C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

Bannkörbe . C/O Berlin Talent Award 2023
Aladin Borioli

Auf den ersten Blick ist ein bizarres, in Holz geschnitztes Gesicht zu erkennen. Die schmale Öffnung, die den Mund darstellt, ist jedoch weitaus mehr: Sie ist der Eingang in die faszinierende Welt der Bienen. Was wir sehen ist einer von nur wenigen erhaltenen Bannkörben – ein Bienenstock, hergestellt aus organischen Materialien wie Holz, Stroh und Kuhdung, nach der norddeutschen Kunstwerkstradition. Neben der Beheimatung von Bienen diente der Korb mit seiner charakteristischen Maske auch der Abwehr vor dem ‚bösen Blick‘ und Honigdieben. Aladin Borioli (*1988, Schweiz), Gewinner des C/O Berlin Talent Award 2023 – Artist, untersucht in seinem recherchebasierten Projekt Bannkörbe anhand von Fotografien, archivarischem Material und teilnehmender Beobachtung das Zusammenleben von Menschen und Bienen sowie alternative Methoden der Imkerei. Mit Beharrlichkeit, Einfallsreichtum und der Methodik der ‚visuellen Anthropologie‘ bewegt sich Borioli in seiner kollaborativen Praxis zwischen Kunst und Wissenschaft, Fotografie, Philosophie und Feldforschung. C/O Berlin präsentiert seine erste institutionelle Einzelausstellung. Eine ausstellungsbegleitende Publikation erscheint bei Spector Books. Sie enthält neben einem Interview mit dem Künstler auch einen Essay von Bas Blaasse, Gewinner des C/O Berlin Talent Award 2023 in der Position Theorist.

Seit 2020 wird der C/O Berlin Talent Award durch die Alexander Tutsek-Stiftung ermöglicht.

Au premier coup d'œil, on distingue un visage bizarre sculpté dans le bois. Mais l'ouverture étroite qui représente la bouche est bien plus que cela : c'est l'entrée dans le monde fascinant des abeilles. Ce que nous voyons est l'une des rares ruches banales conservées - une ruche fabriquée à partir de matériaux organiques comme le bois, la paille et la bouse de vache, selon la tradition des œuvres d'art du nord de l'Allemagne. Outre le fait d'abriter des abeilles, la corbeille avec son masque caractéristique servait également à se défendre contre le 'mauvais œil' et les voleurs de miel. Aladin Borioli (*1988, Suisse), lauréat du C/O Berlin Talent Award 2023 - Artist, étudie dans son projet Bannkörbe, basé sur des recherches, la cohabitation entre les hommes et les abeilles ainsi que les méthodes alternatives d'apiculture à l'aide de photographies, de matériel d'archives et d'observations participantes. Avec persévérance, ingéniosité et la méthodologie de l''anthropologie visuelle', Borioli évolue dans sa pratique collaborative entre art et science, photographie, philosophie et recherche sur le terrain. C/O Berlin présente sa première exposition individuelle institutionnelle. Une publication accompagnant l'exposition est publiée par Spector Books. Outre une interview de l'artiste, elle contient un essai de Bas Blaasse, lauréat du C/O Berlin Talent Award 2023 dans la position de théoricien.

Depuis 2020, le C/O Berlin Talent Award est rendu possible grâce à la fondation Alexander Tutsek.

A prima vista si riconosce un bizzarro volto scolpito nel legno. Tuttavia, la stretta apertura che rappresenta la bocca è molto di più: è l'ingresso all'affascinante mondo delle api. Quello che vediamo è uno dei pochi alveari sopravvissuti - un alveare realizzato con materiali organici come legno, paglia e sterco di mucca, secondo la tradizione artistica della Germania settentrionale. Oltre a ospitare le api, il cesto con la sua caratteristica maschera serviva anche a difendersi dal "malocchio" e dai ladri di miele. Nel suo progetto Bannkörbe, basato sulla ricerca, Aladin Borioli (*1988, Svizzera), vincitore del C/O Berlin Talent Award 2023 - Artist, utilizza fotografie, materiale d'archivio e l'osservazione dei partecipanti per indagare sulla coesistenza di uomini e api e sui metodi alternativi di apicoltura. Con perseveranza, ingegno e la metodologia dell'"antropologia visiva", la pratica collaborativa di Borioli si muove tra arte e scienza, fotografia, filosofia e ricerca sul campo. C/O Berlin presenta la sua prima mostra personale istituzionale. Una pubblicazione che accompagna la mostra sarà edita da Spector Books. Oltre a un'intervista con l'artista, contiene anche un saggio di Bas Blaasse, vincitore del C/O Berlin Talent Award 2023 nella posizione Theorist.

Dal 2020, il C/O Berlin Talent Award è reso possibile dalla Alexander Tutsek-Stiftung.

At first glance, you see a bizarre face carved into wood. However, the narrow “mouth” is also the entryway to a fascinating world of bees. This is one of only a few preserved beehives made from organic materials such as wood, straw, and cow dung in the northern German artisanal tradition. In addition to sheltering bees, the container with its characteristic face also serves as protection against the “evil eye” and honey thieves. Aladin Borioli (b. 1988, Switzerland) is the winner of the C/O Berlin Talent Award 2023 – Artist. In his research-based project, Bannkörbe, he uses photographs, archival material, and participatory observation to investigate the coexistence of humans and bees as well as alternative methods of beekeeping. With perseverance, ingenuity, and a visual anthropology approach, Borioli’s collaborative practice moves between art and science, photography, philosophy, and field research. C/O Berlin presents his first solo institutional exhibition. A publication accompanying the exhibition will be published by Spector Books. In addition to an interview with the artist, it also contains an essay by Bas Blaasse, who won the C/O Berlin Talent Award 2023 in the Theorist category.

Since 2020, the C/O Berlin Talent Award has been made possible by the Alexander Tutsek-Stiftung.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

VALIE EXPORT – Retrospektive

Die Ausstellung präsentiert das facettenreiche Schaffen einer der bedeutendsten Medien- und Performancekünstler:innen des 20. Jahrhunderts. VALIE EXPORT (*1940, Österreich) gilt international als wegweisende Künstlerin, die mit ihrer medienreflexiven Praxis und feministischen Kritik gesellschaftliche Normen und Rollenbilder herausfordert. Von ihren frühen provokanten Expanded-Cinema-Aktionen über ihre symbolhaften Performances bis hin zu ihren urbanen Interventionen, führt die Ausstellung durch ihre vielseitige künstlerische Entwicklung. EXPORTs intensive Auseinandersetzung mit Medien, wie Video, Zeichnung und Installation wird in verschiedenen Phasen ihres Werks deutlich, insbesondere in ihrer experimentellen Herangehensweise an die Fotografie, auf der ein besonderer Schwerpunkt der Ausstellung liegt. Ihre radikalen Performances und ihre kritische Analyse von Massenmedien beleuchten unter anderem die Rolle der Frau und ihre gesellschaftliche Marginalisierung in einer patriarchalen Gesellschaft.

Die Ausstellung wurde von der Albertina, Wien in Kooperation mit C/O Berlin organisiert. Ermöglicht durch den Hauptstadtkulturfonds.

L'exposition présente les multiples facettes de l'œuvre de l'une des artistes les plus importantes du 20e siècle dans le domaine des médias et de la performance. VALIE EXPORT (*1940, Autriche) est considérée au niveau international comme une artiste pionnière qui défie les normes et les rôles sociaux par sa pratique réflexive des médias et sa critique féministe. De ses premières actions provocatrices d'Expanded Cinema à ses interventions urbaines, en passant par ses performances symboliques, l'exposition nous guide à travers son développement artistique varié. L'exploration intensive par EXPORT de médias tels que la vidéo, le dessin et l'installation apparaît clairement à différentes étapes de son œuvre, notamment dans son approche expérimentale de la photographie, sur laquelle l'exposition se concentre tout particulièrement. Ses performances radicales et son analyse critique des médias de masse mettent en lumière, entre autres, le rôle de la femme et sa marginalisation sociale dans une société patriarcale.

L'exposition a été organisée par l'Albertina, Vienne, en coopération avec C/O Berlin. Permis par le Hauptstadtkulturfonds.

La mostra presenta il lavoro multiforme di una delle più importanti artiste mediatiche e performative del XX secolo. VALIE EXPORT (*1940, Austria) è riconosciuta a livello internazionale come un'artista pionieristica che sfida le norme sociali e i modelli di ruolo con la sua pratica riflessiva sui media e la sua critica femminista. Dalle prime provocatorie azioni di Expanded Cinema alle performance simboliche e agli interventi urbani, la mostra guida i visitatori attraverso il suo multiforme sviluppo artistico. L'intensa esplorazione da parte di EXPORT di media come il video, il disegno e l'installazione è evidente in varie fasi del suo lavoro, in particolare nel suo approccio sperimentale alla fotografia, che è un punto focale della mostra. Le sue performance radicali e la sua analisi critica dei mass media mettono in evidenza, tra l'altro, il ruolo delle donne e la loro emarginazione sociale in una società patriarcale.

La mostra è stata organizzata dall'Albertina di Vienna in collaborazione con C/O Berlin. È stata resa possibile dall'Hauptstadtkulturfonds.

The exhibition presents the multifaceted oeuvre of one of the most important media and performance artists of the twentieth century. VALIE EXPORT (b. 1940, Austria) is internationally recognized as a trailblazing artist who challenges social norms and role models with her media-reflective practice and feminist criticism. This exhibition presents her eclectic artistic development, ranging from her early, provocative expanded cinema” actions to her symbolic performances and urban interventions. EXPORT’s in-depth examination of media such as video, drawing, and installation is apparent in the different phases of her career, especially in her experimental approach to photography, which is a special focus of this exhibition. Her radical performances and critical analysis of mass media highlight, among other things, the role of women and their social marginalization in a patriarchal society.

The exhibition was organized by Albertina, Vienna in cooperation with C/O Berlin. Made possible by the Hauptstadtkulturfonds.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
27. Januar – 23. Mai 2024

On Rape – And Institutional Failure
Laia Abril

In einer Assemblage aus eigenen und gefundenen Fotografien, Berichten, Zitaten, Videos und Artefakten widmet sich die katalanische Künstlerin Laia Abril (*1986) in ihrer umfassenden Recherchearbeit dem Thema der strukturell ermöglichten Vergewaltigung. Über verschiedene Zeithorizonte, Kulturpraktiken und Medien hinweg, zeichnet sie die Normalisierung misogyner Denk- und Handlungsweisen in Gesellschaft und Politik nach, ohne dabei auf explizite Darstellungen sexueller Gewalt zurückzugreifen. Im Fokus stehen vielmehr tradierte Vorstellungen, Gesetze und institutionalisiertes Versagen, die Machtdynamiken und Abhängigkeitsverhältnisse aufrechterhalten und somit Vergewaltigung ermöglichen. Es ist das zweite Kapitel ihres Langzeitprojekts A History of Misogyny, in dem Abril auf die vielfältigen Formen systemischer Gewalt gegen Frauen reagiert. Der bei dieser Thematik häufig empfundenen Sprachlosigkeit setzt sie eine bewegende wie politische Erzählung entgegen und appelliert sogleich an die gesamtgesellschaftliche Verantwortung.

C/O Berlin präsentiert die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland.

Dans un assemblage de photographies personnelles et trouvées, de rapports, de citations, de vidéos et d'artefacts, l'artiste catalane Laia Abril (*1986) consacre son vaste travail de recherche au thème du viol structurellement rendu possible. À travers différents horizons temporels, pratiques culturelles et médias, elle retrace la normalisation des modes de pensée et d'action misogynes dans la société et la politique, sans pour autant recourir à des représentations explicites de la violence sexuelle. Elle se concentre plutôt sur les représentations traditionnelles, les lois et les défaillances institutionnalisées qui perpétuent les dynamiques de pouvoir et les relations de dépendance et rendent ainsi le viol possible. Il s'agit du deuxième chapitre de son projet à long terme A History of Misogyny, dans lequel Abril réagit aux multiples formes de violence systémique envers les femmes. Elle oppose au mutisme souvent ressenti face à cette thématique un récit à la fois émouvant et politique et en appelle aussitôt à la responsabilité de la société dans son ensemble.

C/O Berlin présente la première exposition individuelle institutionnelle de l'artiste en Allemagne.

In un assemblaggio di fotografie proprie e ritrovate, relazioni, citazioni, video e manufatti, l'artista catalana Laia Abril (*1986) dedica il suo ampio lavoro di ricerca al tema dello stupro strutturalmente abilitato. Spaziando tra diversi orizzonti temporali, pratiche culturali e media, l'artista traccia la normalizzazione di modi di pensare e agire misogini nella società e nella politica, senza ricorrere a rappresentazioni esplicite della violenza sessuale. L'attenzione si concentra invece sulle idee tradizionali, sulle leggi e sui fallimenti istituzionalizzati che mantengono le dinamiche di potere e le relazioni di dipendenza, consentendo così lo stupro. È il secondo capitolo del suo progetto a lungo termine A History of Misogyny, in cui Abril reagisce alle varie forme di violenza sistemica contro le donne. L'artista contrasta l'assenza di parole che spesso si prova quando si affronta questo tema con una narrazione commovente e politica e fa immediatamente appello alla responsabilità della società nel suo complesso.

C/O Berlin presenta la prima mostra personale istituzionale dell'artista in Germania.

Catalan artist Laia Abril (b. 1986) dedicates her extensive research work to the topic of institutionally enabled rape using assemblages of found and original photographs, reports, quotations, videos, and artifacts. Working across time horizons, cultural practices, and media, she traces the normalization of misogynous ways of thinking and acting in society and politics without resorting to explicit depictions of sexual violence. Instead, the focus lies on the traditional ideas, laws, and institutionalized failures that maintain power dynamics and relationships of dependency that enable rape. The artist counters the speechlessness often felt around this topic with a moving and political narrative while simultaneously appealing to the responsibility of society as a whole. This is the second chapter of her long-term project, A History of Misogyny, in which Abril reacts to the various forms of systemic violence against women.

C/O Berlin presents the artist’s first institutional solo exhibition in Germany.

(Text: C/O Berlin)

Haus am Waldsee | Berlin
2. Februar – 5. Mai 2024

Jenna Bliss

Jenna Bliss setzt in ihrer künstlerischen Arbeit Recherche und intuitive Assoziationen ein, um persönliche wie kollektive Erinnerungen zu durchforsten, gängige Annahmen zu hinterfragen und etablierte Erzählungen zu erweitern. Ihr Blick richtet sich dabei oft auf historisch randständige Themen, die von Sucht und der Pharmaindustrie bis hin zu den Auswirkungen des 11. September und der globalen Wirtschaftskrise reichen. Ihre langformatigen Filme, Fotografien, Kurzvideos und Skulpturen sind motiviert durch Eindrücke, Begegnungen und Beobachtungen in ihrem täglichen Leben und deren weitreichende Verknüpfungen mit gesellschaftlichen Konventionen und historischen Kontexten. Für ihre erste institutionelle Ausstellung in Deutschland zeigt Bliss Arbeiten ihrer fortlaufenden Serie über die jüngere Geschichte der Wall Street, die sie um ein neues Kapitel über die globale Wirtschaftskrise von 2008 erweitert. Der neue Film True Entertainment (2023) spielt im Jahr 2007 auf der renommiertesten Kunstmesse der Welt. Die Kunstwelt boomt in den drei weißen Wänden des Messestandes, nichts ahnend von dem baldigen Finanzcrash. Der Film lehnt sich an ein neues kulturelles Format der späten 00er Jahre an: die gescriptete “Reality”-Show. Das Genre prägt den Film nicht nur stilistisch, sondern sorgt auch für eine gleichzeitig verführerische und verfremdende Wirkung, die zwischen Drama und Satire schwankt. Der Film wird zusammen mit einer Konstellation älterer Werke gezeigt, die sich mit dem Erbe des 11. Septembers auseinandersetzen.

Immer wieder auch auf anachronistische Weise, entleiht  Bliss Ästhetiken und Technologien aus den Zeiträumen ihrer Recherchen. Durch die Montage von selbstgedrehtem, gefundenem und Archiv-Footage, in Form von Text als auch Bild, entlockt Bliss dem Material innewohnende Ideologien und legt historische Verkettungen offen.

Jenna Bliss (geb. 1984 in New York, USA) ist Künstlerin, Filmemacherin und Video-Editorin. Sie lebt in New York, USA.

Dans son travail artistique, Jenna Bliss utilise la recherche et les associations intuitives pour fouiller les souvenirs personnels et collectifs, remettre en question les hypothèses courantes et élargir les récits établis. Son regard se porte souvent sur des sujets historiquement marginaux, allant de l'addiction et de l'industrie pharmaceutique aux conséquences du 11 septembre et de la crise économique mondiale. Ses films de long format, ses photographies, ses courtes vidéos et ses sculptures sont motivés par des impressions, des rencontres et des observations dans sa vie quotidienne et leurs vastes liens avec les conventions sociales et les contextes historiques. Pour sa première exposition institutionnelle en Allemagne, Bliss présente des œuvres de sa série continue sur l'histoire récente de Wall Street, à laquelle elle ajoute un nouveau chapitre sur la crise économique mondiale de 2008. Le nouveau film True Entertainment (2023) se déroule en 2007 dans la foire d'art la plus prestigieuse du monde. Le monde de l'art est en plein essor sur les trois murs blancs du stand, sans se douter de l'imminence du crash financier. Le film s'inspire d'un nouveau format culturel de la fin des années 00 : le "reality" show scénarisé. Le genre ne marque pas seulement le film de son empreinte stylistique, mais lui confère également un effet à la fois séduisant et aliénant, oscillant entre drame et satire. Le film est présenté avec une constellation d'œuvres plus anciennes qui traitent de l'héritage du 11 septembre.

Toujours de manière anachronique, Bliss emprunte des esthétiques et des technologies aux périodes de ses recherches. En assemblant des séquences tournées par ses soins, des séquences trouvées et des séquences d'archives, sous forme de texte et de visuel, Bliss extrait des idéologies inhérentes au matériel et met à jour des enchaînements historiques.

Jenna Bliss (née en 1984 à New York, États-Unis) est artiste, réalisatrice et monteuse vidéo. Elle vit à New York, États-Unis.

Jenna Bliss utilizza la ricerca e le associazioni intuitive nel suo lavoro artistico per setacciare le memorie personali e collettive, mettere in discussione le ipotesi comuni ed espandere le narrazioni consolidate. La sua attenzione si concentra spesso su argomenti storicamente marginali, che vanno dalle dipendenze e dall'industria farmaceutica agli effetti dell'11 settembre e della crisi economica globale. I suoi film di lungo formato, le sue fotografie, i suoi brevi video e le sue sculture sono motivati da impressioni, incontri e osservazioni della sua vita quotidiana e dai loro legami di vasta portata con le convenzioni sociali e i contesti storici. Per la sua prima mostra istituzionale in Germania, Bliss presenta opere della sua serie in corso sulla storia recente di Wall Street, che sta ampliando per includere un nuovo capitolo sulla crisi economica globale del 2008. Il nuovo film True Entertainment (2023) è ambientato nel 2007 alla più prestigiosa fiera d'arte del mondo. Il mondo dell'arte è in piena espansione tra le tre mura bianche dello stand della fiera, ignaro dell'imminente crollo finanziario. Il film si basa su un nuovo formato culturale della fine degli anni '00: il "reality" sceneggiato. Il genere non solo modella il film dal punto di vista stilistico, ma crea anche un effetto contemporaneamente seducente e alienante che oscilla tra dramma e satira. Il film sarà presentato insieme a una costellazione di opere più vecchie che trattano l'eredità dell'11 settembre.

Sempre in modo anacronistico, Bliss prende in prestito estetica e tecnologie dai periodi della sua ricerca. Attraverso il montaggio di filmati auto-filmati, trovati e d'archivio, sotto forma di testo e di immagini, Bliss ricava ideologie intrinseche dal materiale e rivela collegamenti storici.

Jenna Bliss (nata nel 1984 a New York, USA) è un'artista, regista e montatrice video. Vive a New York, negli Stati Uniti.

Jenna Bliss uses research and intuitive associations in her artistic work to sift through personal and collective memories, question common assumptions and expand established narratives. Her focus is often on historically marginalized topics, ranging from addiction and the pharmaceutical industry to the consequences of 9/11 and the global economic crisis. Her long-format films, photographs, short videos and sculptures are motivated by impressions, encounters and observations in her daily life and their far-reaching associations with social conventions and historical contexts. For her first institutional exhibition in Germany, Bliss is showing works from her ongoing series on the recent history of Wall Street, to which she has added a new chapter on the global economic crisis of 2008. The new film, True Entertainment (2023), is set in 2007 at the world’s most prestigious art fair. The art world booms within the three white walls of the fair booth, ignorant of the financial crash that is soon to come. The film takes its cues from a new cultural contribution of the later 00s: the scripted “reality” show. The genre not only informs the film stylistically, but also provides a simultaneously seductive and alienating effect, teetering between drama and satire. The film is shown alongside a constellation of older works that explore the legacy of 9/11.

