Stephen Bulger Gallery | Toronto
13. Januar – 17. Februar 2024

In Absolute Space
April Friges

Die Stephen Bulger Gallery freut sich, "In Absolute Space", die erste Einzelausstellung von April Friges in Kanada, zu präsentieren. Das Experimentieren mit antiquarischen fotografischen Verfahren und die Erforschung fotografischer Materialien bilden die Grundlage ihrer Arbeit. Sie dienen als Methoden, um die für die Geschichte der Fotografie so zentralen Verfahren der Kollodium-Nassplatte, der Farbdunkelkammer und der Silbergelatine-Dunkelkammer neu zu erfinden. Durch den Einsatz von Licht, Schatten und Reflexion schaffen Friges' Werke oft einzigartige räumliche Erfahrungen, die im Gegensatz zur zweidimensionalen Natur einer Fotografie stehen.

Die Arbeiten, zu denen auch "In Absolute Space" gehört, nutzen ihre bahnbrechende Herangehensweise an das Tintype-Verfahren, das durch neue Materialien, die seit der Einführung des Verfahrens in den späten 1840er Jahren verfügbar wurden, erweitert wurde. Dies offenbart eine Vielzahl von Beziehungen zu alternativen und historischen fotografischen Bildherstellungsprozessen. Ihre früheren Arbeiten wie "CMY RGB", "Untitled Color" (beide in der Farbdunkelkammer) und "Spectator" (in der Schwarz-Weiß-Dunkelkammer) werden in dieser Ausstellung zu spielerischen Kollaborationen mit den materiellen Aspekten der Fotografie und zeigen Friges' Interesse daran, dem Medium neue Erzählungen zu geben.

Durch die Arbeit mit Aluminium, dem Material, das für die Herstellung traditioneller Zinntypen verwendet wird, erforscht Friges die Beziehung zwischen den weichen Krümmungen des Fotopapiers der Dunkelkammer und der Integration der Starrheit dieses neuen Materials. Die Tintypes wurden in einer Dunkelkammer ohne Kamera hergestellt, einem Ort, an dem Licht und Schatten Vorrang vor jedem erkennbaren Bild haben. Inspiriert von Andy Warhols "Shadows"-Serie aus den Jahren 1978-79 erforscht sie die Einzigartigkeit der Tintype und schafft eine Produktionslinie von 20 x 24 Zoll großen Nassplatten, die alle vergleichbare Licht- und Schattenmuster enthalten. Im Gegensatz zu den traditionellen Tintypie-Verfahren, bei denen schwarzes, poliertes Aluminium verwendet wird, interpretiert Friges das Verfahren heute neu, indem sie die Abstraktion als Thema und hochreflektierende, farbgesättigte Aluminiumsubstrate als Material verwendet. Wie bei ihren früheren Arbeiten "CMY RGB" und "Untitled Color" besteht die zweite Phase ihres Prozesses darin, die Platten außerhalb der Dunkelkammer mit industriellen Blechmaschinen zu bearbeiten. Sie biegt die Metallplatten absichtlich und reflektiert das Bild gegen sich selbst, um die oft statische und rechteckige Natur des Objekts zu brechen, das wir als fotografischen Standard definiert haben.

Durch diese experimentellen Prozesse schafft Friges Verbindungen zwischen ihren Dunkelkammerarbeiten aus dem letzten Jahrzehnt. Das Ergebnis sind hybride, skulpturale Arbeiten, die Materialien aus Schwarzweiß-, Farb- und alternativen Prozessen integrieren und das Medium auf spielerische Weise neu definieren.

April Friges (geb. 1981, Lorain, Ohio, USA) erhielt ihren MFA in Studio Art von der University of California, Irvine, und ist außerordentliche Professorin für Fotografie an der Point Park University, Pittsburgh, PA. Sie unterrichtet seit über sechzehn Jahren objektivbasierte Kurse an Hochschulen. Friges' Arbeiten wurden in Ausstellungen wie LAXART, Los Angeles, CA; The Spencer Museum of Art, Lawrence, KS; MOCAD, Detroit, MI; AIPAD, New York, NY; Filter Photo, Chicago, IL; und Silver Eye Center for Photography, Pittsburgh, PA gezeigt. Ihre Arbeiten werden von privaten Sammlern sowie in den Sammlungen des Museum of Contemporary Photography, Chicago, IL; BNY Mellon, New York, NY; dem Duane Michals Estate und der Carnegie Mellon University, Pittsburgh, PA gesammelt.

La galerie Stephen Bulger a le plaisir de présenter "In Absolute Space", la première exposition solo d'April Friges au Canada. L'expérimentation de procédés photographiques anciens et les recherches sur les matériaux photographiques sont à la base de sa pratique. Ils servent de méthodes pour revisiter les procédés de la plaque humide au collodion, de la chambre noire couleur et de la chambre noire à la gélatine argentique, qui sont si importants dans l'histoire de la photographie. En utilisant la lumière, l'ombre et la réflexion, les œuvres de Friges sont souvent sculptées pour créer des expériences spatiales uniques en opposition à la nature bidimensionnelle d'une photographie.

Les œuvres incluses dans "In Absolute Space" (Dans l'espace absolu) utilisent son approche révolutionnaire du procédé de la stéatite, qui s'enrichit de nouveaux matériaux devenus disponibles depuis l'avènement de ce procédé à la fin des années 1840. Cette approche révèle une myriade de relations avec des processus alternatifs et historiques de production d'images photographiques. Ses précédents corpus d'œuvres, tels que "CMY RGB", "Untitled Color" (chambre noire couleur) et "Spectator" (chambre noire blanc), apparaissent dans cette exposition comme des collaborations ludiques avec les aspects matériels de la photographie, révélant l'intérêt de Friges pour l'écriture de nouvelles narrations sur le médium.

En travaillant avec de l'aluminium, le matériau utilisé pour créer les ferrotypes traditionnels, Friges explore la relation entre les courbes douces du papier photographique de la chambre noire et l'intégration de la rigidité de ce nouveau matériau. Les ferrotypes ont été créés dans une chambre noire sans appareil photo, un endroit où la lumière et les ombres priment sur toute image reconnaissable. Inspirée par la série "Shadows" d'Andy Warhol de 1978-79, elle explore la nature unique du tintype et crée une ligne de production de plaques humides de 20 x 24 pouces qui contiennent toutes des motifs comparables de lumière et d'ombres. Contrairement aux procédés traditionnels d'étampe qui utilisent de l'aluminium noir poli, Friges réimagine aujourd'hui le procédé en utilisant l'abstraction comme sujet et des substrats d'aluminium très réfléchissants et saturés de couleurs comme matériau. Comme pour ses œuvres précédentes, "CMY RGB" et "Untitled Color", la deuxième étape de son processus consiste à sortir les plaques de la chambre noire en travaillant avec des machines industrielles en tôle. Elle plie délibérément les plaques de métal et réfléchit l'image contre elle-même, brisant ainsi la nature souvent statique et rectangulaire de l'objet que nous en sommes venus à définir comme un standard photographique.

Grâce à ces processus expérimentaux, Friges crée des liens entre les travaux qu'elle a réalisés en chambre noire au cours de la dernière décennie. Il en résulte des pièces hybrides et sculpturales qui intègrent les matériaux du noir et blanc, de la couleur et des procédés alternatifs, en cherchant à redéfinir le médium par le jeu.

April Friges (née en 1981 à Lorain, Ohio, États-Unis) a obtenu une maîtrise en arts plastiques à l'université de Californie, à Irvine, et est professeur associée de photographie à l'université Point Park, à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Depuis plus de seize ans, elle enseigne dans l'enseignement supérieur des cours basés sur l'objectif. Le travail de Friges a été présenté dans des lieux tels que LAXART, Los Angeles, CA ; The Spencer Museum of Art, Lawrence, KS ; MOCAD, Detroit, MI ; AIPAD, New York, NY ; Filter Photo, Chicago, IL ; et Silver Eye Center for Photography, Pittsburgh, PA. Ses œuvres sont collectionnées par des collectionneurs privés et figurent dans les collections du Museum of Contemporary Photography, Chicago, IL, de BNY Mellon, New York, NY, de la Duane Michals Estate et de la Carnegie Mellon University, Pittsburgh, PA.

La Stephen Bulger Gallery è lieta di presentare "In Absolute Space", la prima mostra personale di April Friges in Canada. La sperimentazione di processi fotografici antichi e l'indagine sui materiali fotografici sono alla base della sua pratica. Servono a rivedere i processi della lastra al collodio, della camera oscura a colori e della camera oscura alla gelatina d'argento, così centrali nella storia della fotografia. Utilizzando luce, ombra e riflessi, le opere di Friges sono spesso scolpite per creare esperienze spaziali uniche in opposizione alla natura bidimensionale della fotografia.

Le opere, tra cui "In Absolute Space", utilizzano il suo approccio innovativo al processo di tintometria, ampliato dai nuovi materiali resi disponibili dall'avvento del processo alla fine degli anni Quaranta del XIX secolo. Ciò rivela una miriade di relazioni con processi alternativi e storici di creazione di immagini fotografiche. I suoi precedenti lavori, come "CMY RGB", "Untitled Color" (entrambi in camera oscura a colori) e "Spectator" (camera oscura in bianco e nero), emergono in questa mostra come collaborazioni giocose all'interno degli aspetti materiali della fotografia, rivelando l'interesse di Friges a scrivere nuove narrazioni per il mezzo.

Lavorando con l'alluminio, il materiale usato per creare i tradizionali tintometri, Friges esplora il rapporto tra le morbide curvature della carta fotografica della camera oscura e l'integrazione della rigidità di questo nuovo materiale. I tintometri sono stati creati in una camera oscura senza macchina fotografica, un luogo in cui la luce e le ombre hanno la precedenza su qualsiasi immagine riconoscibile. Ispirandosi alla serie "Shadows" di Andy Warhol del 1978-79, l'artista esplora la natura unica del tintype e crea una linea di produzione di lastre umide da 20 x 24 pollici che contengono tutte modelli comparabili di luce e ombre. A differenza dei processi tradizionali di tintometria che utilizzano alluminio nero lucidato, Friges reimmagina il processo oggi utilizzando l'astrazione come soggetto e substrati di alluminio altamente riflettenti e saturi di colore come materiale. Come per le opere precedenti, "CMY RGB" e "Untitled Color", la seconda fase del processo consiste nel portare le lastre fuori dalla camera oscura, lavorando con macchinari industriali in lamiera. L'artista piega di proposito le lastre di metallo e riflette l'immagine contro se stessa, rompendo la natura spesso statica e rettangolare dell'oggetto che siamo abituati a definire come standard fotografico.

Attraverso questi processi sperimentali, Friges crea connessioni tra i suoi lavori in camera oscura dell'ultimo decennio. I risultati sono pezzi scultorei ibridati che integrano i materiali dei processi in bianco e nero, a colori e alternativi, perseguendo la giocosità per ridefinire il mezzo.

April Friges (nata nel 1981 a Lorain, Ohio, USA) ha conseguito un MFA in Studio Art presso l'Università della California, Irvine, ed è professore associato di fotografia presso la Point Park University, Pittsburgh, PA. Da oltre sedici anni insegna in corsi di istruzione superiore basati sull'obiettivo. Le opere di Friges sono state esposte in sedi quali LAXART, Los Angeles, CA; The Spencer Museum of Art, Lawrence, KS; MOCAD, Detroit, MI; AIPAD, New York, NY; Filter Photo, Chicago, IL; e Silver Eye Center for Photography, Pittsburgh, PA. Le sue opere sono raccolte da collezionisti privati e nelle collezioni del Museum of Contemporary Photography, Chicago, IL; BNY Mellon, New York, NY; Duane Michals Estate; Carnegie Mellon University, Pittsburgh, PA.

