Camera Austria | Graz
7. Dezember 2024 – 9. Februar 2025

Fotografie zerstören

Laurel Chokoago, Elisa Goldammer, Maik Gräf, Almut Hilf, Maximilian Koppernock, Mitko Mitkov, Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer, Caspar Sänger, Jenny Schäfer, Janine Schranz, Wiebke Schwarzhans, Dirk Stewen, Daniela Zeilinger und einem Text von Mira Anneli Naß

Das Arbeiten mit oder in der Fotografie bewegt sich immer wieder im Spannungsfeld zwischen dem Anspruch technischer Perfektion und dem Versuch, aus der Blickrichtung, dem Viereck, dem Material auszubrechen. Dabei sind die destruktiven Eigenschaften der Fotografie nicht nur inhaltlicher oder formaler Natur, sondern auch die Voraussetzungen fotografischer Prozesse basieren vielfach auf extraktiven und ausbeuterischen Verfahren. Die von Maik Gräf und Jenny Schäfer initiierte Ausstellung Fotografie zerstören, die Anfang 2024 in einer früheren Version im Hamburger Künstler*innenhaus Frise gezeigt wurde, versammelt künstlerische Arbeiten, die sich mit der Dekonstruktion technischer Vorgänge, der Abstraktion fotografischen Materials wie auch mit neuen Perspektiven des Gegenstands, der Abbildung und der Position auseinandersetzen. Für Camera Austria wird die Ausstellung um drei in Österreich lebende und von Daniela Zeilinger eingeladene Künstlerinnen – Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer und Janine Schranz – erweitert.

Le travail avec ou dans la photographie évolue toujours dans le champ de tension entre l'exigence de perfection technique et la tentative d'échapper à la direction du regard, au quadrilatère, au matériau. Dans ce contexte, les propriétés destructrices de la photographie ne sont pas seulement de nature formelle ou de contenu, mais les conditions préalables des processus photographiques reposent également souvent sur des procédés extractifs et d'exploitation. L'exposition Fotografie zerstören, initiée par Maik Gräf et Jenny Schäfer et présentée début 2024 dans une version antérieure à la Maison des artistes Frise de Hambourg, rassemble des travaux artistiques qui se penchent sur la déconstruction des processus techniques, l'abstraction du matériel photographique ainsi que sur de nouvelles perspectives de l'objet, de la représentation et de la position. Pour Camera Austria, l'exposition est élargie à trois artistes vivant en Autriche et invités par Daniela Zeilinger - Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer et Janine Schranz.

Lavorare con o nella fotografia è sempre in bilico tra le esigenze di perfezione tecnica e il tentativo di uscire dalla linea di visione, dal quadrato, dal materiale. Le caratteristiche distruttive della fotografia non sono solo di natura contenutistica o formale, ma anche i prerequisiti dei processi fotografici sono spesso basati su procedure estrattive e di sfruttamento. La mostra Destroying Photography, promossa da Maik Gräf e Jenny Schäfer e presentata in una prima versione alla Künstler*innenhaus Frise di Amburgo all'inizio del 2024, riunisce opere artistiche che trattano la decostruzione dei processi tecnici, l'astrazione del materiale fotografico e nuove prospettive sull'oggetto, l'immagine e la posizione. Per Camera Austria, la mostra sarà ampliata con tre artiste residenti in Austria e invitate da Daniela Zeilinger: Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer e Janine Schranz.

Working with or in photography is always a balancing act between the pursuit of technical perfection and the attempt to break out of the perspective, the square, the material. In this context, the destructive properties of photography are not only substantive or formal in nature; the very conditions of photographic processes are often based on extractive and exploitative methods. The exhibition Destroy Photography, initiated by Maik Gräf and Jenny Schäfer, brings together artistic works that deal with the deconstruction of technical processes, the abstraction of photographic material, and new perspectives on the subject, the image, and the position. For Camera Austria, the exhibition is extended to include three artists living in Austria who have been invited by Daniela Zeilinger: Sophie Pölzl, Claudia Rohrauer, and Janine Schranz.

(Text: Camera Austria, Graz)

