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Ausstellung | Das Theater der Scheinbilder - Liu Bolin | Musée d'Elysée | Lausanne
Okt
17
zu 27. Jan.

Ausstellung | Das Theater der Scheinbilder - Liu Bolin | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
17. Oktober 2018 - 27. Januar 2019

Das Theater der Scheinbilder
Liu Bolin


Liu Bolin, Your World, aus der Serie „Hiding in the City“, 2014  © Liu Bolin / Courtesy Galerie Paris-Beijing

Liu Bolin, Your World, aus der Serie „Hiding in the City“, 2014
© Liu Bolin / Courtesy Galerie Paris-Beijing

Liu Bolins erste Museumsausstellung in der Schweiz: “Das Theater der Scheinbilder” versammelt knapp fünfzig grossformatige Fotografien und mehrere Skulpturen zu den Hauptthemen im Lebenswerk des chinesischen Künstlers: die politischen und wirtschaftlichen Strategien der chinesischen Staatsmacht, die überlieferten Traditionen sowie religiösen und kulturellen Symbole, die Widerstandsaktionen von einzelnen oder Gruppen, die Umgestaltung des Stadtraums, der Raubbau an der Natur und der Aufbau einer Hyperkonsumgesellschaft.


Première exposition muséale de Liu Bolin en Suisse, Le Théâtre des apparences rassemble près de cinquante photographies monumentales et plusieurs sculptures illustrant les grands thèmes abordés par l’artiste chinois au fil de sa carrière : les stratégies politiques et économiques du pouvoir chinois, les traditions ancestrales et les symboles religieux et culturels, les actions individuelles ou collectives de résistance, la transformation de l’environnement urbain, les dérives écologiques et la mise en place d’une société d’hyperconsommation.


The first museum exhibition in Switzerland of Liu Bolin’s work, The Theater of Appearances brings together almost fifty monumental photographs and several sculptures illustrating the main themes addressed by the Chinese artist over his career: the political and economic strategies of the Chinese government, ancestral traditions and religious and cultural symbols, individual or collective acts of resistance, the transformation of the urban environment, ecological damages and a hyper-consumerist society.

(Pressetext: Musée d’Elysée)



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Ausstellung | Ein Werk von unsäglicher Gewalt - Matthias Bruggmann | Musée d'Elysée | Lausanne
Okt
17
zu 27. Jan.

Ausstellung | Ein Werk von unsäglicher Gewalt - Matthias Bruggmann | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
17. Oktober 2018 - 27. Januar 2019

Ein Werk von unsäglicher Gewalt
Matthias Bruggmann


“Zwei Männer beweinen den Tod ihres Bruders, der von einer Armeegranate enthauptet wurde. Die Angst vor Bombenangriffen war so gross geworden, dass die Familien keine öffentlichen Beerdigungen mehr veranstalteten.“ Matthias

“Zwei Männer beweinen den Tod ihres Bruders, der von einer Armeegranate enthauptet wurde. Die Angst vor Bombenangriffen war so gross geworden, dass die Familien keine öffentlichen Beerdigungen mehr veranstalteten.“ Matthias

Matthias Bruggmann wurde mit seinem Syrienprojekt Preisträger der zweiten Ausgabe des von Parmigiani Fleurier geförderten Prix Elysée. Er möchte „bei einem westlichen Publikum ein tiefgehendes Verständnis für die unfassbare Gewalt wecken, die jedem Konflikt zugrunde liegt“ und setzt darauf, nichts in seinen expliziten, brutalen Bildern zu schönen. Die vor Ort entstandenen Aufnahmen drängen den Besucher, innezuhalten und sich das Ausmass eines Konflikts vor Augen zu führen, der zwar geografisch weit entfernt, aber durch die Medien doch allgegenwärtig ist.


Matthias Bruggmann est le lauréat de la deuxième édition du Prix Elysée, grâce au soutien de Parmigiani Fleurier, pour son projet sur la Syrie. Souhaitant « susciter, chez un public occidental, une compréhension viscérale de la violence intangible qui sous-tend tout conflit », il fait le pari de ne rien voiler de ses images, explicites et brutales. Réalisées sur le terrain, elles enjoignent le spectateur de ralentir, et de prendre la mesure d’un conflit – certes géographiquement lointain, mais rendu omniprésent dans les médias.


Matthias Bruggmann is the winner of the second edition of the Prix Elysée, with the support of Parmigiani Fleurier, for his project on Syria. Hoping to "bring, to Western viewers, a visceral comprehension of the intangible violence that underlies conflict", he takes the gamble of hiding nothing in his explicit and brutal pictures. Taken in the field, they force the viewer to slow down and take stock of the war — geographically distant, admittedly, but made omnipresent by the media.

(Pressetext: Musée d’Elysée)



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Ausstellung | Alex Prager - Erik Madigan Heck - Stéphane Dafflon - Thomas Liu Le Lann | Musée des beaux-arts | Le Locle
Nov
3
zu 27. Jan.

Ausstellung | Alex Prager - Erik Madigan Heck - Stéphane Dafflon - Thomas Liu Le Lann | Musée des beaux-arts | Le Locle


Musée des beaux-arts | Le Locle
3. November 2018 - 27. Januar 2019

Alex Prager, Erik Madigan Heck, Stéphane Dafflon, Thomas Liu Le Lann


In der kommenden Saison bietet das MBAL eine Reise durch die zeitgenössische Kunst von der Fotografie zum Video, von der Wandmalerei zu Stoffskulpturen. Ausnahmsweise sind diesmal alle vier vom MBAL vorgestellten Künstler eher jung (zwischen 24 und 46). Jeder von ihnen zeichnet sich durch die Einzigartigkeit seines Werkes aus, und sie alle werden von einer Leidenschaft für das künstlerische Schaffen motiviert.

© Alex Prager, Desiree, 2008, de la série de Big Valley. Courtesy Alex Prager Studio and Lehmann Maupin New York and Hong Kong

© Alex Prager, Desiree, 2008, de la série de Big Valley. Courtesy Alex Prager Studio and Lehmann Maupin New York and Hong Kong

Das Werk, welches die US-Amerikanerin Alex Prager seit 10 Jahren entwickelt, hebt sich besonders ab. Die von ihr dargestellten jungen Frauen im Retrolook – verstörte Heldinnen, die hin und her zwischen Sehnsüchten, Erwartungen und Tragödien gerissen sind, erscheinen ebenso unwiderstehlich wie einsam. Über die Fotografie und den Film zieht uns die Künstlerin durch sorgfältig ausgearbeitete Kulissen in ihre inneren Kämpfe hinein. Das MBAL freut sich, diese erste Retrospektive einer der gefragtesten Künstlerinnen der internationalen Szene verwirklicht zu haben.

© Erik Madigan Heck_Study in Purple (Etro)_2012. Courtesy of Christophe Guye Galerie

© Erik Madigan Heck_Study in Purple (Etro)_2012. Courtesy of Christophe Guye Galerie

Erik Madigan Heck, ein aufsteigender Stern am Himmel der zeitgenössischen Modefotografie, verwischt die Grenzen zwischen den Gattungen. Er gibt zu, dass seine Inspirationen aus der Malerei stammen – aus der Romantik, dem Impressionismus oder aus den Werken der Nabis – und nicht aus der Fotografie. An den Wänden des Museums werden seine innovativen Bilder zu zeitlosen Werken.

Thomas Liu Le Lann entführt seinerseits den Besucher in eine Fiktion die befremdlich wirkt, da sie von großen, an ein japanisches Manga erinnernden Plüschtieren bevölkert wird. Mit Vergnügen schließt sich das MBAL der HEAD Genf und der Fondation BNP Paris Suisse an, um Thomas Liu Le Lann, einem Absolventen dieses Sommers, den New Heads – Fondation BNP Paris Art Award zu verleihen und ihm damit die Möglichkeit zu geben, zum ersten Mal den Raum eines Museums zu erobern.

Schließlich wird mit der Wandmalerei des schweizerischen Künstlers Stéphane Dafflon ein neuer Zyklus aus semipermanenten Ausstellungen eröffnet. Der Künstler, der eingeladen wurde an den Wänden des Museumscafés ein Fresko zu gestalten, bringt den Raum auf überraschende Weise zum Schwingen. Das Gemälde von Dafflon, welches auf den ersten Blick einfach und minimalistisch wirkt, entfaltet eine Kraft, die den Blick anzieht und überwältigt. Mit diesem neuen Projekt wollten wir das Kunsterlebnis außerhalb der Ausstellungsräume bereits mit dem Betreten des Museums beginnen lassen.


Thomas Liu Le Lann, 5guys1tree, HEAD–Genève, 2018, ©Emily Bonnet

Thomas Liu Le Lann, 5guys1tree, HEAD–Genève, 2018, ©Emily Bonnet

Pour sa nouvelle saison, le MBAL propose un voyage à travers la création contemporaine, allant de la photographie à la vidéo, de la peinture murale aux sculptures en tissu. Une fois n’est pas coutume, les quatre artistes réunis par le MBAL sont plutôt jeunes (de 24 à 46 ans !), mènent chacun une œuvre singulière, et sont avant tout animés par une soif de création.

L’œuvre que développe depuis 10 ans l’Américaine Alex Prager, habitée par l’univers du cinéma, se distingue particulièrement. Ses jeunes femmes au look rétro, héroïnes perturbées prises entre désirs, attentes et drames, apparaissent aussi séduisantes que solitaires. C’est par la photographie et le film, au travers de scènes méticuleusement chorégraphiées, que l’artiste nous emmène dans ses tourments. Le MBAL est heureux d’avoir mis sur pied cette première rétrospective consacrée à l’une des artistes les plus acclamées sur la scène internationale.

Erik Madigan Heck, étoile montante de la photographie de mode contemporaine, brouille les genres. Il admet que ses inspirations sont du côté de la peinture – romantique, impressionniste ou celle des Nabis – et non de la photographie. Sur les murs du musée, ses images novatrices deviennent des tableaux intemporels.

De son côté, Thomas Liu Le Lann emmène le visiteur dans une fiction étrange peuplée de grandes peluches qui pourraient être tirées d’un manga japonais. Le MBAL est heureux de s’associer à la HEAD – Genève et à la Fondation BNP Paribas Suisse pour décerner à Thomas Liu Le Lann, diplômé cet été, le prix New Heads – Fondation BNP Paris Art Award, qui lui permet de prendre pour la première fois possession de l’espace d’un musée.

Enfin, un nouveau cycle d’expositions semi-permanentes est inauguré avec l’intervention murale de l’artiste suisse Stéphane Dafflon. Invité par le MBAL à créer une fresque sur les murs du café du musée, l’artiste fait vibrer le lieu de façon inattendue. La peinture de Dafflon, d’apparence simple et minimaliste, dégage une force qui attire et bouleverse le regard. Nous avons souhaité, avec ce nouveau projet, faire débuter l’expérience artistique hors des salles d’exposition, dès l’entrée au musée.


© Stéphane Dafflon (détail), 2018.jpg

© Stéphane Dafflon (détail), 2018.jpg

MBAL’s winter season offers an exploration of contemporary creation, from photography to video, from murals to fabric sculptures. Exceptionally, the four artists being highlighted by MBAL are young (from 24 to 46 years old) – yet their respective achievements stand on their own, the product of the artists’ overwhelming desire to create.

The body of photographic and videographic work developed over the past ten years by American Alex Prager is unmistakable for its cinematic overtones. Her female subjects with a throwback look – troubled heroines beset by desire, expectation and drama – are as seductive as they are solitary. The viewer is implicated in the artist’s torments by her meticulously choreographed scenes. Prager is one of the most widely acclaimed figures on the international art scene, and MBAL is proud to present the first retrospective of her work.

When it comes to artistic genres, Erik Madigan Heck is an iconoclast. A rising star in contemporary fashion photography, Heck admits to drawing greater inspiration from painting – Romanticism, Impressionism and Les Nabis – than photography. On our museum’s walls, his innovative images become timeless tableaux.

MBAL is also pleased to display the work of Thomas Liu Le Lann, who has just won the New Heads – BNP Paribas Art Foundation Award. This prize for young art school graduates, sponsored jointly by MBAL, the Geneva School of Art and Design (HEAD) and the BNP Paribas Swiss Foundation, includes the opportunity to show their work in a museum. In his piece, Liu Le Lann beckons the viewer into a strange fiction populated by oversized dolls that would be at home in a Japanese manga comic.

Lastly, a new series of semi-permanent exhibitions is being kicked off with the mural work of Swiss artist Stéphane Dafflon. Invited by MBAL to create a fresco on the walls of the museum café, the artist brings that space to life in unexpected ways. Dafflon’s paintings, deceptively simple and minimalist, possess a strength that catches – and confounds – the eye. Our aim with this series is to bring the art experience out of the exhibition rooms: viewers are pulled into our world before even setting foot in our museum. 

(Text: Nathalie Herschdorfer, Direktorin MBAL)

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Ausstellung | Semiautomatic - Jules Spinatsch | Centre de la Photographie | Genève
Dez
12
zu 2. Feb.

Ausstellung | Semiautomatic - Jules Spinatsch | Centre de la Photographie | Genève

  • Centre de la Photographie Genève Bac (Karte)
  • Google Kalender ICS

Centre de la Photographie Genève
12. Dezember 2018 - 2. Februar 2019

Semiautomatic
Jules Spinatsch


World Economic Forum Davos Switzerland | Jules Spinatsch

World Economic Forum Davos Switzerland | Jules Spinatsch


Jules Spinatsch (*1964) ist einer der anerkanntesten zeitgenössischen Schweizer Fotografen der internationalen Kunstszene. Er stellte in verschiedenen internationalen Museen aus, einschliesslich dem MoMA New York, der Fondation Cartier Paris, der Villa Arson Nice, dem Walker Art Center Minneapolis, der Tate Modern London, der SFMoMA San Francisco sowie dem Kunsthaus Zürich oder dem Fotomuseum Winterthur.

Die Ausstellung Semiautomatic Photography vereint 22 Panorama-Projekte, die der Künstler zwischen 2003 und 2016 realisiert hat. In Zusammenarbeit mit dem Informatiker Reto Diethelm, entwickelte er dafür eine spezielle Aufnahmetechnik mit einer halbautomatischen Webcam.

Beginnend im Jahr 2003, parallell zu seiner ersten Einzelausstellung Temporary Discomfort im Centre de la Photographie Genève, ist es Spinatsch gelungen, künstlerisch auf eine Methode der fotografischen Produktion, der sogenannten automatisierten Überwachungsfotografie, zu reagieren, die sich im Laufe der Zeit nur noch mehr durchsetzen sollte. Das erste Panorama, welches 2002 während des Weltwirtschaftsforums in Davos, seinem Geburtsort, entstand, markiert einen Wendepunkt in der Geschichte der kritischen Fotografie.

Die Ausstellung präsentiert nicht nur grossformatige Panoramen wie beispielsweise Fabre n'est pas venu (3,8 x 12 m), sondern zeigt diese auch in unterschiedlichen Formen: Bücher wie Competing Agendasor Vienna MMIX, Projektionen auf Flachbildschirme, Installationen wie die Vienna MMIXspiral oder die Rekonstruktion seines Studios, das in dieser Art noch nie gezeigt wurde.

(Text: Christophe Guye Galerie)

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Ausstellung | Freilebende Pferde - Markus Saxer | Le Roselet | Les Breuleux
Jan
19
zu 14. Juli

Ausstellung | Freilebende Pferde - Markus Saxer | Le Roselet | Les Breuleux


Le Roselet | Les Breuleux
19. Januar - 14. Juli 2019

Fotografien freilebender Pferde
Markus Saxer  


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Markus Saxer ist ein Schweizer Fotograf, der es auf faszinierende Weise versteht, Fotografie auf das Wesentliche zu reduzieren. Seine Bilder wirken als Ganzes – schlicht und doch unglaublich ausdrucksstark. Seine Umsetzung in Schwarz-Weiss verstärkt die Wirkung noch zusätzlich. 

Die Fotos entstehen bei Begegnungen mit freilebenden Pferden in den Naturreservaten von Spanien, Bosnien, Namibia, Island und Frankreich. Es entstehen faszinierende Momentaufnahmen vom Verhalten der Pferde. Markus Saxers Liebe zu und Vertrautheit mit Pferden lässt sich auch in seinen Fotografien erahnen. Wichtig ist ihm beim Fotografieren, dass die Tiere in ihrem natürlichen Sozialverhalten nicht gestört werden. Er erzählt: "Oft schaue ich den Tieren bewundernd zu und vergesse dabei ganz, den Auslöser der Kamera zu betätigen."

