Belvedere della Reggia di Monza
1. Mai – 27. Juli 2025
Una finestra punteggiata di gocce di pioggia
Saul Leiter
Advertisement for Miller Shoes, 1957 © Saul Leiter Foundation
Vertigo Syndrome präsentiert in Zusammenarbeit mit diChroma photography und unter der Kuratierung von Anne Morin im Belvedere der Reggia di Monza die erste große italienische Ausstellung, die Saul Leiter gewidmet ist. Die Ausstellung mit dem Titel „Saul Leiter. Ein Fenster mit Regentropfen“ umfasst 126 Schwarz-Weiß-Fotografien, 40 Farbfotografien, 42 Gemälde und seltenes Archivmaterial wie Originalzeitschriften und ein Filmdokument.
Die Ausstellung, die sowohl Vintage- als auch moderne Abzüge, frühe experimentelle Arbeiten und Modefotografien aus seiner Zusammenarbeit mit Harper's Bazaar umfasst, zeigt deutlich, was Saul Leiter von seinen Zeitgenossen unterscheidet und warum sein Werk die Fotografie bis heute beeinflusst.
NEW YORK IN EINER GESTE, EINEM DETAIL, FAST NICHTS
Während seine Zeitgenossen versuchten, die Größe und Modernität New Yorks einzufangen, schlug Leiter einen radikal anderen Weg ein. Er verwandelte alltägliche Momente in lyrische, intime Kompositionen und fand Poesie im Dampf, der aus Kanaldeckeln aufsteigt, in Regenschirmen im Regen und in den Reflexionen von Schaufenstern – ein märchenhafter Realismus, der sich aus Menschen, Gegenständen, Straßen, Regen, Schnee und Elementen zusammensetzt, die eher erahnt als beobachtet werden. Seine unverwechselbare Vision lehnte den populären Dokumentarstil seiner Zeit ab und schuf stattdessen etwas, das man als „fotografische Haikus“ bezeichnen könnte – intime Einblicke in das Leben, die Realität und Abstraktion miteinander verschmelzen.
„Leiter hatte Spaß an dem, was er sah. Er interessierte sich nicht für den hegemonialen Charakter New Yorks oder seine monströse Modernität“, erklärt die Kuratorin Anne Morin. ‚Er erfand optische Spiele, Verflechtungen von Formen und Ebenen, die verbergen und offenbaren, was in den Zwischenräumen, in der Nähe, an den unsichtbaren Rändern liegt.‘
WARUM DIESE AUSSTELLUNG BESONDERS IST
Im Gegensatz zu seinen Kollegen, die Wert auf Schärfe legten, begrüßte Leiter die Unschärfe und fotografierte durch beschlagene Fenster, Stoffe und bei Wetterbedingungen, die andere Fotografen mieden. Diese Elemente wurden zu einem integralen Bestandteil seines Kompositionsstils und schufen vielschichtige Bilder, die eher wie Gemälde als wie Fotografien wirken.
Sein wegweisender Einsatz von Farbe, der um 1948 begann, war der Akzeptanz der Farbfotografie in der Kunst um Jahrzehnte voraus. Während andere Farbe als vulgär oder kommerziell empfanden, setzte Leiter sie als Ausdrucksmittel ein und sättigte seine Bilder mit kräftigen Farbtönen, die gewöhnliche Straßenszenen in abstrakte Kompositionen verwandelten.
Dies unterschied ihn von den Künstlern der zeitgenössischen New York School und zog die Aufmerksamkeit der Modewelt auf sich, mit der er begann, zusammenzuarbeiten, indem er für Esquire, Harper's Bazaar und in den folgenden zwanzig Jahren für Show, Elle, British Vogue, Queen und Nova fotografierte.
EIN SCHÜCHTRER MALER MIT DER LEICA
Die Ausstellung hebt auf einzigartige Weise Leiters doppelte Identität als Maler und Fotograf hervor und zeigt, wie seine malerische Sensibilität seine fotografische Arbeit beeinflusst hat. Seine Ausbildung in der Malerei führte ihn dazu, sich der Farbfotografie mit einer beispiellosen Raffinesse zu nähern und jedes Bild wie eine Leinwand zu behandeln.
