Chapelle Sainte-Victoire | Saint-Malo
18. Juni – 29. September 2024

Lee Miller – Saint-Malo assiégée 13-17 août 1944

"Lee Miller, Saint-Malo assiégée, 13-17 August 1944", anlässlich des 80. Jahrestags der Befreiung, an einem symbolträchtigen Ort des Kulturerbes in Saint-Malo, der Kapelle Sainte-Victoire, innerhalb der Stadtmauern.

Kurz nach Lee Millers (1907-1977) Tod entdeckten ihr Sohn Antony Penrose und seine Frau Suzanna zufällig ihre Vergangenheit als Model, surrealistische Künstlerin und Kriegsberichterstatterin, als sie aus einer Truhe auf dem Dachboden des Familienhauses ihr Typoskript und ihre Fotografien ausgruben, die von der Belagerung von Saint-Malo berichteten.

Obwohl sie eine der bedeutendsten Fotoreporterinnen des 20. Jahrhunderts war, wurde Lee Miller erst spät anerkannt. Ihre Reportagen aus Europa waren zwar erfolgreich gewesen - sie berichtete nach dem Krieg sogar in einer Art Siegestour über ihre Erfahrungen -, doch verfolgt von den Bildern des Krieges, war Lee bis zum Vergessen verstummt.

1942 erfuhr sie von ihrem Freund und Weggefährten, dem Life-Fotografen David E. Scherman (1916-1997), dass sie sich als US-Bürgerin um eine Stelle als Kriegsberichterstatterin bewerben konnte. Im Dezember wurde sie, was für eine Frau eine Seltenheit war, von der US-Armee akkreditiert. Sie erhielt Transportmöglichkeiten für ihr Filmmaterial, eine Unterkunft und die wichtigsten Vorräte der Armee und konnte sich an die Kriegsschauplätze begeben.

Ihre Fotos und Artikel wurden in der amerikanischen und britischen Ausgabe der Zeitschrift Vogue veröffentlicht.

Am 12. August 1944 landete sie am Omaha Beach, am 13. August kam sie in Saint-Malo an, um eine Reportage über die Abteilung für zivile Angelegenheiten zu machen; die Stadt wurde zu diesem Zeitpunkt belagert. Ausgestattet mit ihrer Lieblingswaffe, einer Rolleiflex, während es Frauen nicht erlaubt war, sich an die Frontlinie zu begeben, ging Lee so schnell wie möglich überall hin, dolmetschte (sie hatte vor dem Krieg mehrere Jahre in Frankreich gelebt) und half den Flüchtlingen. Sie beweist Tapferkeit und verfolgt den Vormarsch der Truppen. Sie macht entscheidende Aufnahmen - unter anderem von der Napalm-Bombardierung der Stadt Aleth (Bilder, die die britische Vogue zunächst guthieß, sich dann aber entschied, sie nicht zu zeigen) und von der Befreiung der Stadt.

Innerhalb von etwa fünf Tagen machte Lee etwa 300 Aufnahmen von Saint-Malo, aber auch von Cancale, Dinard, Dinan und Rennes, und verfasste Texte zu ihrer Reportage, die unter dem Titel "Saint-Malo... Die Belagerung und der Angriff... von Lee Miller von der Vogue... Als einzige Fotografin und Reporterin unter Beschuss" erschien.

« Lee Miller, Saint-Malo assiégée, 13-17 août 1944 », à l’occasion du 80e anniversaire de la Libération, dans un lieu patrimonial et symbolique de Saint-Malo, la chapelle Sainte-Victoire, intra-muros.

Peu après la mort de Lee Miller (1907-1977), son fils Antony Penrose et son épouse Suzanna découvrent fortuitement son passé de mannequin, d’artiste surréaliste et de correspondante de guerre, en exhumant d’une malle du grenier de la maison familiale son tapuscrit et ses photographies relatant le siège de Saint-Malo.

