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René Groebli | WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
Apr.
4
7:00 PM19:00

René Groebli | WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien


WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
4. April 2024

Peter Coeln, WestLicht
Fabian Knierim, Kurator WestLicht
Michel Auer, Sammler und langjähriger Weggefährte des Fotografen

René Groebli


Aus der Serie „Das Auge der Liebe“, Paris, 1953, Courtesy Fondation Auer Ory © René Groebli


Bewegung ist das Leitmotiv im Werk des Schweizer Fotografen René Groebli. Sie durchzieht seine Bildsprache ebenso wie seine professionelle Entwicklung, die ihn – getrieben von der Neugierde auf die Möglichkeiten des Mediums – in den verschiedensten fotografischen Genres reüssieren ließ.

René Groebli wurde 1927 in Zürich geboren und ist eigentlich ausgebildeter Dokumentarfilmkameramann. Obwohl der heute 96-Jährige nie für das Kino arbeiten sollte, gelten seine Fotografien nicht zuletzt durch ihre cineastische Dimension als bahnbrechend: In seinen frühen Fotobüchern Magie der Schiene (1949) und Das Auge der Liebe (1954) arbeitete Groebli etwa virtuos mit Montagen und dynamischen Unschärfen, mit denen er die Bewegung selbst zum Thema macht. Magie der Schiene macht die Geschwindigkeit, das rhythmische Rattern der Stahlräder auf den Gleisen, den Ruß und die schweißtreibende Arbeit der Heizer fast körperlich spürbar. In Das Auge der Liebe umkreist Groeblis Kamera in einer fast tänzerischen Bewegung seine Frau Rita. Die Fotografien entstanden auf einer nachgeholten Hochzeitsreise der beiden nach Paris: ein Fotobuch als Liebesgedicht, das zeigt, wie fotografisches Erzählen jenseits der Reportage funktionieren kann. Groebli war seiner Zeit voraus. Die beiden in Eigenregie verlegten Bücher fanden bei ihrer Erstveröffentlichung kaum Beachtung, heute gelten sie als einflussreiche Meilensteine der Fotogeschichte.

Weit über diese und andere kinematografisch inspirierte Arbeiten hinaus erstreckt sich Groeblis OEuvre über Genres wie den Bildjournalismus und die Straßenfotografie genauso wie das Porträt und das Farbexperiment, die Autorenfotografie oder kommerzielle Auftragswerke. Ab Ende der 1940er-Jahre verdiente Groebli seinen Lebensunterhalt als Fotoreporter für die in London ansässige Agentur Black Star, die ihn vor allem in den Nahen Osten und auf den afrikanischen Kontinent entsandte. Veröffentlichungen seiner Fotografien in den wichtigsten Magazinen der Zeit wie Life, Picture Post, Paris Match und Stern zeugen von der Qualität seiner Arbeit. Gleichwohl hängte er diese Laufbahn 1953 mit nur 26 Jahren an den Nagel, um in Zürich ein Fotostudio aufzubauen, in dem er sich vor allem seinen Versuchen mit dem damals noch neuen Medium der Farbfotografie widmete.

Das Fotomuseum WestLicht zeigt vom 5. April bis zum 2. Juni 2024 rund 100 Arbeiten aus Groeblis kreativster Schaffensperiode von den späten 1940ern bis zum Ende der 1970er-Jahre.

Die Ausstellung ist eine Kooperation mit der Fondation Auer Ory pour la photographie.


Le mouvement est le leitmotiv de l'œuvre du photographe suisse René Groebli. Il traverse son langage visuel tout comme son évolution professionnelle, qui lui a permis de réussir dans les genres photographiques les plus divers, poussé par sa curiosité pour les possibilités du médium.

René Groebli est né en 1927 à Zurich et a suivi une formation de caméraman de films documentaires. Bien que l'homme, aujourd'hui âgé de 96 ans, ne travaillera jamais pour le cinéma, ses photographies sont considérées comme révolutionnaires, notamment en raison de leur dimension cinématographique : dans ses premiers livres de photographies Magie der Schiene (1949) et Das Auge der Liebe (1954), Groebli travaille avec virtuosité sur des montages et des flous dynamiques, faisant du mouvement lui-même un sujet. Magie der Schiene rend presque physiquement perceptible la vitesse, le cliquetis rythmique des roues en acier sur les rails, la suie et le travail exténuant des chauffeurs. Dans L'œil de l'amour, l'appareil photo de Groebli tourne autour de sa femme Rita dans un mouvement presque dansant. Les photographies ont été prises lors d'un voyage de noces rattrapé du couple à Paris : un livre de photos comme poème d'amour, qui montre comment la narration photographique peut fonctionner au-delà du reportage. Groebli était en avance sur son temps. Les deux livres publiés à compte d'auteur n'ont guère attiré l'attention lors de leur première publication, mais ils sont aujourd'hui considérés comme des jalons influents de l'histoire de la photographie.

Bien au-delà de ces travaux et d'autres inspirés par le cinéma, l'œuvre de Groebli s'étend à des genres tels que le photojournalisme et la photographie de rue, ainsi qu'au portrait et à l'expérimentation de la couleur, à la photographie d'auteur ou aux œuvres de commande commerciales. Dès la fin des années 1940, Groebli a gagné sa vie en tant que photoreporter pour l'agence Black Star basée à Londres, qui l'envoyait principalement au Proche-Orient et sur le continent africain. Les publications de ses photographies dans les principaux magazines de l'époque, tels que Life, Picture Post, Paris Match et Stern, témoignent de la qualité de son travail. Néanmoins, en 1953, à l'âge de 26 ans seulement, il abandonne cette carrière pour ouvrir un studio de photographie à Zurich, dans lequel il se consacre principalement à ses essais avec le médium encore nouveau de la photographie couleur.

Du 5 avril au 2 juin 2024, le Fotomuseum WestLicht présente une centaine d'œuvres de la période la plus créative de Groebli, de la fin des années 1940 à la fin des années 1970.

L'exposition est organisée en coopération avec la Fondation Auer Ory pour la photographie.


Il movimento è il leitmotiv del lavoro del fotografo svizzero René Groebli. Pervade il suo linguaggio visivo e il suo sviluppo professionale, che - guidato dalla curiosità per le possibilità del mezzo - gli ha permesso di affermarsi in un'ampia varietà di generi fotografici.

René Groebli è nato a Zurigo nel 1927 e si è formato come operatore di documentari. Sebbene l'ormai 96enne non abbia mai lavorato per il cinema, le sue fotografie sono considerate innovative, non da ultimo per la loro dimensione cinematografica: nei suoi primi libri fotografici Magie der Schiene (1949) e Das Auge der Liebe (1954), ad esempio, Groebli ha lavorato virtuosamente con montaggi e sfocature dinamiche, con cui ha reso il movimento stesso il soggetto. Magie der Schiene rende quasi fisicamente tangibile la velocità, lo sferragliare ritmico delle ruote d'acciaio sui binari, la fuliggine e il lavoro sudato dei fuochisti. In The Eye of Love, la macchina fotografica di Groebli gira intorno alla moglie Rita con un movimento quasi di danza. Le fotografie sono state scattate durante una tardiva luna di miele a Parigi: un libro fotografico come poesia d'amore che mostra come la narrazione fotografica possa funzionare al di là del reportage. Groebli era in anticipo sui tempi. I due libri autopubblicati ricevettero poca attenzione al momento della loro pubblicazione, ma oggi sono considerati pietre miliari della storia della fotografia.

L'opera di Groebli si estende ben oltre questi e altri lavori di ispirazione cinematografica, coprendo generi come il fotogiornalismo e la fotografia di strada, ma anche ritratti ed esperimenti a colori, fotografia d'autore e lavori su commissione. Dalla fine degli anni Quaranta, Groebli si guadagnò da vivere come fotoreporter per l'agenzia londinese Black Star, che lo inviò soprattutto in Medio Oriente e nel continente africano. Le pubblicazioni delle sue fotografie sulle più importanti riviste dell'epoca, come Life, Picture Post, Paris Match e Stern, testimoniano la qualità del suo lavoro. Tuttavia, nel 1953, a soli 26 anni, abbandonò questa carriera per aprire uno studio fotografico a Zurigo, dove si dedicò principalmente agli esperimenti con l'allora ancora nuovo mezzo della fotografia a colori.

Dal 5 aprile al 2 giugno 2024, il Fotomuseum WestLicht espone circa 100 opere del periodo più creativo di Groebli, dalla fine degli anni Quaranta alla fine degli anni Settanta.

La mostra è realizzata in collaborazione con la Fondation Auer Ory pour la photographie.


Movement is the leitmotif in the work of Swiss photographer René Groebli. It permeates his visual language as well as his professional development, which - driven by his curiosity about the possibilities of the medium - has allowed him to succeed in a wide variety of photographic genres.

René Groebli was born in Zurich in 1927 and actually trained as a documentary film cameraman. Although the now 96-year-old was never to work for the cinema, his photographs are considered groundbreaking, not least because of their cinematic dimension: in his early photo books Magie der Schiene (1949) and Das Auge der Liebe (1954), for example, Groebli worked virtuously with montages and dynamic blurring, with which he made movement itself the subject. Magie der Schiene makes the speed, the rhythmic rattling of the steel wheels on the tracks, the soot and the sweaty work of the stokers almost physically tangible. In The Eye of Love, Groebli's camera circles his wife Rita in an almost dance-like movement. The photographs were taken on a belated honeymoon trip to Paris: a photo book as a love poem that shows how photographic storytelling can function beyond reportage. Groebli was ahead of his time. The two self-published books received little attention when they were first published, but today they are considered influential milestones in the history of photography.

Groebli's oeuvre extends far beyond these and other cinematographically inspired works, covering genres such as photojournalism and street photography as well as portraits and color experiments, author photography and commercially commissioned works. From the end of the 1940s, Groebli earned his living as a photojournalist for the London-based Black Star agency, which sent him mainly to the Middle East and the African continent. Publications of his photographs in the most important magazines of the time, such as Life, Picture Post, Paris Match and Stern, testify to the quality of his work. Nevertheless, he gave up this career in 1953 at the age of just 26 to set up a photo studio in Zurich, where he devoted himself primarily to his experiments with the then still new medium of color photography.

From April 5 to June 2, 2024, the Fotomuseum WestLicht is showing around 100 works from Groebli's most creative period from the late 1940s to the end of the 1970s.

The exhibition is a collaboration with the Fondation Auer Ory pour la photographie.

(Text: WestLicht. Schauplatz für Fotografie, Wien)

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Souls Against the Concrete - Khalik Allah | La Chambre | Strasbourg
Apr.
5
6:00 PM18:00

Souls Against the Concrete - Khalik Allah | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
5. April 2024

Souls Against the Concrete
Khalik Allah


125th & Lexington, Harlem, New York, 2017 © Khalik Allah


Khalik Allah wurde als Sohn jamaikanischer und iranischer Eltern geboren und wuchs in New York City mit der Hip-Hop-Kultur auf. Er bekennt sich zum Einfluss der Five Percent Nation, einer Bildungsbewegung für Jugendliche, die an die Rolle der Schwarzen in der Weltgeschichte erinnert. Er ist als Autor und Auftragnehmer von Dokumentarfilmen tätig und arbeitet regelmäßig mit dem Wu-Tang Clan zusammen. Im Jahr 2020 trat er der Agentur Magnum bei und realisierte hier eine seiner ersten Ausstellungen in Europa.

Khalik Allah spielte schon als Kind mit Kameras und schildert die Welt um ihn herum mit einem Stil, der als Street Opera bezeichnet wurde.

Für seine Serie 125th & Lexington positioniert er sich an dieser Straßenkreuzung, die tagsüber in rasender Geschwindigkeit von Leben wimmelt und in den Nachtstunden einer ganz anderen Bevölkerung und Atmosphäre Platz macht. Die Zeit der Beobachtung verlangsamt das Tempo durch den Blick und er findet Schönheit, wo man nur Dunkelheit zu finden glaubte. Die Nachtaufnahmen betonen die Lichter und Kontraste und lassen so ein "Gedicht im nächtlichen Harlem" entstehen. Der Fotograf ist bestrebt, die Straße auf ehrliche Weise zu porträtieren, indem er ein Vertrauensverhältnis zu seinen Motiven aufbaut. Er wirft einen wohlwollenden Blick, ohne zu idealisieren oder zu miserabilisieren, auf die meist schwarzen Außenseiter und Drogenabhängigen, die diese Ecke New Yorks bevölkern. Die jahrhundertelange Geschichte der Beziehungen zwischen Weißen und Schwarzen in den USA hat dazu geführt, dass die Begriffe "Gemeinschaft" und "Hautfarbe" eine besondere Bedeutung haben. Diese Spannungen, die durch hartnäckige sozioökonomische Unterschiede aufrechterhalten und durch den Tod von George Floyd im Jahr 2020 neu entfacht wurden, basieren auf gegenseitiger Angst. Mit seinen Porträts mit brennenden Blicken, die an intensive persönliche Geschichten erinnern, eröffnet der Künstler eine Möglichkeit, sich unter Menschen mit seinen Modellen zu identifizieren und sie lieben zu lernen.

Khalik Allah wird drei Monate lang auf einer Tournee zwischen Deutschland, der Schweiz und Frankreich anwesend sein. Dieses von La Chambre und dem internationalen Dokumentarfilmfestival Kings of Doc Expanded getragene Projekt wird in Partnerschaft mit Répliques, dem Kino Cosmos, der Universität Straßburg, Tënk, der HEAD, FilmArche, Zeegotoh und der Ostkreuzschule durchgeführt. Das Programm umfasst Ausstellungen, Filmvorführungen, Meisterklassen und Workshops.


Né de parents jamaïcain et iranien, Khalik Allah a grandi à New York au contact de la culture hip-hop. Il se revendique de l’influence de la Nation des Cinq pour Cent, un mouvement d’éducation pour les jeunes qui rappelle le rôle des Noires dans l’histoire mondiale. Il est réalisateur de films documentaires en tant qu’auteur ou prestataire, travaillant régulièrement avec le Wu-Tang Clan. Il intègre l’agence Magnum en 2020 et réalise ici l’une de ses premières expositions en Europe.

Jouant depuis tout petit avec des caméras, Khalik Allah dépeint le monde qui l’entoure avec un style qui a été qualifié de Street Opera.

Pour sa série 125th & Lexington, il se poste à cette intersection de rues, grouillant de vie à toute vitesse en journée et laissant place à une population et une ambiance bien différente au fil des heures nocturnes. Le temps de l’observation ralentit le rythme par le regard, et il trouve la beauté là où on ne pensait trouver que la noirceur. Les prises de vues nocturnes soulignent les lumières et les contrastes pour donner naissance à un « poème à Harlem la nuit ». Le photographe s’attache à dépeindre la rue de façon honnête, en créant un lien de confiance avec ses sujets. Il pose un regard bienveillant, sans idéalisation ni misérabilisme, sur les marginaux et drogué·es, principalement Noir·es, qui peuplent ce coin de New York. Découlant de siècles d’histoire tourmentée, le contexte américain des relations entre Blanc·hes et Noir·es donne une importance particulière aux notions de communauté et de couleur de peau. Entretenue par des différences socio-économiques tenaces et rallumée par la mort de George Floyd en 2020, cette tension se base sur la peur mutuelle. Avec ses portraits aux regards brûlants, évocateurs d’histoires personnelles intenses, l’artiste ouvre une possibilité de s’identifier, entre humains, à ses modèles et d’apprendre à les aimer.

Khalik Allah sera présent trois mois durant pour une tournée entre l’Allemagne, la Suisse et la France. Ce projet porté par La Chambre et le festival international de films documentaires Kings of Doc Expanded est réalisé en partenariat avec Répliques, le cinéma Cosmos, l’Université de Strasbourg, Tënk, la HEAD, FilmArche, Zeegotoh, Ostkreuzschule. Le programme comprend expositions, projections, masterclasses et workshops.


Nato da genitori giamaicani e iraniani, Khalik Allah è cresciuto a New York a contatto con la cultura hip-hop. Sostiene di essere stato influenzato dalla Five Percent Nation, un movimento di educazione giovanile che mette in evidenza il ruolo dei neri nella storia del mondo. È un documentarista, sia come autore che come collaboratore, e lavora regolarmente con il Wu-Tang Clan. È entrato a far parte dell'agenzia Magnum nel 2020 e questa è una delle sue prime mostre in Europa.

Avendo giocato con le macchine fotografiche fin da bambino, Khalik Allah ritrae il mondo che lo circonda con uno stile che è stato descritto come Street Opera.

Per la serie 125th & Lexington, l'artista si posiziona in questo incrocio di strade, che di giorno brulica di vita a pieno ritmo e che di notte lascia il posto a una popolazione e a un'atmosfera molto diverse. Il tempo per l'osservazione rallenta il ritmo e l'artista trova la bellezza dove si pensava ci fosse solo l'oscurità. Gli scatti notturni evidenziano le luci e i contrasti, dando vita a una "poesia di Harlem di notte". Il fotografo cerca di ritrarre la strada in modo onesto, creando un legame di fiducia con i suoi soggetti. Guarda con simpatia, senza idealizzazione o miseria, agli emarginati e ai tossicodipendenti, soprattutto neri, che popolano questo angolo di New York. Il contesto americano delle relazioni tra bianchi e neri, frutto di secoli di storia tormentata, dà particolare importanza alle nozioni di comunità e al colore della pelle. Alimentata da ostinate differenze socio-economiche e riaccesa dalla morte di George Floyd nel 2020, questa tensione si basa sulla paura reciproca. Con i suoi ritratti dagli sguardi ardenti, evocativi di intense storie personali, l'artista apre la possibilità di un'identificazione umana con i suoi modelli e di imparare ad amarli.

Khalik Allah sarà in tournée in Germania, Svizzera e Francia per tre mesi. Il progetto, sostenuto da La Chambre e dal festival internazionale del documentario Kings of Doc Expanded, è realizzato in collaborazione con Répliques, Cosmos cinema, Università di Strasburgo, Tënk, HEAD, FilmArche, Zeegotoh e Ostkreuzschule. Il programma prevede mostre, proiezioni, masterclass e workshop.


Born of Jamaican and Iranian parents, Khalik Allah grew up in New York City in contact with hip-hop culture. He claims to be influenced by the Five Percent Nation, a youth education movement that recalls the role of Black people in world history. He is a documentary filmmaker, both as an author and as a contractor, working regularly with the Wu-Tang Clan. He joined the Magnum agency in 2020, and this is one of his first exhibitions in Europe.

Playing with cameras from an early age, Khalik Allah depicts the world around him with a style that has been described as Street Opera.

For his 125th & Lexington series, he positions himself at this intersection of streets, teeming with life at full speed during the day and giving way to a very different population and atmosphere as the night progresses. Time for observation slows the pace through the eyes, and he finds beauty where we thought only darkness could be found. The night shots emphasize light and contrast to create a "poem of Harlem at night". The photographer strives to depict the street in an honest way, creating a bond of trust with his subjects. He takes a sympathetic look, without idealization or misery, at the marginalized and drug-addicted, mainly black, people who populate this corner of New York. Deriving from centuries of tormented history, the American context of relations between Whites and Blacks gives particular importance to notions of community and skin color. Nurtured by stubborn socio-economic differences and rekindled by the death of George Floyd in 2020, this tension is based on mutual fear. With his portraits of burning gazes, evocative of intense personal histories, the artist opens up a possibility for human beings to identify with his models and learn to love them.

Khalik Allah will be touring Germany, Switzerland and France for three months. The project is supported by La Chambre and the Kings of Doc Expanded international documentary film festival, in partnership with Répliques, Cosmos cinema, Strasbourg University, Tënk, HEAD, FilmArche, Zeegotoh and Ostkreuzschule. The program includes exhibitions, screenings, masterclasses and workshops.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Till Brönner: "Identity – Landscape Europe" | Ludwig Múzeum – Museum for Contemporary Art | Budapest
Apr.
13
6:00 PM18:00

Till Brönner: "Identity – Landscape Europe" | Ludwig Múzeum – Museum for Contemporary Art | Budapest

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Ludwig Múzeum – Museum for Contemporary Art | Budapest
13. April 2024

Es sprechen:
Julia Fabényi, Direktorin Ludwig Museum
Csaba Káel, Generaldirektor des Kunstpalastes – MÜPA Budapest
Bodo Hombach, Vorsitzender der Brost-Stiftung, ehem. Bundesminister
Gergerly Prőhle, ehem. Botschafter Ungarns in Deutschland
Walter Smerling, Vorsitzender der Stiftung für Kunst + Kultur e.V., Kurator

Till Brönner: "Identity – Landscape Europe"


Taranto, Italien, 2018 © Till Brönner


Der Fotograf und Musiker TILL Brönner ist ein überzeugter Europäer deutscher Abstammung. Aufgewachsen in Italien und im Rheinland und als Trompeter mit starker Bindung an die Musik Nordamerikas, führte ihn seine Identitätssuche stets zwischen mehrere Welten. Gerade diese interkontinentale Existenz hat ihn für die globale Bedeutung Europas sensibilisiert, die er in seinem fotografischen Werk immer wieder unterstreicht. Ob Porträts, Natur- und Industrielandschaften oder Architektur, Brönner ist seit vielen Jahren ein sensibler Beobachter, der die vielfältigen Entwicklungen und gesellschaftlichen Strömungen seiner europäischen Heimat mit den Mitteln der bildenden Kunst dokumentiert.

In einem Europa mit einer Vielzahl von Problemen und Krisen, darunter der Krieg in der Ukraine, stellen sich nicht erst seit dem Ausbruch einer globalen Pandemie durch das Covid-19-Virus wieder sensible Fragen nach der Bedeutung und Identität einer der einflussreichsten Regionen der Welt. Was trennt uns - trotz des Zusammenschlusses von Staaten? Was eint uns - trotz großer Unterschiede? Zwischen Pipelines und Abkommen, Diktaturen und Demokratien, Wirtschafts- und Sozialpolitik oder Datenschutz und Digitalisierung wird uns bewusst, dass es vor allem die Menschen sind, die die Identität Europas gestalten und verantworten. Sie stehen im Mittelpunkt dieses Projekts.

Der Künstler und die Stiftung für Kunst und Kultur e.V. haben sich bewusst für Ungarn als Ausstellungsort entschieden, dessen Inhalte ein nicht unerhebliches Spannungsfeld zwischen gesellschaftlicher und politischer Realität, insbesondere aus ungarischer Sicht, darstellen. Daraus ergeben sich Synergieeffekte für die Öffentlichkeitsarbeit, die die Sichtbarkeit von Identity - Landscape Europe sowohl lokal als auch international erhöhen werden.

Kurator: Prof. Dr. Walter SMERLING

Die Ausstellung wird von der Müpa Budapest und dem Ludwig Museum - Museum für zeitgenössische Kunst im Rahmen der Bartók Spring International Art Weeks präsentiert.


Le photographe et musicien TILL BRÖNNER est un Européen convaincu d'origine allemande. Il a grandi en Italie et en Rhénanie et, en tant que trompettiste, il a des liens étroits avec la musique nord-américaine, et sa quête d'identité l'a toujours mené entre plusieurs mondes. C'est précisément cette existence intercontinentale qui lui a fait prendre conscience de l'importance globale de l'Europe, et son travail photographique ne cesse de souligner cette importance. Qu'il s'agisse de portraits, de paysages naturels ou industriels ou d'architecture, Brönner est depuis de nombreuses années un observateur sensible qui documente les divers développements et courants sociaux de sa patrie européenne par le biais des beaux-arts.

Dans une Europe en proie à une multitude de problèmes et de crises, dont la guerre en Ukraine, des questions sensibles sur la signification et l'identité de l'une des régions les plus influentes du monde se posent à nouveau, et pas seulement depuis l'apparition d'une pandémie mondiale causée par le virus Covid-19. Qu'est-ce qui nous sépare - malgré l'union des États ? Qu'est-ce qui nous unit, malgré les grandes différences ? Entre les pipelines et les accords, les dictatures et les démocraties, la politique économique et sociale ou la protection des données et la numérisation, nous prenons conscience que ce sont avant tout les hommes qui façonnent l'identité de l'Europe et en sont responsables. Ils sont au cœur de ce projet.

L'artiste et la Stiftung für Kunst und Kultur e.V. ont délibérément choisi la Hongrie comme lieu d'une exposition dont le contenu représente une zone de tension non négligeable entre la réalité sociale et politique, en particulier d'un point de vue hongrois. Cela crée des effets de synergie pour l'œuvre publique, ce qui renforcera la visibilité d'Identity - Landscape Europe tant au niveau local qu'international.

Commissaire d'exposition : Walter SMERLING

L'exposition est présentée par Müpa Budapest et le Musée Ludwig - Musée d'art contemporain dans le cadre des semaines internationales d'art du printemps Bartók.


Il fotografo e musicista TILL BRÖNNER è un europeo convinto di origine tedesca. Cresciuto in Italia e in Renania e come trombettista fortemente legato alla musica del Nord America, la sua ricerca di identità lo ha sempre portato tra diversi mondi. È proprio questa esistenza intercontinentale che lo ha reso consapevole dell'importanza globale dell'Europa, e il suo lavoro fotografico sottolinea continuamente questa importanza. Che si tratti di ritratti, di paesaggi naturali o industriali o di architettura, Brönner è stato per molti anni un osservatore sensibile, documentando i diversi sviluppi e le correnti sociali della sua patria europea attraverso il mezzo dell'arte.

In un'Europa afflitta da una moltitudine di problemi e crisi, tra cui la guerra in Ucraina, si sono ripresentate domande delicate sul significato e sull'identità di una delle regioni più influenti del mondo, e non solo dopo lo scoppio di una pandemia globale causata dal virus Covid-19. Cosa ci separa - nonostante l'unione degli Stati? Cosa ci unisce - nonostante le grandi differenze? Tra oleodotti e accordi, dittature e democrazie, politica economica e sociale o protezione dei dati e digitalizzazione, ci stiamo rendendo conto che sono soprattutto le persone a plasmare e a essere responsabili dell'identità dell'Europa. È su di loro che si concentra questo progetto.

L'artista e la Stiftung für Kunst und Kultur e.V. hanno deliberatamente scelto l'Ungheria come sede di una mostra il cui contenuto rappresenta un'area di tensione non trascurabile tra realtà sociale e politica, in particolare dal punto di vista ungherese. Questo crea a sua volta effetti di sinergia per il lavoro pubblico, che aumenterà la visibilità di Identity - Landscape Europe sia a livello locale che internazionale.

Curatore: Prof. Dr. Walter SMERLING

La mostra è presentata dal Müpa di Budapest e dal Museo Ludwig - Museo d'Arte Contemporanea nell'ambito delle Settimane d'Arte Internazionale Bartók Spring.


Photographer and musician TILL BRÖNNER is a dedicated European of German descent. He grew up in Italy and in the Rhineland and as a trumpet player with strong ties to the music of North America, and his search for identity always took him between several worlds. It is precisely this intercontinental existence that has made him keenly aware of Europe’s global significance, and his photographic work emphasises this importance time and again. Whether it is portraits, natural or industrial landscapes or architecture, Brönner has been a sensitive observer for many years, documenting the diverse developments and social currents of his European homeland through the medium of fine art.

In a Europe with a multitude of problems and crises, including the war in Ukraine, sensitive questions about the meaning and identity of one of the most influential regions in the world have arisen again, and not just since the outbreak of a global pandemic caused by the Covid-19 virus. What separates us – despite the union of states? What unites us – despite major differences? Between pipelines and agreements, dictatorships and democracies, economic and social policy or data protection and digitalisation, we are becoming aware that it is above all the people who shape and are responsible for Europe’s identity. They are the focus of this project.

The artist and the Stiftung für Kunst und Kultur e.V. have deliberately chosen Hungary as the venue for an exhibition whose content represents a not insignificant area of tension between social and political reality, particularly from a Hungarian perspective. This in turn creates synergy effects for the public work, which will enhance the visibility of Identity – Landscape Europe both locally and internationally.

Curator: Prof. Dr. Walter SMERLING

The exhibition is presented by Müpa Budapest and Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art in the framework of the Bartók Spring International Art Weeks.


TILL BRÖNNER fotográfus és zenész egy német származású, elkötelezett európai alkotóművész. Olaszországban nevelkedett, erősen kötődik a német Rajna-vidékhez, trombitaművészként pedig Észak-Amerika zenéjéhez, így önazonosságát szüntelenül több világ között kereste. Tekintetét éppen a kontinensek közötti lét irányította rá Európa globális jelentőségére, és fotómunkáival újra meg újra ezt a jelentőséget hangsúlyozza. Legyen szó portrékról, tájképekről, ipari tájról vagy építészetről, érzékeny megfigyelőként Brönner évek óta európai hazája sokszínű fejlődését és társadalmi áramlatait dokumentálja a képzőművészet eszközeivel. 

Európa ma sokféle problémával és válsággal küzd egészen a keleti peremén dúló háborúig, és a világ egyik legbefolyásosabb régiójaként nemcsak a koronavírus okozta világjárvány óta foglalkoztatják szerepének és identitásának érzékeny kérdései. Mi választ el bennünket, miközben államok szövetsége vagyunk? Mi köt össze bennünket a nagy különbségek ellenére? A gázvezetékek és a nemzetközi megállapodások, a diktatúrák és demokráciák, a gazdasági és szociális politika vagy az adatvédelem és a digitalizáció égető kérdései között rá kell ébredünk, hogy mindenekelőtt mégiscsak az emberek azok, akik Európa identitását alakítják és meghatározzák. Ez a projekt őket állítja középpontba. 

A művész és a Stiftung für Kunst und Kultur e.V. alapítvány tudatosan választotta Magyarországot egy olyan kiállítás helyszínéül, amely tartalmával – éppen magyar szemszögből – nem jelentéktelen feszültség terét testesíti meg a társadalmi és a politikai realitás között. Ebből pedig a közös munka számára is olyan szinergiahatások adódnak, amelyek mind helyi, mind nemzetközi szinten erősítik az Identitás – Európai látkép láthatóságát.  

Kurátor: Prof. Dr. Walter SMERLING

A kiállítás a Bartók Tavasz Nemzetközi Művészeti Hetek keretében a Müpa és a Ludwig Múzeum – Kortárs Művészeti Múzeum szervezésében valósul meg.

(Text: Ludwig Múzeum – Museum for Contemporary Art, Budapest)

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SIEMPRE QUE ESTEMOS VIVOS NOS VEREMOS - Celine Croze | FOCALE galerie – librairie | Nyon
Apr.
13
6:00 PM18:00

SIEMPRE QUE ESTEMOS VIVOS NOS VEREMOS - Celine Croze | FOCALE galerie – librairie | Nyon


FOCALE galerie – librairie | Nyon
13. April 2024

SIEMPRE QUE ESTEMOS VIVOS NOS VEREMOS
Celine Croze


"Silencio", 2015, de la série « SQEVNV ». ©Celine Croze, courtesy galerie Sit Down.


"Siempre que estemos vivos nos veremos", das war der letzte Satz, den Yair zu mir sagte. Wir standen auf dem Azotea (Dach) von Block 11, der Nebel hüllte Caracas ein und das verrückte Gerücht der Stadt klang wie ein Trauergesang.

Es war ein Schuss in mein Herz. Das Bewusstsein des eigenen Endes hatte etwas Schreckliches und Erhabenes zugleich. Es war alles gesagt. Die Dringlichkeit des Lebens, die Faszination des Todes, der Zusammenbruch des Landes. Die extreme Gewalt und die Absurdität der Situation vermittelten den Eindruck, dass das Leben nur ein Spiel war.

Ich erinnerte mich zwei Tage zuvor an die Gallina (Arena für Hahnenkämpfe). Der Geruch von Blut, vermischt mit Rum und Schweiß, die Schreie der Wut, die Erregung jedes einzelnen Mannes. Eine ungreifbare Trance berauschte die Arena. Als ob wir alle verrückt wären. Als ob Blut, Tod und Macht einen lebendiger machen würden. Die chaotische Energie der Stadt hallte in jedem Kampf wider, wie ein Tanz, der sich entfaltet, bleibt und hilflos weint.

Einen Monat später wurde Yair erschossen. Er war 27 Jahre alt.

Meine Wanderungen durch Lateinamerika waren von weiteren überwältigenden Begegnungen durchzogen. Wie diese Kampfhähne sah ich Wesen, die tanzten und sich an die Unordnung klammerten. Ich fand jedes Mal dieselbe unverschämte Sinnlichkeit, wie eine wütende Provokation, wie der Schrei eines Jugendlichen, der sich über die Gefahr amüsiert, verurteilt und frei ist.


« Siempre que estemos vivos nos veremos », c’est la dernière phrase que m’a dite Yair. Nous étions sur l’azotea (toit) du bloc 11, la brume enveloppait Caracas, la rumeur folle de la ville ressemblait à un chant funèbre.

C’était une balle dans mon coeur. La conscience de sa propre fin avait quelque chose de terrible et sublime à la fois. Tout était dit. L’urgence de la vie, la fascination pour la mort, l’effondrement du pays. L’extrême violence et l’absurdité de la situation donnait l’impression que la vie n’était qu’un jeu.

Je me rappelais deux jours plus tôt la gallina (arène pour combats de coqs). L’odeur du sang mélangée au rhum et à la sueur, les cris de rage, l’excitation de chaque homme. Une transe impalpable enivrait l’arène. Comme si nous étions tous fous. Comme si le sang, la mort et le pouvoir rendaient plus vivant. L’énergie chaotique de la ville résonnait dans chaque combat, telle une danse qui se déploie, qui reste et pleure, impuissante.

Un mois plus tard, Yair fut abattu. Il avait 27 ans.

Mes errances en Amérique Latine furent traversées par d’autres rencontres saisissantes. Comme ces coqs de combats, je voyais des êtres danser et s’accrocher au désordre. J’y retrouvais à chaque fois cette même sensualité insolente, comme une furieuse provocation, comme un cri d’adolescent amusé par le danger, condamné et libre.


"Siempre que estemos vivos nos veremos" fu l'ultima frase che mi disse Yair. Eravamo sull'azotea (tetto) dell'isolato 11, la nebbia che avvolgeva Caracas, il folle ronzio della città come una nenia funebre.

Era una pallottola nel mio cuore. C'era qualcosa di terribile e sublime allo stesso tempo nell'essere consapevoli della propria fine. Diceva tutto. L'urgenza della vita, il fascino della morte, il collasso del Paese. L'estrema violenza e l'assurdità della situazione davano l'impressione che la vita fosse solo un gioco.

Due giorni prima, mi sono ricordato della gallina (arena per i combattimenti di galli). L'odore del sangue misto a rum e sudore, le grida di rabbia, l'eccitazione di ogni uomo. Una trance impalpabile intossicava l'arena. Come se fossimo tutti pazzi. Come se il sangue, la morte e il potere ci rendessero più vivi. L'energia caotica della città risuonava in ogni combattimento, come una danza che si svolge, che rimane e piange, impotente.

Un mese dopo, Yair fu ucciso con un colpo di pistola. Aveva 27 anni.

Le mie peregrinazioni in America Latina sono state intervallate da altri incontri eclatanti. Come quei galli da combattimento, ho visto persone ballare e aggrapparsi al disordine. Ogni volta ritrovavo la stessa sensualità insolente, come una provocazione furiosa, come il grido di un adolescente divertito dal pericolo, condannato e libero.


"Siempre que estemos vivos nos veremos" was the last sentence Yair said to me. We were standing on the azotea (roof) of Block 11, the mist enveloping Caracas, the mad hum of the city like a funeral dirge.

It was a bullet in my heart. There was something both terrible and sublime about the awareness of one's own demise. It said it all. The urgency of life, the fascination with death, the collapse of the country. The extreme violence and absurdity of the situation gave the impression that life was just a game.

Two days earlier, I remembered the gallina (cockfighting arena). The smell of blood mixed with rum and sweat, the cries of rage, the excitement of each man. An impalpable trance intoxicated the arena. As if we were all mad. As if blood, death and power made us more alive. The city's chaotic energy resonated in every fight, like a dance that unfolds, stays and weeps, powerless.

A month later, Yair was shot dead. He was 27 years old.

My wanderings in Latin America were interspersed with other striking encounters. Like those fighting cocks, I saw people dancing and clinging to disorder. Each time, I found the same insolent sensuality, like a furious provocation, like the cry of an adolescent amused by danger, condemned and free.

(Text: Celine Croze)

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Misr — mon Égypte – Denis Dailleux | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Apr.
19
6:00 PM18:00

Misr — mon Égypte – Denis Dailleux | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main


Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
19. April 2024

Misr — mon Égypte
Denis Dailleux


Un Vendeur de Citronnade, 2000 © Denis Dailleux


Die Ägypten-Porträts des vielfach ausgezeichneten französischen Fotografen Denis Dailleux zeichnen sich durch eine einzigartige Hingabe und Empathie aus. Dailleux nähert sich den Menschen und Orten, die er fotografiert, mit großer Diskretion, in der Hoffnung, dass sie sich ihm öffnen mögen, ohne es von ihnen zu erwarten. Das Ergebnis sind malerische, manchmal fast biblisch anmutende Fotografien, die Ort und Zeit transzendieren.

„Das Ägypten des Denis Dailleux entpuppt sich als (…) ein Ort, der das Ewige und das Unaussprechliche birgt“. Christian Lacroix

"Das fotografische Werk von Denis Dailleux ist von einer außerordentlichen Zartheit durchdrungen, erscheint an der Oberfläche ruhig, ist aber unglaublich anspruchsvoll, durchdrungen von Selbstzweifeln und geprägt von der persönlichen Verbundenheit mit den Porträtierten". Christian Caujolle, Gründer der Agentur VU

Denis Dailleux wurde 1958 im französischen Angers geboren. Er hat mehrere Bücher über Ägypten (insbesondere Kairo), seine Eindrücke vom „Arabischen Frühling“ und über Ghana veröffentlicht. Dailleux hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter den Monographies Award 1997, den World Press Photo Award in der Kategorie Porträt 2000, den Prix Hasselblad 2000, den Fujifilm Award 2001, den World Press Photo Award 2014 sowie den Prix Roger Pic 2019. Er ist Mitglied der Agence VU und lebt derzeit in Paris.

Seine Arbeiten sind in zahlreichen institutionellen und privaten Sammlungen vertreten, u.a. in der Collection privée Agnès B., beim Fond National dʼArt Contemporain, in der Maison Européenne de la Photographie und der Collection Neuflize Vie.


Les portraits égyptiens du photographe français Denis Dailleux, maintes fois primé, se distinguent par un dévouement et une empathie unique. Dailleux s'approche des personnes et des lieux qu'il photographie avec une grande discrétion, dans l'espoir qu'ils s'ouvrent à lui sans l'attendre d'eux. Il en résulte des photographies pittoresques, parfois presque bibliques, qui transcendent le lieu et le temps.

"L'Egypte de Denis Dailleux se révèle être (...) un lieu qui recèle l'éternel et l'inexprimable". Christian Lacroix

"L'œuvre photographique de Denis Dailleux est imprégnée d'une extraordinaire délicatesse, elle paraît calme en surface, mais elle est incroyablement exigeante, traversée par le doute de soi et marquée par l'attachement personnel aux sujets". Christian Caujolle, fondateur de l'agence VU

Denis Dailleux est né en 1958 à Angers, en France. Il a publié plusieurs livres sur l'Egypte (en particulier sur Le Caire), sur ses impressions du "printemps arabe" et sur le Ghana. Dailleux a reçu de nombreux prix internationaux, dont le Monographies Award 1997, le World Press Photo Award dans la catégorie Portrait 2000, le Prix Hasselblad 2000, le Fujifilm Award 2001, le World Press Photo Award 2014 et le Prix Roger Pic 2019. Il est membre de l'Agence VU et vit actuellement à Paris.

Son travail est présent dans de nombreuses collections institutionnelles et privées, notamment à la Collection privée Agnès B., au Fond National dʼArt Contemporain, à la Maison Européenne de la Photographie et à la Collection Neuflize Vie.


I ritratti dell'Egitto del pluripremiato fotografo francese Denis Dailleux sono caratterizzati da una dedizione e un'empatia uniche. Dailleux si avvicina alle persone e ai luoghi che fotografa con grande discrezione, nella speranza che si aprano a lui senza aspettarselo. Il risultato sono fotografie pittoresche, a volte quasi bibliche, che trascendono il tempo e il luogo.

"L'Egitto di Denis Dailleux si rivela (...) un luogo che ospita l'eterno e l'inesprimibile". Christian Lacroix

"Il lavoro fotografico di Denis Dailleux è intriso di una straordinaria delicatezza, appare tranquillo in superficie, ma è incredibilmente sofisticato, impregnato di dubbi su sé stesso e caratterizzato da un legame personale con le persone ritratte". Christian Caujolle, fondatore dell'agenzia VU

Denis Dailleux è nato ad Angers, in Francia, nel 1958. Ha pubblicato diversi libri sull'Egitto (in particolare sul Cairo), le sue impressioni sulla "primavera araba" e sul Ghana. Dailleux ha ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il Monographies Award nel 1997, il World Press Photo Award nella categoria ritratti nel 2000, il Prix Hasselblad nel 2000, il Fujifilm Award nel 2001, il World Press Photo Award nel 2014 e il Prix Roger Pic nel 2019. È membro dell'Agence VU e attualmente vive a Parigi.

Il suo lavoro è rappresentato in numerose collezioni istituzionali e private, tra cui la Collection privée Agnès B., il Fond National dʼArt Contemporain, la Maison Européenne de la Photographie e la Collection Neuflize Vie.


The portraits of Egypt by acclaimed French photographer Denis Dailleux are characterised by a unique dedication and empathy. Dailleux approaches the people and places he photographs with great discretion, hoping that they will open up to him without expecting them to. The result is a collection of painterly photographs that transcend time and place.

"The Egypt of Denis Dailleux reveals itself as (...) a place that harbors the eternal and the ineffable." Christian Lacroix

"Imbued with his distinctive delicacy, Denis Dailleux’s photographic work appears calm on the surface, yet is incredibly demanding, run through by an undercurrent of constant self-doubt and propelled by the essential personal bond he develops with those (and that which) he frames with his camera." Christian Caujolle, founder of Agence VU

Denis Dailleux was born in 1958 in Angers, France. He has published several books on Egypt (particularly Cairo), his impressions of the "Arab Spring," and Ghana. Dailleux has received numerous international awards, including the Monographies Award in 1997, the World Press Photo Award in the Portrait category in 2000, the Hasselblad Award in 2000, the Fujifilm Award in 2001, and the World Press Photo Award in 2014 in the Staged Portraits category (2nd place), and the Prix Roger Pic in 2019. He is a member of the Agence VU and currently lives in Paris.

