Leica Galerie Salzburg
22. Februar – 13. April 2024

In Frames our Story – Fotografinnen des Leica Oskar Barnack Awards

Ana María Arévalo Gosen, Laetitia Vançon, Nanna Heitmann, Rania Matar

Der Leica Oskar Barnack Award (LOBA) würdigt seit 1980 weltweit herausragende Fotograf*innen. Benannt nach dem Erfinder der Leica, geht der LOBA auf dessen bahnbrechende Arbeit mit dem Prototyp der Ur-Leica ab 1914 zurück. Das Nominierungsgremium des Awards, bestehend aus einer fünfköpfigen internationalen Jury von Fotografie-Expert*innen, wählt jährlich zwei Preisträger sowie zwölf Shortlist-Nominierte aus.

Einzige Voraussetzung für die Nominierung ist, dass es sich um dokumentarische oder konzeptionellkünstlerische Arbeiten handelt, die sich mit dem Verhältnis des Menschen zu seiner Umwelt auseinandersetzen. Diese humanistische Konstante begleitet den LOBA-Wettbewerb seit seiner ersten Ausschreibung im Jahr 1979.

Er zählt zu den bedeutendsten und höchstdotierten Fotopreisen der Welt und wurde 2023 bereits zum 43. Mal von der Leica Camera AG verliehen.

Aus einer Vielzahl von Teilnehmerinnen der letzten Jahre fiel unsere Wahl auf vier herausragende Serien. Jede Fotografin erzählt mit beeindruckender visueller Bildsprache eine bewegende Geschichte, die sie persönlich berührt und fesselt, dabei gekonnt und einfühlsam fotografisch in Szene gesetzt.

Depuis 1980, le Leica Oskar Barnack Award (LOBA) rend hommage à des photographes* exceptionnels dans le monde entier. Nommé d'après l'inventeur du Leica, le LOBA se réfère à son travail révolutionnaire avec le prototype du Leica original à partir de 1914. Le comité de nomination du prix, composé d'un jury international de cinq experts en photographie*, sélectionne chaque année deux lauréats et douze nominés sur liste restreinte.

La seule condition pour être nominé est qu'il s'agisse d'œuvres documentaires ou d'art conceptuel qui traitent de la relation de l'homme avec son environnement. Cette constante humaniste accompagne le concours LOBA depuis sa première mise au concours en 1979.

Il compte parmi les prix de photographie les plus importants et les mieux dotés au monde et a été décerné pour la 43e fois en 2023 par Leica Camera AG.

Parmi les nombreuses participantes de ces dernières années, notre choix s'est porté sur quatre séries exceptionnelles. Chaque photographe raconte, avec un langage visuel impressionnant, une histoire émouvante qui la touche personnellement et la captive, tout en étant mise en scène de manière habile et sensible par la photographie.

Il Premio Leica Oskar Barnack (LOBA) premia fotografi eccellenti in tutto il mondo dal 1980. Il LOBA, che prende il nome dall'inventore della Leica, risale al suo lavoro innovativo con il prototipo della Leica originale del 1914. Il comitato di nomina del premio, composto da una giuria internazionale di cinque membri esperti di fotografia, seleziona ogni anno due vincitori e dodici candidati.

L'unico requisito per la candidatura è che l'opera sia documentaria o di arte concettuale che tratti del rapporto tra le persone e il loro ambiente. Questa costante umanistica ha accompagnato il concorso LOBA fin dal suo primo bando nel 1979.

È uno dei premi fotografici più importanti e più ricchi al mondo ed è stato assegnato da Leica Camera AG per la 43a volta nel 2023.

Tra i numerosi partecipanti degli ultimi anni, abbiamo scelto quattro serie eccezionali. Ogni fotografo utilizza immagini impressionanti per raccontare una storia commovente che lo tocca e lo affascina personalmente, mentre viene fotografato con abilità e sensibilità.

The Leica Oskar Barnack Award (LOBA) has been honoring outstanding photographers worldwide since 1980. Named after the inventor of the Leica, the LOBA goes back to his groundbreaking work with the prototype of the original Leica from 1914. The award's nomination committee, consisting of a five-member international jury of photography experts, selects two award winners and twelve shortlist nominees each year.

The only requirement for nomination is that the work must be documentary or conceptual art that deals with the relationship between people and their environment. This humanistic constant has accompanied the LOBA competition since it was first announced in 1979.

It is one of the most important and most highly endowed photography prizes in the world and was awarded by Leica Camera AG for the 43rd time in 2023.

From a large number of participants in recent years, we chose four outstanding series. Each photographer tells a moving story with impressive visual imagery that touches and captivates them personally, skillfully and sensitively staged photographically.

(Text: Leica Galerie, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
2. Februar – 30. März 2024

Kerstin Flake / Benoît Grimbert

Mit dem Ausstellungsprojekt Kerstin Flake / Benoît Grimbert führt der Fotohof zwei internationale Positionen zusammen, deren geistige Verwandtschaft sich wohl erst auf den zweiten Blick zu erkennen gibt. Die Leipziger Künstlerin Kerstin Flake inszeniert als Regisseurin und Bühnenbildnerin in einer Person bizarre Stücke. Während in ihren Bildserien die Gesetze der Physik nur bedingt zu gelten scheinen, gleichen Benoît Grimberts präzise Fotografien einer nahezu archäologischen Untersuchung urbaner Räume. Verbindet der in Paris lebende Künstler seine Bilder mit den Biografien von Jim Morrison und Charles Manson und lässt so zeitliche Schichtungen durcheinander geraten, geht es Kerstin Flake, neben dem Spiel mit Erwartungshaltungen, um eine Überlagerung von Vergangenem und Gegenwärtigen, um das Verschwinden und Verschieben von Perspektive und Bedeutung.

Avec le projet d'exposition Kerstin Flake / Benoît Grimbert, Fotohof réunit deux positions internationales dont la parenté spirituelle ne se révèle sans doute qu'au deuxième coup d'œil. L'artiste de Leipzig Kerstin Flake met en scène des pièces bizarres en tant que metteur en scène et décoratrice de théâtre. Alors que dans ses séries d'images, les lois de la physique ne semblent s'appliquer que de manière limitée, les photographies précises de Benoît Grimbert ressemblent à une étude presque archéologique des espaces urbains. Si l'artiste vivant à Paris relie ses visuels aux biographies de Jim Morrison et de Charles Manson et fait ainsi se confondre les strates temporelles, il s'agit pour Kerstin Flake, outre le jeu avec les attentes, d'une superposition du passé et du présent, de la disparition et du déplacement de la perspective et de la signification.

Con il progetto espositivo Kerstin Flake / Benoît Grimbert, il Fotohof riunisce due posizioni internazionali la cui affinità intellettuale è riconoscibile solo a un secondo sguardo. L'artista di Lipsia Kerstin Flake mette in scena bizzarri spettacoli come regista e scenografa in una sola persona. Mentre le leggi della fisica sembrano essere applicate solo in misura limitata nella sua serie di immagini, le precise fotografie di Benoît Grimbert assomigliano a un'indagine quasi archeologica degli spazi urbani. Mentre l'artista parigino combina le sue immagini con le biografie di Jim Morrison e Charles Manson, confondendo così gli strati temporali, Kerstin Flake si preoccupa non solo di giocare con le aspettative, ma anche di sovrapporre il passato e il presente, di far scomparire e spostare la prospettiva e il significato.

The exhibition project Kerstin Flake / Benoît Grimbert brings together two international positions whose intellectual links probably emerge only at second glance. The Leipzig artist Kerstin Flake stages bizarre plays as a director and stage designer in one person. While the laws of physics only seem to apply to a limited extent in her image series, Benoît Grimbert's precise photographic tableaus resemble an almost archaeological investigation of urban space. While the Paris-based artist ties his images to the biographies of Jim Morrison and Charles Manson, allowing layers of time and mythological subtext to become mixed up, Kerstin Flake is concerned not only with the play of expectations, but also with the superimposition of past and present, with disappearance and shifting of perspective and meaning.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
8. Dezember 2023 – 29. Februar 2024

SugarWow
Jan von Holleben

„Keine andere Droge ist so weit verbreitet und niemand kann ohne sie. Zucker ist einfach das Allertollste für uns Lebewesen,“ so der Fotograf Jan von Holleben. In seinem Berliner Fotostudio ist er ihr erlegen, der süßesten Versuchung, seit es Nahrungsmittel gibt. „Ich wollte ganz eintauchen in diese Welt. Besonders die klassischen Süßigkeiten, die eine klare Formsprache hatten, fand ich interessant.“

Die Ausstellung Sugar Wow zeigt ein Schlaraffenland, das aus einer visuellen Welt von Süßigkeiten besteht. Die ästhetisch farbenfrohen Bilder, deren Sujets komplett aus den süßen Zuckermaterialien aufgebaut sind, zeigen einerseits die Farben- und Formenvielfalt eines der wohl wichtigsten Lebensmittel unserer Zeit, andererseits aber auch ein sehr kritisch zu betrachtendes Thema, das aus unserer Gesellschaft nicht mehr wegzudenken ist.

„Die Welt der Süßigkeiten ist sehr komplex und intensiv. Wir Menschen haben in allen Kulturen einen sehr speziellen Umgang mit Zucker. Dabei ist der Übergang von essenzieller Ernährung (Kohlenhydrate, Säuren etc., die im Körper zu Zucker umgewandelt werden) über süßes Gebäck zu dem, was wir Süßigkeiten nennen, fließend. Süßigkeiten sind das extremste Zuckerzeug – Zucker fast in Reinform, versetzt mit etwas Farbe und ein paar anderen Inhaltsstoffen für noch bessere Haltbarkeit, Materialität oder Sensorik.“

Jan von Holleben nimmt den Betrachter in seinen Bildern mit auf eine Reise Zucker einmal anders zu erleben und sich mit dem Thema auseinanderzusetzen. Humorvolles, Ästhetisches und Dekoratives gehen dabei eine essentielle Symbiose ein, die zum Schmunzeln einlädt.

Jan von Holleben arbeitet als Kinderbuchautor, er veröffentlichte bereits mehr als 20 Kinder- und Künstlerbücher. Seine Arbeiten sind international in der Werbung und in unzähligen Magazinen zu sehen.

"Aucune autre drogue n'est aussi répandue et personne ne peut s'en passer. Le sucre est tout simplement ce qu'il y a de plus délicieux pour nous, les êtres vivants", déclare le photographe Jan von Holleben. Dans son studio photo berlinois, il a succombé à la tentation la plus douce depuis l'apparition de la nourriture. "Je voulais m'immerger complètement dans ce monde. J'ai trouvé particulièrement intéressants les bonbons classiques, qui avaient un langage formel clair".

L'exposition Sugar Wow présente un pays de cocagne constitué d'un univers visuel de sucreries. Les images esthétiques et colorées, dont les sujets sont entièrement construits à partir des matériaux sucrés du sucre, montrent d'une part la diversité des couleurs et des formes de l'un des aliments sans doute les plus importants de notre époque, mais d'autre part aussi un thème très critique dont on ne peut plus se passer dans notre société.

"Le monde des sucreries est très complexe et intense. Dans toutes les cultures, nous autres humains avons une approche très particulière du sucre. Dans ce contexte, la transition entre l'alimentation essentielle (glucides, acides, etc. qui sont transformés en sucre dans le corps) et ce que nous appelons les sucreries, en passant par les pâtisseries sucrées, est fluide. Les bonbons sont le truc sucré le plus extrême - du sucre presque à l'état pur, mélangé à un peu de couleur et à quelques autres ingrédients pour une conservation, une matérialité ou une sensorialité encore meilleures".

Dans ses images, Jan von Holleben emmène le spectateur dans un voyage pour découvrir le sucre autrement et se confronter à ce thème. L'humour, l'esthétique et le décoratif y forment une symbiose essentielle qui invite à sourire.

Jan von Holleben travaille comme auteur de livres pour enfants, il a déjà publié plus de 20 livres pour enfants et livres d'artistes. Ses travaux sont visibles dans la publicité internationale et dans d'innombrables magazines.

"Nessun'altra droga è così diffusa e nessuno può farne a meno. Lo zucchero è semplicemente la cosa più dolce per noi creature", afferma il fotografo Jan von Holleben. Nel suo studio fotografico di Berlino, ha ceduto alla tentazione più dolce da quando esiste il cibo. "Volevo immergermi completamente in questo mondo. Ero particolarmente interessato ai dolci classici, che avevano un chiaro linguaggio di design".

La mostra Sugar Wow mostra una terra di latte e miele costituita da un mondo visivo di dolci. Le immagini esteticamente colorate, i cui soggetti sono realizzati interamente con materiali zuccherini, mostrano la varietà di colori e forme di uno degli alimenti più importanti del nostro tempo, ma anche un tema molto critico che è diventato parte integrante della nostra società.