Bien qu’elle soit une des plus importantes photo-reporters du XXe siècle, Lee Miller a fait l’objet d’une reconnaissance tardive. Ses reportages en Europe avaient été certes un succès – elle avait même après-guerre relaté son expérience dans une sorte de tournée de la Victoire – hantée par les images de guerre, Lee s’était tue jusqu’à l’oubli.

En 1942, son ami et compagnon de route, le photographe de Life David E. Scherman (1916-1997) lui apprend qu’elle peut, en qualité de citoyenne américaine, poser sa candidature pour devenir correspondante de guerre. En décembre, fait rare pour une femme, elle est accréditée par l’armée américaine. Elle bénéficie ainsi des moyens de transport pour acheminer ses pellicules, d’un hébergement et des approvisionnements essentiels de l’armée, et peut se rendre sur les lieux des opérations.

Ses photos et ses articles sont publiés dans le magazine Vogue, édition américaine et britannique.

Débarquée le 12 août 1944 à Omaha Beach, le 13, elle arrive à Saint-Malo pour réaliser un reportage sur le service des Affaires civiles, la ville est alors assiégée. Munie de son arme de prédilection, un Rolleiflex, alors que les femmes ne sont pas autorisées à se rendre sur la ligne de front, Lee va partout dès que possible, sert d’interprète (elle avait vécu plusieurs années en France avant-guerre) et apporte son aide aux réfugiés. Elle fait preuve de bravoure, suit la progression des troupes. Elle enregistre des photos capitales – notamment le bombardement au napalm de la cité d’Aleth (images que le Vogue britannique approuve dans un premier temps avant de choisir de ne pas les montrer), puis de la libération de la ville.

En cinq jours environ, Lee réalise quelque trois cents clichés de Saint-Malo, mais aussi de Cancale, Dinard, Dinan et Rennes, et rédige des textes pour accompagner son reportage paru sous le titre de « Saint-Malo… Le siège et l’assaut… par Lee Miller, de Vogue… seule photographe et reporter présente sous les tirs », constituant ainsi un travail de documentation minutieux et un témoignage exceptionnel.

La mostra, intitolata "Lee Miller, Saint-Malo assiégée, 13-17 agosto 1944", è stata allestita in occasione dell'80° anniversario della Liberazione della Francia, nel luogo simbolo di Saint-Malo, la Chapelle Sainte-Victoire.

Poco dopo la morte di Lee Miller (1907-1977), il figlio Antony Penrose e la moglie Suzanna hanno scoperto il suo passato di modella, artista surrealista e corrispondente di guerra quando hanno riportato alla luce il suo dattiloscritto e le sue fotografie dell'assedio di Saint-Malo da un baule nella soffitta della casa di famiglia.

Nonostante sia stata una delle più importanti fotoreporter del XX secolo, Lee Miller è stata riconosciuta tardi. I suoi reportage dall'Europa erano stati certamente un successo - dopo la guerra aveva persino raccontato la sua esperienza in una sorta di Victory Tour - ma perseguitata dalle immagini della guerra, Lee era rimasta in silenzio fino a essere dimenticata.

Nel 1942, il suo amico e compagno di viaggio, il fotografo di Life David E. Scherman (1916-1997), le disse che, in quanto cittadina americana, poteva fare domanda per diventare corrispondente di guerra. A dicembre, con una mossa rara per una donna, fu accreditata dall'esercito americano. Questo le diede i mezzi per trasportare le sue pellicole, l'alloggio e le forniture essenziali dell'esercito e le permise di recarsi sul luogo delle operazioni.

Le sue foto e i suoi articoli furono pubblicati nelle edizioni americane e britanniche della rivista Vogue.

