Museum Georg Schäfer | Schweinfurt
24. Juli - 9. Oktober 2022
Moderne Zeiten - Industrie im Blick von Malerei und Fotografie
Evelyn Richter | Kammgarnspinnerei, Leipzig 1970 | Silbergelatineabzug, 19 x 27,5 cm | Münchner Stadtmuseum, Sammlung Fotografie | © VG Bild-Kunst, Bonn 2021
Die Präsentation versammelt dazu über 100 Werke von 26 in- und ausländischen Leihgebern aus einem Zeitraum von 175 Jahren, endend im 21. Jahrhundert. Zu sehen sind neben Filmausschnitten Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern wie Adolph von Menzel, Hugo van Werden, Albert Renger-Patzsch, August Sander, Conrad Felixmüller, Oskar Nerlinger, Walker Evans, Otto Steinert, Evelyn Richter, Bernd und Hilla Becher, Robert Voit, Thomas Struth oder Inge Rambow.
Als Begleitpräsentation sind im Museumsfoyer Arbeiten der Schweinfurter Industriebetriebe zu sehen. Alle großen Firmen begannen ab 1900 Design- und Marketingabteilungen aufzubauen. Dabei ging es hauptsächlich um die nicht leicht zu lösende Aufgabe einer künstlerischen Hervorhebung ihrer Produkte. Denn diese waren oft Bestandteil eines weitaus größeren Industrieprodukts wie z.B. den Motoren eines Zeppelin-Luftschiffs und anderer Fahrzeuge.
Für den modernen Betrachter wird in der Ausstellung eine ungeahnt breite Entwicklung sichtbar. Den Ausgangspunkt bilden Arbeiten aus den 1850er Jahren: Fabriken in idyllischer Einheit mit der Natur, Innenansichten der Produktionsstätten sowie eine erste Schilderung der Arbeitsprozesse. Zahnrad und Lokomotive werden zu den bekanntesten Bildsymbolen dieser Phase der Textil- und Stahlindustrialisierung. Die Fotografie war zu dieser Zeit noch keine eigene Kunstrichtung, doch früh beauftragte man Fotografen damit, zu Werbezwecken das Werksgelände mit seinen für die damalige Zeit überraschend großen Bauwerken zu erfassen.
Impressionistische Künstler verwandelten gegen Ende des 19. Jahrhunderts Industrielandschaften zu Stimmungsbildern, in denen sich eigenwillige Lichteffekte studieren lassen. Zeitgleich stellten ambitionierte Amateurfotografen Fabriken und das dortige Arbeitsleben in atmosphärischen Kompositionen dar.
Während sich bis dahin Arbeiterinnen und Arbeiter inmitten einer übermächtigen Industriearchitektur der Maschinenwelt unterordneten, erfuhr das Verhältnis von Mensch und Technik ab 1900 eine grundlegende Veränderung. Nunmehr rückte die soziale Frage immer stärker in das öffentliche Bewusstsein und der Mensch wurde als Individuum wahrgenommen. Fotografen hielten nun auch die prekären Lebens- und Arbeitsverhältnisse des Proletariats etwa in New York und Berlin eindrucksvoll fest.
Zwischen 1880 und 1930 entwickelte sich in Deutschland das Genre der Industriemalerei ausgehend von Aufträgen seitens Großunternehmen. Maler versuchten nun – gelegentlich mithilfe fotografischer Vorlagen – die Arbeit in den Produktionshallen möglichst realistisch zu erfassen. Im Unterschied dazu platzierte die Neue Sachlichkeit in ihren Bildmotiven Akzente der System-, Ideologie- und Gesellschaftskritik. Zu ihren Themen zählten neben der Massenarbeitslosigkeit vor allem der Klassenunterschied. Die neusachliche Industriefotografie hingegen artikulierte in der Regel keine dezidierte Kritik an der bestehenden Gesellschaftsordnung.
