L'ANGLE | Hendaye
14. Juni – 28. Juli 2024

Yggdrasil
Dana Cojbuc

Ausgehend von ihren eigenen Abzügen extrapoliert Dana Cojbuc, definiert die Grenzen neu und erfindet das Thema durch die Zeichnung neu. Die Grenze zwischen der Fotografie und der Kohlearbeit ist subtil, geheimnisvoll, sie öffnet den Weg zu einer imaginären Landschaft. Diese Verlängerung durch die Zeichnung wirkt, wie eine Enthüllung des grafischen und plastischen Charakters der realen Landschaft, in die sie manchmal vorher, wie ein Land-Art Künstler eingreift.

"Die geheimnisvolle und mächtige Natur wirkt wie eine Verzauberung... Zunächst überrasche ich die Realität durch das Foto. Dann verlängere ich sie durch die Zeichnung, wobei ich ihr treu bleibe, um sie in meine erfundene Welt zu bringen. Die Fotografie zeichnet meinen Blick auf und die Zeichnung bietet eine neue Erfahrung, in der sich meine Erinnerungen verknüpfen und wiederbeleben. Ich fotografiere die Elemente dieser Natur und skizziere dann die unendlichen Umrisse, um sie im Nachhinein neu zu erfinden. Ein zerbrechlicher anthropozäner Versuch, meine inneren Wälder mit denen zu vermischen, die mich damals umgaben. Die in der Kontinuität des Fotos gezeichneten Kohlestriche verleihen ihm das Aussehen einer Zeichnung, die den Betrachter außerhalb des fotografischen Rahmens führt. An dieser Grenze trifft der Blick auf neue, dichtere, chaotischere und schwärzere Wälder. Sie sind undurchdringlich und orientierungslos, wie kleine Inseln, die in der Mitte des Ozeans treiben, sich öffnen und das Licht im Weiß des Papiers erreichen." (Dana Cojbuc)

"Die aus Rumänien stammende Künstlerin Dana Cojbuc arbeitet mit Graphitminen auf Fotografien, die durch ihre Striche verlängert werden, und leistet damit eine gewaltige Arbeit der Verschiebung und Aneignung. Die Natur zeichnet das, was die Hand des Menschen zu erreichen versucht: eine Gemeinschaft von Wesen, eine gemeinsame Wärmeader, die zwischen den Reichen und Arten fließt. Die Frage ist nicht, an welchen Stellen der Künstler die Spur der Natur fortgesetzt hat, sondern die Genialität des Lebens körperlich zu erfahren, ob es nun diese oder jene Form annimmt, ob es ein Artefakt ist oder nicht. Eine Seltsamkeit erhebt sich, der Mensch ist ein neckischer Gott, wenn er nicht sogar ein Monster ist. Die Anwesenheit von Weiß ist förderlich für den Frieden, man sollte den Raum nicht füllen, schon gar nicht, sondern musikalische Variationen, überlappende Noten, Möglichkeiten der Existenz außerhalb des Rahmens andeuten. Am Rande der Welt, am äußersten Rand der Linien, in der Kälte und Nacktheit der etischen Pflanzen, gibt es die Erlösung durch die Präzision und Großzügigkeit der Hand von dem, was nur eine Katastrophe oder eine intime Trostlosigkeit sein könnte. Nein, die Umwälzung der Erde ist keine psychologische Katastrophe, sondern eine andere Art, sich zu verbinden, sich zu regenerieren und sich neu zu erfinden." (Fabien Ribery, 2023)

À partir de ses propres tirages Dana Cojbuc extrapole, redéfinit les limites et réinvente le sujet par le dessin. La frontière entre la photographie et le travail au fusain est subtile, mystérieuse, elle ouvre la voie à un paysage imaginaire. Ce prolongement par le dessin agit comme un révélateur du caractère graphique et plastique du paysage réel, dans lequel elle intervient parfois au préalable à la manière d’un artiste du land Art.

« La nature mystérieuse et puissante agit comme un envoûtement... Je surprends d’abord le réel par la photo. Je le prolonge ensuite par le dessin, tout en lui restant fidèle, pour l’amener vers mon monde inventé. La photographie enregistre mon regard et le dessin offre une nouvelle expérience où se nouent et se raniment mes mémoires. Je photographie les éléments de cette nature puis en esquisse les contours infinis pour les réinventer a posteriori. Fragile tentative anthropocène de mêler mes forêts intérieures à celles qui m’entourent alors. Les traits de fusain tracés dans la continuité de la photo lui confèrent l’aspect d’un dessin amenant le spectateur en dehors du cadre photographique. À cette frontière, le regard rencontre des nouvelles forêts plus denses, plus chaotiques, plus noires. Elles sont impénétrables et sans repères, comme des îlots qui flottent au milieu de l’océan, s’ouvrent et rejoignent la lumière dans le blanc du papier. » (Dana Cojbuc)

« Par son intervention à la mine graphite sur des photographies prolongées par ses traits, l’artiste d’origine roumaine Dana Cojbuc opère un formidable travail de déplacement et d’appropriation. La nature dessine ce que la main de l’homme tente d’approcher, une communauté d’êtres, une même veine de chaleur coulant entre les règnes et les espèces. La question n’est pas de déterminer à quels endroits l’artiste a continué le tracé de la nature, mais d’éprouver physiquement la génialité de la vie, qu’elle prenne telle ou telle forme, qu’elle soit artefact ou non. Une étrangeté se lève, l’homme est un dieu taquin quand il n’est pas un monstre. La présence du blanc est propice à la paix, il ne faut pas remplir l’espace, surtout pas, mais suggérer des variations musicales, des chevauchements de notes, des possibilités d’existence en-dehors du cadre. Aux confins du monde, à l’extrémité des traits, dans la froideur et la nudité des végétaux étiques, il y a la rédemption par la précision et la générosité de la main de ce qui pourrait être uniquement de l’ordre de la catastrophe, ou d’une désolation intime. Non, le bouleversement de la terre n’est pas un désastre psychologique, mais une autre façon de se lier, de se régénérer, de se réinventer. » (Fabien Ribery, 2023)

Utilizzando le proprie stampe, Dana Cojbuc estrapola, ridefinisce i limiti e reinventa il soggetto attraverso il disegno. Il confine tra fotografia e carboncino è sottile e misterioso e apre la strada a un paesaggio immaginario. Questa estensione attraverso il disegno agisce come una rivelazione del carattere grafico e plastico del paesaggio reale, in cui a volte interviene preventivamente alla maniera di un artista di land art.

"La natura misteriosa e potente agisce come un incantesimo... Inizio fotografando la realtà. Poi la estendo attraverso il disegno, pur rimanendo fedele ad essa, per portarla nel mio mondo inventato. La fotografia registra il mio sguardo e il disegno offre una nuova esperienza in cui i miei ricordi si intrecciano e rivivono. Fotografo gli elementi di questa natura, poi ne schizzo gli infiniti contorni per reinventarli in seguito. Un fragile tentativo antropocenico di fondere le mie foreste interiori con quelle che mi circondano. I tratti di carboncino tracciati nella continuità della foto le conferiscono l'aspetto di un disegno, portando lo spettatore al di fuori della cornice fotografica. A questa frontiera, l'occhio incontra nuove foreste più dense, più caotiche, più nere. Sono impenetrabili e senza punti di riferimento, come isole che galleggiano in mezzo all'oceano, che si aprono e si uniscono alla luce nel bianco della carta" (Dana Cojbuc).

"L'artista di origine rumena Dana Cojbuc lavora con la matita di grafite su fotografie che sono state estese dai suoi tratti, creando un formidabile lavoro di spostamento e appropriazione. La natura disegna ciò che la mano umana cerca di avvicinare, una comunità di esseri, la stessa vena di calore che scorre tra regni e specie. Non si tratta di stabilire dove l'artista abbia proseguito la linea della natura, ma di sperimentare fisicamente il genio della vita, che assuma questa o quella forma, che sia un manufatto o meno. Nasce una stranezza, l'uomo è un dio che stuzzica quando non è un mostro. La presenza del bianco favorisce la pace; lo spazio non va riempito, soprattutto non va riempito, ma suggerisce variazioni musicali, sovrapposizioni di note, possibilità di esistenza al di fuori della cornice. Ai confini del mondo, alla fine delle linee, nella freddezza e nella nudità della vegetazione etica, c'è il riscatto, attraverso la precisione e la generosità della mano, di quello che potrebbe essere solo l'ordine della catastrofe o dell'intima desolazione. No, lo sconvolgimento della terra non è una catastrofe psicologica, ma un altro modo di legarsi, rigenerarsi e reinventarsi". (Fabien Ribery, 2023)

From her own prints, Dana Cojbuc extrapolates, redefines limits and reinvents the subject through drawing. The boundary between photography and charcoal is subtle and mysterious, opening the way to an imaginary landscape. This extension through drawing acts as a revelation of the graphic and plastic character of the real landscape, in which she sometimes intervenes beforehand in the manner of a land art artist.

"Mysterious, powerful nature acts like a spell... First, I surprise reality through photography. I then extend it through drawing, while remaining faithful to it, to bring it into my invented world. Photography records my gaze, and drawing offers a new experience in which my memories are knotted and revived. I photograph the elements of this nature, then sketch its infinite contours to reinvent them a posteriori. A fragile anthropocene attempt to blend my inner forests with those around me. Charcoal strokes drawn in the continuity of the photo give it the appearance of a drawing, taking the viewer outside the photographic frame. At this frontier, the eye encounters new, denser, more chaotic, blacker forests. They are impenetrable and without landmarks, like islets floating in the middle of the ocean, opening up and joining the light in the white of the paper" (Dana Cojbuc).

"Romanian-born artist Dana Cojbuc's graphite intervention on photographs, extended by her strokes, is a formidable work of displacement and appropriation. Nature draws what man's hand tries to approach: a community of beings, the same vein of warmth flowing between kingdoms and species. The question is not to determine where the artist has continued nature's trace, but to physically experience the geniality of life, whether it takes this or that form, whether it is an artifact or not. A strangeness emerges: man is a teasing god when he is not a monster. The presence of white is conducive to peace, not filling the space, certainly not, but suggesting musical variations, overlapping notes, possibilities of existence outside the frame. At the edge of the world, at the end of the lines, in the coldness and nakedness of etic vegetation, there is the redemption by the precision and generosity of the hand of what could only be the order of catastrophe, or intimate desolation. No, the earth's upheaval is not a psychological disaster, but another way of bonding, regenerating and reinventing ourselves." (Fabien Ribery, 2023)

(Text: L'ANGLE, Hendaye)

L’ANGLE | Hendaye
2. Mai – 9. Juni 2024

Il n’y a pas de planète B
David Tatin

In einer Zeit, in der das Überleben unserer Spezies auf der Erde nicht mehr sicher ist, richten sich manche Hoffnungen auf die Möglichkeit, einen anderen Planeten zu bewohnen.

Während hierzulande das Klima verrückt spielt, die Sonne immer weniger Trost spendet und die Migrationsbewegungen zunehmen, sucht man nach einem bewohnbaren Ort oder einem Ort, den man bewohnbar machen könnte. Aber welchen Sinn kann das haben, wenn sich unser Verhältnis zu allem Lebendigen nicht ändert?

Wir haben alles, was lebt, in schön oder hässlich, nützlich oder schädlich eingeteilt. Doch das laufende Aussterben macht diese Sortierung nicht, und viele Arten sind kurz davor, sich in die traurige Porträtgalerie unserer verstorbenen Cousins einzureihen. Der bewundernswerte Zufall, der das Leben auf der Erde ausmacht, sollte unsere erste Quelle der Verwunderung sein. Um in das Herz des Universums zu blicken, können wir einen bescheidenen Blick auf unsere alltägliche Umgebung werfen und dort alles wiedererkennen, was diese fantasievollen Randgebiete ausmacht.

Es gibt keinen Planeten B, das ist ein Alarmsignal. Aber auch ein gewaltiger Anreiz, sich um den einzigen Ort zu kümmern, an dem das Leben gedeiht.

Die Fotoserie besteht aus vier Sets sowie einer Auswahl aus den handschriftlichen Feldbüchern des Autors, die aus seinen Naturbeobachtungen über drei Jahrzehnte entstanden sind.

Die Ausstellung wird durch einen Bildband mit den Fotografien der Serie ergänzt.

À l’heure où la survie de notre espèce sur Terre n’est plus une certitude, certains espoirs se tournent vers la possibilité d’aller habiter une autre planète.

Alors qu’ici le climat s’emballe, que le soleil est de moins en moins une source de réconfort, et que les mouvements migratoires s’amplifient, on cherche un ailleurs habitable, ou que l’on rendrait habitable. Mais quel sens cela peut-il avoir sans changement de notre relation au vivant ?

Nous avons classé tout ce qui vit en beau ou laid, utile ou nuisible. Mais l’extinction en cours ne fait pas ce tri, et nombreuses sont les espèces sur le point de rejoindre la triste galerie de portraits de nos cousins défunts. Cet admirable accident qu’est la vie sur Terre devrait être notre première source d’émerveillement. Pour regarder au coeur de l’univers, on peut se pencher modestement sur notre environnement quotidien et y reconnaître tout ce qui compose ces confins fantasmés.

Il n’y a pas de planète B, c’est un signal d’alarme. Mais aussi une formidable incitation à prendre soin du seul endroit où le vivant s’épanouit.

Cette série de photographies est composée de quatre ensembles, ainsi que d’un échantillon des carnets de terrain manuscrits de l’auteur, issus de ses observations de la nature pendant trois décennies.

L’exposition est complétée par un ouvrage des photographies de la série.

