MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna
29. September 2023 – 7. Januar 2024

Architettura e fotografia nelle campagne dell’Emilia-Romagna

Maura Savini, rilievi e progetti
Guido Guidi, fotografie

Das MAMbo freut sich, die Ausstellung Architektur und Fotografie in der Landschaft der Emilia-Romagna zu präsentieren. Maura Savini, Studien und Projekte - Guido Guidi, Fotografien, gefördert in Zusammenarbeit mit dem Fachbereich Architektur der Universität Bologna.

Das Ausstellungsprojekt basiert auf dem Vergleich zweier unterschiedlicher Wissensformen - der Fotografie und der Architektur -, die trotz ihrer Autonomie das gemeinsame Ziel verfolgen, die gebauten Orte, in denen sich unsere kollektive Identität widerspiegelt, verständlich zu machen.

Die von Lorenzo Balbi kuratierte Ausstellung ist Teil des Projekts Ländliche Architektur in der Emilia-Romagna, das im Rahmen der von der Generaldirektion für zeitgenössische Kreativität des Kulturministeriums geförderten Aufforderung zur Einreichung von Vorschlägen für den Erwerb, die Produktion, die Erhaltung und die Aufwertung der Fotografie und des fotografischen Erbes Italiens mit dem Preis Photography Strategy 2022 ausgezeichnet wurde. Dank dieses bedeutenden Preises werden sechs neue fotografische Werke von Guido Guidi, die bei dieser Gelegenheit zum ersten Mal der Öffentlichkeit zugänglich gemacht werden, in die ständige Sammlung des Museums aufgenommen.

Um diesen Korpus herum, im Projektraum des MAMbo, einem thematischen Container, der seit 2018 einige der wichtigsten künstlerischen und kulturellen Erfahrungen, die im Gebiet von Bologna und der Emilia-Romagna entstanden sind, aufnimmt, rekonstruiert, erzählt und aufwertet, werden weitere 29 unveröffentlichte fotografische Produktionen von Guidi gezeigt, die sich auf die Gebiete von Granarolo, Minerbio und San Giorgio di Cesena sowie eine Reihe von Zeichnungen, architektonischen Untersuchungen und historischen Dokumenten (Zeichnungen, Karten, Kabinettstücke, Gemälde), die die von Maura Savini durchgeführten Forschungen über die Architektur, die Organisation des Bodens und die Siedlungen in der Poebene dokumentieren, deren Formen mit der funktionalen Logik nicht zu erklären sind.

Zum ersten Mal finden Architektur und Fotografie einen Ort, um die Merkmale eines immer weniger "sichtbaren" Territoriums zu zeigen, indem sie das visuelle Werk von Guido Guidi, einer Schlüsselfigur der italienischen Fotografie der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, der dazu beigetragen hat, den Status und die Ausdrucksmöglichkeiten der Landschaftsfotografie in der heutigen Zeit zu erneuern und neu zu definieren, mit den Forschungen zur Architektur in ihrer territorialen Dimension verbinden, die Maura Savini seit einiger Zeit an der Fakultät für Architektur der Universität Bologna durchführt.

Wenn einerseits Zeichnungen, Gemälde, Karten und historische Dokumente das Territorium mit den Modalitäten der Architektur beschreiben, bereichert Guidis Arbeit andererseits die lange Meditation durch Bilder, die der Autor aus der Romagna seit den 1960er Jahren dem Thema der Landschaft, insbesondere der Randlandschaft der italienischen Provinzen, gewidmet hat, um ein neues Kapitel.

Le MAMbo a le plaisir de présenter l'exposition Architecture et photographie dans la campagne d'Émilie-Romagne. Maura Savini, études et projets - Guido Guidi, photographies, promue en collaboration avec le Département d'architecture de l'Université de Bologne.

Le projet d'exposition est basé sur la comparaison entre deux modes de connaissance différents - la photographie et l'architecture - qui, malgré leur autonomie, visent l'objectif commun de rendre compréhensibles les lieux construits dans lesquels réside notre identité collective.

L'exposition, organisée par Lorenzo Balbi, fait partie du projet Rural Architecture in Emilia-Romagna, lauréat du concours Photography Strategy 2022, promu par la direction générale de la création contemporaine du ministère de la culture pour la sélection de propositions concernant l'acquisition, la production, la conservation et la valorisation de la photographie et du patrimoine photographique italien. Grâce à cette importante récompense, six nouvelles œuvres photographiques de Guido Guidi, visibles pour la première fois au public à cette occasion, feront partie de la collection permanente du musée.

Autour de ce corpus, dans l'espace de la Project Room du MAMbo, un conteneur thématique qui, depuis 2018, accueille, reconstruit, raconte et valorise certaines des expériences artistiques et culturelles les plus pertinentes nées sur le territoire de Bologne et de l'Émilie-Romagne, 29 autres productions photographiques inédites de Guidi se référant aux territoires de Granarolo, Minerbio et San Giorgio di Cesena et une série de dessins, de relevés architecturaux, de documents historiques (dessins, cartes, cabrei, peintures) documentant les recherches menées par Maura Savini sur l'architecture, l'organisation du territoire et l'habitat de la région de la plaine du Pô, dont la logique fonctionnaliste ne semble pas en mesure d'expliquer les formes.

Pour la première fois, l'architecture et la photographie trouvent un lieu où exposer les caractéristiques d'un territoire de moins en moins "visible" en croisant l'œuvre visuelle de Guido Guidi, figure centrale de la photographie italienne de la seconde moitié du XXe siècle, qui a contribué à innover et à redéfinir le statut et les possibilités expressives de la photographie de paysage à l'époque contemporaine, avec la recherche sur l'architecture dans sa dimension territoriale que Maura Savini mène depuis un certain temps au département d'architecture de l'université de Bologne.

Si, d'une part, les dessins, les peintures, les cartes et les documents historiques décrivent le territoire avec les modes de l'architecture, d'autre part, le travail de Guidi enrichit d'un nouveau chapitre la longue méditation par l'image que, depuis les années 1960, l'auteur romagnol a abordée sur le thème du paysage, en particulier le paysage marginal des provinces italiennes.

Il MAMbo è lieto di presentare la mostra Architettura e fotografia nelle campagne dell’Emilia-Romagna. Maura Savini, rilievi e progetti - Guido Guidi, fotografie, promossa in collaborazione con il Dipartimento di Architettura dell’Università di Bologna.

Il progetto espositivo si articola sul confronto tra due diversi modi di conoscere – quelli della fotografia e dell’architettura - che, pur nella propria autonomia, mirano all’obiettivo comune di rendere comprensibili quei luoghi costruiti in cui risiede la nostra identità collettiva.

La mostra, a cura di Lorenzo Balbi, è parte del progetto Architettura rurale in Emilia-Romagna, vincitore del bando Strategia Fotografia 2022, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura per la selezione di proposte di acquisizione, produzione, conservazione, valorizzazione della fotografia e del patrimonio fotografico italiano. Grazie a questo importante riconoscimento, sei nuove opere fotografiche di Guido Guidi, visibili per la prima volta al pubblico in questa occasione, entreranno a far parte della collezione permanente del museo.

Intorno a questo corpus, nello spazio della Project Room del MAMbo, contenitore tematico che dal 2018 accoglie, ricostruisce, racconta e valorizza alcune delle esperienze artistiche e culturali più rilevanti nate in territorio bolognese ed emiliano-romagnolo, vengono presentate altre 29 produzioni fotografiche inedite di Guidi riferibili ai territori di Granarolo, Minerbio e San Giorgio di Cesena e una serie di disegni, rilievi architettonici, documenti storici (disegni, mappe, cabrei, dipinti) che documentano la ricerca condotta da Maura Savini sulle architetture, sull’organizzazione del suolo e sugli insediamenti dell’area padana, dei quali la logica funzionalista non sembra in grado di spiegare le forme.

