Rotkreuz- und Rothalbmondmuseum | Genève
19. Oktober 2023 – 25. August 2024

Human.Kind

Die Ausstellung Human.Kind umfasst Werke von 30 Fotografinnen und Fotografen aus 24 Ländern: 15 Männer und 15 Frauen. Alle haben an einem der bisher zehn Zyklen des Prix Pictet teilgenommen. Seit die Auszeichnung im Jahr 2008 geschaffen wurde, widmet sich der Prix Pictet der nachhaltigen Entwicklung. So ist ein Netzwerk aus nahezu 3000 Fotografinnen und Fotografen entstanden, die mitten im Geschehen arbeiten. Ein idealer Fundus also, um einen etwas anderen Blick auf die grossen Herausforderungen der heutigen humanitären Arbeit zu werfen und diese Perspektive hervorzuheben. William A. Ewing, Autor, Redner, ehemaliger Direktor des Musée de l’Élysée und Co-Kurator der Ausstellung, erklärt: «Obwohl man es nicht immer zugeben mag, entsteht ein bedeutender Teil der zeitgenössischen Fotografie aus humanitärem Antrieb. Während der letzten zehn Jahre bildeten das Interesse an den Mitmenschen, die Akzeptanz ihrer häufig tragischen Situation und das daraus entstehende Mitgefühl den Ausgangspunkt für die Ansätze zahlreicher Bewerberinnen und Bewerber des Prix Pictet. Für die Ausstellung hatten wir das Privileg, aus dieser Gruppe von Fotografinnen und Fotografen 30 Portfolios auszuwählen, die mit viel Engagement die grundlegenden Anliegen unserer Zeit erforschen.»

Anhand von fast 300 Aufnahmen widmet sich Human.Kind vielfältigen Themen, vom Ausbruch des Vulkans Taal auf den Philippinen im Jahr 2022 über die bewaffneten Gruppen in der Sahelzone und die Lebensbedingungen der Frauen in den sibirischen Gefängnissen bis hin zum Ausbruch von Covid-19 in Italien. Durch ihren einfühlsamen Ansatz heben die Fotografinnen und Fotografen die Würde der Menschen hervor und laden uns dadurch ein, über unsere gemeinsame Menschlichkeit nachzudenken. Elisa Rusca, Leiterin Sammlungen und Ausstellungen des Museums und Co-Kuratorin der Ausstellung, meint dazu: «Human.Kind präsentiert eine grosse Vielfalt an Blickwinkeln auf die heutige Welt und konzentriert sich auf die Würde und die Fürsorge. Dadurch werden die Fragestellungen und die Werte der humanitären Arbeit auf eine persönliche Ebene gehoben, in der die Gemeinschaft im Zentrum steht.»

Die Ausstellung widmet sich der zeitgenössischen Fotografie und vervollständigt damit den Erforschungsprozess, den das Museum anhand des aussergewöhnlichen fotografischen Erbes der Internationalen Rotkreuz- und Rothalbmondbewegung durchgeführt hat. Ein erster Meilenstein dieses Prozesses bildete 2021 die Ausstellung Eine Welt zum Heilen, die gemeinsam mit den Rencontres internationales de la photographie d’Arles konzipiert wurde und sich aktuell auf Reisen befindet. Für Pascal Hufschmid, Museumsdirektor und Initiator der beiden Ausstellungen, gilt es, die Bilder des aktuellen Geschehens kritisch zu betrachten: «Human.Kind hinterfragt die visuellen Codes der Bilder von humanitärer Arbeit, um unseren Blick angesichts der täglichen Medienflut zu schärfen. Die Ausstellung zeigt auch, wie uns Kunst ermöglichen kann, die Welt, in der wir leben, besser zu verstehen.»

L'exposition Human.Kind comprend les œuvres de 30 photographes de 24 pays : 15 hommes et 15 femmes. Tous ont participé à l'un des dix cycles du Prix Pictet jusqu'à présent. Depuis sa création en 2008, le Prix Pictet se consacre au développement durable. Un réseau de près de 3000 photographes travaillant au cœur de l'action a ainsi vu le jour. Un vivier idéal, donc, pour porter un regard différent sur les grands défis de l'humanitaire d'aujourd'hui et mettre en valeur cette perspective. William A. Ewing, auteur, conférencier, ancien directeur du Musée de l'Élysée et co-commissaire de l'exposition, explique : "Bien qu'on ne l'admette pas toujours, une part importante de la photographie contemporaine est issue d'une démarche humanitaire. Au cours des dix dernières années, l'intérêt pour nos semblables, l'acceptation de leur situation souvent tragique et la compassion qui en découle ont constitué le point de départ des démarches de nombreux candidats au Prix Pictet. Pour l'exposition, nous avons eu le privilège de sélectionner, parmi ce groupe de photographes, 30 portfolios qui explorent avec engagement les préoccupations fondamentales de notre époque".

À travers près de 300 clichés, Human.Kind aborde des thèmes variés, de l'éruption du volcan Taal aux Philippines en 2022 à l'éruption du Covid-19 en Italie, en passant par les groupes armés au Sahel et les conditions de vie des femmes dans les prisons sibériennes. Par leur approche sensible, les photographes mettent en valeur la dignité des personnes et nous invitent ainsi à réfléchir à notre humanité commune. Elisa Rusca, directrice des collections et des expositions du musée et co-commissaire de l'exposition, déclare à ce sujet : "Human.Kind présente une grande diversité de points de vue sur le monde actuel et se concentre sur la dignité et le soin. Cela permet d'élever les questions et les valeurs de l'action humanitaire à un niveau personnel, où la communauté est au centre".

L'exposition est consacrée à la photographie contemporaine, complétant ainsi le processus d'exploration que le musée a mené à partir de l'extraordinaire patrimoine photographique du Mouvement international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge. Un premier jalon de ce processus a été posé en 2021 avec l'exposition Un monde à guérir, conçue en collaboration avec les Rencontres internationales de la photographie d'Arles et actuellement en voyage. Pour Pascal Hufschmid, directeur du musée et initiateur des deux expositions, il s'agit de porter un regard critique sur les visuels de l'actualité : "Human.Kind interroge les codes visuels des images de l'humanitaire pour aiguiser notre regard face au déferlement médiatique quotidien. L'exposition montre aussi comment l'art peut nous permettre de mieux comprendre le monde dans lequel nous vivons".

La mostra Human.Kind comprende le opere di 30 fotografi provenienti da 24 Paesi: 15 uomini e 15 donne. Tutti hanno partecipato a uno dei dieci cicli del Prix Pictet. Dalla creazione del premio nel 2008, il Prix Pictet si è dedicato allo sviluppo sostenibile. Questo ha creato una rete di quasi 3000 fotografi che lavorano nel mezzo dell'azione. Si tratta quindi di una risorsa ideale per gettare uno sguardo un po' diverso sulle principali sfide che il lavoro umanitario deve affrontare oggi e per mettere in luce questa prospettiva. William A. Ewing, autore, conferenziere, ex direttore del Musée de l'Élysée e co-curatore della mostra, spiega: "Anche se non lo si ammette sempre, una parte significativa della fotografia contemporanea nasce da un impulso umanitario. Nell'ultimo decennio, l'interesse per gli esseri umani, l'accettazione della loro situazione spesso tragica e la compassione che ne deriva sono stati il punto di partenza per gli approcci di molti candidati al Prix Pictet. Per la mostra abbiamo avuto il privilegio di selezionare 30 portfolio di questo gruppo di fotografi che esplorano con grande impegno le preoccupazioni fondamentali del nostro tempo".

Attraverso quasi 300 fotografie, Human.Kind affronta temi diversi, dall'eruzione del vulcano Taal nelle Filippine nel 2022 ai gruppi armati nel Sahel, dalle condizioni di vita delle donne nelle prigioni siberiane all'epidemia di Covid-19 in Italia. Attraverso il loro approccio sensibile, i fotografi evidenziano la dignità degli esseri umani e ci invitano a riflettere sulla nostra comune umanità. Elisa Rusca, responsabile delle collezioni e delle mostre del museo e co-curatrice della mostra, afferma: "Human.Kind presenta un'ampia varietà di prospettive sul mondo di oggi, concentrandosi sulla dignità e sulla cura. Questo eleva i temi e i valori del lavoro umanitario a un livello personale in cui la comunità è al centro".

La mostra è dedicata alla fotografia contemporanea e completa il percorso di ricerca che il Museo ha intrapreso attraverso lo straordinario patrimonio fotografico del Movimento Internazionale della Croce Rossa e della Mezzaluna Rossa. Una prima pietra miliare di questo processo è stata la mostra del 2021 A World to Heal, concepita in collaborazione con i Rencontres internationales de la photographie d'Arles e attualmente in tournée. Per Pascal Hufschmid, direttore del museo e iniziatore delle due mostre, è importante guardare con occhio critico alle immagini degli eventi attuali: "Human.Kind mette in discussione i codici visivi delle immagini del lavoro umanitario per affinare la nostra visione di fronte al diluvio quotidiano dei media. La mostra mostra anche come l'arte può permetterci di capire meglio il mondo in cui viviamo".

The exhibition Human.Kind includes works by 30 photographers from 24 countries: 15 men and 15 women. All have participated in one of the Prix Pictet's ten cycles to date. Since the award was created in 2008, the Prix Pictet has been dedicated to sustainable development. This has created a network of nearly 3000 photographers working in the midst of the action. An ideal resource, then, to take a slightly different look at the major challenges facing humanitarian work today and to highlight this perspective. William A. Ewing, author, speaker, former director of the Musée de l'Élysée and co-curator of the exhibition, explains, "Although people may not always admit it, a significant portion of contemporary photography is born of humanitarian impulse. Over the past decade, an interest in fellow human beings, an acceptance of their often tragic situation, and the compassion that results, have been the starting point for the approaches of many Prix Pictet contenders. For the exhibition, we had the privilege of selecting 30 portfolios from this group of photographers who explore with great commitment the fundamental concerns of our time."

Through nearly 300 photographs, Human.Kind addresses diverse topics, from the 2022 eruption of the Taal volcano in the Philippines, to armed groups in the Sahel, to the living conditions of women in Siberian prisons, to the Covid-19 outbreak in Italy. Through their sensitive approach, the photographers highlight the dignity of human beings and, in doing so, invite us to reflect on our common humanity. Elisa Rusca, Head of Collections and Exhibitions at the Museum and co-curator of the exhibition, says, "Human.Kind presents a wide variety of perspectives on today's world, focusing on dignity and care. This elevates the issues and values of humanitarian work to a personal level where community is at the center."

The exhibition is dedicated to contemporary photography, completing the process of exploration that the Museum has undertaken through the extraordinary photographic heritage of the International Red Cross and Red Crescent Movement. A first milestone of this process was the exhibition A World to Heal in 2021, conceived together with the Rencontres internationales de la photographie d'Arles and currently on tour. For Pascal Hufschmid, museum director and initiator of the two exhibitions, it is important to take a critical look at the visuals of current events: "Human.Kind questions the visual codes of images of humanitarian work in order to sharpen our view in the face of the daily flood of media. The exhibition also shows how art can enable us to better understand the world we live in."

(Text: Rotkreuz- und Rothalbmondmuseum, Genève)

Bally Foundation | Lugano
27. Oktober 2023 – 28. April 2024

Sometimes we are eternal
Sarah Brahim

Die Ausstellung vereint zehn neue Installationen, die eigens für diese Gelegenheit geschaffen wurden und trotz ihrer Eigenständigkeit die Konturen einer intimen Landschaft nachzeichnen. Welche Spuren hinterlässt die Erinnerung in den Materialen? Wie unterscheiden wir zwischen Erinnerung und Vorstellungskraft? Auf zwei Etagen, in einem Raum, der an ein Tanzstudio erinnert, bieten Video- und Klanginstallationen, Fotografien und Skulpturen eine Partitur, in der Gesten und Klänge unsere Präsenz in der Welt, unsere eigene Körperlichkeit, hinterfragen.

Sometimes we are eternal entlehnt seinen Titel den Worten von Alain Badiou, um das Gefühl der Ewigkeit zu beschreiben, das uns manchmal ergreift, eine Nahtstelle zwischen dem Endlichen und dem Unendlichen, die die Künstlerin in ihren Werken erfahrbar macht. Der Körper selbst wird zur Spur der Innerlichkeit mitten in der Begrenztheit des Menschlichen. In ihren Forschungen lässt sich die Künstlerin auch von Künstlern und Denkern wie Lawrence und Anna Halprin, Pauline Oliveros oder Aldo Rossi inspirieren sowie von Philosophen und Praktikern wie Moshe Feldenkrais oder Philippe Descola, die die Kunst als eine gesteigerte Erfahrung des Lebens betrachtet haben, als die Suche nach der Verschmelzung von Körper, Bewusstsein und Umwelt.

Während die Eröffnungsausstellung Un lac inconnu, an der 22 internationale Künstler beteiligt waren, einen privilegierten Dialog mit der Landschaft rund um die Villa Heleneum ermöglichte, ist Sarah Brahim's Vorschlag um ein intimes Landschaftsbild herum aufgebaut: ein widerstandsfähiger, leuchtender und poetischer mentaler Raum, eine Art zeitlicher Abstand, der die Ausstellung von einem Ereignis trennt, das das Leben der Künstlerin verändert hat - der Verlust einer geliebten Person - und gleichzeitig einen Wendepunkt und vor allem einen Neuanfang markiert. Als Tänzerin ausgebildet, nehmen Sarah Brahim's Werke die Form eines Pas de Deux an, eines intimen Gesprächs zwischen dem Körper und seiner Andersartigkeit, bei dem sich die Form des Austauschs mit seiner Kontur verschmilzt: ein Dialog der Innerlichkeit, der darauf abzielt, sich von der Fleischlichkeit und Schwere des physischen Körpers zum "Intrakörper", zum Unwahrnehmbaren, zum Spirituellen, zum Entfernten zu bewegen. Schwebende Körper, Atmen, Spuren, Rhythmen und Rituale vermischen sich in mehreren Installationen, die die Bewegung erweitern.

L'exposition réunit dix nouvelles installations créées pour l'occasion et qui, malgré leur autonomie, dessinent les contours d'un paysage intime. Quelles traces la mémoire laisse-t-elle dans les matériaux ? Comment faisons-nous la différence entre le souvenir et l'imagination ? Sur deux étages, dans un espace qui évoque un studio de danse, des installations vidéo et sonores, des photographies et des sculptures offrent une partition où les gestes et les sons interrogent notre présence au monde, notre propre corporéité.

Sometimes we are eternal emprunte son titre aux mots d'Alain Badiou pour décrire le sentiment d'éternité qui nous saisit parfois, un point de jonction entre le fini et l'infini que l'artiste rend perceptible dans ses œuvres. Le corps lui-même devient une trace d'intériorité au milieu des limites de l'humain. Dans ses recherches, l'artiste s'inspire également d'artistes et de penseurs comme Lawrence et Anna Halprin, Pauline Oliveros ou Aldo Rossi, ainsi que de philosophes et de praticiens comme Moshe Feldenkrais ou Philippe Descola, qui ont considéré l'art comme une expérience accrue de la vie, comme la recherche d'une fusion entre le corps, la conscience et l'environnement.

Alors que l'exposition inaugurale Un lac inconnu, à laquelle 22 artistes internationaux ont participé, a permis un dialogue privilégié avec le paysage autour de la Villa Heleneum, la proposition de Sarah Brahim s'articule autour d'un paysage intime : un espace mental résistant, lumineux et poétique, une sorte de distance temporelle qui sépare l'exposition d'un événement qui a bouleversé la vie de l'artiste - la perte d'un être cher - tout en marquant un tournant et, surtout, un nouveau départ. Formée à la danse, les œuvres de Sarah Brahim prennent la forme d'un pas de deux, d'une conversation intime entre le corps et son altérité, où la forme de l'échange se confond avec son contour : un dialogue d'intériorité qui vise à passer de la chair et de la pesanteur du corps physique à "l'intracorps", à l'imperceptible, au spirituel, au lointain. Corps flottants, respirations, traces, rythmes et rituels se mêlent dans plusieurs installations qui élargissent le mouvement.

La mostra riunisce dieci nuove installazioni create appositamente per questa occasione che, nonostante la loro autonomia, tracciano i contorni di un paesaggio intimo. Quali tracce lascia la memoria nei materiali? Come distinguere tra memoria e immaginazione? Su due piani, in uno spazio che ricorda uno studio di danza, installazioni video e sonore, fotografie e sculture offrono una partitura in cui gesti e suoni interrogano la nostra presenza nel mondo, la nostra stessa fisicità.

Sometimes we are eternal prende in prestito il titolo dalle parole di Alain Badiou per descrivere la sensazione di eternità che a volte ci attanaglia, una cucitura tra il finito e l'infinito che l'artista rende tangibile nelle sue opere. Il corpo stesso diventa una traccia di interiorità in mezzo ai limiti della condizione umana. Nella sua ricerca, l'artista si ispira anche ad artisti e pensatori come Lawrence e Anna Halprin, Pauline Oliveros o Aldo Rossi, nonché a filosofi e operatori come Moshe Feldenkrais o Philippe Descola, che hanno visto l'arte come un'esperienza potenziata della vita, come la ricerca della fusione tra corpo, coscienza e ambiente.

Se la mostra inaugurale Un lac inconnu, che ha coinvolto 22 artisti internazionali, ha permesso un dialogo privilegiato con il paesaggio che circonda Villa Heleneum, la proposta di Sarah Brahim è costruita attorno a un'immagine paesaggistica intima: uno spazio mentale resistente, luminoso e poetico, una sorta di distanza temporale che separa la mostra da un evento che ha cambiato la vita dell'artista - la perdita di una persona cara - e che allo stesso tempo segna una svolta e, soprattutto, un nuovo inizio. Formatasi come danzatrice, le opere di Sarah Brahim assumono la forma di un pas de deux, una conversazione intima tra il corpo e la sua alterità, dove la forma dello scambio si fonde con il suo contorno: un dialogo di interiorità che mira a passare dalla carnalità e dalla pesantezza del corpo fisico all'"intra-corpo", all'impercettibile, allo spirituale, al lontano. Corpi fluttuanti, respiri, tracce, ritmi e rituali si mescolano in diverse installazioni che espandono il movimento.

The exhibition brings together ten new installations created specifically for this occasion, which, despite their autonomy, trace the contours of an intimate landscape. What traces does memory leave in the materials? How do we distinguish between memory and imagination? On two floors, in a space reminiscent of a dance studio, video and sound installations, photographs and sculptures offer a score in which gestures and sounds question our presence in the world, our own physicality.

Sometimes we are eternal borrows its title from the words of Alain Badiou to describe the sense of eternity that sometimes grips us, a seam between the finite and the infinite that the artist makes tangible in her works. The body itself becomes a trace of inwardness in the midst of the limitedness of the human. In her research, the artist also draws inspiration from artists and thinkers such as Lawrence and Anna Halprin, Pauline Oliveros, and Aldo Rossi, as well as philosophers and practitioners such as Moshe Feldenkrais and Philippe Descola, who have viewed art as a heightened experience of life, as the search for the fusion of body, consciousness, and environment.

While the inaugural exhibition Un lac inconnu, involving 22 international artists, allowed for a privileged dialogue with the landscape surrounding Villa Heleneum, Sarah Brahim's proposal is built around an intimate landscape image: a resilient, luminous and poetic mental space, a kind of temporal distance that separates the exhibition from an event that changed the artist's life - the loss of a loved one - and at the same time marks a turning point and, above all, a new beginning. Trained as a dancer, Sarah Brahim's works take the form of a pas de deux, an intimate conversation between the body and its otherness, where the form of the exchange merges with its contour: a dialogue of interiority that aims to move from the carnality and heaviness of the physical body to the "intrabody," to the imperceptible, to the spiritual, to the distant. Floating bodies, breathing, traces, rhythms and rituals intermingle in several installations that extend the movement.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Musée gruérien | Bulle
26. November 2023 – 26. Mai 2024

Esprits de la montagne
Daniel Pittet

Hat die Natur ein einziges Gesicht oder ist sie eine ständige Metamorphose, veränderlich und schwer fassbar? Der Fotograf Daniel Pittet gibt eine Antwort mit seinen Berggeistern, die den Landschaften ihre Züge verleihen, indem sie sich die Eigenschaften der Symmetrie zunutze machen.

Die Arbeit des Künstlers ist eine wahre Hymne an die Schönheit der Welt und regt uns dazu an, die tiefere Natur der Dinge, die uns umgeben, zu erforschen und in sie einzutauchen. Von seiner Intuition geleitet, begab sich der Fotograf mit Freiburger Wurzeln auf eine leidenschaftliche Suche nach diesen Berggeistern.

Manchmal fiel es ihm leicht, manchmal musste er stundenlang warten und suchen, bis sich die Geister offenbarten. Doch das Ergebnis kann sich sehen lassen: Auf rund 50 Bildern sehen wir, wie diese symmetrischen Formen vor unseren Augen erscheinen.

Die ersten Geister, die Daniel Pittet mit seinem Objektiv einfing, befanden sich am Fuße des Basodino-Gletschers im Tessin, doch inzwischen hat sich die Familie der Berggeister vergrößert.

Einige der Fotos wurden zuerst im Tal des Gletschers aufgenommen, dann in den Voralpen des Greyerzerlandes, in den Bündner und Walliser Alpen, in Island und sogar im Himalaya, was die universelle Dimension des Projekts unterstreicht.

Dank der Cello-Noten von Sara Oswald wird die Ausstellung in eine bezaubernde Klangatmosphäre getaucht. Das Ganze ist eine Einladung, die Welt um uns herum mit anderen Augen zu sehen, in der Natur nach Symmetrie zu suchen und nach Gesichtern Ausschau zu halten, die in Fels oder Eis gemeißelt sind.

Die Fotografien dieser Ausstellung werden in einem Buch veröffentlicht, das 2024 im Slatkine-Verlag erscheinen wird.

La nature revêt-elle un visage unique ou alors est-elle une métamorphose constante, changeante et insaisissable? Le photographe Daniel Pittet apporte une réponse via ses Esprits de la montagne qui prêtent leurs traits aux paysages en exploitant les propriétés delà symétrie.

Véritable hymne à la beauté du monde, le travail de l’artiste nous pousse à chercher la nature profonde de ce qui nous entoure et à nous en imprégner. Guidé par son intuition, le photographe d’origine fribourgeoise s’est lancé dans une quête passionnée à la rencontre de ces esprits de montagne.

Ces présences se révélèrent à lui, parfois facilement, parfois au prix de longues heures d'attente et de recherche. Mais le résultat est là: à travers une cinquantaine de clichés, nous voyons ces formes symétriques apparaître sous nos yeux.

Si les premiers esprits capturés par l’objectif de Daniel Pittet se situaient aux pieds du glacier du Basodino au Tessin, la famille des esprits de la montagne s’est depuis agrandie.

Certaines photographies ont d’abord été prises dans la vallé e où s’é coulent les eaux du mê me glacier et ensuite dans les Pré alpes de la Gruyère, dans les Alpes grisonnes et valaisannes, en Islande et même en Himalaya, affirmant ainsi la dimension universelle du projet.

Grâce aux notes de violoncelle de Sara Oswald, l’exposition est plongée dans une ambiance sonore envoûtante. Le tout forme alors une invitation à porter un regard différent sur le monde qui nous entoure, à chercher la symétrie dans la nature, à être à l’affût de visages gravés dans la roche ou dans la glace.

Les photographies de cette exposition seront publiées dans un livre à paraître en 2024 aux éditions Slatkine.

La natura ha un unico volto o è una metamorfosi costante, mutevole e sfuggente? Il fotografo Daniel Pittet fornisce una risposta con i suoi Esprits de la montagne, che conferiscono le loro caratteristiche ai paesaggi sfruttando le proprietà della simmetria.

Vero e proprio inno alla bellezza del mondo, l'opera dell'artista ci incoraggia a ricercare la natura profonda di ciò che ci circonda e a immergerci in essa. Guidato dalla sua intuizione, il fotografo friburghese ha intrapreso una ricerca appassionata per incontrare questi spiriti della montagna.

Queste presenze gli si sono rivelate, a volte facilmente, a volte a costo di lunghe ore di attesa e di ricerca. Ma il risultato è lì: attraverso una cinquantina di fotografie, vediamo apparire queste forme simmetriche davanti ai nostri occhi.

Se i primi spiriti catturati dall'obiettivo di Daniel Pittet si trovavano ai piedi del ghiacciaio del Basodino, in Ticino, da allora la famiglia degli spiriti di montagna si è allargata.

Alcune fotografie sono state scattate dapprima nella valle dove scorrono le acque dello stesso ghiacciaio, poi nelle Prealpi della Gruyère, nelle Alpi grigionesi e vallesane, in Islanda e persino sull'Himalaya, a conferma della dimensione universale del progetto.

Il violoncello di Sara Oswald aggiunge un'incantevole colonna sonora alla mostra. Il risultato è un invito a guardare in modo diverso il mondo che ci circonda, a cercare la simmetria nella natura, a essere alla ricerca di volti incisi nella roccia o nel ghiaccio.

Le fotografie di questa mostra saranno pubblicate in un libro che sarà edito nel 2024 da Slatkine.

Does nature have a single face, or is it a constant, changing, elusive metamorphosis? Photographer Daniel Pittet provides an answer with his Esprits de la montagne, which lend their features to landscapes by exploiting the properties of symmetry.

A veritable hymn to the beauty of the world, the artist's work encourages us to seek out and immerse ourselves in the profound nature of what surrounds us. Guided by his intuition, the Fribourg-born photographer embarked on a passionate quest to meet these mountain spirits.

These presences revealed themselves to him, sometimes easily, sometimes at the cost of long hours of waiting and searching. But the result is there: through some fifty photographs, we see these symmetrical forms appear before our very eyes.

While the first spirits captured by Daniel Pittet's lens were at the foot of the Basodino glacier in Ticino, the family of mountain spirits has since expanded.

Some of the photographs were first taken in the valley where the waters of the same glacier flow, and then in the Pre-Alps of Gruyère, in the Graubünden and Valais Alps, in Iceland and even in the Himalayas, thus affirming the universal dimension of the project.

Thanks to Sara Oswald's cello notes, the exhibition is immersed in an enchanting soundscape. The whole is an invitation to take a different look at the world around us, to search for symmetry in nature, to be on the lookout for faces etched in rock or ice.

The photographs from this exhibition will be published in a book due out in 2024 by Editions Slatkine.

(Text: Musée gruérien, Bulle)

Kunstmuseum Solothurn
21. Januar – 12. Mai 2024

Zur Zeitlichkeit im Eis
Daniel Schwartz

Die Ausstellung gibt Einblicke in eine grosszügige Künstlerschenkung, die das Kunstmuseum 2022 entgegennehmen durfte.

Das ewige Eis ist nicht dauerhaft. Wer vor einen Gletscher tritt, erkennt in dessen heutiger Agonie auch die Spuren unseres Fortschritts und die Signale des Menschenzeitalters, des Anthropozäns. Seit den 1990er-Jahren beschäftigt sich Daniel Schwartz (*1955), der zu den international bekanntesten Fotografen seiner Generation zählt, mit der Klimakrise. In einem umfangreichen historischgeografischen Rechercheprojekt befasste er sich u. a. mit Gletschern als dynamische Systeme, an denen klimatische Veränderungen deutlich ablesbar sind. Entstanden sind eindrückliche Fotografien, Wort- und Kartenbilder an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft. Vor 20’000 Jahren überdeckte der Walliser Eisstrom auch die Landschaft um Solothurn. In seiner Heimat am Jurasüdfuss begann Daniel Schwartz seine Reise zu schmelzenden Gletschern auf vier Kontinenten. Teil dieses Projekts – 2017 publiziert unter dem Titel While the Fires Burn. A Glacier Odyssey – ist die 49-teilige Serie Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), die das Kunstmuseum Solothurn 2022 als Schenkung entgegennehmen durfte und die nun in einer Auswahl präsentiert wird. Die Werke von Daniel Schwartz zeigen den Gletscher als Speicher persönlicher Erinnerung, als archäologischen Fundort und als ungebremst schwindendes klimageschichtliches Archiv. In der glazialen Verschränkung von geologischer Tiefen- und individueller Lebenszeit stellen sich existentielle Fragen zu unserer Gegenwart und Zukunft.

L'exposition donne un aperçu d'une généreuse donation d'artiste que le Kunstmuseum a eu le plaisir de recevoir en 2022.

Les glaces éternelles ne sont pas permanentes. Celui qui s'avance devant un glacier reconnaît aussi dans son agonie actuelle les traces de notre progrès et les signaux de l'ère humaine, de l'anthropocène. Depuis les années 1990, Daniel Schwartz (*1955), qui compte parmi les photographes les plus connus de sa génération au niveau international, s'intéresse à la crise climatique. Dans le cadre d'un vaste projet de recherche historique et géographique, il s'est notamment intéressé aux glaciers en tant que systèmes dynamiques, sur lesquels les changements climatiques sont clairement visibles. Il en résulte des photographies, des images verbales et cartographiques impressionnantes, à la croisée de l'art et de la science. Il y a 20 000 ans, le courant glaciaire valaisan a également recouvert le paysage autour de Soleure. C'est dans son pays natal, au pied du Jura, que Daniel Schwartz a commencé son voyage à la découverte des glaciers en train de fondre sur quatre continents. Une partie de ce projet - publié en 2017 sous le titre While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - est la série de 49 épisodes Ice Age Our Age / L'âge de glace - le temps présent. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), que le Kunstmuseum Solothurn a eu le plaisir de recevoir en donation en 2022 et dont une sélection est maintenant présentée. Les œuvres de Daniel Schwartz montrent le glacier comme un réservoir de souvenirs personnels, comme un lieu de découverte archéologique et comme des archives de l'histoire du climat qui disparaissent sans aucun frein. Dans l'imbrication glaciaire des profondeurs géologiques et du temps de vie individuel se transmettent des questions existentielles sur notre présent et notre avenir.

La mostra offre una panoramica sul generoso dono di un artista che il Kunstmuseum ha ricevuto nel 2022.

Il ghiaccio eterno non è permanente. Chiunque passi davanti a un ghiacciaio riconoscerà le tracce del nostro progresso e i segnali dell'era umana, l'Antropocene, nella sua agonia attuale. Daniel Schwartz (*1955), uno dei fotografi più riconosciuti a livello internazionale della sua generazione, si occupa di crisi climatica fin dagli anni '90. In un ampio progetto di ricerca storico-geografica, si è concentrato sui ghiacciai come sistemi dinamici in cui i cambiamenti climatici sono chiaramente visibili. Il risultato sono fotografie, immagini e mappe di grande effetto, all'interfaccia tra arte e scienza. 20.000 anni fa, la colata di ghiaccio del Vallese ricopriva anche il paesaggio intorno a Soletta. Daniel Schwartz ha iniziato il suo viaggio verso lo scioglimento dei ghiacciai di quattro continenti dalla sua casa ai piedi del Giura. Parte di questo progetto - pubblicato nel 2017 con il titolo While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - è la serie in 49 parti Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), che il Kunstmuseum Solothurn ha ricevuto in donazione nel 2022 e che ora viene presentata in una selezione. Le opere di Daniel Schwartz mostrano il ghiacciaio come deposito di memoria personale, come sito archeologico e come archivio della storia del clima che sta scomparendo a un ritmo inarrestabile. L'intreccio glaciale tra profondità geologica e vite individuali solleva domande esistenziali sul nostro presente e futuro.

The exhibition provides insights into a generous gift from an artist that the Kunstmuseum received in 2022.

The eternal ice is not permanent. Anyone who steps in front of a glacier will recognize in its present-day agony the traces of our progress and the signals of the human age, the Anthropocene. Daniel Schwartz (*1955), who is one of the most internationally renowned photographers of his generation, has been working on the climate crisis since the 1990s. In an extensive historical-geographical research project, he focused on glaciers, among other things, as dynamic systems in which climatic changes are clearly visible. The result is impressive photographs, word pictures and maps at the interface between art and science. 20,000 years ago, the Valais ice flow also covered the landscape around Solothurn. Daniel Schwartz began his journey to melting glaciers on four continents from his home at the southern foot of the Jura. Part of this project - published in 2017 under the title While the Fires Burn. A Glacier Odyssey - is the 49-part series Ice Age Our Age / Eiszeit Jetztzeit. Ballads and Enquiries Concerning the Last Glacial Maximum (2012), which was donated to the Kunstmuseum Solothurn in 2022 and is now being presented in a selection. Daniel Schwartz's works show the glacier as a repository of personal memory, as an archaeological site and as an archive of climate history that is disappearing at an unstoppable rate. The glacial interweaving of geological depth and individual lifetimes raises existential questions about our present and future.

(Text: Kunstmuseum Solothurn)

Fotomuseum Winterthur
10. Februar – 20. Mai 2024

Der Sammlung zugeneigt – Konstellation 1

Vito Acconci, Stefan Burger, Forensic Architecture, Lee Friedlander, Matthias Gabi, Nan Goldin, Roc Herms, Jacob Holdt, Margret Hoppe, Graciela Iturbide, Zoe Leonard, Marc Lee, Sherrie Levine, Clunie Reid, Anika Schwarzlose, Shirana Shahbazi, Cindy Sherman, Lorna Simpson, Garry Winogrand

Das Fotomuseum Winterthur nimmt die 30-jährige Institutionsgeschichte zum Anlass, die eigene Sammlung zu beleuchten: Exemplarische Werke aus der Sammlung geben einen Einblick in die Sammlungstätigkeit des Museums. Es werden die Arbeiten von insgesamt 19 unterschiedlichen Fotograf_innen und Kunstschaffenden gezeigt – darunter bekannte Namen wie auch Neuentdeckungen.

Im Fokus der Ausstellung stehen die Eigen- und Besonderheiten der Sammlung sowie deren Schwerpunkte, aber auch Fragestellungen zur musealen Sammlungspraxis an und für sich. Zudem sind die Lücken und Leerstellen, welche sich durch die kritische Betrachtung der eigenen Sammlung offenbaren, sowie Werke, die das Museum vor Herausforderungen stellen, Bestandteil der Auseinandersetzung.

Die nicht-lineare Präsentation der Ausstellung zeigt auf, dass eine Vielzahl unterschiedlicher Faktoren die (Weiter-)Entwicklung einer Sammlung beeinflussen. Dazu gehören das Ausstellungsprogramm, inhaltliche Schwerpunkte und kuratorische Interessen, gesellschaftliche Fragestellungen aber auch die Entwicklung fotografischer Medien und Praktiken.

Sowohl im Ausstellungsraum als auch über ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm gibt das Fotomuseum Winterthur Einblicke in Aspekte wie den Entstehungsprozess oder die Pflege der eigenen Sammlung. Der Sammlung zugeneigt bietet eine Alternative zur klassischen Sammlungsausstellung und bringt nicht zuletzt eine institutionelle Haltung zum Ausdruck: Das Fotomuseum Winterthur ist durchaus (selbst-)kritisch – und dennoch der eigenen Sammlung zugeneigt.

Konstellation 1 bildet den Auftakt einer Serie von Sammlungspräsentationen, die aufeinander aufbauen und für unterschiedliche internationale Gastorte konzipiert werden.

Le Fotomuseum Winterthur profite de ses 30 ans d'histoire institutionnelle pour mettre en lumière sa propre collection : Des œuvres exemplaires de la collection donnent un aperçu de l'activité de collection du musée. Les travaux d'un total de 19 photographes et artistes différents sont présentés - parmi eux des noms connus ainsi que des découvertes.

L'exposition met l'accent sur les particularités et les spécificités de la collection ainsi que sur ses points forts, mais aussi sur des questions relatives à la pratique muséale de la collection en soi et pour soi. En outre, les lacunes et les vides révélés par l'examen critique de la propre collection, ainsi que les œuvres qui transmettent des défis au musée, font partie intégrante de la réflexion.

La présentation non linéaire de l'exposition montre qu'une multitude de facteurs différents influencent le développement (continu) d'une collection. En font partie le programme d'exposition, les priorités en matière de contenu et les intérêts des conservateurs, les questions de société, mais aussi l'évolution des médias et des pratiques photographiques.

Tant dans l'espace d'exposition que par le biais d'un programme varié de manifestations, le Fotomuseum Winterthur donne un aperçu d'aspects tels que le processus de création ou l'entretien de sa propre collection. La collection offre une alternative à l'exposition classique des collections et exprime notamment une attitude institutionnelle : le Fotomuseum Winterthur est tout à fait (auto)critique - et néanmoins attaché à sa propre collection.