(Text: Ann Schär, Stiftung für das Pferd)

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Ausstellung | Beyrouth 75 - 15 - Stéphane Lagoutte | Focale | Nyon
Jan
20
zu 10. März

Ausstellung | Beyrouth 75 - 15 - Stéphane Lagoutte | Focale | Nyon

  • Focale - galerie – librairie (Karte)
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Focale | Nyon
20. Januar - 10. März 2018

Beyrouth 75 - 15
Stéphane Lagoutte


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Beyrouth est stratifiée, saturée. Elle vit un syncrétisme désespéré qui la rend belle et monstrueuse. J’ai rarement vu une terre heurter autant ses habitants. La guerre passée est encore si proche. On y parle toujours d’une construction permanente, de ses fêtes, de la vie qui aurait su garder ses droits. J’y vois pourtant une poussière épaisse qui s’est immiscée partout, déposée là comme un voile sur l’innocence. Les libanais aiment et détestent leur pays. Ils s’angoissent, pensent que tout peut se perdre toujours. Alors ils jouissent. Il n’y a pas d’autre choix. Et ce presque rien, ce fil ténu, résiste aux vents, les sauve en tissant leur prison. Une cage dorée pleine d’argent et de femmes. Fissurée. Le Liban fait partie de ces terres trop aimées. Aimées par des parties ennemies qui ont pratiqué la haine de l’autre jusqu’au sang mais pour le moment pas prêtes à tout perde. La noirceur qui j’y vois n’est pas celle des abysses, elle est aussi profonde que la lumière est proche. Le Liban ressemble à la vie: le deuil, la tragédie sont immanents à sa beauté.

Beyrouth 75-15 est composé de trois ans d’errances photographiques et d’images d’archives retrouvées dans les décombres d’un ancien hôtel de luxe du centre ville. Images antérieures à la guerre civile, danse et innocence d’avant l’histoire que je mixe avec les traces restées dans les chambres de l’hotel délabré et sur les murs de la ville aujourd’hui. J’y mêle paysages et instants de vie. Il s’agit d’évoquer l’intrication du passé et du présent. La mémoire d’une histoire commune enfouie en chaque libanais. Ou comment, en marge de notre nature, se terre l’obscure destin d’un peuple.Stéphane Lagoutte

(Text: Stéphane Lagoutte)

La photographie de Stéphane Lagoutte s’ancre sur le terrain de l’actualité. Il pose un regard singulier sur la société et plus particulièrement les questions liées aux identités et au déracinement en milieu hostile. Photographe de Presse, ses études en arts plastiques l’auront sans doute aidé à transcrire sa vision documentaire du monde en une photographie contemporaine qui questionne le support en fonction du propos. Ses travaux sont régulièrement représentés dans les festivals tels les Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, Visa pour l’Image, le Festival du regard ou les institutions telles le CNAP (Centre National des Arts Plastiques), la BNF (Bibliothèque Nationale Française) ou encore les instituts Français. Il est membre de l’agence MYOP depuis 2009.
www.myop.fr

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Vernissage | A Myth of Two Souls - Vasantha Yogananthan | Musée d'Elysée | Lausanne
Feb
19
6:00 nachm.18:00

Vernissage | A Myth of Two Souls - Vasantha Yogananthan | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
19. Februar 2019

A Myth of Two Souls
Vasantha Yogananthan


Vasantha Yogananthan, The Evening Before, Janakpur, Nepal, 2016 © Vasantha Yogananthan

Vasantha Yogananthan, The Evening Before, Janakpur, Nepal, 2016 © Vasantha Yogananthan

In dem Bestreben, zeitgenössisches Kunstschaffen zu unterstützen und an die Öffentlichkeit zu tragen, zeigt das Musée de l’Elysée die erste institutionelle Ausstellung des Projekts A Myth of Two Souls von Vasantha Yogananthan. Der 1985 geborene Yogananthan, fotografischer Autodidakt französisch-tamilischer Herkunft, gehört einer Generation an, die mit Vorliebe die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verwischt. Die Serie ist vom Ramajana inspiriert, einem Urtext der hinduistischen Mythologie, der zwischen dem dritten Jahrhundert vor Christus und dem dritten Jahrhundert unserer Zeitrechnung in Sanskrit verfasst wurde. Das immer wieder aktualisierte Ramajana stellt für den westlichen Leser eine Aufforderung dar, sich fernab aller Exotik mit Indien zu befassen.

Seit fast vier Jahren reist Vasantha Yogananthan regelmässig nach Indien und Sri Lanka, um weiter an seinem Projekt zu arbeiten, dessen sieben Kapiteln hier nun erstmals gemeinsam ausgestellt werden. Für jedes Kapitel wird im Untergeschoss des Museums ein eigener Raum mit einer besonderen Atmosphäre eingerichtet, entsprechend der gezielt eingesetzten stilistischen Besonderheiten, durch die der Künstler seine Geschichte in sieben Abschnitten gliedert. Während die ersten Räume (sprich Kapitel) mit gerahmten Abzügen an der Wand relativ traditionell gehalten sind, eröffnen die darauffolgenden Räume alternative Zeigesysteme, mit Projektionen, Bildtapeten oder Installationen. Der Künstler behandelt jedes Kapitel des Ramajana anders und erprobt bzw. aktualisiert traditionelle Fototechniken. Dies gilt vor allem für die ersten Kapitel mit ihren Schwarz-Weiss-Fotografien, die mit einer Plattenkamera aufgenommen und dann von einem indischen Maler handkoloriert wurden, wie es vor dem Aufkommen des Farbfilms im 19. Jahrhundert traditionell üblich war. Vasantha Yogananthan übernimmt dieses Verfahren und überträgt es ins Heute, indem er seine Fotografien ausserhalb des Ateliers, mit Passanten als Akteuren, aufnimmt. Der Bereich des häuslichen Porträts wird dabei – ohne Klassenunterschiede – auf die gesamte Gesellschaft und das ganze Land übertragen, von den Grossstädten bis in die entlegensten Landstriche.

Die sieben hier vorgestellten Kapitel – Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue – führen die Besucher auf einem Spaziergang durch Epochen und Schauplätze und machen sie zugleich mit seltenen Fototechniken vertraut. Die Ausstellung umfasst Fotoarbeiten, neu gemalte Drucke und eine mehrkanalige Videoinstallation.


Soucieux de soutenir et de promouvoir la création contemporaine, le Musée de l’Elysée présente la première exposition institutionnelle du projet A Myth of Two Souls de Vasantha Yogananthan. Né en 1985, photographe autodidacte d’origine franco-tamoule, Yogananthan appartient à une génération qui aime brouiller les lignes entre fiction et réalité. Cette série est inspirée par le Râmâyana, œuvre fondamentale de la mythologie hindoue, écrite en sanskrit entre le IIIe siècle avant J.-C. et le IIIe siècle de notre ère. Sans cesse réactualisé, le Râmâyana se présente ainsi au lecteur occidental comme une invitation à appréhender l’Inde au-delà de l’exotisme.

Depuis presque quatre ans, Vasantha Yogananthan se rend régulièrement en Inde et au Sri Lanka pour compléter son projet, dont la plus grande partie des sept chapitres qui le composent seront pour la première fois exposés ensemble. Un espace spécifique à chaque section sera aménagé à l’étage inférieur du Musée de l’Elysée, créant ainsi une atmosphère particulière et propre à chacune des stylistiques convoquées par l’artiste pour développer son histoire en sept étapes. Si les premières salles – et de fait, chapitres – seront de facture relativement traditionnelle en présentant, au mur, des tirages encadrés, les suivantes permettront une mise en avant de systèmes de monstration alternatifs, comme la projection, le papier peint ou l’installation. L’artiste développe en effet des traitements esthétiques différents et explore, ou revisite, des techniques ancestrales. C’est le cas notamment de la section inaugurale de A Myth of Two Souls, constitué de photographies noir/blanc, réalisées à la chambre, par la suite colorisées à la main par un peintre indien comme cela se faisait traditionnellement au XIXe siècle, avant l’apparition de la pellicule couleur. Vasantha Yogananthan se réapproprie cette technique tout en la modernisant, réalisant ses photographies hors studio, avec des passants devenus acteurs. Le champ du portrait domestique est ainsi étendu à l’ensemble de la société – sans distinction de classes – et à l’ensemble du territoire, des métropoles à la campagne profonde.

Les sept chapitres exposés – Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue – offriront aux visiteurs une déambulation à la fois temporelle et géographique, tout en leur faisant découvrir des techniques photographiques peu répandues et une scénographie originale. L’exposition comprends des œuvres photographiques, des tirages repeints ainsi qu’une installation vidéo multi channel.

(Text: Musée d’Elysée)

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Vernissage | Martine Franck | Musée d'Elysée | Lausenne
Feb
19
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Martine Franck | Musée d'Elysée | Lausenne


Musée d’Elysée | Lausanne
19. Februar 2019

Martine Franck


Martine Franck, Tory Island, Comté de Donegal, Irlande, 1995 © Martine Franck / Magnum Photos

Martine Franck, Tory Island, Comté de Donegal, Irlande, 1995 © Martine Franck / Magnum Photos

Aus dem Wunsch heraus, die Pionierleistung von Frauen in der Fotografie des 20. Jahrhunderts stärker ins Licht zu rücken, zeigt das Musée de l’Elysée einen grossangelegten Rückblick auf das Werk von Martine Franck (1938-2012). Die von der Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris konzipierte, in Zusammenarbeit mit dem Musée de l’Elysée erarbeitete und bisher umfassendste Schau besteht aus nahezu 140 Fotografien, die zum Teil noch nie öffentlich gezeigt und in ihrer Mehrheit von der Fotografin selbst ausgewählt wurden.

Ausstellung und Publikation vermitteln nicht nur eine noch unbekannte Perspektive einer Fotografin auf ihr Lebenswerk, sie basieren zudem – im Unterschied zu vorausgegangenen Retrospektiven – auf ausführlichen Recherchen in Martine Francks Archiv. Als eine der Protagonistinnen der Fotokunst des 20. Jahrhunderts, die 1970 Mitglied der Agentur Vu, 1972 Mitbegründerin der Agentur Viva und ab 1983 Mitglied der Arbeitsgemeinschaft Magnum war, kam die Journalistin, Reporterin und Porträtistin aus einer persönlichen Praxis heraus, hauptsächlich auf ihren Reisen durch Asien und Europa, zur Fotografie. Mit der Entscheidung für eine berufliche Laufbahn als Fotografin wählte sie ein Betätigungsfeld, auf dem noch kaum Frauen zu finden waren. Dennoch gelang es ihr, sich eine Stellung zu sichern, indem sie sich von ihren Kollegen kaum beachteten Themen zuwandte, wie etwa die Arbeitswelt, Frauen, das Alter, Solidarität und Entwicklungshilfe. Fast 50 Jahre lang schuf sie so, unabhängig von jeder ästhetischen Strömung, ein persönliches Werk, dessen Schwerpunkt die Existenzbedingungen der Menschen rund um den Erdball bilden.

Mit der Aufnahme dieser Ausstellung ins Programm eröffnet das Musée de l’Elysée den Besuchern die Chance, ein zentrales Werk neu zu entdecken, in dem sich nicht nur ein breites Themenspektrum, sondern auch ein eindringlicher, aussergewöhnlicher Blick auf unsere Epoche spiegeln.


Souhaitant mettre en lumière l’oeuvre pionnière des femmes photographes au cours du XXe siècle, le Musée de l’Elysée présente une importante rétrospective consacrée à Martine Franck (1938-2012). Conçue par la Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris, et coproduite avec le Musée de l’Elysée, cette exposition, unique par son ampleur, est constituée de près de 140 photographies, dont certaines inédites, en grande partie sélectionnées par la photographe de son vivant.

Au-delà de ce regard inédit d’une photographe sur l’ensemble de son oeuvre, ce projet d’exposition et d’édition est fondé sur une étude approfondie des archives de Martine Franck, ce qui la démarque des rétrospectives précédentes.

Figure essentielle de l’art photographique du XXe siècle, membre de l’agence VU en 1970, cofondatrice de l’agence Viva en 1972 et membre de la coopérative Magnum à partir de 1983, journaliste, reporter et portraitiste, Martine Franck vient à la photographie à travers une démarche personnelle liée en grande partie à ses voyages en Asie et en Europe. Lorsqu’elle décide de se consacrer à la carrière de photographe, elle choisit un domaine d’activité comprenant encore peu de femmes. Elle réussit pourtant à trouver sa place en s’attachant à des sujets peu abordés par ses confrères, comme le monde du travail, les femmes, la vieillesse, la solidarité et l’humanitaire. Durant près d’une cinquantaine d’années, indépendamment de tout courant esthétique, elle a ainsi construit une oeuvre personnelle en grande partie consacrée à la condition humaine à travers le monde.

En programmant cette exposition, le Musée de l’Elysée offre au public la possibilité de redécouvrir une œuvre majeure qui, au-delà de la diversité des sujets, porte un regard intense et singulier sur notre époque.

(Text: Musée d’Elysée)

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Ausstellung | A Myth of Two Souls - Vasantha Yogananthan | Musée d'Elysée | Lausanne
Feb
20
zu 5. Mai

Ausstellung | A Myth of Two Souls - Vasantha Yogananthan | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
20. Februar - 5. Mai 2019

A Myth of Two Souls
Vasantha Yogananthan


Vasantha Yogananthan, The Evening Before, Janakpur, Nepal, 2016 © Vasantha Yogananthan

Vasantha Yogananthan, The Evening Before, Janakpur, Nepal, 2016 © Vasantha Yogananthan

In dem Bestreben, zeitgenössisches Kunstschaffen zu unterstützen und an die Öffentlichkeit zu tragen, zeigt das Musée de l’Elysée die erste institutionelle Ausstellung des Projekts A Myth of Two Souls von Vasantha Yogananthan. Der 1985 geborene Yogananthan, fotografischer Autodidakt französisch-tamilischer Herkunft, gehört einer Generation an, die mit Vorliebe die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verwischt. Die Serie ist vom Ramajana inspiriert, einem Urtext der hinduistischen Mythologie, der zwischen dem dritten Jahrhundert vor Christus und dem dritten Jahrhundert unserer Zeitrechnung in Sanskrit verfasst wurde. Das immer wieder aktualisierte Ramajana stellt für den westlichen Leser eine Aufforderung dar, sich fernab aller Exotik mit Indien zu befassen.

Seit fast vier Jahren reist Vasantha Yogananthan regelmässig nach Indien und Sri Lanka, um weiter an seinem Projekt zu arbeiten, dessen sieben Kapiteln hier nun erstmals gemeinsam ausgestellt werden. Für jedes Kapitel wird im Untergeschoss des Museums ein eigener Raum mit einer besonderen Atmosphäre eingerichtet, entsprechend der gezielt eingesetzten stilistischen Besonderheiten, durch die der Künstler seine Geschichte in sieben Abschnitten gliedert. Während die ersten Räume (sprich Kapitel) mit gerahmten Abzügen an der Wand relativ traditionell gehalten sind, eröffnen die darauffolgenden Räume alternative Zeigesysteme, mit Projektionen, Bildtapeten oder Installationen. Der Künstler behandelt jedes Kapitel des Ramajana anders und erprobt bzw. aktualisiert traditionelle Fototechniken. Dies gilt vor allem für die ersten Kapitel mit ihren Schwarz-Weiss-Fotografien, die mit einer Plattenkamera aufgenommen und dann von einem indischen Maler handkoloriert wurden, wie es vor dem Aufkommen des Farbfilms im 19. Jahrhundert traditionell üblich war. Vasantha Yogananthan übernimmt dieses Verfahren und überträgt es ins Heute, indem er seine Fotografien ausserhalb des Ateliers, mit Passanten als Akteuren, aufnimmt. Der Bereich des häuslichen Porträts wird dabei – ohne Klassenunterschiede – auf die gesamte Gesellschaft und das ganze Land übertragen, von den Grossstädten bis in die entlegensten Landstriche.

