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Lugano Photo Days | Fotografi contro i crimini sugli animali | Ex Macello
Okt
12
zu 21. Okt.

Lugano Photo Days | Fotografi contro i crimini sugli animali | Ex Macello


Lugano Photo Days | Ex Macello
12. - 21. Oktober 2018

Fotografi contro i crimini sugli animali


 Blindfold Rhino | Neil Aldridge

Blindfold Rhino | Neil Aldridge


L’arte è espressione, e una forte espressione può influire sul cambiamento. La fotografia in particolare ha questo potere. Infatti, senza alcune fotografie di questo progetto, molte storie di crimini contro gli animali non avrebbero ricevuto visibilità. La maggior parte delle persone non dimentica un’immagine veramente potente, indipendentemente se sono colpiti da un momento scioccante di pura realtà o attirati da una composizione tenera e compassionevole.

I fotografi che hanno contribuito con le loro immagini stimolanti per questo progetto hanno diversi stili e abilità. Alcuni si propongono di evidenziare l’ingiustizia attraverso l’arte della dichiarazione, creando immagini indimenticabili attraverso la loro forza – la furia espressa magnificamente. Altri prendono la bellezza membrata e la reincarnano in un accordo inquietante, trasformando le prove in arte. Oppure utilizzano l’iconografia dell’arte classica per dare alle loro composizioni la risonanza umana, facendo eco ad una crocifissione, ad un letto di morte o al bottino di guerra.

I fotogiornalisti tra di loro hanno deciso di mostrare i crimini internazionali sugli animali attraverso una narrazione visiva, proprio come farebbe un giornalista di guerra, con una serie di immagini emotivamente potenti, ognuna accuratamente ripresa e pianificata, ciascuna incapsulando una diversa prospettiva della storia.

Poi ci sono gli appassionati fotografi naturalisti che iniziano coprendo una storia sulla vita dei loro soggetti preferiti e si trovano ad essere testimoni di un’altra storia e le loro fotografie diventano testimonianze di crimini o ingiustizie.

L’intenzione di altri fotografi naturalisti è semplicemente quella di trasmettere l’empatia che hanno per i loro soggetti e a farcene preoccupare allo stesso modo, così che proviamo una profonda rabbia per le cose crudeli che possono essere inflitte su creature senzienti.

Per realizzare immagini di questa qualità, scattando fotografie che sono più che casuali e che rimarranno potenti anche dopo averle guardate più volte, serve conoscenza, abilità e maestria. Questo normalmente succede dopo anni sul campo e acquisendo un’alfabetizzazione visiva. Queste immagini richiedono sia tempo per essere realizzate sia l’occhio di un artista. Sono immagini di spicco di grande valore. Non sorprende che molte abbiano vinto importanti premi.

Tutte le fotografie coinvolgono persone in qualche modo. Magari non mostrano crimini in un senso strettamente legale, ma rivelano la crudeltà e l’ignoranza o le tragedie dell’estinzione degli animali che, a lungo andare, influenzerà anche il nostro stesso benessere. In contrapposizione alle immagini di crudele indifferenza, molti ritraggono i teneri momenti di umanità. Ma tutto è collegato con noi. Colpiscono la nostra compassione e ci spingono a protestare contro l’inazione o al rifiuto politico.

Questa è la forza della fotografia. E creando una galleria con questo progetto, lo scopo dei fotografi è di amplificare la potenza con il grido “Fotografi contro i crimini sugli animali!”


Art is expression – and powerful expression can effect change. Photography in particular has this power. Indeed, without some of the photographs in this project, many wildlife crime stories would not have been given exposure. Most people never forget a truly powerful picture, whether they are transfixed by a shocking moment of raw reality or drawn in by a tender, compassionate composition.

The photographers who have contributed their thought-provoking images for this project have different styles and skills. Some set out to highlight injustice through statement art, creating images that are unforgettable through their power – fury expressed beautifully. Others take dismembered beauty and reincarnate it in a haunting arrangement, turning evidence into art. Or they use the iconography of classical art to give their compositions human resonance, echoing a crucifixion, a deathbed repose or the spoils of war.

The photojournalists among them have set out to cover international wildlife crime through a visual narrative, much as a war journalist would, with a series of emotionally powerful images, each skillfully shot and planned, each encapsulating a different angle of the story.

Then there are the passionate wildlife photographers who begin by covering one story about the life of their subject and find themselves witness to another story and their photographs testimonies to crimes or injustices.

The intention of yet other wildlife photographers is purely to convey the empathy they have with their subjects and move us to care in the same way – so that we feel real motivating anger that anything cruel could be done to such sentient creatures.

To execute images of this quality, to shoot pictures that are more than chance records and that will remain powerful however many times they are looked at, takes knowledge, skill and artistry. And that usually comes from years in the field and the acquisition of visual literacy. These images take both time to achieve and an artist’s eye. They are stand-out pictures of true value. Not surprisingly, many of them have won major awards.

All the pictures involve people in some way. They may not record crimes in a strictly legal sense, but they reveal cruelty and ignorance or wildlife-extinction tragedies that, in the long run, are likely to affect our own wellbeing. As a contrast to the scenes of cruel indifference, many portray the tender moments of human care. But all make a connection with us. They engage our compassion and prompt us to speak out against inaction or political denial. That’s the power of photography. And by creating a gallery in this project, the photographers’ aim is to magnify that power through the cry “Photographers Against Wildlife Crime!”

(Text: Roz Kidman Cox)

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Lugano Photo Days | The forgotten war of Nagorno-Karabakh - Mattia Vacca | Ex Macello
Okt
12
zu 21. Okt.

Lugano Photo Days | The forgotten war of Nagorno-Karabakh - Mattia Vacca | Ex Macello


Lugano Photo Days | Ex Macello
12. - 21. Oktober 2018

The forgotten war of Nagorno-Karabakh
Mattia Vacca


 The forgotten war of Nagorno-Karabakh | Mattia Vacca

The forgotten war of Nagorno-Karabakh | Mattia Vacca


“All men and women of Nagorno-Karabakh Republic are part of the army, but we can not say how many soldiers are now operative over the frontline” explains an official from the Ministry of Foreign Affairs in Stepanakert. 

Soldiers are engaged in defending their positions over the frontline, although in May 1994 an official ceasefire was also signed by Armenia. The ceasefire is regularly broken with casualties on both sides.

The conflict started in 1988 and escalated into full-scale war when the Soviet Union collapsed in 1991. Armenians went to war with Azerbaijan, with backing from Armenia. The conflict left 65,000 ethnic Armenians and 40,000 ethnic Azeris displaced.

Clashes between the Azerbaijani and ethnic Armenian forces over the breakaway enclave of Nagorno-Karabakh last year were the worst violence the region has seen since the ethnic war over the territory ended in 1994. Azerbaijan boasted of “destroying” 170 opposing troops, while sources from the Armenian Karabakhi forces estimated they had killed 300 Azeri soldiers. 

In the village of Talish, Azeri forces entered the houses killing four old-men and they brutally cut off their ears. Traces of those raids are still visible walking through bombed-out houses, shops and a destroyed school. Locals were transferred to near villages, where they found relatives. 

The border territory is now full of military camps and bases. In the capital Stepanakert a military academy substituted the traditional high-school.

Between the ages of 13-18 the young Artsakh citizens are forced to become soldiers, they wear uniforms and train in a military academy. Their everyday life is stuck in a military limbo, caused by a war that’s seen as normal and necessary.

Disassembling and reassembling a Kalashnikov rifle is a skill that is taught in schools from age 13. On the front line, young soldiers take care of their enemy’s actions. In the military academy, they learn maths, history and English, after physical exercises and marches.

Young men in Karabakh are required to serve two years of military service.

Conscripts serving at the frontline post, a bleak collection of trenches, observation hut, one-room office and one-room living quarters, asserted that they came from Nagorno-Karabakh, adding that they were there “to serve the homeland.”

In 2015 in Nagorno-Karabakh, women were accepted and joined the military high school in Stepanakert for the first time.

From schools to sports fields, from military academies to art institutions, the youth of Karabakh dream of a different future, aware that their generation will build the foundation for international recognition.

The younger generation, having grown up amid relative stability awoke to the fear of losing loved ones, homes and lifestyle. The clashes strengthened solidarity within Nagorno-Karabakh society and reinforced calls to end the conflict by any means necessary, including war and advancing deeper into Azerbaijan’s territory.

More than 60 per cent of Nagorno-Karabakh respondents expressed “disillusionment with the future of the country”, and more than 70 per cent voiced readiness to emigrate.

During the escalation, the de facto authorities called up the vast majority of Nagorno-Karabakh’s male population, most of whom remained in the trenches for at least the next two months.

Nagorno-Karabagh lived for twenty five years in an in-between, neither in war nor in peace, between independence and nonrecognition. That forgotten war seems to be still not finished today.

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Lugano Photo Days | Il popolo alato - Marco Fabbri | Ex Macello
Okt
12
zu 21. Okt.

Lugano Photo Days | Il popolo alato - Marco Fabbri | Ex Macello


Lugano Photo Days | Ex Macello
12. - 21. Oktober 2018

Il popolo alato
Marco Fabbri


 Il popolo alato | Marco Fabbri

Il popolo alato | Marco Fabbri


Lo studio la ricerca e l'osservazione mi hanno insegnato a guardare con occhi differenti ciò che ci circonda, a volte i ritmi frenetici imposti dalla società ci fanno dimenticare da dove veniamo, per me fotografare è fermare attimi per poterli apprezzare il tempo che desideriamo.

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Lugano Photo Days | There is the sun outside - Francesco Cilli | Ex Macello
Okt
12
zu 21. Okt.

Lugano Photo Days | There is the sun outside - Francesco Cilli | Ex Macello


Lugano Photo Days | Ex Macello
12. - 21. Oktober 2018

There is the sun outside
Francesco Cilli


 There is the sun outside | Francesco Cilli

There is the sun outside | Francesco Cilli


Missy, 27 years old and Claire, 24 years old (invented names), are two friends who have been fighting for years against Bulimia, a food disorder that affects about 3 million of Italians, 95% of whom are women. This is a worrying phenomenon, considering that the number of people affected by this disease is increasing. There are 12 new cases per 100 people every year. 
For a few years they have been following the same psycho-therapeutic group in a center for eating disorders, trying to heal together, but because of the disease they have wandered away and approached again several times, because each of them considers the other perfect and able to control her body. 
They explain that their disturbance is not only a matter of food dependence but also of the emotions they are unable to handle, trying to control them through very rigid mental patterns to be perfect. 
It's just a stronger emotion or to ingest calories that makes them feel inadequate or wrong to cause their mental pattern to break and start the “binging” that leads them to ingest huge quantity of food and then to vomit everything . 
<< I spent the day lounging and lying. I can not stop, I'm hungry, yet my mind continues to suggest what I could eat There is sun outside, but it’s a very dark day for me "> >

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Afrofuturismus - Osborne Macharia
Aug
23
zu 26. Aug.