Sbarcata sulla spiaggia di Omaha il 12 agosto 1944, arrivò a Saint-Malo il 13 per fare rapporto al dipartimento degli Affari Civili, dato che la città era sotto assedio. Armata della sua arma preferita, una Rolleiflex, anche se alle donne non era permesso andare al fronte, Lee andò ovunque potesse, facendo da interprete (aveva vissuto in Francia per diversi anni prima della guerra) e aiutando i rifugiati. Dimostrò il suo coraggio e seguì i progressi delle truppe. Scattò alcune foto fondamentali, in particolare del bombardamento al napalm della città di Aleth (immagini che British Vogue inizialmente approvò prima di scegliere di non mostrarle), e poi della liberazione della città.

In circa cinque giorni, Lee scattò circa trecento foto di Saint-Malo, oltre che di Cancale, Dinard, Dinan e Rennes, e scrisse il testo che accompagnava il suo reportage, apparso con il titolo "Saint-Malo... L'assedio e l'assalto... di Lee Miller, di Vogue... l'unico fotografo e reporter presente sotto il fuoco", realizzando una documentazione meticolosa e una testimonianza eccezionale.

"Lee Miller, Saint-Malo assiégée, August 13-17, 1944", on the occasion of the 80th anniversary of the Liberation, in Saint-Malo's symbolic heritage site, the Chapelle Sainte-Victoire, intra-muros.

Shortly after the death of Lee Miller (1907-1977), her son Antony Penrose and his wife Suzanna discovered her past as a model, surrealist artist and war correspondent, when they unearthed her typescript and photographs of the siege of Saint-Malo from a trunk in the attic of the family home.

Despite being one of the most important photojournalists of the twentieth century, Lee Miller received belated recognition. Her reports from Europe had certainly been a success - after the war, she even recounted her experience in a sort of Victory Tour - but haunted by the images of war, Lee had fallen silent into oblivion.

In 1942, her friend and fellow Life photographer David E. Scherman (1916-1997) informed her that, as an American citizen, she could apply to become a war correspondent. In December, in a rare move for a woman, she was accredited by the US Army. This gave her the means of transporting her films, accommodation and essential army supplies, and enabled her to visit the scene of operations.

Her photos and articles were published in the American and British editions of Vogue magazine.

Disembarking on Omaha Beach on August 12, 1944, she arrived in Saint-Malo on the 13th to report on the Civil Affairs department in the besieged city. Armed with her weapon of choice, a Rolleiflex, even though women were not allowed to go to the front line, Lee went everywhere she could, acting as an interpreter (she had lived in France for several years before the war) and helping refugees. She showed her bravery, following the progress of the troops. She recorded vital photos - notably of the napalm bombardment of the city of Aleth (images that British Vogue initially approved of, before choosing not to show), then of the city's liberation.

In around five days, Lee took some three hundred photos of Saint-Malo, as well as of Cancale, Dinard, Dinan and Rennes, and wrote texts to accompany his report, published under the title "Saint-Malo... The siege and assault... by Lee Miller, of Vogue... the only photographer and reporter present under fire", thus constituting a meticulous work of documentation and an exceptional testimony.

L’Imagerie - centre d’art | Lannion
23. März – 15. Juni 2024

Au-delà des apparences
Bernard Descamps

Nach seinem Biologiestudium wurde Bernard Descamps 1975 voll und ganz Fotograf. Als unermüdlicher Reisender bereiste er ab den 1980er Jahren Afrika und Asien, um den Menschen und Kulturen in Marokko, Niger, Indien, Vietnam usw. zu begegnen. Obwohl er keine Reportage- oder Reisefotografie betreibt, hat er ein formal sehr gut durchdachtes Werk geschaffen, das sich umfassend mit dem Thema Landschaft befasst und sich sowohl mit der Art und Weise, wie diese dargestellt wird, als auch mit der Art und Weise, wie sie bewohnt wird, auseinandersetzt. Wenn er die Aka-Pygmäen in der Zentralafrikanischen Republik, die Fulbe im Norden Malis, die Fischer in Madagaskar oder die Berber im Hohen Atlas in Marokko fotografiert, richtet sich sein Blick auf ihre Präsenz in ihrer Umgebung, sei es im Wald, am Ufer oder in der Wüste.

