Fotofestival Lenzburzg
17. Mai - 17. Juni 2019
“Suche nach Schönheit”
Mit Ausstellungen, Events, Workshops, Fotobücher-Ecken, Portfolioshows, Treffen mit Experten aus der Welt der Fotografie, einem aussergewöhnlichen Fotowettbewerb und dem ersten Lenzburger Fotomarathon, läuten wir das «Fotofestival Lenzburg Edition 2» ein.
Der Eröffnungsabend findet am 17. Mai 2019 statt. Melden Sie sich noch heute für diese Veranstaltung an.
Misty Copelan
Schein und Sein
Henry Leutwyler
Die Ausstellung “Schein und Sein” – eine Zusammenarbeit zwischen dem Fotofestival Lenzburg, dem Stapferhaus und dem Musée des Beaux-Arts in Le Locle – ist eine Reflexion über die Suche nach Schönheit und dem Echten – und gleichzeitig eine Reise zurück in die erste Heimat des Fotografen Henry Leutwyler. In Lenzburg geboren, zog er als 14-Jähriger hinaus in die weite Welt und brachte sich selbst das Fotografieren bei.
Heute hat er die grössten Stars unserer Zeit für die Covers der renommiertesten Magazine und Zeitschriften fotografiert. Die Ausstellung zeigt die beeindruckende Reise Leutwylers und ermöglicht einen Einblick in sein Leben und Schaffen zwischen Schein und Sein.
Paragons of Success
Shelli Weiler
Die in ganz Manhattan verteilten Selfie-Fabriken für Instagram bieten den Verbrauchern vorgefertigte Fantasien, die von Unternehmen konstruiert wurden, welche die Idee der Erfahrung verkaufen. Die Räume tragen Kostüme und fungieren als oberflächliches Filmset ohne Erzählung. Set-Designer greifen die Sprache der kommerzialisierten Weiblichkeit auf und schmücken damit diese Lagerhallen wie endlose Geburtstagspartys mit pastellrosa Wänden, glitzernden Luftschlangen, Konfetti-Kanonen und Ballbäder. Auf der einen Seite kann der Instagrammable Popup-Raum als ein leeres Nirgendwo wahrgenommen werden, das wie ein schwarzes Loch jegliche Bedeutung einsaugt. Andererseits fungieren diese hohlen Erfahrungen auch als Zeitvertreib oder als Form der Realitätsflucht für die Besucher, welche sich in diese Konstrukte einfügen um ihre persönliche Identität zu stärken. Die typischerweise in diesen Umgebungen produzierten Fotografien werden von der menschlichen Erfahrung und Erinnerung getrennt. Diese Bilder verlieren ihren monumentalen Wert und werden stattdessen zu nützlichen Werkzeugen, die sich selbst zum Monument erheben sollen. Mein Ziel ist es, aussagekräftige Fotos zu machen, die diese Erwartung widerlegen. Ich gehe dieser Subversion nach, indem ich die Nicht-Performances, die in diesen performativen Räumen stattfinden, festhalte, um Authentizität in diesen Artefakten zu finden. Ich interessiere mich für verkörperte Erfahrungen innerhalb dieser Einrichtungen und wie Menschen sich selbst manipulieren und herstellen, um sich einem solchen künstlichen Paradies anzupassen. Anstatt in ein vom Kapitalismus versprochenes illusionistisches Traumland zu gehen, werden die Besucher paradoxerweise in einer billigen Dystopie gefangen, die für die Wahrhaftigkeit des weiblichen Bildes wie Gift ist. Der Kapitalismus beschäftigt sich an sich mit dieser Struktur unerreichbarer Begierden und diese Räume eignen sich für eine Visualisierung dieser, weil sie dieses System mikrokosmisch nachahmen. Dieses Projekt nimmt nicht nur an einem Gespräch über den Materialismus teil, sondern macht auch Fassade und Fiktion zu seinem Hauptthema.