Afrofuturismus - Osborne Macharia

  • Extérieur et Hall du Casino de Montbenon (Karte)
  • Google Kalender ICS

Extérieur et Hall du Casino de Montbenon | 13e Festival cinémas d'Afrique | Lausanne
23. - 26. August 2018

Afrofuturismus
Osborne Macharia


 Osborne Macharia

Osborne Macharia

Osborne Macharia, ein autodidaktischer kommerzieller Fotograf mit Sitz in Nairobi, ist zweifellos die führende Figur in der afrofuturistischen Fotografie. Er zeichnet sich durch seine virtuellen Porträts mit dynamischen und farbigen Konturen aus. Fotografie, er versteht sie vor allem als Erzählkunst. 

Er ist nicht nur ein talentierter Fotograf, sondern auch ein außergewöhnlicher Geschichtenerzähler. In seine Werke einzutauchen bedeutet, in ein Märchenbuch einzutauchen, in dem sich jeder Charakter in einer mit Sorgfalt komponierten imaginären Umgebung verankert. Seine Inspiration bezieht er aus Comics, Illustrationen und vor allem aus der Filmwelt, nach dem Vorbild der exklusiven Arbeit, die er von Disney für den Launch des amerikanischen Blockbusters "Black Panther" geschaffen hat. 

Als subtiler Balanceakt zwischen Identität, Kultur und Fiktion bringt Osborne Macharias Fotografie neue Perspektiven auf universelle und spezielle Themen wie Gleichheit, Integration, sexuelle Verstümmelung, Elfenbeinwilderei oder die Stigmatisierung von Albinos, älteren oder kleinen Menschen.

Jede Serie, die im Rahmen des Festivals präsentiert wird, ist für den Zuschauer eine schöne Gelegenheit, sich von den oft miserablen Bildern Afrikas zu entfernen und innovative, lebendige und kühne Bilder zu entdecken.

Dieses Jahr lädt das Festival die Besucher ein, in einem Fotostudio im Herzen der Ausstellung zu posieren und sich vom Künstler fotografieren zu lassen.


 Osborne Macharia

Osborne Macharia

Photographe publicitaire autodidacte basé à Nairobi, Osborne Macharia apparaît sans nul doute comme la figure de proue de la photographie afrofuturiste. Il se démarque par ses portraits virtuels aux contours dynamiques et colorés. La photographie, il la conçoit avant tout comme un art narratif.

En plus d’être un photographe de talent, il se révèle être un conteur exceptionnel. Se plonger dans ses œuvres équivaut à se plonger dans un livre de contes où chaque personnage s’ancre dans un environnement imaginaire composé avec soin. Il tire son inspiration des bandes dessinées, des illustrations et surtout du monde cinématographique, à l’instar de l’œuvre exclusive qu’il a été chargé de créer par Disney pour le lancement de la superproduction américaine "Black Panther".

Subtil balancement entre identité, culture et fiction, la photographie d’Osborne Macharia est porteuse de nouvelles perspectives sur des sujets aussi bien universels que particuliers tels que l’égalité, l’intégration, les mutilations sexuelles, le braconnage de l’ivoire ou encore la stigmatisation des albinos, des personnes âgées ou des personnes de petite taille.

Chaque série présentée dans le cadre du Festival sera pour le spectateur une belle occasion de s’éloigner des images souvent misérabilistes de l’Afrique pour découvrir des tableaux innovants, vibrants et audacieux.

Cette année, le Festival propose aux visiteurs de venir prendre la pose dans un studio photo inédit installé au cœur de l’exposition et de repartir avec une photo prise par l’artiste.

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Aug
7
9:30 nachm.21:30

IAF - Basel | Festival für zeitgenössische Kunst | Afrofuturismus | Open Air Voltaplatz |Basel


Open Air Voltaplatz | Basel
1. - 16. September 2018

Afrofuturismus - Superhelden & Fabelwesen
Osborne Macharia


 Ilgelunot Saiton | Osborne Macharia

Ilgelunot Saiton | Osborne Macharia

Der kenianische Künstler Osborne Macharia verschreibt sich in seiner Arbeit der Ästhetik des Afrofuturismus. Die Fotografien stellen Zukunftsszenarien dar, die stark von Mode und Design geprägt sind. Afrofuturismus kombiniert Elemente aus Science-Fiction, historischen Romanen, Fantasy und Afrozentrizität. Heutige Dilemmata von people of color werden kritisiert und historische Ereignisse hinterfragt. Die Open Air Ausstellung umfasst sechs grossformatige, fantastische Portraitreihen.

Osborne Macharia führt durch die Ausstellung
Sonntag | 2. September 2018 | 11.30 Uhr
Dienstag | 4. September 2018 | 17.30 Uhr
Alle Führungen in englischer Sprache
Teilnahme kostenlos

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Cortona On The Move | #instagrampier - Pierfrancesco Celada | Orto delle Carceri
Jul
14
zu 30. Sep.

Cortona On The Move | #instagrampier - Pierfrancesco Celada | Orto delle Carceri


Corotona One The Move | Orto delle Carceri
14. Juli - 30. September 2018

#instagrampier
Pierfrancesco Celada


 Pierfrancesco Celada

Pierfrancesco Celada

instagrampier ist ein Ort des Übergangs zwischen dem realen Leben und der virtuellen Welt der sozialen Medien, ein gemeinsames Porträt der heutigen Gesellschaft. Instagram Pier ist eine Industriepier auf der Westseite der Insel Hongkong, die seit einigen Jahren unter diesem Namen bekannt ist. Jeden Tag, besonders bei Sonnenuntergang, versammeln sich viele Instagrammer, Fotografen und normale Bürger, die von der malerischen Aussicht auf den Hafen von Victoria angezogen werden, am Pier, um Selbst- und Panoramafotos zu machen. Um konsistent zu bleiben und eine direkte Verbindung zu anderen Instagrammern herzustellen, begann ich, mich um das Profil des Instagram-Piers zu kümmern. (IG:@insta_pier #instagrampier)

Pierfrancesco Celada (1979, Varese, Italien) lebt und arbeitet in Hongkong. Er arbeitet an einer Reihe von Fotoprojekten, die die Lebensbedingungen in den am dichtesten besiedelten städtischen Gebieten untersuchen. Seine Arbeiten wurden unter anderem von Newsweek, The New York Times, Time Lightbox, i-D, Vogue, Amica, D-Republic, Bloomberg Magazine veröffentlicht.

#instagrampier è un posto di passaggio tra la vita reale e il mondo virtuale dei social media, un ritratto condiviso della società contemporanea. L’Instagram Pier è un molo industriale situato sul lato occidentale dell’isola di Hong Kong che da qualche anno è diventato famoso con questo appellativo. Ogni giorno, soprattutto al tramonto, molti instagrammer, fotografi e semplici cittadini attratti dalla suggestiva vista del porto di Victoria, si riuniscono al molo per scattare selfie e foto panoramiche. Per rimanere coerente al posto, e per creare un filo diretto con altri instagrammer, ho iniziato a curare il profilo dell’Instagram Pier. (IG:@insta_pier #instagrampier)

Pierfrancesco Celada (1979, Varese, Italia) vive e lavora a Hong Kong. Sta lavorando a una serie di progetti fotografici che esplorano le condizioni di vita nelle aree urbane più densamente popolate. Il suo lavoro è stato pubblicato, tra gli altri da Newsweek, The New York Times, Time Lightbox, i-D, Vogue, Amica, D-Repubblica, Bloomberg Magazine.

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Cortona On The Move | New Visions
Jul
14
zu 30. Sep.

Cortona On The Move | New Visions


Cortona On The Move | Palazzo Capannelli | Via Zefferini 1
14. Juli - 30. September 2018

New Visions

Ernst CoppejansClaudia Gori | Marylise Vigneau


 Ernst Coppejans

Ernst Coppejans

"Vor einigen Jahren entdeckte ich in Amsterdam einen Unterschlupf für Opfer von Menschenhandel. Ich wollte mehr wissen und begann zu recherchieren. Ich kam sofort auf die Idee, eine Serie von Porträts der Opfer zu machen. Zunächst besuchte ich jede Woche die Hütte, um all jene zu treffen, die dort arbeiteten und lebten. Ihr Vertrauen zu gewinnen, war das Wichtigste für mich. Es brauchte viel Tee, Kaffee und ein Modefotoshooting, das die Mädchen unterhielt und sie überzeugte, an Bord zu springen.

Verkauft wird eine Serie von anonymen Porträts von Opfern des Menschenhandels. Die Porträts werden in Schutzräumen aufgenommen, in denen diese Frauen und Männer vorübergehend Schutz und Unterkunft finden. Und vielleicht der Beginn eines besseren Lebens.

Ernst Coppejans (1974, Wissenkerke, Niederlande) absolvierte nach einer Ausbildung zum Produktdesigner die PhotoAcademy in Amsterdam und arbeitet seitdem als freier Fotograf. Die Menschen, das Leben, das sie leben und die Entscheidungen, die sie treffen, faszinieren ihn. Die Ideen für seine Projekte stammen aus seinen Erfahrungen und seiner Neugierde auf die Erfahrungen außergewöhnlicher Menschen. Die Stärke des Verlierers ist das zentrale Thema der Arbeit von Ernst Coppejans.

“Alcuni anni fa ho scoperto ad Amsterdam un rifugio per le vittime della tratta di esseri umani. Volevo saperne di più e ho iniziato a effettuare delle ricerche in merito. Mi è subito venuta in mente l’idea di realizzare una serie di ritratti delle vittime. Ho iniziato visitando il rifugio ogni settimana, per conoscere tutti coloro che ci lavoravano e ci vivevano. Ottenere la loro fiducia era la cosa più importante per me. Ci sono voluti un sacco di tè, caffè e un servizio fotografico di moda che ha fatto divertire le ragazze e le ha convinte a saltare a bordo.”

Sold è una serie di ritratti anonimi delle vittime della tratta di esseri umani. I ritratti sono realizzati nei rifugi dove queste donne e questi uomini trovano temporaneamente sicurezza e alloggio. E, forse, l’inizio di una vita migliore.

Ernst Coppejans, (1974, Wissenkerke, Olanda), dopo aver completato un percorso formativo nell’ambito del product design, si è laureato alla PhotoAcademy di Amsterdam e da allora lavora come fotografo freelance. Lo affascinano le persone, le vite che vivono e le scelte che fanno. Le idee per i suoi progetti nascono dalle sue esperienze e dalla sua curiosità nei confronti del vissuto di persone straordinarie. La forza del perdente è il tema centrale del lavoro di Ernst Coppejans.


 Claudia Gori

Claudia Gori

Die Weltbevölkerung ist zunehmend hochfrequenten elektromagnetischen Feldern von Mobiltelefonen, Schnurlostelefonen, Tabletten, Wi-Fi und Signalverstärkern ausgesetzt. Elektrosensibilität (EHS) ist eine Reihe von physischen und/oder psychischen Symptomen, die mit dem Vorhandensein und der Nähe zu diesen Bereichen zusammenhängen, wie Kopfschmerzen, Schlaflosigkeit, Schwäche, Konzentrationsstörungen, Schmerzen, Ausschläge, Hör-, Seh- und Gleichgewichtsstörungen, Stimmungsschwankungen. Die Zahlen in Italien sind alarmierend: Wir sprechen von mindestens 600 000 Fällen.

