Museum der Arbeit | Hamburg
17. November 2023 – 1. Mai 2024

MAN & MINING
Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado, Gabriella Torres-Ferrer

Der Abbau von mineralischen Rohstoffen führt angesichts einer schnell wachsenden Weltbevölkerung und deren steigenden Konsumbedürfnissen zu immer größeren ökologischen, ökonomischen, politischen und sozialen Problemen mit globalen Auswirkungen. Vor allem nicht nachhaltige Abbaupraktiken haben massive Belastungen zur Folge, die heutige und zukünftige Generationen vor enorme Herausforderungen stellen. Die Ausstellung „MAN & MINING“, die vom Weltkulturerbe Völklinger Hütte in Kooperation mit dem Museum der Arbeit erarbeitet wurde, zeigt anhand von verschiedenen künstlerischen Positionen die Bedingungen gegenwärtiger Ressourcenextraktion und deren Folgen für die vor allem im Globalen Süden im Bergbau tätigen Menschen. Kunstinstallationen, Foto- und Videoarbeiten von dem Künstlerkollektiv Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado und Gabriella Torres-Ferrer lassen ein weltweites Panorama von historischen Tiefenbohrungen bis zu utopischen Gedanken für die Zukunft entstehen. Ziel der Ausstellung ist es, die Asymmetrien des weltweiten Rohstoffabbaus und die konkreten Folgen für die Menschen im Globalen Süden mit einer Diskussion unseres Konsumverhaltens zu verbinden.

Face à la croissance rapide de la population mondiale et à l'augmentation de ses besoins de consommation, l'exploitation des matières premières minérales entraîne des problèmes écologiques, économiques, politiques et sociaux de plus en plus importants avec des répercussions globales. Les pratiques d'extraction non durables, en particulier, entraînent des nuisances massives qui posent d'énormes défis aux générations actuelles et futures. L'exposition "MAN & MINING", élaborée par le Patrimoine Culturel Mondial Völklinger Hütte en coopération avec le Museum der Arbeit, montre, à l'aide de différentes positions artistiques, les conditions de l'extraction actuelle des ressources et ses conséquences pour les personnes travaillant dans l'industrie minière, surtout dans le Sud mondial. Des installations artistiques, des travaux photographiques et vidéo du collectif d'artistes Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado et Gabriella Torres-Ferrer font apparaître un panorama mondial allant des forages profonds historiques aux pensées utopiques pour l'avenir. L'objectif de l'exposition est de relier les asymétries de l'exploitation mondiale des matières premières et les conséquences concrètes pour les habitants du Sud mondial à une discussion sur nos habitudes de consommation.

Alla luce della rapida crescita della popolazione mondiale e delle sue crescenti esigenze di consumo, l'estrazione di materie prime minerarie sta portando a problemi ecologici, economici, politici e sociali sempre più gravi con conseguenze globali. Le pratiche minerarie non sostenibili, in particolare, comportano oneri enormi che pongono sfide enormi alle generazioni attuali e future. La mostra "MAN & MINING", realizzata dal sito del patrimonio culturale mondiale Völklinger Hütte in collaborazione con il Museum der Arbeit, utilizza diverse posizioni artistiche per mostrare le condizioni dell'attuale estrazione di risorse e le sue conseguenze per le persone che lavorano nelle miniere, soprattutto nel Sud del mondo. Installazioni d'arte, opere fotografiche e video del collettivo di artisti Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado e Gabriella Torres-Ferrer creano un panorama mondiale che spazia dalle storiche trivellazioni profonde alle idee utopiche per il futuro. L'obiettivo della mostra è quello di combinare le asimmetrie dell'estrazione globale delle risorse e le conseguenze concrete per le popolazioni del Sud del mondo con una discussione sul nostro comportamento di consumatori.

In view of a rapidly growing world population and its increasing consumption needs, the extraction of mineral raw materials is leading to ever greater ecological, economic, political and social problems with global implications. Above all, unsustainable mining practices result in massive burdens that pose enormous challenges to present and future generations. The exhibition “MAN & MINING”, developed by the Völklinger Hütte in cooperation with the Museum der Arbeit, uses various artistic positions to show the conditions of current resource extraction and its consequences

for people working in mining, especially in the Global South. Art installations, photographic and video works by the artists’ collective Unknown Fields, Danny Franzreb, Johnny Haglund, Pieter Hugo, Lu Guang, Andrea Mancini, Lisa Rave, Sebastião Salgado and Gabriella Torres-Ferrer, create a worldwide panorama ranging from historical deep drilling to utopian thoughts for the future. The aim of the exhibition is to connect the asymmetries of global resource extraction and the concrete consequences for people in the Global South with a discussion of our consumer behavior.

(Text: Museum der Arbeit, Hamburg)

Deichtorhallen | Hamburg
9. Februar – 11. August 2024

The End of the World
Claudia Andujar

Für Claudia Andujar ist die Fotografie ein Mittel, um mit der Welt zu kommunizieren, ein Medium, durch das man so viel lernt, wie man gibt. Ihre Arbeiten zeugen vom langjährigen Engagement der Fotografin für den Schutz der Yanomami, einer der größten indigenen Gemeinschaften im brasilianischen Amazonasgebiet. Seit den 1970er Jahren hat Andujar mehrfach mit dieser Community im Amazonasbecken gelebt. Diese Region wird bis heute aufgrund ihrer Bodenschätze laufend ausgebeutet.

Claudia Andujar versteht Fotografie als künstlerisches und politisches Werkzeug. Ihr Werk ist geprägt von dem starken Verantwortungsgefühl, mit dem sich die Künstlerin in der Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) für geschützte Gebiete entlang der brasilianisch-venezolanischen Grenze einsetzt.

Claudia Andujar wurde 1931 in Neuchâtel, Schweiz, geboren und lebt und arbeitet in São Paulo. Nach dem Zweiten Weltkrieg emigrierte sie in die Vereinigten Staaten und 1955 nach Brasilien. In den 1970er Jahren erhielt Andujar Stipendien von der John Simon Guggenheim Foundation und der Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP], um die Kultur der Yanomami zu fotografieren und zu studieren. Von 1978 bis 2000 arbeitete sie für die Pro-Yanomami-Kommission (CCPY) und koordinierte die Kampagne für die Abgrenzung des Yanomami-Territoriums im Amazonasgebiet (TIY), das 1992 von der brasilianischen Regierung eingerichtet wurde. In Anerkennung ihrer Arbeit als Verfechterin der Menschenrechte erhielt Andujar im Jahr 2000 den Annual Cultural Freedom Award der Lannan Foundation, New Mexico. Im Jahr 2003 erhielt sie den Severo-Gomes-Preis der Menschenrechtskommission Teotônio Vilela, São Paulo. 2008 wurde sie vom brasilianischen Kulturministerium mit dem Orden für kulturelle Verdienste ausgezeichnet. 2010 erhielt sie den Kasseler Fotobuchpreis für Marcados, erschienen bei Cosac Naify, und 2018 wurde sie mit der Goethe-Medaille geehrt. 2015 wurde im Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brasilien, der ständige Pavillon Galeria Claudia Andujar mit dreihundert von der Künstlerin geschaffenen Werken über die Yanomami eröffnet.

