Galerie Parallax | Aix-en-Provence
27. Juni - 14. August 2020

(DES)ILLUSIONS
Martina Angius, Céline Dominaik

Sie werden die poetischen und delikaten Werke von Céline Dominiak und Martina Angius entdecken.

Céline Dominiak erzählt uns Geschichten, indem sie verlorene Bilder wieder zum Leben erweckt. In Form von Interventionen auf verschiedenen Printmedien (anonyme Fotos, Postkarten) hat sie zeichnet und erfindet eine einzigartige Landschaft neu und bietet jedes Mal eine Interpretation des ursprünglichen Bildes, einen zweiten Wind.

Martina Angius mischt in derselben Glasvitrine das Ephemere und das Unveränderliche, die getrockneten und die durch den fotografischen Schnappschuss eingefrorenen Blumen. Sie hält die Zeit an und ihre Bilder werden wie Ex-Votos, kostbar dank der Natur und dem Lauf der Zeit. Zwischen Augenzwinkern und Eitelkeit, Zärtlichkeit und Luftspiegelungen lassen wir uns bereitwillig auf den Charme ihrer (Des-)Illusionen ein.

Vous découvrirez les travaux poétiques et délicats de Céline Dominiak et Martina Angius.

Céline Dominiak nous raconte des histoires en redonnant vie à des images perdues. Sous forme d’interventions sur différents supports imprimés (photographies anonymes, cartes postales), elle dessine et réinvente un paysage singulier, proposant à chaque fois une interprétation de l’image d’origine, un second souffle.

Martina Angius mélange l’éphémère et l’immuable, les fleurs séchées et celles figées par l’instantané photographique, dans un même écrin de verre. Elle arrête le temps et ses tableaux deviennent comme des ex-voto, de précieux remerciements à la nature et au passage du temps. Entre clin d’œil et vanités, tendresse et mirages, on se laisse volontiers aller au charme de leurs (des)illusions.

You will discover the poetic and delicate works of Céline Dominiak and Martina Angius.

Céline Dominiak tells us stories by bringing back to life lost images. In the form of interventions on various printed media (anonymous photographs, postcards), she draws and reinvents a singular landscape, each time proposing an interpretation of the original image, a second breath.

Martina Angius mixes the ephemeral and the immutable, dried flowers and those frozen by the photographic snapshot, in the same glass case. She stops time and her paintings become like ex-votos, precious thanks to nature and the passage of time. Between wink and vanity, tenderness and mirages, we willingly let ourselves go to the charm of their (des)illusions.

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
27. Juni - 23. August 2020

FloodZone
Anastasia Samoylova

Anastasia Samoylova zog 2016 nach Miami, eine Stadt, die unmittelbar vom Ansteigen des Meeresspiegels bedroht ist. Tropische Farben, sattes Grün, azurnes Blau und pastelliges Rosa dominieren ihre Fotografien ebenso wie das einzigartige Licht der Stadt, deren Hitze und Feuchtigkeit man zu spüren glaubt. Doch die Stimmung in diesen Bildern ist nachdenklich. Zerbröckelnde Mauern kontrastieren mit Bildern des Touristenparadieses, der boomende Immobilienmarkt setzt auf luxuriöse Apartmenthäuser mit Blick aufs Meer, während die Wildnis sich an unerwarteten Orten Bahn bricht. Hurrikans sind an der Tagesordnung, und überall ist Wasser. Wellen, Pfützen, Pools und Gischt prägen auch Anastasia Samoylovas urbane Szenen und unerwartete Ansichten: Ihre elegant-subtilen und oft beunruhigenden Bilder fangen auf besondere Weise den prekären Zustand des Lebens am Rande des Untergangs ein.

Anastasia Samoylova, geboren 1984 in Moskau, bewegt sich zwischen beobachtender Fotografie, Studiopraxis und Installation. Im Jahr 2020 zeigte das USF Contemporary Art Museum, Tampa, in ihrer ersten Museums-Einzelausstellung das laufende Projekt FloodZone, das mit über 80 Fotografien 2019 bei Steidl als Buch veröffentlicht wurde. Anastasia Samoylova erhielt eine Reihe von Stipendien für FloodZone, darunter das South Arts Fellowship und den Michael P. Smith Fund for Documentary Photography. Im Herbst 2020 wird ihre Arbeit im Kunsthaus Wien gezeigt, im Frühjahr 2020 wurde sie im Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen, und in der Kunsthalle Mannheim im Rahmen der Biennale für aktuelle Fotografie präsentiert. Ihre Arbeiten waren auch im Perez Art Museum, Miami, dem Museum of Contemporary Photography Chicago, der Purdue University, dem Milwaukee Institute of Art and Design, dem Griffin Museum of Photography, der Julie Saul Gallery, New York, der Aperture Foundation, New York, sowie auf zahlreichen Festivals in Brasilien,, Frankreich, Spanien, Israel, den Niederlanden, China und Südkorea zu sehen. Ihre Arbeiten befinden sich in den Sammlungen des Perez Art Museum Miami, des Wilhelm Hack Museums, Ludwigshafen, des Museum of Contemporary Photography Chicago und der Art Slant Collection in Paris.

Anastasia Samoylova moved to Miami in 2016, a city directly threatened by rising sea levels. Tropical colors, lush green, azure blue and pastel pink dominate her photographs, as does the unique light of the city, whose heat and humidity one can literally feel. But the mood in these pictures is pensive. Crumbling walls contrast with images of the tourist paradise, the booming real estate market focuses on luxurious apartment buildings overlooking the sea, while nature is taking over in unexpected places. Hurricanes threaten and water is everywhere. Waves, ripples, puddles, pools, splash and spray also characterize Anastasia Samoylova's urban scenes and unexpected views: Her elegantly subtle and often unsettling images capture in a unique way the precarious state of life on the verge of destruction.

Anastasia Samoylova (b. 1984, Moscow; lives in Miami) moves between observational photography, studio practice and installation. In 2020 she had her first solo museum exhibition of ongoing project FloodZone at USF Contemporary Art Museum, Tampa. With over 80 photographs, the book of the project was published by Steidl in 2019. Samoylova was awarded a number of grants for FloodZone, including the South Arts Fellowship and Michael P. Smith Fund for Documentary Photography. In 2020 her work will be presented at the Kunsthaus Wien, as well as Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen, and Kunsthalle Mannheim, Germany, as part of the Biennale für aktuelle Fotografie. Her other recent exhibitions include Perez Art Museum, Miami; Museum of Contemporary Photography Chicago, Purdue University, Milwaukee Institute of Art and Design, Griffin Museum of Photography, Julie Saul Gallery, New York; Aperture Foundation, New York; as well as numerous festivals in Brazil, Belgium, France, Spain, Israel, Netherlands, China, and South Korea. Samoylova has published with The New Yorker, Smithsonian Magazine, FOAM, Wired, Art Press, and others. She has lectured as an invited artist at George Eastman Museum, Paris Photo, SVA New York, among others. Her work is in the collections at the Perez Art Museum Miami, Museum of Contemporary Photography Chicago, and Art Slant Collection in Paris.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Centre de la photographie Genève
26. Juni - 2. August 2020

Georg Aerni, Michel Auer, Jacques Berthet, Laurence Bonvin, collectif_fact, Nicolas Crispini, Enrique Fontanilles, Serge Fruehauf, Christiane Grimm, Marco Poloni, Jacques Pugin, Koka Ramishvili, Bruno Serralongue, Bertrand Stofleth, Robert Suermondt, François Vermot, Patrick Weidmann, Christophe Rey, Jules Spinatsch, Angela Marzullo

Mit Les lois de l'improbabilité / Les contributions du CPG au patrimoine genevois präsentiert das Centre de la photographie Genève (CPG) zum ersten Mal Werke von Künstlern, die zuerst im CPG ausgestellt und dann in die Sammlungen zeitgenössischer Kunst der Stadt Genf sowie der Republik und des Kantons Genf integriert wurden.

Die CPG stellt einen wichtigen Impuls für das Genfer Erbe im Bereich der künstlerischen Fotografie dar, ungeachtet der Tatsache, dass die Kriterien der beiden Sammlungen unterschiedlich sind, ebenso wie die Ankaufskommissionen, die in der Regel alle vier Jahre auf demokratische Weise erneuert werden. Es versteht sich von selbst, dass ein wichtiges - aber nicht das einzige - Kriterium für die Kaufkommissionen die Beziehung des Künstlers zu Genf ist. Die Ausstellung macht deutlich, dass die Genfer Kunstszene viel reicher und vielfältiger ist, als man gemeinhin zugibt.

Darüber hinaus hat die CPG aus Platz-, konservatorischen und finanziellen Gründen keine Möglichkeit, Fotografien zu speichern. Die regelmässige Zusammenarbeit mit dem Fonds d'art contemporain de la Ville de Genève (FMAC) und dem Fonds d'art contemporain de la République et du Canton de Genève (FCAC) ist in diesem Sinne auch eine Erinnerung an die Tätigkeit der CPG. Viele der ausgestellten Werke konnten von der Produktionshilfe der beiden Fonds profitieren, was ein sehr wertvoller Beitrag für die CPG ist.