Stephen Bulger Gallery is pleased to present “In Absolute Space,” the first solo exhibition of work by April Friges in Canada. Experimentation with antiquarian photographic processes and investigations into photographic materials are at the root of her practice. They serve as methods to re-envision the collodion wet plate, colour darkroom, and gelatin silver darkroom processes so central to the history of photography. By utilizing light, shadow and reflection, Friges’ works are often sculpted to create unique spatial experiences in opposition to the two-dimensional nature of a photograph.

Works included “In Absolute Space,” use her ground-breaking approach to the tintype process that is expanded by new materials that have become available since the advent of the process in the late 1840s. This reveals a myriad of relationships to alternate and historical photographic image-making processes. Her previous bodies of work, such as “CMY RGB,” “Untitled Color” (both colour darkroom) and “Spectator” (black and white darkroom), emerge in this exhibition as playful collaborations within thematerial aspects of photography, revealing Friges’ interest in writing new narratives to the medium.

Working with aluminum, the material used to create traditional tintypes, Friges explores the relationship between the soft curvatures of darkroom photographic paper and integrating the rigidity of this new material. The tintypes were created in a darkroom without a camera, a place where light and shadows take precedence over any recognizable image. Inspired by Andy Warhol’s “Shadows” series from 1978-79, she explores the one-of-a-kind nature of the tintype and creates a production line of 20 x 24 inch wet plates that all contain comparable patterns of light and shadows. Unlike traditional tintype processes which utilize black polished aluminum, Friges reimagines the process today using abstraction as the subject and highly reflective, colour saturated aluminum substrates as a material. Like her previous works, “CMY RGB” and “Untitled Color,” the second stage of her process is to take the plates outside of the darkroom working with industrial sheet metal machinery. She purposefully bends the metal plates and reflects the image against itself, breaking the often static and rectangular nature of the object we’ve come to define as a photographic standard.

Through these experimental processes, Friges creates connections between her darkroom works from the past decade. The results are hybridized, sculptural pieces that integrate the materials from the black and white, colour and alternative processes, pursuing playfulness to redefine the medium.

April Friges (b. 1981, Lorain, Ohio, USA) received her MFA in Studio Art from The University of California, Irvine, and is Associate Professor of Photography at Point Park University, Pittsburgh, PA. She has been teaching higher education lens-based courses for over sixteen years. Friges’ work has been included in venues such as LAXART, Los Angeles, CA; The Spencer Museum of Art, Lawrence, KS; MOCAD, Detroit, MI; AIPAD, New York, NY; Filter Photo, Chicago, IL; and Silver Eye Center for Photography, Pittsburgh, PA. Her work is collected by private collectors as well as in the collections of The Museum of Contemporary Photography, Chicago, IL; BNY Mellon, New York, NY; the Duane Michals Estate; and Carnegie Mellon University, Pittsburgh, PA.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
18. November – 23. Dezember 2023

People, Places, Things: A Group Exhibition

Die Fotografie war eine lang erwartete Erfindung. Man geht davon aus, dass sie jahrhundertelang ein unerfüllter Traum war, geboren aus dem Wunsch, unsere Realität ohne menschliches Zutun genau abzubilden, bevor sie in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts erfunden wurde.

Als 1839 das Verfahren der Daguerreotypie vorgestellt wurde, war die Öffentlichkeit wie gebannt. Frühere Berichte über Erfolge bei der Fixierung von Bildern durch die Wirkung von Licht und Chemie faszinierten die Öffentlichkeit, die sich über die genaue Darstellung unserer Welt wunderte.

Seitdem wird die Zuverlässigkeit der Wahrheit in Fotografien zu Recht in Frage gestellt. Eine Fotografie stellt die Version des Fotografen von einer wahrheitsgemäßen Aussage dar. Als Informationsquelle dient ein fotografisches Bild oft dazu, wichtige Menschen, Orte, Ereignisse und Objekte zu symbolisieren. Eine fotografische Aufzeichnung kann ein Markenzeichen der Vergangenheit sein und an die besten und schlimmsten menschlichen Aktivitäten erinnern. Ein Betrachter, der sich der einer Fotografie innewohnenden Voreingenommenheit bewusst ist, kann die in einem Bild festgehaltenen Informationen genau prüfen und über diese Darstellungen der Realität nachdenken. Fotografien lösen Reaktionen aus, die auf unseren privaten Erinnerungen und gemeinsamen Erfahrungen beruhen, und erwecken sie wieder zum Leben.

Unsere Ausstellung zeigt Highlights aus dem Schaffen der von der Galerie vertretenen Künstler und Fotografen sowie eine Auswahl von Objekten aus dem Sekundärmarkt, die sich im Besitz der Galerie befinden, und der vielen Einlieferer, die uns damit betrauen, ein neues Zuhause für die Fotografien zu finden, die ihr Leben bereichert haben. Die Sammlung von Fotografien aus über 150 Jahren umfasst Werke, die eine Vielzahl von Genres, Verfahren und Absichten abdecken. Da die Fotografie in der Lage ist, Meisterwerke auf verschiedenen Qualitätsniveaus zu liefern, werden die Preise so gestaltet, dass sie für unterschiedliche Budgets geeignet sind. Die Fotografien können noch vor der Schließung der Ausstellung gekauft und abgeholt werden, um die Weihnachtszeit zu feiern.

La photographie était une invention attendue depuis longtemps. On suppose qu'il s'agissait d'un rêve irréalisable pendant des siècles, né du désir de représenter fidèlement notre réalité sans intervention humaine avant son invention dans les premières décennies du 19e siècle.

Lorsque le procédé du daguerréotype a été annoncé en 1839, le public a été fasciné. Les rapports antérieurs faisant état de succès dans la fixation d'images par l'action de la lumière et de la chimie ont fasciné le public, qui s'est émerveillé de la représentation exacte de notre monde.

Depuis lors, la fiabilité de la vérité dans les photographies a été remise en question à juste titre. Une photographie présente la version d'un photographe d'une déclaration véridique. En tant que source d'information, une image photographique sert souvent à symboliser des personnes, des lieux, des événements et des objets importants. Un document photographique peut être une marque du passé et un rappel des activités humaines dans ce qu'elles ont de meilleur et de pire. Tout en étant conscient des préjugés inhérents à une photographie, le spectateur peut examiner minutieusement les informations capturées dans un cadre et réfléchir à ces représentations de la réalité. Les photographies déclenchent des réactions basées sur nos souvenirs privés et nos expériences partagées, en leur redonnant vie.

Notre exposition présentera des œuvres réalisées par les artistes et les photographes représentés par la galerie, ainsi qu'une sélection d'articles du marché secondaire appartenant à la galerie et aux nombreux consignateurs qui nous confient le soin de trouver un nouveau foyer pour les photographies qui ont enrichi leur vie. La collection de photographies, qui s'étend sur plus de 150 ans, comprend des œuvres couvrant une grande variété de genres, de procédés et d'intentions. Reconnaissant la capacité de la photographie à produire des chefs-d'œuvre à différents niveaux de qualité, les photographies seront proposées à des prix adaptés à différents budgets. Les photographies pourront être achetées et collectionnées avant la fermeture de l'exposition, à l'occasion des fêtes de fin d'année.

La fotografia era un'invenzione attesa da tempo. Si presume che sia stato un sogno irrealizzato per secoli, nato dal desiderio di rappresentare accuratamente la nostra realtà senza l'intervento umano prima della sua invenzione nei primi decenni del XIX secolo.

Quando il processo del dagherrotipo fu annunciato nel 1839, il pubblico rimase affascinato. I precedenti resoconti dei successi ottenuti nel fissare le immagini attraverso l'azione della luce e della chimica affascinarono il pubblico, che si meravigliò della rappresentazione accurata del nostro mondo.

Da allora, l'affidabilità della verità nelle fotografie è stata giustamente messa in discussione. Una fotografia presenta la versione del fotografo di una dichiarazione veritiera. Come fonte di informazioni, un'immagine fotografica spesso serve a simboleggiare persone, luoghi, eventi e oggetti importanti. Una registrazione fotografica può essere un segno distintivo del passato e un ricordo delle attività umane nel loro momento migliore e peggiore. Pur essendo consapevole dei pregiudizi intrinseci di una fotografia, lo spettatore può esaminare le informazioni catturate all'interno di un fotogramma e riflettere su queste rappresentazioni della realtà. Le fotografie innescano risposte basate sui nostri ricordi privati e sulle esperienze condivise, riportandole in vita.

La nostra mostra conterrà alcuni lavori degli artisti e dei fotografi che la galleria rappresenta, oltre a una selezione di oggetti del mercato secondario di proprietà della galleria e dei numerosi mittenti che ci affidano la ricerca di nuove case per le fotografie che hanno arricchito la loro vita. La collezione di fotografie che abbraccia oltre 150 anni comprende opere che coprono una varietà di generi, processi e intenti. Riconoscendo la capacità della fotografia di fornire capolavori a diversi livelli di qualità, le fotografie avranno prezzi adatti a diversi budget. Le fotografie saranno disponibili per l'acquisto e il ritiro prima della chiusura della mostra, in occasione delle festività natalizie.

Photography had been a long-anticipated invention. It is assumed this was an unrealized dream for centuries, born through the desire to accurately represent our reality without human intervention before its invention in the early decades of the 19th century.

When the daguerreotype process was announced in 1839, the public was transfixed. Previous reports of successes in fixing images through the actions of light and chemistry became a fascination to the public, marveling at its accurate representation of our world.

Since that time, the reliability of truth in photographs has been rightly questioned. A photograph presents a photographer’s version of a truthful statement. As a source of information, a photographic image often serves to symbolize important people, places, events, and objects. A photographic record can be a hallmark of the past, and a reminder of human activities at their best and worst. While aware of a photograph’s inherent biases, a viewer can scrutinize the information captured within a frame and ponder those representations of reality. Photographs trigger responses based on our private memories and shared experiences, bringing them back to life.

Our exhibition will contain highlights of work made by the artists and photographers the gallery represents, as well as a selection of secondary market items owned by the gallery, and the many consignors who entrust us with finding new homes for the photographs that have enriched their lives. The collection of photographs spanning over 150 years includes works covering a variety of genres, processes, and intent. Acknowledging photography’s ability to provide masterworks at many levels of quality, photographs will be priced to fit a variety of budgets. Photographs will be available to purchase and collect before the exhibition closes in recognition of the holiday season.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
9. September - 4. November

An Impossible Perspective
Sanaz Mazinani

Die Stephen Bulger Gallery freut sich, An Impossible Perspective zu präsentieren, unsere vierte Einzelausstellung von Sanaz Mazinani. Ausgehend von Mazinanis früheren Forschungen über die Beziehung zwischen Fotografie und Wahrnehmung, Medienverbreitung und -konsum ist An Impossible Perspective eine Untersuchung über künstliche Intelligenz (AI) und maschinelles Lernen. In dieser Arbeit präsentiert Mazinani Bilder von Pflanzen als Metapher und Leitfaden für eine künstlerische Spekulation über die Zukunft der Beziehung der Menschheit zu Kreativität, Wahrheit und Arbeit.

Um diese Serie zu entwickeln, entwickelte Mazinani eine einzigartige Methodik unter Verwendung einer Reihe von KI-Tools. Sie arbeitete mit dem Computerprogrammierer Millan Singh Khurana zusammen, um einen maßgeschneiderten Code mit einer Reihe komplizierter Verfahren zu erstellen, die darauf abzielen, die menschliche Intelligenz zu imitieren, um die daraus resultierenden Kunstwerke zu schaffen. Mazinani untersuchte, wie diese Technologien Intelligenz wiedergeben, und arbeitete mit DALLE-2 und Midjourney, um Hunderte von Bildern zu generieren, die auf Ideen wie der Beziehung zwischen dem Menschen und der natürlichen Welt basieren. Die Bilder, darunter auch die eigenen Fotografien des Künstlers, wurden dann mit neu trainierten Modellen für maschinelles Sehen und natürliche Sprachverarbeitung sequenziert, um die Beziehungen zwischen ihnen zu analysieren. Über 15.000 Bilder wurden analysiert und sortiert, um die einzelnen Kunstwerke für An Impossible Perspective zu erstellen, basierend auf Konzepten wie Realness, Artificiality und Truthfulness. Nachdem die gedruckten Bilder geordnet und beschriftet waren, wurden sie gemäß den Anweisungen der Künstlichen Intelligenz auf eine Pappe geklebt, um Collagen aus Hunderten von Bildern zu erstellen.

