Galerie 94 | Baden
11. Oktober 2025

Modernising Nature
Zak van Biljon

Der Fotograf Zak van Biljon kehrt in der Serie "Modernising Nature" Sehgewohnheiten um. Mittels Infrarotfotografie verwandelt er die Schweizer Bergwelt in leuchtend rote und pinke Landschaften und hinterfragt unser Verhältnis zur Natur und ihrer Abbildung in Zeiten allgegenwärtiger Social-Media-Filter.

Die Ausstellung "Modernising Nature" des Fotografen Zak van Biljon entfremdet den nostalgischen Blick auf die Schweizer Alpen. Anstelle von "dunkle[n] Tannen [und] grüne[n] Wiesen im Sonnenschein" erwarten das Publikum Bergwälder in leuchtendem Rot und Hochweiden in fluoreszierendem Pink. Nach einer anfänglichen Irritation über die ungewohnte Farbgebung entfalten die Bilder eine magnetische Anziehungskraft.

Die Herkunft dieses alternativen Farbspektrums liegt nicht in digitaler Manipulation, sondern in der Nah-Infrarotfotografie, einer Technik, die Zak van Biljon seit 2009 anwendet.Dieses Verfahren erfasst für das menschliche Auge unsichtbare Infrarotwellenlängen, die insbesondere von pflanzlicher Materie reflektiert werden. Dadurch verwandelt der fotografische Prozess alles, was in der Natur grün erscheint, künstlerisch in eine komplementäre Farbpalette. Van Biljon nutzt hierfür sowohl digitale Technologie als auch eine Handvoll seltener historischer Filmrollen aus dem frühen 20. Jahrhundert, die ursprünglich vor allem für militärische Aufklärung zur Anwendung kamen.

Diese "Falschfarbenfotografie" lädt zur Reflexion über die symbolische Bedeutung von Farben wie Rot, Magenta oder Violett ein. Sozialhistorisch sind diese mit Vorstellungen von Macht, aber auch von Verführung assoziiert, während sie in der Natur biologische Konzepte wie Lebenszyklen, Kraft und Vitalität ausdrücken. Die Wirkung der Farben bleibt dabei subjektiv, wie die Kuratorin Pamela Roberts festhält: "Wir alle sehen Farben unterschiedlich: mein Blaugrün ist vielleicht Grünblau für Sie".

In einer Zeit, in der "bis zur Unkenntlichkeit gefilterte Schnappschüsse von Bergseen und Blumenwiesen unsere Aufmerksamkeitsökonomie dominieren", hinterfragt van Biljon mit seiner Technik bewusst die Auffassungen von Künstlichkeit und Kitsch in der Landschaftsfotografie. Er fotografiert weltbekannte Ikonen wie das Matterhorn oder den Seealpsee und schafft so, im Gegensatz zu kosmetisch bearbeiteten Instagram-Bildern, direkte Zugänge zur naturbelassenen Schönheit. Der Blick wird entschleunigt, die gewohnte Sichtweise herausgefordert. So verschwimmen die Grenzen zwischen Mensch, Natur, Wissenschaft und Technologie im "kaleidoskopischen Infrarotkosmos von Modernising Nature", der nun auch erstmals in Buchform vorliegt.

Dans sa série « Modernising Nature », le photographe Zak van Biljon bouleverse nos habitudes visuelles. À l'aide de la photographie infrarouge, il transforme les montagnes suisses en paysages rouge vif et rose, remettant ainsi en question notre rapport à la nature et à sa représentation à l'ère des filtres omniprésents sur les réseaux sociaux.

L'exposition « Modernising Nature » du photographe Zak van Biljon déconstruise le regard nostalgique que l'on porte sur les Alpes suisses. Au lieu de « sapins sombres et de prairies verdoyantes sous le soleil », le public découvre des forêts de montagne rouge vif et des alpages rose fluo. Après une première irritation due à ces couleurs inhabituelles, les visuels exercent une attraction magnétique.

L'origine de ce spectre de couleurs alternatif ne réside pas dans la manipulation numérique, mais dans la photographie proche infrarouge, une technique utilisée par Zak van Biljon depuis 2009. Ce procédé capture les longueurs d'onde infrarouges invisibles à l'œil humain, qui sont particulièrement réfléchies par la matière végétale. Le processus photographique transforme ainsi artistiquement tout ce qui apparaît vert dans la nature en une palette de couleurs complémentaires. Van Biljon utilise à la fois la technologie numérique et une poignée de pellicules historiques rares du début du XXe siècle, initialement utilisées principalement pour la reconnaissance militaire.

Cette « photographie en fausses couleurs » invite à réfléchir sur la signification symbolique des couleurs telles que le rouge, le magenta ou le violet. D'un point de vue socio-historique, elles sont associées à des notions de pouvoir, mais aussi de séduction, tandis que dans la nature, elles expriment des concepts biologiques tels que les cycles de vie, la force et la vitalité. L'effet des couleurs reste subjectif, comme le souligne la conservatrice Pamela Roberts : « Nous voyons tous les couleurs différemment : mon bleu-vert est peut-être vert-bleu pour vous ».

À une époque où « des clichés de lacs de montagne et de prairies fleuries, filtrés jusqu'à en être méconnaissables, dominent notre économie de l'attention », van Biljon remet délibérément en question, à travers sa technique, les notions d'artificialité et de kitsch dans la photographie de paysage. Il photographie des icônes mondialement connues telles que le Cervin ou le lac Seealpsee et, contrairement aux visuels cosmétiquement retouchés d'Instagram, il crée ainsi un accès direct à la beauté naturelle. Le regard est ralenti, la vision habituelle remise en question. Ainsi, les frontières entre l'homme, la nature, la science et la technologie s'estompent dans le « cosmos infrarouge kaléidoscopique de Modernising Nature », désormais disponible pour la première fois sous forme de livre.

Il fotografo Zak van Biljon ribalta le consuetudini visive nella serie «Modernising Nature». Attraverso la fotografia a infrarossi, trasforma il paesaggio montano svizzero in paesaggi rosso vivo e rosa, mettendo in discussione il nostro rapporto con la natura e la sua rappresentazione in un'epoca in cui i filtri dei social media sono onnipresenti.

La mostra “Modernising Nature” del fotografo Zak van Biljon stravolge la visione nostalgica delle Alpi svizzere. Al posto di “abeti scuri e prati verdi illuminati dal sole”, il pubblico si trova di fronte a boschi di montagna di un rosso brillante e pascoli d'alta quota di un rosa fluorescente. Dopo un iniziale stupore per i colori insoliti, le immagini esercitano un fascino magnetico.

L'origine di questo spettro cromatico alternativo non risiede nella manipolazione digitale, ma nella fotografia nel vicino infrarosso, una tecnica che Zak van Biljon utilizza dal 2009. Questo processo cattura le lunghezze d'onda infrarosse invisibili all'occhio umano, che vengono riflesse in particolare dalla materia vegetale. In questo modo, il processo fotografico trasforma artisticamente tutto ciò che appare verde in natura in una tavolozza di colori complementari. Van Biljon utilizza sia la tecnologia digitale che una manciata di rari rullini storici dell'inizio del XX secolo, originariamente utilizzati principalmente per la ricognizione militare.

Questa “fotografia a falsi colori” invita a riflettere sul significato simbolico di colori come il rosso, il magenta o il viola. Dal punto di vista socio-storico, questi colori sono associati a concetti di potere, ma anche di seduzione, mentre in natura esprimono concetti biologici come i cicli di vita, la forza e la vitalità. L'effetto dei colori rimane soggettivo, come osserva la curatrice Pamela Roberts: “Tutti vediamo i colori in modo diverso: il mio blu-verde potrebbe essere verde-blu per voi”.

In un'epoca in cui “istantanee filtrate fino a renderle irriconoscibili di laghi di montagna e prati fioriti dominano la nostra economia dell'attenzione”, van Biljon, con la sua tecnica, mette consapevolmente in discussione le concezioni di artificialità e kitsch nella fotografia di paesaggio. Fotografa icone famose in tutto il mondo come il Cervino o il Seealpsee e, a differenza delle immagini cosmeticamente ritoccate di Instagram, riesce a creare un accesso diretto alla bellezza naturale. Lo sguardo rallenta, la visione abituale viene messa in discussione. Così, i confini tra uomo, natura, scienza e tecnologia si confondono nel “cosmo caleidoscopico a infrarossi di Modernising Nature”, ora disponibile per la prima volta anche in forma di libro.

Photographer Zak van Biljon turns our viewing habits upside down in his series ‘Modernising Nature’. Using infrared photography, he transforms the Swiss mountains into bright red and pink landscapes, questioning our relationship with nature and its representation in an age of ubiquitous social media filters.

The exhibition ‘Modernising Nature’ by photographer Zak van Biljon alienates the nostalgic view of the Swiss Alps. Instead of ‘dark fir trees [and] green meadows in the sunshine’, the audience is greeted by mountain forests in bright red and high pastures in fluorescent pink. After initial confusion about the unusual colour scheme, the visuals unfold a magnetic appeal.

The origin of this alternative colour spectrum is not digital manipulation, but near-infrared photography, a technique Zak van Biljon has been using since 2009. This process captures infrared wavelengths invisible to the human eye, which are reflected particularly strongly by plant matter. The photographic process thus artistically transforms everything that appears green in nature into a complementary colour palette. Van Biljon uses both digital technology and a handful of rare historical film rolls from the early 20th century, which were originally used primarily for military reconnaissance.

This ‘false-colour photography’ invites reflection on the symbolic meaning of colours such as red, magenta and violet. In a socio-historical context, these are associated with ideas of power, but also of seduction, while in nature they express biological concepts such as life cycles, strength and vitality. The effect of colours remains subjective, as curator Pamela Roberts notes: ‘We all see colours differently: my blue-green may be green-blue to you.’

At a time when ‘snapshots of mountain lakes and flower meadows filtered beyond recognition dominate our attention economy,’ van Biljon deliberately uses his technique to question perceptions of artificiality and kitsch in landscape photography. He photographs world-famous icons such as the Matterhorn or the Seealpsee lake and, in contrast to cosmetically edited Instagram images, creates direct access to natural beauty. The gaze is slowed down, the familiar perspective challenged. Thus, the boundaries between humans, nature, science and technology blur in the ‘kaleidoscopic infrared cosmos of Modernising Nature,’ which is now also available in book form for the first time.

Galerie 94 | Baden
20. September 2025

Modernising Nature
Zak van Biljon

Der Fotograf Zak van Biljon kehrt in der Serie "Modernising Nature" Sehgewohnheiten um. Mittels Infrarotfotografie verwandelt er die Schweizer Bergwelt in leuchtend rote und pinke Landschaften und hinterfragt unser Verhältnis zur Natur und ihrer Abbildung in Zeiten allgegenwärtiger Social-Media-Filter.

Die Ausstellung "Modernising Nature" des Fotografen Zak van Biljon entfremdet den nostalgischen Blick auf die Schweizer Alpen. Anstelle von "dunkle[n] Tannen [und] grüne[n] Wiesen im Sonnenschein" erwarten das Publikum Bergwälder in leuchtendem Rot und Hochweiden in fluoreszierendem Pink. Nach einer anfänglichen Irritation über die ungewohnte Farbgebung entfalten die Bilder eine magnetische Anziehungskraft.

Die Herkunft dieses alternativen Farbspektrums liegt nicht in digitaler Manipulation, sondern in der Nah-Infrarotfotografie, einer Technik, die Zak van Biljon seit 2009 anwendet.Dieses Verfahren erfasst für das menschliche Auge unsichtbare Infrarotwellenlängen, die insbesondere von pflanzlicher Materie reflektiert werden. Dadurch verwandelt der fotografische Prozess alles, was in der Natur grün erscheint, künstlerisch in eine komplementäre Farbpalette. Van Biljon nutzt hierfür sowohl digitale Technologie als auch eine Handvoll seltener historischer Filmrollen aus dem frühen 20. Jahrhundert, die ursprünglich vor allem für militärische Aufklärung zur Anwendung kamen.

Diese "Falschfarbenfotografie" lädt zur Reflexion über die symbolische Bedeutung von Farben wie Rot, Magenta oder Violett ein. Sozialhistorisch sind diese mit Vorstellungen von Macht, aber auch von Verführung assoziiert, während sie in der Natur biologische Konzepte wie Lebenszyklen, Kraft und Vitalität ausdrücken. Die Wirkung der Farben bleibt dabei subjektiv, wie die Kuratorin Pamela Roberts festhält: "Wir alle sehen Farben unterschiedlich: mein Blaugrün ist vielleicht Grünblau für Sie".

In einer Zeit, in der "bis zur Unkenntlichkeit gefilterte Schnappschüsse von Bergseen und Blumenwiesen unsere Aufmerksamkeitsökonomie dominieren", hinterfragt van Biljon mit seiner Technik bewusst die Auffassungen von Künstlichkeit und Kitsch in der Landschaftsfotografie. Er fotografiert weltbekannte Ikonen wie das Matterhorn oder den Seealpsee und schafft so, im Gegensatz zu kosmetisch bearbeiteten Instagram-Bildern, direkte Zugänge zur naturbelassenen Schönheit. Der Blick wird entschleunigt, die gewohnte Sichtweise herausgefordert. So verschwimmen die Grenzen zwischen Mensch, Natur, Wissenschaft und Technologie im "kaleidoskopischen Infrarotkosmos von Modernising Nature", der nun auch erstmals in Buchform vorliegt.

Dans sa série « Modernising Nature », le photographe Zak van Biljon bouleverse nos habitudes visuelles. À l'aide de la photographie infrarouge, il transforme les montagnes suisses en paysages rouge vif et rose, remettant ainsi en question notre rapport à la nature et à sa représentation à l'ère des filtres omniprésents sur les réseaux sociaux.

L'exposition « Modernising Nature » du photographe Zak van Biljon déconstruise le regard nostalgique que l'on porte sur les Alpes suisses. Au lieu de « sapins sombres et de prairies verdoyantes sous le soleil », le public découvre des forêts de montagne rouge vif et des alpages rose fluo. Après une première irritation due à ces couleurs inhabituelles, les visuels exercent une attraction magnétique.

