Galerie Parallax | Aix-en-Provence
22. Februar – 26. April 2025

Until the end of the world
Florence D’elle, Estelle Lagarde

Diese neue Ausstellung leiht sich den Titel von Wim Wenders' Film „Bis ans Ende der Welt“ aus.

Und es ist tatsächlich der Rand, der Rand der Welt, wo alles begonnen zu haben scheint, an dem sich die fotografischen Projekte der beiden Künstler kreuzen. Beide sind offen für Rätsel, Begegnungen und tellurische Kräfte.

Florence D'elle stellt uns eine Reise nach Norwegen vor, die sie als eine Reise zu den Ursprüngen erlebt hat. Die norwegische Übersetzung des letzten Wortes gibt ihrer Serie den Titel: „Opprinnelsen“.

Um diese Rückkehr zu den Ursprüngen zu bezeugen, hat Florence D'elle beschlossen, ihren Bildern eine fragile und zarte Materialität zu verleihen, indem sie nasses Kollodium verwendet, um sie zu enthüllen, und sie dann als Kohleabzüge und Ferrotypien anbietet.

Mit „Les pionniers“ (Die Pioniere) lädt Estelle Lagarde ebenfalls zu einer Reise in ein zusammengesetztes Land ein. Diese drei Gebiete (Island, Aubrac und die Île d'Aix) scheinen miteinander in Verbindung zu treten. Die diskreten und mysteriösen menschlichen Präsenzen schlagen eine Brücke zwischen der Natur und der Menschheit und vereinen sie in derselben Geschichte. Alles ist miteinander verbunden.

Die Fotografien wurden mit herkömmlichen Silberfilmen aufgenommen und die traditionellen Silberabzüge mit dem Vergrößerungsgerät wurden von dem Handwerksmeister Diamantino Quintas gemacht, mit dem Estelle Lagarde seit vielen Jahren zusammenarbeitet.

Cette nouvelle exposition emprunte le titre du film de Wim Wenders, « Until the end of the world ».

Et c’est bien à l’orée, au bord du monde, là où tout semble avoir commencé, que se croisent les projets photographiques des deux artistes. Toutes deux ouvertres aux énigmes, aux rencontres, aux forces telluriques.

Florence D’elle nous propose un voyage en Norvège, qu’elle a vécu comme un périple vers les origines. La traduction norvégienne de ce dernier mot donne le titre de sa série : «Opprinnelsen».

Pour témoigner de ce retour aux origines, Florence D’elle a choisi de donner une matérialité fragile et délicate à ses images, en utilsant le collodion humide pour les révéler puis en les proposant en tirages charbon et en ferrotypes.

Avec « Les pionniers » Estelle Lagarde propose également un voyage dans une contrée composite. Ces trois territoires (L’Islande, l’Aubrac et l’Île d’Aix) semblent entrer en connection entre eux. Les présences humaines, discrètes et mystérieuses, font le pont entre la nature et l’Humanité, les unissent dans une même histoire. Tout se connecte.

Les photographies ont été réalisées avec des pellicules argentiques traditionnelles et les tirages argentiques traditionnels à l’agrandisseur ont été effectués par le maître artisan tireur-filtreur Diamantino Quintas avec lequel Estelle Lagarde travaille depuis de nombreuses années.

Questa nuova mostra prende il titolo dal film di Wim Wenders “Fino alla fine del mondo”.

Ed è proprio ai confini del mondo, dove tutto sembra essere iniziato, che si incrociano i progetti fotografici dei due artisti. Entrambi sono aperti a enigmi, incontri e forze telluriche.

Florence D'elle ci accompagna in un viaggio in Norvegia, che ha vissuto come un viaggio verso le sue origini. La traduzione norvegese di quest'ultima parola dà il titolo alla sua serie: “Opprinnelsen”.

Per riflettere questo ritorno alle origini, Florence D'elle ha scelto di dare una materialità fragile e delicata alle sue immagini, utilizzando il collodio umido per rivelarle e proponendole poi come stampe al carbone e tintometrie.

Con “Les pionniers”, Estelle Lagarde ci porta anche in un viaggio in una terra composita. Questi tre territori (Islanda, Aubrac e l'Île d'Aix) sembrano collegarsi tra loro. La presenza umana, discreta e misteriosa, colma il divario tra natura e umanità, unendole in un'unica storia. Tutto si collega.

Le fotografie sono state scattate su pellicola d'argento tradizionale e le stampe tradizionali su ingranditore d'argento sono state realizzate dal maestro artigiano e stampatore Diamantino Quintas, con cui Estelle Lagarde collabora da molti anni.

This new exhibition borrows its title from Wim Wenders' film “Until the end of the world”.

And it is at the edge of the world, where everything seems to have begun, that the two artists' photographic projects intersect. Both are open to enigmas, encounters and telluric forces.

Florence D'elle takes us on a journey to Norway, which she experienced as a journey to her origins. The Norwegian translation of this last word gives the title to her series: ‘Opprinnelsen’.

To reflect this return to her origins, Florence D'elle has chosen to give a fragile, delicate materiality to her images, using wet collodion to reveal them and then offering them as carbon prints and tintypes.

With ‘Les pionniers’, Estelle Lagarde also takes us on a journey to a composite land. These three territories (Iceland, Aubrac and the Île d'Aix) seem to connect with each other. The human presence, discreet and mysterious, bridges the gap between nature and humanity, uniting them in a single story. Everything connects.

The photographs were taken on traditional silver film, and the traditional silver enlarger prints were made by master craftsman and printer Diamantino Quintas, with whom Estelle Lagarde has worked for many years.

(Text: Galerie Parallax, Aix-en-Provence)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
28. Januar – 13. April 2025

L’envers du portrait
Marjaana Kella

„Ich habe das Porträt als Thema gewählt...“.
Seit nunmehr fast dreißig Jahren steht die Präsenz des anderen im Bild, seine subtile und geheimnisvolle Ausstrahlung, im Mittelpunkt des Werks der finnischen Fotografin Marjaana Kella. Was bedeutet es, ein Porträt zu machen? Zwischen 1997 und 2001 erstellt sie Porträts von Menschen unter Hypnose. Sie will die Dissoziation hinterfragen, die sich dann zwischen dem inneren Zustand und der äußeren Erscheinung vollzieht. Im selben Zeitraum fotografiert sie auch Modelle, die dem Objektiv den Rücken zuwenden. Sie weiß, dass bei einem traditionellen Porträt das Gesicht, die Augen und der Ausdruck den Blick auf sich ziehen. „Sobald das Gesicht des anderen erscheint, verpflichtet es mich“, schrieb Emmanuel Levinas. Indem sie dieses Zeichen der Präsenz in der Welt ausblendet, versucht sie, die Aufmerksamkeit auf das Bild selbst zu lenken. Was ist eine Fotografie? Das Prinzip der experimentellen Methode besteht darin, die Parameter eines Experiments zu variieren, um ihre Auswirkungen auf das Ergebnis genau zu bestimmen. Genau dieser Aufgabe unterzieht Kella die Übung der Repräsentation. Sie hinterfragt die Art und Weise, wie Porträts gemacht werden, aber auch, wie wir sie betrachten.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

« J’ai choisi le portrait comme sujet… ».
Depuis maintenant près d’une trentaine d’années, la présence de l’autre à l’image, son émanation subtile et mystérieuse, est au coeur de l’oeuvre de la photographe finlandaise Marjaana Kella. Qu’est-ce que faire un portrait veut dire ? Entre 1997 et 2001, elle réalise des portraits de personnes sous hypnose. Elle veut interroger la dissociation qui s’opère alors entre l’état intérieur et l’apparence extérieure. Durant la même période, elle photographie également des modèles qui tournent le dos à l’objectif. Elle sait que dans le portrait traditionnel, le visage, les yeux, l’expression attirent le regard. « Dès que le visage de l’autre apparaît, il m’oblige » écrivait Emmanuel Levinas. En oblitérant cette marque de présence au monde, elle cherche à attirer l’attention sur l’image elle-même. Qu’est-ce qu’une photographie ? Le principe de la méthode expérimentale consiste à faire varier les paramètres d’une expérience afin de déterminer exactement leurs effets sur son résultat. C’est là précisément ce à quoi Kella soumet l’exercice de la représentation. Elle questionne la manière dont les portraits sont réalisés mais aussi la façon dont nous les regardons.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

“Ho scelto il ritratto come soggetto...”.
Da quasi trent'anni, la presenza dell'altro nell'immagine, la sua sottile e misteriosa emanazione, è al centro del lavoro della fotografa finlandese Marjaana Kella. Cosa significa fare un ritratto? Tra il 1997 e il 2001 ha scattato ritratti di persone sotto ipnosi. Il suo obiettivo era esplorare la dissociazione che si verifica tra lo stato interiore e l'aspetto esteriore. Nello stesso periodo ha fotografato anche modelli che davano le spalle alla macchina fotografica. Sapeva che nel ritratto tradizionale il volto, gli occhi e l'espressione erano al centro dell'attenzione. “Non appena il volto di un altro appare, mi costringe”, scriveva Emmanuel Levinas. Cancellando questo segno di presenza nel mondo, cerca di attirare l'attenzione sull'immagine stessa. Che cos'è una fotografia? Il principio del metodo sperimentale consiste nel variare i parametri di un esperimento per determinare esattamente l'effetto che hanno sul suo risultato. È proprio questo che Kella sottopone all'esercizio della rappresentazione. L'artista mette in discussione non solo il modo in cui vengono realizzati i ritratti, ma anche il modo in cui li guardiamo.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore della Fondation Henri Cartier-Bresson

‘I chose the portrait as my subject...’.
For almost thirty years now, the presence of the other in the image, its subtle and mysterious emanation, has been at the heart of the work of Finnish photographer Marjaana Kella. What does it mean to make a portrait? Between 1997 and 2001, she took portraits of people under hypnosis. Her aim was to explore the dissociation that occurs between the inner state and the outer appearance. During the same period, she also photographed models with their backs to the camera. She knew that in the traditional portrait, the face, the eyes and the expression were the focus of attention. ‘As soon as the face of another appears, it compels me’ wrote Emmanuel Levinas. By obliterating this mark of presence in the world, it seeks to draw attention to the image itself. What is a photograph? The principle of the experimental method is to vary the parameters of an experiment in order to determine exactly what effect they have on its outcome. This is precisely what Kella is subjecting the exercise of representation to. She questions not only the way portraits are made, but also the way we look at them.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
28. Januar – 13. April 2025

Mons Ferratus
Karim Kal

In der kollektiven Vorstellung ist die Haute Kabylie, dieses bergige Gebiet im Norden Algeriens, ein Symbol für eine bestimmte Form des Widerstands gegen Imperialismus, Kolonialisierung, Herrschaft und Schrecken aller Art. Als ob die eisenhaltige Natur seines Bodens dazu beigetragen hätte, den stählernen Charakter der Menschen, die dort leben, zu formen.

Der 1977 in Genf geborene Karim Kal, Enkel einer kabylischen Familie, verfolgt hier jedoch keine autobiografische oder gar identitätsstiftende Suche. Das Projekt, das er im Rahmen des EHCB-Preises entwickelt hat, ist vielmehr Teil einer Recherche, die er vor nunmehr zwei Jahrzehnten in Räumen - Gefängnissen, Krankenhäusern, Vorstädten - begonnen hat, die besonders von Machtsituationen bestimmt sind.

Kal, der stark vom Vokabular der abstrakten Malerei in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts geprägt ist, hat einen unverkennbaren Stil entwickelt. Da er hauptsächlich nachts mit einer starken Blitzlampe fotografiert, enthüllt er bestimmte Details und lässt andere in der Dunkelheit verschwinden. Er modelliert die Wirklichkeit mit Licht.

Weit entfernt von der Informationsüberflutung, an die uns die heutigen Medien gewöhnen, verlangsamt er den Fluss, wählt das Wichtige aus und schlägt so eine kritische wie poetische Askese vor. Auf diese Weise trägt er zur Neudefinition des dokumentarischen Vertrags bei, der der fotografischen Sprache innewohnt.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor der Fondation Henri Cartier-Bresson.

Partner: Die Fondation d'entreprise Hermès ist Mäzenin des HCB-Preises.

Dans l’imaginaire collectif, la Haute Kabylie, ce territoire montagneux situé au nord de l’Algérie, est le symbole d’une certaine forme de résistance à l’impérialisme, à la colonisation, aux dominations et aux terreurs de tous âges. Comme si la nature ferrugineuse de son sol avait contribué à forger le caractère d’acier de ceux qui l’habitent.

Petit fils de kabyles, né à Genève en 1977, Karim Kal ne poursuit cependant pas ici une quête autobiographique ou même identitaire. Le projet qu’il a développé dans le cadre du Prix HCB s’inscrit davantage dans une recherche entamée il y a maintenant deux décennies dans des espaces – prisons, hôpitaux, banlieues – particulièrement déterminés par des situations de pouvoir.

Très marqué par le vocabulaire de la peinture abstraite de la seconde moitié du 20e siècle, Kal a développé un style reconnaissable entre tous. Photographiant essentiellement la nuit, à l’aide d’une puissante torche flash, il révèle certains détails et en laisse disparaître d’autres dans l’obscurité. Il sculpte le réel à la lumière.

Bien loin du trop-plein informationnel auquel les médias contemporains nous habituent, il ralentit le flux, choisit ce qui importe, et propose ainsi une ascèse critique autant que poétique. Ce faisant, il participe à la redéfinition du contrat documentaire inhérent au langage photographique.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Partenaire: La Fondation d’entreprise Hermès est le mécène du Prix HCB.

Nell'immaginario collettivo, l'Alta Cabilia, territorio montuoso nel nord dell'Algeria, è il simbolo di una certa forma di resistenza all'imperialismo, alla colonizzazione, alla dominazione e al terrore di ogni epoca. È come se la natura ferruginosa del suo suolo avesse contribuito a forgiare il carattere saldo dei suoi abitanti.

Nipote di genitori cablè, nato a Ginevra nel 1977, Karim Kal non sta perseguendo una ricerca autobiografica o identitaria. Il progetto che ha sviluppato nell'ambito del Premio HCB è piuttosto in linea con la ricerca che ha iniziato due decenni fa negli spazi - carceri, ospedali, periferie - particolarmente determinati da situazioni di potere.

Fortemente influenzato dal vocabolario della pittura astratta della seconda metà del XX secolo, Kal ha sviluppato uno stile immediatamente riconoscibile. Fotografando soprattutto di notte, utilizzando una potente torcia elettrica, rivela alcuni dettagli e ne lascia scomparire altri nell'oscurità. Scolpisce la realtà con la luce.

Lontano dal sovraccarico di informazioni a cui ci hanno abituato i media contemporanei, rallenta il flusso, sceglie ciò che è importante e, così facendo, propone un'ascesi critica quanto poetica. Così facendo, contribuisce a ridefinire il contratto documentario insito nel linguaggio fotografico.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

Partner: La Fondation d'entreprise Hermès è il patrocinatore del Prix HCB.

In the collective imagination, Upper Kabylia, the mountainous territory in northern Algeria, is the symbol of a certain form of resistance to imperialism, colonisation, domination and terror of all ages. It's as if the ferruginous nature of its soil has helped forge the steely character of its inhabitants.

The grandson of Kabyle parents born in Geneva in 1977, Karim Kal is not pursuing an autobiographical or even identity quest here. The project he has developed as part of the HCB Prize is more in keeping with research he began two decades ago in spaces - prisons, hospitals, suburbs - particularly determined by situations of power.

Strongly influenced by the vocabulary of abstract painting in the second half of the 20th century, Kal has developed a style that is instantly recognisable. Photographing mainly at night, using a powerful flashlight, he reveals certain details and lets others disappear into the darkness. He sculpts reality with light.

Far removed from the information overload to which the contemporary media have accustomed us, he slows down the flow, chooses what is important, and in so doing proposes a critical asceticism as much as a poetic one. In so doing, he is helping to redefine the documentary contract inherent in the language of photography.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

Partner: The Fondation d'entreprise Hermès is the patron of the Prix HCB.

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris)

Galerie Clémentine de la Féronnière | Paris
24. Januar – 15. März 2025

Mikiya Takimoto

Die Galerie Clémentine de la Féronnière freut sich, die Eröffnung der zweiten monografischen Ausstellung des japanischen Künstlers Mikiya Takimoto ankündigen zu können. Die Ausstellung beleuchtet eine Auswahl neuerer Werke des Künstlers, die aus den Serien Le Corbusier, Grain of Light, Snow Mountain und Lumière stammen.

Der 1974 in Aichi geborene Fotograf und Filmemacher Mikiya Takimoto ist für seine kontemplative Herangehensweise an Raum und Natur bekannt. Seine Arbeit zeichnet sich durch eine tiefe Reflexion über die Beziehung des Menschen zu seiner Umwelt aus, in der das Prinzip des mujo mitschwingt, das die Vergänglichkeit aller Dinge heraufbeschwört. Dieses Prinzip unterstreicht die Idee, dass die Zeit, so wie wir sie verstehen, eine Illusion ist. Takimotos Arbeit, die von dieser Beziehung zur Zeit getragen wird, lädt zu einer heiteren Erkundung der Einsamkeit ein.

Takimotos Werk verkörpert sich in natürlichen oder städtischen Landschaften, in denen die Abwesenheit des Menschen die sensorische Erfahrung intensiviert. Seine Landschaften werden zu einem Ort der Meditation, an dem die Fotografie über die bloße Abbildung hinausgeht und zum Träger einer rohen und tiefen Emotion wird.

Die Ausstellung vereint bisher unveröffentlichte Werke einer fotografischen Arbeit, die auf allen sieben Kontinenten ihre Wurzeln hat. Von der durchdachten Architektur Le Corbusiers, den atemberaubenden Aufnahmen des Meeres von einer Klippe in Indonesien in Grain of Light bis hin zur Erhabenheit der schneebedeckten Berge in Snow Mountain und der Vegetation der Tempel von Kyoto in Lumiere bietet die Ausstellung ein vollständiges Eintauchen in die einzigartige Welt von Mikiya Takimoto.

La galerie Clémentine de la Féronnière a le plaisir d’annoncer l’ouverture de la seconde exposition monographique de l’artiste japonais Mikiya Takimoto. L’exposition met en lumière une sélection d’oeuvres récentes de l’artiste, issues des séries Le Corbusier, Grain of Light, Snow Mountain, et Lumière.

Photographe et cinéaste né en 1974 à Aichi, Mikiya Takimoto est connu pour son approche contemplative de l’espace et la nature. Son travail se caractérise par une réflexion profonde sur la relation de l’homme à son environnement, dans laquelle résonne le principe du mujo, évoquant l’impermanence de toute chose. Ce principe souligne l’idée que le temps, tel que nous le concevons, est illusoire. Le travail de Takimoto portée par ce rapport au temps invite à une exploration sereine de la solitude.

L’oeuvre de Takimoto s’incarne dans des paysages, naturels ou urbains, dans lesquels l’absence de l’homme intensifie l’expérience sensorielle. Ses paysages deviennent un lieu de méditation, où la photographie dépasse la simple représentation pour devenir le vecteur d’une émotion brute et profonde.

L’exposition réunit des oeuvres inédites d’un travail photographique qui prend racine sur les sept continents. De l’architecture réfléchie de Le Corbusier, aux photographies saisissantes de la mer prises depuis le sommet d’une falaise en Indonésie dans Grain of Light, en passant par la majesté des montagnes enneigées de Snow Mountain et de la végétation des temples de Kyoto dans Lumiere, l’exposition offre une immersion complète dans l’univers unique de Mikiya Takimoto.

La Galerie Clémentine de la Féronnière è lieta di annunciare l'apertura della seconda mostra personale dell'artista giapponese Mikiya Takimoto. La mostra presenta una selezione di opere recenti dell'artista, appartenenti alle serie Le Corbusier, Grain of Light, Snow Mountain e Lumière.

Fotografo e regista nato nel 1974 ad Aichi, Mikiya Takimoto è noto per il suo approccio contemplativo allo spazio e alla natura. Il suo lavoro è caratterizzato da una profonda riflessione sul rapporto tra l'uomo e l'ambiente, in cui risuona il principio del mujo, che evoca l'impermanenza di tutte le cose. Questo principio sottolinea l'idea che il tempo, così come lo concepiamo, è illusorio. Il lavoro di Takimoto è influenzato da questo rapporto con il tempo e ci invita a esplorare la serenità della solitudine.

Il lavoro di Takimoto si concretizza in paesaggi, sia naturali che urbani, in cui l'assenza dell'uomo intensifica l'esperienza sensoriale. I suoi paesaggi diventano un luogo di meditazione, dove la fotografia va oltre la semplice rappresentazione per diventare un veicolo di emozioni profonde e crude.

La mostra riunisce opere inedite di un corpus fotografico che ha messo radici in tutti e sette i continenti. Dall'architettura riflessiva di Le Corbusier alle suggestive fotografie del mare scattate dalla cima di una scogliera in Indonesia in Grain of Light, fino alla maestosità delle montagne innevate in Snow Mountain e alla vegetazione dei templi di Kyoto in Lumiere, la mostra offre un'immersione completa nel mondo unico di Mikiya Takimoto.

Galerie Clémentine de la Féronnière is pleased to announce the opening of the second monographic exhibition by Japanese artist Mikiya Takimoto. The exhibition highlights a selection of the artist's recent works, from the Le Corbusier, Grain of Light, Snow Mountain and Lumière series.

A photographer and filmmaker born in 1974 in Aichi, Mikiya Takimoto is known for his contemplative approach to space and nature. His work is characterized by a deep reflection on man's relationship with his environment, in which the principle of mujo resonates, evoking the impermanence of all things. This principle underlines the idea that time, as we conceive it, is illusory. Takimoto's work is driven by this relationship with time, inviting us to explore the serenity of solitude.

Takimoto's work is embodied in landscapes, both natural and urban, in which the absence of man intensifies the sensory experience. His landscapes become a place of meditation, where photography goes beyond simple representation to become a vehicle for raw, profound emotion.

The exhibition brings together previously unseen works from a body of photographic work that has taken root on all seven continents. From the reflective architecture of Le Corbusier, to the striking photographs of the sea taken from the top of a cliff in Indonesia in Grain of Light, to the majesty of the snow-capped mountains in Snow Mountain and the vegetation of the Kyoto temples in Lumiere, the exhibition offers a complete immersion in the unique universe of Mikiya Takimoto.

(Text: Galerie Clémentine de la Féronnière, Paris)

Galerie le Château d’Eau | Toulouse
17. Januar – 23. März 2025

Alexander Gronsky

„Wenn ich ehrlich bin, muss ich sagen, dass ich nie Projekte mit dem Ziel gemacht habe, sie jemandem zu erklären“. Der russische Fotograf Alexander Gronsky, der 1980 in Tallinn, der heutigen Hauptstadt Estlands, geboren wurde, zieht die Sprache der Bilder dem Spiel der Worte vor. „Die Räume, die ich fotografiere, sind die Landschaften, die man nicht auslöschen kann. Solche, deren Erinnerung man bewahren muss. Die Frage ist nicht, warum ich diese Orte zeige, sondern wie ich sie zeige.“ Zwischen Reportage, Dokumentation und Fiktion konstruiert dieser diskrete und schweigsame Künstler Ideogramme. Seine Bilder sind die Zutaten für einen Rebus, einen geheimen Algorithmus, der aus visuellen Assoziationen besteht und von den Gegenübern rhythmisiert wird.

Alexander Gronsky hat sich nach und nach von der Landschaftsfotografie, wie wir sie traditionell verstehen, befreit. Seine Praxis ist Teil eines ständigen Experimentierens, das die Wahrnehmung des Betrachters verwirren kann, manchmal sogar so sehr, dass er sie verliert. Dies ist eine Antithese zur ursprünglichen Berufung des Mediums, die in der Wiedergabe der Realität besteht.

Diese Entwicklung seines Ansatzes geht mit einer Änderung seiner Praxis einher: In seinen jüngsten Arbeiten bewegt sich der Fotograf weg vom analogen Mittelformat und hin zu digitalen Verfahren. Sein Ziel ist es, diese Technologie für künstlerische Zwecke zu nutzen und dabei die Geschichte des Mediums neu zu beleuchten.

Inwiefern verändert die digitale Innovation - abgesehen von der Revolution der Nutzung - das Denken und Handeln in der Fotografie? Inwieweit trägt sie dazu bei, die Realität einer Szene, einer Landschaft und ihrer Zeit und ihres Raums für immer zu verfälschen?

Blitzlicht, Verschlusszeit, Belichtungszeit... Gronsky spielt mit der fotografischen Geste, indem er auf Mimikry, Serialität, Vorder- und Rückseite, Symmetrie und Asymmetrie von Spiegelungen, Variationen des Bildausschnitts und die Vervielfältigung von Winkeln in einer Ästhetik, die sich dem Schnappschuss annähert, beharrt.

In dieser visuellen Chronik, die aus Irrfahrten und Unausgesprochenem besteht, enthüllt sich eine seltsame, stille und archetypische postsowjetische Stadt. Untersucht unter dem Gesichtspunkt der Architektur, der Gestaltung der Peripherie und der Jahreszeiten, scheint diese Vorstadt am Rande der Stadt sich von allen Grenzen befreien zu wollen und sich wie eine Hydra immer weiter auszudehnen.

Luziferische Gebäude, die im Abstand von Jahren identisch oder fast identisch eingefangen wurden, Überqueren von fälschlicherweise analogen Zebrastreifen, Porträts von Supermärkten, die im Rückspiegel erneut besucht werden... Die Redundanz wird manchmal zu einem Trompe-l'oeil. Und die Replik ist ein systematisches Verfahren.

Manchmal liegt die Verwirrung nicht mehr in den architektonischen Ähnlichkeiten, sondern in den Figuren, die in den fotografierten Welten leben und sich bewegen. „Ich versuche, die Frage der Rebellion aufzuwerfen. Einige Individuen gehen in die gleiche Richtung, andere versuchen, sich ihr zu entziehen“. Um dies wahrnehmbar zu machen, zerlegt er die Bewegung wie Eadweard Muybridge, um das darzustellen, was das menschliche Auge nicht sehen kann. Und das Denken des Betrachters zu erschüttern.

« Si je dois être honnête, je dois dire que je n’ai jamais fait de projets dans le but de les expliquer à quelqu’un ». Né à̀ Tallinn, l’actuelle capitale estonienne, en 1980, le photographe russe Alexander Gronsky préfère le langage des images aux jeux des mots. « Les espaces que je photographie sont des paysages que l’on ne peut pas effacer. Ceux dont il faut garder la mémoire. La question n’est pas de savoir pourquoi je montre ces endroits, mais comment je les montre. » Entre reportage, documentaire et fiction, cet artiste discret et taiseux construit des idéogrammes. Ses images sont les ingrédients d’un rébus, un algorithme secret composé d’associations visuelles, rythmé par les vis-à-vis.