His work is part of numerous institutional and private collections, including the Agnès B. private collection, the Fond National d'Art Contemporain, the Maison Européenne de la Photographie, and the Neuflize Vie collection.

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Made in Berlin – Markus C. Hurek | Leica Galerie Konstanz
Apr.
19
7:00 PM19:00

Made in Berlin – Markus C. Hurek | Leica Galerie Konstanz


Leica Galerie Konstanz
19. April 2024

Made in Berlin
Markus C. Hurek


Frühling am Savignyplatz, Berlin 2023 © copyright Markus C. Hurek


Es braucht eigentlich nur den richtigen Moment und das passende Licht. Was so kinderleicht klingt, hat Markus C. Hurek zu seiner Leidenschaft gemacht: In dem Moment auf den Auslöser zu drücken, in dem Menschen im Licht stehen, im wörtlichen wie im übertragenen Sinne.

Der Politikjournalist, der seit fast 25 Jahren für Zeitungen und Zeitschriften tätig ist, hat stets eine Kamera dabei. Hurek berichtet aus dem Bundestag, begleitet Politiker und besucht Wahlabende, er fotografiert auf Bundesversammlungen, Empfängen und Partys.

In der Tradition der klassischen Reportagefotografie arbeitet er dabei in schwarz-weiß und nutzt stets das vorhandene Licht, das er zumeist mit einer kleinen, diskreten Kamera einfängt. Der bewusste Verzicht auf Farbe unterstreicht die Zeitlosigkeit des jeweiligen Moments. Für Hurek ist das erklärtermaßen Anspruch und Ausdrucksform. Mit seinem Gespür für den Augenblick und das Geschehen am Rand schafft er in einzelnen Aufnahmen Moment-Reportagen großer Ereignisse.

Die Ausstellung „Made in Berlin“ in der Leica Galerie Konstanz zeigt einen typischen Ausschnitt der Arbeiten des Berliners: Es sind zum einen Ansichten seiner Heimatstadt, stark geprägt vom dokumentarischen Ansatz des Journalisten. Des Weiteren Szenen aus dem politischen Berlin, deren scheinbare Beiläufigkeit charakteristisch ist für die beobachtende Position des Fotografen. Bei seinen Porträts schließlich zeigt Hurek die Menschen hinter ihrer Funktion und Prominenz. Dabei verzichtet er auf jede Form der Inszenierung.


Il suffit en fait du bon moment et de la bonne lumière. Markus C. Hurek a fait de ce qui semble être un jeu d'enfant sa passion : Appuyer sur le déclencheur au moment où les gens sont dans la lumière, au sens propre comme au sens figuré.

Le journaliste politique, qui travaille depuis près de 25 ans pour des journaux et des magazines, a toujours un appareil photo avec lui. Hurek fait des reportages depuis le Bundestag, accompagne des politiciens et assiste à des soirées électorales, il prend des photos lors d'assemblées fédérales, de réceptions et de soirées.

Dans la tradition de la photographie de reportage classique, il travaille en noir et blanc et utilise toujours la lumière disponible, qu'il capte le plus souvent avec un petit appareil photo discret. Le fait de renoncer délibérément à la couleur souligne l'intemporalité de chaque moment. Pour Hurek, c'est à la fois une exigence et une forme d'expression. Avec son sens de l'instant et de ce qui se passe en marge, il crée des reportages instantanés de grands événements en quelques clichés.

L'exposition "Made in Berlin" à la Leica Galerie de Constance présente un extrait typique des travaux du Berlinois : il s'agit d'une part de vues de sa ville natale, fortement marquées par l'approche documentaire du journaliste. D'autre part, des scènes du Berlin politique, dont l'apparente désinvolture est caractéristique de la position d'observation du photographe. Enfin, dans ses portraits, Hurek montre les personnes derrière leur fonction et leur célébrité. Ce faisant, il renonce à toute forme de mise en scène.


Tutto ciò che serve è il momento giusto e la luce giusta. Markus C. Hurek ha trasformato ciò che sembra così semplice nella sua passione: Premere il pulsante di scatto nel momento in cui le persone sono in luce, sia letteralmente che figurativamente.

Il giornalista politico, che lavora per giornali e riviste da quasi 25 anni, ha sempre con sé una macchina fotografica. Hurek fa reportage dal Bundestag, accompagna i politici e partecipa alle serate elettorali, fotografa le assemblee federali, i ricevimenti e le feste.

Nella tradizione della classica fotografia di reportage, lavora in bianco e nero e utilizza sempre la luce disponibile, che di solito cattura con una macchina fotografica piccola e discreta. La deliberata rinuncia al colore sottolinea l'atemporalità del momento. Per Hurek, questa è un'aspirazione e una forma di espressione dichiarata. Con la sua sensibilità per il momento e per ciò che accade alla periferia, crea reportage momentanei di eventi importanti in singoli scatti.

La mostra "Made in Berlin" alla Leica Gallery di Costanza presenta una selezione tipica del lavoro del fotografo berlinese: da un lato, ci sono le vedute della sua città natale, fortemente caratterizzate dall'approccio documentaristico del giornalista. In secondo luogo, scene della Berlino politica, la cui apparente casualità è caratteristica della posizione osservativa del fotografo. Infine, nei suoi ritratti, Hurek mostra le persone dietro la loro funzione e celebrità. Nel farlo, si astiene da qualsiasi forma di messa in scena.


All you really need is the right moment and the right light. Markus C. Hurek has turned what sounds so simple into his passion: Pressing the shutter button at the moment when people are in the light, both literally and figuratively.

The political journalist, who has been working for newspapers and magazines for almost 25 years, always has a camera with him. Hurek reports from the Bundestag, accompanies politicians and attends election evenings, he takes photos at federal assemblies, receptions and parties.

In the tradition of classic reportage photography, he works in black and white and always uses the available light, which he usually captures with a small, discreet camera. The deliberate renunciation of color underlines the timelessness of the respective moment. For Hurek, this is a declared aspiration and form of expression. With his feel for the moment and what is happening on the sidelines, he creates momentary reports of major events in individual shots.

The "Made in Berlin" exhibition at the Leica Gallery in Constance shows a typical selection of the Berlin-based photographer's work: on the one hand, there are views of his home city, strongly influenced by the journalist's documentary approach. Secondly, scenes from political Berlin, whose apparent casualness is characteristic of the photographer's observational position. Finally, in his portraits, Hurek shows the people behind their function and celebrity. In doing so, he refrains from any form of staging.

(Text: Leica Galerie Konstanz)

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Life at its best - Herlinde Kölbl | Leica Galerie Salzburg
Apr.
24
6:00 PM18:00

Life at its best - Herlinde Kölbl | Leica Galerie Salzburg


Leica Galerie Salzburg
24. April 2024

Karin Rehn-Kaufmann, Art Director Leica Galerien International im Gespräch mit Herlinde Kölbl

Life at its best
Herlinde Kölbl


Aus dem Zyklus „Here-There-Everywhere”, 2008, Fine Art Digital Print © Herlinde Kölbl


Vielfältige Themen der Ausstellung: Die Ausstellung "Life at its best" präsentiert eine Auswahl von Kölbls herausragenden Themen, darunter "Metamorphosen", "Haare", "Frauen und Männerakte", "Schriftsteller Hände", "Feine Leute" und "Here There Everywhere".

"Metamorphosen" - Die Vergänglichkeit der Natur: In der Serie "Metamorphosen" widmet sich Herlinde Kölbl nicht dem Menschen, sondern der vergänglichen Natur. Die Fotografien von Flecken, weißem Flaum und abgeknickten Köpfen zeigen Pflanzen in ihrer Vergänglichkeit. Überraschenderweise erzeugen die Bilder jedoch keine Melancholie, sondern vermitteln dem Betrachter eine tiefe Ruhe. Die Fotografien regen dazu an, über das Unverfügbare nachzudenken und das Unveränderliche zu akzeptieren.

Projekt Schriftsteller: Herlinde Kölbls ambitioniertes Projekt über Schriftsteller und ihre Arbeitswelten sieht vor, Persönlichkeiten fotografisch und textlich zu porträtieren, wobei nicht die Gesichter, sondern die Hände und Schreibwerkzeuge der Autoren im Mittelpunkt stehen. Durch Gespräche mit den Schriftstellern über die Wahl ihrer Schreibutensilien, ihren Arbeitsrhythmus und vor allem ihre Motivation zu schreiben, entsteht eine tiefe Annäherung. Die Zusammenstellung des ursprünglich 40-teiligen Zyklus umfasst namhafte Autoren wie Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass und Peter Handke.

Zyklen "Starke Frauen" und „Männer“: Mit den "Starken Frauen" zeigt Kölbl die Kraft der frühen Göttinnen, während die Männer als spannungsvoller Gegenpol in der ganzen Widersprüchlichkeit von Zärtlichkeit, Stärke und Aggression präsentiert werden. Die Haut als sichtbarer Mittler des Begehrens verbindet beide Geschlechter in ihrer Weichheit und ihrem Glanz.

Eine weitere Serie ist "Feine Leute 1979 - 1985", in der die Fotografin sechs Jahre lang Bälle, Partys und gesellschaftliche Ereignisse in Deutschland dokumentierte und damit einen einzigartigen Einblick in die High Society gewährt.


Thèmes variés de l'exposition : l'exposition "Life at its best" présente une sélection des thèmes les plus remarquables de Kölbl, dont "Métamorphoses", "Cheveux", "Femmes et nus masculins", "Mains d'écrivain", "Gens raffinés" et "Here There Everywhere".

"Métamorphoses" - Le caractère éphémère de la nature : Dans la série "Metamorphosen", Herlinde Kölbl ne se consacre pas à l'homme, mais à la nature éphémère. Les photographies de taches, de duvet blanc et de têtes pliées montrent les plantes dans leur caractère éphémère. De manière surprenante, les images ne génèrent toutefois pas de mélancolie, mais transmettent au spectateur une profonde sérénité. Les photographies incitent à réfléchir à l'indisponible et à accepter l'immuable.

Projet écrivains : le projet ambitieux d'Herlinde Kölbl sur les écrivains et leurs univers de travail prévoit de faire le portrait de personnalités par la photographie et le texte, en se concentrant non pas sur les visages, mais sur les mains et les outils d'écriture des auteurs. En discutant avec les écrivains du choix de leurs outils d'écriture, de leur rythme de travail et surtout de leur motivation à écrire, un rapprochement profond s'opère. La composition du cycle, qui comportait à l'origine 40 parties, comprend des auteurs de renom tels que Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass et Peter Handke.

Cycles "Femmes fortes" et "Hommes" : avec les "Femmes fortes", Kölbl montre la force des déesses primitives, tandis que les hommes sont présentés comme un contrepoint tendu, dans toute la contradiction de la tendresse, de la force et de l'agression. La peau, médiateur visible du désir, relie les deux sexes dans sa douceur et son éclat.

Une autre série est "Feine Leute 1979 - 1985", dans laquelle la photographe a documenté pendant six ans des bals, des fêtes et des événements sociaux en Allemagne, offrant ainsi un aperçu unique de la haute société.


Temi espositivi diversi: la mostra "La vita al suo meglio" presenta una selezione dei temi più importanti di Kölbl, tra cui "Metamorfosi", "Capelli", "Nudi femminili e maschili", "Mani di scrittori", "Belle persone" e "Qui, là, ovunque".

"Metamorfosi" - La caducità della natura: Nella serie "Metamorphoses", Herlinde Kölbl non si concentra sulle persone, ma sulla natura transitoria. Le fotografie di macchie, peluria bianca e teste staccate mostrano le piante nella loro transitorietà. Sorprendentemente, però, le immagini non evocano malinconia, ma piuttosto trasmettono allo spettatore un profondo senso di calma. Le fotografie ci incoraggiano a riflettere sull'irraggiungibile e ad accettare l'immutabile.

Writers project: l'ambizioso progetto di Herlinde Kölbl sugli scrittori e i loro ambienti di lavoro mira a ritrarre le personalità dal punto di vista fotografico e testuale, concentrandosi non sui loro volti ma sulle loro mani e sugli strumenti di scrittura. Parlando con gli scrittori della loro scelta di strumenti di scrittura, del loro ritmo di lavoro e, soprattutto, della loro motivazione a scrivere, si crea un profondo avvicinamento. La compilazione del ciclo originale in 40 parti comprende autori noti come Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass e Peter Handke.

I cicli "Donne forti" e "Uomini": con le "Donne forti", Kölbl mostra il potere delle prime dee, mentre gli uomini sono presentati come una tesa antitesi in tutte le loro contraddizioni di tenerezza, forza e aggressività. La pelle come mediatore visibile del desiderio unisce entrambi i sessi nella sua morbidezza e lucentezza.

Un'altra serie è "Feine Leute 1979 - 1985", in cui il fotografo ha documentato per sei anni balli, feste ed eventi sociali in Germania, offrendo uno sguardo unico sull'alta società.


Diverse exhibition themes: The exhibition "Life at its best" presents a selection of Kölbl's outstanding themes, including "Metamorphoses", "Hair", "Women and Men's Nudes", "Writers' Hands", "Fine People" and "Here There Everywhere".

"Metamorphoses" - The transience of nature: In the "Metamorphoses" series, Herlinde Kölbl focuses not on people, but on transient nature. The photographs of spots, white fluff and snapped-off heads show plants in their transience. Surprisingly, however, the images do not evoke melancholy, but rather convey a deep sense of calm to the viewer. The photographs encourage us to reflect on the unavailable and to accept the unchangeable.

Writers project: Herlinde Kölbl's ambitious project about writers and their working environments aims to portray personalities photographically and textually, focusing not on their faces but on their hands and writing tools. Through conversations with the writers about their choice of writing utensils, their working rhythm and, above all, their motivation to write, a deep rapprochement is created. The compilation of the original 40-part cycle includes well-known authors such as Martin Walser, Robert Menasse, Günther Grass and Peter Handke.

The "Strong Women" and "Men" cycles: With the "Strong Women", Kölbl shows the power of the early goddesses, while the men are presented as a tense antithesis in all their contradictions of tenderness, strength and aggression. The skin as a visible mediator of desire unites both sexes in its softness and radiance.

Another series is "Feine Leute 1979 - 1985", in which the photographer documented balls, parties and social events in Germany for six years, providing a unique insight into high society.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

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Volker Hinz - Backstage mit Yves und Karl | Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf
Apr.
24
7:00 PM19:00

Volker Hinz - Backstage mit Yves und Karl | Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf


Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf
24. April 2024

Volker Hinz - Backstage mit Yves und Karl


Karl Lagerfeld in der Badewanne mit einem Duschkleid der Cloé Kollektion, Paris 1983 © Bayerische Staatsbibliothek/Bildarchiv Volker Hinz


Die Ausstellung “Backstage mit Yves und Karl” präsentiert eine faszinierende Auswahl an Fotografien aus dem umfangreichen Archiv des renommierten Hamburger Stern-Fotografen Volker Hinz (1947–2019), die zwischen den 1970er und 1990er Jahren entstanden sind. Tauchen Sie ein in die glamouröse Welt der Mode, der Couturiers und Supermodels, und werfen Sie einen Blick hinter die Kulissen von Modenschauen sowie in die Ateliers der bedeutendsten Designer ihrer Ära – insbesondere in Paris.

Dank seines Tickets als Stern-Fotograf hatte Volker Hinz Zugang zu Bereichen, die normalen Fotojournalisten verschlossen blieben. Schwerpunkt der Ausstellung sind die Backstage Aufnahmen mit Yves Saint Laurent und Karl Lagerfeld, aber auch Motive im privaten Umfeld der Designer. Diese Bilder gewähren uns einen Blick hinter die Kulissen der Haute-Couture-Szene und zeigen die Modeschöpfer mal privat, ganz »ungeschminkt«, aber auch in ihrer Funktion als Kunstfiguren. Volker Hinz beobachtete viele der legendären Designer seiner Zeit. Seinem Stil treu bleibend, ließ er sich von der glitzernden Model- und Modewelt nicht beeindrucken und schaffte es, sehr persönliche, unverstellte Momente festzuhalten. Von besonderem Wert sind diese letzten, von Volker Hinz eigenhändig signierten, monochromen Vintage-Abzügen, die den kulturellen Zeitgeist einer prägenden Epoche in der Modewelt einfangen.


L'exposition "Backstage mit Yves und Karl" présente une sélection fascinante de photographies issues des vastes archives du célèbre photographe hambourgeois du stern, Volker Hinz (1947-2019), prises entre les années 1970 et 1990. Plongez dans le monde glamour de la mode, des couturiers et des supermodels, et jetez un coup d'œil dans les coulisses des défilés de mode ainsi que dans les ateliers des plus grands créateurs de leur époque - notamment à Paris.

Grâce à son ticket de photographe du magazine Stern, Volker Hinz a eu accès à des domaines auxquels les photojournalistes ordinaires n'ont pas accès. L'exposition met l'accent sur les photos des coulisses avec Yves Saint Laurent et Karl Lagerfeld, mais aussi sur des motifs dans l'environnement privé des designers. Ces visuels nous permettent de jeter un coup d'œil dans les coulisses de la scène de la haute couture et montrent les créateurs de mode en privé, sans fard, mais aussi dans leur fonction de personnages artistiques. Volker Hinz a observé de nombreux créateurs légendaires de son époque. Fidèle à son style, il ne s'est pas laissé impressionner par le monde scintillant du mannequinat et de la mode et a réussi à immortaliser des moments très personnels, sans fard. Ces derniers tirages vintage monochromes, signés de la main de Volker Hinz, sont d'une valeur particulière et capturent l'esprit culturel d'une époque marquante dans le monde de la mode.


La mostra "Backstage with Yves and Karl" presenta un'affascinante selezione di fotografie tratte dal vasto archivio del famoso fotografo di Amburgo Volker Hinz (1947-2019), scattate tra gli anni Settanta e Novanta. Immergetevi nel mondo glamour della moda, dei couturier e delle top model, e date un'occhiata dietro le quinte delle sfilate e negli studi dei più importanti stilisti dell'epoca, soprattutto a Parigi.

Grazie al suo biglietto da visita come fotografo Stern, Volker Hinz aveva accesso a zone che rimanevano chiuse ai normali fotoreporter. La mostra si concentra sugli scatti del backstage con Yves Saint Laurent e Karl Lagerfeld, ma include anche motivi negli ambienti privati degli stilisti. Queste immagini ci danno uno sguardo dietro le quinte della scena dell'alta moda e mostrano gli stilisti in privato, completamente "disadorni", ma anche nella loro funzione di figure artistiche. Volker Hinz ha osservato molti dei leggendari stilisti del suo tempo. Rimanendo fedele al suo stile, non si è lasciato impressionare dallo sfavillante mondo della moda e della modellistica ed è riuscito a catturare momenti molto personali e candidi. Queste ultime stampe vintage monocromatiche, firmate dallo stesso Volker Hinz, sono di particolare valore e catturano lo zeitgeist culturale di un'epoca formativa del mondo della moda.


The exhibition "Backstage with Yves and Karl" presents a fascinating selection of photographs from the extensive archive of the renowned Hamburg stern photographer Volker Hinz (1947-2019), taken between the 1970s and 1990s. Immerse yourself in the glamorous world of fashion, couturiers and supermodels, and take a look behind the scenes of fashion shows and into the studios of the most important designers of their era - especially in Paris.

Thanks to his ticket as a Stern photographer, Volker Hinz had access to areas that remained closed to normal photojournalists. The exhibition focuses on the backstage shots with Yves Saint Laurent and Karl Lagerfeld, but also includes motifs in the designers' private surroundings. These visuals give us a look behind the scenes of the haute couture scene and show the fashion designers sometimes in private, completely "unadorned", but also in their function as art figures. Volker Hinz observed many of the legendary designers of his time. Remaining true to his style, he was not impressed by the glittering world of models and fashion and managed to capture very personal, candid moments. These last monochrome vintage prints, signed by Volker Hinz himself, are of particular value, capturing the cultural zeitgeist of a formative era in the fashion world.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg-Eppendorf)

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Poesie der Zeit. Michael Ruetz – Timescapes 1966–2023 | Akademie der Künste | Berlin
Mai
8
7:00 PM19:00

Poesie der Zeit. Michael Ruetz – Timescapes 1966–2023 | Akademie der Künste | Berlin


Akademie der Künste | Berlin
8. Mai 2024

Poesie der Zeit. Michael Ruetz – Timescapes 1966–2023


aus Timescape 312, 312.10, October 26 2002, 14:48 h, 312.14, December 10 2005, 12:52 h, 312.26, December 17 2015, 10:06 h, Schloßplatz, Berlin-Mitte © Michael Ruetz


Wie lassen sich Zeit und Vergänglichkeit sichtbar machen, wie Umbrüche und Veränderungen einer Gesellschaft oder eines Stadtraumes dokumentieren? Wie kaum ein anderer Künstler hat sich Michael Ruetz mit diesen Fragen beschäftigt. Seit Mitte der 1960er-Jahre beobachtete er in einer großangelegten fotografischen Studie den Wandel natürlicher und urbaner Lebenswelten an Orten in Berlin, Deutschland und Europa und hielt die Veränderungen in einer Folge von Bestands- und Momentaufnahmen fest. Seine Timescapes entstanden in einem Zeitraum von fast sechzig Jahren und umfassen mehr als 600 Serien mit tausenden von Aufnahmen. Das zentrale Konzept der Timescapes besteht darin, dass Standort und Sichtachse der Kamera stets dieselben sind, nur die Zeitintervalle der Bilderserien variieren.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Timescapes von Berlin. Der tiefgreifende Wandel der deutschen Gesellschaft in der Nachkriegszeit, nach der Wiedervereinigung und in der Gegenwart ist in den Fotoserien besonders wirkungsvoll verdichtet. Schauplätze der Macht oder von historischer Relevanz wie der Potsdamer Platz, das Brandenburger Tor, der Schlossplatz, Gendarmenmarkt, das Regierungsviertel oder die Berliner Mauer haben vor allem seit 1989/90 eine rasante Änderung erfahren. Gebäude und Blickachsen verschwinden oder entstehen neu, Straßen werden zurückgeführt oder anders benannt, Plätze radikal umgestaltet, freie Flächen bebaut, Brachen wiederbelebt.

Ruetz’ Berlinaufnahmen erzählen davon, wie Architektur unsere Lebensräume aus- und umgestalten kann und damit eine Deutungshoheit über unsere Wahrnehmung erlangt. Dabei entwickeln seine Bilderserien eine eigene Ästhetik abseits dokumentarischer Nüchternheit und offenbaren so eine Poesie der Zeit. Zugleich mahnen Ruetz’ Bilder dazu, in einer Zeit existentieller ökologischer und sozialer Krisen, die Prinzipien von Stadtentwicklung und Städtebau neu zu überdenken.

Zur Ausstellung erscheinen Fotoleporellos mit ausgewählten Berlin-Timescapes.

Der Dokumentarfilm Facing Time von Annett Ilijew wird das Rahmenprogramm zur Ausstellung ergänzen.


Comment rendre visible le temps et l'éphémère, comment documenter les bouleversements et les changements d'une société ou d'un espace urbain ? Michael Ruetz s'est penché sur ces questions comme peu d'autres artistes. Depuis le milieu des années 1960, il a observé, dans le cadre d'une étude photographique de grande envergure, la transformation de milieux de vie naturels et urbains dans des lieux de Berlin, d'Allemagne et d'Europe, et a fixé les changements dans une succession de photos d'inventaire et d'instantanés. Ses Timescapes ont été réalisés sur une période de près de soixante ans et comprennent plus de 600 séries avec des milliers de prises de vue. Le concept central des Timescapes est que l'emplacement et l'axe de vision de l'appareil photo sont toujours les mêmes, seuls les intervalles de temps des séries d'images varient.

Les Timescapes de Berlin sont au cœur de l'exposition. Les changements profonds de la société allemande dans l'après-guerre, après la réunification et à l'heure actuelle sont condensés de manière particulièrement efficace dans les séries de photos. Les lieux de pouvoir ou d'importance historique comme la Potsdamer Platz, la porte de Brandebourg, la place du château, le Gendarmenmarkt, le quartier du gouvernement ou le mur de Berlin ont connu des changements fulgurants, surtout depuis 1989/90. Des bâtiments et des axes visuels disparaissent ou se créent, des rues sont ramenées ou renommées, des places sont radicalement transformées, des espaces libres sont construits, des friches sont réanimées.

Les photos de Berlin de Ruetz racontent comment l'architecture peut aménager et transformer nos espaces de vie et acquérir ainsi une souveraineté d'interprétation sur notre perception. Ce faisant, ses séries d'images développent une esthétique propre, loin de la sobriété documentaire, et révèlent ainsi une poésie du temps. En même temps, les images de Ruetz nous invitent à repenser les principes du développement et de l'urbanisme à une époque de crises écologiques et sociales existentielles.

L'exposition s'accompagne de la publication d'une sélection de timescapes berlinois.

Le film documentaire Facing Time d'Annett Ilijew complètera le programme cadre de l'exposition.


Come rendere visibili il tempo e la transitorietà, come documentare gli sconvolgimenti e i cambiamenti di una società o di uno spazio urbano? Michael Ruetz ha esplorato queste domande più di qualsiasi altro artista. Dalla metà degli anni Sessanta, ha osservato la trasformazione degli ambienti naturali e urbani in luoghi di Berlino, della Germania e dell'Europa in uno studio fotografico su larga scala e ha registrato i cambiamenti in una serie di immagini esistenti e istantanee. I suoi Timescapes sono stati creati in un periodo di quasi sessant'anni e comprendono più di 600 serie con migliaia di fotografie. Il concetto centrale dei paesaggi temporali è che la posizione e la linea di vista della macchina fotografica sono sempre le stesse, solo gli intervalli di tempo tra le serie di immagini variano.

I paesaggi temporali di Berlino sono al centro della mostra. La profonda trasformazione della società tedesca nel dopoguerra, dopo la riunificazione e nel presente è condensata in modo particolarmente efficace nelle serie di foto. Luoghi di potere o di rilevanza storica come Potsdamer Platz, la Porta di Brandeburgo, Schlossplatz, Gendarmenmarkt, il quartiere governativo o il Muro di Berlino hanno subito un rapido cambiamento, soprattutto a partire dal 1989/90. Edifici e assi visivi sono scomparsi. Edifici e assi visivi sono scomparsi o sono emersi di nuovo, le strade sono state ridotte o rinominate, le piazze sono state radicalmente ridisegnate, gli spazi aperti sono stati edificati, i terreni incolti sono stati rivitalizzati.

Le fotografie di Berlino di Ruetz raccontano come l'architettura possa plasmare e rimodellare i nostri spazi di vita, guadagnando così una sovranità interpretativa sulla nostra percezione. Le sue serie di immagini sviluppano una propria estetica al di là della sobrietà documentaria, rivelando una poesia del tempo. Allo stesso tempo, le immagini di Ruetz ci spingono a ripensare i principi dello sviluppo urbano e della pianificazione urbanistica in un momento di crisi ecologica e sociale esistenziale.

La mostra sarà accompagnata da opuscoli fotografici con paesaggi temporali berlinesi selezionati.

Il film documentario Facing Time di Annett Ilijew completerà il programma di supporto della mostra.


How to make visible the passage of time and transience, how to document the ruptures and changes that occur in societies and urban environments? These are the questions that Michael Ruetz – like few other artists – addresses in his work. Since the mid-60s he has observed the transformation of natural and urban habitats in locations in Berlin and elsewhere in Europe in a large-scale photographic study, capturing the changes in a series of photographic snapshots and inventory images. His Timescapes came about over a period of nearly sixty years and comprise more than 600 series made up of thousands of photos. The central concept of Timescapes is that the position and visual axis of the camera always remain the same, while only the time intervals of the photo series vary.

At the heart of the exhibition are the Timescapes of Berlin. The photo series present a particularly powerful consolidation of the far-reaching transformation of German society in the post-war period, after reunification and up to the present day. Sites of power or historical relevance such as Potsdamer Platz or the Brandenburg Gate, the Schlossplatz, Gendarmenmarkt, Berlin’s government quarters or the Berlin Wall have undergone radical change, particularly since 1989/90. Buildings and visual axes disappear or are built anew, streets are returned to previous states or renamed, squares are radically redesigned, open spaces built upon, vacant spaces given new life.

Ruetz’ images of Berlin are an expression of how architecture can shape and redefine our environment, thus giving it a prerogative of interpretation over our perception. His photo series develop their own aesthetics beyond documentary sobriety, revealing a poetry of time in the process. At the same time, Ruetz’ photos admonish us, in these times of environmental and social crises, to rethink the principles of urban planning and development.

Photo leporellos with selected Berlin Timescapes will be published with the exhibition.

The documentary film Facing Time by Annett Ilijew supplements the exhibition programme.

(Text: Akademie der Künste, Berlin)

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Melencolia - Bernard Voïta | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Mai
31
6:00 PM18:00

Melencolia - Bernard Voïta | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
31. Mai 2024

Melencolia
Bernard Voïta


Melencolia III, 2014 © Bernard Voïta


Eine Gruppe von Blinden schart sich um einen Elefanten, um sich ein Bild von ihm zu machen. Einer umfasst das Bein und sagt: «Ein Elefant sieht aus wie ein weicher Stamm.» Ein anderer erwischt den Stosszahn, er protestiert: «Im Gegenteil, ein Elefant ist hart und spitzig, er hat eine längliche, gebogene Form.» «Völlig falsch», ruft der Dritte, die Seite betastend: «Ein Elefant gleicht einer flachen Wand mit Unebenheiten.» Der Vierte wiederum hält triumphierend den Schwanz in den Händen und lacht alle aus: «Ein Elefant ist nur ein dünnes Seil.» Sie geraten in einen Streit und schlagen sich die Köpfe ein, weil jeder überzeugt ist, die Wahrheit zu sagen.

Bernard Voïta bezieht sich auf die uralte und hochaktuelle Parabel «Der Streit der Blinden», um sein Interesse an der Fotografie zu illustrieren. Der 1960 in Cully geborene Künstler erregte schon um 1990 internationales Aufsehen: Seine Bilder zeigten banale Dinge des Alltags in einer so akkurat geordneten Unordnung, dass die Betrachter:innen vergeblich nach Halt und Orientierung suchten. Dabei beruhten jene Werke nicht auf Montagen oder Collagen, sondern auf räumlichen Installationen, die er durch die Kamera in irritierende, flächige Bilder übersetzte. Seither hat Voïta dieses fantastische Spiel mit Schein und Sein hartnäckig weitergetrieben. Die Ausstellung präsentiert nun erstmals die komplette Serie Melencolia (2014-2017), deren Titel auf ein berühmtes Werk von Albrecht Dürer anspielt – sinnliche, kluge, listige und zuweilen auch verstörende Illusionen, in denen die Fotografie eine eigene Wirklichkeit erzeugt. Nichts ist so, wie wir es sehen.


Un groupe d’aveugles se rassemble autour d’un éléphant pour se faire une idée de son apparence. L’un d’eux saisit la jambe et dit : « Un éléphant ressemble à un tronc d’arbre mou. » Un autre attrape la défense, il proteste : « Au contraire, un éléphant est dur et pointu, il a une forme allongée et courbée. » Un troisième s’exclame en tâtant le côté : « Complètement faux ! Un éléphant ressemble à un mur plat avec des aspérités. » Le quatrième, quant à lui, tient triomphalement la queue entre ses mains et se moque de tout le monde : « Un éléphant n’est qu’une fine corde. » Ils se disputent et se tapent sur la tête, chacun étant persuadé de dire la vérité.

Bernard Voïta se réfère à la parabole ancestrale et très actuelle « Les aveugles et l’éléphant » pour illustrer son intérêt pour la photographie. Né en 1960 à Cully, l’artiste a fait sensation sur la scène internationale dès 1990 avec ses photos montrant des objets banals de la vie quotidienne dans un désordre si méticuleux que les spectateurs.trices cherchaient en vain un appui et une orientation. Ces oeuvres ne reposaient pas sur des montages ou des collages, mais sur des installations spatiales qu’il traduisait en images planes et irritantes à travers son appareil photo. Depuis, Voïta a poursuivi avec obstination ce jeu fantastique entre apparence et réalité. Cette exposition présente maintenant pour la première fois la série complète Melencolia (2014-2017), dont le titre fait allusion à une oeuvre célèbre d’Albrecht Dürer – des illusions sensuelles, intelligentes, rusées et parfois même dérangeantes, dans lesquelles la photographie crée sa propre réalité. Rien n’est tel que nous le voyons.


Un gruppo di ciechi si raduna attorno a un elefante per farsi un’idea di come sia fatto. Uno di loro circonda una gamba con le braccia e dice: gli elefanti hanno l’aspetto di un tronco morbido. Un altro afferra una zanna e protesta: al contrario, gli elefanti sono duri e appuntiti, hanno una forma lunga e arcuata. Non è assolutamente vero, sentenzia il terzo tastando il fianco dell’animale: gli elefanti assomigliano a una parete dalla superfice irregolare. Il quarto invece, tenendo trionfante la coda tra le mani ride delle affermazioni dei suoi compagni: gli elefanti sono soltanto una funicella sottile. Così scoppia una lite violenta perché ognuno di loro è convinto di dire la verità.

Bernard Voïta si basa sulla vecchissima e attuale parabola «i ciechi e l’elefante» per illustrare il suo interesse per la fotografia. L’artista, nato a Cully nel 1960, suscitò scalpore a livello internazionale già attorno al 1990: le sue immagini mostrano oggetti banali di uso quotidiano, in un disordine così accuratamente ordinato da lasciare chi le osserva a cercare invano un punto d’appiglio o di orientamento. Queste opere non si basano su montaggi o collage ma su istallazioni tridimensionali che il fotografo traduce, tramite la macchina fotografica, in immagini fastidiosamente piatte. Da allora Voïta ha persistito in questo gioco fantastico di apparenza e realtà. La mostra presenta per la prima volta la serie «Melencolia al completo» (2014–2017), il cui titolo si riferisce a una famosa opera di Albrecht Dürer – illusioni sensoriali, intelligenti, astute e a volte anche sconvolgenti, dove la fotografia genera una propria realtà. Nulla è come lo vediamo.


A group of blind men gather around an elephant to gain an impression of it. One grasps a leg and says: “An elephant looks like a supple tree-trunk.” Another catches hold of a tusk and protests: “On the contrary, an elephant is hard and pointy. It has an elongated, curved shape.” Touching its side, a third one cries: “Totally wrong! An elephant resembles a flat wall with bumps.” The fourth, in turn, triumphantly holds the tail in his hands and laughs at everyone: “An elephant is just a thin rope.” They get into an argument and bash each other on the head because each is convinced that he is telling the truth.

Bernard Voïta refers to this ancient and highly topical parable ‘The Blind Men and the Elephant’ to illustrate his interest in photography. Born in the year 1960 in Cully, this artist already caused an international sensation around 1990, with pictures showing banal everyday objects in such a meticulously organised disorder that observers searched in vain for something to hold onto for orientation. The works were not based on montages or collages, but on three-dimensional installations, which he had translated into irritating two-dimensional images by means of a camera. Voïta has persistently continued to play a fantastical game with appearance and reality ever since. This exhibition now presents for the first time the complete series Melencolia (2014-2017), whose title alludes to a famous work by Albrecht Dürer – sensual, clever, devious and sometimes disturbing illusions, in which photography creates its own reality. Nothing is as we see it.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Paare / Couples | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Mai
31
6:00 PM18:00

Paare / Couples | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
31. Mai 2024

Paare / Couples


Rob Gnant, Engländer machen Ferien, Holy Island, 1957 © Fotostiftung Schweiz


Paare sind allgegenwärtig in der Fotografie. Zwei Personen stellen sich auf, schauen in die Kamera, nehmen eine bestimmte Haltung ein und kontrollieren ihre Mimik. Indem sie sich so fotografieren lassen, geben sie zu erkennen, wie sie als Paar wahrgenommen werden möchten. Spannender als diese idealisierenden Bilder sind Aufnahmen, in denen Paare nicht in die Kamera blicken. Sie scheinen ganz bei sich, auf eigenartige Weise entrückt: spielend und werbend, verliebt und berauscht, verzweifelt und haltsuchend. Ob sie einverstanden sind, fotografiert zu werden, ist nicht mehr so klar. Solche Aufnahmen sind entweder heimlich gemacht, oder der Mensch hinter der Kamera ist dem Paar derart vertraut, dass es ihn wie selbstverständlich gewähren lässt.

2015 begann der Filmemacher Iwan Schumacher, Fotografien von Paaren zu sammeln, die nicht in die Kamera schauen. Peter Pfrunder, Direktor der Fotostiftung Schweiz, plante  seit langem eine Ausstellung mit Paar-Bildern aus den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung. Gemeinsam entwickelten sie das Projekt Paare /Couples . Es vereint unterschiedlichste Aufnahmen, in denen etwas zwischen zwei Menschen geschieht. Jedes einzelne Bild ist ein Ausschnitt aus einer Geschichte, die immer rätselhaft bleibt und zu Spekulationen oder Projektionen verführt. Die Ausstellung ist eine spielerische, assoziative Präsentation, bei der sich die vielen Momentaufnahmen zu einer neuen Geschichte zusammenfügen.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in Zusammenarbeit mit Edition Patrick Frey.


Les couples sont omniprésents dans la photographie. Deux personnes se mettent en place, regardent l’appareil photo, adoptent une certaine posture et contrôlent leurs expressions faciales. En se laissant photographier ainsi, ils indiquent comment ils souhaitent être perçus en tant que couple. Bien plus captivantes que ces images presque toujours idéalisées sont les photos dans lesquelles les couples ne regardent pas directement l’appareil. Ils semblent être tout à fait eux-mêmes, étrangement détachés : en train de jouer et de se faire la cour, amoureux et enivrés, désespérés et cherchant à s’accrocher. On ne sait plus très bien s’ils sont d’accord pour être photographiés. De telles clichés sont soit pris en cachette, soit la personne derrière l’appareil photo est si familière au couple qu’une autorisation à être photographié se fait tout naturellement.

En 2015, le cinéaste Iwan Schumacher a commencé à rassembler des photographies de couples qui ne regardent pas la caméra. Peter Pfrunder, directeur de la Fotostiftung Schweiz, planifiait depuis longtemps une exposition d’images de couples issues des archives et des collections de l’institution. Ensemble, ils ont développé le projet Couples. Il réunit des photos très différentes dans lesquelles il se passe quelque chose entre deux personnes. Chaque image est un extrait d’une histoire qui reste toujours mystérieuse et qui incite à la spéculation ou à la projection. Cette exposition est une présentation ludique et associative dans laquelle les nombreux instantanés s’assemblent pour former une nouvelle histoire.

L’exposition est accompagnée d’une publication en collaboration avec les Éditions Patrick Frey.


In fotografia le coppie sono onnipresenti. Due persone si mettono in posa, guardano verso l’obiettivo, assumono un determinato atteggiamento e controllano la mimica. Facendosi fotografare in questo modo, permettono di capire come vogliono essere considerate in quanto coppia. Più interessanti di queste immagini quasi sempre idealizzate, sono gli scatti in cui le coppie non guardano direttamente verso l’obiettivo. Qui, sembrano essere sé stesse e stranamente distanti: giocose e impegnate a corteggiarsi, innamorate ed ebbre, disperate e smarrite. Se siano d’accordo sul fatto di essere fotografate non è più molto chiaro. Queste immagini vengono scattate o di nascosto oppure quando la coppia conosce così bene la persona dietro all’obiettivo da concederle implicitamente il permesso di fotografare.

Nel 2015 il regista Iwan Schumacher iniziò a collezionare fotografie di coppie distolte dall’obiettivo. Da molto tempo Peter Pfrunder, direttore della Fotostiftung Schweiz progettava una mostra con immagini di coppie tratte dagli archivi e dalle collezioni della Fotostiftung. Assieme hanno quindi sviluppato il progetto dal titolo «Coppie», che riunisce una varietà di immagini in cui avviene qualcosa tra due persone. Ogni singola immagine è uno spezzone tratto da una storia che rimane sempre enigmatica e invita a fare supposizioni o proiezioni. La mostra è una presentazione ludica fatta di associazioni, nella quale gli scorci istantanei diventano una nuova storia.

Ad accompagnare la mostra uscirà una pubblicazione realizzata in collaborazione con Edition Patrick Frey.


Couples are omnipresent in photography. Two people arrange themselves, look into the camera, adopt a certain pose and control their facial expressions. By having themselves photographed in this way, they reveal how they wish to be perceived as a couple. Compared to these idealised images, photographs in which couples do not look into the camera are more fascinating. Here, the couples seem to be genuinely themselves, and strangely detached: playing and courting, enamoured and besotted, desperate and clinging. Whether they consent to being photographed is no longer clear. Such photographs are either taken secretly, or the couple is so well acquainted with the person behind the camera that they allow him or her to photograph them as a matter of course.

In 2015, filmmaker Iwan Schumacher began collecting photographs of couples who are not looking into the camera. Peter Pfrunder, director of Fotostiftung Schweiz, had long been planning an exhibition of couple pictures from the institution’s archives and collections. Together, they developed the project Paare /Couples . It brings together a very wide variety of photographs, in which something happens between two people. Each individual image is an excerpt from a story that always remains enigmatic and leads to speculation or projection. This exhibition is a playful associative presentation, in which the single moments combine to form a new narrative.

In cooperation with Edition Patrick Frey, a publication is being released to accompany the exhibition.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Oreille coupée - Julien Coquentin | La Chambre | Strasbourg
Juni
28
6:00 PM18:00

Oreille coupée - Julien Coquentin | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
28. Juni 2024

Oreille coupée
Julien Coquentin


Oreille coupée © Julien Coquentin


Julien Coquentin mischt analoge und digitale Verfahren und widmet seine Fotografie Realisierungen, die zwischen Dokumentation und einer gewissen Form von Intimität angesiedelt sind. Die Arbeit mit Körnung, Hell und Dunkel verleiht seinen Bildern eine melancholische Poesie. Seine Inspirationen sind größtenteils mit Orten verbunden, die Recherchen, Erinnerungen und Fiktionen hervorrufen.