Immer mehr Menschen leiden und ändern ihre Gewohnheiten radikal und wenden sich der Zwangsisolierung als einzigem Heilmittel zu. Viele von denen, die nicht bereit sind, den Ort und den Lebensstil zu ändern, versuchen, mit selbstgemachten Therapien zu heilen. Andere entwickeln schwere Formen von Depressionen und Missbrauch. Diese Menschen werden Wächter genannt, weil sie als diejenigen betrachtet werden, die jetzt versuchen, was in den kommenden Jahren zu einem zunehmend verbreiteten Phänomen werden könnte.

Claudia Gori (1986, Prato, Italien) arbeitet als freie Fotografin und führt fotografische Projekte der sozialen und psychologischen Forschung in Italien und im Ausland durch. Seine Bilder wurden in Zeitungen wie CNN Photo Blog, The Wall Street Journal, Grazia Italia, R2 La Repubblica veröffentlicht. Im Jahr 2016 wurde sie für die Joop Swart Masterclass of the World Press Photo nominiert. Im Jahr 2017 gehörte er zu den Finalisten des Premio Pesaresi und im Jahr 2018 zu den Finalisten des Sony World Photography Award für das Projekt The Sentinels.

La popolazione mondiale è esposta in modo massiccio e crescente ai campi elettromagnetici ad alta frequenza emessi da cellulari, cordless, tablet, Wi-Fi, ripetitori. L’elettrosensibilità (EHS) è un insieme di sintomi fisici e/o psicologici legati alla presenza e alla vicinanza a questi campi, come cefalee, insonnia, debolezza, deficit di concentrazione, dolori, eruzioni cutanee, disturbi uditivi, visivi e dell’equilibrio, alterazione dell’umore. I numeri in Italia sono allarmanti: si parla di almeno 600mila casi.

Sempre più persone ne soffrono e modificano radicalmente le loro abitudini, ripiegando su un isolamento forzato come unico rimedio. Molti di coloro che non sono disposti a cambiare luogo e stile di vita cercano di guarire con terapie fai da te. Altri sviluppano gravi forme di depressione e abulia. Queste persone sono chiamate sentinelle, perché sono considerate coloro che provano adesso ciò che potrebbe diventare un fenomeno sempre più diffuso negli anni a venire.

Claudia Gori (1986, Prato, Italia) lavora come fotografa indipendente e porta avanti progetti fotografici di ricerca sociale e psicologica in Italia e all’estero. Le sue immagini sono state pubblicate su testate giornalistiche come CNN Photo Blog, The Wall Street Journal, Grazia Italia, R2 La Repubblica. Nel 2016 è stata nominata per la Joop Swart Masterclass del World Press Photo. Nel 2017 è tra i finalisti del Premio Pesaresi e nel 2018 è tra i finalisti del Sony World Photography Award col progetto The Sentinels.


 Marylise Vigneau

Marylise Vigneau

Die Einschränkungen der Meinungsfreiheit der pakistanischen Regierung wurden oft als Vorwand gegen verschiedene Personengruppen wie Minderheiten, Journalisten, Menschenrechtsaktivisten, Atheisten, Homosexuelle usw. benutzt, um sie daran zu hindern, sich öffentlich zu äussern. Tötungen und Angriffe auf Journalisten, Medienschaffende und Menschenrechtsverteidiger bleiben endemisch und ständig ungestraft.

Diese Geschichte spielt in Lahore und ist eine Serie von Porträts von Menschen, deren Art zu denken, zu leben und zu lieben gegen die offizielle pakistanische Vision verstösst. Menschen, deren Leben ein ständiger Kampf ist, weil sie ihre Meinung, ihren Glauben, ihre Sexualität, ihre Kunst, ihre Sorgen, ihre Freuden und Sorgen verbergen müssen. Diese Bilder wurden mit äusserster Vorsicht präsentiert, um die Sicherheit und damit auch die Anonymität der abgebildeten Personen zu gewährleisten. Jeder von ihnen heisst "Noor", ein Name, der Licht bedeutet und gleichgültig für Frauen und Männer verwendet wird.

Marylise Vigneau (1968, Ambilly, Frankreich) wuchs in einer traditionellen Pariser Familie auf. Trotz ihrer Faszination für Literatur ist ihre Ausdrucksweise im Laufe der Zeit zur Fotografie geworden. Asien und die Städte, die von Zeit und Vergessen, Entwicklung oder Isolation - oft zwei Extreme desselben Phänomens - betroffen sind, sind sein bevorzugtes Terrain. Sie liebt das Spiel mit Gegensätzen: Abwesenheit und Präsenz, Leere und Fülle, Einsamkeit und Multitude, nah und fern.

Le restrizioni del governo pakistano alla libertà di parola sono state spesso strumentalizzate contro diversi gruppi di persone, quali minoranze, giornalisti, attivisti per i diritti umani, atei, omosessuali, ecc. Le uccisioni e gli attacchi a giornalisti, collaboratori dei media e difensori dei diritti umani rimangono endemici e costantemente impuniti.

Questa storia si svolge a Lahore e costituisce una serie di ritratti di persone il cui modo di pensare, vivere, amare, va contro la visione ufficiale pakistana. Persone la cui vita è una lotta continua perché devono nascondere le loro opinioni, le loro convinzioni, la loro sessualità, la loro arte, le loro preoccupazioni, le gioie e i dolori. Queste immagini sono state esposte con estrema cautela in modo da garantire la sicurezza e quindi anche l’anonimato delle persone ritratte. Ognuna di loro si chiama “Noor”, un nome che significa luce e viene usato indifferentemente per donne e uomini.

Marylise Vigneau (1968, Ambilly, Francia) è cresciuta in una famiglia parigina tradizionale. Nonostante il suo fascino per la letteratura, nel corso del tempo la sua modalità di espressione è diventata la fotografia. L’Asia e le città colpite dal tempo e dall’oblio, dallo sviluppo o dall’isolamento – spesso due estremi dello stesso fenomeno – costituiscono il suo terreno preferito. Ama giocare con gli opposti: l’assenza e la presenza, il vuoto e la pienezza, la solitudine e la moltitudine, il vicino e il lontano.

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Cortona On The Move | Palazzo Capannelli
Jul
14
zu 30. Sep.

Cortona On The Move | Palazzo Capannelli


Cortona On The Move | Palazzo Capannelli
14. Juli - 30. September 2018

Under Pressure
Guia Besana

Blood Speaks: A Ritual of Exile
Poulomi Basu

Tomorrow There Will Be Apricots
Tanya Habjouqa

Puree with a Taste of Triangles
Alena Zhandarova

Revising History
Jennifer Greenburg


 Guia Besana

Guia Besana

In der Zeit zwischen dem 20. Jahrhundert und diesem Jahrhundert hat sich der männliche Zustand nicht wesentlich verändert, während sich der Zustand der Frauen definitiv verändert hat. Verglichen mit den Geschichten unserer Großmütter ist für uns alles anders, innerhalb und ausserhalb der Häuser. Wir haben die Verantwortung übernommen, zu beweisen, dass wir in der Lage sind, uns von der Pflege des Hauses, von Öfen und Herden zu einem umfassenderen Schicksal zu entwickeln. Wenn wir über diesen Übergang sprechen, wo die Suche nach einem Weg, alles zu versöhnen, wie eine Schlacht erscheint, gibt es immer ein Gefühl von "Anstrengung", das alle Frauen vereint, so heterogen sie auch sein mögen.

"Under Pressure" ist das Porträt dieser intimen Zerbrechlichkeit. Es erzählt uns, wie wir Frauen dieser Zeit, laufen und stolpern, um unseren Töchtern und zukünftigen Generationen etwas Emanzipierteres zu liefern.

Guia Besana (1972, Borgosesia, Italien) lebt und arbeitet zwischen Paris und Barcelona. Nach dem Studium der Medien und Kommunikation in Turin widmet sie sich seit 1994 ausschliesslich der Fotografie, mit besonderem Augenmerk auf das Thema der weiblichen Identität. Ihre Arbeiten werden regelmässig in internationalen Zeitschriften und Blogs wie CNNphotos.com, The New York Times, Newsweek, Huffington Post, Marie Claire, Vanity Fair, Le Monde, Courrier International, D di Repubblica, Esquire veröffentlicht.

Nel passaggio fra il ‘900 e questo secolo la condizione maschile non è sostanzialmente cambiata, mentre è cambiata decisamente quella delle donne. Rispetto alle storie delle nostre nonne per noi tutto è diverso, dentro e fuori le case. Abbiamo ereditato la responsabilità di dimostrare che siamo capaci di passare dalla cura del mondo domestico, dalle stufe e i fornelli, alla creazione di un destino più esauriente. Quando si parla di questa transizione, dove trovare il modo per conciliare tutto sembra una battaglia, c’è sempre una sensazione di “sforzo” che accomuna tutte le donne, per quanto eterogenee possano essere.

“Under Pressure” è il ritratto di questa intima fragilità. Racconta come noi, donne di questo tempo, corriamo e inciampiamo per consegnare qualcosa di più emancipato alle nostre figlie e alle future generazioni.

Guia Besana (1972, Borgosesia, Italia) vive e lavora tra Parigi e Barcellona. Dopo gli studi in media e comunicazione a Torino, dal 1994 si dedica esclusivamente alla fotografia, con una particolare attenzione al tema dell’identità femminile.
Il suo lavoro è regolarmente pubblicato su riviste e blog internazionali come CNNphotos.com, The New York Times, Newsweek, Huffington Post, Marie Claire, Vanity Fair, Le Monde, Courrier International, D di Repubblica, Esquire.


 Poulomi Basu

Poulomi Basu

Blood Speaks: A Ritual of Exile ist ein transmediales Projekt, das die Ursachen und Folgen der Normalisierung von Gewalt gegen Frauen in Nepal untersucht. Der Ursprung dieser Gewalt ist die Unreinheit des weiblichen Menstruationsblutes. Es ist versteckte Gewalt, oft nicht berichtet, ungelöst. Diese Frauen sind unantastbar. Im Zentrum dieser Geschichte steht das Chaupadi-Ritual in Nepal, bei dem Mädchen und Frauen in der Menstruation in rudimentären Unterkünften ins Exil getrieben werden, von denen viele kaum geeignet wären, Tiere aufzunehmen. Während dieser Menstruation werden Frauen oft misshandelt, von Schlangen gebissen, vergewaltigt und sogar ermordet.

Durch Videoinhalte, VR, Fotografien, Screenings und Interviews bricht Blood Speaks den Schleier der Stille und Scham, den Frauen erleben. Sie will nicht nur informieren, sondern auch die Öffentlichkeit in eine verborgene Welt eintauchen und sie zu Zeugen der Ungerechtigkeit dieser Praxis machen.

