Fotografie Forum Frankfurt
1. Februar – 14. April 2024

On the edge of past future
Aïda Muluneh

Mit kraftvollen Farben und einer außergewöhnlichen Bildsprache widmet sich die Künstlerin Aïda Muluneh dem ungleich verteilten Zugang zu Ressourcen wie Wasser, Nahrung und Bildung, dem Missbrauch von Macht und Menschenrechten sowie dem Empowerment von Frauen. Muluneh wurde 1974 in Addis Abeba, Äthiopien, geboren, wuchs im Jemen, England und Kanada auf und studierte in den USA Kommunikation mit Schwerpunkt Film. Für ihre fotografischen Inszenierungen verwebt sie verschiedene kulturelle Traditionen und Perspektiven und nutzt Methoden von Film und Bühne. Ihre Werke sind international ausgezeichnet und in zahlreichen Museumssammlungen vertreten. 2020 wurde ihre Serie »Road of Glory« in der Ausstellung zum Friedensnobelpreis gezeigt. Aïda Muluneh ist Gründerin und Direktorin von Addis Foto Fest, Ostafrikas erstem internationalen Fotofestival, und Africa Foto Fair, Elfenbeinküste.

Aïda Muluneh. On the edge of past future präsentiert großformatige Arbeiten aus verschiedenen Serien. Die von Celina Lunsford und Andrea Horvay kuratierte Ausstellung ist Mulunehs erste Einzelschau in Deutschland.

Avec des couleurs puissantes et un langage visuel exceptionnel, l'artiste Aïda Muluneh se consacre à l'accès inégalement réparti aux ressources telles que l'eau, la nourriture et l'éducation, à l'abus de pouvoir et aux droits de l'homme ainsi qu'à l'autonomisation des femmes. Muluneh est née en 1974 à Addis Abeba, en Éthiopie, a grandi au Yémen, en Angleterre et au Canada et a étudié la communication aux États-Unis, avec une spécialisation en cinéma. Pour ses mises en scène photographiques, elle entrelace différentes traditions et perspectives culturelles et utilise des méthodes issues du cinéma et de la scène. Ses œuvres ont reçu des prix internationaux et sont représentées dans de nombreuses collections de musées. En 2020, sa série "Road of Glory" a été présentée dans le cadre de l'exposition du prix Nobel de la paix. Aïda Muluneh est la fondatrice et la directrice d'Addis Foto Fest, le premier festival international de photographie d'Afrique de l'Est, et d'Africa Foto Fair, en Côte d'Ivoire.

Aïda Muluneh. On the edge of past future présente des œuvres grand format de différentes séries. L'exposition, organisée par Celina Lunsford et Andrea Horvay, est la première exposition individuelle de Muluneh en Allemagne.

Con colori potenti e un linguaggio visivo straordinario, l'artista Aïda Muluneh si concentra sulla distribuzione ineguale dell'accesso a risorse come l'acqua, il cibo e l'istruzione, sull'abuso di potere e di diritti umani e sull'emancipazione delle donne. Muluneh è nata ad Addis Abeba, in Etiopia, nel 1974, è cresciuta nello Yemen, in Inghilterra e in Canada e ha studiato comunicazione con specializzazione in cinema negli Stati Uniti. Per le sue produzioni fotografiche, Muluneh intreccia diverse tradizioni e prospettive culturali e utilizza metodi cinematografici e teatrali. Le sue opere hanno vinto premi internazionali e sono presenti in numerose collezioni museali. Nel 2020, la sua serie "Road of Glory" è stata esposta nella mostra per il Premio Nobel per la Pace. Aïda Muluneh è la fondatrice e direttrice dell'Addis Foto Fest, il primo festival fotografico internazionale dell'Africa orientale, e dell'Africa Foto Fair, in Costa d'Avorio.

Aïda Muluneh. On the edge of past future presenta opere di grande formato tratte da varie serie. La mostra, curata da Celina Lunsford e Andrea Horvay, è la prima personale di Muluneh in Germania.

With vibrant colours and an extraordinary visual language, the artist Aïda Muluneh  focuses on the unequal distribution of existential resources such as water, food and education, the abuse of power and human rights and the empowerment of women. Muluneh was born in Addis Ababa/Ethiopia in 1974, grew up in Yemen, England and Canada and studied communication with a focus on film in the USA. For her photographic compositions, she interweaves different cultural traditions and perspectives and uses methods from film and stage. Muluneh’s works have been awarded internationally and are represented in numerous museum collections. In 2020 her series Road of Glory was exhibited at the Nobel Peace Prize. Muluneh is founder and director of Addis Foto Fest, East Africa’s first international photography festival, and more recently Africa Foto Fair, Ivory Coast.

Aïda Muluneh. On the edge of past future presents large-format works from diverse series. The exhibition, curated by Celina Lunsford and Andrea Horvay, is Muluneh’s first solo show in Germany.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
20. Januar – 16. März 2024

Strata
Laura J. Padgett

Laura J. Padgett legt in ihrer künstlerischen Praxis die historischen Schichtungen frei, deren Oberfläche unsere Gegenwart bildet. Ihre neuen Arbeiten, die über fast zwei Jahre hinweg im Frankfurter Poelzig-Bau entstanden sind, werfen Licht auf die komplexe Geschichte des Bauwerks. Architektur- und Industriehistorie, Verstrickung in den Nationalsozialismus, Nachkriegsgeschichte unter amerikanischer Militärverwaltung und der Bezug durch die J.-W.-Goethe-Universität bilden markante Überlagerungen. Daneben macht Padgett einen weiteren Gedächtnisraum des Gebäudes aus: Die universitären Sammlungen als Materialisierung von Kulturgeschichte und der permanenten Metamorphose unseres Blickes darauf.

"Was ich suche, sind Orte, die mit Geschichte in Verbindung stehen, die gewissermaßen unauffällige Monumente sind, um die Geschichte sichtbar und greifbar zu machen. Denn unsere Vergangenheit gehört für immer uns." (Laura J. Padgett)

Dans sa pratique artistique, Laura J. Padgett met à nu les stratifications historiques dont la surface constitue notre présent. Ses nouveaux travaux, réalisés pendant près de deux ans dans le Poelzig-Bau de Francfort, mettent en lumière l'histoire complexe de ce bâtiment. L'histoire de l'architecture et de l'industrie, l'implication dans le national-socialisme, l'histoire d'après-guerre sous administration militaire américaine et la référence à l'université J.-W. Goethe forment des superpositions marquantes. Par ailleurs, Padgett identifie un autre espace de mémoire du bâtiment : Les collections universitaires comme matérialisation de l'histoire culturelle et de la métamorphose permanente de notre regard sur elle.

"Ce que je cherche, ce sont des lieux liés à l'histoire, qui sont en quelque sorte des monuments discrets pour rendre l'histoire visible et tangible. Car notre passé nous appartient à jamais". (Laura J. Padgett)

Nella sua pratica artistica, Laura J. Padgett scopre gli strati storici la cui superficie forma il nostro presente. Le sue nuove opere, realizzate nell'arco di quasi due anni nell'edificio Poelzig di Francoforte, fanno luce sulla complessa storia dell'edificio. La storia architettonica e industriale, il coinvolgimento nel nazionalsocialismo, la storia del dopoguerra sotto l'amministrazione militare americana e il riferimento all'Università J.-W.-Goethe formano suggestive sovrapposizioni. Padgett individua anche un ulteriore spazio di memoria nell'edificio: Le collezioni universitarie come materializzazione della storia culturale e della metamorfosi permanente della nostra visione di essa.

"Quello che cerco sono luoghi connessi alla storia, che siano, in un certo senso, monumenti non invadenti per rendere la storia visibile e tangibile. Perché il nostro passato ci appartiene per sempre". (Laura J. Padgett)

In her artistic practice, Laura J. Padgett reveals the historical layers beneath the outer crust of the present. Her new work, which she made during the last two years at the Poelzig-Bau in Frankfurt, sheds light on the complex background of the building. Architectural and industrial history, collusion  with National Socialism, post WWII history under the American military administration, and most recently becoming home to the J.W. Goethe University since 2001 manifest themselves in significant overlays. Further, Padgett has identified another area of memory within the building: the university collections are evidence of our cultural history and the ongoing metamorphosis how we perceive it.

“What I look for now are places that resonate with history, that are, in a way, unmarked landmarks, and to make this history visible and palpable. Because our past is ours forever.“ (Laura J. Padgett)

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Opelvillen | Rüsselheim
5. November 2023 - 7. April 2024

Frida Kahlo. Ihre Fotografien

Die Opelvillen präsentieren über 200 Fotografien aus der umfangreichen Bildersammlung von Frida Kahlo (1907- 1954), die ihr als Erinnerung, lnspirationsquelle und Arbeitsmaterial diente. Die mexikanische Künstlerin wurde durch ihre besondere Malerei zwischen Naiver Kunst, Surrealismus und Neuer Sachlichkeit weltbekannt, nicht zuletzt durch ihre autobiografischen Themen und die Verarbeitung ihres bewegten Lebens - ihre Krankheit, ihre Leiden, ihre Ehe mit Diego Rivera. Erst fünfzig Jahre nach Kahlos Tod kam ihr immenses privates Fotoarchiv ans Licht, das noch einmal ganz neue Einblicke vermittelt.

In der Ausstellung »Frida Kahlo. Ihre Fotografien« sind eine Reihe von Bildern ihres fotografischen Nachlasses zu sehen, die bis vor kurzem völlig unbekannt waren. Bei der Sichtung dieses großartigen Archivs wurden von dem Fotohistoriker Pablo Ortiz Monasterio 241 Fotos ausgewählt, um neue Erkenntnisse zum Verständnis einer der ikonischsten Figuren des 20. Jahrhunderts zu teilen.

Dank der Sammlung von Frida Kahlo wird es möglich, die ureigene Geschichte dieser starken Persönlichkeit offenzulegen und ihr Land in der Zeit zu zeigen, in der sie lebte. Die Fülle an fotografischen Bildern wird in sechs Hauptthemen geordnet, in denen ihre Herkunft, ihr Blaues Haus (Casa Azul), Diego Rivera und die Revolution sowie ihr geschundener Körper, ihre Lieben und ihr Faible für Fotografie beleuchtet werden. Zugleich repräsentieren die Exponate auch die Kunst und die spezifischen Perspektiven anderer Fotografinnen und Fotografen aus der Zeit von Frida Kahlo. Bemerkenswerte Aufnahmen von Brassa"i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti oder Man Ray sind ebenso Teil der ausgestellten historischen Bilddokumente.

Wenig bekannt ist, dass Frida Kahlo eine besondere Beziehung zur Fotografie hatte. Sowohl ihr Vater als auch ihr Großvater waren professionelle Fotografen, und sie selbst machte sich die Fotografie auf unterschiedliche Weise zunutze. Sie sammelte unter anderem Daguerreotypien und Postkarten aus dem 19. Jahrhundert und bewahrte Fotografien auf, denen sie ihren persönlichen Stempel aufdrückte, indem sie Dinge aus ihnen ausschnitt, Widmungen auf sie schrieb und sie personalisierte. Sie schenkte sie ihren Freunden, sie waren Erinnerungen an ihre verstorbenen Angehörigen und sie wurden zu einer wichtigen lnspirationsquelle für ihre Gemälde. Darüber hinaus dienten sie ihrer Selbstdarstellung. Frida Kahlo war sich bewusst, dass die Fotografie ein wirkungsvolles Medium war, um das Bild von sich zu vermitteln, das sie anderen zeigen wollte.

Durch ihre Fotos, anonyme private Bilder und Porträts ihres Vaters sowie durch die von ihr gesammelten Aufnahmen renommierter Fotografinnen und Fotografen entsteht ein eindringliches Dokument der Zeit und ein intimer Einblick in das Leben einer der bemerkenswertesten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

Eine Ausstellung der Frida Kahlo und Anahuacalli Museen, Bank of Mexico, Treuhänder im Diego Rivera und Frida Kahlo Museum Trust.

Les Opelvillen présentent plus de 200 photographies issues de la vaste collection d'images de Frida Kahlo (1907- 1954), qui lui a servi de souvenir, de source d'inspiration et de matériel de travail. L'artiste mexicaine est devenue célèbre dans le monde entier grâce à sa peinture particulière, à mi-chemin entre l'art naïf, le surréalisme et la nouvelle objectivité, mais aussi grâce à ses thèmes autobiographiques et au traitement de sa vie mouvementée - sa maladie, ses souffrances, son mariage avec Diego Rivera. Ce n'est que cinquante ans après la mort de Kahlo que ses immenses archives photographiques privées ont été mises au jour, offrant une fois de plus des perspectives inédites.

L'exposition "Frida Kahlo. Ses photographies", on peut voir une série d'images de son héritage photographique qui étaient totalement inconnues jusqu'à récemment. En examinant ces magnifiques archives, l'historien de la photographie Pablo Ortiz Monasterio a sélectionné 241 photos afin de partager de nouvelles connaissances sur la compréhension de l'une des figures les plus iconiques du XXe siècle.

Grâce à la collection de Frida Kahlo, il devient possible de dévoiler l'histoire intrinsèque de cette forte personnalité et de montrer son pays à l'époque où elle vivait. La richesse des images photographiques est organisée en six thèmes principaux qui mettent en lumière ses origines, sa Maison bleue (Casa Azul), Diego Rivera et la révolution, ainsi que son corps meurtri, ses amours et son penchant pour la photographie. En même temps, les pièces exposées représentent également l'art et les perspectives spécifiques d'autres photographes de l'époque de Frida Kahlo. Des photos remarquables de Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti ou Man Ray font également partie des documents photographiques historiques exposés.

On sait peu que Frida Kahlo avait une relation particulière avec la photographie. Son père et son grand-père étaient tous deux des photographes professionnels, et elle a elle-même utilisé la photographie de différentes manières. Elle collectionnait, entre autres, les daguerréotypes et les cartes postales du 19e siècle et conservait des photographies auxquelles elle apportait sa touche personnelle en y découpant des choses, en y écrivant des dédicaces et en les personnalisant. Elle les offrait à ses amis, elles étaient des souvenirs de ses proches décédés et elles devenaient une source d'inspiration importante pour ses peintures. En outre, ils lui servaient à se représenter elle-même. Frida Kahlo était consciente que la photographie était un moyen efficace de transmettre l'image d'elle-même qu'elle voulait montrer aux autres.

À travers ses photos, des images privées anonymes et des portraits de son père, ainsi qu'à travers les clichés qu'elle a collectés auprès de photographes renommés, l'exposition constitue un document saisissant sur l'époque et un aperçu intime de la vie de l'une des artistes les plus remarquables du XXe siècle.

Une exposition des musées Frida Kahlo et Anahuacalli, de la Bank of Mexico, des fiduciaires du Diego Rivera et du Frida Kahlo Museum Trust.

Le Opelvillen presentano oltre 200 fotografie tratte dalla vasta collezione di quadri di Frida Kahlo (1907-1954), che le servirono come memoria, fonte di ispirazione e materiale di lavoro. L'artista messicana divenne famosa in tutto il mondo per la sua particolare pittura a cavallo tra l'arte naïve, il surrealismo e la nuova oggettività, non da ultimo per i temi autobiografici e l'elaborazione della sua vita movimentata - la malattia, la sofferenza, il matrimonio con Diego Rivera. Solo cinquant'anni dopo la morte della Kahlo, il suo immenso archivio fotografico privato è venuto alla luce, fornendo ancora una volta spunti di riflessione completamente nuovi.

Nella mostra "Frida Kahlo. Le sue fotografie", è possibile ammirare una serie di immagini del suo patrimonio fotografico che fino a poco tempo fa erano completamente sconosciute. Setacciando questo magnifico archivio, lo storico della fotografia Pablo Ortiz Monasterio ha selezionato 241 fotografie per condividere nuovi spunti di riflessione su una delle figure più iconiche del XX secolo.

Grazie alla collezione Frida Kahlo, diventa possibile svelare la storia personale di questa forte personalità e mostrare il suo Paese nell'epoca in cui visse. La ricchezza di immagini fotografiche è organizzata in sei temi principali che evidenziano le sue origini, la sua Casa Azul, Diego Rivera e la Rivoluzione, ma anche il suo corpo martoriato, i suoi amori e la sua inclinazione per la fotografia. Allo stesso tempo, le mostre rappresentano anche l'arte e le prospettive specifiche di altri fotografi dell'epoca di Frida Kahlo. Notevoli fotografie di Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti o Man Ray fanno parte dei documenti storici esposti.

È poco noto che Frida Kahlo aveva un rapporto speciale con la fotografia. Sia il padre che il nonno erano fotografi professionisti e lei stessa faceva uso della fotografia in vari modi. Tra l'altro, collezionava dagherrotipi e cartoline del XIX secolo e conservava fotografie a cui dava la sua impronta personale ritagliandole, scrivendoci sopra dediche e personalizzandole. Le regalava agli amici, ricordavano i parenti defunti e diventavano un'importante fonte di ispirazione per i suoi dipinti. Inoltre, servivano alla sua espressione personale. Frida Kahlo era consapevole che la fotografia era un mezzo potente per trasmettere l'immagine di sé che voleva che gli altri vedessero.

Attraverso le sue fotografie, le immagini private anonime e i ritratti del padre, così come le immagini che raccoglieva da fotografi famosi, emerge un documento ossessionante dei tempi e uno sguardo intimo sulla vita di una delle artiste più straordinarie del XX secolo.

Una mostra dei Musei Frida Kahlo e Anahuacalli, della Banca del Messico, dei fiduciari del Diego Rivera and Frida Kahlo Museum Trust.

The Opelvillen present over 200 photographs from the extensive picture collection of Frida Kahlo (1907- 1954), which served her as memory, source of inspiration and working material. The Mexican artist became world-famous for her special painting between Naive Art, Surrealism and New Objectivity, not least for her autobiographical themes and the processing of her eventful life - her illness, her suffering, her marriage to Diego Rivera. It was only fifty years after Kahlo's death that her immense private photographic archive came to light, once again providing completely new insights.

In the exhibition "Frida Kahlo. Her Photographs," a number of images from her photographic estate are on view that were completely unknown until recently. In sifting through this magnificent archive, 241 photographs were selected by photo historian Pablo Ortiz Monasterio to share new insights into understanding one of the most iconic figures of the 20th century.

Thanks to the collection of Frida Kahlo, it becomes possible to reveal the very history of this strong personality and show her country in the time in which she lived. The abundance of photographic images is organized into six main themes that highlight her origins, her Blue House (Casa Azul), Diego Rivera and the Revolution, as well as her battered body, her loves and her penchant for photography. At the same time, the exhibits also represent the art and specific perspectives of other photographers from Frida Kahlo's time. Remarkable photographs by Brassa "i, Gisele Freund, Martin Munkacsi, Tina Modotti, and Man Ray are also part of the historical visual documents on display.