"Meine wichtigsten Serien wurden bei Éditions Lamaindonne veröffentlicht: die zweijährige Stadtwanderung durch die Straßen von Montreal, tôt un dimanche matin (2013), ein Projekt rund um die Erinnerung, Saisons noires (2016) und schließlich Tropiques (2020), eine Fiktion, die Fotografien und Kurzgeschichten in der Art eines Märchens miteinander verbindet. Seit 2020 arbeite ich an der Rückkehr des Wolfs in die Wälder und Bauernländereien des Zentralmassivs."

Mit diesem fotografischen Märchen führt Julien Coquentin eine Untersuchung über die Rückkehr des Wolfs in das Aveyron durch. Seit 2015 streifen wieder neue Individuen durch die Wälder und beleben schaurige Legenden und ökologische Kontroversen. Im Laufe der Bilder nimmt uns der Künstler mit auf eine Suche nicht nach dem Wolf, sondern nach dem Gefühl seiner Anwesenheit. Das "abgeschnittene Ohr" ist der Spitzname einer einsamen Wölfin, die man kaum zu Gesicht bekommt, die aber die Angst, das Geheimnis und die Faszination, die ihrer Spezies gewidmet sind, kristallisiert. Mal ausgerottet, mal verehrt, scheint sich der Wolf hier vor den Blicken zu verstecken, um im geschützteren Bereich der Fantasie zu bleiben. Diese findet ihre Parallele in den allgegenwärtigen tiefen Wäldern, die manchmal im Helldunkel den (subjektiven?) Blick auf ein von einem Ansitz aus beobachtetes Beutetier bieten.

Die Serie wechselt zwischen Landschaftsansichten, Porträts von Landwirten, verlassenen Häusern und Szenen im Unterholz und verläuft entlang der Grenze zwischen Zivilisation und Wildnis, die durch den Waldrand symbolisiert wird. Der Künstler kreuzt Archive, Zeugenaussagen, medizinische Berichte, topografische Beobachtungen... und sammelt so die Spuren des Wolfs in der kollektiven Kultur und im kollektiven Unterbewusstsein. Die Sichtweisen prallen aufeinander und werfen die Frage nach dem Zusammenleben der Arten auf. Die melancholische Poesie der Werke erinnert daran, dass die Natur im Laufe der Zeit allgegenwärtig ist, sowohl in uns als auch außerhalb von uns, und dass wir uns in Verbindung mit ihr konstruieren.


Mêlant les procédés argentiques et numériques, Julien Coquentin consacre sa photographie à des réalisations à mi-chemin entre le documentaire et une certaine forme d’intimité. Le travail du grain, du clair et de l’obscur confère une poésie mélancolique à ses images. Ses inspirations sont en grande partie liées à des lieux, qui suscitent des recherches, des souvenirs et des fictions.

« Mes principales séries ont été publiées aux Éditions Lamaindonne : l’errance urbaine de deux années dans les rues de Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un projet autour de la mémoire, Saisons noires (2016) et enfin Tropiques (2020), une fiction associant photographies et nouvelles à la manière du conte. Depuis 2020, je travaille sur le retour du loup dans les forêts et terres paysannes du Massif central. »

Avec ce conte photographique, Julien Coquentin mène une enquête sur le retour du loup en Aveyron. Depuis 2015, de nouveaux individus rôdent à nouveau dans les forêts, ravivant des légendes effrayantes et des controverses écologiques. Au fil des images, l’artiste nous emmène dans une recherche non pas du loup, mais du sentiment de sa présence. « Oreille coupée » est le surnom donné à une louve solitaire que l’on entr’aperçoit à peine mais qui cristallise la peur, le mystère et la fascination dédiés à son espèce. Tantôt éradiqué, tantôt adulé, le loup semble ici se cacher des regards pour rester dans le domaine plus protégé du fantasme. Celui-ci trouve son parallèle dans les forêts profondes omniprésentes, qui offrent parfois en clair-obscur la vision (subjective ?) d’une proie observée depuis un affût.

Alternant les vues de paysages, les portraits d’agriculteurs, les maisons abandonnées et les scènes de sous-bois, la série parcourt la limite entre civilisation et monde sauvage symbolisée par l’orée du bois. L’artiste croise archives, témoignages, rapports médicaux, observations topographiques… et rassemble ainsi les traces du loup dans la culture et l’inconscient collectifs. Les points de vue se confrontent et posent la question de la cohabitation des espèces. La poésie mélancolique des œuvres rappelle que la nature est omniprésente dans le temps, à l’intérieur comme à l’extérieur de nous, et que nous nous construisons en lien avec elle.


Julien Coquentin utilizza una miscela di argento e processi digitali e la sua fotografia è a metà strada tra il documentario e un certo tipo di intimità. Il suo lavoro con la grana, la luce e l'oscurità conferisce una poesia malinconica alle sue immagini. Le sue ispirazioni sono in gran parte legate ai luoghi, che danno origine a ricerche, ricordi e finzioni.

"Le mie serie principali sono state pubblicate da Éditions Lamaindonne: le peregrinazioni urbane di due anni per le strade di Montréal, tôt un dimanche matin (2013), un progetto sulla memoria, Saisons noires (2016) e infine Tropiques (2020), una fiction che combina fotografie e brevi storie nello stile di un racconto. Dal 2020, sto lavorando al ritorno del lupo nelle foreste e nei terreni agricoli del Massiccio Centrale".

In questo racconto fotografico, Julien Coquentin indaga sul ritorno del lupo in Aveyron. Dal 2015, nuovi individui si aggirano per le foreste, riaccendendo leggende spaventose e controversie ecologiche. Nel corso delle immagini, l'artista ci porta alla ricerca non del lupo, ma della sensazione della sua presenza. "Orecchio mozzato" è il soprannome dato a una lupa solitaria che si intravede appena, ma che cristallizza la paura, il mistero e il fascino dedicati alla sua specie. Talvolta estirpata, talvolta adorata, la lupa sembra nascondersi per rimanere nel regno più protetto della fantasia. A ciò si aggiungono le onnipresenti foreste profonde, che a volte offrono una visione chiaroscurale (soggettiva?) della preda osservata da una vedetta.

Alternando scorci paesaggistici, ritratti di contadini, case abbandonate e scene di sottobosco, la serie esplora il confine tra civiltà e natura selvaggia, simboleggiato dal limite del bosco. L'artista combina archivi, testimonianze oculari, rapporti medici, osservazioni topografiche e così via, per riunire le tracce del lupo nella nostra cultura collettiva e nel nostro subconscio. I punti di vista si confrontano e sollevano la questione della convivenza tra le specie. La poesia malinconica delle opere ci ricorda che la natura è onnipresente nel tempo, sia dentro che fuori di noi, e che ci costruiamo in relazione ad essa.


Mixing silver and digital processes, Julien Coquentin's photography is halfway between documentary and a certain kind of intimacy. His work with grain, light and darkness lends a melancholy poetry to his images. Her inspirations are largely linked to places, which give rise to research, memories and fictions.

"My main series have been published by Éditions Lamaindonne: the urban wanderings of two years in the streets of Montreal, tôt un dimanche matin (2013), a project around memory, Saisons noires (2016) and finally Tropiques (2020), a fiction combining photographs and short stories in the style of storytelling. Since 2020, I've been working on the return of the wolf to the forests and farmlands of the Massif Central."

With this photographic tale, Julien Coquentin investigates the return of the wolf to Aveyron. Since 2015, new individuals have been prowling the forests once again, reviving frightening legends and ecological controversies. As the images unfold, the artist takes us on a search not for the wolf, but for the feeling of its presence. "Severed Ear" is the nickname given to a solitary she-wolf that is barely glimpsed, but which crystallizes the fear, mystery and fascination dedicated to its species. Sometimes eradicated, sometimes adored, the wolf here seems to hide from view, remaining in the more protected realm of fantasy. The latter finds its parallel in the omnipresent deep forests, which sometimes offer a chiaroscuro vision (subjective?) of prey observed from a lookout.

Alternating views of landscapes, portraits of farmers, abandoned houses and scenes of undergrowth, the series explores the boundary between civilization and the wild, symbolized by the edge of the forest. The artist combines archives, testimonies, medical reports, topographical observations... and thus gathers traces of the wolf in the collective culture and unconscious. Different points of view confront each other, raising the question of species cohabitation. The melancholy poetry of the works reminds us that nature is omnipresent throughout time, both inside and outside us, and that we build ourselves in relation to it.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Gabriele Engelhardt. Kremser Berge | Kunsthalle Krems
Okt.
11
7:00 PM19:00

Gabriele Engelhardt. Kremser Berge | Kunsthalle Krems


Kunsthalle Krems
11. Oktober 2024

Gabriele Engelhardt. Kremser Berge


Metallglanzberg II Krems, 2023 © Gabriele Engelhardt


Gabriele Engelhardt (geb. 1967) greift in ihrer Kunst menschliche Eingriffe in die Natur als Skulpturen oder Installationen auf. In ihren Landschaften zeigt sie etwa Schrottberge in Industriezonen oder Sprungschanzen.

Die Künstlerin arbeitet mit dem Medium der Fotografie, wobei sie ihre Aufnahmen digital nachbearbeitet und mehrere Fotos eines Motivs zusammenfügt. Die Werke sind demnach keine Dokumentationen der Realität. In ihren „Berge“-Serien begreift sie Berge nicht als Gebirge im eigentlichen Sinn, sondern als Anhäufungen von Material wie Metallabfall oder Baurohstoffe. Die Arbeiten erinnern an Claude Monets Heuhaufen-Impressionen, aber auch an Bernd und Hilla Bechers Typologien der Wassertürme als Zeichen des industriellen Niedergangs.

Gabriele Engelhardt studierte auf der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart Bildhauerei und an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe Fotografie und Szenografie. 2022 war sie im Rahmen von AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich zu Gast in Krems. Hier, im industriellen Umfeld des Donauhafens an der Stadteinfahrt, ist das Kremser Berge-Projekt entstanden.

AIR – ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich ist ein internationales Stipendienprogramm. Es ermöglicht bildenden Künstler:innen, Architekt:innen, Musiker:innen und Schriftsteller:innen temporär in Niederösterreich zu wohnen, zu arbeiten und die Vielfalt der heimischen Kulturlandschaft kennenzulernen. Im Gegenzug organisiert AIR für niederösterreichische Künstler:innen im Rahmen eines institutionellen Austausches Auslandsaufenthalte in Europa und Übersee.

Kurator: Florian Steininger


Gabriele Engelhardt (née en 1967) reprend dans son art les interventions humaines dans la nature sous forme de sculptures ou d'installations. Dans ses paysages, elle montre par exemple des montagnes de ferraille dans des zones industrielles ou des tremplins.

L'artiste travaille avec le médium de la photographie, en retravaillant numériquement ses prises de vue et en assemblant plusieurs photos d'un même motif. Les œuvres ne sont donc pas des documentations de la réalité. Dans ses séries "Montagnes", elle ne conçoit pas les montagnes comme des montagnes au sens propre du terme, mais comme des accumulations de matériaux tels que des déchets métalliques ou des matériaux de construction. Ces œuvres rappellent les impressions de meules de foin de Claude Monet, mais aussi les typologies de châteaux d'eau de Bernd et Hilla Becher, signes du déclin industriel.

Gabriele Engelhardt a étudié la sculpture à la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart et la photographie et la scénographie à la Hochschule für Gestaltung Karlsruhe. En 2022, elle a été invitée à Krems dans le cadre de AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich. C'est ici, dans l'environnement industriel du port du Danube à l'entrée de la ville, qu'est né le projet Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Niederösterreich est un programme de bourses international. Il permet à des artistes plasticiens, des architectes, des musiciens et des écrivains de vivre et de travailler temporairement en Basse-Autriche et de découvrir la diversité du paysage culturel local. En contrepartie, AIR organise pour les artistes de Basse-Autriche des séjours en Europe et outre-mer dans le cadre d'un échange institutionnel.

Curateur : Florian Steininger


Nella sua arte, Gabriele Engelhardt (nata nel 1967) riprende gli interventi umani nella natura come sculture o installazioni. Nei suoi paesaggi, ad esempio, mostra cumuli di rottami in zone industriali o piste da sci.

L'artista lavora con il mezzo fotografico, rielaborando digitalmente le sue immagini e combinando diverse foto di uno stesso motivo. Le opere non sono quindi documentazioni della realtà. Nella serie "Mountains", l'artista non intende le montagne nel vero senso della parola, ma come accumuli di materiale, come rifiuti metallici o materiali da costruzione. Le opere ricordano le impressioni dei pagliai di Claude Monet, ma anche le tipologie di torri d'acqua di Bernd e Hilla Becher come segno di declino industriale.

Gabriele Engelhardt ha studiato scultura all'Accademia di Stato di Stoccarda e fotografia e scenografia all'Università di Arti e Design di Karlsruhe. Nel 2022 è stata ospite a Krems nell'ambito di AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Qui, nell'ambiente industriale del porto del Danubio all'ingresso della città, è stato creato il progetto Kremser Berge.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria è un programma internazionale di borse di studio. Consente ad artisti visivi, architetti, musicisti e scrittori di vivere e lavorare temporaneamente in Bassa Austria e di familiarizzare con la diversità del paesaggio culturale locale. In cambio, AIR organizza soggiorni all'estero in Europa e all'estero per gli artisti della Bassa Austria nell'ambito di uno scambio istituzionale.

Curatore: Florian Steininger


In her art, Gabriele Engelhardt (born 1967) takes up human interventions in nature as sculptures or installations. In her landscapes, for example, she shows scrap heaps in industrial zones or ski jumps.

The artist works with the medium of photography, digitally reworking her images and combining several photos of a single motif. The works are therefore not documentations of reality. In her "Mountains" series, she does not understand mountains as mountains in the true sense of the word, but as accumulations of material such as metal waste or building materials. The works are reminiscent of Claude Monet's haystack impressions, but also of Bernd and Hilla Becher's typologies of water towers as a sign of industrial decline.

Gabriele Engelhardt studied sculpture at the Stuttgart State Academy of Fine Arts and photography and scenography at the Karlsruhe University of Arts and Design. In 2022, she was a guest in Krems as part of AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria. Here, in the industrial environment of the Danube port at the entrance to the city, the Kremser Berge project was created.

AIR - ARTIST IN RESIDENCE Lower Austria is an international scholarship program. It enables visual artists, architects, musicians and writers to live and work temporarily in Lower Austria and get to know the diversity of the local cultural landscape. In return, AIR organizes stays abroad in Europe and overseas for Lower Austrian artists as part of an institutional exchange.

Curator: Florian Steininger

(Text: Kunsthalle Krems)

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Anna und Bernhard Blume. Ver-rückte Welt | Kunsthalle Krems
Okt.
11
7:00 PM19:00

Anna und Bernhard Blume. Ver-rückte Welt | Kunsthalle Krems


Kunsthalle Krems
11. Oktober 2024

Anna und Bernhard Blume. Ver-rückte Welt


Küchenkoller,1985 © Estate of Anna & Bernhard Blume 2024


Das deutsche Künstlerpaar Anna und Bernhard Blume (1936 – 2020 und 1937 – 2011) ist international für seine Schwarzweißfotografien bekannt.

Das Paar inszenierte performative Aktionen und hielt diese per Kamera fest. Es sind meist häusliche Szenen, skurril arrangiert. Dabei sind die beiden Künstler:innen selbst die Performer, sie schlüpfen in eine bürgerliche Staffage – sie mit Dauerwelle, Perücke und adrettem Kleidchen, er im kleinkarierten Anzug und mit Hut. Geschlechtermuster, Rollen und Klischees sowie Verhaltenskodexe des Bürgerlichen werden von den Blumes ironisch und durchaus komisch konterkariert. Da fliegen Kartoffeln durch die Luft, Scherben zerbrochener Teller bedecken den Küchenfußboden, Möbelkonstrukte brechen zusammen und Personen mit verzerrten Gesichtern hantieren mit allerlei Alltagsgegenständen. Was die Menschen auf den Bildern tun, ist alles andere als Regelkonform, es ist im besten Sinn ver–rückt.

Von der Bildkomposition über die Aufnahme bis zur Entwicklung und Vergrößerung der Fotos im Labor führten Anna und Bernhard Blume jeden Schritt des künstlerischen Prozesses selbst durch. Sie erweiterten die künstlerische Fotografie durch die performative Inszenierung. Mit ihren Fotoserien persiflieren sie die kleinbürgerliche Welt der 1970er- und 1980er-Jahre. Inspiriert wurde das Paar dabei maßgeblich vom Aktionismus der 1960er-Jahre.

Anna und Bernhard Blume lernten sich als Student:innen der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf kennen, wo beide von 1960 bis 1965 studierten. Das Paar lebte und arbeitete in Köln. Ihre Arbeiten wurden bislang in internationalen Museen wie dem Museum of Modern Art in New York oder im Centre Pompidou in Paris gezeigt.

Die Ausstellung in der Kunsthalle Krems zeigt groß- und mittelformatige Serien von Schwarzweißfotografien, ergänzt durch eine kleine Auswahl an farbigen Polaroids.

Kurator: Andreas Hoffer


Le couple d'artistes allemands Anna et Bernhard Blume (1936 - 2020 et 1937 - 2011) est connu internationalement pour ses photographies en noir et blanc.

Le couple mettait en scène des actions performatives et les enregistrait à l'aide d'un appareil photo. Il s'agit le plus souvent de scènes domestiques, arrangées de manière bizarre. Les deux artistes sont eux-mêmes les interprètes, ils se glissent dans un décor bourgeois - elle avec une permanente, une perruque et une jolie petite robe, lui avec un costume à petits carreaux et un chapeau. Les modèles de genre, les rôles et les clichés ainsi que les codes de comportement du bourgeois sont contrecarrés par les Blume de manière ironique et tout à fait comique. Des pommes de terre volent dans les airs, des morceaux d'assiettes cassées recouvrent le sol de la cuisine, des constructions de meubles s'effondrent et des personnes aux visages déformés manipulent toutes sortes d'objets du quotidien. Ce que font les personnes sur les photos est tout sauf conforme aux règles, c'est fou dans le meilleur sens du terme.

De la composition de l'image au développement et à l'agrandissement des photos en laboratoire, en passant par la prise de vue, Anna et Bernhard Blume ont réalisé eux-mêmes chaque étape du processus artistique. Ils ont élargi la photographie artistique à la mise en scène performative. Avec leurs séries de photos, ils satirisent le monde petit-bourgeois des années 1970 et 1980. Le couple s'est largement inspiré de l'actionnisme des années 1960.

Anna et Bernhard Blume se sont rencontrés alors qu'ils étaient étudiants à la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf, où ils ont tous deux étudié de 1960 à 1965. Le couple a vécu et travaillé à Cologne. Jusqu'à présent, leurs travaux ont été exposés dans des musées internationaux comme le Museum of Modern Art de New York ou le Centre Pompidou de Paris.

L'exposition à la Kunsthalle Krems présente des séries de photographies en noir et blanc de grand et moyen format, complétées par une petite sélection de polaroïds en couleur.

Commissaire d'exposition : Andreas Hoffer


La coppia di artisti tedeschi Anna e Bernhard Blume (1936-2020 e 1937-2011) è riconosciuta a livello internazionale per le sue fotografie in bianco e nero.

La coppia mette in scena azioni performative e le riprende con la macchina fotografica. Si tratta per lo più di scene domestiche, organizzate in modo stravagante. I due artisti stessi sono gli interpreti e si calano in uno staffage borghese: lei con la permanente, la parrucca e un vestito elegante, lui con un piccolo abito a quadri e un cappello. I modelli di genere, i ruoli e i cliché, così come i codici di comportamento borghesi, sono ironicamente e comicamente contrastati dai Blume. Le patate volano in aria, i cocci dei piatti rotti ricoprono il pavimento della cucina, le costruzioni dei mobili crollano e le persone con i volti distorti maneggiano ogni tipo di oggetto quotidiano. Quello che fanno le persone nelle immagini è tutt'altro che conforme alle regole, è folle nel senso migliore del termine.

Anna e Bernhard Blume hanno eseguito in prima persona tutte le fasi del processo artistico, dalla composizione delle immagini allo scatto delle foto, allo sviluppo e all'ingrandimento in laboratorio. Hanno ampliato la fotografia artistica attraverso la messa in scena performativa. Con le loro serie fotografiche, fanno satira sul mondo piccolo borghese degli anni Settanta e Ottanta. La coppia si ispira in larga misura all'azionismo degli anni Sessanta.

Anna e Bernhard Blume si sono conosciuti come studenti della Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, dove hanno studiato entrambi dal 1960 al 1965. La coppia ha vissuto e lavorato a Colonia. Le loro opere sono state esposte in musei internazionali come il Museum of Modern Art di New York e il Centre Pompidou di Parigi.

La mostra alla Kunsthalle Krems presenta serie di fotografie in bianco e nero di grande e medio formato, integrate da una piccola selezione di Polaroid a colori.

Curatore: Andreas Hoffer


The German artist couple Anna and Bernhard Blume (1936 - 2020 and 1937 - 2011) are internationally renowned for their black and white photographs.

The couple staged performative actions and captured them on camera. They are mostly domestic scenes, whimsically arranged. The two artists themselves are the performers, they slip into a bourgeois staffage - she with a perm, wig and smart dress, he in a small checked suit and hat. Gender patterns, roles and clichés as well as codes of bourgeois behavior are ironically and quite comically counteracted by the Blumes. Potatoes fly through the air, shards of broken plates cover the kitchen floor, furniture structures collapse and people with distorted faces handle all kinds of everyday objects. What the people in the pictures are doing is anything but conforming to the rules, it is crazy in the best sense of the word.

Anna and Bernhard Blume carried out every step of the artistic process themselves, from composing and taking the pictures to developing and enlarging the photos in the laboratory. They expanded artistic photography through performative staging. With their photo series, they satirize the petit bourgeois world of the 1970s and 1980s. The couple were largely inspired by the actionism of the 1960s.

Anna and Bernhard Blume met as students at the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, where they both studied from 1960 to 1965. The couple lived and worked in Cologne. Their works have been shown in international museums such as the Museum of Modern Art in New York and the Center Pompidou in Paris.

The exhibition at the Kunsthalle Krems shows large and medium format series of black and white photographs, complemented by a small selection of color Polaroids.

Curator: Andreas Hoffer

(Text: Kunsthalle Krems)

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Bilder und Fragmente - Binia Bill | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Okt.
18
6:00 PM18:00

Bilder und Fragmente - Binia Bill | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
18. Oktober 2024

Bilder und Fragmente
Binia Bill


Ohne Titel, um 1932 © Binia Bill, 2023, ProLitteris, Zurich


Ambitioniert und selbstbewusst wandte sich Binia Bill (19041988) der Fotografie zu: Nach ihrer Ausbildung zur Konzertcellistin besuchte sie 1930 die Fotoklasse von Lucia Moholy an der Berliner Itten-Schule und arbeitete zurück in Zürich als freie Fotografin. 1931 heiratete sie den Architekten und Künstler Max Bill. Für den gemeinsamen Lebensunterhalt gestaltete das Ehepaar Werbeaufträge, für die sie das Bildmaterial produzierte und er Typografie und Layout entwarf. In den darauffolgenden Jahren schuf Binia Bill ein beachtliches fotografisches Werk: Ihre Porträtaufnahmen und Stillleben zeichnen sich durch eine klare Bildsprache aus, die mit der Ästhetik des «Neuen Sehens» verwandt ist. Das Interesse für Perspektiven und Oberflächen, für das Spiel mit Licht und Schatten verband Binia Bill jedoch mit einer ganz eigenen Sensibilität, die ihren Blick auf Objekte, Pflanzen, Tiere und Menschen prägte.

Als sie 1942 Mutter wurde, gab Binia Bill die Fotografie auf – ihr Werk geriet in Vergessenheit. Was davon erhalten ist, zeugt nicht nur von einer aussergewöhnlichen Schaffenskraft, sondern weist ihr auch einen wichtigen Platz in der Fotogeschichte zu. Sie gehört zu den wenigen Frauen in der Schweiz, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts professionell und künstlerisch mit der Kamera tätig waren. Genau zwei Jahrzehnte nach der ersten und bisher einzigen Retrospektive im Aargauer Kunsthaus ist es höchste Zeit, ihr Schaffen mit Einbezug unveröffentlichter Arbeiten neu zu würdigen.


C’est avec ambition et assurance que Binia Bill (1904–1988) se tourna vers la photographie. Après sa formation de violoncelliste, elle suivit en 1930 la classe de photographie de Lucia Moholy à l’école Itten de Berlin et travailla ensuite, de retour à Zurich, comme photographe indépendante. En 1931, elle épousa l’architecte et artiste Max Bill. Pour subvenir ensemble à leurs besoins, le couple réalisait des commandes publicitaires pour lesquelles elle produisait le matériel photographique, alors que lui concevait la typographie et la mise en page. Dans les années qui suivirent, Binia Bill créa une oeuvre photographique considérable : ses portraits et ses natures mortes se caractérisent par un langage visuel clair qui s’apparente à l’esthétique du mouvement de la « Neues Sehen ». L’intérêt de Binia Bill pour les perspectives et les surfaces, pour les jeux d’ombre et de lumière, était cependant accompagné d’une sensibilité toute particulière qui marqua son regard sur les objets, les plantes, les animaux et les hommes.

Lorsqu’elle devint mère en 1942, Binia Bill abandonna la photographie, et son œuvre tomba dans l’oubli. Ce qui en reste témoigne non seulement d’une force créatrice exceptionnelle, mais lui confère également une place importante dans l’histoire de la photographie. Elle fait partie des rares femmes en Suisse qui utilisèrent l’appareil photo de manière professionnelle et artistique durant la première moitié du XXe siècle. Exactement deux décennies après la première et jusqu’à présent unique rétrospective à l’Aargauer Kunsthaus, il est grand temps de rendre un nouvel hommage à son oeuvre en y incluant des travaux inédits.


Binia Bill (1904–1988) si accostò alla fotografia con ambizione e fiducia nei propri mezzi: dopo una formazione da violoncellista concertista, nel 1930 frequentò la sezione di fotografia alla Itten-Schule di Berlino, diretta da Lucia Moholy. Tornata a Zurigo, lavorò come fotografa indipendente. Nel 1931 sposò l’architetto e artista Max Bill. Per il sostentamento comune, la coppia lavorava a commissioni pubblicitarie: lei produceva le immagini mentre lui progettava la parte tipografica e l’impaginazione. Negli anni seguenti Binia Bill realizzò una notevole opera fotografica: i suoi ritratti e le nature morte sono caratterizzate da un chiaro linguaggio visivo, associabile all’estetica del «Neuen Sehen», la Nuova Visione. L’interesse di Binia Bill per la prospettiva e le superfici, per i giochi di luci e ombre si accompagna però a una sensibilità del tutto particolare che influenzò il suo sguardo su oggetti, piante, animali e persone.

Quando nel 1942 diventò madre, rinunciò alla fotografia – la sua opera venne quindi dimenticata. Ciò che ne è rimasto dimostra non solo la sua notevole forza creativa ma le conferisce anche un posto di rilievo nella storia della fotografia. Fa parte delle poche donne in Svizzera che nella prima metà del ventesimo secolo svolgevano un’attività professionale e artistica con la macchina fotografica. Esattamente due decenni dopo la prima e finora unica retrospettiva all’Aargauer Kunsthaus, è davvero arrivato il momento di onorare nuovamente il suo lavoro, includendo opere ancora inedite.


Binia Bill (19041988) turned to photography with ambition and confidence. After training as a concert cellist, she attended the photography class given by Lucia Moholy at Berlin’s Itten School in 1930 and worked as a freelance photographer when back in Zurich. In 1931, she married the architect and artist Max Bill. To earn a living, the couple worked together on advertising commissions, for which she produced the images while he designed the typography and layout. In the years that followed, Binia Bill created a remarkable photographic oeuvre: Her portraits and still lifes are characterised by a clear visual language that is related to the aesthetics of the ‘Neues Sehen’ movement. Binia Bill’s interest in perspectives and surfaces, in playing with light and shadow, was combined with a very distinct sensitivity though, which influenced her view of objects, plants, animals and people.

When she became a mother in 1942, Binia Bill gave up photography – her oeuvre fell into oblivion. What remains of it not only bears witness to her extraordinary creativity, but also gives her an important place in the history of photography. She was one of the few women in Switzerland to have worked professionally and artistically with a camera in the first half of the 20th century. Exactly two decades after her first and so far only retrospective, at Aargauer Kunsthaus, it is high time to honour her oeuvre anew, including her unpublished works.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Hannah Hughes | Solid Slip | Robert Morat Galerie | Berlin
März
22
6:00 PM18:00

Hannah Hughes | Solid Slip | Robert Morat Galerie | Berlin


Robert Morat Galerie | Berlin
22. März 2024

Hannah Hughes | Solid Slip


Tuck XIX, 2023, C Type printed papers, Unique collage © Hannah Hughes, courtesy of ROBERT MORAT GALERIE


Anlässlich ihres 20. Jubiläums freut sich die Robert Morat Galerie sehr, die erste deutsche Einzelausstellung der britischen Künstlerin Hannah Hughes zu zeigen.

Hannah Hughes ist eine crossmedial arbeitende Künstlerin, die sich mit Fotografie, Collage und Objektkunst beschäftigt. Ihre Arbeit erforscht die Beziehung zwischen Bild, Skulptur und Sprache, wobei sie sich auf das Potenzial des negativen Raums und die Bergung sowie Wiederverwendung von weggeworfenen Materialien konzentriert. Hughes’ Praxis beinhaltet Strategien der Fragmentierung und Rekonstruktion. Ihre zweidimensionalen Collagen werden oft als flache Skulpturen oder skulpturale Fotografien beschrieben.

Hannah Hughes verwendet Materialien, die an alltägliche Berührungen erinnern, z. B. das Papier von Hochglanzmagazinen, Zellstoffverpackungen und Ton. Dieser Fokus auf die Taktilität positioniert die Arbeit in Bezug auf die Grenzen des Körpers und die Räume, die dort entstehen, wo sich Körper mit ihrer Umgebung überschneiden. Sie untersucht die Ränder innerhalb des fotografischen Bildes – in ihrer Serie von C-Type-Collagen beispielsweise überschneidet eine Form die Oberfläche einer anderen, wodurch eine sichtbare Grenze innerhalb der Fotografie entsteht, die von der Seite aus vollständig betrachtet werden kann.

Hannah Hughes (*1975, GB) schloss 1997 ihr Studium an der University of Brighton ab und hat seitdem sowohl im Vereinigten Königreich als auch international ausgestellt. Sie lebt und arbeitet in London.


À l'occasion de son 20e anniversaire, la galerie Robert Morat est très heureuse de présenter la première exposition individuelle allemande de l'artiste britannique Hannah Hughes.

Hannah Hughes est une artiste cross-média qui travaille avec la photographie, le collage et l'art des objets. Son travail explore la relation entre l'image, la sculpture et le langage, en se concentrant sur le potentiel de l'espace négatif et sur la récupération et la réutilisation de matériaux jetés. La pratique de Hughes implique des stratégies de fragmentation et de reconstruction. Ses collages bidimensionnels sont souvent décrits comme des sculptures plates ou des photographies sculpturales.

Hannah Hughes utilise des matériaux qui rappellent le toucher quotidien, par exemple le papier des magazines sur papier glacé, les emballages en cellulose et l'argile. Cette focalisation sur la tactilité positionne le travail par rapport aux limites du corps et aux espaces qui se créent là où les corps se croisent avec leur environnement. Elle explore les bords à l'intérieur de l'image photographique - dans sa série de collages de type C, par exemple, une forme chevauche la surface d'une autre, créant ainsi une frontière visible à l'intérieur de la photographie, qui peut être entièrement observée depuis le côté.

Hannah Hughes (*1975, GB) a été diplômée de l'université de Brighton en 1997 et a depuis exposé au Royaume-Uni et à l'étranger. Elle vit et travaille à Londres.


In occasione del suo 20° anniversario, la Robert Morat Galerie è lieta di presentare la prima mostra personale in Germania dell'artista britannica Hannah Hughes.

Hannah Hughes è un'artista crossmediale che lavora con la fotografia, il collage e l'arte degli oggetti. Il suo lavoro esplora il rapporto tra immagine, scultura e linguaggio, concentrandosi sul potenziale dello spazio negativo e sul recupero e riutilizzo di materiali di scarto. La pratica di Hughes incorpora strategie di frammentazione e ricostruzione. I suoi collage bidimensionali sono spesso descritti come sculture piatte o fotografie scultoree.

Hannah Hughes utilizza materiali che ricordano il tatto quotidiano, come la carta delle riviste patinate, gli imballaggi in pasta e l'argilla. Questa attenzione alla tattilità posiziona il lavoro in relazione ai confini del corpo e agli spazi che si creano quando i corpi si intersecano con l'ambiente circostante. L'artista esplora i bordi dell'immagine fotografica: nella serie di collage C-Type, ad esempio, una forma si sovrappone alla superficie di un'altra, creando un confine visibile all'interno della fotografia che può essere osservata completamente di lato.

Hannah Hughes (*1975, Regno Unito) si è laureata all'Università di Brighton nel 1997 e da allora ha esposto sia nel Regno Unito che a livello internazionale. Vive e lavora a Londra.


Celebrating its 20. anniversary, Robert Morat Galerie is very happy to be able to present the first German solo exhibition for British artist Hannah Hughes.

Hannah Hughes is a visual artist working in photography, collage, and sculpture. Her work explores the relationship between image, object and language, focusing on the potential of negative space and the salvaging and re-use of discarded materials. Hughes’s practice involves strategies of fragmentation and reconstruction. Her two-dimensional collages are often described as either flat sculptures or sculptural photographs.

Hannah Hughes uses materials that invite the memory of the everyday touch, such as paper stocks used in glossy magazines, pulp packaging, and clay. This focus on tactility positions the work in relation to the body's boundaries and the spaces created where bodies intersect with their surroundings. She examines edges within the photographic image – for example, in her series of two-part C-Type collages, one form intersects the surface of another, creating a visible border within the photograph, which can be viewed fully from the side.

Hannah Hughes (*1975, UK) graduated from the University of Brighton in 1997 and has since exhibited in the UK and internationally. She lives and works in London.

(Text: Robert Morat Galerie, Berlin)

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Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden
März
21
6:30 PM18:30

Wirklichkeiten - Jan Prengel | Galerie 94 | Baden


Galerie 94 | Baden
21. März 2024

Einführung durch Gwendolyn Fässler

Wirklichkeiten
Jan Prengel


Inherited Gaze © Jan Prengel


Encounters Of Time / Begegnungen der Zeit, 2023
Die Serie «Begegnungen der Zeit» soll den Betrachter dazu anregen, das Konzept einer linearen Zeit aufzubrechen und neue Ideen und Sichtweisen darauf zu erwägen. Jede Komposition besteht aus zwei miteinander verschmolzenen Fotografien, die an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen wurden. Zuvor wurden zwei Bilder ausgewählt und kombiniert, die bestimmte Merkmale wie Motiv, Form oder Farbe gemeinsam haben. Die herkömmlichen physikalischen Grenzen von Zeit und Raum werden symbolisch aufgelöst. Unterschiedliche Zeitpunkte interagieren nun miteinander und bilden gemeinsam neue traumhafte Bildwelten. «Ich arbeite mit meiner Vergangenheit als würde ich durch die Zeit reisen. Die beiden Zeitpunkte der Fotografien treffen in den Arbeiten aufeinander, ebenso wie der Zeitpunkt ihrer Verschmelzung. Während der Entstehung der Fotografien war ihre Bedeutung noch unklar. Erst zu einem späteren Zeitpunkt werden sie neu interpretiert und in ein neues Werk integriert.»

Inherited Gaze / Vererbter Blick, 2023
In der Serie «Vererbter Blick» beschäftige ich mich mit der Vererbung von Denkmustern, unbewältigten Traumata und Persönlichkeitsmerkmalen. Diese können über viele Generationen weitergegeben werden und somit die Charaktereigenschaften der nachfolgenden Generationen und deren Sicht auf die Welt über einen langen Zeitraum beeinflussen. Für «Vererbter Blick» hat Jan Prengel das in seinen Arbeiten wiederkehrende Motiv der getrockneten Pflanze durch alte Brillen seiner Eltern fotografiert. Der Blick durch die Brillen symbolisiert die vererbten elterlichen Eigenschaften, die einen Menschen die Welt wie durch einen nicht zu entfernenden Filter betrachten lassen. Es bleibt offen, ob der beeinflusste Blick getrübt ist, oder aber als Schöpfer einer interessanten und einzigartigen Perspektive interpretiert werden kann. Wie in den Werkserien «Auf der Suche nach der Gegenwart» oder «Metamorphose» werden den Pflanzenmotiven fotografisch verschwommene Bildelemente hinzugefügt, um eine weitere Ebene zu schaffen, die eine persönliche Sicht auf die Welt visualisiert. Ein eindeutiger Blick auf klar definierte Materie und ihre Form soll verhindert werden. Ziel ist es, den Betrachter zu einer tieferen, von den konventionellen physikalischen Gesetzen losgelösten, Sicht auf die Natur der Welt anzuregen.

Fluid Matter / Fliessende Materie, 2023
Mit seinen Sinnen nimmt der Mensch die Welt als ein geordnetes Konstrukt, mit klar voneinander abgegrenzten Objekten, wahr. Die Materie erscheint als ein System von konstant ruhenden Teilchen, in dem sich diese Teilchen zu jeder Zeit an einem einzigen bestimmten Ort befinden. Die Erkenntnisse der Quantenphysik widersprechen jedoch diesem Weltbild und ebnen den Weg für neue Perspektiven auf die Realität und die Beschaffenheit des Universums. In «Fliessende Materie» setzt sich Jan Prengel mit diesen neuen Sichtweisen auf die Wirklichkeit auseinander. Licht und Formen werden verzerrt und scheinen nun in Schwingung zu sein. Vertraute Objekte verlieren ihr stabiles Erscheinungsbild und fliessen grenzenlos ineinander. Die gesamte Materie scheint in Bewegung zu sein, und der gewohnte Blick auf die Objekte wird aufgebrochen. Stattdessen entstehen abstrakte Kompositionen aus fliessenden Farben und neu geschaffenen Formen.


Encounters Of Time / Rencontres du temps, 2023
La série "Rencontres du temps" vise à inciter le spectateur à rompre avec le concept d'un temps linéaire et à envisager de nouvelles idées et de nouveaux points de vue sur celui-ci. Chaque composition est composée de deux photographies fusionnées, prises dans des lieux et à des moments différents. Au préalable, deux visuels ont été sélectionnés et combinés, partageant certaines caractéristiques telles que le motif, la forme ou la couleur. Les limites physiques traditionnelles du temps et de l'espace sont symboliquement abolies. Différents moments interagissent désormais entre eux et forment ensemble de nouveaux mondes visuels oniriques. "Je travaille avec mon passé comme si je voyageais dans le temps. Les deux moments des photographies se rencontrent dans les œuvres, tout comme le moment de leur fusion. Pendant la création des photographies, leur signification n'était pas encore claire. Ce n'est qu'à un moment ultérieur qu'elles sont réinterprétées et intégrées dans une nouvelle œuvre".

Inherited Gaze / Regard hérité, 2023
Dans la série "Regard hérité", je m'intéresse à la transmission de schémas de pensée, de traumatismes non surmontés et de traits de personnalité. Ceux-ci peuvent être transmis sur de nombreuses générations et influencer ainsi les traits de caractère des générations suivantes et leur vision du monde sur une longue période. Pour "Vererbter Blick", Jan Prengel a photographié le motif de la plante séchée, récurrent dans son travail, à travers de vieilles lunettes de ses parents. Le regard à travers les lunettes symbolise les caractéristiques parentales héritées qui font qu'une personne regarde le monde comme à travers un filtre qui ne peut être enlevé. Il reste à savoir si le regard influencé est obscurci ou s'il peut être interprété comme le créateur d'une perspective intéressante et unique. Comme dans les séries d'œuvres "À la recherche du présent" ou "Métamorphose", des éléments d'image flous sont ajoutés aux motifs végétaux par la photographie afin de créer un autre niveau qui visualise une vision personnelle du monde. Une vision univoque de la matière clairement définie et de sa forme doit être empêchée. L'objectif est d'inciter le spectateur à avoir une vision plus profonde, détachée des lois physiques conventionnelles, de la nature du monde.

Fluid Matter / Matière fluide, 2023
Grâce à ses sens, l'homme perçoit le monde comme une construction ordonnée, avec des objets clairement délimités les uns par rapport aux autres. La matière apparaît comme un système de particules au repos constant, dans lequel ces particules se trouvent à tout moment à un seul endroit précis. Les découvertes de la physique quantique contredisent toutefois cette vision du monde et ouvrent la voie à de nouvelles perspectives sur la réalité et la nature de l'univers. Dans "Fliessende Materie", Jan Prengel se penche sur ces nouvelles façons de voir la réalité. La lumière et les formes sont déformées et semblent désormais vibrer. Les objets familiers perdent leur apparence stable et se fondent les uns dans les autres sans limites. Toute la matière semble être en mouvement et la vision habituelle des objets est brisée. Au lieu de cela, des compositions abstraites naissent de couleurs fluides et de formes nouvellement créées.


Incontri del tempo / Begegnungen der Zeit, 2023
La serie "Encounters of Time" intende incoraggiare lo spettatore a rompere il concetto di tempo lineare e a considerare nuove idee e prospettive su di esso. Ogni composizione è costituita da due fotografie fuse, scattate in luoghi e tempi diversi. In precedenza sono state selezionate e combinate due immagini che condividono alcune caratteristiche come il motivo, la forma o il colore. I confini fisici convenzionali del tempo e dello spazio vengono simbolicamente dissolti. Diversi punti nel tempo interagiscono ora tra loro e insieme formano nuovi mondi visivi onirici. "Lavoro con il mio passato come se viaggiassi nel tempo. I due punti nel tempo delle fotografie si incontrano nelle opere, così come il tempo della loro fusione. Durante la creazione delle fotografie, il loro significato non era ancora chiaro. Solo in un momento successivo vengono reinterpretate e integrate in un nuovo lavoro".

