Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
25. April 2025

Daniel Poller - Frankfurter Kopien

Daniel Pollers Ausstellung „Frankfurter Kopien“ setzt sich fotografisch-konzeptionell mit der sogenannten Neuen Altstadt Frankfurts auseinander. Der Berliner Künstler hat hierfür die in den Häusern des Areals verbauten historischen Steinelemente (Spolien) fotografiert und durch manuelles Überdrucken mit den Farben aus dem „Farbleitplan“ des Wiederaufbaus zusammengebracht. Auf diese Weise entstanden fotografische Objekte, die sich ihrer eigenen Historizität bewusst sind und die in der Neuen Altstadt wirkenden historisierenden Prozesse als Palimpsest sichtbar werden lassen.

„Eine stringente Entgegnung auf einen städtebaulichen Ansatz, der mit seinem Zugang zur Rekonstruktion der Neuen Altstadt nicht zuletzt auch den Täuschungen der Fotografie erlag.“ - Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller, geb. 1984, studierte Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig und schloss sein Studium 2013 mit Diplom bei Peter Piller ab. 2017 wurde er Meisterschüler von Joachim Brohm und Peggy Buth. Er erhielt zahlreiche Stipendien und Preise u.a. 2016 Arbeitsstipendium der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen, 2018 Kunstfonds Bonn, 2015 den Aenne-Biermann-Preis für Deutsche Gegenwartsfotografie und 2017 den Europäischen Architektur Fotografiepreis.

Einzelausstellungen u.a. 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Leipzig; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlin; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux, 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlin, 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (gemeinsam mit Christoph Westermeier).

Seine Arbeiten befinden sich u.a. in der Bundeskunstsammlung Bonn, der Staatlichen Kunstsammlung Dresden und dem Berliner Stadtmuseum.

L'exposition « Frankfurter Kopien » de Daniel Poller se penche sur le concept photographique de la « nouvelle vieille ville » de Francfort. Pour ce faire, l'artiste berlinois a photographié les éléments de pierre historiques (spolias) utilisés dans les maisons de la zone et les a combinés par surimpression manuelle avec les couleurs du « plan directeur des couleurs » de la reconstruction. Il en résulte des objets photographiques conscients de leur propre historicité et qui rendent visibles, sous forme de palimpseste, les processus d'historicisation à l'œuvre dans la Nouvelle Vieille Ville.

« Une opposition rigoureuse à une approche urbanistique qui, avec son approche de la reconstruction de la Nouvelle Vieille Ville, a notamment succombé aux illusions de la photographie ». - Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller, né en 1984, a étudié la photographie à la Hochschule für Grafik und Buchkunst de Leipzig et a obtenu son diplôme en 2013 auprès de Peter Piller. En 2017, il est devenu maître-élève de Joachim Brohm et Peggy Buth. Il a obtenu de nombreuses bourses et prix, notamment une bourse de travail de la Fondation culturelle de l'État libre de Saxe en 2016, le Fonds artistique de Bonn en 2018, le prix Aenne Biermann pour la photographie allemande contemporaine en 2015 et le prix européen de la photographie d'architecture en 2017.

Expositions individuelles, entre autres : 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Leipzig ; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlin ; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg ; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux, 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlin, 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (en collaboration avec Christoph Westermeier).

Ses œuvres se trouvent entre autres à la Bundeskunstsammlung de Bonn, à la Staatliche Kunstsammlung de Dresde et au Stadtmuseum de Berlin.

La mostra “Frankfurter Kopien” di Daniel Poller affronta con un approccio fotografico e concettuale la cosiddetta Nuova Città Vecchia di Francoforte. L'artista berlinese ha fotografato gli elementi storici in pietra (spolia) inseriti negli edifici della zona e li ha combinati con i colori del “piano del colore” della ricostruzione sovrastampandoli manualmente. In questo modo, sono stati creati oggetti fotografici consapevoli della propria storicità e che permettono di rendere visibili, come palinsesto, i processi di storicizzazione in atto nella Nuova Città Vecchia.

“Una risposta severa a un approccio urbanistico che, con il suo approccio alla ricostruzione della Nuova Città Vecchia, ha ceduto non da ultimo alle illusioni della fotografia”. - Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller, nato nel 1984, ha studiato fotografia all'Accademia di Arti Visive di Lipsia e si è diplomato nel 2013 sotto la guida di Peter Piller. Nel 2017 è diventato studente master di Joachim Brohm e Peggy Buth. Ha ricevuto numerose borse di studio e premi, tra cui una borsa di lavoro della Fondazione culturale dello Stato libero di Sassonia nel 2016, il Kunstfonds Bonn nel 2018, il Premio Aenne Biermann per la fotografia contemporanea tedesca nel 2015 e il Premio europeo di fotografia di architettura nel 2017.

Tra le mostre personali si ricordano: 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Lipsia; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlino; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux, 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlino, 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (insieme a Christoph Westermeier).

Le sue opere si trovano, tra l'altro, presso la Bundeskunstsammlung Bonn, la Staatliche Kunstsammlung Dresden e lo Stadtmuseum di Berlino.

The exhibition "Frankfurter Kopien" by the Berlin-based artist Daniel Poller takes a photographic and conceptual approach to the so-called New Old Town of Frankfurt. For this, Daniel Poller photographed the historical stone elements (spolia) embedded in the buildings of the area and combined them through manual overprinting with the colors from the "color guide plan" of the reconstruction. In this way, photographic objects were created that are aware of their own historicity and reveal the historicizing processes at work in the New Old Town as a palimpsest.

"A coherent response to an urban planning approach that, in its method of reconstructing the New Old Town, ultimately fell victim to the deceptions of photography." — Maren Lübbke-Tidow

Daniel Poller (1984) studied photography at the Academy of Visual Arts Leipzig and completed his studies in 2013 with a diploma under Peter Piller. In 2017, he became a master student of Joachim Brohm and Peggy Buth. He has received numerous scholarships and awards, including the 2016 Work Scholarship from the Cultural Foundation of the Free State of Saxony, the 2018 Kunstfonds Bonn, the 2015 Aenne Biermann Prize for German Contemporary Photography, and the 2017 European Architecture Photography Prize.

Solo exhibitions include, among others, 2024 Frankfurter Kopien, Galerie Tobias Naehring, Leipzig; 2022 Birds of Tegel, Galerie Poll, Berlin; Viertel nach vor, Kunstverein Junge Kunst Wolfsburg; 2021 DÉCONSTRUCTIONS, Goethe-Institut Bordeaux; 2020 Endgültige Fassung der Beschlussvorlage, Galerie Poll, Berlin; 2018 Trümmertanz, Künstlerverein Malkasten Düsseldorf (with Christoph Westermeier).

His works are held in collections including the Federal Art Collection Bonn, the State Art Collections Dresden, and the Berlin City Museum.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

Fabian & Claude Walter Galerie | Zürich
24. April 2025

Tides of Light
Sonja Maria Schobinger

In der Ausstellung werden aktuelle Werke aus den Serien Still Life, Flowers, Trees & Paradise präsentiert. Schobinger erschafft darin beeindruckende Darstellungen der Pflanzenwelt und bringt damit ihre tiefe Verbindung zu Natur und Kultur zum Ausdruck. Es gelingt ihr, das Unfassbare und Transzendente sichtbar zu machen – eine Erfahrung, die beim Betrachter eine unmittelbare Resonanz hervorruft. Die Pflanzenwelt als Sinnbild des Weiblichen und Sinnlichen spielt eine zentrale Rolle in ihren Arbeiten. Durch die Verschmelzung von Natur und Kultur entstehen poetische Reflexionen über Identität und unser innerstes Bewusstsein. Ihre zugleich akribisch inszenierten und assoziativ gestalteten Fotografien laden zum genauen Hinsehen ein – und offenbaren dabei eine subtile Tiefe.

Ein besonderer Fokus der Ausstellung liegt auf dem Werkzyklus Anthemis Nobilis. Hier verbindet Schobinger analoge Selbstporträts aus ihrer Jugend mit handkolorierten Glasdiapositiven des tschechischen Fotografen Josef Hanel (1865–1940). Durch diese einzigartige Kombination historischer botanischer Darstellungen und persönlicher Selbstporträts entsteht eine neue Bildwelt, die Fragen nach Dasein, Körperlichkeit und der Gleichzeitigkeit verschiedener Zeitebenen aufwirft. In dieser Ausstellung werden auch eindrucksvolle Beispiele der Selbstportraits aus dem Langzeitprojekt Coming of Age zu sehen sein.

L'exposition présente des œuvres récentes des séries Still Life, Flowers, Trees & Paradise. Schobinger y crée des représentations impressionnantes du monde végétal et exprime ainsi son lien profond avec la nature et la culture. Elle parvient à rendre visible l'insaisissable et le transcendant - une expérience qui provoque une résonance immédiate chez le spectateur. Le monde végétal, symbole du féminin et du sensuel, joue un rôle central dans ses travaux. La fusion de la nature et de la culture donne naissance à des réflexions poétiques sur l'identité et notre conscience la plus intime. Ses photographies, à la fois méticuleusement mises en scène et conçues de manière associative, invitent à les regarder attentivement - tout en révélant une profondeur subtile.

L'exposition se concentre en particulier sur le cycle d'œuvres Anthemis Nobilis. Schobinger y associe des autoportraits analogiques de sa jeunesse à des diapositives sur verre colorées à la main du photographe tchèque Josef Hanel (1865-1940). Cette combinaison unique de représentations botaniques historiques et d'autoportraits personnels donne naissance à un nouveau monde d'images qui soulève des questions sur l'existence, la corporalité et la simultanéité de différents niveaux temporels. Cette exposition présentera également des exemples impressionnants d'autoportraits issus du projet à long terme Coming of Age.

La mostra presenta opere attuali della serie Still Life, Flowers, Trees & Paradise. In queste opere, Schobinger crea impressionanti rappresentazioni del mondo vegetale, esprimendo il suo profondo legame con la natura e la cultura. Riesce a visualizzare l'incomprensibile e il trascendente - un'esperienza che evoca una risonanza immediata nello spettatore. Il mondo vegetale come simbolo del femminile e del sensuale gioca un ruolo centrale nel suo lavoro. La fusione di natura e cultura dà origine a riflessioni poetiche sull'identità e sulla nostra coscienza più profonda. Le sue fotografie, meticolosamente allestite e progettate in modo associativo, ci invitano a guardare più da vicino, rivelando così una sottile profondità.

Un punto focale della mostra è il ciclo di opere Anthemis Nobilis. Qui la Schobinger combina autoritratti analogici della sua giovinezza con diapositive di vetro colorate a mano del fotografo ceco Josef Hanel (1865-1940). Questa combinazione unica di rappresentazioni botaniche storiche e autoritratti personali crea un nuovo mondo visivo che solleva domande sull'esistenza, sulla fisicità e sulla simultaneità di diversi livelli temporali. In questa mostra saranno esposti anche esempi impressionanti di autoritratti del progetto a lungo termine Coming of Age.

The exhibition presents current works from the series Still Life, Flowers, Trees & Paradise. Schobinger creates impressive depictions of the plant world, expressing her deep connection to nature and culture. She succeeds in making the incomprehensible and transcendent visible –an experience that evokes an immediate resonance in the viewer. The plant world as a symbol of the feminine and sensual plays a central role in her work. The fusion of nature and culture creates poetic reflections on identity and our innermost consciousness. Her meticulously staged and at the same time associatively designed photographs invite us to take a closer look – and reveal a subtle depth.

A particular focus of the exhibition is on the series Anthemis Nobilis. In this series, Schobinger combines analogue self-portraits from her youth with hand-colored glass slides by Czech photographer Josef Hanel (1865-1940). This unique combination of historical botanical representations and personal self-portraits creates a new visual world that addresses questions of existence, corporeality and the simultaneity of different time periods. Impressive examples of the self-portraits from the long-term project Adolescence will also be on display in the exhibition.

(Text: Fabian & Claude Walter Galerie, Zürich)

VisuleX – Gallery for Photography | Hamburg
23. April 2025

Botanische Notizen
Alexander Hamilton, Karsten Januschke, Jürgen Königs, Hanno Kübler, Steve Lokie, Karin von Oldershausen, Walter Schels, Marcus Schwier

Die Pflanzenwelt inspiriert Künstler:innen seit jeher mit ihrer Vielfalt an Formen, Farben und Strukturen. Bereits im 19. Jahrhundert wurden botanische Motive zu einem beliebten Gegenstand fotografischer Experimente. Bis heute sind sie Quelle ästhetischer wie konzeptueller Auseinandersetzung.

Die Gruppenausstellung „Botanische Notizen“ zeigt zeitgenössische Werke internationaler Künstler:innen, die sich auf ganz unterschiedliche Weise fotografisch mit der Welt der Pflanzen befassen – mal poetisch, mal experimentell, mal technisch reflektiert.

Fotografische Positionen & Techniken

Cyanotypien: Der schottische Fotograf Alexander Hamilton wurde von der diesjährigen Photo London eingeladen, seine herausragenden Cyanotypien zu präsentieren – eine besondere Anerkennung. VisuleX zeigt vorab ausgewählte Werke im Rahmen von „Botanische Notizen“ sowie parallel auf der paper positions berlin (1.–4. Mai). Die Cyanotypie – auch als Eisenblaudruck bekannt – ist ein historisches Edeldruckverfahren, das durch seine charakteristischen Blautöne und handwerkliche Ästhetik besticht.

Analoge Fotografie: Walter Schels, Hamburger Altmeister der Fotografie, zeigt in dieser Ausstellung seine feinfühligen schwarz-weißen Blumenporträts. Auf zartem Washi-Papier gedruckt, erinnern sie in ihrer Materialität an die Fragilität der Blüten selbst – analog und mit großer Präzision fotografiert.

Fotogramme: Jürgen Königs der ehemalige Siegener Kunstprofessor und DGPh-Mitglied zeigt in seiner Serie HERBES SPONTANÉES analoge Fotogramme, die seit 2018 entstehen. Inspiriert von einer französischen Umweltkampagne, versteht Königs „wildes Grün“ nicht als Unkraut, sondern als spontane Naturerscheinung. Seine „Direktfotogramme“ entstehen ohne chemische Entwicklung: Pflanzen werden direkt auf lichtempfindliches Papier gelegt und ausschließlich mit Sonnenlicht belichtet. Die nicht fixierten Ergebnisse werden digital gesichert als fragile Spuren botanischer Präsenz.

Infrarotfilm: Der Düsseldorfer Fotograf Marcus Schwier experimentierte in den 2000er Jahren mit Schwarzweiß-Infrarotfilm. Die so entstandenen Aufnahmen zeigen Pflanzen in heller, fast überirdischer Anmutung – mit tiefdunklem Himmel und weißen Blättern. Für Schwier ist die Infrarotfotografie eine Form technischer Magie, die das Unsichtbare sichtbar macht.

Fotocollagen: Der Hannoveraner Künstler Hanno Kübler kombiniert seine Fotografie zu analogen und digitalen Collagen, die Natur- und Stadtlandschaften neu interpretieren. Seine Kompositionen, etwa von einem Spargelfeld, setzt in der Ausstellung faszinierende visuelle Akzente.

Digitale Fotografie: Erstmals ausgestellt werden die geheimnisvollen Pflanzenporträts von Karsten Januschke – inspiriert von seinen Wanderungen, bei denen er botanische Strukturen entdeckt und in skulpturale Bildformen übersetzt. Der Autodidakt und gelernte Tischler wurde 2023 in der PHOTOGRAPHIE (Heft 3–4) vorgestellt – mit einem Artikel, dessen Titel dieser Ausstellung ihren Namen verdankt. Steve Lokie, ein aufstrebender Fotodesigner aus Kalifornien, ergänzt die Ausstellung mit sensiblen, digitalen Naturstudien. Auch für ihn ist die Pflanzenwelt ein Ort meditativer Beobachtung und kreativen Ausdrucks.

Mixed Media: Die Hamburger Künstlerin Karin von Oldershausen verbindet in ihren Arbeiten Aquarellmalerei, Fotografie und digitale Bearbeitung. Ihre Mixed-Media-Werke zeigen florale Motive, die zwischen Realität und Imagination changieren – mal zart, mal leuchtend, stets atmosphärisch dicht.

Le monde végétal inspire depuis toujours les artistes par la diversité de ses formes, de ses couleurs et de ses structures. Dès le XIXe siècle, les motifs botaniques sont devenus un sujet privilégié pour les expérimentations photographiques. Aujourd'hui encore, ils sont source de réflexion esthétique et conceptuelle.

L'exposition collective « Botanische Notizen » (Notes botaniques) présente des œuvres contemporaines d'artistes internationaux qui abordent le monde végétal de manière très différente à travers la photographie, tantôt poétique, tantôt expérimentale, tantôt technique et réfléchie.

Positions et techniques photographiques

Cyanotypes : le photographe écossais Alexander Hamilton a été invité par Photo London à présenter ses cyanotypes exceptionnels, une distinction particulière. VisuleX présente une sélection d'œuvres dans le cadre de « Botanische Notizen » et parallèlement à la paper positions berlin (du 1er au 4 mai). La cyanotypie, également connue sous le nom d'impression au fer bleu, est un procédé d'impression noble et historique qui séduit par ses tons bleus caractéristiques et son esthétique artisanale.

Photographie analogique : Walter Schels, maître hambourgeois de la photographie, présente dans cette exposition ses portraits de fleurs en noir et blanc d'une grande sensibilité. Imprimés sur du papier washi délicat, ils rappellent dans leur matérialité la fragilité des fleurs elles-mêmes, photographiées de manière analogique et avec une grande précision.

Photogrammes : Jürgen Königs, ancien professeur d'art à Siegen et membre de la DGPh, présente dans sa série HERBES SPONTANÉES des photogrammes analogiques réalisés depuis 2018. Inspiré par une campagne environnementale française, Königs ne considère pas la « verdure sauvage » comme une mauvaise herbe, mais comme un phénomène naturel spontané. Ses « photogrammes directs » sont réalisés sans développement chimique : les plantes sont placées directement sur du papier photosensible et exposées uniquement à la lumière du soleil. Les résultats non fixés sont enregistrés numériquement comme des traces fragiles de la présence botanique.

Film infrarouge : le photographe Marcus Schwier, basé à Düsseldorf, a expérimenté le film infrarouge noir et blanc dans les années 2000. Les clichés ainsi obtenus montrent des plantes dans une lumière vive, presque surnaturelle, avec un ciel sombre et des feuilles blanches. Pour Schwier, la photographie infrarouge est une forme de magie technique qui rend visible l'invisible.

Collages photographiques : l'artiste hanovrien Hanno Kübler combine ses photographies pour créer des collages analogiques et numériques qui réinterprètent les paysages naturels et urbains. Ses compositions, comme celle d'un champ d'asperges, apportent une touche visuelle fascinante à l'exposition.

Photographie numérique : les portraits mystérieux de plantes de Karsten Januschke sont exposés pour la première fois. Ils s'inspirent de ses randonnées, au cours desquelles il découvre des structures botaniques qu'il traduit en formes sculpturales. Cet autodidacte et menuisier de formation a été présenté en 2023 dans PHOTOGRAPHIE (numéro 3-4) dans un article qui a donné son nom à cette exposition. Steve Lokie, un photographe californien en pleine ascension, complète l'exposition avec des études numériques sensibles de la nature. Pour lui aussi, le monde végétal est un lieu d'observation méditative et d'expression créative.

Techniques mixtes : l'artiste hambourgeoise Karin von Oldershausen combine dans ses œuvres l'aquarelle, la photographie et le traitement numérique. Ses œuvres mixtes présentent des motifs floraux qui oscillent entre réalité et imagination, tantôt délicats, tantôt lumineux, toujours d'une grande densité atmosphérique.

Il mondo vegetale ispira da sempre gli artisti con la sua varietà di forme, colori e strutture. Già nel XIX secolo i motivi botanici divennero un soggetto popolare per gli esperimenti fotografici. Ancora oggi sono fonte di riflessione estetica e concettuale.

La mostra collettiva “Botanische Notizen” (Appunti botanici) presenta opere contemporanee di artisti internazionali che si confrontano in modi molto diversi con il mondo delle piante attraverso la fotografia: a volte in modo poetico, a volte sperimentale, a volte tecnicamente riflessivo.

Posizioni e tecniche fotografiche

Cianotipie: il fotografo scozzese Alexander Hamilton è stato invitato dall'edizione di quest'anno di Photo London a presentare le sue eccezionali cianotipie, un riconoscimento speciale. VisuleX espone opere selezionate in anteprima nell'ambito di “Botanische Notizen” e parallelamente alla paper positions berlin (1-4 maggio). La cianotipia, nota anche come stampa al ferro, è un antico processo di stampa artistica che affascina per le sue caratteristiche tonalità blu e l'estetica artigianale.

Fotografia analogica: Walter Schels, maestro della fotografia di Amburgo, espone in questa mostra i suoi delicati ritratti floreali in bianco e nero. Stampati su delicato carta washi, nella loro materialità ricordano la fragilità dei fiori stessi, fotografati in modo analogico e con grande precisione.

Fotogrammi: Jürgen Königs, ex professore d'arte a Siegen e membro della DGPh, presenta nella sua serie HERBES SPONTANÉES fotogrammi analogici realizzati dal 2018. Ispirato da una campagna ambientalista francese, Königs non considera il “verde selvatico” come un'erbaccia, ma come un fenomeno naturale spontaneo. I suoi “fotogrammi diretti” sono realizzati senza sviluppo chimico: le piante vengono posizionate direttamente su carta fotosensibile ed esposte esclusivamente alla luce solare. I risultati non fissati vengono salvati digitalmente come fragili tracce della presenza botanica.

Pellicola a infrarossi: il fotografo di Düsseldorf Marcus Schwier ha sperimentato negli anni 2000 la pellicola a infrarossi in bianco e nero. Le immagini così ottenute mostrano piante dall'aspetto luminoso, quasi ultraterreno, con un cielo scuro e foglie bianche. Per Schwier, la fotografia a infrarossi è una forma di magia tecnica che rende visibile l'invisibile.

Collage fotografici: l'artista di Hannover Hanno Kübler combina le sue fotografie in collage analogici e digitali che reinterpretano paesaggi naturali e urbani. Le sue composizioni, come quella di un campo di asparagi, creano affascinanti accenti visivi nella mostra.

Fotografia digitale: vengono esposti per la prima volta i misteriosi ritratti di piante di Karsten Januschke, ispirati alle sue escursioni durante le quali scopre strutture botaniche e le traduce in forme scultoree. L'autodidatta e falegname di professione è stato presentato nel 2023 su PHOTOGRAPHIE (numero 3-4) con un articolo che ha dato il nome a questa mostra. Steve Lokie, un promettente fotografo californiano, completa la mostra con sensibili studi digitali sulla natura. Anche per lui il mondo vegetale è un luogo di osservazione meditativa ed espressione creativa.

Tecnica mista: l'artista amburghese Karin von Oldershausen combina nei suoi lavori acquerello, fotografia ed elaborazione digitale. Le sue opere in tecnica mista mostrano motivi floreali che oscillano tra realtà e immaginazione, a volte delicati, a volte luminosi, sempre densi di atmosfera.

The plant world has always inspired artists with its diversity of forms, colours and structures. As early as the 19th century, botanical motifs became a popular subject for photographic experiments. To this day, they remain a source of aesthetic and conceptual exploration.

The group exhibition ‘Botanical Notes’ shows contemporary works by international artists who deal with the world of plants in very different ways – sometimes poetic, sometimes experimental, sometimes technically reflective.

Photographic positions & techniques

Cyanotypes: Scottish photographer Alexander Hamilton was invited by this year's Photo London to present his outstanding cyanotypes – a special recognition. VisuleX is showing a selection of works in advance as part of ‘Botanical Notes’ and in parallel at paper positions berlin (1–4 May). Cyanotype – also known as blueprinting – is a historical fine art printing process that captivates with its characteristic blue tones and handcrafted aesthetic.

Analogue photography: Walter Schels, Hamburg's grand master of photography, presents his delicate black-and-white flower portraits in this exhibition. Printed on delicate washi paper, their materiality is reminiscent of the fragility of the flowers themselves – photographed analogously and with great precision.

Photograms: Jürgen Königs, former art professor in Siegen and member of the DGPh, presents analogue photograms from his series HERBES SPONTANÉES, which he has been creating since 2018. Inspired by a French environmental campaign, Königs understands ‘wild greenery’ not as weeds, but as a spontaneous natural phenomenon. His ‘direct photograms’ are created without chemical development: plants are placed directly on light-sensitive paper and exposed exclusively to sunlight. The unfixed results are digitally saved as fragile traces of botanical presence.

Infrared film: Düsseldorf photographer Marcus Schwier experimented with black-and-white infrared film in the 2000s. The resulting images show plants in a bright, almost otherworldly light – with deep dark skies and white leaves. For Schwier, infrared photography is a form of technical magic that makes the invisible visible.

Photo collages: Hanover-based artist Hanno Kübler combines his photography into analogue and digital collages that reinterpret natural and urban landscapes. His compositions, such as one of an asparagus field, add fascinating visual accents to the exhibition.

Digital photography: The mysterious plant portraits by Karsten Januschke are being exhibited for the first time – inspired by his hikes, during which he discovers botanical structures and translates them into sculptural image forms. The self-taught artist and trained carpenter was featured in PHOTOGRAPHIE (issue 3–4) in 2023 with an article that gave this exhibition its name. Steve Lokie, an up-and-coming photo designer from California, complements the exhibition with sensitive digital nature studies. For him, too, the plant world is a place of meditative observation and creative expression.

Mixed media: Hamburg-based artist Karin von Oldershausen combines watercolour painting, photography and digital processing in her work. Her mixed-media pieces feature floral motifs that oscillate between reality and imagination – sometimes delicate, sometimes vibrant, always atmospherically dense.

(Text: VisuleX – Gallery for Photography, Hamburg)

Bildhalle | Zürich
10. April 2025

BLOOMING - Der Künstler Arne Quinze im Dialog mit 12 Fotografinnen und Fotografen

Albarrán Cabrera, Laurent Champoussin, Paul Cupido, Sandro Diener, René Goebli, François Halard, Cig Harvey, Thomas Hoepker, Simone Kappeler, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thirza Schaap, Arne Quinze

Nach zwei Jahren Vorbereitung freut sich das Team der Bildhalle, die grosse Gruppenausstellung BLOOMING zu eröffnen. Sie erstreckt sich über beide Räumlichkeiten in Zürich und kombiniert Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen des renommierten belgischen Künstlers Arne Quinze mit Werken von 12 Fotografinnen und Fotografen rund um das Thema «Blooming».

Arne Quinze ist buchstäblich besessen von Blumen und der Pflanzenwelt. Er kultiviert Blumen zu Tausenden im Garten seines Ateliers und malt sie mit einer Leidenschaft und Beharrlichkeit, die der von Monet in seinem Garten in Giverny gleichkommt. Wie Botaniker:innen versuchen, neue Stecklinge zu setzen, zu veredeln und zu hybridisieren, so keimt und blüht auch die Ausstellung auf, in der Werke mit unterschiedlichen Medien und Bildsprachen zusammengebracht werden: Ihre Techniken mögen variieren, aber das, was die Künstler:innen in ihrer jeweiligen Ausdrucksweise einzufangen versuchen, vereint sie: eine vergängliche Schönheit, die festzuhalten, fixieren zu wollen, fast unmöglich erscheint.

Arne Quinze, der für seine monumentalen Gemälde und Installationen international bekannt ist, antwortet mit eigens für diese Ausstellung geschaffenen Zeichnungen auf die Werke von

Albarrán Cabrera, setzt seine Skulpturen in einen Dialog mit Thirza Schaap und kreiert Diptychen mit den Arbeiten von Paul Cupido und Sandro Diener.

Arne Quinze’s florale Bildsprache trifft auf die blumigen Elemente in den Werken von Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker und René Groebli. Zwei spannende Vertreter der französischen Fotoszene, François Halard und Laurent Champoussin, ergänzen die Arbeiten der zehn Fotografinnen und Fotografen aus der Bildhalle.

Man sagt, der Frühling bringe Liebe, Lebensfreude und Neubeginn – BLOOMING ist all dies zugleich und eine Ode an das Leben und die Schönheit der pflanzlichen Welt.

BLOOMING - L'artiste Arne Quinze en dialogue avec 12 photographes

Après deux ans de préparation, l'équipe de la Bildhalle est heureuse d'inaugurer la grande exposition de groupe BLOOMING. Elle s'étend sur les deux espaces de Zurich et combine des peintures, des dessins et des sculptures du célèbre artiste belge Arne Quinze avec les œuvres de 12 photographes autour du thème « Blooming ».

