Kunstraum Juraplatz | Biel/Bienne
1. – 22. März 2024

Rhythms & Layers
Reto Camenisch, Dominik Stauch

Während eines gemeinsamen ayurvedischen Aufenthaltes in Indien pflegten Camenisch und Stauch künstlerisch und menschlich intensiven Austausch. Sie entschlossen sich diese gemachten Erfahrungen in einer zweiteiligen Arbeit im Espace Juraplatz zu visualisieren.

Die im Innenraum gezeigte Printarbeit bezieht sich auf den Austausch in Indien, das Video als Resultat der in situ entstandenen fotografischen Untersuchungen und als Weiterführung eben dieser Printarbeit. Kreisende Bewegungen, fotografische Untersuchungen, falsche Spiegelungen und Unschärfen. Das Bildmaterial inhaltlich verdichtet durch «minderwertige Abzüge auf Thermopapier» und in einer Timeline zusammengefügt.

Lors d'un séjour ayurvédique commun en Inde, Camenisch et Stauch ont entretenu des échanges artistiques et humains intenses. Ils ont décidé de visualiser ces expériences vécues dans un travail en deux parties à l'Espace Juraplatz.

Le travail imprimé présenté à l'intérieur se réfère à l'échange en Inde, la vidéo est le résultat des recherches photographiques réalisées in situ et le prolongement de ce même travail imprimé. Mouvements circulaires, recherches photographiques, faux reflets et flous. Le contenu des images est condensé par des "tirages de mauvaise qualité sur papier thermique" et assemblé dans une chronologie.

Durante un soggiorno ayurvedico in India, Camenisch e Stauch hanno dato vita a un intenso scambio artistico e umano. Hanno deciso di visualizzare queste esperienze in un'opera in due parti all'Espace Juraplatz.

Il lavoro di stampa esposto all'interno si riferisce allo scambio in India, il video è il risultato delle indagini fotografiche create in loco e la continuazione di questo stesso lavoro di stampa. Movimenti circolari, indagini fotografiche, falsi riflessi e sfocature. Il contenuto del materiale fotografico è condensato da "stampe inferiori su carta termica" e combinato in una linea temporale.

During a joint Ayurvedic stay in India, Camenisch and Stauch engaged in an intensive artistic and human exchange. They decided to visualize these experiences in a two-part work at Espace Juraplatz.

The print work shown in the interior refers to the exchange in India, the video as the result of the photographic investigations created in situ and as a continuation of this same print work. Circular movements, photographic investigations, false reflections and blurring. The content of the image material is condensed by "inferior prints on thermal paper" and combined in a timeline.

(Text: Kunstraum Juraplatz, Biel/Bienne)

Château Hornegg au Lac | Zürich
22. Juni - 2. Juli

SOMEWHERE IN THE BODY
Áine Stapleton

Reservierung Freikarte

SOMEWHERE IN THE BODY ist eine experimentelle Tanzfilminstallation von Áine Stapleton, in deren Mittelpunkt Lucia Joyce steht - eine talentierte Tänzerin und Tochter des gefeierten irischen Schriftstellers James Joyce. Die Produktion untersucht, wie Lucia und ihre Tanzkarriere die Entstehung der ikonischen Erzählung Finnegans Wake ihres Vaters beeinflusst haben, in der sie in verschiedenen Gestalten auftritt.

Das Thema Licht zieht sich wie ein roter Faden durch Lucias Leben; ihr Name, der von der heiligen Lucia, der Schutzpatronin der Blinden, abgeleitet ist, bedeutet so viel wie "Lichtspenderin".

Die Produktion erforscht die verschiedenen Charaktere von Lucia sowie Verweise auf ihre Tanzkarriere und die Präsenz männlicher Figuren wie Onkel, Brüder und Vaterfiguren im Buch. Sie untersucht auch die Verweise von Joyce auf die Rolle tanzender Frauen im Laufe der Geschichte und den männlichen Blick. Der Film präsentiert exquisite und nuancierte Darbietungen der Tanzkünstler Colin Dunne und Katie Vickers, basierend auf Texten, die sich auf Lucias Charaktere im Buch beziehen. Lichtskulpturen des Mitwirkenden, Lichtkünstler Pat Kramer, erscheinen im Film und bilden einen Teil der Installation. Der Film, mit der Erzählstimme des Joycean-Scholars Finn Fordham, enthüllt die psychischen Räume, die von Lucia und ihrem Vater bewohnt werden.

Laufzeit des Films: 32 Minuten

SOMEWHERE IN THE BODY wird im Château Hornegg au Lac im Zürcher Seefeld präsentiert, das sich in unmittelbarer Nähe zu mehreren Häuser befindet, in denen die Familie Joyce in den frühen 1900er Jahren wohnte. Diese Präsentation von Somewhere in the Body wird von Culture Ireland und der Embassy of Ireland in Switzerland unterstützt und vom Kunsthaus Aussersihl kuratiert.

SOMEWHERE IN THE BODY est une installation de film de danse expérimentale d'Áine Stapleton, centrée sur Lucia Joyce - une danseuse talentueuse et fille du célèbre écrivain irlandais James Joyce. La production explore la manière dont Lucia et sa carrière de danseuse ont influencé la création du récit emblématique Finnegans Wake de son père, dans lequel elle apparaît sous différentes formes.

Le thème de la lumière est le fil conducteur de la vie de Lucia ; son nom, dérivé de celui de sainte Lucie, patronne des aveugles, signifie quelque chose comme "donneuse de lumière".