Sguardo ereditato / Inherited Gaze, 2023
Nella serie "Inherited Gaze" mi occupo dell'eredità di schemi di pensiero, traumi irrisolti e tratti della personalità. Questi possono essere trasmessi per molte generazioni e quindi influenzare i tratti caratteriali delle generazioni successive e la loro visione del mondo per un lungo periodo di tempo. Per "Inherited Gaze", Jan Prengel ha fotografato il motivo ricorrente della pianta secca nel suo lavoro attraverso i vecchi occhiali dei genitori. La visione attraverso gli occhiali simboleggia le caratteristiche ereditate dai genitori che fanno sì che una persona guardi il mondo come attraverso un filtro che non può essere rimosso. Resta aperto il problema se la visione influenzata sia offuscata o se possa essere interpretata come la creazione di una prospettiva interessante e unica. Come nella serie di opere "Alla ricerca del presente" o "Metamorfosi", ai motivi vegetali vengono aggiunti elementi pittorici sfocati dalla fotografia per creare un ulteriore livello che visualizza una visione personale del mondo. Viene impedita una visione chiara della materia e della sua forma. L'obiettivo è incoraggiare lo spettatore a guardare più in profondità la natura del mondo, distaccandosi dalle leggi fisiche convenzionali.

Materia fluida / Flowing Matter, 2023
Con i sensi, le persone percepiscono il mondo come un costrutto ordinato con oggetti chiaramente delineati. La materia appare come un sistema di particelle in continuo riposo, che si trovano sempre in un unico luogo specifico. Tuttavia, le scoperte della fisica quantistica contraddicono questa visione del mondo e aprono la strada a nuove prospettive sulla realtà e sulla natura dell'universo. In "Flowing Matter", Jan Prengel esplora queste nuove prospettive sulla realtà. La luce e le forme sono distorte e sembrano vibrare. Gli oggetti familiari perdono il loro aspetto stabile e fluiscono l'uno nell'altro senza confini. Tutta la materia sembra essere in movimento e la visione familiare degli oggetti viene spezzata. Emergono invece composizioni astratte di colori fluidi e forme create ex novo.


Encounters Of Time, 2023
The series «Encounters Of Time» is intended to inspire the viewer to break open the concept of a linear time and to consider new ideas and views of it. Each composition contains two fused photographs taken in different places and at different times. Two images were previously selected and combined that share certain characteristics, such as motif, form, or color. The conventional physical boundaries of time and space are symbolically dissolved. Different points in time now interact with each other and form new dreamlike visual worlds together. I work with my past as if through a kind of time travel. In the works, the two points in time of the photographs encounter each other as well as the time of their fusion. When the photographs were taken, their meaning was uncertain. Later, they were reinterpreted and integrated into a new work.

Inherited Gaze, 2023
In «Inherited Gaze», I deal with the inheritance of ways of thinking, unsolved traumas and characteristics. These can be passed on over many generations and influence the characters of the following generations, and their view on the world over a long period of time. For «Inherited Gaze», I photographed the reappearing motif of the dried plant through my parents' old glasses. The view through these glasses symbolizes the inherited parental characteristics that make a person look on the world as if through a filter, that cannot be removed. It remains unclear whether the influenced view is negatively blurred, or can be interpreted as the creator of an interesting and unique perspective. As in the «In Search of the Present» or «Metamorphosis» series of works, blurred pictorial elements are added to the plant motifs to create a further layer that visualizes a personal view on the world. A distinct gaze at clearly defined matter and its form is prevented. The aim is to encourage the viewer to take a deeper perspective on the nature of the world, detached from the conventional physical laws.

Fluid Matter, 2023
With their senses, humans perceive the world as an ordered construct with clearly separated objects. Matter appears as a system of constantly static atoms in which these elements are located in a single specific place at any time. Quantum physics contradicts this view on the world and opens the way for new perspectives on reality and the nature of the world. In «Fluid Matter», I explore these new perspectives on reality. Light and forms are distorted and now appear to be in vibration. Familiar objects lose their fixed appearance and flow into each other without boundaries. All matter seems to be in motion, and the conventional view on the objects is disrupted. Instead, abstract compositions of floating colors and newly created forms appear.

(Text: Galerie 94, Baden)

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Bernd Nicolaisen - Amedeo Baumgartner | Musée jurassien des Arts | Moutier
März
16
5:00 PM17:00

Bernd Nicolaisen - Amedeo Baumgartner | Musée jurassien des Arts | Moutier



© Amedeo Baumgartner


Die Natur steht im Mittelpunkt des Schaffens von Bernd Nicolaisen und Amedeo Baumgartner. Die Ausstellung zeigt den einzigartigen Ansatz jedes dieser Berner Künstler, um sich mit diesem Thema zu befassen, das im Kontext der aktuellen Umweltkrisen von zentraler Bedeutung ist. Sie betont aber auch ihre Konvergenzen insbesondere die Aufmerksamkeit für die Nahaufnahme als Mikrokosmos in einem Dialog zwischen Nicolaisens Werken, die auf Fotografie basieren, und Baumgartners Gemälden.

Einzigartikeit
In der alten Villa, die das Museum beherbergt, wird den Künstler n je eine Etage zur Verfügung gestellt , wo man die Einzigartigkeit von Nicolaisens auf Fotografie basierenden Arbeiten und Baumgartners malerischen Forschungen vertiefen kann.

Bernd Nicolaisen nimmt grundlegende Elemente, Eis, tausendjähriges Holz oder Fels auf , oder reflektiert einen Kometen . Er arbeitet bei seinen Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten und achtet besonders auf die natürliche Lichtverteilung, ohne auf künstliche Beleuchtung oder Retusche zurückzugreifen . In Werken wie seinen Stratagram s versucht er jedoch , über die dokumentarische Spiegelung hinauszugehen, indem er vor Ort gefundene Mineralien und Pigmente verwendet, als Echo auf das, was sich in den Tiefen der Erde verbirgt.

Amedeo Baumgartner schöpft die Motive für seinen umfangreichen Zyklus Ex Natura aus seinen Wanderungen in der Natur. Er fotografiert einen Farn, einen Ast oder einen Felsen und verwendet diese Bilder dann als Vorbereitungsskizze n , die auf die Leinwand übertragen w erden. Er baut seine Bilder dann in einem komplexen Prozess malerisch auf , indem er Schichten von feinsten Pinselstrichen und Firnissen überlagert, wodurch die Farben von selbst Tiefe gewinnen. Seine Werke bewegen sich zwischen Hyperrealismus und poetischer Interpretation.

Der Künstler zeigt auch Werke aus seinem anderen Zyklus, Ex Cinema , die von Filmszenen inspiriert sind.

Konvergenzen
Der große Saal des Musée jurassien des Arts legt den Schwerpunkt auf die Konvergenzen zwischen den beiden Künstlern in Form eines Dialogs zwischen ihren Werken Das lebendige Wasser der Bäche, gemalt von Amedeo Baumgartner, antwortet auf das uralte Eis, fotografiert von Bernd Nicolaisen. Auf überraschende Weise harmoniert eine Blumenwiese oder ein Waldpfad des Ersteren mit Nahaufnahmen der tausendjährigen Bergpinienrinde des Letzteren.

Abgesehen von diesen formalen und thematischen Anklängen konvergieren beide Künstler durch ihren bedeutungsvollen Bildausschnitt. Weit entfernt von einem breiten Blickwinkel, der zur Ansicht einer Landschaft tendieren würde, konzentrieren sie sich auf das Detail . Jeder betrachtet diese Fragmente zudem als einen Mikrokosmos, der die Quintessenz der natürlichen Welt zusammenfasst, und hofft, auf diese Weise beim Betrachter Fragen über sein e Beziehung zur Natur zu wecken.

Schließlich spielt die Zeitlichkeit eine Rolle im Ansatz beide r Künstler .

Bernd Nicolaisen verbindet und konfrontiert Erdzyklen mit fotografischer Dauer. In seinen Aufnahmen verdichtet er die zeitliche Dimension von Überresten natürlicher Elemente die manchmal Zehntausende von Jahren alt sind. Auf diese Weise untersucht er die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz vor dem Hintergrund des Ausmaßes der Erdgeschichte.

Amedeo Baumgartner seinerseits integriert ebenfalls die Dimension der Zeit, indem er seine Gemälde als Ergebnis einer Verkettung von Erfahrungen und Ideen versteht, die er auf seiner Suche nach Motiven in der Natur erlebt. Ein Mosaik dieser Momente, die sich allmählich zusammenfügen, bildet das endgültige Bild.


La nature est au coeur des oeuvres de Bernd Nicolaisen, basées sur la photographie, et des toiles d’Amedeo Baumgartner. L'exposition présente l'approche singulière avec laquelle chacun de ces artistes bernois aborde ce thème crucial, à l'ère des enjeux écologiques actuels. Mais elle souligne aussi les convergences qui existent entre les démarches des deux créateurs, notamment leur attention au gros plan en tant que microcosme.

Singularités
Dans l’ancienne villa qui abrite le musée, un étage réservé à chacun permet d’approfondir la singularité des travaux de Nicolaisen, basée sur la photographie, et celle des recherches picturales de Baumgartner.

Bernd Nicolaisen capte des éléments fondamentaux et ancestraux, bois, glace ou roche millénaires, ou reflète librement une comète. Il travaille ses prises de vue avec de longs temps de pause et porte une attention particulière à la distribution naturelle de la lumière, n’ayant jamais recours à un éclairage artificiel ou à la retouche. Pourtant, dans des oeuvres telles que ses Stratagrams, il cherche à dépasser le reflet documentaire en utilisant des minéraux et des pigments trouvés sur place, en écho à ce qui se cache dans les profondeurs de la terre.

De son côté, Amedeo Baumgartner puise les motifs de son vaste cycle Ex Natura lors de ses randonnées dans la nature. Il photographie une fougère, un branchage, un rocher et utilise ensuite ces images comme esquisses préparatoires. Il construit ensuite ses images picturalement au fil d’un processus complexe. Il superpose des strates de coups de pinceau très fin et de vernis, afin que les couleurs acquièrent une profondeur par elles-mêmes. Ses oeuvres oscillent entre hyperréalisme et interprétation poétique.

L’artiste présente également des oeuvres de son autre cycle, Ex Cinema, inspirées par des scènes de films.

Convergences
La grande salle du musée met l’accent sur les convergences entre les deux artistes, sous la forme d’un dialogue entre leurs oeuvres. L’eau vive des ruisseaux peinte par Amedeo Baumgartner répond à la glace ancestrale photographiée par Bernd Nicolaisen. Un pré fleuri ou un sentier forestier du premier s’accorde de manière surprenante avec certains gros plans d’écorce de pins millénaires du second.

Au-delà de ces échos thématiques et formels, les deux artistes se rejoignent par leurs cadrages porteurs de sens. Loin d’un large point de vue qui tendrait vers le paysage, ils se concentrent sur le détail. Chacun considère en outre ces fragments comme un microcosme, synthétisant la quintessence

du monde naturel, et espère par ce biais éveiller un questionnement du spectateur sur le plan de son rapport à la nature.

Enfin, la temporalité traverse l’approche des deux artistes.

Bernd Nicolaisen associe et confronte cycles terrestres et durée photographique. Il condense dans ses prises de vue la dimension temporelle de vestiges d’éléments naturels – qui remontent parfois à des dizaines de milliers d’année. Il interroge ainsi le caractère éphémère de l’existence humaine à l’aune de l’étendue de l’histoire terrestre.

De son côté, Amedeo Baumgartner intègre également la dimension du temps en concevant ses peintures comme le résultat d’un enchaînement d’expériences et d’idées, vécues au fil de sa quête de motifs dans la nature. Le tableau final est fait d’une mosaïque de ces moments qui s’assemblent progressivement.


La natura è al centro del lavoro di Bernd Nicolaisen e Amedeo Baumgartner. La mostra mostra l'approccio unico di ciascuno di questi artisti bernesi a questo tema, di importanza centrale nel contesto delle attuali crisi ambientali. Ma evidenzia anche le loro convergenze, in particolare l'attenzione al primo piano come microcosmo in un dialogo tra le opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e i dipinti di Baumgartner.

Unicità
Nell'antica villa che ospita il museo, gli artisti hanno a disposizione un piano per esplorare l'unicità delle opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e della ricerca pittorica di Baumgartner.

Bernd Nicolaisen cattura elementi fondamentali, ghiaccio, legno o roccia millenaria, o riflette una cometa. Lavora con tempi di posa lenti e presta particolare attenzione alla distribuzione naturale della luce, senza ricorrere all'illuminazione artificiale o al ritocco. In opere come i suoi stratagrammi, tuttavia, cerca di andare oltre la riflessione documentaria utilizzando minerali e pigmenti trovati sul posto come eco di ciò che si nasconde nelle profondità della terra.

Amedeo Baumgartner trae i motivi del suo ampio ciclo Ex Natura dalle sue passeggiate nella natura. Fotografa una felce, un ramo o una roccia e utilizza queste immagini come schizzi preparatori da trasferire sulla tela. Poi costruisce i suoi quadri con un complesso processo pittorico, sovrapponendo strati di pennellate e vernici finissime, in modo che i colori acquistino profondità da soli. Le sue opere si muovono tra iperrealismo e interpretazione poetica.

L'artista espone anche opere del suo altro ciclo, Ex Cinema, ispirate a scene di film.

Convergenze
La grande sala del Musée jurassien des Arts si concentra sulle convergenze tra i due artisti sotto forma di dialogo tra le loro opere L'acqua viva dei ruscelli, dipinta da Amedeo Baumgartner, risponde al ghiaccio antico, fotografato da Bernd Nicolaisen. In modo sorprendente, un prato fiorito o un sentiero forestale del primo si armonizza con i primi piani della corteccia millenaria di pino mugo del secondo.

Oltre a questi echi formali e tematici, entrambi gli artisti convergono attraverso la loro significativa inquadratura. Lontani da una prospettiva ampia che tenderebbe a una visione paesaggistica, si concentrano sul dettaglio. Ognuno di loro vede questi frammenti come un microcosmo che riassume la quintessenza del mondo naturale, sperando in questo modo di risvegliare nello spettatore domande sul proprio rapporto con la natura.

Infine, la temporalità gioca un ruolo importante nell'approccio di entrambi gli artisti.

Bernd Nicolaisen combina e confronta i cicli della terra con la durata fotografica. Nelle sue fotografie condensa la dimensione temporale di resti di elementi naturali che a volte hanno decine di migliaia di anni. In questo modo, esamina la transitorietà dell'esistenza umana sullo sfondo della scala della storia della Terra.

Anche Amedeo Baumgartner, da parte sua, integra la dimensione del tempo intendendo i suoi dipinti come il risultato di una concatenazione di esperienze e idee che sperimenta nella sua ricerca di motivi nella natura. Un mosaico di questi momenti, che si uniscono gradualmente, forma l'immagine finale.


Nature is at the heart of the work of Bernd Nicolaisen and Amedeo Baumgartner. The exhibition demonstrates the unique approach of each of these Bernese artists to this theme, which is central in the context of current environmental crises. But it also emphasizes their convergences in particular the attention to the close-up as a microcosm in a dialogue between Nicolaisen's works based on photography and Baumgartner's paintings.

Uniqueness
In the old villa that houses the museum, the artists are each given a floor to explore the uniqueness of Nicolaisen's photography-based works and Baumgartner's painterly research.

Bernd Nicolaisen takes up basic elements, ice, millennial wood or rock, or reflects a comet . He works with slow shutter speeds and pays particular attention to the natural distribution of light, without resorting to artificial lighting or retouching. In works such as his Stratagram s, however, he tries to go beyond documentary reflection by using minerals and pigments found on site as an echo of what is hidden in the depths of the earth.

Amedeo Baumgartner draws the motifs for his extensive Ex Natura cycle from his walks in nature. He photographs a fern, a branch or a rock and then uses these images as preparatory sketches w hich are transferred to the canvas. He then builds up his visuals in a complex painterly process by superimposing layers of the finest brushstrokes and varnishes, allowing the colors to gain depth on their own. His works move between hyperrealism and poetic interpretation.

The artist is also showing works from his other cycle, Ex Cinema , which are inspired by film scenes.

Convergences
The large room of the Musée jurassien des Arts focuses on the convergences between the two artists in the form of a dialog between their works The living water of the streams, painted by Amedeo Baumgartner, responds to the ancient ice, photographed by Bernd Nicolaisen. In a surprising way, a flower meadow or a forest path by the former harmonizes with close-ups of the thousand-year-old mountain pine bark by the latter.

Apart from these formal and thematic echoes, both artists converge through their meaningful framing. Far from a broad perspective that would tend towards a view of a landscape, they focus on the detail . Each also sees these fragments as a microcosm that summarizes the quintessence of the natural world, hoping in this way to awaken questions in the viewer about their relationship with nature.

Finally, temporality plays a role in the approach of both artists.

Bernd Nicolaisen combines and confronts earth cycles with photographic duration. In his photographs, he condenses the temporal dimension of the remains of natural elements that are sometimes tens of thousands of years old. In this way, he examines the transience of human existence against the backdrop of the scale of the earth's history.

Amedeo Baumgartner, for his part, also integrates the dimension of time by understanding his paintings as the result of a concatenation of experiences and ideas that he encounters in his search for motifs in nature. A mosaic of these moments, which gradually come together, forms the final visual.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

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WATER PRESSURE - Gestaltung für die Zukunft | Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
März
14
7:00 PM19:00

WATER PRESSURE - Gestaltung für die Zukunft | Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg


Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
14. März 2024

WATER PRESSURE - Gestaltung für die Zukunft


Barriereelement zur Abfallbereinigung von Flüssen, Bali, 2022 © Sungai Watch


Seit Anbeginn der Geschichte ist Wasser eine der größten Herausforderungen der Menschen. Unser Umgang mit dieser lebenswichtigen Ressource wird die Zukunft der Menschheit und unseres Planeten bestimmen. Gegenwärtig sind wir mit einer vielschichtigen Wasserkrise konfrontiert, die weitestgehend auf unser Missmanagement zurückzuführen ist: 40 Prozent der Weltbevölkerung ist von Wasserknappheit betroffen und mehr als 90 Prozent der Katastrophen haben mit Wasser zu tun. Im Jahr 2022 erlebte Europa die schlimmste Dürre seit 500 Jahren.

Die Gruppenausstellung „Water Pressure. Gestaltung für die Zukunft“ im MK&G nimmt eine globale Perspektive auf die Wasserkrise ein: Gezeigt werden Gestaltungsideen, die das Potenzial haben, unsere Zukunft radikal zu ändern. Die innovativen Arbeiten aus den Bereichen Design, Architektur, Kunst und Wissenschaft gehen vielfach auf Prinzipien der Natur zurück und eröffnen so neue Wege aus der aktuellen Lage. In fünf Kapiteln werden inspirierende Lösungen für Probleme wie Wasserknappheit, Verschmutzung und gestörte Wasserkreisläufe vorgestellt. Die Ausstellung befasst sich auch mit der Hafenstadt Hamburg und den gegenwärtigen und zukünftigen Herausforderungen, denen sie sich stellen muss – von Überschwemmungen bis hin zum Wassermangel.

In der Ausstellung vertreten sind unter anderem City of 1000 Tanks, unter der Leitung der OOZE Architects (Indien); Isla Urbana (Mexiko), Eden in Irak (Irak); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Dänemark); Cloudfisher, WasserStiftung (Marokko); und Colorifix (Großbritannien). Eigens für das MK&G gestalten die niederländischen Architekten OOZE Architects und das österreichische Design-Duos mischer'traxler neue Arbeiten. Die Gruppenschau wird von einem umfangreichen Rahmenprogramm begleitet.

Eine Ausstellung des MK&G in Zusammenarbeit mit Jane Withers Studio, London.

Mit freundlicher Unterstützung der Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Stiftung und Martha Pulvermacher Stiftung.


Depuis le début de l'histoire, l'eau est l'un des plus grands défis auxquels l'homme est confronté. Notre gestion de cette ressource vitale déterminera l'avenir de l'humanité et de notre planète. Actuellement, nous sommes confrontés à une crise de l'eau à multiples facettes, largement due à notre mauvaise gestion : 40 % de la population mondiale est touchée par la pénurie d'eau et plus de 90 % des catastrophes sont liées à l'eau. En 2022, l'Europe a connu sa pire sécheresse depuis 500 ans.

L'exposition de groupe "Water Pressure. Conception pour l'avenir" au MK&G adopte une perspective globale sur la crise de l'eau : Elle présente des idées de conception qui ont le potentiel de changer radicalement notre avenir. Les travaux innovants issus des domaines du design, de l'architecture, de l'art et de la science s'inspirent souvent des principes de la nature et ouvrent ainsi de nouvelles voies pour sortir de la situation actuelle. Cinq chapitres présentent des solutions inspirantes à des problèmes tels que la pénurie d'eau, la pollution et les cycles de l'eau perturbés. L'exposition s'intéresse également à la ville portuaire de Hambourg et aux défis actuels et futurs qu'elle doit relever, des inondations à la pénurie d'eau.

L'exposition présente notamment City of 1000 Tanks, sous la direction de OOZE Architects (Inde) ; Isla Urbana (Mexique), Eden in Irak (Irak) ; Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danemark) ; Cloudfisher, WaterStiftung (Maroc) ; et Colorifix (Royaume-Uni). Les architectes néerlandais OOZE Architects et le duo autrichien de designers mischer'traxler ont conçu de nouveaux travaux spécialement pour le MK&G. L'exposition collective s'accompagne d'un vaste programme d'accompagnement.

Une exposition du MK&G en collaboration avec Jane Withers Studio, Londres.

Avec l'aimable soutien de la Fondation pour l'environnement Michael Otto, de la Fondation Hapag-Lloyd et de la Fondation Martha Pulvermacher.


Fin dagli albori della storia, l'acqua è stata una delle maggiori sfide per l'umanità. Il nostro uso di questa risorsa vitale determinerà il futuro dell'umanità e del nostro pianeta. Attualmente stiamo affrontando una crisi idrica dalle molteplici sfaccettature, dovuta in gran parte alla nostra cattiva gestione: il 40% della popolazione mondiale è colpita dalla scarsità d'acqua e più del 90% dei disastri sono legati all'acqua. Nel 2022, l'Europa ha vissuto la peggiore siccità degli ultimi 500 anni.

La mostra collettiva "Water Pressure. Design for the Future" all'MK&G affronta la crisi idrica da una prospettiva globale: In mostra ci sono idee di design che hanno il potenziale per cambiare radicalmente il nostro futuro. Le opere innovative provenienti dai settori del design, dell'architettura, dell'arte e della scienza si basano spesso su principi naturali e aprono così nuove vie d'uscita dalla situazione attuale. In cinque capitoli vengono presentate soluzioni ispirate a problemi come la scarsità d'acqua, l'inquinamento e l'interruzione dei cicli idrici. La mostra analizza anche la città portuale di Amburgo e le sfide attuali e future che deve affrontare, dalle inondazioni alla carenza d'acqua.

La mostra comprende City of 1000 Tanks, realizzata da OOZE Architects (India); Isla Urbana (Messico), Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danimarca); Cloudfisher, WaterFoundation (Marocco) e Colorifix (Regno Unito). Gli architetti olandesi OOZE Architects e il duo di designer austriaci mischer'traxler stanno creando nuove opere appositamente per il MK&G. La mostra collettiva sarà accompagnata da un ampio programma di supporto.

Una mostra MK&G in collaborazione con Jane Withers Studio, Londra.

Con il gentile sostegno della Michael Otto Environmental Foundation, della Hapag-Lloyd Foundation e della Martha Pulvermacher Foundation.


Since the dawn of history, water has been one of the most important human preoccupations. How we care for this vital resource is one of the factors that will define our future and that of our planet. Today, we are facing a multifaceted water crisis that is largely due to our mismanagement. Water scarcity affects 40 per cent of the world’s people, and more than 90 per cent of disasters are water-related. In 2022, Europe suffered its worst drought in 500 years.

The group exhibition “Water Pressure: Designing for the Future” at MK&G looks at the water crisis from a global perspective, displaying design ideas that illuminate the potential for radically changing our future. Innovative works from the fields of design, architecture, art and science – in many cases using nature-based systems to open up new routes to overcoming the current situation. Five chapters will present inspiring solutions to issues such as water scarcity, pollution and disrupted hydrological cycles. The exhibition also looks at the city of Hamburg and the present and future water challenges it faces – from flooding to scarcity.

Among the featured projects on display will be City of 1000 Tanks by a team led by OOZE architects (India); Isla Urbana (Mexico); Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Denmark); Cloudfisher, WaterFoundation (Morocco, South Africa); and Colorifix (UK). As a special highlight, the Dutch firm OOZE architects and the Austrian design duo Mischer’traxler are creating new works especially for the MK&G. The group show will be accompanied by an extensive supporting programme for the public.

An exhibition by MK&G in cooperation with Jane Withers Studio, London.

Kindly supported by the Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Foundation and Martha Pulvermacher Foundation.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

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A DAY OFF – Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
März
14
7:00 PM19:00

A DAY OFF – Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach | f³ – freiraum für fotografie | Berlin


f³ – freiraum für fotografie | Berlin
14. März 2024

Einführung: Katharina Mouratidi (Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie), Natalja Aljasova (Kuratorin) und Franziska Mecklenburg (Stiftung F.C. Gundlach)

A DAY OFF – Eine Ausstellung der Stiftung F.C. Gundlach

Diane Arbus, Katharina Bosse, Henri Cartier-Bresson, Elliott Erwitt, Arthur „Weegee“ Fellig, Bruce Gilden, Nan Goldin, F.C. Gundlach, Esther Haase, David Hockney, Thomas Höpker, Peter Keetman, Barry Key, Barbara Klemm, Lisette Model, Martin Munkácsi, Martin Parr, Joel Sternfeld, u.a.


© Martin Parr, aus der Serie Common Sense [Sammlung F.C. Gundlach, Stift ung F.C. Gundlach + Haus der Photographie, Deichtorhallen Hamburg]


Freizeitgestaltung ist ein Thema, das uns alle permanent beschäftigt. Einfach einmal nichts tun? Unmöglich! Nicht erst seit der Corona-Pandemie ist unser Leben hektischer und intensiver geworden. Überall werden wir mit immer aufregenderen, abenteuerlicheren und exotischeren Freizeitaktivitäten konfrontiert. Der Druck, mithalten zu können und vermeintlich zu müssen, ist enorm. Freizeit ist von der Erholungszeit nach getaner Arbeit zu einem durchgetakteten Massenphänomen geworden. Zu den Stoßzeiten nach Feierabend, am Wochenende und an Feiertagen platzen Strände, Schwimmbäder, Sportstudios, Kinos und Parks aus allen Nähten. Alle streben nach maximaler Entspannung, Selbstoptimierung und größtmöglichem Abstand vom Alltag.

A DAY OFF im f³ – freiraum für fotografie visualisiert mit einem Augenzwinkern die Erscheinungsformen unserer Freizeitkultur: Es wird geschlemmt, gebrutzelt, geraucht, geschwitzt und gepowert, was das Zeug hält. Manche Szenen sind heute nicht mehr denkbar. Andere gleichen sich, so wurde damals wie heute ausgiebigst Sonne getankt, der neueste Film im Kino angesehen, das Tanzbein geschwungen oder gemeinsam Bingo gespielt. Durch die Linse einiger der weltweit renommiertesten Fotograf*innen erhalten wir einen Einblick in den Wandel unseres Freizeitverhaltens der vergangenen hundert Jahre.

Die Sammlung F.C. Gundlach
Über viele Jahrzehnte hat F.C. Gundlach, selbst einer der wichtigsten Modefotografen der Bundesrepublik Deutschland, Fotografie gesammelt und eine der bedeutendsten privaten Fotografiesammlungen des Landes zusammengetragen. Im Zentrum steht das Bild des Menschen in der Fotografie. Unter diesem Titel fanden seit 2005 rund 9.000 fotografische Werke aus der Sammlung als Dauerleihgabe Einzug in das Haus der Photographie in der südlichen Deichtorhalle in Hamburg. Darüber hinaus waren und sind viele andere Arten und Gattungen der Fotografie Bestandteil der Sammlung F.C. Gundlach, die zum Teil als eigenständige Sammlungsthemen gesehen werden können. Auch über den Tod des Sammlers hinaus kommen weiterhin Großkonvolute einzelner Fotograf*innen und Bestände von Archiven hinzu, die in der Stiftung F.C. Gundlach bewahrt und bearbeitet werden.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Natalja Aljasova. Konzeption: Natalja Aljasova und Jasmin Seck.


Les loisirs sont un sujet qui nous préoccupe tous en permanence. Ne rien faire, tout simplement ? C'est impossible ! Notre vie est devenue plus frénétique et plus intense, et pas seulement depuis la pandémie de Corona. Partout, nous sommes confrontés à des activités de loisirs toujours plus passionnantes, aventureuses et exotiques. La pression pour pouvoir et prétendument devoir suivre le rythme est énorme. Les loisirs sont passés d'un temps de repos après le travail à un phénomène de masse rythmé. Aux heures de pointe après le travail, le week-end et les jours fériés, les plages, les piscines, les salles de sport, les cinémas et les parcs sont pleins à craquer. Tout le monde aspire à une détente maximale, à l'optimisation de soi et à la plus grande distance possible avec le quotidien.

A DAY OFF au f³ - freiraum für fotografie visualise avec un clin d'œil les manifestations de notre culture des loisirs : on se régale, on grignote, on fume, on transpire et on se défoule à tout va. Certaines scènes sont aujourd'hui impensables. D'autres se ressemblent : à l'époque comme aujourd'hui, on prenait largement le soleil, on allait voir le dernier film au cinéma, on se déhanchait ou on jouait au bingo ensemble. À travers l'objectif de quelques-uns des photographes* les plus renommés au monde, nous avons un aperçu de l'évolution de notre comportement en matière de loisirs au cours des cent dernières années.

La collection F.C. Gundlach
Pendant de nombreuses décennies, F.C. Gundlach, lui-même l'un des plus importants photographes de mode de la République fédérale d'Allemagne, a collectionné des photographies et a réuni l'une des plus importantes collections privées de photographies du pays. Au cœur de cette collection se trouve le visuel de l'homme dans la photographie. C'est sous ce titre que, depuis 2005, près de 9.000 œuvres photographiques de la collection ont fait leur entrée à la Haus der Photographie, dans le sud de la Deichtorhalle à Hambourg, sous forme de prêt permanent. En outre, de nombreux autres types et genres de photographie faisaient et font toujours partie de la collection F.C. Gundlach, qui peuvent en partie être considérés comme des thèmes de collection à part entière. Même après la mort du collectionneur, de gros volumes de photographes individuels* et des fonds d'archives continuent d'être conservés et traités par la fondation F.C. Gundlach.

L'exposition a été organisée par Natalja Aljasova. Conception : Natalja Aljasova et Jasmin Seck.


L'organizzazione del tempo libero è un tema che ci occupa costantemente. Non fare nulla per una volta? Impossibile! La nostra vita è diventata più frenetica e intensa, e non solo dopo la pandemia di coronavirus. Ovunque ci troviamo di fronte ad attività di svago sempre più eccitanti, avventurose ed esotiche. La pressione per stare al passo e presumibilmente doverlo fare è enorme. Il tempo libero si è trasformato da momento di relax dopo il lavoro in un fenomeno di massa con un programma serrato. Nei momenti di punta dopo il lavoro, nei fine settimana e nei giorni festivi, le spiagge, le piscine, gli impianti sportivi, i cinema e i parchi sono pieni zeppi. Tutti cercano il massimo relax, l'auto-ottimizzazione e la massima distanza possibile dalla vita quotidiana.

A DAY OFF a f³ - freiraum für fotografie visualizza le manifestazioni della nostra cultura del tempo libero con una strizzatina d'occhio: le persone banchettano, sfrigolano, fumano, sudano e si danno da fare. Alcune scene sono inimmaginabili oggi. Altre sono le stesse: allora come oggi, le persone prendevano il sole, guardavano l'ultimo film al cinema, ballavano tutta la notte o giocavano a bingo insieme. Attraverso l'obiettivo di alcuni tra i più famosi fotografi del mondo, possiamo capire come sono cambiati i nostri comportamenti nel tempo libero negli ultimi cento anni.

La collezione F.C. Gundlach
Nel corso di molti decenni, F.C. Gundlach, egli stesso uno dei più importanti fotografi di moda della Repubblica Federale Tedesca, ha collezionato fotografie e accumulato una delle più importanti collezioni fotografiche private del Paese. L'attenzione è rivolta all'immagine delle persone nella fotografia. A questo titolo, dal 2005 circa 9.000 opere fotografiche della collezione sono in prestito permanente alla Casa della Fotografia nella Deichtorhalle meridionale di Amburgo. Inoltre, molti altri tipi e generi di fotografia facevano e fanno parte della Collezione F.C. Gundlach, alcuni dei quali possono essere considerati come temi della collezione a sé stanti. Anche dopo la morte del collezionista, la Fondazione F.C. Gundlach continua a conservare ed elaborare grandi collezioni di singoli fotografi e archivi.

La mostra è stata curata da Natalja Aljasova. Ideazione: Natalja Aljasova e Jasmin Seck.


Leisure activities are a topic that constantly occupies us all. Just do nothing? Impossible! Our lives have become more hectic and intense, and not just since the coronavirus pandemic. We are confronted with ever more exciting, adventurous and exotic leisure activities everywhere. The pressure to keep up and supposedly have to is enormous. Leisure time has gone from being a time to relax after work to a mass phenomenon. At peak times after work, at weekends and on public holidays, beaches, swimming pools, sports studios, cinemas and parks are bursting at the seams. Everyone is striving for maximum relaxation, self-optimization and the greatest possible distance from everyday life.

A DAY OFF at f³ – freiraum für fotografie visualizes the manifestations of our leisure culture with a wink: people feast, sizzle, smoke, sweat and work out as much as they can. Some scenes are no longer conceivable today. Others are similar: then, as now, people soaked up the sun, watched the latest film in the cinema, danced or played bingo together. Through the lens of some of the world's most renowned photographers, we gain an insight into how our leisure behavior has changed over the past hundred years.

The F.C. Gundlach Collection
For many decades, F.C. Gundlach, himself one of the most important fashion photographers in the Federal Republic of Germany, collected photography and amassed one of the most important private photography collections in the country. The focus is the image of man in photography. Under this title, around 9,000 photographic works from the collection have been on permanent loan to the House of Photography in the southern Deichtorhalle in Hamburg since 2005. In addition, many other types and genres of photography were and are part of the F.C. Gundlach Collection, some of which can be seen as collection themes in their own right. Even after the collector's death, the F.C. Gundlach Foundation continues to add large collections of individual photographers and archives, which are preserved and processed.

The exhibition was curated by Natalja Aljasova. Concept: Natalja Aljasova and Jasmin Seck.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
März
9
11:00 AM11:00

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute | BelleVue – Ort für Fotografie | Basel


BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Begrüssung 14 Uhr: Mit Esther Baur, Staatsarchivarin Basel-Stadt, Tilo Richter, Projektleiter Kultur der Christoph Merian Stiftung, Regine Flury, BelleVue

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung


Klimademo, Bern 2023 © Sabina Bobst


Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung


L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.


La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.


The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

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Eco – Ester Vonplon | Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
März
7
6:00 PM18:00

Eco – Ester Vonplon | Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich



© Ester Vonplon, ohne Titel, 2024, Polaroid 8 x 10, 36 x 28 cm


Lässt sich Schnee festhalten? Mit blossen Händen ist das kaum möglich. Die zarten Kristalle lösen sich in der warmen Hand auf und das zurückbleibende Wasser rinnt unaufhaltsam durch die Finger. Aus den Fotografien von Ester Vonplon schimmert stets eine gewisse Wehmut, die sich mit dem Verschwinden auseinandersetzt. Im Jahr 2014 betitelt sie eine Serie von Aufnahmen mit der melancholischen Frage: «Wohin geht all das Weiss, wenn der Schnee schmilzt».

Können wir die Zeit, den Lauf des Universums, aufhalten? Die Erde, unseren Lebensraum – können wir sie bewahren? «Wie viel Zeit bleibt der Endlichkeit», fragt die Künstlerin im Jahr 2016. Ester Vonplon reflektiert in ihren Fotoarbeiten die Essenz ihrer Technik, die Susan Sontag am treffendsten beschrieben hat: «Jede Fotografie ist eine Art memento mori. Fotografieren bedeutet teilnehmen an der Sterblichkeit, Verletzlichkeit und Wandelbarkeit anderer Menschen (oder Dinge)» (1977).

Mit dieser Zartheit des Festhalten-Wollens folgt Esther Vonplon der Natur, dem Schnee und dem Wald mit Kameras, die unterschiedliche Bildformate und Ausschnitte zulassen. Die Polaroid-Technik ermöglicht die Belichtung eines Papiers mit einer speziellen Fotoemulsion, auf dem bereits nach wenigen Sekunden ein Abdruck der Wirklichkeit erscheint. Das relativ sensible Filmmaterial reagiert dabei auf die vielfältigen Einflüsse der freien Natur – Feuchtigkeit oder unterschiedliche Temperaturen – und lässt Farbveränderungen oder kleine Risse in der Oberfläche entstehen.

Vonplon führt ihre Kameralinse entlang der faszinierenden Spuren von Schnee und Eis. Seien es die sanften Formen der Steine unter der Schneedecke, ähnlich kleiner Hügellandschaften, oder die geheimnisvollen eingeschlossene Luftblasen, Risse und Rillen. Auf beeindruckende Weise gelingt es ihr, eine Art Fotogramm von Schneeflocken zu erzeugen und verwandelt das Fotopapier in ein letztes Zeugnis des Schnees. Dabei oszilliert Vonplon zwischen filigranen Details wie Eiskristallen, Pflanzen oder Wassertropfen und majestätischen Eisbrüchen, Gletschern oder endlosen Weite des Himmels. Während die Aufnahmen des tief verschneiten Waldes unweit ihres Wohnortes Castrisch im Tal des Vorderrheins eine beinahe intime Nähe vermitteln und das Gefühl des Eingeschlossen-Seins hervorrufen, entfalten ihre Filmaufnahmen der arktischen Gletscher eine fast überwältigende Weite. Das Eis strahlt in seiner Leuchtkraft, Transparenz und zarten Anmut, das Licht erscheint magisch und surreal. Vonplon verleiht dem Licht eine besondere Bedeutung, wenn sie von den für unsere Augen aussergewöhnlichen Lichtwirkungen berichtet, die sie auf ihrer Arktisreise erlebt hat.

In Vonplons Fotografien erscheint die Natur wie durch einen Filter betrachtet, als stamme das Bild aus einer anderen Zeit oder aus einem Traum. Sind sie tatsächlich ein Abdruck der Wirklichkeit? Oder vielmehr nur ein Nachhall, ein Echo? Ein Gefühl einer Zwischenwelt entsteht, in der die Landschaft ihre greifbare Substanz zu verlieren scheint, vor unseren Augen verschwindet und sich auflöst wie der zarte Schnee in unserer Hand. Die Bilder sprechen von Verlust und zeigen uns das, was wir zu verlieren drohen.


Peut-on tenir la neige ? Ce n'est guère possible à mains nues. Les cristaux délicats se dissolvent dans la chaleur de la main et l'eau qui reste s'écoule inexorablement entre les doigts. Une certaine nostalgie transparaît toujours des photographies d'Ester Vonplon, qui se confronte à la disparition. En 2014, elle intitule une série de clichés de la question mélancolique suivante : "Où va tout ce blanc lorsque la neige fond".

Pouvons-nous arrêter le temps, le cours de l'univers ? La Terre, notre espace vital - pouvons-nous la préserver ? "Combien de temps reste-t-il à la finitude ?", s'interroge l'artiste en 2016. Ester Vonplon reflète dans ses travaux photographiques l'essence de sa technique, que Susan Sontag a décrite de la manière la plus pertinente : "Chaque photographie est une sorte de memento mori. Photographier, c'est participer à la mortalité, à la vulnérabilité et à la mutabilité d'autres personnes (ou choses)" (1977).

C'est avec cette délicatesse de vouloir retenir qu'Esther Vonplon suit la nature, la neige et la forêt avec des appareils photo qui permettent différents formats d'image et de cadrage. La technique du polaroïd permet d'exposer un papier avec une émulsion photographique spéciale, sur lequel une empreinte de la réalité apparaît déjà après quelques secondes. Le matériau du film, relativement sensible, réagit alors aux multiples influences de la nature libre - humidité ou températures différentes - et fait apparaître des changements de couleur ou de petites fissures à la surface.

Vonplon guide l'objectif de sa caméra le long des traces fascinantes laissées par la neige et la glace. Qu'il s'agisse des formes douces des pierres sous la couche de neige, semblables à de petits paysages vallonnés, ou des mystérieuses bulles d'air emprisonnées, des fissures et des rainures. De manière impressionnante, elle parvient à créer une sorte de photogramme de flocons de neige et transforme le papier photo en un dernier témoignage de la neige. Vonplon oscille entre des détails filigranes tels que des cristaux de glace, des plantes ou des gouttes d'eau et de majestueuses carrières de glace, des glaciers ou l'immensité du ciel. Alors que les prises de vue de la forêt profondément enneigée non loin de son domicile de Castrisch, dans la vallée du Rhin antérieur, donnent une impression de proximité presque intime et suscitent un sentiment d'enfermement, ses films sur les glaciers arctiques déploient une immensité presque écrasante. La glace rayonne de sa luminosité, de sa transparence et de sa grâce délicate, la lumière semble magique et surréaliste. Vonplon confère à la lumière une signification particulière lorsqu'elle évoque les effets lumineux extraordinaires pour nos yeux qu'elle a vécus lors de son voyage en Arctique.

Dans les photographies de Vonplon, la nature semble être vue à travers un filtre, comme si l'image provenait d'une autre époque ou d'un rêve. Sont-elles vraiment l'empreinte de la réalité ? Ou plutôt une réverbération, un écho ? Un sentiment d'entre-deux se dégage, où le paysage semble perdre sa substance tangible, disparaître sous nos yeux et se dissoudre comme la neige fragile dans notre main. Les images parlent de perte et nous montrent ce que nous risquons de perdre.