Though at times anachronous, Bliss borrows aesthetics and technologies from the time periods of her research. Through the montage of found, archival and original footage, both in terms of text and image, Bliss elicits the material’s inherent ideologies and exposes historical connections.

Jenna Bliss (b. 1984 New York, USA) is an artist, filmmaker and video editor. She lives in New York, USA.

(Text: Haus am Waldsee, Berlin)

Helmut Newton Stiftung | Berlin
15. Februar – 20. Mai 2024

CHRONORAMA – Photographic Treasures of the 20th Century

Die Helmut Newton Stiftung und die Pinault Collection freuen sich, die kommende Ausstellung unter dem Titel CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century gemeinsam bekannt zu geben. Nach dem großen Publikumserfolg der ersten Station im Palazzo Grassi in Venedig wird diese hochkarätig besetzte Gruppenschau ab dem 15. Februar 2024 in der Berliner Helmut Newton Stiftung zu sehen sein. CHRONORAMA setzt die Kooperation zwischen der Helmut Newton Stiftung und bedeutenden internationalen Sammlungen fort, die 2018 mit der Ausstellung Between Art & Fashion begann. 223 Werke von 85 FotografInnen aus der Sammlung von Carla Sozzani, der früheren Chefredakteurin der italienischen Ausgaben der Modezeitschriften Elle und Vogue, konnten damals gezeigt werden.

Nun folgt die Präsentation der von François Pinault jüngst erworbenen Sammlung herausragender Fotografien der Genres Porträt, Mode, Stillleben, Architektur und Fotojournalismus, ergänzt durch frühe Illustrationen aus dem legendären Condé-Nast-Archiv. Knapp 250 Werke, entstanden zwischen 1910 und den späten 1970er-Jahren für die stilprägenden Condé-Nast-Titel und chronologisch geordnet, offenbaren exemplarisch die Entwicklung der Modegeschichte und die radikalen gesellschaftlichen Veränderungen in der westlichen Welt.

Auch Helmut Newtons Werk ist selbstverständlich Bestandteil dieser beachtlichen Sammlung, hat er doch seit den 1950er-Jahren für die unterschiedlichen Condé-Nast-Zeitschriften gearbeitet, vorwiegend für Vogue und Vanity Fair. Die Mehrzahl dieser Newton-Aufnahmen wird erstmals in der Berliner Stiftung zu sehen sein.

Ferner begegnen uns in der Ausstellung Helmut Newtons bekannteste und innovativste Zeitgenossen, darunter Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville oder Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA ist ein atemberaubendes Kompendium aus wertvollen Vintage Prints, von denen viele seinerzeit als Druckvorlagen für die Magazine verwendet wurden. Wie auf einer fotografischen Zeitreise durch das 20. Jahrhundert erhalten die BesucherInnen einen Einblick in die Anfänge der fotografischen Inszenierung und in die Interpretation der damals zeitgenössischen Mode, aber auch in Bereiche wie Kultur, Lifestyle und das historische Weltgeschehen. Streng nach Dekaden geordnet, beginnt der Parcours im Jahr 1910, nachdem Condé Nast die Zeitschrift Vogue ein Jahr zuvor erworben und in der Folge zum führenden Medium für die Themen Mode, Stil und Schönheit transformiert hatte. In dieser Frühzeit waren Fotografien natürlich noch in der Unterzahl, insofern hängen hier auch zahlreiche gezeichnete Illustrationen aus den 1910er- und 20er-Jahren an den Ausstellungswänden, die für die Beiträge und vor allem die Magazincover von den damals berühmtesten Modezeichnern angefertigt wurden. Und diese Illustrationen waren im Gegensatz zur Fotografie jener Zeit farbig, für Condé Nast und seine Zeitschriften ein wichtiges Verkaufsargument. Doch das Verhältnis zwischen den Medien veränderte sich ab der nächsten Dekade. Die Fotografie wurde schließlich zum Leitmedium, nicht nur in den Magazinen Vogue und Vanity Fair, hier für Jahrzehnte fast ausschließlich in Schwarz-weiß. Entsprechend stammt auch das früheste Farbbild in der Ausstellung von 1952, aufgenommen von Irving Penn, der darüber hinaus für weit über 100 Vogue-Cover verantwortlich war.

Neben der Mode steht der Mensch im Mittelpunkt von CHRONORAMA, vor allem Porträts kreativer Geister aus den Bereichen Musik und Kunst, Sport und Politik, kurzum: Hier ist ein Who’s Who der Schönen und Reichen, der Berühmten und Bewunderten im 20. Jahrhundert zu sehen. Daneben schauen wir in luxuriöse Interieurs und Schönheitssalons, auf Stillleben und Foto-Experimente, sogar ins kriegszerstörte London oder auf das gerade errichtete Empire State Building in New York. All dies wurde in den Condé-Nast-Zeitschriften parallel publiziert – jetzt ist dieser einzigartige Bilderschatz in Berlin zu entdecken.

Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen: CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 Seiten, ISBN: 978-1-4197-6662-6.

Die Ausstellung wurde von der Pinault Collection – Palazzo Grassi (Venedig) produziert und dort im Jahr 2023 präsentiert. Vom 15. Februar bis zum 20. Mai 2024 ist sie, kuratiert von Matthieu Humery, dem Berater der Pinault Collection für Fotografie, und Matthias Harder, dem Direktor der Helmut Newton Stiftung, in Berlin zu sehen.

La Fondation Helmut Newton et la Pinault Collection ont le plaisir d'annoncer la prochaine exposition intitulée CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, sont annoncées conjointement. Après le grand succès public de la première étape au Palazzo Grassi de Venise, cette exposition collective de haut niveau sera présentée à la Fondation Helmut Newton de Berlin à partir du 15 février 2024. CHRONORAMA poursuit la coopération entre la Fondation Helmut Newton et d'importantes collections internationales, qui a débuté en 2018 avec l'exposition Between Art & Fashion. 223 œuvres de 85 photographes issues de la collection de Carla Sozzani, ancienne rédactrice en chef des éditions italiennes des magazines de mode Elle et Vogue, avaient alors pu être présentées.

La collection récemment acquise par François Pinault de photographies exceptionnelles de portraits, de mode, de natures mortes, d'architecture et de photojournalisme, complétée par des illustrations anciennes provenant des légendaires archives Condé Nast, est maintenant présentée. Près de 250 œuvres, réalisées entre 1910 et la fin des années 1970 pour les titres de Condé Nast qui ont marqué le style de l'entreprise et classées par ordre chronologique, révèlent de manière exemplaire l'évolution de l'histoire de la mode et les changements sociaux radicaux dans le monde occidental.

L'œuvre d'Helmut Newton fait bien entendu partie de cette remarquable collection, puisqu'il a travaillé depuis les années 1950 pour les différents magazines Condé Nast, principalement pour Vogue et Vanity Fair. La plupart de ces photos de Newton seront présentées pour la première fois à la Fondation de Berlin.

L'exposition présente également les contemporains les plus connus et les plus innovants d'Helmut Newton, comme Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville ou Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA est un compendium époustouflant de précieux tirages vintage, dont beaucoup ont été utilisés à l'époque comme modèles d'impression pour les magazines. Comme dans un voyage photographique à travers le 20e siècle, les visiteurs ont un aperçu des débuts de la mise en scène photographique et de l'interprétation de la mode contemporaine de l'époque, mais aussi de domaines tels que la culture, le style de vie et l'actualité historique mondiale. Strictement organisé par décennie, le parcours commence en 1910, après que Condé Nast ait acquis le magazine Vogue un an plus tôt et l'ait transformé par la suite en un média de premier plan pour les thèmes de la mode, du style et de la beauté. A cette époque précoce, les photographies étaient bien sûr encore en nombre insuffisant, c'est pourquoi de nombreuses illustrations dessinées des années 1910 et 20, réalisées pour les articles et surtout les couvertures de magazine par les plus célèbres dessinateurs de mode de l'époque, sont accrochées aux murs de l'exposition. Et ces illustrations, contrairement à la photographie de l'époque, étaient en couleur, un argument de vente important pour Condé Nast et ses magazines. Mais la relation entre les médias a changé à partir de la décennie suivante. La photographie devint finalement le média principal, et pas seulement dans les magazines Vogue et Vanity Fair, ici presque exclusivement en noir et blanc pendant des décennies. En conséquence, la première photo en couleur de l'exposition date de 1952 et a été prise par Irving Penn, qui a par ailleurs réalisé plus de 100 couvertures de Vogue.

Outre la mode, l'homme est au centre de CHRONORAMA, avec notamment des portraits d'esprits créatifs dans les domaines de la musique et de l'art, du sport et de la politique, en bref : on y voit un who's who du beau et du riche, des célébrités et des admirateurs du 20e siècle. En outre, nous jetons un coup d'œil aux intérieurs luxueux et aux salons de beauté, aux natures mortes et aux expériences photographiques, et même à Londres, dévastée par la guerre, ou à l'Empire State Building de New York, tout juste érigé. Tout cela a été publié en parallèle dans les magazines Condé-Nast - ce trésor d'images unique est désormais à découvrir à Berlin.

Un catalogue a été publié à l'occasion de l'exposition : CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pages, ISBN : 978-1-4197-6662-6.

L'exposition a été produite par la Pinault Collection - Palazzo Grassi (Venise) et y sera présentée en 2023. Du 15 février au 20 mai 2024, elle sera présentée à Berlin, sous le commissariat de Matthieu Humery, conseiller de la Pinault Collection pour la photographie, et de Matthias Harder, directeur de la Fondation Helmut Newton.

La Fondazione Helmut Newton e la Collezione Pinault sono liete di annunciare la prossima mostra CHRONORAMA. Tesori fotografici del XX secolo. Dopo il grande successo di pubblico della prima tappa a Palazzo Grassi a Venezia, questa collettiva di altissimo livello sarà esposta alla Helmut Newton Foundation di Berlino dal 15 febbraio 2024. CHRONORAMA prosegue la collaborazione tra la Helmut Newton Foundation e le principali collezioni internazionali, iniziata nel 2018 con la mostra Between Art & Fashion. In quell'occasione sono state esposte 223 opere di 85 fotografi provenienti dalla collezione di Carla Sozzani, ex direttrice delle edizioni italiane delle riviste di moda Elle e Vogue.

Ora viene presentata la collezione di François Pinault, recentemente acquisita, di fotografie eccezionali nei generi del ritratto, della moda, dello still life, dell'architettura e del fotogiornalismo, completata dalle prime illustrazioni del leggendario archivio Condé Nast. Quasi 250 opere, realizzate tra il 1910 e la fine degli anni Settanta per le testate Condé Nast che definiscono lo stile e organizzate cronologicamente, rivelano in modo esemplare lo sviluppo della storia della moda e i radicali cambiamenti sociali del mondo occidentale.

Anche il lavoro di Helmut Newton fa parte di questa straordinaria collezione, poiché ha lavorato per le varie riviste Condé Nast a partire dagli anni Cinquanta, soprattutto per Vogue e Vanity Fair. La maggior parte di queste fotografie di Newton sarà esposta per la prima volta alla Fondazione di Berlino.

La mostra presenta anche i contemporanei più noti e innovativi di Helmut Newton, tra cui Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville e Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA è un compendio mozzafiato di preziose stampe d'epoca, molte delle quali sono state utilizzate come artwork per le riviste dell'epoca. Come in un viaggio fotografico attraverso il XX secolo, i visitatori hanno la possibilità di conoscere gli albori della messa in scena fotografica e l'interpretazione della moda contemporanea dell'epoca, ma anche settori come la cultura, lo stile di vita e gli eventi storici mondiali. Organizzato rigorosamente per decennio, il tour inizia nel 1910, dopo che Condé Nast aveva acquisito la rivista Vogue un anno prima e l'aveva trasformata nel principale mezzo di comunicazione per la moda, lo stile e la bellezza. In questi primi tempi, le fotografie erano ovviamente ancora in minoranza, ed è per questo che sulle pareti della mostra sono appese numerose illustrazioni disegnate degli anni '10 e '20, realizzate per gli articoli e soprattutto per le copertine delle riviste dai più famosi illustratori di moda dell'epoca. A differenza della fotografia dell'epoca, queste illustrazioni erano a colori, un importante punto di forza per Condé Nast e le sue riviste. Tuttavia, il rapporto tra i media cambiò nel decennio successivo. La fotografia divenne finalmente il mezzo principale, non solo nelle riviste Vogue e Vanity Fair, qui quasi esclusivamente in bianco e nero per decenni. Di conseguenza, la prima immagine a colori della mostra è stata scattata nel 1952 da Irving Penn, responsabile anche di oltre 100 copertine di Vogue.

Oltre alla moda, CHRONORAMA si concentra sulle persone, soprattutto sui ritratti dei creativi della musica e dell'arte, dello sport e della politica: in breve, un who's who dei ricchi e dei belli, dei famosi e degli ammirati del XX secolo. Inoltre, vengono ritratti interni lussuosi e saloni di bellezza, nature morte ed esperimenti fotografici, persino la Londra devastata dalla guerra o l'Empire State Building di New York, appena eretto. Tutto questo è stato pubblicato parallelamente nelle riviste Condé Nast - ora questo tesoro unico di immagini può essere scoperto a Berlino.

La mostra è accompagnata da un catalogo: CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pagine, ISBN: 978-1-4197-6662-6.

La mostra è stata prodotta dalla Collezione Pinault - Palazzo Grassi (Venezia) e presentata nel 2023. Sarà esposta a Berlino dal 15 febbraio al 20 maggio 2024, a cura di Matthieu Humery, consulente per la fotografia della Collezione Pinault, e Matthias Harder, direttore della Fondazione Helmut Newton.

The Helmut Newton Foundation and Pinault Collection proudly present CHRONORAMA. Photographic Treasures of the 20th Century. Following its highly successful premiere at Palazzo Grassi in Venice, the collaborative project will be shown at the Helmut Newton Foundation in Berlin starting 15 February 2024. CHRONORAMA marks the latest partnership between the Helmut Newton Foundation in Berlin and leading international collections. In 2018, it hosted Between Art & Fashion, with 223 works by 85 photographers from the collection of Carla Sozzani, former editor-in-chief of the Italian Elle and Vogue.

Now, the foundation unveils François Pinault’s recently acquired collection of exceptional photographs, including portraits, fashion, still lifes, architecture, photojournalism, as well as early illustrations from the legendary Condé Nast Archive. Showcasing nearly 250 works created between 1910 and the late-1970s for Condé Nast’s style-defining magazines, this chronological presentation traces the evolution of the fashion industry against the backdrop of radical changes in western culture, spanning subjects from the sophisticated to the sublime.

Naturally, Helmut Newton’s works are also part of this remarkable collection, as he contributed extensively to Condé Nast magazines like Vogue and Vanity Fair from the 1950s onward. Most of Newton’s fashion photographs featured in this show have not been previously exhibited in Berlin.

Furthermore, the exhibition brings together an impressive array of Helmut Newton’s contemporaries and predecessors, including trailblazing photographers like Diane Arbus, Cecil Beaton, David Bailey, John Deakin, Robert Frank, Evelyn Hofer, Horst P. Horst, Peter Hujar, William Klein, Lisette Model, Ugo Mulas, Irving Penn, Bert Stern, Deborah Turbeville, and Chris von Wangenheim.

CHRONORAMA comprises a breathtaking compendium of valuable vintage prints, many of which served as the basis for high-quality images in the magazines of their time. These photographic treasures transport today’s viewers through the history of the 20th century, offering insight into fashion staging and the evolving interpretation of fashion trends as well as culture, lifestyle, and world events. Organized by decade, the immersive tour begins in 1910, one year after Condé Nast acquired Vogue magazine, transforming it into a leading platform for fashion, style, and beauty. In those early days, photographs were still relatively rare, so abundant drawings by renowned fashion illustrators of the era also adorn the exhibition walls. Unlike the photography back then, the illustrations gracing the magazine’s pages and covers were in color – an important selling point for Condé Nast and its magazines. The dynamics between the two mediums underwent a seismic shift as photography rose to prominence in the ensuing decade in Vogue and Vanity Fair and other leading publications. Black-and-white photography long remained the standard, so the earliest color image on display dates to 1952, shot by Irving Penn, who also created over 100 Vogue covers.

Besides fashion, CHRONORAMA places people at the heart of its captivating chronicle, with numerous portraits of luminaries from the realms of music, art, sports, and politics – a veritable Who’s Who of the 20th century’s most celebrated figures. The exhibition also surveys lavish interiors, beauty salons, artistic still lifes, photographic experiments, and examples of journalistic photography, capturing war-torn London and the newly erected Empire State Building in New York. All these facets were published concurrently across Condé Nast’s magazines – and now this extraordinary treasure trove of images awaits discovery in Berlin.

The exhibition is accompanied by the publication CHRONORAMA: Photographic Treasures of the 20th Century, Abrams & Chronicle Books, New York, 2023, 432 pages, ISBN 978-1-4197-6662-6

The exhibition, produced and presented at Pinault Collection – Palazzo Grassi (Venice) in 2023, is now shown at the Helmut Newton Foundation under the joint curatorship of Matthieu Humery, Advisor for photography at Pinault Collection and Matthias Harder, Director of the foundation.

(Text: Helmut Newton Stiftung, Berlin)

Fotografiska Berlin
8. März – 9. Juni 2024

The Fury
Shirin Neshat

Fotografiska Berlin präsentiert The Fury, die neueste Videoarbeit der renommierten iranischen Künstlerin und Filmemacherin Shirin Neshat. Darin konzentriert sich Neshat auf die nuancierte Komplexität der sexuellen Ausbeutung weiblicher politischer Gefangener und stellt ihren Fokus in den Kontext der Islamischen Republik Iran.

Während ihrer gesamten künstlerischen Laufbahn hat sich die in New York lebende Künstlerin immer wieder mit den Feinheiten des weiblichen Körpers in islamischen Kulturen auseinandergesetzt. Ihr Werk ist ein umkämpfter Raum, in dem Themen wie Sünde, Scham, Gewalt, Unterdrückung, Rebellion, Macht und Protest eine Rolle spielen.

The Fury ist eine raffinierte Kombination aus einer 2-Kanal-Videoinstallation und einer Serie von Schwarz-Weiß-Fotografien mit von Hand aufgetragenen Kalligrafien von Gedichten der iranischen Dichterin Forough Farrokhzad. Diese nuancierten Arbeiten spiegeln Neshats einschneidende künstlerische Praxis wider, die den weiblichen Körper sowohl als Schlachtfeld für Ideologie als auch als Kraftreservoir in den Mittelpunkt stellt. Indem sie die Dynamik zwischen dem Männlichen und dem Weiblichen, dem Individuum und dem Kollektiv erforschen, setzen sich diese aufgeladenen Bilder mit Fragen der Macht in patriarchalen Gesellschaften auseinander.

Die Künstlerin erläutert ihre künstlerische Perspektive: "Ich sehe alles in der Form der Dualität. Visuell und konzeptionell basiert alles auf einer Vorstellung von Gegensätzen". Ihre überwiegend in Schwarz-Weiß gehaltenen Arbeiten sind stilistisch von magischem Realismus, Surrealismus und Träumen beeinflusst. Thematisch sind die Erzählungen durchweg politisch aufgeladen und bieten eine ergreifende Mischung aus Verstörung und Emotion, Poesie und Schönheit.

Die Videoinstallation im Rahmen von The Fury befasst sich mit der stark fiktionalisierten und stilisierten Darstellung der sexuellen Übergriffe, denen weibliche politische Gefangene ausgesetzt waren, die schwer gefoltert und sogar vergewaltigt wurden. In Anbetracht derbleibenden emotionalen Narben nach der Entlassung zeichnet die Ausstellung die psychologische und emotionale Reise einer jungen iranischen Frau nach, die jetzt in den Vereinigten Staaten lebt und von den Erinnerungen an ihre Gefangenschaft verfolgt wird. Ergänzt wird diese Erzählung durch eine Fotoserie, die sich direkt mit dem weiblichen Körper als Objekt der Begierde und der Gewalt auseinandersetzt.

Vor dem Hintergrund des Frühlings 2022, der der Revolution "Frau, Leben, Freiheit" vorausging, sind diese ergreifenden Serien von bemerkenswerter Aktualität, da zahlreiche iranische Männer und Frauen als politische Gefangene weiterleben. Anlässlich des Internationalen Frauentags zeigt Fotografiska Berlin diese Ausstellung nach der Präsentation bei Fotografiska Stockholm. Die von Marina Paulenka kuratierte Ausstellung bietet eine nuancierte Erkundung der Schnittmenge zwischen Kunst, Politik und menschlicher Erfahrung.

Fotografiska Berlin présente The Fury, la dernière œuvre vidéo de l'artiste et cinéaste iranienne de renom Shirin Neshat. Neshat s'y concentre sur la complexité nuancée de l'exploitation sexuelle des prisonnières politiques et transmet son point de vue dans le contexte de la République islamique d'Iran.