Constellation 1 marque le début d'une série de présentations de la collection qui se suivent et sont conçues pour différents lieux d'accueil internationaux.

Il Fotomuseum Winterthur coglie l'occasione dei 30 anni di storia dell'istituzione per far luce sulla propria collezione: Opere esemplari della collezione offrono una panoramica sulle attività collezionistiche del museo. Sono esposte le opere di un totale di 19 diversi fotografi e artisti, tra cui nomi noti e nuove scoperte.

La mostra si concentra sulle caratteristiche uniche e speciali della collezione e sui suoi punti focali, nonché sulle questioni relative alla pratica del collezionismo museale in sé e per sé. Inoltre, le lacune e i vuoti che si rivelano attraverso un esame critico della collezione del museo, così come le opere che rappresentano una sfida per il museo, sono parte della discussione.

La presentazione non lineare della mostra dimostra che una serie di fattori diversi influenzano lo sviluppo (ulteriore) di una collezione. Tra questi, il programma espositivo, le tematiche e gli interessi curatoriali, le questioni sociali, ma anche lo sviluppo dei media e delle pratiche fotografiche.

Sia nello spazio espositivo che attraverso un variegato programma di eventi, il Fotomuseum Winterthur fornisce approfondimenti su aspetti quali il processo di creazione o la cura della propria collezione. La mostra "La collezione è nostra" offre un'alternativa alla classica esposizione di collezioni e, non da ultimo, esprime un atteggiamento istituzionale: il Fotomuseum Winterthur è assolutamente (auto)critico - e tuttavia devoto alla propria collezione.

Constellation 1 segna l'inizio di una serie di presentazioni della collezione che si sviluppano l'una sull'altra e sono concepite per diverse sedi internazionali.

Fotomuseum Winterthur is taking the opportunity presented by the institution’s thirtieth anniversary to examine its own collection, with a selection of artworks providing an insight into the museum’s collecting activities. On display are works by a total of 19 different photographers and artists, a mix of well-known names and new discoveries.

The exhibition homes in on the collection’s idiosyncrasies, distinctive qualities and thematic focuses, while also scrutinising museum collecting practices per se. This probing of the collection also looks at gaps and lacunae that are made apparent by the museum’s critical self-assessment and at works that are institutionally challenging.

The non-linear way in which the exhibition is presented highlights the fact that the (progressive) development of a collection is influenced by a variety of different factors. These include the exhibition programme, thematic focuses, curatorial interests, social issues and photography’s own process of evolution as a medium and body of practices.

Both in the exhibition space and through a varied programme of events, the museum provides insights into, among other things, its own origins and the way it cares for its collection. A Show of Affection offers an alternative to the classical collection exhibition and is, not least, an expression of an institutional approach: Fotomuseum Winterthur is eminently (self-)critical – and yet still has a sense of affection for its own collection.

Collection Constellation 1 marks the beginning of a series of collection presentations that build on one another and are conceived for different international venues.

(Text: Fotomuseum Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
10. Februar – 20. Mai 2024

Die 4 Jahreszeiten
Jakob Tuggener

Das Werk von Jakob Tuggener (1904-1988) behauptet seinen Platz in der Fotografie des 20. Jahrhunderts. Seine ausdrucksstarken Aufnahmen von rauschenden Ballnächten sind legendär, und das Buch Fabrik von 1943 gilt als ein Meilenstein in der Geschichte des Fotobuchs. Doch noch ein drittes grosses Thema liess Tuggener nicht los: das einfache Leben auf dem Land.

Unzählige sensibel beobachtete, atmosphärisch aufgeladene, aber nie pittoreske Darstellungen des bäuerlichen Alltags widerspiegeln den Zyklus der Natur und sind zugleich eine Reflexion über das Leben und dessen Vergänglichkeit. 1973/74 stellte Tuggener unter dem Titel Die 4 Jahreszeiten vier individuelle Buchmaquetten zusammen – selbst gestaltete, druckfertige Buch-Unikate.

Die Ausstellung präsentiert neben den Buchmaquetten weitere Fotografien von Jakob Tuggener, die vor Augen führen, wie intensiv sich dieser herausragende Fotograf mehr als 30 Jahre lang dem Landleben widmete.

Parallel zur Ausstellung werden Die 4 Jahreszeiten auch in einem Buch vorgestellt. Damit gibt die Fotostiftung Schweiz in enger Zusammenarbeit mit der Jakob Tuggener-Stiftung und dem Steidl Verlag einen neuen Einblick in die Reihe der rund 70 Bücher, die Jakob Tuggener selbst als Herzstück seines Schaffens betrachtete, obschon sie zu seinen Lebzeiten unveröffentlicht blieben.

L’oeuvre de Jakob Tuggener (1904-1988) affirme sa place dans la photographie du 20e siècle. Ses photos expressives de somptueuses soirées de bal sont légendaires et le livre Fabrik (Usine) de 1943 est considéré comme un jalon dans l’histoire du livre de photos. Mais il y avait encore un troisième thème qui ne lâchait pas Tuggener : la vie simple à la campagne.

Ses innombrables représentations du quotidien paysan, observées avec sensibilité et chargées d’atmosphère, mais jamais pittoresques, reflètent le cycle de la nature et sont en même temps une réflexion sur la vie et son caractère éphémère. En 1973/74, Tuggener composa quatre maquettes de livres individuelles sous le titre Die 4 Jahreszeiten (Les 4 saisons) – des livres uniques conçus par lui-même et prêts à être imprimés.

Outre ces maquettes de livres, l’exposition montre d’autres photographies de Jakob Tuggener qui illustrent à quel point ce photographe hors pair se consacra à la vie rurale pendant plus de 30 ans

En parallèle à l’exposition, Die 4 Jahreszeiten seront également présentées sous forme d’un livre. La Fotostiftung Schweiz, en étroite collaboration avec la Fondation Jakob Tuggener et les Éditions Steidl, donne ainsi un nouvel aperçu de la série des quelque 70 livres que Jakob Tuggener considérait lui-même comme le coeur de son oeuvre, bien qu’ils soient restés inédits de son vivant.

L’opera di Jakob Tuggener (1904–1988) si è affermata nella fotografia del ventesimo secolo. Le sue immagini di spumeggianti balli notturni sono leggendarie e il libro «Fabrik», uscito nel 1943, è considerato una pietra miliare nella storia dell’editoria fotografica. Ma Tuggener si dedicò assiduamente anche a un terzo, vasto argomento: la vita modesta di campagna.

Innumerevoli scene di vita rurale quotidiana osservate con sensibilità, cariche di atmosfera ma mai pittoresche, rispecchiano i cicli naturali e rappresentano, al contempo, una riflessione sulla vita e la sua caducità. Nel 1973/74, Tuggener realizzò delle maquette per quattro libri intitolati «Die 4 Jahreszeiten» (Le 4 stagioni) – copie uniche pronte per la stampa, interamente progettate da lui.

Oltre alle maquette dei libri, la mostra propone ulteriori fotografie di Jakob Tuggener in grado di mostrare con quanta intensità questo straordinario fotografo si sia dedicato alla vita contadina, per oltre 30 anni.

Parallelamente alla mostra, «Le 4 stagioni» vengono presentate anche in un libro. La Fotostiftung Schweiz, in stretta collaborazione con la fondazione Jakob Tuggener e la casa editrice Steidl, offre così un nuovo sguardo su una serie di libri composta da circa 70 volumi, considerata dallo stesso Jakob Tuggener il corpo centrale del suo lavoro, anche se non è mai stata pubblicata mentre era in vita.

The work of Jakob Tuggener (1904-1988) is well positioned within 20th-century photography. His expressive photographs of glittering ball nights are legendary and his 1943 book Fabrik (Factory) is seen as a milestone in the history of the photo book. However, Tuggener was also captivated by a third subject: simple life in the countryside.

His countless sensitively observed, atmospherically charged, but never picturesque depictions of everyday farming life reflect the cycle of nature, while simultaneously contemplating life and its transience. In 1973/74, Tuggener compiled four individual book maquettes under the title Die 4 Jahreszeiten (The 4 Seasons): unique ready-to-print books, which he designed himself.

In addition to those book maquettes, this exhibition displays other photographs by Jakob Tuggener, which demonstrate how intensively this outstanding photographer devoted himself to the theme of country life for more than 30 years. In parallel to the exhibition, The 4 Seasons will also be presented in a book. In close collaboration with the Jakob Tuggener Foundation and Steidl Verlag, Fotostiftung Schweiz is thus providing new insight into the series of around 70 books that Jakob Tuggener himself considered the centrepiece of his oeuvre, even though they remained unpublished during his lifetime.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

MASI Lugano
18. Februar – 21. Juli 2024

Faccia a faccia - Omaggio a Ernst Scheidegger

Mit Werken von Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

Als Fotoreporter und Mitarbeiter der renommierten Agentur Magnum Photos gehörte Scheidegger gleichzeitig zum engen Kreis der Pariser Kunst-Avantgarde und machte sich international mit seinen Porträts von Künstlerinnen und Künstlern einen Namen, wie etwa mit den ikonischen Aufnahmen von seinem langjährigen Freund Alberto Giacometti. Als vielseitige und facettenreiche Persönlichkeit war Scheidegger auch Maler, Grafiker und Regisseur sowie, zu einem späteren Zeitpunkt, Galerist und Verleger.

Die Ausstellung im MASI Lugano dokumentiert das Schaffen dieses aussergewöhnlichen Fotografen mit mehr als 100 Bildern. Sie zeigt eine grosse Auswahl unveröffentlichter Aufnahmen aus dem Zeitraum 1945 bis 1955, wie auch die bekannten Porträts von Künstlerinnen und Künstlern, die ab Mitte der 1950er Jahre entstanden sind. In die zweiten Ausstellungsbereich treten Scheideggers fotografische Porträts in einen Dialog mit ausgewählten Arbeiten der abgebildeten Künstlerinnen und Künstler.

Kuratiert von Tobia Bezzola und Taisse Grandi Venturi

In Zusammenarbeit mit dem Kunsthaus Zürich und der Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

Avec des œuvres de Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

Actif en tant que photo-reporter et collaborateur de la célèbre agence de presse Magnum Photos, Scheidegger est internationalement connu pour ses portraits d'artistes. Personnalité aux multiples facettes, Scheidegger a également été peintre, graphiste, cinéaste et, plus tard, galeriste et éditeur.

L'exposition au MASI retrace la production de ce photographe extraordinaire à travers un ensemble de plus d'une centaine d'images comprenant une large sélection de photos de jeunesse inédites datant de la décennie 1945-1955 et les célèbres portraits d'artistes, commandés à partir du milieu des années 1950. Dans le deuxième partie de l’exposition, les portraits photographiques dialoguent avec une sélection d’œuvres des artistes immortalisés dans chaque cas.

Sous la direction de Tobia Bezzola et Taisse Grandi Venturi

En collaboration avec le Kunsthaus Zürich et la Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

Con opere di Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

Attivo come fotoreporter e collaboratore dell’agenzia Magnum Photos, Scheidegger è noto a livello internazionale per i ritratti d’artista. Personalità sfaccettata e multiforme, Scheidegger è stato anche pittore, grafico, regista e, in seguito, gallerista ed editore.

La mostra al MASI ripercorre la produzione di questo straordinario fotografo attraverso un nucleo di oltre cento immagini composto da un’ampia scelta di scatti giovanili inediti del decennio 1945 - 1955 e dai celebri ritratti d’artista. Nella seconda sezione della mostra i ritratti fotografici dialogano con una selezione di opere delle artiste e degli artisti di volta in volta immortalati.

A cura di Tobia Bezzola e Taisse Grandi Venturi

In collaborazione con il Kunsthaus Zürich e la Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

With works by Cuno Amiet, Hans Arp, Max Bill, Serge Brignoni, Marc Chagall, Eduardo Chillida, Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti, Fritz Glarner, Oskar Kokoschka, František Kupka, Henri Laurens, Le Corbusier, Fernand Léger, Verena Loewensberg, Richard Paul Lohse, Marino Marini, Joan Miró, Henry Moore, Ernst Morgenthaler, Germaine Richier, Sophie Taeuber-Arp, Georges Vantongerloo

A photojournalist who worked for the renowned agency Magnum Photos, Scheidegger is internationally renowned for his artist portraits. A multifaceted and multilayered figure, Scheidegger was also a painter, graphic designer, filmmaker and later a gallery owner and publisher.

The exhibition in MASI traces the career of this extraordinary figure, presenting more than one hundred images. These include a numerous selection of previously unpublished early shots, dated 1945 - 1955, and his famous artist portraits, commissioned from the mid-1950s onwards. In the second section of the exhibition, the photographic portraits are presented alongside a selection of works by the artists themselves.

Curated by Tobia Bezzola and Taisse Grandi Venturi

In collaboration with Kunsthaus Zürich and the Stiftung Ernst Scheidegger-Archiv

(Text: MASI Lugano)

Kunstmuseum Bern
23. Februar – 11. August 2024

Shooting Down Babylon
Tracey Rose

Das Kunstmuseum Bern präsentiert die bisher grösste Retrospektive des Werks von Tracey Rose. Die südafrikanische Künstlerin ist seit Mitte der 1990er-Jahre eine radikale Stimme in der internationalen Kunst. Im Zentrum ihrer Arbeiten stehen die Kraft der Performance und der Körper als Ort des Widerstands und des Diskurses.

Mit mehr als hundert Arbeiten zeigt das Kunstmuseum Bern die bisher grösste Retrospektive des Werks der südafrikanischen Performancekünstlerin Tracey Rose (*1974). In ihren Arbeiten setzt sie sich mit Themen wie Postkolonialismus, Geschlecht, Sexualität, Rassismus und Apartheid auseinander. Im Zentrum stehen dabei die Kraft der Performancekunst und des Körpers, der für Tracey Rose ein Ort des Protests, der Empörung, des Widerstands, des Diskurses aber auch der Heilung ist.

Ihre aufsehenerregende performative Praxis setzt die Künstlerin in verschiedenen Medien wie Video, Skulptur, Fotografie, Installation und Zeichnung um, wobei sie insbesondere zentrale Erfahrungen im Übergang zu einer postkolonialen Welt beleuchtet und kritisch kommentiert. Oft wird Roses Werk als absurd, anarchisch und karnevalesk beschrieben.

Shooting Down Babylon
Die Ausstellung im Kunstmuseum Bern verfolgt Roses Weg vom frühen Interesse an Identitätsfragen hin zur Ästhetik der Gewalt und einer Auseinandersetzung mit Heilungsprozessen und Ritualen. Sie zeigt Arbeiten aus den Jahren 1990 bis 2021. Darunter das Werk T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) aus der Sammlung des Kunstmuseum Bern, in der die Künstlerin seit 2001 vertreten ist.

Der Ausstellungstitel Shooting Down Babylon stammt von der gleichnamigen Installation, welche 2016 als Reaktion auf den Wahlsieg Donald Trumps entstand. Rose unterzog sich dabei Reinigungsritualen, die sie filmte und in einer physisch eindringlichen Videoskulptur wiedergibt. Als Auftakt der Ausstellung verdeutlicht dieses Werk, wie verwurzelt Tracey Roses Schaffen im Körperlichen, in der Wut und in der Suche nach Spiritualität ist.

Speziell für die aktuelle Ausstellung entstanden zehn neue Auftragsarbeiten, die Teil der fortlaufenden Serie der Mandela Balls sind. Basierend auf dem Gedicht Dream Deferred von Langston Hughes baut die Künstlerin dem Freiheitskämpfer Nelson Mandela insgesamt 95 Denkmäler – eines für jedes Lebensjahr. Mit diesen fragilen und zum Teil skurrilen Objekten fragt sie nach dem Vermächtnis, das von seinem hoffnungsvollen Aufbruch übriggeblieben ist.

Le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective de l'œuvre de Tracey Rose à ce jour. Depuis le milieu des années 1990, l'artiste sud-africaine est une voix radicale dans l'art international. La force de la performance et le corps comme lieu de résistance et de discours sont au cœur de son travail.

Avec plus d'une centaine d'œuvres, le Kunstmuseum de Berne présente la plus grande rétrospective à ce jour de l'œuvre de l'artiste de performance sud-africaine Tracey Rose (*1974). Dans ses travaux, elle aborde des thèmes tels que le postcolonialisme, le genre, la sexualité, le racisme et l'apartheid. La force de l'art de la performance et du corps, qui est pour Tracey Rose un lieu de protestation, d'indignation, de résistance, de discours mais aussi de guérison, est au centre de ses préoccupations.

L'artiste transpose sa pratique performative sensationnelle dans différents médias tels que la vidéo, la sculpture, la photographie, l'installation et le dessin, en mettant notamment en lumière et en commentant de manière critique les expériences centrales de la transition vers un monde postcolonial. L'œuvre de Rose est souvent décrite comme absurde, anarchique et carnavalesque.

Shooting Down Babylon

L'exposition du Kunstmuseum de Berne suit le parcours de Rose, de son intérêt précoce pour les questions d'identité à l'esthétique de la violence et à une réflexion sur les processus de guérison et les rituels. Elle présente des travaux datant de 1990 à 2021, dont l'œuvre T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) issue de la collection du Kunstmuseum de Berne, dans laquelle l'artiste est représentée depuis 2001.

Le titre de l'exposition Shooting Down Babylon provient de l'installation du même nom, créée en 2016 en réaction à la victoire électorale de Donald Trump. Rose s'est alors soumise à des rituels de purification qu'elle a filmés et reproduits dans une sculpture vidéo physiquement saisissante. En guise de prélude à l'exposition, cette œuvre illustre à quel point l'œuvre de Tracey Rose est enracinée dans le physique, la colère et la quête de spiritualité.

Dix nouvelles œuvres de commande, qui font partie de la série continue des Mandela Balls, ont été créées spécialement pour l'exposition actuelle. En se basant sur le poème Dream Deferred de Langston Hughes, l'artiste construit au total 95 monuments au combattant de la liberté Nelson Mandela - un pour chaque année de sa vie. Avec ces objets fragiles et parfois bizarres, elle s'interroge sur l'héritage qui subsiste de son départ plein d'espoir. 

Il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata di Tracey Rose. L'artista sudafricana è una voce radicale dell'arte internazionale dalla metà degli anni Novanta. Il suo lavoro è incentrato sul potere della performance e sul corpo come sito di resistenza e discorso.

Con oltre cento opere, il Kunstmuseum di Berna presenta la più grande retrospettiva finora realizzata sull'opera della performance artist sudafricana Tracey Rose (*1974). Nelle sue opere l'artista esplora temi come il post-colonialismo, il genere, la sessualità, il razzismo e l'apartheid. Al centro di tutto ciò ci sono il potere della performance art e il corpo, che per Tracey Rose è un luogo di protesta, indignazione, resistenza, discorso e guarigione.

L'artista realizza la sua sensazionale pratica performativa in vari media come il video, la scultura, la fotografia, l'installazione e il disegno, con cui illumina e commenta criticamente in particolare le esperienze centrali nella transizione verso un mondo post-coloniale. Il lavoro di Rose è spesso descritto come assurdo, anarchico e carnevalesco.

Abbattere Babilonia
La mostra al Kunstmuseum di Berna ripercorre il percorso di Rose da un iniziale interesse per le questioni di identità all'estetica della violenza e all'esame dei processi e dei rituali di guarigione. Sono esposte opere dal 1990 al 2021, tra cui l'opera T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) della collezione del Kunstmuseum Bern, dove l'artista è rappresentato dal 2001.

Il titolo della mostra Shooting Down Babylon deriva dall'omonima installazione realizzata nel 2016 in risposta alla vittoria elettorale di Donald Trump. Rose si è sottoposta a rituali di purificazione, che ha filmato e riprodotto in una scultura video fisicamente ossessionante. Come preludio alla mostra, quest'opera illustra quanto il lavoro di Tracey Rose sia radicato nel fisico, nella rabbia e nella ricerca della spiritualità.

Dieci nuove opere commissionate sono state create appositamente per la mostra in corso e fanno parte della serie Mandela Balls. Basandosi sulla poesia Dream Deferred di Langston Hughes, l'artista ha costruito un totale di 95 monumenti al combattente per la libertà Nelson Mandela, uno per ogni anno della sua vita. Con questi oggetti fragili e talvolta bizzarri, l'artista si interroga sull'eredità che rimane della sua partenza piena di speranza.

The Kunstmuseum Bern is presenting the largest retrospective of Tracey Rose's work to date. The South African artist has been a radical voice in international art since the mid-1990s. Her works focus on the power of performance and the body as a site of resistance and discourse.

With more than one hundred works, the Kunstmuseum Bern is showing the largest retrospective to date of the work of South African performance artist Tracey Rose (*1974). In her works, she explores themes such as post-colonialism, gender, sexuality, racism and apartheid. The focus is on the power of performance art and the body, which for Tracey Rose is a place of protest, outrage, resistance, discourse and healing.

The artist realizes her sensational performative practice in various media such as video, sculpture, photography, installation and drawing, whereby she particularly illuminates and critically comments on central experiences in the transition to a post-colonial world. Rose's work is often described as absurd, anarchic and carnivalesque.

Shooting Down Babylon
The exhibition at the Kunstmuseum Bern traces Rose's path from an early interest in questions of identity to the aesthetics of violence and an examination of healing processes and rituals. It shows works from the years 1990 to 2021, including the work T.K.O. (Technical Knock-Out) (2000) from the collection of the Kunstmuseum Bern, where the artist has been represented since 2001.

The exhibition title Shooting Down Babylon comes from the installation of the same name, which was created in 2016 in response to Donald Trump's election victory. Rose underwent cleansing rituals, which she filmed and reproduced in a physically haunting video sculpture. As a prelude to the exhibition, this work illustrates how rooted Tracey Rose's work is in the physical, in anger and in the search for spirituality.

Ten new commissioned works were created especially for the current exhibition and form part of the ongoing Mandela Balls series. Based on the poem Dream Deferred by Langston Hughes, the artist has built a total of 95 monuments to the freedom fighter Nelson Mandela - one for each year of his life. With these fragile and sometimes bizarre objects, she questions the legacy that remains of his hopeful departure.

(Text: Kunstmuseum Bern)

IPFO Haus der Fotografie | Olten
24. Februar – 19. Mai 2024

Anthology
Vivian Maier

Die legendäre amerikanische Strassenfotografin Vivian Maier kommt in die Schweiz. Ab 24. Februar 2024 zeigt das Haus der Fotografie die Ausstellung «Vivian Maier – Anthology», die 140 Fotografien aus insgesamt vier Jahrzehnten umfasst. Maiers Arbeiten zeigen das städtische Leben und die Menschen in Chicago und New York, aber auch in anderen Ortschaften, die sie auf ihren zahlreichen Reisen durchkreuzte. Organisiert und gestaltet wurde die Ausstellung von Anne Morin von DiChroma Photography auf der Grundlage von Fotos aus dem Archiv der Maloof Collection sowie der Howard Greenberg Gallery in New York.

Das Haus der Fotografie zeigt erstmals eine beeindruckende Auswahl an Werken der weltberühmten amerikanischen Fotografin Vivian Maier. Die Künstlerin fokussierte sich bei ihrer Arbeit hauptsächlich auf Strassenfotografien, die meist spontan entstanden, sich aber gleichzeitig durch eine enorme Präzision auszeichnen. Sie schaffte es wie kaum sonst jemand, ihre Modelle in den Mittelpunkt zu stellen ohne die Geschichte des Umfeldes ausser Acht zu lassen.

Vivian Maiers Fotografien waren enorm vielseitig und bieten einen einzigartigen Einblick in das städtische Leben und die sozialen Strukturen ihrer Zeit. «Es stellt sich die Frage: Wer war diese Frau, die ein Leben lang unterwegs war, an unzähligen Orten wohnte, sich niemals festlegen und festsetzen wollte und kaum jemanden an ihrer Leidenschaft teilhaben liess? Dieser Frage geht diese Ausstellung nach, beleuchtet die Person Vivian Maier, die der Fotowelt eine unglaubliche Fülle an verblüffendem Material aus vier Jahrzehnten überlassen hat und stellt sie für einmal in den Vordergrund», sagt Isabelle Bitterli, Leiterin Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1. Februar 1926 – 21. April 2009) war eine amerikanische Strassenfotografin, die während ihres Lebens weitgehend unbekannt blieb. Erst nach ihrem Tod gelangten ihre beeindruckenden Fotografien an die Öffentlichkeit und erlangten posthum große Anerkennung. Sie gilt heute als eine der bedeutendsten Straßenfotografinnen des 20. Jahrhunderts.

Vivian Maier wurde am 1. Februar 1926 in New York City geboren. Über ihre frühen Jahre ist wenig bekannt, aber es wird angenommen, dass sie einen Teil ihrer Jugend mit ihrer französischen Mutter in Frankreich verbrachte.

Maier kehrte 1951 in die USA zurück und begann in New York als Kindermädchen zu arbeiten. Gleichzeitig widmete sie sich intensiv der Fotografie. Mit einer Rolleiflex-Kamera dokumentierte sie das städtische Leben, Porträts von Menschen auf der Straße, stimmungsvolle Straßenszenen und Alltagssituationen.

Als Maier 1956 in Chicago eine neue Stelle als Kindermädchen begann, genoss sie den Luxus einer Dunkelkammer und eines eigenen Badezimmers. Dies ermöglichte ihr, ihre Abzüge zu entwickeln und ihre eigenen Rollen Schwarzweißfilm zu entwickeln. Als die Kinder erwachsen wurden, zwang das Ende von Maiers Anstellung bei dieser ersten Familie in Chicago in den frühen siebziger Jahren sie dazu, die Entwicklung ihres eigenen Films aufzugeben.

Als sie von Familie zu Familie zog, sammelten sich ihre Rollen mit unentwickelten, nicht gedruckten Arbeiten an. Zu dieser Zeit beschloss Maier, zur Farbfotografie überzugehen. Finanzieller Stress und mangelnde Stabilität führten dazu, dass sich die unentwickelten Farbrollen zu stapeln begannen. Irgendwann zwischen den späten 1990er Jahren und den ersten Jahren des neuen Jahrtausends legte Vivian ihre Kamera weg und lagerte ihr Hab und Gut ein, während sie versuchte, sich über Wasser zu halten.

Angesichts der spärlichen Mittel wurden die gelagerten Fotos zu verlorenen Erinnerungen, bis sie 2007 wegen ausbleibender Mietzahlungen verkauft wurden. Die Negative wurden von der Lagerfirma an RPN Sales versteigert, die die Kisten in einer viel größeren Auktion an mehrere Käufer, darunter John Maloof, verteilte. Noch während dem Maloof begann, ihr gesamtes Werk zu kaufen, katalogisieren und in Teilen der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, wurde Maier in ein Pflegeheim in Chicago eingeliefert, wo sie am 21. April 2009 im Alter von 83 Jahren verstarb.

Maloofs Arbeit führte zu einer posthumen Anerkennung und einem wachsenden Interesse an Maiers Person und ihrem Werk. Ihr Vermächtnis lebt in ihren faszinierenden Bildern weiter, die einen einzigartigen Einblick in das amerikanische Leben der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bieten.

La légendaire photographe de rue américaine Vivian Maier vient en Suisse. À partir du 24 février 2024, la Maison de la photographie présentera l'exposition "Vivian Maier - Anthology", qui comprend 140 photographies sur un total de quatre décennies. Les travaux de Maier montrent la vie urbaine et les habitants de Chicago et de New York, mais aussi d'autres localités qu'elle a traversées lors de ses nombreux voyages. L'exposition a été organisée et conçue par Anne Morin de DiChroma Photography sur la base de photos provenant des archives de la Maloof Collection ainsi que de la Howard Greenberg Gallery à New York.

La Haus der Fotografie présente pour la première fois une sélection impressionnante d'œuvres de la photographe américaine de renommée mondiale Vivian Maier. Dans son travail, l'artiste s'est principalement concentrée sur les photographies de rue, qui ont généralement été prises spontanément, mais qui se distinguent en même temps par une énorme précision. Elle a réussi comme personne à placer ses modèles au centre de l'attention sans négliger l'histoire de leur environnement.

Les photographies de Vivian Maier étaient énormément variées et offrent un aperçu unique de la vie urbaine et des structures sociales de son époque. "On peut se demander qui était cette femme qui a passé sa vie à voyager, à vivre dans d'innombrables endroits, qui n'a jamais voulu se fixer ni se fixer et qui n'a pratiquement laissé personne partager sa passion ? C'est cette question que cette exposition aborde, en mettant en lumière la personne de Vivian Maier, qui a laissé au monde de la photographie une quantité incroyable de matériel étonnant sur quatre décennies, et en la plaçant pour une fois sur le devant de la scène", explique Isabelle Bitterli, directrice de la Maison de la Photographie.

Vivian Maier (1er février 1926 - 21 avril 2009) était une photographe de rue américaine qui est restée largement inconnue tout au long de sa vie. Ce n'est qu'après sa mort que ses impressionnantes photographies ont été rendues publiques et ont obtenu une grande reconnaissance posthume. Elle est aujourd'hui considérée comme l'une des plus grandes photographes de rue du 20e siècle.

Vivian Maier est née le 1er février 1926 à New York. On sait peu de choses sur ses premières années, mais on pense qu'elle a passé une partie de sa jeunesse en France avec sa mère française.

Maier est retournée aux États-Unis en 1951 et a commencé à travailler comme nounou à New York. Parallèlement, elle se consacre intensément à la photographie. Avec un appareil Rolleiflex, elle documente la vie urbaine, des portraits de personnes dans la rue, des scènes de rue évocatrices et des situations quotidiennes.

Lorsque Maier a commencé un nouveau travail de nounou à Chicago en 1956, elle a profité du luxe d'une chambre noire et d'une salle de bain privée. Cela lui permit de développer ses tirages et ses propres rouleaux de film noir et blanc. Lorsque les enfants ont grandi, la fin de l'emploi de Maier dans cette première famille de Chicago au début des années 1970 l'a contrainte à abandonner le développement de son propre film.

Alors qu'elle passait de famille en famille, ses bobines d'œuvres non développées et non imprimées se sont accumulées. C'est à cette époque que Maier a décidé de passer à la photographie couleur. Le stress financier et le manque de stabilité ont fait que les rouleaux de couleur non développés ont commencé à s'accumuler. Quelque part entre la fin des années 1990 et les premières années du nouveau millénaire, Vivian a rangé son appareil photo et entreposé ses biens tout en essayant de garder la tête hors de l'eau.

Vu le peu de moyens dont elle disposait, les photos stockées sont devenues des souvenirs perdus, jusqu'à ce qu'elles soient vendues en 2007, faute de paiement des loyers. Les négatifs ont été vendus aux enchères par la société de stockage à RPN Sales, qui a distribué les boîtes à plusieurs acheteurs, dont John Maloof, lors d'une vente aux enchères beaucoup plus importante. Alors même que Maloof commençait à acheter, cataloguer et rendre accessible au public une partie de son œuvre complète, Maier a été admise dans une maison de retraite à Chicago, où elle est décédée le 21 avril 2009 à l'âge de 83 ans.

Le travail de Maloof a conduit à une reconnaissance posthume et à un intérêt croissant pour la personne et l'œuvre de Maier. Son héritage continue de vivre à travers ses images fascinantes, qui offrent un aperçu unique de la vie américaine de la seconde moitié du 20e siècle.

La leggendaria fotografa di strada americana Vivian Maier arriva in Svizzera. Dal 24 febbraio 2024, la Haus der Fotografie esporrà la mostra "Vivian Maier - Anthology", che comprende 140 fotografie di un totale di quattro decenni. Le opere della Maier mostrano la vita urbana e le persone di Chicago e New York, ma anche di altri luoghi che ha visitato durante i suoi numerosi viaggi. La mostra è stata organizzata e progettata da Anne Morin della DiChroma Photography sulla base di fotografie provenienti dagli archivi della Maloof Collection e della Howard Greenberg Gallery di New York.

Per la prima volta, la Haus der Fotografie presenta un'impressionante selezione di opere della fotografa americana di fama mondiale Vivian Maier. Nel suo lavoro, l'artista si è concentrata soprattutto sulla fotografia di strada, scattata per lo più in modo spontaneo, ma allo stesso tempo caratterizzata da un'enorme precisione. Riusciva a mettere i suoi modelli al centro dell'attenzione come nessun altro, senza trascurare la storia dell'ambiente circostante.

Le fotografie di Vivian Maier erano estremamente varie e offrono uno sguardo unico sulla vita urbana e sulle strutture sociali del suo tempo. "La domanda sorge spontanea: chi era questa donna che ha viaggiato per tutta la vita, ha vissuto in innumerevoli luoghi, non ha mai voluto stabilirsi e non ha permesso a quasi nessuno di condividere la sua passione? Questa mostra esplora questa domanda, fa luce sulla persona Vivian Maier, che ha lasciato al mondo della fotografia un'incredibile quantità di materiale sorprendente di quattro decenni, e la mette per una volta in primo piano", afferma Isabelle Bitterli, direttrice della Haus der Fotografie.

Vivian Maier (1 febbraio 1926 - 21 aprile 2009) è stata una fotografa di strada americana, rimasta in gran parte sconosciuta durante la sua vita. Solo dopo la sua morte le sue impressionanti fotografie sono state portate all'attenzione del pubblico e hanno ottenuto un grande riconoscimento postumo. Oggi è riconosciuta come una delle più importanti fotografe di strada del XX secolo.

Vivian Maier è nata il 1° febbraio 1926 a New York. Si sa poco dei suoi primi anni di vita, ma si presume che abbia trascorso parte della sua giovinezza con la madre francese in Francia.

Tornata negli Stati Uniti nel 1951, Maier inizia a lavorare come tata a New York. Contemporaneamente si dedica intensamente alla fotografia. Utilizzando una fotocamera Rolleiflex, documenta la vita urbana, i ritratti di persone per strada, le suggestive scene di strada e le situazioni quotidiane.

Quando nel 1956 Maier iniziò un nuovo lavoro come tata a Chicago, poté godere del lusso di una camera oscura e di un bagno privato. Questo le permise di sviluppare le sue stampe e di creare i suoi rullini di pellicola in bianco e nero. Con la crescita dei figli, la fine del rapporto di lavoro con la prima famiglia di Chicago, all'inizio degli anni Settanta, costrinse la Maier a rinunciare allo sviluppo delle pellicole.

Passando da una famiglia all'altra, le bobine di lavoro non sviluppate e non stampate si accumulavano. È in questo periodo che Maier decide di passare alla fotografia a colori. Lo stress finanziario e la mancanza di stabilità fanno sì che i rullini a colori non sviluppati comincino ad accumularsi. Tra la fine degli anni Novanta e i primi anni del nuovo millennio, Vivian mette da parte la macchina fotografica e archivia i suoi averi mentre cerca di mantenersi in vita.

Di fronte alle scarse risorse a disposizione, le foto conservate sono diventate ricordi perduti fino a quando, nel 2007, sono state vendute a causa del mancato pagamento dell'affitto. I negativi sono stati venduti all'asta dalla società di stoccaggio alla RPN Sales, che ha distribuito le scatole a diversi acquirenti, tra cui John Maloof, in un'asta molto più ampia. Mentre Maloof iniziava ad acquistare e catalogare tutte le sue opere e a renderne disponibili alcune al pubblico, la Maier fu ricoverata in una casa di cura a Chicago, dove morì il 21 aprile 2009 all'età di 83 anni.

Il lavoro di Maloof ha portato a un riconoscimento postumo e a un crescente interesse per la persona e il lavoro della Maier. La sua eredità vive nelle sue affascinanti immagini, che offrono uno sguardo unico sulla vita americana della seconda metà del XX secolo.

The legendary American street photographer Vivian Maier is coming to Switzerland. From February 24, 2024, the Haus der Fotografie will be showing the exhibition "Vivian Maier - Anthology", which comprises 140 photographs from a total of four decades. Maier's works depict urban life and people in Chicago and New York, but also in other places she has criss-crossed on her numerous travels. The exhibition was organized and designed by Anne Morin of DiChroma Photography on the basis of photographs from the archives of the Maloof Collection and the Howard Greenberg Gallery in New York.

For the first time, the Haus der Fotografie is showing an impressive selection of works by the world-famous American photographer Vivian Maier. In her work, the artist focused mainly on street photography, which was mostly taken spontaneously, but at the same time is characterized by enormous precision. She managed to place her models at the center of attention like hardly anyone else, without disregarding the history of their surroundings.