Es sind diese vielfältigen Bahnen, die den Titel dieser Ausstellung inspiriert haben: Die Gesetze der Unwahrscheinlichkeit.

Avec Les lois de l’improbabilité / Les contributions du CPG au patrimoine genevois , le Centre de la photographie Genève (CPG), présente pour la première fois des œuvres d’artistes exposées d’abord au CPG, puis intégrées aux collections d’art contemporain de la Ville de Genève et celles de la République et du Canton de Genève.

Le CPG constitue une impulsion importante au patrimoine genevois en matière de la photographie artistique, indépendamment du fait que les critères des deux collections sont différentes, tout comme les commissions d’achat, qui en général sont renouvelées tous les quatre ans de façon démocratique. Il va de soi qu’un important critère - mais pas le seul - pour les commissions d’achat est la relation que l’artiste entretient avec Genève. L’exposition fait émerger le fait que la scène artistique genevoise est bien plus riche et diverse qu’habituellement admise.

De plus, et pour des raisons d’espace, de technique de conservation et de budget, le CPG n’a pas la possibilité de stocker des photographies. Les collaborations régulières avec le Fonds d’art contemporain de la Ville de Genève (FMAC) et le Fonds d’art contemporain de la République et du Canton de Genève (FCAC) sont en ce sens aussi une mémoire de l’activité du CPG. Beaucoup de travaux exposés ont pu profiter d’une aide à la production des deux fonds, ce qui est un apport très précieux pour le CPG.

Ce sont ces multiples trajectoires qui ont inspirés le titre de la présente exposition : Les lois de l’improbabilité.

With The Improbability Laws / The CPG Contributions to the Geneva Heritage , The Centre de la Photographie Genève (CPG), presents for the first time artists works exposed as world premiere at the CPG, whose joined then the collections of contemporary art of the Geneva City and of the Geneva Republic and canton.

The CPG gives a prestigious impulsion to the Geneva heritage in terms of artistic photography, independently of both collections selection criterion or purchase commissions whose are democratically renewed every four years. A relevant criteria - not the only one - for the purchase commissions is the relation between the artist and Geneva. From this exhibition emerges the fact that the Geneva artistic scene is richer and more diversified than usually understood.

Furthermore, due to lack of space, conservatory technics and budget, the CPG can't store photos. Due to the regular collaborations, the contemporary art fund of the Geneva City (FMAC) and the contemporary art fund of the Geneva Republic and canton (FCAC) are also the memory of the CPG activities. Many exposed works take benefits from a production patronage by these funds. These patronage are precious assets for the CPG.

Multiple trajectories inspired the exhibition title : The Improbability Laws.

(Text: Centre de la photographie Genève)

Haus der Museen | Olten
26. Juni - 18. Oktober 2020

Süsswasser: Quelle des Lebens
MIchel Roggo

Nur drei Prozent des Wassers auf unserer Erde sind Süsswasser. Die Ausstellung «Süsswasser: Quelle des Lebens» lässt die Besucher eintauchen in diese aussergewöhnlichen Gewässer. Die Unterwasserfotografien sensibilisieren für einen sorgsamen Umgang mit diesen wertvollen Lebensräumen. Fünf Jahre lang hat der international ausgezeichnete Schweizer Fotograf Michel Roggo Süsswasserlebensräume auf der ganzen Welt dokumentiert. Seine Bilder zeigen Paradiese von zauberhafter, aber zerbrechlicher Schönheit.

Die Fotoausstellung wird ergänzt durch das Haus der Museen. Das Archäologische Museum zeigt eine Auswahl originaler Funde aus Solothurner Gewässern und eine Videoinstallation von Peter Aerschmann, Video Artist Bern. Der Fokus des Historischen Museums liegt auf der Wasserversorgung und auf dem Wasser als Energiequelle in Olten. Das Naturmuseum zeigt anhand verschiedener Organismen, welche Anpassungen ein Leben im Wasser erfordert.

Bsinti - Ort für alpine Fotografie | Braunwald
20. Juni - 18. Oktober 2020

“und grün wie der Himmel”
Tres Camenzind

Die Bilder aus der Serie «und grün wie der Himmel» des Fotografen Tres Camenzind entführen uns auf eine fantastische Reise in die Wälder zwischen Bödmeren, Voralpen und Mittelland.

Kaleidoskopisch dichte Darstellungen dieser scheinbar vertrauten und doch so andersartigen Welt lassen tief in uns das Unbewusste flimmern.

Les images de la série "et vert comme le ciel" du photographe Tres Camenzind nous emmène dans un voyage fantastique au Les forêts entre Bödmeren, les contreforts des Alpes et les Midlands.

Des représentations kaléidoscopiques denses de ces images apparemment familières et pourtant, ce monde si différent a laissé l'inconscient s'infiltrer en nous clignotant.

The pictures from the series "and green as the sky" of the photographer Tres Camenzind take us on a fantastic journey to the Forests between Bödmeren, the foothills of the Alps and the midlands.

Kaleidoscopically dense depictions of these seemingly familiar and yet so different world let deep inside us the unconscious flickering.

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
20. Juni - 10. Juli 2020

Sandra Knecht, Isabelle Krieg, Jungjin Lee, Marianna Rothen, Eva Schlegel, Ester Vonplon, Christoph Haerle, Martin Kollar, Thomas Ott, Peter Radelfinger, Marcel Reuschmann, Bjørn Sterri, und Hans Witschi vertreten.

Die Ausstellung "eine besondere Zeit, eine besondere Situation" entstand am Anfang der Krise. Aus dem Zustand des Nichtwissens, wie es weitergeht, stellte das Team der Galerie & Edition Stephan Witschi eine spontane und sehr persönliche Ausstellung zusammen. Jedes Bild und jede Skulptur sind für sie von grosser Wichtigkeit.

Die "Kunstkocherin“ Sandra Knecht hat sich spontan bereit erklärt, an diesem Anlass ihre berühmten Merguez zu grillieren - ein kleiner Vorgeschmack auf ihre kommende Ausstellung Ende August in der Galerie.

Camera Work | Berlin
20. Juni - 29. August 2020

Martin Schoeller

Die Ausstellung zeigt mit mehr als 30 Fotografien eine exklusive Zusammenstellung von Arbeiten aus den Serien »Close Up« und »Portraits« von Martin Schoeller. Unter den ausgestellten Werken befinden sich zahlreiche neue und nie zuvor ausgestellte Porträts aus der berühmten Serie »Close Up«, darunter von Metallica, Herbert Grönemeyer, Michael Douglas, Campino, Toni Garrn, Marius Müller-Westernhagen und Natalie Portman. Im Februar 2020 ist das Fotobuch »Works« erschienen (Steidl).

Die Serie »Close Up« bildet den Hauptteil der Ausstellung. Eine Auswahl international bekannter Persönlichkeiten wie Angelina Jolie, Anne Hathaway, Christopher Walken, Robert De Niro und Jack Nicholson wird gezeigt und in der für Martin Schoeller charakteristischen Bildsprache der Serie dargestellt. Die Ausstellung findet parallel zur Retrospektive von Martin Schoeller im Museum NRW-Forum in Düsseldorf statt. In der Galerie CAMERA WORK werden zahlreiche neue Werke weltweit erstmals gezeigt.

Martin Schoeller gelingt es mit seinem künstlerischen »Close Up«-Konzept, seine Models – ungeachtet verschiedener sozialer und kultureller Hintergründe – gleichrangig darzustellen. Somit lädt er auf »demokratische Art« zu einem Vergleich von Porträts ein, für die berühmte Persönlichkeiten wie Christian Bale, Wolfgang Niedecken und George Clooney mit derselben Technik und demselben Licht fotografiert werden. Mit der Serie »Close Up« begann Martin Schoeller vor mehr als 22 Jahren – im Jahr 2005 fand die erste Ausstellung der Serie in der Galerie CAMERA WORK statt.

Die Ästhetik der Arbeiten aus der Serie hat einen hohen Wiedererkennungswert. Die Gesichtsausdrücke sind durchweg neutral, ernst und doch entspannt, im Bestreben die Unterschiede der Porträtierten in einem Moment herauszuzeichnen, »der sich intim und nicht gestellt anfühlt«.Die porträtierten Personen akzeptieren die Regeln des Fotokünstlers, die seinen einzigartigen Stil geprägt haben und zu seinem weltweit bekannten Markenzeichen wurden. Das Ergebnis dieser Ausdrucksform ist eine verletzliche und maskenlose Darstellung, die den Betrachter anregt, sich mit den Gesichtern und Persönlichkeiten auseinanderzusetzen und Darstellungsmodi der Selbstinszenierung zu hinterfragen.