In un momento in cui la sopravvivenza della nostra specie sulla Terra non è più una certezza, alcuni speranzosi si rivolgono alla possibilità di vivere su un altro pianeta.

In un momento in cui il nostro clima sta andando fuori controllo, il sole è sempre meno una fonte di conforto e i movimenti migratori sono in aumento, stiamo cercando un altrove abitabile, o che possiamo rendere abitabile. Ma che senso ha tutto questo senza cambiare il nostro rapporto con gli esseri viventi?

Abbiamo classificato tutti gli esseri viventi come belli o brutti, utili o dannosi. Ma l'estinzione in corso non rende questo ordinamento, e molte specie stanno per unirsi alla triste galleria di ritratti dei nostri cugini morti. L'ammirevole incidente che è la vita sulla Terra dovrebbe essere la nostra prima fonte di meraviglia. Per guardare al cuore dell'universo, possiamo guardare con modestia al nostro ambiente quotidiano e riconoscere tutto ciò che compone questi confini fantastici.

Non esiste un Pianeta B, e questo è un campanello d'allarme. Ma è anche un potente incentivo a prendersi cura dell'unico luogo in cui prosperano gli esseri viventi.

Questa serie di fotografie è composta da quattro set, insieme a un campione di taccuini scritti a mano dall'autore, tratti dalle sue osservazioni della natura nel corso di tre decenni.

La mostra è completata da un libro di fotografie della serie.

At a time when the survival of our species on Earth is no longer a certainty, some hopefuls are turning to the possibility of living on another planet.

As the climate here spirals out of control, the sun becomes less and less a source of comfort, and migratory movements increase, we're looking for a habitable elsewhere, or one that we can make habitable. But what sense does this make without changing our relationship with living things?

We have classified all living things as beautiful or ugly, useful or harmful. But extinction is not the answer, and many species are about to join the sad gallery of portraits of our dead cousins. The admirable accident that is life on Earth should be our first source of wonder. To look into the heart of the universe, we can look modestly at our everyday environment and recognize everything that makes up these fantasized confines.

There is no Planet B. This is a wake-up call. But it's also a powerful incentive to take care of the only place where life flourishes.

This series of photographs is made up of four sets, plus a sample of the author's handwritten field notebooks, drawn from his observations of nature over three decades.

The exhibition is complemented by a book of photographs from the series.

(Text: L'ANGLE, Hendaye)

Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA | Bordeaux
5. April – 6. Oktober 2024

«Arpenter, photographier la Nouvelle-Aquitaine»

André Cepeda, Jean-Luc Chapin, Chloe Dewe Mathews, Maitetxtu Etcheverria, Hicham Gardaf, Noémie Goudal, Tatiana Lecomte, Valérie Mréjen, Bruno Serralongue

Die Ausstellung "Arpenter, photographier la Nouvelle-Aquitaine" ist das Ergebnis eines ehrgeizigen Programms von neun Fotoaufträgen, die an neun Künstler in der Region Nouvelle-Aquitaine vergeben wurden. Das von der Region initiierte und unterstützte Projekt ermöglichte es so vielen Fotografen, sich auf so viele Themen zu konzentrieren, die ihnen zuvor von einem wissenschaftlichen Beirat vorgelegt wurden, dessen Aufgabe es war, ihnen mithilfe einer frei zu interpretierenden Absichtserklärung einige Schlüssel an die Hand zu geben. André Cepeda, Jean-Luc Chapin, Chloe Dewe Mathews, Maitetxtu Etcheverria, Hicham Gardaf, Noémie Goudal, Tatiana Lecomte, Valérie Mréjen und Bruno Serralongue sollten ihre Gedanken und Ansichten über die ländliche Welt, die städtische und stadtnahe Welt, die Migration, die Verkehrswege, die ökologische Situation, die Ungleichgewichte und Schwächen, die Paradoxien, den "Genius des Ortes" oder auch "lernende Gemeinschaften" formulieren.

In der Einleitung schafft die von Jean-Luc Chapin hinterfragte Ländlichkeit einen Dialog mit der städtischen Welt unter dem distanzierten Blick von André Cepeda. Die Fotografien von Tatiana Lecomte erinnern an alte und intime Spuren eines vom Krieg gezeichneten Territoriums, während die Bilder von Hicham Gardaf von einem Weg zeugen, auf dem sich das Wandern entlang der Grenzen zart andeutet. Die Installation von Chloe Dewe Mathews, in der zeitgenössische Folklore und Geschichte miteinander verbunden sind, erkundet den Wald von Les Landes. Noémie Goudal wiederum bietet einen Einblick in eine verklärte Bergwelt, in deren Schichten sich die Zeit geologisch eingeschrieben hat, während Bruno Serralongue in den Alltag menschlicher Gemeinschaften von Sainte-Soline bis Meymac eindringt. Die Diptychen von Maitetxu Etcheverria verbinden Orte und Menschen im Exil oder auf der Flucht, am Rande des Baskenlandes (seiner Heimatregion) und anderswo, während die Porträts und Interviews von Valérie Mréjen versuchen, die Rückseite der Postkarte einer sich verändernden Küste zum Vorschein zu bringen.

Fotografieren/Dokumentieren birgt immer ein Risiko: das Risiko, das Flüchtige einzufrieren, eine dem realen Leben innewohnende Zeitlichkeit und Dynamik stillzustellen. Wenn man den punktuellen Blick auf eine Zeitgenossenschaft überbewertet, verwandelt man sie vor allem in ein Spektakel und nicht in ein Feld für Studien. Dies wäre im Grunde fast eine Bedrohung für die Zukunft, der gegenüber man missbräuchlich eine gegenwärtige Zeit bevorzugt, von der man weiß, dass sie nur in der Zeit ihrer "Vermessung" glaubwürdig ist. So stellen Fotoaufträge, sofern sie nicht ständig erneuert werden, den "Niederschlag" einer Epoche, eines Territoriums dar. Was davon übrig zu bleiben droht, ist ganz einfach der Geschmack des "Es ist gewesen"; nicht weniger als eine Herausforderung.

Ausstellungskurator*innen: Gilles Mora, Claire Jacquet, Émeline Vincent

L’exposition «Arpenter, photographier la Nouvelle-Aquitaine» résulte d’un ambitieux programme de 9 commandes photographiques confiées à 9 artistes en Nouvelle- Aquitaine. Initié et soutenu par la Région, ce projet a permis à autant de photographes de se concentrer sur autant de sujets, soumis préalablement par un conseil scientifique dont le travail a été de leur fournir quelques clés, au travers d’une note d’intention restant à interpréter librement. À charge ensuite pour André Cepeda, Jean-Luc Chapin, Chloe Dewe Mathews, Maitetxtu Etcheverria, Hicham Gardaf, Noémie Goudal, Tatiana Lecomte, Valérie Mréjen, Bruno Serralongue, de formuler leurs réflexions et points de vue sur le monde rural, le monde urbain et péri urbain, les migrations, les itinéraires et voies de communication, la situation écologique, les déséquilibres et fragilités, les paradoxes, le « génie du lieu » ou encore « les communautés apprenantes ».

En introduction, la ruralité questionnée par Jean-Luc Chapin crée un dialogue avec le monde urbain sous le regard distancié d’André Cepeda. Les photographies de Tatiana Lecomte évoquent d’anciennes et intimes traces d’un territoire marqué par la guerre, tandis que les images d’Hicham Gardaf témoignent d’un parcours où la déambulation le long des frontières s’esquisse délicatement. L’installation de Chloe Dewe Mathews, où folklore contemporain et histoire se conjuguent, explore la forêt des Landes. Noémie Goudal, quant à elle, offre une plongée dans une montagne magnifiée dont le temps s’inscrit géologiquement dans ses strates, pendant que Bruno Serralongue s’immisce dans le quotidien de communautés humaines de Sainte-Soline à Meymac. Les diptyques de Maitetxu Etcheverria associent lieux et personnes en situation d’exil ou de déplacement, aux abords du pays basque (sa région natale) et d’ailleurs, tandis que les portraits et entretiens réalisés par Valérie Mréjen tentent de faire jaillir l’envers de la carte postale d’un littoral en mutation.

Photographier / documenter constitue toujours un risque : celui de figer l’éphémère, d’immobiliser une temporalité et une dynamique inhérentes à la vie réelle. En surévaluant la vision ponctuelle d’une contemporanéité, on la transforme surtout en spectacle plutôt qu’en champ d’études. Cela, au fond, serait presque une menace pour le futur, face auquel on privilégie abusivement un temps présent dont on sait qu’il n’est crédible que dans le temps de son «arpentage». Ainsi, les commandes photographiques, à moins d’un constant renouvellement, constituent le « précipité » d’une époque, d’un territoire. Ce qui risque d’en subsister est tout simplement le goût du « ça a été » ; pas moins une gageure.

Commissariat d'exposition: Gilles Mora, Claire Jacquet, Émeline Vincent

La mostra "Arpenter, photographier la Nouvelle-Aquitaine" è il risultato di un ambizioso programma di 9 commissioni fotografiche affidate a 9 artisti della Nuova Aquitania. Avviato e sostenuto dalla Regione, questo progetto ha permesso a tanti fotografi di concentrarsi su altrettanti soggetti, sottoposti preventivamente a un consiglio scientifico che aveva il compito di fornire loro alcune chiavi di lettura, attraverso una nota di intenti lasciata alla libera interpretazione. È toccato quindi ad André Cepeda, Jean-Luc Chapin, Chloe Dewe Mathews, Maitetxtu Etcheverria, Hicham Gardaf, Noémie Goudal, Tatiana Lecomte, Valérie Mréjen e Bruno Serralongue formulare le loro riflessioni e i loro punti di vista sul mondo rurale, sul mondo urbano e periurbano, sulle migrazioni, sulle rotte e sulla comunicazione, sulla situazione ecologica, sugli squilibri e sulle fragilità, sui paradossi, sul "genio del luogo" e sulle "comunità di apprendimento".

Come introduzione, l'esplorazione della ruralità di Jean-Luc Chapin crea un dialogo con il mondo urbano, sotto lo sguardo distante di André Cepeda. Le fotografie di Tatiana Lecomte evocano tracce antiche e intime di un territorio segnato dalla guerra, mentre le immagini di Hicham Gardaf testimoniano un viaggio in cui la passeggiata lungo i confini è delicatamente tratteggiata. L'installazione di Chloe Dewe Mathews, che unisce folklore e storia contemporanea, esplora la foresta delle Landes. Noémie Goudal ci immerge in una montagna ingrandita dove il tempo è geologicamente inscritto nei suoi strati, mentre Bruno Serralongue si immerge nella vita quotidiana delle comunità umane da Sainte-Soline a Meymac. I dittici di Maitetxu Etcheverria riuniscono luoghi e persone in situazioni di esilio o di spostamento, alla periferia dei Paesi Baschi (la sua regione natale) e altrove, mentre i ritratti e le interviste di Valérie Mréjen cercano di far emergere il rovescio della cartolina di una costa in trasformazione.

C'è sempre un rischio nel fotografare/documentare: quello di congelare l'effimero, di immobilizzare la temporalità e le dinamiche insite nella vita reale. Sovrastimando la visione puntuale di un evento contemporaneo, lo trasformiamo in uno spettacolo piuttosto che in un campo di studio. Questa, infatti, è quasi una minaccia per il futuro, di fronte alla quale privilegiamo erroneamente un tempo presente che sappiamo essere credibile solo nel tempo necessario a "sondarlo". In questo modo, se non si rinnovano continuamente, le commissioni fotografiche costituiscono il "precipitato" di un'epoca, di un territorio. Ciò che probabilmente rimarrà è semplicemente il gusto per "come erano le cose"; non di meno una sfida.

Curatori della mostra: Gilles Mora, Claire Jacquet, Émeline Vincent

The "Arpenter, photographier la Nouvelle-Aquitaine" exhibition is the result of an ambitious program of 9 photographic commissions entrusted to 9 artists in New Aquitaine. Initiated and supported by the Region, this project enabled so many photographers to focus on so many subjects, submitted beforehand by a scientific advisory board whose job was to provide them with a few keys, through a note of intent left to be interpreted freely. It was then up to André Cepeda, Jean-Luc Chapin, Chloe Dewe Mathews, Maitetxtu Etcheverria, Hicham Gardaf, Noémie Goudal, Tatiana Lecomte, Valérie Mréjen and Bruno Serralongue to formulate their reflections and points of view on the rural world, the urban and peri-urban world, migration, communication routes and paths, the ecological situation, imbalances and fragilities, paradoxes, the "genius of place" and "learning communities".

As an introduction, Jean-Luc Chapin's questioning of rurality creates a dialogue with the urban world, under the distanced gaze of André Cepeda. Tatiana Lecomte's photographs evoke ancient and intimate traces of a territory marked by war, while Hicham Gardaf's images testify to a journey where a stroll along borders is delicately outlined. Chloe Dewe Mathews' installation, which combines contemporary folklore and history, explores the Landes forest. Noémie Goudal plunges into a magnified mountain where time is geologically inscribed in its strata, while Bruno Serralongue immerses himself in the daily life of human communities from Sainte-Soline to Meymac. Maitetxu Etcheverria's diptychs associate places and people in exile or displacement, on the outskirts of the Basque country (her native region) and elsewhere, while Valérie Mréjen's portraits and interviews attempt to bring out the reverse side of the postcard of a coastline in mutation.

