Kunstmuseum Solothurn
21. Mai - 27. August 2023
Ja, wir kopieren! - Strategien der Nachahmung in der Kunst seit 1970
Judith Albert, Morehshin Allahyari, Bastien Aubry, BANK, Álvaro Barrios, Hannes R. Bossert, Luis Camnitzer, Nicola Costantino, Rudolf de Crignis, Stephanie Dinkins, Klodin Erb und Eliane Rutishauser, Giulia Essyad, F+F Schule, Gina Fischli, Claire Fontaine, Bruno Heller, Lynn Hershman Leeson, Olivia Heussler, Rosina Kuhn, Nelson Leirner, Olia Lialina mit Mike Tyka, Hans-Rudolf Lutz, Mickry 3, Ka Moser, Museum für Fotokopie, Adrian Piper, Dieter Roth, Yves Scherer, Lisa Schiess, Klaudia Schifferle, Anne-Marie Siegrist-Thummel, M. Vänçi Stirnemann, Anna Stüdeli, Sturtevant, Klaus Urbons, Danh Võ, Andy Warhol, Semih Yavsaner / Müslüm, The Yes Men
Klaudia Schifferle, Starschnitt, 1974, neunteilige Fotografie, 100 x 70 cm © die Künstlerin
In der traditionellen Kunstausbildung war das Kopieren und Nachahmen von Vorbildern jahrhundertelang die Grundlage des Lernens. Durch die Imitation künstlerischer Vorbilder sollte Kunst als Mimesis – als produktive Nachahmung – die Natur ihres Modells erfassen. Erst als neue Technologien wie Fotografie und Film die bildende Kunst ihrer mimetischen Funktion entlasteten, wurde Originalität zum A und O der Kunst. So festigten Anfang des 20. Jahrhunderts viele Avantgarden in ihrem Bestreben nach künstlerischen Neuanfängen den Fetisch fürs Original. Der Kanon der modernistischen Kunsttheorie war ebenso an einer Abwertung der Kopie als Produkt der Amateur- und Populärkultur beteiligt – um eine Unterscheidung zwischen dem ‹high› der bildenden Kunst vom ‹low› der Massenmedien vorzunehmen.
Seit den 1970er-Jahren ist wiederum eine Wende zu verspüren: neue (Bild‑)Technologien – und damit auch neue Kopiermethoden – haben sich rasant entwickelt und sind breit zugänglich geworden. Erst ist ein postmodernes, zuletzt post-digitales Zeitalter eingeläutet worden, in dem Ursprünge, Urheberrechte und eine aufs menschliche Individuum beschränkte Kreativität alt aussehen. Sturtevants Werke stehen beispielhaft für das Credo postmoderner Theorie und Kreativität im Zeitalter von Copy-Paste und Künstlicher Intelligenz: Die Künstlerin fertigt täuschend echte Wiederholungen an, wobei sich mit jeder Repetition minimale Differenzen zwischen dem einen und anderen auftun – ein Spalt, in dem auch unsere (Werte‑)Vorstellungen von Original und Kopie, Wirklichkeit und Illusion gespiegelt und überdacht werden können.
Und dennoch: Selbst im Heute ist das, was der Literaturkritiker Harold Bloom 1973 als ‹anxiety of influence› in den Künsten diagnostizierte, stets deutlich zu spüren. Dabei ist die Angst vor dem Einfluss anderer auch eine Angst vor dem Stehlen und Bestohlen-Werden. Neben grassierenden Gerichtsprozessen um Copyright sind digitale NFTs (Non-Fungible Tokens, dt.: nicht-austauschbare Wertmarken) stärkster Ausdruck dieses Bangens: Die Autorschaft muss eindeutig, das Original klar beweisbar sein. Wichtige Diskussionen um kulturelle Appropriation, die durch polarisierende Mechanismen der sozialen Medien oft kurzgeschlossen werden, sorgen weiter für Beklemmung um Akte des Kopierens und Nachahmens. Ja, zuweilen erscheint die Angst darum umso grösser, desto unausweichlicher Kopieren und Nachahmen im Heute erscheinen – das heisst auch die gegenseitige Beeinflussung zwischen Menschen, Kulturen, Technologien und Anderen.