„Ich habe keine Philosophie. Ich habe eine Kamera“, sagte Leiter. “Ich schaue durch die Kamera und mache Fotos. Meine Fotos sind nur ein winziger Teil dessen, was ich sehe und fotografieren könnte. Sie sind Fragmente unendlicher Möglichkeiten.“ Diese unprätentiöse Herangehensweise ermöglichte es ihm, Momente der Anmut im Alltag einzufangen, die andere Fotografen, belastet durch Kunsttheorie, oft übersehen. Seine Arbeit suggeriert, dass Schönheit nicht in großen Momenten existiert, sondern in den stillen Zwischenräumen des Alltags.
Leiter, der sich dem Ruhm verschloss und konsequent Fotobände veröffentlichte und an bedeutenden Monografien in den Vereinigten Staaten und Europa teilnahm, veröffentlichte im Laufe seiner Karriere nur einen Teil seiner Arbeiten in der Presse und ließ den größten Teil als Negative zurück, als wolle er den intimsten und rein künstlerischen Aspekt seines Schaffens verbergen. So sehr, dass 2018, fünf Jahre nach seinem Tod, ein wenig bekanntes Werk des Künstlers auftauchte: Schwarz-Weiß-Aktfotos, die hauptsächlich zwischen Ende der 1940er und Anfang der 1960er Jahre entstanden sind und das Ergebnis der Zusammenarbeit zwischen Leiter und den Frauen seines Lebens sind.
Es gibt eine verborgene Ordnung in Saul Leiters Werk, die schwer zu erklären ist, und das ist wahrscheinlich das, was ihn zu einem wahren Poeten macht.
SAUL LEITER NACH ANNE MORIN
"Leiters Bilder dauern nur einen Wimpernschlag, sie stehen am Rande von etwas. Es sind Momentaufnahmen, kurze, fragmentierte Formen, wie Notizen, Aussagen über die Realität, die mit einer Meisterschaft und einer Metrik geschaffen wurden, die an Haikus erinnern. Leiters Geste ist die eines Kalligraphen, wenn er schnell, präzise und ohne Ausreden fotografiert.“
Untitled, undated © Saul Leiter Foundation
Vertigo Syndrome, en collaboration avec diChroma photography et sous le commissariat d'Anne Morin, présente au Belvédère de la Reggia di Monza la première grande exposition italienne consacrée à Saul Leiter. L'exposition, intitulée « Saul Leiter. Une fenêtre parsemée de gouttes de pluie », se compose de 126 photographies en noir et blanc, 40 photographies en couleur, 42 peintures et des documents d'archives rares, tels que des magazines d'époque originaux et un document filmé.
L'exposition, qui comprend à la fois des tirages vintage et modernes, des premières œuvres expérimentales et des photographies de mode réalisées lors de ses collaborations avec Harper's Bazaar, révèle clairement ce qui distingue Saul Leiter de ses contemporains et pourquoi son œuvre continue d'influencer la photographie d'aujourd'hui.
NEW YORK DANS UN GESTE, UN DÉTAIL, PRESQUE RIEN
Alors que ses contemporains cherchaient à capturer la grandeur et la modernité de New York, Leiter a emprunté une voie radicalement différente. Il a transformé des moments quotidiens en compositions lyriques et intimistes, trouvant de la poésie dans la vapeur qui s'échappe des égouts, dans les parapluies sous la pluie et dans les reflets des vitrines, un réalisme féérique composé de personnes, d'objets, de rues, de pluie, de neige, d'éléments plus observés qu'observés. Sa vision distinctive a rejeté le style documentaire populaire de son époque, créant à la place ce que l'on pourrait appeler des « haïkus photographiques » - des aperçus intimes de la vie qui mêlent réalité et abstraction.