The exhibition presents a selection of new portraits from Martin Schoeller’s legendary »Close Up« series for the first time worldwide. The selection includes famous international personalities such as Metallica, Michael Douglas, Toni Garrn, Anne Hathaway, Kobe Bryant, George Clooney, and Michael Jordan in a unique and incomparable visual language. A comprehensive photobook entitled »Works« was published by Steidl this year.

Martin Schoeller levels people from various backgrounds on the same platform, inviting comparison in a democratizing approach to portraiture that depicts famous subjects such as Robert De Niro or Christopher Walken with the same technical treatment. Schoeller started his »Close Up« series over 22 years ago. The exhibition showcases works created since 2005, when CAMERA WORK hosted his first »Close Up« exhibition. In this series the German artist photographs each of his subjects’ faces with the same camera angle, lens, and lighting. The expressions are consistently neutral, serious yet relaxed, in an attempt to tease out people’s differences and capture moments »that feel intimate, unposed.« Just like in a trusting relationship, the portrayed individuals accept the photographer’s rules, which have lent to his unique style that became a trademark around the world. These rules, for example, include the minimal utilization of make-up as well as doing without beauty or skin touch-up in post-production. The result is a more vulnerable, mask-less form of expression, enabling an easier study of faces and personalities.

(Text: Camera Work, Berlin)

Schloss Kummerow
20. Juni - 1. November 2020

Provincia
Ingar Krauss, Ute Mahler & Werner Mahler, Hans-Christian Schink, Ulrich Wüst

Die diesjährige Sonderausstellung Provincia vereint mit Fotografien von Ingar Krauss, Ute Mahler & Werner Mahler, Hans-Christian Schink und Ulrich Wüst vier Positionen, die sich auf unterschiedliche Weise dem Leben abseits der Metropolen widmen. Die Fotografische Sammlung – Schloss Kummerow leitet damit auch das neue Format einer jährlichen Wechselausstellungen ein.

Der lateinische Begriff Provincia wurde in der Verwaltungsterminologie Roms verwendet: Hier wurde die Versorgung der antiken Metropolis gesichert. Und während die spätlateinische Bedeutung des Wortes in großen Teilen Europas auch heute noch wertneutral als „Gebiet“ oder „Bezirk“ im Sprachgebrauch eingesetzt wird, ist der entsprechende deutsche Begriff „Provinz“ hier vor allem negativ besetzt.

Für viele Menschen ist Mecklenburg-Vorpommern solch ein Inbegriff von Provinz – ein naturnahes und bevölkerungsarmes Bundesland mit vergleichsweise wenigen und eher kleinen Städten. Gerade die Jugend scheint hier immer auf dem Sprung zu sein. Gleichzeitig ist die Gegend aber auch Sehnsuchtsort gestresster Großstädter mit Versprechen auf Freiräume für Träume und Experimente sowie Platz für Erholung und Zurückgezogenheit.

Die Ausstellung im Schloss Kummerow stellt die Provinz nicht als verlorene oder gar abgehängte Region dar. Stattdessen zeigen die unaufgeregten und oft poetischen Bilder eine zwar vernachlässigte, jedoch in sich ruhende Gegend voller Potenzial.

Die Ausstellung wurde von Daniel Blochwitz kuratiert.

(Text: Schloss Kummerow)

Maison Européenne de la Photographie | Paris
17. Juni - 30. August 2020

Erwin Wurm

Der österreichische Künstler ist berühmt für sein konzeptuelles Werk, in dem er Skulptur, Performance, Video, Zeichnung und Fotografie vermischt und dabei Unfug und einen tiefen Sinn für das Absurde miteinander verbindet. Sein Werk hinterfragt unser Verhältnis zum Körper oft mit Ironie und Zynismus und versetzt den Betrachter häufig in ein paradoxes Verhältnis zu den Objekten. Obwohl er vor allem für seine Skulpturen bekannt ist, hat die Fotografie als Medium immer eine zentrale Rolle in seinem Werk gespielt, sowohl als Mittel zur Illustration und Archivierung seiner ephemeren Werke und Performances, aber auch als eigenständiges Medium.

Diese große Ausstellung - die erste ihrer Art, die seit über 15 Jahren in Paris stattfindet - versammelt rund 200 Drucke, die seit den 1980er Jahren in den beiden Hauptetagen des Abgeordnetenhauses entstanden sind, und zeigt Original-Kontaktbögen, Drucke und Studien aus den persönlichen Archiven des Künstlers, von denen die meisten noch nie zuvor der Öffentlichkeit gezeigt wurden. Unter den ausgestellten Werken befinden sich bisher unveröffentlichte Arbeiten, die speziell für diese Ausstellung aus seinen Archivfotografien angefertigt wurden. Diese Ausstellung zeigt die einzigartige Rolle, die das fotografische Medium im Werk von Erwin Wurm gespielt hat, und untersucht seinen kreativen Prozess und seine Herangehensweise an die Fotografie als eine Form des "skulpturalen" Ausdrucks. Der Künstler bezeichnet diese Werke als "fotografische Skulpturen".

L’artiste autrichien est célèbre pour son oeuvre conceptuelle mêlant sculpture, performances, vidéo, dessin et photographie, à travers laquelle il associe espièglerie et sens profond de l’absurde. Son travail interroge souvent avec ironie et cynisme notre relation au corps, plaçant fréquemment le spectateur dans une relation paradoxale avec les objets. S’il est essentiellement connu pour ses sculptures, la photographie en tant que médium a toujours joué un rôle primordial dans son travail, à la fois pour illustrer et archiver ses œuvres et performances éphémères, mais également en tant que médium à part entière.

Réunissant quelque 200 tirages réalisés depuis les années 1980 sur les deux principaux étages de la MEP, cette exposition majeure – la première du genre organisée à Paris depuis plus de 15 années – présentera planches contact originales, tirages et études provenant des archives personnelles de l’artiste, qui n’ont pour la plupart encore jamais été présentées au public. Parmi les oeuvres exposées, des travaux inédits réalisés spécialement pour cette exposition à partir de ses photos d’archives. Cette exposition dévoile le rôle unique joué par le médium photo dans l’oeuvre d’Erwin Wurm, explorant son processus de création et sa manière d’envisager la photographie comme une forme d’expression “sculpturale”. L’artiste désigne d’ailleurs ces oeuvres sous le nom de “sculptures photographiques”.

The Austrian artist is famous for his conceptual work combining sculpture, performance, video, drawing and photography, through which he combines mischief and a deep sense of the absurd. His work often questions our relationship to the body with irony and cynicism, frequently placing the viewer in a paradoxical relationship with objects. While he is best known for his sculptures, photography as a medium has always played a central role in his work, both as a means of illustrating and archiving his ephemeral works and performances, but also as a medium in its own right.

Bringing together some 200 prints made since the 1980s on the two main floors of the MEP, this major exhibition - the first of its kind to be held in Paris in over 15 years - will feature original contact sheets, prints and studies from the artist's personal archives, most of which have never before been shown to the public. Among the works on display are previously unpublished works made especially for this exhibition from his archival photographs. This exhibition reveals the unique role played by the photographic medium in Erwin Wurm's work, exploring his creative process and his approach to photography as a form of "sculptural" expression. The artist refers to these works as "photographic sculptures".

Maison Européenne de la Photographie, Paris)

Format 2020 | Mont Soleil
13. Juni - 16. August 2020

Graziella Antonini, Aladin Borioli, Sophie Brasey, Yann Laubscher, Catherine Leutenegger, Christian Lutz, Cyril Porchet, Virginie Rebetez, Guadalupe Ruiz, Beat Schweizer, Prune Simon-Vermot

Dorothée Nilsson Gallery | Berlin
13. Juni - 5. September 2020

Spatials & Premises
Susa Templin

Mit den „Spatial Abstractions“ realisiert Susa Templin großformatige, sich in Maßstab und Material überlagernde, räumlich-fotografische Collagen, die eine Weiterentwicklung ihrer plastisch-physischen Auseinandersetzung mit der Fotografie darstellen. Im Zentrum der Arbeiten steht die räumliche Erkundung des flächig-fotografischen Bildes. Susa Templin widmet sich dem Widerspruch von Raum und Fläche in der Fotografie und entwickelt neue Formen auf transparenten Bildträgern.

In fotografischen Arbeiten konzipiert Templin neue Räumlichkeiten und wendet hierbei auch skulpturale Arbeitsweisen an. Für ihre Bildkonstruktionen greift die Künstlerin auf ein Archiv selbst aufgenommener, analoger Farbfotografien zurück, allesamt Bilder von Orten und Räumen, die die Künstlerin bewohnte. Sie erscheinen als sich durchdringende, einander ergänzende oder verzerrende Erinnerungen und Assoziationen. So hinterfragen Susa Templins Arbeiten Bedingungen der Architektur: „Meine Bildräume konstruieren sich aus bildhaft gewordenen Erfahrungen und erschaffen mit neuen transparenten Materialien farblich wie perspektivisch geschichtete Realitäten".

