MuMa — Musée d’art moderne André Malraux | Le Havre
25. Mai – 22. September 2024

Photographier en Normandie (1840-1890). Un dialogue pionnier entre les arts

Die Ausstellung Fotografieren in der Normandie (1840-1890) im Musée d'art moderne André Malraux - MuMa. Ein bahnbrechender Dialog zwischen den Künsten soll die entscheidende Rolle der Normandie in den Anfängen der Fotografie beleuchten.

Die Ausstellung von Fotografien anlässlich der fünften Ausgabe von Normandie Impressionniste und speziell zum 150-jährigen Jubiläum der Bewegung macht Sinn, da Malerei und Fotografie enge Verbindungen unterhalten haben, die von einem Geist der Erfindung, des Wettbewerbs und der Innovation getragen wurden, der die Erneuerung und Vervielfältigung der Bilder im 19.

Die Ausstellung stellt Meisterwerke der Malerei und der Fotografie gegenüber, von den Pionieren über die größten Namen bis hin zu den Amateuren. Ikonische Werke stehen neben seltenen oder unbekannten Werken. Die Vielfalt der Formate und Techniken ermöglicht es, die außergewöhnliche technische Fülle dieser Anfänge der Fotografie zu verstehen. Auf den Wänden der Ausstellung werden Werke impressionistischer und vorimpressionistischer Maler aus den Sammlungen des MuMa oder großer Institutionen wie dem Musée d'Orsay oder den Museen der Schönen Künste von Amiens, Caen, Honfleur und Lyon (darunter Jongkind, Courbet, Dubourg, Boudin, Pissarro, Monet...) gezeigt. ) neben Fotografien von Hippolyte Bayard, Stéphanie Breton, Hippolyte Fizeau, Gustave Le Gray, Henri Le Secq, den Brüdern Macaire und Warnod, John Ruskin, William Henry Fox Talbot...

Als Experimentier- und Innovationsfeld für die größten Fotografen seit den 1840er Jahren, seien es Erfinder oder Künstler, ist die Normandie der ideale Ort, um den gegenseitigen Einfluss der Künste zu messen. Die Fotografie zeichnet ein reiches Erbe auf, dessen Zerbrechlichkeit und Bedeutung man sich damals bewusst war, verfolgt die Fortschritte bei der Umgestaltung der Küsten durch die Bäderarchitektur und die Ankunft reicher Sommergäste, sucht das Pittoreske der ländlichen Gegenden, wagt sich an Genreszenen und Seeansichten und bekräftigt damit sehr deutlich ihre künstlerischen Ambitionen.

Der Zeitraum, den die Ausstellung abdeckt, reicht von den ersten Jahren, in denen fotografische Techniken verbreitet wurden, bis zum Beginn einer neuen Ära, der des Kinos und der Demokratisierung der Fotografie, insbesondere durch Fotoclubs. Das bewegte Bild stand kurz vor dem Ende des Jahrhunderts, und die Gründung von Fotogesellschaften war ein Zeichen für die erneute Zugänglichkeit des Verfahrens. Die Vorläufer, Profis und aufgeklärten Amateure sind nicht mehr die einzigen Bildschöpfer. Eine andere Geschichte beginnt.

Présentée au Musée d’art moderne André Malraux – MuMa, l’exposition Photographier en Normandie (1840-1890). Un dialogue pionnier entre les arts a l’ambition de mettre en lumière le rôle décisif qu’a joué la Normandie dans les débuts de la photographie.

Exposer des photographies à l’occasion de la 5e édition de Normandie Impressionniste et spécialement pour les 150 ans du mouvement, a tout son sens, tant peinture et photographie ont entretenu des liens étroits, soustendus par un esprit d’invention, d’émulation et d’innovation qui présida au renouvellement et à la multiplication des images au XIXe siècle.

L’exposition confronte chefs-d’oeuvre de la peinture et de la photographie, des pionniers aux plus grands noms, en passant par les amateurs. Des oeuvres iconiques côtoient des oeuvres rares ou méconnues. La variété des formats et des techniques permet d’appréhender l’extraordinaire foisonnement technique de ces débuts de la photographie. Sur les cimaises de l’exposition, sont ainsi présentées des oeuvres de peintres impressionnistes et pré-impressionnistes issues des collections du MuMa ou de grandes institutions telles le musée d’Orsay ou les musées des Beaux-arts d’Amiens, de Caen, d’Honfleur et de Lyon (on y trouve entre autres Jongkind, Courbet, Dubourg, Boudin, Pissarro, Monet…) aux côtés de photographies d’Hippolyte Bayard, Stéphanie Breton, Hippolyte Fizeau, Gustave Le Gray, Henri Le Secq, des frères Macaire et Warnod, John Ruskin, William Henry Fox Talbot…

Terrain d’expérimentation et d’innovation pour les plus grands photographes dès les années 1840, qu’ils soient inventeurs ou artistes, la Normandie est le lieu idéal pour mesurer l’influence réciproque des arts. La photographie enregistre un riche patrimoine dont on mesure alors la fragilité et l’importance, suit les progrès de la transformation des côtes par l’architecture balnéaire et l’arrivée de riches estivants, recherche le pittoresque des campagnes, s’attaque aux scènes de genre et aux vues maritimes affirmant très clairement ses ambitions artistiques.

La période couverte par l’exposition s’étend des premières années où furent divulguées les techniques photographiques, jusqu’à l’aube d’une ère nouvelle, celle du cinéma et de la démocratisation de la photographie, via notamment les photo-clubs. L’image animée est alors proche de marquer la fin du siècle, et la création des sociétés photographiques traduit l’accessibilité renouvelée au procédé. Les précurseurs, les professionnels et amateurs éclairés ne sont plus les seuls créateurs d’images. Une autre histoire commence.

Presentata al Musée d'art moderne André Malraux - MuMa, la mostra Fotografare in Normandia (1840-1890). Un dialogo pionieristico tra le arti mira a mettere in luce il ruolo decisivo svolto dalla Normandia agli albori della fotografia.

