Berges de la Thur | Thann
8. Juni – 13. Oktober 2024

Cloud physics
Terri Weifenbach

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie de Mulhouse statt.

Die Fotografien von Terri Weifenbach, die aus ihrem jüngsten Verlagsprojekt Cloud Physics hervorgegangen sind, treten hier in Resonanz sowohl mit dem Strom der Thur als auch mit den Weinbergen des Rangen, die sie umgeben. Sie treffen sich entlang des Weges und weisen auf Details einer sensiblen Welt hin, die allzu oft aus der Ferne betrachtet wird. Der Nieselregen, der Rauch oder die Unschärfe, die sich darin finden, schaffen traumhafte Atmosphären, zu denen meteorologische Instrumente präzise Daten beisteuern.

Terri Weifenbach wurde in New York geboren. Sie ließ sich an der Universität von Maryland ausbilden und verbrachte anschließend ein Dutzend Jahre in New Mexico und Kalifornien. Heute lebt sie in Frankreich. Die Gestaltung von Büchern steht im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Praxis. Seit der Veröffentlichung ihres ersten Buches In Your Dreams im Jahr 1997 hat sie zwanzig weitere Titel verfasst, darunter Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers und Gift. Ihre bevorzugten Themen sind die natürliche und lebendige Welt, ihre Elemente und ihre Bewohner. Sie enthüllt deren diskreten und stillen Charme, insbesondere durch die Unschärfeeffekte, die ihre Arbeit prägen.

Issues de son projet éditorial le plus récent, Cloud Physics, les photographies de Terri Weifenbach entrent ici en résonance à la fois avec le courant de la Thur et les vignes du Rangen qui les entourent. Elles se rencontrent le long de la piste et pointent des détails d’un monde sensible trop souvent regardé de loin. La bruine, la fumée ou le flou qui s’y retrouvent créent des atmosphères oniriques auxquelles des instruments météorologiques apportent des données précises.

Née à New York, Terri Weifenbach se forme à l’université du Maryland, puis passe une douzaine d’années au Nouveau-Mexique et en Californie. Elle réside aujourd’hui en France. La création de livres est au cœur de sa pratique artistique. Depuis la publication de son premier livre, In Your Dreams, en 1997, elle est l’auteure de vingt autres titres, dont Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers ou Gift. Ses sujets de prédilection proviennent du monde naturel et vivant, ses éléments et ses habitant·es. Elle révèle leur charme discret et silencieux, notamment par les effets de flou qui marquent son travail.

Tratte dal suo più recente progetto editoriale, Cloud Physics, le fotografie di Terri Weifenbach risuonano sia con la corrente della Thur sia con i vigneti di Rangen che li circondano. Si incontrano lungo il sentiero e mettono in evidenza i dettagli di un mondo sensibile che troppo spesso viene visto da lontano. La pioggerellina, il fumo e la foschia che incontrano creano atmosfere oniriche a cui gli strumenti meteorologici forniscono dati precisi.

Nata a New York, Terri Weifenbach si è formata all'Università del Maryland, poi ha trascorso una dozzina di anni in New Mexico e California. Ora vive in Francia. La creazione di libri è al centro della sua pratica artistica. Dalla pubblicazione del suo primo libro, In Your Dreams, nel 1997, ha scritto altri venti titoli, tra cui Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers e Gift. I suoi soggetti preferiti sono il mondo naturale e vivente, i suoi elementi e i suoi abitanti. Ne rivela il fascino discreto e silenzioso, in particolare attraverso gli effetti di sfocatura che caratterizzano il suo lavoro.

From her most recent editorial project, Cloud Physics, Terri Weifenbach's photographs here resonate with both the Thur current and the surrounding Rangen vineyards. They meet along the trail, pointing out details of a sensitive world too often viewed from afar. The drizzle, smoke and blur they encounter create dreamlike atmospheres to which meteorological instruments provide precise data.

Born in New York, Terri Weifenbach trained at the University of Maryland, then spent a dozen years in New Mexico and California. She now lives in France. The creation of books is at the heart of her artistic practice. Since the publication of her first book, In Your Dreams, in 1997, she has authored twenty other titles, including Cloud Physics, Lana, Politics of Flowers and Gift. Her favorite subjects are the natural, living world, its elements and its inhabitants. She reveals their discreet, silent charm, notably through the blurred effects that mark her work.

(Text: Biennale de la photographie de Mulhouse)

Eglfing-Tauting
29. September 2023 – 6. Januar 2024

Blaue Eier – Bunte Wiesen
Christian Kolb

Wiesen sind nicht nur in Deutschland sehr wenig geschützte Räume. Dabei birgt das wilde Grün gemeinsam mit den Auwäldern die größte Biodiversität Mitteleuropas. Die Wiesen-Bilder erheben keinerlei Anspruch auf wissenschaftlichen Gehalt, es geht viel mehr um Blicke, Gefühle und Ästhetik in der grünen Flora und Fauna. Wiesen, wie sie nicht mehr allzu oft vorkommen und dennoch enorm wichtig sind für Insekten, aber eben auch für das Klima und für die Seele.

Wilde Wiesen, ob bunt, nass, karg oder brach, sind die Heimat von unzähligen Insekten und sie wachsen auf weitgehend intakten Böden, die dauerhaft Kohlenstoff speichern. Aber auch diese Grünflächen müssen von den Landwirten gepflegt werden. Die späte Maht ab August verhindert die Verbuschung, sorgt für Vielfalt und ist damit auch Grundlage für geeignete Lebensräume von Wiesenbrütern.

Dazu zählt auch das Braunkehlchen, das früher mal – es ist noch gar nicht so lange her – ein Allerweltsvogel war. Im Murnauer Moos ist das kleine Vögelchen, das jedes Jahr aus Westafrika (Elfenbeinküste, Togo, Benin, etc.) einfliegt, bis auf eine handvoll Brutpaare nicht mehr vorhanden. Braunkehlchen sind die großen Verlierer der europäischen Agrarpolitik. Um rund 60 Prozent ist die Zahl in den vergangenen Jahren allein in Deutschland zurückgegangen.

Mit ihren blauen Eiern bildet der „Vogel des Jahres“ den Grundstock dieser Ausstellung.

Les prairies sont des espaces très peu protégés, et pas seulement en Allemagne. Pourtant, cette verdure sauvage recèle, avec les forêts alluviales, la plus grande biodiversité d'Europe centrale. Les images de prairies ne prétendent pas à un contenu scientifique, il s'agit bien plus de regards, de sentiments et d'esthétique dans la flore et la faune vertes. Des prairies comme on n'en trouve plus beaucoup et qui sont pourtant extrêmement importantes pour les insectes, mais aussi pour le climat et pour l'âme.

Les prairies sauvages, qu'elles soient colorées, humides, pauvres ou en friche, abritent d'innombrables insectes et poussent sur des sols largement intacts, qui stockent durablement du carbone. Mais ces espaces verts doivent également être entretenus par les agriculteurs. La fauche tardive à partir du mois d'août empêche l'embroussaillement, assure la diversité et constitue donc aussi la base d'habitats appropriés pour les oiseaux nichant dans les prairies.

Le tarier des prés, qui était autrefois - il n'y a pas si longtemps - un oiseau commun, en fait partie. Dans le Murnauer Moos, ce petit oiseau qui arrive chaque année d'Afrique de l'Ouest (Côte d'Ivoire, Togo, Bénin, etc.) n'est plus présent, à l'exception d'une poignée de couples nicheurs. Les tariers des prés sont les grands perdants de la politique agricole européenne. Leur nombre a diminué d'environ 60 pour cent rien qu'en Allemagne au cours des dernières années.

Avec ses œufs bleus, l'"oiseau de l'année" constitue la base de cette exposition.

Le aree protette dei prati sono pochissime, non solo in Germania. Eppure, insieme alle foreste ripariali, il verde selvaggio ospita la più grande biodiversità dell'Europa centrale. Le immagini dei prati non hanno alcuna pretesa di contenuto scientifico; riguardano piuttosto i panorami, le sensazioni e l'estetica della flora e della fauna verde. Prati che non si trovano più tanto spesso, ma che sono estremamente importanti per gli insetti, ma anche per il clima e per l'anima.

I prati selvatici, siano essi colorati, umidi, brulli o incolti, ospitano innumerevoli insetti e crescono su terreni in gran parte intatti che immagazzinano permanentemente carbonio. Ma anche questi spazi verdi devono essere mantenuti dagli agricoltori. Lo sfalcio tardivo, a partire da agosto, impedisce l'invasione della macchia, garantisce la diversità e costituisce quindi anche la base per la creazione di habitat adatti agli uccelli che nidificano nei prati.

Tra questi c'è lo stiaccino, che fino a non molto tempo fa era un uccello comune. Nel Moso di Murnauer, il piccolo uccello, che arriva ogni anno dall'Africa occidentale (Costa d'Avorio, Togo, Benin, ecc.), non è più presente, se non per una manciata di coppie nidificanti. I fringuelli sono i grandi sconfitti della politica agricola europea. Negli ultimi anni il loro numero è diminuito di circa il 60% nella sola Germania.

Con le loro uova blu, l'"Uccello dell'anno" costituisce la base di questa mostra.

Meadows are very little protected areas, not only in Germany. And yet, together with the riparian forests, the wild greenery harbors the greatest biodiversity in Central Europe. The meadow pictures do not claim any scientific content, it is much more about views, feelings and aesthetics in the green flora and fauna. Meadows, as they do not occur too often anymore and yet are enormously important for insects, but also for the climate and for the soul.

Wild meadows, whether colorful, wet, barren or fallow, are home to countless insects and they grow on largely intact soils that permanently store carbon. But even these green spaces need to be maintained by farmers. Late mowing from August onwards prevents scrub encroachment, provides diversity and thus also forms the basis for suitable habitats for meadow nesting birds.

This includes the whinchat, which was once - not so long ago - a common bird. In the Murnauer Moos, the little bird, which flies in every year from West Africa (Ivory Coast, Togo, Benin, etc.), is no longer present except for a handful of breeding pairs. Whinchats are the big losers of European agricultural policy. Their numbers have declined by around 60 percent in Germany alone in recent years.

With their blue eggs, the "Bird of the Year" forms the basis of this exhibition.

(Text: Christian Kolb, Murnau am Staffelsee)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Heliopolis
Marie Capesius

Heliopolis war das erste Naturistendorf Europas, das in den 1930er Jahren auf der französischen Mittelmeerinsel „Île du Levant" gegründet wurde. In den 1950er Jahren begann auch das französische Militär, die Insel zu nutzen. Bis heute macht die eingezäunte Raketenteststation 90 % ihrer Fläche aus. Angeregt durch diese beiden gegensätzlichen Welten, die nebeneinander existieren, lernte Marie Capesius die Bewohner der Insel kennen und erkundete ihre Geschichte. Inspiriert von der Geschichte Adam und Evas, stellt sie den Begriff des Paradieses infrage. Hat das Paradies jemals existiert? Oder ist es verloren gegangen und kann womöglich wiedergewonnen werden?

Marie Capesius (*1989, Frankreich) lebt und arbeitet als Künstlerin in Luxemburg. Sie ist Absolventin der Ostkreuzschule in Berlin und arbeitet mit analoger Fotografie, Video, Text, Musik und Performance.

Heliopolis est le premier village naturiste en Europe, fondé dans les années 1930 sur l'île du Levant en Méditerranée française. Dans les années 1950, l'armée française utilise également l'île comme base militaire. Aujourd'hui fermée, la base militaire occupe néanmoins 90 % de l'île et est utilisée comme base d'essai pour le lancement de missiles. Interpellée par ces mondes qui s'opposent, mais se juxtaposent, Marie Capesius va à la rencontre des habitants et de l'histoire d'Heliopolis. Elle s'inspire de l'histoire d'Adam et Ève et interroge la notion du paradis. Le paradis a-t-il jamais existé ? Ou a-t-il été perdu et peut-il être retrouvé ?

Marie Capesius (*1989, France) vit et travaille en tant qu'artiste au Luxembourg. Elle est diplômée de l'école de photographie Ostkreuz à Berlin et travaille avec la photographie argentique, la vidéo, le texte, la musique et la performance.

Heliopolis è stato il primo villaggio naturista in Europa, fondato negli anni '30 sull'isola mediterranea francese "Île du Levant". Negli anni Cinquanta, anche l'esercito francese iniziò a utilizzare l'isola. Ancora oggi, la stazione di prova missilistica è recintata per il 90% della sua superficie. Ispirata da questi due mondi contrastanti che coesistono, Marie Capesius ha conosciuto gli abitanti dell'isola e ne ha esplorato la storia. Ispirandosi alla storia di Adamo ed Eva, mette in discussione il concetto di paradiso. Il paradiso è mai esistito? Oppure è stata persa e può essere recuperata?

Marie Capesius (*1989, Francia) vive e lavora come artista in Lussemburgo. Laureata alla Ostkreuzschule di Berlino, lavora con fotografia analogica, video, testi, musica e performance.

Heliopolis was the first naturist village in Europe, founded in the 1930s on the "Île du Levant" island in the French Mediterranean. In the 1950s the French military also began using the island and till this very day a fenced off missile testing base occupies 90% of its surface. Intrigued by these two opposite worlds existing side by side, Marie Capesius met the occupants of Heliopolis and explored its history. Inspired by the story of Adam and Eve, she questions the notion of paradise. In fact, did paradise ever exist? Or instead, has it been lost, and can it be regained?

Marie Capesius (*1989, France) lives and works as an artist in Luxembourg. She graduated from Ostkreuz photography school in Berlin and works with analogue photography, video, text, music and performance.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Corona 2020 – Scenes of the Pandemic
Marc Schroeder

Die elf Bilder, die sich aus architektonischen und urbanen Details zusammensetzen, sind im Sommer und Herbst 2020 entstanden nach Ende des ersten Covid-bedingten Lockdowns. Die einzelnen Szenen geben eine strikte visuelle Ordnung durch starke geometrische Formen vor, vermitteln aber gleichzeitig Leere und einen Eindruck von Sterilität: Sie zeigen den öffentlichen Raum ohne menschliche Präsenz, in dem unsere Bewegungsfreiheit durch verschiedene greifbare Hindernisse - oder deren Schatten - eingeschränkt wird. Die Bilderreihe ist somit als Abstraktion des Lockdowns von 2020 zu verstehen.

Marc Schroeder (*1974, Luxemburg) lebt in Luxemburg, Lissabon und Berlin. Er arbeitet vorzugsweise an persönlichen Langzeitprojekten, bei denen Erinnerung und Vergänglichkeit sowie Spuren der menschlichen Präsenz wiederkehrende Themen sind.

Les onze « tableaux », composés de détails architecturaux et urbains, ont été réalisés en été et automne 2020, après la fin du premier confinement général lié à la Covid-19. Les différentes scènes imposent un ordre visuel strict par des formes géométriques nettes, mais il en émane à la fois un certain vide et un air de stérilité : elles montrent des espaces publics, sans aucune présence humaine, où notre liberté de circulation est entravée par divers obstacles physiques ou leurs ombres. Cette série est ainsi conçue comme une abstraction de la période de confinement général de 2020.

Marc Schroeder (*1974, Luxembourg) partage sa vie entre le Luxembourg, Lisbonne et Berlin. Il préfère travailler sur des projets personnels de longue durée. La mémoire humaine ainsi que l'impermanence et les vestiges de la présence humaine sont des thèmes récurrents dans son œuvre.

Le undici immagini, composte da dettagli architettonici e urbani, sono state realizzate nell'estate e nell'autunno del 2020, dopo la fine del primo blocco legato a Covid. Le singole scene forniscono un ordine visivo rigoroso attraverso forti forme geometriche, ma allo stesso tempo trasmettono il vuoto e un'impressione di sterilità: mostrano uno spazio pubblico senza presenza umana, in cui la nostra libertà di movimento è limitata da vari ostacoli tangibili - o dalle loro ombre. La serie di immagini va quindi intesa come un'astrazione del blocco del 2020.

Marc Schroeder (*1974, Lussemburgo) vive a Lussemburgo, Lisbona e Berlino. Preferisce lavorare su progetti personali a lungo termine in cui la memoria e la transitorietà, così come le tracce della presenza umana, sono temi ricorrenti.

The eleven "tableaux", composed of only architectural and urban details, were shot during the summer and autumn of 2020, following the end of the first Covid-related lockdown. The individual scenes impose a strict visual order by way of sharp geometrical forms yet emanating from them is an air of both emptiness and sterility. They depict public spaces, devoid of any human presence, where our freedom of movement is hindered by various actual physical obstacles or shadows thereof. The series is hence intended as an abstraction of the 2020 general lockdown period.

Marc Schroeder (*1974, Luxembourg) divides his time between Luxembourg, Lisbon and Berlin. He prefers to work on personal, long-term projects whose recurring themes are human memory and the impermanence and traces of human presence.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Particles
Boris Loder

Identitäten sind komplex - wie oft auch ihre Darstellung. Als Gefäß betrachtet, das mit sehr unterschiedlichen, sogar widersprüchlichen Inhalten gefüllt werden kann, bekommt der Begriff der Identität eine greifbare und abstrakte Seite zugleich. „Particles" verwandelt dieses Konzept in eine Studie skulpturaler Fotografie. Die Würfel enthalten gefundene Objekte, die auf komprimierte Art und Weise die Eigenschaften verschiedener Orte in Luxemburg darstellen. Somit werden Hypothesen zu stadtplanerischen Absichten als Kontrast zur wirklichen Nutzung des Raumes dargestellt. Ein Fastfood-Restaurant auf einem Sportplatz oder ein Drogenversteck neben einer bekannten Bank deuten so jene soziogeografischen Realitäten an, die nur selten in Luxemburg aufgezeigt werden.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Deutschland) lebt und arbeitet in Luxemburg. Er hat Literatur und Geografie studiert, was sich in seinem Interesse an poetischen Formen des Erzählens und an der Wechselbeziehung zwischen menschlichem Verhalten und Umwelt widerspiegelt.

Les identités sont complexes - comme l'est souvent leur représentation. Considéré comme un récipient pouvant être rempli de contenus très différents, voire contradictoires, le concept d'identité revêt ici un côté tangible et abstrait à la fois. « Particles » transforme ce concept en étude de photographie sculpturale. Les cubes contiennent des objets trouvés qui reflètent sous forme comprimée le caractère de différents lieux à Luxembourg. De cette façon, les hypothèses sur les intentions de l'aménagement urbain sont mises en contraste avec l'utilisation réelle des espaces. Un fast-food sur un terrain de sport ou une cachette de drogue à côté d'une banque renommée font allusion à des réalités sociogéographiques qui n'apparaissent que très rarement dans les notions populaires du Luxembourg.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Allemagne) vit et travaille au Luxembourg. Il a étudié la littérature et la géographie, ce qui se traduit par son intérêt pour les formes de narration poétiques et l'interdépendance entre les comportements humains et l'environnement.

Le identità sono complesse, come spesso lo è la loro rappresentazione. Visto come un recipiente che può essere riempito con contenuti molto diversi, persino contraddittori, il concetto di identità assume un aspetto tangibile e astratto allo stesso tempo. "Particles" trasforma questo concetto in uno studio sulla fotografia scultorea. I cubi contengono oggetti trovati che rappresentano in modo compresso le caratteristiche di diversi luoghi del Lussemburgo. Così, le ipotesi sulle intenzioni urbanistiche sono presentate in contrasto con l'uso reale dello spazio. Un fast-food su un campo sportivo o un nascondiglio di droga accanto a una nota banca suggeriscono così quelle realtà socio-geografiche che raramente vengono rivelate in Lussemburgo.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Germania) vive e lavora in Lussemburgo. Ha studiato letteratura e geografia, il che si riflette nel suo interesse per le forme poetiche di narrazione e per l'interrelazione tra comportamento umano e ambiente.