In seinen Fotografien, die er in der Sahara aufnahm, machte er die Landschaft bereits zu einem mineralischen Raum, der als Wechsel von dunklen und hellen Massen gedacht war, die ihm zur Verfügung standen, um Bilder zu komponieren. Mit der Einführung des quadratischen Formats in den 1990er Jahren systematisierte er seine Arbeit, indem er den Bildausschnitt so nah wie möglich an die Elemente heranbrachte und in seinen Kompositionen mit dem Offscreen und dem Gleichgewicht zwischen Leere und Fülle spielte. An den Hängen des Ätna oder an der isländischen Küste tendieren seine Kompositionen dann immer mehr zur Abstraktion, bis der Berg, der Schnee und das Meer den gesamten Raum einnehmen. Die Fotografien von Bernard Descamps sind bewusst fragmentarisch und bilden so viele offene Türen zur Landschaft und ihren Trugbildern.

Après des études de biologie, Bernard Descamps devient pleinement photographe en 1975. Voyageur inlassable, il parcourt par la suite l’Afrique et l’Asie à partir des années 1980, à la rencontre de leurs habitants et de leurs cultures, que ce soit au Maroc, au Niger, en Inde, au Vietnam, etc. Sans pour autant proposer une photographie de reportage ou bien de voyage, il est l’auteur d’une oeuvre formelle très maîtrisée, qui porte de manière étendue sur la question du paysage, se souciant autant de comment celui-ci est représenté que des façons de l’habiter. Quand il photographie les Pygmées Aka en Centrafrique, les Peuls au nord du Mali, les pêcheurs à Madagascar ou encore les Berbères dans le Haut Atlas marocain, son regard se porte ainsi sur leur présence dans leur environnement, que ce soit la forêt, le rivage ou le désert

Dans ses photographies prises dans le Sahara, il faisait déjà du paysage un espace minéral pensé comme une alternance de masses sombres ou claires, à sa disposition pour composer des images. Avec l’adoption du format carré dans les années 1990, il systématise son travail de cadrage au plus près des éléments, jouant dans ses compositions sur le hors champ et sur l’équilibre entre les vides et les pleins. Le long des pentes de l’Etna ou au bord des côtes islandaises, ses compositions tendent alors de plus en plus vers l’abstraction, jusqu’à ce que la montagne, la neige et la mer occupent tout l’espace. Volontairement fragmentaires, les photographies de Bernard Descamps forment comme autant de portes ouvertes sur le paysage et ses mirages.

Dopo aver studiato biologia, Bernard Descamps è diventato fotografo a tutti gli effetti nel 1975. Viaggiatore instancabile, a partire dagli anni Ottanta ha attraversato l'Africa e l'Asia, incontrando persone e culture in Marocco, Niger, India, Vietnam e altrove. Sebbene la sua fotografia non sia un reportage o una fotografia di viaggio, ha prodotto un corpus di lavori di grande padronanza che si occupa ampiamente della questione del paesaggio, preoccupandosi tanto di come viene rappresentato quanto dei modi in cui viene abitato. Quando fotografa i Pigmei Aka nella Repubblica Centrafricana, i Peul nel nord del Mali, i pescatori del Madagascar o i Berberi dell'Alto Atlante marocchino, il suo sguardo è attratto dalla loro presenza nel loro ambiente, sia esso la foresta, la costa o il deserto.

Nelle sue fotografie scattate nel Sahara, aveva già trasformato il paesaggio in uno spazio minerale concepito come un'alternanza di masse scure e chiare, a disposizione per comporre le sue immagini. Con l'adozione del formato quadrato negli anni '90, ha sistematicamente inquadrato il suo lavoro il più vicino possibile agli elementi, giocando con il fuori campo e l'equilibrio tra pieni e vuoti nelle sue composizioni. Lungo le pendici dell'Etna o sulle coste dell'Islanda, le sue composizioni tendevano sempre più all'astrazione, fino a quando la montagna, la neve e il mare occupavano tutto lo spazio. Volutamente frammentarie, le fotografie di Bernard Descamps sono come tante porte che si aprono sul paesaggio e sui suoi miraggi.

