Deichtorhallen | Hamburg
13. Dezember 2024 – 4. Mai 2025

High Noon
Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe, Philip-Lorca diCorcia

Ausgehend vom Studium der Fotografie an der School of the Museum of Fine Arts in Boston Ende der 1970er und Anfang der 1980er Jahre nehmen die vier Fotograf*innen Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe und Philip-Lorca diCorcia im politischen Fluidum der Ära Ronald Reagan ihre Arbeit auf. Goldin, Armstrong und Morrisroe sind miteinander befreundet und konzentrieren sich auf die fotografische Erkundung der subkulturellen Bohème in Boston und New York, deren fester Bestandteil sie sind.

Kamera, persönliche Perspektive und autobiografische Aspekte verschmelzen miteinander und prägen drei unverwechselbare, in Auffassung und Stilistik allerdings komplett unterschiedliche visuelle Identitäten, die die Fotografie revolutioniert haben und mit Macht bis in die aktuelle Gegenwart nachwirken. Gefangen zwischen Instabilität und Fragilität, dabei beständig auf der Suche nach sich selbst, zeigen sie Lust und Schrecken ihrer Peergroup und eröffnen intensive Einblicke in ihre emotionalen und sozialen Welten. Tagebuchartig prallen fotografische Sequenzen von Zuneigung, Freundschaft, Liebe, Sex und Lebendigkeit mit Einsamkeit, Gewalt, Sucht, Aids, Verfall und Tod aufeinander.

Philip-Lorca diCorcia, der sich sehr bewusst von den drei Fotograf*innen distanziert, beginnt damit, alltägliche Szenen mit Verwandten und Freunden künstlich nachzustellen, raffiniert auszuleuchten und zu fotografieren und konzipiert auf diese Weise zunächst ideale Archetypen. Basis seiner Arbeit ist stets ein genau definierter konzeptueller Ansatz, der bewusst mit dem fotografischen Medium als möglichem Dokument spielt.

Die von Dr. Sabine Schnakenberg kuratierte Schau in den Hamburger Deichtorhallen präsentiert das wohl umfangreichste zeitlich wie inhaltlich zusammenhängende Konvolut künstlerischer Arbeiten, das der Sammler F.C. Gundlach in den 1990er Jahren kontinuierlich dem Bestand seiner fotografischen Sammlung hinzufügte. Gezeigt werden etwa 150 zum Teil großformatige Arbeiten. Fasziniert von Inhalt, Intimität, Expressivität und persönlicher Herangehensweise verband F.C. Gundlach besonders zu Nan Goldin eine persönliche Beziehung – er förderte sie ab dem Beginn der 1990er Jahre sehr gezielt.

Partant de leurs études de photographie à la School of the Museum of Fine Arts de Boston à la fin des années 1970 et au début des années 1980, les quatre photographes* Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe et Philip-Lorca diCorcia commencent leur travail dans le fluide politique de l'ère Ronald Reagan. Goldin, Armstrong et Morrisroe sont des amis et se concentrent sur l'exploration de l'espace public. l'exploration photographique de la bohème subculturelle de Boston et de New York, dont ils font partie intégrante.

L'appareil photo, la perspective personnelle et les aspects autobiographiques fusionnent pour former trois identités visuelles distinctes, bien que complètement différentes en termes de conception et de style, qui ont révolutionné la photographie et dont les effets se font sentir jusqu'à aujourd'hui. Pris entre instabilité et fragilité, ils sont constamment à la recherche d'eux-mêmes, montrent le plaisir et l'horreur de leur groupe de pairs et ouvrent des perspectives intenses dans leurs mondes émotionnels et sociaux. À la manière d'un journal intime, des séquences photographiques d'affection, d'amitié, d'amour, de sexe et de vitalité entrent en collision avec la solitude, la violence, la dépendance, le sida, la déchéance et la mort.

Philip-Lorca diCorcia, qui se distancie très consciemment des trois photographes*, commence par reproduire artificiellement des scènes quotidiennes avec des parents et des amis, à les éclairer et à les photographier de manière raffinée, et conçoit de cette manière des archétypes idéaux. La base de son travail est toujours une approche conceptuelle bien définie, qui joue délibérément avec le médium photographique comme document possible.

L'exposition organisée par Dr. Sabine Schnakenberg aux Deichtorhallen de Hambourg présente le plus grand ensemble de travaux artistiques, cohérent dans le temps et dans le contenu, que le collectionneur F.C. Gundlach a ajouté en permanence à sa collection de photographies dans les années 1990. Environ 150 œuvres, dont certaines de grand format, sont présentées. Fasciné par le contenu, l'intimité, l'expressivité et l'approche personnelle, F.C. Gundlach entretenait une relation personnelle avec Nan Goldin, qu'il a encouragée de manière très ciblée dès le début des années 1990.

Dopo aver studiato fotografia alla School of the Museum of Fine Arts di Boston tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, i quattro fotografi Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe e Philip-Lorca diCorcia hanno iniziato il loro lavoro nel fluido politico dell'era di Ronald Reagan. Goldin, Armstrong e Morrisroe sono amici tra loro e si concentrano sull'esplorazione fotografica della sottocultura esplorazione fotografica della bohème subculturale di Boston e New York, di cui sono parte integrante.

La macchina fotografica, la prospettiva personale e gli aspetti autobiografici si fondono insieme e danno forma a tre identità visive inconfondibili, sebbene completamente diverse per concezione e stile, che hanno rivoluzionato la fotografia e continuano ad avere un effetto potente fino ai giorni nostri. In bilico tra instabilità e fragilità, alla costante ricerca di se stessi, mostrano il piacere e l'orrore del loro gruppo di coetanei e aprono intensi squarci sul loro mondo emotivo e sociale. Come diari, le sequenze fotografiche di affetto, amicizia, amore, sesso e vivacità si scontrano con la solitudine, la violenza, la dipendenza, l'AIDS, la decadenza e la morte.

Philip-Lorca diCorcia, che prende consapevolmente le distanze dai tre fotografi, inizia ricreando artificialmente scene quotidiane con parenti e amici, illuminandole e fotografandole in modo ingegnoso, creando così inizialmente degli archetipi ideali. Il suo lavoro si basa sempre su un approccio concettuale ben definito che gioca consapevolmente con il mezzo fotografico come possibile documento.

Curata dalla dott.ssa Sabine Schnakenberg, la mostra al Deichtorhallen di Amburgo presenta quella che probabilmente è la più ampia raccolta di opere artistiche, sia in termini di tempo che di contenuto, che il collezionista F.C. Gundlach ha continuamente aggiunto alla sua collezione fotografica negli anni Novanta. Sono esposte circa 150 opere, alcune delle quali di grande formato. Affascinato dal contenuto, dall'intimità, dall'espressività e dall'approccio personale, F.C. Gundlach ha avuto un rapporto personale in particolare con Nan Goldin, che ha promosso in modo molto specifico a partire dai primi anni Novanta.

Having studyied photography at the School of the Museum of Fine Arts in Boston in the late 1970s and early 1980s, the four photographers Nan Goldin, David Armstrong, Mark Morrisroe and Philip-Lorca diCorcia began their work in the political climate of the Ronald Reagan era. Goldin, Armstrong and Morrisroe are friends and concentrate on the photographic exploration of the subcultural bohemia in Boston and New York, of which they are an integral part.

The camera, personal perspective and autobiographical aspects merge together and shape three unmistakable visual identities, albeit completely different in conception and style, which have revolutionized photography and continue to have a powerful effect right up to the present day. Caught between instability and fragility, constantly in search of themselves, they show the pleasure and horror of their peer group and open up intense insights into their emotional and social worlds. Like diaries, photographic sequences of affection, friendship, love, sex and liveliness collide with

loneliness, violence, addiction, AIDS, decay and death.

Philip-Lorca diCorcia, who very consciously distances himself from the three photographers, begins by artificially recreating everyday scenes with relatives and friends, ingeniously illuminating and photographing them, initially conceiving ideal archetypes in this way. His work is always based on a precisely defined conceptual approach that consciously plays with the photographic medium as a possible document.

Curated by Dr. Sabine Schnakenberg, the show at Deichtorhallen Hamburg presents what is probably the most comprehensive collection of artistic works, both in terms of time and content, that the collector F.C. Gundlach continuously added to his photographic collection in the 1990s. On display are around 150 works, some of which are large-format. Fascinated by the content, intimacy, expressiveness and personal approach, F.C. Gundlach particularly had a personal relationship with Nan Goldin - from the early 1990s onwards, he supported her very specifically.

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

A WORLD IN COMMON - Contemporary African Photography

Kelani Abass, Atong Atem, Malala Andrialavidrazana, Edson Chagas, Kudzanai Chiurai, Rotimi Fani-Kayode, Maïmouna Guerresi, Hassan Hajjaj, Délio Jasse, Samson Kambalu, Kiripi Katembo, Lebohang Kganye, Sabelo Mlangeni, Mário Macilau, Fabrice Monteiro, Aïda Muluneh, George Osodi, Dawit L. Petros, Zina Saro- Wiwa, Khadija Saye

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Die Ausstellung versammelt Werke von mehr als 20 Künstler:innen und verfolgt das Ziel, die Vorstellung von Afrika in der globalen Wahrnehmung neu zu definieren. Inspiriert vom historischen kulturellen Reichtum des Kontinents und seiner gegenwärtigen sozio-politischen Landschaft bezieht sich die Ausstellung auf die Philosophie des kamerunischen Denkers Achille Mbembe, der vorschlägt, eine „gemeinsame Welt“ zu imaginieren, indem wir „die Welt von Afrika aus denken“. Die Ausstellung möchte konventionelle Wahrnehmungen herausfordern und eine Sicht auf Afrika fördern, die den Kontinent in das Zentrum einer geteilten globalen Zukunft stellt. In ihrer Kunst wenden sich die Fotograf:innen und Filmemacher:innen gegen die Beschränkungen, die ihnen oft durch stereotype Darstellungen auferlegt werden. Sie betonen die vielfältigen Realitäten des Kontinents sowie sein Potenzial, menschliche Geschichten zu beeinflussen. Die Ausstellung gliedert sich in drei thematische Abschnitte, die sich den Themen Identität und Tradition, Gegen-Geschichten und imaginierten Zukünften widmen.

Organisiert von Tate Modern, London in Kollaboration mit C/O Berlin.

Gefördert durch die Art Mentor Foundation Lucerne und Wolfgang Tillmans.

L'exposition rassemble les œuvres de plus de 20 artistes et a pour objectif de redéfinir l'idée de l'Afrique dans la perception globale. Inspirée par la richesse culturelle historique du continent et son paysage sociopolitique actuel, l'exposition se réfère à la philosophie du penseur camerounais Achille Mbembe, qui propose d'imaginer un « monde commun » en « pensant le monde à partir de l'Afrique ». L'exposition vise à défier les perceptions conventionnelles et à promouvoir une vision de l'Afrique qui transmet le continent au cœur d'un avenir mondial partagé. Dans leur art, les photographes et les cinéastes s'opposent aux restrictions souvent imposées par des représentations stéréotypées. Ils mettent l'accent sur les multiples réalités du continent et sur son potentiel à influencer les histoires humaines. L'exposition s'articule en trois sections thématiques consacrées à l'identité et à la tradition, aux contre-récits et aux futurs imaginés.

Organisée par la Tate Modern, Londres en collaboration avec C/O Berlin.

Soutenue par l'Art Mentor Foundation Lucerne et Wolfgang Tillmans.

La mostra riunisce le opere di oltre 20 artisti e mira a ridefinire l'idea di Africa nella percezione globale. Ispirata alla ricchezza storico-culturale del continente e al suo attuale panorama socio-politico, la mostra si ispira alla filosofia del pensatore camerunense Achille Mbembe, che propone di immaginare un “mondo comune” “pensando il mondo dall'Africa”. La mostra intende sfidare le percezioni convenzionali e promuovere una visione dell'Africa che ponga il continente al centro di un futuro globale condiviso. Nella loro arte, i fotografi e i registi sfidano i limiti spesso imposti da rappresentazioni stereotipate. Sottolineano le diverse realtà del continente e il suo potenziale di influenzare le storie umane. La mostra è suddivisa in tre sezioni tematiche che esplorano i temi dell'identità e della tradizione, delle controstorie e dei futuri immaginari.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra in collaborazione con C/O Berlin.

Sostenuta dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna e da Wolfgang Tillmans.

The exhibition brings together works by more than 20 artists and aims to redefine the idea of Africa in the global perception. Inspired by the continent's historical cultural richness and its current socio-political landscape, the exhibition draws on the philosophy of the Cameroonian thinker Achille Mbembe, who proposes imagining a “common world” by “thinking the world from Africa”. The exhibition aims to challenge conventional perceptions and promote a view of Africa that places the continent at the center of a shared global future. In their art, the photographers and filmmakers challenge the limitations that are often imposed on them by stereotypical representations. They emphasize the continent's diverse realities as well as its potential to influence human stories. The exhibition is divided into three thematic sections, dedicated to the themes of identity and tradition, counter-histories, and imagined futures.

Organized by Tate Modern, London in collaboration with C/O Berlin.

Supported by the Art Mentor Foundation Lucerne and Wolfgang Tillmans.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Protektorat . C/O Berlin Talent Award 2024
Silvia Rosi

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

In Protektorat setzt sich die italienische Künstlerin Silvia Rosi mit ihren togolesischen Wurzeln auseinander und beleuchtet Kommunikations- und Zeichensysteme in kolonialen und hegemonialen Machtstrukturen. Ausgehend von Archivmaterial des Nationalarchivs von Togo macht sie auf die flächendeckende Verbreitung westlicher Systeme während der kolonialen Besetzung Togos seitens des Deutschen Reiches sowie britischen und französischen Streitkräften aufmerksam. Der Akt des Erzählens findet in Protektorat über multiple Bildformen und Sinnes-ebenen statt: In Stand- und Bewegtbildern mit Ton können wir sehen und hören wie lokale Sprache, Traditionen und Bildkultur während der Kolonialherrschaft überschrieben oder unterdrückt wurden. Protagonistin der Arbeiten ist immer Rosi selbst, womit sie wirkungsvoll ihre persönliche Erfahrung in der kollektiven Erzählung einbettet.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Dans Protektorat, l'artiste italienne Silvia Rosi se penche sur ses racines togolaises et met en lumière les systèmes de communication et de signes dans les structures de pouvoir coloniales et hégémoniques. En se basant sur des archives des Archives nationales du Togo, elle attire l'attention sur la diffusion généralisée des systèmes occidentaux pendant l'occupation coloniale du Togo par l'Empire allemand et les forces armées britanniques et françaises. Dans Protektorat, l'acte de raconter se fait par le biais de multiples formes d'images et de niveaux de sens : Dans des images fixes et animées avec son, nous pouvons voir et entendre comment la langue, les traditions et la culture visuelle locales ont été écrasées ou réprimées pendant la domination coloniale. La protagoniste des travaux est toujours Rosi elle-même, ce qui lui permet d'intégrer efficacement son expérience personnelle dans le récit collectif.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

In Protettorato, l'artista italiana Silvia Rosi esplora le sue radici togolesi e fa luce sui sistemi di comunicazione e di segni nelle strutture di potere coloniali ed egemoniche. Basandosi su materiale d'archivio proveniente dall'Archivio Nazionale del Togo, l'artista richiama l'attenzione sull'ampia diffusione dei sistemi occidentali durante l'occupazione coloniale del Togo da parte dell'Impero tedesco e delle forze britanniche e francesi. L'atto di narrazione si svolge in Protektorat attraverso molteplici forme visive e livelli sensoriali: Nelle immagini fisse e in movimento con il sonoro, possiamo vedere e sentire come la lingua, le tradizioni e la cultura visiva locali siano state sovrascritte o soppresse durante la dominazione coloniale. Rosi stessa è sempre la protagonista delle opere, inserendo efficacemente la sua esperienza personale nella narrazione collettiva.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

In Protektorat, Italian artist Silvia Rosi engages with her Togolese roots and sheds light on systems of communication and signs in colonial and hegemonic power structures. Based on archival material from the National Archives of Togo, she draws attention to the widespread dissemination of Western systems during the colonial occupation of Togo by the German Reich, as well as British and French forces. The act of storytelling takes place in a protectorate of multiple image forms and sensory levels: in still and moving images with sound, we can see and hear how local language, traditions, and visual culture were overwritten or suppressed during colonial rule. The protagonist of the works is always Rosi herself, effectively embedding her personal experience in the collective narrative.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
1. Februar – 7. Mai 2025

Under the Sun
Sam Youkilis

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography

Mit viel Liebe zum Detail, zu Licht und satten Farben fängt Sam Youkilis die Sehnsüchte und Verheißungen des Reisens sowie die Schönheit des Alltäglichen ein. Neben erfolgreichen Auftragsarbeiten in der kommerziellen Modefotografie, nimmt der 1993 in New York geborene Fotograf und Filmemacher seine beruflichen Reisen zum Anlass, um in kurzen Filmen und Videoporträts menschliche Gesten, Emotionen und Interaktionen sowie alteingesessene Handwerke und lokale Traditionen zu dokumentieren. Als Pionier einer neuen Form des visuellen Geschichtenerzählens arbeitet Youkilis mit dem iPhone und nutzt das soziale Netzwerk Instagram als Plattform, um seine zu Themenclustern zusammengestellten Beobachtungen mit zahlreichen Followern zu teilen. Aus vermeintlich banalen Szenen schafft er ein visuelles Archiv an der Schnittstelle von Straßen-, Reise-, Food- und Dokumentarfotografie, das sowohl die vertrauten Tropen und Klischees des Reisens bedient als auch auf universelle Themen menschlicher Erfahrung verweist. C/O Berlin präsentiert Sam Youkilis‘ erste institutionelle Einzelausstellung.

Ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

Avec un grand souci du détail, de la lumière et des couleurs saturées, Sam Youkilis capture les aspirations et les promesses du voyage ainsi que la beauté du quotidien. Outre des travaux de commande réussis dans la photographie de mode commerciale, le photographe et cinéaste né à New York en 1993 profite de ses voyages professionnels pour documenter, dans des courts métrages et des portraits vidéo, des gestes humains, des émotions et des interactions ainsi que des métiers ancestraux et des traditions locales. Pionnier d'une nouvelle forme de narration visuelle, Youkilis travaille avec l'iPhone et utilise le réseau social Instagram comme plateforme pour partager ses observations, regroupées par thèmes, avec de nombreux followers. À partir de scènes prétendument banales, il crée une archive visuelle à la croisée de la photographie de rue, de voyage, de nourriture et de documentaire, qui sert à la fois les tropes et les clichés familiers du voyage et renvoie à des thèmes universels de l'expérience humaine. C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de Sam Youkilis.

Permis par l'Art Mentor Foundation Lucerne

Con grande attenzione ai dettagli, alla luce e alla ricchezza dei colori, Sam Youkilis cattura i desideri e le promesse dei viaggi e la bellezza del quotidiano. Oltre a lavorare con successo su commissione nel campo della fotografia commerciale di moda, il fotografo e regista, nato a New York nel 1993, utilizza i suoi viaggi professionali come opportunità per documentare i gesti, le emozioni e le interazioni umane, nonché l'artigianato di lunga data e le tradizioni locali in cortometraggi e ritratti video. Pioniere di una nuova forma di narrazione visiva, Youkilis lavora con l'iPhone e utilizza il social network Instagram come piattaforma per condividere le sue osservazioni, organizzate in gruppi tematici, con numerosi follower. A partire da scene apparentemente banali, crea un archivio visivo all'incrocio tra fotografia di strada, di viaggio, di cibo e documentaria, che si rifà sia a tropi e cliché familiari del viaggio sia a temi universali dell'esperienza umana. C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale di Sam Youkilis.

Resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

With great attention to detail, light and saturated colors, Sam Youkilis captures the yearning and promise of travel as well as the beauty of everyday life. In addition to successful commercial fashion photography assignments, the photographer and filmmaker, who was born in New York in 1993, uses his professional travels as an opportunity to document human gestures, emotions and interactions, as well as long-established crafts and local traditions, in short films and video portraits. A pioneer of a new form of visual storytelling, Youkilis works with the iPhone and uses the social network Instagram as a platform to share his observations, which he organizes into thematic clusters, with numerous followers. From seemingly mundane scenes, he creates a visual archive at the intersection of street, travel, food, and documentary photography that both draws on the familiar tropes and clichés of travel and points to universal themes of human experience. C/O Berlin presents Sam Youkilis' first institutional solo exhibition.

Made possible by the Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

Amerikahaus | München
1. Februar - 31. Juli 2025

Mode, Kunst und Kriegsberichte: Die vielen Leben der Lee Miller

Das Amerikahaus München zeigt bis zum 31. Juli 2025 Aufnahmen aus den unterschiedlichsten Schaffensphasen der US-Amerikanerin Lee Miller, eine der herausragenden Fotografinnen des 20. Jahrhunderts. Einige der beeindruckendsten Fotoaufnahmen, die vor rund 80 Jahren in Deutschland am Ende des Zweiten Weltkrieges gemacht wurden, stammen von Lee Miller (1907-1977). Miller hat unerschrocken US-amerikanische Soldaten bei ihrem Vormarsch in Europa begleitet und unter anderem Aufnahmen von der Befreiung der Konzentrationslager Buchenwald und Dachau und von Städten wie München in Trümmern angefertigt; ihre Kriegsfotografien spiegeln den amerikanischen Blick auf das Ende des Krieges in Europa wider.

Das Amerikahaus zeigt in Kooperation mit Lee Miller Archives und dem Elisabeth Sandmann Verlag knapp 100 von Millers Schwarz-Weiß-Aufnahmen aus ihren verschiedenen künstlerischen Schaffensphasen; neben Bildern aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs und der sogenannten Stunde Null auch Aufnahmen aus ihrer Zeit in Paris, New York, Ägypten und England.

Miller war viele Jahre als Fotografin für die britische und amerikanische Vogue tätig, war in der Kunstszene gut vernetzt und arbeitete mit bekannten Künstlern wie Pablo Picasso und Man Ray zusammen, mit denen sie eng befreundet war und die sie auch fotografierte. Berühmtheit erlangte sie vor allem durch das Foto, welches am 30. April 1945 von ihr geschossen wurde: Lee Miller begleitete einen Trupp USSoldaten, der an dem Tag, an dem Adolf Hitler Selbstmord beging, in die verlassene Münchner Wohnung des „Führers“ eindrang. Miller stieg in Hitlers Badewanne, ihre vom Konzentrationslager Dachau schmutzigen Stiefel auf der Badematte davor abgestreift und abgestellt, und ließ sich so inszeniert von ihrem Freund und Kollegen David E. Scherman mit ihrer eigenen Kamera ablichten.

Fotomodell und erste Begegnungen mit der Fotografie
Millers erste Karriere begann vor der Kamera: Als 19-Jährige wurde Miller in New York von Condé Nast, Verleger der Modezeitschrift Vogue, vor einem heranpreschenden Auto gerettet und als Fotomodell entdeckt. Regelmäßig wurde sie für Modezeitschriften fotografiert und interessierte sich für die Technik des Fotografierens. Edward Steichen, eine Schlüsselfigur der modernen Fotografie im 20. Jahrhundert, war zu der Zeit Cheffotograf der Vogue und ermunterte Lee Miller, selbst zu fotografieren. Steichen war es auch, der ihr ein persönliches Empfehlungsschreiben für den bekannten surrealistischen Künstler Man Ray ausstellte, als Millers Modelkarriere mit Mitte 20 endete und sie Schülerin von Man Ray werden wollte. Sie war als Model das Gesicht einer landesweiten Werbekampagne für Damenbinden geworden, was für Empörung sorgte und weshalb niemand mehr mit ihr werben wollte. Miller entschied sich für ein Leben hinter der Kamera, was ihr ganz recht war, da sie laut eigener Aussage lieber Bilder machen wollte als ein Bild zu sein – ihre Karriere als Künstlerin begann.

Surrealistische Künstlerin, Modefotografin, Kriegsreporterin und Köchin
1929 ging sie nach Paris, wo sie bereits Jahre zuvor einige Monate verbracht hatte und wo der Amerikaner und Avantgarde-Fotograf Man Ray lebte. Man Ray unterstützte und förderte Miller; die beiden waren Schülerin und Lehrer, Modell und Künstler, Liebespaar und langjährige Freunde. Zusammen entdeckten sie die Technik der sogenannten „Solarisation“, bei der die Hell- und Dunkelwerte von Fotos verfremdet werden. So entwickelte Miller ihren eigenen surrealistischfotografischen Stil, der auch spätere Aufnahmen von ihr zeichnet. Zahlreiche Fotos, bei der Miller diese Solarisationstechnik verwendet hat, sind in der Ausstellung im Amerikahaus zu sehen.

Nach einer kurzen Rückkehr nach New York, wo Miller ein eigenes Fotostudio eröffnete, heiratete sie den ägyptischen Geschäftsmann Aziz Eloui Bey und zog nach Kairo. Die Ehe war nicht von Dauer und sie kehrte nach Paris zurück. Dort lernte sie den britischen Surrealisten Roland Penrose kennen und zog zu Beginn des Zweiten Weltkriegs zu ihm nach London. Als Amerikanerin erhielt sie keine Arbeitserlaubnis und arbeitete freiberuflich als Modefotografin für die Vogue. Sie ließ sich als zivile Kriegsberichterstatterin akkreditieren und konnte innerhalb einer USMilitäreinheit am Vormarsch der Alliierten in Europa von 1944 bis 1945 teilnehmen.

La Maison de l'Amérique de Munich présente jusqu'au 31 juillet 2025 des clichés des différentes phases de l'œuvre de l'Américaine Lee Miller, l'une des photographes les plus remarquables du 20e siècle. Certaines des photos les plus impressionnantes prises en Allemagne à la fin de la Seconde Guerre mondiale, il y a environ 80 ans, ont été prises par Lee Miller (1907-1977). Miller a accompagné intrépidement des soldats américains lors de leur avancée en Europe et a notamment pris des photos de la libération des camps de concentration de Buchenwald et Dachau et de villes comme Munich en ruines ; ses photographies de guerre reflètent le regard américain sur la fin de la guerre en Europe.

En coopération avec Lee Miller Archives et les éditions Elisabeth Sandmann, la Maison de l'Amérique présente près de 100 clichés en noir et blanc de Miller, issus de ses différentes phases de création artistique ; outre des visuels de l'époque de la Seconde Guerre mondiale et de ce que l'on appelle l'heure zéro, des clichés de sa période à Paris, New York, en Égypte et en Angleterre.

Miller a travaillé pendant de nombreuses années comme photographe pour le Vogue britannique et américain, elle avait un bon réseau dans le milieu artistique et a collaboré avec des artistes connus comme Pablo Picasso et Man Ray, avec lesquels elle était très amie et qu'elle a également photographiés. Elle est surtout devenue célèbre grâce à la photo qu'elle a prise le 30 avril 1945 : Lee Miller accompagnait un groupe de soldats américains qui pénétraient dans l'appartement abandonné du « Führer » à Munich le jour où Adolf Hitler s'est suicidé. Miller est entrée dans la baignoire d'Hitler, ses bottes sales du camp de concentration de Dachau retirées et posées sur le tapis de bain devant elle, et s'est fait photographier avec son propre appareil photo, mise en scène par son ami et collègue David E. Scherman.

Mannequin et premières rencontres avec la photographie
La première carrière de Miller a commencé devant l'objectif : à 19 ans, Miller a été sauvée d'une voiture qui fonçait sur elle à New York par Condé Nast, éditeur du magazine de mode Vogue, qui l'a découverte comme mannequin. Régulièrement photographiée pour des magazines de mode, elle s'est intéressée à la technique de la prise de vue. Edward Steichen, une figure clé de la photographie moderne au 20e siècle, était à l'époque le photographe en chef de Vogue et a encouragé Lee Miller à prendre elle-même des photos. C'est également Steichen qui lui a délivré une lettre de recommandation personnelle pour le célèbre artiste surréaliste Man Ray, alors que la carrière de mannequin de Miller s'arrêtait au milieu de la vingtaine et qu'elle voulait devenir l'élève de Man Ray. En tant que mannequin, elle était devenue le visage d'une campagne publicitaire nationale pour des serviettes hygiéniques, ce qui avait suscité l'indignation et c'est pourquoi plus personne ne voulait faire de la publicité avec elle. Miller a décidé de passer sa vie derrière la caméra, ce qui lui convenait parfaitement puisque, selon ses propres dires, elle préférait faire des visuels plutôt que d'être un visuel - sa carrière d'artiste a commencé.

Artiste surréaliste, photographe de mode, reporter de guerre et cuisinière
En 1929, elle se rendit à Paris, où elle avait déjà passé quelques mois des années auparavant et où vivait l'Américain et photographe d'avant-garde Man Ray. Man Ray soutenait et encourageait Miller ; tous deux étaient à la fois élève et professeur, modèle et artiste, couple d'amoureux et amis de longue date. Ensemble, ils ont découvert la technique dite de la « solarisation », qui consiste à altérer les valeurs de clarté et d'obscurité des photos. Miller a ainsi développé son propre style de photographie surréaliste, qui caractérise également les clichés qu'elle a pris par la suite. De nombreuses photos dans lesquelles Miller a utilisé cette technique de solarisation sont présentées dans l'exposition de la Maison de l'Amérique.

Après un bref retour à New York, où Miller a ouvert son propre studio photo, elle a épousé l'homme d'affaires égyptien Aziz Eloui Bey et s'est installée au Caire. Le mariage ne dura pas et elle retourna à Paris. C'est là qu'elle a fait la connaissance du surréaliste britannique Roland Penrose et qu'elle l'a rejoint à Londres au début de la Seconde Guerre mondiale. En tant qu'Américaine, elle n'obtint pas de permis de travail et travailla en free-lance comme photographe de mode pour le magazine Vogue. Elle s'est fait accréditer comme correspondante de guerre civile et a pu participer à l'avancée des Alliés en Europe de 1944 à 1945 au sein d'une unité militaire américaine.