Alexander Gronsky s’est peu à peu affranchi de la photographie de paysage telle que nous la concevons traditionnellement. Sa pratique s’inscrit dans une forme d’expérimentation permanente, quitte à troubler la perception du spectateur, parfois au point de le perdre. Antithèse de la vocation initiale du médium, qui est la restitution du réel.

Cette évolution de sa démarche est concomitante d’un changement de pratique : dans ses travaux récents, le photographe s’éloigne du moyen format argentique au profit de procé dé s numé riques. L’objectif : exploiter cette technologie à des fins artistiques en revisitant l’histoire du mé dium.

Au-delà de la révolution des usages, dans quelle mesure l’innovation digitale transforme-t-elle le raisonnement et l’acte et photographique ? Dans quelle mesure contribue-t-elle à travestir pour de bon le réel d’une scène, d’un paysage et de son espace-temps ?

Flash, vitesse d’obturation, temps d’exposition... Gronsky s’amuse alors du geste photographique en insistant sur le mimétisme, la sérialité, l’endroit et l’envers, la symétrie et la dissymétrie des jeux de miroirs, les variations de cadrages et la multiplication des angles dans une esthétique qui se rapproche du snapshot.

Dans cette chronique visuelle faite d’errance et de non-dits, se dévoile une ville post-soviétique étrange, silencieuse et archétypale. Examinée du point de vue de son architecture, de l’aménagement de sa périphérie et des saisons, ce péri-urbain aux limites de la ville semble vouloir s’affranchir de toute frontière et ne cesser de s’étendre, telle une hydre.

Immeubles lucifériens saisis à l’identique ou presque à des années d’écart, traversées de passages piétons faussement analogues, portraits de supermarchés revisités dans le rétroviseur... La redondance devient parfois un trompe-l’oeil. Et la réplique un procédé systématique.

Parfois, le trouble ne vient plus des similitudes architecturales mais des personnages qui vivent et se déplacent dans les univers photographiés. « J’essaie de soulever la question de la rébellion. Certains individus prennent la même direction, d’autres tentent d’y échapper. » Quitte à, pour que cela devienne perceptible, décomposer le mouvement tel Eadweard Muybridge, afin de représenter ce que l’œil humain ne saurait voir. Et bousculer le raisonnement du spectateur.

“Se devo essere sincero, devo dire che non ho mai realizzato un progetto con l'intenzione di spiegarlo a qualcuno”. Nato a Tallinn, l'attuale capitale estone, nel 1980, il fotografo russo Alexander Gronsky preferisce il linguaggio delle immagini al gioco delle parole. “Gli spazi che fotografo sono paesaggi che non possono essere cancellati. Sono paesaggi che devono essere ricordati. La questione non è perché mostro questi luoghi, ma come li mostro. A metà strada tra reportage, documentario e fiction, questo artista discreto e riservato costruisce ideogrammi. Le sue immagini sono gli ingredienti di un rebus, un algoritmo segreto fatto di associazioni visive, scandito dal ritmo degli opposti.

Alexander Gronsky si è gradualmente svincolato dalla fotografia di paesaggio come la intendiamo tradizionalmente. La sua è una pratica di costante sperimentazione, fino a disturbare la percezione dello spettatore, a volte fino a perderlo. È l'antitesi della vocazione originaria del mezzo, che era quella di ricreare la realtà.

Questa evoluzione nel suo approccio è andata di pari passo con un cambiamento nella pratica: nel suo lavoro recente, il fotografo è passato dalla pellicola di medio formato ai processi digitali. L'obiettivo è sfruttare questa tecnologia a fini artistici, rivisitando la storia del mezzo.

Al di là della rivoluzione degli usi, in che misura l'innovazione digitale sta trasformando il ragionamento e l'atto della fotografia? In che misura contribuisce a mascherare definitivamente la realtà di una scena, di un paesaggio e del suo spazio-tempo?

Flash, velocità dell'otturatore, tempo di esposizione... Gronsky si prende gioco del gesto fotografico, insistendo sul mimetismo, la serialità, il diritto e il rovescio, la simmetria e la dissimmetria nel gioco degli specchi, le variazioni dell'inquadratura e la moltiplicazione degli angoli in un'estetica che si avvicina all'istantanea.

Questa cronaca visiva di parole vaganti e non dette rivela una città post-sovietica strana, silenziosa e archetipica. Esaminata dal punto di vista della sua architettura, dello sviluppo della sua periferia e delle stagioni, questa zona periurbana ai margini della città sembra volersi liberare da tutti i confini e continuare a espandersi, come un'idra.

Edifici luciferiani ripresi identici, o quasi, a distanza di anni, attraversamenti pedonali falsamente simili, ritratti di supermercati rivisitati nello specchietto retrovisore... La ridondanza a volte diventa trompe-l'oeil. E la replica diventa un processo sistematico.

A volte, la confusione non deriva dalle somiglianze architettoniche, ma dai personaggi che vivono e si muovono nei mondi fotografati. “Sto cercando di sollevare la questione della ribellione. Alcune persone vanno nella stessa direzione, altre cercano di sfuggirvi”. Per rendere questo percepibile, scompone il movimento come Eadweard Muybridge, per rappresentare ciò che l'occhio umano non può vedere. E sfidare il ragionamento dello spettatore.

‘If I have to be honest, I have to say that I have never made a project with the intention of explaining it to someone.’ Born in Tallinn, the current Estonian capital, in 1980, Russian photographer Alexander Gronsky prefers the language of images to the play on words. ‘The spaces I photograph are landscapes that cannot be erased. They are landscapes that must be remembered. The question is not why I show these places, but how I show them. Somewhere between reportage, documentary and fiction, this discreet and secretive artist constructs ideograms. His images are the ingredients of a rebus, a secret algorithm made up of visual associations, punctuated by the rhythms of the opposites.

Alexander Gronsky has gradually freed himself from landscape photography as we traditionally understand it. His practice is one of constant experimentation, even to the point of disturbing the viewer's perception, sometimes to the point of losing him. This is the antithesis of the medium's original vocation, which was to recreate reality.

This evolution in his approach has gone hand in hand with a change in practice: in his recent work, the photographer has moved away from medium-format film to digital processes. The aim is to exploit this technology for artistic purposes by revisiting the history of the medium.

Beyond the revolution in uses, to what extent is digital innovation transforming the reasoning and act of photography? To what extent is it helping to disguise for good the reality of a scene, a landscape and its space-time?

Flash, shutter speed, exposure time... Gronsky pokes fun at the photographic gesture, insisting on mimicry, seriality, right and wrong sides, symmetry and dissymmetry in the play of mirrors, variations in framing and the multiplication of angles in an aesthetic that comes close to the snapshot.

This visual chronicle of wandering and unspoken words reveals a strange, silent and archetypal post-Soviet city. Examined from the point of view of its architecture, the development of its outskirts and the seasons, this peri-urban area on the edge of the city seems to want to free itself from all boundaries and continue to expand, like a hydra.

Luciferian buildings captured identically, or almost identically, years apart, falsely similar pedestrian crossings, portraits of supermarkets revisited in the rear-view mirror... Redundancy sometimes becomes a trompe-l'oeil. And replication becomes a systematic process.

Sometimes, the confusion comes not from the architectural similarities but from the characters who live and move in the photographed worlds. ‘I am trying to raise the question of rebellion. Some people are heading in the same direction, others are trying to escape it. To make this perceptible, he breaks down movement like Eadweard Muybridge, in order to represent what the human eye cannot see. And challenge the viewer's reasoning.

(Text: Galerie le Château d’Eau, Toulouse)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
7. Dezember 2024 – 22. Februar 2025

Dans tes brumes

Dirk Braeckman, Julie Calbert, Katrien de Blauwer, Antoine de Winter, Renée Lorie, Stéphanie Roland, Dries Segers, Lore Stessel, Laure Winants

Es ist eine Ausstellung, die von der Energie einer Stadt, vom Verschwinden und Vergessen, vom Auftauchen und vom Unerwarteten handelt. Es ist eine Ausstellung über die Wetterbedingungen des Verschwindens: ein weißer, von Nebelschwaden durchzogener Raum, in dem die Besucher das Verschwinden spielen und von der Welt träumen können, die ohne sie weitergeht. Während wir ständig aufgefordert werden, verfügbar zu sein, ist dies eine Ausstellung, die uns unverfügbar macht.

Es ist eine Ausstellung, in der auch die Künstler damit spielen, von ihren Werken abwesend zu sein, indem sie den Zufall und den Unfall in ihren Schaffensprozess einbeziehen. Es ist eine Ausstellung über die Grenze zwischen den Künsten, über Fotografien, die wie Malerei aussehen, und Gemälde, die fast wie Fotografie sind, Fotografien auf Stein, Fotografien ohne Kamera, Fotomontagen mit Scheren von Körpern, die aus Zeitschriften gestohlen wurden. Es ist eine Ausstellung, in der eine Million Jahre alte Luftblasen als Linsen verwendet werden, in der die Brennweite weit geöffnet wird, um das Licht hereinzulassen, bis es den Film verbrennt.

Es ist eine Ausstellung, die sich fragt, was wir von den Landschaften, die wir betrachtet haben, mitnehmen, was wir von den Gesten derer, die wir geliebt haben, behalten, was von der Welt in uns bleibt, wenn wir die Augen schließen. Angesichts der Dringlichkeit der Klimakrise ist dies eine Ausstellung, die unseren Wunsch nach einer genauen Reproduktion des Bildes hinterfragt, während wir nicht in der Lage sind, seine Quelle zu bewahren. Es ist eine Ausstellung, die uns mit dem Gespenst unseres eigenen Verschwindens konfrontiert.

Es ist eine Ausstellung, in der die Wissenschaft mit der Science-Fiction flirtet, die uns in die Tiefen der Ozeane und Gletscher führt, wo das Eis sagenhafte Farbabstufungen erzeugt, wo Postkarten durch die Wärme unserer Hände entstehen, wo wir Geisterinseln und Gemeinden besuchen, die so klein sind, dass die menschlichen Beziehungen wie mit einer Lupe vergrößert erscheinen.

Es ist eine Ausstellung, die Lagerraum freigibt, die den Besuchern Platz lässt, um die Werke zu empfangen, die die Sinneserfahrung für Gerüche und Geräusche öffnet, die Regenbögen, holographische Bilder und andere Trugbilder erscheinen lässt. Es ist eine Ausstellung, bei der das Wetter bewölkt ist und die Temperaturen leicht über den jahreszeitlichen Normalwerten liegen. Und erstens: In Brüssel regnet es nicht.

C’est une exposition qui parle de l’énergie d’une ville, de l’effacement et de l’oubli, du surgissement et de l’inattendu. C’est une exposition sur les conditions météorologiques de la disparition : un espace blanc, envahi par la brume, au sein duquel les visiteurs peuvent jouer à disparaître et rêver au monde qui continue sans eux. Alors que l’on nous somme perpétuellement d’être disponibles, c’est une exposition qui nous rend indisponibles.

C’est une exposition où les artistes jouent eux aussi à s’absenter de leurs oeuvres en intégrant dans leur processus de création le hasard et l’accident. C’est une exposition sur la frontière entre les arts, sur des photographies qui ressemblent à de la peinture et des peintures qui sont presque de la photographie, des photographies sur pierre, des photographies sans appareil, des photomontages aux ciseaux de corps volés dans des magazines. C’est une exposition où l’on utilise pour lentilles des bulles d’air vieilles d’un million d’années, où l’on ouvre grand la focale pour laisser entrer la lumière jusqu’à brûler le film.

C’est une exposition qui se demande ce que nous emportons des paysages que nous avons regardés, ce que nous gardons des gestes de celles et ceux que nous avons aimés, ce qui demeure en nous du monde quand nous fermons les yeux. Face à l’urgence de la crise climatique, c’est une exposition qui interroge notre désir de reproduire l’image avec exactitude en étant incapables de préserver sa source. C’est une exposition qui nous confronte au spectre de notre propre disparition.

C’est une exposition où la science flirte avec la science-fiction, qui nous plonge au cœur des océans et des glaciers, où la glace crée des dégradés de couleurs fabuleux, où des cartes postales apparaissent à la chaleur de nos mains, où l’on visite des îles fantômes et des communautés si petites que les relations humaines y semblent grossies à la loupe.

C’est une exposition qui libère l’espace de stockage, qui laisse la place aux visiteurs pour recevoir les oeuvres, qui ouvre l’expérience sensorielle aux odeurs et aux sons, qui fait apparaître des arcs-en-ciel, des images holographiques et autres mirages. C’est une exposition où le temps est nuageux et les températures légèrement au-dessus des normales saisonnières. Et d’abord, à Bruxelles, il ne pleut pas.

È una mostra sull'energia di una città, sulla cancellazione e sull'oblio, sull'inatteso e sull'emergente. È una mostra sulle condizioni meteorologiche della scomparsa: uno spazio bianco, invaso dalla nebbia, in cui i visitatori possono giocare a scomparire e sognare il mondo che va avanti senza di loro. In un'epoca in cui ci viene costantemente detto di essere disponibili, questa è una mostra che ci rende indisponibili.

È una mostra in cui gli artisti stessi giocano ad essere assenti dal loro lavoro, incorporando il caso e l'incidente nel loro processo creativo. È una mostra sul confine tra le arti, su fotografie che sembrano dipinti e dipinti che sono quasi fotografie, fotografie su pietra, fotografie senza macchine fotografiche, fotomontaggi fatti con le forbici di corpi rubati dalle riviste. È una mostra in cui bolle d'aria vecchie di milioni di anni vengono usate come lenti, in cui la lunghezza focale viene spalancata per far entrare la luce fino a bruciare la pellicola.

È una mostra che ci chiede cosa portiamo con noi dai paesaggi che abbiamo visto, cosa conserviamo dei gesti di coloro che abbiamo amato e cosa rimane del mondo quando chiudiamo gli occhi. Di fronte all'urgenza della crisi climatica, questa mostra mette in discussione il nostro desiderio di riprodurre accuratamente l'immagine senza poterne preservare la fonte. È una mostra che ci mette di fronte allo spettro della nostra scomparsa.

È una mostra in cui la scienza flirta con la fantascienza, in cui siamo immersi nel cuore degli oceani e dei ghiacciai, in cui il ghiaccio crea favolose gradazioni di colore, in cui le cartoline appaiono nel calore delle nostre mani, in cui visitiamo isole fantasma e comunità così piccole che le relazioni umane sembrano amplificate.

È una mostra che libera spazi di stoccaggio, che lascia spazio ai visitatori per ricevere le opere, che apre l'esperienza sensoriale a odori e suoni, che evoca arcobaleni, immagini olografiche e altri miraggi. È una mostra in cui il tempo è nuvoloso e le temperature leggermente superiori alla norma stagionale. Prima di tutto, a Bruxelles non piove.

It's an exhibition that speaks of the energy of a city, of erasure and oblivion, of emergence and the unexpected. It's an exhibition about the meteorological conditions of disappearance: a white space, invaded by mist, in which visitors can play at disappearing and dream of the world that goes on without them. At a time when we're constantly told to be available, this is an exhibition that makes us unavailable.

It's an exhibition in which the artists themselves play at being absent from their work, integrating chance and accident into their creative process. It's an exhibition about the boundary between the arts, about photographs that look like paintings and paintings that are almost photography, photographs on stone, photographs without cameras, photomontages made with scissors of bodies stolen from magazines. It's an exhibition where million-year-old air bubbles are used as lenses, where the focal length is opened wide to let in light until the film burns.

It's an exhibition that asks what we take with us from the landscapes we've seen, what we retain from the gestures of those we've loved, what remains in us of the world when we close our eyes. Faced with the urgency of the climate crisis, this is an exhibition that questions our desire to reproduce the image exactly, while being unable to preserve its source. It's an exhibition that confronts us with the spectre of our own disappearance.

It's an exhibition where science flirts with science fiction, plunging us into the heart of oceans and glaciers, where ice creates fabulous gradations of color, where postcards appear in the warmth of our hands, where we visit ghost islands and communities so small that human relationships seem magnified.

It's an exhibition that frees up storage space, that leaves room for visitors to receive the works, that opens up the sensory experience to smells and sounds, that conjures up rainbows, holographic images and other mirages. It's an exhibition where the weather is cloudy and temperatures slightly above seasonal norms. First of all, it doesn't rain in Brussels.

(Text: Lise Bruyneel et Simon Hatab)

Galerie XII | Paris
9. November 2024 – 18. Januar 2025

Le Bruissement entre les murs
Clara Chichin et Sabatina Leccia

Die Galerie XII präsentiert eine Ausstellung des Künstlerduos Clara Chichin und Sabatina Leccia mit dem Titel Le Bruissement entre les murs (Das Rauschen zwischen den Wänden). Die Verflechtung ihrer beiden jeweiligen Praktiken - Fotografie und Zeichnung - lässt einen hybriden Bildergarten entstehen, in dem sie die Erfahrung der Landschaft, eines erlebten Territoriums, spürbar machen. Indem sie im langsamen Rhythmus des Lebendigen arbeiten, hinterfragen die beiden Künstler den Begriff der Landschaft, ihre Darstellung und die Beziehung zur lebenden Welt. Dieses Nehmen der Zeit über die Zeit ist eine poetische Einladung, sich des Politischen zu bemächtigen, sich wieder mit dem Sinnlichen zu verbinden und eine Wiederverzauberung vorzuschlagen.

Le Bruissement entre les murs ist ein Gespräch zwischen Fotografie, zeitgenössischer Zeichnung und Stickerei, in dem sich Materialität und symbolische Darstellung abwechseln.

Mit den Pfirsichmauern von Montreuil als Hintergrund, aber auch als Hauptmotor, nehmen Clara Chichin und Sabatina Leccia Entnahmen aus der Realität vor und graben geheime Galerien zwischen dem fantastischen Aspekt dieses Ortes, der zum Träumen einlädt, und seinem historischen Aspekt und Zeugen der Zeitschichten - Pfirsichmauern von König Ludwig XIV, Gemüseanbau, beliebter Ort, gentrifiziert, von der städtischen Zersiedelung in die Zange genommen.

Bei einem Spaziergang durch diese Gärten heben Chichin und Leccia die Zeitschienen auf, indem sie ihre Praktiken (Fotografie, Zeichnen, Weben, Drucken usw.) und ihre Sensibilität miteinander verbinden. Die Materialität ihrer Zusammenarbeit ermöglicht es, die Schichten der Zeit und der Wahrnehmung zu verkörpern, zwischen den Mauern befinden sich ungreifbare Energien. Die Künstler liefern eine sensorische Kartografie, die das Verständnis dieses Ortes neu ausrichtet.

Die Jury des Transverse Stipendiums 2022 zeichnete das Künstlerduo für dieses Projekt aus. Im Jahr 2023 erhielten sie die Unterstützung der DRAC und das Projekt wurde bei der Biennale de l'Image Tangible ausgestellt. Ein Buch wird im November 2024 im Verlag sun/sun erscheinen.

La Galerie XII présente une exposition du duo d'artistes Clara Chichin et Sabatina Leccia intitulée Le Bruissement entre les murs. L’entremêlement de leurs deux pratiques respectives - la photographie et le dessin - donne forme à un jardin d’images hybrides dans lequel elles donnent à sentir l’expérience du paysage, d’un territoire éprouvé. Travaillant au rythme lent du vivant, les deux artistes questionnent la notion de paysage, sa représentation et la relation au monde vivant. Cette prise du temps sur le temps est une invitation poétique à se ressaisir du politique, à se reconnecter au sensible, à proposer un ré-enchantement.

Le Bruissement entre les murs est une conversation entre photographie, dessin contemporain et broderie où matérialité et représentation symbolique s’alternent.

Avec les Murs à pêches de Montreuil en toile de fond mais aussi comme moteur principal, Clara Chichin et Sabatina Leccia opèrent des prélèvements dans le réel, creusent des galeries secrètes entre l’aspect fantastique de ce lieu qui prête à la rêverie et son aspect historique et témoin des strates de temps – mûrs à pêches du roi Louis XIV, maraichage, lieu populaire, gentrifié, pris en étau par l’étalement urbain.

En déambulant dans ces jardins, Chichin et Leccia décloisonnent les temporalités, en conjuguant leurs pratiques (photographie, dessin, tissage, tirage etc) et leur sensibilité. La matérialité de leur collaboration permet d’incarner les strates de temps et de perception, entre les murs se trouvent des énergies impalpables. Les artistes livrent une cartographie sensorielle réorientant la compréhension de ce lieu.

Le jury de la bourse Transverse 2022 a récompensé le duo d’artistes pour ce projet. En 2023, elles ont reçu l’aide de la DRAC et le projet été exposé lors de la Biennale de l’Image Tangible. Un livre est à paraître aux éditions sun/sun en novembre 2024.

La Galerie XII presenta una mostra del duo di artisti Clara Chichin e Sabatina Leccia dal titolo Le Bruissement entre les murs. L'intreccio delle loro due rispettive pratiche - fotografia e disegno - dà forma a un giardino di immagini ibride in cui ci restituiscono il senso del paesaggio, di un territorio collaudato. Lavorando al ritmo lento della vita, i due artisti mettono in discussione la nozione di paesaggio, la sua rappresentazione e il nostro rapporto con il mondo vivente. Questo prendere il tempo nel tempo è un invito poetico a riappropriarsi del politico, a riconnettersi con il sensibile, a proporre un re-incanto.

Le Bruissement entre les murs è una conversazione tra fotografia, disegno contemporaneo e ricamo, in cui si alternano materialità e rappresentazione simbolica.

Con i Murs à pêches de Montreuil come sfondo ma anche come motore principale, Clara Chichin e Sabatina Leccia prelevano campioni dalla realtà, scavando gallerie segrete tra l'aspetto fantastico di questo luogo che si presta a sognare a occhi aperti e il suo aspetto storico che testimonia le stratificazioni del tempo - i pescheti del re Luigi XIV, gli orti del mercato, un luogo popolare e imborghesito, stretto nella morsa dell'espansione urbana.

Vagando per questi giardini, Chichin e Leccia abbattono le barriere del tempo, unendo le loro pratiche (fotografia, disegno, tessitura, stampa, ecc.) e le loro sensibilità. La materialità della loro collaborazione permette di incarnare gli strati del tempo e della percezione, e tra i muri si nascondono energie impalpabili. Gli artisti offrono una cartografia sensoriale che riorienta la nostra comprensione di questo luogo.

La giuria della borsa di studio Transverse 2022 ha premiato il duo di artisti per questo progetto. Nel 2023 hanno ricevuto il sostegno del DRAC e il progetto è stato esposto alla Biennale de l'Image Tangible. Un libro sarà pubblicato da sun/sun nel novembre 2024.

Galerie XII presents an exhibition by artist duo Clara Chichin and Sabatina Leccia entitled Le Bruissement entre les murs. The intermingling of their two respective practices - photography and drawing - gives shape to a garden of hybrid images in which they convey the experience of the landscape, of a tested territory. Working to the slow rhythm of life, the two artists question the notion of landscape, its representation and our relationship with the living world. This taking of time over time is a poetic invitation to take hold of the political, to reconnect with the sensitive, to propose a re-enchantment.

Le Bruissement entre les murs is a conversation between photography, contemporary drawing and embroidery, where materiality and symbolic representation alternate.

With Montreuil's Murs à pêches (Peach Walls) as both backdrop and main driving force, Clara Chichin and Sabatina Leccia take samples from reality, digging secret galleries between the fantastical aspect of this place that lends itself to daydreaming and its historical aspect that bears witness to the strata of time - King Louis XIV's peach orchards, market gardening, a popular, gentrified place caught in the grip of urban sprawl.

Strolling through these gardens, Chichin and Leccia decompartmentalize temporalities, combining their practices (photography, drawing, weaving, printing, etc.) and their sensibilities. The materiality of their collaboration embodies strata of time and perception, and between the walls lie impalpable energies. The artists deliver a sensory cartography that reorients our understanding of this place.

The jury of the Transverse 2022 grant awarded the artist duo for this project. In 2023, they received support from the DRAC and the project was exhibited at the Biennale de l'Image Tangible. A book is due to be published by sun/sun in November 2024.

(Text: Galerie XII, Paris)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
7. November – 21. Dezember 2024

Fragmentary Narratives
Todd Hido

Todd Hido ist ein renommierter amerikanischer Fotograf, der für seine atmosphärischen Bilder bekannt ist, in denen er Stadtlandschaften, anonyme Häuser, Innenräume und melancholische Charaktere festhält. Seine Arbeit baut auf Einsamkeit, Erinnerungen und dem Unbewussten auf, wobei er sich besonders auf die Wirkung von Licht und Schatten konzentriert. Seine Fotografien werden oft als filmisch beschrieben und erinnern an eine implizite Erzählung, die Raum für die Interpretation des Betrachters lässt.

Todd Hidos frühere Serien waren dringende Appelle angesichts einer Welt, die bereits von Umweltkatastrophen bedroht war. Damals blieb der Klimawandel ein entferntes, selten erwähntes Anliegen, dessen Auswirkungen noch in weiter Ferne zu liegen schienen. Heute sind diese Auswirkungen unbestreitbar und zeigen sich mit einer Gewalt und Verwüstung, die alle Regionen der Erde betrifft.

In seiner neuen Ausstellung zeigt Hido die Schönheit und die Hoffnung, die selbst in den verstörendsten Landschaften fortbestehen. Die Familiencollagen betonen, wie wichtig es ist, Trost von den Menschen zu schöpfen, die uns nahestehen, und die Bindungen zu stärken, die für die Bewältigung einer zunehmend unsicheren Zukunft unerlässlich sind.

Diese Ausstellung ist keineswegs nur eine Retrospektive seiner früheren Arbeiten, sondern markiert eine künstlerische Neuerfindung. Durch Hidos Objektiv wird jede Szene zu einem visuellen Gedicht, das das Licht auf eine Weise einfängt, die sowohl das Geheimnis als auch die Klarheit, die Natur und das Menschsein heraufbeschwört. Jedes Bild ist eine Einladung, die Schönheit und Hoffnung in den einfachsten Momenten zu entdecken, die durch einen neuen, von Poesie geprägten Blick erhellt werden.

Hidos Fotografien wurden in renommierten Institutionen wie den Rencontres d'Arles, dem Cleveland Museum of Art, Pier 24 und dem Whitney Museum of American Art ausgestellt. Seine Werke befinden sich in über fünfzig öffentlichen und privaten Sammlungen, darunter die des Guggenheim und des Getty. Seine Arbeit hat mehrere Hollywood-Produktionen beeinflusst und er ist eines der Themen des Dokumentarfilms On The Roam von Jason Momoa, der auf HBO Max ausgestrahlt wurde.

Todd Hido est un photographe américain de renom, connu pour ses images atmosphériques qui capturent des paysages urbains, des maisons anonymes, des intérieurs et des personnages mélancoliques. Son travail se construit sur la solitude, la mémoire et l’inconscient, avec une attention particulière portée à l’effet de la lumière et de l’ombre. Ses photographies sont souvent décrites comme cinématographiques, évoquant une narration implicite qui laisse place à l’interprétation du spectateur.