L'origine de ce spectre de couleurs alternatif ne réside pas dans la manipulation numérique, mais dans la photographie proche infrarouge, une technique utilisée par Zak van Biljon depuis 2009. Ce procédé capture les longueurs d'onde infrarouges invisibles à l'œil humain, qui sont particulièrement réfléchies par la matière végétale. Le processus photographique transforme ainsi artistiquement tout ce qui apparaît vert dans la nature en une palette de couleurs complémentaires. Van Biljon utilise à la fois la technologie numérique et une poignée de pellicules historiques rares du début du XXe siècle, initialement utilisées principalement pour la reconnaissance militaire.

Cette « photographie en fausses couleurs » invite à réfléchir sur la signification symbolique des couleurs telles que le rouge, le magenta ou le violet. D'un point de vue socio-historique, elles sont associées à des notions de pouvoir, mais aussi de séduction, tandis que dans la nature, elles expriment des concepts biologiques tels que les cycles de vie, la force et la vitalité. L'effet des couleurs reste subjectif, comme le souligne la conservatrice Pamela Roberts : « Nous voyons tous les couleurs différemment : mon bleu-vert est peut-être vert-bleu pour vous ».

À une époque où « des clichés de lacs de montagne et de prairies fleuries, filtrés jusqu'à en être méconnaissables, dominent notre économie de l'attention », van Biljon remet délibérément en question, à travers sa technique, les notions d'artificialité et de kitsch dans la photographie de paysage. Il photographie des icônes mondialement connues telles que le Cervin ou le lac Seealpsee et, contrairement aux visuels cosmétiquement retouchés d'Instagram, il crée ainsi un accès direct à la beauté naturelle. Le regard est ralenti, la vision habituelle remise en question. Ainsi, les frontières entre l'homme, la nature, la science et la technologie s'estompent dans le « cosmos infrarouge kaléidoscopique de Modernising Nature », désormais disponible pour la première fois sous forme de livre.

Il fotografo Zak van Biljon ribalta le consuetudini visive nella serie «Modernising Nature». Attraverso la fotografia a infrarossi, trasforma il paesaggio montano svizzero in paesaggi rosso vivo e rosa, mettendo in discussione il nostro rapporto con la natura e la sua rappresentazione in un'epoca in cui i filtri dei social media sono onnipresenti.

La mostra “Modernising Nature” del fotografo Zak van Biljon stravolge la visione nostalgica delle Alpi svizzere. Al posto di “abeti scuri e prati verdi illuminati dal sole”, il pubblico si trova di fronte a boschi di montagna di un rosso brillante e pascoli d'alta quota di un rosa fluorescente. Dopo un iniziale stupore per i colori insoliti, le immagini esercitano un fascino magnetico.

L'origine di questo spettro cromatico alternativo non risiede nella manipolazione digitale, ma nella fotografia nel vicino infrarosso, una tecnica che Zak van Biljon utilizza dal 2009. Questo processo cattura le lunghezze d'onda infrarosse invisibili all'occhio umano, che vengono riflesse in particolare dalla materia vegetale. In questo modo, il processo fotografico trasforma artisticamente tutto ciò che appare verde in natura in una tavolozza di colori complementari. Van Biljon utilizza sia la tecnologia digitale che una manciata di rari rullini storici dell'inizio del XX secolo, originariamente utilizzati principalmente per la ricognizione militare.

Questa “fotografia a falsi colori” invita a riflettere sul significato simbolico di colori come il rosso, il magenta o il viola. Dal punto di vista socio-storico, questi colori sono associati a concetti di potere, ma anche di seduzione, mentre in natura esprimono concetti biologici come i cicli di vita, la forza e la vitalità. L'effetto dei colori rimane soggettivo, come osserva la curatrice Pamela Roberts: “Tutti vediamo i colori in modo diverso: il mio blu-verde potrebbe essere verde-blu per voi”.

In un'epoca in cui “istantanee filtrate fino a renderle irriconoscibili di laghi di montagna e prati fioriti dominano la nostra economia dell'attenzione”, van Biljon, con la sua tecnica, mette consapevolmente in discussione le concezioni di artificialità e kitsch nella fotografia di paesaggio. Fotografa icone famose in tutto il mondo come il Cervino o il Seealpsee e, a differenza delle immagini cosmeticamente ritoccate di Instagram, riesce a creare un accesso diretto alla bellezza naturale. Lo sguardo rallenta, la visione abituale viene messa in discussione. Così, i confini tra uomo, natura, scienza e tecnologia si confondono nel “cosmo caleidoscopico a infrarossi di Modernising Nature”, ora disponibile per la prima volta anche in forma di libro.

Photographer Zak van Biljon turns our viewing habits upside down in his series ‘Modernising Nature’. Using infrared photography, he transforms the Swiss mountains into bright red and pink landscapes, questioning our relationship with nature and its representation in an age of ubiquitous social media filters.

The exhibition ‘Modernising Nature’ by photographer Zak van Biljon alienates the nostalgic view of the Swiss Alps. Instead of ‘dark fir trees [and] green meadows in the sunshine’, the audience is greeted by mountain forests in bright red and high pastures in fluorescent pink. After initial confusion about the unusual colour scheme, the visuals unfold a magnetic appeal.

The origin of this alternative colour spectrum is not digital manipulation, but near-infrared photography, a technique Zak van Biljon has been using since 2009. This process captures infrared wavelengths invisible to the human eye, which are reflected particularly strongly by plant matter. The photographic process thus artistically transforms everything that appears green in nature into a complementary colour palette. Van Biljon uses both digital technology and a handful of rare historical film rolls from the early 20th century, which were originally used primarily for military reconnaissance.

This ‘false-colour photography’ invites reflection on the symbolic meaning of colours such as red, magenta and violet. In a socio-historical context, these are associated with ideas of power, but also of seduction, while in nature they express biological concepts such as life cycles, strength and vitality. The effect of colours remains subjective, as curator Pamela Roberts notes: ‘We all see colours differently: my blue-green may be green-blue to you.’

At a time when ‘snapshots of mountain lakes and flower meadows filtered beyond recognition dominate our attention economy,’ van Biljon deliberately uses his technique to question perceptions of artificiality and kitsch in landscape photography. He photographs world-famous icons such as the Matterhorn or the Seealpsee lake and, in contrast to cosmetically edited Instagram images, creates direct access to natural beauty. The gaze is slowed down, the familiar perspective challenged. Thus, the boundaries between humans, nature, science and technology blur in the ‘kaleidoscopic infrared cosmos of Modernising Nature,’ which is now also available in book form for the first time.

Galerie 94 | Baden
28. August 2025

Einführung durch Gwendolyn Fässler, Kunsthistorikerin

Modernising Nature
Zak van Biljon

Der Fotograf Zak van Biljon kehrt in der Serie "Modernising Nature" Sehgewohnheiten um. Mittels Infrarotfotografie verwandelt er die Schweizer Bergwelt in leuchtend rote und pinke Landschaften und hinterfragt unser Verhältnis zur Natur und ihrer Abbildung in Zeiten allgegenwärtiger Social-Media-Filter.

Die Ausstellung "Modernising Nature" des Fotografen Zak van Biljon entfremdet den nostalgischen Blick auf die Schweizer Alpen. Anstelle von "dunkle[n] Tannen [und] grüne[n] Wiesen im Sonnenschein" erwarten das Publikum Bergwälder in leuchtendem Rot und Hochweiden in fluoreszierendem Pink. Nach einer anfänglichen Irritation über die ungewohnte Farbgebung entfalten die Bilder eine magnetische Anziehungskraft.

Die Herkunft dieses alternativen Farbspektrums liegt nicht in digitaler Manipulation, sondern in der Nah-Infrarotfotografie, einer Technik, die Zak van Biljon seit 2009 anwendet.Dieses Verfahren erfasst für das menschliche Auge unsichtbare Infrarotwellenlängen, die insbesondere von pflanzlicher Materie reflektiert werden. Dadurch verwandelt der fotografische Prozess alles, was in der Natur grün erscheint, künstlerisch in eine komplementäre Farbpalette. Van Biljon nutzt hierfür sowohl digitale Technologie als auch eine Handvoll seltener historischer Filmrollen aus dem frühen 20. Jahrhundert, die ursprünglich vor allem für militärische Aufklärung zur Anwendung kamen.

Diese "Falschfarbenfotografie" lädt zur Reflexion über die symbolische Bedeutung von Farben wie Rot, Magenta oder Violett ein. Sozialhistorisch sind diese mit Vorstellungen von Macht, aber auch von Verführung assoziiert, während sie in der Natur biologische Konzepte wie Lebenszyklen, Kraft und Vitalität ausdrücken. Die Wirkung der Farben bleibt dabei subjektiv, wie die Kuratorin Pamela Roberts festhält: "Wir alle sehen Farben unterschiedlich: mein Blaugrün ist vielleicht Grünblau für Sie".

In einer Zeit, in der "bis zur Unkenntlichkeit gefilterte Schnappschüsse von Bergseen und Blumenwiesen unsere Aufmerksamkeitsökonomie dominieren", hinterfragt van Biljon mit seiner Technik bewusst die Auffassungen von Künstlichkeit und Kitsch in der Landschaftsfotografie. Er fotografiert weltbekannte Ikonen wie das Matterhorn oder den Seealpsee und schafft so, im Gegensatz zu kosmetisch bearbeiteten Instagram-Bildern, direkte Zugänge zur naturbelassenen Schönheit. Der Blick wird entschleunigt, die gewohnte Sichtweise herausgefordert. So verschwimmen die Grenzen zwischen Mensch, Natur, Wissenschaft und Technologie im "kaleidoskopischen Infrarotkosmos von Modernising Nature", der nun auch erstmals in Buchform vorliegt.

Dans sa série « Modernising Nature », le photographe Zak van Biljon bouleverse nos habitudes visuelles. À l'aide de la photographie infrarouge, il transforme les montagnes suisses en paysages rouge vif et rose, remettant ainsi en question notre rapport à la nature et à sa représentation à l'ère des filtres omniprésents sur les réseaux sociaux.

L'exposition « Modernising Nature » du photographe Zak van Biljon déconstruise le regard nostalgique que l'on porte sur les Alpes suisses. Au lieu de « sapins sombres et de prairies verdoyantes sous le soleil », le public découvre des forêts de montagne rouge vif et des alpages rose fluo. Après une première irritation due à ces couleurs inhabituelles, les visuels exercent une attraction magnétique.

L'origine de ce spectre de couleurs alternatif ne réside pas dans la manipulation numérique, mais dans la photographie proche infrarouge, une technique utilisée par Zak van Biljon depuis 2009. Ce procédé capture les longueurs d'onde infrarouges invisibles à l'œil humain, qui sont particulièrement réfléchies par la matière végétale. Le processus photographique transforme ainsi artistiquement tout ce qui apparaît vert dans la nature en une palette de couleurs complémentaires. Van Biljon utilise à la fois la technologie numérique et une poignée de pellicules historiques rares du début du XXe siècle, initialement utilisées principalement pour la reconnaissance militaire.

Cette « photographie en fausses couleurs » invite à réfléchir sur la signification symbolique des couleurs telles que le rouge, le magenta ou le violet. D'un point de vue socio-historique, elles sont associées à des notions de pouvoir, mais aussi de séduction, tandis que dans la nature, elles expriment des concepts biologiques tels que les cycles de vie, la force et la vitalité. L'effet des couleurs reste subjectif, comme le souligne la conservatrice Pamela Roberts : « Nous voyons tous les couleurs différemment : mon bleu-vert est peut-être vert-bleu pour vous ».

À une époque où « des clichés de lacs de montagne et de prairies fleuries, filtrés jusqu'à en être méconnaissables, dominent notre économie de l'attention », van Biljon remet délibérément en question, à travers sa technique, les notions d'artificialité et de kitsch dans la photographie de paysage. Il photographie des icônes mondialement connues telles que le Cervin ou le lac Seealpsee et, contrairement aux visuels cosmétiquement retouchés d'Instagram, il crée ainsi un accès direct à la beauté naturelle. Le regard est ralenti, la vision habituelle remise en question. Ainsi, les frontières entre l'homme, la nature, la science et la technologie s'estompent dans le « cosmos infrarouge kaléidoscopique de Modernising Nature », désormais disponible pour la première fois sous forme de livre.

Il fotografo Zak van Biljon ribalta le consuetudini visive nella serie «Modernising Nature». Attraverso la fotografia a infrarossi, trasforma il paesaggio montano svizzero in paesaggi rosso vivo e rosa, mettendo in discussione il nostro rapporto con la natura e la sua rappresentazione in un'epoca in cui i filtri dei social media sono onnipresenti.

La mostra “Modernising Nature” del fotografo Zak van Biljon stravolge la visione nostalgica delle Alpi svizzere. Al posto di “abeti scuri e prati verdi illuminati dal sole”, il pubblico si trova di fronte a boschi di montagna di un rosso brillante e pascoli d'alta quota di un rosa fluorescente. Dopo un iniziale stupore per i colori insoliti, le immagini esercitano un fascino magnetico.

L'origine di questo spettro cromatico alternativo non risiede nella manipolazione digitale, ma nella fotografia nel vicino infrarosso, una tecnica che Zak van Biljon utilizza dal 2009. Questo processo cattura le lunghezze d'onda infrarosse invisibili all'occhio umano, che vengono riflesse in particolare dalla materia vegetale. In questo modo, il processo fotografico trasforma artisticamente tutto ciò che appare verde in natura in una tavolozza di colori complementari. Van Biljon utilizza sia la tecnologia digitale che una manciata di rari rullini storici dell'inizio del XX secolo, originariamente utilizzati principalmente per la ricognizione militare.

Questa “fotografia a falsi colori” invita a riflettere sul significato simbolico di colori come il rosso, il magenta o il viola. Dal punto di vista socio-storico, questi colori sono associati a concetti di potere, ma anche di seduzione, mentre in natura esprimono concetti biologici come i cicli di vita, la forza e la vitalità. L'effetto dei colori rimane soggettivo, come osserva la curatrice Pamela Roberts: “Tutti vediamo i colori in modo diverso: il mio blu-verde potrebbe essere verde-blu per voi”.