Riesci ad aggrapparti alla neve? È difficilmente possibile a mani nude. I delicati cristalli si dissolvono nella mano calda e l'acqua rimanente scorre inesorabilmente tra le dita. Le fotografie di Ester Vonplon sono sempre caratterizzate da una certa malinconia che ha a che fare con la scomparsa. Nel 2014 ha intitolato una serie di fotografie con una domanda malinconica: "Dove va tutto il bianco quando la neve si scioglie".

Possiamo fermare il tempo, il corso dell'universo? La terra, il nostro habitat, può essere preservato? "Nelle sue opere fotografiche, Ester Vonplon riflette l'essenza della sua tecnica, che Susan Sontag ha descritto nel modo più appropriato: "Ogni fotografia è una sorta di memento mori. Fotografare è partecipare alla mortalità, alla vulnerabilità e alla mutevolezza di altre persone (o cose)" (1977).

Con questa tenerezza di voler catturare, Esther Vonplon segue la natura, la neve e la foresta con macchine fotografiche che consentono diversi formati e sezioni di immagine. La tecnica Polaroid permette di esporre una carta con una speciale emulsione fotografica, sulla quale appare un'impronta della realtà dopo pochi secondi. Il materiale della pellicola, relativamente sensibile, reagisce alle varie influenze della natura - umidità o temperature diverse - e provoca cambiamenti di colore o piccole crepe sulla superficie.

Vonplon guida il suo obiettivo lungo le affascinanti tracce di neve e ghiaccio. Che si tratti delle forme dolci delle pietre sotto il manto nevoso, simili a piccoli paesaggi collinari, o delle misteriose bolle d'aria intrappolate, delle crepe e delle scanalature. In modo impressionante, riesce a creare una sorta di fotogramma di fiocchi di neve e trasforma la carta fotografica in una testimonianza finale della neve. Vonplon oscilla tra dettagli delicati come cristalli di ghiaccio, piante o gocce d'acqua e maestose cascate di ghiaccio, ghiacciai o l'infinita distesa del cielo. Mentre gli scatti della foresta innevata non lontano dalla sua casa di Castrisch, nella valle del Reno anteriore, trasmettono una vicinanza quasi intima ed evocano la sensazione di essere racchiusi, le sue riprese dei ghiacciai artici dispiegano una vastità quasi opprimente. Il ghiaccio risplende nella sua luminosità, trasparenza e grazia delicata, la luce appare magica e surreale. Vonplon dà alla luce un significato speciale quando racconta gli straordinari effetti della luce che ha sperimentato durante il suo viaggio nell'Artico.

Nelle fotografie di Vonplon, la natura appare come vista attraverso un filtro, come se l'immagine provenisse da un altro tempo o da un sogno. Sono davvero un'impronta della realtà? O sono solo un riverbero, un'eco? Si ha la sensazione di un mondo intermedio in cui il paesaggio sembra perdere la sua sostanza tangibile, scomparendo davanti ai nostri occhi e dissolvendosi come la neve delicata nelle nostre mani. Le immagini parlano di perdita e ci mostrano ciò che rischiamo di perdere.


Can you hold on to snow? It's hardly possible with bare hands. The delicate crystals dissolve in the warm hand and the remaining water runs inexorably through the fingers. Ester Vonplon's photographs are characterised by a certain melancholy that deals with disappearance. In 2014, she titled a series of photographs with the melancholy question: "Where does all the white go when the snow melts".

Can we stop time, the course of the universe? The earth, our habitat - can we preserve it? "How much time is left for finiteness?" asks the artist in 2016. In her photographic works, Ester Vonplon reflects the essence of her technique, which Susan Sontag described most aptly: "Every photograph is a kind of memento mori. To photograph is to participate in the mortality, vulnerability and mutability of other people (or things)" (1977).

With this tenderness of wanting to capture, Esther Vonplon follows nature, the snow and the forest with cameras that allow different image formats and sections. The Polaroid technique makes it possible to expose a paper with a special photo emulsion on which an imprint of reality appears after just a few seconds. The relatively sensitive film material reacts to the various influences of nature - moisture or different temperatures - and causes colour changes or small cracks in the surface.

Vonplon guides her camera lens along the fascinating traces of snow and ice. Be it the soft shapes of the stones under the snow cover, similar to small hilly landscapes, or the mysterious trapped air bubbles, cracks and grooves. In an impressive way, she succeeds in creating a kind of photogram of snowflakes and transforms the photographic paper into a final testimony to the snow. Vonplon oscillates between delicate details such as ice crystals, plants or water droplets and majestic icefalls, glaciers or the endless expanse of the sky. While the shots of the snow-covered forest not far from her home in Castrisch in the Vorderrhein valley convey an almost intimate closeness and evoke the feeling of being enclosed, her film shots of the Arctic glaciers unfold an almost overwhelming vastness. The ice shines in its luminosity, transparency and delicate grace, the light appears magical and surreal. Vonplon gives light a special meaning when she reports on the extraordinary effects of light that she experienced on her Arctic journey.

In Vonplon's photographs, nature appears as if viewed through a filter, as if the image comes from another time or from a dream. Are they really an imprint of reality? Or are they merely a reverberation, an echo? A feeling of an intermediate world arises in which the landscape seems to lose its tangible substance, disappearing before our eyes and dissolving like the delicate snow in our hands. The images speak of loss and show us what we are in danger of losing.

(Text: Tanja Warring)

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Stimmung - Emanuel Rossetti | Kunsthaus Glarus
März
2
6:00 PM18:00

Stimmung - Emanuel Rossetti | Kunsthaus Glarus


Kunsthaus Glarus
2. März 2024

Stimmung
Emanuel Rossetti


Sunset 2, 2024 © Emanuel Rossetti


Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lebt und arbeitet in Basel) untersucht in seiner künstlerischen Arbeit das Verhältnis von räumlichen Fragestellungen und Zuschreibungen von Bildern. Für seine fotografischen Serien, Objekte und Sound-Projekte nutzt der Künstler architektonische Strukturen und Landschaften, die er in fotografischen oder installativen Prozessen weiter analysiert. Das Prinzip der Komposition wird in der Wahrnehmung seiner Werke zum zentralen Element. Die meist seriell angelegten Fotografien von Landschaften entstehen an Orten, die an Rändern der Stadt oder in der Natur lokalisiert sind. Auf Spaziergängen entstehen Bilder, die die Antithese zwischen Stadt und Land kritisieren und mit der Erarbeitung neuer Bildkompositionen ihre Aufhebung untersuchen.

Für seine Ausstellung Stimmung hat Emanuel Rossetti im Kunsthaus Glarus grossformatige fotografische Serien entwickelt, die an unterschiedlichen Orten über einen Zeitraum von zwei Jahren entstanden sind. Die Fotos wurden mit einem Fischaugenobjektiv aufgenommen. Mit dieser Technik bildet sich die Aufnahme der Landschaft als kreisrundes Bild mit einem schwarzen Umfeld ab. Die Ränder der Abbildungen sind gebogen und unterstreichen eine gewisse Komplexität, die zudem von der Komposition der Landschaften als Serie unterstrichen wird. Der von Emanuel Rossetti erweiterte Begriff von Landschaft erscheint so als eine Art Schnittstelle von einem Raum in einen anderen.

In einer weiteren Werkserie arbeitet Rossetti mit Mitteln der Stereoskopie, einer Art Nebenerscheinung der Fotografie-Geschichte. Es entstehen Objekte mit stereoskopischen Fotografien, bei deren Betrachtung man sich beim Sehen selbst «zuschauen» kann und dabei zwei unterschiedliche Situationen gleichzeitig räumlich wahrnimmt.

Im Deutschen hat das Wort «Stimmung» mehrere Bedeutungen. Es könnte sich um eine innere Stimmung handeln oder aber auch auf die Stimmung der Landschaft verweisen. Darin enthalten ist etwas Schwellenartiges, bei dem der Übergang zwischen der Wahrnehmung des Inneren und des Gesehenen nicht ganz klar verläuft und beides ineinander übergeht. Gleichzeitig beschreibt Stimmung auch das Tuning von Klang. In einem weiteren Projekt entsteht gemeinsam mit Stefan Tcherepnin, mit dem Rossetti das Projekt Staged Worlds betreibt, im Ausstellungsraum eine Aufführung mit offener Probe am 10. und 11. Mai, die sich zur Teilnahme an alle richtet und eine anschliessende Aufführung vorsieht.


Emanuel Rossetti (*1987 à Bâle, vit et travaille à Bâle) explore dans son travail artistique la relation entre les questions spatiales et les attributions d'images. Pour ses séries photographiques, ses objets et ses projets sonores, l'artiste utilise des structures architecturales et des paysages qu'il analyse ensuite dans des processus photographiques ou d'installation. Le principe de composition devient un élément central dans la perception de ses œuvres. Les photographies de paysages, le plus souvent en série, sont prises dans des lieux localisés en bordure de la ville ou dans la nature. Au cours de promenades, il crée des images qui critiquent l'antithèse entre la ville et la campagne et examine sa suppression en élaborant de nouvelles compositions d'images.

Pour son exposition Stimmung, Emanuel Rossetti a développé au Kunsthaus de Glaris des séries photographiques grand format réalisées dans différents lieux sur une période de deux ans. Les photos ont été prises avec un objectif fisheye. Grâce à cette technique, la prise de vue du paysage se présente comme une image circulaire avec un environnement noir. Les bords des illustrations sont courbés et soulignent une certaine complexité, qui est en outre soulignée par la composition des paysages en tant que série. La notion de paysage, élargie par Emanuel Rossetti, apparaît ainsi comme une sorte d'interface d'un espace à un autre.

Dans une autre série d'œuvres, Rossetti travaille avec les moyens de la stéréoscopie, une sorte de phénomène secondaire de l'histoire de la photographie. Il crée des objets avec des photographies stéréoscopiques, dont l'observation permet de "se regarder" en train de voir, tout en percevant simultanément deux situations différentes dans l'espace.

En allemand, le mot "Stimmung" a plusieurs significations. Il pourrait s'agir d'une humeur intérieure ou faire référence à l'humeur du paysage. Il contient quelque chose de l'ordre du seuil, dans lequel la transition entre la perception de l'intérieur et celle de ce qui est vu n'est pas tout à fait claire et où les deux se confondent. En même temps, l'ambiance décrit aussi l'accordage du son. Dans le cadre d'un autre projet, Stefan Tcherepnin, avec qui Rossetti mène le projet Staged Worlds, réalisera dans la salle d'exposition une représentation avec répétition ouverte les 10 et 11 mai, qui s'adresse à tous et prévoit une représentation ultérieure.


Nel suo lavoro artistico, Emanuel Rossetti (*1987 a Basilea, vive e lavora a Basilea) esplora la relazione tra le questioni spaziali e l'attribuzione delle immagini. Per le sue serie fotografiche, gli oggetti e i progetti sonori, l'artista utilizza strutture architettoniche e paesaggi, che analizza ulteriormente in processi fotografici o installativi. Il principio della composizione diventa un elemento centrale nella percezione delle sue opere. Le fotografie di paesaggi, per lo più seriali, sono realizzate in luoghi localizzati ai margini della città o nella natura. Durante le passeggiate, crea immagini che criticano l'antitesi tra città e campagna e ne indagano l'abolizione sviluppando nuove composizioni pittoriche.

Per la sua mostra Stimmung, Emanuel Rossetti ha sviluppato serie fotografiche di grande formato al Kunsthaus Glarus, scattate in vari luoghi nell'arco di due anni. Le foto sono state scattate con un obiettivo fisheye. Con questa tecnica, il paesaggio viene rappresentato come un'immagine circolare con uno sfondo nero. I bordi delle immagini sono curvi e sottolineano una certa complessità, sottolineata anche dalla composizione dei paesaggi in serie. Il concetto ampliato di paesaggio di Emanuel Rossetti appare quindi come una sorta di interfaccia tra uno spazio e l'altro.

In un'altra serie di opere, Rossetti lavora con i mezzi della stereoscopia, una sorta di sottoprodotto della storia della fotografia. Crea oggetti con fotografie stereoscopiche che permettono allo spettatore di "guardarsi" e di percepire contemporaneamente due situazioni diverse dal punto di vista spaziale.

In tedesco, la parola "Stimmung" ha diversi significati. Può riferirsi a uno stato d'animo interiore o all'umore del paesaggio. Contiene qualcosa di simile a una soglia, in cui la transizione tra la percezione dell'interno e quella dell'osservato non è del tutto chiara e i due si fondono l'uno nell'altro. Allo stesso tempo, l'umore descrive anche la sintonia del suono. In un ulteriore progetto, insieme a Stefan Tcherepnin, con il quale Rossetti dirige il progetto Staged Worlds, il 10 e l'11 maggio verrà realizzata nello spazio espositivo una performance con prova aperta, aperta a tutti e seguita da uno spettacolo.


In his artistic work, Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lives and works in Basel) explores the relationship between spatial issues and the attribution of images. For his photographic series, objects and sound projects, the artist uses architectural structures and landscapes, which he further analyzes in photographic or installation processes. The principle of composition becomes a central element in the perception of his works. The mostly serial photographs of landscapes are created in places located on the outskirts of the city or in nature. On walks, he creates images that criticize the antithesis between the city and the countryside and investigate its abolition by developing new pictorial compositions.

For his exhibition Stimmung, Emanuel Rossetti has developed large-format photographic series at the Kunsthaus Glarus, which were taken at various locations over a period of two years. The photos were taken with a fisheye lens. Using this technique, the landscape is depicted as a circular image with a black background. The edges of the images are curved and emphasize a certain complexity, which is also underlined by the composition of the landscapes as a series. Emanuel Rossetti's expanded concept of landscape thus appears as a kind of interface between one space and another.

In another series of works, Rossetti works with the means of stereoscopy, a kind of by-product of the history of photography. He creates objects with stereoscopic photographs that allow the viewer to "watch" themselves see and perceive two different situations spatially at the same time.

In German, the word "Stimmung" has several meanings. It could refer to an inner mood or to the mood of the landscape. It contains something threshold-like, in which the transition between the perception of what is inside and what is seen is not entirely clear and the two merge into one another. At the same time, mood also describes the tuning of sound. In a further project, together with Stefan Tcherepnin, with whom Rossetti runs the Staged Worlds project, a performance with an open rehearsal will take place in the exhibition space on May 10 and 11, which is open to everyone and will be followed by a performance.

(Text: Kunsthaus Glarus)

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Prospect – Alexandra Leykauf | Camera Austria | Graz
März
1
6:00 PM18:00

Prospect – Alexandra Leykauf | Camera Austria | Graz


Camera Austria | Graz
1. März 2024

Prospect
Alexandra Leykauf


Alexandra Leykauf, Panorama (Reichert/Kurz), 2023. Copyright: Bildrecht, Wien, 2024.


Alexandra Leykauf arbeitet mit fotografischen Bildgebungsverfahren wie Direktbelichtungen auf fotosensitive Oberflächen, um die unmittelbare Beziehung zwischen Bild und Betrachtenden zu untersuchen. Ihre Arbeiten spielen mit dem Übergang vom Körper eines Objekts zur Oberfläche des Bildes und zurück zur räumlichen Erfahrung. Sie analysiert die vielfältigen Implikationen sich ändernder Bildkonventionen und Betrachtungsweisen, Fragen von Herkunft und Urheberschaft(en) und letztlich unsere Position gegenüber den widersprüchlichen Wahrheiten zirkulierender Bilder.

Aufbauend auf länger angelegten Bildrecherchen entwickelt Alexandra Leykauf ortsbezogene Ausstellungskonzepte, die spezifische (kunst-)historische Kontexte von Städten zum Ausgangspunkt nehmen, um Fragen des Blicks, Blickbeziehungen und ihrer körperlichen Verortung nachzugehen. Für Prospect, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Österreich, greift Leykauf auf eine Recherche in den Gemäldesammlungen verschiedener Grazer Museen zurück.


Alexandra Leykauf travaille avec des procédés d'imagerie photographique tels que l'exposition directe sur des surfaces photosensibles afin d'explorer la relation directe entre le visuel et le spectateur. Son travail joue sur le passage du corps d'un objet à la surface du visuel et retour à l'expérience spatiale. Elle analyse les multiples implications de l'évolution des conventions visuelles et des modes d'observation, les questions d'origine et de paternité(s) et, en fin de compte, notre position face aux vérités contradictoires des visuels en circulation.

En s'appuyant sur des recherches iconographiques à long terme, Alexandra Leykauf développe des concepts d'exposition en fonction des lieux, qui prennent pour point de départ des contextes (artistiques) historiques spécifiques des villes, afin d'explorer les questions du regard, des relations entre les regards et de leur localisation physique. Pour Prospect, sa première exposition individuelle institutionnelle en Autriche, Leykauf s'appuie sur une recherche dans les collections de peintures de différents musées de Graz.


Alexandra Leykauf lavora con tecniche di imaging fotografico, come l'esposizione diretta su superfici fotosensibili, per indagare il rapporto immediato tra immagine e spettatore. Le sue opere giocano con il passaggio dal corpo di un oggetto alla superficie dell'immagine e di nuovo all'esperienza spaziale. L'artista analizza le molteplici implicazioni del cambiamento delle convenzioni e dei modi di vedere le immagini, le questioni relative alla provenienza e alla paternità e, in ultima analisi, la nostra posizione rispetto alle verità contraddittorie delle immagini in circolazione.

Basandosi su una ricerca a lungo termine sull'immagine, Alexandra Leykauf sviluppa concetti espositivi site-specific che prendono come punto di partenza specifici contesti storici (artistici) di città per esplorare le questioni dello sguardo, delle relazioni visive e della loro localizzazione fisica. Per Prospect, la sua prima mostra personale istituzionale in Austria, Leykauf si basa sulla ricerca nelle collezioni di pittura di vari musei di Graz.


Alexandra Leykauf works with photographic imaging processes, such as direct exposure on photosensitive surfaces, in order to probe the immediate relationship between image and beholder. Her works play with the transition from the body of an object to the surface of the image, then moving back to the experience of space. She analyzes the many-faceted implications of ever-changing pictorial conventions and points of view, as well as questions related to origin and authorship, but also, ultimately, our position in the face of the contradictory truths found in circulating images.

Based on extensive research into imagery, Alexandra Leykauf develops site-specific exhibition concepts, taking as her point of departure the particular (art-)historical contexts of cities in order to trace questions related to the gaze, visual relationships, and their physical localization. For Prospect, her first solo exhibition in an Austrian venue, Leykauf draws on research into the painting collections of several Graz museums.

(Text: Camera Austria, Graz)

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Our Ailing Senses - Sky Hopinka | Kunsthalle Friart | Fribourg
März
1
6:00 PM18:00

Our Ailing Senses - Sky Hopinka | Kunsthalle Friart | Fribourg


Kunsthalle Friart | Fribourg
1. März 2024

Our Ailing Senses
Sky Hopinka


Kicking the Clouds, 2021 © Sky Hopinka


Sky Hopinka (1984) ist ein experimenteller Filmemacher, Fotograf und Dichter und gehört der Ho-Chunk Nation an, einem Native American Tribe in Wisconsin. Der Künstler stellt das Weitergeben von Geschichten, Traditionen und Kämpfen der amerikanischen Ureinwohner:innen in den Mittelpunkt seiner Arbeit. Durch die Verflechtung von intimen Zeugnissen, Ausflügen auf dem Land der Vorfahren und Archivmaterial komponiert er lyrische und engagierte Chroniken, in denen die Grenze zwischen dem Persönlichen und dem Kollektiven verschwimmt. Landschaften, Texturen, Musik und Schrift bilden Schichten, aus denen ethnopoetische und neomythologische Beschwörungen hervorgehen, wie der Künstler sie gerne definiert.

Seine Ausstellung Our Ailing Senses in der Kunsthalle Friart zeigt Gedichten und Fotografien und eine grosse Auswahl an Filmen, die zwischen 2014 und 2023 entstanden sind. Die Begegnung der Sprache mit den Bildern der Erde eröffnet dort einen Raum von wiederherstellender Schönheit.


Sky Hopinka (1984) est un cinéaste expérimental, photographe et poète, membre de la Nation Ho-Chunk, une tribu amérindienne du Wisconsin. L’artiste inscrit la transmission des récits, traditions et luttes des peuples natifs d’Amériques au coeur de sa pratique. Entrelaçant témoignages intimes, dérives sur les terres ancestrales et documents d’archives, il compose des chroniques lyriques et engagées dans lesquelles la frontière entre le personnel et le collectif s’estompe. Paysages, textures, musiques, écriture forment autant de couches à partir desquelles émergent des évocations ethnopoétiques et néo-mythologiques, comme aime à les définir l’artiste.

Our Ailing Senses, son exposition à la Kunsthalle Friart, présente une large sélection de films, des poèmes et des photographies réalisés entre 2014 et 2023. La rencontre de la langue et des images de la terre y ouvre un espace d’une beauté qui restaure.


Sky Hopinka (1984) è un regista sperimentale, fotografo e poeta, membro della Ho-Chunk Nation, una tribù di nativi americani del Wisconsin. L'artista pone al centro del suo lavoro la trasmissione di storie, tradizioni e lotte dei nativi americani. Intrecciando testimonianze intime, escursioni nelle terre ancestrali e materiale d'archivio, compone cronache liriche e coinvolgenti che sfumano il confine tra personale e collettivo. Paesaggi, texture, musica e scrittura formano strati da cui emergono evocazioni etnopoetiche e neomitologiche, come ama definirle l'artista.

La sua mostra Our Ailing Senses alla Kunsthalle Friart presenta poesie e fotografie e un'ampia selezione di film realizzati tra il 2014 e il 2023. L'incontro tra il linguaggio e le immagini della terra apre uno spazio di bellezza ristoratrice.


Sky Hopinka (1984) is an experimental filmmaker, photographer and poet. He is a member of the Ho-Chunk Nation, a Native American Tribe from Wisconsin. The transmission of accounts, traditions and struggles of indigenous American peoples is at the heart of his work. Interweaving personal testimony, narratives on ancestral lands and archival material, he composes lyrical pieces in which a spiritual determination blurs the boundary between the individual and the collective. Landscapes, textures, music and writing all make up the different layers of a practice the artist refers to as ethnopoetic and neomythological.

Our Ailing Senses, his exhibition at the Kunsthalle Friart, presents poems, photos and a broad selection of films produced between 2014 and 2023, in which the encounter between language and images of the earth open onto a space of restorative beauty.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

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MAKING LIGHT OF EVERY THING | Centre de la photographie Genève
Feb.
27
6:00 PM18:00

MAKING LIGHT OF EVERY THING | Centre de la photographie Genève



Red Martini, 2019 © Leigh Merill


Das Intime ist ein Begriff, der oft schwer zu definieren, unantastbar und schwer fassbar ist. Sie kann in einer Kindheitserinnerung, im Inneren des eigenen Hauses oder der eigenen Nachbarschaft, in den Gesten, die man mit seinen Angehörigen austauscht, in der Vertrautheit eines Bildes oder auch in der Verbundenheit mit einem Gegenstand, einem Material oder einer Textur liegen.

Wie kann die Fotografie, ohne direkt Situationen zu zeigen, die unmittelbar als intim identifiziert werden können, eine Beziehung zu diesem Gefühl, seine Flüchtigkeit und Ungreifbarkeit ausdrücken? Wie kann sie das Verhältnis zum zwangsläufig fehlbaren Gedächtnis, die oft komplexen und wechselhaften Bindungen zu geliebten Menschen oder auch die Beziehung zu einem Zuhause, dessen Vertrautheit jederzeit ins Fremde umschlagen kann, ins Bild setzen?

Während das hergestellte oder manipulierte Bild oft mit dem Missbrauch der öffentlichen Meinung oder der Darstellung fiktionaler Welten in Verbindung gebracht wird, wird es hier wegen seines Potenzials, unsere Subjektivität, unsere Beziehung zu den Dingen zu enthüllen, erforscht. Wie können wir unsere Erinnerungen erzählen, die Verbindung zu geliebten Menschen übersetzen oder unsere Sensibilität greifbar machen?

Durch ausgeklügelte Verfahren der Bildmanipulation ermöglichen es die in dieser Ausstellung versammelten Künstler, eine Form der Intimität sichtbar zu machen, zu erfassen oder festzuhalten - vom persönlichsten Ausdruck einer Emotion bis hin zur maschinellen Interpretation menschlicher Beziehungen. Ob mit farbigem Papier hergestellt, durch künstliche Intelligenz erzeugt, vollständig im Fotolabor entstanden oder das Ergebnis einer sorgfältigen Fotomontage - die für diese Ausstellung zusammengestellten Bilder spiegeln das hartnäckige Experimentieren ihrer Autoren wider und vermitteln sowohl frivole als auch überwältigende Emotionen. Ihr explizit hergestellter Charakter - wobei hier keine Hierarchie zwischen Papierschnitt und den ausgefeiltesten Werkzeugen zur Bilderzeugung gemacht wird - hebt die manchmal seltsame Dimension dessen hervor, was uns am vertrautesten ist. Durch ihre Erkundungsprozesse und ihre komplexe Architektur machen die Künstler die komplexen Mechanismen der Welterfassung spürbar und zeugen auf subtile und delikate Weise von der Manifestation unserer individuellen Subjektivitäten.

Die Arbeiten von Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond und Sara De Brito Faustino untersuchen die Verbindungen zwischen hergestellten Bildern und dem Gedächtnis. Adu-Sanyah und Bernard-Reymond verwenden künstliche Intelligenzen, um Erinnerungen nachzubilden oder zu visualisieren, und achten dabei besonders auf die Materialität der entstehenden Bilder, während De Brito Faustino die Orte ihrer Kindheit in Modellen nachstellt, die sie dann erneut fotografiert. Ihre Werke beleuchten den prägenden, aber manchmal auch fehlbaren, seltsamen und rekonstruierten Charakter von Erinnerungen.

Emma Bedos, Alina Frieske und Moritz Jekat setzen visuelle Technologien wie Photogrammetrie, Fotomontage und Videospiele ein, um intime, familiäre und Liebesbeziehungen zu erforschen. Die Orte, die mit einer Liebesbeziehung in Verbindung gebracht werden, die geografische Distanz zu den Angehörigen und die digitalen Schnittstellen, mit denen diese Distanz überbrückt werden kann, oder auch die private und öffentliche Zirkulation persönlicher Bilder werden in Projekten behandelt, in denen das Bild experimentelle und unerwartete Formen annimmt.

Leigh Merrill, das Duo Taiyo Onorato & Nico Krebs und Martin Widmer teilen eine Herangehensweise an den Raum, der mithilfe verschiedener Collage- und Überlagerungstechniken minutiös konstruiert und rekonstruiert wird. Sowohl Onorato & Krebs als auch Widmer arbeiten selbstreflexiv, indem sie ihre eigenen Bilder als Ausgangspunkt verwenden, während Merrill vertraute urbane Räume durch Collagen neu gestaltet.

Das Intime manifestiert sich somit bei einigen der Künstler in der Ausstellung in einer sehr starken Beziehung zu ihrer eigenen Produktion. Bei Jessica Backhaus und Peter Hauser spiegelt die Verbindung zur eigentlichen Herstellung des Bildes durch analoge Verfahren - die Arbeit mit farbigem Papier bei Backhaus und im analogen Labor bei Hauser - eine Intimität der eigentlichen Praxis wider, ein feinfühliges Experimentieren mit Formen, Texturen und Materialien. Bei Charlie Engman schließlich entsteht eine Form von Verletzlichkeit aus den visuellen Experimenten mit künstlicher Intelligenz und ihrem Versagen, Darstellungen körperlicher Intimität, insbesondere der Umarmung, zu reproduzieren, und hallt auf seltsame Weise mit persönlichen Fotografien wider.

Kuratiert von: Claus Gunti & Danaé Panchaud


L’intime est une notion souvent difficile à définir, intangible et insaisissable. Il peut se situer dans un souvenir d’enfance, à l’intérieur de sa maison ou de son quartier, dans les gestes échangés avec ses proches, dans la familiarité d’une image, ou encore dans l’attachement à un objet, à une matière, ou à une texture.

Sans montrer directement des situations immédiatement identifiables comme intimes, comment la photographie peut-elle exprimer un rapport à ce sentiment, son caractère fugace et impalpable ? Comment peut-elle mettre en image les rapports à la mémoire, forcément faillible, les liens souvent complexes et changeants aux personnes chères, ou encore la relation à un chez-soi dont la familiarité peut tourner à l’étrange à tout moment ?

Si l’image fabriquée ou manipulée est souvent associée au détournement de l’opinion publique ou à la représentation d’univers fictionnels, elle est ici explorée pour son potentiel à révéler notre subjectivité, notre rapport aux choses. Comment pouvons-nous raconter nos souvenirs, traduire le lien à des êtres aimés ou rendre tangible notre sensibilité ?

Par des processus élaborés de manipulation d’image, les artistes réunis dans cette exposition permettent de rendre visible, de saisir ou de fixer une forme d’intimité, de l’expression la plus personnelle d’une émotion à l’interprétation machinique des rapports humains. Qu’elles soient fabriquées à l’aide de papiers colorés, générées par intelligence artificielle, créées entièrement dans le laboratoire photographique ou résultant d’un photomontage minutieux, les images réunies pour cette exposition traduisent l’expérimentation opiniâtre de leur auteur, traduisant des émotions tant frivoles qu’écrasantes. Leur caractère explicitement fabriqué – sans qu’une hiérarchie ne soit faite ici entre le papier découpé et les outils les plus sophistiqués de génération d’images – met en avant la dimension parfois étrange de ce qui nous est le plus familier. Par leurs processus exploratoires, leur architecture complexe, les artistes rendent sensible les mécanismes complexes d’appréhension du monde, témoignant de manière subtile et délicate de la manifestation de nos subjectivités individuelles.

Les travaux d’Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond et Sara De Brito Faustino investiguent les liens entre les images fabriquées et la mémoire. Adu-Sanyah et Bernard-Reymond utilisent des intelligences artificielles pour recréer des souvenirs ou les visualiser, prêtant une attention particulière à la matérialité des images qui en résultent, alors que De Brito Faustino reconstitue les lieux de son enfance en maquette qu’elle rephotographie. Leurs oeuvres mettent en lumière le caractère marquant, mais aussi parfois faillible, étrange et reconstruit, des souvenirs.

Emma Bedos, Alina Frieske et Moritz Jekat ont recours à des technologies visuelles comme la photogrammétrie, le photomontage et le jeu vidéo, afin d’investiguer des liens intimes, familiaux et amoureux. Les lieux associés à une relation amoureuse, la distance géographique avec ses proches et les interfaces digitales permettant d’y pallier, ou encore les circulations privées et publiques d’images personnelles, sont abordés dans des projets où l’image prend des formes expérimentales et inattendues.

Leigh Merrill, le duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, et Martin Widmer partagent une approche de l’espace, minutieusement construit et reconstruit au moyen de différentes techniques de collage et de superposition. Onorato & Krebs comme Widmer mènent un travail autoréflexif en utilisant leurs propres images comme point de départ, alors que Merrill refaçonne par collage des espaces urbains familiers.

L’intime se manifeste ainsi chez certains des artistes de l’exposition dans un rapport très fort avec leur propre production. Chez Jessica Backhaus et Peter Hauser, le lien à la fabrication même de l’image par des procédés analogiques — le travail avec des papiers colorés pour Backhaus et dans le laboratoire analogique pour Hauser — reflète une intimité de la pratique même, une expérimentation délicate avec des formes, des textures et des matériaux. Enfin, chez Charlie Engman, une forme de vulnérabilité émerge des expérimentations visuelles réalisées avec l’intelligence artificielle et de leur échec à reproduire des représentations de l’intimité corporelle, en particulier le hug, et résonne étrangement avec des photographies personnelles.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud


L'intimità è un concetto spesso difficile da definire, intangibile e sfuggente. Si può trovare in un ricordo d'infanzia, nell'interno della propria casa o del proprio quartiere, nei gesti scambiati con i propri cari, nella familiarità di un'immagine, o anche nell'attaccamento a un oggetto, a un materiale o a una texture.

Senza mostrare direttamente situazioni immediatamente identificabili come intime, come può la fotografia esprimere il rapporto con questo sentimento, la sua natura fugace e impalpabile? Come può ritrarre il rapporto con la memoria, che è inevitabilmente fallibile, i legami spesso complessi e mutevoli con i propri cari, o il rapporto con una casa la cui familiarità può diventare strana in qualsiasi momento?

Se le immagini fabbricate o manipolate sono spesso associate all'appropriazione indebita dell'opinione pubblica o alla rappresentazione di universi fittizi, qui vengono esplorate per il loro potenziale di rivelazione della nostra soggettività e del nostro rapporto con le cose. Come possiamo raccontare i nostri ricordi, esprimere il nostro legame con le persone care o rendere tangibile la nostra sensibilità?

Attraverso elaborati processi di manipolazione dell'immagine, gli artisti di questa mostra rendono visibile, catturano o fissano una forma di intimità, dall'espressione più personale dell'emozione all'interpretazione macchinosa delle relazioni umane. Realizzate con carta colorata, generate dall'intelligenza artificiale, create interamente nel laboratorio fotografico o frutto di un meticoloso fotomontaggio, le immagini riunite in questa mostra riflettono l'ostinata sperimentazione dei loro autori, trasmettendo emozioni tanto frivole quanto travolgenti. La loro natura esplicitamente artificiale - senza che qui si tracci una gerarchia tra la carta ritagliata e i più sofisticati strumenti di generazione di immagini - mette in evidenza la dimensione a volte strana di ciò che ci è più familiare. Attraverso i loro processi esplorativi e la loro complessa architettura, gli artisti rivelano i complessi meccanismi con cui percepiamo il mondo, testimoniando in modo sottile e delicato la manifestazione delle nostre soggettività individuali.

Il lavoro di Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond e Sara De Brito Faustino indaga i legami tra immagini fabbricate e memoria. Adu-Sanyah e Bernard-Reymond utilizzano l'intelligenza artificiale per ricreare o visualizzare i ricordi, prestando particolare attenzione alla materialità delle immagini risultanti, mentre De Brito Faustino ricostruisce i luoghi della sua infanzia in modelli in scala che poi rifotografa. Le loro opere evidenziano la natura saliente ma talvolta fallibile, strana e ricostruita dei ricordi.

Emma Bedos, Alina Frieske e Moritz Jekat utilizzano tecnologie visive come la fotogrammetria, il fotomontaggio e i videogiochi per indagare le relazioni intime, familiari e amorose. I luoghi associati a una relazione sentimentale, la distanza geografica dai propri cari e le interfacce digitali che la compensano, la circolazione privata e pubblica delle immagini personali sono tutti temi affrontati in progetti in cui l'immagine assume forme sperimentali e inaspettate.

Leigh Merrill, il duo Taiyo Onorato & Nico Krebs e Martin Widmer condividono un approccio allo spazio, meticolosamente costruito e ricostruito con diverse tecniche di collage e sovrapposizione. Sia Onorato & Krebs che Widmer lavorano in modo autoriflessivo, utilizzando le proprie immagini come punto di partenza, mentre Merrill usa il collage per rimodellare spazi urbani familiari.

Per alcuni degli artisti in mostra, l'intimità si manifesta in un rapporto molto forte con la propria produzione. Per Jessica Backhaus e Peter Hauser, il legame con la realizzazione stessa dell'immagine attraverso processi analogici - lavorando con carta colorata per Backhaus e nel laboratorio analogico per Hauser - riflette un'intimità della pratica stessa, una delicata sperimentazione con forme, texture e materiali. Infine, nel lavoro di Charlie Engman, una forma di vulnerabilità emerge dagli esperimenti visivi condotti con l'intelligenza artificiale e dal loro fallimento nel riprodurre le rappresentazioni dell'intimità corporea, in particolare l'abbraccio, e risuona stranamente con le fotografie personali.

A cura di Claus Gunti & Danaé Panchaud


Intimacy is a concept that is often difficult to define, intangible and elusive. It can be found in a childhood memory, in the interior of one’s home or neighbourhood, in the gestures exchanged with loved ones, but also in the familiarity with an image, or in the attachment to an object, a material or a texture.

Without directly showing situations that are immediately identifiable as intimate, how can photography express a relationship with this feeling, its fleeting and impalpable nature? How can it portray the relationship with memory, which is inevitably fallible, the often complex and changing links with loved ones, or the relationship with a home whose familiarity can turn strange at any moment?

While fabricated or manipulated images are often associated with the misappropriation of public opinion or the representation of fictional universes, they are here explored for their potential to reveal our subjectivity and our relationship with reality. How can we recount our memories, express our connection to loved ones, or make our sensibilities tangible?

Through elaborate processes of image manipulation, the artists in this exhibition make visible, capture or fix a form of intimacy, from the most personal expression of an emotion to the automated interpretation of human relationships by a machine. Whether made with coloured paper, generated by artificial intelligence, created entirely in the photographic laboratory or the result of meticulous photomontage, the images brought together for this exhibition reflect their author’s tenacious experi-mentation, conveying emotions that are sometimes frivolous, sometimes profound. Their explicitly fabricated nature - without any hierarchy being drawn here between cut-out paper and the most sophisticated image-generating tools - highlights the sometimes strange dimension of what is most familiar to us. Through their exploratory processes and complex architecture, the artists reveal the complex mechanisms by which we apprehend the world, bearing subtle and delicate witness to the manifestation of our individual subjectivities.

The work of Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond and Sara De Brito Faustino investigates the links between fabricated images and memory. Adu-Sanyah and Bernard-Reymond use artificial intelligence to recreate or visualise memories, paying particular attention to the materiality of the resulting photographs, while De Brito Faustino reconstructs her childhood homes with models that she then rephotographs. Their works highlight the salient but sometimes fallible, strange and reconstructed nature of memories.

Emma Bedos, Alina Frieske and Moritz Jekat use visual technologies such as photogrammetry, photomontage and video games to investigate intimate, family and love relationships. The places associated with a romantic relationship, the geographical distance from loved ones and the digital interfaces that bridge it, or the private and public circulations of personal images are all addressed in projects where the image takes on experimental and unexpected forms.

Leigh Merrill, the duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, and Martin Widmer share a certain approach, meticulously constructing and reconstructing spaces with different techniques of collage and superposition. Both Onorato & Krebs and Widmer work in a self-reflexive way, using their own images as a starting point, while Merrill uses collage to reshape familiar urban spaces.

In some of the artists in the exhibition, the intimate manifests itself in a strong relationship with their own work. For Jessica Backhaus and Peter Hauser, the link to the very making of the image through analogue processes – working with coloured papers for Backhaus and in the analogue laboratory for Hauser – reflects an intimacy of practice itself, in delicate experimentations with shapes, textures and materials. Finally, in Charlie Engman’s work, a form of vulnerability emerges from the visual experiments carried out with artificial intelligence and their failure to reproduce representations of bodily intimacy, in particular hugs, which furthermore resonates strangely with personal photographs.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

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Maziar Moradi: Ich werde deutsch | Stadthaus Ulm
Feb.
24
7:00 PM19:00

Maziar Moradi: Ich werde deutsch | Stadthaus Ulm


Stadthaus Ulm
24. Februar 2024

Maziar Moradi: Ich werde deutsch


Ohne Titel. Ich werde deutsch 2008 -2013 © Maziar Moradi


„Wie gelingt Integration?“ In Zeiten einer anhaltend hohen Fluchtmigration ist diese Frage zum Politikum geraten, die in einem Spannungsfeld von Willkommenskultur und Abschottung diskutiert wird. Dabei ist Migration kein neues Phänomen, sondern spätestens seit den Jahren des Wirtschaftswunders ein fester Bestandteil der deutschen DNA. Trotzdem klammern die aktuellen Debatten oft die Erfahrungen der Migrantinnen und Migranten aus, die längst hier leben. Die Fotoserie „Ich werde deutsch“ von Maziar Moradi beschäftigt sich genau damit.

In großformatigen Bildern reinszeniert Moradi die Erlebnisse von Menschen, die ihr Heimatland verlassen haben, um in Deutschland ein neues Leben zu beginnen, oder hier als Kinder von Einwandererfamilien geboren wurden und schon lange Teil der deutschen Gesellschaft sind. In opulenten Szenen visualisiert er Momente und Episoden ihres „Deutsch-werdens“ und zeigt so die Widrigkeiten, die persönlichen Leistungen und die Meilensteine eines langen Prozesses, von dem niemand genau weiß, wann er abgeschlossen ist. Moradi arbeitet dabei nicht dokumentarisch, sondern konzeptionell. Seine Aufnahmen wirken wie Standbilder eines Films, die aus dem Fluss der Zeit herausgerissen wurden. Was genau passiert ist, erläutern in manchen Fällen Texte, die von den Protagonistinnen und Protagonisten der Geschichten selbst verfasst wurden, während es in anderen Fällen den Betrachterinnen und Betrachtern überlassen bleibt, das Dargestellte zu deuten.

Diesen rätselhaften Szenen steht eine Serie von Bildern gegenüber, welche die harte Realität von Migrationserfahrungen zeigt. „Ich werde deutsch – der Anfang“ dokumentiert die Orte, an denen das Leben in Deutschland für viele Migrantinnen und Migranten beginnt. Maziar Moradi fotografierte in den Jahren 2015/16 die unterschiedlichen Gebäude und Unterkünfte, in denen Geflüchtete nach ihrer Ankunft untergebracht werden. Die ungewohnt sachliche Bildsprache der Aufnahmen betont die Behelfsmäßigkeit und Isoliertheit dieser Orte, die eine Art Pufferzone zwischen altem und neuem Leben darstellen. Sie befinden sich zwar überall in Deutschland, sind aber trotzdem nicht Teil des täglichen Lebens hier. Sie stehen synonym für eine existenzielle Ausnahmesituation, die dem Prozess der Integration vorangeht und sich unweigerlich auf diesen auswirkt.


"Comment réussir l'intégration ?" En ces temps de forte migration de fuite persistante, cette question est devenue un sujet politique qui fait l'objet de discussions entre culture de l'accueil et isolement. Pourtant, la migration n'est pas un phénomène nouveau, elle fait partie intégrante de l'ADN allemand, au moins depuis les années du miracle économique. Malgré cela, les débats actuels mettent souvent entre parenthèses les expériences des migrants qui vivent ici depuis longtemps. La série de photos "Ich werde deutsch" de Maziar Moradi se penche précisément sur ce sujet.

