Kunsthalle Friart | Fribourg
2. März – 28. April 2024

Our Ailing Senses
Sky Hopinka

Sky Hopinka (1984) ist ein experimenteller Filmemacher, Fotograf und Dichter und gehört der Ho-Chunk Nation an, einem Native American Tribe in Wisconsin. Der Künstler stellt das Weitergeben von Geschichten, Traditionen und Kämpfen der amerikanischen Ureinwohner:innen in den Mittelpunkt seiner Arbeit. Durch die Verflechtung von intimen Zeugnissen, Ausflügen auf dem Land der Vorfahren und Archivmaterial komponiert er lyrische und engagierte Chroniken, in denen die Grenze zwischen dem Persönlichen und dem Kollektiven verschwimmt. Landschaften, Texturen, Musik und Schrift bilden Schichten, aus denen ethnopoetische und neomythologische Beschwörungen hervorgehen, wie der Künstler sie gerne definiert.

Seine Ausstellung Our Ailing Senses in der Kunsthalle Friart zeigt Gedichten und Fotografien und eine grosse Auswahl an Filmen, die zwischen 2014 und 2023 entstanden sind. Die Begegnung der Sprache mit den Bildern der Erde eröffnet dort einen Raum von wiederherstellender Schönheit.

Sky Hopinka (1984) est un cinéaste expérimental, photographe et poète, membre de la Nation Ho-Chunk, une tribu amérindienne du Wisconsin. L’artiste inscrit la transmission des récits, traditions et luttes des peuples natifs d’Amériques au coeur de sa pratique. Entrelaçant témoignages intimes, dérives sur les terres ancestrales et documents d’archives, il compose des chroniques lyriques et engagées dans lesquelles la frontière entre le personnel et le collectif s’estompe. Paysages, textures, musiques, écriture forment autant de couches à partir desquelles émergent des évocations ethnopoétiques et néo-mythologiques, comme aime à les définir l’artiste.

Our Ailing Senses, son exposition à la Kunsthalle Friart, présente une large sélection de films, des poèmes et des photographies réalisés entre 2014 et 2023. La rencontre de la langue et des images de la terre y ouvre un espace d’une beauté qui restaure.

Sky Hopinka (1984) è un regista sperimentale, fotografo e poeta, membro della Ho-Chunk Nation, una tribù di nativi americani del Wisconsin. L'artista pone al centro del suo lavoro la trasmissione di storie, tradizioni e lotte dei nativi americani. Intrecciando testimonianze intime, escursioni nelle terre ancestrali e materiale d'archivio, compone cronache liriche e coinvolgenti che sfumano il confine tra personale e collettivo. Paesaggi, texture, musica e scrittura formano strati da cui emergono evocazioni etnopoetiche e neomitologiche, come ama definirle l'artista.

La sua mostra Our Ailing Senses alla Kunsthalle Friart presenta poesie e fotografie e un'ampia selezione di film realizzati tra il 2014 e il 2023. L'incontro tra il linguaggio e le immagini della terra apre uno spazio di bellezza ristoratrice.

Sky Hopinka (1984) is an experimental filmmaker, photographer and poet. He is a member of the Ho-Chunk Nation, a Native American Tribe from Wisconsin. The transmission of accounts, traditions and struggles of indigenous American peoples is at the heart of his work. Interweaving personal testimony, narratives on ancestral lands and archival material, he composes lyrical pieces in which a spiritual determination blurs the boundary between the individual and the collective. Landscapes, textures, music and writing all make up the different layers of a practice the artist refers to as ethnopoetic and neomythological.