Kurator: Viktor Hois

Pour Claudia Andujar, la photographie est un moyen de communiquer avec le monde, un média par lequel on apprend autant qu'on donne. Son travail témoigne de l'engagement de longue date de la photographe pour la protection des Yanomami, l'une des plus grandes communautés indigènes d'Amazonie brésilienne. Depuis les années 1970, Andujar a vécu à plusieurs reprises avec cette communauté dans le bassin amazonien. Aujourd'hui encore, cette région est continuellement exploitée pour ses ressources minières.

Claudia Andujar considère la photographie comme un outil artistique et politique. Son œuvre est marquée par le fort sentiment de responsabilité avec lequel l'artiste s'engage au sein de la commission pro-yanomami (CCPY) pour les zones protégées le long de la frontière brésilienne et vénézuélienne.

Claudia Andujar est née en 1931 à Neuchâtel, en Suisse, et vit et travaille à São Paulo. Après la Seconde Guerre mondiale, elle a émigré aux États-Unis, puis au Brésil en 1955. Dans les années 1970, Andujar a reçu des bourses de la John Simon Guggenheim Foundation et de la Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] pour photographier et étudier la culture des Yanomami. De 1978 à 2000, elle a travaillé pour la Commission pro-yanomami (CCPY) et a coordonné la campagne pour la délimitation du territoire yanomami en Amazonie (TIY), créée par le gouvernement brésilien en 1992. En reconnaissance de son travail en tant que défenseur des droits de l'homme, Andujar a reçu en 2000 le prix annuel de la liberté culturelle de la Fondation Lannan, Nouveau Mexique. En 2003, elle a reçu le prix Severo Gomes de la Commission des droits de l'homme Teotônio Vilela, São Paulo. En 2008, elle a été décorée de l'Ordre du mérite culturel par le ministère brésilien de la Culture. En 2010, elle a reçu le prix du livre de photographie de Kassel pour Marcados, publié par Cosac Naify, et en 2018, elle a été honorée de la médaille Goethe. En 2015, le pavillon permanent Galeria Claudia Andujar a été inauguré à l'Instituto Inhotim de Brumadinho, Minas Gerais, Brésil, avec trois cents œuvres sur les Yanomami créées par l'artiste.

Curateur : Viktor Hois

Per Claudia Andujar la fotografia è un mezzo per comunicare con il mondo, un mezzo attraverso il quale si impara tanto quanto si dà. Il suo lavoro testimonia l'impegno di lunga data della fotografa per la protezione degli Yanomami, una delle più grandi comunità indigene dell'Amazzonia brasiliana. Andujar ha vissuto più volte con questa comunità nel bacino amazzonico a partire dagli anni Settanta. Ancora oggi, questa regione viene costantemente sfruttata per le sue risorse minerarie.

Per Claudia Andujar la fotografia è uno strumento artistico e politico. Il suo lavoro è caratterizzato dal forte senso di responsabilità con cui l'artista si batte per le aree protette lungo il confine tra Brasile e Venezuela nella Commissione Pro-Yanomami (CCPY).

Claudia Andujar è nata a Neuchâtel, in Svizzera, nel 1931 e vive e lavora a San Paolo. Dopo la seconda guerra mondiale è emigrata negli Stati Uniti e poi in Brasile nel 1955. Negli anni Settanta, Andujar ha ricevuto borse di studio dalla Fondazione John Simon Guggenheim e dalla Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] per fotografare e studiare la cultura Yanomami. Dal 1978 al 2000 ha lavorato per la Commissione Pro-Yanomami (CCPY) e ha coordinato la campagna per la demarcazione del territorio Yanomami in Amazzonia (TIY), istituita dal governo brasiliano nel 1992. Nel 2000, Andujar ha ricevuto il Premio annuale per la libertà culturale dalla Lannan Foundation, New Mexico, in riconoscimento del suo lavoro di sostenitrice dei diritti umani. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Severo Gomes dalla Commissione per i diritti umani Teotônio Vilela di San Paolo e nel 2008 è stata insignita dell'Ordine al merito culturale dal Ministero della Cultura brasiliano. Nel 2010 ha ricevuto il Premio Kassel per il libro fotografico Marcados, pubblicato da Cosac Naify, e nel 2018 è stata insignita della Medaglia Goethe. Nel 2015 è stato inaugurato il padiglione permanente Galeria Claudia Andujar presso l'Instituto Inhotim di Brumadinho, Minas Gerais, Brasile, con trecento opere sugli Yanomami realizzate dall'artista.

Curatore: Viktor Hois

For Claudia Andujar, photography is a way of communicating with the world, a medium through which one learns as much as one gives. Her works testify to the photographer's longstanding commitment to the commitment to the protection of the Yanomami, one of the largest indigenous communities in the communities in the Brazilian Amazon. Since the 1970s Andujar has lived with this community in the Amazon basin on several occasions. To this day, this region is constantly exploited for its mineral resources.

Claudia Andujar sees photography as an artistic and political tool. Her work is characterized by the strong sense of responsibility, with which the artist is involved in the Pro-Yanomami Commission (CCPY) for the protected areas along the Brazilian-Venezuelan border.

Claudia Andujar was born in Neuchâtel, Switzerland, in 1931 and lives and works in São Paulo. After World War II, she immigrated to the United States and, in 1955, to Brazil. During the 1970s, Andujar received grants from the John Simon Guggenheim Foundation and Fundação de Apoio a Pesquisa [FAPESP] to photograph and study the culture of the Yanomami people. From 1978 to 2000, she

worked for the Pro-Yanomami Commission (CCPY) and coordinated the campaign for the demarcation of the Yanomami territory in the Amazon (TIY), created by the Brazilian government in 1992. In recognition of her work as an advocate of human rights, Andujar received the Annual Cultural Freedom Award from the Lannan Foundation, New Mexico, in 2000. In 2003, she received the Severo Gomes Award from the Teotônio Vilela Human Rights Commission, São Paulo, and in 2008 was honored by the Ministry of Culture of Brazil with the Order of Cultural Merit. In 2010 she received the Kassel Photobook Award for Marcados, published by Cosac Naify, and she was honored with the Goethe-Medaille in 2018. In 2015, the permanent pavilion Galeria Claudia Andujar opened at Instituto Inhotim in Brumadinho, Minas Gerais, Brazil, with three hundred works created by the artist about the Yanomami.