Per la prima volta architettura e fotografia trovano un luogo in cui esporre i caratteri di un territorio sempre meno “visibile” intersecando il lavoro visivo di Guido Guidi, figura cardine della fotografia italiana dal secondo Novecento, che ha contribuito a innovare e ridefinire lo statuto e le possibilità espressive della fotografia di paesaggio in epoca contemporanea, con le ricerche sull’architettura nella sua dimensione territoriale, che Maura Savini svolge da tempo presso il Dipartimento di Architettura dell'Università di Bologna.

Se da un lato disegni, dipinti, carte e documenti storici descrivono il territorio con i modi dell’architettura, dall’altro il lavoro di Guidi arricchisce di un nuovo capitolo la lunga meditazione per immagini che fin dagli anni Sessanta l’autore romagnolo rivolge al tema del paesaggio, in particolare a quello marginale della provincia italiana.

MAMbo is pleased to present the exhibition Architecture and Photography in the Emilia-Romagna countryside. Maura Savini, surveys and projects - Guido Guidi, photographs, promoted in collaboration with the Department of Architecture of the University of Bologna.

The exhibition project is based on the comparison between two different ways of knowing-those of photography and architecture-that, though autonomous, aim at the common goal of making comprehensible those built places in which our collective identity resides.

The exhibition, curated by Lorenzo Balbi, is part of the project Rural Architecture in Emilia-Romagna, winner of the Photography Strategy 2022 call, promoted by the General Directorate for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture for the selection of proposals for the acquisition, production, preservation, and enhancement of photography and the Italian photographic heritage. Thanks to this important recognition, six new photographic works by Guido Guidi, visible to the public for the first time on this occasion, will become part of the museum's permanent collection.

Around this corpus, in the space of MAMbo's Project Room, a thematic container that since 2018 welcomes, reconstructs, recounts and enhances some of the most relevant artistic and cultural experiences born in the territory of Bologna and Emilia-Romagna, another 29 unpublished photographic productions by Guidi referable to the territories of Granarolo, Minerbio and San Giorgio di Cesena, and a series of drawings, architectural surveys, and historical documents (drawings, maps, cabrei, paintings) documenting the research conducted by Maura Savini on the architecture, land organization and settlements of the Po Valley area, of which functionalist logic does not seem able to explain the forms.

For the first time, architecture and photography find a place to exhibit the features of a territory that is less and less "visible" by intersecting the visual work of Guido Guidi, a pivotal figure in Italian photography since the second half of the 20th century, who has contributed to innovating and redefining the statute and expressive possibilities of landscape photography in the contemporary era, with the research on architecture in its territorial dimension, which Maura Savini has been conducting for some time at the Department of Architecture of the University of Bologna.

If on the one hand drawings, paintings, maps and historical documents describe the territory with the modes of architecture, on the other hand Guidi's work enriches with a new chapter the long meditation through images that since the 1960s the Romagna-based author has been addressing to the theme of landscape, in particular to the marginal landscape of the Italian province.

(Text: MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna)

MAST | Bologna
25. Mai 2023 – 7. Januar 2024

Visual Spaces of Today
Andreas Gursky

Die Ausstellung Andreas Gursky. Visual Spaces of Today, die erste große anthologische Ausstellung des Künstlers in Italien, die mehr als vierzig Jahre seiner Tätigkeit umfasst und von Urs Stahel zusammen mit dem deutschen Fotografen Andreas Gursky kuratiert wurde, bildet den Auftakt zu den Feierlichkeiten anlässlich zweier Jubiläen: dem 100-jährigen Bestehen des Unternehmens G.D und dem 10-jährigen Bestehen der Fondazione MAST.

"Aus der Arbeit eine Kultur und aus der Kultur eine Arbeit machen": Diese Worte verbinden diese beiden Realitäten und stehen einerseits für die Unternehmenskultur, die sich im Laufe der Zeit gefestigt hat, und andererseits für die Schaffung eines innovativen und partizipativen Raums für die Produktion von Gedanken am Arbeitsplatz.

Die Bildräume der von Urs Stahel und Andreas Gursky für diese Ausstellung ausgewählten fotografischen Arbeiten spiegeln diese Themenwelten wider. Die kraftvollen Bilder des deutschen Künstlers eröffnen neue Denkweisen über Arbeit, Wirtschaft und Globalisierung und zeigen konkrete Visionen von Produktionsstätten, Warenumschlagplätzen, Konsumtempeln, Verkehrsknotenpunkten, Orten der Energie- und Nahrungsmittelproduktion und Zentralen der Finanzindustrie.

Die Ausstellung umfasst 40 Bilder des in Düsseldorf lebenden und arbeitenden Künstlers, spannt einen zeitlichen Bogen von seinen frühesten (Krefeld, Hühner, 1989) bis zu seinen jüngsten Arbeiten (V&R II und V&R III, 2022), legt große Distanzen zwischen Salerno (1990) und Hongkong (2020) zurück und verbindet die moderne Tourismusindustrie (Rimini, 2003) mit jahrtausendealten Produktionsprozessen (Salinas, 2021).

Andreas Gursky gilt als einer der größten Künstler unserer Zeit. Sein Name wurde vor allem in den 1990er Jahren mit großformatigen Fotografien in Verbindung gebracht. Seine Bilder sind inzwischen zu wahren Ikonen der Gegenwart geworden und haben dazu beigetragen, den Status der Fotografie als Kunst und damit als Sammlerobjekt sowohl für Museen als auch für Privatpersonen zu etablieren.

Die Subtilität, mit der Gursky die Gegenwart seziert und sich auf seine Motive konzentriert, den Dingen auf den Grund geht und gleichzeitig das große Ganze im Blick behält, zeigt sich in seinen unverwechselbaren Bildkompositionen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, herausgegeben von der Stiftung MAST, mit einem Vorwort der Präsidentin Isabella Seràgnoli und einem ausführlichen kritischen Text von Urs Stahel.

L'exposition Andreas Gursky. Visual Spaces of Today, la première grande exposition anthologique en Italie de l'artiste couvrant plus de quarante ans d'activité, organisée par Urs Stahel en collaboration avec le photographe allemand Andreas Gursky, marque le début de la célébration de deux anniversaires : le 100e anniversaire de la société G.D. et le 10e anniversaire de la Fondazione MAST.

"Faire du travail une culture et de la culture un emploi" : ce sont les mots qui lient ces deux réalités, représentant d'une part la culture d'entreprise de la société qui s'est consolidée au fil du temps et d'autre part la création d'un espace innovant et participatif pour la production de la pensée sur le lieu de travail.

Les espaces visuels des œuvres photographiques sélectionnées par Urs Stahel et Andreas Gursky pour cette exposition reflètent ces univers thématiques. Les images fortes de l'artiste allemand ouvrent de nouvelles voies de réflexion sur le travail, l'économie et la mondialisation et révèlent des visions concrètes de sites de production, de centres de manutention de marchandises, de temples de la consommation, de hubs de transport, de lieux de production d'énergie et d'aliments, et de sièges sociaux de l'industrie financière.

L'exposition comprend 40 images de l'artiste, qui vit et travaille à Düsseldorf, et couvre une période allant de ses premières œuvres (Krefeld, Hühner, 1989) à ses plus récentes (V&R II et V&R III, 2022), couvre de grandes distances entre Salerne (1990) et Hong Kong (2020) et associe l'industrie touristique moderne (Rimini, 2003) à des processus de production millénaires (Salinas, 2021).

Andreas Gursky est considéré comme l'un des plus grands artistes de notre époque. Son nom, en particulier dans les années 1990, a été associé à des photographies de grand format. Ses images sont devenues de véritables icônes contemporaines et ont contribué à établir le statut de la photographie en tant qu'art et donc en tant qu'objet de collection, tant pour les musées que pour les particuliers.