Our Ailing Senses, his exhibition at the Kunsthalle Friart, presents poems, photos and a broad selection of films produced between 2014 and 2023, in which the encounter between language and images of the earth open onto a space of restorative beauty.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

Focale galerie – librairie | Nyon
1. März – 7. April 2024

Power and energy - Hommage à Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier ist eine Ausstellung zu Ehren des Fotografen, dessen Arbeit SPACE AND ENERGY 2015 bei FOCALE ausgestellt wurde und der uns leider im vergangenen Jahr verlassen hat. Es handelt sich um einen Rückblick auf seine bemerkenswerten Arbeiten rund um die Hochburgen der Macht und die Kehrseite der Energieindustrie: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER und PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Luca Zanier gelingt es, den Blick des Betrachters zu fesseln, indem er ihn an unbekannte oder sogar vertrauliche Orte führt, an denen keine Menschen anwesend sind. So gelang es ihm, die rätselhaften und ungewöhnlichen Aspekte dieser von und für Menschen geschaffenen Welten in seinen Bildern wiederzugeben und jeden Betrachter zu magnetisieren bzw. anzusprechen.

"Meine Absicht ist es, [diese Orte der Macht] auf künstlerische Weise sichtbar zu machen. In diesem Prozess tritt die Information als solche in den Hintergrund. Es geht vielmehr darum, Perspektiven, Farben und Formen zu fotografieren. Was ich anstrebe, ist die Auflösung der Technik in der Ästhetik. Der Betrachter sieht sich mit einem ultrakomplexen System konfrontiert, von dem unser modernes Leben abhängt, einem System, das uns gleichzeitig fasziniert und Angst macht". Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier est une exposition en l’honneur du photographe, dont le travail SPACE AND ENERGY avait été exposé à FOCALE en 2015 et qui nous a malheureusement quitté l’année dernière. Il s’agit d’un retour sur ses travaux remarquables autour des hauts lieux du pouvoir et l’envers de l’industrie énergétique : SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER et PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Au travers de ses images, Luca Zanier a su captiver notre regard en l’entraînant dans des lieux méconnus voire confidentiels tous dépourvus de présence humaine. Il est ainsi parvenu à restituer dans ses prises de vues les aspects énigmatiques et insolites de ces univers créés par et pour l’être humain et à magnétiser respectivement interpeller tout spectateur.

« Mon intention est de rendre visible, d’une manière artistique, [ces lieux de pouvoir]. Dans ce processus, l’information en tant que telle passe au second plan. Il s’agit plutôt de photographier des perspectives, des couleurs et des formes. Ce que je cherche, c’est la dissolution de la technique dans l’esthétique. Le spectateur se trouve confronté à un système ultracomplexe duquel dépend notre vie moderne, un système qui, en même temps, nous fascine et nous fait peur ». Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier è una mostra in onore del fotografo, il cui lavoro SPACE AND ENERGY è stato esposto alla FOCALE nel 2015 e che purtroppo è scomparso lo scorso anno. Si tratta di un ritorno al suo notevole lavoro sugli alti luoghi del potere e sull'altra faccia dell'industria energetica: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER e PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Attraverso le sue immagini, Luca Zanier è riuscito a catturare il nostro sguardo portandoci in luoghi poco conosciuti o addirittura riservati, tutti privi di qualsiasi presenza umana. Nei suoi scatti è riuscito a cogliere gli aspetti enigmatici e insoliti di questi mondi creati dall'uomo e per l'uomo e a magnetizzare e coinvolgere lo spettatore.

"La mia intenzione è quella di rendere visibili [questi luoghi di potere] in modo artistico. In questo processo, l'informazione in quanto tale passa in secondo piano. Si tratta piuttosto di fotografare prospettive, colori e forme. Quello che cerco è la dissoluzione della tecnica nell'estetica. Lo spettatore si trova di fronte a un sistema ultracomplesso da cui dipende la nostra vita moderna, un sistema che ci affascina e ci spaventa allo stesso tempo. Luca Zanier

Hommage à Luca Zanier is an exhibition in honor of the photographer, whose work SPACE AND ENERGY was exhibited at FOCALE in 2015 and who sadly passed away last year. It's a look back at his remarkable work on the upper reaches of power and the other side of the energy industry: SPACE AND ENERGY, CORRIDORS OF POWER and PAPERWORLD/CYBERWORLD.