Vivian Maier's photographs were enormously diverse and offer a unique insight into urban life and the social structures of her time. "The question arises: Who was this woman who spent a lifetime on the road, lived in countless places, never wanted to settle down and let hardly anyone share her passion? This exhibition explores this question, sheds light on the person Vivian Maier, who has left the world of photography an incredible wealth of astonishing material from four decades, and puts her in the foreground for once," says Isabelle Bitterli, Director of Haus der Fotografie.

Vivian Maier (February 1, 1926 - April 21, 2009) was an American street photographer who remained largely unknown during her lifetime. It was only after her death that her impressive photographs came to the public's attention and gained great recognition posthumously. Today, she is considered one of the most important street photographers of the 20th century.

Vivian Maier was born on February 1, 1926 in New York City. Little is known about her early years, but it is assumed that she spent part of her youth with her French mother in France.

Maier returned to the USA in 1951 and began working as a nanny in New York. At the same time, she devoted herself intensively to photography. Using a Rolleiflex camera, she documented urban life, portraits of people on the street, atmospheric street scenes and everyday situations.

When Maier started a new job as a nanny in Chicago in 1956, she enjoyed the luxury of a darkroom and her own bathroom. This enabled her to develop her prints and make her own rolls of black and white film. As the children grew up, the end of Maier's employment with that first family in Chicago in the early 1970s forced her to give up developing her own film.

As she moved from family to family, her reels of undeveloped, unprinted work piled up. It was at this time that Maier decided to switch to color photography. Financial stress and a lack of stability meant that the undeveloped rolls of color began to pile up. Sometime between the late 1990s and the early years of the new millennium, Vivian put her camera away and stored her belongings while she tried to keep her head above water.

Faced with meager resources, the stored photos became lost memories until they were sold in 2007 due to non-payment of rent. The negatives were auctioned off by the storage company to RPN Sales, who distributed the boxes to several buyers, including John Maloof, in a much larger auction. Even as Maloof began to purchase and catalog her entire body of work and make parts of it available to the public, Maier was admitted to a Chicago nursing home, where she died on April 21, 2009, at the age of 83.

Maloof's work led to posthumous recognition and a growing interest in Maier's person and her work. Her legacy lives on in her fascinating images, which offer a unique insight into American life in the second half of the 20th century.

(Text: IPFO Haus der Fotografie, Olten)

Kunstmuseum Luzern
24. Februar – 16. Juni 2024

Subjective Evidence
Barbara Probst

Der Ausstellungstitel Subjective Evidence (subjektiver Beweis) verweist bereits aufs Grundthema: Wo stehst du? Was siehst du? Aus welcher Richtung kommst du? Wohin blickst du? Barbara Probst (*1964) zeigt nie eine einzelne Fotografie, sondern stets multiperspektivische Serien. Ihre kleinsten Werkgruppen bestehen aus zwei Bildern. In Doppelporträts zeigt die Künstlerin in zwei Fotografien jeweils zwei Personen. Beiläufig betrachtet könnten die Fotografien fast als identisch durchgehen, aber falsch: Auf dem linken Bild blickt die eine Person in die Kamera, die andere an der Kamera vorbei; auf dem rechten Bild verhält es sich genau umgekehrt. Diese minimale Verschiebung irritiert, lässt innehalten und macht das Sehen als bewussten Vorgang erlebbar.

In thematischen Kapiteln wie «Performance», «Landschaft», «Stillleben» oder «Mode» zeigt Barbara Probst Werkgruppen aus über 20 Jahren. Zahlreiche Arbeiten sind in Luzern das erste Mal zu sehen. In den leeren Ausstellungsräumen des Kunstmuseums Luzern realisierte die Künstlerin zudem ein neues Werk.

Kuratiert von Fanni Fetzer

In Kooperation mit Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Le titre de l'exposition, Subjective Evidence (preuve subjective), renvoie déjà au thème de base : où te situes-tu ? Que vois-tu ? De quelle direction viens-tu ? Où regardes-tu ? Barbara Probst (*1964) ne montre jamais une seule photographie, mais toujours des séries multiperspectives. Ses plus petits groupes d'œuvres se composent de deux visuels. Dans des portraits doubles, l'artiste montre deux personnes dans deux photographies. En les regardant avec désinvolture, les photographies pourraient presque passer pour identiques, mais fausses : sur le visuel de gauche, l'une des personnes regarde l'appareil photo, l'autre passe devant ; sur le visuel de droite, c'est exactement l'inverse. Ce décalage minime irrite, fait marquer un temps d'arrêt et permet de vivre la vision comme un processus conscient.

Dans des chapitres thématiques comme "Performance", "Paysage", "Nature morte" ou "Mode", Barbara Probst présente des groupes d'œuvres de plus de 20 ans. De nombreux travaux sont présentés pour la première fois à Lucerne. L'artiste a en outre réalisé une nouvelle œuvre dans les salles d'exposition vides du Kunstmuseum Luzern.

Organisé par Fanni Fetzer

En coopération avec le Sprengel Museum, Hanovre, et FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

Il titolo della mostra Subjective Evidence fa già riferimento al tema di base: Where do you stand? Cosa vedi? Da quale direzione provieni? Dove stai guardando? Barbara Probst (*1964) non espone mai una sola fotografia, ma sempre serie multiprospettiche. I suoi gruppi di opere più piccoli sono composti da due immagini. Nei doppi ritratti, l'artista mostra due persone in due fotografie. Osservate casualmente, le fotografie potrebbero quasi passare per identiche, ma in modo errato: nell'immagine di sinistra, una persona guarda verso la macchina fotografica, l'altra oltre la macchina fotografica; nell'immagine di destra, è il contrario. Questo minimo spostamento è sconcertante, ci fa soffermare e ci permette di sperimentare la visione come un processo consapevole.

In capitoli tematici come "Performance", "Paesaggio", "Natura morta" o "Moda", Barbara Probst presenta gruppi di opere di oltre 20 anni. Numerose opere vengono esposte per la prima volta a Lucerna. L'artista ha inoltre realizzato un nuovo lavoro nelle sale espositive vuote del Kunstmuseum Luzern.

A cura di Fanni Fetzer

In collaborazione con lo Sprengel Museum di Hannover e FotoFocus del Contemporary Arts Center di Cincinnati.

The exhibition title Subjective Evidence already points to the basic theme: Where do you stand? What do you see? Where are you coming from? What are you looking at? Barbara Probst (*1964) never

shows a single photograph, but always multi-perspectival series. Her smallest work groups consist of two images. In her double portraits the artist shows two people each in two photographs. Looked at casually, the photographs could be regarded as identical. But this is not so: in the left image, one person looks at the camera, the other looks past it; in the right image, the persons behave the other way round. This minimal shift intrigues us, causing us to pause for thought and making us aware of sight as a conscious process.

In thematic chapters entitled “Performance”, “Landscape”, “Still Life” or “Fashion”, Barbara Probst shows work groups from over 20 years. Many photographs are being shown in Lucerne for the first time. What is more, the artist realises a new work in the empty exhibition rooms of the Kunstmuseum Luzern.

Curated by Fanni Fetzer

In cooperation with Sprengel Museum, Hannover, und FotoFocus at the Contemporary Arts Center, Cincinnati

(Text: Kunstmuseum Luzern)

Centre de la photographie Genève
28. Februar – 28. April 2024

MAKING LIGHT OF EVERY THING

Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Jessica Backhaus, Emma Bedos, Mathieu Bernard-Reymond, Sara de Brito Faustino, Charlie Engman, Alina Frieske, Peter Hauser, Moritz Jekat, Leigh Merrill, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Martin Widmer

Das Intime ist ein Begriff, der oft schwer zu definieren, unantastbar und schwer fassbar ist. Sie kann in einer Kindheitserinnerung, im Inneren des eigenen Hauses oder der eigenen Nachbarschaft, in den Gesten, die man mit seinen Angehörigen austauscht, in der Vertrautheit eines Bildes oder auch in der Verbundenheit mit einem Gegenstand, einem Material oder einer Textur liegen.

Wie kann die Fotografie, ohne direkt Situationen zu zeigen, die unmittelbar als intim identifiziert werden können, eine Beziehung zu diesem Gefühl, seine Flüchtigkeit und Ungreifbarkeit ausdrücken? Wie kann sie das Verhältnis zum zwangsläufig fehlbaren Gedächtnis, die oft komplexen und wechselhaften Bindungen zu geliebten Menschen oder auch die Beziehung zu einem Zuhause, dessen Vertrautheit jederzeit ins Fremde umschlagen kann, ins Bild setzen?

Während das hergestellte oder manipulierte Bild oft mit dem Missbrauch der öffentlichen Meinung oder der Darstellung fiktionaler Welten in Verbindung gebracht wird, wird es hier wegen seines Potenzials, unsere Subjektivität, unsere Beziehung zu den Dingen zu enthüllen, erforscht. Wie können wir unsere Erinnerungen erzählen, die Verbindung zu geliebten Menschen übersetzen oder unsere Sensibilität greifbar machen?

Durch ausgeklügelte Verfahren der Bildmanipulation ermöglichen es die in dieser Ausstellung versammelten Künstler, eine Form der Intimität sichtbar zu machen, zu erfassen oder festzuhalten - vom persönlichsten Ausdruck einer Emotion bis hin zur maschinellen Interpretation menschlicher Beziehungen. Ob mit farbigem Papier hergestellt, durch künstliche Intelligenz erzeugt, vollständig im Fotolabor entstanden oder das Ergebnis einer sorgfältigen Fotomontage - die für diese Ausstellung zusammengestellten Bilder spiegeln das hartnäckige Experimentieren ihrer Autoren wider und vermitteln sowohl frivole als auch überwältigende Emotionen. Ihr explizit hergestellter Charakter - wobei hier keine Hierarchie zwischen Papierschnitt und den ausgefeiltesten Werkzeugen zur Bilderzeugung gemacht wird - hebt die manchmal seltsame Dimension dessen hervor, was uns am vertrautesten ist. Durch ihre Erkundungsprozesse und ihre komplexe Architektur machen die Künstler die komplexen Mechanismen der Welterfassung spürbar und zeugen auf subtile und delikate Weise von der Manifestation unserer individuellen Subjektivitäten.

Die Arbeiten von Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond und Sara De Brito Faustino untersuchen die Verbindungen zwischen hergestellten Bildern und dem Gedächtnis. Adu-Sanyah und Bernard-Reymond verwenden künstliche Intelligenzen, um Erinnerungen nachzubilden oder zu visualisieren, und achten dabei besonders auf die Materialität der entstehenden Bilder, während De Brito Faustino die Orte ihrer Kindheit in Modellen nachstellt, die sie dann erneut fotografiert. Ihre Werke beleuchten den prägenden, aber manchmal auch fehlbaren, seltsamen und rekonstruierten Charakter von Erinnerungen.

Emma Bedos, Alina Frieske und Moritz Jekat setzen visuelle Technologien wie Photogrammetrie, Fotomontage und Videospiele ein, um intime, familiäre und Liebesbeziehungen zu erforschen. Die Orte, die mit einer Liebesbeziehung in Verbindung gebracht werden, die geografische Distanz zu den Angehörigen und die digitalen Schnittstellen, mit denen diese Distanz überbrückt werden kann, oder auch die private und öffentliche Zirkulation persönlicher Bilder werden in Projekten behandelt, in denen das Bild experimentelle und unerwartete Formen annimmt.

Leigh Merrill, das Duo Taiyo Onorato & Nico Krebs und Martin Widmer teilen eine Herangehensweise an den Raum, der mithilfe verschiedener Collage- und Überlagerungstechniken minutiös konstruiert und rekonstruiert wird. Sowohl Onorato & Krebs als auch Widmer arbeiten selbstreflexiv, indem sie ihre eigenen Bilder als Ausgangspunkt verwenden, während Merrill vertraute urbane Räume durch Collagen neu gestaltet.

Das Intime manifestiert sich somit bei einigen der Künstler in der Ausstellung in einer sehr starken Beziehung zu ihrer eigenen Produktion. Bei Jessica Backhaus und Peter Hauser spiegelt die Verbindung zur eigentlichen Herstellung des Bildes durch analoge Verfahren - die Arbeit mit farbigem Papier bei Backhaus und im analogen Labor bei Hauser - eine Intimität der eigentlichen Praxis wider, ein feinfühliges Experimentieren mit Formen, Texturen und Materialien. Bei Charlie Engman schließlich entsteht eine Form von Verletzlichkeit aus den visuellen Experimenten mit künstlicher Intelligenz und ihrem Versagen, Darstellungen körperlicher Intimität, insbesondere der Umarmung, zu reproduzieren, und hallt auf seltsame Weise mit persönlichen Fotografien wider.

Kuratiert von: Claus Gunti & Danaé Panchaud

L’intime est une notion souvent difficile à définir, intangible et insaisissable. Il peut se situer dans un souvenir d’enfance, à l’intérieur de sa maison ou de son quartier, dans les gestes échangés avec ses proches, dans la familiarité d’une image, ou encore dans l’attachement à un objet, à une matière, ou à une texture.

Sans montrer directement des situations immédiatement identifiables comme intimes, comment la photographie peut-elle exprimer un rapport à ce sentiment, son caractère fugace et impalpable ? Comment peut-elle mettre en image les rapports à la mémoire, forcément faillible, les liens souvent complexes et changeants aux personnes chères, ou encore la relation à un chez-soi dont la familiarité peut tourner à l’étrange à tout moment ?

Si l’image fabriquée ou manipulée est souvent associée au détournement de l’opinion publique ou à la représentation d’univers fictionnels, elle est ici explorée pour son potentiel à révéler notre subjectivité, notre rapport aux choses. Comment pouvons-nous raconter nos souvenirs, traduire le lien à des êtres aimés ou rendre tangible notre sensibilité ?

Par des processus élaborés de manipulation d’image, les artistes réunis dans cette exposition permettent de rendre visible, de saisir ou de fixer une forme d’intimité, de l’expression la plus personnelle d’une émotion à l’interprétation machinique des rapports humains. Qu’elles soient fabriquées à l’aide de papiers colorés, générées par intelligence artificielle, créées entièrement dans le laboratoire photographique ou résultant d’un photomontage minutieux, les images réunies pour cette exposition traduisent l’expérimentation opiniâtre de leur auteur, traduisant des émotions tant frivoles qu’écrasantes. Leur caractère explicitement fabriqué – sans qu’une hiérarchie ne soit faite ici entre le papier découpé et les outils les plus sophistiqués de génération d’images – met en avant la dimension parfois étrange de ce qui nous est le plus familier. Par leurs processus exploratoires, leur architecture complexe, les artistes rendent sensible les mécanismes complexes d’appréhension du monde, témoignant de manière subtile et délicate de la manifestation de nos subjectivités individuelles.

Les travaux d’Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond et Sara De Brito Faustino investiguent les liens entre les images fabriquées et la mémoire. Adu-Sanyah et Bernard-Reymond utilisent des intelligences artificielles pour recréer des souvenirs ou les visualiser, prêtant une attention particulière à la matérialité des images qui en résultent, alors que De Brito Faustino reconstitue les lieux de son enfance en maquette qu’elle rephotographie. Leurs oeuvres mettent en lumière le caractère marquant, mais aussi parfois faillible, étrange et reconstruit, des souvenirs.

Emma Bedos, Alina Frieske et Moritz Jekat ont recours à des technologies visuelles comme la photogrammétrie, le photomontage et le jeu vidéo, afin d’investiguer des liens intimes, familiaux et amoureux. Les lieux associés à une relation amoureuse, la distance géographique avec ses proches et les interfaces digitales permettant d’y pallier, ou encore les circulations privées et publiques d’images personnelles, sont abordés dans des projets où l’image prend des formes expérimentales et inattendues.

Leigh Merrill, le duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, et Martin Widmer partagent une approche de l’espace, minutieusement construit et reconstruit au moyen de différentes techniques de collage et de superposition. Onorato & Krebs comme Widmer mènent un travail autoréflexif en utilisant leurs propres images comme point de départ, alors que Merrill refaçonne par collage des espaces urbains familiers.

L’intime se manifeste ainsi chez certains des artistes de l’exposition dans un rapport très fort avec leur propre production. Chez Jessica Backhaus et Peter Hauser, le lien à la fabrication même de l’image par des procédés analogiques — le travail avec des papiers colorés pour Backhaus et dans le laboratoire analogique pour Hauser — reflète une intimité de la pratique même, une expérimentation délicate avec des formes, des textures et des matériaux. Enfin, chez Charlie Engman, une forme de vulnérabilité émerge des expérimentations visuelles réalisées avec l’intelligence artificielle et de leur échec à reproduire des représentations de l’intimité corporelle, en particulier le hug, et résonne étrangement avec des photographies personnelles.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

L'intimità è un concetto spesso difficile da definire, intangibile e sfuggente. Si può trovare in un ricordo d'infanzia, nell'interno della propria casa o del proprio quartiere, nei gesti scambiati con i propri cari, nella familiarità di un'immagine, o anche nell'attaccamento a un oggetto, a un materiale o a una texture.

Senza mostrare direttamente situazioni immediatamente identificabili come intime, come può la fotografia esprimere il rapporto con questo sentimento, la sua natura fugace e impalpabile? Come può ritrarre il rapporto con la memoria, che è inevitabilmente fallibile, i legami spesso complessi e mutevoli con i propri cari, o il rapporto con una casa la cui familiarità può diventare strana in qualsiasi momento?

Se le immagini fabbricate o manipolate sono spesso associate all'appropriazione indebita dell'opinione pubblica o alla rappresentazione di universi fittizi, qui vengono esplorate per il loro potenziale di rivelazione della nostra soggettività e del nostro rapporto con le cose. Come possiamo raccontare i nostri ricordi, esprimere il nostro legame con le persone care o rendere tangibile la nostra sensibilità?

Attraverso elaborati processi di manipolazione dell'immagine, gli artisti di questa mostra rendono visibile, catturano o fissano una forma di intimità, dall'espressione più personale dell'emozione all'interpretazione macchinosa delle relazioni umane. Realizzate con carta colorata, generate dall'intelligenza artificiale, create interamente nel laboratorio fotografico o frutto di un meticoloso fotomontaggio, le immagini riunite in questa mostra riflettono l'ostinata sperimentazione dei loro autori, trasmettendo emozioni tanto frivole quanto travolgenti. La loro natura esplicitamente artificiale - senza che qui si tracci una gerarchia tra la carta ritagliata e i più sofisticati strumenti di generazione di immagini - mette in evidenza la dimensione a volte strana di ciò che ci è più familiare. Attraverso i loro processi esplorativi e la loro complessa architettura, gli artisti rivelano i complessi meccanismi con cui percepiamo il mondo, testimoniando in modo sottile e delicato la manifestazione delle nostre soggettività individuali.

Il lavoro di Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond e Sara De Brito Faustino indaga i legami tra immagini fabbricate e memoria. Adu-Sanyah e Bernard-Reymond utilizzano l'intelligenza artificiale per ricreare o visualizzare i ricordi, prestando particolare attenzione alla materialità delle immagini risultanti, mentre De Brito Faustino ricostruisce i luoghi della sua infanzia in modelli in scala che poi rifotografa. Le loro opere evidenziano la natura saliente ma talvolta fallibile, strana e ricostruita dei ricordi.

Emma Bedos, Alina Frieske e Moritz Jekat utilizzano tecnologie visive come la fotogrammetria, il fotomontaggio e i videogiochi per indagare le relazioni intime, familiari e amorose. I luoghi associati a una relazione sentimentale, la distanza geografica dai propri cari e le interfacce digitali che la compensano, la circolazione privata e pubblica delle immagini personali sono tutti temi affrontati in progetti in cui l'immagine assume forme sperimentali e inaspettate.

Leigh Merrill, il duo Taiyo Onorato & Nico Krebs e Martin Widmer condividono un approccio allo spazio, meticolosamente costruito e ricostruito con diverse tecniche di collage e sovrapposizione. Sia Onorato & Krebs che Widmer lavorano in modo autoriflessivo, utilizzando le proprie immagini come punto di partenza, mentre Merrill usa il collage per rimodellare spazi urbani familiari.

Per alcuni degli artisti in mostra, l'intimità si manifesta in un rapporto molto forte con la propria produzione. Per Jessica Backhaus e Peter Hauser, il legame con la realizzazione stessa dell'immagine attraverso processi analogici - lavorando con carta colorata per Backhaus e nel laboratorio analogico per Hauser - riflette un'intimità della pratica stessa, una delicata sperimentazione con forme, texture e materiali. Infine, nel lavoro di Charlie Engman, una forma di vulnerabilità emerge dagli esperimenti visivi condotti con l'intelligenza artificiale e dal loro fallimento nel riprodurre le rappresentazioni dell'intimità corporea, in particolare l'abbraccio, e risuona stranamente con le fotografie personali.

A cura di Claus Gunti & Danaé Panchaud

Intimacy is a concept that is often difficult to define, intangible and elusive. It can be found in a childhood memory, in the interior of one’s home or neighbourhood, in the gestures exchanged with loved ones, but also in the familiarity with an image, or in the attachment to an object, a material or a texture.

Without directly showing situations that are immediately identifiable as intimate, how can photography express a relationship with this feeling, its fleeting and impalpable nature? How can it portray the relationship with memory, which is inevitably fallible, the often complex and changing links with loved ones, or the relationship with a home whose familiarity can turn strange at any moment?

While fabricated or manipulated images are often associated with the misappropriation of public opinion or the representation of fictional universes, they are here explored for their potential to reveal our subjectivity and our relationship with reality. How can we recount our memories, express our connection to loved ones, or make our sensibilities tangible?

Through elaborate processes of image manipulation, the artists in this exhibition make visible, capture or fix a form of intimacy, from the most personal expression of an emotion to the automated interpretation of human relationships by a machine. Whether made with coloured paper, generated by artificial intelligence, created entirely in the photographic laboratory or the result of meticulous photomontage, the images brought together for this exhibition reflect their author’s tenacious experi-mentation, conveying emotions that are sometimes frivolous, sometimes profound. Their explicitly fabricated nature - without any hierarchy being drawn here between cut-out paper and the most sophisticated image-generating tools - highlights the sometimes strange dimension of what is most familiar to us. Through their exploratory processes and complex architecture, the artists reveal the complex mechanisms by which we apprehend the world, bearing subtle and delicate witness to the manifestation of our individual subjectivities.

The work of Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond and Sara De Brito Faustino investigates the links between fabricated images and memory. Adu-Sanyah and Bernard-Reymond use artificial intelligence to recreate or visualise memories, paying particular attention to the materiality of the resulting photographs, while De Brito Faustino reconstructs her childhood homes with models that she then rephotographs. Their works highlight the salient but sometimes fallible, strange and reconstructed nature of memories.

Emma Bedos, Alina Frieske and Moritz Jekat use visual technologies such as photogrammetry, photomontage and video games to investigate intimate, family and love relationships. The places associated with a romantic relationship, the geographical distance from loved ones and the digital interfaces that bridge it, or the private and public circulations of personal images are all addressed in projects where the image takes on experimental and unexpected forms.

Leigh Merrill, the duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, and Martin Widmer share a certain approach, meticulously constructing and reconstructing spaces with different techniques of collage and superposition. Both Onorato & Krebs and Widmer work in a self-reflexive way, using their own images as a starting point, while Merrill uses collage to reshape familiar urban spaces.

In some of the artists in the exhibition, the intimate manifests itself in a strong relationship with their own work. For Jessica Backhaus and Peter Hauser, the link to the very making of the image through analogue processes – working with coloured papers for Backhaus and in the analogue laboratory for Hauser – reflects an intimacy of practice itself, in delicate experimentations with shapes, textures and materials. Finally, in Charlie Engman’s work, a form of vulnerability emerges from the visual experiments carried out with artificial intelligence and their failure to reproduce representations of bodily intimacy, in particular hugs, which furthermore resonates strangely with personal photographs.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

Museum Rietberg | Zürich
29. Februar – 4. August 2024

Iran - Porträt eines Landes
Antoin Sevruguin

Unter dem Titel «Iran ­– Porträt eines Landes» zeigt das Museum Rietberg eine Ausstellung, die dem Fotografen Antoin Sevruguin (1851–1933) gewidmet ist. Als Sohn armenischer Eltern im Iran geboren und im georgischen Tiflis aufgewachsen, arbeitete er später als Berufsfotograf in Teheran – und verstand sich als Iraner. Dennoch gilt er heute, der berühmteste frühe Fotograf in Iran, den meisten Fachleuten in und ausserhalb des Irans als «Ausländer». Er fotografierte, so die Meinung, Land und Leute mit einem «fremden», einem «orientalistischen» Blick. Heisst das, dass Sevruguin nur «europäische» Bilder schuf? Ist es am Ende undenkbar, dass ein «Secondo» wie er einen «indigenen», einen «iranischen» Blick besass? Diese Fragen – die viel mit Vorurteilen und Kategorisierungen zu tun haben und heute aktueller sind denn je – stehen im Zentrum dieses «Porträts». Die Ausstellung zeigt 63 Fotografien aus dem Bestand des Museums Rietberg und wird von einer Broschüre in Deutsch, Französisch und Englisch begleitet.

Intitulée Iran – Portrait d'un pays, cette exposition du Musée Rietberg est consacrée au photographe Antoin Sevruguin (1851-1933). Né en Iran de parents arméniens et ayant grandi à Tbilissi en Géorgie, il a ensuite travaillé comme photographe professionnel à Téhéran. Même s'il se considérait comme iranien, et malgré le fait qu'il soit aujourd'hui le plus célèbre des premiers photographes iraniens, la plupart des spécialistes du pays et ailleurs le considèrent comme un «étranger». Selon eux, il photographiait le pays et ses habitants avec un regard «d'extérieur» et «orientaliste». Cela signifie-t-il que Sevruguin ne créait que des images «européennes»? Est-il impensable, en fin de compte, qu'un «étranger de la deuxième génération» comme lui ait eu un regard «indigène» et «iranien»? Ces questions liées aux préjugés et aux catégorisations sont plus que jamais d'actualité et se trouvent au centre de ce «portrait». L'exposition présente 63 photographies issues du fonds du Musée Rietberg et est accompagnée d'une brochure en allemand, français et anglais.

Con il titolo "Iran - Ritratto di un Paese", il Museo Rietberg presenta una mostra dedicata al fotografo Antoin Sevruguin (1851-1933). Nato in Iran da genitori armeni e cresciuto a Tbilisi, in Georgia, in seguito lavorò come fotografo professionista a Teheran - e si considerava iraniano. Tuttavia, oggi lui, il più famoso fotografo degli esordi in Iran, è considerato uno "straniero" dalla maggior parte degli esperti dentro e fuori l'Iran. Secondo loro, ha fotografato il Paese e la sua gente con un occhio "straniero", "orientalista". Questo significa che Sevruguin ha creato solo immagini "europee"? È in definitiva inconcepibile che un "secondo" come lui possedesse uno sguardo "indigeno", "iraniano"? Queste domande - che hanno molto a che fare con i pregiudizi e le categorizzazioni e che oggi sono più attuali che mai - sono al centro di questo "ritratto". La mostra presenta 63 fotografie della collezione del Museo Rietberg ed è accompagnata da una brochure in tedesco, francese e inglese.

Under the title "Iran – Portrait of a Country", the Museum Rietberg is showing an exhibition dedicated to the photographer Antoin Sevruguin (1851-1933). Born in Iran to Armenian parents and raised in Tbilisi, Georgia, Sevruguin later worked as a professional photographer in Tehran - and considered himself to be Iranian. Today, however, he is considered a "foreigner" by most experts in and outside Iran, despite being the most famous early photographer in Iran. In their opinion, he photographed the country and its people with a "foreign", "orientalist" eye. Does this mean that Sevruguin only created "European" images? Is it ultimately inconceivable that a "secondo" like him possessed an "indigenous", an "Iranian" gaze? These questions - which have a lot to do with prejudices and categorisations and are more topical today than ever - are at the heart of this "portrait". The exhibition shows 63 photographs from the Museum Rietberg's collection and is accompanied by a brochure in German, French and English.

(Text: Museum Rietberg, Zürich)

Bildhalle | Zürich
29. Februar – 30. April 2024

Terra incognita
Ilona Langbroek

Die Bildhalle Zürich freut sich, die erste Einzelausstellung der international erfolgreichen holländischen Fotografin Ilona Langbroek zu präsentieren.

TERRA INCOGNITA basiert auf Langbroeks familiären Geschichte, die eng verbunden ist mit der kolonialen Vergangenheit ihres Landes und der Geschichte von Niederländisch-Ostindien. Es geht um die Entwurzelung und die gespaltene Identität von Menschen, die gezwungen waren, ihr Heimatland überstürzt zu verlassen – so wie Ilonas Langbroeks indonesische Grossmutter, die durch ihre Ehe mit einem holländischen Soldaten nach der Unabhängigkeit Indonesiens in ihrem eigenen Land nicht mehr willkommen war.

Die Künstlerin versetzt sich in ihrer Arbeit in die Lebenswelt ihrer Grosseltern, versucht aber auch, über intensive Recherche und das Studium von historischen Bildern und Literatur, das kollektive Trauma einer ganzen Generation zu verstehen und in metaphorisch-poetische Bilder zu übersetzen. In ihren Stillleben und inszenierten Porträts arbeitet sie mit Objekten und Stoffen, die – ob historisch oder durch sie selbst entworfen – die alte und neue Heimat ihrer Grossmutter verbinden und visuell manifestieren.

Ilona Langbroek bedient sich der Ästhetik des «Chiaroscuro», der starken Kontraste von Hell und Dunkel, wie man sie auf den Gemälden des Barocks und der Spätrenaissance findet – insbesondere auch in der holländischen Malerei jener Zeit. Durch Licht und Schatten schafft die Künstlerin eine Atmosphäre des Übergangs, symbolisch für jene Zwischenwelt, in der sich Menschen befinden, die vertrautes Terrain zurücklassen und sich an einem neuen unbekannten Ort – Terra Incognita – nicht zuhause fühlen.

Zelda Cheatle, eine renommierte britische Kuratorin für Fotografie, bezeichnete Langbroek 2021 als die „Entdeckung des Jahres“. Dass Ilona Langbroek nicht nur in den Niederlanden, sondern auch international Erfolge feiert, ist sicher auch dem Umstand zu verdanken, dass sie ihre persönliche Geschichte zwischen den Zeilen erzählt. Für die Betrachter:in bleibt Raum, die unerzählten Geschichten hinter den Bildern zu enträtseln und mit eigenen Erinnerungen in Verbindung zu bringen.

La Bildhalle de Zurich a le plaisir de présenter la première exposition individuelle de la photographe hollandaise Ilona Langbroek, qui connaît un succès international.

TERRA INCOGNITA est basée sur l'histoire familiale de Langbroek, qui est étroitement liée au passé colonial de son pays et à l'histoire des Indes orientales néerlandaises. Il s'agit du déracinement et de l'identité divisée de personnes qui ont été contraintes de quitter précipitamment leur pays d'origine - comme la grand-mère indonésienne d'Ilonas Langbroek, qui n'était plus la bienvenue dans son propre pays suite à son mariage avec un soldat hollandais après l'indépendance de l'Indonésie.

Dans son travail, l'artiste se transpose dans l'univers de ses grands-parents, mais elle tente également, par le biais de recherches intensives et de l'étude d'images et de littérature historiques, de comprendre le traumatisme collectif de toute une génération et de le traduire en visuels métaphoriques et poétiques. Dans ses natures mortes et ses portraits mis en scène, elle travaille avec des objets et des tissus qui - qu'ils soient historiques ou conçus par elle-même - relient et manifestent visuellement l'ancienne et la nouvelle patrie de sa grand-mère.

Ilona Langbroek utilise l'esthétique du "clair-obscur", les forts contrastes de clair et d'obscur que l'on retrouve dans les tableaux de l'époque baroque et de la fin de la Renaissance - notamment aussi dans la peinture hollandaise de cette époque. Par la lumière et l'ombre, l'artiste crée une atmosphère de transition, symbolique de ce monde intermédiaire dans lequel se trouvent les personnes qui laissent derrière elles un terrain familier et ne se sentent pas chez elles dans un nouveau lieu inconnu - Terra Incognita.

Zelda Cheatle, une conservatrice britannique de renom spécialisée dans la photographie, a qualifié Langbroek de "découverte de l'année" en 2021. Si Ilona Langbroek connaît un succès non seulement aux Pays-Bas, mais aussi à l'international, c'est certainement parce qu'elle raconte son histoire personnelle entre les lignes. Les spectateurs ont ainsi la possibilité de décrypter les histoires non racontées qui se cachent derrière les visuels et de les mettre en relation avec leurs propres souvenirs.

La Bildhalle Zürich è lieta di presentare la prima mostra personale della fotografa olandese di successo internazionale Ilona Langbroek.

TERRA INCOGNITA si basa sulla storia della famiglia della Langbroek, strettamente legata al passato coloniale del suo Paese e alla storia delle Indie Orientali Olandesi. Si tratta dello sradicamento e della scissione dell'identità di persone che sono state costrette a lasciare la loro patria in fretta e furia, come la nonna indonesiana di Ilonas Langbroek, che dopo l'indipendenza dell'Indonesia non era più gradita nel suo Paese a causa del suo matrimonio con un soldato olandese.

Nel suo lavoro, l'artista si colloca nel mondo dei suoi nonni, ma cerca anche di comprendere il trauma collettivo di un'intera generazione attraverso un'intensa ricerca e lo studio di immagini storiche e letteratura, e di tradurlo in immagini metaforiche e poetiche. Nelle sue nature morte e nei suoi ritratti in scena, l'artista lavora con oggetti e tessuti che - siano essi storici o di sua creazione - collegano e manifestano visivamente la vecchia e la nuova patria di sua nonna.

Ilona Langbroek utilizza l'estetica del "chiaroscuro", i forti contrasti di luce e buio presenti nei dipinti barocchi e del tardo Rinascimento, soprattutto nella pittura olandese dell'epoca. L'artista usa la luce e l'ombra per creare un'atmosfera di transizione, simboleggiando il mondo intermedio in cui si trovano le persone quando si lasciano alle spalle il territorio familiare e non si sentono a casa in un luogo nuovo e sconosciuto - terra incognita.

Zelda Cheatle, rinomata curatrice britannica di fotografia, ha definito Langbroek la "scoperta dell'anno" nel 2021. Il successo di Ilona Langbroek non solo nei Paesi Bassi, ma anche a livello internazionale, è certamente dovuto anche al fatto che racconta la sua storia personale tra le righe. Gli spettatori hanno la possibilità di svelare le storie non raccontate che si celano dietro le immagini e di collegarle ai propri ricordi.

Bildhalle Zürich is pleased to present the first solo exhibition of the internationally successful Dutch photographer Ilona Langbroek.

TERRA INCOGNITA is based on Langbroek's family history, which is closely linked to her country's colonial past and the history of the Dutch East Indies. It is about the uprootedness and split identity of people who were forced to leave their homeland in a hurry - like Ilonas Langbroek's Indonesian grandmother, who was no longer welcome in her own country after Indonesia's independence due to her marriage to a Dutch soldier.

In her work, the artist places herself in the world of her grandparents, but also attempts to understand the collective trauma of an entire generation through intensive research and the study of historical images and literature, and to translate it into metaphorical and poetic visuals. In her still lifes and staged portraits, she works with objects and fabrics that - whether historical or of her own design - connect and visually manifest her grandmother's old and new homeland.

Ilona Langbroek uses the aesthetics of "chiaroscuro", the strong contrasts of light and dark found in Baroque and late Renaissance paintings - especially in Dutch painting of the time. Through light and shadow, the artist creates an atmosphere of transition, symbolic of that in-between world in which people find themselves when they leave familiar terrain behind and do not feel at home in a new unknown place - terra incognita.

Zelda Cheatle, a renowned British curator of photography, described Langbroek as the "discovery of the year" in 2021. Ilona Langbroek's success not only in the Netherlands, but also internationally, is of course also due to the fact that she tells her personal story between the lines. There is room for viewers to unravel the untold stories behind the visuals and connect them to their own memories.

(Text: Bildhalle, Zürich/Amsterdam)

Baugeschichtliches Archiv - Haus am Rech | Zürich
1. März – 31. Mai 2024

Fotoateliers in Zürich

Im Oktober 1839 – nur gerade zwei Monate nachdem Louis Daguerre in Paris der Welt sein fotografisches Verfahren vorgestellt hatte – fand in Zürich die erste Foto-Ausstellung statt.

Der Durchbruch für das neue Medium ging Hand in Hand mit der Entstehung von Fotoateliers: Ab Mitte des 19. Jahrhunderts wurden erste Fotograf*innen in Zürich sesshaft. Die Ateliers waren meist (Glas-)Aufbauten auf Gebäuden und wurden vor allem für Personen- und Porträtaufnahmen genutzt.