Tout au long de sa carrière artistique, l'artiste, qui vit à New York, n'a cessé d'explorer les subtilités du corps féminin dans les cultures islamiques. Son œuvre est un espace contesté dans lequel des thèmes tels que le péché, la honte, la violence, l'oppression, la rébellion, le pouvoir et la protestation jouent un rôle.

The Fury est une combinaison raffinée d'une installation vidéo à deux canaux et d'une série de photographies en noir et blanc avec des calligraphies appliquées à la main de poèmes de la poétesse iranienne Forough Farrokhzad. Ces œuvres nuancées reflètent la pratique artistique incisive de Neshat, qui transmet le corps féminin à la fois comme champ de bataille pour l'idéologie et comme réservoir de force. En explorant la dynamique entre le masculin et le féminin, l'individuel et le collectif, ces visuels chargés abordent les questions de pouvoir dans les sociétés patriarcales.

L'artiste explique sa perspective artistique : "Je vois tout sous la forme de la dualité. Visuellement et conceptuellement, tout est basé sur une idée d'opposition". Ses travaux, principalement en noir et blanc, sont stylistiquement influencés par le réalisme magique, le surréalisme et les rêves. Sur le plan thématique, les récits sont tous chargés de politique et offrent un mélange saisissant de perturbation et d'émotion, de poésie et de beauté.

L'installation vidéo dans le cadre de The Fury s'intéresse à la représentation fortement fictionnalisée et stylisée des agressions sexuelles subies par les prisonnières politiques, qui ont été sévèrement torturées et même violées. Compte tenu des cicatrices émotionnelles qui subsistent après la libération, l'exposition retrace le parcours psychologique et émotionnel d'une jeune femme iranienne qui vit désormais aux États-Unis et qui est hantée par les souvenirs de sa captivité. Ce récit est complété par une série de photos qui s'intéressent directement au corps féminin en tant qu'objet de désir et de violence.

Dans le contexte du printemps 2022, qui a précédé la révolution "Femme, vie, liberté", ces séries poignantes sont d'une remarquable actualité, puisque de nombreux hommes et femmes iraniens continuent de vivre en tant que prisonniers politiques. À l'occasion de la Journée internationale de la femme, Fotografiska Berlin présente cette exposition après sa présentation à Fotografiska Stockholm. L'exposition, organisée par Marina Paulenka, propose une exploration nuancée de l'intersection entre l'art, la politique et l'expérience humaine.

Fotografiska Berlin presenta The Fury, l'ultima opera video della famosa artista e regista iraniana Shirin Neshat. In questo lavoro, Neshat si concentra sulla complessità delle sfumature dello sfruttamento sessuale delle donne prigioniere politiche, collocando la sua attenzione nel contesto della Repubblica Islamica dell'Iran.

Nel corso della sua carriera artistica, l'artista newyorkese ha ripetutamente esplorato le complessità del corpo femminile nelle culture islamiche. Il suo lavoro è uno spazio contestato in cui i temi del peccato, della vergogna, della violenza, dell'oppressione, della ribellione, del potere e della protesta giocano un ruolo importante.

The Fury è una sofisticata combinazione di un'installazione video a due canali e di una serie di fotografie in bianco e nero con calligrafie applicate a mano di poesie del poeta iraniano Forough Farrokhzad. Queste opere ricche di sfumature riflettono l'incisiva pratica artistica di Neshat, incentrata sul corpo femminile come campo di battaglia dell'ideologia e serbatoio di potere. Esplorando le dinamiche tra il maschile e il femminile, l'individuo e il collettivo, queste immagini cariche di significato affrontano le questioni del potere nelle società patriarcali.

L'artista spiega la sua prospettiva artistica: "Vedo tutto in termini di dualità. Visivamente e concettualmente, tutto si basa sull'idea degli opposti". Le sue opere, prevalentemente in bianco e nero, sono influenzate stilisticamente dal realismo magico, dal surrealismo e dai sogni. Dal punto di vista tematico, le narrazioni hanno una forte carica politica e offrono una miscela struggente di turbamento ed emozione, poesia e bellezza.

L'installazione video all'interno di The Fury tratta la rappresentazione altamente romanzata e stilizzata delle violenze sessuali subite dalle donne prigioniere politiche, che sono state gravemente torturate e persino violentate. Considerando le cicatrici emotive che rimangono dopo il rilascio, la mostra traccia il viaggio psicologico ed emotivo di una giovane donna iraniana che ora vive negli Stati Uniti, perseguitata dai ricordi della sua prigionia. Questa narrazione è completata da una serie di fotografie che si confrontano direttamente con il corpo femminile come oggetto di desiderio e di violenza.

Sullo sfondo della primavera del 2022, che ha preceduto la rivoluzione "Donna, vita, libertà", queste serie toccanti sono straordinariamente attuali, poiché numerosi uomini e donne iraniani continuano a vivere come prigionieri politici. In occasione della Giornata internazionale della donna, Fotografiska Berlin presenta questa mostra dopo la presentazione a Fotografiska Stockholm. Curata da Marina Paulenka, la mostra offre un'esplorazione sfumata dell'intersezione tra arte, politica ed esperienza umana.

Fotografiska Berlin presents The Fury, the latest exhibition by acclaimed Iranian artist and filmmaker Shirin Neshat. Focused on the nuanced complexities surrounding the sexual exploitation of female political prisoners, Neshat places her focus within the context of the Islamic Republic of Iran.

Throughout her extensive artistic career, the New York-based artist has consistently grappled with the intricacies of the female body in Islamic cultures. Her work navigates this terrain as a contested space, encompassing themes of sin, shame, violence, repression, rebellion, power, and protest.

The Fury unfolds as a sophisticated amalgamation of a double-channel video installation and a series of black and white photographs featuring hand-inscribed calligraphy of poems by Iranian poet Forough Farrokhzad. These nuanced works echo Neshat's incisive artmaking practice, spotlighting the female body as both a battleground for ideology and a reservoir of strength. By probing the dynamics between the masculine and feminine, the individual and the collective, these charged images delve into issues of power within patriarchal societies.

Neshat elucidates her artistic perspective, stating, "I see everything in the form of duality. Visually and conceptually, everything is based on some notion of opposites." Shot predominantly in black and white, her work embraces the stylistic influences of magic realism, surrealism, and dreams. Thematically, the narratives are consistently politically charged, offering a poignant blend of disturbance and emotion, poetry, and beauty.

The video installation within The Fury delves into the highly fictionalized and stylized representation of the sexual assault endured by female political prisoners subjected to severe torture, including rape. Recognizing the lasting emotional scars post-release, the exhibition traces the psychological and emotional journey of a young Iranian woman, now residing in the United States, haunted by memories of her captivity. Complementing this narrative is a photographic series that directly confronts the female body as both an object of desire and violence.

Set against the backdrop of the Spring of 2022, predating the "Woman, Life, Freedom" Revolution, these poignant series remain remarkably relevant as numerous Iranian men and women persist as political prisoners. On the occasion of International Women's Day, Fotografiska Berlin is now showing this exhibition after its presentation at Fotografiska Stockholm and the Goodman Gallery in London. The exhibition, curated by Marina Paulenka, Director of Exhibitions, offers a nuanced exploration of the intersection between art, politics, and the human experience.

(Text: Fotografiska Berlin)

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
15. März – 19. Mai 2024

Typ/Traube/Tross
Sebastian Wells

Der Ostkreuz-Fotograf Sebastian Wells untersucht in der Ausstellung „Typ/Traube/Tross“ das Identitätskonstrukt nationalistischer Bewegungen, hier exemplarisch in Flandern. Mit seinen Fotografien geht er der Frage nach, wie mittels sozialer Praktiken, Uniformen und Bildsymbolik eine Vorstellung von Gemeinschaft geschaffen wird, die an Nationalismen festhält und sich auf eine kollektiv imaginierte Geschichte stützt.

Mal mit, mal ohne Uniform: Zwei Porträtfolgen von Mitgliedern einer ultranationalistischen Studierendenverbindung in Flandern werden einander gegenübergestellt. Mit ihrer strengen Ästhetik schärfen die Fotografien den Blick für die Wirkung von Kleidung und die Hierarchien, die durch sie vermittelt werden. Darüber hinaus sind Eindrücke von Sebastian Wells‘ Reisen durch Flandern zu sehen. Eine überwucherte Mauer, Schützengräben, ein Stapel Zeitungen, Demonstrierende gegen Corona-Maßnahmen, die sich in die flämisch-nationalistische Flagge hüllen: Die Bilder weben ein komplexes Netz aus Spuren der Vergangenheit und Zeichen der Gegenwart. Sebastian Wells widmet sich auch der buchstäblichen Geschichtsschreibung: In der künstlerischen Überarbeitung einer historischen Publikation, die das „germanische Volksgesicht“ auszumachen suchte, deckt er rassistische Diskurse auf und reflektiert über die Macht von Text und Bild.

Mitten in Europa ist rechtsradikales Gedankengut weit verbreitet. Mit seinen Arbeiten zeigt Sebastian Wells auf, wie Vorstellungen von Identität und Geschichte visuell inszeniert und kommuniziert werden. Dabei sieht der Künstler seine Rolle als die eines Archäologen, der in der Gegenwart nach den Spuren von gestern sucht.

Sebastian Wells (geb. 1996 in Königs Wusterhausen) studierte Fotografie an der Ostkreuzschule in Berlin, der Hochschule Bielefeld und der KASK (Königlichen Akademie der Bildenden Künste) in Gent. Seit 2019 ist er Mitglied der Agentur Ostkreuz. Sebastian Wells ist außerdem Mitbegründer des ukrainisch-deutschen Kunstmagazins „soлomiya“, dessen dritte Ausgabe im Frühling 2024 erscheint. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Dans l'exposition "Type/Traube/Tross", le photographe d'Ostkreuz Sebastian Wells examine la construction identitaire des mouvements nationalistes, ici de manière exemplaire en Flandre. Avec ses photographies, il s'interroge sur la manière dont, au moyen de pratiques sociales, d'uniformes et de symbolisme pictural, on crée une idée de communauté qui s'accroche aux nationalismes et s'appuie sur une histoire imaginée collectivement.

Tantôt avec, tantôt sans uniforme : deux séries de portraits de membres d'une association d'étudiants ultranationalistes en Flandre sont mises en parallèle. Avec leur esthétique austère, les photographies aiguisent le regard sur l'effet des vêtements et les hiérarchies qu'ils véhiculent. On y voit en outre des impressions des voyages de Sebastian Wells en Flandre. Un mur envahi par la végétation, des tranchées, une pile de journaux, des manifestants contre les mesures de Corona qui se drapent dans le drapeau nationaliste flamand : Les visuels tissent un réseau complexe de traces du passé et de signes du présent. Sebastian Wells se consacre également à l'écriture littérale de l'histoire : en retravaillant artistiquement une publication historique qui cherchait à repérer le "visage populaire germanique", il met à jour des discours racistes et réfléchit au pouvoir du texte et du visuel.

Au cœur de l'Europe, les idées d'extrême droite sont très répandues. Avec ses travaux, Sebastian Wells montre comment les idées d'identité et d'histoire sont mises en scène et communiquées visuellement. Ce faisant, l'artiste considère son rôle comme celui d'un archéologue qui cherche dans le présent les traces d'hier.

Sebastian Wells (né en 1996 à Königs Wusterhausen) a étudié la photographie à l'école Ostkreuz de Berlin, à l'université de Bielefeld et à la KASK (Académie royale des beaux-arts) de Gand. Depuis 2019, il est membre de l'agence Ostkreuz. Sebastian Wells est également cofondateur du magazine d'art ukrainien-allemand "soлomiya", dont le troisième numéro paraîtra au printemps 2024. Il vit et travaille à Berlin.

Nella mostra "Typ/Traube/Tross", il fotografo di Ostkreuz Sebastian Wells esamina la costruzione identitaria dei movimenti nazionalisti, qui esemplificati nelle Fiandre. Con le sue fotografie, esplora la questione di come le pratiche sociali, le uniformi e il simbolismo visivo siano utilizzati per creare un'idea di comunità che si aggrappa al nazionalismo e si basa su una storia immaginata collettivamente.

A volte con, a volte senza uniforme: vengono accostate due serie di ritratti di membri di una confraternita studentesca ultranazionalista delle Fiandre. Con la loro estetica austera, le fotografie acuiscono lo sguardo sull'effetto dell'abbigliamento e sulle gerarchie che esso trasmette. Sono esposte anche le impressioni dei viaggi di Sebastian Wells attraverso le Fiandre. Un muro incolto, trincee, una pila di giornali, manifestanti contro le misure corona avvolti nella bandiera nazionalista fiamminga: Le immagini tessono una complessa trama di tracce del passato e segni del presente. Sebastian Wells si dedica anche alla scrittura letterale della storia: nella revisione artistica di una pubblicazione storica che cercava di identificare il "volto germanico del popolo", scopre discorsi razzisti e riflette sul potere del testo e dell'immagine.

Le idee estremiste di destra sono diffuse nel centro dell'Europa. Con le sue opere, Sebastian Wells mostra come le idee di identità e di storia siano messe in scena e comunicate visivamente. L'artista vede il suo ruolo come quello di un archeologo alla ricerca di tracce di ieri nel presente.

Sebastian Wells (nato nel 1996 a Königs Wusterhausen) ha studiato fotografia alla Ostkreuzschule di Berlino, all'Università di Scienze Applicate di Bielefeld e alla KASK (Accademia Reale di Belle Arti) di Gand. Dal 2019 è membro dell'agenzia Ostkreuz. Sebastian Wells è anche cofondatore della rivista d'arte ucraino-tedesca "soлomiya", il cui terzo numero sarà pubblicato nella primavera del 2024. Vive e lavora a Berlino.

In the exhibition "Typ/Traube/Tross", Ostkreuz photographer Sebastian Wells examines the identity construct of nationalist movements, here exemplified in Flanders. With his photographs, he explores the question of how social practices, uniforms and visual symbolism are used to create an idea of community that clings to nationalisms and is based on a collectively imagined history.

Sometimes with, sometimes without uniform: two series of portraits of members of an ultra-nationalist student fraternity in Flanders are juxtaposed. With their austere aesthetics, the photographs sharpen the eye for the effect of clothing and the hierarchies it conveys. Impressions of Sebastian Wells' travels through Flanders are also on display. An overgrown wall, trenches, a pile of newspapers, demonstrators against corona measures wrapped in the Flemish nationalist flag: The visuals weave a complex web of traces of the past and signs of the present. Sebastian Wells also devotes himself to the literal writing of history: in the artistic revision of a historical publication that sought to identify the "Germanic face of the people", he uncovers racist discourses and reflects on the power of text and visuals.

Right-wing extremist ideas are widespread in the middle of Europe. With his works, Sebastian Wells shows how ideas of identity and history are visually staged and communicated. The artist sees his role as that of an archaeologist searching for traces of yesterday in the present.

Sebastian Wells (born 1996 in Königs Wusterhausen) studied photography at the Ostkreuzschule in Berlin, the Bielefeld University of Applied Sciences and the KASK (Royal Academy of Fine Arts) in Ghent. He has been a member of the Ostkreuz agency since 2019. Sebastian Wells is also co-founder of the Ukrainian-German art magazine "soлomiya", the third issue of which will be published in spring 2024. He lives and works in Berlin.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
15. März – 2. Juni 2024

A DAY OFF – Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach

Diane Arbus, Katharina Bosse, Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt, Arthur „Weegee“ Fellig, Bruce Gilden, Nan Goldin, F.C. Gundlach, Esther Haase, David Hockney, Thomas Höpker, Peter Keetman, Barry Key, Barbara Klemm, Lisette Model, Martin Munkácsi, Martin Parr, Joel Sternfeld, u.a.

Freizeitgestaltung ist ein Thema, das uns alle permanent beschäftigt. Einfach einmal nichts tun? Unmöglich! Nicht erst seit der Corona-Pandemie ist unser Leben hektischer und intensiver geworden. Überall werden wir mit immer aufregenderen, abenteuerlicheren und exotischeren Freizeitaktivitäten konfrontiert. Der Druck, mithalten zu können und vermeintlich zu müssen, ist enorm. Freizeit ist von der Erholungszeit nach getaner Arbeit zu einem durchgetakteten Massenphänomen geworden. Zu den Stoßzeiten nach Feierabend, am Wochenende und an Feiertagen platzen Strände, Schwimmbäder, Sportstudios, Kinos und Parks aus allen Nähten. Alle streben nach maximaler Entspannung, Selbstoptimierung und größtmöglichem Abstand vom Alltag.

A DAY OFF im f³ – freiraum für fotografie visualisiert mit einem Augenzwinkern die Erscheinungsformen unserer Freizeitkultur: Es wird geschlemmt, gebrutzelt, geraucht, geschwitzt und gepowert, was das Zeug hält. Manche Szenen sind heute nicht mehr denkbar. Andere gleichen sich, so wurde damals wie heute ausgiebigst Sonne getankt, der neueste Film im Kino angesehen, das Tanzbein geschwungen oder gemeinsam Bingo gespielt. Durch die Linse einiger der weltweit renommiertesten Fotograf*innen erhalten wir einen Einblick in den Wandel unseres Freizeitverhaltens der vergangenen hundert Jahre.

Die Sammlung F.C. Gundlach
Über viele Jahrzehnte hat F.C. Gundlach, selbst einer der wichtigsten Modefotografen der Bundesrepublik Deutschland, Fotografie gesammelt und eine der bedeutendsten privaten Fotografiesammlungen des Landes zusammengetragen. Im Zentrum steht das Bild des Menschen in der Fotografie. Unter diesem Titel fanden seit 2005 rund 9.000 fotografische Werke aus der Sammlung als Dauerleihgabe Einzug in das Haus der Photographie in der südlichen Deichtorhalle in Hamburg. Darüber hinaus waren und sind viele andere Arten und Gattungen der Fotografie Bestandteil der Sammlung F.C. Gundlach, die zum Teil als eigenständige Sammlungsthemen gesehen werden können. Auch über den Tod des Sammlers hinaus kommen weiterhin Großkonvolute einzelner Fotograf*innen und Bestände von Archiven hinzu, die in der Stiftung F.C. Gundlach bewahrt und bearbeitet werden.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Natalja Aljasova. Konzeption: Natalja Aljasova und Jasmin Seck.

Les loisirs sont un sujet qui nous préoccupe tous en permanence. Ne rien faire, tout simplement ? C'est impossible ! Notre vie est devenue plus frénétique et plus intense, et pas seulement depuis la pandémie de Corona. Partout, nous sommes confrontés à des activités de loisirs toujours plus passionnantes, aventureuses et exotiques. La pression pour pouvoir et prétendument devoir suivre le rythme est énorme. Les loisirs sont passés d'un temps de repos après le travail à un phénomène de masse rythmé. Aux heures de pointe après le travail, le week-end et les jours fériés, les plages, les piscines, les salles de sport, les cinémas et les parcs sont pleins à craquer. Tout le monde aspire à une détente maximale, à l'optimisation de soi et à la plus grande distance possible avec le quotidien.

A DAY OFF au f³ - freiraum für fotografie visualise avec un clin d'œil les manifestations de notre culture des loisirs : on se régale, on grignote, on fume, on transpire et on se défoule à tout va. Certaines scènes sont aujourd'hui impensables. D'autres se ressemblent : à l'époque comme aujourd'hui, on prenait largement le soleil, on allait voir le dernier film au cinéma, on se déhanchait ou on jouait au bingo ensemble. À travers l'objectif de quelques-uns des photographes* les plus renommés au monde, nous avons un aperçu de l'évolution de notre comportement en matière de loisirs au cours des cent dernières années.

La collection F.C. Gundlach
Pendant de nombreuses décennies, F.C. Gundlach, lui-même l'un des plus importants photographes de mode de la République fédérale d'Allemagne, a collectionné des photographies et a réuni l'une des plus importantes collections privées de photographies du pays. Au cœur de cette collection se trouve le visuel de l'homme dans la photographie. C'est sous ce titre que, depuis 2005, près de 9.000 œuvres photographiques de la collection ont fait leur entrée à la Haus der Photographie, dans le sud de la Deichtorhalle à Hambourg, sous forme de prêt permanent. En outre, de nombreux autres types et genres de photographie faisaient et font toujours partie de la collection F.C. Gundlach, qui peuvent en partie être considérés comme des thèmes de collection à part entière. Même après la mort du collectionneur, de gros volumes de photographes individuels* et des fonds d'archives continuent d'être conservés et traités par la fondation F.C. Gundlach.

L'exposition a été organisée par Natalja Aljasova. Conception : Natalja Aljasova et Jasmin Seck.

L'organizzazione del tempo libero è un tema che ci occupa costantemente. Non fare nulla per una volta? Impossibile! La nostra vita è diventata più frenetica e intensa, e non solo dopo la pandemia di coronavirus. Ovunque ci troviamo di fronte ad attività di svago sempre più eccitanti, avventurose ed esotiche. La pressione per stare al passo e presumibilmente doverlo fare è enorme. Il tempo libero si è trasformato da momento di relax dopo il lavoro in un fenomeno di massa con un programma serrato. Nei momenti di punta dopo il lavoro, nei fine settimana e nei giorni festivi, le spiagge, le piscine, gli impianti sportivi, i cinema e i parchi sono pieni zeppi. Tutti cercano il massimo relax, l'auto-ottimizzazione e la massima distanza possibile dalla vita quotidiana.