Die Gruppenausstellung Ja, wir kopieren! Strategien der Nachahmung in der Kunst seit 1970 will dieser Angst entgegentreten und differenzieren. Die Ausstellung rollt die jüngste Kunstgeschichte von der Kopie her auf: Kopieren und Nachahmen werden hier nicht nur als Grundlage von künstlerischen Ausbildungs- und Schaffensprozessen gezeigt, sondern auch als kritische Strategien. Es wird nachgemalt und nachgestellt, kopiert und gefälscht, appropriiert und umgenutzt, collagiert und uminterpretiert; es werden Rollen getauscht und Arbeiten zum Kopieren durch Copyleft und 3D-Druck dargeboten. In Ja, wir kopieren! geraten nicht selten tradierte Wert- und Machtverhältnisse in Kunst und Gesellschaft ins Wanken. Es werden alternative Beziehungs- und Informationsnetze geknüpft, neue Techniken der Produktion erprobt sowie soziale und politische Dimensionen der Distribution erkundet – oft auf ebenso lust- und humorvolle wie auf widerständige Weise. Dabei geraten sowohl Gender- und Klassenhierarchien als auch (Neo‑)Kolonialismus und Rassismus wiederholt ins Visier.
Die Gruppenausstellung geht von der Schweizer Szene aus und setzt sie mit internationalen Schlüsselfiguren in Dialog. Wichtige kunsthistorische Stränge stellen die Pop-, Konzept- und Performancekunst dar, die in den 1970er-Jahren auch die Gründung der Schule für experimentelle Gestaltung F+F in Zürich prägten. Neue Xerox-Fotokopierer wurden hier zu einem künstlerischen Werkzeug gemacht. Jüngere Beiträge nutzen Technologien wie Künstliche Intelligenz und 3D-Druck, nicht selten, um eine individualistisch und westlich geprägte, konsumorientierte Weltsicht von der Kopie her zu unterlaufen. Insgesamt bringt Ja, wir kopieren! 40 künstlerische Positionen aus verschiedenen Generationen und Ecken der Welt zusammen. Die Kuration erfolgt ohne Anspruch auf Vollständigkeit und lineare Genealogien. Vielmehr nimmt sich die Ausstellung die Freiheit, im Geiste ihres Titels ein vielseitiges, breites Netzwerk zu skizzieren, das ebenso von subtilen wie unverschämten Bezugnahmen lebt.
So ist die Ausstellung auch ein Aufruf: Ja, lasst uns kopieren! Geben wir zu, dass wir es tun – und umso besser, wenn bewusst und kreativ.
Kuratiert mit Michael Hiltbrunner, Kulturanthropologe
Dans l'enseignement artistique traditionnel, la copie et l'imitation de modèles ont constitué pendant des siècles la base de l'apprentissage. Par l'imitation de modèles artistiques, l'art devait saisir la nature de son modèle en tant que mimésis - imitation productive. Ce n'est que lorsque les nouvelles technologies telles que la photographie et le cinéma ont déchargé les arts visuels de leur fonction mimétique que l'originalité est devenue l'alpha et l'oméga de l'art. C'est ainsi qu'au début du 20e siècle, de nombreuses avant-gardes ont consolidé le fétichisme de l'original dans leur quête de nouveaux départs artistiques. Les canons de la théorie artistique moderniste ont également participé à une dévalorisation de la copie en tant que produit de la culture amateur et populaire - pour établir une distinction entre le 'high' des beaux-arts et le 'low' des médias de masse.