Arne Quinze est littéralement obsédé par les fleurs et le monde végétal. Il cultive des fleurs par milliers dans le jardin de son atelier et les peint avec une passion et une persévérance comparables à celles de Monet dans son jardin de Giverny. Tout comme les botanistes tentent de faire de nouvelles boutures, de les greffer et de les hybrider, l'exposition germe et fleurit, réunissant des œuvres aux médias et aux langages visuels différents : Leurs techniques peuvent varier, mais ce que les artistes tentent de capturer dans leur mode d'expression respectif les réunit : une beauté éphémère qu'il semble presque impossible de retenir, de fixer.

Arne Quinze, connu internationalement pour ses peintures et installations monumentales, répond aux œuvres d'Arbara Cabrera avec des dessins créés spécialement pour cette exposition.

Albarrán Cabrera, fait dialoguer ses sculptures avec Thirza Schaap et crée des diptyques avec les travaux de Paul Cupido et Sandro Diener.

Le langage visuel floral d'Arne Quinze rencontre les éléments floraux des œuvres de Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker et René Groebli. Deux représentants passionnants de la scène photographique française, François Halard et Laurent Champoussin, complètent les travaux des dix photographes de la Bildhalle.

On dit que le printemps apporte l'amour, la joie de vivre et un nouveau départ - BLOOMING est tout cela à la fois et une ode à la vie et à la beauté du monde végétal.

BLOOMING - L'artista Arne Quinze in dialogo con 12 fotografi

Dopo due anni di preparazione, il team della Bildhalle è lieto di inaugurare la grande mostra collettiva BLOOMING. L'esposizione si estende su entrambi gli spazi di Zurigo e combina dipinti, disegni e sculture del rinomato artista belga Arne Quinze con opere di 12 fotografi sul tema della “fioritura”.

Arne Quinze è letteralmente ossessionato dai fiori e dal mondo vegetale. Coltiva migliaia di fiori nel giardino del suo studio e li dipinge con una passione e una tenacia che rivaleggia con quella di Monet nel suo giardino di Giverny. Proprio come i botanici cercano di piantare nuove talee, innestare e ibridare, così la mostra germoglia e fiorisce, riunendo opere con media e linguaggi visivi diversi: Le tecniche possono variare, ma ciò che gli artisti cercano di catturare nelle rispettive modalità espressive li accomuna: una bellezza effimera che sembra quasi impossibile da catturare, da voler fissare.

Arne Quinze, riconosciuto a livello internazionale per i suoi dipinti e installazioni monumentali, risponde alle opere di Albarrán Cabrera con disegni creati appositamente per questa mostra.

Albarrán Cabrera pone le sue sculture in dialogo con Thirza Schaap e crea dittici con le opere di Paul Cupido e Sandro Diener.

Il linguaggio visivo floreale di Arne Quinze incontra gli elementi floreali nelle opere di Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker e René Groebli. Due interessanti rappresentanti della scena fotografica francese, François Halard e Laurent Champoussin, completano le opere dei dieci fotografi della Bildhalle.

Si dice che la primavera porti amore, gioia di vivere e nuovi inizi: BLOOMING è tutto questo allo stesso tempo e un'ode alla vita e alla bellezza del mondo vegetale.

BLOOMING - The artist Arne Quinze in dialogue with 12 photographers

After two years of preparation, the Bildhalle team is pleased to announce the opening of the group exhibition BLOOMING. It extends over both premises in Zurich and combines paintings, drawings and sculptures by the renowned Belgian artist Arne Quinze with works by 12 photographers on the theme of ‘Blooming’.

Arne Quinze is literally obsessed with flowers and the plant world. He cultivates thousands of flowers in the garden of his studio and paints them with a passion and persistence that matches Monet's in his garden at Giverny. Just as botanists attempt to plant, graft and hybridise new cuttings, the exhibition also comes to life and blossoms, bringing together works in a range of different media and visual languages: Their techniques may vary, but what the artists are trying to capture in their respective modes of expression unites them: an ephemeral beauty that seems almost impossible to hold on to, to capture.

Arne Quinze, who is internationally known for his monumental paintings and installations, responds to the works of

Cabrera, places his sculptures in dialogue with Thirza Schaap and creates diptychs with the works of Paul Cupido and Sandro Diener.

Arne Quinze's floral imagery meets the flowery elements in the works of Simone Kappeler, Cig Harvey, Philipp Keel, Ilona Langbroek, Thomas Hoepker and René Groebli. Two exciting representatives of the French photography scene, François Halard and Laurent Champoussin, complement the works of the ten photographers from the Bildhalle.

It is said that spring brings love, joie de vivre and new beginnings – BLOOMING is all of this at once and an ode to life and the beauty of the plant world.

(Text: Bildhalle, Zürich)

Galerie - Librairie FOCALE | Nyon
5. April 2025

Fulu Act : Kinshasa incarnée
Colin Delfosse

In seiner Serie FULU ACT porträtiert der Fotograf Colin Delfosse die Performer von Kinshasa. Indem er mit diesen kongolesischen Künstlern zusammenarbeitet, trägt er ihre ökologische und gesellschaftliche Botschaft weiter. Als Erben einer afrikanischen Symboltradition und einer urbanen Kultur schmücken sich die Performer von Kinshasa mit Kostümen aus recycelten Gegenständen, um Probleme wie Umweltverschmutzung und übermäßigen Konsum in der kongolesischen Hauptstadt anzuprangern. Durch ihre Auftritte im Herzen der Stadt versuchen diese Künstler, einen Dialog mit den Einwohnern herzustellen und zu Verhaltensänderungen anzuregen.

In den Straßen von Kinshasa - der drittgrößten Stadt des Kontinents - sensibilisieren Künstler die Bürger für die Herausforderungen, mit denen die kongolesische Hauptstadt konfrontiert ist. In einer zunehmend zerstörten Umwelt hinterfragen sie die Fülle an Konsumgütern und Abfällen, die sie in Kostümen wiederverwerten. In einem Kollektiv vereint, perforieren sie im öffentlichen Raum, um gesellschaftliche Probleme anzuprangern: unzureichender Zugang zur Gesundheitsversorgung, Umweltverschmutzung, Entwaldung und übermäßiger Konsum. Durch die Vermischung von urbaner Kultur und Performance stellen sie einen Dialog mit den Bewohnern der Stadt her.

Die Bevölkerungsexplosion dieser Megalopolis, gepaart mit den steigenden Bedürfnissen ihrer Bewohner, einer globalisierten Wirtschaft und einem wachsenden Appetit auf Einwegplastik, hat zu einem massiven Import von Konsumgütern geführt und damit eine Umweltkatastrophe ausgelöst. Die Zahlen sind alarmierend: Mit 13 Millionen Einwohnern erzeugt die Stadt jeden Tag 7000 Tonnen Abfall. Die Armenviertel sind am härtesten betroffen und verschärfen so die Ungleichheiten.

Kinshasa, eine kleine Kolonialstadt mit 200.000 Einwohnern Ende der 1950er Jahre, wurde nach der Unabhängigkeit Anfang der 1960er Jahre zum Herz des Landes. Zwei Kriege und eine ständige Unsicherheit trieben Millionen von Menschen in die Hauptstadt. Jenseits des Stadtzentrums dehnt sich die Stadt zu einem endlosen Dorf aus, dem es an grundlegender Infrastruktur mangelt. Der kongolesische Staat ist nicht in der Lage, grundlegende Herausforderungen wie die Instandhaltung von Straßen, die Abwasserentsorgung oder den Zugang zu Elektrizität zu bewältigen.

In diesen Gebieten erfinden diese Künstler ihre Stadt neu, indem sie zeitgenössische Mythen erschaffen. Nach dem Vorbild traditioneller Masken werden sie zu Archetypen der großen Umweltherausforderungen, die unsere Modernität in Frage stellen.

Dans sa série FULU ACT, le photographe Colin Delfosse portraitise les performeurs de Kinshasa. En collaborant avec ces artistes congolais, il porte leur message écologique et sociétale. Héritiers d’une tradition symbolique africaine et d’une culture urbaine, les performeurs kinois se parent de costumes faits d’objets recyclés pour dénoncer des problématiques telles que la pollution et la surconsommation dans la capitale congolaise. À travers leurs performances au cœur de la ville, ces artistes cherchent à instaurer un dialogue avec les habitants et à inciter au changement des comportements.

Dans les rues de Kinshasa – troisième plus grande ville du continent –, des artistes sensibilisent les citoyens aux défis auxquels la capitale congolaise est confrontée. Dans un environnement de plus en plus dégradé, ils interrogent la profusion des biens de consommation et des déchets, qu’ils recyclent en costumes. Réunis au sein d’un collectif, ils performent dans l’espace public pour dénoncer les problèmes sociétaux : accès insuffisant aux soins de santé, pollution, déforestation et surconsommation. En mêlant culture urbaine et performances, ils instaurent un dialogue avec les habitants de la ville.

L’explosion démographique de cette mégalopole, couplée à l’augmentation des besoins de ses habitants, à une économie mondialisée et à un appétit grandissant pour le plastique à usage unique, a conduit à une importation massive de biens de consommation, engendrant un désastre environnemental. Les chiffres sont alarmants : avec 13 millions d’habitants, la ville génère chaque jour 7 000 tonnes de déchets. Les quartiers pauvres sont les plus durement touchés, aggravant ainsi les inégalités.

Petite ville coloniale de 200 000 habitants à la fin des années 1950, Kinshasa est devenue le cœur du pays après son indépendance au début des années 1960. Deux guerres et une insécurité permanente ont poussé des millions de personnes à rejoindre la capitale. Au-delà du centre urbain, la ville s’étire en un village sans fin, dépourvu d’infrastructures essentielles. L’État congolais est incapable de relever des défis fondamentaux tels que l’entretien des routes, l’assainissement ou l’accès à l’électricité.

Dans ces territoires, ces artistes réinventent leur ville en créant des mythes contemporains. À l’image des masques traditionnels, ils deviennent des archétypes des grands enjeux environnementaux, interrogeant notre modernité.

Nella serie FULU ACT, il fotografo Colin Delfosse ritrae artisti di Kinshasa. Lavorando con questi artisti congolesi, trasmette il loro messaggio ecologico e sociale. Eredi di una tradizione simbolica africana e di una cultura urbana, i performer di Kinshasa indossano costumi realizzati con oggetti riciclati per denunciare problemi come l'inquinamento e il consumo eccessivo nella capitale congolese. Attraverso le loro esibizioni nel cuore della città, questi artisti cercano di instaurare un dialogo con i residenti locali e di incoraggiarli a cambiare il loro comportamento.

Nelle strade di Kinshasa - la terza città del continente - gli artisti stanno sensibilizzando l'opinione pubblica sulle sfide che la capitale congolese deve affrontare. In un ambiente sempre più degradato, si interrogano sulla profusione di beni di consumo e di rifiuti, che riciclano in costumi. Come parte di un collettivo, si esibiscono nello spazio pubblico per denunciare problemi sociali come l'accesso inadeguato all'assistenza sanitaria, l'inquinamento, la deforestazione e il consumo eccessivo. Mescolando cultura urbana e performance, instaurano un dialogo con gli abitanti della città.

L'esplosione demografica di questa megalopoli, unita alle crescenti esigenze dei suoi abitanti, a un'economia globalizzata e a un crescente appetito per la plastica monouso, ha portato a massicce importazioni di beni di consumo, provocando un disastro ambientale. Le cifre sono allarmanti: con 13 milioni di abitanti, la città genera 7.000 tonnellate di rifiuti al giorno. I quartieri poveri sono i più colpiti, esacerbando le disuguaglianze.

Piccola città coloniale di 200.000 abitanti alla fine degli anni Cinquanta, Kinshasa è diventata il cuore del Paese dopo l'indipendenza all'inizio degli anni Sessanta. Due guerre e la costante insicurezza hanno spinto milioni di persone verso la capitale. Al di là del centro urbano, la città si estende come un villaggio sconfinato, privo di infrastrutture essenziali. Lo Stato congolese non è in grado di affrontare sfide fondamentali come la manutenzione delle strade, i servizi igienici o l'accesso all'elettricità.

In questi territori, gli artisti reinventano le loro città creando miti contemporanei. Come le maschere tradizionali, diventano archetipi di grandi questioni ambientali, mettendo in discussione la nostra modernità.

In his series FULU ACT, photographer Colin Delfosse portrays the performers of Kinshasa. By collaborating with these Congolese artists, he carries their ecological and societal message. Heirs to a symbolic African tradition and an urban culture, the Kinshasa performers adorn themselves in costumes made from recycled objects to denounce issues such as pollution and over-consumption in the Congolese capital. Through their performances in the heart of the city, these artists seek to establish a dialogue with the inhabitants and encourage behavioural change.

In the streets of Kinshasa – the third largest city on the continent – artists are raising awareness among citizens of the challenges facing the Congolese capital. In an increasingly degraded environment, they question the profusion of consumer goods and waste, which they recycle into costumes. United in a collective, they perform in public spaces to denounce societal problems: insufficient access to healthcare, pollution, deforestation and overconsumption. By combining urban culture and performances, they establish a dialogue with the city's inhabitants.

The population explosion of this megalopolis, coupled with the increasing needs of its inhabitants, a globalised economy and a growing appetite for single-use plastic, has led to a massive import of consumer goods, causing an environmental disaster. The figures are alarming: with 13 million inhabitants, the city generates 7,000 tonnes of waste every day. The poor neighbourhoods are the hardest hit, thus aggravating inequalities.

A small colonial town of 200,000 inhabitants at the end of the 1950s, Kinshasa became the heart of the country after its independence in the early 1960s. Two wars and permanent insecurity have pushed millions of people to move to the capital. Beyond the urban centre, the city stretches into an endless village, devoid of essential infrastructure. The Congolese state is unable to meet fundamental challenges such as road maintenance, sanitation or access to electricity.

In these territories, these artists reinvent their city by creating contemporary myths. Like traditional masks, they become archetypes of major environmental issues, questioning our modernity.

(Text: Galerie - Librairie FOCALE, Nyon)

Fondazione Rolla – Kindergarten | Bruzella
5. April 2025

Phytostopia
Pino Musi

Die 24. von der Rolla-Stiftung präsentierte Ausstellung ist Pino Musi gewidmet, einem Autor, der den Sammlern Philip und Rosella Rolla sehr am Herzen liegt. Ihre Verbindung geht auf das Jahr 2002 zurück, als sie gemeinsam die Giuseppe Terragni gewidmete Ausstellung in den Räumen von Borgovico33, der entweihten Kirche Santa Caterina in Como, organisierten. Von da an wurden sie zu häufigen Besuchern und mehrere Werke von Musi kamen in ihre Sammlung.

Für diese Ausstellung baten die Eheleute Rolla ihn, ein unveröffentlichtes Projekt auszustellen, das Pino Musi in dem zu diesem Anlass herausgegebenen Katalog wie folgt vorstellt: „Im Jahr 2021, während der Zeit der Covid-19-Pandemie, fotografierte ich in Frankreich, Belgien und Italien einige ‚Vegetationsmauern‘, die nicht gepflegt wurden, sowie eine Reihe von Situationen, die in ihrer Form ebenso bizarr wie beunruhigend sind und in denen die Vegetation ein scheinbares Gleichgewicht zwischen Natur, Kultur und Lebensraum verändert hat...“

Die elf ausgestellten Fotografien stammen aus dem Archiv von Pino Musi und aus der Privatsammlung von Philip und Rosella Rolla.

Der Katalog, der kostenlos an die Besucher verteilt wird, enthält auch einen Text des Landschaftshistorikers und -theoretikers Michael Jakob, der zum Nachdenken über das schwierige Verhältnis zwischen Natur und Stadt anregt.

La 24e exposition présentée par la Fondation Rolla est consacrée à Pino Musi, un auteur cher aux collectionneurs Philip et Rosella Rolla. Leur lien remonte à 2002, lorsqu'ils ont monté ensemble l'exposition consacrée à Giuseppe Terragni dans les espaces de Borgovico33, l'église déconsacrée de Santa Caterina à Côme. Dès lors, ils sont devenus des visiteurs assidus et plusieurs œuvres de Musi sont entrées dans leur collection.

For this exhibition, Mr and Mrs Rolla asked him to exhibit an unpublished project, which Pino Musi presents in the catalogue published for the occasion as follows: « In 2021, during the period of the Covid-19 pandemic, I photographed in France, Belgium and Italy some “vegetation walls” that had not been maintained, and a series of situations just as bizarre in their form as they are disturbing, where vegetation has altered an apparent balance between nature, culture and habitat... »

Les onze photographies exposées proviennent des archives de Pino Musi et de la collection privée de Philip et Rosella Rolla.

Le catalogue, distribué gratuitement aux visiteurs, contient également un texte écrit par l'historien et théoricien du paysage Michael Jakob qui nous invite à réfléchir sur la relation difficile entre la nature et la ville.

La ventiquattresima mostra presentata dalla Fondazione Rolla, è dedicata a Pino Musi, un autore caro ai collezionisti Philip e Rosella Rolla. Il loro legame risale al 2002, quando hanno allestito insieme l’esposizione dedicata a Giuseppe Terragni ospitata negli spazi di Borgovico33, la chiesa sconsacrata di Santa Caterina a Como. Da quel momento in poi le frequentazioni sono diventate assidue e diverse opere di Musi sono entrate nella loro collezione.

Per questa mostra i coniugi Rolla gli hanno chiesto di esporre un progetto inedito che, nel catalogo pubblicato per l’occasione, Pino Musi presenta così: “Nel 2021, durante il periodo della pandemia Covid-19, ho fotografato in Francia, Belgio e Italia alcuni ‘muri vegetali’ che non avevano ricevuto manutenzione, ed una serie di situazioni altrettanto-bizzarre nella loro forma, quanto inquietanti, dove la vegetazione ha modificato un apparente equilibrio fra natura, cultura e habitat…”

Le undici fotografie esposte provengono dall’archivio di Pino Musi e dalla collezione privata di Philip e Rosella Rolla.

Nel catalogo, che viene distribuito gratuitamente ai visitatori, è presente anche un testo scritto dallo storico e teorico del paesaggio Michael Jakob che ci invita a riflettere sul difficile rapporto tra natura e città.

The twenty-fourth exhibition presented by the Rolla Foundation is dedicated to Pino Musi,

an author dear to collectors Philip and Rosella Rolla. Their connection dates back to 2002, when they set up together the exhibition dedicated to Giuseppe Terragni hosted in the spaces of Borgovico33, the deconsecrated church of Santa Caterina in Como. From that moment on, the meetings have become assiduous and works by Musi have entered their collection.

For this exhibition, the Rolla’s asked him to exhibit an unreleased project that, in the catalog published for the occasion, Pino Musi presents as follows: “In 2021, during the Covid-19 pandemic, in France, Belgium, and Italy I photographed a number of ‘living walls’ that had not been tended to. I also took pictures of a series of situations that were bizarre in terms of their shape, as well as disturbing, where the plant life had altered the apparent equilibrium between nature, culture and habitat…”

The eleven photographs on display come from the archives of Pino Musi and the private collection of Philip and Rosella Rolla.

The catalog, which is free to visitors, also features a text written by landscape historian and theorist Michael Jakob that invites us to reflect on the difficult relationship between nature and the city.

(Text: Fondazione Rolla, Bruzella)

Haus am Kleistpark Projektraum | Berlin
27. März 2025

Einführung durch Sonia Voss

Mineriada
Anton Roland Laub

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Mit seiner Ausstellung Mineriada begibt sich der Künstler Anton Roland Laub auf eine Reise in die Vergangenheit und taucht ein in das transgenerationale Traumata der rumänischen Gesellschaft nach dem Ende der Regierung Ceaușescu. Er thematisiert die gewaltsamen Unruhen von 1990, als tausende aufgehetzte regimetreue Bergarbeiter aus dem Jiu-Tal nach Bukarest gebracht wurden, um pro-europäische Proteste brutal niederzuschlagen.

Trotz eines Urteils des Europäischen Gerichtshofs für Menschenrechte von 2014 bleiben die tödlichen Übergriffe juristisch unaufgearbeitet – eine verdrängte Vergangenheit, der Laub in seinen Bildern nachspürt. In der rumänischen Presse wurde die Mineriade mit der Stürmung des Kapitols in den USA am 6. Januar 2021 verglichen. Mit seiner Arbeit sensibilisiert der Künstler für rekursive Konflikte in einer polarisierten Welt. Der Titel Mineriada ist ein sarkastisch verwendeter Begriff, der das rumänische Wort Bergarbeiter „Miner“ mit der Endung „-iada“ aus „Olimpiada“ kombiniert.

In einer Rückschau von Straßburg über Bukarest nach Petroșani untersucht Laub die Orte des damaligen Geschehens, das unausgesprochene Leid handgreiflicher Gewalt und dessen Spuren im kollektiven Gedächtnis. Ausgangspunkt sind Fotografien seines Vaters von Juni 1990, ergänzt durch eigene Recherchen, persönliche Erfahrungen und Erinnerungen. Primäres Ziel des Künstlers ist nicht die historische Aufarbeitung, sondern die Annäherung an die Thematik über die latente Präsenz des Geschehens im Unbewussten.

Eine der zentralen Arbeiten zeigt einen Blick nach vorne ins Dunkel. Zu sehen ist als einziges Element ein Spiegel, auf dessen Oberfläche Myriaden filigraner Wassertropfen schimmern, die das in ihm Abgebildete verzerren. Im Blick zurück, in der Spiegelung, ist ein Scheinwerfer zu erkennen, der sich von hinten zu nähern scheint. Ein kleines, viereckiges Element auf der Spiegelfläche bricht die rätselhafte Stimmung – als würde die Zeit zugleich vorwärts und rückwärts fließen. Was tritt aus dem Schatten der Nacht hervor?

Laub schafft Bilder von philosophischer Tiefe und poetischer Kraft. Seine Fotografien wirken durch ihre ästhetische Präzision und subtile Symbolik. Der Künstler öffnet Denkräume, ohne Antworten zu geben. Der Mythos von Saturn – dem Vater, der seine Kinder verschlingt, um nicht gestürzt zu werden – schwingt in seiner Auseinandersetzung mit. Eine weitere Fotografie zeigt eine verbogene Gitterstruktur, eine Metapher für Begrenzung und Durchlässigkeit zugleich. Dahinter fällt Licht durch ein engmaschiges, zusammengeflicktes dunkles Netz aus Kunststoff, eine Allegorie voller Ambivalenz.

Anton Roland Laub, in Bukarest geboren und aufgewachsen, lebt und arbeitet in Berlin. Er absolvierte ein Masterstudium an der Kunsthochschule Berlin Weißensee sowie zuvor ein Studium an der Neuen Schule für Fotografie in Berlin und ein Studium der Medienund Kommunikationswissenschaften an der Universität Bukarest. Nach Mobile Churches und Last Christmas (of Ceaușescu) legt Laub mit Mineriada den letzten Teil seiner Rumänien-Trilogie im Kehrer Verlag vor. Die Arbeit wurde durch das Recherchestipendium Bildende Kunst der Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin sowie durch die Publikationsförderung der Stiftung Kulturwerk, Bonn unterstützt.

Avec son exposition Mineriada, l'artiste Anton Roland Laub entreprend un voyage dans le passé et se plonge dans le traumatisme transgénérationnel de la société roumaine après la fin du gouvernement Ceaușescu. Il aborde les violentes émeutes de 1990, lorsque des milliers de mineurs excités et fidèles au régime ont été amenés de la vallée de Jiu à Bucarest pour réprimer brutalement les protestations pro-européennes.

Malgré un arrêt de la Cour européenne des droits de l'homme de 2014, ces agressions mortelles restent juridiquement non traitées - un passé refoulé que Laub retrace dans ses visuels. Dans la presse roumaine, la Mineriade a été comparée à la prise du Capitole aux Etats-Unis le 6 janvier 2021. Avec son travail, l'artiste sensibilise aux conflits récurrents dans un monde polarisé. Le titre Mineriada est un terme utilisé de manière sarcastique qui combine le mot roumain mineur « Miner » avec la terminaison « -iada » de « Olimpiada ».

Dans une rétrospective de Strasbourg à Petroșani en passant par Bucarest, Laub examine les lieux des événements de l'époque, la souffrance inexprimée de la violence manuelle et ses traces dans la mémoire collective. Les photographies de son père datant de juin 1990 constituent le point de départ, complétées par ses propres recherches, expériences personnelles et souvenirs. L'objectif premier de l'artiste n'est pas le traitement historique, mais l'approche de la thématique par la présence latente de l'événement dans l'inconscient.

L'une des œuvres centrales montre un regard vers l'avant, dans l'obscurité. Le seul élément visible est un miroir sur la surface duquel scintillent des myriades de gouttes d'eau en filigrane, qui déforment ce qui y est représenté. En regardant en arrière, dans le reflet, on aperçoit un projecteur qui semble s'approcher par derrière. Un petit élément carré sur la surface du miroir rompt l'ambiance énigmatique - comme si le temps s'écoulait à la fois en avant et en arrière. Qu'est-ce qui émerge de l'ombre de la nuit ?

Laub crée des visuels d'une profondeur philosophique et d'une force poétique. Ses photographies agissent par leur précision esthétique et leur symbolisme subtil. L'artiste ouvre des espaces de réflexion sans donner de réponses. Le mythe de Saturne - le père qui dévore ses enfants pour ne pas être renversé - résonne dans sa confrontation. Une autre photographie montre une structure grillagée tordue, une métaphore à la fois de la limitation et de la perméabilité. Derrière elle, la lumière passe à travers un filet sombre en plastique aux mailles serrées et rapiécées, une allégorie pleine d'ambivalence.

Anton Roland Laub, né et élevé à Bucarest, vit et travaille à Berlin. Il a obtenu un master à la Kunsthochschule Berlin Weißensee et a étudié auparavant à la Neue Schule für Fotografie de Berlin et à l'université de Bucarest en sciences des médias et de la communication. Après Mobile Churches et Last Christmas (of Ceaușescu), Laub présente Mineriada, le dernier volet de sa trilogie sur la Roumanie aux éditions Kehrer. Ce travail a été soutenu par la bourse de recherche en arts visuels du Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Berlin, ainsi que par le soutien à la publication de la fondation Kulturwerk, Bonn.

Con la mostra Mineriada, l'artista Anton Roland Laub intraprende un viaggio nel passato e scava nel trauma transgenerazionale della società rumena dopo la fine del governo di Ceaușescu. L'autore affronta i violenti disordini del 1990, quando migliaia di minatori fedeli al regime furono portati dalla valle del Jiu a Bucarest per reprimere brutalmente le proteste pro-europee.

Nonostante una sentenza della Corte europea dei diritti dell'uomo del 2014, gli attacchi mortali rimangono giuridicamente irrisolti - un passato represso che Laub ripercorre nelle sue immagini. Nella stampa rumena, la Mineriade è stata paragonata all'assalto al Campidoglio negli Stati Uniti del 6 gennaio 2021. Con le sue opere, l'artista sensibilizza sui conflitti ricorrenti in un mondo polarizzato. Il titolo Mineriada è un termine sarcastico che combina la parola rumena minatore con il suffisso “-iada” di “Olimpiada”.

In una retrospettiva da Strasburgo a Petroșani, passando per Bucarest, Laub esamina i luoghi in cui si sono svolti gli eventi, la sofferenza inespressa della violenza tangibile e le sue tracce nella memoria collettiva. Il punto di partenza sono le fotografie scattate dal padre nel giugno 1990, integrate da ricerche personali, esperienze e ricordi. L'obiettivo primario dell'artista non è quello di fare i conti con la storia, ma di avvicinarsi al tema attraverso la presenza latente dell'evento nell'inconscio.

Una delle opere centrali mostra una vista in avanti nell'oscurità. L'unico elemento visibile è uno specchio, sulla cui superficie brillano miriadi di gocce d'acqua in filigrana, distorcendo ciò che vi è raffigurato. Guardando indietro, nel riflesso, si riconosce un riflettore che sembra avvicinarsi da dietro. Un piccolo elemento quadrato sulla superficie dello specchio rompe l'atmosfera enigmatica, come se il tempo scorresse in avanti e indietro allo stesso tempo. Cosa emerge dalle ombre della notte?