A DAY OFF a f³ - freiraum für fotografie visualizza le manifestazioni della nostra cultura del tempo libero con una strizzatina d'occhio: le persone banchettano, sfrigolano, fumano, sudano e si danno da fare. Alcune scene sono inimmaginabili oggi. Altre sono le stesse: allora come oggi, le persone prendevano il sole, guardavano l'ultimo film al cinema, ballavano tutta la notte o giocavano a bingo insieme. Attraverso l'obiettivo di alcuni tra i più famosi fotografi del mondo, possiamo capire come sono cambiati i nostri comportamenti nel tempo libero negli ultimi cento anni.

La collezione F.C. Gundlach
Nel corso di molti decenni, F.C. Gundlach, egli stesso uno dei più importanti fotografi di moda della Repubblica Federale Tedesca, ha collezionato fotografie e accumulato una delle più importanti collezioni fotografiche private del Paese. L'attenzione è rivolta all'immagine delle persone nella fotografia. A questo titolo, dal 2005 circa 9.000 opere fotografiche della collezione sono in prestito permanente alla Casa della Fotografia nella Deichtorhalle meridionale di Amburgo. Inoltre, molti altri tipi e generi di fotografia facevano e fanno parte della Collezione F.C. Gundlach, alcuni dei quali possono essere considerati come temi della collezione a sé stanti. Anche dopo la morte del collezionista, la Fondazione F.C. Gundlach continua a conservare ed elaborare grandi collezioni di singoli fotografi e archivi.

La mostra è stata curata da Natalja Aljasova. Ideazione: Natalja Aljasova e Jasmin Seck.

Leisure activities are a topic that constantly occupies us all. Just do nothing? Impossible! Our lives have become more hectic and intense, and not just since the coronavirus pandemic. We are confronted with ever more exciting, adventurous and exotic leisure activities everywhere. The pressure to keep up and supposedly have to is enormous. Leisure time has gone from being a time to relax after work to a mass phenomenon. At peak times after work, at weekends and on public holidays, beaches, swimming pools, sports studios, cinemas and parks are bursting at the seams. Everyone is striving for maximum relaxation, self-optimization and the greatest possible distance from everyday life.

A DAY OFF at f³ – freiraum für fotografie visualizes the manifestations of our leisure culture with a wink: people feast, sizzle, smoke, sweat and work out as much as they can. Some scenes are no longer conceivable today. Others are similar: then, as now, people soaked up the sun, watched the latest film in the cinema, danced or played bingo together. Through the lens of some of the world's most renowned photographers, we gain an insight into how our leisure behavior has changed over the past hundred years.

The F.C. Gundlach Collection
For many decades, F.C. Gundlach, himself one of the most important fashion photographers in the Federal Republic of Germany, collected photography and amassed one of the most important private photography collections in the country. The focus is the image of man in photography. Under this title, around 9,000 photographic works from the collection have been on permanent loan to the House of Photography in the southern Deichtorhalle in Hamburg since 2005. In addition, many other types and genres of photography were and are part of the F.C. Gundlach Collection, some of which can be seen as collection themes in their own right. Even after the collector's death, the F.C. Gundlach Foundation continues to add large collections of individual photographers and archives, which are preserved and processed.

The exhibition was curated by Natalja Aljasova. Concept: Natalja Aljasova and Jasmin Seck.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Gropius Bau | Berlin
22. März – 21. Juli 2024

Nancy Holt: Circles of Light - Experimente mit Sound, Bild und Objekten 1966–1986

Über fünf Jahrzehnte hinweg beschäftigte sich Nancy Holt damit, wie wir unsere Umwelt wahrnehmen und unseren Platz auf der Oberfläche dieses Planeten zu verstehen versuchen. Mit Circles of Light zeigt der Gropius Bau ab März 2024 die bislang umfassendste Überblicksausstellung der Künstlerin in Deutschland. Die Ausstellung umfasst unter anderem Film, Video, Fotografie, Soundarbeiten, konkrete Poesie, Skulpturen und raumgreifende Installationen sowie Zeichnungen und Dokumentationen aus über 25 Jahren.

In ihrer Praxis dachte Nancy Holt ortsspezifische Installationen und die Arbeit mit natürlichem und künstlichem Licht neu. Sie thematisierte schon früh ökologische Aspekte und bezog die Erdrotation, Astronomie sowie Zeit und Ort in ihre Skulpturen ein – und forderte uns so immer wieder dazu auf, jenseits dessen zu blicken, was wir zu wissen glauben. Holts Arbeitsweise soll in der Ausstellung im Gropius Bau durch Texte und Aufnahmen der Künstlerin besondere Präsenz verliehen werden.

Kuratiert von Clara Meister und Lisa Le Feuvre

Pendant plus de cinq décennies, Nancy Holt s'est intéressée à la manière dont nous percevons notre environnement et essayons de comprendre notre place sur la surface de cette planète. Avec Circles of Light, le Gropius Bau présentera à partir de mars 2024 l'exposition d'ensemble la plus complète de l'artiste à ce jour en Allemagne. L'exposition comprendra entre autres des films, des vidéos, des photographies, des œuvres sonores, de la poésie concrète, des sculptures et des installations qui occupent tout l'espace, ainsi que des dessins et des documentaires couvrant plus de 25 ans.

Dans sa pratique, Nancy Holt a repensé les installations spécifiques au lieu et le travail avec la lumière naturelle et artificielle. Très tôt, elle a abordé les aspects écologiques et a intégré la rotation de la Terre, l'astronomie ainsi que le temps et le lieu dans ses sculptures - nous invitant ainsi toujours à regarder au-delà de ce que nous croyons savoir. Dans l'exposition du Gropius Bau, la méthode de travail de Holt sera mise en valeur par des textes et des enregistrements de l'artiste.

Organisé par Clara Meister et Lisa Le Feuvre

Da cinque decenni Nancy Holt esplora il modo in cui percepiamo l'ambiente e cerchiamo di capire il nostro posto sulla superficie del pianeta. Con Circles of Light, il Gropius Bau presenterà da marzo 2024 la mostra più completa dell'artista in Germania. La mostra comprende film, video, fotografie, opere sonore, poesie concrete, sculture e installazioni di grandi dimensioni, oltre a disegni e documentazione di oltre 25 anni.

Nella sua pratica, Nancy Holt ha ripensato le installazioni site-specific e il lavoro con la luce naturale e artificiale. Ha affrontato presto gli aspetti ecologici, incorporando la rotazione della Terra, l'astronomia, il tempo e il luogo nelle sue sculture - sfidandoci costantemente a guardare oltre ciò che pensiamo di conoscere. Il modo di lavorare della Holt sarà oggetto di una presenza speciale nella mostra al Gropius Bau attraverso testi e fotografie dell'artista.

A cura di Clara Meister e Lisa Le Feuvre

Over the course of five decades, Nancy Holt explored how we perceive our environment and how we attempt to understand our place on the surface of this planet. From March 2024, the Gropius Bau presents Circles of Light, the artist’s most comprehensive survey exhibition in Germany to date. It includes film, video, photography, sound works, concrete poetry, sculptures and expansive installations as well as drawings and documentation from over 25 years.

In her artistic practice, Nancy Holt reimagined site-specific installations and ways of working with natural and artificial light. She began focusing on ecological aspects at an early stage and incorporated the earth’s rotation, astronomy, time and space into her sculptures, constantly challenging us to look beyond what we think we know. Holt’s working process will have a particularly tangible presence in the exhibition at the Gropius Bau through texts and recordings by the artist.

Curated by Clara Meister and Lisa Le Feuvre

(Text: Gropius Bau, Berlin)

Haus am Kleistpark | Berlin
23. März – 19. Mai 2024

Am besten nichts Neues
Michael Schäfer

Michael Schäfer thematisiert in seinen Fotografien den Umgang mit unseren gegenwärtigen digitalen Bildwelten, die zum Ausgangspunkt, Gegenstand und Material seiner Arbeiten werden. Der Künstler hinterfragt in seinem Werk den Gebrauch von Bildern im Spektrum zwischen Authentizität und Projektion, Realität und Desinformation und verweist damit auf die Macht visueller Rollenspiele und Systeme. In seinen fotografischen Montagen aus medialen Fundstücken und eigenen Fotografien wie seinen Inszenierungen fokussiert der Künstler auf zeitgenössisch relevante Themen. Das Haus am Kleistpark zeigt in der Großen Ausstellungshalle Werkgruppen der letzten Jahre, denen ein konzeptionelles Verständnis von Fotografie zugrunde liegt, welches das reflexive Potential des Mediums im Bedeutungsrahmen der Kunst zeigt.

Für das Projekt „Invasive Links“ (2016-2019) arbeitete Michael Schäfer mit Bildmaterial von LifeLeak.com, einer Plattform, auf der unzensiert Handyvideos bzw. Stills aus Krisensituationen veröffentlicht wurden. Mit Motiven aus dieser Serie inszeniert der Künstler einen eigenen Ausstellungsraum, in dem großformatige Tapeten, ein Sofa, eine Leseecke installiert sind. Er stellt dem Rauschen der Krisenaufnahmen den Stillstand entgegen, montiert Situationen von in unserer Gesellschaft gelebter Normalität in die Bilder hinein. Schäfer erkundet so, welche Inhalte sich durch mediale Bilder in unsere Vorstellungswelt eingeschrieben haben.

2021 entstanden 53 Bilderwürfel, einer pro Woche des Jahres. Jede Seite der Würfel zeigt unterschiedliche Screenshots von weltweiten Krisensituationen. Die Würfel sind jeweils aufgefaltet auf Meeresansichten montiert, die einen weiten Assoziationsraum bieten. Fragen, die der Künstler mit dieser Arbeit stellt, sind: Erreicht uns die Realität hinter den konsumierten Bildern? Inwieweit erfahren wir Bilder im Netz als abstrahiert? Welche Rolle spielen Emotionen und Generalisierungen? Diese und andere Fragen können, sollen in der Ausstellung gestellt werden, in der zahlreiche weitere Arbeiten des Künstlers zu sehen sind.

Michael Schäfer hat an der FH Dortmund und anschließend an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig in der Klasse von Joachim Brohm Fotografie studiert. Nach seinem Diplom verbrachte er ein Studienjahr an der Simon Fraser University in Kanada. Einer künstlerischen Assistenz an der HGB folgten Lehraufträge an der Hartford Art School, Connecticut, USA und der UdK Berlin. Der Künstler wurde durch zahlreiche Ausstellungen bekannt und betreibt neben seiner eigenen künstlerischen Arbeit den Ausstellungsort „Villa Heike“ in Berlin.

Dans ses photographies, Michael Schäfer aborde le thème de l'utilisation de nos mondes d'images numériques actuels, qui deviennent le point de départ, l'objet et le matériau de ses travaux. Dans son œuvre, l'artiste remet en question l'utilisation des visuels dans le spectre entre authenticité et projection, réalité et désinformation, et renvoie ainsi au pouvoir des jeux de rôles et des systèmes visuels. Dans ses montages photographiques réalisés à partir d'objets trouvés dans les médias et de ses propres photographies, ainsi que dans ses mises en scène, l'artiste se concentre sur des thèmes contemporains pertinents. La Haus am Kleistpark présente dans la grande salle d'exposition des groupes d'œuvres de ces dernières années, sur lesquels repose une compréhension conceptuelle de la photographie qui montre le potentiel réflexif du médium dans le cadre de signification de l'art.

Pour le projet "Invasive Links" (2016-2019), Michael Schäfer a travaillé avec des visuels de LifeLeak.com, une plateforme sur laquelle ont été publiées sans censure des vidéos de téléphones portables ou des arrêts sur image de situations de crise. Avec des motifs de cette série, l'artiste met en scène son propre espace d'exposition, dans lequel sont installés des papiers peints grand format, un canapé, un coin lecture. Il oppose l'immobilité au bruit des prises de vue de crise, monte dans les visuels des situations de normalité vécues dans notre société. Schäfer explore ainsi les contenus qui se sont inscrits dans notre monde imaginaire par le biais des visuels des médias.

En 2021, 53 cubes d'images ont été créés, un par semaine de l'année. Chaque face du cube montre différentes captures d'écran de situations de crise mondiales. Les cubes sont à chaque fois dépliés et montés sur des vues de mer qui offrent un vaste espace d'association. Les questions que l'artiste transmet avec ce travail sont les suivantes : La réalité nous atteint-elle derrière les visuels que nous consommons ? Dans quelle mesure faisons-nous l'expérience de visuels abstraits sur la toile ? Quel rôle jouent les émotions et les généralisations ? Ces questions et d'autres peuvent, doivent être transmises dans l'exposition, où l'on peut voir de nombreux autres travaux de l'artiste.

Michael Schäfer a étudié la photographie à la FH Dortmund, puis à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig dans la classe de Joachim Brohm. Après son diplôme, il a passé une année d'études à la Simon Fraser University au Canada. Une assistance artistique à la HGB a été suivie de missions d'enseignement à la Hartford Art School, Connecticut, USA et à la UdK Berlin. L'artiste s'est fait connaître par de nombreuses expositions et gère, en plus de son propre travail artistique, le lieu d'exposition "Villa Heike" à Berlin.

Nelle sue fotografie, Michael Schäfer affronta il modo in cui ci rapportiamo ai nostri attuali mondi visivi digitali, che diventano il punto di partenza, il soggetto e il materiale delle sue opere. Nel suo lavoro, l'artista esamina l'uso delle immagini nello spettro tra autenticità e proiezione, realtà e disinformazione, indicando così il potere dei giochi di ruolo e dei sistemi visivi. Nei suoi montaggi fotografici di artefatti mediatici e di proprie fotografie, così come nelle sue messe in scena, l'artista si concentra su temi di rilevanza contemporanea. Nella grande sala espositiva, Haus am Kleistpark presenta gruppi di opere degli ultimi anni che si basano su una concezione concettuale della fotografia che dimostra il potenziale riflessivo del mezzo nel quadro del significato dell'arte.

Per il progetto "Invasive Links" (2016-2019), Michael Schäfer ha lavorato con il materiale fotografico di LifeLeak.com, una piattaforma su cui sono stati pubblicati video e fotogrammi non censurati di telefoni cellulari provenienti da situazioni di crisi. L'artista utilizza i motivi di questa serie per allestire il proprio spazio espositivo, in cui sono installati carta da parati di grande formato, un divano e un angolo lettura. L'artista contrappone il rumore delle immagini di crisi a quello della stasi e inserisce nelle immagini situazioni di normalità vissute nella nostra società. Schäfer esplora così quali contenuti sono stati inscritti nel nostro immaginario attraverso le immagini dei media.

Nel 2021 sono stati creati 53 cubi di immagini, uno per ogni settimana dell'anno. Ogni lato dei cubi mostra diverse immagini di situazioni di crisi globale. I cubi sono montati dispiegati su vedute del mare, che offrono un'ampia gamma di associazioni. Le domande che l'artista si pone con quest'opera sono: La realtà dietro le immagini che consumiamo ci raggiunge? In che misura viviamo le immagini in rete come astratte? Che ruolo hanno le emozioni e le generalizzazioni? Queste e altre domande possono e devono essere poste nella mostra, in cui si possono ammirare numerose altre opere dell'artista.

Michael Schäfer ha studiato fotografia all'Università di Scienze Applicate e Arti di Dortmund e poi all'Accademia di Arti Visive di Lipsia nella classe di Joachim Brohm. Dopo la laurea, ha trascorso un anno di studio alla Simon Fraser University in Canada. Un assistentato artistico presso l'HGB è stato seguito da incarichi di insegnamento presso la Hartford Art School, Connecticut, USA e l'UdK di Berlino. L'artista è stato riconosciuto attraverso numerose mostre e gestisce lo spazio espositivo "Villa Heike" a Berlino, oltre al proprio lavoro artistico.

In his photographs, Michael Schäfer addresses the way we deal with our contemporary digital visual worlds, which become the starting point, subject and material of his works. In his work, the artist questions the use of visuals in the spectrum between authenticity and projection, reality and disinformation, thus pointing to the power of visual role-playing games and systems. In his photographic montages of media finds and his own photographs, as well as his stagings, the artist focuses on contemporary issues. In the large exhibition hall, Haus am Kleistpark is showing groups of works from recent years that are based on a conceptual understanding of photography, which shows the reflective potential of the medium within the framework of art's meaning.

For the project "Invasive Links" (2016-2019), Michael Schäfer worked with visuals from LifeLeak.com, a platform on which uncensored cell phone videos and stills from crisis situations were published. The artist uses motifs from this series to stage his own exhibition space, in which large-format wallpaper, a sofa and a reading corner are installed. He contrasts the noise of the crisis shots with the stillness, mounting situations of normality lived in our society into the visuals. Schäfer thus explores what content has been inscribed into our imagination through media images.

In 2021, 53 picture cubes were created, one for each week of the year. Each side of the cubes shows different screenshots of global crisis situations. The cubes are each mounted unfolded on views of the sea, offering a wide range of associations. The questions the artist poses with this work are: Does the reality behind the visuals we consume reach us? To what extent do we experience visuals on the net as abstracted? What role do emotions and generalizations play? These and other questions can and should be asked in the exhibition, in which numerous other works by the artist can be seen.

Michael Schäfer studied photography at the Dortmund University of Applied Sciences and Arts and then at the Academy of Visual Arts Leipzig in the class of Joachim Brohm. After graduating, he spent a year studying at Simon Fraser University in Canada. An artistic assistantship at the HGB was followed by teaching assignments at the Hartford Art School, Connecticut, USA and the UdK Berlin. The artist became known through numerous exhibitions and runs the exhibition space "Villa Heike" in Berlin alongside his own artistic work.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Robert Morat Galerie | Berlin
23. März – 1. Juni 2024

Hannah Hughes | Solid Slip

Anlässlich ihres 20. Jubiläums freut sich die Robert Morat Galerie sehr, die erste deutsche Einzelausstellung der britischen Künstlerin Hannah Hughes zu zeigen.

Hannah Hughes ist eine crossmedial arbeitende Künstlerin, die sich mit Fotografie, Collage und Objektkunst beschäftigt. Ihre Arbeit erforscht die Beziehung zwischen Bild, Skulptur und Sprache, wobei sie sich auf das Potenzial des negativen Raums und die Bergung sowie Wiederverwendung von weggeworfenen Materialien konzentriert. Hughes’ Praxis beinhaltet Strategien der Fragmentierung und Rekonstruktion. Ihre zweidimensionalen Collagen werden oft als flache Skulpturen oder skulpturale Fotografien beschrieben.

Hannah Hughes verwendet Materialien, die an alltägliche Berührungen erinnern, z. B. das Papier von Hochglanzmagazinen, Zellstoffverpackungen und Ton. Dieser Fokus auf die Taktilität positioniert die Arbeit in Bezug auf die Grenzen des Körpers und die Räume, die dort entstehen, wo sich Körper mit ihrer Umgebung überschneiden. Sie untersucht die Ränder innerhalb des fotografischen Bildes – in ihrer Serie von C-Type-Collagen beispielsweise überschneidet eine Form die Oberfläche einer anderen, wodurch eine sichtbare Grenze innerhalb der Fotografie entsteht, die von der Seite aus vollständig betrachtet werden kann.

Hannah Hughes (*1975, GB) schloss 1997 ihr Studium an der University of Brighton ab und hat seitdem sowohl im Vereinigten Königreich als auch international ausgestellt. Sie lebt und arbeitet in London.

À l'occasion de son 20e anniversaire, la galerie Robert Morat est très heureuse de présenter la première exposition individuelle allemande de l'artiste britannique Hannah Hughes.

Hannah Hughes est une artiste cross-média qui travaille avec la photographie, le collage et l'art des objets. Son travail explore la relation entre l'image, la sculpture et le langage, en se concentrant sur le potentiel de l'espace négatif et sur la récupération et la réutilisation de matériaux jetés. La pratique de Hughes implique des stratégies de fragmentation et de reconstruction. Ses collages bidimensionnels sont souvent décrits comme des sculptures plates ou des photographies sculpturales.

Hannah Hughes utilise des matériaux qui rappellent le toucher quotidien, par exemple le papier des magazines sur papier glacé, les emballages en cellulose et l'argile. Cette focalisation sur la tactilité positionne le travail par rapport aux limites du corps et aux espaces qui se créent là où les corps se croisent avec leur environnement. Elle explore les bords à l'intérieur de l'image photographique - dans sa série de collages de type C, par exemple, une forme chevauche la surface d'une autre, créant ainsi une frontière visible à l'intérieur de la photographie, qui peut être entièrement observée depuis le côté.

Hannah Hughes (*1975, GB) a été diplômée de l'université de Brighton en 1997 et a depuis exposé au Royaume-Uni et à l'étranger. Elle vit et travaille à Londres.

In occasione del suo 20° anniversario, la Robert Morat Galerie è lieta di presentare la prima mostra personale in Germania dell'artista britannica Hannah Hughes.