Les séries précédentes de Todd Hido étaient des appels urgents face à un monde déjà menacé par les catastrophes écologiques. À l’époque, le changement climatique restait une préoccupation éloignée, rarement évoquée, dont les effets semblaient encore lointains. Aujourd’hui, ces effets sont indéniables, se manifestant avec une violence et une dévastation qui touchent toutes les régions du globe.

Dans cette nouvelle exposition, Hido choisit de révéler la beauté et l’espoir qui persistent, même au sein des paysages les plus troublants. Les collages familiaux mettent en avant l’importance de puiser du réconfort auprès de nos proches, et de renforcer les liens essentiels pour faire face à un avenir de plus en plus incertain.

Loin d’être une simple rétrospective de son travail antérieur, cette exposition marque une réinvention artistique. À travers l’objectif de Hido, chaque scène devient un poème visuel, capturant la lumière d’une manière qui évoque à la fois le mystère et la clarté, la nature et la condition humaine. Chaque image est une invitation à découvrir la beauté et l’espoir dans les moments les plus simples, illuminés par un regard nouveau et empreint de poésie.

Les photographies de Hido ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme les Rencontres d’Arles, le Cleveland Museum of Art, Pier 24 et le Whitney Museum of American Art. Ses oeuvres figurent dans plus de cinquante collections publiques et privées, y compris celles du Guggenheim et du Getty. Son travail a influencé plusieurs productions hollywoodiennes, et il est l’un des sujets du documentaire On The Roam de Jason Momoa, diffusé sur HBO Max.

Todd Hido è un rinomato fotografo americano, noto per le sue immagini atmosferiche che catturano paesaggi urbani, case anonime, interni e personaggi malinconici. Il suo lavoro si concentra sulla solitudine, la memoria e l'inconscio, con particolare attenzione all'effetto della luce e dell'ombra. Le sue fotografie sono spesso descritte come cinematografiche, evocando una narrazione implicita che lascia spazio all'interpretazione dello spettatore.

Le prime serie di Todd Hido erano appelli urgenti a un mondo già minacciato da disastri ecologici. All'epoca, il cambiamento climatico rimaneva una preoccupazione lontana, raramente menzionata, i cui effetti sembravano ancora remoti. Oggi questi effetti sono innegabili e si manifestano con violenza e devastazione in ogni regione del mondo.

In questa nuova mostra, Hido sceglie di rivelare la bellezza e la speranza che persistono anche nei paesaggi più inquietanti. I collage di famiglia sottolineano l'importanza di trarre conforto dalle persone più vicine e di rafforzare i legami che sono essenziali per affrontare un futuro sempre più incerto.

Lungi dall'essere una semplice retrospettiva dei suoi lavori precedenti, questa mostra segna una reinvenzione artistica. Attraverso l'obiettivo di Hido, ogni scena diventa una poesia visiva, catturando la luce in un modo che evoca sia il mistero che la chiarezza, la natura e la condizione umana. Ogni immagine è un invito a scoprire la bellezza e la speranza nei momenti più semplici, illuminati da una prospettiva fresca e poetica.

Le fotografie di Hido sono state esposte in istituzioni prestigiose come Les Rencontres d'Arles, il Cleveland Museum of Art, il Pier 24 e il Whitney Museum of American Art. Le sue opere sono presenti in oltre cinquanta collezioni pubbliche e private, tra cui quelle del Guggenheim e del Getty. Il suo lavoro ha influenzato diverse produzioni hollywoodiane ed è uno dei soggetti del documentario di Jason Momoa On The Roam, trasmesso su HBO Max.

Todd Hido is a renowned American photographer, known for his atmospheric images that capture urban landscapes, anonymous houses, interiors and melancholy characters. His work is built on solitude, memory and the unconscious, with particular attention paid to the effect of light and shadow. His photographs are often described as cinematic, evoking an implicit narrative that leaves room for interpretation by the viewer.

Todd Hido's earlier series were urgent appeals to a world already threatened by ecological disasters. At the time, climate change remained a distant preoccupation, rarely mentioned, whose effects still seemed remote. Today, these effects are undeniable, manifesting themselves with violence and devastation in every region of the globe.

In this new exhibition, Hido chooses to reveal the beauty and hope that persist, even within the most disturbing landscapes. The family collages highlight the importance of drawing comfort from our loved ones, and strengthening the bonds essential to facing an increasingly uncertain future.

Far from being a simple retrospective of his earlier work, this exhibition marks an artistic reinvention. Through Hido's lens, each scene becomes a visual poem, capturing light in a way that evokes both mystery and clarity, nature and the human condition. Each image is an invitation to discover beauty and hope in the simplest moments, illuminated by a fresh, poetic perspective.

Hido's photographs have been exhibited in prestigious institutions such as Les Rencontres d'Arles, the Cleveland Museum of Art, Pier 24 and the Whitney Museum of American Art. His work can be found in over fifty public and private collections, including those of the Guggenheim and the Getty. His work has influenced several Hollywood productions, and he is one of the subjects of Jason Momoa's documentary On The Roam, broadcast on HBO Max.

(Text: Galerie Les filles du calvaire, Paris)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
7. November – 21. Dezember 2024

Break in Case of Emergency
Tania Franco Klein

Break in Case of Emergency entspringt Kleins Faszination für die Katharsis, ein aristotelisches Konzept: ein Prozess, durch den Leidenschaften reguliert oder vernichtet werden können, indem sie in der Tragödie inszeniert werden. In ihren filmischen Selbstporträts stellt sie unsere modernen Ängste dar. Diese schillernd unwirklichen Bilder rufen vielfältige und tiefe Emotionen unserer zeitgenössischen Psyche hervor. Klein lädt uns ein, an ihrer sorgfältigen Erforschung des Geheimnisvollen, Rätselhaften und sogar des Tabus teilzunehmen. Weibliche Themen, die in schrägen Szenarien platziert werden, verleiten das Publikum zu einem ambivalenten Voyeurismus. Geschickt inszenierte Fiktion beeinflusst und formt unsere Emotionen auf neue Weise.

Tania Franco Klein wurde 1990 in Mexiko geboren. Sie lebt und arbeitet zwischen Mexiko, dem Vereinigten Königreich und den USA. Derzeit widmet sie sich der Fotografie, GIFs und Installationskunst. Ihre Werke wurden in Europa, den USA und Mexiko ausgestellt und ihre Serie Subject Studies wurde kürzlich vom MoMA und dem Getty erworben. Ihre erste Veröffentlichung, Positive Disintegration (2019), wurde für den Paris Photo Aperture Foundation Award nominiert.

Break in Case of Emergency découle de la fascination de Klein pour la catharsis, un concept aristotélicien : processus qui permet de réguler ou d'annihiler les passions en les mettant en scène dans la tragédie. Dans ses autoportraits cinématographiques, elle représente nos anxiétés modernes. Ces images, éblouissantes d’irréalité, évoquent des émotions multiples et profondes de notre psyché contemporaine. Klein nous invite à participer à son exploration minutieuse du mystérieux, de l'énigmatique, et même du tabou. Les sujets féminins, placés dans des scénarios décalés, incitent le public à un voyeurisme ambivalent. La fiction, habilement mise en scène, affecte et façonne nos émotions de manière nouvelle.

Née en 1990 au Mexique, Tania Franco Klein vit et travaille entre le Mexique, le Royaume-Uni et les États-Unis. Elle se consacre actuellement à la photographie, aux GIFs et à l'art d'installation. Ses oeuvres ont été exposées en Europe, aux États-Unis et au Mexique, et sa série Subject Studies a récemment été acquise par le MoMA et le Getty. Sa première publication, Positive Disintegration (2019), a été nominée pour le Paris Photo Aperture Foundation Award.

Break in Case of Emergency nasce dalla fascinazione della Klein per la catarsi, un concetto aristotelico: il processo di regolazione o annientamento delle passioni attraverso la messa in scena di una tragedia. Nei suoi autoritratti cinematografici, la Klein ritrae le nostre ansie moderne. Queste immagini, folgoranti e irreali, evocano le molteplici e profonde emozioni della nostra psiche contemporanea. Klein ci invita a partecipare alla sua meticolosa esplorazione del misterioso, dell'enigmatico e persino del tabù. I soggetti femminili, collocati in scenari fuori dal comune, incitano il pubblico a un voyeurismo ambivalente. La finzione, abilmente messa in scena, colpisce e modella le nostre emozioni in modi nuovi.

Nata in Messico nel 1990, Tania Franco Klein vive e lavora tra Messico, Regno Unito e Stati Uniti. Attualmente si dedica alla fotografia, alle GIF e all'arte installativa. Le sue opere sono state esposte in Europa, negli Stati Uniti e in Messico e la sua serie Subject Studies è stata recentemente acquisita dal MoMA e dal Getty. La sua prima pubblicazione, Positive Disintegration (2019), è stata nominata per il Paris Photo Aperture Foundation Award.

Break in Case of Emergency stems from Klein's fascination with catharsis, an Aristotelian concept: the process of regulating or annihilating passions by staging them in tragedy. In her cinematic self-portraits, she depicts our modern anxieties. These images, dazzlingly unreal, evoke the multiple and profound emotions of our contemporary psyche. Klein invites us to participate in her meticulous exploration of the mysterious, the enigmatic, even the taboo. Female subjects, placed in offbeat scenarios, incite the audience to an ambivalent voyeurism. Fiction, skilfully staged, affects and shapes our emotions in new ways.

Born in Mexico in 1990, Tania Franco Klein lives and works between Mexico, the UK and the USA. She currently devotes her time to photography, GIFs and installation art. Her work has been exhibited in Europe, the United States and Mexico, and her Subject Studies series was recently acquired by MoMA and the Getty. His first publication, Positive Disintegration (2019), was nominated for the Paris Photo Aperture Foundation Award.

(Text: Galerie Les filles du calvaire, Paris)

Little Big Galerie | Paris
7. November 2024 - 19. Januar 2025

«Mon cœur en Hiver» / «Insula»
Alexis Pichot

Diese Fotoserie ist eine Kreation aus dem Herzen meiner Desillusionierung, einer Desillusionierung über meine Reise zu den Lofoten, eine Reise, die gleichzeitig eine Prüfung und ein Lernprozess war. Am Anfang standen gute Vorsätze: eine mehrtägige Zugfahrt mit dem Ziel, aus Umweltbewusstsein und Abenteuerlust nördlich des Polarkreises in Norwegen zu reisen. Die Lust war da: Ich wollte mich darauf freuen, wunderschöne Landschaften zu fotografieren. Abgesehen von der recht schwierigen Organisation mit einer Vielzahl an zu buchenden Zügen liebte ich es, mir diese Zeit als Teil der Reise zu nehmen. Dort angekommen, mietete ich einen umgebauten Van mit dem Namen Thor. Thor ist der mächtigste Gott in der skandinavischen Mythologie und seine Kräfte sind mit dem Himmel verbunden. Er nutzt Blitze und besänftigt oder erregt Stürme. Ein Bild, das den Rest ankündigte, denn das war das Problem: Das Wetter war Tag für Tag schlecht. Am ersten Tag sitze ich am Steuer von Thor und freue mich auf diese Woche, trotz der Kälte und des Schneefalls. Diese Freude hielt nicht lange an, da es am nächsten Tag in Strömen regnete und die Temperatur für den Rest der Woche um die 2°C lag. Jeder Tag hatte seine Schwierigkeiten, die größtenteils mit dem Wetter zusammenhingen: starker Wind, Regenschauer, feuchte Kälte, Schneesturm...

Ich saß in meinem Van fest und beobachtete die vorbeiziehenden Landschaften für lange Zeit, und das fast die ganze Zeit über. Ich hatte geplant, zu wandern, der Natur zu begegnen, mich mit ihr zu isolieren und die Sanftheit ihrer Intimität zu fotografieren... aber aus meiner Perspektive hatte sich mir eine feindlichere Form der Intimität präsentiert. Ich spürte, wie meine Stimmung sank, und trotzdem fuhr ich weiter, beobachtete und hoffte (oder auch nicht), dass sich mir ein fotografisches Gemälde präsentieren würde. Die Geduld zahlte sich aus, denn durch meine beharrliche Beobachtung konnte ich sehen, wie sich Kontraste entwickelten, Farbnuancen auftauchten, Licht durch die Wolken brach und die Landschaft neu zusammensetzte... Wie Endorphinschüsse sprang ich auf meine Kamera, um diese Momente der Erregung in mir zu verewigen. Diese Momente, so kurz sie auch waren, erfüllten mich mit Freude und wärmten mein winterliches Herz. Diese Reise sah meinen Geist im Nebel, mein Geist wusste nicht, wohin er gehen sollte, und ich konnte es kaum erwarten, aus diesem Nebel herauszukommen. Trotz allem hatte ich die Gewissheit, dass eine Geschichte auftauchen würde. Und diese Geschichte ist tatsächlich die eines vom Blitzschlag Thors diktierten Abenteuers, in dem ich allein inmitten meiner Emotionen arbeiten musste.

Im Herzen unseres Gehirns befindet sich die Insula, ein Organ, das als Geburtsort der Emotionen gilt. Im Lateinischen bedeutet Insula Insel, die sich inmitten von Wasser befindet. Ich bin für dieses Wort empfänglich, weil Wasser für mich ein wichtiges Element darstellt. Wenn ich von Wasser umgeben bin, fühle ich mich zutiefst lebendig, verbunden und präsent. Ich weiß, dass mein Körper, der zum größten Teil aus Wasser besteht, in jeder meiner Zellen die Emotionen speichert, die ich am Wasser erlebt habe, manchmal sanfte, manchmal stürmische. Mit der Schaffung dieser Bilder wollte ich mein Bedürfnis zum Ausdruck bringen, meine Beziehung zum Wasser auf andere Weise zu erleben, von ihr zu mir, ohne Menschen, ohne ein menschliches Geräusch. Ich habe mich nachts isoliert, allein mit der Natur, um eine intime Beziehung zu meiner Umgebung aufzubauen.

Cette série photographique, c’est une création au coeur de ma désilusion, une désillusion concernant mon voyage aux îles Lofoten, un voyage qui a été à la fois une épreuve et un apprentissage. Au commencement de belles intentions : partir en train pendant plu- sieurs jours dans le but d’aller au nord du cercle polaire en Norvège, par conscience écologique et par amour de l’aventure. L’envie était là : me réjouir de photographier des paysages somptueux. En dehors de l’organisation assez difficile avec une multitude de trains à réserver, j’ai adoré prendre ce temps comme partie intégrante du voyage. Une fois sur place, j’ai loué un van aménagé dénommé Thor. Pour info, Thor est le dieu le plus puissant de la mythologie scandinave et ses pouvoirs sont liés au ciel. Il utilise la foudre et apaise ou excite les tempêtes. Une image qui annonça la suite puisque c’est bien là où le bât blesse, la météo a été mauvaise, jour après jour. Le premier jour, je suis au volant de Thor, heureux à la perspective de cette semaine malgré le froid et la neige qui tombe. Cette joie ne durera pas longtemps avec la pluie battante du lendemain et une température autour des 2°c pour le reste de la semaine. Chaque journée a connu son lot de difficultés, liées majoritairement à la météo : vent violent, averse de pluie, froid humide, tempête de neige...

Me voilà bloqué dans mon van à regarder les paysages défilés, pendant de longs moments et cela presque pendant la majorité du temps. J’avais prévu de randonner, d’aller à la rencontre de la nature, de m’isoler avec elle et de photographier la douceur de son intimité...mais, de ma perspective, une forme plus hostile d’intimité s’était présentée à moi. Je sentais mon moral diminué et malgré tout je continuais à rouler, à observer et espérer (ou pas) qu’un tableau photographique se pré- sente à moi. La patience porta ses fruits car par la persévérance de mon observation, je voyais des contrastes évoluer, des nuances de couleurs apparaître, des lumières percer les nuages et recomposer le paysage... Tel des shoots d’endorphine, je sautais sur mon appareil photo pour immortaliser ces moments d’excitation en moi. Ces instants si courts soient-ils me remplissaient de joie et réchauffaient mon coeur en hiver. Ce voyage voyait mon esprit dans le brouillard, mon esprit ne savait plus où aller et j’avais hâte d’en sortir. Malgré tout, j’avais la certitude qu’une histoire apparaîtrait. Et cette histoire est bien celle d’une aven- ture dictée par la foudre de Thor où j’ai dû oeuvrer, seul, au milieu de mes émotions.

Au coeur de notre cerveau se situe l’insula, un organe considéré comme le lieu de naissance des émotions. En latin, insula signifie île, qui se situe au milieu de l’eau. Je suis sensible à ce mot car l’eau représente un élément important pour moi. Être entouré d’eau me fait sentir profondément vivant, connecté, présent. Je sais que mon corps, constitué majoritairement d’eau, à engranger dans chacune de mes cellules les émotions que j’ai pu vivre au bord de l’eau, parfois douces ou tumultueuses. Par la création de ces images, j’ai voulu exprimer le besoin que j’avais de vivre ma relation à l’eau autrement, en tête à tête, d’elle à moi, sans personne, sans un bruit humain. Je me suis alors isolé la nuit, seul avec la nature, une façon pour moi decréer une relation intime avec mon environnement.

Questa serie fotografica è una creazione al centro della mia disillusione, una disillusione sul mio viaggio alle Isole Lofoten, un viaggio che è stato sia una prova che un'esperienza di apprendimento. Tutto è iniziato con le migliori intenzioni: partire in treno per diversi giorni con l'obiettivo di andare a nord del Circolo Polare Artico in Norvegia, per un senso di consapevolezza ecologica e per amore dell'avventura. Il desiderio c'era: divertirsi a fotografare paesaggi sontuosi. A parte l'organizzazione piuttosto difficile, con una moltitudine di treni da prenotare, mi è piaciuto prendermi questo tempo come parte integrante del viaggio. Una volta lì, ho noleggiato un furgone trasformato chiamato Thor. Thor è il dio più potente della mitologia scandinava e i suoi poteri sono legati al cielo. Usa i fulmini per calmare o eccitare le tempeste. Un'immagine che lasciava presagire quello che sarebbe successo, perché il problema è proprio questo: il tempo era pessimo, giorno dopo giorno. Il primo giorno sono al volante di Thor, felice per la prospettiva di questa settimana nonostante il freddo e la neve che cade. Ma questa gioia non durerà a lungo: il giorno dopo piove a dirotto e le temperature si aggirano intorno ai 2°C per il resto della settimana. Ogni giorno ha avuto la sua parte di difficoltà, la maggior parte delle quali legate al tempo: venti forti, rovesci di pioggia, freddo umido, tempeste di neve...

Quindi ero qui, bloccata nel mio furgone, a guardare il paesaggio per lunghi tratti, quasi tutto il tempo. Avevo progettato di fare un'escursione, di andare a incontrare la natura, di isolarmi con lei e fotografare la dolcezza della sua intimità... ma, dal mio punto di vista, mi si era presentata una forma di intimità più ostile. Il mio spirito era basso, ma nonostante tutto ho continuato a guidare, a osservare e a sperare (o meno) che mi venisse in mente un'immagine fotografica. La pazienza è stata ripagata, perché grazie alla perseveranza nell'osservazione ho visto evolversi i contrasti, apparire le sfumature di colore, la luce bucare le nuvole e ricomporre il paesaggio... Come se avessi fatto un'iniezione di endorfine, mi sono buttata sulla macchina fotografica per immortalare questi momenti di eccitazione che avevo dentro di me. Questi momenti, per quanto brevi, mi hanno riempito di gioia e hanno riscaldato il mio cuore invernale. Questo viaggio mi ha fatto perdere la testa, non sapevo dove andare e non vedevo l'ora di andarmene. Nonostante tutto, ero certa che sarebbe nata una storia. E questa storia è davvero quella di un'avventura dettata dal fulmine di Thor, in cui ho dovuto lavorare, da solo, in mezzo alle mie emozioni.

Nel cuore del nostro cervello si trova l'insula, un organo considerato il luogo di nascita delle emozioni. In latino, insula significa isola, situata in mezzo all'acqua. Sono sensibile a questa parola perché l'acqua è un elemento importante per me. Essere circondata dall'acqua mi fa sentire profondamente viva, connessa e presente. So che il mio corpo, che è per lo più costituito da acqua, ha immagazzinato in ciascuna delle mie cellule le emozioni che ho provato in riva al mare, a volte dolci, a volte tumultuose. Creando queste immagini, ho voluto esprimere il bisogno di vivere il mio rapporto con l'acqua in modo diverso, faccia a faccia, da lei a me, senza nessuno, senza alcun rumore umano. Così mi sono isolata di notte, sola con la natura, un modo per creare un rapporto intimo con il mio ambiente.

This photographic series is a creation at the heart of my disillusionment, a disillusionment concerning my trip to the Lofoten Islands, a trip that was both a trial and a learning experience. In the beginning, I had good intentions: to set off by train for several days with the aim of going north of the Arctic Circle in Norway, out of ecological awareness and a love of adventure. The desire was there: to enjoy photographing sumptuous landscapes. Apart from the rather difficult organization, with a multitude of trains to book, I loved taking this time as an integral part of the trip. Once there, I rented a converted van called Thor. For the record, Thor is the most powerful god in Norse mythology, and his powers are linked to the sky. He uses lightning to calm or excite storms. An image that foreshadowed what was to come, as the weather was bad, day after day. On the first day, I'm behind the wheel of Thor, happy at the prospect of this week despite the cold and falling snow. This joy wouldn't last long, however, with driving rain the next day and temperatures hovering around 2°C for the rest of the week. Every day had its share of difficulties, mostly weather-related: strong winds, rain showers, wet cold, snowstorms...

Here I was, stuck in my van, watching the scenery go by for long stretches of time, almost the whole time. I had planned to hike, to encounter nature, to isolate myself with it and photograph the sweetness of its intimacy...but, from my perspective, a more hostile form of intimacy had presented itself to me. My spirits were low, but despite everything I kept driving, observing and hoping (or not) that a photographic picture would come to me. Patience paid off, for through perseverance in my observation, I could see contrasts evolving, shades of color appearing, light piercing through the clouds and recomposing the landscape... Like endorphin shots, I jumped at my camera to immortalize these moments of excitement within me. These moments, however short, filled me with joy and warmed my winter heart. This trip had my mind in a fog; my mind didn't know where to go and I couldn't wait to get out. Despite everything, I was certain that a story would emerge. And this story is indeed that of an adventure dictated by Thor's lightning bolt, in which I had to work, alone, in the midst of my emotions.

At the heart of our brain lies the insula, an organ considered to be the birthplace of emotions. In Latin, insula means island, situated in the middle of water. I'm sensitive to this word because water represents an important element for me. Being surrounded by water makes me feel deeply alive, connected and present. I know that my body, which is mostly made up of water, has stored in each of my cells the emotions I've experienced at the water's edge, sometimes gentle, sometimes tumultuous. By creating these images, I wanted to express the need I had to experience my relationship with water in a different way, one-on-one, from her to me, without anyone, without any human noise. I then isolated myself at night, alone with nature, a way for me to create an intimate relationship with my environment.

(Text: Alexis Pichot)

Pavillon Populaire | Montpellier
6. November 2024 – 9. Februar 2025

Une écriture du regard
Gisèle Freund

Die Ausstellung Gisèle Freund, une écriture du regard (Gisèle Freund, eine Schrift des Blicks) beleuchtet einen oft ignorierten Teil des Werks dieser wichtigen Figur der Fotografie des 20. Jahrhunderts und präsentiert die dokumentarische Arbeit dieser Fotoreporterin mit einem einzigartigen Werdegang, in dem sich ein starkes politisches Engagement, ein soziologischer Ansatz, eine doppelte Exilerfahrung, eine Anziehungskraft für technologische Innovationen und eine echte Abenteuerlust miteinander verflechten.

Gisèle Freunds Werk wird allzu oft auf ihre beeindruckende Porträtgalerie von Persönlichkeiten aus der Welt der Kunst und der Literatur reduziert, obwohl sie eine viel reichere und komplexere Beziehung zur Fotografie hat, in deren Mittelpunkt das Schreiben steht. Gisèle Freund, eine ausgebildete Soziologin, die zur Fotohistorikerin wurde, und Autorin zahlreicher Bücher, darunter das unumgängliche Buch „Fotografie und Gesellschaft“, nimmt in der Welt der Fotografie eine Sonderstellung ein: Sie ist eine Bildschöpferin, die unermüdlich über ihre Bedeutung und ihren Einfluss auf die Art und Weise, wie wir die Welt wahrnehmen, nachgedacht hat.

Diese doppelte Tätigkeit, sowohl als Akteurin als auch als Denkerin der Fotografie, wird hier in einem dreiteiligen thematischen Rundgang erkundet, der sich auf ihr politisches Engagement und ihre Verbundenheit mit der Soziologie konzentriert. Er stellt ihre Schriften in einen Dialog mit ihren Bildern und ist gesäumt von Archivdokumenten, Publikationen, persönlichen Gegenständen, Filmausschnitten und natürlich einer großen Auswahl an Fotografien, die das Medium in seiner ganzen Materialität und Vielgestaltigkeit zeigen.

Mettant en lumière une partie souvent ignorée de l’oeuvre de cette figure majeure de la photographie du xxe siècle, l’exposition Gisèle Freund, une écriture du regard présente le travail documentaire de cette reporterphotographe à la trajectoire singulière, où s’entrelacent un fort engagement politique, une approche sociologique, une double expérience de l’exil, un attrait pour l’innovation technologique, et une véritable soif d’aventure.

Trop souvent réduite à son impressionnante galerie de portraits de personnalités du monde de l’art et de la littérature, l’oeuvre de Gisèle Freund entretient pourtant un rapport beaucoup plus riche et complexe à la photographie, au coeur duquel se trouve l’écriture. Sociologue de formation devenue historienne de la photographie, et autrice de nombreux ouvrages, dont l‘incontournable Photographie et Société, Gisèle Freund occupe en effet une position à part dans le monde de la photographie : celle d’une créatrice d’images qui n’a eu de cesse de réfléchir à leur sens et leur impact sur notre manière de percevoir le monde.

Cette double activité, à la fois d’actrice et de penseuse de la photographie, est ici explorée dans un parcours thématique en trois parties, centré sur son engagement politique et son attachement à la sociologie. Il mettra en dialogue ses écrits avec ses images, et sera jalonné de documents d’archives, de publications, d’objets personnels, d’extraits de films et, naturellement, d’une large sélection de photographies présentant le médium dans toute sa matérialité et son polymorphisme.

La mostra Gisèle Freund, une écriture du regard mette in luce una parte spesso trascurata dell'opera di questa importante figura della fotografia del XX secolo, presentando il lavoro documentario di questa reporter-fotografa dalla traiettoria singolare, in cui si intrecciano un forte impegno politico, un approccio sociologico, una doppia esperienza di esilio, l'attrazione per l'innovazione tecnologica e una genuina sete di avventura.