Photographing/documenting always entails a risk: that of freezing the ephemeral, of immobilizing the temporality and dynamics inherent in real life. By overestimating the punctual vision of contemporaneity, we turn it into a spectacle rather than a field of study. This, in fact, is almost a threat to the future, in the face of which we wrongly privilege a present time that we know is only credible in the time it takes to "survey" it. Unless they are constantly renewed, photographic commissions are the "precipitate" of an era, of a territory. What is likely to remain is simply a taste for "what was"; no less a challenge.

Exhibition curators: Gilles Mora, Claire Jacquet, Émeline Vincent

(Text: Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA, Bordeaux)

L'ANGLE Photographies | Hendaye
14. März – 28. April 2024

MOOD
Stéphane Mahé

Stéphane Mahé betreibt eine intime und malerische fotografische Arbeit, die eine innere Reise offenbart, die gleichzeitig außerhalb von Zeit und Raum liegt. Seine 2018 enthüllte Serie Somewhere entfaltet ein traumhaftes und filmisches Universum, in dem das Umherirren wie eine fotografische Suche erscheint.

Heute schlägt Mood ein neues Kapitel auf ... wenn das Reale surreal wird, öffnet es die Tür zu diesem Feldweg, der aus einem Gemälde entsprungen ist, das in der Mitte des Familienwohnzimmers thronte ... und setzt mich in Bewegung, geleitet von meinem Instinkt, auf der Suche nach Emotionen, auf der Suche nach diesen kostbaren Momenten, einzigartig, kurz, flüchtig! Diese volle Verfügbarkeit für das, was mich umgibt, für die Harmonie, definiert sich dann als meine fotografischen Zeiten.

Mood ist ein Zeuge dieser flüchtigen Gelegenheiten und verleiht ihnen einen Hauch von Ewigkeit; Mood als eine universelle Erfahrung, in der Emotionen eine gemeinsame Sprache sind, eine Art Espe-ranto aus zeitlosen, mysteriösen und traumhaften Szenen, die voneinander unabhängig sind und doch zu einem kohärenten Ganzen gehören, das unsere Seelen beruhigt und poetisiert; eine Paren-these, die sich öffnet und wieder schließt und bei jedem neuen Besuch neue Emotionen bietet. Von Somewhere bis Mood...

Stéphane Mahé mène un travail photographique intime et pictural qui révèle un voyage intérieur à la fois hors du temps et de l’espace. Dévoilée en 2018, sa série Somewhere déploie un univers onirique et cinématographique puis-sant où l’errance apparaît comme une quête photographique.

Aujourd’hui, Mood ouvre un nouveau chapitre... quand le réel devient suréel, il ouvre la porte sur ce chemin de terre surgit d’un tableau qui trônait au milieu du salon familial... et me met en mouvement, guidé par l’instinct, en quête d’émotions, à la recherche de ces précieux instants, uniques, brefs, éphémères ! Cette disponibilité pleine et entière à ce qui m’entoure, à l’harmonie, se définissent alors comme mes temps photographiques.

Mood est un témoin de ces opportunités furtives en leur donnant un air d’éternité ; Mood comme une expérience universelle, dans laquelle l’émotion est un langage commun, une sorte d’espe-ranto composé de scènes intemporelles, mystérieuses et oniriques, indépendantes les unes des autres tout en appartenant à un ensemble cohérent qui apaise et poétise nos âmes ; une paren-thèse qui s’ouvre et se referme, offrant à chaque nouvelle visite des émotions renouvelées. From Somewhere to Mood...

Il lavoro fotografico di Stéphane Mahé è al tempo stesso intimo e pittorico, e rivela un viaggio interiore che è al tempo stesso senza tempo e spaziale. Presentata nel 2018, la serie Somewhere dispiega un universo onirico e cinematografico in cui il vagabondaggio appare come una ricerca fotografica.

Oggi, Mood apre un nuovo capitolo... quando il reale diventa surreale, apre la porta su quel sentiero sterrato che emergeva da un quadro appeso al centro del salotto di famiglia... e mi mette in movimento, guidato dall'istinto, alla ricerca di emozioni, alla ricerca di quei preziosi, unici, brevi, effimeri momenti! Questa piena e totale disponibilità all'ambiente circostante, all'armonia, è ciò che definisce il mio tempo fotografico.

Mood come testimone di queste occasioni furtive, dando loro un'aria di eternità; Mood come esperienza universale, in cui l'emozione è un linguaggio comune, una sorta di espe-ranto fatto di scene senza tempo, misteriose e oniriche, indipendenti l'una dall'altra eppure appartenenti a un insieme coerente che rasserena e poetizza la nostra anima; una paren-tesi che si apre e si chiude, offrendo nuove emozioni a ogni nuova visita. Da Somewhere to Mood...

Stéphane Mahé's photographic work is both intimate and painterly, revealing an inner journey that is both timeless and spatial.

Unveiled in 2018, his Somewhere series unfolds a dreamlike, cinematic universe where wandering appears as a photographic quest.

Today, Mood opens a new chapter... when the real becomes surreal, it opens the door onto that dirt track that emerged from a painting that used to hang in the middle of the family living room... and sets me in motion, guided by instinct, in search of emotions, in search of those precious, unique, brief, ephemeral moments! This full and total availability to my surroundings, to harmony, is what defines my photographic time.

Mood is a witness to these furtive opportunities, giving them an air of eternity; Mood as a universal experience, in which emotion is a common language, a kind of espe-ranto made up of timeless, mysterious and dreamlike scenes, independent of one another yet belonging to a coherent whole that soothes and poetises our souls; a paren-thesis that opens and closes, offering renewed emotions with each new visit. From Somewhere to Mood...

La obra fotográfica de Stéphane Mahé es a la vez íntima y pictórica, y revela un viaje interior atemporal y espacial.

Presentada en 2018, su serie Somewhere despliega un universo onírico y cinematográfico donde la errancia aparece como una búsqueda fotográfica.

Hoy, Mood abre un nuevo capítulo... cuando lo real se vuelve surrealista, abre la puerta a ese camino de tierra surgido de un cuadro que colgaba en medio del salón familiar... ¡y me pone en movimiento, guiado por el instinto, en busca de emociones, en busca de esos momentos preciosos, únicos, breves, efímeros! Esta disponibilidad plena y total al entorno, a la armonía, es lo que define mi tiempo fotográfico.

El estado de ánimo es testigo de estas oportunidades furtivas, dándoles un aire de eternidad; el estado de ánimo como experiencia universal, en la que la emoción es un lenguaje común, una especie de espe-ranto formado por escenas atemporales, misteriosas y oníricas, independientes entre sí pero pertenecientes a un todo coherente que alivia y poetiza nuestras almas; una paréntesis que se abre y se cierra, ofreciendo emociones renovadas con cada nueva visita. De Somewhere to Mood...

(Text: L'ANGLE Photographies, Hendaye)

La Villa Pérochon | Niort

4. November 2023 – 17. Februar 2024

Frôlements de l’ombre

Photographies, vidéo et scénographie : Alain Willaume
Musiques : Philippe Poirier
Textes : Gérard Haller, David Chandler, Wajdi Mouawad, Henri Michaux

"Ich bin eher ein Reisender, der manchmal Bilder macht... ein Späher, der sich bestimmte Gebiete zuweist und sie durchstreift, um seine Mitmenschen zu alarmieren oder ihnen einige fruchtbare Träume oder Fragestellungen vorzuschlagen." Alain Willaume

Alain Willaume schöpft aus seinem gesamten rätselhaften Werk, um einen dämmrigen Spaziergang zu schaffen, der von der Atmosphäre der Villa Pérochon inspiriert ist. Er schlägt vor und webt im Halbdunkel und dank der labyrinthischen Räume der Villa eine neue Lesart seines polymorphen Werks. Auf der ersten Ebene befinden sich weite graue Gebiete, die von der Unruhe einer Welt heimgesucht werden, in der noch einige Menschen übrig sind, die zwischen Bedrohung und Andacht schwanken. Die obere Etage ist wie ein gedämpfter Zufluchtsort, der von melancholischen Schatten, knackenden Geräuschen und schlaflosen Träumen bevölkert wird. Er experimentiert viel mit Formen und entwickelt abseits der Strömungen ein Werk aus rätselhaften Bildern, die alle von der Spannung und Verletzlichkeit der Welt und der Menschen erzählen.

"Alain Willaume, ein Fotograf, für den die Fiktion nicht die Kehrseite der Realität ist, sondern eine ihrer Modalitäten, stellt Engagement und Geheimnis nicht gegeneinander, sondern vereint sie im Gegenteil in einer Form, die nicht donnernd sein muss, um wirksam zu sein. Seine wortkargen Bilder öffnen das Denken und das Sprechen /.... / Autor eines radikalen, unruhigen, aber für die Möglichkeit des Erwachens, der Frische der Epiphanien offenen Werks, verwendet Alain Willaume das Medium der Fotografie wie die Wünschelrutengänger ihren Stock oder ihr Pendel, um unter der Konformität der Erscheinungen Verwerfungslinien, schwindelerregende Abgründe zu entdecken, die plötzlich die Gesichter wie den Sinn aller Dinge erfassen." Fabien Ribery

Seit vielen Jahren untermauern die komplexen und konfliktreichen Beziehungen, die der Mensch mit seiner Umwelt eingeht, die Arbeit von Alain Willaume. Als Echo auf die universell gewordene Verwirrung dienen Staub, Zweifel oder "Nebelwände" oft als visuelle Metaphern in den Werken des Fotografen. Seine Bilder scheinen aus den Verwirrungen von Zeit und Raum hervorzugehen und zeugen von seiner Vorliebe für diese Grauzone, die Fragen zulässt, die das Wissen nicht behindern, sondern im Gegenteil erweitern. Seine paradoxen, nicht klassifizierbaren und vielfältigen Arbeiten verleihen der Spannung und Instabilität der Umgebung eine Form und warnen vor dem Zustand der Landschaften, die gleichzeitig mächtig und in der Schwebe sind, sowie vor dem Verhalten des Menschen, der ebenso bedrohlich wie verletzlich ist. Alain Willaumes Werk, das sich zweifelnd an die Realität anlehnt und weit entfernt von jeglicher dokumentarischer Vorstellung ist, ist wild, von Zufällen, Zweifeln und Notwendigkeit geprägt und bewegt sich in Rätseln. Seine unruhigen Bilder zeichnen eine persönliche und zeitgenössische Kartografie des Zustands der Welt. Willaume bewegt sich an der Schnittstelle zwischen Offenbarung und Nichts, zwischen dem Sichtbaren und dem Schwarzen Loch. Seine Vorstellungskraft erweitert das Territorium dessen, was "Dokumentarfilm" bedeutet: eine Lektion in Ehrlichkeit, die uns zur Wachsamkeit auffordert und uns in einer unruhigen, auf das Wesentliche zielenden Entblößung von der Bedrängnis und Zerbrechlichkeit der Menschen und des Planeten Erde erzählt.

« Je suis plutôt un voyageur qui, parfois, fait des images… un guetteur qui s’assigne certains territoires et les arpente pour alarmer ses semblables ou leur proposer quelques songes ou questionnements fertiles. » Alain Willaume

Alain Willaume puise dans l’ensemble de son oeuvre énigmatique pour créer une déambulation crépusculaire inspirée par l’atmosphère de la Villa Pérochon. Il propose et tisse dans la pénombre et grâce aux espaces labyrinthiques de la Villa une nouvelle lecture de son oeuvre polymorphe. Au premier niveau, de vastes territoires gris hantés par l’inquiétude d’un monde où quelques humains demeurent encore, oscillant entre menace et recueillement. L’étage supérieur, lui, se vit comme un refuge feutré peuplé d’ombres mélancoliques, de craquements et de rêves insomniaques. Farouche expérimentateur de formes, il développe, à l’écart des courants, une oeuvre faite d’images énigmatiques qui, toutes, racontent la tension et la vulnérabilité du monde et des humains.

« Photographe pour qui la fiction n’est pas l’envers de la réalité mais une de ses modalités, Alain Willaume n’oppose pas engagement et mystère, mais les unit au contraire dans une forme n’ayant nul besoin d’être tonitruante pour être efficace. Ses images taciturnes ouvrent la pensée et la parole /.... / Auteur d’une oeuvre radicale, inquiète, mais ouverte sur la possibilité de l’éveil, de la fraîcheur des épiphanies, Alain Willaume utilise le médium photographique comme les sourciers leur bâton ou leur pendule, afin de déceler sous la conformité des apparences des lignes de failles, des gouffres vertigineux happant soudain les visages comme le sens de toute chose. » Fabien Ribery

Depuis de nombreuses années, les relations complexes et conflictuelles que l’homme entretient avec son environnement sous-tendent le travail d’Alain Willaume. En écho à la confusion devenue universelle, poussières, doutes ou « écrans de fumée » font souvent office de métaphores visuelles dans l’œuvre du photographe. Ses images semblent surgir des brouillages du temps et de l’espace et témoignent de son attirance pour cette zone grise propice au questionnement qui n’entrave pas la connaissance mais au contraire l’élargit. Paradoxal, inclassable, multiple, son travail donne une forme à la tension et à l’instabilité environnantes et alerte sur la condition des paysages, à la fois puissants et en sursis, ainsi que sur le comportement de l’homme, aussi menaçant que vulnérable. S’adossant dubitativement au réel et loin de toute notion documentaire, l’œuvre d’Alain Willaume, farouche, semée d’accidents, de doute et de nécessité progresse par énigmes. Ses images intranquilles dessinent une cartographie personnelle et contemporaine de l’état du monde. Willaume chemine à la jonction de la révélation et du néant, du visible et du trou noir. Son imaginaire étend le territoire de ce que signifie le « documentaire » : une leçon d’honnêteté qui nous invite à la vigilance et nous raconte, dans un dépouillement inquiet tendant à l’essentiel, le harassement et la fragilité des humains et de la planète Terre.