Esporre fotografie in occasione della quinta edizione della Normandie Impressionniste, e soprattutto per il 150° anniversario del movimento, ha perfettamente senso, dato lo stretto legame tra pittura e fotografia, sostenuto da uno spirito di invenzione, emulazione e innovazione che ha portato al rinnovamento e alla moltiplicazione delle immagini nel XIX secolo.

La mostra riunisce capolavori della pittura e della fotografia, dai pionieri ai grandi nomi, passando per i dilettanti. Opere iconiche si affiancano a opere rare o poco conosciute. La varietà dei formati e delle tecniche esposte permette di comprendere la straordinaria profusione tecnica degli albori della fotografia. La mostra presenta opere di pittori impressionisti e pre-impressionisti provenienti dalle collezioni del MuMa e di altre importanti istituzioni come il Musée d'Orsay e il Musée des Beaux-arts di Amiens, Caen, Honfleur e Lione (tra cui opere di Jongkind, Courbet, Dubourg, Boudin, Pissarro e Monet), insieme a fotografie di Hélène Hervé e Jean-François Bélanger. ) accanto a fotografie di Hippolyte Bayard, Stéphanie Breton, Hippolyte Fizeau, Gustave Le Gray, Henri Le Secq, i fratelli Macaire e Warnod, John Ruskin, William Henry Fox Talbot e altri.

La Normandia è stata un focolaio di sperimentazione e innovazione fin dagli anni Quaranta del XIX secolo per alcuni dei più grandi fotografi del mondo, inventori o artisti, ed è il luogo ideale per misurare l'influenza reciproca delle arti. La fotografia ha registrato un ricco patrimonio di cui oggi possiamo apprezzare la fragilità e l'importanza, ha seguito la trasformazione della costa attraverso l'architettura balneare e l'arrivo di ricchi visitatori estivi, ha ricercato la campagna pittoresca, ha affrontato scene di genere e vedute marittime, affermando chiaramente le proprie ambizioni artistiche.

Il periodo coperto dalla mostra va dai primi anni di diffusione delle tecniche fotografiche all'alba di una nuova era, quella del cinema e della democratizzazione della fotografia, in particolare attraverso i fotoclub. L'immagine in movimento stava per segnare la fine del secolo e la creazione di società fotografiche rifletteva la rinnovata accessibilità del processo. I pionieri, i professionisti e i dilettanti illuminati non erano più gli unici creatori di immagini. Stava iniziando un'altra storia.

Presented at the Musée d'art moderne André Malraux - MuMa, the exhibition Photographing in Normandy (1840-1890). A pioneering dialogue between the arts aims to highlight the decisive role played by Normandy in the beginnings of photography.

Exhibiting photographs for the 5th edition of Normandie Impressionniste, and especially for the 150th anniversary of the movement, makes perfect sense, given the close links between painting and photography, underpinned by a spirit of invention, emulation and innovation that presided over the renewal and multiplication of images in the 19th century.

The exhibition brings together masterpieces of painting and photography, from pioneers to amateurs to the greatest names. Iconic works rub shoulders with rare or little-known works. The variety of formats and techniques on display reveals the extraordinary technical profusion of the early days of photography. The exhibition features works by Impressionist and pre-impressionist painters from the collections of the MuMa and major institutions such as the Musée d'Orsay and the Musée des Beaux-arts in Amiens, Caen, Honfleur and Lyon (including Jongkind, Courbet, Dubourg, Boudin, Pissarro, Monet... ) alongside photographs by Hippolyte Bayard, Stéphanie Breton, Hippolyte Fizeau, Gustave Le Gray, Henri Le Secq, the Macaire and Warnod brothers, John Ruskin, William Henry Fox Talbot...

A land of experimentation and innovation for the greatest photographers from the 1840s onwards, whether inventors or artists, Normandy is the ideal place to measure the reciprocal influence of the arts. Photography recorded a rich heritage, the fragility and importance of which was now being fully appreciated, kept pace with the transformation of the coast by seaside architecture and the arrival of wealthy summer visitors, sought out the picturesque countryside, and tackled genre scenes and maritime views, clearly asserting its artistic ambitions.

The period covered by the exhibition extends from the early years, when photographic techniques were first disseminated, to the dawn of a new era, that of cinema and the democratization of photography, notably through photo-clubs. The moving image was close to marking the end of the century, and the creation of photographic societies reflected the renewed accessibility of the process. Precursors, professionals and enlightened amateurs were no longer the only creators of images. Another story begins.

(Text: MuMa — Musée d’art moderne André Malraux, Le Havre)

La Maison du Regard | Le Havre
13. Mai - 15. Juli 2023

Looking for the Masters in Ricardo’s Golden Shoes
Catherine Balet

Diese Hommage wurzelt in einer grundlegenderen Reflexion über die Bedeutung der Selbstdarstellung und dem Wunsch, eine zeitgenössische Realität wiederzugeben, indem man Korrespondenzen mit den Werken der Vergangenheit schafft, immer mit Respekt vor dem Autor, und so in seiner Gesamtheit den Begriff der Erinnerung zu hinterfragen. Welchen Stellenwert hat die Erinnerung, wenn die rasante Entwicklung der Digitaltechnik und die Vorherrschaft der Smartphone-Fotografie den Begriff der Zeit auf den Kopf stellen? Dieses Gefühl der Fülle und der Frustration lädt dazu ein, über die Lebensdauer zeitgenössischer Bilder und die Natur der Kraft von Fotografien, die die Zeit überdauert haben, nachzudenken.

Die Serie "Looking for the Masters in Ricardo's Golden Shoes" beginnt mit einer Hommage an das erste Selbstporträt, das Robert Cornelius 1839 aufnahm, und endet mit den neuesten Trends in der zeitgenössischen Fotografie.

Catherine Balts anthropologischer Ansatz, die Strenge und Genauigkeit, die sie an den Tag legt, sowie die Zärtlichkeit und der Humor, die aus dieser Arbeit hervorgehen, machen diese Zusammenstellung zu einem absoluten Muss für jeden Fotoliebhaber.