In un'epoca in cui “istantanee filtrate fino a renderle irriconoscibili di laghi di montagna e prati fioriti dominano la nostra economia dell'attenzione”, van Biljon, con la sua tecnica, mette consapevolmente in discussione le concezioni di artificialità e kitsch nella fotografia di paesaggio. Fotografa icone famose in tutto il mondo come il Cervino o il Seealpsee e, a differenza delle immagini cosmeticamente ritoccate di Instagram, riesce a creare un accesso diretto alla bellezza naturale. Lo sguardo rallenta, la visione abituale viene messa in discussione. Così, i confini tra uomo, natura, scienza e tecnologia si confondono nel “cosmo caleidoscopico a infrarossi di Modernising Nature”, ora disponibile per la prima volta anche in forma di libro.

Photographer Zak van Biljon turns our viewing habits upside down in his series ‘Modernising Nature’. Using infrared photography, he transforms the Swiss mountains into bright red and pink landscapes, questioning our relationship with nature and its representation in an age of ubiquitous social media filters.

The exhibition ‘Modernising Nature’ by photographer Zak van Biljon alienates the nostalgic view of the Swiss Alps. Instead of ‘dark fir trees [and] green meadows in the sunshine’, the audience is greeted by mountain forests in bright red and high pastures in fluorescent pink. After initial confusion about the unusual colour scheme, the visuals unfold a magnetic appeal.

The origin of this alternative colour spectrum is not digital manipulation, but near-infrared photography, a technique Zak van Biljon has been using since 2009. This process captures infrared wavelengths invisible to the human eye, which are reflected particularly strongly by plant matter. The photographic process thus artistically transforms everything that appears green in nature into a complementary colour palette. Van Biljon uses both digital technology and a handful of rare historical film rolls from the early 20th century, which were originally used primarily for military reconnaissance.

This ‘false-colour photography’ invites reflection on the symbolic meaning of colours such as red, magenta and violet. In a socio-historical context, these are associated with ideas of power, but also of seduction, while in nature they express biological concepts such as life cycles, strength and vitality. The effect of colours remains subjective, as curator Pamela Roberts notes: ‘We all see colours differently: my blue-green may be green-blue to you.’

At a time when ‘snapshots of mountain lakes and flower meadows filtered beyond recognition dominate our attention economy,’ van Biljon deliberately uses his technique to question perceptions of artificiality and kitsch in landscape photography. He photographs world-famous icons such as the Matterhorn or the Seealpsee lake and, in contrast to cosmetically edited Instagram images, creates direct access to natural beauty. The gaze is slowed down, the familiar perspective challenged. Thus, the boundaries between humans, nature, science and technology blur in the ‘kaleidoscopic infrared cosmos of Modernising Nature,’ which is now also available in book form for the first time.

Bsinti | Braunwald
28. Juni 2025

Hans Peter Jost. Sehnsucht Alpen

Mit einer scheinbar simplen Technik fängt Hans Peter Jost die Essenz der Natur ein: Seine stimmungsvollen Aufnahmen, entstanden mit der traditionsreichen Lochkamera, entführen die Betrachtenden in eine Welt voller Anmut und Stille. Sanfte Konturen, das Spiel von Licht und Schatten sowie die unverwechselbare Unschärfe verleihen den Bildern eine beinahe träumerische Atmosphäre – von majestätischen Bergen bis hin zu stillen Blumenwiesen.

Die Pinhole-Fotografie zählt zu den ältesten fotografischen Verfahren und wirkt gerade deshalb so modern: Ohne Linse und technische Perfektion entsteht eine Ästhetik, die den Blick entschleunigt und die Seele berührt. In Josts Werken werden Landschaften ebenso wie einfache Motive zu leisen Meditationen über die Schönheit des Moments.

Kurator Fridolin Walcher lädt gemeinsam mit Hans Peter Jost zu einer besonderen Entdeckungsreise – im neuen Ambiente des BSINTI verschmelzen künstlerische Vision und raumfüllende Gegenwart. Die Ausstellung offenbart die zeitlose Magie einer der ursprünglichsten fotografischen Ausdrucksformen und eröffnet neue Perspektiven, um die Welt zu sehen.

Avec une technique en apparence simple, Hans Peter Jost saisit l’essence de la nature : ses images atmosphériques, créées avec la traditionnelle caméra obscure, transportent le spectateur dans un monde empreint de grâce et de silence. Des contours doux, le jeu de la lumière et de l’ombre ainsi qu’un flou distinctif confèrent aux photographies une atmosphère presque onirique – des montagnes majestueuses aux prairies fleuries silencieuses.

La photographie au sténopé est l’une des plus anciennes méthodes photographiques et, pour cette raison même, paraît aujourd’hui si contemporaine : sans lentille ni perfection technique, une esthétique naît, ralentissant le regard et émouvant l’âme. Dans les œuvres de Jost, paysages mais aussi motifs simples deviennent des méditations silencieuses sur la beauté de l’instant.

Le commissaire d’exposition Fridolin Walcher invite à un voyage de découverte particulier, en compagnie de Hans Peter Jost – dans la nouvelle ambiance du BSINTI, la vision artistique fusionne avec la présence du lieu. L’exposition dévoile la magie intemporelle d’une des formes d’expression photographique les plus originelles et ouvre de nouvelles perspectives pour voir le monde.

Con una tecnica apparentemente semplice, Hans Peter Jost cattura l’essenza della natura: le sue immagini suggestive, realizzate con la tradizionale fotocamera a foro stenopeico, trasportano lo spettatore in un mondo di grazia e silenzio. Contorni morbidi, il gioco di luce e ombra e una caratteristica sfocatura conferiscono alle fotografie un’atmosfera quasi onirica – dalle maestose montagne ai silenziosi prati in fiore.

La fotografia a foro stenopeico è una delle tecniche fotografiche più antiche e, proprio per questo, appare oggi così moderna: senza lente e senza perfezione tecnica, nasce un’estetica che rallenta lo sguardo e tocca l’anima. Nelle opere di Jost, paesaggi e anche soggetti semplici diventano meditate contemplazioni sulla bellezza dell’attimo.

Il curatore Fridolin Walcher, insieme a Hans Peter Jost, invita a un particolare viaggio di scoperta – nella nuova cornice del BSINTI, visione artistica e spazio espositivo si fondono. La mostra rivela la magia senza tempo di una delle forme più pure di espressione fotografica e offre nuove prospettive per vedere il mondo.

With an apparently simple technique, Hans Peter Jost captures the very essence of nature: his atmospheric images, created with the traditional pinhole camera, transport viewers into a world full of grace and silence. Soft contours, the play of light and shadow, and a distinctive blurriness lend the photographs an almost dreamlike quality – from majestic mountains to quiet wildflower meadows.

Pinhole photography is one of the oldest photographic techniques, and it feels particularly contemporary today: without a lens or technical perfectionism, it gives rise to an aesthetic that slows the gaze and touches the soul. In Jost’s works, landscapes and even simple subjects become meditative reflections on the beauty of the moment.

Curator Fridolin Walcher, together with Hans Peter Jost, invites you on a unique journey of discovery – in the new ambience of BSINTI, artistic vision merges with the present moment. The exhibition reveals the timeless magic of this primal form of photographic expression and opens up new perspectives on how to see the world.

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
11. Juni 2025

Presse- und Dokumentarfotografie, ade?
Presse- sowie Dokumentarfotografie geraten unter Druck – klassische Publikationsorte und Geldquellen verschwinden zunehmend. Wo könnten Bedeutung und Zukunft dieses fotografischen Genres liegen?

Im Gespräch mit Gästen:
Florian Bachmann, Fotograf, Bildredaktion WOZ
Esther Baur, Staatsarchivarin Basel-Stadt
Estelle Blaschke, Professorin für Medienwissenschaften der Universität BS
Caroline Fink, Fotografin/Studienleiterin, Fotografie MAZ
Tilo Richter, Projektleiter Kultur der Christoph Merian Stiftung
Roland Schmid, Fotograf
Madeleine Schuppli, Kuratorin, Stiftungsratspräsidentin Fotomuseum Winterthur
Moderation: Regine Flury

Unter uns – Erkundungen im Zwischenraum
Christian Flierl

In der Ausstellung untersucht Christian Flierl, Fotograf, Biologe und Mitbegründer des BelleVue, die Berührungsflächen zwischen dem scheinbaren Gegensatz «Kultur» und «Natur».

Die fünf Werkgruppen, entstanden zwischen 2007 und 2024, gewähren Einblicke in jene Bereiche des Übergangs, wo sich die Aneignung und die Rationalisierung der Natur durch den Menschen manifestieren; sie zeigen aber auch Spuren der Rückeroberung und die Rückverwandlungen menschlicher Zumutungen durch die Natur.

In «Unter uns» begegnen wir solchen Zwischenräumen exemplarisch, wenn Siedlungs- und Stadtlandschaften auf die Natur oder das, was wir darunter verstehen, treffen; denn längst ist die «wilde, freie Natur» zweckmässig nach unseren Bedürfnissen geformt. Andere Werkgruppen zeigen aber auch eine subtile Umkehr der Beziehung Mensch-Natur: Die Einritzungen auf Baumrinden sind im Laufe der Zeit vernarbt und bilden jetzt ein Aneinander geheimnisvoller Schriftzeichen; oder wir erkennen Formen und Relikte von Bauwerken in Küstennähe, die durch das ewige Anspülen des Wassers zurückverwandelt wurden in etwas Organisches, zum Meer Gehörendes. Und unweigerlich fragt man sich: Was ist natürlich, was vom Menschen gemacht?

Durch das schnelle Erfassen eines Moments oder das akribische, fotografische Erkunden eines Ortes erzeugt Christian Flierl – durchaus auch mit Humor und Ironie – einen Kontrast, in dem die problematischen Folgen des menschlichen Handelns offensichtlich werden.

Aber die Arbeiten verharren nicht in der Kritik. Sie verändern oder erweitern den Horizont, indem sie gewohnte Seh- und Denklinien hinterfragen und verschieben.

Flierls Fotografie will – ganz im Sinne des Dokumentarischen – aufklären und hilft uns, zu verstehen. Sie geht aber über das Dokumentarische hinaus, weil sie nicht nur zeigt, was ist, sondern uns berührt und es uns so ermöglicht, immer auch etwas Neues, Unerwartetes zu entdecken.

Dans cette exposition, Christian Flierl, photographe, biologiste et cofondateur de BelleVue, explore les points de contact entre les concepts apparemment opposés de « culture » et de « nature ».

Les cinq groupes d'œuvres, créés entre 2007 et 2024, offrent un aperçu des zones de transition où se manifestent l'appropriation et la rationalisation de la nature par l'homme ; mais ils montrent également les traces de la reconquête et de la transformation des exigences humaines par la nature.

Dans « Unter uns » (Parmi nous), nous rencontrons des exemples de ces espaces intermédiaires, lorsque les paysages urbains et ruraux rencontrent la nature ou ce que nous entendons par là, car la « nature sauvage et libre » a depuis longtemps été façonnée de manière fonctionnelle selon nos besoins. D'autres groupes d'œuvres montrent cependant un subtil renversement de la relation entre l'homme et la nature : les entailles sur l'écorce des arbres ont cicatrisé au fil du temps et forment désormais un ensemble de caractères mystérieux ; ou encore, nous reconnaissons des formes et des vestiges de constructions près de la côte, qui ont été reconvertis en quelque chose d'organique, appartenant à la mer, par le lavage incessant de l'eau. Et on se demande inévitablement : qu'est-ce qui est naturel, qu'est-ce qui est fait par l'homme ?

En saisissant rapidement un instant ou en explorant minutieusement un lieu à travers la photographie, Christian Flierl crée – avec humour et ironie – un contraste qui met en évidence les conséquences problématiques de l'action humaine.

Mais ses œuvres ne s'arrêtent pas à la critique. Elles modifient ou élargissent notre horizon en remettant en question et en déplaçant nos habitudes visuelles et intellectuelles.

La photographie de Flierl vise, dans l'esprit du documentaire, à éclairer et à nous aider à comprendre. Elle va toutefois au-delà du documentaire, car elle ne se contente pas de montrer ce qui est, mais nous touche et nous permet ainsi de toujours découvrir quelque chose de nouveau, d'inattendu.

Nella mostra, Christian Flierl, fotografo, biologo e cofondatore di BelleVue, esplora i punti di contatto tra l'apparente contrapposizione tra «cultura» e «natura».

I cinque gruppi di opere, realizzati tra il 2007 e il 2024, offrono uno sguardo su quelle zone di transizione in cui si manifestano l'appropriazione e la razionalizzazione della natura da parte dell'uomo, ma mostrano anche le tracce della riconquista e della trasformazione delle imposizioni umane da parte della natura.

In «Unter uns» (Tra noi) incontriamo esempi di questi spazi intermedi, dove i paesaggi urbani e residenziali incontrano la natura o ciò che intendiamo come tale, poiché la «natura selvaggia e libera» è stata da tempo modellata in base alle nostre esigenze. Altri gruppi di opere mostrano però anche un sottile ribaltamento del rapporto uomo-natura: le incisioni sulla corteccia degli alberi si sono cicatrizzate nel corso del tempo e ora formano una serie di misteriosi caratteri; oppure riconosciamo forme e resti di edifici vicino alla costa, che l'eterno risucchio dell'acqua ha trasformato in qualcosa di organico, appartenente al mare. E inevitabilmente ci si chiede: cosa è naturale, cosa è stato creato dall'uomo?

Cogliendo rapidamente un momento o esplorando meticolosamente un luogo con la fotografia, Christian Flierl crea – anche con umorismo e ironia – un contrasto che mette in evidenza le conseguenze problematiche dell'azione umana.

Ma le opere non si fermano alla critica. Esse modificano o ampliano l'orizzonte, mettendo in discussione e spostando le consuete linee visive e di pensiero.

La fotografia di Flierl vuole informare, in pieno stile documentaristico, e ci aiuta a comprendere. Tuttavia, va oltre il documentario perché non si limita a mostrare ciò che è, ma ci tocca e ci permette così di scoprire sempre qualcosa di nuovo e inaspettato.