Hannah Hughes è un'artista crossmediale che lavora con la fotografia, il collage e l'arte degli oggetti. Il suo lavoro esplora il rapporto tra immagine, scultura e linguaggio, concentrandosi sul potenziale dello spazio negativo e sul recupero e riutilizzo di materiali di scarto. La pratica di Hughes incorpora strategie di frammentazione e ricostruzione. I suoi collage bidimensionali sono spesso descritti come sculture piatte o fotografie scultoree.

Hannah Hughes utilizza materiali che ricordano il tatto quotidiano, come la carta delle riviste patinate, gli imballaggi in pasta e l'argilla. Questa attenzione alla tattilità posiziona il lavoro in relazione ai confini del corpo e agli spazi che si creano quando i corpi si intersecano con l'ambiente circostante. L'artista esplora i bordi dell'immagine fotografica: nella serie di collage C-Type, ad esempio, una forma si sovrappone alla superficie di un'altra, creando un confine visibile all'interno della fotografia che può essere osservata completamente di lato.

Hannah Hughes (*1975, Regno Unito) si è laureata all'Università di Brighton nel 1997 e da allora ha esposto sia nel Regno Unito che a livello internazionale. Vive e lavora a Londra.

Celebrating its 20. anniversary, Robert Morat Galerie is very happy to be able to present the first German solo exhibition for British artist Hannah Hughes.

Hannah Hughes is a visual artist working in photography, collage, and sculpture. Her work explores the relationship between image, object and language, focusing on the potential of negative space and the salvaging and re-use of discarded materials. Hughes’s practice involves strategies of fragmentation and reconstruction. Her two-dimensional collages are often described as either flat sculptures or sculptural photographs.

Hannah Hughes uses materials that invite the memory of the everyday touch, such as paper stocks used in glossy magazines, pulp packaging, and clay. This focus on tactility positions the work in relation to the body's boundaries and the spaces created where bodies intersect with their surroundings. She examines edges within the photographic image – for example, in her series of two-part C-Type collages, one form intersects the surface of another, creating a visible border within the photograph, which can be viewed fully from the side.

Hannah Hughes (*1975, UK) graduated from the University of Brighton in 1997 and has since exhibited in the UK and internationally. She lives and works in London.

(Text: Robert Morat Galerie, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
12. April – 1. September 2024

Michael Wesely. Berlin 1860 – 2023

Wie lässt sich die räumliche und architektonische Entwicklungsdynamik einer Stadt fotografisch visualisieren? Wie kann Fotografie überhaupt Zeit und Leben einfangen? In zwei neuen Werkkomplexen spürt der international bekannte Fotograf Michael Wesely die in historischen Architekturfotografien Berlins bewahrten Fragmente vergangener Wirklichkeiten auf. Er erforscht damit die archivischen Dimensionen des Mediums Fotografie.

Für Doubleday legt Wesely seine eigenen Aufnahmen passgenau über alte Fotografien von Berliner Architekturen aus dem 19. und 20. Jahrhundert und schafft damit atemberaubende Zeitsprünge zwischen Einst und Heute: Flaneure des 19. Jahrhunderts am Alexanderplatz begegnen Touristen von heute, Ruinen werden von wiederaufgebauten Kopien der Gebäude überblendet, an die Stelle des Schlosses Montbijou ist ein Park getreten.

In der Serie Human Conditions richtet der Künstler den Fokus auf die in den großformatigen Aufnahmen der Preußischen Messbildanstalt eingeschlossenen Lebensspuren der Menschen um 1900. Weselys Faszination gilt insbesondere dem spukhaften Verschwinden von Menschen in Bewegung, deren Konturen durch die langen Aufnahmezeiten nicht festgehalten wurden und deren Schemen er akribisch herauspräpariert.

Daneben präsentiert das Museum für Fotografie auch Arbeiten Michael Weselys aus vergangenen Jahren. Dazu zählt der erst kürzlich abgeschlossene Zyklus zum Leipziger und Potsdamer Platz, der die Entstehung des neuen Stadtquartiers von 1997 bis 2021 verfolgte. Eine weitere Werkgruppe zeigt Demonstrationen und Protestversammlungen, die von Wesely jeweils für einige Minuten aufgenommen wurden und in ihrer Flüchtigkeit nur Spuren und Schemen hinterließen. Sie werden mit bildjournalistischen Aufnahmen städtischen Lebens und von Demonstrationen der Fotografen Willy Römer und Bernard Larsson aus der Sammlung Fotografie der Kunstbibliothek ins Gespräch gebracht.

Comment la dynamique de développement spatial et architectural d'une ville peut-elle être visualisée par la photographie ? Comment la photographie peut-elle capturer le temps et la vie ? Dans deux nouveaux ensembles d'œuvres, le photographe de renommée internationale Michael Wesely traque les fragments de réalités passées conservés dans les photographies historiques d'architecture de Berlin. Il explore ainsi les dimensions archivistiques du médium photographique.

Pour Doubleday, Wesely superpose avec précision ses propres clichés sur d'anciennes photographies d'architectures berlinoises des 19e et 20e siècles, créant ainsi des sauts dans le temps époustouflants entre autrefois et aujourd'hui : les flâneurs du 19e siècle sur l'Alexanderplatz rencontrent les touristes d'aujourd'hui, les ruines sont recouvertes de copies reconstruites des bâtiments, un parc a remplacé le château de Montbijou.

Dans la série Human Conditions, l'artiste se concentre sur les traces de vie des personnes de 1900 enfermées dans les clichés grand format de la Preußische Messbildanstalt. La fascination de Wesely s'exerce en particulier sur la disparition hantée des personnes en mouvement, dont les contours n'ont pas été fixés par les longues durées de prise de vue et dont il dissèque méticuleusement les schémas.

Par ailleurs, le Museum für Fotografie présente également des travaux de Michael Wesely datant de plusieurs années. Parmi eux, le cycle récemment achevé sur les Leipziger et Potsdamer Platz, qui a suivi la création du nouveau quartier de la ville de 1997 à 2021. Un autre groupe d'œuvres montre des manifestations et des rassemblements de protestation, enregistrés à chaque fois par Wesely pendant quelques minutes et dont la fugacité n'a laissé que des traces et des schémas. Vous serez mis en dialogue avec des images journalistiques de la vie urbaine et de manifestations prises par les photographes Willy Römer et Bernard Larsson de la collection Photographie de la bibliothèque d'art.

Come si possono visualizzare fotograficamente le dinamiche di sviluppo spaziale e architettonico di una città? Come può la fotografia catturare il tempo e la vita? In due nuovi lavori, il fotografo di fama internazionale Michael Wesely ripercorre i frammenti di realtà passate conservati nelle fotografie architettoniche storiche di Berlino. In questo modo, esplora le dimensioni archivistiche del mezzo fotografico.

Per Doubleday, Wesely sovrappone le proprie fotografie proprio a vecchie foto dell'architettura berlinese del XIX e XX secolo, creando salti temporali mozzafiato tra il passato e il presente: i passeggiatori del XIX secolo ad Alexanderplatz incontrano i turisti di oggi, le rovine sono sovrapposte a copie ricostruite degli edifici, un parco ha preso il posto del Palazzo di Montbijou.

Nella serie Human Conditions, l'artista si concentra sulle tracce della vita delle persone intorno al 1900 catturate nelle fotografie di grande formato dell'Istituto di misurazione prussiano. Wesely è particolarmente affascinato dalla spettrale scomparsa delle persone in movimento, i cui contorni non sono stati catturati a causa dei lunghi tempi di esposizione e di cui prepara meticolosamente i contorni.

Il Museo della Fotografia presenta anche opere di Michael Wesely degli anni precedenti. Tra queste, il ciclo recentemente completato su Leipziger Platz e Potsdamer Platz, che ha seguito lo sviluppo del nuovo quartiere cittadino dal 1997 al 2021. Un altro gruppo di opere mostra manifestazioni e raduni di protesta, ognuno dei quali è stato fotografato da Wesely per pochi minuti, lasciando dietro di sé solo tracce e contorni nella loro natura fugace. Sono messe in dialogo con le immagini fotogiornalistiche della vita urbana e delle manifestazioni dei fotografi Willy Römer e Bernard Larsson, provenienti dalla collezione fotografica della Biblioteca d'Arte.

How can the spatial and architectural development dynamics of a city be visualized photographically? How can photography capture time and life? In two new bodies of work, the internationally renowned photographer Michael Wesely traces the fragments of past realities preserved in historical architectural photographs of Berlin. In doing so, he explores the archival dimensions of the medium of photography.

For Doubleday, Wesely superimposes his own photographs precisely over old photographs of Berlin architecture from the 19th and 20th centuries, creating breathtaking leaps in time between the past and present: 19th-century strollers on Alexanderplatz encounter tourists from today, ruins are superimposed on reconstructed copies of the buildings, a park has taken the place of Montbijou Palace.

In the Human Conditions series, the artist focuses on the traces of people's lives around 1900 enclosed in the large-format photographs of the Prussian Measuring Institute. Wesely is particularly fascinated by the spooky disappearance of people in motion, whose contours were not captured by the long exposure times and whose schemes he meticulously dissects.

The Museum of Photography is also presenting works by Michael Wesely from previous years. These include the recently completed cycle on Leipziger Platz and Potsdamer Platz, which followed the development of the new city quarter from 1997 to 2021. Another group of works shows demonstrations and protest gatherings, each of which Wesely took up for a few minutes, leaving behind only traces and outlines in their fleeting nature. They are brought into conversation with photojournalistic images of urban life and demonstrations by photographers Willy Römer and Bernard Larsson from the Art Library's photography collection.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)

CAMERA WORK | Berlin
20. April – 1. Juni 2024

Hawai‘i
Olaf Heine

Der Fotograf Olaf Heine ist ein Essayist unserer Zeit, dessen Oeuvre von tiefgründig komponierter Narration bestimmt ist. Dazu zählen auch seine Betrachtungen der Inselkette Hawai‘i, die der international renommierte Künstler in einer nie dagewesenen Vielfalt seit vielen Jahren fotografisch beschreibt. Dabei erfasst er den Ozean als Architekten jener acht Inseln, der auch den Lebensrhythmus seiner Bewohner definiert. Die Komplexität dieses Zusammenspiels wird in Heines Arbeiten deutlich; sie berührt neben kraftvoller Naturfotografie zudem gesellschaftsrelevante Aspekte, und es erwächst eine ganzheitliche Betrachtung Hawai‘is. Tradition und Alltag sowie unberührt anmutende Natur und menschliche Einflussnahme werden als allgegenwärtige Kontraste reflektierbar und durch Heines klare Bildsprache geeint. Mit der Serie »Hawai‘i« hat der Künstler eine Allegorie des dortigen Lebensgefühls geschaffen.

Olaf Heine (*1968) ist international bekannt für seine hintergründig und detailreich konzipierten Porträts von Kunstschaffenden und Sportlern sowie für eindrucksvolle Architektur- und Landschaftsfotografie. Nach einer Ausbildung zum Fotografen und Kommunikationsdesigner am renommierten Berliner Lette Verein, gelingt ihm mit dem Umzug nach Los Angeles in den späten 1990er Jahren der internationale Durchbruch. Seit dieser Zeit entstanden weltberühmte Porträts von Persönlichkeiten wie Cate Blanchett, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, The Eagles und U2. Olaf Heine etablierte sich zudem als Regisseur für preisgekrönte Musikvideos, Kurz- und Werbefilme und prägte die Bildsprache vieler Bands entscheidend mit. Seine fotografischen Arbeiten wurden auf zahlreichen Album- und Zeitschriftencovern sowie in sechs Fotobüchern veröffentlicht: »Leaving the Comfort Zone« (2008), »I Love You But I've Chosen Rock« (2011), »Brazil« (2014, 2024), »Rwandan Daughters« (2019), »Human Conditions« (2022) und »Hawai‘i« (2024) – und sind Teil renommierter privater und öffentlicher Sammlungen. Olaf Heine lebt und arbeitet derzeit zwischen Berlin und Los Angeles.

Le photographe Olaf Heine est un essayiste de notre temps dont l'œuvre est déterminée par une narration profondément composée. En font partie ses réflexions sur le chapelet d'îles d'Hawaï, que l'artiste de renommée internationale décrit depuis de nombreuses années par la photographie dans une diversité sans précédent. Il saisit l'océan comme l'architecte de ces huit îles, qui définit également le rythme de vie de ses habitants. La complexité de cette interaction apparaît clairement dans les travaux de Heine ; outre la photographie puissante de la nature, elle touche également à des aspects sociétaux, et il en résulte une vision globale de Hawai'i. La tradition et le quotidien ainsi que la nature intacte et l'influence humaine sont reflétés comme des contrastes omniprésents et unis par le langage visuel clair de Heine. Avec la série "Hawai'i", l'artiste a créé une allégorie du mode de vie local.

Olaf Heine (*1968) est connu internationalement pour ses portraits d'artistes et de sportifs, conçus avec profondeur et détails, ainsi que pour ses impressionnantes photographies d'architecture et de paysages. Après une formation de photographe et de designer en communication au célèbre Lette Verein de Berlin, il réussit à percer sur la scène internationale en s'installant à Los Angeles à la fin des années 1990. Depuis cette époque, il a réalisé des portraits mondialement connus de personnalités telles que Cate Blanchett, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, The Eagles et U2. Olaf Heine s'est également établi comme réalisateur de clips musicaux, de courts-métrages et de films publicitaires primés et a contribué de manière décisive à façonner le langage visuel de nombreux groupes. Ses travaux photographiques ont été publiés sur de nombreuses couvertures d'albums et de magazines ainsi que dans six livres de photos : "Leaving the Comfort Zone" (2008), "I Love You But I've Chosen Rock" (2011), "Brazil" (2014, 2024), "Rwandan Daughters" (2019), "Human Conditions" (2022) et "Hawai'i" (2024) - et font partie de collections privées et publiques renommées. Olaf Heine vit et travaille actuellement entre Berlin et Los Angeles.

Il fotografo Olaf Heine è un saggista del nostro tempo la cui opera è caratterizzata da una narrazione profondamente composta. Tra queste vi sono le sue osservazioni sulla catena di isole Hawai'i, che l'artista di fama internazionale descrive fotograficamente in una diversità senza precedenti da molti anni. Nel farlo, cattura l'oceano come architetto di queste otto isole, che definisce anche il ritmo di vita dei suoi abitanti. La complessità di questa interazione diventa chiara nel lavoro di Heine; oltre alla potente fotografia naturalistica, tocca anche aspetti socialmente rilevanti ed emerge una visione olistica delle Hawaii. La tradizione e la vita quotidiana, la natura apparentemente incontaminata e l'influenza dell'uomo sono riflessi come contrasti onnipresenti e unificati dal chiaro linguaggio visivo di Heine. Con la serie "Hawai'i", l'artista ha creato un'allegoria dell'atteggiamento locale nei confronti della vita.

Olaf Heine (*1968) è noto a livello internazionale per i suoi ritratti enigmatici e dettagliati di artisti e atleti e per le sue impressionanti fotografie di architettura e paesaggio. Dopo essersi formato come fotografo e designer della comunicazione presso il rinomato Lette Verein di Berlino, ha fatto il suo ingresso a livello internazionale quando si è trasferito a Los Angeles alla fine degli anni Novanta. Da allora ha realizzato ritratti di fama mondiale di personalità come Cate Blanchett, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, Eagles e U2. Olaf Heine si è anche affermato come regista di pluripremiati video musicali, cortometraggi e film pubblicitari e ha svolto un ruolo decisivo nel plasmare il linguaggio visivo di molte band. Le sue opere fotografiche sono state pubblicate su numerose copertine di album e riviste e in sei libri fotografici: "Leaving the Comfort Zone" (2008), "I Love You But I've Chosen Rock" (2011), "Brazil" (2014, 2024), "Rwandan Daughters" (2019), "Human Conditions" (2022) e "Hawai'i" (2024) - e fanno parte di rinomate collezioni private e pubbliche. Olaf Heine vive e lavora attualmente tra Berlino e Los Angeles.

The photographer Olaf Heine is an essayist of our time whose oeuvre is characterized by profoundly composed narration. This includes his observations of the Hawai‘i island chain, which the internationally renowned artist has been photographically describing for many years in unprecedented variety. He captures the ocean as the architect of those eight islands, which also defines the rhythm of life of its inhabitants. The complexity of this interplay becomes clear in Heine's work. In addition to powerful nature photography, it also touches on socially relevant aspects, from which emerges a holistic view of Hawai‘i. Tradition and everyday life as well as seemingly untouched nature and human influence are reflected as omnipresent contrasts and unified by Heine's clear visual language. With the »Hawai’i« series, the artist has created an allegory of the local attitude to life.

Olaf Heine (*1968) is internationally renowned for his enigmatic and detailed portraits of artists and athletes as well as his impressive architecture and landscape photography. Aler studying photography and communication design at the renowned Lene Verein in Berlin, he made his international breakthrough when he moved to Los Angeles in the late 1990s. Since then, he has created world-famous portraits of personalities such as Cate Blanche, Nick Cave, Kurt Cobain, Coldplay, The Eagles, and U2. Olaf Heine also established himself as a director for award-winning music videos, short films, and commercials and played a decisive role in shaping the visual language of many bands. His photographic works have been published on numerous album and magazine covers as well as in six photo books: »Leaving the Comfort Zone« (2008), »I Love You But I've Chosen Rock« (2011), »Brazil« (2014, 2024), »Rwandan Daughters« (2019), »Human Conditions« (2022), and »Hawai‘i« (2024) — and are part of renowned private and public collections. Olaf Heine currently lives and works between Berlin and Los Angeles.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

Fotografiska Berlin
26. April – 18. August 2024

Un/Masked
Elizaveta Porodina

Mit der Ausstellung Un/Masked gewährt die Künstlerin Elizaveta Porodina uns den Blick hinter unsere Masken und hält uns damit den Spiegel vor. Ihre abstrakten und surrealistischen Fotografien reflektieren im Zusammenspiel von Licht, Farbe und Schatten auch ihre innere Welt.

Die in Moskau geborene und in München lebende Künstler kam als Jugendliche als sogenannter „jüdischer Kontingentflüchtling“ nach Deutschland. Sie fühlte sich entwurzelt und ausgeschlossen. Inspiriert von den Werken von Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel und Pablo Picasso wurde die Malerei zu ihrem Ventil. Sie mischte starke Farben mit ausdrucksstarken Gesichtern. Diesem Stil ist sie bis heute treu geblieben. Ihre Motive entstehen nicht mehr mit dem Pinsel, sondern am Set durch sorgfältig arrangierte Kulissen und kunstvolle Beleuchtung.

In Un/Masked lädt Porodina uns ein, über die menschliche Natur nachzudenken. Als studierte klinische Psychologin, interessiert sie sich für von Emotionen geleitetes Verhalten. Ihre Kunst versteht sie als Experiment, bei dem sie sich widersprechende Dinge kombiniert. Im Zentrum stehen dabei die Menschen, die sich als eigene Universen nach Verbindung sehnen.

Mit ihren poetischen Fotografien hat Porodina entscheidend zur zeitgenössischen Fotografie beigetragen.

Avec l'exposition Un/Masked, l'artiste Elizaveta Porodina nous offre un regard derrière nos masques et nous tend ainsi un miroir. Ses photographies abstraites et surréalistes reflètent également son monde intérieur par le jeu de la lumière, des couleurs et des ombres.

L'artiste, née à Moscou et vivant à Munich, est arrivée en Allemagne à l'adolescence en tant que "réfugiée juive de contingent". Elle s'est sentie déracinée et exclue. Inspirée par les œuvres d'Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel et Pablo Picasso, la peinture est devenue son exutoire. Elle a mélangé des couleurs fortes avec des visages expressifs. Elle est restée fidèle à ce style jusqu'à aujourd'hui. Ses motifs ne sont plus créés avec le pinceau, mais sur le plateau grâce à des décors soigneusement arrangés et à un éclairage artistique.

Dans Un/Masked, Porodina nous invite à réfléchir sur la nature humaine. Psychologue clinicienne de formation, elle s'intéresse aux comportements guidés par les émotions. Elle conçoit son art comme une expérience dans laquelle elle combine des choses contradictoires. Au centre de son travail se trouvent les êtres humains, qui aspirent à être reliés entre eux comme des univers à part entière.

Avec ses photographies poétiques, Porodina a apporté une contribution décisive à la photographie contemporaine.

Con la mostra Un/Masked, l'artista Elizaveta Porodina ci fa intravedere dietro le nostre maschere e ci regala uno specchio. Le sue fotografie astratte e surrealiste riflettono anche il suo mondo interiore attraverso il gioco di luci, colori e ombre.

L'artista, nata a Mosca e residente a Monaco di Baviera, è arrivata in Germania da adolescente come cosiddetta "rifugiata del contingente ebraico". Si sentiva sradicata ed esclusa. Ispirata dalle opere di Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel e Pablo Picasso, la pittura è diventata il suo sfogo. Mescola colori forti e volti espressivi. Ancora oggi è rimasta fedele a questo stile. I suoi motivi non sono più creati con un pennello, ma sul set con fondali accuratamente disposti e luci artistiche.