Depuis les années 1970, un tournant est à nouveau perceptible : de nouvelles technologies (visuelles) - et donc de nouvelles méthodes de copie - se sont développées à grande vitesse et sont devenues largement accessibles. Nous sommes entrés dans une ère postmoderne, puis postnumérique, dans laquelle les origines, les droits d'auteur et la créativité limitée à l'individu humain ont pris un coup de vieux. Les œuvres de Sturtevant illustrent parfaitement le credo de la théorie et de la créativité postmodernes à l'ère du copier-coller et de l'intelligence artificielle : l'artiste réalise des répétitions à s'y méprendre, chaque répétition faisant apparaître des différences minimes entre l'un et l'autre - une faille dans laquelle nos idées (de valeurs) sur l'original et la copie, la réalité et l'illusion peuvent être reflétées et repensées.
Et pourtant, même aujourd'hui, ce que le critique littéraire Harold Bloom a diagnostiqué en 1973 comme 'anxiety of influence' dans les arts est toujours clairement perceptible. La peur de l'influence des autres est également une peur de voler et d'être volé. Outre les procès en cours sur les droits d'auteur, les NFT (Non-Fungible Tokens) numériques sont l'expression la plus forte de cette crainte : l'auteur doit être clairement identifié, l'original doit pouvoir être clairement prouvé. Les discussions importantes sur l'appropriation culturelle, souvent court-circuitées par les mécanismes polarisants des médias sociaux, continuent de susciter des craintes quant aux actes de copie et d'imitation. Oui, la peur semble parfois d'autant plus grande que la copie et l'imitation semblent inévitables aujourd'hui - c'est-à-dire aussi l'influence mutuelle entre les personnes, les cultures, les technologies et les autres.
L'exposition de groupe "Oui, nous copions ! Stratégies d'imitation dans l'art depuis 1970 veut contrer cette peur et faire la différence. L'exposition retrace l'histoire récente de l'art sous l'angle de la copie : La copie et l'imitation ne sont pas seulement montrées ici comme base des processus de formation et de création artistiques, mais aussi comme stratégies critiques. On peint et on reproduit, on copie et on contrefait, on s'approprie et on réutilise, on fait des collages et on réinterprète ; on échange les rôles et on présente des travaux à copier par copyleft et impression 3D. Dans "Oui, nous copions !", il n'est pas rare que les rapports de valeur et de pouvoir traditionnels dans l'art et la société soient ébranlés. Des réseaux alternatifs de relations et d'informations sont tissés, de nouvelles techniques de production sont testées et les dimensions sociales et politiques de la distribution sont explorées - souvent de manière aussi amusante et humoristique que résistante. Les hiérarchies de genre et de classe ainsi que le (néo)colonialisme et le racisme sont ainsi régulièrement pris pour cible.
L'exposition de groupe part de la scène suisse et la met en dialogue avec des figures clés internationales. Le pop art, l'art conceptuel et l'art de la performance, qui ont également marqué la création de l'école de design expérimental F+F à Zurich dans les années 1970, transmettent d'importants courants de l'histoire de l'art. De nouveaux photocopieurs Xerox y ont été transformés en outils artistiques. Des contributions plus récentes utilisent des technologies telles que l'intelligence artificielle et l'impression 3D, souvent pour subvertir une vision du monde individualiste et occidentale, axée sur la consommation, à partir de la copie. Au total, Oui, nous copions ! rassemble 40 positions artistiques de différentes générations et de différents coins du monde. La curation ne prétend pas à l'exhaustivité ni à des généalogies linéaires. Au contraire, l'exposition prend la liberté, dans l'esprit de son titre, d'esquisser un réseau varié et large, qui se nourrit de références aussi subtiles qu'impertinentes.
Ainsi, l'exposition est aussi un appel : Oui, copions ! Admettons que nous le faisons - et d'autant mieux si c'est de manière consciente et créative.