Susa Templin studierte an der Städelschule Frankfurt am Main und an der Hochschule der Künste Berlin. Ihre Arbeiten werden in internationalen Ausstellungen und Sammlungen gezeigt, u.a. in der Kunsthalle Mannheim, der Berlinischen Galerie, dem Museum Folkwang in Essen, der Kunsthalle Nürnberg, der Fotogalleriet Malmö oder der Biennale des Images in Paris.

(Text: Dorothée Nilsson Gallery, Berlin)

Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich
13. Juni - 11. Juli 2020

Preceptions
Imogen Cunningham, Jill Freedman, Nan Goldin, Saul Leiter, Vivian Maier, Sally Mann, Duane Michals, Jack Pierson, Herb Ritts, Jock Sturges, Jerry Uelsmann

Die Gruppenausstellung PERCEPTIONS zeigt Arbeiten amerikanischer Fotografen, die sich mit Fragen von menschlicher Nähe, Körperlichkeit, Intimität und Fragilität beschäftigen. Die Fotografien thematisieren alltägliche Themen und Situationen, deren Wichtigkeit und Notwendigkeit uns erst in einer Zeit, die von Einschränkungen, Distanzierung und Isolation geprägt ist, deutlich vor Augen geführt werden. PERCEPTIONS skizziert mit einer Auswahl an hochwertigen Vintage Fotografien aus Privatsammlungen eine Zeitreise durch die amerikanische Fotografiegeschichte des 20. Jahrhunderts und hat die Wahrnehmung und Beziehung der Menschen untereinander im Fokus.

L'exposition collective PERCEPTIONS présente des œuvres de photographes américains qui traitent des questions de proximité humaine, de corporéité, d'intimité et de fragilité. Les photographies abordent des thèmes et des situations quotidiennes dont l'importance et la nécessité ne nous apparaissent clairement qu'à une époque marquée par les restrictions, la distance et l'isolement. Avec une sélection de photographies vintage de haute qualité provenant de collections privées, PERCEPTIONS esquisse un voyage dans le temps à travers l'histoire américaine de la photographie au XXe siècle et se concentre sur la perception des gens et les relations entre eux.

The group exhibition PERCEPTIONS features works by American photographers, which concern themselves with issues like human contact, corporeality, intimacy as well as fragility. The photographs explore problems of everyday topics and situations, the importance and necessity of which are made clear to us only at times marked by restrictions, distancing, and isolation. With its choice of high-quality vintage prints from private collections PERCEPTIONSoutlines time travelling through 20th century history of photography and focusses on perceptions and relations among humans.

(Text: Fabian & Claude Walter Galerie, Zürich)

Atelier Kaspar Ruoff | Brugg
13. Juni - 11. Juli 2020 | 15. August - 9. September 2020

Magnolia
Kaspar Ruoff

Magnolien zählen zum botanischen Erbe der Urzeit. In den ersten Tagen des Frühlings sprengen sie ihre kraftvollen Knospen, lange bevor sich die grünen Blätter entfalten.
Im Wechsel von Licht und Schatten wirken die wächsernen Blüten mit ihren markanten Staubfäden wie fragile Skulpturen. Setzen wechselhafte Witterung und Frost der empfindsamen Blust zu, weicht die ausladende Pracht im Nu dem Zerfall.

Les magnolias font partie du patrimoine botanique des temps préhistoriques. Dans les premiers jours du printemps, ils éclatent leurs puissants bourgeons bien avant que les feuilles vertes ne se déploient. Dans l'alternance de l'ombre et de la lumière, les fleurs cireuses aux étamines frappantes ressemblent à de fragiles sculptures. Lorsque la fleur sensible est exposée à des conditions climatiques changeantes et au gel, la splendeur expansive cède rapidement la place à la pourriture.

Le magnolie fanno parte del patrimonio botanico della preistoria. Nei primi giorni di primavera fanno scoppiare i loro potenti boccioli molto prima che le foglie verdi si dispieghino. Nell'alternanza di luce e ombra, i fiori cerei con i loro sorprendenti stami sembrano sculture fragili. Quando la sensibile fioritura è esposta a condizioni climatiche mutevoli e al gelo, lo splendore espansivo cede rapidamente il passo al decadimento.

Magnolias are part of the botanical heritage of prehistoric times. In the first days of spring they burst their powerful buds long before the green leaves unfold. In the alternation of light and shadow, the waxy flowers with their striking stamens look like fragile sculptures. When the sensitive bloom is exposed to changeable weather and frost, the expansive splendour quickly gives way to decay.

Maison de l’Image documentaire | Sète
9. Juni - 25. Juli 2020

Le Chant du Cygne
Andrea Olga Mantovani

Im östlichen Teil Polens, direkt an der Grenze zu Belarus, liegt der tausendjährige Bialowieza-Wald. Er ist einer der ältesten Naturwälder Europas. Von der Zeit abgeschnitten, ist es ein Ort, an dem die Anliegen der modernen Welt bisher abwesend zu sein schienen. Seit Anfang 2016 ist dieser Wald jedoch Schauplatz des wichtigsten Umweltkonflikts in Europa. Orte, die seit 1979 von der UNESCO und durch die europäische Gesetzgebung geschützt werden, sind von Zerstörung bedroht. Innerhalb von 2 Jahren wurden 187 Klagen gegen Aktivisten eingereicht, die gegen die Verwüstung dieser Umwelt protestierten. Trotz des Verbots durch den Gerichtshof der Europäischen Union wurde der Holzeinschlag bis Dezember 2017 fortgesetzt. Es ist dieser Kampf für den Erhalt der Natur, den Andrea Olga Mantovani erzählt.

Dans la partie orientale de la Pologne, juste à la frontière avec la Biélorussie, se situe la forêt millénaire de Bialowieza. Elle est l’une des plus anciennes forêts naturelles d’Europe. Coupé du temps, c’est un lieu où les préoccupations du monde moderne semblaient jusqu’alors absentes. Cependant, depuis le début de l’année 2016, cette forêt est le théâtre du plus important conflit environnemental en Europe. Des lieux protégés par l’Unesco depuis 1979 et par la législation européenne sont menacés de destruction. 187 procès en 2 ans ont été intentés contre les activistes qui protestent contre les ravages faits à cet environnement. Malgré leur interdiction par la Cour de Justice de l’Union Européenne, les abattages ont continué jusqu’en décembre 2017. C’est ce combat pour la préservation de la nature que raconte Andrea Olga Mantovani.

In the eastern part of Poland, right on the border with Belarus, lies the thousand-year-old Bialowieza Forest. It is one of the oldest natural forests in Europe. Cut off from time, it is a place where the concerns of the modern world seemed to be absent until now. However, since the beginning of 2016, this forest has been the scene of the most important environmental conflict in Europe. Places protected by UNESCO since 1979 and by European legislation are threatened with destruction. 187 lawsuits in 2 years have been brought against activists protesting against the devastation of this environment. Despite being banned by the Court of Justice of the European Union, logging has continued until December 2017. It is this fight for the preservation of nature that Andrea Olga Mantovani tells.

Kunsthalle Basel
9. Juni - 11. Oktober 2020

Centropy
Deana Lawson

Mit sorgfältig inszenierten und zugleich sehr intimen Aufnahmen von Bekleidungsstilen, Alltagsgewohnheiten und Wohnungseinrichtungen der afrikanischen Diaspora in ihrer Heimat der USA, in Brasilien und andernorts, gelingt es Deana Lawson (* 1979), einprägende fotografische Porträts vom gegenwärtigen Schwarzen Leben zu schaffen.

Die Ausstellung wird grosszügig unterstützt von François Gutzwiller, der Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte und der Gwärtler Stiftung, mit zusätzlicher Unterstützung von der Volkart Stiftung und der Ruth & Arthur Scherbath Stiftung. Ko-produziert mit der Fundação Bienal de São Paulo.

Meticulously staged yet profoundly intimate images of the sartorial styles, quotidian habits, and domestic interiors of the African diaspora in her native United States, Brazil, and beyond, Deana Lawson’s (* 1979) photographs are unforgettable portraits of contemporary Black life.

The exhibition is generously supported by François Gutzwiller, the Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, and the Gwaertler Foundation, with additional support from the Volkart Foundation and the Ruth & Arthur Scherbath Stiftung. Co-produced with the Fundação Bienal de São Paulo.

(Text: Kunsthalle Basel)

Naturama Aargau | Aarau
9. Juni 2020 - 14. März 2021

Aufgrund der aktuellen Situation ist die Ausstellung bis 22. Januar 2021 geschlossen.