Dans des visuels grand format, Moradi met en scène les expériences de personnes qui ont quitté leur pays d'origine pour commencer une nouvelle vie en Allemagne, ou qui sont nées ici dans des familles d'immigrés et font partie depuis longtemps de la société allemande. Dans des scènes opulentes, il visualise des moments et des épisodes de leur "devenir-allemand" et montre ainsi l'adversité, les réalisations personnelles et les étapes d'un long processus dont personne ne sait exactement quand il sera terminé. Moradi ne travaille pas de manière documentaire, mais conceptuelle. Ses prises de vue ressemblent à des images fixes d'un film, arrachées au flux du temps. Dans certains cas, des textes rédigés par les protagonistes des histoires expliquent ce qui s'est exactement passé, tandis que dans d'autres cas, c'est au spectateur d'interpréter ce qui est représenté.

A ces scènes énigmatiques s'oppose une série de visuels qui montrent la dure réalité de l'expérience migratoire. "Ich werde deutsch - der Anfang" documente les lieux où la vie en Allemagne commence pour de nombreux migrants. En 2015/16, Maziar Moradi a photographié les différents bâtiments et logements dans lesquels les personnes en fuite sont hébergées à leur arrivée. Le langage visuel inhabituellement sobre des prises de vue souligne le caractère de fortune et l'isolement de ces lieux, qui constituent une sorte de zone tampon entre l'ancienne et la nouvelle vie. Bien qu'ils se trouvent partout en Allemagne, ils ne font pas pour autant partie de la vie quotidienne ici. Vous êtes synonyme d'une situation d'exception existentielle qui précède le processus d'intégration et qui se répercute inévitablement sur celui-ci.


"Come può l'integrazione avere successo?". In tempi di livelli persistentemente elevati di migrazione di rifugiati, questa domanda è diventata una questione politica che viene discussa in un ambito di tensione tra cultura dell'accoglienza e isolamento. La migrazione non è un fenomeno nuovo, ma è parte integrante del DNA della Germania al più tardi dagli anni del miracolo economico. Tuttavia, i dibattiti attuali spesso ignorano le esperienze dei migranti che vivono qui da molto tempo. La serie fotografica "Ich werde deutsch" di Maziar Moradi affronta proprio questo tema.

In immagini di grande formato, Moradi rievoca le esperienze di persone che hanno lasciato il loro Paese d'origine per iniziare una nuova vita in Germania, o che sono nate qui come figli di famiglie di immigrati e fanno parte da tempo della società tedesca. In scene sfarzose, egli visualizza momenti ed episodi del loro "diventare tedeschi", mostrando così le avversità, le conquiste personali e le pietre miliari di un lungo processo che nessuno sa esattamente quando si concluderà. Il lavoro di Moradi non è documentario, ma concettuale. I suoi scatti sembrano fotogrammi di un film strappati al flusso del tempo. In alcuni casi, i testi scritti dagli stessi protagonisti delle storie spiegano cosa è successo esattamente, mentre in altri casi è lasciato allo spettatore il compito di interpretare ciò che viene mostrato.

Queste scene enigmatiche sono accostate a una serie di immagini che mostrano la dura realtà delle esperienze di migrazione. "Ich werde deutsch - der Anfang" documenta i luoghi in cui inizia la vita in Germania per molti migranti. Nel 2015/16, Maziar Moradi ha fotografato i vari edifici e centri di accoglienza dove i rifugiati vengono ospitati dopo il loro arrivo. L'immagine insolitamente materica delle fotografie enfatizza la natura improvvisata e l'isolamento di questi luoghi, che rappresentano una sorta di zona cuscinetto tra la vecchia e la nuova vita. Sebbene si trovino in tutta la Germania, non fanno parte della vita quotidiana. Sono sinonimo di una situazione esistenziale eccezionale che precede il processo di integrazione e che inevitabilmente ha un impatto su di esso.


"How can integration succeed?" In times of persistently high levels of refugee migration, this question has become a political issue that is being discussed in a field of tension between welcome culture and isolation. Migration is not a new phenomenon, but has been an integral part of German DNA since the years of the economic miracle at the latest. Nevertheless, current debates often ignore the experiences of migrants who have been living here for a long time. The photo series "Ich werde deutsch" by Maziar Moradi deals with precisely this.

In large-format visuals, Moradi restages the experiences of people who have left their home country to start a new life in Germany, or who were born here as children of immigrant families and have long been part of German society. In opulent scenes, he visualizes moments and episodes of their "becoming German" and thus shows the adversities, personal achievements and milestones of a long process that no one knows exactly when it will be completed. Moradi's work is not documentary, but conceptual. His shots look like stills from a movie that have been torn out of the flow of time. In some cases, texts written by the protagonists of the stories themselves explain exactly what happened, while in other cases it is left to the viewer to interpret what is shown.

These enigmatic scenes are juxtaposed with a series of visuals that show the harsh reality of migration experiences. "Ich werde deutsch - der Anfang" documents the places where life in Germany begins for many migrants. In 2015/16, Maziar Moradi photographed the various buildings and accommodations where refugees are housed after their arrival. The unusually matter-of-fact imagery of the photographs emphasizes the makeshift nature and isolation of these places, which represent a kind of buffer zone between old and new life. Although they are located all over Germany, they are not part of everyday life here. They are synonymous with an exceptional existential situation that precedes the process of integration and inevitably has an impact on it.

(Text: Stadthaus Ulm)

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Subjective Evidence – Barbara Probst | Kunstmuseum Luzern
Feb.
23
6:00 PM18:00

Subjective Evidence – Barbara Probst | Kunstmuseum Luzern


Kunstmuseum Luzern
23. Februar 2024

Subjective Evidence
Barbara Probst


Barbara Probst, Exposure #147, Munich, Nederlingerstrasse 68, 09.29.19, 4:14 p.m., 2019, 3-teilig, je 168 × 112 cm, Ultrachrom-Druck auf Papier, Courtesy of the artist and Kukei + Kukei, Berlin, © Barbara Probst, 2024 ProLitteris, Zürich


Der Ausstellungstitel Subjective Evidence (subjektiver Beweis) verweist bereits aufs Grundthema: Wo stehst du? Was siehst du? Aus welcher Richtung kommst du? Wohin blickst du? Barbara Probst (*1964) zeigt nie eine einzelne Fotografie, sondern stets multiperspektivische Serien. Ihre kleinsten Werkgruppen bestehen aus zwei Bildern. In Doppelporträts zeigt die Künstlerin in zwei Fotografien jeweils zwei Personen. Beiläufig betrachtet könnten die Fotografien fast als identisch durchgehen, aber falsch: Auf dem linken Bild blickt die eine Person in die Kamera, die andere an der Kamera vorbei; auf dem rechten Bild verhält es sich genau umgekehrt. Diese minimale Verschiebung irritiert, lässt innehalten und macht das Sehen als bewussten Vorgang erlebbar.

In thematischen Kapiteln wie «Performance», «Landschaft», «Stillleben» oder «Mode» zeigt Barbara Probst Werkgruppen aus über 20 Jahren. Zahlreiche Arbeiten sind in Luzern das erste Mal zu sehen. In den leeren Ausstellungsräumen des Kunstmuseums Luzern realisierte die Künstlerin zudem ein neues Werk.

Kuratiert von Fanni Fetzer

In Kooperation mit Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati


Le titre de l'exposition, Subjective Evidence (preuve subjective), renvoie déjà au thème de base : où te situes-tu ? Que vois-tu ? De quelle direction viens-tu ? Où regardes-tu ? Barbara Probst (*1964) ne montre jamais une seule photographie, mais toujours des séries multiperspectives. Ses plus petits groupes d'œuvres se composent de deux visuels. Dans des portraits doubles, l'artiste montre deux personnes dans deux photographies. En les regardant avec désinvolture, les photographies pourraient presque passer pour identiques, mais fausses : sur le visuel de gauche, l'une des personnes regarde l'appareil photo, l'autre passe devant ; sur le visuel de droite, c'est exactement l'inverse. Ce décalage minime irrite, fait marquer un temps d'arrêt et permet de vivre la vision comme un processus conscient.

Dans des chapitres thématiques comme "Performance", "Paysage", "Nature morte" ou "Mode", Barbara Probst présente des groupes d'œuvres de plus de 20 ans. De nombreux travaux sont présentés pour la première fois à Lucerne. L'artiste a en outre réalisé une nouvelle œuvre dans les salles d'exposition vides du Kunstmuseum Luzern.

Organisé par Fanni Fetzer

En coopération avec le Sprengel Museum, Hanovre, et FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati


Il titolo della mostra Subjective Evidence fa già riferimento al tema di base: Where do you stand? Cosa vedi? Da quale direzione provieni? Dove stai guardando? Barbara Probst (*1964) non espone mai una sola fotografia, ma sempre serie multiprospettiche. I suoi gruppi di opere più piccoli sono composti da due immagini. Nei doppi ritratti, l'artista mostra due persone in due fotografie. Osservate casualmente, le fotografie potrebbero quasi passare per identiche, ma in modo errato: nell'immagine di sinistra, una persona guarda verso la macchina fotografica, l'altra oltre la macchina fotografica; nell'immagine di destra, è il contrario. Questo minimo spostamento è sconcertante, ci fa soffermare e ci permette di sperimentare la visione come un processo consapevole.

In capitoli tematici come "Performance", "Paesaggio", "Natura morta" o "Moda", Barbara Probst presenta gruppi di opere di oltre 20 anni. Numerose opere vengono esposte per la prima volta a Lucerna. L'artista ha inoltre realizzato un nuovo lavoro nelle sale espositive vuote del Kunstmuseum Luzern.

A cura di Fanni Fetzer

In collaborazione con lo Sprengel Museum di Hannover e FotoFocus del Contemporary Arts Center di Cincinnati.


The exhibition title Subjective Evidence already points to the basic theme: Where do you stand? What do you see? Where are you coming from? What are you looking at? Barbara Probst (*1964) never

shows a single photograph, but always multi-perspectival series. Her smallest work groups consist of two images. In her double portraits the artist shows two people each in two photographs. Looked at casually, the photographs could be regarded as identical. But this is not so: in the left image, one person looks at the camera, the other looks past it; in the right image, the persons behave the other way round. This minimal shift intrigues us, causing us to pause for thought and making us aware of sight as a conscious process.

In thematic chapters entitled “Performance”, “Landscape”, “Still Life” or “Fashion”, Barbara Probst shows work groups from over 20 years. Many photographs are being shown in Lucerne for the first time. What is more, the artist realises a new work in the empty exhibition rooms of the Kunstmuseum Luzern.

Curated by Fanni Fetzer

In cooperation with Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

(Text: Kunstmuseum Luzern)

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Tracey Rose. Shooting Down Babylon | Kunstmuseum Bern
Feb.
22
6:00 PM18:00

Tracey Rose. Shooting Down Babylon | Kunstmuseum Bern


Kunstmuseum Bern
22. Februar 2024

Shooting Down Babylon
Tracey Rose


The Prelude: La Marcha de la Aparicion, 2003, Pigmenttinten auf Baumwollhadernpapier, 49 x 73 cm © Tracey Rose


Das Kunstmuseum Bern präsentiert die bisher grösste Retrospektive des Werks von Tracey Rose. Die südafrikanische Künstlerin ist seit Mitte der 1990er-Jahre eine radikale Stimme in der internationalen Kunst. Im Zentrum ihrer Arbeiten stehen die Kraft der Performance und der Körper als Ort des Widerstands und des Diskurses.

Mit mehr als hundert Arbeiten zeigt das Kunstmuseum Bern die bisher grösste Retrospektive des Werks der südafrikanischen Performancekünstlerin Tracey Rose (*1974). In ihren Arbeiten setzt sie sich mit Themen wie Postkolonialismus, Geschlecht, Sexualität, Rassismus und Apartheid auseinander. Im Zentrum stehen dabei die Kraft der Performancekunst und des Körpers, der für Tracey Rose ein Ort des Protests, der Empörung, des Widerstands, des Diskurses aber auch der Heilung ist.

Ihre aufsehenerregende performative Praxis setzt die Künstlerin in verschiedenen Medien wie Video, Skulptur, Fotografie, Installation und Zeichnung um, wobei sie insbesondere zentrale Erfahrungen im Übergang zu einer postkolonialen Welt beleuchtet und kritisch kommentiert. Oft wird Roses Werk als absurd, anarchisch und karnevalesk beschrieben.

Shooting Down Babylon
Die Ausstellung im Kunstmuseum Bern verfolgt Roses Weg vom frühen Interesse an Identitätsfragen hin zur Ästhetik der Gewalt und einer Auseinandersetzung mit Heilungsprozessen und Ritualen. Sie zeigt Arbeiten aus den Jahren 1990 bis 2021. Darunter das Werk T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) aus der Sammlung des Kunstmuseum Bern, in der die Künstlerin seit 2001 vertreten ist.

Der Ausstellungstitel Shooting Down Babylon stammt von der gleichnamigen Installation, welche 2016 als Reaktion auf den Wahlsieg Donald Trumps entstand. Rose unterzog sich dabei Reinigungsritualen, die sie filmte und in einer physisch eindringlichen Videoskulptur wiedergibt. Als Auftakt der Ausstellung verdeutlicht dieses Werk, wie verwurzelt Tracey Roses Schaffen im Körperlichen, in der Wut und in der Suche nach Spiritualität ist.

Speziell für die aktuelle Ausstellung entstanden zehn neue Auftragsarbeiten, die Teil der fortlaufenden Serie der Mandela Balls sind. Basierend auf dem Gedicht Dream Deferred von Langston Hughes baut die Künstlerin dem Freiheitskämpfer Nelson Mandela insgesamt 95 Denkmäler – eines für jedes Lebensjahr. Mit diesen fragilen und zum Teil skurrilen Objekten fragt sie nach dem Vermächtnis, das von seinem hoffnungsvollen Aufbruch übriggeblieben ist.


Le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective de l'œuvre de Tracey Rose à ce jour. Depuis le milieu des années 1990, l'artiste sud-africaine est une voix radicale dans l'art international. La force de la performance et le corps comme lieu de résistance et de discours sont au cœur de son travail.

Avec plus d'une centaine d'œuvres, le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective à ce jour de l'œuvre de l'artiste de performance sud-africaine Tracey Rose (*1974). Dans ses travaux, elle aborde des thèmes tels que le postcolonialisme, le genre, la sexualité, le racisme et l'apartheid. La force de l'art de la performance et du corps, qui est pour Tracey Rose un lieu de protestation, d'indignation, de résistance, de discours mais aussi de guérison, est au centre de ses préoccupations.

L'artiste transpose sa pratique performative sensationnelle dans différents médias tels que la vidéo, la sculpture, la photographie, l'installation et le dessin, en mettant notamment en lumière et en commentant de manière critique les expériences centrales de la transition vers un monde postcolonial. L'œuvre de Rose est souvent décrite comme absurde, anarchique et carnavalesque.

Shooting Down Babylon

L'exposition du Kunstmuseum de Berne suit le parcours de Rose, de son intérêt précoce pour les questions d'identité à l'esthétique de la violence et à une réflexion sur les processus de guérison et les rituels. Elle présente des travaux datant de 1990 à 2021, dont l'œuvre T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) issue de la collection du Kunstmuseum de Berne, dans laquelle l'artiste est représentée depuis 2001.

Le titre de l'exposition Shooting Down Babylon provient de l'installation du même nom, créée en 2016 en réaction à la victoire électorale de Donald Trump. Rose s'est alors soumise à des rituels de purification qu'elle a filmés et reproduits dans une sculpture vidéo physiquement saisissante. En guise de prélude à l'exposition, cette œuvre illustre à quel point l'œuvre de Tracey Rose est enracinée dans le physique, la colère et la quête de spiritualité.

Dix nouvelles œuvres de commande, qui font partie de la série continue des Mandela Balls, ont été créées spécialement pour l'exposition actuelle. En se basant sur le poème Dream Deferred de Langston Hughes, l'artiste construit au total 95 monuments au combattant de la liberté Nelson Mandela - un pour chaque année de sa vie. Avec ces objets fragiles et parfois bizarres, elle s'interroge sur l'héritage qui subsiste de son départ plein d'espoir. 


Il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata di Tracey Rose. L'artista sudafricana è una voce radicale dell'arte internazionale dalla metà degli anni Novanta. Il suo lavoro è incentrato sul potere della performance e sul corpo come sito di resistenza e discorso.

Con oltre cento opere, il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata sull'opera della performance artist sudafricana Tracey Rose (*1974). Nelle sue opere l'artista esplora temi come il post-colonialismo, il genere, la sessualità, il razzismo e l'apartheid. Al centro di tutto ciò ci sono il potere della performance art e il corpo, che per Tracey Rose è un luogo di protesta, indignazione, resistenza, discorso e guarigione.

L'artista realizza la sua sensazionale pratica performativa in vari media come il video, la scultura, la fotografia, l'installazione e il disegno, con cui illumina e commenta criticamente in particolare le esperienze centrali nella transizione verso un mondo post-coloniale. Il lavoro di Rose è spesso descritto come assurdo, anarchico e carnevalesco.

Abbattere Babilonia
La mostra al Kunstmuseum di Berna ripercorre il percorso di Rose da un iniziale interesse per le questioni di identità all'estetica della violenza e all'esame dei processi e dei rituali di guarigione. Sono esposte opere dal 1990 al 2021, tra cui l'opera T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) della collezione del Kunstmuseum Bern, dove l'artista è rappresentato dal 2001.

Il titolo della mostra Shooting Down Babylon deriva dall'omonima installazione realizzata nel 2016 in risposta alla vittoria elettorale di Donald Trump. Rose si è sottoposta a rituali di purificazione, che ha filmato e riprodotto in una scultura video fisicamente ossessionante. Come preludio alla mostra, quest'opera illustra quanto il lavoro di Tracey Rose sia radicato nel fisico, nella rabbia e nella ricerca della spiritualità.

Dieci nuove opere commissionate sono state create appositamente per la mostra in corso e fanno parte della serie Mandela Balls. Basandosi sulla poesia Dream Deferred di Langston Hughes, l'artista ha costruito un totale di 95 monumenti al combattente per la libertà Nelson Mandela, uno per ogni anno della sua vita. Con questi oggetti fragili e talvolta bizzarri, l'artista si interroga sull'eredità che rimane della sua partenza piena di speranza.


The Kunstmuseum Bern is presenting the largest retrospective of Tracey Rose's work to date. The South African artist has been a radical voice in international art since the mid-1990s. Her works focus on the power of performance and the body as a site of resistance and discourse.

With more than one hundred works, the Kunstmuseum Bern is showing the largest retrospective to date of the work of South African performance artist Tracey Rose (*1974). In her works, she explores themes such as post-colonialism, gender, sexuality, racism and apartheid. The focus is on the power of performance art and the body, which for Tracey Rose is a place of protest, outrage, resistance, discourse and healing.

The artist realizes her sensational performative practice in various media such as video, sculpture, photography, installation and drawing, whereby she particularly illuminates and critically comments on central experiences in the transition to a post-colonial world. Rose's work is often described as absurd, anarchic and carnivalesque.

Shooting Down Babylon
The exhibition at the Kunstmuseum Bern traces Rose's path from an early interest in questions of identity to the aesthetics of violence and an examination of healing processes and rituals. It shows works from the years 1990 to 2021, including the work T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) from the collection of the Kunstmuseum Bern, where the artist has been represented since 2001.

The exhibition title Shooting Down Babylon comes from the installation of the same name, which was created in 2016 in response to Donald Trump's election victory. Rose underwent cleansing rituals, which she filmed and reproduced in a physically haunting video sculpture. As a prelude to the exhibition, this work illustrates how rooted Tracey Rose's work is in the physical, in anger and in the search for spirituality.

Ten new commissioned works were created especially for the current exhibition and form part of the ongoing Mandela Balls series. Based on the poem Dream Deferred by Langston Hughes, the artist has built a total of 95 monuments to the freedom fighter Nelson Mandela - one for each year of his life. With these fragile and sometimes bizarre objects, she questions the legacy that remains of his hopeful departure.

(Text: Kunstmuseum Bern)

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Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung | Kunstmuseum Thun
Feb.
9
6:30 PM18:30

Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung | Kunstmuseum Thun


Kunstmuseum Thun
9. Februar 2024

Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung


Kleine Galerie, 1980/81, Öl auf Leinwand © Gustav Stettler, Kunstmuseum Thun, Schenkung Heidi Neuenschwander, 2018


Landidylle, Stadtromantik, Stille, pulsierender Alltag und das Fliessen zwischen den beiden Lebenswelten. Mit der Ausstellung Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung untersucht das Kunstmuseum Thun das Spannungsverhältnis zwischen ländlicher Herkunft und städtischem Lebensraum in Gustav Stettlers Werk. Dieses wird im Kontext von Sammlungsbeständen gezeigt, die sich ebenfalls mit Urbanität und Natur auseinandersetzen und die Besucher:inner zur eigenen Reflexion auffordern.

1913 im Bernischen Oberdiessbach geboren und 2005 in Basel verstorben, war Gustav Stettler ein von einer ländlichen Kindheit und Jugend geprägter Städter. Themen wie Anonymität und zwischenmenschliche Entfremdung zogen sich durch sein Schaffen, aber auch das Zusammenkommen von Menschen, auf der Strasse, in Galerien, in kleinen und grossen Gruppen. Im Kontrast dazu schuf Stettler Darstellungen von Natur und Landschaften.

Stadt – Land - Fluss befasst sich mit dem vielseitigen künstlerischen Wirken des Schweizer Malers und untersucht die Synergie zwischen Stadt und Land. So werden Stettlers Arbeiten von einer thematischen Auswahl an Sammlungswerken des Kunstmuseums Thun flankiert. Diese stammen von Kunstschaffenden, die zwischen dem städtischen Ambiente und der ländlichen Umgebung navigieren. Wie beispielsweise dem Thuner Künstler Michael Streun, der sagt: «Auf dem Land erhole ich mich körperlich und geistig, komme zur Entspannung». Inspiration dagegen hole er sich mit Vorliebe in der Stadt – «alles, was nicht schön ist, inspiriert mich». Oder der in Bern und Leipzig lebenden Künstlerin Zora Berweger, die die Natur als ihre Inspirationsquelle nennt, während «in der Stadt jederzeit alle benötigten Materialien und Dienstleistungen verfügbar sind».

Diese und weitere Gedanken zum wortwörtlichen Stadt-Land-Fluss der Menschen, werden die von Kunstmuseums-Direktorin Helen Hirsch kuratierte Ausstellung (kuratorische Assistenz: Astrid Sedlmeier) ergänzen. Und auch die Besucher:innen dazu anregen, sich Gedanken zu ihrem eigenen Verhältnis zum urbanen beziehungsweise ländlichen Raum zu machen. Stadt – Land - Fluss entsteht in Kooperation mit dem Kunst Raum Riehen, wo Stettler im Herbst 2023 als Porträtist der Stadt und ihren Menschen im Zentrum stand.

Neben Gustav Stettler zeigt das Kunstmuseum Thun Sammlungswerke folgender Künstler:innen: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.


Les promenades dans la campagne et le romantisme de la ville, le calme et l’animation - et le flux dans lequel ces deux espaces de vie se rejoignent. Avec l’exposition intitulée Ville - campagne - confluences. Gustav Stettler en dialogue avec la Collection, le Kunstmuseum Thun explore la tension entre l’origine rurale et l’espace de vie urbain dans les créations de Gustav Stettler. Celles-ci sont exposées aux côtés d’œuvres de la Collection du Musée qui se penchent elles aussi sur l’urbanité et la nature, et invitent les spectatrices et les spectateurs à se livrer à leurs propres réflexions.

Né en 1913 à Oberdiessbach, dans le canton de Berne, et décédé en 2005 à Bâle, Gustav Stettler était un citadin, mais il était également marqué par son enfance et son adolescence à la campagne. Des thèmes tels que l’anonymat et l’éloignement des individus, mais aussi leur rencontre, que ce soit dans la rue, dans des galeries, en petits et en grands groupes, apparaissent constamment dans ses œuvres. Parallèlement à ces vues urbaines, Gustav Stettler a créé des représentations de la nature et de paysages.

L’exposition Ville - campagne - confluences est consacrée à l’activité créatrice variée de l’artiste suisse et explore la synergie entre la ville et la campagne. Les travaux de Gustav Stettler sont accompagnés d’une sélection thématique des œuvres de la Collection du Kunstmuseum Thun. Celles-ci ont été créées par des artistes qui oscillent entre l’atmosphère urbaine et l’environnement rural. À cet égard, on peut par exemple citer les propos de l’artiste thounois Michael Streun : « À la campagne, je me repose physiquement et spirituellement, je parviens à me détendre ». En revanche, c’est en ville qu’il déclare puiser de préférence son inspiration : « tout ce qui n’est pas beau m’inspire ». On peut également évoquer l’artiste Zora Berweger, qui vit à Berne et à Leipzig, et qui trouve dans la nature sa source d’inspiration, même si « en ville, tous les matériaux et tous les services nécessaires sont disponibles à tout moment ».

Ces réflexions, et d’autres encore, sur (pour coller au titre) les confluences-campagne-ville qui caractérisent l’être humain viennent compléter l’exposition organisée par la directrice du Kunstmuseum Thun, Helen Hirsch (assistante curatrice : Astrid Sedlmeier). Elles inciteront également les visiteuses et les visiteurs à méditer sur leur propre rapport au milieu urbain et à l’espace rural. Ville - campagne - confluences a vu le jour dans le cadre d‘une coopération avec le Kunst Raum Riehen, où Gustav Stettler a occupé, à l’automne 2023, une place centrale en tant que portraitiste de la ville et de ses habitants.

Aux côtés des travaux de Gustav Stettler, le Kunstmuseum Thun présente des œuvres de sa Collection, créées par les artistes suivants : Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.


Idillio di campagna, romanticismo di città, tranquillità, vita quotidiana pulsante e flusso tra i due mondi. Con la mostra Città - campagna - fiume. Gustav Stettler in dialogo con la collezione, il Kunstmuseum Thun esplora il rapporto teso tra origini rurali e spazio vitale urbano nell'opera di Gustav Stettler. L'opera è presentata nel contesto della collezione, che si occupa anche di urbanità e natura e invita i visitatori a riflettere sulla propria.

Nato a Oberdiessbach a Berna nel 1913 e deceduto a Basilea nel 2005, Gustav Stettler era un abitante della città caratterizzato da un'infanzia e una giovinezza rurale. Temi come l'anonimato e l'alienazione interpersonale attraversano la sua opera, ma anche l'incontro tra le persone, per strada, nelle gallerie, in piccoli e grandi gruppi. Al contrario, Stettler ha creato rappresentazioni della natura e dei paesaggi.

City - Country - River esamina la poliedrica opera artistica del pittore svizzero ed esplora la sinergia tra città e campagna. Le opere di Stettler sono affiancate da una selezione tematica di lavori della collezione del Kunstmuseum Thun. Queste provengono da artisti che si muovono tra l'ambiente urbano e quello rurale. Come l'artista di Thun Michael Streun, che afferma: "In campagna mi ricarico fisicamente e mentalmente e trovo relax". Al contrario, preferisce trovare ispirazione in città: "Tutto ciò che non è bello mi ispira". Oppure l'artista Zora Berweger, che vive a Berna e a Lipsia e cita la natura come fonte di ispirazione, mentre "tutti i materiali e i servizi di cui ho bisogno sono sempre disponibili in città".

Queste e altre riflessioni sul letterale flusso urbano-rurale delle persone completeranno la mostra curata dalla direttrice del Kunstmuseum Helen Hirsch (assistenza curatoriale: Astrid Sedlmeier). Inoltre, incoraggerà i visitatori a riflettere sul proprio rapporto con gli spazi urbani e rurali. Stadt - Land - Fluss è stata realizzata in collaborazione con Kunst Raum Riehen, dove Stettler è stato protagonista di un ritratto della città e della sua gente nell'autunno del 2023.

Oltre a Gustav Stettler, il Kunstmuseum Thun presenta opere dei seguenti artisti: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.


Country idyll, city romance, tranquillity, pulsating everyday life and the flow between the two worlds. With the exhibition Stadt - Land - Fluss. Gustav Stettler in Dialogue with the Collection, the Kunstmuseum Thun explores the tense relationship between rural origins and urban living space in Gustav Stettler's work. This is shown in the context of the collection's holdings, which also deal with urbanity and nature and invite visitors to reflect on their own.

Born in Oberdiessbach in Bern in 1913 and deceased in Basel in 2005, Gustav Stettler was a city dweller shaped by a rural childhood and youth. Themes such as anonymity and interpersonal alienation ran through his work, but also the coming together of people, on the street, in galleries, in small and large groups. In contrast, Stettler created depictions of nature and landscapes.

City - Country - River examines the Swiss painter's multifaceted artistic work and explores the synergy between city and country. Stettler's works are flanked by a thematic selection of works from the Kunstmuseum Thun collection. These come from artists who navigate between the urban ambience and the rural surroundings. Such as the Thun artist Michael Streun, who says: "In the countryside, I recover physically and mentally, I find relaxation". By contrast, he prefers to find inspiration in the city - "anything that isn't beautiful inspires me". Or the artist Zora Berweger, who lives in Bern and Leipzig and cites nature as her source of inspiration, while "all the materials and services I need are always available in the city".

These and other thoughts on the literal urban-rural flow of people will complement the exhibition curated by Kunstmuseum Director Helen Hirsch (curatorial assistance: Astrid Sedlmeier). It will also encourage visitors to reflect on their own relationship to urban and rural spaces. Stadt - Land - Fluss is being created in cooperation with Kunst Raum Riehen, where Stettler was the focus in autumn 2023 as a portraitist of the city and its people.

In addition to Gustav Stettler, the Kunstmuseum Thun is showing works by the following artists: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

(Text: Kunstmuseum Thun)

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Der Sammlung zugeneigt – Konstellation 1 | Fotomuseum Winterthur
Feb.
9
6:00 PM18:00

Der Sammlung zugeneigt – Konstellation 1 | Fotomuseum Winterthur


Fotomuseum Winterthur
9. Februar 2024

Der Sammlung zugeneigt – Konstellation 1

Vito Acconci, Stefan Burger, Forensic Architecture, Lee Friedlander, Matthias Gabi, Nan Goldin, Roc Herms, Jacob Holdt, Margret Hoppe, Graciela Iturbide, Zoe Leonard, Marc Lee, Sherrie Levine, Clunie Reid, Anika Schwarzlose, Shirana Shahbazi, Cindy Sherman, Lorna Simpson, Garry Winogrand


Nikolai Schmirgela, Johann, 1970, Granit, Depot des Vereins Bildender Künstler, Sofia, 2007, aus der Serie Bulgarische Denkmale © Margret Hoppe, 2023, ProLitteris, Zurich


Das Fotomuseum Winterthur nimmt die 30-jährige Institutionsgeschichte zum Anlass, die eigene Sammlung zu beleuchten: Exemplarische Werke aus der Sammlung geben einen Einblick in die Sammlungstätigkeit des Museums. Es werden die Arbeiten von insgesamt 19 unterschiedlichen Fotograf_innen und Kunstschaffenden gezeigt – darunter bekannte Namen wie auch Neuentdeckungen.

Im Fokus der Ausstellung stehen die Eigen- und Besonderheiten der Sammlung sowie deren Schwerpunkte, aber auch Fragestellungen zur musealen Sammlungspraxis an und für sich. Zudem sind die Lücken und Leerstellen, welche sich durch die kritische Betrachtung der eigenen Sammlung offenbaren, sowie Werke, die das Museum vor Herausforderungen stellen, Bestandteil der Auseinandersetzung.

Die nicht-lineare Präsentation der Ausstellung zeigt auf, dass eine Vielzahl unterschiedlicher Faktoren die (Weiter-)Entwicklung einer Sammlung beeinflussen. Dazu gehören das Ausstellungsprogramm, inhaltliche Schwerpunkte und kuratorische Interessen, gesellschaftliche Fragestellungen aber auch die Entwicklung fotografischer Medien und Praktiken.

Sowohl im Ausstellungsraum als auch über ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm gibt das Fotomuseum Winterthur Einblicke in Aspekte wie den Entstehungsprozess oder die Pflege der eigenen Sammlung. Der Sammlung zugeneigt bietet eine Alternative zur klassischen Sammlungsausstellung und bringt nicht zuletzt eine institutionelle Haltung zum Ausdruck: Das Fotomuseum Winterthur ist durchaus (selbst-)kritisch – und dennoch der eigenen Sammlung zugeneigt.

Konstellation 1 bildet den Auftakt einer Serie von Sammlungspräsentationen, die aufeinander aufbauen und für unterschiedliche internationale Gastorte konzipiert werden.


Le Fotomuseum Winterthur profite de ses 30 ans d'histoire institutionnelle pour mettre en lumière sa propre collection : Des œuvres exemplaires de la collection donnent un aperçu de l'activité de collection du musée. Les travaux d'un total de 19 photographes et artistes différents sont présentés - parmi eux des noms connus ainsi que des découvertes.

L'exposition met l'accent sur les particularités et les spécificités de la collection ainsi que sur ses points forts, mais aussi sur des questions relatives à la pratique muséale de la collection en soi et pour soi. En outre, les lacunes et les vides révélés par l'examen critique de la propre collection, ainsi que les œuvres qui transmettent des défis au musée, font partie intégrante de la réflexion.

La présentation non linéaire de l'exposition montre qu'une multitude de facteurs différents influencent le développement (continu) d'une collection. En font partie le programme d'exposition, les priorités en matière de contenu et les intérêts des conservateurs, les questions de société, mais aussi l'évolution des médias et des pratiques photographiques.

Tant dans l'espace d'exposition que par le biais d'un programme varié de manifestations, le Fotomuseum Winterthur donne un aperçu d'aspects tels que le processus de création ou l'entretien de sa propre collection. La collection offre une alternative à l'exposition classique des collections et exprime notamment une attitude institutionnelle : le Fotomuseum Winterthur est tout à fait (auto)critique - et néanmoins attaché à sa propre collection.

Constellation 1 marque le début d'une série de présentations de la collection qui se suivent et sont conçues pour différents lieux d'accueil internationaux.


Il Fotomuseum Winterthur coglie l'occasione dei 30 anni di storia dell'istituzione per far luce sulla propria collezione: Opere esemplari della collezione offrono una panoramica sulle attività collezionistiche del museo. Sono esposte le opere di un totale di 19 diversi fotografi e artisti, tra cui nomi noti e nuove scoperte.

La mostra si concentra sulle caratteristiche uniche e speciali della collezione e sui suoi punti focali, nonché sulle questioni relative alla pratica del collezionismo museale in sé e per sé. Inoltre, le lacune e i vuoti che si rivelano attraverso un esame critico della collezione del museo, così come le opere che rappresentano una sfida per il museo, sono parte della discussione.

La presentazione non lineare della mostra dimostra che una serie di fattori diversi influenzano lo sviluppo (ulteriore) di una collezione. Tra questi, il programma espositivo, le tematiche e gli interessi curatoriali, le questioni sociali, ma anche lo sviluppo dei media e delle pratiche fotografiche.

Sia nello spazio espositivo che attraverso un variegato programma di eventi, il Fotomuseum Winterthur fornisce approfondimenti su aspetti quali il processo di creazione o la cura della propria collezione. La mostra "La collezione è nostra" offre un'alternativa alla classica esposizione di collezioni e, non da ultimo, esprime un atteggiamento istituzionale: il Fotomuseum Winterthur è assolutamente (auto)critico - e tuttavia devoto alla propria collezione.

Constellation 1 segna l'inizio di una serie di presentazioni della collezione che si sviluppano l'una sull'altra e sono concepite per diverse sedi internazionali.


Fotomuseum Winterthur is taking the opportunity presented by the institution’s thirtieth anniversary to examine its own collection, with a selection of artworks providing an insight into the museum’s collecting activities. On display are works by a total of 19 different photographers and artists, a mix of well-known names and new discoveries.

The exhibition homes in on the collection’s idiosyncrasies, distinctive qualities and thematic focuses, while also scrutinising museum collecting practices per se. This probing of the collection also looks at gaps and lacunae that are made apparent by the museum’s critical self-assessment and at works that are institutionally challenging.

The non-linear way in which the exhibition is presented highlights the fact that the (progressive) development of a collection is influenced by a variety of different factors. These include the exhibition programme, thematic focuses, curatorial interests, social issues and photography’s own process of evolution as a medium and body of practices.

Both in the exhibition space and through a varied programme of events, the museum provides insights into, among other things, its own origins and the way it cares for its collection. A Show of Affection offers an alternative to the classical collection exhibition and is, not least, an expression of an institutional approach: Fotomuseum Winterthur is eminently (self-)critical – and yet still has a sense of affection for its own collection.

Collection Constellation 1 marks the beginning of a series of collection presentations that build on one another and are conceived for different international venues.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

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Die 4 Jahreszeiten - Jakob Tuggener | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Feb.
9
6:00 PM18:00

Die 4 Jahreszeiten - Jakob Tuggener | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
9. Februar 2024

Die 4 Jahreszeiten
Jakob Tuggener


Ochsengespann, Küssnacht am Rigi, 1943 © Jakob Tuggener Stiftung / Fotostiftung Schweiz


Das Werk von Jakob Tuggener (1904-1988) behauptet seinen Platz in der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Seine ausdrucksstarken Aufnahmen von rauschenden Ballnächten sind legendär, und das Buch Fabrik von 1943 gilt als ein Meilenstein in der Geschichte des Fotobuchs. Doch noch ein drittes grosses Thema liess Tuggener nicht los: das einfache Leben auf dem Land.

Unzählige sensibel beobachtete, atmosphärisch aufgeladene, aber nie pittoreske Darstellungen des bäuerlichen Alltags widerspiegeln den Zyklus der Natur und sind zugleich eine Reflexion über das Leben und dessen Vergänglichkeit. 1973/74 stellte Tuggener unter dem Titel Die 4 Jahreszeiten vier individuelle Buchmaquetten zusammen – selbst gestaltete, druckfertige Buch-Unikate.

Die Ausstellung präsentiert neben den Buchmaquetten weitere Fotografien von Jakob Tuggener, die vor Augen führen, wie intensiv sich dieser herausragende Fotograf mehr als 30 Jahre lang dem Landleben widmete.

Parallel zur Ausstellung werden Die 4 Jahreszeiten auch in einem Buch vorgestellt. Damit gibt die Fotostiftung Schweiz in enger Zusammenarbeit mit der Jakob Tuggener-Stiftung und dem Steidl Verlag einen neuen Einblick in die Reihe der rund 70 Bücher, die Jakob Tuggener selbst als Herzstück seines Schaffens betrachtete, obschon sie zu seinen Lebzeiten unveröffentlicht blieben.


L’oeuvre de Jakob Tuggener (1904-1988) affirme sa place dans la photographie du 20e siècle. Ses photos expressives de somptueuses soirées de bal sont légendaires et le livre Fabrik (Usine) de 1943 est considéré comme un jalon dans l’histoire du livre de photos. Mais il y avait encore un troisième thème qui ne lâchait pas Tuggener : la vie simple à la campagne.

Ses innombrables représentations du quotidien paysan, observées avec sensibilité et chargées d’atmosphère, mais jamais pittoresques, reflètent le cycle de la nature et sont en même temps une réflexion sur la vie et son caractère éphémère. En 1973/74, Tuggener composa quatre maquettes de livres individuelles sous le titre Die 4 Jahreszeiten (Les 4 saisons) – des livres uniques conçus par lui-même et prêts à être imprimés.

Outre ces maquettes de livres, l’exposition montre d’autres photographies de Jakob Tuggener qui illustrent à quel point ce photographe hors pair se consacra à la vie rurale pendant plus de 30 ans

En parallèle à l’exposition, Die 4 Jahreszeiten seront également présentées sous forme d’un livre. La Fotostiftung Schweiz, en étroite collaboration avec la Fondation Jakob Tuggener et les Éditions Steidl, donne ainsi un nouvel aperçu de la série des quelque 70 livres que Jakob Tuggener considérait lui-même comme le coeur de son oeuvre, bien qu’ils soient restés inédits de son vivant.


L’opera di Jakob Tuggener (1904–1988) si è affermata nella fotografia del ventesimo secolo. Le sue immagini di spumeggianti balli notturni sono leggendarie e il libro «Fabrik», uscito nel 1943, è considerato una pietra miliare nella storia dell’editoria fotografica. Ma Tuggener si dedicò assiduamente anche a un terzo, vasto argomento: la vita modesta di campagna.

Innumerevoli scene di vita rurale quotidiana osservate con sensibilità, cariche di atmosfera ma mai pittoresche, rispecchiano i cicli naturali e rappresentano, al contempo, una riflessione sulla vita e la sua caducità. Nel 1973/74, Tuggener realizzò delle maquette per quattro libri intitolati «Die 4 Jahreszeiten» (Le 4 stagioni) – copie uniche pronte per la stampa, interamente progettate da lui.

Oltre alle maquette dei libri, la mostra propone ulteriori fotografie di Jakob Tuggener in grado di mostrare con quanta intensità questo straordinario fotografo si sia dedicato alla vita contadina, per oltre 30 anni.

Parallelamente alla mostra, «Le 4 stagioni» vengono presentate anche in un libro. La Fotostiftung Schweiz, in stretta collaborazione con la fondazione Jakob Tuggener e la casa editrice Steidl, offre così un nuovo sguardo su una serie di libri composta da circa 70 volumi, considerata dallo stesso Jakob Tuggener il corpo centrale del suo lavoro, anche se non è mai stata pubblicata mentre era in vita.


The work of Jakob Tuggener (1904-1988) is well positioned within 20th-century photography. His expressive photographs of glittering ball nights are legendary and his 1943 book Fabrik (Factory) is seen as a milestone in the history of the photo book. However, Tuggener was also captivated by a third subject: simple life in the countryside.

His countless sensitively observed, atmospherically charged, but never picturesque depictions of everyday farming life reflect the cycle of nature, while simultaneously contemplating life and its transience. In 1973/74, Tuggener compiled four individual book maquettes under the title Die 4 Jahreszeiten (The 4 Seasons): unique ready-to-print books, which he designed himself.