Camera Austria
8. Juni – 18. August 2024

Actinism
Anouk Tschanz

Anouk Tschanz untersucht in ihren Arbeiten den Prozess des Sehens und Wahrnehmens der uns umgebenden Welt und deren fotografische Wiedergabe. Dabei setzt Tschanz bewusst auf die aufwendigen Verfahren der analogen Schwarz-Weiß-Fotografie, um in einer von beschleunigten digitalen Bildentstehungsprozessen geprägten visuellen Kultur den Fokus auf die Wahrnehmung des Einzelbildes zu richten. In der Ausstellung sind drei jüngere Bildserien kombiniert, die jeweils klassische Naturfoto-Sujets aufgreifen: Steine (2024), Sonnenblumen (2023) und Blätter (seit 2019). Letztere stehen im Zentrum von Actinism. Die überwältigende Anzahl der Blätter mit ihren formalen Eigenheiten lässt sich als Auseinandersetzung mit Biodiversität, mit Klima- und Witterungseinflüssen verstehen. Gleichzeitig geht es der Künstlerin in allen drei Fotoserien um Prozesse der Bildfindung, um Oberflächen, Materialität, Licht, Tiefe. In gleichem Maße wie der doppeldeutige Begriff des Blattes – des pflanzlichen wie des (foto-)papierenen – die Polarisierung von Natur und Kultur aufbricht, oszillieren Tschanz’ konzentrierte Bildkompositionen zwischen Repräsentation und Abstraktion – wodurch wir angeregt sind, ihre Fotografien eingehender zu betrachten. Actinism ist Tschanz’ erste institutionelle Einzelausstellung außerhalb der Schweiz.

Dans ses travaux, Anouk Tschanz étudie le processus de vision et de perception du monde qui nous entoure et sa reproduction photographique. Pour ce faire, Tschanz mise délibérément sur les procédés complexes de la photographie analogique en noir et blanc, afin de mettre l'accent sur la perception de l'image individuelle dans une culture visuelle marquée par l'accélération des processus de création d'images numériques. L'exposition combine trois séries d'images récentes qui reprennent chacune des sujets photographiques classiques de la nature : les pierres (2024), les tournesols (2023) et les feuilles (depuis 2019). Ces dernières sont au centre d'Actinism. Le nombre impressionnant de feuilles avec leurs particularités formelles peut être compris comme une confrontation avec la biodiversité, avec les influences climatiques et météorologiques. Parallèlement, l'artiste s'intéresse dans les trois séries de photos aux processus de création d'images, aux surfaces, à la matérialité, à la lumière, à la profondeur. De même que la notion ambiguë de feuille - végétale ou de papier (photographique) - brise la polarisation entre nature et culture, les compositions d'images concentrées de Tschanz oscillent entre représentation et abstraction - ce qui nous incite à regarder ses photographies de plus près. Actinism est la première exposition institutionnelle de Tschanz en dehors de la Suisse.

Nelle sue opere, Anouk Tschanz esamina il processo di visione e percezione del mondo circostante e la sua riproduzione fotografica. Tschanz si basa deliberatamente sui processi elaborati della fotografia analogica in bianco e nero per concentrarsi sulla percezione dell'immagine individuale in una cultura visiva caratterizzata da processi accelerati di creazione di immagini digitali. La mostra combina tre recenti serie di immagini, ognuna delle quali riprende soggetti classici della fotografia naturalistica: pietre (2024), girasoli (2023) e foglie (dal 2019). Queste ultime sono al centro di Actinism. Il numero eccessivo di foglie con le loro peculiarità formali può essere inteso come un esame della biodiversità, del clima e delle influenze meteorologiche. Allo stesso tempo, in tutte e tre le serie fotografiche l'artista si occupa dei processi di creazione dell'immagine, delle superfici, della materialità, della luce e della profondità. Così come il concetto ambiguo di foglia - sia pianta che carta (fotografica) - rompe la polarizzazione tra natura e cultura, le composizioni di immagini concentrate di Tschanz oscillano tra rappresentazione e astrazione, incoraggiandoci a guardare le sue fotografie più da vicino. Actinism è la prima mostra personale istituzionale di Tschanz al di fuori della Svizzera.

Anouk Tschanz, in her work, delves into the process of seeing and perceiving the world around us, and of reproducing it through photographs. Amid a visual culture characterized by accelerated digital image generation, Tschanz purposely employs the elaborate technique of analogue black-and-white photography, with the aim of training the focus on the perception of each individual image. In the exhibition, three recent photographic series are combined, all touching on classic subjects found in nature photos: Steine (Stones, 2024), Sonnenblumen (Sunflowers, 2023), and Blätter (Leaves, 2019–ongoing). The latter take center stage in the Actinism project. The staggering number of leaves with their idiosyncrasies of form can be read as an examination of biodiversity, of climatic conditions and weather effects. At the same time, in all three photographic series, the artist deals with processes of image creation, with surfaces, materiality, light, and depth. The word Blatt has two meanings—“leaf” as plant and “sheet” as (photo) paper—which gives rise to a polarization of nature and culture. In this same vein, Tschanz’s dense image compositions oscillate between representation and abstraction, encouraging us to view her photographs up close. Actinism is Tschanz’s first solo exhibition at a venue outside of Switzerland.