Identities are complex - as is, quite often, their representation. However, considered as a container that can be filled with very different, even contradictory contents, the concept of identity takes on an aspect that is both tangible and abstract at the same time. "Particles" transforms this concept into a study of sculptural photography. The cubes contain found objects that reflect the character of various sites in Luxembourg in compressed form. In this way, assumptions about urban planning intentions are contrasted with actual use. Fast food on a sports field or a drug stash near a renowned bank allude to socio-geographical realities that rarely surface in popular notions of Luxembourg.

Boris Loder (*1982, Heidenheim, Germany) lives and works in Luxembourg. His studies in literature and geography resonates with his interest in poetic forms of storytelling and the interrelatedness of human behaviour and environment.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

I love you baby. Portraits de femmes résilientes
Jeannine Unsen

Jeannine Unsen stellt Frauen in den Mittelpunkt einer Inszenierung, in der sie vor einer sorgfältig erdachten Kulisse erstarren und die Frage nach der Verletzlichkeit, der Identität und der Darstellung aufwerfen. Die oft zeitlosen Kontexte, in denen sich die Frauen offenbaren, entstammen den inneren Reisen der Fotografin. Den Betrachter entführen die Fotografien in einen Raum zwischen Traum und Wirklichkeit. Die mit großer Feinfühligkeit arrangierten Portraits weisen in ihrer Umsetzung eine exzessive Liebe zum Detail auf.

Jeannine UNSEN (*1975, Luxemburg) lebt und arbeitet in Luxemburg. Seit den 2000er Jahren werden ihre Arbeiten in Luxemburg und im Ausland ausgestellt, z.B. in Paris und Arles (Frankreich), in Pingyao (China) und in Göteborg (Schweden).

Jeannine Unsen met en scène des femmes qui se figent dans des décors soigneusement imaginés, soulevant la question de la vulnérabilité, de l'identité et de la représentation. Les contextes souvent intemporels dans lesquels les personnages se révèlent sont issus de voyages intérieurs de la photographe. Ou alors ils suscitent, chez le spectateur, ce voyage entre le monde du songe et le réel. Le travail de l'artiste, élaboré avec beaucoup de sensibilité, se concentre sur des portraits mis en scène avec un amour excessif du détail.

Jeannine UNSEN (*1975, Luxembourg) vit et travaille au Luxembourg. Depuis les années 2000, son travail est présenté au Luxembourg et à l'étranger, p.ex. à Paris et Arles (France), Pingyao (Chine) ou Göteborg (Suède).

Jeannine Unsen pone le donne al centro di una messa in scena in cui si bloccano davanti a uno sfondo accuratamente immaginato, sollevando questioni di vulnerabilità, identità e rappresentazione. I contesti spesso atemporali in cui le donne si rivelano nascono dai viaggi interiori del fotografo. Le fotografie trasportano lo spettatore in uno spazio tra sogno e realtà. I ritratti, disposti con grande sensibilità, mostrano un eccessivo amore per i dettagli nella loro realizzazione.

Jeannine UNSEN (*1975, Lussemburgo) vive e lavora in Lussemburgo. Dagli anni 2000, le sue opere sono state esposte in Lussemburgo e all'estero, ad esempio a Parigi e Arles (Francia), a Pingyao (Cina) e a Göteborg (Svezia).

Jeannine Unsen's images of women, often in static pose in carefully crafted settings, address questions of vulnerability, identity and representation. Indeed, the timeless contexts in which the figures appear seem to emerge from the photographer's own inner journeying or transport the viewer into a nether world between dream and reality. The work of this artist, elaborated with great sensitivity, focusses on portraits staged with an almost over-the-top love of detail.

Jeannine Unsen (*1975, Luxembourg) lives and works in Luxembourg. Since the 2000s, her work has been shown in Luxembourg and abroad, for example Paris and Arles (France), Pingyao (China) and Gothenburg (Sweden).

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

American Diorama - Streets (2011)
Véronique Kolber

„Ich fotografiere und sammle mit meinem 35-mm-Objektiv. Spontan, nah am Geschehen und doch meistens unbemerkt, von meinem Instinkt geleitet. Nicht nur Menschen auf der Straße, sondern auch Menschen in banalen Situationen, die auf der Straße passieren können. Ich gehe nach Hause. Ich vergesse. Monate oder gar Jahre später gehe ich durch mein Archiv und entdecke meine Fotos wieder. Die Zeit spielt hierbei keine Rolle. Oder vielleicht doch: Sie verwischt meine Erinnerung und beflügelt meine Fantasie, sodass Geschichten sichtbar werden und aus den Fotografien entstehen. Der Kontrast zwischen den Arkaden in Clervaux und der Welt meiner Bilder verstärkt die Spannung und die Fiktion, die für meine fotografische Arbeit wesentlich sind."

Véronique Kolber (*1978, Luxemburg) hat Fotografie in Brüssel und Bildende Kunst in Straßburg studiert. Ihrer Arbeit wurde schon bei zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt und dreht sich hauptsächlich um Themen wie Erinnerung, Realität und Fiktion.

« Je saisis et je recueille. Spontanément, sans me faire remarquer, poussée par mon instinct et munie de mon objectif 35 mm, je m'approche. Pas seulement des gens dans la rue, mais aussi des gens dans les situations banales qui ont tendance à se produire dans la rue. Je rentre chez moi. J'oublie. Des mois, voire des années plus tard, je consulte mes archives et redécouvre mes photos. Le temps n'a pas d'importance. Ou peut-être que si : le flou qu'il crée dans ma mémoire aide mon imaginaire à voir toutes les histoires qui émergent de mes photos. Le contraste entre les arcades de Clervaux et le monde présenté dans mes photos, accentue la tension et la fiction, élémentaires dans mon travail photographique. »

Véronique Kolber (*1978, Luxembourg) a étudié la photographie à Bruxelles et les arts plastiques à Strasbourg. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions internationales et porte principalement sur les thèmes de la mémoire, de la réalité et de la fiction.

"Fotografo e colleziono con il mio obiettivo da 35 mm. Spontaneo, vicino all'azione eppure per lo più inosservato, guidato dal mio istinto. Non solo persone per strada, ma anche persone in situazioni banali che possono accadere per strada. Vado a casa. Dimenticavo. Mesi o addirittura anni dopo, sfoglio il mio archivio e riscopro le mie foto. Il tempo non gioca alcun ruolo in questo caso. O forse sì: offusca la mia memoria e accende la mia immaginazione in modo che le storie diventino visibili ed emergano dalle fotografie. Il contrasto tra i portici di Clervaux e il mondo delle mie immagini rafforza la tensione e la finzione che sono essenziali per il mio lavoro fotografico".

Véronique Kolber (*1978, Lussemburgo) ha studiato fotografia a Bruxelles e belle arti a Strasburgo. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre internazionali e ruota principalmente intorno a temi come la memoria, la realtà e la finzione.

"I capture and collect with my 35 mm lens. Spontaneously, mainly unnoticed, driven by instinct. Not just people in the streets, but people in ordinary street situations. I return home. I forget. Months, maybe even years later, I go through my archive, rediscovering my pictures. Time is not relevant. Or maybe it is and how it blurs my memory helps my imagination to see the many stories that emerge from my photographs. The contrast between the Clervaux arcades and the world depicted in in my pictures accentuates the tension and fictional element essential to my photographic work."

Véronique Kolber (*1978, Luxembourg) studied Photography in Brussels and Visual arts in Strasbourg. Her work has been shown internationally in numerous exhibitions and revolves mainly around the themes of memory, reality & fiction.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image
10. Oktober 2022 - 9. Oktober 2023

Coentro e Cachorros
Bruno Oliveira

„Die Kapverden tragen ihren Namen zu Recht. Dort ist die Farbe ein Ort, ein Raum, eine Landschaft, eine Person, eine Erinnerung und unterstreicht das Leben und die Geschichten der Einwohner. Als ich im Sommer 2018 auf die Geburtsinsel meines Freundes, Santo Antão, reiste, um seine Familie zu besuchen, schien mir alles gleichzeitig vertraut und doch fremd. Der Duft von Koriander erfüllte die Luft und die lokalen Mahlzeiten, seine intensive Farbe vibrierte in meinen Augen und sein Geschmack auf meinem Gaumen. Er verwirrte sowohl meine Sinne als auch meine Gedanken. Auf der Insel folgte ich seiner Farbe und seinem Duft wie die Straßenhunde, die mich begleiteten und mich zu unerwarteten Begegnungen an außergewöhnliche Orte führten. Die Reise verliert sich zwischen Traum und Wirklichkeit, sie ist gleichzeitig Fiktion und Erinnerung, ein ewiger Moment in einer schwebenden Welt."

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portugal) wuchs in Luxemburg auf, wo er heute lebt und arbeitet. Seine Herkunft, seine Reiseerfahrungen und sein kultureller Hintergrund bilden die Grundlage seiner künstlerischen Arbeit.

« Le Cap-Vert porte bien son nom. Là-bas, la couleur est un lieu, une pièce, un paysage, une personne, un souvenir et elle souligne la vie et les histoires de ses habitants. Lorsque je me suis rendu à Santo Antão, l'île natale de mon petit ami, où nous avons rendu visite à sa famille pendant l'été 2018, tout me semblait à la fois si familier et si étranger. L'odeur de la coriandre embaumait l'air et parfumait les repas, sa couleur verte vibrait avec toute son intensité sous mes yeux, sa saveur chatouillait mon palais, brouillant mes sens et mes idées. À travers l'île, j'ai suivi sa couleur et son parfum, tout comme les chiens de rue qui m'accompagnaient et me guidaient à travers des rencontres inattendues dans des lieux exceptionnels. Le voyage se perd entre le rêve et la réalité, il est à la fois fiction et souvenir, un moment éternel dans un monde suspendu. »

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portugal) a grandi au Luxembourg, où il est actuellement établi. Ses origines, ses expériences de voyage et son bagage culturel constituent la base de son travail artistique.

"Capo Verde porta il suo nome per una buona ragione. Lì il colore è un luogo, uno spazio, un paesaggio, una persona, un ricordo e sottolinea le vite e le storie degli abitanti. Quando nell'estate del 2018 mi sono recata sull'isola natale del mio amico, Santo Antão, per visitare la sua famiglia, tutto mi è sembrato allo stesso tempo familiare e straniero. Il profumo del coriandolo riempiva l'aria e i pasti locali, il suo colore intenso vibrava nei miei occhi e il suo sapore nel mio palato. Ha confuso sia i miei sensi che i miei pensieri. Sull'isola ho seguito il suo colore e il suo profumo come i cani di strada che mi hanno accompagnato, facendomi fare incontri inaspettati in luoghi straordinari. Il viaggio si perde tra sogno e realtà, è insieme finzione e memoria, un momento eterno in un mondo fluttuante".

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portogallo) è cresciuto in Lussemburgo, dove attualmente vive e lavora. Le sue origini, le sue esperienze di viaggio e il suo background culturale sono alla base del suo lavoro artistico.

"Cape Verde is true to its name. There, colour is a place, a room, a landscape, a person, a memory. It underscores the lives and stories of its inhabitants. When I travelled to my boyfriend's native island, Santo Antao to visit his family in the summer of 2018, everything felt so familiar and yet so foreign.

The scent of coriander perfumed the air and the local food. Its vibrant intensity, its green in my eye and its flavour on my palate, confused both my senses and my ideas. Across the island, I followed its colour and smell, like the street dogs that accompanied me and guided me to unexpected encounters in remarkable places. A journey between dream and reality, imagination and memory, an eternal moment in a suspended world."

Bruno Oliveira (*1993, Sanfins, Portugal) grew up in Luxembourg, where he is currently based. His origins, travel experiences and cultural background form the basis of his artistic work.

(Text: Clervaux - cité de l'image)

Elisabethenanlage | Basel
23. September - 22. Oktober 2022

Die Ausstellung findet ihm Rahmen des 10-jährigen Jubiläums des BelleVue - Ort für Fotografie statt.

Wiedersehen
Ketty Bertossi, Julian Salinas, Beat Schweizer

Wie viele Menschen sehe ich jeden Tag? Wie viele treffe ich jemals wieder an? Die Fotografie hilft mir, mich zu erinnern. Können wir jedoch auch Orten und Menschen dank der Fotografie neu begegnen?

Die Ausstellung «WiederSehen» zeigt anlässlich des 10-jährigen Jubiläums von BelleVue – Ort für Fotografie drei fotografische Positionen in der Elisabethenanlage in der Nähe des Basler Bahnhofs. Die zeitgenössischen Arbeiten sind für diese Ausstellung ortsspezifisch konzipiert worden und greifen auf ganz unterschiedliche Weise das Thema des Wiedersehens auf.

Die fotografischen Inszenierungen «Bäume blühen» von Julian Salinas bringen unterschiedlichste Menschen für eine kurze Zeit zusammen und stellen die Frage, was uns gemeinsam verbindet. Die Grenze von bekannt und fremd verwischt und ebnet den Weg zu einem Verwirrspiel.

Der Berner Fotograf Beat Schweizer erkundet in seiner dokumentarischen Serie «Elisabeth» die vielschichtige Lebenswelt in der Umgebung des Parks. Er hält inne, wo andere weitergehen, und begegnet auf der Strasse Menschen, deren Geschichten er uns erzählt.

Ketty Bertossi untersucht mit ihrer Arbeit «Herz-Rasen» das Verhältnis von Intimität und Öffentlichkeit und überschreitet eigene Grenzen. Sie sucht nach skulpturalen Erscheinungen zwischen zwei Menschen und Momenten, die sie berühren während einer Zeit, wo wir uns nach Berührungen sehnen.

Combien de personnes vois-je chaque jour ? Combien en rencontrerai-je à nouveau ? La photographie m'aide à me souvenir. Mais pouvons-nous également rencontrer à nouveau des lieux et des personnes grâce à la photographie ?

L'exposition "WiederSehen" présente, à l'occasion du dixième anniversaire de BelleVue - Ort für Fotografie, trois positions photographiques dans l'Elisabethenanlage, près de la gare de Bâle. Les travaux contemporains ont été conçus pour cette exposition de manière spécifique au lieu et abordent de manière très différente le thème des retrouvailles.

Les mises en scène photographiques "Bäume blühen" de Julian Salinas réunissent des personnes très différentes pour une courte durée et posent la question de ce qui nous lie. La frontière entre le connu et l'étranger s'estompe et ouvre la voie à un jeu de confusion.

Dans sa série documentaire "Elisabeth", le photographe bernois Beat Schweizer explore les multiples facettes de la vie dans les environs du parc. Il s'arrête là où d'autres continuent et rencontre dans la rue des personnes dont il nous raconte les histoires.

Avec son travail "Herz-Rasen", Ketty Bertossi examine le rapport entre l'intime et le public et dépasse ses propres limites. Elle cherche des apparitions sculpturales entre deux personnes et des moments qui les touchent pendant une période où nous avons envie d'être touchés.

Quante persone vedo ogni giorno? Quanti ne incontrerò ancora? La fotografia mi aiuta a ricordare. Ma possiamo anche incontrare luoghi e persone in modo nuovo grazie alla fotografia?

In occasione del 10° anniversario di BelleVue - Ort für Fotografie, la mostra "WiederSehen" presenta tre postazioni fotografiche nell'Elisabethenanlage vicino alla stazione ferroviaria di Basilea. Le opere contemporanee sono state concepite site-specific per questa mostra e riprendono il tema del ricongiungimento in modi molto diversi.

Gli allestimenti fotografici "Trees Blossom" di Julian Salinas riuniscono per un breve periodo persone molto diverse tra loro e pongono la questione di ciò che ci unisce. Il confine tra familiare ed estraneo si fa labile e apre la strada a un gioco di confusione.

Nella sua serie di documentari "Elisabeth", il fotografo bernese Beat Schweizer esplora l'ambiente di vita a più livelli che circonda il parco. Si ferma dove gli altri vanno avanti e incontra le persone per strada di cui ci racconta le storie.

L'opera di Ketty Bertossi "Herz-Rasen" esplora il rapporto tra intimità e sfera pubblica e trascende i propri confini. Cerca apparizioni scultoree tra due persone e momenti che le toccano in un momento in cui desideriamo il contatto.

How many people do I see every day? How many will I ever meet again? Photography helps me to remember. But can we also encounter places and people anew thanks to photography?

On the occasion of the 10th anniversary of BelleVue - Ort für Fotografie, the exhibition "WiederSehen" shows three photographic positions in the Elisabethenanlage near the Basel train station. The contemporary works have been conceived site-specifically for this exhibition and address the theme of reunion in very different ways.

The photographic stagings "Trees Bloom" by Julian Salinas bring together a wide variety of people for a short time and pose the question of what connects us together. The boundary between familiar and unfamiliar becomes blurred, paving the way for a game of confusion.

In his documentary series "Elisabeth", Bernese photographer Beat Schweizer explores the multi-layered living environment surrounding the park. He pauses where others move on and meets people on the street whose stories he tells us.

Ketty Bertossi's work "Herz-Rasen" explores the relationship between intimacy and the public sphere and transcends its own boundaries. She looks for sculptural appearances between two people and moments that touch them during a time when we long for touch.

(Text: BelleVue - Ort für Fotografie, Basel)

Kunsthalle Basel
17. September 2022 - 6. August 2023

Verkleidung
Ketuta Alexi-Meskhishvili

Ketuta Alexi-Meskhishvili (* 1979) präsentiert ein Ensemble grossformatiger, quasi-abstrakter, fast durchsichtiger fotografischer Bilder, das eigens für die Rückwand der Kunsthalle Basel im Aussenraum entwickelt wurde. Die Bilder sind, wie so oft bei der in Georgien geborenen Künstlerin, eine Mischung aus sachlicher Fotografie, komponierten Bildüberlagerungen und Farbexperimenten aus der Dunkelkammer. Für die Rückwand wurden die Bilder auf perforiertes PVC gedruckt, wie es häufig zur Verkleidung von Baugerüsten zur Anwendung kommt. Sie vertiefen das beharrliche Interesse der Künstlerin daran, die Details des alltäglichen Lebens mit Geschicklichkeit zu betrachten, indem sie diese festhält und mit Licht und Transparenz durchleuchtet.

Ketuta Alexi-Meskhishvili (* 1979) présente un ensemble de visuels photographiques de grand format, quasi-abstraits, presque transparents, spécialement conçus pour le mur du fond de la Kunsthalle Basel, à l'extérieur. Comme souvent chez cette artiste née en Géorgie, les visuels sont un mélange de photographie objective, de superpositions d'images composées et d'expérimentations chromatiques issues de la chambre noire. Pour le mur du fond, les visuels ont été imprimés sur du PVC perforé, souvent utilisé pour recouvrir les échafaudages. Elles approfondissent l'intérêt persistant de l'artiste à observer avec habileté les détails de la vie quotidienne, en les fixant et en les transperçant de lumière et de transparence.