Laub crea immagini di profondità filosofica e forza poetica. Le sue fotografie sono efficaci grazie alla loro precisione estetica e al sottile simbolismo. L'artista apre spazi di riflessione senza fornire risposte. Il mito di Saturno - il padre che divora i suoi figli per non essere rovesciato - risuona nel suo lavoro. Un'altra fotografia mostra una struttura a griglia piegata, metafora di limitazione e permeabilità allo stesso tempo. Dietro di essa, la luce cade attraverso una rete scura di plastica, fitta e rattoppata, un'allegoria piena di ambivalenza.

Anton Roland Laub, nato e cresciuto a Bucarest, vive e lavora a Berlino. Ha conseguito un master presso la Kunsthochschule Berlin Weißensee e in precedenza ha studiato presso la Neue Schule für Fotografie di Berlino e Media and Communication Studies all'Università di Bucarest. Dopo Mobile Churches e Last Christmas (di Ceaușescu), Mineriada di Laub è la parte finale della sua trilogia sulla Romania, pubblicata da Kehrer Verlag. L'opera è stata sostenuta dalla borsa di studio per la ricerca sulle arti visive del Dipartimento per la cultura e l'Europa del Senato, a Berlino, e da un finanziamento per la pubblicazione da parte della Stiftung Kulturwerk, a Bonn.

In his exhibition Mineriada, artist Anton Roland Laub takes a journey into the past and delves into the transgenerational trauma of Romanian society after the fall of the Ceaușescu government. He addresses the violent riots of 1990, when thousands of incited miners loyal to the regime were brought from the Jiu Valley to Bucharest to brutally crush pro-European protests.

Despite a 2014 ruling by the European Court of Human Rights, the fatal assaults have not been legally addressed – a repressed past that Laub traces in his visuals. In the Romanian press, the mineriad was compared to the storming of the Capitol in the United States on 6 January 2021. With his work, the artist raises awareness of recursive conflicts in a polarised world. The title Mineriada is a sarcastically used term that combines the Romanian word for miner, ‘Miner’, with the suffix ‘-iada’ from ‘Olimpiada’.

In a retrospective journey from Strasbourg via Bucharest to Petroșani, Laub examines the places where the events took place, the unspoken suffering of physical violence and its traces in the collective memory. The starting point is his father's photographs from June 1990, supplemented by his own research, personal experiences and memories. The artist's primary goal is not historical reappraisal, but rather an approach to the subject through the latent presence of the event in the unconscious.

One of the central works shows a view into the darkness. The only element visible is a mirror, on the surface of which myriad filigree water droplets shimmer, distorting what is reflected in it. Looking back, a spotlight can be seen in the reflection, seemingly approaching from behind. A small, square element on the mirror surface breaks the enigmatic mood – as if time were flowing both forward and backward at the same time. What emerges from the shadows of the night?

Laub creates visuals of philosophical depth and poetic power. His photographs are effective due to their aesthetic precision and subtle symbolism. The artist opens up spaces for thought without providing answers. The myth of Saturn – the father who devours his children to avoid being overthrown – resonates in his examination of the subject. Another photograph shows a warped lattice structure, a metaphor for both limitation and permeability. Behind it, light falls through a narrow-meshed, patched dark net of plastic, an allegory full of ambivalence.

Anton Roland Laub, born and raised in Bucharest, lives and works in Berlin. He completed a master's degree at the Berlin Weissensee School of Art, having previously studied at the Neue Schule für Fotografie in Berlin and media and communication studies at the University of Bucharest. After Mobile Churches and Last Christmas (of Ceaușescu), Laub presents Mineriada, the final part of his trilogy on Romania, published by Kehrer Verlag. The work was supported by the Visual Arts Research Grant of the Senate Department for Culture and Europe, Berlin, and the publication grant of the Kulturwerk Foundation, Bonn.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Photo Elysée | Lausanne
27. März 2025

Le sport à l'épreuve – Collections du Musée Olympique et de Photo Elysée

Seit über einem Jahrhundert werden wichtige Sportveranstaltungen von Bildern begleitet. Mit dem Aufkommen der Amateurfotografie Ende des 19. Jahrhunderts, die mit den ersten modernen Olympischen Spielen 1896 zusammenfiel, haben sich Fotografie und Sport in vielerlei Hinsicht gemeinsam weiterentwickelt. Die Ausstellung Sport im Fokus enthüllt die umfangreichen fotografischen Sammlungen des Olympischen Museums und des Photo Elysée. Mit der Erkundung eines weitgehend unveröffentlichten fotografischen Erbes bietet die Ausstellung, die im Rahmen der Rencontres d’Arles zu den Olympischen Spielen 2024 in Paris eröffnet wurde, eine Perspektive, die neues Licht auf die Sportfotografie wirft.

Die Sichtbarkeit von Sportveranstaltungen wird zwangsläufig durch das fotografische Bild vermittelt. Der Sport ist ein Leistungssport, bei dem Anstrengung und Gestik miteinander verbunden sind. Die Ausübung des Sports unterliegt genauen Regeln und wird zur Schau gestellt, wenn sie im Hinblick auf einen Wettkampf erfolgt. Die Inszenierung des Sports wird von den Fotografen weitergegeben, die rund um das Stadion Platz nehmen.

Die Ausstellung zeigt die visuelle Grammatik der Sportfotografie anhand verschiedener Themen auf: die Medienpräsenz, die 1896 in Athen begann; die Technik, die versucht, Bewegung durch Standbilder einzufangen; die Komposition, die die visuelle Erzählung beeinflusst und die Feier des Sports aufbaut; die Figuren im Stadion, wo die Athleten einer emotionalen Menge gegenüberstehen; und die Fotografen, die die Sportfotografie als reine Dokumentation der Leistung und andere als künstlerisches Mittel einsetzen. Die zahlreichen Fokussierungen bieten uns eine Erzählung, die die Fotografie des Sports und der Olympischen Spiele im Besonderen beleuchtet.

Depuis plus d’un siècle, les grands événements sportifs sont accompagnés d’images. Avec l’essor de la photographie amateur à la fin du XIXe siècle, qui coïncide avec les premiers Jeux Olympiques modernes en 1896, la photographie et le sport ont, à bien des égards, évolué de concert. Cette exposition lève le voile sur les vastes collections photographiques du Musée Olympique et de Photo Elysée. En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition, dévoilée aux Rencontres d'Arles pour les Jeux de Paris 2024, nous offre un récit qui met en lumière la photographie du sport.

La visibilité donnée aux manifestations sportives passe nécessairement par l’image photographique. Recherche de la performance, alliant l’effort à la gestuelle, la pratique du sport répond à des règles précises et se donne en spectacle lorsqu’elle est réalisée en vue d’une compétition. La mise en scène du sport est relayée par les photographes qui prennent place autour du stade.

En parcourant un patrimoine photographique largement inédit, l’exposition dévoile la grammaire visuelle de la photographie de sport à travers plusieurs thèmes : la médiatisation qui débute à Athènes en 1896 ; la technique qui cherche à capturer le mouvement par des arrêts sur image ; la composition qui influence la narration visuelle et construit la célébration du sport ; les figures qui prennent place dans le stade où les athlètes font face à une foule emprise avec des émotions ; et les photographes qui utilisent la photographie de sport comme documentation pure de l’exploit et d’autres comme moyen artistique. Les nombreux focus nous offrent un récit qui met en lumière la photographie du sport et des Jeux Olympiques en particulier.

Da oltre un secolo, i grandi eventi sportivi sono corredati da immagini. Con lo sviluppo della fotografia amatoriale a fine Ottocento, che coincide con le prime Olimpiadi moderne nel  1896, la fotografia e lo sport sono, sotto vari aspetti, evoluti di pari passo. Questa mostra alza il velo sulle vaste collezioni fotografiche del Musée Olympique e di Photo Elysée. Nel percorrere un patrimonio fotografico ampiamente inedito, la mostra, presentata in anteprima alle Rencontres d'Arles per le Olimpiadi di Parigi 2024, ci offre un racconto che mette in luce la fotografia sportiva.

Per oltre un secolo, i principali eventi sportivi sono stati accompagnati da immagini. Con la nascita della fotografia amatoriale alla fine del XIX secolo, in concomitanza con i primi Giochi Olimpici moderni nel 1896, la fotografia e lo sport si sono evoluti per molti versi insieme. La visibilità data agli eventi sportivi coinvolge necessariamente l'immagine fotografica. Ricerca della prestazione, combinazione di sforzo e movimento, lo sport è regolato da regole precise e si trasforma in spettacolo quando viene praticato in vista di una competizione. La messa in scena dello sport è trasmessa dai fotografi che prendono posizione intorno allo stadio.

Esplorando un patrimonio fotografico in gran parte inedito, la mostra rivela la grammatica visiva della fotografia sportiva attraverso una serie di temi: la copertura mediatica iniziata ad Atene nel 1896; la tecnica che cerca di catturare il movimento attraverso il fermo immagine; la composizione che influenza la narrazione visiva e costruisce la celebrazione dello sport; le figure che si svolgono nello stadio, dove gli atleti si trovano di fronte a una folla emozionata; i fotografi che usano la fotografia sportiva come pura documentazione dell'impresa e altri come mezzo artistico. I numerosi focus forniscono una narrazione che fa luce sulla fotografia dello sport e dei Giochi Olimpici in particolare.

For over a century, major sporting events have been accompanied by images. With the boom in amateur photography in the late 19th century, coinciding with the first modern Olympic Games in 1896, photography and sport have, in many ways, evolved together. This exhibition reveals the vast photographic collections of the Olympic Museum and Photo Elysée. The exhibition, which was unveiled at the Rencontres d'Arles for the Paris 2024 Games, explores a largely untold photographic heritage, offering us a narrative that shines the spotlight on sports photography.

The visibility given to sports events necessarily involves photographic imagery. Pursuing performance, combining effort with gesture, the practice of sports follows precise rules and is showcased when performed for competition. The staging of sports is relayed by photographers who position themselves around the stadium.

By exploring a largely unpublished photographic heritage, the exhibition reveals the visual grammar of sports photography through several themes: the mediatization that began in Athens in 1896; the technique that seeks to capture movement through freeze frames; the composition that influences visual narration and constructs the celebration of sports; the figures that take place in the stadium where athletes face a crowd gripped with emotions; and the photographers who use sports photography as pure documentation of achievement and others as an artistic means. The numerous focuses offer us a narrative that highlights sports photography and the Olympic Games in particular.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
27. März 2025

Wish this was real – Tyler Mitchell

Der amerikanische Fotograf Tyler Mitchell träumt von einem Paradies vor dem Hintergrund der Geschichte. Seit seinem Aufstieg in der Modewelt hat Mitchell eine visuelle Erzählung über Schönheit, Stil, Utopie und Landschaft entwickelt, die die Visionen des schwarzen Lebens erweitert. Photo Elysée präsentiert Mitchells erste Einzelausstellung in der Schweiz, die neue Perspektiven auf seine langjährigen Themen der Selbstbestimmung und der aussergewöhnlichen Aura des Alltäglichen eröffnet und zeigt, wie Fotografie in der Vergangenheit verwurzelt sein und gleichzeitig eine imaginäre Zukunft heraufbeschwören kann.

Wish This Was Real erkundet Mitchells Werk von seinen frühen Porträts und Videos, die Träume von Freizeit und Selbstdarstellung verfolgen, bis hin zu seinen aufwendigen Landschaftsaufnahmen, die in Visionen vom Paradies schwelgen und die von der Komplexität der Geschichte und der sozialen Identität der Vereinigten Staaten unterstrichen werden. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen Fotografien und Mixed-Media-Skulpturen von Künstlern, deren Werk eng mit Mitchells kreativem Schaffen verbunden ist, darunter Rashid Johnson, Gordon Parks und Carrie Mae Weems - ein einzigartiger Dialog zwischen den Generationen, der Mitchells Fotografie in ein breites Spektrum visueller Experimente und intellektueller Hinterlassenschaften einbettet.

 Wish This Was Real wird von Brendan Embser und Sophia Greiff kuratiert und von der C/O Berlin Foundation produziert.

Le photographe américain Tyler Mitchell est animé par des rêves de paradis sur fond d'histoire. Depuis son ascension dans le monde de la mode, il a constitué un récit visuel de la beauté, du style, de l'utopie et du paysage qui élargit les visions de l'expérience noire. Photo Elysée présente sa première exposition personnelle en Suisse, offrant de nouvelles perspectives sur ses thèmes de prédilection, comme l’autodétermination et l'extraordinaire éclat du quotidien, et montrant comment la photographie peut être enracinée dans le passé tout en évoquant des futurs hypothétiques.

 Intitulée Wish This Was Real, l’exposition parcourt l’ensemble de l’œuvre de Mitchell, de ses premiers portraits et vidéos qui dépeignent des rêves de loisirs et d'expression personnelle, jusqu'à ses paysages minutieusement élaborés qui se délectent de visions paradisiaques contrastées par la complexité de l'histoire et de l'identité sociale américaine. S’y ajoute une présentation de photographies et de sculptures mixtes d'artistes dont le travail entre en résonance avec sa propre ligne créative, tels que Rashid Johnson, Gordon Parks et Carrie Mae Weems. Wish This Was Real devient alors le point de départ d’un dialogue intergénérationnel unique, plaçant la photographie de Mitchell au cœur d'un vaste spectre d'expérimentations visuelles et d'héritage intellectuel.

 Le commissariat de Wish This Was Real est assuré par Brendan Embser et Sophia Greiff et l’exposition produite par la C/O Berlin Foundation.

Il fotografo americano Tyler Mitchell è mosso da sogni di paradiso sullo sfondo della sua storia. Dalla sua ascesione nel mondo della moda, ha costruito una narrazione visiva di bellezza, stile, utopia e paesaggio che va oltre le tradizionali visioni della vita della communità nera. Photo Elysée presenta la sua prima mostra personale in Svizzera, offrendo nuove prospettive sui temi a lui più cari, come l'autodeterminazione e la straordinaria brillantezza del quotidiano, e mostrando come la fotografia possa essere radicata nel passato e, al contempo, evocare ipotetici futuri.

Intitolata Wish This Was Real, la mostra ripercorre l'intera opera di Mitchell, dai primi ritratti e video che ritraggono sogni di svago e di autoespressione, ai paesaggi meticolosamente realizzati che rivelano visioni paradisiache in contrasto con le complessità della storia e dell'identità sociale americana. A ciò si aggiunge una presentazione di fotografie e sculture a tecnica mista di artisti il cui lavoro risuona con la sua linea creativa, come Rashid Johnson, Gordon Parks e Carrie Mae Weems. Wish This Was Real diventa così il punto di partenza di un dialogo intergenerazionale senza precedenti, mettendo la fotografia di Mitchell al centro di un ampio spettro di sperimentazione visiva e di eredità intellettuale. 

Wish This Was Real è curata da Brendan Embser e Sophia Greiff e prodotta dalla Fondazione C/O Berlin.

American photographer Tyler Mitchell is driven by dreams of paradise against the backdrop of history. Since his rise to prominence in the world of fashion, Mitchell has propelled a visual narrative of beauty, style, utopia, and the landscape that expands visions of Black life. Photo Elysée presents Mitchell’s first solo exhibition in Switzerland, offering new perspectives on his longstanding themes of self-determination and the extraordinary radiance of the everyday, and showing how photography can be rooted in the past while evoking imagined futures.

Wish This Was Real explores Mitchell’s work, from his early portraits and videos that pursue dreams of leisure and self-expression to his elaborate landscapes that revel in visions of paradise underscored by the complexities of history and social identity in the United States. Central to the exhibition is a display featuring photography and mixed-media sculptures by artists whose work deeply resonates with Mitchell’s own creative lineage, such as Rashid Johnson, Gordon Parks, and Carrie Mae Weems, a unique intergenerational dialogue that sets Mitchell’s photography within a wide spectrum of visual experimentation and intellectual heritage.

Wish This Was Real is curated by Brendan Embser and Sophia Greiff and is produced by the C/O Berlin Foundation.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
22. März 2025

Black Cotton Candy
Anne Gabriel-Jürgens, Gabi Vogt

In «Black Cotton Candy» ergänzen die Fotografinnen Gabi Vogt und Anne Gabriel-Jürgens ihre Perspektiven zu einem kraftvollen Porträt des Erwachsenwerdens. Unabhängig voneinander sind sie in ihren Langzeit-Buchprojekten den Themen Coming of Age und Aufwachsen in der aktuellen Zeit nachgegangen. Erstmals präsentieren sie gemeinsam Fotografien aus ihren Büchern in einer Ausstellung.

Die Arbeit «Ich. Jetzt.» von Gabi Vogt gibt Einblick in die Gedankenwelt von Jugendlichen im Alter zwischen 13 und 20 Jahren. Welche Ziele, Wünsche, Träume haben sie? Wovor haben sie Angst oder Respekt? Wie fühlen sich junge Menschen hier und jetzt? Entstanden ist ein eindrückliches Zeitdokument in Bild und Text. Die Porträts, ungeschminkt und authentisch, zeigen die vielfältigen Emotionen und Gedanken der Jugendlichen und laden ein, in ihre Geschichten einzutauchen.

Parallel dazu beleuchtet Anne Gabriel-Jürgens ihre persönliche Beziehung zu ihrer Stieftochter Zoe. Seit 2009 dokumentiert sie Zoes Weg vom Kind zur jungen Erwachsenen. Die Fotografien, unter dem Titel «Viel Glück zum Muttertag», erzählen poetisch und märchenhaft von den Herausforderungen des Erwachsenwerdens in der Generation Z und von den emotionalen Kämpfen innerhalb einer modernen Familie. Anne Gabriel-Jürgens thematisiert die Suche nach Identität und Zugehörigkeit und stellt die Frage: Was ist eine Familie?

«Black Cotton Candy» – eine Anspielung auf gegensätzliche Gefühle beim Heranwachsen – zeigt berührende Momentaufnahmen des Jungseins. Die Gemeinschaftsausstellung erzählt von vielfachen Anliegen und Bedürfnissen und gibt Einblick in familiäre Bindungen.

Dans « Black Cotton Candy », les photographes Gabi Vogt et Anne Gabriel-Jürgens complètent leurs perspectives pour dresser un portrait puissant du passage à l'âge adulte. Indépendamment l'une de l'autre, elles se sont penchées sur les thèmes du coming of age et du grandir dans la période actuelle dans le cadre de leurs projets de livres à long terme. Pour la première fois, ils présentent ensemble des photographies tirées de leurs livres dans une exposition.

Le travail « Ich. Jetzt. » de Gabi Vogt donne un aperçu du monde des pensées des jeunes âgés de 13 à 20 ans. Quels sont leurs objectifs, leurs souhaits, leurs rêves ? Que craignent-ils ou respectent-ils ? Comment les jeunes se sentent-ils ici et maintenant ? Il en résulte un document d'époque impressionnant en images et en textes. Les portraits, sans fard et authentiques, montrent les multiples émotions et pensées des jeunes et invitent à se plonger dans leurs histoires.

Parallèlement, Anne Gabriel-Jürgens met en lumière sa relation personnelle avec sa belle-fille Zoé. Depuis 2009, elle documente le parcours de Zoé de l'enfant à la jeune adulte. Les photographies, sous le titre « Bonne chance pour la fête des mères », racontent de manière poétique et féerique les défis du passage à l'âge adulte dans la génération Z et les luttes émotionnelles au sein d'une famille moderne. Anne Gabriel-Jürgens thématise la recherche d'identité et d'appartenance et pose la question : qu'est-ce qu'une famille ?

« Black Cotton Candy » - une allusion aux sentiments contradictoires de l'adolescence - montre des instantanés touchants de la jeunesse. L'exposition collective parle de préoccupations et de besoins multiples et donne un aperçu des liens familiaux.

In “Black Cotton Candy”, le fotografe Gabi Vogt e Anne Gabriel-Jürgens uniscono le loro prospettive per creare un potente ritratto della crescita. Indipendentemente l'una dall'altra, hanno esplorato i temi della maturità e della crescita nel presente nei loro progetti di libri a lungo termine. Per la prima volta, presentano insieme le fotografie dei loro libri in una mostra.

L'opera “Me. Now.” di Gabi Vogt offre uno sguardo sui pensieri dei giovani tra i 13 e i 20 anni. Quali obiettivi, desideri e sogni hanno? Cosa temono o rispettano? Come si sentono i giovani qui e ora? Il risultato è un impressionante documento contemporaneo in immagini e testi. I ritratti, non crudi e autentici, mostrano le diverse emozioni e i pensieri dei giovani e invitano a immergersi nelle loro storie.

Allo stesso tempo, Anne Gabriel-Jürgens fa luce sul suo rapporto personale con la figliastra Zoe. Dal 2009 documenta il viaggio di Zoe da bambina a giovane adulta. Le fotografie, intitolate “Viel Glück zum Muttertag” (Buona fortuna per la festa della mamma), raccontano una storia poetica e fiabesca sulle sfide della crescita nella Generazione Z e sulle lotte emotive all'interno di una famiglia moderna. Anne Gabriel-Jürgens tematizza la ricerca di identità e di appartenenza e pone la domanda: che cos'è una famiglia?

“Black Cotton Candy” - un'allusione ai sentimenti contrastanti della crescita - mostra toccanti istantanee della giovinezza. La mostra congiunta racconta di molteplici preoccupazioni ed esigenze e fornisce una visione dei legami familiari.

In ‘Black Cotton Candy’, photographers Gabi Vogt and Anne Gabriel-Jürgens combine their perspectives to create a powerful portrait of growing up. Independently of each other, they have been exploring the themes of coming of age and growing up in the current era in their long-term book projects. For the first time, they are presenting photographs from their books together in an exhibition.

Gabi Vogt's work ‘Me. Now.’ provides insights into the minds of young people between the ages of 13 and 20. What are their goals, desires, dreams? What are they afraid of or respect? How do young people feel here and now? The result is an impressive contemporary document in image and text. The unvarnished and authentic portraits show the young people's wide range of emotions and thoughts and invite the reader to delve into their stories.

At the same time, Anne Gabriel-Jürgens sheds light on her personal relationship with her stepdaughter Zoe. Since 2009, she has been documenting Zoe's journey from child to young adult. The photographs, entitled ‘Happy Mother's Day’, tell a poetic and fairytale-like story of the challenges of growing up in Generation Z and the emotional struggles within a modern family. Anne Gabriel-Jürgens addresses the search for identity and belonging and asks the question: What is a family?

‘Black Cotton Candy’ – an allusion to the contrasting feelings of growing up – shows touching snapshots of being young. The group exhibition tells of multiple concerns and needs and provides insight into family ties.

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Haus am Kleistpark | Berlin
20. März 2025

Einführung durch Prof. Dr. Horst Bredekamp

Microverse
Kathrin Linkersdorff

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Nach zahlreichen Ausstellungserfolgen im In- und Ausland zeigt die Berliner Künstlerin Kathrin Linkersdorff im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie im Haus am Kleistpark einen Überblick ihres Schaffens, das im Spannungsfeld von Kunst und Wissenschaft angesiedelt ist. Zu sehen sind Arbeiten aus verschiedenen Werkgruppen der letzten Jahre wie „Wabi Sabi“ (2013-2017), „Floriszenzen“ (ab 2019) und „Fairies“ (ab 2020) sowie aus ihrem aktuellen Projekt „Microverse“ (seit 2023).

Im Zentrum der Ausstellung stehen die Werke der jüngsten Serien „Microverse I, II und III“, darunter eine noch nie zuvor gezeigte, wandfüllende 4-teilige Arbeit, deren Komposition an Aufnahmen von kosmischen Nebeln und Galaxien erinnert. Es handelt sich um Bilder, die im Rahmen ihrer Forschung als Artist in Residence am Excellence Cluster „Matters of Activity“ des Instituts für Biologie/Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin entstanden sind, wo es Linkersdorff möglich ist, das Verhalten von einfachen Bodenbakterien in biochemischen Verfallsprozessen zu beobachten und damit Kreislaufprozesse der Natur in ihren Werken zu dokumentieren.

Inspiriert von der japanischen Philosophie des „Wabi Sabi“, die mit der Akzeptanz und Kontemplation von Vergänglichkeit aller Dinge einhergeht, erforschte Kathrin Linkersdorff bereits in früheren Experimenten das komplexe Zusammenspiel von Werden und Vergehen an welkenden Blüten. Ihr Fotoatelier ist zugleich ein Labor, in dem sie Pflanzen nicht nur trocknet, sondern ihnen mittels chemischer Prozesse auch die Pigmente entzieht, um ihre Strukturen sichtbar zu machen. In all ihren Arbeiten werden organische Prozesse erfahrbar, die gleichzeitig als poetische, visuelle Metaphern für Vergänglichkeit als integralem Bestandteil des Lebens gelesen werden können.

Après de nombreux succès d'exposition en Allemagne et à l'étranger, l'artiste berlinoise Kathrin Linkersdorff présente, dans le cadre du Mois européen de la photographie à la Haus am Kleistpark, un aperçu de son œuvre, qui se situe à la croisée de l'art et de la science. On peut y voir des travaux issus de différents groupes d'œuvres de ces dernières années comme « Wabi Sabi » (2013-2017), « Floriszenzen » (à partir de 2019) et « Fairies » (à partir de 2020) ainsi que de son projet actuel « Microverse » (depuis 2023).

L'exposition est centrée sur les œuvres des séries les plus récentes « Microverse I, II et III », dont une œuvre inédite en quatre parties couvrant tout un mur, dont la composition rappelle les prises de vue de nébuleuses cosmiques et de galaxies. Il s'agit de visuels réalisés dans le cadre de ses recherches en tant qu'artiste en résidence au sein du cluster d'excellence « Matters of Activity » de l'Institut de biologie/microbiologie de l'Université Humboldt de Berlin, où il est possible pour Linkersdorff d'observer le comportement de simples bactéries du sol dans les processus biochimiques de décomposition et de documenter ainsi les processus de circulation de la nature dans ses œuvres.

Inspirée par la philosophie japonaise du « wabi sabi », qui va de pair avec l'acceptation et la contemplation du caractère éphémère de toute chose, Kathrin Linkersdorff avait déjà exploré, lors d'expériences antérieures, l'interaction complexe du devenir et de la disparition de fleurs en train de faner. Son atelier photographique est également un laboratoire dans lequel elle ne se contente pas de faire sécher les plantes, mais où elle leur retire également leurs pigments au moyen de processus chimiques afin de rendre leurs structures visibles. Dans tous ses travaux, des processus organiques deviennent perceptibles, qui peuvent en même temps être lus comme des métaphores poétiques et visuelles de l'éphémère comme partie intégrante de la vie.

Dopo numerose mostre di successo in Germania e all'estero, l'artista berlinese Kathrin Linkersdorff presenta una panoramica del suo lavoro, che si colloca all'intersezione tra arte e scienza, nell'ambito del Mese europeo della fotografia alla Haus am Kleistpark. Sono esposte opere di diversi gruppi di lavori degli ultimi anni, come “Wabi Sabi” (2013-2017), “Floriszenzen” (dal 2019) e “Fairies” (dal 2020), nonché del suo attuale progetto “Microverse” (dal 2023).

Al centro della mostra ci sono le opere della serie più recente “Microverse I, II e III”, tra cui un'opera inedita a parete in quattro parti la cui composizione ricorda immagini di nebulose e galassie cosmiche. Si tratta di immagini create nell'ambito della sua ricerca come Artista in Residenza presso il Cluster di Eccellenza “Matters of Activity” dell'Istituto di Biologia/Microbiologia dell'Università Humboldt di Berlino, dove Linkersdorff è in grado di osservare il comportamento di semplici batteri del suolo nei processi di decadimento biochimico e di documentare così i processi del ciclo della natura nelle sue opere.

Ispirata dalla filosofia giapponese del “Wabi Sabi”, che va di pari passo con l'accettazione e la contemplazione della transitorietà di tutte le cose, Kathrin Linkersdorff ha già esplorato la complessa interazione tra crescita e decadenza nei fiori appassiti in precedenti esperimenti. Il suo studio fotografico è anche un laboratorio in cui non solo essicca le piante, ma utilizza anche processi chimici per estrarre i loro pigmenti al fine di visualizzarne le strutture. I processi organici possono essere percepiti in tutte le sue opere, che possono anche essere lette come metafore poetiche e visive della transitorietà come parte integrante della vita.

After numerous exhibition successes at home and abroad, the Berlin-based artist Kathrin Linkersdorff is showing an overview of her work, which is situated in the field of tension between art and science, as part of the European Month of Photography at the Haus am Kleistpark. On display are works from various series from recent years, such as ‘Wabi Sabi’ (2013-2017), ‘Floriszenzen’ (from 2019) and ‘Fairies’ (from 2020), as well as from her current project ‘Microverse’ (since 2023).