Curator: Victor Hois

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg
15. März – 13. Oktober 2024

WATER PRESSURE - Gestaltung für die Zukunft

Seit Anbeginn der Geschichte ist Wasser eine der größten Herausforderungen der Menschen. Unser Umgang mit dieser lebenswichtigen Ressource wird die Zukunft der Menschheit und unseres Planeten bestimmen. Gegenwärtig sind wir mit einer vielschichtigen Wasserkrise konfrontiert, die weitestgehend auf unser Missmanagement zurückzuführen ist: 40 Prozent der Weltbevölkerung ist von Wasserknappheit betroffen und mehr als 90 Prozent der Katastrophen haben mit Wasser zu tun. Im Jahr 2022 erlebte Europa die schlimmste Dürre seit 500 Jahren.

Die Gruppenausstellung „Water Pressure. Gestaltung für die Zukunft“ im MK&G nimmt eine globale Perspektive auf die Wasserkrise ein: Gezeigt werden Gestaltungsideen, die das Potenzial haben, unsere Zukunft radikal zu ändern. Die innovativen Arbeiten aus den Bereichen Design, Architektur, Kunst und Wissenschaft gehen vielfach auf Prinzipien der Natur zurück und eröffnen so neue Wege aus der aktuellen Lage. In fünf Kapiteln werden inspirierende Lösungen für Probleme wie Wasserknappheit, Verschmutzung und gestörte Wasserkreisläufe vorgestellt. Die Ausstellung befasst sich auch mit der Hafenstadt Hamburg und den gegenwärtigen und zukünftigen Herausforderungen, denen sie sich stellen muss – von Überschwemmungen bis hin zum Wassermangel.

In der Ausstellung vertreten sind unter anderem City of 1000 Tanks, unter der Leitung der OOZE Architects (Indien); Isla Urbana (Mexiko), Eden in Irak (Irak); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Dänemark); Cloudfisher, WasserStiftung (Marokko); und Colorifix (Großbritannien). Eigens für das MK&G gestalten die niederländischen Architekten OOZE Architects und das österreichische Design-Duos mischer'traxler neue Arbeiten. Die Gruppenschau wird von einem umfangreichen Rahmenprogramm begleitet.

Eine Ausstellung des MK&G in Zusammenarbeit mit Jane Withers Studio, London.

Mit freundlicher Unterstützung der Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Stiftung und Martha Pulvermacher Stiftung.

Depuis le début de l'histoire, l'eau est l'un des plus grands défis auxquels l'homme est confronté. Notre gestion de cette ressource vitale déterminera l'avenir de l'humanité et de notre planète. Actuellement, nous sommes confrontés à une crise de l'eau à multiples facettes, largement due à notre mauvaise gestion : 40 % de la population mondiale est touchée par la pénurie d'eau et plus de 90 % des catastrophes sont liées à l'eau. En 2022, l'Europe a connu sa pire sécheresse depuis 500 ans.

L'exposition de groupe "Water Pressure. Conception pour l'avenir" au MK&G adopte une perspective globale sur la crise de l'eau : Elle présente des idées de conception qui ont le potentiel de changer radicalement notre avenir. Les travaux innovants issus des domaines du design, de l'architecture, de l'art et de la science s'inspirent souvent des principes de la nature et ouvrent ainsi de nouvelles voies pour sortir de la situation actuelle. Cinq chapitres présentent des solutions inspirantes à des problèmes tels que la pénurie d'eau, la pollution et les cycles de l'eau perturbés. L'exposition s'intéresse également à la ville portuaire de Hambourg et aux défis actuels et futurs qu'elle doit relever, des inondations à la pénurie d'eau.

L'exposition présente notamment City of 1000 Tanks, sous la direction de OOZE Architects (Inde) ; Isla Urbana (Mexique), Eden in Irak (Irak) ; Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danemark) ; Cloudfisher, WaterStiftung (Maroc) ; et Colorifix (Royaume-Uni). Les architectes néerlandais OOZE Architects et le duo autrichien de designers mischer'traxler ont conçu de nouveaux travaux spécialement pour le MK&G. L'exposition collective s'accompagne d'un vaste programme d'accompagnement.

Une exposition du MK&G en collaboration avec Jane Withers Studio, Londres.

Avec l'aimable soutien de la Fondation pour l'environnement Michael Otto, de la Fondation Hapag-Lloyd et de la Fondation Martha Pulvermacher.

Fin dagli albori della storia, l'acqua è stata una delle maggiori sfide per l'umanità. Il nostro uso di questa risorsa vitale determinerà il futuro dell'umanità e del nostro pianeta. Attualmente stiamo affrontando una crisi idrica dalle molteplici sfaccettature, dovuta in gran parte alla nostra cattiva gestione: il 40% della popolazione mondiale è colpita dalla scarsità d'acqua e più del 90% dei disastri sono legati all'acqua. Nel 2022, l'Europa ha vissuto la peggiore siccità degli ultimi 500 anni.

La mostra collettiva "Water Pressure. Design for the Future" all'MK&G affronta la crisi idrica da una prospettiva globale: In mostra ci sono idee di design che hanno il potenziale per cambiare radicalmente il nostro futuro. Le opere innovative provenienti dai settori del design, dell'architettura, dell'arte e della scienza si basano spesso su principi naturali e aprono così nuove vie d'uscita dalla situazione attuale. In cinque capitoli vengono presentate soluzioni ispirate a problemi come la scarsità d'acqua, l'inquinamento e l'interruzione dei cicli idrici. La mostra analizza anche la città portuale di Amburgo e le sfide attuali e future che deve affrontare, dalle inondazioni alla carenza d'acqua.

La mostra comprende City of 1000 Tanks, realizzata da OOZE Architects (India); Isla Urbana (Messico), Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Danimarca); Cloudfisher, WaterFoundation (Marocco) e Colorifix (Regno Unito). Gli architetti olandesi OOZE Architects e il duo di designer austriaci mischer'traxler stanno creando nuove opere appositamente per il MK&G. La mostra collettiva sarà accompagnata da un ampio programma di supporto.

Una mostra MK&G in collaborazione con Jane Withers Studio, Londra.

Con il gentile sostegno della Michael Otto Environmental Foundation, della Hapag-Lloyd Foundation e della Martha Pulvermacher Foundation.

Since the dawn of history, water has been one of the most important human preoccupations. How we care for this vital resource is one of the factors that will define our future and that of our planet. Today, we are facing a multifaceted water crisis that is largely due to our mismanagement. Water scarcity affects 40 per cent of the world’s people, and more than 90 per cent of disasters are water-related. In 2022, Europe suffered its worst drought in 500 years.

The group exhibition “Water Pressure: Designing for the Future” at MK&G looks at the water crisis from a global perspective, displaying design ideas that illuminate the potential for radically changing our future. Innovative works from the fields of design, architecture, art and science – in many cases using nature-based systems to open up new routes to overcoming the current situation. Five chapters will present inspiring solutions to issues such as water scarcity, pollution and disrupted hydrological cycles. The exhibition also looks at the city of Hamburg and the present and future water challenges it faces – from flooding to scarcity.