"Sono più un viaggiatore che a volte crea immagini... un osservatore che si assegna certi territori e li sorveglia per allarmare i suoi simili o offrire loro qualche sogno o interrogativo fertile". Alain Willaume

Alain Willaume attinge a tutta la sua opera enigmatica per creare una passeggiata crepuscolare ispirata all'atmosfera di Villa Pérochon. Nella penombra e negli spazi labirintici della Villa, l'artista propone e intreccia una nuova lettura della sua opera polimorfa. Al primo livello, vasti territori grigi infestati dall'inquietudine di un mondo in cui rimangono ancora pochi esseri umani, che oscillano tra minaccia e contemplazione. Il piano superiore, invece, è come un rifugio silenzioso popolato da ombre malinconiche, rumori scricchiolanti e sogni insonni. Sperimentatore accanito della forma, ha sviluppato, lontano dal mainstream, un corpo di lavoro fatto di immagini enigmatiche che raccontano tutte la tensione e la vulnerabilità del mondo e degli esseri umani.

"Fotografo per il quale la finzione non è il contrario della realtà ma una delle sue modalità, Alain Willaume non si oppone all'impegno e al mistero, ma al contrario li unisce in una forma che non ha bisogno di essere rumorosa per essere efficace. Le sue immagini taciturne aprono il pensiero e la parola /.... / Autore di un'opera radicale e inquieta, aperta alla possibilità del risveglio e alla freschezza delle epifanie, Alain Willaume usa il mezzo fotografico come i rabdomanti usano i loro bastoni o i loro pendoli, per individuare linee di faglia e abissi vertiginosi sotto la conformità delle apparenze, catturando improvvisamente i volti come il senso di ogni cosa. Fabien Ribery

Da molti anni il lavoro di Alain Willaume si basa sulle relazioni complesse e conflittuali tra l'uomo e il suo ambiente. Facendo eco alla confusione che è diventata universale, polvere, dubbi e "cortine fumogene" fungono spesso da metafore visive nel lavoro del fotografo. Le sue immagini sembrano emergere dal confondersi del tempo e dello spazio, testimoniando la sua attrazione per questa zona grigia che incoraggia la domanda e non ostacola la conoscenza ma, al contrario, la amplia. Paradossale, inclassificabile e sfaccettato, il suo lavoro dà forma alla tensione e all'instabilità dell'ambiente, mettendoci in guardia sulla condizione dei paesaggi, potenti e in scadenza, e sul comportamento dell'uomo, minaccioso e vulnerabile. In dubbio con la realtà e lontano da qualsiasi nozione di documentario, il lavoro di Alain Willaume è feroce, disseminato di incidenti, dubbi e necessità, e procede per enigmi. Le sue immagini intricate tracciano una cartografia personale e contemporanea dello stato del mondo. Willaume cammina sul confine tra la rivelazione e il nulla, tra il visibile e il buco nero. La sua immaginazione estende il territorio del significato di "documentario": una lezione di onestà che ci invita a essere vigili e ci racconta, in un'inquieta riduzione all'essenziale, la stanchezza e la fragilità degli esseri umani e del pianeta Terra.

"I'm more of a traveler who sometimes makes images... a watcher who assigns himself certain territories and surveys them to alarm his fellow human beings or offer them some fertile dreams or questioning." Alain Willaume

Alain Willaume draws on his enigmatic body of work to create a twilight stroll inspired by the atmosphere of the Villa Pérochon. In the half-light and labyrinthine spaces of the Villa, he proposes and weaves a new reading of his polymorphous work. On the first level, vast grey territories haunted by the anxiety of a world where a few humans still remain, oscillating between threat and contemplation. The upper floor, on the other hand, is a hushed refuge populated by melancholy shadows, creaking noises and sleepless dreams. A fierce experimenter with form, he has developed a body of work made up of enigmatic images that tell of the tension and vulnerability of the world and of human beings.

"A photographer for whom fiction is not the reverse of reality, but one of its modalities, Alain Willaume does not oppose commitment and mystery, but rather unites them in a form that does not need to be loud to be effective. His taciturn images open up thought and speech /.... / Author of a radical, restless body of work, yet open to the possibility of awakening, of the freshness of epiphanies, Alain Willaume uses the photographic medium like dowsers use their sticks or pendulums, to detect fault lines beneath the conformity of appearances, vertiginous chasms suddenly snatching up faces like the meaning of everything." Fabien Ribery

For many years, Alain Willaume's work has been underpinned by the complex and conflicting relationships between man and his environment. Echoing the confusion that has become universal, dust, doubts and "smoke screens" often act as visual metaphors in the photographer's work. His images seem to emerge from the blurring of time and space, testifying to his attraction to this grey zone conducive to questioning, which doesn't impede knowledge but, on the contrary, broadens it. Paradoxical, unclassifiable, multifaceted, his work gives form to the tension and instability of the environment, and alerts us to the condition of landscapes, both powerful and on borrowed time, and to human behavior, both threatening and vulnerable. Leaning dubiously against reality and far removed from any notion of documentary, Alain Willaume's fierce work, strewn with accidents, doubt and necessity, progresses by enigma. His intranquil images sketch a personal, contemporary cartography of the state of the world. Willaume walks the line between revelation and nothingness, the visible and the black hole. His imagination expands the territory of what "documentary" means: a lesson in honesty that invites us to be vigilant and tells us, in a restless stripping down to essentials, about the weariness and fragility of humans and planet Earth.

(Text: La Villa Pérochon, Niort)

L’ANGLE | Hendaye
5. Oktober – 12. November 2023

être femme...
Maud Wallet

Frau sein ... Ein sensibler Korpus, der aus drei stimmungsvollen Fotoserien hervorgegangen ist.

Subtil jede Rundung und jeden Schatten betonen, die Kurven und Rundungen hervorheben. Die Fragmentierung der Körper zwingt dazu, sich auf diese so verhassten Fettpölsterchen zu konzentrieren und darin eine sinnliche Weiblichkeit, eine Sinnlichkeit ohne Umwege und Vorurteile zu entdecken. Die Bilder der Serie π (Pi) transzendieren die übliche Darstellung des weiblichen Körpers. Ihre Expressivität präsentiert sich unserem mehr oder weniger formatierten Blick auf irrationale Weise. Linien, Kurven und Farbnuancen werden so von der Fotografin an der Grenze zur Abstraktion enthüllt und öffnen den Blick auf neue Landschaften.

Consomption - Augenblicke einer Frau, die sich halbwegs enthüllt. In einer zögerlichen und sinnlichen Entblößung sprechen Frau und Flamme einander an und vermischen sich. Aus diesen Bildern entsteht das Geheimnis eines fragmentierten, glühenden und schamhaften Wesens. Ständig zwischen Verbrennung und Rückzug schwankend, wird der Körper zum Intimsten. Mit Inbrunst existieren, beobachten und zu sehen geben, immer auf eine Chimäre hoffen, sich manchmal darin verlieren, sich vielleicht darin offenbaren. Und wenn Leben bedeutet, mit dem Feuer zu spielen und am Rande des Abgrunds zu tanzen? -Véronique Lauret

L'heure bleue - Es ist dieser kleine Moment vor dem Sonnenuntergang. Ein Licht, das jedes Detail sublimiert, unseren Alltagsgegenständen einen gewissen Zauber einhaucht... Aber es kündigt auch das Schwinden des Tages an, das Vorrücken in die Tiefe der Nacht, das Ende einer Zeit, die uns geschenkt wurde. Frau sein kurz vor dem 50. Lebensjahr - eine Mischung aus Zweifel und Unbeschwertheit. Analysiert, katalogisiert, klassifiziert - jede Emotion wird hier mit Neugier und Aufrichtigkeit inventarisiert.

être femme... Un corpus sensible issu de 3 séries de photographies évocatrices.

Souligner subtilement chaque arrondi et chaque ombre, mettre en valeur les courbes, les rondeurs. La fragmentation des corps oblige à se concentrer sur ces bourrelets tant détestés et à y découvrir une féminité voluptueuse, une sensualité sans détours ni a priori. Les images de la série π (Pi) transcendent la représentation habituelle du corps féminin. Leur expressivité se présente de manière irrationnelle à notre regard plus ou moins formaté. Lignes, courbes et nuances de teintes sont ainsi révélées par la photographe, à la frontière de l’abstraction, ouvrant lecture à des paysages inédits.

Consomption - Instants de femme qui se dévoile, à demi-mots. Dans une mise à nu hésitante et sensuelle, femme et flamme s’interpellent et se mêlent. De ces images naît le mystère d’un être fragmenté, incandescent et pudique. Oscillant sans cesse entre combustion et repli, le corps se fait extime. Exister avec ardeur, observer et donner à voir, espérer toujours la chimère, s’y perdre parfois, s’y révéler peut-être. Et si vivre, c’était accepter de jouer avec le feu, de danser au bord de l’abîme ? -Véronique Lauret

L’heure bleue - C’est ce petit moment qui précède le coucher du soleil. Une lumière qui sublime chaque détail, insuffle une certaine magie sur nos objets quotidiens… Mais elle annonce aussi la déclinaison du jour, l’avancée vers la profondeur de la nuit, la fin d’un temps qui nous était offert. Être femme à la veille de la cinquantaine, un mélange de doute et d’insouciance. Analysée, cataloguée, classée, chaque émotion est inventoriée ici avec curiosité et sincérité.

essere donna... Un corpo di lavoro sensibile basato su 3 serie di fotografie evocative.

Sottolineando ogni curva e ombra, evidenziando curve e pienezze. La frammentazione del corpo ci costringe a concentrarci su questi rigonfiamenti tanto odiati e a scoprire una femminilità voluttuosa, una sensualità senza deviazioni o preconcetti. Le immagini della serie π (Pi) trascendono la rappresentazione abituale del corpo femminile. La loro espressività si presenta in modo irrazionale al nostro sguardo più o meno formattato. Linee, curve e sfumature di colore sono rivelate dal fotografo, al limite dell'astrazione, aprendo nuovi paesaggi.

Consomption - Momenti di una donna che si rivela, in toni sommessi. In un'esposizione esitante e sensuale, la donna e la fiamma si chiamano a vicenda e si mescolano. Queste immagini rivelano il mistero di un essere frammentato, incandescente e discreto. Oscillando costantemente tra combustione e ritiro, il corpo diventa intimo. Esistere con ardore, osservare e mostrare, sperare sempre nella chimera, a volte perdersi in essa, forse rivelarsi in essa. E se vivere significasse accettare di giocare con il fuoco, di danzare sull'orlo dell'abisso? -Véronique Lauret

L'heure bleue - È quel piccolo momento prima del tramonto. Una luce che sublima ogni dettaglio, che infonde una certa magia ai nostri oggetti quotidiani... Ma che annuncia anche il declino della luce del giorno, l'avanzare nel profondo della notte, la fine di un tempo che ci era stato offerto. Essere una donna alla vigilia della mezza età, un misto di dubbio e di insensibilità. Analizzata, catalogata, classificata, ogni emozione è qui inventariata con curiosità e sincerità.

Being a woman... A sensitive corpus of 3 evocative photographic series.

Subtly emphasizing every curve and shadow, highlighting curves and curves. The fragmentation of bodies forces us to focus on these much-hated bulges and discover in them a voluptuous femininity, a sensuality without detours or preconceptions. The images in the π (Pi) series transcend the usual representation of the female body. Their expressiveness presents itself irrationally to our more or less formatted gaze. Lines, curves and shades of color are thus revealed by the photographer, bordering on abstraction, opening the way to unprecedented landscapes.

Consomption - Instants de femme qui se dévoile, à demi-mots. In a hesitant, sensual exposure, woman and flame call out to each other and mingle. From these images emerge the mystery of a fragmented being, incandescent and modest. Constantly oscillating between combustion and withdrawal, the body becomes extimate. Existing with ardor, observing and showing, always hoping for the chimera, sometimes losing oneself in it, perhaps revealing oneself in it. What if living meant accepting to play with fire, to dance on the edge of the abyss? -Véronique Lauret

L'heure bleue - It's that little moment before sunset. A light that sublimates every detail, imbuing our everyday objects with a certain magic... But it also heralds the decline of daylight, the advance into the depths of night, the end of a time that was offered to us. Being a woman on the eve of middle age, a mixture of doubt and insouciance. Analyzed, catalogued, classified, every emotion is inventoried here with curiosity and sincerity.