Poulomi Basu (1983, Kalkutta, Indien) ist eine indische Schriftstellerin, Künstlerin und Aktivistin. Mit ihrer Arbeit analysiert sie, wie sich die Identitätsbildung mit der Geopolitik verflechtet und die in unseren Gesellschaften verborgenen und tief vergrabenen Machtstrukturen aufdeckt. Poulomi wurde von der Raffinerie 29 zusammen mit Hillary Clinton als "eine der erstaunlichsten Frauen beschrieben, die auf der ganzen Welt ihren besten Beitrag leisten".

Blood Speaks: A Ritual of Exile è un progetto transmediale che indaga le cause e le conseguenze della normalizzazione della violenza contro le donne in Nepal. L’origine di questa violenza è l’impurità del sangue mestruale femminile. È una violenza nascosta, spesso non denunciata, irrisolta. Queste donne sono intoccabili. Al centro di questa storia c’è il rituale del chaupadi in Nepal, per cui le ragazze e le donne in fase mestruale sono costrette a sopportare un esilio in rifugi rudimentali, molti dei quali sarebbero a malapena adatti a ospitare animali. Durante questo esilio mestruale le donne vengono spesso maltrattate, morse da serpenti, violentate e persino assassinate.

Attraverso contenuti video, VR, fotografie, proiezioni e interviste, Blood Speaks squarcia il velo del silenzio e della vergogna vissuta dalle donne. Cerca non solo di informare, ma anche di immergere il pubblico in un mondo nascosto e di renderlo testimone dell’ingiustizia di questa pratica.

Poulomi Basu (1983, Calcutta, India) è una scrittrice, artista e attivista indiana. Con il suo lavoro analizza come la formazione dell’identità si intrecci con la geopolitica, svelando le strutture di potere nascoste e profondamente sepolte nelle nostre società. Poulomi è stata definita da Refinery 29, insieme a Hillary Clinton, “una delle sorprendenti donne che, in tutto il mondo, offrono il loro miglior contributo”.


 Tanya Habjouqa

Tanya Habjouqa

Die Stabilität, die Syrien einst genoss, wurde zu einem hohen Preis realisiert. Dissens wurde nicht geduldet, es gab keine Rede- oder Vereinigungsfreiheit, und diejenigen, die dagegen waren, gingen in die berüchtigten Gefängnisse des Regimes. Morgen wird es Aprikosen geben, stammt aus der gegenwärtigen schrecklichen Situation, in der noch grössere Dunkelheit Syrien eingehüllt hat. Das Projekt erzählt diese Geschichte durch Frauen, die ihren Körper benutzen, um ihre Erfahrungen zu erzählen und die Isolation, die sie beschreiben, aktiv zu besetzen. Eine emotionale und investigative Erzählung, die in drei verschiedenen Kapiteln des syrischen Bürgerkriegs erzählt wird. Metaphorische Geschichten verschmelzen zu einer Synthese aus Originalgedichten, intimen Aufnahmen und Filmen, Standbildern und bewegten Bildern.

Dieses Projekt ist vieles: Studium, Recherche, Dokumentation, Reenactment, Archiv, Reflexion und sogar spirituelle Sitzung für diejenigen, die von dem verzweifelten Bedürfnis angetrieben werden, die Toten auferstehen zu lassen oder die Vergangenheit und ihre Geister zu konfrontieren.

Tanya Habjouqa (1975, Amman, Jordanien) ist Fotografin und Pädagogin jordanischer und texanischer Herkunft. Ihre langfristigen Projekte konzentrieren sich auf Genderfragen, die Darstellung von Vielfalt, Enteignung und die sich entwickelnde gesellschaftspolitische Dynamik des Nahen Ostens. Seine Occupied Pleasures, mit denen sie 2014 den World Press Photo gewann, wurde von den Zeitschriften TIME und Smithsonian als eines der besten Fotobücher des Jahres 2015 bezeichnet. Habjouqa ist Teil der Agentur NOOR und Gründungsmitglied von Rawiya, dem ersten rein weiblichen Fotokollektiv im Nahen Osten. Derzeit lebt sie in Ost-Jerusalem.

La stabilità di cui la Siria godeva un tempo era stata ottenuta a caro prezzo. Il dissenso non era tollerato, non c’era libertà di parola né di associazione, e coloro che si opponevano andavano a riempire le famigerate prigioni del regime. Tomorrow There Will Be Apricots nasce dalla terribile situazione attuale, in cui un’oscurità ancora più grande ha avvolto la Siria. Il progetto narra questa storia attraverso donne che usano il proprio corpo per raccontare le loro esperienze, occupando attivamente l’isolamento che descrivono. Una narrazione emotiva e investigativa raccontata in tre capitoli distinti della guerra civile siriana. Racconti metaforici fusi in una sintesi di poesie originali, registrazioni intime e filmati, immagini fisse e in movimento.

Questo progetto è tante cose: studio, indagine, documentario, rievocazione, archivio, riflessione, e anche seduta spiritica per chi è spinto dal disperato bisogno di resuscitare i morti o di confrontarsi con il passato e i suoi fantasmi.

Tanya Habjouqa (1975, Amman, Giordania) è una fotografa ed educatrice di origini giordana e texana. I suoi progetti a lungo termine si concentrano sulle tematiche di genere, la rappresentazione delle diversità, l’espropriazione e le dinamiche socio-politiche in continua evoluzione del Medio Oriente. Il suo Occupied Pleasures, con cui ha vinto il World Press Photo nel 2014, è stato definito dalle riviste TIME e Smithsonian come uno dei migliori libri fotografici del 2015. Habjouqa fa parte dell’agenzia NOOR ed è membro fondatore di Rawiya, il primo collettivo fotografico tutto femminile del Medio Oriente. Attualmente risiede a Gerusalemme Est.


 Alena Zhandarova

Alena Zhandarova

Ich probiere gerne etwas aus, was ich noch nie zuvor gemacht habe, um meine Wahrnehmung der Welt zu erweitern. Ich erforsche das Thema der Einzigartigkeit und Vielfalt eines jeden Menschen, die Verbindung zwischen der inneren und äusseren Welt. Ich verstosse gegen die Konventionen, die mich umgeben und versuche, meine eigenen persönlichen Regeln zu schaffen, um mit dem Universum zu kommunizieren. Die Idee, das Unvereinbare zu verbinden, etwas aus dem Nichts zu erschaffen, die überraschenden Zufälle, die sich dann zu einzigartigen Geschichten entwickeln, hat mich inspiriert.

Alena Zhandarova (1988, Birobidzhan, Russland) ist eine junge russische Künstlerin. Sie studierte Kunstfotografie am Europäischen Institut für Design in Madrid. Sie gewann den LensCulture Student Award und den Luceo Award, erhielt eine Auszeichnung beim Festival Encontros da Imagem in Portugal und war Finalistin beim Arte Laguna Award in Italien und beim Photovisa Festival in Russland.

Mi piace cimentarmi in qualcosa mai fatto prima, per espandere la percezione del mondo. Esploro il tema dell’unicità e della diversità di ogni persona, la connessione tra mondo interno ed esterno. Vado contro le convenzioni che mi circondano e cerco di creare le mie regole personali per comunicare con l’universo. Mi ispira l’idea di coniugare l’incompatibile, di creare qualcosa dal nulla, le coincidenze sorprendenti che si sviluppano poi in storie uniche.

Alena Zhandarova (1988, Birobidzhan, Russia) è una giovane artista russa. Ha studiato fotografia d’arte presso l’Istituto Europeo di Design di Madrid. È vincitrice dei premi LensCulture Student Award e del Luceo Award, ha ricevuto una menzione d’onore al Festival Encontros da Imagem in Portogallo, ed è risultata finalista del premio Arte Laguna in Italia e del Photovisa Festival in Russia.


 Jenniger Greenburg

Jenniger Greenburg

Revising History ist eine Studie über die Fotografie, die Natur des Volksbildes und ihre Rolle bei der Schaffung von kulturellen Allegorien. Die volkstümlichen Bilder erzeugen kulturelle Geschichten, denen wir vertrauen. Die Gefahr besteht darin, dass wir vergessen zu haben scheinen, dass das Bild den Moment von der Realität befreit, den Blickwinkel auslöscht und unweigerlich von einer assimilierten oder konventionellen Fantasie beeinflusst wird.

Diese Arbeit ist eine Performance, die sich in eine Reihe von Fotografien in Form von Zeugnissen von Zeit, Ort und Umständen übersetzt, die aber gleichzeitig fotografische Interpretationen sind. Ich bin mir bewusst, dass ich Bilder aus meiner Parteilichkeit schaffe, aber ich bin zu dem Schluss gekommen, dass kein Foto jemals ohne einen Blickwinkel gemacht wurde. Ein Foto ist eine Subtraktion. Er extrahiert einen Moment aus seinem Kontext und eignet ihn sich an, um ein vorgegebenes Erzählziel zu erreichen.

Jennifer Greenburg (1977, Chicago, USA) ist ausserordentliche Professorin für Bildende Kunst an der Indiana University Northwest. Ihre Arbeiten sind Teil der ständigen Sammlung des Museum of Contemporary Art in Tucson, des Museum of Contemporary Photography, des Museum of Photographic Arts, Light Work, des Art Museum of Santa Barbara und der National Gallery of Ontario. Eine komplette Monographie von ihm, The Rockabillies, wurde 2009 vom Center for American Places veröffentlicht.

Revising History è uno studio sulla fotografia, sulla natura dell’immagine vernacolare e il suo ruolo nella creazione di allegorie culturali. Le immagini vernacolari generano racconti culturali di cui tendiamo a fidarci. Il pericolo consiste nel fatto che sembriamo aver dimenticato che l’immagine libera il momento dalla realtà, cancella il punto di vista, ed è inevitabilmente influenzata da una fantasia assimilata o convenzionale.

Questo lavoro è una performance che si traduce in una serie di fotografie sotto forma di testimonianze di tempo, luogo e circostanza, ma che sono allo stesso tempo interpretazioni fotografiche. Sono consapevole di creare immagini dalla mia parzialità, ma sono giunta alla conclusione che nessuna fotografia sia mai stata scattata senza un punto di vista. Una fotografia è una sottrazione. Strappa un momento al suo contesto e se ne appropria per raggiungere un obiettivo narrativo prefissato.

Jennifer Greenburg (1977, Chicago, USA) è professore associato di Belle Arti alla Indiana University Northwest. Il suo lavoro fa parte della collezione permanente del Museo di Arte Contemporanea di Tucson, del Museo di Fotografia Contemporanea, del Museo di Arti Fotografiche, di Light Work, del Museo d’Arte di Santa Barbara e della National Gallery of Ontario. Una sua monografia completa, The Rockabillies, è stata pubblicata nel 2009 dal Center for American Places.