Among the featured projects on display will be City of 1000 Tanks by a team led by OOZE architects (India); Isla Urbana (Mexico); Eden in Iraq (Iraq); Engehaven Climate Park, Tredje Natur (Denmark); Cloudfisher, WaterFoundation (Morocco, South Africa); and Colorifix (UK). As a special highlight, the Dutch firm OOZE architects and the Austrian design duo Mischer’traxler are creating new works especially for the MK&G. The group show will be accompanied by an extensive supporting programme for the public.

An exhibition by MK&G in cooperation with Jane Withers Studio, London.

Kindly supported by the Umweltstiftung Michael Otto, Hapag-Lloyd Foundation and Martha Pulvermacher Foundation.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe Hamburg)

Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg
22. März – 29. September 2024

Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie

Spitze ist zart und fragil, sie legt sich wie ein Netz auf die Haut. Die feinteilige Struktur und die Balance zwischen freier und bearbeiteter Fläche fordert unser Auge, genau hinzuschauen – das gilt sowohl für das feine Gewebe als auch für seine fotografische Darstellung. Die Ausstellung „Fragile Schönheiten. Spitze in Mode und Fotografie“ im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) wirft ein Schlaglicht auf das Thema Spitze und zeigt beispielhaft Werke aus der Sammlung, darunter Arbeiten aus den 1910er und 1920er Jahren unter anderem von der herausragenden deutschen Klöppelkünstlerin Leni Matthaei und der bekannten Fotografin Madame d’Ora.

Die Ausstellung verfolgt einen assoziativen Ansatz, dieser findet sich auch im umfassenden Werk von Madame d’Ora (1881–1963) wieder: Als angesagte Modefotografin im Wien des beginnenden 20. Jahrhunderts lichtete sie Repräsentantinnen des ausgehenden Kaiserreichs Österreich-Ungarn in delikater Spitze ab. Motivisch vergleichbare Gewebe und Netzstrukturen entdeckte sie in den Pariser Schlachthöfen und nannte die Fotografien von tierischen Überresten fast zärtlich „La Dentelle“ – „die Spitze“. Von diesem visuellen Widerspruch ausgehend blickt die Ausstellung in die Schubladen der Sammlungen Textil und Fotografie des MK&G.

Mit seinen Ursprüngen, die bis ins 16. Jahrhundert zurückreichen, hat sich das Klöppelhandwerk in die Geschichte des Kunstgewerbes eingeschrieben und ein Vermächtnis voller Schönheit hinterlassen. Der Reiz geklöppelter Spitze liegt in ihren komplexen Mustern und zarten Motiven sowie der ausgefeilten Technik: Mit sorgfältig choreografiertem Drehen und Kreuzen der Klöppelnadeln werden Schläge in das Gewebe eingearbeitet. Von den eleganten Kurven floraler Muster bis zur geometrischen Präzision komplizierter Gitterwerke verweben sich die Fäden zu faszinierendem Garngeflecht. In einer Welt, die von Technologie und Massenproduktion dominiert wird, ist Klöppelspitze ein Sinnbild für die dauerhafte Kraft hochwertiger Handwerkskunst.

Eine der wenigen bekannten Spitzenentwerferinnen und Klöppelkünstlerinnen war Leni Matthaei (1873–1981). Ermutigt durch den Gründungsdirektor des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg Justus Brinckmann, dem sie ihre Entwürfe zeigte, erlernte sie um 1907 das Klöppelhandwerk an der Ecole de Dentelles et Broderie Paris. In der Sammlung des MK&G befinden sich rund 80 Arbeiten von Leni Matthaei. In der Zusammenschau der Klöppelkunst mit Fotografien des 19. bis Mitte des 20. Jahrhunderts aus der Sammlung – unter anderem von Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) und Arthur Benda (1885–1969) – wird Spitze als außergewöhnliches Kunsthandwerk und als Mittel der fotografischen Inszenierung vorgestellt. Häufig wird die Spitze in ihrer Zerbrechlichkeit als Sinnbild für die Verletzlichkeit des menschlichen Körpers eingesetzt.

La dentelle est délicate et fragile, elle se pose sur la peau comme un filet. La structure finement divisée et l'équilibre entre surface libre et surface travaillée demandent à notre œil de regarder attentivement - cela vaut aussi bien pour le tissu fin que pour sa représentation photographique. L'exposition "Fragile Schönheiten. La dentelle dans la mode et la photographie" au Museum für Kunst und Gewerbe de Hambourg (MK&G) met en lumière le thème de la dentelle et présente des œuvres exemplaires de la collection, dont des travaux des années 1910 et 1920, entre autres de l'éminente artiste dentellière allemande Leni Matthaei et de la célèbre photographe Madame d'Ora.

L'exposition suit une approche associative, que l'on retrouve également dans l'œuvre complète de Madame d'Ora (1881-1963) : en tant que photographe de mode en vogue dans la Vienne du début du 20e siècle, elle photographiait les représentantes de l'empire austro-hongrois finissant dans de délicates dentelles. Elle a découvert des tissus et des structures réticulaires aux motifs comparables dans les abattoirs parisiens et a appelé presque tendrement les photographies de restes d'animaux "La Dentelle" - "la dentelle". C'est à partir de cette contradiction visuelle que l'exposition regarde dans les tiroirs des collections de textile et de photographie du MK&G.

Avec ses origines qui remontent au XVIe siècle, la dentelle aux fuseaux s'est inscrite dans l'histoire des arts décoratifs et a laissé un héritage plein de beauté. Le charme de la dentelle aux fuseaux réside dans ses motifs complexes et délicats ainsi que dans sa technique sophistiquée : des coups sont incorporés dans le tissu grâce à une chorégraphie minutieuse de rotation et de croisement des aiguilles à fuseaux. Des courbes élégantes des motifs floraux à la précision géométrique des grillages compliqués, les fils s'entrelacent pour former des entrelacs de fils fascinants. Dans un monde dominé par la technologie et la production de masse, la dentelle aux fuseaux est un symbole de la force durable de l'artisanat de qualité.

Leni Matthaei (1873-1981) était l'une des rares créatrices de dentelle et artistes dentellières connues. Encouragée par le directeur fondateur du Musée des arts et métiers de Hambourg Justus Brinckmann, à qui elle montra ses créations, elle apprit vers 1907 le métier de dentellière à l'Ecole de Dentelles et Broderie de Paris. La collection du MK&G contient environ 80 œuvres de Leni Matthaei. La dentelle est présentée comme un artisanat d'art exceptionnel et comme un moyen de mise en scène photographique dans la réunion de l'art de la dentelle avec des photographies du 19e au milieu du 20e siècle de la collection - entre autres d'Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) et Arthur Benda (1885-1969). Souvent, la dentelle est utilisée dans sa fragilité comme symbole de la vulnérabilité du corps humain.