It is little known that Frida Kahlo had a special relationship with photography. Both her father and grandfather were professional photographers, and she herself made use of photography in various ways. Among other things, she collected 19th-century daguerreotypes and postcards and kept photographs to which she put her personal stamp by cutting things out of them, writing dedications on them, and personalizing them. She gave them to her friends, they were reminders of her deceased loved ones, and they became an important source of inspiration for her paintings. In addition, they served her self-expression. Frida Kahlo was aware that photography was a powerful medium to convey the image of herself that she wanted others to see.

Through her photographs, anonymous private images, and portraits of her father, as well as the images she collected from renowned photographers, a haunting document of the times and an intimate glimpse into the life of one of the 20th century's most remarkable artists emerges.

An exhibition of the Frida Kahlo and Anahuacalli Museums, Bank of Mexico, Trustees in the Diego Rivera and Frida Kahlo Museum Trust.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselsheim)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
4. November – 16. Dezember 2023

Frequencies
Alia Ali

"Bewegung ist Emotion. Alles sendet Energiestrahlen aus, auch Frequenzen genannt. Sie sind der Grundstoff unseres Seins.“ Alia Ali

In ihrer inzwischen vierten Einzelausstellung bei uns zeigt Alia Ali neue Arbeiten, in denen es sehr dynamisch und spannungsreich zugeht. Häufiger sind Ganzkörperporträts zu sehen, die vielfach in Bewegung zu sein scheinen, auch sind die Formate variabler geworden. Erstmals arbeitet Alia Ali auch plastisch — ihre Skulpturen aus Lapis Lazuli re-imaginieren jahrtausendealte Artefakte aus ihrem Heimatland Jemen und sind Teil ihres „Yemeni Futurism“ Projekts.

Alia Ali (Arabisch: عاليه علي) ist eine jemenitisch-bosnisch-US-amerikanische Multimedia-Künstlerin, deren Arbeit kulturelle Gegensätze erforscht, kulturell sanktionierte Unterdrückung hinterfragt und die dualistischen Barrieren konfrontiert, die mit Vorstellungen von Geschlecht, Politik, Medien und Staatsbürgerschaft einhergehen. Sie arbeitet mit Sprache, Fotografie, Video, Textil und Installation und thematisiert die Politisierung des Körpers, die Geschichte der Kolonialisierung, des Imperialismus, des Sexismus und des Rassismus, wobei Muster und Textilien ihr Hauptmotiv bilden.

Alia Ali erweitert derzeit ihre Praxis, indem sie Geschichten aus dem Jemen aufgreift, einschließlich jener der Königin Belquis von Saba (auch als Königin von Saba bekannt). Sie setzt sich mit den Realitäten der dystopischen Gegenwart auseinander, um Räume für radikal imaginierte Möglichkeiten der Zukunft zu schaffen, die sich zu einem jemenitischen Futurismus entwickelt haben.

Alia Ali ist Absolventin des Wellesley College und des California Institute of the Arts. Sie lebt und arbeitet in Marrakesch, Paris und Jaipur und wurde mit dem renommierten ARTSY Vanguard Emerging Artist Award ausgezeichnet. Zudem ist sie NIKON Global Ambassador.

"Le mouvement est une émotion. Tout émet des rayons d'énergie, également appelés fréquences. Elles sont la matière première de notre être". Alia Ali

Pour sa quatrième exposition individuelle chez nous, Alia Ali présente de nouveaux travaux dans lesquels le dynamisme et la tension sont très présents. On y voit plus souvent des portraits de corps entiers, qui semblent souvent en mouvement, et les formats sont également devenus plus variables. Pour la première fois, Alia Ali travaille aussi sur le plan plastique - ses sculptures en lapis-lazuli ré-imaginent des artefacts millénaires de son pays natal, le Yémen, et font partie de son projet "Yemeni Futurism".

Alia Ali (arabe : عاليه علي) est une artiste multimédia yéménite-bosniaque-américaine dont le travail explore les contrastes culturels, remet en question l'oppression culturellement sanctionnée et confronte les barrières dualistes associées aux notions de genre, de politique, de médias et de citoyenneté. Elle travaille avec le langage, la photographie, la vidéo, le textile et l'installation et aborde la politisation du corps, l'histoire de la colonisation, de l'impérialisme, du sexisme et du racisme, les motifs et les textiles constituant son principal motif.

Alia Ali élargit actuellement sa pratique en reprenant des histoires du Yémen, notamment celle de la reine Belquis de Saba (également connue sous le nom de Reine de Saba). Elle s'attaque aux réalités d'un présent dystopique pour créer des espaces de possibilités d'avenir radicalement imaginées, qui ont évolué vers un futurisme yéménite.

Alia Ali est diplômée du Wellesley College et du California Institute of the Arts. Elle vit et travaille à Marrakech, Paris et Jaipur et a reçu le prestigieux ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. Elle est également ambassadrice mondiale de NIKON.

"Il movimento è emozione. Tutto emette raggi di energia, chiamati anche frequenze. Sono la materia prima del nostro essere". Alia Ali

In quella che è la sua quarta mostra personale con noi, Alia Ali presenta nuovi lavori in cui le cose sono molto dinamiche e piene di tensione. I ritratti a corpo intero, che spesso sembrano in movimento, sono presentati con maggiore frequenza; anche i formati sono diventati più variabili. Per la prima volta, Alia Ali lavora anche a livello scultoreo: le sue sculture in lapislazzuli reimmaginano manufatti millenari del suo Paese d'origine, lo Yemen, e fanno parte del suo progetto "Futurismo yemenita".

Alia Ali (arabo: عاليه علي) è un'artista multimediale yemenita-bosniaca-statunitense il cui lavoro esplora le opposizioni culturali, mette in discussione l'oppressione culturalmente sancita e affronta le barriere dualistiche associate alle nozioni di genere, politica, media e cittadinanza. Lavorando con il linguaggio, la fotografia, il video, i tessuti e l'installazione, l'artista affronta la politicizzazione del corpo, le storie di colonizzazione, l'imperialismo, il sessismo e il razzismo, con modelli e tessuti come motivo principale.

Attualmente Alia Ali sta ampliando la sua pratica riprendendo le storie dello Yemen, tra cui quella della regina Belquis di Saba (nota anche come Regina di Saba). L'artista si confronta con la realtà di un presente distopico per creare spazi per possibilità di futuro radicalmente immaginate, che si sono evolute in un futurismo yemenita.

Alia Ali si è laureata al Wellesley College e al California Institute of the Arts. Vive e lavora a Marrakech, Parigi e Jaipur e ha ricevuto il prestigioso ARTSY Vanguard Emerging Artist Award. È anche ambasciatrice globale di NIKON.

“Motion is emotion. Everything gives off waves of energy, otherwise called frequencies. They are the very fiber of our being.“ Alia Ali

In her fourth solo exhibition with us, Alia Ali presents vibrant and energetic new work. Full-body portraits are seen more frequently, often appearing to be in motion, and her formats have become more variable. For the first time, Alia Ali also ventures into sculpture — her hand-carved works made of Lapis Lazuli re-imagine millennia-old artifacts from her home country Yemen and are part of her "Yemeni Futurism" project.

Alia Ali (Arabic: عاليه علي) is a Yemeni-Bosnian-US multi-media artist whose work explores cultural binaries, challenges culturally sanctioned oppression, and confronts the dualistic barriers of conflicted notions of gender, politics, media, and citizenship. Working between language, photography, video, textile, and installation, Ali’s work addresses the politicization of the body, histories of colonization, imperialism, sexism, and racism through projects that take pattern and textile as their primary motif.

Ali is currently expanding her practice by drawing on stories from Yemen including the nostalgic past of Queen Belquis of Saba (also known as the Queen of Sheba). By investigating histories of the distant past, she addresses the realities of the dystopian present in order to carve out spaces for radically imagined possibilities for the future in what has evolved to be Yemeni Futurism.

Ali is a graduate of Wellesley College and the California Institute of the Arts. She lives and works in and between New Orleans, Paris and Jaipur and is the recipient of the prestigious ARTSY Vanguard Emerging Artist Award and is a NIKON Global Ambassador.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Fotografie Forum Frankfurt
7. Oktober 2023 – 7. Januar 2024

Paradise Performance Replica. Slovenian Photographic Art
Vanja Bućan, Jošt Dolinšek, Bojan Radovič

Mit der Ausstellung PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) drei Positionen zeitgenössischer Fotografie aus Slowenien. In den Arbeiten von Vanja Bućan, Jošt Dolinšek und Bojan Radovič geht es um die Inszenierung sozialer Rollen, den Blick des Individuums auf seine Umgebung und um das Spiel mit dem Phänomen der Wiederholung. Zugleich loten alle drei Künstler*innen auf jeweils eigene Weise die Grenzen von Fotografie experimentell und erfrischend aus.

Mit surreal inszenierten Bildkompositionen hinterfragt Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) gesellschaftspolitische Themen. In ihrer Serie Birds of Paradise – entstanden von 2021 bis 2023 im pandemiebedingten Rückzug ins Häusliche – thematisiert die Fotokünstlerin tradierte weibliche Rollen in der Abgeschiedenheit des Privaten. Die Frau primär zuständig für Kinderbetreuung und Haushalt oder reduziert auf dienstbereite Hände – solche Frauen-Bilder entstehen, indem Bućan ihre Fotografien zerlegt und dann zu humorvoll-hintergründigen Fotocollagen zusammenfügt, als Spiegel von Erlebtem und Einladung zum Nachdenken.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) untersucht in seinen Werken die visuelle Wahrnehmung und Wirkung von Umgebung, insbesondere von Landschaft und Natur. Dabei beschäftigen den jungen Künstler weniger Umweltkrisen und deren Gründe, sondern grundsätzlicher die existenzielle und individuelle Haltung zu Zeit und Raum. Im Zentrum seiner Arbeit steht immer wieder der Umgang mit Ungewissheit, Verlust und Veränderung. Dolinšek experimentiert mit Medien, Materialien und Formen und kombiniert Fotografie mit Bewegtbild, Ton und Skulptur.

Seit den 1980er Jahren beschäftigt sich Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) in seinen Werken mit dem Prinzip von Wiederholung, Kopie und Nachbildung. Der faszinierenden Bedeutungs- und Variationsvielfalt der „Replik“ geht der Fotokünstler mit sichtlichem Vergnügen nach, auf inhaltlicher und verfahrenstechnischer Ebene sowie mittels diverser Verweise in Fotografie- und Kunstgeschichte. Neben seiner künstlerischen Arbeit nimmt Radovič auch als Ausstellungs-macher, Verleger und Gründer der Foto-Institutionen Fotogalerie Novo mesto und House of Photography eine wichtige Rolle in der Fotoszene Sloweniens ein.

Zu sehen sind insgesamt rund 60 Arbeiten, darunter Fotografien, Installationen und Multimedia-Projekte. PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART wurde kuratiert von Celina Lunsford und Co-Kuratorin Andrea Horvay. Die Ausstellung ist Beitrag des FFF zum Ehrengastprogramm Sloweniens bei der Frankfurter Buchmesse 2023.

Avec l'exposition PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente trois positions de la photographie contemporaine de Slovénie. Dans les travaux de Vanja Bućan, Jošt Dolinšek et Bojan Radovič, il est question de la mise en scène des rôles sociaux, du regard de l'individu sur son environnement et du jeu avec le phénomène de la répétition. Parallèlement, les trois artistes* explorent chacun à leur manière les limites de la photographie de manière expérimentale et rafraîchissante.

Avec des compositions d'images mises en scène de manière surréaliste, Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) s'interroge sur des thèmes sociopolitiques. Dans sa série Birds of Paradise - créée entre 2021 et 2023 dans le cadre d'un repli sur soi domestique dû à la pandémie - l'artiste photographe aborde les rôles féminins traditionnels dans l'isolement de la sphère privée. La femme principalement responsable de la garde des enfants et du ménage ou réduite à des mains prêtes à servir - de tels visuels de femmes naissent du fait que Bućan décompose ses photographies et les assemble ensuite en collages photographiques pleins d'humour et de subtilité, comme un miroir du vécu et une invitation à la réflexion.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) étudie dans ses œuvres la perception visuelle et l'effet de l'environnement, en particulier du paysage et de la nature. Le jeune artiste s'intéresse moins aux crises environnementales et à leurs causes qu'à l'attitude existentielle et individuelle face au temps et à l'espace. Le rapport à l'incertitude, à la perte et au changement est toujours au cœur de son travail. Dolinšek expérimente avec les médias, les matériaux et les formes et combine la photographie avec l'image en mouvement, le son et la sculpture.

Depuis les années 1980, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) s'intéresse dans ses œuvres au principe de la répétition, de la copie et de la réplique. C'est avec un plaisir évident que l'artiste photographe explore la fascinante diversité de significations et de variations de la "réplique", au niveau du contenu et du procédé, ainsi qu'au moyen de diverses références à l'histoire de la photographie et de l'art. Outre son travail artistique, Radovič joue également un rôle important sur la scène photographique slovène en tant que créateur d'expositions, éditeur et fondateur des institutions photographiques Fotogalerie Novo mesto et House of Photography.

On peut y voir au total une soixantaine de travaux, dont des photographies, des installations et des projets multimédias. PARADISE, PERFORMANCE, RÉPLIQUE. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART a été organisée par Celina Lunsford et la co-commissaire Andrea Horvay. L'exposition est la contribution du FFF au programme d'invité d'honneur de la Slovénie à la Foire du livre de Francfort 2023.

Con la mostra PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta tre posizioni della fotografia contemporanea slovena. Le opere di Vanja Bućan, Jošt Dolinšek e Bojan Radovič trattano la messa in scena di ruoli sociali, la visione individuale dell'ambiente circostante e il gioco con il fenomeno della ripetizione. Allo stesso tempo, tutti e tre gli artisti esplorano i confini della fotografia in modo sperimentale e innovativo.

Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) mette in discussione temi socio-politici con composizioni di immagini surreali. Nella serie Birds of Paradise - realizzata tra il 2021 e il 2023 durante il ritiro in casa indotto dalla pandemia - la fotoartista affronta i tradizionali ruoli femminili nell'isolamento della sfera privata. La donna principalmente responsabile della cura dei figli e delle faccende domestiche o ridotta a un'attività di servizio: queste immagini di donne emergono quando Bućan seziona le sue fotografie e le assembla in collage fotografici ironici ed enigmatici come specchio dell'esperienza e invito alla riflessione.

Jošt Dolinšek (*1997, Lubiana) esplora nelle sue opere la percezione visiva e l'effetto dell'ambiente, in particolare del paesaggio e della natura. Il giovane artista non è tanto interessato alle crisi ambientali e alle loro cause, quanto piuttosto agli atteggiamenti esistenziali e individuali nei confronti del tempo e dello spazio. Il suo lavoro è sempre incentrato sul tema dell'incertezza, della perdita e del cambiamento. Dolinšek sperimenta con i media, i materiali e le forme e combina la fotografia con le immagini in movimento, il suono e la scultura.

Dagli anni Ottanta, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) si occupa del principio della ripetizione, della copia e dell'imitazione nelle sue opere. L'affascinante varietà di significati e variazioni della "replica" viene esplorata dal fotoartista con evidente piacere, a livello di contenuto e di processo, nonché attraverso vari riferimenti alla fotografia e alla storia dell'arte. Oltre al suo lavoro artistico, Radovič svolge un ruolo importante nella scena fotografica slovena come organizzatore di mostre, editore e fondatore delle istituzioni fotografiche Fotogalerie Novo mesto e House of Photography.

In totale sono esposte circa 60 opere, tra cui fotografie, installazioni e progetti multimediali. PARADISO, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART è stata curata da Celina Lunsford e dalla co-curatrice Andrea Horvay. La mostra è il contributo del FFF al programma "Ospite d'onore" della Slovenia alla Fiera del Libro di Francoforte 2023.

With the exhibition PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART, Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents three positions of contemporary photography from Slovenia. The works of Vanja Bućan, Jošt Dolinšek and Bojan Radovič are about the staging of social roles, the view of the individual on his environment and the play with the phenomenon of repetition. At the same time, all three artists explore the boundaries of photography in their own experimental and refreshing ways.

With surreally staged image compositions, Vanja Bućan (*1973, Nova Gorica) questions socio-political themes. In her series Birds of Paradise - created from 2021 to 2023 during the pandemic-related retreat into the domestic - the photo artist addresses traditional female roles in the seclusion of the private sphere. The woman primarily responsible for childcare and household chores or reduced to hands on duty - such visuals of women emerge as Bućan dissects her photographs and then assembles them into humorously enigmatic photo collages, as a mirror of experience and an invitation to reflection.

Jošt Dolinšek (*1997, Ljubljana) investigates in his works the visual perception and effect of surroundings, especially of landscape and nature. The young artist is less concerned with environmental crises and their causes, but more fundamentally with existential and individual attitudes to time and space. The focus of his work is always on dealing with uncertainty, loss and change. Dolinšek experiments with media, materials and forms, combining photography with moving image, sound and sculpture.

Since the 1980s, Bojan Radovič (*1960, Novo mesto) has been dealing with the principle of repetition, copying and replication in his works. The fascinating variety of meanings and variations of the "replica" is explored by the photo artist with obvious pleasure, on the level of content and process, as well as by means of various references in photography and art history. In addition to his artistic work, Radovič also plays an important role in Slovenia's photo scene as an exhibition maker, publisher and founder of the photo institutions Fotogalerie Novo mesto and House of Photography.

On display are a total of around 60 works, including photographs, installations and multimedia projects. PARADISE, PERFORMANCE, REPLICA. SLOVENIAN PHOTOGRAPHIC ART was curated by Celina Lunsford and co-curator Andrea Horvay. The exhibition is FFF's contribution to Slovenia's Guest of Honor program at the Frankfurt Book Fair 2023.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
9. September - 21. Oktober 2023

Im Hintergrund Wald
Frank Mädler

Von früher Kindheit an ist der Wald für Frank Mädler ein Sehnsuchtsort, der das Heimischsein mit dem Unheimlichen verbindet, ein Ort, an dem man sich verlieren kann. Doch mit welchen formalen Möglichkeiten lässt sich Wald, zumal in Zeiten, in denen er unmittelbar von Zerstörung bedroht ist, künstlerisch darstellen?

Frank Mädler arbeitet mit fotografischen Mitteln wie Schärfe und Unschärfe, greift aber auch, etwa mit Hilfe von Übermalungen, Ergänzungen und Kratzen, ins fotografische Material ein. Seine keramischen Skulpturen unter dem Titel „Doppeltierhälften“ erweitern die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Wald in den Ausstellungsraum hinein. Frank Mädler wurde 1963 in Torgelow geboren. Er studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, der Universidad Complutense de Madrid und der Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, und war Meisterschüler bei Astrid Klein. Seit 2000 arbeitet er als freischaffender Künstler in Leipzig. Frank Mädler wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so u.a. 2004 mit dem Stipendium der Villa Massimo, Rom, 2007 mit dem Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaats Sachsen und 2017 mit der Künstlerresidenz Al Lado in Lima, Peru. Frank Mädlers Arbeiten befinden sich in zahlreichen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen wie der American Bank Collection, der Fondation Antoine de Galbert Paris, der Art Gallery of Ontario, Kanada, dem Kupferstichkabinett Dresden, der DZ BANK Kunstsammlung, der Sammlung Deutsche Telekom sowie den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler hat mehrere Monographien und Bücher veröffentlicht, verschiedene Kuratoren und Kritikerinnen haben über seine Arbeit geschrieben, darunter Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel und Insa Wilke.