Troppo spesso ridotta alla sua impressionante galleria di ritratti di personalità del mondo dell'arte e della letteratura, l'opera di Gisèle Freund ha tuttavia un rapporto molto più ricco e complesso con la fotografia, al centro del quale c'è la scrittura. Di formazione sociologa e poi storica della fotografia, autrice di numerosi libri, tra cui il fondamentale Photographie et Société, Gisèle Freund occupa una posizione unica nel mondo della fotografia: quella di una creatrice di immagini che non ha mai smesso di riflettere sul loro significato e sul loro impatto sul modo in cui percepiamo il mondo.

Questa duplice attività, come attore e pensatore della fotografia, viene qui esplorata in un percorso tematico in tre parti, incentrato sul suo impegno politico e sul suo attaccamento alla sociologia. Il percorso sarà caratterizzato da un dialogo tra i suoi scritti e le sue immagini e sarà scandito da documenti d'archivio, pubblicazioni, oggetti personali, estratti di film e, naturalmente, da un'ampia selezione di fotografie che mostrano il mezzo in tutta la sua materialità e polimorfismo.

Highlighting an often overlooked part of the work of this major figure in 20th-century photography, the exhibition Gisèle Freund, une écriture du regard presents the documentary work of this reporter-photographer whose singular trajectory intertwines a strong political commitment, a sociological approach, a double experience of exile, an attraction for technological innovation, and a genuine thirst for adventure.

Too often reduced to her impressive gallery of portraits of personalities from the worlds of art and literature, Gisèle Freund's work nonetheless has a much richer and more complex relationship with photography, at the heart of which lies her writing. Trained as a sociologist turned historian of photography, and author of numerous books, including the indispensable Photographie et Société, Gisèle Freund occupies a unique position in the world of photography: that of a creator of images who has never ceased to reflect on their meaning and their impact on the way we perceive the world.

This dual activity, as both an actress and a thinker about photography, is explored here in a three-part thematic tour, focusing on her political commitment and her attachment to sociology. It will feature her writings in dialogue with her images, and will be punctuated by archival documents, publications, personal objects, film extracts and, of course, a wide selection of photographs presenting the medium in all its materiality and polymorphism.

(Text: Lorraine Audric, commissaire de l’exposition)

La galerie de l'instant | Paris
5. November 2024 – 12. Januar 2025

"ON N'EST PAS SÉRIEUX QUAND ON A 20 ANS"

Ende Oktober 2004 begann für mich ein Abenteuer, dessen Fortsetzung mir damals noch völlig unbekannt war...

Nachdem ich den Namen der Galerie im Traum gefunden hatte, musste ich mangels eines Künstlers meine erste Ausstellung mit meiner persönlichen Sammlung beginnen. Da sich die Arbeiten verzögerten, hatte ich einen leeren Monat vor mir und beschloss, die Zeit zu nutzen, um das Archiv meines Vaters François Gragnon, Fotograf bei Paris Match, zu besuchen. Da er über sein Berufsleben diskret war, kannte ich von ihm nur die Fotos meiner Mutter als Tänzerin, sein Porträt von General de Gaulle und die Verbeugung von Marlene Dietrich. Die Fotoabteilung und das Archiv von Match waren so großzügig, mich aufzunehmen und mich in den Negativen, Kontaktbögen und anderen Ektas stöbern zu lassen.

Schnell wurde mir klar, dass die Bilder meines Vaters mehr als sympathisch waren und dass ich das Leben der Galerie mit ihm beginnen musste.

Und was für ein Stolz es war, die Galerie an seiner Seite zu eröffnen und mit den ersten Kunden die Emotionen zu teilen, die seine Bilder hervorgerufen haben. Wie kann man sich vorstellen, bei der Eröffnung dieses Raumes Zeuge der Tränen der Besucher zu werden, die von diesen vergangenen Erinnerungen gerührt sind? Als ich dann im Labor arbeitete, was bereits ein großes Vergnügen war, kreuzte ich den Weg von Christophe d'Yvoire, dessen erhabene Bäume/Skulpturen die Fotos meines Vaters fortsetzten. Damit wurde eine Reihe von Begegnungen eingeleitet, die dank meiner Schützenfreunde und Schattenarbeiter, ohne die wir nichts sind und die mich durch ihre Sensibilität und ihr Wohlwollen so sehr ermutigt und mir den Geist geöffnet haben, undenkbar gewesen wären!

Natürlich muss man auch den Fotografen danken. Ich denke sofort an meinen Freund Lucien Clergue, den ersten großen Künstler, der mir die Hand reichte und mir seine Abzüge anvertraute; sein damaliger Glaube an mich war entscheidend. Ich denke auch an Paolo Pellegrin, den ich 2008 bei meinem ersten Besuch des Festivals Visa pour l'Image in Perpignan traf und der fast sofort mitten auf der Straße zustimmte, an meiner Ausstellung über den Fotojournalismus teilzunehmen, von dem ich nichts wusste. Dank ihm lernte ich so viele Künstler kennen: Graciela Iturbide, René Groebli, Ferdinando Scianna oder Stanley Greene, dessen Sanftmut nur von der Kraft seiner Bilder übertroffen wurde. Ich konnte auch einige Träume verwirklichen. Ich denke vor allem an Giancarlo Botti, dessen Aktporträt von Romy Schneider mich seit meinem 15. Lebensjahr begleitet und der es mir ermöglicht hat, eine abgerissene Zeitungsseite in einen erhabenen Druck zu verwandeln, dank der vielen Begegnungen, die ich in jenem Jahr 2007 in seiner Agentur Gamma Rapho hatte. Ich denke auch an Sophie Le Tellier, die Tochter von Philippe Le Tellier. Sie kam eines Tages mit ihren Dias von Romy Schneider und folgt mir seitdem; an Laurence, die Frau von Georges Pierre, die mir nach nur einem Mittagessen in Arles den Schlüssel zu dem unglaublichen Archiv „ON N'EST PAS SERIEUX QUAND ON A 20 ANS“ ihres Mannes anvertraute, ein fast verrücktes und wunderbares Vertrauen! Ich denke an die fünf Stockwerke zu Fuß, um zu Raymond Cauchetier zu gelangen, wo seine Frau Kaoru an der Tür mit einer Flasche Wasser auf mich wartete, eine bleibende Erinnerung.

Manchmal gibt es bange Nächte, wenn ich zu spät komme, wenn die Abzüge am Vorabend der Vernissage am Zoll hängen bleiben, wenn ein Fotograf oder ein Künstler verärgert ist oder am Vorabend einer Messe. All diese anstrengenden Momente sind nichts im Vergleich zur Freundschaft und den vielen Begegnungen. Ich denke an die Lachanfälle mit Filippo Roversi in seinem Labor im 14. Arrondissement, an die köstlichen Besuche seines Vaters, der immer neugierig war, und an unsere Streitereien, wenn er meine Fähigkeiten als Schütze anzweifelte!

Wie hätte ich mir vor 20 Jahren vorstellen können, dass ich die Freude haben würde, Ellen Von Unwerth zu treffen, deren Frauenporträts immer eine Inspiration waren, oder Bert Stern und die Familie von Sam Shaw, die für den absoluten Marilyn-Fan, der ich bin, eine absolute Fantasie sind! Oder mein verehrter Bruce Weber, einer meiner Lieblingsfotografen, der so freundlich war, mir seine Freundschaft anzubieten. Er ist einer der menschlich elegantesten Menschen, die ich je kennengelernt habe. Ebenso wie Dominique Tarlé, der zu einem Mitglied meiner Familie geworden ist. Der bodenlose Brunnen unserer Abenteuer ist unvorstellbar, zwischen den Fans, den Stones und allem, was wir geteilt haben. Ich weiß noch, wie ich ihn auf der Straße angesprungen habe und er mir gestand, dass er „diese Arschlöcher von Galeristen“ hasste, und bei seinem ersten Besuch in der Rue de Poitou, dass ihm mein „Bordell“ gefallen hatte, undenkbar und genial!

Ich denke immer noch an die Bücher, die wir herausgegeben haben. An meine Fehler, die klugen Ratschläge der Verwandten, die Freude an der Auswahl, die Teamarbeit, insbesondere mit meinen Komplizinnen, den Mädchen von Poisson Rouge, die mich schon so lange so sehr ertragen und unterstützen. An Fred, der unsere so schönen, vom Publikum so geliebten Plakate gestaltet.

Ich erinnere mich an die Galeries éphémères, an die Reisen nach Noirmoutier, St Jean de Luz, Bordeaux, Aix-en-Provence, Arles, Nizza... An die Lachanfälle im erschöpften Lastwagen im Regen oder an die gefährlichen Hängearbeiten um 7 Uhr morgens! An die legendären samstäglichen Mittagessen mit der Coaching-Crew der Galerie, an dieses verrückte Viertel und an die Vernissagenabende, an denen der Tisch der „Kleinen der Galerie“ größer wird als der der Künstler.

Zum Glück habe ich noch einige Träume, die ich mir erfüllen möchte, aber schon jetzt hätte ich nie zu träumen gewagt, was ich dank der Fotografie, dieser aufrichtigen Liebe zu Bildern und dieser Leidenschaft, die wir GEMEINSAM teilen, alles erlebt habe.

Fin octobre 2004, commençait pour moi une aventure dont la suite m’était alors totalement inconnue…

Après avoir trouvé le nom de la Galerie en rêve, je devais, faute d’artiste, commencer ma première exposition avec ma collection personnelle. Les travaux ayant pris du retard, je me suis retrouvée avec un mois vide à venir, et ai décidé d’en profiter pour visiter les archives de mon père, François Gragnon, photographe à Paris Match. Discret sur sa vie professionnelle, je ne connaissais de lui que les photos de danseuse de ma mère, son portrait du Général de Gaulle et la révérence de Marlène Dietrich. Le service photos et les archives de Match ont eu la générosité de m’accueillir et de me laisser farfouiller dans les négatifs, planches contact, et autres ektas.

Rapidement il m’a semblé que les images de mon père étaient plus que sympathiques et qu’il s’imposait de commencer la vie de la Galerie avec lui.

Et quelle fierté ce fut d’ouvrir la Galerie à ses côtés, de partager avec les premiers clients les émotions suscitées par ses images. Comment imaginer en ouvrant cet espace, être témoin de larmes des visiteurs, émus par ces souvenirs passés ? Puis en travaillant au laboratoire, ce qui est déjà un grand plaisir, j’ai croisé la route de Christophe d’Yvoire, dont les sublimes arbres/sculptures ont pris la suite des photos de mon père. Inaugurant un nombre de rencontres impensables grâce à mes amis tireurs, travailleurs de l’ombre, sans qui nous ne sommes rien, et qui par leur sensibilité et leur bienveillance m’ont tant encouragée et ouvert l’esprit !

Il faut bien sûr remercier les photographes. Je pense immédiatement à mon ami Lucien Clergue, le premier grand artiste à me tendre la main en me confiant ses tirages, sa foi en moi à l’époque fut déterminante. Je repense aussi à Paolo Pellegrin, croisé lors de ma première visite au festival Visa pour l’Image de Perpignan, en 2008, et qui presque aussitôt, au milieu de la rue, accepta de participer à mon exposition sur le photojournalisme auquel je ne connaissais pourtant rien. Grâce à lui je rencontrais tant d’artistes : Graciela Iturbide, René Groebli, Ferdinando Scianna ou Stanley Greene dont la douceur n’avait d’égale que la puissance de ses images. J’ai pu aussi réaliser certains rêves. Exposer aux Etats-Unis, voyager, découvrir des fonds d’archives fantastiques… Je pense notamment à Giancarlo Botti dont le portrait nu de Romy Schneider me suit depuis mes 15 ans et qui m’a permis de transformer une page de journal arrachée, en sublime tirage grâce aux nombreuses rencontres faites cette année-là en 2007 dans son agence Gamma Rapho. Je pense aussi à Sophie Le Tellier, la fille de Philippe Le Tellier. Elle arriva un jour avec ses diapos de Romy Schneider et me suit depuis ; à Laurence, l’épouse de Georges Pierre qui après seulement un déjeuner en Arles, me confia la clé des archives incroyables " ON N’EST PAS SERIEUX QUAND ON A 20 ANS " de son époux, une confiance presque folle et merveilleuse ! Je songe aux cinq étages à pied pour arriver chez Raymond Cauchetier où son épouse Kaoru m’attendait à la porte avec une bouteille d’eau, souvenir impérissable.

Il y a parfois les nuits d’angoisse, quand je suis en retard, quand les tirages sont coincés à la douane la veille du vernissage, quand un photographe ou un artiste est contrarié, ou la veille d’un salon. Tous ces moments éprouvants ne sont rien, face à l’amitié et aux si nombreuses rencontres. Je repense aux fous rires avec Filippo Roversi, dans son laboratoire du 14ème, aux délicieuses visites de son père, toujours curieux, et à nos disputes lorsqu’il doutait de mes capacités de tireuse !

Comment imaginer il y a 20 ans que j’aurais la joie de rencontrer Ellen Von Unwerth dont les portraits de femmes ont toujours été une inspiration, ou Bert Stern et la famille de Sam Shaw qui sont pour la fan absolue de Marilyn que je suis, un fantasme absolu ! Ou encore mon adoré Bruce Weber, un de mes photographes préférés qui a eu la gentillesse de m’offrir son amitié. C’est une des personnes les plus élégantes humainement que j’ai pu rencontrer. Tout comme Dominique Tarlé, devenu un membre de ma famille. Le puit sans fond de nos aventures est inimaginable, entre les fans, les Stones et tout ce que nous avons partagé. Je me souviens lui avoir sauté dessus dans la rue, et qu’il m’avait avoué détester « ces connards de galeristes », et lors de sa première visite rue de Poitou, qu’il avait aimé mon « bordel », impensable et génial !

Je pense encore aux livres que nous avons édités. À mes erreurs, aux conseils avisés des proches, à la joie de la sélection, au travail en équipe, notamment avec mes complices, les filles de Poisson Rouge, qui me supportent et me soutiennent tant depuis si longtemps. À Fred qui réalise nos si belles affiches, tant aimées du public.

Je revois les Galeries éphémères, les voyages, Noirmoutier, St Jean de Luz, Bordeaux, Aix-en-Provence, Arles, Nice… Les fous rires en camion épuisés sous la pluie, ou aux accrochages périlleux à 7h du matin ! Aux mythiques déjeuners du samedi avec la bande des coachs de la Galerie, à ce quartier fou, et aux soirées vernissages où la table des « petits de la Galerie » devient plus grande que celle des artistes.

Il me reste heureusement quelques rêves à réaliser, mais déjà, je n’aurais jamais osé imaginer tout ce que j’ai vécu grâce à la photographie, à cet amour sincère des images, et à cette passion que nous partageons, ENSEMBLE.

Alla fine di ottobre 2004, mi sono imbarcato in un'avventura il cui esito mi era del tutto ignoto all'epoca...

Dopo aver trovato il nome della Galerie en rêve, ho dovuto iniziare la mia prima mostra con la mia collezione personale, per mancanza di un artista. Con i lavori di costruzione in ritardo, mi ritrovai con un mese vuoto davanti a me e decisi di approfittarne per visitare gli archivi di mio padre, François Gragnon, fotografo di Paris Match. Discreto sulla sua vita professionale, di lui conoscevo solo le foto di mia madre come ballerina, il suo ritratto del generale de Gaulle e l'inchino di Marlène Dietrich. Il dipartimento fotografico e l'archivio del Match sono stati così generosi da permettermi di rovistare tra i negativi, i fogli a contatto e altri ektas.

Mi fu subito chiaro che le immagini di mio padre erano più che belle e che avrei dovuto iniziare la vita della galleria con lui.

E che orgoglio è stato aprire la Galleria accanto a lui, per condividere con i primi clienti le emozioni suscitate dalle sue immagini. Come potevo immaginare di aprire questo spazio e assistere alle lacrime dei visitatori, commossi da questi ricordi passati? Poi, mentre lavoravo in laboratorio, il che è già un grande piacere, ho incrociato Christophe d'Yvoire, i cui sublimi alberi/sculture hanno preso il posto delle foto di mio padre. Questo ha inaugurato una serie di incontri impensabili, grazie ai miei amici fotografi, i lavoratori dietro le quinte senza i quali non saremmo nulla e che, con la loro sensibilità e gentilezza, mi hanno dato tanto incoraggiamento e aperto la mente!

Naturalmente, devo ringraziare i fotografi. Penso subito al mio amico Lucien Clergue, il primo grande artista che mi ha contattato e mi ha affidato le sue stampe; la sua fiducia in me all'epoca è stata decisiva. Penso anche a Paolo Pellegrin, che ho incontrato durante la mia prima visita al festival Visa pour l'Image di Perpignan nel 2008 e che quasi subito, in mezzo alla strada, ha accettato di partecipare alla mia mostra sul fotogiornalismo, di cui non sapevo nulla. Grazie a lui ho conosciuto tanti artisti: Graciela Iturbide, René Groebli, Ferdinando Scianna e Stanley Greene, la cui dolcezza era pari solo alla potenza delle sue immagini. Ho anche potuto realizzare alcuni sogni. Esporre negli Stati Uniti, viaggiare, scoprire archivi fantastici... Penso in particolare a Giancarlo Botti, il cui ritratto di nudo di Romy Schneider mi accompagna da quando avevo 15 anni, e che mi ha permesso di trasformare una pagina di giornale strappata in una stampa sublime grazie ai numerosi incontri avuti quell'anno, nel 2007, presso la sua agenzia Gamma Rapho. Penso anche a Sophie Le Tellier, la figlia di Philippe Le Tellier. È arrivata un giorno con le sue diapositive di Romy Schneider e da allora mi segue; e Laurence, la moglie di Georges Pierre, che dopo un solo pranzo ad Arles mi ha affidato la chiave dell'incredibile archivio di suo marito “ON N'EST PAS SERIEUX QUAND ON A 20S” - una fiducia meravigliosa, quasi folle! Penso alla passeggiata di cinque piani fino alla casa di Raymond Cauchetier, dove sua moglie Kaoru mi aspettava sulla porta con una bottiglia d'acqua, un ricordo indimenticabile.

Poi ci sono le notti d'ansia, quando sono in ritardo, quando le stampe si bloccano in dogana alla vigilia dell'inaugurazione, quando un fotografo o un artista si arrabbia, o alla vigilia di una mostra. Tutti questi momenti difficili non sono nulla in confronto all'amicizia e ai tanti incontri. Ripenso alle risate che ho fatto con Filippo Roversi nel suo laboratorio nel 14° arrondissement, alle piacevoli visite di suo padre, sempre curioso, e alle discussioni che abbiamo avuto quando dubitava delle mie capacità di stampatore!

Come avrei potuto immaginare 20 anni fa che avrei avuto la gioia di incontrare Ellen Von Unwerth, i cui ritratti di donne sono sempre stati una fonte di ispirazione per me, o Bert Stern e la famiglia di Sam Shaw, che per la fan assoluta di Marilyn che sono, sono una fantasia assoluta! O il mio amato Bruce Weber, uno dei miei fotografi preferiti, che è stato così gentile da offrirmi la sua amicizia. È una delle persone più eleganti che abbia mai conosciuto. Come Dominique Tarlé, che è diventato un membro della mia famiglia. Il pozzo senza fondo delle nostre avventure è inimmaginabile, tra i fan, gli Stones e tutto ciò che abbiamo condiviso. Ricordo che gli saltavo addosso per strada e lui mi diceva che odiava “quei galleristi bastardi” e, alla sua prima visita in rue de Poitou, che amava il mio “bordello”, impensabile e geniale!

Penso ancora ai libri che abbiamo pubblicato. Ai miei errori, ai sani consigli di amici e familiari, alla gioia della selezione, al lavoro di squadra, soprattutto con le mie complici, le ragazze del Poisson Rouge, che mi hanno sopportato e sostenuto per così tanto tempo. A Fred, che crea i nostri bellissimi manifesti, tanto amati dal pubblico.

Ricordo le Galeries éphémères, i viaggi a Noirmoutier, St Jean de Luz, Bordeaux, Aix-en-Provence, Arles, Nizza... Le risate nei camion esausti sotto la pioggia, o le pericolose impiccagioni alle 7 del mattino! I mitici pranzi del sabato con la banda di allenatori della Galerie, il quartiere pazzo e le serate di vernissage quando il tavolo dei “ragazzi della Galerie” diventava più grande di quello degli artisti.

Per fortuna ho ancora qualche sogno da realizzare, ma non avrei mai osato immaginare tutto quello che ho vissuto grazie alla fotografia, a questo amore sincero per le immagini e a questa passione che condividiamo, INSIEME.

At the end of October 2004, I embarked on an adventure whose outcome was totally unknown to me at the time...

After finding the name of the Galerie en rêve, I had to start my first exhibition with my personal collection, for lack of an artist. With the building work behind schedule, I found myself with an empty month ahead of me and decided to take advantage of it to visit the archives of my father, François Gragnon, a photographer with Paris Match. Discreet about his professional life, all I knew of him were my mother's photos of her as a dancer, his portrait of General de Gaulle and Marlène Dietrich's curtsy. The Match photo department and archives were generous enough to let me rummage through the negatives, contact sheets and other ektas.

It soon became clear to me that my father's images were more than sympathetic, and that it was imperative to begin the life of the Gallery with him.

And what a source of pride it was to open the Galerie alongside him, to share with the first customers the emotions aroused by his images. How could we imagine, when opening this space, witnessing the tears of visitors, moved by these past memories? Then, while working in the laboratory, which is already a great pleasure, I crossed paths with Christophe d'Yvoire, whose sublime trees/sculptures took over from my father's photos. Inaugurating a number of unthinkable encounters thanks to my shooter friends, workers in the shadows, without whom we are nothing, and who through their sensitivity and kindness have encouraged me so much and opened my mind!

Of course, I must also thank the photographers. I immediately think of my friend Lucien Clergue, the first great artist to reach out to me and entrust me with his prints. I also think of Paolo Pellegrin, whom I met on my first visit to the Visa pour l'Image festival in Perpignan, in 2008, and who almost immediately, in the middle of the street, agreed to take part in my exhibition on photojournalism, which I knew nothing about. Thanks to him, I met so many artists: Graciela Iturbide, René Groebli, Ferdinando Scianna and Stanley Greene, whose gentleness was matched only by the power of his images. I was also able to realize certain dreams. Exhibiting in the United States, traveling, discovering fantastic archives... I'm thinking in particular of Giancarlo Botti, whose nude portrait of Romy Schneider has been with me since I was 15, and who enabled me to transform a torn-out newspaper page into a sublime print, thanks to the many encounters I had that year in 2007 at his Gamma Rapho agency. I'm also thinking of Sophie Le Tellier, Philippe Le Tellier's daughter. She arrived one day with her slides of Romy Schneider and has been following me ever since; to Laurence, Georges Pierre's wife who, after just one lunch in Arles, entrusted me with the key to her husband's incredible “ON N'EST PAS SERIEUX QUAND ON A 20 ANS” archives, an almost mad and marvellous confidence! I think of the five-storey walk to Raymond Cauchetier's home, where his wife Kaoru was waiting for me at the door with a bottle of water, an imperishable memory.

Then there are the anxious nights, when I'm late, when the prints are stuck in customs the day before the opening, when a photographer or artist is upset, or the day before an exhibition. All these trying moments are nothing compared to the friendship and the many encounters. I think back to laughing with Filippo Roversi in his 14th arrondissement laboratory, to the delightful visits from his ever-curious father, and to our arguments when he doubted my ability as a printer!

How could I imagine 20 years ago that I'd have the joy of meeting Ellen Von Unwerth, whose portraits of women have always been an inspiration, or Bert Stern and the Sam Shaw family, who for the absolute Marilyn fan that I am, are an absolute fantasy! Or my beloved Bruce Weber, one of my favorite photographers, who was kind enough to offer me his friendship. He's one of the most humanly elegant people I've ever met. As is Dominique Tarlé, who has become a member of my family. The bottomless pit of our adventures is unimaginable, between the fans, the Stones and everything we shared. I remember jumping on him in the street, and him confessing that he hated “those asshole gallery owners,” and on his first visit to Rue de Poitou, that he loved my “brothel” - unthinkable and brilliant!

I still think about the books we published. To my mistakes, to the sound advice of friends and family, to the joy of selection, to the teamwork, especially with my accomplices, the Poisson Rouge girls, who have put up with me and supported me so much for so long. To Fred, who creates our beautiful posters, so loved by the public.

I remember the Galeries éphémères, the trips to Noirmoutier, St Jean de Luz, Bordeaux, Aix-en-Provence, Arles, Nice... The giggles in the exhausted truck in the rain, or the perilous 7 a.m. hangings! The mythical Saturday lunches with the Galerie's gang of coaches, the crazy neighborhood, and the vernissage evenings when the “Galerie's kids” table is bigger than the artists.

Fortunately, I still have a few dreams to realize, but already, I'd never have dared imagine all that I've experienced thanks to photography, to this sincere love of images, and to this passion that we share, TOGETHER.

(Text: Julia Gragnon)

Centre de la photographie de Mougins
1. November 2024 – 9. Februar 2025

Au-delà des apparences
Bayeté Ross Smith

Was wir vor uns haben, ist sehr oft vorgeprägt. Die Vorstellungen vom anderen oder von den anderen lassen sich auf einige einfache und reduzierende Formeln reduzieren. Der gesunde Menschenverstand schreibt körperliche und Verhaltensmerkmale zu, die sich fortsetzen, ohne hinterfragt zu werden. Gesellschaften und Einzelpersonen stützen sich auf das Stereotyp, um die Realität zu reduzieren. Bayeté Ross Smith, ein afroamerikanischer Künstler, baut sein Werk auf der Stärke und Beständigkeit von Vorurteilen auf: auf dem, was man als das Vorgesehene bezeichnen könnte. In inszenierten Fotografien werden Personen aufgrund ihrer Haltung, ihres Aussehens und manchmal auch aufgrund ihrer Worte mit verschiedenen Persönlichkeiten ausgestattet. Es ist dann schwierig für uns, wirklich zu wissen, was die wahre „Natur“ dieser Personen ist. Die Gesellschaft, insbesondere die amerikanische, neigt dazu, zu essentialisieren, d. h. Menschen auf ein als bedeutsam erachtetes Merkmal zu reduzieren. Durch die Verallgemeinerung verzerren wir und machen so die Charakterisierung zur Definition unserer eigenen Identität, indem wir uns von anderen distanzieren.