In addition to those book maquettes, this exhibition displays other photographs by Jakob Tuggener, which demonstrate how intensively this outstanding photographer devoted himself to the theme of country life for more than 30 years. In parallel to the exhibition, The 4 Seasons will also be presented in a book. In close collaboration with the Jakob Tuggener Foundation and Steidl Verlag, Fotostiftung Schweiz is thus providing new insight into the series of around 70 books that Jakob Tuggener himself considered the centrepiece of his oeuvre, even though they remained unpublished during his lifetime.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Perspectives #23 | La Chambre | Strasbourg
Feb.
9
6:00 PM18:00

Perspectives #23 | La Chambre | Strasbourg



Le Cercle ou l’enracinement impossible, 2020 © Sofia Delta


Das Programm Perspectives unterstützt aufstrebende Fotografen bei der Strukturierung und Professionalisierung ihrer Tätigkeit, indem es konkrete Lösungen für die Notwendigkeit einer dauerhaften Existenzsicherung bietet. Diese Ausstellung bildet den Abschluss eines Jahres, in dem professionelle Bildbearbeiter, künstlerische Begleitung und individuelle Betreuung angeboten wurden, und zeigt die Arbeiten der fünf Begünstigten dieser vierten Ausgabe.

Christopher Barraja fotografiert seit mehreren Jahren seine Sommer in Südfrankreich: Unbeschwertheit, Exzesse, Sinnlichkeit oder Spuren der Abwesenheit von Körpern - sein fotografisches Tagebuch schwankt zwischen Melancholie und Feier des Lebens.

Emma Cossée Cruz interessiert sich für Gegenstände, die mit Körper und Bewegung zu tun haben: Nach Stadtmöbeln für den Sport beschäftigt sie sich nun mit Geräten, die in der Rehabilitationstherapie eingesetzt werden. Sie arbeitet mit Pflegekräften und Patienten zusammen, um gemeinsam Skulpturen zu erschaffen, die manipuliert und fotografiert werden können und die die Interaktion mit dem Körper darstellen.

Safia Delta hinterfragt die Umrisse ihres Lebensraums in Marseille und sucht ihren Platz in einer Umgebung, die von einer unsichtbaren Hand gebaut wurde. Die Formen mit ihren symbolischen Bedeutungen werden mit poetischen Porträts der Bewohnerinnen und Bewohner verglichen.

Angéline Girard konfrontiert sich mit dem Außen, im Gegensatz zu den gesellschaftlichen und familiären Zwängen. Ihren Körper bewohnen, die Natur bewohnen, poetische Verbindungen mit der Landschaft schaffen: Das sind die Herausforderungen ihrer Bilder, die in Form von Ausstellungen oder Veröffentlichungen präsentiert werden.

Loïc Laforge entwickelt eine sensible und schamhafte Langzeitarbeit über das Leben von Kindern, die in Heimen untergebracht sind. Sie wachsen in einem strengen Rahmen mit wenig emotionalen Anhaltspunkten auf. Durch Zuhören und Fotografieren erwerben sie eine Geschichte und Erinnerungen.


En apportant des solutions concrètes aux nécessités de pérennisation de leur activité, le programme Perspectives soutient les photographes émergent·es dans le processus de structuration et de professionnalisation de leur activité. Cette exposition clôture une année d’interventions assurées par des professionnel·les de l’image, d’accompagnement artistique, de suivi individuel et présente les travaux des cinq bénéficiaires de cette quatrième édition.

Christopher Barraja photographie depuis plusieurs années ses étés dans le Sud de la France : insouciance, excès, sensualité ou traces de l’absence des corps, son journal photographique oscille entre mélancolie et célébration de la vie.

Emma Cossée Cruz s’intéresse aux objets liés au corps et au mouvement : après le mobilier urbain sportif, elle se penche sur les dispositifs utilisés en thérapies rééducatives. Elle collabore avec des soignant·es et des soigné·es pour co-créer des sculptures à manipuler et à photographier figurant l’interaction avec le corps.

Safia Delta interroge les contours de son lieu de vie à Marseille, cherchant sa place dans un environnement construit par une main invisible. Les formes, aux significations symboliques, sont mises en regard avec des portraits de ses habitant·es, au vocable poétique.

Angéline Girard se confronte au dehors, par opposition aux contraintes sociétales et familiales. Habiter son corps, habiter la nature, créer des liens poétiques avec le paysage : tels sont les enjeux de ses images, présentées sous forme d’exposition ou de publication.

Loïc Laforge développe un travail au long cours sensible et pudique sur les vies des enfants placés en centre. Ils·elles grandissent dans un cadre strict avec peu de repères affectifs. Par l’écoute et la photographie, ils·elles acquièrent une histoire et des souvenirs.


Fornendo soluzioni pratiche alla necessità di stabilire le loro attività a lungo termine, il programma Perspectives sostiene i fotografi emergenti nel processo di strutturazione e professionalizzazione del loro lavoro. Questa mostra conclude un anno di lavoro di fotografi professionisti, di sostegno artistico e di follow-up individuale e presenta il lavoro dei cinque beneficiari di questa quarta edizione.

Christopher Barraja fotografa da diversi anni le sue estati nel Sud della Francia: spensierato, eccessivo, sensuale o traccia dell'assenza di corpi, il suo diario fotografico oscilla tra malinconia e celebrazione della vita.

Emma Cossée Cruz è interessata agli oggetti legati al corpo e al movimento: dopo gli arredi sportivi urbani, si occupa ora dei dispositivi utilizzati nella terapia riabilitativa. Collabora con assistenti e pazienti per co-creare sculture che possono essere manipolate e fotografate, immaginando l'interazione con il corpo.

Safia Delta si interroga sui contorni della sua casa a Marsiglia, cercando il suo posto in un ambiente costruito da una mano invisibile. Le forme, con i loro significati simbolici, sono contrapposte a ritratti poetici dei residenti.

Angéline Girard si confronta con il mondo esterno, in opposizione alle costrizioni sociali e familiari. Abitare il proprio corpo, abitare la natura, creare legami poetici con il paesaggio: questi sono i temi in gioco nelle sue immagini, presentate sotto forma di mostre o pubblicazioni.

Loïc Laforge sta sviluppando uno studio a lungo termine, sensibile e discreto, sulla vita dei bambini affidati ai servizi sociali. Crescono in un ambiente rigido, con pochi punti di riferimento emotivi. Attraverso l'ascolto e la fotografia, acquisiscono una storia e dei ricordi.


By providing concrete solutions to the need to sustain their activity, the Perspectives program supports emerging photographers in the process of structuring and professionalizing their business. This exhibition brings to a close a year of interventions by image professionals, artistic accompaniment and individual follow-up, and presents the work of the five beneficiaries of this fourth edition.

Christopher Barraja has been photographing his summers in the South of France for several years: carefree, excessive, sensual or traces of the absence of bodies, his photographic diary oscillates between melancholy and celebration of life.

Emma Cossée Cruz is interested in objects linked to the body and movement: after urban sports furniture, she now turns her attention to devices used in rehabilitation therapy. She collaborates with caregivers and patients to co-create sculptures to be manipulated and photographed, featuring interaction with the body.

Safia Delta questions the contours of her home in Marseille, seeking her place in an environment built by an invisible hand. The shapes, with their symbolic meanings, are contrasted with poetic portraits of the inhabitants.

Angéline Girard confronts the outside, in opposition to societal and family constraints. Inhabiting her body, inhabiting nature, creating poetic links with the landscape: these are the issues at stake in her images, presented in the form of exhibitions or publications.

Loïc Laforge is developing a sensitive and discreet long-term study of the lives of children placed in care centers. They grow up in a strict environment with few emotional references. Through listening and photography, they acquire a history and memories.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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The End of the World – Claudia Andujar | Deichtorhallen | Hamburg
Feb.
8
7:00 PM19:00

The End of the World – Claudia Andujar | Deichtorhallen | Hamburg


Deichtorhallen | Hamburg
8. Februar 2024

The End of the World
Claudia Andujar


Casulo humano (rito mortuário) - da série Casa [Human Cocoon. Mortuary Rite from The House series], 1976 © Claudia Andujar. Courtesy Galeria Vermelho, São Paulo


Für Claudia Andujar ist die Fotografie ein Mittel, um mit der Welt zu kommunizieren, ein Medium, durch das man so viel lernt, wie man gibt. Ihre Arbeiten zeugen vom langjährigen Engagement der Fotografin für den Schutz der Yanomami, einer der größten indigenen Gemeinschaften im brasilianischen Amazonasgebiet. Seit den 1970er Jahren hat Andujar mehrfach mit dieser Community im Amazonasbecken gelebt. Diese Region wird bis heute aufgrund ihrer Bodenschätze laufend ausgebeutet.

Claudia Andujar versteht Fotografie als künstlerisches und politisches Werkzeug. Ihr Werk ist geprägt von dem starken Verantwortungsgefühl, mit dem sich die Künstlerin in der Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) für geschützte Gebiete entlang der brasilianisch-venezolanischen Grenze einsetzt.

Claudia Andujar wurde 1931 in Neuchâtel, Schweiz, geboren und lebt und arbeitet in São Paulo. Nach dem Zweiten Weltkrieg emigrierte sie in die Vereinigten Staaten und 1955 nach Brasilien. In den 1970er Jahren erhielt Andujar Stipendien von der John Simon Guggenheim Foundation und der Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP], um die Kultur der Yanomami zu fotografieren und zu studieren. Von 1978 bis 2000 arbeitete sie für die Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) und koordinierte die Kampagne für die Abgrenzung des Yanomami-Territoriums im Amazonasgebiet (TIY), das 1992 von der brasilianischen Regierung eingerichtet wurde. In Anerkennung ihrer Arbeit als Verfechterin der Menschenrechte erhielt Andujar im Jahr 2000 den Annual Cultural Freedom Award der Lannan Foundation, New Mexico. Im Jahr 2003 erhielt sie den Severo-Gomes-Preis der Menschenrechtskommission Teotônio Vilela, São Paulo. 2008 wurde sie vom brasilianischen Kulturministerium mit dem Orden für kulturelle Verdienste ausgezeichnet. 2010 erhielt sie den Kasseler Fotobuchpreis für Marcados, erschienen bei Cosac Naify, und 2018 wurde sie mit der Goethe-Medaille geehrt. 2015 wurde im Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brasilien, der ständige Pavillon Galeria Claudia Andujar mit dreihundert von der Künstlerin geschaffenen Werken über die Yanomami eröffnet.

Kurator: Viktor Hois


Pour Claudia Andujar, la photographie est un moyen de communiquer avec le monde, un média par lequel on apprend autant qu'on donne. Son travail témoigne de l'engagement de longue date de la photographe pour la protection des Yanomami, l'une des plus grandes communautés indigènes d'Amazonie brésilienne. Depuis les années 1970, Andujar a vécu à plusieurs reprises avec cette communauté dans le bassin amazonien. Aujourd'hui encore, cette région est continuellement exploitée pour ses ressources minières.

Claudia Andujar considère la photographie comme un outil artistique et politique. Son œuvre est marquée par le fort sentiment de responsabilité avec lequel l'artiste s'engage au sein de la commission pro-yanomami (CCPY) pour les zones protégées le long de la frontière brésilienne et vénézuélienne.

Claudia Andujar est née en 1931 à Neuchâtel, en Suisse, et vit et travaille à São Paulo. Après la Seconde Guerre mondiale, elle a émigré aux États-Unis, puis au Brésil en 1955. Dans les années 1970, Andujar a reçu des bourses de la John Simon Guggenheim Foundation et de la Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] pour photographier et étudier la culture des Yanomami. De 1978 à 2000, elle a travaillé pour la Commission pro-yanomami (CCPY) et a coordonné la campagne pour la délimitation du territoire yanomami en Amazonie (TIY), créée par le gouvernement brésilien en 1992. En reconnaissance de son travail en tant que défenseur des droits de l'homme, Andujar a reçu en 2000 le prix annuel de la liberté culturelle de la Fondation Lannan, Nouveau Mexique. En 2003, elle a reçu le prix Severo Gomes de la Commission des droits de l'homme Teotônio Vilela, São Paulo. En 2008, elle a été décorée de l'Ordre du mérite culturel par le ministère brésilien de la Culture. En 2010, elle a reçu le prix du livre de photographie de Kassel pour Marcados, publié par Cosac Naify, et en 2018, elle a été honorée de la médaille Goethe. En 2015, le pavillon permanent Galeria Claudia Andujar a été inauguré à l'Instituto Inhotim de Brumadinho, Minas Gerais, Brésil, avec trois cents œuvres sur les Yanomami créées par l'artiste.

Curateur : Viktor Hois


Per Claudia Andujar la fotografia è un mezzo per comunicare con il mondo, un mezzo attraverso il quale si impara tanto quanto si dà. Il suo lavoro testimonia l'impegno di lunga data della fotografa per la protezione degli Yanomami, una delle più grandi comunità indigene dell'Amazzonia brasiliana. Andujar ha vissuto più volte con questa comunità nel bacino amazzonico a partire dagli anni Settanta. Ancora oggi, questa regione viene costantemente sfruttata per le sue risorse minerarie.

Per Claudia Andujar la fotografia è uno strumento artistico e politico. Il suo lavoro è caratterizzato dal forte senso di responsabilità con cui l'artista si batte per le aree protette lungo il confine tra Brasile e Venezuela nella Commissione Pro-Yanomami (CCPY).

Claudia Andujar è nata a Neuchâtel, in Svizzera, nel 1931 e vive e lavora a San Paolo. Dopo la seconda guerra mondiale è emigrata negli Stati Uniti e poi in Brasile nel 1955. Negli anni Settanta, Andujar ha ricevuto borse di studio dalla Fondazione John Simon Guggenheim e dalla Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] per fotografare e studiare la cultura Yanomami. Dal 1978 al 2000 ha lavorato per la Commissione Pro-Yanomami (CCPY) e ha coordinato la campagna per la demarcazione del territorio Yanomami in Amazzonia (TIY), istituita dal governo brasiliano nel 1992. Nel 2000, Andujar ha ricevuto il Premio annuale per la libertà culturale dalla Lannan Foundation, New Mexico, in riconoscimento del suo lavoro di sostenitrice dei diritti umani. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Severo Gomes dalla Commissione per i diritti umani Teotônio Vilela di San Paolo e nel 2008 è stata insignita dell'Ordine al merito culturale dal Ministero della Cultura brasiliano. Nel 2010 ha ricevuto il Premio Kassel per il libro fotografico Marcados, pubblicato da Cosac Naify, e nel 2018 è stata insignita della Medaglia Goethe. Nel 2015 è stato inaugurato il padiglione permanente Galeria Claudia Andujar presso l'Instituto Inhotim di Brumadinho, Minas Gerais, Brasile, con trecento opere sugli Yanomami realizzate dall'artista.

Curatore: Viktor Hois


For Claudia Andujar, photography is a way of communicating with the world, a medium through which one learns as much as one gives. Her works testify to the photographer's longstanding commitment to the commitment to the protection of the Yanomami, one of the largest indigenous communities in the communities in the Brazilian Amazon. Since the 1970s Andujar has lived with this community in the Amazon basin on several occasions. To this day, this region is constantly exploited for its mineral resources.

Claudia Andujar sees photography as an artistic and political tool. Her work is characterized by the strong sense of responsibility, with which the artist is involved in the Pro-Yanomami Commission (CCPY) for the protected areas along the Brazilian-Venezuelan border.

Claudia Andujar was born in Neuchâtel, Switzerland, in 1931 and lives and works in São Paulo. After World War II, she immigrated to the United States and, in 1955, to Brazil. During the 1970s, Andujar received grants from the John Simon Guggenheim Foundation and Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] to photograph and study the culture of the Yanomami people. From 1978 to 2000, she

worked for the Pro-Yanomami Commission (CCPY) and coordinated the campaign for the demarcation of the Yanomami territory in the Amazon (TIY), created by the Brazilian government in 1992. In recognition of her work as an advocate of human rights, Andujar received the Annual Cultural Freedom Award from the Lannan Foundation, New Mexico, in 2000. In 2003, she received the Severo Gomes Award from the Teotônio Vilela Human Rights Commission, São Paulo, and in 2008 was honored by the Ministry of Culture of Brazil with the Order of Cultural Merit. In 2010 she received the Kassel Photobook Award for Marcados, published by Cosac Naify, and she was honored with the Goethe-Medaille in 2018. In 2015, the permanent pavilion Galeria Claudia Andujar opened at Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brazil, with three hundred works created by the artist about the Yanomami.

Curator: Victor Hois

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

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Kerstin Flake / Benoît Grimbert | Fotohof | Salzburg
Feb.
1
7:00 PM19:00

Kerstin Flake / Benoît Grimbert | Fotohof | Salzburg


Fotohof | Salzburg
1. Februar 2024

Kerstin Flake / Benoît Grimbert


Shaking Surfaces # 9, 2020, aus der Serie: Shaking Surfaces, 2018–2021 © Kerstin Flake


Mit dem Ausstellungsprojekt Kerstin Flake / Benoît Grimbert führt der Fotohof zwei internationale Positionen zusammen, deren geistige Verwandtschaft sich wohl erst auf den zweiten Blick zu erkennen gibt. Die Leipziger Künstlerin Kerstin Flake inszeniert als Regisseurin und Bühnenbildnerin in einer Person bizarre Stücke. Während in ihren Bildserien die Gesetze der Physik nur bedingt zu gelten scheinen, gleichen Benoît Grimberts präzise Fotografien einer nahezu archäologischen Untersuchung urbaner Räume. Verbindet der in Paris lebende Künstler seine Bilder mit den Biografien von Jim Morrison und Charles Manson und lässt so zeitliche Schichtungen durcheinander geraten, geht es Kerstin Flake, neben dem Spiel mit Erwartungshaltungen, um eine Überlagerung von Vergangenem und Gegenwärtigen, um das Verschwinden und Verschieben von Perspektive und Bedeutung.


Avec le projet d'exposition Kerstin Flake / Benoît Grimbert, Fotohof réunit deux positions internationales dont la parenté spirituelle ne se révèle sans doute qu'au deuxième coup d'œil. L'artiste de Leipzig Kerstin Flake met en scène des pièces bizarres en tant que metteur en scène et décoratrice de théâtre. Alors que dans ses séries d'images, les lois de la physique ne semblent s'appliquer que de manière limitée, les photographies précises de Benoît Grimbert ressemblent à une étude presque archéologique des espaces urbains. Si l'artiste vivant à Paris relie ses visuels aux biographies de Jim Morrison et de Charles Manson et fait ainsi se confondre les strates temporelles, il s'agit pour Kerstin Flake, outre le jeu avec les attentes, d'une superposition du passé et du présent, de la disparition et du déplacement de la perspective et de la signification.


Con il progetto espositivo Kerstin Flake / Benoît Grimbert, il Fotohof riunisce due posizioni internazionali la cui affinità intellettuale è riconoscibile solo a un secondo sguardo. L'artista di Lipsia Kerstin Flake mette in scena bizzarri spettacoli come regista e scenografa in una sola persona. Mentre le leggi della fisica sembrano essere applicate solo in misura limitata nella sua serie di immagini, le precise fotografie di Benoît Grimbert assomigliano a un'indagine quasi archeologica degli spazi urbani. Mentre l'artista parigino combina le sue immagini con le biografie di Jim Morrison e Charles Manson, confondendo così gli strati temporali, Kerstin Flake si preoccupa non solo di giocare con le aspettative, ma anche di sovrapporre il passato e il presente, di far scomparire e spostare la prospettiva e il significato.


The exhibition project Kerstin Flake / Benoît Grimbert brings together two international positions whose intellectual links probably emerge only at second glance. The Leipzig artist Kerstin Flake stages bizarre plays as a director and stage designer in one person. While the laws of physics only seem to apply to a limited extent in her image series, Benoît Grimbert's precise photographic tableaus resemble an almost archaeological investigation of urban space. While the Paris-based artist ties his images to the biographies of Jim Morrison and Charles Manson, allowing layers of time and mythological subtext to become mixed up, Kerstin Flake is concerned not only with the play of expectations, but also with the superimposition of past and present, with disappearance and shifting of perspective and meaning.

(Text: Fotohof, Salzburg)

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The secret service of flowers | Anzenberger Gallery | Wien
Feb.
1
7:00 PM19:00

The secret service of flowers | Anzenberger Gallery | Wien



Holiday Girls © Natalie Strohmaier


In einer Zeit von Krisen und Kriegen liefern Blumen einen Schimmer von Hoffnung und strahlen durch ihre Schönheit Ruhe und Frieden aus. Die Dienste, die sie uns durch ihre Farben und Formen vor allem auch in der düsteren Winterzeit bieten, haben Wissenschaftler längst ausgiebig erforscht. Und das nicht nur als echte Exemplare in der Vase oder im Topf, sondern auch als Bilder an der Wand.

Die Anzenberger Gallery zeigt dazu sieben Positionen von österreichischen und internationalen Künstler:innen, die sich dem Thema Blumen gewidmet haben. Mit unterschiedlichsten Fotografie-basierten Techniken entstanden Werke voller Ästhetik, Humor, Fantasie, Perfektion und Poesie.


Dans une période de crises et de guerres, les fleurs apportent une lueur d'espoir et rayonnent de calme et de paix par leur beauté. Les services qu'elles nous rendent par leurs couleurs et leurs formes, surtout pendant la sombre période hivernale, ont depuis longtemps fait l'objet de recherches approfondies de la part des scientifiques. Et pas seulement en tant que véritables spécimens dans un vase ou un pot, mais aussi en tant que visuels sur les murs.

La Anzenberger Gallery présente sept positions d'artistes autrichiens et internationaux qui se sont consacrés au thème des fleurs. Les techniques photographiques les plus diverses ont donné naissance à des œuvres pleines d'esthétique, d'humour, de fantaisie, de perfection et de poésie.


In un periodo di crisi e di guerra, i fiori offrono un barlume di speranza e irradiano pace e tranquillità attraverso la loro bellezza. Gli scienziati hanno da tempo studiato a fondo i servizi che ci offrono attraverso i loro colori e le loro forme, soprattutto nei cupi mesi invernali. E non solo come esemplari veri e propri in un vaso o in una cassetta, ma anche come quadri appesi alle pareti.

La Galleria Anzenberger espone sette opere di artisti austriaci e internazionali che si sono dedicati al tema dei fiori. Utilizzando un'ampia varietà di tecniche fotografiche, hanno creato opere piene di estetica, umorismo, fantasia, perfezione e poesia.


In a time of crisis and war, flowers provide a glimmer of hope and radiate peace and tranquillity through their beauty. Scientists have long since extensively researched the services they offer us through their colors and shapes, especially in the gloomy winter months. And not only as real specimens in a vase or pot, but also as visuals on the wall.

The Anzenberger Gallery is showing seven works by Austrian and international artists who have dedicated themselves to the theme of flowers. Using a wide variety of photography-based techniques, they have created works full of aesthetics, humor, fantasy, perfection and poetry.

(Text: Anzenberger Gallery, Wien)

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Flora Alpina - Peter Mathis | Galerie Albrecht | Berlin
Jan.
26
7:00 PM19:00

Flora Alpina - Peter Mathis | Galerie Albrecht | Berlin


Galerie Albrecht | Berlin
26. Januar 2024

Flora Alpina
Peter Mathis


Alpstein #6, 2020, Pigmentdruck © Peter Mathis


Peter Mathis liebt Distanz. Das unmittelbar Erlebte paart er mit dem analytischen Blick des Betrachtens. Im spontanen Moment sucht er ewige Gültigkeit zu finden, aus Zeit macht er Zeitlosigkeit.

In den Alpen aufgewachsen, ist ihm die Bergwelt vertraut. Ihre grandiose Erscheinung ist Faszination und Herausforderung zugleich. Aufsteigen und Absteigen, mit Schuhen, Skiern oder mit Seil und Haken, gehört zum Leben in den Bergen. Mathis hat die sportlichen Herausforderungen bis zur Meisterschaft angenommen und für nur wenige Menschen erreichbare Höhen und Regionen erkundet.

Der Fotograf hat ein aufmerksames Auge für Natur und Landschaft. Er fotografiert den Berg in seiner je nach Wetter wechselvollen Erscheinung nah und unmittelbar. Als wolle er deutlich machen, dass er und seine Kamera sich ebenso als Teil der Bergwelt empfinden, wie es die dort lebenden Tiere und Pflanzen sind. Wenn alles zusammenklingt, Mensch, Flora, Fauna und der Fels ist die Welt intakt.

Die letzten zwei Jahre widmete Mathis den Alpenblumen, die manchmal weite Wege in die Berge erforderlich machten. Brachte er sie ins Atelier, waren sie bereits verwelkt. Um dem abzuhelfen installierte

er ein mobiles Fotostudio vor Ort - ein Vorgehen, das einem Wissenschaftler gleicht, der seine Objekte möglichst naturnah und unverändert festhalten will. Der immer gleiche weiße Hintergrund, vor dem er die Pflanzen fotografiert, und die lateinischen Namen, lassen Peter Mathis als einen Naturforscher erscheinen. Einerseits ist er dies indem er Vorgefundenes dokumentiert, andererseits wird die Pflanze ihrer Schönheit willen in Szene gesetzt. In den schwarz/weiß-Fotos erscheinen Linie und Form wie gezeichnet, jedes Detail und wie dies zur Gesamtheit beiträgt, wird sichtbar.

In der Ausstellung sind Fotos von Bergen und den dort lebenden Pflanzen zu sehen. Entgegen der Realität gleichen sich in den gezeigten Abzügen die Dimensionen an, das Bild des Bergs erscheint so groß wie das der Pflanze. Es ist der Blick des Wissenden, der die Bergwelt kennt und untersucht hat, und um die Bedeutung jedes einzelnen Elements in ihr weiß.


Peter Mathis aime la distance. Il associe le vécu immédiat au regard analytique de la contemplation. Dans l'instant spontané, il cherche à trouver une validité éternelle, il transforme le temps en intemporalité.

Ayant grandi dans les Alpes, le monde de la montagne lui est familier. Leur aspect grandiose est à la fois une fascination et un défi. Monter et descendre, avec des chaussures, des skis ou avec une corde et des crochets, fait partie de la vie en montagne. Mathis a relevé les défis sportifs jusqu'à la maîtrise et a exploré des hauteurs et des régions accessibles à peu de personnes.

Le photographe a un œil attentif pour la nature et le paysage. Il photographie la montagne de près et directement, dans son aspect changeant selon les conditions météorologiques. Comme s'il voulait montrer clairement que lui et son appareil photo se sentent partie intégrante du monde de la montagne, au même titre que les animaux et les plantes qui y vivent. Lorsque tout résonne ensemble, l'homme, la flore, la faune et la roche, le monde est intact.

Mathis a consacré les deux dernières années aux fleurs alpines, qui nécessitaient parfois de longs trajets en montagne. Lorsqu'il les ramenait à l'atelier, elles étaient déjà fanées. Pour remédier à cela, il a installé un

il a installé un studio photo mobile sur place - une démarche qui ressemble à celle d'un scientifique qui veut fixer ses objets de la manière la plus naturelle et la plus inchangée possible. Le fond blanc toujours identique devant lequel il photographie les plantes et les noms latins font apparaître Peter Mathis comme un naturaliste. D'une part, il l'est en documentant ce qu'il trouve, d'autre part, la plante est mise en scène pour sa beauté. Dans les photos en noir et blanc, la ligne et la forme apparaissent comme dessinées, chaque détail et la manière dont ils contribuent à l'ensemble deviennent visibles.

Dans l'exposition, on peut voir des photos de montagnes et des plantes qui y vivent. Contrairement à la réalité, les dimensions s'égalisent dans les tirages présentés, le visuel de la montagne semble aussi grand que celui de la plante. C'est le regard de celui qui sait, qui connaît et qui a étudié le monde de la montagne, et qui connaît l'importance de chaque élément qui le compose.


Peter Mathis ama la distanza. Combina l'esperienza diretta con lo sguardo analitico dell'osservazione. Cerca di trovare una validità eterna nel momento spontaneo, trasformando il tempo in atemporalità.

Essendo cresciuto sulle Alpi, conosce bene il mondo delle montagne. Il loro aspetto grandioso è allo stesso tempo un fascino e una sfida. Arrampicarsi e scendere, con scarponi, sci o corda e gancio, fa parte della vita in montagna. Mathis ha affrontato le sfide sportive fino a diventarne un maestro e ha esplorato altezze e regioni che pochi possono raggiungere.

Il fotografo ha un occhio attento alla natura e al paesaggio. Fotografa la montagna nel suo aspetto mutevole, a seconda del tempo, da vicino e direttamente. Come se volesse far capire che lui e la sua macchina fotografica si sentono parte del mondo montano tanto quanto gli animali e le piante che lo abitano. Quando tutto risuona insieme - persone, flora, fauna e roccia - il mondo è intatto.

Mathis ha dedicato gli ultimi due anni ai fiori alpini, che a volte hanno richiesto lunghi viaggi in montagna. Quando li portava in studio, erano già appassiti. Per ovviare a questo problema, ha installato

uno studio fotografico mobile in loco - un approccio che ricorda quello di uno scienziato che vuole catturare i suoi soggetti nel modo più naturale e inalterato possibile. Lo sfondo bianco su cui fotografa sempre le piante e i nomi latini fanno sembrare Peter Mathis uno scienziato naturale. Da un lato, lo fa documentando ciò che ha trovato; dall'altro, la pianta è messa in scena per la sua bellezza. Nelle foto in bianco e nero, le linee e le forme appaiono come disegnate, ogni dettaglio e il modo in cui questo contribuisce all'insieme diventano visibili.

La mostra comprende foto di montagne e delle piante che le abitano. Contrariamente alla realtà, nelle stampe esposte le dimensioni sono parificate, l'immagine della montagna appare grande quanto quella della pianta. È lo sguardo di chi conosce e ha studiato il mondo della montagna ed è consapevole del significato di ogni singolo elemento che lo compone.


Peter Mathis loves distance. He pairs direct experience with the analytical gaze of observation. He seeks eternal validity in the spontaneous moment, and he turns time into timelessness.

Having grown up in the Alps, he is familiar with the world of mountains. Their magnificence is both fascinating and challenging. Ascending and coming down, with shoes, skies or with a rope and hooks, is part of life in the mountains. Mathis has accepted the athletic challenges and mastered them, and he has explored heights and regions that are only accessible to very few people.

The photographer has a keen and attentive eye for nature and landscapes. He photographs mountains in their changing appearance, depending on the weather, close up and immediate. It is as if he wanted to make clear that he and his camera feel as much part of the mountains as the animals and plants living there. When everything is in harmony, humans, flora, fauna, and the rock, then the world is intact.

For the past two years, Mathis has devoted himself to alpine flowers, which sometimes required long trips into the mountains. By the time he had brought these flowers to his studio, they had already withered. In order to remedy this, he installed a mobile photo studio on site – an approach that is similar to a scientist who wants to capture his objects as close to nature and as unchanged as possible. The never-changing white background before which he photographs the plants , and the Latin names, make Peter Mathis appear as a naturalist. On the one hand, he is precisely that because he documents what he finds, but on the other hand, the plants are showcased because of their beauty. In these photographs, lines and forms appear as if they had been drawn, and every detail, and how it contributes to the overall appearance, becomes visible.

The exhibition presents photographs of mountains and the plants that live there. Contrary to reality, the dimensions in these prints are similar, the image of the mountain is as big as that of the plant. It is the gaze of somebody who knows, who is familiar with the mountains and is aware about the significance of every single element of them.

(Text: Galerie Albrecht, Berlin)

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Love and date – Rafaela Pröll | FLATZ Museum – Zentrum für Photographie | Dornbirn
Jan.
25
7:00 PM19:00

Love and date – Rafaela Pröll | FLATZ Museum – Zentrum für Photographie | Dornbirn

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FLATZ Museum – Zentrum für Photographie | Dornbirn
25. Janauar 2024

Einführung durch Dr. Gerald Matt, Kurator

Love and date
Rafaela Pröll


Stefan und Clayton 2021 © Rafaela Pröll


In Rafaela Prölls künstlerischer Arbeit kommt der Beobachtung von Menschen, deren Beziehungen zueinander und deren Verhältnis zu den Dingen, die sie umgeben, zentrale Bedeutung zu. Ihr Interesse richtet sich auf die subjektiven Beziehungen und Modi der Wahrnehmung von Körpern, Bildern, Materialien oder Oberflächen. In der Modewelt hat sie sich mit ihren unkonventionellen, oft mit den Mode-Konventionen brechenden Arbeiten längst einen Namen gemacht. Im Mittelpunkt ihrer Arbeiten steht jedoch nicht die Mode, sondern die Persönlichkeiten der Photographierten, ihre physische und psychische Präsenz. Die Mode selbst wird bei ihr zu einem Spiel mit Farben, Formen, Hüllen und Strukturen.

Kurator: Dr. Gerald Matt


Dans le travail artistique de Rafaela Pröll, l'observation des personnes, de leurs relations entre elles et de leur rapport aux choses qui les entourent, revêt une importance centrale. Elle s'intéresse aux relations subjectives et aux modes de perception des corps, des visuels, des matériaux ou des surfaces. Elle s'est depuis longtemps fait un nom dans le monde de la mode avec ses travaux non conventionnels, qui rompent souvent avec les conventions de la mode. Toutefois, ce n'est pas la mode qui est au centre de son travail, mais les personnalités des personnes photographiées, leur présence physique et psychique. Chez elle, la mode elle-même devient un jeu de couleurs, de formes, d'enveloppes et de structures.

Curateur : Dr. Gerald Matt


Nel lavoro artistico di Rafaela Pröll, l'osservazione delle persone, delle loro relazioni reciproche e del loro rapporto con le cose che le circondano è di importanza centrale. Il suo interesse si concentra sulle relazioni soggettive e sulle modalità di percezione di corpi, immagini, materiali o superfici. Da tempo si è fatta un nome nel mondo della moda con le sue opere non convenzionali, che spesso rompono le convenzioni della moda. Tuttavia, non è la moda ad essere al centro del suo lavoro, ma la personalità delle persone fotografate, la loro presenza fisica e psicologica. Nel suo lavoro, la moda stessa diventa un gioco di colori, forme, conchiglie e strutture.

Curatore: Dr. Gerald Matt


In Rafaela Pröll's artistic work, the observation of people, their relationships to each other and their relationship to the things that surround them is of central importance. She is interested in the subjective relationships and modes of perception of bodies, visuals, materials and surfaces. She has long since made a name for herself in the fashion world with her unconventional works, which often break with fashion conventions. However, the focus of her work is not fashion, but the personalities of the people photographed, their physical and psychological presence. In her work, fashion itself becomes a game of colors, shapes, shells and structures.

Curator: Dr. Gerald Matt

(Text: FALTZ Museum – Zentrum für Photographie, Dornbirn)

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Auf derselben Seite. Die Letzten der "Gerechten unter den Völkern" | Willy-Brandt-Haus | Berlin
Jan.
25
7:00 PM19:00

Auf derselben Seite. Die Letzten der "Gerechten unter den Völkern" | Willy-Brandt-Haus | Berlin


Willy-Brandt-Haus | Berlin
25. Januar 2024

Auf derselben Seite. Die Letzten der "Gerechten unter den Völkern"
Lydia Bergida, Marco Limberg


© Lydia Bergida & Marco Limberg


Lydia Bergida und Marco Limberg portraitieren in ihrer Ausstellung einige der letzten lebenden „Gerechten unter den Völkern“. Die vom Yad Vashem Institut geehrten Personen, die während des Nationalsozialismus verfolgte Jüdinnen und Juden retteten, sind Zeug:innen unserer Zeit. Sie stehen für Menschlichkeit und Zivilcourage und erinnern uns daran, Verantwortung für das Hier und Jetzt zu übernehmen. Die Porträts und fotografischen Erzählungen sind vom 26. Januar bis 7. April 2024 im Willy-Brandt-Haus zu sehen.

Lydia Bergida wurde bei Tel Aviv geboren und hat einen Fokus ihrer fotografischen Arbeit auf Projekte im Kontext jüdischer Kultur und Geschichte gesetzt. Als Enkelin von Holocaust-Überlebenden stellt sie die Bedeutung von Menschlichkeit in den Mittelpunkt ihrer Arbeit. Marco Limberg kommt aus Berlin und fotografiert seit über 30 Jahren soziale und politische Themen. Er ist Artdirector der „Jüdischen Allgemeinen“.

Für ihr Projekt haben die beiden Fotograf:innen 16 „Gerechte unter den Völkern“ in ihrem privaten Umfeld fotografiert. Teilweise sind die Porträts gemeinsam mit Familienangehörigen oder Erinnerungsstücken entstanden. Sie bilden ein fotografisches Dokument, das zur Reflexion über die heutige Lebenswirklichkeit anregen soll und die Relevanz von Haltung und Mut thematisiert.

Über ihre Ausstellung sagen Lydia Bergida und Marco Limberg: „Durch die Porträts und fotografische Erzählungen möchten wir den ‚Gerechten‘ Aufmerksamkeit schenken und ihnen eine Stimme geben in einer Zeit, in der Hass sowie Antisemitismus und Krieg in unserer Gesellschaft wieder auf dem Vormarsch sind. Wir möchten ihre Humanität zeigen und ihre Werte vermitteln. Die Ausstellung ist ein Beitrag dazu, wie wir Menschlichkeit sowie Würde bewahren und Zivilcourage zeigen können. Sie soll deutlich machen, was wir von den ‚stillen Helden‘, als Vorbilder für heute lernen und wie wir Verantwortung für das Hier und Jetzt übernehmen können.”


Dans leur exposition, Lydia Bergida et Marco Limberg dressent le portrait de quelques-uns des derniers "Justes parmi les nations" encore en vie. Les personnes honorées par l'Institut Yad Vashem, qui ont sauvé des Juifs persécutés pendant le national-socialisme, sont des témoins de notre époque. Elles représentent l'humanité et le courage civil et nous rappellent d'assumer nos responsabilités ici et maintenant. Les portraits et les récits photographiques seront exposés à la Willy-Brandt-Haus du 26 janvier au 7 avril 2024.

Lydia Bergida est née près de Tel Aviv et a consacré une partie de son travail photographique à des projets dans le contexte de la culture et de l'histoire juives. En tant que petite-fille de survivants de l'Holocauste, elle transmet l'importance de l'humanité au cœur de son travail. Marco Limberg vient de Berlin et photographie depuis plus de 30 ans des sujets sociaux et politiques. Il est directeur artistique du journal "Jüdische Allgemeine".

Pour leur projet, les deux photographes ont photographié 16 "Justes parmi les nations" dans leur environnement privé. Certains de ces portraits ont été réalisés avec des membres de la famille ou des souvenirs. Ils constituent un document photographique destiné à susciter une réflexion sur la réalité de la vie actuelle et à thématiser la pertinence de l'attitude et du courage.

À propos de leur exposition, Lydia Bergida et Marco Limberg déclarent : "À travers les portraits et les récits photographiques, nous souhaitons attirer l'attention sur les 'Justes' et leur donner une voix à une époque où la haine ainsi que l'antisémitisme et la guerre sont de nouveau en hausse dans notre société. Nous voulons montrer leur humanité et transmettre leurs valeurs. L'exposition est une contribution à la manière dont nous pouvons préserver l'humanité et la dignité et faire preuve de courage civil. Elle doit montrer clairement ce que nous pouvons apprendre de ces 'héros silencieux', en tant que modèles pour aujourd'hui, et comment nous pouvons prendre nos responsabilités ici et maintenant".


Nella loro mostra, Lydia Bergida e Marco Limberg ritraggono alcuni degli ultimi "Giusti tra le Nazioni" viventi. Le persone onorate dall'Istituto Yad Vashem che hanno salvato gli ebrei perseguitati dal nazionalsocialismo sono testimoni del nostro tempo. Simboleggiano l'umanità e il coraggio civile e ci ricordano di assumerci la responsabilità del qui e ora. I ritratti e i racconti fotografici saranno esposti alla Casa Willy Brandt dal 26 gennaio al 7 aprile 2024.

Lydia Bergida è nata vicino a Tel Aviv e ha concentrato il suo lavoro fotografico su progetti nel contesto della cultura e della storia ebraica. Nipote di sopravvissuti all'Olocausto, pone l'importanza dell'umanità al centro del suo lavoro. Marco Limberg, originario di Berlino, fotografa temi sociali e politici da oltre 30 anni. È direttore artistico della "Jüdische Allgemeine".

Per il loro progetto, i due fotografi hanno fotografato 16 "Giusti tra le Nazioni" nei loro ambienti privati. Alcuni dei ritratti sono stati realizzati insieme a membri della famiglia o a cimeli. Essi costituiscono un documento fotografico che intende incoraggiare la riflessione sulla realtà della vita odierna e tematizzare l'importanza dell'atteggiamento e del coraggio.

Lydia Bergida e Marco Limberg dicono della loro mostra: "Attraverso i ritratti e le narrazioni fotografiche, vogliamo attirare l'attenzione sui 'giusti' e dar loro voce in un momento in cui l'odio, l'antisemitismo e la guerra sono di nuovo in aumento nella nostra società. Vogliamo mostrare la loro umanità e trasmettere i loro valori. La mostra è un contributo su come preservare l'umanità e la dignità e mostrare il coraggio civile. Dovrebbe far capire cosa possiamo imparare dagli 'eroi silenziosi' come modelli per oggi e come possiamo assumerci la responsabilità per il qui e ora".


In their exhibition, Lydia Bergida and Marco Limberg portray some of the last living "Righteous Among the Nations". The people honored by the Yad Vashem Institute who saved Jews persecuted under National Socialism are witnesses of our time. They stand for humanity and civil courage and remind us to take responsibility for the here and now. The portraits and photographic stories will be on display at the Willy Brandt House from January 26 to April 7, 2024.

Lydia Bergida was born near Tel Aviv and has focused her photographic work on projects in the context of Jewish culture and history. As the granddaughter of Holocaust survivors, she places the importance of humanity at the center of her work. Marco Limberg is from Berlin and has been photographing social and political issues for over 30 years. He is the art director of the "Jüdische Allgemeine".

For their project, the two photographers photographed 16 "Righteous Among the Nations" in their private surroundings. Some of the portraits were taken together with family members or memorabilia. They form a photographic document that is intended to encourage reflection on the reality of life today and address the relevance of attitude and courage.

Lydia Bergida and Marco Limberg say about their exhibition: "Through the portraits and photographic narratives, we want to draw attention to the 'righteous' and give them a voice at a time when hatred, anti-Semitism and war are on the rise again in our society. We want to show their humanity and convey their values. The exhibition is a contribution to how we can preserve humanity and dignity and show civil courage. It should make clear what we can learn from the 'silent heroes' as role models for today and how we can take responsibility for the here and now."