Ein wichtiger Bestandteil dieser Serie ist der Einsatz des Körpers der Künstlerin, um die Kunstwerke an den von der Software festgelegten Punkten entlang der x-, y- und z-Achse zusammenzusetzen. Mazinanis Arbeit, Handlungen und ästhetische Entscheidungen werden von den Berechnungsergebnissen der KI-Software beeinflusst, die die Platzierung der einzelnen Bilder bestimmt. In Real or Not beispielsweise werden die Bilder in der oberen linken Ecke in horizontalen Reihen von "am realsten" bis "am wenigsten real" angeordnet, je nach der von der Software generierten Punktzahl. Auf diese Weise wird der Computer sowohl bei der Erstellung des Kunstwerks als auch des Layouts zum Geschmacksbildner. Die Verschiebung der Autonomie während des Entstehungsprozesses der einzelnen Werke führt zu einer chronischen Spannung zwischen der technikzentrierten Methodik, die Mazinani für die Produktion festgelegt hatte, und ihren eigenen ästhetischen und intuitiven Wünschen. Der Prozess der Umsetzung der KI-Ergebnisse wird durch das Ausschneiden jedes Bildes von Hand in eine einzigartige Form ergänzt, wodurch der Prozess mit einem physischen und menschlichen kreativen Akt verbunden wird. Diese Papierformen, die an Kleidungsstücke erinnern, werden dann in Anlehnung an die häusliche Arbeit mit Schneiderstiften befestigt.

An Impossible Perspective entmystifiziert KI-Prozesse und übernimmt die Kontrolle darüber, indem es eine Plattform für den öffentlichen Diskurs bietet. Mazinani erklärt: "Während der Arbeit an diesem Projekt in den letzten anderthalb Jahren habe ich festgestellt, dass die Ergebnisse der generativen Kunstwerke umso vorhersehbarer und einfacher wurden, je mehr ich die künstliche Intelligenz beeinflusste. Als Beitrag zu einem Dialog, der sich kritisch und kreativ mit dieser technologischen Bewegung auseinandersetzt, zeigen diese Kunstwerke die Möglichkeiten und Grenzen dieser Technologie auf. An Impossible Perspective unterstreicht, wie wichtig es ist, KI-Technologien als Werkzeuge zur Unterstützung unserer Arbeit zu nutzen, anstatt sie als primäres Mittel zur Erzeugung eines Ergebnisses einzusetzen.

Diese Ausstellung wurde großzügig vom Canada Council for the Arts unterstützt.

La galerie Stephen Bulger a le plaisir de présenter An Impossible Perspective, la quatrième exposition personnelle de Sanaz Mazinani. S'inspirant de ses recherches antérieures sur la relation entre la photographie et la perception, la distribution des médias et la consommation, An Impossible Perspective est une enquête sur l'intelligence artificielle (IA) et l'apprentissage automatique. Dans cette œuvre, Mazinani présente des images de plantes à la fois comme métaphore et comme conduit pour une spéculation artistique sur l'avenir de la relation de l'humanité à la créativité, à la vérité et au travail.

Pour développer cette série, Mazinani a conçu une méthodologie unique en utilisant un ensemble d'outils d'intelligence artificielle. Elle a travaillé avec le programmeur informatique Millan Singh Khurana pour créer un code personnalisé avec un ensemble complexe de procédures visant à imiter l'intelligence humaine pour créer les œuvres d'art qui en résultent. Pour étudier comment ces technologies rendent l'intelligence, Mazinani a travaillé avec DALLE-2 et Midjourney pour générer des centaines d'images basées sur des idées telles que la relation entre l'homme et le monde naturel. Des ensembles d'images comprenant les propres photographies de l'artiste ont ensuite été séquencés à l'aide de modèles de vision artificielle et de traitement du langage naturel nouvellement formés afin d'analyser les relations entre ces images. Plus de 15 000 images ont été analysées et triées pour créer les différentes œuvres d'art d'An Impossible Perspective, sur la base de concepts tels que la réalité, l'artificialité et la véracité. Une fois séquencées et étiquetées, les images imprimées ont été épinglées sur un carton selon les instructions de séquençage de l'IA pour créer des collages composés de centaines d'images.

Un élément important de cette série est l'utilisation du corps de l'artiste pour assembler les œuvres d'art sur des points situés le long des axes x, y et z, tels que déterminés par le logiciel. Le travail, les actions et les choix esthétiques de Mazinani sont influencés par les résultats informatiques du logiciel d'IA qui dirigent l'emplacement de chaque image. Par exemple, dans Real or Not, les images situées dans le coin supérieur gauche progressent de la plus réelle à la moins réelle le long de rangées horizontales, en fonction du score généré par le logiciel. De cette manière, l'esprit informatique devient un faiseur de goût à la fois dans la création de l'œuvre d'art et dans la mise en page. Le changement d'autonomie au cours du processus de création de chaque œuvre entraîne une tension chronique entre la méthodologie centrée sur la technologie que Mazinani avait établie pour la production et ses propres désirs esthétiques et intuitifs. Le processus de mise en œuvre des résultats de l'IA est renforcé par le découpage à la main de chaque image en une forme unique, inscrivant le processus dans un acte créatif physique et humain. Ces formes de papier ressemblant à des patrons de vêtements sont ensuite fixées à l'aide d'épingles de couturière, en référence au travail domestique.

An Impossible Perspective démystifie et prend le contrôle des processus d'IA, offrant une plateforme pour le discours public. Mazinani déclare : "En réalisant ce projet au cours de l'année et demie écoulée, j'ai constaté que plus je poussais l'IA, plus les résultats des œuvres d'art génératives devenaient prévisibles et simplifiés". Contribuant à un dialogue critique et créatif sur ce mouvement technologique, ces œuvres d'art démontrent les capacités et les limites de cette technologie. An Impossible Perspective souligne l'importance d'utiliser les technologies de l'IA comme des outils pour soutenir notre travail, et non comme le principal moyen de produire un résultat.

Cette exposition a été généreusement soutenue par le Conseil des Arts du Canada.

La Stephen Bulger Gallery è lieta di presentare An Impossible Perspective, la nostra quarta mostra personale di Sanaz Mazinani. Espandendo la precedente ricerca di Mazinani sul rapporto della fotografia con la percezione, la distribuzione dei media e il consumo, An Impossible Perspective è un'indagine sull'intelligenza artificiale (AI) e sull'apprendimento automatico. In questo lavoro, Mazinani presenta immagini di piante come metafora e tramite per una speculazione artistica sul futuro del rapporto dell'umanità con la creatività, la verità e il lavoro.

Per sviluppare questa serie, Mazinani ha ideato una metodologia unica utilizzando una serie di strumenti di intelligenza artificiale. Ha collaborato con il programmatore Millan Singh Khurana per creare un codice personalizzato con un'intricata serie di procedure volte a imitare l'intelligenza umana per creare le opere d'arte risultanti. Indagando sul modo in cui queste tecnologie rendono l'intelligenza, Mazinani ha lavorato con DALLE-2 e Midjourney per generare centinaia di immagini basate su idee come il rapporto tra l'uomo e il mondo naturale. Le serie di immagini, comprese le fotografie dell'artista stesso, sono state poi messe in sequenza utilizzando modelli di visione artificiale e di elaborazione del linguaggio naturale appena addestrati per analizzare le relazioni tra di esse. Oltre 15.000 immagini sono state analizzate e ordinate per creare le singole opere di An Impossible Perspective, basate su concetti quali Realtà, Artificialità e Verità. Una volta sequenziate ed etichettate, le immagini stampate sono state appuntate su un pannello di supporto secondo le istruzioni di sequenziamento dell'IA per creare collage composti da centinaia di immagini.

Una componente importante di questa serie è l'uso del corpo dell'artista per assemblare le opere nei punti lungo gli assi x, y e z determinati dal software. Il lavoro, le azioni e le scelte estetiche di Mazinani sono influenzate dai risultati computazionali del software AI che dirigono il posizionamento di ogni immagine. Ad esempio, in Real or Not, le immagini nell'angolo in alto a sinistra avanzano da "più reali" a "meno reali" su file orizzontali, in base al punteggio generato dal software. In questo modo, la mente computazionale diventa un tastemaker sia nella creazione dell'opera d'arte che nell'impaginazione. Il cambiamento di autonomia durante il processo di realizzazione di ogni opera si traduce in una tensione cronica tra la metodologia incentrata sulla tecnologia che Mazinani aveva stabilito per la produzione e i suoi desideri estetici e intuitivi. Il processo di realizzazione dei risultati dell'IA è aumentato dal taglio a mano di ogni immagine in una forma unica, che imprime al processo un atto creativo fisico e umano. Queste forme di carta che assomigliano a modelli di abbigliamento sono poi fissate con spilli da sarta, in riferimento al lavoro domestico.

An Impossible Perspective demistifica e prende il controllo dei processi di IA, offrendo una piattaforma per il discorso pubblico. Mazinani afferma che "durante la realizzazione di questo progetto, nel corso dell'ultimo anno e mezzo, mi sono accorto che quanto più ho agito sull'IA, tanto più prevedibili e semplificati sono diventati i risultati delle opere d'arte generative". Contribuendo a un dialogo critico e creativo con questo movimento tecnologico, le opere dimostrano le capacità e i limiti di questa tecnologia. An Impossible Perspective sottolinea l'importanza di utilizzare le tecnologie AI come strumenti di supporto al nostro lavoro, invece di diventare il mezzo principale per produrre un risultato.

Questa mostra è stata generosamente sostenuta dal Canada Council for the Arts.

Stephen Bulger Gallery is pleased to present An Impossible Perspective, our fourth solo exhibition of work by Sanaz Mazinani. Expanding from Mazinani’s previous research on the relationship of photography to perception, media distribution, and consumption, An Impossible Perspective is an investigation into artificial intelligence (AI) and machine learning. In this work, Mazinani presents imagery of plants as both metaphor and conduit for an artistic speculation on the future of humanity’s relationship to creativity, truth, and labour.

To develop this series, Mazinani devised a unique methodology using a set of AI tools. She worked with computer programmer Millan Singh Khurana to create custom code with an intricate set of procedures aiming to mimic human intelligence to create the resulting artworks. Investigating how these technologies render intelligence, Mazinani worked with DALLE-2 and Midjourney to generate hundreds of images based on ideas such as the relationship between humankind and the natural world. Image-sets including the artist’s own photographs were then sequenced using newly trained machine vision and natural language processing models to analyze the relationships between them. Over 15,000 images were analyzed and sorted to create the individual artworks for An Impossible Perspective, based on concepts such as Realness, Artificiality, and Truthfulness. Once sequenced and labeled, the printed images were pinned to backing-board according to AI sequencing instructions to create collages composed of hundreds of images.

An important component of this series is the use of the artist’s body to assemble the artworks on points along the x, y, and z axes as determined by the software. Mazinani’s labour, actions, and aesthetic choices are influenced by the AI software’s computational outcomes that direct the placement of each image. For example, in Real or Not, the images on the top-left corner progress from ‘most real’ to ‘least real’ along horizontal rows, according to the score generated by the software. In this way, the computational mind becomes a tastemaker in both artwork-creation and layout. The shift in autonomy during the process of making each work results in a chronic tension between the tech-centred methodology Mazinani had set for the production, and her own aesthetic and intuitive desires. The process of enacting the AI outcomes is augmented by hand-cutting each image into a unique shape, inscribing the process with a physical and human creative act. These paper forms resembling clothing pattern pieces are then affixed with dressmaker pins, in reference to domestic labour.