Heisse Zeiten: Klimaportraits
Mathias Braschler, Monika Fischer

Im Zentrum der vom Naturama kuratierten Sonderausstellung sind 22 grossformatige Portraits von Menschen, die den Klimawandel hautnah erleben. Das mit dem World Press Photo Award ausgezeichnete Schweizer Fotografenteam Braschler/Fischer hat auf jedem Kontinent und in jeder Klimazone Aufnahmen gemacht und mit den Portraitierten gesprochen. Kurzfassungen der Interviews sind in der Ausstellung zu lesen und zu hören. So wird eindrücklich nachvollziehbar, wie vielfältig die Effekte des Klimawandels sind und worunter die Betroffenen leiden.

Fabienne Levy | Lausanne
9. Juni - 2. September 2020

Topographies of Transformation
Daniela Edburg

Die Gletscher, die speziell für die Ausstellung angefertigt wurden, sind alle vom Künstler handgefertigt. Die der größte des ersten Raumes stellt den berühmten Mer de Glace-Gletscher dar, beschrieben in Frankenstein, ein langsam aussterbendes Monster. Die anderen, die im rosa Raum präsentiert werden, sind Reproduktionen von Schweizer Gletschern im Originalzustand. aktuell. Wird als letzte Erinnerung vor ihrem Verschwinden angezeigt.

Autoimmune ist eine Reihe von Werken, die die Monster zeigen, die aus der Erfahrung Daniela ist persönlich. Sie sind ein Versuch, den Körper zu kartieren. Durch Untersuchung der Schaltpläne körperlichen und geistigen Symptomen schlägt sie vor, die Krankheit als eine "Krankheit des Körpers" zu betrachten. Information, Widerstand gegen Entfremdung und Trennung, die durch diese Bedingungen verursacht werden. Die Krankheit wird zu einem Monster, das gezähmt werden muss.

Auf diese Weise bringt sie alles zurück zu Frankenstein und sucht nach einer symbolischen Verbindung. Akzeptanz des Monsters, sei es in einer trostlosen Landschaft oder im häuslichen Umfeld seiner eigene Küche.

Es werden auch ältere Werke vorgestellt, die Breakfast Pieces, Little Boy, Grasland Tornado und schwebendes Gehirn. Letztere, zunächst harmlos, werden mit Absurdität, Absurdität, Absurdität, Absurdität, Absurdität, Absurdität, Absurdität dosiert. Überraschung und Verzweiflung. Der Künstler verwischt die Grenzen zwischen Fantasie und Realität bis zu dem Punkt, an dem sie sich befinden widersprüchlich erscheinen.

Diese Ausstellung ist eine Reflexion darüber, wie wir die Welt wahrnehmen und wer wir sind. Wir können unsere Gedanken nicht von unserem Verhalten trennen.

Les glaciers, réalisés spécialement pour l’exposition, sont tous fabriqués à la main par l'artiste. Le plus grand de la première salle représente le fameux glacier Mer de Glace, décrit dans Frankenstein, un monstre qui s'éteint lentement. Les autres, présentés dans la salle rose sont des reproductions de glaciers suisses dans leur état actuel. Montré comme un dernier souvenir avant leur disparition.

Autoimmune est un ensemble d’oeuvres qui montre les monstres créés à partir de l'expérience personnelle de Daniela. Ils sont une tentative de cartographier le corps. En examinant les schémas des symptômes physiques et mentaux, elle propose de considérer la maladie comme une information, résistant à l'aliénation et à la déconnexion provoquées par ces conditions. La maladie devient un monstre que l`on apprivoise.

De cette façon, elle ramène tout à Frankenstein, à la recherche d'une connexion symbolique d’acceptation du monstre, que ce soit dans un paysage désolé ou dans le cadre domestique de sa propre cuisine.

Des oeuvres plus anciennes sont également présentées, les Breakfast Pieces, Little Boy, Grassland Tornado et Hovering Brain. Ces dernières initialement inoffensives sont dosées d'absurdité, de surprise et d’angoisse. L’artistee brouille les frontières entre fantasme et réalité au point qu'elles semblent contradictoires.

Cette exposition est une réflexion sur la façon dont nous percevons le monde et qui nous sommes. On ne peut séparer nos pensées de notre comportement.

The glaciers, made specially for the solo show, all handmade by the artist. The largest glacier in the first room, represent the infamous glacier Mer de Glace, depicted in Frankenstein, a monster slowly dying out. The other ones, presented in the pink room, are reproductions of Swiss glaciers at their actual state. Shown as the last memory before their disappearance.

Autoimmune, monsters created from Daniela’s personal experience, are an attempt to map out the body. Looking at patterns in physical and mental symptoms, she proposes to view illness as information, resisting the usual alienation and disconnection brought on by these conditions. In this way she brings it all back to Frankenstein, looking for connection by embracing the monster, be it in a desolate landscape or in the domestic setting of her own kitchen.

Earlier works are also presented throughout the show, the Breakfast pieces, Little Boy, Grassland Tornado and the hovering brain; these initially innocuous works are dosed with absurdity, surprise and fear. Edburg blurs the lines between fantasy and reality to the point they seem contradictory.

This exhibition is a deep reflection on how we perceive the world and who we become. We can’t separate our thoughts from our behavior.

Christophe Guye Galerie | Zürich
8. Juni - 29. August 2020

Lockdown Project
Seba Kurtis

Während des Covid-19 Lockdowns setzte Seba Kurtis seine Artist-in-Residence in Ucen Manchester zuhause fort. Er ergriff die Situation als Gelegenheit, um aus seinem riesigen Archiv von Negativen neue Werke zu schaffen. Dabei nutzte er die neuen Daten der Pandemie, die der Öffentlichkeit zugänglich waren, und kombinierte sie mit Schablonen von Lichtkorrekturfiltern. Die entstandenen Bilder werden wie durch ein surreales Kaleidoskop gesehen als eine Metapher für die einzigartigen Erfahrungen jedes Einzelnen mit dem Lockdown.

Seba Kurtis wurde 1974 in Argentinien geboren. Er studierte Journalismus in Buenos Aires, bevor er nach der politischen und wirtschaftlichen Krise von 2001 das Land in Richtung Europa verliess. Mehrere Jahre als illegaler Einwanderer haben einen Grossteil seiner Arbeit geprägt, die sich mit den persönlichen, sozialen und kulturellen Auswirkungen der irregulären Migration befasst. 'Seine Fotografie ist die sensible Verlängerung des widerstandsfähigen Nomadenkörpers mit seiner grossmütigen Aura. Sie dient ihm als performatives Mittel, um über die Welt zu sprechen und auf raffinierte Weise Verbindungen zwischen der Weltgeschichte und seiner individuellen Lebensgeschichte herzustellen. Als Künstler ist Seba Kurtis ständig in Bewegung, ohne sich um physische oder ästhetische Grenzen zu scheren. Er gehört zu denjenigen, die wissen, dass die Fotografie nicht die Realität abbildet, sondern dass sie ihre Robustheit, ihre Komplexität und - vor allem - ihre unerschöpfliche Poesie zu offenbaren vermag.' – Stefano Stoll, Direktor des Festivals IMAGES in Vevey

‘Kurtis hat in den letzten 12 Jahren in Konfliktgebieten gearbeitet und ist kein Unbekannter in den harten Realitäten des Lebens, die die illegale Einwanderung mit sich bringt. In dieser Isolation hat er seine eigenen Erfahrungen reflektiert und ausgewertet, indem er vergangene Projekte, die es nicht in eine abschliessende Fassung geschafft haben, erneut aufzugreifen. Er zeigt sie nun in einem neuen Licht, das durch eine Form der Intervention oder Collage ergänzt wird, die direkt in seinen Filmen verwendet wird, um Daten über Covid-19 darzustellen. Die Informationen über den Lockdown entwickeln sich ständig weiter - 'Karte des Ausbruchs in Arizona', 'Bestätigte Fälle in Frankreich', 'Die Zahl der Todesfälle in Pflegeheimen nimmt in Grossbritannien immer noch zu'. Kurtis repräsentiert die von der Regierung auferlegten Lockdown-Richtlinien wie z.B. soziale Distanzierung und verbindet diese Daten mit seinen leeren Landschaften und Städten, um die rasche Ausbreitung des Coronavirus sichtbar zu machen.' – A. Mosley

During the Covid-19 lockdown, Seba Kurtis continued his Artist in Residence at Ucen Manchester in his house. Using the situation as an opportunity to create new work from his vast archive of negatives using the new data of the pandemic available to the public, combined with samples of light correction filters to produce images which appear as though seen through a surreal kaleidoscope - this itself a metaphor of each individual’s unique experiences of the lockdown.