"2009, an einem schönen Sommertag, wurde ich von einer Szene inspiriert: Mein Freund Ricardo saß vor einem Brötchen und trug an diesem Tag ein gestreiftes T-Shirt. Die Anspielung auf ein berühmtes Picasso-Porträt von Robert Doisneau war naheliegend. Aufgrund der Ähnlichkeit von Ricardo mit Picasso und der Komposition war die Szene beunruhigend. Dieser Anblick traf meinen Geist.

Später, im Juli 2013, traf ich Ricardo während des Festivals Rencontres d'Arles beim Frühstück wieder. Er trug sein berühmtes T-Shirt. Ich setzte ihn in Szene, zwei Croissants vor sich und hielt den Moment mit meinem iPad fest. Die Suche nach den Masters war zunächst ein Spiel. Unser Weg durch das Festival wurde dann zum Gegenstand fotografischer Rekonstruktionen, die die Autoren der besuchten Ausstellungen würdigten. Die Veröffentlichung auf Ricardos Facebook-Seite stieß auf so große Begeisterung, dass diese erste Initiative für mich zu einer grundlegenden Frage nach dem Sinn der Selbstdarstellung in der Realität anderer und nach der weit verbreiteten Aneignung von Bildern über das Internet wurde.

Was als Spiel begann, entwickelte sich schnell zu einem größeren Projekt, das die logische Folge meines künstlerischen Ansatzes war: die Übertragung einer zeitgenössischen Realität durch die Schaffung von Übereinstimmungen mit Werken aus der Vergangenheit und damit die Frage nach dem Begriff der Erinnerung. Welchen Platz nimmt sie ein, wenn die rasante Entwicklung der Digitaltechnik und die Vorherrschaft der Smartphone-Fotografie die Zeit umkrempeln? In einer Zeit, in der sich die Zirkulation von Bildern beschleunigt hat, sind diese nur noch eine Illusion von Bildern, die unendlich reproduzierbar sind, bis jede Spur ihrer Quelle verloren geht. Dieses Gefühl der Fülle und der Frustration lud dazu ein, über die Lebensdauer des Bildes irgendwo zwischen dem Flüchtigen und dem Zeitlosen, zwischen dem maßlosen Betrachten und dem zufälligen Archivieren nachzudenken. Das weckte in mir den Wunsch, darüber nachzudenken, was eine Fotografie ikonisch macht, und ihr Wesen zu hinterfragen.

Denn in einem Übermaß an Pixeln ist die Zeit reif für die Faszination von "Vintage"-Drucken. Vielleicht spiegelt sie einfach nur die Frage eines Augenblicks angesichts der digitalen Revolution wider und ist Ausdruck der Ungewissheit über die Zukunft der Fotografie. Diese Frage hat mich dazu veranlasst, mein Projekt auf die zeitgenössische Entwicklung des Mediums auszuweiten. Es ist klar, dass das Gefühl der Nostalgie heute im Mittelpunkt steht und eine Tendenz zur Wiederaneignung alter Bilder hervorruft - es wird gestickt, geschnitzt und auf dem Papier gekratzt, bis die Identität der Bilder verschwindet.

Um diese Serie zu realisieren, habe ich selbst die Herausforderung angenommen, das große und faszinierende Repertoire zu nutzen, das die fortschrittlichen Bildbearbeitungstechnologien bieten. Ich habe hartnäckig versucht, die Beschaffenheit der Körnung, den Hautton und die Substanz der Originalabzüge zu übersetzen, um die Richtigkeit der Emulsion des Films als Träger von Emotionen wiederherzustellen.

Trotz dieser vielen Fragen war ich vor allem von dem Wunsch beseelt, die Kraft und Schönheit ikonischer Fotografien zu erforschen und ihre Autoren zu ehren. Sie durch die künstlerische Komplizenschaft meines Freundes Ricardo zu verkörpern, einem großzügigen Wesen mit leuchtender Haut, das goldene Schuhe trägt. Diese goldenen Schuhe durchlaufen 176 Jahre Fotografiegeschichte. Sie verkörpern symbolisch die geheimnisvolle fotografische Alchemie, die das Licht und die Emotionen auf dem Papier eingefroren hat, um sie für immer unveränderlich zu machen."

Cet hommage prend ses racines dans une réflexion plus fondamentale sur le sens de la représentation de soi et le désir de retranscrire une réalité contemporaine en créant des correspondances avec les oeuvres du passé, toujours dans le respect de l’auteur, et ainsi interroger dans sa globalité la notion de mémoire. Quelle est la place de la mémoire quand l’évolution foudroyante de la technologie numérique et la suprématie de la photographie au smartphone bouleversent la notion dutemps ? Cette sensation de profusion et de frustration invite à réfléchir sur la durée de vie de l’image contemporaine et sur la nature de la force des photographies qui ont traversé le temps.

La série « Looking for the Masters in Ricardo’s Golden Shoes » commence par un hommage au premier autoportrait, réalisé par Robert Cornélius en 1839 et se termine avec les dernières tendances photographiques contemporaines.

L’approche anthropologique de Catherine Balet, la rigueur et la précision dont elle fait preuve, tout comme la tendresse et l’humour qui se dégagent de ce travail, font de cet ensemble un must absolu pour tout amateur de photographie.

« En 2009, par une belle journée d’été, j’ai été inspirée par une scène: mon ami Ricardo était attablé devant un petit pain et portait, ce jour-là, un t-shirt rayé. La référence à un célèbre portrait de Picasso réalisé par Robert Doisneau s’imposait. Par la ressemblance de Ricardo à Picasso et par sa composition, la scène était troublante. Cette vision frappa mon esprit.