La subtilité avec laquelle Gursky dissèque le présent et se concentre sur ses sujets, en allant au fond des choses tout en gardant la vue d'ensemble, est évidente à travers ses compositions visuelles incomparables.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue, publié par la Fondation MAST, avec une préface de la présidente Isabella Seràgnoli et un texte critique approfondi d'Urs Stahel.

La mostra Andreas Gursky. Visual Spaces of Today, la prima grande antologica in Italia dell’artista che copre oltre quarant’anni di attività, curata da Urs Stahel insieme al fotografo tedesco Andreas Gursky, segna l’inizio della celebrazione di due ricorrenze: i 100 anni dell’impresa G.D e i 10 anni di Fondazione MAST.

“Fare del lavoro una cultura e della cultura un lavoro”: sono parole che legano insieme queste due realtà, che rappresentano da un lato la cultura aziendale dell’impresa che si è consolidata nel tempo e dall’altra quella della creazione di uno spazio innovativo e partecipativo di produzione del pensiero sul lavoro.

Gli spazi visuali delle opere fotografiche selezionate da Urs Stahel e Andreas Gursky per questa mostra riflettono questi mondi tematici. Le potenti immagini dell’artista tedesco aprono a nuove modalità di concepire il lavoro, l'economia e la globalizzazione e svelano visioni concrete di siti produttivi, centri di movimentazione delle merci, templi del consumo, nodi di trasporto, luoghi di produzione energetica e alimentare, sedi dell’industria finanziaria.

La mostra comprende 40 immagini dell’artista che vive e lavora a Düsseldorf: abbraccia un arco di tempo che va dai primi lavori (Krefeld, Hühner, 1989) alle opere più recenti (V&R II e V&R III, 2022), copre grandi distanze tra Salerno (1990) e Hong Kong (2020) e combina la moderna industria del turismo (Rimini, 2003) con processi di produzione millenari (Salinas, 2021).

Andreas Gursky è considerato uno dei maggiori artisti del nostro tempo. Il suo nome, in particolare negli anni Novanta, è stato associato alle fotografie di grande formato. Le sue immagini sono oggi divenute vere e proprie icone contemporanee e hanno contribuito a stabilire lo status della fotografia come arte e quindi come oggetto di collezione sia per i musei sia per i privati.

La finezza con cui Gursky seziona il presente e mette a fuoco i suoi soggetti, andando al fondo delle cose e allo stesso tempo mantenendo nitido il quadro generale, risulta evidente attraverso le sue inconfondibili composizioni visive.

L‘esposizione è accompagnata da un catalogo, pubblicato dalla Fondazione MAST, con la prefazione della Presidente Isabella Seràgnoli e un testo di approfondimento critico di Urs Stahel.

The exhibition Andreas Gursky. Visual Spaces of Today, the first large-scale anthology in Italy covering more than four decades of the artist’s oeuvre, curated by Urs Stahel together with the German photographer Andreas Gursky, marks the opening of the celebrations for a double anniversary: 100 years of the G.D Company and 10 years of Fondazione MAST.

“Making work a culture and culture a work”. These are the words that bind the two organisations together. They represent the longtime, consolidated corporate culture of the company, as well as the innovative and inclusive space it created to promote thought on the topic of work.

The visual spaces in the works selected for the exhibition by Urs Stahel and Andreas Gursky mirror these thematic worlds. The artist’s powerful images disclose new views on work, the economy, and globalization. They reveal concrete visions of production plants, goods handling centres, temples of consumption, transport hubs, energy and food industries, and financial centres across the world.

Included in the exhibition are 40 images by the artist—who lives and works in Düsseldorf—dating from his early works (Krefeld, Hühner, 1989) to his more recent production (V&R II and V&R III, 2022), travelling great lengths, from Salerno (1990) to Hong Kong (2020), and combining modern tourism industry (Rimini, 2003) with age-old production processes (Salinas, 2021).

Andreas Gursky is considered one of the greatest artists of our time. Since the 1990s, his name has been associated with large-scale photography. His images have become iconic representations of the contemporary world and have contributed to elevating the status of photography to an art form, thus turning it into a collector’s item for museum and private collections.

“To this day, Andreas Gursky’s enormous visual power is such that entering into the universe of his images becomes each time an experience and a step towards awareness. The display of his photographs brings us into a space and time where we can physically, mentally and emotionally feel and grasp reality,” writes Urs Stahel. Gursky’s striking visual compositions show the artist’s keen eye in finely dissecting the present, his precision in setting the focus on a subject, as he goes deeper into things while, at the same time, presenting a vivid general picture. As Urs Stahel points out in his introduction to the exhibition catalogue, “The large format that Andreas Gursky chose very soon in his career is in itself a statement of the artist’s visual and content­-related stance, and one that challenges the viewer.”

The catalogue accompanying the exhibition is published by Fondazione MAST. It contains a foreword by the President Isabella Seràgnoli and a critical essay by the curator Urs Stahel.

(Text: MAST, Bologna)

Reggia di Colorno | Parma
21. Januar - 11. April 2023

Wanderer about New York
Ugo Nespolo

Die Reggia di Colorno, in der noch bis zum 11. April 2023 die Ausstellung L'arte di ritrarre gli artisti (Die Kunst, Künstler zu porträtieren) von Nino Migliori zu sehen ist, stellt weiterhin die Erfahrungen sowohl italienischer als auch internationaler Autoren vor, die die Fotografie zu ihrer Wahlsprache gemacht haben, sowie von Künstlern, die zwar keine ausschließliche Beziehung zum fotografischen Bild hatten, es aber für wichtig hielten, es zu benutzen, um das auszudrücken, was sie ausdrücken wollten. Dies ist der Fall von Ugo Nespolo, Maler und Künstler, Erforscher aller Ausdrucksmittel (darunter auch des Kinos und dessen, was oft pauschal als "angewandte Kunst" bezeichnet wird), der in der Reggia seine in den 1980er und 1990er Jahren in New York aufgenommenen Fotos präsentiert.

Nespolo war schon in den 1960er Jahren in New York: Amerika war ein Mythos und Ugo reiste mit Billigflügen dorthin und durchquerte die Vereinigten Staaten mit einem Greyhound-Bus (als man mit 200 Dollar einen Monat lang überall hinreisen konnte). Nespolo findet, dass es dort viele Dinge gibt, die ihn interessieren, darunter auch die Popkultur. Seitdem kehrt er mehrmals in die USA zurück; als enger Freund von George Litto, Filmproduzent und Talentsucher, bleibt er monatelang am Set von Filmen von Robert Altman und Brian De Palma. Bereits in den 1980er Jahren lebte er in New York und besuchte fleißig das Village; er kaufte ein Haus gegenüber den Twin Towers.

Die vierzig in Colorno ausgestellten Fotografien, die Nespolo aus Hunderten von Fotografien aus seinem Archiv ausgewählt hat, wurden zwischen 1981 und 1997 im Big Apple aufgenommen. Fast jeden Tag "wandert" er einige Stunden durch die Nischen und Straßen New Yorks, vor allem im Süden Manhattans, und hält mit einer kleinen Leica fest, was ihm auffällt, insbesondere die Graffiti, die an den Wänden, in den Schaufenstern und in den Innenräumen von Galerien und Museen auftauchen (Bilder, die später in seine Gemälde einfließen werden). Damals erlebte New York die Explosion der Graffiti-Kunst: Autodidakten, die sich selbst als Künstler betrachteten, durchdrungen von der Kultur des Ghettos; Nespolo lernte Rammelzee und Keith Haring kennen, die in den U-Bahnen zeichneten, und bewunderte Richard Hambleton, den "Meister der Bedrohung", wie er wegen seiner verstörenden schwarzen Schatten genannt wurde. Zu dieser Zeit ist New York ein außergewöhnlicher Ort, voller Gärung und Spannung: Nespolo liebt den Jazz, besucht Diskotheken wie das Palladium; es ist ganz natürlich, dass er, immer begleitet von der Leica, in diese Welt eintaucht, die sich auch durch die Verlagerung der Aktivitäten (angefangen bei den Kunstgalerien) von einem Viertel zum anderen verändert.