The exhibition focuses on the works from the most recent series, ‘Microverse I, II and III,’ including a wall-sized, four-part work that has never been shown before, whose composition is reminiscent of images of cosmic nebulae and galaxies. These visuals were created as part of her research as an artist in residence at the Excellence Cluster ‘Matters of Activity’ at the Institute of Biology/Microbiology at Humboldt University in Berlin, where Linkersdorff is able to observe the behaviour of simple soil bacteria in biochemical decay processes and thus document natural cycles in her works.

Inspired by the Japanese philosophy of ‘Wabi Sabi,’ which is associated with the acceptance and contemplation of the transience of all things, Kathrin Linkersdorff had already explored the complex interplay of becoming and decaying in wilting flowers in earlier experiments. Her photographic studio is also a laboratory in which she not only dries plants, but also uses chemical processes to extract the pigments from them in order to make their structures visible. In all of her works, organic processes can be experienced, which can also be read as poetic, visual metaphors for transience as an integral part of life.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Palazzo Reali | Lugano
15. März 2025

Eugenio Schmidhauser. Über das Malcantone hinaus

Als erste museale Institution präsentiert das MASI Lugano eine Ausstellung mit Werken des Tessiner Fotografen Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astrano, 1952). Das in Zusammenarbeit mit dem Staatsarchiv des Kantons Tessin realisierte Ausstellungsprojekt ist eine gute Gelegenheit, um die Arbeiten dieses Fotografen wieder zu entdecken, der das Image des Tessin Anfang des 19. Jahrhundert gepägt und dazu beitagen hat, den Tourismus in der Region auf eine innovative Art und Weise zu fördern.

Kuratiert von Gianmarco Talamona und Ludovica Introini

Le MASI présente la première exposition consacrée par une institution muséale au photographe tessinois Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Le projet d'exposition, réalisé en collaboration avec les Archives d'État du Canton du Tessin, est l'occasion de redécouvrir l'œuvre d'un photographe qui a façonné l'imagerie du Tessin au début du XXe siècle, en contribuant à promouvoir le tourisme dans la région de manière innovante.

Sous la direction de Gianmarco Talamona et Ludovica Introini

Il MASI presenta la prima mostra dedicata da un'istituzione museale al fotografo ticinese Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). Il progetto espositivo, realizzato in collaborazione con l’Archivio di Stato del Canton Ticino, è un’occasione per riscoprire il lavoro di un fotografo che ha modellato l’immaginario del Ticino di inizio secolo, contribuendo a promuovere il turismo della regione con modalità innovative.

A cura di Gianmarco Talamona e Ludovica Introini

MASI Lugano presents the first museum exhibition devoted to the Ticino photographer Eugenio Schmidhauser (Seon, 1876 - Astano, 1952). The exhibition, in collaboration with the State Archive of the Canton of Ticino, is an opportunity to rediscover the work of a photographer who shaped the image of Ticino at the turn of the century, helping in innovative ways to promote tourism to the region.

Curated by Gianmarco Talamona and Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Galerie Bene Taschen | Köln
15. März 2025

Larry Fink – Feeling the Experience

Der im Dezember 2023 verstorbene Larry Fink arbeitete über 65 Jahre als Fotograf. Seine Arbeiten waren in Einzelausstellungen u.a. im Museum of Modern Art und Whitney Museum in New York zu sehen. Die Galerie Bene Taschen freut sich, eine Auswahl aus seinen Werkgruppen Social Graces, Somewhere There‘s Music, The Vanities und Boxing unter dem Titel Larry Fink – Feeling the Experience zu präsentieren.

Larry Fink sammelte erste fotografischen Erfahrungen in New York und zog später von Brooklyn nach Pennsylvania. Er besuchte die New Yorker New School for Social Research, die sein Interesse an soziologischen Sichtweisen weckte. Auch seine Bezüge zur Jazz-Musik haben einen frühen Ursprung; Jazz begleitete ihn seit seiner Kindheit. Er selbst spielte Piano und Harmonika. Die Bilder aus der Reihe Somewhere there’s Music zeugen von den Begegnungen zwischen dem Fotografen und den Musikerinnen und Musikern. Vor seiner Kamera standen Jazz-Legenden wie John Coltrane oder Finks großes Idol Jimmy Rushing, welchen er bereits 1957 getroffen hatte.

Ab Ende der 1980s setzte Fink die transatlantische Boxindustrie in Szene und begleitete u.a. Mike Tyson und Jimmy Jacobs. Seine Serie Boxing zeigt viele ikonische Momente aus legendären Boxkämpfen.

Seit jeher hat sich Fink mit sozialpsychologischen und politischen Themen auseinandergesetzt und die Verhältnisse, Friktionen und Entwicklungen zwischen der Arbeiterklasse und der Oberschicht eingefangen. Als geladener Gast oder offizieller Fotograf dokumentierte er in The Vanities soziale Eliten auf Partys und Galas und positionierte sich selbst dabei stets als stiller Beobachter, außerhalb des Geschehens. In teils intimen Momenten fing er die Interaktionen der Gäste – mal einen Blick über die Schulter, mal ein Lächeln oder eine ungestellte Geste - ein.

In Social Graces stehen diese Werke den Fotografien von der Familie Sabatine aus Pennsylvania gegenüber. Während eines Besuchs im kleinstädtischen Martins Creek dokumentiert er die familiären Treffen zu verschiedenen Anlässen, wie zum Beispiel einem achten Geburtstag. Seine fotografische Arbeit umfasst somit ein breites und kontrastreiches Spektrum, das von alltäglichen Familienszenen bis hin zu elitären Veranstaltungen reicht. Fink formt somit ein Gesellschaftsbild, das unvoreingenommen unterschiedliche soziale Gruppen verbindet. Sein Lebenswerk ist gleichzeitig der Spiegel seines Gesellschaftsbildes. Für ihn stand der Mensch stets im Mittelpunkt.

Larry Fink, décédé en décembre 2023, a travaillé comme photographe pendant plus de 65 ans. Ses travaux ont fait l'objet d'expositions individuelles, notamment au Museum of Modern Art et au Whitney Museum de New York. La galerie Bene Taschen est heureuse de présenter une sélection de ses groupes d'œuvres Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities et Boxing sous le titre Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink a fait ses premières expériences photographiques à New York et a ensuite quitté Brooklyn pour la Pennsylvanie. Il a fréquenté la New School for Social Research de New York, qui a éveillé son intérêt pour les points de vue sociologiques. Ses références à la musique de jazz ont également une origine précoce ; le jazz l'accompagnait depuis son enfance. Il jouait lui-même du piano et de l'harmonica. Les visuels de la série Somewhere there's Music témoignent des rencontres entre le photographe et les musiciens. Des légendes du jazz comme John Coltrane ou la grande idole de Fink, Jimmy Rushing, qu'il avait déjà rencontré en 1957, ont posé devant son objectif.

A partir de la fin des années 1980, Fink a mis en scène l'industrie de la boxe transatlantique et a accompagné entre autres Mike Tyson et Jimmy Jacobs. Sa série Boxing montre de nombreux moments iconiques de combats de boxe légendaires.

Depuis toujours, Fink s'est penché sur des thèmes socio-psychologiques et politiques et a capturé les rapports, les frictions et les évolutions entre la classe ouvrière et la classe supérieure. En tant qu'invité ou photographe officiel, il a documenté dans The Vanities les élites sociales lors de fêtes et de galas, se positionnant toujours comme un observateur silencieux, en dehors de l'action. Dans des moments parfois intimes, il a capturé les interactions des invités - parfois un regard par-dessus l'épaule, parfois un sourire ou un geste non posé.

Dans Social Graces, ces œuvres sont confrontées aux photographies de la famille Sabatine de Pennsylvanie. Lors d'une visite dans la petite ville de Martins Creek, il documente les réunions familiales à l'occasion de différents événements, comme un huitième anniversaire. Son travail photographique couvre ainsi un spectre large et contrasté, allant de scènes familiales quotidiennes à des événements élitistes. Fink forme ainsi une image de la société qui relie sans préjugés différents groupes sociaux. L'œuvre de sa vie est en même temps le miroir de sa vision de la société. Pour lui, l'être humain a toujours été au centre de ses préoccupations.

Larry Fink, morto nel dicembre 2023, ha lavorato come fotografo per oltre 65 anni. Il suo lavoro è stato esposto in mostre personali al Museum of Modern Art e al Whitney Museum di New York, tra gli altri. La Galerie Bene Taschen è lieta di presentare una selezione dei suoi lavori Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities e Boxing con il titolo Larry Fink - Feeling the Experience.

Larry Fink ha fatto le sue prime esperienze fotografiche a New York e successivamente si è trasferito da Brooklyn alla Pennsylvania. Ha frequentato la New School for Social Research di New York, che ha risvegliato il suo interesse per le prospettive sociologiche. Anche i suoi riferimenti alla musica jazz hanno un'origine precoce: il jazz lo ha accompagnato fin dall'infanzia. Lui stesso suonava il pianoforte e l'armonica. Le immagini della serie Somewhere there's Music testimoniano gli incontri tra il fotografo e i musicisti. Davanti alla sua macchina fotografica si sono avvicendate leggende del jazz come John Coltrane e il grande idolo di Fink, Jimmy Rushing, che aveva già incontrato nel 1957.

Dalla fine degli anni Ottanta, Fink ha messo in scena il pugilato transatlantico e ha accompagnato Mike Tyson e Jimmy Jacobs, tra gli altri. La sua serie Boxing mostra molti momenti iconici di incontri di boxe leggendari.

Fink ha sempre esplorato temi socio-psicologici e politici, catturando le relazioni, gli attriti e gli sviluppi tra le classi lavoratrici e quelle superiori. Come invitato o fotografo ufficiale, ha documentato le élite sociali a feste e serate di gala in The Vanities, ponendosi sempre come osservatore silenzioso, al di fuori dell'azione. In momenti a volte intimi, ha catturato le interazioni degli ospiti - a volte uno sguardo da sopra la spalla, a volte un sorriso o un gesto non posato.

In Social Graces, queste opere sono accostate alle fotografie della famiglia Sabatine della Pennsylvania. Durante una visita alla cittadina di Martins Creek, l'artista documenta le riunioni di famiglia in varie occasioni, come un ottavo compleanno. Il suo lavoro fotografico abbraccia quindi uno spettro ampio e contrastante, che va dalle scene familiari quotidiane agli eventi d'élite. Fink crea così un'immagine della società che collega in modo imparziale i diversi gruppi sociali. Il lavoro della sua vita è anche uno specchio della sua immagine della società. Per lui le persone erano sempre al centro.

Larry Fink, who died in December 2023, worked as a photographer for over 65 years. His work has been shown in solo exhibitions at the Museum of Modern Art and the Whitney Museum in New York, among others. The Bene Taschen Gallery is pleased to present a selection from his series Social Graces, Somewhere There's Music, The Vanities and Boxing under the title Larry Fink – Feeling the Experience.

Larry Fink gained his first photographic experiences in New York and later moved from Brooklyn to Pennsylvania. He attended the New School for Social Research in New York, which sparked his interest in sociological perspectives. His relationship to jazz music also has an early origin; jazz accompanied him since his childhood. He himself played piano and harmonica. The visuals from the series Somewhere there's Music bear witness to the encounters between the photographer and the musicians. Jazz legends such as John Coltrane and Fink's great idol Jimmy Rushing, whom he had already met in 1957, stood in front of his camera.

From the late 1980s, Fink focused on the transatlantic boxing industry, accompanying Mike Tyson and Jimmy Jacobs, among others. His Boxing series features many iconic moments from legendary boxing matches.

Fink has always been interested in socio-psychological and political issues, capturing the relationships, frictions and developments between the working and upper classes. As an invited guest or official photographer, he documented social elites at parties and galas in The Vanities, always positioning himself as a silent observer, outside of the action. He captured the interactions of the guests in sometimes intimate moments – a glance over the shoulder, a smile or an unposed gesture.

In Social Graces, these works are juxtaposed with photographs of the Sabatine family from Pennsylvania. During a visit to the small town of Martins Creek, he documented family gatherings for various occasions, such as an eighth birthday. His photographic work thus encompasses a broad and contrasting spectrum, ranging from everyday family scenes to elitist events. In this way, Fink creates a social portrait that connects different social groups in an unbiased way. His life's work is also a mirror of his social view. For him, the human being has always been at the centre of attention.

(Text: Galerie Bene Taschen, Köln)

VisuleX Gallery for Photography | Hamburg
12. März 2025

Kai Brüninghaus | Diffusionisten – A Time Capsule beyond Reality

Porträts von Menschen mit eigensinniger Technologie, rätselhafte Forschung und Apparate vergangener Zeiten gewähren Einblick in eine Wissenschaft, die die Grenzen der Naturwissenschaft neu zu definieren scheint. Die Schwarzweißfotografien der Serie Diffusionisten des Hamburger Künstlers Kai Brüninghaus erzeugen eine surreale Atmosphäre und lassen eine alternative Realität der 1920er-Jahre lebendig werden.

Doch weder die Menschen noch die dokumentierten Phänomene haben je existiert – trotz scheinbar fotografischer Zeugenschaft. Die Bilder sind künstlich generiert, erschaffen durch den gezielten Einsatz bildgenerierender KI.

Die Arbeit hinterfragt die vermeintliche Objektivität fotografischer Bilder und beleuchtet die gesellschaftlichen Auswirkungen disruptiver Technologien. Sie lädt dazu ein, kritisch über Fortschritt, Menschlichkeit und unser Vertrauen in Wissenschaft und Technik nachzudenken.

Des portraits de personnes dotées d'une technologie obstinée, des recherches énigmatiques et des appareils d'un autre temps donnent un aperçu d'une science qui semble redéfinir les limites des sciences naturelles. Les photographies en noir et blanc de la série Diffusionisten de l'artiste hambourgeois Kai Brüninghaus créent une atmosphère surréaliste et font revivre une réalité alternative des années 1920.

Pourtant, ni les personnes ni les phénomènes documentés n'ont jamais existé - malgré l'apparente qualité de témoin photographique. Les visuels sont générés artificiellement, créés par l'utilisation ciblée de l'IA génératrice d'images.

L'œuvre remet en question la prétendue objectivité des visuels photographiques et met en lumière les conséquences sociales des technologies disruptives. Elle nous invite à réfléchir de manière critique au progrès, à l'humanité et à notre confiance dans la science et la technique.

I ritratti di persone con una tecnologia in ritardo, le ricerche enigmatiche e gli apparati di un tempo passato offrono uno sguardo su una scienza che sembra ridefinire i confini delle scienze naturali. Le fotografie in bianco e nero della serie Diffusionists dell'artista amburghese Kai Brüninghaus creano un'atmosfera surreale e fanno rivivere una realtà alternativa degli anni Venti.

Tuttavia, né le persone né i fenomeni documentati sono mai esistiti, nonostante l'apparente testimonianza fotografica. Le immagini sono generate artificialmente, grazie all'uso mirato dell'intelligenza artificiale.

L'opera esamina la presunta oggettività delle immagini fotografiche e getta luce sull'impatto sociale delle tecnologie dirompenti. Ci invita a riflettere criticamente sul progresso, sull'umanità e sulla nostra fiducia nella scienza e nella tecnologia.

Portraits of people with wayward technology, mysterious research and contraptions from times gone by provide insights into a science that seems to be redefining the boundaries of natural science. The black-and-white photographs in the series Diffusionists by Hamburg-based artist Kai Brüninghaus create a surreal atmosphere and bring to life an alternative reality of the 1920s.

Yet neither the people nor the documented phenomena ever existed – despite their seemingly photographic testimony. The visuals are artificially generated, created through the targeted use of image-generating AI.

The work questions the supposed objectivity of photographic images and sheds light on the social impact of disruptive technologies. It invites us to think critically about progress, humanity and our trust in science and technology.

(Text: VisuleX Gallery for Photography, Hamburg)

Camera Austria | Graz
7. März 2025

Susanne Kriemann: Ray, Rock, Rowan (Being a Photograph)

In ihrer radikal erweiterten Vorstellung von Fotografie erforscht Susanne Kriemann geologische Zeitalter und befragt Politiken der Sichtbarkeit: Was könnte es bedeuten, die Welt als ein großes Aufzeichnungssystem, als eine Fotografie zu verstehen?

Der Camera Austria-Ausstellungsraum im Eisernen Haus bildet den Rahmen für Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (seit 2024): In der kontaminierten und ausgebeuteten Landschaft einer ruhenden Erzabbaustätte stehen Moose und Flechten mit anderen Pflanzen im Austausch, sie regenerieren die Böden, daneben Gestein; in der Szenografie hallen die Erschöpfung, die Widerständigkeit und das Trauma dieser anthropozentrischen Geografien nach. Diese jüngste Arbeit steht mit Susanne Kriemanns langjähriger forschender Arbeitsweise im Dialog, welche die Vegetation der von Uranabbau zurückgelassenen Landschaften in den Blick rückt: Die diese toxischen Böden verstoffwechselnden Pflanzen bringen Farbe auf die Seidenbahnen von Canopy canopy (seit 2018); Wilde Möhre, Falsche Kamille, Bitterkraut (seit 2016) tummeln sich in und auf Heliogravüren; die radioaktiv strahlende Pechblende (seit 2015) belichtet Autoradiografien und Fotogramme; Röntgenbilder zeigen Pflanzenskelette von Lupine, Farn und Ginster (Lupin, fougère, genêt, seit 2024). Die »library for radioactive afterlife« (seit 2015) bietet Publikationen mit unterschiedlichen Narrationen des Atomzeitalters an, erweitert die Camera Austria-Bibliothek und unterstreicht Susanne Kriemanns Praxis des Büchermachens.

Dans sa conception radicalement élargie de la photographie, Susanne Kriemann explore les âges géologiques et interroge les politiques de la visibilité : que pourrait signifier le fait de concevoir le monde comme un grand système d'enregistrement, comme une photographie ?

La salle d'exposition de Camera Austria dans la Maison de fer sert de cadre à Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (depuis 2024) : Dans le paysage contaminé et exploité d'un site d'extraction de minerai en sommeil, les mousses et les lichens échangent avec d'autres plantes, ils régénèrent les sols, à côté des roches ; la scénographie fait écho à l'épuisement, à la résistance et au traumatisme de ces géographies anthropocentriques. Ce travail récent dialogue avec la longue démarche exploratoire de Susanne Kriemann, qui met en lumière la végétation des paysages laissés par l'exploitation de l'uranium : Les plantes qui métabolisent ces sols toxiques apportent de la couleur sur les lés de soie de Canopy canopy (depuis 2018) ; la carotte sauvage, la fausse camomille, le bigaradier (depuis 2016) s'ébattent dans et sur des héliogravures ; le brai radioactif (depuis 2015) expose des autoradiographies et des photogrammes ; des radiographies montrent des squelettes végétaux de lupin, fougère et genêt (Lupin, fougère, genêt, depuis 2024). La « library for radioactive afterlife » (depuis 2015) propose des publications présentant différentes narrations de l'ère nucléaire, élargit la bibliothèque de Camera Austria et souligne la pratique de Susanne Kriemann en matière de fabrication de livres.

Nella sua concezione radicalmente ampliata della fotografia, Susanne Kriemann esplora le ere geologiche e si interroga sulla politica della visibilità: cosa potrebbe significare intendere il mondo come un grande sistema di registrazione, come una fotografia?

Lo spazio espositivo di Camera Austria nella Eisernes Haus fa da cornice a Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (dal 2024): Nel paesaggio contaminato e sfruttato di un sito minerario inattivo, muschi e licheni interagiscono con altre piante, rigenerando il suolo, accanto alla roccia; la scenografia riecheggia l'esaurimento, la resistenza e il trauma di queste geografie antropocentriche. Questo lavoro più recente è in dialogo con l'approccio di Susanne Kriemann, basato su una ricerca di lunga data, che si concentra sulla vegetazione dei paesaggi lasciati dall'estrazione dell'uranio: Le piante che metabolizzano questi terreni tossici danno colore ai pannelli di seta di Canopy canopy (dal 2018); la carota selvatica, la falsa camomilla, l'erba amara (dal 2016) cavalcano nelle e sulle eliografie; la pechblenda radioattiva (dal 2015) espone autoradiografie e fotogrammi; le immagini a raggi X mostrano scheletri vegetali di lupino, felce e ginestra (Lupin, fougère, genêt, dal 2024). La “biblioteca per l'aldilà radioattivo” (dal 2015) offre pubblicazioni con diverse narrazioni dell'era atomica, amplia la biblioteca di Camera Austria ed enfatizza la pratica del bookmaking di Susanne Kriemann.

In her radically expanded notion of photography, Susanne Kriemann explores geological eras and questions the politics of visibility: what could it mean to understand the world as a large recording system, as a photograph?

The Camera Austria exhibition space in the Eisernes Haus provides the setting for Hey Monte Schlacko, dear Slagorg (since 2024): In the contaminated and exploited landscape of a dormant ore mining site, mosses and lichens interact with other plants, regenerating the soil; rocks lie nearby. The scenography echoes with the exhaustion, resistance, and trauma of these anthropocentric geographies. This most recent work engages in dialogue with Susanne Kriemann's long-standing research-based approach, which focuses on the vegetation of landscapes left behind by uranium mining: the plants metabolising these toxic soils bring colour to the silk screens of Canopy canopy (since 2018); wild carrots, false chamomile, bitter herb (since 2016) abound in and on heliogravures; the radioactively emitting pitchblende (since 2015) exposes autoradiographs and photograms; X-ray images show plant skeletons of lupine, fern, and broom (Lupin, Fougere, Genet, since 2024). The ‘library for radioactive afterlife’ (since 2015) offers publications with different narratives of the atomic age, expands the Camera Austria library, and underscores Susanne Kriemann's practice of bookmaking.

(Text: Camera Austria, Graz)

Kunstmuseum Luzern
7. März 2025

WAKALIGA – ACTION! AND CUT!

Das Wakaliga Filmstudio Uganda produziert grosse Actionfilme mit sehr kleinen Budgets. Prallvoll mit Kung-Fu-Kämpfen, wilden Schiessereien, blutigen Momenten, heftigen Explosionen und witzigen Spezialeffekten sind die Filme grossartige Unterhaltung. Wie beiläufig erzählen sie von gesellschaftlichen Problemen und kriminellen Machenschaften, von Korruption, Erpressung oder Strassenkindern. Bei Genrefans haben die Filme weltweit Kultstatus; seit der documenta 15 in Kassel sind sie auch dem Kunstpublikum ein Begriff.

Der Cast besteht aus Familienmitgliedern, Freund:innen und Nachbar:innen. Alle sitzen im Hof unter einem schattigen Dach zusammen, wo Isaac Nabwana als Begründer und Regisseur von Wakaliga seine Filmidee erläutert. Gemeinsam entscheidet das eingespielte Team, wie Aufgaben und Rollen verteilt werden. Wie in den Anfängen Hollywoods wird spontan gedreht. Die selbstgebauten Kulissen aus Karton brechen die Illusion und verhindern jeden Realismusverdacht. Als Set dient das eigene Grundstück oder die Nachbarschaft. Wenn nötig, werden weitere Hände, Statist:innen oder Knowhow aus der nächsten Umgebung im Stadtteil Wakaliga hinzugeholt.

Kuratiert von Eveline Suter

Le studio de cinéma Wakaliga en Ouganda produit de grands films d'action avec de très petits budgets. Remplis de combats de kung-fu, de fusillades endiablées, de moments sanglants, d'explosions violentes et d'effets spéciaux amusants, ces films sont un grand divertissement. Comme en passant, ils parlent de problèmes sociaux et de machinations criminelles, de corruption, de chantage ou d'enfants des rues. Ces films sont devenus cultes pour les fans du genre dans le monde entier ; depuis la documenta 15 de Cassel, ils sont également connus du public artistique.

Le casting est composé de membres de la famille, d'amis et de voisins. Tous sont assis ensemble dans la cour, sous un toit ombragé, où Isaac Nabwana, fondateur et réalisateur de Wakaliga, explique son idée de film. L'équipe bien rodée décide ensemble de la répartition des tâches et des rôles. Comme aux débuts d'Hollywood, le tournage se fait spontanément. Les décors en carton que l'on construit soi-même brisent l'illusion et empêchent tout soupçon de réalisme. Le propre terrain ou le voisinage sert de plateau. Si nécessaire, on fait appel à d'autres mains, à des figurants ou au savoir-faire de l'environnement proche du quartier de Wakaliga.

Commissariat d'Eveline Suter

Lo studio cinematografico Wakaliga in Uganda produce grandi film d'azione con budget molto ridotti. Ricchi di combattimenti di kung fu, sparatorie selvagge, momenti di sangue, esplosioni violente e divertenti effetti speciali, i film sono un grande intrattenimento. Quasi di sfuggita, raccontano problemi sociali e macchinazioni criminali, corruzione, ricatti e bambini di strada. I film sono diventati un cult tra gli appassionati del genere in tutto il mondo; dopo la documenta 15 di Kassel, sono diventati un nome familiare anche tra gli amanti dell'arte.

Il cast è composto da membri della famiglia, amici e vicini di casa. Siedono tutti insieme nel cortile sotto un tetto ombreggiato, dove Isaac Nabwana, fondatore e regista di Wakaliga, spiega la sua idea di film. La squadra, ben preparata, decide insieme come distribuire i compiti e i ruoli. Come agli albori di Hollywood, il film viene girato spontaneamente. I fondali di cartone autocostruiti rompono l'illusione e impediscono qualsiasi sospetto di realismo. Il set è la loro proprietà o il quartiere. Se necessario, vengono portate altre mani, comparse o competenze dal quartiere di Wakaliga.

A cura di Eveline Suter

The Wakaliga Film Studio Uganda produces great action films on very low budgets. Brim-full of kung-fu fights, wild shoot-outs, bloody moments, mighty explosions and amusing special effects, the films provide marvellous entertainment. They also speak, en passant, of social problems and criminal intrigues, corruption, blackmail and street children. The films have gained a cult status among genre fans worldwide; since documenta 15 in Kassel, they now also mean something to art audiences.

The cast is made up of family members, friends and neighbours. They all sit together in a courtyard under a shady roof, where Isaac Nabwana, founder and director of Wakaliga, explains his film concept. Together, the well-practised team decides how tasks and roles are to be distributed. Like in the very early days in Hollywood, shooting the films is spontaneous. The hand-made cardboard sets shatter the illusion and thwart any suspicion of realism. Their own plots of land or places in the neighbourhood serve as settings. If necessary, other helping hands, extras and knowhow are obtained from the Wakaliga district nearby.

Curated by Eveline Suter

(Text: Kunstmuseum Luzern)

f³ – freiraum für fotografie | Berlin
6. März 2025

Radical Beauty

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography statt.

Radical Beauty stellt unsere Auffassung von Schönheit, Attraktivität und Ästhetik radikal in Frage. In dem weltweit einzigartigen Fotoprojekt haben über 60 international renommierte Mode- und Kunstfotograf*innen, darunter Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina und Zuzu Valla, gemeinsam mit Menschen mit Down-Syndrom Einzelbilder und Fotoserien entwickelt. In professionellen Studio-Bedingungen sind so überraschende und einzigartige Porträts entstanden. Unter den Protagonist*innen sind erfahrene Darsteller*innen wie die Schauspielerinnen Sarah Gordy (GB) und Lily Moore (USA), die Mehrzahl von ihnen führt jedoch ein Leben außerhalb des Rampenlichts.

Radical Beauty verwischt die Grenzen zwischen den Disziplinen. In der engen Zusammenarbeit zwischen Model und Fotograf*in sind beeindruckende Werke entstanden, welche die Lust am Rollenspiel und am visuellen Experiment transportieren und die einzigartigen Persönlichkeiten der Porträtierten eindrücklich widerspiegeln: Ob zärtliche Intimität, nüchterner Realismus oder pralle Lebensfreude – Radical Beauty zelebriert alle Facetten des menschlichen Seins und feiert die Vielfalt einer inklusiven Gesellschaft.