An Impossible Perspective demystifies and takes control of AI processes, offering a platform for public discourse. Mazinani states that, “while making this project over the past year and a half, I found that the more I nudged the AI, the more predictable and simplified the outcomes of the generative artworks became.” Contributing to a dialogue that critically and creatively engages with this technological movement, these artworks demonstrate the capacity and limitations of this technology. An Impossible Perspective highlights the importance of using AI technologies as tools to support our work, as opposed to becoming the primary means to produce a result.

This exhibition was generously supported by the Canada Council for the Arts.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
6. Juli - 19. August 2023

THE 1960s - A Selection of Vintage Prints from The Keystone Press Agency Canada

Unsere Erinnerung an vergangene Ereignisse und Persönlichkeiten geht mit der Erinnerung an Fotos einher, die diese Momente der Geschichte definieren. Daher zählen wir Fotos zu unseren wertvollsten persönlichen Besitztümern. Bilder haben die Macht, Menschen über Generationen hinweg zu verbinden.

Die Keystone Press Agency wurde von Bert Garai in den frühen 1900er Jahren in London, England, gegründet. Der Name der Agentur leitet sich von der Keystone Shipping Company ab, einem der schnellsten Agenten für den Transport von Fotografien über große Entfernungen zu jener Zeit. Der kanadische Zweig der Agentur wurde von Bob Moynier gegründet, der seine Karriere bei Keystone in den Dunkelkammern in Paris, Frankreich, und später als angestellter Fotograf begann. Da er bereits ein Büro in New York City hatte, wandte sich Moynier 1960 an die Leitung von Keystone, die der Gründung einer kanadischen Niederlassung in Montréal, der damals größten Stadt Kanadas, zustimmte. Keystone war über fünfzig Jahre lang in Montréal tätig, bevor es sich auflöste.

Fotoarchive wie Keystone sind eine reiche Quelle für Wissenschaftler und Geschichtsinteressierte aus verschiedenen Bereichen, darunter Fotojournalismus, Kunst und Mode. Die Keystone Agency spielte eine wichtige Rolle, indem sie Bilder an kanadische Zeitungen, Zeitschriften und andere Publikationen in der ganzen Welt verteilte. Ihr Archiv ist sehr umfangreich und umfasst mehr als 500.000 Originalfotos und Dias. Diese Ausstellung konzentriert sich auf einige der wichtigsten Persönlichkeiten und Ereignisse, die die 1960er Jahre prägten.

Wie viele andere Archive auch, wurden die Keystone-Fotos nach Themen geordnet und nach ihrer ursprünglichen Verwendung abgelegt, um das Auffinden von Fotos zur Wiederverwendung zu erleichtern, wenn Bilder zur Illustration von Geschichten benötigt wurden. Diese Ausstellung nutzt diese Methodik und gliedert die Bilder in die folgenden Bereiche: Berliner Mauer, China, Gegenkultur, EXPO 67, Persönlichkeiten, Weltraumforschung, Großer Eisenbahnraub und Vietnam. Unsere Ausstellung von etwa 130 Originalfotografien wird von Scans der Rückseiten der Fotografien begleitet, die oft mit Bildunterschriften und Notizen versehen sind. Diese schriftlichen Beschreibungen bieten Einblicke und Beweise für die Verwendung und den Missbrauch von Fotografien zur Beschreibung von Weltereignissen.

Angesichts der Rolle, die die Keystone Agency bei der Verbreitung von Bildmaterial für Zeitungen, Zeitschriften und andere Publikationen in der ganzen Welt spielte, sind diese Fotografien wichtige Artefakte sowohl im Kontext des fotografischen Mediums als auch als Beleg für das breitere Erbe der Keystone Agency.

Notre mémoire des événements et des personnalités du passé s'appuie sur les souvenirs des photographies qui définissent ces moments de l'histoire. C'est pourquoi les photographies font partie de nos biens personnels les plus précieux. Les images ont le pouvoir de relier les gens à travers les générations.

L'agence Keystone Press a été fondée par Bert Garai au début des années 1900 à Londres, en Angleterre. Le nom de l'agence est dérivé de celui de la Keystone Shipping Company, l'un des agents les plus rapides pour le transport de photographies sur de longues distances à l'époque. La branche canadienne de l'agence a été créée par Bob Moynier, qui a commencé sa carrière chez Keystone en travaillant dans les chambres noires à Paris, en France, puis en tant que photographe salarié. Disposant déjà d'un bureau à New York, Moynier a approché les directeurs de Keystone en 1960, qui ont accepté de créer une succursale canadienne basée à Montréal, qui était alors la plus grande ville du Canada. Keystone a fonctionné à Montréal pendant plus de cinquante ans avant de fermer ses portes.

Les archives photographiques telles que Keystone constituent une riche ressource pour les chercheurs et les personnes fascinées par l'histoire dans diverses disciplines, notamment le photojournalisme, l'art et la mode. L'agence Keystone a joué un rôle essentiel en distribuant des images aux journaux, magazines et autres publications canadiennes dans le monde entier. Ses archives sont vastes et comprennent plus de 500 000 photographies et transparents originaux. Cette exposition se concentre sur certaines personnalités et certains événements clés qui ont marqué les années 1960.

Comme beaucoup d'archives, les photographies de Keystone ont été classées par sujet après leur première utilisation, ce qui a facilité leur réutilisation lorsque des images étaient nécessaires pour illustrer des articles. Cette exposition utilise cette méthodologie et isole les images sous les rubriques suivantes : le mur de Berlin, la Chine, la contre-culture, l'EXPO 67, les personnalités, l'exploration spatiale, le grand braquage des trains et le Viêt Nam. Notre exposition d'environ 130 photographies originales est accompagnée de scans du dos des photographies, qui portent souvent des légendes et des annotations. Ces descriptions écrites offrent un aperçu et des preuves de l'utilisation et de la mauvaise utilisation des photographies pour décrire les événements mondiaux.

Compte tenu du rôle joué par la Keystone Agency dans la distribution d'images pour les journaux, les magazines et d'autres publications dans le monde entier, ces photographies sont des artefacts importants à la fois dans le contexte du médium photographique et en tant que témoignage de l'héritage plus large de la Keystone Agency.

La nostra memoria di eventi e personaggi del passato si basa sul ricordo di fotografie che definiscono quei momenti della storia. Di conseguenza, le fotografie sono tra i nostri beni personali più preziosi. Le immagini hanno il potere di collegare le persone attraverso le generazioni.

La Keystone Press Agency è stata fondata da Bert Garai all'inizio del 1900 a Londra, in Inghilterra. Il nome dell'agenzia deriva dalla Keystone Shipping Company, uno dei più veloci agenti per il trasporto di fotografie a lunga distanza dell'epoca. La filiale canadese dell'agenzia è stata fondata da Bob Moynier, che ha iniziato la sua carriera con Keystone lavorando nelle camere oscure di Parigi, in Francia, e poi come fotografo personale. Avendo già un ufficio a New York, nel 1960 Moynier si rivolse ai direttori di Keystone che accettarono di creare una filiale canadese con sede a Montréal, allora la più grande città del Canada. La Keystone operò a Montréal per oltre cinquant'anni prima di chiudere i battenti.

Gli archivi fotografici come quello di Keystone costituiscono una ricca risorsa per gli studiosi e per coloro che sono affascinati dalla storia di diverse discipline, tra cui il fotogiornalismo, l'arte e la moda. L'Agenzia Keystone ha svolto un ruolo fondamentale distribuendo immagini a giornali, riviste e altre pubblicazioni canadesi in tutto il mondo. Il loro archivio è vastissimo e comprende oltre 500.000 fotografie e lucidi originali. Questa mostra si concentra su alcune delle personalità e degli eventi chiave che hanno definito gli anni Sessanta.

Come molti archivi, le fotografie di Keystone erano organizzate per voci di soggetto per essere archiviate dopo l'uso originale, rendendo più facile la localizzazione delle fotografie da riutilizzare ogni volta che le immagini erano necessarie per illustrare le storie. Questa mostra utilizza questa metodologia e isola le immagini sotto queste voci: il Muro di Berlino, la Cina, la controcultura, l'EXPO 67, i personaggi, l'esplorazione spaziale, la Grande rapina al treno e il Vietnam. La nostra esposizione di circa 130 fotografie originali è accompagnata da scansioni del retro delle fotografie, che spesso riportano didascalie e annotazioni. Queste descrizioni scritte offrono una visione e una prova dell'uso e dell'abuso delle fotografie per descrivere gli eventi mondiali.

Dato il ruolo svolto dalla Keystone Agency nella distribuzione di immagini per giornali, riviste e altre pubblicazioni in tutto il mondo, queste fotografie sono artefatti importanti sia nel contesto del mezzo fotografico sia come testimonianza della più ampia eredità della Keystone Agency.

Our memory of past events and personalities involves the recollections of photographs that define those moments of history. Consequently, we count photographs among our most valued personal possessions. Images have the power to connect people across generations.

The Keystone Press Agency was founded by Bert Garai in the early 1900s in London, England. The Agency’s name was derived from the Keystone Shipping Company, one of the fastest agents for transporting photographs long distance at the time. The Canadian branch of the Agency was established by Bob Moynier, who began his career with Keystone working in the darkrooms in Paris, France, and later as a staff photographer. With an office already in New York City, Moynier approached Keystone’s directors in 1960 who agreed to establish a Canadian branch based in Montréal, then Canada’s largest city. Keystone operated in Montréal for over fifty years before winding down.

Photographic archives such as Keystone provide a rich resource for scholars and those fascinated by history from a variety of disciplines, including photojournalism, art, and fashion. The Keystone Agency played a vital role by distributing images to Canadian newspapers, magazines, and other publications throughout the world. Their archive is vast, comprising over 500,000 original photographs and transparencies. This exhibition concentrates on some of the key personalities and events that defined the 1960s.

Like many archives, Keystone photographs were organized by subject headings for filing after original usage, making locating photographs to reuse easier whenever images were needed to illustrate stories. This exhibition utilizes that methodology and isolates the images under these heading: the Berlin Wall; China; Counterculture; EXPO 67; Personalities; Space Exploration; The Great Train Robbery; and Vietnam. Our display of approximately 130 original photographs is accompanied by scans of the backs of the photographs, which often bear captions and notations. These written descriptions offer insight and evidence of the use and misuse of photographs to describe world events.

Given the role that the Keystone Agency played in distributing imagery for newspapers, magazines and other publications throughout the world, these photographs are important artifacts both in the context of the photographic medium and as a record of the broader legacy of the Keystone Agency.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
6. Mai - 25. Juni 2023

Die Ausstellung findet im Rahmen des Contact Photography Festival statt.

Woodland
Sarah Anne Johnson

Die Stephen Bulger Gallery freut sich, mit "Woodland" unsere sechste Einzelausstellung der kanadischen Künstlerin Sarah Anne Johnson zu präsentieren.

Frustriert darüber, dass ihre Fotografien nur das festzuhalten schienen, was sich vor der Kamera befand, hat Johnson in den letzten zwanzig Jahren verschiedene Methoden entwickelt, um ihre Fotografien als Ausgangspunkt zu nutzen. Durch die Manipulation der Fotooberfläche schafft Johnson eine Oberfläche, die dem Betrachter ihre Eindrücke besser vermittelt. Johnson sagt, dass sie auf diese Weise ein "ehrlicheres Bild" schafft, indem sie "nicht nur das wiedergibt, was ich gesehen habe, sondern auch das, was ich über das Gesehene empfinde."