I never realized
Anna-Tia Buss
„I never realized“ ist eine kollektive Stimme über die Tyrannei der Schönheit. Der weibliche Körper ist mit Schönheit und all den damit einhergehenden Erwartungen verbunden. Im Laufe der visuellen Geschichte hat der männliche Blick die Wahrnehmung der weiblichen Schönheit dominiert. Diese subjektive Vorstellung ist meist mit Kultur und Erziehung verbunden; trotz Globalisierung unterscheiden sich die Schönheitsstandards von Ort zu Ort. Auch unterliegen diese Präferenzen verschiedenen Trends. Dies ist eine Sammlung der Frauen, die ich getroffen habe - ihre Geschichten, ihre Kämpfe, ihre Akzeptanz. Was sie gemeinsam hatten, war ein Moment, in dem sie sich plötzlich ihrer Körper bewusst wurden, dann nämlich, als eine Grossmutter, eine Freundin oder eine Schwester auf einen Makel hinwies, den sie selbst noch nie gesehen hatten. Frauen in ihren Vierzigern erinnerten sich noch an die Besonderheit der Kommentare aus ihrer Kindheit, selbst wenn sie scheinbar leichtfertig oder gut gemeint waren. Diese Anekdoten, die wir so oft für uns behalten, werden sichtbar gemacht und plötzlich öffentlich gemacht, damit jeder darüber nachdenken kann. Projekt-Website: https://anna-buss.wixsite.com/ineverrealized
THE GREAT BEAUTY
Alexandre Silberman
«Kunst, Ripolin-Wort, Palimpsest-Wort, wo jede Periode, um den anderen ihre eigenen Überzeugungen aufzuzwingen, ruhig die von ihren Vorgängern streicht» Régis Debray, Life and Death of The Image, 1992. Kunst in ihrer ursprünglichen Definition ist ein Glaube; ein Glaube an die Schönheit als autonomes Konzept. Auch ein datierter Glaube, der in der Renaissance auftaucht, wenn sich der Mensch als Schöpfer und nicht mehr als einfaches Wesen behauptet. Kunst kontextualisiert durch Dekontextualisierung, indem sie Stücke in Tempeln, Kirchen, Häusern nimmt, um sie an eine weisse Wand oder in die Mitte eines Platzes zu stellen. Kurz gesagt, indem man den Ort um die Arbeit herum neu fokussiert und nicht umgekehrt. Auf dieser Grundlage entsteht eine neue Art von Raum, ein Kunstraum, der alles durch sein Zentrum umfasst. Wie die Tempel sind auch die Museen heilige Orte, die durch transzendente Regeln bestimmt sind, (relativ) unabhängig von der sozialen und politischen Realität der Stadt, in der sie sich befinden - die Verantwortung der Stadt beschränkt sich darauf die Sakralität dieses Ortes zu berücksichtigen oder nicht. Mit fast 120 davon hat Paris eine der grössten Konzentrationen von Museen der Welt. Vielleicht liegt es daran, dass die ideologische Grundlage von Paris künstlerisch ist, Frucht einer Rede, deren Prediger und Pfarrer das Museum ist. Und wie jede Ideologie akzeptiert die Schönheit kein Anderssein: Sie absorbiert, verdaut und rekrutiert nach ihren Prinzipien. Wie die Werke, die an ihrem ursprünglichen Ort entstanden sind, werden die Museumsbesucher ihrer Bedeutung beraubt. Irgendwann direkt, oft ad absurdum, investiert die Schönheit Situationen, die nicht so sein sollten: triviale Szenen des Lebens, aber auch ernstere Situationen, die für uns unhaltbar sein sollten. Was uns in Frage stellt, ist die ideologische Kraft der Schönheit, die sich während der gesamten Serie die zeitgenössische Ästhetik anzueignen scheint, um sie aufzunehmen. In ihr (szenographisch) ist nichts ausserhalb von ihr (ideologisch).
I am your fantasy
Marion Gronier
Es sind Porträts von Mütter und Töchter, welche an kleinen Schönheitswettbewerben in Nordfrankreich teilnehmen (diese Wettbewerbe sind jetzt verboten). Diese Diptychen wirken wie ein Spiegel. Die Mutter projiziert ihren Wunsch nach Schönheit auf ihre Tochter, die Tochter ihren Wunsch, dem Wunsch ihrer Mutter zu entsprechen. Durch dieses Ritual bringt die Mutter ihrer Tochter bei, wie man eine "Frau" wird: wie man sich kleidet, wie man sich frisiert, wie man sich schminkt und wie man verführt. Auf diese Weise zeigen die Mädchenportraits die Weiblichkeitskriterien unserer Gesellschaft. Sie veranschaulichen die Synthese der Phantasien der widersprüchlichen Weiblichkeit: rein und unschuldig zu sein wie ein Engel und zugleich Verführerin und unzüchtig wie ein Dämon. Diese Kriterien auf dem Gesicht und dem Körper eines Kindes aber werden monströs und offenbaren ihre Kunstfertigkeit und Heuchelei. Die Erwachsenenportraits zeigen Frauen mit keinen oder wenigen Kunstgriffen. Es scheint, als würden sie ihre Maske auf die Gesichter ihrer Töchter legen und akzeptieren ohne sie in ihrer Verletzlichkeit zu erscheinen. Aufgrund der Ähnlichkeiten - die Tochter könnte ein Bild ihrer Mutter als Kind sein und die Mutter könnte die Frau welche die Tochter einmal wird, sein - zeigen diese Porträts auch den Lauf der Zeit und die Unmöglichkeit einer ewigen Jugend.