Der Londoner Modefotograf Sammy Baxter etwa entwarf mit seinem Model Lara Wates eine dystopisch anmutende Inszenierung, in der die Akteurin vor kraftvoll-bunten Hintergründen mit Armen ringt, die scheinbar aus dem Nichts zu kommen scheinen. Brian Griffin hat sich mit Porträts von Popmusiker*innen international einem Namen gemacht, seine in schwarz-weiß aufgenommenen Fotografien erinnern an ein Albumcover. Der Kunstfotograf Erwin Olaf präsentiert seinen Protagonisten mit zurückgegeltem Haar und leuchtend blauen Augen im Stile einer antiken Putte, die schwerelos in schäumendem Wasser zu schweben scheint. Beim näheren Hinsehen entpuppt sich dies als technischer Effekt, der durch die gekonnte Manipulation des Filmmaterials zustande kommt. Die Fashion-Fotografin Elizaveta Porodina inszeniert die Schauspielerin Lily Moore mit farbenfrohem Surrealismus. Die emotionale Symbolik, die ihrer Arbeit zugrunde liegt, ist eine Referenz an ihr Studium der klinischen Psychologie. Die Fotografin Zuzu Valle betrachtet sich als Advokatin für Menschen mit Behinderungen und präsentiert Fotografien von Drag-Queens und Drag-Kings mit Down-Syndrom, die unter die Haut gehen.

Ins Leben gerufen wurde Radical Beauty im Jahr 2018 von dem britischen Kollektiv Culture Device, einer Gruppe von Down-Syndrom-Performer*innen, die bereits im Londoner Royal Opera House, der Tate Modern und im Southbank Centre aufgetreten sind. Unter der künstlerischen Leitung von Daniel Vais ist seitdem ein globales Projekt entstanden, welches zur Sichtbarkeit von Menschen mit kognitiven Behinderungen beiträgt und Menschen mit Down-Syndrom eine Bühne bietet.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth.

Künstlerische Leitung des Projekts: Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty remet radicalement en question notre conception de la beauté, de l'attractivité et de l'esthétique. Dans le cadre de ce projet photographique unique au monde, plus de 60 photographes* de mode et d'art de renommée internationale, dont Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina et Zuzu Valla, ont développé des images individuelles et des séries de photos en collaboration avec des personnes atteintes du syndrome de Down. Des portraits surprenants et uniques ont ainsi été réalisés dans des conditions de studio professionnel. Parmi les protagonistes*, on trouve des acteurs expérimentés comme les actrices Sarah Gordy (GB) et Lily Moore (USA), mais la plupart d'entre eux mènent une vie hors des feux de la rampe.

Radical Beauty brouille les frontières entre les disciplines. L'étroite collaboration entre le modèle et le photographe* a donné naissance à des œuvres impressionnantes qui véhiculent l'envie de jouer un rôle et d'expérimenter visuellement, tout en reflétant de manière saisissante les personnalités uniques des portraits : Qu'il s'agisse d'intimité tendre, de réalisme sobre ou de joie de vivre débordante, Radical Beauty célèbre toutes les facettes de l'être humain et célèbre la diversité d'une société inclusive.

Le photographe de mode londonien Sammy Baxter a par exemple conçu avec son modèle Lara Wates une mise en scène aux allures dystopiques, dans laquelle l'actrice se débat sur des arrière-plans puissamment colorés avec des bras qui semblent surgir de nulle part. Brian Griffin s'est fait un nom au niveau international avec des portraits de musiciens pop*, ses photographies prises en noir et blanc font penser à une pochette d'album. Le photographe d'art Erwin Olaf présente son protagoniste, les cheveux tirés en arrière et les yeux d'un bleu éclatant, dans le style d'un putto antique qui semble flotter en apesanteur dans une eau écumante. En y regardant de plus près, il s'agit d'un effet technique obtenu par une manipulation habile du matériel cinématographique. La photographe de mode Elizaveta Porodina met en scène l'actrice Lily Moore avec un surréalisme coloré. Le symbolisme émotionnel qui sous-tend son travail est une référence à ses études de psychologie clinique. La photographe Zuzu Valle se considère comme une avocate des personnes handicapées et présente des photographies de drag queens et de drag kings trisomiques qui collent à la peau.

Radical Beauty a été créé en 2018 par le collectif britannique Culture Device, un groupe de performeurs* trisomiques qui se sont déjà produits au Royal Opera House de Londres, à la Tate Modern et au Southbank Centre. Sous la direction artistique de Daniel Vais, un projet global a depuis vu le jour, contribuant à la visibilité des personnes souffrant de handicaps cognitifs et offrant une scène aux personnes atteintes du syndrome de Down.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Nadine Barth.

Direction artistique du projet : Daniel Vais, Culture Device.

Radical Beauty mette radicalmente in discussione la nostra percezione della bellezza, dell'attrattiva e dell'estetica. In questo progetto fotografico unico al mondo, oltre 60 fotografi di moda e d'arte di fama internazionale, tra cui Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina e Zuzu Valla, hanno sviluppato immagini individuali e serie fotografiche insieme a persone con sindrome di Down. Ritratti sorprendenti e unici sono stati creati in condizioni di studio professionali. Tra i protagonisti ci sono performer esperti come le attrici Sarah Gordy (Regno Unito) e Lily Moore (USA), ma la maggior parte di loro conduce una vita al di fuori delle luci della ribalta.

Radical Beauty sfuma i confini tra le discipline. La stretta collaborazione tra modella e fotografo ha dato vita a opere di grande impatto che trasmettono il desiderio di gioco di ruolo e di sperimentazione visiva e riflettono in modo impressionante le personalità uniche delle persone ritratte: Che si tratti di tenera intimità, sobrio realismo o piena gioia di vivere, Radical Beauty celebra tutte le sfaccettature della condizione umana e la diversità di una società inclusiva.

Il fotografo di moda londinese Sammy Baxter, ad esempio, ha creato una produzione dall'aspetto distopico con la sua modella Lara Wates, in cui l'attrice lotta con braccia che sembrano uscire dal nulla davanti a sfondi potenti e colorati. Brian Griffin si è fatto un nome a livello internazionale con i suoi ritratti di musicisti pop; le sue fotografie in bianco e nero ricordano le copertine degli album. Il fotografo d'arte Erwin Olaf presenta il suo protagonista con i capelli sciolti e gli occhi azzurri brillanti nello stile di un antico cherubino che sembra galleggiare senza peso nell'acqua schiumosa. A ben guardare, si tratta di un effetto tecnico creato da un'abile manipolazione del materiale cinematografico. La fotografa di moda Elizaveta Porodina mette in scena l'attrice Lily Moore con un colorato surrealismo. Il simbolismo emotivo alla base del suo lavoro è un riferimento ai suoi studi di psicologia clinica. La fotografa Zuzu Valle si considera una sostenitrice delle persone con disabilità e presenta fotografie di drag queen e drag king con sindrome di Down che entrano nella pelle.

Radical Beauty è stato creato nel 2018 dal collettivo britannico Culture Device, un gruppo di performer con sindrome di Down che si è già esibito alla Royal Opera House di Londra, alla Tate Modern e al Southbank Centre. Sotto la direzione artistica di Daniel Vais, è nato un progetto globale che contribuisce alla visibilità delle persone con disabilità cognitive e offre alle persone con sindrome di Down un palcoscenico.

La mostra è stata curata da Nadine Barth.

Direzione artistica del progetto: Daniel Vais, Dispositivo culturale.

Radical Beauty radically questions our perception of beauty, attractiveness and aesthetics. In this globally unique photo project, over 60 internationally renowned fashion and art photographers, including Brian Griffin, Gottfried Helnwein, Eva Losada, Erwin Olaf, Elizaveta Porodina and Zuzu Valla, worked together with people with Down syndrome to develop individual images and photo series. Surprising and unique portraits were created in professional studio conditions. The protagonists include experienced performers such as actresses Sarah Gordy (UK) and Lily Moore (USA), but the majority of them lead a life outside the limelight.

Radical Beauty blurs the boundaries between disciplines. Through close collaboration between model and photographer, impressive works have emerged that convey a passion for role-playing and visual experimentation while vividly reflecting the unique personalities of the portrayed. Whether tender intimacy, sober realism or full-blooded joie de vivre – Radical Beauty celebrates all facets of human existence and embraces the diversity of an inclusive society.

The London fashion photographer Sammy Baxter, for example, created a dystopian staging with his model Lara Wates, where the pictured struggles with arms that seem to emerge from nowhere against vibrant, colorful backdrops. Brian Griffin, renowned internationally for his portraits of pop musicians, offers black-and-white photographs reminiscent of iconic album covers. Art photographer Erwin Olaf presents his protagonist with slicked-back hair and striking blue eyes in the style of an antique cherub, seemingly floating weightlessly in frothy water. On closer inspection, this effect reveals itself as a technical illusion achieved through masterful manipulation of film material. Fashion photographer Elizaveta Porodina stages actress Lily Moore with vivid surrealism, drawing on the emotional symbolism is a reference to her studies of clinical psychology. Photographer Zuzu Valle sees herself as an advocate for people with disabilities and presents photographs of drag queens and drag kings with Down syndrome that get under your skin.

Radical Beauty was launched in 2018 by the British collective Culture Device, a group of Down syndrome performers who have already graced stages such as the Royal Opera House, Tate Modern, and Southbank Centre in London. Under the artistic direction of Daniel Vais, the project has since evolved into a global initiative, enhancing the visibility of people with cognitive disabilities and providing a platform for individuals with Down syndrome.

The exhibition was curated by Nadine Barth.

Artistic direction of the project: Daniel Vais, Culture Device.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin
28. Februar 2025

Transience and Memory: The Photographic Narratives of Climate Crisis
Ana Zibelnik, Künstlerduo Ganslmeier & Zibelnik

Die Ausstellung findet im Rahmen des EMOP - European Month of Photography Berlin statt.

Die Ausstellung stellt Ana Zibelniks (*1995, Ljubljana/Slowenien) Arbeit Immortality is Commonplace (2022) der Serie Fault Line (2023, –) gegenüber, die gemeinsam mit Jakob Ganslmeier (*1990, München/Deutschland), entstanden ist. Beide Arbeiten beschäftigen sich mit den Auswirkungen der Klimakrise und der Klimaangst, die den Diskurs der heutigen Jugend prägen.

Immortality is Commonplace beleuchtet Zibelnik veränderte Rolle der Fotografie in Zeiten der Klimakrise. Während die Menschheit den psychologischen Drang verspürt, die Vergangenheit zu bewahren, sieht sie sich gleichzeitig der Bedrohung des Aussterbens gegenüber. Was bedeutet es, in einer Endzeit zu leben? Zibelniks Faszination für biologisch unsterbliche Flechten wirft die Frage auf: Wer dokumentiert wen–wir die Natur oder die Natur uns?

Ana Zibelnik (geb. 1995, Ljubljana) ist eine slowenische, bildende Künstlerin, die in Den Haag, Niederlande, lebt. Sie hat einen Master-Abschluss in Film- und Fotostudien an der Universität Leiden und einen BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Ihre Arbeit dreht sich um die Themen ökologische Krise, Klimaangst und deren soziale Auswirkungen. Seit 2020 arbeitet sie auch als Teil des Künstlerduos Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 gewann Zibelnik den Hauptpreis des slowenischen Kranj Foto Festivals und zeigte ihre Arbeiten u.a. auf der Photo Basel, und, zusammen mit Ganslmeier, im Fotomuseum Den Haag (NL); 2022 waren ihre Arbeiten u.a. in der Maribor Art Gallery, UGM Studio, auf der Paris Photo Online, auf dem Art Salon Zürich und als Teil einer Gruppenausstellung im Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) zu sehen; zwischen 2017 und 2021 war Zibelnik in div. Institutionen, von Deutschland über Ungarn bis hin zu Portugal und der Schweiz, vertreten und konnte verschiedenste Auszeichnungen wie den Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant , div. Nominierungen für den Newcomer-Preis des Leica Oskar Barnack Award und das City Municipality of Ljubljana Scholarship verzeichnen.

L'exposition met en parallèle le travail d'Ana Zibelnik (*1995, Ljubljana/Slovénie), Immortality is Commonplace (2022), et la série Fault Line (2023, -), réalisée en collaboration avec Jakob Ganslmeier (*1990, Munich/Allemagne). Les deux œuvres traitent des effets de la crise climatique et de la peur du climat qui caractérisent le discours de la jeunesse actuelle.

Immortality is Commonplace met en lumière le rôle modifié de la photographie par Zibelnik en temps de crise climatique. Alors que l'humanité ressent le besoin psychologique de préserver le passé, elle est en même temps confrontée à la menace de l'extinction. Que signifie vivre dans une fin des temps ? La fascination de Zibelnik pour les lichens biologiquement immortels soulève la question : Qui documente qui - nous la nature ou la nature nous ?

Ana Zibelnik (née en 1995 à Ljubljana) est une artiste plasticienne slovène qui vit à La Haye, aux Pays-Bas. Elle est titulaire d'un master en études cinématographiques et photographiques de l'université de Leyde et d'un BA en design de communication visuelle de l'université de Ljubljana. Son travail s'articule autour des thèmes de la crise écologique, de l'angoisse climatique et de leurs conséquences sociales. Depuis 2020, elle travaille également en tant que membre du duo d'artistes Ganslmeier & Zibelnik.

En 2024, Zibelnik a remporté le premier prix du Kranj Foto Festival slovène et a présenté son travail, entre autres, à Photo Basel et, avec Ganslmeier, au Fotomuseum Den Haag (NL) ; en 2022, son travail a été exposé, entre autres, à la Maribor Art Gallery, à UGM Studio, à Paris Photo Online, à l'Art Salon de Zurich et dans le cadre d'une exposition de groupe au Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR) ; entre 2017 et 2021, Zibelnik a été exposée dans diverses institutions en Allemagne et en Autriche. Elle a été représentée dans de nombreuses institutions, de l'Allemagne à la Hongrie, en passant par le Portugal et la Suisse, et a reçu diverses récompenses telles que le Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line ; Stroom Den Haag, SPOT Grant , diverses nominations pour le prix du nouveau venu du Leica Oskar Barnack Award et la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

La mostra accosta l'opera Immortality is Commonplace (2022) di Ana Zibelnik (*1995, Lubiana/Slovenia) alla serie Fault Line (2023, -), realizzata insieme a Jakob Ganslmeier (*1990, Monaco/Germania). Entrambe le opere trattano gli effetti della crisi climatica e dell'ansia climatica, che caratterizzano il discorso dei giovani d'oggi.

In Immortality is Commonplace, Zibelnik fa luce sul cambiamento del ruolo della fotografia in tempi di crisi climatica. Se da un lato l'umanità sente l'urgenza psicologica di preservare il passato, dall'altro si trova ad affrontare la minaccia dell'estinzione. Cosa significa vivere in un'epoca di fine? Il fascino di Zibelnik per i licheni biologicamente immortali solleva la questione: Chi sta documentando chi: noi la natura o la natura noi?

Ana Zibelnik (nata nel 1995 a Lubiana) è un'artista visiva slovena che vive all'Aia, nei Paesi Bassi. Ha conseguito un master in studi cinematografici e fotografici presso l'Università di Leiden e una laurea in Visual Communication Design presso l'Università di Lubiana. Il suo lavoro ruota attorno ai temi della crisi ecologica, dell'ansia climatica e del suo impatto sociale. Dal 2020 lavora anche come parte del duo di artisti Ganslmeier & Zibelnik.

Nel 2024, Zibelnik ha vinto il premio principale al Kranj Photo Festival sloveno e ha esposto il suo lavoro a Photo Basel e, insieme a Ganslmeier, al Fotomuseum Den Haag (NL); nel 2022, il suo lavoro è stato esposto alla Galleria d'Arte di Maribor, all'UGM Studio, a Paris Photo Online, all'Art Salon di Zurigo e come parte di una mostra collettiva al Benaki Museum/Athens Photo Festival (GR); tra il 2017 e il 2021, Zibelnik ha esposto in varie istituzioni, dalla Germania all'Ungheria ai Paesi Bassi. Tra il 2017 e il 2021, Zibelnik è stato rappresentato in varie istituzioni, dalla Germania e dall'Ungheria al Portogallo e alla Svizzera, e ha ricevuto vari premi come il Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, varie nomination per il Newcomer Prize del Leica Oskar Barnack Award e la City Municipality of Ljubljana Scholarship.

The exhibition juxtaposes Ana Zibelnik's (b. 1995, Ljubljana, Slovenia) work Immortality is Commonplace (2022) with the series Fault Line (2023–), which she created together with Jakob Ganslmeier (b. 1990, Munich, Germany). Both works deal with the effects of the climate crisis and climate anxiety, which shape the discourse of today's youth.

Immortality is Commonplace sheds light on Zibelnik's altered role of photography in times of climate crisis. While humanity feels the psychological urge to preserve the past, it simultaneously faces the threat of extinction. What does it mean to live in an apocalyptic era? Zibelnik's fascination with biologically immortal lichens raises the question: who is documenting whom – us documenting nature or nature documenting us?

Ana Zibelnik (b. 1995, Ljubljana) is a Slovenian visual artist based in The Hague, Netherlands. She holds a Master's degree in Film and Photo Studies from Leiden University and a BA in Visual Communication Design from the University of Ljubljana. Her work revolves around the topics of ecological crisis, climate anxiety and their social implications. Since 2020 she has also been working as part of the artist duo Ganslmeier & Zibelnik.

In 2024 Zibelnik won the main prize at the Kranj Foto Festival in Slovenia and showed her work at Photo Basel, and, together with Ganslmeier, at the Fotomuseum Den Haag (NL); in 2022 her work was shown at the Mar ibor Art Gallery, UGM Studio, at Paris Photo Online, at Art Salon Zurich and as part of a group exhibition at Benaki Museum/Athens Foto Festival (GR); between 2017 and 2021, Zibelnik was represented in various institutions from Germany to Hungary and Portugal and Switzerland, and has received various awards such as the Mondriaan Fonds -Artist Project Grant, Fault Line; Stroom Den Haag, SPOT Grant, various nominations for the newcomer prize of the Leica Oskar Barnack Award and the City Municipality of Ljubljana Scholarship.

(Slowenisches Kulturzentrum Berlin – SKICA Berlin)

Galerie Parallax | Aix-en-Provence
22. Februar 2025

Until the end of the world
Florence D’elle, Estelle Lagarde

Diese neue Ausstellung leiht sich den Titel von Wim Wenders' Film „Bis ans Ende der Welt“ aus.

Und es ist tatsächlich der Rand, der Rand der Welt, wo alles begonnen zu haben scheint, an dem sich die fotografischen Projekte der beiden Künstler kreuzen. Beide sind offen für Rätsel, Begegnungen und tellurische Kräfte.

Florence D'elle stellt uns eine Reise nach Norwegen vor, die sie als eine Reise zu den Ursprüngen erlebt hat. Die norwegische Übersetzung des letzten Wortes gibt ihrer Serie den Titel: „Opprinnelsen“.

Um diese Rückkehr zu den Ursprüngen zu bezeugen, hat Florence D'elle beschlossen, ihren Bildern eine fragile und zarte Materialität zu verleihen, indem sie nasses Kollodium verwendet, um sie zu enthüllen, und sie dann als Kohleabzüge und Ferrotypien anbietet.

Mit „Les pionniers“ (Die Pioniere) lädt Estelle Lagarde ebenfalls zu einer Reise in ein zusammengesetztes Land ein. Diese drei Gebiete (Island, Aubrac und die Île d'Aix) scheinen miteinander in Verbindung zu treten. Die diskreten und mysteriösen menschlichen Präsenzen schlagen eine Brücke zwischen der Natur und der Menschheit und vereinen sie in derselben Geschichte. Alles ist miteinander verbunden.

Die Fotografien wurden mit herkömmlichen Silberfilmen aufgenommen und die traditionellen Silberabzüge mit dem Vergrößerungsgerät wurden von dem Handwerksmeister Diamantino Quintas gemacht, mit dem Estelle Lagarde seit vielen Jahren zusammenarbeitet.

Cette nouvelle exposition emprunte le titre du film de Wim Wenders, « Until the end of the world ».

Et c’est bien à l’orée, au bord du monde, là où tout semble avoir commencé, que se croisent les projets photographiques des deux artistes. Toutes deux ouvertres aux énigmes, aux rencontres, aux forces telluriques.

Florence D’elle nous propose un voyage en Norvège, qu’elle a vécu comme un périple vers les origines. La traduction norvégienne de ce dernier mot donne le titre de sa série : «Opprinnelsen».

Pour témoigner de ce retour aux origines, Florence D’elle a choisi de donner une matérialité fragile et délicate à ses images, en utilsant le collodion humide pour les révéler puis en les proposant en tirages charbon et en ferrotypes.

Avec « Les pionniers » Estelle Lagarde propose également un voyage dans une contrée composite. Ces trois territoires (L’Islande, l’Aubrac et l’Île d’Aix) semblent entrer en connection entre eux. Les présences humaines, discrètes et mystérieuses, font le pont entre la nature et l’Humanité, les unissent dans une même histoire. Tout se connecte.

Les photographies ont été réalisées avec des pellicules argentiques traditionnelles et les tirages argentiques traditionnels à l’agrandisseur ont été effectués par le maître artisan tireur-filtreur Diamantino Quintas avec lequel Estelle Lagarde travaille depuis de nombreuses années.

Questa nuova mostra prende il titolo dal film di Wim Wenders “Fino alla fine del mondo”.

Ed è proprio ai confini del mondo, dove tutto sembra essere iniziato, che si incrociano i progetti fotografici dei due artisti. Entrambi sono aperti a enigmi, incontri e forze telluriche.

Florence D'elle ci accompagna in un viaggio in Norvegia, che ha vissuto come un viaggio verso le sue origini. La traduzione norvegese di quest'ultima parola dà il titolo alla sua serie: “Opprinnelsen”.

Per riflettere questo ritorno alle origini, Florence D'elle ha scelto di dare una materialità fragile e delicata alle sue immagini, utilizzando il collodio umido per rivelarle e proponendole poi come stampe al carbone e tintometrie.

Con “Les pionniers”, Estelle Lagarde ci porta anche in un viaggio in una terra composita. Questi tre territori (Islanda, Aubrac e l'Île d'Aix) sembrano collegarsi tra loro. La presenza umana, discreta e misteriosa, colma il divario tra natura e umanità, unendole in un'unica storia. Tutto si collega.

Le fotografie sono state scattate su pellicola d'argento tradizionale e le stampe tradizionali su ingranditore d'argento sono state realizzate dal maestro artigiano e stampatore Diamantino Quintas, con cui Estelle Lagarde collabora da molti anni.

This new exhibition borrows its title from Wim Wenders' film “Until the end of the world”.

And it is at the edge of the world, where everything seems to have begun, that the two artists' photographic projects intersect. Both are open to enigmas, encounters and telluric forces.

Florence D'elle takes us on a journey to Norway, which she experienced as a journey to her origins. The Norwegian translation of this last word gives the title to her series: ‘Opprinnelsen’.

To reflect this return to her origins, Florence D'elle has chosen to give a fragile, delicate materiality to her images, using wet collodion to reveal them and then offering them as carbon prints and tintypes.

With ‘Les pionniers’, Estelle Lagarde also takes us on a journey to a composite land. These three territories (Iceland, Aubrac and the Île d'Aix) seem to connect with each other. The human presence, discreet and mysterious, bridges the gap between nature and humanity, uniting them in a single story. Everything connects.

The photographs were taken on traditional silver film, and the traditional silver enlarger prints were made by master craftsman and printer Diamantino Quintas, with whom Estelle Lagarde has worked for many years.

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

MASI Lugano
15. Februar 2025

Many Moons
Louisa Gagliardi

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Schweiz) ist heute eine der interessantesten Stimmen in der zeitgenössischen Kunstszene der Schweiz. In ihren Arbeiten, in denen sich traditionelle Maltechniken mit digitaler Technologie verbinden, untersucht sie Themen wie die Identität, den sozialen Wandel und die Beziehung zwischen dem Individuum und seinem Umfeld. In ihrer Einzelausstellung im MASI Lugano, der ersten in einem Schweizer Museum, stellt sie eine Serie mit neuen Werken – Malerei und Skulpturen – in einem in einem für das Untergeschoss des LAC maßgeschneiderten Parcours vor.

Kuratiert von Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Suisse) s'est imposée comme l'une des artistes les plus intéressantes de la scène suisse contemporaine. Dans ses œuvres, où elle combine les techniques de peinture traditionnelles et la technologie numérique, elle explore des thèmes tels que l'identité, les transformations sociales et la relation entre l'individu et son environnement. Pour son exposition personnelle au MASI Lugano - la première dans un musée suisse - l'artiste présente une série de nouvelles productions, peintures et sculptures, dans un parcours taillé sur mesure pour l'espace en sous-sol du LAC.

Sous la direction de Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Svizzera) si è affermata come una delle voci più interessanti della scena svizzera contemporanea. Nei suoi lavori, in cui unisce tecniche pittoriche tradizionali e tecnologia digitale, esplora temi come l’identità, le trasformazioni sociali e il rapporto tra l’individuo e il suo ambiente. Per la sua personale al MASI – la prima in un museo svizzero – l’artista presenta una serie di nuove produzioni, dipinti e sculture in un percorso sviluppato su misura per lo spazio ipogeo del LAC.

A cura di Francesca Benini

Louisa Gagliardi (1989, Sion, Switzerland) has established herself as one of the most interesting voices on the Swiss contemporary art scene. In her works, which combine traditional painting techniques and digital technology, she explores themes such as identity, how society is changing, and the relationship between the individual and their environment. For her solo exhibition at MASI Lugano – the first in a Swiss museum – the artist will be showing a series of new works, paintings and sculptures in a site-specific presentation designed for the LAC's lower ground floor.

Curated by Francesca Benini

(Text: MASI Lugano)

Canavetto Luganese | Lugano
15. Februar 2025

Blue Highways
Flavia Leuenberger Ceppi

Die hier gezeigten Bilder wurden auf sieben Reisen durch die Vereinigten Staaten aufgenommen. Ich wollte nicht nur einige ikonische Orte besuchen, sondern auch Routen planen, die es mir ermöglichten, durch unbekannte und ungewöhnliche Gegenden zu reisen. Ich war schon immer fasziniert von der „einfachen“ Betrachtung der Weite dieser Gebiete und ihrer Details, Szenarien, in denen der Mensch fast nicht vorkommt. Einige der Routen mit den entsprechenden Bildern, die hier gezeigt werden, wurden auch in der Absicht geplant, Orte zu besuchen, die das amerikanische Kino und die Fotografie inspiriert haben.

So entstand die Idee, diese Ausstellung „Blue Highways“ zu nennen, den Titel des autobiografischen Buches von William Least Heat Moon, denn Blau war auf alten amerikanischen Karten die Farbe der Straßen, denen er folgte, der Nebenstraßen, die durch den Bau der Interstates obsolet wurden.

Meine Reisen folgten nicht den Routen des Schriftstellers, aber der Geist der Suche nach authentischeren Orten, an denen die Straße oft der Protagonist ist, ist vielleicht ähnlich.

Les images exposées ici ont été prises au cours de sept voyages à travers les États-Unis. J'ai toujours été fasciné par la contemplation « simple » de l'immensité de ces territoires et de ses détails, des scénarios dans lesquels l'être humain est presque absent. Certains itinéraires, avec les images correspondantes présentées ici, ont également été tracés dans l'intention de visiter des lieux qui ont inspiré le cinéma et la photographie américains.

D'où l'idée d'intituler cette exposition « Blue Highways », titre du livre autobiographique de William Least Heat Moon, parce que le bleu était la couleur, sur les vieilles cartes américaines, des routes qu'il suivait, les routes secondaires rendues obsolètes par la construction des interstates.

Mes voyages n'ont pas suivi les itinéraires de l'écrivain, mais l'esprit de recherche de lieux plus authentiques où la route est souvent le protagoniste peut être similaire.

Le immagini qui esposte sono state realizzate nel corso di sette viaggi attraverso gli Stati Uniti. Oltre a visitare alcune località iconiche, ho voluto tracciare degli itinerari che mi hanno permesso di percorrere aree sconosciute e insolite: mi ha sempre affascinato la “semplice” contemplazione della vastità di questi territori e dei suoi dettagli, scenari in cui l’essere umano è quasi assente. Alcuni tragitti, con le realtive immagini qui presentate, sono inoltre stati delineati con l’intento di poter visitare luoghi che hanno ispirato il cinema e la fotografia americana.

Da qui l’idea di chiamare questa esposizione “Blue Highways”, (Strade Blu): titolo del libro autobiografico di William Least Heat Moon, perché blu era il colore, sulle vecchie mappe americane, delle strade che seguiva, quelle secondarie rese obsolete dalla costruzione delle interstatali.

I miei viaggi non hanno seguito i percorsi dello scrittore, ma lo spirito volto a cercare località più autentiche in cui la strada ne è spesso la protagonista, potrebbe essere simile.