(Text: Camera Austria, Graz)

Camera Austria | Graz
2. März – 12. Mai 2024

Prospect
Alexandra Leykauf

Alexandra Leykauf arbeitet mit fotografischen Bildgebungsverfahren wie Direktbelichtungen auf fotosensitive Oberflächen, um die unmittelbare Beziehung zwischen Bild und Betrachtenden zu untersuchen. Ihre Arbeiten spielen mit dem Übergang vom Körper eines Objekts zur Oberfläche des Bildes und zurück zur räumlichen Erfahrung. Sie analysiert die vielfältigen Implikationen sich ändernder Bildkonventionen und Betrachtungsweisen, Fragen von Herkunft und Urheberschaft(en) und letztlich unsere Position gegenüber den widersprüchlichen Wahrheiten zirkulierender Bilder.

Aufbauend auf länger angelegten Bildrecherchen entwickelt Alexandra Leykauf ortsbezogene Ausstellungskonzepte, die spezifische (kunst-)historische Kontexte von Städten zum Ausgangspunkt nehmen, um Fragen des Blicks, Blickbeziehungen und ihrer körperlichen Verortung nachzugehen. Für Prospect, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Österreich, greift Leykauf auf eine Recherche in den Gemäldesammlungen verschiedener Grazer Museen zurück.

Alexandra Leykauf travaille avec des procédés d'imagerie photographique tels que l'exposition directe sur des surfaces photosensibles afin d'explorer la relation directe entre le visuel et le spectateur. Son travail joue sur le passage du corps d'un objet à la surface du visuel et retour à l'expérience spatiale. Elle analyse les multiples implications de l'évolution des conventions visuelles et des modes d'observation, les questions d'origine et de paternité(s) et, en fin de compte, notre position face aux vérités contradictoires des visuels en circulation.

En s'appuyant sur des recherches iconographiques à long terme, Alexandra Leykauf développe des concepts d'exposition en fonction des lieux, qui prennent pour point de départ des contextes (artistiques) historiques spécifiques des villes, afin d'explorer les questions du regard, des relations entre les regards et de leur localisation physique. Pour Prospect, sa première exposition individuelle institutionnelle en Autriche, Leykauf s'appuie sur une recherche dans les collections de peintures de différents musées de Graz.

Alexandra Leykauf lavora con tecniche di imaging fotografico, come l'esposizione diretta su superfici fotosensibili, per indagare il rapporto immediato tra immagine e spettatore. Le sue opere giocano con il passaggio dal corpo di un oggetto alla superficie dell'immagine e di nuovo all'esperienza spaziale. L'artista analizza le molteplici implicazioni del cambiamento delle convenzioni e dei modi di vedere le immagini, le questioni relative alla provenienza e alla paternità e, in ultima analisi, la nostra posizione rispetto alle verità contraddittorie delle immagini in circolazione.

Basandosi su una ricerca a lungo termine sull'immagine, Alexandra Leykauf sviluppa concetti espositivi site-specific che prendono come punto di partenza specifici contesti storici (artistici) di città per esplorare le questioni dello sguardo, delle relazioni visive e della loro localizzazione fisica. Per Prospect, la sua prima mostra personale istituzionale in Austria, Leykauf si basa sulla ricerca nelle collezioni di pittura di vari musei di Graz.

Alexandra Leykauf works with photographic imaging processes, such as direct exposure on photosensitive surfaces, in order to probe the immediate relationship between image and beholder. Her works play with the transition from the body of an object to the surface of the image, then moving back to the experience of space. She analyzes the many-faceted implications of ever-changing pictorial conventions and points of view, as well as questions related to origin and authorship, but also, ultimately, our position in the face of the contradictory truths found in circulating images.

Based on extensive research into imagery, Alexandra Leykauf develops site-specific exhibition concepts, taking as her point of departure the particular (art-)historical contexts of cities in order to trace questions related to the gaze, visual relationships, and their physical localization. For Prospect, her first solo exhibition in an Austrian venue, Leykauf draws on research into the painting collections of several Graz museums.

(Text: Camera Austria, Graz)

Camera Austria | Graz
16. September - 12. November 2023

Exposure
Laurence Bonvin, Seiichi Furuya, Lisa Holzer, Erich Lázár, Flo Maak, Sophie Meuresch, Georg Petermichl, Stefanie Seufert, Niklas Taleb, Manfred Willmann

Die Gruppenausstellung Exposure bildet den Auftakt des kuratorischen Projekts Fields of Focus, das fotografische Praxen in der zeitgenössischen Kunst in ihrem jeweiligen gesellschaftlichen und politischen Kontext untersucht. Als Ausgangspunkt dienen die Begriffe Belichtung, Reproduktion und Transfer, die neben ihrer technischen Bedeutung innerhalb der Fotografie bestimmte, gegenwärtig relevante Diskursfelder eröffnen, wie etwa Auseinandersetzungen um Sichtbarkeit und Verletzbarkeit, den (umkämpften) Bereich der Reproduktionsarbeit oder Fragen der Wissensproduktion und -übertragung in der visuellen Kultur.