Nach 1945 bestimmte die sogenannte Subjektive Fotografie den Formenkanon der Industriedarstellung mit einer experimentell-abstrakten Bildsprache. Im Unterschied zu der technikeuphorischen Vorkriegszeit schwang in den Fotografien nun Distanz zum Fortschritt mit.
In den 1960er/70er Jahren finden sich zahlreiche Bildreportagen über den Lebensalltag in Industrieregionen wie z.B. dem Ruhrgebiet. Ins Blickfeld rückten zunehmend Themen wie Umweltverschmutzung oder schwierige Arbeitsbedingungen. Mit dem Verschwinden traditioneller Industriebranchen wuchs das künstlerische Interesse, die Altbauten einer sich in der Transformation befindlichen Industriekultur zu dokumentieren.
Heute setzt sich die Kunst vor allem mit den Folgen der Industrialisierung auseinander. Der Stolz auf das geschaffene Endprodukt, der technische Fortschritt als Zukunftsgarant für ein besseres Leben ohne Armut werden in den Arbeiten der Künstlerinnen und Künstler vielfältig hinterfragt.
La présentation rassemble à cet effet plus de 100 œuvres de 26 prêteurs nationaux et étrangers sur une période de 175 ans, se terminant au 21e siècle. On peut y voir, outre des extraits de films, des œuvres d'artistes comme Adolph von Menzel, Hugo van Werden, Albert Renger-Patzsch, August Sander, Conrad Felixmüller, Oskar Nerlinger, Walker Evans, Otto Steinert, Evelyn Richter, Bernd et Hilla Becher, Robert Voit, Thomas Struth ou Inge Rambow.
En guise de présentation d'accompagnement, des travaux des entreprises industrielles de Schweinfurt sont exposés dans le foyer du musée. Toutes les grandes entreprises ont commencé à mettre en place des départements de design et de marketing à partir de 1900. Il s'agissait principalement de mettre en valeur leurs produits de manière artistique, ce qui n'était pas une tâche facile. En effet, ceux-ci faisaient souvent partie d'un produit industriel bien plus grand, comme les moteurs d'un dirigeable Zeppelin et d'autres véhicules.
Pour l'observateur moderne, l'exposition met en évidence une évolution d'une ampleur insoupçonnée. Le point de départ est constitué par des travaux des années 1850 : Des usines dans une unité idyllique avec la nature, des vues intérieures des sites de production ainsi qu'une première description des processus de travail. La roue dentée et la locomotive deviennent les symboles visuels les plus connus de cette phase de l'industrialisation du textile et de l'acier. La photographie n'était pas encore un art à part entière à cette époque, mais des photographes furent rapidement chargés de photographier, à des fins publicitaires, le site de l'usine et ses bâtiments d'une taille surprenante pour l'époque.
Vers la fin du 19e siècle, les artistes impressionnistes ont transformé les paysages industriels en images d'ambiance, dans lesquelles on peut étudier des effets de lumière particuliers. A la même époque, des photographes amateurs ambitieux représentaient les usines et la vie professionnelle qui s'y déroulait dans des compositions atmosphériques.
Alors que jusqu'alors, les ouvriers et ouvrières se soumettaient au monde des machines au milieu d'une architecture industrielle surpuissante, le rapport entre l'homme et la technique connut un changement fondamental à partir de 1900. Désormais, la question sociale s'imposait de plus en plus dans la conscience publique et l'homme était perçu comme un individu. Les photographes ont désormais immortalisé de manière impressionnante les conditions de vie et de travail précaires du prolétariat, par exemple à New York et à Berlin.
Entre 1880 et 1930, le genre de la peinture industrielle s'est développé en Allemagne à partir de commandes passées par de grandes entreprises. Les peintres tentent alors, parfois à l'aide de modèles photographiques, de saisir de la manière la plus réaliste possible le travail dans les ateliers de production. A l'inverse, la Nouvelle Objectivité place dans ses motifs picturaux des accents de critique du système, de l'idéologie et de la société. Outre le chômage de masse, elle s'intéressait surtout à la différence de classe. En revanche, la photographie industrielle de la Nouvelle Objectivité n'articulait généralement pas de critique déterminée de l'ordre social existant.