In this exhibition, Christian Flierl, photographer, biologist and co-founder of BelleVue, explores the points of contact between the apparent opposites of ‘culture’ and ‘nature’.

The five groups of works, created between 2007 and 2024, provide insights into those areas of transition where the appropriation and rationalisation of nature by humans manifest themselves; but they also show traces of reconquest and the re-transformation of human impositions by nature.

In ‘Unter uns’ (Among Us), we encounter such interstices in an exemplary way when settlement and urban landscapes encounter nature, or what we understand by it, for ‘wild, free nature’ has long been shaped to suit our needs. Other groups of works, however, also show a subtle reversal of the relationship between humans and nature: The carvings on tree bark have scarred over time and now form a mysterious series of characters; or we recognise the shapes and relics of buildings near the coast that have been transformed back into something organic, belonging to the sea, by the eternal washing of the water. And inevitably we ask ourselves: what is natural, what is man-made?

By quickly capturing a moment or meticulously exploring a place photographically, Christian Flierl creates a contrast – often with humour and irony – that reveals the problematic consequences of human action.

But the works do not dwell on criticism. They change or expand our horizons by questioning and shifting familiar ways of seeing and thinking.

Flierl's photography aims to enlighten and help us understand, in keeping with the spirit of documentary photography. However, it goes beyond the documentary because it not only shows what is, but also touches us, enabling us to always discover something new and unexpected.

(Text: BelleVue – Ort der Fotografie, Basel)

Bsinti | Braunwald
8. Juni 2025

Hans Peter Jost. Sehnsucht Alpen

Mit einer scheinbar simplen Technik fängt Hans Peter Jost die Essenz der Natur ein: Seine stimmungsvollen Aufnahmen, entstanden mit der traditionsreichen Lochkamera, entführen die Betrachtenden in eine Welt voller Anmut und Stille. Sanfte Konturen, das Spiel von Licht und Schatten sowie die unverwechselbare Unschärfe verleihen den Bildern eine beinahe träumerische Atmosphäre – von majestätischen Bergen bis hin zu stillen Blumenwiesen.

Die Pinhole-Fotografie zählt zu den ältesten fotografischen Verfahren und wirkt gerade deshalb so modern: Ohne Linse und technische Perfektion entsteht eine Ästhetik, die den Blick entschleunigt und die Seele berührt. In Josts Werken werden Landschaften ebenso wie einfache Motive zu leisen Meditationen über die Schönheit des Moments.

Kurator Fridolin Walcher lädt gemeinsam mit Hans Peter Jost zu einer besonderen Entdeckungsreise – im neuen Ambiente des BSINTI verschmelzen künstlerische Vision und raumfüllende Gegenwart. Die Ausstellung offenbart die zeitlose Magie einer der ursprünglichsten fotografischen Ausdrucksformen und eröffnet neue Perspektiven, um die Welt zu sehen.

Avec une technique en apparence simple, Hans Peter Jost saisit l’essence de la nature : ses images atmosphériques, créées avec la traditionnelle caméra obscure, transportent le spectateur dans un monde empreint de grâce et de silence. Des contours doux, le jeu de la lumière et de l’ombre ainsi qu’un flou distinctif confèrent aux photographies une atmosphère presque onirique – des montagnes majestueuses aux prairies fleuries silencieuses.

La photographie au sténopé est l’une des plus anciennes méthodes photographiques et, pour cette raison même, paraît aujourd’hui si contemporaine : sans lentille ni perfection technique, une esthétique naît, ralentissant le regard et émouvant l’âme. Dans les œuvres de Jost, paysages mais aussi motifs simples deviennent des méditations silencieuses sur la beauté de l’instant.

Le commissaire d’exposition Fridolin Walcher invite à un voyage de découverte particulier, en compagnie de Hans Peter Jost – dans la nouvelle ambiance du BSINTI, la vision artistique fusionne avec la présence du lieu. L’exposition dévoile la magie intemporelle d’une des formes d’expression photographique les plus originelles et ouvre de nouvelles perspectives pour voir le monde.

Con una tecnica apparentemente semplice, Hans Peter Jost cattura l’essenza della natura: le sue immagini suggestive, realizzate con la tradizionale fotocamera a foro stenopeico, trasportano lo spettatore in un mondo di grazia e silenzio. Contorni morbidi, il gioco di luce e ombra e una caratteristica sfocatura conferiscono alle fotografie un’atmosfera quasi onirica – dalle maestose montagne ai silenziosi prati in fiore.

La fotografia a foro stenopeico è una delle tecniche fotografiche più antiche e, proprio per questo, appare oggi così moderna: senza lente e senza perfezione tecnica, nasce un’estetica che rallenta lo sguardo e tocca l’anima. Nelle opere di Jost, paesaggi e anche soggetti semplici diventano meditate contemplazioni sulla bellezza dell’attimo.

Il curatore Fridolin Walcher, insieme a Hans Peter Jost, invita a un particolare viaggio di scoperta – nella nuova cornice del BSINTI, visione artistica e spazio espositivo si fondono. La mostra rivela la magia senza tempo di una delle forme più pure di espressione fotografica e offre nuove prospettive per vedere il mondo.

With an apparently simple technique, Hans Peter Jost captures the very essence of nature: his atmospheric images, created with the traditional pinhole camera, transport viewers into a world full of grace and silence. Soft contours, the play of light and shadow, and a distinctive blurriness lend the photographs an almost dreamlike quality – from majestic mountains to quiet wildflower meadows.

Pinhole photography is one of the oldest photographic techniques, and it feels particularly contemporary today: without a lens or technical perfectionism, it gives rise to an aesthetic that slows the gaze and touches the soul. In Jost’s works, landscapes and even simple subjects become meditative reflections on the beauty of the moment.

Curator Fridolin Walcher, together with Hans Peter Jost, invites you on a unique journey of discovery – in the new ambience of BSINTI, artistic vision merges with the present moment. The exhibition reveals the timeless magic of this primal form of photographic expression and opens up new perspectives on how to see the world.

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
7. Juni 2025

Tactics and Mythologies
Andrea Orejarena & Caleb Stein

Das Photoforum Pasquart präsentiert Tactics and Mythologies – eine fesselnde Ausstellung des in New York ansässigen Künstlerduos Andrea Orejarena & Caleb Stein. Dies ist die erste Station der Wanderausstellung nach ihrer Premiere in den Deichtorhallen Hamburg. Die Ausstellung untersucht das Zusammenspiel von zeitgenössischer Mythologie, Desinformation und visueller Erzählung im digitalen Zeitalter und ist Teil eines fortlaufenden Dialogs darüber, wie Bilder unser kollektives Bewusstsein prägen.

Mit einem vielschichtigen Ansatz verweben Orejarena & Stein dokumentarische, konzeptuelle und forschungsbasierte fotografische Strategien, um zu erforschen, wie sich Narrative und Bildkulturen in einer vernetzten Welt entwickeln. Ihr Projekt American Glitch – das Herzstück dieser Ausstellung – untersucht visuelle Mythologien im Internet sowie deren Verbindungen zu historischen Erinnerungen, Verschwörungstheorien und der Ästhetik digitaler Simulation. Das Duo hat ein umfassendes Archiv mit über 2.000 Bildern aufgebaut – darunter gefundenes Material und KI-generierte Visuals –, das einen kritischen und zugleich poetischen Blick auf die amerikanische Medienlandschaft bietet.

Le Photoforum Pasquart présente Tactics and Mythologies, une exposition captivante du duo d’artistes basé à New York Andrea Orejarena & Caleb Stein. Il s’agit de la première étape de cette exposition itinérante après sa première présentation aux Deichtorhallen de Hambourg. L’exposition explore l’interaction entre la mythologie contemporaine, la désinformation et la narration visuelle à l’ère numérique, faisant partie d’un dialogue continu sur la manière dont les images façonnent notre conscience collective.

Grâce à une approche multi-couches, Orejarena & Stein mêlent des stratégies photographiques documentaires, conceptuelles et fondées sur la recherche pour examiner l’évolution des récits et des cultures visuelles dans un monde en réseau. Leur projet American Glitch — au cœur de cette exposition — étudie les mythologies visuelles circulant en ligne et leurs intersections avec la mémoire historique, les théories du complot et l’esthétique de la simulation numérique. Le duo a constitué une vaste archive de plus de 2 000 images, incluant du matériel trouvé et des visuels générés par l’IA, offrant un regard critique mais poétique sur le paysage médiatique américain.

Il Photoforum Pasquart presenta Tactics and Mythologies, un'affascinante mostra del duo di artisti newyorkesi Andrea Orejarena e Caleb Stein. Questa è la prima tappa della mostra itinerante dopo la sua anteprima alla Deichtorhallen di Amburgo. La mostra esplora l'interazione tra mitologia contemporanea, disinformazione e narrazione visiva nell'era digitale e fa parte di un dialogo continuo su come le immagini plasmano la nostra coscienza collettiva.

Con un approccio multiforme, Orejarena & Stein intrecciano strategie fotografiche documentarie, concettuali e basate sulla ricerca per esplorare come le narrazioni e le culture visive si sviluppano in un mondo interconnesso. Il loro progetto American Glitch, fulcro di questa mostra, esplora le mitologie visive su Internet e i loro legami con la memoria storica, le teorie del complotto e l'estetica della simulazione digitale. Il duo ha creato un archivio completo di oltre 2.000 immagini, tra cui materiale trovato e immagini generate dall'intelligenza artificiale, che offre uno sguardo critico e poetico sul panorama mediatico americano.

Photoforum Pasquart present Tactics and Mythologies, a compelling exhibition by New York-based artist duo Andrea Orejarena & Caleb Stein. This marks the first stop of this traveling exhibition, following its debut at the Deichtorhallen Hamburg. The exhibition explores the interplay between contemporary mythology, disinformation, and visual storytelling in the digital age, forming part of an ongoing dialogue about how images shape our collective consciousness.

Through their multi-layered approach, Orejarena & Stein weave together documentary, conceptual, and research-based photographic strategies to examine how narratives and image cultures evolve in a networked world. Their project American Glitch —at the core of this exhibition— investigates visual mythologies circulating online and their intersections with historical memory, conspiracy theories, and the aesthetics of digital simulation. The duo’s practice involves assembling an extensive archive of over 2,000 images, including found material and AI-generated visuals, offering a critical yet poetic lens on the American media landscape.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
4. Juni 2025

Gespräch mit Christian Flierl und Heinz Stahlhut, Kunsthistoriker und Leiter des Hans Erni Museums, Luzern

Unter uns – Erkundungen im Zwischenraum
Christian Flierl

In der Ausstellung untersucht Christian Flierl, Fotograf, Biologe und Mitbegründer des BelleVue, die Berührungsflächen zwischen dem scheinbaren Gegensatz «Kultur» und «Natur».

Die fünf Werkgruppen, entstanden zwischen 2007 und 2024, gewähren Einblicke in jene Bereiche des Übergangs, wo sich die Aneignung und die Rationalisierung der Natur durch den Menschen manifestieren; sie zeigen aber auch Spuren der Rückeroberung und die Rückverwandlungen menschlicher Zumutungen durch die Natur.

In «Unter uns» begegnen wir solchen Zwischenräumen exemplarisch, wenn Siedlungs- und Stadtlandschaften auf die Natur oder das, was wir darunter verstehen, treffen; denn längst ist die «wilde, freie Natur» zweckmässig nach unseren Bedürfnissen geformt. Andere Werkgruppen zeigen aber auch eine subtile Umkehr der Beziehung Mensch-Natur: Die Einritzungen auf Baumrinden sind im Laufe der Zeit vernarbt und bilden jetzt ein Aneinander geheimnisvoller Schriftzeichen; oder wir erkennen Formen und Relikte von Bauwerken in Küstennähe, die durch das ewige Anspülen des Wassers zurückverwandelt wurden in etwas Organisches, zum Meer Gehörendes. Und unweigerlich fragt man sich: Was ist natürlich, was vom Menschen gemacht?

Durch das schnelle Erfassen eines Moments oder das akribische, fotografische Erkunden eines Ortes erzeugt Christian Flierl – durchaus auch mit Humor und Ironie – einen Kontrast, in dem die problematischen Folgen des menschlichen Handelns offensichtlich werden.

Aber die Arbeiten verharren nicht in der Kritik. Sie verändern oder erweitern den Horizont, indem sie gewohnte Seh- und Denklinien hinterfragen und verschieben.

Flierls Fotografie will – ganz im Sinne des Dokumentarischen – aufklären und hilft uns, zu verstehen. Sie geht aber über das Dokumentarische hinaus, weil sie nicht nur zeigt, was ist, sondern uns berührt und es uns so ermöglicht, immer auch etwas Neues, Unerwartetes zu entdecken.

Dans cette exposition, Christian Flierl, photographe, biologiste et cofondateur de BelleVue, explore les points de contact entre les concepts apparemment opposés de « culture » et de « nature ».

Les cinq groupes d'œuvres, créés entre 2007 et 2024, offrent un aperçu des zones de transition où se manifestent l'appropriation et la rationalisation de la nature par l'homme ; mais ils montrent également les traces de la reconquête et de la transformation des exigences humaines par la nature.

Dans « Unter uns » (Parmi nous), nous rencontrons des exemples de ces espaces intermédiaires, lorsque les paysages urbains et ruraux rencontrent la nature ou ce que nous entendons par là, car la « nature sauvage et libre » a depuis longtemps été façonnée de manière fonctionnelle selon nos besoins. D'autres groupes d'œuvres montrent cependant un subtil renversement de la relation entre l'homme et la nature : les entailles sur l'écorce des arbres ont cicatrisé au fil du temps et forment désormais un ensemble de caractères mystérieux ; ou encore, nous reconnaissons des formes et des vestiges de constructions près de la côte, qui ont été reconvertis en quelque chose d'organique, appartenant à la mer, par le lavage incessant de l'eau. Et on se demande inévitablement : qu'est-ce qui est naturel, qu'est-ce qui est fait par l'homme ?

En saisissant rapidement un instant ou en explorant minutieusement un lieu à travers la photographie, Christian Flierl crée – avec humour et ironie – un contraste qui met en évidence les conséquences problématiques de l'action humaine.