Depuis sa plus tendre enfance, la forêt est pour Frank Mädler un lieu de nostalgie, qui associe le sentiment d'être chez soi à l'étrange, un lieu où l'on peut se perdre. Mais avec quelles possibilités formelles la forêt peut-elle être représentée artistiquement, surtout à une époque où elle est directement menacée de destruction ?

Frank Mädler travaille avec des moyens photographiques tels que la netteté et le flou, mais il intervient également dans le matériau photographique, par exemple à l'aide de repeints, d'ajouts et de grattages. Ses sculptures en céramique, intitulées "Doppeltierhälfte" (moitiés d'animaux doubles), étendent la réflexion artistique sur la forêt à l'espace d'exposition. Frank Mädler est né en 1963 à Torgelow. Il a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig, à l'Universidad Complutense de Madrid et à l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, et a été élève maître d'Astrid Klein. Depuis 2000, il travaille en tant qu'artiste indépendant à Leipzig. Frank Mädler a reçu de nombreux prix, notamment une bourse de la Villa Massimo à Rome en 2004, une bourse de travail de la Fondation culturelle de l'État libre de Saxe en 2007 et une résidence d'artiste Al Lado à Lima, au Pérou, en 2017. Les œuvres de Frank Mädler se trouvent dans de nombreuses collections publiques et privées internationales telles que l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert Paris, l'Art Gallery of Ontario, Canada, le Kupferstichkabinett Dresden, la DZ BANK Kunstsammlung, la collection Deutsche Telekom ainsi que les Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler a publié plusieurs monographies et livres, plusieurs conservateurs et critiques ont écrit sur son travail, notamment Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel et Insa Wilke.

Fin dalla prima infanzia, la foresta è stata un luogo di desiderio per Frank Mädler, un luogo che combina l'essere a casa con il perturbante, un luogo in cui ci si può perdere. Ma quali sono le possibilità formali per rappresentare artisticamente la foresta, soprattutto in tempi in cui è direttamente minacciata dalla distruzione?

Frank Mädler lavora con mezzi fotografici come la nitidezza e la sfocatura, ma interviene anche sul materiale fotografico, ad esempio con l'aiuto di sovrapitture, aggiunte e graffi. Le sue sculture in ceramica dal titolo "Doppelierhälften" (doppie metà di animali) estendono l'esame artistico della foresta allo spazio espositivo. Frank Mädler è nato a Torgelow nel 1963. Ha studiato fotografia presso l'Accademia di Arti Visive di Lipsia, l'Universidad Complutense de Madrid e l'Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca, ed è stato allievo di Astrid Klein. Dal 2000 lavora come artista libero professionista a Lipsia. Frank Mädler è stato insignito di numerosi premi, tra cui una borsa di studio di Villa Massimo, a Roma, nel 2004, una borsa di lavoro della Fondazione Culturale dello Stato Libero di Sassonia nel 2007 e la residenza d'artista Al Lado a Lima, in Perù, nel 2017. Le opere di Frank Mädler sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private internazionali come l'American Bank Collection, la Fondation Antoine de Galbert di Parigi, l'Art Gallery of Ontario, Canada, il Kupferstichkabinett di Dresda, la DZ BANK Kunstsammlung, la Sammlung Deutsche Telekom e la Staatliche Kunstsammlungen Dresden. Frank Mädler ha pubblicato diverse monografie e libri e vari curatori e critici hanno scritto sul suo lavoro, tra cui Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel e Insa Wilke.

Since early childhood, the forest has been a place of longing for Frank Mädler, connecting the familiar with the uncanny, a place where one can get lost. However, how can the forest be artistically represented, especially in times when it is directly threatened by destruction, using formal means?

Frank Mädler employs photographic techniques such as focus and blur, but also intervenes in the photographic material through methods like overlays, additions, and scratches. His ceramic sculptures titled "Doppeltierhälften" expand the artistic exploration of the forest into the exhibition space.

Frank Mädler (1963, Torgelow, Germany) studied photography at the Academy of Visual Arts Leipzig, the Universidad Complutense de Madrid, and the Universidad Castilla-La Mancha, Cuenca. He was a master student under Astrid Klein. Since 2000, he has worked as a freelance artist in Leipzig. Frank Mädler has been honored with numerous awards, including the Villa Massimo Fellowship in Rome in 2004, the Working Grant from the Cultural Foundation of the Free State of Saxony in 2007, and the artist residency Al Lado in Lima, Peru, in 2017. His works can be found in various international public and private collections, such as the American Bank Collection, Fondation Antoine de Galbert Paris, Art Gallery of Ontario, Canada, Kupferstichkabinett Dresden, DZ BANK Art Collection, and the State Art Collections Dresden. Frank Mädler has published several monographs and books, and his work has been discussed by various curators and critics, including Martina Padberg, Tanja Dückers, Charlotte Gutmann, Lily Koshitavshvili, Maximilian Keller, Christina Leber, Agnes Matthias, Katharina Menzel, and Insa Wilke.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
15. Juli - 26. August 2023

Übers Meer
Peter Bialobrzeski

Peter Bialobrzeskis Fotografien der Meeresküste lassen uns etwas Unmittelbares erleben, die Präsenz von etwas Erhabenem — die Erinnerung an eine Idealvorstellung von Landschaft. Seine Bilder auch zu lesen als eine poetische Meditation über Veränderung und über das Verschwinden — wie einst das Versinken des sagenhaften Rungholts, des Atlantis des Nordens. Zugleich befassen sie sich mit dem Verhältnis von Mensch zu Natur sowie, formal, von Figur zu Meer und Horizont.

Peter Bialobrzeski, geb. 1961, ist einer der prägenden deutschen Fotografen der letzten Jahrzehnte. Er gewann unter anderem zweimal den World Press Photo Award und wurde 2012 mit dem Erich Salomon Preis ausgezeichnet. In den letzten 17 Jahren veröffentlichte er 21 Bücher. Seine Arbeiten wurden in Europa, USA, Asien, Afrika und Australien ausgestellt und befinden sich in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen, so u.a. im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, der Sammlung FC Gundlach Hamburg, dem Ruhrmuseum Essen, Fotoforum Köln, Museo di Fotografia Contemporanea Mailand, der DZ Bank Frankfurt am Main, der Hessischen Landesbank Frankfurt am Main, der Quandt Holding Frankfurt am Main, der ING Bank Niederlande, der Deutsche Börse Photography Foundation Frankfurt am Main, dem Museo Vaticano Rom und der Uni Credit Art Collection München. Peter Bialobrzeski war bis 2021 Professor für Fotografie an der Hochschule der Künste Bremen.

Les photographies du bord de mer de Peter Bialobrzeski nous font vivre quelque chose d'immédiat, la présence de quelque chose de sublime - le souvenir d'une représentation idéale du paysage. Ses visuels peuvent également être lus comme une méditation poétique sur le changement et la disparition - comme autrefois l'engloutissement du fabuleux Rungholt, l'Atlantide du Nord. En même temps, elles traitent de la relation de l'homme à la nature et, formellement, de la figure à la mer et à l'horizon.

Peter Bialobrzeski, né en 1961, est l'un des photographes allemands les plus marquants de ces dernières décennies. Il a notamment remporté deux fois le World Press Photo Award et a été récompensé par le prix Erich Salomon en 2012. Au cours des 17 dernières années, il a publié 21 livres. Son travail a été exposé en Europe, aux États-Unis, en Asie, en Afrique et en Australie et se trouve dans de nombreuses collections privées et publiques, notamment au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg, à la collection FC Gundlach de Hambourg, au Ruhrmuseum de Essen, au Fotoforum de Cologne, au Museo di Fotografia Contemporanea de Milan, à la DZ Bank de Francfort-sur-le-Main, à la Hessische Landesbank de Francfort-sur-le-Main, à la Quandt Holding de Francfort-sur-le-Main, à la ING Bank des Pays-Bas, à la Deutsche Börse Photography Foundation de Francfort-sur-le-Main, au Museo Vaticano de Rome et à l'Uni Credit Art Collection de Munich. Peter Bialobrzeski a été professeur de photographie à la Hochschule der Künste de Brême jusqu'en 2021.

Le fotografie di Peter Bialobrzeski in riva al mare ci fanno sperimentare qualcosa di immediato, la presenza di qualcosa di sublime - la memoria di un paesaggio ideale. Le sue immagini possono essere lette anche come una meditazione poetica sul cambiamento e sulla scomparsa, come l'affondamento della leggendaria Rungholt, l'Atlantide del Nord. Allo stesso tempo, affrontano il rapporto dell'uomo con la natura e, formalmente, della figura con il mare e l'orizzonte.

Peter Bialobrzeski, nato nel 1961, è uno dei fotografi tedeschi più importanti degli ultimi decenni. Ha vinto due volte il World Press Photo Award e nel 2012 ha ricevuto il Premio Erich Salomon. Negli ultimi 17 anni ha pubblicato 21 libri. Le sue opere sono state esposte in Europa, Stati Uniti, Asia, Africa e Australia e sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private, tra cui il Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, la FC Gundlach Collection di Amburgo, il Ruhrmuseum di Essen, il Fotoforum di Colonia, il Museo di Fotografia Contemporanea di Milano, la DZ Bank di Francoforte sul Meno, la Hessische Landesbank di Francoforte sul Meno, la Quandt Holding di Francoforte sul Meno, la ING Bank Netherlands, la Deutsche Börse Photography Foundation di Francoforte sul Meno, il Museo Vaticano di Roma e la Uni Credit Art Collection di Monaco. Peter Bialobrzeski è stato professore di fotografia alla Hochschule der Künste Bremen fino al 2021.

Peter Bialobrzeski's photographs of the seashore allow us to experience something immediate, the presence of something sublime - the memory of an idealized notion of landscape. His images can also be read as a poetic meditation on change and disappearance — like the sinking of the legendary Rungholt, the Atlantis of the North. At the same time, they explore the relationship between humans and nature as well as formally, the interplay between figure, sea, and horizon.

Peter Bialobrzeski (b. 1961) studied politics and sociology before he became a photographer for a local paper in his native Wolfsburg/Germany. He travelled extensively in Asia before he went back to study photography at the Folkwangschule in Essen and the LCP in London. In the last seventeen years he has published twenty-one books. His work has been exhibited in Europe, USA, Asia, Africa and Australia and is held in various major public and private collections, including Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Sammlung FC Gundlach Hamburg, Ruhrmuseum Essen, Fotoforum Cologne, Museo di Fotografia Contemporanea Milano, DZ Bank Frankfurt am Main, Hessische Landesbank Frankfurt am Main, Quandt Holding Frankfurt am Main, ING Bank, Netherlands, Deutsche Börse Photography Foundation, Frankfurt am Main, Museo Vaticano, Rome, and the Uni Credit Art Collection in Munich. Until 2021 Peter Bialobrzeski taught photography at the University of the Arts in Bremen/Germany. He has received various awards, including the World Press Photo Award 2003 and 2010 and the Erich Salomon Award of the German Photographic Society 2012.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
8. Juli - 2. September 2023

POOL
Kyungwoo Chun, Serena Ferrario, Andy Fitz, Katharina Hinsberg, Myriam Holme, Levin Oehler, Ralf Peters, Giacomo Santiago Rogado, Theresa Weber

Kunst hat kein Haltbarkeitsdatum
In der Regel werden Kunstwerke für Ausstellungen in Galerien neu produziert. Einmal geschaffen, existieren sie für die Ewigkeit, beispielsweise in den Schränken von Museumsdepots oder in den Wohnzimmern von privat Sammelnden. Die Kunstwerke verändern sich, sie tragen die Spuren ihrer Geschichten in sich. Ebenso verändern sie auch ihre Umwelt und hinterlassen selbst Spuren. Die konstante Produktion von neuen künstlerischen Arbeiten für täglich rund um den Globus eröffnende Ausstellungen unter der Verwendung enormer Ressourcen ist alles andere als nachhaltig und kann unmöglich endlos fortgeführt werden.

Künstlerische Arbeit ist Transformation
Jede Form von künstlerischer Arbeit bedeutet die (Um-)Nutzung von Dingen und alle Arbeit verbraucht zwangsläufig materielle oder menschliche Ressourcen. Arbeit und menschliches Leben sind ohne Verbrauch nicht möglich. Doch es ist möglich, diesen Verbrauch zu reduzieren. Dazu muss das Neue in eine engere Beziehung mit dem Alten gebracht werden.

Neue Kontexte mit Altem schaffen
Das Thema Nachhaltigkeit beschäftigt zwar die Kunstwelt, in der Praxis ändert sich allerdings wenig. Für die Gruppenausstellung POOL werden Kunstwerke aus dem Galeriebestand von Bernhard Knaus Fine Art mit jungen internationalen Positionen zusammengebracht. Vier Künstler*innen zeigen ihre Arbeiten im Kontext von ausgewählten Werken von fünf etablierten Positionen aus dem Galerieprogramm. Es geht um den Raum zwischen An- und Abwesenheit, Altem und Neuem, zwischen gestern und morgen, um einen Deep Dive in Themen, die uns alle seit Langem und genau in diesem Moment beschäftigen.

L'art n'a pas de date de péremption
En règle générale, les œuvres d'art sont produites pour être exposées dans des galeries. Une fois créées, elles existent pour l'éternité, par exemple dans les armoires des dépôts de musées ou dans les salons des collectionneurs privés. Les œuvres d'art changent, elles portent en elles les traces de leurs histoires. De même, elles modifient leur environnement et laissent elles-mêmes des traces. La production constante de nouveaux travaux artistiques pour des expositions qui s'ouvrent chaque jour dans le monde entier, en utilisant d'énormes ressources, est tout sauf durable et ne peut pas être poursuivie indéfiniment.

Le travail artistique est une transformation
Toute forme de travail artistique implique la (ré)utilisation de choses et tout travail consomme inévitablement des ressources matérielles ou humaines. Le travail et la vie humaine ne sont pas possibles sans consommation. Il est toutefois possible de réduire cette consommation. Pour ce faire, le nouveau doit être mis en relation plus étroite avec l'ancien.

Créer de nouveaux contextes avec l'ancien
Le thème de la durabilité préoccupe certes le monde de l'art, mais dans la pratique, peu de choses changent. Pour l'exposition de groupe POOL, des œuvres d'art du fonds de la galerie Bernhard Knaus Fine Art sont réunies avec de jeunes positions internationales. Quatre artistes* présentent leurs travaux dans le contexte d'œuvres sélectionnées parmi cinq positions établies du programme de la galerie. Il s'agit de l'espace entre la présence et l'absence, l'ancien et le nouveau, entre hier et demain, d'une plongée en profondeur dans des thèmes qui nous préoccupent tous depuis longtemps et précisément en ce moment.

L'arte non ha una data di scadenza
Di norma, le opere d'arte vengono prodotte di recente per le mostre nelle gallerie. Una volta create, esistono per l'eternità, ad esempio negli armadi dei depositi dei musei o nei salotti dei collezionisti privati. Le opere d'arte cambiano, portano con sé le tracce delle loro storie. Allo stesso modo, cambiano anche il loro ambiente e lasciano tracce loro stesse. La costante produzione di nuove opere d'arte per le mostre che si aprono ogni giorno in tutto il mondo, utilizzando enormi risorse, è tutt'altro che sostenibile e non può continuare all'infinito.

Il lavoro artistico è trasformazione
Ogni forma di lavoro artistico implica il (ri)uso di cose e ogni lavoro consuma inevitabilmente risorse materiali o umane. Il lavoro e la vita umana non sono possibili senza consumo. Ma è possibile ridurre questo consumo. Per farlo, è necessario avvicinare il nuovo al vecchio.

Creare nuovi contesti con il vecchio
Il tema della sostenibilità preoccupa il mondo dell'arte, ma nella pratica cambia poco. Per la mostra collettiva POOL, le opere della collezione della galleria Bernhard Knaus Fine Art sono riunite con giovani posizioni internazionali. Quattro artisti esporranno le loro opere nel contesto di lavori selezionati da cinque posizioni affermate del programma della galleria. Si tratta dello spazio tra presenza e assenza, vecchio e nuovo, tra ieri e domani, di un'immersione profonda in temi che ci occupano da tempo e in questo momento.

Art has no shelf life
As a rule, works of art are newly produced for exhibitions in galleries. Once created, they exist for eternity, for example in the cabinets of museum depots or in the living rooms of private collectors. The artworks change, they carry the traces of their stories within them. Likewise, they also change their environment and leave traces themselves. The constant production of new artistic works for exhibitions opening daily around the globe, using enormous resources, is anything but sustainable and cannot possibly continue indefinitely.

Artistic work is transformation
Any form of artistic work involves the (re)use of things, and all work inevitably consumes material or human resources. Work and human life are not possible without consumption. But it is possible to reduce this consumption. To do so, the new must be brought into closer relationship with the old.

Creating new contexts with the old
While the issue of sustainability is preoccupying the art world, little is changing in practice. For the group exhibition POOL, artworks from Bernhard Knaus Fine Art's gallery holdings are brought together with young international positions. Four artists show their works in the context of selected works by five established positions from the gallery program. It is about the space between presence and absence, old and new, between yesterday and tomorrow, about a deep dive into topics that have occupied us all for a long time and at this very moment.

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
25. Juni - 1. Oktober 2023

»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden

Die Ausstellung in den Opelvillen öffnet den Blick in die popkulturelle Stargeschichte der 1960er- bis 2000er-Jahre. Anhand von Sammelobjekten und ausgewählten »BRAVO«-Starschnitten werden Rockstar-Legenden und längst vergessene Sternchen aus Film, Fernsehen und Musik wieder wach. Erinnert wird, wie eine Zeitschrift, die über 25 Jahre eine Auflage von mehr als einer Millionen Exemplaren hatte, Jugendkultur in westdeutschen Zimmern abbildete. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg oder James Dean – alle klebten lebensgroß an Wänden von Heranwachsenden.

Für die kuratorische Unterstützung bedanken wir uns bei der Leihgeberin, der Sparkassenstiftung Lüneburg, die im Frühjahr 2017 erstmals in einer Ausstellung unter dem Titel »Der Bravo-Starschnitt« über 100 Starschnitte in der Kunsthalle Lüneburg in der KulturBäckerei zeigte.

L'exposition dans les Opelvillen ouvre les yeux sur l'histoire des stars de la culture pop des années 1960 à 2000. Des objets de collection et une sélection de coupures de stars de "BRAVO" font revivre des légendes de rock stars et des starlettes du cinéma, de la télévision et de la musique oubliées depuis longtemps. On se souvient de la manière dont un magazine, tiré à plus d'un million d'exemplaires pendant 25 ans, représentait la culture des jeunes dans les chambres d'Allemagne de l'Ouest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg ou James Dean - tous étaient collés grandeur nature sur les murs des adolescents.