In Un/Masked, Porodina ci invita a riflettere sulla natura umana. Come psicologa clinica di formazione, è interessata al comportamento guidato dalle emozioni. Vede la sua arte come un esperimento in cui combina cose contraddittorie. Al centro del suo lavoro ci sono le persone che, come universi a sé stanti, desiderano un legame.

Con le sue fotografie poetiche, Porodina ha dato un contributo decisivo alla fotografia contemporanea.

In Un/Masked, artist Elizaveta Porodina invites us to peer behind our masks, holding up a mirror to ourselves. Her abstract and surrealist photographs, in the interplay of light, color, and shadow, also reflect her inner world.

Born in Moscow and based in Munich, the artist arrived in Germany as a teenager as a so-called “quota refugee”, feeling displaced and isolated. Painting became an escape; studying the works of Henri Matisse, Pierre-Auguste Renoir, Mikhail Vrubel, and Pablo Picasso became a passion. Mixing bold colors with expressive faces, she has remained true to this style. Her subjects are no longer painted with brushes but come to life through carefully arranged sets and artistic lighting.

In Un/Masked, Porodina invites us to reflect on human nature. As a trained clinical psychologist, she is intrigued by emotion-driven behavior. She sees her art as an experiment, combining the hidden and contradictory sides of ourselves. At its core are people, each their own universe yearning to connect with others.

With her poetic photographs, Elizaveta Porodina has made a significant contribution to contemporary photography.

(Text: Fotografiska Berlin)

CHAUSSEE 36 Photo Foundation | Berlin
27. April – 20. Juni 2024

Maisie Cousins: SMORGASBORD

Die CHAUSSEE 36 Photo Foundation freut sich, die erste Einzelausstellung der bildenden Künstlerin Maisie Cousins in Deutschland zu präsentieren. SMORGASBORD zeigt eine kuratierte Auswahl von Werken aus den Jahren 2017 bis 2024, und veranschaulicht die Bandbreite von Cousins' visueller Sprache und ihrer künstlerischen Handschrift.

Die frühesten Arbeiten von Cousins offenbaren ihr Interesse für die Erforschung von Natur, Sexualität und der dünnen, prekären Linie, an der Blumen, Lebensmittel und Körper für einen flüchtigen Augenblick ihren Reifepunkt erreichen. Die leuchtend farbigen Nahaufnahmen von Früchten, Blütenblättern, Haut und Käfern, die mit glänzender Flüssigkeit überzogen sind, schaffen es sowohl anzuziehen als auch abzustoßen. Die Arbeitsweise von Cousins hat eine viszerale Qualität; man kann die Arbeiten fast sehen, riechen, und fühlen. In vielen Bildern vermischen sich reife Körper und Früchte mit einer humorvollen Vieldeutigkeit darüber, was genau wir betrachten. Mit Werken, die entweder in extrem großem Format oder in kleineren, intimeren Stücken präsentiert werden, tauchen wir völlig in die farbenfrohe Welt der Künstlerin ein. Diese sensorische Anregung wird noch deutlicher, wenn man vor den vier Leuchtkästen steht, die den Bildern eine zusätzliche strahlende und kraftvolle Dimension verleihen. Unverschämt provokativ und sinnlich, feiern die Werke die Freude und Schönheit zwischen Attraktion und Aversion.

In Cousins' neuesten Arbeiten ist ein Wandel bei den von ihr fotografierten Objekten zu beobachten. Verwesendes, klebriges Essen und Blumen werden nun durch Mini-Plastikschweine, gekochte Bonbons oder einen bunten Hüpfball ersetzt. Darüber hinaus werden diese neuen Sujets in epischen oder kleinformatigen Fotografien präsentiert, immer in den für Cousins unverkennbaren, eng geschnittenen Kompositionen und leuchtenden Farben. Dieser Themenwechsel ist dadurch ausgelöst, dass Cousins Mutter geworden ist. Wo sie früher stets in ihrem Jugendzimmer oder am Küchentisch Blumen und Früchte fotografierte, findet sie jetzt Inspiration in einer häuslichen Umgebung und betrachtet die Welt durch nostalgisches Spielzeug und Süßigkeiten aus der Kindheit. Texturen sind hier genauso ausgeprägt, allerdings ist die glänzende Flüssigkeit der früheren Arbeiten verschwunden – vielmehr werden nun Teppiche, Seidendecken und Plastik zu den viszeralen Motiven.

Obwohl sie spielerisch und lustig scheinen, sind alle Werke, die hier in SMORGASBORD präsentiert werden, gleichzeitig kühne Zeugnisse, die den Körper, insbesondere den weiblichen, durch offene oder zweideutige Andeutungen zelebrieren. Man könnte argumentieren, dass Cousins mit ihren Arbeiten ein feministisches Statement setzt. Insbesondere ihre unordentlichen und klebrigen, fleischigen Bilder zielen darauf ab, die frauenfeindlichen Vorstellungen von perfekter, sauberer und zurückhaltender weiblicher Schönheit, die in der Bildsprache des Mainstreams so weit verbreitet sind, gründlich in Frage zu stellen.

Cousins' einzigartiger Stil der hellen, kühnen und organischen Komposition, gepaart mit ihrem politischen Statement, sind das Kernstück ihres Erfolgs. Mit ihrer witzigen, verführerischen und gesellschaftlich bedeutsamen Bildsprache ist Cousins zweifellos eine der aufregendsten bildenden Künstlerinnen ihrer Generation.

La CHAUSSEE 36 Photo Foundation est heureuse de présenter la première exposition individuelle de l'artiste visuelle Maisie Cousins en Allemagne. SMORGASBORD présente une sélection curatée d'œuvres de 2017 à 2024, et illustre l'étendue du langage visuel de Cousins et de sa signature artistique.

Les premiers travaux de Cousins révèlent son intérêt pour l'exploration de la nature, de la sexualité et de la ligne mince et précaire où les fleurs, les aliments et les corps atteignent leur point de maturité pour un instant fugace. Les gros plans aux couleurs vives de fruits, de pétales, de peau et de scarabées recouverts d'un liquide brillant parviennent à la fois à attirer et à repousser. La méthode de travail de Cousins a une qualité viscérale ; on peut presque voir, sentir et ressentir les œuvres. Dans de nombreux tableaux, les corps et les fruits mûrs se mêlent à une ambiguïté humoristique sur ce que nous regardons exactement. Avec des œuvres présentées soit en très grand format, soit en pièces plus petites et plus intimes, nous sommes totalement immergés dans le monde coloré de l'artiste. Cette stimulation sensorielle est encore plus évidente lorsque l'on se trouve devant les quatre caissons lumineux qui confèrent aux tableaux une dimension rayonnante et puissante supplémentaire. Impertinemment provocatrices et sensuelles, les œuvres célèbrent la joie et la beauté, entre attraction et aversion.

Dans les derniers travaux de Cousins, on observe un changement dans les objets qu'elle photographie. La nourriture et les fleurs en décomposition et collantes sont désormais remplacées par des mini-cochons en plastique, des bonbons cuits ou une balle gonflable multicolore. En outre, ces nouveaux sujets sont présentés dans des photographies épiques ou de petit format, toujours dans les compositions serrées et les couleurs vives qui font la réputation de Cousins. Ce changement de sujet est dû au fait que Cousins est devenue mère. Alors qu'elle avait l'habitude de photographier des fleurs et des fruits dans sa chambre d'adolescente ou sur la table de la cuisine, elle trouve désormais son inspiration dans un environnement domestique et regarde le monde à travers des jouets et des bonbons nostalgiques de son enfance. Les textures sont ici tout aussi prononcées, mais le liquide brillant des travaux précédents a disparu - ce sont plutôt les tapis, les couvertures en soie et le plastique qui deviennent les motifs viscéraux.

Bien qu'elles semblent ludiques et amusantes, toutes les œuvres présentées ici à SMORGASBORD sont également des témoignages audacieux qui célèbrent le corps, en particulier le corps féminin, par des allusions ouvertes ou ambiguës. On pourrait argumenter que Cousins fait une déclaration féministe avec ses travaux. En particulier, ses images désordonnées et collantes, charnelles, visent à remettre en question en profondeur les idées misogynes de beauté féminine parfaite, propre et réservée qui sont si répandues dans l'imagerie mainstream.

Le style unique de Cousins, fait de compositions lumineuses, audacieuses et organiques, associé à sa déclaration politique, est au cœur de son succès. Avec son langage visuel drôle, séduisant et socialement significatif, Cousins est sans aucun doute l'une des artistes visuelles les plus passionnantes de sa génération.

CHAUSSEE 36 Photo Foundation è lieta di presentare la prima mostra personale dell'artista visiva Maisie Cousins in Germania. SMORGASBORD presenta una selezione curata di opere dal 2017 al 2024, che illustrano l'ampiezza del linguaggio visivo e della firma artistica di Cousins.

Le prime opere di Cousins rivelano il suo interesse per l'esplorazione della natura, della sessualità e della linea sottile e precaria in cui fiori, cibo e corpi raggiungono il loro punto di maturazione per un momento fugace. I primi piani dai colori vivaci di frutta, petali, pelle e insetti ricoperti di liquido lucido riescono ad attrarre e respingere allo stesso tempo. Il metodo di lavoro di Cousins ha una qualità viscerale; si possono quasi vedere, annusare e sentire le opere. In molti dipinti, corpi e frutti maturi si mescolano con un'ambiguità umoristica su cosa stiamo guardando esattamente. Con opere presentate in formato estremamente grande o in pezzi più piccoli e intimi, siamo completamente immersi nel mondo colorato dell'artista. Questa stimolazione sensoriale diventa ancora più evidente quando ci si trova di fronte ai quattro light box, che conferiscono ai dipinti un'ulteriore dimensione luminosa e potente. Spudoratamente provocatorie e sensuali, le opere celebrano la gioia e la bellezza tra attrazione e avversione.

Nelle ultime opere di Cousins si può osservare un cambiamento negli oggetti che fotografa. Cibo e fiori in decomposizione e appiccicosi sono ora sostituiti da maialini di plastica in miniatura, caramelle bollite o una pallina gonfiabile colorata. Inoltre, questi nuovi soggetti sono presentati in fotografie epiche o di piccolo formato, sempre con le composizioni strette e i colori vivaci tipici di Cousins. Questo cambiamento di soggetto è stato innescato dal fatto che Cousins è diventata madre. Se prima fotografava fiori e frutta nella sua stanza di adolescente o al tavolo della cucina, ora trova ispirazione in un ambiente domestico, guardando il mondo attraverso i giocattoli e i dolci nostalgici dell'infanzia. Le texture sono altrettanto pronunciate, anche se la fluidità lucida delle opere precedenti è scomparsa: tappeti, coperte di seta e plastica diventano ora i motivi viscerali.

Sebbene apparentemente giocose e divertenti, tutte le opere presentate in SMORGASBORD sono allo stesso tempo audaci testimonianze che celebrano il corpo, in particolare quello femminile, attraverso suggestioni palesi o ambigue. Si potrebbe sostenere che Cousins stia facendo una dichiarazione femminista con il suo lavoro. In particolare, le sue immagini disordinate, appiccicose e carnose mirano a sfidare a fondo le nozioni misogine di bellezza femminile perfetta, pulita e contenuta che sono così prevalenti nell'immaginario comune.

Lo stile unico di Cousins, fatto di composizioni luminose, audaci e organiche, unito alla sua dichiarazione politica, è alla base del suo successo. Con le sue immagini spiritose, seducenti e socialmente significative, Cousins è senza dubbio una delle artiste visive più interessanti della sua generazione.

CHAUSSEE 36 Photo Foundation is pleased to present the first solo exhibition of visual artist Maisie Cousins in Germany. SMORGASBORD features a curated selection of works from 2017 to 2024, illustrating the breadth of Cousins' visual language and artistic signature.

Cousins' earliest works reveal her interest in exploring nature, sexuality and the thin, precarious line where flowers, food and bodies reach their ripening point for a fleeting moment. The brightly colored close-ups of fruit, petals, skin and bugs coated in shiny liquid manage to both attract and repel. There is a visceral quality to Cousins' approach; you can almost see, smell, and feel the works. In many paintings, ripe bodies and fruit intermingle with a humorous ambiguity about what exactly we are looking at. With works presented either in extremely large format or in smaller, more intimate pieces, we are fully immersed in the artist's colorful world. This sensory stimulation becomes even clearer when standing in front of the four light boxes, which lend the paintings an additional radiant and powerful dimension. Unashamedly provocative and sensual, the works celebrate the joy and beauty between attraction and aversion.

In Cousins' latest works, a shift can be observed in the objects she photographs. Decaying, sticky food and flowers are now replaced by miniature plastic pigs, boiled sweets or a colorful bouncy ball. Moreover, these new subjects are presented in epic or small-format photographs, always in Cousins' signature tightly cropped compositions and bright colors. This change of subject was triggered by the fact that Cousins has become a mother. Where she used to photograph flowers and fruit in her teenage room or at the kitchen table, she now finds inspiration in a domestic setting, looking at the world through nostalgic childhood toys and sweets. Textures are just as pronounced here, though the glossy fluidity of the earlier works has disappeared - instead, rugs, silk blankets and plastic now become the visceral motifs.

While seemingly playful and fun, all of the works presented here in SMORGASBORD are simultaneously bold testaments that celebrate the body, particularly the female body, through overt or ambiguous suggestion. One could argue that Cousins is making a feminist statement with her work. In particular, her messy and sticky, fleshy images aim to thoroughly challenge the misogynistic notions of perfect, clean and restrained female beauty that are so prevalent in mainstream imagery.

Cousins' unique style of bright, bold and organic composition, coupled with her political statement, are at the heart of her success. With her witty, seductive and socially significant imagery, Cousins is undoubtedly one of the most exciting visual artists of her generation.

(Text: CHAUSSEE 36 Photo Foundation, Berlin)

Akademie der Künste | Berlin
9. Mai – 4. August 2024

Poesie der Zeit. Michael Ruetz – Timescapes 1966–2023

Wie lassen sich Zeit und Vergänglichkeit sichtbar machen, wie Umbrüche und Veränderungen einer Gesellschaft oder eines Stadtraumes dokumentieren? Wie kaum ein anderer Künstler hat sich Michael Ruetz mit diesen Fragen beschäftigt. Seit Mitte der 1960er-Jahre beobachtete er in einer großangelegten fotografischen Studie den Wandel natürlicher und urbaner Lebenswelten an Orten in Berlin, Deutschland und Europa und hielt die Veränderungen in einer Folge von Bestands- und Momentaufnahmen fest. Seine Timescapes entstanden in einem Zeitraum von fast sechzig Jahren und umfassen mehr als 600 Serien mit tausenden von Aufnahmen. Das zentrale Konzept der Timescapes besteht darin, dass Standort und Sichtachse der Kamera stets dieselben sind, nur die Zeitintervalle der Bilderserien variieren.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Timescapes von Berlin. Der tiefgreifende Wandel der deutschen Gesellschaft in der Nachkriegszeit, nach der Wiedervereinigung und in der Gegenwart ist in den Fotoserien besonders wirkungsvoll verdichtet. Schauplätze der Macht oder von historischer Relevanz wie der Potsdamer Platz, das Brandenburger Tor, der Schlossplatz, Gendarmenmarkt, das Regierungsviertel oder die Berliner Mauer haben vor allem seit 1989/90 eine rasante Änderung erfahren. Gebäude und Blickachsen verschwinden oder entstehen neu, Straßen werden zurückgeführt oder anders benannt, Plätze radikal umgestaltet, freie Flächen bebaut, Brachen wiederbelebt.

Ruetz’ Berlinaufnahmen erzählen davon, wie Architektur unsere Lebensräume aus- und umgestalten kann und damit eine Deutungshoheit über unsere Wahrnehmung erlangt. Dabei entwickeln seine Bilderserien eine eigene Ästhetik abseits dokumentarischer Nüchternheit und offenbaren so eine Poesie der Zeit. Zugleich mahnen Ruetz’ Bilder dazu, in einer Zeit existentieller ökologischer und sozialer Krisen, die Prinzipien von Stadtentwicklung und Städtebau neu zu überdenken.

Zur Ausstellung erscheinen Fotoleporellos mit ausgewählten Berlin-Timescapes.

Der Dokumentarfilm Facing Time von Annett Ilijew wird das Rahmenprogramm zur Ausstellung ergänzen.

Comment rendre visible le temps et l'éphémère, comment documenter les bouleversements et les changements d'une société ou d'un espace urbain ? Michael Ruetz s'est penché sur ces questions comme peu d'autres artistes. Depuis le milieu des années 1960, il a observé, dans le cadre d'une étude photographique de grande envergure, la transformation de milieux de vie naturels et urbains dans des lieux de Berlin, d'Allemagne et d'Europe, et a fixé les changements dans une succession de photos d'inventaire et d'instantanés. Ses Timescapes ont été réalisés sur une période de près de soixante ans et comprennent plus de 600 séries avec des milliers de prises de vue. Le concept central des Timescapes est que l'emplacement et l'axe de vision de l'appareil photo sont toujours les mêmes, seuls les intervalles de temps des séries d'images varient.

Les Timescapes de Berlin sont au cœur de l'exposition. Les changements profonds de la société allemande dans l'après-guerre, après la réunification et à l'heure actuelle sont condensés de manière particulièrement efficace dans les séries de photos. Les lieux de pouvoir ou d'importance historique comme la Potsdamer Platz, la porte de Brandebourg, la place du château, le Gendarmenmarkt, le quartier du gouvernement ou le mur de Berlin ont connu des changements fulgurants, surtout depuis 1989/90. Des bâtiments et des axes visuels disparaissent ou se créent, des rues sont ramenées ou renommées, des places sont radicalement transformées, des espaces libres sont construits, des friches sont réanimées.

Les photos de Berlin de Ruetz racontent comment l'architecture peut aménager et transformer nos espaces de vie et acquérir ainsi une souveraineté d'interprétation sur notre perception. Ce faisant, ses séries d'images développent une esthétique propre, loin de la sobriété documentaire, et révèlent ainsi une poésie du temps. En même temps, les images de Ruetz nous invitent à repenser les principes du développement et de l'urbanisme à une époque de crises écologiques et sociales existentielles.

L'exposition s'accompagne de la publication d'une sélection de timescapes berlinois.

Le film documentaire Facing Time d'Annett Ilijew complètera le programme cadre de l'exposition.

Come rendere visibili il tempo e la transitorietà, come documentare gli sconvolgimenti e i cambiamenti di una società o di uno spazio urbano? Michael Ruetz ha esplorato queste domande più di qualsiasi altro artista. Dalla metà degli anni Sessanta, ha osservato la trasformazione degli ambienti naturali e urbani in luoghi di Berlino, della Germania e dell'Europa in uno studio fotografico su larga scala e ha registrato i cambiamenti in una serie di immagini esistenti e istantanee. I suoi Timescapes sono stati creati in un periodo di quasi sessant'anni e comprendono più di 600 serie con migliaia di fotografie. Il concetto centrale dei paesaggi temporali è che la posizione e la linea di vista della macchina fotografica sono sempre le stesse, solo gli intervalli di tempo tra le serie di immagini variano.

I paesaggi temporali di Berlino sono al centro della mostra. La profonda trasformazione della società tedesca nel dopoguerra, dopo la riunificazione e nel presente è condensata in modo particolarmente efficace nelle serie di foto. Luoghi di potere o di rilevanza storica come Potsdamer Platz, la Porta di Brandeburgo, Schlossplatz, Gendarmenmarkt, il quartiere governativo o il Muro di Berlino hanno subito un rapido cambiamento, soprattutto a partire dal 1989/90. Edifici e assi visivi sono scomparsi. Edifici e assi visivi sono scomparsi o sono emersi di nuovo, le strade sono state ridotte o rinominate, le piazze sono state radicalmente ridisegnate, gli spazi aperti sono stati edificati, i terreni incolti sono stati rivitalizzati.

Le fotografie di Berlino di Ruetz raccontano come l'architettura possa plasmare e rimodellare i nostri spazi di vita, guadagnando così una sovranità interpretativa sulla nostra percezione. Le sue serie di immagini sviluppano una propria estetica al di là della sobrietà documentaria, rivelando una poesia del tempo. Allo stesso tempo, le immagini di Ruetz ci spingono a ripensare i principi dello sviluppo urbano e della pianificazione urbanistica in un momento di crisi ecologica e sociale esistenziale.

La mostra sarà accompagnata da opuscoli fotografici con paesaggi temporali berlinesi selezionati.

Il film documentario Facing Time di Annett Ilijew completerà il programma di supporto della mostra.

How to make visible the passage of time and transience, how to document the ruptures and changes that occur in societies and urban environments? These are the questions that Michael Ruetz – like few other artists – addresses in his work. Since the mid-60s he has observed the transformation of natural and urban habitats in locations in Berlin and elsewhere in Europe in a large-scale photographic study, capturing the changes in a series of photographic snapshots and inventory images. His Timescapes came about over a period of nearly sixty years and comprise more than 600 series made up of thousands of photos. The central concept of Timescapes is that the position and visual axis of the camera always remain the same, while only the time intervals of the photo series vary.