Unsere Ausstellung 2019 mit Johnsons Arbeiten unter dem Titel "This Land" zeigt sie am Ende einer Serie mit dem Titel "Rosy Fingered Dawn" und am Anfang von "Woodland". In der ersten Serie stellte Johnson Nationalparks in einer Krise dar, die durch unsere Nutzung und unseren Missbrauch dieser Landschaften bedroht ist. Um sich von dem Ausmaß dieser Katastrophe zu erholen, ging sie in einem Waldgebiet in ihrer Heimat Manitoba campen. Johnson kehrte in ihr Atelier zurück, um ein Werk zu schaffen, das feierlicher und beruhigender ist. Unsere Ausstellung 2019 war die erste öffentliche Präsentation dieser neuen Arbeit mit dem Titel "Woodland". Johnson verfolgte diesen Weg auch während der Pandemie weiter und wollte dem Publikum eine Atempause vom Chaos der Pandemie bieten.

In "Woodland" hinterfragt Sarah Anne Johnson die Wahrhaftigkeit des Bildes durch ihre Darstellungen der Natur in den Wäldern von Manitoba, in der Nähe von Winnipeg. Auf der Grundlage des Wissens und des Verständnisses der Ureinwohner des Landes, der heiligen Qualität von Bäumen und der modernen wissenschaftlichen Forschung, die Pflanzen als soziale Lebewesen begreift, die miteinander kommunizieren können, verstärken Johnsons Mixed-Media-Interventionen die erhabenen und metaphysischen Qualitäten der natürlichen Welt. Durch den Einsatz von Ölfarbe, holografischen Aufklebern und Farbstoffen auf der Oberfläche von Pigmentdrucken geht Johnson über das hinaus, was in der Natur zu sehen ist, um das darzustellen, was Menschen, Pflanzen und Waldtiere fühlen. Mit dem großzügigen Einsatz von geometrischen Formen und prismatischen Farben richtet Johnson die traditionell anthropozentrische Wahrnehmung und Darstellung von Landschaft und Natur neu aus.

La Stephen Bulger Gallery a le plaisir de présenter "Woodland", notre sixième exposition personnelle de l'artiste canadienne Sarah Anne Johnson.

Frustrée par le fait que ses photographies ne semblaient pouvoir enregistrer que ce qui se trouvait devant l'appareil photo, Sarah Anne Johnson a, au cours des vingt dernières années, conçu différentes méthodologies pour utiliser ses photographies comme point de départ. En manipulant la surface de la photographie, Johnson en crée une qui communique mieux ses impressions au spectateur. De cette façon, Johnson dit qu'elle crée une "image plus honnête" en dépeignant "non seulement ce que j'ai vu, mais aussi ce que je ressens à propos de ce que j'ai vu".

Notre exposition 2019 des œuvres de Johnson, intitulée "This Land", l'a surprise à la fin d'une série intitulée "Rosy Fingered Dawn" et au début de "Woodland". Dans la première, Johnson a dépeint des parcs nationaux en état de crise, menacés par l'usage et l'abus que nous faisons de ces paysages. Pour se reposer de l'ampleur de cette calamité, elle est allée camper dans une région boisée de sa province natale, le Manitoba. Mme Johnson est retournée à son studio avec l'intention de créer des œuvres qui soient plus célébratives et plus apaisantes. Notre exposition de 2019 a été le premier lancement public de cette nouvelle œuvre, intitulée "Woodland". Sarah Anne Johnson a poursuivi dans cette voie pendant la pandémie, désireuse d'offrir au public un répit dans le chaos de la pandémie.

Dans "Woodland", Sarah Anne Johnson interroge la véracité de l'image à travers ses représentations de la nature dans les forêts du Manitoba, près de Winnipeg. S'inspirant de la connaissance et de la compréhension autochtones de la terre, de la qualité sacrée des arbres et de la recherche scientifique moderne qui considère les plantes comme des créatures sociales capables de communiquer entre elles, les interventions mixtes de Johnson amplifient les qualités sublimes et métaphysiques du monde naturel. Grâce à des interventions de peinture à l'huile, d'autocollants holographiques et de colorants sur la surface d'impressions pigmentaires, Johnson va au-delà de ce que l'on voit dans la nature pour dépeindre ce que ressentent les humains, les plantes et les créatures sylvestres. Johnson réoriente ainsi efficacement les perceptions et les représentations traditionnellement anthropocentriques du paysage et de la nature en utilisant abondamment des formes géométriques et des couleurs prismatiques.

La Stephen Bulger Gallery è lieta di presentare "Woodland", la nostra sesta mostra personale dell'artista canadese Sarah Anne Johnson.

Frustrata dal fatto che le sue fotografie sembravano in grado di registrare solo ciò che si trovava davanti alla macchina fotografica, negli ultimi vent'anni Johnson ha ideato diverse metodologie per utilizzare le sue fotografie come punto di partenza. Manipolando la superficie della fotografia, Johnson ne crea una che comunica meglio le sue impressioni allo spettatore. In questo modo, Johnson afferma di creare un'"immagine più onesta", raffigurando "non solo ciò che ho visto, ma anche come mi sento riguardo a ciò che ho visto".

La nostra mostra del 2019 di Johnson, intitolata "This Land", l'ha colta alla fine di una serie intitolata "Rosy Fingered Dawn" e all'inizio di "Woodland". Nella prima, Johnson ha ritratto i parchi nazionali in uno stato di crisi, minacciati dall'uso e dall'abuso che ne facciamo. Mentre si prendeva una pausa dalla portata di quella calamità, andò in campeggio in un'area boschiva nel suo paese natale, Manitoba. Johnson è tornata nel suo studio con l'intenzione di realizzare un lavoro più celebrativo e rasserenante. La nostra mostra del 2019 è stata il primo lancio pubblico di questo nuovo lavoro, intitolato "Woodland". Johnson ha continuato su questa strada durante la pandemia, desiderosa di offrire al pubblico una tregua dal caos della pandemia.

In "Woodland", Sarah Anne Johnson interroga la veridicità dell'immagine attraverso le sue rappresentazioni della natura nelle foreste di Manitoba, vicino a Winnipeg. Informati dalla conoscenza e dalla comprensione indigena della terra, dalla qualità sacra degli alberi e dalla moderna ricerca scientifica che intende le piante come creature sociali in grado di comunicare tra loro, gli interventi a tecnica mista di Johnson amplificano le qualità sublimi e metafisiche del mondo naturale. Attraverso interventi di pittura a olio, adesivi olografici e coloranti sulla superficie delle stampe a pigmenti, Johnson va oltre ciò che si vede in natura per raffigurare ciò che viene percepito dagli esseri umani, dalle piante e dalle creature del bosco. In questo modo, Johnson riorienta efficacemente le percezioni e le rappresentazioni tradizionalmente antropocentriche del paesaggio e della natura con un ampio uso di forme geometriche e colori prismatici.

The Stephen Bulger Gallery is pleased to present “Woodland,” our sixth solo exhibition of work by Canadian artist Sarah Anne Johnson.

Frustrated with how her photographs seemed only capable of recording what was in front of the camera, over the last twenty years, Johnson has devised different methodologies to use her photographs as a point of departure. By manipulating the photograph’s surface, Johnson creates one that better communicates her impressions to the viewer. In this way, Johnson says she creates a more “honest image” by depicting “not just what I saw, but how I feel about what I saw.”

Our 2019 exhibition of Johnson’s work entitled “This Land” caught her at the tail end of a series entitled “Rosy Fingered Dawn” and the start of “Woodland.” In the former, Johnson depicted national parks in a state of crisis, threatened by our use and abuse of those landscapes. While taking a breather from the magnitude of that calamity, she went camping in a wooded area in her native Manitoba. Johnson returned to her studio intent on making work that was more celebratory and calming. Our 2019 exhibition was the first public launch of this new work, entitled “Woodland.” Johnson continued down this path during the pandemic, keen to offer audiences a respite from the chaos of the pandemic.

In “Woodland,” Sarah Anne Johnson interrogates the truthfulness of the image through her depictions of nature in the forests of Manitoba, near Winnipeg. Informed by Indigenous knowledge and understanding of the land, the sacred quality of trees, and modern scientific research that understands plants as social creatures able to communicate with each other, Johnson’s mixed-media interventions amplify the sublime and metaphysical qualities of the natural world. Through interventions of oil paint, holographic stickers, and dyes on the surface of pigment prints, Johnson reaches beyond what is seen in nature to depict what is felt by humans, plants, and woodland creatures. Herein, Johnson effectively reorients traditionally anthropocentric perceptions and representations of landscape and nature with ample use of geometric shapes and prismatic colour.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
4. März - 22. April 2023

Parry Sound 33
Joseph Hartman

"Parry Sound 33" ist eine Serie von Landschaftsfotografien und Aquarellen, die die Folgen des Waldbrandes Parry Sound 33 dokumentieren, der am 18. Juli 2018 in der Henvey Inlet First Nation im Norden Ontarios begann. Bautrupps, die an einem Windpark arbeiteten, lösten ein Feuer aus, das schließlich eine Fläche von 11.362 Hektar entlang der Küste der Georgian Bay verbrannte. Es dauerte drei Monate, bis das Feuer offiziell gelöscht war. Es war so stark, dass die vom Wind getragene Glut über das offene Wasser des Key River hinweg auf zahlreiche Inseln übergriff und mehrere Hütten und Häuser in Brand setzte. Eine Untersuchung des Ministeriums für Naturressourcen und Forstwirtschaft ergab, dass das Feuer durch ein liegengebliebenes Fahrzeug ausgelöst wurde, das von Bauarbeitern des Henvey Inlet Windprojekts gesteuert wurde. Die Baufirma, die mit der Installation der Windräder beauftragt war, wurde durch extreme Feuerverbote dazu gedrängt, die Arbeiten fortzusetzen, obwohl die Bauarbeiter bereits viele kleine Brände gelegt hatten, weil der Regierungsvertrag eine strenge Frist für die Fertigstellung vorsah. Die Umstände des Waldbrandes sind komplex, und die Untersuchung ergab letztlich keine Schuldzuweisung, und es wurde keine Anklage erhoben.

Die nordöstliche Küste der Georgian Bay ist eine Landschaft, die Hartman sehr gut kennt. Seit seiner Kindheit verbringt er seine Sommer an der Bucht, und während seines Studiums arbeitete er bei der kanadischen Küstenwache, die einen 150 Kilometer langen Küstenabschnitt von Parry Sound bis Killarney patrouillierte. Hartman beobachtete das Feuer im Sommer 2018 aus der Ferne, weil der Zugang zu dem Gebiet gesperrt war. Im darauffolgenden Sommer kehrte er zurück und fotografierte die Folgen mit einer Drohne, um zusammengesetzte Luftaufnahmen zu erstellen, die zur Produktion von großformatigen immersiven Drucken führten. Hartman erkannte schnell das Potenzial für ein Projekt, indem er die karge, aber bildhauerisch schöne Landschaft dokumentierte. Seine Fotografien dieser exponierten und verletzlichen Landschaft sind eine Untersuchung darüber, wie die Landschaft, das Ökosystem und die Gemeinschaft durch den Brand beeinträchtigt wurden. Durch seine Erkundung des Gebiets stellt Hartman die Frage: "Wie können wir Projekte für erneuerbare Energien auf verantwortungsvolle Weise vorantreiben, ohne die Umwelt zu gefährden, die wir zu schützen versuchen?" In "Parry Sound 33" zeigt Hartman auf, wie schnell der Mensch eine Landschaft verändern kann, vor allem eine, die so empfindlich ist.

Der Klimawandel führt dazu, dass die Zahl und Schwere der Waldbrände weltweit zunimmt. Der Waldbrand Parry Sound 33 ist von globalem Interesse, da er sich in einem Gebiet ereignete, in dem es viel Torf gibt. Torf steht heute im Kampf gegen die globale Erwärmung im Mittelpunkt des wissenschaftlichen Interesses, da in ihm viel Kohlenstoff gespeichert ist. Obwohl sie nur 3 % der weltweiten Landfläche einnehmen, enthalten Torfgebiete etwa 25 % des globalen Bodenkohlenstoffs, doppelt so viel wie die Wälder der Welt. Etwa ein Viertel der weltweiten Torfgebiete liegt innerhalb der Grenzen Kanadas und speichert mehr Kohlenstoff als der Amazonas-Regenwald.