Mais ses œuvres ne s'arrêtent pas à la critique. Elles modifient ou élargissent notre horizon en remettant en question et en déplaçant nos habitudes visuelles et intellectuelles.

La photographie de Flierl vise, dans l'esprit du documentaire, à éclairer et à nous aider à comprendre. Elle va toutefois au-delà du documentaire, car elle ne se contente pas de montrer ce qui est, mais nous touche et nous permet ainsi de toujours découvrir quelque chose de nouveau, d'inattendu.

Nella mostra, Christian Flierl, fotografo, biologo e cofondatore di BelleVue, esplora i punti di contatto tra l'apparente contrapposizione tra «cultura» e «natura».

I cinque gruppi di opere, realizzati tra il 2007 e il 2024, offrono uno sguardo su quelle zone di transizione in cui si manifestano l'appropriazione e la razionalizzazione della natura da parte dell'uomo, ma mostrano anche le tracce della riconquista e della trasformazione delle imposizioni umane da parte della natura.

In «Unter uns» (Tra noi) incontriamo esempi di questi spazi intermedi, dove i paesaggi urbani e residenziali incontrano la natura o ciò che intendiamo come tale, poiché la «natura selvaggia e libera» è stata da tempo modellata in base alle nostre esigenze. Altri gruppi di opere mostrano però anche un sottile ribaltamento del rapporto uomo-natura: le incisioni sulla corteccia degli alberi si sono cicatrizzate nel corso del tempo e ora formano una serie di misteriosi caratteri; oppure riconosciamo forme e resti di edifici vicino alla costa, che l'eterno risucchio dell'acqua ha trasformato in qualcosa di organico, appartenente al mare. E inevitabilmente ci si chiede: cosa è naturale, cosa è stato creato dall'uomo?

Cogliendo rapidamente un momento o esplorando meticolosamente un luogo con la fotografia, Christian Flierl crea – anche con umorismo e ironia – un contrasto che mette in evidenza le conseguenze problematiche dell'azione umana.

Ma le opere non si fermano alla critica. Esse modificano o ampliano l'orizzonte, mettendo in discussione e spostando le consuete linee visive e di pensiero.

La fotografia di Flierl vuole informare, in pieno stile documentaristico, e ci aiuta a comprendere. Tuttavia, va oltre il documentario perché non si limita a mostrare ciò che è, ma ci tocca e ci permette così di scoprire sempre qualcosa di nuovo e inaspettato.

In this exhibition, Christian Flierl, photographer, biologist and co-founder of BelleVue, explores the points of contact between the apparent opposites of ‘culture’ and ‘nature’.

The five groups of works, created between 2007 and 2024, provide insights into those areas of transition where the appropriation and rationalisation of nature by humans manifest themselves; but they also show traces of reconquest and the re-transformation of human impositions by nature.

In ‘Unter uns’ (Among Us), we encounter such interstices in an exemplary way when settlement and urban landscapes encounter nature, or what we understand by it, for ‘wild, free nature’ has long been shaped to suit our needs. Other groups of works, however, also show a subtle reversal of the relationship between humans and nature: The carvings on tree bark have scarred over time and now form a mysterious series of characters; or we recognise the shapes and relics of buildings near the coast that have been transformed back into something organic, belonging to the sea, by the eternal washing of the water. And inevitably we ask ourselves: what is natural, what is man-made?

By quickly capturing a moment or meticulously exploring a place photographically, Christian Flierl creates a contrast – often with humour and irony – that reveals the problematic consequences of human action.

But the works do not dwell on criticism. They change or expand our horizons by questioning and shifting familiar ways of seeing and thinking.

Flierl's photography aims to enlighten and help us understand, in keeping with the spirit of documentary photography. However, it goes beyond the documentary because it not only shows what is, but also touches us, enabling us to always discover something new and unexpected.

(Text: BelleVue – Ort der Fotografie, Basel)

Canavetto Luganese | Lugano
24. Mai 2025

LIMOF
Armando Carlo Adamo

Der Linguist Clive Scott behauptete, dass der Raum, in dem wir leben, Fotografien verbirgt, die wir nicht sehen. Wenn wir das Alltägliche über den ersten Eindruck hinaus betrachten, erkennen wir Details, Formen und Linien, die sich in einem neuen Licht zu Modulen zusammenfügen und das Gewöhnliche in etwas Lyrisches und Emotionales verwandeln.

LIMOF ist das Ergebnis dieser Erfahrung, die darauf abzielt, die Beobachtung in eine weitere sinnliche Dimension zu übertragen.

Le linguiste Clive Scott affirmait que l'espace dans lequel nous vivons cache des photographies que nous ne voyons pas. En regardant le quotidien au-delà des apparences immédiates, nous percevons des détails, des formes et des lignes qui s'assemblent dans une lumière nouvelle, et l'ordinaire se transforme en quelque chose de lyrique et chargé d'émotion.

LIMOF est le fruit de cette expérience qui vise à transférer l'observation dans une dimension sensible supplémentaire.

Il linguista Clive Scott sosteneva che lo spazio in cui viviamo nasconde fotografie che non vediamo. Guardando il quotidiano oltre l’apparenza immediata cogliamo dettagli, forme e linee, si compongono moduli in una luce nuova e l’ordinario si trasforma in qualcosa di lirico e denso d’emozione.

LIMOF rappresenta il frutto di questa esperienza che ambisce a trasferire l’osservazione in una dimensione sensibile ulteriore.

Linguist Clive Scott believed that the space we live in hides photographs that we cannot see. By looking beyond the immediate appearance of everyday objects, we can perceive details, shapes and lines that form patterns in a new light, transforming the ordinary into something lyrical and emotionally charged.

LIMOF is the result of this experience, which aims to transfer observation into a further sensory dimension.

(Text: Fondazione Diamante)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
22. Mai 2025

«verwoben & verflochten»
Die Beziehungen zwischen den Lebewesen sind vielschichtig und faszinierend – und wir sind Teil davon. Streifzüge in wissenschaftliches Neuland.
Vortrag und Diskussion mit der Buchautorin und Biologin Florianne Koechlin

Unter uns – Erkundungen im Zwischenraum
Christian Flierl

In der Ausstellung untersucht Christian Flierl, Fotograf, Biologe und Mitbegründer des BelleVue, die Berührungsflächen zwischen dem scheinbaren Gegensatz «Kultur» und «Natur».

Die fünf Werkgruppen, entstanden zwischen 2007 und 2024, gewähren Einblicke in jene Bereiche des Übergangs, wo sich die Aneignung und die Rationalisierung der Natur durch den Menschen manifestieren; sie zeigen aber auch Spuren der Rückeroberung und die Rückverwandlungen menschlicher Zumutungen durch die Natur.

In «Unter uns» begegnen wir solchen Zwischenräumen exemplarisch, wenn Siedlungs- und Stadtlandschaften auf die Natur oder das, was wir darunter verstehen, treffen; denn längst ist die «wilde, freie Natur» zweckmässig nach unseren Bedürfnissen geformt. Andere Werkgruppen zeigen aber auch eine subtile Umkehr der Beziehung Mensch-Natur: Die Einritzungen auf Baumrinden sind im Laufe der Zeit vernarbt und bilden jetzt ein Aneinander geheimnisvoller Schriftzeichen; oder wir erkennen Formen und Relikte von Bauwerken in Küstennähe, die durch das ewige Anspülen des Wassers zurückverwandelt wurden in etwas Organisches, zum Meer Gehörendes. Und unweigerlich fragt man sich: Was ist natürlich, was vom Menschen gemacht?

Durch das schnelle Erfassen eines Moments oder das akribische, fotografische Erkunden eines Ortes erzeugt Christian Flierl – durchaus auch mit Humor und Ironie – einen Kontrast, in dem die problematischen Folgen des menschlichen Handelns offensichtlich werden.

Aber die Arbeiten verharren nicht in der Kritik. Sie verändern oder erweitern den Horizont, indem sie gewohnte Seh- und Denklinien hinterfragen und verschieben.

Flierls Fotografie will – ganz im Sinne des Dokumentarischen – aufklären und hilft uns, zu verstehen. Sie geht aber über das Dokumentarische hinaus, weil sie nicht nur zeigt, was ist, sondern uns berührt und es uns so ermöglicht, immer auch etwas Neues, Unerwartetes zu entdecken.

Dans cette exposition, Christian Flierl, photographe, biologiste et cofondateur de BelleVue, explore les points de contact entre les concepts apparemment opposés de « culture » et de « nature ».

Les cinq groupes d'œuvres, créés entre 2007 et 2024, offrent un aperçu des zones de transition où se manifestent l'appropriation et la rationalisation de la nature par l'homme ; mais ils montrent également les traces de la reconquête et de la transformation des exigences humaines par la nature.

Dans « Unter uns » (Parmi nous), nous rencontrons des exemples de ces espaces intermédiaires, lorsque les paysages urbains et ruraux rencontrent la nature ou ce que nous entendons par là, car la « nature sauvage et libre » a depuis longtemps été façonnée de manière fonctionnelle selon nos besoins. D'autres groupes d'œuvres montrent cependant un subtil renversement de la relation entre l'homme et la nature : les entailles sur l'écorce des arbres ont cicatrisé au fil du temps et forment désormais un ensemble de caractères mystérieux ; ou encore, nous reconnaissons des formes et des vestiges de constructions près de la côte, qui ont été reconvertis en quelque chose d'organique, appartenant à la mer, par le lavage incessant de l'eau. Et on se demande inévitablement : qu'est-ce qui est naturel, qu'est-ce qui est fait par l'homme ?

En saisissant rapidement un instant ou en explorant minutieusement un lieu à travers la photographie, Christian Flierl crée – avec humour et ironie – un contraste qui met en évidence les conséquences problématiques de l'action humaine.

Mais ses œuvres ne s'arrêtent pas à la critique. Elles modifient ou élargissent notre horizon en remettant en question et en déplaçant nos habitudes visuelles et intellectuelles.

La photographie de Flierl vise, dans l'esprit du documentaire, à éclairer et à nous aider à comprendre. Elle va toutefois au-delà du documentaire, car elle ne se contente pas de montrer ce qui est, mais nous touche et nous permet ainsi de toujours découvrir quelque chose de nouveau, d'inattendu.

Nella mostra, Christian Flierl, fotografo, biologo e cofondatore di BelleVue, esplora i punti di contatto tra l'apparente contrapposizione tra «cultura» e «natura».

I cinque gruppi di opere, realizzati tra il 2007 e il 2024, offrono uno sguardo su quelle zone di transizione in cui si manifestano l'appropriazione e la razionalizzazione della natura da parte dell'uomo, ma mostrano anche le tracce della riconquista e della trasformazione delle imposizioni umane da parte della natura.

In «Unter uns» (Tra noi) incontriamo esempi di questi spazi intermedi, dove i paesaggi urbani e residenziali incontrano la natura o ciò che intendiamo come tale, poiché la «natura selvaggia e libera» è stata da tempo modellata in base alle nostre esigenze. Altri gruppi di opere mostrano però anche un sottile ribaltamento del rapporto uomo-natura: le incisioni sulla corteccia degli alberi si sono cicatrizzate nel corso del tempo e ora formano una serie di misteriosi caratteri; oppure riconosciamo forme e resti di edifici vicino alla costa, che l'eterno risucchio dell'acqua ha trasformato in qualcosa di organico, appartenente al mare. E inevitabilmente ci si chiede: cosa è naturale, cosa è stato creato dall'uomo?

Cogliendo rapidamente un momento o esplorando meticolosamente un luogo con la fotografia, Christian Flierl crea – anche con umorismo e ironia – un contrasto che mette in evidenza le conseguenze problematiche dell'azione umana.

Ma le opere non si fermano alla critica. Esse modificano o ampliano l'orizzonte, mettendo in discussione e spostando le consuete linee visive e di pensiero.

La fotografia di Flierl vuole informare, in pieno stile documentaristico, e ci aiuta a comprendere. Tuttavia, va oltre il documentario perché non si limita a mostrare ciò che è, ma ci tocca e ci permette così di scoprire sempre qualcosa di nuovo e inaspettato.

In this exhibition, Christian Flierl, photographer, biologist and co-founder of BelleVue, explores the points of contact between the apparent opposites of ‘culture’ and ‘nature’.

The five groups of works, created between 2007 and 2024, provide insights into those areas of transition where the appropriation and rationalisation of nature by humans manifest themselves; but they also show traces of reconquest and the re-transformation of human impositions by nature.

In ‘Unter uns’ (Among Us), we encounter such interstices in an exemplary way when settlement and urban landscapes encounter nature, or what we understand by it, for ‘wild, free nature’ has long been shaped to suit our needs. Other groups of works, however, also show a subtle reversal of the relationship between humans and nature: The carvings on tree bark have scarred over time and now form a mysterious series of characters; or we recognise the shapes and relics of buildings near the coast that have been transformed back into something organic, belonging to the sea, by the eternal washing of the water. And inevitably we ask ourselves: what is natural, what is man-made?

By quickly capturing a moment or meticulously exploring a place photographically, Christian Flierl creates a contrast – often with humour and irony – that reveals the problematic consequences of human action.

But the works do not dwell on criticism. They change or expand our horizons by questioning and shifting familiar ways of seeing and thinking.

Flierl's photography aims to enlighten and help us understand, in keeping with the spirit of documentary photography. However, it goes beyond the documentary because it not only shows what is, but also touches us, enabling us to always discover something new and unexpected.

(Text: BelleVue – Ort der Fotografie, Basel)

Museum für Gestaltung – Toni-Areal | Zürich
22. Mai 2025

Fotoatelier Wolgensinger – Mit vier Augen

Das 1936 gegründete Fotoatelier von Luzzi und Michael Wolgensinger war während sechs Jahrzehnten eine Zürcher Institution und wichtiger Treffpunkt der internationalen Avantgarde. Die Ausstellung Fotoatelier Wolgensinger im Museum für Gestaltung Zürich stellt erstmals das reiche Gesamtwerk in den Fokus. Mit Sachfotografien, Reportagen, Portraits, Industrie-, Architektur- und Theateraufnahmen sowie preisgekrönten Filmen leistete das Paar einen wichtigen Beitrag zur Schweizer Moderne.