Ketuta Alexi-Meskhishvili (* 1979) presenta un insieme di immagini fotografiche di grande formato, quasi astratte e quasi traslucide, sviluppate appositamente per la parete posteriore dello spazio esterno della Kunsthalle di Basilea. Come spesso accade con l'artista di origine georgiana, le immagini sono un misto di fotografia oggettiva, sovrapposizioni di immagini composte ed esperimenti cromatici in camera oscura. Per la parete posteriore, le immagini sono state stampate su PVC perforato, del tipo spesso utilizzato per coprire le impalcature. Approfondiscono il persistente interesse dell'artista nell'osservare con abilità i dettagli della vita quotidiana, catturandoli e illuminandoli con luce e trasparenza.

Ketuta Alexi-Meskhishvili (*1979) presents an ensemble of large-scale, quasi-abstract, almost diaphanous photographic images specifically developed for the outdoor context of the back wall of Kunsthalle Basel. The images are, as with so much of the Georgian-born artist’s practice, a mix of straight photographs, composite images created by superimposing photographic negatives, and explosions of chroma produced in darkroom processes. Here her images are printed on a PVC mesh often used to conceal building scaffolding. They expand the artist’s persistent interest in looking, deftly, at the minutia of everyday life as it is captured and shot through with transparency and light.

(Text: Kunsthalle, Basel)

Berges de la Thur | Thann
4. Juni - 3. September 2022

Die Ausstellung findet im Rahmen der Biennale de la photographie de Mulhouse statt.

Face au vent du monde
Bernard Plossu

An den Ufern der Thur bietet die Ausstellung Face au vent du monde eine subjektive Reise durch das immense Werk von Bernard Plossu anhand einer Auswahl von Fotografien, die in Wüsten und bei Wanderungen im Hochgebirge entstanden sind. Plossus fotografischer Ansatz wurde durch seine Jahre in New Mexico (1977-1985) und seine Entdeckung von Landschaften geprägt, die er zuvor durch die Western seiner Kindheit kennengelernt hatte. Als physische und metaphysische Erfahrung ist die amerikanische Wüste vor allem eine Begegnung mit der Unermesslichkeit und dem Unvordenklichen, wobei die felsige Umgebung es uns ermöglicht, uns mit der siderischen Welt zu verbinden. Als Raum der Stille und Meditation ist die Wüste in Afrika auch ein Ort der Begegnung mit den Tuareg, den Fulbe- und Bororo-Nomaden, die mit ihren Herden umherziehen. Das Wandern ist eine begleitende Praxis der Fotografie. Bernard Plossu meint: "Noch mehr als das Gehirn oder das Auge ist es der Körper, der beim Gehen das Foto macht. Selbst in der Stille der Wüste, von einem Stein zum anderen wie bei einer Moräne im Hochgebirge".

Bernard Plossu wurde 1945 in Vietnam geboren. Seine ersten Fotos machte er im Alter von 13 Jahren, als er mit seinem Vater in die Sahara reiste. 1965 reiste er nach Mexiko, wo er seine Beatnik-Freunde fotografierte, mit denen er das Wandern und die Freiheit erprobte. Er reist zu den Maya-Indianern, nach Kalifornien, Ägypten, Indien und in den Niger. 1977 lässt sich Bernard Plossu in New Mexico nieder. Dort perfektioniert er einen direkten visuellen Stil, der sich durch das völlige Fehlen von Effekten auszeichnet. In den 1980er Jahren kehrte er nach Europa zurück und wanderte vor allem in Spanien, Frankreich, der Türkei und auf den kleinen italienischen Inseln. Seine sinnlichen und stillen Bilder erinnern an die Weichheit der Körper, der Materie und der Bewegung. Er ist Autor zahlreicher bahnbrechender Werke wie Die mexikanische Reise, The African Desert, Au Nord, Avant l'âge de raison oder L'heure immobile.

Sur les berges de la Thur, l'exposition Face au vent du monde propose une traversée subjective de l'oeuvre immense de Bernard Plossu à partir d'une sélection de photographies réalisées dans des déserts et lors de randonnées en haute montagne. L'approche photographique de Plossu a été marquée par ses années au Nouveau Mexique (1977-1985) et sa découverte de paysages qu'il avait auparavant connu au travers des westerns de son enfance. Expérience physique et métaphysique, le désert américain est avant tout une rencontre avec l'immensité et l'immémorial, le milieu rocheux permettant de nous relier au monde sidéral. Espace de silence et de méditation, le désert est aussi, en Afrique, un lieu de rencontre avec les Touaregs, nomades Peuls et Bororos qui se déplacent avec leurs troupeaux. La marche est une pratique concomitante de la photographie. Pour Bernard Plossu, « Encore plus que le cerveau ou l'oeil, c'est le corps qui fait la photo en marchant. Même dans le calme du désert, d'une pierre à l'autre comme dans une morène en haute montagne. »

Né en 1945 au Vietnam, Bernard Plossu réalise ses premières photos à 13 ans, lors d’un voyage au Sahara avec son père. En 1965, il part au Mexique où il photographie ses amis beatniks avec lesquels il expérimente l’errance et la liberté. Il voyage chez les Indiens mayas, en Californie, en Égypte, en Inde, au Niger. En 1977, Bernard Plossu s’installe au Nouveau Mexique. Il y perfectionne un style visuel direct caractérisé par une absence totale d’effet. Dans les années 80, Il revient vivre en Europe et continue de marcher notamment en Espagne, en France, en Turquie ou sur les petites îles italiennes. Ses images sensuelles et silencieuses évoquent la douceur des corps, de la matière, du mouvement. Il est l’auteur de très nombreux ouvrages ayant fait date, tels que Le Voyage mexicain, The African Desert, Au Nord, Avant l’âge de raison ou L’heure immobile.

Sulle rive della Thur, la mostra Face au vent du monde propone un viaggio soggettivo attraverso l'immenso lavoro di Bernard Plossu, basato su una selezione di fotografie scattate nei deserti e durante le escursioni in alta montagna. L'approccio fotografico di Plossu è stato segnato dagli anni trascorsi in New Mexico (1977-1985) e dalla scoperta di paesaggi che aveva precedentemente conosciuto attraverso i film western della sua infanzia. Esperienza fisica e metafisica, il deserto americano è soprattutto un incontro con l'immensità e l'immemorabile, l'ambiente roccioso ci permette di connetterci con il mondo siderale. Spazio di silenzio e meditazione, il deserto è anche, in Africa, un luogo di incontro con i nomadi Tuareg, Fulani e Bororo che viaggiano con le loro mandrie. Camminare è una pratica concomitante della fotografia. Per Bernard Plossu, "ancor più del cervello o dell'occhio, è il corpo che fa la fotografia mentre cammina. Anche nella calma del deserto, da una pietra all'altra come in una morena in alta montagna.

Nato nel 1945 in Vietnam, Bernard Plossu ha scattato le sue prime foto all'età di 13 anni, durante un viaggio nel Sahara con il padre. Nel 1965 parte per il Messico dove fotografa i suoi amici beatnik con i quali sperimenta il vagabondaggio e la libertà. Ha viaggiato presso gli indiani Maya, in California, in Egitto, in India e in Niger. Nel 1977, Bernard Plossu si trasferì nel Nuovo Messico. Qui ha perfezionato uno stile visivo diretto, caratterizzato da una totale assenza di effetti. Negli anni Ottanta torna in Europa e continua a viaggiare, in particolare in Spagna, Francia, Turchia e nelle piccole isole italiane. Le sue immagini sensuali e silenziose evocano la morbidezza dei corpi, della materia e del movimento. È autore di molte opere fondamentali, come Le Voyage mexicain, Il deserto africano, Au Nord, Avant l'âge de raison e L'heure immobile.

The exhibition Face au vent du monde proposes a personal journey through the vast body of Bernard Plossu's work through a selection of photographs from his treks through the deserts and high mountains. Plossu's time in New Mexico (1977-1985) influenced his photographic approach, as did the landscapes he discovered there, previously known to him from the Westerns of his childhood. The American desert is a physical and metaphysical experience. Above all, it is an encounter with the immense and the immemorial; its rocky terrains allowing connection with the sidereal world. In Africa, this expanse of silence and meditation is also a space of encounter with Tuaregs, Fulani and Bororo nomads traveling with their herds. Walking is a practice concomitant with photography. For Bernard Plossu, “More than the brain or the eye, it is the body taking pictures while walking. Even in the calm of the desert, from one stone to another, like a moraine in the high mountains.”

Born in 1945 in Vietnam, Bernard Plossu took his first photos at the age of 13, during a trip to the Sahara with his father. In 1965, he left for Mexico where he photographed his beatnik friends with whom he experimented with wandering and freedom. He travels to the Mayan Indians, California, Egypt, India and Niger. In 1977, Bernard Plossu moved to New Mexico. There he perfected a direct visual style characterized by a total absence of effect. In the 1980s, he returned to Europe and continued to travel, notably in Spain, France, Turkey and the small Italian islands. His sensual and silent images evoke the softness of bodies, matter and movement. He is the author of many landmark works, such as Le Voyage mexicain, The African Desert, Au Nord, Avant l'âge de raison and L'heure immobile.

(Text: Biennale de la photographie de Mulhouse)

Rieterpark | Zürich
18. März – 12. Juni 2022

CAP Prize 2020 und 2021

Zeitgenössische Fotografie und Afrika: 9 herausragende Fotoserien prämiert mit dem CAP Prize für zeitgenössische afrikanische Fotografie werden im Rahmen einer grossformatigen Freiluft-Ausstellung im Rieterpark zum ersten Mal in Zürich gezeigt.

Der CAP Prize richtet sich an Fotografinnen und Fotografen, deren Arbeiten auf dem afrikanischen Kontinent entstanden sind oder sich mit einer afrikanischen Diaspora beschäftigen. Der Preis besteht aus einer Reihe von Ausstellungen in Zusammenarbeit mit führenden Fotografie- Institutionen und -Festivals in Afrika und dem Rest der Welt.

Die Ausstellung umfasst neun zeitgenössische Fotoserien zu Afrika, die mit dem CAP Prize 2020 und 2021 ausgezeichnet wurden. Die Künstlerinnen und Künstler sind: Aàdesokan, Nigeria; Katel Delia, Frankreich; César Dezfuli, Spanien; Jason Florio, Grossbritannien; M'hammed Kilito, Marokko; Gosette Lubondo, Kongo DRC; Fabrice Monteiro, Belgien; Joseph Obanubi, Nigeria; Ismail Zaidy, Marokko.

Der CAP Prize hat zum Ziel, das Profil der afrikanischen Fotografie in der Kunst zu schärfen und die interessantesten zeitgenössischen Fotografinnen und Fotografen vorzustellen. Jedes Jahr werden fünf Gewinnerinnen und Gewinner von einer international besetzten Jury ausgewählt. Der CAP Prize steht Künstlerinnen und Künstlern jeden Alters und jeder Herkunft offen.

La photographie contemporaine et l'Afrique : 9 séries de photos exceptionnelles récompensées par le CAP Prize - le prix de la photographie africaine contemporaine - sont présentées pour la première fois à Zurich dans le cadre d'une exposition en plein air de grand format au Rieterpark.

Le prix pour la photographie africaine contemporaine, le CAP Prize, s'adresse aux photographes dont le travail a été réalisé sur le continent africain ou qui s'intéresse à une diaspora africaine. Le prix consiste en une série d'expositions en collaboration avec des institutions et des festivals de photographie de premier plan en Afrique et dans le reste du monde.

L'exposition comprend 9 séries de photos contemporaines sur l'Afrique qui ont été récompensées par le CAP Prize 2020 et 2021. Les artistes sont Aàdesokan, Nigeria, Katel Delia, France, César Dezfuli, Espagne, Jason Florio, Grande-Bretagne, M'hammed Kilito, Maroc, Gosette Lubondo, Congo RDC, Fabrice Monteiro, Belgique, Joseph Obanubi, Nigeria, Ismail Zaidy, Maroc

Le CAP Prize a pour objectif d'aiguiser le profil de la photographie africaine dans l'art et d'inciter à repenser l'image de l'Afrique. Chaque année, cinq lauréats sont sélectionnés par un jury international, ce qui permet de promouvoir la photographie africaine dans le monde entier. Le CAP Prize est ouvert aux artistes de tous âges et de toutes origines.

Per la prima volta, una mostra si concentra sulle fotografie dei primi fotografi locali dell'Africa occidentale e centrale. Dalla fine del XIX secolo, hanno creato incantevoli fotografie insieme ai loro clienti in studi all'aperto. Il pensiero dei futuri spettatori era sempre presente; per loro, le persone davanti alla telecamera si mettevano in scena come volevano essere viste dai posteri. In questo modo, le fotografie si distinguono nettamente dalle immagini dei fotografi coloniali, che servivano a confermare un Altro arretrato ed esotico.

Utilizzando un centinaio di stampe originali, la mostra esplora i temi più importanti della storia della fotografia in Africa occidentale e centrale. L'attenzione si concentra sulle peculiarità di questa cultura fotografica e sulle interrelazioni con altre forme d'arte locali.

Contemporary photography and Africa: 9 outstanding photo series awarded with the CAP Prize for contemporary African photography are being presented for the first time in Zurich in an extensive open-air exhibition in the Rieterpark on the grounds of the Museum Rietberg.

The CAP Prize focuses on photographers whose work was created on the African continent or deals with African diasporas. The award takes on the form of a series of exhibitions in collaboration with leading photography institutions and festivals in Africa and across the globe.

The exhibition includes nine contemporary photo series on Africa which were awarded the CAP Prize either in 2020 or in 2021.

(Text: Museum Rietberg, Zürich)

St. Moritz | 46°29'47.6"N 9°52'17.8"E
18. Februar - 30. April 2022

Elevation 1049 / 1822: Echoes
Nancy Baker Cahill , Alicja Kwade

Ausgehend von der ursprünglichen Idee, unsere Ausstellung auf einen breiteren schweizerischen Alpenkontext auszudehnen, und angesichts der anhaltenden Auswirkungen der Pandemie experimentiert Elevation mit einem neuen, kleineren Modell mit zwei Städten und zwei Künstlern. Mit der Konzentration auf zwei neue Auftragsarbeiten, die gleichzeitig in Gstaad (1049) und St. Moritz (1822) präsentiert werden, verbindet die diesjährige Ausgabe zwei der bekanntesten Alpenlandschaften: das Engadin und das Saanenland. In Erwartung eines umfangreicheren Programms im Jahr 2023 erkundet die diesjährige Ausgabe neue Möglichkeiten und blickt optimistisch in die Zukunft.

elevation wird von der Luma Foundation konzipiert und produziert.
echoes Konzept von Neville Wakefield und Olympia Scarry.

Partant de l'idée initiale d'élargir notre exposition à un contexte alpin suisse plus large, et compte tenu des effets persistants de la pandémie, Elevation expérimente un nouveau modèle, plus petit, avec deux villes et deux artistes. En se concentrant sur deux nouvelles œuvres de commande présentées simultanément à Gstaad (1049) et à St-Moritz (1822), l'édition de cette année associe deux des paysages alpins les plus connus : l'Engadine et le Saanenland. En attendant un programme plus étoffé en 2023, l'édition de cette année explore de nouvelles possibilités et envisage l'avenir avec optimisme.

elevation est conçu et produit par la Luma Foundation.
echoes Concept de Neville Wakefield et Olympia Scarry.

Dall'idea originale di estendere la nostra mostra a un più ampio contesto alpino svizzero, e visto l'impatto continuo della pandemia, Elevation sta sperimentando un nuovo modello più piccolo con due città e due artisti. Concentrandosi su due opere di nuova commissione presentate simultaneamente a Gstaad (1049) e St Moritz (1822), l'edizione di quest'anno collega due dei più noti paesaggi alpini: l'Engadina e il Saanenland. In previsione di un programma più ampio nel 2023, l'edizione di quest'anno esplora nuove possibilità e guarda con ottimismo al futuro.

elevation è concepito e prodotto da Luma Foundation.
echoes concept di Neville Wakefield e Olympia Scarry.

Reflecting on the initial idea to widen our show in a broader Swiss alpine context and the ongoing impact of the pandemic, Elevation is experimenting with a new, smaller scale, two-cities, two-artists model. Concentrating our efforts on two new commissions, presented simultaneously in locations in Gstaad (1049) and St. Moritz (1822), this year’s iteration is connecting two of the best-known Alpine landscapes, that of Engadin and Saanenland. In anticipation of a more expansive program in 2023, this year’s unique edition explores new possibilities looking optimistically to the future.

Elevation is conceived and produced by Luma Foundation.
Echoes concept by Neville Wakefield and Olympia Scarry.

(Text: Luma Foundation)

Gstaad | 46°30'55.5"N 7°18'32.4"E
18. Februar - 31. Mai 2022

Elevation 1049 / 1822: Echoes
Nancy Baker Cahill , Alicja Kwade

Ausgehend von der ursprünglichen Idee, unsere Ausstellung auf einen breiteren schweizerischen Alpenkontext auszudehnen, und angesichts der anhaltenden Auswirkungen der Pandemie experimentiert Elevation mit einem neuen, kleineren Modell mit zwei Städten und zwei Künstlern. Mit der Konzentration auf zwei neue Auftragsarbeiten, die gleichzeitig in Gstaad (1049) und St. Moritz (1822) präsentiert werden, verbindet die diesjährige Ausgabe zwei der bekanntesten Alpenlandschaften: das Engadin und das Saanenland. In Erwartung eines umfangreicheren Programms im Jahr 2023 erkundet die diesjährige Ausgabe neue Möglichkeiten und blickt optimistisch in die Zukunft.

elevation wird von der Luma Foundation konzipiert und produziert.
echoes Konzept von Neville Wakefield und Olympia Scarry.

Partant de l'idée initiale d'élargir notre exposition à un contexte alpin suisse plus large, et compte tenu des effets persistants de la pandémie, Elevation expérimente un nouveau modèle, plus petit, avec deux villes et deux artistes. En se concentrant sur deux nouvelles œuvres de commande présentées simultanément à Gstaad (1049) et à St-Moritz (1822), l'édition de cette année associe deux des paysages alpins les plus connus : l'Engadine et le Saanenland. En attendant un programme plus étoffé en 2023, l'édition de cette année explore de nouvelles possibilités et envisage l'avenir avec optimisme.

elevation est conçu et produit par la Luma Foundation.
echoes Concept de Neville Wakefield et Olympia Scarry.

Dall'idea originale di estendere la nostra mostra a un più ampio contesto alpino svizzero, e visto l'impatto continuo della pandemia, Elevation sta sperimentando un nuovo modello più piccolo con due città e due artisti. Concentrandosi su due opere di nuova commissione presentate simultaneamente a Gstaad (1049) e St Moritz (1822), l'edizione di quest'anno collega due dei più noti paesaggi alpini: l'Engadina e il Saanenland. In previsione di un programma più ampio nel 2023, l'edizione di quest'anno esplora nuove possibilità e guarda con ottimismo al futuro.

elevation è concepito e prodotto da Luma Foundation.
echoes concept di Neville Wakefield e Olympia Scarry.

Reflecting on the initial idea to widen our show in a broader Swiss alpine context and the ongoing impact of the pandemic, Elevation is experimenting with a new, smaller scale, two-cities, two-artists model. Concentrating our efforts on two new commissions, presented simultaneously in locations in Gstaad (1049) and St. Moritz (1822), this year’s iteration is connecting two of the best-known Alpine landscapes, that of Engadin and Saanenland. In anticipation of a more expansive program in 2023, this year’s unique edition explores new possibilities looking optimistically to the future.

Elevation is conceived and produced by Luma Foundation.
Echoes concept by Neville Wakefield and Olympia Scarry.