Die sieben hier vorgestellten Kapitel – Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue – führen die Besucher auf einem Spaziergang durch Epochen und Schauplätze und machen sie zugleich mit seltenen Fototechniken vertraut. Die Ausstellung umfasst Fotoarbeiten, neu gemalte Drucke und eine mehrkanalige Videoinstallation.


Soucieux de soutenir et de promouvoir la création contemporaine, le Musée de l’Elysée présente la première exposition institutionnelle du projet A Myth of Two Souls de Vasantha Yogananthan. Né en 1985, photographe autodidacte d’origine franco-tamoule, Yogananthan appartient à une génération qui aime brouiller les lignes entre fiction et réalité. Cette série est inspirée par le Râmâyana, œuvre fondamentale de la mythologie hindoue, écrite en sanskrit entre le IIIe siècle avant J.-C. et le IIIe siècle de notre ère. Sans cesse réactualisé, le Râmâyana se présente ainsi au lecteur occidental comme une invitation à appréhender l’Inde au-delà de l’exotisme.

Depuis presque quatre ans, Vasantha Yogananthan se rend régulièrement en Inde et au Sri Lanka pour compléter son projet, dont la plus grande partie des sept chapitres qui le composent seront pour la première fois exposés ensemble. Un espace spécifique à chaque section sera aménagé à l’étage inférieur du Musée de l’Elysée, créant ainsi une atmosphère particulière et propre à chacune des stylistiques convoquées par l’artiste pour développer son histoire en sept étapes. Si les premières salles – et de fait, chapitres – seront de facture relativement traditionnelle en présentant, au mur, des tirages encadrés, les suivantes permettront une mise en avant de systèmes de monstration alternatifs, comme la projection, le papier peint ou l’installation. L’artiste développe en effet des traitements esthétiques différents et explore, ou revisite, des techniques ancestrales. C’est le cas notamment de la section inaugurale de A Myth of Two Souls, constitué de photographies noir/blanc, réalisées à la chambre, par la suite colorisées à la main par un peintre indien comme cela se faisait traditionnellement au XIXe siècle, avant l’apparition de la pellicule couleur. Vasantha Yogananthan se réapproprie cette technique tout en la modernisant, réalisant ses photographies hors studio, avec des passants devenus acteurs. Le champ du portrait domestique est ainsi étendu à l’ensemble de la société – sans distinction de classes – et à l’ensemble du territoire, des métropoles à la campagne profonde.

Les sept chapitres exposés – Early Times, The Promise, Exile, Dandaka, The Quest, Lanka, The Epilogue – offriront aux visiteurs une déambulation à la fois temporelle et géographique, tout en leur faisant découvrir des techniques photographiques peu répandues et une scénographie originale. L’exposition comprends des œuvres photographiques, des tirages repeints ainsi qu’une installation vidéo multi channel.

(Text: Musée d’Elysée)

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Ausstellung | Martine Franck | Musée d'Elysée | Lausenne
Feb
20
zu 5. Mai

Ausstellung | Martine Franck | Musée d'Elysée | Lausenne


Musée d’Elysée | Lausanne
20. Februar - 5. Mai 2019

Martine Franck


Martine Franck, Tory Island, Comté de Donegal, Irlande, 1995 © Martine Franck / Magnum Photos

Martine Franck, Tory Island, Comté de Donegal, Irlande, 1995 © Martine Franck / Magnum Photos

Aus dem Wunsch heraus, die Pionierleistung von Frauen in der Fotografie des 20. Jahrhunderts stärker ins Licht zu rücken, zeigt das Musée de l’Elysée einen grossangelegten Rückblick auf das Werk von Martine Franck (1938-2012). Die von der Fondation Henri Cartier-Bresson in Paris konzipierte, in Zusammenarbeit mit dem Musée de l’Elysée erarbeitete und bisher umfassendste Schau besteht aus nahezu 140 Fotografien, die zum Teil noch nie öffentlich gezeigt und in ihrer Mehrheit von der Fotografin selbst ausgewählt wurden.

Ausstellung und Publikation vermitteln nicht nur eine noch unbekannte Perspektive einer Fotografin auf ihr Lebenswerk, sie basieren zudem – im Unterschied zu vorausgegangenen Retrospektiven – auf ausführlichen Recherchen in Martine Francks Archiv. Als eine der Protagonistinnen der Fotokunst des 20. Jahrhunderts, die 1970 Mitglied der Agentur Vu, 1972 Mitbegründerin der Agentur Viva und ab 1983 Mitglied der Arbeitsgemeinschaft Magnum war, kam die Journalistin, Reporterin und Porträtistin aus einer persönlichen Praxis heraus, hauptsächlich auf ihren Reisen durch Asien und Europa, zur Fotografie. Mit der Entscheidung für eine berufliche Laufbahn als Fotografin wählte sie ein Betätigungsfeld, auf dem noch kaum Frauen zu finden waren. Dennoch gelang es ihr, sich eine Stellung zu sichern, indem sie sich von ihren Kollegen kaum beachteten Themen zuwandte, wie etwa die Arbeitswelt, Frauen, das Alter, Solidarität und Entwicklungshilfe. Fast 50 Jahre lang schuf sie so, unabhängig von jeder ästhetischen Strömung, ein persönliches Werk, dessen Schwerpunkt die Existenzbedingungen der Menschen rund um den Erdball bilden.

Mit der Aufnahme dieser Ausstellung ins Programm eröffnet das Musée de l’Elysée den Besuchern die Chance, ein zentrales Werk neu zu entdecken, in dem sich nicht nur ein breites Themenspektrum, sondern auch ein eindringlicher, aussergewöhnlicher Blick auf unsere Epoche spiegeln.


Souhaitant mettre en lumière l’oeuvre pionnière des femmes photographes au cours du XXe siècle, le Musée de l’Elysée présente une importante rétrospective consacrée à Martine Franck (1938-2012). Conçue par la Fondation Henri Cartier-Bresson, Paris, et coproduite avec le Musée de l’Elysée, cette exposition, unique par son ampleur, est constituée de près de 140 photographies, dont certaines inédites, en grande partie sélectionnées par la photographe de son vivant.

Au-delà de ce regard inédit d’une photographe sur l’ensemble de son oeuvre, ce projet d’exposition et d’édition est fondé sur une étude approfondie des archives de Martine Franck, ce qui la démarque des rétrospectives précédentes.

Figure essentielle de l’art photographique du XXe siècle, membre de l’agence VU en 1970, cofondatrice de l’agence Viva en 1972 et membre de la coopérative Magnum à partir de 1983, journaliste, reporter et portraitiste, Martine Franck vient à la photographie à travers une démarche personnelle liée en grande partie à ses voyages en Asie et en Europe. Lorsqu’elle décide de se consacrer à la carrière de photographe, elle choisit un domaine d’activité comprenant encore peu de femmes. Elle réussit pourtant à trouver sa place en s’attachant à des sujets peu abordés par ses confrères, comme le monde du travail, les femmes, la vieillesse, la solidarité et l’humanitaire. Durant près d’une cinquantaine d’années, indépendamment de tout courant esthétique, elle a ainsi construit une oeuvre personnelle en grande partie consacrée à la condition humaine à travers le monde.

En programmant cette exposition, le Musée de l’Elysée offre au public la possibilité de redécouvrir une œuvre majeure qui, au-delà de la diversité des sujets, porte un regard intense et singulier sur notre époque.

(Text: Musée d’Elysée)

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Vernissage | Everything is up in the air, thus our vertigo - Yann Mingard | Musée d'Elysée | Lausanne
Mai
28
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Everything is up in the air, thus our vertigo - Yann Mingard | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
28. Mai 2019

Everything is up in the air, thus our vertigo
Yann Mingard


Yann Mingard_Chapitre Evolution, un lion a la criniere empaille 2015 © Yann Mingard_Courtesy Parotta Contemporary Art.jpg

Das Projekt Everything is up in the air, thus our vertigo des Schweizer Fotografen Yann Mingard ist zwischen 2015 - 18 entstanden. Es stellt einen Meilenstein im karrierebegleitenden Interesse des Künstlers zur Schaffung einer „fotografischen Diagnostik von Zeitgenossenschaft“ dar. Dies vor allem im Hinblick auf weitreichende natürliche, technologische und soziale Phänomene und deren Auswirkungen sowohl auf unseren gegenwärtigen „Geisteszustand“ als auch den „Weltzustand“. Die Ausstellung ist nicht nur eine europäische Premiere, sondern zeigt – nach Ausstellungen zu Matthias Bruggmann oder Nicolas Savary – auch das Engagement des Musée de l’Elysée für die Unterstützung von aufstrebenden und etablierten Künstlern in der Schweiz. In diesem Fall hat der in Colombier lebende und vormals auch im Gartenbau tätige Künstler eine Werkreihe geschaffen, die von geologischen Vorstellungen und Konzepten wie der Sedimentation und Schichtung inspiriert ist. Sie aktiviert damit teils paradoxe, teils auch dystopische Metaphern und Kontexte, die global verteilte Phänomene aus verschiedenen Zeitaltern zu kombinieren vermögen. So taucht der Künstler in einem Unterkapitel sowohl in unsere aktuelle Medienlandschaft, als auch in die Kunstgeschichte ein und stellt Webcam-Bilder von Himmeln chinesischer Metropolen den Details von Himmeln aus William Turner Gemälden gegenüber. Diese doppelte Bewegung in Zeit und Raum wurde durch eine Studie inspiriert, die den langfristigen Klimawandel anhand visueller Beweise untersucht, welche einer grossen Stichprobe historischer Gemälde entnommen wurden.

Durch die Kombination seines charakteristischen und oft düsteren fotografischen Stils von Stillleben und Landschaftsbildern mit angeeigneten Dokumenten und Filmstills gelingt es ihm, eine synoptische visuelle Gegenüberstellung zu erzeugen. Dabei werden mehrere Szenarien nebeneinandergestellt: eine nukleare Beinahe-Katastrophe, die „Wiedererschaffungsbestrebungen“ des Wollmammuts und die Weiterentwicklung eines katholischen Gelübdes, welches in der Aletschregion zur Beeinflussung der Gletscherentwicklung verwendet wird. Diese globalen Zusammenhänge und das Anthropozän als Periode planetarischer menschlicher Intervention, werden hier als manchmal absurde, aber immer sehr lokale und historisch spezifische Unterkapitel präsentiert. War sein vorheriges Projekt Deposit noch langfristiger und enzyklopädischer angelegt, so ist das aktuelle Projekt in seiner künstlerischen Strategie allegorischer, aber nicht weniger weitreichend und relevant. Letztendlich fordert uns die Ausstellung auf, unsere eigene Positionierung als Bürger/innen und Konsument/ innen in einer Welt zu überdenken, welche angesichts unseres Schicksals als planetarisches Netzwerk menschlicher und nichtmenschlicher Akteure immer öfter aus dem Ruder geraten und damit schwindelerregend erscheint.


Le projet Tant de choses planent dans l’air, d’où notre vertige a été conçu par le photographe suisse Yann Mingard entre 2015 et 2018. Il marque une nouvelle évolution de l’intérêt que porte l’artiste à la création de « diagnostics photographiques de la contemporanéité », en rapport avec des phénomènes naturels, technologiques et sociaux ainsi que leur impact sur notre état d’esprit actuel et celui du monde en général. L’exposition reflète l’engagement et le soutien constants du Musée de l’Elysée envers les artistes suisses émergents, ou déjà plus avancés dans leur carrière, comme ce fut le cas avec Nicolas Savary et Matthias Bruggmann. C’est par ailleurs une première en Europe.

L’œuvre de Yann Mingard, qui vit à Colombier et est horticulteur de formation, s’inspire de notions et de méthodes empruntées à la géologie, comme celles de sédimentation et de stratification. Elle engendre des métaphores tenant du paradoxe ou de la dystopie, à l’instar de situations qui parviennent à combiner des phénomènes aux temporalités différentes, téléportant ainsi l’observateur de l’instant présent vers notre passé préhistorique. Ceci s’illustre, par exemple. dans un sous-chapitre où l’artiste explore le paysage médiatique actuel et l’histoire de l’art, juxtaposant des images prises, par webcam, de ciels métropolitains chinois à des morceaux de ciels peints par William Turner. Ces doubles mouvements, tant dans le temps que l’espace, furent inspirés par les travaux d’un climatologue qui a étudié, sur la durée, le changement climatique à travers des preuves visuelles fournies par un nombre important de peintures historiques. En combinant un style photographique assez sombre dans ses natures mortes et ses paysages avec des documents et enregistrements provenant d’une variété de sources, Yann Mingard parvient à créer un itinéraire visuel synoptique. Côte à côte se retrouvent des scénarios de presque-accidents nucléaires, des tentatives de résurrection du mammouth laineux et l’évolution, ou plus exactement l’inversion, d’une prière catholique vieille d’un siècle utilisée dans la région d’Aletsch pour préserver son glacier.

Le contexte mondial et les cadres temporels géologiques dans lesquels se produisent le changement climatique et l’anthropocène – appelée aussi Grande accélération –, où l’activité humaine a pris une ampleur planétaire, sont ici mis en scène comme des chapitres secondaires parfois absurdes, propres à un lieu et un moment historique particuliers. Au final, l’exposition nous invite à réfléchir sur notre propre rôle et nos prises de position en tant que citoyens et consommateurs, dans un monde qui semble de plus en plus à la dérive et pris de vertige face au destin qui sera le nôtre en tant que réseau planétaire d’acteurs humains et non humains.

(Text: Musée d’Elysée Lausanne)

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Ausstellung | Everything is up in the air, thus our vertigo - Yann Mingard | Musée d'Elysée | Lausanne
Mai
29
zu 25. Aug.

Ausstellung | Everything is up in the air, thus our vertigo - Yann Mingard | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
29. Mai - 25. August 2019

Everything is up in the air, thus our vertigo
Yann Mingard


Yann Mingard_Chapitre Evolution, un lion a la criniere empaille 2015 © Yann Mingard_Courtesy Parotta Contemporary Art.jpg

Das Projekt Everything is up in the air, thus our vertigo des Schweizer Fotografen Yann Mingard ist zwischen 2015 - 18 entstanden. Es stellt einen Meilenstein im karrierebegleitenden Interesse des Künstlers zur Schaffung einer „fotografischen Diagnostik von Zeitgenossenschaft“ dar. Dies vor allem im Hinblick auf weitreichende natürliche, technologische und soziale Phänomene und deren Auswirkungen sowohl auf unseren gegenwärtigen „Geisteszustand“ als auch den „Weltzustand“. Die Ausstellung ist nicht nur eine europäische Premiere, sondern zeigt – nach Ausstellungen zu Matthias Bruggmann oder Nicolas Savary – auch das Engagement des Musée de l’Elysée für die Unterstützung von aufstrebenden und etablierten Künstlern in der Schweiz. In diesem Fall hat der in Colombier lebende und vormals auch im Gartenbau tätige Künstler eine Werkreihe geschaffen, die von geologischen Vorstellungen und Konzepten wie der Sedimentation und Schichtung inspiriert ist. Sie aktiviert damit teils paradoxe, teils auch dystopische Metaphern und Kontexte, die global verteilte Phänomene aus verschiedenen Zeitaltern zu kombinieren vermögen. So taucht der Künstler in einem Unterkapitel sowohl in unsere aktuelle Medienlandschaft, als auch in die Kunstgeschichte ein und stellt Webcam-Bilder von Himmeln chinesischer Metropolen den Details von Himmeln aus William Turner Gemälden gegenüber. Diese doppelte Bewegung in Zeit und Raum wurde durch eine Studie inspiriert, die den langfristigen Klimawandel anhand visueller Beweise untersucht, welche einer grossen Stichprobe historischer Gemälde entnommen wurden.