Joseph Hartmans Arbeiten wurden in privaten und öffentlichen Galerien in ganz Kanada ausgestellt und seine Fotografien befinden sich in privaten und Firmensammlungen in ganz Nordamerika.

"Parry Sound 33" est une série de photographies de paysages et d'aquarelles documentant les conséquences de l'incendie de forêt Parry Sound 33 qui a débuté le 18 juillet 2018 sur la Première Nation Henvey Inlet, dans le nord de l'Ontario. Des équipes de construction travaillant sur un parc éolien ont déclenché un incendie qui a finalement brûlé un total de 11 362 hectares le long des rives de la baie Georgienne. Il a fallu trois mois pour éteindre officiellement l'incendie qui était si intense que les braises transportées par le vent ont traversé des eaux libres enjambant la rivière Key, atteignant de nombreuses îles et brûlant plusieurs chalets et maisons. Une enquête menée par le ministère des Ressources naturelles et des Forêts a conclu que l'incendie avait été déclenché par un véhicule en panne utilisé par des équipes de construction travaillant sur le projet éolien de Henvey Inlet. L'entreprise de construction engagée pour achever l'installation des éoliennes a été pressée de poursuivre les travaux malgré des interdictions de feu extrêmes, et ce malgré les nombreux petits feux déjà allumés par les équipes en raison du délai d'achèvement strict imposé par le contrat gouvernemental. Les circonstances entourant l'incendie de forêt sont complexes et, en fin de compte, l'enquête n'a pas permis d'attribuer un blâme, et aucune accusation n'a été portée.

Le littoral nord-est de la baie Georgienne est un paysage que M. Hartman connaît intimement. Il passe ses étés sur la baie depuis qu'il est enfant, et lorsqu'il était à l'université, il a travaillé avec la Garde côtière canadienne pour patrouiller une section de 150 kilomètres de la côte qui s'étend de Parry Sound à Killarney. Hartman a regardé de loin le feu brûler à l'été 2018, car l'accès à la zone était bloqué. Il y est retourné l'été suivant et a photographié les séquelles à l'aide d'un drone pour réaliser des vues aériennes composites qui ont conduit à la production d'impressions immersives à grande échelle. Hartman a rapidement commencé à voir le potentiel d'un projet tout en documentant le paysage stérile mais d'une beauté sculpturale. Ses photographies de ce paysage exposé et vulnérable sont une enquête sur la façon dont le paysage, l'écosystème et la communauté ont été affectés par l'incendie. À travers son exploration de la région, Hartman se demande "comment faire avancer les projets d'énergie renouvelable d'une manière responsable qui ne mette pas en danger l'environnement que nous essayons de protéger". Dans "Parry Sound 33", Hartman expose comment les humains peuvent rapidement modifier un paysage, surtout s'il est si fragile.

Le changement climatique augmente le nombre et la gravité des feux de forêt dans le monde entier. L'incendie de forêt de Parry Sound 33 présente un intérêt mondial car il s'est produit dans une région où la tourbe est abondante. La tourbe est désormais sous les feux de la rampe scientifique dans la lutte contre le réchauffement climatique en raison de la quantité de carbone stockée dans sa masse. Bien qu'elles n'occupent que 3 % de la surface terrestre mondiale, les tourbières contiennent environ 25 % du carbone du sol, soit deux fois plus que les forêts du monde. Environ un quart des tourbières du monde se trouvent à l'intérieur des frontières du Canada, stockant plus de carbone que la forêt amazonienne.

Les œuvres de Joseph Hartman ont été exposées dans des galeries privées et publiques à travers le Canada et ses photographies font partie de collections privées et d'entreprises en Amérique du Nord.

"Parry Sound 33" è una serie di fotografie di paesaggi e dipinti ad acquerello che documentano le conseguenze dell'incendio boschivo di Parry Sound 33, scoppiato il 18 luglio 2018 nella Henvey Inlet First Nation nell'Ontario settentrionale. Le squadre di costruzione che lavoravano a un parco eolico hanno innescato un incendio che alla fine ha bruciato un totale di 11.362 ettari lungo le coste della Georgian Bay. Ci sono voluti tre mesi per spegnere ufficialmente l'incendio, che è stato così intenso che le braci trasportate dal vento hanno attraversato le acque aperte del fiume Key, raggiungendo molte isole e bruciando diversi cottage e abitazioni. Un'indagine del Ministero delle Risorse Naturali e Forestali ha concluso che l'incendio è stato appiccato da un veicolo in panne che era stato utilizzato dalle squadre di costruzione che lavoravano al progetto eolico di Henvey Inlet. L'impresa di costruzioni ingaggiata per completare l'installazione dei mulini a vento è stata costretta a proseguire i lavori con un'estrema interdizione al fuoco, nonostante i numerosi piccoli incendi già appiccati dalle squadre a causa delle rigide scadenze di completamento imposte dal contratto governativo. Le circostanze dell'incendio boschivo sono complesse e, alla fine, le indagini non hanno attribuito colpe e non sono state formulate accuse.

La costa nordorientale della Georgian Bay è un paesaggio che Hartman conosce a fondo. Ha trascorso le sue estati sulla baia fin da bambino e, mentre era all'università, ha lavorato con la Guardia Costiera canadese pattugliando un tratto di 150 chilometri di costa che si estende da Parry Sound a Killarney. Hartman ha osservato da lontano l'incendio divampato nell'estate del 2018 perché l'accesso all'area era bloccato. È tornato l'estate successiva e ha fotografato le conseguenze dell'incendio utilizzando un drone per realizzare viste aeree composite che hanno portato alla produzione di stampe immersive su larga scala. Hartman ha iniziato subito a vedere il potenziale per un progetto, documentando il paesaggio arido ma scultoreamente bello. Le sue fotografie di questo paesaggio esposto e vulnerabile sono un'indagine su come il paesaggio, l'ecosistema e la comunità siano stati colpiti dall'incendio. Attraverso l'esplorazione dell'area, Hartman si chiede: "Come possiamo portare avanti progetti di energia rinnovabile in modo responsabile che non mettano a rischio l'ambiente che stiamo cercando di proteggere?". In "Parry Sound 33", Hartman espone come l'uomo possa cambiare rapidamente un paesaggio, specialmente uno così fragile.

I cambiamenti climatici stanno aumentando il numero e la gravità degli incendi boschivi in tutto il mondo. L'incendio della foresta di Parry Sound 33 è di interesse mondiale perché si è verificato in un'area ricca di torba. La torba è ora sotto i riflettori della scienza nella lotta contro il riscaldamento globale per la quantità di carbonio immagazzinata nella sua massa. Sebbene occupino solo il 3% della superficie terrestre mondiale, le torbiere contengono circa il 25% del carbonio del suolo globale, il doppio delle foreste del mondo. Circa un quarto delle torbiere del mondo si trova all'interno dei confini canadesi e immagazzina più carbonio della Foresta Amazzonica.

Il lavoro di Joseph Hartman è stato esposto in gallerie pubbliche e private in tutto il Canada e le sue fotografie sono presenti in collezioni private e aziendali in tutto il Nord America.

“Parry Sound 33” is a series of landscape photographs and watercolour paintings documenting the aftermath of the Parry Sound 33 forest fire which began on July 18, 2018, on the Henvey Inlet First Nation in Northern Ontario. Construction crews working on a wind farm sparked a fire that eventually burned a total of 11,362 hectares along the shores of Georgian Bay. It took three months to officially extinguish the fire that was so intense that embers carried by the wind crossed open water spanning the Key River, reaching many islands, and burning several cottages and homes. An investigation by the Ministry of Natural Resources and Forestry concluded that the fire was started by a disabled vehicle that had been operated by construction crews working on the Henvey Inlet Wind Project. The construction company hired to complete the installation of the windmills was pressured to continue work through extreme fire bans despite the many small fires that had already been started by crews due to the strict completion deadline imposed by the government contract. Circumstances surrounding the forest fire are complex and ultimately, its investigation did not assign blame, and no charges were laid.

The Northeastern shoreline of Georgian Bay is a landscape that Hartman knows intimately. He has spent his summers on the Bay since he was a child, and while at university he worked with the Canadian Coast Guard patrolling a 150-kilometre section of the coastline that extends from Parry Sound to Killarney. Hartman watched from afar as the fire burned in the summer of 2018 because access to the area was blocked. He returned the following summer and photographed the aftermath using a drone to make composite aerial views which led to the production of large-scale immersive prints. Hartman quickly began to see the potential for a project while documenting the barren but sculpturally beautiful landscape. His photographs of this exposed and vulnerable landscape are an investigation into how the landscape, ecosystem and community have been affected by the fire. Through his exploration of the area, Hartman asks, “how do we move forward with renewable energy projects in a responsible way that doesn’t jeopardize the environment we are trying to protect?” In “Parry Sound 33”, Hartman exposes how humans can rapidly change a landscape, especially one that is so fragile.

Climate change is increasing the number and severity of forest fires worldwide. The Parry Sound 33 forest fire is of global interest as it occurred in an area with an abundance of peat. Peat is now in the scientific spotlight in the fight against global warming because of how much carbon is stored in its bulk. Although they occupy only 3% of the global land area, peatlands contain about 25% of global soil carbon—twice as much as the world’s forests. About a quarter of the world’s peatlands exist within Canada’s borders, storing more carbon than the Amazon Rainforest.

Joseph Hartman’s work has been exhibited in private and public galleries across Canada and his photographs are in private and corporate collections across North America.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
14. Januar - 25. Februar 2023

First and Last
John Max

Die Stephen Bulger Gallery freut sich, John Max "First and Last" mit zwei Ausstellungen von fotografischen Arbeiten des kanadischen Künstlers John Max (John Porchawka) (geb. 1936 in Montréal, Québec; gest. 2011 in Montréal, Québec) zu präsentieren: "John Max Shouts: Enough, No More, I Want" und "Strike up the Band!".

John Max wurde als Sohn ukrainischstämmiger Eltern geboren, die in den 1920er Jahren nach Kanada kamen. Er studierte Malerei bei Arthur Lismer und Musik am McGill Conservatory of Music, bevor er in den späten 1950er Jahren durch Lutz Dille die Fotografie entdeckte. Dille, dessen Werk stark von Europäern wie Cartier-Bresson, André Kertész und Robert Doisneau beeinflusst war, stellte die Subjektivität des Fotografen in den Vordergrund. Max entdeckte in dieser Herangehensweise etwas, das mit seiner eigenen Vision des menschlichen Daseins übereinstimmte. Von diesem Zeitpunkt an widmete er sich der Fotografie. Als Autodidakt vervollständigte Max seine Ausbildung bei Guy Borremans und Nathan Lyons.

In den 1960er Jahren arbeitete Max an Aufträgen für verschiedene Zeitschriften und für die Still Photography Division des National Film Board (NFB) of Canada. In diesem äußerst produktiven Jahrzehnt fand seine Arbeit weite Verbreitung, insbesondere in den zahlreichen Ausstellungen und Publikationen der Abteilung. Max produzierte auch Fotos für den christlichen Pavillon auf der Expo 67. Er vertrat Kanada 1967 auf der Fünften Biennale in Paris und nahm an der Ausstellung "Four Montreal Photographers" teil, die 1968 von der National Gallery organisiert und verbreitet wurde. Eine Ausstellung von 57 Fotografien mit dem Titel "And the Sun it Shone White All Night Long" (Und die Sonne schien die ganze Nacht hindurch weiß) tourte 1969 durch Europa, gesponsert von den Cultural Services of External Affairs Canada. Max' fotografische Vision erreichte ihre Reife mit der Ausstellung "Open Passport - Passeport Infini" (eine Folge von 161 Schwarz-Weiß-Fotografien aus Max' Archiven, von denen einige bereits aus dem Jahr 1960 stammten), die von der Still Photography Division der NFB organisiert und 1972 in der Photo Gallery in Ottawa gezeigt wurde. Die Ausstellung wurde bis 1976 an verschiedenen Orten in Kanada gezeigt und Ende 1973 von der in Toronto ansässigen Zeitschrift IMPRESSIONS als Sonderausgabe Nr. 6 und 7 in Form eines Fotobuchs gedruckt.