Plus tard, en juillet 2013, lors du festival des Rencontres d’Arles, je retrouvais Ricardo au petit déjeuner. Il portait son fameux t-shirt. Je le mis en scène, deux croissants devant lui et captais le moment à l’aide de mon iPad. La recherche des Masters fut un jeu dans un premier temps. Notre parcours durant ce festival devint alors l’objet de reconstitutions photographiques, rendant hommage aux auteurs des expositions visitées. Leur publication sur la page Facebook de Ricardo suscita un tel engouement que cette première initiative pris pour moi la forme d’une interrogation fondamentale sur le sens de la représentation de soi, puisée dans la réalité des autres, et sur l’appropriation à grande échelle des images via Internet.

Ce qui avait commencé comme un jeu s’imposa très vite comme un projet de plus grande envergure s’inscrivant dans la suite logique de ma démarche artistique : celle de retranscrire une réalité contemporaine en créant des correspondances avec les oeuvres du passé et ainsi interroger la notion de mémoire. Quelle est sa place quand l’évolution foudroyante de la technologie numérique et la suprématie de la photographie au smartphone bouleversent le temps ? À l’heure où la circulation de l’image s’est accélérée, celle-ci n’est plus qu’illusion d’image, reproductible à l’infini jusqu’à perdre toute trace de sa source. Cette sensation de profusion et de frustration invitait à réfléchir sur la durée de vie de l’image quelque part entre le fugitif et l’intemporel, entre le visionnage immodéré et l’archivage aléatoire. Cela éveilla chez moi le désir de réfléchir à ce qui rend une photographie iconique et d’interroger son essence.

Car dans un trop plein de pixels, l’heure est à la fascination pour les tirages « vintages ». Peut-être reflète-t-elle simplement le questionnement d’un moment face à la révolution numérique et traduit-t-elle l’incertitude sur l’avenir de la photographie. Cette interrogation m’a amenée à élargir mon projet à l’évolution contemporaine du médium. Il est clair que le sentiment de nostalgie est aujourd’hui au centre des préoccupations et engendre une tendance à la ré-appropriation de vieilles images - on brode, on taillade et on gratte le papier jusqu’à en faire disparaitre l’identité.

Pour réaliser cette série, j’ai moi-même pris le défi d’utiliser le vaste et fascinant répertoire qu’offrent les technologies avancées de traitement d’image. J’ai cherché obstinément à traduire la nature du grain, la carnation de la peau et la substance des tirages originaux afin de recréer la justesse de l’émulsion du film, vecteur d’émotion.

Malgré ces nombreuses questions, j’ai surtout été habitée par un désir d’explorer la force et la beauté des photographies iconiques et celui de rendre hommage à leurs auteurs. Les incarner par la complicité artistique de mon ami Ricardo, être généreux à la peau lumineuse, qui porte des chaussures dorées. Ces chaussures dorées parcourent 176 ans d’histoire de la photographie. Elles incarnent, symboliquement, la mystérieuse alchimie photographique qui a figé sur le papier la lumière et les émotions afin de les rendre à jamais inaltérables. »

Questo omaggio affonda le sue radici in una riflessione più fondamentale sul significato dell'autorappresentazione e sul desiderio di ritrascrivere una realtà contemporanea creando corrispondenze con le opere del passato, sempre nel rispetto dell'autore, e mettendo così in discussione la nozione di memoria nella sua interezza. Qual è il posto della memoria quando l'evoluzione fulminea della tecnologia digitale e la supremazia della fotografia da smartphone sconvolgono la nozione di tempo? Questo senso di profusione e frustrazione invita a riflettere sulla durata dell'immagine contemporanea e sulla natura del potere delle fotografie che hanno superato la prova del tempo.

Looking for the Masters in Ricardo's Golden Shoes" inizia con un omaggio al primo autoritratto di Robert Cornelius del 1839 e termina con le ultime tendenze fotografiche contemporanee.

L'approccio antropologico di Catherine Balet, il rigore e la precisione che dimostra, così come la tenerezza e l'umorismo che emergono da questo lavoro, rendono questo cofanetto un must assoluto per ogni amante della fotografia.

"Nel 2009, in una bella giornata d'estate, sono stata ispirata da una scena: il mio amico Ricardo era seduto davanti a un panino e quel giorno indossava una maglietta a righe. Il riferimento a un famoso ritratto di Picasso di Robert Doisneau era evidente. La somiglianza di Ricardo con Picasso e la composizione della scena erano inquietanti. Questa visione mi colpì.

Più tardi, nel luglio 2013, durante il festival dei Rencontres d'Arles, ho trovato Ricardo a colazione. Indossava la sua famosa maglietta. L'ho messo in scena, con due croissant davanti a lui e ho immortalato il momento con il mio iPad. All'inizio la ricerca dei Maestri era un gioco. Il nostro viaggio durante il festival è diventato oggetto di ricostruzioni fotografiche, rendendo omaggio agli autori delle mostre che abbiamo visitato. La loro pubblicazione sulla pagina Facebook di Ricardo è stata così popolare che questa prima iniziativa è diventata per me una fondamentale interrogazione sul significato dell'auto-rappresentazione, tratta dalla realtà altrui, e sull'appropriazione su larga scala delle immagini via Internet.

Quello che era iniziato come un gioco è diventato ben presto un progetto più ampio, in linea con la logica del mio approccio artistico: quella di ritrascrivere una realtà contemporanea creando corrispondenze con opere del passato e mettendo così in discussione la nozione di memoria. Qual è il suo posto quando l'evoluzione fulminea della tecnologia digitale e la supremazia della fotografia via smartphone sconvolgono il tempo? In un momento in cui la circolazione delle immagini si è accelerata, esse sono diventate nient'altro che l'illusione di un'immagine, riproducibile all'infinito fino a perdere ogni traccia della loro origine. Questa sensazione di profusione e frustrazione mi ha invitato a riflettere sulla durata di vita dell'immagine, a metà tra il fugace e il senza tempo, tra la visione smodata e l'archiviazione casuale. Ciò ha risvegliato in me il desiderio di riflettere su ciò che rende iconica una fotografia e di interrogarmi sulla sua essenza.