Durch die Kombination seines charakteristischen und oft düsteren fotografischen Stils von Stillleben und Landschaftsbildern mit angeeigneten Dokumenten und Filmstills gelingt es ihm, eine synoptische visuelle Gegenüberstellung zu erzeugen. Dabei werden mehrere Szenarien nebeneinandergestellt: eine nukleare Beinahe-Katastrophe, die „Wiedererschaffungsbestrebungen“ des Wollmammuts und die Weiterentwicklung eines katholischen Gelübdes, welches in der Aletschregion zur Beeinflussung der Gletscherentwicklung verwendet wird. Diese globalen Zusammenhänge und das Anthropozän als Periode planetarischer menschlicher Intervention, werden hier als manchmal absurde, aber immer sehr lokale und historisch spezifische Unterkapitel präsentiert. War sein vorheriges Projekt Deposit noch langfristiger und enzyklopädischer angelegt, so ist das aktuelle Projekt in seiner künstlerischen Strategie allegorischer, aber nicht weniger weitreichend und relevant. Letztendlich fordert uns die Ausstellung auf, unsere eigene Positionierung als Bürger/innen und Konsument/ innen in einer Welt zu überdenken, welche angesichts unseres Schicksals als planetarisches Netzwerk menschlicher und nichtmenschlicher Akteure immer öfter aus dem Ruder geraten und damit schwindelerregend erscheint.


Le projet Tant de choses planent dans l’air, d’où notre vertige a été conçu par le photographe suisse Yann Mingard entre 2015 et 2018. Il marque une nouvelle évolution de l’intérêt que porte l’artiste à la création de « diagnostics photographiques de la contemporanéité », en rapport avec des phénomènes naturels, technologiques et sociaux ainsi que leur impact sur notre état d’esprit actuel et celui du monde en général. L’exposition reflète l’engagement et le soutien constants du Musée de l’Elysée envers les artistes suisses émergents, ou déjà plus avancés dans leur carrière, comme ce fut le cas avec Nicolas Savary et Matthias Bruggmann. C’est par ailleurs une première en Europe.

L’œuvre de Yann Mingard, qui vit à Colombier et est horticulteur de formation, s’inspire de notions et de méthodes empruntées à la géologie, comme celles de sédimentation et de stratification. Elle engendre des métaphores tenant du paradoxe ou de la dystopie, à l’instar de situations qui parviennent à combiner des phénomènes aux temporalités différentes, téléportant ainsi l’observateur de l’instant présent vers notre passé préhistorique. Ceci s’illustre, par exemple. dans un sous-chapitre où l’artiste explore le paysage médiatique actuel et l’histoire de l’art, juxtaposant des images prises, par webcam, de ciels métropolitains chinois à des morceaux de ciels peints par William Turner. Ces doubles mouvements, tant dans le temps que l’espace, furent inspirés par les travaux d’un climatologue qui a étudié, sur la durée, le changement climatique à travers des preuves visuelles fournies par un nombre important de peintures historiques. En combinant un style photographique assez sombre dans ses natures mortes et ses paysages avec des documents et enregistrements provenant d’une variété de sources, Yann Mingard parvient à créer un itinéraire visuel synoptique. Côte à côte se retrouvent des scénarios de presque-accidents nucléaires, des tentatives de résurrection du mammouth laineux et l’évolution, ou plus exactement l’inversion, d’une prière catholique vieille d’un siècle utilisée dans la région d’Aletsch pour préserver son glacier.

Le contexte mondial et les cadres temporels géologiques dans lesquels se produisent le changement climatique et l’anthropocène – appelée aussi Grande accélération –, où l’activité humaine a pris une ampleur planétaire, sont ici mis en scène comme des chapitres secondaires parfois absurdes, propres à un lieu et un moment historique particuliers. Au final, l’exposition nous invite à réfléchir sur notre propre rôle et nos prises de position en tant que citoyens et consommateurs, dans un monde qui semble de plus en plus à la dérive et pris de vertige face au destin qui sera le nôtre en tant que réseau planétaire d’acteurs humains et non humains.

(Text: Musée d’Elysée Lausanne)

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Vernissage | Jan Groover | Musée d'Elysée | Lausanne
Sep
17
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Jan Groover | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
17. September 2018

Jan Groover


Jan Groover, Sans titre, vers 1987 © Musée de l’Elysée, Lausanne – Fonds Jan Groover

Jan Groover, Sans titre, vers 1987 © Musée de l’Elysée, Lausanne – Fonds Jan Groover

Die Ausstellung bietet den ersten Rückblick auf das Gesamtwerk der US-amerikanischen Fotografin Jan Groover (1943-2012), deren privater Nachlass 2017 in die Sammlung des Musée de l’Elysée kam. Anhand einer Auswahl von Archivstücken aus diesem Nachlass behandelt die Schau nicht nur die New Yorker Jahre der Künstlerin, sondern mit ihrer Zeit in Frankreich auch den wohl am wenigsten bekannten Abschnitt ihres Schaffens. Der Rundgang präsentiert die Ergebnisse umfassender Forschungsarbeiten des Museumsteams an diesem Bestand, die sowohl konservatorische Aspekte (eine genaue Untersuchung der fotografischen Verfahren und Trägermaterialien, restauratorische Behandlung) als auch historische Dokumentation (Groovers Werk im Kontext und seine Rezeption aufseiten von Institutionen und Kritik) beinhalteten.

„Die Formgebung ist entscheidend. “ In Anlehnung an diesen Leitsatz Jan Groovers rückt die Ausstellung den zutiefst gestalterischen Ansatz in den Vordergrund, der das Werk der Fotografin ihr Leben lang bestimmte. Ihre von unermüdlichem Experimentieren geprägte künstlerische Suche und der damit zusammenhängende Schaffensprozess werden in der Ausstellung nicht allein durch Originalabzüge, sondern auch anhand von Dokumenten, Aufzeichnungen und Skizzenbüchern anschaulich.

Anfang der 1970er Jahre machte sich Jan Groover die ihre ursprüngliche Berufung als Malerin aufgab mit ihren mehrteiligen, motivisch um Strassen, Autos und Stadtlandschaft kreisenden Fotografien einen Namen. Als Auftakt zu ihren formalen und ästhetischen Experimenten lassen sich an ihnen damals im Umfeld der Konzeptkunst angestossene Überlegungen (insbesondere zu den Begriffen der Serie und der Sequenz) reflektieren. Um 1978 nahm Jan Groover einen radikalen Themenwechsel hin zum Stillleben vor. Damit begann die Arbeit an einer Werkgruppe, die das Gros ihres Œuvres ausmacht und durch die sie bis heute in der zeitgenössischen Geschichte des Mediums als eine der Hauptvertreterinnen dieses Genres gilt. Ihre überwiegend im Atelier entstandenen Kompositionen sind in unterschiedlichen Techniken ausgeführt und sollten in den 1980er Jahren aktiv zur Anerkennung der Farbfotografie beitragen. Obwohl die Sachfotografie in ihrem Werk eindeutig überwiegt, gibt es in Jan Groovers Bildern immer wieder auch Landschaften, Körper und Porträts, die meist monochrom gehalten sind. Ihr ausgeprägtes Interesse galt dem Platin-Palladiumdruck, mit dem sie nach ihrem Umzug nach Frankreich zunehmend experimentierte und mehrere Serien in aussergewöhnlichem Querformat (Bankettkamera) schuf, die den Schlusspunkt der Ausstellung bilden.


Cette exposition revient pour la première fois sur l’ensemble de l’œuvre de Jan Groover (1943-2012), photographe d’origine américaine dont le fonds personnel a intégré les collections du Musée de l’Elysée en 2017. À travers une sélection d’archives issues de ce dernier, elle évoquera non seulement les années new-yorkaises de l’artiste, mais aussi françaises – pan méconnu de sa carrière. Le parcours présente les résultats d’un important travail de recherche mené par l’équipe du musée sur le fonds – à la fois du point de vue de la conservation (analyses approfondies sur les procédés et supports photographiques, traitements de restauration) et de la documentation historique (contextualisation de l’œuvre et de sa réception tant institutionnelle que critique).

« Le formalisme, c’est l’essentiel. » Empruntant pour ligne directrice l’assertion de Groover, l’exposition met en lumière le dessein éminemment plastique poursuivi tout au long de son travail par la photographe. Menée au gré d’une expérimentation constante, cette recherche et le processus créatif qu’elle implique sont mis en valeur non seulement par la présentation d’épreuves vintage, mais aussi par la présence de documents, notes et carnets préparatoires.

Au début des années 1970, Jan Groover – délaissant sa vocation première de peintre – est remarquée pour ses polyptyques photographiques, construits autour des motifs de la route, des voitures et de l’environnement urbain. Prémisses de ses explorations formelles et esthétiques, ils offrent la possibilité de réexaminer des réflexions amorcées par les artistes contemporains de l’époque (notamment les notions de sérialité et de séquence). Vers 1978, Jan Groover change radicalement de sujet pour se tourner vers la nature morte. Elle débute ainsi un corpus qui formera l’essentiel de son œuvre, et grâce auquel elle reste aujourd’hui encore l’une des figures éminentes du genre dans l’histoire contemporaine du médium. Pour la plupart réalisées en studio, ses compositions relèvent de procédés variés. Dans les années 1980, elles contribueront activement à la reconnaissance de la photographie en couleurs. Malgré une prééminence sans conteste de ses photographies d’objets, le travail de Jan Groover est également ponctué de paysages, corps et portraits, souvent en noir et blanc. Elle développe également un attachement pour la technique au platine et au palladium dont elle approfondira l’étude à son arrivée en France, avec plusieurs séries au format allongé très particulier (banquet camera), en conclusion de l’exposition.

(Text: Musée d’Elysée Lausanne)

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Ausstellung | Jan Groover | Musée d'Elysée | Lausanne
Sep
18
zu 5. Jan.

Ausstellung | Jan Groover | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
18. September 2018 - 5. Januar 2020

Jan Groover


Jan Groover, Sans titre, vers 1987 © Musée de l’Elysée, Lausanne – Fonds Jan Groover

Jan Groover, Sans titre, vers 1987 © Musée de l’Elysée, Lausanne – Fonds Jan Groover

Die Ausstellung bietet den ersten Rückblick auf das Gesamtwerk der US-amerikanischen Fotografin Jan Groover (1943-2012), deren privater Nachlass 2017 in die Sammlung des Musée de l’Elysée kam. Anhand einer Auswahl von Archivstücken aus diesem Nachlass behandelt die Schau nicht nur die New Yorker Jahre der Künstlerin, sondern mit ihrer Zeit in Frankreich auch den wohl am wenigsten bekannten Abschnitt ihres Schaffens. Der Rundgang präsentiert die Ergebnisse umfassender Forschungsarbeiten des Museumsteams an diesem Bestand, die sowohl konservatorische Aspekte (eine genaue Untersuchung der fotografischen Verfahren und Trägermaterialien, restauratorische Behandlung) als auch historische Dokumentation (Groovers Werk im Kontext und seine Rezeption aufseiten von Institutionen und Kritik) beinhalteten.

„Die Formgebung ist entscheidend. “ In Anlehnung an diesen Leitsatz Jan Groovers rückt die Ausstellung den zutiefst gestalterischen Ansatz in den Vordergrund, der das Werk der Fotografin ihr Leben lang bestimmte. Ihre von unermüdlichem Experimentieren geprägte künstlerische Suche und der damit zusammenhängende Schaffensprozess werden in der Ausstellung nicht allein durch Originalabzüge, sondern auch anhand von Dokumenten, Aufzeichnungen und Skizzenbüchern anschaulich.

Anfang der 1970er Jahre machte sich Jan Groover die ihre ursprüngliche Berufung als Malerin aufgab mit ihren mehrteiligen, motivisch um Strassen, Autos und Stadtlandschaft kreisenden Fotografien einen Namen. Als Auftakt zu ihren formalen und ästhetischen Experimenten lassen sich an ihnen damals im Umfeld der Konzeptkunst angestossene Überlegungen (insbesondere zu den Begriffen der Serie und der Sequenz) reflektieren. Um 1978 nahm Jan Groover einen radikalen Themenwechsel hin zum Stillleben vor. Damit begann die Arbeit an einer Werkgruppe, die das Gros ihres Œuvres ausmacht und durch die sie bis heute in der zeitgenössischen Geschichte des Mediums als eine der Hauptvertreterinnen dieses Genres gilt. Ihre überwiegend im Atelier entstandenen Kompositionen sind in unterschiedlichen Techniken ausgeführt und sollten in den 1980er Jahren aktiv zur Anerkennung der Farbfotografie beitragen. Obwohl die Sachfotografie in ihrem Werk eindeutig überwiegt, gibt es in Jan Groovers Bildern immer wieder auch Landschaften, Körper und Porträts, die meist monochrom gehalten sind. Ihr ausgeprägtes Interesse galt dem Platin-Palladiumdruck, mit dem sie nach ihrem Umzug nach Frankreich zunehmend experimentierte und mehrere Serien in aussergewöhnlichem Querformat (Bankettkamera) schuf, die den Schlusspunkt der Ausstellung bilden.


Cette exposition revient pour la première fois sur l’ensemble de l’œuvre de Jan Groover (1943-2012), photographe d’origine américaine dont le fonds personnel a intégré les collections du Musée de l’Elysée en 2017. À travers une sélection d’archives issues de ce dernier, elle évoquera non seulement les années new-yorkaises de l’artiste, mais aussi françaises – pan méconnu de sa carrière. Le parcours présente les résultats d’un important travail de recherche mené par l’équipe du musée sur le fonds – à la fois du point de vue de la conservation (analyses approfondies sur les procédés et supports photographiques, traitements de restauration) et de la documentation historique (contextualisation de l’œuvre et de sa réception tant institutionnelle que critique).

« Le formalisme, c’est l’essentiel. » Empruntant pour ligne directrice l’assertion de Groover, l’exposition met en lumière le dessein éminemment plastique poursuivi tout au long de son travail par la photographe. Menée au gré d’une expérimentation constante, cette recherche et le processus créatif qu’elle implique sont mis en valeur non seulement par la présentation d’épreuves vintage, mais aussi par la présence de documents, notes et carnets préparatoires.

Au début des années 1970, Jan Groover – délaissant sa vocation première de peintre – est remarquée pour ses polyptyques photographiques, construits autour des motifs de la route, des voitures et de l’environnement urbain. Prémisses de ses explorations formelles et esthétiques, ils offrent la possibilité de réexaminer des réflexions amorcées par les artistes contemporains de l’époque (notamment les notions de sérialité et de séquence). Vers 1978, Jan Groover change radicalement de sujet pour se tourner vers la nature morte. Elle débute ainsi un corpus qui formera l’essentiel de son œuvre, et grâce auquel elle reste aujourd’hui encore l’une des figures éminentes du genre dans l’histoire contemporaine du médium. Pour la plupart réalisées en studio, ses compositions relèvent de procédés variés. Dans les années 1980, elles contribueront activement à la reconnaissance de la photographie en couleurs. Malgré une prééminence sans conteste de ses photographies d’objets, le travail de Jan Groover est également ponctué de paysages, corps et portraits, souvent en noir et blanc. Elle développe également un attachement pour la technique au platine et au palladium dont elle approfondira l’étude à son arrivée en France, avec plusieurs séries au format allongé très particulier (banquet camera), en conclusion de l’exposition.

(Text: Musée d’Elysée Lausanne)

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Vernissage | Beyrouth 75 - 15 - Stéphane Lagoutte | Focale | Nyon
Jan
19
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Beyrouth 75 - 15 - Stéphane Lagoutte | Focale | Nyon


Focale | Nyon
19. Januar 2018

Beyrouth 75 - 15
Stéphane Lagoutte


Carton4_bd-690x459.jpg

Beyrouth est stratifiée, saturée. Elle vit un syncrétisme désespéré qui la rend belle et monstrueuse. J’ai rarement vu une terre heurter autant ses habitants. La guerre passée est encore si proche. On y parle toujours d’une construction permanente, de ses fêtes, de la vie qui aurait su garder ses droits. J’y vois pourtant une poussière épaisse qui s’est immiscée partout, déposée là comme un voile sur l’innocence. Les libanais aiment et détestent leur pays. Ils s’angoissent, pensent que tout peut se perdre toujours. Alors ils jouissent. Il n’y a pas d’autre choix. Et ce presque rien, ce fil ténu, résiste aux vents, les sauve en tissant leur prison. Une cage dorée pleine d’argent et de femmes. Fissurée. Le Liban fait partie de ces terres trop aimées. Aimées par des parties ennemies qui ont pratiqué la haine de l’autre jusqu’au sang mais pour le moment pas prêtes à tout perde. La noirceur qui j’y vois n’est pas celle des abysses, elle est aussi profonde que la lumière est proche. Le Liban ressemble à la vie: le deuil, la tragédie sont immanents à sa beauté.