"Il mondo dei dolci è molto complesso e intenso. Noi esseri umani, in tutte le culture, abbiamo un modo molto particolare di rapportarci allo zucchero. Il passaggio dall'alimentazione essenziale (carboidrati, acidi, ecc. che vengono convertiti in zucchero nell'organismo) alla pasticceria dolce e a ciò che chiamiamo dolci è fluido. I dolci sono gli zuccheri più estremi: zucchero quasi allo stato puro, mescolato con un po' di colore e qualche altro ingrediente per migliorare la conservabilità, la materialità o le proprietà sensoriali".

Nelle sue immagini, Jan von Holleben accompagna lo spettatore in un viaggio che lo porta a sperimentare lo zucchero in modo diverso e a confrontarsi con il soggetto. Elementi umoristici, estetici e decorativi entrano in una simbiosi essenziale che fa sorridere.

Jan von Holleben lavora come autore di libri per bambini e ha già pubblicato più di 20 libri per bambini e per artisti. I suoi lavori sono visibili a livello internazionale in pubblicità e in innumerevoli riviste.

"No other drug is so widespread and nobody can do without it. Sugar is simply the sweetest thing for us creatures," says photographer Jan von Holleben. In his Berlin photo studio, he succumbed to it, the sweetest temptation since food has existed. "I wanted to immerse myself completely in this world. I was particularly interested in the classic sweets, which had a clear design language."

The Sugar Wow exhibition shows a land of milk and honey consisting of a visual world of sweets. The aesthetically colorful pictures, whose subjects are made up entirely of sweet sugar materials, show the variety of colors and shapes of one of the most important foods of our time, but also a very critical topic that has become an integral part of our society.

"The world of sweets is very complex and intense. We humans have a very special way of dealing with sugar in all cultures. The transition from essential food (carbohydrates, acids, etc., which are converted into sugar in the body) to sweet pastries and what we call sweets is a fluid one. Sweets are the most extreme sugar stuff - sugar almost in its pure form, mixed with some color and a few other ingredients for even better shelf life, materiality or sensory properties."

In his pictures, Jan von Holleben takes the viewer on a journey to experience sugar in a different way and to engage with the subject. Humorous, aesthetic and decorative elements enter into an essential symbiosis that invites smiles.

Jan von Holleben works as a children's book author and has already published more than 20 children's and artist's books. His work can be seen internationally in advertising and in countless magazines.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
2. Dezember 2023 - 1. April 2024

Mediathek+ Die Video- und Filmsammlung der Generali Foundation

Die Generali Foundation hat seit ihrer Gründung eine der bedeutendsten internationalen Medienkunstsammlungen ab den 1960er-Jahren aufgebaut, mit einem Schwerpunkt auf experimenteller, medienreflexiver Film- und Videokunst, politischem Film sowie feministischen und performancebasierten Videoarbeiten. Sie umfasst sämtliche Filme und Videos von Künstler_innen wie Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler und Heimo Zobernig. Die Mediathek im Generali Foundation Studienzentrum macht einen großen Teil dieser Filme und Videos für Forscher_innen und alle interessierten Besucher_innen jederzeit zugänglich. Darüber hinaus können wichtige Veranstaltungen, die seit den 1990er-Jahren in der Generali Foundation stattgefunden haben – Vorträge, Symposien, Gespräche mit Künstler_innen und Performances – angesehen werden.

Die Ausstellung erweitert die Mediathek in den Ausstellungsraum, um die gesamte Bandbreite der Film- und Videosammlung sichtbar zu machen und grundlegende Entwicklungen der Film- und Videokunst der letzten Jahrzehnte zu veranschaulichen. Gleichzeitig unterstreicht sie die Bedeutung des freien Zugangs zu Film- und Videoarchiven als Teil des kulturellen Gedächtnisses der jüngeren Zeit.

Kurator_innen: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Depuis sa création, la Generali Foundation a constitué l'une des plus importantes collections internationales d'art médiatique à partir des années 1960, en mettant l'accent sur le cinéma et l'art vidéo expérimentaux et reflétant les médias, le cinéma politique ainsi que les œuvres vidéo féministes et basées sur la performance. Elle comprend tous les films et vidéos d'artistes tels que Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler et Heimo Zobernig. La médiathèque du centre d'études de la Fondation Generali rend une grande partie de ces films et vidéos accessibles à tout moment aux chercheurs et à tous les visiteurs intéressés. En outre, les événements importants qui ont eu lieu à la Fondation Generali depuis les années 1990 - conférences, symposiums, entretiens avec des artistes et performances - peuvent être visionnés.

L'exposition étend la médiathèque à l'espace d'exposition afin de rendre visible toute la gamme de la collection de films et de vidéos et d'illustrer les développements fondamentaux de l'art cinématographique et vidéo des dernières décennies. En même temps, elle souligne l'importance du libre accès aux archives cinématographiques et vidéo en tant que partie intégrante de la mémoire culturelle récente.

Commissaires d'exposition : Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Dalla sua fondazione, la Fondazione Generali ha costituito una delle più importanti collezioni internazionali di media art a partire dagli anni Sessanta, con particolare attenzione al cinema e alla videoarte sperimentale e riflessiva sui media, al cinema politico e alle opere video femministe e performative. Include tutti i film e i video di artisti come Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler e Heimo Zobernig. La mediateca del Centro Studi della Fondazione Generali rende gran parte di questi film e video accessibili ai ricercatori e a tutti i visitatori interessati in qualsiasi momento. Inoltre, è possibile visionare importanti eventi che si sono svolti alla Fondazione Generali a partire dagli anni Novanta - conferenze, simposi, colloqui con artisti e spettacoli.

La mostra estende la mediateca allo spazio espositivo per rendere visibile l'intera gamma della collezione di film e video e per illustrare gli sviluppi fondamentali dell'arte cinematografica e video degli ultimi decenni. Allo stesso tempo, sottolinea l'importanza del libero accesso agli archivi di film e video come parte della memoria culturale dei tempi recenti.

Curatori: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

Since its establishment, the Generali Foundation has built up one of the most important international media art collections from the 1960s onwards, with a focus on experimental, media-reflexive film and video art, political film, and feminist and performance-based video works. It includes all films and videos by artists such as Gottfried Bechtold, VALIE EXPORT, Dan Graham, Harun Farocki, Elke Krystufek, Gordon Matta-Clark, Martha Rosler and Heimo Zobernig. The Media Library at the Generali Foundation Study Center makes a large part of these films and videos accessible to researchers and all interested visitors at any time. In addition, important events that have taken place at the Generali Foundation since the 1990s - lectures, symposia, talks with artists, and performances - can be viewed.

The exhibition extends the media library into the exhibition space in order to make the entire range of the film and video collection visible and to illustrate fundamental developments in film and video art over the past decades. At the same time, it underscores the importance of free access to film and video archives as part of recent cultural memory.

Curators: Stefanie Grünangerl, Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
2. Dezember 2023 - 1. April 2024

Otto-Breicha-Preis für Fotokunst 2021
Anna Jermolaewa

Anna Jermolaewa (1970 Leningrad, UdSSR – Wien, AT) ist die Preisträgerin des Otto-Breicha-Preises 2021. Sie wurde 1989 ausgebürgert und kam nach Österreich, wo sie zunächst Kunstgeschichte studierte und 2002 ihr Studium an der Akademie der Bildenden Künste Wien abschloss. Seit 2018 ist sie Professorin für Experimentelle Gestaltung an der Kunstuniversität Linz. Die Konzeptkünstlerin bezeichnet sich selbst als „Realistin“ und ihre Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit ist oft kritisch und abgründig humorvoll. „Hostile Architecture“ etwa ist eine 2019 begonnene Fotoserie, die erfasst, wie im öffentlichen Raum Metallstacheln und Ähnliches so montiert sind, dass Obdachlose sich dort nicht aufhalten können. Gleichzeitig dokumentiert Jermolaewa die schmerzhaften Spuren dieser menschenverachtenden Architektur am eigenen Körper.

Oft entwickeln sich ihre Arbeiten, meist in den Medien Fotografie und Video, aus der Beobachtung alltäglicher Dinge und sind mit ihrer eigenen Biographie verknüpft. Jermolaewa reflektiert Themen wie Erinnerung, Entwurzelung und Neubeginn. Vor allem aus ihren Erfahrungen als aufmerksame Reisende resultieren Projekte, die die Lebensbedingungen und Machtstrukturen in der Welt untersuchen. Eine Arbeit, die Jermolaewa 2014 begonnen hat und bis heute fortsetzt, ist „Chernobyl Safari“: Im menschenleeren Sperrgebiet von Tschernobyl, sind Filmbilder von großer Schönheit entstanden, beispielsweise von wieder ausgewilderten Urpferden, die dort ideale Bedingungen fanden. Dass die Natur es ohne Menschen besser hat, ist eine Erkenntnis dieser Arbeit.

Otto-Breicha-Preis für Fotokunst
Seit 1983 vergibt das Museum der Moderne Salzburg alle zwei Jahre einen Preis für Fotokunst. Seit 2007 wird dieser Preis von der Familie Breicha gefördert und als „Otto-Breicha-Preis für Fotokunst – Museum der Moderne Salzburg“ an eine_n österreichische_n oder in Österreich lebende_n Fotokünstler_in verliehen. Der Preis ist nach Otto Breicha, dem Gründungsdirektor der Modernen Galerie und Graphischen Sammlung – Rupertinum, der Vorläuferinstitution des heutigen Museums, benannt. Anna Jermolaewa ist die 18. Trägerin des Preises.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Yermolaeva (1970 Leningrad, URSS - Vienne, AT) est la lauréate du prix Otto-Breicha 2021. Expatriée en 1989, elle est venue en Autriche où elle a d'abord étudié l'histoire de l'art avant de terminer ses études à l'Académie des beaux-arts de Vienne en 2002. Depuis 2018, elle est professeur de design expérimental à l'université des arts de Linz. L'artiste conceptuelle se définit elle-même comme une "réaliste" et sa confrontation avec la réalité est souvent critique et empreinte d'un humour abyssal. "Hostile Architecture", par exemple, est une série de photos commencée en 2019 qui saisit comment, dans l'espace public, des pics métalliques et autres sont montés de manière à ce que les sans-abri ne puissent pas y rester. Parallèlement, Yermolaeva documente sur son propre corps les traces douloureuses de cette architecture inhumaine.

Souvent, ses travaux, généralement réalisés dans les médias de la photographie et de la vidéo, se développent à partir de l'observation de choses quotidiennes et sont liés à sa propre biographie. Jermolaewa réfléchit à des thèmes tels que la mémoire, le déracinement et le nouveau départ. C'est surtout de son expérience de voyageuse attentive que résultent des projets qui examinent les conditions de vie et les structures de pouvoir dans le monde. Un travail que Jermolaewa a commencé en 2014 et qu'elle poursuit encore aujourd'hui est "Chernobyl Safari" : dans la zone interdite de Tchernobyl, désertée par les hommes, des images filmées d'une grande beauté ont été réalisées, par exemple de chevaux préhistoriques réintroduits dans la nature et qui y ont trouvé des conditions idéales. L'une des conclusions de ce travail est que la nature se porte mieux sans l'homme.

Prix Ottoreicha pour l'art photographique
Depuis 1983, le Museum der Moderne Salzburg décerne tous les deux ans un prix pour l'art photographique. Depuis 2007, ce prix est parrainé par la famille Breicha et attribué sous le nom de "Otto-Breicha-Preis für Fotokunst - Museum der Moderne Salzburg" à un(e) artiste photographe autrichien(ne) ou vivant en Autriche. Le prix porte le nom d'Otto Breicha, le directeur fondateur de la Moderne Galerie und Graphische Sammlung - Rupertinum, l'institution qui a précédé le musée actuel. Anna Ermolaewa est la 18e lauréate du prix.

Les commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Jermolaewa (1970 Leningrado, URSS - Vienna, AT) è la vincitrice del Premio Ottoreicha 2021. Espatriata nel 1989, è arrivata in Austria, dove ha studiato storia dell'arte e si è laureata all'Accademia di Belle Arti di Vienna nel 2002. Dal 2018 è docente di design sperimentale presso la Kunstuniversität di Linz. L'artista concettuale si definisce "realista" e il suo impegno con la realtà è spesso critico e abissalmente umoristico. "Hostile Architecture", ad esempio, è una serie di foto iniziata nel 2019 che immortala il modo in cui punte di metallo e simili vengono montate negli spazi pubblici in modo tale da impedire ai senzatetto di soggiornarvi. Allo stesso tempo, Jermolaewa documenta le dolorose tracce di questa architettura disumana sul proprio corpo.