Through his images, Luca Zanier captivates the eye by taking us into little-known or even confidential places, all devoid of human presence. His images capture the enigmatic and unusual aspects of these universes created by and for man, magnetizing and engaging the viewer.

"My intention is to make [these places of power] visible in an artistic way. In this process, information as such takes a back seat. It's more a question of photographing perspectives, colors and shapes. What I'm looking for is the dissolution of technique into aesthetics. The viewer is confronted with an ultra-complex system on which our modern lives depend, a system that both fascinates and frightens us. Luca Zanier

(Text: Focale galerie – librairie, Nyon)

Centre de la photographie Genève
28. Februar – 28. April 2024

MAKING LIGHT OF EVERY THING

Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Jessica Backhaus, Emma Bedos, Mathieu Bernard-Reymond, Sara de Brito Faustino, Charlie Engman, Alina Frieske, Peter Hauser, Moritz Jekat, Leigh Merrill, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Martin Widmer

Das Intime ist ein Begriff, der oft schwer zu definieren, unantastbar und schwer fassbar ist. Sie kann in einer Kindheitserinnerung, im Inneren des eigenen Hauses oder der eigenen Nachbarschaft, in den Gesten, die man mit seinen Angehörigen austauscht, in der Vertrautheit eines Bildes oder auch in der Verbundenheit mit einem Gegenstand, einem Material oder einer Textur liegen.

Wie kann die Fotografie, ohne direkt Situationen zu zeigen, die unmittelbar als intim identifiziert werden können, eine Beziehung zu diesem Gefühl, seine Flüchtigkeit und Ungreifbarkeit ausdrücken? Wie kann sie das Verhältnis zum zwangsläufig fehlbaren Gedächtnis, die oft komplexen und wechselhaften Bindungen zu geliebten Menschen oder auch die Beziehung zu einem Zuhause, dessen Vertrautheit jederzeit ins Fremde umschlagen kann, ins Bild setzen?

Während das hergestellte oder manipulierte Bild oft mit dem Missbrauch der öffentlichen Meinung oder der Darstellung fiktionaler Welten in Verbindung gebracht wird, wird es hier wegen seines Potenzials, unsere Subjektivität, unsere Beziehung zu den Dingen zu enthüllen, erforscht. Wie können wir unsere Erinnerungen erzählen, die Verbindung zu geliebten Menschen übersetzen oder unsere Sensibilität greifbar machen?

Durch ausgeklügelte Verfahren der Bildmanipulation ermöglichen es die in dieser Ausstellung versammelten Künstler, eine Form der Intimität sichtbar zu machen, zu erfassen oder festzuhalten - vom persönlichsten Ausdruck einer Emotion bis hin zur maschinellen Interpretation menschlicher Beziehungen. Ob mit farbigem Papier hergestellt, durch künstliche Intelligenz erzeugt, vollständig im Fotolabor entstanden oder das Ergebnis einer sorgfältigen Fotomontage - die für diese Ausstellung zusammengestellten Bilder spiegeln das hartnäckige Experimentieren ihrer Autoren wider und vermitteln sowohl frivole als auch überwältigende Emotionen. Ihr explizit hergestellter Charakter - wobei hier keine Hierarchie zwischen Papierschnitt und den ausgefeiltesten Werkzeugen zur Bilderzeugung gemacht wird - hebt die manchmal seltsame Dimension dessen hervor, was uns am vertrautesten ist. Durch ihre Erkundungsprozesse und ihre komplexe Architektur machen die Künstler die komplexen Mechanismen der Welterfassung spürbar und zeugen auf subtile und delikate Weise von der Manifestation unserer individuellen Subjektivitäten.

Die Arbeiten von Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond und Sara De Brito Faustino untersuchen die Verbindungen zwischen hergestellten Bildern und dem Gedächtnis. Adu-Sanyah und Bernard-Reymond verwenden künstliche Intelligenzen, um Erinnerungen nachzubilden oder zu visualisieren, und achten dabei besonders auf die Materialität der entstehenden Bilder, während De Brito Faustino die Orte ihrer Kindheit in Modellen nachstellt, die sie dann erneut fotografiert. Ihre Werke beleuchten den prägenden, aber manchmal auch fehlbaren, seltsamen und rekonstruierten Charakter von Erinnerungen.