Beyrouth 75-15 est composé de trois ans d’errances photographiques et d’images d’archives retrouvées dans les décombres d’un ancien hôtel de luxe du centre ville. Images antérieures à la guerre civile, danse et innocence d’avant l’histoire que je mixe avec les traces restées dans les chambres de l’hotel délabré et sur les murs de la ville aujourd’hui. J’y mêle paysages et instants de vie. Il s’agit d’évoquer l’intrication du passé et du présent. La mémoire d’une histoire commune enfouie en chaque libanais. Ou comment, en marge de notre nature, se terre l’obscure destin d’un peuple.Stéphane Lagoutte

(Text: Stéphane Lagoutte)

La photographie de Stéphane Lagoutte s’ancre sur le terrain de l’actualité. Il pose un regard singulier sur la société et plus particulièrement les questions liées aux identités et au déracinement en milieu hostile. Photographe de Presse, ses études en arts plastiques l’auront sans doute aidé à transcrire sa vision documentaire du monde en une photographie contemporaine qui questionne le support en fonction du propos. Ses travaux sont régulièrement représentés dans les festivals tels les Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, Visa pour l’Image, le Festival du regard ou les institutions telles le CNAP (Centre National des Arts Plastiques), la BNF (Bibliothèque Nationale Française) ou encore les instituts Français. Il est membre de l’agence MYOP depuis 2009.
www.myop.fr

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Vernissage | Semiautomatic - Jules Spinatsch | Centre de la Photographie | Genève
Dez
11
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Semiautomatic - Jules Spinatsch | Centre de la Photographie | Genève

  • Centre de la Photographie Genève Bac (Karte)
  • Google Kalender ICS


World Economic Forum Davos Switzerland | Jules Spinatsch

World Economic Forum Davos Switzerland | Jules Spinatsch


Jules Spinatsch (*1964) ist einer der anerkanntesten zeitgenössischen Schweizer Fotografen der internationalen Kunstszene. Er stellte in verschiedenen internationalen Museen aus, einschliesslich dem MoMA New York, der Fondation Cartier Paris, der Villa Arson Nice, dem Walker Art Center Minneapolis, der Tate Modern London, der SFMoMA San Francisco sowie dem Kunsthaus Zürich oder dem Fotomuseum Winterthur.

Die Ausstellung Semiautomatic Photography vereint 22 Panorama-Projekte, die der Künstler zwischen 2003 und 2016 realisiert hat. In Zusammenarbeit mit dem Informatiker Reto Diethelm, entwickelte er dafür eine spezielle Aufnahmetechnik mit einer halbautomatischen Webcam.

Beginnend im Jahr 2003, parallell zu seiner ersten Einzelausstellung Temporary Discomfort im Centre de la Photographie Genève, ist es Spinatsch gelungen, künstlerisch auf eine Methode der fotografischen Produktion, der sogenannten automatisierten Überwachungsfotografie, zu reagieren, die sich im Laufe der Zeit nur noch mehr durchsetzen sollte. Das erste Panorama, welches 2002 während des Weltwirtschaftsforums in Davos, seinem Geburtsort, entstand, markiert einen Wendepunkt in der Geschichte der kritischen Fotografie.

Die Ausstellung präsentiert nicht nur grossformatige Panoramen wie beispielsweise Fabre n'est pas venu (3,8 x 12 m), sondern zeigt diese auch in unterschiedlichen Formen: Bücher wie Competing Agendasor Vienna MMIX, Projektionen auf Flachbildschirme, Installationen wie die Vienna MMIXspiral oder die Rekonstruktion seines Studios, das in dieser Art noch nie gezeigt wurde.

(Text: Christophe Guye Galerie)

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Ausstellung | Jardin - Massao Mascaro | Espace JB | Carouge
Dez
7
zu 18. Jan.

Ausstellung | Jardin - Massao Mascaro | Espace JB | Carouge


Espace JB | Carouge
7. Dezember 2018 - 18. Januar 2019 (Ouverture de l’espace sur rendez-vous)

Jardin
Massao Mascaro


Jardin_39-605x908.jpg

Cailloux éparpillés

Le jour où les hommes et les femmes firent usage de la parole, ils commencèrent aussi à mettre de l’ordre au chaos des sentiments qui habitaient leurs coeurs. En affirmant cela, on ose faire échos à la phrase de la Genèse au commencement était le Verbe. En tant qu’êtres humains, nous commencions à doter nos vies de sens, nous leur donnions une direction, cela nous permettait de conter des histoires et aussi de les transmettre. Les mythes et les histoires étaient nés. À partir de ce moment-là, les êtres humains concevaient le temps.

Mais qu’en était-il de l’espace ?

Au commencement, il y avait aussi le Jardin.

Un jardin est un espace clos. Le jardin, pour exister, a besoin d’un cadre. Le jardin est le point à partir duquel un lieu devient un paysage. Le jardin est le germe qui favorise l’implantation du foyer, du village, de la ville, de la nation. Le jardin, pourrions nous dire, n’est ni entièrement naturel, ni pleinement humain, se tenant ainsi à égale distance entre l’Homme et Dieu.

Les Humains sont des créateurs de jardins tout comme ils sont des conteurs d’histoires.

Dans Jardin, les photographies de Massao traitent simultanément ces deux activités culturelles. Elles incarnent, toutes, les tensions délicates qui se produisent dans l’espace et dans le temps, un moment jamais décisif mais toujours suspendu, de minuscules fenêtres ouvertes sur l’éternité : l’espace entre deux mains, un rayon de lumière sur une branche qui ondule, une brindille prise dans le grillage d’une clôture, le regard mystérieux dans les yeux d’une jeune femme.

La Nature est une invention de l’Homme, une chose avec laquelle nous vivons et qui nous permet de parler de tout ce qui n’est pas humain. La Nature est un paradoxe, mais un paradoxe plein de nostalgie, la seule chose dans le monde étrangère à l’Homme, qui était là avant lui, qu’il n’avait encore ni vue ni nommée. La Nature est ce dont on peut seulement rêver et le jardin est ce lieu que nous avons imaginé pour accueillir nos rêveries. Les jardins sont toujours habités par l’absence ou par les tristes présages de disparition. Tout comme les photographies, qui elles, sont habitées par notre absence.

Ce pourrait être la raison pour laquelle il manque toujours quelque chose dans les images de

Massao, une espèce de vide. Parfois c’est une ombre, un trou noir dans la route, une silhouette incomplète dessinée sur le sol par des bouteilles vide, ou des cailloux éparpillés.

Federico Clavarino

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Ausstellung | Le Chant du Cygne - Andrea Mantovani | Focale | Nyon
Nov
18
zu 23. Dez.

Ausstellung | Le Chant du Cygne - Andrea Mantovani | Focale | Nyon


Focale | Nyon
18. November - 23. Dezember 2018

Le Chant du Cygne
Andrea Mantovani | Lauréate du Prix Focale - Ville de Nyon 2018


Le Chant du Cygne | © Andrea Mantovani

Le Chant du Cygne | © Andrea Mantovani

Depuis 2016, la forêt de Bialowieza dans l’est de la Pologne est le théâtre de l’un des plus importants conflits environnementaux en Europe. Des lieux, protégés par l’Unesco depuis 1979 comme réserve de la biosphère et patrimoine mondial, sont menacés de destruction par le ministère de l’environnement polonais qui y mène une campagne de déforestation massive.

Durant 6 mois, la photographe Andrea Mantovani a exploré cette forêt millénaire en cherchant à saisir les tenants et les enjeux de ce conflit. Dans son approche, la photographe alterne des images de paysage célébrant la force et la beauté d’une nature immuable et des photographies plus allégoriques, habilement mises en scène. Elles renvoient à la complexité de cette crise et évoquent de manière métaphorique certains aspects de l’affrontement qui oppose un gouvernement traditionaliste aux valeurs défendues par les militants écologistes. 

Géographe de formation, Andrea Mantovani (*1985, vit et travaille à Paris) a travaillé durant 6 ans en Europe sur des problématiques environnementales et sociales. Voyant dans l’image un instrument de témoignage indispensable, elle se consacre dès 2015 à la photographie de manière professionnelle et rejoint le studio Hans Lucas. Elle se consacre depuis à des projets à long terme alternant des travaux de commande et des projets personnels. Andrea Mantovani est lauréate du prix talent émergent du Festival de la Gacilly 2018 et finaliste de la Bourse du Talent #73 en catégorie reportage.

(Text: Focale)

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Vernissage | Alex Prager - Erik Madigan Heck - Stéphane Dafflon - Thomas Liu Le Lann | Musée des beaux-arts | Le Locle
Nov
2
6:30 nachm.18:30

Vernissage | Alex Prager - Erik Madigan Heck - Stéphane Dafflon - Thomas Liu Le Lann | Musée des beaux-arts | Le Locle


Musée des beaux-arts | Le Locle
2. November 2018

Alex Prager, Erik Madigan Heck, Stéphane Dafflon, Thomas Liu Le Lann


In der kommenden Saison bietet das MBAL eine Reise durch die zeitgenössische Kunst von der Fotografie zum Video, von der Wandmalerei zu Stoffskulpturen. Ausnahmsweise sind diesmal alle vier vom MBAL vorgestellten Künstler eher jung (zwischen 24 und 46). Jeder von ihnen zeichnet sich durch die Einzigartigkeit seines Werkes aus, und sie alle werden von einer Leidenschaft für das künstlerische Schaffen motiviert.

© Alex Prager, Eve, 2008, de la série The Big Valley. Courtesy Alex Prager Studio and Lehmann Maupin New York and Hong Kong.jpg

© Alex Prager, Eve, 2008, de la série The Big Valley. Courtesy Alex Prager Studio and Lehmann Maupin New York and Hong Kong.jpg

Das Werk, welches die US-Amerikanerin Alex Prager seit 10 Jahren entwickelt, hebt sich besonders ab. Die von ihr dargestellten jungen Frauen im Retrolook – verstörte Heldinnen, die hin und her zwischen Sehnsüchten, Erwartungen und Tragödien gerissen sind, erscheinen ebenso unwiderstehlich wie einsam. Über die Fotografie und den Film zieht uns die Künstlerin durch sorgfältig ausgearbeitete Kulissen in ihre inneren Kämpfe hinein. Das MBAL freut sich, diese erste Retrospektive einer der gefragtesten Künstlerinnen der internationalen Szene verwirklicht zu haben.

© Erik Madigan Heck_Study in Purple (Etro)_2012. Courtesy of Christophe Guye Galerie

© Erik Madigan Heck_Study in Purple (Etro)_2012. Courtesy of Christophe Guye Galerie

Erik Madigan Heck, ein aufsteigender Stern am Himmel der zeitgenössischen Modefotografie, verwischt die Grenzen zwischen den Gattungen. Er gibt zu, dass seine Inspirationen aus der Malerei stammen – aus der Romantik, dem Impressionismus oder aus den Werken der Nabis – und nicht aus der Fotografie. An den Wänden des Museums werden seine innovativen Bilder zu zeitlosen Werken.

Thomas Liu Le Lann, 5guys1tree, HEAD–Genève, 2018, ©Emily Bonnet_2.jpg

Thomas Liu Le Lann, 5guys1tree, HEAD–Genève, 2018, ©Emily Bonnet_2.jpg

Thomas Liu Le Lann entführt seinerseits den Besucher in eine Fiktion die befremdlich wirkt, da sie von großen, an ein japanisches Manga erinnernden Plüschtieren bevölkert wird. Mit Vergnügen schließt sich das MBAL der HEAD Genf und der Fondation BNP Paris Suisse an, um Thomas Liu Le Lann, einem Absolventen dieses Sommers, den New Heads – Fondation BNP Paris Art Award zu verleihen und ihm damit die Möglichkeit zu geben, zum ersten Mal den Raum eines Museums zu erobern.

Schließlich wird mit der Wandmalerei des schweizerischen Künstlers Stéphane Dafflon ein neuer Zyklus aus semipermanenten Ausstellungen eröffnet. Der Künstler, der eingeladen wurde an den Wänden des Museumscafés ein Fresko zu gestalten, bringt den Raum auf überraschende Weise zum Schwingen. Das Gemälde von Dafflon, welches auf den ersten Blick einfach und minimalistisch wirkt, entfaltet eine Kraft, die den Blick anzieht und überwältigt. Mit diesem neuen Projekt wollten wir das Kunsterlebnis außerhalb der Ausstellungsräume bereits mit dem Betreten des Museums beginnen lassen.


© Alex Prager, Desiree, 2008, de la série de Big Valley. Courtesy Alex Prager Studio and Lehmann Maupin New York and Hong Kong

© Alex Prager, Desiree, 2008, de la série de Big Valley. Courtesy Alex Prager Studio and Lehmann Maupin New York and Hong Kong

Pour sa nouvelle saison, le MBAL propose un voyage à travers la création contemporaine, allant de la photographie à la vidéo, de la peinture murale aux sculptures en tissu. Une fois n’est pas coutume, les quatre artistes réunis par le MBAL sont plutôt jeunes (de 24 à 46 ans !), mènent chacun une œuvre singulière, et sont avant tout animés par une soif de création. L’œuvre que développe depuis 10 ans l’Américaine Alex Prager, habitée par l’univers du cinéma, se distingue particulièrement. Ses jeunes femmes au look rétro, héroïnes perturbées prises entre désirs, attentes et drames, apparaissent aussi séduisantes que solitaires. C’est par la photographie et le film, au travers de scènes méticuleusement chorégraphiées, que l’artiste nous emmène dans ses tourments. Le MBAL est heureux d’avoir mis sur pied cette première rétrospective consacrée à l’une des artistes les plus acclamées sur la scène internationale.

Erik Madigan Heck, étoile montante de la photographie de mode contemporaine, brouille les genres. Il admet que ses inspirations sont du côté de la peinture – romantique, impressionniste ou celle des Nabis – et non de la photographie. Sur les murs du musée, ses images novatrices deviennent des tableaux intemporels.

De son côté, Thomas Liu Le Lann emmène le visiteur dans une fiction étrange peuplée de grandes peluches qui pourraient être tirées d’un manga japonais. Le MBAL est heureux de s’associer à la HEAD – Genève et à la Fondation BNP Paribas Suisse pour décerner à Thomas Liu Le Lann, diplômé cet été, le prix New Heads – Fondation BNP Paris Art Award, qui lui permet de prendre pour la première fois possession de l’espace d’un musée.

Enfin, un nouveau cycle d’expositions semi-permanentes est inauguré avec l’intervention murale de l’artiste suisse Stéphane Dafflon. Invité par le MBAL à créer une fresque sur les murs du café du musée, l’artiste fait vibrer le lieu de façon inattendue. La peinture de Dafflon, d’apparence simple et minimaliste, dégage une force qui attire et bouleverse le regard. Nous avons souhaité, avec ce nouveau projet, faire débuter l’expérience artistique hors des salles d’exposition, dès l’entrée au musée.


© Stéphane Dafflon (détail), 2018.jpg

© Stéphane Dafflon (détail), 2018.jpg

MBAL’s winter season offers an exploration of contemporary creation, from photography to video, from murals to fabric sculptures. Exceptionally, the four artists being highlighted by MBAL are young (from 24 to 46 years old) – yet their respective achievements stand on their own, the product of the artists’ overwhelming desire to create. The body of photographic and videographic work developed over the past ten years by American Alex Prager is unmistakable for its cinematic overtones. Her female subjects with a throwback look – troubled heroines beset by desire, expectation and drama – are as seductive as they are solitary. The viewer is implicated in the artist’s torments by her meticulously choreographed scenes. Prager is one of the most widely acclaimed figures on the international art scene, and MBAL is proud to present the first retrospective of her work.

When it comes to artistic genres, Erik Madigan Heck is an iconoclast. A rising star in contemporary fashion photography, Heck admits to drawing greater inspiration from painting – Romanticism, Impressionism and Les Nabis – than photography. On our museum’s walls, his innovative images become timeless tableaux.

MBAL is also pleased to display the work of Thomas Liu Le Lann, who has just won the New Heads – BNP Paribas Art Foundation Award. This prize for young art school graduates, sponsored jointly by MBAL, the Geneva School of Art and Design (HEAD) and the BNP Paribas Swiss Foundation, includes the opportunity to show their work in a museum. In his piece, Liu Le Lann beckons the viewer into a strange fiction populated by oversized dolls that would be at home in a Japanese manga comic.