Fino al 31 luglio 2025, l'Amerikahaus München espone le fotografie delle varie fasi creative dell'americana Lee Miller, una delle più importanti fotografe donne del XX secolo. Alcune delle fotografie più impressionanti scattate circa 80 anni fa in Germania alla fine della Seconda guerra mondiale sono state realizzate da Lee Miller (1907-1977). La Miller accompagnò senza timore i soldati americani nella loro avanzata in Europa e scattò foto della liberazione dei campi di concentramento di Buchenwald e Dachau e di città come Monaco di Baviera in rovina; le sue fotografie di guerra riflettono la visione americana della fine della guerra in Europa.

In collaborazione con l'Archivio Lee Miller e l'Elisabeth Sandmann Verlag, l'Amerikahaus espone quasi 100 fotografie in bianco e nero della Miller, appartenenti alle sue diverse fasi artistiche; oltre alle immagini della Seconda guerra mondiale e della cosiddetta ora zero, sono presenti anche fotografie del periodo trascorso a Parigi, New York, in Egitto e in Inghilterra.

La Miller ha lavorato per molti anni come fotografa per Vogue britannico e americano, era ben inserita nella scena artistica e ha lavorato con artisti famosi come Pablo Picasso e Man Ray, con i quali era molto amica e che ha anche fotografato. Divenne famosa soprattutto per la foto che scattò il 30 aprile 1945: Lee Miller accompagnò una squadra di soldati statunitensi che entrarono nell'appartamento abbandonato del “Führer” a Monaco il giorno in cui Adolf Hitler si suicidò. La Miller entrò nella vasca da bagno di Hitler, con gli stivali sporchi del campo di concentramento di Dachau puliti e appoggiati sul tappetino davanti alla vasca, e si fece fotografare con la sua macchina fotografica dall'amico e collega David E. Scherman.

Modella e primi incontri con la fotografia
La prima carriera della Miller inizia davanti all'obiettivo: a 19 anni, viene salvata da un'auto in corsa a New York da Condé Nast, editore della rivista di moda Vogue, e scoperta come modella. Viene fotografata regolarmente per le riviste di moda e si interessa alla tecnica fotografica. Edward Steichen, figura chiave della fotografia moderna del XX secolo, era all'epoca il capo fotografo di Vogue e incoraggiò Lee Miller a scattare fotografie da sola. Fu sempre Steichen a fornirle una lettera di raccomandazione personale per il famoso artista surrealista Man Ray quando la carriera di modella della Miller finì a metà dei suoi vent'anni e lei voleva diventare una studentessa di Man Ray. Come modella, era diventata il volto di una campagna pubblicitaria nazionale per gli assorbenti igienici, che aveva suscitato indignazione e aveva fatto sì che nessuno volesse più fare pubblicità con lei. La Miller optò per una vita dietro la macchina fotografica, cosa che le andava benissimo, visto che diceva di preferire fare immagini piuttosto che essere un'immagine: iniziò così la sua carriera di artista.

Artista surrealista, fotografa di moda, reporter di guerra e cuoca
Nel 1929 si recò a Parigi, dove aveva già trascorso alcuni mesi e dove viveva il fotografo americano e d'avanguardia Man Ray. Man Ray sostenne e incoraggiò la Miller; i due furono studente e insegnante, modella e artista, amanti e amici di lunga data. Insieme scoprirono la tecnica della “solarizzazione”, in cui i valori chiari e scuri delle foto vengono distorti. La Miller sviluppò così il suo stile fotografico surrealista, che caratterizza anche le sue fotografie successive. Numerose foto in cui la Miller utilizza questa tecnica di solarizzazione sono visibili nella mostra all'Amerikahaus.

Dopo un breve ritorno a New York, dove Miller aprì un proprio studio fotografico, sposò l'uomo d'affari egiziano Aziz Eloui Bey e si trasferì al Cairo. Il matrimonio non dura e lei torna a Parigi. Qui incontra il surrealista britannico Roland Penrose e si trasferisce a Londra per vivere con lui all'inizio della Seconda guerra mondiale. In quanto americana, non le fu concesso un permesso di lavoro e lavorò come fotografa di moda freelance per Vogue. Accreditata come corrispondente di guerra civile, poté partecipare all'avanzata degli Alleati in Europa dal 1944 al 1945 come membro di un'unità militare statunitense.

Until 31 July 2025, the Amerikahaus München is showing photographs from the most diverse creative phases of the American Lee Miller, one of the outstanding photographers of the 20th century. Some of the most impressive photographs taken in Germany at the end of the Second World War around 80 years ago were taken by Lee Miller (1907-1977). Miller fearlessly accompanied U.S. soldiers as they advanced in Europe, taking pictures of the liberation of the Buchenwald and Dachau concentration camps and of cities such as Munich in ruins, among other things. Her war photographs reflect the American view of the end of the war in Europe.

The Amerikahaus, in cooperation with the Lee Miller Archives and Elisabeth Sandmann Verlag, is showing nearly 100 of Miller's black-and-white photographs from her various artistic periods, including visuals from the Second World War and the so-called Stunde Null (zero hour), as well as photographs from her time in Paris, New York, Egypt, and England.

Miller worked as a photographer for British and American Vogue for many years, was well connected in the art scene and worked with well-known artists such as Pablo Picasso and Man Ray, with whom she was close friends and whom she also photographed. She achieved fame mainly through the photo she took on 30 April 1945: Lee Miller was accompanying a group of US soldiers who broke into the ‘Führer's’ abandoned Munich apartment on the day Adolf Hitler committed suicide. Miller got into Hitler's bathtub, her boots, dirty from Dachau concentration camp, were placed on the bath mat in front of it, and she had herself photographed by her friend and colleague David E. Scherman, who staged the scene with her own camera.

Photo model and first encounters with photography
Miller's first career began in front of the camera: at the age of nineteen, Miller was discovered as a photo model by Condé Nast, publisher of the fashion magazine Vogue, after being saved from a crashing car in New York. She was regularly photographed for fashion magazines and became interested in the technique of photography. Edward Steichen, a key figure in 20th-century modern photography, was head photographer at Vogue at the time and encouraged Lee Miller to take photographs herself. It was also Steichen who wrote her a personal letter of recommendation for the well-known surrealist artist Man Ray when Miller's modelling career came to an end in her mid-20s and she wanted to become Man Ray's student. She had become the face of a nationwide advertising campaign for sanitary napkins, which caused outrage and is why no one wanted to advertise with her anymore. Miller decided to live behind the camera, which suited her just fine, because, as she said, she wanted to make pictures rather than be a picture – and so her career as an artist began.

Surrealist artist, fashion photographer, war reporter and cook
In 1929, she went to Paris, where she had already spent a few months years earlier and where the American avant-garde photographer Man Ray lived. Man Ray supported and encouraged Miller; the two were teacher and student, model and artist, lovers and long-time friends. Together they discovered the technique of so-called ‘solarisation’, in which the light and dark values of photos are distorted. This is how Miller developed her own surrealistic photographic style, which also characterises her later photographs. Numerous photos in which Miller used this solarisation technique can be seen in the exhibition at the Amerikahaus.

After a brief return to New York, where Miller opened her own photography studio, she married the Egyptian businessman Aziz Eloui Bey and moved to Cairo. The marriage was short-lived and she returned to Paris. There she met the British surrealist Roland Penrose and moved to London at the beginning of the Second World War to be with him. As an American, she was unable to obtain a work permit and worked as a freelance fashion photographer for Vogue. She was accredited as a civilian war correspondent and was able to participate in the advance of the Allies in Europe from 1944 to 1945 as part of a US military unit.

(Text: Amerikahaus, München)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim
9. Februar – 15. Juni 2025

Robert Lebeck. Hierzulande

Ob Willy Brandt, Elvis Presley oder Romy Schneider - Robert Lebeck (1929-2014) kam allen ganz nah. Der bedeutende Fotograf Robert Lebeck schuf in über dreißig Jahren ein umfangreiches Werk, das im Fotojournalismus und in der Porträtfotografie neue Maßstäbe setzte. Sein sicheres Gespür für aktuelle Themen und die Begabung, sie mit wenigen Bildern zu erfassen, setzte vielbewunderte Standards auf dem Gebiet der Reportagefotografie. Dabei interessierten Lebeck stets die Menschen mehr als die Ereignisse; er richtete den Blick oft auf das Kleine, wenig Beachtete und wurde mit persönlichen Aufnahmen zu einem scharfsichtigen Illustrator und visionären Deuter der Geschichte.

Die Ausstellung »Hierzulande« beleuchtet mit ausgewählten Reportagen aus Deutschland von 1955 bis 1983 sein unbestechliches Auge für den entscheidenden Moment: Lebeck fotografierte, wenn geküsst, getrunken und getanzt, aber auch, wenn geweint und gelitten wurde. Mit seiner charismatischen Gabe zur stillen Beobachtung kam er den Menschen nahe. Für »Deutschland im März« fuhr er beispielsweise 1983 ohne Ziel und konkreten Plan los und fand seine Motive in ausgelassen feiernden Karnevaljecken, einem sterbenden Wald im Schwäbischen, Hunger und Armut am Hamburger Hafen oder einer alten Dame, die Unterwäsche im Sonderangebot unter die Lupe nimmt. Mit seinen Aufnahmen dokumentierte Robert Lebeck die kleinen und großen Szenen des Alltags in der alten Bundesrepublik und hielt damit ein Stück Zeitgeschichte fest. Gleichzeitig fand Lebeck Zugang zu hohen Persönlichkeiten: Willy Brandt begleitete er für mehr als zwei Jahre, dokumentierte Wahlkampf, Wahlsieg und die ersten Schritte im Amt des Bundeskanzlers; zahlreiche Porträtfotografien von Romy Schneider zeugen von dem hohen Vertrauen, das die Schauspielerin Lebeck entgegenbrachte. Auch Maria Callas, Alfred Hitchcock oder Josef Beuys hielt er subtil und ebenso eindringlich fest.

Im Fokus seiner Ausstellung »Hierzulande« stehen seine prägenden Deutschlandbilder. Das Besondere ist, dass zum Teil noch nie veröffentlichte Fotografien von Robert Lebeck auch Teil der Retrospektive sind. Heimkehrer, Bonner Republik, Deutschland im März bilden in der umfassenden Schau über 150 Fotografien ebenso Themenblöcke wie Elvis Presley, Maria Callas oder Romy Schneider.

Que ce soit Willy Brandt, Elvis Presley ou Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) les a tous approchés de très près. En plus de trente ans, le grand photographe Robert Lebeck a créé une œuvre considérable qui a posé de nouveaux jalons dans le photojournalisme et la photographie de portrait. Son flair sûr pour les sujets d'actualité et son talent pour les saisir en quelques clichés ont établi des normes très admirées dans le domaine de la photographie de reportage. Lebeck s'intéressait toujours plus aux personnes qu'aux événements ; il portait souvent son regard sur ce qui était petit et peu remarqué et devint, avec ses photos personnelles, un illustrateur perspicace et un interprète visionnaire de l'histoire.

L'exposition « Hierzulande » met en lumière, à travers une sélection de reportages réalisés en Allemagne entre 1955 et 1983, son œil incorruptible pour les moments décisifs : Lebeck photographiait quand on s'embrassait, buvait et dansait, mais aussi quand on pleurait et souffrait. Avec son don charismatique pour l'observation silencieuse, il était proche des gens. Pour « L'Allemagne en mars », il est par exemple parti en 1983 sans but ni plan concret et a trouvé ses motifs dans des joyeux fêtards de carnaval, une forêt mourante en Souabe, la faim et la pauvreté dans le port de Hambourg ou une vieille dame examinant à la loupe des sous-vêtements en promotion. Avec ses clichés, Robert Lebeck a documenté les petites et grandes scènes de la vie quotidienne dans l'ancienne République fédérale d'Allemagne et a ainsi enregistré une partie de l'histoire contemporaine. Parallèlement, Lebeck a eu accès à de hautes personnalités : Il a accompagné Willy Brandt pendant plus de deux ans, documentant la campagne électorale, la victoire électorale et les premiers pas dans la fonction de chancelier fédéral ; de nombreux portraits photographiques de Romy Schneider témoignent de la grande confiance que l'actrice accordait à Lebeck. Il a également immortalisé Maria Callas, Alfred Hitchcock ou Josef Beuys avec subtilité et tout autant d'insistance.

Ses images marquantes de l'Allemagne sont au cœur de son exposition « Hierzulande ». La particularité est que des photographies de Robert Lebeck, dont certaines n'ont jamais été publiées, font également partie de la rétrospective. Les retours au pays, la République de Bonn, l'Allemagne en mars forment des blocs thématiques dans cette exposition complète de plus de 150 photographies, tout comme Elvis Presley, Maria Callas ou Romy Schneider.

Che si tratti di Willy Brandt, Elvis Presley o Romy Schneider, Robert Lebeck (1929-2014) è stato molto vicino a tutti loro. In più di trent'anni, l'importante fotografo Robert Lebeck ha creato un ampio corpus di lavori che hanno stabilito nuovi standard nel fotogiornalismo e nella fotografia di ritratto. Il suo istinto sicuro per i temi di attualità e il suo talento nel catturarli in poche immagini hanno stabilito standard molto apprezzati nel campo della fotografia di reportage. Lebeck è sempre stato più interessato alle persone che agli eventi; si è spesso concentrato sul piccolo, sul poco notato ed è diventato un illustratore acuto e un interprete visionario della storia con le sue fotografie personali.

La mostra “Hierzulande”, con una selezione di reportage realizzati in Germania tra il 1955 e il 1983, mette in luce il suo occhio infallibile per il momento decisivo: Lebeck ha fotografato quando la gente baciava, beveva e ballava, ma anche quando piangeva e soffriva. Con il suo carismatico dono di osservazione silenziosa, si è avvicinato alle persone. Per “Germania in marzo”, ad esempio, è partito nel 1983 senza una meta o un piano concreto e ha trovato i suoi motivi nei festeggiamenti esuberanti del carnevale, in una foresta morente in Svevia, nella fame e nella povertà del porto di Amburgo o in un'anziana signora che esamina la biancheria intima in vendita. Con le sue fotografie, Robert Lebeck ha documentato le piccole e grandi scene di vita quotidiana della vecchia Repubblica Federale, catturando così un pezzo di storia contemporanea. Allo stesso tempo, Lebeck ebbe accesso a personalità di alto livello: Accompagnò Willy Brandt per più di due anni, documentando la sua campagna elettorale, la vittoria elettorale e i primi passi nella carica di Cancelliere; numerosi ritratti fotografici di Romy Schneider testimoniano l'alto livello di fiducia che l'attrice riponeva in Lebeck. Ha anche immortalato Maria Callas, Alfred Hitchcock e Josef Beuys in modo sottile e altrettanto vivido.

La mostra “Hierzulande” si concentra sulle sue immagini formative della Germania. La particolarità è che fanno parte della retrospettiva anche alcune fotografie di Robert Lebeck, alcune delle quali mai pubblicate prima. Gli abitanti della casa, la Repubblica di Bonn, la Germania a marzo, Elvis Presley, Maria Callas e Romy Schneider formano dei blocchi tematici nella mostra completa di oltre 150 fotografie.

Whether Willy Brandt, Elvis Presley or Romy Schneider – Robert Lebeck (1929-2014) got up close and personal with them all. Over a period of more than thirty years, the renowned photographer Robert Lebeck created an extensive body of work that set new standards in photojournalism and portrait photography. His keen sense for current affairs and his talent for capturing them in just a few images set much-admired standards in the field of reportage photography. Lebeck was always more interested in the people than the events; he often turned his attention to the small, the little-noticed, and with his personal photographs he became a sharp-sighted illustrator and visionary interpreter of history.

The exhibition “Hierzulande” (In these parts) uses selected reportages from Germany from 1955 to 1983 to illuminate his unerring eye for the decisive moment: Lebeck took pictures when people were kissing, drinking and dancing, but also when they were crying and suffering. With his charismatic gift for silent observation, he was able to get close to people. In 1983, for example, he set out for “Germany in March” without a specific destination or plan, and found his motifs in people celebrating the carnival, a dying forest in Swabia, hunger and poverty in the port of Hamburg, or an old lady examining underwear on sale. With his photographs, Robert Lebeck documented the small and large scenes of everyday life in the old Federal Republic of Germany, thereby capturing a piece of contemporary history. At the same time, Lebeck was able to gain access to high-ranking personalities: he accompanied Willy Brandt for more than two years, documenting his election campaign, election victory and the first steps he took in office as Chancellor; numerous portrait photographs of Romy Schneider testify to the great trust that the actress placed in Lebeck. He also captured Maria Callas, Alfred Hitchcock and Josef Beuys in a subtle and equally haunting way.

The focus of his exhibition “Hierzulande” is on his defining images of Germany. What makes this retrospective so special is that it includes photographs by Robert Lebeck that have never been published before. The comprehensive show, which includes over 150 photographs, covers topics such as returnees, the Bonn Republic, and Germany in March 1990, as well as Elvis Presley, Maria Callas, and Romy Schneider.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselheim)

Haus der Fotografie Husum
11. Februar – 3. Mai 2025

Vergängliche Augenblicke – Heiko Westphalen

Vergängliche Augenblicke ist eine Hommage an das Alltägliche – voller Melancholie, aber auch voller leiser Freude.

Der Flensburger Fotokünstler Heiko Westphalen lädt mit seiner neuen Ausstellung „Vergängliche Augenblicke“ zu einer faszinierenden Entdeckungsreise durch die Straßen des Alltags ein. Seine Werke widmen sich den unscheinbaren, oft übersehenen Details des urbanen Lebens – jenen kleinen Momenten und Szenen, die eine stille, aber eindringliche Geschichte erzählen.

Westphalen, bekannt für seine besondere Sicht auf die Welt, lenkt den Blick auf das, was jenseits des Offensichtlichen liegt: die abgeblätterte Farbe einer Hauswand, das Spiel von Licht und Schatten auf einer Bank, vergängliche Kunst im urbanen Raum. Ohne dabei plakativ zu wirken, fängt er die Poesie der scheinbaren Nebensächlichkeiten ein und zeigt, wie vergänglich und zugleich bedeutungsvoll die Spuren des Alltags sind.

Seine Streetfotografie verzichtet auf spektakuläre Szenen oder offensichtliche Motive. Stattdessen lädt sie dazu ein, innezuhalten, genauer hinzusehen und die Schönheit im Unscheinbaren zu entdecken. Es sind Bilder, die zum Nachdenken anregen und die Frage aufwerfen, wie viel wir im Alltag an uns vorbeiziehen lassen, ohne es wirklich wahrzunehmen.

Vergängliche Augenblicke est un hommage au quotidien - plein de mélancolie, mais aussi de joie silencieuse.

Avec sa nouvelle exposition « Vergängliche Augenblicke », l'artiste photographe Heiko Westphalen de Flensburg invite à un voyage fascinant à la découverte des rues du quotidien. Ses œuvres sont consacrées aux détails insignifiants et souvent ignorés de la vie urbaine - ces petits moments et ces scènes qui racontent une histoire silencieuse mais percutante.

Westphalen, connu pour son regard particulier sur le monde, attire l'attention sur ce qui se trouve au-delà de l'évidence : la peinture écaillée d'un mur d'immeuble, le jeu d'ombre et de lumière sur un banc, l'art éphémère dans l'espace urbain. Sans être frappant, il capture la poésie des choses apparemment secondaires et montre à quel point les traces du quotidien sont à la fois éphémères et significatives.

Sa photographie de rue renonce aux scènes spectaculaires ou aux motifs évidents. Au lieu de cela, elle invite à s'arrêter, à regarder de plus près et à découvrir la beauté dans l'insignifiant. Ce sont des images qui incitent à la réflexion et qui soulèvent la question de savoir combien de choses nous laissons passer devant nous au quotidien sans vraiment les percevoir.

Transient Moments è un omaggio al quotidiano - pieno di malinconia, ma anche di tranquilla gioia.

Con la sua nuova mostra “Transient Moments”, l'artista fotografico di Flensburg Heiko Westphalen vi invita a un affascinante viaggio alla scoperta delle strade della vita quotidiana. Le sue opere sono dedicate ai dettagli poco appariscenti e spesso trascurati della vita urbana - quei piccoli momenti e quelle scene che raccontano una storia tranquilla ma ossessionante.

Westphalen, noto per la sua particolare visione del mondo, richiama l'attenzione su ciò che si trova al di là dell'ovvio: la vernice scrostata sul muro di una casa, il gioco di luci e ombre su una panchina, l'arte effimera nello spazio urbano. Senza apparire sfacciato, cattura la poesia di apparenti banalità e mostra quanto siano transitorie e allo stesso tempo significative le tracce della vita quotidiana.

La sua fotografia di strada evita scene spettacolari o motivi ovvi. Ci invita invece a fermarci, a guardare più da vicino e a scoprire la bellezza nell'insignificante. Sono immagini che fanno riflettere e che sollevano la questione di quante cose lasciamo passare nella vita di tutti i giorni senza accorgercene.

‘Transient Moments’ is a tribute to the everyday – full of melancholy, but also quiet joy.

With his new exhibition ‘Transient Moments’, Flensburg-based photographer Heiko Westphalen invites you on a fascinating journey of discovery through the streets of everyday life. His works are dedicated to the inconspicuous, often overlooked details of urban life – those small moments and scenes that tell a quiet but haunting story.

Westphalen, known for his particular view of the world, draws our attention to what lies beyond the obvious: the peeling paint on a house wall, the play of light and shadow on a bench, transient art in urban spaces. Without being bold, he captures the poetry of the seemingly trivial and shows how fleeting and at the same time meaningful the traces of everyday life are.

His street photography avoids spectacular scenes or obvious subjects. Instead, it invites us to pause, take a closer look and discover beauty in the unassuming. These are images that make us reflect and ask ourselves how much of our everyday lives we let pass by without really noticing.

(Text: Heiko Westphalen, Flensburg)

DZ BANK Kunststiftung GmbH | Frankfurt am Main
26. Februar – 24. Mai 2025

Andreas Mühe. Im Banne des Zorns

Mit Hilfe fotografischer Bilder und Installationen sucht Andreas Mühe nach spürbaren Folgen der deutschen Geschichte. Er befragt die Vergangenheit als einen Zeitraum, der Narben und Traumata hinterlassen hat, die noch immer nicht zur Genüge aufgearbeitet sind. Dabei lässt das Erstarken antidemokratischer und radikaler Tendenzen in unserer gegenwärtigen politischen Landschaft die Dringlichkeit einer Auseinandersetzung mit unserer Geschichte wichtiger werden denn je. Mit der Präsentation seiner Werke aus einer über 20-jährigen Schaffenszeit gibt die Kunststiftung DZ BANK einen breiten Überblick über das OEuvre von Andreas Mühe und möchte damit zu einem Dialog über demokratisches Handeln anregen.

»Mit der Kamera ins Herz der Finsternis« lautet die Überschrift eines Textes über die Bildserie »Obersalzberg« (2010–2012) von Andreas Mühe. Mit dieser Werkreihe beginnt die Ausstellung »Im Banne des Zorns«. Auch das Titelmotiv der Ausstellung, »Mooslahnerkopf« (2010) entstammt dieser Serie. Demgegenüber werden unter anderem Werke aus seiner Serie »RAFNSU« (2023–fortlaufend) zu sehen sein, eine Auseinandersetzung mit dem Grauen des deutschen Terrorismus sowie dem Schrecken der Radikalisierung. Je drei Mitglieder der Roten Armee Fraktion sowie des Nationalsozialistischen Untergrunds setzt er auf diese Weise in Beziehung zueinander. So wie sich die RAF aus der Radikalisierung der Studentenbewegung entwickelte und gegen das Establishment der BRD wandte, richteten die rechten Terroristen des NSU sich gegen eine offene Gesellschaft und töteten in ihrem Hass deutsche Mitbürgerinnen und Mitbürger mit Migrationshintergrund. Darüber hinaus werden fotografische Arbeiten aus den Serien »Beates Katzen« (2024), »Prora, Rügen« (2004), »A.M. Bunker« (2023), »Mischpoche« (2016–2019) und »Kanzlerbungalow« (2021) gezeigt. Die Werkreihe »Wandlitz« (2011), in der Andreas Mühe zwanzig Häuser von Mitgliedern des SED-Politbüros in der Waldsiedlung bei Wandlitz porträtiert, komplettiert den umfassenden Überblick über seine Schaffenszyklen und machen spürbar, dass die Diktatur der damaligen DDR, des ganzen totalitären Regimes, so doktrinär auf die Bevölkerung Einfluss nahm, dass die Folgen bis heute und vielleicht noch lange darüber hinaus spürbar sind und sein werden.

Eines haben seine Werkreihen immer gemeinsam: die bedachte und inszenierende Art des Fotografierens mit einer Plattenkamera gibt Andreas Mühe die Möglichkeit, die Szenerie sowie seine persönliche Position und Haltung immer wieder zu überprüfen, bevor er auf den Auslöser drückt. Dasselbe gilt auch für den Betrachtenden seiner Werke. Andreas Mühes Werke öffnen den Raum für die Auseinandersetzung mit der eigenen und der gesellschaftlichen Geschichte, die bis ins Jetzt hineinragt.

À l'aide d'images photographiques et d'installations, Andreas Mühe recherche les conséquences perceptibles de l'histoire allemande. Il interroge le passé comme une période qui a laissé des cicatrices et des traumatismes qui ne sont toujours pas suffisamment traités. La montée des tendances antidémocratiques et radicales dans notre paysage politique actuel rend plus importante que jamais l'urgence d'une réflexion sur notre histoire. En présentant les œuvres d'Andreas Mühe, qui s'étendent sur plus de 20 ans, la Kunststiftung DZ BANK donne un large aperçu de son œuvre et souhaite ainsi inciter à un dialogue sur l'action démocratique.

« Mit der Kamera ins Herz der Finsternis », tel est le titre d'un texte consacré à la série de tableaux “Obersalzberg” (2010-2012) d'Andreas Mühe. C'est avec cette série d'œuvres que débute l'exposition « Im Banne des Zorns ». Le motif du titre de l'exposition, « Mooslahnerkopf » (2010), est également issu de cette série. En face, on pourra voir entre autres des œuvres de sa série « RAFNSU » (2023-continue), une confrontation avec l'horreur du terrorisme allemand ainsi que l'horreur de la radicalisation. Il met ainsi en relation trois membres de la Fraction armée rouge et trois membres de l'underground national-socialiste. Tout comme la RAF s'est développée à partir de la radicalisation du mouvement étudiant et s'est tournée contre l'establishment de la RFA, les terroristes de droite du NSU se sont dirigés contre une société ouverte et ont tué dans leur haine des concitoyens allemands issus de l'immigration. En outre, des travaux photographiques des séries « Beates Katzen » (2024), « Prora, Rügen » (2004), « A.M. Bunker » (2023), « Mischpoche » (2016-2019) et « Kanzlerbungalow » (2021) seront présentés. La série d'œuvres « Wandlitz » (2011), dans laquelle Andreas Mühe fait le portrait de vingt maisons de membres du Politburo du SED dans la cité forestière près de Wandlitz, complète le vaste aperçu de ses cycles de création et rendent perceptible le fait que la dictature de la RDA de l'époque, de tout le régime totalitaire, a exercé une telle influence doctrinale sur la population que les conséquences sont et seront perceptibles jusqu'à aujourd'hui et peut-être encore longtemps après.

Ses séries d'œuvres ont toujours un point commun : la manière réfléchie et mise en scène de photographier avec un appareil à plaque donne à Andreas Mühe la possibilité de toujours vérifier le décor ainsi que sa position et son attitude personnelles avant d'appuyer sur le déclencheur. Il en va de même pour le spectateur de ses œuvres. Les œuvres d'Andreas Mühe ouvrent l'espace pour une confrontation avec sa propre histoire et celle de la société, qui s'étend jusqu'au présent.

Con l'aiuto di immagini fotografiche e installazioni, Andreas Mühe cerca conseguenze tangibili della storia tedesca. Mette in discussione il passato come un periodo che ha lasciato cicatrici e traumi non ancora sufficientemente affrontati. L'ascesa di tendenze antidemocratiche e radicali nel nostro attuale panorama politico rende più importante che mai fare i conti con la nostra storia. Con la presentazione delle sue opere di un periodo creativo di oltre 20 anni, la DZ BANK Art Foundation offre un'ampia panoramica dell'opera di Andreas Mühe e mira a incoraggiare un dialogo sull'azione democratica.

“Con la macchina fotografica nel cuore delle tenebre” è il titolo di un testo sulla serie ‘Obersalzberg’ (2010-2012) di Andreas Mühe. La mostra “Im Banne des Zorns” inizia con questa serie di opere. Anche il motivo del titolo della mostra, “Mooslahnerkopf” (2010), proviene da questa serie. Al contrario, saranno esposte opere della serie “RAFNSU” (2023 in corso), un esame dell'orrore del terrorismo tedesco e dell'orrore della radicalizzazione. In questo modo, l'artista mette in relazione tre membri della Fazione dell'Armata Rossa e tre membri della National Socialist Underground. Proprio come la RAF si sviluppò dalla radicalizzazione del movimento studentesco e si rivolse contro l'istituzione della RFT, i terroristi di destra della NSU erano diretti contro una società aperta e uccisero cittadini tedeschi con un background migratorio nel loro odio. Saranno esposte anche opere fotografiche delle serie “Beates Katzen” (2024), “Prora, Rügen” (2004), “A.M. Bunker” (2023), “Mischpoche” (2016-2019) e “Kanzlerbungalow” (2021). La serie di opere “Wandlitz” (2011), in cui Andreas Mühe ritrae venti case di membri del Politburo della SED nell'insediamento forestale vicino a Wandlitz, completa la panoramica completa dei suoi cicli creativi e chiarisce che la dittatura dell'ex DDR, l'intero regime totalitario, ha avuto un'influenza così dottrinaria sulla popolazione che le conseguenze si fanno e si faranno sentire ancora oggi e forse per molto tempo.

Le sue serie di opere hanno sempre una cosa in comune: il modo ponderato e inscenato di fotografare con una macchina a lastre dà ad Andreas Mühe l'opportunità di scrutare ripetutamente lo scenario, nonché la sua posizione e il suo atteggiamento personale prima di premere il pulsante di scatto. Lo stesso vale per chi guarda le sue opere. Le opere di Andreas Mühe aprono lo spazio per un esame della propria storia e di quella della società, che si estende fino al presente.