Die in der Reggia di Colorno ausgestellten Fotografien von Nespolo dokumentieren diese mythischen Jahre in New York, und die Wahl der Themen und Aufnahmen, die er damals machte, helfen uns, einige der Wurzeln seiner eigenen Tätigkeit als Maler zu verstehen.

Die Ausstellung wird von einem von Skira herausgegebenen Katalog begleitet, der die Präsentation von Furio Colombo für die Einzelausstellung von Nespolo in New York im Jahr 1983 wiedergibt - viele der bei dieser Gelegenheit präsentierten Gemälde sind ausdrücklich mit den Fotografien von Schaufenstern und Innenräumen verbunden - sowie einen Text und ein Interview mit Nespolo von Sandro Parmiggiani, Kurator der Ausstellung in der Reggia di Colorno, zusätzlich zu den vierzig Fotografien, aus denen die Ausstellung besteht.

La Reggia di Colorno, où l'exposition de Nino Migliori, L'arte di ritrarre gli artisti (L'art de représenter les artistes) est présentée jusqu'au 11 avril 2023, continue de proposer les expériences d'auteurs italiens et internationaux qui ont adopté la photographie comme langage électif, et d'artistes qui, sans avoir un rapport exclusif avec l'image photographique, ont jugé important de l'utiliser pour communiquer ce qu'ils voulaient exprimer. C'est le cas d'Ugo Nespolo, peintre et artiste, explorateur de tous les moyens d'expression (parmi lesquels on ne peut oublier le cinéma et ce qui est souvent défini sommairement comme "art appliqué"), qui présente à la Reggia les photographies qu'il a prises à New York dans les années 1980 et 1990.

Nespolo était à New York dès les années 1960 : l'Amérique était un mythe et Ugo y voyageait sur des vols à bas prix, traversant les États-Unis dans un bus Greyhound (à l'époque où avec 200 dollars, on pouvait voyager partout pendant un mois). Nespolo estime qu'il y a beaucoup de choses qui l'intéressent, notamment la culture pop. Depuis lors, il retourne plusieurs fois aux États-Unis ; ami proche de George Litto, producteur de cinéma et découvreur de talents, il reste pendant des mois sur le tournage des films de Robert Altman et Brian De Palma. Déjà dans les années 1980, il vivait à New York et fréquentait assidûment le Village ; il a acheté une maison en face des tours jumelles.

Les quarante photographies exposées dans Colorno, choisies parmi les centaines que comptent ses archives, ont été prises par Nespolo entre 1981 et 1997 dans la Grosse Pomme. Presque tous les jours, il "erre" pendant quelques heures dans les recoins et les rues de New York, surtout dans le sud de Manhattan, et fixe avec un petit Leica ce qui le frappe, en particulier les graffitis qui commencent à apparaître sur les murs, les vitrines et les intérieurs des galeries et des musées (images qui passeront plus tard dans ses tableaux). À l'époque, New York connaît l'explosion de l'art du graffiti : des artistes autodidactes, qui se considèrent comme des artistes, imprégnés de la culture du ghetto ; Nespolo rencontre Rammelzee et Keith Haring, qui dessinent dans les métros, et admire Richard Hambleton, le "maître de la menace", comme on le surnomme en raison de ses ombres noires inquiétantes. À l'époque, New York est un endroit extraordinaire, plein d'effervescence et de tension : Nespolo aime le jazz, fréquente les discothèques, comme le Palladium ; il est naturel pour lui de s'immerger, toujours accompagné du Leica, dans ce monde qui change, également par la migration des activités (à commencer par les galeries d'art) d'un quartier à l'autre.

Les photographies de Nespolo exposées à la Reggia di Colorno documentent ces années mythiques à New York, et le choix des sujets et des prises de vue de l'époque nous aident à comprendre certaines des racines de sa propre activité de peintre.

L'exposition est accompagnée d'un catalogue publié par Skira, qui reproduit la présentation de Furio Colombo pour l'exposition personnelle de Nespolo à New York en 1983 - de nombreux tableaux présentés à cette occasion sont explicitement liés aux photographies de vitrines et d'intérieurs - ainsi qu'un texte et une interview de Nespolo par Sandro Parmiggiani, commissaire de l'exposition à la Reggia di Colorno, en plus des quarante photographies qui composent l'exposition.

La Reggia di Colorno, in cui è in corso fino al 11 aprile 2023 la mostra di Nino Migliori, L’arte di ritrarre gli artisti, continua a proporre le esperienze sia di autori, italiani e internazionali, che hanno adottato la fotografia come linguaggio elettivo, sia di artisti che, pur non avendo un rapporto esclusivo con l’immagine fotografica, hanno ritenuto importante utilizzarla per comunicare ciò che intendevano esprimere. È il caso di Ugo Nespolo, pittore e artista, esploratore di ogni mezzo espressivo (tra cui non si possono dimenticare il cinema e quella che, spesso sommariamente, viene definita “arte applicata”), che presenta alla Reggia le fotografie da lui scattate a New York nel corso degli anni ottanta e novanta.

Nespolo è a New York già negli anni sessanta: l’America è un mito e Ugo vi si reca con voli aerei low cost, attraversando gli Stati Uniti su un autobus delle linee Greyhound (quando con 200 $ si poteva viaggiare ovunque per un mese). Nespolo sente che là ci sono molte cose che lo interessano, compresa la cultura Pop. Da allora, torna varie volte negli Stati Uniti; amico fraterno di George Litto, produttore cinematografico e talent scout, sta per mesi sul set di film di Robert Altman e di Brian De Palma. Già negli anni ottanta abita a New York, frequenta assiduamente il Village; acquista una casa davanti alle Torri Gemelle.

Le quaranta fotografie esposte a Colorno, scelte tra le centinaia che sono nel suo archivio, sono state scattate da Nespolo tra il 1981 e il 1997 nella Grande Mela. Quasi ogni giorno lui “vaga” per alcune ore negli antri e nelle strade di New York, soprattutto nel Sud Manhattan, e fissa con una piccola Leica ciò che lo colpisce, in particolare i graffiti che cominciano ad apparire sui muri, le vetrine dei negozi, gli interni delle gallerie e dei musei (immagini che poi transiteranno nei suoi dipinti). New York vive all’epoca l’esplosione del graffitismo: autori autodidatti, che si considerano artisti, impregnati della cultura del ghetto; Nespolo conosce Rammelzee e Keith Haring, che disegna nelle metro, e ammira Richard Hambleton, il “maestro della minaccia”, come viene definito per le sue inquietanti ombre nere. È, all’epoca, New York un luogo straordinario, ricco di fermenti e di tensioni: Nespolo ama il jazz, frequenta le discoteche, come il Palladium; è per lui naturale immergersi, sempre accompagnato dalla Leica, in quel mondo che sta cambiando, anche attraverso le migrazioni delle attività (a partire dalle gallerie d’arte) da un quartiere all’altro.

Le fotografie di Nespolo esposte nella Reggia di Colorno documentano quegli anni mitici a New York e, la scelta dei soggetti e delle inquadrature da lui compiuta all’epoca aiutano a comprendere alcune radici della stessa sua attività di pittore.

La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Skira, che ripropone la presentazione di Furio Colombo per l’esposizione personale tenuta da Nespolo a New York nel 1983 – molti dei dipinti presentati nell’occasione sono esplicitamente legati alle fotografie di vetrine e interni – e un testo e un’intervista a Nespolo di Sandro Parmiggiani, curatore della mostra alla Reggia di Colorno, oltre alle quaranta fotografie che compongono l’esposizione.