Seba Kurtis was born in Argentina in 1974. He studied journalism in Buenos Aires before leaving the country for Europe in the wake of the political and economic crisis of 2001. Several years spent as an illegal immigrant have informed much of his work, which explores the personal, social and cultural impact of irregular migration. ‘His photography is the sensitive extension of his robust nomad’s body with its magnanimous aura. It serves him as a performative means to talk about the world and to establish connections between world history and the individual story of his life in a sophisticated manner. As an artist Seba Kurtis is constantly on the move and is unconcerned by physical or aesthetic limits. He is among those who know that photography does not represent reality but that it is able to reveal its ruggedness, complexity and – above all – its inexhaustible poetry.’ – Stefano Stoll, Director of the Festival IMAGES in Vevey

'Kurtis has been working in areas of conflict over the last 12 years and is no stranger to the harsh realities in life that illegal immigration brings. In this isolation he has reflected on and made use of his own experiences by re-visiting past projects that didn’t make the final edit. He is now showing them in a new light amended by a form of intervention or collage used directly on his films to represent data on Covid-19. The information provided regarding the lockdown develops continuously - ‘Map of the outbreak in Arizona’, ‘Confirmed cases in France’, ‘Care Home deaths are still rising in the UK’. Kurtis represents the governmental imposed Lockdown guidance such as social distancing, combining this data with his empty landscapes and cities to make visible the rapid spread of coronavirus.' – A. Mosley

(Text: Christophe Guye Galerie, Zürich)

Kunstmuseum St.Gallen
8. Juni - 15. November 2020

L’art c’est un jeu sérieux
Geta Brătescu

Das Kunstmuseum St.Gallen widmet Geta Brătescu (1926-2018) als erstes Schweizer Museum eine retrospektiv angelegte Ausstellung. Der Titel folgt einem Zitat der Künstlerin: L’art c‘est un jeu sérieux. Mit ihrem künstlerischen Schaffen trifft sie die entscheidenden theoretischen und formalen Debatten ihrer Zeit und wird damit zu einer zentralen Künstlerin zwischen klassischer Moderne und zeitgenössischer Kunst. Sie zählt zu den bedeutendsten rumänischen Kunstschaffenden des 20. Jahrhunderts und vertrat ihr Land an der Biennale di Venezia 2017.

Die räumliche und ideologische Trennung zwischen Ost und West prägten ihr Leben und damit auch ihr Kunstschaffen. Während der Repression unter dem Kommunismus war Brătescus kleines Bukarester Atelier, in dem sie bis zu ihrem Tod arbeitete, ein Ort der Freiheit. Die Erforschung des Ichs in ihrem Atelier wurde als wichtiger Aspekt bereits in mehreren Ausstellungen thematisch hervorgehoben.

Die Ausstellung im Kunstmuseum St.Gallen zeigt mit Schwerpunkt den fotografischen, filmischen und performativen Aspekt ihres Werkes, der bislang noch wenig beleuchtet wurde. Gerade hier ist die Künstlerin der internationalen Avantgarde besonders nahe. Neben collagierten Arbeiten auf Papier, fotografisch oder filmisch festgehaltenen Performances sowie repräsentativen Serien von Selbstbildnissen, bilden raumgreifende Installationen aus fragilen Materialien Bestandteil der Präsentation. Im Zentrum stehen dabei Werke aus den 1970er und 1980er Jahren, die formale Ähnlichkeiten mit zentralen Positionen des Postminimal aufweisen.

Als Pionierin der zeitgenössischen Kunst inspirierte Geta Brătescu den St.Galler Designer Albert Kriemler zu seiner gefeierten Frühjahr-/ Sommerkollektion 2019 für Akris. Die Präsentation zu Geta Brătescu im Kunstmuseum St.Gallen wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Kunstforeningen GL STRAND in Kopenhagen, der Ivan Gallery in Bukarest sowie der Galerien Hauser & Wirth realisiert und wird anschliessend auch in Kopenhagen zu sehen sein.

(Text: Kunstmuseum , St. Gallen)

Fiore di pietra | Monte Generoso
8. Juni - 8. November 2020

Barcodes scenario
Matteo Fieni

Die Auswahl der Bilder von Fotograf Matteo Fieni (Mendrisio, 1976) für diese Ausstellung ist eine Reflexion über den fotografischen Akt selbst. Sie sind eine aussagekräftige Zusammenfassung seiner etwa vierjährigen visuellen Recherche ab 2016 zwischen Zürich, Paris und Mailand über die Beziehung zwischen der symbolischen Kodierung des Barcodes und dem Bild, das durch die Überlagerung von Aufnahmen entsteht. Wie andere fotografische Hilfsmittel (Zeitlupe oder Vergrösserung) erlaubt dieses System es dem Menschen, das „Optisch-Unbewusste“ zu entdecken, also den Raum, den er unbewusst einnimmt, wahrzunehmen. Bei Betrachtung dieser Fotos hat man den Eindruck, dass sich wirre Sätze und intermittierende Impulse der Liebe und des Bedauerns durch ein synästhetisches Phänomen in mehrfarbige, kaskadenartige Lichtvorhänge verwandeln, die sich in sich selbst zusammenfalten und verschwinden. Fieni kreiert in diesen konzeptuellen Bildern, die hier erstmals einem breiten Schweizer Publikum präsentiert werden, faszinierende und mitreissende Szenarien, die es dem Betrachter erlauben, imaginärer Darsteller einer Fiktion zu werden.

Les images que Matteo Fieni (Mendrisio, 1976) présente dans le cadre de cette exposition constituent une réflexion sur l’acte même de photographier. Elles font la synthèse de la recherche visuelle que le photographe mène depuis 2016, entre Zurich, Paris et Milan, sur le lien entre le symbolisme du code-barres et l’image construite en superposant des enregistrements. Ce système, comme d’autres moyens auxiliaires de la photographie, tels que le ralenti ou les agrandissements, permet à l’homme de découvrir son « Inconscient optique », c’est-à-dire de percevoir l’espace qu’il élabore inconsciemment. En observant ces photographies, on a la sensation, par kinesthésie, que des phrases confuses et des élans intermittents d’amour et de regret se transforment en rideaux de lumière multicolore qui tombent en cascade, se replient sur eux-mêmes et disparaissent. Matteo Fieni, à l’aide de ces images de matrice conceptuelle, exposées pour la première fois au public en Suisse, construit des scénarios intrigants et attrayants qui permettent au spectateur de devenir l’acteur imaginaire d’une fiction.

La selezione delle immagini presentate dal fotografo Matteo Fieni (Mendrisio, 1976) per questa mostra costituisce una riflessione sull’atto fotografico stesso. Esse sono una significativa sintesi della ricerca visiva che dal 2016 fra Zurigo, Parigi e Milano egli ha condotto per circa un quadriennio sulla correlazione esistente tra la codifica simbolica del barcode e l’immagine costruita sovrapponendo delle registrazioni. Questo sistema, come altri mezzi ausiliari della fotografia, quali il rallentatore o gli ingrandimenti, permette all’uomo di scoprire il proprio “inconscio ottico”, ossia di percepire quello spazio che elabora inconsciamente. Osservando queste fotografie si ha l’impressione che per un fenomeno sinestetico frasi confuse e impulsi intermittenti di amore e rimpianto si trasformano in cortine di luce multicolore che precipitano a cascata, si ripiegano su sé stesse e svaniscono. Fieni in queste immagini di derivazione concettuale, esposte qui per la prima volta in ambito pubblico in Svizzera, costruisce degli intriganti e coinvolgenti scenari che danno la possibilità allo spettatore di diventare attore immaginario di una fiction.

The selection of images presented by photographer Matteo Fieni (born 1976, Mendrisio, Switzerland) in this exhibition reflect on the act of photography itself. They offer a comprehensive summary of the visual research he has carried out over an approximately four-year period, since 2016, in Zurich, Paris and Milan, on the correlation between the symbolic encoding of the barcode and images assembled through superimposition. This system, like other auxiliary tools used in photography, like slow motion or magnification, allows people to discover their ‘optical unconscious’, in other words to perceive the space they develop subconsciously. Observing these photographs, one has the impression of confused phrases and intermittent impulses of love and regret synesthetically transforming into multicoloured curtains of light that cascade down, fold in on themselves and vanish. In these conceptual images, displayed here for the first time in public in Switzerland, Fieni constructs intriguing and engaging scenarios that allow viewers to become imaginary participants in a work of fiction.

(Text: Francesca Marinoli, Art Curator)

29 ARTS IN PROGRESS gallery | Milano
26. Mai - 26. Juli 2020

Back to dance
Gian Paolo Barbieri, Greg Gorman, Silvia Lelli, Roberto Masotti

Während sie dasselbe Thema erzählen, interpretieren die Künstler das Thema Bewegung und Tanz auf originelle und absolut persönliche Weise und erzielen dabei sehr unterschiedliche und außergewöhnliche Ergebnisse.

Die Fotografie von Gian Paolo Barbieri (u.a. Gewinner des Lucie-Preises 2018) unterstreicht die Idee des Tanzes als einen vitalen Beat des Daseins, als einen freien Moment der Inspiration. Die künstlerische Forschung zielt darauf ab, ein Gleichgewicht der Formen und ein zartes Zeichen des Seins zu erfassen. Die Magie liegt in dem Leben, das fließt, und in der Schönheit, die sich vor unseren Augen zusammensetzt. Zu seinen ausgestellten Werken gehören einige Vintage-Aufnahmen von Rudolf Nurejew aus dem Jahr 1969 und eine Reihe von einzigartigen Stücken, die den berühmten Tänzer Maximiliano Guerra in seiner Hommage an Nijinsky zeigen.