Andreas Mühe uses photographic images and installations to explore the tangible consequences of German history. He questions the past as a period that has left scars and traumas that have still not been sufficiently addressed. The rise of anti-democratic and radical tendencies in our current political landscape makes the urgency of coming to terms with our history more important than ever. The DZ BANK Art Foundation is presenting a broad overview of Andreas Mühe's oeuvre with this exhibition of works spanning more than 20 years of creativity, with the aim of encouraging a dialogue about democratic action.

‘With the camera into the heart of darkness’ is the title of a text about the series of pictures ‘Obersalzberg’ (2010-2012) by Andreas Mühe. The exhibition ‘Im Banne des Zorns’ begins with this series of works. The exhibition's title motif, ‘Mooslahnerkopf’ (2010), also comes from this series. In contrast, works from his series ‘RAFNSU’ (2023–ongoing), among others, will be on display, an examination of the horror of German terrorism and the terror of radicalisation. In this way, he relates three members of the Red Army Faction and three members of the National Socialist Underground to one another. Just as the RAF developed out of the radicalisation of the student movement and turned against the establishment of the FRG, the right-wing terrorists of the NSU turned against an open society, killing fellow German citizens with migrant backgrounds in their hatred. Photographic works from the series ‘Beate's Cats’ (2024), ‘Prora, Rügen’ (2004), ‘A.M. Bunker’ (2023), ‘Mishpocheh’ (2016–2019) and ‘Chancellor's Bungalow’ (2021) will also be on display. The series ‘Wandlitz’ (2011), in which Andreas Mühe portrays twenty houses belonging to members of the SED Politburo in the forest settlement near Wandlitz, completes the comprehensive overview of his creative cycles and makes it tangible that the dictatorship of the former GDR, the entire totalitarian regime, exerted such doctrinaire influence on the population that the consequences can be and will be felt to this day and perhaps for a long time to come.

All of his series have one thing in common: the deliberate and staged way of photographing with a plate camera gives Andreas Mühe the opportunity to repeatedly examine the scenery as well as his personal position and attitude before he presses the shutter release. The same applies to the viewer of his works. Andreas Mühe's works open up space for an examination of one's own and society's history, which extends into the present.

(Text: DZ BANK Kunststiftung GmbH, Frankfurt am Main)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
28. Februar – 12. Oktober 2025

Glitzer

Glitzer funkelt und flirrt, fasziniert und empört. Es ist auf Bühnen ebenso zu finden wie auf Protestplakaten und in Kinderzimmern. Glitzer ist omnipräsent – und doch ist das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) weltweit das erste Haus, das diesem Material eine Ausstellung widmet. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf Glitzer in aktuellen politischen Kontexten und kollektiven Bewegungen, als Material und Metapher für Sichtbarkeit, Zugehörigkeit und Selbstbestimmung. Rund 40 internationale Positionen aus Kunst und Gestaltung werden zusammengebracht. Sie widmen sich Glitzer als Mittel des Protests, der Performance und Popkultur, als Symbol der Sichtbarmachung marginalisierter Gruppen und des Widerstands gegen Körperdiskriminierung. Gezeigt werden unter anderem ein glitzerndes Jugendzimmer der Hamburger Künstlerin Jenny Schäfer, Fotografien von Sara Shakeel und Quil Lemons, Skateboards von Mickalene Thomas, GIFs von Molly Soda, Show-Perücken der Hamburger Wig-Designer Karl Gadzali und Mohamad Barakat für Olivia Jones und ein Bühnenoutfit von Bill Kaulitz. Ab Juni 2025 wird die Ausstellung mit der Rauminstallation „Puff Out“ des türkisch-belgischen Duos :mentalKLINIK um 300 Quadratmeter fuchsiafarbenen Glitzer erweitert.

Les paillettes scintillent et scintillent, fascinent et révoltent. On les trouve aussi bien sur les scènes que sur les affiches de protestation et dans les chambres d'enfants. Les paillettes sont omniprésentes - et pourtant, le Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) est le premier établissement au monde à consacrer une exposition à ce matériau. L'exposition met l'accent sur les paillettes dans les contextes politiques actuels et les mouvements collectifs, en tant que matériau et métaphore de la visibilité, de l'appartenance et de l'autodétermination. Une quarantaine de positions internationales issues de l'art et du design sont réunies. Elles se consacrent aux paillettes comme moyen de protestation, de performance et de culture pop, comme symbole de la visibilité des groupes marginalisés et de la résistance à la discrimination corporelle. On y verra notamment une chambre d'adolescent scintillante de l'artiste hambourgeoise Jenny Schäfer, des photographies de Sara Shakeel et Quil Lemons, des skateboards de Mickalene Thomas, des GIF de Molly Soda, des perruques de spectacle des designers de wigs hambourgeois Karl Gadzali et Mohamad Barakat pour Olivia Jones et une tenue de scène de Bill Kaulitz. À partir de juin 2025, l'exposition s'enrichira de 300 mètres carrés de paillettes fuchsia avec l'installation spatiale « Puff Out » du duo turco-belge :mentalKLINIK.

Il glitter scintilla e sfarfalla, affascina e indigna. Si trova sui palcoscenici, sui manifesti di protesta e nelle camerette dei bambini. Il glitter è onnipresente, eppure il Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) è il primo museo al mondo a dedicare una mostra a questo materiale. La mostra si concentra sul glitter nei contesti politici attuali e nei movimenti collettivi, come materiale e metafora di visibilità, appartenenza e autodeterminazione. Saranno riunite circa 40 posizioni internazionali dell'arte e del design. Sono dedicate al glitter come mezzo di protesta, performance e cultura pop, come simbolo della visualizzazione di gruppi emarginati e della resistenza contro la discriminazione del corpo. La mostra comprende una scintillante stanza dei giovani dell'artista amburghese Jenny Schäfer, fotografie di Sara Shakeel e Quil Lemons, skateboard di Mickalene Thomas, GIF di Molly Soda, parrucche da spettacolo degli stilisti amburghesi Karl Gadzali e Mohamad Barakat per Olivia Jones e un abito di scena di Bill Kaulitz. Dal giugno 2025, la mostra sarà ampliata da 300 metri quadrati di glitter color fucsia con l'installazione spaziale “Puff Out” del duo turco-belga :mentalKLINIK.

Glitter sparkles and shimmers, fascinates and outrages. It can be found on the stage as well as on protest posters and in children’s rooms. Glitter is omnipresent – and yet the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) is the first museum in the world to dedicate an exhibition to this material. The show will focus on glitter in current political contexts and collective movements, both as a material and a metaphor for visibility, affiliation and self-determination. Around 40 international examples from the worlds of art and design are brought together here – works that make use of glitter as a means of protest or as an element of performance or pop culture, as a symbol of drawing attention to marginalised groups and of resistance against body shaming. The exhibits include a glittering teen bedroom designed by Hamburg artist Jenny Schäfer, photographs by Sara Shakeel and Quil Lemons, skateboards by Mickalene Thomas, GIFs by Molly Soda, show wigs designed by Hamburg wig wizards Karl Gadzali and Mohamad Barakat for Olivia Jones, and a stage outfit worn by Bill Kaulitz. Starting in June 2025, the exhibition will add 300 square metres of fuchsia glitter with the spatial installation “Puff Out” by the Turkish-Belgian duo :mentalKLINIK.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

Bröhan Museum | Berlin
1. März - 1. Juni 2025

Will McBride – Die Berliner Jahre

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Immer wieder hat der Amerikaner Will McBride (1931–2015) als fotografierender Künstler für Aufsehen gesorgt. Auch wenn McBride kreative Jahre in München, Frankfurt oder in der Toskana verbracht hat: Berlin war und blieb seine Stadt. „Berlin sensibilisierte und änderte meine Sichtweisen“ hat er rückblickend einmal bekannt, „ich hatte die Freiheit zu sehen, wie ich wollte.“ Zehn Jahre nach dem Tod Will McBrides erinnert das Bröhan Museum an den bedeutenden Fotografen, dessen stilbildendes Werk ohne das Nachkriegs-Berlin kaum denkbar ist. In der Schau sind rund 70 Leihgaben zu sehen, die alle aus einer Privatsammlung stammen.

Nach einem Malerei-, Kunstgeschichte- und Illustrationsstudium kam McBride als GI 1953 nach Deutschland. Im Anschluss an seinen Wehrdienst blieb er in Deutschland und arbeitete ab 1959 als Fotograf in Berlin und München. Besondere Erfolge feierte er durch seine Arbeiten für TWEN. Die Zeitschrift, die bis 1971 existierte, wurde 1959 von Adolf Theobald, Rolf Palm und Willy Fleckhaus gegründet. Durch das radikal neue Layout von Fleckhaus und die hervorragenden Fotostrecken war sie eine der wichtigsten Zeitschriften der 1960er Jahre. McBride war der am meisten gebuchte Fotograf der Zeitschrift und publizierte dort 30 Fotoessays. Einen Skandal löste1960 das Porträt seiner schwangeren Frau Barbara im Profil mit enganliegendem Pullover und aufgeknöpfter Jeans aus.

Die Ausstellung „Will McBride – Die Berliner Jahre“ setzt die Reihe der Foto-Ausstellungen im Bröhan Museum fort. Sie antwortet auch unmittelbar auf die Schau „Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy“, die 2024 im Bröhan-Museum zu sehen war. Genauso wie Gundula Schulze Eldowy kommt Will McBride als junger Mensch nach Berlin. Beide sind fasziniert vom Leben in dieser Stadt – Gundula Schulze Eldowy vom Ost-Berliner Milieu der 1970er Jahre in Mitte und Will McBride vom noch nicht von der Mauer getrennten, aber doch sich allmählich auseinanderdividierenden Leben Berlins der 1950er Jahre. Beide sind Beobachtende ihrer Welt, wobei Will McBride bei aller Distanziertheit doch noch mehr Teil des von ihm geschilderten Milieus ist als Gundula Schulze Eldowy bei ihren Aufnahmen. Die Werkserien der beiden sind Dokumente des Berliner Lebens und feinsinnige Hommagen an Berlin.

L'Américain Will McBride (1931-2015) n'a cessé de faire parler de lui en tant qu'artiste photographe. Même si McBride a passé des années créatives à Munich, Francfort ou en Toscane : Berlin était et est restée sa ville. « Berlin a sensibilisé et changé ma façon de voir » a-t-il confié un jour avec le recul, “j'avais la liberté de voir comme je voulais”. Dix ans après la mort de Will McBride, le musée Bröhan rend hommage à cet éminent photographe dont l'œuvre stylistique est difficilement concevable sans le Berlin de l'après-guerre. L'exposition présente environ 70 œuvres prêtées, toutes issues d'une collection privée.

Après des études de peinture, d'histoire de l'art et d'illustration, McBride est arrivé en Allemagne en tant que GI en 1953. Après son service militaire, il est resté en Allemagne et a travaillé à partir de 1959 comme photographe à Berlin et à Munich. Il a connu un succès particulier grâce à ses travaux pour TWEN. Ce magazine, qui a existé jusqu'en 1971, a été fondé en 1959 par Adolf Theobald, Rolf Palm et Willy Fleckhaus. Grâce à la mise en page radicalement nouvelle de Fleckhaus et aux excellentes séries de photos, ce fut l'un des magazines les plus importants des années 1960. McBride était le photographe le plus sollicité du magazine et y publia 30 essais photographiques. En 1960, le portrait de sa femme Barbara, enceinte, de profil, vêtue d'un pull moulant et d'un jean déboutonné, a fait scandale.

L'exposition « Will McBride - Les années berlinoises » poursuit la série d'expositions de photos au musée Bröhan. Elle répond aussi directement à l'exposition « Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy », qui a été présentée au musée Bröhan en 2024. Tout comme Gundula Schulze Eldowy, Will McBride arrive à Berlin en tant que jeune homme. Tous deux sont fascinés par la vie dans cette ville - Gundula Schulze Eldowy par le milieu est-berlinois des années 1970 dans le quartier de Mitte et Will McBride par la vie berlinoise des années 1950, qui n'est pas encore séparée par le mur mais qui se divise peu à peu. Tous deux sont des observateurs de leur monde, même si Will McBride, malgré son détachement, fait encore plus partie du milieu qu'il décrit que Gundula Schulze Eldowy dans ses prises de vue. Les séries d'œuvres des deux artistes sont des documents sur la vie berlinoise et des hommages subtils à Berlin.

L'americano Will McBride (1931-2015) ha ripetutamente suscitato scalpore come artista fotografico. Anche se McBride ha trascorso anni creativi a Monaco, Francoforte o in Toscana: Berlino era e rimaneva la sua città. “Berlino ha sensibilizzato e cambiato le mie prospettive”, ha confessato una volta in retrospettiva, ‘avevo la libertà di vedere come volevo’. A dieci anni dalla morte di Will McBride, il Bröhan Museum ricorda l'importante fotografo, il cui lavoro, che ha definito il suo stile, è difficilmente concepibile senza la Berlino del dopoguerra. La mostra presenta circa 70 opere in prestito, tutte provenienti da una collezione privata.

Dopo aver studiato pittura, storia dell'arte e illustrazione, McBride arrivò in Germania come soldato semplice nel 1953. Dopo il servizio militare, rimase in Germania e dal 1959 lavorò come fotografo a Berlino e Monaco. Ha riscosso particolare successo con il suo lavoro per TWEN. La rivista, che è esistita fino al 1971, è stata fondata nel 1959 da Adolf Theobald, Rolf Palm e Willy Fleckhaus. L'impaginazione radicalmente nuova e le eccezionali serie fotografiche di Fleckhaus la resero una delle riviste più importanti degli anni Sessanta. McBride fu il fotografo più richiesto dalla rivista e vi pubblicò 30 saggi fotografici. Il ritratto della moglie Barbara, incinta e di profilo, con un maglione aderente e jeans sbottonati, fece scandalo nel 1960.

La mostra “Will McBride - Gli anni di Berlino” prosegue la serie di mostre fotografiche al Bröhan Museum. È anche una risposta diretta alla mostra “Berlin in einer Hundenacht. Gundula Schulze Eldowy”, esposta al Bröhan Museum nel 2024. Proprio come Gundula Schulze Eldowy, Will McBride è arrivato a Berlino da giovane. Entrambi sono affascinati dalla vita in questa città: Gundula Schulze Eldowy dall'ambiente della Berlino Est degli anni Settanta a Mitte e Will McBride dalla vita nella Berlino degli anni Cinquanta, che non era ancora separata dal Muro ma si stava comunque gradualmente dividendo. Entrambi sono osservatori del loro mondo e Will McBride, con tutto il suo distacco, è ancora più parte dell'ambiente che ritrae di quanto non lo sia Gundula Schulze Eldowy nelle sue fotografie. Le loro serie di opere sono documenti della vita berlinese e sottili omaggi a Berlino.

The American artist Will McBride (1931–2015) repeatedly caused a stir as a photographer. Even though McBride spent creative years in Munich, Frankfurt and Tuscany, Berlin was and remained his city. ‘Berlin sensitised me and changed my perspectives,’ he once admitted in retrospect, ‘I had the freedom to see as I wanted.’ Ten years after the death of Will McBride, the Bröhan Museum is commemorating the important photographer, whose seminal work would have been inconceivable without post-war Berlin. The show includes around 70 loans, all from a private collection.

After studying painting, art history and illustration, McBride came to Germany as a GI in 1953. He remained in Germany after his military service and worked as a photographer in Berlin and Munich from 1959. He enjoyed particular success through his work for TWEN. The magazine, which existed until 1971, was founded in 1959 by Adolf Theobald, Rolf Palm and Willy Fleckhaus. Thanks to Fleckhaus's radically new layout and the outstanding photo series, it was one of the most important magazines of the 1960s. McBride was the magazine's most frequently booked photographer and published 30 photo essays there. In 1960, the portrait of his pregnant wife Barbara in profile, wearing a tight-fitting sweater and unbuttoned jeans, caused a scandal.

The exhibition ‘Will McBride – The Berlin Years’ continues the series of photography exhibitions at the Bröhan Museum. It also directly responds to the show ‘Berlin in a Dog Night. Gundula Schulze Eldowy’, which was on display at the Bröhan Museum in 2024. Like Gundula Schulze Eldowy, Will McBride came to Berlin as a young person. Both are fascinated by life in the city – Gundula Schulze Eldowy by the East Berlin milieu of the 1970s in Mitte and Will McBride by the Berlin of the 1950s, which was not yet divided by the Wall but was already gradually dividing. Both observe their world, although Will McBride, despite his detached approach, is still more part of the milieu he portrays than Gundula Schulze Eldowy is with her photographs. The series of works by both artists are documents of Berlin life and subtle tributes to Berlin.

(Text: Bröhan Museum, Berlin)

CHAUSSEE 36 Photography | Berlin
1. März – 28. Juni 2025

METAMORPHOSIS: Heinz Hajek-Halke´s Photomontages & New Image-Makers

Matthieu Bourel, Rebecca Fontaine-Wolf, Heinz Hajek-Halke, Mayumi Hosokura, Noé Sendas, Eva Stenram, Miriam Tölke, K YOUNG

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Zum 100. Jubiläum der ersten Fotomontagen von Heinz Hajek-Halke feiert die Gruppenausstellung „Metamorphosis“ das Frühwerk (1925 - 1935) des Berliner Künstlers, entdeckt es neu und bringt es in eine Zusammenstellung mit den Werken einer Reihe diverser zeitgenössischer Fotomontage- und Collagekünstler*innen.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) ist ein bedeutender Fotokünstler des 20. Jahrhunderts. Während er in seinen abstrakten kameralosen Werken der 1950er und 1960er Jahre die Grenzen des fotografischen Mediums völlig neu auslotete, fallen seine fotografischen Experimente mit dem Beginn seiner Karriere zusammen.

1924, einige Jahre nachdem er sein Kunst- und Grafikstudium in Berlin abgeschlossen hatte, brachte er sich autodidaktisch das Fotografieren bei. Von diesem Zeitpunkt an arbeitete er als Pressefotograf für verschiedene Agenturen und begeisterte sich vor allem für die experimentelle Arbeit in der Dunkelkammer. Zwischen 1925 und 1931 spezialisierte er sich auf die Fotomontage. Inspiriert von der Ästhetik und den Spezialeffekten des Stummfilms machte sich Hajek-Halke auf die Suche nach neuen visuellen Formen und erforschte in dieser Zeit des intensiven Experimentierens komplexe Techniken, wie das Fixieren einer Bewegungsablfolge auf einer Platte, die Mehrfachbelichtung von mehreren Negativen im Vergrößerer oder in der Kamera und die Fotocollage. Durch das Zusammenfügen von Bildern aus unterschiedlichen Kontexten gelang es ihm, dynamische Kompositionen mit neuer Bedeutung zu schaffen, die an die Montagen der surrealistischen Avantgarde anknüpften.

Aus dieser Zeit stammen seine ikonischen Fotomontagen, die er frei gestaltete oder in der illustrierten Presse und als Teil von Werbeanzeigen veröffentlichte. Eine Auswahl von Vintage-Abzügen aus den Jahren 1925 bis 1935, berühmte und seltene Werke aus der Heinz Hajek-Halke Collection, sind in der Ausstellung zu entdecken. Diese irrealen Bilder, die für die Zeitschriften besonders attraktiv waren, weil sie originell und unterhaltsam waren, machten Hajek-Halke zu einem der gefragtesten „Trickfotografen“ im Berlin der Weimarer Republik. Seine beiden bevorzugten Motive, das Porträt und der weibliche Akt, bilden die Grundlage für überraschende Experimente: Ganze Gesichter und abgeschnittene Körper verlieren ihre Identität, wenn sie mit verschiedenen Motiven wie Straßenszenen, verfallenen Häuserfassaden, Kabarettszenen oder grafischen Mustern überlagert werden. Die Metamorphose funktioniert durch dieses Spiel mit traumhaften Assoziationen auf wunderbare Weise. In seinen Aktmontagen, die zwischen 1930 und 1932 seine Spezialität waren, übertraf sich Hajek-Halke selbst und erfand neue Techniken wie den Spiegeleffekt im Schwarz-Weiß-Akt, ein Bild, das in die Annalen der Fotografie einging, kurz bevor das Dritte Reich seine künstlerische Karriere unterbrach.

Die Fotomontagen aus dieser Zeit, die bereits zu seinen Lebzeiten vielfach veröffentlicht wurden, inspirierten spätere Künstlergenerationen. Im 19. Jahrhundert erfunden hat diese Technik die Kunst und die Populärkultur von den historischen Avantgarden des letzten Jahrhunderts bis hin zur Werbung immer weiter durchdrungen. Mit der zunehmenden Verbreitung von Online-Bildern und digitalen Hybridisierungswerkzeugen ist die Montage ein Zeichen unserer Zeit geblieben. Das zusammengesetzte Bild und seine vielfältigen Techniken der fotografischen Manipulation - Fotokollage, Überlagerung, digitale Montage und Retusche, automatische Bilderzeugung durch KI - stehen im Mittelpunkt der zeitgenössischen künstlerischen Praxis. Die aus zwei verschiedenen Teilen bestehende Ausstellung „Metamorphosis“ bietet eine Wiederentdeckung von Hajek-Halkes Frühwerk und untersucht die Verbindungen zwischen seinen Fotomontagen von Porträts und weiblichem Akt mit dem zeitgenössischen Kunstschaffen.

Die gezeigten Arbeiten variieren zwischen Collagen aus Magazinbildern und Vintage-Fotos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke und K YOUNG), digitalen Montagen (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) und Fotomontagen, die aus Mischtechniken bestehen (Rebecca Fontaine-Wolf und Noé Sendas). Die Aneignung externer Bildquellen ist eine Praxis, die fast allen diesen Künstler*innen gemein ist: Teilweise gelöscht oder von anderen Elementen verdeckt, vervielfacht, fragmentiert oder verzerrt, werden die Gesichter und Körper der Originalbilder manipuliert und einer neuen Lesart zugeführt. Poetische Assemblagen, die Erforschung von Fragen zu Identität, Geschlecht und sozialen Konventionen oder die Hinterfragung unserer eigenen Sicht und Wahrnehmung - die Metamorphose der Bilder hört nicht auf, uns zu verzaubern und zu hinterfragen.

À l'occasion du centenaire des premiers photomontages de Heinz Hajek-Halke, l'exposition de groupe « Metamorphosis » célèbre l'œuvre de jeunesse (1925 - 1935) de l'artiste berlinois, la redécouvre et l'associe aux œuvres d'une série de divers artistes contemporains spécialisés dans le photomontage et le collage*.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) est un artiste photographe important du 20e siècle. Alors qu'il a totalement exploré les limites du médium photographique dans ses œuvres abstraites sans caméra des années 1950 et 1960, ses expérimentations photographiques coïncident avec le début de sa carrière.

En 1924, quelques années après avoir terminé ses études d'art et de graphisme à Berlin, il a appris à photographier en autodidacte. À partir de ce moment, il travaille comme photographe de presse pour différentes agences et se passionne surtout pour le travail expérimental en chambre noire. Entre 1925 et 1931, il se spécialise dans le photomontage. Inspiré par l'esthétique et les effets spéciaux du cinéma muet, Hajek-Halke se mit en quête de nouvelles formes visuelles et explora, durant cette période d'expérimentation intensive, des techniques complexes telles que la fixation d'une séquence de mouvements sur une plaque, l'exposition multiple de plusieurs négatifs à l'agrandisseur ou à la caméra et le photocollage. En assemblant des images issues de contextes différents, il parvenait à créer des compositions dynamiques dotées d'une nouvelle signification, qui faisaient écho aux montages de l'avant-garde surréaliste.

C'est de cette époque que datent ses photomontages iconiques, qu'il créait librement ou qu'il publiait dans la presse illustrée et dans le cadre d'annonces publicitaires. Une sélection de tirages vintage des années 1925 à 1935, des œuvres célèbres et rares de la Heinz Hajek-Halke Collection, sont à découvrir dans l'exposition. Ces images irréelles, particulièrement attrayantes pour les magazines parce qu'elles étaient originales et amusantes, ont fait de Hajek-Halke l'un des « photographes de trucage » les plus demandés dans le Berlin de la République de Weimar. Ses deux motifs de prédilection, le portrait et le nu féminin, constituent la base d'expériences surprenantes : des visages entiers et des corps coupés perdent leur identité lorsqu'ils sont superposés à différents motifs tels que des scènes de rue, des façades de maisons délabrées, des scènes de cabaret ou des motifs graphiques. La métamorphose fonctionne à merveille grâce à ce jeu d'associations oniriques. Dans ses montages de nus, qui furent sa spécialité entre 1930 et 1932, Hajek-Halke se surpassa et inventa de nouvelles techniques comme l'effet de miroir dans le nu en noir et blanc, une image qui entra dans les annales de la photographie juste avant que le Troisième Reich n'interrompe sa carrière artistique.

Les photomontages de cette époque, qui ont fait l'objet de nombreuses publications de son vivant, ont inspiré les générations d'artistes suivantes. Inventée au 19e siècle, cette technique n'a cessé d'imprégner l'art et la culture populaire, depuis les avant-gardes historiques du siècle dernier jusqu'à la publicité. Avec la prolifération des images en ligne et des outils d'hybridation numérique, le montage est resté un signe de notre époque. L'image composite et ses multiples techniques de manipulation photographique - photocollage, superposition, montage et retouche numérique, création automatique d'images par IA - sont au cœur des pratiques artistiques contemporaines. Composée de deux parties distinctes, l'exposition « Metamorphosis » propose une redécouverte des premières œuvres de Hajek-Halke et explore les liens entre ses photomontages de portraits et de nus féminins et la création artistique contemporaine.

Les œuvres présentées varient entre des collages d'images de magazines et de photos vintage (Matthieu Bourel, Miriam Tölke et K YOUNG), des montages numériques (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) et des photomontages réalisés à partir de techniques mixtes (Rebecca Fontaine-Wolf et Noé Sendas). L'appropriation de sources d'images externes est une pratique commune à presque tous ces artistes* : partiellement effacés ou masqués par d'autres éléments, multipliés, fragmentés ou déformés, les visages et les corps des images originales sont manipulés et soumis à une nouvelle lecture. Assemblages poétiques, exploration de questions sur l'identité, le genre et les conventions sociales ou remise en question de notre propre vision et perception, la métamorphose des images ne cesse de nous enchanter et de nous interroger.

In occasione del centenario dei primi fotomontaggi di Heinz Hajek-Halke, la mostra collettiva “Metamorphosis” celebra i primi lavori (1925 - 1935) dell'artista berlinese, li riscopre e li accosta alle opere di una serie di vari artisti contemporanei di fotomontaggio e collage.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) è un importante artista fotografico del XX secolo. Mentre esplorava i confini del mezzo fotografico in modo completamente nuovo nelle sue opere astratte e senza macchina fotografica degli anni '50 e '60, i suoi esperimenti fotografici coincidevano con l'inizio della sua carriera.

Nel 1924, pochi anni dopo aver completato gli studi di arte e grafica a Berlino, si auto-apprende la fotografia. Da questo momento in poi, lavora come fotografo per la stampa per diverse agenzie e si dedica con particolare entusiasmo al lavoro sperimentale in camera oscura. Tra il 1925 e il 1931 si specializza nel fotomontaggio. Ispirato dall'estetica e dagli effetti speciali del cinema muto, Hajek-Halke si mise alla ricerca di nuove forme visive e, durante questo periodo di intensa sperimentazione, esplorò tecniche complesse come il fissaggio di una sequenza di movimenti su una lastra, l'esposizione multipla di più negativi nell'ingranditore o nella macchina fotografica e il collage fotografico. Combinando immagini provenienti da contesti diversi, fu in grado di creare composizioni dinamiche con un nuovo significato che riecheggiava i montaggi dell'avanguardia surrealista.

A questo periodo risalgono i suoi iconici fotomontaggi, creati liberamente o pubblicati sulla stampa illustrata e come parte di pubblicità. La mostra presenta una selezione di stampe d'epoca degli anni 1925-1935, opere famose e rare della Collezione Heinz Hajek-Halke. Queste immagini irreali, particolarmente attraenti per le riviste perché originali e divertenti, fecero di Hajek-Halke uno dei “fotografi truccatori” più richiesti a Berlino durante la Repubblica di Weimar. I suoi due motivi preferiti, il ritratto e il nudo femminile, costituiscono la base per esperimenti sorprendenti: volti interi e corpi ritagliati perdono la loro identità quando vengono sovrapposti a vari motivi come scene di strada, facciate di case fatiscenti, scene di cabaret o motivi grafici. La metamorfosi funziona meravigliosamente attraverso questo gioco di associazioni oniriche. Nei montaggi di nudo, che furono la sua specialità tra il 1930 e il 1932, Hajek-Halke superò se stesso e inventò nuove tecniche come l'effetto specchio nel nudo in bianco e nero, un'immagine che entrò negli annali della fotografia poco prima che il Terzo Reich interrompesse la sua carriera artistica.

I fotomontaggi di questo periodo, molti dei quali pubblicati durante la sua vita, hanno ispirato le generazioni di artisti successive. Inventata nel XIX secolo, questa tecnica ha continuato a permeare l'arte e la cultura popolare, dalle avanguardie storiche del secolo scorso alla pubblicità. Con la proliferazione delle immagini online e degli strumenti di ibridazione digitale, il montaggio è rimasto un segno dei nostri tempi. L'immagine composita e le sue diverse tecniche di manipolazione fotografica - fotocollage, sovrapposizione, montaggio e ritocco digitale, generazione automatica di immagini attraverso l'IA - sono al centro della pratica artistica contemporanea. La mostra “Metamorphosis”, composta da due parti diverse, propone una riscoperta dei primi lavori di Hajek-Halke ed esamina le connessioni tra i suoi fotomontaggi di ritratti e nudi femminili e l'arte contemporanea.

Le opere esposte variano tra collage di immagini di riviste e foto d'epoca (Matthieu Bourel, Miriam Tölke e K YOUNG), montaggi digitali (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) e fotomontaggi a tecnica mista (Rebecca Fontaine-Wolf e Noé Sendas). L'appropriazione di fonti d'immagine esterne è una pratica comune a quasi tutti questi artisti: parzialmente cancellati o coperti da altri elementi, moltiplicati, frammentati o distorti, i volti e i corpi delle immagini originali vengono manipolati e interpretati in modo nuovo. Assemblaggi poetici, esplorazione di questioni di identità, genere e convenzioni sociali o messa in discussione dei nostri punti di vista e delle nostre percezioni: la metamorfosi delle immagini non smette mai di incantarci e di interrogarci.