La production explore les différents personnages de Lucia ainsi que les références à sa carrière de danseuse et la présence de figures masculines telles que les oncles, les frères et les figures paternelles dans le livre. Elle explore également les références de Joyce au rôle des femmes qui dansent au cours de l'histoire et au regard masculin. Le film présente des performances exquises et nuancées des artistes de la danse Colin Dunne et Katie Vickers, basées sur des textes qui se réfèrent aux personnages de Lucie dans le livre. Des sculptures lumineuses du contributeur, l'artiste de la lumière Pat Kramer, apparaissent dans le film et font partie de l'installation. Le film, avec la voix narrative du Joycean Scholar Finn Fordham, révèle les espaces psychiques habités par Lucia et son père.

Durée du film : 32 minutes

SOMEWHERE IN THE BODY est présenté au Château Hornegg au Lac dans le Seefeld zurichois, qui se trouve à proximité immédiate de plusieurs maisons dans lesquelles la famille Joyce a vécu au début des années 1900. Cette présentation de Somewhere in the Body est soutenue par Culture Ireland et l'Embassy of Ireland in Switzerland et organisée par le Kunsthaus Aussersihl.

SOMEWHERE IN THE BODY è un'installazione sperimentale di Áine Stapleton incentrata su Lucia Joyce, ballerina di talento e figlia del celebre scrittore irlandese James Joyce. La produzione esplora il modo in cui Lucia e la sua carriera di ballerina hanno influenzato la creazione dell'iconico racconto del padre Finnegans Wake, in cui appare in varie vesti.

Il tema della luce attraversa come un filo conduttore la vita di Lucia; il suo nome, derivato da Santa Lucia, patrona dei ciechi, significa qualcosa come "dispensatrice di luce".

Lo spettacolo esplora i vari personaggi di Lucia, i riferimenti alla sua carriera di ballerina e la presenza di figure maschili come zii, fratelli e figure paterne nel libro. Esplora anche i riferimenti di Joyce al ruolo delle donne danzatrici nel corso della storia e allo sguardo maschile. Il film presenta performance squisite e ricche di sfumature degli artisti della danza Colin Dunne e Katie Vickers, basate su testi relativi ai personaggi di Lucia nel libro. Le sculture di luce dell'artista Pat Kramer, che vi ha contribuito, appaiono nel film e fanno parte dell'installazione. Il film, con la voce narrante dello studioso joyciano Finn Fordham, rivela gli spazi psichici abitati da Lucia e da suo padre.

Durata del film: 32 minuti

SOMEWHERE IN THE BODY viene presentato allo Château Hornegg au Lac, nel quartiere Seefeld di Zurigo, che si trova nelle immediate vicinanze di alcune case in cui la famiglia Joyce visse all'inizio del 1900. Questa presentazione di Somewhere in the Body è sostenuta da Culture Ireland e dall'Ambasciata d'Irlanda in Svizzera ed è curata dalla Kunsthaus Aussersihl.

SOMEWHERE IN THE BODY is an experimental dance film installation by Áine Stapleton centred around Lucia Joyce, a talented dancer and daughter of the celebrated Irish writer James Joyce. The production explores how Lucia influenced the creation of her father's iconic tale, Finnegans Wake, in which she appears in various guises. The theme of light runs through this work as it did throughout Lucia’s life; her name, taken from Saint Lucia the patron saint of the blind, is described as meaning “light giver."

The production delves into Lucia's various characters in the book and explores references to her dance career, as well as the presence of male figures such as uncles, brothers, and fatherly characters. It also examines Joyce's references to dancing women throughout the ages and the male gaze. The film features exquisite and nuanced performances by dance artists Colin Dunne and Katie Vickers, based on texts related to Lucia's characters in the book. Additionally, light sculptures by co-collaborator, light artist Pat Kramer, appear in the film and form part of the installation. With a unique soundscape based on Finnegans Wake and narration by Joycean Scholar Finn Fordham, Somewhere in the Body reveals the psychic spaces inhabited by Lucia and her father.

SOMEWHERE IN THE BODY is presented at the 'Château Hornegg au Lac’ in Seefeld,  Zurich, which is in close proximity to several houses where the Joyce family lived in the early 1900s. This presentation of Somewhere in the Body is supported by Culture Ireland and the Embassy of Ireland in Switzerland and curated by Kunsthaus Aussersihl.

(Text: Áine Stapleton)

Luma Westbau | Zürich
9. Juni -17. September 2023

Slow Show Installation
Dimitri Chamblas

Slow Show, konzipiert und choreografiert von Dimitri Chamblas, ist eine intensive, kollektive Tanzperformance, deren sichtbare Auswirkungen minimal, präzise und konzentriert sind. Die erste Performance des Projekts wurde 2018 mit Tanzstudenten des California Institute of the Arts (CalArts) bei Hauser und Wirth und im MAK Center im Schindler House in Los Angeles aufgeführt und basiert auf den Prinzipien von Trance, Exaltation, Telepathie und unbewussten Erinnerungen und offenbart ihre Kraft und Lebendigkeit durch extrem verlangsamte, fast unmerkliche, fast unsichtbare Bewegungen. Das Unsichtbare ist weder Leere, noch ist es Ruhe oder Abwesenheit. Die Subtilität der Bewegungen mindert weder die Intensität noch die Erschöpfung, die aus einer ausgedehnten Zeitspanne anstelle einer möglichen frenetischen Trance entsteht.