(Text: Luma Foundation)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
17. Dezember 2021 - 21. Oktober 2022

Arno Rafael Minkkinen

Das Menschsein ist ein dynamischer Prozess, ein Wechselspiel von Umständen und Kontexten, die angegangen und überwunden werden wollen. Herausforderungen stellen sich in Form von Rätseln, die es zu lösen, Aufgaben, die es zu übernehmen, und Etappen, die es zu durchlaufen gilt. So entwickelt sich das Dasein weiter. Diese „Entwicklung" ist jedoch nicht mit einer „Revolution" gleichzusetzen. Sie kann durchaus auch im Stillen erfolgen, in der Intimität eines einzelnen Lebens, dem eines Menschen.

Eine Vielzahl an Strategien begünstigt den reibungslosen Ablauf dieses existenziellen Prozesses. Die des Fotografen Arno Rafael Minkkinen offenbart sich in einem Werk, das „Two Hundred Seasons" (1) umfasst.

Seine fotografische Arbeit wird häufig beschrieben als eine Inszenierung des menschlichen Körpers im Raum - Landschaftsaufnahmen, die den Körper des Künstlers (oder seines Modells) einverleiben, um in einen Dialog zu treten.

Die Fragestellung erfolgt auf mehreren Ebenen und schließt den Monolog nicht aus. Die Gegenüberstellung - Körper und Landschaft - wird bis zum Äußersten getrieben. Die menschliche Gestalt scheint Teil des Dekors zu werden. Es ist ein regelrechtes Eintauchen, das mitunter so weit geht, dass der Mensch in der Landschaft zu verschwinden droht. Wenn der Körper der eigentliche Gegenstand des Werks ist, weshalb bringt man ihn dann bis an die Grenzen seiner symbolischen Auflösung? Auf manchen Fotografien hebt sich der Körper deutlich vom Hintergrund ab, doch er evoziert etwas anderes und wird etwa zur Wolke, zum Stein oder zum Felsen ...

Er gibt seinen subjektiven Charakter auf, um in die Rolle eines Bildelements zu schlüpfen, und unterliegt als solches neuen Regeln: visuellen statt physikalischen Gesetzen.

„Aus der Form brechen." Ja, aber das alleine reicht nicht, da wäre der Prozess nur zur Hälfte abgeschlossen. „Gestalt verleihen" oder vielmehr „Gestalt annehmen" ist die logische Folge. Diese Taktik lässt sich in der Natur ebenso wie in militärischen Strategien wiederfinden. Das Verhalten bewegt sich zwischen Tarnung und Mimese. Dabei mutet es in der Natur und im Krieg nur weniger poetisch an als in der Kunst. „Verschwinden" um weiter zu existieren und das Überleben zu sichern - so der Grundgedanke ...

In der Romantik findet sich dieses Prinzip im Konzept der „Entgrenzung" wieder. Eine Person verleugnet ihre Identität bis zu dem Punkt, am dem sie als Mensch nicht mehr existiert. Der Moment ist von kurzer Dauer, aber lang genug, um das Selbstempfinden auszuschalten und etwas anderes zu werden - ein Teil der Landschaft? Dieses Verschmelzen mit der Natur, mit der Welt, hat eine überraschend paradoxe Wirkung. Sie führt zurück zu dem, was zu „zerbrechen" bereit ist : der Mensch. Ein starkes Gefühl, das ein geschärftes Bewusstsein mit sich bringt: Der Akteur wird zum Beobachter. Mit dieser neuen Perspektive erhalten die Ideen einen objektiven und freien Charakter. Die Gedanken lösen sich von ihrem Urheber, erfahren eine universelle Öffnung. Prioritäten verschieben sich, Hierarchien stehen Kopf. Die Bilder setzen sich neu zusammen, sie entziehen sich dem Offensichtlichen und werden aufschlussreich:

„The secret of the world we are seeking must necessarily be contained in my contact with it. Inasmuch as I live it, I possess the meaning of everything I live." (2)

Zu einem solchen Ansatz braucht es Mut, denn er kommt einem Tauchen bis auf den Grund gleich. Das Gefühl und die Erfahrung, die sich daraus ergeben, müssen einzigartig und herrlich subjektiv sein.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) lebt und arbeitet in Massachusetts und Finnland. Er wurde in Finnland geboren, wanderte aber 1951 in die Vereinigten Staaten aus. Anfang der 1970er Jahre studierte er an der Rhode Island School of Design. Heute ist er Professor für Kunst an der University of Massachusetts Lowell und Dozent an der Aalto-Universität in Helsinki. Weltweit veröffentlicht und ausgestellt, befinden sich Minkkinens Arbeiten in den großen Sammlungen des MoMA in New York, des Centre Pompidou und des Musée d'Art Moderne in Paris sowie des Tokyo Metropolitan Museum of Photography. Der finnisch-amerikanische Fotograf erforscht stets die Beziehung zwischen dem nackten Körper und der Umwelt. Seine Aufnahmen sind angesiedelt zwischen Selbstporträt und Landschaftsfotografie.

La condition humaine est un processus dynamique et changeant. Elle est agencée de circonstances et de contextes qui désirent être confrontés et surmontés. Les défis se présentent comme des énigmes à résoudre, comme des devoirs à assumer, des étapes à passer. Ainsi l'existence connaît son évolution. Cette « évolution » n'est pas à confondre avec « révolution ». Elle peut se faire en silence, dans le cadre intime d'une vie singulière, celle d'un individu.

Des stratégies multiples favorisent la fluidité de ce processus existentiel. Celle du photographe Arno Rafael Minkkinen est retracée dans une œuvre qui vaut « deux cents saisons » (1).

Son travail photographique est souvent décrit comme une mise en scène du corps humain dans l'espace, voire des vues paysagères qui abritent la silhouette de l'artiste (ou de son modèle) pour créer un dialogue.

Le questionnement se déroule à différents niveaux et n'exclut pas le monologue. Le face-à-face - corps et paysage - est poussé à l'extrême. La figure humaine semble devenir un élément du décor. Il y a véritable immersion jusqu'au risque de disparaître dans le paysage. Si le corps est le sujet de l'œuvre, pourquoi le pousser aux limites de sa dissolution symbolique? Dans certaines photographies, le corps se détache très bien du fonds, mais il évoque autre chose, il devient nuage, par exemple, ou pierre, ou rocher, ...

Il abandonne son empreinte subjective pour occuper le rôle d'un élément pictural et en tant que tel il est soumis à de nouvelles règles, des lois visuelles et non physiques.

« Sortir du moule ». Le synonyme dirait « casser les formes ». Mais cet acte ne suffit pas. On n'est qu'à mi-chemin d'une quête. « Épouser les formes » lance la suite logique. C'est une tactique qu'on retrouve dans la nature et qui est reprise également dans la pensée militaire. Le comportement se situe entre camouflage et mimétisme. Dans la nature et en guerre, il s'expose avec moins de poésie que dans les arts. Inciter à « disparaître » pour continuer à exister et pour assurer la survie, telle est sa signification.

La tradition romantique retrouve ce principe dans l'idée de « Entgrenzung ». L'individu nie son identité jusqu'au point de ne plus exister en tant qu'humain. Le moment est de courte durée, mais assez long pour surmonter la sensation de soi et pour devenir autre chose, pour devenir - une partie du paysage ? Cette fusion avec la nature, avec le monde, provoque un effet étonnamment paradoxal. Il ramène à ce qui est prêt à « se casser » : l'individu. C'est une sensation forte qui apporte une conscience poussée : l'acteur prend la place de l'observateur. Dans la nouvelle perspective, les idées adoptent un caractère objectif et libre. Les pensées sont dissociées de son auteur, elles suggèrent des ouvertures universelles. Les priorités se décalent, les hiérarchies se renversent. Les images se recomposent, elles échappent à l'évidence et deviennent révélatrices :

« The secret of the world we are seeking must necessarily be contained in my contact with it. Inasmuch as I live it, I possess the meaning of everything I live. » (2)

C'est une démarche qui nécessite du courage, car elle est l'équivalent d'une plongée jusqu'aux profondeurs. L'expérience et le sentiment qui en résultent, doivent être uniques et merveilleusement subjectifs.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) vit et travaille au Massachusetts et en Finlande. Il est né en Finlande, mais a immigré aux États-Unis en 1951. Il a étudié à l'École de design de Rhode Island au début des années 1970. Aujourd'hui, il est professeur d'art à l'Université du Massachusetts Lowell et professeur à l'université Aalto d'Helsinki. Ses photographies ont été publiées et exposées dans le monde entier, et de grandes collections telles que le MoMA de New York, le Centre Pompidou et le Musée d'art moderne de Paris ainsi que le Musée métropolitain de la photographie de Tokyo conservent ses œuvres. Minkkinen explore toujours le rapport entre le corps nu et l'environnement. Ses photographies se situent entre l'autoportrait et la photographie de paysages.

Essere umani è un processo dinamico, un'interazione di circostanze e contesti che devono essere affrontati e superati. Le sfide si presentano sotto forma di puzzle da risolvere, compiti da intraprendere e fasi da superare. È così che l'esistenza si evolve. Tuttavia, questo "sviluppo" non deve essere equiparato a una "rivoluzione". Può avvenire anche in silenzio, nell'intimità di una sola vita, quella di un essere umano.

Una varietà di strategie favorisce il buon funzionamento di questo processo esistenziale. Quella del fotografo Arno Rafael Minkkinen si rivela in un corpo di lavoro che comprende "Two Hundred Seasons" (1).

Il suo lavoro fotografico è spesso descritto come una messa in scena del corpo umano nello spazio - fotografie di paesaggio che incorporano il corpo dell'artista (o del suo modello) per entrare in un dialogo.

L'interrogatorio si svolge su più livelli e non esclude il monologo. La giustapposizione - corpo e paesaggio - è portata all'estremo. La figura umana sembra diventare parte della decorazione. È una vera e propria immersione che a volte arriva al punto che l'essere umano minaccia di scomparire nel paesaggio. Se il corpo è il vero oggetto dell'opera, perché portarlo ai limiti della sua dissoluzione simbolica? In alcune fotografie, il corpo si distingue chiaramente dallo sfondo, ma evoca qualcos'altro e diventa, per esempio, una nuvola, una pietra o una roccia...

Rinuncia al suo carattere soggettivo per assumere il ruolo di elemento pittorico, e come tale è soggetto a nuove regole: leggi visive piuttosto che fisiche.

"Rompere la forma". Sì, ma questo da solo non basta, il processo sarebbe completato solo a metà. "Dare forma" o piuttosto "prendere forma" è la logica conseguenza. Questa tattica si trova sia in natura che nelle strategie militari. Il comportamento si muove tra il mimetismo e la mimesi. Sembra solo meno poetico nella natura e nella guerra che nell'arte. "Sparire" per continuare ad esistere e garantire la sopravvivenza - questa è l'idea di base...

Nel Romanticismo, questo principio si trova nel concetto di "dissoluzione dei confini". Una persona nega la sua identità al punto che non esiste più come essere umano. Il momento è di breve durata, ma abbastanza lungo da eliminare il senso di sé e diventare qualcos'altro - una parte del paesaggio? Questa fusione con la natura, con il mondo, ha un effetto sorprendentemente paradossale. Si ritorna a ciò che è pronto a "rompersi": l'essere umano. Un sentimento forte che porta con sé una maggiore consapevolezza: l'attore diventa l'osservatore. Con questa nuova prospettiva, le idee assumono un carattere oggettivo e libero. I pensieri si staccano dal loro originatore, sperimentano un'apertura universale. Le priorità si spostano, le gerarchie si ribaltano. Le immagini si ricompongono, eludono l'ovvio e diventano rivelatrici:

"Il segreto del mondo che cerchiamo deve necessariamente essere contenuto nel mio contatto con esso. Nella misura in cui lo vivo, possiedo il senso di tutto ciò che vivo". (2)

Un tale approccio richiede coraggio, perché è come immergersi fino in fondo. La sensazione e l'esperienza che ne risultano devono essere uniche e gloriosamente soggettive.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) vive e lavora in Massachusetts e in Finlandia. È nato in Finlandia ma è emigrato negli Stati Uniti nel 1951. Nei primi anni '70 ha studiato alla Rhode Island School of Design. Oggi è professore d'arte all'Università del Massachusetts Lowell e docente alla Aalto University di Helsinki. Pubblicato ed esposto in tutto il mondo, il lavoro di Minkkinen si trova nelle principali collezioni del MoMA di New York, il Centre Pompidou e il Musée d'Art Moderne di Parigi, e il Tokyo Metropolitan Museum of Photography. Il fotografo finlandese-americano esplora sempre la relazione tra il corpo nudo e l'ambiente. Le sue fotografie si situano tra l'autoritratto e la fotografia di paesaggio.

The human condition is a dynamic and changing process, marked by circumstances and situations that must be confronted and surmounted. Challenges present themselves in the form of mysteries to resolve, tasks to take on, landmarks to reach. Thus, existence our is defined by evolution - not to be confused with "revolution". It can happen in silence, in the intimate setting of an individual life.

Multiple strategies can help the fluidity of this existential process along. Photographer Arno Rafael Minkkinen displays his in an œuvre worth "two hundred seasons" (1).

His photographic work is often described as a staging of the human body in space, or, conversely, landscape vistas harbouring the artist's (or his model's) silhouette to create a dialogue. This questioning happens on several levels and does not exclude the monologue. The juxtaposition of body and landscape is taken to the extreme. The human figure becomes part of the background, almost disappearing within the setting. If the body is the subject, why push it to the limits of its symbolic dissolution? In some photographs, the body clearly stands out from the background, but conjures up something else - it becomes a cloud, or a rock, or a tree trunk...

It abandons its subjective role to take the place of a pictural element and is thus subject to new rules, to visual rather than physical laws.

"Breaking the mould" implies destruction. But this act is not enough. We are only halfway on our quest. The next logical step will be giving shape to something new, fitting neatly into its setting. This is a strategy we find in nature, but also in military thinking. Something between camouflage and mimetics. In nature as in war, it exposes itself less poetically than in the arts. Compelled to "disappear" in order to continue existing and guarantee survival: this is what it means.

The romantic tradition uses this principle in the concept of "Entgrenzung". The individual denies his identity until he stops existing as a human being. The moment doesn't last long, but long enough to overcome the feeling of self and to become something else, to become... part of the landscape? This merging with nature, with the world, elicits a strangely paradoxical effect. It takes us back to what is ready to "break": the individual. It is an overwhelming feeling which forces consciousness past its limits: the actor takes the place of the observer. In this new perspective, ideas take on an objective and free spirit. Thoughts are dissociated from the thinker, suggesting universal openings. Priorities shift, hierarchies are toppled. The images take on a new shape, escaping the obvious and revealing the mystery hidden within:

"The secret of the world we are seeking must necessarily be contained in my contact with it. Inasmuch as I live it, I possess the meaning of everything I live." (2)

This step requires courage, for it is the equivalent of a deep dive. The resulting experience and feeling, however, must be unique and marvellously subjective.

Arno Rafael Minkkinen (*1945) lives and works in Massachusetts and Finland. Born in Finland, he emigrated to the United States in 1951. He studied at the Rhode Island School of Design in the early 1970s. Today, he is a Professor of Art at UMass Lowell and a Docent at Helsinki's Aalto University. His photographs have been published and exhibited all around the world and major collections such as the MoMA in New York, the Centre Pompidou and Musée d'Art Moderne in Paris, and the Tokyo Metropolitan Museum of Photography hold his work. Minkkinen is always exploring the relationship between the nude body and the environment. His photographs inhabit the space between self-portraiture and landscape photography.

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
22. Oktober 2021 - 21. Oktober 2022

Yohanne Lamoulère

Jede Großstadt hat ihre eigene Geschichte, einen unverwechselbaren Puls und eine besondere Lebensart, die durch ihre Entwicklung bedingt ist.

Die Ballungsräume unserer Zeit sind lebende Organismen, die den Menschen gleichermaßen beherbergen und verschlingen.

Bauten skizzieren Stadtviertel, die zu Mikrokosmen werden. Ihre Häuser und Wohnblöcke sind kurzlebige, mutierende Zellen. Je weiter sie vom Kern (der Stadt) entfernt liegen, je mehr sie zur äußeren Membran der pulsierenden Materie - sprich der Peripherie - gehören, desto eher droht ihr Dasein einem durch Wachstum und politische Ideologien begründeten Wandel unterworfen zu sein. Es wird hochgezogen und wieder abgerissen, um neu aufzubauen. Eine urbanistische  Vision folgt der nächsten - und zerschellt. Das Stadtbild leidet. Und alles beginnt von vorne ... Die Landschaft zeigt sich instabil.

Yohanne Lamoulère beleuchtet dieses Phänomen mithilfe ihrer Fotografien. Sie beschäftigt sich mit den jüngsten Trends zur Neugestaltung der Vororte und den daraus resultierenden Konsequenzen für die Anwohner. Die Konzepte dieser Veränderungen sind meist umstritten, da sie nicht aus dem Gebiet selbst erwachsen sind, sondern einfach übertragen, auferlegt oder aufgezwungen wurden. Wenn der öffentliche Raum nicht länger ein gemeinschaftlich definierter Ort des Beisammenseins ist, wird die Stadt zur Täuschung - „Ici ment la ville"!

Wie lebt es sich in einem solch trügerischen Milieu? Ist es noch erträglich oder angemessen für den Menschen, der seinen Platz finden muss, um nicht in der anonymen Masse unterzugehen?

Jeder von uns muss im Laufe seines Lebens die eigene Individualität behaupten. Dabei gründet die Suche nach sich selbst auch in der lokalen Verwurzelung und dem Bedürfnis, sich mit seinem Umfeld und seiner Umgebung zu identifizieren. Die Selbstwahrnehmung ist ein unfertiges Werk, ein Prozess, im Entstehen begriffen ... Damit sie sich entfalten kann, bedarf es eines fruchtbaren Bodens.

„Aus der Form brechen. Gestalt verleihen."

Yohanne Lamoulère erzählt in Bildern von diesem Bedürfnis des Einzelnen: Verwirrung stiften, der Lüge die Stirn bieten, vordefinierte Normen aufbrechen, gegen den Strom schwimmen. Kurzum: leben.

Yohanne Lamoulère (*1980) lebt und arbeitet in Marseille (Frankreich). Nach ihrer Jugendzeit auf den Komoren schloss sie 2004 ihr Studium an der École nationale supérieure de la photographie in Arles ab. Die Lieblingsthemen der Künstlerin, die Mitglied des Kollektivs Tendance Floue ist, sind die Peripherie der Städte und die Insularität in all ihrer Vielförmigkeit. 2018 erschien bei Le Bec en l'air „Faux Bourgs" mit ihren gesammelten Arbeiten über die Stadt Marseille. Lamoulère gehört auch dem Kollektiv Zirlib mit Regisseur Mohamed El Khatib an. 2021 bereitete sie ihren ersten Film vor: „L'œil Noir".

Les grandes villes ont chacune leur propre histoire, un rythme distinctif et un code de vie spécifique et relatif à leur évolution.

Les agglomérations contemporaines sont des organismes vivants qui, dans une équation égale, abritent et engloutissent l'être humain.

Des bâtisses esquissent des quartiers qui deviennent des microcosmes. Leurs immeubles sont des cellules éphémères et mutantes. Plus elles se situent à distance du noyau (centre-ville), plus elles se localisent en membrane externe de la matière vibrante, voire en périphérie, plus leur existence risque de subir l'autorité du changement par argumentation de la croissance et des idéologies politiques. On construit et on détruit pour reconstruire. Les visions urbanistes se succèdent et se brisent ; le décor détériore. Le cycle recommence. Le paysage se présente instable.