Le sue opere, per lo più nei media della fotografia e del video, si sviluppano spesso dall'osservazione di cose quotidiane e sono legate alla sua biografia. Jermolaewa riflette su temi come la memoria, lo sradicamento e i nuovi inizi. Soprattutto, le sue esperienze di viaggiatrice attenta si traducono in progetti che esaminano le condizioni di vita e le strutture di potere nel mondo. Un lavoro che Jermolaewa ha iniziato nel 2014 e continua tuttora è "Chernobyl Safari": nella zona di esclusione di Chernobyl, ormai deserta, sono state create immagini cinematografiche di grande bellezza, ad esempio dei cavalli primordiali reintrodotti che hanno trovato lì le condizioni ideali. Una delle intuizioni di questo lavoro è che la natura sta meglio senza l'uomo.

Premio Otto-Breicha per l'arte fotografica
Dal 1983, il Museum der Moderne Salzburg assegna ogni due anni un premio per l'arte fotografica. Dal 2007, questo premio è sponsorizzato dalla famiglia Breicha e assegnato come "Premio Otto Breicha per l'arte fotografica - Museum der Moderne Salzburg" a un artista fotografico austriaco o con sede in Austria. Il premio prende il nome da Otto Breicha, il direttore fondatore della Moderne Galerie und Graphische Sammlung - Rupertinum, l'istituzione che ha preceduto l'attuale museo. Anna Jermolaewa è il 18° destinatario del premio.

Curatori: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

Anna Jermolaewa (1970 Leningrad, USSR - Vienna, AT) is the winner of the Ottoreicha Award 2021. She was expatriated in 1989 and came to Austria, where she first studied art history and graduated from the Academy of Fine Arts Vienna in 2002. Since 2018, she has been a professor of experimental design at the University of Art in Linz. The conceptual artist describes herself as a "realist," and her engagement with reality is often critical and abysmally humorous. "Hostile Architecture," for example, is a photo series begun in 2019 that captures how metal spikes and the like are mounted in public spaces in such a way that homeless people cannot stay there. At the same time, Jermolaewa documents the painful traces of this inhumane architecture on her own body.

Often her works, mostly in the media of photography and video, develop from the observation of everyday things and are linked to her own biography. Jermolaewa reflects on themes such as memory, uprooting, and new beginnings. Above all, her experiences as an observant traveler result in projects that examine living conditions and power structures in the world. One work that Jermolaewa began in 2014 and continues to this day is "Chernobyl Safari": in the deserted Chernobyl exclusion zone, film images of great beauty have been created, for example of reintroduced primeval horses that found ideal conditions there. The fact that nature has it better without humans is a realization of this work.

Otto-Breicha Prize for Photographic Art
Since 1983, the Museum der Moderne Salzburg has awarded a prize for photographic art every two years. Since 2007, this prize has been sponsored by the Breicha family and awarded as the "Otto Breicha Prize for Photographic Art - Museum der Moderne Salzburg" to an Austrian or Austrian-based photographic artist. The prize is named after Otto Breicha, the founding director of the Modern Gallery and Graphic Collection - Rupertinum, the predecessor institution of today's museum. Anna Jermolaewa is the 18th recipient of the prize.

Curators: Kerstin Stremmel, Andrea Lehner-Hagwood

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
1. Dezember 2023 – 27. Januar 2024

Open Territory
Libor Fojtik, Jana Ilkova, Ema Lančaričová, Martin Kollar, Ivana Palečková, Lucia Nimcová, Daniel Šperl

»Open Territory« zeigt sieben dokumentarfotografische Positionen, die sich mit verschiedenen Aspekten des alltäglichen Lebens in Tschechien und der Slowakei beschäftigen. Während die Positionen dieser Gruppenausstellung in erster Linie aus Beobachtungen und Dokumentation der Außenwelt bestehen, lassen ihre Stile, Perspektiven und der Kern ihrer künstlerischen Methoden an die Tradition des in der Zwischenkriegszeit entstandenen magischen Realismus denken − eine Tradition, die weiterhin viele dazu inspiriert, einen realistischen Ansatz bei der Beobachtung der Außenwelt beizubehalten und gleichzeitig ermutigt, eine surreale Gegenüberstellung von Objekten und Menschen zu schaffen, die die Grenze zwischen Realität und der Fantasie zu verwischen sucht.

"Open Territory" présente sept positions photographiques documentaires qui s'intéressent à différents aspects de la vie quotidienne en République tchèque et en Slovaquie. Alors que les positions de cette exposition de groupe consistent principalement à observer et à documenter le monde extérieur, leurs styles, leurs perspectives et l'essence de leurs méthodes artistiques font penser à la tradition du réalisme magique née dans l'entre-deux-guerres - une tradition qui continue d'inspirer de nombreuses personnes à maintenir une approche réaliste dans l'observation du monde extérieur tout en les encourageant à créer une juxtaposition surréaliste d'objets et de personnes qui cherche à effacer la frontière entre la réalité et l'imagination.

"Open Territory" presenta sette posizioni fotografiche documentarie che affrontano diversi aspetti della vita quotidiana nella Repubblica Ceca e in Slovacchia. Sebbene le posizioni di questa mostra collettiva consistano principalmente in osservazioni e documentazioni del mondo esterno, i loro stili, le prospettive e il nucleo dei loro metodi artistici ricordano la tradizione del realismo magico emersa nel periodo tra le due guerre - una tradizione che continua a ispirare molti a mantenere un approccio realistico all'osservazione del mondo esterno, incoraggiandoli al contempo a creare una giustapposizione surreale di oggetti e persone che cerca di sfumare il confine tra realtà e immaginazione.

»Open Territory« features seven positions in documentary photography focused on various aspects of everyday life in Czechia and Slovakia. While the collection in this group exhibition primarily consist of documentation of the outside world, their styles, perspectives, and the core of their artistic methods can be associated with a touch of the tradition of surrealism that was developed between two wars—a tradition that continues to inspire many to maintain a realistic approach in documenting the outside world while encouraging them to create a surreal juxtaposition of objects and people blurring the line between so-called reality and fantasy.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
1. Dezember 2023 – 27. Januar 2024

Lokalaugenschein
Peter Dressler

Wie wenige andere Persönlichkeiten hat Peter Dressler als Künstler, Akademielehrer, Sammler und kritischer Teilnehmer der Kunstszene die österreichische Fotografie seit den 1970er-Jahren mit beeinflusst. Die Beziehung mit ihm geht bis in die frühen Gründungsjahre des Fotohofs zurück – 1985 erstmals in einer Gruppenausstellung gezeigt, folgte 1989 die Einzelausstellung »Zwischenspiel« und weitere danach. Auch die meisten seiner Künstlerbücher konnten wir in der FOTOHOF>EDITION herausbringen. Zwei Jahre nach seinem Tod 2013 übernahmen wir im FOTOHOF>ARCHIV seinen gesamten künstlerischen Nachlass. »Wiener Gold« war der Titel seiner aus dem Nachlass erarbeiteten Retrospektive 2016 im Kunsthaus Wien mit umfangreichem Katalogbuch.

Dresslers Interesse an der Fotografie war seit jeher (kunst)historisch fundiert. Sein frühes Abgehen vom Einzelbildprinzip, die Entwicklung einer eigenen Bildsprache und im weiteren assoziativer und narrativer Sequenzen –- komplex und witzig gleichermaßen –, das Bestehen auf formalen Definitionen – Bildformat, Ausschnitt, Printqualität, Präsentationsform – stehen für eine souveräne künstlerische Haltung im Umgang mit den Möglichkeiten des Mediums.

Die aktuelle Ausstellung reflektiert Dresslers lebenslanges Interesse an unseren osteuropäischen Nachbarländern und ihrer Fotografie. In bisher ungezeigten Werkgruppen folgen wir Dressler nach Prag, Bukarest oder Chisinău und erleben seine Sensibilität für den »spirit of the place«, seinen Humor und Sinn für manchmal absurde Komik.

Comme peu d'autres personnalités, Peter Dressler a contribué à influencer la photographie autrichienne depuis les années 1970 en tant qu'artiste, professeur d'académie, collectionneur et participant critique à la scène artistique. Notre relation avec lui remonte aux premières années de fondation de Fotohof - présenté pour la première fois en 1985 dans une exposition de groupe, il a été suivi en 1989 par l'exposition individuelle "Zwischenspiel" et d'autres par la suite. Nous avons également pu éditer la plupart de ses livres d'artistes dans la FOTOHOF>EDITION. Deux ans après sa mort en 2013, nous avons repris l'ensemble de son héritage artistique dans les FOTOHOF>ARCHIVES. "Wiener Gold" était le titre de sa rétrospective 2016 au Kunsthaus Wien, élaborée à partir de son héritage et accompagnée d'un livre-catalogue très complet.

L'intérêt de Dressler pour la photographie a toujours été fondé sur l'histoire (de l'art). Son abandon précoce du principe de l'image unique, le développement d'un langage visuel propre et, par la suite, de séquences associatives et narratives -- à la fois complexes et drôles -, l'insistance sur les définitions formelles - format d'image, cadrage, qualité d'impression, forme de présentation - témoignent d'une attitude artistique souveraine dans l'utilisation des possibilités du médium.

L'exposition actuelle reflète l'intérêt de toute une vie de Dressler pour les pays voisins d'Europe de l'Est et leur photographie. Dans des groupes d'œuvres jamais montrés jusqu'à présent, nous suivons Dressler à Prague, Bucarest ou Chisinău et découvrons sa sensibilité à l'"esprit du lieu", son humour et son sens du comique parfois absurde.

Come artista, insegnante d'accademia, collezionista e partecipante critico alla scena artistica, Peter Dressler ha influenzato la fotografia austriaca dagli anni Settanta come poche altre personalità. Il rapporto con lui risale ai primi anni di fondazione del Fotohof - la prima mostra è stata una collettiva nel 1985, seguita dalla personale "Zwischenspiel" nel 1989 e da altre successive. Abbiamo anche potuto pubblicare la maggior parte dei suoi libri d'artista nella FOTOHOF>EDITION. Due anni dopo la sua morte, nel 2013, abbiamo rilevato il suo intero patrimonio artistico nell'ARCHIVIO FOTOHOF>. "Wiener Gold" è il titolo della sua retrospettiva del 2016 alla Kunsthaus Wien, che è stata realizzata a partire dal suo patrimonio e comprende un ampio catalogo.

L'interesse di Dressler per la fotografia è sempre stato radicato nella storia (dell'arte). Il suo precoce allontanamento dal principio dell'immagine singola, lo sviluppo di un proprio linguaggio visivo e successivamente di sequenze associative e narrative - complesse e spiritose in egual misura - e la sua insistenza sulle definizioni formali - formato dell'immagine, ritaglio, qualità di stampa, forma di presentazione - sono sinonimo di un atteggiamento artistico sicuro nell'affrontare le possibilità del mezzo.

La mostra attuale riflette l'interesse di Dressler per i nostri vicini dell'Europa orientale e per la loro fotografia. In gruppi di opere inedite, seguiamo Dressler a Praga, Bucarest o Chisinău e sperimentiamo la sua sensibilità per lo "spirito del luogo", il suo umorismo e il senso della commedia a volte assurda.

As an artist, academy teacher, collector and critical participant in the art scene, Peter Dressler has helped to influence Austrian photography since the 1970s like few other personalities. Our relationship with him goes back to the early founding years of FOTOHOF – first shown in a group exhibition in 1985, followed by the solo exhibition »Zwischenspiel« in 1989 and others thereafter. We were also able to publish most of his artist books with FOTOHOF>EDITION. Two years after his death in 2013, we were able to get his entire artistic estate as part of FOTOHOF>ARCHIV. »Wiener Gold« was the title of his 2016 retrospective at the Kunsthaus Wien, which was compiled from his estate and included an extensive catalog book.

Dressler's interest in photography has always been based on (art) history. His early departure from the single-image principle, the development of his own pictorial language and, by extension, associative and narrative sequences – complex and witty in equal measure –, the insistence on formal definitions – image format, cropping, print quality, form of presentation – stand for a sovereign artistic attitude in dealing with the possibilities of the medium.

The current exhibition reflects Dressler's lifelong interest in our neighboring Eastern European countries and their photography. In previously unseen groups of works, we follow Dressler to Prague, Bucharest, or Chisinău and experience his sensitivity to the »spirit of the place,« his humor and sense for sometimes absurd comedy.

(Text: Rainer Iglar / Brigitte Blüml)

Museum der Moderne | Salzburg
28. Oktober 2023 - 7. April 2024

Kunst in vier Dimensionen. Medienkunst neu betrachtet

Mit über 500 Werken internationaler Künstler_innen bewahrt, erforscht und präsentiert die Sammlung Generali Foundation am Museum der Moderne Salzburg einen der bedeutendsten Bestände an Medienkunst in Österreich. Anhand ausgewählter Positionen spannt die Sammlung einen Bogen vom Avantgardefilm der 1960er-Jahre über die frühe Videokunst der 1970er-Jahre bis hin zu elaborierten Film-, Video-, Dia- und Soundinstallationen ab den 1990er-Jahren. Mit medienreflexiven, gesellschafts- und institutionskritischen, feministischen und dokumentarischen Arbeiten enthält sie wesentliche Marksteine der westlichen Kunstgeschichte. Die Ausstellung ist einer neuen Lesart der Sammlung gewidmet. Sie stellt ästhetische, psychologische, motivische und methodische Aspekte in den Vordergrund und zeigt unerwartete Querverbindungen und Korrespondenzen zwischen dem künstlerischen Denken verschiedener Zeiten auf. Die Ausstellung ermöglicht so einen neuen Blick auf wichtige Werke der Medienkunst.