Im Baugeschichtlichen Archiv finden sich vielfältige Spuren zur Fotografiegeschichte der Stadt: Historische Zeitzeugen wie Innen- und Aussenaufnahmen und Baupläne der prägnanten Fotoateliers auf den Dächern, sowie zahlreiche Stadtansichten, Gruppenaufnahmen und Porträts der Fotopionier*innen nehmen die Besuchenden mit auf eine Reise zu den Anfängen der Fotografie.

Nun präsentiert das Archiv die schönsten Bilder aus mehreren Nachlässen historischer Fotoateliers in einer Ausstellung im Haus zum Rech. Besucher*innen tauchen in die Pionierzeit der Fotografie ein und lernen die bekanntesten Studios der Epoche kennen. Zu sehen sind auch einige neu erschlossene Teil-Bestände, die erstmals einem breiten Publikum gezeigt werden: So gelangte erst kürzlich der Nachlass der Foto-Dynastie der Familie Schucht, die ab 1880 über mehrere Generationen hinweg an der Kasernenstrasse tätig war, ins Baugeschichtliche Archiv.

En octobre 1839, deux mois à peine après que Louis Daguerre eut présenté son procédé photographique au monde à Paris, la première exposition de photos eut lieu à Zurich.

La percée de ce nouveau média est allée de pair avec la création d'ateliers de photographie : dès le milieu du 19e siècle, les premiers photographes se sont installés à Zurich. Les ateliers étaient le plus souvent des structures (en verre) sur des bâtiments et étaient surtout utilisés pour des prises de vue de personnes et de portraits.

Les archives de l'histoire de l'architecture contiennent de nombreuses traces de l'histoire de la photographie de la ville : des témoins historiques tels que des photos d'intérieur et d'extérieur et des plans de construction des ateliers photographiques marquants sur les toits, ainsi que de nombreuses vues de la ville, des photos de groupe et des portraits des pionniers de la photographie* emmènent les visiteurs dans un voyage vers les débuts de la photographie.

Les archives présentent maintenant les plus belles photos de plusieurs fonds d'ateliers photographiques historiques dans une exposition à la Haus zum Rech. Les visiteurs* se plongent dans l'époque pionnière de la photographie et font la connaissance des studios les plus connus de l'époque. On peut également y voir quelques fonds partiels récemment mis en valeur et présentés pour la première fois au grand public : Ainsi, le fonds de la dynastie de photographes de la famille Schucht, qui a travaillé à partir de 1880 et pendant plusieurs générations à la Kasernenstrasse, est arrivé récemment aux archives de l'histoire de l'architecture.

Nell'ottobre del 1839 - appena due mesi dopo che Louis Daguerre aveva presentato al mondo il suo processo fotografico a Parigi - si tenne a Zurigo la prima mostra fotografica.

L'affermazione del nuovo mezzo è andata di pari passo con la nascita degli studi fotografici: a partire dalla metà del XIX secolo, i primi fotografi si stabilirono a Zurigo. Gli studi erano per lo più strutture (in vetro) su edifici e venivano utilizzati principalmente per fotografare persone e ritratti.

L'Archivio Storico Architettonico contiene molte tracce della storia fotografica della città: testimonianze storiche come fotografie di interni ed esterni e piani di costruzione dei suggestivi studi fotografici sui tetti, oltre a numerose vedute della città, scatti di gruppo e ritratti dei pionieri della fotografia, accompagnano i visitatori in un viaggio agli albori della fotografia.

L'archivio presenta ora le immagini più belle di diverse proprietà di studi fotografici storici in una mostra presso la Haus zum Rech. I visitatori possono immergersi nei giorni pionieristici della fotografia e conoscere gli studi più famosi dell'epoca. Sono esposte anche alcune parti della collezione catalogate di recente, che vengono mostrate al pubblico per la prima volta: Ad esempio, la proprietà della dinastia fotografica della famiglia Schucht, attiva nella Kasernenstrasse per diverse generazioni a partire dal 1880, è stata recentemente trasferita all'Archivio di Storia dell'Architettura.

In October 1839 - just two months after Louis Daguerre presented his photographic process to the world in Paris - the first photo exhibition was held in Zurich.

The breakthrough for the new medium went hand in hand with the emergence of photo studios: from the middle of the 19th century, the first photographers settled in Zurich. The studios were mostly (glass) structures on buildings and were mainly used for taking photos of people and portraits.

The Architectural History Archive contains many traces of the city's photographic history: historical witnesses such as interior and exterior photographs and construction plans of the striking photo studios on the roofs, as well as numerous city views, group shots and portraits of the photography pioneers take visitors on a journey to the beginnings of photography.

The archive is now presenting the most beautiful images from several estates of historical photo studios in an exhibition at Haus zum Rech. Visitors can immerse themselves in the pioneering days of photography and get to know the most famous studios of the era. On display are also some newly acquired parts of the collection, which are being shown to the general public for the first time: For example, the estate of the Schucht family's photographic dynasty, which was active on Kasernenstrasse for several generations from 1880 onwards, was recently transferred to the Architectural History Archive.

(Text: Baugeschichtliches Archiv - Haus am Rech, Zürich)

Foto Forum Zug
1. März – 30. April 2024

Malen mit Licht
Thomas Gretener

Thomas Gretener aus Cham fotografiert seit rund 50 Jahren. Auf der Suche nach neuen Ausdrucksformen stiess er vor zehn Jahren auf das Prinzip der «camera obscura»: Fotografieren ohne Linse, dafür mit einem Aufsatz, der wenig Licht auf den Datenträger lässt. Die Digitalkamera wird zur Lochkamera. Die Brennweite: unspektakuläre 45 mm. Die Blende: lichtschwache f / 180, da braucht es viel Licht oder ein Stativ. Die Technik wird zweitranig, dafür kommt dem Beobachten grössere Bedeutung zu. Die Fotografie wendet sich einem minimalistischen Prinzip zu. Linien und Formen bestimmen das Bildmotiv. Die Farben verschwimmen und die Fotografie wird zum Bild: Malen mit Licht. Die Abbildungsqualität ist bescheiden: Die Bilder werden als unscharf empfunden, Überstrahlungen und Farbfehler verfremden sie und sich bewegende Objekte verfliessen. Dafür weisen die Fotos eine anmutige Ästhetik mit schöner Tonalität auf. Sie stehen in starkem Kontrast zu den heute gängigen scharfen Bildern moderner Kameras.

Thomas Gretener, de Cham, pratique la photographie depuis environ 50 ans. A la recherche de nouvelles formes d'expression, il a découvert il y a dix ans le principe de la "camera obscura" : photographier sans lentille, mais avec un embout qui laisse passer peu de lumière sur le support de données. L'appareil photo numérique devient un sténopé. La distance focale : un 45 mm peu spectaculaire. L'ouverture : faible f / 180, il faut beaucoup de lumière ou un trépied. La technique devient secondaire, mais l'observation revêt une plus grande importance. La photographie se tourne vers un principe minimaliste. Les lignes et les formes déterminent le sujet de l'image. Les couleurs s'estompent et la photographie devient un visuel : peindre avec la lumière. La qualité de l'image est modeste : Les visuels sont perçus comme flous, les surimpressions et les erreurs de couleur les dénaturent et les objets en mouvement s'écoulent. En revanche, les photos présentent une esthétique gracieuse avec une belle tonalité. Elles contrastent fortement avec les visuels actuels des appareils photo modernes.

Thomas Gretener, di Cham, fotografa da circa 50 anni. Dieci anni fa, nella sua ricerca di nuove forme di espressione, si è imbattuto nel principio della "camera oscura": la fotografia senza obiettivo, ma con un attacco che lascia passare poca luce sul supporto dati. La fotocamera digitale diventa una macchina fotografica a foro stenopeico. La lunghezza focale: un non spettacolare 45 mm. L'apertura del diaframma: basso f/180, quindi è necessaria molta luce o un treppiede. La tecnica diventa secondaria, ma l'osservazione diventa più importante. La fotografia si orienta verso un principio minimalista. Linee e forme determinano il motivo. I colori si confondono e la fotografia diventa un quadro: una pittura con la luce. La qualità dell'immagine è modesta: Le immagini sono percepite come sfocate, la sovraesposizione e gli errori di colore le allontanano e gli oggetti in movimento scorrono. D'altra parte, le foto hanno un'estetica aggraziata con una bella tonalità. Sono in netto contrasto con le immagini nitide delle moderne fotocamere.

Thomas Gretener from Cham has been taking photographs for around 50 years. Ten years ago, in his search for new forms of expression, he came across the principle of the "camera obscura": photography without a lens, but with an attachment that lets little light onto the data carrier. The digital camera becomes a pinhole camera. The focal length: an unspectacular 45 mm. The aperture: low f / 180, so you need a lot of light or a tripod. The technique becomes secondary, but observation becomes more important. Photography turns to a minimalist principle. Lines and shapes determine the motif. The colors become blurred and the photograph becomes a visual: painting with light. The image quality is modest: The visuals are perceived as blurred, overexposure and color errors alienate them and moving objects flow. On the other hand, the photos have a graceful aesthetic with a beautiful tonality. They stand in stark contrast to the sharp visuals of today's modern cameras.

(Text: Thomas Gretener)

Kunsthalle Friart | Fribourg
2. März – 28. April 2024

Our Ailing Senses
Sky Hopinka

Sky Hopinka (1984) ist ein experimenteller Filmemacher, Fotograf und Dichter und gehört der Ho-Chunk Nation an, einem Native American Tribe in Wisconsin. Der Künstler stellt das Weitergeben von Geschichten, Traditionen und Kämpfen der amerikanischen Ureinwohner:innen in den Mittelpunkt seiner Arbeit. Durch die Verflechtung von intimen Zeugnissen, Ausflügen auf dem Land der Vorfahren und Archivmaterial komponiert er lyrische und engagierte Chroniken, in denen die Grenze zwischen dem Persönlichen und dem Kollektiven verschwimmt. Landschaften, Texturen, Musik und Schrift bilden Schichten, aus denen ethnopoetische und neomythologische Beschwörungen hervorgehen, wie der Künstler sie gerne definiert.

Seine Ausstellung Our Ailing Senses in der Kunsthalle Friart zeigt Gedichten und Fotografien und eine grosse Auswahl an Filmen, die zwischen 2014 und 2023 entstanden sind. Die Begegnung der Sprache mit den Bildern der Erde eröffnet dort einen Raum von wiederherstellender Schönheit.

Sky Hopinka (1984) est un cinéaste expérimental, photographe et poète, membre de la Nation Ho-Chunk, une tribu amérindienne du Wisconsin. L’artiste inscrit la transmission des récits, traditions et luttes des peuples natifs d’Amériques au coeur de sa pratique. Entrelaçant témoignages intimes, dérives sur les terres ancestrales et documents d’archives, il compose des chroniques lyriques et engagées dans lesquelles la frontière entre le personnel et le collectif s’estompe. Paysages, textures, musiques, écriture forment autant de couches à partir desquelles émergent des évocations ethnopoétiques et néo-mythologiques, comme aime à les définir l’artiste.

Our Ailing Senses, son exposition à la Kunsthalle Friart, présente une large sélection de films, des poèmes et des photographies réalisés entre 2014 et 2023. La rencontre de la langue et des images de la terre y ouvre un espace d’une beauté qui restaure.

Sky Hopinka (1984) è un regista sperimentale, fotografo e poeta, membro della Ho-Chunk Nation, una tribù di nativi americani del Wisconsin. L'artista pone al centro del suo lavoro la trasmissione di storie, tradizioni e lotte dei nativi americani. Intrecciando testimonianze intime, escursioni nelle terre ancestrali e materiale d'archivio, compone cronache liriche e coinvolgenti che sfumano il confine tra personale e collettivo. Paesaggi, texture, musica e scrittura formano strati da cui emergono evocazioni etnopoetiche e neomitologiche, come ama definirle l'artista.

La sua mostra Our Ailing Senses alla Kunsthalle Friart presenta poesie e fotografie e un'ampia selezione di film realizzati tra il 2014 e il 2023. L'incontro tra il linguaggio e le immagini della terra apre uno spazio di bellezza ristoratrice.

Sky Hopinka (1984) is an experimental filmmaker, photographer and poet. He is a member of the Ho-Chunk Nation, a Native American Tribe from Wisconsin. The transmission of accounts, traditions and struggles of indigenous American peoples is at the heart of his work. Interweaving personal testimony, narratives on ancestral lands and archival material, he composes lyrical pieces in which a spiritual determination blurs the boundary between the individual and the collective. Landscapes, textures, music and writing all make up the different layers of a practice the artist refers to as ethnopoetic and neomythological.

Our Ailing Senses, his exhibition at the Kunsthalle Friart, presents poems, photos and a broad selection of films produced between 2014 and 2023, in which the encounter between language and images of the earth open onto a space of restorative beauty.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

Kunsthaus Glarus
3. März – 30. Juni 2024

Stimmung
Emanuel Rossetti

Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lebt und arbeitet in Basel) untersucht in seiner künstlerischen Arbeit das Verhältnis von räumlichen Fragestellungen und Zuschreibungen von Bildern. Für seine fotografischen Serien, Objekte und Sound-Projekte nutzt der Künstler architektonische Strukturen und Landschaften, die er in fotografischen oder installativen Prozessen weiter analysiert. Das Prinzip der Komposition wird in der Wahrnehmung seiner Werke zum zentralen Element. Die meist seriell angelegten Fotografien von Landschaften entstehen an Orten, die an Rändern der Stadt oder in der Natur lokalisiert sind. Auf Spaziergängen entstehen Bilder, die die Antithese zwischen Stadt und Land kritisieren und mit der Erarbeitung neuer Bildkompositionen ihre Aufhebung untersuchen.

Für seine Ausstellung Stimmung hat Emanuel Rossetti im Kunsthaus Glarus grossformatige fotografische Serien entwickelt, die an unterschiedlichen Orten über einen Zeitraum von zwei Jahren entstanden sind. Die Fotos wurden mit einem Fischaugenobjektiv aufgenommen. Mit dieser Technik bildet sich die Aufnahme der Landschaft als kreisrundes Bild mit einem schwarzen Umfeld ab. Die Ränder der Abbildungen sind gebogen und unterstreichen eine gewisse Komplexität, die zudem von der Komposition der Landschaften als Serie unterstrichen wird. Der von Emanuel Rossetti erweiterte Begriff von Landschaft erscheint so als eine Art Schnittstelle von einem Raum in einen anderen.

In einer weiteren Werkserie arbeitet Rossetti mit Mitteln der Stereoskopie, einer Art Nebenerscheinung der Fotografie-Geschichte. Es entstehen Objekte mit stereoskopischen Fotografien, bei deren Betrachtung man sich beim Sehen selbst «zuschauen» kann und dabei zwei unterschiedliche Situationen gleichzeitig räumlich wahrnimmt.

Im Deutschen hat das Wort «Stimmung» mehrere Bedeutungen. Es könnte sich um eine innere Stimmung handeln oder aber auch auf die Stimmung der Landschaft verweisen. Darin enthalten ist etwas Schwellenartiges, bei dem der Übergang zwischen der Wahrnehmung des Inneren und des Gesehenen nicht ganz klar verläuft und beides ineinander übergeht. Gleichzeitig beschreibt Stimmung auch das Tuning von Klang. In einem weiteren Projekt entsteht gemeinsam mit Stefan Tcherepnin, mit dem Rossetti das Projekt Staged Worlds betreibt, im Ausstellungsraum eine Aufführung mit offener Probe am 10. und 11. Mai, die sich zur Teilnahme an alle richtet und eine anschliessende Aufführung vorsieht.

Emanuel Rossetti (*1987 à Bâle, vit et travaille à Bâle) explore dans son travail artistique la relation entre les questions spatiales et les attributions d'images. Pour ses séries photographiques, ses objets et ses projets sonores, l'artiste utilise des structures architecturales et des paysages qu'il analyse ensuite dans des processus photographiques ou d'installation. Le principe de composition devient un élément central dans la perception de ses œuvres. Les photographies de paysages, le plus souvent en série, sont prises dans des lieux localisés en bordure de la ville ou dans la nature. Au cours de promenades, il crée des images qui critiquent l'antithèse entre la ville et la campagne et examine sa suppression en élaborant de nouvelles compositions d'images.

Pour son exposition Stimmung, Emanuel Rossetti a développé au Kunsthaus de Glaris des séries photographiques grand format réalisées dans différents lieux sur une période de deux ans. Les photos ont été prises avec un objectif fisheye. Grâce à cette technique, la prise de vue du paysage se présente comme une image circulaire avec un environnement noir. Les bords des illustrations sont courbés et soulignent une certaine complexité, qui est en outre soulignée par la composition des paysages en tant que série. La notion de paysage, élargie par Emanuel Rossetti, apparaît ainsi comme une sorte d'interface d'un espace à un autre.

Dans une autre série d'œuvres, Rossetti travaille avec les moyens de la stéréoscopie, une sorte de phénomène secondaire de l'histoire de la photographie. Il crée des objets avec des photographies stéréoscopiques, dont l'observation permet de "se regarder" en train de voir, tout en percevant simultanément deux situations différentes dans l'espace.

En allemand, le mot "Stimmung" a plusieurs significations. Il pourrait s'agir d'une humeur intérieure ou faire référence à l'humeur du paysage. Il contient quelque chose de l'ordre du seuil, dans lequel la transition entre la perception de l'intérieur et celle de ce qui est vu n'est pas tout à fait claire et où les deux se confondent. En même temps, l'ambiance décrit aussi l'accordage du son. Dans le cadre d'un autre projet, Stefan Tcherepnin, avec qui Rossetti mène le projet Staged Worlds, réalisera dans la salle d'exposition une représentation avec répétition ouverte les 10 et 11 mai, qui s'adresse à tous et prévoit une représentation ultérieure.

Nel suo lavoro artistico, Emanuel Rossetti (*1987 a Basilea, vive e lavora a Basilea) esplora la relazione tra le questioni spaziali e l'attribuzione delle immagini. Per le sue serie fotografiche, gli oggetti e i progetti sonori, l'artista utilizza strutture architettoniche e paesaggi, che analizza ulteriormente in processi fotografici o installativi. Il principio della composizione diventa un elemento centrale nella percezione delle sue opere. Le fotografie di paesaggi, per lo più seriali, sono realizzate in luoghi localizzati ai margini della città o nella natura. Durante le passeggiate, crea immagini che criticano l'antitesi tra città e campagna e ne indagano l'abolizione sviluppando nuove composizioni pittoriche.

Per la sua mostra Stimmung, Emanuel Rossetti ha sviluppato serie fotografiche di grande formato al Kunsthaus Glarus, scattate in vari luoghi nell'arco di due anni. Le foto sono state scattate con un obiettivo fisheye. Con questa tecnica, il paesaggio viene rappresentato come un'immagine circolare con uno sfondo nero. I bordi delle immagini sono curvi e sottolineano una certa complessità, sottolineata anche dalla composizione dei paesaggi in serie. Il concetto ampliato di paesaggio di Emanuel Rossetti appare quindi come una sorta di interfaccia tra uno spazio e l'altro.

In un'altra serie di opere, Rossetti lavora con i mezzi della stereoscopia, una sorta di sottoprodotto della storia della fotografia. Crea oggetti con fotografie stereoscopiche che permettono allo spettatore di "guardarsi" e di percepire contemporaneamente due situazioni diverse dal punto di vista spaziale.

In tedesco, la parola "Stimmung" ha diversi significati. Può riferirsi a uno stato d'animo interiore o all'umore del paesaggio. Contiene qualcosa di simile a una soglia, in cui la transizione tra la percezione dell'interno e quella dell'osservato non è del tutto chiara e i due si fondono l'uno nell'altro. Allo stesso tempo, l'umore descrive anche la sintonia del suono. In un ulteriore progetto, insieme a Stefan Tcherepnin, con il quale Rossetti dirige il progetto Staged Worlds, il 10 e l'11 maggio verrà realizzata nello spazio espositivo una performance con prova aperta, aperta a tutti e seguita da uno spettacolo.

In his artistic work, Emanuel Rossetti (*1987 in Basel, lives and works in Basel) explores the relationship between spatial issues and the attribution of images. For his photographic series, objects and sound projects, the artist uses architectural structures and landscapes, which he further analyzes in photographic or installation processes. The principle of composition becomes a central element in the perception of his works. The mostly serial photographs of landscapes are created in places located on the outskirts of the city or in nature. On walks, he creates images that criticize the antithesis between the city and the countryside and investigate its abolition by developing new pictorial compositions.

For his exhibition Stimmung, Emanuel Rossetti has developed large-format photographic series at the Kunsthaus Glarus, which were taken at various locations over a period of two years. The photos were taken with a fisheye lens. Using this technique, the landscape is depicted as a circular image with a black background. The edges of the images are curved and emphasize a certain complexity, which is also underlined by the composition of the landscapes as a series. Emanuel Rossetti's expanded concept of landscape thus appears as a kind of interface between one space and another.

In another series of works, Rossetti works with the means of stereoscopy, a kind of by-product of the history of photography. He creates objects with stereoscopic photographs that allow the viewer to "watch" themselves see and perceive two different situations spatially at the same time.

In German, the word "Stimmung" has several meanings. It could refer to an inner mood or to the mood of the landscape. It contains something threshold-like, in which the transition between the perception of what is inside and what is seen is not entirely clear and the two merge into one another. At the same time, mood also describes the tuning of sound. In a further project, together with Stefan Tcherepnin, with whom Rossetti runs the Staged Worlds project, a performance with an open rehearsal will take place in the exhibition space on May 10 and 11, which is open to everyone and will be followed by a performance.

(Text: Kunsthaus Glarus)

Christophe Guye Galerie | Zürich
7. März – 1. Juni 2024

Tokyo Whispers
Yoshinori Mizutani

Die Ausstellung zeigt 15 Werke aus vier verschiedenen Serien - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' und 'Yusurika' - und erkundet, wie der Künstler die Natur in der urbanen Umgebung mit seiner eigenen, unverwechselbaren fotografischen Sprache einfängt. Seine Fotografien zeigen ein tief verwurzeltes Verständnis dafür, wie Formen, Farben, Texturen und Tiefe auf die Bildebene übertragen werden. Er arbeitet mit einem visuellen Vokabular, das sich durch die Arbeit vieler zeitgenössischer Fotografen etabliert hat. Mizutanis Arbeiten sind Ausdruck der visuellen Tropen und fotografischen Stile, die unter jungen Fotografen in Japan weit verbreitet sind.

Yoshinori Mizutani lebt und arbeitet in Tokio. Er schloss 2012 das Tokyo College of Photography ab. Seitdem hat er zahlreiche renommierte Auszeichnungen gewonnen untern anderem 2013 den Japan Photo Award, 2014 wurde er zudem als FOAM Talent und unter die Lens Culture Emerging Talents Top 50 gewählt. Seit 2012 hat er in vielen internationalen Institutionen in Japan, China, Belgien, Grossbritannien, Italien und der Schweiz ausgestellt und u.a. die Bücher ‘Tokyo Parrots’, ‘Colors’, ‘Yusurika’ und ‘Hanon’ veröffentlicht.

L'exposition présente 15 œuvres issues de quatre séries différentes - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' et 'Yusurika' - et explore la manière dont l'artiste capture la nature dans l'environnement urbain avec son propre langage photographique distinctif. Ses photographies révèlent une compréhension profondément enracinée de la manière dont les formes, les couleurs, les textures et la profondeur sont transposées au niveau de l'image. Il travaille avec un vocabulaire visuel qui s'est établi à travers le travail de nombreux photographes contemporains. Le travail de Mizutani est l'expression des tropismes visuels et des styles photographiques largement répandus parmi les jeunes photographes au Japon.

Yoshinori Mizutani vit et travaille à Tokyo. Il est diplômé du Tokyo College of Photography en 2012. Depuis, il a remporté de nombreux prix prestigieux, dont le Japan Photo Award en 2013, et a également été élu Talent FOAM et parmi les 50 meilleurs talents émergents de Lens Culture en 2014. Depuis 2012, il a exposé dans de nombreuses institutions internationales au Japon, en Chine, en Belgique, en Grande-Bretagne, en Italie et en Suisse, et a publié entre autres les livres 'Tokyo Parrots', 'Colors', 'Yusurika' et 'Hanon'.

La mostra presenta 15 opere di quattro serie diverse - "Kawau", "Sakura", "Tokyo Parrots" e "Yusurika" - ed esplora il modo in cui l'artista cattura la natura nell'ambiente urbano con il suo caratteristico linguaggio fotografico. Le sue fotografie mostrano una profonda comprensione di come forme, colori, texture e profondità si traducono sul piano dell'immagine. Lavora con un vocabolario visivo che è stato stabilito dal lavoro di molti fotografi contemporanei. Il lavoro di Mizutani è espressione dei tropi visivi e degli stili fotografici prevalenti tra i giovani fotografi giapponesi.

Yoshinori Mizutani vive e lavora a Tokyo. Si è laureato al Tokyo College of Photography nel 2012. Da allora ha vinto numerosi premi prestigiosi, tra cui il Japan Photo Award nel 2013, e nel 2014 è stato anche selezionato come FOAM Talent e uno dei Lens Culture Emerging Talents Top 50. Dal 2012 ha esposto in numerose istituzioni internazionali in Giappone, Cina, Belgio, Regno Unito, Italia e Svizzera e ha pubblicato, tra gli altri, i libri "Tokyo Parrots", "Colors", "Yusurika" e "Hanon".

The exhibition features 15 works from four different series - 'Kawau', 'Sakura', 'Tokyo Parrots' and 'Yusurika' - and explores how the artist captures nature in the urban environment with his own distinctive photographic language. His photographs show a deep-rooted understanding of how shapes, colors, textures and depth translate to the picture plane. He works with a visual vocabulary that has been established by the work of many contemporary photographers. Mizutani's work is an expression of the visual tropes and photographic styles prevalent among young photographers in Japan.

Yoshinori Mizutani lives and works in Tokyo. He graduated from the Tokyo College of Photography in 2012. Since then, he has won numerous prestigious awards, including the Japan Photo Award in 2013, and in 2014 he was also selected as a FOAM Talent and one of the Lens Culture Emerging Talents Top 50. Since 2012, he has exhibited in many international institutions in Japan, China, Belgium, the UK, Italy and Switzerland and has published the books 'Tokyo Parrots', 'Colors', 'Yusurika' and 'Hanon', among others.

(Text: Christophe Guye Galerie, Zürich)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
9. März – 16. Juni 2024

Lichtblick - Fotografien politischer Bewegungen in den 1970ern und heute
Bilder bewegter Zeiten

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

Die Ausstellung «Lichtblick» macht sichtbar, in welch unterschiedlicher Art politisch-gesellschaftliche Bewegungen der 1970er-Jahre und der Gegenwart in fotografischen Zeugnissen Niederschlag finden. Der Nachlass der Agentur Kurt Graf/fotolib Basel zeigt die vielfältigen Proteste und Bewegungen um 1975 aus deren Innensicht heraus. Im Dialog dazu präsentieren zeitgenössische Fotograf:innen ihre Bilder zu Themen wie Arbeit, Gleichberechtigung, Antimilitarismus, Wohnformen oder Energie/Umwelt.

Der Nachlass Kurt Graf/fotolib Basel ist eine visuelle Dokumentation jener politischen Bewegungen, Ereignisse und Ideen, die in der Schweiz der 1970er-Jahre eine ganze Generation prägten. Ab 1975 dokumentierten Kurt Graf, Heiner Vogelsanger und Marcel Geiger als Fotografen-Kollektiv Widerstand und Protest, Aufbruch und Utopien. Den Ausschlag hatte die Besetzung des AKW-Baugeländes in Kaiseraugst im April 1975 gegeben. Die analogen Schwarz-Weiss-Fotografien entstanden, um das Engagement festzuhalten und weitherum bekannt zu machen.

Historische und zeitgenössische Fotografie im Dialog
Was ist von diesem Aufbruch der 1970er-Jahre übriggeblieben, wie präsentieren sich die einstigen Bewegungen heute, welche Bilder prägen unsere Gegenwart? BelleVue hat verschiedene Fotograf:innen und Organisationen, mehrheitlich aus der Region Basel, gebeten, aktuelle Aufnahmen zu den Themen der Ausstellung beizutragen.

Wie ein Brainstorming von Gedanken sind die grösseren zeitgenössischen Fotografien in der Ausstellung platziert. Eigenständig, eher symbolisch im Ausdruck, beschreiben sie bestimmte Zustände unserer Gesellschaft. Dazugestellt werden kleinere, dokumentarische Bildformate, zu den Themen der Ausstellung passend: Aktionen, Demonstrationen, Projekte, Engagement der Menschen im Kleinen und Grossen für die Sache, die ihnen am Herzen liegt.

Die historischen Bilderreihen erzählen Geschichten und zeugen vom Aufbruch in den verschiedensten Lebensbereichen. In den Reportagen der Zentralwäscherei wird die Mühsal der Arbeit spürbar: Wäscheberge, Fliessbänder, viele Frauen, meist Migrantinnen, die Hand in Hand arbeiten. Dann der Streik und die Solidaritätsveranstaltungen, endlich soll es besser werden!

Der Vergleich von historischen und zeitgenössischen Fotografien zeigt neben Unterschieden auch Gemeinsamkeiten. Viele digital entstandene Aufnahmen von politischen Aktivitäten auf der Strasse beschreiben, wie sich Menschen zusammentun und mit Transparenten ihre Forderungen verkünden. Solche Protestbilder gibt es heute wie damals in schier unüberschaubarer Fülle. Die Fotografie der Gegenwart ist zwar farbig, zuweilen von distanziertem Ausdruck und gut komponiert. Doch immer wieder finden sich auch – wie in den 1970er-Jahren – schnelle Schnappschüsse, die bezeugen sollen: So ist es gewesen, wir waren auch dabei!

Eine Kooperation von BelleVue – Ort für Fotografie und Staatsarchiv Basel-Stadt, auf Initiative der Christoph Merian Stiftung

L'exposition "Lichtblick" met en évidence les différentes manières dont les mouvements politico-sociaux des années 1970 et d'aujourd'hui se reflètent dans les témoignages photographiques. Le fonds de l'agence Kurt Graf/fotolib Bâle montre les multiples protestations et mouvements autour de 1975 de l'intérieur. Des photographes contemporains y présentent leurs visuels sur des thèmes tels que le travail, l'égalité des droits, l'antimilitarisme, les formes d'habitat ou l'énergie/l'environnement.

Le fonds Kurt Graf/fotolib Bâle est une documentation visuelle des mouvements politiques, des événements et des idées qui ont marqué toute une génération en Suisse dans les années 1970. Dès 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger et Marcel Geiger ont documenté, en tant que collectif de photographes, la résistance et la protestation, le renouveau et les utopies. L'occupation du site de construction de la centrale nucléaire de Kaiseraugst en avril 1975 a été le facteur décisif. Les photographies analogiques en noir et blanc ont été prises pour immortaliser cet engagement et le faire connaître loin à la ronde.

La photographie historique et contemporaine en dialogue
Que reste-t-il de ce renouveau des années 1970, comment les mouvements d'autrefois se présentent-ils aujourd'hui, quels visuels marquent notre présent ? BelleVue a demandé à différents photographes et organisations, pour la plupart de la région bâloise, de contribuer aux thèmes de l'exposition en prenant des photos actuelles.

Les grandes photographies contemporaines sont placées dans l'exposition comme un brainstorming de pensées. Indépendantes, plutôt symboliques dans leur expression, elles décrivent certains états de notre société. Elles sont accompagnées de petits formats d'images documentaires, en rapport avec les thèmes de l'exposition : actions, manifestations, projets, engagement des gens, à petite ou grande échelle, pour la cause qui leur tient à cœur.

Les séries d'images historiques racontent des histoires et témoignent du renouveau dans les domaines les plus divers de la vie. Dans les reportages de la blanchisserie centrale, la pénibilité du travail est palpable : des montagnes de linge, des chaînes de montage, de nombreuses femmes, pour la plupart des migrantes, qui travaillent main dans la main. Puis la grève et les manifestations de solidarité, les choses devraient enfin s'améliorer !

La comparaison entre les photographies historiques et contemporaines montre non seulement des différences, mais aussi des points communs. De nombreuses photos numériques d'activités politiques dans la rue décrivent comment les gens se rassemblent et annoncent leurs revendications avec des banderoles. De telles images de protestation existent aujourd'hui comme hier en quantité presque incalculable. La photographie contemporaine est certes colorée, parfois d'une expression distanciée et bien composée. Mais on trouve aussi régulièrement - comme dans les années 1970 - des instantanés rapides qui doivent témoigner : C'était comme ça, nous y étions aussi !

Une coopération de BelleVue - lieu pour la photographie et des Archives d'État de Bâle-Ville, à l'initiative de la Fondation Christoph Merian.

La mostra "Lichtblick" mostra i diversi modi in cui i movimenti politici e sociali degli anni Settanta e del presente si riflettono nelle testimonianze fotografiche. Il patrimonio dell'agenzia Kurt Graf/fotolib Basel mostra le diverse proteste e i movimenti intorno al 1975 dalla loro prospettiva interna. In dialogo con questi, fotografi contemporanei presentano le loro immagini su temi come il lavoro, la parità di diritti, l'antimilitarismo, le forme abitative e l'energia/ambiente.

Il patrimonio di Kurt Graf/fotolib Basel è una documentazione visiva dei movimenti politici, degli eventi e delle idee che hanno plasmato un'intera generazione in Svizzera negli anni Settanta. Dal 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger e Marcel Geiger hanno documentato la resistenza e la protesta, gli sconvolgimenti e le utopie come collettivo di fotografi. L'occupazione del cantiere della centrale nucleare di Kaiseraugst nell'aprile del 1975 fu il fattore decisivo. Le fotografie analogiche in bianco e nero sono state scattate per registrare l'occupazione e renderla nota a tutti.

Fotografia storica e contemporanea in dialogo
Cosa è rimasto di questo risveglio degli anni Settanta, come si presentano oggi i movimenti di un tempo, quali immagini caratterizzano il nostro presente? BelleVue ha chiesto a diversi fotografi e organizzazioni, soprattutto della regione di Basilea, di contribuire con fotografie attuali ai temi della mostra.

Le fotografie contemporanee più grandi sono disposte nella mostra come una sessione di brainstorming di idee. Indipendenti, dall'espressione piuttosto simbolica, descrivono alcune condizioni della nostra società. Sono accompagnate da immagini più piccole, di tipo documentario, che corrispondono ai temi della mostra: azioni, dimostrazioni, progetti, impegno delle persone su piccola e grande scala per la causa che sta loro a cuore.

Le serie storiche di immagini raccontano storie e testimoniano nuovi inizi nei più diversi ambiti della vita. Nei reportage sulla lavanderia centrale, la natura faticosa del lavoro diventa tangibile: montagne di biancheria, nastri trasportatori, molte donne, per lo più migranti, che lavorano mano nella mano. Poi lo sciopero e le manifestazioni di solidarietà, finalmente le cose dovrebbero migliorare!

Un confronto tra fotografie storiche e contemporanee rivela somiglianze e differenze. Molte immagini digitali di attività politiche in strada ritraggono persone che si riuniscono e proclamano le loro richieste con striscioni. Oggi come allora c'è un'abbondanza quasi ingestibile di immagini di protesta di questo tipo. La fotografia contemporanea è colorata, a volte con un'espressione distanziata e ben composta. Ma di tanto in tanto, come negli anni Settanta, ci sono anche istantanee veloci che vogliono essere una testimonianza: Così è stato, c'eravamo anche noi!

Una collaborazione tra BelleVue - Place for Photography e l'Archivio di Stato di Basilea Città, su iniziativa della Fondazione Christoph Merian.

The "Lichtblick" exhibition reveals the different ways in which political and social movements of the 1970s and the present are reflected in photographic evidence. The estate of the Kurt Graf/fotolib Basel agency shows the diverse protests and movements around 1975 from their internal perspective. In dialog with this, contemporary photographers present their visuals on topics such as work, equality, anti-militarism, forms of housing or energy/environment.

The Kurt Graf/fotolib Basel estate is a visual documentation of the political movements, events and ideas that shaped an entire generation in Switzerland in the 1970s. From 1975, Kurt Graf, Heiner Vogelsanger and Marcel Geiger documented resistance and protest, upheaval and utopias as a photographer collective. The occupation of the nuclear power plant construction site in Kaiseraugst in April 1975 was the decisive factor. The analog black-and-white photographs were taken to record the occupation and make it known far and wide.