Il pizzo è delicato e fragile, copre la pelle come una rete. La struttura delicata e l'equilibrio tra superfici libere e lavorate richiedono che i nostri occhi guardino da vicino: questo vale sia per il tessuto pregiato che per la sua rappresentazione fotografica. La mostra "Fragile Beauties. Il merletto nella moda e nella fotografia" al Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) fa luce sul tema del merletto e presenta esempi di opere della collezione, tra cui pezzi degli anni Dieci e Venti dell'eccezionale artista tedesca del merletto Leni Matthaei e della nota fotografa Madame d'Ora.

La mostra persegue un approccio associativo, che si riflette anche nella vasta opera di Madame d'Ora (1881-1963): come fotografa di moda a Vienna all'inizio del XX secolo, fotografò i rappresentanti del defunto Impero austro-ungarico in delicati pizzi. Scoprì tessuti simili e strutture a rete nei mattatoi parigini e chiamò quasi con tenerezza le fotografie dei resti animali "La Dentelle" - "il pizzo". Partendo da questa contraddizione visiva, la mostra si addentra nei cassetti delle collezioni tessili e fotografiche dell'MK&G.

Con le sue origini risalenti al XVI secolo, la lavorazione del merletto si è iscritta nella storia delle arti e dei mestieri e ha lasciato un'eredità piena di bellezza. Il fascino del merletto a tombolo risiede nei suoi disegni complessi e nei suoi motivi delicati, oltre che nella sua tecnica sofisticata: gli aghi del tombolo vengono lavorati in modo accuratamente coreografico con torsioni e incroci nel tessuto. Dalle eleganti curve dei motivi floreali alla precisione geometrica degli intricati reticoli, i fili vengono intrecciati in affascinanti trame di filato. In un mondo dominato dalla tecnologia e dalla produzione di massa, il merletto a tombolo simboleggia il potere duraturo dell'artigianato di alta qualità.

Una delle poche designer di merletti e artiste di merletti a fuselli conosciute è Leni Matthaei (1873-1981). Incoraggiata dal direttore del Museum für Kunst und Gewerbe di Amburgo, Justus Brinckmann, al quale mostrò i suoi disegni, imparò l'arte del merletto all'Ecole de Dentelles et Broderie di Parigi intorno al 1907. La collezione MK&G contiene circa 80 opere di Leni Matthaei. Nella sinossi dell'arte del merletto con fotografie dal XIX alla metà del XX secolo della collezione - tra cui opere di Imre von Santho (1895-1957), Constant Puyo (1857-1933), David Octavius Hill (1802-1870) e Arthur Benda (1885-1969) - il merletto viene presentato come un mestiere straordinario e come mezzo di messa in scena fotografica. La fragilità del pizzo è spesso utilizzata per simboleggiare la vulnerabilità del corpo umano.

Lace is delicate and fragile, settling across the skin like a web. The delicate structure and the balance between open and worked surfaces challenge our eye to look more closely – both at the fine tissue itself and its photographic reproduction. The exhibition “Fragile Beauties: Lace in Fashion and Photography” at the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G) showcases instances of lace found in exemplary works in the collection, some of them dating from the 1910s and 20s by, among others, the outstanding German lace artist Leni Matthaei and the well-known photographer Madame d’Ora.

The exhibition pursues an associative approach that is reflected in Madame d'Ora's (1881–1963) extensive oeuvre: As a popular fashion photographer in early-twentieth-century Vienna, she photographed representatives of the late Austro-Hungarian Empire decked out in exquisite lace garments. But similar tissues and web-like structures can also be found in the photographs Madame d’Ora took in the 1950s of animal remains at Parisian slaughterhouses, entitling the resulting images almost tenderly “La Dentelle”, or “lace”. Taking this visual contradiction as its point of departure, the show delves into the storage drawers of the MK&G’s textiles and photography collections.

Originating in the sixteenth century, bobbin lace became part of the history of decorative arts, leaving a legacy of fragile beauty. The appeal of this type of lace lies in its complex patterns and filigree motifs, as well as in the sophisticated technique used to make it. Through the carefully choreographed turning and crossing of the bobbin lace needles, different stitches are worked into the fabric. From the elegant curves of floral patterns to the geometric precision of intricate latticework, the threads weave themselves into a fascinating mesh. In a world dominated by technology and mass production, bobbin lace is a symbol of the enduring vitality of high-quality craftsmanship.

Leni Matthaei (1873–1981) was one of the few lace designers and bobbin lace artists to achieve name recognition. Encouraged by Justus Brinckmann, founding director of the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, to whom she showed her designs, she learned the craft of lace-making at the Ecole de Dentelles et Broderie in Paris around 1907. The MK&G collection has around 80 works by Leni Matthaei.

Through this juxtaposition of photographs from the nineteenth to the mid-twentieth century – including those by Imre von Santho (1895–1957), Constant Puyo (1857–1933), David Octavius Hill (1802–1870) and Arthur Benda (1885–1969) – and the art of bobbin lace, viewers can experience lace as an extraordinary craft and a compelling means of photographic staging in which the fragility of the lace often serves as a metaphor for the vulnerability of the human body.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe, Hamburg)

Visulex Gallery for Photography | Hamburg-Eppendorf
25. April - 22. Mai 2024

Volker Hinz - Backstage mit Yves und Karl

Die Ausstellung “Backstage mit Yves und Karl” präsentiert eine faszinierende Auswahl an Fotografien aus dem umfangreichen Archiv des renommierten Hamburger Stern-Fotografen Volker Hinz (1947–2019), die zwischen den 1970er und 1990er Jahren entstanden sind. Tauchen Sie ein in die glamouröse Welt der Mode, der Couturiers und Supermodels, und werfen Sie einen Blick hinter die Kulissen von Modenschauen sowie in die Ateliers der bedeutendsten Designer ihrer Ära – insbesondere in Paris.

Dank seines Tickets als Stern-Fotograf hatte Volker Hinz Zugang zu Bereichen, die normalen Fotojournalisten verschlossen blieben. Schwerpunkt der Ausstellung sind die Backstage Aufnahmen mit Yves Saint Laurent und Karl Lagerfeld, aber auch Motive im privaten Umfeld der Designer. Diese Bilder gewähren uns einen Blick hinter die Kulissen der Haute-Couture-Szene und zeigen die Modeschöpfer mal privat, ganz »ungeschminkt«, aber auch in ihrer Funktion als Kunstfiguren. Volker Hinz beobachtete viele der legendären Designer seiner Zeit. Seinem Stil treu bleibend, ließ er sich von der glitzernden Model- und Modewelt nicht beeindrucken und schaffte es, sehr persönliche, unverstellte Momente festzuhalten. Von besonderem Wert sind diese letzten, von Volker Hinz eigenhändig signierten, monochromen Vintage-Abzügen, die den kulturellen Zeitgeist einer prägenden Epoche in der Modewelt einfangen.