Die Doppeldeutigkeit des englischen Begriffs exposure, der nicht nur den fotografischen Belichtungsprozess, sondern auch das Bloßstellen von Körpern oder Lebensumständen beschreibt, bildet den Ausgangspunkt der gleichnamigen Ausstellung. Die formal sehr unterschiedlichen Arbeiten verbindet die Motivation der Künstler*innen, die eigene Situiertheit und die Eingebundenheit in (menschliche und nicht-menschliche) Beziehungsgefüge sichtbar zu machen und Wirklichkeitsbezüge im Indexmedium der Fotografie zu reflektieren.

Die Thematisierung der Belichtung als eine der Grundbedingungen der Fotografie ist auch als Rückbesinnung auf die ursprünglichen Parameter des Mediums zu verstehen: Wie können subjektive Bildsprachen in einer postdigitalen Produktions- und Zirkulationssphäre bestehen? Wie lassen sich gegenwärtige künstlerische Fotopraxen in diesem Diskurs verorten? Die in der Ausstellung präsentierten Arbeiten zeichnen sich durch persönliche Zugänge aus, die mit formal experimentellen Verfahrensweisen und medienreflexiven Überlegungen verbunden werden. Serien unterschiedlicher Generationen von Künstler*innen werden miteinander in Beziehung gesetzt, wodurch Parallelen und Kontinuitäten in der Praxis und Haltung erkennbar werden.

Das Ausstellungsprojekt ist in zwei Teile gegliedert. Der erste Teil mit dem Titel Exposure eröffnet am 15. September 2023. Für den zweiten Teil, Double Exposure, der am 24. November 2023 eröffnet, wird die bestehende Ausstellung um weitere Positionen ergänzt, die in Analogie zum Verfahren der fotografischen Doppelbelichtung Bereiche der ersten Ausstellung überlagern und so als Kommentar und Erweiterung dieser gelesen werden können.

Kuratiert von Anna Voswinckel

L'exposition de groupe Exposure marque le début du projet curatorial Fields of Focus, qui examine les pratiques photographiques dans l'art contemporain dans leur contexte social et politique respectif. Les notions d'exposition, de reproduction et de transfert servent de point de départ. Outre leur signification technique au sein de la photographie, elles ouvrent certains champs de discours pertinents à l'heure actuelle, comme les débats sur la visibilité et la vulnérabilité, le domaine (contesté) du travail de reproduction ou les questions de production et de transmission du savoir dans la culture visuelle.

L'ambiguïté du terme anglais exposure, qui ne décrit pas seulement le processus d'exposition photographique, mais aussi la mise à nu de corps ou de conditions de vie, constitue le point de départ de l'exposition du même nom. Les travaux, très différents sur le plan formel, sont liés par la motivation des artistes* à rendre visible leur propre situation et leur intégration dans des structures relationnelles (humaines et non humaines) et à réfléchir aux rapports à la réalité par le biais du média indexé qu'est la photographie.

La thématisation de l'exposition comme l'une des conditions de base de la photographie doit également être comprise comme un retour aux paramètres originaux du médium : Comment les langages visuels subjectifs peuvent-ils exister dans une sphère de production et de circulation post-numérique ? Comment les pratiques artistiques actuelles de la photographie peuvent-elles être situées dans ce discours ? Les travaux présentés dans l'exposition se caractérisent par des approches personnelles, associées à des procédés formellement expérimentaux et à des réflexions sur les médias. Des séries de différentes générations d'artistes* sont mises en relation, ce qui permet d'identifier des parallèles et des continuités dans la pratique et l'attitude.

Le projet d'exposition est divisé en deux parties. La première partie, intitulée Exposure, ouvrira le 15 septembre 2023. Pour la deuxième partie, Double Exposure, qui ouvrira le 24 novembre 2023, l'exposition existante sera complétée par d'autres positions qui, par analogie avec le procédé de la double exposition photographique, superposeront des zones de la première exposition et pourront ainsi être lues comme un commentaire et une extension de celle-ci.

Commissariat d'Anna Voswinckel

La mostra collettiva Exposure segna l'inizio del progetto curatoriale Fields of Focus, che esamina le pratiche fotografiche nell'arte contemporanea nei rispettivi contesti sociali e politici. I concetti di esposizione, riproduzione e trasferimento fungono da punto di partenza e, oltre al loro significato tecnico all'interno della fotografia, aprono alcuni campi di discorso attualmente rilevanti, come le dispute sulla visibilità e la vulnerabilità, il campo (contestato) del lavoro di riproduzione o le questioni relative alla produzione e al trasferimento di conoscenza nella cultura visiva.