Kurator: Jürgen Tabor

Avec plus de 500 œuvres d'artistes internationaux, la collection Generali Foundation du Museum der Moderne Salzburg conserve, étudie et présente l'un des plus importants fonds d'art médiatique d'Autriche. À l'aide d'une sélection de positions, la collection s'étend du film d'avant-garde des années 1960 aux installations élaborées de films, de vidéos, de diapositives et de sons à partir des années 1990, en passant par les débuts de l'art vidéo des années 1970. Avec des œuvres réflexives sur les médias, critiques à l'égard de la société et des institutions, féministes et documentaires, elle contient des repères essentiels de l'histoire de l'art occidental. L'exposition est consacrée à une nouvelle lecture de la collection. Elle transmet les aspects esthétiques, psychologiques, motivationnels et méthodologiques au premier plan et met en évidence des liens transversaux et des correspondances inattendues entre la pensée artistique de différentes époques. L'exposition permet ainsi de jeter un regard nouveau sur des œuvres importantes de l'art médiatique.

Curateur : Jürgen Tabor

Con oltre 500 opere di artisti internazionali, la Generali Foundation Collection del Museum der Moderne Salzburg conserva, ricerca e presenta una delle più importanti collezioni di media art in Austria. Sulla base di posizioni selezionate, la collezione abbraccia un arco che va dal cinema d'avanguardia degli anni Sessanta alla prima videoarte degli anni Settanta, fino alle installazioni cinematografiche, video, diapositive e sonore elaborate a partire dagli anni Novanta. Con opere riflessive sui media, critiche dal punto di vista sociale e istituzionale, femministe e documentaristiche, contiene punti di riferimento essenziali della storia dell'arte occidentale. La mostra è dedicata a una nuova lettura della collezione. Mette in primo piano aspetti estetici, psicologici, motivazionali e metodologici e rivela inaspettate connessioni e corrispondenze tra il pensiero artistico di diversi periodi. La mostra offre quindi una nuova prospettiva su importanti opere d'arte mediale.

Curatore: Jürgen Tabor

With over 500 works by international artists, the Generali Foundation Collection at the Museum der Moderne Salzburg preserves, researches, and presents one of the most important collections of media art in Austria. On the basis of selected positions, the collection spans an arc from the avant-garde film of the 1960s to the early video art of the 1970s to elaborate film, video, slide, and sound installations from the 1990s onward. With media-reflexive, socially and institution-critical, feminist and documentary works, it contains essential landmarks in the history of Western art. The exhibition is dedicated to a new reading of the collection. It foregrounds aesthetic, psychological, motivic, and methodological aspects and reveals unexpected cross-connections and correspondences between the artistic thought of different periods. The exhibition thus provides a new perspective on important works of media art.

Curator: Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
10. Oktober - 25. November 2023

Phänomene
Marina Gadonneix

Die großformatigen Fotografien von Marina Gardonneix zeigen Naturphänomene wie Lawinen, Blitze, Meteoriten und Polarlichter als Simulationen. In ihrer über einen langen Zeitraum hinweg in Versuchslaboren fotografierten Serie Phänomene verschmelzen die Tradition und die Ästhetik der Landschaftsfotografie mit dem wissenschaftlichen Dokument.

Obwohl alle Bilder in speziell für wissenschaftliche Experimente konzipierten Räumen entstanden sind, ist es die reale Welt, für die sich Marina Gadonneix interessiert.

Die Labore, in denen sie arbeitet, sind Orte der Darstellung, Modellierung und Abstrahierung physikalischer Vorgänge; hochgradig kontrollierte Umgebungen sowie Geräte und Konstruktionen, die Naturereignisse erzeugen und skalieren. Auf diese konzentriert sich Marina Gadonneix in ihrer Erforschung des Wunders dieser Phänomene.

Es scheint angemessen, dass Marina Gadonneix die Fotografie, ein Medium an der Schnittstelle zwischen Realität und Fiktion, nutzt, um sich mit dem Paradoxon der Darstellung der Realität auseinanderzusetzen; der gleichzeitigen Messung und Kontrolle dessen, was wir in der realen Welt sehen.

Les photographies grand format de Marina Gardonneix montrent des phénomènes naturels tels que les avalanches, la foudre, les météorites et les aurores boréales sous forme de simulations. Dans sa série Phénomènes, photographiée sur une longue période dans des laboratoires expérimentaux, la tradition et l'esthétique de la photographie de paysage fusionnent avec le document scientifique.

Bien que toutes les images aient été prises dans des espaces spécialement conçus pour des expériences scientifiques, c'est au monde réel que Marina Gadonneix s'intéresse.

Les laboratoires dans lesquels elle travaille sont des lieux de représentation, de modélisation et d'abstraction de processus physiques ; des environnements hautement contrôlés ainsi que des appareils et des constructions qui génèrent et mettent à l'échelle des phénomènes naturels. C'est sur ces derniers que Marina Gadonneix se concentre dans son exploration du miracle de ces phénomènes.

Il semble approprié que Marina Gadonneix utilise la photographie, un médium à la croisée de la réalité et de la fiction, pour aborder le paradoxe de la représentation de la réalité ; la mesure et le contrôle simultanés de ce que nous voyons dans le monde réel.

Le fotografie di grande formato di Marina Gardonneix mostrano fenomeni naturali come valanghe, fulmini, meteoriti e aurore come simulazioni. Nella serie Phenomena, fotografata per un lungo periodo di tempo in laboratori sperimentali, la tradizione e l'estetica della fotografia di paesaggio si fondono con il documento scientifico.

Sebbene tutte le immagini siano state scattate in spazi appositamente progettati per gli esperimenti scientifici, è il mondo reale che interessa a Marina Gadonneix.

I laboratori in cui lavora sono luoghi di rappresentazione, modellazione e astrazione di processi fisici; ambienti altamente controllati e dispositivi e costruzioni che creano e scalano eventi naturali. È su questi aspetti che Marina Gadonneix si concentra nella sua esplorazione della meraviglia di questi fenomeni.

Sembra appropriato che Marina Gadonneix utilizzi la fotografia, un mezzo che si trova all'intersezione tra realtà e finzione, per affrontare il paradosso della rappresentazione della realtà; la misurazione e il controllo simultanei di ciò che vediamo nel mondo reale.

Marina Gardonneix's large-format photographs show natural phenomena such as avalanches, lightning, meteorites, and auroras as simulations. In her Phenomena series, photographed over a long period of time in experimental laboratories, the tradition and aesthetics of landscape photography merge with the scientific document.

Although all the images were taken in spaces specifically designed for scientific experiments, it is the real world that Marina Gadonneix is interested in.

The laboratories in which she works are places of representation, modeling, and abstraction of physical processes; highly controlled environments and devices and constructions that create and scale natural events. These are what Marina Gadonneix focuses on in her exploration of the wonder of these phenomena.

It seems appropriate that Marina Gadonneix uses photography, a medium at the intersection of reality and fiction, to address the paradox of representing reality; the simultaneous measurement and control of what we see in the real world.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
10. Oktober − 25. November 2023

Paul Albert Leitner

Paul Albert Leitner ist die Idealbesetzung, wenn es in der österreichischen Gegenwartsfotografie um die Verkörperung des Archivarischen an sich geht. Leitner, der ständig reisende, begibt sich, wenn er heimkehrt, auf »Innendienst«, wie er sagt, nach Hause, zum Ordnen der Gedanken und Bilder, in eine Berglandschaft von Schachteln mit abertausenden penibel beschrifteten Fotos, Fundgegenständen, Zeitungsausschnitten, Texten, Collagen.

Anläßlich einer großzügigen Schenkung von 80 gerahmten Fotografien von Paul Albert Leitner an das FOTOHOF>ARCHIV − Städtebilder, Landschaften, Straßenszenen, Selbstportraits ä wird ein repräsentativer Überblick über das Schaffen dieses großen österreichischen Fotografen gezeigt.

Mit Ironie und Witz taucht er häufig selbst in seinen Bildern auf: »Me, myself in a hotel« − das Hotelzimmer als transitorischer Raum schlechthin − wie immer mit präziser Bildlegende, konkret benannt mit Namen und Zimmernummer, Ort und Zeit wird zur Bühne für die Inszenierung des ganz bewussten Verweilens, des Hier und Heute.

ö Leitner, in seinen Bildern eine Kunstfigur in wechselnden Episoden des Lebens, ist ein Meister das Schimmern im ganz Alltäglichen zu sehen, den Moment als glamorous zu erkennen. So sensibel er für die Poesie im Alltäglichen ist, so konkret und sachlich ist Leitner in seiner fotografischen Haltung, ein Dokumentarist eigentlich. Er zeigt die Schönheit und die Merkwürdigkeit der Welt; und enthüllt dabei auch die Magie der Fotografie: Seine Aufnahmen sind Zeugnisse für die Einzigartigkeit von Konstellationen und die Kostbarkeit des flüchtigen Augenblicks.

Paul Albert Leitner est la personne idéale lorsqu'il s'agit d'incarner l'archivage en soi dans la photographie autrichienne contemporaine. Leitner, qui voyage constamment, se rend chez lui lorsqu'il rentre chez lui, pour un "service intérieur", comme il dit, chez lui, pour mettre de l'ordre dans ses pensées et ses images, dans un paysage montagneux de boîtes contenant des milliers et des milliers de photos méticuleusement étiquetées, des objets trouvés, des coupures de presse, des textes, des collages.

À l'occasion d'une généreuse donation de 80 photographies encadrées de Paul Albert Leitner au FOTOHOF>ARCHIV - photos de villes, paysages, scènes de rue, autoportraits ä, un aperçu représentatif de l'œuvre de ce grand photographe autrichien est présenté.

Avec ironie et humour, il apparaît souvent lui-même dans ses images : "Me, myself in a hotel" - la chambre d'hôtel comme espace transitoire par excellence - comme toujours avec une légende précise, nommée concrètement avec le nom et le numéro de la chambre, le lieu et l'heure, devient une scène pour la mise en scène d'un séjour tout à fait conscient, ici et maintenant.

ö Leitner, dans ses tableaux un personnage artistique dans des épisodes changeants de la vie, est un maître pour voir la lueur dans le quotidien, pour reconnaître le moment comme glamour. Autant il est sensible à la poésie dans le quotidien, autant Leitner est concret et objectif dans son attitude photographique, un documentariste en fait. Il montre la beauté et l'étrangeté du monde ; et révèle aussi la magie de la photographie : ses clichés témoignent de la singularité des constellations et de la préciosité de l'instant fugace.

Paul Albert Leitner è la persona ideale quando si tratta di incarnare l'archivio in sé nella fotografia austriaca contemporanea. Leitner, il viaggiatore costante, torna a casa quando torna, in "servizio a casa", come dice lui, per organizzare pensieri e immagini, in un paesaggio montano di scatole con migliaia e migliaia di foto meticolosamente etichettate, oggetti trovati, ritagli di giornale, testi, collage.

In occasione della generosa donazione di 80 fotografie incorniciate di Paul Albert Leitner al FOTOHOF>ARCHIV - paesaggi urbani, paesaggi, scene di strada, autoritratti ä viene presentata una panoramica rappresentativa del lavoro di questo grande fotografo austriaco.

Con ironia e arguzia, egli appare spesso nelle sue immagini: "Io, me stesso in un hotel" - la camera d'albergo come spazio transitorio per eccellenza - come sempre con una didascalia precisa, concretamente denominata con nome e numero di camera, il luogo e il tempo diventano il palcoscenico per la messa in scena del consapevole indugiare, del qui e ora.

Leitner, nei suoi dipinti figura artistica in episodi mutevoli della vita, è un maestro nel vedere il luccichio nel quotidiano, nel riconoscere l'attimo come glamour. Sensibile alla poesia del quotidiano, Leitner è concreto e concreto nel suo approccio fotografico, un vero e proprio documentarista. Mostra la bellezza e la stranezza del mondo; e nel farlo, rivela anche la magia della fotografia: le sue fotografie sono testimonianze dell'unicità delle costellazioni e della preziosità dell'attimo fuggente.

Paul Albert Leitner is the ideal cast when it comes to the embodiment of the archival in itself in contemporary Austrian photography. Leitner, the constant traveler, goes home when he returns, on "home duty," as he says, to organize thoughts and images, to a mountain landscape of boxes with thousands and thousands of meticulously labeled photographs, found objects, newspaper clippings, texts, collages.