Nach dem großen Erfolg von "Open Passport" wurde John Max 1974 in die Royal Canadian Academy of Arts aufgenommen und erhielt ein Senior Arts Grant des Canada Council für eine Reise nach Japan. Max hatte schon lange sein Interesse an der Kultur und Spiritualität des Landes bekundet und blieb zwischen 1974 und 1979 in Japan, lange nachdem sein befristetes Visum abgelaufen war. Trotz seiner Beteuerungen und seines Wunsches zu bleiben, wurde er von den japanischen Behörden verhaftet, und Tausende von Filmrollen wurden eingelagert. Die Lagerbedingungen machten viele davon unbrauchbar, aber er brachte den Rest schließlich mit, als er nach Kanada zurückkehrte. Max kehrte in ein Montréal zurück, das sich radikal verändert hatte. In den dazwischen liegenden Jahren ließen seine Gesundheit und seine Kreativität nach. Obwohl er nach wie vor einen wichtigen Einfluss auf viele ausübte, stand er nicht mehr an der Spitze der kreativen Szene in Québec und geriet zunehmend in Vergessenheit. 1997 präsentierte die Stephen Bulger Gallery die Ausstellung "Swallowing a Diamond", für die Max eine ortsspezifische Installation von Arbeiten aus früheren Serien entwarf.

John Max' Ausstellungen bestehen aus Bildsequenzen, die in ihrer Gesamtheit eine dynamische und provokative Präsentation ergeben, die die formalen und erzählerischen Elemente der einzelnen Fotografien zu einer ganzheitlichen Erfahrung verbindet. Diese Ausstellung präsentiert seine erste Einzelausstellung einer Sequenz: "John Max Shouts: Enough, No More, I Want" (1960); und seine 1986 entstandene Sequenz "Strike up the Band!" (1986).

La galerie Stephen Bulger a le plaisir de présenter John Max "First and Last", deux expositions d'œuvres photographiques de l'artiste canadien John Max (John Porchawka) (né à Montréal, Québec, 1936 ; mort à Montréal, Québec, 2011) : "John Max crie : Enough, No More, I Want" et "Strike up the Band !".

John Max est né de parents d'origine ukrainienne qui sont arrivés au Canada dans les années 1920. Il a étudié la peinture avec Arthur Lismer et la musique au conservatoire de McGill avant de découvrir la photographie à la fin des années 1950 grâce à Lutz Dille, dont le travail, fortement influencé par des Européens comme Cartier-Bresson, André Kertész et Robert Doisneau, mettait en avant la subjectivité du photographe. Max découvre dans cette approche quelque chose qui correspond à sa propre vision de la condition humaine. Dès lors, il se consacre à la photographie. Autodidacte, Max complète ensuite sa formation avec Guy Borremans et Nathan Lyons.

Tout au long des années 1960, Max travaille pour divers magazines et pour la Division de la photographie de l'Office national du film (ONF) du Canada. Durant cette décennie immensément productive, son travail est largement diffusé, notamment dans les nombreuses expositions et publications de la Division. Max a également réalisé des photographies pour le pavillon chrétien de l'Expo 67. Il représente le Canada à la Cinquième Biennale de Paris en 1967, et participe à l'exposition " Quatre photographes de Montréal ", organisée et diffusée par la Galerie nationale en 1968. Une exposition de 57 photographies intitulée "And the Sun it Shone White All Night Long" a fait le tour de l'Europe en 1969, parrainée par les Services culturels d'Affaires extérieures Canada. La vision photographique de Max atteint sa maturité avec l'exposition " Open Passport - Passeport Infini " (une séquence de 161 photographies en noir et blanc tirées des archives de Max, certaines datant de 1960), organisée par la Division de la photographie de l'ONF et présentée à la Galerie de photos d'Ottawa en 1972. Elle a voyagé dans de nombreux endroits au Canada jusqu'en 1976 et a été imprimée sous forme de livre de photos par le magazine IMPRESSIONS de Toronto dans ses numéros spéciaux 6 et 7 à la fin de 1973.

À la suite du succès critique de " Open Passport ", John Max a été intronisé à l'Académie royale des arts du Canada en 1974, et a reçu une subvention pour les arts de l'âge d'or du Conseil des Arts du Canada pour voyager au Japon. Max avait depuis longtemps manifesté son intérêt pour la culture et la spiritualité du pays, et il est resté au Japon entre 1974 et 1979, bien après l'expiration de son visa temporaire. Malgré ses protestations et son désir de rester, il a été arrêté par les autorités japonaises, et des milliers de rouleaux de films ont été entreposés. Ces conditions de stockage ont rendu beaucoup d'entre elles inutilisables, mais il a fini par rapporter le reste lorsqu'il est rentré au Canada. Max revient dans un Montréal qui a radicalement changé. Au cours des années qui suivent, sa santé et sa créativité déclinent. Bien qu'il soit resté une influence clé pour beaucoup, il n'était plus à l'avant-garde de la scène créative au Québec et devenait de plus en plus obscur. En 1997, la Stephen Bulger Gallery a présenté l'exposition " Swallowing a Diamond ", pour laquelle Max a conçu une installation spécifique au site, composée d'œuvres des séries précédentes.

Les expositions de John Max comprennent des séquences d'images qui, lorsqu'elles sont vues ensemble, créent une présentation dynamique et provocante qui combine les éléments formels et narratifs des photographies individuelles en une expérience plus holistique. Cette exposition présente sa première exposition solo d'une séquence : "John Max Shouts : Enough, No More, I Want" (1960) et sa séquence de 1986 "Strike up the Band ! (1986).

La Stephen Bulger Gallery è lieta di presentare John Max "First and Last", due mostre di opere fotografiche dell'artista canadese John Max (John Porchawka) (nato a Montréal, Québec, 1936; morto a Montréal, Québec, 2011): "John Max Shouts: Enough, No More, I Want" e "Strike up the Band!".

John Max è nato da genitori di origine ucraina arrivati in Canada negli anni Venti. Ha studiato pittura con Arthur Lismer e musica al McGill Conservatory of Music prima di scoprire la fotografia alla fine degli anni Cinquanta grazie a Lutz Dille, il cui lavoro, fortemente influenzato da europei come Cartier-Bresson, André Kertész e Robert Doisneau, ha portato in primo piano la soggettività del fotografo. Max scoprì in questo approccio qualcosa che corrispondeva alla sua visione della condizione umana. Da quel momento in poi si dedicò alla fotografia. Da autodidatta, Max ha poi completato la sua formazione con Guy Borremans e Nathan Lyons.

Per tutti gli anni Sessanta, Max ha lavorato per diverse riviste e per la Still Photography Division del National Film Board (NFB) del Canada. Durante questo decennio immensamente produttivo, il suo lavoro è stato ampiamente diffuso, in particolare nelle numerose mostre e pubblicazioni della Divisione. Max ha anche realizzato fotografie per il Padiglione cristiano dell'Expo 67. Ha rappresentato il Canada alla Quinta Biennale del Canada. Rappresentò il Canada alla Quinta Biennale di Parigi nel 1967 e partecipò a "Four Montreal Photographers", una mostra organizzata e diffusa dalla National Gallery nel 1968. Una mostra di 57 fotografie intitolata "And the Sun it Shone White All Night Long" ha fatto il giro dell'Europa nel 1969, sponsorizzata dai Servizi Culturali degli Affari Esteri del Canada. La visione fotografica di Max raggiunse la sua maturità con la mostra "Open Passport - Passeport Infini" (una sequenza di 161 fotografie in bianco e nero tratte dagli archivi di Max, alcune risalenti al 1960), organizzata dalla NFB's Still Photography Division ed esposta alla Photo Gallery di Ottawa nel 1972. L'opera ha viaggiato in diverse sedi in Canada fino al 1976 ed è stata stampata come libro fotografico dalla rivista IMPRESSIONS di Toronto come numero speciale n. 6 e 7 alla fine del 1973.

In seguito al successo di critica di "Open Passport", John Max è stato inserito nella Royal Canadian Academy of Arts nel 1974 e ha ricevuto una Senior Arts Grant dal Canada Council per viaggiare in Giappone. Max aveva da tempo professato il suo interesse per la cultura e la spiritualità del Paese e rimase in Giappone tra il 1974 e il 1979, ben oltre la scadenza del suo visto temporaneo. Nonostante le sue proteste e il suo desiderio di rimanere, fu arrestato dalle autorità giapponesi e migliaia di rullini furono messi in magazzino. Le condizioni di stoccaggio ne resero molti inutilizzabili, ma alla fine portò con sé i rimanenti quando tornò in Canada. Max tornò in una Montréal che era cambiata radicalmente. Negli anni successivi la sua salute e la sua creatività diminuirono. Pur continuando a esercitare un'influenza fondamentale su molti, non era più in prima linea sulla scena creativa del Québec e divenne sempre più oscuro. Nel 1997 la Stephen Bulger Gallery ha presentato "Swallowing a Diamond", per la quale Max ha progettato un'installazione site-specific di opere della serie precedente.

Le mostre di John Max comprendono sequenze di immagini che, se viste insieme, creano una presentazione dinamica e provocatoria che combina gli elementi formali e narrativi delle singole fotografie in un'esperienza più olistica. Questa mostra presenta la sua prima personale di una sequenza: "John Max Shouts: Enough, No More, I Want" (1960); e la sequenza del 1986 "Strike up the Band!" (1986). (1986).

Stephen Bulger Gallery is pleased to present John Max “First and Last” featuring two exhibitions of photographic work by Canadian artist John Max (John Porchawka) (b. Montréal, Québec, 1936; d. Montréal, Québec, 2011): “John Max Shouts: Enough, No More, I Want”and “Strike up the Band!.”

John Max was born to parents of Ukrainian origin who arrived in Canada in the 1920s. He studied painting with Arthur Lismer and music at the McGill Conservatory of Music before discovering photography in the late 1950s through Lutz Dille, whose work, strongly influenced by Europeans such as Cartier-Bresson, André Kertész, and Robert Doisneau, brought the subjectivity of the photographer to the fore. Max discovered in this approach something that corresponded with his own vision of the human condition. From that point on, he devoted himself to photography. While self-taught, Max then completed his training with Guy Borremans and Nathan Lyons.

Throughout the 1960s, Max worked on assignments for various magazines and for the Still Photography Division of the National Film Board (NFB) of Canada. During this immensely productive decade, his work was widely disseminated, particularly in the many exhibitions and publications of the Division. Max also produced photographs for the Christian Pavilion at Expo 67. He represented Canada at the Fifth Biennial in Paris in 1967, and took part in “Four Montreal Photographers,” an exhibition organized and circulated by the National Gallery in 1968. An exhibition of 57 photographs entitled “And the Sun it Shone White All Night Long” toured Europe in 1969, sponsored by the Cultural Services of External Affairs Canada. Max's photographic vision reached its maturity with the “Open Passport - Passeport Infini” exhibition (a sequence of 161 black and white photographs culled from Max's archives, some dating as early as 1960), organized by the NFB's Still Photography Division and shown at The Photo Gallery in Ottawa in 1972. It traveled to multiple venues in Canada until 1976 and was printed as a photobook by the Toronto-based magazine IMPRESSIONS as its special issue No. 6 and 7 in late 1973.

Following the critical success of “Open Passport,” John Max was inducted into the Royal Canadian Academy of Arts in 1974, and received a Senior Arts Grant from the Canada Council to travel to Japan. Max had long professed his interest in the country's culture and spirituality, and he remained in Japan between 1974 and 1979, long after his temporary visa expired. Despite his protestations and desire to remain, he was arrested by the Japanese authorities, and thousands of rolls of film put into storage. Those storage conditions rendered many unusable, but he eventually brought the remainder when he returned to Canada. Max returned to a Montréal that had changed radically. Over the intervening years his health and creativity declined. Although he remained a key influence on many, he was no longer at the forefront of the creative scene in Québec and became increasingly obscure. In 1997 the Stephen Bulger Gallery presented “Swallowing a Diamond,” for which Max designed a site-specific installation of work from previous series.