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14. Juli - 30. September 2018

Getting Closer, Becoming Mother: About Intimacy and Family. 1993 - 2012
Elinor Carucci

Welcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay
Debi Cornwall

Bug Out Bag: The Commodification of American Fear
Allison Stewart

The Red Road Project
Carlotta Cardana


 Elinor Carucci

Elinor Carucci

Im Jahr 2004 wurde ich Mutter. Nach einer glücklichen Schwangerschaft hatte ich eine induzierte Wehen. Ich hatte einen Notfallkaiserschnitt, der mich schwächte und schmerzte. Einige Tage später wurde ich nach Hause geschickt, um mein neues Leben als Mutter von Zwillingen zu beginnen. Ich habe irgendwie versucht, das alles mit meiner Kamera zu verarbeiten, in der Hoffnung, die Komplexität der Mutterschaft so ehrlich wie möglich darzustellen.

Der Kern der Arbeit ist das Gefühl der Einheit mit meinen Kindern. Ich war erstaunt über die starke körperliche Verbindung, total, sinnlich, manchmal erotisch, die ich mit den Kindern hatte. Ich sehe sie als Mutter, lerne viel, sehe so viel. Das Fotografieren zwingt mich, noch mehr zu sehen und die Kinder zeigen mir mehr. Selbst wenn ich nicht bei mir bin, sehe ich mehr von der Welt um mich herum. So habe ich noch nie gesehen, seit ich Mutter bin.

Elinor Carucci (1971, Israel) studierte Fotografie an der Academy of Arts and Design in Bezalel, bevor er im selben Jahr nach New York zog. Ihre Fotografien sind Teil der Sammlungen des Museum of Modern Art in New York, des Brooklyn Museum of Art und des Museum of Fine Art in Houston und wurden im New York Times Magazine, The New Yorker, Details, New York Magazine, W, Aperture, ARTnews und vielen anderen Publikationen veröffentlicht.

Nel 2004 sono diventata madre. Dopo una gravidanza felice, ho avuto un travaglio indotto. Ho subìto un parto cesareo d’emergenza che mi ha lasciata ferita, debole e dolorante. Pochi giorni dopo sono stata rimandata a casa, per cominciare la mia nuova vita come madre di due gemelli. Ho cercato in qualche modo di affrontare il tutto attraverso la mia macchina fotografica, sperando di rappresentare la complessità della maternità il più onestamente possibile.

Il fulcro del lavoro è il sentimento di unione con i miei figli. Sono rimasta stupita dalla forte connessione fisica, totale, sensuale, a volte erotica, che ho avuto con i bambini. Li guardo come madre, imparando molto, vedendo così tanto. Fotografarli mi costringe a vedere ancora di più e i bambini mi mostrano di più. Anche quando non sono con me, vedo più del mondo che mi circonda. Non ho mai visto così, come riesco a vedere ora, come una madre.

Elinor Carucci (1971, Israele) si è laureata in fotografia all’Accademia delle Arti e del Design di Bezalel nel 1995, per poi trasferirsi a New York nello stesso anno. Le sue fotografie fanno parte delle collezioni del Museo d’Arte Moderna di New York, del Brooklyn Museum of Art e del Museum of Fine Art di Houston. ll suo lavoro è stato pubblicato su The New York Times Magazine, The New Yorker, Dettagli, New York Magazine, W, Aperture, ARTnews e su molte altre pubblicazioni.


 Debi Cornwall

Debi Cornwall

Seit dem 11. Januar 2002 wurden schätzungsweise 780 muslimische Männer ohne Anklage oder Gerichtsverfahren im amerikanischen Gefängnis von Guantanamo Bay in Kuba inhaftiert und gefoltert. Während der Präsidentschaft von George Bush und Barack Obama wurde die grosse Mehrheit der Häftlinge freigelassen und nach Hause geschickt oder, wenn es die US-Regierung für notwendig hielt, in Drittländer versetzt.

Willkommen im Camp America: Inside Guantánamo Bay vereint drei visuelle Kapitel. Erstens wollte ich das tägliche Leben von Häftlingen und Wachen dokumentieren. Gitmo on Sale, das zweite Kapitel, dokumentiert die Souvenirs und Gegenstände, die das Gefängnis von privaten Anbietern kauft: orangefarbene Uniformen, Handschellen und Schuhe. Abschliessend suchte ich nach denen, die von Guantánamo Bay freigesprochen und freigelassen worden waren.

Debi Cornwall (1973, Weymouth, USA) ist eine amerikanische Dokumentarfilmerin, die seit 12 Jahren als Bürgerrechtlerin in den USA arbeitet. Ihre Arbeit analysiert die amerikanische Macht nach dem 11. September und verbindet Empathie und dunklen Humor mit Kritik am System. Sie wurde eingeladen, eine Konferenz im UN-Hauptquartier abzuhalten. Willkommen im Camp America: Inside Guantánamo Bay wurde vom New York Times Magazine zu einem der 10 besten Fotobücher des Jahres 2017 gewählt.

Si stima che dall’11 gennaio 2002 circa 780 uomini musulmani siano stati imprigionati, torturati e detenuti senza accuse, né un processo nella prigione americana di Guantánamo Bay a Cuba. Durante le presidenze di George Bush e di Barack Obama, la stragrande maggioranza dei “detenuti” è stata rilasciata e rimandata a casa oppure, se il governo degli Stati Uniti lo ha ritenuto necessario, trasferita in paesi terzi.

Welcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay riunisce tre capitoli di lavoro visivo. In primo luogo, avevo intenzione di documentare la vita quotidiana sia dei detenuti che delle guardie. Gitmo on Sale, il secondo capitolo, documenta i souvenir e gli oggetti che il carcere acquista da fornitori privati: le uniformi arancioni, le manette, le scarpe. Per concludere, ho cercato coloro che erano stati assolti e rilasciati da Guantánamo Bay.

Debi Cornwall (1973, Weymouth, USA) è una documentarista concettuale statunitense, che ha esercitato per 12 anni come avvocato dei diritti civili negli Stati Uniti. Il suo lavoro analizza il potere americano nel post-11 settembre, coniugando empatia e umorismo oscuro alla critica verso il sistema. È stata invitata a tenere una conferenza presso la sede delle Nazioni Unite. Welcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay è stato nominato fra i 10 migliori libri fotografici del 2017 dal New York Times Magazine.


 Allison Stewart

Allison Stewart

Bug Out Bags (BOBs) sind das unverzichtbare Rüstzeug für die Vorbereitung auf Katastrophen, die Manifestationen der Ängste und Obsessionen des Amerikaners des 21. Jahrhunderts. Es ist in der Regel ein leicht zu tragender Rucksack oder eine Reisetasche, die das Wesentliche enthält, um sich selbst 72 Stunden am Leben zu erhalten oder im Falle eines Falles eine neue Zivilisation beginnen zu können.

Für das Bug Out Bag - The Commodification of American Fear Projekt reiste ich durch verschiedene Regionen der Vereinigten Staaten. Hier traf ich Liberale und Konservative, Atheisten, Evangelikale, Katholiken und Mormonen, sehr vorbereitet und bereit, anderen zu helfen, bekannt als Prepper - Überlebenskünstler. Jeder Bausatz wird zum Porträt seines Besitzers: Er zeigt uns seine grundlegendsten Bedürfnisse, aber auch seine Ängste vor Umwelt- und globalen Veränderungen.

Die Vorbereitung, die Bereitstellung von Nahrungsmitteln zur Vorbereitung auf eine Katastrophe, ist zu einem kapitalistischen Unternehmen geworden, das über unsere Ängste und unsere Sehnsucht nach Stabilität spekuliert.

Allison Stewart (1968, Houston, Texas) ist eine amerikanische Fotografin, die die Konstruktion amerikanischer Identität durch ihre Relikte, Rituale und Mythologien untersucht. Ihre Arbeiten wurden in internationalen Galerien und Museen ausgestellt, darunter Aperture Foundation, Wright Museum, New Mexico History Museum, Torrance Art Museum, Houston Center for Photography, SITE: Brooklyn und Soho Photo Gallery in New York.

Le bug out bag (BOB) sono il kit essenziale per prepararsi alle catastrofi, le manifestazioni delle paure e delle ossessioni dell’americano del XXI secolo. Di solito è uno zaino o una borsa da viaggio facile da trasportare, che contiene gli elementi essenziali per mantenersi in vita per 72 ore o, nell’eventualità, per poter dare inizio a una nuova civiltà.

Per il progetto Bug Out Bag – The Commodification of American Fear (La mercificazione della paura americana) ho viaggiato attraverso diverse regioni degli Stati Uniti. Qui ho incontrato liberali e conservatori, atei, evangelici, cattolici e mormoni, molto preparati e pronti ad aiutare gli altri, conosciuti come preppers (survivalisti). Ogni kit si trasforma in un ritratto del suo proprietario: ci mostra i suoi bisogni più elementari, ma anche le sue paure nei confronti del cambiamento ambientale e globale.

Il prepping, fare le provviste per prepararsi a un disastro, è diventato un’impresa capitalista, che specula sulle nostre paure e la nostra brama di stabilità.

Allison Stewart (1968, Houston, Texas) è una fotografa americana che esplora la costruzione dell’identità americana attraverso le sue reliquie, i rituali e le mitologie.
Il suo lavoro è stato esposto in gallerie e musei internazionali, tra cui Aperture Foundation, Wright Museum, New Mexico History Museum, Torrance Art Museum, Houston Center for Photography, SITE: Brooklyn e Soho Photo Gallery di New York.


 Carlotta Cardana

Carlotta Cardana

Die Ureinwohner Amerikas machen nur 1% der amerikanischen Bevölkerung aus und leiden unter einer Art erzwungener Segregation am unteren Ende der Gesellschaft. Seit mehr als einem Jahrhundert haben sie einige der schrecklichsten Ereignisse in der Geschichte des Landes überlebt, darunter den kulturellen Völkermord.

Die so genannte "collegiate era" begann Ende des 19. Jahrhunderts, mit Institutionen, die die Indianer in die euro-amerikanische Kultur integrieren und gleichzeitig eine Grundausbildung anbieten sollten. Das Motto war "Töte den Indianer, aber rette den Mann". Die einheimischen Kinder wurden aus ihren Häusern geholt und ihren Familien weggenommen, gezwungen, sich die Haare zu schneiden, Englisch zu sprechen und auf traditionelle Kleidung zu verzichten. Sie wurden schwer bestraft, wenn sie eine ihrer Traditionen ausübten oder ihre Muttersprache sprachen. In den 1970er Jahren waren noch Tausende von indigenen Kindern in Internaten eingeschrieben. Ganze Generationen von Einheimischen, die diese Schulen besucht haben, sind durch Missbrauch, Vernachlässigung und Trennung von ihren Familien und Kulturen Opfer eines immensen Traumas geworden. Dies hat zu hohen Selbstmordraten, Drogen- und Alkoholmissbrauch, sexueller Gewalt und gesundheitlichen Ungleichheiten geführt.

Die Ureinwohner Amerikas sagen oft, dass sie dem "roten Weg" folgen, der im Gegensatz zu all den umliegenden Problemen, mit denen sie auch heute noch oft zu kämpfen haben, als die Richtung zum positiven Wandel identifiziert wird. Das Ziel von The Red Road Project ist es, die Beziehung zwischen der traditionellen Kultur der Indianer und der Identität der heutigen indigenen Völker zu erforschen.