Slow Show wurde an verschiedenen Orten weltweit aufgeführt; jede Wiederholung ist einzigartig und versammelt rund 50 Personen jeden Alters und Hintergrunds, die auf ihren unmittelbaren Kontext reagieren. Die 20-minütige Performance wird von Klang und Musik begleitet, die der Musiker, Künstler und DJ Eddie Ruscha komponiert hat.

Slow Show Installation versammelt eine Auswahl von 18 gefilmten Porträts, die die TeilnehmerInnen während der weltweiten Aufführungen zeigen, die in Ouagadougou (Burkina Faso), Arles (Frankreich), Minneapolis (USA) und Charleroi (Belgien) stattgefunden haben. Chamblas hat in Zusammenarbeit mit Manuela Dalle diese bewegten Bilder aufgenommen, die nun erstmals innerhalb einer eigens dafür geschaffenen Raumarchitektur im Luma Westbau gezeigt werden. In blaues, gedämpftes Licht getaucht - das eine beruhigende Wirkung auf das Gehirn hat - und umgeben von Projektionen schwebender Körper, die sich zu einer ortsspezifischen Klangkulisse bewegen, lädt die Raumgestaltung ein, sich hinzulegen, zu entspannen und in eine gemeinsame Erfahrung einzutauchen.

Slow Show, conçu et chorégraphié par Dimitri Chamblas, est une performance de danse intense et collective dont les effets visibles sont minimes, précis et concentrés. La première performance du projet a été présentée en 2018 avec des étudiants en danse du California Institute of the Arts (CalArts) chez Hauser et Wirth et au MAK Center à la Schindler House de Los Angeles. Basée sur les principes de la transe, de l'exaltation, de la télépathie et des souvenirs inconscients, elle révèle sa force et sa vivacité par des mouvements extrêmement ralentis, presque imperceptibles, presque invisibles. L'invisible n'est ni le vide, ni le repos, ni l'absence. La subtilité des mouvements ne diminue ni l'intensité ni l'épuisement qui résulte d'un laps de temps étendu au lieu d'une éventuelle transe frénétique.

Slow Show a été présenté dans différents endroits du monde ; chaque répétition est unique et rassemble une cinquantaine de personnes de tous âges et de tous horizons, qui réagissent à leur contexte immédiat. La performance de 20 minutes est accompagnée de sons et de musiques composés par le musicien, artiste et DJ Eddie Ruscha.

Slow Show Installation rassemble une sélection de 18 portraits filmés montrant les participants lors des représentations mondiales qui ont eu lieu à Ouagadougou (Burkina Faso), Arles (France), Minneapolis (États-Unis) et Charleroi (Belgique). Chamblas a enregistré ces visuels en mouvement en collaboration avec Manuela Dalle, qui sont maintenant présentés pour la première fois au sein d'une architecture spatiale spécialement créée à cet effet dans le bâtiment ouest de Luma. Plongé dans une lumière bleue et tamisée - qui a un effet apaisant sur le cerveau - et entouré de projections de corps flottants qui se déplacent sur un fond sonore spécifique au lieu, l'aménagement de l'espace invite à s'allonger, à se détendre et à se plonger dans une expérience commune.

Slow Show, ideato e coreografato da Dimitri Chamblas, è un'intensa performance di danza collettiva i cui effetti visibili sono minimi, precisi e focalizzati. Eseguita nel 2018 con gli studenti di danza del California Institute of the Arts (CalArts) presso Hauser and Wirth e presso il MAK Center at Schindler House di Los Angeles, la prima performance del progetto si basa sui principi della trance, dell'esaltazione, della telepatia e dei ricordi inconsci, rivelando la sua potenza e la sua vibrazione attraverso movimenti estremamente rallentati, quasi impercettibili, quasi invisibili. L'invisibile non è il vuoto, né l'immobilità o l'assenza. La sottigliezza dei movimenti non diminuisce l'intensità o la stanchezza che deriva da un periodo di tempo prolungato al posto di una possibile trance frenetica.

Slow Show è stato eseguito in varie località del mondo; ogni iterazione è unica e riunisce circa 50 persone di ogni età e provenienza che rispondono al contesto immediato. La performance, della durata di 20 minuti, è accompagnata da suoni e musica composti dal musicista, artista e DJ Eddie Ruscha.

Slow Show Installation raccoglie una selezione di 18 ritratti filmati dei partecipanti durante le performance tenutesi in tutto il mondo a Ouagadougou (Burkina Faso), Arles (Francia), Minneapolis (USA) e Charleroi (Belgio). Chamblas, in collaborazione con Manuela Dalle, ha registrato queste immagini in movimento, che ora vengono mostrate per la prima volta all'interno di un'architettura spaziale appositamente creata nel Luma West Building. Immerso in una luce blu e soffusa - che ha un effetto calmante sul cervello - e circondato da proiezioni di corpi fluttuanti che si muovono su un paesaggio sonoro specifico, il progetto spaziale invita le persone a sdraiarsi, rilassarsi e immergersi in un'esperienza condivisa.

Conceived and choreographed by Dimitri Chamblas, Slow Show is an intensive, collective dance performance whose visible repercussions are minimal, precise, and concentrated. Presented for the first time in 2018 with dance students from the California Institute of the Arts (CalArts) at Hauser and Wirth Los Angeles and at the MAK Center at the Schindler House, the performance is rooted in the principles of trance, exultation, telepathy, and unconscious memories, revealing its strength and vivacity through movements slowed to the extreme, almost imperceptible, almost invisible. The invisible is not emptiness, nor is it calmness or absence. The subtlety of the movements doesn’t take away the intensity nor the exhaustion growing from a stretched time instead of a possible frenetic trance.