Ce que nous avons en face de nous est bien souvent préconçu. Les représentations de l’autre ou des autres se réduisent à quelques formules simples et réductrices. Le sens commun attribue des caractéristiques physiques et comportementales qui se perpétuent sans être mises en cause. Les sociétés et les individus s’appuient sur le stéréotype pour réduire la réalité. Bayeté Ross Smith, artiste afro-américain, construit son œuvre sur la force et la constance des préjugés : sur ce qu’on pourrait appeler le prévu. Dans des photographies mises en scène, des personnages, en fonction de leur attitude, de leur apparence et parfois de leurs mots se trouvent dotés de différentes personnalités. Il nous est alors difficile de savoir réellement quelle est la vraie « nature » de ces individus. La société, particulièrement la société américaine, a tendance à essentialiser, c’est-à-dire à réduire les personnes à un trait considéré comme significatif. En généralisant nous déformons et faisons ainsi de la caractérisation la définition de notre propre identité par la mise à distance des autres.

Ciò che abbiamo davanti è molto spesso preconcetto. Le rappresentazioni dell'altro o degli altri sono ridotte ad alcune formule semplici e riduttive. Il senso comune attribuisce caratteristiche fisiche e comportamentali che vengono perpetuate senza essere messe in discussione. Le società e gli individui si affidano agli stereotipi per ridurre la realtà. Bayeté Ross Smith, artista afroamericano, costruisce il suo lavoro sulla forza e sulla costanza del pregiudizio: su quello che si potrebbe definire il previsto. Nelle sue fotografie inscenate, ai personaggi vengono attribuite personalità diverse a seconda del loro atteggiamento, del loro aspetto e talvolta delle loro parole. È quindi difficile sapere quale sia la vera “natura” di questi individui. La società, in particolare quella americana, ha la tendenza a essenzializzare, cioè a ridurre le persone a un tratto considerato significativo. Generalizzando, distorciamo e facciamo della caratterizzazione la definizione della nostra identità, allontanandoci dagli altri.

Often, what we see in front of us is preconceived. Representations of the other or others are reduced to a few simple and reductive formulas. Common sense attributes physical and behavioural characteristics that are perpetuated unchallenged. Societies and individuals rely on stereotypes to diminish reality. Bayeté Ross Smith, an African-American artist, bases his work on the strength and constancy of prejudice: on what could be called the pre-viewed. In his staged photographs, characters are given different personalities depending on their attitude, their appearance and occasionally their words. It becomes difficult to know what the true ‘nature’ of these individuals really is. Society, in particular American society, tends to essentialise, in other words to reduce people to a trait considered significant. By generalising, we distort and thereby turn characterisation into the definition of our own identity by distancing others from ourselves.

(Text: Centre de la photographie de Mougins)

Galerie du Jour / La Fab. | Paris
31. Oktober – 22. Dezember 2024

Dopo l’estate - L’odyssée des petites îles italiennes
Bernard Plossu

Dopo l'estate bietet eine wahre Insel-Odyssee durch die Augen des Fotografen Bernard Plossu anhand einer reichen Auswahl von mehreren Dutzend Abzügen.

Alles beginnt Ende der 80er Jahre: Die Entdeckung der Inseln vor Neapel (Procida, Capri, Ponza, Ischia) ist für Bernard Plossu der Auftakt zu endlosen Abenteuern, die noch kommen werden. Denn die Ankunft auf Stromboli im Herbst 1987 ist ein Schock. Ein ästhetischer, physischer und sensorischer Schock. Dort, wo Aeolus auf Vulkan trifft, trifft Bernard Plossu auf eine glückliche Welt, die er nie mehr verlassen wird: die der italienischen Inseln. Diese zauberhafte Welt ist nicht nur fotografisch fruchtbar, sondern auch ein Schauplatz der Liebe zwischen Bernard Plossu und seiner Frau Françoise Nuñez, die der Fotograf als „Quelle meiner Inspiration, meines Atems, meines Lebens“ bezeichnet.

Geleitet von einem unendlichen Entdeckungsdrang und dem Wunsch, sich in dieser wilden Schönheit zu verlieren, reiste Bernard Plossu unermüdlich auf Dutzende von Inseln, ebenso viele gelobte Länder, in denen er eine einfache und rohe Freiheit genoss. Die einzige goldene Regel: Besuchen Sie die Inseln außerhalb der Saison... dopo l'estate.... „nach dem Sommer“. Als ob er einem Ruf folgte, bereiste der französische Fotograf die Inseln über mehr als drei Jahrzehnte hinweg bei jedem Wetter. Drei Jahrzehnte lang knüpfte er eine Verbindung, die zu einem inneren Band geworden ist, von den Äolischen Inseln (Lipari, Filicudi, aber vor allem die schöne Alicudi) über die Ägadischen Inseln (Levanzo, Marettimo, Ustica) und die Tremiti-Inseln bis hin zu den Pontinischen Inseln im Tyrrhenischen Meer...

Der Fischfang, die Märkte, die Atmosphäre der Straßen und Dorfplätze, seine Begegnungen mit gastfreundlichen und großzügigen Einwohnern sind allesamt geeignete Momente, um die Anmut der italienischen Seele zu erfassen, während einige vulkanische Landschaften in ihm Erinnerungen an sein Leben in Amerika, insbesondere Arizona, wecken.  Dopo l'estate zeigt schwarze Sandstrände, Krater voller Kakteen, Grapefruitbäume, Feigenkakteen und lädt dazu ein, den Wind, die Gischt und das Licht der italienischen Inseln zu spüren.

Die Abzüge der Ausstellung von Bernard Plossu wurden von seiner kürzlich verstorbenen Frau Françoise Nuñez und von Guillaume Geneste, einem für das Werk des Fotografen emblematischen Schützen, hergestellt.

„Für Plossu sind das Leben und die Fotografie zwei untrennbare Begriffe: Das eine existiert nicht ohne das andere, so wie es keinen Bernard ohne Françoise gibt, so wie es keinen Bernard ohne Italien gibt.“

Dopo l’estate propose une véritable odyssée insulaire dans l’œil du photographe Bernard Plossu à travers une riche sélection de plusieurs dizaines de tirages.

Tout commence à la fin des années 80 : la découverte des îles au large de Naples (Procida, Capri, Ponza, Ischia) constitue pour Bernard Plossu le prélude d’infinies aventures à venir. Car l’arrivée à Stromboli à l’automne 87 constitue un choc. Choc esthétique, physique, sensoriel. Là où Éole rencontre Vulcain, Bernard Plossu rencontre un monde heureux qu’il ne quittera plus, celui des îles italiennes. Prolifique du point de vue photographique, ce monde enchanteur sera aussi un des théâtres de l’amour que se portent Bernard Plossu et sa femme Françoise Nuñez, dont le photographe confie qu’elle est la « source de mon inspiration, ma respiration, ma vie ».

Guidé par une infinie soif de découverte, par l’envie de se perdre dans cette beauté sauvage, Bernard Plossu se rendra inlassablement sur des dizaines d’îles, autant de terres promises où il jouit d’une liberté simple et brute. Seule règle d’or : s’y rendre hors saison... dopo l’estate... « après l’été ». Comme s’il répondait à un appel, il fotografo francese arpente ces îles durant plus de trois décennies, par tous les temps, trois décennies à tisser un lien devenu viscéral, des îles Éoliennes (Lipari, Filicudi, mais surtout la belle Alicudi) aux îles Pontines dans la Mer Tyrrhénienne en passant par les îles Égades (Levanzo, Marettimo, Ustica) ou encore les îles Tremiti...

La pêche, les marchés, l’ambiance des rues et des places de village, ses rencontres avec des habitants accueillants et généreux sont autant de moments propices à saisir la grâce de l’âme italienne, tandis que certains paysages volcaniques réveillent en lui le souvenir de sa vie en Amérique, l’Arizona notamment.  Dopo l’estate donne à voir les plages de sable noir, les cratères remplis de cactus, les arbres à pamplemousse, les figuiers de Barbarie, et invite à ressentir le vent, les embruns et les lumières des îles italiennes.

Les tirages de l’exposition de Bernard Plossu ont été réalisés par sa femme Françoise Nuñez, récemment disparue et par Guillaume Geneste, tireur emblématique de l’oeuvre du photographe.

« Pour Plossu, la vie et la photographie sont deux termes inséparables : l’une n’existe pas sans l’autre, de même qu’il n’y a pas de Bernard sans Françoise, de même qu’il n’y a pas de Bernard sans l’Italie. »

Dopo l'estate propone un'odissea insulare attraverso gli occhi del fotografo Bernard Plossu, con una ricca selezione di decine di stampe.

Tutto ebbe inizio alla fine degli anni Ottanta, quando la scoperta delle isole al largo di Napoli (Procida, Capri, Ponza, Ischia) da parte di Bernard Plossu fu il preludio di innumerevoli avventure a venire. L'arrivo a Stromboli nell'autunno dell'87 fu uno shock. Uno shock estetico, fisico e sensoriale. Dove Eolo incontrò Vulcano, Bernard Plossu incontrò un mondo felice che non avrebbe mai lasciato, quello delle isole italiane. Prolifico dal punto di vista fotografico, questo mondo incantevole è stato anche uno dei teatri dell'amore tra Bernard Plossu e sua moglie Françoise Nuñez, che il fotografo confida essere la “fonte della mia ispirazione, del mio respiro, della mia vita”.

Spinto da un'infinita sete di scoperta, dal desiderio di perdersi in questa bellezza selvaggia, Bernard Plossu ha viaggiato instancabilmente in decine di isole, tante terre promesse dove ha goduto di una libertà semplice e cruda. Unica regola: andare in bassa stagione... dopo l'estate... “dopo l'estate”. Come rispondendo a una chiamata, il fotografo francese ha trascorso più di tre decenni in giro per queste isole, con ogni tempo, stringendo un legame che è diventato viscerale, dalle Eolie (Lipari, Filicudi, ma soprattutto la bellissima Alicudi) alle Isole Pontine nel Mar Tirreno, passando per le Isole Egadi (Levanzo, Marettimo, Ustica) e le Isole Tremiti...

La pesca, i mercati, l'atmosfera delle strade e delle piazze dei villaggi, gli incontri con la gente del posto, accogliente e generosa, sono tutti momenti che permettono di cogliere la grazia dell'anima italiana, mentre certi paesaggi vulcanici risvegliano in lui i ricordi della sua vita in America, in particolare in Arizona.  Dopo l'estate mostra spiagge di sabbia nera, crateri pieni di cactus, alberi di pompelmo e fichi d'India, e ci invita a sentire il vento, gli spruzzi del mare e la luce delle isole italiane.

Le stampe per la mostra di Bernard Plossu sono state realizzate dalla moglie Françoise Nuñez, recentemente scomparsa, e da Guillaume Geneste, stampatore emblematico dell'opera del fotografo.

"Per Plossu, vita e fotografia sono due termini inscindibili: l'una non esiste senza l'altra, così come non c'è Bernard senza Françoise, così come non c'è Bernard senza l'Italia.

Dopo l'estate offers a veritable island odyssey through the eye of photographer Bernard Plossu, with a rich selection of dozens of prints.

It all began in the late '80s: the discovery of the islands off Naples (Procida, Capri, Ponza, Ischia) was for Bernard Plossu the prelude to infinite adventures to come. After all, arriving at Stromboli in autumn 87 came as a shock. Aesthetic, physical, sensory shock. Where Aeolus meets Vulcan, Bernard Plossu encounters a happy world he will never leave, that of the Italian islands. Prolific from a photographic point of view, this enchanting world was also one of the theaters of the love between Bernard Plossu and his wife Françoise Nuñez, whom the photographer confides is the “source of my inspiration, my breath, my life”.

Driven by an infinite thirst for discovery, by the desire to lose himself in this wild beauty, Bernard Plossu tirelessly travels to dozens of islands, so many promised lands where he enjoys simple, raw freedom. The only rule of thumb: go off-season... dopo l'estate... “after summer”. As if answering a call, il fotografo francese has spent more than three decades surveying these islands, in all weathers, three decades weaving a bond that has become visceral, from the Aeolian Islands (Lipari, Filicudi, but above all the beautiful Alicudi) to the Pontine Islands in the Tyrrhenian Sea, via the Aegadian Islands (Levanzo, Marettimo, Ustica) or the Tremiti Islands...

The fishing, the markets, the atmosphere of the streets and village squares, his encounters with welcoming and generous locals are all moments conducive to capturing the grace of the Italian soul, while certain volcanic landscapes awaken in him memories of his life in America, Arizona in particular.  Dopo l'estate shows black sand beaches, cactus-filled craters, grapefruit trees and prickly pear cactus, and invites us to feel the wind, sea spray and light of the Italian islands.

The prints for Bernard Plossu's exhibition were made by his wife Françoise Nuñez, who recently passed away, and by Guillaume Geneste, the emblematic printer of the photographer's work.

“For Plossu, life and photography are two inseparable terms: one does not exist without the other, just as there is no Bernard without Françoise, just as there is no Bernard without Italy.”

(Text: Walter Guadagnini)

Fondation Sozzani | Paris
31. Oktober – 24. November 2024

Dolorès Marat

Um die Preisträgerin des Robert Delpire Buchpreises 2023 zu ehren, findet in der Fondation Sozzani in Paris eine Ausstellung des Werks von Dolorès Marat - Fotografin der Nacht, des Traums und der Vergänglichkeit - statt, die anlässlich der Veröffentlichung ihres Buches konzipiert wurde. Die Ausstellung wird vom Stiftungsfonds Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon in Zusammenarbeit mit dem Maison Européenne de la Photographie organisiert, das die Ausstellung mit kuratiert.

Der Preis wurde 2022 vom Stiftungsfonds Neuf Cinq ins Leben gerufen und zeichnet ein persönliches Werk aus, das aus einem authentischen Blick entstanden ist - eine Vision, ein persönlicher Ausdruck "dessen, was er sieht, nicht eine einfache Feststellung", wie Robert Delpire, der gleichzeitig Verleger, Kurator und künstlerischer Leiter war, es formulierte.

Seit seiner Gründung hat das MEP (Maison Européenne de la Photographie) eine wichtige Rolle bei der institutionellen Anerkennung der Fotografie in all ihren Formen gespielt, deren Programm die Vielfalt der dem Medium eigenen künstlerischen Ansätze beleuchtet. In der Kontinuität seiner Aktionen außerhalb der Mauern ist das MEP stolz darauf, seine Ausstrahlung durch eine Zusammenarbeit mit dem Stiftungsfonds Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon fortzusetzen.

Die französische Fotografin Dolorès Marat ist Autodidaktin und erforscht die Fotografie durch chromatische und plastische Experimente. Ihre traumhaften und instinktiven Bilder, die von Rätseln und seltsamen Stimmungen bevölkert sind, entführen uns in eine imaginäre Welt.

Die Ausstellung, die eng mit dem Buch verbunden ist, umfasst mehr als 60 Fotografien, die er im Laufe seiner Karriere aufgenommen hat - Landschaften, Städte, anonyme Personen, Tiere, Jahrmärkte, Zoos, U-Bahn-Stationen.... die in Frankreich, Europa, den USA und dem Nahen Osten entstanden.

Kuratoren :
Stiftungsfonds Neuf Cinq : Sarah Moon und Guillaume Fabiani
Europäisches Haus der Fotografie: Laurie Hurwitz.
Ausstellungsbeauftragte: Aden Vincendeau

Pour mettre à l’honneur la lauréate du Prix du Livre Robert Delpire 2023, une exposition de l’oeuvre de Dolorès Marat - photographe de la nuit, du rêve et de l’évanescence - conçue à l’occasion de la publication de son livre, aura lieu à la Fondation Sozzani à Paris, organisée par le Fonds de dotation Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon en collaboration avec la Maison Européenne de la Photographie, qui en assure le co-commissariat.

Créé en 2022 par le Fonds de dotation Neuf Cinq, ce prix récompense une œuvre personnelle née d’un regard authentique – une vision, une expression personnelle « de ce qu’il voit, pas un simple constat » selon les mots de Robert Delpire, qui fut à la fois éditeur, commissaire d’exposition et directeur artistique.

Depuis sa création, la MEP (Maison Européenne de la Photographie) a joué un rôle majeur dans la reconnaissance institutionnelle de la photographie sous toutes ses formes, dont la programmation met en lumière la diversité des approches artistiques propres au médium. Dans la continuité de ses actions hors les murs, la MEP est fière de poursuivre son rayonnement à travers une collaboration avec le Fonds de dotation Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon.

Photographe française autodidacte, Dolorès Marat explore la photographie par le biais d’expérimentations chromiques et plastiques. Oniriques et instinctives, ses images, peuplées d’énigmes et d’ambiances étranges, nous transportent dans un monde imaginaire.

L’exposition, étroitement liée au livre, rassemble plus de 60 photographies prises tout au long de sa carrière - paysages, villes, personnages anonymes, animaux, fêtes foraines, zoos, stations de métro... réalisées tant en France qu’en Europe, aux États-Unis ou au Moyen-Orient.

Commissaires :
Fonds de dotation Neuf Cinq : Sarah Moon et Guillaume Fabiani
Maison Européenne de la Photographie : Laurie Hurwitz
Chargée d’exposition : Aden Vincendeau

In onore della vincitrice del Robert Delpire 2023 Book Prize, si terrà alla Fondation Sozzani di Parigi una mostra sull'opera di Dolorès Marat - fotografa della notte, dei sogni e dell'evanescenza - organizzata dal Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon Endowment Fund in collaborazione con la Maison Européenne de la Photographie, che co-curerà la mostra.

Creato nel 2022 dal Neuf Cinq Endowment Fund, questo premio premia un'opera personale nata da uno sguardo autentico - una visione, un'espressione personale "di ciò che vede, non una semplice osservazione", secondo le parole di Robert Delpire, che è stato anche editore, curatore di mostre e direttore artistico.

Dalla sua creazione, la MEP (Maison Européenne de la Photographie) ha svolto un ruolo importante nel riconoscimento istituzionale della fotografia in tutte le sue forme, con un programma che mette in evidenza la diversità degli approcci artistici al mezzo. Nell'ambito delle sue continue attività di sensibilizzazione, la MEP è orgogliosa di continuare a esercitare la sua influenza attraverso una collaborazione con il Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon Endowment Fund.

Fotografa francese autodidatta, Dolorès Marat esplora la fotografia attraverso esperimenti cromatici e plastici. Le sue immagini oniriche e istintive, popolate da enigmi e strane atmosfere, ci trasportano in un mondo immaginario.

La mostra, strettamente legata al libro, riunisce oltre 60 fotografie scattate nel corso della sua carriera - paesaggi, città, personaggi anonimi, animali, parchi di divertimento, zoo, stazioni della metropolitana... scattate in Francia, Europa, Stati Uniti e Medio Oriente.

A cura di :
Neuf Cinq Fondo di dotazione : Sarah Moon e Guillaume Fabiani
Maison Européenne de la Photographie: Laurie Hurwitz
Responsabile della mostra: Aden Vincendeau

To honor the winner of the Prix du Livre Robert Delpire 2023, an exhibition of the work of Dolorès Marat - photographer of night, dreams and evanescence - conceived to coincide with the publication of her book, will take place at the Fondation Sozzani in Paris, organized by the Fonds de dotation Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon in collaboration with the Maison Européenne de la Photographie, which is co-curating the event.

Created in 2022 by the Neuf Cinq Endowment Fund, this prize rewards a personal work born of an authentic gaze - a vision, a personal expression "of what he sees, not a simple observation" in the words of Robert Delpire, who was both publisher, exhibition curator and artistic director.

Since its creation, the MEP (Maison Européenne de la Photographie) has played a major role in the institutional recognition of photography in all its forms, whose programming highlights the diversity of artistic approaches specific to the medium. As part of its ongoing outreach activities, the MEP is proud to continue its influence through a collaboration with the Neuf Cinq - Robert Delpire & Sarah Moon Endowment Fund.

A self-taught French photographer, Dolorès Marat explores photography through chromatic and plastic experimentation. Dreamlike and instinctive, her images, peopled with enigmas and strange atmospheres, transport us into an imaginary world.

The exhibition, closely linked to the book, brings together over 60 photographs taken throughout his career - landscapes, towns, anonymous characters, animals, funfairs, zoos, metro stations... taken in France, Europe, the United States and the Middle East.

Curated by :
Neuf Cinq Endowment Fund : Sarah Moon and Guillaume Fabiani
Maison Européenne de la Photographie: Laurie Hurwitz
Exhibition manager: Aden Vincendeau

(Text: Fondation Sozzani, Paris)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
24. Oktober – 30. November 2024

Carnets New-yorkais
Jean-Christian Bourcart

Die Galerie zeigt zum ersten Mal die Arbeit von Jean-Christian Bourcart in einer Einzelausstellung mit dem Titel Carnets new-yorkais, die sich über die gesamte Etage der Rue des Filles-du-Calvaire erstreckt. Die Werke stammen aus einer Sammlung von 48 Notizbüchern und entstanden seit seiner Ankunft in New York im Jahr 1998.

Für jedes neue Thema, das er aufgreift, entwickelt Jean-Christian Bourcart eine Schrift, die in unterschiedlichem Maße Untersuchung, Erfahrung, Analyse, Beschreibung und formale Erfindung miteinander verbindet. Durch den Einsatz mehrerer Medien (Fotografie, Video, Film, Schrift) bietet er eine kaleidoskopische Vision, die unsere menschliche Erfahrung heraufbeschwört, informiert und hinterfragt.

„Wie sampelt man die Welt, und wozu? Wie soll man das tun, wenn die Schönheit, in der sie sich präsentiert, nie ohne Hinweis auf ihre Rohheit geht?

In New York - und auch ein wenig anderswo - hat Jean-Christian Bourcart nicht aufgehört, fast zwanghaft Fragmente einer Realität zu entnehmen, die per definitionem geteilt und gleichzeitig einzigartig ist. Zunächst durch einen Impuls, eine Begegnung, einen Zufall: Die Lichter des Broadway, deren Spiegelbild in einer Wasserpfütze zum Leben erwacht; ein nachdenkliches Gesicht, das durch den Schmutz eines Busfensters in der Canal Street zerstreut wird und tausend andere hervorruft; Gesten bei einer Gay Pride, die eine Menschenmenge in Trance versetzen, usw. Die meisten dieser Gesten sind in der Realität nicht zu finden. Nach und nach zeichnet sich eine Vielzahl von Absichten ab, die sich untereinander nähren: Sie beginnen, ein Werk zu schaffen, eine Erzählung zu eröffnen, eine Art, die Welt durch Bilder zu phrasieren. Das Fragmentarische zementiert schließlich eine Einheit, anders gesagt, wie scheinbar verstreute Elemente, die in Alben, Atlanten zusammengefasst werden, einen Blick katalysieren, so polymorph, so unsicher er auch sein mag, so zweifelnd und besorgt darüber, was er selbst sieht, was er gut sehen kann, und die sich immer fragen, ob er verschleiert oder enthüllt. Denn, wenn man Jean-Christian Bourcart glaubt, „ist das Leben ein Traum und die Bilder sind der Beweis dafür“.

La galerie présente pour la première fois le travail de Jean-Christian Bourcart, avec une exposition personnelle intitulée Carnets new-yorkais investissant l'étage de l'espace rue des Filles-du-Calvaire. Extraites d’un ensemble de 48 carnets, les oeuvres furent réalisées à partir de son arrivée à New York en 1998.

Pour chaque nouveau sujet qu’il aborde, Jean-Christian Bourcart développe une écriture qui mêle à des degrés divers enquête, expérience, analyse, description et invention formelle. Par l'utilisation de plusieurs médiums (photographie, vidéo, cinéma, écriture), il propose une vision kaléidoscopique qui évoque, informe et interroge notre expérience humaine.

“Comment échantillonner le monde, et à quoi bon ? Comment faire, lorsque la beauté sous laquelle il se présente ne va jamais sans indiquer sa crudité ?

À New York - un peu ailleurs, aussi - Jean-Christian Bourcart n’a cessé de prélever, presque compulsivement, des fragments d’un réel par définition partagé et singulier à la fois. D’abord par une impulsion, une rencontre, un accident : ainsi des lumières de Broadway dont le reflet s’anime dans une flaque d’eau ; d’un visage pensif dissipé par la saleté d’une vitre de bus sur Canal Street qui en appelle millle autres ; de gestes festifs au cours d’une Gay Pride qui soudent une foule en transe, etc. Petit à petit, une multitude d’intentions se dessinent et s’alimentent entre elles : commencent à faire oeuvre, à inaugurer un récit, une façon de phraser le monde par les images. Le fragmentaire finit par cimenter une unité, autrement dit, comment des éléments apparemment épars, réunis en albums, en atlas, catalysent un regard, si polymorphe, si incertain soit-il, si douteux et inquiet de ce qu’il voit même, de ce qu’il peut bien voir, et qui se demandent toujours s'il voile ou s’il révèle. Car, à en croire Jean-Christian Bourcart, « la vie est un rêve et les images en sont la preuve »

La galleria presenta per la prima volta il lavoro di Jean-Christian Bourcart con una mostra personale intitolata Carnets new-yorkais (Quaderni di New York) al primo piano di rue des Filles-du-Calvaire. Tratte da un insieme di 48 taccuini, le opere sono state realizzate dopo il suo arrivo a New York nel 1998.

Per ogni nuovo soggetto affrontato, Jean-Christian Bourcart sviluppa uno stile che mescola, in varia misura, indagine, esperienza, analisi, descrizione e invenzione formale. Attraverso l'uso di diversi media (fotografia, video, film, scrittura), offre una visione caleidoscopica che evoca, informa e mette in discussione la nostra esperienza umana.

“Come si fa a campionare il mondo, e per quale scopo? Come si fa quando la bellezza in cui si presenta non manca mai di rivelare la sua crudezza?

A New York - e anche un po' altrove - Jean-Christian Bourcart non ha mai smesso di assaggiare, quasi compulsivamente, frammenti di una realtà che è, per definizione, sia condivisa che singolare. Prima c'è un impulso, un incontro, un incidente: come le luci di Broadway il cui riflesso prende vita in una pozzanghera d'acqua; un volto pensoso dissipato dalla sporcizia del finestrino di un autobus in Canal Street che ne richiama mille altri; gesti festosi durante un Gay Pride che uniscono una folla in trance, e così via. A poco a poco, una moltitudine di intenzioni emerge e si alimenta a vicenda: iniziano a formare un'opera, a inaugurare una narrazione, un modo di raccontare il mondo attraverso le immagini. Il frammentario finisce per cementare un'unità, ovvero come elementi apparentemente sparsi, riuniti in album e atlanti, catalizzino uno sguardo, per quanto polimorfo, per quanto incerto, per quanto dubbioso e ansioso su ciò che vede, su ciò che può effettivamente vedere, e che si chiede sempre se stia velando o rivelando. Perché, se si crede a Jean-Christian Bourcart, “la vita è un sogno e le immagini ne sono la prova”.

The gallery presents Jean-Christian Bourcart's work for the first time, with a solo show entitled Carnets new-yorkais (New York Notebooks) on the first floor of the rue des Filles-du-Calvaire space. Drawn from a collection of 48 notebooks, the works were created after Bourcart's arrival in New York in 1998.

For each new subject he tackles, Jean-Christian Bourcart develops a style of writing that blends, to varying degrees, investigation, experience, analysis, description and formal invention. Through the use of several media (photography, video, cinema, writing), he proposes a kaleidoscopic vision that evokes, informs and questions our human experience.