The Reggia di Colorno, in which Nino Migliori's exhibition, The Art of Portraying Artists, is on view until April 11, 2023, continues to offer the experiences of both authors, Italian and international, who have adopted photography as their elective language, and artists who, while not having an exclusive relationship with the photographic image, felt it important to use it to communicate what they intended to express. This is the case of Ugo Nespolo, painter and artist, explorer of every expressive medium (among which one cannot forget cinema and what is often summarily called "applied art"), who presents at the Reggia the photographs he took in New York during the 1980s and 1990s.

Nespolo is in New York as early as the 1960s: America is a myth and Ugo travels there on low-cost airline flights, crossing the United States on a Greyhound lines bus (when with $200 one could travel anywhere for a month). Nespolo feels that there are many things there that interest him, including Pop culture. Since then, he returns several times to the United States; a close friend of George Litto, a film producer and talent scout, he stays for months on the sets of films by Robert Altman and Brian De Palma. As early as the 1980s, he lives in New York, assiduously frequenting the Village; he buys a house in front of the Twin Towers.

The forty photographs on display in Colorno, chosen from the hundreds in his archive, were taken by Nespolo between 1981 and 1997 in the Big Apple. Almost every day he "wanders" for a few hours in the caverns and streets of New York City, especially in southern Manhattan, and fixes with a small Leica what strikes him, particularly the graffiti that begins to appear on the walls, store windows, and the interiors of galleries and museums (images that would later pass into his paintings). New York City was experiencing the explosion of graffiti art at the time: self-taught authors, who considered themselves artists, imbued with ghetto culture; Nespolo met Rammelzee and Keith Haring, who drew in the subways, and admired Richard Hambleton, the "master of menace," as he was called for his eerie black shadows. It is, at the time, New York an extraordinary place, full of ferment and tension: Nespolo loves jazz, frequents nightclubs, such as the Palladium; it is natural for him to immerse himself, always accompanied by the Leica, in that changing world, including through the migration of activities (starting with art galleries) from one neighborhood to another.

Nespolo's photographs exhibited in the Reggia di Colorno document those mythical years in New York and, the choice of subjects and shots he made at the time help to understand some of the roots of his own activity as a painter.

The exhibition is accompanied by a catalog published by Skira, which reprints the presentation by Furio Colombo for the solo exhibition held by Nespolo in New York in 1983-many of the paintings presented on the occasion are explicitly linked to photographs of shop windows and interiors-and a text and interview with Nespolo by Sandro Parmiggiani, curator of the exhibition at the Reggia di Colorno, in addition to the forty photographs that make up the exhibition.

(Text: Reggia di Colorno)

Reggia di Colorno | Parma
16. Oktober 2022 - 10. April 2023

L’arte di ritrarre gli artist
Nino Migliori

"Nino Migliori. Die Kunst, Künstler zu porträtieren" ist der besondere Gast der 22. Ausgabe von "Colornophotolife", dem jährlichen Fotofestival, das von der Reggia, die einst Maria Luigia von Österreich gehörte, in Colorno in der Gegend von Parma ausgerichtet wird.

Die monografische Ausstellung von Migliori (vom 15. Oktober bis zum 10. April) bestätigt die Berufung der Reggia als Veranstaltungsort bedeutender fotografischer Ereignisse und tritt in die Fußstapfen der Ausstellungen, die hier für Michael Kenna, Ferdinando Scianna und Carla Cerati stattfanden. Die 86 bisher nicht gezeigten Werke von Nino Migliori, die fast alle Porträts von Künstlern sind, mit denen er zu tun hatte und die zwischen den 1950er Jahren und heute entstanden sind, ermöglichen es, anhand der verschiedenen angewandten Techniken die Forschung und die Erkundung des fotografischen Mediums in den mehr als siebzig Jahren seiner Tätigkeit nachzuvollziehen. Die Ausstellung, die von Sandro Parmiggiani unter der Leitung von Antonella Balestrazzi kuratiert wurde, wird von einem zweisprachigen Katalog (Italienisch/Englisch) begleitet.

Die Ausstellung ist in fünf Bereiche unterteilt: die Schwarz-Weiß-Porträts, die in den 1950er Jahren entstanden, als Migliori in Venedig lebte und das Haus von Peggy Guggenheim besuchte, und in den letzten Jahren weiterentwickelt wurden; die Farbbilder, in denen er oft eine Verschiebung der Ebenen vornimmt und manchmal Bilder ausschneidet und im Raum verschiebt die Bildsequenzen, die dem Fernsehen entnommen und als Fotogramme in der Entstehung konzipiert sind; die großen farbigen "Transfigurationen" (100 x 100 cm), in denen Migliori "malerisch" in das Bild eingreift; die jüngsten Porträts in Schwarzweiß "bei Streichholzlicht", die einen Teil seiner Erkundungen bei "Kerzenlicht"-Skulpturen anwenden. Viele der Protagonisten der Kunstszene werden die Besucher der Ausstellung in ihren Porträts wiedererkennen: Unter anderem Enrico Baj, Vasco Bendini, Agenore Fabbri, Gianfranco Pardi, Guido Strazza, Sergio Vacchi, Luciano De Vita, Salvatore Fiume, Virgilio Guidi, Piero Manai, Man Ray, Luciano Minguzzi, Zoran Music, Luigi Ontani, Robert Rauschenberg, Ferdinando Scianna, Tancredi Parmeggiani, Ernesto Treccani, Emilio Vedova, Lamberto Vitali, Andy Warhol, Wolfango, Italo Zannier; Antonio Gades, Bruno Saetti, Lucio Saffaro, Alberto Sughi, Emilio Tadini; Eugenio Montale, Gian Maria Volonté, Giovanni Romagnoli und Franco Gentilini; Karel Appel, Enzo Mari, Fausto Melotti, Tonino Guerra, Pompilio Mandelli, Marisa Merz, Bruno Munari, Fabrizio Plessi, Arnaldo Pomodoro, Lucio Del Pezzo; Mario Botta, Ugo Nespolo, Elisabetta Sgarbi.

"Vor den Fotografien von Nino Migliori muss man sich daran erinnern - so der Kurator Sandro Parmiggiani -, dass bei ihm nichts selbstverständlich ist: die Kamera, der Film (und jetzt der digitale Träger), das Papier, auf dem die Bilder gedruckt werden, sind nicht einer vorher festgelegten Funktion unterworfen, sondern können immer neu definiert und in neue Richtungen erforscht werden. Seit 1948 beschäftigt sich Migliori intensiv mit den Möglichkeiten, die das Medium, die technischen Verfahren und die Materialien der Fotografie bieten; Er ist nicht nur Autor großartiger neorealistischer Fotografien - viele erinnern sich an die Ikone Der Taucher, 1951 -, sondern experimentierte auch mit Verbrennungen auf Film und Zelluloid, mit Experimenten auf Papier und Glas, mit Fotografien von Wänden und Plakaten, mit der Suche nach dem "verborgenen Gesicht" von Polaroids, mit jüngsten Experimenten mit Kaleidoskopen verschiedener Größen (zwei der Porträts in der Ausstellung sind mit dieser Technik gemacht): unerschöpfliche Forschungen und Überprüfungen, die sich aus den Visionen und Experimenten speisen, die diese Art von Künstler-Fotograf-Schamane auf seiner Reise in die Fotografie durchgeführt hat. Es wäre daher einschränkend, ihn als "Fotografen" zu bezeichnen, denn Migliori hat das fotografische Medium nie als bloßes Werkzeug zur Anpassung an die Statuten und den Kanon der Fotografie verstanden - "ein Bild, das die Realität in einem Moment ihres Werdens fixiert" -, sondern als etwas, das ihm erlauben könnte, sich bestimmten Visionen zu nähern, die ihn schon immer fasziniert haben. Man denke nur an seine Erfahrungen seit 2006, als er beschloss, den Zooforo zu fotografieren, das beeindruckende mittelalterliche Bestiarium, das von Benedetto Antelami auf dem Baptisterium der Kathedrale von Parma geschaffen wurde, und sich vorstellte, die nächtliche Vision wiederherzustellen, die die Bewohner der Stadt und ihre Besucher davon haben konnten, an dem achteckigen Turm vorbeizugehen und im Fackelschein die phantastischen Formen zu entdecken, die sich um seinen Umfang schlängeln, indem man in der Nacht mit entsprechenden Abdeckungen eine tiefe Dunkelheit nachbildet und sich langsam mit einer Kerze den Kacheln nähert, bis man ihr geheimes Gesicht entdeckt. Diese Erfahrung führte zu Zyklen, in denen Migliori Denkmäler und Skulpturen in Abwesenheit von Licht fotografierte und Porträts von Menschen in absoluter Dunkelheit anfertigte, deren Gesichter vom Licht eines Streichholzes beleuchtet wurden, wie einige Fotografien in der Ausstellung Colorno dokumentieren.