Slow Show has been performed in different locations around the world; each repetition is unique, gathering around 50 local people from all ages and backgrounds and answering to their immediate context. The 20-minute performance is accompanied by sound and music composed by musician, artist, and DJ Eddie Ruscha.

Slow Show Installation brings together a selection of 18 filmed portraits depicting participants over the course of worldwide performances that took place in Ouagadougou (Burkina Faso), Arles (France), Minneapolis (USA) and Charleroi (Belgium). Chamblas, in collaboration with Manuela Dalle, captured these moving images that are now shown for the first time in a specially devised environment at Luma Westbau. Submerged in a blue, low light - which has a calming effect on the brain - and surrounded by projections of floating bodies that move to a site-specific soundscape, the reclining structure in the space invites the audience to lay down, slow down and immerse themselves in a shared experience.

(Text: Luma Westbau, Zürich)

CREA Cantieri del Contemporaneo | Venezia
20. Mai - 31. August 2023

Portal
Lidia Russkova-Hasaya

Die Ausstellung findet im Rahmen der Architektur Biennale statt.

Die Installation "Portal" von Lidia Russkova-Hasaya ist eine drei Meter hohe, leuchtende Glastür, die von Metall umrahmt und in einen massiven Metallsockel eingelassen ist. Die LED-Beleuchtung umreißt die Silhouette der Tür und verleiht ihr den Anschein, als würde sie in der Luft schweben.

Auf der Grundlage jahrelanger Recherchen des Künstlers in den Bereichen Kunstgeschichte, Symbolismus, Urbanismus und Architektur steht "Portal" für Hoffnung und die Möglichkeit eines Neuanfangs - ein Durchgang zu einem besseren und sichereren Ort. Die Tür ist jedoch nicht zugänglich, so dass die Besucher in ihrer gegenwärtigen Realität gefangen sind.

"Der Künstler fordert uns auf, über den Weg zu unseren Zielen nachzudenken und zu erkennen, dass gerade diese Reise Freude und Wert bringen sollte. Die heutigen Realitäten zwingen uns jedoch, an Ersatzwerte zu glauben, die unsere Aufmerksamkeit auf eine vergängliche Zukunft lenken", sagt Alena Stetsiukevich, die Kuratorin des Projekts.

Die Installation von 'Portal' in Venedig ist ein symbolischer Akt. Seit der Renaissance dienen Türen in Italien als wichtige dekorative Elemente und Statusindikatoren. Die Eingangstür verrät, was man im Inneren des Raumes zu erwarten hat. Venezianische Türen sind auch sehr funktionell. Das Design der Türen, die in die Kanäle führen, trägt dazu bei, dem Acqua Alta zu widerstehen, einem Ereignis, bei dem Venedig zu verschiedenen Zeitpunkten im Jahr durch die steigende Flut der Adria vorübergehend überschwemmt wird.

Lidia interagiert auch mit dem Raum des Internationalen Kulturzentrums CREA, das sich an den Docks in der Nähe der Gondel- und Motorbootreparatur befindet. Die Umgebung ist einer der Gründe, warum der Künstler Metall, Glas und Neon für die Installation gewählt hat. Die bei der Herstellung von "Portal" verwendeten Materialien verwandeln einen gewöhnlichen Gegenstand in ein Kunstwerk: Die einfache Tür wird zu einem bedeutungsvollen Symbol mit zahlreichen Interpretationen.  Die Installation wurde im Einklang mit den Grundsätzen der nachhaltigen Entwicklung geschaffen.

L'installation "Portal" de Lidia Russkova-Hasaya est une porte en verre incandescent de trois mètres de haut, encadrée de métal et placée dans une base métallique massive. Un éclairage LED dessine la silhouette de la porte, lui donnant l'impression de flotter dans l'air.

S'appuyant sur des années de recherche de l'artiste dans les domaines de l'histoire de l'art, du symbolisme, de l'urbanisme et de l'architecture, "Portal" représente l'espoir et la possibilité d'un nouveau départ - un passage vers un espace meilleur et plus sûr. La porte, cependant, n'est pas accessible, laissant les visiteurs confinés dans leur réalité actuelle.

"L'artiste nous invite à contempler le chemin qui mène à nos objectifs et à reconnaître que c'est ce voyage même qui devrait nous apporter joie et valeur. Les réalités contemporaines, cependant, nous obligent à croire en des valeurs de substitution qui concentrent notre attention sur un avenir éphémère", explique Alena Stetsiukevich, commissaire du projet.

L'installation de "Portal" à Venise est un acte symbolique. Depuis la Renaissance, les portes sont des éléments décoratifs importants et des indicateurs de statut en Italie. La porte d'entrée révèle ce que l'on attend à l'intérieur de l'espace. Les portes vénitiennes sont également très fonctionnelles. La conception des portes menant aux canaux permet de résister à l'Acqua Alta, un événement qui voit Venise temporairement inondée à différents moments de l'année par la marée montante de la mer Adriatique.

Lidia interagit également avec l'espace du centre culturel international CREA, situé sur les quais, à proximité de la réparation des gondoles et des bateaux à moteur. C'est l'une des raisons pour lesquelles l'artiste a choisi le métal, le verre et le néon pour construire l'installation. Les matériaux utilisés pour la réalisation de "Portal" transforment un objet ordinaire en œuvre d'art : la simple porte devient un symbole significatif aux multiples interprétations.  L'installation a été réalisée dans le respect des principes du développement durable.

L'installazione "Portal" di Lidia Russkova-Hasaya è una porta di vetro incandescente alta tre metri, incorniciata in metallo e inserita in una massiccia base metallica. L'illuminazione a LED delinea la silhouette della porta, dandole l'impressione di fluttuare a mezz'aria.