Yohanne Lamoulère parle de ce phénomène à travers ses photographies. Elle s'intéresse aux tendances actuelles de réaménagement des quartiers périphériques des villes et des conséquences qui en résultent pour l'habitant. Les concepts pour ces transformations sont le plus souvent polémiques, car ils n'ont pas grandi sur le territoire même, mais ont été importés, voire implantés et imposés. Au moment où l'espace public ne représente plus un lieu de partage défini en communauté, la ville devient une tromperie : « Ici ment la ville » !

Comment exister dans un décor malhonnête? Est-ce un milieu toujours vivable et adapté à l'être humain sachant que chacun porte le besoin de se trouver une place pour ne pas se perdre dans la foule de l'anonymat.

Au cours de son existence, toute personne doit affirmer son individualité. La quête de soi est entre autres favorisée par l'ancrage local et le besoin de s'identifier avec son entourage et le territoire. Le sens de soi est une œuvre non finie. Il s'agit d'un processus en création. Il faut un terrain fertile pour assurer son évolution.

« Sortir du moule. Épouser les formes. »

Yohanne Lamoulère raconte en images cette nécessité de l'individu : Provoquer la confusion, tenir tête au mensonge, désarmer les normes prédéfinies, nager à contre-courant. Enfin, respirer la vie à pleins poumons.

Yohanne Lamoulère (*1980) vit et travaille à Marseille (France). Après une adolescence passée aux Comores, elle est diplômée de l'École nationale supérieure de la photographie d'Arles en 2004. Membre du collectif Tendance Floue, ses thèmes de prédilection sont la périphérie des villes et l'insularité dans ce qu'elle a de protéiforme. Elle publie « Faux Bourgs » aux éditions Le Bec en l'air en 2018, compilation de son travail sur la ville de Marseille. Elle fait également partie du collectif Zirlib avec le metteur en scène Mohamed El Khatib. En 2021, elle prépare son premier film, « L'œil Noir ».

Ogni metropoli ha la sua storia, un polso caratteristico e un modo di vivere particolare condizionato dal suo sviluppo.

Le conurbazioni del nostro tempo sono organismi viventi che ospitano e divorano le persone in egual misura.

Gli edifici delineano quartieri della città che diventano microcosmi. Le loro case e i loro condomini sono cellule mutanti di breve durata. Più sono lontani dal nucleo (della città), più appartengono alla membrana esterna della materia pulsante - cioè la periferia - più la loro esistenza rischia di essere sottoposta a un cambiamento giustificato dalla crescita e dalle ideologie politiche. Viene tirato su e abbattuto di nuovo per essere ricostruito. Una visione urbanistica segue l'altra - e crolla. Il paesaggio urbano ne soffre. E tutto ricomincia da capo ... Il paesaggio è instabile.

Yohanne Lamoulère illumina questo fenomeno con l'aiuto delle sue fotografie. Lei esamina le ultime tendenze nella riqualificazione delle periferie e le conseguenze che ne derivano per i residenti. I concetti di questi cambiamenti sono di solito controversi, poiché non sono cresciuti dall'area stessa, ma sono stati semplicemente trasferiti, imposti o imposti. Quando lo spazio pubblico non è più un luogo di ritrovo definito a livello comunitario, la città diventa una finzione - "Ici ment la ville"!

Come si vive in un ambiente così ingannevole? È ancora sopportabile o appropriato per l'essere umano che deve trovare il suo posto per non annegare nella massa anonima?

Nel corso della nostra vita, ognuno di noi deve affermare la propria individualità. Nel processo, la ricerca di se stessi si basa anche sulle radici locali e sul bisogno di identificarsi con il proprio ambiente e la propria zona. L'autopercezione è un lavoro in corso, un processo in divenire... Perché si sviluppi, ha bisogno di un terreno fertile.

"Uscire dalla forma. Dare forma".

Yohanne Lamoulère ci racconta per immagini questo bisogno dell'individuo: Creare confusione, sfidare le bugie, rompere le norme predefinite, nuotare controcorrente. In breve: per vivere.

Yohanne Lamoulère (*1980) vive e lavora a Marsiglia (Francia). Dopo aver trascorso la sua giovinezza nelle Comore, si è laureata all'École nationale supérieure de la photographie di Arles nel 2004. Membro del collettivo Tendance Floue, i soggetti preferiti dall'artista sono la periferia delle città e l'insularità in tutta la sua multiformità. Nel 2018, Le Bec en l'air ha pubblicato "Faux Bourgs" con le sue opere raccolte sulla città di Marsiglia. Lamoulère fa anche parte del collettivo Zirlib con il regista Mohamed El Khatib. Nel 2021, prepara il suo primo film: "L'œil Noir".

Every city has its history, its own rhythm and a particular way of life rooted in its evolution.

The metropolis of our time is a living organism, both sheltering and devouring the individual.

Neighbourhoods are delineated by buildings, turning into microcosms. The houses and blocks are ephemeral, mutating cells. The further they are from the city's core and the more they lie on the external membrane of the vibrant central substance, or even outside of it, the more their existence is subject to change justified by growth or political ideologies. They are built, only to be destroyed and built up again. One urbanistic vision after another pops up and is shattered, each degrading the setting. The cycle starts anew. The cityscape appears unstable.

Yohanne Lamoulère shows this phenomenon through her photographs. She is interested in the latest trends in urban redevelopment of peripheral neighbourhoods and the consequences for their residents. The concepts for these transformations are often highly controversial, as they have not grown out of the neighbourhood itself, but are imported, imposed, inflicted even. When the public space no longer represents a common area defined within a community, the city turns into deception - "Ici ment la ville"!

How do you exist in a dishonest setting? Is it still liveable, appropriate for human beings, knowing that each of them needs to find their place to avoid getting lost in the anonymous crowd?

Every person must claim their individuality during their life. This quest for identity is assisted by a sense of place, finding one's roots and identifying with one's surroundings. This sense of self is an unfinished work, a constant process. A fertile soil is required for its development.

"Breaking the mould. Giving shape."

In her images, Yohanne Lamoulère tells of this individual need: sowing confusion, opposing the lie, disarming predefined norms, swimming against the current. In short: living life to the fullest.

Yohanne Lamoulère (*1980) lives and works in Marseille (France). After growing up on the Comoros Islands, she graduated from the École nationale supérieure de la photographie in Arles in 2004. She's a member of the collective Tendance Floue and her themes include the urban periphery and the insularity within its multifaceted aspects. "Faux Bourgs", a compilation of her work on the city of Marseille, was published in 2018. She is also part of the collective Zirlib with the director Mohamed El Khatib. She is currently working on her first film, "L'œil Noir".

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
15. Oktober 2021 - 14. Oktober 2022

As Usual
Brooke DiDonato

Die fotografischen Bilder von Brooke DiDonato vermitteln künstlerische Subversion auf sanfte und betörende Weise. Die Fotografin zeigt eine scheinbar friedliche und idyllische Welt. Die entspannte Atmosphäre ist geprägt von der Ästhetik der 1950er Jahre. Dabei fühlt sich der Betrachter an den American Dream erinnert. Die Vorstellung des gemütlichen Heims oder des gepflegten und ordentlichen Gartens spiegelt sich in den Motiven wider, und die Kulturlandschaft wird in sorgfältig zusammengestellten Ansichten beleuchtet. Das Farbenspiel schmeichelt dem Auge, das Dekor ist ansprechend, wie in einem Einrichtungskatalog. So stellt sich denn auch auf den ersten Blick ein Gefühl des Vertrauens und der Sicherheit ein. Die Abzüge lassen glauben, dass alles ist, wie es sein sollte - wie immer halt ...

Aber der Kopf erkennt schneller als das Auge: Jedes Bild ist geprägt von etwas Skurrilem, etwas Unausgewogenem, einer verzerrten Inszenierung der Wirklichkeit. In diesem surrealen Kosmos verströmt jede Fotografie ein Gefühl von unmittelbarer Gefahr. Gleichzeitig zeugen die Bilder von einem fesselnden Humor. Diese ach so ruhige Welt, in der das Leben einem gemäßigten und menschenfreundlichen Rhythmus zu folgen scheint, ist reine Täuschung, denn schnell offenbaren die Bilder eine verstörende Dimension - versteckt ... oder vielmehr höchst offensichtlich! Die Lüge liegt auf der Hand, sie beruht auf der fehlenden Logik des Dargestellten, der Zweckentfremdung vertrauter Gegenstände oder dem Ignorieren physikalischer Gesetze, auf manipulierten Gewohnheiten, unvollständigen, ja ungewöhnlichen Figuren und enttäuschten Erwartungen.

Die Bilder von Brooke DiDonato führen ein Eigenleben und entziehen sich jeglicher Norm. Sie bilden zwar gewohnte Formen nach und bedienen sich der gängigen Regeln der Bildkomposition, doch es ist alles nur Illusion. Brüche sind allgegenwärtig und schleusen das Paradoxe ein. Authentisch und nüchtern zeigen die Fotografien völlig unvermittelt, was sie sind: Bilder, Illusionen, nichts als visuelles Storytelling.

Die Fantasie kann vielerlei Gestalt verleihen - sogar die ungewöhnlichste. Und dabei degradiert sie dieses Spiel keineswegs zur Banalität, da sie hier schlichtweg in Perfektion beherrscht wird ...

Brooke DiDonato (*1990) lebt und arbeitet hauptsächlich in New York (USA). Nach dem Studium des Fotojournalismus an der University of Kent entwickelte sie eine persönliche Arbeit, in der sie den durch das Medium der Fotografie induzierten Begriff des Realismus hinterfragt. Indem sie durch „visuelle Anomalien" verzerrte Szenen des alltäglichen Lebens darstellt und sie in ein pastellfarbenes Universum taucht, das an den amerikanischen Traum der Fünfziger erinnert, hebt sie besonders die suggestive Kraft des Geschichtenerzählens durch Bilder hervor. Sie stellt regelmäßig in der ganzen Welt aus - in den Vereinigten Staaten, Kanada, Frankreich, Deutschland und dem Vereinigten Königreich.

Les images photographiques de Brooke DiDonato racontent la subversion artistique d'un ton doux et ensorcelant. La photographe montre un univers apparemment paisible et idyllique. L'atmosphère reposante est marquée par l'esthétique des années 50. Le spectateur se rappelle l'idée du rêve américain. Les concepts du foyer cosy, du jardin bien entretenu et ordonné se reflètent dans les motifs. Le paysage culturel et domestiqué est décrit dans des vues soigneusement composées. Le chromatisme est agréable à l'œil, les décors donnent envie, comme dans un catalogue de décoration. Un sentiment de confiance et de sécurité s'installe au premier regard. Les clichés font croire que tout est comme il devrait l'être - comme d'habitude d'ailleurs.

Mais la tête distingue plus vite que les yeux : chaque image renferme une bizarrerie, elle illustre un déséquilibre, une mise en scène décalée du réel. De cet univers surréaliste, le danger paraît imminent et inhérent à chaque photographie. Simultanément, ces images témoignent d'un humour captivant. Ce monde si tranquille, qui respire la vie à un rythme modéré et bien adapté à l'échelle humaine, n'est que tromperie. Les images révèlent vite une dimension grave, une dimension cachée - ou plutôt très apparente ! Le mensonge est évident, il repose sur l'absence de la logique des événements, le sens détourné des objets familiers, les règles ignorées de la physique, les habitudes manipulées, la présence de silhouettes incomplètes, voire insolites et sur les attentes déchues.

Les images de Brooke DiDonato prennent une vie autonome pour se situer hors normes. Elles reproduisent bien le moule habituel et font usage des codes picturaux en vigueur, mais tout n'est qu'illusion. La rupture est omniprésente et introduit le paradoxe. Plus authentiques qu'enivrantes, les photographies montrent d'une manière directe ce qu'elles sont : des images, des illusions, rien qu'une narration visuelle.

L'imagination peut épouser toutes les formes : même les plus habituelles. Ce jeu ne la dégrade nullement au niveau de la banalité, puisqu'elle est menée ici jusqu'à la perfection.

Brooke DiDonato (*1990) vit et travaille principalement à New-York (États-Unis). Après avoir étudié le photojournalisme à l'université du Kent, elle développe un travail personnel qui questionne la notion de réalisme induite par le médium photographique. En proposant des scènes de la vie quotidienne que des « anomalies visuelles » viennent distordre, en les baignant dans un univers pastel qui évoque l'imaginaire du rêve américain des années 50, la photographe met un point d'honneur à souligner le pouvoir évocateur de la narration par l'image. Elle expose régulièrement partout dans le monde, aux États-Unis, au Canada, en France, en Allemagne et au Royaume-Uni.

Le immagini fotografiche di Brooke DiDonato raccontano la storia della sovversione artistica con un tono dolce e ammaliante. Il fotografo mostra un mondo apparentemente tranquillo e idilliaco. L'atmosfera riposante è segnata dall'estetica degli anni 50. Allo spettatore viene ricordata l'idea del sogno americano. I concetti della casa accogliente, del giardino curato e ordinato si riflettono nei motivi. Il paesaggio culturale e domestico è raffigurato in vedute accuratamente composte. La combinazione di colori è piacevole alla vista, le decorazioni sono accattivanti, come in un catalogo di arredamento. Si crea un sentimento di fiducia e sicurezza al primo sguardo. Le immagini ti fanno pensare che tutto è come dovrebbe essere - come al solito.

Ma la testa si distingue più rapidamente degli occhi: ogni immagine contiene una stranezza, illustra uno squilibrio, una messa in scena spostata della realtà. Da questo mondo surreale, il pericolo sembra imminente e insito in ogni fotografia. Allo stesso tempo, queste immagini testimoniano un umorismo accattivante. Questo mondo pacifico, che respira la vita ad un ritmo moderato e ben adattato alla scala umana, non è che un inganno. Le immagini rivelano rapidamente una dimensione seria, una dimensione nascosta - o piuttosto una molto apparente! L'inganno è evidente, si basa sull'assenza della logica degli eventi, sul significato distorto di oggetti familiari, sulle regole della fisica ignorate, sulle abitudini manipolate, sulla presenza di sagome incomplete, persino insolite, e su aspettative cadute.

Le immagini di Brooke DiDonato assumono una vita autonoma e si collocano al di fuori della norma. Riproducono il solito stampo e fanno uso dei codici pittorici in vigore, ma tutto è un'illusione. La rottura è onnipresente e introduce il paradosso. Più autentiche che inebrianti, le fotografie mostrano in modo diretto ciò che sono: immagini, illusioni, nient'altro che un racconto visivo.

L'immaginazione può assumere qualsiasi forma: anche la più abituale. Questo gioco non lo degrada al livello della banalità, poiché qui è realizzato alla perfezione.

Brooke DiDonato (*1990) vive e lavora principalmente a New York (USA). Dopo aver studiato fotogiornalismo all'Università del Kent, ha sviluppato un corpo di lavoro personale che mette in discussione la nozione di realismo indotta dal mezzo fotografico. Proponendo scene di vita quotidiana distorte da "anomalie visive", immergendole in un universo pastello che evoca il sogno americano immaginario degli anni 50, il fotografo sottolinea il potere evocativo della narrazione per immagini. Espone regolarmente in tutto il mondo, negli Stati Uniti, Canada, Francia, Germania e Regno Unito.

Brooke DiDonato's photographs tell of artistic subversion in a soft, bewitching tone. The photographer shows a seemingly peaceful and idyllic universe, a calming atmosphere dominated by 1950es aesthetics. The viewer can't help being reminded of the American Dream, with the cosy home and well-tended garden reflected in her motifs. The cultural and domesticated landscape is depicted in carefully composed images. The chromatism is pleasing to the eye, the décor enticing, reminiscent of a mail order catalogue, inspiring a feeling of trust and safety. The viewer is left with the feeling that everything is as it should be - "as usual".

But the mind notices a disturbance before the eyes do: each image contains a bizarre element, shows an imbalance, a staging that is slightly off. From this surrealist universe, danger seems inherent in every image. At the same time, it is not devoid of humour. This placid world, where life is measured at a moderate, human scale, is nothing but deception. The photographs quickly unveil a serious, a hidden dimension - or is it very obvious? The lie becomes apparent, resting on the absence of logic in the depicted elements, the meaning of familiar objects twisted, the laws of physics unhinged, habits manipulated, the presence of incomplete or uncanny silhouettes, and ultimately on our unfulfilled expectations.

Brooke DiDonato's images take on a life of their own, outside the norm. They represent a familiar setting and use well-known pictorial codes, but it is just an illusion. The rupture is omnipresent and introduces the paradox. The photographs reveal their true nature in a very direct way: they are only images, illusions, a visual narrative.

Imagination can take any shape - even the most familiar. Played to perfection by DiDonato, this game does not pull the work down to the banal.

Brooke DiDonato (*1990) lives and works mainly in New York (USA). After studying photojournalism at the University of Kent, she developed her personal work questioning the notion of realism induced by the photographic medium. Showing scenes of everyday life distorted by "visual anomalies" and bathing them in a pastel universe that evokes the American dream of the Fifties, she highlights the evocative power of storytelling through images. She regularly exhibits around the world, in the United States, Canada, France, Germany and the United Kingdom.

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Clervaux - cité de l'image | Clervaux
24. September 2021 - 23. September 2022

Nina Röder

„Nina Röders Fotografien bewegen sich stets in einem Dazwischen (...)." Sarah Frost, Berlin, 2016

Die Frage nach dem Wesen des Dargestellten führt Nina Röder dazu, an der äußeren Hülle ihrer Motive zu kratzen. Visuell überträgt sich diese Suche in der Verfremdung des Gezeigten: durch Verschleiern, Verstecken, Überlappen oder durch das Camouflieren der konkreten Form. Auf unterschiedliche Art und Weise werden gewohnte Konturen von Gesichtern und Körpern aufgebrochen und als Einheit aufgelöst, um sie in einen neuen Dialog zu setzen. Das Bekannte - die vertrauten Züge ihrer Mitmenschen, der eigenen Mutter sogar, oder ihrer Umwelt - wird so erweitert und vervollständigt. Durch das Ablehnen der selbstverständlichen Wahrnehmung erlernt das Auge des Betrachters das Sehen neu.

Hier ist eine Variante des künstlerischen Prinzips „Kreation durch Destruktion" zu erkennen. Körper werden vom Wasser umspült und zeichnen sich nur bruchstückhaft von ihrem Untergrund ab. Nina Röder verdeckt Porträts mit gehäkelten, filigranen Deckchen und wechselt so mit einem einfachen Augenzwinkern von der Individualität in die Anonymität. Auf einem anderen Bild ist das Gesicht „entstellt", weil es mit Meeresalgen verhängt wurde. Eine in Stoff gewickelte Gestalt wird zur abstrakten Skulptur. Aber nicht nur formale Normen, sondern auch formelle, d.h. konventionelle, Einheiten werden zerlegt.

Die Differenz zwischen Objekt und Subjekt, zwischen „Ding" und lebendigem Organismus, wirkt aufgehoben.

Bei Nina Röder erscheint der künstlerische Akt, so subversiv er auch sein mag, nicht als brutale Geste. Das Paradox zeigt sich in all seinen feinen Schattierungen: sinnwidrig, unlogisch, verquer, lachhaft, ambivalent. Der Schock, der der Zerstörung der Form vorausgeht, wird durch den der Fotografin eigenen Humor wieder aufgefangen.

Ist alles eins? - Und welche Bedeutung lässt sich daraus schlussfolgern?