The images exhibited here were taken during seven trips across the United States. In addition to visiting some iconic locations, I wanted to map out itineraries that allowed me to travel through unknown and unusual areas.I have always been fascinated by the “simple” contemplation of the vastness of these territories and its details, scenarios in which human beings are almost absent. Some routes, with the realtive images presented here, have also been outlined with the intention of being able to visit places that have inspired American cinema and photography.

Hence the idea of calling this exhibition “Blue Highways,” (Blue Roads): the title of William Least Heat Moon's autobiographical book, because blue was the color, on old American maps, of the roads he followed, the secondary ones made obsolete by the construction of interstates.

My travels have not followed the writer's routes, but the spirit aimed at seeking more authentic locations in which the road is often the protagonist may be similar.

(Text: Fondazione Diamante)

Fotohof | Salzburg
13. Februar 2025

New Documents refined
Paul Kranzler, Stefanie Moshammer, Seiichi Furuya

In Anlehnung an die berühmte Ausstellung »New Documents« (Diane Arbus, Lee Friedlander und Gerry Winogrand, MOMA 1967) betiteln wir die Ausstellung im FOTOHOF mit Bildern von Paul Kranzler und Stefanie Moshammer in der Galerie und Seiichi Furuya im Studio »New Documents – refined«. Sie zeigt Fotografien der Kinder, der Großmutter, der Partnerin – Familienbilder im weitesten Sinn und mit ganz unterschiedlichen Herangehensweisen sind das Thema der drei prominenten österreichischen Fotograf:innen.

Paul Kranzler ist Vater von drei Kindern – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler zeigt bisher unveröffentlichte Bilder von und mit seinen Kindern und erzählt allgemeingültige Geschichten von Liebe und Nähe, von Spiel und Ernst, mit Entschlossenheit zum gelungenen Bild, voller Zärtlichkeit dem gelegentlichen Chaos gegenüber.

»Die Menschen und Räume und Landschaften der persönlichen Umgebung sind ja auch die meistfotografierten Motive der Welt. Ist man lang in einer Umgebung, dann heißt diese ›zu Hause‹ oder ›Beziehung‹ oder ›Familie‹ oder ›Heimat‹ oder ›Friedhof‹ oder ›Gefängnis‹ usw. Vielleicht ist die persönliche Umgebung vier-dimensional – der dreidimensionale Raum und die vierte Dimension, die diesem (Lebens/Menschen)raum anhaftende Emotion.« (Paul Kranzler)

Stefanie Moshammer verbrachte in ihrer Kindheit viel Zeit mit ihren elf Cousins und Cousinen im Haus der Großeltern im Mühlviertel in Oberösterreich. Sie spielten zusammen, indem sie sich verkleideten und mit den Kleidern und Gegenständen, die ihre Eltern ihnen im Haus gelassen hatten, in Szene setzten. Jahre später lässt sie für eine Fotoserie, spielerisch arrangierte Stillleben und gemeinschaftliche Inszenierungen mit ihrer Großmutter, diese Erinnerungen wieder aufleben. Sie sind eine visuelle Kapsel von Erinnerungen an das Haus und Erlebnisse in ihrer Kindheit darin. Die hellen und farbenfrohen Bilder erzählen auch von den Auswirkungen des Alterns, von alltäglichen Ritualen, von der Unbeständigkeit des Lebens, aber auch von Würde und selbstbestimmtem Leben. In einer wandfüllenden Zusammenstellung spinnt Moshammer ein Netz aus Metaphern und Assoziationen.

Seiichi Furuyas auch als Buch publizierte Serie geht – wie die meisten seiner Arbeiten – auf eine geradezu forensische Sichtung seines Archivs zurück, in dem er immer wieder neues entdeckt und enthüllt. In „Face To Face“ stellt Seiichi Furuya zum ersten Mal seine Bilder jenen Bildern gegenüber, die seine Frau Christine von ihm aufgenommen hat. Christine, die 1985 Selbstmord beging, erweist sich hier als talentierte und sensible Fotografin. In den Diptychen, die Furuya arrangiert, verschränkt sich Christines Blick mit dem von Seiichi, der sich nun ebenfalls auf das Spiel einlässt, das beobachtete Subjekt zu sein.

»Während die visuelle Erinnerungsarbeit, die Seiichi im Laufe der Jahre geleistet hat, ein unaufhörlicher Versuch ist, seine Trauer zu verarbeiten, indem er sein Gesicht in den Rahmen ihrer Liebesgeschichte einfließen lässt, deutet »Face to Face, 1978-1985« darauf hin, dass diese endlose Recherche des Autors auch als der Wunsch gelesen werden könnte, Spuren seiner selbst und der Rolle, die er in den Erinnerungen an ihr gemeinsames Leben spielte, zu finden. Diese Bilderserie erzählt von einee siebenjährige Beziehung in einem visuellen Dialog (…) in der die Fotografie eine fundamentale Rolle spielt: Sie entstaubt verschüttete Erinnerungen und ermöglicht es, die Vergangenheit zu rekonstruieren, und gleichzeitig schafft sie neue Erinnerungen, die von der Perspektive und dem Lauf der Zeit beeinflusst werden.«

R. Cerbarano

Die ausgestellten Prints Von Seiichi Furuya sind eine Schenkung des Fotografen an das FOTOHOF>ARCHIV.

En référence à la célèbre exposition « New Documents » (Diane Arbus, Lee Friedlander et Gerry Winogrand, MOMA 1967), nous intitulons l'exposition au FOTOHOF avec des photos de Paul Kranzler et Stefanie Moshammer dans la galerie et Seiichi Furuya dans le studio « New Documents - refined ». Elle présente des photographies des enfants, de la grand-mère, de la partenaire - des images de famille au sens le plus large et avec des approches très différentes sont le thème de ces trois éminents photographes autrichiens.

Paul Kranzler est père de trois enfants - Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler montre des photos inédites de et avec ses enfants et raconte des histoires universelles d'amour et de proximité, de jeu et de sérieux, avec détermination pour réussir l'image, pleines de tendresse face au chaos occasionnel.

« Les personnes, les espaces et les paysages de l'environnement personnel sont aussi les motifs les plus photographiés au monde. Si l'on reste longtemps dans un environnement, celui-ci s'appelle 'maison' ou 'relation' ou 'famille' ou 'foyer' ou 'cimetière' ou 'prison', etc. Peut-être que l'environnement personnel est quadridimensionnel - l'espace tridimensionnel et la quatrième dimension, l'émotion attachée à cet espace (de vie/personnel) ». (Paul Kranzler)

Dans son enfance, Stefanie Moshammer a passé beaucoup de temps avec ses onze cousins et cousines dans la maison de ses grands-parents dans le Mühlviertel en Haute-Autriche. Ils jouaient ensemble en se déguisant et en se mettant en scène avec les vêtements et les objets que leurs parents leur avaient laissés dans la maison. Des années plus tard, elle fait revivre ces souvenirs pour une série de photos, des natures mortes arrangées de manière ludique et des mises en scène collectives avec sa grand-mère. Ils constituent une capsule visuelle des souvenirs de la maison et des expériences qu'elle y a vécues dans son enfance. Les images lumineuses et colorées parlent également des effets du vieillissement, des rituels quotidiens, de l'instabilité de la vie, mais aussi de la dignité et de l'autodétermination. Dans une composition qui occupe tout un mur, Moshammer tisse un réseau de métaphores et d'associations.

La série de Seiichi Furuya, également publiée sous forme de livre, est issue - comme la plupart de ses travaux - d'un examen quasi médico-légal de ses archives, dans lesquelles il découvre et révèle sans cesse de nouvelles choses. Dans « Face To Face », Seiichi Furuya confronte pour la première fois ses images avec celles que sa femme Christine a prises de lui. Christine, qui s'est suicidée en 1985, se révèle ici une photographe talentueuse et sensible. Dans les diptyques arrangés par Furuya, le regard de Christine s'entrecroise avec celui de Seiichi, qui se prête désormais lui aussi au jeu d'être le sujet observé.

« Alors que le travail de mémoire visuel effectué par Seiichi au fil des années est une tentative incessante de faire son deuil en intégrant son visage dans le cadre de leur histoire d'amour, « Face to Face, 1978-1985 » suggère que cette recherche sans fin de l'auteur pourrait aussi être lue comme le désir de trouver des traces de lui-même et du rôle qu'il a joué dans les souvenirs de leur vie commune. Cette série d'images raconte une relation de sept ans dans un dialogue visuel (...) dans lequel la photographie joue un rôle fondamental : elle dépoussière les souvenirs enfouis et permet de reconstruire le passé, tout en créant de nouveaux souvenirs influencés par la perspective et le passage du temps ».

R. Cerbarano

Les tirages de Seiichi Furuya exposés sont un don du photographe aux FOTOHOF>ARCHIV.

In riferimento alla famosa mostra “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander e Gerry Winogrand, MOMA 1967), intitoliamo la mostra al FOTOHOF con le immagini di Paul Kranzler e Stefanie Moshammer in galleria e di Seiichi Furuya in studio “New Documents - refined”. La mostra presenta fotografie dei figli, della nonna, del partner - immagini di famiglia in senso lato e con approcci molto diversi sono il tema dei tre importanti fotografi austriaci.

Paul Kranzler è padre di tre figli: Nikolaus (11), Marielen (9) e Moritz (7). Kranzler mostra immagini inedite di e con i suoi figli e racconta storie universali di amore e vicinanza, di gioco e serietà, con determinazione per la riuscita dell'immagine, piena di tenerezza verso il caos occasionale.

“Le persone, gli spazi e i paesaggi dell'ambiente personale sono i motivi più fotografati al mondo. Se si trascorre molto tempo in un ambiente, questo viene chiamato 'casa' o 'relazione' o 'famiglia' o 'abitazione' o 'cimitero' o 'prigione' ecc. Forse l'ambiente personale è quadridimensionale: lo spazio tridimensionale e la quarta dimensione, l'emozione legata a questo spazio (vita/persone)”. (Paul Kranzler)

Da bambina, Stefanie Moshammer trascorreva molto tempo con i suoi undici cugini nella casa dei nonni nella regione del Mühlviertel, in Alta Austria. Giocavano insieme travestendosi e posando con i vestiti e gli oggetti che i genitori avevano lasciato loro in casa. A distanza di anni, l'artista fa rivivere questi ricordi in una serie di fotografie, nature morte giocosamente organizzate e messe in scena in comune con la nonna. Sono una capsula visiva dei ricordi della casa e delle sue esperienze d'infanzia. Le immagini, luminose e colorate, raccontano anche degli effetti dell'invecchiamento, dei rituali quotidiani, dell'impermanenza della vita, ma anche della dignità e della vita autodeterminata. Moshammer tesse una rete di metafore e associazioni in una composizione a parete.

Come la maggior parte delle sue opere, la serie di Seiichi Furuya, pubblicata anche come libro, è il risultato di un esame quasi forense del suo archivio, in cui scopre e porta alla luce sempre nuove cose. In “Face To Face”, Seiichi Furuya accosta le sue foto a quelle scattate per la prima volta dalla moglie Christine. Christine, che si è suicidata nel 1985, si dimostra una fotografa talentuosa e sensibile. Nei dittici che Furuya organizza, lo sguardo di Christine si intreccia con quello di Seiichi, che ora si cimenta anche nel gioco di essere il soggetto osservato.

“Se il lavoro di memoria visiva che Seiichi ha fatto nel corso degli anni è un tentativo incessante di elaborare il suo dolore incorporando il suo volto nella cornice della loro storia d'amore, “Face to Face, 1978-1985” suggerisce che questa ricerca infinita da parte dell'autore potrebbe anche essere letta come un desiderio di trovare tracce di sé e del ruolo che ha giocato nei ricordi della loro vita insieme. Questa serie di immagini racconta una relazione durata sette anni in un dialogo visivo (...) in cui la fotografia gioca un ruolo fondamentale: rispolvera memorie sepolte e permette di ricostruire il passato, creando allo stesso tempo nuovi ricordi influenzati dalla prospettiva e dallo scorrere del tempo”.

R. Cerbarano

Le stampe di Seiichi Furuya esposte sono un dono del fotografo al FOTOHOF>ARCHIV.

In reference to the famous exhibition “New Documents” (Diane Arbus, Lee Friedlander and Gerry Winogrand, MOMA 1967), we have named the exhibition at the FOTOHOF with pictures by Paul Kranzler and Stefanie Moshammer in the gallery and Seiichi Furuya in the studio “New Documents - refined”. It shows photographs of children, of grandmothers, of partners – family pictures in the broadest sense and with very different approaches are the subject of the three prominent Austrian photographers.

Paul Kranzler is the father of three children – Nikolaus (11), Marielen (9), Moritz (7). Kranzler shows previously unpublished pictures of and with his children and tells universal stories of love and closeness, of play and seriousness, with determination to create a successful picture, full of tenderness towards the occasional chaos.

“The people and spaces and landscapes of our personal surroundings are also the most frequently photographed subjects in the world. If you live in a particular environment for a long time, it has a name: 'home' or 'relationship' or 'family' or 'home' or 'cemetery' or 'prison', etc. Perhaps our personal environment is four-dimensional – three-dimensional space and the fourth dimension, the emotion associated with this (living/human) space.” (Paul Kranzler)

As a child, Stefanie Moshammer spent a lot of time with her eleven cousins at her grandparents' house in the Mühlviertel region of Austria. They played together by dressing up and staging themselves with the clothes and objects their parents had left them in the house. Years later, she revisited these memories for a series of photographs, playfully arranged still lifes, and collaborative enactments with her grandmother. They are a visual capsule of memories of the house and experiences in it during her childhood. The bright and colorful images also tell of the effects of aging, of everyday rituals, of the impermanence of life, but also of dignity and self-determination. In a wall-sized compilation, Moshammer spins a web of metaphors and associations.

Seiichi Furuya's series, which has also been published as a book, is based – like most of his works – on an almost forensic sifting through his archive, in which he repeatedly discovers and reveals new things. In “Face To Face”, Furuya juxtaposes his images with those taken of him by his wife Christine for the first time. Christine, who committed suicide in 1985, proves to be a talented and sensitive photographer. In the diptychs that Furuya arranges, Christine's gaze intertwines with that of Seiichi, who now also engages in the game of being the observed subject.

“While the visual labor of memory that Seiichi has undertaken over the years is an incessant attempt to process his grief by incorporating his face into the frame of their love story, “Face to Face , 1978-1985” suggests that this endless research by the author could also be read as a desire to find traces of himself and the role he played in the memories of their life together. This series of images recounts a seven-year relationship in a visual dialog (...), in which photography plays a fundamental role: it dusts off buried memories and makes it possible to reconstruct the past, while at the same time creating new memories influenced by perspective and the passage of time.”

R. Cerbarano

The exhibited prints by Seiichi Furuya are a donation from the photographer to the FOTOHOF>ARCHIV.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Bildhalle | Amsterdam
13. Februar 2025

Le Miroir aveugle
Laurence Aëgerter

Die Ausstellung lädt dazu ein, über unsere Wahrnehmung der Welt, unsere Erfahrungen und die Spuren, die sie hinterlassen, nachzudenken. Sie kann als Memento mori oder als Porträt eines Lebens in Abwesenheit interpretiert werden – eine ergreifende Erinnerung an das, was verloren gegangen ist oder nicht mehr vorhanden ist.

„Le Miroir aveugle“ bezieht sich auf niederländische Gemälde aus dem 17. Jahrhundert, in denen gemalte Vorhänge oft die Hauptszene teilweise verdeckten. Diese Technik, die einen illusionären Effekt erzeugt, ermöglichte es den Betrachtern, Innenszenen, religiöse Motive oder Kirchenräume zu entdecken, während das Kunstwerk gleichzeitig vor Licht geschützt wurde. Auf diese Weise untersucht Aëgerters Werk die Themen Erinnerung und Reflexion vergangener Erfahrungen.

Was Aëgerters Praxis auszeichnet, ist ihr Gebrauch von Aneignung und ihr tiefes Wissen über Kunstgeschichte, das sie nutzt, um Verbindungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart herzustellen. Ihre Werke bieten neue Perspektiven, deuten mögliche Zukünfte an und reflektieren gleichzeitig die Geschichte, die sie heraufbeschwören. Einige ihrer Werke fungieren als Spiegel, die nicht nur die Vergangenheit reflektieren, sondern auch neue Bedeutungen und Wege für morgen aufzeigen.

Laurence Aëgerters Praxis umfasst Fotografie, Wandteppiche und Gemeinschaftsprojekte, die sich alle auf die Erstellung, Verbreitung und Nutzung von Bildern und Informationen konzentrieren. Sie manipuliert und interpretiert häufig historisches und archiviertes Material – insbesondere Fotografien – neu, indem sie es dekonstruiert oder neu mischt, um verborgene oder übersehene Erzählungen aufzudecken. Dadurch fordert sie die Betrachter auf, die Authentizität des Gesehenen in Frage zu stellen und historische Erzählungen zu überdenken.

Ihre Arbeit ist sowohl intellektuell anspruchsvoll als auch visuell fesselnd und fordert das Publikum auf, die Natur der Realität, der Erinnerung und die Art und Weise, wie wir die Welt interpretieren, zu überdenken.

L'exposition invite à une réflexion sur notre perception du monde, nos expériences et les traces qu'elles laissent derrière elles. Elle peut être interprétée comme un memento mori ou comme le portrait d'une vie absente - un rappel poignant de ce qui a été perdu ou n'est plus présent.

« Le Miroir aveugle » fait référence aux peintures hollandaises du XVIIe siècle, dans lesquelles les rideaux peints cachaient souvent partiellement la scène principale. Cette technique, qui crée un effet d'illusion, permettait aux spectateurs de découvrir des scènes d'intérieur, des motifs religieux ou des intérieurs d'église, tout en protégeant l'œuvre de la lumière. L'œuvre d'Aëgerter explore ainsi les thèmes de la mémoire et de la réflexion sur les expériences passées.

La pratique d'Aëgerter se distingue par son utilisation de l'appropriation et sa connaissance approfondie de l'histoire de l'art, qu'elle utilise pour établir des liens entre le passé et le présent. Ses œuvres offrent de nouvelles perspectives, suggérant des futurs potentiels tout en réfléchissant à l'histoire qu'elles évoquent. Certaines de ses œuvres fonctionnent comme des miroirs, reflétant non seulement le passé, mais découvrant également de nouvelles significations et de nouvelles voies pour demain.

La pratique de Laurence Aëgerter s'étend de la photographie à la tapisserie, en passant par des projets collaboratifs, tous axés sur la création, la diffusion et la consommation d'images et d'informations. Elle manipule et réinterprète souvent des documents historiques et d'archives - en particulier des photographies - en les déconstruisant ou en les remixant pour révéler des récits cachés ou négligés. Elle incite ainsi les spectateurs à remettre en question l'authenticité de ce qu'ils voient et à reconsidérer les récits historiques.

Son travail est à la fois intellectuellement rigoureux et visuellement fascinant, incitant le public à repenser la nature de la réalité, de la mémoire et de la façon dont nous interprétons le monde.

La mostra invita a riflettere sulla nostra percezione del mondo, sulle nostre esperienze e sulle tracce che lasciano dietro di sé. Può essere interpretata come un memento mori o come il ritratto di una vita in assenza - un ricordo struggente di ciò che è andato perduto o non è più presente.

“Le Miroir aveugle” fa riferimento ai dipinti olandesi del XVII secolo, in cui le tende dipinte spesso nascondevano parzialmente la scena principale. Questa tecnica, creando un effetto illusorio, permetteva agli spettatori di scoprire scene di interni, motivi religiosi o interni di chiese, proteggendo al contempo l'opera d'arte dalla luce. In questo modo, l'opera di Aëgerter esplora i temi della memoria e del riflesso delle esperienze passate.

Ciò che distingue la pratica di Aëgerter è l'uso dell'appropriazione e la profonda conoscenza della storia dell'arte, che utilizza per creare connessioni tra passato e presente. Le sue opere offrono nuove prospettive, suggerendo potenziali futuri e riflettendo sulla storia che evocano. Alcune delle sue opere funzionano come specchi, non solo riflettendo il passato ma anche scoprendo nuovi significati e percorsi per il domani.

La pratica di Laurence Aëgerter spazia tra fotografia, arazzi e progetti collaborativi, tutti incentrati sulla creazione, la diffusione e il consumo di immagini e informazioni. Spesso manipola e reinterpreta materiali storici e d'archivio, in particolare fotografie, decostruendoli o rimescolandoli per rivelare narrazioni nascoste o trascurate. In questo modo, sfida gli spettatori a mettere in discussione l'autenticità di ciò che vedono e a riconsiderare le narrazioni storiche.

Il suo lavoro è intellettualmente rigoroso e visivamente avvincente, e spinge il pubblico a ripensare la natura della realtà, della memoria e dei modi in cui interpretiamo il mondo.

The exhibition invites reflection on our perception of the world, our experiences, and the traces they leave behind. It can be interpreted as a memento mori or as a portrait of a life in absence – a poignant reminder of what has been lost or is no longer present.

“Le Miroir aveugle” references 17th-century Dutch paintings, in which painted curtains often partially concealed the main scene. This technique, creating an illusionary effect, allowed viewers to uncover interior scenes, religious motifs, or church interiors, while also protecting the artwork from light. Through this, Aëgerter’s work explores the themes of memory and the reflection of past experiences.

What sets Aëgerter’s practice apart is her use of appropriation and deep knowledge of art history, which she uses to forge connections between past and present. Her works offer new perspectives, suggesting potential futures while reflecting on the history they evoke. Some of her pieces function as mirrors, not only reflecting the past but also uncovering new meanings and pathways for tomorrow.

Laurence Aëgerter’s practice spans photography, tapestry, and collaborative projects, all focused on the creation, dissemination, and consumption of images and information. She often manipulates and reinterprets historical and archival materials – particularly photographs – deconstructing or remixing them to reveal hidden or overlooked narratives. Through this, she challenges viewers to question the authenticity of what they see and reconsider historical narratives.

Her work is both intellectually rigorous and visually compelling, urging audiences to rethink the nature of reality, memory, and the ways we interpret the world.

Le Miroir aveugle nodigt uit tot reflectie over onze perceptie van de wereld, onze ervaringen en de sporen die ze achterlaten. Het kan worden geïnterpreteerd als een memento mori of als een portret van een leven in afwezigheid – een aangrijpende herinnering aan wat verloren is gegaan of niet langer aanwezig is.

Le Miroir aveugle verwijst naar 17e-eeuwse Nederlandse schilderijen waarin gordijnen vaak de hoofdscène gedeeltelijk verborgen. Deze techniek, die een illusionistisch effect creëerde, stelde de kijker in staat interieurtaferelen, religieuze motieven of kerkinterieurs te onthullen, terwijl het kunstwerk tegen licht werd afgeschermd. Op deze manier onderzoekt Aëgerters werk de thema’s geheugen en reflectie op ervaringen uit het verleden.

Wat Aëgerter’s praktijk onderscheidt, is haar gebruik van appropriatie en haar diepe kennis van kunstgeschiedenis, die ze inzet om verbanden te leggen tussen het verleden en het heden. Haar werken bieden nieuwe perspectieven en suggereren mogelijke toekomsten, terwijl ze reflecteren op de geschiedenis die ze oproepen. Sommige van haar werken fungeren als spiegels, die niet alleen het verleden reflecteren, maar ook nieuwe betekenissen en paden voor de toekomst onthullen.

Aëgerter’s werk omvat fotografie, wandtapijt en samenwerkingsprojecten, die allemaal gericht zijn op de creatie, verspreiding en consumptie van beelden en informatie. Ze manipuleert en herinterpreteert vaak historische en archiefmaterialen – vooral fotografie – door ze te deconstrueren of te remixeren om verborgen of over het hoofd geziene verhalen te onthullen. Hiermee daagt ze het publiek uit om de authenticiteit van wat ze zien in twijfel te trekken en historische narratieven opnieuw te overwegen.

Haar werk is zowel intellectueel rigoureus als visueel boeiend, en moedigt het publiek aan de aard van de werkelijkheid,

het geheugen en de manieren waarop we de wereld interpreteren, opnieuw te bedenken.

(Text: Bildhalle Zürich/Amsterdam)

Luma Westbau | Zürich
7. Februar 2025

A Trilogy: The Tempest Society, The Circle, and The Public Storyteller
Bouchra Khalili

Bouchra Khalili arbeitet mit verschiedenen Medien, darunter Film, Video, Installation, Fotografie, Arbeiten auf Papier, Textil und redaktionellen Plattformen. Ihre multidisziplinäre Praxis eröffnet neue Perspektiven auf Bürgerschaft an, die es uns ermöglichen, andere Formen der Zugehörigkeit zu erdenken.

Film und Video spielen eine zentrale Rolle in ihrem Denken. Bekannt für komplexe und vielschichtige narrative Konstruktionen, greifen Khalilis filmische Arbeiten auf verdrängte historische Momente kollektiver Emanzipation zurück, die unterschiedliche Geschichten, Geografien und Generationen umfassen. Weder Dokumentarfilm noch Fiktion, ihre tiefgründig recherchierten „Film-Hypothesen“ artikulieren Sprache, mündliche Überlieferung, poetische Beschwörungen, Erzählkunst und innovative visuelle Formen.

Durch Experimente mit der Montage wird Khalilis Schnittprozess zu einem zentralen Werkzeug ihrer Erzähltechniken. In ihren Filmen übernehmen die nicht-professionellen Darsteller zugleich die Rollen von Erzählern und „Editoren“. Sie erzählen und inszenieren textliche und visuelle Konstellationen unarchivierter Geschichten kollektiver Emanzipation, die von offiziellen Narrativen unterdrückt wurden. Durch die Verknüpfung von Fragmenten mündlicher Überlieferungen mit persönlichen Zeugnissen, Texten, Fotografien und bewegten Bildern wird die Vergangenheit dynamisch aktiviert und ihre Verbindungen zur Gegenwart sichtbar gemacht. Mit poetischer Kraft beschwören Khalilis Filme die Geister unerfüllter Versprechen und das Scheitern moderner Politik herauf und laden die Zuschauer ein, als Zeugen unserer Geschichte aufzutreten und über mögliche kollektive Zukünfte nachzudenken.

Die Ausstellung vereint drei von Khalilis bedeutendsten filmischen Werken: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) – eine Mixed-Media-Installation, die die Video-Installation The Circle (2023), das Wandplakat A Timeline for a Constellation (2023) und die Film-Installation The Storytellers (2023) umfasst – sowie The Public Storyteller (2024). Diese Werkserie gipfelt in der synchronisierten Zweikanal-Installation The Public Storyteller, einer poetischen Meditation über die Kraft des Erzählens. Das Werk führt die Erzählungen aus The Tempest Society und The Circle zu ihren ursprünglichen Wurzeln zurück und hebt die Bedeutung der Fabulierung als kollektiven Prozess hervor.

Diese Werkreihe basiert auf Khalilis umfangreicher Forschung zum Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Bewegung der arabischen Arbeiter) und seinen Theatergruppen Al Assifa (Der Sturm auf Arabisch) und Al Halaka (Der Kreis auf Arabisch, der sich auch auf die in Nordafrika verbreitete Tradition des öffentlichen Geschichtenerzählens bezieht). Das MTA war eine wegweisende, autonome Organisation, die in den 1970er Jahren von maghrebinischen Arbeitern in Frankreich gegründet wurde und sich für gleiche Rechte einsetzte. Das Theater stand im Zentrum ihres Aktivismus und verkörperte ihre Vorstellung von Solidarität und Verbundenheit, da es maghrebinische Arbeiter und ihre französischen Verbündeten zusammenbrachte.

The Tempest Society spielt in Athen und greift die Theaterexperimente von Al Assifa auf, um deren Relevanz im Kontext der humanitären, sozialen und wirtschaftlichen Krise zu unter-suchen, die die griechische Hauptstadt 2016 prägte. The Circle setzt die Erzählung fort und beleuchtet die Gründung des MTA im Jahr 1973 in Paris und Marseille, seine Theatergruppen sowie die Kandidatur eines ihrer undokumentierten Mitglieder bei der französischen Präsidentschaftswahl 1974. Darüber hinaus bietet The Storytellers (2023) einen kontemplativen Raum für Geschichte, in dem ehemalige Mitglieder von Al Assifa und Al Halaka fünfzig Jahre nach ihrer ersten Aufführung Teile ihres nicht archivierten mündlichen Repertoires präsentieren. The Public Storyteller (2024) zeigt die Performance eines Geschichtenerzählers in Marrakesch, der fünfzig Jahre später den Wahlkampf von Djellali Kamel in der Tradition der "Halka" (der Kreis, die Versammlung) – der ältesten Form des öffentlichen Geschichtenerzählens in Marokko – nacherzählt. Der Akt des Erzählens und Zuhörens verwandelt sich in ein Ritual, das den Geist von Djellali beschwört, indem es alte mündliche Traditionen mit der Diaspora verbindet und so potenzielle Formen transnationaler Zugehörigkeit aufzeigt.