Nino Migliori wurde 1926 in Bologna geboren, wo er auch heute noch lebt und arbeitet. Er begann 1948 zu fotografieren, wobei er die neorealistische und formalistische Fotografie mit Experimenten und Recherchen abwechselte, die auf von ihm selbst erfundenen und verfeinerten Techniken basierten, die ihn zu Ausdrucksformen führten, die oft mit den Wechselfällen der Malerei (wie dem Informellen) und konzeptuellen Erfahrungen verwandt waren. In den 1950er Jahren verkehrte er als Freund von Tancredi und Emilio Vedova im Haus von Peggy Guggenheim in Venedig, während er in Bologna mit Künstlern wie Vasco Bendini, Vittorio Mascalchi und Luciano Leonardi in Kontakt kam. 1977 widmete ihm das CSAC (Zentrum für Studien und Archive der Kommunikation) der Universität Parma seine erste große anthologische Ausstellung, die von seinem Gründer Arturo Carlo Quintavalle kuratiert wurde; seit 1978 lehrt Migliori Geschichte der Fotografie im Rahmen des Fortgeschrittenenkurses für Kunstgeschichte an der Universität Parma; im Laufe der Jahre hat er dem CSAC einen umfangreichen Bestand an Werken geschenkt. Im Jahr 1979 hielt er im Rahmen der Veranstaltung "Venice 79 Photography" unter der Schirmherrschaft der Unesco und des International Center of Photography in New York einen denkwürdigen Kurs ab, bei dem das Experimentieren mit der Kamera auf dem Programm stand. 1982 gründete Migliori die Abrecal - Gruppo Ricerca Percezione Globale (1982-1991), die sich vor allem an junge Menschen richtete und mit der futuristischen Poetik im Sinne des Bruchs mit vorgegebenen Schemata und der freien Meinungsäußerung verbunden war: ihr Name ist in der Tat die Umkehrung von "Lacerba". Seit den 1970er Jahren leitet er Workshops und unterrichtet häufig in Schulen verschiedener Stufen (einschließlich Kindergärten) und musealen Einrichtungen.

Im Jahr 2016 gründete der Künstler die "Nino Migliori Foundation".

"Nino Migliori. L'art de faire le portrait des artistes" est l'invité spécial de la 22e édition de "Colornophotolife", le festival annuel de photographie organisé à Colorno, dans la région de Parme, par la Reggia ayant appartenu à Maria Luigia d'Autriche.

L'exposition monographique de Migliori (du 15 octobre au 10 avril) confirme la vocation de la Reggia comme lieu d'accueil de grands événements photographiques, dans la lignée des expositions de Michael Kenna, Ferdinando Scianna et Carla Cerati. L'exposition comprend 86 œuvres inédites de Nino Migliori, presque toutes des portraits d'artistes qu'il a fréquentés, réalisées entre les années 1950 et aujourd'hui, qui permettent de retracer, à travers les différentes techniques adoptées, les recherches et les explorations du médium photographique menées au cours de plus de soixante-dix ans d'activité. L'exposition, organisée par Sandro Parmiggiani, sous la direction d'Antonella Balestrazzi, est accompagnée d'un catalogue bilingue (italien/anglais).

L'exposition se compose de cinq sections : les portraits en noir et blanc, commencés dans les années 1950, lorsque Migliori était à Venise et fréquentait la maison de Peggy Guggenheim, et développés jusqu'à ces dernières années ; les images en couleur dans lesquelles il opère souvent une dislocation des plans et parfois découpe des images et les relocalise dans l'espace les séquences d'images extraites du médium télévisuel et conçues comme des photogrammes en devenir ; les grandes "transfigurations" en couleur (100 x 100 cm) dans lesquelles Migliori intervient "picturalement" sur l'image ; les récents portraits en noir et blanc "à la lueur des allumettes", qui reprennent certaines de ses reconnaissances effectuées sur des sculptures "à la lueur des bougies". Nombreux sont les protagonistes de la scène artistique que les visiteurs de l'exposition reconnaîtront à travers leurs portraits : Enrico Baj, Vasco Bendini, Agenore Fabbri, Gianfranco Pardi, Guido Strazza, Sergio Vacchi, Luciano De Vita, Salvatore Fiume, Virgilio Guidi, Piero Manai, Man Ray, Luciano Minguzzi, Zoran Music, Luigi Ontani, Robert Rauschenberg, Ferdinando Scianna, Tancredi Parmeggiani, Ernesto Treccani, Emilio Vedova, Lamberto Vitali, Andy Warhol, Wolfango, Italo Zannier ; Antonio Gades, Bruno Saetti, Lucio Saffaro, Alberto Sughi, Emilio Tadini ; Eugenio Montale, Gian Maria Volonté, Giovanni Romagnoli et Franco Gentilini ; Karel Appel, Enzo Mari, Fausto Melotti, Tonino Guerra, Pompilio Mandelli, Marisa Merz, Bruno Munari, Fabrizio Plessi, Arnaldo Pomodoro, Lucio Del Pezzo ; Mario Botta, Ugo Nespolo, Elisabetta Sgarbi.

"Devant les photographies de Nino Migliori, il faut se rappeler - souligne le commissaire Sandro Parmiggiani - qu'avec lui rien n'est acquis : l'appareil photo, le film (et maintenant le support numérique), les papiers sur lesquels les images sont imprimées ne sont pas soumis à une fonction préétablie, mais peuvent toujours être redéfinis et explorés dans de nouvelles directions. Depuis 1948, Migliori est un chercheur acharné des possibilités offertes par le support, les procédés techniques et les matériaux de la photographie ; En plus d'être l'auteur de splendides photographies néoréalistes - beaucoup se souviendront de l'icône du Plongeur, 1951 -, il a également expérimenté les brûlures sur film et celluloïd, les expériences sur papier et sur verre, les photographies de murs et d'affiches, la recherche de la "face cachée" des polaroïds, les expériences récentes avec des kaléidoscopes de différentes tailles (deux des portraits de l'exposition ont été réalisés avec cette technique) : des recherches et des vérifications inépuisables alimentées par les visions et les expériences que cette sorte d'artiste-photographe-chaman a menées au cours de son voyage dans la photographie. Il serait donc réducteur de le définir comme un "photographe", car Migliori n'a jamais conçu le médium photographique comme un simple outil permettant de se conformer aux statuts et aux canons de la photographie - "une image qui fixe la réalité, dans un moment de son devenir" -, mais comme quelque chose qui pourrait lui permettre d'approcher certaines visions qui l'intriguent depuis toujours. Il suffit de penser à ses expériences depuis 2006, lorsqu'il a décidé de photographier le Zooforo, l'impressionnant bestiaire médiéval sculpté par Benedetto Antelami sur le baptistère de la cathédrale de Parme, en imaginant de restituer la vision nocturne que les habitants de la ville, et ses visiteurs, pouvaient en avoir, en passant devant la tour octogonale et en découvrant, à la lumière des torches, les formes fantastiques qui s'enroulent autour de son périmètre, en recréant dans la nuit, avec des couvertures appropriées, une obscurité profonde et en approchant et en déplaçant lentement une bougie vers les tuiles, jusqu'à découvrir leur face secrète. Cette expérience a donné lieu à des cycles au cours desquels Migliori a photographié des monuments et des sculptures en l'absence de lumière, et a réalisé des portraits de personnes dans l'obscurité absolue, leur visage étant éclairé par la lumière d'une allumette, comme le montrent certaines photographies de l'exposition Colorno.