On the occasion of a generous donation of 80 framed photographs by Paul Albert Leitner to the FOTOHOF>ARCHIV - cityscapes, landscapes, street scenes, self-portraits ä a representative overview of the work of this great Austrian photographer is shown.

With irony and wit, he often appears himself in his pictures: "Me, myself in a hotel" - the hotel room as transitory space par excellence - as always with a precise caption, concretely named with name and room number, place and time becomes the stage for the staging of the very conscious lingering, the here and now.

ö Leitner, in his paintings an art figure in changing episodes of life, is a master of seeing the glimmer in the very everyday, of recognizing the moment as glamorous. Sensitive as he is to the poetry in the everyday, Leitner is concrete and matter-of-fact in his photographic approach, a documentarist in fact. He shows the beauty and the strangeness of the world; and in doing so, he also reveals the magic of photography: his photographs are testimonies to the uniqueness of constellations and the preciousness of the fleeting moment.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
22. September - 2. Dezember 2023

Der Stille am nächsten
Steffen Diemer

Der renommierte Fotograf Steffen Diemer zeigt seine neueste Ausstellung in der Leica Galerie Salzburg. Die Ausstellung präsentiert eine beeindruckende Sammlung von Stillleben, die in einem seltenen und archaischen Verfahren, dem Nassplattenverfahren, entstanden sind. Die Besucher haben die einzigartige Gelegenheit, in die Welt der Langsamkeit und Besonnenheit einzutauchen und eine Bilderwelt voller Poesie und Schönheit zu entdecken.

Das Herzstück der Ausstellung sind Diemers Stillleben, in denen er sich vor allem auf Tulpen konzentriert. Doch diese Blumen werden nicht in ihrer Pracht erblühen - stattdessen zeigt der Künstler sie in verschiedenen Zuständen, angefangen von ihrer Jugend bis hin zu ihrem verwelkten Ende. Die Fotografien werden zu Grazien des Vergänglichen und laden den Betrachter ein, über das Werden und Vergehen nachzudenken.

Steffen Diemers Werke zeichnen sich durch eine besondere Technik aus. Er nutzt das Nassplattenverfahren, das bereits im 19. Jahrhundert in der Fotografie Verwendung fand. Es ist ein aufwendiger Prozess, der Feingefühl und Präzision erfordert. Doch gerade diese Langsamkeit und die händische Herangehensweise verleihen seinen Bildern eine einzigartige Tiefe und Aura.

Die Ausstellung präsentiert eine Sammlung von Stillleben, die nicht nur Blumen, sondern auch verschiedene Alltagsgegenstände umfasst - von Birnen und Feigen über Eier und Fische bis hin zu Schokoküssen. Die Arrangements sind sorgfältig inszeniert und laden den Betrachter ein, in eine Welt der Ruhe und Kontemplation einzutauchen.

Die Ausstellung "Der Stille am nächsten" von Steffen Diemer ist ein Plädoyer für Langsamkeit, Besonnenheit und Wahrnehmung. Sie lädt die Besucher ein, eine Welt der Schönheit im Alltäglichen zu entdecken und sich von der Magie des Unvergänglichen verzaubern zu lassen.

Über Steffen Diemer: Steffen Diemer ist ein renommierter Fotograf mit einer langjährigen Karriere als Bildjournalist in der er Krisen und Konflikte in über 70 Ländern dokumentierte. Seine Arbeiten wurden in internationalen Magazinen und Tageszeitungen wie National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ und The Guardian veröffentlicht und in Ausstellungen präsentiert. Doch trotz des Erfolgs begann er an seiner Mission zu zweifeln, was zu Erschöpfung und einem Burnout führte. 2011 entschied er sich, sich von der journalistischen Fotografie zu verabschieden. In dieser Zeit fand er jedoch seine Leidenschaft für die Stillleben-Fotografie und entdeckte das über 170 Jahre alte Nassplattenverfahren, das seinen Werken eine einzigartige Poesie und Schönheit verlieh. Heute ist Steffen Diemer bekannt für seine fesselnden Stillleben-Bilder, die die Grenzen der Fotokunst erweitern und die Herzen der Betrachter berühren. Seine Biografie zeigt, wie eine schwierige Phase zu einer transformativen und erfüllenden kreativen Reise führte.

Le célèbre photographe Steffen Diemer présente sa dernière exposition à la Leica Galerie de Salzbourg. L'exposition présente une impressionnante collection de natures mortes réalisées selon un procédé rare et archaïque, le procédé de la plaque humide. Les visiteurs ont l'occasion unique de se plonger dans le monde de la lenteur et de la réflexion et de découvrir un monde d'images plein de poésie et de beauté.

Les natures mortes de Diemer, dans lesquelles il se concentre principalement sur les tulipes, constituent le cœur de l'exposition. Mais ces fleurs ne s'épanouissent pas dans leur splendeur - au lieu de cela, l'artiste les montre dans différents états, depuis leur jeunesse jusqu'à leur fin fanée. Les photographies deviennent des grâces de l'éphémère et invitent le spectateur à réfléchir sur le devenir et la disparition.

Les œuvres de Steffen Diemer se distinguent par une technique particulière. Il utilise le procédé de la plaque humide, qui était déjà utilisé dans la photographie au 19e siècle. C'est un processus laborieux qui exige délicatesse et précision. Mais c'est justement cette lenteur et cette approche manuelle qui confèrent à ses images une profondeur et une aura uniques.

L'exposition présente une collection de natures mortes qui comprend non seulement des fleurs, mais aussi différents objets du quotidien - des poires et des figues aux œufs et aux poissons, en passant par les noix en chocolat. Les arrangements sont soigneusement mis en scène et invitent le spectateur à se plonger dans un monde de calme et de contemplation.

L'exposition "Der Stille am nah" de Steffen Diemer est un plaidoyer pour la lenteur, la réflexion et la perception. Elle invite les visiteurs à découvrir un monde de beauté dans le quotidien et à se laisser envoûter par la magie de l'impérissable.

À propos de Steffen Diemer : Steffen Diemer est un photographe renommé qui a mené une longue carrière de photojournaliste au cours de laquelle il a documenté des crises et des conflits dans plus de 70 pays. Ses travaux ont été publiés dans des magazines et des quotidiens internationaux tels que National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ et The Guardian et ont été présentés dans des expositions. Mais malgré le succès, il a commencé à douter de sa mission, ce qui l'a conduit à l'épuisement et à un burnout. En 2011, il a décidé de faire ses adieux à la photographie journalistique. C'est cependant à cette époque qu'il se passionne pour la photographie de natures mortes et découvre le procédé de la plaque humide, vieux de plus de 170 ans, qui confère à ses œuvres une poésie et une beauté uniques. Aujourd'hui, Steffen Diemer est connu pour ses images captivantes de natures mortes, qui repoussent les limites de l'art photographique et touchent le cœur des spectateurs. Sa biographie montre comment une période difficile a débouché sur un voyage créatif transformateur et épanouissant.

Il famoso fotografo Steffen Diemer presenta la sua ultima mostra alla Leica Galerie di Salisburgo. La mostra presenta un'impressionante collezione di nature morte create con un processo raro e arcaico, il metodo della lastra umida. I visitatori hanno l'opportunità unica di immergersi nel mondo della lentezza e della contemplazione e di scoprire un mondo di immagini pieno di poesia e bellezza.

Il cuore della mostra sono le nature morte di Diemer, in cui l'artista si concentra soprattutto sui tulipani. Ma questi fiori non vengono mostrati nel loro splendore, bensì in vari stati, dalla giovinezza all'appassimento. Le fotografie diventano grazie dell'effimero e invitano lo spettatore a riflettere sul divenire e sul passare.

Le opere di Steffen Diemer sono caratterizzate da una tecnica particolare. Utilizza il processo della lastra umida, già utilizzato in fotografia nel XIX secolo. Si tratta di un processo elaborato che richiede sensibilità e precisione. Ma sono proprio la lentezza e l'approccio manuale a conferire alle sue immagini una profondità e un'aura uniche.

La mostra presenta una collezione di nature morte che comprende non solo fiori, ma anche vari oggetti di uso quotidiano - da pere e fichi a uova, pesci e baci di cioccolato. Le composizioni sono allestite con cura e invitano lo spettatore a entrare in un mondo di tranquillità e contemplazione.

La mostra "Closest to Silence" di Steffen Diemer è un appello alla lentezza, alla prudenza e alla percezione. Invita i visitatori a scoprire un mondo di bellezza nel quotidiano e a lasciarsi incantare dalla magia dell'imperituro.

Informazioni su Steffen Diemer: Steffen Diemer è un rinomato fotografo con una lunga carriera di fotoreporter che ha documentato crisi e conflitti in oltre 70 Paesi. Il suo lavoro è stato pubblicato su riviste e quotidiani internazionali come National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ e The Guardian e presentato in mostre. Ma nonostante il successo, ha cominciato a dubitare della sua missione, il che ha portato all'esaurimento e al burnout. Nel 2011 ha deciso di dire addio alla fotografia giornalistica. In quel periodo, però, ha ritrovato la passione per la fotografia di still-life e ha scoperto il procedimento della lastra umida, che ha più di 170 anni e che conferisce alle sue opere una poesia e una bellezza uniche. Oggi Steffen Diemer è noto per le sue accattivanti immagini di still life che superano i confini dell'arte fotografica e toccano il cuore degli spettatori. La sua biografia mostra come una fase difficile abbia portato a un viaggio creativo trasformativo e appagante.

Renowned photographer Steffen Diemer presents his latest exhibition at the Leica Galerie Salzburg. The exhibition presents an impressive collection of still lifes created using a rare and archaic process, the wet plate process. Visitors have the unique opportunity to immerse themselves in the world of slowness and contemplation and discover a world of images full of poetry and beauty.

At the heart of the exhibition are Diemer's still lifes, in which he focuses primarily on tulips. But these flowers are not shown blooming in their glory - instead, the artist shows them in various states, starting from their youth to their withered end. The photographs become graces of the ephemeral, inviting the viewer to reflect on becoming and passing.

Steffen Diemer's works are characterized by a special technique. He uses the wet plate process, which was already used in photography in the 19th century. It is a laborious process that requires sensitivity and precision. However, it is this slowness and manual approach that gives his images a unique depth and aura.

The exhibition presents a collection of still lifes that includes not only flowers, but also various everyday objects - from pears and figs to eggs, fish and chocolate kisses. The arrangements are carefully staged and invite the viewer to enter a world of tranquility and contemplation.

The exhibition "Closest to Silence" by Steffen Diemer is a plea for slowness, contemplation and perception. It invites visitors to discover a world of beauty in the everyday and to be enchanted by the magic of the imperishable.

About Steffen Diemer: Steffen Diemer is a renowned photographer with a long career as a photojournalist documenting crises and conflicts in over 70 countries. His work has been published in international magazines and daily newspapers such as National Geographic, Spiegel, Stern, FAZ and The Guardian and presented in exhibitions. But despite the success, he began to doubt his mission, leading to exhaustion and a burnout. In 2011, he decided to say goodbye to journalistic photography. However, during this time he found his passion for still life photography and discovered the wet plate process, which is more than 170 years old, which gave his works a unique poetry and beauty. Today, Steffen Diemer is known for his captivating still life images that push the boundaries of photographic art and touch the hearts of viewers. His biography shows how a difficult period led to a transformative and fulfilling creative journey.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Fotohof Salzburg
4. August - 30. September 2023

Gerald Domenig / Andrea Witzmann

Der in Villach geborene und im Kärntner Gailtal aufgewachsene Künstler Gerald Domenig lebt und arbeitet seit Mitte der siebziger Jahre in Frankfurt am Main. Er fotografiert die Welt nicht so wie sie ist, sondern wie er sie sich wünscht, irritierend ordentlich. Domenig kommentiert seine fotokünstlerische Praxis und die der anderen in zahlreichen Büchern wie die Die gute Naht, Klagefurt 1995, Nivea und Nivea, Köln 2008, Mittendrin ein Z, Secession Wien 2016 und I call them Squares, Frankfurt 2019.

Die Wiener Künstlerin Andrea Witzmann beschäftigt sich seit mehr als zwanzig Jahren mit Szenarien einer abgenutzten Konsum-Welt. Indem sie ihre Fundstücke im dokumentarischen Stil fotografiert, verleiht sie ihnen durch ihre sachliche (aber auch immer wieder arrangierte) Darstellung nicht nur die nötige Aufmerksamkeit eines möglichen „Tatortes“, sondern erhöht die Gegenstände durch bildnerische Komposition, subjektive Farbigkeit und subtiles Licht zu poetischen Tafelbildern. 2020 erschien im Böhlau Verlag Ihr Buch wien.herzschlag/vienna.heartbeat  mit Arbeiten aus der Großstadt und einem eigenen literarischen Text.