Lastly, a new series of semi-permanent exhibitions is being kicked off with the mural work of Swiss artist Stéphane Dafflon. Invited by MBAL to create a fresco on the walls of the museum café, the artist brings that space to life in unexpected ways. Dafflon’s paintings, deceptively simple and minimalist, possess a strength that catches – and confounds – the eye. Our aim with this series is to bring the art experience out of the exhibition rooms: viewers are pulled into our world before even setting foot in our museum. 

(Text: Nathalie Herschdorfer, Direktorin MBAL)

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Ausstellung | 22. vfg Nachwuchsförderpreis | Galerie l'elac
Nov
2
zu 16. Nov.

Ausstellung | 22. vfg Nachwuchsförderpreis | Galerie l'elac


Galerie l’elac | Renens
2. - 16. November 2018

22. vfg Nachwuchsförderpreis

Simon von Gunten (1. Preis)
Christian Indergand (2. Preis)
Karla Hiraldo Voleau (3. Preis)

Alexandra Baumgartner, Ernst Kehrli, Jonathan Liechti, Lisa Lurati, Fabienne Spiller, Aissa Tripodi, Fred Walter Uhlig


Cutis | Simon von Gunten

Cutis | Simon von Gunten

Der vfg Nachwuchsförderpreis für Fotografie (gegründet 1996) ist ein jährlich von der Vereinigung fotografischer Gestalterinnen und Gestalter (vfg) ausgeschriebener Wettbewerb, der für junge in der Schweiz lebenden Nachwuchsfotografinnen und Fotografen als Sprungbrett, Motivator und Reflextionsplattform dient.

Die Bilder und Konzepte der zehn herausragenden Arbeiten werden in vier Ausstellungen in der Schweiz und Deutschland und mehreren Projektionen einem interessierten Publikum vorgestellt.

Die Arbeiten werden zudem zu dokumentarischen Zwecken in einer Publikation und einem Online-Archiv mit Kommentaren der Jury vorgestellt und geben einen spannenden Einblick in das aktuelle Schaffen der jungen Schweizer Fotografie.

Die Jury wird für jeden Jahrgang neu ausgewählt. Die Mitglieder der Jury für den Wettbewerb 2018 wurden paritätisch aus Frauen und Männern, aus dem Inn- und Ausland und allen Bereichen der Fotografie zusammengestellt:

Carolle Benitah, Fotografin, Marseille
Daniel Blochwitz, Kurator, Zürich
Thomas Elsen, Kurator der Kunstsammlung Augsburg
Alexandre Jaquemet, Fotograf, Erlach
Sandra Kennel, Fotografin, Zürich

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Vernissage | Das Theater der Scheinbilder - Liu Bolin | Musée d'Elysée | Lausanne
Okt
16
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Das Theater der Scheinbilder - Liu Bolin | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
16. Oktober 2018

Das Theater der Scheinbilder
Liu Bolin


Liu Bolin, Your World, aus der Serie „Hiding in the City“, 2014  © Liu Bolin / Courtesy Galerie Paris-Beijing

Liu Bolin, Your World, aus der Serie „Hiding in the City“, 2014
© Liu Bolin / Courtesy Galerie Paris-Beijing

Liu Bolins erste Museumsausstellung in der Schweiz: “Das Theater der Scheinbilder” versammelt knapp fünfzig grossformatige Fotografien und mehrere Skulpturen zu den Hauptthemen im Lebenswerk des chinesischen Künstlers: die politischen und wirtschaftlichen Strategien der chinesischen Staatsmacht, die überlieferten Traditionen sowie religiösen und kulturellen Symbole, die Widerstandsaktionen von einzelnen oder Gruppen, die Umgestaltung des Stadtraums, der Raubbau an der Natur und der Aufbau einer Hyperkonsumgesellschaft.


Première exposition muséale de Liu Bolin en Suisse, Le Théâtre des apparences rassemble près de cinquante photographies monumentales et plusieurs sculptures illustrant les grands thèmes abordés par l’artiste chinois au fil de sa carrière : les stratégies politiques et économiques du pouvoir chinois, les traditions ancestrales et les symboles religieux et culturels, les actions individuelles ou collectives de résistance, la transformation de l’environnement urbain, les dérives écologiques et la mise en place d’une société d’hyperconsommation.


The first museum exhibition in Switzerland of Liu Bolin’s work, The Theater of Appearances brings together almost fifty monumental photographs and several sculptures illustrating the main themes addressed by the Chinese artist over his career: the political and economic strategies of the Chinese government, ancestral traditions and religious and cultural symbols, individual or collective acts of resistance, the transformation of the urban environment, ecological damages and a hyper-consumerist society.

(Pressetext: Musée d’Elysée)



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Vernissage | Ein Werk von unsäglicher Gewalt - Matthias Bruggmann | Musée d'Elysée | Lausanne
Okt
16
6:00 nachm.18:00

Vernissage | Ein Werk von unsäglicher Gewalt - Matthias Bruggmann | Musée d'Elysée | Lausanne


Musée d’Elysée | Lausanne
16. Oktober 2018

Ein Werk von unsäglicher Gewalt
Matthias Bruggmann


“Zwei Männer beweinen den Tod ihres Bruders, der von einer Armeegranate enthauptet wurde. Die Angst vor Bombenangriffen war so gross geworden, dass die Familien keine öffentlichen Beerdigungen mehr veranstalteten.“ Matthias

“Zwei Männer beweinen den Tod ihres Bruders, der von einer Armeegranate enthauptet wurde. Die Angst vor Bombenangriffen war so gross geworden, dass die Familien keine öffentlichen Beerdigungen mehr veranstalteten.“ Matthias

Matthias Bruggmann wurde mit seinem Syrienprojekt Preisträger der zweiten Ausgabe des von Parmigiani Fleurier geförderten Prix Elysée. Er möchte „bei einem westlichen Publikum ein tiefgehendes Verständnis für die unfassbare Gewalt wecken, die jedem Konflikt zugrunde liegt“ und setzt darauf, nichts in seinen expliziten, brutalen Bildern zu schönen. Die vor Ort entstandenen Aufnahmen drängen den Besucher, innezuhalten und sich das Ausmass eines Konflikts vor Augen zu führen, der zwar geografisch weit entfernt, aber durch die Medien doch allgegenwärtig ist.


Matthias Bruggmann est le lauréat de la deuxième édition du Prix Elysée, grâce au soutien de Parmigiani Fleurier, pour son projet sur la Syrie. Souhaitant « susciter, chez un public occidental, une compréhension viscérale de la violence intangible qui sous-tend tout conflit », il fait le pari de ne rien voiler de ses images, explicites et brutales. Réalisées sur le terrain, elles enjoignent le spectateur de ralentir, et de prendre la mesure d’un conflit – certes géographiquement lointain, mais rendu omniprésent dans les médias.


Matthias Bruggmann is the winner of the second edition of the Prix Elysée, with the support of Parmigiani Fleurier, for his project on Syria. Hoping to "bring, to Western viewers, a visceral comprehension of the intangible violence that underlies conflict", he takes the gamble of hiding nothing in his explicit and brutal pictures. Taken in the field, they force the viewer to slow down and take stock of the war — geographically distant, admittedly, but made omnipresent by the media.

(Pressetext: Musée d’Elysée)



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Ausstellung | Steinholt - Christopher Taylor | Focal | Nyon
Sep
30
zu 11. Nov.

Ausstellung | Steinholt - Christopher Taylor | Focal | Nyon

  • FOCALE galerie – librairie (Karte)
  • Google Kalender ICS

Focal | Nyon
30. September - 11. November 2018

Steinholt
Christopher Taylor


La veste de l'écrivain Jón Trausti, Kópasker (2015)

La veste de l'écrivain Jón Trausti, Kópasker (2015)


Steinholt est la troisième série de photographies que Christopher Taylor consacre à l’Islande, pays de son épouse, Álfheiður. Une première série, Sous le Glacier (1996-1998), est inspirée par le livre d’Halldor Laxness : Kristnihald undir Jökli (1968) tandis qu’une seconde est réalisée aux îles Westman (Vestmannaeyjar, 2006-2010) d’où la mère d’Álfheiður est originaire. (…)
La relation de Christopher avec la nature et les Islandais s’est approfondie depuis que le couple a acquis Steinholt, la modeste maison construite par les grands-parents paternels d’Álfheiður à Þórshöfn, sur la côte nord-est du pays. Maintenant, chaque année Christopher revient dans ce petit village d’environ 300 habitants. Il se consacre à la restauration de la maison, travaille de temps en temps à l’usine de congélation de poisson et surtout, quand le temps est favorable, il part explorer le paysage lors de longues randonnées escarpées. Christopher n’est plus un invité de passage, frappé et fasciné par la grandeur indomptable de l’environnement naturel. Il n’est pas non plus otage des espaces clos pendant les périodes de mauvais temps : désormais il vit avec les villageois de Þórshöfn. Il rend éloquent le temps qu’il y passe en interprétant les paysages et en observant les traces laissées par ceux qui y sont morts ou en sont partis, et qui relèvent de la mémoire collective. (…)

(extraits du texte de Monica Dematté, tiré du livre «Steinholt», Kehrer)

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Ausstellung | Jean-Marc Yersin | Ferrari Art Gallery
Sep
2
zu 30. Sep.

Ausstellung | Jean-Marc Yersin | Ferrari Art Gallery


Ferrari Art Gallery | Vevey
2. September - 30. September 2018

La Linge
Jean-Marc Yersin


yersin2.jpg

Dieser 18 km lange Viadukt, der ohne jegliche Nutzung und ohne Zugang, der seine monumentale Präsenz in der Ebene von Beauceronne, zwischen Orléans und Paris, demonstriert, hebt sich zweifellos von der Masse ab. Futuristisch zum Zeitpunkt seiner Konzeption, ist er es immer noch.... Mit Talent gestaltet, fordert es heraus....

Ein solches Überbleibsel könnte ein historisches Denkmal sein, eine Touristenattraktion, aber es ist verlassen. An zwei Stellen geteilt, durch den Bau einer Autobahn, dann durch einen Unfall mit einem landwirtschaftlichen Fahrzeug, scheint es zu stören, aber widersteht - die Kosten für den Abriss wären kolossal.

Ein Relikt des Genies des Ingenieurs Bertin, der die Spitze der Republik von der Relevanz seines Aerotrain-Projekts überzeugen konnte, das in den Augen derer, die sein Todesurteil für einen besseren Start der TGVs unterzeichnet haben, extravagant wurde, ist diese Arbeit wirklich aussergewöhnlich.

Seine sowohl anachronistische als auch futuristische Silhouette, die als eine Art vergessene Land-Art-Installation aus dem Wald auftaucht, um sich auf der Ebene zu präsentieren, fand natürlich ihren Platz im zweiten Band von "Carnets d'un autre temps". Manch einer erinnert sich noch an das erstaunliche Industrieabenteuer dieses Ingenieurs und seines Aérotrains mit Luftkissen, der sich in den 60er Jahren ohne grössere Reibung, wie beim Schweben, auf einer ersten Linie am Boden, zwischen Gometz und Limours bei Paris, dann auf diesem Viadukt, wo er 400 km/h überschritt....

Heute könnte das Abenteuer ein paar Schritte von Vevey auf der Rhône-Ebene mit dem Bau einer Teststrecke für Hyperloop-Kandidaten von Elon Musk fortgesetzt werden, um Los Angeles in weniger als einer halben Stunde mit mehr als 1'000 km/h mit San Francisco zu verbinden.

Indéniablement il sort de l’ordinaire, ce viaduc de 18 km, sans aucun usage ni accès, qui impose sa monumentale présence sur la plaine Beauceronne, entre Orléans et Paris. Futuriste lors de sa conception, il l’est encore... Dessiné avec talent, il interpelle...

Un tel vestige pourrait être monument historique, attraction touristique, il est pourtant à l’abandon. Sectionné en deux endroits, par la construction d’une autoroute, puis par un accident avec un véhicule agricole, il semblerait qu’il gêne, mais il résiste, le coût de sa démolition serait colossal.

Vestige du génie de l’ingénieur Bertin, qui sut convaincre jusqu’au sommet de la République de la pertinence de son projet d’Aérotrain, devenu extravagant aux yeux de ceux qui signèrent son arrêt de mort pour mieux lancer les TGV, cet ouvrage est bel et bien extraordinaire.

Sa silhouette, à la fois anachronique et futuriste, fonctionnant comme une sorte d’installation de Land Art oubliée émergeant de la forêt pour se lancer sur la plaine, a trouvé tout naturellement sa place dans le deuxième volume des « Carnets d’un autre temps ».
Certains se souviennent encore de l’étonnante aventure industrielle menée par cet ingénieur et son Aérotrain à coussin d’air, qui, dans les années 1960, se déplaçait sans plus de frottement, comme en lévitation, sur une première ligne au sol, entre Gometz et Limours près de Paris, puis sur ce viaduc, où il dépassa les 400 km/h...

Aujourd’hui, l’aventure pourrait bien rependre à deux pas de Vevey, sur la plaine du Rhône, avec la construction d’une piste d’essais pour les candidats à l’Hyperloop imaginé par Elon Musk, afin de relier Los Angeles à San Francisco en moins d’une demi-heure, à plus de 1’000 km/h

(Text: Ferrari Art Gallery)

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Vernissage | La Ligne - Jean-Marc Yersin | Ferrari Art Gallery
Sep
1
1:00 nachm.13:00

Vernissage | La Ligne - Jean-Marc Yersin | Ferrari Art Gallery


Ferrari Art Gallery | Vevey
1. September 2018

La Linge
Jean-Marc Yersin


yersin2.jpg

Dieser 18 km lange Viadukt, der ohne jegliche Nutzung und ohne Zugang, der seine monumentale Präsenz in der Ebene von Beauceronne, zwischen Orléans und Paris, demonstriert, hebt sich zweifellos von der Masse ab. Futuristisch zum Zeitpunkt seiner Konzeption, ist er es immer noch.... Mit Talent gestaltet, fordert es heraus....

Ein solches Überbleibsel könnte ein historisches Denkmal sein, eine Touristenattraktion, aber es ist verlassen. An zwei Stellen geteilt, durch den Bau einer Autobahn, dann durch einen Unfall mit einem landwirtschaftlichen Fahrzeug, scheint es zu stören, aber widersteht - die Kosten für den Abriss wären kolossal.

Ein Relikt des Genies des Ingenieurs Bertin, der die Spitze der Republik von der Relevanz seines Aerotrain-Projekts überzeugen konnte, das in den Augen derer, die sein Todesurteil für einen besseren Start der TGVs unterzeichnet haben, extravagant wurde, ist diese Arbeit wirklich aussergewöhnlich.

Seine sowohl anachronistische als auch futuristische Silhouette, die als eine Art vergessene Land-Art-Installation aus dem Wald auftaucht, um sich auf der Ebene zu präsentieren, fand natürlich ihren Platz im zweiten Band von "Carnets d'un autre temps". Manch einer erinnert sich noch an das erstaunliche Industrieabenteuer dieses Ingenieurs und seines Aérotrains mit Luftkissen, der sich in den 60er Jahren ohne grössere Reibung, wie beim Schweben, auf einer ersten Linie am Boden, zwischen Gometz und Limours bei Paris, dann auf diesem Viadukt, wo er 400 km/h überschritt....

Heute könnte das Abenteuer ein paar Schritte von Vevey auf der Rhône-Ebene mit dem Bau einer Teststrecke für Hyperloop-Kandidaten von Elon Musk fortgesetzt werden, um Los Angeles in weniger als einer halben Stunde mit mehr als 1'000 km/h mit San Francisco zu verbinden.

Indéniablement il sort de l’ordinaire, ce viaduc de 18 km, sans aucun usage ni accès, qui impose sa monumentale présence sur la plaine Beauceronne, entre Orléans et Paris. Futuriste lors de sa conception, il l’est encore... Dessiné avec talent, il interpelle...

Un tel vestige pourrait être monument historique, attraction touristique, il est pourtant à l’abandon. Sectionné en deux endroits, par la construction d’une autoroute, puis par un accident avec un véhicule agricole, il semblerait qu’il gêne, mais il résiste, le coût de sa démolition serait colossal.

Vestige du génie de l’ingénieur Bertin, qui sut convaincre jusqu’au sommet de la République de la pertinence de son projet d’Aérotrain, devenu extravagant aux yeux de ceux qui signèrent son arrêt de mort pour mieux lancer les TGV, cet ouvrage est bel et bien extraordinaire.