Carlotta Cardana (1981, Verbania, Italien) ist eine italienische Porträt- und Dokumentarfotografin, die in London lebt. Nach dem Studium der Bildenden Kunst und einem Diplom in Fotografie lebte sie in Argentinien und Mexiko-Stadt, wo sie als freie Redaktionsfotografin arbeitete. Danielle SeeWalker ist die Autorin der Texte. Danielle's Großmutter als Kind hatte ein College besucht und war Teil der letzten Generation, die die Lakota-Sprache fließend sprach.

I nativi americani costituiscono appena l’1% della popolazione americana e subiscono una sorta di segregazione forzata agli ultimi posti della società. Per più di un secolo sono sopravvissuti ad alcuni degli eventi più orribili della storia del Paese, tra cui il genocidio culturale.

La cosiddetta “era dei collegi” iniziò alla fine del 1800, con istituti pensati per assimilare i nativi americani alla cultura euro-americana, offrendo al tempo stesso un’istruzione di base. Il motto era “uccidete l’Indiano, ma salvate l’uomo”. I bambini nativi venivano prelevati dalle loro case e sottratti alle famiglie, costretti a tagliarsi i capelli, parlare inglese e abbandonare i vestiti tradizionali. Venivano duramente puniti se esercitavano una qualsiasi delle loro tradizioni o parlavano la loro lingua madre. Negli anni ‘70, migliaia di bambini indigeni venivano ancora iscritti ai collegi. Generazioni intere di nativi che hanno frequentato quelle scuole sono rimaste vittime di immensi traumi dovuti ad abusi, negligenze e separazione dalla propria famiglia e cultura. Ciò ha portato a tassi elevati di suicidio, abuso di sostanze e alcool, violenze sessuali e disparità dal punto di vista sanitario.

Si sentono spesso i nativi americani dire che stanno percorrendo “la strada rossa”, che viene identificata come la direzione verso un cambiamento positivo, contrariamente a tutti i problemi circostanti con cui spesso, ancora oggi, si lotta. Lo scopo di The Red Road Project è esplorare il rapporto tra la cultura tradizionale dei nativi americani e l’identità delle popolazioni tribali odierne.

Carlotta Cardana (1981, Verbania, Italia) è una fotografa italiana che si occupa di ritratti e documentaristica, residente a Londra. Dopo aver conseguito una laurea in Belle Arti e un diploma in fotografia, ha vissuto in Argentina e a Città del Messico, dove ha iniziato a lavorare come fotografa editoriale freelance. Danielle SeeWalker è l’autrice dei testi. La nonna di Danielle da bambina aveva frequentato un collegio e faceva parte dell’ultima generazione che parlasse correntemente la lingua Lakota.

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Cortona On The Move | I difensori delle nostre libertà - Magnum Photos per i 30 anni del Premio Sacharov
Jul
14
zu 30. Sep.

Cortona On The Move | I difensori delle nostre libertà - Magnum Photos per i 30 anni del Premio Sacharov


Cortona On The Move | MAEC | Piazza Luca Signorelli 9
14. Juli - 30. September 2018

Magnum Photos per i 30 anni del Premio Sacharov
I difensori delle nostre libertà

Jérôme Sessini | Newsha Tavakolian | Enri CanajBieke Depoorter


 Women Empowerment in Bosnia |&nbsp; Bieke Depoorter

Women Empowerment in Bosnia | Bieke Depoorter

 Freedom of Speech for Ethiopians |&nbsp; Enri Canaj

Freedom of Speech for Ethiopians | Enri Canaj

 Land Rights of Minorities in Cambodia |&nbsp; Jérôme Sessini

Land Rights of Minorities in Cambodia | Jérôme Sessini

 Fighting Youth Radicalization in Tunisia |&nbsp; Newsha Tavakolian

Fighting Youth Radicalization in Tunisia | Newsha Tavakolian

Seit 1988 verleiht das Europäische Parlament den Sacharow-Preis für geistige Freiheit an Personen und Organisationen, die sich um die Menschenrechte verdient gemacht haben.
Anlässlich des 30-jährigen Bestehens der Auszeichnung präsentiert das Europäische Parlament zusammen mit Magnum Photos ein neues Dokumentarfilmprojekt über vier Aktivisten aus der ganzen Welt. Die Verteidiger unserer Freiheiten - 30 Jahre Sacharow-Preis geben diesen wenig bekannten Helden eine Stimme, mit einer 360-Grad-Reise in ihr tägliches Leben aus verschiedenen Blickwinkeln der Fotografen von Magnum Photos.

Jérôme Sessini reiste mit der Aktivistin Samrith Vaing in entlegene Dörfer in Kambodscha und dokumentierte das Leben indigener Minderheiten im Kampf gegen Zwangsvertreibungen. Asma Kaouech, eine junge tunesische Aktivistin, fotografiert von Newsha Tavakolian, versucht zu verhindern, dass ihre Mitschüler radikaler werden. In Äthiopien verteidigt der Anwalt Ameha Mekonnen, fotografiert von Enri Canaj, die Sache der Journalisten gegen die Zensur durch Regierungsbehörden. In Bosnien begleitete Bieke Depoorter Jadranka Miličević, eine ehemalige Flüchtling während des Balkankrieges, bei ihren Bemühungen, Frauen zu stärken.

Dal 1988 il Parlamento europeo assegna il premio Sacharov per la libertà di pensiero a persone e organizzazioni che abbiano apportato un contributo eccezionale alla lotta per i diritti umani. Per celebrare il 30esimo anniversario del premio, il Parlamento europeo, insieme a Magnum Photos, presenta un nuovo progetto di documentario su quattro attivisti provenienti da tutto il mondo. I difensori delle nostre libertà – 30 anni del Premio Sacharov dà voce a questi eroi poco conosciuti, con un viaggio a 360 gradi nella loro vita quotidiana osservata dalle diverse angolature dei fotografi della Magnum Photos.

Jérôme Sessini si è recato in villaggi remoti della Cambogia, in compagnia dell’attivista Samrith Vaing, documentando la vita delle minoranze indigene che lottano contro le espulsioni forzate. Asma Kaouech, una giovane attivista tunisina fotografata da Newsha Tavakolian, cerca di evitare che i suoi connazionali adolescenti si radicalizzino. In Etiopia, l’avvocato Ameha Mekonnen, fotografato da Enri Canaj, difende la causa dei giornalisti contro la censura delle autorità governative. In Bosnia, Bieke Depoorter ha accompagnato Jadranka Miličević, ex rifugiata durante la guerra dei Balcani nel suo impegno per emancipare le donne.

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Cortona On The Move | The Island of the Colorblind - Sanne De Wilde | Cotmzone
Jul
14
zu 30. Sep.

Cortona On The Move | The Island of the Colorblind - Sanne De Wilde | Cotmzone


Cortona On The Move | Cotmzone | Via Nazionale 45
14. Juli - 30. September 2018

The Island of the Colorblind
Sanne De Wilde


 Sanne De Wilde

Sanne De Wilde

Ende des 18. Jahrhunderts traf ein katastrophaler Taifun Pingelap, ein kleines Atoll im Pazifik. Einer der Überlebenden, der König, war ein Träger des seltenen Gens der Akromatopsie, das eine völlige Erblindung der Farben verursacht. Der König hatte viele Kinder und im Laufe der Zeit infizierte seine Erbkrankheit diese abgeschiedene Gemeinschaft und so begannen die meisten der Inselbewohner, die Welt schwarz weiss zu sehen. Die Akromatopsie ist eine Pathologie, die sich durch extreme Lichtempfindlichkeit, verminderte Sehfähigkeit und völlige Unfähigkeit, Farben zu unterscheiden, auszeichnet. Als ich meine visuelle Forschung in den Föderierten Staaten von Mikronesien begann, versuchte ich mir vorzustellen, wie Akromaten die Welt sehen. Ich habe mit verschiedenen Arten des Fotografierens experimentiert und versucht, die Insel mit ihren Augen zu betrachten. Die Insel der Farbenblinde besteht aus drei Arten von Bildern: "klassischen" digitalen Schwarzweissfotografien, Infrarotbildern und handbemalten Fotografien.

Sanne De Wilde (1987, Antwerpen, Belgien) schloss ihr Studium an der Königlichen Kunstakademie Konstfack in Stockholm ab und erwarb 2012 einen Master-Abschluss in Bildender Kunst an der KASK in Gent. Ihre Arbeiten wurden in The Guardian, New Yorker, Le Monde, BBC, CNN und Vogue veröffentlicht und in vielen internationalen Kontexten ausgestellt. Seit 2013 arbeitet De Wilde als Fotograf für die niederländische Zeitung und Zeitschrift De Volkskrant.

Alla fine del XVIII secolo un catastrofico tifone si abbattè su Pingelap, un piccolo atollo dell’Oceano Pacifico. Uno dei sopravvissuti, il re, era portatore del raro gene dell’acromatopsia, che causa la totale cecità ai colori. Il re ebbe molti figli e col passare del tempo la sua condizione ereditaria contagiò quella comunità appartata e così la maggior parte degli isolani cominciò a vedere il mondo in bianco e nero. L’acromatopsia è una patologia caratterizzata dall’estrema sensibilità alla luce, dalla riduzione della capacità visiva e dalla completa incapacità di distinguere i colori. Quando ho iniziato la mia ricerca visiva negli Stati Federati della Micronesia, ho cercato di immaginare come gli acròmati vedano il mondo. Ho sperimentato diversi modi di fotografare, tentando di guardare l’isola attraverso i loro occhi. The Island of the Colorblind comprende tre tipi di immagini: “classiche” fotografie digitali in bianco e nero, immagini a infrarossi e fotografie dipinte a mano.

Sanne De Wilde (1987, Anversa, Belgio) ha conseguito una laurea presso la Konstfack di Stoccolma e un master con lode in Belle Arti al KASK di Ghent, nel 2012. Il suo lavoro è stato pubblicato su The Guardian, New Yorker, Le Monde, BBC, CNN, e Vogue ed esposto in numerosi contesti internazionali. Dal 2013 De Wilde lavora come fotografa per il quotidiano e rivista olandese De Volkskrant.

(Text: Cortona On The Move)

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Cortona On The Move | Make a Wish - Loulou d'Aki | Palazzo Capannelli
Jul
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zu 30. Sep.