After studying biology, Bernard Descamps became a full-fledged photographer in 1975. A tireless traveler, from the 1980s onwards he traveled throughout Africa and Asia, meeting people and cultures in Morocco, Niger, India, Vietnam and elsewhere. While not offering reportage or travel photography, he has produced a highly mastered formal body of work that deals extensively with the question of landscape, concerned as much with how it is represented as with the ways in which it is inhabited. When he photographs the Aka Pygmies in the Central African Republic, the Peuls in northern Mali, fishermen in Madagascar or Berbers in the Moroccan High Atlas, he focuses on their presence in their environment, be it forest, shore or desert.

In his photographs taken in the Sahara, he had already turned the landscape into a mineral space conceived as an alternation of dark and light masses, at his disposal for composing images. With the adoption of the square format in the 1990s, he systematized his work of framing as close as possible to the elements, playing with the off-camera and the balance between full and empty in his compositions. Along the slopes of Mount Etna or on the shores of Iceland, his compositions tend more and more towards abstraction, until the mountain, the snow and the sea occupy the whole space. Deliberately fragmentary, Bernard Descamps' photographs are like doors opening onto the landscape and its mirages.

(Text: L'Imagerie – centre d'art, Lannion)

L’Imagerie centre d’art | Lannion
24. Juni - 28. Oktober 2023

Résonances. La collection de l’Imagerie

1983 wurden im Anschluss an die Estivales photographiques du Trégor zwei Fotoabzüge von Philippe Salaün gekauft. Vierzig Jahre nach diesem ersten Kauf umfasst die Sammlung von L'Imagerie nun mehr als 800 Abzüge. Sie ist das Ergebnis des Willens derjenigen, die L'Imagerie betreiben, die Arbeit von Künstlern zu unterstützen, aber auch eine Spur des Aufenthalts dieser Fotografen in Lannion zu bewahren. Die Sammlung von L'Imagerie, die sowohl durch Schenkungen als auch durch Käufe direkt bei den Künstlern oder über Galerien zusammengestellt wurde, umfasst heute zahlreiche bedeutende Fotografen des 20. und frühen 21. Jahrhunderts, von denen einige in den nationalen öffentlichen Sammlungen nicht vertreten sind. Trotz ihrer Bedeutung - sowohl in Bezug auf den Umfang als auch auf die Qualität - wurde sie jedoch nur selten der Öffentlichkeit gezeigt, außer bei seltenen Gelegenheiten.

Die rund 100 Werke, die für diese Ausstellung ausgewählt wurden, ermöglichen es, sich der Sammlung anhand mehrerer Themen zu nähern, die sie durchziehen: Experimente und plastische Untersuchungen rund um das fotografische Bild, die Wiederbelebung der Dokumentarfotografie in den Jahren 1990-2000, die Bretagne als Land der Kreativität, das fotografische Selbstporträt und die Beziehung zur Malerei. Verschiedene Dokumente aus den Archiven des Kunstzentrums (Korrespondenz mit den Künstlern, Ausstellungsansichten, Einladungskarten usw.) werden ebenfalls gezeigt, um die Geschichte dieser Sammlung, die von Begegnungen und Austausch geprägt ist, besser zu erfassen. Die Sammlung kann somit als ein fernes Echo aller vergangenen Ausstellungen in L'Imagerie betrachtet werden; ein Echo, das auch heute noch nachklingt.