L'ambiguità del termine inglese exposure, che descrive non solo il processo di esposizione fotografica ma anche l'esposizione di corpi o condizioni di vita, costituisce il punto di partenza dell'omonima mostra. Le opere, formalmente molto diverse tra loro, sono accomunate dalla motivazione degli artisti a rendere visibile la propria collocazione e integrazione nelle strutture di relazione (umane e non umane) e a riflettere sui riferimenti alla realtà nel mezzo indicizzato della fotografia.

La tematizzazione dell'esposizione come una delle condizioni di base della fotografia va intesa anche come un ritorno ai parametri originari del mezzo: Come possono esistere linguaggi visivi soggettivi in una sfera di produzione e circolazione post-digitale? Come si possono collocare le attuali pratiche artistiche fotografiche in questo discorso? Le opere presentate in mostra sono caratterizzate da approcci personali che si combinano con procedure formalmente sperimentali e considerazioni riflessive sui media. Le serie di diverse generazioni di artisti sono messe in relazione tra loro, rivelando parallelismi e continuità nella pratica e nell'atteggiamento.

Il progetto espositivo è diviso in due parti. La prima parte, intitolata Exposure, aprirà il 15 settembre 2023. Per la seconda parte, Double Exposure, che aprirà il 24 novembre 2023, la mostra esistente sarà integrata da ulteriori posizioni che, in analogia al processo di doppia esposizione fotografica, si sovrapporranno ad aree della prima mostra e potranno quindi essere lette come un commento e un'estensione della stessa.

A cura di Anna Voswinckel

The group exhibition Exposure marks the beginning of the curatorial project Fields of Focus, which investigates photographic practices in contemporary art in their respective social and political contexts. The concepts of exposure, reproduction, and transfer serve as a point of departure, which, in addition to their technical significance within photography, open up certain currently relevant fields of discourse, such as disputes over visibility and vulnerability, the (contested) field of reproductive labor, or questions of knowledge production and transfer in visual culture.

The ambiguity of the English term exposure, which describes not only the photographic exposure process but also the exposure of bodies or life circumstances, forms the starting point of the exhibition of the same name. The formally very different works are united by the artists' motivation to make visible their own situatedness and their integration into (human and non-human) relational structures and to reflect on references to reality in the index medium of photography.

The thematization of exposure as one of the basic conditions of photography is also to be understood as a return to the original parameters of the medium: How can subjective visual languages exist in a post-digital sphere of production and circulation? How can contemporary artistic photographic practices be located within this discourse? The works presented in the exhibition are characterized by personal approaches that are combined with formally experimental procedures and media-reflexive considerations. Series from different generations of artists are set in relation to each other, revealing parallels and continuities in practice and attitude.

The exhibition project is divided into two parts. The first part, entitled Exposure, opens on September 15, 2023. For the second part, Double Exposure, which opens on November 24, 2023, the existing exhibition will be supplemented by additional positions that, in analogy to the process of photographic double exposure, overlay areas of the first exhibition and can thus be read as a commentary on and extension of it.

Curated by Anna Voswinckel

(Text: Camera Austria, Graz)

Camera Austria | Graz
17. Juni - 20. August 2023

Ein Gedicht zwischen uns
Ištvan Išt Huzjan

Der künstlerische Ansatz von Ištvan Išt Huzjan basiert auf dem Entwurf von Wegen und Routen, durch die er die Distanz zwischen Menschen und Räumen ergründet und die Bewegungsabläufe zwischen Orten sowie die Art der Fortbewegung ins Zentrum der Aufmerksamkeit rückt. Viele seiner Projekte geben Aufschluss über die Beziehung zwischen Individuen, Gesellschaftsstrukturen sowie die inhärenten historischen oder geografischen Verhältnisse. Fotografi­sche Aufnahmen bilden das flüchtige Material, das Zeugenschaft über spezifische Orte oder kulturell determinierte Handlungen ablegt. In serieller Anordnung werden diese Fotografien teils von Objekten als weitere Bestandteile in Form einer Landvermessung begleitet. Die Ausstellung bei Camera Austria zeigt eine Reihe von Huzjans performativen Arbeiten, die er auf Einladung verschiedener Kurator*innen und Institutionen realisiert hat und die den Künstler als Akteur ins Blickfeld rücken. In diesen verquickt er Momente von Raum und Zeit, deren Verlauf von ihm bewusst gesteuert wird. Dokumentation und Repräsentation bilden Bezugspunkte, die das Subjekt in unterschiedlichen Zeit- und Raumebenen verorten. Bei Camera Austria erstmals zu sehen ist die während der Pandemie entstandene Arbeit A Poem Between Us, die auch den Titel der Ausstellung bildet.