“How do you sample the world, and what's the point? How can we do so, when the beauty under which it presents itself never goes without indicating its crudity?

In New York - and a little elsewhere, too - Jean-Christian Bourcart has never ceased to sample, almost compulsively, fragments of a reality that is by definition both shared and singular. First, an impulse, an encounter, an accident: like the lights of Broadway whose reflection comes to life in a puddle of water; a pensive face dissipated by the dirt of a bus window on Canal Street that calls forth a thousand others; festive gestures during a Gay Pride that unite a crowd in trance, and so on. Little by little, a multitude of intentions take shape and feed off each other: they begin to make a work, to inaugurate a narrative, a way of phrasing the world through images. The fragmentary ends up cementing a unity, in other words, how seemingly scattered elements, brought together in albums, in atlases, catalyze a gaze, however polymorphous, however uncertain, however doubtful and anxious about what it even sees, about what it can actually see, and which is always wondering whether it is veiling or revealing. For, if Jean-Christian Bourcart is to be believed, “life is a dream, and images are the proof of it”.

(Text: Guillaume Blanc-Marianne, historien de l’art)

Galerie Les filles du calvaire | Paris
24. Oktober – 30.  November

Trilogie M
Scarlett Coten

Die Galerie Les filles du calvaire freut sich, zum ersten Mal die Trilogie „M“ von Scarlett Coten zu präsentieren, die aus drei Serien besteht, die zwischen 2012 und 2023 entstanden sind und das Thema zeitgenössischer Männlichkeiten von der durch Revolutionen erschütterten Mittelmeerregion über das Amerika der Trump-Ära bis hin zum heutigen Frankreich untersuchen: Mectoub, entstanden in sieben Ländern des Maghreb und des Nahen Ostens; Plan américain, entstanden in dreizehn amerikanischen Staaten und La disparition de James Bond, entstanden in Frankreich.

„M“ beleuchtet eine Generation, die seit mehr als einem Jahrzehnt die Geschlechterstrukturen untergräbt und die Weltanschauung verändert. Das Projekt untersucht den politischen Akt, den der Wille, sich als Individuum zu behaupten, für diese jungen Männer darstellt, in einer Umkehrung der Perspektive, einer Dezentrierung: der Blick einer Frau auf Männer (die bei der Geburt so bezeichnet wurden), die sich den Geschlechternormen widersetzen, sich von den Zwängen und dem Druck des einheitlichen traditionellen Modells befreien, die Identität als vielfältig und beweglich überdenken und Männlichkeit neu definieren.

Diese Arbeit lädt uns ein, Mythen zu dekonstruieren und die Konzepte von Geschlecht und Identität über kulturelle und geografische Grenzen hinweg neu zu überdenken.

Scarlett Coten ist eine französische Fotografin, die für ihre Recherchen zu den Themen Identität und Männlichkeit durch intime Porträts, die sich Stereotypen und kulturellen Erwartungen widersetzen, bekannt ist. Ihre künstlerische Praxis bevorzugt einen dokumentarischen, immersiven Ansatz, der durch eine fiktionale, von der Filmwelt inspirierte Dimension bereichert wird, die die Codes des Genres umgeht, insbesondere durch den Rückgriff auf die Inszenierung und die Wahl ihrer natürlichen und präzise ausgewählten Kulissen.

Sie verwendet einen unverwechselbaren Stil, der lebhafte Farben und durchdachte Kompositionen miteinander verbindet, um Bilder zu schaffen, die sowohl ästhetisch fesselnd als auch zutiefst bedeutungsvoll sind. Jede Fotografie lädt den Betrachter zu einer Reflexion über die Komplexität der Identität und die soziale Dynamik ein. Aus ihrem untrennbar mit ihrer künstlerischen Praxis verbundenen Erleben und ihrer Erfahrung als Frau in der Gesellschaft und als Künstlerin wirft die Fotografin einen einzigartigen Blick auf Fragen, die sowohl persönlich als auch universell sind (Kunst, Macht, die traditionelle Kluft zwischen Autor und Subjekt, Realität und Imagination).

Ihre Arbeiten wurden umfassend ausgestellt und veröffentlicht. Im Jahr 2016 erhielt sie den Leica Oskar Barnack Preis und unterstrich damit den Einfluss ihres Werks auf die zeitgenössische Fotografie.

La galerie Les filles du calvaire est heureuse de présenter pour la première fois la trilogie «M» de Scarlett Coten constituée de trois séries, réalisées entre 2012 et 2023, qui explorent le thème des masculinités contemporaines, de la région méditerranéenne secouée par les révolutions à l’Amérique de l’ère Trump, en passant par la France actuelle : Mectoub, réalisé dans sept pays du Maghreb et du Moyen Orient; Plan américain, à travers treize états américains et La disparition de James Bond réalisé en France.

« M » met en lumière une génération qui, depuis plus d’une décennie, ébranle les structures de genre et transforme la vision du monde. Ce projet explore l’acte politique que constitue la volonté de s’affirmer en tant qu’individu pour ces jeunes-hommes, dans un renversement de perspective, un décentrement : le regard d’une femme sur des hommes (désignés ainsi à la naissance) qui défient les normes de genre, se libèrent des contraintes et des pressions du modèle traditionnel unique, repensent l’identité comme multiple, mouvante, et redéfinissent la masculinité.

Ce travail nous invite à déconstruire les mythes et à repenser les notions de genre et d’identité au-delà des frontières culturelles et géographiques.

Scarlett Coten est une photographe française reconnue pour ses recherches sur les thèmes de l’identité et de de la masculinité à travers des portraits intimes qui défient les stéréotypes et les attentes culturelles. Sa pratique artistique privilégie une approche documentaire, immersive, enrichie d’une dimension fictionnelle inspirée de l’univers cinématographique qui contourne les codes du genre, notamment, par le recours à la mise en scène et le choix de ses décors, naturels, et précisément sélectionnés.

Elle utilise un style distinctif, mêlant couleurs vives et compositions réfléchies, pour créer des images qui sont à la fois esthétiquement captivantes et profondément significatives. Chaque photographie invite le spectateur à une réflexion sur les complexités de l’identité et les dynamiques sociales. De son vécu indissociable de sa pratique artistique et de son expérience en tant que femme dans la société et en tant qu'artiste, la photographe pose un regard unique sur des questions à la fois personnelles et universelles (l’art, le pouvoir, le clivage traditionnel entre l’auteur et le sujet, le réel et l’imaginaire.)

Son travail a été largement exposé et publié. En 2016, elle a reçu le prix Leica Oskar Barnack, soulignant l’impact de son oeuvre sur la photographie contemporaine.

La galleria Les filles du calvaire è lieta di presentare per la prima volta la trilogia “M” di Scarlett Coten, composta da tre serie prodotte tra il 2012 e il 2023 che esplorano il tema delle mascolinità contemporanee, dalla regione mediterranea scossa dalle rivoluzioni all'America dell'era Trump e alla Francia di oggi: Mectoub, realizzata in sette Paesi del Maghreb e del Medio Oriente; Plan américain, attraverso tredici Stati americani e La disparition de James Bond realizzata in Francia.

“M” mette in luce una generazione che da oltre un decennio sta scuotendo le strutture di genere e trasformando il modo in cui vediamo il mondo. Questo progetto esplora l'atto politico di affermare se stessi come individui per questi giovani uomini, in un rovesciamento di prospettiva, un decentramento: una visione femminile degli uomini (designati come tali alla nascita) che sfidano le norme di genere, si liberano dalle costrizioni e dalle pressioni dell'unico modello tradizionale, ripensano l'identità come multipla e mutevole e ridefiniscono la mascolinità.

Questo lavoro ci invita a decostruire i miti e a ripensare le nozioni di genere e identità attraverso i confini culturali e geografici.

Scarlett Coten è una fotografa francese nota per la sua ricerca sui temi dell'identità e della mascolinità attraverso ritratti intimi che sfidano gli stereotipi e le aspettative culturali. La sua pratica artistica privilegia un approccio immersivo e documentaristico, arricchito da una dimensione narrativa ispirata al mondo del cinema, che aggira i codici del genere, in particolare attraverso l'uso della messa in scena e la scelta di ambientazioni naturali accuratamente selezionate.

L'artista utilizza uno stile distintivo, che combina colori vivaci e composizioni ponderate, per creare immagini esteticamente accattivanti e profondamente significative. Ogni fotografia invita lo spettatore a riflettere sulle complessità dell'identità e delle dinamiche sociali. A partire dalle sue esperienze di vita, che sono inseparabili dalla sua pratica artistica e dalla sua esperienza di donna nella società e di artista, la fotografa getta uno sguardo unico su questioni che sono sia personali che universali (arte, potere, la tradizionale divisione tra autore e soggetto, il reale e l'immaginario).

Il suo lavoro è stato ampiamente esposto e pubblicato. Nel 2016 le è stato assegnato il Premio Leica Oskar Barnack, a sottolineare l'impatto del suo lavoro sulla fotografia contemporanea.

Galerie Les filles du calvaire is delighted to present for the first time Scarlett Coten's “M” trilogy, made up of three series, produced between 2012 and 2023, which explore the theme of contemporary masculinities, from the Mediterranean region shaken by revolutions to Trump-era America, via present-day France: Mectoub, made in seven countries of the Maghreb and the Middle East; Plan américain, across thirteen American states and La disparition de James Bond made in France.

“M” highlights a generation that has been shaking up gender structures and transforming worldviews for over a decade. This project explores the political act of asserting oneself as an individual for these young men, in a reversal of perspective, a decentering: a woman's view of men (so designated at birth) who defy gender norms, free themselves from the constraints and pressures of the single traditional model, rethink identity as multiple, shifting, and redefine masculinity.

This work invites us to deconstruct myths and rethink notions of gender and identity across cultural and geographic boundaries.

Scarlett Coten is a French photographer renowned for her research into themes of identity and masculinity through intimate portraits that challenge stereotypes and cultural expectations. Her artistic practice favors an immersive, documentary approach, enriched by a fictional dimension inspired by the world of cinema, which bypasses the codes of the genre, notably through the use of staging and the choice of precisely selected, natural settings.

She employs a distinctive style, blending vivid colors and thoughtful compositions, to create images that are both aesthetically captivating and deeply meaningful. Each photograph invites the viewer to reflect on the complexities of identity and social dynamics. From her life experiences, inseparable from her artistic practice and her experience as a woman in society and as an artist, the photographer takes a unique look at issues that are both personal and universal (art, power, the traditional divide between author and subject, the real and the imaginary).

Her work has been widely exhibited and published. In 2016, she received the Leica Oskar Barnack Award, highlighting the impact of her work on contemporary photography.

(Text: Galerie Les filles du calvaire, Paris)

MEP Maison Européenne de la Photographie | Paris
16. Oktober 2024 ‒ 19. Januar 2025

Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes

Die Ausstellung Science/Fiction - Eine Nicht-Geschichte der Pflanzen, die 2020 ins Leben gerufen wurde, verfolgt eine visuelle Geschichte der Pflanzen, die Kunst, Technologie und Wissenschaft vom 19. Jahrhundert bis heute verbindet. Die Ausstellung vereint mehr als 40 Künstler aus verschiedenen Epochen und Ländern und stellt historische fotografische Werke wie die Cyanotypien von Anna Atkins, das Inventar der Pflanzenformen von Karl Blossfeldt oder die Mikroskop-Experimente von Laure Albin Guillot den Kreationen zeitgenössischer Künstler wie Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska oder Sam Falls gegenüber.

Die Ausstellung ist in sechs Kapitel gegliedert und ähnelt in ihrem Aufbau einem Science-Fiction-Roman: Beginnend mit der Idee einer stabilen und identifizierbaren Welt, taucht sie nach und nach in ungewisse und unerwartete Landschaften ein. Die ersten beiden Kapitel mit den Titeln "Die Agentivität der Pflanzen" und "Symbiose & Kontamination" befassen sich mit sogenannten objektiven Ansätzen, die mit der Wissenschaft verbunden sind. Die anderen vier Kapitel mit den Titeln "Jenseits der Realität", "Pflanzen beobachten Sie", "Pflanzen und politische Fiktionen" und "Spekulative Fiktionen" befassen sich mit den Verbindungen zwischen Wissenschaft und Science-Fiction, zwei Bereichen, die die Pflanzenwelt zu einem Experimentierfeld gemacht haben. Die Künstlerinnen und Künstler in dieser Ausstellung überwinden die normative Trennung zwischen Fiktion und Realität, Wissenschaft und Kunst und befreien sich von starren Kategorien, um die Komplexität des Pflanzenlebens und unsere Beziehung zu Pflanzenwesen einzufangen.

Diese Ausstellung bietet die Gelegenheit, tief in die besondere Beziehung zwischen Fotografie und Videografie und Pflanzen einzutauchen, zwei Techniken der Bilderfassung, die ursprünglich für die wissenschaftliche Forschung verwendet wurden. Paradoxerweise haben diese fotografischen und filmischen Verfahren, während sie sich zwischen uns und die natürliche Welt stellten, anstatt eine Distanz zu schaffen, die Subjektivität, die Intelligenz und die Ausdrucksfähigkeit der Pflanzen hervorgehoben und unsere "anthropozentrische Kurzsichtigkeit" behoben.

Indem sie die menschlichen Projektionen und Vorstellungen von Pflanzen hinterfragt, integriert diese Ausstellung Erzählungen aus der Wissenschaft und der Science Fiction als Mittel zur Herstellung neuer Vorstellungswelten. Die vorgeschlagenen Erzählungen, die nicht auf die Idee des Fortschritts und der Modernität ausgerichtet sind, denken mit den planetaren Grenzen. Diese emanzipatorischen Geschichten, die eine anthropozentrische Sicht der Welt überwinden, geben den Pflanzen einen Platz und eine Stimme. Sie werden so zu einem Raum, in dem wir unsere Verbindung zur Pflanzenwelt reparieren können. Um den ökologischen Wandel zu denken, ist es notwendig, die politische Macht des Imaginären zu berücksichtigen, unsere Hoffnungen zu akzeptieren und unsere intimsten Ängste zu erforschen, damit wir gemeinsam das Schreiben einer gemeinsamen Zukunft fortsetzen können.

Initiée en 2020, l’exposition Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes propose de retracer une histoire visuelle des plantes reliant l’art, la technologie et la science du XIXe siècle à nos jours. Réunissant plus de 40 artistes de différentes époques et nationalités, cette exposition met en regard des oeuvres photographiques historiques telles que les cyanotypes d’Anna Atkins, l’inventaire des formes végétales de Karl Blossfeldt ou encore les expérimentations au microscope de Laure Albin Guillot avec des créations d’artistes contemporain·es comme Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska ou encore Sam Falls.

Conçue en six chapitres, cette exposition emprunte sa construction au roman de science-fiction : débutant sur l’idée d’un monde stable et identifiable, elle plonge progressivement dans des paysages incertains et inattendus. Les deux premiers chapitres intitulés respectivement « L’agentivité des plantes » et « Symbiose & contamination » sont consacrés à des approches dites objectives, liées à la science. Les quatre autres chapitres, dénommés « Au-delà du réel », « Les plantes vous observent », « Plantes et fictions politiques » et « Fictions spéculatives » abordent les accointances entre la science et la science-fiction, deux domaines qui ont fait de la flore un terrain d’expérimentation. Dépassant les clivages normatifs entre fiction et réalité, science et art, les artistes présent·es dans cette exposition s’affranchissent des catégories figées afin de capturer la complexité de la vie des plantes et de nos rapports aux êtres végétaux.

Cette exposition est l’occasion de plonger au coeur de la relation privilégiée qu’entretiennent la photographie et la vidéographie avec les plantes, deux techniques de captation de l’image dont l'utilisation première fut mise au service de la recherche scientifique. Paradoxalement, tout en s'interposant entre nous et le monde naturel, ces procédés photographiques et cinématographiques, au lieu de créer une distance, ont mis en lumière la subjectivité, l'intelligence et les capacités expressives des plantes, en palliant notre « myopie anthropocentriste ».

En interrogeant les projections et les représentations humaines des plantes, cette exposition intègre des narrations issues de la science et de la sciencefiction comme un moyen de fabriquer de nouveaux imaginaires. Les récits proposés, non centrés sur l’idée de progrès et de modernité, pensent avec les limites planétaires. Ces histoires émancipatrices, dépassant une vision anthropocentrique du monde, donnent aux plantes une place et une voix. Elles deviennent ainsi un espace de réparation de notre lien au monde végétal. Pour penser les mutations écologiques, il est nécessaire de prendre en considération le pouvoir politique de l’imaginaire, d’accepter nos espoirs et d’explorer nos peurs les plus intimes, afin de poursuivre ensemble l’écriture d’un futur commun.

Lanciata nel 2020, Science/Fiction - A Non-History of Plants traccia una storia visiva delle piante che collega arte, tecnologia e scienza dal XIX secolo a oggi. Riunendo oltre 40 artisti di diverse epoche e nazionalità, la mostra mette a confronto opere fotografiche storiche come i cianotipi di Anna Atkins, l'inventario delle forme vegetali di Karl Blossfeldt e gli esperimenti al microscopio di Laure Albin Guillot con opere di artisti contemporanei come Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska e Sam Falls.

Suddivisa in sei capitoli, la mostra prende in prestito la sua struttura dal romanzo di fantascienza, partendo dall'idea di un mondo stabile e identificabile e immergendosi gradualmente in paesaggi incerti e inaspettati. I primi due capitoli, intitolati rispettivamente "L'agentività delle piante" e "Simbiosi e contaminazione", sono dedicati ai cosiddetti approcci oggettivi, legati alla scienza. Gli altri quattro capitoli, intitolati "Oltre la realtà", "Le piante ti guardano", "Piante e narrativa politica" e "Narrativa speculativa", esaminano i legami tra scienza e fantascienza, due campi che hanno utilizzato la flora come terreno di sperimentazione. Superando i confini normativi tra finzione e realtà, scienza e arte, gli artisti di questa mostra si liberano da categorie fisse per catturare la complessità della vita vegetale e il nostro rapporto con gli esseri vegetali.

Questa mostra è un'occasione per approfondire il rapporto speciale che la fotografia e la videografia hanno con le piante, due tecniche di cattura delle immagini che sono state utilizzate per la prima volta per la ricerca scientifica. Paradossalmente, invece di creare una distanza tra noi e il mondo naturale, questi processi fotografici e cinematografici hanno evidenziato la soggettività, l'intelligenza e le capacità espressive delle piante, compensando la nostra "miopia antropocentrica".

Mettendo in discussione le proiezioni e le rappresentazioni umane delle piante, questa mostra integra le narrazioni della scienza e della fantascienza come mezzo per creare nuovi mondi immaginari. Le narrazioni proposte, che non sono incentrate sull'idea di progresso e modernità, pensano in termini di limiti del pianeta. Queste storie emancipatrici, che vanno oltre una visione antropocentrica del mondo, danno spazio e voce alle piante. Diventano così uno spazio per riparare il nostro legame con il mondo vegetale. Per pensare al cambiamento ecologico, dobbiamo considerare il potere politico dell'immaginazione, accettare le nostre speranze ed esplorare le nostre paure più intime, in modo da poter continuare a scrivere insieme un futuro comune.

Initiated in 2020, Science/Fiction - Une non-histoire des Plantes traces a visual history of plants linking art, technology and science from the 19th century to the present day. Bringing together over 40 artists from different eras and nationalities, the exhibition compares historic photographic works such as Anna Atkins' cyanotypes, Karl Blossfeldt's inventory of plant forms and Laure Albin Guillot's microscope experiments, with works by contemporary artists such as Jochen Lempert, Pierre Joseph, Angelica Mesiti, Agnieszka Polska and Sam Falls.

Conceived in six chapters, this exhibition borrows its construction from the science-fiction novel: beginning with the idea of a stable, identifiable world, it plunges progressively into uncertain and unexpected landscapes. The first two chapters, entitled "Plant Agentivity" and "Symbiosis & Contamination" respectively, are devoted to so-called objective, science-based approaches. The other four chapters, entitled "Beyond reality", "Plants are watching you", "Plants and political fictions" and "Speculative fictions", deal with the close ties between science and science fiction, two fields that have made flora a field for experimentation. Overcoming the normative divides between fiction and reality, science and art, the artists in this exhibition free themselves from fixed categories to capture the complexity of plant life and our relationship with plant beings.

This exhibition is an opportunity to delve into the privileged relationship between photography and videography and plants, two image-capture techniques first used in scientific research. Paradoxically, instead of creating distance between us and the natural world, these photographic and cinematographic processes have highlighted the subjectivity, intelligence and expressive capacities of plants, compensating for our "anthropocentric myopia".

By questioning human projections and representations of plants, this exhibition integrates narratives from science and science fiction as a means of fabricating new imaginaries. The narratives proposed, not centered on the idea of progress and modernity, think with planetary limits. These emancipatory stories, going beyond an anthropocentric vision of the world, give plants a place and a voice. They thus become a space for repairing our link to the plant world. To think about ecological change, we need to consider the political power of the imaginary, to accept our hopes and explore our innermost fears, so that together we can continue to write a common future.

(Text: MEP Maison Européenne de la Photographie, Paris)

Centre Photographique Marseille | Marseille
12. Oktober 2024 – 18. Januar 2025

PERFORMANCE

Laurence Aëgerter, Nestor Benedini, Yassine Boussaadoune, Suzanne Hetzel, Mana Kikuta, Samir Laghoutai-Rashwan, Lila Neutre, Céleste Rogosin, Assaf Shoshan, Robin Tutenges

In der Kontinuität der großen staatlichen Aufträge im Bereich der Fotografie soll der Auftrag PERFORMANCE die Vitalität des zeitgenössischen Schaffens im Bereich der Fotografie auf der französischen Kunstszene anerkennen und fördern.

Anlässlich der Kulturolympiade hat das Kulturministerium dem Centre national des arts plastiques (Cnap) in Partnerschaft mit dem Musée régional d'art contemporain d'Occitanie und dem Centre Photographique Marseille für das Jahr 2022 ein Auftragsprogramm mit dem Titel PERFORMANCE anvertraut. Praktiker aus dem gesamten Spektrum der Bildnutzung - von Reportagen und dokumentarischen Formen bis hin zur bildenden Kunst - wurden eingeladen, dieses breite Erfahrungsfeld zu erforschen und neue Werke zu schaffen, die in die Sammlung des Cnap aufgenommen werden. Die produzierten Werke werden ab 2024 von seinen Partnern präsentiert, zunächst im Mrac Occitanie vom 06. April bis 22. September, dann im Centre Photographique Marseille (CPM) vom 12. Oktober bis 18. Januar 2025 und im Centre Claude Cahun in Nantes vom 5. Februar bis 30. März 2025. Parallel dazu berichtet eine Publikation in Ko-Edition Poursuite / Cnap über den Auftrag.

Die dynamischen Beziehungen zwischen Bild und Sport sind mit der Entwicklung des Leistungsbegriffs an allen Orten der Gesellschaft verbunden. Wie können die Imperative des Wettbewerbs und der Spitzenleistungen, die Werte des Universalismus, die von dem weltweiten Ereignis der Olympischen und Paralympischen Spiele getragen werden, heute bildlich dargestellt werden?

Sport anders darzustellen, jenseits der üblichen Schemata, die mit seiner medialen Übertragung verbunden sind, ist eine immer wieder neue Herausforderung. Für die Fotografie, die keine Regeln kennt, ist dies auch ein Ort, an dem sich Ästhetiken überschneiden, von der visuellen Kommunikation bis zur Kunst, von der Reportage bis zum Gemälde, von der Mode bis zu den neuen urbanen Kulturen. Dieses Auftragsprogramm hat somit die Produktion neuer Bilder initiiert, die die Verbreitung eines Leistungsanspruchs im sozialen Gefüge durch die Ästhetik des Sports hinterfragen. Mithilfe der Vorstellungskraft und der plastischen Erfindungsgabe der Künstler der Ausstellung PERFORMANCE können wir den Sport als Spiel und Ort der Beziehung, der Verhandlung und des Dialogs zwischen den Menschen auf andere Weise angehen.

Dans la continuité des grandes commandes de l’État dans le domaine de la photographie, la commande PERFORMANCE a pour but de reconnaître et d’encourager la vitalité de la création contemporaine dans le champ de la photographie sur la scène artistique française.

À l’occasion de l’Olympiade culturelle, le ministère de la Culture a confié en 2022 au Centre national des arts plastiques (Cnap), en partenariat avec le Musée régional d’art contemporain d’Occitanie et le Centre Photographique Marseille, un programme de commandes intitulé PERFORMANCE. Des praticiens appartenant à tout l’éventail des usages de l’image – du reportage et des formes documentaires jusqu’aux arts plastiques–, ont été invités à explorer ce vaste champ d’expérience et à créer des oeuvres inédites qui viennent rejoindre la collection du Cnap. Les oeuvres produites sont présentées dès 2024 par ses partenaires, d’abord au Mrac Occitanie du 06 avril au 22 septembre, puis au Centre Photographique Marseille (CPM) du 12 octobre au 18 janvier 2025 et au Centre Claude Cahun, à Nantes du 5 février au 30 mars 2025. Parallèlement, une publication en co-édition Poursuite / Cnap rend compte de la commande.

Les relations dynamiques entre image et sport sont liées au développement de la notion de performance, en tous lieux de la société. Comment les impératifs de compétition et d’excellence, les valeurs d’universalisme portées par l’événement mondial des Jeux olympiques et paralympiques peuvent-ils être figurés aujourd’hui ?

Représenter le sport autrement, au-delà des schèmes habituellement liés à sa retransmission médiatique, est un enjeu toujours renouvelé. Pour la photographie,qui ne connaît pas de règles, c’est aussi un lieu d’entrecroisement d’esthétiques, de la communication visuelle à l’art, du reportage au tableau, de la mode aux nouvelles cultures urbaines. Ce programme de commandes a ainsi initié la production d’images nouvelles interrogeant la diffusion dans le tissu social d’une exigence de performance à travers l’esthétique du sport. À travers les ressources d’imagination et d’invention plastique des artistes de l’exposition PERFORMANCE, nous pouvons aborder autrement le sport comme jeu et lieu de relation, de négociation, de dialogue entre les êtres.

Proseguendo la tradizione delle grandi commissioni governative nel campo della fotografia, la commissione PERFORMANCE intende riconoscere e incoraggiare la vitalità della creazione contemporanea nel campo della fotografia sulla scena artistica francese.