Commandité par Michael Hiltbrunner, anthropologue culturel
Nell'educazione artistica tradizionale, la copia e l'imitazione dei modelli è stata per secoli la base dell'apprendimento. Imitando i modelli artistici, l'arte doveva catturare la natura del suo modello come mimesi, come imitazione produttiva. È stato solo quando le nuove tecnologie, come la fotografia e il cinema, hanno sollevato le arti visive dalla loro funzione mimetica che l'originalità è diventata il fine ultimo dell'arte. Così, all'inizio del XX secolo, molte avanguardie consolidarono il feticcio dell'originale nella loro ricerca di nuovi inizi artistici. Anche il canone della teoria dell'arte modernista è stato coinvolto in una svalutazione della copia come prodotto della cultura amatoriale e popolare - per fare una distinzione tra l'"alto" delle belle arti e il "basso" dei mass media.
A partire dagli anni Settanta si è avvertita nuovamente una svolta: le nuove tecnologie (dell'immagine) - e con esse i nuovi metodi di copia - si sono sviluppate rapidamente e sono diventate ampiamente accessibili. È stata inaugurata un'epoca postmoderna, in definitiva postdigitale, in cui le origini, i diritti d'autore e la creatività limitata all'individuo umano sembrano vecchi. Le opere di Sturtevant esemplificano il credo della teoria e della creatività postmoderna nell'era del copia-incolla e dell'intelligenza artificiale: l'artista produce ripetizioni ingannevolmente reali, con ogni ripetizione che apre differenze minime tra l'una e l'altra - uno spazio in cui le nostre idee (di valore) di originale e copia, realtà e illusione possono anche essere rispecchiate e riconsiderate.
Eppure: anche oggi si avverte chiaramente quella che il critico letterario Harold Bloom ha diagnosticato nel 1973 come "ansia di influenza" nelle arti. Ma la paura dell'influenza altrui è anche paura di rubare e di essere rubati. Oltre alle dilaganti cause giudiziarie sul diritto d'autore, gli NFT (Non-Fungible Token) digitali sono l'espressione più forte di questa ansia: la paternità deve essere inequivocabile, l'originale chiaramente dimostrabile. Le importanti discussioni sull'appropriazione culturale, spesso messe in cortocircuito dai meccanismi polarizzanti dei social media, continuano a creare ansia per gli atti di copia e imitazione. Anzi, a volte l'ansia sembra tanto maggiore quanto più ineluttabili appaiono la copia e l'imitazione nel mondo di oggi, ovvero anche l'influenza reciproca tra persone, culture, tecnologie e altro.
La mostra collettiva Yes, we copy! Strategie di imitazione nell'arte dal 1970 ad oggi si propone di contrastare questa paura e di differenziarsi. La mostra ripercorre la storia dell'arte recente dal punto di vista della copia: La copia e l'imitazione sono mostrate qui non solo come base della formazione artistica e dei processi creativi, ma anche come strategie critiche. Ci sono ridipinture e rievocazioni, copie e falsificazioni, appropriazioni e riproposizioni, collage e reinterpretazioni; i ruoli sono scambiati e le opere sono presentate per essere copiate attraverso il copyleft e la stampa 3D. In Yes, we copy, i tradizionali rapporti di valore e di potere nell'arte e nella società vengono spesso scossi. Si stabiliscono reti alternative di relazioni e informazioni, si sperimentano nuove tecniche di produzione e si esplorano le dimensioni sociali e politiche della distribuzione, spesso in modo tanto divertente e umoristico quanto resistente. Nel processo, le gerarchie di genere e di classe, così come il (neo-)colonialismo e il razzismo, vengono ripetutamente messi a fuoco.
La mostra collettiva prende come punto di partenza la scena svizzera e la mette in dialogo con figure chiave internazionali. Importanti filoni storici dell'arte rappresentano l'arte pop, concettuale e performativa, che ha anche dato forma alla fondazione della Scuola di Design Sperimentale F+F a Zurigo negli anni Settanta. Le nuove fotocopiatrici Xerox sono state trasformate in strumenti artistici. Contributi più recenti utilizzano tecnologie come l'intelligenza artificiale e la stampa 3D, non di rado per sovvertire una visione del mondo individualista, occidentalizzata e consumistica della copia. Nel complesso, Yes, we copy! riunisce 40 posizioni artistiche provenienti da diverse generazioni e angoli del mondo. La curatela non ha pretese di completezza o genealogie lineari. Piuttosto, la mostra si prende la libertà, nello spirito del suo titolo, di tratteggiare una rete ampia e sfaccettata che vive di riferimenti sottili e non.