L'artiste Gerald Domenig, né à Villach et ayant grandi dans la vallée de la Gail en Carinthie, vit et travaille à Francfort-sur-le-Main depuis le milieu des années 1970. Il ne photographie pas le monde tel qu'il est, mais tel qu'il voudrait qu'il soit, irritant et ordonné. Domenig commente sa pratique photo-artistique et celle des autres dans de nombreux livres comme Die gute Naht, Klagefurt 1995, Nivea et Nivea, Cologne 2008, Mittendrin ein Z, Secession Wien 2016 et I call them Squares, Francfort 2019.

L'artiste viennoise Andrea Witzmann s'intéresse depuis plus de vingt ans aux scénarios d'un monde de consommation usé. En photographiant ses trouvailles dans un style documentaire, elle ne leur confère pas seulement l'attention nécessaire d'une possible "scène de crime" par sa représentation objective (mais aussi toujours arrangée), mais élève les objets au rang de panneaux poétiques par une composition picturale, des couleurs subjectives et une lumière subtile. En 2020, les éditions Böhlau ont publié votre livre wien.herzschlag/vienna.heartbeat avec des travaux réalisés dans la grande ville et un texte littéraire personnel.

L'artista Gerald Domenig, nato a Villach e cresciuto nella Gailtal carinziana, vive e lavora a Francoforte sul Meno dalla metà degli anni Settanta. Fotografa il mondo non come è, ma come vorrebbe che fosse, irritantemente ordinato. Domenig commenta la sua pratica fotografica e quella di altri in numerosi libri come Die gute Naht, Klagefurt 1995, Nivea und Nivea, Colonia 2008, Mittendrin ein Z, Secession Vienna 2016 e I call them Squares, Francoforte 2019.

L'artista viennese Andrea Witzmann si confronta da oltre vent'anni con gli scenari di un mondo consumistico e logoro. Fotografando i suoi oggetti trovati in stile documentaristico, non solo dà loro la necessaria attenzione di una possibile "scena del crimine" attraverso la sua presentazione fattuale (ma anche ripetutamente disposta), ma eleva anche gli oggetti a quadri poetici attraverso la composizione pittorica, la colorazione soggettiva e la luce sottile. Nel 2020, Böhlau Verlag ha pubblicato il suo libro wien.herzschlag/vienna.heartbeat con opere della grande città e il suo testo letterario.

Born in Villach and raised in the Carinthian Gailtal, artist Gerald Domenig has lived and worked in Frankfurt am Main since the mid-seventies. He photographs the world not as it is, but as he would like it to be, irritatingly neat. Domenig comments on his photo-artistic practice and that of others in numerous books such as Die gute Naht, Klagefurt 1995, Nivea und Nivea, Cologne 2008, Mittendrin ein Z, Secession Vienna 2016 and I call them Squares, Frankfurt 2019.

Viennese artist Andrea Witzmann has been dealing with scenarios of a worn-out consumer world for more than twenty years. Photographing her found objects in a documentary style, her matter-of-fact (but also repeatedly arranged) presentation not only gives them the necessary attention of a possible "crime scene," but also elevates the objects into poetic panel paintings through pictorial composition, subjective color, and subtle light. In 2020, Böhlau Verlag published her book wien.herzschlag/vienna.heartbeat with works from the big city and her own literary text.

                (Text: Fotohof Salzburg)

Leica Galerie Salzburg
21. Juli - 16. September 2023

The Legendary Photography of Douglas Kirkland

Die Leica Galerie Salzburg präsentiert mit " The Legendary Photography of Douglas Kirkland" eine Ausstellung, die einen spannenden Einblick in die Karriere des sehr bekannten kanadischen Fotografen Douglas Kirkland gibt, der im Jahr 2022 verstorben ist.

Kirkland ist berühmt für seine Porträts von Prominenten wie Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson uvm . Seine Fotografien zeichnen sich durch eine einzigartige Mischung aus technischer Perfektion und emotionalem Ausdruck aus.

Die Ausstellung zeigt eine umfassende Auswahl von Kirklands bekanntesten Arbeiten und ist eine Hommage an seine Karriere als Fotograf. Die Besucherinnen und Besucher erwartet eine fotografische Zeitreise durch eine Welt voller Prominenz aus Film-, Show- und Musikbusiness.

Kirkland, geboren 1934 in Toronto, begann seine Fotografenlaufbahn im Alter von 24 Jahren als Staff Photographer beim US-Magazin Look. Seine weltweit bekannte Serie "Eine Nacht mit Marilyn" entstand im Jahr 1961 für Look, gefolgt von einer Serie über Coco Chanel im Jahr 1962. Kirkland war auch als Special Photographer bei über 150 Filmproduktionen engagiert (2001: Odysee im Weltall, Saturday Night Fever, Titanic uvm) und erhielt für sein Lebenswerk als Still Photographer zahlreiche Auszeichnungen. 2019 wurde er im Dokumentarfilm "That Click" gewürdigt.

Françoise Kirkland, seit 1967 mit Douglas Kirkland verheiratet, war bis zu seinem Tod an seiner Seite und hat schon immer sein Archiv verwaltet. Wir freuen uns sehr, dass sie uns einen sehr persönlichen Einblick in das Werk ihres Mannes geben wird.

Avec "The Legendary Photography of Douglas Kirkland", la Leica Galerie Salzburg présente une exposition qui donne un aperçu passionnant de la carrière du très célèbre photographe canadien Douglas Kirkland, décédé en 2022.

Kirkland est célèbre pour ses portraits de célébrités comme Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson et bien d'autres. Ses photographies se distinguent par un mélange unique de perfection technique et d'expression émotionnelle.

L'exposition présente une sélection complète des travaux les plus connus de Kirkland et rend hommage à sa carrière de photographe. Les visiteurs peuvent s'attendre à un voyage photographique dans le temps à travers un monde de célébrités du cinéma, du show-business et de la musique.

Kirkland, né en 1934 à Toronto, a commencé sa carrière de photographe à l'âge de 24 ans en tant que Staff Photographer pour le magazine américain Look. Sa série mondialement connue "Une nuit avec Marilyn" a été réalisée pour Look en 1961, suivie d'une série sur Coco Chanel en 1962. Kirkland a également été engagé comme photographe spécial dans plus de 150 productions cinématographiques (2001 : l'Odyssée de l'espace, Saturday Night Fever, Titanic et bien d'autres) et a reçu de nombreuses récompenses pour l'ensemble de son œuvre en tant que Still Photographer. En 2019, il a été mis à l'honneur dans le documentaire "That Click".

Françoise Kirkland, marié à Douglas Kirkland depuis 1967, a été à ses côtés jusqu'à sa mort et a toujours géré ses archives. Nous sommes très heureux qu'elle nous donne un aperçu très personnel de l'œuvre de son mari.

La Leica Galerie Salzburg presenta "The Legendary Photography of Douglas Kirkland", una mostra che offre un'emozionante panoramica sulla carriera del famosissimo fotografo canadese Douglas Kirkland, scomparso nel 2022.

Kirkland è famoso per i suoi ritratti di celebrità come Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson e molti altri. Le sue fotografie sono caratterizzate da una miscela unica di perfezione tecnica ed espressione emotiva.

La mostra presenta una selezione completa delle opere più note di Kirkland e rappresenta un omaggio alla sua carriera di fotografo. I visitatori possono aspettarsi un viaggio fotografico attraverso il tempo e un mondo pieno di celebrità del cinema, dello spettacolo e della musica.

Kirkland, nato a Toronto nel 1934, ha iniziato la sua carriera di fotografo all'età di 24 anni come collaboratore della rivista statunitense Look. La sua serie di fama mondiale "A Night with Marilyn" è stata prodotta per Look nel 1961, seguita da una serie su Coco Chanel nel 1962. Kirkland è stato inoltre impegnato come fotografo speciale in oltre 150 produzioni cinematografiche (2001: Odissea nello spazio, La febbre del sabato sera, Titanic e molte altre) e ha ricevuto numerosi premi per il suo lavoro di fotografo di scena. Nel 2019 è stato premiato nel documentario "That Click".

Françoise Kirkland, sposato con Douglas Kirkland dal 1967, è stato al suo fianco fino alla sua morte e ha sempre gestito il suo archivio. Siamo molto contenti che ci darà una visione molto personale del lavoro del marito.

Leica Galerie Salzburg presents " The Legendary Photography of Douglas Kirkland", an exhibition that gives an exciting insight into the career of the very famous Canadian photographer Douglas Kirkland, who passed away in 2022.

Kirkland is famous for his portraits of celebrities such as Marilyn Monroe, Audrey Hepurn, Coco Chanel, Jack Nicholson and many more . His photographs are characterized by a unique blend of technical perfection and emotional expression.

The exhibition features a comprehensive selection of Kirkland's best-known work and is a tribute to his career as a photographer. Visitors can expect a photographic journey through time and a world of celebrities from film, show and music business.

Kirkland, born in Toronto in 1934, began his photography career at the age of 24 as a staff photographer at the US magazine Look. His world-renowned series "A Night with Marilyn" was produced for Look in 1961, followed by a series on Coco Chanel in 1962. Kirkland was also engaged as a Special Photographer on over 150 film productions (2001: A Space Odyssey, Saturday Night Fever, Titanic, and many more) and received numerous awards for his life's work as a Still Photographer. In 2019, he was recognized in the documentary "That Click".

Françoise Kirkland, married to Douglas Kirkland since 1967, was by his side until his death and has always managed his archive. We are very pleased that she will give us a very personal insight into her husband's work.

(Text: Leica Galerie Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
21. Juli 2023 - 14. Januar 2024

Arch of Hysteria. Zwischen Wahnsinn und Ekstase

Unter dem Titel Arch of Hysteria: Zwischen Wahnsinn und Ekstase widmet das Museum der Moderne Salzburg dem Motiv der Rückbeuge eine große Themenausstellung mit Werken u. a. von Auguste Rodin, Gustav Klimt, Alfred Kubin, Max Ernst, Louise Bourgeois, VALIE EXPORT und Robert Longo.

Der sogenannte „arc de cercle“, der „große Bogen“, ist mit seiner Ambivalenz zwischen Kontrollverlust und Beherrschung ein verführerisches Motiv, das eine lange Tradition in der Kunst- und Kulturgeschichte hat. Es findet sich einerseits in Darstellungen von Tanz und Akrobatik, andererseits in solchen von physischer oder psychischer Krankheit: Der überstreckte (Frauen-)Körper kann ekstatische Entrückung oder psychotische Gestörtheit ebenso wie virtuose Körperbeherrschung und Expressivität ausdrücken.

Arch of Hysteria ist die erste Ausstellung, die sich ganz auf dieses bild-mächtige Motiv konzentriert. Kunstwerke der letzten rund 100 Jahre aus ver-schiedenen Kontexten zeigen die Vielfalt der Ausdrucksmöglichkeiten, die der Pose innewohnen – bis hin zu ihrer Umwandlung in abstrakte, aber dennoch expressive und unverkennbare Formen. Die Ausstellung beleuchtet die (kunst-)geschichtlichen Wurzeln des Motivs ebenso wie aktuelle Fortschreibungen in Malerei, Zeichnung, Skulptur, Fotografie sowie Video- und Performancekunst; mehrere Arbeiten werden eigens für die Ausstellung konzipiert.

Kuratorinnen: Lena Nievers, Kerstin Stremmel

Sous le titre Arch of Hysteria : Zwischen Wahnsinn und Ekstase, le Museum der Moderne Salzburg consacre une grande exposition thématique au motif de la courbure en arrière, avec des œuvres d'Auguste Rodin, Gustav Klimt, Alfred Kubin, Max Ernst, Louise Bourgeois, VALIE EXPORT et Robert Longo, entre autres.

Avec son ambivalence entre perte de contrôle et maîtrise, ce que l'on appelle "l'arc de cercle" est un motif séduisant qui a une longue tradition dans l'histoire de l'art et de la culture. On le retrouve d'une part dans les représentations de la danse et de l'acrobatie, d'autre part dans celles de la maladie physique ou psychique : le corps (de femme) tendu peut exprimer le ravissement extatique ou la perturbation psychotique tout comme la maîtrise virtuose du corps et l'expressivité.

Arch of Hysteria est la première exposition qui se concentre entièrement sur ce motif visuel puissant. Des œuvres d'art des quelque 100 dernières années, issues de différents contextes, montrent la diversité des possibilités d'expression inhérentes à la pose - jusqu'à sa transformation en formes abstraites, mais néanmoins expressives et reconnaissables. L'exposition met en lumière les racines (artistiques) historiques du motif ainsi que ses prolongements actuels dans la peinture, le dessin, la sculpture, la photographie, la vidéo et l'art de la performance ; plusieurs œuvres sont spécialement conçues pour l'exposition.