L'exposition "Backstage mit Yves und Karl" présente une sélection fascinante de photographies issues des vastes archives du célèbre photographe hambourgeois du stern, Volker Hinz (1947-2019), prises entre les années 1970 et 1990. Plongez dans le monde glamour de la mode, des couturiers et des supermodels, et jetez un coup d'œil dans les coulisses des défilés de mode ainsi que dans les ateliers des plus grands créateurs de leur époque - notamment à Paris.

Grâce à son ticket de photographe du magazine Stern, Volker Hinz a eu accès à des domaines auxquels les photojournalistes ordinaires n'ont pas accès. L'exposition met l'accent sur les photos des coulisses avec Yves Saint Laurent et Karl Lagerfeld, mais aussi sur des motifs dans l'environnement privé des designers. Ces visuels nous permettent de jeter un coup d'œil dans les coulisses de la scène de la haute couture et montrent les créateurs de mode en privé, sans fard, mais aussi dans leur fonction de personnages artistiques. Volker Hinz a observé de nombreux créateurs légendaires de son époque. Fidèle à son style, il ne s'est pas laissé impressionner par le monde scintillant du mannequinat et de la mode et a réussi à immortaliser des moments très personnels, sans fard. Ces derniers tirages vintage monochromes, signés de la main de Volker Hinz, sont d'une valeur particulière et capturent l'esprit culturel d'une époque marquante dans le monde de la mode.

La mostra "Backstage with Yves and Karl" presenta un'affascinante selezione di fotografie tratte dal vasto archivio del famoso fotografo di Amburgo Volker Hinz (1947-2019), scattate tra gli anni Settanta e Novanta. Immergetevi nel mondo glamour della moda, dei couturier e delle top model, e date un'occhiata dietro le quinte delle sfilate e negli studi dei più importanti stilisti dell'epoca, soprattutto a Parigi.

Grazie al suo biglietto da visita come fotografo Stern, Volker Hinz aveva accesso a zone che rimanevano chiuse ai normali fotoreporter. La mostra si concentra sugli scatti del backstage con Yves Saint Laurent e Karl Lagerfeld, ma include anche motivi negli ambienti privati degli stilisti. Queste immagini ci danno uno sguardo dietro le quinte della scena dell'alta moda e mostrano gli stilisti in privato, completamente "disadorni", ma anche nella loro funzione di figure artistiche. Volker Hinz ha osservato molti dei leggendari stilisti del suo tempo. Rimanendo fedele al suo stile, non si è lasciato impressionare dallo sfavillante mondo della moda e della modellistica ed è riuscito a catturare momenti molto personali e candidi. Queste ultime stampe vintage monocromatiche, firmate dallo stesso Volker Hinz, sono di particolare valore e catturano lo zeitgeist culturale di un'epoca formativa del mondo della moda.

The exhibition "Backstage with Yves and Karl" presents a fascinating selection of photographs from the extensive archive of the renowned Hamburg stern photographer Volker Hinz (1947-2019), taken between the 1970s and 1990s. Immerse yourself in the glamorous world of fashion, couturiers and supermodels, and take a look behind the scenes of fashion shows and into the studios of the most important designers of their era - especially in Paris.

Thanks to his ticket as a Stern photographer, Volker Hinz had access to areas that remained closed to normal photojournalists. The exhibition focuses on the backstage shots with Yves Saint Laurent and Karl Lagerfeld, but also includes motifs in the designers' private surroundings. These visuals give us a look behind the scenes of the haute couture scene and show the fashion designers sometimes in private, completely "unadorned", but also in their function as art figures. Volker Hinz observed many of the legendary designers of his time. Remaining true to his style, he was not impressed by the glittering world of models and fashion and managed to capture very personal, candid moments. These last monochrome vintage prints, signed by Volker Hinz himself, are of particular value, capturing the cultural zeitgeist of a formative era in the fashion world.

(Text: Visulex Gallery for Photography, Hamburg-Eppendorf)

Deichtorhallen | Hamburg
7. September 2023 – 26. Januar 2025

Tactics & Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Diese erste europäische Einzelausstellung des New Yorker Duos Andrea Orejarena (*1994, Kolumbien) und Caleb Stein (*1994, UK) präsentiert fotografische und filmische Arbeiten, die sich mit Praktiken der Simulation und Narrativen der Desinformation auseinandersetzen.

Das Künstlerduo Andrea Orejarena, Kognitionswissenschaftlerin und Fotografin, und Caleb Stein, Dokumentarfotograf, ist bekannt für ihre konzeptuell-dokumentarischen Projekte, zu individueller Wahrnehmung und kollektiver Wirklichkeitskonstruktion. Ihre Arbeiten werden u.a. in den New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, und Wallpaper* publiziert.

Da ein wachsendes Misstrauen in die Unterscheidung von Realität und Fiktion unsere Gegenwart prägt, begab sich das Duo seit 2020 auf Social Media und fotografisch auf Erkundungstour. Entstanden ist ein erstes Archiv mit über 1.500 Fotografien und aktuellen Bildformen, das den Einfluss von Verschwörungsnarrativen auf die amerikanische Gesellschaft und die individuelle Wahrnehmung manifestiert.

Dieses Archiv fotografischer Formen von »alternative facts« tritt in der Installation American Glitch in Dialog mit den Landschaftsaufnahmen von Orejarena & Stein, die vermeintlichen Schauplätze von verschwörungstheoretischen Ereignissen dokumentieren und decodieren. Durch ihr Aufgreifen von Traditionen wie Roadtrips und Street Photography verwebt American Glitch Kontinuitäten aus der amerikanischen Fotogeschichte mit den neuen Phänomenen zeitgenössischer Online-Kultur.

Bereits seit ihrem Projekt Long Time No See (2018-2020) arbeitet das Duo an der drängenden Frage, welche Rolle die Fotografie für das Wechselverhältnis von Wahrnehmung und Imagination heute spielen kann. Long Time No See entstand zusammen mit jungen vietnamesischen Künstler*innen sowie Veteranen in Hanoi und zeichnet die künstlerische Auseinandersetzung mit den heutigen Erinnerungen und Folgen des Vietnamkrieges nach. In poetischen Porträts und Landschaftsansichten zeigt Long Time No See eine visuelle Spurensuche nach den Zwischentönen dissonanter Geschichtsschreibungen und Bildformen zwischen Dokumentation und subjektiver Wahrnehmung.

Die neue Ausstellungsreihe VIRAL HALLUCINATIONS adressiert das Spannungsfeld dokumentarischer Strategien in einer global vernetzten »Post-Wahrheit-Ära«.

Kuratorin: Nadine Isabelle Henrich, Kuratorin Haus der Photographie

Cette première exposition individuelle européenne du duo new-yorkais Andrea Orejarena (*1994, Colombie) et Caleb Stein (*1994, Royaume-Uni) présente des travaux photographiques et cinématographiques qui explorent les pratiques de simulation et les récits de désinformation.