Basata su anni di ricerca dell'artista in storia dell'arte, simbolismo, urbanistica e architettura, "Portal" rappresenta la speranza e la possibilità di un nuovo inizio, un passaggio verso uno spazio migliore e più sicuro. La porta, tuttavia, non è accessibile, lasciando i visitatori confinati nella loro realtà attuale.

"L'artista ci invita a contemplare il percorso che ci porta alla meta e a riconoscere che è proprio questo viaggio che dovrebbe portare gioia e valore. La realtà contemporanea, tuttavia, ci costringe a credere in valori sostitutivi che focalizzano la nostra attenzione su un futuro effimero", afferma Alena Stetsiukevich, curatrice del progetto.

L'installazione di "Portal" a Venezia è un atto simbolico. Fin dal Rinascimento, le porte sono state un importante elemento decorativo e un indicatore di status in Italia. La porta d'ingresso rivela cosa ci si aspetta all'interno dello spazio. Le porte veneziane sono anche altamente funzionali. Il design delle porte che conducono ai canali aiuta a resistere all'Acqua Alta, un evento che vede Venezia temporaneamente allagata in vari momenti dell'anno dall'innalzamento della marea dell'Adriatico.

Lidia interagisce anche con lo spazio del Centro Culturale Internazionale CREA, situato sulle banchine vicino alla riparazione di gondole e motoscafi. L'area è uno dei motivi per cui l'artista ha scelto metallo, vetro e neon per costruire l'installazione. I materiali utilizzati per la realizzazione di "Portal" trasformano un oggetto ordinario in un'opera d'arte: la semplice porta diventa un simbolo significativo dalle molteplici interpretazioni.  L'installazione è stata realizzata secondo i principi dello sviluppo sostenibile.

‘Portal’ installation by Lidia Russkova-Hasaya is a three–metre tall glowing glass door framed in metal and set into a massive metal base. LED lighting outlines the silhouette of the door, giving it the appearance of floating in mid-air.

Based on years of research by the artist in art history, symbolism, urbanism, and architecture, 'Portal' represents hope and the possibility of a new beginning — a passage to a better and safer space. The door, however, is not accessible, leaving visitors confined to their present reality.

“The artist beckons us to contemplate the path leading to our goals and to recognise that it is this very journey which should bring joy and value. Contemporary realities, however, compel us to believe in substitute values that focus our attention on an ephemeral future,” says Alena Stetsiukevich, the curator of the project.

Installing ‘Portal’ in Venice is a symbolic act. Since the Renaissance, doors have served as significant decorative elements and indicators of status in Italy. The front door reveals what to expect inside the space. Venetian doors are also highly functional. The design of doors leading into the canals helps to withstand Acqua Alta, an event that sees Venice temporarily flooded at various points during the year by the rising Adriatic Sea tide.

Lidia also interacts with the space of the CREA International Cultural Centre, located on the docks near the gondolas and motorboats repair. The area is one of the reasons the artist chose metal, glass, and neon to construct the installation. The materials used in the making of ‘Portal’ transform an ordinary object into a work of art: the simple door becomes a meaningful symbol with numerous interpretations.  The installation is created in accordance with the principles of sustainable development.

(Text: Surface Lab Art)

Kunstmuseum Thun
3. September - 4. Dezember 2022

The Other Kabul. Remains of the Garden

Baqer Ahmadi, Arshi Irshad Ahmadzai, Latifa Zafar Attaii, Iftikhar Dadi und Elizabeth Dadi, Parastou Forouhar, Jeanno Gaussi, Monica Ursina Jäger, Kubra Khademi, Yerbossyn Meldibekov, Almagul Menlibayeva, Ursula Palla, Pieter Paul Pothoven, Neda Razavipour, Chantal Romani, Necla Rüzgar, Mohsin Taasha Wahidi, Shahida Shaygan

Afghanische und nicht-afghanische Künstler:innen präsentieren in The Other Kabul. Remains of the Garden Werke mit poetischer Kraft, die sich den westlichen Klischees zu Afghanistan entziehen. Vielmehr widmet sich die Ausstellung der Sinnlichkeit und Schönheit, die sich symbolisch im Mikrokosmos des Gartens spiegelt, und beharrt darauf, dass ein anderes Leben möglich sein kann, möglich sein wird.

Viele der ausgestellten Werke wurden eigens für die Ausstellung in Thun geschaffen.

Vier der beteiligten afghanischen Künstler:innen lebten bis August 2021 noch in Kabul. Ihre Werke sind jedoch nicht auf Armut, Krieg und Unterdrückung beschränkt. Stattdessen legen sie den Funken der Schönheit in die Welt Kabuls. Selbst, wenn dieser - wie alles Schöne - flüchtig und zerbrechlich ist. Der Fragilität dieser Vorstellung schliessen sich weitere Künstler:innen an, die im Iran, in den Niederlanden, in der Schweiz oder in der Türkei leben und arbeiten. Auch ihre künstlerischen Arbeiten tragen dazu bei, der Schönheit Sorge zu tragen, ohne dabei die vielfältigen und ineinander verschränkten Krisen der Welt unter den Teppich zu kehren.

The Other Kabul ist eine Gastausstellung des Vereins Treibsand, kuratiert von Susann Wintsch in Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum Thun.