To mark the 100th anniversary of Heinz Hajek-Halke's first photomontages, the group exhibition “Metamorphosis” celebrates the Berlin artist's early work (1925 - 1935), rediscovers it and brings it together with works from a range of contemporary photomontage and collage artists.

Heinz Hajek-Halke (1898 - 1983) is an important photographic artist of the 20th century. While he explored the boundaries of the photographic medium in a completely new way in his abstract, camera-less works of the 1950s and 1960s, his photographic experiments coincided with the beginning of his career.

In 1924, a few years after completing his art and graphics studies in Berlin, he taught himself photography. From this point onwards, he worked as a press photographer for various agencies and was especially enthusiastic about experimental work in the darkroom. Between 1925 and 1931, he specialised in photomontage. Inspired by the aesthetics and special effects of silent film, Hajek-Halke set out in search of new visual forms and, during this period of intensive experimentation, explored complex techniques such as capturing a sequence of movements on a plate, the multiple exposure of several negatives in the enlarger or in the camera as well as the photo collage. By combining images from different contexts, he succeeded in creating dynamic compositions with a new meaning that drew on the montages of the surrealist avant-garde.

His iconic photomontages, which he designed freely or published in the illustrated press and as part of adverts, date from this period. A selection of vintage prints from the years 1925 to 1935, famous and rare works from the Heinz Hajek-Halke Collection, can be discovered in the exhibition. These unreal images, which were particularly attractive to magazines because they were original and entertaining, made Hajek-Halke one of the most sought-after “special effects photographers” in Berlin during the Weimar Republic. His two favourite motifs, the portrait and the female nude, form the basis for surprising experiments: whole faces and cropped bodies lose their identity when they are superimposed with various motifs such as street scenes, dilapidated house facades, cabaret scenes or graphic patterns. The metamorphosis works marvellously through this play with dreamlike associations. In his nude montages, which were his speciality between 1930 and 1932, Hajek-Halke surpassed himself and invented new techniques such as the mirror effect in the Black-and-white Nude, an image that went down in the annals of photography shortly before the Third Reich interrupted his artistic career.

The photomontages from this period, many of which were published during his lifetime, inspired later generations of artists. Invented in the 19th century, this technique has continued to permeate art and popular culture from the historical avant-gardes of the last century to advertising. With the proliferation of online images and digital hybridisation tools, montage has remained a sign of our times. The composite image and its diverse techniques of photographic manipulation - photocollage, superimposition, digital montage and retouching, automatic image generation using AI - are at the centre of contemporary artistic practice. The exhibition “Metamorphosis”, consisting of two different parts, offers a rediscovery of Hajek-Halke's early work and examines the connections between his photomontages of portraits and female nudes with contemporary art.

The exhibited works vary between collages of magazine images and vintage photos (Matthieu Bourel, Miriam Tölke and K YOUNG), digital montages (Mayumi Hosokura, Eva Stenram) and photomontages consisting of mixed media (Rebecca Fontaine-Wolf and Noé Sendas). The appropriation of external image sources is a practice common to almost all of these artists: partially erased or covered by other elements, multiplied, fragmented or distorted, the faces and bodies of the original images are manipulated and given a new interpretation. Poetic assemblages, the exploration of questions of identity, gender and social conventions or the questioning of our own views and perceptions - the metamorphosis of the images never ceases to enchant and challenge us.

(Text: CHAUSSEE 36 Photography, Berlin)

Galerie Springer | Berlin
4. März – 19. Juli 2025

Ute Mahler, Werner Mahler, Ludwig Schirmer

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography statt.

In der Ausstellung FARBENRAUSCH zum EMOP Berlin - European Month of Photography 2025 zeigt die Galerie Springer Berlin Werke des Fotografen Ludwig Schirmer, seiner Tochter Ute Mahler und ihres Mannes Werner Mahler. Sowohl Ute Mahlers als auch Werner Mahlers Farbarbeiten waren bisher selten in Ausstellungen zu sehen. Auch von dem bisher weniger bekannten Ludwig Schirmer, der einer der wichtigen Werbefotografen der DDR war, wurden bisher vor allem schwarzweiß Arbeiten gezeigt. In dieser einzigartigen »Familienausstellung« werden Bilder von bemerkenswerter Qualität und Kraft zu sehen sein. Von Ludwig Schirmer werden Arbeiten aus den Jahren 1958 bis 2000 präsentiert. Seine Bilder zeichnen sich durch die Nähe zum Menschen, die präzisen Bildkompositionen und den subtilen Humor aus. Werner Mahler experimentierte für seine Landschaftsfotografien, die zwischen 2000 und 2005 entstanden, mit verschieden Techniken und schuf atmosphärische, überraschende Bilder.

Von 1998 bis 2008 arbeitete Ute Mahler an einer Serie über das Leben großer Persönlichkeiten und suchte dafür Orte auf, an denen diese gelebt und gewirkt haben. In der Serie »Spurensuche« kombiniert die Fotografin die konkreten Stätten mit ihren eigenen subjektiven und intuitiven Bildern. Die erzählerischen Kombinationen ergänzt Ute Mahler mit Modefotografien aus den frühen 1990er Jahren und fügt sie zu einem neuen erzählerischen Strang zusammen. Die poetischen Bilder hinterfragen die Genregrenzen der Fotografie. Eine grundsätzliche Auseinandersetzung, der sich Ute Mahler und Werner Mahler in der Ausstellung stellen, auch in Bezug auf das Werk von Ludwig Schirmer.

Dans le cadre de l'exposition FARBENRAUSCH organisée à l'occasion de l'EMOP Berlin - European Month of Photography 2025, la galerie Springer Berlin présente des œuvres du photographe Ludwig Schirmer, de sa fille Ute Mahler et de son mari Werner Mahler. Les travaux en couleur d'Ute Mahler et de Werner Mahler ont rarement été exposés jusqu'à présent. De même, Ludwig Schirmer, moins connu jusqu'à présent et qui fut l'un des principaux photographes publicitaires de la RDA, a surtout été exposé en noir et blanc. Cette « exposition familiale » unique en son genre permettra de découvrir des visuels d'une qualité et d'une puissance remarquables. Des travaux de Ludwig Schirmer datant de 1958 à 2000 seront présentés. Ses visuels se distinguent par leur proximité avec les gens, leurs compositions visuelles précises et leur humour subtil. Werner Mahler a expérimenté différentes techniques pour ses photographies de paysages, réalisées entre 2000 et 2005, et a créé des visuels atmosphériques et surprenants.

De 1998 à 2008, Ute Mahler a travaillé sur une série consacrée à la vie de grandes personnalités et s'est rendue sur les lieux où elles ont vécu et travaillé. Dans la série « Spurensuche », la photographe combine les sites concrets avec ses propres visuels subjectifs et intuitifs. Ute Mahler complète ces combinaisons narratives avec des photographies de mode du début des années 1990 et les assemble en un nouvel écheveau narratif. Ces visuels poétiques remettent en question les limites de genre de la photographie. Une confrontation fondamentale à laquelle Ute Mahler et Werner Mahler se transmettent dans l'exposition, également en relation avec l'œuvre de Ludwig Schirmer.

Nella mostra FARBENRAUSCH per EMOP Berlin - European Month of Photography 2025, la Galerie Springer Berlin espone opere del fotografo Ludwig Schirmer, di sua figlia Ute Mahler e di suo marito Werner Mahler. Sia le opere a colori di Ute Mahler che quelle di Werner Mahler sono state raramente esposte in mostre fino ad oggi. Anche il meno conosciuto Ludwig Schirmer, che è stato uno dei più importanti fotografi pubblicitari della DDR, ha esposto finora soprattutto opere in bianco e nero. In questa “mostra di famiglia”, unica nel suo genere, saranno esposte immagini di notevole qualità e potenza. Saranno presentate opere di Ludwig Schirmer realizzate tra il 1958 e il 2000. Le sue immagini si caratterizzano per la vicinanza alle persone, le composizioni precise e il sottile umorismo. Werner Mahler ha sperimentato varie tecniche per le sue fotografie di paesaggio, scattate tra il 2000 e il 2005, creando immagini atmosferiche e sorprendenti.

Dal 1998 al 2008, Ute Mahler ha lavorato a una serie sulla vita di grandi personalità, visitando i luoghi in cui hanno vissuto e lavorato. Nella serie “Searching for Traces”, la fotografa combina i luoghi concreti con le proprie immagini soggettive e intuitive. Ute Mahler integra le combinazioni narrative con fotografie di moda dei primi anni '90 e le unisce per creare un nuovo filone narrativo. Le immagini poetiche mettono in discussione i confini di genere della fotografia. Ute Mahler e Werner Mahler intraprendono un dialogo fondamentale nella mostra, anche in relazione al lavoro di Ludwig Schirmer.

In the exhibition FARBENRAUSCH (Colour Rush) at EMOP Berlin - European Month of Photography 2025, Galerie Springer Berlin is showing works by the photographer Ludwig Schirmer, his daughter Ute Mahler and her husband Werner Mahler. Both Ute Mahler's and Werner Mahler's colour works have rarely been shown in exhibitions so far. And of the lesser-known Ludwig Schirmer, who was one of the most important commercial photographers in the GDR, only black-and-white works have been shown to date. This unique ‘family exhibition’ will showcase images of remarkable quality and power. Works by Ludwig Schirmer from the years 1958 to 2000 will be presented. His images are characterised by their closeness to people, precise compositions and subtle humour. Werner Mahler experimented with different techniques for his landscape photographs, which were taken between 2000 and 2005, creating atmospheric, surprising images.

From 1998 to 2008, Ute Mahler worked on a series about the lives of great personalities, visiting the places where they lived and worked. In the series ‘Spurensuche’ (search for clues), the photographer combines the specific sites with her own subjective and intuitive images. Ute Mahler supplements these narrative combinations with fashion photographs from the early 1990s, weaving them into a new narrative thread. These poetic images question the genre boundaries of photography. This fundamental examination is something that Ute Mahler and Werner Mahler confront in the exhibition, also in relation to the work of Ludwig Schirmer.

(Text: Galerie Springer, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
7. März - 27. Juli 2025

Polaroids

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
7. März – 25. Mai 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Fotografie Forum Frankfurt
8. März – 11. Mai 2025

Michael Kerstgens. Out of Control

Euphorie auf der Tanzfläche, Aufruhr in den Fabriken, sich stetig wandelnde Landschaften – in Michael Kerstgens. Out of Control präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) die erste umfassende Ausstellung zum Werk des deutschen Dokumentarfotografen Michael Kerstgens (*1960). Die Schau gibt einen tiefen Einblick in sein über 40-jähriges Schaffen und zeigt gesellschaftspolitische Langzeit-Fotoessays in Schwarz-Weiß und Farbe. Mit großer Sensibilität dokumentiert Kerstgens in seinen Fotografien den Wandel von Lebenswelten – von industriell geprägten Gemeinschaften hin zu Konsum- und Freizeitgesellschaften.

Geboren in Wales und aufgewachsen in Mülheim an der Ruhr, studierte Michael Kerstgens Kommunikationsdesign und Fotografie an der Folkwang-Hochschule (GHS) in Essen. Bekannt wurde er durch seine Serie »The Enemy Within« über den britischen Bergarbeiterstreik 1984/85. Während dieser Zeit lebte er bei einer streikenden Familie – eine prägende Erfahrung, die seine fotografische Perspektive nachhaltig beeinflusste.

Seine Arbeiten, häufig autobiografisch geprägt, widmen sich dem Wandel von Orten und Menschen und spiegeln gesellschaftliche Umbrüche wider: 1987 dokumentierte Kerstgens den Stahlarbeiterstreik in Duisburg-Rheinhausen, 1990 hielt er die Veränderungen in der thüringischen Stadt Mühlhausen während der Zeit vor der deutschen Wiedervereinigung fest. In den Farbaufnahmen von »1986, Back to the Present« thematisierte er die Konsum- und Freizeitgesellschaft der 1980er Jahre.

Das breite Spektrum seines Schaffens umfasst auch seine jüngsten Industrie- und Küstenlandschaften sowie eindrucksvolle Porträts aus der Musik- und Kunstszene. Zu den von Michael Kerstgens porträtierten Persönlichkeiten gehören unter anderem Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier und Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens hat zahlreiche Bücher veröffentlicht, darunter »Neues Leben. Russen Juden Deutsche« (2012, Kehrer Verlag), »The Miners’ Strike 1984/1985« (2014, Dewi Lewis Publishing), »The Final Winter. Der letzte Winter der UdSSR« (2018, Peperoni Books), »1986. Zurück in die Gegenwart« (2021, Hartmann Books). Für sein fotografisches Werk erhielt er viele Auszeichnungen, darunter den Wissenschaftspreis der Hochschule Darmstadt in der Kategorie Outreach (2018) sowie den Imke-Folkerts-Kunstpreis für Ostfriesland (2004).

Als freier Fotograf arbeitete Michael Kerstgens international für Redaktionen und Unternehmen, bevor er sich der Lehre zuwandte. Nach ersten Lehraufträgen in Ostfriesland und Dessau ist er seit 2007 Professor für Fotografie an der Hochschule Darmstadt.

Kuratiert von Celina Lunsford in Zusammenarbeit mit Michael Kerstgens, präsentiert die Ausstellung Michael Kerstgens. Out of Control rund 100 Werke.

Euphorie sur la piste de danse, agitation dans les usines, paysages en constante évolution - dans Michael Kerstgens. Out of Control, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente la première exposition complète sur l'œuvre du photographe documentaire allemand Michael Kerstgens (*1960). L'exposition donne un aperçu profond de son travail de plus de 40 ans et présente des essais photographiques sociopolitiques à long terme en noir et blanc et en couleur. Avec une grande sensibilité, Kerstgens documente dans ses photographies l'évolution des milieux de vie - des communautés marquées par l'industrie vers les sociétés de consommation et de loisirs.

Né au Pays de Galles et ayant grandi à Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens a étudié le design de communication et la photographie à la Folkwang-Hochschule (GHS) d'Essen. Il s'est fait connaître par sa série « The Enemy Within » sur la grève des mineurs britanniques de 1984/85, période pendant laquelle il a vécu avec une famille de grévistes - une expérience marquante qui a durablement influencé sa perspective photographique.

Ses travaux, souvent autobiographiques, sont consacrés à la transformation des lieux et des personnes et reflètent les bouleversements sociaux : en 1987, Kerstgens a documenté la grève des sidérurgistes à Duisburg-Rheinhausen ; en 1990, il a immortalisé les changements survenus dans la ville thuringienne de Mühlhausen pendant la période précédant la réunification allemande. Dans les photos en couleur de « 1986, Back to the Present », il a pris pour thème la société de consommation et de loisirs des années 1980.

Le large spectre de son œuvre comprend également ses paysages industriels et côtiers les plus récents ainsi que des portraits impressionnants de la scène musicale et artistique. Parmi les personnalités dont Michael Kerstgens a fait le portrait, on trouve notamment Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier et Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens a publié de nombreux livres, dont « Neues Leben. Russen Juden Deutsche«  (2012, Kehrer Verlag), “The Miners” Strike 1984/1985 » (2014, Dewi Lewis Publishing), « The Final Winter. Le dernier hiver de l'URSS » (2018, Peperoni Books), “1986. Retour au présent” (2021, Hartmann Books). Il a reçu de nombreuses distinctions pour son œuvre photographique, dont le prix scientifique de l'université de Darmstadt dans la catégorie Outreach (2018) et le prix artistique Imke Folkerts pour la Frise orientale (2004).

En tant que photographe indépendant, Michael Kerstgens a travaillé au niveau international pour des rédactions et des entreprises avant de se tourner vers l'enseignement. Après avoir commencé à enseigner en Frise orientale et à Dessau, il est depuis 2007 professeur de photographie à l'école supérieure de Darmstadt.

Organisée par Celina Lunsford en collaboration avec Michael Kerstgens, l'exposition Michael Kerstgens. Out of Control présente une centaine d'œuvres.

Euforia sulla pista da ballo, tumulti nelle fabbriche, paesaggi in continuo cambiamento: in Michael Kerstgens. Out of Control, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta la prima mostra completa del lavoro del fotografo documentarista tedesco Michael Kerstgens (*1960). La mostra offre una visione approfondita dei suoi oltre 40 anni di lavoro e presenta saggi fotografici socio-politici a lungo termine in bianco e nero e a colori. Con grande sensibilità, Kerstgens documenta nelle sue fotografie la trasformazione degli ambienti di vita, dalle comunità industrializzate alle società del consumo e del tempo libero.

Nato in Galles e cresciuto a Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens ha studiato design della comunicazione e fotografia alla Folkwang-Hochschule (GHS) di Essen. È diventato noto per la serie “The Enemy Within” sullo sciopero dei minatori britannici del 1984/85, durante il quale ha vissuto con una famiglia di scioperanti - un'esperienza formativa che ha influenzato in modo duraturo la sua prospettiva fotografica.

Le sue opere, spesso di natura autobiografica, sono dedicate alla trasformazione di luoghi e persone e riflettono gli sconvolgimenti sociali: nel 1987 Kerstgens ha documentato lo sciopero degli operai siderurgici a Duisburg-Rheinhausen, nel 1990 ha immortalato i cambiamenti della città turingia di Mühlhausen nel periodo precedente la riunificazione tedesca. Nelle fotografie a colori di “1986, Back to the Present”, si è concentrato sulla società dei consumi e del tempo libero degli anni Ottanta.

L'ampio spettro del suo lavoro comprende anche i suoi più recenti paesaggi industriali e costieri, nonché impressionanti ritratti della scena musicale e artistica. Tra le personalità ritratte da Michael Kerstgens figurano Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier e Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens ha pubblicato numerosi libri, tra cui “Neues Leben. Russen Juden Deutsche“ (2012, Kehrer Verlag), ‘The Miners’ Strike 1984/1985” (2014, Dewi Lewis Publishing), “The Final Winter. L'ultimo inverno dell'URSS” (2018, Peperoni Books), ‘1986. Ritorno al presente’ (2021, Hartmann Books). Ha ricevuto numerosi riconoscimenti per il suo lavoro fotografico, tra cui il Darmstadt University of Applied Sciences Science Award nella categoria Outreach (2018) e l'Imke Folkerts Art Prize for East Frisia (2004).

Come fotografo freelance, Michael Kerstgens ha lavorato a livello internazionale per redazioni e aziende prima di dedicarsi all'insegnamento. Dopo i primi incarichi di insegnamento nella Frisia orientale e a Dessau, dal 2007 è professore di fotografia all'Università di Scienze Applicate di Darmstadt.

Curata da Celina Lunsford in collaborazione con Michael Kerstgens, la mostra Michael Kerstgens. Out of Control presenta circa 100 opere.

Euphoria on the dance floor, turmoil in the factories, ever-changing landscapes – the Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents the first comprehensive exhibition of the work of German documentary photographer Michael Kerstgens (b. 1960) in Michael Kerstgens. Out of Control. The show provides a deep insight into his work spanning over 40 years and presents socio-political long-term photo essays in black and white and colour. With great sensitivity, Kerstgens' photographs document the transformation of living environments – from industrial communities to consumer and leisure societies.

Born in Wales and raised in Mülheim an der Ruhr, Michael Kerstgens studied communication design and photography at the Folkwang University of the Arts (GHS) in Essen. He became known for his series ‘The Enemy Within’ about the British miners' strike of 1984/85. During this time, he lived with a striking family – a formative experience that had a lasting influence on his photographic perspective.

His works, often autobiographical, are dedicated to the transformation of places and people and reflect social upheaval: in 1987, Kerstgens documented the steelworkers' strike in Duisburg-Rheinhausen, and in 1990 he captured the changes in the Thuringian town of Mühlhausen during the period before German reunification. In the colour photographs of ‘1986, Back to the Present’, he addressed the consumer and leisure society of the 1980s.

The broad spectrum of his work also includes his most recent industrial and coastal landscapes, as well as impressive portraits from the music and art scenes. Among the personalities portrayed by Michael Kerstgens are Helge Schneider, Joachim Król, Udo Kier and Christoph Schlingensief.

Michael Kerstgens has published numerous books, including ‘Neues Leben. Russians Jews Germans’ (2012, Kehrer Verlag), ‘The Miners’ Strike 1984/1985’ (2014, Dewi Lewis Publishing), ’The Final Winter. The Last Winter of the USSR (2018, Peperoni Books), 1986. Back to the Present (2021, Hartmann Books). He has received many awards for his photographic work, including the Darmstadt University of Applied Sciences Science Award in the Outreach category (2018) and the Imke Folkerts Art Prize for East Frisia (2004).

Michael Kerstgens worked internationally as a freelance photographer for editorial offices and companies before turning to teaching. After initial teaching assignments in East Frisia and Dessau, he has been a professor of photography at the Darmstadt University of Applied Sciences since 2007.

Curated by Celina Lunsford in collaboration with Michael Kerstgens, the exhibition Michael Kerstgens. Out of Control presents around 100 works.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

noir blanche – Galerie für Fotografie | Düsseldorf
15. März – 17. Mai 2025

Hans Lux – Master and Mentor of Peter Lindbergh

Die Ausstellung „Hans Lux - Master and Mentor of Peter Lindbergh“ zeigt viele noch nie präsentierte Bildserien von Hans Lux und deren Bedeutung für die spätere Arbeit seines Schülers Peter Lindbergh. Wir haben uns intensiv mit dem Archiv des Lehrherrn von Peter Lindbergh beschäftigt und bei den Arbeiten von Hans Lux viele Parallelen zu dem späteren berühmten Werk von Peter Lindbergh gefunden. Peter Lindbergh war 3 Jahre Assistent von Hans Lux und hat die Fotografie " von der Pike auf“ gelernt. In der Bildsprache, Inszenierung und dem Umgang mit den Modellen hat der berühmte Schüler von seinem Master und Mentor viel gelernt. Eine tiefe Verbindung zwischen den beiden bestand seit der Lehrzeit bis zum Tod von Peter Lindbergh. Die Ausstellung spiegelt diese besondere Verbindung wider.

Hans Lux ist ein Meister des Augenblicks. Sein feines Gespür für den richtigen Moment, wo er auf den Auslöser drückt, hatte ihn zu einem der gefragtesten deutschen Fotografen der 1970er und 1980er Jahre gemacht. Seine Natürlichkeit mit den Modellen umzugehen, die Nähe und Vertrautheit, die er schnell mit den Modellen aufbaute, waren sein Markenzeichen. Diese Eigenschaften lernte sein Schüler und Assistent Peter Lindbergh von seinem Mentor.

Natürlichkeit und Spontanität sind die herausragenden Merkmale bei den Fotografien von Hans Lux. In der Ausstellung präsentieren wir noch nie gezeigte Bildserien (40 Motive). Die Fotos zeigen in kontrastreichem Schwarzweiß und Farbe fröhliche junge Frauen, die nicht posieren, sondern natürlich aussehen, denen Äußerlichkeiten wie gestylte Haare oder perfektes Makeup scheinbar egal sind. Es geht nicht um idealisierte Frauenbilder, sondern es geht um Normalität, Spontanität und um starke Frauen und um pure Lebensfreude – nichts anderes. Und exakt dieses ist es, was diese Bilder so einzigartig macht, was ihnen so einen unwiderstehlichen Charme gibt.

L'exposition « Hans Lux - Master and Mentor of Peter Lindbergh » présente de nombreuses séries d'images jamais présentées de Hans Lux et leur importance pour le travail ultérieur de son élève Peter Lindbergh. Nous nous sommes intéressés de près aux archives du maître de Peter Lindbergh et avons trouvé dans les travaux de Hans Lux de nombreux parallèles avec le futur célèbre travail de Peter Lindbergh. Peter Lindbergh a été l'assistant de Hans Lux pendant trois ans et a appris la photographie « sur le tas ». Le célèbre élève a beaucoup appris de son maître et mentor en ce qui concerne le langage de l'image, la mise en scène et le traitement des modèles. Un lien profond les unissait depuis leur apprentissage jusqu'à la mort de Peter Lindbergh. L'exposition reflète ce lien particulier.

Hans Lux est un maître de l'instant. Son sens aigu du moment opportun, où il appuie sur le déclencheur, avait fait de lui l'un des photographes allemands les plus demandés des années 1970 et 1980. Son naturel avec les modèles, la proximité et l'intimité qu'il établissait rapidement avec eux étaient sa marque de fabrique. Ces qualités, son élève et assistant Peter Lindbergh les a apprises de son mentor.

Le naturel et la spontanéité sont les caractéristiques les plus marquantes dans les photographies de Hans Lux. Dans l'exposition, nous présentons des séries de photos encore jamais montrées (40 motifs). Les photos montrent, en noir et blanc contrasté et en couleur, des jeunes femmes joyeuses qui ne posent pas, mais qui ont l'air naturelles, qui semblent se moquer des apparences comme les cheveux coiffés ou le maquillage parfait. Il ne s'agit pas d'images idéalisées de la femme, mais de normalité, de spontanéité, de femmes fortes et de pure joie de vivre - rien d'autre. Et c'est précisément ce qui rend ces visuels si uniques, ce qui leur donne un charme si irrésistible.

La mostra “Hans Lux - Maestro e mentore di Peter Lindbergh” presenta molte serie di immagini mai presentate prima di Hans Lux e il loro significato per il lavoro successivo del suo allievo Peter Lindbergh. Abbiamo studiato intensamente l'archivio del mentore di Peter Lindbergh e abbiamo trovato molti parallelismi tra il lavoro di Hans Lux e il successivo famoso lavoro di Peter Lindbergh. Peter Lindbergh fu assistente di Hans Lux per 3 anni e imparò la fotografia “dal basso”. Il famoso studente imparò molto dal suo maestro e mentore in termini di linguaggio visivo, messa in scena e rapporto con i modelli. Tra i due esisteva un profondo legame dal periodo dell'apprendistato fino alla morte di Peter Lindbergh. La mostra riflette questo legame speciale.

Hans Lux è un maestro del momento. Il suo acuto senso del momento giusto per premere il pulsante di scatto lo ha reso uno dei fotografi tedeschi più richiesti degli anni Settanta e Ottanta. L'approccio naturale alle sue modelle, la vicinanza e la familiarità che si instaurava rapidamente con loro erano il suo marchio di fabbrica. Il suo allievo e assistente Peter Lindbergh ha imparato queste qualità dal suo mentore.

Naturalezza e spontaneità sono le caratteristiche principali delle fotografie di Hans Lux. In questa mostra presentiamo una serie di immagini (40 motivi) che non sono mai state esposte prima. In bianco e nero e a colori ad alto contrasto, le foto mostrano giovani donne allegre che non si mettono in posa ma appaiono naturali, apparentemente incuranti delle apparenze esteriori come capelli acconciati o trucco perfetto. Non si tratta di immagini femminili idealizzate, ma di normalità, spontaneità, donne forti e pura gioia di vivere, nient'altro. Ed è proprio questo che rende queste immagini così uniche, che conferisce loro un fascino irresistibile.

The exhibition ‘Hans Lux - Master and Mentor of Peter Lindbergh’ shows many series of pictures by Hans Lux that have never been presented before, and their significance for the later work of his student Peter Lindbergh. We have intensively studied the archive of Peter Lindbergh's teacher and found many parallels between the work of Hans Lux and the later famous work of Peter Lindbergh. Peter Lindbergh was Hans Lux's assistant for three years and learned photography from scratch. In terms of imagery, staging and dealing with models, the famous student learned a lot from his master and mentor. There was a deep connection between the two of them from the time of their apprenticeship until the death of Peter Lindbergh. The exhibition reflects this special connection.

Hans Lux is a master of capturing the moment. His keen sense of timing when it came to pressing the shutter release made him one of the most sought-after German photographers in the 1970s and 1980s. His natural way of dealing with his models and the closeness and familiarity he quickly established with them were his trademarks. His student and assistant Peter Lindbergh learned these qualities from his mentor.

Naturalness and spontaneity are the outstanding characteristics of Hans Lux's photographs. In the exhibition, we are presenting series of pictures (40 motifs) that have never been shown before. The photos, in high-contrast black and white and colour, show happy young women who do not pose but look natural, who seemingly do not care about externalities such as styled hair or perfect make-up. It is not about idealised images of women, but about normality, spontaneity and strong women and pure joie de vivre – nothing else. And it is precisely this that makes these images so unique, that gives them such an irresistible charm.

(Text: noir blanche – Galerie für Fotografie, Düsseldorf)

Galerie Bene Taschen | Köln
16. März – 10. Mai 2025

Larry Fink – Feeling the Experience

Der im Dezember 2023 verstorbene Larry Fink arbeitete über 65 Jahre als Fotograf. Seine Arbeiten waren in Einzelausstellungen u.a. im Museum of Modern Art und Whitney Museum in New York zu sehen. Die Galerie Bene Taschen freut sich, eine Auswahl aus seinen Werkgruppen Social Graces, Somewhere There‘s Music, The Vanities und Boxing unter dem Titel Larry Fink – Feeling the Experience zu präsentieren.

Larry Fink sammelte erste fotografischen Erfahrungen in New York und zog später von Brooklyn nach Pennsylvania. Er besuchte die New Yorker New School for Social Research, die sein Interesse an soziologischen Sichtweisen weckte. Auch seine Bezüge zur Jazz-Musik haben einen frühen Ursprung; Jazz begleitete ihn seit seiner Kindheit. Er selbst spielte Piano und Harmonika. Die Bilder aus der Reihe Somewhere there’s Music zeugen von den Begegnungen zwischen dem Fotografen und den Musikerinnen und Musikern. Vor seiner Kamera standen Jazz-Legenden wie John Coltrane oder Finks großes Idol Jimmy Rushing, welchen er bereits 1957 getroffen hatte.

Ab Ende der 1980s setzte Fink die transatlantische Boxindustrie in Szene und begleitete u.a. Mike Tyson und Jimmy Jacobs. Seine Serie Boxing zeigt viele ikonische Momente aus legendären Boxkämpfen.