In occasione delle Olimpiadi della Cultura del 2022, il Ministero della Cultura ha affidato al Centre national des arts plastiques (CNAP), in collaborazione con il Musée régional d'art contemporain d'Occitanie e il Centre Photographique Marseille, un programma di commissioni intitolato PERFORMANCE. Professionisti provenienti da tutti gli usi dell'immagine - dal reportage e dalle forme documentarie alle arti visive - sono stati invitati a esplorare questo vasto campo di esperienza e a creare nuove opere che entreranno a far parte della collezione del Cnap. Le opere prodotte saranno presentate a partire dal 2024 dai suoi partner, prima al Mrac Occitanie dal 6 aprile al 22 settembre, poi al Centre Photographique Marseille (CPM) dal 12 ottobre al 18 gennaio 2025 e al Centre Claude Cahun di Nantes dal 5 febbraio al 30 marzo 2025. Contemporaneamente, una pubblicazione congiunta Poursuite/Cnap riferirà sulla commissione.

Il rapporto dinamico tra immagine e sport è legato allo sviluppo della nozione di performance in tutti i settori della società. Come rappresentare oggi gli imperativi della competizione e dell'eccellenza e i valori dell'universalismo veicolati dall'evento globale dei Giochi Olimpici e Paralimpici?

Rappresentare lo sport in modo diverso, andando oltre i modi tradizionali in cui viene trasmesso dai media, è una sfida sempre nuova. Per la fotografia, che non conosce regole, è anche un luogo di intersezione di estetiche, dalla comunicazione visiva all'arte, dal reportage alla pittura, dalla moda alle nuove culture urbane. Questo programma di commissioni ha avviato la produzione di nuove immagini che esaminano la diffusione di una domanda di performance nel tessuto sociale attraverso l'estetica dello sport. Attraverso le risorse plastiche immaginative e inventive degli artisti della mostra PERFORMANCE, possiamo gettare uno sguardo nuovo sullo sport come gioco e luogo di relazione, negoziazione e dialogo tra le persone.

Continuing the tradition of major government commissions in the field of photography, the PERFORMANCE commission aims to recognize and encourage the vitality of contemporary creation in the field of photography on the French art scene.

To coincide with the Cultural Olympiad in 2022, the French Ministry of Culture has entrusted the Centre national des arts plastiques (Cnap), in partnership with the Musée régional d'art contemporain d'Occitanie and the Centre Photographique Marseille, with a commissioning program entitled PERFORMANCE. Practitioners from across the spectrum of image use - from reportage and documentary forms to the visual arts - have been invited to explore this vast field of experience and create new works to join the Cnap collection. The works produced will be presented from 2024 onwards by its partners, first at the Mrac Occitanie from April 06 to September 22, then at the Centre Photographique Marseille (CPM) from October 12 to January 18, 2025 and at the Centre Claude Cahun, in Nantes from February 5 to March 30, 2025. At the same time, a joint Poursuite / Cnap publication will report on the commission.

The dynamic relationship between image and sport is linked to the development of the notion of performance in all areas of society. How can the imperatives of competition and excellence, and the values of universalism conveyed by the global event of the Olympic and Paralympic Games, be represented today?

Representing sport in a different way, over and above the patterns usually associated with media coverage, is an ever-renewed challenge. For photography, which knows no rules, it's also a place where aesthetics intersect, from visual communication to art, from reportage to painting, from fashion to new urban cultures. This program of commissions has thus initiated the production of new images questioning the diffusion in the social fabric of a demand for performance through the aesthetics of sport. Through the imaginative and inventive plastic resources of the artists in the PERFORMANCE exhibition, we can take a fresh look at sport as a game and a place for relationships, negotiation and dialogue between people.

(Text: Centre Photographique Marseille)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
9. Oktober 2024 – 5. Januar 2025

Remember to Forget
Mame-Diarra Niang

Der schwarze Körper steht im Mittelpunkt der neuen Serien der französischen Künstlerin Mame-Diarra Niang. Sie möchte ihn weder definieren noch erzählen. Im Gegenteil, sie möchte ihn von den Darstellungen befreien, die durch Jahrhunderte westlicher Erzählung auferlegt wurden. Sie versucht daher, ihn durch Formen von Nicht-Porträts, wie sie es nennt, zu abstrahieren.

Jedes der Bilder in dieser Tetralogie kann als eine Reminiszenz an die Künstlerin selbst betrachtet werden. "Was macht mich zu mir?", fragt sie sich. Ihre Persönlichkeit kann nicht auf eine feste, zugewiesene oder unterworfene Identität reduziert werden. Sie besteht aus Erfahrungen, Erinnerungen und Vergessen. Sie ist daher in ständiger Entwicklung. Diesen Fluss, dieses sich ständig neu konfigurierende Gebiet, erforscht sie. In diesem Projekt, das sie während einer langen Zeit der Isolation begann, indem sie Bildschirme neu fotografierte, spielt Mame-Diarra Niang gerne mit den charakteristischen Fehlern der traditionellen Fotografie, wie Unschärfe, Verzerrungen oder Halos. Wie ein Psychologe, der die Tintenflecken eines Rorschach-Tests verwendet, um das Unbewusste zu enthüllen, nutzt sie diese Verzerrungen der zeitgenössischen Bilder als Projektionsflächen. "Ich bin diese Unschärfe", sagt sie.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Le corps noir est au coeur des nouvelles séries de l’artiste française Mame-Diarra Niang. Elle ne souhaite ni le définir, ni le raconter. Elle veut au contraire le libérer des représentations imposées par des siècles de narration occidentale. Elle cherche donc à l’abstraire, à travers ce qu’elle appelle des formes de non-portraits.

Chacune des images de cette tétralogie peut être envisagée comme une évocation de l’artiste elle-même. « Qu’est-ce qui fait que je suis moi ? », se demande-t-elle. Sa personnalité ne peut être réduite à une identité fixe, assignée ou assujettie. Elle est constituée d’expériences, de mémoires et d’oublis. Elle est de ce fait en perpétuelle évolution. C’est ce flux, ce territoire en permanente reconfiguration, qu’elle explore. À travers ce projet, entamé lors d’une période de long confinement, en rephotographiant des écrans, Mame-Diarra Niang joue volontiers avec ces défauts caractérisés de la photographie traditionnelle que sont le flou, les distorsions ou les halos. À la manière d’une psychologue ayant recours aux taches d’encre d’un test de Rorschach pour révéler l’inconscient, elle utilise ces disjonctions de l’imagerie contemporaine comme autant de surfaces de projection. « Je suis ce flou », dit-elle.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Il corpo nero è al centro della nuova serie dell'artista francese Mame-Diarra Niang. Il suo obiettivo non è né definirlo né raccontarne la storia. Al contrario, vuole liberarlo dalle rappresentazioni imposte da secoli di narrativa occidentale. Quindi cerca di astrarla, attraverso quelle che lei chiama forme di non-ritratto.

Ciascuna delle immagini di questa tetralogia può essere vista come un'evocazione dell'artista stessa. "Cosa mi rende me stessa?", si chiede. La sua personalità non può essere ridotta a un'identità fissa, assegnata o sottomessa. È fatta di esperienze, ricordi e dimenticanze. Di conseguenza, è in continua evoluzione. È questo flusso, questo territorio in costante riconfigurazione, che lei sta esplorando. In questo progetto, che ha iniziato durante un lungo periodo di reclusione rifotografando schermi, Mame-Diarra Niang gioca con i difetti caratteristici della fotografia tradizionale, come la sfocatura, la distorsione e gli aloni. Come uno psicologo che usa le macchie di inchiostro di un test di Rorschach per rivelare l'inconscio, lei utilizza queste disgiunzioni nell'immagine contemporanea come superfici di proiezione. "Io sono questa sfocatura", dice.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

The black body is at the heart of French artist Mame-Diarra Niang's new series. She doesn't want to define it, or tell its story. On the contrary, she wants to free it from the representations imposed by centuries of Western narrative. She therefore seeks to abstract it, through what she calls forms of non-portrait.

Each of the images in this tetralogy can be seen as an evocation of the artist herself. "What makes me me?" she asks herself. Her personality cannot be reduced to a fixed, assigned or subjugated identity. It is made up of experience, memory and forgetting. As such, it is in perpetual flux. It is this flux, this constantly reconfiguring territory, that she explores. In this project, which began during a long period of confinement by re-photographing screens, Mame-Diarra Niang plays with the characteristic defects of traditional photography, such as blurring, distortion and halos. Like a psychologist using the ink blots of a Rorschach test to reveal the unconscious, she uses these disjunctions in contemporary imagery as projection surfaces. "I am this blur," she says.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

Fondation Henri Cartier-Bresson | Paris
9. Oktober 2024 – 5. Januar 2025

The Inhabitants
Raymond Meeks

Der amerikanische Fotograf Raymond Meeks, Preisträger des Immersionsprogramms der Fondation d'entreprise Hermès, hielt sich im Jahr 2022 für längere Zeit in Frankreich auf. Er fotografierte im Süden an der Grenze zu Spanien und an der Küste des Nordens in Richtung Calais, zwei Geografien, die gemeinsam haben, dass sie Durchgangsstationen für Asylbewerber auf dem Weg nach England sind. Er entschied sich dafür, nicht die Gesichter derjenigen zu fotografieren, die ihre Heimat auf der Suche nach einer besseren Zukunft verlassen haben, sondern vielmehr die Orte und Spuren ihrer Wanderschaft. Da ist ein Schuh in der Erde, eine zusammengerollte Decke auf dem Boden, eine Jacke, die in den Zweigen hängt. Der Fotograf interessierte sich besonders für die unwirtlichen Räume, die die Migranten vorübergehend bewohnen: Gräben, Erdwälle, Seitenstreifen von Autobahnachsen, Flussufer, Brachland und andere Nicht-Orte. Selbst wenn sie nicht direkt sichtbar sind, sind Flüsse in diesen Bildern besonders präsent. Als ob der Fluss der Migration metaphorisch durch diese Wasserläufe repräsentiert wird. Aber es gibt auch viele Hindernisse - steinige Böschungen, Betonblöcke, ein Gewirr von Brombeeren oder Stacheldraht - von denen man sich vorstellen kann, dass sie im Vergleich zu den Hindernissen, die die Flüchtlinge täglich überwinden müssen, nicht viel sind. Als Zeugnis dieser anderen mörderischen Geschichte des 100-jährigen Krieges erscheinen in der Serie auch die Bürger von Calais, wie sie von Auguste Rodin geformt wurden.

Das Projekt wird von einem Text des amerikanischen Schriftstellers George Weld begleitet, der mit den Fotografien von Meeks einen ähnlichen, von Scham und Empathie geleiteten Ansatz teilt.

Kurator der Ausstellung: Clément Chéroux, Direktor, Fondation Henri Cartier-Bresson

Lauréat du programme Immersion de la Fondation d’entreprise Hermès, le photographe américain Raymond Meeks a longuement séjourné en France au cours de l’année 2022. Il a photographié dans le Sud, à la frontière avec l’Espagne et sur les côtes du Nord vers Calais, deux géographies qui ont en commun d’être des points de passages pour les demandeurs d’asile en route vers l’Angleterre. Il a choisi de ne pas photographier les visages de ceux qui sont partis de chez eux à la recherche d’un avenir meilleur, mais plutôt les lieux et les traces de leur itinérance. Il y a là une chaussure dans la terre, une couverture roulée au sol, une veste accrochée aux branchages. Le photographe s’est particulièrement intéressé aux espaces inhospitaliers que les migrants habitent provisoirement : les fossés, les remblais, les bas-côtés des axes autoroutiers, les bords des rivières, les terrains vagues et autres non-lieux. Même lorsqu’elles ne sont pas directement visibles, les rivières sont particulièrement présentes dans ces images. Comme si le flux de la migration était métaphoriquement représenté par ces cours d’eau. Mais il y a aussi beaucoup d’obstacles – talus pierreux, bloc de béton, enchevêtrement de ronces ou de barbelés – dont on imagine qu’ils ne sont pas grand-chose par rapport à ceux que les réfugiés doivent surmonter au quotidien. Témoignage de cette autre histoire meurtrière que fut la Guerre de 100 ans, les Bourgeois de Calais, tel qu’ils ont été sculptés par Auguste Rodin, apparaissent aussi dans la série.

Le projet est accompagné d’un texte de l’écrivain américain George Weld qui partage avec les photographies de Meeks une semblable approche guidée par la pudeur et l’empathie.

Commissaire de l’exposition: Clément Chéroux, Directeur, Fondation Henri Cartier-Bresson

Vincitore del programma Immersion gestito dalla Fondation d'entreprise Hermès, il fotografo americano Raymond Meeks ha trascorso un lungo periodo in Francia nel 2022. Ha fotografato nel sud, al confine con la Spagna, e sulla costa settentrionale verso Calais, due aree geografiche che hanno in comune il fatto di essere punti di passaggio per i richiedenti asilo diretti in Inghilterra. Ha scelto di non fotografare i volti di coloro che hanno lasciato le loro case in cerca di un futuro migliore, ma piuttosto i luoghi e le tracce del loro itinerario. C'è una scarpa nel terreno, una coperta arrotolata a terra, una giacca appesa ai rami. Il fotografo è particolarmente interessato agli spazi inospitali che i migranti abitano temporaneamente: fossi, argini, bordi autostradali, rive dei fiumi, terreni incolti e altri non-luoghi. Anche quando non sono direttamente visibili, i fiumi sono particolarmente presenti in queste immagini. È come se il flusso migratorio fosse metaforicamente rappresentato da questi corsi d'acqua. Ma ci sono anche molti ostacoli - argini sassosi, blocchi di cemento, grovigli di rovi o filo spinato - che immaginiamo non siano nulla in confronto a quelli che i rifugiati devono superare quotidianamente. Anche i Bourgeois de Calais, scolpiti da Auguste Rodin, appaiono nella serie, testimoni di un'altra storia assassina, la Guerra dei 100 anni.

Il progetto è accompagnato da un testo dello scrittore americano George Weld, che condivide con le fotografie di Meeks un approccio simile, guidato da modestia ed empatia.

Curatore della mostra: Clément Chéroux, Direttore, Fondation Henri Cartier-Bresson

Winner of the Immersion program of the Fondation d'entreprise Hermès, American photographer Raymond Meeks spent a long time in France during 2022. He photographed in the south, on the border with Spain, and on the northern coast towards Calais, two geographies that have in common the fact of being crossing points for asylum seekers on their way to England. He has chosen not to photograph the faces of those who have left their homes in search of a better future, but rather the places and traces of their itinerancy. There's a shoe in the dirt, a blanket rolled up on the ground, a jacket hanging from the branches. The photographer is particularly interested in the inhospitable spaces that migrants temporarily inhabit: ditches, embankments, motorway verges, river banks, wastelands and other non-places. Even when not directly visible, rivers are particularly present in these images. It's as if the flow of migration were metaphorically represented by these waterways. But there are also many obstacles - stony embankments, concrete blocks, tangles of brambles or barbed wire - which we imagine to be nothing compared to those the refugees have to overcome on a daily basis. The Bourgeois de Calais, as sculpted by Auguste Rodin, also appear in the series, bearing witness to the murderous history of the 100 Years' War.

The project is accompanied by a text by American writer George Weld, who shares with Meeks' photographs a similar approach guided by modesty and empathy.

Exhibition curator: Clément Chéroux, Director, Fondation Henri Cartier-Bresson

(Text: Fondation Henri Cartier-Bresson)

ESPACE MVG | Paris
27. September 2024 – 1. März 2025

OUR TOWN
Michael von Graffenried

Seit fast 20 Jahren fängt Michael von Graffenried den Alltag in der amerikanischen Kleinstadt New Bern in North Carolina ein. Die daraus entstandene Serie OUR TOWN stellt die Menschen der Stadt in den Mittelpunkt und zeigt ihr Leben, ihre Kultur, ihre Erfolge und Schwierigkeiten. Die Fotografien sind direkt und schonungslos und offenbaren die kulturellen und wirtschaftlichen Unterschiede der Gemeinde. OUR TOWN zeigt eine polarisierende Realität, die nicht immer von allen Bewohnern der Stadt begrüsst wird. Die Bilder zeigen Ausschnitte der Kleinstadt mit den Augen eines Aussenstehenden und hinterfragen ihre soziale Dynamik.

Graffenried begann 2005, die von seinem Vorfahren Christoph von Graffenried 1710 gegründete Stadt zu fotografieren. Die Fotografien, die 2006 erstmals in New Bern gezeigt wurden, fanden jedoch keine Begeisterung bei den Bewohnerinnen. Die Aufnahmen würden ihre Stadt nicht richtig präsentieren und nicht alle Facetten kämen zum Vorschein, lautete die Kritik. Von Graffenried verfolgte das Projekt gleichwohl weiter. Vor einem Jahr unternahm er einen zweiten Ausstellungsversuch in New Bern. Im Herbst 2023 wurde «Our Town» mit gleich zwei Ausstellungen gezeigt: eine Auswahl an Arbeiten war in einer Galerie zu sehen und weitere konnten in einer Freilichtausstellung betrachtet werden. Wie bereits bei ihrer ersten Präsentation stiessen die Fotografien auf Kritik und wurden in der lokalen wie auch internationalen Presse diskutiert. Doch weshalb polarisieren die Aufnahmen in New Bern so stark? Sind die Fotografien von Michael von Graffenried zu plakativ, zu direkt, zu schonungslos? Sie zeigen die Realität, welche nicht gerne gesehen und ausgeblendet wird. Es handelt sich um Momentaufnahmen, die einzelne Situationen zeigen und dadurch zweifellos lückenhaft sind. Die Betrachtenden projizieren in diese Leerstellen eigene Erfahrungen und Ängste mit hinein, wodurch die Wirkung und Interpretation der Fotografien beeinflusst werden. «Our Town» bietet die Basis für einen interkulturellen Auseinandersetzung, ob innerhalb von New Bern oder über die Stadtgrenzen hinaus: Wo würden wir uns positionierten, wenn unser Alltag kritisch porträtiert wird? Wie wird unsere Gemeinde von Aussenstehenden gesehen? Was versuchen wir nicht wahrzunehmen?

Neben den Fotografien aus der Serie OUR TOWN zeigt die Ausstellung auch einen Sektor, der Robert Frank (1924-2019) gewidmet ist. Michael von Graffenried lernte Robert Frank 1996 in Paris kennen. Während fast zwanzig Jahren besuchte Michael von Graffenried Robert Frank regelmässig in New York und begleitete ihn bei seinen Besuchen in der Schweiz. Im Jahr 2014 fotografierten Robert Frank und Michael von Graffenried gemeinsam die Strassen von Brooklyn und Zürich. Das Ergebnis ist eine Serie von Polaroid-Fotografien, die neben einer Auswahl alter Fotografien von Robert Frank zu sehen ist.

OUR TOWN wurde von Alessa Widmer kuratiert.

Depuis près de 20 ans, Michael von Graffenried capture le quotidien de la petite ville américaine de New Bern en Caroline du Nord. La série OUR TOWN qui en résulte transmet les habitants de la ville au centre de l'attention et montre leur vie, leur culture, leurs succès et leurs difficultés. Les photographies sont directes et impitoyables et révèlent les différences culturelles et économiques de la communauté. OUR TOWN montre une réalité polarisante qui n'est pas toujours bien accueillie par tous les habitants de la ville. Les visuels montrent des fragments de la petite ville avec les yeux d'une personne extérieure et interrogent sa dynamique sociale.

Graffenried a commencé en 2005 à photographier la ville fondée par son ancêtre Christoph von Graffenried en 1710. Les photographies, présentées pour la première fois en 2006 à New Bern, n'ont toutefois pas suscité l'enthousiasme des habitantes. Les prises de vue ne présenteraient pas correctement leur ville et toutes les facettes n'apparaîtraient pas, selon les critiques. Von Graffenried a néanmoins poursuivi le projet. Il y a un an, il a tenté une deuxième exposition à New Bern. En automne 2023, « Our Town » a fait l'objet de deux expositions : une sélection d'œuvres a été présentée dans une galerie et d'autres ont pu être admirées dans une exposition en plein air. Comme lors de leur première présentation, les photographies ont suscité des critiques et ont été discutées dans la presse locale et internationale. Mais pourquoi les photos de New Bern sont-elles si polarisées ? Les photographies de Michael von Graffenried sont-elles trop frappantes, trop directes, trop impitoyables ? Vous montrez une réalité que l'on n'aime pas voir et que l'on occulte. Il s'agit d'instantanés qui montrent des situations isolées et qui sont donc sans aucun doute lacunaires. Les observateurs projettent dans ces espaces vides leurs propres expériences et peurs, ce qui influence l'effet et l'interprétation des photographies. « Our Town » offre la base d'un débat interculturel, que ce soit au sein de New Bern ou au-delà des frontières de la ville : où nous positionnerions-nous si notre quotidien était dépeint de manière critique ? Comment notre commune est-elle perçue par les personnes extérieures ? Qu'essayons-nous de ne pas percevoir ?

Outre les photographies de la série OUR TOWN, l'exposition présente également un secteur consacré à Robert Frank (1924-2019). Michael von Graffenried a fait la connaissance de Robert Frank à Paris en 1996. Pendant près de vingt ans, Michael von Graffenried a régulièrement rendu visite à Robert Frank à New York et l'a accompagné lors de ses visites en Suisse. En 2014, Robert Frank et Michael von Graffenried ont photographié ensemble les rues de Brooklyn et de Zurich. Le résultat est une série de polaroïds que l'on peut voir à côté d'une sélection d'anciennes photographies de Robert Frank.

OUR TOWN a été organisée par Alessa Widmer.

Per quasi 20 anni, Michael von Graffenried ha immortalato la vita quotidiana della piccola città americana di New Bern, nella Carolina del Nord. La serie che ne è scaturita, OUR TOWN, si concentra sugli abitanti della città e mostra le loro vite, la loro cultura, i loro successi e le loro difficoltà. Le fotografie sono dirette e senza peli sulla lingua e rivelano le differenze culturali ed economiche della comunità. OUR TOWN mostra una realtà polarizzante che non sempre viene accolta con favore da tutti gli abitanti della città. Le immagini mostrano sezioni della piccola città attraverso gli occhi di un estraneo e ne esaminano le dinamiche sociali.

Graffenried ha iniziato a fotografare la città fondata dal suo antenato Christoph von Graffenried nel 1710 nel 2005. Tuttavia, le fotografie, esposte per la prima volta a New Bern nel 2006, non sono state accolte con entusiasmo dai residenti. Sono state criticate per non aver presentato correttamente la città e per non averne mostrato tutte le sfaccettature. Ciononostante, von Graffenried ha continuato a portare avanti il progetto. Un anno fa ha tentato una seconda mostra a New Bern. Nell'autunno del 2023, “Our Town” è stata presentata in due mostre: una selezione di opere è stata esposta in una galleria e altre potevano essere viste in una mostra all'aperto. Come per la prima presentazione, le fotografie hanno suscitato critiche e sono state discusse dalla stampa locale e internazionale. Ma perché le fotografie di New Bern sono così polarizzate? Le fotografie di Michael von Graffenried sono troppo audaci, troppo dirette, troppo crude? Mostrano una realtà che la gente non ama vedere e che tende a ignorare. Sono istantanee che mostrano situazioni individuali e sono quindi indubbiamente incomplete. Gli spettatori proiettano in queste lacune le proprie esperienze e paure, influenzando l'effetto e l'interpretazione delle fotografie. “Our Town” fornisce la base per un dialogo interculturale, sia all'interno di New Bern che al di fuori dei confini della città: dove ci collocheremmo se la nostra vita quotidiana fosse ritratta in modo critico? Come viene vista la nostra comunità dagli esterni? Cosa cerchiamo di non riconoscere?

Oltre alle fotografie della serie OUR TOWN, la mostra presenta anche una sezione dedicata a Robert Frank (1924-2019). Michael von Graffenried ha incontrato Robert Frank a Parigi nel 1996. Per quasi vent'anni, Michael von Graffenried ha visitato regolarmente Robert Frank a New York e lo ha accompagnato nelle sue visite in Svizzera. Nel 2014, Robert Frank e Michael von Graffenried hanno fotografato insieme le strade di Brooklyn e Zurigo. Il risultato è una serie di fotografie Polaroid che possono essere ammirate insieme a una selezione di vecchie fotografie di Robert Frank.

OUR TOWN è stata curata da Alessa Widmer.

For almost 20 years, photographer Michael von Graffenried (*1957) has been capturing the every-day life in the small US town of New Bern in North Carolina. The series "Our Town" focuses on the people of the town and shows their lives, their culture, their successes and difficulties. The photographs are direct and blunt, revealing the ethnic and economic differences of the community. "Our Town” presents a reality that polarizes and is not welcomed by all of the city's residents.

The whole world is currently watching the USA. Every day, the news is dominated by headlines about the American presidential campaign. The lively coverage of the Republican and Democrats is revealing the significant split within the country. The American reality is being scrutinized without embellishment and the USA has long ceased to be seen as the "Land of Dreams and Opportunity" from a political and social perspective. This impression is shared by the photographs of "Our Town." The photographs show the perception of the small town through the eyes of an outsider and question its social dynamics.

In 2005, Michael von Graffenried photographing the city founded by his ancestor Christoph von Graffenried in 1710. However, the photographs were not met with enthusiasm by the visitors, when they were first shown in New Bern in 2006. Critics argued that the photographs did not present their city properly and that not all its facets were revealed. Nevertheless, von Graffenried continued to pursue the project. A year ago, he made a second attempt at an exhibition in New Bern. In the fall of 2023, "Our Town" was displayed in two exhibitions: a selection of works was shown in a gallery and others could be viewed in an open-air exhibition. As with their first presentation, the photographs were met with criticism and were discussed in the local and international press. But why do the photos in New Bern polarize so strongly? Are Michael von Graffenried's photographs too striking, too direct, too unsparing? They portray a reality that people don't like to see and which they tend to ignore. They are snapshots that show individual situations and are therefore undoubtedly incomplete. Viewers project their own experiences and fears into these blank spaces, which influence the effect and interpretation of the photographs. "Our Town" provides the basis for an intercultural debate, whether within New Bern or beyond the city limits: where would we position ourselves if our everyday lives were critically portrayed? How is our community seen by outsiders? What do we try not to perceive?

In addition to the series "OUR TOWN", the exhibition consists of two other sectors: A selection of Photographsof Washington DC during the inauguration of President Donald Trump in 2017, the Women's March on Washington with Kamala Harris in 2017 and the day of the presidential election in November 2020, as well as original photographs by ROBERT FRANK (1924–2019), a friend of Graffenried.

The exhibition is curated by Alessa Widmer and is accompanied by the book "Our Town" published by Steidl, Göttingen, 2021.