Des artistes afghans et non afghans présentent dans The Other Kabul. Remains of the Garden, des œuvres d'une grande force poétique qui échappent aux clichés occidentaux sur l'Afghanistan. L'exposition se consacre plutôt à la sensualité et à la beauté qui se reflètent symboliquement dans le microcosme du jardin, et insiste sur le fait qu'une autre vie peut être, sera possible.

De nombreuses œuvres exposées ont été créées spécialement pour l'exposition de Thoune.

Quatre des artistes afghans participant à l'exposition vivaient encore à Kaboul jusqu'en août 2021. Leurs œuvres ne se limitent toutefois pas à la pauvreté, à la guerre et à l'oppression. Au lieu de cela, ils placent l'étincelle de la beauté dans le monde de Kaboul. Même si celle-ci - comme toute beauté - est fugace et fragile. D'autres artistes qui vivent et travaillent en Iran, aux Pays-Bas, en Suisse ou en Turquie se joignent à la fragilité de cette idée. Leurs travaux artistiques contribuent eux aussi à prendre soin de la beauté, sans pour autant balayer sous le tapis les crises multiples et imbriquées du monde.

The Other Kabul est une exposition invitée de l'association Treibsand, organisée par Susann Wintsch en collaboration avec le Kunstmuseum Thun.

Artisti afghani e non afghani presentano opere dalla forza poetica in The Other Kabul. Remains of the Garden, artisti afghani e non, presentano opere dalla forza poetica che sfidano i cliché occidentali sull'Afghanistan. La mostra è piuttosto dedicata alla sensualità e alla bellezza riflessa simbolicamente nel microcosmo del giardino, e insiste sul fatto che un'altra vita può essere possibile, sarà possibile.

Molte delle opere esposte sono state create appositamente per la mostra di Thun.

Quattro degli artisti afghani coinvolti vivevano ancora a Kabul fino all'agosto 2021. Le loro opere, tuttavia, non si limitano alla povertà, alla guerra e all'oppressione. Invece, hanno messo la scintilla della bellezza nel mondo di Kabul. Anche se questa, come tutta la bellezza, è fugace e fragile. La fragilità di questa idea è ripresa da altri artisti che vivono e lavorano in Iran, Paesi Bassi, Svizzera e Turchia. Le loro opere artistiche contribuiscono anche a un'attenzione per la bellezza senza nascondere le diverse e intrecciate crisi del mondo.

L'altra Kabul è una mostra ospite dell'associazione Treibsand, curata da Susann Wintsch in collaborazione con il Kunstmuseum Thun.

Afghan and non-Afghan artists present in The Other Kabul. Remains of the Garden, Afghan and non-Afghan artists present works with poetic power that defy Western clichés about Afghanistan. Rather, the exhibition is dedicated to the sensuality and beauty symbolically reflected in the microcosm of the garden, insisting that another life can be, will be, possible.

Many of the works on display were created specifically for the exhibition in Thun.

Four of the Afghan artists involved were still living in Kabul until August 2021. Their works, however, are not limited to poverty, war and oppression. Instead, they put the spark of beauty into the world of Kabul. Even if this - like all beauty - is fleeting and fragile. The fragility of this idea is echoed by other artists who live and work in Iran, the Netherlands, Switzerland and Turkey. Their artistic works also contribute to a concern for beauty without sweeping the world's multiple and intertwined crises under the carpet.

The Other Kabul is a guest exhibition of the Treibsand association, curated by Susann Wintsch in collaboration with the Kunstmuseum Thun.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Kunstraum Juraplatz | Biel/Bienne
3. – 26. Juni 2022

Toxic Conflicts
Rainer Ganahl

Die Ausstellung "Toxic Conflicts" des österreichischen Künstlers Rainer Ganahl basiert auf einer Reihe von Videoanimationen aus dem Jahr 2022, die die aktuelle Krise auf verschiedenen Ebenen thematisieren: Krieg in der Ukraine, globale Erwärmung, Terrorismus, Gewalt, Migration und Macht.

Rainer Ganahl recycelt Pressemitteilungen von großen Nachrichtenseiten wie der New York Times, CNN und der BBC und erstellt kurze animierte Videos, die uns mit aktuellen Nachrichten konfrontieren und gleichzeitig unseren eigenen Umgang mit diesen Konflikten hinterfragen.

Ganahl besuchte die Universität für angewandte Kunst in Wien bei Peter Weibel und die Kunstakademie Düsseldorf bei Nam June Paik. In den Jahren 1990/91 nahm er am Independent Study Program des Whitney Museum of American Art teil.

Rainer Ganahl hat 1999 und 2007 im österreichischen Pavillon auf der Biennale von Venedig ausgestellt. Einige seiner Werke befinden sich in der ständigen Sammlung des Museum of Modern Art in New York (MOMA) sowie in anderen wichtigen Museen und Galerien auf der ganzen Welt.

Die Installation wurde von Enrique Muñoz García kuratiert.

L'exposition "Toxic Conflicts" de l'artiste autrichien Rainer Ganahl se base sur une série d'animations vidéo réalisées en 2022, qui abordent la crise actuelle à différents niveaux : Guerre en Ukraine, réchauffement climatique, terrorisme, violence, migration et pouvoir.

Rainer Ganahl recycle des communiqués de presse de grands sites d'information tels que le New York Times, CNN et la BBC et crée de courtes vidéos animées qui nous confrontent à l'actualité tout en remettant en question notre propre approche de ces conflits.

Ganahl a suivi les cours de Peter Weibel à l'Université des arts appliqués de Vienne et ceux de Nam June Paik à l'Académie des arts de Düsseldorf. En 1990/91, il a participé à l'Independent Study Program du Whitney Museum of American Art.