(Text: L’ANGLE | Hendaye)

L'ANGLE | Hendaye
24. August - 1. Oktober 2023

Après l’été
Roberto Badin

"Wenn man mit Blick auf das Meer aufgewachsen ist, verlässt einen das ozeanische Gefühl nie. Was mich am meisten beeindruckt hat, als ich mich an der baskischen Küste niederließ, waren das Licht und die Veränderungen der Atmosphäre, die sich in der Nebensaison noch stärker bemerkbar machen. Diese Zeit, in der sich die Region von ihren Saisonarbeitern leert und die Stimmung, wie in jeder Baderegion, heiterer und freundlicher wird. Die Emotionen, die dabei entstehen, sind so stark, dass ich das Bedürfnis verspürt habe, sie in Bildern festzuhalten. Ich ziehe die Banalität des Alltags der journalistischen Reportage einer aufgezwungenen Situation vor. Die surreale Atmosphäre der entleerten Städte während der ersten Eindämmung im Jahr 2020 erzeugte einen falschen Eindruck, der mich davon abhielt, weiter zu fotografieren. Das wäre ein anderer Ansatz gewesen, sogar ein anderes Thema. Also beschloss ich, zu warten, bis das Leben wieder seinen normalen Lauf nahm, damit das Projekt wieder auftauchen konnte. Im Gegensatz zu einer Reise, bei der wir mit unverbrauchten Augen an einem Ort ankommen, ist es eine Herausforderung, die Straßen um das eigene Haus herum zu durchstreifen. Wenn man täglich mit denselben Details und Stimmungen konfrontiert wird, könnte alles fast zu banal erscheinen, um den Blick auf sich zu ziehen. Genau diese Herausforderung hat mich gereizt; die Einfachheit der Dinge, die faszinierende Ästhetik des alltäglichen Gewöhnlichen. Meine Erkundung fand ausschließlich zu Fuß statt, über einen bestimmten Zeitraum hinweg, und ich bemerkte, dass ich nie einen Radius von 4 km* um mein Haus herum überschritten habe. Diese Strecke wurde zu einer Reise mit imaginären Grenzen, wobei ich bei meinen Spaziergängen der Intuition und dem Zufall freien Lauf ließ. Meine Absicht war es, einen Raum so zu zähmen, dass ich seine Identität herausfiltern konnte; eine Art Kartografie, bei der Licht und Emotionen meine einzigen Führer waren. Ohne es zu merken, polarisierte ich meine ewigen Inspirationsquellen: Architektur, Film und Literatur; ich denke insbesondere an das, was Georges Perec "das Infra-Alltägliche" nannte. Das Entdecken bestimmter Haltungen der Figuren innerhalb der Bilder wurde zu einem täglichen Vergnügen, wenn ich von jedem Aufnahmetag nach Hause kam.

APRÈS L'Été ist ein Projekt, dessen Ziel nicht darin besteht, die Leere zu zeigen, sondern vielmehr das, was sich um sie herum und in ihr befindet. Es geht darum, einen Ausschnitt der Realität zu beobachten, so wie ich sie sehe und empfinde, ohne den Ehrgeiz, eine andere Geschichte zu erzählen als die, die sich jeder beim Betrachten der Fotos machen kann. Was man wirklich sieht und was man mit der Zeit entdeckt, einfach durch genaueres Hinsehen".

« Quand on a grandi face à la mer, le sentiment océanique ne nous quitte jamais. Ce qui m’a le plus marqué lorsque je me suis installé sur la Côte Basque c’est la lumière et les changements d’atmosphère, qui se révèlent être encore plus forts hors saison. Ce moment où la région se vide de ses saisonniers et, comme pour toute région balnéaire, l’ambiance devient plus sereine et conviviale. L’émotion qui s’en dégage est tellement puissante que j’ai ressenti le besoin de la retranscrire en images. Je préfère la banalité du quotidien au reportage journalistique d’une situation imposée. L’ambiance surréaliste des villes vidées de leurs habitants lors du premier confinement en 2020 provoquait une fausse impression qui m’a empêché de continuer à photographier. Cela aurait été une autre approche, un autre sujet même. Alors, j’ai décidé d’attendre que la vie reprenne son cours normal pour que le projet puisse refaire surface. Contrairement à un voyage, où nous arrivons dans un endroit avec un regard vierge ; arpenter les rues autour de chez soi devient un défi. Se confronter quotidiennement aux mêmes détails et aux mêmes ambiances, tout pourrait paraître presque trop banal pour attirer le regard. C’est justement ce challenge qui m’a séduit ; la simplicité des choses, la fascinante esthétique de l’ordinaire de tous les jours. Mon exploration s’est faite uniquement à pied, pendant une période déterminée, et j’ai remarqué ne jamais dépasser un rayon de 4km* autour de chez moi. Ce parcours est devenu un voyage avec des frontières imaginaires, laissant libre cours aux intuitions et au hasard au fur et à mesure de mes promenades. Plutôt que l’exercice du témoignage, mon intention était d’apprivoiser un espace de façon à en extraire son identité; une sorte de cartographie dont la lumière et l’émotion ont été mes seuls guides. Sans m’en rendre compte, j’ai polarisé mes éternelles sources d’inspiration : l’architecture, le cinéma et la littérature ; je pense notamment à ce que Georges Perec appelait “l’infra-ordinaire”. Découvrir certaines attitudes des personnages à l’intérieur des images était devenu un plaisir quotidien en rentrant de chaque journée de prise de vues.

APRÈS L’ÉTÉ est un projet dont l’objectif n’est pas de montrer le vide, mais plutôt ce qu’il y a autour et à l’intérieur. Il s’agit d’observer un fragment de la réalité telle que je la vois et que je la ressens, sans l’ambition de raconter une autre histoire que celle que chacun peut se faire en regardant les photos. Ce qu’on voit réellement et qu’on découvre avec le temps, simplement, en observant de plus près. »

"Quando si cresce in riva al mare, la sensazione oceanica non ti abbandona mai. Ciò che mi ha colpito di più quando mi sono trasferita sulla Costa Basca è stata la luce e i cambiamenti di atmosfera, che sono ancora più marcati fuori stagione. Quel momento in cui la regione si svuota dei suoi lavoratori stagionali e, come in ogni regione di mare, l'atmosfera diventa più serena e amichevole. L'emozione che emerge è così forte che ho sentito il bisogno di catturarla in immagini. Preferisco la banalità della vita quotidiana al reportage giornalistico di una situazione imposta. L'atmosfera surreale delle città svuotate dei loro abitanti durante il primo confino nel 2020 ha creato una falsa impressione che mi ha impedito di continuare a fotografare. Sarebbe stato un approccio diverso, persino un soggetto diverso. Così ho deciso di aspettare che la vita tornasse alla normalità per far riemergere il progetto. A differenza di un viaggio, dove si arriva in un luogo con una tabula rasa, camminare per le strade intorno a casa diventa una sfida. Trovandosi quotidianamente di fronte agli stessi dettagli e alla stessa atmosfera, tutto può sembrare quasi troppo banale per catturare l'attenzione. È proprio questa sfida che mi ha attratto: la semplicità delle cose, l'estetica affascinante dell'ordinario quotidiano. La mia esplorazione si è svolta esclusivamente a piedi, in un periodo di tempo prestabilito, e ho notato che non andavo mai oltre un raggio di 4 km* intorno a casa mia. Questo percorso è diventato un viaggio dai confini immaginari, dando libero sfogo all'intuizione e al caso. Più che un esercizio di testimonianza, la mia intenzione era quella di addomesticare uno spazio in modo da estrarne l'identità; una sorta di cartografia in cui la luce e l'emozione erano le mie uniche guide. Senza rendermene conto, ho polarizzato le mie eterne fonti di ispirazione: l'architettura, il cinema e la letteratura; penso in particolare a ciò che Georges Perec chiamava "l'infra-ordinario". Scoprire certi atteggiamenti dei personaggi all'interno delle immagini è diventato un piacere quotidiano al ritorno da ogni giornata di riprese.

APRÈS L'ÉTÉ è un progetto il cui obiettivo non è mostrare il vuoto, ma piuttosto ciò che c'è intorno e dentro di esso. Si tratta di osservare un frammento di realtà così come lo vedo e lo sento, senza l'ambizione di raccontare una storia diversa da quella che ognuno può inventarsi guardando le foto. Ciò che realmente vediamo e scopriamo nel tempo, semplicemente osservando più da vicino.

"When you grow up by the sea, the oceanic feeling never leaves you. What struck me most when I moved to the Basque Coast was the light and the changes in atmosphere, which are even more pronounced out of season. That moment when the region is emptied of its seasonal workers and, as with any seaside region, the atmosphere becomes more serene and friendly. The emotion that emerges is so powerful that I felt the need to capture it in images. I prefer the banality of everyday life to journalistic reporting of an imposed situation. The surreal atmosphere of the towns emptied of their inhabitants during the first confinement in 2020 created a false impression that prevented me from continuing to photograph. It would have been a different approach, a different subject even. So I decided to wait for life to return to normal so that the project could resurface. Unlike travelling, where you arrive in a new place with a fresh pair of eyes, walking the streets around your home becomes a challenge. Confronted daily with the same details and the same atmosphere, everything could seem almost too banal to catch the eye. It's precisely this challenge that appealed to me: the simplicity of things, the fascinating aesthetics of the ordinary everyday. My exploration took place solely on foot, over a set period of time, and I noticed that I never went beyond a 4km* radius around my home. This route became a journey with imaginary boundaries, giving free rein to intuition and chance as I went along. Rather than the exercise of bearing witness, my intention was to tame a space in such a way as to extract its identity; a kind of cartography in which light and emotion were my only guides. Without realising it, I polarised my eternal sources of inspiration: architecture, cinema and literature; I'm thinking in particular of what Georges Perec called 'the infra-ordinary'. Discovering certain attitudes of the characters inside the images became a daily pleasure on returning from each day's shooting.

AFTER SUMMER is a project whose aim is not to show emptiness, but rather what is around and inside. It's about observing a fragment of reality as I see it and feel it, without the ambition of telling a story other than the one that everyone can tell themselves by looking at the photos. What we really see and discover over time, simply by taking a closer look.

"Cuando creces junto al mar, la sensación oceánica nunca te abandona. Lo que más me impresionó cuando me trasladé a la Costa Vasca fue la luz y los cambios de atmósfera, que son aún más pronunciados fuera de temporada. Ese momento en que la región se vacía de sus temporeros y, como en cualquier región costera, el ambiente se vuelve más sereno y acogedor. La emoción que emerge es tan poderosa que sentí la necesidad de plasmarla en imágenes. Prefiero la banalidad de la vida cotidiana al reportaje periodístico de una situación impuesta. La atmósfera surrealista de las ciudades vaciadas de sus habitantes durante el primer confinamiento en 2020 creó una falsa impresión que me impidió seguir fotografiando. Habría sido otro enfoque, otro tema incluso. Así que decidí esperar a que la vida volviera a la normalidad para que el proyecto pudiera resurgir. A diferencia de los viajes, en los que llegamos a un lugar con la mente en blanco, pasear por las calles de tu casa se convierte en todo un reto. Enfrentado a diario con los mismos detalles y el mismo ambiente, todo puede parecer demasiado banal para llamar la atención. Es precisamente este reto lo que me atraía: la sencillez de las cosas, la fascinante estética de lo cotidiano. Mi exploración se realizó únicamente a pie, durante un periodo de tiempo determinado, y me di cuenta de que nunca iba más allá de un radio de 4 km* alrededor de mi casa. Esta ruta se convirtió en un viaje con límites imaginarios, dando rienda suelta a la intuición y al azar a medida que avanzaba. Más que el ejercicio de testimoniar, mi intención era domesticar un espacio para extraer su identidad; una especie de cartografía en la que la luz y la emoción eran mis únicas guías. Sin darme cuenta, polaricé mis eternas fuentes de inspiración: la arquitectura, el cine y la literatura; pienso en particular en lo que Georges Perec llamaba "lo infraordinario". Descubrir ciertas actitudes de los personajes dentro de las imágenes se convirtió en un placer diario al volver de cada jornada de rodaje.

AFTER SUMMER es un proyecto cuyo objetivo no es mostrar el vacío, sino lo que hay alrededor y dentro. Se trata de observar un fragmento de la realidad tal y como yo la veo y la siento, sin la ambición de contar una historia distinta de la que cada uno puede contarse mirando las fotos. Lo que realmente vemos y descubrimos con el tiempo, simplemente mirando más de cerca.

(Text: Roberto Badin)

L'ANGLE | Hendaye
29. Juni - 30. Juli 2023

Instants de recueillement
Jean-Louis Marçot

Im Rahmen der Gedenkfeiern zum 100. Todestag von Pierre Loti in Hendaye präsentiert L'ANGLE Instants de recueillement, eine Fotoausstellung auf den baskischen Spuren des Schriftstellers, Reisenden und Fotografen von Jean-Louis Marçot, der selbst Fotograf und Autor ist und sie wie folgt vorstellt:

"In einem seltenen Augenblick wird der Schriftsteller, der sich von der Terrasse seines Hauses am Bidassoa aus vor der Landschaft sammelt, von einer Art Offenbarung ergriffen. Zum ersten Mal hat er das Gefühl, sich in einem besonderen Land mit einer "Seele" - ihm fehlen die Worte - zu befinden, einem "je ne sais quoi à part", wie er sagt.

Ausgestattet mit einer einfachen Schachtel mit einem Loch, einem Verschluss, der auf eine 60stel Sekunde eingestellt war, und einem Film versuchte ich, meine Schritte und Augen in die von Loti zu setzen, um ohne Gewalt oder Eile die Poesie dieses "je ne sais quoi à part" einzufangen.

An dem Tag, an dem wir von Fluten schneller, greller und retuschierter Bilder verschlungen werden, die das Sichtbare durcheinanderwirbeln und die Zukunft verschleiern, auf die wir tapfer zugehen, sollten wir uns die Zeit nehmen, ohne weit von zu Hause wegzugehen, um zur Schönheit - der Welt, der Dinge, der Wesen, der Situationen - zurückzukehren und uns vor diesem Schauspiel zu sammeln."

Dans le cadre des commémorations du centenaire de la mort de Pierre Loti à Hendaye, L'ANGLE présente Instants de recueillement, une exposition de photographies sur les traces basques de l’écrivain-voyageur-photographe, par Jean-Louis Marçot, photographe et auteur lui-même, et qui la dévoile ainsi :

« Instants de recueillement, c’est, mis au pluriel, le titre que Loti donne à une note de son Journal du 21 novembre 1892 - En un instant rare, l’écrivain, recueilli devant le paysage qui s’offre à lui depuis la terrasse de sa maison sur la Bidassoa, est saisi d’une sorte de révélation. Il a, pour la première fois, le sentiment d’être dans un pays particulier doté d’une « âme » - les mots lui manquent - un « je ne sais quoi à part », dit-il.