L'approche artistique d'Ištvan Išt Huzjan est basée sur la conception de chemins et d'itinéraires à travers lesquels il explore la distance entre les personnes et les espaces et met l'accent sur les mouvements entre les lieux et les modes de déplacement. Nombre de ses projets renseignent sur les relations entre les individus, les structures sociales et les conditions historiques ou géographiques inhérentes. Les prises de vue photographiques constituent le matériau éphémère qui témoigne de lieux spécifiques ou d'actions culturellement déterminées. Dans une disposition en série, ces photographies sont parfois accompagnées d'objets comme autres éléments constitutifs, sous la forme d'un arpentage. L'exposition à Camera Austria présente une série de travaux performatifs de Huzjan, réalisés à l'invitation de différents curateurs* et institutions, qui mettent l'artiste en avant en tant qu'acteur. Dans celles-ci, il entremêle des moments d'espace et de temps dont il contrôle consciemment le déroulement. La documentation et la représentation constituent des points de référence qui situent le sujet dans différents niveaux de temps et d'espace. L'œuvre A Poem Between Us, réalisée pendant la pandémie et qui constitue également le titre de l'exposition, est présentée pour la première fois à Camera Austria.

L'approccio artistico di Ištvan Išt Huzjan si basa sulla progettazione di sentieri e percorsi, attraverso i quali esplora la distanza tra le persone e gli spazi e si concentra sui processi di movimento tra i luoghi e sulla natura della locomozione. Molti dei suoi progetti mettono in luce il rapporto tra individui, strutture sociali e condizioni storiche o geografiche intrinseche. Le fotografie costituiscono il materiale effimero che testimonia luoghi specifici o azioni culturalmente determinate. Nella disposizione seriale, queste fotografie sono talvolta accompagnate da oggetti come ulteriori componenti sotto forma di un'indagine territoriale. La mostra di Camera Austria presenta una serie di opere performative di Huzjan, realizzate su invito di vari curatori e istituzioni, che mettono in luce l'artista come attore. In questi lavori, Huzjan intreccia momenti di spazio e tempo, il cui corso è controllato consapevolmente da lui stesso. La documentazione e la rappresentazione costituiscono punti di riferimento che collocano il soggetto in diversi livelli di tempo e spazio. In mostra per la prima volta a Camera Austria c'è l'opera A Poem Between Us, creata durante la pandemia e che è anche il titolo della mostra.

Ištvan Išt Huzjan’s artistic approach is based on the design of paths and routes, which he uses to probe the distance between people and spaces, but also to shed light on movement patterns between places and the kinds of motion involved. Many of his projects provide information about relationships among individuals, societal structures, and inherent historical or geographical relations. Photographs are the ephemeral material that bears witness to specific places or culturally driven actions. These pictures arranged in series are at times accompanied, in the form of land surveying, by objects as added elements. The exhibition at Camera Austria shows a number of Huzjan’s performative works, which he made based on invitations by various curators and exhibition venues. These works focus on the artist as a protagonist in that Huzjan conflates spatial and temporal moments, consciously directing their progression. Documentation and representation are points of reference localizing the subject on different planes of time and space. The work A Poem Between Us, created during the pandemic, is being shown for the very first time at Camera Austria, and it also lends its name to the exhibition title.

(Text: Camera Austria, Graz)

Camera Austria | Graz
18. März - 21. Mai 2023

Transit Interior
Lucie Stahl

In ihren sowohl fotografischen als auch skulpturalen Arbeiten erkundet Lucie Stahl das weitestgehend abstrahierte Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt und zu anderen Lebewesen und macht die Abgründe jener Mechanismen sichtbar, auf denen die Konsumgesellschaften des 20. und 21. Jahrhunderts beruhen. Ihr Interesse gilt dabei einer Kultur der Extraktion, des obsessiven Be- und Abnutzens, der Überproduktion und den damit verbundenen Produktions-, Verarbeitungs- und Konsummodi – Mechanismen des Saugens, Pumpens, Fließens und der Umwandlung flüssiger Rohstoffe in Energie.

Für die Ausstellung Transit Interior bei Camera Austria, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Österreich, nimmt Lucie Stahl Fotografien zum Ausgangspunkt, die 2013 im Zuge einer Reise durch die USA entstanden sind. Während des Fahrens aus dem Auto heraus aufgenommene Momentaufnahmen, in denen verschiedene Zeiten – das Zurückliegende, die Gegenwart und das vor dem Fahrzeug liegende Zukünftige – zusammenkommen, werden von großformatigen Scan-Arbeiten, die Landschaften suggerieren, begleitet. Die Besucher*innen begeben sich in einen Raum des Dazwischen, der das Innere eines Autos oder auch ein Kino skizziert, und in dem das Abgründige, das hinter der (nicht nur) amerikanischen Car Culture liegt, spürbar wird. Die aufgeladene Klischeehaftigkeit der amerikanischen Landschaft, die ihr innewohnende Erhabenheit treffen auf eine von Individualismus geprägte Kultur vermeintlich »unendlicher Freiheit«, deren Faszination in Zeiten des Klimawandels und der sichtbaren, unabwendbaren Folgen des Extraktivismus, der all dies ermöglicht, zum Erliegen kommt.