Historical and contemporary photography in dialog
What remains of this 1970s awakening, how do the former movements present themselves today, what visuals shape our present? BelleVue asked various photographers and organizations, mostly from the Basel region, to contribute current photographs to the exhibition's themes.

The larger contemporary photographs are placed in the exhibition like a brainstorming session of ideas. Independent, rather symbolic in expression, they describe certain conditions in our society. They are accompanied by smaller, documentary image formats that match the themes of the exhibition: actions, demonstrations, projects, people's commitment on a small and large scale to the cause that is close to their hearts.

The historical series of pictures tell stories and bear witness to new beginnings in the most diverse areas of life. In the reports on the central laundry, the toil of the work becomes tangible: mountains of laundry, conveyor belts, many women, mostly migrants, working hand in hand. Then the strike and the solidarity events, finally things are supposed to get better!

A comparison of historical and contemporary photographs reveals similarities as well as differences. Many digitally produced images of political activities on the street describe people coming together and proclaiming their demands with banners. There is an almost unmanageable abundance of such protest images today as there was back then. Contemporary photography is colorful, sometimes with a distanced expression and well composed. But time and again - as in the 1970s - there are also quick snapshots that are intended to bear witness: That's how it was, we were there too!

A cooperation between BelleVue - Place for Photography and the Basel-Stadt State Archives, on the initiative of the Christoph Merian Foundation

(Text: BelleVue – Ort für Fotografie, Basel)

Consarc Galleria | Chiasso
10. März – 5. Mai 2024

D’après
Daria Caverzasio

D'après bezeichnet eine Praxis, die auf der Interpretation von Werken anderer Künstler beruht, von Werken, in denen der Künstler einen grundlegenden Wert für die Kunstgeschichte und seine eigene Poetik, eine wichtige ästhetische Faszination, einen Ausgangspunkt für Denkprozesse oder auch nur einen Platz in seinem eigenen visuellen Gedächtnis erkennt.

Die D'après-Vorschläge bewegen sich zwischen Andeutungen, die mit der Geschichte der westlichen Malerei verbunden sind, und Interpretationen der Berg-Wasser-Malerei der chinesischen Tradition mit unter die Haut gehenden Passagen in den Werken zeitgenössischer Fotografen, in einem Spiel von visuellen und sprachlichen Verbindungen, die Andeutungen oder Echos in einem subjektiven Gedächtnis eines kollektiven kulturellen Erbes sind.

Auch in diesen fotografischen Bildern, die im Grunde eine Hommage an Heraklit und seine "intime Natur der Dinge, die sich gerne verstecken" sind, setzt der Künstler seine Erforschung des "Durchblicks" fort, objektiviert in Wasser, Glas und anderen abschirmenden oder reflektierenden Materialien, immer mit einer Arbeitsmethode, die eher instinktiv als programmiert ist. Auch in diesen Werken ist die zentrale Annahme die Reflexion über die Art und Weise, wie wir das Sichtbare und seine Darstellung durch die Fotografie wahrnehmen, in dem Bewusstsein, dass im kreativen Prozess das persönliche und kulturelle Gedächtnis, die physische und psychische Wahrnehmung von Raum und Zeit und die symbolische Aufladung, die wir Situationen und Objekten verleihen, abwechselnd jenen Schleier erzeugen und wegreißen, der zwischen uns und einer vollständigen Kenntnis der Realität steht.

D'après indique une pratique basée sur l'interprétation par un artiste d'œuvres d'autres artistes, œuvres auxquelles il reconnaît une valeur fondatrice pour l'histoire de l'art et pour sa propre poétique, une fascination esthétique importante, un point de départ pour des processus de réflexion ou même simplement une place dans sa propre mémoire visuelle.

Les D'après proposés oscillent entre des suggestions liées à l'histoire de la peinture occidentale et des interprétations de la peinture montagne-eau de la tradition chinoise avec des passages sous la peau dans les œuvres de photographes contemporains, dans un jeu de connexions visuelles et linguistiques qui sont autant d'indices ou d'échos dans une mémoire subjective d'un héritage culturel collectif.

Toujours dans ces images photographiques, qui sont au fond un hommage à Héraclite et à sa "nature intime des choses qui aime se cacher", l'artiste poursuit sa recherche sur le "voir à travers", objectivé dans l'eau, le verre et d'autres matériaux de protection ou de réflexion, toujours avec une méthode de travail plus instinctive que programmée. Dans ces œuvres aussi, l'hypothèse centrale est la réflexion sur la manière dont nous percevons le visible et sa représentation à travers la photographie, en étant conscients que, dans le processus créatif, la mémoire personnelle et culturelle, la perception physique et psychique de l'espace et du temps, et la charge symbolique que nous prêtons aux situations et aux objets, créent et déchirent tour à tour ce voile qui nous sépare d'une pleine connaissance de la réalité.

Con D’après si indica una pratica basata sull’interpretazione da parte di un artista di opere di altri artisti, opere alle quali egli riconosce un valore fondante per la storia dell’arte e per la propria poetica, una fascinazione estetica importante, un punto di partenza di processi di pensiero o anche semplicemente un posto nella propria memoria visiva.

I D’après proposti si muovono fra suggestioni legate alla storia della pittura occidentale e interpretazioni della pittura montagna-acqua della tradizione cinese con passaggi sotto pelle nelle opere di fotografi contemporanei, in un gioco di collegamenti visivi e linguistici che sono accenni o echi in una memoria soggettiva di un patrimonio culturale collettivo.

Anche in queste immagini fotografiche, che sono in fondo un omaggio a Eraclito e alla sua “natura intima delle cose che ama nascondersi”, l’artista continua la sua ricerca sul “vedere attraverso”, oggettivato in acqua, vetro e altri materiali schermanti o riflettenti, sempre con un metodo di lavoro più istintivo che programmato. Anche in questi lavori l’assunto centrale è la riflessione sulle modalità di percezione del visibile e sulla sua rappresentazione attraverso la fotografia, nella consapevolezza che nel processo creativo la memoria personale e culturale, la percezione fisica e psichica dello spazio e del tempo, la carica simbolica che prestiamo alle situazioni e agli oggetti, in alternanza creano e strappano quel velo che si frappone fra noi e una compiuta conoscenza del reale.

D'après indicates a practice based on an artist's interpretation of works by other artists, works to which he or she recognizes a foundational value for art history and for his or her own poetics, an important aesthetic fascination, a starting point for thought processes, or even simply a place in his or her own visual memory.

The proposed D'après move between suggestions related to the history of Western painting and interpretations of traditional Chinese mountain-water painting with passages under the skin in the works of contemporary photographers, in an interplay of visual and linguistic connections that are hints or echoes in a subjective memory of a collective cultural heritage.

Even in these photographic images, which are at bottom a tribute to Heraclitus and his "intimate nature of things that loves to hide," the artist continues his research on "seeing through," objectified in water, glass and other shielding or reflective materials, always with a working method that is more instinctive than programmed. In these works, too, the central assumption is a reflection on the modes of perception of the visible and its representation through photography, in the awareness that in the creative process, personal and cultural memory, the physical and psychic perception of space and time, the symbolic charge we lend to situations and objects, alternately create and tear away that veil that stands between us and an accomplished knowledge of reality.

(Text: Consarc Galleria, Chiasso)

Kunsthaus Interlaken
10. März – 12. Mai 2024

Schwanden – Santa Monica – Fotografische Künstlerporträts vom 19. Jahrhundert bis heute

Kurt Blum, René Burri, Alexander Egger, Bernhard Giger, René Groebli, Peter von Gunten, Vera Isler, Yoshiko Kusano, Jean-Luc Meyssonnier, Ernst Scheidegger, Paul Senn, Michel Sima

Die Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert veränderte die Kunst sichtbar. Die Porträtfotografie löste die klassische Malerei bald ab und trug viel zur schnellen Verbreitung des neuen Mediums bei, das zunehmend auch Interesse bei Künstlerinnen und Künstlern fand.

Diese und ihre Ateliers rückten selbst bald in den Fokus der Fotografinnen und Fotografen und wurden zum Sujet. Die erhaltenen Aufnahmen geben uns spannende Einblicke in die Welt der Kunstwerkstätten und in die Arbeitsweise der Künstlerinnen und Künstler. Als einer der ersten hat der deutsche Fotograf Carl Teufel (1845−1912) systematisch Künstler und Künstlerinnen in ihren Ateliers fotografiert und insgesamt ab 1890 mehr als 300 Fotografien von Münchner Ateliers aufgenommen.

Vor und nach dem Zweiten Weltkrieg wurden Ateliers berühmter Künstlerinnen und Künstler zu wichtigen Motiven von Fotografinnen und Fotografen, die mit diesen Arbeiten eigenständige Kunst geschaffen und viel zur Anerkennung der Gattung als Kunstform beigetragen haben.

Die hohe Intensität dieser Werke, deren Sinnlichkeit und letztlich deren Qualität, entsprangen häufig einer engen Beziehung zwischen den Porträtierten und den Fotografinnen und Fotografen. Viele in dieser Ausstellung gezeigte Aufnahmen sind schöne Belege dafür.

Der französische Fotograf Michel Sima (1912−1987) etwa hatte eine sehr enge Verbindung zu Pablo Picasso, der ihn nach seiner Rückkehr aus dem Konzentrationslager Blechhammer nicht nur unterstützt hat, sondern ihn auch ermunterte, wieder zu fotografieren.

In der Folge fotografierte Michel Sima für Picasso sein Work in Progress.

Die aktuelle Ausstellung im Kunsthaus umfasst gegen 100 fotografische Porträts, meist schwarz-weiss Aufnahmen, aus den Ateliers von Künstlerinnen und Künstlern mit nationaler oder internationaler Bedeutung. Im Zentrum stehen Fotografien von Sima, der über mehrere Jahre fast alle wichtigen Künstler der Ecole de Paris in ihren Ateliers besucht und fotografiert hat. Von Sima sind Abzüge von Pablo Picasso und noch nie veröffentlichte Abzüge von Alberto Giacometti in Paris ausgestellt.

Der wiedergefundene Film Einundzwanzig (21 Schweizer Künstler, 1968) von Peter von Gunten

erweitert die Ausstellung hin zum gefilmten Künstlerporträt.

Schwanden−Santa Monica, der Titel der Ausstellung, ist sinnbildlich für die Vielfalt der Schau und nimmt Bezug auf die Aufnahmen von Paul Senn (1901−1953) im Atelier von Johann Peter Flück in Schwanden Anfang der 40er Jahre und auf jene von Kurt Blum (1922−2005) im Atelier von Sam Francis in Santa Monica im Jahr 1980.

Die Ausstellung verbindet Regionales mit Internationalem und umfasst Arbeiten von den Anfängen der Fotografie bis in die Gegenwart.

L'invention de la photographie au 19e siècle a visiblement changé l'art. La photographie de portrait a rapidement pris le relais de la peinture classique et a largement contribué à la diffusion rapide de ce nouveau média, qui a suscité un intérêt croissant chez les artistes.

Ces derniers et leurs ateliers se sont eux-mêmes rapidement retrouvés dans la ligne de mire des photographes et sont devenus des sujets. Les clichés conservés nous donnent un aperçu passionnant de l'univers des ateliers d'art et de la méthode de travail des artistes. Le photographe allemand Carl Teufel (1845-1912) a été l'un des premiers à photographier systématiquement les artistes dans leurs ateliers et a pris au total plus de 300 photographies d'ateliers munichois à partir de 1890.

Avant et après la Seconde Guerre mondiale, les ateliers d'artistes célèbres sont devenus des motifs importants pour les photographes qui, avec ces travaux, ont créé un art à part entière et ont largement contribué à la reconnaissance du genre en tant que forme d'art.

La grande intensité de ces œuvres, leur sensualité et, en fin de compte, leur qualité, sont souvent le fruit d'une relation étroite entre les sujets et les photographes. De nombreuses photos présentées dans cette exposition en sont de belles preuves.

Le photographe français Michel Sima (1912-1987), par exemple, avait une relation très étroite avec Pablo Picasso, qui non seulement l'a soutenu à son retour du camp de concentration de Blechhammer, mais l'a également encouragé à reprendre la photographie.

Par la suite, Michel Sima a photographié son Work in Progress pour Picasso.

L'exposition actuelle au Kunsthaus comprend près de 100 portraits photographiques, pour la plupart en noir et blanc, issus des ateliers d'artistes d'envergure nationale ou internationale. L'accent est mis sur les photographies de Sima qui, pendant plusieurs années, a rendu visite à presque tous les artistes importants de l'Ecole de Paris dans leurs ateliers et les a photographiés. Des tirages de Sima de Pablo Picasso et des tirages inédits d'Alberto Giacometti sont exposés à Paris.

Le film retrouvé de Peter von Gunten, Vingt-et-un (21 artistes suisses, 1968), permet d'élargir l'exposition.

Élargit l'exposition vers le portrait filmé d'artistes.

Schwanden-Santa Monica, le titre de l'exposition, est emblématique de la diversité de l'exposition et fait référence aux prises de vue de Paul Senn (1901-1953) dans l'atelier de Johann Peter Flück à Schwanden au début des années 40 et à celles de Kurt Blum (1922-2005) dans l'atelier de Sam Francis à Santa Monica en 1980.

L'exposition associe le régional et l'international et comprend des travaux allant des débuts de la photographie à nos jours.

L'invenzione della fotografia nel XIX secolo ha cambiato visibilmente l'arte. La fotografia di ritratto sostituì presto la pittura classica e contribuì notevolmente alla rapida diffusione del nuovo mezzo, che suscitò anche un crescente interesse da parte degli artisti.

Questi artisti e i loro studi divennero presto oggetto di attenzione da parte dei fotografi stessi e divennero soggetti. Le fotografie sopravvissute ci offrono un'affascinante visione del mondo degli studi artistici e dei metodi di lavoro degli artisti. Il fotografo tedesco Carl Teufel (1845-1912) fu uno dei primi a fotografare sistematicamente gli artisti nei loro studi e scattò più di 300 fotografie degli studi di Monaco a partire dal 1890.

Prima e dopo la Seconda guerra mondiale, gli studi di artisti famosi divennero motivi importanti per i fotografi, che con queste opere crearono un'arte indipendente e contribuirono notevolmente al riconoscimento del genere come forma d'arte.

L'alta intensità di queste opere, la loro sensualità e infine la loro qualità, erano spesso il risultato di una stretta relazione tra i soggetti e i fotografi. Molte delle fotografie esposte in questa mostra ne sono un ottimo esempio.

Il fotografo francese Michel Sima (1912-1987), ad esempio, ebbe un rapporto molto stretto con Pablo Picasso, che non solo lo sostenne dopo il suo ritorno dal campo di concentramento di Blechhammer, ma lo incoraggiò anche a riprendere a fotografare.

Michel Sima ha poi fotografato i suoi lavori in corso per Picasso.

L'attuale mostra al Kunsthaus comprende circa 100 ritratti fotografici, per lo più in bianco e nero, provenienti dagli studi di artisti di rilevanza nazionale o internazionale. Al centro ci sono le fotografie di Sima, che per diversi anni ha visitato e fotografato quasi tutti gli artisti importanti dell'Ecole de Paris nei loro studi. Le stampe di Sima di Pablo Picasso e le stampe mai pubblicate di Alberto Giacometti sono esposte a Parigi.

Il film riscoperto Einundzwanzig (21 artisti svizzeri, 1968) di Peter von Gunten

amplia la mostra con ritratti filmati di artisti.

Schwanden-Santa Monica, il titolo della mostra, simboleggia la diversità dell'esposizione e si riferisce alle fotografie scattate da Paul Senn (1901-1953) nello studio di Johann Peter Flück a Schwanden nei primi anni Quaranta e a quelle scattate da Kurt Blum (1922-2005) nello studio di Sam Francis a Santa Monica nel 1980.

La mostra combina il regionale con l'internazionale e comprende opere dagli inizi della fotografia fino ai giorni nostri.

The invention of photography in the 19th century visibly changed art. Portrait photography soon replaced classical painting and contributed greatly to the rapid spread of the new medium, which also attracted increasing interest from artists.

These artists and their studios soon became the focus of photographers themselves and became subjects. The surviving photographs give us exciting insights into the world of art workshops and the artists' working methods. The German photographer Carl Teufel (1845-1912) was one of the first to systematically photograph artists in their studios and took up more than 300 photographs of Munich studios from 1890 onwards.

Before and after the Second World War, the studios of famous artists became important motifs for photographers, who created independent art with these works and contributed greatly to the recognition of the genre as an art form.

The high intensity of these works, their sensuality and ultimately their quality, were often the result of a close relationship between the subjects and the photographers. Many of the photographs shown in this exhibition are fine examples of this.

The French photographer Michel Sima (1912-1987), for example, had a very close relationship with Pablo Picasso, who not only supported him after his return from the Blechhammer concentration camp, but also encouraged him to take photographs again.

Michel Sima subsequently photographed his work in progress for Picasso.

The current exhibition at the Kunsthaus comprises around 100 photographic portraits, mostly in black and white, from the studios of artists of national or international importance. The focus is on photographs by Sima, who visited and photographed almost all the important artists of the Ecole de Paris in their studios over several years. Sima's prints of Pablo Picasso and never before published prints of Alberto Giacometti are exhibited in Paris.

The rediscovered film Einundzwanzig (21 Swiss Artists, 1968) by Peter von Gunten

extends the exhibition to include filmed portraits of artists.

Schwanden-Santa Monica, the title of the exhibition, is emblematic of the diversity of the show and takes up the photographs taken by Paul Senn (1901-1953) in Johann Peter Flück's studio in Schwanden in the early 1940s and those taken by Kurt Blum (1922-2005) in Sam Francis' studio in Santa Monica in 1980.

The exhibition combines the regional with the international and includes works from the beginnings of photography to the present day.

(Text: Kunsthaus Interlaken)

Kunsthaus Zofingen
16. März – 26. Mai 2024

Hier! Jetzt!
Daniel Bracher, Christina Gähler, Susanne Lemberg, Samuel Peyer

Was geschieht in den Ateliers in und um Zofingen? Woran arbeiten die Künstler*innen? Bei der Ausstellung «Hier! Jetzt!» ist der Titel Programm: Die vier Kunstschaffenden Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) und Samuel Peyer (1957) zeigen aktuelles Schaffen aus der Region. So unterschiedlich die vier Künstler*innen in ihrer kreativen Arbeit vorgehen, so viel Gemeinsamkeit, Harmonie aber auch Gegensätzlichkeit lassen sich in ihren Werken erkennen. Gezeigt wird ein breites Spektrum an Gemälden, Collagen, unterschiedlichste Drucktechniken, Fotografien, Installationen, Objekte und Skulpturen.

Kuratiert von Eva Bigler und Ursula Liebich

Que se passe-t-il dans les ateliers de Zofingen et des environs ? Sur quoi travaillent les artistes ? Dans l'exposition "Hier ! Jetzt !", le titre est tout un programme : les quatre artistes Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) et Samuel Peyer (1957) présentent des créations actuelles de la région. Si les quatre artistes* ont des approches différentes dans leur travail créatif, leurs œuvres révèlent autant de points communs, d'harmonie mais aussi de contrastes. Un large éventail de peintures, collages, techniques d'impression les plus diverses, photographies, installations, objets et sculptures seront présentés.

Organisé par Eva Bigler et Ursula Liebich

Cosa succede negli atelier di Zofingen e dintorni? A cosa lavorano gli artisti? Nella mostra "Here! Now!", il titolo dice tutto: i quattro artisti Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) e Samuel Peyer (1957) espongono opere attuali della regione. Per quanto i quattro artisti siano diversi nel loro approccio creativo, nelle loro opere si possono riconoscere molti punti in comune, armonia e contrasti. Sarà esposto un ampio spettro di dipinti, collage, varie tecniche di stampa, fotografie, installazioni, oggetti e sculture.

A cura di Eva Bigler e Ursula Liebich

What happens in the studios in and around Zofingen? What are the artists working on? The title of the exhibition "Here! Now!" says it all: the four artists Daniel Bracher (1971), Christina Gähler (1988), Susanne Lemberg (1962) and Samuel Peyer (1957) are showing current works from the region. As different as the four artists are in their creative approach, there is a lot of common ground, harmony and contrast in their works. A broad spectrum of paintings, collages, various printing techniques, photographs, installations, objects and sculptures will be on display.

Curated by Eva Bigler and Ursula Liebich

(Text: Kunsthaus Zofingen)

Musée jurassien des Arts | Moutier
17. März – 26. Mai 2024

Bernd Nicolaisen, Amedeo Baumgartner

Die Natur steht im Mittelpunkt des Schaffens von Bernd Nicolaisen und Amedeo Baumgartner. Die Ausstellung zeigt den einzigartigen Ansatz jedes dieser Berner Künstler, um sich mit diesem Thema zu befassen, das im Kontext der aktuellen Umweltkrisen von zentraler Bedeutung ist. Sie betont aber auch ihre Konvergenzen insbesondere die Aufmerksamkeit für die Nahaufnahme als Mikrokosmos in einem Dialog zwischen Nicolaisens Werken, die auf Fotografie basieren, und Baumgartners Gemälden.

Einzigartikeit
In der alten Villa, die das Museum beherbergt, wird den Künstler n je eine Etage zur Verfügung gestellt , wo man die Einzigartigkeit von Nicolaisens auf Fotografie basierenden Arbeiten und Baumgartners malerischen Forschungen vertiefen kann.

Bernd Nicolaisen nimmt grundlegende Elemente, Eis, tausendjähriges Holz oder Fels auf , oder reflektiert einen Kometen . Er arbeitet bei seinen Aufnahmen mit langen Verschlusszeiten und achtet besonders auf die natürliche Lichtverteilung, ohne auf künstliche Beleuchtung oder Retusche zurückzugreifen . In Werken wie seinen Stratagram s versucht er jedoch , über die dokumentarische Spiegelung hinauszugehen, indem er vor Ort gefundene Mineralien und Pigmente verwendet, als Echo auf das, was sich in den Tiefen der Erde verbirgt.

Amedeo Baumgartner schöpft die Motive für seinen umfangreichen Zyklus Ex Natura aus seinen Wanderungen in der Natur. Er fotografiert einen Farn, einen Ast oder einen Felsen und verwendet diese Bilder dann als Vorbereitungsskizze n , die auf die Leinwand übertragen w erden. Er baut seine Bilder dann in einem komplexen Prozess malerisch auf , indem er Schichten von feinsten Pinselstrichen und Firnissen überlagert, wodurch die Farben von selbst Tiefe gewinnen. Seine Werke bewegen sich zwischen Hyperrealismus und poetischer Interpretation.

Der Künstler zeigt auch Werke aus seinem anderen Zyklus, Ex Cinema , die von Filmszenen inspiriert sind.

Konvergenzen
Der große Saal des Musée jurassien des Arts legt den Schwerpunkt auf die Konvergenzen zwischen den beiden Künstlern in Form eines Dialogs zwischen ihren Werken Das lebendige Wasser der Bäche, gemalt von Amedeo Baumgartner, antwortet auf das uralte Eis, fotografiert von Bernd Nicolaisen. Auf überraschende Weise harmoniert eine Blumenwiese oder ein Waldpfad des Ersteren mit Nahaufnahmen der tausendjährigen Bergpinienrinde des Letzteren.

Abgesehen von diesen formalen und thematischen Anklängen konvergieren beide Künstler durch ihren bedeutungsvollen Bildausschnitt. Weit entfernt von einem breiten Blickwinkel, der zur Ansicht einer Landschaft tendieren würde, konzentrieren sie sich auf das Detail . Jeder betrachtet diese Fragmente zudem als einen Mikrokosmos, der die Quintessenz der natürlichen Welt zusammenfasst, und hofft, auf diese Weise beim Betrachter Fragen über sein e Beziehung zur Natur zu wecken.

Schließlich spielt die Zeitlichkeit eine Rolle im Ansatz beide r Künstler .

Bernd Nicolaisen verbindet und konfrontiert Erdzyklen mit fotografischer Dauer. In seinen Aufnahmen verdichtet er die zeitliche Dimension von Überresten natürlicher Elemente die manchmal Zehntausende von Jahren alt sind. Auf diese Weise untersucht er die Vergänglichkeit der menschlichen Existenz vor dem Hintergrund des Ausmaßes der Erdgeschichte.

Amedeo Baumgartner seinerseits integriert ebenfalls die Dimension der Zeit, indem er seine Gemälde als Ergebnis einer Verkettung von Erfahrungen und Ideen versteht, die er auf seiner Suche nach Motiven in der Natur erlebt. Ein Mosaik dieser Momente, die sich allmählich zusammenfügen, bildet das endgültige Bild.

La nature est au coeur des oeuvres de Bernd Nicolaisen, basées sur la photographie, et des toiles d’Amedeo Baumgartner. L'exposition présente l'approche singulière avec laquelle chacun de ces artistes bernois aborde ce thème crucial, à l'ère des enjeux écologiques actuels. Mais elle souligne aussi les convergences qui existent entre les démarches des deux créateurs, notamment leur attention au gros plan en tant que microcosme.

Singularités
Dans l’ancienne villa qui abrite le musée, un étage réservé à chacun permet d’approfondir la singularité des travaux de Nicolaisen, basée sur la photographie, et celle des recherches picturales de Baumgartner.

Bernd Nicolaisen capte des éléments fondamentaux et ancestraux, bois, glace ou roche millénaires, ou reflète librement une comète. Il travaille ses prises de vue avec de longs temps de pause et porte une attention particulière à la distribution naturelle de la lumière, n’ayant jamais recours à un éclairage artificiel ou à la retouche. Pourtant, dans des oeuvres telles que ses Stratagrams, il cherche à dépasser le reflet documentaire en utilisant des minéraux et des pigments trouvés sur place, en écho à ce qui se cache dans les profondeurs de la terre.

De son côté, Amedeo Baumgartner puise les motifs de son vaste cycle Ex Natura lors de ses randonnées dans la nature. Il photographie une fougère, un branchage, un rocher et utilise ensuite ces images comme esquisses préparatoires. Il construit ensuite ses images picturalement au fil d’un processus complexe. Il superpose des strates de coups de pinceau très fin et de vernis, afin que les couleurs acquièrent une profondeur par elles-mêmes. Ses oeuvres oscillent entre hyperréalisme et interprétation poétique.

L’artiste présente également des oeuvres de son autre cycle, Ex Cinema, inspirées par des scènes de films.

Convergences
La grande salle du musée met l’accent sur les convergences entre les deux artistes, sous la forme d’un dialogue entre leurs oeuvres. L’eau vive des ruisseaux peinte par Amedeo Baumgartner répond à la glace ancestrale photographiée par Bernd Nicolaisen. Un pré fleuri ou un sentier forestier du premier s’accorde de manière surprenante avec certains gros plans d’écorce de pins millénaires du second.

Au-delà de ces échos thématiques et formels, les deux artistes se rejoignent par leurs cadrages porteurs de sens. Loin d’un large point de vue qui tendrait vers le paysage, ils se concentrent sur le détail. Chacun considère en outre ces fragments comme un microcosme, synthétisant la quintessence

du monde naturel, et espère par ce biais éveiller un questionnement du spectateur sur le plan de son rapport à la nature.

Enfin, la temporalité traverse l’approche des deux artistes.

Bernd Nicolaisen associe et confronte cycles terrestres et durée photographique. Il condense dans ses prises de vue la dimension temporelle de vestiges d’éléments naturels – qui remontent parfois à des dizaines de milliers d’année. Il interroge ainsi le caractère éphémère de l’existence humaine à l’aune de l’étendue de l’histoire terrestre.

De son côté, Amedeo Baumgartner intègre également la dimension du temps en concevant ses peintures comme le résultat d’un enchaînement d’expériences et d’idées, vécues au fil de sa quête de motifs dans la nature. Le tableau final est fait d’une mosaïque de ces moments qui s’assemblent progressivement.

La natura è al centro del lavoro di Bernd Nicolaisen e Amedeo Baumgartner. La mostra mostra l'approccio unico di ciascuno di questi artisti bernesi a questo tema, di importanza centrale nel contesto delle attuali crisi ambientali. Ma evidenzia anche le loro convergenze, in particolare l'attenzione al primo piano come microcosmo in un dialogo tra le opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e i dipinti di Baumgartner.

Unicità
Nell'antica villa che ospita il museo, gli artisti hanno a disposizione un piano per esplorare l'unicità delle opere di Nicolaisen basate sulla fotografia e della ricerca pittorica di Baumgartner.

Bernd Nicolaisen cattura elementi fondamentali, ghiaccio, legno o roccia millenaria, o riflette una cometa. Lavora con tempi di posa lenti e presta particolare attenzione alla distribuzione naturale della luce, senza ricorrere all'illuminazione artificiale o al ritocco. In opere come i suoi stratagrammi, tuttavia, cerca di andare oltre la riflessione documentaria utilizzando minerali e pigmenti trovati sul posto come eco di ciò che si nasconde nelle profondità della terra.

Amedeo Baumgartner trae i motivi del suo ampio ciclo Ex Natura dalle sue passeggiate nella natura. Fotografa una felce, un ramo o una roccia e utilizza queste immagini come schizzi preparatori da trasferire sulla tela. Poi costruisce i suoi quadri con un complesso processo pittorico, sovrapponendo strati di pennellate e vernici finissime, in modo che i colori acquistino profondità da soli. Le sue opere si muovono tra iperrealismo e interpretazione poetica.

L'artista espone anche opere del suo altro ciclo, Ex Cinema, ispirate a scene di film.

Convergenze
La grande sala del Musée jurassien des Arts si concentra sulle convergenze tra i due artisti sotto forma di dialogo tra le loro opere L'acqua viva dei ruscelli, dipinta da Amedeo Baumgartner, risponde al ghiaccio antico, fotografato da Bernd Nicolaisen. In modo sorprendente, un prato fiorito o un sentiero forestale del primo si armonizza con i primi piani della corteccia millenaria di pino mugo del secondo.

Oltre a questi echi formali e tematici, entrambi gli artisti convergono attraverso la loro significativa inquadratura. Lontani da una prospettiva ampia che tenderebbe a una visione paesaggistica, si concentrano sul dettaglio. Ognuno di loro vede questi frammenti come un microcosmo che riassume la quintessenza del mondo naturale, sperando in questo modo di risvegliare nello spettatore domande sul proprio rapporto con la natura.

Infine, la temporalità gioca un ruolo importante nell'approccio di entrambi gli artisti.

Bernd Nicolaisen combina e confronta i cicli della terra con la durata fotografica. Nelle sue fotografie condensa la dimensione temporale di resti di elementi naturali che a volte hanno decine di migliaia di anni. In questo modo, esamina la transitorietà dell'esistenza umana sullo sfondo della scala della storia della Terra.

Anche Amedeo Baumgartner, da parte sua, integra la dimensione del tempo intendendo i suoi dipinti come il risultato di una concatenazione di esperienze e idee che sperimenta nella sua ricerca di motivi nella natura. Un mosaico di questi momenti, che si uniscono gradualmente, forma l'immagine finale.

Nature is at the heart of the work of Bernd Nicolaisen and Amedeo Baumgartner. The exhibition demonstrates the unique approach of each of these Bernese artists to this theme, which is central in the context of current environmental crises. But it also emphasizes their convergences in particular the attention to the close-up as a microcosm in a dialogue between Nicolaisen's works based on photography and Baumgartner's paintings.

Uniqueness
In the old villa that houses the museum, the artists are each given a floor to explore the uniqueness of Nicolaisen's photography-based works and Baumgartner's painterly research.

Bernd Nicolaisen takes up basic elements, ice, millennial wood or rock, or reflects a comet . He works with slow shutter speeds and pays particular attention to the natural distribution of light, without resorting to artificial lighting or retouching. In works such as his Stratagram s, however, he tries to go beyond documentary reflection by using minerals and pigments found on site as an echo of what is hidden in the depths of the earth.

Amedeo Baumgartner draws the motifs for his extensive Ex Natura cycle from his walks in nature. He photographs a fern, a branch or a rock and then uses these images as preparatory sketches w hich are transferred to the canvas. He then builds up his visuals in a complex painterly process by superimposing layers of the finest brushstrokes and varnishes, allowing the colors to gain depth on their own. His works move between hyperrealism and poetic interpretation.

The artist is also showing works from his other cycle, Ex Cinema , which are inspired by film scenes.

Convergences
The large room of the Musée jurassien des Arts focuses on the convergences between the two artists in the form of a dialog between their works The living water of the streams, painted by Amedeo Baumgartner, responds to the ancient ice, photographed by Bernd Nicolaisen. In a surprising way, a flower meadow or a forest path by the former harmonizes with close-ups of the thousand-year-old mountain pine bark by the latter.

Apart from these formal and thematic echoes, both artists converge through their meaningful framing. Far from a broad perspective that would tend towards a view of a landscape, they focus on the detail . Each also sees these fragments as a microcosm that summarizes the quintessence of the natural world, hoping in this way to awaken questions in the viewer about their relationship with nature.

Finally, temporality plays a role in the approach of both artists.

Bernd Nicolaisen combines and confronts earth cycles with photographic duration. In his photographs, he condenses the temporal dimension of the remains of natural elements that are sometimes tens of thousands of years old. In this way, he examines the transience of human existence against the backdrop of the scale of the earth's history.

Amedeo Baumgartner, for his part, also integrates the dimension of time by understanding his paintings as the result of a concatenation of experiences and ideas that he encounters in his search for motifs in nature. A mosaic of these moments, which gradually come together, forms the final visual.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Galerie 94 | Baden
22. März – 4. Mai 2024

Wirklichkeiten
Jan Prengel

Encounters Of Time / Begegnungen der Zeit, 2023
Die Serie «Begegnungen der Zeit» soll den Betrachter dazu anregen, das Konzept einer linearen Zeit aufzubrechen und neue Ideen und Sichtweisen darauf zu erwägen. Jede Komposition besteht aus zwei miteinander verschmolzenen Fotografien, die an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten aufgenommen wurden. Zuvor wurden zwei Bilder ausgewählt und kombiniert, die bestimmte Merkmale wie Motiv, Form oder Farbe gemeinsam haben. Die herkömmlichen physikalischen Grenzen von Zeit und Raum werden symbolisch aufgelöst. Unterschiedliche Zeitpunkte interagieren nun miteinander und bilden gemeinsam neue traumhafte Bildwelten. «Ich arbeite mit meiner Vergangenheit als würde ich durch die Zeit reisen. Die beiden Zeitpunkte der Fotografien treffen in den Arbeiten aufeinander, ebenso wie der Zeitpunkt ihrer Verschmelzung. Während der Entstehung der Fotografien war ihre Bedeutung noch unklar. Erst zu einem späteren Zeitpunkt werden sie neu interpretiert und in ein neues Werk integriert.»

Inherited Gaze / Vererbter Blick, 2023
In der Serie «Vererbter Blick» beschäftige ich mich mit der Vererbung von Denkmustern, unbewältigten Traumata und Persönlichkeitsmerkmalen. Diese können über viele Generationen weitergegeben werden und somit die Charaktereigenschaften der nachfolgenden Generationen und deren Sicht auf die Welt über einen langen Zeitraum beeinflussen. Für «Vererbter Blick» hat Jan Prengel das in seinen Arbeiten wiederkehrende Motiv der getrockneten Pflanze durch alte Brillen seiner Eltern fotografiert. Der Blick durch die Brillen symbolisiert die vererbten elterlichen Eigenschaften, die einen Menschen die Welt wie durch einen nicht zu entfernenden Filter betrachten lassen. Es bleibt offen, ob der beeinflusste Blick getrübt ist, oder aber als Schöpfer einer interessanten und einzigartigen Perspektive interpretiert werden kann. Wie in den Werkserien «Auf der Suche nach der Gegenwart» oder «Metamorphose» werden den Pflanzenmotiven fotografisch verschwommene Bildelemente hinzugefügt, um eine weitere Ebene zu schaffen, die eine persönliche Sicht auf die Welt visualisiert. Ein eindeutiger Blick auf klar definierte Materie und ihre Form soll verhindert werden. Ziel ist es, den Betrachter zu einer tieferen, von den konventionellen physikalischen Gesetzen losgelösten, Sicht auf die Natur der Welt anzuregen.