Cortona On The Move | Make a Wish - Loulou d'Aki | Palazzo Capannelli


Cortona On The Move | Palazzo Cinaglia | Via Santucci 17
14. Juli - 30. September 2018

Make a Wish
Loulou d’Aki


 Loulou d'Aki

Loulou d'Aki


Make a Wish ist ein fotografisches Projekt über die Hoffnungen und Träume junger Menschen, das ein Zeugnis der Gegenwart werden soll. Es geht von der Annahme aus, dass die Jugend das Zeitalter der unendlichen Möglichkeiten sein sollte. Ein Grossteil des Projekts wurde im Nahen Osten durchgeführt, in verschiedenen Situationen im Zusammenhang mit den Revolutionen des arabischen Frühlings oder in Konfliktgebieten, in denen junge Menschen allzu oft ihres Rechts beraubt werden. Der arabische Frühling hat den Duft der Freiheit unter den Menschen in einer Region katapultiert, die lange Zeit von Diktaturen geprägt war, in der die westliche Aussenpolitik falsch lief und in der die soziale Entwicklung schlecht war. Der Frühling ist zum Sommer geworden, der Herbst zum Winter, die Monate zu Jahren und die ursprüngliche Revolution zu etwas ganz anderem als die Ideale der Freiheit, die auf den Plätzen der ganzen Region geschrien wurden.

Loulou d'Aki (1978, Malmö, Schweden) ist Dokumentarfotograf. Sie studierte Fotografie an der ISFCI in Rom und lebt und arbeitet seitdem in Europa, Nordamerika, Japan und dem Mittleren Osten. Bevor sie Fotografin wurde, war sie Sängerin. Sie spricht Schwedisch, Englisch, Italienisch, Französisch, Deutsch und Hebräisch.

Make a Wish è un progetto fotografico sulle speranze e i sogni dei giovani, che ha l’obiettivo di diventare una testimonianza dei tempi correnti. Parte dall’assunto che la gioventù dovrebbe essere l’età delle infinite possibilità. Gran parte del progetto è stata realizzata in Medio Oriente, in diverse situazioni legate alle rivoluzioni della primavera araba, o in zone di conflitto dove troppo spesso i giovani vengono privati del diritto di essere tali. La primavera araba ha catapultato un profumo di libertà tra le persone di una regione così a lungo segnata da dittature, in cui le politiche estere occidentali sono andate storte e dove lo sviluppo sociale è stato scarso. La primavera si è trasformata in estate, l’autunno in inverno, i mesi in anni e la rivoluzione originale in qualcosa di molto diverso dagli ideali di libertà urlati nelle piazze di tutta la regione.

Loulou d’Aki (1978, Malmö, Svezia) è una fotografa documentarista. Si è laureata in fotografia all’ISFCI di Roma e da allora ha vissuto e lavorato in Europa, Nord America, Giappone e Medio Oriente. Prima di diventare una fotografa è stata una cantante. Parla svedese, inglese, italiano, francese, tedesco ed ebraico.

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Cortona On The Move | Fallout - Sim Chi Yin | Ex Magazzino delle Carni
Jul
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Cortona On The Move | Fallout - Sim Chi Yin | Ex Magazzino delle Carni

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14. Juli - 30. September 2018

Fallout
Sim Chi Yin


 Sim Chi Yin

Sim Chi Yin


Eins der einzigen Länder, das im 21. Jahrhundert Atomwaffen getestet hat. Das andere, das Erste, das sie benutzt hat, nachdem es sie getestet hat. Nordkorea und die Vereinigten Staaten befinden sich an den beiden Extremen der nuklearen Gleichung, sind aber derzeit in eine gefährliche Abfolge von Bedrohungen und Gegenmassnahmen verwickelt. Die Dokumentarfotografin Sim Chi Yin ist sechstausend Kilometer entlang der Grenze zwischen China und Nordkorea und durch sechs Staaten der Vereinigten Staaten gereist, um eine Serie von Bildern zu schaffen, die die Erfahrung von Männern, Vergangenheit und Gegenwart, in Bezug auf Atomwaffen erzählen.

Sim Chi Yin (1978, Singapur) ist bildende Künstlerin und Dokumentarfotografin. Sie stammt aus Singapur und lebt seit zehn Jahren in Peking. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit stehen das historische Gedächtnis, Konflikte, Migrationen und deren Folgen. Sie wurde als offizielle Fotografin für den Friedensnobelpreis 2017 ausgewählt und hatte eine Einzelausstellung über Atomwaffen im Nobel Peace Centre Museum in Oslo.

Uno è l’unico Paese ad aver testato le armi nucleari nel XXI secolo. L’altro è il primo ad averle utilizzate, dopo averle testate. La Corea del Nord e gli Stati Uniti si posizionano ai due estremi dell’equazione nucleare, ma attualmente sono coinvolte in un pericoloso susseguirsi di minacce e contromisure. La fotografa documentarista Sim Chi Yin ha percorso seimila chilometri lungo il confine tra Cina e Corea del Nord e attraverso sei degli Stati Uniti, per realizzare una serie di immagini che raccontano l’esperienza degli uomini, passata e presente, in relazione alle armi nucleari.

Sim Chi Yin (1978, Singapore) è un’artista visiva e fotografa documentarista. È originaria di Singapore e risiede a Pechino da dieci anni. La sua opera si concentra sulla memoria storica, i conflitti, le migrazioni e le loro conseguenze. È stata scelta come fotografa ufficiale al Premio Nobel per la Pace nel 2017 e ha realizzato una mostra personale sulle armi nucleari per il Museo del Centro Nobel per la Pace di Oslo.
 

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Biennale de la Photographie | ATTRAKTION ?! | Kunsthaus L6
Jun
9
zu 29. Juli

Biennale de la Photographie | ATTRAKTION ?! | Kunsthaus L6


Biennale de la Photographie | Kunsthaus L6 | Freiburg im Breisgau
9. Juni - 29. Juli 2018

ATTRAKTION ?!

Miriam Hünning, Stefan Karrer, Michaël Marchand, Babtiste Schmitt, Jakob Schnetz


 Baptiste Schmitt,&nbsp; Zeichen ohne Bedeutung , Athens, #8, 2014

Baptiste Schmitt, Zeichen ohne Bedeutung, Athens, #8, 2014


Dans l'ère actuelle des médias et de l’information où les images sont toujours et partout disponibles, de plus en plus d'images rivalisent pour attirer notre attention.  Dans son histoire, la photographie a eu pour fonction de témoigner des événements spectaculaires ou dramatiques : images de pays lointains, curiosités envoyées par cartes postales, événements politiques ou familiaux comme des mariages photographiés pour la postérité. L'attraction de ces images réside tout autant dans l'exclusivité de l’événement que celle de l'image elle-même. Dans l'ère des caméras issues de smartphones et du World Wide Web, cette unicité de l'image peine à se maintenir. 

L’exposition de la Galerie d’Art L6 pose la question de l’interaction entre attraction et photographie sur fond d’omniprésence de l’image dans notre société. La photographie devrait-elle se consacrer aux motifs peu attrayants – selon une tradition documentariste qui se tourne vers le non-vu et le non-perçu ?  Peu attrayants dans le sens où ces images se refusent à une esthétique courante ? Peu attrayants dans le sens où ces images se voient comme contre-projets au monde des images rapides d’aujourd’hui, et ouvrent sur de nouvelles perspectives sur des attractions et des mondes imagés déjà existants. 

Finn Schütt a étudié l’art et l’histoire des images à l’Humboldt Université de Berlin. Ses recherches portent sur la photographie documentaire contemporaine, et sur la photographie non européenne. Son mémoire portait sur les éditions de l’artiste Tobias Zielony. Il travaille actuellement en tant qu’assistant de conservation au Musée d'art contemporain de Fribourg (DE). 



The exhibition Attraktion?! questions interaction between attraction and photography against the backdrop of the omnipresence of images in our society. Should photography focus on unattractive subjects– according to a documentarian tradition engaged in the unseen and the unnoticed? Unattractive in the sense that these images refuse the usual aesthetics? 

Finn Schütt studied art and the history of images at the Humboldt University of Berlin. His research focuses on artistic documentary photography, and on non-European photography. He is currently working as a curatorial assistant at the Museum of Contemporary Art in Freiburg (Germany). 

(Text: Biennale de la Photographie)


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Biennale de la Photographie | ATTRACTION(S) L'étreinte du tourbillon | Musée des Beaux-Arts de Mulhouse
Jun
2
zu 16. Sep.

Biennale de la Photographie | ATTRACTION(S) L'étreinte du tourbillon | Musée des Beaux-Arts de Mulhouse


Biennale de la Photographie | Musée des Beaux-Arts de Mulhouse
2. Juni - 16. September 2018

ATTRACTION(S) L'étreinte du tourbillon

Lucile Boiron, Thomas Boivin, Anne-Lise Broyer, Alan Eglinton, Bernard Faucon, Hervé Guibert, Julien Marge, Denis Roche, Alix Cléo Roubaud


 Bild: Alan Eglinton

Bild: Alan Eglinton


L’exposition L’étreinte du tourbillon traite du désir amoureux et croise différents regards sur l’être aimé. Partant de la chambre comme lieu de prédilection de l’attraction amoureuse, l’exposition aborde aussi une approche autobiographique propre aux années 1980 (Denis Roche, Alix Cléo Roubaud et Hervé Guibert), une approche plasticienne et narrative (Bernard Faucon) et met cet héritage en perspective avec les photographes contemporains Lucile Boiron, Thomas Boivin, Anne-Lise Broyer, Alan Eglinton et Julien Magre. 

Photographie et désir sont intrinsèquement liés. La pulsion du regard du photographe fixant des images extraites du tourbillon de la vie, s’approche d’une étreinte avec le réel. Dans l’acte photographique - pour reprendre une formulation issue des années 1980 et de la revue Les cahiers de la photographie - l’attraction est présente dans un impossible désir de toucher le réel devant soi. Entre réel et fiction, différents univers du couple sont visibles dans l’exposition : le couple au quotidien (Thomas Boivin), le couple mis en scène au quotidien (Alix Cléo Roubaud, Hervé Guibert, Denis Roche, Julien Magre), la couple virtuel (Lucile Boiron), le couple évoqué (Anne-Lise Broyer, Bernard Faucon), le couple en construction (Alan Eglinton). 

La chambre, lieu de prédilection de l’attraction amoureuse, devient l’espace de la mise en scène du couple par le biais de la photographie. La chambre c’est aussi la xcamera obscura grâce à laquelle la production de l’image photographique est possible. 

Quel regard rétrospectif portons-nous aujourd’hui sur ces images autobiographiques, qui interrogent autant le récit que le regard porté sur un quotidien intime ? Cet héritage semble subsister chez des photographes contemporains comme Julien Magre, Anne-Lise Broyer, Thomas Boivin et Alan Eglinton, qui mêlent écriture et photographie. L’exposition se termine avec Internet romance, chambres virtuelles de Lucile Boiron. 



Photography and desire are intrinsically linked. The impulse of the photographer framing images from the whirlwind of life bears a close resemblance to embracing reality. In the photographic act – to use a phrase from the 1980s and the magazine Les cahiers de la photographie – the attraction is in the impossible longing to touch the reality before you. Between reality and fiction, the different lives of couples are featured in the exhibition: the couple in everyday life; the couple staged in everyday life; the virtual couple; the evoked couple; the couples forming. 

The bedroom (chamber), the preferred location for passionate attraction, is the space for featuring couples through photography. The (optical) chamber is also a camera obscura for producing photographs. 