Après 1945, la photographie dite subjective détermina le canon des formes de la représentation industrielle avec un langage visuel expérimental et abstrait. Contrairement à la période technico-euphorique d'avant-guerre, les photographies expriment désormais une distance vis-à-vis du progrès.
Dans les années 1960/70, on trouve de nombreux reportages photographiques sur la vie quotidienne dans des régions industrielles comme la Ruhr. Des thèmes tels que la pollution ou les conditions de travail difficiles sont de plus en plus souvent abordés. Avec la disparition des branches industrielles traditionnelles, l'intérêt artistique pour documenter les anciens bâtiments d'une culture industrielle en pleine transformation s'est accru.
Aujourd'hui, l'art se penche surtout sur les conséquences de l'industrialisation. La fierté du produit fini créé, le progrès technique comme garantie d'avenir pour une vie meilleure sans pauvreté sont remis en question de diverses manières dans les travaux des artistes.
La presentazione riunisce più di 100 opere di 26 prestatori nazionali e stranieri provenienti da un periodo di 175 anni, fino al XXI secolo. Oltre ai filmati, si possono vedere opere di artisti come Adolph von Menzel, Hugo van Werden, Albert Renger-Patzsch, August Sander, Conrad Felixmüller, Oskar Nerlinger, Walker Evans, Otto Steinert, Evelyn Richter, Bernd e Hilla Becher, Robert Voit, Thomas Struth e Inge Rambow.
Come presentazione di accompagnamento, nel foyer del museo si possono ammirare le opere delle aziende industriali di Schweinfurt. A partire dal 1900, tutte le grandi aziende iniziarono a creare reparti di design e marketing. Si trattava soprattutto del compito, non facilmente risolvibile, di mettere in risalto artisticamente i loro prodotti. Spesso, infatti, erano parte di un prodotto industriale molto più grande, come i motori di un dirigibile Zeppelin e di altri veicoli.
Per lo spettatore moderno, la mostra rivela uno sviluppo inaspettatamente ampio. Il punto di partenza è costituito da opere degli anni '50 del XIX secolo: Fabbriche in idilliaca unità con la natura, viste interne degli impianti di produzione e una prima descrizione dei processi di lavoro. La ruota dentata e la locomotiva divennero i simboli pittorici più noti di questa fase di industrializzazione tessile e siderurgica. All'epoca la fotografia non era ancora una forma d'arte a sé stante, ma all'inizio i fotografi venivano incaricati di immortalare i locali delle fabbriche con i loro edifici sorprendentemente grandi a scopo pubblicitario.
Verso la fine del XIX secolo, gli artisti impressionisti trasformarono i paesaggi industriali in immagini d'atmosfera in cui si possono studiare gli effetti di luce idiosincratici. Allo stesso tempo, ambiziosi fotografi dilettanti ritraevano le fabbriche e la vita lavorativa in esse con composizioni d'atmosfera.
Se fino a quel momento i lavoratori si erano subordinati al mondo delle macchine in mezzo alla prepotente architettura industriale, a partire dal 1900 il rapporto tra uomo e tecnologia subì un cambiamento fondamentale. Ora la questione sociale è entrata sempre più nella coscienza pubblica e l'uomo è stato percepito come un individuo. I fotografi hanno anche immortalato in modo impressionante le precarie condizioni di vita e di lavoro del proletariato a New York e Berlino, per esempio.
Tra il 1880 e il 1930, il genere della pittura industriale si sviluppò in Germania sulla base di commissioni da parte di grandi aziende. I pittori cercavano ora di catturare il lavoro nelle sale di produzione nel modo più realistico possibile, a volte con l'aiuto di modelli fotografici. Al contrario, la Nuova Oggettività poneva nei suoi motivi pittorici accenti di sistema, ideologia e critica sociale. I temi trattati sono stati la disoccupazione di massa e, soprattutto, le differenze di classe. La fotografia industriale della Nuova Oggettività, d'altra parte, non articolava di norma una critica decisa dell'ordine sociale esistente.