Fluid Matter / Fliessende Materie, 2023
Mit seinen Sinnen nimmt der Mensch die Welt als ein geordnetes Konstrukt, mit klar voneinander abgegrenzten Objekten, wahr. Die Materie erscheint als ein System von konstant ruhenden Teilchen, in dem sich diese Teilchen zu jeder Zeit an einem einzigen bestimmten Ort befinden. Die Erkenntnisse der Quantenphysik widersprechen jedoch diesem Weltbild und ebnen den Weg für neue Perspektiven auf die Realität und die Beschaffenheit des Universums. In «Fliessende Materie» setzt sich Jan Prengel mit diesen neuen Sichtweisen auf die Wirklichkeit auseinander. Licht und Formen werden verzerrt und scheinen nun in Schwingung zu sein. Vertraute Objekte verlieren ihr stabiles Erscheinungsbild und fliessen grenzenlos ineinander. Die gesamte Materie scheint in Bewegung zu sein, und der gewohnte Blick auf die Objekte wird aufgebrochen. Stattdessen entstehen abstrakte Kompositionen aus fliessenden Farben und neu geschaffenen Formen.

Encounters Of Time / Rencontres du temps, 2023
La série "Rencontres du temps" vise à inciter le spectateur à rompre avec le concept d'un temps linéaire et à envisager de nouvelles idées et de nouveaux points de vue sur celui-ci. Chaque composition est composée de deux photographies fusionnées, prises dans des lieux et à des moments différents. Au préalable, deux visuels ont été sélectionnés et combinés, partageant certaines caractéristiques telles que le motif, la forme ou la couleur. Les limites physiques traditionnelles du temps et de l'espace sont symboliquement abolies. Différents moments interagissent désormais entre eux et forment ensemble de nouveaux mondes visuels oniriques. "Je travaille avec mon passé comme si je voyageais dans le temps. Les deux moments des photographies se rencontrent dans les œuvres, tout comme le moment de leur fusion. Pendant la création des photographies, leur signification n'était pas encore claire. Ce n'est qu'à un moment ultérieur qu'elles sont réinterprétées et intégrées dans une nouvelle œuvre".

Inherited Gaze / Regard hérité, 2023
Dans la série "Regard hérité", je m'intéresse à la transmission de schémas de pensée, de traumatismes non surmontés et de traits de personnalité. Ceux-ci peuvent être transmis sur de nombreuses générations et influencer ainsi les traits de caractère des générations suivantes et leur vision du monde sur une longue période. Pour "Vererbter Blick", Jan Prengel a photographié le motif de la plante séchée, récurrent dans son travail, à travers de vieilles lunettes de ses parents. Le regard à travers les lunettes symbolise les caractéristiques parentales héritées qui font qu'une personne regarde le monde comme à travers un filtre qui ne peut être enlevé. Il reste à savoir si le regard influencé est obscurci ou s'il peut être interprété comme le créateur d'une perspective intéressante et unique. Comme dans les séries d'œuvres "À la recherche du présent" ou "Métamorphose", des éléments d'image flous sont ajoutés aux motifs végétaux par la photographie afin de créer un autre niveau qui visualise une vision personnelle du monde. Une vision univoque de la matière clairement définie et de sa forme doit être empêchée. L'objectif est d'inciter le spectateur à avoir une vision plus profonde, détachée des lois physiques conventionnelles, de la nature du monde.

Fluid Matter / Matière fluide, 2023
Grâce à ses sens, l'homme perçoit le monde comme une construction ordonnée, avec des objets clairement délimités les uns par rapport aux autres. La matière apparaît comme un système de particules au repos constant, dans lequel ces particules se trouvent à tout moment à un seul endroit précis. Les découvertes de la physique quantique contredisent toutefois cette vision du monde et ouvrent la voie à de nouvelles perspectives sur la réalité et la nature de l'univers. Dans "Fliessende Materie", Jan Prengel se penche sur ces nouvelles façons de voir la réalité. La lumière et les formes sont déformées et semblent désormais vibrer. Les objets familiers perdent leur apparence stable et se fondent les uns dans les autres sans limites. Toute la matière semble être en mouvement et la vision habituelle des objets est brisée. Au lieu de cela, des compositions abstraites naissent de couleurs fluides et de formes nouvellement créées.

Incontri del tempo / Begegnungen der Zeit, 2023
La serie "Encounters of Time" intende incoraggiare lo spettatore a rompere il concetto di tempo lineare e a considerare nuove idee e prospettive su di esso. Ogni composizione è costituita da due fotografie fuse, scattate in luoghi e tempi diversi. In precedenza sono state selezionate e combinate due immagini che condividono alcune caratteristiche come il motivo, la forma o il colore. I confini fisici convenzionali del tempo e dello spazio vengono simbolicamente dissolti. Diversi punti nel tempo interagiscono ora tra loro e insieme formano nuovi mondi visivi onirici. "Lavoro con il mio passato come se viaggiassi nel tempo. I due punti nel tempo delle fotografie si incontrano nelle opere, così come il tempo della loro fusione. Durante la creazione delle fotografie, il loro significato non era ancora chiaro. Solo in un momento successivo vengono reinterpretate e integrate in un nuovo lavoro".

Sguardo ereditato / Inherited Gaze, 2023
Nella serie "Inherited Gaze" mi occupo dell'eredità di schemi di pensiero, traumi irrisolti e tratti della personalità. Questi possono essere trasmessi per molte generazioni e quindi influenzare i tratti caratteriali delle generazioni successive e la loro visione del mondo per un lungo periodo di tempo. Per "Inherited Gaze", Jan Prengel ha fotografato il motivo ricorrente della pianta secca nel suo lavoro attraverso i vecchi occhiali dei genitori. La visione attraverso gli occhiali simboleggia le caratteristiche ereditate dai genitori che fanno sì che una persona guardi il mondo come attraverso un filtro che non può essere rimosso. Resta aperto il problema se la visione influenzata sia offuscata o se possa essere interpretata come la creazione di una prospettiva interessante e unica. Come nella serie di opere "Alla ricerca del presente" o "Metamorfosi", ai motivi vegetali vengono aggiunti elementi pittorici sfocati dalla fotografia per creare un ulteriore livello che visualizza una visione personale del mondo. Viene impedita una visione chiara della materia e della sua forma. L'obiettivo è incoraggiare lo spettatore a guardare più in profondità la natura del mondo, distaccandosi dalle leggi fisiche convenzionali.

Materia fluida / Flowing Matter, 2023
Con i sensi, le persone percepiscono il mondo come un costrutto ordinato con oggetti chiaramente delineati. La materia appare come un sistema di particelle in continuo riposo, che si trovano sempre in un unico luogo specifico. Tuttavia, le scoperte della fisica quantistica contraddicono questa visione del mondo e aprono la strada a nuove prospettive sulla realtà e sulla natura dell'universo. In "Flowing Matter", Jan Prengel esplora queste nuove prospettive sulla realtà. La luce e le forme sono distorte e sembrano vibrare. Gli oggetti familiari perdono il loro aspetto stabile e fluiscono l'uno nell'altro senza confini. Tutta la materia sembra essere in movimento e la visione familiare degli oggetti viene spezzata. Emergono invece composizioni astratte di colori fluidi e forme create ex novo.

Encounters Of Time, 2023
The series «Encounters Of Time» is intended to inspire the viewer to break open the concept of a linear time and to consider new ideas and views of it. Each composition contains two fused photographs taken in different places and at different times. Two images were previously selected and combined that share certain characteristics, such as motif, form, or color. The conventional physical boundaries of time and space are symbolically dissolved. Different points in time now interact with each other and form new dreamlike visual worlds together. I work with my past as if through a kind of time travel. In the works, the two points in time of the photographs encounter each other as well as the time of their fusion. When the photographs were taken, their meaning was uncertain. Later, they were reinterpreted and integrated into a new work.

Inherited Gaze, 2023
In «Inherited Gaze», I deal with the inheritance of ways of thinking, unsolved traumas and characteristics. These can be passed on over many generations and influence the characters of the following generations, and their view on the world over a long period of time. For «Inherited Gaze», I photographed the reappearing motif of the dried plant through my parents' old glasses. The view through these glasses symbolizes the inherited parental characteristics that make a person look on the world as if through a filter, that cannot be removed. It remains unclear whether the influenced view is negatively blurred, or can be interpreted as the creator of an interesting and unique perspective. As in the «In Search of the Present» or «Metamorphosis» series of works, blurred pictorial elements are added to the plant motifs to create a further layer that visualizes a personal view on the world. A distinct gaze at clearly defined matter and its form is prevented. The aim is to encourage the viewer to take a deeper perspective on the nature of the world, detached from the conventional physical laws.

Fluid Matter, 2023
With their senses, humans perceive the world as an ordered construct with clearly separated objects. Matter appears as a system of constantly static atoms in which these elements are located in a single specific place at any time. Quantum physics contradicts this view on the world and opens the way for new perspectives on reality and the nature of the world. In «Fluid Matter», I explore these new perspectives on reality. Light and forms are distorted and now appear to be in vibration. Familiar objects lose their fixed appearance and flow into each other without boundaries. All matter seems to be in motion, and the conventional view on the objects is disrupted. Instead, abstract compositions of floating colors and newly created forms appear.

(Text: Galerie 94, Baden)

Musée des Beaux-Arts | Le Locle
23. März – 15. September 2024

La scia del monte ou les utopistes magnétiques

Als Antwort auf die dystopischen Szenarien, mit denen unsere heutige Gesellschaft konfrontiert ist, beschliesst das MBAL, die Utopie in Form des Erbes des mythischen Monte Verità zu feiern, der in der ganzen Welt verehrten helvetischen Wiege der Avantgarde. Diese magnetische Oase auf dem Monescia-Hügel im Tessin bot um die Wende zum 20. Jahrhundert der ersten alternativen, naturistischen, feministischen und vegetarischen Siedlung Platz, die als Vorläufer der späteren Gegenkultur-Bewegungen gilt und wo im Lauf der Jahre eine Vielzahl von Anarchisten, Denkern und Künstlern ein und aus gingen. Gefeiert durch die Ausstellung des Visionärs Harald Szeemann, Monte Verità. Le mammelle della verità (‘Die Brüste der Wahrheit‘, 1978), ist der Hügel auch heute noch ein Pilgerort, der aufrüttelt, erhellt und tröstet.

Doch was bleibt von den Utopien, die sich um dieses "Bermudadreieck des Geistes" rantken? Die in Zusammenarbeit mit der Fondazione Monte Verità entstandene Ausstellung la scia del monte (die Spur des Berges) oder die magnetischen Utopist*innen, lädt 26 zeitgenössische Künstler*innen, deren Schaffen vom Monte Verità und der ihn umgebenden Aura inspiriert wurde, ein, mit dem Geist des Ortes und seinen weiblichen Figuren in Resonanz zu treten. Der Rundgang bietet einen eklektischen und faszinierenden Dialog zwischen Natur, Kunst und Geist und hinterfragt das Konzept der "Lebensreform", das die Pioniere anstrebten. Die Ausstellung erkundet alle Medien und Techniken, von der Videokunst über Installationen, Skulpturen, Malerei, Fotografie, Gravur, Ton oder Stoff bis hin zur künstlichen Intelligenz, und unterstreicht damit unterschwellig die Bedeutung der Schweiz als Heimat für freie und radikale Geister.

En réponse aux scénarios dystopiques auxquels est confrontée notre société contemporaine, le MBAL choisit de célébrer l’utopie à travers l’héritage du mythique Monte Verità, berceau helvète d’avant-gardes, vénéré dans le monde entier. Cette oasis magnétique, située au Tessin sur la colline de Monescia, accueille au tournant du 20ème siècle la première colonie alternative, naturiste, féministe et végétarienne, précurseur des mouvements de contre-culture qui suivront, et voit défiler au fil des ans une succession d'anarchistes, de penseur·euse·x·s et d'artistes. Consacrée par l'exposition du visionnaire Harald Szeemann, Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), la colline est encore aujourd'hui un lieu de pèlerinage qui éveille, illumine et console.

Mais que reste-t-il de ces utopies qui ont gravité autour de ce « triangle des Bermudes de l'esprit » ? Créée en collaboration avec la Fondazione Monte Verità, l’exposition la scia del monte (la trace du mont) ou les utopistes magnétiques invite 26 artistes contemporain·e·x·s, dont les créations ont été inspirées par le Monte Verità et son aura environnante, à entrer en résonnance avec le génie du lieu et ses figures féminines. Le parcours propose un dialogue éclectique et captivant entre nature, art et esprit, interrogeant la notion de « réforme de la vie » souhaitée par les précurseurs. Explorant tous les médiums et techniques, de l’art vidéo à l’intelligence artificielle en passant par l’installation, la sculpture, la peinture, la photographie, la gravure, le son ou le tissu, l’exposition souligne en creux l’importance du territoire helvète comme terre d’accueil des esprits libres et iconoclastes.

In risposta agli scenari distopici che la nostra società contemporanea si trova ad affrontare, MBAL ha scelto di celebrare l'utopia attraverso l'eredità del mitico Monte Verità, la culla svizzera delle avanguardie, venerata in tutto il mondo. All'inizio del XX secolo, quest'oasi magnetica sulla collina della Monescia, in Ticino, ha ospitato la prima colonia alternativa, naturista, femminista e vegetariana, precursore dei movimenti di controcultura che sarebbero seguiti, e nel corso degli anni ha visto passare dalle sue porte una serie di anarchici, pensatori e artisti. È stata consacrata dalla mostra del visionario Harald Szeemann Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), la collina è ancora oggi un luogo di pellegrinaggio che risveglia, illumina e consola.

Ma cosa resta delle utopie che gravitavano intorno a questo "triangolo delle Bermuda della mente"? Realizzata in collaborazione con la Fondazione Monte Verità, la mostra La scia del monte o le utopie magnetiche invita 26 artisti contemporanei, le cui creazioni sono state ispirate dal Monte Verità e dall'aura che lo circonda, a entrare in risonanza con il genio del luogo e delle sue figure femminili. La mostra propone un dialogo eclettico e accattivante tra natura, arte e spirito, mettendo in discussione la nozione di "riforma della vita" auspicata dai precursori. Esplorando tutti i media e le tecniche, dalla videoarte all'intelligenza artificiale, all'installazione, alla scultura, alla pittura, alla fotografia, all'incisione, al suono e al tessuto, la mostra sottolinea l'importanza della Svizzera come patria di spiriti liberi e iconoclasti.

In response to the dystopian scenarios confronting our contemporary society, the MBAL has chosen to celebrate utopia through the legacy of the mythical Monte Verità, the Swiss cradle of the avant-garde, revered worldwide. This magnetic oasis on the Monescia hill in Ticino was home to the first alternative, naturist, feminist and vegetarian colony in the early 20th century, a precursor of the counter-culture movements that followed, and has seen a succession of anarchists, thinkers and artists pass through its doors over the years. Consecrated by visionary curator Harald Szeemann, with his exhibition Monte Verità. Le mammelle della verità (1978), the hill is still today a place of pilgrimage that awakens, enlightens and consoles. But what remains of the utopias that gravitated around this "Bermuda triangle of the spirit"?

Created in collaboration with the Fondazione Monte Verità, the exhibition la scia del monte (the trace of the mountain) ou les utopistes magnétiques (or the magnetic utopians) brings together 26 contemporary artists, whose creations have been inspired by Monte Verità and its surrounding aura, to resonate with the genius of the place and its female figures. The exhibition offers an eclectic and captivating dialogue between nature, art and spirit, questioning the notion of the "reform of life" desired by the precursors. Exploring all media and techniques, from video art to artificial intelligence, installation, sculpture, painting, photography, engraving, sound and fabric, the exhibition highlights the importance of Switzerland as a land of refuge for free spirits and iconoclasts.

(Text: Federica Chiocchetti, Director, Museum of Fine Arts Le Locle (MBAL), and Nicoletta Mongini, Cultural Director, Fondazione Monte Verità)

Photo Elysée | Lausanne
29. März – 4. August 2024

Cindy Sherman

Cindy Sherman gilt als eine der bedeutendsten amerikanischen Künstlerinnen ihrer Generation. Seit mehr als vierzig Jahren hinterfragt sie mit ihren bahnbrechenden Fotografien das Konzept der Darstellung und der Identität in den zeitgenössischen Medien.

In dieser neuen Bilderserie setzt die Künstlerin Teile ihres eigenen Gesichts als Collage zu neuen Bildern zusammen und erschafft so neue Identitäten verschiedener Figuren. Dazu nutzt sie digitale Bildbearbeitung, um die vielschichtigen Aspekte und die Plastizität des Selbst zu betonen. Sherman verzichtet dabei auf szenische Hintergründe oder Kulissen – das Gesicht selbst steht im Mittelpunkt.

Sie kombiniert eine digitale Collagetechnik, bei der sie Schwarzweiss- und Farbfotografien verwendet, mit anderen traditionelleren Verwandlungsformen wie Make-up, Perücken und Kostümen. Das Ergebnis ist eine Reihe verstörender und verzerrter Gestalten, die vor der Kamera lachen, sich verrenken, die Augen zusammenkneifen oder Grimassen schneiden. Zur Schaffung dieser fragmentierten Figuren hat Sherman einzelne Partien ihres Körpers aufgenommen – ihre Augen, ihre Lippen, ihre Haut, ihre Haare, ihre Ohren –, die Aufnahmen anschliessend neu zusammengesetzt und diese dann in einem Verfahren von Konstruktion, Dekonstruktion und abschliessender Rekonstruktion zu neuen Gesichtern zusammengefügt.

Zur Ausstellung erscheint ein von Hauser & Wirth Publishers herausgegebener Katalog.

Cindy Sherman est considérée comme l'une des artistes américaines les plus importantes de sa génération. Depuis plus de quarante ans, ses photographies révolutionnaires interrogent les thèmes de la représentation et de l'identité dans les médias contemporains.

Dans ce nouveau corpus d'œuvres, l'artiste colle des parties de son propre visage pour construire les identités de divers personnages, en utilisant la manipulation numérique pour accentuer les aspects stratifiés et la plasticité du moi.

Sherman a supprimé toute toile de fond ou mise en scène – le visage est au centre de cette série. Elle combine une technique de collage numérique utilisant des photographies en noir et blanc et en couleur avec d'autres modes de transformation traditionnels, tels que le maquillage, les perruques et les costumes, pour créer une série de personnages troublants qui rient, se tordent, plissent les yeux et grimacent devant l'appareil photo. Pour créer ces personnages fracturés, Sherman a photographié des parties isolées de son corps – ses yeux, son nez, ses lèvres, sa peau, ses cheveux, ses oreilles qu'elle coupe, colle et étire sur une image de base, pour finalement construire, déconstruire et reconstruire un nouveau visage.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue publié par Hauser & Wirth Publishers.

Cindy Sherman è considerata una delle artiste americane più importanti della sua generazione. Da oltre quarant’anni, le sue fotografie rivoluzionarie interrogano i temi della rappresentazione e dell’identità nei media contemporanei.

In questo nuovo corpus di opere, l'artista incolla parti del proprio viso per costruire le identità di vari personaggi e utilizza la manipolazione digitale per accentuare gli aspetti stratificati e la plasticità dell’ego.

Sherman ha eliminato ogni sfondo o allestimento – il viso è al centro di questa serie. L’artista abbina una tecnica di incollaggio digitale con fotografie in bianco e nero e a colori, ad altri modi di trasformazione tradizionali, quali il trucco, le parrucche e i vestiti, in modo da creare una serie di personaggi sconcertanti che ridono, si contorcono, socchiudono gli occhi e fanno delle smorfie davanti alla macchina fotografica. Per creare questi personaggi fratturati, Sherman ha fotografato delle parti singole del proprio corpo – gli occhi, il naso, le labbra, la pelle, i capelli, le orecchie, che ha tagliato, incollato e stirato sopra un’immagine di base, per finalmente costruire, decostruire e ricostruire un nuovo viso.

La mostra è accompagnata da un catalogo pubblicato da Hauser & Wirth Publishers.

Cindy Sherman is considered to be one of the most important American artists of her generation. Her ground-breaking photographs have interrogated themes around representation and identity in contemporary media for over four decades.

In this new body of work, the artist collages parts of her own face to construct the identities of various characters, using digital manipulation to accent the layered aspects and plasticity of the self. Sherman has removed any scenic backdrops or mise-en-scène–the focus of this series is the face. She combines a digital collaging technique using black and white and color photographs with other traditional modes of transformation, such as make-up, wigs and costumes, to create a series of unsettling characters who laugh, twist, squint and grimace in front of the camera. To create the fractured characters, Sherman has photographed isolated parts of her body–her eyes, nose, lips, skin, hair, ears–which she cuts, pastes and stretches onto a foundational image, ultimately constructing, deconstructing and then reconstructing a new face.

The exhibition is accompanied by a catalogue by Hauser & Wirth Publishers.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
29. März – 4. August 2024

LIBÉRER LA PHOTOGRAPHIE
Man Ray

"Völlig frei von der Malerei und ihren ästhetischen Implikationen zu sein" – so lautete das erste erklärte Ziel von Man Ray (USA, 1890–1976), der seine Karriere als Maler begann. Die Fotografie stellte eine wichtige Neuerung in der modernen Kunst dar. Sie führte dazu, dass das Konzept der Darstellung wieder in Frage gestellt wurde. In den 1920er- und 1930er-Jahren etablierte sich das Medium Fotografie in der Avantgarde, und Man Ray machte schon bald durch seine Virtuosität auf sich aufmerksam. Als Studioporträtist und Modefotograf, aber auch als experimenteller Künstler, der die Möglichkeiten der Fotografie mit Menschen aus seinem Umfeld erforschte, zeigte sich Man Ray als eine sehr vielschichtige Figur. Er gilt heute als einer der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts, stand Dada und später dem Surrealismus nahe, und fotografierte den Kreis der Künstler:innen, die in der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen in Paris zu finden waren.

Die auf Grundlage einer Privatsammlung zusammengestellte Ausstellung beleuchtet die vielfältigen Lebensumstände des Künstlers und zeigt einige seiner ikonischsten Werke. Die Arbeiten präsentieren nicht nur ein schillerndes Who-is-Who der Pariser Avantgarde, sondern unterstreichen auch die fototechnischen Innovationen, die Man Ray im Paris der 1920er- und 1930er-Jahre entwickelte.

Die Ausstellung wird unterstützt von der Loterie Romande, der Fondation Le Cèdre, der Fondation ARPE, Le Cercle de Photo Elysée und dem Bundensamt für Kultur (BAK).

"Etre totalement libéré de la peinture et de ses implications esthétiques", tel fut le premier but avoué de Man Ray qui débuta sa carrière en tant que peintre. La photographie constituait une des ouvertures importantes de l’art moderne. Elle suscitait alors une remise en question des notions de représentation. C’est dans les années 1920 et 1930 que le médium photographique s’imposa dans les avant-gardes et que Man Ray se fit rapidement remarquer par sa virtuosité. Portraitiste de studio, photographe de mode, mais aussi artiste expérimental ayant exploré les potentiels de la photographie avec les figures de son entourage, Man Ray apparaît comme une figure aux facettes multiples. Considéré comme l’un des artistes majeurs du XXe siècle, proche de Dada, puis du surréalisme, il photographie le cercle artistique présent à Paris dans l’entre-deux-guerres.

Réalisée à partir d’une collection privée, l’exposition explore les sociabilités multiples de l’artiste, tout en présentant certaines de ces œuvres les plus emblématiques. En plus de présenter un éblouissant who’s who de l’avant-garde parisienne, les œuvres mettent également en évidence les innovations en matière de photographie que Man Ray a réalisées à Paris dans les années 1920 et 1930.

L'exposition est soutenue par la Loterie Romande, la Fondation Le Cèdre, la Fondation ARPE, Le Cercle de Photo Elysée et l'Office fédéral de la culture (OFC).

"Essere totalemente liberato dalla pittura e dalle sue implicazioni estetiche", ecco cosa fu il primo obiettivo confessato da Man Ray che esordì in quanto pittore. La fotografia costituiva una delle aperture importanti dell’arte moderna. Provocava una messa in discussione dei concetti della rappresentazione. Fu negli anni 1920 e 1930 che il medium fotografico si impose nelle avanguardie e che Man Ray si fece notare subito con la sua maestria. Ritrattista di studio, fotografo di moda, ma altresì artista sperimentale che ha esplorato i potenziali della fotografia con figure della propria cerchia, Man Ray appare come una figura dalle molteplici sfaccettature. Considerato uno dei maggiori artisti del Novecento, vicino al dadaismo, poi al surrealismo, fotografa tutta la cerchia artistica presente a Parigi nel periodo interbellico.

Realizzata a partire da una collezione privata, la mostra esplora le tante conoscenze dell'artista e presenta alcune delle sue opere più emblematiche. Oltre a presentare un affascinante who's who dell’avanguardia parigina, le opere evidenziano altresì le innovazioni in materia di fotografia realizzate da Man Ray nella Parigi degli anni 1920 e 1930.

L'esposizione è supportata dalla Loterie Romande, dalla Fondation Le Cèdre, dalla Fondation ARPE, dal Le Cercle de Photo Elysée e dall'Ufficio federale della cultura (UFC).

“To be totally liberated from painting and its aesthetic implications” was the first avowed aim of Man Ray (United States, 1890-1976), who began his career as a painter. Photography was one of the major breakthroughs of modern art and led to a rethinking of notions of representation. In the 1920s and 30s, the photographic medium came to the forefront of the avant-garde movement, and Man Ray soon made a name for himself with his virtuosity. As a studio portraitist and fashion photographer, but also as an experimental artist who explored the potential of photography with the people around him, Man Ray was a multi-faceted figure. Considered one of the 20th century’s major artists, close to Dada and then Surrealism, he photographed Paris’ artistic milieu between the wars.

Curated from a private collection, the exhibition explores the artist’s extensive social contacts while presenting some of his most iconic works. In addition to providing a dazzling who’s who of the Parisian avant-garde, the works also highlight the innovations in photography made by Man Ray in Paris in the 1920s and 30s.

The exhibition is supported by the Loterie Romande, the Fondation Le Cèdre, the Fondation ARPE, Le Cercle of Photo Elysée and the Office fédéral de la culture (OFC).

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

SALA VIAGGIATORI | Castasegna
31. März – 25. August 2024

MONDI COSTRUITI - Von Vorlieben und Leidenschaften
Patrik Fuchs, Samuel Herzog, Isabelle Krieg

Sammeln gehört seit jeher zur menschlichen Kultur und hat die Menschheit stets fasziniert. Angefangen bei den Jägern und Sammler:innen der Urzeit, von Kunst- und Kuriositätensammlungen der Schatz- und Wunderkammern der Spätrenaissance, bis hin zur Entwicklung von Museumssammlungen. Gesammelt werden nicht nur Pilze und Beeren, Panini-Bilder, Steine, Muscheln oder Kaffeerahmdeckel, sondern auch Erfahrungen, Ideen und Eindrücke. Sogar Schweigen kann man sammeln, wie es Heinrich Bölls Dr. Murke getan hat oder Echos wie Mark Twains Ithuriel in Die Geschichte des Hausierers.

Sammler:innen haben Vorlieben und Leidenschaften für alltägliche, vielleicht banale aber auch ungewöhnliche Themen, Sammeln wird zum Teil der Identität und zu konstruierten Welten. Von all diesem Sammelbaren haben wir einen facettenreichen Querschnitt von Objekten zusammengestellt, dabei jeweils eine Auswahl getroffen und bewusst auch auf Themenfelder verzichtet.

Die Exposition MONDI COSTRUITI zeigt ganz im Sinne einer Momentaufnahme einen Ausschnitt aktueller regionaler Amateur Sammelkultur aus den Bergell. Es gilt, das Vorurteil bodenständiger Volkskultur und der Freizeitgestaltung aufzuzeigen. Die Grenze zwischen Hoch und Trivialkultur soll fliessend werden und eine Annäherung an die Volks und Alltagskultur ermöglicht werden.

Der Postkarte wird – wie auch in zukünftigen Ausstellungen – aus Beständen einer privaten Sammlerin, nochmals Platz eingeräumt.

Collectionner fait partie de la culture humaine depuis toujours et a toujours fasciné l'humanité. Depuis les chasseurs-cueilleurs de la préhistoire jusqu'aux collections d'art et de curiosités des trésors et cabinets de curiosités de la fin de la Renaissance, en passant par le développement des collections de musées. On ne collectionne pas seulement des champignons et des baies, des images Panini, des pierres, des coquillages ou des opercules de crème à café, mais aussi des expériences, des idées et des impressions. On peut même collectionner des silences, comme l'a fait le Dr Murke de Heinrich Böll, ou des échos, comme Ithuriel de Mark Twain dans L'histoire du colporteur.

Les collectionneurs ont des préférences et des passions pour des thèmes quotidiens, peut-être banals, mais aussi inhabituels, la collection devient une partie de l'identité et des mondes construits. De tout ce qui peut être collectionné, nous avons rassemblé un échantillon d'objets aux multiples facettes, en faisant à chaque fois une sélection et en renonçant sciemment à des domaines thématiques.

L'exposition MONDI COSTRUITI présente, dans l'esprit d'un instantané, un extrait de la culture régionale actuelle des collectionneurs amateurs du Val Bregaglia. Il s'agit de mettre en évidence le préjugé de la culture populaire proche du sol et de l'organisation des loisirs. La frontière entre la culture élevée et la culture triviale doit devenir floue et permettre un rapprochement avec la culture populaire et quotidienne.

Comme dans les expositions à venir, une place sera à nouveau accordée à la carte postale, issue des collections d'une collectionneuse privée.

Il collezionismo ha sempre fatto parte della cultura umana e ha sempre affascinato l'uomo. A partire dai cacciatori e raccoglitori della preistoria, dalle collezioni d'arte e di curiosità negli scrigni e nei gabinetti delle curiosità del tardo Rinascimento fino allo sviluppo delle collezioni museali. Non si raccolgono solo funghi e frutti di bosco, immagini di panini, pietre, conchiglie o coperchi di crema di caffè, ma anche esperienze, idee e impressioni. Si possono collezionare anche i silenzi, come il dottor Murke di Heinrich Böll, o gli echi, come l'Ithuriel di Mark Twain in The Pedlar's Tale.

I collezionisti hanno preferenze e passioni per argomenti quotidiani, forse banali ma anche insoliti; il collezionismo diventa parte dell'identità e dei mondi costruiti. Abbiamo messo insieme uno spaccato multiforme di oggetti tra tutti questi collezionabili, facendo una selezione per ogni caso ed evitando volutamente le aree tematiche.

La mostra MONDI COSTRUITI presenta un'istantanea dell'attuale cultura collezionistica amatoriale regionale della Bregaglia. L'obiettivo è quello di mostrare il pregiudizio della cultura popolare e delle attività del tempo libero. Il confine tra cultura alta e banale dovrebbe diventare fluido e dovrebbe essere possibile un approccio alla cultura popolare e quotidiana.

Come per le mostre future, anche in questa occasione verrà dato spazio alla cartolina proveniente da un collezionista privato.

Collecting has always been part of human culture and has always fascinated mankind. Starting with the hunters and gatherers of prehistoric times, from collections of art and curiosities in the treasuries and cabinets of curiosities of the late Renaissance, to the development of museum collections. Not only mushrooms and berries, panini pictures, stones, shells or coffee cream lids are collected, but also experiences, ideas and impressions. You can even collect silences, as Heinrich Böll's Dr. Murke did, or echoes like Mark Twain's Ithuriel in The Peddler's Tale.

Collectors have preferences and passions for everyday, perhaps banal but also unusual topics; collecting becomes part of identity and constructed worlds. We have put together a multifaceted cross-section of objects from all these collectable items, making a selection in each case and deliberately avoiding thematic areas.

The MONDI COSTRUITI exhibition shows a snapshot of current regional amateur collecting culture from the Bergell region. The aim is to show the prejudice of down-to-earth folk culture and leisure activities. The boundary between high and trivial culture should become fluid and an approach to folk and everyday culture should be made possible.

The postcard - as in future exhibitions - will once again be given space from the holdings of a private collector.

(Text: Sala Viaggiatori, Castasegna)

Museum für Gestaltung | Zürich
12. April – 15. September 2024

Oliviero Toscani: Fotografie und Provokation

Seine Bilder erregen Aufsehen, erschüttern und empören: Oliviero Toscani hat als Fotograf, Creative Director und Bildredaktor Geschichte geschrieben und die Werbekommunikation auf den Kopf gestellt. Berühmt wurde Toscani durch Kampagnen für das italienische Modehaus Benetton, die ebenso ikonisch wie umstritten sind. Nach seiner Ausbildung an der Zürcher Kunstgewerbeschule tauchte Toscani in New York in die «Street Photography» ein und wurde Teil der legendären Factory von Andy Warhol. In Europa etablierte er sich als Werbe- und Modefotograf, der die visuelle Provokation zu seinem Markenzeichen machte. Die Ausstellung umfasst Toscanis gesamtes Werk und gibt Anlass, gesellschaftliche Konventionen und aktuelle Themen wie Gender, Rassismus, Ethik und Ästhetik zu diskutieren.

Ses photographies font sensation, bouleversent et indignent : photographe, directeur créatif et rédacteur photo, Oliviero Toscani a écrit l’histoire et révolutionné la communication publicitaire. Il doit sa célébrité à ses campagnes pour la maison de mode italienne Benetton, qui sont tout aussi cultes que controversées. Après une formation à la Kunstgewerbeschule de Zurich (École d’arts appliqués), Toscani s’immerge dans la photographie de rue à New York et rejoint la légendaire Factory d’Andy Warhol. En Europe, il se fait un nom comme photographe de mode et de publicité. La provocation visuelle devient sa marque de fabrique. L’exposition, qui parcourt l’intégralité de l’œuvre de Toscani, donne l’occasion de discuter de conventions sociales et de sujets d’actualité, tels que le genre, le racisme, l’éthique et l’esthétique.

Le sue immagini suscitano scalpore, shock e indignazione: Oliviero Toscani ha fatto la storia come fotografo, direttore creativo e picture editor e ha stravolto la comunicazione pubblicitaria. Toscani è diventato famoso per le sue campagne per la casa di moda italiana Benetton, tanto iconiche quanto controverse. Dopo essersi formato alla Scuola di Arti Applicate di Zurigo, Toscani si è immerso nella fotografia di strada a New York ed è entrato a far parte della leggendaria Factory di Andy Warhol. In Europa si è affermato come fotografo pubblicitario e di moda che ha fatto della provocazione visiva il suo marchio di fabbrica. La mostra comprende l'intera opera di Toscani e offre l'opportunità di discutere le convenzioni sociali e le questioni attuali come il genere, il razzismo, l'etica e l'estetica.

His images are arresting, disturbing, outrageous. As a photographer, creative director, and image editor, Oliviero Toscani made history and revolutionized commercial communications. He first came to the public’s notice through his iconic and controversial campaigns for the Italian fashion brand Benetton. After training at the Kunstgewerbeschule Zürich, Toscani went first to New York, where he plunged into “street photography” and became part of Andy Warhol’s legendary “Factory.” Back in Europe, he established himself as a commercial and fashion photographer whose trademark was visual provocation. This exhibition covering Toscani’s entire oeuvre promises to prompt discussion of both social conventions and topical issues such as gender, racism, ethics, and aesthetics.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

FOCALE galerie – librairie | Nyon
14. April – 9. Juni 2024

SIEMPRE QUE ESTEMOS VIVOS NOS VEREMOS
Celine Croze

"Siempre que estemos vivos nos veremos", das war der letzte Satz, den Yair zu mir sagte. Wir standen auf dem Azotea (Dach) von Block 11, der Nebel hüllte Caracas ein und das verrückte Gerücht der Stadt klang wie ein Trauergesang.

Es war ein Schuss in mein Herz. Das Bewusstsein des eigenen Endes hatte etwas Schreckliches und Erhabenes zugleich. Es war alles gesagt. Die Dringlichkeit des Lebens, die Faszination des Todes, der Zusammenbruch des Landes. Die extreme Gewalt und die Absurdität der Situation vermittelten den Eindruck, dass das Leben nur ein Spiel war.

Ich erinnerte mich zwei Tage zuvor an die Gallina (Arena für Hahnenkämpfe). Der Geruch von Blut, vermischt mit Rum und Schweiß, die Schreie der Wut, die Erregung jedes einzelnen Mannes. Eine ungreifbare Trance berauschte die Arena. Als ob wir alle verrückt wären. Als ob Blut, Tod und Macht einen lebendiger machen würden. Die chaotische Energie der Stadt hallte in jedem Kampf wider, wie ein Tanz, der sich entfaltet, bleibt und hilflos weint.

Einen Monat später wurde Yair erschossen. Er war 27 Jahre alt.