Infatti, in un eccesso di pixel, c'è un fascino per le stampe "vintage". Forse riflette semplicemente la messa in discussione di un momento di fronte alla rivoluzione digitale e all'incertezza sul futuro della fotografia. Questo interrogativo mi ha portato ad allargare il mio progetto all'evoluzione contemporanea del mezzo fotografico. È chiaro che il sentimento di nostalgia è oggi al centro delle preoccupazioni e genera la tendenza a riappropriarsi di vecchie immagini - ricamiamo, tagliamo e graffiamo la carta fino a farne sparire l'identità.

Per realizzare questa serie, ho accettato la sfida di utilizzare il vasto e affascinante repertorio offerto dalle tecnologie avanzate di elaborazione delle immagini. Ho cercato ostinatamente di tradurre la natura della grana, il tono della pelle e la sostanza delle stampe originali per ricreare l'accuratezza dell'emulsione cinematografica come veicolo di emozioni.

Nonostante questi numerosi interrogativi, ero soprattutto spinto dal desiderio di esplorare la forza e la bellezza delle fotografie iconiche e di rendere omaggio ai loro autori. Di incarnarle attraverso la complicità artistica del mio amico Ricardo, un essere generoso dalla pelle luminosa, che indossa scarpe d'oro. Queste scarpe d'oro coprono 176 anni di storia della fotografia. Incarnano simbolicamente la misteriosa alchimia fotografica che ha congelato la luce e le emozioni sulla carta per renderle per sempre inalterabili.

This homage is rooted in a more fundamental reflection on the meaning of self-representation and the desire to retranscribe a contemporary reality by creating correspondences with the works of the past, always respecting the author, and thus questioning the notion of memory in its entirety. What is the place of memory when the lightning evolution of digital technology and the supremacy of smartphone photography disrupt the notion of time? This sensation of profusion and frustration invites us to reflect on the lifespan of the contemporary image and on the nature of the strength of photographs that have stood the test of time.

Looking for the Masters in Ricardo's Golden Shoes" begins with a tribute to the first self-portrait by Robert Cornelius in 1839 and ends with the latest contemporary photographic trends.

Catherine Balet's anthropological approach, the rigor and precision she demonstrates, as well as the tenderness and humor that emerge from this work, make this set an absolute must for any photography lover.

"In 2009, on a beautiful summer day, I was inspired by a scene: my friend Ricardo was sitting in front of a bun, wearing a striped shirt. The reference to a famous portrait of Picasso by Robert Doisneau was obvious. The resemblance of Ricardo to Picasso and the composition of the scene were disturbing. This vision struck my mind.

Later, in July 2013, during the Rencontres d'Arles festival, I found Ricardo at breakfast. He was wearing his famous t-shirt. I staged him, two croissants in front of him and captured the moment with my iPad. The search for the Masters was a game at first. Our journey during this festival became the object of photographic reconstructions, paying tribute to the authors of the exhibitions we visited. Their publication on Ricardo's Facebook page was so popular that this first initiative became for me a fundamental questioning of the meaning of self-representation, drawn from the reality of others, and of the large-scale appropriation of images via the Internet.

What had started as a game quickly became a larger project, in line with the logic of my artistic approach: that of retranscribing a contemporary reality by creating correspondences with works of the past and thus questioning the notion of memory. What is its place when the lightning evolution of digital technology and the supremacy of smartphone photography disrupt time? At a time when the circulation of the image has accelerated, it is now only an illusion of image, infinitely reproducible until it loses all trace of its source. This sensation of profusion and frustration invited me to reflect on the life span of the image, somewhere between the fleeting and the timeless, between immoderate viewing and random archiving. This awakened in me the desire to reflect on what makes a photograph iconic and to question its essence.

Because in an overflow of pixels, the time is ripe for a fascination with "vintage" prints. Perhaps it simply reflects the questioning of a moment in the face of the digital revolution and translates the uncertainty about the future of photography. This questioning led me to broaden my project to the contemporary evolution of the medium. It is clear that the feeling of nostalgia is nowadays at the center of preoccupations and generates a tendency to re-appropriate old images - we embroider, we slash and we scratch the paper until the identity disappears.

To make this series, I myself took the challenge of using the vast and fascinating repertoire offered by advanced image processing technologies. I stubbornly sought to translate the nature of the grain, the skin tone and the substance of the original prints in order to recreate the accuracy of the film emulsion, a vector of emotion.

Despite these many questions, I was above all driven by a desire to explore the strength and beauty of iconic photographs and to pay tribute to their authors. To embody them through the artistic complicity of my friend Ricardo, a generous being with luminous skin, who wears golden shoes. These golden shoes cover 176 years of photographic history. They symbolically embody the mysterious photographic alchemy that has frozen light and emotions on paper to make them forever unalterable.

(Text: Catherine Balet)

MuMa - Musée d’art moderne André Malraux | Le Havre
26. November 2022 - 5. März 2023

météorologiques

Jocelyne Alloucherie, Israel Ariño, Geneviève Asse, Jean-Francis Auburtin, François Azambourg, Eugène Boudin, Éric Bourret, Colette Brunschwig, Samuel Buckman, Marc Corigliano, Henri-Edmond Cross, Raoul Dufy, Véronique Ellena, Othon Friesz, Marcelo Fuentès, Armand Guillaumin, Alexandre Hollan, Anne Jaillette, Jungjin Lee, Alfred-Marie Le Petit, Manuela Marques, Corinne Mercadier, Bernard Moninot, Sarah Moon, Josej Nadj, Jean-Baptiste Née, Françoise Nuñez, Bernard Plossu, François-Auguste Ravier, Auguste Renoir, Jacqueline Salmon, Claire Trotignon, Masao Yamamoto.