Dopo il 1945, la cosiddetta fotografia soggettiva ha determinato il canone formale della rappresentazione industriale con un linguaggio visivo sperimentale e astratto. In contrasto con l'euforia del periodo prebellico, le fotografie mostravano ora una distanza dal progresso.
Negli anni '60 e '70 sono stati realizzati numerosi reportage fotografici sulla vita quotidiana nelle regioni industriali come la Ruhr. Si sono sempre più evidenziate questioni come l'inquinamento ambientale e le difficili condizioni di lavoro. Con la scomparsa dei settori industriali tradizionali, è cresciuto l'interesse artistico per la documentazione dei vecchi edifici di una cultura industriale in trasformazione.
Oggi l'arte si occupa principalmente delle conseguenze dell'industrializzazione. L'orgoglio per il prodotto finito, il progresso tecnico come garanzia di una vita migliore senza povertà sono messi in discussione in molti modi nelle opere degli artisti.
To this end, the presentation brings together over 100 works from 26 domestic and foreign lenders spanning a period of 175 years, ending in the 21st century. In addition to film clips, works by artists such as Adolph von Menzel, Hugo van Werden, Albert Renger-Patzsch, August Sander, Conrad Felixmüller, Oskar Nerlinger, Walker Evans, Otto Steinert, Evelyn Richter, Bernd and Hilla Becher, Robert Voit, Thomas Struth and Inge Rambow can be seen.
As an accompanying presentation, works from Schweinfurt's industrial companies can be seen in the museum foyer. All the major companies began to set up design and marketing departments from 1900 onwards. This was mainly concerned with the not easily solved task of artistically highlighting their products. After all, these were often part of a much larger industrial product, such as the engines of a Zeppelin airship and other vehicles.
For the modern viewer, the exhibition reveals an unexpectedly broad development. The starting point is formed by works from the 1850s: Factories in idyllic unity with nature, interior views of the production facilities, and an initial description of the work processes. The cogwheel and the locomotive became the best-known pictorial symbols of this phase of textile and steel industrialization. Photography was not yet an art form in its own right at this time, but early photographers were commissioned to capture the factory site with its surprisingly large buildings for advertising purposes.
Towards the end of the 19th century, Impressionist artists transformed industrial landscapes into atmospheric images in which idiosyncratic lighting effects can be studied. At the same time, ambitious amateur photographers depicted factories and the working life there in atmospheric compositions.
Whereas until then workers had subordinated themselves to the world of machines in the midst of overpowering industrial architecture, the relationship between man and technology underwent a fundamental change from 1900 onward. Now the social question moved ever more strongly into the public consciousness and man was perceived as an individual. Photographers now also impressively captured the precarious living and working conditions of the proletariat in New York and Berlin, for example.
Between 1880 and 1930, the genre of industrial painting developed in Germany, based on commissions from large companies. Painters now tried - occasionally with the help of photographic models - to capture the work in the production halls as realistically as possible. In contrast, the New Objectivity placed accents of system, ideology, and social criticism in its pictorial motifs. Its themes included mass unemployment and, above all, class distinction. New Objectivity industrial photography, on the other hand, did not as a rule articulate a decided critique of the existing social order.
After 1945, so-called subjective photography determined the formal canon of industrial representation with an experimental, abstract visual language. In contrast to the euphoric pre-war period, the photographs now showed a distance to progress.
In the 1960s and 70s, there were numerous photo reports on everyday life in industrial regions such as the Ruhr. Issues such as environmental pollution and difficult working conditions increasingly came into focus. With the disappearance of traditional industrial sectors, artistic interest in documenting the old buildings of an industrial culture in transformation grew.
Today, art is primarily concerned with the consequences of industrialization. The pride in the created end product, the technical progress as a future guarantor for a better life without poverty are questioned in many ways in the works of the artists.
(Text: Museum Georg Schäfer, Schweinfurt)