Dans son travail photographique et sculptural, Lucie Stahl explore le rapport le plus abstrait possible de l'homme à son environnement et aux autres êtres vivants, et met en évidence les abîmes des mécanismes sur lesquels reposent les sociétés de consommation des 20e et 21e siècles. Elle s'intéresse ici à une culture de l'extraction, de l'utilisation et de l'usure obsessionnelles, de la surproduction et des modes de production, de transformation et de consommation qui y sont associés - des mécanismes d'aspiration, de pompage, d'écoulement et de transformation de matières premières liquides en énergie.

Pour l'exposition Transit Interior à Camera Austria, sa première exposition institutionnelle individuelle en Autriche, Lucie Stahl prend comme point de départ des photographies prises en 2013 au cours d'un voyage aux États-Unis. Des instantanés pris au volant d'une voiture, dans lesquels différents temps - le passé, le présent et le futur qui se trouve devant le véhicule - se rejoignent, sont accompagnés de travaux de scan grand format qui suggèrent des paysages. Les visiteurs* se rendent dans un espace de l'entre-deux, qui esquisse l'intérieur d'une voiture ou même d'un cinéma, et dans lequel l'abîme qui se cache derrière la car culture (pas seulement) américaine est perceptible. Les clichés chargés du paysage américain, la majesté qui lui est inhérente se heurtent à une culture marquée par l'individualisme et supposée "infinie liberté", dont la fascination s'essouffle à l'heure du changement climatique et des conséquences visibles et inéluctables de l'extractivisme qui rend tout cela possible.

Nelle sue opere, sia fotografiche che scultoree, Lucie Stahl esplora il rapporto in gran parte astratto degli esseri umani con l'ambiente e con gli altri esseri viventi e rende visibili gli abissi di quei meccanismi su cui si basano le società dei consumi del XX e XXI secolo. L'artista è interessata alla cultura dell'estrazione, all'uso e all'usura ossessivi, alla sovrapproduzione e alle relative modalità di produzione, lavorazione e consumo - meccanismi di aspirazione, pompaggio, scorrimento e conversione di materie prime liquide in energia.

Per la mostra Transit Interior presso Camera Austria, la sua prima personale istituzionale in Austria, Lucie Stahl prende spunto dalle fotografie scattate durante un viaggio negli Stati Uniti nel 2013. Le istantanee scattate dall'auto durante la guida, in cui si fondono tempi diversi - il passato, il presente e il futuro davanti al veicolo - sono accompagnate da opere di scansione di grande formato che suggeriscono paesaggi. Il visitatore entra in uno spazio intermedio che tratteggia l'interno di un'automobile o addirittura di un cinema, e in cui diventa palpabile l'abisso che si cela dietro la cultura automobilistica (non solo) americana. Il cliché carico del paesaggio americano, la sua intrinseca sublimità incontrano una cultura di presunta "libertà infinita" caratterizzata dall'individualismo, il cui fascino si arresta in tempi di cambiamenti climatici e di conseguenze visibili e inevitabili dell'estrattivismo che rende possibile tutto questo.

In both her photographic and sculptural work, Lucie Stahl explores the highly abstracted relationship of humans to their environment, and to other life forms. She sheds light on the abysses of those mechanisms that underpin the consumer societies of the twentieth and twenty-first centuries. Her interest lies in a culture of extraction, in obsessive use and wear, in overproduction and related modes of production, processing, and consumption—that is, mechanisms of suction, pumping, flow, and of the conversion of liquid resources into energy.

For the exhibition Transit Interior at Camera Austria, Lucie Stahl’s first institutional solo exhibition in Austria, the artist takes as her point of departure photographs made during a trip to the United States in 2013. Momentary impressions taken while riding in a car, in which different times—the bygone, the present, and the future waiting down the road ahead—coincide, are accompanied by large-format scanned works suggestive of landscapes. Visitors delve into an interstitial space that sketches the interior of a vehicle or of a cinema; almost palpable in this space are the inscrutable depths behind (not only) American car culture. Charged stereotypes of the American landscape with its intrinsic sublimity collide with a culture of supposed “endless freedom” characterized by individualism. The fascination of these aspects comes to a standstill in an era of climate change, with the visible, inescapable consequences of the extractivism that makes all this possible.