Nina Röder (*1983) lebt und arbeitet in Hamburg und Berlin (Deutschland). Sie studierte Medienkunst und Mediengestaltung mit Schwerpunkt Fotografie an der Bauhaus-Universität in Weimar. Seit 2017 ist sie Professorin für Fotografie an der University of Europe for Applied Sciences in Hamburg. Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit absolvierte sie einen Ph.D. im Bereich artistic research. Ihre Fotografien wurden bei internationalen Festivals und Ausstellungen wie dem GoaPhoto Festival in Indien, dem Europäischen Monat der Fotografie in Berlin oder dem Format Festival in Derby gezeigt. Ihr künstlerischer Schwerpunkt liegt auf der Verhandlung verborgener und unbewusster Strukturen oder Mechanismen biografischer Narrative. In ihrer Arbeit kombiniert sie Aspekte der Theater-, Bühnen- und Performancekunst mit Fotografie.

« Les photographies de Nina Röder évoluent toujours dans un entre-deux (...). » Sarah Frost, Berlin, 2016

La question de l'essence de la chose représentée conduit Nina Röder à gratter l'enveloppe extérieure de ses motifs. Visuellement, cette recherche se traduit par une transposition de ce qui est montré : en masquant, en cachant, en superposant ou en camouflant la forme concrète. Les contours habituels de visages et de corps sont brisés de diverses manières et dissous en tant qu'unité afin de les placer dans un nouveau dialogue. Ce qui est connu - les traits familiers de ses semblables, même de sa propre mère, ou de son environnement - est ainsi élargi et complété. En rejetant la perception évidente, l'œil du contemplateur apprend à voir différemment.

L'on peut observer ici une variante du principe artistique de la « création par la destruction ». L'eau enveloppe des corps qui ne se détachent du fonds que par fragments. Nina Röder recouvre des portraits de délicats napperons crochetés, passant de l'individualité à l'anonymat d'un simple clin d'œil. Sur une autre photo, le visage est « défiguré », car il a été recouvert d'algues. Une silhouette enveloppée de tissu devient une sculpture abstraite. Cependant, non seulement les unités formelles, mais aussi les normes officielles, c.-à-d. conventionnelles, sont décomposées.

La différence entre objet et sujet, entre « chose » et organisme vivant, semble annulée.

Dans l'œuvre de Nina Röder, l'acte artistique, aussi subversif soit-il, n'apparaît pas comme un geste brutal. Le paradoxe se manifeste dans toutes ses nuances : absurde, illogique, étrange, ridicule, ambivalent. Le choc qui précède la destruction de la forme est contrebalancé par le sens de l'humour propre à la photographe.

Est-ce que tout ne forme qu'un ? - Et quel sens peut-on en tirer ?

Nina Röder (*1983) vit et travaille à Hambourg et à Berlin (Allemagne). Elle a étudié les arts médiatiques et le design, avec une spécialisation en photographie, à l'université du Bauhaus de Weimar. Depuis 2017, elle est professeur de photographie à l'Université des sciences appliquées de Hambourg. À côté de ses activités artistiques, elle est titulaire d'un doctorat dans le domaine de la recherche artistique. Ses photographies ont été présentées lors d'expositions et de festivals internationaux, tels que le festival GoaPhoto en Inde, le Mois européen de la photographie à Berlin ou le Format Festival à Derby. L'accent artistique consiste à dévoiler des structures ou des mécanismes cachés et inconscients de récits biographiques. Dans son travail, elle combine des aspects du théâtre, de la scène et de la performance artistique avec la photographie.

"Nina Röder's photographs always move in the in-between (...)." Sarah Frost, Berlin, 2016

Nina Röder's quest for the essence of what she depicts leads her to scratch at the surface of her subjects. Visually, this is communicated through distortion: veiling, hiding, overlapping or camouflaging the displayed form. The familiar contours of faces and bodies are variously cracked open and dissolved in order to place them in a new dialogue. The well-known traits of those around her, including her own mother, or her surroundings are expanded and completed. Through rejection of natural perception, the viewer is relearning the act of seeing.

We recognize here a variant of the artistic principle of "creation through destruction". Bodies, immersed in water, only reveal fragments of themselves. Nina Röder covers portraits with delicately crocheted doilies, switching individuality for anonymity in the blink of an eye. Another image shows a face "disfigured" by algae suspended before it. A figure wrapped in fabric is transformed into an abstract sculpture. But Röder deconstructs not only the norms of the form, but also of formality, of conventional expectations.

The difference between the object and the subject, between a "thing" and a living organism, seems abolished.

But this artistic act, in all its subversion, is not a brutal gesture. The paradox is shown in all its subtle facets: nonsensical, illogical, askew, risible, ambivalent. The shock preceding the destruction of the form is softened by the humour inherent in the photograph.

Is everything one? - And what is the meaning we can draw from this?

Nina Röder (*1983) lives and works in Hamburg and Berlin (Germany). She studied Media Art and Design with a focus on photography at Bauhaus University in Weimar. She has been a Professor of photography at the University of Europe for Applied Sciences Hamburg since 2017. Along with her artistic activities, she holds a Ph.D. in the field of artistic research. Her photographs have been shown at international festivals and exhibitions, such as the GoaPhoto Festival in India, the European Month of Photography in Berlin or the Format Festival in Derby. Her artistic focus lies on exposing hidden and unconscious structures or mechanisms of biographical narratives. In her work, she combines aspects of theatre, stage and performance with photography.

(Text: A. Meyer, Clervaux - cité de l'image)

Quai du Bouveret
30. Juli - 2. November 2021

Set Sun
Cédric Raccio

Es ist eine geheimnisvolle Interpretation des Sees, die uns Cédric Raccio mit dieser erstaunlichen Fotoserie bietet.

Diese Bilder, die alle in Bouveret aufgenommen wurden, offenbaren eine unendliche Sammlung von Farbabstufungen, die die gesamte Farbpalette des Genfersees aufzeigen. Von hellem Sonnenschein bis zu dunklen, seidigen Reflexen haben diese Fotografien eine beeindruckende poetische und meditative Dimension. Eine Ausstellung, die auch die Zerbrechlichkeit der Elemente, die uns umgeben, hinterfragt.

C’est une intreprétation mystérieuse du lac que Cédric Raccio nous propose au travers de cette étonnante série photographique.

Ces images, toutes capturées au Bouveret, nous dévoilent une infinie collection de dégradés, mettant en valeur toute la palette de teintes dont peut se parer le Léman. En passant du solaire brillant à des reflets soyeux plus sombres, ces photographies recèlent une formidable dimension poétique et méditative. Une exposition qui nous questionne également sur la fragilité des éléments qui nous entourent.

È una misteriosa interpretazione del lago che Cédric Raccio ci offre attraverso questa sorprendente serie fotografica.

Queste immagini, tutte catturate a Bouveret, rivelano una collezione infinita di gradazioni, evidenziando l'intera tavolozza di colori di cui il lago di Ginevra può essere adornato. Dalla luce del sole ai riflessi setosi più scuri, queste fotografie hanno una formidabile dimensione poetica e meditativa. Una mostra che si interroga anche sulla fragilità degli elementi che ci circondano.

It is a mysterious interpretation of the lake that Cédric Raccio offers us through this astonishing photographic series.

These images, all captured in Bouveret, reveal an infinite collection of gradations, highlighting the entire palette of colors that can adorn Lake Geneva. By going from the bright sunshine to darker silky reflections, these photographs conceal a formidable poetic and meditative dimension. An exhibition that also questions the fragility of the elements that surround us.

(Text: L’ Association Antistatic Format)

Obermutten
11. August - 29. August 2021

Blickfeld Obermutten

Die kleine Ausstellung zeigt Obermutten aus der Perspektive von Fotopionieren, die das Walserdorf vor rund einem Jahrhundert besucht haben. Die Bilder sind dort platziert, wo die Fotografen einst den Auslöser drückten. Der Spaziergang durch die Vergangenheit macht die Veränderungen von Ortsbild und Landschaft deutlich. Auch im authentisch wirkenden Obermutten haben sich Dorf und Landschaft in den letzten 50 Jahren tiefgreifend gewandelt. Die kleine Ausstellung historischer Fotos unter freiem Himmel soll den Blick dafür schärfen. Dabei geht es nicht nur um Nostalgie, sondern auch um die Fragen: Wie soll Obermuttens Zukunft aussehen, was ist uns wertvoll und wie können wir es schützen und entwickeln? Mehrzahl der in Obermutten gezeigten Fotos stammen aus dem Fundus der Fotostiftung Graubünden. Die ältesten Aufnahmen Obermuttens sind das Werk des Aargauers Jakob Hunziker (1827-1901. Er besuchte die Mutten in den 1890-er Jahren im Zusammenhang mit seinen volkskundlichen Forschungen zu den Bauernhäusern der Schweiz. Der zweite Fotograf, von dem die meisten Bilder der Ausstellung stammen, ist eine Generation jünger. Hermann Heer (1882 – 1936) war Lithograph und Photochrom-Operateur. In seiner Freizeit malte und fotografierte er. Er hat 1927 seine Sommerferien in Obermutten verbracht und das Dorf noch vor dem Brand von 1946 dokumentiert. Obermutten wurde bereits vor dem Ersten Weltkrieg als Postkartenmotiv entdeckt, denn bereits damals entwickelte sich ein bescheidener Fremdenverkehr. Für Bündner Fotografen Grund genug, Postkarten-Ansichten und später auch Fotos für Landschaftsreportagen in illustrierten Zeitschriften zu produzieren. Romedo Guler-Schuhmacher aus Thusis hat das Dorf vor und nach dem verheerenden Brand von 1946 fotografiert. Kurz nach dem Zweiten Weltkrieg hat der Davoser Otto Furter, einer der bedeutendsten Bündner Fotografen, Mutten besucht. Er weckte mit seinen Bildreportagen in der Öffentlichkeit Verständnis für die Schutzwürdigkeit des Alpenraums – lange bevor dieses Anliegen die breite Öffentlichkeit beschäftigte. Zwei seiner Aufnahmen runden die Ausstellung ab.

La petite exposition montre Obermutten du point de vue des pionniers de la photographie qui ont visité le village de Walser il y a environ un siècle. Les photos sont placées là où les photographes ont appuyé sur le déclencheur. La promenade dans le passé fait apparaître clairement les changements dans l'aspect et le paysage du village. Même dans l'Obermutten d'apparence authentique, le village et le paysage ont profondément changé au cours des 50 dernières années. La petite exposition de photos historiques en plein air a pour but d'aiguiser l'œil à cet égard. Il ne s'agit pas seulement de nostalgie, mais aussi de questions : à quoi devrait ressembler l'avenir d'Obermutten, qu'est-ce qui est précieux pour nous et comment pouvons-nous le protéger et le développer ? La plupart des photos présentées à Obermutten proviennent de la collection de la Fotostiftung Graubünden. Les plus anciennes photographies d'Obermutten sont l'œuvre de Jakob Hunziker (1827-1901), originaire d'Argovie, qui a visité les Mutten dans les années 1890 dans le cadre de ses recherches folkloriques sur les fermes de Suisse. Le second photographe, qui a pris la plupart des photos de l'exposition, est une génération plus jeune. Hermann Heer (1882 - 1936) était un lithographe et un opérateur photochrome. Pendant son temps libre, il peignait et photographiait. Il a passé ses vacances d'été à Obermutten en 1927 et a documenté le village avant même l'incendie de 1946. Obermutten a déjà été découvert comme motif de carte postale avant la première guerre mondiale, car déjà à cette époque, un modeste commerce touristique se développait. Une raison suffisante pour que les photographes grisons produisent des vues de cartes postales et, plus tard, des photos pour des reportages sur les paysages dans des magazines illustrés. Romedo Guler-Schuhmacher de Thusis a photographié le village avant et après l'incendie dévastateur de 1946. Peu après la Seconde Guerre mondiale, Otto Furter de Davos, l'un des plus importants photographes grisons, a visité Mutten. Grâce à ses reportages photographiques, il a sensibilisé le public à la nécessité de protéger la région alpine - bien avant que cette question ne devienne un sujet de préoccupation pour le grand public. Deux de ses photographies complètent l'exposition.

La piccola mostra mostra Obermutten dalla prospettiva dei pionieri della fotografia che visitarono il villaggio Walser circa un secolo fa. Le immagini sono collocate dove i fotografi hanno premuto il pulsante di scatto. La passeggiata nel passato rende chiari i cambiamenti dell'aspetto e del paesaggio del villaggio. Anche nella Obermutten dall'aspetto autentico, il villaggio e il paesaggio sono profondamente cambiati negli ultimi 50 anni. La piccola mostra di foto storiche all'aperto ha lo scopo di affinare l'occhio per questo. Non si tratta solo di nostalgia, ma anche di domande: come dovrebbe essere il futuro di Obermutten, cosa è prezioso per noi e come possiamo proteggerlo e svilupparlo? La maggior parte delle foto mostrate a Obermutten provengono dalla collezione della Fotostiftung Graubünden. Le più antiche fotografie di Obermutten sono opera di Jakob Hunziker (1827-1901) di Argovia, che visitò il Mutten negli anni 1890 in relazione alle sue ricerche folkloristiche sulle cascine della Svizzera. Il secondo fotografo, che ha scattato la maggior parte delle foto della mostra, è di una generazione più giovane. Hermann Heer (1882 - 1936) era un litografo e operatore di fotocromia. Nel suo tempo libero dipingeva e fotografava. Ha trascorso le sue vacanze estive a Obermutten nel 1927 e ha documentato il villaggio anche prima dell'incendio del 1946. Obermutten è stato scoperto come motivo da cartolina già prima della prima guerra mondiale, perché già allora si stava sviluppando un modesto commercio turistico. Motivo sufficiente per i fotografi grigionesi per produrre vedute in cartolina e più tardi anche foto per reportage paesaggistici in riviste illustrate. Romedo Guler-Schuhmacher di Thusis ha fotografato il villaggio prima e dopo il devastante incendio del 1946. Poco dopo la seconda guerra mondiale, Otto Furter di Davos, uno dei più importanti fotografi grigionesi, visitò Mutten. Con i suoi reportage fotografici, ha risvegliato la comprensione del pubblico per la necessità di proteggere la regione alpina - molto prima che questo problema diventasse una preoccupazione per il grande pubblico. Due sue fotografie completano la mostra.

The small exhibition shows Obermutten from the perspective of photographic pioneers who visited the Walser village about a century ago. The pictures are placed where the photographers once pressed the shutter release. The walk through the past makes the changes in the village's appearance and landscape clear. Even in the authentic-looking Obermutten, the village and landscape have changed profoundly over the past 50 years. The small exhibition of historical photos in the open air is intended to sharpen the eye for this. It is not only about nostalgia, but also about the questions: What should Obermutten's future look like, what is valuable to us and how can we protect and develop it? Most of the photos shown in Obermutten come from the collection of the Fotostiftung Graubünden. The oldest photographs of Obermutten are the work of Jakob Hunziker (1827-1901) from Aargau, who visited the village in the 1890s in connection with his folkloristic research on the farmhouses of Switzerland. The second photographer, who took most of the pictures in the exhibition, is a generation younger. Hermann Heer (1882 - 1936) was a lithographer and photochrome operator. In his spare time he painted and took photographs. He spent his summer vacations in Obermutten in 1927 and documented the village even before the fire of 1946. Obermutten was already discovered as a postcard motif before the First World War, because even then a modest tourist trade was developing. This was reason enough for Grisons photographers to produce postcard views and later also photos for landscape reports in illustrated magazines. Romedo Guler-Schuhmacher from Thusis photographed the village before and after the devastating fire of 1946. Shortly after the Second World War, Otto Furter from Davos, one of the most important Grisons photographers, visited Mutten. With his photographic reports, he awakened public understanding for the need to protect the Alpine region - long before this concern preoccupied the general public. Two of his photographs round off the exhibition.

Fondation Pierre Gianadda | Martigny
7. Mai - 21. November 2021

Le Valais à la Une - Un siècle vu par les médias / Ein Jahrhundert aus der Sicht der Medien
Photojournalistes suisses - impressum

Dies ist die grösste Sammelausstellung über den Schweizer Fotojournalismus. Mehr als 400 Fotos, darunter 200 grossformatige Bilder, präsentieren die Arbeit von 50 Fotojournalisten aus dem Wallis und der ganzen Schweiz, aufgenommen über ein Jahrhundert.

In Zusammenarbeit mit unseren Kollegen von Presse, Funk und Fernsehen werden die Berichte in ihren historischen und journalistischen Kontext gestellt.

Seit 100 Jahren reisen Fotografen durch das Wallis, von der Rhonetalebene bis zu den höchsten Gipfeln. Sie wurden Zeugen der Freuden und Sorgen der Menschen in diesen Tälern. Die Bilder und Berichte dieser Sammelausstellung zeigen die wirtschaftlich sozialen, technologischen und klimatischen Veränderungen über ein Jahrhundert hinweg.

C’est la plus grande exposition collective de photojournalisme suisse. Plus de 400 photos dont 200 images grand-format présentent des oeuvres de 50 photojournalistes du Valais et de toute la Suisse réalisées pendant un siècle.

En collaboration avec nos collègues journalistes de la presse écrite, radio et télévision les reportages sont mis dans leur contexte historique et journalistique.

Depuis 100 ans, les photographes ont parcouru le Valais dans les Alpes suisses, de la Plaine du Rhône aux sommets les plus hauts. Ils ont été les témoins des joies et des peines des habitants de ces vallées. Les images et les reportages de cette exposition collective montrent l’actualité de ce pays, mais aussi les changements sociaux, technologiques et climatiques pendant un siècle.

Questa è la più grande mostra collettiva del fotogiornalismo svizzero. Più di 400 foto, di cui 200 di grande formato, presentano il lavoro di 50 fotoreporter del Vallese e di tutta la Svizzera, scattate durante un secolo.

In collaborazione con i nostri colleghi della stampa, della radio e della televisione, i rapporti sono inseriti nel loro contesto storico e giornalistico.

Per 100 anni, i fotografi hanno percorso il Vallese nelle Alpi svizzere, dalla pianura del Rodano fino alle cime più alte. Sono stati testimoni delle gioie e dei dolori degli abitanti di queste valli. Le immagini e i reportage di questa mostra collettiva mostrano lo stato attuale delle cose in questo paese, ma anche i cambiamenti sociali, tecnologici e climatici nel corso di un secolo.

This is the largest collective exhibition of Swiss photojournalism. More than 400 photos, including 200 large-format images, present the work of 50 photojournalists from the Valais and the whole of Switzerland, taken over a century.

In collaboration with our fellow journalists from the written press, radio and television, the reports are put into their historical and journalistic context.

For 100 years, the photographers have travelled through the Valais in the Swiss Alps, from the Rhone plain to the highest peaks. They have witnessed the joys and sorrows of the inhabitants of these valleys. The images and reports of this collective exhibition show the current events of this country, but also the social, technological and climatic changes during a century.

Schlassgaart, château de Clervaux
26. März 2021 - 25. März 2022

Sky & Forest
Santeri Tuori

Der finnische Fotograf Santeri Tuori richtet seinen Blick auf die Landschaften der Insel Kökar, einem Teil des Åland-Archipels. Sein Werk ist bekannt durch das Interesse an den Eigenschaften der Natur und ihrem Wandel.