(Text: Willy-Brandt-Haus, Berlin)

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« Us » - Arno Brignon | Galerie Le Château d’Eau | Toulouse
Jan.
24
6:00 PM18:00

« Us » - Arno Brignon | Galerie Le Château d’Eau | Toulouse


Galerie Le Château d’Eau | Toulouse
24. Januar 2024

« Us »
Arno Brignon


©Arno Brignon / Signatures


Die Galerie Le Château d'Eau präsentiert Arno Brigons fotografische Reise "Us", die er von 2018 bis 2022 mit seiner Familie in die zwölf gleichnamigen Städte der historischen Hauptstädte Europas und durch die USA unternommen hat.

Von diesem Roadtrip nimmt er 60 Farb- und NB-Silberfotografien auf abgelaufenen Filmen mit, um diese Ausstellung zu realisieren.

Amsterdam, Kopenhagen, Berlin, Lissabon, London, Dublin, Brüssel, Luxemburg, Rom, Athen, Paris, Madrid. Anders als es diese Liste der Hauptstädte vermuten lassen könnte, hat Arno Brignon keine große Zickzack-Tour durch Europa unternommen. Er ist ab 2018 in die Vereinigten Staaten gereist und hat eine unterhaltsame Route aufgebaut, die ihn in drei Etappen in zwölf Städte führte, die nach europäischen Hauptstädten benannt sind.

Er ist nicht der Erste, der sich auf einen Roadtrip als Echo auf Robert Frank, Jack Kerouac und Wim Wenders - unter anderem - begibt. Die Vereinigten Staaten sind sicherlich das Land, das weltweit am meisten fotografiert wurde. Zunächst von den Amerikanern selbst, die die Fotografie in einem Land, das damals keine bedeutende Bildtradition hatte, zur wichtigsten Kunstform erhoben, und dann von Tausenden von Ausländern, die von der Weite der Räume, ihrer Vielfalt, den Bevölkerungskontrasten und dem geschickt aufgebauten Mythos einer Nation, die die Welt beherrschen will, angezogen wurden.

Arno Brignon hat diese amerikanische Reise auf eine einzigartige Weise unternommen. Die Fotografie ist eine einsame Übung par excellence, aber um den Zusammenhalt einer Familie zu wahren, die durch seine wiederholte Abwesenheit erschüttert wurde, reiste er mit Caroline und Josephine, seiner Lebensgefährtin und seiner Tochter, ab. Keine einfache Aufgabe, erst recht nicht, wenn man seine Legitimität in Frage stellt und nicht immer weiß, ob man in Amerika Urlaub macht oder als Fotograf unterwegs ist. Wie er es schön formuliert: "Ich muss lernen, miteinander zu spielen".

In diesem Land, in dem es "schwierig ist, nicht von der Geschichte der Fotografie eingeholt zu werden", hat er, indem er Schwarzweiß- und Farbfotografien mischt und es schafft, Familienfotos und Reiseeindrücke nebeneinander zu stellen, eine ebenso literarische wie filmische Erzählung aufgebaut, eine Erzählung, die eine Erfahrung ebenso wiedergibt wie sie ein fiktionales Amerika erfindet. Landschaften und Porträts, Momente der Begegnung, Straßen und Momente des Lichts fassen zusammen, was natürlich nicht den Anspruch hat, ein Porträt der neuen Welt zu sein. Arno Brignon lädt uns sowohl dazu ein, eine intime und subjektive Reise zu teilen, die ihre Wurzeln in seiner persönlichen Geschichte hat, als auch dazu, die großen amerikanischen Städte zu vergessen. Und schließlich: "Diese Städte im Inneren, banal, intim, zerbrechlich, von Leere und Verschwinden bedroht, sind letztlich nur eine Metapher. Das Subjekt ist nicht draußen, sondern in mir. Das Subjekt ist wir".


La Galerie Le Château d’Eau présente le voyage photographique d’Arno Brigon « Us » effectué de 2018 à 2022 avec sa famille dans les douze villes éponymes des capitales historiques Européennes, à travers les Etats-Unis.

De ce road trip, il retiendra 60 photographies couleur et NB argentiques sur films périmés, pour réaliser cette exposition.

Amsterdam, Copenhagen, Berlin, Lisbon, London, Dublin, Brussels, Luxemburg, Rome, Athens, Paris, Madrid. Contrairement à ce que pourrait laisser penser cette liste de villes capitales, Arno Brignon n’a pas effectué un grand tour d’Europe en zigzags. Il est parti, à partir de 2018, pour les États-Unis, en construisant un parcours amusé qui, en trois étapes, l’a amené dans douze villes portant des noms de capitales européennes.

Il n’est pas le premier à se lancer dans un road trip en écho à Robert Frank, Jack Kerouac et Wim Wenders – entre autres. Les États-Unis sont certainement le pays qui a été le plus photographié au monde. D’abord par les américains eux-mêmes qui ont porté la photographie au rang d’art majeur dans un pays qui n’avait alors aucune tradition picturale importante, puis par des milliers d’étrangers attirés par l’immensité des espaces, leur diversité, les contrastes de population et le mythe, savamment construit, d’une nation voulant dominer le monde.

Arno Brignon a fait ce parcours américain d’une façon singulière. La photographie est un exercice solitaire par excellence mais, pour préserver la cohésion d’une famille ébranlée par ses absences répétées, il est parti avec Caroline et Joséphine, sa compagne et sa fille. Pas simple, encore moins lorsque l’on s’interroge sur sa légitimité et que l’on ne sait pas toujours si l’on est en Amérique en vacances ou en tant que photographe. Comme il le dit joliment : « Il faut que j’apprenne à jouer ensemble ».

Dans ce pays où il est « difficile de ne pas être rattrapé par l’histoire de la photographie », il a, en mêlant noir et blanc et couleur, en réussissant à faire cohabiter photographies de famille et impressions de voyage, construit un récit aussi littéraire que cinématographique, une narration qui restitue une expérience autant qu’elle invente une Amérique de fiction. Paysages et portraits, moments de rencontres, routes et instants de lumière résument ce qui n’a évidemment pas la prétention d’être un portrait du nouveau monde. Arno Brignon nous invite autant à partager un voyage intime et subjectif qui puise ses racines dans son histoire personnelle qu’à oublier les grandes cités américaines. Et, au final, « Ces villes de l’intérieur, banales, intimes, fragiles, menacées par le vide et la disparition, ne sont finalement qu’une métaphore. Le sujet n’est pas dehors, mais en moi. Le sujet est nous. »


La Galerie Le Château d'Eau presenta il viaggio fotografico "Us" di Arno Brigon, realizzato con la sua famiglia dal 2018 al 2022 nelle dodici città omonime delle capitali storiche europee, attraverso gli Stati Uniti.

Da questo viaggio on the road trarrà 60 fotografie a colori e NB stampe all'argento su pellicole obsolete, per creare questa mostra.

Amsterdam, Copenhagen, Berlino, Lisbona, Londra, Dublino, Bruxelles, Lussemburgo, Roma, Atene, Parigi, Madrid. Contrariamente a quanto potrebbe far pensare questo elenco di capitali, Arno Brignon non ha intrapreso un tour a zig zag dell'Europa. A partire dal 2018 è partito per gli Stati Uniti, costruendo un divertente itinerario che, in tre tappe, lo ha portato in dodici città che portano i nomi di capitali europee.

Non è il primo a intraprendere un viaggio on the road che riecheggia Robert Frank, Jack Kerouac e Wim Wenders - tra gli altri. Gli Stati Uniti sono certamente il Paese più fotografato al mondo. In primo luogo dagli americani stessi, che hanno elevato la fotografia al rango di una forma d'arte importante in un Paese che all'epoca non aveva una grande tradizione pittorica, e poi da migliaia di stranieri attratti dall'immensità degli spazi, dalla loro diversità, dai contrasti tra le popolazioni e dal mito, abilmente costruito, di una nazione intenzionata a dominare il mondo.

Arno Brignon ha compiuto questo viaggio americano in modo singolare. La fotografia è un'attività solitaria per eccellenza, ma per preservare la coesione di una famiglia scossa dalle sue ripetute assenze, è partito con Caroline e Joséphine, la sua compagna e la figlia. Non è facile, soprattutto quando si mette in dubbio la propria legittimità e non si sa sempre se si è in America in vacanza o come fotografo. Come dice lui stesso: "Devo imparare a giocare insieme".

In un Paese in cui è "difficile non farsi coinvolgere dalla storia della fotografia", egli ha costruito, mescolando bianco e nero e colore, e riuscendo a far convivere fotografie di famiglia e impressioni di viaggio, una narrazione tanto letteraria quanto cinematografica, una narrazione che ricrea un'esperienza tanto quanto inventa un'America immaginaria. Paesaggi e ritratti, momenti di incontro, strade e momenti di luce riassumono quello che chiaramente non vuole essere un ritratto del Nuovo Mondo. Arno Brignon ci invita a condividere un viaggio intimo e soggettivo che affonda le radici nella sua storia personale, così come a dimenticare le grandi città americane. E, alla fine, "queste città dell'entroterra, banali, intime, fragili, minacciate dal vuoto e dalla scomparsa, non sono altro che una metafora. Il soggetto non è fuori, ma dentro di me. Il soggetto siamo noi.


Galerie Le Château d'Eau presents Arno Brigon's photographic journey "Us", made from 2018 to 2022 with his family in the twelve eponymous cities of Europe's historic capitals, across the United States.

From this road trip, he will retain 60 color photographs and NB silver on out-of-date film, to create this exhibition.

Amsterdam, Copenhagen, Berlin, Lisbon, London, Dublin, Brussels, Luxemburg, Rome, Athens, Paris, Madrid. Contrary to what this list of capital cities might suggest, Arno Brignon did not embark on a zigzag tour of Europe. Starting in 2018, he set off for the United States, constructing an amusing itinerary that, in three stages, took him to twelve cities bearing the names of European capitals.

He's not the first to embark on a road trip echoing Robert Frank, Jack Kerouac and Wim Wenders - among others. The United States is certainly the most photographed country in the world. Firstly by the Americans themselves, who elevated photography to the status of a major art form in a country that had no major pictorial tradition at the time, and then by thousands of foreigners attracted by the immensity of the spaces, their diversity, the contrasts in population and the myth, skilfully constructed, of a nation bent on world domination.

Arno Brignon has made this American journey in a singular way. Photography is a solitary exercise par excellence, but to preserve the cohesion of a family shaken by his repeated absences, he left with Caroline and Joséphine, his partner and daughter. It's not easy, especially when you're questioning your legitimacy and not always sure whether you're in America on vacation or as a photographer. As he puts it, "I have to learn to play together".

In this country, where it's "hard not to be caught up in the history of photography", he has, by mixing black & white and color, and by successfully combining family photographs and travel impressions, constructed a narrative that is as literary as it is cinematographic, a narrative that recounts an experience as much as it invents a fictional America. Landscapes and portraits, moments of encounters, roads and moments of light sum up what is obviously not intended to be a portrait of the New World. Arno Brignon invites us to share an intimate, subjective journey rooted in his personal history, as much as to forget the great American cities. And, in the end, "These inland cities, banal, intimate, fragile, threatened by emptiness and disappearance, are ultimately no more than a metaphor. The subject is not outside, but inside me. The subject is us."

(Text: Christian Caujolle, conseiller artistique)

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Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn
Jan.
20
5:00 PM17:00

Zur Zeitlichkeit im Eis - Daniel Schwartz | Kunstmuseum Solothurn


Kunstmuseum Solothurn
20. Januar 2024

Begrüssung und Einführung durch Katrin Steffen, Direktorin Kunstmuseum Solothurn

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz


Vertigo Galmigletscher, Schweiz, 19. Oktober 2014. aus der Serie theatrum Alpinum, 2015 © 2024 Daniel Schwartz/VII, ProLitteris, Zürich


Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.


L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.


La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.


The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

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Fashion Papers – Hans Kollmer | Leica Galerie Konstanz
Jan.
19
7:00 PM19:00

Fashion Papers – Hans Kollmer | Leica Galerie Konstanz


Leica Galerie Konstanz
19. Januar 2024

Fashion Papers
Hans Kollmer


Lucy & Brent for WINDSOR, New York City © Hans Kollmer


Klare Bildsprache, wenig Ablenkung, kein Schnickschnack: Hans Kollmers fotografischer Grundsatz lautet reduced to the max, also „aufs Äußerste reduziert“ – und dieser Leitsatz war es auch, die ihn mit zu einem der bekanntesten und profiliertesten deutschen Modefotografen der 1990er und 2000er Jahre werden ließ.

Sein Werdegang begann zwar mit der Produkt- und Werbefotografie, doch seine große Leidenschaft war die Mode. Der Einstieg in dieses beliebte, aber schwierige Genre gelang ihm mit der Beauty- und Frisurenfotografie, etwa durch Kampagnen für Schwarzkopf, Redken Deutschland und Pivot Point in Chicago, aber auch mit Fotostrecken für Magazine wie TopHair und DFZ. Um sein Portfolio zu erweitern und die eigene Handschrift zu verfeinern, reiste er Ende der 80er mehrmals in 2 Jahren nach Sydney, wo er u.a. für australische Modehersteller und -zeitschriften arbeitete, und seine neue Bildsprache entwickelte.

Hans Kollmers Durchbruch kam 1989, als Breuninger – heute Deutschlands erfolgreichstes Mode- und Lifestyle-Unternehmen – auf ihn aufmerksam wurde und ihn über mehrere Jahre für Imagebroschüren buchte. Es folgten Aufträge aus ganz Deutschland für Image- und Modekampagnen und redaktionelle Strecken in namenhaften Zeitschriften, die er weltweit agierend z.B. in Paris, New York, London und Los Angeles, aber auch in Nordafrika, der Karibik oder auf Capri fotografierte.

Die Maxime, seine Fotos so weit wie möglich zu reduzieren, hob ihn von vielen anderen Modefotografen ab. Für Hans Kollmer ging es nie darum, opulente Szenen zu konstruieren, in denen sich das Auge verirren konnte; er konzentrierte sich stets auf das Wesentliche: die Mode und das Model. Aus diesem Grund bevorzugte er zurückhaltende Locations, beispielsweise Gebäude im Bauhaus-Stil, die Dünen der Sahara, oder die endlosen Weiten von Salzseen in Kalifornien und Nevada. Es waren sein klarer Blick, sein gutes Auge für die Situation, das Licht, den Ort, seine fokussierte Bildsprache, und sein empathischer Umgang, die ihm immer größere Aufträge von immer bekannteren Auftraggebern einbrachten und ihn mit den bekanntesten Models arbeiten ließ.

Heute stehen über 100 nationale und internationale Modehersteller und -magazine in Hans Kollmers Vita, darunter bekannte Namen wie Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani und Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud und Windsor u.v.a.m. Zudem Portraits zahlreicher SchauspielerInnen, SportlerInnen, Persönlichkeiten aus der Wirtschaft, und Weltstars der internationalen Ballettszene.

In der Ausstellung „Fashion Papers“ zeigt die Leica Galerie Konstanz ca. 40 Fotos aus dem langen und erfolgreichen Wirken Hans Kollmers.


Un langage visuel clair, peu de distractions, pas de fioritures : le principe photographique de Hans Kollmer est reduced to the max, c'est-à-dire "réduit à l'extrême" - et c'est ce principe qui a fait de lui l'un des photographes de mode allemands les plus connus et les plus en vue des années 1990 et 2000.

Son parcours a certes commencé par la photographie de produits et de publicité, mais sa grande passion était la mode. Il s'est lancé dans ce genre populaire mais difficile avec la photographie de beauté et de coiffure, notamment par le biais de campagnes pour Schwarzkopf, Redken Allemagne et Pivot Point à Chicago, mais aussi avec des séries de photos pour des magazines comme TopHair et DFZ. Afin d'élargir son portefeuille et d'affiner sa propre écriture, il s'est rendu à Sydney à la fin des années 80, plusieurs fois en deux ans, où il a notamment travaillé pour des fabricants et des magazines de mode australiens, et a développé son nouveau langage photographique.

Hans Kollmer a percé en 1989, lorsque Breuninger - aujourd'hui l'entreprise de mode et de lifestyle la plus prospère d'Allemagne - l'a remarqué et l'a engagé pendant plusieurs années pour des brochures d'image. S'ensuivirent des commandes de toute l'Allemagne pour des campagnes d'image et de mode et des parcours rédactionnels dans des magazines renommés, qu'il photographia en agissant dans le monde entier, par exemple à Paris, New York, Londres et Los Angeles, mais aussi en Afrique du Nord, dans les Caraïbes ou à Capri.

La maxime selon laquelle ses photos devaient être aussi réduites que possible le distinguait de nombreux autres photographes de mode. Pour Hans Kollmer, il ne s'agissait jamais de construire des scènes opulentes dans lesquelles l'œil pouvait se perdre ; il se concentrait toujours sur l'essentiel : la mode et le modèle. C'est pourquoi il préférait les lieux discrets, par exemple les bâtiments de style Bauhaus, les dunes du Sahara ou les étendues infinies des lacs salés de Californie et du Nevada. C'est son regard clair, son bon œil pour la situation, la lumière, le lieu, son langage visuel focalisé et son approche empathique qui lui ont valu des commandes de plus en plus importantes de la part de commanditaires de plus en plus connus et qui lui ont permis de travailler avec les mannequins les plus célèbres.

Aujourd'hui, le CV de Hans Kollmer compte plus de 100 fabricants et magazines de mode nationaux et internationaux, dont des noms connus comme Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani et Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud et Windsor, entre autres. En outre, des portraits de nombreux acteurs et actrices, de sportifs et sportives, de personnalités du monde de l'économie et de stars mondiales de la scène internationale du ballet.

Dans l'exposition "Fashion Papers", la Leica Galerie de Constance présente environ 40 photos de la longue et fructueuse activité de Hans Kollmer.


Immagini chiare, poche distrazioni, niente fronzoli: il principio fotografico di Hans Kollmer è "ridurre al massimo", ed è questo principio guida che lo ha reso uno dei più noti e importanti fotografi di moda tedeschi degli anni '90 e 2000.

Sebbene la sua carriera sia iniziata con la fotografia di prodotto e pubblicitaria, la sua grande passione era la moda. È entrato in questo genere popolare ma difficile con la fotografia di bellezza e acconciatura, ad esempio con le campagne per Schwarzkopf, Redken Germany e Pivot Point a Chicago, ma anche con serie fotografiche per riviste come TopHair e DFZ. Per ampliare il suo portfolio e perfezionare il suo stile personale, alla fine degli anni '80 si è recato più volte a Sydney in due anni, dove ha lavorato, tra l'altro, per produttori e riviste di moda australiane e ha sviluppato il suo nuovo linguaggio visivo.

La svolta di Hans Kollmer è arrivata nel 1989, quando Breuninger - oggi l'azienda di moda e lifestyle di maggior successo in Germania - si è accorta di lui e lo ha ingaggiato per diversi anni per la realizzazione di brochure d'immagine. Seguirono commissioni da tutta la Germania per campagne d'immagine e di moda e per redazionali di note riviste, che egli fotografò in tutto il mondo, ad esempio a Parigi, New York, Londra e Los Angeles, ma anche in Nord Africa, nei Caraibi e a Capri.

La sua massima di ridurre al minimo le foto lo distingueva da molti altri fotografi di moda. Per Hans Kollmer non si trattava mai di costruire scene sfarzose in cui l'occhio potesse perdersi; si concentrava sempre sull'essenziale: la moda e la modella. Per questo motivo, prediligeva location sobrie, come edifici in stile Bauhaus, le dune del Sahara o le infinite distese di laghi salati in California e Nevada. La sua visione chiara, il suo buon occhio per la situazione, la luce, il luogo, il suo linguaggio visivo mirato e il suo approccio empatico gli hanno permesso di ottenere commissioni sempre più grandi da clienti sempre più noti e di lavorare con le modelle più famose.

Oggi, il curriculum di Hans Kollmer comprende oltre 100 case di moda e riviste nazionali e internazionali, tra cui nomi noti come Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani e Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud e Windsor, tra molti altri. Inoltre, ritratti di numerosi attori, atleti, personalità del mondo degli affari e stelle del balletto internazionale.

Nella mostra "Fashion Papers", la Leica Gallery Constance espone circa 40 fotografie della lunga e fortunata carriera di Hans Kollmer.


Clear imagery, few distractions, no frills: Hans Kollmer's photographic principle is "reduced to the max" - and it was this guiding principle that made him one of the best-known and most prominent German fashion photographers of the 1990s and 2000s.

Although his career began with product and advertising photography, his great passion was fashion. He entered this popular but difficult genre with beauty and hairstyle photography, for example with campaigns for Schwarzkopf, Redken Germany and Pivot Point in Chicago, but also with photo series for magazines such as TopHair and DFZ. In order to expand his portfolio and refine his own signature style, he traveled to Sydney several times in two years at the end of the 1980s, where he worked for Australian fashion manufacturers and magazines, among others, and developed his new visual language.

Hans Kollmer's breakthrough came in 1989, when Breuninger - today Germany's most successful fashion and lifestyle company - became aware of him and booked him for image brochures for several years. This was followed by commissions from all over Germany for image and fashion campaigns and editorial spreads in well-known magazines, which he photographed worldwide, e.g. in Paris, New York, London and Los Angeles, but also in North Africa, the Caribbean or on Capri.

The maxim of reducing his photos as much as possible set him apart from many other fashion photographers. For Hans Kollmer, it was never about constructing opulent scenes in which the eye could get lost; he always concentrated on the essentials: the fashion and the model. For this reason, he preferred understated locations, such as Bauhaus-style buildings, the dunes of the Sahara, or the endless expanses of salt lakes in California and Nevada. It was his clear vision, his good eye for the situation, the light, the location, his focused visual language and his empathetic approach that brought him ever larger commissions from increasingly well-known clients and allowed him to work with the most famous models.

Today, Hans Kollmer's CV includes over 100 national and international fashion manufacturers and magazines, including well-known names such as Mustang Jeans, Dinomoda, Bruno Banani and Gerry Weber, Verse, Jelmoli, Louis Féraud and Windsor, among many others. In addition, portraits of numerous actors, athletes, business personalities and world stars of the international ballet scene.

In the exhibition "Fashion Papers", the Leica Gallery Constance is showing around 40 photos from Hans Kollmer's long and successful career.

(Text: Leica Galerie Konstanz)

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Strata - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
Jan.
19
6:00 PM18:00

Strata - Laura J. Padgett | Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main


Galerie Peter Sillem | Frankfurt am Main
19. Januar 2024

Strata
Laura J. Padgett


Blueprint © Laura J. Padgett


Laura J. Padgett legt in ihrer künstlerischen Praxis die historischen Schichtungen frei, deren Oberfläche unsere Gegenwart bildet. Ihre neuen Arbeiten, die über fast zwei Jahre hinweg im Frankfurter Poelzig-Bau entstanden sind, werfen Licht auf die komplexe Geschichte des Bauwerks. Architektur- und Industriehistorie, Verstrickung in den Nationalsozialismus, Nachkriegsgeschichte unter amerikanischer Militärverwaltung und der Bezug durch die J.-W.-Goethe-Universität bilden markante Überlagerungen. Daneben macht Padgett einen weiteren Gedächtnisraum des Gebäudes aus: Die universitären Sammlungen als Materialisierung von Kulturgeschichte und der permanenten Metamorphose unseres Blickes darauf.

"Was ich suche, sind Orte, die mit Geschichte in Verbindung stehen, die gewissermaßen unauffällige Monumente sind, um die Geschichte sichtbar und greifbar zu machen. Denn unsere Vergangenheit gehört für immer uns." (Laura J. Padgett)


Dans sa pratique artistique, Laura J. Padgett met à nu les stratifications historiques dont la surface constitue notre présent. Ses nouveaux travaux, réalisés pendant près de deux ans dans le Poelzig-Bau de Francfort, mettent en lumière l'histoire complexe de ce bâtiment. L'histoire de l'architecture et de l'industrie, l'implication dans le national-socialisme, l'histoire d'après-guerre sous administration militaire américaine et la référence à l'université J.-W. Goethe forment des superpositions marquantes. Par ailleurs, Padgett identifie un autre espace de mémoire du bâtiment : Les collections universitaires comme matérialisation de l'histoire culturelle et de la métamorphose permanente de notre regard sur elle.

"Ce que je cherche, ce sont des lieux liés à l'histoire, qui sont en quelque sorte des monuments discrets pour rendre l'histoire visible et tangible. Car notre passé nous appartient à jamais". (Laura J. Padgett)


Nella sua pratica artistica, Laura J. Padgett scopre gli strati storici la cui superficie forma il nostro presente. Le sue nuove opere, realizzate nell'arco di quasi due anni nell'edificio Poelzig di Francoforte, fanno luce sulla complessa storia dell'edificio. La storia architettonica e industriale, il coinvolgimento nel nazionalsocialismo, la storia del dopoguerra sotto l'amministrazione militare americana e il riferimento all'Università J.-W.-Goethe formano suggestive sovrapposizioni. Padgett individua anche un ulteriore spazio di memoria nell'edificio: Le collezioni universitarie come materializzazione della storia culturale e della metamorfosi permanente della nostra visione di essa.

"Quello che cerco sono luoghi connessi alla storia, che siano, in un certo senso, monumenti non invadenti per rendere la storia visibile e tangibile. Perché il nostro passato ci appartiene per sempre". (Laura J. Padgett)


In her artistic practice, Laura J. Padgett reveals the historical layers beneath the outer crust of the present. Her new work, which she made during the last two years at the Poelzig-Bau in Frankfurt, sheds light on the complex background of the building. Architectural and industrial history, collusion  with National Socialism, post WWII history under the American military administration, and most recently becoming home to the J.W. Goethe University since 2001 manifest themselves in significant overlays. Further, Padgett has identified another area of memory within the building: the university collections are evidence of our cultural history and the ongoing metamorphosis how we perceive it.

“What I look for now are places that resonate with history, that are, in a way, unmarked landmarks, and to make this history visible and palpable. Because our past is ours forever.“ (Laura J. Padgett)

(Text: Galerie Peter Sillem, Frankfurt am Main)

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Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern
Jan.
11
6:00 PM18:00

Photographie retouchée – Stephan Wittmer | Kornschütte Luzern


Kornschütte Luzern
11. Januar 2024

Begrüssung: Regula Müller, Fraktionschefin SP Stadt Luzern
Einführung: Guy Markowitsch, Luzern

Photographie retouchée
Stephan Wittmer


© Stephan Wittmer


Der Ausstellungstitel stammt aus der Fotografie auf der Einladungskarte: Sie zeigt ein angeschnittenes Plakat, auf dem ein Model mit luxuriöser Uhr und Damentasche vor einem neutralen Grau sitzt. Unten links steht klein gedruckt Photographie retouchée. In Frankreich müssen kommerzielle Fotos, auf denen die Figur der Models digital verändert wurde, mit diesem Hinweis gekennzeichnet werden. Das Glas des Schaufensters, in dem sich das fotografierte Plakat befindet, reflektiert die Silhouette Stephan Wittmers: Er hält die Kamera auf Bauchhöhe, das Objektiv spiegelt sich im Cartier-C der Handtasche.

Warum «wiederberührte Fotografie»? Bildtheoretisch ist die Fotografie ein Lichtmedium, das unmittelbar physikalische Spuren der Wirklichkeit festhält: Die abgebildete Realität ist in der Fotografie materiell verkörpert. Fotografien sind Berührungsreliquien: Wie die religiösen Gegenstände, die die Heiligen zu ihren Lebzeiten berührt haben, sind auch die Fotografien vom reflektierten Licht der vergangenen Welt berührt worden. Der digitale Speicher der Kamera archiviert diese flüchtigen Kontaktmomente, er dient wie die Damentasche als Aufbewahrungsort. Stephan Wittmer interessiert sich für die Materialisierung des digital gespeicherten Bildes, weil die ausgedruckte Fotografie die profane Berührung durch das Licht physisch erfahrbar macht: Es ist so, als ob wir diese Berührung selbst berühren würden; der fotografische Print ist wörtlich eine Photographie retouchée. […]


Le titre de l'exposition provient de la photographie figurant sur le carton d'invitation : vous y voyez une affiche entaillée sur laquelle un modèle portant une montre de luxe et un sac de dame est assis devant un gris neutre. En bas à gauche, on peut lire en petits caractères Photographie retouchée. En France, les photos commerciales sur lesquelles la silhouette des mannequins a été modifiée numériquement doivent porter cette note. La vitre de la vitrine où se trouve l'affiche photographiée reflète la silhouette de Stephan Wittmer : il tient l'appareil photo à hauteur du ventre, l'objectif se reflète dans le C Cartier du sac à main.

Pourquoi une "photographie touchée à nouveau" ? Du point de vue de la théorie de l'image, la photographie est un médium lumineux qui fixe directement des traces physiques de la réalité : La réalité représentée est incarnée matériellement dans la photographie. Les photographies sont des reliques de contact : Tout comme les objets religieux que les saints ont touchés de leur vivant, les photographies ont également été touchées par la lumière réfléchie du monde passé. La mémoire numérique de l'appareil photo archive ces moments de contact éphémères, elle sert, comme le sac de dame, de lieu de conservation. Stephan Wittmer s'intéresse à la matérialisation du visuel enregistré numériquement, car la photographie imprimée rend le contact profane physiquement perceptible par la lumière : c'est comme si nous touchions nous-mêmes ce contact ; l'impression photographique est littéralement une Photographie retouchée. [...]


Il titolo della mostra deriva dalla fotografia del biglietto d'invito: si tratta di un poster ritagliato su cui è seduta una modella con un orologio di lusso e una borsa da donna davanti a uno sfondo grigio neutro. Photographie retouchée è stampato in caratteri piccoli in basso a sinistra. In Francia, le foto commerciali in cui la figura della modella è stata alterata digitalmente devono essere etichettate con questa dicitura. Il vetro della vetrina in cui si trova il poster fotografato riflette la silhouette di Stephan Wittmer: egli tiene la macchina fotografica all'altezza dello stomaco, l'obiettivo si riflette nella Cartier-C della borsetta.

Perché "fotografia ritoccata"? In termini di teoria dell'immagine, la fotografia è un mezzo leggero che cattura direttamente le tracce fisiche della realtà: La realtà rappresentata è materialmente incarnata nella fotografia. Le fotografie sono reliquie di contatto: Come gli oggetti religiosi che i santi hanno toccato durante la loro vita, anche le fotografie sono state toccate dalla luce riflessa del mondo passato. La memoria digitale della macchina fotografica archivia questi fugaci momenti di contatto, fungendo da deposito come una borsa da donna. Stephan Wittmer è interessato alla materializzazione dell'immagine archiviata digitalmente, perché la fotografia stampata rende fisicamente tangibile il tocco profano della luce: "È come se noi stessi toccassimo questo tocco; la stampa fotografica è letteralmente una fotografia ritoccata. [...]


The exhibition title comes from the photograph on the invitation card: it shows a cropped poster on which a model with a luxurious watch and ladies' bag is sitting in front of a neutral gray background. Photographie retouchée is printed in small letters at the bottom left. In France, commercial photos in which the model's figure has been digitally altered must be labeled with this note. The glass of the shop window in which the photographed poster is located reflects the silhouette of Stephan Wittmer: he is holding the camera at stomach height, the lens is reflected in the Cartier-C of the handbag.

Why "re-touched photography"? In terms of image theory, photography is a light medium that directly captures physical traces of reality: The reality depicted is materially embodied in the photograph. Photographs are relics of contact: Like the religious objects that the saints touched during their lifetimes, the photographs have also been touched by the reflected light of the past world. The digital memory of the camera archives these fleeting moments of contact; like the ladies' bag, it serves as a repository. Stephan Wittmer is interested in the materialization of the digitally stored visual because the printed photograph makes the profane touch of light physically tangible: it is as if we were touching this touch ourselves; the photographic print is literally a photograph retouchée. [...]

(Text: Guy Markowitsch)

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Women - Ruth Orkin | f³ – freiraum für fotografie | Berlin
Dez.
7
7:00 PM19:00

Women - Ruth Orkin | f³ – freiraum für fotografie | Berlin


f³ – freiraum für fotografie | Berlin
7. Dezember 2023

Es sprechen: Katharina Mouratidi (Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie), Nadine Barth (Kuratorin und Publizistin @barthouseprojects) und Mary Engel (Archiv Ruth Orkin)

Women
Ruth Orkin


Lilli Palmer und Rex Harrison bei den Dreharbeiten zu dem Film »Main Street to Broadway«, New York, 1948. © Orkin/Engel Film- und Fotoarchiv; VG Bild-Kunst, Bonn 2021.


Ruth Orkin gehörte zu den professionellen Fotografinnen der 1940er und 1950er Jahre. Obwohl sie in zahlreichen Zeitungen und Magazinen wie New York Times, Life oder Look publizierte und ihre Fotografien Teil der legendären Ausstellung The Family of Man im MoMA waren, ist ihr Werk, das sich mit dem der großen Fotografinnen und Fotografen ihrer Zeit messen lässt, international noch wenig bekannt. Eine ihrer wichtigsten Aufnahmen ist »American Girl in Italy« aus dem Jahr 1951, das zu einem Sinnbild der Frauenbewegung der 1960er und 1970er Jahren wurde. Die Straßenszene zeigt eine junge Frau, die durch ein Spalier pfeifender Männer schreitet.

Auf den Spuren der Fotografin stießen Nadine Barth, Kuratorin und Publizistin @barthouseprojects, und Katharina Mouratidi, Künstlerische Leiterin f³ – freiraum für fotografie, auf ein zum größten Teil unveröffentlichtes, vielschichtiges und einzigartiges Werk, das eine wenig bekannte Seite von Ruth Orkin offenbart: Die einer feinfühligen, interessierten, geistreichen und witzigen Chronistin amerikanischer Frauen der 1940er und 1950er Jahre.

Mit beißendem Humor erdachte die Fotografin Reportagen, wie »Who Works Harder«, die das Leben einer Hausfrau und Mutter mit dem einer Karrierefrau vergleicht, dokumentierte Frauen in Beauty-Salons, auf Cocktail-Parties, bei Hundeshows und am Filmset in Hollywood. In den Aufnahmen begegnen wir Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor und Doris Day, aber auch Kellnerinnen, Stewardessen, Soldatinnen und besten Freundinnen.

Was Ruth Orkins subtile aber radikal subversive Aufnahmen einfangen, sind Bilder von Frauen im Aufbruch die beginnen, die ihnen auferlegten Konventionen abzustreifen, ihre eigenen Wege zu gehen: selbstbewusst, stylisch, smart und ihrer Zeit weit voraus.

Ruth Orkin (1921–1985) begann bereits im Alter von zehn Jahren zu fotografieren. 1939 studierte sie Fotojournalismus am Los Angeles City College, im selben Jahr entstand ihre erste große fotografische Arbeit. Im Alter von 17 Jahren durchquerte sie die USA mit dem Fahrrad und der Kamera auf dem Weg zur Weltausstellung, einmal von Los Angeles nach New York. Als freie Fotografin arbeitete sie u.a. für die Magazine Life, Look und Ladies Home Journal. Anlässlich ihres 100. Geburtstages im Jahr 2021 wurde ihre Arbeit wieder entdeckt und erstmals in einer Einzelausstellung in Deutschland im f³ – freiraum für fotografie gezeigt.

Die Ausstellung wurde kuratiert von Nadine Barth und Katharina Mouratidi.


Ruth Orkin faisait partie des photographes professionnelles des années 1940 et 1950. Bien qu'elle ait publié dans de nombreux journaux et magazines tels que le New York Times, Life ou Look et que ses photographies aient fait partie de la légendaire exposition The Family of Man au MoMA, son œuvre, qui peut être comparée à celle des grands photographes de son époque, est encore peu connue au niveau international. L'une de ses photos les plus importantes est "American Girl in Italy", prise en 1951, qui est devenue un symbole du mouvement féministe des années 1960 et 1970. La scène de rue montre une jeune femme qui marche à travers une file d'hommes qui sifflent.

En suivant les traces de la photographe, Nadine Barth, curatrice et publiciste @barthouseprojects, et Katharina Mouratidi, directrice artistique f³ - freiraum für fotografie, sont tombées sur une œuvre en grande partie inédite, complexe et unique, qui révèle une facette peu connue de Ruth Orkin : Celle d'une chroniqueuse sensible, intéressée, spirituelle et drôle des femmes américaines des années 1940 et 1950.

Avec un humour décapant, la photographe a imaginé des reportages tels que "Who Works Harder", qui compare la vie d'une femme au foyer et d'une mère à celle d'une femme de carrière, a documenté des femmes dans des salons de beauté, lors de cocktails, de spectacles canins et sur le plateau de tournage à Hollywood. Dans les prises de vue, nous rencontrons Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor et Doris Day, mais aussi des serveuses, des hôtesses de l'air, des soldates et des meilleures amies.

Les images subtiles mais radicalement subversives de Ruth Orkin sont celles de femmes en mouvement qui commencent à se débarrasser des conventions qui leur sont imposées et à suivre leur propre voie : sûres d'elles, stylées, intelligentes et très en avance sur leur temps.

Ruth Orkin (1921-1985) a commencé à photographier dès l'âge de dix ans. En 1939, elle a étudié le photojournalisme au Los Angeles City College, et la même année, elle a réalisé son premier grand travail photographique. À l'âge de 17 ans, elle a traversé les États-Unis à vélo avec son appareil photo pour se rendre à l'exposition universelle, une fois de Los Angeles à New York. En tant que photographe indépendante, elle a travaillé entre autres pour les magazines Life, Look et Ladies Home Journal. À l'occasion de son 100e anniversaire en 2021, son travail a été redécouvert et présenté pour la première fois dans une exposition individuelle en Allemagne au f³ - freiraum für fotografie.

L'exposition a été organisée par Nadine Barth et Katharina Mouratidi.


Ruth Orkin è stata una delle fotografe professioniste degli anni Quaranta e Cinquanta. Nonostante abbia pubblicato su numerosi giornali e riviste come il New York Times, Life o Look e le sue fotografie abbiano fatto parte della leggendaria mostra The Family of Man al MoMA, il suo lavoro, pari a quello dei grandi fotografi del suo tempo, è ancora poco conosciuto a livello internazionale. Una delle sue fotografie più importanti è "American Girl in Italy" del 1951, che divenne un simbolo del movimento femminile degli anni Sessanta e Settanta. La scena di strada mostra una giovane donna che cammina in mezzo a una fila di uomini che fischiano.

Seguendo le tracce della fotografa, Nadine Barth, curatrice e pubblicista @barthouseprojects, e Katharina Mouratidi, direttrice artistica f³ - freiraum für fotografie, si sono imbattute in un corpus di lavori in gran parte inedito, stratificato e unico, che rivela un lato poco conosciuto di Ruth Orkin: Quello di una cronista sensibile, interessata, arguta e spiritosa delle donne americane degli anni '40 e '50.

Con umorismo mordace, la fotografa ha ideato reportage come "Who Works Harder", che mette a confronto la vita di una casalinga e madre con quella di una donna in carriera, ha documentato le donne nei saloni di bellezza, ai cocktail party, alle mostre canine e sul set cinematografico di Hollywood. Nei filmati incontriamo Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor e Doris Day, ma anche cameriere, hostess, soldatesse e migliori amiche.

Le fotografie di Ruth Orkin, sottili ma radicalmente sovversive, catturano immagini di donne in movimento che iniziano a liberarsi delle convenzioni imposte loro e a percorrere la propria strada: sicure di sé, eleganti, intelligenti e molto avanti nel tempo.

Ruth Orkin (1921-1985) inizia a fotografare all'età di dieci anni. Nel 1939 studia fotogiornalismo al Los Angeles City College e nello stesso anno realizza il suo primo lavoro fotografico importante. All'età di 17 anni attraversa gli Stati Uniti in bicicletta e macchina fotografica per recarsi all'Esposizione Universale, da Los Angeles a New York. Come fotografa freelance ha lavorato, tra l'altro, per le riviste Life, Look e Ladies Home Journal. In occasione del suo centesimo compleanno nel 2021, il suo lavoro è stato riscoperto e presentato per la prima volta in una mostra personale in Germania presso f³ - freiraum für fotografie.

La mostra è stata curata da Nadine Barth e Katharina Mouratidi.


Ruth Orkin was one of the professional women photographers of the 1940s and 1950s. Although she published in numerous newspapers and magazines such as the New York Times, Life or Look, and her photographs were part of the legendary exhibition The Family of Man at MoMA, her work, which is on a par with that of the great photographers of her time, is still little known internationally. One of her most important photographs is »American Girl in Italy« from 1951, which became a symbol of the women's movement of the 1960s and 1970s. The street scene shows a young woman striding through a line of whistling men.

Tracing the photographer's footsteps, Nadine Barth, curator and publicist @barthouseprojects, and Katharina Mouratidi, Artistic Director f³ – freiraum für fotografie, came across a largely unpublished, multi-layered and unique body of work that reveals a little-known side of Ruth Orkin: That of a sensitive, interested, witty, and funny chronicler of American women of the 1940s and 1950s.

With biting humor, the photographer devised reportages such as »Who Works Harder«, which compares the life of a housewife and mother with that of a career woman, documented women in beauty salons, at cocktail parties, at dog shows and on the film set in Hollywood. In the footage we encounter Lauren Bacall, Jane Russell, Joan Taylor, and Doris Day, but also waitresses, stewardesses, soldiers, and best friends.

What Ruth Orkin's subtle but radically subversive shots capture are images of women on the move who are beginning to shed the conventions imposed on them and go their own way: self-confident, stylish, smart and far ahead of their time.

Ruth Orkin (1921–1985) began taking photographs at the age of ten. In 1939 she studied photojournalism at Los Angeles City College, the same year she produced her first major photographic work. At the age of 17, she crossed the United States by bicycle and camera on her way to the World's Fair, once from Los Angeles to New York. As a freelance photographer, she worked for Life, Look and Ladies Home Journal, among other magazines. On the occasion of her 100th birthday in 2021, her work was rediscovered and shown for the first time in a solo exhibition in Germany at f³ – freiraum für fotografie.

The exhibition was curated by Nadine Barth and Katharina Mouratidi.

(Text: f³ – freiraum für fotografie, Berlin)

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