Seit jeher hat sich Fink mit sozialpsychologischen und politischen Themen auseinandergesetzt und die Verhältnisse, Friktionen und Entwicklungen zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht eingefangen. Als geladener Gast oder offizieller Fotograf dokumentierte er in The Vanities soziale Eliten auf Partys und Galas und positionierte sich selbst dabei stets als stiller Beobachter, außerhalb des Geschehens. In teils intimen Momenten fing er die Interaktionen der Gäste – mal einen Blick über die Schulter, mal ein Lächeln oder eine ungestellte Geste - ein.

In Social Graces stehen diese Werke den Fotografien von der Familie Sabatine aus Pennsylvania gegenüber. Während eines Besuchs im kleinstädtischen Martins Creek dokumentiert er die familiären Treffen zu verschiedenen Anlässen, wie zum Beispiel einem achten Geburtstag. Seine fotografische Arbeit umfasst somit ein breites und kontrastreiches Spektrum, das von alltäglichen Familienszenen bis hin zu elitären Veranstaltungen reicht. Fink formt somit ein Gesellschaftsbild, das unvoreingenommen unterschiedliche soziale Gruppen verbindet. Sein Lebenswerk ist gleichzeitig der Spiegel seines Gesellschaftsbildes. Für ihn stand der Mensch stets im Mittelpunkt.

Larry Fink, décédé en décembre 2023, a travaillé comme photographe pendant plus de 65 ans. Ses travaux ont fait l'objet d'expositions individuelles, notamment au Museum of Modern Art et au Whitney Museum de New York. La galerie Bene Taschen est heureuse de présenter une sélection de ses groupes d'œuvres Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities et Boxing sous le titre Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink a fait ses premières expériences photographiques à New York et a ensuite quitté Brooklyn pour la Pennsylvanie. Il a fréquenté la New School for Social Research de New York, qui a éveillé son intérêt pour les points de vue sociologiques. Ses références à la musique de jazz ont également une origine précoce ; le jazz l'accompagnait depuis son enfance. Il jouait lui-même du piano et de l'harmonica. Les visuels de la série Somewhere there's Music témoignent des rencontres entre le photographe et les musiciens. Des légendes du jazz comme John Coltrane ou la grande idole de Fink, Jimmy Rushing, qu'il avait déjà rencontré en 1957, ont posé devant son objectif.

A partir de la fin des années 1980, Fink a mis en scène l'industrie de la boxe transatlantique et a accompagné entre autres Mike Tyson et Jimmy Jacobs. Sa série Boxing montre de nombreux moments iconiques de combats de boxe légendaires.

Depuis toujours, Fink s'est penché sur des thèmes socio-psychologiques et politiques et a capturé les rapports, les frictions et les évolutions entre la classe ouvrière et la classe supérieure. En tant qu'invité ou photographe officiel, il a documenté dans The Vanities les élites sociales lors de fêtes et de galas, se positionnant toujours comme un observateur silencieux, en dehors de l'action. Dans des moments parfois intimes, il a capturé les interactions des invités - parfois un regard par-dessus l'épaule, parfois un sourire ou un geste non posé.

Dans Social Graces, ces œuvres sont confrontées aux photographies de la famille Sabatine de Pennsylvanie. Lors d'une visite dans la petite ville de Martins Creek, il documente les réunions familiales à l'occasion de différents événements, comme un huitième anniversaire. Son travail photographique couvre ainsi un spectre large et contrasté, allant de scènes familiales quotidiennes à des événements élitistes. Fink forme ainsi une image de la société qui relie sans préjugés différents groupes sociaux. L'œuvre de sa vie est en même temps le miroir de sa vision de la société. Pour lui, l'être humain a toujours été au centre de ses préoccupations.

Larry Fink, morto nel dicembre 2023, ha lavorato come fotografo per oltre 65 anni. Il suo lavoro è stato esposto in mostre personali al Museum of Modern Art e al Whitney Museum di New York, tra gli altri. La Galerie Bene Taschen è lieta di presentare una selezione dei suoi lavori Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities e Boxing con il titolo Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink ha fatto le sue prime esperienze fotografiche a New York e successivamente si è trasferito da Brooklyn alla Pennsylvania. Ha frequentato la New School for Social Research di New York, che ha risvegliato il suo interesse per le prospettive sociologiche. Anche i suoi riferimenti alla musica jazz hanno un'origine precoce: il jazz lo ha accompagnato fin dall'infanzia. Lui stesso suonava il pianoforte e l'armonica. Le immagini della serie Somewhere there's Music testimoniano gli incontri tra il fotografo e i musicisti. Davanti alla sua macchina fotografica si sono avvicendate leggende del jazz come John Coltrane e il grande idolo di Fink, Jimmy Rushing, che aveva già incontrato nel 1957.

Dalla fine degli anni Ottanta, Fink ha messo in scena il pugilato transatlantico e ha accompagnato Mike Tyson e Jimmy Jacobs, tra gli altri. La sua serie Boxing mostra molti momenti iconici di incontri di boxe leggendari.

Fink ha sempre esplorato temi socio-psicologici e politici, catturando le relazioni, gli attriti e gli sviluppi tra le classi lavoratrici e quelle superiori. Come invitato o fotografo ufficiale, ha documentato le élite sociali a feste e serate di gala in The Vanities, ponendosi sempre come osservatore silenzioso, al di fuori dell'azione. In momenti a volte intimi, ha catturato le interazioni degli ospiti - a volte uno sguardo da sopra la spalla, a volte un sorriso o un gesto non posato.

In Social Graces, queste opere sono accostate alle fotografie della famiglia Sabatine della Pennsylvania. Durante una visita alla cittadina di Martins Creek, l'artista documenta le riunioni di famiglia in varie occasioni, come un ottavo compleanno. Il suo lavoro fotografico abbraccia quindi uno spettro ampio e contrastante, che va dalle scene familiari quotidiane agli eventi d'élite. Fink crea così un'immagine della società che collega in modo imparziale i diversi gruppi sociali. Il lavoro della sua vita è anche uno specchio della sua immagine della società. Per lui le persone erano sempre al centro.

Larry Fink, who died in December 2023, worked as a photographer for over 65 years. His work has been shown in solo exhibitions at the Museum of Modern Art and the Whitney Museum in New York, among others. The Bene Taschen Gallery is pleased to present a selection from his series Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities and Boxing under the title Larry Fink – Feeling the Experience.

Larry Fink gained his first photographic experiences in New York and later moved from Brooklyn to Pennsylvania. He attended the New School for Social Research in New York, which sparked his interest in sociological perspectives. His relationship to jazz music also has an early origin; jazz accompanied him since his childhood. He himself played piano and harmonica. The visuals from the series Somewhere there's Music bear witness to the encounters between the photographer and the musicians. Jazz legends such as John Coltrane and Fink's great idol Jimmy Rushing, whom he had already met in 1957, stood in front of his camera.

From the late 1980s, Fink focused on the transatlantic boxing industry, accompanying Mike Tyson and Jimmy Jacobs, among others. His Boxing series features many iconic moments from legendary boxing matches.

Fink has always been interested in socio-psychological and political issues, capturing the relationships, frictions and developments between the working and upper classes. As an invited guest or official photographer, he documented social elites at parties and galas in The Vanities, always positioning himself as a silent observer, outside of the action. He captured the interactions of the guests in sometimes intimate moments – a glance over the shoulder, a smile or an unposed gesture.

In Social Graces, these works are juxtaposed with photographs of the Sabatine family from Pennsylvania. During a visit to the small town of Martins Creek, he documented family gatherings for various occasions, such as an eighth birthday. His photographic work thus encompasses a broad and contrasting spectrum, ranging from everyday family scenes to elitist events. In this way, Fink creates a social portrait that connects different social groups in an unbiased way. His life's work is also a mirror of his social view. For him, the human being has always been at the centre of attention.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

Haus am Kleistpark
21. März – 8. Juni 2025

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Gropius Bau | Berlin
21. März – 14. September 2025

Vaginal Davis - Fabelhaftes Produkt

20 Jahre nachdem die Künstlerin, Autorin und Performerin Vaginal Davis von Los Angeles nach Berlin zog, zeigt der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung ihres Werks in Deutschland. In ihrem wegweisenden Schaffen verbinden sich Punk und Glamour, queerer Aktivismus und Schwarze Gegenkultur sowie Widerstand und Begehren. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt vereint großformatige Installationen, Malereien, Video- und Filmarbeiten, Zines, Texte, Musik sowie Performance und bietet einen umfassenden Überblick über Davis’ vielschichtige Praxis und ihre künstlerischen Zusammenarbeiten. Im Rahmen der Ausstellung zeigt das Kunstkollektiv CHEAP die Installation Choose Mutation mit Fotografien von Annette Frick. Fabelhaftes Produkt lädt in das Universum von Vaginal Davis ein, das von literarischen Heldinnen, mythischen Figuren und echten Ikonen bewohnt wird.

Initiiert vom Moderna Museet, Stockholm, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und MoMA PS1, New York

Vingt ans après que l'artiste, auteur et performeuse Vaginal Davis a quitté Los Angeles pour Berlin, le Gropius Bau présente la première exposition individuelle complète de son œuvre en Allemagne. Dans son travail précurseur, le punk et le glamour, l'activisme queer et la contre-culture noire ainsi que la résistance et le désir se rejoignent. Vaginal Davis : Fabelhaftes Produkt réunit des installations grand format, des peintures, des travaux vidéo et cinématographiques, des zines, des textes, de la musique et des performances et offre un aperçu complet de la pratique complexe de Davis et de ses collaborations artistiques. Dans le cadre de l'exposition, le collectif artistique CHEAP présente l'installation Choose Mutation avec des photographies d'Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invite à pénétrer dans l'univers de Vaginal Davis, habité par des héroïnes littéraires, des figures mythiques et de véritables icônes.

Initié par le Moderna Museet, Stockholm, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et le MoMA PS1, New York

20 anni dopo il trasferimento dell'artista, autrice e performer Vaginal Davis da Los Angeles a Berlino, il Gropius Bau presenta la prima mostra personale completa del suo lavoro in Germania. Il suo lavoro innovativo combina punk e glamour, attivismo queer e controcultura nera, resistenza e desiderio. Vaginal Davis: Fabulous Product riunisce installazioni di grandi dimensioni, dipinti, opere video e cinematografiche, zine, testi, musica e performance e offre una panoramica completa della pratica multistrato della Davis e delle sue collaborazioni artistiche. Nell'ambito della mostra, il collettivo artistico CHEAP presenta l'installazione Choose Mutation con fotografie di Annette Frick. Fabulous Product vi invita a entrare nell'universo di Vaginal Davis, abitato da eroine letterarie, figure mitiche e icone reali.

Iniziata dal Moderna Museet di Stoccolma, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e il MoMA PS1 di New York.

Marking twenty years since artist, writer and performer Vaginal Davis made Berlin her home, Gropius Bau presents the first comprehensive solo exhibition of her work in Germany. In her expansive oeuvre, punk meets glamour, queer activism meets Black counter-culture and resistance meets desire. Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt features large-scale installations, paintings, video and film works, zines, writing, music and performances, offering an overview of Davis’ practice and artistic collaborations. In the exhibition, the Berlin-based art collective CHEAP presents the installation Choose Mutation, with photographs by Annette Frick. Fabelhaftes Produkt invites you into the universe of Vaginal Davis, populated by literary heroines, mythical figures and real icons.

Initiated by Moderna Museet, Stockholm, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and MoMA PS1, New York

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Staatsgalerie Stuttgart
22. März – 22. Juni 2025

STAND UP! Feministische Avantgarde. Werke aus der SAMMLUNG VERBUND, Wien

Im Frühjahr 2025 präsentiert die Staatsgalerie Stuttgart die renommierte SAMMLUNG VERBUND, Wien. Mit seinen Werken der feministischen Avantgarde nimmt der größte österreichische Energiekonzern VERBUND eine herausragende Stellung in der Fotografie der 1970er-Jahre ein. Seit Jahrzehnten etabliert Gründungsdirektorin Gabriele Schor die Begrifflichkeit der feministischen Avantgarde im kunsthistorischen Diskurs.

In THE GÄLLERY – Raum für Fotografie gibt die Ausstellung vielschichtige Einblicke in die Aufnahmen von Künstlerinnen der feministischen Avantgarde, die radikal die Rolle der Frau in Kunst und Gesellschaft in Frage stellen und damit aus weiblicher Sicht ein alternatives Bild der Frau etablieren wollen.

In der Ausstellung sind rund 140 Arbeiten von prominenten Fotografinnen der 1970er Jahre – wie VALIE EXPORT und Cindy Sherman – zu sehen. Weitere gezeigte Künstlerinnen sind etwa Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann, und Penny Slinger. Alle haben gemeinsam, dass sie ihre, aus historischer Perspektive, noch junge emanzipierte Stimme gegen die Kunst und Gesellschaft erheben.

Besagte künstlerische Positionen verbildlichen jenen Wandel, der sich in den 1970er Jahren nicht nur in der Kunst, sondern auch im Bewusstsein der Frau und ihrer Rolle in der Gesellschaft vollzogen hat.

Au printemps 2025, la Staatsgalerie Stuttgart présentera la célèbre COLLECTION VERBUND, Vienne. Avec ses œuvres de l'avant-garde féministe, le plus grand groupe énergétique autrichien VERBUND occupe une place prépondérante dans la photographie des années 1970. Depuis des décennies, la directrice fondatrice Gabriele Schor établit la notion d'avant-garde féministe dans le discours sur l'histoire de l'art.

Dans THE GÄLLERY – Raum für Fotografie, l'exposition offre un aperçu complexe des clichés d'artistes féminines de l'avant-garde féministe qui remettent radicalement en question le rôle de la femme dans l'art et la société et souhaitent ainsi établir une image alternative de la femme d'un point de vue féminin.

L'exposition présente environ 140 œuvres de photographes féminines de premier plan des années 1970, telles que VALIE EXPORT et Cindy Sherman. Parmi les autres artistes exposées, citons Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann et Penny Slinger. Toutes ont en commun d'avoir élevé leur voix, encore jeune d'un point de vue historique, contre l'art et la société.

Ces positions artistiques illustrent le changement qui s'est opéré dans les années 1970, non seulement dans l'art, mais aussi dans la conscience des femmes et leur rôle dans la société.

Nella primavera del 2025, la Staatsgalerie di Stoccarda presenterà la rinomata SAMMLUNG VERBUND di Vienna. Con le sue opere dell'avanguardia femminista, il più grande gruppo energetico austriaco VERBUND occupa una posizione di rilievo nella fotografia degli anni '70. Da decenni, la direttrice fondatrice Gabriele Schor ha consolidato il concetto di avanguardia femminista nel discorso storico-artistico.

In THE GÄLLERY – Raum für Fotografie, la mostra offre una visione complessa delle opere di artiste dell'avanguardia femminista che mettono radicalmente in discussione il ruolo della donna nell'arte e nella società, con l'obiettivo di affermare un'immagine alternativa della donna da una prospettiva femminile.

La mostra presenta circa 140 opere di fotografe di spicco degli anni '70, come VALIE EXPORT e Cindy Sherman. Tra le altre artiste esposte figurano Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann e Penny Slinger. Tutte hanno in comune il fatto di aver alzato la loro voce emancipata, ancora giovane da un punto di vista storico, contro l'arte e la società.

Tali posizioni artistiche illustrano il cambiamento che ha avuto luogo negli anni '70 non solo nell'arte, ma anche nella coscienza delle donne e nel loro ruolo nella società.

In spring 2025, the Staatsgalerie Stuttgart will present the renowned SAMMLUNG VERBUND, Vienna. With its works by the feminist avant-garde, Austria's largest energy company VERBUND occupies a prominent position in 1970s photography. For decades, founding director Gabriele Schor has established the concept of the feminist avant-garde in art historical discourse.

In THE GÄLLERY – Raum für Fotografie, the exhibition offers multi-layered insights into the photographs of female artists of the feminist avant-garde who radically question the role of women in art and society and thus seek to establish an alternative visual of women from a female perspective.

The exhibition features around 140 works by prominent female photographers of the 1970s, such as VALIE EXPORT and Cindy Sherman. Other artists on display include Martha Rosler, Judy Chicago, Birgit Jürgenssen, Karin Mack, Ulrike Rosenbach, Renate Bertlmann, and Penny Slinger. What they all have in common is that they raise their voices, which from a historical perspective are still young and emancipated, against art and society.

These artistic positions illustrate the change that took place in the 1970s, not only in art, but also in women's consciousness and their role in society.

(Text: Staatsgalerie Stuttgart)

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
28. März – 1. Juni 2025

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

ROBERT MORAT GALERIE | Berlin
29. März - 17. Mai 2025

Christian Patterson - Gong Co.

„Gong Co.“, ist ein Langzeitprojekt, ein monumentales Memento Mori des Niedergangs und des Verfalls eines kleinen Lebensmittelladens im Herzen des Mississippi-Deltas, das zwischen 2003 und 2023, über 20 Jahre entstand. Als der US-Künstler Christian Patterson den Laden entdeckte, war er noch geöffnet, seine Regale übersät mit abgelaufenen Produkten; eine seltsame, unbeabsichtigte Zeitkapsel, die scheinbar Andy Warhols Prophezeiung erfüllt, dass „eines Tages alle Kaufhäuser zu Museen werden und alle Museen zu Kaufhäusern.“

Im Laufe vieler Jahre besuchte und dokumentierte Patterson den Laden erneut, zunächst, als der Betrieb einstellt wurde und dann, nachdem er geschlossen und die Produkte in den Regalen dem Verfall überlassen wurden. Das Ergebnis ist ein vielschichtiges Werk, das vom Vergehen der Zeit und der Vergänglichkeit von Bedeutungen erzählt. Im Laden sehen wir die Überreste dessen, was gekauft und was zurückgelassen wurde; eine unheimliche Reflexion über das Amerika des 20. Jahrhunderts und seine vergängliche Lebensweise. Und in „going out of business“ findet Patterson etwas überraschend Persönliches – eine existenzielle, universelle Allegorie.

« Gong Co. », est un projet à long terme, un memento mori monumental du déclin et de la décadence d'une petite épicerie au cœur du delta du Mississippi, réalisé entre 2003 et 2023, sur une période de 20 ans. Lorsque l'artiste américain Christian Patterson a découvert le magasin, il était encore ouvert, ses étagères jonchées de produits périmés ; une étrange capsule temporelle involontaire qui semble réaliser la prophétie d'Andy Warhol selon laquelle « un jour, tous les grands magasins deviendront des musées et tous les musées des grands magasins ».

Au cours de nombreuses années, Patterson a revisité et documenté le magasin, d'abord lorsque l'activité a cessé, puis après sa fermeture et l'abandon des produits sur les étagères. Le résultat est une œuvre complexe qui parle du passage du temps et du caractère éphémère des significations. Dans le magasin, nous voyons les restes de ce qui a été acheté et de ce qui a été laissé derrière ; une réflexion inquiétante sur l'Amérique du 20e siècle et son mode de vie éphémère. Et dans « going out of business », Patterson trouve quelque chose d'étonnamment personnel - une allégorie existentielle et universelle.

“Gong Co.” è un progetto a lungo termine, un monumentale memento mori del declino e della decadenza di un piccolo negozio di alimentari nel cuore del Delta del Mississippi, realizzato nell'arco di 20 anni tra il 2003 e il 2023. Quando l'artista statunitense Christian Patterson ha scoperto il negozio, era ancora aperto, con gli scaffali pieni di prodotti scaduti; una strana e involontaria capsula del tempo che sembra realizzare la profezia di Andy Warhol secondo cui “un giorno tutti i grandi magazzini diventeranno musei e tutti i musei diventeranno grandi magazzini”.

Nel corso di molti anni, Patterson ha rivisitato e documentato il negozio, prima quando ha cessato l'attività e poi dopo che è stato chiuso e i prodotti sugli scaffali sono stati lasciati decadere. Il risultato è un'opera a più livelli che racconta il passare del tempo e la transitorietà del significato. Nel negozio vediamo i resti di ciò che è stato acquistato e di ciò che è stato lasciato; un'inquietante riflessione sull'America del XX secolo e sul suo stile di vita transitorio. E in “going out of business” Patterson trova qualcosa di sorprendentemente personale, un'allegoria esistenziale e universale.

‘Gong Co.’ is a long-form, monumental memento mori to the decline, death, and decay of a small grocery store in the heart of the Mississippi Delta, made over 20 years between 2003 and 2023. When US artist Christian Patterson first discovered the store, it was still open for business, its shelves scattered with decades-old, expired products; an odd, unintentional time capsule seemingly fulfilling Andy Warhol’s prophecy that ‘Someday, all department stores will become museums and all museums will become department stores.’

Over the course of many years, Patterson revisited and documented the store, first as it was going out of business and then after it was closed with the products on its shelves left to rot. The result is a multi-layered work that tells of the passing of time and the transience of meaning. In the store, we see the remains of what was bought, and what was left behind, an uncanny reflection on 20th-century America and a passing way of life. And in ‘going out of business’, Patterson finds something surprisingly personal – an existential allegory that is undeniably universal.

(Text: ROBERT MORAT GALERIE, Berlin)

Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen | Monschau
6. April - 22. Juni 2025

Fotokunst im Exil. 1928-1949

Das Fotografie-Forum widmet sich einem besonderen Kapitel der europäischen Geschichte: Zehn künstlerische Positionen zeigen, wie Fotograf_innen im Exil weiterhin tätig waren, nachdem die politischen Verhältnisse in den 1930er Jahre sie dazu zwangen, ihre Heimat zu verlassen. Die ausgewählten Presse- und Reportageaufnahmen sowie künstlerischen Fotografien zeigen unterschiedliche Strategien, sich der neuen Umgebung anzupassen. Sie demonstrieren gleichzeitig, wie entscheidend das Medium der Fotografie in den jeweiligen Exilländern von emigrierten Personen geprägt wurde. Die von der Leitung des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier kuratierte Ausstellung fußt auf umfangreichen Recherchen in historischen Archiven in Berlin, Paris, Salzburg und New Hampshire sowie auf zahlreichen Gesprächen mit Historiker_innen und Kunstsammler_innen.

„Für die Ausstellung galt es zunächst mehrere tausend Fotos aus den 20er und 30er Jahren des vergangenen Jahrhunderts zu sichten. Jener Zeit in der die Fotografie stark von der ‚Neuen Sachlichkeit‘ und dem Bauhaus beeinflusst wurde.“ (Kuratorin & Leiterin des Fotografie-Forums Dr. Nina Mika-Helfmeier)

Als Ausgangspunkt lassen sich die gezeigten Arbeiten Martin Munkácsis verstehen, bei denen er 1933 die Machtübergabe Paul von Hindenburgs an Adolf Hitler für die Nachwelt dokumentiert. Im Auftrag der Berliner Illustrirte Zeitung hielt der jüdisch-ungarische Fotograf diesen für die Geschichte Europas denkwürdigen Tag fest. Die Machtergreifung der Nationalsozialisten lässt sich für die avantgardistische Kunstszene als Zäsur begreifen. Insbesondere für jüdische Künstler_innen bedeutete sie Ausgrenzung und Berufsverbote, aber auch Angst vor Inhaftierungen oder gar um das eigene Leben. Viele flohen vor dieser unmittelbaren Bedrohung ins Exil.

Lotte und Ruth Jacobi emigrierten nach New York und mussten ihr gemeinsam betriebenes Fotostudio in Berlin zurücklassen. Im Exil porträtiert Lotte Jacobi zunächst berühmte Deutsche, die ebenfalls flüchten mussten. So verdanken wir der Fotografin ikonische Porträts von Albert Einstein oder Thomas Mann. Später war es ihr möglich, in New York wieder ein eigenes Atelier zu eröffnen und sich experimentellen Verfahren, wie den Photogenics, zuzuwenden.

Gerti Deutschs bewegte Biografie bezeugt, dass für den Start in den Exilländern zuweilen ein besonderes Geschick für die eigene Vermarktung notwendig war. Ihr eröffnetes Fotostudio in der Londoner Bond Street firmierte unter dem Slogan „Gerti Deutsch of Vienna“. Mithilfe sogenannter Musterbücher, die eine Auswahl aus ihrem Portfolio wiedergaben, bewarb sie sich bei Londoner Redaktionen um Aufträge. Als eine der wenigen Frauen wurde sie damals Reporterin bei der Picture Post, für die sie unmittelbar nach dem Krieg in ihre Heimatstadt Wien zurückkehrte. Eine der für das Magazin entstandene Reportage widmete sich der Ankunft von Kriegsheimkehrern. Besonders bemerkenswert erscheint hierbei, dass es Deutsch gelingt, die hoffnungsvollen Nuancen und die Freude am Wiedersehen festzuhalten.

Als einer der bedeutendsten Kriegsfotografen gilt heute Robert Capa. Der jüdische Fotograf floh 1933 von Deutschland zunächst nach Paris und emigrierte 1939 in die USA. Als Fotoreporter hält er ab 1936 das Kriegsgeschehen in Spanien fest. Aus nächster Nähe zeigt er die erbitterten Kämpfe zwischen den aufständischen nationalistischen Truppen Francisco Francos und den Internationalen Brigaden in Katalonien. An der Grenze zu Frankreich begleitet er die Ströme von Zivilist_innen, die versuchen, den Grausamkeiten des Krieges zu entkommen. Mit seinem Credo „Wenn deine Bilder nicht gut genug sind, warst du nicht nah genug dran.“ revolutionierte Capa die fotografische Berichterstattung nachhaltig.

Der zweite Teil der Ausstellung widmet sich der unmittelbaren Zeit nach Ende des Zweiten Weltkrieges. Hoffnung und Zuversicht paaren sich in den versammelten Aufnahmen mit dem Bild von Zerstörung und Leid. David Seymour dokumentierte 1948 beispielsweise im Auftrag des 1946 gegründeten Kinderhilfswerks UNICEF die Situation von Kindern in fünf vom Krieg verwüsteten europäischen Ländern: Österreich, Griechenland, Ungarn, Italien und Polen. „Als Fotograf spreche ich die Sprache der Bilder. Ich sehe mich um und versuche aufzunehmen, was ich sehe. Und in den letzten sechs Monaten habe ich eine Menge gesehen…“, sagte Seymour im UNESCO-Magazin über seine Dokumentation. Die Fotos der Reportage berühren bis heute und erscheinen vor dem Hintergrund politischer Entwicklungen wieder erschreckend aktuell.

„Fotokunst im Exil“ bietet einen umfassenden Einblick in ein besonderes Kapitel der europäischen Geschichte und zeigt zugleich, welche weitreichenden Folgen dieses für das Leben und die künstlerische Karriere von einzelnen Fotograf_innen hatte. Die präsentierten Aufnahmen, von denen einige zum ersten Mal in Deutschland gezeigt werden, könnten dabei nicht unterschiedlicher sein. Sie alle eint, dass sie ambivalente Emotionen offenbaren: Trauer angesichts des Verlustes der alten Heimat, aber auch Hoffnung auf eine friedliche, bessere Zukunft.

Le Forum de la photographie se consacre à un chapitre particulier de l'histoire européenne : dix positions artistiques montrent comment les photographes en exil ont continué à travailler après que les conditions politiques des années 1930 les ont contraints à quitter leur pays. Les photos de presse et de reportage ainsi que les photographies artistiques sélectionnées montrent différentes stratégies pour s'adapter au nouvel environnement. Elles démontrent en même temps à quel point le médium photographique a été marqué de manière décisive par les personnes émigrées dans les différents pays d'exil. L'exposition organisée par la directrice du Fotografie-Forum, Dr. Nina Mika-Helfmeier, repose sur des recherches approfondies dans des archives historiques à Berlin, Paris, Salzbourg et dans le New Hampshire ainsi que sur de nombreux entretiens avec des historiens et des collectionneurs d'art.

« Pour l'exposition, il a d'abord fallu passer en revue plusieurs milliers de photos des années 20 et 30 du siècle dernier. Une époque où la photographie était fortement influencée par la 'Neue Sachlichkeit' et le Bauhaus ». (Curatrice & directrice du Fotografie-Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier)

Les travaux de Martin Munkácsis présentés ici, dans lesquels il documente pour la postérité la passation de pouvoir de Paul von Hindenburg à Adolf Hitler en 1933, peuvent être considérés comme un point de départ. Le photographe juif hongrois a immortalisé ce jour mémorable pour l'histoire de l'Europe à la demande de l'Illustrirte Zeitung de Berlin. L'arrivée au pouvoir des nationaux-socialistes peut être considérée comme un tournant pour la scène artistique d'avant-garde. Pour les artistes juifs en particulier, elle a été synonyme d'exclusion et d'interdictions professionnelles, mais aussi de peur d'être emprisonnés, voire de perdre la vie. Beaucoup ont fui cette menace immédiate et se sont exilés.

Lotte et Ruth Jacobi ont émigré à New York et ont dû laisser derrière elles le studio de photographie qu'elles exploitaient ensemble à Berlin. En exil, Lotte Jacobi a d'abord fait le portrait d'Allemands célèbres qui avaient également dû fuir. Nous devons ainsi à la photographe des portraits iconiques d'Albert Einstein ou de Thomas Mann. Plus tard, elle a pu rouvrir son propre studio à New York et se tourner vers des procédés expérimentaux comme les photogéniques.

La biographie mouvementée de Gerti Deutsch témoigne du fait que pour démarrer dans les pays d'exil, il fallait parfois faire preuve d'une habileté particulière pour sa propre commercialisation. Le studio de photographie qu'elle a ouvert dans Bond Street à Londres était connu sous le slogan « Gerti Deutsch of Vienna ». A l'aide de « livres d'échantillons », qui présentaient une sélection de son portfolio, elle sollicitait des commandes auprès des rédactions londoniennes. Elle fut l'une des rares femmes à devenir reporter pour le Picture Post, pour lequel elle retourna dans sa ville natale de Vienne juste après la guerre. L'un des reportages réalisés pour le magazine était consacré à l'arrivée de personnes revenant de la guerre. Ce qui semble particulièrement remarquable ici, c'est que Deutsch parvient à saisir les nuances pleines d'espoir et la joie des retrouvailles.

Robert Capa est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands photographes de guerre. Le photographe juif a d'abord fui l'Allemagne en 1933 pour se réfugier à Paris, puis a émigré aux États-Unis en 1939. En tant que photoreporter, il immortalise dès 1936 les événements de la guerre en Espagne. Il montre de très près les combats acharnés entre les troupes nationalistes insurgées de Francisco Franco et les Brigades internationales en Catalogne. A la frontière avec la France, il accompagne les flots de civils qui tentent d'échapper aux atrocités de la guerre. Avec son credo « Si vos visuels ne sont pas assez bons, c'est que vous n'étiez pas assez près ». Capa a durablement révolutionné le reportage photographique.