John Max’s exhibitions comprised sequences of images that, when seen together, create a dynamic and provocative presentation that combines the formal and narrative elements of individual photographs into a more holistic experience. This exhibition presents his first solo exhibition of a sequence: “John Max Shouts: Enough, No More, I Want” (1960); and his 1986 sequence “Strike up the Band!” (1986).

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
29. Oktober - 17. Dezember 2022

Urban Times
Adam Magyar

Adam Magyar ist fasziniert von Hightech-Städten und urbanem Leben. Er zeigt die Synergien des städtischen Lebens und begreift die Stadt als Heimat von Menschen und Technologie. Mit jeder seiner Serien beobachtet er den Fluss der Zeit, untersucht die Vergänglichkeit des Lebens und den dem Menschen innewohnenden Drang, eine Spur zu hinterlassen. Magyar ist sehr daran interessiert, zeitgenössische Geräte wie industrielle Kameras mit maschinellem Sehvermögen zu übernehmen und neu zu erfinden, um seinen einzigartigen Blick auf die menschliche Erfahrung zu entwickeln. Magyar erklärt: "Ich untersuche unsere Beziehung zu vergangenen, zukünftigen und gegenwärtigen Momenten und reflektiere die Art und Weise, wie wir Zeit nutzen und missbrauchen."

Unsere Ausstellung zeigt Werke aus vier Serien: "Urban Flow", "Stainless", "Squares" und "Matter". Magyar ist fasziniert vom Leben in der Stadt und von der Tatsache, dass dort eine riesige Zahl von Menschen auf engstem Raum zusammenlebt, die dennoch ihre Individualität bewahren. Er beobachtet, wie die Menschen oft von der Gegenwart losgelöst sind, während sie auf Züge warten, zur Arbeit gehen oder andere unbedachte Momente wahrnehmen. "Diese Teile unseres Lebens fallen einfach aus unserem Alltag heraus", sagte Magyar in einem Interview mit Stephen Bulger. "Ich möchte, dass die Menschen denken und fühlen, dass das Leben stattfindet, denn wir neigen dazu, es aus den Augen zu verlieren."

Adam Magyar est captivé par les villes high-tech et la vie urbaine. Il dépeint les synergies de la vie urbaine tout en considérant qu'elle abrite à la fois les gens et la technologie. Dans chacune de ses séries, il observe le flux du temps, scrutant le caractère éphémère de la vie et le besoin inhérent des humains de laisser une trace derrière eux. Magyar s'attache à adopter et à réinventer des dispositifs contemporains, tels que des caméras industrielles à vision artificielle, afin de produire sa vision unique de l'expérience humaine. Magyar a déclaré : "J'étudie notre relation aux moments passés, futurs et présents, en réfléchissant à la manière dont nous utilisons et abusons du temps."

Notre exposition présentera des œuvres issues de quatre séries : "Urban Flow", "Stainless", "Squares" et "Matter". Magyar est fasciné par la vie urbaine et la façon dont elle contient une immense population d'individus vivant à quelques centimètres les uns des autres, tout en conservant leur individualité. Il observe comment les gens sont souvent détachés du présent lorsqu'ils sont engagés dans leurs mouvements quotidiens, qu'il s'agisse d'attendre le train ou de se rendre à pied au travail, entre autres moments inconsidérés. "Ces parties de notre vie disparaissent tout simplement de nos journées", a déclaré Magyar lors d'une interview avec Stephen Bulger. "Je voudrais que les gens pensent et ressentent que la vie est en train de se dérouler, car nous avons tendance à la perdre de vue."

Adam Magyar è affascinato dalle città high-tech e dalla vita urbana. Ritrae le sinergie della vita in città, abbracciandola come casa di persone e tecnologia. Con ciascuna delle sue serie, osserva il flusso del tempo, scrutando la transitorietà della vita e l'impulso intrinseco degli esseri umani a lasciare una traccia dietro di sé. Magyar è propenso ad adottare e reinventare dispositivi contemporanei come le macchine fotografiche industriali per produrre la sua visione unica dell'esperienza umana. Magyar ha dichiarato: "Studio il nostro rapporto con i momenti passati, futuri e presenti, riflettendo sul modo in cui usiamo e abusiamo del tempo".

La nostra mostra presenterà opere di quattro serie: "Urban Flow", "Stainless", "Squares" e "Matter". Magyar è affascinato dalla vita urbana e da come essa contenga un'immensa popolazione di individui che vivono a pochi centimetri l'uno dall'altro, pur mantenendo la propria individualità. Osserva come le persone siano spesso distaccate dal presente mentre sono impegnate nei loro movimenti quotidiani, come aspettare il treno o andare al lavoro a piedi, tra gli altri momenti non considerati. "Queste parti della nostra vita sono semplicemente dimenticate dalle nostre giornate", ha dichiarato Magyar in un'intervista con Stephen Bulger. "Vorrei che la gente pensasse e sentisse che la vita sta accadendo, perché tendiamo a perderla di vista".

Adam Magyar is captivated by high-tech cities and urban life. He depicts the synergies of city life while embracing it as home to both people and technology. With each of his series, he observes the flow of time, scrutinizing the transience of life and humans’ inherent urge to leave some trace behind. Magyar is keen on adopting and reinventing contemporary devices like industrial machine-vision cameras in order to produce his unique view of the human experience. Magyar stated, “I study our relationship to past, future and present moments, reflecting upon the way we use and misuse time.”

Our exhibition will feature works from four series: “Urban Flow,” “Stainless,” “Squares,” and “Matter.” Magyar is fascinated by urban living, and how it contains an immense populace of individuals living within inches of each other, yet retaining their individuality. He observes how people are often detached from the present while engaged in their day-to-day movements of waiting for trains, or walking to work, among other unconsidered moments. “These parts of our lives just drop out from our days,” Magyar stated in an interview with Stephen Bulger. “I would like people to think and feel that life is happening, because we tend to lose sight of it.”

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
11. Januar - 8. Februar 2020

Seltsame Schönheit
Claudia Fährenkemper

Seit mehr als dreißig Jahren nutzt Fährenkemper die Fotografie, um die seltsame Schönheit menschlicher oder natürlicher Objekte zu erforschen, indem er sie in irgendeiner Weise von ihrer Umgebung isoliert. Von 1989 bis 1995 studierte sie bei Bernd und Hilla Becher an der renommierten Kunstakademie Düsseldorf und fertigt seitdem Serien in den Bereichen Landschaft, Maschinen, Fotomikroskopie und zuletzt formale Porträts von Harnischen des 15. bis 19. Jahrhunderts.

Diese Ausstellung bietet einen Überblick über ihre Praxis, die ihre Talente in vielen Genres zeigt. Mit ihrer zentralen These, die Realität mit Hilfe der Fotografie zu transformieren und fotografische Bilder zu erzeugen, die Phänomene visualisieren, um vergleichendes Sehen zu ermöglichen, lädt Fährenkemper den Betrachter ein, die von ihren Fotografien vermittelten Informationen mit der eigenen sichtbaren oder erinnerten Realität zu vergleichen.

Fährenkemper hat festgestellt: "In einer Zeit des schnellen Lebens ist für mich das ständige Eintauchen in ein Thema von Ruhe, Konzentration und Distanz unerlässlich. So entstehen auch die Bilder überwiegend in einem langsamen, analogen Prozess. In meinen Langzeit-Fotoserien hinterfrage ich die Objekte nach Form, Volumen und Dimension: von den Maschinengiganten der Braunkohletagebaue über den Mikrokosmos filigraner Insekten, Pflanzensamen etc. bis hin zu den jahrhundertealten Ritter- und Samurai-Rüstungen, die für historische Persönlichkeiten so aufwendig gefertigt wurden. Der Entstehungsprozess des Bildes ist immer geprägt von der Ambivalenz zwischen Schönheit und den übernatürlichen Formen der Strukturen. Für mich ist die Fotografie ein Medium einer tieferen Aneignung der Welt, das Fragen über unser Leben und Überleben aufwerfen kann".

Seit 1989 hat Claudia Fährenkemper in ganz Europa und Asien ausgiebig ausgestellt. Ihre Arbeiten wurden von Kunst- und Geschichtsmuseen gesammelt, darunter die ständigen Sammlungen der National Gallery of Canada, Ottawa; Portland Art Museum, Oregon; GoEun Museum of Photography, Busan, Korea; Sprengel-Museum, Hannover, Deutschland; und das Musée de L'Elysée, Lausanne, Schweiz.

For more than thirty years, Fährenkemper has used photography to explore the strange beauty of man-made or natural objects by isolating them in some way from their environment. She studied under Bernd and Hilla Becher at the prestigious Kunstakademie Düsseldorf from 1989 until 1995 and has since produced series in landscape, machinery, photomicroscopy, and most recently, formal portraits of 15th to 19th Century suits of armour.

This exhibition offers a survey of her practice that displays her talents in many genres. Illustrating her central thesis of using photography to transform reality and produce photographic images that visualize phenomena to enable comparative vision, Fährenkemper invites the observer to compare the information conveyed by her photographs with their own visible or remembered reality.

Fährenkemper has stated that “In a time of fast-paced life, continuous immersion in a subject of calm, concentration, and distance is essential for me. In this way, the images are also predominantly created in a slow, analogous process. In my long-term photographic series, I question objects in terms of form, volume and dimension: from the machine giants of the open-cast lignite mines to the microcosm of filigree insects, plant seeds etc., to the centuries-old knight and samurai armour that was so elaborately crafted for historical personalities. The process of creating the picture is always marked by the ambivalence between beauty and the supernatural forms of structures. For me, photography is a medium of a deeper appropriation of the world that can raise questions about our lives and survival.”

Since 1989, Claudia Fährenkemper has exhibited extensively throughout Europe and Asia. Her work has been collected by museums of art, as well as by museums of history, including the permanent collections of the National Gallery of Canada, Ottawa; Portland Art Museum, Oregon; GoEun Museum of Photography, Busan, Korea; Sprengel-Museum, Hannover, Germany; and the Musée de L'Elysée, Lausanne, Switzerland.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
4. Mai - 15. Juni 2019

This Land
Sarah Anne Johnson

In “This Land”, Johnson focuses on landscape scenes from a variety of places that depict natural beauty and wonder in a multitude of guises. Not limiting herself to a specific location or clear narrative, Johnson continues to bridge the gap between the psychology of place and the dividing line between what is real and what is felt – a quality that remains a theme in all of her projects.

Johnson’s concerns with the connection between photographic object and reality are playfully displayed through the use of a broad mix of unconventional materials, including craft supplies, that undermine the seriousness of these scenes, mock our traditional ideas of high and low art, and magnify the dark truths about our relationship with the environment. Relief elements such as cotton balls, artificial flowers, heavily applied epoxy, holographic tape, and spray paint, and the use of Photoshop, make us question our relationship to nature and photography.

Instead of trying to harmoniously fuse the real and ideal, Johnson plays with their parallel lives by forcing together contradictions – high and low, two and three dimensionality, sincerity and mockery – to provoke emotion, delight, and suspicion.

Johnson received her MFA from Yale University and a BFA from University of Manitoba. Her work is featured in numerous public collections including the Metropolitan Museum of Art, NY; the Guggenheim Museum, NY; Contemporary Museum of Art in Raleigh, NC; The Phillips Collection, Washington, DC; National Gallery of Canada, Ottawa; and the Art Gallery of Ontario, Toronto, each of which has extensive holdings of her work. She was prominently featured in the “Oh, Canada” show at Mass MOCA and she has recently received commissions from Louis Vuitton, the Winnipeg Art Gallery, and the Bank of Montreal.