Für Silvia Lelli besteht die Kunst darin, dem Atem jeder Komposition zu schmeicheln. Im Ergreifen eines Tanzschrittes, wenn dieser entgleitet. Ein Foto zu machen ist in ihrem Fall der Exorzismus einer vermeintlichen Flüchtigkeit.

Seine Bilder bieten das Gefühl, das Unbezwingbare erfasst zu haben und es in eine wahrnehmbare Form zurückzubringen.

Gezeigt wird eine Auswahl von Vintage-Werken aus drei verschiedenen Serien: einige emblematische Aufnahmen von Rudolf Nurejew auf dem Höhepunkt seiner Karriere, die zum ersten Mal ausgestellt wurden und zusammen mit Roberto Masotti von 1979 bis 1981 entstanden sind; eine Reihe unveröffentlichter Porträts von Pina Bausch (1982-83) und das Projekt "Danza Dentro, Danza Oltre" (1995 - 2014), das Silvia Lelli's persönliche künstlerische Forschung über Theater und Avantgarde-Tanz perfekt ergänzt.

Greg Gormans Bilder sind Akte der Visualisierung und Synthese. Die unbändige Exaltiertheit der athletischen Übung und die künstlerische Geste vereinen sich, wie in den Aufnahmen der berühmten "Atherton-Zwillinge", in einer perfekten Synthese, in einer schwebenden Bewegung, die über die einfache Darstellung eines präzisen Moments hinausgeht. In ihr leben zusammen, in einer eingefrorenen Explosion, Kraft und Rhythmus, Schwung und Leichtigkeit.

Pur raccontando lo stesso argomento, gli artisti interpretano il tema del movimento e della danza in modo originale e assolutamente personale, giungendo a risultati molto diversi quanto eccezionali. 

La fotografia di Gian Paolo Barbieri (vincitore – tra l’altro – del Lucie Award 2018) sottolinea l’idea della danza come battito vitale dell’esistenza, come libero momento d’ispirazione. La ricerca artistica è tesa a registrare un equilibrio di forme e un delicato segno dell’essere. La magia è nella vita che scorre e nella bellezza che si compone dinanzi ai nostri occhi.

Particolare rilievo hanno, tra le sue opere esposte, alcuni scatti vintage che ritraggono Rudolf Nureyev nel 1969 e la serie di pezzi unici che ritrae il celebre ballerino Maximiliano Guerra nel suo tributo a Nijinsky. 

L’arte, per Silvia Lelli, è nell’assecondare il respiro di ogni composizione. Nell’afferrare un passo di danza mentre scivola via. Scattare una fotografia è, nel suo caso, esorcizzare un’inafferrabilità presunta.

Le sue immagini offrono la sensazione di aver colto l’imprendibile, restituendolo in forma percepibile.

In mostra una selezione di opere vintage di tre diverse serie: alcuni scatti emblematici di Rudolf Nureyev al culmine della sua carriera, esposti per la prima volta e realizzati insieme a Roberto Masotti dal 1979 al 1981; una serie di ritratti inediti di Pina Bausch (1982-83) e il progetto intitolato “Danza Dentro, Danza Oltre” (1995 – 2014) che valorizza perfettamente la ricerca artistica personale di Silvia Lelli sul teatro e sulla danza d’avanguardia. 

Le immagini di Greg Gorman sono atti di visualizzazione e sintesi. L’incontenibile esaltazione dell’esercizio atletico e del gesto artistico si uniscono, come negli scatti dei celebri “Atherton twins”, in una sintesi perfetta, in un moto sospeso che supera la semplice rappresentazione di un preciso attimo. In essa convivono, in una congelata esplosione, vigore e ritmo, impeto e leggerezza.

Although dealing with the same theme, artists embody movement with their distinctive vision, reaching different results while sharing the highest levels of photographic excellence. 

One of the principal highlights of the exhibition is Gian Paolo Barbieri and his unique vintage works from his Rudolf Nureyev’s series dated 1969 along with a second series that celebrates the tribute to Nijinsky performed by dancer Maximiliano Guerra.

His photography emphasizes the idea of movement as a heartbeat and life force. As a free moment of inspiration. The artist’s research is connected with documenting the balance and interplay of shapes with a delicate humanity. The magic lies in the life that races before us and in the beauty that unfolds before our eyes. 

For Silvia Lelli the art of each composition is like a breathing out, a letting go, a release. The art is in capturing a dance step before it slips away and the photographic act is a kind of exorcism, of the incomprehensible and the elusive. Her images give the viewer the sensation of having caught the uncatchable, giving these moments physical form.

On display a selection of vintage works from three different series: some emblematic shots of Rudolf Nureyev at the height of his career, on show for the first time and realized with Roberto Masotti from 1979 to 1981, along with an unprecedented Pina Bausch (1982-83) and an ongoing project entitled ‘Inside Dance, Beyond Dance’ (Danza Dentro, Danza Oltre), a narrative work from 1995 to 2014 that perfectly enhances Lelli’s personal artistic research on avant-garde theatre and dance. 

Greg Gorman’s images are acts of display and synthesis. They cohabit in a frozen explosion of strength and rhythm, force and lightness. On display ‘The Atherton twins’, a series of four works portraying trust, focus and confidence between two brothers and gymnasts.  The irrepressible exaltation of athletic movement and artistic gesture are brought together in a perfect synthesis, a suspended action that goes beyond the mere depiction of a moment in time.

(Text: 29 ARTS IN PROGRESS gallery, Milano)

f3 - freiraum für fotografie | Berlin
23. Mai - 2. August 2020

ZEIT-ZEUG*INNEN VOL. I - Ikonen des Bildjournalismus 1932 bis 1986
Eve Arnold, Micha Bar-Am, Bruno Barbey, René Burri, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt, Leonard Freed, Jean Gaumy, Burt Glinn, Ernst Haas, Josef Koudelka, Erich Lessing, Peter Marlow, Susan Meiselas, Wayne Miller, James Nachtwey, Marc Riboud, Miguel Rio Branco, George Rodger, Sebastião Salgado, David Seymour, Chris Steele-Perkins, Dennis Stock

Bildjournalist*innen zeigen uns die Welt. Als Beobachter*innen nehmen sie in vorderster Reihe Teil an historischen Ereignissen und dokumentieren Zeitgeschehen. Ihre Aufnahmen, im entscheidenden Augenblick – dem Bruchteil einer Sekunde – entstanden, formen unser kollektives Gedächtnis.

Fotografien, wie die von Robert Capa aus dem spanischen Bürgerkrieg, René Burris Porträt von Che Guevara, Kudelkas Reportage des Prager Frühlings oder die Fotografie einer jungen Frau, die alleine, mit einer Blume in der Hand, vor der bewaffneten USNationalgarde steht, von Marc Riboud haben das Verständnis von Politik ganzer Generationen geprägt und ihr gesellschaftliches Handeln beeinflusst.

ZEIT-ZEUG*INNEN VOL. I zeigt Arbeiten von Mitgliedern der legendären Agentur Magnum Photos. Mit großem Engagement, Leidenschaft und unter hohem persönlichem Risiko haben sie Augenblicke eingefangen, die in die Geschichte eingingen. Unter dem erschütternden Eindruck des zweiten Weltkriegs entwickelten sie ein neues Selbstverständnis fotojournalistischer Arbeit. Sie verstanden sich als Humanist*innen und Aufklärer*innen und widmeten sich den wichtigen Themen ihrer Zeit. Der Mensch und die Auswirkungen politischer und militärischen Konflikte auf die/den Einzelnen standen dabei im Mittelpunkt.

Die Ausstellung ist eine berührende visuelle Reise durch fünf Jahrzehnte fotojournalistischen Schaffens im 20. Jahrhundert, der sogenannten Goldenen Zeit des Bildjournalismus. Den Bildautor*innen standen auflagenstarke Magazine, wie Life, Time Magazine, Paris Match, Spiegel und Stern zur Verbreitung ihrer umfangreichen Langzeitreportagen zur Verfügung. Vor der Popularität des Fernsehens waren es ihre Bilder, die eine riesige Leserschaft erreichten, sie mit der großen Welt verbanden und Nachrichten von überall her in die heimischen Wohnzimmer trugen.

(Text: Freifraum hoch 3, Berlin)

Galerie Thomas Schulte | Berlin
23. Mai - 11. Juni 2020

Everything is Going to be OK
Allan McCollum

Der Amerikaner Allan McCollum (*1944, Los Angeles) zählt zu den weltweit wichtigsten Vertretern der zeitgenössischen Konzeptkunst. Als Künstler der ersten Stunde der Berliner Galerie Thomas Schulte präsentiert McCollum dort ab dem 23. Mai 2020 ein neues und zugleich karitatives Projekt. Es basiert auf seinem Bildarchiv „An Ongoing Collection of Screengrabs with Reassuring Subtitles“.