Nino Migliori est né en 1926 à Bologne, où il vit et travaille toujours. Il commence à photographier en 1948, alternant la photographie néo-réaliste et formaliste avec l'expérimentation et la recherche, basées sur des techniques inventées et affinées par lui-même, qui le conduisent à des expressions souvent proches des vicissitudes de la peinture (comme l'informel) et à des expériences conceptuelles. Dans les années 1950, ami de Tancredi et d'Emilio Vedova, il fréquente la maison de Peggy Guggenheim à Venise, tandis qu'à Bologne il se lie avec des artistes tels que Vasco Bendini, Vittorio Mascalchi et Luciano Leonardi. En 1977, le CSAC (Centre d'études et d'archives de la communication) de l'université de Parme lui consacre sa première grande exposition anthologique, sous la direction de son fondateur, Arturo Carlo Quintavalle ; depuis 1978, Migliori enseigne l'histoire de la photographie au cours supérieur d'histoire de l'art de l'université de Parme ; au fil des ans, il a fait don d'un nombre considérable d'œuvres au CSAC. En 1979, il organise un cours mémorable dans le cadre de la manifestation "Venice 79 Photography", sous le patronage de l'Unesco et de l'International Center of Photography de New York, avec pour programme l'expérimentation hors caméra. En 1982, Migliori crée Abrecal - Gruppo Ricerca Percezione Globale (1982-1991), qui s'adresse surtout aux jeunes et se rattache à la poétique futuriste dans le sens de la rupture avec les schémas préétablis et de la liberté d'expression : son nom est d'ailleurs l'inverse de "Lacerba". Depuis les années 1970, il anime des ateliers et enseigne fréquemment dans des écoles de différents niveaux (y compris des jardins d'enfants) et des institutions muséales.

En 2016, l'artiste a créé la "Nino Migliori Foundation".

“Nino Migliori. L’arte di ritrarre gli artisti” è la special guest della edizione ’22 di “Colornophotolife”, l’annuale festival di fotografia accolto dalla Reggia che fu di Maria Luigia d’Austria, a Colorno nel parmense.

La monografica di Migliori (dal 15 ottobre al 10 aprile) conferma la vocazione della Reggia a connotarsi come sede di grandi eventi fotografici, sulla scia delle mostra qui riservate a Michael Kenna, Ferdinando Scianna e Carla Cerati. Di Nino Migliori si possono ammirare 86 opere inedite, quasi tutte ritratti di artisti da lui frequentati, realizzate tra gli anni cinquanta ed oggi, che consentono di ripercorrere, attraverso le diverse tecniche adottate, le ricerche e le esplorazioni del mezzo fotografico condotte nel corso di oltre settant’anni di attività. L’esposizione, a cura di Sandro Parmiggiani, con la direzione di Antonella Balestrazzi, è accompagnata da un catalogo bilingue (italiano/inglese).

Cinque le sezioni: i ritratti in bianco e nero, avviati negli anni ‘50, quando Migliori è a Venezia e frequenta la casa di Peggy Guggenheim, e sviluppati fino agli anni recenti; le immagini a colori nelle quali spesso opera una dislocazione dei piani e talvolta ritaglia le immagini e le ricolloca nello spazio; le sequenze di immagini tratte dal mezzo televisivo e concepite come fotogrammi in divenire; le grandi “trasfigurazioni” (100 x 100 cm) a colori in cui Migliori interviene “pittoricamente” sull’immagine; i ritratti recenti in bianco e nero “a lume di fiammifero”, che applicano alcune sue ricognizioni condotte su sculture “a lume di candela”. Molti sono i protagonisti della scena artistica che i visitatori della mostra riconosceranno attraverso i loro ritratti: tra gli altri, Enrico Baj, Vasco Bendini, Agenore Fabbri, Gianfranco Pardi, Guido Strazza, Sergio Vacchi, Luciano De Vita, Salvatore Fiume, Virgilio Guidi, Piero Manai, Man Ray, Luciano Minguzzi, Zoran Music, Luigi Ontani, Robert Rauschenberg, Ferdinando Scianna, Tancredi Parmeggiani, Ernesto Treccani, Emilio Vedova, Lamberto Vitali, Andy Warhol, Wolfango, Italo Zannier; Antonio Gades, Bruno Saetti, Lucio Saffaro, Alberto Sughi, Emilio Tadini; Eugenio Montale, Gian Maria Volonté, Giovanni Romagnoli e Franco Gentilini; Karel Appel, Enzo Mari, Fausto Melotti, Tonino Guerra, Pompilio Mandelli, Marisa Merz, Bruno Munari, Fabrizio Plessi, Arnaldo Pomodoro, Lucio Del Pezzo; Mario Botta, Ugo Nespolo, Elisabetta Sgarbi.

“Davanti alle fotografie di Nino Migliori occorre ricordare –evidenzia il Curatore, Sandro Parmiggiani – che con lui nulla deve essere dato per scontato: la macchina fotografica, la pellicola (e ora il supporto digitale), le carte su cui vengono stampate le immagini non sono asservite a una funzione prestabilita, ma essa può sempre essere ridefinita ed esplorata in nuove direzioni. Migliori è stato, fin dal 1948, uno strenuo indagatore delle possibilità offerte dal mezzo, dai procedimenti tecnici e dai materiali della fotografia; oltre a essere autore di splendide fotografie neorealiste – molti ricordano l’icona de Il Tuffatore, 1951 –, lui si è cimentato con le bruciature sulla pellicola e sulla celluloide, con esperienze su carta e su vetro, con le fotografie di muri e di manifesti, con la ricerca della “faccia nascosta” delle polaroid, con le recenti esperienze con caleidoscopi di diverse dimensioni (due dei ritratti in mostra sono realizzati con questa tecnica): inesauste ricerche e verifiche alimentate dalle visioni e dagli esperimenti che questa sorta di artista-fotografo-sciamano ha condotto nel suo viaggio dentro la fotografia. Sarebbe dunque limitativa la definizione di “fotografo”, non avendo mai Migliori concepito il mezzo fotografico come mero strumento di conformità agli statuti e ai canoni della fotografia – “una immagine che fissa il reale, in un momento del suo divenire” –, ma qualcosa che poteva permettergli di avvicinarsi a certe visioni che da sempre lo hanno intrigato. Basta pensare alle esperienze condotte a partire dal 2006, quando decise di fotografare lo Zooforo, l’impressionante bestiario medievale scolpito da Benedetto Antelami sul Battistero del Duomo di Parma, immaginando di restituirne la visione notturna che ne potevano avere gli abitanti della città, e i suoi visitatori, passando accanto alla torre ottagonale e scoprendone, alla luce delle torce, le forme fantastiche che si snodavano lungo il suo perimetro, ricreando nella notte, con opportune coperture, un buio profondo e avvicinando e muovendo lentamente una candela alle formelle, fino a scoprirne il volto segreto. Da quell’esperienza sono nati cicli in cui Migliori ha fotografato nell’assenza di luce monumenti e sculture, e ha eseguito ritratti di persone nel buio assoluto, con i loro volti illuminati dalla luce di un fiammifero, come documentano alcune fotografie della mostra di Colorno.