Nous remercions le prêteur, la Sparkassenstiftung Lüneburg, pour son soutien en tant que conservateur. Au printemps 2017, elle a présenté pour la première fois plus de 100 coupures de stars dans une exposition intitulée "Der Bravo-Starschnitt" à la Kunsthalle Lüneburg dans la KulturBäckerei.

La mostra allestita nell'Opelvillen apre lo sguardo sulla storia delle star della cultura pop dagli anni '60 al 2000. Con l'aiuto di oggetti da collezione e di ritagli selezionati di "BRAVO", vengono riportate in vita le leggende delle rockstar e le star del cinema, della televisione e della musica ormai dimenticate. La mostra ricorda come una rivista che ha avuto una tiratura di oltre un milione di copie in 25 anni ha rappresentato la cultura giovanile nelle camere da letto della Germania Ovest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg o James Dean: tutti erano attaccati a grandezza naturale sulle pareti degli adolescenti.

Ringraziamo il finanziatore, la Sparkassenstiftung Lüneburg, per il suo sostegno curatoriale. Nella primavera del 2017, la Sparkassenstiftung Lüneburg ha esposto per la prima volta oltre 100 ritagli di stelle in una mostra intitolata "Der Bravo-Starschnitt" (Il taglio delle stelle Bravo) alla Kunsthalle Lüneburg nella KulturBäckerei.

The exhibition in the Opelvillen opens the view into the pop cultural star history of the 1960s to 2000s. Collectibles and selected "BRAVO" star clippings bring rock star legends and long-forgotten starlets from film, television and music back to life. The exhibition recalls how a magazine that had a circulation of more than one million copies over 25 years depicted youth culture in West German bedrooms. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg or James Dean - all of them were stuck life-size on the walls of adolescents.

We would like to thank the lender, the Sparkassenstiftung Lüneburg, for its curatorial support. In spring 2017, the Sparkassenstiftung Lüneburg showed more than 100 star cut-outs for the first time in an exhibition entitled "Der Bravo-Starschnitt" at the Kunsthalle Lüneburg in the KulturBäckerei.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselheim)

Ernst Leitz Museum | Wetzlar
26. Mai - 27. September 2023

Zeitsprünge
Rankin

Ebenso elegant wie provokativ, so dynamisch wie cool, so kreativ wie stilbildend: das Werk des britischen Starfotografen Rankin hat viele Facetten und längst zählt er zu den gefragtesten und einflussreichen Fotografen unserer Zeit. Die Ausstellung „Rankin Zeitsprünge“ die vom 26. Mai bis zum 27. September 2023 im Ernst Leitz Museum präsentiert wird, gibt spannende und überraschende Einblicke in sein grandioses Werk. Hier werden einige seiner besten Aufnahmen aus über dreißig Jahren vorgestellt. So finden sich in der Ausstellung viele ikonische Porträts und Celebrity Shots, die längs t Zeitgeschichte geschrieben haben, krachbunte Beauty und klassische Modeaufnahmen, ebenso wie Beispiele aus seinen tiefgründigen konzeptionellen Serien. Unter dem Titel „ verbinden sich die Motive aus den 1990er bis 2000er Jahren dialogisch mit brandneuen und noch nie veröffentlichten Aufnahmen aus 2023.

Vor seiner Kamera waren bereits die berühmtesten Größen aus Politik und Showgeschäft: Elizabeth II., Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie die Reihe lässt sic h beliebig fortsetzen. Dass Rankin weit mehr als ein Fashion- und Lifestylefotograf ist, hat er eindrücklich mit seiner Leidenschaft für Magazine belegt. Zu Beginn der 1990er Jahre gründete er zusammen mit Jefferson Hack das damals provokanteste Zeitgeist Magazin Dazed Confused, eine Mischung verschiedener Genres wie Mode, Grafik, Design und Fotografie. Seine Editorials für zahlreiche internationale Magazine ließen ihn zu einem viel beschäftigten Fotografen und Gestalter werden. Darüber hinaus ist er auch längst in der Filmwelt zu Hause. Neben langen TV Filmen entstanden über die Jahre zahllose Musikvideos und auch hier liest sich die Künstlerliste wie ein Who’s Who der Musikszene.

Als Fotograf, Filmemacher, Publizist und Gestalter hat Rankin ohne Zweifel ganze Generationen begeistert und inspiriert. Bis heute erfindet er immer wieder rastlos neue kreative Ausdrucksmöglichkeiten der Fotografie gerne auch mit Leica Kameras. Die Ausstellung „ ist eine Einladung, in die unvergleichliche Rankin Welt einzutauchen.

Aussi élégante que provocante, aussi dynamique que cool, aussi créative que créatrice de style : l'œuvre du photographe vedette britannique Rankin présente de nombreuses facettes et il compte depuis longtemps parmi les photographes les plus demandés et les plus influents de notre époque. L'exposition "Rankin Zeitsprünge", qui sera présentée du 26 mai au 27 septembre 2023 au musée Ernst Leitz, donne des aperçus passionnants et surprenants de son œuvre grandiose. Quelques-uns de ses meilleurs clichés, pris sur plus de trente ans, y sont présentés. L'exposition présente ainsi de nombreux portraits iconiques et des photos de célébrités qui ont marqué l'histoire contemporaine, des photos de beauté aux couleurs vives et des photos de mode classiques, ainsi que des exemples de ses séries conceptuelles profondes. Sous le titre " les motifs des années 1990 à 2000 se combinent de manière dialogique avec des photos flambant neuves et inédites de 2023.

Les plus grands noms de la politique et du show-business ont déjà posé devant son objectif : Elizabeth II, Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie - et la liste est encore longue. La passion de Rankin pour les magazines prouve qu'il est bien plus qu'un photographe de mode et de style de vie. Au début des années 1990, il a fondé avec Jefferson Hack le magazine contemporain le plus provocateur de l'époque, Dazed Confused, un mélange de différents genres comme la mode, le graphisme, le design et la photographie. Ses éditoriaux pour de nombreux magazines internationaux ont fait de lui un photographe et un créateur très occupé. En outre, il est depuis longtemps à l'aise dans le monde du cinéma. Outre de longs films pour la télévision, d'innombrables clips musicaux ont été réalisés au fil des ans et, là aussi, la liste des artistes se lit comme un who's who de la scène musicale.

En tant que photographe, cinéaste, publiciste et créateur, Rankin a sans aucun doute enthousiasmé et inspiré des générations entières. Aujourd'hui encore, il ne cesse d'inventer de nouvelles possibilités d'expression créative de la photographie, notamment avec des appareils Leica. L'exposition "est une invitation à se plonger dans l'univers incomparable de Rankin.

Tanto elegante quanto provocatorio, tanto dinamico quanto cool, tanto creativo quanto determinante per lo stile: il lavoro della star britannica Rankin ha molte sfaccettature ed è da tempo uno dei fotografi più ricercati e influenti del nostro tempo. La mostra "Rankin Zeitsprünge", che sarà presentata all'Ernst Leitz Museum dal 26 maggio al 27 settembre 2023, offre uno sguardo emozionante e sorprendente sul suo magnifico lavoro. Vengono presentate alcune delle sue migliori fotografie di oltre trent'anni. La mostra presenta quindi molti ritratti iconici e scatti di celebrità che hanno scritto a lungo la storia contemporanea, scatti di bellezza mozzafiato e classici della moda, oltre a esempi delle sue profonde serie concettuali. Sotto il titolo ", i motivi degli anni Novanta e Duemila sono combinati in dialogo con scatti inediti e mai pubblicati del 2023.

Davanti alla sua macchina fotografica si sono avvicendati i più famosi personaggi della politica e dello spettacolo: Elisabetta II, Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie - l'elenco continua. La passione di Rankin per le riviste ha dimostrato in modo impressionante che è molto più di un fotografo di moda e lifestyle. All'inizio degli anni '90, insieme a Jefferson Hack, ha fondato la rivista più provocatoria dello Zeitgeist, Dazed Confused, un mix di generi diversi come moda, grafica, design e fotografia. I suoi editoriali per numerose riviste internazionali lo hanno reso un fotografo e un designer molto impegnato. Da tempo si trova a suo agio anche nel mondo del cinema. Oltre a lunghi film per la TV, ha realizzato innumerevoli video musicali nel corso degli anni e anche in questo caso la sua lista di artisti è un vero e proprio Who's Who della scena musicale.

Come fotografo, regista, pubblicitario e designer, Rankin ha indubbiamente ispirato e suggestionato intere generazioni. Ancora oggi, continua a inventare senza sosta nuovi modi creativi di esprimersi attraverso la fotografia, spesso con fotocamere Leica. La mostra "è un invito a immergersi nell'incomparabile mondo di Rankin.

As elegant as it is provocative, as dynamic as it is cool, as creative as it is style-defining: the work of the British star photographer Rankin has many facets and he has long been one of the most sought-after and influential photographers of our time. The exhibition "Rankin Zeitsprünge" which will be presented at the Ernst Leitz Museum from May 26 to September 27, 2023, provides exciting and surprising insights into his magnificent work. Some of his best photographs from over thirty years are presented here. Thus, the exhibition features many iconic portraits and celebrity shots that have long t written contemporary history, jaw-dropping beauty and classic fashion shots, as well as examples from his profound conceptual series. Titled ", the motifs from the 1990s to the 2000s combine dialogically with brand-new and never-before-published shots from 2023.

In front of his camera have been the most famous personalities from politics and show business: Elizabeth II, Vivienne Westwood, Ewan McGregor, Björk, Heidi Klum, David Bowie - the list goes on and on. Rankin's passion for magazines is impressive proof that he is much more than a fashion and lifestyle photographer. In the early 1990s, together with Jefferson Hack, he founded the then most provocative zeitgeist magazine Dazed Confused, a mixture of different genres such as fashion, graphics, design and photography. His editorials for numerous international magazines made him a busy photographer and designer. In addition, he has also long been at home in the film world. In addition to long TV films, he has created countless music videos over the years, and here, too, the list of artists reads like a Who's Who of the music scene.

As a photographer, filmmaker, publicist and designer, Rankin has undoubtedly inspired and inspired entire generations. To this day, he continues to restlessly invent new creative ways of expressing himself through photography, often with Leica cameras. The exhibition " is an invitation to immerse yourself in Rankin's incomparable world.

(Text: Ernst Leitz Museum, Wetzlar)

Fotografie Forum Frankfurt
20. Mai - 17. September 2023

Chameleon
Abe Frajndlich

Er hat Kreative aus Musik, Kunst und Showbiz porträtiert, die Grenzenlosigkeit der Großstadt surreal abgebildet und die Größen der Fotogeschichte vor die Kamera geholt. Mit ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON präsentiert das Fotografie Forum Frankfurt (FFF) die schillernde Themenvielfalt des amerikanischen Fotografen Abe Frajndlich (*1946, Frankfurt/Main).

Zu sehen sind rund 160 Arbeiten ab den 1970er-Jahren, darunter Frajndlichs früheste Vintage-Prints aus Cleveland. Als einen Schwerpunkt präsentiert die FFF-Retrospektive Porträts von Künstler*innen, die Abe Frajndlichs Leben beeinflusst haben; allen voran die Performerin Rosebud Conway, genannt „Rosie“, sowie Minor White, Fotograf, Gründer des Magazins Aperture und Frajndlichs fotografischer Mentor. Ebenfalls Teil der Schau ist das Projekt Masters of Light – Frajndlichs erste große Serie in Farbe. Dafür porträtierte er Ikonen der Fotografie, die aus seiner Sicht maßgeblich das 20. Jahrhundert beeinflusst haben, darunter Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott oder Ilse Bing. Jedes dieser inszenierten Bilder spielt auf Aspekte des jeweiligen Lebens oder Schaffens an.

Im Auftrag des FAZ-Magazins konnte Frajndlich in den 1980er- und 90er-Jahren seine Sicht auf die amerikanische Kunstszene zeigen. Dafür stehen Atelier-Stories mit Cindy Sherman, Nancy Spero und David Ireland, die das FFF erstmals zeigt. Außerdem dabei: experimentelle Straßenfotografie sowie die sinnlichen Assoziationen aus seinem Buch Eros Eterna (1999), ohne die „das Chamäleon“ Fraijndlich nicht denkbar wäre.

Abe Frajndlichs zentrale Themen – Kreativität, Identität, Hoffnung , Freiheit – hängen eng mit seiner Biografie zusammen. Geboren wurde er in einem „DP Camp“ in Frankfurt-Zeilsheim. Frühe Migrationserfahrungen führten ihn über Israel, Deutschland, Frankreich und Brasilien in die USA. Nach einem Literaturstudium wandte er sich 1970 der Fotografie zu. Frajndlich veröffentlichte zahlreiche Bücher, u.a. Figments (1975), Portraits (2000), Penelope’s Hungry Eyes (2011), The Shooting (über Charles Bukowski, 2021) und Seventyfive at Seventyfive (2022). Seine Arbeiten wurden international ausgestellt und befinden sich in großen Sammlungen wie dem Whitney Museum of American Art (New York City), Musée Nicéphore Nièpce (Frankreich), Museum Ludwig (Köln), Jüdischen Museum (Frankfurt) und der National Portrait Gallery (Washington D.C.). Ab 1985 arbeitete Frajndlich für Magazine wie The New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair und das FAZ-Magazin. Heute lebt der Fotograf in Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, kuratiert von Celina Lunsford, künstlerische Leiterin des FFF, und Co-Kuratorin Esra Klein, ist Beitrag des FFF zum Festprogramm des 175. Paulskirchenjubiläums.

Il a fait le portrait de créateurs issus de la musique, de l'art et du showbiz, a représenté de manière surréaliste l'absence de limites de la grande ville et a fait venir devant son objectif les grands noms de l'histoire de la photographie. Avec ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, le Fotografie Forum Frankfurt (FFF) présente la diversité éblouissante des thèmes du photographe américain Abe Frajndlich (*1946, Francfort/Main).

On peut y voir environ 160 travaux datant des années 1970, dont les premiers tirages vintage de Frajndlich réalisés à Cleveland. La rétrospective du FFF met l'accent sur les portraits d'artistes qui ont influencé la vie d'Abe Frajndlich, en particulier la performeuse Rosebud Conway, surnommée "Rosie", et Minor White, photographe, fondateur du magazine Aperture et mentor photographique de Frajndlich. Le projet Masters of Light, la première grande série en couleur de Frajndlich, fait également partie de l'exposition. Pour cela, il a fait le portrait d'icônes de la photographie qui, selon lui, ont eu une influence déterminante sur le 20e siècle, comme Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott ou Ilse Bing. Chacun de ces visuels mis en scène fait allusion à des aspects de la vie ou de l'œuvre en question.

Sur commande du magazine FAZ, Frajndlich a pu montrer sa vision de la scène artistique américaine dans les années 1980 et 1990. Des histoires d'atelier avec Cindy Sherman, Nancy Spero et David Ireland, que le FFF présente pour la première fois, en sont la preuve. Sont également présentées la photographie de rue expérimentale et les associations sensuelles de son livre Eros Eterna (1999), sans lesquelles "le caméléon" Fraijndlich ne serait pas concevable.

Les thèmes centraux d'Abe Frajndlich - créativité, identité, espoir, liberté - sont étroitement liés à sa biographie. Il est né dans un "camp DP" à Frankfurt-Zeilsheim. Ses premières expériences migratoires l'ont mené aux États-Unis en passant par Israël, l'Allemagne, la France et le Brésil. Après des études de littérature, il s'est tourné vers la photographie en 1970. Frajndlich a publié de nombreux livres, notamment Figments (1975), Portraits (2000), Penelope's Hungry Eyes (2011), The Shooting (sur Charles Bukowski, 2021) et Seventyfive at Seventyfive (2022). Son travail a été exposé à l'échelle internationale et se trouve dans de grandes collections telles que le Whitney Museum of American Art (New York City), le Musée Nicéphore Nièpce (France), le Museum Ludwig (Cologne), le Jüdisches Museum (Francfort) et la National Portrait Gallery (Washington D.C.). À partir de 1985, Frajndlich a travaillé pour des magazines tels que The New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair et le magazine FAZ. Aujourd'hui, le photographe vit à Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, organisé par Celina Lunsford, directrice artistique du FFF, et Esra Klein, co-commissaire, est la contribution du FFF au programme de festivités du 175e anniversaire de l'église Saint-Paul.

Ha ritratto i creativi della musica, dell'arte e dello spettacolo, ha raffigurato in modo surreale la sconfinatezza della grande città e ha portato davanti alla macchina fotografica i grandi della storia della fotografia. Con ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, il Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presenta l'abbagliante varietà di temi del fotografo americano Abe Frajndlich (*1946, Francoforte sul Meno).

In mostra circa 160 opere dagli anni '70 in poi, tra cui le prime stampe vintage di Frajndlich provenienti da Cleveland. Come punto focale, la retrospettiva FFF presenta ritratti di artisti che hanno influenzato la vita di Abe Frajndlich, soprattutto la performer Rosebud Conway, nota come "Rosie", e Minor White, fotografo, fondatore della rivista Aperture e mentore fotografico di Frajndlich. Fa parte della mostra anche il progetto Masters of Light, la prima grande serie a colori di Frajndlich. Per questa serie, Frajndlich ha ritratto icone della fotografia che, a suo parere, hanno avuto un'influenza decisiva sul XX secolo, come Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott o Ilse Bing. Ognuna di queste immagini inscenate allude ad aspetti della vita o del lavoro dei rispettivi protagonisti.

Frajndlich è stato incaricato dalla rivista FAZ di mostrare la sua visione della scena artistica americana degli anni Ottanta e Novanta. Questo è rappresentato dalle storie in studio con Cindy Sherman, Nancy Spero e David Ireland, che il FFF presenta per la prima volta. Sono incluse anche la fotografia di strada sperimentale e le associazioni sensuali del suo libro Eros Eterna (1999), senza il quale il "camaleonte" Fraijndlich sarebbe impensabile.

I temi centrali di Abe Frajndlich - creatività, identità, speranza, libertà - sono strettamente legati alla sua biografia. È nato in un "campo DP" a Francoforte-Zeilsheim. Le prime esperienze di migrazione lo hanno portato negli Stati Uniti attraverso Israele, Germania, Francia e Brasile. Dopo aver studiato letteratura, nel 1970 si è dedicato alla fotografia. Frajndlich ha pubblicato numerosi libri, tra cui Figments (1975), Portraits (2000), Penelope's Hungry Eyes (2011), The Shooting (su Charles Bukowski, 2021) e Seventyfive at Seventyfive (2022). Le sue opere sono state esposte a livello internazionale e sono presenti in importanti collezioni come il Whitney Museum of American Art (New York), il Musée Nicéphore Nièpce (Francia), il Museum Ludwig (Colonia), il Jewish Museum (Francoforte) e la National Portrait Gallery (Washington D.C.). Dal 1985 Frajndlich ha lavorato per riviste come il New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair e la rivista FAZ. Oggi il fotografo vive a Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, curata da Celina Lunsford, direttore artistico del FFF, e dalla co-curatrice Esra Klein, è il contributo del FFF al programma di festeggiamenti per il 175° anniversario di Paulskirchen.