Seine Bilderreihe „Forest" basiert auf der jahrelangen Beobachtung (2011-2019) gleicher Motive und Plätze und deren wiederholter Darstellung. Die Überlagerung und das Übereinanderlegen von einzelnen Negativen führt hierbei zu neuen Bildern. Sie veranschaulichen natürliche Metamorphosen und machen den Wandel spürbar. Das Ineinandergreifen der Äste der Bäume, das Drunter und Drüber der Zweige, die Verästelung von Linien und das Wirrwarr von Krümmungen und Windungen verdichtet sich durch das Spiel von Licht und Schatten. Dieses bildhafte Gewebe ähnelt einem organischen Geflecht aus Nervenbahnen, einem Netz aus feinen Adern und pulsierenden Venen. Diese Bilder sind lebendig. Ihr malerischer Charakter wächst über die visuellen Eigenschaften der Fotografie hinaus. Die Macht des „entscheidenden Moments" wird außer Kraft gesetzt. Der Augenblick ist nur Teil eines Ganzen, in Summe entsteht ein neues Gesamtkunstwerk mit ungewöhnlicher Tiefe.

Die Bemühung, das künstlerische Schaffen als einen Prozess zu definieren und den Faktor Zeit bewusst in den Vordergrund zu heben, zeigt sich auch in seiner Arbeit „Sky". Betrachtet man den Himmel als Projektionsfläche für eine unendliche Vielfalt an Wolkenformationen, so erklärt sich ihre Bewegung und Veränderung nur durch das Phänomen der Zeit. Santeri Tuoris Fotografien wirken wie Bilder aus einer Parallelwelt, einem Universum, das dem Gesetz der Zeit unterliegt, sich jedoch außerhalb menschlicher Paradigmen bewegt und existiert. „Sky" ist eine Offenbarung für die Sinne mit großem Spielraum für Vorstellungskraft und zugleich eine fotografische Arbeit mit philosophischen Zügen.

Le photographe finlandais Santeri Tuori porte son regard sur les paysages de l'île de Kökar, qui fait partie de l'archipel d'Åland.
Son oeuvre est connue en raison de l'intérêt porté aux propriétés de la nature et à ses changements.

Sa série d'images « Forest » est basée sur des années d'observation de motifs et d'endroits identiques (2011-2019) et sur la représentation répétée de ceux-ci. La surimpression et la superposition de négatifs individuels donnent naissance à de nouvelles images. Elles illustrent les métamorphoses naturelles et rendent le changement tangible. Les branches des arbres qui s'entremêlent, les sens dessus dessous des rameaux, les lignes qui se ramifient et le mélange confus de courbes et de méandres sont accentués par un jeu d'ombres et de lumières. Cet enchevêtrement pictural ressemble à un maillage organique de voies nerveuses, un réseau de fines artères et de veines qui vibrent. Ces images sont vivantes. Leur caractère pictural dépasse les qualités visuelles de la photographie. Le pouvoir du « moment décisif » est annulé. Le moment n'est qu'une partie d'un tout, en somme, une nouvelle oeuvre d'art complète d'une profondeur inhabituelle est créée.

L'effort pour définir la création artistique comme un processus et pour mettre consciemment en avant le facteur temps se reflète également dans son travail « Sky ». Si l'on considère le ciel comme une surface de projection pour une variété infinie de formations nuageuses, leurs mouvements et leurs changements ne peuvent s'expliquer que par le phénomène du temps.
Les photographies de Santeri Tuori font l'effet d'images d'un monde parallèle, d'un univers soumis à la loi du temps mais qui se meut et qui existe en dehors des paradigmes humains. « Sky » est une révélation pour les sens laissant beaucoup d'espace à l'imagination, et en même temps c'est une oeuvre photographique avec des caractéristiques philosophiques.

The Finnish photographer Santeri Tuori points his camera at the landscapes of Kökar, an island of the Åland Archipelago.

His work is known for his interest in the attributes of nature and their change through time.

His series of images titled "Forest" is based on the repeated representation of the same motives and locations spanning many years (2011-2019). By overlaying and combining individual negatives, he creates new images which perfectly illustrate the natural metamorphoses over time. The intertwining branches, overlapping twigs, the bifurcating lines and the tangled bends and curves are condensed through the interplay of light and shadow. This graphical web evokes an organic network of nerve paths, of delicate, pulsating veins. The images seem to be alive. Their pictorial quality goes beyond simple photographic representation. The idea of the "crucial moment" loses its power. Each moment is only part of the whole; only in aggregate do they create a new, complete artwork of extraordinary depth.

The definition of artistic creation as a process and the emphasis of the time factor can also be found in his work "Sky". Where the sky merely serves as a canvas for an endless variety of cloud formations, their movement and transformation can only be explained through the phenomenon of time.

Santeri Tuori's photographs seem like pictures from a parallel world, a universe which underlies the law of time while moving and existing outside of human paradigms. "Sky" serves as a revelation for the senses leaving much to the imagination, and at the same time a photographic work bearing philosophical traits.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Wand am Kraftwerk | Berlin
31. Oktober - 8. November 2020

One Hundred
Helmut Newton

Am 31. Oktober 2020 wäre Helmut Newton 100 Jahre alt geworden. Im Herbst 2003 wurde seine Stiftung in Berlin-Charlottenburg gegründet und im Sommer 2004 eröffnet; seitdem wurden hier mehr als 50 Ausstellungen präsentiert. Dieses besondere Jubiläum nimmt die Helmut Newton Stiftung zum Anlass, den Ausnahmefotografen zu ehren, indem sein legendäres und zeitlos innovatives Œuvre erstmals und frei zugänglich in einer großen Outdoor-Ausstellung im Berliner Stadtraum präsentiert wird.

1920 als Sohn eines jüdischen Knopffabrikanten in Berlin-Schöneberg geboren, ließ sich Newton zwischen 1936 und 1938 von der renommierten Modefotografin Yva zum Fotografen ausbilden. In ihrem Studio in der Schlüterstraße entstanden seine ersten Selbstporträts, doch wenig später musste Newton aus Berlin fliehen. Eines der letzten Gebäude, die er beim Verlassen des Bahnhof Zoos in Richtung Triest sah, war das Militärkasino in der Jebensstraße. Dort sollte viele Jahre später seine Stiftung entstehen, sein Archiv lagern und sein eigenes Werk sowie das seiner Frau June (alias Alice Springs) in wechselnden Ausstellungen gezeigt werden. Trotz der tragischen Umstände, unter denen Newton Berlin verlassen musste, blieb Berlin in seinem Herzen, und er kehrte regelmäßig in seine Heimatstadt zurück. So produzierte er 1979 für die zweite Ausgabe der VOGUE Deutschland beispielsweise eine fotografische Hommage an die Orte seiner Jugend.

Als Erinnerung an Newtons Berliner Zeit und sein außergewöhnliches Werk präsentiert die Helmut Newton Stiftung eine große Outdoor-Ausstellung auf der 85m langen Wand am Kraftwerk in Berlin-Kreuzberg, Köpenicker Straße 70; zu sehen vom 26. Oktober bis 8. November 2020, rund um die Uhr. Etwa 30 Motive aus allen Schaffensperioden Newtons sind für die temporäre Präsentation HELMUT NEWTON ONE HUNDRED ausgewählt worden. So und in solchen Bildformaten war Helmut Newton noch nie in Berlin zu sehen. Parallel werden 250 City-Light-Plakate in ganz Berlin mit Newton-Motiven bespielt, mit großzügiger Unterstützung von WALL.

Die Bildserie „Naked and Dressed“ für die französische VOGUE, die den Übergang vom Mode- zum Aktbild markierte, sowie die „Big Nudes“ machten Newton Anfang der 1980er-Jahre auch über die Modewelt hinaus berühmt und inspirierten zahlreiche Kollegen und bildende Künstler zu Nachahmungen oder Neu-Interpretationen. Newton lotete auch danach das Wechselverhältnis zwischen Exhibitionismus und Voyeurismus raffiniert und subversiv aus und arbeitete für nahezu alle namhaften Magazine und Modelabels weltweit. Im Mittelpunkt stand selten ein bloßer Modeentwurf, sondern meist auch eine originelle Parallelgeschichte, die in einigen Fällen eine Spur Suspense wie von Alfred Hitchcock enthielt und in anderen surreale Vorläufer zu haben schien. Häufig war nicht klar, wo die Wirklichkeit endete und die Inszenierung begann; alles wurde zum verwirrenden Spiel um Macht und Verführung.

Newton schuf ein unvergleichliches Werk voll subtiler Verführung und zeitloser Eleganz. Mal zitierte er Szenen aus der Mythologie und Kunstgeschichte, etwa Leda und der Schwan, mal inszenierte er seine Fotografien als Reminiszenz seiner Jugend, darunter Motive wie Swimmingpools und exklusive Hotels. Letztlich begleiteten und kommentieren Newtons Aufnahmen den Wandel der Rolle der Frau in der westlichen Gesellschaft jener Zeit.

Im Rahmen von HELMUT NEWTON ONE HUNDRED wird im Erdgeschoss des Museums vom 31. Oktober bis 8. November 2020 ein Filmprogramm rund um das Werk von Newton gezeigt, darunter „Helmut by June“ (1995), die erweiterte Version von Julian Benedikts „SUMO“-Film sowie der Dokumentarfilm „Helmut Newton – The Bad and The Beautiful“ von Gero von Boehm, der Anfang Juli 2020 seine Welt-Premiere in Berlin feierte.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

Jardins du Bra’Haus II, montée du château | Clervaux
23. Oktober 2020 - 22. Oktober 2021

Mammoth Hunters
Evgenia Arbugaeva

Die russische Republik Sacha, oder auch Jakutien, im nordöstlichen Sibirien ist Schauplatz einer Geschichte, die aus der Feder eines Jules Vernes stammen könnte.

Bedingt durch die Erderwärmung schmilzt der Permafrostboden. Was geologisch und klimatisch zu neuen Problemen führen kann, ist für jeden Historiker und Biologen wie ein offenes Fenster in die Vergangenheit. Der Boden gibt wieder frei, was er seit 4000 Jahren verschlossen hielt: die Überreste des Wollhaarmammuts.

Die Bewohner der Region um die Neusibirischen Inseln haben sich einer ungewöhnlichen Einnahmequelle zugewandt: Sie werden als Mammutjäger bezeichnet. Wie einst während des 19. Jahrhunderts die Goldsucher in Nordamerika, werden die Jäger bei ihren Ausgrabungen auf eine harte Probe gestellt. Auf den Inseln für mehrere Monate isoliert, sind sie extremen Bedingungen ausgesetzt.

Der Rausch der Mammutzähne ist hauptsächlich in China sehr verbreitet. Das Material wird hier kunstvoll verarbeitet und erzielt unerschwingliche Preise auf dem Markt.

Evgenia Arbugaeva hat eine Gruppe von Mammutjägern begleitet. Bis zu 18 Stunden am Tag durchforsten sie die eisige Tundra Sibiriens. Das Sichern eines Stoßzahnes kann bis zu 24 Stunden ununterbrochenen Grabens bedeuten. Die Fotografien zeigen Szenen mit surrealem Charakter. Wenn Vergangenheit und Gegenwart sich begegnen, entsteht eine gewisse Dramatik. Doch der Stoff, aus dem die Träume sind, hat seine Schattenseiten. Die Jagd fordert ihren Tribut, trennt Väter von ihren Familien, hinterlässt physische Narben und bringt die Beteiligten an ihre seelischen Grenzen. Die Spuren der Geschichte rechnen sich als Material in neuen Währungen. So sichern sie Existenzen und liefern Antworten auf wissenschaftliche Fragen. Das fossile Elfenbein gewinnt durch kunsthandwerkliches Geschick neuen Glanz. Doch die Wiederauferstehung der wollhaarigen Vorfahren wird die Gier nach den Zähnen der lebenden Artgenossen leider nicht drosseln können.

La République russe de Sakha, ou Yakoutie, située dans le nord-est de la Sibérie, est le théâtre d'une histoire qui n'a rien à envier à la plume d'un Jules Verne.

Le pergélisol fond en raison du réchauffement climatique. Ce qui peut causer de nouveaux problèmes géologiques et climatiques est comme une fenêtre ouverte sur le passé pour tout historien et pour tout biologiste. Le sol libère ce qu'il recouvre depuis 4 000 ans : des restes de mammouth laineux.

La population de la région des îles de Nouvelle-Sibérie s'est tournée vers une source de revenus inhabituelle : Les gens sont appelés chasseurs de mammouths. Tout comme les chercheurs d'or en Amérique du Nord au 19e siècle, les chasseurs sont mis à rude épreuve lors de leurs fouilles. Isolés sur les îles pendant plusieurs mois, ils sont exposés à des conditions extrêmes.

La ruée vers les défenses des mammouths est particulièrement répandue en Chine. Le matériel y est travaillé avec art pour atteindre des prix exorbitants sur le marché.

Evgenia Arbugaeva a accompagné des chasseurs de mammouths. Ils parcourent la toundra glacée de Sibérie jusqu'à 18 heures par jour. Se saisir d'une défense peut prendre jusqu'à 24 heures d'excavations sans interruption. Les photographies montrent des scènes à caractère surréaliste. Une certaine intensité dramatique se crée lorsque le passé et le présent se croisent. Mais la matière dont sont faits les rêves jette une ombre au tableau. Le tribut payé à la chasse est lourd. La chasse sépare des pères de leurs familles, laisse des cicatrices physiques et pousse les personnes impliquées à leurs limites psychiques. Les traces de l'histoire sont rentables en tant que matériel dans de nouvelles monnaies. Ainsi, elles assurent des existences et apportent des réponses à des questions scientifiques. L'ivoire fossile gagne une nouvelle splendeur grâce à l'artisanat. Mais la résurrection de cet ancêtre laineux ne pourra malheureusement pas apaiser la convoitise pour les défenses de ses congénères vivants.

The Russian Republic of Sakha in north-eastern Siberia, also known as Yakutia, is the setting to a story worthy of Jules Verne.

Due to global warming, the permafrost in the region is melting - a phenomenon with yet unknown geological and climactic consequences for the planet, but a fascinating window into the past for historians and biologists. The soil is releasing what it has been preserving for 4000 years: the remains of the woolly mammoth.

This has turned some of the population around the New Siberian Islands to a strange new source of income: they have become mammoth hunters. Like the American gold prospectors in the19th century, the hunters are facing tough conditions on their digs. They often spend months isolated on the islands. The rush on mammoth teeth is particularly popular in China. The material is processed skilfully and sold at exorbitant prices.

Evgenia Arbugaeva accompanied a group of mammoth hunters, trawling the icy Siberian tundra for up to 18 hours a day. Securing a tusk can take 24 hours of uninterrupted digging. The resulting photographs show surreal scenes: inevitably, the meeting of past and present carries a certain drama. But the stuff dreams are made of comes at a cost. The hunt demands severe sacrifices, separates families, leaves physical scars and pushes everyone involved to their limits. These traces of history are converted into new, material currencies. They secure livelihoods and give answers to scientific questions. Artisanal skills lend new shine to the ivory fossils. But sadly, the resurrection of their woolly ancestors offers no respite to living elephants: the demand for their tusks continues uninterrupted.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Claraplatz | Basel
26. September - 12. Oktober 2020

(K) ein Teil davon
Schwarzer Peter - Verein für Gassenarbeit

Die Ausstellung zum Thema soziale Teilhabe und soziale Ausgrenzung ist in Zusammenarbeit mit kunstschaffenden Besucher*innen vom Schwarzen Peter und sich ehrenamtlich engagierenden Fachpersonen im Bereich Kunst und Kultur entstanden.

Besuchende können kostenlos und ohne Anmeldung vom 26.09. – 12.10. täglich vorbeikommen.
Zwischen 16.00 Uhr und 19.00 Uhr sind jeweils Gassenarbeitende, Kunstschaffende und porträtierte Personen anwesend, um durch die Ausstellung zu begleiten.

Echappée Belle, place du marché | Clervaxu
25. September 2020 - 24. September 2021

Arctic Zero
Paolo Verzone

Spitzbergen ist ein Archipel im Arktischen Ozean. Sein Territorium ist mit Norwegen verbunden, aber als entmilitarisierte Zone definiert, nimmt es einen neutralen Status ein. In der norwegischen Sprache bezeichnet der Name „Svalbard" eine „kühle Küste". Diese Beschreibung darf wörtlich genommen werden, da die Durchschnittstemperatur bei -6 ° C liegt.

Nicht jede Geschichte nimmt ihren Ursprung in den tausend Wurzeln des Orients. Einige kommen aus nördlichen Gebieten, und ihre Intensität und Spannung können mit den berühmten orientalischen Erzählungen mithalten.

Der nördlich gelegene Archipel hat das Potenzial einer jeden Fantasy-Geschichte: Sein Boden ist Lebensraum für eine überraschende Artenvielfalt. Seine Landschaften sind reich an der Oberfläche wie unter Tage. Doch dieses augenscheinliche Privileg ist relativ, da es häufig mit dem Konzept spezifischer und partieller Interessen bzw. einer aus menschlicher oder gar wirtschaftlicher Sicht definierten Rentabilität assoziiert wird.

Die Geschichte hat gerade erst begonnen. Wir erinnern uns an die Polarexpeditionen zu Beginn des letzten Jahrhunderts mit Legenden wie Amundsen.
Ny-Ålesund, Svalbards bevölkerungsreichste Siedlung, machte sich im Bergbau einen Namen.

Heute ist Spitzbergen ein Aktionsfeld für ein Dutzend verschiedener Nationen, die in der wissenschaftlichen Forschung mitmischen. Motivation und Ziele gehen in alle vier Himmelsrichtungen, das Gebiet ist geprägt von Gegensätzen und Kontrasten. Zwischen einem Naturschutzgebiet mit eingeschränktem Zugang und einem Startbereich für wissenschaftliche Wetterballons ist dieser Archipel eng mit unserer Zeit verwoben und unterliegt dem Rhythmus der Gegenwart.

Das nächste Kapitel dieser noch unvollendeten Geschichte wird erwartet.

Le Svalbard est un archipel de l'Arctique. Son territoire est rattaché à la Norvège, mais, étant déclaré zone démilitarisée, il occupe un statut neutre.

Dans la langue norvégienne, le nom « Svalbard » désigne un « littoral frais », une description qu'on peut prendre à la lettre, car la température moyenne est de -6° C.

Toutes les histoires n'ont pas leur origine dans les milles racines de l'orient. Certaines viennent des régions du nord, et leur intensité et degré de suspens peuvent rivaliser avec les célèbres contes orientaux.  

L'archipel nordique a le potentiel de toutes les narrations fantastiques ; son sol est peuplé d'une diversité des espèces étonnante. Ses paysages sont riches en surface et sous terre. C'est un fait dont il convient de relativiser le côté positif, car il est souvent associé à la notion d'intérêts spécifiques et partiels, voire à la rentabilité définie selon un point de vue humain, respectivement à la perspective économique.

L'histoire ne fait que commencer. L'on se rappelle les expéditions polaires du début du siècle dernier impliquant des légendes comme Amundsen.
Ny-Ålesund, une agglomération dense de Svalbard, a fait sa renommée dans l'industrie minière.

Aujourd'hui, le Svalbard est un terrain d'action pour une dizaine de nations différentes se profilant dans la recherche scientifique. La motivation et les buts partent dans toutes les directions, la zone est caractérisée par les oppositions et les contrastes. Entre réserve naturelle à accès réduit et zone de lancement de ballon-sonde scientifiques, cet archipel est fortement lié à notre époque et soumis au rythme du présent.

En attendant le prochain chapitre de cette histoire inachevée.

Svalbard is an archipelago in the Arctic Ocean. Its territory is tied to Norway, but as a demilitarised zone it has a neutral status. The name "Svalbard" in Norwegian denotes a "cool coast", which seems somewhat of an understatement, as the average temperature lies around -6 ° C.