Nino Migliori nasce a Bologna nel 1926, dove tuttora vive e lavora. Inizia a fotografare nel 1948, alternando la fotografia neorealista e formalista alle sperimentazioni e alle ricerche, sulla base di tecniche inventate e affinate da lui stesso, che lo conducono a espressioni spesso affini alle vicende della pittura (quali l’informale) e alle esperienze concettuali. Negli anni Cinquanta, amico di Tancredi e di Emilio Vedova, frequenta la casa di Peggy Guggenheim a Venezia, mentre a Bologna si lega ad artisti quali Vasco Bendini, Vittorio Mascalchi, Luciano Leonardi. Nel 1977 il CSAC (Centro studi e archivio della comunicazione) dell’Università di Parma gli dedica la sua prima grande mostra antologica, curata dal suo fondatore, Arturo Carlo Quintavalle; dal 1978 Migliori è docente di Storia della Fotografia al Corso di Perfezionamento di Storia dell’Arte dell’Università di Parma; allo CSAC dona negli anni un corpus consistente di opere. Nel 1979 tiene un memorabile corso nell’ambito della manifestazione “Venezia 79 La fotografia”, sotto il patrocinio dell’Unesco e dell’International Center of Photography di New York, avente come programma le sperimentazioni off-camera. Nel 1982 Migliori dà vita ad Abrecal – Gruppo Ricerca Percezione Globale (1982-1991), che si rivolge soprattutto ai giovani e che si riallaccia alla poetica futurista nel senso di rottura degli schemi precostituiti e della libertà di espressione: il nome è infatti l’inverso di “Lacerba”. Dagli anni Settanta dirige workshops, e si dedica con frequenza alla didattica in scuole di vario ordine e grado (comprese le scuole dell’infanzia) e in istituzioni museali.

Nel 2016 l’artista dà vita alla “Fondazione Nino Migliori”.

"Nino Migliori. The Art of Portraying Artists" is the special guest of the '22 edition of "Colornophotolife," the annual photography festival welcomed by the Reggia that once belonged to Maria Luigia of Austria, at Colorno in the Parma region.

The Migliori monograph (Oct. 15 to April 10) confirms the Reggia's vocation to connote itself as a venue for major photographic events, in the wake of the exhibitions here reserved for Michael Kenna, Ferdinando Scianna and Carla Cerati. By Nino Migliori, 86 unpublished works can be admired, almost all portraits of artists he frequented, made between the 1950s and today, which allow us to retrace, through the different techniques adopted, the research and explorations of the photographic medium conducted over more than seventy years of activity. The exhibition, curated by Sandro Parmiggiani, with the direction of Antonella Balestrazzi, is accompanied by a bilingual (Italian/English) catalog.

Five sections: the black-and-white portraits, started in the 1950s, when Migliori was in Venice and frequented Peggy Guggenheim's house, and developed up to recent years; the color images in which he often operates a dislocation of planes and sometimes cuts out images and relocates them in space; the sequences of images taken from the television medium and conceived as photograms in the making; the large color "transfigurations" (100 x 100 cm) in which Migliori intervenes "pictorially" on the image; the recent portraits in black and white "by matchlight," which apply some of his reconnaissance conducted on "candlelight" sculptures. Many are the protagonists of the art scene that visitors to the exhibition will recognize through their portraits: Enrico Baj, Vasco Bendini, Agenore Fabbri, Gianfranco Pardi, Guido Strazza, Sergio Vacchi, Luciano De Vita, Salvatore Fiume, Virgilio Guidi, Piero Manai, Man Ray, Luciano Minguzzi, Zoran Music, Luigi Ontani, Robert Rauschenberg, Ferdinando Scianna, Tancredi Parmeggiani, Ernesto Treccani, Emilio Vedova, Lamberto Vitali, Andy Warhol, Wolfango, Italo Zannier, among others; Antonio Gades, Bruno Saetti, Lucio Saffaro, Alberto Sughi, Emilio Tadini; Eugenio Montale, Gian Maria Volonté, Giovanni Romagnoli and Franco Gentilini; Karel Appel, Enzo Mari, Fausto Melotti, Tonino Guerra, Pompilio Mandelli, Marisa Merz, Bruno Munari, Fabrizio Plessi, Arnaldo Pomodoro, Lucio Del Pezzo; Mario Botta, Ugo Nespolo, Elisabetta Sgarbi.

"In front of the photographs of Nino Migliori it is necessary to remember -evidences the Curator, Sandro Parmiggiani- that with him nothing must be taken for granted: the camera, the film (and now the digital support), the papers on which the images are printed are not subservient to a pre-established function, but it can always be redefined and explored in new directions. Migliori has been, since 1948, a strenuous investigator of the possibilities offered by the medium, technical processes and materials of photography; in addition to being the author of splendid neo-realist photographs-many recall the iconic The Diver, 1951-he also experimented with burns on film and celluloid, with experiences on paper and glass, with photographs of walls and posters, with the search for the "hidden face" of Polaroids, and with recent experiments with kaleidoscopes of different sizes (two of the portraits in the exhibition are made with this technique): inexhaustible research and verification fueled by the visions and experiments that this sort of artist-photographer-shaman has conducted on his journey within photography. The definition of "photographer" would thus be limiting, as Migliori never conceived of the photographic medium as a mere instrument of conformity to the statutes and canons of photography-"an image that fixes reality, in a moment of its becoming"-but something that could allow him to approach certain visions that have always intrigued him. Just think of the experiences he had since 2006, when he decided to photograph the Zooforo, the impressive medieval bestiary sculpted by Benedetto Antelami on the Baptistery of Parma Cathedral, imagining to restore the nocturnal vision that the city's inhabitants, and its visitors, could have of it, passing by the octagonal tower and discovering, by the light of flashlights, the fantastic shapes winding around its perimeter, recreating in the night, with appropriate coverings, a deep darkness and approaching and slowly moving a candle to the tiles, until their secret face was revealed. From that experience came cycles in which Migliori photographed in the absence of light monuments and sculptures, and executed portraits of people in absolute darkness, with their faces illuminated by the light of a match, as some photographs in the Colorno exhibition document.

Nino Migliori was born in Bologna in 1926, where he still lives and works. He began photographing in 1948, alternating neorealist and formalist photography with experimentation and research, based on techniques invented and refined by himself, which led him to expressions often akin to the vicissitudes of painting (such as informal) and conceptual experiences. In the 1950s, a friend of Tancredi and Emilio Vedova, he frequented Peggy Guggenheim's house in Venice, while in Bologna he bonded with artists such as Vasco Bendini, Vittorio Mascalchi, and Luciano Leonardi. In 1977 the CSAC (Center for Studies and Archives of Communication) at the University of Parma dedicated its first major anthological exhibition to him, curated by its founder, Arturo Carlo Quintavalle; since 1978 Migliori has been a lecturer in the History of Photography at the University of Parma's Advanced Course in Art History; he donated a substantial body of works to the CSAC over the years. In 1979 he taught a memorable course as part of the event "Venice 79 Photography," under the sponsorship of Unesco and the International Center of Photography in New York, having off-camera experiments as its program. In 1982 Migliori gives birth to Abrecal - Gruppo Ricerca Percezione Globale (1982-1991), which is aimed mainly at young people and is linked back to Futurist poetics in the sense of breaking pre-established patterns and freedom of expression: the name is in fact the reverse of "Lacerba." Since the 1970s he has been running workshops, and frequently teaching in schools of various levels (including preschools) and museum institutions.

In 2016 the artist gives birth to the "Nino Migliori Foundation."