En 1983, deux tirages photographiques de Philippe Salaün sont achetés à la suite des Estivales photographiques du Trégor. Quarante ans après cette première acquisition, la collection de L’Imagerie compte désormais plus de huit cents tirages. Elle est l’aboutissement de la volonté de celles et ceux qui ont animé L’Imagerie de soutenir le travail des artistes, mais aussi de conserver une trace du passage de ces photographes à Lannion. Constituée à la fois par des dons et par des achats effectués directement auprès des artistes ou par l’intermédiaire de galeries, la collection de L’Imagerie réunit aujourd’hui nombre de photographes majeurs du XXe et du début du XXIe siècle, pour certains absents des collections publiques nationales. Malgré son importance – tant en volume qu’en qualité –, elle n’a pourtant été que rarement montrée au public, sauf à de rares occasions.

La centaine d’œuvres sélectionnées pour cette exposition permet d’aborder la collection selon plusieurs des thématiques qui la traversent : les expérimentations et les recherches plastiques autour de l’image photographique, le renouveau de la photographie documentaire dans les années 1990-2000, la Bretagne comme terre de création, l’autoportrait photographique et le rapport à la peinture. Différents documents issus des archives du centre d’art (correspondance avec les artistes, vues d’exposition, cartons d’invitation, etc.) sont également donnés à voir afin de mieux saisir l’histoire de cette collection, faite de rencontres et d’échanges. La collection peut ainsi être considérée comme le lointain écho de toutes les expositions passées à L’Imagerie ; un écho qui continue de résonner aujourd’hui.

Nel 1983, due stampe fotografiche di Philippe Salaün sono state acquistate in seguito agli Estivales photographiques du Trégor. A quarant'anni da quella prima acquisizione, la collezione de L'Imagerie conta oggi oltre ottocento stampe. È il culmine del desiderio di coloro che hanno gestito L'Imagerie di sostenere il lavoro degli artisti, ma anche di tenere traccia del tempo che questi fotografi hanno trascorso a Lannion. La collezione de L'Imagerie si è formata grazie a donazioni e acquisti fatti direttamente dagli artisti o attraverso le gallerie, e oggi comprende una serie di importanti fotografi del XX e dell'inizio del XXI secolo, alcuni dei quali assenti dalle collezioni pubbliche nazionali. Nonostante la sua importanza - sia in termini di volume che di qualità - è stata raramente esposta al pubblico, se non in rare occasioni.

Il centinaio di opere selezionate per questa mostra offre l'opportunità di esplorare la collezione in relazione ad alcuni temi che la attraversano: la sperimentazione e la ricerca plastica sull'immagine fotografica, la rinascita della fotografia documentaria negli anni 1990-2000, la Bretagna come terra creativa, l'autoritratto fotografico e il rapporto con la pittura. Sono inoltre esposti diversi documenti provenienti dagli archivi del centro d'arte (corrispondenza con gli artisti, vedute di mostre, biglietti d'invito, ecc.), che permettono di ricostruire la storia degli incontri e degli scambi della collezione. In questo modo, la collezione può essere vista come un'eco lontana di tutte le mostre tenute a L'Imagerie in passato, un'eco che continua a risuonare oggi.

In 1983, two photographic prints by Philippe Salaün were purchased following the Estivales photographiques du Trégor. Forty years after this first acquisition, L'Imagerie's collection now numbers over eight hundred prints. It is the culmination of the desire of those who have run L'Imagerie to support the work of artists, but also to preserve a trace of the passage of these photographers to Lannion. Comprising both donations and purchases made directly from the artists or through galleries, L'Imagerie's collection today includes a number of major photographers of the 20th and early 21st centuries, some of whom are absent from national public collections. Despite its importance - both in terms of volume and quality - it has rarely been shown to the public, except on rare occasions.

The hundred or so works selected for this exhibition allow us to approach the collection according to several of the themes that run through it: experiments and plastic research around the photographic image, the revival of documentary photography in the years 1990-2000, Brittany as a land of creation, the photographic self-portrait and the relationship with painting. Various documents from the art center's archives (correspondence with artists, exhibition views, invitation cards, etc.) are also on view, to give a better understanding of the history of this collection, made up of encounters and exchanges. The collection can thus be seen as a distant echo of all the exhibitions held at L'Imagerie, an echo that continues to resonate today.