La deuxième partie de l'exposition est consacrée à la période qui suit immédiatement la fin de la Seconde Guerre mondiale. Dans les clichés rassemblés, l'espoir et la confiance s'associent au visuel de la destruction et de la souffrance. En 1948, David Seymour a par exemple documenté la situation des enfants dans cinq pays européens dévastés par la guerre pour le compte de l'UNICEF, le fonds d'aide aux enfants fondé en 1946 : Autriche, Grèce, Hongrie, Italie et Pologne. « En tant que photographe, je parle le langage des visuels. Je regarde autour de moi et j'essaie d'enregistrer ce que je vois. Et au cours des six derniers mois, j'ai vu beaucoup de choses... », a déclaré Seymour au magazine de l'UNESCO à propos de son documentaire. Les photos du reportage touchent encore aujourd'hui et semblent à nouveau terriblement actuelles dans le contexte des évolutions politiques.

« L'art photographique en exil » offre un aperçu complet d'un chapitre particulier de l'histoire européenne et montre en même temps les conséquences importantes que cela a eu sur la vie et la carrière artistique de certains photographes. Les photos présentées, dont certaines sont exposées pour la première fois en Allemagne, ne pourraient pas être plus différentes les unes des autres. Ce qui les unit tous, c'est qu'ils révèlent des émotions ambivalentes : La tristesse face à la perte de l'ancienne patrie, mais aussi l'espoir d'un avenir pacifique et meilleur.

Il Forum della Fotografia è dedicato a un capitolo speciale della storia europea: dieci posizioni artistiche mostrano come i fotografi abbiano continuato a lavorare in esilio dopo che le circostanze politiche degli anni Trenta li avevano costretti a lasciare la loro patria. Le fotografie di stampa e di reportage selezionate, così come le fotografie artistiche, mostrano diverse strategie di adattamento al nuovo ambiente. Allo stesso tempo, dimostrano come il mezzo fotografico sia stato caratterizzato in modo decisivo dagli emigranti nei rispettivi Paesi di esilio. La mostra, curata dalla dott.ssa Nina Mika-Helfmeier, direttrice del Forum di Fotografia, si basa su un'ampia ricerca negli archivi storici di Berlino, Parigi, Salisburgo e New Hampshire e su numerosi colloqui con storici e collezionisti d'arte.

“Per la mostra abbiamo dovuto passare al setaccio diverse migliaia di foto degli anni Venti e Trenta. Un periodo in cui la fotografia era fortemente influenzata dalla 'Nuova Oggettività' e dal Bauhaus”. (Curatrice e direttrice del Forum di Fotografia, Nina Mika-Helfmeier)

Le opere in mostra di Martin Munkácsi, che ha documentato per i posteri il passaggio di potere di Paul von Hindenburg ad Adolf Hitler nel 1933, possono essere considerate un punto di partenza. Su commissione della Berliner Illustrirte Zeitung, il fotografo ebreo-ungherese ha immortalato questo giorno memorabile della storia d'Europa. La presa del potere da parte dei nazionalsocialisti può essere intesa come una cesura per la scena artistica d'avanguardia. Per gli artisti ebrei, in particolare, significò emarginazione e divieti professionali, ma anche paura di essere imprigionati o addirittura temere per la propria vita. Molti fuggirono da questa minaccia immediata verso l'esilio.

Lotte e Ruth Jacobi emigrarono a New York e dovettero abbandonare lo studio fotografico che gestivano insieme a Berlino. In esilio, Lotte Jacobi scattò inizialmente ritratti di tedeschi famosi, anch'essi costretti a fuggire. Dobbiamo ringraziare la fotografa per i ritratti iconici di Albert Einstein e Thomas Mann. In seguito fu in grado di riaprire il suo studio a New York e di dedicarsi a tecniche sperimentali come la fotogenia.

La movimentata biografia di Gerti Deutsch testimonia che a volte era necessario possedere particolari capacità di marketing quando si iniziava a lavorare nei Paesi in esilio. Lo studio fotografico che aprì in Bond Street a Londra operava con lo slogan “Gerti Deutsch of Vienna”. Con l'aiuto dei cosiddetti campionari, che presentavano una selezione del suo portfolio, chiese commissioni alle redazioni londinesi. Fu una delle poche donne a diventare reporter del Picture Post, per il quale tornò nella sua città natale, Vienna, subito dopo la guerra. Uno dei servizi che scrisse per la rivista era dedicato all'arrivo dei rimpatriati dalla guerra. Ciò che sembra particolarmente notevole in questo caso è che la Deutsch riesce a catturare le sfumature di speranza e la gioia del ricongiungimento.

Robert Capa è considerato oggi uno dei più importanti fotografi di guerra. Il fotografo ebreo fuggì dalla Germania nel 1933, inizialmente a Parigi, prima di emigrare negli Stati Uniti nel 1939. Come fotoreporter, ha immortalato gli eventi della guerra in Spagna a partire dal 1936. Mostra da vicino le feroci battaglie tra le truppe nazionaliste insurrezionali di Francisco Franco e le Brigate Internazionali in Catalogna. Al confine con la Francia, accompagna i flussi di civili che cercano di sfuggire alle atrocità della guerra. Con il suo credo “Se le tue foto non sono abbastanza buone, non eri abbastanza vicino”. Capa ha rivoluzionato definitivamente il reportage fotografico.

La seconda parte della mostra è dedicata al periodo immediatamente successivo alla fine della Seconda guerra mondiale. Nelle fotografie raccolte, la speranza e la fiducia sono abbinate a immagini di distruzione e sofferenza. Nel 1948, ad esempio, David Seymour documentò la situazione dei bambini in cinque Paesi europei devastati dalla guerra per conto dell'UNICEF, l'organizzazione di soccorso all'infanzia fondata nel 1946: Austria, Grecia, Ungheria, Italia e Polonia. “Come fotografo, parlo il linguaggio delle immagini. Mi guardo intorno e cerco di registrare ciò che vedo. E negli ultimi sei mesi ho visto molto...”, ha dichiarato Seymour nella rivista dell'UNESCO a proposito del suo documentario. Le foto del reportage sono ancora oggi commoventi e sembrano spaventosamente attuali sullo sfondo degli sviluppi politici.

“Photographic Art in Exile” offre una visione completa di un capitolo particolare della storia europea e allo stesso tempo mostra le conseguenze di vasta portata che questo ha avuto sulle vite e sulle carriere artistiche dei singoli fotografi. Le fotografie presentate, alcune delle quali sono esposte per la prima volta in Germania, non potrebbero essere più diverse. Ciò che hanno in comune è che rivelano emozioni ambivalenti: tristezza di fronte alla perdita della loro vecchia patria, ma anche speranza in un futuro pacifico e migliore.

The Photography Forum is dedicated to a special chapter of European history: ten artistic positions show how photographers continued to work in exile after the political situation in the 1930s forced them to leave their homeland. The selected press and reportage photographs, as well as artistic photographs, show different strategies for adapting to the new environment. At the same time, they demonstrate how decisively the medium of photography was shaped by emigrants in the respective exile countries. The exhibition, curated by the director of the Fotografie-Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier, is based on extensive research in historical archives in Berlin, Paris, Salzburg and New Hampshire, as well as on numerous discussions with historians and art collectors.

‘For the exhibition, several thousand photos from the 1920s and 1930s had to be sifted through first. That was a time when photography was heavily influenced by the ‘New Objectivity’ and the Bauhaus.’ (Curator and Director of the Photography Forum Dr. Nina Mika-Helfmeier)

Martin Munkácsi's works, in which he documented the transfer of power from Paul von Hindenburg to Adolf Hitler in 1933 for posterity, can be seen as a starting point. The Jewish-Hungarian photographer captured this memorable day for the history of Europe on behalf of the Berliner Illustrirte Zeitung. The seizure of power by the National Socialists can be seen as a turning point for the avant-garde art scene. For Jewish artists in particular, it meant ostracism and professional bans, but also fear of imprisonment or even for one's life. Many fled into exile from this imminent threat.

Lotte and Ruth Jacobi emigrated to New York and had to leave behind their jointly operated photography studio in Berlin. In exile, Lotte Jacobi initially portrayed famous Germans who had also been forced to flee. We therefore have the photographer to thank for iconic portraits of Albert Einstein and Thomas Mann. Later, she was able to open her own studio in New York and turn to experimental processes such as photogenics.

Gerti Deutsch's eventful biography testifies to the fact that a special talent for marketing oneself was sometimes necessary to get started in the countries of exile. Her photo studio on London's Bond Street operated under the slogan ‘Gerti Deutsch of Vienna’. With the help of so-called sample books, which showed a selection from her portfolio, she applied to London editorial offices for assignments. She was one of the few women to become a reporter at the Picture Post, for which she returned to her hometown of Vienna immediately after the war. One of the reports she produced for the magazine was about the arrival of those returning from the war. It is particularly noteworthy that Deutsch manages to capture the hopeful nuances and the joy of reunion.

Robert Capa is considered one of the most important war photographers today. The Jewish photographer fled from Germany in 1933, first to Paris and then emigrated to the United States in 1939. As a photojournalist, he documented the war in Spain from 1936. He captured the bitter fighting between the rebel nationalist troops of Francisco Franco and the International Brigades in Catalonia at close range. On the border with France, he accompanied the streams of civilians trying to escape the atrocities of war. With his credo ‘If your pictures aren't good enough, you weren't close enough,’ Capa revolutionised photographic reporting in the long term.

The second part of the exhibition is dedicated to the immediate post-war period. The collected images combine hope and optimism with scenes of destruction and suffering. In 1948, for example, David Seymour documented the situation of children in five war-ravaged European countries – Austria, Greece, Hungary, Italy and Poland – on behalf of the children's aid organisation UNICEF, which was founded in 1946. ‘As a photographer, I speak the language of images. I look around and try to take up what I see. And in the last six months, I have seen a lot...‘, Seymour said in the UNESCO magazine about his documentation. The photos of the report are still touching today and, against the background of political developments, seem frighteningly topical again.

’Photographic Art in Exile’ offers a comprehensive insight into a special chapter of European history and at the same time shows the far-reaching consequences this had for the lives and artistic careers of individual photographers. The photographs presented, some of which are being shown in Germany for the first time, could not be more diverse. What they all have in common is that they reveal ambivalent emotions: grief at the loss of the old homeland, but also hope for a peaceful, better future.

(Text: Fotografie-Forum der StädteRegion Aachen)

Gropius Bau | Berlin
11. April – 31. August 2025

YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND

Ab Frühjahr 2025 würdigt die umfassende Einzelausstellung YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND das wegweisende Schaffen der Künstlerin und Aktivistin Yoko Ono. Die Ausstellung präsentiert Arbeiten aus sieben Jahrzehnten und zeichnet die Entwicklung ihres innovativen, multidisziplinären Werks und dessen bis heute anhaltenden Einfluss nach. Mit mehr als 200 Arbeiten, darunter Instruktionen und Partituren, Installationen, Filme, Musik und Fotografien, beleuchtet MUSIC OF THE MIND Onos radikalen Ansatz in Bezug auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis in die Gegenwart hineinwirkt.

Organisiert von Tate Modern, London, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Kuratiert von Patrizia Dander, stellvertretende kuratorische Direktorin, Gropius Bau und Juliet Bingham, Kuratorin, International Art, Tate Modern, mit Sonja Borstner, Assistenzkuratorin, Gropius Bau und Andrew de Brún, Assistenzkurator, International Art, Tate Modern

À partir du printemps 2025, la vaste exposition individuelle YOKO ONO : MUSIC OF THE MIND rendra hommage à l'œuvre pionnière de l'artiste et activiste Yoko Ono. L'exposition présente des travaux couvrant sept décennies et retrace l'évolution de son œuvre innovante et multidisciplinaire ainsi que son influence qui perdure encore aujourd'hui. Avec plus de 200 œuvres, dont des instructions et des partitions, des installations, des films, de la musique et des photographies, MUSIC OF THE MIND met en lumière l'approche radicale d'Ono en matière de langage, d'art et de participation, dont l'influence se fait sentir jusqu'à nos jours.

Organisé par la Tate Modern, Londres, en collaboration avec le Gropius Bau, Berlin, et la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf.

Organisé par Patrizia Dander, directrice adjointe de la conservation, Gropius Bau et Juliet Bingham, conservatrice, International Art, Tate Modern, avec Sonja Borstner, conservatrice adjointe, Gropius Bau et Andrew de Brún, conservateur adjoint, International Art, Tate Modern

Dalla primavera del 2025, la mostra personale YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND renderà omaggio al lavoro innovativo dell'artista e attivista Yoko Ono. La mostra presenta opere che abbracciano sette decenni e ripercorre lo sviluppo della sua opera innovativa e multidisciplinare e la sua influenza duratura fino ai giorni nostri. Con oltre 200 opere, tra cui istruzioni e partiture, installazioni, film, musica e fotografie, MUSIC OF THE MIND mette in luce l'approccio radicale di Ono al linguaggio, all'arte e alla partecipazione, che continua ad avere un impatto ancora oggi.

Organizzata dalla Tate Modern di Londra, in collaborazione con il Gropius Bau di Berlino e la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen di Düsseldorf.

A cura di Patrizia Dander, vicedirettore curatoriale del Gropius Bau e Juliet Bingham, curatrice dell'arte internazionale della Tate Modern, con Sonja Borstner, assistente curatore del Gropius Bau e Andrew de Brún, assistente curatore dell'arte internazionale della Tate Modern.

From spring 2025, the Gropius Bau will present a comprehensive solo exhibition celebrating the groundbreaking and influential work of artist and activist Yoko Ono. Spanning seven decades of the artist’s powerful, multidisciplinary practice from the mid-1950s to now, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND will trace the development of her innovative work and its enduring impact on contemporary culture. The exhibition brings together over 200 works including instruction pieces and scores, installations, films, music and photography, revealing a radical approach to language, art and participation that continues to speak to the present moment.

Organised by Tate Modern, London, in collaboration with Gropius Bau, Berlin, and Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Curated by Patrizia Dander, Deputy Director of Curatorial Affairs, Gropius Bau and Juliet Bingham, Curator, International Art, Tate Modern; with Sonja Borstner, Assistant Curator, Gropius Bau and Andrew de Brún, Assistant Curator, International Art, Tate Modern

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Leica Galerie Konstanz
12. April – 12. Juli 2025

Milena Schilling – O R I G I O

Drei Jahre lang fotografierte Milena Schilling 45 Menschen aus Konstanz nackt im Bodensee. Menschen aller Körperformen und Hintergründe im Alter von 18 bis 73 Jahren tauchten vor ihrer Kamera ab.

Der Antrieb zu dieser Fotoserie entspringt einer atemberaubenden Begegnung mit der Natur im offenen Meer und der Erkenntnis: Bestehen wir zwar selbst aus 60–70 % Wasser, bleibt uns dieses Element doch unzähmbar überlegen und zugleich lebensnotwendig. Obwohl 71 % der Erdoberfläche von Wasser bedeckt sind, kann der Mensch darin nicht leben. In der scheinbar unendlichen blauen Weite zu schwimmen, prägte die Fotografin tief und wurde der Beginn einer fotografischen Reise zum Wasser als Ursprungselement allen Lebens: O R I G I O.

Für das daraus entstehende Projekt entwickelte die junge Fotografin ein präzises Konzept und sprang damit schließlich erneut buchstäblich ins kalte Wasser – diesmal vor der eigenen Haustür in den Bodensee. Zunächst suchte sie Unterwasserspots in Ufernähe, weitete ihre Ortswahl jedoch rasch aus und entschloss sich schließlich, einen Segelschein zu machen. So brachte sie ihre Gruppe mit dem Segelboot ins tiefere Wasser, um die geplanten Szenerien unter der Oberfläche zu formieren.

Jede Komposition reifte in der Theorie, wurde an Land geprobt und schließlich im Wasser modelliert und fotografisch eingefangen. Doch dabei spielte die Natur regelmäßig all ihre Willkür aus: Wassertemperatur, Windstärke, Witterungsverhältnisse der Vortage, Pflanzen – nichts war planbar, verlässlich oder gar wiederholbar. Erst bei Wassertemperaturen unterhalb von 12 Grad war eine klare Sicht möglich. Die Tauchenden konnten deshalb nur wenige Minuten im kalten Bodensee verharren, und die Fotografin konnte pro Tauchgang nur eine einzige Aufnahme auslösen. Erst später am Bildschirm zeigte sich die Qualität der Bilder, die dem Projekt seine analogähnliche Echtheit verleihen. Entstanden ist ein uns gleichermaßen alltäglicher und in dieser Form doch unbekannter, malerischer Blick auf eine Welt im nassen Element.

Die mystische Ästhetik der Bilder wurde inspiriert von Gemälden und Skulpturen der Renaissance. Die Trübungen des Sees und das sanfte Licht des bewölkten Himmels erzeugen einen zeitlosen Charakter der Fotografien und wecken Erinnerungen an unseren Ursprung: Jedes menschliche Leben wächst umschlossen von Fruchtwasser heran. Beinahe schwerelos, frei von Besitztümern, getragen von einem Element, das keine Grenzen, Sprachbarrieren oder Hierarchien kennt.

Milena Schillings Fotografien öffnen unseren Blick und nähren unsere Sehnsucht nach ursprünglicher Verbundenheit – sowohl mit unserer eigenen Spezies als auch mit dem Wasser, das unseren Lebensraum von allen anderen bekannten Planeten unterscheidet. Die Serie zeigt auch, wie vielfältig schön der menschliche Körper ist.

Und das Werk O R I G I O steht erst am Anfang: Derzeit bereitet sich Milena Schilling darauf vor, eines Tages zu den gigantischen Meeressäugern zu segeln, um Wale im respektvollen Wechselspiel mit dem puren, winzigen Menschen zu fotografieren. O R I G I O ist eine Hommage an das Leben, daran, wie facettenreich und von Schönheit erfüllt es ist. Ein demütiger Blick auf das Element Wasser, dem wir Menschen alle gleichermaßen unsere Existenz auf der Erde verdanken, sowie eine Erinnerung daran, dass wir alle aus dem gleichen Wasser geformt sind und darüber miteinander verbunden.

Pendant trois ans, Milena Schilling a photographié 45 personnes de Constance nues dans le lac de Constance. Des personnes de toutes les morphologies et de tous les horizons, âgées de 18 à 73 ans, ont plongé devant son appareil photo.

L'impulsion pour cette série de photos provient d'une rencontre époustouflante avec la nature en pleine mer et de la prise de conscience suivante : si nous sommes nous-mêmes composés de 60 à 70 % d'eau, cet élément nous est à la fois indomptablement supérieur et indispensable à la vie. Bien que 71 % de la surface de la Terre soit recouverte d'eau, l'homme ne peut pas y vivre. Nager dans cette étendue bleue apparemment infinie a profondément marqué la photographe et a été le début d'un voyage photographique vers l'eau en tant qu'élément d'origine de toute vie : O R I G I O.

La jeune photographe a développé un concept précis pour le projet qui en a résulté et s'est littéralement jetée à l'eau, cette fois devant sa porte, dans le lac de Constance. Elle a d'abord cherché des spots sous-marins près de la rive, mais a rapidement élargi son choix de lieu et a finalement décidé de passer un brevet de voile. Elle a donc emmené son groupe en voilier dans les eaux plus profondes pour former les décors prévus sous la surface.

Chaque composition a mûri en théorie, a été répétée sur la terre ferme et a finalement été modelée et photographiée dans l'eau. Mais la nature a régulièrement fait preuve d'arbitraire : La température de l'eau, la force du vent, les conditions météorologiques des jours précédents, les plantes - rien ne pouvait être planifié, fiable ou même répété. Ce n'est que lorsque la température de l'eau était inférieure à 12 degrés qu'une vision claire était possible. Les plongeurs ne pouvaient donc rester que quelques minutes dans le lac de Constance froid, et la photographe ne pouvait déclencher qu'une seule prise de vue par plongée. Ce n'est que plus tard, sur l'écran, que la qualité des images s'est révélée, conférant au projet une authenticité proche de l'analogique. Il en résulte une vision picturale d'un monde dans l'élément humide qui nous est à la fois familier et inconnu sous cette forme.

L'esthétique mystique des images s'inspire des peintures et des sculptures de la Renaissance. La turbidité du lac et la douce lumière du ciel nuageux créent un caractère intemporel des photographies et évoquent des souvenirs de nos origines : toute vie humaine grandit entourée de liquide amniotique. Presque en apesanteur, libre de toute possession, portée par un élément qui ne connaît ni frontières, ni barrières linguistiques, ni hiérarchies.

Les photographies de Milena Schilling ouvrent notre regard et nourrissent notre désir de lien originel - tant avec notre propre espèce qu'avec l'eau, qui distingue notre espace vital de toutes les autres planètes connues. La série montre également à quel point le corps humain est d'une beauté variée.

Et l'œuvre O R I G I O n'en est qu'à ses débuts : actuellement, Milena Schilling se prépare à naviguer un jour vers les gigantesques mammifères marins afin de photographier les baleines dans une interaction respectueuse avec le pur et minuscule être humain. O R I G I O est un hommage à la vie, à ses multiples facettes et à sa beauté. Un regard humble sur l'élément eau, auquel nous devons tous notre existence sur terre, et un rappel que nous sommes tous formés de la même eau et reliés par elle.

Per tre anni, Milena Schilling ha fotografato 45 persone di Costanza nude nel lago di Costanza. Persone di ogni corporatura e provenienza, di età compresa tra i 18 e i 73 anni, si sono tuffate davanti alla sua macchina fotografica.

L'impulso per questa serie fotografica è nato da un incontro mozzafiato con la natura in mare aperto e dalla consapevolezza che, sebbene noi stessi siamo costituiti per il 60-70% da acqua, questo elemento rimane indomito e superiore a noi e allo stesso tempo vitale. Sebbene il 71% della superficie terrestre sia coperto dall'acqua, l'uomo non può viverci dentro. Nuotare in quella distesa blu apparentemente infinita ha colpito profondamente il fotografo ed è stato l'inizio di un viaggio fotografico verso l'acqua come elemento originario di tutta la vita: l'O R I G I O.

La giovane fotografa ha sviluppato un concetto preciso per il progetto che ne è scaturito e poi si è letteralmente rituffata nell'acqua, questa volta nel lago di Costanza, sulla soglia di casa sua. Inizialmente ha cercato luoghi subacquei vicino alla riva, ma ha rapidamente ampliato la scelta dei luoghi e ha infine deciso di prendere la patente nautica. Così ha portato il suo gruppo in barca a vela in acque più profonde per realizzare le scene previste sotto la superficie.

Ogni composizione è maturata in teoria, è stata provata a terra e infine modellata in acqua e catturata fotograficamente. Tuttavia, la natura ha regolarmente messo in atto tutta la sua arbitrarietà: La temperatura dell'acqua, la forza del vento, le condizioni meteorologiche dei giorni precedenti, le piante... nulla poteva essere pianificato, né affidato, né tantomeno ripetuto. La visibilità era possibile solo quando la temperatura dell'acqua era inferiore a 12 gradi. I subacquei hanno quindi potuto rimanere nel freddo lago di Costanza solo per pochi minuti e il fotografo ha potuto scattare solo una foto per immersione. La qualità delle immagini, che conferisce al progetto un'autenticità analogica, è emersa solo successivamente sullo schermo. Il risultato è una visione pittoresca di un mondo bagnato, quotidiano e allo stesso tempo sconosciuto in questa forma.

L'estetica mistica delle immagini è stata ispirata da dipinti e sculture rinascimentali. La torbidità del lago e la luce soffusa del cielo nuvoloso creano un carattere senza tempo nelle fotografie ed evocano ricordi delle nostre origini: ogni vita umana cresce circondata dal liquido amniotico. Quasi senza peso, priva di beni, trasportata da un elemento che non conosce confini, barriere linguistiche o gerarchie.

Le fotografie di Milena Schilling ci aprono gli occhi e alimentano il nostro desiderio di una connessione primordiale, sia con la nostra specie che con l'acqua che distingue il nostro habitat da tutti gli altri pianeti conosciuti. La serie mostra anche quanto sia vario e bello il corpo umano.

E il lavoro di O R I G I O è solo all'inizio: Milena Schilling si sta preparando a navigare un giorno verso i giganteschi mammiferi marini per fotografare le balene in un'interazione rispettosa con i puri, minuscoli esseri umani. O R I G I O è un omaggio alla vita, a quanto sia sfaccettata e piena di bellezza. Uno sguardo umile sull'elemento dell'acqua, a cui tutti noi esseri umani dobbiamo in egual misura la nostra esistenza sulla terra, nonché un promemoria del fatto che siamo tutti formati dalla stessa acqua e collegati gli uni agli altri attraverso di essa.

For three years, Milena Schilling photographed 45 naked people from Konstanz in Lake Constance. People of all body types and backgrounds, aged 18 to 73, submerged in front of her camera.

The impetus for this photo series arose from a breathtaking encounter with nature in the open sea and the realisation that although we ourselves consist of 60–70% water, this element remains both indomitably superior to us and, at the same time, essential to life. Although 71% of the earth's surface is covered by water, humans cannot live in it. Swimming in the seemingly endless blue expanse had a profound effect on the photographer and became the beginning of a photographic journey to the water as the original element of all life: O R I G I O.

For the resulting project, the young photographer developed a precise concept and finally literally jumped into the cold water again – this time in Lake Constance, right on her doorstep. Initially, she looked for underwater spots near the shore, but she quickly expanded her choice of location and finally decided to get her sailing licence. She took her group out in the deeper water in the sailing boat to form the planned scenes under the surface.

Each composition was developed in theory, rehearsed on land and then modelled and photographed in the water. However, nature regularly played out all its whims: water temperature, wind strength, weather conditions of the previous days, plants – nothing could be planned, relied on or even repeated. Visibility was only good at water temperatures below 12 degrees. The divers could therefore only remain in the cold Lake Constance for a few minutes, and the photographer could only take a single shot per dive. The quality of the images, which give the project its analogue-like authenticity, only became apparent on the screen later. The result is a view of a world in the wet element that is both mundane and yet unknown in this form, and picturesque.

The mystical aesthetic of the images was inspired by paintings and sculptures from the Renaissance. The murkiness of the lake and the soft light of the cloudy sky create a timeless character in the photographs and evoke memories of our origins: every human life begins enclosed in amniotic fluid. Almost weightless, free of possessions, carried by an element that knows no borders, language barriers or hierarchies.

Milena Schilling's photographs open our eyes and nourish our longing for a primordial connection – both with our own species and with the water that distinguishes our habitat from all other known planets. The series also shows the diverse beauty of the human body.

And the O R I G I O project is just beginning: Milena Schilling is currently preparing to one day sail to the gigantic marine mammals to photograph whales in respectful interaction with the pure, tiny human. O R I G I O is a tribute to life, to how multifaceted and full of beauty it is. A humble look at the element of water, to which we all owe our existence on earth, and a reminder that we are all made of the same water and are connected through it.

(Text: Leica Galerie Konstanz)

VisuleX – Gallery for Photography | Hamburg
24. April – 10. Mai 2025

Botanische Notizen
Alexander Hamilton, Karsten Januschke, Jürgen Königs, Hanno Kübler, Steve Lokie, Karin von Oldershausen, Walter Schels, Marcus Schwier

Die Pflanzenwelt inspiriert Künstler:innen seit jeher mit ihrer Vielfalt an Formen, Farben und Strukturen. Bereits im 19. Jahrhundert wurden botanische Motive zu einem beliebten Gegenstand fotografischer Experimente. Bis heute sind sie Quelle ästhetischer wie konzeptueller Auseinandersetzung.

Die Gruppenausstellung „Botanische Notizen“ zeigt zeitgenössische Werke internationaler Künstler:innen, die sich auf ganz unterschiedliche Weise fotografisch mit der Welt der Pflanzen befassen – mal poetisch, mal experimentell, mal technisch reflektiert.

Fotografische Positionen & Techniken

Cyanotypien: Der schottische Fotograf Alexander Hamilton wurde von der diesjährigen Photo London eingeladen, seine herausragenden Cyanotypien zu präsentieren – eine besondere Anerkennung. VisuleX zeigt vorab ausgewählte Werke im Rahmen von „Botanische Notizen“ sowie parallel auf der paper positions berlin (1.–4. Mai). Die Cyanotypie – auch als Eisenblaudruck bekannt – ist ein historisches Edeldruckverfahren, das durch seine charakteristischen Blautöne und handwerkliche Ästhetik besticht.

Analoge Fotografie: Walter Schels, Hamburger Altmeister der Fotografie, zeigt in dieser Ausstellung seine feinfühligen schwarz-weißen Blumenporträts. Auf zartem Washi-Papier gedruckt, erinnern sie in ihrer Materialität an die Fragilität der Blüten selbst – analog und mit großer Präzision fotografiert.

Fotogramme: Jürgen Königs der ehemalige Siegener Kunstprofessor und DGPh-Mitglied zeigt in seiner Serie HERBES SPONTANÉES analoge Fotogramme, die seit 2018 entstehen. Inspiriert von einer französischen Umweltkampagne, versteht Königs „wildes Grün“ nicht als Unkraut, sondern als spontane Naturerscheinung. Seine „Direktfotogramme“ entstehen ohne chemische Entwicklung: Pflanzen werden direkt auf lichtempfindliches Papier gelegt und ausschließlich mit Sonnenlicht belichtet. Die nicht fixierten Ergebnisse werden digital gesichert als fragile Spuren botanischer Präsenz.

Infrarotfilm: Der Düsseldorfer Fotograf Marcus Schwier experimentierte in den 2000er Jahren mit Schwarzweiß-Infrarotfilm. Die so entstandenen Aufnahmen zeigen Pflanzen in heller, fast überirdischer Anmutung – mit tiefdunklem Himmel und weißen Blättern. Für Schwier ist die Infrarotfotografie eine Form technischer Magie, die das Unsichtbare sichtbar macht.