Der Titel Meteorologie stammt von Aristoteles' (4. Jahrhundert v. Chr.) Abhandlung über das Studium der Himmelsphänomene, die zwischen Erde und Mond auftreten, den Meteoren. Météorologiques wurde als offene Fortsetzung der dem Wind gewidmeten Ausstellung des letzten Sommers konzipiert und vereint Maler, Fotografen, Zeichner oder Videokünstler, deren Werke eine Sensibilität für das "Wetter, das wir machen" erkennen lassen. Damit wird die Frage nach der Darstellung der beweglichen, instabilen und vergänglichen Auswirkungen von "Dingen, die nicht gemalt werden können" weitergeführt und auf zeitgenössische Künstler und den Begriff der Vergänglichkeit ausgedehnt.

Der nach dem Prinzip der Wahlverwandtschaften konzipierte Rundgang bevorzugt poetische und formale Annäherungen zwischen Künstlern aus verschiedenen Epochen (die ältesten, wie Boudin, Renoir, Dufy..., stammen aus den Sammlungen des MuMa), die eine gemeinsame Sensibilität und ein gemeinsames Interesse für atmosphärische Phänomene und ihre unterschiedlichsten Erscheinungsformen verbindet.

So finden die Himmelsstudien von Eugène Boudin ein Echo in den Zeichnungen von Bernard Moninot, der in einer Art Wettertagebuch Stunde um Stunde die Bewegung der Wolken festhält. Auch die Fotografien von Jacqueline Salmon, Jocelyne Alloucherie und Jungjin Lee, die Zeichnungen von Jean-Baptiste Née und die Gemälde von Geneviève Asse sind eine Antwort auf die flüchtigen Aufnahmen eines Claude Monet, der den Weg des Augenblicks erforschte. Der Wind, der die Bäume und Wiesen bewegt, das Geäst verformt und schnitzt, die Blätter verweht und den Sand am Strand aufwirbelt, findet sich in den fantastischen neoimpressionistischen Zeichnungen von Henri-Edmond Cross, den Kohlezeichnungen von Alexandre Hollan, den Pastellbildern von Jean-Francis Auburtin oder den Fotografien von Josej Nadj, Véronique Ellena und Éric Bourret.

Der Wind lädt sich unverhofft ein, um besser mit den Dingen und den Menschen zu spielen. Bei Samuel Buckman treibt er ein Baumblatt in einen endlosen Herbstreigen. Wird es ihm endlich gelingen, sich vom Ast zu lösen und seinen letzten Flug anzutreten? Im Moment schaukelt es, dreht sich, ist hartnäckig, stur! Der Wind von Claire Trotignon ist ein Ikonoklast, der die Welt in Stücke reißt, sie fragmentiert, zerstreut und fröhlich macht. Er spielt schelmisch Verstecken mit einem kleinen Mädchen (Corinne Mercadier) oder mit einer pomadigen Wolke, die sich bei Yamamoto in Form einer Rauchfahne aus einer Fabrik vergnügt. Und François Azamburgs Drachenzeichnungen, Wolkenköder, warten auf den Moment, in dem sie sich endlich hoch oben am Himmel zu ihnen gesellen können.

Der Nebel verwischt wie der Regen die Formen, die durch die Wirkung des Rinnsals oder eines umhüllenden, leuchtenden oder perlenden Schleiers verschwimmen. Die Landschaft scheint zu so vielen Wassertropfen zu schmelzen oder sich in leichten Dampf aufzulösen (Armand Guillaumin, Marcelo Fuentès, Israel Ariño, Anne Jaillette, Françoise Nuñez oder Marc Corigliano...). Der Reif oder der Beschlag auf der Scheibe spielt mit dem Schein, entwirklicht die Welt, die uns umgibt, noch radikaler, um ein Theater aus Licht und Schatten, aus Zeichen, deren Sinn sich entzieht (Manuela Marques) und auf die andere Seite des Spiegels führt, anzudeuten. Daher ist es nicht verwunderlich, dass sich die Pompons der Mimose in Schneeflocken verwandeln. (Sarah Moon).

Die Ausstellung lädt zu einer Reise ein und lässt den Fotografen Bernard Plossu uns mit dem Wind und den zahlreichen Landschaften, die er sein Leben lang durchquert hat, mitreißen. Hier nehmen die von Saint-John Perse besungenen großen Winde Gestalt an: "C'étaient de très grands vents sur toutes les faces de ce monde / De très grands vents en liesse par le monde, qui n'avaient d'aire ni de gîte..." (Es waren sehr große Winde auf allen Seiten dieser Welt / De très grands vents en liesse par le monde, qui n'avaient d'aire ni de gîte...). (Vents, 1946). Von Kalifornien bis Italien, von Mexiko bis Spanien oder Portugal, von Nord- bis Südfrankreich scheint Bernard Plossu die Welt bereist zu haben, um die zahlreichen Manifestationen des Meteors in ihrer unendlichen Vielfalt einzufangen, der das Bild des Atems, der Bewegung, des Lebens selbst ist...

Kuratierung der Ausstellung: Annette Haudiquet, Chefkonservatorin des Kulturerbes, Direktorin des MuMa, Jacqueline Salmon, Fotografin, Jean-Christian Fleury, Kunstkritiker und Ausstellungskurator.

Météorologiques emprunte son titre au traité d’Aristote (IVe siècle av. J.-C.) consacré à l’étude des phénomènes célestes qui se produisent entre la Terre et la Lune, les météores. Imaginé comme une suite ouverte de l’exposition de l‘été dernier consacrée au vent, Météorologiques réunit des peintres, photographes, dessinateurs ou vidéastes dont les œuvres révèlent une sensibilité au « temps qu’il fait ». Elle prolonge ainsi la question de la représentation des effets mouvants, instables, éphémères de « cela qui ne peut être peint », en l’ouvrant plus largement aux artistes contemporains et à la notion d’impermanence.

Le parcours, conçu sur le mode des affinités électives, privilégie des rapprochements poétiques et formels entre des artistes d’époques différentes (les plus anciens, comme Boudin, Renoir, Dufy… provenant des collections du MuMa), unis par une sensibilité et un intérêt communs pour les phénomènes atmosphériques et leurs manifestations les plus diverses.