Muni d’une simple boite avec un trou, un obturateur réglé sur le 60e de seconde et une pellicule, mettant mes pas et mes yeux dans ceux de Loti, je me suis essayé à capter, sans violence ni précipitation, la poésie de ce « je ne sais quoi à part ».

Au jour où nous sommes engloutis par des flots d’images rapides, tapageuses et retouchées, qui font tourbillonner le visible et masquent l’avenir vers lequel nous marchons vaille que vaille, prenons le temps, sans aller bien loin de chez soi, de revenir à la beauté – du monde, des choses, des êtres, des situations –, et de nous recueillir devant ce spectacle. »

Nell'ambito della commemorazione del centenario della morte di Pierre Loti a Hendaye, L'ANGLE presenta Instants de recueillement, una mostra di fotografie sulle orme basche dello scrittore-viaggiatore-fotografo, a cura di Jean-Louis Marçot, fotografo e autore stesso:

Instants de recueillement" è il titolo plurale dato da Loti a una nota del suo Diario del 21 novembre 1892. In un raro momento, lo scrittore, guardando il paesaggio dalla terrazza della sua casa sul Bidasoa, fu colto da una specie di rivelazione. Per la prima volta ebbe la sensazione di trovarsi in un Paese speciale con un'"anima" - le parole gli mancano - un "je ne sais quoi à part", dice.

Armato di una semplice scatola con un buco, di un otturatore regolato al 60° di secondo e di un rullino, e mettendo i miei passi e i miei occhi in quelli di Loti, ho cercato di catturare, senza violenza né fretta, la poesia di questo "je ne sais quoi à part".

In un momento in cui siamo inghiottiti da una marea di immagini veloci, appariscenti, ritoccate, che fanno vorticare il visibile e mascherano il futuro verso cui tendiamo, prendiamoci il tempo, senza andare lontano da casa, di tornare alla bellezza - del mondo, delle cose, degli esseri, delle situazioni - e di riflettere su questo spettacolo".

As part of the commemoration of the centenary of Pierre Loti's death in Hendaye, L'ANGLE is presenting Instants de recueillement, an exhibition of photographs in the footsteps of the writer, by Jean-Louis Marçot, the author himself:

"Instants de recueillement" is the plural title given by Loti to a note in his Diary dated 21 November 1892. In a rare moment, the writer was seized by a kind of revelation as he gazed out over the landscape from the terrace of his house on the Bidasoa. For the first time, he had the feeling that he was in a special country with a "soul" - words fail him - a "je ne sais quoi à part", he says.

Armed with a simple box with a hole in it, a shutter set to 60th of a second and a roll of film, and putting my steps and my eyes in those of Loti, I tried to capture, without violence or haste, the poetry of this "je ne sais quoi à part".

At a time when we are being swallowed up by fast-moving, flashy, retouched images that make the visible swirl and mask the future towards which we are striving, let's take the time, without going far from home, to return to the beauty - of the world, of things, of beings, of situations - and to reflect on this spectacle".

En el marco de la conmemoración del centenario de la muerte de Pierre Loti en Hendaya, L'ANGLE presenta Instants de recueillement, una exposición de fotografías sobre las huellas del escritor, realizada por Jean-Louis Marçot, el propio autor:

"Instants de recueillement" es el título plural dado por Loti a una nota de su Diario fechada el 21 de noviembre de 1892. En un momento excepcional, el escritor fue presa de una especie de revelación mientras contemplaba el paisaje desde la terraza de su casa en el Bidasoa. Por primera vez, tuvo la sensación de encontrarse en un país especial, con un "alma" -le faltan las palabras-, un "je ne sais quoi à part", dice.

Armado con una simple caja agujereada, un obturador a 60 segundos y un rollo de película, y poniendo mis pasos y mis ojos en los de Loti, intenté captar, sin violencia ni prisas, la poesía de este "je ne sais quoi à part".

En un momento en el que nos vemos engullidos por imágenes rápidas, llamativas, retocadas, que hacen girar lo visible y enmascaran el futuro hacia el que luchamos, tomémonos el tiempo, sin alejarnos de casa, de volver a la belleza -del mundo, de las cosas, de los seres, de las situaciones- y de reflexionar sobre este espectáculo".

(Text: Jean-Louis Marçot)

L'Angle photographies | Hendaye
11. Mai - 25. Juni 2023

ÆNCRAGES
Patxi Laskarai

Indem sie das im Sichtbaren Verborgene enthüllen, zeigen Patxi Laskarais Fotografien ihre sakrale Bestimmung. Statt Landschaften zu zeigen, erfassen sie den Geist eines Ortes mit seiner eigenen Atmosphäre. Patxi Laskarai gibt seine Erlebnisse auf dem Berg Okabe weiter, wo er die uralte Präsenz der baskischen Naturmythen wiederfindet. Aus diesem Grund haben seine geheimnisvollen Fotografien mit ihrem affektiven Unterton die Kraft, das Bewusstsein mit der Welt zu verbinden. Vor allem erinnern sie an die Hingabe an das Alpha und das Omega von allem, was entsteht. Patxi Laskarai, der aus Lekunberri in Basse-Navarre stammt und eine Leidenschaft für die baskische Kultur hat, weiß, dass unsere Beziehung zur Transzendenz in der Erde verwurzelt bleibt.

Der Künstler modelliert seine Bilder, um in ihnen die Natur Okabes ohne Pomp und Possierlichkeit zu feiern. Die Komposition, die Unschärfen und die Farben im Halblicht tragen dazu bei, eine tellurische Präsenz vibrieren zu lassen, in der die Schwarztöne der Pigmenttinte mit dem Manufakturpapier von Juan Barbe, dem Lieferanten von Chillida, Barceló und Tàpies, kombiniert werden. Im Gegensatz zum Naturalismus lassen solche Werke Stimmungen spüren, die die Grundlagen unserer Realität hinterfragen.

ÆNCRAGES hebt die Aura Okabes hervor. Indem Patxi Laskarai das Individuum seiner Umgebung und seiner Geschichte näher bringt, entfaltet er eine überraschende Hierophanie, aus der das Heilige hervorgeht. An der Schnittstelle zwischen subjektivem Bewusstsein und kollektivem Gedächtnis sind seine zeitlosen Fotografien reich an einer Vielzahl von Interpretationen, die unseren Blick nachhaltig verändern können.

En révélant ce qui est caché dans le visible, les photographies de Patxi Laskarai manifestent leur vocation d’ordre sacré. Au contraire de montrer des paysages, elles embrassent l’esprit d’un lieu avec son atmosphère propre. Patxi Laskarai transmet ses expériences vécues sur le mont Okabe, où il retrouve l’immémoriale présence des mythes basques liés à la nature. C’est pourquoi, riches de leur tonalité affective, ses photographies mystérieuses ont le pouvoir de relier la conscience au monde. Avant tout elles évoquent la réminiscence d’une dévotion à l’alpha et l’omega de tout ce qui nait. Originaire de Lekunberri, en Basse-Navarre, et passionné de culture basque, Patxi Laskarai sait que notre relation avec la transcendance reste ancrée à la terre.

L’artiste modèle ses images pour y célébrer la nature d’Okabe sans pompe ni afféterie. La composition, les flous et les couleurs en demi-jour contribuent à faire vibrer une présence tellurique dans laquelle les noirs de l’encre pigmentaire se combinent aux papiers manufacturés de Juan Barbe, fournisseur de Chillida, Barceló ou Tàpies. Opposées au naturalisme, de telles œuvres font ressentir des ambiances qui interrogent les fondements de notre réalité.

ÆNCRAGES exalte l’aura d’Okabe. En rapprochant l’individu de son milieu et de son histoire, Patxi Laskarai déploie une surprenante hiérophanie d’où surgit le sacré. Au croisement de la conscience subjective et de la mémoire collective, ses photographies atemporelles sont riches d’une multiplicité d’interprétations capables de transformer durablement notre regard.

Rivelando ciò che è nascosto nel visibile, le fotografie di Patxi Laskarai manifestano la loro vocazione sacra. Invece di mostrare paesaggi, abbracciano lo spirito di un luogo con la sua atmosfera. Patxi Laskarai trasmette le sue esperienze sul Monte Okabe, dove ritrova la presenza immemorabile dei miti baschi legati alla natura. Per questo motivo, le sue fotografie misteriose, ricche di toni emotivi, hanno il potere di connettere la coscienza con il mondo. Soprattutto, evocano la memoria di una devozione all'alfa e all'omega di tutto ciò che nasce. Originario di Lekunberri, nella Bassa Navarra, e appassionato di cultura basca, Patxi Laskarai sa che il nostro rapporto con il trascendente rimane ancorato alla terra.

L'artista modella le sue immagini per celebrare la natura di Okabe senza sfarzo. La composizione, le sfocature e i colori in penombra contribuiscono alla vivacità di una presenza tellurica in cui i neri dell'inchiostro a pigmenti si combinano con le carte fabbricate di Juan Barbe, fornitore di Chillida, Barceló o Tàpies. Opposte al naturalismo, queste opere ci fanno percepire atmosfere che mettono in discussione i fondamenti della nostra realtà.

ÆNCRAGES esalta l'aura di Okabe. Avvicinando l'individuo al suo ambiente e alla sua storia, Patxi Laskarai dispiega una sorprendente ierofania da cui emerge il sacro. Al crocevia tra coscienza soggettiva e memoria collettiva, le sue fotografie senza tempo sono ricche di una molteplicità di interpretazioni capaci di trasformare il nostro sguardo in modo duraturo.

By revealing what is hidden in the visible, Patxi Laskarai's photographs manifest their sacred vocation. Instead of showing landscapes, they embrace the spirit of a place with its own atmosphere. Patxi Laskarai transmits his experiences on Mount Okabe, where he finds the immemorial presence of Basque myths linked to nature. For this reason, his mysterious photographs, rich in their emotional tone, have the power to connect consciousness with the world. Above all, they evoke the reminiscence of a devotion to the alpha and omega of all that is born. Originally from Lekunberri, in Lower Navarre, and passionate about Basque culture, Patxi Laskarai knows that our relationship with the transcendent remains anchored to the earth.

The artist models his images to celebrate Okabe's nature without pomp and circumstance. The composition, the blurs and the half-light colours contribute to the vibrancy of a telluric presence in which the blacks of the pigment ink combine with the manufactured papers of Juan Barbe, supplier of Chillida, Barceló or Tàpies. Opposed to naturalism, such works make us feel atmospheres that question the foundations of our reality.

ÆNCRAGES exalts Okabe's aura. By bringing the individual closer to his environment and his history, Patxi Laskarai deploys a surprising hierophany from which the sacred emerges. At the crossroads of subjective consciousness and collective memory, his timeless photographs are rich in a multiplicity of interpretations capable of transforming our gaze in a lasting way.

Al revelar lo oculto en lo visible, las fotografías de Patxi Laskarai manifiestan su vocación sagrada. En lugar de mostrar paisajes, acogen el espíritu de un lugar con su propia atmósfera. Patxi Laskarai transmite sus experiencias en el monte Okabe, donde encuentra la presencia inmemorial de los mitos vascos ligados a la naturaleza. Por ello, sus misteriosas fotografías, ricas en su tono emocional, tienen el poder de conectar la conciencia con el mundo. Sobre todo, evocan la reminiscencia de una devoción al alfa y omega de todo lo que nace. Originario de Lekunberri, en la Baja Navarra, y apasionado de la cultura vasca, Patxi Laskarai sabe que nuestra relación con lo trascendente permanece anclada a la tierra.

El artista modela sus imágenes para celebrar la naturaleza de Okabe sin pompa ni circunstancia. La composición, los desenfoques y los colores en penumbra contribuyen a la vivacidad de una presencia telúrica en la que los negros de la tinta pigmentada se combinan con los papeles manufacturados de Juan Barbe, proveedor de Chillida, Barceló o Tàpies. Frente al naturalismo, estas obras nos hacen sentir atmósferas que cuestionan los fundamentos de nuestra realidad.

ÆNCRAGES exalta el aura de Okabe. Al acercar al individuo a su entorno y a su historia, Patxi Laskarai despliega una sorprendente hierofanía de la que emerge lo sagrado. En la encrucijada de la conciencia subjetiva y la memoria colectiva, sus fotografías atemporales son ricas en una multiplicidad de interpretaciones capaces de transformar nuestra mirada de forma duradera.

(Text: Gil Arrocena, écrivain et journaliste culturel)

L'Angle Photographies | Hendaye
23. März - 30. April 2023

Révélations
Véronique Durruty

L'ANGLE präsentiert Révélations, eine Panoramaausstellung der "emotionalen Landschaften" der Künstlerin Véronique Durruty, die exklusiv große Auszüge aus ihren traumhaftesten Fotoserien zeigt: "Nuances de l'infini", "Mer-mères", "Blue(s)" und "Black(s)".

"Blue(s)" ist eine Reihe von Werken, die versuchen, eine Stimmung "zwischen den Stühlen" einzufangen: zwischen Glück und Sehnsucht, zwischen Tag und Nacht, zwischen Traum und Wirklichkeit, außerhalb der Orte. Die Landschaften sind leer. Die Person auf dem Foto sind Sie. Sie sind eingeladen, das Bild zu betreten, darin herumzulaufen, wie es Ihnen gefällt, und es sich anzueignen.