Gemeinsam präsentieren die Werke in der Ausstellung alternative Formen der Zugehörigkeit und der Kollektivbildung durch und mit Performance. Sie bieten einen meditativen Zugang zu unterdrückten Geschichten, zur Kraft kollektiver Fabulierung, wie sie vom öffentlichen Geschichtenerzähler verkörpert wird, und zur „Montage“ als Kunstform, die begrabene Geschichte wieder zum Leben erwecken kann.

Bouchra Khalili travaille avec différents médias, dont le film, la vidéo, l'installation, la photographie, le travail sur papier, le textile et les plateformes éditoriales. Sa pratique multidisciplinaire ouvre de nouvelles perspectives sur la citoyenneté, nous permettant d'imaginer d'autres formes d'appartenance.

Le film et la vidéo jouent un rôle central dans sa réflexion. Connues pour leurs constructions narratives complexes et multidimensionnelles, les œuvres cinématographiques de Khalili font appel à des moments historiques refoulés d'émancipation collective, englobant différentes histoires, géographies et générations. Ni documentaire, ni fiction, ses « hypothèses cinématographiques », profondément recherchées, articulent langage, tradition orale, évocations poétiques, art du récit et formes visuelles innovantes.

En expérimentant avec le montage, le processus de montage de Khalili devient un outil central de ses techniques narratives. Dans ses films, les acteurs non-professionnels jouent à la fois le rôle de narrateurs et de « monteurs ». Ils racontent et mettent en scène des constellations textuelles et visuelles d'histoires non archivées d'émancipation collective qui ont été réprimées par les récits officiels. En associant des fragments de traditions orales à des témoignages personnels, des textes, des photographies et des images animées, le passé est activé de manière dynamique et ses liens avec le présent sont rendus visibles. Avec une force poétique, les films de Khalili évoquent les fantômes des promesses non tenues et l'échec de la politique moderne, invitant les spectateurs à devenir les témoins de notre histoire et à réfléchir aux futurs collectifs possibles.

L'exposition réunit trois des œuvres cinématographiques les plus importantes de Khalili : The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - une installation de médias mixtes qui comprend l'installation vidéo The Circle (2023), l'affiche murale A Timeline for a Constellation (2023) et l'installation cinématographique The Storytellers (2023) - et The Public Storyteller (2024). Cette série d'œuvres culmine avec l'installation synchronisée à deux canaux The Public Storyteller, une méditation poétique sur le pouvoir de la narration. L'œuvre ramène les récits de The Tempest Society et de The Circle à leurs racines originelles et souligne l'importance de la fabulation en tant que processus collectif.

Cette série d'œuvres s'appuie sur les recherches approfondies de Khalili sur le Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA) et ses troupes de théâtre Al Assifa (La Tempête en arabe) et Al Halaka (Le Cercle en arabe, qui fait également référence à la tradition de narration publique répandue en Afrique du Nord). Le MTA était une organisation pionnière et autonome, fondée dans les années 1970 par des travailleurs maghrébins en France, qui militaient pour l'égalité des droits. Le théâtre était au cœur de leur activisme et incarnait leur conception de la solidarité et du lien, puisqu'il réunissait les travailleurs maghrébins et leurs alliés français.

The Tempest Society se déroule à Athènes et reprend les expériences théâtrales d'Al Assifa pour en explorer la pertinence dans le contexte de la crise humanitaire, sociale et économique qui a marqué la capitale grecque en 2016. The Circle poursuit le récit en mettant en lumière la création du MTA en 1973 à Paris et à Marseille, ses troupes de théâtre et la candidature d'un de leurs membres sans papiers à l'élection présidentielle française de 1974. En outre, The Storytellers (2023) offre un espace contemplatif pour l'histoire, dans lequel d'anciens membres d'Al Assifa et d'Al Halaka présentent des parties de leur répertoire oral non archivé, cinquante ans après leur première représentation. The Public Storyteller (2024) présente la performance d'un conteur à Marrakech qui, cinquante ans plus tard, raconte la campagne électorale de Djellali Kamel dans la tradition de la « halka » (le cercle, l'assemblée) - la plus ancienne forme de narration publique au Maroc. L'acte de raconter et d'écouter se transforme en un rituel qui convoque l'esprit de Djellali en reliant les anciennes traditions orales à la diaspora, révélant ainsi des formes potentielles d'appartenance transnationale.

Ensemble, les œuvres de l'exposition présentent des formes alternatives d'appartenance et de création de collectifs par et avec la performance. Elles offrent un accès méditatif aux histoires refoulées, au pouvoir de la fabulation collective incarnée par le conteur public, et au « montage » comme forme d'art capable de faire revivre une histoire enterrée.

Bouchra Khalili lavora con diversi media, tra cui film, video, installazioni, fotografia, opere su carta, tessuti e piattaforme editoriali. La sua pratica multidisciplinare apre nuove prospettive sulla cittadinanza che ci permettono di immaginare altre forme di appartenenza.

Il cinema e il video svolgono un ruolo centrale nel suo pensiero. Conosciute per le costruzioni narrative complesse e multistrato, le opere filmiche di Khalili attingono a momenti storici repressi di emancipazione collettiva che attraversano storie, geografie e generazioni diverse. Né documentario né fiction, le sue “ipotesi cinematografiche” profondamente studiate articolano linguaggio, tradizione orale, incantesimi poetici, arte narrativa e forme visive innovative.

Sperimentando con il montaggio, il processo di editing di Khalili diventa uno strumento centrale delle sue tecniche narrative. Nei suoi film, gli attori non professionisti assumono contemporaneamente il ruolo di narratori e “montatori”. Essi narrano e mettono in scena costellazioni testuali e visive di storie non archiviate di emancipazione collettiva che sono state soppresse dalle narrazioni ufficiali. Collegando frammenti di tradizione orale con testimonianze personali, testi, fotografie e immagini in movimento, il passato viene attivato dinamicamente e le sue connessioni con il presente rese visibili. Con forza poetica, i film di Khalili evocano i fantasmi di promesse non mantenute e il fallimento della politica moderna, invitando gli spettatori ad agire come testimoni della nostra storia e a riflettere su possibili futuri collettivi.

La mostra riunisce tre delle opere cinematografiche più significative di Khalili: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023) - un'installazione a tecnica mista che comprende la videoinstallazione The Circle (2023), il poster murale A Timeline for a Constellation (2023) e l'installazione cinematografica The Storytellers (2023) - e The Public Storyteller (2024). Questa serie di opere culmina nell'installazione sincronizzata a due canali The Public Storyteller, una meditazione poetica sul potere della narrazione. L'opera riporta le narrazioni di The Tempest Society e The Circle alle loro origini e sottolinea l'importanza della narrazione come processo collettivo.

Questa serie di opere si basa sull'approfondita ricerca di Khalili sul Mouvement des Travailleurs Arabes (MTA, Movimento dei Lavoratori Arabi) e sui suoi gruppi teatrali Al Assifa (La Tempesta in arabo) e Al Halaka (Il Cerchio in arabo, che si riferisce anche alla tradizione della narrazione pubblica prevalente in Nord Africa). L'MTA è stata un'organizzazione pionieristica e autonoma fondata dai lavoratori magrebini in Francia negli anni '70, che si batteva per la parità di diritti. Il teatro è stato al centro del loro attivismo e ha incarnato la loro idea di solidarietà e di connessione, in quanto ha riunito i lavoratori magrebini e i loro alleati francesi.

Ambientato ad Atene, The Tempest Society prende spunto dagli esperimenti teatrali di Al Assifa per esplorarne la rilevanza nel contesto della crisi umanitaria, sociale ed economica che ha colpito la capitale greca nel 2016. The Circle continua la narrazione, evidenziando la fondazione dell'MTA nel 1973 a Parigi e Marsiglia, i suoi gruppi teatrali e la candidatura di uno dei suoi membri senza documenti alle elezioni presidenziali francesi del 1974. Inoltre, The Storytellers (2023) offre uno spazio contemplativo per la storia, in cui gli ex membri di Al Assifa e Al Halaka presentano parti del loro repertorio orale non archiviato a cinquant'anni dalla loro prima esibizione. The Public Storyteller (2024) mostra la performance di un cantastorie di Marrakech che, cinquant'anni dopo, racconta la campagna elettorale di Djellali Kamel nella tradizione dell'“Halka” (il cerchio, la riunione) - la più antica forma di narrazione pubblica in Marocco. L'atto del raccontare e dell'ascoltare si trasforma in un rituale che evoca lo spirito di Djellali collegando le antiche tradizioni orali con la diaspora, rivelando potenziali forme di appartenenza transnazionale.

Insieme, le opere in mostra presentano forme alternative di appartenenza e collettivizzazione attraverso e con la performance. Offrono un approccio meditativo alle storie soppresse, al potere della creazione collettiva incarnato dal narratore pubblico e al “montaggio” come forma d'arte che può riportare in vita la storia sepolta.

Bouchra Khalili works across different media including film, video, installation, photography, works on paper, textile, and editorial platforms. Her multidisciplinary practice suggests civic imaginations that can allow us to envision other ways of belonging.

Film and video play a central role in her thinking. Known for complex and multilayered narrative constructions, Khalili’s filmic works draw on suppressed historical moments of collective emancipation that span diverse histories, geographies, and generations. Neither documentary nor fiction, her deeply researched “film hypotheses” articulate language, oral transmission, poetic invocations, storytelling, and innovative visual forms.

Experimenting withmontage, Khalili’s editing process is a key tool of her narration techniques. In her films, the non-professional performers are, at the same time, the film’s storytellers and “editors”. They narrate and act out textual and visual constellations of unarchived stories of collective emancipation that were suppressed by official narratives. Putting together fragments of oral histories with personal testimonies, texts, photographs, and moving images, they dynamically activate the pastwhile revealing its connections to the present. Summoning poetically the ghosts of unachieved promises and the failures ofmodern politics, Khalili’s films invite viewers to become the witnesses of our history and to contemplate our potential collective future.

The exhibition brings together three of Khalili’s seminal film works: The Tempest Society (2017), The Circle Project (2023)—a mixed-media installation that includes the video installation The Circle (2023), the mural poster A Timeline for a Constellation (2023), and the film installation The Storytellers (2023)—as well as The Public Storyteller (2024). This series of works conclude with the synchronized dual-channel installation The Public Storyteller, a poetic meditation on the power of storytelling. The work reconnects the narratives from The Tempest Society and The Circle to their original roots, highlighting the force of fabulation as a collective process.

This set of works departs from Khalili’s extensive research on the Mouvement des travailleurs arabes (MTA, Movement of Arab Workers) and its theater groups, Al Assifa (The Tempest in Arabic) and Al Halaka (The Circle in Arabic, which is also referencing the tradition of public storytelling that is common in North Africa). The MTA was a pioneering autonomous organization led by Maghrebi workers during the 1970s in France, advocating for equal rights. Theater was central to their activism, epitomizing their conception of solidarity and allyship, as it brought together Maghrebi workers and their French allies.

Set in Athens, The Tempest Society references the theatrical experiments of Al Assifa in order to examine their topicality in the context of the humanitarian, social, and economic crisis that marked the Greek capital in 2016. The Circle continues the same story, examining closely the birth of the MTA in 1973 both in Paris and in Marseille, its theater groups, and the candidacy of one of their undocumented members in the French presidential election in 1974. Further to these, The Storytellers (2023) suggests a contemplative space for history, where former members of Al Assifa and Al Halaka perform parts of their unarchived oral repertory fifty years after their first performance. The Public Storyteller (2024) shows the performance of a storyteller in Marrakesh narrating, 50 years later, the campaign of Djellali Kamel in the tradition of the "Halka" (the circle, the assembly), Morocco's most ancient form of public storytelling. The act of storytelling and of listening becomes a ritual for summoning the specter of Djellali to appear, blending ancient oral traditions with the diaspora, eventually suggesting potential forms of transnational belonging.

Together, the works in the exhibition propose alternative forms of belonging, production of collectivizes with and through performance. They offer a meditative approach to witnessing suppressed histories, the power of collective fabulation as epitomized by the public storyteller, and “montage” as the art capable of resurrecting buried history.

(Text: Luma Westbau)

Bernhard Knaus Fine Art | Frankfurt am Main
6. Februar 2025

Einführung durch Prof. Dr. Robert Fleck

Weiss war der Schnee
Thomas Wrede

Die Galerie Bernhard Knaus Fine Art präsentiert ihre erste Einzelausstellung mit Werken aus dem Glacier Project von Thomas Wrede. In seinem fotografischen OEuvre lotet Wrede die faszinierende Grenze zwischen Inszenierung und Wirklichkeit aus, wobei Landschaften als zentrales Sujet fungieren. Seine Werke ergründen sowohl vorgefundene als auch eigens kreierte Konstruktionen in der Natur, stets im Spannungsfeld zwischen Authentizität und Artifizialität.

Bereits Wredes frühere Werkgruppen thematisieren Umwelt, Naturkatastrophen und menschliche Spuren in der Landschaft, was zu einer einzigartigen Bildästhetik zwischen surrealer Verfremdung, kritischer Dokumentation und apokalyptischer Fiktion führt. Seine spektakulären Landschaftsaufnahmen der alpinen Gletscher spiegeln dabei auf erschreckend bildliche Weise den fortschreitenden Klimawandel und seine Folgen wider und sind damit aktueller denn je.

Während die Serie Real Landscapes sich durch gezielte Inszenierungen mit Miniaturmodellen in natürlichen Umgebungen auszeichnet, in denen der Künstler bewusst mit der Perspektive spielt und eine Spannung zwischen Realität und Fiktion erzeugt, verschmelzen bei den Gletscherfotografien natürliche Landschaften mit menschlichen Eingriffen.

Wredes Glacier Project, das 2017 mit Aufnahmen des Schweizer Rhonegletschers begann, umfasst großformatige Panoramen sowie Außen- und Innenansichten der Gletscherhöhlen. Es basiert auf dem Konzept der verpackten Landschaft. Um das rapide Abschmelzen der Gletscher zu verlangsamen, werden große Eisflächen – temporär oder auch dauerhaft – mit Vlies abgedeckt. Detailaufnahmen zeigen die verwitterten Abdeckungen, die Geröll und schmutzigen Schnee freilegen. Die morbide Ästhetik der Falten, die gewählten Ausschnitte und die vielfältigen Grautöne ergeben einzigartige malerische Motive. Diese Aufnahmen erinnern an Wredes frühe Serie Samsö aus den 1990er Jahren, in der Plastikfolien auf einer dänischen Insel in atmosphärischen Schwarzweiß-Aufnahmen eine beklemmende Schönheit entfalten.

Im Kontrast zur maroden "Außenhaut" steht das faszinierende Farben- und Lichtspiel der jahrhundertealten Eisschichten im Inneren. Die Vliesabdeckungen scheinen durch das dünner werdende Eis und brechen teilweise in die Höhle ein, wodurch Außen und Innen, Natürliches und Künstliches verschmelzen.

In der neueren Arbeiten Blutschnee erkundet Wrede ein faszinierendes Naturphänomen am Presena-Gletscher in Südtirol. Die rosarot schimmernden Algen im Tauwasser verwandeln den Schnee in abstrakte, fast surreale Farbkompositionen, die die fragile Schönheit, Vergänglichkeit und klimatische Transformation der alpinen Landschaft eindringlich visualisieren.

Der Titel WEISS WAR DER SCHNEE unserer Ausstellung deutet auf eine verlorene Reinheit hin, evoziert eine elegische Meditation über die einst unberührte alpine Landschaft. Er changiert zwischen melancholischer Reminiszenz und zeitdiagnostischer Klage, indem er die jungfräuliche Reinheit des Schnees als Metapher für eine unwiederbringlich verlorene Ursprünglichkeit heraufbeschwört und symbolisiert so Vergänglichkeit und Wandel in Wredes Gletscherfotografien.

Wredes Ziel ist keine dokumentarische Erfassung der Gletscherveränderungen, sondern vielmehr die Verwendung der Fotografie als anschauliches Denken. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Gletschern resultiert in verstörend schönen Bildern, die zwischen Idylle und Katastrophe, Inszenierung und Wirklichkeit oszillieren.

Als engagierter Künstler setzt Wrede das Glacier Project fort und besteigt weitere Gletscher, um die bedrohte Schönheit und Fragilität des Eises festzuhalten: „Ich will Bilder zwischen Dokumentation und subjektivem Sehen finden, die die Spuren der Klimakrise und die rapiden Veränderungen mitten in Europa sichtbar werden lassen. (2018)“. Seine Werke finden sich in renommierten Sammlungen weltweit. Zudem war er an der Klima Biennale im Museum für Angewandte Kunst in Wien (2021) sowie an der Ausstellung Weather Engines im Onassis Stegi in Athen (2022) beteiligt.

La galerie Bernhard Knaus Fine Art présente sa première exposition individuelle avec des œuvres du Glacier Project de Thomas Wrede. Dans son œuvre photographique, Wrede explore la frontière fascinante entre mise en scène et réalité, avec les paysages comme sujet central. Ses œuvres explorent aussi bien les constructions trouvées dans la nature que celles qu'il a lui-même créées, toujours dans le champ de tension entre l'authenticité et l'artificialité.

Les groupes d'œuvres antérieurs de Wrede traitent déjà de l'environnement, des catastrophes naturelles et des traces humaines dans le paysage, ce qui donne lieu à une esthétique picturale unique entre altération surréaliste, documentation critique et fiction apocalyptique. Ses photos de paysages spectaculaires des glaciers alpins reflètent ainsi de manière terriblement imagée le changement climatique en cours et ses conséquences, et sont donc plus actuelles que jamais.

Alors que la série Real Landscapes se caractérise par des mises en scène ciblées avec des modèles miniatures dans des environnements naturels, dans lesquelles l'artiste joue délibérément avec la perspective et crée une tension entre réalité et fiction, les photographies de glaciers mêlent paysages naturels et interventions humaines.

Le Glacier Project de Wrede, qui a débuté en 2017 avec des prises de vue du glacier suisse du Rhône, comprend des panoramas grand format ainsi que des vues extérieures et intérieures des grottes glaciaires. Il est basé sur le concept de paysage emballé. Afin de ralentir la fonte rapide des glaciers, de grandes surfaces de glace sont recouvertes - temporairement ou durablement - de non-tissé. Des photos de détail montrent les couvertures usées par les intempéries, laissant apparaître des éboulis et de la neige sale. L'esthétique morbide des plis, les découpes choisies et les multiples nuances de gris créent des motifs picturaux uniques. Ces clichés rappellent la première série de Wrede, Samsö, réalisée dans les années 1990, dans laquelle des films plastiques d'une île danoise déploient une beauté oppressante dans des prises de vue atmosphériques en noir et blanc.

En contraste avec la « peau extérieure » délabrée, le jeu fascinant de couleurs et de lumière des couches de glace séculaires à l'intérieur. Les couvertures en non-tissé brillent à travers la glace qui s'amincit et s'enfoncent partiellement dans la grotte, fusionnant ainsi l'extérieur et l'intérieur, le naturel et l'artificiel.

Dans son œuvre récente Blutschnee, Wrede explore un phénomène naturel fascinant sur le glacier Presena dans le Tyrol du Sud. Les algues aux reflets roses dans l'eau de fonte transforment la neige en compositions de couleurs abstraites, presque surréalistes, qui visualisent avec force la beauté fragile, l'éphémère et la transformation climatique du paysage alpin.

Le titre WEISS WAR DER SCHNEE de notre exposition suggère une pureté perdue, évoque une méditation élégiaque sur le paysage alpin autrefois intact. Il oscille entre réminiscence mélancolique et complainte diagnostique contemporaine, en évoquant la pureté virginale de la neige comme métaphore d'une originalité irrémédiablement perdue, symbolisant ainsi l'éphémère et le changement dans les photographies de glaciers de Wrede.

L'objectif de Wrede n'est pas d'enregistrer de manière documentaire les changements survenus sur les glaciers, mais plutôt d'utiliser la photographie comme un mode de pensée descriptif. Sa confrontation artistique avec les glaciers se traduit par des images d'une beauté troublante, qui oscillent entre idylle et catastrophe, mise en scène et réalité.

En tant qu'artiste engagé, Wrede poursuit le Glacier Project et escalade d'autres glaciers afin d'immortaliser la beauté menacée et la fragilité de la glace : « Je veux trouver des images à mi-chemin entre le documentaire et la vision subjective, qui rendent visibles les traces de la crise climatique et les changements rapides au cœur de l'Europe. (2018) ». Ses œuvres se trouvent dans des collections prestigieuses du monde entier. Il a également participé à la Biennale sur le climat au Museum für Angewandte Kunst de Vienne (2021) et à l'exposition Weather Engines à l'Onassis Stegi d'Athènes (2022).

La Galerie Bernhard Knaus Fine Art presenta la sua prima mostra personale con opere del Glacier Project di Thomas Wrede. Nella sua opera fotografica, Wrede esplora l'affascinante confine tra messa in scena e realtà, con i paesaggi come soggetto centrale. Le sue opere esplorano sia le costruzioni trovate che quelle create appositamente in natura, sempre nel campo della tensione tra autenticità e artificialità.

I precedenti gruppi di opere di Wrede tematizzano già l'ambiente, i disastri naturali e le tracce umane nel paesaggio, dando vita a un'estetica visiva unica tra alienazione surreale, documentazione critica e finzione apocalittica. Le sue spettacolari fotografie paesaggistiche dei ghiacciai alpini riflettono in modo spaventosamente visivo l'avanzare del cambiamento climatico e le sue conseguenze e sono quindi più attuali che mai.

Mentre la serie Real Landscapes è caratterizzata da una deliberata messa in scena con modelli in miniatura in ambienti naturali, in cui l'artista gioca consapevolmente con la prospettiva e crea una tensione tra realtà e finzione, le fotografie dei ghiacciai fondono paesaggi naturali con l'intervento umano.

Il Glacier Project di Wrede, iniziato nel 2017 con le fotografie del ghiacciaio svizzero del Rodano, comprende panorami di grande formato e vedute esterne e interne di grotte glaciali. Si basa sul concetto di paesaggio impacchettato. Per rallentare il rapido scioglimento dei ghiacciai, vaste aree di ghiaccio vengono coperte - temporaneamente o permanentemente - con veli. I primi piani mostrano le coperture rovinate dalle intemperie che espongono macerie e neve sporca. L'estetica morbosa delle pieghe, i dettagli selezionati e le diverse tonalità di grigio creano motivi pittorici unici. Queste immagini ricordano le prime serie Samsö di Wrede degli anni '90, in cui i teli di plastica su un'isola danese dispiegano una bellezza opprimente in suggestivi scatti in bianco e nero.

In contrasto con la fatiscente “pelle esterna” è l'affascinante gioco di colori e luce degli strati di ghiaccio secolari all'interno. Le coperture in pile risplendono attraverso l'assottigliamento del ghiaccio e irrompono parzialmente nella grotta, fondendo esterno e interno, naturale e artificiale.

Nell'opera più recente Blutschnee, Wrede esplora un affascinante fenomeno naturale sul ghiacciaio Presena in Alto Adige. Le alghe rosa scintillanti nell'acqua di disgelo trasformano la neve in composizioni di colori astratti, quasi surreali, che visualizzano vividamente la fragile bellezza, la transitorietà e la trasformazione climatica del paesaggio alpino.

Il titolo WHITE WAS THE SNOW della nostra mostra allude a una purezza perduta, evocando una meditazione elegiaca sul paesaggio alpino un tempo incontaminato. Oscilla tra la reminiscenza malinconica e il lamento del tempo, evocando la purezza vergine della neve come metafora di un'originalità irrimediabilmente perduta, simboleggiando così la transitorietà e il cambiamento nelle fotografie dei ghiacciai di Wrede.

L'obiettivo di Wrede non è quello di documentare i cambiamenti dei ghiacciai, ma piuttosto di usare la fotografia come un modo vivido di pensare. La sua esplorazione artistica dei ghiacciai si traduce in immagini di inquietante bellezza che oscillano tra idillio e catastrofe, tra messa in scena e realtà.

Come artista impegnato, Wrede continua il Glacier Project e scala altri ghiacciai per catturare la bellezza minacciata e la fragilità dei ghiacci: “Voglio trovare immagini tra la documentazione e la visione soggettiva che rendano visibili le tracce della crisi climatica e i rapidi cambiamenti nel centro dell'Europa”. (2018)”. Le sue opere si trovano in collezioni rinomate in tutto il mondo. È stato inoltre coinvolto nella Biennale del Clima al Museo di Arti Applicate di Vienna (2021) e nella mostra Weather Engines all'Onassis Stegi di Atene (2022).

The gallery Bernhard Knaus Fine Art presents its first solo exhibition of works from the Glacier Project by Thomas Wrede. In his photographic oeuvre, Wrede explores the fascinating boundary between staging and reality, with landscapes as the central subject. His works explore both found and specially created constructions in nature, always in the field of tension between authenticity and artificiality.

Wrede's earlier work groups already address the environment, natural disasters and human traces in the landscape, which leads to a unique pictorial aesthetic between surreal alienation, critical documentation and apocalyptic fiction. His spectacular landscape photographs of Alpine glaciers are a shocking visual reflection of the ongoing climate change and its consequences, making them more relevant than ever.

While the series Real Landscapes is characterised by deliberate staging with miniature models in natural settings, in which the artist consciously plays with perspective and creates a tension between reality and fiction, the glacier photographs merge natural landscapes with human intervention.

Wrede's Glacier Project, which began in 2017 with photographs of the Rhône Glacier in Switzerland, includes large-format panoramas as well as exterior and interior views of the glacier caves. It is based on the concept of the packed landscape. To slow the rapid melting of the glaciers, large areas of ice are covered with fleece – either temporarily or permanently. Close-up shots show the weathered covers revealing debris and dirty snow. The morbid aesthetic of the folds, the chosen details, and the varied shades of grey create unique painterly motifs. These images recall Wrede's earlier Samsö series from the 1990s, in which plastic sheets on a Danish island unfold an oppressive beauty in atmospheric black and white photographs.

In contrast to the dilapidated ‘outer skin’ stands the fascinating play of colours and light of the centuries-old ice layers inside. The fleece covers shine through the thinning ice and partially collapse into the cave, merging the outside and inside, natural and artificial.

In his more recent work, Blutschnee (Blood Snow), Wrede explores a fascinating natural phenomenon at the Presena Glacier in South Tyrol. The pink-shimmering algae in the meltwater transform the snow into abstract, almost surreal colour compositions that vividly visualise the fragile beauty, transience and climatic transformation of the Alpine landscape.

The title of our exhibition, WEISS WAR DER SCHNEE (White Was The Snow), suggests a lost purity and evokes an elegiac meditation on the once untouched Alpine landscape. It oscillates between melancholy reminiscence and a lament on the state of the times, conjuring up the virgin purity of the snow as a metaphor for an irretrievably lost naturalness, and thus symbolising transience and change in Wrede's glacier photographs.

Wrede's aim is not to document the changes to the glaciers, but rather to use photography as a vivid way of thinking. His artistic exploration of the glaciers results in disturbingly beautiful images that oscillate between idyll and catastrophe, staging and reality.

As a committed artist, Wrede is continuing the Glacier Project and climbing more glaciers to capture the threatened beauty and fragility of the ice: ‘I want to find images between documentation and subjective vision that reveal the traces of the climate crisis and the rapid changes taking place in the heart of Europe. (2018). His works are part of renowned collections worldwide. He also participated in the Climate Biennale at the Museum of Applied Arts in Vienna (2021) and the exhibition Weather Engines at the Onassis Stegi in Athens (2022).

(Text: Bernhard Knaus Fine Art, Frankfurt am Main)

Bildhalle | Zürich
6. Februar 2025

Where are you
Chantal Elisabeth Ariëns

Die Fotografien der bildenden Künstlerin Chantal Elisabeth Ariëns bringen die Stärke unseres menschlichen Inneren mit unserem anmutigen, zerbrechlichen, physischen Äußeren zusammen. Die Taktilität von Couture, Voile, Federn in ihrer Welt, die von eleganten Frauen bewohnt wird, wirft ein Licht auf unser Gefühlsleben. Dort stehen wir an der Schwelle zwischen Tat und Traum, in der Stille und im Verlangen. Mit ihren visuellen Geschichten gelingt es Ariëns, Bewegung und Ruhe im selben Moment darzustellen und uns in eine Zwischenwelt zu entführen, in der unsere Seele, unser Bewusstsein und unsere Träume schweifen. Ihre Arbeiten zeigen Momente, die zugleich jetzt und ewig sind, zugleich voll von reinem Licht und allen nur denkbaren Schatten.