Fotocollagen: Der Hannoveraner Künstler Hanno Kübler kombiniert seine Fotografie zu analogen und digitalen Collagen, die Natur- und Stadtlandschaften neu interpretieren. Seine Kompositionen, etwa von einem Spargelfeld, setzt in der Ausstellung faszinierende visuelle Akzente.

Digitale Fotografie: Erstmals ausgestellt werden die geheimnisvollen Pflanzenporträts von Karsten Januschke – inspiriert von seinen Wanderungen, bei denen er botanische Strukturen entdeckt und in skulpturale Bildformen übersetzt. Der Autodidakt und gelernte Tischler wurde 2023 in der PHOTOGRAPHIE (Heft 3–4) vorgestellt – mit einem Artikel, dessen Titel dieser Ausstellung ihren Namen verdankt. Steve Lokie, ein aufstrebender Fotodesigner aus Kalifornien, ergänzt die Ausstellung mit sensiblen, digitalen Naturstudien. Auch für ihn ist die Pflanzenwelt ein Ort meditativer Beobachtung und kreativen Ausdrucks.

Mixed Media: Die Hamburger Künstlerin Karin von Oldershausen verbindet in ihren Arbeiten Aquarellmalerei, Fotografie und digitale Bearbeitung. Ihre Mixed-Media-Werke zeigen florale Motive, die zwischen Realität und Imagination changieren – mal zart, mal leuchtend, stets atmosphärisch dicht.

Le monde végétal inspire depuis toujours les artistes par la diversité de ses formes, de ses couleurs et de ses structures. Dès le XIXe siècle, les motifs botaniques sont devenus un sujet privilégié pour les expérimentations photographiques. Aujourd'hui encore, ils sont source de réflexion esthétique et conceptuelle.

L'exposition collective « Botanische Notizen » (Notes botaniques) présente des œuvres contemporaines d'artistes internationaux qui abordent le monde végétal de manière très différente à travers la photographie, tantôt poétique, tantôt expérimentale, tantôt technique et réfléchie.

Positions et techniques photographiques

Cyanotypes : le photographe écossais Alexander Hamilton a été invité par Photo London à présenter ses cyanotypes exceptionnels, une distinction particulière. VisuleX présente une sélection d'œuvres dans le cadre de « Botanische Notizen » et parallèlement à la paper positions berlin (du 1er au 4 mai). La cyanotypie, également connue sous le nom d'impression au fer bleu, est un procédé d'impression noble et historique qui séduit par ses tons bleus caractéristiques et son esthétique artisanale.

Photographie analogique : Walter Schels, maître hambourgeois de la photographie, présente dans cette exposition ses portraits de fleurs en noir et blanc d'une grande sensibilité. Imprimés sur du papier washi délicat, ils rappellent dans leur matérialité la fragilité des fleurs elles-mêmes, photographiées de manière analogique et avec une grande précision.

Photogrammes : Jürgen Königs, ancien professeur d'art à Siegen et membre de la DGPh, présente dans sa série HERBES SPONTANÉES des photogrammes analogiques réalisés depuis 2018. Inspiré par une campagne environnementale française, Königs ne considère pas la « verdure sauvage » comme une mauvaise herbe, mais comme un phénomène naturel spontané. Ses « photogrammes directs » sont réalisés sans développement chimique : les plantes sont placées directement sur du papier photosensible et exposées uniquement à la lumière du soleil. Les résultats non fixés sont enregistrés numériquement comme des traces fragiles de la présence botanique.

Film infrarouge : le photographe Marcus Schwier, basé à Düsseldorf, a expérimenté le film infrarouge noir et blanc dans les années 2000. Les clichés ainsi obtenus montrent des plantes dans une lumière vive, presque surnaturelle, avec un ciel sombre et des feuilles blanches. Pour Schwier, la photographie infrarouge est une forme de magie technique qui rend visible l'invisible.

Collages photographiques : l'artiste hanovrien Hanno Kübler combine ses photographies pour créer des collages analogiques et numériques qui réinterprètent les paysages naturels et urbains. Ses compositions, comme celle d'un champ d'asperges, apportent une touche visuelle fascinante à l'exposition.

Photographie numérique : les portraits mystérieux de plantes de Karsten Januschke sont exposés pour la première fois. Ils s'inspirent de ses randonnées, au cours desquelles il découvre des structures botaniques qu'il traduit en formes sculpturales. Cet autodidacte et menuisier de formation a été présenté en 2023 dans PHOTOGRAPHIE (numéro 3-4) dans un article qui a donné son nom à cette exposition. Steve Lokie, un photographe californien en pleine ascension, complète l'exposition avec des études numériques sensibles de la nature. Pour lui aussi, le monde végétal est un lieu d'observation méditative et d'expression créative.

Techniques mixtes : l'artiste hambourgeoise Karin von Oldershausen combine dans ses œuvres l'aquarelle, la photographie et le traitement numérique. Ses œuvres mixtes présentent des motifs floraux qui oscillent entre réalité et imagination, tantôt délicats, tantôt lumineux, toujours d'une grande densité atmosphérique.

Il mondo vegetale ispira da sempre gli artisti con la sua varietà di forme, colori e strutture. Già nel XIX secolo i motivi botanici divennero un soggetto popolare per gli esperimenti fotografici. Ancora oggi sono fonte di riflessione estetica e concettuale.

La mostra collettiva “Botanische Notizen” (Appunti botanici) presenta opere contemporanee di artisti internazionali che si confrontano in modi molto diversi con il mondo delle piante attraverso la fotografia: a volte in modo poetico, a volte sperimentale, a volte tecnicamente riflessivo.

Posizioni e tecniche fotografiche

Cianotipie: il fotografo scozzese Alexander Hamilton è stato invitato dall'edizione di quest'anno di Photo London a presentare le sue eccezionali cianotipie, un riconoscimento speciale. VisuleX espone opere selezionate in anteprima nell'ambito di “Botanische Notizen” e parallelamente alla paper positions berlin (1-4 maggio). La cianotipia, nota anche come stampa al ferro, è un antico processo di stampa artistica che affascina per le sue caratteristiche tonalità blu e l'estetica artigianale.

Fotografia analogica: Walter Schels, maestro della fotografia di Amburgo, espone in questa mostra i suoi delicati ritratti floreali in bianco e nero. Stampati su delicato carta washi, nella loro materialità ricordano la fragilità dei fiori stessi, fotografati in modo analogico e con grande precisione.

Fotogrammi: Jürgen Königs, ex professore d'arte a Siegen e membro della DGPh, presenta nella sua serie HERBES SPONTANÉES fotogrammi analogici realizzati dal 2018. Ispirato da una campagna ambientalista francese, Königs non considera il “verde selvatico” come un'erbaccia, ma come un fenomeno naturale spontaneo. I suoi “fotogrammi diretti” sono realizzati senza sviluppo chimico: le piante vengono posizionate direttamente su carta fotosensibile ed esposte esclusivamente alla luce solare. I risultati non fissati vengono salvati digitalmente come fragili tracce della presenza botanica.

Pellicola a infrarossi: il fotografo di Düsseldorf Marcus Schwier ha sperimentato negli anni 2000 la pellicola a infrarossi in bianco e nero. Le immagini così ottenute mostrano piante dall'aspetto luminoso, quasi ultraterreno, con un cielo scuro e foglie bianche. Per Schwier, la fotografia a infrarossi è una forma di magia tecnica che rende visibile l'invisibile.

Collage fotografici: l'artista di Hannover Hanno Kübler combina le sue fotografie in collage analogici e digitali che reinterpretano paesaggi naturali e urbani. Le sue composizioni, come quella di un campo di asparagi, creano affascinanti accenti visivi nella mostra.

Fotografia digitale: vengono esposti per la prima volta i misteriosi ritratti di piante di Karsten Januschke, ispirati alle sue escursioni durante le quali scopre strutture botaniche e le traduce in forme scultoree. L'autodidatta e falegname di professione è stato presentato nel 2023 su PHOTOGRAPHIE (numero 3-4) con un articolo che ha dato il nome a questa mostra. Steve Lokie, un promettente fotografo californiano, completa la mostra con sensibili studi digitali sulla natura. Anche per lui il mondo vegetale è un luogo di osservazione meditativa ed espressione creativa.

Tecnica mista: l'artista amburghese Karin von Oldershausen combina nei suoi lavori acquerello, fotografia ed elaborazione digitale. Le sue opere in tecnica mista mostrano motivi floreali che oscillano tra realtà e immaginazione, a volte delicati, a volte luminosi, sempre densi di atmosfera.

The plant world has always inspired artists with its diversity of forms, colours and structures. As early as the 19th century, botanical motifs became a popular subject for photographic experiments. To this day, they remain a source of aesthetic and conceptual exploration.

The group exhibition ‘Botanical Notes’ shows contemporary works by international artists who deal with the world of plants in very different ways – sometimes poetic, sometimes experimental, sometimes technically reflective.

Photographic positions & techniques

Cyanotypes: Scottish photographer Alexander Hamilton was invited by this year's Photo London to present his outstanding cyanotypes – a special recognition. VisuleX is showing a selection of works in advance as part of ‘Botanical Notes’ and in parallel at paper positions berlin (1–4 May). Cyanotype – also known as blueprinting – is a historical fine art printing process that captivates with its characteristic blue tones and handcrafted aesthetic.

Analogue photography: Walter Schels, Hamburg's grand master of photography, presents his delicate black-and-white flower portraits in this exhibition. Printed on delicate washi paper, their materiality is reminiscent of the fragility of the flowers themselves – photographed analogously and with great precision.

Photograms: Jürgen Königs, former art professor in Siegen and member of the DGPh, presents analogue photograms from his series HERBES SPONTANÉES, which he has been creating since 2018. Inspired by a French environmental campaign, Königs understands ‘wild greenery’ not as weeds, but as a spontaneous natural phenomenon. His ‘direct photograms’ are created without chemical development: plants are placed directly on light-sensitive paper and exposed exclusively to sunlight. The unfixed results are digitally saved as fragile traces of botanical presence.

Infrared film: Düsseldorf photographer Marcus Schwier experimented with black-and-white infrared film in the 2000s. The resulting images show plants in a bright, almost otherworldly light – with deep dark skies and white leaves. For Schwier, infrared photography is a form of technical magic that makes the invisible visible.

Photo collages: Hanover-based artist Hanno Kübler combines his photography into analogue and digital collages that reinterpret natural and urban landscapes. His compositions, such as one of an asparagus field, add fascinating visual accents to the exhibition.

Digital photography: The mysterious plant portraits by Karsten Januschke are being exhibited for the first time – inspired by his hikes, during which he discovers botanical structures and translates them into sculptural image forms. The self-taught artist and trained carpenter was featured in PHOTOGRAPHIE (issue 3–4) in 2023 with an article that gave this exhibition its name. Steve Lokie, an up-and-coming photo designer from California, complements the exhibition with sensitive digital nature studies. For him, too, the plant world is a place of meditative observation and creative expression.

Mixed media: Hamburg-based artist Karin von Oldershausen combines watercolour painting, photography and digital processing in her work. Her mixed-media pieces feature floral motifs that oscillate between reality and imagination – sometimes delicate, sometimes vibrant, always atmospherically dense.

(Text: VisuleX – Gallery for Photography, Hamburg)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
26. April - 31. Mai 2025

Daniel Poller - Frankfurter Kopien

Daniel Pollers Ausstellung „Frankfurter Kopien“ setzt sich fotografisch-konzeptionell mit der sogenannten Neuen Altstadt Frankfurts auseinander. Der Berliner Künstler hat hierfür die in den Häusern des Areals verbauten historischen Steinelemente (Spolien) fotografiert und durch manuelles Überdrucken mit den Farben aus dem „Farbleitplan“ des Wiederaufbaus zusammengebracht. Auf diese Weise entstanden fotografische Objekte, die sich ihrer eigenen Historizität bewusst sind und die in der Neuen Altstadt wirkenden historisierenden Prozesse als Palimpsest sichtbar werden lassen.

„Eine stringente Entgegnung auf einen städtebaulichen Ansatz, der mit seinem Zugang zur Rekonstruktion der Neuen Altstadt nicht zuletzt auch den Täuschungen der Fotografie erlag.“ - Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller, geb. 1984, studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig und schloss sein Studium 2013 mit Diplom bei Peter Piller ab. 2017 wurde er Meisterschüler von Joachim Brohm und Peggy Buth. Er erhielt zahlreiche Stipendien und Preise u.a. 2016 Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, 2018 Kunstfonds Bonn, 2015 den Aenne-Biermann-Preis für Deutsche Gegenwartsfotografie und 2017 den Europäischen Architektur Fotografiepreis.

Einzelausstellungen u.a. 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Leipzig; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlin; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux, 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlin, 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (gemeinsam mit Christoph Westermeier).

Seine Arbeiten befinden sich u.a. in der Bundeskunstsammlung Bonn, der Staatlichen Kunstsammlung Dresden und dem Berliner Stadtmuseum.

L'exposition « Frankfurter Kopien » de Daniel Poller se penche sur le concept photographique de la « nouvelle vieille ville » de Francfort. Pour ce faire, l'artiste berlinois a photographié les éléments de pierre historiques (spolias) utilisés dans les maisons de la zone et les a combinés par surimpression manuelle avec les couleurs du « plan directeur des couleurs » de la reconstruction. Il en résulte des objets photographiques conscients de leur propre historicité et qui rendent visibles, sous forme de palimpseste, les processus d'historicisation à l'œuvre dans la Nouvelle Vieille Ville.

« Une opposition rigoureuse à une approche urbanistique qui, avec son approche de la reconstruction de la Nouvelle Vieille Ville, a notamment succombé aux illusions de la photographie ». - Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller, né en 1984, a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig et a obtenu son diplôme en 2013 auprès de Peter Piller. En 2017, il est devenu maître-élève de Joachim Brohm et Peggy Buth. Il a obtenu de nombreuses bourses et prix, notamment une bourse de travail de la Fondation culturelle de l'État libre de Saxe en 2016, le Fonds artistique de Bonn en 2018, le prix Aenne Biermann pour la photographie allemande contemporaine en 2015 et le prix européen de la photographie d'architecture en 2017.

Expositions individuelles, entre autres : 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Leipzig ; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlin ; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg ; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux, 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlin, 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (en collaboration avec Christoph Westermeier).

Ses œuvres se trouvent entre autres à la Bundeskunstsammlung de Bonn, à la Staatliche Kunstsammlung de Dresde et au Stadtmuseum de Berlin.

La mostra “Frankfurter Kopien” di Daniel Poller affronta con un approccio fotografico e concettuale la cosiddetta Nuova Città Vecchia di Francoforte. L'artista berlinese ha fotografato gli elementi storici in pietra (spolia) inseriti negli edifici della zona e li ha combinati con i colori del “piano del colore” della ricostruzione sovrastampandoli manualmente. In questo modo, sono stati creati oggetti fotografici consapevoli della propria storicità e che permettono di rendere visibili, come palinsesto, i processi di storicizzazione in atto nella Nuova Città Vecchia.

“Una risposta severa a un approccio urbanistico che, con il suo approccio alla ricostruzione della Nuova Città Vecchia, ha ceduto non da ultimo alle illusioni della fotografia”. - Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller, nato nel 1984, ha studiato fotografia all'Accademia di Arti Visive di Lipsia e si è diplomato nel 2013 sotto la guida di Peter Piller. Nel 2017 è diventato studente master di Joachim Brohm e Peggy Buth. Ha ricevuto numerose borse di studio e premi, tra cui una borsa di lavoro della Fondazione culturale dello Stato libero di Sassonia nel 2016, il Kunstfonds Bonn nel 2018, il Premio Aenne Biermann per la fotografia contemporanea tedesca nel 2015 e il Premio europeo di fotografia di architettura nel 2017.

Tra le mostre personali si ricordano: 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Lipsia; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlino; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux, 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlino, 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (insieme a Christoph Westermeier).

Le sue opere si trovano, tra l'altro, presso la Bundeskunstsammlung Bonn, la Staatliche Kunstsammlung Dresden e lo Stadtmuseum di Berlino.

The exhibition "Frankfurter Kopien" by the Berlin-based artist Daniel Poller takes a photographic and conceptual approach to the so-called New Old Town of Frankfurt. For this, Daniel Poller photographed the historical stone elements (spolia) embedded in the buildings of the area and combined them through manual overprinting with the colors from the "color guide plan" of the reconstruction. In this way, photographic objects were created that are aware of their own historicity and reveal the historicizing processes at work in the New Old Town as a palimpsest.

"A coherent response to an urban planning approach that, in its method of reconstructing the New Old Town, ultimately fell victim to the deceptions of photography." — Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller (1984) studied photography at the Academy of Visual Arts Leipzig and completed his studies in 2013 with a diploma under Peter Piller. In 2017, he became a master student of Joachim Brohm and Peggy Buth. He has received numerous scholarships and awards, including the 2016 Work Scholarship from the Cultural Foundation of the Free State of Saxony, the 2018 Kunstfonds Bonn, the 2015 Aenne Biermann Prize for German Contemporary Photography, and the 2017 European Architecture Photography Prize.

Solo exhibitions include, among others, 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Leipzig; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlin; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux; 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlin; 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (with Christoph Westermeier).

His works are held in collections including the Federal Art Collection Bonn, the State Art Collections Dresden, and the Berlin City Museum.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Museum für Photographie Braunschweig
3. Mai – 29. Juni 2025

Erinnerung im Jetzt – 80 Jahre später
Vom Krieg damals und heute

Boris Becker, Gertrud Bergmann, Robert Capa, Hein Gorny, Heinrich Gramann, Margret Hoppe, Mykyta Manuilov, Lee Miller, Gerhard Richter, Ruprecht Rieger, Yvonne Salzmann, Hans Steffens, Tony Vaccaro, Marcel van Eeden, Michael Wesely

Am 8.5.1945 endete der 2. Weltkrieg. Anlässlich des 80. Jahrestages dieses einschneidenden Ereignisses, das auch als Tag der Befreiung vom Nationalsozialismus gefeiert wird, erinnert die Ausstellung an die Auswirkungen des Krieges und Aspekte der gesellschaftlichen Realitäten, die bis heute Auswirkungen haben.

Neben historischen Bildzeugnissen aus dem Stadtarchiv Braunschweig und der Museumssammlung sowie weiteren Leihgaben, die als Dokumentationen entstanden, sind künstlerische Arbeiten zu sehen, die sich der Kriegsthematik und damit verbundenen Aspekten in einer bildnerischen Auseinandersetzung widmen. Hierbei werden auch künstlerische Projekte einbezogen, die den aktuellen Krieg in der Ukraine zum Gegenstand haben.

Eine Teilkooperation mit dem Stadtarchiv Braunschweig

Kuratiert von Barbara Hofmann-Johnson

Le 8 mai 1945, la Seconde Guerre mondiale prenait fin. À l'occasion du 80e anniversaire de cet événement décisif, également célébré comme le jour de la libération du nazisme, l'exposition rappelle les effets de la guerre et les aspects des réalités sociales qui ont encore des répercussions aujourd'hui.

Outre des témoignages visuels historiques provenant des archives de la ville de Braunschweig et de la collection du musée, ainsi que d'autres objets prêtés à titre de documentation, on peut voir des travaux artistiques qui se consacrent à la thématique de la guerre et aux aspects qui y sont liés dans le cadre d'une confrontation plastique. Des projets artistiques portant sur la guerre actuelle en Ukraine seront également présentés.

Une coopération partielle avec les archives de la ville de Braunschweig.

Commissariat d'exposition de Barbara Hofmann-Johnson

La Seconda Guerra Mondiale terminò l'8 maggio 1945. In occasione dell'80° anniversario di questo evento decisivo, che viene celebrato anche come il giorno della liberazione dal nazionalsocialismo, la mostra ricorda gli effetti della guerra e gli aspetti della realtà sociale che hanno un impatto ancora oggi.

Oltre alle immagini storiche dell'Archivio della città di Braunschweig e della collezione del museo, oltre ad altri oggetti in prestito creati come documentazione, sono esposte opere artistiche dedicate al tema della guerra e agli aspetti correlati in un esame pittorico. Questo include anche progetti artistici che riguardano l'attuale guerra in Ucraina.

Una cooperazione parziale con l'Archivio della Città di Braunschweig

A cura di Barbara Hofmann-Johnson

The Second World War ended on 8 May 1945. On the occasion of the 80th anniversary of this momentous event, which is also celebrated as the day of liberation from National Socialism, the exhibition commemorates the effects of the war and aspects of social realities that continue to have an impact today.

In addition to historical visual evidence from the Braunschweig City Archives and the museum collection, as well as other loans that were created as documentation, artistic works can be seen that are dedicated to the theme of war and related aspects in a visual exploration. This also includes artistic projects that deal with the current war in Ukraine.

A partial cooperation with the Braunschweig City Archives

Curated by Barbara Hofmann-Johnson

(Text: Museum für Photographie Braunschweig)

Museum fünf Kontinente | München
16. Mai – 16. November 2025

Merci Maman. Straßenfotografie in Mali

Mittels zeitgenössischer Straßenfotografie lädt Merci Maman ein, in die farbenfrohe Welt der Sotramas von Bamako einzutauchen. Wie kein anderes Verkehrsmittel prägen die bunt bemalten Kleinbusse die pulsierende Hauptstadt von Mali in Westafrika. Benannt nach der Societé du Transport Mali, verkörpern sie ein faszinierendes kulturelles Phänomen.

Von Busmalern kunstvoll gestaltet, ist jeder Sotrama ein Unikat und erzählt seine eigene Geschichte. Bemalungen in satten Farben spiegeln aktuelle Trends und Haltungen in Mali. Porträts von Musikern, Politikern und religiösen Führern zieren die Fahrzeuge ebenso wie Symbole und Logos aus Pop, Politik, Sport und Religion. Auch Lebensweisheiten und Danksagungen (Merci Maman) sind auf den Karosserien zu finden.

Die Sotramas bilden eine Art rollende Kunstausstellung und Straßentheater und fungieren als Barometer für die gesellschaftliche Stimmung vor Ort. Sie sind aber auch ein Ort der Begegnung, an dem Menschen miteinander ins Gespräch kommen und sich solidarisieren.

Im Mittelpunkt von Merci Maman stehen circa sechzig eigens für die Ausstellung angefertigte Fotografien von Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara und Anna N’Diaye. Als Mitglieder des malischen Foto-Kollektivs Yamarou setzen sie sich seit Jahren mit dieser einzigartigen Kunstform auf Rädern auseinander. Ihre Arbeiten zeigen aber nicht nur die bemalten Busse im Stadtverkehr, sondern auch deren Fahrer und Fahrgäste.

Ziel des von Seydou Camara gegründeten Kollektivs Yamarou ist es, die Fotografie direkt in die Gemeinschaft zu tragen. Die Yamaristen begreifen sich als Verteidiger des gesellschaftlichen Zusammenhalts. Ihr Fokus liegt auf der Würde der Abgebildeten und der Darstellung einer unverfälschten Lebenswirklichkeit. Junge Menschen werden von ihnen ermutigt, ihre Umgebung bewusst wahrzunehmen und durch Fotografie zu kommunizieren.

Mit der Ausstellung will das Museum Fünf Kontinente die Vision des malischen Foto-Kollektivs mittragen, ein differenziertes Bild des westafrikanischen Landes zu vermitteln – gesehen durch die Linse seiner eigenen Bevölkerung.

Merci Maman wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und Journalisten Jonathan Fischer realisiert, der in München und Mali lebt.

À travers des photographies contemporaines prises dans la rue, Merci Maman vous invite à plonger dans l'univers coloré des Sotramas de Bamako. Ces minibus peints de couleurs vives marquent comme aucun autre moyen de transport la capitale animée du Mali, en Afrique de l'Ouest. Nommés d'après la Société du Transport Mali, ils incarnent un phénomène culturel fascinant.

Conçus avec art par des peintres de bus, chaque sotrama est unique et raconte sa propre histoire. Les peintures aux couleurs vives reflètent les tendances et les attitudes actuelles au Mali. Des portraits de musiciens, d'hommes politiques et de chefs religieux ornent les véhicules, tout comme des symboles et des logos issus de la culture pop, de la politique, du sport et de la religion. On trouve également des maximes et des remerciements (Merci Maman) sur les carrosseries.

Les sotramas constituent une sorte d'exposition d'art roulante et de théâtre de rue et font office de baromètre de l'humeur sociale locale. Mais ils sont également un lieu de rencontre où les gens peuvent discuter et se solidariser.

Au cœur de Merci Maman, on trouve une soixantaine de photographies réalisées spécialement pour l'exposition par Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara et Anna N'Diaye. Membres du collectif de photographes maliens Yamarou, ils s'intéressent depuis des années à cette forme d'art unique sur roues. Leurs travaux ne montrent pas seulement les bus peints dans la circulation urbaine, mais aussi leurs conducteurs et leurs passagers.

L'objectif du collectif Yamarou, fondé par Seydou Camara, est d'amener la photographie directement dans la communauté. Les Yamaristes se considèrent comme des défenseurs de la cohésion sociale. Ils mettent l'accent sur la dignité des personnes photographiées et sur la représentation d'une réalité authentique. Ils encouragent les jeunes à prendre conscience de leur environnement et à communiquer à travers la photographie.

Avec cette exposition, le Musée des Cinq Continents souhaite soutenir la vision du collectif de photographes maliens et transmettre une image nuancée de ce pays d'Afrique de l'Ouest, vu à travers l'objectif de sa propre population.

Merci Maman a été réalisée en étroite collaboration avec l'artiste et journaliste Jonathan Fischer, qui vit à Munich et au Mali.

Attraverso la fotografia di strada contemporanea, Merci Maman invita a immergersi nel colorato mondo dei sotrama di Bamako. Come nessun altro mezzo di trasporto, questi minibus dipinti a colori vivaci caratterizzano la vivace capitale del Mali, nell'Africa occidentale. Prendono il nome dalla Societé du Transport Mali e incarnano un affascinante fenomeno culturale.

Realizzati con grande maestria da pittori di autobus, ogni sotrama è unico e racconta la propria storia. Le pitture dai colori vivaci riflettono le tendenze e gli atteggiamenti attuali in Mali. Ritratti di musicisti, politici e leader religiosi adornano i veicoli insieme a simboli e loghi della cultura pop, della politica, dello sport e della religione. Sulle carrozzerie si trovano anche massime di saggezza e ringraziamenti (Merci Maman).

I sotrama costituiscono una sorta di mostra d'arte itinerante e teatro di strada e fungono da barometro dell'umore sociale locale. Sono anche un luogo di incontro dove le persone possono conversare e stringere legami di solidarietà.

Al centro di Merci Maman ci sono circa sessanta fotografie realizzate appositamente per la mostra da Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara e Anna N'Diaye. Come membri del collettivo fotografico maliano Yamarou, da anni si occupano di questa forma d'arte unica su ruote. I loro lavori non mostrano solo gli autobus dipinti nel traffico cittadino, ma anche i loro autisti e passeggeri.

L'obiettivo del collettivo Yamarou, fondato da Seydou Camara, è quello di portare la fotografia direttamente nella comunità. Gli yamaristi si considerano difensori della coesione sociale. Il loro focus è sulla dignità delle persone ritratte e sulla rappresentazione di una realtà di vita autentica. Incoraggiano i giovani a osservare consapevolmente l'ambiente che li circonda e a comunicare attraverso la fotografia.

Con questa mostra, il Museo dei Cinque Continenti intende sostenere la visione del collettivo fotografico maliano, trasmettendo un'immagine differenziata del Paese dell'Africa occidentale, vista attraverso l'obiettivo della sua stessa popolazione.

Merci Maman è stato realizzato in stretta collaborazione con l'artista e giornalista Jonathan Fischer, che vive a Monaco di Baviera e in Mali.

Using contemporary street photography, Merci Maman invites you to immerse yourself in the colourful world of the sotramas of Bamako. Like no other means of transport, the brightly painted minibuses are a dominant feature of the vibrant capital of Mali in West Africa. Named after the Societé du Transport Mali, they are the symbol of a fascinating cultural phenomenon.

Artistically created by bus painters, every sotrama bus is one of a kind and tells its own story. Paintings in rich colours reflect current trends and attitudes in Mali. Portraits of musicians, politicians and religious leaders as well as symbols and logos from the worlds of pop music, politics, sport and religion decorate the vehicles. And maxims and expressions of thanks (Merci Maman) are also on display.

The sotramas are a form of mobile art exhibition and street theatre and function as a barometer of the local mood. But they are also a place that enables people to meet and get talking and engenders a spirit of solidarity.

Merci Maman is based on around sixty photographs specially created for it by Seydou Camara, Monique Dena, Abdoul Karim Diallo, Sidiki Haidara and Anna N’Diaye. As members of the Yamarou Collective, they have been exploring this unique form of art on wheels for years. Their works however show not only the painted buses on the town’s roads but also their drivers and passengers.

The goal of the Yamarou collective founded by Seydou Camara is to take photography directly into the community. The Yamarists see themselves as defenders of social cohesiveness. They focus on the dignity of those portrayed and depiction of the stark realities of everyday life. Young people are encouraged by them to take conscious note of their surroundings and communicate this through photography.

With the exhibition the Museum Fünf Kontinente is endeavouring to support the Malian photography collective’s vision of communicating a differentiated picture of the West African country – as seen through the lens of its own population.

Merci Maman was put together in close cooperation with the artist and journalist Jonathan Fischer, who lives in Munich and Mali.

(Text: Museum fünf Kontinente, München)

in focus Galerie | Köln
17. Mai – 15. September 2025

Zum 35. Geburtstag: in focus Galerie packt aus!

Die in focus Galerie feiert in diesem Jahr ihr 35-jähriges Jubiläum und blickt auf eine beeindruckende Geschichte als eine der wegweisenden Galerien für Fotografie in Deutschland zurück. Seit ihrer Gründung im Januar 1990 hat sich die Galerie als einzigartige Plattform etabliert, die Fotografie in ihrer ganzen Bandbreite präsentiert – von klassischer Reportage-, Portrait-, Akt- und Architekturfotografie bis hin zu konzeptionellen, experimentellen, inszenierten und abstrakten Werken. Mit einem Fokus auf Fotografie ab 1945, sowohl Vintage- als auch Modern Prints, zählt die in focus Galerie zu den ältesten Galerien in Deutschland, die sich ausschließlich diesem Medium widmet.