Rainer Ganahl a exposé dans le pavillon autrichien de la Biennale de Venise en 1999 et 2007. Certaines de ses œuvres font partie de la collection permanente du Museum of Modern Art de New York (MOMA) ainsi que d'autres musées et galeries importants dans le monde entier.

L'installation a été organisée par Enrique Muñoz García.

La mostra "Toxic Conflicts" dell'artista austriaco Rainer Ganahl si basa su una serie di animazioni video del 2022 che affrontano la crisi attuale a vari livelli: Guerra in Ucraina, riscaldamento globale, terrorismo, violenza, migrazione e potere.

Rainer Ganahl ricicla i comunicati stampa dei principali siti di informazione come il New York Times, la CNN e la BBC e crea brevi video animati che ci mettono a confronto con le notizie attuali e al contempo interrogano la nostra stessa gestione di questi conflitti.

Ganahl ha frequentato l'Università di Arti Applicate di Vienna con Peter Weibel e l'Accademia d'Arte di Düsseldorf con Nam June Paik. Nel 1990-91 ha partecipato all'Independent Study Program del Whitney Museum of American Art.

Rainer Ganahl ha esposto nel Padiglione Austriaco della Biennale di Venezia nel 1999 e nel 2007. Alcune delle sue opere sono presenti nella collezione permanente del Museum of Modern Art di New York (MOMA) e in altri importanti musei e gallerie di tutto il mondo.

L'installazione è stata curata da Enrique Muñoz García.

The exhibition "Toxic Conflicts" by Austrian artist Rainer Ganahl is based on a series of video animations from 2022 that address the current crisis on different levels: War in Ukraine, global warming, terrorism, violence, migration and power.

Rainer Ganahl recycles press releases from major news sites such as the New York Times, CNN, and the BBC to create short animated videos that confront us with current news while questioning our own handling of these conflicts.

Ganahl attended the University of Applied Arts in Vienna with Peter Weibel and the Düsseldorf Art Academy with Nam June Paik. In 1990/91 he participated in the Independent Study Program of the Whitney Museum of American Art.

Rainer Ganahl exhibited in the Austrian Pavilion at the Venice Biennale in 1999 and 2007. Some of his works are in the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York (MOMA) and in other important museums and galleries around the world.

The installation was curated by Enrique Muñoz García.

(Text: Enrique Mu~mpz García)

St. Moritz | 46°29'47.6"N 9°52'17.8"E
18. Februar - 30. April 2022

Elevation 1049 / 1822: Echoes
Nancy Baker Cahill , Alicja Kwade

Ausgehend von der ursprünglichen Idee, unsere Ausstellung auf einen breiteren schweizerischen Alpenkontext auszudehnen, und angesichts der anhaltenden Auswirkungen der Pandemie experimentiert Elevation mit einem neuen, kleineren Modell mit zwei Städten und zwei Künstlern. Mit der Konzentration auf zwei neue Auftragsarbeiten, die gleichzeitig in Gstaad (1049) und St. Moritz (1822) präsentiert werden, verbindet die diesjährige Ausgabe zwei der bekanntesten Alpenlandschaften: das Engadin und das Saanenland. In Erwartung eines umfangreicheren Programms im Jahr 2023 erkundet die diesjährige Ausgabe neue Möglichkeiten und blickt optimistisch in die Zukunft.

elevation wird von der Luma Foundation konzipiert und produziert.
echoes Konzept von Neville Wakefield und Olympia Scarry.

Partant de l'idée initiale d'élargir notre exposition à un contexte alpin suisse plus large, et compte tenu des effets persistants de la pandémie, Elevation expérimente un nouveau modèle, plus petit, avec deux villes et deux artistes. En se concentrant sur deux nouvelles œuvres de commande présentées simultanément à Gstaad (1049) et à St-Moritz (1822), l'édition de cette année associe deux des paysages alpins les plus connus : l'Engadine et le Saanenland. En attendant un programme plus étoffé en 2023, l'édition de cette année explore de nouvelles possibilités et envisage l'avenir avec optimisme.

elevation est conçu et produit par la Luma Foundation.
echoes Concept de Neville Wakefield et Olympia Scarry.

Dall'idea originale di estendere la nostra mostra a un più ampio contesto alpino svizzero, e visto l'impatto continuo della pandemia, Elevation sta sperimentando un nuovo modello più piccolo con due città e due artisti. Concentrandosi su due opere di nuova commissione presentate simultaneamente a Gstaad (1049) e St Moritz (1822), l'edizione di quest'anno collega due dei più noti paesaggi alpini: l'Engadina e il Saanenland. In previsione di un programma più ampio nel 2023, l'edizione di quest'anno esplora nuove possibilità e guarda con ottimismo al futuro.

elevation è concepito e prodotto da Luma Foundation.
echoes concept di Neville Wakefield e Olympia Scarry.

Reflecting on the initial idea to widen our show in a broader Swiss alpine context and the ongoing impact of the pandemic, Elevation is experimenting with a new, smaller scale, two-cities, two-artists model. Concentrating our efforts on two new commissions, presented simultaneously in locations in Gstaad (1049) and St. Moritz (1822), this year’s iteration is connecting two of the best-known Alpine landscapes, that of Engadin and Saanenland. In anticipation of a more expansive program in 2023, this year’s unique edition explores new possibilities looking optimistically to the future.

Elevation is conceived and produced by Luma Foundation.
Echoes concept by Neville Wakefield and Olympia Scarry.