(Text: L'Imagerie centre d'art, Lannion)

L’Imagerie - centre d’art | Lannion
4. März - 3. Juni 2023

Où naissent les photographies
Lucas Leglise

Die Ausstellung zeigt mehrere Projekte des Künstlers, darunter seine unveröffentlichte Serie "Photographs of Foreign Algae", die in Zusammenarbeit mit dem Conservatoire du Littoral entstanden ist. Zunächst fotografierte er Orte, an denen Algen zu Fuß oder mit dem Boot gesammelt werden, sowie Orte, an denen sie gezüchtet werden, im offenen Meer oder in Teichen. Die Fotografien entstanden an der Nordküste des Finistère und in Japan, in der Bucht von Tokio, auf Hokkaido im Norden oder Okinawa im Süden des Landes. So hat er einen Katalog der Landschaften der Algenernte zusammengestellt - mit Bildern von Felsen, Häfen, Stränden und Meeresküsten - ebenso wie ein bewusst lückenhaftes Inventar der Algen, die man in der Bretagne und in Japan finden kann. Die ausgestellten Fotografien sind allesamt Einzelabzüge, die hergestellt werden, indem ein Blatt lichtempfindliches Papier in eine Fotokammer gelegt und mit einem Entwickler entwickelt wird, der mit vor Ort gesammelten oder gekauften Algen hergestellt wird. Ob schwarzer Seetang, Dulse, Nori, Kombu oder Seesalat - hier stellt der Fotograf seinen eigenen Entwickler und damit sein eigenes Bild her.

Lucas Leglise, 1992 geboren und Absolvent der École supérieure d'art de Chalon-sur-Saône sowie der Beaux-Arts de Paris, forscht seit mehreren Jahren zum Material des fotografischen Bildes selbst und zu den Bedingungen, unter denen es entsteht. Seine verschiedenen Projekte zielen darauf ab, diesem besonderen Moment, in dem sich die Fotografie offenbart, Gestalt zu verleihen, insbesondere bei den Silberverfahren. In einem ständigen Hin und Her zwischen der Welt und ihrem Abbild interessiert er sich sowohl für das, was das Licht auf den Film druckt, als auch für die Beziehung, die die Fotografien zu ihrem Referenten haben. In Lucas Leglise's Arbeit ist die beim Entwickeln gewählte Form nie belanglos, sie hat jedes Mal die gleiche Bedeutung wie das abgebildete Motiv.

L’exposition présente plusieurs projets de l’artiste, dont sa série inédite « Photographs of Foreign Algae », réalisée en partenariat avec le Conservatoire du littoral. Il a d’abord photographié des lieux où les algues sont ramassées à pied ou en bateau, ainsi que des endroits où elles sont cultivées, en pleine mer ou dans des bassins. Les photographies ont été prises sur la côte nord du Finistère et au Japon, dans la baie de Tokyo, à Hokkaido au nord ou à Okinawa au sud du pays. Il a ainsi compilé un catalogue des paysages de la récolte des algues – avec des images de rochers, de ports, de plages et d’estrans –, autant qu’un inventaire volontairement lacunaire des algues que l’on peut trouver en Bretagne et au Japon. Les photographies exposées sont toutes des tirages uniques produits en plaçant une feuille de papier photosensible dans une chambre photographique, développée à l’aide d’un révélateur préparé avec des algues ramassées ou achetées sur place. Goémon noir, dulse, nori, kombu ou laitue de mer, le sujet de la photographie fabrique ici son propre révélateur, et par extension sa propre image.