Aus diesem seit 2015 wachsenden Archiv von Screenshots hat der Künstler 400 Motive ausgewählt. Die Bilder entstehen, wenn Allan McCollum auf dem Laptop Serien und Filme mit englischen Untertiteln schaut und Szenen sieht, die Menschen in Situationen größter Unsicherheit und Bedrängnis zeigen, denen zugleich jemand etwas Tröstendes sagt wie „It will be ok" oder „Don't worry, Babe".

HANGAR Photo Art Center | Brussels
19. Mai - 18. Juli 2020

25 years of photo works
Ruud van Empel

Ausstellung/Hangar präsentiert fünfundzwanzig Jahre der künstlerischen Laufbahn von Ruud van Empel anhand der eindrucksvollsten und schönsten Bilder seiner Karriere. Im musealen Maßstab versammelt die Ausstellung 90 emblematische Werke dieses bahnbrechenden Fotografen des digitalen Bauens. Es ist das erste Mal, dass ihm eine Ausstellung dieser Größenordnung gewidmet wird.

3 Monate lang wird die gesamte Karriere des Künstlers in den 1000 m2 des Hangars ausgestellt. Ziel der Ausstellung ist es, anhand von 15 fotografischen Hauptserien zu verschiedenen Themen ein vollendetes Werk zu entdecken oder wiederzuentdecken. Wie eine Reise durch die Zeit beginnt die Ausstellung mit seinen jüngsten Werken und endet mit seinen ersten Arbeiten. Die Retrospektive ermöglicht es der Öffentlichkeit, die Entwicklung des Werks von Ruud van Empel in Bezug auf die Entwicklung der Mentalitäten und Technologien (von der manuellen Collage bis zur digitalen Komposition) zu beobachten. Ruud van Empel spielt mit unserer Wahrnehmung von Wirklichkeit und Zeit und zeigt Porträts und Landschaften, die realistisch, aber unbestreitbar utopisch sind. "Als digitaler Maler konnte Ruud van Empel von Schwarz-Weiß zu Farbe übergehen, von der Bestandsaufnahme und Dokumentation zur Porträtmalerei, und heute hat er lebendige Abstraktionen um Naturbilder herum geschaffen", erklärt Christian Caujolle, Historiker der Fotografie.

Der Hangar ist stolz darauf, diesen weltbekannten Fotografen begrüßen zu dürfen, zu dem er eine enge berufliche Beziehung entwickelt hat. Ruud van Empel hat bereits zweimal im Hangar ausgestellt: 2017 im Rahmen der zweiten Ausgabe des PhotoBrussels Festival (Thema: Porträt) und 2018 mit einer Einzelausstellung im vorderen Bereich des Hangars.

Exposition/ Hangar présente vingt-cinq ans de carrière artistique de Ruud van Empel à travers les images les plus saisissantes et les plus belles de sa carrière. A échelle muséale, l’exposition rassemble 90 oeuvres emblématiques de ce photographe pionnier de la construction numérique. C’est la première fois qu’une exposition d’une telle ampleur lui est consacrée.

Pendant 3 mois, toute la carrière de l’artiste sera exposée dans les 1000 m2 du hangar. L’exposition vise à découvrir ou redécouvrir une oeuvre accomplie à travers 15 principales séries photographiques sur différentes thématiques. Comme un voyage dans le temps, l’exposition commence par ses oeuvres les plus récentes et se termine par ses premiers travaux. La rétrospective permettra au public d’observer l’évolution de l’oeuvre de Ruud van Empel, en relation avec l’évolution des mentalités et des technologies (du collage manuel à la composition digitale). Ruud van Empel joue avec notre perception de la réalité et du temps, montrant des portraits et des paysages réalistes mais incontestablement utopiques. « Peintre numérique, Ruud van Empel a pu passer, au cours de sa carrière, du noir et blanc à la couleur, de l’inventaire et de la documentation au portrait pour aboutir aujourd’hui à des abstractions vibrant autour d’images de la nature », explique Christian Caujolle, historien de la photographie.

Hangar est fier d’accueillir ce photographe de renommée mondiale avec lequel il a noué une relation professionnelle étroite. Ruud van Empel a déjà exposé deux fois au hangar : en 2017, dans le cadre de la deuxième édition du PhotoBrussels Festival (thème : portrait), et en 2018 avec un solo show dans le frontspace du hangar.

Exhibition/ Hangar displays twenty-five years of creation through the most striking and beautiful images of Ruud van Empel’s career. The exhibition, on a museum scale, brings together 90 emblematic photographic works of this photographer. As a pioneer in digital construction, Ruud van Empel presents for the first time an exhibition of such a broad scope.

During 3 months, the entire career of the artist will be displayed in the 1000m2 of hangar. The exhibition aims to discover or re-discover an accomplished and extraordinary work through all 15 series. Like a journey back in time, it starts with his most recent and iconic works and ends with his early works, and thus gathers together different themes. The retrospective will allow the public to observe the evolution of Ruud van Empel’s work over his life, in relation with the evolutions of the mentalities and the technological developments in photography. Ruud van Empel plays with our perception of reality and time, showing realistic but undoubtedly utopian portraits and landscapes.

Hangar proudly welcomes this globally acclaimed photographer with whom it has build a close professional relationship. Ruud van Empel has already exhibited at hangar twice: In 2017, as part of the second edition of PhotoBrussels Festival, and in 2018 with a solo show in hangar front space (street front).

HANGAR Photo Art Center | Brussels
19. Mai - 18. Juli 2020

Songs of the Walés
Patrick Willocq

Patrick Willocq präsentiert im Hangar das Gemeinschaftskunstprojekt "Songs of Walés" mit einigen der Fotos, die noch nie zuvor in Belgien gezeigt wurden. Dieses ist das Ergebnis einer einzigartigen Zusammenarbeit mit jungen Pygmäenfrauen, ihren jeweiligen Clans, einer Ethnomusikologin und vielen Kunsthandwerkern des Waldes (Jäger, Bauern und Fischer), die während des Projekts zu talentierten Schöpfern aller Art wurden. Unterstützt von Dido Lusamba Ntambwe, einem in Kinshasa lebenden Künstler, baut Patrick Willocq seine inszenierten Fotografien mitten im Busch auf, ohne Fotomontage oder Collage. Er sucht die beste Art und Weise, eine Geschichte zu erzählen, die den jungen Müttern, die selbst zu Schauspielerinnen geworden sind, lieb ist, indem er ihre Teilnahme sucht, ihnen zuhört, mit ihnen eine Dekoration schafft, indem er ihr Leben und ihre Wünsche inszeniert und mit ihnen Castings macht. Die Dekoration, die Farben, die Figuren, alles ist geplant. In diesem Frühjahr werden die Wände des vorderen Hangarraums durch die Fotos dieser grandiosen Szenen bereichert.

Patrick Willocq présente, au hangar, le projet artistique communautaire "Chansons de Walés", avec certaines des photos jamais montrées en Belgique auparavant. Celui-ci est le résultat d'une collaboration unique avec de jeunes femmes pygmées, leurs clans respectifs, un ethnomusicologue et de nombreux artisans de la forêt (chasseurs, agriculteurs et pêcheurs) qui sont devenus des créateurs talentueux de tous types au cours du projet. Assisté par Dido Lusamba Ntambwe, un artiste basé à Kinshasa, Patrick Willocq construit ses photographies mises en scène au milieu de la brousse, sans aucun photomontage ni collage. Il cherche la meilleure façon de raconter une histoire, chère aux jeunes mères, elles-mêmes devenues actrices, en recherchant leur participation, en les écoutant, en créant un décor avec elles, en mettant en scène leur vie et leurs désirs, en faisant des castings avec elles. Les décors, les couleurs, les personnages, tout est prévu. Ce printemps, les murs de l'espace avant du hangar seront mis en valeur par les photos de ces scènes grandioses.

Patrick Willocq presents, at hangar, the community art project “Songs of Walés”, with some of the photos never showed in Belgium before. This one is the result of a unique collaboration with young pygmy women, their respective clans, an ethnomusicologist, and many artisans of the forest (hunters, farmers and fishermen) that became talented creators of all types during the project. Assisted by Dido Lusamba Ntambwe, a Kinshasa-based artist, Patrick Willocq builds his staged photographies in the middle of the bush, without any photomontage or collage. He seeks the best way to tell a story, dear to the young mothers, themselves turned actresses, seeking their participation, listening to them, creating a decor with them, by staging their lives and their desires, doing castings with them. The décors, the colors, the characters, everything is planned. This spring, the walls of hangar front space will be enhanced by the photos of these grandiose scenes.

Haus der Kunst | Solothurn
17. Mai - 5. Juli 2020

Reto Emch