He has portrayed creatives from music, art and showbiz, surreally depicted the boundlessness of the big city and brought the greats of photographic history before his camera. With ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, Fotografie Forum Frankfurt (FFF) presents the dazzling variety of subjects by American photographer Abe Frajndlich (*1946, Frankfurt/Main).

On view are some 160 works from the 1970s onward, including Frajndlich's earliest vintage prints from Cleveland. As a focal point, the FFF retrospective presents portraits of artists* who influenced Abe Frajndlich's life; most notably performer Rosebud Conway, known as "Rosie," and Minor White, photographer, founder of Aperture magazine, and Frajndlich's photographic mentor. Also part of the show is the Masters of Light project - Frajndlich's first major series in color. For this, he portrayed icons of photography who he considers to have had a significant influence on the 20th century, including Gordon Parks, Louise Dahl-Wolfe, Berenice Abbott, and Ilse Bing. Each of these staged images alludes to aspects of the respective life or work.

Commissioned by FAZ magazine, Frajndlich was able to show his view of the American art scene in the 1980s and '90s. This is represented by studio stories with Cindy Sherman, Nancy Spero and David Ireland, which the FFF is showing for the first time. Also included: experimental street photography and the sensual associations from his book Eros Eterna (1999), without which "the chameleon" Fraijndlich would be unthinkable.

Abe Frajndlich's central themes - creativity, identity, hope , freedom - are closely related to his biography. He was born in a "DP Camp" in Frankfurt-Zeilsheim. Early migration experiences led him via Israel, Germany, France and Brazil to the USA. After studying literature, he turned to photography in 1970. Frajndlich has published numerous books, including Figments (1975), Portraits (2000), Penelope's Hungry Eyes (2011), The Shooting (about Charles Bukowski, 2021), and Seventyfive at Seventyfive (2022). His work has been exhibited internationally and is in major collections such as the Whitney Museum of American Art (New York City), Musée Nicéphore Nièpce (France), Museum Ludwig (Cologne), Jewish Museum (Frankfurt), and the National Portrait Gallery (Washington D.C.). Beginning in 1985, Frajndlich worked for magazines such as The New York Times Magazine, LIFE, Vanity Fair, and FAZ Magazine. Today, the photographer lives in Cleveland.

ABE FRAJNDLICH. CHAMELEON, curated by Celina Lunsford, artistic director of the FFF, and co-curator Esra Klein, is the FFF's contribution to the festive program of the 175th Paulskirchen anniversary.

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Städel Museum | Frankfurt am Main
12. Mai - 5. November 2023

Phantominseln
Philipp Fürhofer

Die Illusion und das Hinterfragen der Realität sind zentrale Motive im Schaffen des Künstlers Philipp Fürhofer (*1982). An der Schnittstelle von Installation und Malerei zeigen seine Werke komplexe Bildwelten. Das Städel Museum präsentiert in einer Einzelausstellung des Künstlers insgesamt 16 Werke, darunter eine raumspezifische Arbeit. In der Sammlung Gegenwartskunst entwirft Fürhofer eine mystische Dschungellandschaft, in der nichts ist, wie es scheint. Den Besuchern strahlen Sonnenuntergänge und tropische Wälder aus Gemälden und Leuchtkästen entgegen, deren langsam pulsierendes Licht eine geheimnisvolle Atmosphäre erzeugt. Mit einer eigens für die Ausstellung konzipierten Arbeit reagiert Fürhofer zudem auf die Architektur des Raumes: Ein knapp sechs Meter hoher Vorhang greift die Motive der umliegenden vermeintlich paradiesischen Landschaften auf. Die Besucher sind eingeladen, durch den Vorhang hindurchzutreten und einen Blick dahinter zu werfen.

Mit dem Ausstellungstitel „Phantominseln“ bezieht sich Fürhofer auf einst kartografierte Inseln, deren Existenz später widerlegt wurde. Auch die Naturromantik von Fürhofers Wäldern und Stränden erweist sich als Trugbild: Unter aufgekratzten Schichten von Malerei offenbart sich die Frage nach der existenziellen, wechselseitigen Beeinflussung von Mensch und Natur, einer kapitalistischen Zivilisation und der stetigen Zerstörung ihres eigenen Lebensraums. Mit Referenzen aus der Pop-Kultur verdeutlicht Fürhofer den in Zeiten des Umbruchs und der Unsicherheit stetig wachsenden Wunsch des Menschen nach Kontrolle über seine unmittelbare Umgebung und sein Selbst.

Kuratorin: Svenja Grosser (Stellvertretende Leiterin Sammlung Gegenwartskunst, Städel Museum)

Projektleiterin: Maja Lisewski (Wissenschaftliche Volontärin, Sammlung Gegenwartskunst, Städel Museum)

L'illusion et la remise en question de la réalité sont des motifs centraux dans l'œuvre de l'artiste Philipp Fürhofer (*1982). À l'intersection de l'installation et de la peinture, ses œuvres présentent des univers visuels complexes. Le Städel Museum présente dans une exposition individuelle de l'artiste un total de 16 œuvres, dont un travail spécifique à l'espace. Dans la collection d'art contemporain, Fürhofer crée un paysage de jungle mystique dans lequel rien n'est ce qu'il semble être. Les couchers de soleil et les forêts tropicales rayonnent vers les visiteurs à partir de peintures et de caissons lumineux dont la lumière pulsant lentement crée une atmosphère mystérieuse. Avec une œuvre spécialement conçue pour l'exposition, Fürhofer réagit en outre à l'architecture de la salle : un rideau de près de six mètres de haut reprend les motifs des paysages environnants, supposés paradisiaques. Les visiteurs sont invités à passer à travers le rideau et à jeter un coup d'œil derrière.

Avec le titre de l'exposition "Îles fantômes", Fürhofer fait référence à des îles autrefois cartographiées, dont l'existence a été réfutée par la suite. Le romantisme naturel des forêts et des plages de Fürhofer s'avère également être un leurre : sous des couches de peinture éraillée se révèle la question de l'influence existentielle et réciproque de l'homme et de la nature, d'une civilisation capitaliste et de la destruction constante de son propre espace vital. Avec des références issues de la culture pop, Fürhofer met en évidence le désir sans cesse croissant de l'homme, en ces temps de bouleversement et d'incertitude, de contrôler son environnement immédiat et son moi.

Curatrice : Svenja Grosser (directrice adjointe de la collection d'art contemporain, Städel Museum)

Chef de projet : Maja Lisewski (bénévole scientifique, collection d'art contemporain, Städel Museum)

L'illusione e la messa in discussione della realtà sono motivi centrali nel lavoro dell'artista Philipp Fürhofer (*1982). All'interfaccia tra installazione e pittura, le sue opere mostrano mondi visivi complessi. In una mostra personale dell'artista, lo Städel Museum presenta un totale di 16 opere, tra cui un lavoro specifico per lo spazio. Nella Collezione d'arte contemporanea, Fürhofer crea un paesaggio mistico nella giungla in cui nulla è come sembra. Tramonti e foreste tropicali si irradiano verso i visitatori da dipinti e light box la cui luce lentamente pulsante crea un'atmosfera misteriosa. Fürhofer reagisce anche all'architettura della sala con un'opera concepita appositamente per la mostra: una tenda alta quasi sei metri riprende i motivi dei paesaggi paradisiaci circostanti. I visitatori sono invitati ad attraversare la tenda e a guardare dietro di essa.

Con il titolo della mostra "Isole fantasma", Fürhofer fa riferimento a isole un tempo mappate la cui esistenza è stata poi smentita. Anche il romanticismo della natura nelle foreste e nelle spiagge di Fürhofer si rivela un miraggio: sotto strati pittorici graffiati, si rivela la questione dell'influenza esistenziale e reciproca dell'uomo e della natura, della civiltà capitalista e della costante distruzione del suo stesso habitat. Con riferimenti alla cultura pop, Fürhofer illustra il crescente desiderio dell'uomo di controllare l'ambiente circostante e se stesso in tempi di sconvolgimenti e incertezze.

Curatore: Svenja Grosser (Vice responsabile della collezione d'arte contemporanea, Städel Museum)

Responsabile del progetto: Maja Lisewski (Assistente di ricerca, Collezione d'arte contemporanea, Städel Museum)

Illusion and the questioning of reality are key motifs in the oeuvre of artist Philipp Fürhofer (born 1982). At the interface between installation and painting, his works depict complex pictorial worlds. From 12 May to 5 November 2023 the Städel Museum is presenting a solo exhibition with altogether 16 pieces by Fürhofer, including a site-specific work. In the rooms devoted to the museum’s contemporary art collection, the artist will stage a mystical jungle landscape in which nothing is as it seems to be. Sunsets and tropical forests shine out at the viewer from paintings and light boxes, their slowly pulsating light creating an enigmatic atmosphere. With a work conceived especially for the show, he moreover reacts to the architecture of the place: a curtain nearly six metres high echoes motifs from the seemingly paradisiacal landscapes around it. The visitors are invited to step through the curtain and take a look at what is behind.

Fürhofer’s exhibition title “Phantom Islands” is an allusion to once-mapped islands whose existence was later refuted. The romanticism of Fürhofer’s forests and beaches prove similarly deceptive. Scratched-open layers of paint reveal the question as to the existential mutual influence between human being and nature, between the capitalist civilization and its ongoing destruction of its own habitat. With pop-culture references, the artist calls attention to humankind’s constantly growing desire to control itself and its immediate surroundings in times of upheaval and uncertainty.

Curator: Svenja Grosser (Deputy Head of Contemporary Art, Städel Museum)

(Text: Städel Museum, Frankfurt am Main)

Galerie-Peter-Sillem | Frankfurt am Main
29. April - 10. Juni 2023

of a Traveling Bird Collector
Malte Sänger

Malte Sängers fotografische Erzählung „of a Traveling Bird Collector“ folgt den Spuren des „Harzer Rollers“, eines Kanarienvogels, der im 19. Jahrhundert eines der bekanntesten und zumal in den USA beliebtesten deutschen Exportgüter war.

Der in den Dörfern des Harz gezüchtete Vogel war nicht nur wegen seines rollenden Gesangs beliebt, er wurde auch weltweit von Bergleuten eingesetzt, um sie vor dem Tod in den Minen zu bewahren. Wenn einer der Kanarienvögel in den dunklen Schächten aufhörte zu singen und bewusstlos von der Stange fiel, dann bewahrte dieses Alarmsignal die Arbeiter vor dem Einatmen überhöhter Gaskonzentrationen und ermöglichte ihnen, sich rechtzeitig in Sicherheit zu bringen.

Mit Hilfe einer für diese Arbeit selbst gebauten Großformat-Kamera folgt Malte Sänger den verschlungenen, transatlantischen Wegen des Harzer Rollers und erkundet das Leben tief in den Schichten der Geologie und in den Rissen unserer Geschichte. Sein Interesse gilt den blinden Flecken der Erzählungen dieser Geschichte sowie den ökonomischen, und ideologischen Interessen dahinter.

Le récit photographique de Malte Sänger, "of a Traveling Bird Collector", suit les traces du "Harzer Roller", un canari qui était au XIXe siècle l'un des produits d'exportation allemands les plus connus et, en particulier, les plus appréciés aux États-Unis.

Élevé dans les villages du Harz, l'oiseau n'était pas seulement apprécié pour son chant roulant, il était également utilisé par les mineurs du monde entier pour leur éviter de mourir dans les mines. Si l'un des canaris cessait de chanter dans les puits sombres et tombait inconscient de son perchoir, ce signal d'alarme empêchait les travailleurs d'inhaler des concentrations excessives de gaz et leur permettait de se mettre à l'abri à temps.

À l'aide d'une caméra grand format qu'il a lui-même fabriquée pour ce travail, Malte Sänger suit les chemins tortueux et transatlantiques du Harzer Roller et explore la vie au plus profond des couches de la géologie et des fissures de notre histoire. Il s'intéresse aux points aveugles des récits de cette histoire ainsi qu'aux intérêts économiques et idéologiques qui se cachent derrière.

La narrazione fotografica di Malte Sänger "di un collezionista di uccelli in viaggio" segue le tracce dell'"Harzer Roller", un canarino che è stato uno dei più noti prodotti tedeschi da esportazione nel XIX secolo e particolarmente popolare negli Stati Uniti.

Allevato nei villaggi dello Harz, l'uccello non era popolare solo per il suo canto rotolante, ma veniva anche utilizzato dai minatori di tutto il mondo per salvarli dalla morte in miniera. Se uno dei canarini smetteva di cantare nei pozzi bui e cadeva svenuto dal palo, questo segnale di allarme salvava i lavoratori dall'inalazione di concentrazioni eccessive di gas e permetteva loro di mettersi in salvo in tempo.

Con l'aiuto di una telecamera di grande formato costruita da lui stesso per questo lavoro, Malte Sänger segue i sentieri tortuosi e transatlantici dell'Harz Roller ed esplora la vita nelle profondità degli strati geologici e nelle crepe della nostra storia. È interessato ai punti ciechi delle narrazioni di questa storia e agli interessi economici e ideologici che vi stanno dietro.

Malte Sänger's photographic narrative of a Traveling Bird Collector follows the traces of the "Harzer Roller", a canary that was one of the best-known and most popular German export goods in the 19th century, especially in the USA.

Bred in the villages of the Harz Mountains, the bird was not only popular for its melodius song, it was also used by miners around the world to save them from dying in the mines. If one of the canaries in the dark shafts stopped singing and fell unconscious from the perch, this signal protected the workers from inhaling excessive gas concentrations and enabled them to get to safety in time.

With the help of a large format camera he built especially for this series, Malte Sänger follows the winding paths of the Harz Roller and explores life deep in the layers of geology and in the cracks in our history. He is interested in the blind spots of this story and in the economic and ideological interests behind them.

(Text: Galerie-Peter-Sillem, Frankfurt am Main)

Institut Mathildenhöhe | Darmstadt
28. April - 23. Juli 2023

Andauernde Heimkehr
Jan Kricke

Die Ausstellung findet im Rahmen der Darmstädter Tage der Fotografie statt.

Das Institut Mathildenhöhe zeigt in den Bildhauerateliers des Museum Künstlerkolonie die Fotoserie „Andauernde Heimkehr“ von Jan Kricke (*1977). Diese komponierte Abfolge von Fotografien, die alle im Außenraum zwischen 2007 und 2020 entstanden sind, bilden – losgelöst von einer Chronologie – eine Reise jenseits einer erkennbaren physischen Route. Es sind Eindrücke nicht konkreter Orte, flüchtige Impressionen von Naturstrukturen oder Lichtspielen, die auf eine ganz eigene Art die urbane Energie und Schnelligkeit der Street Photography in die Landschaftsfotografie übertragen.

L'Institut Mathildenhöhe présente dans les ateliers de sculpture du musée Künstlerkolonie la série de photos "Andauernde Heimkehr" de Jan Kricke (*1977). Cette suite composée de photographies, toutes prises en extérieur entre 2007 et 2020, constitue - indépendamment de toute chronologie - un voyage au-delà d'un itinéraire physique reconnaissable. Il s'agit d'impressions de lieux non concrets, d'impressions fugaces de structures naturelles ou de jeux de lumière, qui transposent d'une manière très particulière l'énergie et la rapidité urbaines de la street photography dans la photographie de paysage.

L'Institut Mathildenhöhe presenta la serie fotografica "Andauernde Heimkehr" di Jan Kricke (*1977) negli studi di scultura del Museum Künstlerkolonie. Questa composta sequenza di fotografie, tutte scattate in spazi all'aperto tra il 2007 e il 2020, formano - svincolate da una cronologia - un viaggio al di là di un percorso fisico riconoscibile. Sono impressioni di luoghi che non sono concreti, impressioni fugaci di strutture naturali o giochi di luce che trasferiscono l'energia urbana e la velocità della fotografia di strada alla fotografia di paesaggio in un modo del tutto unico.

The Institut Mathildenhöhe is showing the photo series "Andauernde Heimkehr" by Jan Kricke (*1977) in the sculpture studios of the Museum Künstlerkolonie. This composed sequence of photographs, all taken in outdoor spaces between 2007 and 2020, form - detached from a chronology - a journey beyond a recognizable physical route. They are impressions of places that are not concrete, fleeting impressions of natural structures or plays of light, which in a very unique way transfer the urban energy and speed of street photography into landscape photography.

(Text: Institut Mathildenhöhe, Darmstadt)

Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
11. März - 20. April 2023

New York
Walter Schels

Mitte der 1960er Jahre kam Walter Schels als junger Mann nach New York, wo er mehrere Jahre lebte und wohin er immer wieder zurückkehrte. Von der ersten Begegnung an faszinierten ihn die Lichter und Fassade der Stadt und die Ausblicke, die sich ihm dort boten. So entstanden atmosphärische, fast abstrakte Bilder, die so komplex und einzigartig sind wie New York selbst.

Für diese Ausstellung hat Walter Schels Schätze in seinem Archiv gehoben, ist in die Dunkelkammer gegangen, um manche Negative zum ersten Mal überhaupt zu vergrößern, und hat eine Auswahl seltener Vintage-Prints — größtenteils Unikate — getroffen.

"Mein Blick auf die Welt geht bis heute durch den rechteckigen Ausschnitt des Kamerasuchers. New York in seiner Buntheit war unerschöpflich. Die Kanaldeckel, aus denen es aus dem Untergrund dampfte, die Feuerleitern, deren Stahl im Sonnenlicht glitzerte, die protzigen Fassaden, die Sonntage im Central Park — ohne Kamera hätte ich das alles so nicht erlebt." Walter Schels

Walter Schels, geb. 1936 in Landshut, arbeitete von 1957 bis 1965 als Schaufensterdekorateur in Barcelona, Kanada und Genf, bevor er nach New York ging, um Fotograf zu werden. 1970 kehrte er nach Deutschland zurück und wurde mit Charakterstudien von Künstlern, Politikern und Prominenten der Kunst- und Geisteswelt bekannt. Mit der gleichen Intensität porträtiert er seit Jahrzehnten Tiere und Blumen. Als leidenschaftlichem Erforscher der Physiognomie geht es Walter Schels darum, Wesen und Persönlichkeit eines Motivs in der Fotografie sichtbar zu machen.

In fotografischen Langzeitprojekten, etwa über Blinde, Menschen mit Behinderung, frühgeborene Kinder, Transsexuelle und Hospizpatienten kurze Zeit vor und unmittelbar nach ihrem Tod, widmet sich Schels Extremsituationen des menschlichen Lebens. Walter Schels erhielt zahlreiche Auszeichnungen, u.a. den Hansel-Mieth-Preis, den World Press Photo Award, eine Goldmedaille des Art Directors Club Deutschland sowie einen Lead Award. Walter Schels lebt und arbeitet seit 1990 in Hamburg. Er hat zahlreiche Bücher veröffentlicht, seine Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt und sind Bestandteil vieler bedeutender Kunstsammlungen.

Au milieu des années 1960, Walter Schels est arrivé jeune à New York, où il a vécu plusieurs années et où il est toujours retourné. Dès leur première rencontre, les lumières et les façades de la ville ainsi que les vues qui s'y offraient à lui l'ont fasciné. Il a ainsi créé des visuels atmosphériques, presque abstraits, aussi complexes et uniques que New York elle-même.