Sa silhouette, à la fois anachronique et futuriste, fonctionnant comme une sorte d’installation de Land Art oubliée émergeant de la forêt pour se lancer sur la plaine, a trouvé tout naturellement sa place dans le deuxième volume des « Carnets d’un autre temps ».
Certains se souviennent encore de l’étonnante aventure industrielle menée par cet ingénieur et son Aérotrain à coussin d’air, qui, dans les années 1960, se déplaçait sans plus de frottement, comme en lévitation, sur une première ligne au sol, entre Gometz et Limours près de Paris, puis sur ce viaduc, où il dépassa les 400 km/h...

Aujourd’hui, l’aventure pourrait bien rependre à deux pas de Vevey, sur la plaine du Rhône, avec la construction d’une piste d’essais pour les candidats à l’Hyperloop imaginé par Elon Musk, afin de relier Los Angeles à San Francisco en moins d’une demi-heure, à plus de 1’000 km/h

(Text: Ferrari Art Gallery)

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Afrofuturismus - Osborne Macharia
Aug
23
zu 26. Aug.

Afrofuturismus - Osborne Macharia

  • Extérieur et Hall du Casino de Montbenon (Karte)
  • Google Kalender ICS

Extérieur et Hall du Casino de Montbenon | 13e Festival cinémas d'Afrique | Lausanne
23. - 26. August 2018

Afrofuturismus
Osborne Macharia


Osborne Macharia

Osborne Macharia

Osborne Macharia, ein autodidaktischer kommerzieller Fotograf mit Sitz in Nairobi, ist zweifellos die führende Figur in der afrofuturistischen Fotografie. Er zeichnet sich durch seine virtuellen Porträts mit dynamischen und farbigen Konturen aus. Fotografie, er versteht sie vor allem als Erzählkunst. 

Er ist nicht nur ein talentierter Fotograf, sondern auch ein außergewöhnlicher Geschichtenerzähler. In seine Werke einzutauchen bedeutet, in ein Märchenbuch einzutauchen, in dem sich jeder Charakter in einer mit Sorgfalt komponierten imaginären Umgebung verankert. Seine Inspiration bezieht er aus Comics, Illustrationen und vor allem aus der Filmwelt, nach dem Vorbild der exklusiven Arbeit, die er von Disney für den Launch des amerikanischen Blockbusters "Black Panther" geschaffen hat. 

Als subtiler Balanceakt zwischen Identität, Kultur und Fiktion bringt Osborne Macharias Fotografie neue Perspektiven auf universelle und spezielle Themen wie Gleichheit, Integration, sexuelle Verstümmelung, Elfenbeinwilderei oder die Stigmatisierung von Albinos, älteren oder kleinen Menschen.

Jede Serie, die im Rahmen des Festivals präsentiert wird, ist für den Zuschauer eine schöne Gelegenheit, sich von den oft miserablen Bildern Afrikas zu entfernen und innovative, lebendige und kühne Bilder zu entdecken.

Dieses Jahr lädt das Festival die Besucher ein, in einem Fotostudio im Herzen der Ausstellung zu posieren und sich vom Künstler fotografieren zu lassen.


Osborne Macharia

Osborne Macharia

Photographe publicitaire autodidacte basé à Nairobi, Osborne Macharia apparaît sans nul doute comme la figure de proue de la photographie afrofuturiste. Il se démarque par ses portraits virtuels aux contours dynamiques et colorés. La photographie, il la conçoit avant tout comme un art narratif.

En plus d’être un photographe de talent, il se révèle être un conteur exceptionnel. Se plonger dans ses œuvres équivaut à se plonger dans un livre de contes où chaque personnage s’ancre dans un environnement imaginaire composé avec soin. Il tire son inspiration des bandes dessinées, des illustrations et surtout du monde cinématographique, à l’instar de l’œuvre exclusive qu’il a été chargé de créer par Disney pour le lancement de la superproduction américaine "Black Panther".

Subtil balancement entre identité, culture et fiction, la photographie d’Osborne Macharia est porteuse de nouvelles perspectives sur des sujets aussi bien universels que particuliers tels que l’égalité, l’intégration, les mutilations sexuelles, le braconnage de l’ivoire ou encore la stigmatisation des albinos, des personnes âgées ou des personnes de petite taille.

Chaque série présentée dans le cadre du Festival sera pour le spectateur une belle occasion de s’éloigner des images souvent misérabilistes de l’Afrique pour découvrir des tableaux innovants, vibrants et audacieux.

Cette année, le Festival propose aux visiteurs de venir prendre la pose dans un studio photo inédit installé au cœur de l’exposition et de repartir avec une photo prise par l’artiste.

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Ausstellung | Regards croisés | Journées photographiques de Bienne à Genève
Aug
1
zu 12. Aug.

Ausstellung | Regards croisés | Journées photographiques de Bienne à Genève

  • Parce La Grange Genève (Karte)
  • Google Kalender ICS

Journées photographique de Bienne à Genève
1. - 12. August 2018

Anatomy of Forgiveness
Lana Mesic

Nothing Personal
Nikita Teryoshin


Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic

Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic


Die Bieler Fototage sind ein Schweizer Festival für junge, aufstrebende Fotografie. Jedes Jahr während jeweils drei Wochen werden Ausstellungen von ungefähr 20 Schweizer und internationalen Fotografinnen und Fotografen präsentiert, die in der ganzen Stadt Biel verteilt sind und im Rahmen eines Rundgangs besucht werden können. Seit 22 Jahren stellt das Festival neue Talente der zeitgenössischen Fotografie aus der ganzen Welt vor. Die Bieler Fototage haben sich zu einer Plattform für Begegnung und Austausch zwischen Fotografen und dem Publikum entwickelt, deren Ausstellungen und Begleitveranstaltungen die soziale Funktion der Fotografie und ihre zeitgenössischen Verwendungsformen hinterfragen.

Im Rahmen der Festlichkeiten des 1. Augusts hat die Stadt Biel als Ehrengast der Stadt Genf die Bieler Fototage dazu eingeladen, eine Ausstellung zu präsentieren. Das Festival wird einen visuellen Dialog zwischen zwei FotografInnen vorstellen, deren Bilder anlässlich der 22. Ausgabe des Festivals im Mai 2018 in Biel zu sehen waren. Ohne auf schockierende Bilder aus Kampfgebieten zu setzen, regen die beiden Fotografen zum Nachdenken über die komplexe Realität von Kriegen an.

Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic

Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic

Die Fotoserie Anatomy of Forgiveness von Lana Mesić (HR) setzt sich mit dem Genozid in Ruanda auseinander, der vor 20 Jahren ausbrach, und leistet dabei Erinnerungsarbeit. Die Fotoserie wurde von "Creative Court", einer nicht staatlichen Organisation in Auftrag gegeben, die künstlerische Projekte zu den Themen Frieden und Gerechtigkeit entwickelt. Die Arbeit setzt Begegnungen von Opfern und Tätern des damaligen Genozids in Szene, um dem Akt des Verzeihens ein Gesicht zu geben und ihn metaphorisch zu gewichten.

Nothing Personal | Nikita Teryoshin

Nothing Personal | Nikita Teryoshin

Die Fotoserie Nothing Personal von Nikita Teryoshin (RU) ihrerseits stellt Überlegungen zu Kriegswaffen-Messen an, bei denen die Aussteller Fachleuten ihre neusten "Innovationen" im Bereich Kriegsmaterial vorstellen. Die in Polen, Weissrussland, Frankreich und Südkorea aufgenommenen Bilder machen diese veritablen Spielwiesen für Erwachsene mit einem bissig-ironischen Ton sichtbar.

Die nächste Ausgabe der Bieler Fototage wird vom 10. Mai bis 2. Juni 2019 stattfinden.


Les Journées photographiques de Bienne, festival suisse de la photographie émergente, présentent chaque année durant trois semaines une vingtaine d’expositions de photographes suisses et internationaux sous la forme d’une balade dans la Ville de Bienne. Depuis 22 ans, le festival révèle des nouveaux talents du monde de la photographie contemporaine. Plate-forme de rencontres entre les photographes et le public, il propose des expositions et des événements qui permettent de questionner les fonctions sociales de la photographie et ses usages contemporains.

Invité par la Ville de Biennedans le cadre des festivités du 1er août de la Ville de Genève, le festival présentera une exposition photographique qui se déploiera ainsi du 1er au 12 août dans le parc et illustrera l’attachement de nos deux villes au soutien à la photographie. La prochaine édition des Journées photographiques de Bienne aura lieu du 10 mai au 2 juin 2019, tandis que Genève inaugurait en octobre passé No’photo, sa première nocturne photographique. En marge des champs de bataille et des images choc, les deux photographes choisis pour cette exposition proposent un temps de réflexion sur la réalité complexe qu’est la guerre.


Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic

Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic

La série photographique Anatom y of Forgiveness de Lana Mesić (HR) revient sur le génocide du Rwanda, 20 ans après, afin de faire un travail de mémoire. Commandée par la Cour pénale internationale, cette série photographique met en scène des rencontres entre les victimes et les bourreaux du génocide afin de donner un visage au pardon, puis de le mesurer, de manière métaphorique.

Nothing Personal | Nikita Teryoshin

Nothing Personal | Nikita Teryoshin

La série photographique Nothing Personal de Nikita Teryoshin (RU) propose uneréflexion sur les foires à l’armement de guerre dans lesquelles les exposants viennent présenter leurs dernières innovations en matière d’équipement militaire. Photographiés en Pologne, en Biélorussie et en Corée du Sud, ces véritables terrains de jeux pour adultes sont rendus visibles avec un ton grinçant et ironique.

Prochaine édition des Journées photographiques de Bienne : du 10 mai au 2 juin 2019.


Each year, the Biel/Bienne Festival of Photography, a Swiss festival dedicated to emerging photography, presents over the course of three weeks some 20 exhibitions of Swiss and international photographers in the form of a stroll through the town of Biel/ Bienne. For 22 years, the festival has been discovering new talents in the world of contemporary photography. As a platform for encounters between photographers and the public, it offers exhibitions and events that raise questions about the social functions of photography and its contemporary uses.

As a guest of honour of the City of Geneva at the festivities on August 1, the City of Biel/Bienne has invited the festival to put on an exhibition, which will present the converging views of two photographers who were exhibited in May 2018 as part of the 22nd edition of the festival. Away from the battlefield and its shocking images, these two photographers offer a moment of reflection on the complex realities of war.

Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic

Anatomy of Forgiveness | Lana Mesic

Anatomy of Forgiveness by Lana Mesic (HR) returns to the Rwandan genocide 20 years after the fact to create a work of remembrance. This series of photos, which was commissioned by Creative Court, a non-governmental organization that develops art projects on themes of peace and justice, stages encounters between victims and perpetrators of the genocide in order to give a face to forgiveness, and then metaphorically to measure it.


Nothing Personal | Nikita Teryoshin

Nothing Personal | Nikita Teryoshin

The photo series Nothing Personal by Nikita Teryoshin (RU) presents a reflection on arms industry trade shows, where the exhibitors come to display to professionals their latest innovations in military equipment. Photographed in Poland, Belarus, France and South Korea, these trade shows seem like playgrounds for adults, and are depicted in a bitterly ironic tone.

The next edition of the Biel/Bienne Festival of Photography will take place from May 10 to June 2, 2019.

(Pressetext Bieler Fototage)

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Ausstellung | Format | Mont Soleil
Jun
30
zu 26. Aug.

Ausstellung | Format | Mont Soleil



MAPS | Matthieu Gafsou Courtoisie Galerie C

MAPS | Matthieu Gafsou
Courtoisie Galerie C

Der Begriff "Format" hat seine besondere Bedeutung in der Fotografie. Es gibt das Format des Films und den Sensor, der nach Ansicht des Fotografen seine stilistischen Entscheidungen beeinflusst und Schulen und fotografische Strömungen schafft. Es gibt auch das Druckformat, das auch die Beziehung des Betrachters zum fotografischen Motiv beeinflusst. Seit mehreren Jahrzehnten hat das digitale Format die Praxis der Fotografie revolutioniert und die Zahl der Fotografien verzehnfacht. Digitale Formate haben sich vervielfacht, so dass sie sofort im Internet veröffentlicht werden können. Das Format ist daher sowohl eine Reflexion über die Fotografie als auch ein Echo auf die Intention dieser Veranstaltung.

Le terme "format" prend son sens tout particulier lorsqu’il est appliqué à la photographie. Il y a le format de la pellicule et du capteur qui selon le photographe influence ses choix stylistiques et crée des écoles et des courants photographiques. Il y a également le format d’impression qui influence également le rapport que le spectateur a face au sujet photographique. Depuis quelques décennies le format numérique a bouleversé la pratique de la photographie prenant le pas sur le format argentique, permettant ainsi de décupler le nombre de clichés. Les formats numériques se sont multipliés permettant ainsi leur publication sur le web de manière instantané. Format est donc porteur d’une part d’une réflexion sur la photographie et d’autre part résonne sur l’intention de cette manifestation.

(Text: Format)


Jungfraujoch, de la série Explorateurs, 2014 | Yannic Bartolozzi

Jungfraujoch, de la série Explorateurs, 2014 | Yannic Bartolozzi

Leaves, 2017 | Thomas Flechtner

Leaves, 2017 | Thomas Flechtner

MAPS | Matthieu Gafsou Courtoisie Galerie C

MAPS | Matthieu Gafsou
Courtoisie Galerie C

Coding, Drying, Dancing, 2016 | Stéphanie Gygax

Coding, Drying, Dancing, 2016 | Stéphanie Gygax

Sans titre, de la série Dead end, 2017 | Julien Heimann

Sans titre, de la série Dead end, 2017 | Julien Heimann

Se mettre au monde, 2016 | Steeve Iunker

Se mettre au monde, 2016 | Steeve Iunker

De la série Chicane, 2013-2016 | Elisa Larvego

De la série Chicane, 2013-2016 | Elisa Larvego

Stèles (vérification n°4), 2012 | Thomas Maisonnasse

Stèles (vérification n°4), 2012 | Thomas Maisonnasse

Deposit, 2011 | Yann Mingard

Deposit, 2011 | Yann Mingard

petite définition d'un paysage, 2009 | Virginie Otth

petite définition d'un paysage, 2009 | Virginie Otth

Seeschlachten und Eukalyptus, 2013 | Michal Florence Schorro

Seeschlachten und Eukalyptus, 2013 | Michal Florence Schorro

Ricochet 2, 2016 | Rudolf Steiner

Ricochet 2, 2016 | Rudolf Steiner

Autres inventaires, 2006-2018 | Xavier Voirol

Autres inventaires, 2006-2018 | Xavier Voirol

“Neo Geography II", 2017 | Martin Widmer

“Neo Geography II", 2017 | Martin Widmer

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Triennale de l'art imprimé contemporain - Musée des Baux-Arts
Jun
17
zu 14. Okt.