Meine Wanderungen durch Lateinamerika waren von weiteren überwältigenden Begegnungen durchzogen. Wie diese Kampfhähne sah ich Wesen, die tanzten und sich an die Unordnung klammerten. Ich fand jedes Mal dieselbe unverschämte Sinnlichkeit, wie eine wütende Provokation, wie der Schrei eines Jugendlichen, der sich über die Gefahr amüsiert, verurteilt und frei ist.

« Siempre que estemos vivos nos veremos », c’est la dernière phrase que m’a dite Yair. Nous étions sur l’azotea (toit) du bloc 11, la brume enveloppait Caracas, la rumeur folle de la ville ressemblait à un chant funèbre.

C’était une balle dans mon coeur. La conscience de sa propre fin avait quelque chose de terrible et sublime à la fois. Tout était dit. L’urgence de la vie, la fascination pour la mort, l’effondrement du pays. L’extrême violence et l’absurdité de la situation donnait l’impression que la vie n’était qu’un jeu.

Je me rappelais deux jours plus tôt la gallina (arène pour combats de coqs). L’odeur du sang mélangée au rhum et à la sueur, les cris de rage, l’excitation de chaque homme. Une transe impalpable enivrait l’arène. Comme si nous étions tous fous. Comme si le sang, la mort et le pouvoir rendaient plus vivant. L’énergie chaotique de la ville résonnait dans chaque combat, telle une danse qui se déploie, qui reste et pleure, impuissante.

Un mois plus tard, Yair fut abattu. Il avait 27 ans.

Mes errances en Amérique Latine furent traversées par d’autres rencontres saisissantes. Comme ces coqs de combats, je voyais des êtres danser et s’accrocher au désordre. J’y retrouvais à chaque fois cette même sensualité insolente, comme une furieuse provocation, comme un cri d’adolescent amusé par le danger, condamné et libre.

"Siempre que estemos vivos nos veremos" fu l'ultima frase che mi disse Yair. Eravamo sull'azotea (tetto) dell'isolato 11, la nebbia che avvolgeva Caracas, il folle ronzio della città come una nenia funebre.

Era una pallottola nel mio cuore. C'era qualcosa di terribile e sublime allo stesso tempo nell'essere consapevoli della propria fine. Diceva tutto. L'urgenza della vita, il fascino della morte, il collasso del Paese. L'estrema violenza e l'assurdità della situazione davano l'impressione che la vita fosse solo un gioco.

Due giorni prima, mi sono ricordato della gallina (arena per i combattimenti di galli). L'odore del sangue misto a rum e sudore, le grida di rabbia, l'eccitazione di ogni uomo. Una trance impalpabile intossicava l'arena. Come se fossimo tutti pazzi. Come se il sangue, la morte e il potere ci rendessero più vivi. L'energia caotica della città risuonava in ogni combattimento, come una danza che si svolge, che rimane e piange, impotente.

Un mese dopo, Yair fu ucciso con un colpo di pistola. Aveva 27 anni.

Le mie peregrinazioni in America Latina sono state intervallate da altri incontri eclatanti. Come quei galli da combattimento, ho visto persone ballare e aggrapparsi al disordine. Ogni volta ritrovavo la stessa sensualità insolente, come una provocazione furiosa, come il grido di un adolescente divertito dal pericolo, condannato e libero.

"Siempre que estemos vivos nos veremos" was the last sentence Yair said to me. We were standing on the azotea (roof) of Block 11, the mist enveloping Caracas, the mad hum of the city like a funeral dirge.

It was a bullet in my heart. There was something both terrible and sublime about the awareness of one's own demise. It said it all. The urgency of life, the fascination with death, the collapse of the country. The extreme violence and absurdity of the situation gave the impression that life was just a game.

Two days earlier, I remembered the gallina (cockfighting arena). The smell of blood mixed with rum and sweat, the cries of rage, the excitement of each man. An impalpable trance intoxicated the arena. As if we were all mad. As if blood, death and power made us more alive. The city's chaotic energy resonated in every fight, like a dance that unfolds, stays and weeps, powerless.

A month later, Yair was shot dead. He was 27 years old.

My wanderings in Latin America were interspersed with other striking encounters. Like those fighting cocks, I saw people dancing and clinging to disorder. Each time, I found the same insolent sensuality, like a furious provocation, like the cry of an adolescent amused by danger, condemned and free.

(Text: Celine Croze)

Galerie & Edition Stephan Witschi | Zürich
18. April – 18. Mai 2024

Licht sammeln / Gathering Light
Rownak Bose

Rownak Bose oder was haben die Quitte und die Camera Obscura gemeinsam

…ihr gelee, in bauchigen gläsern für die dunklen tage, aufgereiht in einem keller von tagen, wo sie leuchteten, leuchten.

Zitat aus einem Gedicht von Jan Wagner

Jan Wagner ist einer der Lieblingsautoren von Rownak Bose, und sein Gedicht quittenpastete aus dem Band Selbstporträt mit Bienenschwarm zählt zu seinen Favoriten.

Die Quitte ist eine geheimnisvolle und archaische Frucht. Eher unansehnlich, unförmig, leicht haarig, hart und abweisend. Aber auch geheimnisvoll und mysteriös. Ihre große Qualität offenbart sich erst, wenn man sich um sie kümmert, sie analysiert und zerkleinert. Sie muss erforscht und nach überlieferten alten Rezepten verarbeitet werden, damit man ihren Geheimnissen auf den Grund kommt. Erst dann wird man sich ihrer Großartigkeit, ihrer Schönheit, ihrer Vielseitigkeit und ihres unnachahmlichen Geschmacks bewusst. In diesem Prozess beginnt sie zu leuchten!

In diesem Kontext offenbart sich eine unerwartete Parallele zur Camera Obscura, die sich für den Laien ebenfalls in verborgenen Wundern verliert. Alles ein wenig weit hergeholt? Ja vielleicht. Aber Tatsache ist, Rownak Bose liebt das Quittengedicht und die Camera Obscura.

Ein simples Lichtloch in einem vollständig abgedunkelten Raum genügt, um die Außenwelt nach innen zu projizieren – ein magischer Prozess, der den Künstler bereits in jungen Jahren faszinierte. Mit selbstgebauten Apparaten erkannte er die Möglichkeit, jenseits der Ästhetik konventioneller Kameras Bilder zu schaffen. So erwachte in ihm der Forscher, der er bis heute geblieben ist.

Seit Jahrzehnten experimentiert der Künstler mit der archaischen Technik der Lochkamera und sammelt mit seinen selbstgebauten Camera Obscuras Licht. Seine Faszination gilt den technischen, historischen und physikalischen Forschungsaspekten seiner Arbeit genauso wie den unberechenbaren. Als magischen Moment bezeichnet er den Prozess, der durch das Zusammentreffen von Licht und fotosensitivem Material in der dunklen Kammer in Gang kommt. Diese Zeitspanne ist nicht steuerbar, in ihr ist kein Konzept wirksam, sondern reine Präsenz. Das Sammeln von Licht wird zu einem Sammeln von Erinnerungen, aus denen sich Identität und Heimat aufbauen.

Rownak Bose ist Künstler, unabhängiger Forscher und Umweltwissenschaftler.

Rownak Bose ou qu'est-ce que le coing et la camera obscura ont en commun ?

...leur gelée, dans des bocaux ventrus pour les jours sombres, alignés dans une cave de jours où ils brillaient, brillaient.

Citation d'un poème de Jan Wagner

Jan Wagner est l'un des auteurs préférés de Rownak Bose, et son poème "Quittenpastete", extrait du recueil Autoportrait avec essaim d'abeilles, compte parmi ses favoris.

Le coing est un fruit mystérieux et archaïque. Plutôt disgracieux, informe, légèrement poilu, dur et repoussant. Mais aussi secret et mystérieux. Sa grande qualité ne se révèle que lorsqu'on en prend soin, qu'on l'analyse et qu'on la broie. Vous devez l'étudier et la travailler selon des recettes ancestrales afin de percer ses secrets. Ce n'est qu'alors que l'on prend conscience de sa grandeur, de sa beauté, de sa diversité et de son goût inimitable. C'est à ce moment-là qu'elle commence à briller !

Dans ce contexte, un parallèle inattendu se révèle avec la Camera Obscura, qui se perd également dans des merveilles cachées pour le profane. Tout cela est un peu tiré par les cheveux ? Oui, peut-être. Mais le fait est que Rownak Bose aime le poème du coing et la Camera Obscura.

Un simple trou de lumière dans une pièce complètement obscurcie suffit à projeter le monde extérieur vers l'intérieur - un processus magique qui a fasciné l'artiste dès son plus jeune âge. Grâce à des appareils qu'il a lui-même construits, il a compris qu'il était possible de créer des visuels au-delà de l'esthétique des caméras conventionnelles. C'est ainsi que s'est éveillé en lui le chercheur qu'il est resté jusqu'à aujourd'hui.

Depuis des décennies, l'artiste expérimente la technique archaïque du sténopé et collecte de la lumière avec ses cameras obscuras qu'il a lui-même construites. Sa fascination s'exerce autant sur les aspects techniques, historiques et physiques de la recherche de son travail que sur les aspects imprévisibles. Il qualifie d'instant magique le processus qui se met en place par la rencontre de la lumière et du matériel photosensible dans la chambre obscure. Ce laps de temps n'est pas contrôlable, aucun concept n'est à l'œuvre en lui, mais une pure présence. La collecte de lumière devient une collecte de souvenirs à partir desquels se construisent l'identité et la patrie.

Rownak Bose est artiste, chercheur indépendant et spécialiste de l'environnement.

Rownak Bose o cosa hanno in comune la mela cotogna e la camera oscura

...la loro gelatina, in bicchieri bulbosi per i giorni bui, allineati in una cantina di giorni, dove brillavano, brillavano.

Citazione da una poesia di Jan Wagner

Jan Wagner è uno degli autori preferiti di Rownak Bose e la sua poesia Paté di mele cotogne, tratta dal volume Autoritratto con sciame d'api, è una delle sue preferite.

La mela cotogna è un frutto misterioso e arcaico. Piuttosto sgradevole, deforme, leggermente peloso, duro e repellente. Ma anche misterioso ed enigmatico. La sua grande qualità si rivela solo quando viene curata, analizzata e schiacciata. Bisogna studiarlo e lavorarlo secondo le antiche ricette tradizionali per arrivare in fondo ai suoi segreti. Solo allora ci si rende conto della sua magnificenza, della sua bellezza, della sua versatilità e del suo sapore inimitabile. In questo processo, inizia a brillare!

In questo contesto, si rivela un inaspettato parallelo con la camera oscura, che si perde in meraviglie nascoste anche per i profani. Tutto un po' inverosimile? Sì, forse. Ma il fatto è che Rownak Bose ama la poesia delle mele cotogne e la camera oscura.

Basta un semplice foro di luce in una stanza completamente buia per proiettare il mondo esterno all'interno: un processo magico che ha affascinato l'artista fin da piccolo. Utilizzando dispositivi autocostruiti, ha riconosciuto la possibilità di creare immagini al di là dell'estetica delle macchine fotografiche convenzionali. Questo ha risvegliato in lui l'esploratore che è rimasto fino ad oggi.

Per decenni l'artista ha sperimentato la tecnica arcaica della macchina fotografica a foro stenopeico e la raccolta della luce con le sue camere oscure autocostruite. Gli aspetti tecnici, storici e di ricerca fisica del suo lavoro lo affascinano tanto quanto l'imprevedibilità. Descrive il processo messo in moto dall'incontro tra luce e materiale fotosensibile nella camera oscura come un momento magico. Questo periodo di tempo non può essere controllato, non è un concetto, ma pura presenza. La collezione di luce diventa una collezione di ricordi da cui si costruiscono l'identità e la casa.

Rownak Bose è un artista, ricercatore indipendente e scienziato ambientale.

Rownak Bose or what do the quince and the camera obscura have in common

…their jelly, in bulbous jars for the dark days, lined up in a cellar of days where they shone, shone.

Quote from a poem by Jan Wagner

Jan Wagner is one of Rownak Bose's favourite authors, and his poem quittenpastete from the volume Selbstporträt mit Bienenschwarm is one of his favourites.

The quince is a mysterious and archaic fruit. Rather unsightly, misshapen, slightly hairy, hard and repellent. But also mysterious and enigmatic. Its great quality is only revealed when it is cared for, analysed and crushed. It must be researched and processed according to traditional old recipes in order to get to the bottom of its secrets. Only then do you realise its magnificence, its beauty, its versatility and its inimitable flavour. In this process, it begins to shine!

In this context, an unexpected parallel to the camera obscura is revealed, which also loses itself in hidden wonders for the layman. All a bit far-fetched? Yes, perhaps. But the fact is, Rownak Bose loves the quince poem and the camera obscura. A simple light hole in a completely darkened room is enough to project the outside world inside - a magical process that fascinated the artist from a young age. Using self-built devices, he recognised the possibility of creating images beyond the aesthetics of conventional cameras. This awakened in him the explorer that he has remained to this day.

For decades, the artist has been experimenting with the archaic technique of the pinhole camera and collecting light with his self-built camera obscuras. He is just as fascinated by the technical, historical and physical research aspects of his work as he is by the unpredictable. He describes the process that is set in motion by the encounter of light and photosensitive material in the dark chamber as a magical moment. This period of time is not controllable, there is no concept at work in it, but pure presence. The collection of light becomes a collection of memories from which identity and home are built.

Rownak Bose is an artist, independent researcher and environmental scientist.

(Text: Galerie & Edition Stephan Witschi, Zürich)

Pavillon Le Corbusier | Zürich
3. Mai – 24. November 2024

Lucien Hervé: Gebautes Licht

Der Fotograf Lucien Hervé (1910–2007) vermittelt Architektur in Bildern. Seine Fotografien lassen Gebäude in meisterhaftem Gleichgewicht von Licht und Schatten neu aufleben. Hervés minimalistische Ansichten von bestimmten Details oder den Materialien eines Raums setzen die Ideen von Architekten kraftvoll in Szene und verdichten sie zu abstrakten Kompositionen. Le Corbusier war fasziniert von der einzigartigen Bildsprache Lucien Hervés und attestierte ihm eine «Architektenseele». Aus einem ersten Treffen 1949 entstand zwischen den beiden eine Zusammenarbeit, die über 15 Jahre andauerte. In der Ausstellung treffen Hervés Bilder von den Werken zahlreicher Baumeister auf das von ihm umfassend dokumentierte Œuvre von Le Corbusier.

Dans ses photographies, Lucien Hervé (1910-2007) communique l’architecture en images. L’équilibre magistral entre ombre et lumière donne une nouvelle vie aux bâtiments. Les vues minimalistes du photographe sur certains détails ou sur le matériau d’un espace mettent puissamment en scène les idées des architectes et les condensent en compositions abstraites. Le vocabulaire visuel unique de Lucien Hervé fascine Le Corbusier qui reconnaît en lui une « âme d’architecte ». Leur rencontre en 1949 débouche sur une collaboration de plus de 15 ans. Dans l’exposition, les photographies d’ouvrages de nombreux architectes prises par Hervé dialoguent avec l’œuvre de Le Corbusier, qu’il a largement documenté.

Il fotografo Lucien Hervé (1910-2007) trasmette l'architettura in immagini. Le sue fotografie danno vita agli edifici in un magistrale equilibrio di luci e ombre. Le vedute minimaliste di Hervé di dettagli specifici o dei materiali di una stanza sottolineano con forza le idee degli architetti e le condensano in composizioni astratte. Le Corbusier rimase affascinato dal linguaggio visivo unico di Lucien Hervé e lo definì "un'anima da architetto". Un primo incontro nel 1949 portò a una collaborazione tra i due che durò oltre 15 anni. Nella mostra, le immagini di Hervé che ritraggono le opere di numerosi maestri costruttori incontrano l'opera di Le Corbusier, da lui documentata in modo esaustivo.

The photographer Lucien Hervé (1910–2007) communicates the language of architectures through his captures. With their magisterial balance of shadows and light, his photographs bring buildings to new life. His minimalistic views of certain details or materials are visually powerful stagings of the architect’s ideas and translate them into abstract compositions. Le Corbusier was fascinated by this distinctive visual idiom and recognized the “architect’s soul” in Hervé. Their very first meeting in 1949 gave rise to a collaboration that was to last over 15 years. In this exhibition, Hervé’s images of the works of numerous master builders will be shown alongside the oeuvre of Le Corbusier.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
4. Mai – 25. August 2024

Stammtisch
Collectif Le Salon & Guests
Pauline Aellen, Clément Ardin, Claude Baechtold, Lorie Bettiol, Julien Bono, Matthieu Croizier, Charles Frôté, Elise Gagnebin-de Bons, Geert Goiris, Lea Kunz, Lisa Lurati, Giona Mottura, Cécile Monnier, Alessia Olivieri, Antigoni Papantoni

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bieler Fototage stat.

"Stammtisch" von Collectif Le Salon und sieben Gastkünstlern erforscht die Symbolik traditioneller Begegnungsorte. In der Ausstellung steht ein runder Tisch im Mittelpunkt, der als Bühne für die Betrachtung des Stammtischs als Ort von Komfort und Kontroverse dient. Die Installation, die im Rahmen der Bieler Fototage lanciert wird, umfasst 15 Zeitungen, die das Konzet des Stammtisch aus verschiedenen künstlerischen Perspektiven interpretieren. Von gesellschaftlichen Beobachtungen des Eidgenössischen Departements des Innern bis hin zu den Reflexionen von Reiner Maria Rilke, Marie Curie und Pablo Escobar inspiriert.

Diese Zeitungen bieten Einblicke in den Stammtisch als Raum für intime Diskussionen, lebhafte Debatten und gemeinsame Erfahrungen. Die dynamische Darstellung regt die Besucher dazu an, über die komplexe Natur von Gemeinschaftsinteraktionen nachzudenken und die Rolle dieser Räume im gesellschaftlichen Diskurs zu hinterfragen. "Stammtisch" ist nicht nur eine Ausstellung; es ist eine anregende Reise in das Wesen von Gemeinschaft und menschlicher Verbindung durch die Linse der zeitgenössischen Fotografie.

Die Ausstellung "Stammtisch" geht über den Zeitraum der Bieler Fototage hinaus und wird durch eine Reihe von Veranstaltungen begleitet, die einen Dialog über Gemeinschaft, Zusammenarbeit und kollektive Identität im digitalen Zeitalter anregen.

"Stammtisch" (table des habitué.e.x.s) du Collectif Le Salon et de sept artistes invité.e.x.s explore la symbolique des lieux de rencontre traditionnels. Au cœur de l'exposition se trouve une table ronde, servant de scène pour examiner la Stammtisch en tant que lieu de confort et de controverse. L'installation, lancée dans le cadre des Journées photographiques de Bienne, comprend 15 journaux interprétant le concept de Stammtisch sous différentes perspectives artistiques. Inspirés des observations sociales du Département fédéral de l'intérieur aux réflexions de Reiner Maria Rilke, Marie Curie et Pablo Escobar.

Ces journaux offrent un regard sur le Stammtisch en tant que lieu de discussions intimes, de débats animés et d'expériences partagées. La présentation dynamique incite les visiteur.euse.x.s à réfléchir à la nature complexe des interactions communautaires et au rôle de ces espaces dans le discours sociétal. "Stammtisch" n'est pas seulement une exposition ; c'est un voyage stimulant dans la nature de la communauté et de la connexion humaine à travers l'objectif de la photographie contemporaine.

L'exposition "Stammtisch" va au-delà de la période des Journées photographiques de Bienne et est accompagnée d'une série d'événements qui encouragent le dialogue sur la communauté, la collaboration et l'identité collective à l'ère numérique.

"Stammtisch" del Collectif Le Salon e di sette artisti ospiti esplora il simbolismo dei luoghi di incontro tradizionali. La mostra è incentrata su un tavolo rotondo che funge da palcoscenico per la contemplazione del tavolo degli habitué come luogo di conforto e di controversia. L'installazione, lanciata nell'ambito dei Photo Days di Biel/Bienne, comprende 15 giornali che interpretano il concetto di tavolo degli habitué da diverse prospettive artistiche. Dalle osservazioni sociali del Dipartimento federale dell'Interno alle riflessioni ispirate da Reiner Maria Rilke, Marie Curie e Pablo Escobar.

Questi giornali offrono uno spaccato del tavolo degli habitué come spazio per discussioni intime, dibattiti vivaci ed esperienze condivise. L'esposizione dinamica incoraggia i visitatori a riflettere sulla natura complessa delle interazioni comunitarie e a interrogarsi sul ruolo di questi spazi nel discorso sociale. "Stammtisch" non è solo una mostra, ma un viaggio stimolante nella natura della comunità e delle connessioni umane attraverso l'obiettivo della fotografia contemporanea.

La mostra "Stammtisch" si estende oltre il Festival della Fotografia di Biel/Bienne e sarà accompagnata da una serie di eventi che stimolano un dialogo sulla comunità, la collaborazione e l'identità collettiva nell'era digitale.

"Stammtisch" by Collectif Le Salon and seven guest artists explores the symbolism of traditional meeting places. At the heart of the exhibition is a round table, serving as a stage to examine the Stammtisch as a place of comfort and controversy. The installation, launched as part of the Bieler Fototage, includes 15 newspapers interpreting the concept of Stammtisch from various artistic perspectives. Inspired by social observations from the Federal Department of the Interior to the reflections of Reiner Maria Rilke, Marie Curie, and Pablo Escobar.

These newspapers offer insights into the Stammtisch as a space for intimate discussions, lively debates, and shared experiences. The dynamic presentation encourages visitors to reflect on the complex nature of community interactions and the role of these spaces in societal discourse. "Stammtisch" is not just an exhibition; it is a thought-provoking journey into the nature of community and human connection through the lens of contemporary photography.

The "Stammtisch" exhibition extends beyond the Bieler Fototage period and is accompanied by a series of events that foster dialogue on community, collaboration, and collective identity in the digital age.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Landesmuseum | Zürich
9. Mai – 30. Juni 2024

Swiss Press Photo 24

«Swiss Press Photo 24» präsentiert die besten Schweizer Pressebilder des vergangenen Jahres. Die Bilder ermöglichen einen Blick hinter die schnell verblassenden Schlagzeilen und erlauben es, 2023 noch einmal Revue passieren zu lassen – vom Ende der Credit Suisse bis zum Begräbnis von Papst Benedikt XVI. Die Ausstellung ist in die Kategorien Aktualität, Alltag, Schweizer Geschichten, Porträt, Sport und Ausland gegliedert und regt zum Nachdenken an, bringt uns aber auch immer wieder zum Lächeln und beweist eindrücklich, dass ein Bild oft mehr als 1000 Worte sagen kann.

«Swiss Press Photo 24» présente les meilleures photographies de presse suisses de l’année passée. Les images mettent en perspective les gros titres vite oubliés, permettant ainsi de passer une nouvelle fois l’année 2023 en revue, de la chute de Crédit Suisse aux funérailles du pape Benoît XVI. Composée des catégories Actualité, Vie quotidienne, Reportages suisses, Portrait, Sports et Étranger, l’exposition pousse à la réflexion tout en donnant encore et toujours le sourire, montrant qu’une image vaut décidément mieux que mille mots.

«Swiss Press Photo 23» presenta le migliori foto della stampa svizzera dell’anno scorso. Le fotografie gettano uno sguardo oltre il clamore della stretta attualità offrendo uno scorcio dell’intero 2022. L’esposizione propone circa 130 immagini di eventi attuali come la guerra in Ucraina o le proteste per il clima, scene quotidiane della calda estate svizzera, affascinanti ritratti o momenti emozionanti dell’anno sportivo. Lo sguardo attraverso l’obiettivo ha una tradizione al Museo Nazionale e dimostra sempre che le fotografie non hanno perso nulla della loro forza nonostante l’inondazione di immagini digitali cui siamo sottoposti.

Swiss Press Photo 24 showcases the best Swiss photo journalism from the last year. The photos give us a glimpse behind the fast-moving headlines and provide a snapshot of 2023 – from the end of Credit Suisse to the funeral of Pope Benedict XVI.  The exhibition features the categories News, Daily life, Swiss stories, People, Sports, and World. It invites us to reflect, makes us smile, and provides compelling evidence that a picture can often say more than a thousand words.

Kunstmuseum Thun
11. Mai – 28. Juli 2024

All that you see
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im Thun-Panorama operiert der Künstler – wie seinerzeit dessen Erschaffer Marquard Wocher – vor allem in seinen gegenständlichen Arbeiten, mit illusionistischen Effekten und einer an die Fotografie angelehnten Abbildhaftigkeit. Die zweidimensionalen Werke werden durch monumentale Rauminstallationen ergänzt, die ein Eintauchen in den Bildraum ermöglichen und dadurch einen direkten Bezug zum historischen Panorama schaffen.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Die Ausstellung ist eine Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le panorama de Thoune, l'artiste - comme son créateur Marquard Wocher en son temps - opère surtout dans ses œuvres figuratives, avec des effets illusionnistes et une imagerie inspirée de la photographie. Les œuvres bidimensionnelles sont complétées par des installations spatiales monumentales qui permettent de s'immerger dans l'espace pictural et créent ainsi un lien direct avec le panorama historique.

Commissaire d'exposition : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

L'exposition est une collaboration avec la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nel Thun-Panorama, l'artista - come il suo creatore Marquard Wocher - opera principalmente nelle sue opere figurative, con effetti illusionistici e una qualità dell'immagine che ricorda la fotografia. Le opere bidimensionali sono completate da installazioni spaziali monumentali che permettono ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico e creare così un legame diretto con il panorama storico.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

La mostra è una collaborazione con la Kunsthalle Göppingen.

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist of Italian-Spanish descent who unites in his works a wide variety of painterly traditions while making use of new tools, techniques and materials to probe in-depth the possibilities, limits and conditions of contemporary painting. In his nearly twenty years as a painter, Rogado has produced an extensive body of work that has never before been presented in a survey exhibition. He is furthermore the first artist to be featured simultaneously at both the Thunerhof and Thun-Panorama. Across an area of over 1000 square metres, Rogado will respond directly to the specific challenges of each exhibition venue. At the Thun-Panorama, he will display primarily figurative works, following in the footsteps of the panorama’s painter, Marquard Wocher, by using illusionistic effects and a realistic style based on photography. Accompanying the two-dimensional works will be monumental installations that invite viewers to immerse themselves in the pictorial space, creating a direct link to the historical panorama.

Curation: Helen Hirsch, director Kunstmuseum Thun

The exhibition is a collaboration with the Kunsthalle Göppingen.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Thun-Panorama
11. Mai – 1. Dezember 2024

Ausser Sicht
Giacomo Santiago Rogado

Giacomo Santiago Rogado ist ein Schweizer Künstler mit italienisch-spanischen Wurzeln, der in seinen Arbeiten verschiedenste Traditionen des malerischen Mediums kombiniert und mithilfe neuer Werkzeuge, Techniken und Materialien intensiv die Möglichkeiten, Grenzen und Bedingungen zeitgenössischer Malerei auslotet. In seiner knapp 20-jährigen künstlerischen Tätigkeit als Maler hat Rogado ein umfangreiches Werk geschaffen, das bislang noch nie überblicksartig ausgestellt worden ist. Er ist ausserdem der erste Künstler, der beide Standorte, den Thunerhof und das Thun- Panorama, bespielt. Auf einer Fläche von insgesamt über 1000 m2 wird Rogado unmittelbar auf die spezifischen Herausforderungen der Ausstellungsorte reagieren. Im verglasten Ergänzungsbau des Thun-Panoramas arbeitet er mit dem Innen- wie auch mit dem Aussenraum, dem idyllischen Schadaupark. Eine raumgreifende Installation ermöglicht den Besuchenden ein Eintauchen in den Bildraum. Gleichzeitig erweitert sich das Werk im Dialog mit der Umgebung um eine weitere Dimension.

Kuratorin: Helen Hirsch, Direktorin Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado est un artiste suisse d'origine italo-espagnole qui combine dans son travail les traditions les plus diverses du médium pictural et explore intensément les possibilités, les limites et les conditions de la peinture contemporaine à l'aide de nouveaux outils, techniques et matériaux. En près de 20 ans d'activité artistique en tant que peintre, Rogado a créé une œuvre considérable qui n'a encore jamais été exposée de manière globale. Il est en outre le premier artiste à investir les deux sites, le Thunerhof et le Thun- Panorama. Sur une surface totale de plus de 1000 m2, Rogado réagira directement aux défis spécifiques des lieux d'exposition. Dans le bâtiment complémentaire vitré du panorama de Thoune, il travaille aussi bien avec l'espace intérieur qu'avec l'espace extérieur, le parc idyllique de Schadau. Une installation qui occupe tout l'espace permet aux visiteurs de s'immerger dans l'espace pictural. En même temps, l'œuvre s'élargit d'une autre dimension en dialoguant avec l'environnement.

Curatrice : Helen Hirsch, directrice du Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado è un artista svizzero con radici italo-spagnole che combina nelle sue opere le più diverse tradizioni del mezzo pittorico e utilizza nuovi strumenti, tecniche e materiali per esplorare intensamente le possibilità, i limiti e le condizioni della pittura contemporanea. Nei suoi quasi 20 anni di attività artistica come pittore, Rogado ha creato un ampio corpus di opere che non sono mai state esposte in una rassegna. È inoltre il primo artista a esporre in entrambe le sedi, il Thunerhof e il Thun Panorama. Su una superficie complessiva di oltre 1000 m2, Rogado risponderà direttamente alle sfide specifiche delle sedi espositive. Nell'estensione vetrata del Thun Panorama, Rogado lavorerà sia con lo spazio interno che con quello esterno, l'idilliaco Schadaupark. Un'ampia installazione permette ai visitatori di immergersi nello spazio pittorico. Allo stesso tempo, l'opera si espande in un'altra dimensione in dialogo con l'ambiente circostante.

Curatore: Helen Hirsch, Direttore del Kunstmuseum Thun

Giacomo Santiago Rogado is a Swiss artist with Italian-Spanish roots who combines the most diverse traditions of the painterly medium in his works and intensively explores the possibilities, limits and conditions of contemporary painting with the help of new tools, techniques and materials. In his almost 20 years of artistic activity as a painter, Rogado has created an extensive body of work that has never before been exhibited in an overview. He is also the first artist to exhibit at both locations, the Thunerhof and the Thun Panorama. On a total area of over 1000 m2, Rogado will respond directly to the specific challenges of the exhibition venues. In the glazed extension to the Thun Panorama, he works with both the interior and exterior space, the idyllic Schadaupark. An expansive installation allows visitors to immerse themselves in the pictorial space. At the same time, the work expands into another dimension in dialog with its surroundings.

Curator: Helen Hirsch, Director Kunstmuseum Thun

(Text: Kunstmuseum Thun)

Bally Foundation | Lugano
29. Mai 2024 – 12. Januar 2025

Arcadia

Yto Barrada, Vanessa Beecroft, Amélie Bertrand, Julius von Bismarck, Zuzanna Czebatul, Raphaël Emine, Hermann Hesse, Ittah Yoda, Mehdi-Georges Lahlou, Lisa Lurati, Marta Margnetti, Lou Masduraud, Adrien Missika, Gabriel Moraes Aquino, Amy O’Neill, Maxime Rossi, Mario Schifano, Julia Steiner, Batia Suter

Arcadia ist in der kollektiven Vorstellung ebenjene idyllische Region in Griechenland, die unter anderem von Vergil in seiner Bucolica im Jahr 40 v. Chr. als ein Ort der Ruhe, den Freuden der Natur und des Gesangs verewigt wurde. Die Berge, die blühende Natur, das Mikroklima und die Lebensqualität haben diesen Ort in ein Synonym für ein ideales Leben verwandelt, in dem die Pracht und Harmonie einer reichen Natur die Intimität und Poesie des Gartens im Maßstab der gesamten Landschaft eröffnen.

Die Ausstellung «Arcadia» verwendet als Basis die Nachbildung des Gebiets der schweizerisch-italienischen Region Tessin aus dem vergangenen Jahrhundert und erforscht diverse Ansätze, die ein Glücksstreben verfolgen welches die Verbindung und die Entfaltung in der Natur einbezieht.

Mit der Demokratisierung des Autos in den 1930er Jahren wurde das Tessin durch die Gotthardstraße schneller und direkter mit der Deutschschweiz verbunden und erhielt den Beinamen «Sonnenstube». Diese sonnige und gastfreundliche Region wurde zum Anziehungspunkt für Künstler und Berühmtheiten, während exotische Gärten en vouge waren. Von Morcote über Montagnola bis hin zu Lugano, vom Park der Villa Heleneum und den Gärten von Persönlichkeiten wie Hermann Hesse oder bedeutender Kunstsammlern wie Hermann Arthur Scherrer oder Peter Smithers, dem früheren MI6-Agenten, entwickelten sich die Ziergärten in exotische Oasen, die Reiseandenken und Romantik zusammenführen.

Die Gestaltung dieser Grünanlagen, die oft mit exotischen Pflanzen bestückt sind, führt zu einem Transformationsprozess, der über den Rahmen des privaten Gartens sprengt und eine mediterrane Ader entlang der Seeufer der Region schafft. Ein Segment des präalpinen Raums wandelt sich nach und nach zu einer Art «Riviera», wo die Grenzen zwischen dem privaten Grün und der weitläufigen Landschaft verschwimmen: Die fremdländische Flora der Gärten bestehend aus chinesische Mandarinenbäumen, japanische Palmen, zentralamerikanische Cycas revoluta, australischen Eukalypten oder seltenen Glyzinien und weitere Arten breiten sich bis zum Horizont. Wie der waadtländische Botaniker Henry Correvon, ein Pionier der alpinen Flora, zu Beginn des 20. Jahrhunderts schrieb: «Im Tessin nimmt die Vegetation so mannigfaltige, so üppige Formen an, dass sie allerorts Bewunderung erregt. Es ist schon Italien und doch stets die Schweiz [...]. Es ist unsere «Riviera», unser «Midi», wie friedvoll und pittoresk!1» Diese Gestaltungen beinhalten oft künstliche Ruinen, Kolonnaden entlang der Seen, Nachbildungen antiker Skulpturen oder sogar nachgestellte Höhlen und verleihen diesen Gartenlandschaften eine bemerkenswerte malerische Dimension. Es ist durch diese Kombination von Elementen, dass eine erzählerische Geographie entsteht, die das Bild eines idyllischen Südens verkörpert, mit der Palme als ikonischem Symbol. Vom Exotismus bis zur Ästhetik des Verfalls, von den Tessiner Palmen bis zu den in den 1930er Jahren eingeführten kalifornischen Exemplaren, die Südkalifornien in ein «mediterranes Küstengebiet Amerikas» nach dem Vorbild der französischen Riviera umgestalten2 – die kollektive Ausstellung «Arcadia» hinterfragt, wie zeitgenössische Künstler neue Architekturen und emotionale Ökosysteme gestalten und ins Leben rufen. Wie sie, indem sie mit den Grenzen zwischen Natur und Künstlichkeit, Fiktion und Wirklichkeit verwischen, die Utopie eines fiktiven und zeitlosen Erbes erschaffen?

L’Arcadie représente dans l’imaginaire collectif cette région idyllique située en Grèce, décrite entre autres, par Virgile dans ses Bucoliques en 40 av. J.C. comme un lieu de quiétude, consacrée aux plaisirs de la nature et du chant. Les montagnes, la nature prospère, le microclimat et la douceur de vivre ont transformé le lieu en un synonyme d’idéal de vie, où la splendeur et l’harmonie d’une nature abondante ouvrent l’intimité et la poésie du jardin à l’échelle du paysage tout entier.

L’exposition «Arcadia» prend pour point de départ le modelage du territoire de la région suisseitalienne du Tessin au cours du siècle dernier, explorant différents axes visant un idéal de bonheur qui intègre et développe le rapport à la nature.

Avec la démocratisation de l’automobile dans les années 1930, le Tessin est enfin connecté de manière plus directe et rapide à la Suisse allemande par la route du Gothard, recevant le surnom de «Sonnenstube», la place au soleil. Cette région ensoleillée et accueillante attire désormais artistes et personnalités à l’époque où les jardins exotiques deviennent à la mode. De Morcote à Montagnola en passant par Lugano, du parc de la Villa Heleneum à ceux d’écrivains comme Hermann Hesse ou de grands collectionneurs d’art comme Hermann Arthur Scherrer ou encore de Peter Smithers, ancien agent secret du MI6, les jardins d’agrément se métamorphosent en oasis exotiques, mêlant souvenirs de voyage et romantisme.