La mostra è quindi anche un appello: Sì, copiamo! Ammettiamo di farlo, e tanto meglio se in modo consapevole e creativo.
Curata con Michael Hiltbrunner, antropologo culturale
In traditional art education, copying and imitating models was the basis of learning for centuries. By imitating artistic models, art was supposed to capture the nature of its model as mimesis - as productive imitation. It was not until new technologies such as photography and film relieved the visual arts of their mimetic function that originality became the be-all and end-all of art. Thus, at the beginning of the 20th century, many avant-gardes consolidated the fetish for the original in their quest for artistic new beginnings. The canon of modernist art theory was also involved in a devaluation of the copy as a product of amateur and popular culture - to make a distinction between the 'high' of fine art and the 'low' of mass media.
Since the 1970s, again, a turning point can be felt: new (image) technologies - and thus new copying methods - have developed rapidly and become widely accessible. First a post-modern, finally post-digital age has been ushered in, in which origins, copyrights and creativity limited to the human individual look old. Sturtevant's works exemplify the credo of post-modern theory and creativity in the age of copy-paste and artificial intelligence: the artist produces deceptively genuine repetitions, with each repetition opening up minimal differences between the one and the other - a gap in which our (value) concepts of original and copy, reality and illusion can also be mirrored and reconsidered.
And yet: even today, what the literary critic Harold Bloom diagnosed in 1973 as an 'anxiety of influence' in the arts is always clearly felt. Yet the fear of the influence of others is also a fear of stealing and being stolen from. Alongside rampant litigation over copyright, digital NFTs (Non-Fungible Tokens) are the strongest expression of this anxiety: authorship must be unambiguous, the original clearly provable. Important discussions about cultural appropriation, often short-circuited by polarizing mechanisms of social media, continue to create trepidation about acts of copying and imitation. Indeed, at times the anxiety seems all the greater because of the inevitability of copying and imitation in today's world - that is, the mutual influence between people, cultures, technologies, and others.
The group exhibition Yes, We Copy! Strategies of Imitation in Art since 1970 aims to counter this fear and differentiate. The exhibition rolls up the recent history of art from the perspective of the copy: Copying and imitation are shown here not only as the basis of artistic training and creative processes, but also as critical strategies. There is repainting and reenactment, copying and forgery, appropriation and repurposing, collage and reinterpretation; roles are exchanged and works are presented for copying through copyleft and 3D printing. In Yes, we copy! traditional value and power relations in art and society are often shaken up. Alternative networks of relationships and information are established, new techniques of production are tested, and social and political dimensions of distribution are explored - often in ways that are as funny and humorous as they are resistant. In the process, gender and class hierarchies as well as (neo-)colonialism and racism repeatedly come into focus.
The group exhibition takes the Swiss scene as its point of departure and sets it in dialogue with key international figures. Important art historical strands represent pop, conceptual, and performance art, which also shaped the founding of the School for Experimental Design F+F in Zurich in the 1970s. New Xerox photocopiers were turned into artistic tools here. More recent contributions use technologies such as artificial intelligence and 3D printing, not infrequently to subvert an individualistic and Westernized, consumerist worldview from the copy. In all, Yes, We Copy! brings together 40 artistic positions from different generations and corners of the world. The curation is done without any claim to completeness or linear genealogies. Rather, in the spirit of its title, the exhibition takes the liberty of outlining a multifaceted, broad network that thrives as much on subtle as it does on outrageous references.
In this way, the exhibition is also a call: Yes, let's copy! Let's admit that we do it - and all the better if consciously and creatively.
Curated with Michael Hiltbrunner, cultural anthropologist
(Text: Kunstmuseum, Solothurn)