Le duo d'artistes Andrea Orejarena, spécialiste des sciences cognitives et photographe, et Caleb Stein, photographe documentaire, est connu pour ses projets conceptuels et documentaires, sur la perception individuelle et la construction collective de la réalité. Leurs travaux sont publiés entre autres dans le New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia et Wallpaper*.

Comme une méfiance croissante à l'égard de la distinction entre réalité et fiction caractérise notre présent, le duo s'est lancé depuis 2020 dans une exploration des médias sociaux et de la photographie. Il en résulte une première archive de plus de 1 500 photographies et formes d'images actuelles qui manifestent l'influence des récits de conspiration sur la société américaine et la perception individuelle.

Dans l'installation American Glitch, ces archives de formes photographiques de "faits alternatifs" entrent en dialogue avec les photos de paysages d'Orejarena & Stein, qui documentent et décodent les lieux supposés d'événements conspirationnistes. En s'inspirant de traditions telles que les road-trips et la street photography, American Glitch entrelace les continuités de l'histoire de la photographie américaine avec les nouveaux phénomènes de la culture en ligne contemporaine.

Depuis leur projet Long Time No See (2018-2020), le duo travaille sur la question urgente du rôle que la photographie peut jouer aujourd'hui dans l'interaction entre la perception et l'imagination. Long Time No See a été réalisé en collaboration avec de jeunes artistes vietnamiens* ainsi que des vétérans à Hanoi et retrace la confrontation artistique avec les souvenirs et les conséquences actuelles de la guerre du Vietnam. À travers des portraits poétiques et des vues de paysages, Long Time No See montre une recherche visuelle des nuances d'écritures historiques dissonantes et de formes d'images entre documentation et perception subjective.

La nouvelle série d'expositions VIRAL HALLUCINATIONS aborde le champ de tension des stratégies documentaires dans une "ère post-vérité" globalement interconnectée.

Commissaire d'exposition : Nadine Isabelle Henrich, conservatrice Haus der Photographie

La prima mostra personale europea del duo newyorkese Andrea Orejarena (*1994, Colombia) e Caleb Stein (*1994, Regno Unito) presenta opere fotografiche e cinematografiche che affrontano pratiche di simulazione e narrazioni di disinformazione.

Il duo di artisti Andrea Orejarena, scienziata cognitiva e fotografa, e Caleb Stein, fotografo documentarista, sono noti per i loro progetti di documentari concettuali sulla percezione individuale e la costruzione collettiva della realtà. Il loro lavoro è stato pubblicato, tra gli altri, da New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia e Wallpaper*.

Poiché il nostro presente è caratterizzato da una crescente sfiducia nella distinzione tra realtà e finzione, dal 2020 il duo esplora i social media e la fotografia. Il risultato è un primo archivio di oltre 1.500 fotografie e forme di immagine attuali che manifestano l'influenza delle narrazioni cospirative sulla società americana e sulla percezione individuale.

Nell'installazione American Glitch, questo archivio di forme fotografiche di "fatti alternativi" entra in dialogo con le fotografie di paesaggio di Orejarena & Stein, che documentano e decodificano i presunti luoghi degli eventi della teoria del complotto. Riprendendo tradizioni come i viaggi su strada e la street photography, American Glitch intreccia le continuità della storia fotografica americana con i nuovi fenomeni della cultura online contemporanea.

A partire dal progetto Long Time No See (2018-2020), il duo lavora sulla pressante questione del ruolo che la fotografia può svolgere oggi nell'interazione tra percezione e immaginazione. Long Time No See è stato realizzato insieme a giovani artisti e veterani vietnamiti ad Hanoi e traccia un esame artistico dei ricordi e delle conseguenze odierne della guerra del Vietnam. Attraverso ritratti poetici e vedute paesaggistiche, Long Time No See mostra una ricerca visiva delle sfumature di storiografie e forme visive dissonanti tra documentazione e percezione soggettiva.

La nuova serie di mostre VIRAL HALLUCINATIONS affronta il campo di tensione delle strategie documentarie in una "era della post-verità" in rete a livello globale.

Curatore: Nadine Isabelle Henrich, curatore Haus der Photographie

This first European solo exhibition by New York-based duo Andrea Orejarena (*1994, Colombia) and Caleb Stein (*1994, UK) presents photographic and filmic works that explore practices of simulation and narratives of disinformation.

The artist duo Andrea Orejarena, cognitive scientist and photographer, and Caleb Stein, documentary photographer, are known for their conceptual-documentary projects on individual perception and the collective construction of reality. Their work has been published in the New York Times, The Guardian, i-D Vice, Vogue Italia, and Wallpaper*, among others.

As a growing distrust in the distinction between reality and fiction characterizes our present, the duo has been exploring social media and photography since 2020. The result is a first archive of over 1,500 photographs and current image forms that manifest the influence of conspiracy narratives on American society and individual perception.

In the installation American Glitch, this archive of photographic forms of "alternative facts" enters into a dialog with the landscape photographs by Orejarena & Stein, which document and decode the supposed locations of conspiracy theory events. By taking up traditions such as road trips and street photography, American Glitch interweaves continuities from American photographic history with the new phenomena of contemporary online culture.

Since their project Long Time No See (2018-2020), the duo has been working on the pressing question of what role photography can play in the interplay between perception and imagination today. Long Time No See was created together with young Vietnamese artists and veterans in Hanoi and traces the artistic examination of today's memories and consequences of the Vietnam War. In poetic portraits and landscape views, Long Time No See shows a visual search for traces of the nuances of dissonant historiographies and image forms between documentation and subjective perception.

The new exhibition series VIRAL HALLUCINATIONS addresses the field of tension of documentary strategies in a globally networked "post-truth era".

Curator: Nadine Isabelle Henrich, Curator Haus der Photographie

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)

Deichtorhallen | Hamburg
30. November 2024 – 4. Mai 2025

Nan Goldin – Werke aus der Sammlung F.C. Gundlach

Nan Goldins (* 1953 in Washington, D.C.) Werk zeichnet sich durch eine einzigartige und eindringliche Darstellung von Intimität, Liebe und gesellschaftlichen Randgruppen aus. Ihre Fotografien sind nicht nur Dokumentationen von Momenten, sondern auch tief emotionale Erzählungen, die das menschliche Dasein in all seinen Facetten einfangen.

Nan Goldins Herangehensweise an die Fotografie ist geprägt von Nähe und Vertrautheit. Goldin taucht in die Welten ihrer Freunde und Liebhaber ein und dokumentiert deren Leben mit einer Authentizität, die oft roh und ungeschminkt ist. Goldins Arbeiten zeichnen sich so durch eine ungeschönte und dennoch empathische Darstellung von Liebe, Schmerz, Verletzlichkeit und Ekstase aus. Ihre Serien sind visuelle Chroniken ihres sozialen Umfelds, geprägt von persönlichen Beziehungen und von denHöhen und Tiefen des Lebens. Dabei spielt sie mit Licht und Farben, um emotionale Atmosphären zu schaffen, die über das Visuelle hinausgehen und tief in die Psyche der Porträtierten eindringen.