"Black(s)" ist die große Anfangssuppe, die Suppe vor dem ersten Tag, bevor das Licht da war, bevor das feste Land unter den Ozeanen hervorkam, bevor man dort stehen konnte und das Gefühl hatte, seinen Körper zu beherrschen. Black(s) ist die Erinnerung an frühere Realitäten, an den Mutterleib oder das Universum vor dem Urknall.

In den "Schattierungen der Unendlichkeit" wird das natürliche Licht, das uns unsere Welt in sehr flüchtigen Momenten bietet, eingefroren und so in eine ewige Vision verwandelt, einen hypnotischen Ort, einen Raum der Meditation und des Wiederfindens. Hier geht es darum, einen Sprung ins Absolute zu machen, nicht nur den Raum zu wechseln, sondern auch außerhalb der Zeit zu sein.

"Meer-Mütter", oder das Meer als Mutter, als Fruchtbarkeitsgöttin, die ihre unsichtbaren, proteiformen Schöpfungen mit sich herumträgt. Diese "Geister", die uns umgeben, werden mit Tinte und Feder enthüllt, indem der Künstler die Rolle eines Schamanen spielt.

L'ANGLE présente Révélations, une exposition panorama des "paysages émotionnels" de l'artiste Véronique Durruty qui réunit en exclusivité de larges extraits de ses séries de photographies parmi les plus oniriques: "Nuances de l'infini", "Mer-mères", "Blue(s)" et "Black(s)".

"Blue(s)" est une série d'œuvres qui tentent de saisir un état d'esprit "entre deux": entre bonheur et nostalgie, entre jour et nuit, entre rêve et réalité, hors des lieux. Les paysages sont vides. Le personnage de la photo, c'est vous. Vous êtes invités à y rentrer, à vous y balader comme bon vous semble, à vous l'approprier.

"Black(s)", c'est la grande soupe initiale, celle d'avant le premier jour, d'avant que la lumière soit, d'avant que les terres fermes surgissent de dessous les océans, qu'on puisse y tenir debout, avoir la sensation de maîtriser son corps. Black(s), c'est le souvenir de réalités antérieures, du ventre maternel ou de l'univers avant le Big Bang.

Dans les "nuances de l'infini", la lumière naturelle que nous offre notre monde sur des instants très fugaces, est figée et transformée ainsi en vision éternelle, lieu hypnotique, espace de méditation, de ressourcement. Il s'agit ici de faire un saut dans l'absolu, changer non seulement d'espace mais également être hors du temps.

"Mer-mères", ou la mer comme une mère, une déesse de la fertilité qui charrie ses créations protéiformes invisibles. Ces "esprits" qui nous entourent sont révélés à l'encre, à la plume, par l'artiste jouant le rôle de chamane.

L'ANGLE presenta Révélations, una mostra panoramica sui "paesaggi emozionali" dell'artista Véronique Durruty, che raccoglie grandi estratti delle sue serie fotografiche più oniriche: "Nuances de l'infini", "Mer-mères", "Blue(s)" e "Black(s)".

"Blue(s)" è una serie di opere che cercano di catturare uno stato d'animo "di mezzo": tra felicità e nostalgia, tra giorno e notte, tra sogno e realtà, fuori luogo. I paesaggi sono vuoti. Il personaggio della foto siete voi. Siete invitati a entrarci, a vagare a vostro piacimento, a farlo vostro.

"Black(s)" è il grande brodo iniziale, quello prima del primo giorno, prima che ci fosse la luce, prima che le terre ferme emergessero da sotto gli oceani, prima che potessimo stare in piedi, avere la sensazione di dominare il nostro corpo. Il nero è la memoria di realtà precedenti, dell'utero materno o dell'universo prima del Big Bang.

Nelle "sfumature dell'infinito", la luce naturale che il nostro mondo ci offre in momenti fugaci viene congelata e quindi trasformata in una visione eterna, un luogo ipnotico, uno spazio di meditazione, di rifornimento. Si tratta di fare un salto nell'assoluto, di cambiare non solo lo spazio ma anche l'essere fuori dal tempo.

"Mari Madre", ovvero il mare come madre, dea della fertilità che porta con sé le sue invisibili creazioni proteiformi. Questi "spiriti" che ci circondano sono rivelati a inchiostro, con la penna, dall'artista nel ruolo di sciamano.

L'ANGLE presents Revelations, a panoramic exhibition of the "emotional landscapes" of the artist Véronique Durruty, which brings together large excerpts from her most dreamlike series of photographs: "Nuances de l'infini", "Mer-mères", "Blue(s)" and "Black(s)".

"Blue(s)" is a series of works that attempt to capture a state of mind "in between": between happiness and longing, between day and night, between dream and reality, out of place. The landscapes are empty. The character of the photo is you. You are invited to enter, to walk around as you wish, to make it your own.

"Black(s)" is the great initial soup, the one before the first day, before the light was, before the firm lands emerged from under the oceans, before we could stand upright, have the feeling of mastering our body. Black(s) is the memory of previous realities, of the maternal womb or of the universe before the Big Bang.

In the "shades of infinity", the natural light that our world offers us on very fleeting moments, is frozen and thus transformed into an eternal vision, a hypnotic place, a space of meditation, of resourcing. It is a question here of making a leap into the absolute, changing not only space but also being out of time.

"Sea-mothers", or the sea as a mother, a goddess of fertility who carries her invisible protean creations. These "spirits" that surround us are revealed in ink, with a pen, by the artist playing the role of shaman.

(Text: L'Angle Photographies, Hendaye)

Chapelle du Carmel - Musée des Beaux-Arts de Libourne
19. November 2022 - 19. Februar 2023

poète photographe
Eugène Atget

Vom 19. November 2022 bis zum 19. Februar 2023 wird das Musée des Beaux-Arts in Libourne eine Ausstellung zeigen, die dem Mann gewidmet ist, der als Vater der modernen Fotografie gilt: Eugène Atget (1857-1927). Seine Werke werden heute in renommierten Institutionen in Paris und New York aufbewahrt, aber es ist zu wenig bekannt, dass er aus Libourne stammte, wo sein Geburtshaus noch zu sehen ist. Dies ist also die Gelegenheit, auf den Werdegang dieses atypischen Fotografen zurückzukommen, dessen Arbeit über das Paris des frühen 20. Jahrhunderts das Interesse der Surrealisten weckte, die ihn zur Illustration ihrer eigenen Recherchen heranzogen.

Die Ausstellung profitiert von einer außergewöhnlichen Leihgabe von zweiundachtzig Werken, die das Musée Carnavalet - Histoire de Paris zur Verfügung gestellt hat. Darunter befinden sich auch 76 Fotografien des Künstlers, die dem Publikum präsentiert werden und seine dokumentarische Arbeit über die Altstadt von Paris, seine Inventarisierung, wenn er eine Reihe von Türklopfern oder die Pferdekutschen, die durch die Straßen der Hauptstadt fahren, fast zwanghaft fotografiert, aufzeigen. Die Ausstellung zeigt aber auch eine sensiblere, poetischere Facette von Eugène Atgets Arbeit anhand von Aufnahmen, die von einer besonderen Aufmerksamkeit für Nebeleffekte, Lichtspiele und Reflexionen zeugen. Diese Fotografien werden von Archivdokumenten sowie von Objekten und Medien begleitet, die seine Praxis der Fotografie um die Wende zum 20. Jahrhundert kontextualisieren (Faksimile-Negative, Fotokammer) und die Faszination hervorheben, die sein Werk noch lange nach seinem Tod auf Künstler ausüben konnte.

Kuratorin der Ausstellung: Caroline Fillon, Direktorin des Musée des Beaux-Arts de Libourne,

mit Unterstützung von Anne de Mondenard, Chefkonservatorin für Kulturerbe, Leiterin der Abteilung für Fotografien und digitale Bilder im Musée Carnavalet - Histoire de Paris.

Szenografie: Benjamin Begey

Du 19 novembre 2022 au 19 février 2023, le musée des Beaux-Arts de Libourne présentera une exposition dédiée à celui qui est considéré comme le père de la photographie moderne : Eugène Atget (1857-1927). Son oeuvre est aujourd’hui conservée dans de prestigieuses institutions à Paris et à New-York, mais l’on sait trop peu que ce personnage est originaire de Libourne, où sa maison natale est encore visible. Ce sera donc l’occasion de revenir sur le parcours de ce photographe atypique dont le travail sur le Paris du début du 20e siècle suscita l’intérêt des surréalistes qui le récupérèrent pour illustrer leurs propres recherches.

Cette exposition bénéficie d’un prêt exceptionnel de quatre-vingt-deux oeuvres accordé par le musée Carnavalet – Histoire de Paris. Parmi elles, le prêt compte soixante-seize photographies de l’artiste qui seront présentées au public, évoquant son travail documentaire sur le Vieux Paris, sa démarche d’inventaire lorsqu’il photographie, de manière presque obsessionnelle, une série de heurtoirs ou encore les voitures à cheval qui arpentent les rues de la capitale. Mais l’exposition montrera également une facette plus sensible, plus poétique du travail d’Eugène Atget à travers des clichés qui témoignent d’une attention particulière portée à des effets de brume, des jeux de lumière et de reflets. Ces photographies seront accompagnées de documents d’archives, ainsi que d’objets et de supports permettant de contextualiser sa pratique de la photographie au tournant du 20e siècle (fac-similés de négatifs, chambre photographique) et de mettre en évidence la fascination que son oeuvre a pu exercer sur les artistes, longtemps après sa mort.

Commissariat de l’exposition : Caroline Fillon, directrice du musée des Beaux-Arts de Libourne,

avec la complicité d’Anne de Mondenard, conservatrice en chef du patrimoine, responsable du département des Photographies et images numériques au musée Carnavalet – Histoire de Paris

Scénographie : Benjamin Begey

Dal 19 novembre 2022 al 19 febbraio 2023, il Musée des Beaux-Arts di Libourne presenterà una mostra dedicata a colui che è considerato il padre della fotografia moderna: Eugène Atget (1857-1927). Le sue opere sono oggi conservate in prestigiose istituzioni di Parigi e New York, ma non è noto che questo personaggio è originario di Libourne, dove è ancora visibile la sua casa natale. Sarà l'occasione per ripercorrere la carriera di questo fotografo atipico, il cui lavoro sulla Parigi dell'inizio del XX secolo suscitò l'interesse dei surrealisti che lo utilizzarono per illustrare le proprie ricerche.

Questa mostra beneficia di un prestito eccezionale di ottantadue opere concesso dal Musée Carnavalet - Histoire de Paris. Tra queste, il prestito comprende settantasei fotografie dell'artista che saranno presentate al pubblico, evocando il suo lavoro documentario sulla vecchia Parigi, il suo approccio inventariale quando fotografa, in modo quasi ossessivo, una serie di battenti di porte o le carrozze a cavalli che percorrono le strade della capitale. Ma la mostra mostrerà anche un lato più sensibile e poetico del lavoro di Eugène Atget attraverso fotografie che mostrano una particolare attenzione agli effetti della nebbia, ai giochi di luce e ai riflessi. Queste fotografie saranno accompagnate da documenti d'archivio, oltre che da oggetti e supporti che contribuiranno a contestualizzare la sua pratica fotografica a cavallo del XX secolo (facsimili di negativi, una macchina fotografica) e a evidenziare il fascino che il suo lavoro può aver esercitato sugli artisti, anche molto tempo dopo la sua morte.

Curatore della mostra: Caroline Fillon, direttore del Musée des Beaux-Arts de Libourne,

con la complicità di Anne de Mondenard, curatrice capo del patrimonio, responsabile del dipartimento Fotografie e immagini digitali del Museo Carnavalet - Storia di Parigi

Scenografia: Benjamin Begey

From November 19, 2022 to February 19, 2023, the Musée des Beaux-Arts in Libourne will present an exhibition dedicated to the man who is considered the father of modern photography: Eugène Atget (1857-1927). His work is now preserved in prestigious institutions in Paris and New York, but it is not well known that this character is a native of Libourne, where his birthplace is still visible. This will be an opportunity to revisit the career of this atypical photographer, whose work on Paris at the beginning of the 20th century aroused the interest of the Surrealists who used it to illustrate their own research.

This exhibition benefits from an exceptional loan of eighty-two works granted by the Musée Carnavalet - Histoire de Paris. Among them, the loan includes seventy-six photographs of the artist that will be presented to the public, evoking his documentary work on Old Paris, his approach to inventory when he photographed, almost obsessively, a series of door knockers or horse-drawn carriages that paced the streets of the capital. But the exhibition will also show a more sensitive, more poetic side of Eugène Atget's work through photographs that show a particular attention to the effects of mist, light and reflections. These photographs will be accompanied by archival documents, as well as objects and media that will help contextualize his practice of photography at the turn of the 20th century (facsimiles of negatives, a camera) and highlight the fascination that his work may have exercised on artists, long after his death.

Curator of the exhibition: Caroline Fillon, director of the Musée des Beaux-Arts de Libourne,

with the complicity of Anne de Mondenard, chief curator of heritage, responsible for the department of Photographs and digital images at the Carnavalet Museum - History of Paris

Scenography: Benjamin Begey

(Text: Musée des Beaux-Arts de Libourne)

L'ANGLE | Hendaye
17. November - 23. Dezember 2022

Le murmure du vent
Fabienne Percheron

"Es ist die Sache, ohne die Sache zu sein; ein im Spiegel des Geistes zusammengefasstes Bild und doch mit dem Gegenstand identisch" - Goethe

Die neue Serie Le murmure du vent von Fabienne Percheron ist eine Einladung zu einem poetischen Spaziergang rund um die Landeskiefer und ihre natürliche maritime Umgebung.