Such Great Heights
Andreas Wisskirchen
Meine Arbeit zirkuliert um Skulptur herum, bezieht sich aber auf eine natürliche Landschaft, wie sie die Empfänger auch eher sehen. Die Bilderwelt, die wir jeden Tag konsumieren, hat uns in eine gegenseitige Beziehung zu ihr gebracht. Wir sind nicht nur ständig mit einem endlosen visuellen Input konfrontiert, sondern erhalten auch Werkzeuge, um die Realität, die wir definieren möchten, zu verändern. Unsere Wahrnehmung der naturalistischen realen Welt existiert feierlich in unserem Willen, sie wahrzunehmen, ungeachtet dessen, was sie tatsächlich ist. Eine Virtual-Reality-Erfahrung der Natur könnte sich realer anfühlen als ein echter Wald. Eine romantische Darstellung dessen, was wie ein Berg aussieht, könnte weit mehr emotionale Gefühle der Romantik oder Wirklichkeitsflucht auslösen als der Anblick eines echten Berges. Die Position des Betrachters und die Art und Weise, wie er Bilder konsumiert, stehen im Mittelpunkt meiner Arbeit. In der Serie "Such Great Heights" habe ich aus Hunderten von Skizzen Skulpturen gebaut, die an Berge erinnern. Die Ergebnisse werden in einem performativen Prozess fotografiert und erzeugen malerisches und organisches Licht und Form. Trotz der visuellen Mängel und der offensichtlichen Spuren von Rohstoffen auf den Bildern zeigen sie immer noch den romantischen Ausdruck und die realistische Natur, die der Betrachter leicht wahrnehmen kann. Es braucht wenig, um Gefühle der Realitätsflucht und unsere breite, inhärente Bibliothek von Bildern in uns auszulösen. Sie füllen die Lücken, in denen die Bilder auseinander zu fallen scheinen. Da es für unsere Psychologie von Vorteil ist die reale Natur zu erleben, anstatt den gefälschten Berg so zu betrachten wie er ist, neigen wir dazu, eine Beziehung mit der Natur aufzubauen, die wir gerne sehen und einen Prozess der Identifikation und Projektion zu beginnen. Die Empfänger werden dann ihre eigene Wahrnehmung der Natur sehen. Dieser Prozess ist untrennbar mit jeder Beziehung verbunden, die wir haben, wenn wir irgendeine Art von Medien konsumieren.
ce n'est pas par lui-même, mais par moi
Franziska Willimann
Ein Bild, jeden Tag. Mit diesem Vorsatz begann vor zwei Jahren meine persönliche Spurensuche. Ich suchte das Glück.
Doch was ist Glück? Und was bedeutet Glück für mich? Wo finde ich es? Erkenne ich es, wenn es vorbeikommt, ist es fassbar?
Entstanden sind viele Bilder, eine Art fotografisches Tagebuch. Ich fand vermeintlich unscheinbare Augenblicke in meinem Alltag, die mir durch kurzes Innehalten ihre Schönheit offenbarten. Ob dies das Glück ist, weiss ich nicht. Was ich mit meiner Kamera festgehalten habe, sind flüchtlige Momente. Sie bleiben.
Aargauische Kantonalbank
when she was 31
Interview mit Elena Parris:
ffl: Letztes Jahr hast Du das Bild der Frau mit den Blumen an unseren Wettbewerb geschickt und es wurde ausgestellt. Sobald wir über das neue Thema nachgedacht haben, kam uns Dein Bild in den Sinn: perfekt für die vielen Bedeutungen, die es enthält. Erzähle bitte uns ein wenig, was dieses Bild für Dich darstellt und wie es entstanden ist.
Elena Parris: Das Bild „when she was 31“ aus meinem Werk-Zyklus VIELSCHICHTIG, entstand letztes Jahr aus dem Blickwinkel der Dezimierung eines Gesichtes auf den Mund. Es ging mir darum, den Gesichtsausdruck fokussiert über den Mund zu charakterisieren. Jegliches Mehr wäre dabei als Ablenkung empfunden worden. Diese Akzentuierung hat mich sehr fasziniert, weil sie einerseits eine starke Intensität durch Reduktion darstellt, anderseits sich ebenso expressiv zeigt. Der prägende blumige Anteil unterstreicht die gewinnende und befreite Ausstrahlung der jungen Frau.
ffl: Was macht in deinen Augen die perfekte Fotografie, das perfekte Bild aus?
Elena Parris: Das perfekte Bild hat viele Facetten. Für mich gehören qualifizierte, beispielgebende und unvergleichliche Attribute dazu. Ich persönlich präferiere artistische und virtuose Fotografie. Ein Bild muss für mich fantastisch und ambrosisch wirken.
ffl: Die Masse an Bildern ist überwältigend und unsere Wahrnehmung wird immer mehr überfordert. Es droht ein Bedeutungsverlust der Fotografie. Ist die Fotografie, die dir Wert, Bedeutung und Wahrheit bringt, noch lebendig und möglich?
Elena Parris: Gerade in Anbetracht der Masse der heutigen Bilderflut und der damit verbundenen Ballung von Fotografen und Fotografiertem, erhält heute die auserlesene Fotografie eine noch nie dagewesene, hochwertige Bedeutsamkeit. Grundsätzlich ist zu unterscheiden, ob das Bild rein dokumentarischer Natur ist, also die Abbildung der Wirklichkeit, mehr oder weniger zeigt, oder ob der Autor ein Thema oder eine Geschichte aufgreift, und neu - in seiner Sprache - inszeniert. Persönlich habe ich gerade wegen der heutigen Bilderflut und des Überangebotes an Bildmaterial, eine differenzierte Prämisse hinsichtlich der reinen Abbildung der Gegebenheit.