Ainsi les études de ciel d’Eugène Boudin trouvent-elles un écho dans les dessins de Bernard Moninot qui consigne, heure après heure, le mouvement des nuées dans une sorte de journal météorologique. De même, les photographies de Jacqueline Salmon, de Jocelyne Alloucherie ou de Jungjin Lee, les dessins de Jean-Baptiste Née, ou encore les peintures de Geneviève Asse répondent-ils aux captations fugaces d’un Claude Monet explorant la voie de l’instantanéité. Le vent qui agite les arbres et les prés, déforme et sculpte les ramures, fait voleter les feuilles, soulève le sable sur la plage… se retrouve dans les fantastiques dessins néo-impressionnistes d’Henri-Edmond Cross, les fusains d’Alexandre Hollan, les pastels de Jean-Francis Auburtin, ou les photographies de Josej Nadj, Véronique Ellena et d’Éric Bourret.

Le vent s’invite à l’improviste pour mieux se jouer des choses et des êtres. Chez Samuel Buckman, il entraîne une feuille d’arbre dans une ronde automnale sans fin. Parviendra-t-elle enfin à se détacher de la branche pour entamer son ultime vol ? Pour l’instant elle se balance, virevolte, tenace, Têtue ! Iconoclaste, le vent de Claire Trotignon fait voler le monde en éclats, le fragmente, l’éparpille, joyeusement. Malicieux, il joue à cache-cache avec une petite fille (Corinne Mercadier), ou avec un nuage pommelé qui s’encanaille chez Yamamoto sous la forme d’un panache de fumée d’usine. Quant aux dessins cerfs-volants de François Azambourg, leurres de nuages, ils attendent le moment où ils pourront enfin les rejoindre haut dans le ciel.

La brume, comme la pluie, brouille les formes qui s’estompent, sous l’effet du ruissellement ou d’un voile enveloppant, lumineux ou perlé. Le paysage semble fondre en autant de gouttes d’eau ou se dissoudre en vapeur légère (Armand Guillaumin, Marcelo Fuentès, Israel Ariño, Anne Jaillette, Françoise Nuñez ou Marc Corigliano…). Le givre ou la buée sur la vitre se joue des apparences, déréalise plus radicalement encore le monde qui nous entoure, pour suggérer un théâtre d’ombres et de lumières, de signes dont le sens échappe (Manuela Marques) et conduit de l’autre côté du miroir. Dès lors, on ne s’étonnera pas de voir des pompons du mimosa se transformer en flocons de neige (Sarah Moon).

Invitation au voyage, l’exposition laisse enfin le photographe Bernard Plossu nous emporter au gré du vent et au fil des nombreux paysages qu’il a traversés sa vie durant. Ici prennent forme ces grands vents chantés par Saint-John Perse : « C’étaient de très grands vents sur toutes les faces de ce monde / De très grands vents en liesse par le monde, qui n’avaient d’aire ni de gîte… » (Vents, 1946). De la Californie à l’Italie, du Mexique à l’Espagne ou au Portugal, du nord au sud de la France, Bernard Plossu semble avoir parcouru le monde pour mieux saisir, dans leur infinie variété, les nombreuses manifestations du météore, image même du souffle, du mouvement, de la vie…

Commissariat de l’exposition : Annette Haudiquet, conservateur en chef du Patrimoine, directrice du MuMa, Jacqueline Salmon, photographe, Jean-Christian Fleury, critique d’art et commissaire d'expositions.

Météorologiques prende il titolo dal trattato di Aristotele (IV secolo a.C.) sullo studio dei fenomeni celesti che si verificano tra la Terra e la Luna, le meteore. Concepita come una continuazione aperta della mostra dell'estate scorsa dedicata al vento, Météorologiques riunisce pittori, fotografi, artisti e videoartisti le cui opere rivelano una sensibilità per il "tempo". In questo modo estende la questione della rappresentazione degli effetti mobili, instabili ed effimeri di "ciò che non può essere dipinto", aprendola maggiormente agli artisti contemporanei e alla nozione di impermanenza.

La mostra, concepita secondo la modalità delle affinità elettive, favorisce confronti poetici e formali tra artisti di epoche diverse (i più antichi, come Boudin, Renoir, Dufy... dalle collezioni del MuMa), accomunati dalla sensibilità e dall'interesse per i fenomeni atmosferici e le loro più diverse manifestazioni.

Così gli studi sul cielo di Eugène Boudin trovano eco nei disegni di Bernard Moninot, che registrano il movimento delle nuvole ora per ora in una sorta di diario meteorologico. Allo stesso modo, le fotografie di Jacqueline Salmon, Jocelyne Alloucherie o Jungjin Lee, i disegni di Jean-Baptiste Née o i dipinti di Geneviève Asse rispondono alle fugaci catture di un Claude Monet che esplora il percorso dell'istantaneità. Il vento che scuote gli alberi e i prati, deforma e scolpisce i rami, fa volare le foglie, solleva la sabbia sulla spiaggia... si ritrova nei fantastici disegni neo-impressionisti di Henri-Edmond Cross, nei carboncini di Alexandre Hollan, nei pastelli di Jean-Francis Auburtin o nelle fotografie di Josej Nadj, Véronique Ellena ed Éric Bourret.

Il vento si invita inaspettatamente a giocare con le cose e le persone. Nell'opera di Samuel Buckman, trascina una foglia d'albero in un infinito giro autunnale. Riuscirà finalmente a staccarsi dal ramo per iniziare il suo ultimo volo? Per il momento, oscilla, volteggia, tenace, testardo! Iconoclasta, il vento di Claire Trotignon frantuma il mondo, lo frammenta, lo disperde, con gioia. Dispettoso, gioca a nascondino con una bambina (Corinne Mercadier), o con una nuvola colorata che si incanala a Yamamoto sotto forma di un pennacchio di fumo di fabbrica. Per quanto riguarda i disegni degli aquiloni di François Azambourg, i richiami delle nuvole attendono il momento in cui potranno finalmente raggiungerle in alto nel cielo.