Wie durch Alchemie wurde das Material der Silberabzüge durch das Ätzen verändert, wodurch sich Wege in eine andere Welt eröffnen und der Betrachter eingeladen wird, einen Schritt zur Seite zu machen und sich auf eine Reise in eine sensible Träumerei zu begeben.

« C’est la chose, sans être la chose ; une image résumée dans le miroir de l’esprit et quand même identique avec l’objet » - Goethe

La nouvelle série Le murmure du vent de Fabienne Percheron est une invitation à une balade poétique autour du pin des Landes et de son environnement naturel maritime.

Comme par alchimie, la matière des tirages argentiques s’est vue transformée par le mordançage, ouvrant ainsi des chemins vers un autre monde et invitant le spectateur à faire un pas de côté, pour un voyage vers une rêverie sensible.

"È la cosa, senza essere la cosa; un'immagine riassunta nello specchio della mente e tuttavia identica all'oggetto" - Goethe

La nuova serie di Fabienne Percheron, Le murmure du vent, è un invito a una passeggiata poetica intorno al pino delle Landes e al suo ambiente marittimo naturale.

Come per alchimia, il materiale delle stampe in argento è stato trasformato dall'incisione, aprendo così la strada a un altro mondo e invitando lo spettatore a fare un passo indietro, per un viaggio verso una sensibile fantasticheria.

"It is the thing, without being the thing; an image summarized in the mirror of the mind and still identical with the object" - Goethe

Fabienne Percheron's new series Le murmure du vent is an invitation to a poetic stroll around the Landes pine and its natural maritime environment.

As if by alchemy, the material of the silver prints has been transformed by etching, thus opening paths to another world and inviting the viewer to take a step aside, for a journey towards a sensitive reverie.

(Text: L'ANLGE, Hendaye)

L'ANGLE | Hendaye
17. November - 23. Dezember 2022

Agur Chiberta !
Bruno Labarbère

Im französischen Baskenland (Euskadi - Iparralde) liegt Anglet eingeklemmt zwischen den beiden berühmten Nachbarstädten Bayonne und Biarritz. In dieser Stadt, die eher für ihre Surfwettbewerbe und ihren 4 km langen Strand bekannt ist, nimmt der Wald 10 % des Territoriums ein. Oder besser gesagt "besetzte". Der größte war Chiberta. Mitte des 19. Jahrhunderts auf Wunsch von Napoleon III. gepflanzt, blickten seine Kiefern auf den nur wenige Meter entfernten Ozean und tanzten im Rhythmus der offenen See. Wie bei vielen Angloys sind viele meiner Kindheitserinnerungen mit diesem Pinienwald verbunden: die sandigen Wege, die sich im Wind wiegenden Bäume, der Gesang der Grünspechte und des Kuckucks, die Wacholderhecken und Farnbeete, die Radfahrer, Reiter und Wanderer, die Sonntagsläufer und die hartgesottenen Sportler. Ich ging dort mit meinem Vater mit meinem Hund spazieren. Ich begleitete meine Mutter (manchmal) beim Joggen. Als ich ein Kind war, ließen meine Eltern mich glauben, dass sie den Wald für mich gekauft hätten und dass ich ihn, wenn ich groß bin, vor denen schützen müsse, die ihn für Golfplätze abholzen oder betonieren wollen. Aber das war früher. Als Chiberta kurz vor ihrem zweihundertsten Geburtstag stand, war sie plötzlich verschwunden. Es war an einem Donnerstag, dem 30. Juli 2020, bei Sonnenuntergang. Von Brandstiftung verschlungen. Ich hatte das Glück, Chiberta nur wenige Stunden vor der Tragödie ein letztes Mal unversehrt zu sehen. Nach den langen Monaten des ersten Einschlusses war ich zu meiner Familie in den Südwesten gefahren, um zwei Wochen lang an der frischen Luft zu sein. Auf der Rückfahrt nach Paris erfuhr ich im Zug die traurige Nachricht. Dann folgten zwei weitere Einschließungen und schließlich konnte ich erst im Juni 2021 wieder nach Chiberta absteigen. Fast ein Jahr war seit der Katastrophe vergangen, aber die Leere, die das Feuer hinterlassen hatte, prägte noch immer die Landschaft und die Herzen der Menschen. Um die Stürme vom Atlantik in Schach zu halten, sind nur noch ein paar verstreute, einsame Bäume übrig geblieben. Der Kuckuck singt nicht mehr und die Spechte sind zum Klopfen weitergezogen. Die Hirschkühe, die man früher heimlich gesehen hat, wurden durch Bulldozer und Lastwagen ersetzt, die damit beschäftigt sind, die Reste des Waldes zu räumen und zu säubern: verkohlte Stämme, geschwärzter Sand, leblose Wurzeln. Ganz anders, Chiberta wird nie mehr dieselbe sein. Man spaziert nicht mehr auf dem Pfad, der am Waldrand entlangführte: Man geht langsam, in sich gekehrt, schluckt seine Trauer und Wut hinunter, bis man den Strand erreicht, wo die scharfe, salzige Gischt, ob man will oder nicht, einem das Lächeln zurückgibt und einen daran erinnert, dass das Leben weitergeht. Irgendwie war ich froh, Chiberta ein letztes Mal entblößt zu sehen, um mich von ihr zu verabschieden. "Agur Chiberta!", wie die Basken sagen würden. Nun lassen wir die Biodiversität wieder zu ihrem Recht kommen ... und achten darauf, dass weder Immobilienentwickler noch Politiker zu gierig werden.

Au Pays Basque français (Euskadi - Iparralde), Anglet est coincée entre ses deux célèbres voisines Bayonne et Biarritz. Dans cette ville plus connue pour ses compétitions de surf et sa plage de 4 km de long, la forêt occupe 10 % du territoire. Ou plutôt « occupait ». La plus grande était Chiberta. Plantée au milieu du 19e siècle à la demande de Napoléon III, ses pins faisaient face à l'Océan, à quelques mètres de là, dansant au rythme du large. Comme beaucoup d'Angloys, nombre de mes souvenirs d'enfance sont liés à cette pinède : ses sentiers sablonneux, ses arbres se balançant au vent, le chant des pics verts et des coucous, ses haies de genévriers et ses parterres de fougères, ses randonneurs à vélo, à cheval, à pied, ses coureurs du dimanche et ses sportifs acharnés. J'y promenais mon chien avec mon père. J'y accompagnais (parfois) ma mère pour son footing. Quand j'étais enfant, mes parents me faisaient croire qu'ils avaient acheté la forêt pour moi et que, une fois grand, je devrai la protéger de ceux qui voudraient la raser pour en faire des golfs ou la bétonner. Mais ça, c'était avant. Alors que Chiberta allait bientôt atteindre son deux-centième anniversaire, elle a soudain disparu. C'était un jeudi, le 30 juillet 2020, au coucher du soleil. Engloutie par un incendie criminel. J'ai eu la chance de voir Chiberta intacte une dernière fois quelques heures à peine avant le drame. Après les longs mois du premier confinement, j'étais descendu voir ma famille dans le Sud-Ouest, pour deux semaines de mise au vert, au grand air. C'est dans le train du retour pour Paris que j'ai appris la triste nouvelle. Puis deux autres confinements se sont succédés et je n'ai finalement pu redescendre à Chiberta qu'en juin 2021. Presque un an s'était écoulé depuis la catastrophe mais le vide laissé par l'incendie continuait à marquer autant le paysage que les cœurs. Pour contenir les tempêtes venues de l'Atlantique, seuls quelques arbres éparpillés, solitaires, demeurent. Les coucous ne chantent plus et les pics sont partis tapoter ailleurs. Les biches, autrefois croisées furtivement, ont été remplacées par la valse des bulldozers et des camions occupés à déblayer et nettoyer ce qu'il reste de la forêt : des troncs calcinés, du sable noirci, des racines sans vie. Tout à fait une autre, Chiberta ne sera plus jamais la même. On ne se promène plus sur le sentier qui longeait la forêt : on y marche lentement, en se recueillant, ravalant sa tristesse et sa colère, jusqu'à atteindre la plage où les embruns piquants et salés, de gré ou de force, vous redonneront le sourire en vous rappelant que la vie continue. Quelque part, j'ai été heureux de revoir Chiberta, dénudée, une dernière fois, pour lui faire mes adieux. « Agur Chiberta ! », comme le diraient les Basques. Maintenant, laissons la biodiversité reprendre ses droits... et veillons à ce que ni les promoteurs immobiliers ni les politiques ne se montrent trop gourmands.

Nei Paesi Baschi francesi (Euskadi - Iparralde), Anglet è incastrata tra i due famosi vicini Bayonne e Biarritz. In questa città, nota soprattutto per le gare di surf e per la sua spiaggia lunga 4 km, la foresta occupa il 10% del territorio. O meglio "occupato". Il più grande era Chiberta. Piantati a metà del XIX secolo su richiesta di Napoleone III, i suoi pini si affacciano sull'oceano a pochi metri di distanza, danzando al ritmo del mare. Come molti anglosassoni, molti dei miei ricordi d'infanzia sono legati a questa pineta: i suoi sentieri sabbiosi, gli alberi che ondeggiano al vento, il canto dei picchi verdi e dei cuculi, le siepi di ginepro e le aiuole di felci, gli escursionisti in bicicletta, a cavallo, a piedi, i corridori della domenica e gli sportivi incalliti. Portavo a spasso il cane con mio padre. A volte andavo a correre con mia madre. Quando ero bambino, i miei genitori mi hanno fatto credere che avevano comprato la foresta per me e che, una volta cresciuto, avrei dovuto proteggerla da chi voleva abbatterla per fare campi da golf o costruire cemento. Ma questo accadeva prima. Quando Chiberta stava per compiere duecento anni, improvvisamente scomparve. Era un giovedì, il 30 luglio 2020, al tramonto. Inghiottito da un incendio doloso. Ho avuto la fortuna di vedere Chiberta intatta un'ultima volta poche ore prima della tragedia. Dopo i lunghi mesi della prima reclusione, ero scesa a trovare la mia famiglia nel Sud-Ovest, per una quindicina di giorni di aria fresca. È stato sul treno di ritorno a Parigi che ho appreso la triste notizia. Seguirono altri due confinamenti e finalmente potei tornare a Chiberta solo nel giugno del 2021. È passato quasi un anno dal disastro, ma il vuoto lasciato dall'incendio continua a segnare il paesaggio e i cuori. Per contenere le tempeste provenienti dall'Atlantico, rimangono solo alcuni alberi sparsi e solitari. I cuculi non cantano più e i picchi sono andati altrove. I cervi, un tempo avvistati furtivamente, sono stati sostituiti dal valzer delle ruspe e dei camion impegnati a ripulire ciò che resta della foresta: tronchi carbonizzati, sabbia annerita, radici senza vita. Chiberta non sarà più la stessa. Non si cammina più lungo il sentiero che costeggiava la foresta: si cammina lentamente, meditando, ingoiando la tristezza e la rabbia, fino a raggiungere la spiaggia dove lo spruzzo pungente e salato, che piaccia o no, ci farà sorridere e ci ricorderà che la vita continua. Da qualche parte lungo la strada, ero felice di vedere Chiberta, nuda, un'ultima volta, per dirle addio. "Agur Chiberta", come direbbero i baschi. Ora lasciamo che la biodiversità prenda il sopravvento... e assicuriamoci che né i promotori immobiliari né i politici diventino troppo avidi.

In the French Basque Country (Euskadi - Iparralde), Anglet is wedged between its two famous neighbors Bayonne and Biarritz. In this city best known for its surfing competitions and its 4 km long beach, the forest occupies 10% of the territory. Or rather "occupied". The largest was Chiberta. Planted in the mid-19th century at the request of Napoleon III, its pines faced the ocean, a few meters away, dancing to the rhythm of the sea. Like many Angloys, many of my childhood memories are linked to this pine forest: its sandy paths, its trees swaying in the wind, the song of the green woodpeckers and cuckoos, its juniper hedges and fern beds, its hikers on bike, horseback, and foot, its Sunday runners and hardcore athletes. I used to walk my dog with my father. I used to go jogging with my mother (sometimes). When I was a child, my parents made me believe that they had bought the forest for me and that, when I grew up, I would have to protect it from those who would want to cut it down to make golf courses or build concrete. But that was before. As Chiberta was about to reach her two hundredth birthday, she suddenly disappeared. It was a Thursday, July 30, 2020, at sunset. Engulfed by arson. I was lucky enough to see Chiberta intact one last time just hours before the tragedy. After the long months of the first confinement, I had gone down to see my family in the Southwest, for two weeks of fresh air. It was on the train back to Paris that I learned the sad news. Then two other confinements followed and I was finally able to go back down to Chiberta only in June 2021. Almost a year had passed since the disaster but the void left by the fire continued to mark the landscape as much as the hearts. To contain the storms coming from the Atlantic, only a few scattered, solitary trees remain. The cuckoos no longer sing and the woodpeckers have gone elsewhere. The deer, once seen stealthily, have been replaced by the waltz of bulldozers and trucks busy clearing and cleaning what remains of the forest: charred trunks, blackened sand, lifeless roots. Quite another, Chiberta will never be the same again. You don't walk along the path that used to run alongside the forest anymore: you walk slowly, collecting yourself, swallowing your sadness and anger, until you reach the beach where the pungent and salty spray, whether you like it or not, will put a smile on your face and remind you that life goes on. Somehow I was happy to see Chiberta again, naked, one last time, to say goodbye. "Agur Chiberta", as the Basques would say. Now, let's let biodiversity take over... and let's make sure that neither the real estate developers nor the politicians get too greedy.

(Text: L'ANLGE, Hendaye)