Pour cette exposition, Walter Schels a puisé des trésors dans ses archives, s'est rendu dans la chambre noire pour agrandir certains négatifs pour la toute première fois, et a fait une sélection de tirages vintage rares - pour la plupart des pièces uniques.

"Mon regard sur le monde passe encore aujourd'hui par la découpe rectangulaire du viseur de l'appareil photo. New York, dans sa diversité de couleurs, était inépuisable. Les plaques d'égout d'où s'échappait la vapeur du sous-sol, les escaliers de secours dont l'acier scintillait au soleil, les façades ostentatoires, les dimanches à Central Park - sans appareil photo, je n'aurais pas vécu tout cela de cette manière". Walter Schels

Walter Schels, né en 1936 à Landshut, a travaillé de 1957 à 1965 comme décorateur de vitrines à Barcelone, au Canada et à Genève, avant de partir à New York pour devenir photographe. En 1970, il retourne en Allemagne et se fait connaître par des études de caractère d'artistes, d'hommes politiques et de célébrités du monde artistique et intellectuel. Depuis des décennies, il réalise des portraits d'animaux et de fleurs avec la même intensité. Passionné par l'étude de la physionomie, Walter Schels s'attache à rendre visibles l'essence et la personnalité d'un sujet dans la photographie.

Dans ses projets photographiques à long terme, par exemple sur les aveugles, les personnes handicapées, les enfants prématurés, les transsexuels et les patients des hospices peu de temps avant et immédiatement après leur mort, Schels se consacre à des situations extrêmes de la vie humaine. Walter Schels a reçu de nombreuses distinctions, notamment le prix Hansel-Mieth, le World Press Photo Award, une médaille d'or de l'Art Directors Club Deutschland ainsi qu'un Lead Award. Walter Schels vit et travaille à Hambourg depuis 1990. Il a publié de nombreux livres, ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions en Allemagne et à l'étranger et font partie de nombreuses collections d'art importantes.

A metà degli anni Sessanta, Walter Schels giunse da giovane a New York, dove visse per diversi anni e dove tornò più volte. Fin dal suo primo incontro, rimase affascinato dalle luci e dalle facciate della città e dai panorami che gli offriva. Ne sono nati dipinti d'atmosfera, quasi astratti, complessi e unici come la stessa New York.

Per questa mostra, Walter Schels ha portato alla luce i tesori del suo archivio, è andato in camera oscura per ingrandire alcuni negativi per la prima volta e ha realizzato una selezione di rare stampe d'epoca, molte delle quali uniche.

"La mia visione del mondo è ancora oggi attraverso la sezione rettangolare del mirino della macchina fotografica. New York, con i suoi colori, era inesauribile. I tombini fumanti dal sottosuolo, le scale antincendio il cui acciaio scintillava alla luce del sole, le facciate sontuose, le domeniche a Central Park: senza una macchina fotografica non avrei vissuto tutto questo". Walter Schels

Walter Schels, nato a Landshut nel 1936, ha lavorato come vetrinista a Barcellona, in Canada e a Ginevra dal 1957 al 1965 prima di trasferirsi a New York per diventare fotografo. Nel 1970 è tornato in Germania ed è diventato famoso per gli studi sui personaggi di artisti, politici e celebrità del mondo artistico e intellettuale. Da decenni ritrae animali e fiori con la stessa intensità. Come appassionato ricercatore di fisiognomica, Walter Schels si preoccupa di rendere visibile in fotografia l'essenza e la personalità di un soggetto.

In progetti fotografici a lungo termine, ad esempio su persone cieche, disabili, bambini nati prematuramente, transessuali e pazienti di ospizi poco prima e subito dopo la loro morte, Schels si dedica a situazioni estreme della vita umana. Walter Schels ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il Premio Hansel-Mieth, il World Press Photo Award, una medaglia d'oro dell'Art Directors Club Germany e un Lead Award. Walter Schels vive e lavora ad Amburgo dal 1990. Ha pubblicato numerosi libri, le sue opere sono state esposte in numerose mostre in patria e all'estero e fanno parte di molte importanti collezioni d'arte.

In the mid-1960s, Walter Schels, as a young man, came to New York, where he lived for several years and to which he returned again and again. He was immediately fascinated by the lights and facades of the city and the views that were offered to him there. This resulted in atmospheric, almost abstract images that are as complex and unique as New York itself.

For this exhibition, Walter Schels has unearthed treasures in his archive, gone into the darkroom to enlarge some negatives for the first time, and made a selection of rare vintage prints, most of them unique.

“I still look at the world through the camera’s rectangular viewfinder. New York back then was inexhaustible in its colors. The steam seeping out of manhole covers, the fire escapes, the steel glittering in the sunlight, the ostentatious facades, the sunny days in Central Park—without a camera, all of this would have passed me by.“ Walter Schels

Walter Schels, born in 1936 in Landshut, southern Germany, worked from 1957 to 1965 as a window dresser in Barcelona, Canada and Geneva before moving to New York to become a photographer. In 1970 he returned to Germany and became known for his character studies of artists, politicians and famous names from the world of arts and letters. For decades he has portrayed animals and flowers with the same intensity.

In various long-term photographic series, on blind people, the disabled, prematurely-born children and transsexuals, for instance, Schels has pursued exceptional situations in human life. He has received many awards for his series depicting hospice patients shortly before and shortly after their death, including the Hansel Mieth Prize, the World Press Photo Award, a gold medal from the Art Directors Club, Germany, and a Lead Award.

Walter Schels has lived and worked since 1990 in Hamburg. He has published various books and his works have been shown in countless exhibitions in Germany and worldwide and are part of many major art collections.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Ernst Leitz Museum | Wetzlar
10. März - 30. Juni 2023

Stylist der Wirklichkeit
Alberto Venzago

In über fünf Jahrzehnten hat Alberto Venzago ganz unterschiedliche Themen mit seiner Leica festgehalten und dabei alle Formen der Fotografie zwischen Dokumentation und freier Inszenierung ausgelotet. Die Ausstellung mit rund 150 Motiven gibt Einblick in sein reiches, vielschichtiges Werk.

Alberto Venzago war fast in der ganzen Welt unterwegs, hat in Australien, Japan und New York gelebt, bis er wieder in die Schweiz zurückkehrte. Er war immer ein Grenzgänger und Rastlosigkeit gehörte viele Jahre zu seinem Alltag. Ob Reportagen aus dem Iran zur Zeit der islamischen Revolution oder die Abholzung des Regenwalds, ob Kinderprostitution in Manila, Voodoo-Zeremonien in Benin oder nicht zuletzt seine langjährige Beobachtung der Yakuza, der organisierten Kriminalität in Japan: Als Bildjournalist suchte Venzago immer die größtmögliche Nähe zu seinen Sujets, setzte sich nicht selten lebensbedrohlichen Gefahren aus. Im Mittelpunkt seiner international publizierten und ausgezeichneten Reportagen stand immer der Mensch. Neben dem Bildjournalisten zeigt sich im Werk Venzagos auch immer der professionelle Studiofotograf, dessen Werbekampagnen, einprägsam und ästhetisch zugleich, vielfach für Aufmerksamkeit sorgten. Sehr persönliche Porträts internationaler Stars wie Tina Turner, Penelope Cruz, Sting oder Mick Jagger sowie freie Motive und Serien demonstrieren die Vielfalt seines kreativen Arbeitens. Deutlich zeigt sich, wie stark seine Karriere vom Wechsel zwischen Dokumentation und Inszenierung, zwischen „genommenen“ und „gemachten“ Bildern geprägt ist.

Der nun in Wetzlar präsentierte Querschnitt zeigt die wichtigsten Stationen seines Lebenswerks – Schwerpunkte bilden die Serien zum Voodoo-Kult, den Yakuza und eine Gruppe großartiger Celebrity-Porträts. Dass Venzago längst auch als Filmregisseur für Furore sorgte, verdeutlicht eine Auswahl an Filmmaterial, das ebenfalls in der Ausstellung zu sehen ist.

Über seine Yakuza-Serie sagte Venzago selbst einmal: „Ich war damals der einzige Fotograf, der so nah an die Yakuza herankam. Die ‚Familie‘ hat mich damals einfach akzeptiert, ich durfte fast überall dabei sein, wobei ich die ersten Monate kein einziges Bild gemacht habe. Sie haben mich getestet. Und mir wurde schnell klar, das wird eine lange Geschichte, kein Scoop. Ich wollte in die Tiefe gehen. Das haben sie sofort verstanden. Heute ist das alles unvorstellbar.“

Wim Wenders wiederum beschrieb dessen Projekt „Voodoo – Mounted by the Gods“ wie folgt: „Was Venzago aus zwölf Jahren erstaunlichster Erfahrungen, aus über 100 Stunden Videomaterial und Tausenden von Negativen destilliert hat, das hat es noch nicht gegeben, weder im Kino noch in der Fotografie, das ist einmalig, im wahrsten Sinne des Wortes.“

En plus de cinq décennies, Alberto Venzago a immortalisé des sujets très différents avec son Leica, explorant toutes les formes de photographie, entre documentation et mise en scène libre. L'exposition, qui présente environ 150 motifs, donne un aperçu de son œuvre riche et variée.

Alberto Venzago a voyagé presque partout dans le monde, a vécu en Australie, au Japon et à New York, avant de revenir en Suisse. Il a toujours été un passeur de frontières et l'agitation a fait partie de son quotidien pendant de nombreuses années. Qu'il s'agisse de reportages en Iran à l'époque de la révolution islamique ou de la déforestation de la forêt tropicale, de la prostitution enfantine à Manille, des cérémonies vaudou au Bénin ou encore de sa longue observation des yakuzas, le crime organisé au Japon : en tant que photojournaliste, Venzago a toujours cherché à être le plus proche possible de ses sujets, s'exposant souvent à des dangers mortels. L'être humain a toujours été au centre de ses reportages, publiés et récompensés au niveau international. Outre le photojournaliste, l'œuvre de Venzago révèle toujours le photographe de studio professionnel dont les campagnes publicitaires, à la fois frappantes et esthétiques, ont souvent attiré l'attention. Des portraits très personnels de stars internationales telles que Tina Turner, Penelope Cruz, Sting ou Mick Jagger, ainsi que des motifs libres et des séries démontrent la diversité de son travail créatif. On voit clairement à quel point sa carrière est marquée par l'alternance entre documentation et mise en scène, entre visuels "pris" et "faits".

La coupe transversale présentée à Wetzlar montre les étapes les plus importantes de son œuvre - l'accent est mis sur les séries consacrées au culte vaudou, aux yakuzas et sur un groupe de superbes portraits de célébrités. Une sélection de films, également présentée dans l'exposition, montre que Venzago a également fait fureur en tant que réalisateur de films.

Venzago lui-même a déclaré un jour à propos de sa série sur les yakuzas : "J'étais à l'époque le seul photographe à pouvoir approcher les yakuzas d'aussi près. La 'famille' m'a tout simplement accepté à l'époque, j'ai pu être présent presque partout, bien que je n'ai pas pris un seul visuel les premiers mois. Vous m'avez testé. Et j'ai vite compris que ce serait une longue histoire, pas un scoop. Je voulais aller en profondeur. Ils l'ont tout de suite compris. Aujourd'hui, tout cela est inimaginable".

Wim Wenders, quant à lui, a décrit son projet "Voodoo - Mounted by the Gods" comme suit : "Ce que Venzago a distillé à partir de douze ans d'expériences des plus étonnantes, de plus de 100 heures de matériel vidéo et de milliers de négatifs, cela n'a encore jamais été fait, ni au cinéma ni en photographie, c'est unique, au sens propre du terme".

In oltre cinque decenni, Alberto Venzago ha catturato con la sua Leica soggetti molto diversi tra loro, esplorando tutte le forme di fotografia tra documentazione e libera messa in scena. La mostra, con circa 150 motivi, offre una panoramica del suo lavoro ricco e stratificato.

Alberto Venzago ha viaggiato in quasi tutto il mondo, ha vissuto in Australia, Giappone e New York, fino al ritorno in Svizzera. Ha sempre attraversato i confini e l'inquietudine ha fatto parte della sua vita quotidiana per molti anni. Che si tratti di reportage dall'Iran ai tempi della Rivoluzione islamica o del disboscamento della foresta pluviale, della prostituzione minorile a Manila, delle cerimonie voodoo in Benin o, infine, dei suoi molti anni di osservazione della Yakuza, la criminalità organizzata in Giappone: come fotoreporter, Venzago ha sempre cercato la massima vicinanza ai suoi soggetti, non di rado esponendosi a pericoli mortali. L'essere umano è sempre stato al centro dei suoi reportage, pubblicati e premiati a livello internazionale. Oltre al fotoreporter, nel lavoro di Venzago compare sempre anche il fotografo professionista di studio, le cui campagne pubblicitarie, memorabili ed estetiche allo stesso tempo, hanno spesso attirato l'attenzione. Ritratti molto personali di star internazionali come Tina Turner, Penelope Cruz, Sting o Mick Jagger, ma anche motivi liberi e serie dimostrano la diversità del suo lavoro creativo. È evidente quanto la sua carriera sia fortemente caratterizzata dall'alternanza tra documentazione e messa in scena, tra immagini "scattate" e "realizzate".

Lo spaccato presentato ora a Wetzlar mostra le fasi più importanti del suo lavoro: i punti focali sono la serie sul culto Voodoo, la Yakuza e un gruppo di grandi ritratti di celebrità. Il fatto che Venzago abbia fatto scalpore anche come regista cinematografico è reso evidente da una selezione di materiale cinematografico che si può vedere in mostra.

Lo stesso Venzago ha detto a proposito della sua serie Yakuza: "All'epoca ero l'unico fotografo che poteva avvicinarsi così tanto alla Yakuza. La "famiglia" mi ha accettato, mi è stato permesso di essere quasi ovunque, anche se per i primi mesi non ho scattato nemmeno una foto. Mi hanno messo alla prova. E mi sono subito reso conto che questa sarà una lunga storia, non uno scoop. Volevo approfondire la questione. Lo hanno capito subito. Oggi tutto questo è inimmaginabile".

Wim Wenders, a sua volta, ha descritto il suo progetto "Voodoo - Mounted by the Gods" come segue: "Quello che Venzago ha distillato da dodici anni di esperienze tra le più stupefacenti, da oltre 100 ore di materiale video e migliaia di negativi, non si è mai visto prima, né al cinema né in fotografia, è unico, nel vero senso della parola".

In over five decades, Alberto Venzago has captured very different subjects with his Leica, exploring all forms of photography between documentation and free staging. The exhibition with around 150 motifs provides an insight into his rich, multi-layered oeuvre.

Alberto Venzago traveled almost all over the world, living in Australia, Japan and New York until he returned to Switzerland. He was always a border crosser and restlessness was part of his everyday life for many years. Whether it was reportage from Iran at the time of the Islamic Revolution or the deforestation of the rainforest, child prostitution in Manila, voodoo ceremonies in Benin or, not least, his many years of observation of the Yakuza, organized crime in Japan: as a photojournalist, Venzago always sought the closest possible proximity to his subjects, not infrequently exposing himself to life-threatening dangers. The focus of his internationally published and award-winning reportages was always on people. In addition to the photojournalist, Venzago's work also always shows the professional studio photographer, whose advertising campaigns, both memorable and aesthetic, often attracted attention. Very personal portraits of international stars such as Tina Turner, Penelope Cruz, Sting or Mick Jagger as well as free motifs and series demonstrate the diversity of his creative work. It is clearly evident how strongly his career is characterized by the alternation between documentation and staging, between "taken" and "made" images.

The cross-section now presented in Wetzlar shows the most important stages of his life's work - the focal points are the series on the Voodoo cult, the Yakuza and a group of magnificent celebrity portraits. The fact that Venzago has long since caused a sensation as a film director is made clear by a selection of film material that can also be seen in the exhibition.

Of his Yakuza series, Venzago himself once said, "I was the only photographer at the time who could get so close to the Yakuza. The 'family' just accepted me back then, I was allowed to be almost everywhere, although I didn't take a single picture for the first few months. They were testing me. And I quickly realized, this is going to be a long story, not a scoop. I wanted to go into depth. They understood that right away. Today, all that is unimaginable."

Wim Wenders, in turn, described his project "Voodoo - Mounted by the Gods" as follows: "What Venzago has distilled from twelve years of the most astonishing experiences, from over 100 hours of video material and thousands of negatives, has never been seen before, neither in cinema nor in photography, it is unique, in the truest sense of the word."

(Text: Ernst Leitz Museum, Wetzlar)

Städel Museum | Frankfurt am Main
23. Februar - 3. September

Italien vor Augen - Frühe Fotografien ewiger Sehnsuchtsorte

Auf dem Canal Grande schippernde Gondolieri, der Schiefe Turm von Pisa oder die Altertümer Roms: Zahlreiche Fotografien von Giorgio Sommer, dem Unternehmen der Gebrüder Alinari, Carlo Naya oder auch Robert Macpherson prägten das Bild von Italien als Sehnsuchtsort. Das Städel Museum präsentiert eine Auswahl früher Italienfotografie. Die Ausstellung versammelt insgesamt 90 bedeutende Aufnahmen der Jahre 1850 bis 1880 aus der eigenen Sammlung.

Seit Generationen träumen sich die Menschen nach Italien: Das mediterrane Klima, die facettenreiche Natur und die vielfältige Kultur machten das Land schon früh zu einem bevorzugten Reiseziel. Als mit dem Ausbau der Eisenbahnstrecken in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ein reger Tourismus entstand, eröffneten an den Orten mit den wichtigsten Sehenswürdigkeiten Fotografenstudios. Für Reisende wurden die dort angebotenen Aufnahmen noch vor Erfindung der Bildpostkarte zu einem beliebten Souvenir, das auch per Versandhandel international vertrieben wurde. Bereits in den 1850er-Jahren erwarb der damalige Direktor Johann David Passavant Fotografien für die Sammlung des Städel Museums. Sowohl das kunstinteressierte Publikum als auch die Schüler der angegliederten Kunstakademie sollten sich anhand der Abzüge eine Vorstellung vom Süden Europas und seinen Kunst- und Naturschätzen machen. Damit rückte die Ferne näher und gleichzeitig bestimmten die im Umlauf befindlichen Motive, was als sehenswürdig zu erachten ist. Noch heute wirken die Szenerien von damals fotografisch nach.

Kuratorin: Dr. Kristina Lemke (Sammlungsleiterin Fotografie, Städel Museum)

Des gondoliers naviguant sur le Grand Canal, la Tour penchée de Pise ou les antiquités de Rome : de nombreuses photographies de Giorgio Sommer, de l'entreprise des frères Alinari, de Carlo Naya ou encore de Robert Macpherson ont marqué le visuel de l'Italie comme lieu de nostalgie. Le Städel Museum présente une sélection des premières photographies d'Italie. L'exposition rassemble au total 90 clichés importants des années 1850 à 1880 issus de sa propre collection.

