Galerie Clémentine de la Féronnière | Paris
31. Mai – 13. Juli 2024
Atlas
Jesse Willems
Satori, 2024, Handcut collage ©Jesse Willems - courtesy galerie Clémentine de la Féronnière
Jesse Willems, der sowohl als Fotograf als auch als Collagekünstler tätig ist, bietet die originellste Synthese, die es gibt: Er "verpackt" seine zuvor ausgeschnittenen Abzüge in gefundenes Papier (z. B. alte Seekarten) und setzt dann wie ein Puzzle die ursprüngliche Form des Bildes wieder zusammen. Jedes überdeckte Stück Fotografie wird Teil eines rhythmischen Ganzen aus geometrischen Motiven, das uns an die Kunst eines Matisse erinnert. Aber sein Anliegen ist durchaus fotografisch: Jesse Willems erkennt Saul Leiter als einen seiner Meister an und nimmt das Motiv in der Stadt bis hin zur radikalsten Abstraktion wahr. Die Arbeit des Schneidens und Überziehens verleiht jedem Stück einen einzigartigen Charakter, der allein in der Lage ist, die Erfahrung wiederzugeben, die Jesse uns vermitteln will: eine Art, die Welt zu empfinden, die das Optische und das Physische, das Zeitgenössische und das Veraltete, die Transparenz und die Undurchsichtigkeit, die Anwesenheit und die Abwesenheit miteinander verbindet. Atlas ist ein Versuch, die Stadt New York in einer einzigen Darstellung zu erfassen, die gleichzeitig eine Karte, ein Fresko oder ein Kirchenfenster ist.
Warum also sollten wir auf einen direkten Blick auf seine Fotografien verzichten? Eben um den Blick von der Realität zu lösen und dank der Harmonie der Formen über das Sichtbare hinaus zu sehen. Jesse Willems verlängert den latenten Zustand der Fotografie: Indem er sie nicht entwickelt (im physischen Sinne des Wortes), lässt er uns die Fotografie in uns neu zusammensetzen. Dies ist eine Ode an die Retina Persistenz: das, was bleibt, wenn das Bild verschwunden ist.
Kensho, 2024, Handcut collage ©Jesse Willems - courtesy galerie Clémentine de la Féronnière
Fort d’une expérience de photographe et de collagiste, Jesse Willems propose la synthèse la plus originale qui soit en « emballant » ses tirages, préalablement découpés, dans des papiers chinés (d’anciennes cartes marines par exemple), puis en recomposant tel un puzzle la forme initiale de l’image. Chaque parcelle de photographie recouverte devient l’élément d’un tout rythmé de motifs géométriques qui nous rappelle l’art d’un Matisse. Mais son propos est bien photographique : reconnaissant Saul Leiter comme l’un de ses maîtres, Jesse Willems perçoit le motif dans la ville jusqu’à l’abstraction la plus radicale. Le travail de la découpe et du recouvrement donne à chaque pièce un caractère unique, seul capable de traduire l’expérience que Jesse cherche à nous transmettre : une façon de ressentir le monde qui associe l’optique et le physique, le contemporain et la désuétude, la transparence et l’opacité, la présence et l’absence. Atlas est ainsi une tentative d’englober la ville de New - York en une même représentation à la fois carte, fresque ou bien encore vitrail.
Pourquoi alors nous priver d’une vision directe de ses photographies ? Précisément pour délier le regard du réel, et voir au-delà du visible grâce à l’harmonie des formes. Jesse Willems prolonge l’état latent de la photographie : en ne la développant pas (au sens physique du terme) il nous laisse la recomposer en nous. Voilà une ode à la persistance rétinienne : ce qui demeure lorsque l’image a disparu.
Olympia, 2024, Handcut collage ©Jesse Willems - courtesy galerie Clémentine de la Féronnière
Attingendo alla sua esperienza di fotografo e collagista, Jesse Willems offre la sintesi più originale di tutte, "avvolgendo" le sue stampe precedentemente ritagliate in carta antica (vecchie carte nautiche, per esempio), per poi ricomporre la forma iniziale dell'immagine come un puzzle. Ogni pezzo di fotografia rivestito diventa parte di un insieme, punteggiato da motivi geometrici che ricordano l'arte di Matisse. Jesse Willems riconosce Saul Leiter come uno dei suoi maestri e considera il motivo della città come un elemento dell'astrazione più radicale. Il lavoro di taglio e copertura conferisce a ogni pezzo un carattere unico, l'unico modo per trasmettere l'esperienza che Jesse sta cercando di trasmettere a noi: un modo di sperimentare il mondo che combina l'ottico e il fisico, il contemporaneo e l'obsoleto, la trasparenza e l'opacità, la presenza e l'assenza. Atlas è un tentativo di racchiudere la città di New York in un'unica rappresentazione che è allo stesso tempo una mappa, un affresco e una vetrata.
Perché dunque privarci di una visione diretta delle sue fotografie? Proprio per svincolare il nostro sguardo dalla realtà e vedere oltre il visibile attraverso l'armonia delle forme. Jesse Willems prolunga lo stato latente della fotografia: non sviluppandola (nel senso fisico del termine) ci permette di ricomporla in noi stessi. È un'ode alla persistenza della visione: ciò che rimane quando l'immagine è scomparsa.
Drawing on his experience as a photographer and collagist, Jesse Willems offers the most original synthesis of all, “wrapping” his cut-out prints in vintage paper (such as ancient nautical charts), then piecing them back together like a jigsaw puzzle. Each piece of overlaid photography becomes part of a rhythmic, geometrically patterned ensemble reminiscent of a Matisse. And yet, Jesse Willems’ work is very much photographic: acknowledging Saul Leiter as one of his masters, he draws on the motif in the city to the point of radical abstraction. The process of cutting and overlaying lends each piece a unique character, which alone translates the experience Jesse seeks to convey: a way of experiencing the world that combines the optical and the physical, the contemporary and the obsolete, transparency and opacity, presence and absence. Atlas is thus an attempt to encompass the city of New York in a single representation, at once map, fresco and stained-glass window.
Why then deprive us of a direct view of his photographs? Precisely to untie our gaze from reality, and see beyond the visible through the harmony of form. Jesse Willems prolongs the latent state of photography: by not developing it (in the physical sense of the term), he invites us to recompose it within ourselves. This is an ode to retinal persistence: that which remains when the image has disappeared.
(Text: Michel Poivert)