Atelier Wolgensinger– Mit vier Augen zeigt erstmals das umfangreiche Oeuvre von Luzzi und Michael Wolgensingers in seiner Gesamtheit. Die Ausstellung gliedert sich in acht thematische Bereiche, die auf die Breite ihres Schaffens verweisen zugleich aber auch gestalterische Leitlinien erkennen lassen, die sich wie rote Fäden durch das Werk ziehen. Neben Originalabzügen und Reproduktionen, sind auch Filme, Fotobücher und persönliche Alben sowie grafische Anwendungen wie Plakate, Broschüren und Werbeanzeigen zu sehen. Grossformatige Reproduktionen ausgewählter Fotografien erlauben dem Publikum in den spannungsvollen Wolgensinger-Kosmos einzutauchen. Vier Interviews mit Wegbegleiter:innen geben persönliche Einblicke in das Leben, die Arbeit und die Freundschaften der Wolgensingers.

Fondé en 1936, l’atelier de photographie de Luzzi et Michael Wolgensinger s’impose pendant six décennies comme une institution zurichoise et un haut lieu de l’avant-garde internationale. L’exposition Fotoatelier Wolgensinger au Museum für Gestaltung Zürich met pour la première fois en lumière cette œuvre foisonnante dans sa globalité. À travers ses photographies d’objets, d’architecture, d’industrie, de théâtre, ses reportages et portraits, mais aussi ses films primés, le couple apporte une contribution majeure au modernisme suisse.

Atelier Wolgensinger– À quatre yeux présente pour la première fois la totalité de l’œuvre foisonnante de Luzzi et Michael Wolgensinger. L’exposition est structurée en huit sections thématiques qui révèlent à la fois la diversité de leur travail et les principes créatifs qui le parcourent tel un fil rouge. Aux côtés de tirages originaux et de reproductions, on pourra y découvrir des films, des livres photo et des albums personnels ainsi que des réalisations graphiques, telles que des affiches, des brochures ou des publicités. Les reproductions grand format d’une sélection de photographies permettent au public de s’immerger dans l’univers captivant des Wolgensinger. Quatre interviews de collègues et ami∙es offrent des aperçus intimes de la vie, du travail et des amitiés des Wolgensinger.

Fondato nel 1936, lo studio fotografico di Luzzi e Michael Wolgensinger è stato per sei decenni un'istituzione zurighese e un importante punto d'incontro dell'avanguardia internazionale. La mostra Fotoatelier Wolgensinger al Museum für Gestaltung Zürich mette per la prima volta in luce la ricca opera complessiva dello studio. Con fotografie di oggetti, reportage, ritratti, immagini di industria, architettura e teatro, nonché film pluripremiati, la coppia ha dato un importante contributo al modernismo svizzero.

Atelier Wolgensinger – Mit vier Augen (Con quattro occhi) presenta per la prima volta l'opera completa di Luzzi e Michael Wolgensinger nella sua interezza. La mostra è suddivisa in otto aree tematiche che rimandano all'ampiezza della loro produzione, ma che allo stesso tempo rivelano le linee guida creative che attraversano come un filo rosso l'intera opera. Oltre a stampe originali e riproduzioni, sono esposti anche film, libri fotografici e album personali, nonché applicazioni grafiche come manifesti, opuscoli e pubblicità. Riproduzioni di grande formato di fotografie selezionate consentono al pubblico di immergersi nell'affascinante universo di Wolgensinger. Quattro interviste con compagni di viaggio offrono uno sguardo personale sulla vita, il lavoro e le amicizie dei Wolgensinger.

Founded in 1936, the Luzzi and Michael Wolgensinger photo studio was a firm fixture in Zurich for six decades. The exhibition Photo Studio Wolgensinger at Museum für Gestaltung Zürich is the first to present their extensive array of works. Their work in product photography, reporting, portraits, photographs of companies, buildings, and theaters, as well as their prizewinning films made the couple a key force in Swiss Modernism.

Photo Studio Wolgensinger —Through Four Eyes presents the extensive oeuvre of Luzzi and Michael Wolgensinger in its entirety for the first time. The exhibition is divided into eight thematic sections which pay tribute to the breadth of their oeuvre, but also to the creative common threads that run through their work, almost leitmotifs. Alongside original prints and reproductions, so too are films, photo books, and personal albums on display, as well as graphic works such as brochures and advertisements. Large reproductions of selected photographs allow the audience to immerse themselves in the captivating Wolgensinger cosmos. Four interviews with acquaintances offer personal insights into the life, work, and friendships of the Wolgensingers.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

Centre de la photographie Genève - Bibliothèque de Genève
15. Mai 2025

Bruissements végétaux

Mit Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka und Claudio Pogo, Konservatorium und Botanischer Garten Genf.

Die Ausstellung „Bruissements végétaux“ (Pflanzenrauschen) untersucht unsere oft paradoxen Beziehungen zur Pflanzenwelt und die Art und Weise, wie sie dank ihrer ästhetischen Qualitäten, als Zeichen und Symbol für Umweltveränderungen, als Verkörperung nachhaltigen Konsums oder durch ästhetische oder symbolische Funktionen zum Gegenstand der Zuneigung wird. Während beispielsweise die Monstera deliciosa, obwohl exotisch und eine direkte Folge der kolonialen Expansion, im Westen wegen ihres dekorativen Potenzials geschätzt wird, ist die Tessiner Palme innerhalb weniger Jahre zum Symbol für biologische Invasion und globale Erwärmung geworden. Während viele Pflanzen als unbedeutend, schädlich oder wenig fotogen gelten und daher verpönt sind, erobern andere den Handel, die Innenräume, die sozialen Netzwerke und ganz allgemein unsere visuelle Kultur.

Die Begriffe „Studie“ und „Typologie“ ziehen sich auch durch die gesamte Geschichte der Fotografie, insbesondere wenn sie im Dienste der Wissenschaft oder zu dokumentarischen Zwecken eingesetzt wird. Von den Cyanotypien von Algen der englischen Botanikerin Anna Atkins über die Detailvergrößerungen von Pflanzen des deutschen Künstlers Karl Blossfeldt bis hin zu den zeitgenössischen botanischen Illustrationen der britischen Fotografin Niki Simpson gibt es zahlreiche Studien und Typologien von Pflanzen. Seit den 1840er Jahren haben Fotografen somit einen wichtigen Beitrag zum Wissen über Pflanzen geleistet und unsere visuelle Kultur der Pflanzenwelt bereichert.

Zwischen intimer Erzählung, wissenschaftlicher Dokumentation, spekulativer Erforschung und alltäglicher Beobachtung präsentiert die Ausstellung eine Vielzahl zeitgenössischer botanischer Studien und möchte die komplexen Bedeutungen von Pflanzen im aktuellen kulturellen Kontext würdigen.

Diese Eröffnungsausstellung des neuen Raums des Centre de la photographie Genève knüpft an die Jugendstil-Blumenfriese des Espace Ami-Lullin an, einem 1905 eingeweihten Ausstellungsraum, und an dessen Lage im Herzen des Parc des Bastions. Dieser Park wurde 1817 auf Initiative des Genfer Botanikers Augustin Pyramus de Candolle zum ersten botanischen Garten Genfs. Letzterer war Autor einer der ersten botanischen Klassifikationen und unternahm umfangreiche Arbeiten, die zur Beschreibung von fast 60'000 Pflanzen führten. Schließlich soll diese Ausstellung auch mit dem neuen Rahmen des Centre de la photographie Genève in Resonanz treten: der Bibliothèque de Genève, einem Ort des Studiums und der Bewahrung von Wissen über die Welt.

Kurator: Claus Gunti & Danaé Panchaud

Avec Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka & Claudio Pogo, Conservatoire et Jardin botaniques de Genève.

L’exposition Bruissements végétaux explore nos rapports souvent paradoxaux au monde végétal, et les manières dont il se fait tour à tour objet d’affection grâce à ses qualités esthétiques, signal et symbole des bouleversements environnementaux, incarnation d’une consommation durable, ou investi de fonctions esthétiques ou symboliques. Par exemple, alors que la Monstera deliciosa, pourtant exotique et conséquence directe de l’expansion coloniale, est perçue en Occident pour son potentiel décoratif, le palmier du Tessin est quant à lui devenu en quelques années le symbole de l’invasion biologique et du réchauffement climatique. Alors que de nombreuses plantes sont déconsidérées, car insignifiantes, nuisibles ou peu photogéniques, d’autres envahissent les commerces, les intérieurs, les réseaux sociaux et, plus généralement, notre culture visuelle.

Les notions d’étude et de typologie traversent également toute l’histoire de la photographie, notamment lorsqu’elle est mobilisée au service des sciences ou à des fins documentaires. Des cyanotypes d’algues de la botaniste anglaise Anna Atkins aux agrandissements de détails de plantes de l’artiste allemand Karl Blossfeldt puis aux illustrations botaniques contemporaines de la photographe britannique Niki Simpson, les études et typologies de plantes abondent. Les photographes ont ainsi largement contribué depuis les années 1840 à l’élaboration des savoirs sur les plantes, et à nourrir notre culture visuelle du monde végétal.

Entre récit intime, documentation scientifique, exploration spéculative, ou observation quotidienne, l’exposition présente une multitude d’études botaniques contemporaines, et vise à prendre acte des significations complexes des plantes dans le contexte culturel actuel.

Cette exposition inaugurale du nouvel espace du Centre de la photographie Genève fait écho aux frises florales Art nouveau de l’Espace Ami-Lullin, salle d’exposition inaugurée en 1905, tout comme à sa localisation au coeur du parc des Bastions. En 1817, ce parc devint le premier jardin botanique de Genève, à l’initiative du botaniste genevois Augustin Pyramus de Candolle. Ce dernier fut l’auteur de l’une des premières classifications botaniques, et entreprit un vaste travail aboutissant à la description de près de 60’000 plantes. Enfin, cette exposition entend résonner avec le nouveau cadre du Centre de la photographie Genève: la Bibliothèque de Genève, lieu d’étude et de conservation de savoirs sur le monde.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

Con Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka e Claudio Pogo, Conservatorio e Giardini Botanici di Ginevra.

La mostra Bruissements végétaux esplora il nostro rapporto spesso paradossale con il mondo vegetale e i modi in cui esso diventa oggetto di affetto grazie alle sue qualità estetiche, segnale e simbolo dei cambiamenti ambientali, incarnazione di un consumo sostenibile o investito di funzioni estetiche o simboliche. Ad esempio, mentre la Monstera deliciosa, pur essendo esotica e conseguenza diretta dell'espansione coloniale, è apprezzata in Occidente per il suo potenziale decorativo, la palma del Ticino è diventata in pochi anni il simbolo dell'invasione biologica e del riscaldamento globale. Mentre molte piante sono disprezzate perché insignificanti, nocive o poco fotogeniche, altre invadono i negozi, gli interni, i social network e, più in generale, la nostra cultura visiva.

I concetti di studio e tipologia attraversano anche tutta la storia della fotografia, in particolare quando è al servizio della scienza o a fini documentari. Dalle cianotipie di alghe della botanica inglese Anna Atkins agli ingrandimenti di dettagli di piante dell'artista tedesco Karl Blossfeldt, fino alle illustrazioni botaniche contemporanee della fotografa britannica Niki Simpson, gli studi e le tipologie di piante abbondano. Fin dal 1840, i fotografi hanno così contribuito in modo significativo allo sviluppo delle conoscenze sulle piante e ad arricchire la nostra cultura visiva del mondo vegetale.

Tra racconto intimo, documentazione scientifica, esplorazione speculativa e osservazione quotidiana, la mostra presenta una moltitudine di studi botanici contemporanei e mira a prendere atto dei significati complessi delle piante nel contesto culturale attuale.

Questa mostra inaugurale del nuovo spazio del Centre de la photographie Genève fa eco ai fregi floreali in stile Art Nouveau dell'Espace Ami-Lullin, sala espositiva inaugurata nel 1905, così come alla sua ubicazione nel cuore del Parc des Bastions. Nel 1817, questo parco divenne il primo giardino botanico di Ginevra, su iniziativa del botanico ginevrino Augustin Pyramus de Candolle. Quest'ultimo fu autore di una delle prime classificazioni botaniche e intraprese un vasto lavoro che portò alla descrizione di circa 60.000 piante. Infine, questa mostra intende richiamare la nuova cornice del Centre de la photographie Genève: la Bibliothèque de Genève, luogo di studio e conservazione del sapere sul mondo.

Curatori: Claus Gunti & Danaé Panchaud

With Saskia Groneberg, Yann Gross, Yann Haeberlin, Felicity Hammond, Hilla Kurki, Yann Mingard, Lea Sblandano, Berit Schneidereit, Bernard Tullen, Magdalena Wysocka & Claudio Pogo and Conservatoire et Jardin botaniques de Genève.

The exhibition Bruissements végétaux (Botanical Murmurs) explores our often paradoxical relationship with the plant world and the ways in which it becomes, in turn, an object of affection thanks to its aesthetic qualities, a sign and symbol of environmental upheaval, an embodiment of sustainable consumption, or invested with aesthetic or symbolic functions. For example, while the Monstera deliciosa, despite being exotic and a direct consequence of colonial expansion, is perceived in the West for its decorative potential, the Ticino palm tree has become, in just a few years, a symbol of biological invasion and global warming. While many plants are discredited because they are insignificant, harmful or unphotogenic, others are invading shops, interiors, social media and, more generally, our visual culture.

The concepts of study and typology also run through the history of photography, particularly when it is used for scientific or documentary purposes. From the cyanotype prints of algae by English botanist Anna Atkins to the enlarged details of plants by German artist Karl Blossfeldt and the contemporary botanical illustrations of British photographer Niki Simpson, studies and typologies of plants abound. Since the 1840s, photographers have thus contributed greatly to the development of knowledge about plants and to our visual culture of the plant world.

Between intimate narrative, scientific documentation, speculative exploration and everyday observation, the exhibition presents a multitude of contemporary botanical studies and aims to acknowledge the complex meanings of plants in today’s cultural context.