Maison Doisneau | Gentilly
20. September 2024 – 16. Februar 2025

Terre des Hommes un magazine taïwanais 1985 - 1989
Guan Xiao-Rong, Juan I-Jong, Liang Kuo-Lung, Liao Chia-Chan, Tsai Ming-Te et Yen Shing-Chu

Die Zeitschrift Terre des Hommes (Ren Jian), deren 47 monatliche Ausgaben zwischen November 1985 und September 1989 erschienen, wurde von dem militanten Schriftsteller Chen Ying-Zhen gegründet, der ein Team von Journalisten, renommierten Schriftstellern, Fotoreportern und Unterstützern politischer und sozialer Anliegen um sich versammelte. Es entstand während der Phase der allmählichen politischen Demokratisierung in den 1980er Jahren, die auf das autoritäre Regime folgte, das Chiang Kai-Shek 1949 auf der tropischen Insel errichtet hatte. Als „Reportagemagazin, in dem mit Bildern und Worten entdeckt, dokumentiert, bezeugt und kritisiert wird“ (Leitartikel des Magazins Nr. 1), will Terre des Hommes bewusst Schriftsteller und Fotoreporter zusammenbringen, um die dringend notwendigen Veränderungen in der sklerotischen taiwanischen Gesellschaft zu unterstützen und „dazu zu zwingen, sich wieder umeinander zu kümmern“.

Die Fotografie spielte bei dieser Bewusstseinsbildung eine wichtige Rolle, aktiviert durch junge, „aufstrebende“ Fotografen, die nach einer langen Zeit der Text- und Bildzensur die Möglichkeit finden, sich frei auszudrücken.

Fotografen und Schriftsteller erforschen gemeinsam bislang ignorierte oder verborgene soziale Realitäten, um die Ungerechtigkeiten und sozialen Ungleichgewichte anzuprangern, die die in der Strenge und Blindheit des politischen Regimes erstarrte Gesellschaft untergraben. Vor Ort decken sie die Misshandlungen und die soziale Ausbeutung, die Armut, die Diskriminierung indigener Völker und die Vernachlässigung behinderter Kinder auf. Sie berichten über die Umweltverschmutzung durch die Industrie und die Übernutzung des Regenwaldes, aber auch über Traditionen und Unterhaltungsangebote, die die taiwanesische Gesellschaft zusammenhalten.

Auf 128 bis 192 Seiten enthält jede Ausgabe mehr als zehn Reportagen, die jeweils mit zahlreichen Schwarz-Weiß- und Farbfotografien illustriert sind. Das Layout legt Wert auf die Kontinuität einer Bildergeschichte und das grafische Spiel mit chinesischen Ideogrammen. Die stets dunklen Titelseiten zeigen deutlich die Thematik.

Die sechs Fotografen, die für diese Präsentation ausgewählt wurden, zeigen ein aufrichtiges Einfühlungsvermögen und eine große Nähe zu den Menschen, mit denen sie eine Zeit lang das Leben teilen. Ihr besonders effektiver Stil bemüht sich, eine wohlwollende oder kritische Aussage deutlich zu machen, für das breite Publikum des Magazins Terre des Hommes, das das wahre Gesicht der taiwanesischen Gesellschaft zeigen wollte.

Le magazine Terre des Hommes (Ren Jian), dont les quarante-sept numéros mensuels sont publiés entre novembre 1985 et septembre 1989, a été fondé par l’écrivain militant Chen Ying-Zhen, qui a rassemblé autour de lui une équipe de journalistes, écrivains renommés, photoreporters et partisans des causes politiques et sociales. Il émerge pendant la phase de démocratisation politique progressive des années 1980 qui fait suite au régime autoritaire imposé dans l’île tropicale par Tchang Kaï-Chek en 1949. « Magazine de reportages où l’on découvre, documente, témoigne et critique par les images et par les mots » (éditorial du magazine n°1), Terre des Hommes veut délibérément associer des écrivains et des photoreporters pour soutenir les changements indispensables de la société taïwanaise sclérosée, et « obliger à se soucier à nouveau les uns des autres ».

La photographie a joué un rôle important dans cette prise de conscience, activée par des jeunes photographes « émergents » qui trouvent ainsi l’occasion de s’exprimer librement après une longue période de censure des textes et des images.

Photographes et écrivains explorent ensemble des réalités sociales jusque-là ignorées ou cachées, afin de dénoncer les injustices et les déséquilibres sociaux qui minent la société figée dans la rigueur et la cécité du régime politique. Sur le terrain, ils mettent à jour les méfaits de la maltraitance et de l’exploitation sociale, la pauvreté, la discrimination des peuples indigènes, le délaissement des enfants handicapés. Ils traquent la pollution industrielle, la surexploitation de la forêt tropicale, tout en rendant compte aussi des traditions ou des divertissements qui cimentent la société taïwanaise.

Sur 128 à 192 pages, chaque numéro contient plus de dix reportages, chacun d’eux abondamment illustré de photographies en noir et blanc ou en couleurs. La mise en page privilégie la continuité d’un récit en images et le jeu graphique des idéogrammes chinois. Les couvertures, toujours sombres, affichent clairement la thématique engagée.

Les six photographes retenus pour cette présentation font preuve d’une sincère empathie, et d’une grande proximité avec les personnes dont ils partagent la vie quelque temps. Leur style particulièrement efficace s’applique à rendre clair un propos bienveillant ou critique, pour le large public du magazine Terre des Hommes qui a voulu montrer le visage réel de la société taïwanaise.

La rivista Terre des Hommes (Ren Jian), con i suoi quarantasette numeri mensili pubblicati tra il novembre 1985 e il settembre 1989, è stata fondata dallo scrittore attivista Chen Ying-Zhen, che ha raccolto intorno a sé un team di giornalisti, scrittori di fama, fotoreporter e sostenitori di cause politiche e sociali. È emersa durante la graduale fase di democratizzazione politica degli anni '80, dopo il regime autoritario imposto sull'isola tropicale da Chiang Kai-shek nel 1949. Come “rivista di reportage in cui scopriamo, documentiamo, testimoniamo e critichiamo attraverso le immagini e le parole” (editoriale del n. 1 della rivista), Terre des Hommes ha deliberatamente voluto riunire scrittori e fotogiornalisti per sostenere i cambiamenti necessari nella società sclerotica di Taiwan e “costringere le persone a preoccuparsi di nuovo gli uni degli altri”.

La fotografia ha svolto un ruolo importante in questa sensibilizzazione, attivata da giovani fotografi “emergenti” che hanno trovato l'opportunità di esprimersi liberamente dopo un lungo periodo di censura di testi e immagini.

Insieme, fotografi e scrittori esplorano realtà sociali prima ignorate o nascoste, per denunciare le ingiustizie e gli squilibri sociali che minano una società congelata nel rigore e nella cecità del regime politico. Sul campo, scoprono i mali dell'abuso e dello sfruttamento sociale, la povertà, la discriminazione delle popolazioni indigene e l'abbandono dei bambini disabili. Rintracciano l'inquinamento industriale e l'eccessivo sfruttamento delle foreste tropicali, raccontando anche le tradizioni e i divertimenti che tengono insieme la società taiwanese.

Con un numero compreso tra 128 e 192 pagine, ogni numero contiene più di dieci reportage, ciascuno dei quali è riccamente illustrato con fotografie in bianco e nero o a colori. L'impaginazione enfatizza la continuità di una narrazione pittorica e il gioco grafico degli ideogrammi cinesi. Le copertine, sempre scure, mostrano chiaramente i temi trattati.

I sei fotografi scelti per questa presentazione dimostrano una sincera empatia e una stretta relazione con le persone di cui condividono per un certo periodo la vita. Il loro stile particolarmente efficace è pensato per rendere evidente un messaggio simpatico o critico, per il vasto pubblico della rivista Terre des Hommes, che ha voluto mostrare il vero volto della società taiwanese.

Terre des Hommes (Ren Jian) magazine, whose forty-seven monthly issues were published between November 1985 and September 1989, was founded by activist writer Chen Ying-Zhen, who gathered around him a team of journalists, renowned writers, photojournalists and supporters of political and social causes. It emerged during the gradual phase of political democratization in the 1980s, following the authoritarian regime imposed on the tropical island by Chiang Kai-shek in 1949. As a “magazine of reportage where we discover, document, bear witness and criticize through images and words” (magazine editorial no. 1), Terre des Hommes deliberately wants to bring together writers and photojournalists to support the much-needed changes in Taiwan's sclerotic society, and “force people to care about each other again”.

Photography has played an important role in this awareness-raising process, activated by young “emerging” photographers who find the opportunity to express themselves freely after a long period of censorship of texts and images.

Together, photographers and writers explore hitherto ignored or hidden social realities, denouncing the injustices and social imbalances that undermine a society frozen in the rigor and blindness of the political regime. In the field, they uncover the evils of social abuse and exploitation, poverty, discrimination against indigenous peoples and the neglect of disabled children. They track down industrial pollution and over-exploitation of the rainforest, while also reporting on the traditions and entertainment that cement Taiwanese society.

Over 128 to 192 pages, each issue contains more than ten reports, each lavishly illustrated with black & white or color photographs. The layout favors the continuity of a pictorial narrative and the graphic interplay of Chinese ideograms. The covers, always dark, clearly display the themes involved.

The six photographers chosen for this presentation demonstrate a sincere empathy and closeness to the people whose lives they share for a time. Their particularly effective style is designed to make clear both a sympathetic and a critical message, for the wide audience of Terre des Hommes magazine, which wanted to show the real face of Taiwanese society.

(Text: Michel Frizot, Ying-Lung Su)

Galerie XII | Paris
13. September – 26. Oktober 2024

Marie Cecile Thijs

Die Galerie XII präsentiert eine Ausstellung der niederländischen Künstlerin Marie Cecile Thijs. Als Fotografin, die mit der Zeitlichkeit spielt, schafft Marie Cecile Thijs Bilder, die eine Beziehung zwischen Vergangenheit und Gegenwart verkörpern, die unwirklich, ja sogar übernatürlich erscheint. Porträts von Menschen, Tieren, Blumen, Gegenständen und Lebensmitteln, die von der Malerei des 17. Jahrhunderts inspiriert sind, sind alle ihre Motive von einer beunruhigenden Unbeweglichkeit geprägt. Diese Dualität - zwischen Alt und Neu, Licht und Dunkelheit, Intimität und Distanziertheit - ist der Schlüssel zum Werk von Marie Cecile Thijs. Die Galerie XII präsentiert für diese Ausstellung Werke aus ihren verschiedenen Serien: Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones und White Collar.

Die Serie Food Portraits besteht aus zeitgenössischen Stillleben, die kulinarische Porträts zeigen. In der Luft hängend, dynamisch und leicht surreal, fangen sie das Wesen von Obst, Gemüse und anderen Lebensmitteln ein. Marie Cecile Thijs betrachtet sie, als ob sie ihnen zum ersten Mal begegnen würde, und schafft so einen neuen Dialog.

In der Serie Amazone stellt Marie Cecile Thijs eine Reihe zeitgenössischer Porträts starker, mutiger und unabhängiger junger Frauen zusammen, die mit historischen Symbolen und Referenzen verbunden sind, was ihnen einen zeitlosen Charakter verleiht.

In der Serie White Collar verhöhnt Marie Cecile Thijs das Tragen eines sehr dünnen Baptistenkragens aus dem 17. Jahrhundert, der sich im Besitz des Rijksmuseums befindet und das weltweit letzte Exemplar eines Modells ist, das in den Jahren 1615-1935 bei jungen Männern sehr beliebt war. Da der Kragen äußerst zerbrechlich ist, wurde er im Museum fotografiert, bevor er durch digitale Collage den verschiedenen Modellen hinzugefügt wurde.

In Flower, Vases & Delftware erschafft Marie Cecile Thijs eine facettenreiche Welt, in der Fauna und Flora ein surreales Universum bilden. Durch starke Hell-Dunkel-Kontraste und die Verwendung von Delfter Fayence-Vasen aus dem 17. Jahrhundert verbinden diese zeitgenössischen Werke die Vergangenheit mit der Gegenwart.

La Galerie XII présente une exposition de l'artiste néerlandaise Marie Cecile Thijs. Photographe jouant avec la temporalité, Marie Cecile Thijs crée des images incarnant une relation entre passé et présent qui semble irréelle, voire surnaturelle. Portraits de personnes, d'animaux, de fleurs, d’objets et d’aliments inspirés de la peinture du XVIIe siècle, chacun de ses sujets est marqué par une immobilité troublante. Cette dualité - entre l'ancien et le nouveau, la lumière et l'obscurité, l'intimité et la distanciation - est la clé de l'oeuvre de Marie Cecile Thijs. La Galerie XII présente pour cette exposition des oeuvres issues de ses différentes séries : Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones et White Collar.

La série Food Portraits se compose de natures mortes contemporaines présentant des portraits culinaires. Suspendus dans les airs, dynamiques et légèrement surréalistes, ils capturent l'essence des fruits, légumes au autres denrées alimentaires. Marie Cecile Thijs les regarde comme si elle les rencontrait pour la première fois, créant ainsi un nouveau dialogue.

Avec la série Amazone, Marie Cecile Thijs compose une série de portraits contemporains de jeunes femmes fortes, courageuses et indépendantes associés à des symboliques et références historiques qui leur confère un caractère intemporel.

Dans la série White Collar, Marie Cecile Thijs tourne en dérision le port d'une colerette de baptiste très fine du XVIIe siècle appartenant aux collections du Rijksmuseum et dernier exemplaire existant dans le monde d'un modèle très populaire chez les jeunes gens dans les années 1615-1935. D'une fragilité extrême, la collerette a été photographiée au musée avant d'être ajoutée par collage numérique sur les différents modèles.

Dans Flower, Vases & Delftware, Marie Cecile Thijs crée un monde aux multiples facettes où la faune et la flore composent un univers surréaliste. Par de forts contrastes de clair-obscur et par l'utilisation de vases en faïence de Delft du XVIIe siècle, ces oeuvres contemporaines relient le passé au présent.

La Galerie XII presenta una mostra dell'artista olandese Marie Cecile Thijs. Fotografa che gioca con la temporalità, Marie Cecile Thijs crea immagini che incarnano un rapporto tra passato e presente che sembra irreale, persino soprannaturale. Ritratti di persone, animali, fiori, oggetti e cibi ispirati alla pittura del XVII secolo, ognuno dei suoi soggetti è caratterizzato da un'inquietante immobilità. Questa dualità - tra vecchio e nuovo, luce e buio, intimità e distanza - è la chiave del lavoro di Marie Cecile Thijs. Per questa mostra, la Galerie XII presenta opere tratte dalle sue diverse serie: Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones e White Collar.

La serie Food Portraits consiste in nature morte contemporanee con ritratti culinari. Sospesi nell'aria, dinamici e leggermente surreali, catturano l'essenza di frutta, verdura e altri alimenti. Marie Cecile Thijs li guarda come se li incontrasse per la prima volta, creando un nuovo dialogo.

Nella serie Amazone, Marie Cecile Thijs crea una serie di ritratti contemporanei di giovani donne forti, coraggiose e indipendenti, combinati con simboli e riferimenti storici che conferiscono loro una qualità senza tempo.

Nella serie White Collar, Marie Cecile Thijs prende in giro l'uso di un raffinatissimo collare battista del XVII secolo, appartenente alle collezioni del Rijksmuseum, ultimo esempio al mondo di un modello molto popolare tra i giovani uomini tra il 1615 e il 1935. Il collare, estremamente fragile, è stato fotografato al museo prima di essere collocato digitalmente sui vari modelli.

In Flower, Vases & Delftware, Marie Cecile Thijs crea un mondo sfaccettato in cui flora e fauna formano un universo surrealista. Attraverso forti contrasti di chiaroscuro e l'uso di vasi di terracotta di Delft del XVII secolo, queste opere contemporanee collegano il passato al presente.

Galerie XII presents an exhibition by Dutch artist Marie Cecile Thijs. A photographer who plays with temporality, Marie Cecile Thijs creates images embodying a relationship between past and present that seems unreal, even supernatural. Portraits of people, animals, flowers, objects and food inspired by 17th-century painting, each of her subjects is marked by an unsettling immobility. This duality - between the old and the new, light and darkness, intimacy and distance - is the key to the work of Marie Cecile Thijs. For this exhibition, Galerie XII presents works from her various series: Flowers, Vases & Delftware, Food Portraits, Amazones and White Collar.

The Food Portraits series consists of contemporary still lifes featuring culinary portraits. Suspended in the air, dynamic and slightly surreal, they capture the essence of fruit, vegetables and other foodstuffs. Marie Cecile Thijs looks at them as if meeting them for the first time, creating a new dialogue.

With the Amazone series, Marie Cecile Thijs composes a series of contemporary portraits of strong, courageous and independent young women, combined with historical symbolism and references that give them a timeless character.

In the White Collar series, Marie Cecile Thijs makes a mockery of a very fine 17th-century Baptist collar in the Rijksmuseum collection, the last surviving example in the world of a model that was very popular with young people in the years 1615-1935. Extremely fragile, the collar was photographed at the museum before being digitally collaged onto the various models.

In Flower, Vases & Delftware, Marie Cecile Thijs creates a multi-faceted world where flora and fauna create a surrealist universe. Through strong contrasts of chiaroscuro and the use of 17th-century Delftware vases, these contemporary works link the past to the present.

(Text: Galerie XII, Paris)

Galerie du jour agnès b. | Paris
12. September – 12. Dezember 2024

Memories of Jonas Mekas

"Ist Memory nicht das Wort, das Jonas Mekas am häufigsten ausspricht, in einem fröhlichen Tonfall, der das R genüsslich rollt? Lyrisch, liebevoll, leidenschaftlich, euphorisch, mit der Leichtigkeit einer Elfe stellt er sich ins Zentrum der Szene, deren Akteur und Zeuge er natürlich ist, und die Bilder seiner Filme, seiner Stills, die im wahrsten Sinne des Wortes essentiell sind, scheinen mir denen nahe zu sein, die das Gedächtnis in jedem von uns in mentalen Filmen festhält, wie Träume...". agnès b., September 1999

agnès b. lernte Jonas Mekas 1992 anlässlich seiner Ausstellung in der Galerie Nationale du Jeu de Paume kennen. Es begann eine enge Freundschaft und eine künstlerische Zusammenarbeit, die sich über drei Jahrzehnte erstreckte und von mehreren wichtigen Ausstellungen in der Galerie du Jour begleitet wurde. Auf den Wänden der Galerie zeigte Jonas Mekas 1996 zum ersten Mal seine heute berühmten Fotogramme. Da er mit seiner 16-mm-Bolex-Kamera immer in kurzen Sequenzen gefilmt hatte, kam er auf die Idee, Bilder aus seinen Filmen zu extrahieren und fotografische Abzüge davon zu machen. Diese sind der eigentliche Kern seiner Filme, die Grundeinheit, die mit den Versen eines Gedichts vergleichbar ist.

In dieser sehr dichten Arbeit wird eine ganze Welt wieder lebendig, eine Welt, die von Empfindungen, aber auch von einem dramatischen Geschichtsbewusstsein durchdrungen ist. Jonas Mekas wurde 1922 in Litauen geboren und musste 1944 nach der sowjetischen und der Nazi-Invasion sein Heimatland verlassen. Er erfand sich in New York neu, wo er 1949 ankam und zum wichtigsten Protagonisten des amerikanischen Experimentalfilms der 60er und 70er Jahre wurde. Er war auch einer der Mitbegründer des Anthology Film Archives, einer Kinemathek, in der er Hunderte von seltenen und unabhängigen Filmen förderte und aufbewahrte.

Er, der sich als Filmemacher geboren sah, nachdem ein russischer Soldat ihm seine Kamera aus der Hand gerissen und den Film zertrampelt hatte, entwickelte eine Ästhetik des Fragmentarischen, Diskontinuierlichen und Abstrakten, um eines der sensibelsten Werke seiner Zeit über innere Entwurzelung, Exil und den Lauf der Zeit zu schaffen.

Gleichzeitig intime Erzählung, Dokumentation und Gedicht, zeugt das leuchtende und radikale Werk des 2019 verstorbenen Jonas Mekas weiterhin von seiner Verbundenheit mit Menschen, Landschaften, der Natur und den Jahreszeiten. Anhand mehrerer ikonischer Serien bietet die Ausstellung Memories of Jonas Mekas die Möglichkeit, die intime und kraftvolle Arbeit dieses großen Poeten des 20. Jahrhunderts, der das Kino, die Kunst und das Leben liebte, zu entdecken oder wiederzuentdecken.

« Memory n’est-il pas le mot que Jonas Mekas prononçe le plus, d’un ton joyeux, roulant le R à plaisir ? Lyrique, aimant, passionné, euphorique, c’est avec la légèreté d’un elfe qu’il se place au cœur de la scène dont il est, bien sûr, acteur et témoin, et les images de ses films, de ses « stills », essentielles au sens propre, me semblent proches de celles que la mémoire fixe en chacun de nous en films mentaux, comme les rêves... » agnès b., septembre 1999

agnès b. rencontre Jonas Mekas en 1992 à l’occasion de son exposition à la Galerie Nationale du Jeu de Paume. Débute alors une grande amitié doublée d’une complicité artistique qui se déploie sur trois décennies, émaillée de plusieurs expositions importantes à la Galerie du Jour. C’est notamment sur les murs de la galerie que Jonas Mekas montre pour la première fois en 1996 ses photogrammes aujourd’hui devenus célèbres. Ayant toujours filmé par brèves séquences avec sa caméra Bolex 16mm, il a l’idée d’extraire des images de ses films et d’en faire des tirages photographiques. Ces derniers sont le véritable noyau de ses films, l’unité de base comparable aux vers de la poésie.

Dans ce travail d’une très grande densité, tout un monde revit, un monde pétri de sensations mais aussi d’une conscience dramatique de l’Histoire. Né en 1922 en Lituanie, Jonas Mekas est forcé de quitter sa terre natale en 1944 à la suite des invasions soviétique et nazie. Il se réinvente à New York où il arrive en 1949 et devient le principal protagoniste du cinéma expérimental américain des années 60 et 70. Il est également un des co-fondateurs de l’Anthology Film Archives, cinémathèque où il promeut et conserve des centaines de films rares et indépendants.

Celui qui considérait être né en tant que cinéaste après qu’un soldat russe lui a arraché son appareil des mains pour en piétiner la pellicule, développe une esthétique du fragment, du discontinu et de l’abstrait pour donner naissance à l’une des œuvres les plus sensibles de son temps sur le déracinement intérieur, l’exil et le passage du temps.

À la fois récit intime, documentaire et poème, l’œuvre lumineuse et radicale de Jonas Mekas, disparu en 2019, continue de témoigner de son attachement aux êtres, aux paysages, à la nature et aux saisons. A travers plusieurs séries iconiques, l’exposition Memories of Jonas Mekas permet de découvrir ou de redécouvrir le travail intime et puissant de ce grand poète du XXe siècle, amoureux du cinéma, de l’art et de la vie.

Non è forse "Memoria" la parola che Jonas Mekas pronuncia di più, in tono gioioso, roteando la R con piacere? Lirico, amoroso, appassionato, euforico, è con la leggerezza di un folletto che si pone al centro della scena di cui è, naturalmente, attore e testimone, e le immagini dei suoi film, i suoi "fotogrammi", essenziali in senso letterale, mi sembrano vicini a quelli che la memoria fissa in ognuno di noi come film mentali, come sogni...". agnès b., settembre 1999

agnès b. ha conosciuto Jonas Mekas nel 1992 in occasione della sua mostra alla Galerie Nationale du Jeu de Paume. È stato l'inizio di una stretta amicizia e di una collaborazione artistica che ha attraversato tre decenni, costellati da diverse grandi mostre alla Galerie du Jour. È sulle pareti della galleria che Jonas Mekas ha esposto per la prima volta i suoi ormai celebri fotogrammi nel 1996. Avendo sempre girato brevi sequenze con la sua cinepresa Bolex da 16 mm, gli venne l'idea di estrarre le immagini dai suoi film e di farne delle stampe fotografiche. Queste sono il vero nucleo dei suoi film, l'unità di base paragonabile ai versi della poesia.

In questo lavoro estremamente denso, prende vita un intero mondo, un mondo pieno di sensazioni ma anche di una drammatica consapevolezza della Storia. Nato in Lituania nel 1922, Jonas Mekas fu costretto a lasciare la sua patria nel 1944 a seguito dell'invasione sovietica e nazista. Si reinventa a New York, dove arriva nel 1949, e diventa il principale protagonista del cinema sperimentale americano degli anni '60 e '70. È stato anche uno dei co-fondatori dell'Anthology Film Archives, dove ha promosso e conservato centinaia di film rari e indipendenti.

L'uomo che si considerava nato come cineasta dopo che un soldato russo gli strappò di mano la cinepresa e calpestò la pellicola, sviluppò un'estetica del frammentario, del discontinuo e dell'astratto, dando vita a una delle opere più sensibili del suo tempo, sullo sradicamento interiore, l'esilio e il passare del tempo.

In parte narrazione intima, in parte documentario, in parte poema, l'opera luminosa e radicale di Jonas Mekas, scomparso nel 2019, continua a testimoniare il suo attaccamento alle persone, ai paesaggi, alla natura e alle stagioni. Attraverso una serie di serie iconiche, la mostra Memories of Jonas Mekas offre l'opportunità di scoprire o riscoprire l'opera intima e potente di questo grande poeta del XX secolo, amante del cinema, dell'arte e della vita.

“Isn't "Memory" the word Jonas Mekas utters the most, in a joyful tone, rolling the R with pleasure? Lyrical, loving, passionate, euphoric, it is with the lightness of an elf that he places himself at the heart of the scene in which he is, of course, both actor and witness, and the images in his films, his 'stills', essential in the literal sense, seem to me to be close to those that memory fixes in each of us as mental films, like dreams...". agnès b., September 1999

agnès b. met Jonas Mekas in 1992 during his exhibition at the Galerie Nationale du Jeu de Paume. This marked the beginning of a close friendship and artistic collaboration that spanned three decades, punctuated by several major exhibitions at the Galerie du Jour. It was on the walls of the gallery that Jonas Mekas first showed his now-famous photograms in 1996. Having always filmed short sequences with his 16mm Bolex camera, he came up with the idea of extracting images from his films and making photographic prints of them. These are the real core of his films, the basic unit comparable to the lines of poetry.

In this extremely dense work, a whole world comes to life, a world filled with sensations but also with a dramatic awareness of History. Born in Lithuania in 1922, Jonas Mekas was forced to leave his homeland in 1944 following the Soviet and Nazi invasions. He reinvented himself in New York, where he arrived in 1949 and became the main protagonist of American experimental cinema in the 60s and 70s. He was also one of the co-founders of the Anthology Film Archives, where he promoted and preserved hundreds of rare and independent films.

The man who considered himself to have been born as a filmmaker after a Russian soldier ripped his camera out of his hands and trampled on the film, developed an aesthetic of the fragmentary, the discontinuous and the abstract, giving rise to one of the most sensitive works of its time on inner uprooting, exile and the passage of time.

Part intimate narrative, part documentary, part poem, the luminous and radical work of Jonas Mekas, who died in 2019, continues to bear witness to his attachment to people, landscapes, nature and the seasons. Through a number of iconic series, the Memories of Jonas Mekas exhibition provides an opportunity to discover or rediscover the intimate and powerful work of this great 20th-century poet, lover of cinema, art and life.

(Text: Galerie du jour agnès b., Paris)