Eine besondere Beziehung bestand zu dem Sammler und Fotografen F.C. Gundlach. Er überzeugte Nan Goldin nach eigenen Angaben davon großformatige Abzüge ihrer Diapositive zu produzieren. Die in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren entstandenen Arbeiten realisierte der Sammler in direkter Zusammenarbeit mit der Künstlerin in seiner Firma PPS in Hamburg im Cibachromeverfahren. Die von Sabine Schnakenberg kuratierte Ausstellung zeigt nicht nur deutlich die pragmatische Förderung der Künstlerin durch den Sammler mittels der Produktion der Prints, sondern auch eine Erweiterung ihrer Präsentationsform unter anderem für museale und ausstellende Institutionen, aber auch den Kunstmarkt.

Parallel und in inhaltlicher Korrespondenz zur Ausstellung von Franz Gertsch in den Hamburger Deichtorhallen können über 100 Arbeiten von Nan Goldin aus dem Bestand der Sammlung F.C. Gundlach gezeigt werden.

Kuratorin: Dr. Sabine Schnakenberg, Kuratorin der Sammlung F.C. Gundlach am Haus der Photographie

L'œuvre de Nan Goldin (née en 1953 à Washington, D.C.) se caractérise par une représentation unique et percutante de l'intimité, de l'amour et des groupes sociaux marginaux. Ses photographies ne sont pas seulement des documentations de moments, mais aussi des récits profondément émotionnels qui capturent l'existence humaine sous toutes ses facettes.

L'approche de Nan Goldin en matière de photographie est marquée par la proximité et la familiarité. Goldin s'immerge dans les univers de ses amis et amants et documente leur vie avec une authenticité souvent brute et sans fard. Le travail de Goldin se caractérise ainsi par une représentation sans fard mais empathique de l'amour, de la douleur, de la vulnérabilité et de l'extase. Ses séries sont des chroniques visuelles de son environnement social, marquées par des relations personnelles et par les hauts et les bas de la vie. Elle joue avec la lumière et les couleurs pour créer des atmosphères émotionnelles qui vont au-delà de l'aspect visuel et pénètrent profondément dans la psyché des sujets.

Une relation particulière existait avec le collectionneur et photographe F.C. Gundlach. Selon ses propres dires, il a convaincu Nan Goldin de produire des tirages grand format de ses diapositives. Le collectionneur a réalisé ces travaux, réalisés à la fin des années 1980 et au début des années 1990, en collaboration directe avec l'artiste dans sa société PPS à Hambourg, selon le procédé cibachrome. L'exposition organisée par Sabine Schnakenberg montre non seulement clairement la promotion pragmatique de l'artiste par le collectionneur au moyen de la production des tirages, mais aussi un élargissement de sa forme de présentation, entre autres pour les institutions muséales et d'exposition, mais aussi pour le marché de l'art.

Parallèlement à l'exposition de Franz Gertsch aux Deichtorhallen de Hambourg et en correspondance avec son contenu, plus de 100 œuvres de Nan Goldin issues de la collection F.C. Gundlach peuvent être présentées.

Curatrice : Dr. Sabine Schnakenberg, conservatrice de la collection F.C. Gundlach à la Haus der Photographie

Il lavoro di Nan Goldin (* 1953 a Washington, D.C.) è caratterizzato da un ritratto unico e ossessionante dell'intimità, dell'amore e dei gruppi sociali emarginati. Le sue fotografie non sono solo documentazioni di momenti, ma anche narrazioni profondamente emotive che catturano la condizione umana in tutte le sue sfaccettature.

L'approccio di Nan Goldin alla fotografia è caratterizzato da vicinanza e intimità. Goldin si immerge nei mondi dei suoi amici e amanti e documenta le loro vite con un'autenticità spesso cruda e disadorna. Le opere di Goldin sono quindi caratterizzate da una rappresentazione non abbellita ma empatica dell'amore, del dolore, della vulnerabilità e dell'estasi. Le sue serie sono cronache visive del suo ambiente sociale, caratterizzato da relazioni personali e dagli alti e bassi della vita. Gioca con la luce e il colore per creare atmosfere emotive che vanno oltre l'aspetto visivo e penetrano in profondità nella psiche delle persone ritratte.

Ha avuto un rapporto speciale con il collezionista e fotografo F.C. Gundlach. Secondo Nan Goldin, egli la convinse a produrre stampe di grande formato delle sue diapositive. Le opere create alla fine degli anni '80 e all'inizio degli anni '90 sono state realizzate dal collezionista in diretta collaborazione con l'artista presso la sua azienda PPS di Amburgo, utilizzando il processo Cibachrome. La mostra, curata da Sabine Schnakenberg, non solo mostra chiaramente la promozione pragmatica dell'artista da parte del collezionista attraverso la produzione delle stampe, ma anche un'espansione della sua forma di presentazione per le istituzioni museali ed espositive e per il mercato dell'arte.

Parallelamente alla mostra di Franz Gertsch nella Deichtorhallen di Amburgo e corrispondente nei contenuti, si potranno ammirare oltre 100 opere di Nan Goldin provenienti dalla Collezione F.C. Gundlach.

Curatore: Dr. Sabine Schnakenberg, Curatore della Collezione F.C. Gundlach presso la Casa della Fotografia

Nan Goldin's (* 1953 in Washington, D.C.) work is characterized by a unique and haunting portrayal of intimacy, love and marginalized social groups. Her photographs are not only documentations of moments, but also deeply emotional narratives that capture the human condition in all its facets.

Nan Goldin's approach to photography is characterized by closeness and intimacy. Goldin immerses herself in the worlds of her friends and lovers, documenting their lives with an authenticity that is often raw and unadorned. Goldin's works are thus characterized by an unembellished yet empathetic portrayal of love, pain, vulnerability and ecstasy. Her series are visual chronicles of her social environment, characterized by personal relationships and the highs and lows of life. She plays with light and color to create emotional atmospheres that go beyond the visual and penetrate deep into the psyche of those portrayed.

She had a special relationship with the collector and photographer F.C. Gundlach. According to Nan Goldin, he convinced her to produce large-format prints of her slides. The works created in the late 1980s and early 1990s were realized by the collector in direct collaboration with the artist at his company PPS in Hamburg using the Cibachrome process. The exhibition, curated by Sabine Schnakenberg, not only clearly shows the pragmatic promotion of the artist by the collector through the production of the prints, but also an expansion of her form of presentation for museum and exhibition institutions as well as the art market.

Parallel to and in correspondence with the exhibition by Franz Gertsch in Hamburg's Deichtorhallen, over 100 works by Nan Goldin from the F.C. Gundlach Collection can be shown.

Curator: Dr. Sabine Schnakenberg, Curator of the F.C. Gundlach Collection at the House of Photography

(Text: Deichtorhallen, Hamburg)