« Leiter s'amusait avec ce qu'il voyait. Il ne s'intéressait pas au caractère hégémonique de New York ni à sa modernité monstrueuse », explique la conservatrice Anne Morin. Il inventait des jeux optiques, des entrelacements de formes et de plans qui cachent et révèlent ce qui se trouve dans les interstices, à proximité, dans les marges invisibles. »
POURQUOI CETTE EXPOSITION EST EXTRAORDINAIRE
Contrairement à ses collègues qui mettaient l'accent sur la netteté, Leiter a embrassé l'obstruction en photographiant à travers des fenêtres embuées, des tissus et des conditions météorologiques que d'autres photographes évitaient. Ces éléments sont devenus partie intégrante de son style de composition, créant des images multicouches qui ressemblent davantage à des peintures qu'à des photographies.
Son utilisation pionnière de la couleur, qui a débuté vers 1948, a devancé de plusieurs décennies l'acceptation de la photographie en couleurs dans l'art. Alors que d'autres considéraient la couleur comme vulgaire ou commerciale, Leiter l'a utilisée comme un élément expressif, saturant ses images de teintes audacieuses qui transforment des scènes de rue ordinaires en compositions abstraites.
Cela le distinguait des artistes contemporains de l'École de New York et attirait l'attention du monde de la mode, avec lequel il a commencé à collaborer en photographiant pour Esquire, Harper's Bazaar et, au cours des vingt années suivantes, pour Show, Elle, British Vogue, Queen et Nova.
UN PEINTRE TIMIDE AVEC UN LEICA
L'exposition met en évidence de manière unique la double identité de Leiter en tant que peintre et photographe, démontrant comment sa sensibilité picturale a influencé son travail photographique. Sa formation en peinture l'a amené à aborder la photographie couleur avec une sophistication sans précédent, traitant chaque image comme une toile.
« Je n'ai pas de philosophie. J'ai un appareil photo, disait Leiter. Je regarde à travers l'appareil et je prends des photos. Mes photographies ne sont qu'une infime partie de ce que je vois et qui pourrait être photographié. Ce sont des fragments de possibilités infinies ». Cette approche sans prétention lui a permis de capturer des moments de grâce dans la vie quotidienne que d'autres photographes, alourdis par la théorie artistique, ne voyaient souvent pas. Son travail suggère que la beauté n'existe pas dans les grands moments, mais dans les intervalles silencieux de la vie quotidienne.
Anti-divo et réfractaire à la célébrité, Leiter - qui publie régulièrement des livres de photographie et participe à d'importantes monographies aux États-Unis et en Europe - n'a publié qu'une partie de son travail au cours de sa carrière, laissant la plupart de ses clichés sur négatif, comme pour cacher l'aspect le plus intime et purement artistique de sa production. À tel point qu'en 2018, cinq ans après sa mort, un corpus d'œuvres peu connues de l'artiste a vu le jour : des nus en noir et blanc, pris principalement entre la fin des années 40 et le début des années 60, fruit de collaborations entre Leiter et les femmes de sa vie.
Il y a un ordre caché dans le travail de Saul Leiter qui est difficile à expliquer, et c'est probablement ce qui fait de lui un véritable poète.
SAUL LEITER SELON ANNE MORIN
« Les images de Leiter durent le temps d'un battement de cil, placées à la lisière de quelque chose. Ce sont des instantanés, des formes brèves, fragmentées, comme des annotations, des déclarations de réalité, réalisées avec une maîtrise et une métrique qui rappellent le haïku. Le geste de Leiter est celui d'un calligraphe lorsqu'il photographie rapidement, avec précision, sans excuse ».
Untitled, undated © Saul Leiter Foundation
Vertigo Syndrome in collaborazione con diChroma photography e con la curatela di Anne Morin, presenta al Belvedere della Reggia di Monza la prima grande mostra italiana dedicata a Saul Leiter. L’esposizione, dal titolo “Saul Leiter. Una finestra punteggiata di gocce di pioggia”, si compone di 126 fotografie in bianco e nero, 40 fotografie a colori, 42 dipinti e rari materiali d’archivio, come riviste d’epoca originali e un documento filmico.
La mostra, che include sia stampe vintage che moderne, primi lavori sperimentali e fotografie di moda realizzate durante le sue collaborazioni con Harper's Bazaar, rivela con evidenza cosa distingue nettamente Saul Leiter dai suoi contemporanei e perché la sua opera continui a influenzare la fotografia di oggi.