Les commissaires d'exposition : Lena Nievers, Kerstin Stremmel

Con il titolo Arch of Hysteria: Between Madness and Ecstasy (L'arco dell'isteria: tra follia ed estasi), il Museum der Moderne di Salisburgo dedica una grande mostra tematica al motivo della curva all'indietro con opere di Auguste Rodin, Gustav Klimt, Alfred Kubin, Max Ernst, Louise Bourgeois, VALIE EXPORT e Robert Longo, tra gli altri.

Il cosiddetto "arc de cercle", il "grande arco", con la sua ambivalenza tra perdita di controllo e dominio, è un motivo di seduzione che ha una lunga tradizione nella storia dell'arte e della cultura. Si ritrova da un lato nelle rappresentazioni della danza e dell'acrobazia, dall'altro in quelle della malattia fisica o mentale: il corpo (femminile) iperesteso può esprimere un rapimento estatico o uno squilibrio psicotico, così come un controllo e un'espressività virtuosi del corpo.

Arch of Hysteria è la prima mostra interamente dedicata a questo potente motivo pittorico. Opere d'arte degli ultimi 100 anni, provenienti da contesti diversi, mostrano la varietà di possibilità espressive insite nella posa, fino alla sua trasformazione in forme astratte, ma espressive e inconfondibili. L'esposizione illumina le radici storiche (artistiche) del motivo e gli aggiornamenti attuali in pittura, disegno, scultura, fotografia, video e performance art. Diverse opere saranno concepite appositamente per la mostra.

Curatori: Lena Nievers, Kerstin Stremmel

Under the title Arch of Hysteria: Between Madness and Ecstasy, the Museum der Moderne Salzburg is dedicating a major thematic exhibition to the motif of the backbend, with works by Auguste Rodin, Gustav Klimt, Alfred Kubin, Max Ernst, Louise Bourgeois, VALIE EXPORT and Robert Longo, among others.

The so-called "arc de cercle", the "great arch", with its ambivalence between loss of control and domination, is a seductive motif that has a long tradition in the history of art and culture. It can be found on the one hand in depictions of dance and acrobatics, and on the other hand in those of physical or mental illness: the overstretched (female) body can express ecstatic rapture or psychotic derangement as well as virtuoso body control and expressiveness.

Arch of Hysteria is the first exhibition to focus entirely on this image-powerful motif. Works of art from the last 100 years from different contexts show the variety of expressive possibilities inherent in the pose - up to its transformation into abstract, yet expressive and unmistakable forms. The exhibition illuminates the (art) historical roots of the motif as well as current updates in painting, drawing, sculpture, photography, and video and performance art; several works are conceived especially for the exhibition.

Curators: Lena Nievers, Kerstin Stremmel

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
24. Juni - 12. November 2023

Vorhang auf. Theaterfotografie von Ruth Walz

Ruth Walz (1941 Bremen, DE) ist eine deutsche Theaterfotografin, deren langjährige Zusammenarbeit mit Regisseuren wie Pierre Audi, Klaus Michael Grüber und Peter Stein legendär ist. Nach langer Festanstellung an der Berliner Schaubühne ist Walz bis zum heutigen Tag regelmäßig für die Salzburger Festspiele tätig. Hier traf sie auf Künstler wie Robert Wilson und William Kentridge und fand in der imposanten Felsenreitschule aufregende Perspektiven. Berühmt sind beispielsweise die aus dem Jahr 1986 stammenden Aufnahmen der Premiere von Prometheus gefesselt mit Bruno Ganz in der Titelrolle. Diesem Ausnahmeschauspieler wird in der Ausstellung ebenso ein Kapitel gewidmet wie dem Motiv des Vorhangs, das Walz abwechslungsreich variiert.

Theaterfotografie ist herausfordernd, denn es geht darum, das Mienenspiel der Schauspieler_innen ebenso zu treffen wie die Gesamtwirkung von Raum, Kulisse und Ensemble. Bei Walz bekommt man das ganze Theater zu sehen. Mit ihren Bildausschnitten definiert die Fotografin stets neue Rahmen und verleiht auf diese Weise der flüchtigen Kunst Ewigkeit.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog

Ruth Walz (1941 Bremen, DE) est une photographe de théâtre allemande dont la longue collaboration avec des metteurs en scène comme Pierre Audi, Klaus Michael Grüber et Peter Stein est légendaire. Après avoir été longtemps employée à la Schaubühne de Berlin, Walz travaille encore aujourd'hui régulièrement pour le festival de Salzbourg. Elle y a rencontré des artistes comme Robert Wilson et William Kentridge et a trouvé des perspectives passionnantes dans l'imposante Felsenreitschule. Les enregistrements de la première de Prometheus gefesselt, avec Bruno Ganz dans le rôle-titre, datant de 1986, sont par exemple célèbres. L'exposition consacre un chapitre à cet acteur d'exception ainsi qu'au motif du rideau, que Walz varie à l'infini.

La photographie de théâtre est un défi, car il s'agit de rendre le jeu d'expression des acteurs tout autant que l'effet global de l'espace, des coulisses et de l'ensemble. Chez Walz, c'est tout le théâtre que l'on voit. Avec ses cadrages, la photographe définit toujours de nouveaux cadres et confère ainsi l'éternité à l'art éphémère.

Les commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Barbara Herzog

Ruth Walz (1941 Brema, DE) è una fotografa teatrale tedesca la cui pluriennale collaborazione con registi come Pierre Audi, Klaus Michael Grüber e Peter Stein è leggendaria. Dopo una lunga permanenza alla Schaubühne di Berlino, Walz lavora ancora regolarmente per il Festival di Salisburgo. Qui ha incontrato artisti come Robert Wilson e William Kentridge e ha trovato prospettive stimolanti nell'imponente Felsenreitschule. Famose, ad esempio, sono le registrazioni del 1986 della prima di Prometeo affascinato con Bruno Ganz nel ruolo del protagonista. La mostra dedica un capitolo a questo attore eccezionale e al motivo del sipario, che Walz varia in vari modi.

La fotografia teatrale è impegnativa perché si tratta di catturare le espressioni facciali degli attori e l'effetto complessivo dello spazio, del set e dell'ensemble. Con Walz, si può vedere l'intero teatro. Con le sue immagini ritagliate, la fotografa definisce costantemente nuove cornici e in questo modo conferisce eternità all'arte effimera.

Curatori: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog

Ruth Walz (1941 Bremen, DE) is a German theater photographer whose longtime collaborations with directors such as Pierre Audi, Klaus Michael Grüber, and Peter Stein are legendary. After a long permanent position at the Berlin Schaubühne, Walz continues to work regularly for the Salzburg Festival to this day. Here she met artists such as Robert Wilson and William Kentridge and found exciting perspectives in the imposing Felsenreitschule. Famous, for example, are the recordings from 1986 of the premiere of Prometheus Captivated with Bruno Ganz in the title role. A chapter in the exhibition is devoted to this exceptional actor, as well as to the motif of the curtain, which Walz varies in a variety of ways.

Theater photography is challenging, because it is a matter of capturing the actors' facial expressions as well as the overall effect of the space, set, and ensemble. With Walz, you get to see the whole theater. With her cropped images, the photographer constantly defines new frames and in this way lends eternity to ephemeral art.

Curators: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Fotohof | Salzburg
27. Mai - 29. Juli 2023

Wo ich Farbe sehe. Zum 100. Geburtstag
Inge Morath

Inge Morath ist mit ihren beeindruckenden Schwarzweiß-Portraits und -Reportagen berühmt geworden. Zu ihrem 100. Geburtstag wird der FOTOHOF erstmals eine große Auswahl ihrer Farbarbeiten zeigen. Wie viele ihrer Kolleg:innen hat sie Zeit ihres Lebens auch Farbfotos auf Dia-Film gemacht. Dies in erster Linie zum Druck in Illustrierten, aber auch immer wieder einzelne Bilder in ihren Bildbänden verwendet. Sie selbst hat gesagt dass sie dort Farbe fotografiert, wo sie Farbe sieht.

Lange Zeit war es nahezu unmöglich qualitativ hochwertige Ausstellungsbilder vom Kleinbild-Dia herzustellen. Erst seit der Möglichkeit der Digitalisierung und des Ausdruckes auf hochwertigem Papier wird eine Qualität erreicht, die auch an den Galeriewänden ihre Berechtigung hat. Darüber hinaus sind diese ein wertvoller Beitrag zur Fotogeschichte, der bislang aus verschiedenen Gründen wenig beachtet wurde.

Diese Ausstellung wurde von John P. Jacob erstmals in New York zusammengestellt und eine Auswahl daraus im FOTOHOF gezeigt. John P. Jacob wird zur Eröffnung der Ausstellung im FOTOHOF anreisen und anschließend im Museum der Moderne in Salzburg, wo bis zum 4.6. die Ausstellung Inge Morath & Saul Steinberg / Maske und Gesicht zu sehen ist, einen Vortrag halten.

Die Ausstellung wird einen großen Querschnitt der Farbarbeiten Inge Moraths im Hauptraum zeigen. Im Studio wird das FOTOHOF archiv einen Überblick über  Illustrierte und Bücher aus den 1950er Jahren zeigen, die einen Einblick in die Welt der Farbbilder dieser Zeit geben; und außerdem noch eine Auswahl biografischer Dokumente und Bilder von Inge Morath.

Inge Morath est devenue célèbre grâce à ses impressionnants portraits et reportages en noir et blanc. À l'occasion de son 100e anniversaire, FOTOHOF présentera pour la première fois une grande sélection de ses travaux en couleur. Comme beaucoup de ses collègues, elle a également réalisé des photos couleur sur film diapositive tout au long de sa vie. En premier lieu pour l'impression dans des illustrés, mais aussi régulièrement pour des visuels isolés dans ses livres d'images. Elle disait elle-même qu'elle photographiait en couleur là où elle voyait de la couleur.

Pendant longtemps, il était pratiquement impossible de produire des photos d'exposition de qualité à partir de diapositives 35 mm. Ce n'est que depuis la possibilité de numériser et d'imprimer sur du papier de haute qualité que l'on obtient une qualité qui se justifie également sur les murs de la galerie. En outre, elles constituent une contribution précieuse à l'histoire de la photographie, qui n'a pas été très remarquée jusqu'à présent pour diverses raisons.

Cette exposition a été réunie pour la première fois par John P. Jacob à New York et une sélection en a été présentée au FOTOHOF. John P. Jacob fera le déplacement pour le vernissage de l'exposition au FOTOHOF et donnera ensuite une conférence au Museum der Moderne de Salzbourg, où l'exposition Inge Morath & Saul Steinberg / Maske und Gesicht est présentée jusqu'au 4.6.

L'exposition présentera un large échantillon des travaux en couleur d'Inge Morath dans la salle principale. Dans le studio, les archives FOTOHOF présenteront un aperçu des illustrations et des livres des années 1950, qui donnent un aperçu du monde des images en couleur de cette époque ; ainsi qu'une sélection de documents biographiques et de visuels d'Inge Morath.

Inge Morath è diventata famosa grazie ai suoi impressionanti ritratti e reportage in bianco e nero. In occasione del suo 100° compleanno, il FOTOHOF esporrà per la prima volta un'ampia selezione delle sue opere a colori. Come molti suoi colleghi, per tutta la vita ha scattato anche foto a colori su pellicola diapositiva. Questo principalmente per la stampa di riviste illustrate, ma ha anche utilizzato più volte singole immagini nei suoi libri illustrati. Lei stessa ha dichiarato di scattare fotografie a colori ovunque veda del colore.

Per molto tempo è stato quasi impossibile produrre immagini da esposizione di alta qualità da diapositive da 35 mm. Solo dopo la possibilità di digitalizzazione e di stampa su carta di alta qualità è stata raggiunta una qualità che si giustifica anche sulle pareti della galleria. Inoltre, esse rappresentano un prezioso contributo alla storia della fotografia che, per varie ragioni, ha ricevuto finora poca attenzione.

Questa mostra è stata allestita per la prima volta da John P. Jacob a New York e una selezione di essa sarà presentata al FOTOHOF. John P. Jacob si recherà all'inaugurazione della mostra al FOTOHOF e poi terrà una conferenza al Museum der Moderne di Salisburgo, dove fino al 4 giugno è in corso la mostra Inge Morath & Saul Steinberg / Mask and Face.

La mostra presenterà un'ampia sezione delle opere a colori di Inge Morath nella sala principale. Nello studio, l'archivio del FOTOHOF presenterà una panoramica di riviste e libri illustrati degli anni Cinquanta, per dare un'idea del mondo delle immagini a colori di quel periodo, e una selezione di documenti biografici e immagini di Inge Morath.

Inge Morath became famous with her impressive black-and-white portraits and reportages. On the occasion of her 100th birthday, the FOTOHOF will show a large selection of her color works for the first time. Like many of her colleagues, she also took color photos on slide film throughout her life. This was primarily for printing in illustrated magazines, but she also repeatedly used individual images in her illustrated books. She herself has said that she photographs color where she sees color.