This inaugural exhibition in the new space at the Centre de la Photographie Genève echoes the Art Nouveau floral friezes of the Espace Ami-Lullin, an exhibition hall inaugurated in 1905, as well as its location in the heart of the Parc des Bastions. In 1817, this park became Geneva’s first botanical garden, on the initiative of the Genevan botanist Augustin Pyramus de Candolle. De Candolle was the author of one of the first botanical classifications and undertook a vast project that resulted in the description of nearly 60,000 plants. Finally, this exhibition aims to resonate with the new setting of the Centre de la Photographie Genève: the Bibliothèque de Genève, a place of study and conservation of knowledge about the world.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

Kunstmuseum Luzern
14. Mai 2025

Unterwegs mit der Kuratorin - Rundgang mit Eveline Suter

WAKALIGA – ACTION! AND CUT!

Das Wakaliga Filmstudio Uganda produziert grosse Actionfilme mit sehr kleinen Budgets. Prallvoll mit Kung-Fu-Kämpfen, wilden Schiessereien, blutigen Momenten, heftigen Explosionen und witzigen Spezialeffekten sind die Filme grossartige Unterhaltung. Wie beiläufig erzählen sie von gesellschaftlichen Problemen und kriminellen Machenschaften, von Korruption, Erpressung oder Strassenkindern. Bei Genrefans haben die Filme weltweit Kultstatus; seit der documenta 15 in Kassel sind sie auch dem Kunstpublikum ein Begriff.

Der Cast besteht aus Familienmitgliedern, Freund:innen und Nachbar:innen. Alle sitzen im Hof unter einem schattigen Dach zusammen, wo Isaac Nabwana als Begründer und Regisseur von Wakaliga seine Filmidee erläutert. Gemeinsam entscheidet das eingespielte Team, wie Aufgaben und Rollen verteilt werden. Wie in den Anfängen Hollywoods wird spontan gedreht. Die selbstgebauten Kulissen aus Karton brechen die Illusion und verhindern jeden Realismusverdacht. Als Set dient das eigene Grundstück oder die Nachbarschaft. Wenn nötig, werden weitere Hände, Statist:innen oder Knowhow aus der nächsten Umgebung im Stadtteil Wakaliga hinzugeholt.

Kuratiert von Eveline Suter

Le studio de cinéma Wakaliga en Ouganda produit de grands films d'action avec de très petits budgets. Remplis de combats de kung-fu, de fusillades endiablées, de moments sanglants, d'explosions violentes et d'effets spéciaux amusants, ces films sont un grand divertissement. Comme en passant, ils parlent de problèmes sociaux et de machinations criminelles, de corruption, de chantage ou d'enfants des rues. Ces films sont devenus cultes pour les fans du genre dans le monde entier ; depuis la documenta 15 de Cassel, ils sont également connus du public artistique.

Le casting est composé de membres de la famille, d'amis et de voisins. Tous sont assis ensemble dans la cour, sous un toit ombragé, où Isaac Nabwana, fondateur et réalisateur de Wakaliga, explique son idée de film. L'équipe bien rodée décide ensemble de la répartition des tâches et des rôles. Comme aux débuts d'Hollywood, le tournage se fait spontanément. Les décors en carton que l'on construit soi-même brisent l'illusion et empêchent tout soupçon de réalisme. Le propre terrain ou le voisinage sert de plateau. Si nécessaire, on fait appel à d'autres mains, à des figurants ou au savoir-faire de l'environnement proche du quartier de Wakaliga.

Commissariat d'Eveline Suter

Lo studio cinematografico Wakaliga in Uganda produce grandi film d'azione con budget molto ridotti. Ricchi di combattimenti di kung fu, sparatorie selvagge, momenti di sangue, esplosioni violente e divertenti effetti speciali, i film sono un grande intrattenimento. Quasi di sfuggita, raccontano problemi sociali e macchinazioni criminali, corruzione, ricatti e bambini di strada. I film sono diventati un cult tra gli appassionati del genere in tutto il mondo; dopo la documenta 15 di Kassel, sono diventati un nome familiare anche tra gli amanti dell'arte.

Il cast è composto da membri della famiglia, amici e vicini di casa. Siedono tutti insieme nel cortile sotto un tetto ombreggiato, dove Isaac Nabwana, fondatore e regista di Wakaliga, spiega la sua idea di film. La squadra, ben preparata, decide insieme come distribuire i compiti e i ruoli. Come agli albori di Hollywood, il film viene girato spontaneamente. I fondali di cartone autocostruiti rompono l'illusione e impediscono qualsiasi sospetto di realismo. Il set è la loro proprietà o il quartiere. Se necessario, vengono portate altre mani, comparse o competenze dal quartiere di Wakaliga.

A cura di Eveline Suter

The Wakaliga Film Studio Uganda produces great action films on very low budgets. Brim-full of kung-fu fights, wild shoot-outs, bloody moments, mighty explosions and amusing special effects, the films provide marvellous entertainment. They also speak, en passant, of social problems and criminal intrigues, corruption, blackmail and street children. The films have gained a cult status among genre fans worldwide; since documenta 15 in Kassel, they now also mean something to art audiences.

The cast is made up of family members, friends and neighbours. They all sit together in a courtyard under a shady roof, where Isaac Nabwana, founder and director of Wakaliga, explains his film concept. Together, the well-practised team decides how tasks and roles are to be distributed. Like in the very early days in Hollywood, shooting the films is spontaneous. The hand-made cardboard sets shatter the illusion and thwart any suspicion of realism. Their own plots of land or places in the neighbourhood serve as settings. If necessary, other helping hands, extras and knowhow are obtained from the Wakaliga district nearby.

Curated by Eveline Suter

(Text: Kunstmuseum Luzern)

BelleVue – Ort für Fotografie | Basel
10. Mai 2025

Unter uns – Erkundungen im Zwischenraum
Christian Flierl

In der Ausstellung untersucht Christian Flierl, Fotograf, Biologe und Mitbegründer des BelleVue, die Berührungsflächen zwischen dem scheinbaren Gegensatz «Kultur» und «Natur».

Die fünf Werkgruppen, entstanden zwischen 2007 und 2024, gewähren Einblicke in jene Bereiche des Übergangs, wo sich die Aneignung und die Rationalisierung der Natur durch den Menschen manifestieren; sie zeigen aber auch Spuren der Rückeroberung und die Rückverwandlungen menschlicher Zumutungen durch die Natur.

In «Unter uns» begegnen wir solchen Zwischenräumen exemplarisch, wenn Siedlungs- und Stadtlandschaften auf die Natur oder das, was wir darunter verstehen, treffen; denn längst ist die «wilde, freie Natur» zweckmässig nach unseren Bedürfnissen geformt. Andere Werkgruppen zeigen aber auch eine subtile Umkehr der Beziehung Mensch-Natur: Die Einritzungen auf Baumrinden sind im Laufe der Zeit vernarbt und bilden jetzt ein Aneinander geheimnisvoller Schriftzeichen; oder wir erkennen Formen und Relikte von Bauwerken in Küstennähe, die durch das ewige Anspülen des Wassers zurückverwandelt wurden in etwas Organisches, zum Meer Gehörendes. Und unweigerlich fragt man sich: Was ist natürlich, was vom Menschen gemacht?

Durch das schnelle Erfassen eines Moments oder das akribische, fotografische Erkunden eines Ortes erzeugt Christian Flierl – durchaus auch mit Humor und Ironie – einen Kontrast, in dem die problematischen Folgen des menschlichen Handelns offensichtlich werden.

Aber die Arbeiten verharren nicht in der Kritik. Sie verändern oder erweitern den Horizont, indem sie gewohnte Seh- und Denklinien hinterfragen und verschieben.

Flierls Fotografie will – ganz im Sinne des Dokumentarischen – aufklären und hilft uns, zu verstehen. Sie geht aber über das Dokumentarische hinaus, weil sie nicht nur zeigt, was ist, sondern uns berührt und es uns so ermöglicht, immer auch etwas Neues, Unerwartetes zu entdecken.

Dans cette exposition, Christian Flierl, photographe, biologiste et cofondateur de BelleVue, explore les points de contact entre les concepts apparemment opposés de « culture » et de « nature ».

Les cinq groupes d'œuvres, créés entre 2007 et 2024, offrent un aperçu des zones de transition où se manifestent l'appropriation et la rationalisation de la nature par l'homme ; mais ils montrent également les traces de la reconquête et de la transformation des exigences humaines par la nature.

Dans « Unter uns » (Parmi nous), nous rencontrons des exemples de ces espaces intermédiaires, lorsque les paysages urbains et ruraux rencontrent la nature ou ce que nous entendons par là, car la « nature sauvage et libre » a depuis longtemps été façonnée de manière fonctionnelle selon nos besoins. D'autres groupes d'œuvres montrent cependant un subtil renversement de la relation entre l'homme et la nature : les entailles sur l'écorce des arbres ont cicatrisé au fil du temps et forment désormais un ensemble de caractères mystérieux ; ou encore, nous reconnaissons des formes et des vestiges de constructions près de la côte, qui ont été reconvertis en quelque chose d'organique, appartenant à la mer, par le lavage incessant de l'eau. Et on se demande inévitablement : qu'est-ce qui est naturel, qu'est-ce qui est fait par l'homme ?

En saisissant rapidement un instant ou en explorant minutieusement un lieu à travers la photographie, Christian Flierl crée – avec humour et ironie – un contraste qui met en évidence les conséquences problématiques de l'action humaine.

Mais ses œuvres ne s'arrêtent pas à la critique. Elles modifient ou élargissent notre horizon en remettant en question et en déplaçant nos habitudes visuelles et intellectuelles.

La photographie de Flierl vise, dans l'esprit du documentaire, à éclairer et à nous aider à comprendre. Elle va toutefois au-delà du documentaire, car elle ne se contente pas de montrer ce qui est, mais nous touche et nous permet ainsi de toujours découvrir quelque chose de nouveau, d'inattendu.

Nella mostra, Christian Flierl, fotografo, biologo e cofondatore di BelleVue, esplora i punti di contatto tra l'apparente contrapposizione tra «cultura» e «natura».

I cinque gruppi di opere, realizzati tra il 2007 e il 2024, offrono uno sguardo su quelle zone di transizione in cui si manifestano l'appropriazione e la razionalizzazione della natura da parte dell'uomo, ma mostrano anche le tracce della riconquista e della trasformazione delle imposizioni umane da parte della natura.

In «Unter uns» (Tra noi) incontriamo esempi di questi spazi intermedi, dove i paesaggi urbani e residenziali incontrano la natura o ciò che intendiamo come tale, poiché la «natura selvaggia e libera» è stata da tempo modellata in base alle nostre esigenze. Altri gruppi di opere mostrano però anche un sottile ribaltamento del rapporto uomo-natura: le incisioni sulla corteccia degli alberi si sono cicatrizzate nel corso del tempo e ora formano una serie di misteriosi caratteri; oppure riconosciamo forme e resti di edifici vicino alla costa, che l'eterno risucchio dell'acqua ha trasformato in qualcosa di organico, appartenente al mare. E inevitabilmente ci si chiede: cosa è naturale, cosa è stato creato dall'uomo?

Cogliendo rapidamente un momento o esplorando meticolosamente un luogo con la fotografia, Christian Flierl crea – anche con umorismo e ironia – un contrasto che mette in evidenza le conseguenze problematiche dell'azione umana.

Ma le opere non si fermano alla critica. Esse modificano o ampliano l'orizzonte, mettendo in discussione e spostando le consuete linee visive e di pensiero.

La fotografia di Flierl vuole informare, in pieno stile documentaristico, e ci aiuta a comprendere. Tuttavia, va oltre il documentario perché non si limita a mostrare ciò che è, ma ci tocca e ci permette così di scoprire sempre qualcosa di nuovo e inaspettato.

In this exhibition, Christian Flierl, photographer, biologist and co-founder of BelleVue, explores the points of contact between the apparent opposites of ‘culture’ and ‘nature’.

The five groups of works, created between 2007 and 2024, provide insights into those areas of transition where the appropriation and rationalisation of nature by humans manifest themselves; but they also show traces of reconquest and the re-transformation of human impositions by nature.

In ‘Unter uns’ (Among Us), we encounter such interstices in an exemplary way when settlement and urban landscapes encounter nature, or what we understand by it, for ‘wild, free nature’ has long been shaped to suit our needs. Other groups of works, however, also show a subtle reversal of the relationship between humans and nature: The carvings on tree bark have scarred over time and now form a mysterious series of characters; or we recognise the shapes and relics of buildings near the coast that have been transformed back into something organic, belonging to the sea, by the eternal washing of the water. And inevitably we ask ourselves: what is natural, what is man-made?

By quickly capturing a moment or meticulously exploring a place photographically, Christian Flierl creates a contrast – often with humour and irony – that reveals the problematic consequences of human action.

But the works do not dwell on criticism. They change or expand our horizons by questioning and shifting familiar ways of seeing and thinking.

Flierl's photography aims to enlighten and help us understand, in keeping with the spirit of documentary photography. However, it goes beyond the documentary because it not only shows what is, but also touches us, enabling us to always discover something new and unexpected.

(Text: BelleVue – Ort der Fotografie, Basel)

Galerie 94 | Baden
8. Mai 2025

Einführung durch Catrina Sonderegger, freie Kuratorin & Steffi Kessler, Stadträtin Baden, Abteilung Kultur

Zehn Jahre Kunst und Kreativität

Die Galerie 94 feiert ihr zehnjähriges Bestehen – ein Jahrzehnt voller bemerkenswerter Ausstellungen, inspirierender Künstler und unvergesslicher Momente. Seit ihrer Gründung hat die Galerie 94 nicht nur als Plattform für etablierte Künstler gedient, sondern auch aufstrebenden Talenten eine Bühne geboten und sich als wichtiger Akteur in der Kunstszene etabliert. In den letzten zehn Jahren hat Galerie 94 insgesamt 50 Ausstellungen präsentiert, die eine breite Palette von Kunststilen und -medien abdecken. Von Malerei und Skulptur über Fotografie bis hin zu digitalen Kunstformen – die Galerie hat stets ein vielfältiges und spannendes Programm angeboten. Jede Ausstellung war eine sorgfältig kuratierte Erfahrung, die das Publikum dazu einlud, Kunst aus neuen Perspektiven zu betrachten und sich mit den Werken intensiv auseinanderzusetzen.