Depuis des générations, les gens rêvent d'Italie : le climat méditerranéen, la nature aux multiples facettes et la culture variée ont très tôt fait de ce pays une destination de voyage privilégiée. Lorsque le développement des lignes de chemin de fer dans la seconde moitié du 19e siècle a entraîné un tourisme actif, des studios de photographie ont ouvert leurs portes dans les lieux abritant les principales attractions touristiques. Avant même l'invention de la carte postale illustrée, les clichés proposés aux voyageurs sont devenus des souvenirs très appréciés, également vendus par correspondance à l'échelle internationale. Dès les années 1850, le directeur de l'époque, Johann David Passavant, a acquis des photographies pour la collection du Städel Museum. Les tirages devaient permettre au public amateur d'art et aux élèves de l'Académie des Beaux-Arts de se faire une idée du sud de l'Europe et de ses trésors artistiques et naturels. Ainsi, le lointain se rapprochait et, en même temps, les motifs en circulation déterminaient ce qu'il fallait considérer comme digne d'être vu. Aujourd'hui encore, les scènes de l'époque ont des répercussions photographiques.

Conservatrice : Dr. Kristina Lemke (directrice de la collection de photographie, Städel Museum)

Gondolieri che navigano sul Canal Grande, la Torre di Pisa o le antichità di Roma: numerose fotografie di Giorgio Sommer, della compagnia dei fratelli Alinari, di Carlo Naya o anche di Robert Macpherson hanno plasmato l'immagine dell'Italia come luogo del desiderio. Lo Städel Museum presenta una selezione della prima fotografia italiana. La mostra riunisce un totale di 90 importanti fotografie degli anni dal 1850 al 1880 provenienti dalla collezione del museo.

Da generazioni si sogna l'Italia: il clima mediterraneo, la natura multiforme e la cultura variegata hanno reso il Paese una delle mete preferite per i viaggi. Quando, nella seconda metà del XIX secolo, l'espansione delle linee ferroviarie portò a un vivace commercio turistico, vennero aperti studi fotografici nei luoghi di maggiore interesse. Per i viaggiatori, le fotografie offerte in questi luoghi divennero un souvenir popolare già prima dell'invenzione della cartolina illustrata, che veniva distribuita anche a livello internazionale per corrispondenza. Già negli anni Cinquanta del XIX secolo, l'allora direttore Johann David Passavant acquistò fotografie per la collezione dello Städel Museum. Sia il pubblico interessato all'arte che gli studenti dell'Accademia d'arte affiliata dovevano farsi un'idea dell'Europa meridionale e dei suoi tesori artistici e naturali grazie alle stampe. Questo avvicinava la distanza e allo stesso tempo i motivi in circolazione determinavano ciò che doveva essere considerato degno di essere visto. Ancora oggi, gli scenari di quell'epoca hanno un effetto fotografico.

Curatore: Dott.ssa Kristina Lemke (Responsabile della Collezione di Fotografia, Museo Städel)

Gondoliers on the Grand Canal, the Leaning Tower of Pisa, and the antiquities of Rome: Numerous photographs by Giorgio Sommer, the Alinari brothers, Carlo Naya, and Robert Macpherson, among others, shaped the image of Italy as a place of longing. The Städel Museum is presenting a selection of early photographs of Italy. The exhibition unites altogether ninety major photos of the years 1850 to 1880 from the museum’s own collection.

People have been dreaming their way to Italy for generations: the Mediterranean climate, multifaceted natural environment, and wealth of culture and art treasures have long since made the country a favourite travel destination. When the development of the railway system led to a boom in tourism in the second half of the nineteenth century, photography studios opened in the vicinity of the most popular sights. Even before the invention of the picture postcard, the photographic views on sale there were a prized souvenir for travellers, and also sold internationally by mail order. Johann David Passavant, then director of the Städel, began purchasing photos for the museum’s collection as far back as the 1850s. From these prints, both the art-interested public and students of the affiliated art academy were able to get an idea of southern Europe and its artistic and natural treasures. This brought distant countries closer while, simultaneously, the motifs in circulation determined what was considered worth seeing. To this day, the sceneries captured in photographs at that time continue to have an impact.

Curator: Dr Kristina Lemke (Head of Photography, Städel Museum)

(Text: Städel Museum, Frankfurt am Main)

Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
19. Februar - 4. Juni 2023

Frieda Riess und Yva. Fotografien 1919–1937

Frieda Riess und Yva waren zwei deutsche Fotografinnen, die bereits in jungen Jahren erste Fotoateliers gründeten, innovative Fotokunst schufen und trotz ihrer Erfolge vergessen wurden. Mit 130 Fotografien verdeutlicht die Ausstellung die Werdegänge und fotografischen Besonderheiten der Pionierinnen. Gefeiert als »die Riess«, verfolgte Frieda Gertrud Riess (geboren 1890 in Czarnikau, Provinz Posen (heute Czarnków, Polen), gestorben 1957 in Paris) eine Nähe zur expressionistischen Malerei. Die zehn Jahre jüngere Yva (geboren 1900 in Berlin als Else Ernestine Neuländer, gestorben 1942 im Vernichtungslager Sobibór) verwandte avantgardistische Techniken und wurde zur Spezialistin der Mode- und Werbefotografie. Ihr bekanntester Schüler war Helmut Newton. »Es war wahrscheinlich die glücklichste Zeit meiner Jugend in Berlin. […] Yva war eine wunderbare Fotografin und phantastische Frau«, so Newton, der von 1936 bis 1938 eine Lehre bei ihr absolvierte.

Neben Mode- und Werbeaufnahmen sind in der Ausstellung zahlreiche Porträts zu sehen. Die an der expressionistischen Malerei orientierten Bildnisse von Frieda Riess wurden 1925 zum ersten Mal in der Berliner Galerie Alfred Flechtheim ausgestellt. Durch den renommierten Kunstsammler und Händler schaffte Riess den endgültigen Durchbruch, auch über die Grenzen Berlins hinaus, und wurde nur noch als »die Riess« bezeichnet.

1932 gab Riess ihr Atelier in Berlin auf und folgte dem Diplomaten Pierre de Margerie (1861–1942) nach Paris, der zuvor zehn Jahre als Botschafter in Berlin tätig war. Nachdem deutsche Truppen 1940 Paris besetzt hatten, nannte sie sich »Riess de Belsine«, um ihre jüdische Herkunft zu verschleiern. Eine Krankheit, die zu fortschreitenden Lähmungen führt, bestimmte ihre Lebensumstände. Mit dem Tod ihres Lebensgefährten de Margerie 1942 verlor Riess den Schutz vor Verfolgung als Jüdin. 1943 wurde ihr Restvermögen in Berlin beschlagnahmt und die Fotografin verarmte. Über ihre letzten Lebensjahre ist wenig bekannt. Vermutlich starb Riess Mitte der 1950er-Jahre.

Aufgrund ihrer jüdischen Herkunft musste Yva 1938 ihr Atelier aufgeben und arbeitete als Röntgenassistentin im Jüdischen Krankenhaus Berlin. 1942 wurden Yva und ihr Mann verhaftet und am 13. Juni 1942 in das Vernichtungslager Sobibór deportiert, nachdem sie vorher noch Vorbereitungen zur Auswanderung getroffen hatten. Wahrscheinlich wurde sie nach Ankunft des Transports am 15. Juni 1942 ermordet. In der gerichtlichen Todeserklärung wurde als Sterbedatum der 31. Dezember 1944 festgesetzt.

In der Ausstellung werden rund 110 Fotografien von Frieda Riess und Yva aus der Sammlung des Fotografie Forums in Monschau gezeigt. Es handelt sich, wenn nicht anders gekennzeichnet, um Modern Prints. Daneben sind in Vitrinen zahlreiche Faksimiles von Originalzeitschriften aus Eigenrecherche zu sehen.

Unser Dank gilt außerordentlich dem Leihgeber, dem Fotografie Forum der StädteRegion Aachen in Monschau, wo die Ausstellung unter dem Titel »Yva. Frieda Riess. Fotografien (1919—1937)« vom 13. März bis zum 5. Juni 2022 zu sehen war. Abschließend danken wir dem Team des Fotografie Forums, insbesondere Dr. Nina Mika-Helfmeier und Sophie Kratzke, für ihre enorme und großartige Unterstützung.

Frieda Riess et Yva étaient deux photographes allemandes qui, très jeunes, ont fondé leurs premiers ateliers de photographie, ont créé un art photographique innovant et ont été oubliées malgré leurs succès. Avec 130 photographies, l'exposition illustre les parcours et les particularités photographiques de ces pionnières. Célébrée comme "la Riess", Frieda Gertrud Riess (née en 1890 à Czarnikau, province de Poznan (aujourd'hui Czarnków, Pologne), décédée en 1957 à Paris) poursuivait une proximité avec la peinture expressionniste. De dix ans sa cadette, Yva (née en 1900 à Berlin sous le nom d'Else Ernestine Neuländer, décédée en 1942 au camp d'extermination de Sobibór) utilisait des techniques d'avant-garde et devint une spécialiste de la photographie de mode et de publicité. Son élève le plus connu était Helmut Newton. "Ce fut probablement la période la plus heureuse de ma jeunesse à Berlin. [...] Yva était une photographe merveilleuse et une femme fantastique", déclare Newton, qui a fait son apprentissage chez elle de 1936 à 1938.

Outre des photos de mode et de publicité, l'exposition présente de nombreux portraits. Les portraits de Frieda Riess, inspirés de la peinture expressionniste, ont été exposés pour la première fois en 1925 à la galerie berlinoise Alfred Flechtheim. Grâce à ce collectionneur d'art et marchand renommé, Riess réussit à percer définitivement, même au-delà des frontières de Berlin, et ne fut plus appelée que "la Riess".

En 1932, Riess abandonna son atelier à Berlin et suivit à Paris le diplomate Pierre de Margerie (1861-1942), qui avait auparavant travaillé dix ans comme ambassadeur à Berlin. Après l'occupation de Paris par les troupes allemandes en 1940, elle se fit appeler "Riess de Belsine" afin de dissimuler ses origines juives. Une maladie entraînant une paralysie progressive a déterminé ses conditions de vie. Avec la mort de son compagnon de Margerie en 1942, Riess perdit la protection contre la persécution en tant que juive. En 1943, le reste de ses biens fut confisqué à Berlin et la photographe s'appauvrit. On sait peu de choses sur les dernières années de sa vie. Riess est probablement décédée au milieu des années 1950.

En raison de ses origines juives, Yva a dû abandonner son atelier en 1938 et a travaillé comme assistante en radiologie à l'hôpital juif de Berlin. En 1942, Yva et son mari ont été arrêtés et déportés le 13 juin 1942 au camp d'extermination de Sobibór, alors qu'ils avaient auparavant pris des dispositions pour émigrer. Elle a probablement été assassinée après l'arrivée du convoi le 15 juin 1942. Dans la déclaration judiciaire de décès, la date de décès a été fixée au 31 décembre 1944.

L'exposition présente environ 110 photographies de Frieda Riess et d'Yva issues de la collection du Fotografie Forum à Monschau. Il s'agit, sauf indication contraire, de Modern Prints. En outre, de nombreux fac-similés de magazines originaux issus de recherches personnelles sont exposés dans des vitrines.

Nous remercions vivement le prêteur, le Fotografie Forum der StädteRegion Aachen à Monschau, où l'exposition a été présentée sous le titre "Yva. Frieda Riess. Photographies (1919-1937)", a été présentée du 13 mars au 5 juin 2022. Enfin, nous remercions l'équipe du Fotografie Forum, en particulier le Dr Nina Mika-Helfmeier et Sophie Kratzke, pour leur énorme et formidable soutien.

Frieda Riess e Yva sono state due fotografe tedesche che hanno fondato i loro primi studi fotografici in giovane età, hanno creato un'arte fotografica innovativa e sono state dimenticate nonostante i loro successi. Con 130 fotografie, la mostra illustra le carriere e le caratteristiche fotografiche di queste donne pioniere. Celebrata come "la Riess", Frieda Gertrud Riess (nata nel 1890 a Czarnikau, nella provincia di Poznan (oggi Czarnków, Polonia), e morta nel 1957 a Parigi) si avvicinò alla pittura espressionista. Yva (nata Else Ernestine Neuländer a Berlino nel 1900, morta nel 1942 nel campo di sterminio di Sobibór), di dieci anni più giovane, utilizzò tecniche d'avanguardia e si specializzò nella fotografia di moda e pubblicitaria. Il suo allievo più famoso fu Helmut Newton. "È stato probabilmente il periodo più felice della mia giovinezza a Berlino. [...] Yva era una fotografa meravigliosa e una donna fantastica", ha dichiarato Newton, che fece il suo apprendistato con lei dal 1936 al 1938.

Oltre alle fotografie di moda e pubblicitarie, la mostra presenta numerosi ritratti. I ritratti di Frieda Riess, orientati verso la pittura espressionista, furono esposti per la prima volta nel 1925 alla Galleria Alfred Flechtheim di Berlino. Grazie al noto collezionista e mercante d'arte, la Riess si affermò definitivamente anche al di fuori dei confini di Berlino e fu conosciuta solo come "la Riess".

Nel 1932, Riess abbandonò il suo studio a Berlino e seguì a Parigi il diplomatico Pierre de Margerie (1861-1942), che in precedenza aveva lavorato come ambasciatore a Berlino per dieci anni. Dopo l'occupazione di Parigi da parte delle truppe tedesche nel 1940, si fa chiamare "Riess de Belsine" per nascondere le sue origini ebraiche. Una malattia che porta a una paralisi progressiva determina la sua situazione. Con la morte del suo compagno de Margerie nel 1942, Riess perse la protezione dalla persecuzione in quanto ebrea. Nel 1943, i suoi beni rimasti a Berlino furono confiscati e la fotografa si impoverì. Poco si sa degli ultimi anni della sua vita. Riess morì presumibilmente a metà degli anni Cinquanta.

A causa delle sue origini ebraiche, Yva dovette abbandonare il suo studio nel 1938 e lavorò come assistente ai raggi X presso l'ospedale ebraico di Berlino. Nel 1942, Yva e suo marito furono arrestati e deportati nel campo di sterminio di Sobibór il 13 giugno 1942, dopo essersi precedentemente preparati a emigrare. Probabilmente fu uccisa dopo l'arrivo del trasporto, il 15 giugno 1942. La dichiarazione di morte rilasciata dal tribunale indica il 31 dicembre 1944 come data del decesso.

La mostra presenta circa 110 fotografie di Frieda Riess e Yva provenienti dalla collezione del Fotografie Forum di Monschau. Se non diversamente indicato, si tratta di stampe moderne. Inoltre, sono esposti in vetrine numerosi facsimili di riviste originali provenienti dalle nostre ricerche.

Un ringraziamento particolare va al prestatore, il Fotografie Forum der StädteRegion Aachen di Monschau, dove la mostra è stata presentata con il titolo "Yva. Frieda Riess. Fotografie (1919-1937)" è stata esposta dal 13 marzo al 5 giugno 2022. Infine, desideriamo ringraziare il team di Fotografie Forum, in particolare la dott.ssa Nina Mika-Helfmeier e Sophie Kratzke, per il loro enorme e grande supporto.

Frieda Riess and Yva were two German women photographers who founded their first photo studios at a young age, created innovative photographic art, and were forgotten despite their successes. With 130 photographs, the exhibition illustrates the careers and photographic characteristics of these pioneering women. Celebrated as "the Riess," Frieda Gertrud Riess (born 1890 in Czarnikau, Poznan Province (now Czarnków, Poland), died 1957 in Paris) pursued a closeness to Expressionist painting. Ten years younger, Yva (born Else Ernestine Neuländer in Berlin in 1900, died in the Sobibór death camp in 1942) used avant-garde techniques and became a specialist in fashion and advertising photography. Her most famous student was Helmut Newton. "It was probably the happiest time of my youth in Berlin. [...] Yva was a wonderful photographer and fantastic woman," said Newton, who apprenticed with her from 1936 to 1938.

In addition to fashion and advertising photographs, the exhibition includes numerous portraits. Frieda Riess's portraits, which were oriented toward Expressionist painting, were first exhibited in 1925 at the Alfred Flechtheim Gallery in Berlin. Through the renowned art collector and dealer, Riess made her final breakthrough, even beyond the borders of Berlin, and was known only as "the Riess".

In 1932, Riess gave up her studio in Berlin and followed the diplomat Pierre de Margerie (1861-1942) to Paris, who had previously served as ambassador to Berlin for ten years. After German troops occupied Paris in 1940, she called herself "Riess de Belsine" to disguise her Jewish origins. An illness leading to progressive paralysis determined her circumstances. With the death of her partner de Margerie in 1942, Riess lost protection from persecution as a Jew. In 1943, her remaining assets in Berlin were confiscated and the photographer became impoverished. Little is known about the last years of her life. Riess presumably died in the mid-1950s.

Because of her Jewish background, Yva was forced to give up her studio in 1938 and worked as an X-ray assistant at the Jewish Hospital in Berlin. In 1942, Yva and her husband were arrested and deported to the Sobibór extermination camp on June 13, 1942, having previously made preparations to emigrate. She was probably murdered after the arrival of the transport on June 15, 1942. In the court declaration of death, the date of death was set as December 31, 1944.

The exhibition will feature around 110 photographs of Frieda Riess and Yva from the collection of the Fotografie Forum in Monschau. Unless otherwise indicated, these are Modern Prints. In addition, numerous facsimiles of original magazines from our own research are on display in showcases.

Our special thanks go to the lender, the Fotografie Forum der StädteRegion Aachen in Monschau, where the exhibition is shown under the title "Yva. Frieda Riess. Photographs (1919-1937)" was on view from March 13 to June 5, 2022. Finally, we would like to thank the Fotografie Forum team, especially Dr. Nina Mika-Helfmeier and Sophie Kratzke, for their tremendous and great support.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselheim)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
11. Februar - 30. April 2023

Unter dem Pflaster
Sara-Lena Maierhofer & Flo Maak

Solange die unsichtbare Infrastruktur funktioniert, Wasser durch Rohre und Daten durch Glasfaserkabel fließen, ist der Untergrund für wenige von uns von Interesse. Doch wer schon länger in Frankfurt lebt, könnte sich an die Parole „Unter dem Pflaster liegt der Strand“ erinnern. Sie war ein Motto der 68er-Proteste und erklärte eine andere Welt für vorstellbar und möglich ‒ sofern wir es nur schaffen, unter die Steine zu blicken. Wir haben diesen poetischen Aufruf zur Veränderung aufgegriffen, weil wir weiter politischen Handlungsbedarf sehen, aber auch weil uns der Blick in geologische Tiefen und Zeiten erlaubt, in den Spuren der Vergangenheit das Ende von Epochen und den Beginn neuer zu begreifen. In unserer Ausstellung werden Dinosaurier zu Akteuren in Finanzskandalen, treffen Steine auf Glasfassaden, und senden Tourist*innen Grüße vom Rande des Vulkans. Menschen haben es geschafft, große Teile der Welt nach ihren Wünschen zu formen. Doch die Klimakatastrophe zeigt zum einen die Folgen dieses Handelns und zum anderen, dass sich nicht alles von Menschen kontrollieren lässt. Natur- und Menschheitsgeschichte sind nicht voneinander zu trennen. Selbst die größten Dinosaurier sind zum Ende ausgestorben und Vulkanausbrüche erinnern als unkontrollierbare Launen des Erdsystems an die Möglichkeit, dass plötzlich alles anders wird.