(Text: Luma Foundation)

Gstaad | 46°30'55.5"N 7°18'32.4"E
18. Februar - 31. Mai 2022

Elevation 1049 / 1822: Echoes
Nancy Baker Cahill , Alicja Kwade

Ausgehend von der ursprünglichen Idee, unsere Ausstellung auf einen breiteren schweizerischen Alpenkontext auszudehnen, und angesichts der anhaltenden Auswirkungen der Pandemie experimentiert Elevation mit einem neuen, kleineren Modell mit zwei Städten und zwei Künstlern. Mit der Konzentration auf zwei neue Auftragsarbeiten, die gleichzeitig in Gstaad (1049) und St. Moritz (1822) präsentiert werden, verbindet die diesjährige Ausgabe zwei der bekanntesten Alpenlandschaften: das Engadin und das Saanenland. In Erwartung eines umfangreicheren Programms im Jahr 2023 erkundet die diesjährige Ausgabe neue Möglichkeiten und blickt optimistisch in die Zukunft.

elevation wird von der Luma Foundation konzipiert und produziert.
echoes Konzept von Neville Wakefield und Olympia Scarry.

Partant de l'idée initiale d'élargir notre exposition à un contexte alpin suisse plus large, et compte tenu des effets persistants de la pandémie, Elevation expérimente un nouveau modèle, plus petit, avec deux villes et deux artistes. En se concentrant sur deux nouvelles œuvres de commande présentées simultanément à Gstaad (1049) et à St-Moritz (1822), l'édition de cette année associe deux des paysages alpins les plus connus : l'Engadine et le Saanenland. En attendant un programme plus étoffé en 2023, l'édition de cette année explore de nouvelles possibilités et envisage l'avenir avec optimisme.

elevation est conçu et produit par la Luma Foundation.
echoes Concept de Neville Wakefield et Olympia Scarry.

Dall'idea originale di estendere la nostra mostra a un più ampio contesto alpino svizzero, e visto l'impatto continuo della pandemia, Elevation sta sperimentando un nuovo modello più piccolo con due città e due artisti. Concentrandosi su due opere di nuova commissione presentate simultaneamente a Gstaad (1049) e St Moritz (1822), l'edizione di quest'anno collega due dei più noti paesaggi alpini: l'Engadina e il Saanenland. In previsione di un programma più ampio nel 2023, l'edizione di quest'anno esplora nuove possibilità e guarda con ottimismo al futuro.

elevation è concepito e prodotto da Luma Foundation.
echoes concept di Neville Wakefield e Olympia Scarry.

Reflecting on the initial idea to widen our show in a broader Swiss alpine context and the ongoing impact of the pandemic, Elevation is experimenting with a new, smaller scale, two-cities, two-artists model. Concentrating our efforts on two new commissions, presented simultaneously in locations in Gstaad (1049) and St. Moritz (1822), this year’s iteration is connecting two of the best-known Alpine landscapes, that of Engadin and Saanenland. In anticipation of a more expansive program in 2023, this year’s unique edition explores new possibilities looking optimistically to the future.

Elevation is conceived and produced by Luma Foundation.
Echoes concept by Neville Wakefield and Olympia Scarry.

(Text: Luma Foundation)

Public Art Space Juraplatz | Biel/Bienne
11. - 27. November 2021

Me being an arse
Salvatore of Lucan

Public Art Space Juraplatz präsentiert den irischen Künstler Salvatore of Lucan, kuratiert von Emer Lynch.Das Werk "Me being an arse" ist eine Installation, die als Hauptwerk ein zeitgenössisches Buntglasfenster enthält und zum ersten Mal öffentlich präsentiert wird.

Dieses zeitgenössische Selbstporträt ist das erste Kunstwerk des Künstlers in Form eines Buntglasfensters. Dieses neue großformatige Werk, das sich direkt mit dem Thema Alkohol und seinen Auswirkungen auf Beziehungen auseinandersetzt, markiert einen aufregenden neuen Weg in Salvatore of Lucans aufstrebender Malerei.

L'espace d'art public Juraplatz présente l'artiste irlandais Salvatore of Lucan sous le commissariat d'Emer Lynch. L'œuvre "Me being an arse" est une installation qui comprend comme pièce principale un vitrail contemporain et sera présentée pour la première fois en public. 

Cet autoportrait contemporain est la première œuvre d'art de l'artiste sous forme de vitrail. Abordant directement le sujet de l'alcool et de ses effets sur les relations, cette nouvelle œuvre à grande échelle marque un nouveau départ passionnant dans la pratique émergente de la peinture de Salvatore of Lucan.

Il Public Art Space Juraplatz presenta l'artista irlandese Salvatore of Lucan, a cura di Emer Lynch. L'opera "Me being an arse" è un'installazione che include una vetrata contemporanea come opera principale e viene presentata pubblicamente per la prima volta.

Questo autoritratto contemporaneo è la prima opera d'arte dell'artista sotto forma di vetrata. Questo nuovo lavoro su larga scala, che affronta direttamente il tema dell'alcol e dei suoi effetti sulle relazioni, segna un nuovo percorso emozionante nella carriera pittorica emergente di Salvatore di Lucano.

Public Art Space Juraplatz presents Irish artist Salvatore of Lucan curated by Emer Lynch.

The work "Me being an arse" is an installation that includes as its main piece a contemporary stained glass window and will be presented for the first time in public.This contemporary self-portrait is the artist's first work of art in stained glass form.

Directly addressing the subject of alcohol and its effects on relationships, this new large-scale work marks an exciting new departure in Salvatore of Lucan's emerging painting practice.

(Text: Public Art Space Juraplatz, Biel/Bienne)