At the heart of the exhibition are the Timescapes of Berlin. The photo series present a particularly powerful consolidation of the far-reaching transformation of German society in the post-war period, after reunification and up to the present day. Sites of power or historical relevance such as Potsdamer Platz or the Brandenburg Gate, the Schlossplatz, Gendarmenmarkt, Berlin’s government quarters or the Berlin Wall have undergone radical change, particularly since 1989/90. Buildings and visual axes disappear or are built anew, streets are returned to previous states or renamed, squares are radically redesigned, open spaces built upon, vacant spaces given new life.

Ruetz’ images of Berlin are an expression of how architecture can shape and redefine our environment, thus giving it a prerogative of interpretation over our perception. His photo series develop their own aesthetics beyond documentary sobriety, revealing a poetry of time in the process. At the same time, Ruetz’ photos admonish us, in these times of environmental and social crises, to rethink the principles of urban planning and development.

Photo leporellos with selected Berlin Timescapes will be published with the exhibition.

The documentary film Facing Time by Annett Ilijew supplements the exhibition programme.

(Text: Akademie der Künste, Berlin)

C/O Berlin
1. Juni – 5. September 2024

Tyler Mitchell

Tyler Mitchell (*1995, USA) wird von paradiesischen Träumen vor dem Hintergrund der Geschichte inspiriert. Seit seinem Aufstieg in der Modewelt hat Mitchell eine visuelle Erzählung von Schönheit, Stil, Utopie und Landschaft geschaffen, die die Visionen vom Leben Schwarzer Menschen erweitern. Die Ausstellung präsentiert neue Perspektiven auf seine beständigen Themen der Selbstbestimmung und der außergewöhnlichen Aura des Alltäglichen und zeigt, wie Porträts in der Vergangenheit verwurzelt sein können und gleichzeitig eine imaginäre Zukunft hervorbringen. Mitchells facettenreiches Werk reicht von seiner farbintensiven Fotografie in Kuba und seinen in den USA, Europa und Westafrika entstandenen Porträts bis hin zu seinen Videoinstallationen, Skulpturen und neuesten Spiegel- und Stoffdrucken. Es zeigt die bedeutende Rolle der Fotografie bei der Gestaltung einer visuellen Welt, in der Zuflucht und Harmonie im Mittelpunkt stehen. C/O Berlin präsentiert die erste Einzelausstellung von Tyler Mitchell in Deutschland.

Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Art Mentor Foundation Lucerne.

Tyler Mitchell (*1995, États-Unis) s'inspire de rêves paradisiaques sur fond d'histoire. Depuis son ascension dans le monde de la mode, Mitchell a créé un récit visuel de beauté, de style, d'utopie et de paysage qui élargit les visions de la vie des personnes noires. L'exposition présente de nouvelles perspectives sur ses thèmes constants de l'autodétermination et de l'aura extraordinaire du quotidien, et montre comment les portraits peuvent être enracinés dans le passé tout en produisant un futur imaginaire. L'œuvre aux multiples facettes de Mitchell s'étend de sa photographie aux couleurs intenses à Cuba et de ses portraits réalisés aux États-Unis, en Europe et en Afrique de l'Ouest à ses installations vidéo, ses sculptures et ses dernières impressions sur miroir et tissu. Il montre le rôle important de la photographie dans la création d'un monde visuel où le refuge et l'harmonie sont au cœur des préoccupations. C/O Berlin présente la première exposition individuelle de Tyler Mitchell en Allemagne.

L'exposition est rendue possible grâce à l'Art Mentor Foundation Lucerne.

Tyler Mitchell (*1995, USA) si ispira a sogni paradisiaci sullo sfondo della storia. Fin dalla sua ascesa nel mondo della moda, Mitchell ha creato una narrazione visiva di bellezza, stile, utopia e paesaggio che amplia le visioni della vita nera. La mostra presenta nuove prospettive sui suoi temi duraturi dell'autodeterminazione e della straordinaria aura del quotidiano, dimostrando come la ritrattistica possa essere radicata nel passato e al contempo creare un futuro immaginario. Il lavoro poliedrico di Mitchell spazia dalla fotografia dai colori intensi a Cuba e dai ritratti realizzati negli Stati Uniti, in Europa e in Africa occidentale alle installazioni video, alle sculture e alle recenti stampe su specchio e tessuto. L'opera mostra l'importante ruolo della fotografia nel plasmare un mondo visivo in cui il rifugio e l'armonia sono al centro dell'attenzione. C/O Berlin presenta la prima mostra personale di Tyler Mitchell in Germania.

La mostra è resa possibile dalla Fondazione Art Mentor di Lucerna.

Tyler Mitchell (b. 1995, USA) is driven by dreams of paradise against the backdrop of history. Since his rise to prominence in the world of fashion, Mitchell has propelled a visual narrative of beauty, style, utopia, and the landscape that expands visions of Black life. C/O Berlin presents Mitchell’s first solo exhibition in Germany, offering new perspectives on his long-standing themes of self-determination and the extraordinary radiance of the everyday. It shows how portraiture can be rooted in the past while evoking imagined futures. Mitchell’s dynamic range of work, from his color-drenched photography in Cuba and his portraits made in the United States, Europe, and West Africa, to his video installations, sculptures, and his latest prints on mirrors and fabric, traces photography’s vital role in shaping a visual realm in which refuge and repose are central.

Made possible by Art Mentor Foundation Lucerne.

(Text: C/O Berlin)

C/O Berlin
1. Juni – 5. September 2024

Studio Rex - Jean-Marie Donat Collection

Welche Geschichten verbergen sich in den Archiven von Fotostudios? Was erzählen uns die Porträts von den Träumen und Hoffnungen jener Menschen, die ihre Heimat verlassen haben? Lässt sich die Erfahrung von Migration und kolonialer Vergangenheit anhand dieser Bilder nachvollziehen? Diese und andere Fragen sind eng mit der Geschichte des Studio Rex verbunden. Gelegen im südfranzösischen Marseille, war das von der armenisch-zyprischen Familie Kessayan über zwei Generationen geführte Fotostudio zwischen 1933 und 2018 Anlaufstelle vieler Migrant:innen. Die Bilder zeigen Menschen in förmlicher Kleidung, die mit ernstem Blick für das offizielle Passfoto posieren; Selbstinszenierungen vor diversen Kulissen und Requisiten oder aber Fotomontagen, die jene vom Mittelmeer getrennte Familien wieder zusammenführen. Ein Großteil des Archivs des Fotostudios befindet sich heute im Besitz des französischen Sammlers Jean-Marie Donat. C/O Berlin präsentiert zum ersten Mal in Deutschland einen Teil dieses umfangreichen Bestands aus Fotos und Fotonegativen, die zwischen 1966 und 1985 entstanden sind. Dabei entsteht nicht nur ein Dialog zwischen Afrika und Europa, sondern auch zwischen privater wie kollektiver Erinnerung und Vergessen, zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Organisiert von Les Rencontres d‘Arles in Zusammenarbeit mit C/O Berlin.

Quelles histoires se cachent dans les archives des studios de photographie ? Que nous disent les portraits des rêves et des espoirs de ces personnes qui ont quitté leur pays ? Ces visuels permettent-ils de comprendre l'expérience de la migration et du passé colonial ? Ces questions et d'autres sont étroitement liées à l'histoire du Studio Rex. Situé à Marseille, dans le sud de la France, ce studio photo géré par la famille chypriote arménienne Kessayan depuis deux générations a été le point de chute de nombreux migrants entre 1933 et 2018. Les visuels montrent des personnes en tenue formelle, posant avec un regard sérieux pour la photo d'identité officielle ; des mises en scène de soi devant divers décors et accessoires ou encore des photomontages réunissant ces familles séparées par la Méditerranée. Une grande partie des archives du studio de photographie est aujourd'hui la propriété du collectionneur français Jean-Marie Donat. C/O Berlin présente pour la première fois en Allemagne une partie de ce vaste fonds de photos et de négatifs photographiques réalisés entre 1966 et 1985. Il en résulte un dialogue non seulement entre l'Afrique et l'Europe, mais aussi entre la mémoire privée et collective et l'oubli, entre le passé et le présent.

Organisé par Les Rencontres d'Arles en collaboration avec C/O Berlin.

Quali storie si nascondono negli archivi degli studi fotografici? Cosa ci dicono i ritratti sui sogni e le speranze di chi ha lasciato la propria terra? L'esperienza della migrazione e il passato coloniale possono essere ripercorsi attraverso queste immagini? Queste e altre domande sono strettamente legate alla storia dello Studio Rex. Situato a Marsiglia, nel sud della Francia, lo studio fotografico, gestito dalla famiglia armeno-cipriota Kessayan per due generazioni, è stato un punto di riferimento per molti migranti tra il 1933 e il 2018. Le immagini mostrano persone in abiti formali, in posa con uno sguardo serio per la fototessera ufficiale; autoscatti davanti a vari fondali e oggetti di scena o fotomontaggi che riuniscono le famiglie separate dal Mediterraneo. Gran parte dell'archivio dello studio fotografico è ora di proprietà del collezionista francese Jean-Marie Donat. Per la prima volta in Germania, C/O Berlin presenta parte di questa vasta collezione di foto e negativi fotografici realizzati tra il 1966 e il 1985. Il risultato non è solo un dialogo tra Africa ed Europa, ma anche tra memoria privata e collettiva e oblio, tra passato e presente.

Organizzata da Les Rencontres d'Arles in collaborazione con C/O Berlin.

What hidden stories await discovery in photo studio archives? What can we discern in portraits flush with the hopes and dreams of individuals who have left their homeland? Can such images help us understand past experiences of migration and colonization? These and other questions are bound up in the history of Studio Rex, located in Marseille in the south of France and run for two generations by the Kessayans, an Armenian-Cypriot family, from 1933 to 2018. The studio was a meeting place for many migrants. The photographs include individuals in formalwear gazing solemnly at the camera as they pose for official passport photographs; self-stagings with props against a variety of backdrops as well as photomontages that unite families separated by the Mediterranean. Today, French collector Jean-Marie Donat owns much of the photo studio’s archive. For the first time in Germany, C/O Berlin will show a selection of works taken from this extensive collection of photographs and negatives from between 1966 and 1985. The images evoke a dialogue between Africa and Europe, as well as an exchange between private and collective memory and forgetting, and between past and present.

Produced by Les Rencontres d’Arles in cooperation with C/O Berlin.

(Text: C/O Berlin)

Berlinische Galerie – Museum für moderne Kunst
8. Juni – 14. Oktober 2024

Being, Seeing, Wandering – Hannah-Höch-Preis 2024
Akinbode Akinbiyi

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Großbritannien) erhält den Hannah-Höch-Preis 2024. Für seine Straßenaufnahmen erwandert Akinbiyi, der seit 1991 in Berlin lebt und arbeitet, die Metropolen dieser Welt. Lagos, Bamako, Berlin oder Durban – der Stadtraum ist sein Arbeitsplatz. Ein Ort, den er als „grenzenloses Labyrinth“ empfindet, „ein Irrgarten niemals endender Straßen, in unzählbaren Wegen zusammenfließend“, wie er 2009 formulierte. Akinbiyi fotografiert, was er beobachtet, analog und überwiegend in Schwarz-Weiß. Vor der Linse seiner Mittelformatkamera inszeniert sich die Wirklichkeit spielerisch, fast eigenständig. Seine Bilder sind visuelle Metaphern, die kulturellen Wandel und soziale Ausgrenzung ebenso thematisieren, wie die gesellschaftspolitischen und städtebaulichen Folgen des Kolonialismus.

Mit rund 120 Fotografien aus verschiedenen Langzeitserien gibt die Einzelausstellung Einblicke in das umfassende Werk des international bekannten Fotografen und Autors.

Der Hannah-Höch-Preis wird seit 1996 von der Kulturverwaltung des Berliner Senats für ein herausragendes künstlerisches Lebenswerk verliehen. Ausgezeichnet werden Künstler*innen mit Lebens- und Arbeitsschwerpunkt in Berlin, die durch eine kontinuierliche künstlerische Leistung hervorstechen. Der Preis ist mit 25.000 Euro dotiert und umfasst eine Ausstellung sowie eine Publikation. Die Auswahl erfolgt durch die Förderkommission Bildende Kunst der Kulturverwaltung des Berliner Senats, in der die Berlinische Galerie, die Stiftung Stadtmuseum Berlin, das Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin und der Neue Berliner Kunstverein vertreten sind.

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Grande-Bretagne) reçoit le prix Hannah Hoech 2024. Pour ses photos de rue, Akinbiyi, qui vit et travaille à Berlin depuis 1991, parcourt les métropoles du monde. Lagos, Bamako, Berlin ou Durban - l'espace urbain est son lieu de travail. Un lieu qu'il perçoit comme un "labyrinthe sans limites", "un dédale de rues qui ne finissent jamais, se rejoignant en d'innombrables chemins", comme il l'a formulé en 2009. Akinbiyi photographie ce qu'il observe, de manière analogique et principalement en noir et blanc. Devant l'objectif de son appareil moyen format, la réalité se met en scène de manière ludique, presque autonome. Ses visuels sont des métaphores visuelles qui abordent aussi bien les changements culturels et l'exclusion sociale que les conséquences sociopolitiques et urbanistiques du colonialisme.

Avec environ 120 photographies issues de différentes séries à long terme, l'exposition individuelle donne un aperçu de l'œuvre complète de ce photographe et auteur de renommée internationale.

Le prix Hannah Hoech est décerné depuis 1996 par l'administration culturelle du Sénat de Berlin pour récompenser une œuvre artistique exceptionnelle. Sont récompensés les artistes* dont la vie et le travail sont centrés sur Berlin et qui se distinguent par une performance artistique continue. Le prix est doté de 25 000 euros et comprend une exposition ainsi qu'une publication. La sélection est effectuée par la commission de promotion des arts visuels de l'administration culturelle du Sénat de Berlin, au sein de laquelle sont représentés la Berlinische Galerie, la Stiftung Stadtmuseum Berlin, le Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin et le Neue Berliner Kunstverein.

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Gran Bretagna) ha ricevuto il Premio Hannah Höch 2024. Akinbiyi, che vive e lavora a Berlino dal 1991, esplora le metropoli del mondo per la sua fotografia di strada. Lagos, Bamako, Berlino o Durban: lo spazio urbano è il suo luogo di lavoro. Un luogo che egli percepisce come un "labirinto sconfinato", "un labirinto di strade senza fine, che confluiscono in innumerevoli percorsi", come ha detto nel 2009. Akinbiyi fotografa ciò che osserva, in analogico e prevalentemente in bianco e nero. Davanti all'obiettivo della sua macchina fotografica di medio formato, la realtà viene messa in scena in modo giocoso, quasi autonomo. Le sue immagini sono metafore visive che tematizzano il cambiamento culturale e l'esclusione sociale, nonché le conseguenze socio-politiche e urbanistiche del colonialismo.

Con circa 120 fotografie di varie serie a lungo termine, la mostra personale offre una panoramica del vasto lavoro del fotografo e autore di fama internazionale.

Il Premio Hannah Höch viene assegnato dal 1996 dall'amministrazione culturale del Senato di Berlino come riconoscimento per gli eccellenti risultati artistici ottenuti nel corso della vita. Il premio premia gli artisti che vivono e lavorano a Berlino e che si distinguono per i loro continui risultati artistici. Il premio è dotato di 25.000 euro e comprende una mostra e una pubblicazione. La selezione viene effettuata dalla Commissione per la promozione delle arti visive dell'Amministrazione culturale del Senato di Berlino, in cui sono rappresentati la Berlinische Galerie, la Stiftung Stadtmuseum Berlin, il Kupferstichkabinett dello Staatliche Museen zu Berlin e il Neuer Berliner Kunstverein.

Akinbode Akinbiyi (*1946 Oxford, Great Britain) receives the Hannah Höch Prize 2024. Akinbiyi, who has lived and worked in Berlin since 1991, explores the world's major cities for his street photography. Lagos, Bamako, Berlin or Durban - the urban space is his workplace. A place that he perceives as a "boundless labyrinth", "a maze of never-ending streets, flowing together in countless paths", as he put it in 2009. Akinbiyi photographs what he observes, analog and predominantly in black and white. In front of the lens of his medium format camera, reality is staged playfully, almost autonomously. His visuals are visual metaphors that address cultural change and social exclusion as well as the socio-political and urban planning consequences of colonialism.

With around 120 photographs from various long-term series, the solo exhibition provides an insight into the extensive work of the internationally renowned photographer and author.

The Hannah Höch Prize has been awarded by the cultural administration of the Berlin Senate for outstanding artistic life's work since 1996. The prize is awarded to artists who live and work in Berlin and who stand out for their continuous artistic achievements. The prize is endowed with 25,000 euros and includes an exhibition and a publication. The selection is made by the Visual Arts Promotion Commission of the Cultural Administration of the Berlin Senate, in which the Berlinische Galerie, the Stiftung Stadtmuseum Berlin, the Kupferstichkabinett of the Staatliche Museen zu Berlin and the Neuer Berliner Kunstverein are represented.

(Text: Berlinische Galerie)

CAMERA WORK | Berlin
8. Juni – 17. August 2024

Dean West

Dean West wurde 1983 in Australien geboren und studierte am renommierten Queensland College of Art. Geprägt von der Vielfalt der Bildenden Kunst, haben ihn vor allem das Oeuvre von Stan Douglas und Jeff Wall sowie David Hockney und Edward Hopper beeinflusst. Der Künstler hat zugleich eine eigene Bildsprache entwickelt und definiert: präzise choreografierte Szenen, die durch den bewussten Einsatz von Symmetrie und idealer Lichtwirkung einen hohen Wiedererkennungswert besitzen und durch einen streng komponierten Bildaufbau wirken. West versteht die Fotografie als künstlerische Epoche und als ein Medium der zeitgenössischen Kommunikation, mit dem er es vermag, in technischer und ätherischer Perfektion seine künstlerische Vision umzusetzen.

Dean West arbeitet seriell und befasst sich in seiner Fotografie mit scheinbar alltäglichen Ereignissen, Charakterstudien sowie atmosphärischen Landschaften, die oftmals über eine natürliche Realität hinausgehen und in komplexe Narrationen münden. Der Künstler reflektiert in seinen Werken ergreifend über gesellschaftliche Themen, Kulturen und soziale Beziehungen. Diese beschreibt West mittels zunächst surreal schön anmutender Szenerien, deren vielschichtige Inhalte sich für den Betrachter sukzessive enthüllen.

Die Arbeiten des vielfach ausgezeichenten Künstlers werden weltweit in bedeutenden Museen und Kunstinstitutionen ausgestellt – u. a. im Columbus Museum of Art (2012), im Discovery Times Square Museum in New York City (2014), im Faneuil Hall Museum in Boston (2015) sowie im Pariser Expo Porte De Versailles (2015). West gilt als einer der vielversprechendsten Künstler seiner Generation. Seine Arbeiten sind Teil bedeutender Sammlungen für zeitgenössische Kunst und unter anderem vertreten in The Møller Collection sowie der Sammlung von Sir Elton John.

Dean West est né en 1983 en Australie et a étudié au prestigieux Queensland College of Art. Marqué par la diversité des arts visuels, il a surtout été influencé par l'œuvre de Stan Douglas et Jeff Wall ainsi que par David Hockney et Edward Hopper. L'artiste a en même temps développé et défini son propre langage visuel : des scènes chorégraphiées avec précision, qui possèdent une grande valeur de reconnaissance grâce à l'utilisation consciente de la symétrie et de l'effet de lumière idéal, et qui agissent grâce à une construction d'image composée de manière rigoureuse. West considère la photographie comme une époque artistique et un moyen de communication contemporain, grâce auquel il parvient à mettre en œuvre sa vision artistique avec une perfection technique et éthérée.

Dean West travaille en série et s'intéresse dans sa photographie à des événements apparemment quotidiens, à des études de caractère ainsi qu'à des paysages atmosphériques qui dépassent souvent une réalité naturelle pour aboutir à des narrations complexes. Dans ses œuvres, l'artiste réfléchit de manière poignante sur des thèmes de société, des cultures et des relations sociales. West les décrit au moyen de scènes à la beauté d'abord surréaliste, dont les contenus complexes se dévoilent successivement au spectateur.

Les œuvres de cet artiste primé sont exposées dans de grands musées et institutions artistiques du monde entier, notamment au Columbus Museum of Art (2012), au Discovery Times Square Museum de New York City (2014), au Faneuil Hall Museum de Boston (2015) et à l'Expo Porte de Versailles à Paris (2015). West est considéré comme l'un des artistes les plus prometteurs de sa génération. Ses œuvres font partie d'importantes collections d'art contemporain et sont notamment représentées dans The Møller Collection ainsi que dans la collection de Sir Elton John.