What is our retrospective view on these autobiographical images that question the narrative just as much as perception of private everyday life? This legacy seems to endure among contemporary photographers like Julien Magre, Anne-Lise Broyer, Thomas Boivin and Alan Eglinton, who combine writing and photography. The exhibition concludes with Internet Romance, Lucile Boiron’s virtual bedrooms. 

(Text: Biennale de la Photographie)


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Biennale de la Photographie | ATTRACTIONS#2018 | Le Centre Culturel Français
Jun
2
zu 2. Sep.

Biennale de la Photographie | ATTRACTIONS#2018 | Le Centre Culturel Français

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Biennale de la PhotographieLe Centre Culturel Français | Freiburg im Breisgqu
2. Juni - 2. September 2018

ATTRACTIONS#2018

Thomas Bourquin, Nolwenn Brod, Raphaël Coibion, Edouard Decam, Eliot Dudik, Nicolas Giraud, Shane Lavalette, Richard Renaldi, Philippe Spigolon, Mark Steinmetz, Susan Worsham


 Shane Lavalette,&nbsp; Kaylyn Swinging , 2010. Courtesy of the artist and the Robet Morat Galerie, Berlin.&nbsp;

Shane Lavalette, Kaylyn Swinging, 2010. Courtesy of the artist and the Robet Morat Galerie, Berlin. 


Fondée sur la disjonction et les rapprochements, Attractions#2018 est une proposition subjective, nouée autour d'attirances sélectives de Pascal Amoyel. L'exposition déplie le thème pluriel de la Biennale de la Photographie de Mulhouse, « Attraction(s)», pour envisager une suite de pistes possibles. Si l'attraction est cette force invisible qui rapproche les corps physiques, il n'est en effet pas absurde d'y voir aussi la nature du lien fondamental qui fait adhérer la photographie au réel. Attractions#2018 est une invitation à se laisser déboussoler, à tisser des liens entre des œuvres provenant d'espaces-temps différents et construire ses propres champs d'attraction. 

Magnétique ou paronymique, l'attraction est aussi envisagée ici comme le moteur mystérieux qui, génération après génération, conduit au départ ou à l'exil. Qu'elle provienne du « Nouveau Monde », de la lune, ou de la soif de transcendance, l'attraction est ce désir de s'extraire de la condition originelle d'appartenance  (village, pays, corps, finitude...), la tentative d'échapper à ce qui nous retient au sol, d'aller vers l'autre et l'inconnu. L'équilibre instable serait alors l'aspect le plus concret de notre expérience humaine. 



Based on disjunction and rapprochement, Attractions#2018 is a subjective proposal, developed around Pascal Amoyel’s selective attractions. The exhibition opens up the diverse theme of the Mulhouse Biennial of Photography, ‘Attraction(s)’, to explore a series of potential paths. If attraction is this invisible force that brings physical bodies together, it is not so absurd after all to also see the nature of the fundamental bond that affiliates photography with reality. Attractions#2018 is an invitation to be disoriented, to form links between works originating from different times and spaces and to construct your own magnetic fields. 

Magnetic or paronymic, attraction is also envisaged here as the mystery driving force that, generation after generation, leads to departure or exile. Whether it comes from the ‘New World’, the moon, or the thirst for transcendence, attraction is this desire to remove oneself from the original condition of belonging (village, country, body, finiteness, etc.), the attempt to escape what keeps us on the ground, to go towards the other and the unknown. Unstable equilibrium would then be the most tangible aspect of our human experience. 


Pascal Amoyel est photographe. Il mène avec la photographie différentes pratiques complémentaires : travail personnel, commissariat d’exposition, conception éditoriale, écriture. Chacune de ses réalisations porte sur  l’invention d’un lieu qui rende le monde habitable. Pour la galerie Michèle Chomette, il a conçu avec Nicolas Giraud les expositions collectives Intrusions et Entre deux eaux. Photographe invité en résidence par la BPM, il a exposé sa série Not all Rebberg durant la BPM 2016. Pascal Amoyel vit et travaille en France.

(Text: Biennale de la Phtotographie)


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Biennale de la Photographie | ATTRACTION - Christian Milovanoff | La Filature
Jun
2
zu 2. Sep.

Biennale de la Photographie | ATTRACTION - Christian Milovanoff | La Filature


Biennale de la Photographie | La Filature | Mulhouse
2. Juni - 2. September 2018

ATTRACTION

Christian Milovanoff


 Attraction | Christian Milovanoff

Attraction | Christian Milovanoff


L’attraction est ce qui arrive : un événement
L’attraction est un fait auquel vient aboutir une situation
L’attraction est la modification par influence d’une forme voisine
L’attraction est une contraction
L’attraction, c’est l’organisation de tensions et d’anachronismes
L’attraction : la gravité, toute la gravité, rien que la gravité
L’attraction ou le mouvement des astres
L’attraction est une image-valise, un porte-manteau
L’attraction, c’est regarder la lune et imaginer des histoires
L’attraction est une citation empreinte de séduction
L’attraction est un spectacle de variété
 

Christian Milovanoff

Christian Milovanoff travaille depuis 2012 sur des séries successives intitulées Attraction, montages d’images issues de ses archives personnelles - constats de l’état du monde aujourd’hui où l’histoire se mêle à la géographie. L’exposition est l’occasion de réunir trois séries : Attraction 0 et Attractions 2 inédites et Attraction 1 présentée en 2012 au Musée Réattu durant les Rencontres de la Photographie d’Arles. La projection du film Travail dramaturgique autour du livre BUREAUX(39mn, 2017) vient compléter l’exposition. 

Les peintures du musée du Louvre à Paris et celles de la Staatsgalerie à Stuttgart, la Rome antique, les bureaux, le supermarché, les bas-reliefs assyriens, la grande ville de Pittsburgh, autant de lieux que, depuis plus de trente ans, Christian Milovanoff photographie. Reproduire, monter, archiver, documenter, raconter, voilà les maîtres mots à l’oeuvre dans son travail mi-documentaire, mi-fictionnel, comme une tentative d’organiser le chaos du visible. Christian Milovanoff a notamment exposé au Louvre, au Musée Niepce de Chalon sur Saône et au Musée Réattu d’Arles durant les Rencontres de la Photographie 2012. 

Le film Travail dramaturgique autour du livre BUREAUX a reçu le soutien de la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques (FNAGP). 



Christian Milovanoff was born in 1948 in Nîmes.  Between 1980 and 1986, Christian Milovanoff captured detailed views of Old Master paintings at the Louvre, photographically deconstructing these works to increasing levels of abstraction. From 1984 to 1986, he participated, along with twenty-seven other international photographers, in a special project for the DATAR (the French ministerial delegation for territorial planning and regional action). He chose office spaces as the subject of this work, with reference to 17th-century Dutch paintings of interiors. Archiving and montage remain primary concerns for the artist. In 1994, the Saint-Etienne Museum of Modern Art presented his Supermarket series, comprised of photographs of packaged consumer goods, stocked and stacked on the shelves of large retail chain stores. At the Frick Art and Historical Center in 2002, Christian Milovanoff exhibited his Conversation Pieces, named after the informal group portraits popular in the 18th century, particularly in England. 

Christian Milovanoff has worked since 2012 on consecutive series called Attraction, images assembled from his personal archives – observations of the state of the world today where history combines with geography. The exhibition is an opportunity to bring three series together: Attraction 0 and Attractions 2 previously unseen and Attraction 1 presented in 2012 at the Musée Réattu during the Rencontres de la Photographie d’Arles. The projection of the film Travail dramaturgique autour du livre BUREAUX (39min, 2017) complements the exhibition. 

(Text: Biennale de la Photographie)

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Biennale de la Photografie | Lebensformen - Janine Bächle | Galerie de la Bibliothèque Grand-Rue
Jun
2
zu 2. Sep.

Biennale de la Photografie | Lebensformen - Janine Bächle | Galerie de la Bibliothèque Grand-Rue

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Biennale de la Photographie | Galerie de la Bibliothèque Grand-Rue | Mulhouse
2. Juni - 2. September 2018

Lebensformen
Janine Bächle


 Lebensformen | Janine Bächle

Lebensformen | Janine Bächle


Avec la série Lebensformen (Formes de vie), Janine Bächle a photographié des personnes qui vivent ensemble dans la nature pendant plusieurs semaines lors de Rainbow Gatherings. La série est structurées à partir de triptyques respectivement composés d’un portrait, d’une habitation précaire (tente) et d’un document écrit à la main. Les textes manuscrits expliquent le choix de cette forme de vie : le désir de vivre en harmonie avec la nature, l’interêt pour  un mode de vie écologique, le contentement d’une vie de simplicité, le pacifisme et l’échange entre des cultures et nationalités diverses. Pour les gens qui participent à ces Rainbow Gatherings le développement personnel est particulièrement important. 

Janine Bächle, née en 1990 en Allemagne, a commencé ses études à la Haute école des Arts du Rhin de Mulhouse en 2010. Depuis 2012, elle étudie la photographie et le design graphique à la Hochschule für Gestaltung d’Offenbach (DE). En 2016, elle a réalisé un semestre d’échange à Brisbane, Australie. Sa série Lebensformen a reçu un prix du Conseil Allemand du Développement Durable en 2017. Pendant ses études, Janine Bächle a auto-éditée plusieurs livres photographiques, elle a exposée nationalement et internationalement et a été publiée par Journal 360°, Fotoroom, The Third Eye magazine, Soft Skin Fanzine. 

Á l'occasion de l'exposition, le livre Lebensformen (formes de vie) est publié chez Médiapop édition. 



The series ‘Lebensformen’, meaning ‘ways of life’, documents people living together in nature for several weeks at Rainbow Gatherings in Italy and Lithuania in the summer of 2015. 

A portrait, a photograph of the dwelling of the person/s and a handwritten document respectively form a group within the series. The texts written in the native languages of the portrayed people explain why they decided for this way of life and what they appreciate about it. Frequently mentioned within the text was a longing to live in tune with nature, the interest in ecological sustainability, the satisfaction of simplistic life, pacifism and the exchange with diverse cultures and nationalities. Personal development, the increase of awareness, physical and psychological healing is especially important to the people attending these gatherings. Five landscape photographs have been included placing the portrait groups in a wider context of the gatherings, along with two books in a slipcase showing additional portrait groups, details and surroundings. 

Janine Bächle, born in 1990 in Germany, started her fine art studies in 2010 at Haute école des Arts du Rhin in Mulhouse, France. Since 2012 she has studied photography and graphic design at Hochschule für Gestaltung in Offenbach, Germany. In 2016 she received the DAAD scholarship to study a semester abroad in Brisbane, Australia. After completing an internship with photographer and artist Olaf Unverzart in Munich, she now is based back in Offenbach. For her photo series ‘Lebensformen’ she received an award by the German Council for Sustainable Development in 2017. During her studies Janine Bächle has self-published several photo books, exhibited nationally and internationally and was published by Journal 360°, Fotoroom, The Third Eye magazine, Soft Skin Fanzine and others.

(Text: Biennale de la Photographie)
 


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