Tant que l'infrastructure invisible fonctionne, que l'eau circule dans des tuyaux et les données dans des câbles à fibres optiques, le sous-sol n'intéresse que peu d'entre nous. Mais ceux qui vivent depuis longtemps à Francfort se souviennent peut-être du slogan "Unter dem Pflaster liegt der Strand". C'était l'un des slogans des manifestations de 68 et il déclarait qu'un autre monde était imaginable et possible - pour autant que nous parvenions à regarder sous les pavés. Nous avons repris cet appel poétique au changement parce que nous continuons à voir un besoin d'action politique, mais aussi parce que le regard dans les profondeurs et les temps géologiques nous permet de comprendre dans les traces du passé la fin d'époques et le début de nouvelles. Dans notre exposition, les dinosaures deviennent des acteurs de scandales financiers, les pierres rencontrent les façades de verre et les touristes* envoient leurs salutations depuis le bord du volcan. Les hommes ont réussi à modeler de grandes parties du monde selon leurs désirs. Mais la catastrophe climatique montre d'une part les conséquences de cette action et d'autre part que tout ne peut pas être contrôlé par l'homme. L'histoire de la nature et celle de l'humanité sont indissociables. Même les plus grands dinosaures ont fini par disparaître et les éruptions volcaniques, caprices incontrôlables du système terrestre, rappellent la possibilité que tout change soudainement.

Finché l'infrastruttura invisibile funziona, l'acqua scorre attraverso le tubature e i dati attraverso i cavi in fibra ottica, il sottosuolo è di interesse per pochi di noi. Ma chi ha vissuto a Francoforte per un po' potrebbe ricordare lo slogan "Sotto il marciapiede c'è la spiaggia". Era uno slogan delle proteste del '68 e dichiarava un altro mondo immaginabile e possibile - a patto di riuscire a guardare sotto le pietre. Abbiamo raccolto questo appello poetico al cambiamento perché continuiamo a vedere la necessità di un'azione politica, ma anche perché guardare alle profondità e ai tempi geologici ci permette di comprendere la fine delle epoche e l'inizio di nuove nelle tracce del passato. Nella nostra mostra, i dinosauri diventano attori di scandali finanziari, le pietre incontrano facciate di vetro e i turisti inviano saluti dal bordo del vulcano. Gli esseri umani sono riusciti a plasmare gran parte del mondo secondo i loro desideri. Ma la catastrofe climatica mostra da un lato le conseguenze di queste azioni e dall'altro che non tutto può essere controllato dall'uomo. La storia naturale e quella umana non possono essere separate l'una dall'altra. Anche i dinosauri più grandi si sono estinti alla fine e le eruzioni vulcaniche, come capricci incontrollabili del sistema Terra, ci ricordano la possibilità che improvvisamente tutto cambi.

As long as the invisible infrastructure functions, water flows through pipes and data through fiber optic cables, the underground is of interest to few of us. But those who have lived in Frankfurt for a while might remember the slogan "Under the pavement lies the beach." It was a slogan of the '68 protests and declared another world imaginable and possible - as long as we only manage to look under the stones. We have taken up this poetic call for change because we continue to see a need for political action, but also because looking into geological depths and times allows us to understand the end of epochs and the beginning of new ones in the traces of the past. In our exhibition, dinosaurs become actors in financial scandals, stones meet glass facades, and tourists send greetings from the edge of the volcano. Humans have managed to shape large parts of the world according to their wishes. But the climate catastrophe shows on the one hand the consequences of these actions and on the other hand that not everything can be controlled by humans. Natural and human history cannot be separated from each other. Even the largest dinosaurs became extinct at the end, and volcanic eruptions, as uncontrollable whims of the Earth system, remind us of the possibility that suddenly everything will change.

(Text: Sara-Lena Maierhofer & Flo Maak)

Fotografie Forum Frankfurt
10. Februar - 9. April 2023

Hug of a swan
Nhu Xuan Hua

Sie macht Fotokunst ganz eigener Art und gilt als bemerkenswertes neues Talent: Nhu Xuan Hua, 1989 in Paris als Tochter einer vietnamesisch-stämmigen Familie geboren, hat sich als Mode- und Porträtfotografin international einen Namen gemacht. Sie arbeitet für Magazine wie Vogue, The Wall Street Journal, Dazed Beauty und TIME Magazine sowie für große Fashionmarken wie Dior, Kenzo und Levi‘s. Die Ausstellung NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN konzentriert sich auf das künstlerische Schaffen der Fotografin und unterstreicht dessen faszinierende Vielseitigkeit.

In all ihren Fotografien, Objekten und Installationen beschäftigt sie sich mit globalen Themen wie Identität, Herkunft und Familiengeschichte. Die Ausstellung NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN zeigt, dass Nhu Xuan Huas beauftragten Arbeiten ebenso wie ihre freien inhaltlich eng miteinander verwoben sind – trotz höchst unterschiedlicher Ausdrucksformen. Denn ihre Inspiration bezieht die Fotografin immer aus persönlichen und familiär geteilten Erinnerungen.

Nhu Xuan Huas Familie floh nach dem Vietnamkrieg (1955–1975) nach Belgien und Frankreich, wo Hua geboren wurde. Nachdem sie ihr Elternhaus verlassen hatte, fühlte sie sich zunehmend von ihren Wurzeln abgeschnitten. Also befragte sie Familienmitglieder zu ihrer Vergangenheit, in der Hoffnung, die Lücke zu schließen und etwas über sich selbst zu erfahren. Die künstlerische Antwort auf diese Recherche ist im Fotografie Forum Frankfurt zu sehen: speziell für die Ausstellung entworfene Installationen, Objekte und digital manipulierte Fotografien, die von Familienfotos inspiriert sind.

Nhu Xuan Hua schloss 2011 den Fotografiekurs an der Kunstakademie Auguste Renoir in Paris ab. Eines ihrer berühmtesten Fotoshootings war Cover des TIME Magazine im Jahr 2018; für das Titelthema „Leaders of the next generation“ hatte Hua die K-Pop-Band BTS fotografiert. 2022 erschien Tropism, Nhu Xuan Huas erste Monografie (bei Area Books, Paris). Das Buch ist während der Ausstellung im FFF erhältlich.

Das Fotografie Forum Frankfurt präsentiert die Ausstellung NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN in enger Zusammenarbeit mit Huis Marseille, Museum for Photography, Amsterdam (HMA). Dort war das Werk der Fotokünstlerin 2022 erstmals überhaupt in einem Museum zu sehen. Kuratiert wurde die Ausstellung von Nhu Xuan Hua zusammen mit Nanda van den Berg (Direktorin, HMA) und Désirée Kroep (Junior-Kuratorin, HMA).

Elle fait de l'art photographique d'un genre très particulier et est considérée comme un nouveau talent remarquable : Nhu Xuan Hua, née en 1989 à Paris dans une famille d'origine vietnamienne, s'est fait un nom au niveau international en tant que photographe de mode et de portraits. Elle travaille pour des magazines comme Vogue, The Wall Street Journal, Dazed Beauty et TIME Magazine, ainsi que pour de grandes marques de mode comme Dior, Kenzo et Levi's. L'exposition NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN se concentre sur le travail artistique de la photographe et souligne sa fascinante polyvalence.

Dans toutes ses photographies, objets et installations, elle s'intéresse à des thèmes globaux tels que l'identité, l'origine et l'histoire familiale. L'exposition NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN montre que les travaux commandés par Nhu Xuan Hua, tout comme ses œuvres libres, sont étroitement imbriqués les uns dans les autres, malgré des formes d'expression très différentes. En effet, la photographe puise toujours son inspiration dans des souvenirs personnels et familiaux partagés.

Après la guerre du Vietnam (1955-1975), la famille de Nhu Xuan Hua s'est réfugiée en Belgique et en France, où Hua est née. Après avoir quitté la maison familiale, elle s'est sentie de plus en plus coupée de ses racines. Elle a donc interrogé des membres de sa famille sur son passé, dans l'espoir de combler ce vide et d'en apprendre plus sur elle-même. La réponse artistique à cette recherche est présentée au Fotografie Forum Frankfurt : des installations spécialement conçues pour l'exposition, des objets et des photographies manipulées numériquement, inspirés de photos de famille.

Nhu Xuan Hua a été diplômée en 2011 du cours de photographie de l'Académie des Beaux-Arts Auguste Renoir à Paris. L'une de ses séances photo les plus célèbres a été la couverture de TIME Magazine en 2018 ; pour le thème de couverture "Leaders de la prochaine génération", Hua avait photographié le groupe de K-pop BTS. En 2022, Tropism, la première monographie de Nhu Xuan Hua, est parue (chez Area Books, Paris). Le livre est disponible au FFF pendant l'exposition.

Le Fotografie Forum Frankfurt présente l'exposition NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN en étroite collaboration avec Huis Marseille, Museum for Photography, Amsterdam (HMA). C'est là que l'œuvre de l'artiste photographe a été exposée pour la première fois dans un musée en 2022. L'exposition a été organisée par Nhu Xuan Hua en collaboration avec Nanda van den Berg (directrice, HMA) et Désirée Kroep (conservatrice junior, HMA).

Realizza un'arte fotografica del tutto personale ed è considerata un nuovo straordinario talento: Nhu Xuan Hua, nata a Parigi nel 1989 da una famiglia di origine vietnamita, si è fatta conoscere a livello internazionale come fotografa di moda e di ritratti. Lavora per riviste come Vogue, The Wall Street Journal, Dazed Beauty e TIME Magazine, nonché per importanti marchi di moda come Dior, Kenzo e Levi's. La mostra NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN si concentra sul lavoro artistico della fotografa e ne sottolinea l'affascinante versatilità.

In tutte le sue fotografie, oggetti e installazioni, la fotografa affronta temi globali come l'identità, l'origine e la storia familiare. La mostra NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN dimostra che le opere commissionate e quelle libere di Nhu Xuan Hua sono strettamente interconnesse in termini di contenuto, nonostante le forme espressive siano molto diverse. Infatti, la fotografa trae sempre ispirazione da ricordi personali e familiari condivisi.

La famiglia di Nhu Xuan Hua è fuggita in Belgio e in Francia dopo la guerra del Vietnam (1955-1975), dove Hua è nata. Dopo aver lasciato la casa dei genitori, si è sentita sempre più lontana dalle sue radici. Così ha intervistato i membri della famiglia sul suo passato, sperando di colmare il vuoto e di imparare qualcosa su se stessa. La risposta artistica a questa ricerca è visibile al Fotografie Forum di Francoforte: installazioni, oggetti e fotografie manipolate digitalmente ispirate alle foto di famiglia, appositamente progettate per la mostra.

Nhu Xuan Hua si è diplomata nel 2011 al corso di fotografia dell'Accademia d'Arte Auguste Renoir di Parigi. Uno dei suoi servizi fotografici più famosi è stata la copertina di TIME Magazine nel 2018; per il tema della copertina "Leaders of the next generation", Hua ha fotografato il gruppo K-pop BTS. Nel 2022 è stata pubblicata Tropism, la prima monografia di Nhu Xuan Hua (da Area Books, Parigi). Il libro sarà disponibile al FFF durante la mostra.

Fotografie Forum Frankfurt presenta la mostra NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN in stretta collaborazione con Huis Marseille, Museo della Fotografia di Amsterdam (HMA). L'opera dell'artista fotografico è stata esposta per la prima volta in un museo nel 2022. La mostra è stata curata da Nhu Xuan Hua insieme a Nanda van den Berg (direttore dell'HMA) e Désirée Kroep (curatore junior dell'HMA).

She makes photographic art of her very own kind and is considered a remarkable new talent: Nhu Xuan Hua, born in Paris in 1989 to a family of Vietnamese descent, has made an international name for herself as a fashion and portrait photographer. She works for magazines such as Vogue, The Wall Street Journal, Dazed Beauty, and TIME Magazine, as well as major fashion brands such as Dior, Kenzo, and Levi's. The exhibition NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN focuses on the photographer's artistic work and highlights its fascinating versatility.

In all her photographs, objects and installations she deals with global themes such as identity, origin and family history. The exhibition NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN shows that Nhu Xuan Hua's commissioned works as well as her free ones are closely interwoven in terms of content - despite highly diverse forms of expression. For the photographer always draws her inspiration from personal and family shared memories.

Nhu Xuan Hua's family fled to Belgium and France after the Vietnam War (1955-1975), where Hua was born. After leaving her childhood home, she felt increasingly cut off from her roots. So she interviewed family members about her past, hoping to bridge the gap and learn something about herself. The artistic response to this research is on view at Fotografie Forum Frankfurt: installations, objects, and digitally manipulated photographs inspired by family photos designed especially for the exhibition.

Nhu Xuan Hua graduated from the photography course at the Auguste Renoir Academy of Art in Paris in 2011. One of her most famous photo shoots was cover of TIME Magazine in 2018; for the cover theme "Leaders of the next generation", Hua had photographed K-pop band BTS. In 2022, Tropism, Nhu Xuan Hua's first monograph was published (by Area Books, Paris). The book will be available at FFF during the exhibition.

Fotografie Forum Frankfurt presents the exhibition NHU XUAN HUA. HUG OF A SWAN in close collaboration with Huis Marseille, Museum for Photography, Amsterdam (HMA). There, the work of the photo artist was shown for the first time ever in a museum in 2022. The exhibition was curated by Nhu Xuan Hua together with Nanda van den Berg (Director, HMA) and Désirée Kroep (Junior Curator, HMA).

(Text: Fotografie Forum Frankfurt)

Galerie-Peter-Sillem | Frankfurt am Main
14. Januar - 25. Februar 2023

Inland
Satijn Panyigay

Satijn Panyigay fotografiert leere Ausstellungsräume in Museen ebenso wie Innenräume neu errichteter Gebäude. Während einsamer, meditativer Erkundungen der leeren Räume, die ihrer Nutzung harren, entstehen Bilder, die ein Gleichgewicht zwischen Hell und Dunkel, Heiterkeit und Düsternis, Widerstandskraft und Verletzlichkeit erzeugen. Mit „Inland“ zeigen wir Satijn Panyigays erste Einzelausstellung außerhalb der Niederlande.

„(…) Und dann verlangsamt sich die Zeit und scheint sogar stehen zu bleiben. Es eröffnet sich ein neuer Raum, ein Raum der Stille, der Ruhe, in dem der Betrachter loslassen kann. Ein Raum der Besinnlichkeit. Es ist eine persönliche Erfahrung, zugleich aber ein universeller Wert.“ Cathy Jacob in ihrem Katalogtext

Satijn Panyigay (geb. 1988 in Nijmegen, Niederlande) studierte Fotografie an der Kunsthochschule Utrecht, wo sie weiterhin lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen in den Niederlanden zu sehen, so im Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Villa Mondriaan (Winterswijk). Ihre Werke befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Museum Boijmans Van Beuningen, des Museum Tot Zover, des Museum Van Bommel Van Dam und des Museum W. sowie in zahlreichen Privatsammlungen.

Satijn Panyigay photographie des salles d'exposition vides dans des musées ainsi que des intérieurs de bâtiments récemment construits. Au cours d'explorations solitaires et méditatives de ces espaces vides en attente d'utilisation, des visuels naissent, créant un équilibre entre la clarté et l'obscurité, la sérénité et la noirceur, la résistance et la vulnérabilité. Avec "Inland", nous présentons la première exposition individuelle de Satijn Panyigay en dehors des Pays-Bas.

" (...) Et puis le temps ralentit et semble même s'arrêter. Un nouvel espace s'ouvre, un espace de silence, de calme, dans lequel le spectateur peut lâcher prise. Un espace de recueillement. C'est une expérience personnelle, mais en même temps une valeur universelle". Cathy Jacob dans le texte de son catalogue

Satijn Panyigay (née en 1988 à Nimègue, Pays-Bas) a étudié la photographie à l'école d'art d'Utrecht, où elle continue de vivre et de travailler. Son travail a fait l'objet de nombreuses expositions aux Pays-Bas, notamment au Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam) ; Fotomuseum Den Haag ; Museum Tot Zover (Amsterdam) ; Villa Mondriaan (Winterswijk). Ses œuvres se trouvent entre autres dans les collections du Museum Boijmans Van Beuningen, du Museum Tot Zover, du Museum Van Bommel Van Dam et du Museum W. ainsi que dans de nombreuses collections privées.

Satijn Panyigay fotografa gli spazi espositivi vuoti dei musei e gli interni di edifici di nuova costruzione. Durante le esplorazioni solitarie e meditative degli spazi vuoti che attendono il loro utilizzo, emergono immagini che creano un equilibrio tra luce e buio, serenità e oscurità, resilienza e vulnerabilità. Con "Inland" presentiamo la prima mostra personale di Satijn Panyigay al di fuori dei Paesi Bassi.

"(...) E poi il tempo rallenta e sembra addirittura fermarsi. Si apre un nuovo spazio, uno spazio di silenzio, di quiete, dove lo spettatore può lasciarsi andare. Uno spazio di contemplazione. È un'esperienza personale, ma allo stesso tempo un valore universale". Cathy Jacob nel suo testo in catalogo

Satijn Panyigay (nata nel 1988 a Nijmegen, Paesi Bassi) ha studiato fotografia alla Scuola d'Arte di Utrecht, dove continua a vivere e lavorare. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre nei Paesi Bassi, tra cui Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Villa Mondriaan (Winterswijk). Le sue opere sono presenti nelle collezioni del Museum Boijmans Van Beuningen, del Museum Tot Zover, del Museum Van Bommel Van Dam e del Museum W., oltre che in numerose collezioni private.

Satijn Panyigay photographs empty exhibition spaces in museums as well as interiors of newly constructed buildings. During solitary, meditative explorations of the void spaces waiting to be used, images emerge that create a balance between light and darkness, serenity and gloom, resilience and vulnerability. "Inland" is Satijn Panyigay's first solo exhibition outside the Netherlands.

„(…) time slows down and even seems to pause for a moment. A new space is created, a space of silence, tranquillity, where the viewer can let go. A space for contemplation. It is a personal experience, but at the same time, one with universal value.“ Cathy Jacob in her catalogue essay

Satijn Panyigay (b. 1988 in Nijmegen, Netherlands) studied photography at the Utrecht School of Art, where she continues to live and work. Her work has been featured in numerous exhibitions in the Netherlands, including Depot Boijmans Van Beuningen (Rotterdam); Fotomuseum Den Haag; Museum Tot Zover (Amsterdam); Villa Mondriaan (Winterswijk). Her works are in the collections of Museum Boijmans Van Beuningen, Museum Tot Zover, Museum Van Bommel Van Dam and Museum W., among others, as well as in numerous private collections.

(Text: Galerie-Peter-Sillem, Frankfurt am Main)