Wegweisende Ausstellungen und internationale Künstler
In den vergangenen 35 Jahren hat die in focus Galerie mit über 170 Ausstellungen in ihren eigenen Räumlichkeiten sowie in renommierten Institutionen und Museen Maßstäbe gesetzt. Zu den Highlights zählen wegweisende Präsentationen berühmter Fotografen wie Elliott Erwitt, dessen farbige Fotografien in Köln ihre weltweite Premiere in einer Einzelausstellung feierten, sowie Entdeckungen wie Willy Ronis oder Bernard of Hollywood, die in Deutschland durch die Galerie bekannt wurden. Weitere Meilensteine waren die erste große Einzelausstellung in Deutschland von Bruce Davidson mit seiner Serie „East 100th Street“ sowie Ausstellungen mit Größen wie Marc Riboud, Thomas Höpker, René Groebli, Franco Fontana, Nick Brandt, Sabine Weiss, Susan Meiselas und Jan Saudek.

Neben den Ikonen der Fotografie hat die Galerie auch zeitgenössische Positionen und junge Talente gefördert. Künstler wie Thomas Kellner, Sissi Farassat, Scarlett Hooft Graafland, Anna Halm Schudel, Herbert Döring-Spengler und Gilbert Garcin fanden in der in focus Galerie eine Plattform, um ihre Arbeiten einem internationalen Publikum zu präsentieren.

Internationale Präsenz und Publikationen
Die in focus Galerie hat nicht nur in Köln, sondern auch weltweit Spuren hinterlassen. Mit Ausstellungen in Ländern wie Tschechien, Russland, den USA, Norwegen und Luxemburg hat sie das Programm der Galerie über Grenzen hinweg sichtbar gemacht. Zudem hat die Galerie etwa ein Dutzend Bücher und Kataloge produziert, die das Werk der ausgestellten Künstler dokumentieren und die Bedeutung der Fotografie als Kunstform unterstreichen.

La galerie in focus fête cette année son 35e anniversaire et jette un regard rétrospectif sur une histoire impressionnante en tant que l'une des galeries pionnières de la photographie en Allemagne. Depuis sa création en janvier 1990, la galerie s'est imposée comme une plateforme unique en son genre, présentant la photographie dans toute sa diversité - du reportage classique, du portrait, du nu et de la photographie d'architecture aux œuvres conceptuelles, expérimentales, mises en scène et abstraites. En se concentrant sur la photographie à partir de 1945, aussi bien les tirages vintage que les tirages modernes, la galerie in focus compte parmi les plus anciennes galeries d'Allemagne à se consacrer exclusivement à ce médium.

Des expositions pionnières et des artistes internationaux
Au cours des 35 dernières années, la galerie in focus a posé des jalons en organisant plus de 170 expositions dans ses propres locaux ainsi que dans des institutions et musées renommés. Parmi les temps forts, on compte des présentations pionnières de photographes célèbres comme Elliott Erwitt, dont les photographies en couleur ont fêté à Cologne leur première mondiale dans une exposition individuelle, ainsi que des découvertes comme Willy Ronis ou Bernard of Hollywood, qui se sont fait connaître en Allemagne grâce à la galerie. D'autres étapes importantes ont été la première grande exposition individuelle en Allemagne de Bruce Davidson avec sa série « East 100th Street » ainsi que des expositions avec des grands noms comme Marc Riboud, Thomas Höpker, René Groebli, Franco Fontana, Nick Brandt, Sabine Weiss, Susan Meiselas et Jan Saudek.

Outre les icônes de la photographie, la galerie a également encouragé les positions contemporaines et les jeunes talents. Des artistes comme Thomas Kellner, Sissi Farassat, Scarlett Hooft Graafland, Anna Halm Schudel, Herbert Döring-Spengler et Gilbert Garcin ont trouvé dans la galerie in focus une plate-forme pour présenter leur travail à un public international.

Présence internationale et publications
La galerie in focus a laissé des traces non seulement à Cologne, mais aussi dans le monde entier. En exposant dans des pays tels que la République tchèque, la Russie, les États-Unis, la Norvège et le Luxembourg, elle a rendu le programme de la galerie visible au-delà des frontières. En outre, la galerie a produit une douzaine de livres et de catalogues qui documentent le travail des artistes exposés et soulignent l'importance de la photographie en tant que forme d'art.

La galleria in focus festeggia quest'anno il suo 35° anniversario e può vantare una storia impressionante come una delle gallerie pioniere della fotografia in Germania. Sin dalla sua fondazione, nel gennaio 1990, la galleria si è affermata come una piattaforma unica che presenta la fotografia nel suo intero spettro: dai classici reportage, ritratti, nudi e architettura alle opere concettuali, sperimentali, messe in scena e astratte. Con un'attenzione particolare alla fotografia dal 1945 in poi, sia alle stampe vintage che a quelle moderne, la galleria in focus è una delle più antiche gallerie in Germania dedicate esclusivamente a questo mezzo.

Mostre pionieristiche e artisti internazionali
Negli ultimi 35 anni, in focus Galerie ha stabilito degli standard con oltre 170 mostre nella propria sede e in istituzioni e musei rinomati. Tra i momenti salienti si annoverano le presentazioni di fotografi famosi come Elliott Erwitt, le cui fotografie a colori sono state presentate per la prima volta in tutto il mondo in una mostra personale a Colonia, e scoperte come Willy Ronis o Bernard of Hollywood, che si sono fatti conoscere in Germania grazie alla galleria. Altre pietre miliari sono state la prima grande mostra personale in Germania di Bruce Davidson con la serie “East 100th Street” e le mostre di grandi artisti come Marc Riboud, Thomas Höpker, René Groebli, Franco Fontana, Nick Brandt, Sabine Weiss, Susan Meiselas e Jan Saudek.

Oltre alle icone della fotografia, la galleria ha promosso anche posizioni contemporanee e giovani talenti. Artisti come Thomas Kellner, Sissi Farassat, Scarlett Hooft Graafland, Anna Halm Schudel, Herbert Döring-Spengler e Gilbert Garcin hanno trovato nella galleria in focus una piattaforma per presentare il loro lavoro a un pubblico internazionale.

Presenza internazionale e pubblicazioni
La galleria in focus ha lasciato il segno non solo a Colonia, ma anche in tutto il mondo. Con mostre in Paesi come la Repubblica Ceca, la Russia, gli Stati Uniti, la Norvegia e il Lussemburgo, ha reso il programma della galleria visibile oltre i confini. La galleria ha anche prodotto una dozzina di libri e cataloghi che documentano il lavoro degli artisti esposti e sottolineano l'importanza della fotografia come forma d'arte.

The in focus gallery is celebrating its 35th anniversary this year and looks back on an impressive history as one of the pioneering galleries for photography in Germany. Since its foundation in January 1990, the gallery has established itself as a unique platform that presents photography in its entire spectrum - from classic reportage, portrait, nude and architectural photography to conceptual, experimental, staged and abstract works. With a focus on photography from 1945 onwards, both vintage and modern prints, the in focus gallery is one of the oldest galleries in Germany dedicated exclusively to this medium.

Pioneering exhibitions and international artists
Over the past 35 years, the in focus gallery has set standards with over 170 exhibitions in its own premises as well as in renowned institutions and museums. Highlights include groundbreaking presentations of famous photographers such as Elliott Erwitt, whose color photographs celebrated their worldwide premiere in a solo exhibition in Cologne, as well as discoveries such as Willy Ronis or Bernard of Hollywood, who became known in Germany through the gallery. Further milestones were the first major solo exhibition in Germany of Bruce Davidson with his series “East 100th Street” as well as exhibitions with greats such as Marc Riboud, Thomas Höpker, René Groebli, Franco Fontana, Nick Brandt, Sabine Weiss, Susan Meiselas, Jeanloup Sieff and Jan Saudek.

In addition to the icons of photography, the gallery has also promoted contemporary positions and young talents. Artists such as Thomas Kellner, Sissi Farassat, Scarlett Hooft Graafland, Anna Halm Schudel, Herbert Döring-Spengler and Gilbert Garcin have found a platform in the in focus gallery to present their work to an international audience.

International presence and publications
The in focus gallery has left its mark not only in Cologne, but also worldwide. With exhibitions in countries such as the Czech Republic, Russia, the USA, Norway and Luxembourg, it has made the gallery's program visible across borders. The gallery has also produced around a dozen books and catalogs documenting the work of the exhibited artists and underlining the importance of photography as an art form.

(Text: in focus Galerie, Köln)

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

Making Of
Julian Rosefeldt

Julian Rosefeldt zählt zu den wichtigsten, international bekannten Medienkünstlern. Mit seinen aufwendig inszenierten Film- und Videoinstallationen bespielt er museale Räume, Theater und Opernhäuser, Kinosäle und postindustrielle Areale. Seine 13-Kanal-Filminstallation Manifesto mit der Schauspielerin Cate Blanchett erlangte weltweite Aufmerksamkeit und wurde mit Preisen ausgezeichnet. Mit Making Of präsentiert C/O Berlin einen Querschnitt durch Rosefeldts Arbeiten der letzten 30 Jahre und damit die erste große Retrospektive des Künstlers in Berlin. Ausgehend von Rosefeldts Architekturstudium, frühen Fotoreportagen und der Arbeit am Theater wird die Genese einer sich über die Jahre ausformenden Methodik und die Entwicklung hin zur cinematischen Fiktion nachgezeichnet. Wiederkehrende Themen wie die Appropriation von Archivmaterial und Found Footage, die Dekonstruktion medialer Stereotype und visueller Tropen oder das Zitieren aus Kultur- und Filmgeschichte werden ebenso beleuchtet, wie die Auseinandersetzung mit nationalen Mythen und den Absurditäten der menschlichen Existenz. Neben Mehrkanal-Projektionen bieten nie zuvor gezeigte Fotografien und Kontextmaterialien einen Blick hinter die Kulissen seiner sozial- und konsumkritischen Gesellschaftsreflexionen und machen darüber hinaus die Konstruktionsmechanismen von Erzählungen und Filmgenres erfahrbar.

Julian Rosefeldt compte parmi les artistes médiatiques les plus importants et les plus connus au niveau international. Avec ses installations cinématographiques et vidéo à la mise en scène élaborée, il investit des espaces muséaux, des théâtres et des opéras, des salles de cinéma et des sites postindustriels. Son installation de films à 13 canaux Manifesto, avec l'actrice Cate Blanchett, a attiré l'attention du monde entier et a été récompensée par des prix. Avec Making Of, C/O Berlin présente une coupe transversale des travaux de Rosefeldt des 30 dernières années et ainsi la première grande rétrospective de l'artiste à Berlin. En partant des études d'architecture de Rosefeldt, de ses premiers reportages photographiques et de son travail au théâtre, l'exposition retrace la genèse d'une méthodologie qui s'est formée au fil des années et son évolution vers la fiction cinématographique. Des thèmes récurrents comme l'appropriation de matériel d'archives et de found footage, la déconstruction de stéréotypes médiatiques et de tropes visuels ou la citation de l'histoire culturelle et cinématographique sont mis en lumière, tout comme la confrontation avec les mythes nationaux et les absurdités de l'existence humaine. Outre des projections multicanaux, des photographies et du matériel contextuel jamais montrés auparavant offrent un aperçu des coulisses de ses réflexions sociales et critiques de la consommation et permettent en outre de découvrir les mécanismes de construction des récits et des genres cinématographiques.

Julian Rosefeldt è uno dei più importanti artisti mediatici riconosciuti a livello internazionale. Le sue elaborate installazioni cinematografiche e video sono esposte in musei, teatri e teatri d'opera, cinema e spazi post-industriali. La sua installazione cinematografica a 13 canali Manifesto con l'attrice Cate Blanchett ha attirato l'attenzione di tutto il mondo ed è stata premiata. Con Making Of, C/O Berlin presenta una sezione trasversale del lavoro di Rosefeldt degli ultimi 30 anni e quindi la prima grande retrospettiva dell'artista a Berlino. Partendo dagli studi di architettura di Rosefeldt, dai primi reportage fotografici e dal suo lavoro in teatro, la mostra traccia la genesi di una metodologia che si è evoluta nel corso degli anni e lo sviluppo verso la finzione cinematografica. Vengono evidenziati temi ricorrenti come l'appropriazione di materiale d'archivio e di filmati trovati, la decostruzione di stereotipi e tropi visivi dei media o la citazione della storia culturale e cinematografica, così come l'esame dei miti nazionali e delle assurdità dell'esistenza umana. Oltre alle proiezioni multicanale, fotografie inedite e materiale contestuale offrono uno sguardo dietro le quinte delle sue riflessioni sulla società, critiche dal punto di vista sociale e dei consumi, e rendono tangibili i meccanismi di costruzione delle narrazioni e dei generi cinematografici.

Julian Rosefeldt is one of the most important and internationally renowned media artists. His elaborately staged film and video installations are shown in museums, theaters, opera houses, cinemas, and post-industrial spaces. His 13-channel film installation Manifesto, featuring the actress Cate Blanchett, attracted worldwide attention and won several awards. With Making Of, C/O Berlin presents a cross-section of Rosefeldt's work from the last 30 years and thus the first major retrospective of the artist's work in Berlin. Starting with Rosefeldt's studies in architecture, his early photo reportages, and his work in theater, the exhibition traces the genesis of a methodology that has developed over the years and the progression toward cinematic fiction. Recurring themes such as the appropriation of archive material and found footage, the deconstruction of media stereotypes and visual tropes, and the referencing of cultural and film history are examined, as are the examination of national myths and the absurdities of human existence. In addition to multi-channel projections, photographs and contextual material never shown before offer a glimpse behind the scenes of his socially and consumerist critical reflections on society and also make the construction mechanisms of narratives and film genres tangible.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
24. Mai – 17. September 2025

DOCUMENTARY IN FLUX

Anlässlich seines 25-jährigen Geburtstags zeigt C/O Berlin mit Documentary in Flux einen Überblick über den C/O Berlin Talent Award, der seit 2006 als Nachwuchsförderpreis an ein Tandem aus Kunst und Theorie vergeben wird. Anhand 14 exemplarisch ausgewählter künstlerischer Positionen von insgesamt mehr als 90 Preisträger: innen veranschaulicht die Ausstellung, wie sich dokumentarisches Arbeiten in der Fotografie über das Bestehen des Preises hinweg—und damit auch im Laufe von 25 Jahren—im stetigen Fluss befindet. Vier thematische Kapitel legen das Augenmerk auf einzelne Aspekte des Dokumentarischen in der künstlerischen Fotografie, um Prozesse und Entwicklungen sowie zeitspezifische Tendenzen nachzuzeichnen. Die Ausstellung wird den Blick nicht nur in die nähere Vergangenheit werfen, sondern auch mögliche Zukunftsvisionen für die dokumentarische Foto-grafie vorstellen.

Ermöglicht durch die Alexander Tutsek-Stiftung.

À l'occasion de son 25e anniversaire, C/O Berlin présente Documentary in Flux, un aperçu du C/O Berlin Talent Award, un prix d'encouragement pour les jeunes talents décerné depuis 2006 à un tandem art/théorie. A l'aide de 14 positions artistiques sélectionnées de manière exemplaire parmi plus de 90 lauréats, l'exposition illustre comment le travail documentaire en photographie est en constante évolution depuis l'existence du prix et donc depuis 25 ans. Quatre chapitres thématiques mettent l'accent sur certains aspects du documentaire dans la photographie artistique afin de retracer les processus et les évolutions ainsi que les tendances spécifiques à une époque. L'exposition ne se contentera pas de jeter un regard sur le passé proche, mais présentera également des visions d'avenir possibles pour la photographie documentaire.

Réalisée grâce à la Fondation Alexander Tutsek.

In occasione del suo 25° anniversario, C/O Berlin presenta Documentary in Flux, una panoramica del C/O Berlin Talent Award, che dal 2006 viene assegnato come premio per giovani talenti a un tandem di arte e teoria. Utilizzando 14 posizioni artistiche esemplari selezionate da un totale di oltre 90 vincitori del premio, la mostra illustra come il lavoro documentario nella fotografia sia stato in costante stato di flusso durante l'esistenza del premio - e quindi anche nel corso di 25 anni. Quattro capitoli tematici si concentrano su singoli aspetti del documentario nella fotografia artistica per tracciare processi e sviluppi e tendenze specifiche del tempo. La mostra non si limita a dare uno sguardo al passato recente, ma presenta anche possibili visioni per il futuro della fotografia documentaria.

Realizzata dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

On the occasion of its 25th anniversary, C/O Berlin is presenting Documentary in Flux, an overview of the C/O Berlin Talent Award, which has been awarded since 2006 to a tandem of art and theory as a prize for young talent. The exhibition presents fourteen exemplary artistic positions from a total of more than ninety awardees to illustrate how documentary work in photography has been in a state of constant flux since the award was established—and thus over the course of twenty-five years. Four thematic chapters focus on individual aspects of the documentary in artistic photography in order to trace processes and developments as well as trends specific to the period. The exhibition will not only look at the recent past, but also present possible visions for the future of documentary photography.

Made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung..

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

CAMERA WORK | Berlin
7. Juni – 19. Juli 2025

Ruud van Empel

Die Ausstellung beinhaltet Arbeiten aus den Serien Floresta, Voyage Pitoresque, Dawn, Genera5on, World, Moon, Floresta Negra, Photosketch, Percep5on, Collage, Sunday sowie Boy & Girl. Jede dieser Serien zeichnet sich durch eine visuelle Handschrift aus, die zwischen Naturdarstellungen, nostalgischen Kindheitsmotiven und kulturellen Reflexionen changiert. Während die Serie Floresta üppige, naturbelassene Szenerien in intensiven Farben zeigt, setzt sich Genera5on mit der Darstellung von Kindheit und Iden]tät auseinander. In Moon und World erschafft van Empel fremdartige, beinahe mystische Landschaften, die an utopische oder traumähnliche Welten erinnern. Voyage Pitoresque und Dawn hingegen greifen klassische Bildmotive auf und verwandeln sie in eine neue, digital überhöhte Realität. Die Collagen aus Photosketch und Percep5on offenbaren experimentelle Facetten seines Schaffens, in denen fragmentierte Formen und überraschende Kompositionen dominieren.

L'exposition comprend des œuvres des séries Floresta, Voyage Pitoresque, Dawn, Genera5on, World, Moon, Floresta Negra, Photosketch, Percep5on, Collage, Sunday ainsi que Boy & Girl. Chacune de ces séries se caractérise par une signature visuelle qui oscille entre représentations de la nature, motifs nostalgiques de l'enfance et réflexions culturelles. Tandis que la série Floresta présente des scènes luxuriantes et naturelles aux couleurs intenses, Genera5on se penche sur la représentation de l'enfance et de l'identité. Dans Moon et World, van Empel crée des paysages étranges, presque mystiques, qui rappellent des mondes utopiques ou oniriques. Voyage Pitoresque et Dawn, en revanche, reprennent des motifs d'images classiques et les transforment en une nouvelle réalité, numériquement exagérée. Les collages de Photosketch et Percep5on révèlent des facettes expérimentales de son travail, où dominent des formes fragmentées et des compositions surprenantes.

La mostra comprende opere delle serie Floresta, Voyage Pitoresque, Dawn, Genera5on, World, Moon, Floresta Negra, Photosketch, Percep5on, Collage, Sunday e Boy & Girl. Ognuna di queste serie è caratterizzata da una firma visiva che oscilla tra rappresentazioni della natura, motivi nostalgici dell'infanzia e riflessioni culturali. Mentre la serie Floresta mostra scene naturali lussureggianti dai colori intensi, Genera5on tratta la rappresentazione dell'infanzia e dell'identità. In Moon and World, van Empel crea paesaggi strani, quasi mistici, che ricordano mondi utopici o onirici. Voyage Pitoresque e Dawn, invece, riprendono motivi pittorici classici e li trasformano in una nuova realtà esagerata dal punto di vista digitale. I collage di Photosketch e Percep5on rivelano aspetti sperimentali del suo lavoro, in cui dominano forme frammentate e composizioni sorprendenti.

The exhibition includes works from the series Floresta, Voyage Pitoresque, Dawn, Genera5on, World, Moon, Floresta Negra, Photosketch, Percep5on, Collage, Sunday and Boy & Girl. Each of these series is characterised by a visual handwriting that oscillates between depictions of nature, nostalgic childhood motifs and cultural reflections. While the Floresta series shows lush, natural scenes in intense colours, Generation deals with the representation of childhood and identity. In Moon and World, van Empel creates strange, almost mystical landscapes reminiscent of utopian or dream-like worlds. Voyage Pitoresque and Dawn, on the other hand, take up classic pictorial motifs and transform them into a new, digitally exaggerated reality. The collages in Photosketch and Percep5on reveal experimental facets of his work, in which fragmented forms and surprising compositions dominate.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

AFTER NATURE PRIZE 2025
Lisa Barnard / Isadora Romero

Für ihr ausgezeichnetes Projekt verhandelt Lisa Barnard ausgehend von Thomas Nagels einflussreichem Essay What Is It Like to Be a Bat? die Frage, wie Technologien die menschliche Wahrnehmung prägen und sich auf unser Verhältnis zur Umwelt auswirken. Unter Rückgriff auf eine Vielzahl von Bildgebungsverfahren präsentierte sie eine umfangreiche künstlerische Recherche rund um das Prinzip der Echolokation, die unerwartete Verbindungen zwischen tierischem Bewusstsein, autonomen Fahrsystemen, dem Abbau von Lithium und nuklearen Teststellen herstellt.

Anhand von drei in Ecuador angesiedelten Fallstudien untersucht Isadora Romero in ihrem ausgezeichnete Projekt das Zusammenleben von Mensch und Wald in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Das Projekt stellt die koloniale Sichtweise tropischer Wälder infrage stellt durch die Kombination von klassisch dokumentarischen Fotografien mit organischen Materialien und experimentellen Entwicklungsverfahren Beispiele für ein funktionierendes Verhältnis zwischen der Umwelt und ihren Bewohner:innen vor. Durch die Zusammenarbeit mit Wissen-schaftler:innen und lokalen Communties entsteht eine nuancierte Erzählung über die spirituellen, politischen und ökologischen Dimensionen des Waldes.

Die Doppelausstellung wird im Rahmen des After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 erstmals bei C/O Berlin im Amerika Haus zu sehen sein. Es erscheint eine begleitende Publikation.

Ein gemeinsames Projekt von C/O Berlin x Crespo Foundation.

Pour son projet primé, Lisa Barnard négocie, à partir de l'essai influent de Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat ?, la manière dont les technologies façonnent la perception humaine et ont un impact sur notre relation à l'environnement. En recourant à une multitude de techniques d'imagerie, elle a présenté une vaste recherche artistique autour du principe de l'écholocation, qui établit des liens inattendus entre la conscience animale, les systèmes de conduite autonome, l'extraction du lithium et les sites d'essais nucléaires.

À l'aide de trois études de cas situées en Équateur, Isadora Romero examine dans son excellent projet la cohabitation entre l'homme et la forêt dans le passé, le présent et le futur. Le projet remet en question la vision coloniale des forêts tropicales et transmet des exemples de relations fonctionnelles entre l'environnement et ses habitants en combinant des photographies documentaires classiques avec des matériaux organiques et des processus de développement expérimentaux. La collaboration avec des scientifiques et des communautés locales donne naissance à un récit nuancé sur les dimensions spirituelles, politiques et écologiques de la forêt.

La double exposition est organisée dans le cadre du festival After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 sera présentée pour la première fois au C/O Berlin dans la Amerika Haus. Elle sera accompagnée d'une publication.

Un projet commun de C/O Berlin x Crespo Foundation.

Per il suo progetto pluripremiato, Lisa Barnard si ispira all'influente saggio di Thomas Nagel What Is It Like to Be a Bat? per esplorare il modo in cui la tecnologia modella la percezione umana e influisce sul nostro rapporto con l'ambiente. Attingendo a una varietà di tecniche di imaging, l'artista ha presentato un'ampia ricerca artistica intorno al principio dell'ecolocalizzazione, creando connessioni inaspettate tra la coscienza animale, i sistemi di guida autonoma, le miniere di litio e i siti di sperimentazione nucleare.

Basato su tre casi di studio ambientati in Ecuador, l'eccellente progetto di Isadora Romero esamina la coesistenza di uomini e foreste nel passato, nel presente e nel futuro. Il progetto sfida la visione coloniale delle foreste tropicali combinando la fotografia documentaria classica con materiali organici e processi di sviluppo sperimentali per presentare esempi di una relazione funzionante tra l'ambiente e i suoi abitanti. Grazie alla collaborazione con scienziati e comunità locali, emerge una narrazione ricca di sfumature sulle dimensioni spirituali, politiche ed ecologiche della foresta.

La doppia mostra è organizzata nell'ambito del premio fotografico After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 presso C/O Berlin nella Amerika Haus. Verrà pubblicata una pubblicazione di accompagnamento.

Un progetto congiunto di C/O Berlin x Crespo Foundation.

For her award-winning project, Lisa Barnard uses Thomas Nagel's influential essay What Is It Like to Be a Bat? as a starting point to explore the question of how technologies shape human perception and affect our relationship to the environment. Drawing on a variety of neuroimaging techniques, she presents extensive artistic research around the principle of echolocation, which establishes unexpected connections between animal consciousness, autonomous driving systems, lithium mining, and nuclear test sites.

In her winning project, Isadora Romero uses three case studies in Ecuador to examine the coexistence of humans and forests in the past, present and future. The project challenges the colonial view of tropical forests by combining classic documentary photographs with organic materials and experimental development processes to present examples of a functioning relationship between the environment and its inhabitants. The collaboration with scientists and local communities creates a nuanced narrative about the spiritual, political, and ecological dimensions of the forest.

The double exhibition will be on view for the first time at C/O Berlin in the Amerika Haus as part of the After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25. An accompanying publication will be released.

A joint project by C/O Berlin x Crespo Foundation.

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)

C/O Berlin Foundation | Berlin
27. September 2025 – 28. Januar 2026

CLOSE ENOUGH

Olivia Arthur, Myriam Boulos, Sabiha Çimen, Cristina de Middel, Bieke Depoorter, Carolyn Drake, Cristina García Rodero, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Hannah Price, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti, Newsha Tavakolian

25 Jahre nach der Ausstellung Magnum - Betrachtungen über die Welt, die zugleich die offizielle Eröffnung von C/O Berlin markierte und den Grundstein für dessen Anerkennung als internationale Fotoinstitution legte, kehrt die renommierte Fotoagentur Magnum mit einer Gruppenausstellung in die Räume von C/O Berlin zurück.

Close Enough präsentiert das Werk von dreizehn herausragenden Magnum-Fotografinnen, die mit ihren unterschiedlichen Visionen die Bildsprache der Agentur nachhaltig prägen. Die Ausstellung zeigt intime, bewegende und gesellschaftlich relevante Werke, die menschliche Nähe und Verletzlichkeit in den Vordergrund stellen sowie die Grenzen zwischen dokumentarischer Fotografie und persönlicher Perspektive ausloten. Mit einfühlsamen Serien und eindringlichen Einzelaufnahmen widmen sich die Künstlerinnen Themen wie Identität, Weiblichkeit, sozialer Gerechtigkeit, Repräsentation und Konflikten – eine Herausforderung und Einladung zugleich, nah genug an die Menschen und ihre verschiedenen Lebensrealitäten heranzukommen.

Organisiert von Magnum Photos, in Kollaboration mit C/O Berlin.

25 ans après l'exposition Magnum - Betrachtungen über die Welt (Considérations sur le monde), qui marquait également l'ouverture officielle de C/O Berlin et posait la première pierre de sa reconnaissance en tant qu'institution photographique internationale, la célèbre agence photographique Magnum revient dans les locaux de C/O Berlin avec une exposition de groupe.

Close Enough présente le travail de treize femmes photographes exceptionnelles de Magnum qui, avec leurs visions différentes, ont durablement marqué le langage visuel de l'agence. L'exposition présente des œuvres intimes, émouvantes et socialement pertinentes, qui transmettent la proximité humaine et la vulnérabilité au premier plan et explorent les frontières entre la photographie documentaire et la perspective personnelle. Avec des séries sensibles et des clichés individuels percutants, les artistes se consacrent à des thèmes tels que l'identité, la féminité, la justice sociale, la représentation et les conflits - un défi et une invitation à la fois à se rapprocher suffisamment des gens et de leurs différentes réalités de vie.

Organisé par Magnum Photos, en collaboration avec C/O Berlin

25 anni dopo la mostra Magnum - Reflections on the World, che segnò anche l'apertura ufficiale di C/O Berlin e gettò le basi per il suo riconoscimento come istituzione fotografica internazionale, la rinomata agenzia fotografica Magnum torna a C/O Berlin con una mostra collettiva.

Close Enough presenta il lavoro di tredici eccezionali fotografi Magnum, le cui visioni diverse hanno avuto un impatto duraturo sul linguaggio visivo dell'agenzia. La mostra presenta opere intime, commoventi e socialmente rilevanti che sottolineano la vicinanza e la vulnerabilità umana ed esplorano i confini tra fotografia documentaria e prospettive personali. Con serie sensibili e singoli scatti ossessionanti, gli artisti affrontano temi come l'identità, la femminilità, la giustizia sociale, la rappresentazione e il conflitto - una sfida e un invito allo stesso tempo ad avvicinarsi alle persone e alle loro diverse realtà di vita.

Organizzata da Magnum Photos, in collaborazione con C/O Berlin

Twenty-five years after the exhibition Magnum – Reflections on the World, which marked the official opening of C/O Berlin and laid the foundation for its recognition as an international photography institution, the renowned photography agency Magnum is returning to the C/O Berlin premises with a group exhibition.

Close Enough presents the work of thirteen outstanding female Magnum photographers, whose diverse visions have had a lasting impact on the agency's visual language. The exhibition showcases intimate, moving, and socially relevant works that foreground human closeness and vulnerability, as well as exploring the boundaries between documentary photography and personal perspective. With empathetic series and haunting individual photographs, the artists address topics such as identity, femininity, social justice, representation, and conflict – a challenge and an invitation at the same time to get close enough to people and their different life realities.

Organized by Magnum Photos, in collaboration with C/O Berlin

(Text: C/O Berlin Foundation, Berlin)