(Text: Camera Austria, Graz)

Camera Austria | Graz
10. Dezember 2022 - 19. Februar 2023

SUB | TEXTE
Günther Selichar

Seit Anfang der 1980er-Jahre beschäftigt sich Günther Selichar ungemein konsequent mit den uns überflutenden medialen Bildproduktionen und deren Konsequenzen für sich ständig verändernde Mediendemokratien. Den Schwerpunkt seiner fotografischen Arbeiten bilden vor allem die materiellen Komponenten von Bildproduktionen und die Frage nach ihren technologischen Grundlagen. Doch interessieren Selichar nicht primär die ästhetischen Aspekte von Apparaturen, sondern eine Analyse der technischen Rahmenbedingungen von Repräsentation und die Erarbeitung einer Art visuellen Grammatik medialer Bildproduktionen. In den Arbeiten von Selichar scheint ein Begehren am Realen als Begehren am Bild zu einem Endpunkt zu gelangen und sich endlos um sich selbst zu drehen, weil dahinter nichts mehr zu sehen sein kann. Mit der Präsentation des Projekts Nächtliches Realitätenbüro aus den Jahren 1981 – 1983 begeben wir uns mit Selichar an den Anfang der Untersuchung dieses Begehrens zurück. Dieser frühen Arbeit werden Beispiele aktueller Werke gegenübergestellt.

Die Ausstellung wird von einer zweisprachigen Publikation be­gleitet, die Teile des Künstlerbuchs Nächtliches Realitätenbüro aus dem Jahr 1984 sowie ein Gespräch des Künstlers mit dem Kurator Reinhard Braun enthält.

Depuis le début des années 1980, Günther Selichar s'intéresse de manière très conséquente aux productions d'images médiatiques qui nous submergent et à leurs conséquences sur des démocraties médiatiques en constante évolution. Ses travaux photographiques se concentrent avant tout sur les composantes matérielles des productions visuelles et sur la question de leurs fondements technologiques. Cependant, Selichar ne s'intéresse pas en premier lieu aux aspects esthétiques des appareils, mais plutôt à une analyse des conditions techniques de la représentation et à l'élaboration d'une sorte de grammaire visuelle des productions d'images médiatiques. Dans les travaux de Selichar, un désir du réel en tant que désir du visuel semble atteindre un point final et tourner indéfiniment sur lui-même, parce qu'il ne peut plus rien y avoir à voir derrière. Avec la présentation du projet Nächtliches Realitätenbüro (Bureau nocturne des réalités) des années 1981 - 1983, nous revenons avec Selichar au début de l'étude de ce désir. Ce travail précoce est confronté à des exemples d'œuvres actuelles.

L'exposition est accompagnée d'une publication bilingue qui contient des parties du livre d'artiste Nächtliches Realitätenbüro de 1984 ainsi qu'un entretien de l'artiste avec le commissaire Reinhard Braun.

Dall'inizio degli anni Ottanta, Günther Selichar ha affrontato con una coerenza fuori dal comune le produzioni di immagini mediatiche che ci sommergono e le loro conseguenze sulle democrazie mediatiche in costante evoluzione. Al centro dei suoi lavori fotografici ci sono soprattutto le componenti materiali della produzione di immagini e la questione dei loro fondamenti tecnologici. Tuttavia, Selichar non è interessato principalmente agli aspetti estetici degli apparati, ma all'analisi delle condizioni tecniche di rappresentazione e all'elaborazione di una sorta di grammatica visiva delle produzioni di immagini mediali. Nelle opere di Selichar, il desiderio del reale sembra raggiungere un punto di arrivo come desiderio dell'immagine e ruotare all'infinito intorno a se stesso perché dietro non si vede nulla. Con la presentazione del progetto Nocturnal Reality Office del 1981 - 1983, torniamo con Selichar all'inizio dell'indagine di questo desiderio. Questi primi lavori saranno accostati a esempi di opere recenti.

La mostra è accompagnata da una pubblicazione bilingue contenente parti del libro dell'artista Nächtliches Realitätenbüro del 1984 e una conversazione tra l'artista e il curatore Reinhard Braun.

Since the beginning of the 1980s, Günther Selichar has been immensely consistent in dealing with the media image productions that flood us and their consequences for constantly changing media democracies. The focus of his photographic works is primarily on the material components of image productions and the question of their technological foundations. However, Selichar is not primarily interested in the aesthetic aspects of apparatuses, but rather in an analysis of the technical framework of representation and the elaboration of a kind of visual grammar of medial image productions. In Selichar's works, a desire for the real as a desire for the image seems to reach an end point and to revolve endlessly around itself, because nothing can be seen behind it. With the presentation of the project Nächtliches Realitätenbüro from 1981 - 1983, we return with Selichar to the beginning of the investigation of this desire. This early work will be juxtaposed with examples of recent works.

The exhibition is accompanied by a bilingual publication that includes parts of the artist's book Nächtliches Realitätenbüro from 1984 as well as a conversation between the artist and curator Reinhard Braun.

(Text: Camera Austria, Graz)