Né en 1992 et diplômé de l’École supérieure d’art de Chalon-sur-Saône puis des Beaux-Arts de Paris, Lucas Leglise mène depuis plusieurs années une recherche sur la matière même de l’image photographique et sur ses conditions d’apparition. Ses différents projets visent à donner corps à ce moment particulier où la photographie se révèle, notamment dans les procédés argentiques. Dans un mouvement de va-et-vient constant entre le monde et son image, il s’intéresse autant à ce que la lumière imprime sur la pellicule qu’au rapport que les photographies entretiennent avec leur référent. Dans le travail de Lucas Leglise, la forme choisie au moment du développement n’est jamais anodine, elle a chaque fois autant de sens que le sujet représenté.

La mostra presenta diversi progetti dell'artista, tra cui la nuova serie "Photographs of Foreign Algae", realizzata in collaborazione con il Conservatoire du littoral. L'artista ha dapprima fotografato i luoghi in cui le alghe vengono raccolte a piedi o in barca, nonché quelli in cui vengono coltivate, in mare aperto o in stagni. Le fotografie sono state scattate sulla costa settentrionale del Finistère e in Giappone, nella baia di Tokyo, a Hokkaido nel nord e a Okinawa nel sud. L'artista ha così compilato un catalogo di paesaggi di raccolta delle alghe - con immagini di rocce, porti, spiagge e rive - e un inventario volutamente incompleto delle alghe che si trovano in Bretagna e in Giappone. Le fotografie esposte sono tutte stampe singole prodotte inserendo in una macchina fotografica un foglio di carta sensibile alla luce, sviluppato con uno sviluppatore a base di alghe raccolte o acquistate localmente. Alga nera, dulse, nori, kombu o lattuga di mare, il soggetto della fotografia qui presente realizza il proprio sviluppatore e, di conseguenza, la propria immagine.

Nato nel 1992 e diplomato all'École supérieure d'art de Chalon-sur-Saône e alle Beaux-Arts de Paris, Lucas Leglise conduce da diversi anni una ricerca sulla questione stessa dell'immagine fotografica e sulle sue condizioni di apparizione. I suoi vari progetti mirano a dare corpo a questo particolare momento in cui la fotografia si rivela, in particolare nel processo dell'argento. In un costante movimento di andata e ritorno tra il mondo e la sua immagine, l'artista è interessato tanto a ciò che la luce stampa sulla pellicola quanto al rapporto che le fotografie hanno con il loro referente. Nel lavoro di Lucas Leglise, la forma scelta al momento dello sviluppo non è mai insignificante, ha ogni volta lo stesso significato del soggetto rappresentato.

The exhibition presents several of the artist's projects, including his groundbreaking series "Photographs of Foreign Algae," produced in partnership with the Conservatoire du littoral. He first photographed places where seaweed is collected on foot or by boat, as well as places where it is cultivated, in the open sea or in ponds. The photographs were taken on the northern coast of Finistère and in Japan, in the bay of Tokyo, in Hokkaido in the north or in Okinawa in the south of the country. He has thus compiled a catalog of seaweed harvesting landscapes - with images of rocks, harbors, beaches and foreshores -, as well as a voluntarily incomplete inventory of the seaweeds that can be found in Brittany and Japan. The photographs on display are all single prints produced by placing a sheet of light-sensitive paper in a camera, developed with a developer prepared with seaweed collected or purchased locally. Black seaweed, dulse, nori, kombu or sea lettuce, the subject of the photograph makes here his own developer, and by extension his own image.

Born in 1992 and a graduate of the École supérieure d'art de Chalon-sur-Saône and the Beaux-Arts de Paris, Lucas Leglise has been conducting research for several years on the very matter of the photographic image and on its conditions of appearance. His various projects aim to give substance to this particular moment when photography reveals itself, especially in the silver process. In a constant back and forth movement between the world and its image, he is as much interested in what the light prints on the film as in the relationship that the photographs have with their referent. In Lucas Leglise's work, the form chosen at the time of development is never insignificant, it has each time as much meaning as the represented subject.

(Text: L’Imagerie - centre d’art, Lannion)