For a long time it was almost impossible to produce high quality exhibition pictures from 35mm slides. Only since the possibility of digitalization and printing on high quality paper has a quality been achieved that has its place on gallery walls. In addition, these are a valuable contribution to photographic history that has received little attention for a variety of reasons.

This exhibition was first compiled by John P. Jacob in New York and a selection from it will be shown at the FOTOHOF. John P. Jacob will travel to the opening of the exhibition at the FOTOHOF and then give a lecture at the Museum der Moderne in Salzburg, where the exhibition Inge Morath & Saul Steinberg / Mask and Face is on view until June 4.

The exhibition will feature a large cross-section of Inge Morath's color works in the main room. In the studio, the FOTOHOF archive will show an overview of illustrated magazines and books from the 1950s, giving an insight into the world of color images of that time; and also a selection of biographical documents and images of Inge Morath.

(Text: Fotohof, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
22. April - 8. Oktober 2023

We Rise by Lifting Others
Marinella Senatore

Marinella Senatore (1977 Cava de’ Tirreni, IT – Rom, IT) ist eine zentrale Figur der italienischen Gegenwartskunst. Mithilfe verschiedener Medien entwickelt sie künstlerische Strategien, die das Potenzial haben, gesellschaftliche Veränderungsprozesse in Gang zu setzen. Ihr Fokus gilt dabei der Frage, wie der sozialen Spaltung und Polarisierung unserer Zeit künstlerisch begegnet werden kann und wie Formen von Gemeinschaft entstehen können, in denen Emanzipation und Empowerment tragende Säulen sind.

Die Sammlung Generali Foundation am Museum der Moderne Salzburg und das Museum Villa Stuck in München konzipieren die bisher größte Ausstellung der Künstlerin als ein Projekt in zwei Kapiteln, die zeitgleich zu sehen sind. Sie ergänzen einander und bieten einen Überblick über das gesamte Spektrum von Senatores Werk, das Lichtskulpturen, textile Arbeiten, Zeichnungen, Collagen, Fotografien und Filme umfasst. Den Höhepunkt in Salzburg bildet eine Parade, die im Rahmen von Senatores School of Narrative Dance mit der lokalen Bevölkerung entwickelt wird und ein lyrisches Fest der Gemeinschaftlichkeit mit Tanz, Musik, Gesang sowie anderen Performances feiert.

The School of Narrative Dance in Kooperation mit SZENE Salzburg

Zur Ausstellung erscheint eine Publikation in deutscher und englischer Sprache im Hatje Cantz Verlag.

Kurator: Jürgen Tabor

Marinella Senatore (1977 Cava de' Tirreni, IT - Rome, IT) est une figure centrale de l'art contemporain italien. A l'aide de différents médias, elle développe des stratégies artistiques qui ont le potentiel d'initier des processus de changement social. Elle se concentre sur la question de savoir comment la division et la polarisation sociales de notre époque peuvent être abordées de manière artistique et comment des formes de communauté peuvent être créées, dans lesquelles l'émancipation et l'autonomisation sont des piliers.

La collection de la Generali Foundation au Museum der Moderne de Salzbourg et le Museum Villa Stuck de Munich ont conçu la plus grande exposition de l'artiste à ce jour comme un projet en deux chapitres, à voir simultanément. Ils se complètent et offrent un aperçu de l'ensemble de l'œuvre de Senatores, qui comprend des sculptures lumineuses, des œuvres textiles, des dessins, des collages, des photographies et des films. Le point culminant à Salzbourg sera une parade développée dans le cadre de l'École de danse narrative de Senatores avec la population locale, célébrant une fête lyrique de la communauté avec de la danse, de la musique, des chants ainsi que d'autres performances.

The School of Narrative Dance en coopération avec SZENE Salzburg.

L'exposition sera accompagnée d'une publication en allemand et en anglais aux éditions Hatje Cantz.

Curateur : Jürgen Tabor

Marinella Senatore (1977 Cava de' Tirreni, IT - Roma, IT) è una figura centrale dell'arte contemporanea italiana. Con l'aiuto di vari media, sviluppa strategie artistiche che hanno il potenziale di mettere in moto processi di cambiamento sociale. La sua attenzione si concentra sulla questione di come la divisione sociale e la polarizzazione del nostro tempo possano essere contrastate artisticamente e di come possano emergere forme di comunità in cui l'emancipazione e l'empowerment siano pilastri portanti.

La Collezione della Fondazione Generali presso il Museum der Moderne di Salisburgo e il Museo Villa Stuck di Monaco hanno concepito la più grande mostra dell'artista fino ad oggi come un progetto in due capitoli che possono essere visti contemporaneamente. Si completano a vicenda e offrono una panoramica dell'intero spettro del lavoro di Senatore, che comprende sculture di luce, opere tessili, disegni, collage, fotografie e film. Il momento culminante a Salisburgo sarà una parata sviluppata con la popolazione locale nell'ambito della Scuola di Danza Narrativa di Senatore, che celebra una festa lirica di comunanza con danza, musica, canto e altri spettacoli.

La Scuola di Danza Narrativa in collaborazione con SZENE Salzburg

La mostra è accompagnata da una pubblicazione in tedesco e inglese edita da Hatje Cantz Verlag.

Curatore: Jürgen Tabor

Marinella Senatore (1977 Cava de' Tirreni, IT - Rome, IT) is a central figure in Italian contemporary art. With the help of various media, she develops artistic strategies that have the potential to set processes of social change in motion. Her focus is on the question of how the social division and polarization of our time can be countered artistically and how forms of community can emerge in which emancipation and empowerment are supporting pillars.

The Generali Foundation Collection at the Museum der Moderne Salzburg and the Museum Villa Stuck in Munich have conceived the artist's largest exhibition to date as a project in two chapters that can be seen simultaneously. They complement each other and offer an overview of the entire spectrum of Senatore's work, which includes light sculptures, textile works, drawings, collages, photographs, and films. The highlight in Salzburg will be a parade developed with the local community as part of Senatore's School of Narrative Dance, celebrating a lyrical celebration of community with dance, music, song, as well as other performances.

The School of Narrative Dance in cooperation with SZENE Salzburg

The exhibition is accompanied by a publication in German and English published by Hatje Cantz Verlag.

Curator: Jürgen Tabor

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

Museum der Moderne | Salzburg
22. April - 25. Juni 2023

Stepping Out! Female Identities in Chinese Contemporary Art

Bu Hua, Cao Fei, Cao Yu, Chen Qiulin, Chen Zhe, Cui Xiuwen, Fan Xi, Geng Xue, He Chengyao, Hu Yinping, Liang Xiu, Lin Tianmiao, Liu Xi, Li Xinmo, Luo Yang, Ma Qiusha, Peng Wei, Sun Shaokun, Tao Aimin, Tong Wenmin, Wen Hui, Xiang Jing, Xiao Lu, Xing Danwen, Yin Xiuzhen, Yu Hong

Stepping Out! Female Identities in Chinese Contemporary Art ist seit 25 Jahren die erste Ausstellung, die einen umfassenden Überblick über die Produktion chinesischer Künstlerinnen der Gegenwart gibt. Mit offener und mitunter provozierender Haltung treten sie seit den späten 1980er-Jahren aus dem Schatten ihrer die chinesische Gegenwartskunst bisher dominierenden männlichen Kollegen heraus. Im Spannungsfeld zwischen machtvoller Tradition, parteipolitischer Ideologie und wirtschaftlichem Umbruch untersuchen und dokumentieren 26 ausgewählte Künstlerinnen individuelle und gesellschaftliche Ängste, Widersprüche und Hoffnungen und legen diese oft schonungslos offen.

In der repräsentativen Auswahl finden sich sowohl Pionierinnen als auch junge, hierzulande kaum bekannte Positionen. Ziel des Ausstellungs- und Publikationsprojektes ist es, das eklatante Ungleichgewicht in der Sichtbarkeit weiblicher Künstlerinnen aus China zu korrigieren und auf die enorme Vielfalt und Relevanz ihres künstlerischen Schaffens zu verweisen.

Zur Ausstellung erschien eine Publikation in einer englisch/deutschen und einer englisch/norwegischen Ausgabe im Hatje Cantz Verlag.

Kurator_innen: Nils Ohlsen (Lillehammer Kunstmuseum), Christina Penetsdorfer (Museum der Moderne Salzburg), Feng Boyi (Peking), Liu Xi (Shanghai)

Advisory Board: Luise Guest (Sydney, AU), Monica Merlin (Doha, QA), Shu-chin Tsui (Brunswick, ME, US), Sasha Su-Ling Welland (Seattle, WA, US)

Stepping Out ! Female Identities in Chinese Contemporary Art est, depuis 25 ans, la première exposition à donner un aperçu complet de la production des artistes chinoises contemporaines. Avec une attitude ouverte et parfois provocatrice, elles sortent depuis la fin des années 1980 de l'ombre de leurs collègues masculins qui dominaient jusqu'alors l'art contemporain chinois. Entre tradition puissante, idéologie politique du parti et bouleversements économiques, 26 femmes artistes sélectionnées étudient et documentent les peurs, les contradictions et les espoirs individuels et sociaux, et les exposent souvent sans ménagement.

Dans cette sélection représentative, on trouve aussi bien des pionnières que de jeunes positions peu connues dans notre pays. L'objectif de ce projet d'exposition et de publication est de corriger le déséquilibre flagrant dans la visibilité des artistes féminines chinoises et de mettre en évidence l'énorme diversité et pertinence de leur création artistique.

Une publication a été éditée à l'occasion de l'exposition en version anglaise/allemande et anglaise/norvégienne par Hatje Cantz Verlag.

Les commissaires d'exposition : Nils Ohlsen (Lillehammer Kunstmuseum), Christina Penetsdorfer (Museum der Moderne Salzburg), Feng Boyi (Pékin), Liu Xi (Shanghai).

Conseil consultatif : Luise Guest (Sydney, AU), Monica Merlin (Doha, QA), Shu-chin Tsui (Brunswick, ME, US), Sasha Su-Ling Welland (Seattle, WA, US)

Uscire! Female Identities in Chinese Contemporary Art è la prima mostra in 25 anni a fornire una panoramica completa della produzione delle artiste cinesi contemporanee. Con un atteggiamento aperto e talvolta provocatorio, dalla fine degli anni Ottanta sono uscite dall'ombra dei loro colleghi maschi che hanno dominato l'arte contemporanea cinese fino ad oggi. Nel campo della tensione tra la potente tradizione, l'ideologia politico-partitica e gli sconvolgimenti economici, 26 artiste selezionate indagano e documentano le paure, le contraddizioni e le speranze individuali e sociali, rivelandole spesso senza mezzi termini.

La selezione rappresentativa comprende donne pioniere e giovani posizioni poco conosciute in questo Paese. L'obiettivo della mostra e del progetto di pubblicazione è quello di correggere l'evidente squilibrio nella visibilità delle artiste cinesi e di evidenziare l'enorme diversità e rilevanza del loro lavoro artistico.

Una pubblicazione che accompagna la mostra è stata pubblicata in edizione inglese/tedesca e inglese/norvegese da Hatje Cantz Verlag.

Curatori: Nils Ohlsen (Museo d'arte di Lillehammer), Christina Penetsdorfer (Museum der Moderne Salzburg), Feng Boyi (Pechino), Liu Xi (Shanghai)

Comitato consultivo: Luise Guest (Sydney, AU), Monica Merlin (Doha, QA), Shu-chin Tsui (Brunswick, ME, US), Sasha Su-Ling Welland (Seattle, WA, US)

Stepping Out! Female Identities in Chinese Contemporary Art is the first exhibition in 25 years to provide a comprehensive overview of the production of contemporary Chinese women artists. With an open and sometimes provocative attitude, since the late 1980s they have been stepping out of the shadows of their male colleagues who have dominated Chinese contemporary art until now. In the field of tension between powerful tradition, party-political ideology, and economic upheaval, 26 selected female artists investigate and document individual and social fears, contradictions, and hopes, often revealing them unsparingly.

The representative selection includes pioneering women as well as young positions that are hardly known in this country. The aim of the exhibition and publication project is to correct the glaring imbalance in the visibility of female artists from China and to point to the enormous diversity and relevance of their artistic work.

A publication accompanying the exhibition was published in an English/German and an English/Norwegian edition by Hatje Cantz Verlag.

Curators: Nils Ohlsen (Lillehammer Art Museum), Christina Penetsdorfer (Museum der Moderne Salzburg), Feng Boyi (Beijing), Liu Xi (Shanghai)

Advisory Board: Luise Guest (Sydney, AU), Monica Merlin (Doha, QA), Shu-chin Tsui (Brunswick, ME, US), Sasha Su-Ling Welland (Seattle, WA, US)

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)