NEW YORK IN UN GESTO, UN DETTAGLIO, QUASI NULLA
Mentre i suoi contemporanei cercavano di catturare la grandezza e la modernità di New York, Leiter ha intrapreso una strada radicalmente diversa. Ha trasformato i momenti quotidiani in composizioni liriche e intimiste, trovando poesia nel vapore che sale dai tombini, negli ombrelli sotto la pioggia e nei riflessi delle vetrine, un realismo fiabesco composto da persone, oggetti, strade, pioggia, neve, elementi più sbirciati che osservati. La sua visione distintiva ha rifiutato lo stile documentaristico popolare della sua epoca, creando invece quello che potremmo chiamare "haiku fotografici" - scorci intimi della vita che fondono realtà e astrazione.
"Leiter si divertiva con ciò che vedeva. Non era interessato al carattere egemonico di New York o alla sua mostruosa modernità - spiega la curatrice Anne Morin. Inventava giochi ottici, intrecci di forme e piani che nascondono e rivelano ciò che giace negli intervalli, nelle vicinanze, nei margini invisibili.”
PERCHÉ QUESTA MOSTRA È STRAORDINARIA
A differenza dei suoi colleghi che enfatizzavano la nitidezza, Leiter ha abbracciato l'ostruzione fotografando attraverso finestre appannate, tessuti e condizioni meteorologiche che altri fotografi evitavano. Questi elementi sono diventati parte integrante del suo stile compositivo, creando immagini multistrato che sembrano più dipinti che fotografie.
Il suo uso pionieristico del colore, iniziato attorno al 1948, ha anticipato di decenni l'accettazione della fotografia a colori nell'arte. Mentre altri consideravano il colore volgare o commerciale, Leiter lo ha impiegato come elemento espressivo, saturando le sue immagini con tonalità audaci che trasformano le ordinarie scene di strada in composizioni astratte.
Questo lo distingueva dagli artisti della contemporanea Scuola di New York attirando le attenzioni del mondo della moda, con il quale iniziò a collaborare scattando per Esquire, Harper’s Bazaar e, nei successivi venti anni, per Show, Elle, British Vogue, Queen e Nova.
UN TIMIDO PITTORE CON LA LEICA
La mostra evidenzia in modo unico la doppia identità di Leiter come pittore e fotografo, dimostrando come la sua sensibilità pittorica abbia influenzato il suo lavoro fotografico. La sua formazione nella pittura lo ha portato ad approcciarsi alla fotografia a colori con una sofisticazione senza precedenti, trattando ogni fotogramma come una tela.
"Non ho una filosofia. Ho una macchina fotografica - diceva Leiter. Guardo attraverso la macchina fotografica e scatto foto. Le mie fotografie sono la minima parte di ciò che vedo che potrebbe essere fotografato. Sono frammenti di possibilità infinite”. Questo approccio senza pretese gli ha permesso di catturare momenti di grazia nella vita quotidiana che altri fotografi, appesantiti dalla teoria artistica, spesso non vedevano. Il suo lavoro suggerisce che la bellezza non esiste nei grandi momenti, ma negli intervalli silenziosi della vita di tutti i giorni.
Antidivo e refrattario alla fama, Leiter - che pubblica con costanza volumi fotografici e prende parte a importanti monografiche negli Stati Uniti e in Europa - nel corso della sua carriera darà alla stampa solo una parte dei suoi lavori, lasciandone la maggior parte in negativo, come a celare l’aspetto più intimo e puramente artistico della sua produzione. Tanto che nel 2018, cinque anni dopo la sua morte, emerse un corpo di opere dell’artista poco conosciuto: nudi in bianco e nero, scattati principalmente tra la fine degli anni ‘40 e i primi anni ‘60, frutto delle collaborazioni tra Leiter e le donne della sua vita.
C'è un ordine nascosto nel lavoro di Saul Leiter che è difficile da spiegare, e questo è probabilmente ciò che lo rende un vero poeta.
SAUL LEITER SECONDO ANNE MORIN
“Le immagini di Leiter durano quanto il battito di un ciglio, posizionate sul bordo di qualcosa. Sono istantanee, forme brevi, frammentate, come annotazioni, dichiarazioni di realtà, realizzate con una maestria e una metrica che ricorda gli haiku. Il gesto di Leiter è quello di un calligrafo quando fotografa veloce, preciso, senza scuse”.