Dean West è nato in Australia nel 1983 e ha studiato presso il rinomato Queensland College of Art. Influenzato dalla diversità delle arti visive, è stato particolarmente influenzato dall'opera di Stan Douglas e Jeff Wall, nonché da David Hockney ed Edward Hopper. Allo stesso tempo, l'artista ha sviluppato e definito un proprio linguaggio visivo: scene precisamente coreografate che hanno un alto valore di riconoscimento grazie all'uso deliberato della simmetria e di effetti di luce ideali e sono efficaci grazie alla loro composizione rigorosa. West considera la fotografia come un'epoca artistica e come un mezzo di comunicazione contemporaneo con il quale è in grado di realizzare la sua visione artistica con perfezione tecnica ed eterea.

Dean West lavora in serie e la sua fotografia tratta eventi apparentemente quotidiani, studi di personaggi e paesaggi atmosferici che spesso vanno oltre la realtà naturale e si traducono in narrazioni complesse. Nelle sue opere, l'artista riflette in modo toccante su questioni sociali, culture e relazioni sociali. West li descrive attraverso scene apparentemente surreali e bellissime, il cui contenuto a più livelli si rivela gradualmente allo spettatore.

Le opere del pluripremiato artista sono esposte in importanti musei e istituzioni artistiche di tutto il mondo, tra cui il Columbus Museum of Art (2012), il Discovery Times Square Museum di New York (2014), il Faneuil Hall Museum di Boston (2015) e l'Expo Porte De Versailles di Parigi (2015). West è riconosciuto come uno degli artisti più promettenti della sua generazione. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni d'arte contemporanea, tra cui la Møller Collection e la collezione di Sir Elton John.

Dean West was born in Australia in 1983 and studied at the renowned Queensland College of Art. Influenced by the diversity of the visual arts, he has been particularly guided by the oeuvre of Stan Douglas and Jeff Wall as well as David Hockney and Edward Hopper. At the same Time, the artist has developed and defined his own visual language: precisely choreographed scenes that have a high recognition value thanks to the deliberate use of symmetry and ideal lighting effects and are effective due to a strictly composed image structure. West sees photography as an artistic epoch and as a medium of contemporary communication with which he is able to realize his artistic vision with technical and aesthetic perfection.

Dean West works serially and deals with seemingly everyday events, character studies and atmospheric landscapes in his photography, which oden go beyond natural reality and result in complex narratives. In his works, the artist reflects profoundly on social issues, cultures and social relationships. West describes these by means of scenes that initially appear surreally beautiful, and whose multi-layered content is successively revealed to the viewer.

The multi-award-winning artist's work has been exhibited in major museums and art institutions around the world, including the Columbus Museum of Art (2012), the Discovery Times Square Museum in New York City (2014), the Faneuil Hall Museum in Boston (2015), and the Expo Porte De Versailles in Paris (2015). West is considered one of the most promising artists of his generation. His works are part of important collections of contemporary art and are represented in The Møller Collection and the collection of Sir Elton, among others.

(Text: CAMERA WORK, Berlin)

C/O Berlin
14. September 2024 – 23. Januar 2025

BERLIN – DIE 90ER JAHRE
OSTKREUZ – Agentur der Fotografen

Nach dem Mauerfall 1989 befindet sich die Stadt Berlin in einem Übergang, einem Transitraum zwischen Vergangenheit und Zukunft. Von politischen Umbrüchen, Investitionsdebatten, drängenden Wohnraumfragen und sozialer Ungleichheit geprägt, stehen die 1990er Jahre gleichzeitig für das Erblühen einer selbstbewussten, jungen Generation, die Stadträume neu für sich entdeckt. Inmitten dieser Umbruchstimmung wird 1990 die Agentur OSTKREUZ von Fotograf:innen aus der ehemaligen DDR gegründet. Gezeigt werden Arbeiten der Co-Gründer:innen Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler und Werner Mahler, sowie von Mitgliedern, die seit den 1990er Jahren Teil des renommierten Fotograf:innenkollektivs sind. Ihre zwischen 1989 und 1999 entstandenen Werke dokumentieren die prägenden und turbulenten Ereignisse unmittelbar nach der Wende, zeigen den gesellschaftlichen Wandel und Identitätsfragen der nachfolgenden Jahre. C/O Berlin präsentiert etwa 200 Fotoarbeiten, darunter ikonische Szenen sowie nie zuvor gezeigtes Archivmaterial der Fotograf:innen. Es erscheint eine begleitende Publikation.

Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit OSTKREUZ – Agentur der Fotografen.

Après la chute du mur en 1989, la ville de Berlin se trouve dans une période de transition, un espace de transit entre le passé et l'avenir. Marquées par des bouleversements politiques, des débats sur les investissements, des questions urgentes de logement et des inégalités sociales, les années 1990 représentent en même temps l'éclosion d'une jeune génération sûre d'elle qui redécouvre les espaces urbains pour elle-même. C'est au milieu de ce bouleversement que l'agence OSTKREUZ est fondée en 1990 par des photographes de l'ex-RDA. L'exposition présente les travaux des co-fondateurs Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler et Werner Mahler, ainsi que ceux des membres qui font partie du célèbre collectif de photographes depuis les années 1990. Leurs œuvres, réalisées entre 1989 et 1999, documentent les événements marquants et turbulents qui ont suivi immédiatement la chute du mur, montrent les changements sociaux et les questions d'identité des années qui ont suivi. C/O Berlin présente environ 200 travaux photographiques, dont des scènes iconiques ainsi que des archives inédites des photographes. L'exposition est accompagnée d'une publication.

L'exposition est réalisée en coopération avec OSTKREUZ - Agentur der Fotografen.

Dopo la caduta del Muro nel 1989, la città di Berlino si è trovata in una fase di transizione, uno spazio di transito tra passato e futuro. Caratterizzati da sconvolgimenti politici, dibattiti sugli investimenti, pressanti problemi abitativi e disuguaglianze sociali, gli anni Novanta videro anche il fiorire di una generazione giovane e sicura di sé che stava riscoprendo gli spazi urbani. L'agenzia OSTKREUZ è stata fondata nel 1990 da fotografi dell'ex DDR nel bel mezzo di questo clima di sconvolgimento. In mostra sono esposte opere dei co-fondatori Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler e Werner Mahler, nonché di membri che fanno parte del rinomato collettivo di fotografi fin dagli anni Novanta. Le loro opere, realizzate tra il 1989 e il 1999, documentano gli eventi formativi e turbolenti immediatamente successivi alla caduta del Muro di Berlino e mostrano i cambiamenti sociali e i problemi di identità degli anni successivi. C/O Berlin presenta circa 200 opere fotografiche, tra cui scene iconiche e materiale d'archivio inedito dei fotografi. Verrà pubblicata una pubblicazione di accompagnamento.

La mostra è organizzata in collaborazione con OSTKREUZ - Agentur der Fotografen.

Berlin found itself in limbo after the Berlin Wall fell in 1989, caught between past and future. The city was defined by political upheaval, investment controversies, and a housing shortage, but the 1990s was also the time when a new and confident generation flourished, rediscovering the city’s spaces. Photographers from former East Germany founded the photo agency OSTKREUZ during this tumultuous era, in 1990. This exhibition includes works by agency co-founders Sibylle Bergemann, Harald Hauswald, Ute Mahler and Werner Mahler, as well as other members who joined the photographers’ collective after the 1990s. Their works, taken between 1989 and 1999, document the formative and turbulent events following the fall of the Wall, revealing societal transformations and questions around identity. C/O Berlin will show roughly 200 photoworks, including both iconic scenes and the photographers‘ previously unseen archival material. An accompanying publication will be published.

The exhibition is organized in cooperation with OSTKREUZ – Agentur der Fotografen.

(Text: C/O Berlin)

Kulturforum | Berlin
15. November 2024 – 16. März 2025

Rico Puhlmann – Berlin / New York - Mode – Beauty – Porträts

Rico Puhlmann (1934-1996) zählte international zu den renommiertesten Modefotograf*innen; er prägte das Modebild seiner Zeit.

Gestartet als gefragter Kinderdarsteller beim Film, fand Puhlmann seinen Einstieg in die Branche der Modemagazine als Illustrator, bevor er erst in Berlin, dann von New York aus Covermotive und Editorials für die weltweit auflagenstärksten Modejournale schuf. Ein tödlicher Flugzeugabsturz beendete abrupt seine Karriere.

Seine Fotografien dokumentieren über vier Dekaden zentrale Themen der Modegeschichte: Modetrends wie der legendäre Berliner Chic der Nachkriegszeit oder die New Yorker Sports- und Streetwear der 70er und sich damit ändernde Dresscodes, die Entwicklung im Selbstverständnis des Model-Berufs, ein sich wandelndes Frauen- und Männerbild, die Verbreitung von Schönheitsidealen, welche Diversität nicht repräsentierten, sowie Akteur*innen und Selektionsmechanismen, die bei der Aufnahme der Bilder in auflagenstarke Magazine und damit ins kollektive Gedächtnis federführend waren.

Rico Puhlmann (1934-1996) comptait parmi les photographes de mode les plus renommés au niveau international ; il a marqué l'image de la mode de son époque.

Après avoir débuté comme enfant acteur très demandé au cinéma, Puhlmann a fait ses débuts dans le secteur des magazines de mode en tant qu'illustrateur, avant de créer, d'abord à Berlin, puis depuis New York, des motifs de couverture et des éditoriaux pour les journaux de mode aux plus forts tirages du monde. Un accident d'avion mortel a mis brutalement fin à sa carrière.

Ses photographies documentent sur quatre décennies des thèmes centraux de l'histoire de la mode : les tendances de la mode comme le légendaire chic berlinois de l'après-guerre ou le sport et le streetwear new-yorkais des années 70 et les codes vestimentaires qui en découlent, l'évolution de l'image de soi du métier de mannequin, l'image changeante de la femme et de l'homme, la diffusion d'idéaux de beauté qui ne représentent pas la diversité, ainsi que les acteurs et les mécanismes de sélection qui ont joué un rôle prépondérant dans la reprise des visuels dans les magazines à grand tirage et donc dans la mémoire collective.

Rico Puhlmann (1934-1996) è stato uno dei fotografi di moda più rinomati a livello internazionale e ha plasmato l'immagine della moda del suo tempo.

Partito come ricercato attore bambino nel cinema, Puhlmann è entrato nel settore delle riviste di moda come illustratore prima di creare motivi di copertina ed editoriali per le riviste di moda a più alta tiratura del mondo, prima a Berlino e poi a New York. Un incidente aereo fatale ha posto fine alla sua carriera.

Le sue fotografie documentano temi centrali della storia della moda nell'arco di quattro decenni: le tendenze della moda, come il leggendario chic berlinese del dopoguerra o lo sport e lo streetwear newyorkese degli anni Settanta e i conseguenti cambiamenti nei codici di abbigliamento, l'evoluzione dell'immagine di sé della professione di modella, il cambiamento dell'immagine di donne e uomini, la diffusione di ideali di bellezza che non rappresentavano la diversità, nonché gli attori e i meccanismi di selezione che hanno svolto un ruolo di primo piano nell'inserimento delle immagini nelle riviste ad alta tiratura e quindi nella memoria collettiva.

Rico Puhlmann (1934–96) was one of the most internationally renowned fashion photographers of his time, heavily influencing our image of fashion in his era.

Having started out as a successful child actor in films, Puhlmann got his first chance in the field of fashion magazines as an illustrator, before moving onto cover shoots and editorial work for the world’s biggest fashion periodicals, first in Berlin, and later in New York. A fatal plane crash put an abrupt end to his career. His photographs document some of the central themes in the industry across four decades of fashion history: trends like the legendary Berlin chic of the post-war years, or the New York sports- and streetwear of the ’70s and the changes in dress codes that went along with it, the evolution of modelling as a career, constantly shifting images of femininity and masculinity, the spread of beauty ideals that did not represent diversity, as well as protagonists and prevailing selection mechanisms when it came to choosing pictures for major magazines, ensuring they would enter the collective consciousness.

(Text: Kulturforum, Berlin)

Neue Nationalgalerie | Berlin
23. November 2024 – 23. Februar 2025

Nan Goldin. This Will Not End Well

Die Neue Nationalgalerie präsentiert in der oberen Halle Nan Goldin mit der Retrospektive „This Will Not End Well". Sechs Räume zeigen ihre Werke in Form von Diashows und Filmprojektionen, die mit Ton und Musik unterlegt sind. Goldins Werke erzählen Geschichten über Liebe, Intimität, Sucht und Verlust. Mit teils zärtlichen Momentaufnahmen von Intimität und Beziehungen, Alltag, wilden Partys und dem Kampf zwischen Sucht und Unabhängigkeit prägt Goldin die Wahrnehmung ihrer Zeit bis heute. Durch den Fokus auf Diashows und Videoinstallationen geht die Ausstellung zurück zu den Wurzeln von Goldins künstlerischer Praxis. Die Diashows versteht Goldin, die immer Filmemacherin sein wollte, als Filmstills. „This Will Not End Well" greift damit erstmals Goldins ursprüngliche Vision auf, wie Betrachter*innen ihre Kunst erleben sollten. Die Ausstellung tourt durch folgende Museen: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Mailand, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie présente Nan Goldin dans le hall supérieur avec la rétrospective "This Will Not End Well". Six salles présentent ses œuvres sous forme de diaporamas et de projections de films, accompagnés de son et de musique. Les œuvres de Goldin racontent des histoires d'amour, d'intimité, de dépendance et de perte. Avec des instantanés parfois tendres de l'intimité et des relations, du quotidien, des fêtes endiablées et de la lutte entre addiction et indépendance, Goldin marque encore aujourd'hui la perception de son époque. En se concentrant sur les diaporamas et les installations vidéo, l'exposition revient aux racines de la pratique artistique de Goldin. Goldin, qui a toujours voulu être cinéaste, considère les diaporamas comme des extraits de films. "This Will Not End Well" reprend ainsi pour la première fois la vision initiale de Goldin sur la manière dont les spectateurs* devraient vivre son art. L'exposition est en tournée dans les musées suivants : Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum à Amsterdam, Neue Nationalgalerie à Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, Grand Palais, Paris.

La Neue Nationalgalerie presenta Nan Goldin con la retrospettiva "This Will Not End Well" nella sala superiore. In sei sale sono esposte le sue opere sotto forma di diapositive e proiezioni cinematografiche accompagnate da suoni e musica. Le opere di Goldin raccontano storie di amore, intimità, dipendenza e perdita. Con istantanee talvolta tenere dell'intimità e delle relazioni, della vita quotidiana, delle feste sfrenate e della lotta tra dipendenza e indipendenza, Goldin continua ancora oggi a plasmare la percezione del suo tempo. Concentrandosi su presentazioni e installazioni video, la mostra torna alle radici della pratica artistica di Goldin. Goldin, che ha sempre desiderato essere un regista, vede le diapositive come fotogrammi di film. "This Will Not End Well" riprende quindi la visione originale di Goldin su come gli spettatori dovrebbero sperimentare la sua arte per la prima volta. La mostra è in tournée nei seguenti musei: Moderna Museet di Stoccolma, Stedelijk Museum di Amsterdam, Neue Nationalgalerie di Berlino, Pirelli Hangar Bicocca di Milano, Grand Palais di Parigi.

The upper hall of the Neue Nationalgalerie will host a retrospective on the work of Nan Goldin titled This Will Not End Well. Across six rooms, Goldin’s work will be featured by way of slide shows and film projections accompanied by soundtracks and music. Goldin’s works tell stories about love, intimacy, addiction and loss. With her sometimes tender snapshots of intimacy and relationships, everyday life, wild parties and the struggle between autonomy and dependency, Goldin continues to shape our perception of our times. Through its focus on slide shows and video installations, the exhibition goes back to the roots of Goldin’s artistic practice. Goldin, who always wanted to be a filmmaker, conceives of her slide shows as film stills. This Will Not End Well thus ties in with Goldin’s original vision of how audiences should interact with her art. The exhibition will be travelling to the following museums: Moderna Museet, Stockholm, Stedelijk Museum in Amsterdam, Neue Nationalgalerie in Berlin, Pirelli Hangar Bicocca, Milan, and the Grand Palais, Paris.

(Text: Neue Nationalgalerie, Berlin)

Museum für Fotografie | Berlin
28. November 2024 – 25. Mai 2025

Polaroids

Das Polaroid-Verfahren hat die Fotografie revolutioniert. Wer diese Kamera jemals benutzt hat, wird den Geruch der Entwicklungsemulsion und die Faszination für das Sofortbild nicht vergessen. Auch Helmut Newton liebte es, mit der Polaroid-Kamera zu fotografieren. Er hat die Technik seit den 1970er Jahren intensiv genutzt, insbesondere während der Shootings für seine Modeaufträge. Dahinter stand, wie er es selbst einmal in einem Interview nannte, das ungeduldige Verlangen, sofort wissen zu wollen, wie die Situation als Bild aussieht.

Ein Polaroid entspricht in diesem Zusammenhang einer Ideenskizze und dient zugleich der Überprüfung der konkreten Lichtsituation und Bildkomposition. Gleichzeitig übten die Polaroid-Aufnahmen insbesondere aufgrund ihrer Objekthaftigkeit und der Möglichkeit, das Bild experimentell weiterzuverwenden, einen großen Reiz auf viele künstlerisch arbeitende Fotografen aus.

Und so werden die Polaroids von Helmut Newton durch die Werke zahlreicher Kolleg*innen ergänzt, beispielsweise von Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti und Hannah Villiger. Diese Gruppenausstellung vereint die unterschiedlich verwendeten Techniken des Polaroid-Verfahrens in den verschiedensten Formaten, jeweils als Werkgruppe der ausgewählten Fotograf*innen.

Le procédé Polaroid a révolutionné la photographie. Quiconque a déjà utilisé cet appareil n'oubliera jamais l'odeur de l'émulsion de développement et la fascination pour la photo instantanée. Helmut Newton aimait lui aussi prendre des photos avec un appareil Polaroid. Il a utilisé cette technique de manière intensive depuis les années 1970, notamment lors des shootings pour ses commandes de mode. Derrière cette pratique, il y avait, comme il l'a dit lui-même un jour dans une interview, l'envie impatiente de savoir immédiatement à quoi ressemblait la situation en tant que visuel.

Dans ce contexte, un polaroïd correspond à une esquisse d'idée et sert en même temps à vérifier la situation concrète de la lumière et la composition de l'image. Parallèlement, les Polaroïds ont exercé un grand attrait sur de nombreux photographes artistiques, notamment en raison de leur caractère d'objet et de la possibilité de réutiliser le visuel de manière expérimentale.

C'est ainsi que les polaroïds d'Helmut Newton sont complétés par les œuvres de nombreux collègues*, comme Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti et Hannah Villiger. Cette exposition de groupe réunit les différentes techniques utilisées du procédé Polaroid dans les formats les plus divers, à chaque fois en tant que groupe d'œuvres des photographes* sélectionnés.

Il processo Polaroid ha rivoluzionato la fotografia. Chiunque abbia usato questa macchina fotografica non dimenticherà mai l'odore dell'emulsione che si sviluppa e il fascino dell'immagine istantanea. Anche Helmut Newton amava fotografare con la Polaroid. Ha utilizzato questa tecnologia in modo intensivo a partire dagli anni Settanta, soprattutto durante i servizi fotografici per le sue commissioni di moda. Come lui stesso ha dichiarato in un'intervista, ciò era dovuto al desiderio impaziente di sapere immediatamente come sarebbe apparsa la situazione sotto forma di immagine.

In questo contesto, una Polaroid corrisponde a uno schizzo di un'idea e serve allo stesso tempo a verificare la situazione specifica di illuminazione e la composizione dell'immagine. Allo stesso tempo, le Polaroid esercitano un grande fascino su molti fotografi artistici, soprattutto per la loro qualità di oggetto e per la possibilità di utilizzare l'immagine in modo sperimentale.

Così alle Polaroid di Helmut Newton si affiancano le opere di numerosi colleghi, come Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti e Hannah Villiger. Questa mostra collettiva riunisce le varie tecniche utilizzate nel processo Polaroid in un'ampia gamma di formati, ciascuno come gruppo di opere dei fotografi selezionati.

The technology of the Polaroid camera revolutionised photography. Anybody who has ever used one of these cameras will never forget the smell of the developing emulsion and the fascination inspired by its instant photographs. Helmut Newton also loved taking photographs with a Polaroid. From the 1970s onwards, he used these devices extensively, particularly during his fashion shoots. As he once said in an interview, he was motivated by the impatient desire to immediately know how the scene looked as a picture.

In this sense, a Polaroid is a little like a conceptual sketch, and also helps to check the lighting and image composition. At the same time, Polaroid snapshots possessed significant allure for many artistic photographers, particularly because of their objecthood and the possibility of experimentally reusing the image.

So this exhibition does not just feature the Polaroids of Helmut Newton, but also works by numerous colleagues, such as Robert Mapplethorpe, Mary Ellen Mark, David Hockney, Ulay, Carlo Mollino, Luigi Ghirri, Maurizio Galimberti and Hannah Villiger. This group exhibition brings together the various techniques of working with the Polaroid camera in the most diverse formats, with each photographer represented with a group of works.

(Text: Museum für Fotografie, Berlin)