunità in tutto il mondo e il suo lavoro è stato ampiamente esposto e pubblicato a livello internazionale.

La Chambre, in collaborazione con il Musée Alsacien di Strasburgo, lavora da cinque anni con Charles Fréger alla sua nuova serie Souvenir d'Alsace, che esamina la costruzione dell'identità alsaziana.

In concomitanza con la mostra al museo, La Chambre offre una prospettiva sul lavoro dell'artista, presentando estratti della sua serie incentrata sulla silhouette fotografica.

Questo trattamento, che l'artista sviluppa da diversi anni in forme diverse, viene applicato a figure scelte da una cultura visiva comune e le essenzializza nei loro contorni.

Il lavoro si nutre di ricerca iconografica, mescolando deliberatamente l'erudito e il popolare, e fondendo volentieri epoche diverse, dall'età moderna al XXI secolo. Ne L'Épopée de Jeanne d'Arc, ad esempio, accanto alla narrazione storica, c'è anche il racconto di come la figura è stata ritratta e "usata" nel corso dei secoli. In Bretagna, nei Paesi Baschi e in Alsazia, l'artista investe nella rappresentazione di culture regionali fortemente marcate. In queste due ultime regioni di confine, i morsi della storia stanno corrodendo la superficie liscia dell'immagine popolare. La silhouette, quindi, nella sua tranquilla indigenza, mette a nudo il funzionamento a volte brutale di un immaginario popolare che si basa sulla creazione di figure archetipiche, a volte a scopo di coesione, a volte - e a volte nello stesso movimento - a scopo di stigmatizzazione.


Interested in costume as a marker of individual identity and group membership, Charles Fréger has for over twenty years pursued a photographic inventory of social, cultural and professional communities, whose members he describes with posed portraits that include their characteristic attributes. He photographs communities all over the world, and his work is widely exhibited and published internationally.

La Chambre, in collaboration with Strasbourg's Musée Alsacien, has supported Charles Fréger's work for five years in the creation of his new Souvenir d'Alsace series, which examines the construction of Alsatian identity.

In conjunction with the museum exhibition, La Chambre offers a perspective on the artist's work, presenting extracts from his series focusing on the photographic silhouette.

This treatment, which he has been developing for several years in various forms, is applied to figures chosen from a common visual culture, essentializing them to their contours.

The work is nourished by iconographic research, deliberately mixing the erudite and the popular, and willingly blending eras from the modern age to the 21st century. In L'Épopée de Jeanne d'Arc, for example, alongside the historical narrative, there is also the representation of the figure, and its "uses" over the centuries. In Brittany, the Basque country and Alsace, the artist takes on the representations of strongly marked regional cultures. In these last two border regions, the bites of history are eating away at the smooth surface of the folk image. The silhouette, then, in the quiet destitution it advances, exposes the sometimes brutal springs of a popular imagery that relies on the fabrication of archetypal figures, sometimes for the purpose of cohesion, sometimes - and sometimes in the same movement - for the purpose of stigmatization.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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10 ans / 10 photographes - Parcours photographique | Quai des Cigognes | Mulhouse
Okt.
7
bis 13. Nov.

10 ans / 10 photographes - Parcours photographique | Quai des Cigognes | Mulhouse

  • Quai des Cigognes 68100 Mulhouse France (Karte)
  • Google Kalender ICS

Quai des Cigognes | Mulhouse
7. Oktober - 13. November 2024

10 ans / 10 photographes - Parcours photographique

Janine Bächle, Geert Goiris, Matthew Genitempo, Pascal Amoyel, Rebecca Topakian, Paul Gaffney, Michel François, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller, Céline Clanet, Christophe Bourguedieu


Rebecca Topakian, (n=6-9) Les perruches de Maison Alfort, 2020-2021


Anlässlich des 10-jährigen Bestehens des BPM vereint diese Ausstellung im öffentlichen Raum 10 Fotografen, die seit 2013 an den verschiedenen Ausgaben des Festivals teilgenommen haben. Die Auswahl zeigt eine Vielfalt an fotografischen Ansätzen, doch alle Fotografen zeugen von einem sensiblen, zugleich poetischen und politischen Zugang zur zeitgenössischen Welt. Der rote Faden der ausgestellten Fotografien ist die Frage nach der Möglichkeit oder Unmöglichkeit, die durch menschliche Aktivitäten veränderte Welt zu bewohnen. Janine Bächle, Céline Clanet und Paul Gaffney fragen sich, wie man in Harmonie mit der Natur leben kann. Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller hinterfragen die postkapitalistische Gesellschaft, ihre Grenzen und ihre Widersprüche. Die eher intimen Matthew Genitempo und Pascal Amoyel fotografieren ihre Angehörigen in einer Beziehung zum Lebensraum. Geert Goiris schließlich veranschaulicht eine grundlegende Spannung zwischen Mensch und Natur.


À l’occasion des 10 ans de la BPM, cette exposition dans l’espace public réunit 10 photographes ayant participé aux différentes éditions du festival depuis 2013. La sélection montre une diversité d’approches photographiques, mais tous les photographes témoignent d’une approche sensible, à la fois poétique et politique du monde contemporain. Le fil conducteur des photographies exposées est le questionnement sur la possibilité ou l’impossibilité d’habiter le monde transformé par l’activité humaine. Janine Bächle, Céline Clanet et Paul Gaffney se questionnent sur les moyens de vivre en harmonie avec la nature, Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller interrogent la société post-capitaliste, ses frontières et ses contradictions. Plus intimistes, Matthew Genitempo et Pascal Amoyel photographient leurs proches dans une relation au territoire de vie. Enfin, Geert Goiris illustre une tension fondamentale entre l’humain et la nature.


In occasione del 10° anniversario del BPM, questa mostra nello spazio pubblico riunisce 10 fotografi che hanno partecipato alle varie edizioni del festival dal 2013. La selezione mostra una diversità di approcci fotografici, ma tutti i fotografi dimostrano un approccio sensibile al mondo contemporaneo, poetico e politico. Il filo conduttore delle fotografie in mostra è la messa in discussione della possibilità o dell'impossibilità di abitare un mondo trasformato dall'attività umana. Janine Bächle, Céline Clanet e Paul Gaffney si chiedono come si possa vivere in armonia con la natura, mentre Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller si interrogano sulla società post-capitalista, sui suoi confini e sulle sue contraddizioni. Matthew Genitempo e Pascal Amoyel adottano un approccio più intimo, fotografando i loro cari in relazione al territorio in cui vivono. Infine, Geert Goiris illustra la tensione fondamentale tra uomo e natura.


To mark the 10th anniversary of the BPM, this exhibition in the public space brings together 10 photographers who have participated in the various editions of the festival since 2013. The selection shows a diversity of photographic approaches, but all the photographers testify to a sensitive, poetic and political approach to the contemporary world. The common thread running through the photographs on display is a questioning of the possibility or impossibility of inhabiting the world transformed by human activity. Janine Bächle, Céline Clanet and Paul Gaffney ask how we can live in harmony with nature, while Rebecca Topakian, Michel François, Christophe Bourguedieu, Nathalie Wolff & Matthias Bumiller question post-capitalist society, its boundaries and contradictions. More intimate, Matthew Genitempo and Pascal Amoyel photograph their loved ones in relation to the territory in which they live. Finally, Geert Goiris illustrates the fundamental tension between man and nature.

(Text: Biennale de la Photographie de Mulhouse)

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