La Galerie 94 célèbre son dixième anniversaire, une décennie marquée par des expositions remarquables, des artistes inspirants et des moments inoubliables. Depuis sa création, la Galerie 94 n'a pas seulement servi de plateforme aux artistes établis, elle a également offert une scène aux talents émergents et s'est imposée comme un acteur important de la scène artistique. Au cours des dix dernières années, la Galerie 94 a présenté un total de 50 expositions couvrant un large éventail de styles et de médias artistiques. De la peinture et la sculpture à la photographie et aux formes d'art numérique, la galerie a toujours proposé un programme varié et passionnant. Chaque exposition était une expérience soigneusement commissariée qui invitait le public à découvrir l'art sous un nouveau jour et à s'immerger dans les œuvres.

La Galerie 94 festeggia il suo decimo anniversario: un decennio ricco di mostre straordinarie, artisti stimolanti e momenti indimenticabili. Sin dalla sua fondazione, la Galerie 94 non è stata solo una piattaforma per artisti affermati, ma ha anche offerto un palcoscenico a talenti emergenti, affermandosi come attore di primo piano nella scena artistica. Negli ultimi dieci anni, la Galleria 94 ha presentato un totale di 50 mostre che coprono un'ampia gamma di stili e mezzi artistici. Dalla pittura e scultura alla fotografia e alle forme d'arte digitale, la galleria ha sempre offerto un programma variegato e stimolante. Ogni mostra è stata un'esperienza accuratamente curata, che ha invitato il pubblico a guardare l'arte da nuove prospettive e a confrontarsi intensamente con le opere.

Galerie 94 is celebrating its tenth anniversary - a decade full of remarkable exhibitions, inspiring artists and unforgettable moments. Since its inception, Galerie 94 has not only served as a platform for established artists, but has also provided a stage for emerging talents and established itself as an important player in the art scene. Over the past ten years, Galerie 94 has presented a total of 50 exhibitions covering a wide range of art styles and media. From painting and sculpture to photography and digital art forms, the gallery has always offered a diverse and exciting program. Each exhibition has been a carefully curated experience, inviting audiences to view art from new perspectives and engage with the works in depth.

(Text: Galerie 94, Baden)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
2. Mai 2025

Olvidamos cómo contemplar la madre tierra?
Naara Bahler

Die Ausstellung findet im Rahmen der Bieler Fototage statt.

Das Photoforum Pasquart freut sich, im Rahmen der Bieler Fototage 2025 die Einzelausstellung von Naara Bahler zu präsentieren. Die diesjährige Ausgabe des Festivals steht unter dem Thema Horizons und befasst sich mit der Frage, wie Landschaften wahrgenommen, genutzt und dargestellt werden.

Ob Stadt, Wald oder Industrie – Landschaft ist nicht nur ein physischer Raum, sondern auch ein kulturelles und emotionales Konstrukt. Sie wird beschrieben, kartiert, fotografiert und interpretiert. Die Bieler Fototage 2025 erkunden neue Horizonte der Landschaftsdarstellung und stellen künstlerische Positionen vor, die alternative Perspektiven auf unser Verhältnis zur Umwelt aufzeigen.

Mit ihrer Arbeit setzt sich Naara Bahler auf poetische und experimentelle Weise mit der Verbindung zwischen Mensch und Natur auseinander. Ihre Werke stehen in einem spannungsvollen Dialog mit dem Festivalthema, indem sie eine persönliche, sinnliche Annäherung an Landschaften und deren Darstellung ermöglichen. Die Ausstellung wird über die Bieler Fototage hinaus verlängert und durch eine künstlerische Erweiterung ergänzt.

Haben wir vergessen, wie man Mutter Erde betrachtet? Diese Frage stellt sich Naara Bahler in ihrer Arbeit und lädt die Betrachter:innen dazu ein, innezuhalten und ihre Verbindung zur Natur neu zu überdenken. Inspiriert von Kindheitserinnerungen an stundenlanges Beobachten der Natur, sucht sie in ihrer künstlerischen Praxis nach einer Form der Kontemplation – einem Moment der Stille, in dem Raum für Reflexion und Vorstellungskraft entsteht.

Bahler kombiniert analoge, cyanotypische und digitale fotografische Techniken, um Bilder zu schaffen, die zeitgenössische Elemente mit der Natur verschmelzen lassen. Blumen, Blätter und menschliche Spuren treten in Dialog miteinander und erschaffen Kompositionen, die eine stille Mystik ausstrahlen und teils imaginäre Wesen hervorrufen. Ihre Werke thematisieren die Spannung zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit, indem sie der schnellen, immateriellen digitalen Fotografie einen bewussten, langsamen Schaffensprozess entgegensetzt.

Mit ihrer monatelangen, experimentellen Arbeitsweise lädt Bahler die Betrachter:innen dazu ein, sich auf eine tiefere Auseinandersetzung mit ihrer Umwelt einzulassen. Ihre Werke bieten eine Gelegenheit zur bewussten Betrachtung – eine Einladung, innezuhalten und die eigene Verbindung zur Erde neu zu entdecken.

Le Photoforum Pasquart est heureux de présenter une exposition individuelle de Naara Bahler dans le cadre des Journées photographiques de Bienne 2025. Cette édition du festival est dédiée au thème Horizons, qui explore comment les paysages sont perçus, utilisés et représentés.

Qu’ils soient urbains, forestiers ou industriels, les paysages ne sont pas seulement des espaces physiques, mais aussi des constructions culturelles et émotionnelles. Ils sont décrits, cartographiés, photographiés et interprétés. Les Journées photographiques de Bienne 2025 explorent de nouveaux horizons de la représentation du paysage, mettant en avant des perspectives artistiques qui interrogent notre relation à l’environnement.

À travers une approche poétique et expérimentale, Naara Bahler examine la relation entre l’humain et la nature. Son travail entre en résonance avec le thème du festival en proposant une exploration sensorielle et personnelle des paysages et de leur représentation. L’exposition se poursuivra après les Journées photographiques de Bienne et sera enrichie d’une intervention artistique spécifique au site.

Avons-nous oublié comment regarder la Terre-Mère ? Cette question est au cœur du travail de Naara Bahler, qui invite les visiteur·x·e·s à s’arrêter un instant et à reconsidérer leur relation avec la nature. Inspirée par des souvenirs d’enfance passés à observer son environnement, Bahler cherche à créer, dans sa pratique artistique, des moments de contemplation—des espaces de calme où la réflexion et l’imagination peuvent se déployer.

Bahler associe des techniques photographiques analogiques, cyanotypiques et numériques pour créer des images qui fusionnent des éléments contemporains et le monde naturel. Fleurs, feuilles et traces humaines entrent en dialogue pour former des compositions empreintes de mysticisme, évoquant parfois des êtres imaginaires. Son travail explore la tension entre permanence et éphémérité, en opposant à la rapidité et l’immatérialité de la photographie numérique un processus de création lent et intentionnel.

À travers une méthode de travail expérimentale et prolongée, Bahler encourage les visiteur·x·e·s à approfondir leur relation avec leur environnement. Ses œuvres invitent à une contemplation consciente—une occasion de ralentir et de redécouvrir notre lien à la Terre.

Il Photoforum Pasquart è lieto di presentare la mostra personale di Naara Bahler nell'ambito dei Biel/Bienne Photo Days 2025. Il tema dell'edizione di quest'anno del festival è Orizzonti e affronta la questione di come i paesaggi vengono percepiti, utilizzati e rappresentati.

Che si tratti di città, foreste o industrie, il paesaggio non è solo uno spazio fisico, ma anche un costrutto culturale ed emotivo. Viene descritto, mappato, fotografato e interpretato. Le Giornate fotografiche di Biel/Bienne 2025 esplorano nuovi orizzonti della rappresentazione del paesaggio e presentano posizioni artistiche che mostrano prospettive alternative sul nostro rapporto con l'ambiente.

Nel suo lavoro, Naara Bahler esplora la connessione tra uomo e natura in modo poetico e sperimentale. Le sue opere instaurano un dialogo emozionante con il tema del festival, consentendo un approccio personale e sensuale al paesaggio e alla sua rappresentazione. La mostra sarà estesa oltre il Festival della Fotografia di Biel/Bienne e completata da un'estensione artistica.

Abbiamo dimenticato come guardare la Madre Terra? Naara Bahler pone questa domanda nel suo lavoro e invita gli spettatori a fermarsi e a ripensare il loro legame con la natura. Ispirata dai ricordi d'infanzia delle ore trascorse a osservare la natura, cerca una forma di contemplazione nella sua pratica artistica - un momento di quiete che crea spazio per la riflessione e l'immaginazione.

Bahler combina tecniche fotografiche analogiche, cianotipiche e digitali per creare immagini che fondono elementi contemporanei con la natura. Fiori, foglie e tracce umane entrano in dialogo tra loro, creando composizioni che emanano un tranquillo misticismo e talvolta evocano esseri immaginari. Le sue opere tematizzano la tensione tra permanenza e transitorietà, contrapponendo la fotografia digitale veloce e immateriale a un processo creativo lento e consapevole.

Con il suo approccio sperimentale, che dura da mesi, Bahler invita gli spettatori a impegnarsi in un esame più profondo del loro ambiente. Le sue opere offrono un'opportunità di contemplazione consapevole, un invito a fermarsi e a riscoprire il proprio legame con la terra.

The Photoforum Pasquart is delighted to present a solo exhibition by Naara Bahler as part of Bieler Fototage 2025. This year’s edition of the festival is dedicated to the theme Horizons, exploring how landscapes are perceived, used, and represented.

Whether urban, forested, or industrial, landscapes are not just physical spaces but also cultural and emotional constructs. They are described, mapped, photographed, and interpreted. Bieler Fototage 2025 explores new horizons in landscape representation, showcasing artistic perspectives that challenge and redefine our relationship with the environment.

Through a poetic and experimental approach, Naara Bahler examines the relationship between humans and nature. Her work resonates with the festival theme by offering a personal and sensory exploration of landscapes and their depiction. The exhibition will continue beyond Biel/Bienne Festival of photography and will be expanded with a site-specific addition.

Have We Forgotten How to Look at Mother Earth? This question is at the heart of Naara Bahler’s work, inviting viewers to pause and reconsider their connection with nature. Inspired by childhood memories of spending hours observing her surroundings, Bahler’s artistic practice seeks to create moments of contemplation—spaces of stillness where reflection and imagination can unfold.

Bahler combines analog, cyanotype, and digital photographic techniques to create images that merge contemporary elements with the natural world. Flowers, leaves, and human traces interact to form compositions that radiate a quiet mysticism and conjure almost imaginary beings. Her work explores the tension between permanence and transience, countering the rapid, immaterial nature of digital photography with a slow, intentional creative process.

Through her long and experimental working methods, Bahler encourages viewers to engage deeply with their environment. Her images invite a mindful way of seeing—an opportunity to pause and rediscover one’s connection to the Earth.

(Text: Amelie Schüle, Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Lokremise St. Gallen
1. Mai 2025

SILENT PORTRAITS
Axel Kirchhoff

Begrüssung: Axel Kirchhoff, Oliver Seltmann, Seltmann Publishers, Berlin
Beitrag: Dr. Ulrich Ott, Neurowissenschaftler, BION, Giessen

Special Guest: AUKAI, Meditationskonzert - musikalische Kurzgeschichten. Akustischen Klanglandschaften, eine Reise nach innen zu einem Ort friedlicher Schönheit

SILENT PORTRAITS ist eine Hommage an die Schönheit der Meditation. In diesem hochwertigen Kunstdruck sind auf 320 Seiten Zitate und Portraits versammelt, die zeigen, wie sich innere Arbeit in den verschiedensten Methoden und Überlieferungen offenbart. Neben den stillen und gleichwohl pulsierenden Schwarz-Weiss-Fotografien geben die Portraitierten auch in persönlichen Beschreibungen Auskunft über ihre Zugänge und Erfahrungswerte ihrer inneren Praxis. Erkenntnisse zur Wirkung von geistiger Übung, die aus den Gesprächen mit dem Autor und Neurowissenschaftler Dr. Ulrich Ott vom Gießener Bender Institute of Neuroimaging (BION) hervorgehen, runden dieses einzigartige Buch ab.

SILENT PORTRAITS est un hommage à la beauté de la méditation. Cette impression d'art de haute qualité rassemble sur 320 pages des citations et des portraits qui montrent comment le travail intérieur se révèle dans les méthodes et les traditions les plus diverses. Outre les photographies en noir et blanc, à la fois silencieuses et vibrantes, les portraits donnent également des informations sur leurs approches et leurs expériences de la pratique intérieure dans des descriptions personnelles. Les connaissances sur les effets de l'exercice spirituel, issues des entretiens avec l'auteur et le neuroscientifique Dr Ulrich Ott du Bender Institute of Neuroimaging (BION) de Giessen, complètent ce livre unique.

SILENT PORTRAITS è un omaggio alla bellezza della meditazione. Questa stampa d'arte di alta qualità contiene 320 pagine di citazioni e ritratti che mostrano come il lavoro interiore si riveli in un'ampia varietà di metodi e tradizioni. Oltre alle tranquille e vibranti fotografie in bianco e nero, i soggetti ritratti forniscono anche descrizioni personali dei loro approcci e delle loro esperienze di pratica interiore. Questo libro unico nel suo genere è completato da approfondimenti sugli effetti della pratica spirituale che emergono dalle conversazioni con l'autore e il neuroscienziato Ulrich Ott del Bender Institute of Neuroimaging (BION) di Giessen.

SILENT PORTRAITS is a tribute to the beauty of meditation. This high-quality art print brings together quotations and portraits over 320 pages that show how inner work reveals itself in a wide variety of methods and traditions. In addition to the quiet yet vibrant black-and-white photographs, the subjects of the portraits also provide personal descriptions of their approaches and experiences of their inner practice. Insights into the effects of spiritual practice, which emerged from conversations with the author and neuroscientist Dr Ulrich Ott from the Bender Institute of Neuroimaging (BION) in Giessen, round off this unique book.

(Text: Axel Kirchhoff)