Le façonnage de ces espaces verts, souvent peuplés de plantes tropicales, engendre un processus de transformation qui dépasse le cadre du jardin privé, générant une sorte de ruban méditerranéen le long des rivages des lacs de la région. Une portion de l’espace préalpin devient peu à peu une sorte de «Riviera», où les frontières entre le jardin privé et le paysage lointain disparaissent : la flore exotique des jardins accueillant mandariniers de Chine, palmiers du Japon, Cycas revoluta d’Amérique centrale, eucalyptus d’Australie ou encore des glycines rares et autres espèces, s’étend à perte de vue. Comme l’écrit au début du XXe siècle le botaniste suisse Henry Correvon, grand spécialiste de la flore alpine, «dans le Tessin la végétation y revêt des formes si variées, si multiples, elle y est d’une exubérance si extraordinaire qu’elle nous arrache partout des cris d’admiration. C’est déjà l’Italie et pourtant encore la Suisse […]. C’est notre “Riviera”, notre Midi à nous, et combien paisible et plus pittoresque!1» Ces aménagements intègrent souvent des faux vestiges, des colonnades le long des lacs, des reproductions de sculptures antiques ou encore des grottes artificielles, conférant à ces jardins-paysages une dimension pittoresque remarquable. C’est à travers cette juxtaposition d’éléments que se dessine une géographie narrative incarnant l’image d’un Sud idyllique, dont le palmier devient l’emblème. De l’exotisme à l’esthétique de la ruine, des palmiers tessinois aux palmiers californiens importés dans les années 1930 pour transformer le sud de la Californie en «littoral méditerranéen de l’Amérique» inspiré de la French Riviera2 - l’exposition collective «Arcadia» interroge la manière dont les artistes contemporains composent et font émerger de nouvelles architectures, des écosystèmes émotionnels. Comment ces derniers, jouant des frontières entre nature et artifice, chimère et réalité, construisent l’utopie d’un patrimoine fictif et immémorial.

L‘Arcadia rappresenta nell‘immaginario collettivo quella regione idilliaca situata in Grecia, descritta, tra gli altri, da Virgilio nelle Bucoliche del 40 a.C. come un luogo di quiete, dedito ai piaceri della natura e del canto. Le montagne, la natura rigogliosa, il microclima e la dolcezza della vita hanno trasformato il luogo in un sinonimo di ideale di vita, dove lo splendore e l‘armonia di una natura abbondante estendono l‘intimità e la poesia del giardino all‘intero paesaggio.

La mostra “Arcadia” prende come punto di partenza la modellazione del territorio della regione svizzero-italiana del Ticino nel corso del secolo scorso, esplorando diversi approcci, mirando a un ideale di felicità che integra e sviluppa il rapporto con la natura.

Con la democratizzazione dell‘automobile negli anni‚ 30, il Ticino è finalmente collegato in modo più diretto e veloce alla Svizzera tedesca attraverso la strada del San Gottardo, ricevendo il soprannome di “Sonnenstube”, il posto al sole. Questa regione soleggiata e accogliente attira allora artisti e personalità nel momento in cui i giardini esotici diventano di moda. Da Morcote a Montagnola passando per Lugano, dal parco della Villa Heleneum a quelli di scrittori come Hermann Hesse o grandi collezionisti d‘arte come Hermann Arthur Scherrer, o ancora dell’ex-agente segreto del MI6, Peter Smithers, i giardini ornamentali si trasformano in oasi esotiche, mescolando ricordi di viaggio e romanticismo.

La creazione di questi spazi verdi, spesso popolati da piante tropicali, genera un processo di trasformazione che va oltre il contesto del giardino privato, creando una sorta di nastro mediterraneo lungo le rive dei laghi della regione. Una porzione dello spazio prealpino diventa pian piano una sorta di “Riviera francese”, dove i confini tra giardino privato e paesaggio lontano svaniscono: la flora esotica dei giardini, che comprende alberi di mandarino cinese, palme del Giappone, cycas revoluta dell’America centrale, eucalipti dell‘Australia e rare glicini e altre specie, si estende a perdita d’occhio. Come scriveva all‘inizio del XX secolo il botanico svizzero Henry Correvon, grande esperto della flora alpina, „Nel Ticino la vegetazione assume forme così varie e molteplici, ed è così straordinariamente esuberante da suscitare ovunque grida di ammirazione. È già Italia eppure è ancora Svizzera [...]. È la nostra “Riviera”, il nostro “Midi”, ma molto più tranquillo e pittoresco!1” Queste composizioni vegetali integrano spesso finti ruderi, colonnati lungo i laghi, riproduzioni di sculture antiche o anche grotte artificiali, conferendo al giardino paesaggistico una notevole dimensione pittoresca. È attraverso questa giustapposizione di elementi che si delinea una geografia narrativa che incarna l’immagine di un Sud idilliaco, di cui la palma diventa l’emblema. Dall’esotismo all’estetica del rudere, dalle palme ticinesi alle palme californiane importate negli anni ‘30 per trasformare il sud della California in «litorale mediterraneo dell’America» ispirato alla French Riviera-2 la mostra collettiva “Arcadia” interroga il modo in cui gli artisti contemporanei compongono e fanno emergere nuove architetture, ecosistemi emotivi. Giocando con i confini tra natura e artificio, chimera e realtà, essi costruiscono l’utopia di un patrimonio immaginario e immemore.

In our collective imagination, Arcadia represents that idyllic region located in Greece, described, among others, by Virgil in his Bucolics in 40 B.C. as a place of tranquility, devoted to the pleasures of nature and song. The mountains, the flourishing nature, the microclimate, and the sweetness of life have transformed the place into a synonym for an ideal life, where the splendour and harmony of abundant nature open the intimacy and poetry of the garden to the entire landscape.

The «Arcadia» exhibition takes as its starting point the shaping of the territory of the Swiss-Italian region of Ticino over the past century, exploring different axes aiming at an ideal of happiness that embraces and develops the relationship with nature.

With the democratization of the automobile in the 1930s, Ticino is finally connected more directly and quickly to German-speaking Switzerland by the Gotthard Road, thereby acquiring the nickname «Sonnenstube,» the sunspot. This sunny and welcoming region became attractive to artists and celebrities at a time when exotic gardens are becoming fashionable. From Morcote to Montagnola via Lugano, from the park of Villa Heleneum to those of writers like Hermann Hesse or great art collectors like Hermann Arthur Sherrer or even Peter Smithers, former MI6 secret agent, pleasure gardens are transformed into exotic oases, combining memories of travel and romanticism.

The shaping of these green spaces, often populated with tropical plants, engenders a transforming process that goes beyond the scope of the private garden, creating a sort of Mediterranean ribbon along the shores of the region’s lakes. A portion of the pre-Alpine space gradually becomes a kind of «French Riviera,» where the boundaries between the private garden and the distant landscape disappear: the exotic flora of the gardens welcoming mandarin trees from China, palm trees from Japan, Cycas revoluta from Central America, eucalyptus from Australia, or rare wisterias and other species, extends as far as the eye can see. As the Swiss botanist and great specialist in alpine flora, Henry Correvon, wrote at the beginning of the 20th century, «in Ticino the vegetation takes on forms so varied, so multiple, it is of such extraordinary exuberance that it elicits admiration everywhere. It is already Italy and yet still Switzerland [...]. It is our ‘Riviera’, our “Midi”, and how peaceful and more picturesque!1 ” These arrangements often include fake ruins, colonnades along the lakes, reproductions of ancient sculptures or even artificial grottos, giving these garden landscapes a remarkable picturesque dimension. It is through this juxtaposition of elements that a narrative geography emerges, embodying the image of an idyllic South, with the palm tree becoming the emblem. From exoticism to the aesthetics of ruin, from Ticino palm trees to Californian ones imported in the 1930s to transform the region into the «Mediterranean coastline of America» inspired by the French Riviera2 - the collective exhibition «Arcadia» questions how contemporary artists compose and bring forth new architectures and emotional ecosystems. Playing with the boundaries between nature and artifice, chimera and reality, they create the utopia of a fictional and immemorial heritage.

(Text: Bally Foundation, Lugano)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
1. Juni – 6. Oktober 2024

Melencolia
Bernard Voïta

Eine Gruppe von Blinden schart sich um einen Elefanten, um sich ein Bild von ihm zu machen. Einer umfasst das Bein und sagt: «Ein Elefant sieht aus wie ein weicher Stamm.» Ein anderer erwischt den Stosszahn, er protestiert: «Im Gegenteil, ein Elefant ist hart und spitzig, er hat eine längliche, gebogene Form.» «Völlig falsch», ruft der Dritte, die Seite betastend: «Ein Elefant gleicht einer flachen Wand mit Unebenheiten.» Der Vierte wiederum hält triumphierend den Schwanz in den Händen und lacht alle aus: «Ein Elefant ist nur ein dünnes Seil.» Sie geraten in einen Streit und schlagen sich die Köpfe ein, weil jeder überzeugt ist, die Wahrheit zu sagen.

Bernard Voïta bezieht sich auf die uralte und hochaktuelle Parabel «Der Streit der Blinden», um sein Interesse an der Fotografie zu illustrieren. Der 1960 in Cully geborene Künstler erregte schon um 1990 internationales Aufsehen: Seine Bilder zeigten banale Dinge des Alltags in einer so akkurat geordneten Unordnung, dass die Betrachter:innen vergeblich nach Halt und Orientierung suchten. Dabei beruhten jene Werke nicht auf Montagen oder Collagen, sondern auf räumlichen Installationen, die er durch die Kamera in irritierende, flächige Bilder übersetzte. Seither hat Voïta dieses fantastische Spiel mit Schein und Sein hartnäckig weitergetrieben. Die Ausstellung präsentiert nun erstmals die komplette Serie Melencolia (2014-2017), deren Titel auf ein berühmtes Werk von Albrecht Dürer anspielt – sinnliche, kluge, listige und zuweilen auch verstörende Illusionen, in denen die Fotografie eine eigene Wirklichkeit erzeugt. Nichts ist so, wie wir es sehen.

Un groupe d’aveugles se rassemble autour d’un éléphant pour se faire une idée de son apparence. L’un d’eux saisit la jambe et dit : « Un éléphant ressemble à un tronc d’arbre mou. » Un autre attrape la défense, il proteste : « Au contraire, un éléphant est dur et pointu, il a une forme allongée et courbée. » Un troisième s’exclame en tâtant le côté : « Complètement faux ! Un éléphant ressemble à un mur plat avec des aspérités. » Le quatrième, quant à lui, tient triomphalement la queue entre ses mains et se moque de tout le monde : « Un éléphant n’est qu’une fine corde. » Ils se disputent et se tapent sur la tête, chacun étant persuadé de dire la vérité.

Bernard Voïta se réfère à la parabole ancestrale et très actuelle « Les aveugles et l’éléphant » pour illustrer son intérêt pour la photographie. Né en 1960 à Cully, l’artiste a fait sensation sur la scène internationale dès 1990 avec ses photos montrant des objets banals de la vie quotidienne dans un désordre si méticuleux que les spectateurs.trices cherchaient en vain un appui et une orientation. Ces oeuvres ne reposaient pas sur des montages ou des collages, mais sur des installations spatiales qu’il traduisait en images planes et irritantes à travers son appareil photo. Depuis, Voïta a poursuivi avec obstination ce jeu fantastique entre apparence et réalité. Cette exposition présente maintenant pour la première fois la série complète Melencolia (2014-2017), dont le titre fait allusion à une oeuvre célèbre d’Albrecht Dürer – des illusions sensuelles, intelligentes, rusées et parfois même dérangeantes, dans lesquelles la photographie crée sa propre réalité. Rien n’est tel que nous le voyons.

Un gruppo di ciechi si raduna attorno a un elefante per farsi un’idea di come sia fatto. Uno di loro circonda una gamba con le braccia e dice: gli elefanti hanno l’aspetto di un tronco morbido. Un altro afferra una zanna e protesta: al contrario, gli elefanti sono duri e appuntiti, hanno una forma lunga e arcuata. Non è assolutamente vero, sentenzia il terzo tastando il fianco dell’animale: gli elefanti assomigliano a una parete dalla superfice irregolare. Il quarto invece, tenendo trionfante la coda tra le mani ride delle affermazioni dei suoi compagni: gli elefanti sono soltanto una funicella sottile. Così scoppia una lite violenta perché ognuno di loro è convinto di dire la verità.

Bernard Voïta si basa sulla vecchissima e attuale parabola «i ciechi e l’elefante» per illustrare il suo interesse per la fotografia. L’artista, nato a Cully nel 1960, suscitò scalpore a livello internazionale già attorno al 1990: le sue immagini mostrano oggetti banali di uso quotidiano, in un disordine così accuratamente ordinato da lasciare chi le osserva a cercare invano un punto d’appiglio o di orientamento. Queste opere non si basano su montaggi o collage ma su istallazioni tridimensionali che il fotografo traduce, tramite la macchina fotografica, in immagini fastidiosamente piatte. Da allora Voïta ha persistito in questo gioco fantastico di apparenza e realtà. La mostra presenta per la prima volta la serie «Melencolia al completo» (2014–2017), il cui titolo si riferisce a una famosa opera di Albrecht Dürer – illusioni sensoriali, intelligenti, astute e a volte anche sconvolgenti, dove la fotografia genera una propria realtà. Nulla è come lo vediamo.

A group of blind men gather around an elephant to gain an impression of it. One grasps a leg and says: “An elephant looks like a supple tree-trunk.” Another catches hold of a tusk and protests: “On the contrary, an elephant is hard and pointy. It has an elongated, curved shape.” Touching its side, a third one cries: “Totally wrong! An elephant resembles a flat wall with bumps.” The fourth, in turn, triumphantly holds the tail in his hands and laughs at everyone: “An elephant is just a thin rope.” They get into an argument and bash each other on the head because each is convinced that he is telling the truth.

Bernard Voïta refers to this ancient and highly topical parable ‘The Blind Men and the Elephant’ to illustrate his interest in photography. Born in the year 1960 in Cully, this artist already caused an international sensation around 1990, with pictures showing banal everyday objects in such a meticulously organised disorder that observers searched in vain for something to hold onto for orientation. The works were not based on montages or collages, but on three-dimensional installations, which he had translated into irritating two-dimensional images by means of a camera. Voïta has persistently continued to play a fantastical game with appearance and reality ever since. This exhibition now presents for the first time the complete series Melencolia (2014-2017), whose title alludes to a famous work by Albrecht Dürer – sensual, clever, devious and sometimes disturbing illusions, in which photography creates its own reality. Nothing is as we see it.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
1. Juni – 6. Oktober 2024

Paare / Couples

Paare sind allgegenwärtig in der Fotografie. Zwei Personen stellen sich auf, schauen in die Kamera, nehmen eine bestimmte Haltung ein und kontrollieren ihre Mimik. Indem sie sich so fotografieren lassen, geben sie zu erkennen, wie sie als Paar wahrgenommen werden möchten. Spannender als diese idealisierenden Bilder sind Aufnahmen, in denen Paare nicht in die Kamera blicken. Sie scheinen ganz bei sich, auf eigenartige Weise entrückt: spielend und werbend, verliebt und berauscht, verzweifelt und haltsuchend. Ob sie einverstanden sind, fotografiert zu werden, ist nicht mehr so klar. Solche Aufnahmen sind entweder heimlich gemacht, oder der Mensch hinter der Kamera ist dem Paar derart vertraut, dass es ihn wie selbstverständlich gewähren lässt.

2015 begann der Filmemacher Iwan Schumacher, Fotografien von Paaren zu sammeln, die nicht in die Kamera schauen. Peter Pfrunder, Direktor der Fotostiftung Schweiz, plante  seit langem eine Ausstellung mit Paar-Bildern aus den Archiven und Sammlungen der Fotostiftung. Gemeinsam entwickelten sie das Projekt Paare /Couples . Es vereint unterschiedlichste Aufnahmen, in denen etwas zwischen zwei Menschen geschieht. Jedes einzelne Bild ist ein Ausschnitt aus einer Geschichte, die immer rätselhaft bleibt und zu Spekulationen oder Projektionen verführt. Die Ausstellung ist eine spielerische, assoziative Präsentation, bei der sich die vielen Momentaufnahmen zu einer neuen Geschichte zusammenfügen.

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in Zusammenarbeit mit Edition Patrick Frey.

Les couples sont omniprésents dans la photographie. Deux personnes se mettent en place, regardent l’appareil photo, adoptent une certaine posture et contrôlent leurs expressions faciales. En se laissant photographier ainsi, ils indiquent comment ils souhaitent être perçus en tant que couple. Bien plus captivantes que ces images presque toujours idéalisées sont les photos dans lesquelles les couples ne regardent pas directement l’appareil. Ils semblent être tout à fait eux-mêmes, étrangement détachés : en train de jouer et de se faire la cour, amoureux et enivrés, désespérés et cherchant à s’accrocher. On ne sait plus très bien s’ils sont d’accord pour être photographiés. De telles clichés sont soit pris en cachette, soit la personne derrière l’appareil photo est si familière au couple qu’une autorisation à être photographié se fait tout naturellement.

En 2015, le cinéaste Iwan Schumacher a commencé à rassembler des photographies de couples qui ne regardent pas la caméra. Peter Pfrunder, directeur de la Fotostiftung Schweiz, planifiait depuis longtemps une exposition d’images de couples issues des archives et des collections de l’institution. Ensemble, ils ont développé le projet Couples. Il réunit des photos très différentes dans lesquelles il se passe quelque chose entre deux personnes. Chaque image est un extrait d’une histoire qui reste toujours mystérieuse et qui incite à la spéculation ou à la projection. Cette exposition est une présentation ludique et associative dans laquelle les nombreux instantanés s’assemblent pour former une nouvelle histoire.

L’exposition est accompagnée d’une publication en collaboration avec les Éditions Patrick Frey.

In fotografia le coppie sono onnipresenti. Due persone si mettono in posa, guardano verso l’obiettivo, assumono un determinato atteggiamento e controllano la mimica. Facendosi fotografare in questo modo, permettono di capire come vogliono essere considerate in quanto coppia. Più interessanti di queste immagini quasi sempre idealizzate, sono gli scatti in cui le coppie non guardano direttamente verso l’obiettivo. Qui, sembrano essere sé stesse e stranamente distanti: giocose e impegnate a corteggiarsi, innamorate ed ebbre, disperate e smarrite. Se siano d’accordo sul fatto di essere fotografate non è più molto chiaro. Queste immagini vengono scattate o di nascosto oppure quando la coppia conosce così bene la persona dietro all’obiettivo da concederle implicitamente il permesso di fotografare.

Nel 2015 il regista Iwan Schumacher iniziò a collezionare fotografie di coppie distolte dall’obiettivo. Da molto tempo Peter Pfrunder, direttore della Fotostiftung Schweiz progettava una mostra con immagini di coppie tratte dagli archivi e dalle collezioni della Fotostiftung. Assieme hanno quindi sviluppato il progetto dal titolo «Coppie», che riunisce una varietà di immagini in cui avviene qualcosa tra due persone. Ogni singola immagine è uno spezzone tratto da una storia che rimane sempre enigmatica e invita a fare supposizioni o proiezioni. La mostra è una presentazione ludica fatta di associazioni, nella quale gli scorci istantanei diventano una nuova storia.

Ad accompagnare la mostra uscirà una pubblicazione realizzata in collaborazione con Edition Patrick Frey.

Couples are omnipresent in photography. Two people arrange themselves, look into the camera, adopt a certain pose and control their facial expressions. By having themselves photographed in this way, they reveal how they wish to be perceived as a couple. Compared to these idealised images, photographs in which couples do not look into the camera are more fascinating. Here, the couples seem to be genuinely themselves, and strangely detached: playing and courting, enamoured and besotted, desperate and clinging. Whether they consent to being photographed is no longer clear. Such photographs are either taken secretly, or the couple is so well acquainted with the person behind the camera that they allow him or her to photograph them as a matter of course.

In 2015, filmmaker Iwan Schumacher began collecting photographs of couples who are not looking into the camera. Peter Pfrunder, director of Fotostiftung Schweiz, had long been planning an exhibition of couple pictures from the institution’s archives and collections. Together, they developed the project Paare /Couples . It brings together a very wide variety of photographs, in which something happens between two people. Each individual image is an excerpt from a story that always remains enigmatic and leads to speculation or projection. This exhibition is a playful associative presentation, in which the single moments combine to form a new narrative.

In cooperation with Edition Patrick Frey, a publication is being released to accompany the exhibition.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
9. Juni – 25. August 2024

Oro Verde - Ritual Inhabitual

Oro Verde ist eine Mythodokumentation, die die Geschichte der Revolution des Volkes der P’urhépecha in der zentralen Region des Bundesstaates Michoacán in Mexiko erzählt. Im Mittelpunkt des Projekts steht ein sozialer Aufstand, der von Frauen initiiert wurde, denen es gelang, eines der vielen gewalttätigen Drogenkartelle, die die mexikanische Avocadoindustrie übernehmen, aus Cherán zu vertreiben. Basierend auf dem Anspruch auf Selbstbestimmung indigener Völker, die den Umweltschutz in den Mittelpunkt ihrer politischen Organisation stellen, entwickelte Ritual Inhabitual eine Erzählung des Aufstands, indem es sich auf ein Ritual konzentriert, das die P’urhépecha mit den wilden Bienen der Wälder, die sie schützen, pflegen.

Die Arbeit des Kollektivs ehrt den mutigen Einsatz der P’urhépecha gegen ökologische Schäden und die Erosion ihrer Kultur. Sie fängt zudem die Essenz des Widerstands sowie den Mut zum Schutz ihres Erbes ein. "Oro Verde" entsteht aus dem Zusammenklang vielfältiger Stimmen, eingebettet in den unablässigen Widerstand von Cherán. Es ist eine vielschichtige Erzählung, die die Geschichte aus unterschiedlichen Blickwinkeln neu betrachtet und einen Dialog schafft, der Grenzen überschreitet.

Kurator: Sergio Valenzuela Escobedo

Die Ausstellung ist eine Co-production zwischen La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde est un mytho-documentaire qui retrace l’histoire de la révolution du peuple P’urhépecha dans la région centrale de l’État du Michoacán au Mexique. Le projet met l’accent sur une révolte sociale initiée par des femmes qui ont réussi à chasser un cartel de la drogue violent de Cherán, lequel faisait partie des nombreux groupes criminels qui prennent le contrôle de l’industrie de l’avocat au Mexique. Basé sur la revendication d’autodétermination des peuples indigènes qui placent la protection de l’environnement au centre de leur organisation politique, Ritual Inhabitual a élaboré un récit de la révolte en se concentrant sur un rituel que les P’urhépecha entretiennent avec les abeilles sauvages des forêts qu’il.elle.x.s protègent.

Le travail du collectif rend hommage à la position vaillante du peuple P’urhépecha contre les dommages écologiques et l'érosion de la culture, capturant l'essence de la défiance et la valeur de la protection de leur héritage. "Oro Verde" se déroule comme un chœur de voix diverses, sur fond de la lutte tenace de Cherán. C'est une histoire de multiples registres, réimaginant l'histoire à travers un prisme de perspectives et une conversation qui traverse les frontières.

Commissaire d’exposition: Sergio Valenzuela Escobedo

L'exposition est une coproduction entre La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde è un mitodocumentario che racconta la rivoluzione del popolo P'urhépecha nella regione centrale dello stato di Michoacán in Messico. Il progetto è incentrato su una rivolta sociale iniziata dalle donne che sono riuscite a cacciare da Cherán uno dei numerosi e violenti cartelli della droga che hanno preso il controllo dell'industria messicana dell'avocado. Basandosi sulla rivendicazione dell'autodeterminazione dei popoli indigeni che pongono la tutela dell'ambiente al centro della loro organizzazione politica, Ritual Inhabitual ha sviluppato una narrazione dell'insurrezione concentrandosi su un rituale che i P'urhépecha mantengono con le api selvatiche delle foreste che proteggono.

Il lavoro del collettivo rende onore al coraggioso impegno dei P'urhépecha contro i danni ecologici e l'erosione della loro cultura. Cattura anche l'essenza della resistenza e del coraggio di proteggere il loro patrimonio. "Oro Verde" emerge dall'armonia di più voci incorporate nell'implacabile resistenza di Cherán. È una narrazione a più livelli che rivisita la storia da diverse angolazioni e crea un dialogo che trascende i confini.

Curatore: Sergio Valenzuela Escobedo

La mostra è una coproduzione tra La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

Oro Verde is a mytho-documentary that traces the history of the revolution of the P’urhépecha people in the central region of the state of Michoacán in Mexico. The project focuses on a social revolt initiated by women who succeeded in driving out of Cherán one of the many violent drug cartels that are taking over Mexico’s avocado industry. Based on the claim to self-determination of indigenous peoples who place environmental protection at the center of their political organization, Ritual Inhabitual elaborated a narrative of the uprising by focusing on a ritual that the P’urhépecha maintain with the wild bees of the forests they protect.

The collective's work pays homage to the P’urhépecha people's valiant stance against ecological damage and the erosion of culture, capturing the essence of defiance and the valor of safeguarding their heritage.  "Oro Verde" unfolds as a chorus of diverse voices, set against the tenacious backdrop of Cherán's struggle. It is a story of multiple registers, reimagining history through a prism of perspectives and a conversation that crosses borders.

Curator: Sergio Valenzuela Escobedo

The exhibition is a co-production between La Filature, Scène nationale de Mulhouse, Photoforum Pasquart, Biennale de la Photographie de Mulhouse.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

MASI Lugano
8. September 2024 – 26. Januar 2025

Luigi Ghirri - Il viaggio - Fotografie 1970-1991

Etwas mehr als 30 Jahre nach seinem frühen Tod erinnert das MASI Lugano in einer neuen Ausstellung an den italienischen Fotografen Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia,1992).

Als Pionier und einflussreicher Vordenker, der sich intensiv mit der Fotografie und deren Rolle in der modernen Kultur auseinandergesetzt hat, schuf Ghirri in den 1970er und 1980er Jahren ein im damaligen Europa einzigartiges Werk – ein spielerisches, poetisches und tiefgründiges Nachdenken über die populäre Fotografie.

Mit mehr als 100 Originalabzügen erzählt der Ausstellungsparcours im MASI von der grossen Anziehungskraft, die das reale und imaginäre Reisen auf Luigi Ghirri ausübte. Er fotografierte vor allem sein Heimatland Italien und besuchte dort Touristen-Hotspots – von den Dolomiten und den norditalienischen Seen über die Badeorte an den Küsten des Mittelmeers bis zu den Sehenswürdigkeiten aus der Antike und den Themenparks. Darüber hinaus befasste er sich mit dem Konzept des Reisens und fotografierte Landkarten, Werbebilder und Postkarten, die überall in der Ausstellung zu sehen sind. Aus diesen Arbeiten ergibt sich eine Reflexion über die Art und Weise, wie die Fotografie die Erfahrung des Ortes im modernen Leben abbildet.

Kuratiert von James Lingwood

Koordination im MASI: Ludovica Introini

Le MASI Lugano consacre une nouvelle exposition majeure au photographe italien Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992), un peu plus de trente ans après sa mort prématurée.

Figure pionnière, penseur influent de la photographie et de son rôle dans la culture moderne, Ghirri a créé dans les années 1970 et 1980 une œuvre sans précédent dans l’Europe de son époque – une réflexion ludique, poétique et profonde sur le médium de la photographie populaire.

L’exposition au MASI retrace, à travers quelque 150 tirages originaux, la véritable fascination de Ghirri pour les voyages, à la fois réels et imaginaires. Ghirri a photographié avant tout son Italie, dans des lieux fréquentés par les touristes : des Dolomites aux lacs du Nord, des stations balnéaires de l’Adriatique et la Méditerranée aux musées, ruines classiques et parcs à thème. Hormis ces destinations, l’attention de Ghirri porte également sur l’idée du voyage, les photographies de cartes, atlas, images publicitaires et cartes postales, qui reviennent tout au long de l’exposition. Ces œuvres font ainsi émerger une réflexion sur la manière dont la photographie marque l’expérience du lieu dans la vie moderne.

Commissariat d'exposition James Lingwood

coordination pour le MASI Ludovica Introini

A poco più di trent’anni dalla sua prematura scomparsa, il MASI Lugano dedica una nuova importante mostra al fotografo italiano Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

Figura pionieristica e influente pensatore della fotografia e del suo ruolo nella cultura moderna, negli anni '70 e '80 Ghirri ha creato un corpus di opere senza eguali nell'Europa del suo tempo; una riflessione giocosa, poetica e profonda sul popolare mezzo fotografico.

Il percorso espositivo al MASI racconta, attraverso circa 150 stampe originali, la profonda fascinazione di Ghirri per il viaggio, sia reale che immaginario. Ghirri ha fotografato soprattutto la sua Italia, viaggiando in luoghi frequentati dai turisti: dalle Dolomiti ai laghi dell'Italia settentrionale, dalle località balneari lungo le coste dell'Adriatico e del Mediterraneo ai musei, alle rovine classiche e ai parchi a tema. Accanto a queste mete, l'attenzione di Ghirri si rivolge anche all'idea del viaggio e alle fotografie di mappe, atlanti, immagini pubblicitarie e cartoline, che ricorrono in tutta la mostra. Dai lavori emerge così anche una riflessione sul modo in cui la fotografia inquadra l’esperienza del luogo nella vita moderna.

a cura di James Lingwood

coordinamento per il MASI Ludovica Introini

Just over thirty years after his premature death, MASI Lugano is dedicating a major new exhibition to the Italian photographer Luigi Ghirri (Scandiano, 1943- Reggio Emilia, 1992).

A pioneering figure and influential thinker on photography and its role in modern culture, in the 1970s and 1980s Ghirri created a body of work unparalleled in the Europe of his time; a playful, poetic and profound reflection on the popular medium of photography.

The exhibition at MASI recounts Ghirri's profound fascination with travel, both real and imaginary, through around 150 original prints. Ghirri mainly photographed his Italy, travelling to places frequented by tourists: from the Dolomites to the lakes of northern Italy, from seaside resorts along the Adriatic and Mediterranean coasts to museums, classical ruins and theme parks. Alongside these destinations, Ghirri's attention also turns to the idea of travel and the photographs of maps, atlases, advertising images and postcards, which recur throughout the exhibition. Thus, a reflection on the way photography frames the experience of place in modern life also emerges from the works.

Curated by James Lingwood

Exhibition coordination at MASI Ludovica Introini

(Text: MASI Lugano)

Fotostiftung Schweiz | Winterthur
19. Oktober 2024 – 26. Januar 2025

Bilder und Fragmente
Binia Bill

Ambitioniert und selbstbewusst wandte sich Binia Bill (19041988) der Fotografie zu: Nach ihrer Ausbildung zur Konzertcellistin besuchte sie 1930 die Fotoklasse von Lucia Moholy an der Berliner Itten-Schule und arbeitete zurück in Zürich als freie Fotografin. 1931 heiratete sie den Architekten und Künstler Max Bill. Für den gemeinsamen Lebensunterhalt gestaltete das Ehepaar Werbeaufträge, für die sie das Bildmaterial produzierte und er Typografie und Layout entwarf. In den darauffolgenden Jahren schuf Binia Bill ein beachtliches fotografisches Werk: Ihre Porträtaufnahmen und Stillleben zeichnen sich durch eine klare Bildsprache aus, die mit der Ästhetik des «Neuen Sehens» verwandt ist. Das Interesse für Perspektiven und Oberflächen, für das Spiel mit Licht und Schatten verband Binia Bill jedoch mit einer ganz eigenen Sensibilität, die ihren Blick auf Objekte, Pflanzen, Tiere und Menschen prägte.

Als sie 1942 Mutter wurde, gab Binia Bill die Fotografie auf – ihr Werk geriet in Vergessenheit. Was davon erhalten ist, zeugt nicht nur von einer aussergewöhnlichen Schaffenskraft, sondern weist ihr auch einen wichtigen Platz in der Fotogeschichte zu. Sie gehört zu den wenigen Frauen in der Schweiz, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts professionell und künstlerisch mit der Kamera tätig waren. Genau zwei Jahrzehnte nach der ersten und bisher einzigen Retrospektive im Aargauer Kunsthaus ist es höchste Zeit, ihr Schaffen mit Einbezug unveröffentlichter Arbeiten neu zu würdigen.

C’est avec ambition et assurance que Binia Bill (1904–1988) se tourna vers la photographie. Après sa formation de violoncelliste, elle suivit en 1930 la classe de photographie de Lucia Moholy à l’école Itten de Berlin et travailla ensuite, de retour à Zurich, comme photographe indépendante. En 1931, elle épousa l’architecte et artiste Max Bill. Pour subvenir ensemble à leurs besoins, le couple réalisait des commandes publicitaires pour lesquelles elle produisait le matériel photographique, alors que lui concevait la typographie et la mise en page. Dans les années qui suivirent, Binia Bill créa une oeuvre photographique considérable : ses portraits et ses natures mortes se caractérisent par un langage visuel clair qui s’apparente à l’esthétique du mouvement de la « Neues Sehen ». L’intérêt de Binia Bill pour les perspectives et les surfaces, pour les jeux d’ombre et de lumière, était cependant accompagné d’une sensibilité toute particulière qui marqua son regard sur les objets, les plantes, les animaux et les hommes.

Lorsqu’elle devint mère en 1942, Binia Bill abandonna la photographie, et son œuvre tomba dans l’oubli. Ce qui en reste témoigne non seulement d’une force créatrice exceptionnelle, mais lui confère également une place importante dans l’histoire de la photographie. Elle fait partie des rares femmes en Suisse qui utilisèrent l’appareil photo de manière professionnelle et artistique durant la première moitié du XXe siècle. Exactement deux décennies après la première et jusqu’à présent unique rétrospective à l’Aargauer Kunsthaus, il est grand temps de rendre un nouvel hommage à son oeuvre en y incluant des travaux inédits.

Binia Bill (1904–1988) si accostò alla fotografia con ambizione e fiducia nei propri mezzi: dopo una formazione da violoncellista concertista, nel 1930 frequentò la sezione di fotografia alla Itten-Schule di Berlino, diretta da Lucia Moholy. Tornata a Zurigo, lavorò come fotografa indipendente. Nel 1931 sposò l’architetto e artista Max Bill. Per il sostentamento comune, la coppia lavorava a commissioni pubblicitarie: lei produceva le immagini mentre lui progettava la parte tipografica e l’impaginazione. Negli anni seguenti Binia Bill realizzò una notevole opera fotografica: i suoi ritratti e le nature morte sono caratterizzate da un chiaro linguaggio visivo, associabile all’estetica del «Neuen Sehen», la Nuova Visione. L’interesse di Binia Bill per la prospettiva e le superfici, per i giochi di luci e ombre si accompagna però a una sensibilità del tutto particolare che influenzò il suo sguardo su oggetti, piante, animali e persone.

Quando nel 1942 diventò madre, rinunciò alla fotografia – la sua opera venne quindi dimenticata. Ciò che ne è rimasto dimostra non solo la sua notevole forza creativa ma le conferisce anche un posto di rilievo nella storia della fotografia. Fa parte delle poche donne in Svizzera che nella prima metà del ventesimo secolo svolgevano un’attività professionale e artistica con la macchina fotografica. Esattamente due decenni dopo la prima e finora unica retrospettiva all’Aargauer Kunsthaus, è davvero arrivato il momento di onorare nuovamente il suo lavoro, includendo opere ancora inedite.

Binia Bill (19041988) turned to photography with ambition and confidence. After training as a concert cellist, she attended the photography class given by Lucia Moholy at Berlin’s Itten School in 1930 and worked as a freelance photographer when back in Zurich. In 1931, she married the architect and artist Max Bill. To earn a living, the couple worked together on advertising commissions, for which she produced the images while he designed the typography and layout. In the years that followed, Binia Bill created a remarkable photographic oeuvre: Her portraits and still lifes are characterised by a clear visual language that is related to the aesthetics of the ‘Neues Sehen’ movement. Binia Bill’s interest in perspectives and surfaces, in playing with light and shadow, was combined with a very distinct sensitivity though, which influenced her view of objects, plants, animals and people.

When she became a mother in 1942, Binia Bill gave up photography – her oeuvre fell into oblivion. What remains of it not only bears witness to her extraordinary creativity, but also gives her an important place in the history of photography. She was one of the few women in Switzerland to have worked professionally and artistically with a camera in the first half of the 20th century. Exactly two decades after her first and so far only retrospective, at Aargauer Kunsthaus, it is high time to honour her oeuvre anew, including her unpublished works.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)