Triennale de l'art imprimé contemporain - Musée des Baux-Arts

  • Musée des beaux-arts (Karte)
  • Google Kalender ICS

Triennale de l'art imprimé contemporain | Musée des Baux-Arts | Le Locle
17. Juni - 14. Oktober 2018


© Anette Lenz, Carte blanche (face B), 2018 (cyan, magenta, jaune)

© Anette Lenz, Carte blanche (face B), 2018 (cyan, magenta, jaune)


Viele Künstler haben ein starkes und anhaltendes Interesse an der Druckgrafik. Es genügt, sich an Pablo Picasso zu erinnern, dessen Arbeiten bemerkenswert sind, sowohl in Bezug auf seine Themen als auch auf seine Beherrschung der Prozesse. Die MBAL verfügt über eine schöne Sammlung von Drucken und verfolgt die Bedeutung dieser Kunst im In- und Ausland. Eine Triennale zeitgenössischer Druckkunst wurde Anfang der 90er Jahre in Le Locle geboren und hat seitdem eine lange Liste von Künstlern zusammengeführt, die sich für die Technik der Druckgrafik entschieden haben. Für diese neunte Ausgabe würdigt die MBAL Verlage und Druckereien, die ihr Know-How den Künstlerinnen und Künstlern, aber auch ihrer Sammlung mit einer Auswahl von Vorzeigewerken zur Verfügung stellen. Die Triennale feiert den Druck in all seinen Formen - klassische Verfahren (Fotogravüre, Radierung, Cyanotypie, Siebdruck, Lithographie, etc.), aber auch die neuesten Forschungen zum Digitaldruck - und bringt fast 50 Künstlerinnen und Künstler zusammen. Dazu gehören die Schweizer Emmanuelle Antille, Marc Bauer, Claudia Comte, Demain Conard, Philippe Decrauzat, Silvie Defraoui, Urs Fischer, Peter Fischli & David Weiss, Fabrice Gygi, Christian Marclay sowie Mama Andersson, Alfredo & Isabel Aquilizan, Kim Beom, John Chiara, Tacita Dean, Olafur Eliasson, Carsten Höller, Dinh Q. Lê, Annette Lenz, Matt Saunders, Penelope Umbrico oder John Zurier

Après un printemps photographique, l’été sera consacré à l’estampe contemporaine avec une nouvelle édition de la Triennale de l’art imprimé contemporain qui réunira des artistes du monde entier. Largement présente dans les collections, la gravure fait partie de l’ADN du MBAL. Résolument tourné vers la diversité du champ de l’art imprimé contemporain et des nouveaux territoires de la création, le musée s’intéresse dans cette exposition aux ateliers d’impression et éditeurs. En effet, c’est grâce au savoir-faire de ces lieux et à leur passion que nombre d’artistes ont l’occasion de produire des éditions et d’expérimenter de nouvelles techniques d’impression, de nouveaux supports, papiers et encres.

A l’occasion de la 9e édition de la Triennale de l’art imprimé contemporain, le MBAL a ainsi invité trois des plus grands imprimeurs / éditeurs internationaux à présenter une sélection d’œuvres réalisées par des artistes venus dans leurs ateliers :

STPI – Creative Workshop Gallery, établi depuis 2002 à Singapour, est un lieu unique en Asie qui permet à ses artistes de mener de riches expérimentations autour de l’impression et du papier. Niels Borch Jensen, qui a fondé Borch Editions à Copenhague en 1979, est considéré comme l’un des plus grands producteurs et éditeurs en art graphique et travaille avec des artistes de renommée mondiale. Enfin, l’atelier Crown Point Press, ouvert en 1962 à San Francisco, offre la possibilité aux artistes de graver les plaques et travailler les encres dans des conditions exceptionnelles.

La Triennale est également l’occasion de rappeler le fort intérêt que la Suisse et le musée portent à l’art imprimé. Une salle est consacrée à la Société Suisse de Gravure, dont on célèbre le centenaire en 2018. Membre depuis 1976, le MBAL a ainsi acquis de nombreuses œuvres réalisées par des artistes suisses et internationaux invités à réaliser une gravure. L’exposition présente une sélection de la collection des années 2000 à nos jours. De plus, un espace est dédié à la collection qui présente plusieurs chefs-d’œuvres abrités au musée et rarement exposés.

Enfin, souhaitant montrer les recherches actuelles autour des nouvelles technologies graphiques, une double carte blanche est offerte au Center for Future Publishing, fondé par le designer Demian Conrad en 2017, et abrité par la Haute école d’art et de design de Genève, ainsi qu’à l’artiste américaine Penelope Umbrico invitée par le MBAL à expérimenter dans ce laboratoire unique en son genre. Pour compléter cet état des lieux célébrant l’art imprimé contemporain, le musée produit une édition limitée réalisée par la graphiste Anette Lenz. Le travail – une sérigraphie imprimée à 200 exemplaires – sera disponible dans notre boutique.

L’exposition a reçu le soutien de la Loterie Romande, la Ville du Locle, la Société des beaux-arts et du musée du Locle, la Fondation Bonhôte pour l’art contemporain, la Fondation de Famille Sandoz, Swiss Life, la Fondation Erna et Curt Burgauer, Dr. Georg und Josi Guggenheim-Stiftung et la Fondation Art en jeu. Une interview de Penelope Umbrico parait dans la série “Pouvez-vous nous parler…

After a photographic spring, the summer will be dedicated to the contemporary print with a new edition of the Triennial of Contemporary Prints which will gather artists of the whole world. Widely present in collections, the engraving is a part of the DNA of MBAL. Resolutely turned to the diversity of the field of the contemporary printed art and the new territories of the creation, the museum is interested in this exhibition in the workshops of printing and publishing. Indeed, it is thanks to the know-how of these places and to their passion that number of artists has the opportunity to produce publishing and to experiment new techniques of impression, new supports, papers and ink.

On the occasion of the 9th edition of the Triennial of Contemporary Prints, MBAL has then invited printers and publishers to present a selection of works by artists who worked in close collaboration with them:

STPI – Creative Workshop & Gallery, established since 2002 in Singapore, is a unique place in Asia that allows artists to conduct rich experiments on printing and paper. Niels Borch Jensen, who founded Borch Editions in Copenhagen in 1979, is considered one of the world’s leading producers and publishers of graphic art and works with world-renowned artists. Finally, the Crown Point Press workshop, opened in San Francisco in 1962, offers artists the opportunity to engrave plates and use inks in exceptional conditions.

The Triennial is also an opportunity to commemorate Switzerland’s strong interest in print making. A room is devoted to the Swiss Engraving Society, which celebrates its centenary in 2018. MBAL has been a member since 1976 and has therefore acquired many works made by Swiss and international artists that were commissionned by this Society. The exhibition presents a selection of prints made in the 21st century. In addition, a space is dedicated to our collection which presents several masterpieces owned by MBAL and rarely displayed to the public.

Finally, wishing to display research around new graphic technologies, a double carte blanche is given to the Center for Future Publishing, founded in 2017 by designer Demian Conrad and hosted by the Geneva School of Art and Design, as well as to American artist Penelope Umbrico, who was invited by MBAL to experiment in this unique laboratory. To complete this rich survey dedicated to contemporary print making, the museum commissioned graphic designer Anette Lenz to make a limited edition print. The work – a silkscreen printed in 200 copies – will be available in our bookshop.

The exhibition received the support of the Loterie Romande, the city of Le Locle, the Société des beaux-arts et du musée du Locle, the Fondation Bonhôte pour l’art contemporain, the Fondation de Famille Sandoz, Swiss Life, the Fondation Erna et Curt Burgauer, Dr. Georg und Josi Guggenheim-Stiftung and the Fondation Art en jeu. An interview with the artist Penelope Umbrico appears in the series “Could you talk about…”.

(Texte: Musée des Baux-Arts Le Locle)

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Ausstellung| Un regard sur l'ailleurs - Jean-Claude Wicky | Musée jurassien des Arts Moutier
Jun
10
zu 11. Nov.

Ausstellung| Un regard sur l'ailleurs - Jean-Claude Wicky | Musée jurassien des Arts Moutier

  • Musée jurassien des arts (Karte)
  • Google Kalender ICS

Musée jurassien des Arts | Moutier
10. Juni - 10. November 2018

Un regard sur l'ailleurs
Jean- Claude Wicky


Aus der Serie "Hieleros" | Jean-Claude Wicky | collection privée

Aus der Serie "Hieleros" | Jean-Claude Wicky | collection privée


Jean-Claude Wickys humanitärer und einfühlsamer Blick auf das Anderswo, in seinen Schwarz-Weiss-Fotografien, hat ihm internationales Ansehen eingebracht.

Mit seinen beiden Hauptserien - den Mineros (Bergleuten) von Bolivien (1984-2001) und den Hieleros (Eissuchern) von Ecuador (1981-1982) - konnte der Fotograf in aller Bescheidenheit die Arbeits- und Lebensbedingungen einiger der ärmsten Bevölkerungsgruppen der Welt aufzeigen. Tief erschüttert gab er ihnen auch und vor allem die Würde zurück, die ihnen genommen wurde, als grosser Portraitist und Meister von Licht und Schatten, ebenso wie von Rahmung oder Texturen.

Diese Ausstellung vereint auf einzigartige Weise Ausschnitte aus diesen beiden Serien sowie Bilder aus Südostasien (ab 1995). Zwei Jahre nach dem Tod von Jean-Claude Wicky, geboren 1946 in Moutier, erlaubt es uns, in den so besonderen Blick eines Fotografen einzutauchen, der nie aufgehört hat, seine tiefen Gefühle auszudrücken.

Le regard plein d’humanité et d’empathie posé par Jean-Claude Wicky sur l’ailleurs, dans ses photographies en noir et blanc, lui a valu une renommée internationale.

Avec ses deux séries principales - les Mineros (mineurs) de Bolivie (1984-2001) et les Hieleros (chercheurs de glace) d’Equateur (1981-1982) - le photographe a su, en toute humilité, révéler les conditions de travail et de vie de populations parmi les plus pauvres du monde. Profondément bouleversé,  il leur a aussi et surtout rendu la dignité dont elles étaient privées, en grand portraitiste et maître de la lumière et des ombres, tout autant que des cadrages ou du rendu des textures.

Cette exposition fait dialoguer de manière inédite des extraits de ces deux séries, ainsi que des images prises en Asie du Sud-Est (à partir de 1995). Deux ans après le décès de Jean-Claude Wicky, né à Moutier en 1946, elle permet de s’immerger dans le regard si particulier d’un photographe qui n’a cessé de traduire les profondes émotions qu’il a éprouvées.

(Text: Musée jurassien des Arts Moutier)

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Ausstellung | Fotografie als Werkzeug - Jean Dubuffet | Musée de l'Elysée
Mai
30
zu 23. Sep.

Ausstellung | Fotografie als Werkzeug - Jean Dubuffet | Musée de l'Elysée


Musée de l'Elysée | Lausanne
30. Mai - 23. September 2018

Fotografie als Werkzeug
Jean Dubuffet


Vue de l’exposition lumineuse de Jean Dubuffet par Fiat, Turin, 1978 © Fondation Dubuffet ProLitteris

Vue de l’exposition lumineuse de Jean Dubuffet par Fiat, Turin, 1978
© Fondation Dubuffet ProLitteris

Die Ausstellung präsentiert die erste Studie zum von der Fondation Dubuffet verwahrten fotografischen Nachlass, die sich mit dem künstlerischen Schaffen Jean Dubuffets (Gemälde, Architekturmodelle oder Elemente des Bühnenspektakels Coucou Bazar) beschäftigt. Bereits zu Beginn seiner künstlerischen Tätigkeit in den 1940er-Jahren erfindet Jean Dubuffet (1901–1985) ein fotografisches Referenzsystem. 1959 richtet er ein Sekretariat ein, das unter anderem die Aufgabe hat, alle seine weltweit verstreuten Arbeiten zu dokumentieren, um einen Catalogue raisonné zusammenzustellen, der ab 1964 bis 1991 in Form von Heften veröffentlicht wird.

Diese mehrere tausend fotografische Dokumente umfassende Sammlung (Negative, Abzüge, Alben) widerspiegelt die Ambition des Künstlers, eine umfassende fotografische Dokumentation seines Gesamtwerks zu erstellen, die sowohl seinen laufenden Arbeiten als auch einer kontrollierten Verbreitung dienen soll. Sie ist auch ein Zeichen der Aufmerksamkeit, die Dubuffet der Qualität der fotografischen Reproduktionen und den technischen Fortschritten des Mediums schenkt. Eine derartige Ordnung des Werks entspricht seiner Überzeugung, dass es nur in seiner Gesamtheit verstanden werden kann. Sie liegt aber auch im Bedürfnis begründet, "eine Karte des zurückgelegten Weges zu erstellen und zu sehen, wie ein Bild der besuchten Orte entsteht". 

Die Fotografie ist zudem eines der vielen Werkzeuge, die der Künstler für die Realisierung seiner Werke verwendet. Einerseits ikonografische Quelle für bestimmte Serien, erlaubt ihre Vielseitgkeit andererseits die Reproduktion gleicher Elemente und deren Verwendung in unterschiedlichen Arbeiten. 1968 zeigt Dubuffet in seiner Ausstellung Édifices Fotomontagen, die seine architektonischen Kreationen in den öffentlichen Raum integrieren. Die Fotoprojektion kommt ab den 1970er-Jahren zum Einsatz: als Vergrösserungsverfahren bei der Herstellung von Elementen wie den Praktikabeln seines Bühnenspektakels Coucou Bazar. Die 1978 von Fiat in Turin organisierte Retrospektive bringt weitere Neuerungen mit einer spektakulären Inszenierung, die Originalwerke mit Diaprojektionen anderer Gemälde kombiniert und durch eine seinem Meisterwerk Closerie Falbala gewidmete Multiprojektion ergänzt wird. 

Gemeinsam von der Fondation Dubuffet, dem Musée de l’Elysée und den Rencontres d’Arles produzierte Ausstellung, unter Beteiligung der Collection de l’Art Brut, Lausanne.

(Pressetext)

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Ausstellung | Das Leben ist bunt - Jacques Henri Lartigue | Musée de l'Elysée
Mai
30
zu 23. Sep.

Ausstellung | Das Leben ist bunt - Jacques Henri Lartigue | Musée de l'Elysée


Musée de l'Elysée | Lausanne
30. Mai - 23. September

Das Leben ist bunt
Jacques Henri Lartigue


Sylvana Empain, Juan-les-Pins, August 1961 | Photographie J. H. Lartigue © Ministère de la Culture France/AAJHL

Sylvana Empain, Juan-les-Pins, August 1961 | Photographie J. H. Lartigue
© Ministère de la Culture France/AAJHL

Die Ausstellung Jacques Henri Lartigue. Das Leben ist bunt zeigt einen unveröffentlichten Teil der Arbeit des französischen Fotografen (1894-1986) in der Schweiz. Obwohl Farbe in den Alben, die er sein ganzes Leben lang gemacht hat, allgegenwärtig ist, wurde sie zu seinen Lebzeiten nie als solche gezeigt oder ausgestellt. Nach einer Ausstellung über seine Schwarz-Weiß-Fotografien im Jahr 1986 wollte sich das Musée de l’Elysée deshalb erneut mit Donation Lartigue verbinden, um die von Martine d’Astier und Martine Ravache konzipierte Ausstellung erneut zu besuchen. In Frankreich im Jahr 2015 vorgestellt, reist er seitdem unter der Ägide der diChroma-Fotografie. Die Lausanner Version dieses Projekts enthält unveröffentlichte Arbeiten mit dem Ziel, den Zusammenhang zwischen seinen Notizen, seinen Zeichnungen und seinen Fotografien hervorzuheben.

Getrieben von seiner Neugierde und seinem ständigen Streben nach Innovation, setzt Lartigue schon kurz nach der Kommerzialisierung Farbprozesse ein. Die Kodachromes (24 x 36) und die Ektachromes (6x6) folgten den Autochromen ihrer Anfänge (datiert 1912), die sowohl Amateure als auch Profis des 20. Jahrhunderts begeisterten. Die Farbe gibt also eine neue Dimension auf die Schnelligkeit und Unmittelbarkeit, die das Herzstück von Lartigues Arbeit sind. Sein malerisches Auge findet in dieser Praxis, die es ihm erlaubt, visuelle «Notizen» zur Nachbearbeitung zu machen, eine beeindruckende Transkription seiner Bildforschung.

Seine Vorliebe gilt den Themen seiner unmittelbaren Umgebung: seinem Leben in der Familie, seinen Spielen im Schloss von Rouzat, Sport aller Art. Fasziniert von der Natur als Ganzes und vor allem von Blumen, fixiert der Künstler seine wechselnden Nuancen, sowohl auf der Leinwand als auch auf dem Film. Diese Besessenheit findet sich auch in der Wiederholung der Ansichten aus seinem Fenster in Opio (Alpes-Maritimes) und in den vielen Bildern von Florette, seiner Frau seit vierzig Jahren.

Nach und nach öffnet sich Lartigue für andere Themen und widmet sich dem täglichen Leben der Privilegierten und der populäreren Klassen. Dies fiel mit einer Zeit der Weltoffenheit zusammen: Ab 1955 vervielfachte Lartigue seine Reisen, entdeckte neue Landschaften und stellte sich dem Unbekannten. Verlässt er die Badeorte, in denen er seinen Urlaub verbrachte (Baskenland, französische Riviera oder Normandie), sind es Italien, Venezuela, Mexiko und Kuba, die von Jacques Henri Lartigue abwechselnd in Schwarz-Weiß und in Farbe fotografiert werden.

(Pressetext)

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