Red Curtain, 1956 © Saul Leiter Foundation
Vertigo Syndrome, in collaboration with diChroma photography and curated by Anne Morin, presents the first major Italian exhibition dedicated to Saul Leiter at the Belvedere of the Royal Palace of Monza. The exhibition, entitled ‘Saul Leiter. A window dotted with raindrops’, consists of 126 black-and-white photographs, 40 colour photographs, 42 paintings and rare archival materials, such as original vintage magazines and a film document.
The exhibition, which includes both vintage and modern prints, early experimental works and fashion photographs taken during his collaborations with Harper's Bazaar, clearly reveals what sets Saul Leiter apart from his contemporaries and why his work continues to influence photography today.
NEW YORK IN A GESTURE, A DETAIL, ALMOST NOTHING
While his contemporaries sought to capture the grandeur and modernity of New York, Leiter took a radically different path. He transformed everyday moments into lyrical, intimate compositions, finding poetry in steam rising from manholes, umbrellas in the rain and reflections in shop windows, a fairy-tale realism composed of people, objects, streets, rain and snow, elements that are glimpsed rather than observed. His distinctive vision rejected the popular documentary style of his era, creating instead what we might call ‘photographic haikus’ - intimate glimpses of life that blend reality and abstraction.
‘Leiter enjoyed what he saw. He wasn't interested in the hegemonic character of New York or its monstrous modernity,’ explains curator Anne Morin. “He invented optical games, interweaving shapes and planes that hide and reveal what lies in the intervals, in the vicinity, in the invisible margins.”
WHY THIS EXHIBITION IS EXTRAORDINARY
Unlike his colleagues who emphasised sharpness, Leiter embraced obstruction, photographing through fogged windows, fabrics and weather conditions that other photographers avoided. These elements became an integral part of his compositional style, creating multi-layered images that look more like paintings than photographs.
His pioneering use of colour, which began around 1948, anticipated the acceptance of colour photography in art by decades. While others considered colour vulgar or commercial, Leiter employed it as an expressive element, saturating his images with bold hues that transform ordinary street scenes into abstract compositions.
This set him apart from the artists of the contemporary New York School and attracted the attention of the fashion world, with which he began collaborating by shooting for Esquire, Harper's Bazaar and, over the next twenty years, Show, Elle, British Vogue, Queen and Nova.
A SHY PAINTER WITH A LEICA
The exhibition uniquely highlights Leiter's dual identity as a painter and photographer, demonstrating how his painterly sensibility influenced his photographic work. His training in painting led him to approach colour photography with unprecedented sophistication, treating each frame as a canvas.
‘I don't have a philosophy. I have a camera,’ Leiter said. ’I look through the camera and take pictures. My photographs are the smallest part of what I see that could be photographed. They are fragments of infinite possibilities.’ This unpretentious approach allowed him to capture moments of grace in everyday life that other photographers, weighed down by artistic theory, often failed to see. His work suggests that beauty does not exist in grand moments, but in the quiet intervals of everyday life.
Anti-celebrity and averse to fame, Leiter – who regularly published photographic volumes and took part in important monographic exhibitions in the United States and Europe – only released a fraction of his work to the press during his career, leaving most of it in negative, as if to conceal the most intimate and purely artistic aspect of his production. So much so that in 2018, five years after his death, a body of work by the little-known artist emerged: black-and-white nudes, taken mainly between the late 1940s and early 1960s, the result of collaborations between Leiter and the women in his life.
There is a hidden order in Saul Leiter's work that is difficult to explain, and this is probably what makes him a true poet.
SAUL LEITER ACCORDING TO ANNE MORIN
"Leiter's images last as long as the blink of an eye, positioned on the edge of something. They are snapshots, short, fragmented forms, like notes, statements of reality, executed with a mastery and meter reminiscent of haiku. Leiter's gesture is that of a calligrapher when he photographs quickly, precisely, without apology.’
(Text: Belvedere della Reggia di Monza)