Not every story has its origin in the thousand roots of the Orient. Some come to us from the northern reaches; their intensity and tension can easily keep up with their famous cousins from the East.

This northern archipelago offers the potential of every fantastical story, its soil inhabited by a surprising diversity of species. Its landscapes are rich on the surface as well as underground - a mixed blessing for sure, as they were too often considered with specific interests in mind, purely in terms of their profitability from a human or economic standpoint.

But the story of this place has just begun. We recall the polar expeditions from the early 20th century with legends such as Roald Amundsen. Ny-Ålesund, the most populous locality on Svalbard, has left its mark in the mining world.

These days, Svalbard is a playing field for around a dozen different nations seeking to stake their claim in scientific research. Their goals and motivations go off in all four cardinal directions; the area is marked by contrasts and opposition. From natural reserve with limited access to take-off area for scientific weather ballons, the archipelago is tightly bound to our specific epoch and subject to the rhythms of our time.

The next chapter of this story remains to be written.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Arcades I, grand-rue | Clervaux
25. September 2020 - 24. September 2021

État Des Lieux, États D’un Lieu; Clervaux
Christian Aschman

Clerf liegt im Norden von Luxemburg. Der Name steht zugleich für eine Ortschaft und eine Gemeinde. Rein flächenmäßig betrachtet ist Clerf ungefähr die zweitgrößte Kommune des Landes. Bevölkerungstechnisch ist sie jedoch nicht so dicht besiedelt wie andere Gemeinden im Süden beispielsweise. Dies erklärt sich durch ihre geografische Lage: Sie befindet sich inmitten des ländlichen Raumes.

Der ländliche Raum wird heute oft unterschätzt und damit auf einfache, landwirtschaftliche Stereotypen reduziert. Allerdings ist das rurale Gebiet in Luxemburg Teil einer politischen Strategie, die auf nationaler Ebene gefördert wird. Vom nachhaltigen Ansatz betroffen sind sämtliche Bereiche des sozialen Lebens. Der Fokus liegt auf Lebensqualität, Kultur, Tourismus, Agrarwirtschaft, Industrie, Denkmalschutz ...

Im ländlichen Raum kreuzen sich Merkmale unterschiedlichster Epochen. Tradition und Fortschritt greifen ineinander. Zeichen von Geschichte und Vergangenheit überlagern sich und bleiben sichtbare Zeitzeugen. Der Wandel von Kulturlandschaft ist spürbar, wie in den urbanen Zentren auch. Vielleicht mit dem Unterschied, dass nicht alles Alte Neuem weichen muss? Christian Aschman hat über ein Jahr diesen Wandel beobachtet. Seine Bilder zeigen verschachtelte Kompositionen städteplanerischer Aktivität. Starke Kontraste, harmonisches Ineinandergreifen, gewagtes Ergänzen, funktionale Konstrukte und pastorale Konstruktionen. Christian Aschman zeichnet das Gesicht einer Gemeinschaft, ganz ohne die Präsenz menschlicher Figuren. Und dennoch sehr individuell und voller Charakter. Der Norden.

Clervaux se situe au nord du Luxembourg. Le nom désigne à la fois une localité et une commune. En termes de superficie, Clervaux doit être la commune possédant la deuxième plus grande étendue du pays. En termes de population, cependant, elle n'est pas aussi densément peuplée que d'autres communes du sud par exemple. Cela s'explique par sa situation géographique : elle se trouve en milieu rural.

Aujourd'hui, les zones rurales sont souvent sous-estimées et donc réduites à de simples stéréotypes agricoles. Cependant, la région rurale au Luxembourg fait partie d'une stratégie politique soutenue au niveau national. Tous les domaines de la vie sociale sont visés dans cette perspective de développement durable. L'accent est mis sur la qualité de vie, la culture, le tourisme, l'agriculture, l'industrie, la protection du patrimoine ...

Ici, les caractéristiques des époques les plus diverses se côtoient. Tradition et progrès se chevauchent. Les signes de l'histoire et du passé se superposent et restent des témoins visibles. L'évolution du paysage culturel est palpable, comme dans les centres urbains. Peut-être avec la différence que tout ce qui est ancien ne doit pas céder la place à tout ce qui est nouveau ?

Christian Aschman a observé ce changement durant plus d'un an. Ses images montrent des compositions imbriquées de l'activité urbanistique. Contrastes forts, imbrications harmonieuses, ajouts audacieux, constructions fonctionnelles et pastorales. Christian Aschman dessine une communauté dépourvue de figures humaines.

Et pourtant, très individuelle et pleine de caractère. Le nord.

Clervaux is in the north of Luxembourg. The name designates both a town and a municipality. In terms of area, Clervaux is about the second largest municipality in the country. By population numbers, however, it is far less dense than other municipalities further south. This is explained by its very rural geographic situation.

Nowadays, rural areas tend to be underestimated and reduced to simple, agricultural stereotypes. But the rural regions of Luxembourg are part of a political strategy promoted at the national level, with a focus on quality of life, culture, tourism, agriculture, industry and heritage preservation...

Here you can find features from the most diverse eras side by side. Tradition and progress overlap. Layers of history remain as visible witnesses of the past. The evolution of the cultural landscape is just as evident as in the urban centres. Perhaps with the difference that the old does not always have to make way for the new?

Christian Aschman has observed these changes over a year. His images show nested compositions of urbanist activity. Strong contrasts, harmonious coexistence, audacious additions, functional templates and pastoral constructions. Christian Aschman draws the picture of a community, without ever showing a human figure.

And yet, highly individual and full of character. The North.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Arcades II, montée de l'église | Clervaux
16. September 2020 - 15. September 2021

Zeeland
Jeroen Hofman

Aus luxemburgischer Sicht ist der Norden - sofern er denn nicht bereits innerhalb seiner eigenen Landesgrenzen beginnt - nur 3 Autostunden von zu Hause entfernt.

„Zeeland" ist ein beliebtes Reiseziel für Touristen im Allgemeinen. Unterschiedliche Nationalitäten treffen sich am Rande der Nordsee. Diese Küste weist immer noch starke, sogenannte natürliche Spuren inmitten einer Kulturlandschaft auf. Gemeint ist, dass das Land von zwei Kräften geformt wurde, der Natur und dem Menschen.

Es handelt sich hier um eine facettenreiche Landschaft: rau, roh, fein, leer und scheinbar endlos. Die von Jeroen Hofman visuell beschriebene Region stellt eine Brücke zwischen der Vergangenheit und der Gegenwart dar. Ihre Geschichte spiegelt sich in den Wellen wider, die sich im Sand ihrer weiten Strände brechen. Die typisch flachen Landstreifen, die sich zum Horizont hin öffnen, sind Teil der charakteristischen Kulisse und Rahmen für ein unvergleichliches Licht. Eigen ist dieses Licht, welches bereits von den niederländischen Malern des 17. Jahrhunderts auf wunderbare Weise vermittelt wurde.

Das gegenwärtige Gesicht derselben Landschaft ist geprägt von den findigen Lösungen kreativer und motivierter Zeitgenossen, die den Jahreszeiten und Gezeiten die Stirn bieten, um dem Boden eine Entschädigung für das abzutrotzen, was das Meer sich seit jeher aneignet und weiterhin einfordert.

Die Konfrontation jener gegnerischen Kräfte beeinträchtigt kaum die optische Harmonie des Panoramas. Alle Spannungen und Divergenzen scheinen unter freiem Himmel durch das farbenfrohe Schauspiel der grau-blauen Wolkenformationen zu verblassen. Nicht jedoch die Erinnerung an diese Landschaft, welche überdauert und nachhaltig beeindruckt, verbunden mit einer leicht salzigen Würze, die der Wind herüberweht - aus Richtung NORD.

Dans la perspective luxembourgeoise, le Nord - à moins qu'il ne commence déjà à l'intérieur de ses propres frontières - n'est qu'à trois heures de route de la maison.

« Zeeland », la Zélande, est une destination populaire pour les touristes en général. Diverses nationalités se rencontrent au bord de la mer du Nord. Ce littoral conserve encore de fortes traces, dites naturelles, au milieu d'un paysage culturel, dans le sens que le terrain a été sculpté par deux intervenants, la nature et l'homme.

C'est un paysage à multiples facettes : rude, brut, fin, vide et apparemment infini. Cette région décrite visuellement par Jeroen Hofman représente un pont entre le passé et le présent. Son histoire se reflète dans les vagues qui se brisent sur le sable de ses plages étendues. Ces bandes de terres plates qui s'ouvrent sur l'horizon font partie du décor et posent le cadre caractéristique à la lumière du nord. Une lumière incomparable qui avait déjà parfaitement  été transmise par les peintres néerlandais du 17e siècle. Le paysage actuel est marqué par les solutions ingénieuses d'hommes contemporains créatifs et motivés qui défient les saisons et les marées afin de réclamer au sol une compensation pour ce que la mer s'est toujours approprié et continue d'exiger, lentement, effectivement.

La confrontation de ces forces opposées ne nuit guère à l'harmonie optique du panorama. À ciel ouvert, toutes les tensions et les divergences semblent s'estomper dans le spectacle coloré des nuages gris et bleus. Mais pas le souvenir, qui survit et impressionne rétrospectivement,  combiné à un gout légèrement salé,  provenant du vent du NORD.

From the Luxembourgish vantage point, "the North" - provided it doesn't begin within its own borders - is only three hours away by car.

"Zeeland" is a popular holiday destination in general. People from various nationalities gather here, at the edge of the North Sea. The coastline still shows so-called natural traces within the cultural landscape, meaning that this land was shaped by two forces, nature and humankind.

This is a multifaceted landscape: harsh, raw, fine, empty, and seemingly endless. This region, which Jeroen Hofman visually describes, represents a bridge between the past and the current era. Its history is reflected in the waves breaking on the sand of its vast beaches. The flat strips of open land reaching all the way to the horizon set a very particular scene for the northern light. A characteristic light depicted perfectly by the 17th century Dutch painters. The current face of the same landscape is marked by ingenious solutions of creative and motivated individuals defying the seasons and the tides to demand compensation from the soil for what the sea has always and continues to reclaim.

The constant confrontation of these opposing forces is barely visible in the visual harmony of the panoramas. All tension and divergences seem to fade under the colourful spectacle of grey clouds and wide blue skies. But a strong impression remains, a light saltiness of the tongue, caused by the wind coming from the NORTH.

(Text: A. Meyer / Clervaux - cité de l'image)

Schlassgaart, Montée du Château | Clervaux
27. Juli 2020 - 26. März 2021

1 h
Hans-Christian Schink

1h - Eine Stunde beschreibt den zeitlich ausgerichteten Blick von Hans-Christian Schink auf die Sonne und dessen bildliche Übertragung durch das Medium der Fotografie. Es handelt sich dabei um Überbelichtungen, sogenannte Solarisationen, die nur durch das analoge Verfahren möglich sind.

Die Titel der einzelnen Bilder geben Aufschluss über die Entstehung der Werke: Datum, Zeit sowie Längen- und Breitengrad.

Die Sonne wird selten als physisches Element betrachtet. Als Gestirn bleibt sie vom Bewusstsein größtenteils unbeachtet. Die optische Wahrnehmung des Menschen erfasst Helligkeitsgrade und orientiert sich an Kontrasten.

Hans-Christian Schink vereint all dies in seinen fotografischen Überlegungen. Seine Darstellungen zeigen eine fiktive, widersprüchliche Situation: Die abgebildete Landschaft wirkt statisch, der Himmelskörper vermittelt Bewegung. Die Verfremdung physikalischer Phänomene nimmt surreale Züge an, da eingebettet in eine menschenleere Kulisse.

Die Arbeit besticht weiter durch Paradoxien: Als zeitgenössisches Dokument führt sie den Betrachter zurück zum analogen Prinzip der Fotografie. Die Reduzierung auf einen Hell-Dunkel-Kontrast erinnert an die Vergangenheit und die Anfänge der Fotografie. Zeitgleich lassen sich assoziativ Verbindungen zur filmischen Kulturgeschichte erkennen. Die Sonne ist von ihrer ursprünglichen Form losgelöst und wird als stangenartiges Gebilde zum fliegenden Objekt. Als schwebender Leuchtstab, ähnlich einer Leuchtstoffröhre, hängt sie bedrohlich über der Landschaft und öffnet damit ein Fenster zum Genre der Science-Fiction.

1h - Une heure décrit le regard temporel de Hans-Christian Schink sur le soleil et sa transmission picturale à travers la photographie. Il s’agit de surexpositions, appelées solarisations, qui ne sont possibles que par le principe analogique de la photographie.

Le titre des images individuelles fournit des informations sur l'origine des œuvres : date, heure, ainsi que longitude et latitude.

Le soleil est rarement considéré comme un objet physique. Son origine en tant qu'étoile n’est pas prise en compte par la conscience. La perception visuelle humaine enregistre les degrés de luminosité et s’adapte aux contrastes.

Hans-Christian Schink combine tout cela dans ses considérations photographiques. Ses représentations montrent un phénomène effectif qui évoque une situation fictive et contradictoire : le paysage représenté semble statique, le corps céleste paraît en mouvement. Les images prennent des traits surréalistes, car elles sont ancrées dans un décor désert, vidé de toute présence humaine.

L'œuvre continue d'impressionner par ses paradoxes : en tant que document contemporain, elle ramène le spectateur au principe analogique de la photographie. La réduction à un contraste clair-obscur rappelle son histoire et les débuts du médium. En même temps, des liens associatifs avec la tradition cinématographique surgissent. Le soleil est détaché de sa forme originaire et devient objet volant à l’apparence d’une tige. En tant que bâton lumineux, semblable à un tube fluorescent, il plane de manière menaçante au-dessus du paysage. La scène dévie les pensées vers le genre de la science-fiction.

1h – One hour is the duration of Hans-Christian Schink’s gaze towards the sun, and the name of its pictorial representation through photography. He uses overexposures, called solarisations, which are only possible through analogue methods.

The individual image titles give the coordinates of each work’s creation: date, time, latitude and longitude. The sun is rarely considered as a physical element. Its constant presence as a star is largely ignored by our consciousness. Human optical perception registers degrees of brightness and uses contrasts for orientation.

Hans-Christian Schink unites all of this in his photographic reflections. His representations show a contradictory situation: the depicted landscape appears static while the sun conveys movement. By distorting the physical phenomena, the images take on surreal traits, embedded in a setting devoid of human life.

The work has further paradoxes to offer: despite being a contemporary document, it takes the viewer back to the analogue principles of photography. The reduction to a pure contrast of light vs. dark recalls the long-ago beginnings of photography. But there are also parallels with the tradition of film. The sun has been separated from its original form and becomes almost unidentifiable as a rod-like, flying object. Reminiscent of a fluorescent tube, it hovers menacingly above the landscape, clearly evoking the science fiction genre.

(Text : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image, English translation by Nadia Linden)

Le jardin de Lélise, Montée de l'Église | Clervaux
10. Juli 2020 - 9. April 2021

White night
Gilles Coulon

Licht ist ein globales Phänomen. In seinem natürlichen Zyklus unterliegt es den Gesetzen eines rhythmischen Wechselspiels. In seinem künstlichen Kontext entzieht es sich diesen Regeln.

Anders als sein natürliches Gegenstück erweist sich Industrielicht als kontrollierbare Lichtquelle. Die feinen Unterschiede in der Intensität und die reichhaltigen Farben, die während des authentischen Wandels von Tag und Nacht beobachtet werden, sind jedoch in dem vom Menschen überarbeiteten Szenario ausgeschlossen. Man denke an ein universell einsetzbares System, das sich in linearer Form präsentiert: die Neonröhre.

Die Leuchtstoffröhre ist für Gilles Coulon zum Mittelpunkt einer fotografischen Arbeit geworden. Seit 2000 untersucht er weltweit ihre visuellen Effekte.

Das Neonlicht vermittelt eine eigene Symbolik. Es beleuchtet Durchgangsorte sowie rein funktionale Plätze und kennzeichnet sie als solche. Das charakteristische Licht ist stimmungsgebend. Die so entstandene Atmosphäre wirkt sowohl lyrisch als auch eintönig und karg. Die Räumlichkeiten – Wartezimmer, Supermarkt, Bahnsteig oder Bushaltestelle – erscheinen unpersönlich.

Obwohl das Neon in seiner Leuchtkraft jedes Dekor effektiv ausstrahlt, ist seine Wahrnehmung wenig erhellend. Gilles Coulon zeigt das Objekt mit allen überflüssigen Seiten und in all seiner unerwarteten Pracht. „White Night“ verdrängt die Dunkelheit und raubt dem nächtlichen Firmament die Sterne. Kann die Leuchtröhre den Menschen inspirieren, so wie einst das Mondlicht vor ihr?

La lumière constitue un phénomène global. Dans son cycle naturel, elle est soumise aux lois d’une altération rythmée. Dans son contexte artificiel, elle échappe aux règles.

La lumière industrielle reste, contrairement à son pendant naturel, un facteur commode et contrôlable. Les fines nuances d’intensité et les coloris poétiques observés durant l’authentique passage de la nuit au jour sont cependant exclus du scénario revisité par l’homme. On pense à un système universellement applicable qui se résume à une forme tubulaire : le néon. Le tube fluorescent est devenu objet d’une recherche photographique pour Gilles Coulon. Depuis l’an 2000, le photographe a suivi ses traces à travers le monde entier.

L’objet lumineux dispose d’un fort pouvoir évocateur. Il dénote les lieux de passage, de même que les endroits purement fonctionnels comme tels. L’apparence qu’il leur réserve est à la fois pesante et lyrique, uniforme et brute. Dans ces lieux – salle d’attente, supermarché, quai de gare ou bien arrêt de bus - l’éclairage reste impersonnel.

Bien que la luminosité du néon alimente efficacement le décor, son effet ne nourrit pas l’âme. Gilles Coulon montre les facettes du néon dans toute sa splendeur superflue et dans tout son charme inattendu. « White Night » condamne l’obscurité de la nuit et éteint ainsi les étoiles. Est-ce que cette lumière réinventée saurait inspirer l’homme comme le faisait le clair de la lune avant que le tube ne vienne occuper sa scène ? Tout à coup les ombres ressurgissent. Les effets sonores environnants se relancent et mettent fin au spectacle.

Light is a global phenomenon. In its natural cycle, it is subject to the laws of a rhythmic iteration, but in an artificial context, it defies all laws.

In contrast to its natural counterpart, industrial light is a convenient and easily controlled source of illumination. The subtle differences in intensity and rich colours observable during the authentic transition from day to night are missing in the human-created scenario. Think of a universally applicable system presented in a linear form: the neon tube. The fluorescent tube has become for Gilles Coulon the centre of his photographic series. Starting in the year 2000, he has been on a global journey to analyse its visual effects.

Neon light conveys its own symbolism. It illuminates transitory and purely functional spaces and distinguishes them as such. The characteristic light defines the mood of a place. The resulting atmosphere seems both lyrical and starkly monotonous. The premises – waiting rooms, supermarkets, train platforms or bus stations – appear impersonal.

While the neon gas can effectively light up every décor, its effect is not illuminating. Gilles Coulon shows the object in all its superfluous splendour and unexpected charm. “White Night” banishes the darkness and snatches the stars out of the nightly sky. Can neon lights inspire humans as the moonlight used to do before it had to cede the scene?

(Text : A. Meyer / Clervaux – cité de l’image, English translation by Nadia Linden)