La nebbia, come la pioggia, offusca le forme che svaniscono, sotto l'effetto del rivolo o di un velo avvolgente, luminoso o perlaceo. Il paesaggio sembra sciogliersi in altrettante gocce d'acqua o dissolversi in un vapore leggero (Armand Guillaumin, Marcelo Fuentès, Israel Ariño, Anne Jaillette, Françoise Nuñez o Marc Corigliano...). La brina o la nebbia sulla finestra gioca con le apparenze, de-realizza ancora più radicalmente il mondo che ci circonda, per suggerire un teatro di luci e ombre, di segni il cui significato sfugge (Manuela Marques) e conduce all'altro lato dello specchio. Non sorprende quindi vedere i fiocchi di mimosa trasformarsi in fiocchi di neve. (Sarah Moon).

Un invito al viaggio, la mostra permette finalmente al fotografo Bernard Plossu di accompagnarci con il vento e con i tanti paesaggi che ha attraversato nel corso della sua vita. Qui prendono forma i grandi venti cantati da Saint-John Perse: "Erano venti molto grandi da tutte le parti di questo mondo / Venti molto grandi che giubilavano per il mondo, che non avevano luogo né riparo..." (Vents, 1946). (Vents, 1946). Dalla California all'Italia, dal Messico alla Spagna o al Portogallo, dal nord al sud della Francia, Bernard Plossu sembra aver girato il mondo per meglio cogliere, nella loro infinita varietà, le molteplici manifestazioni della meteora, immagine stessa del respiro, del movimento, della vita...

Curatori della mostra: Annette Haudiquet, curatore capo del patrimonio, direttore del MuMa, Jacqueline Salmon, fotografa, Jean-Christian Fleury, critico d'arte e curatore della mostra.

The title “Meteorologica” is borrowed from a treatise by Aristotle written in the fourth century BC. The exhibition presents paintings, drawings, photographs and videos that reveal a particular artistic sensibility in response to the weather. The new hang is conceived as an extension of “The Wind”. It centres on the depiction of “air in movement” but opens out to include weather phenomena such as fog, dew, rain and white frost, whose effects determine our overall impression of a scene or a landscape. Although we have opted not to follow modern scientific typology, we decided it was legitimate to use the names of cloud formations, which have been and still are the object of countless studies by dedicated observers since Luke Howard proposed a system of classification at the beginning of the nineteenth century.

Alongside some of the contemporary artworks featured in the summer exhibition, a new group of artworks will be juxtaposed with works from MuMa’s collections by artists such as by Boudin, Dufy and Renoir. “Meteorologica” further explores the issue of how the shifting, unstable, fleeting effects of “that which cannot be painted” can be depicted, by expanding it to encompass additional contemporary artists and to include the notion of impermanence. The itinerary has been devised according to “elective affinities”. It will focus on poetic and formal similarities between artists from different eras who have a shared sensibility to and interest in atmospheric phenomena and their hugely varying expressions.

For instance, Eugène Boudin’s sky studies are echoed by Bernard Moninot’s drawings, which record cloud movements hour by hour like a sort of meteorological diary, while Jean-Baptiste Née’s drawings, Geneviève Asse’s paintings and photographs by Jacqueline Salmon, Jocelyne Alloucherie and Jungjin Lee answer Claude Monet’s attempts to capture particular moments in his exploration of the fleeting instant. The wind that buffets trees, bends and sculpts branches, sends ripples through fields of grass, whisks leaves into the air or sends sand scurrying along the beach is found in Henri-Edmond Cross’ fantastical neo-Impressionist works, Alexandre Hollan’s charcoal drawings, Jean-Francis Auburtin’s pastels and the photographs of Josej Nadj, Véronique Ellena and Éric Bourret.

The wind is an impromptu visitor: arriving suddenly with no warning offers it more scope to poke fun at things and people. In Samuel Buckman’s work, the wind whisks a leaf on a tree up into an endless autumn dance. Will the leaf never free itself from the branch and set off on its last flight? It swings to and fro and spins, stubbornly clinging on. Claire Trotignon’s iconoclastic wind fractures the world, merrily fragmenting it and scattering the pieces. The wind is mischievous, playing hide and seek with a little girl (in Corinne Mercadier) or a mackerel sky slumming it with an ersatz cloud in the form of a smoke-plume from a factory chimney (in Yamamoto). Meanwhile, François Azambourg's kite designs, like decoy clouds, await the moment when they can soar upwards and join the real clouds high up in the sky.

Mist and rain blur shapes, drenching them or enveloping them in a thick, luminous or pearly veil until they disappear. In the works of artists such as Armand Guillaumin, Marcelo Fuentes, Israel Ariño, Anne Jaillette, Françoise Nuñez and Marc Corigliano, the landscape seems to melt into so many drops of water or dissolve into a light vapour. In an even more radical transformation, the frost or condensation on a window mocks appearances, making the world around us seem unreal and suggesting a theatre of shadows, lights and signs whose meaning eludes us (Manuela Marques) and takes us to the other side of the mirror. After that, we are hardly surprised to see mimosa pompoms transformed into snowflakes (Sarah Moon).

Lastly, the exhibition invites us to join the photographer Bernard Plossu on his travels, letting him take us to the many landscapes he has photographed in a lifetime of going wherever the wind blows. These photographs give form to the great winds celebrated by Saint-John Perse: "These were very great winds over all the faces of this world / Very great winds rejoicing over the world, having neither eyrie nor resting-place..." (Vents, Saint-John Perse, 1946, published in English as Winds, 1953, tr. Hugh Chisholm). From California to Italy, from Mexico to Spain and Portugal, from the north to the south of France, Bernard Plossu seems to have roamed the entire world to capture the myriad, infinitely varied manifestations of the wind, which is the very image of breath, movement and life…

Exhibition curators: Annette Haudiquet, chief heritage curator, Director of MuMa; Jacqueline Salmon, photographer; Jean-Christian Fleury, art critic and exhibition curator.

(Text: MuMa - Musée d’art moderne André Malraux, Le Havre)