Die Bilder scheinen oft etwas anzukündigen, was noch kommen wird, sie sind lediglich ein Einatmen kurz vor dem Moment suprême. Die Inspiration dieser durchscheinenden Momente ist das, wonach wir uns so sehr sehnen, und Ariëns weiß genau, wie sie dies in ihren Fotografien umsetzen kann.

Ariëns' Werk atmet Freiheit und Unabhängigkeit. Ihre autonome Arbeitsweise und ihre Art, Couture zu fotografieren, letzteres manchmal in enger Zusammenarbeit, ergänzen sich. Die Einzigartigkeit ihrer autonomen und modischen Fotografie wird durch die Tatsache verstärkt, dass sie mit Photopolymer-Radierung arbeitet, einer alten Drucktechnik. Bei diesem zeitintensiven und manuellen Verfahren verwendet die Künstlerin eine Druckplatte, die mit einem Photopolymerfilm belichtet wird, und erweckt die Bilder dann mit Tinte und ihren Händen zum Leben. Mit diesem Verfahren kann sie wie eine Malerin arbeiten: Sie streicht mit der Hand Schicht für Schicht, so dass sich die Tinte auf den Kunstdrucken ausbreitet. Das Bild erscheint buchstäblich unter ihren Händen, so dass sie intuitiv Feinheiten und Raffinessen hinzufügen kann. Diese Handarbeit sorgt dafür, dass Ariëns maximalen Raum für den entscheidenden Moment schafft; den Moment, in dem sie die Lebendigkeit und Seele ihrer Bilder erkennt. Und so fängt sie das richtige Bild, das Kunstwerk, immer wieder neu ein, ergreift und umarmt es.

Les photographies de l'artiste visuelle Chantal Elisabeth Ariëns associent la force de notre moi intérieur à notre extérieur physique, gracieux et fragile. La tactilité de la couture, du voile, des plumes dans son monde, habité par des femmes élégantes, met en lumière notre vie émotionnelle. Nous sommes là, au seuil de l'acte et du rêve, dans l'immobilité et le désir. Avec ses histoires visuelles, Ariëns est capable de dépeindre le mouvement et la sérénité dans le même moment, nous transportant dans un monde intermédiaire où notre âme, notre conscience et nos rêves se promènent. Son travail montre des moments qui sont à la fois actuels et éternels, à la fois pleins de lumière pure et de toutes les ombres imaginables.

Les images semblent souvent annoncer quelque chose qui est encore à venir, elles ne sont qu'une inspiration juste avant le moment suprême. L'inspiration de ces instants translucides est ce à quoi nous aspirons si intensément, et Ariëns sait exactement comment la traduire dans ses photographies.

L'œuvre d'Ariëns respire la liberté et l'indépendance. Sa méthode de travail autonome et sa façon de photographier la couture, parfois en étroite collaboration, se complètent. Le caractère unique de ses photographies autonomes et de mode est renforcé par le fait qu'elle travaille avec la gravure au photopolymère, une ancienne technique d'impression. Dans ce processus manuel qui prend beaucoup de temps, l'artiste utilise une plaque d'impression exposée à un film photopolymère, puis utilise de l'encre et ses mains pour donner vie aux images. Ce procédé lui permet de travailler comme un peintre : elle effleure couche après couche avec sa main pour que l'encre se répande sur les tirages d'art. L'image apparaît littéralement sous ses mains, ce qui lui permet d'ajouter de la subtilité et du raffinement de manière intuitive. Ce travail manuel permet à Ariëns de créer un maximum d'espace pour l'instant décisif, le moment où elle reconnaît la vivacité et l'âme de ses images. C'est ainsi qu'elle capture, saisit et embrasse la bonne image, l'œuvre d'art, encore et encore.

Le fotografie dell'artista visiva Chantal Elisabeth Ariëns mettono insieme la forza della nostra interiorità umana con la nostra grazia, la fragilità e l'esteriorità fisica. La tattilità della couture, del voile, delle piume nel suo mondo, abitato da donne eleganti, fa luce sulla nostra vita emotiva. Ci troviamo sulla soglia tra l'atto e il sogno, nell'immobilità e nel desiderio. Con le sue storie visive, Ariëns è in grado di rappresentare il movimento e la serenità nello stesso momento, trasportandoci in un mondo intermedio dove vagano la nostra anima, la nostra coscienza e i nostri sogni. Il suo lavoro mostra momenti che sono allo stesso tempo attuali ed eterni, pieni di luce pura e di ogni ombra immaginabile.

Le immagini sembrano spesso annunciare qualcosa che deve ancora venire, sono solo un'inspirazione prima del momento supremo. L'ispirazione di questi momenti traslucidi è ciò che desideriamo così intensamente e Ariëns sa esattamente come tradurla nelle sue fotografie.

Il lavoro di Ariëns traspira libertà e indipendenza. Il suo metodo di lavoro autonomo e il suo modo di fotografare l'alta moda, a volte in stretta collaborazione, si completano a vicenda. L'unicità della sua fotografia autonoma e di moda è esaltata dal fatto che lavora con l'incisione a fotopolimeri, un'antica tecnica di stampa. In questo processo manuale e dispendioso in termini di tempo, l'artista utilizza una lastra di stampa esposta con una pellicola fotopolimerica, poi usa l'inchiostro e le sue mani per dare vita alle immagini. Questo processo le permette di lavorare come un pittore: con la mano accarezza strato su strato in modo che l'inchiostro si diffonda sulle stampe. L'immagine appare letteralmente sotto le sue mani, permettendole di aggiungere sottigliezza e raffinatezza in modo intuitivo. Questo lavoro manuale fa sì che Ariëns crei il massimo spazio per il momento decisivo, quello in cui riconosce la vivacità e l'anima delle sue immagini. E così cattura, afferra e abbraccia l'immagine giusta, l'opera d'arte, ancora e ancora.

The photographs of visual artist Chantal Elisabeth Ariëns bring together the strength of our human inner self with our graceful, fragile, physical exterior. The tactility of couture, voile, feathers in her world, inhabited by elegant women, shed light on our emotional life. There we stand on the threshold between deed and dream in stillness, and desire. With her visual stories, Ariëns is able to depict movement and serenity in the same moment, transporting us to an in-between world where our soul, consciousness and dreams roam. Her work shows moments that are at once now and eternal, at once full of pure light and every shadow imaginable.

The images often seem to announce something that is yet to come, they are merely an inhalation just before the moment suprême. The inspiration of these translucent moments is what we long for so intensely, and Ariëns knows exactly how to translate this into her photographs.

Ariëns‘ work breathes freedom and independence. Her autonomous working method and her way of photographing couture, the latter sometimes in close collaboration, complement each other. The uniqueness of her autonomous and fashion photography is enhanced by the fact that she works with photopolymer etching; an old printing technique. In this time-intensive and manual process, the artist uses a printing plate exposed with photopolymer film, then uses ink and her hands to bring the images to life. This process allows her to work like a painter, she strokes layer upon layer with her hand so that the ink spreads across the art prints. The image literally appears under her hands, allowing her to add subtlety and refinement intuitively. This handwork ensures that Ariëns creates maximum space for the decisive moment; the moment when she recognises the liveliness and soul in her images. And so she captures, grasps and embraces the right image, the work of art, again and again.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Bildhalle – Showroom | Zürich
6. Februar 2025

Champions
Bastiaan Woudt

Das Projekt „CHAMPIONS“ von Bastiaan Woudt besteht aus einer Reihe eindrucksvoller Bilder aus Sambia, die in Zusammenarbeit mit Orange Babies entstanden sind, einer Organisation, die sich für HIV-infizierte Schwangere und ihre Kinder in Entwicklungsländern wie Namibia, Südafrika und Sambia einsetzt.

Das Herzstück des Projekts liegt in Sambia, wo Bastiaan Woudt eine Gruppe junger Erwachsener fotografiert hat, die in ihren Gemeinden als „Champions“ auftreten. Diese jungen, starken Persönlichkeiten spielen eine entscheidende Rolle bei der Aufklärung über HIV und der Schaffung sicherer Räume für Gleichaltrige, um über wichtige Themen wie sexuelle Aufklärung zu diskutieren.

Bastiaan Woudt hat diese jungen Erwachsenen nicht nur als Fürsprecher in ihrer Gemeinschaft, sondern auch als Symbole für Stärke und Würde festgehalten. Durch seine Linse wollte er diese jungen Menschen in Helden, Krieger, Könige und Königinnen verwandeln, um ihre unverzichtbare Rolle im Kampf gegen HIV und AIDS visuell darzustellen.

Dank der Großzügigkeit unserer Unterstützer haben wir bereits über 200.000 Euro gesammelt, um Orange Babies bei der Fortsetzung ihrer wichtigen Arbeit zu helfen. Darüber hinaus werden 10 % aller Einnahmen aus der Ausstellung direkt an Orange Babies gespendet. Lassen Sie uns auf dieser Dynamik aufbauen, während wir uns für eine Zukunft ohne HIV einsetzen.

Le projet CHAMPIONS de Bastiaan Woudt est une série d'images fortes de Zambie, réalisées en collaboration avec Orange Babies, une organisation dévouée qui apporte son soutien aux femmes enceintes infectées par le VIH et à leurs enfants dans les pays en développement tels que la Namibie, l'Afrique du Sud et la Zambie.

Le cœur du projet se trouve en Zambie, où Bastiaan Woudt a photographié un groupe de jeunes adultes qui agissent comme des « champions » dans leurs communautés. Ces jeunes individus puissants jouent un rôle essentiel dans la sensibilisation au VIH et dans la création d'espaces sûrs permettant à leurs pairs de discuter de sujets essentiels tels que l'éducation sexuelle.

Bastiaan Woudt a choisi de photographier ces jeunes adultes non seulement comme des défenseurs de leur communauté, mais aussi comme des symboles de force et de dignité. À travers son objectif, il a voulu transformer ces jeunes en héros, en guerriers, en rois et en reines, une représentation visuelle de leur rôle indispensable dans la lutte contre le VIH et le sida.

Grâce à la générosité de nos supporters, nous avons déjà récolté plus de 200 000 euros pour aider Orange Babies à poursuivre son travail vital. En outre, 10 % de toutes les ventes de l'exposition seront directement reversés à Orange Babies. Continuons sur notre lancée et œuvrons pour un avenir sans VIH.

Il progetto CHAMPIONS di Bastiaan Woudt è una serie di immagini potenti dallo Zambia, realizzate in collaborazione con Orange Babies, un'organizzazione dedicata che fornisce supporto alle donne incinte infettate dall'HIV e ai loro bambini nei Paesi in via di sviluppo come Namibia, Sudafrica e Zambia.

Il cuore del progetto si trova in Zambia, dove Bastiaan Woudt ha fotografato un gruppo di giovani adulti che agiscono come 'campioni' nelle loro comunità. Queste persone giovani e potenti svolgono un ruolo fondamentale nel diffondere la consapevolezza sull'HIV e nel creare spazi sicuri per i coetanei per discutere di argomenti essenziali come l'educazione sessuale.

Bastiaan Woudt ha scelto di immortalare questi giovani adulti non solo come sostenitori della loro comunità, ma anche come simboli di forza e dignità. Attraverso il suo obiettivo, ha voluto trasformare questi giovani in eroi, guerrieri, re e regine, una rappresentazione visiva del loro ruolo indispensabile nella lotta contro l'HIV e l'AIDS.

Grazie alla generosità dei nostri sostenitori, abbiamo già raccolto oltre 200.000 euro per aiutare Orange Babies a continuare il suo lavoro vitale. Inoltre, il 10% di tutte le vendite della mostra sarà donato direttamente a Orange Babies. Continuiamo a costruire su questo slancio, mentre ci impegniamo per un futuro libero dall'HIV.

Bastiaan Woudt‘s CHAMPIONS project is a series of powerful images from Zambia, realized in collaboration with Orange Babies, a dedicated organization providing support to HIV-infected pregnant women and their children in developing countries such as Namibia, South Africa, and Zambia.

The heart of the project lies in Zambia, where Bastiaan Woudt has photographed a group of young adults who act as “champions” in their communities. These young, powerful individuals play a vital role in spreading awareness about HIV and creating safe spaces for peers to discuss essential topics such as sexual education.

Bastiaan Woudt chose to capture these young adults not only as advocates in their community but also as symbols of strength and dignity. Through his lens, he aimed to transform these young people into heroes, warriors, kings, and queens, a visual representation of their indispensable role in the fight against HIV and AIDS.

Thanks to the generosity of our supporters, we’ve already raised over €200,000 to help Orange Babies continue their vital work. Additionally, 10% of all sales from the exhibition will be donated directly to Orange Babies. Let’s keep building on that momentum as we strive for a future free of HIV.

(Text: Bildhalle, Zürich + Amsterdam)

Foam | Amsterdam
6. Februar 2025

Yawm al-Firak
Sakir Khader

Yawm al-Firak, arabisch für Tag der Trennung, ist die erste Einzelausstellung des palästinensisch-niederländischen Fotografen Sakir Khader. Seit 2024 ist er der erste palästinensische Fotograf, der in das renommierte Fotografenkollektiv Magnum Photos aufgenommen wurde. Seine Bilder erforschen die fragile Grenze zwischen Leben und Tod.

In Yawm al-Firak gibt Sakir Khader sieben jungen palästinensischen Männern, die gewaltsam aus dem Leben gerissen wurden, und ihren Müttern, die sie verloren haben, eine Stimme. Anhand ihrer Geschichten und Erfahrungen reflektiert er über Abschiede in Zeiten von Besatzung, Konflikten, Krieg und Vertreibung.

Die Zahl Sieben symbolisiert in vielen Kulturen die Einheit. Die sieben Mütter und ihre verlorenen Söhne im Mittelpunkt dieser Ausstellung stehen für die Vertreibung von Hunderttausenden Palästinensern mit der Gründung des Staates Israel seit 1948, auch bekannt als Nakba. Der Titel der Ausstellung, Yawm al-Firak, bezieht sich auf ein altes arabisches Gedicht über Trennung und Abschied. Khader verbindet diese literarische Tradition mit persönlichen Geschichten. Seine Arbeit berührt universelle Themen wie Liebe, Trauer und Widerstandsfähigkeit.

Yawm al-Firak (jour de séparation en arabe) est la première exposition personnelle du photographe palestino-néerlandais Sakir Khader. Depuis 2024, il est le premier photographe palestinien sélectionné pour rejoindre le célèbre collectif de photographes Magnum Photos. Ses images explorent la frontière fragile entre la vie et la mort.

Dans Yawm al-Firak, Sakir Khader donne la parole à sept jeunes Palestiniens qui ont été violemment arrachés à la vie, ainsi qu'à leurs mères qui les ont perdus. À travers leurs histoires et leurs expériences, il réfléchit aux adieux en période d'occupation, de conflit, de guerre et de déplacement.

Le chiffre sept symbolise l'unité dans de nombreuses cultures. Les sept mères et leurs fils perdus au centre de cette exposition représentent le déplacement forcé de centaines de milliers de Palestiniens lors de la création de l'État d'Israël depuis 1948, également connu sous le nom de Nakba. Le titre de l'exposition, Yawm al-Firak, fait référence à un ancien poème arabe sur la séparation et l'adieu. Khader relie cette tradition littéraire à des histoires personnelles. Son travail aborde des thèmes universels tels que l'amour, le deuil et la résilience.

Yawm al-Firak, in arabo Giorno della separazione, è la prima mostra personale del fotografo palestinese-olandese Sakir Khader. Dal 2024 è il primo fotografo palestinese selezionato per entrare a far parte del rinomato collettivo fotografico Magnum Photos. Le sue immagini esplorano il fragile confine tra la vita e la morte.

In Yawm al-Firak, Sakir Khader dà voce a sette giovani palestinesi che sono stati violentemente strappati alla vita e alle loro madri che li hanno persi. Attraverso le loro storie ed esperienze, riflette sugli addii in tempi di occupazione, conflitto, guerra e sfollamento.

Il numero sette simboleggia l'unità in molte culture. Le sette madri e i loro figli scomparsi al centro di questa mostra rappresentano lo sfollamento forzato di centinaia di migliaia di palestinesi con la creazione dello Stato di Israele dal 1948, noto anche come Nakba. Il titolo della mostra, Yawm al-Firak, fa riferimento a un antico poema arabo sulla separazione e l'addio. Khader collega questa tradizione letteraria a storie personali. Il suo lavoro tocca temi universali come l'amore, il dolore e la resilienza.

Yawm al-Firak, Arabic for Day of Separation, is the first solo exhibition by the Palestinian-Dutch photographer Sakir Khader. Since 2024, he has been the first Palestinian photographer selected to join the renowned photography collective Magnum Photos. His images explore the fragile boundary between life and death.

In Yawm al-Firak, Sakir Khader gives a voice to seven young Palestinian men who were violently taken from life, and to their mothers who lost them. Through their stories and experiences, he reflects on farewells in times of occupation, conflict, war, and displacement.

The number seven symbolizes unity in many cultures. The seven mothers and their lost sons at the centre of this exhibition represent the forced displacement of hundreds of thousands of Palestinians with the establishment of the state of Israel since 1948, also known as the Nakba. The title of the exhibition, Yawm al-Firak, refers to an ancient Arabic poem about separation and farewell. Khader connects this literary tradition with personal stories. His work touches on universal themes such as love, grief, and resilience.

(Text: Foam, Amsterdam)

Foam | Amsterdam
23. Januar 2025

An Unfinished World
Saul Leiter

Foam ist stolz darauf, eine große Retrospektive des gefeierten amerikanischen Künstlers Saul Leiter (1923–2013) zu präsentieren. Leiter gilt als einer der wichtigsten Fotografen der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten und als Pionier der Farbfotografie. Diese Ausstellung vereint über 200 Werke, bestehend aus Schwarz-Weiß- und Farbfotografien sowie seinen abstrakten Gemälden. Sein vielseitiges Werk zeigt eine Praxis, bei der er Schatten, Licht und Reflexionen einsetzt, um Kompositionen in Schichten zu gestalten.

Saul Leiter (1923–2013) begann bereits als Teenager mit dem Malen und Fotografieren und erlangte schon früh Anerkennung für seine Gemälde. Nachdem er 1946 nach New York gezogen war, wandte er sich der Fotografie als Beruf zu, während er weiterhin malte. Seine abstrakten Formen und bahnbrechenden Kompositionen besitzen eine malerische Qualität, die sie von den Werken anderer Fotografen dieser Zeit unterscheidet. Seine Arbeit trug maßgeblich zur Entstehung dessen bei, was heute als New York School of Photography bekannt ist.

Ab 1957 arbeitete er für große Publikationen wie Esquire und Harper's Bazaar und brachte seinen kommerziellen Erfolg mit seiner persönlichen Leidenschaft für die Straßenfotografie in seinem Viertel in Manhattan in Einklang. Leiters bahnbrechende Arbeit in der Farbfotografie erlangte mit der Veröffentlichung seines ersten Buches Early Colour (2006) breite Anerkennung. Bis zu seinem Tod im Jahr 2013 hatte Leiter internationale Anerkennung erlangt und seine Arbeiten wurden weltweit in zahlreichen Museumsausstellungen und Publikationen gezeigt.

Foam est fière de présenter une grande exposition rétrospective du célèbre artiste américain Saul Leiter (1923-2013). Leiter est considéré comme l'un des photographes les plus importants des années 1950 aux États-Unis et un pionnier de la photographie couleur. Cette exposition rassemble plus de 200 œuvres, composées de photographies en noir et blanc et en couleur, ainsi que de peintures abstraites. Son œuvre éclectique révèle une pratique utilisant l'ombre, la lumière et les reflets pour créer des compositions en couches.

Saul Leiter (1923-2013) a commencé à peindre et à photographier à l'adolescence, et ses peintures ont été très vite reconnues. Après s'être installé à New York en 1946, il s'est tourné vers la photographie comme profession tout en continuant à peindre. Ses formes abstraites et ses compositions novatrices possèdent une qualité picturale qui les distingue des œuvres des autres photographes de l'époque. Son travail a contribué de manière significative à l'émergence de ce que l'on appelle aujourd'hui l'école de photographie de New York.

En 1957, il commence à travailler pour de grandes publications comme Esquire et Harper's Bazaar, tout en conciliant son succès commercial avec sa passion personnelle pour la photographie de rue dans son quartier de Manhattan. Le travail novateur de Leiter dans le domaine de la photographie en couleur a été largement salué avec la publication de son premier livre, Early Colour (2006). Au moment de sa mort en 2013, Leiter avait acquis une reconnaissance internationale, son travail ayant été présenté dans de nombreuses expositions muséales et publications dans le monde entier.

Foam è orgogliosa di presentare una grande mostra retrospettiva del celebre artista americano Saul Leiter (1923-2013). Leiter è considerato uno dei più importanti fotografi degli anni Cinquanta negli Stati Uniti e un pioniere della fotografia a colori. Questa mostra riunisce oltre 200 opere, composte da fotografie, sia in bianco e nero che a colori, e dai suoi dipinti astratti. La sua opera eclettica rivela una pratica che utilizza ombre, luci e riflessi per creare composizioni stratificate.

Saul Leiter (1923-2013) ha iniziato a dipingere e fotografare durante l'adolescenza, ottenendo un primo riconoscimento per i suoi dipinti. Trasferitosi a New York nel 1946, si dedica alla fotografia come professione, pur continuando a dipingere. Le sue forme astratte e le sue composizioni innovative possiedono una qualità pittorica che le distingue dalle opere di altri fotografi dell'epoca. Il suo lavoro ha contribuito in modo significativo alla nascita di quella che oggi è conosciuta come la Scuola di fotografia di New York.

Nel 1957 inizia a lavorare per importanti pubblicazioni come Esquire e Harper's Bazaar, conciliando il successo commerciale con la passione personale per la fotografia di strada nel suo quartiere di Manhattan. Il lavoro innovativo di Leiter nella fotografia a colori ha ottenuto un ampio consenso con l'uscita del suo primo libro, Early Colour (2006). Al momento della sua morte, avvenuta nel 2013, Leiter aveva ottenuto un riconoscimento internazionale e il suo lavoro era stato presentato in numerose mostre museali e pubblicazioni in tutto il mondo.

Foam is proud to present a major retrospective exhibition of the celebrated American artist Saul Leiter (1923–2013). Leiter is seen as one of the most important photographers of the 1950’s in the United States and a pioneer of colour photography. This exhibition brings together over 200 works, consisting of photography, both black-and-white and colour, as well as his abstract paintings. His eclectic oeuvre reveals a practice using shadow, light, and reflections to craft layered compositions.

Saul Leiter (1923–2013) began painting and photographing in his teenage years, gaining an early recognition for his paintings. After moving to New York in 1946, he turned to photography as a profession while continuing to paint. His abstract forms and groundbreaking compositions possess a painterly quality that distinguishes them from the works of other photographers of that era. His work significantly contributed to the emergence of what is now known as the New York School of photography.

In 1957, he began working for major publications like Esquire and Harper’s Bazaar, balancing his commercial success with his personal passion for street photography in his Manhattan neighborhood. Leiter's groundbreaking work in colour photography gained widespread acclaim with the release of his first book, Early Colour (2006). By the time of his death in 2013, Leiter had achieved international recognition, with his work featured in numerous museum exhibitions and publications worldwide.

(Text: Foam, Amsterdam)

Kunstmuseum Solothurn
18. Januar 2025

Begrüssung durch Katrin Steffen und Niccolò Castelli, Künstlerischer Leiter der Solothurner Filmtage

Danach steht der Jura auch literarisch im Fokus mit ausgewählten Texten gelesen von Michaela Wend!, Sprecherin, und einer musikalischen Performance von Guggen Prosa mit Laurence Maître und Félicien Lia.

Jurabilder

Das Kunstmuseum Solothurn und die Solothurner Filmtage setzen in ihrer ersten umfassenden Zusammenarbeit den Jura in Szene, jenes Gebiet, das Solothurn beheimatet und gleichzeitig eine Brücke über Landes- und Sprachgrenzen hinweg schlägt - von Baselland über die Neuenburger Täler bis weit nach Frankreich hinein.

In einer multidisziplinären Ausstellung, die im 18. Jahrhundert startet und bis in die Gegenwart führt, lenkt das Kunstmuseum Solothurn den Blick auf die Jura-Landschaft als Schauplatz und Motiv. Sie nimmt das Publikum mit auf eine Reise quer durch das visuelle Erbe einer Region und fragt nach deren künstlerischer Biografie, die mal in leiseren, mal in drastischeren Tönen von unterschiedlichen Auffassungen und Realitäten zeugt.

Die Schau vereint Malerei und Fotografie im Dialog und spannt den Bogen weiter von Filmdokumenten bis hin zu Werken von Anne und Jean Rochat oder Augustin Rebetez, die eigens für das Projekt entstanden sind. Die 60. Solothurner Filmtage (22.-29.1.25) widmen dem Drehort Jura ein Spezialprogramm, das mit einer internationalen Retrospektive und aktuellen Filmen die Topografie des Jurabogens erkundet.

Pour leur première collaboration d'envergure, le Kunstmuseum de Soleure et les Journées cinématographiques de Soleure mettent en scène le Jura, cette région qui abrite Soleure et qui jette en même temps un pont par-delà les frontières nationales et linguistiques - de Bâle-Campagne aux vallées neuchâteloises, jusqu'à la France.

Dans une exposition pluridisciplinaire qui débute au 18e siècle et se poursuit jusqu'à nos jours, le Kunstmuseum de Soleure attire le regard sur le paysage jurassien en tant que décor et motif. Elle emmène le public dans un voyage à travers le patrimoine visuel d'une région et s'interroge sur sa biographie artistique, qui témoigne tantôt de manière plus discrète, tantôt de manière plus radicale, de conceptions et de réalités différentes.

L'exposition réunit la peinture et la photographie dans un dialogue et s'étend à des documents cinématographiques ainsi qu'à des œuvres d'Anne et Jean Rochat ou d'Augustin Rebetez, créées spécialement pour le projet. Le site 60e Journées cinématographiques de Soleure (22-29.1.25) consacrent un programme spécial au Jura, lieu de tournage, qui explore la topographie de l'Arc jurassien avec une rétrospective internationale et des films récents.

Nella loro prima collaborazione globale, il Museo d'Arte di Soletta e il Festival del Cinema di Soletta mettono in mostra il Giura, la regione che ospita Soletta e allo stesso tempo getta un ponte attraverso i confini nazionali e linguistici - dal Canton Basilea alle valli di Neuchâtel fino alla Francia.

In una mostra multidisciplinare che parte dal XVIII secolo e arriva fino ai giorni nostri, il Museo d'arte di Soletta si concentra sul paesaggio del Giura come scenario e motivo. La mostra accompagna il pubblico in un viaggio attraverso il patrimonio visivo di una regione e indaga sulla sua biografia artistica, che testimonia percezioni e realtà diverse, a volte con toni più morbidi, a volte più drastici.

La mostra mette in dialogo pittura e fotografia e spazia dai documenti cinematografici alle opere di Anne e Jean Rochat o Augustin Rebetez, create appositamente per il progetto. Il 60° Festival del Cinema di Soletta (22.-29.1.25) dedica un programma speciale al Giura come location cinematografica, esplorando la topografia dell'arco giurassiano con una retrospettiva internazionale e film attuali.

In their first comprehensive collaboration, the Solothurn Art Museum and the Solothurn Film Festival are putting the spotlight on the Jura, the region that is home to Solothurn and at the same time builds a bridge across national and linguistic borders – from Baselland via the Neuchâtel valleys and well into France.

In a multidisciplinary exhibition that starts in the 18th century and continues to the present day, the Solothurn Art Museum draws attention to the Jura landscape as a setting and motif. It takes the public on a journey through the visual heritage of a region and asks about its artistic biography, which testifies to different perceptions and realities in sometimes quieter, sometimes more drastic tones.

The show combines painting and photography in a dialogue and spans an arc from film documents to works by Anne and Jean Rochat or Augustin Rebetez, which were created especially for the project. The 60th Solothurn Film Festival (22-29.1.25) is dedicating a special program to the Jura as a film location, exploring the topography of the Jura Arc with an international retrospective and current films.