Emma Bedos, Alina Frieske und Moritz Jekat setzen visuelle Technologien wie Photogrammetrie, Fotomontage und Videospiele ein, um intime, familiäre und Liebesbeziehungen zu erforschen. Die Orte, die mit einer Liebesbeziehung in Verbindung gebracht werden, die geografische Distanz zu den Angehörigen und die digitalen Schnittstellen, mit denen diese Distanz überbrückt werden kann, oder auch die private und öffentliche Zirkulation persönlicher Bilder werden in Projekten behandelt, in denen das Bild experimentelle und unerwartete Formen annimmt.

Leigh Merrill, das Duo Taiyo Onorato & Nico Krebs und Martin Widmer teilen eine Herangehensweise an den Raum, der mithilfe verschiedener Collage- und Überlagerungstechniken minutiös konstruiert und rekonstruiert wird. Sowohl Onorato & Krebs als auch Widmer arbeiten selbstreflexiv, indem sie ihre eigenen Bilder als Ausgangspunkt verwenden, während Merrill vertraute urbane Räume durch Collagen neu gestaltet.

Das Intime manifestiert sich somit bei einigen der Künstler in der Ausstellung in einer sehr starken Beziehung zu ihrer eigenen Produktion. Bei Jessica Backhaus und Peter Hauser spiegelt die Verbindung zur eigentlichen Herstellung des Bildes durch analoge Verfahren - die Arbeit mit farbigem Papier bei Backhaus und im analogen Labor bei Hauser - eine Intimität der eigentlichen Praxis wider, ein feinfühliges Experimentieren mit Formen, Texturen und Materialien. Bei Charlie Engman schließlich entsteht eine Form von Verletzlichkeit aus den visuellen Experimenten mit künstlicher Intelligenz und ihrem Versagen, Darstellungen körperlicher Intimität, insbesondere der Umarmung, zu reproduzieren, und hallt auf seltsame Weise mit persönlichen Fotografien wider.

Kuratiert von: Claus Gunti & Danaé Panchaud

L’intime est une notion souvent difficile à définir, intangible et insaisissable. Il peut se situer dans un souvenir d’enfance, à l’intérieur de sa maison ou de son quartier, dans les gestes échangés avec ses proches, dans la familiarité d’une image, ou encore dans l’attachement à un objet, à une matière, ou à une texture.

Sans montrer directement des situations immédiatement identifiables comme intimes, comment la photographie peut-elle exprimer un rapport à ce sentiment, son caractère fugace et impalpable ? Comment peut-elle mettre en image les rapports à la mémoire, forcément faillible, les liens souvent complexes et changeants aux personnes chères, ou encore la relation à un chez-soi dont la familiarité peut tourner à l’étrange à tout moment ?

Si l’image fabriquée ou manipulée est souvent associée au détournement de l’opinion publique ou à la représentation d’univers fictionnels, elle est ici explorée pour son potentiel à révéler notre subjectivité, notre rapport aux choses. Comment pouvons-nous raconter nos souvenirs, traduire le lien à des êtres aimés ou rendre tangible notre sensibilité ?

Par des processus élaborés de manipulation d’image, les artistes réunis dans cette exposition permettent de rendre visible, de saisir ou de fixer une forme d’intimité, de l’expression la plus personnelle d’une émotion à l’interprétation machinique des rapports humains. Qu’elles soient fabriquées à l’aide de papiers colorés, générées par intelligence artificielle, créées entièrement dans le laboratoire photographique ou résultant d’un photomontage minutieux, les images réunies pour cette exposition traduisent l’expérimentation opiniâtre de leur auteur, traduisant des émotions tant frivoles qu’écrasantes. Leur caractère explicitement fabriqué – sans qu’une hiérarchie ne soit faite ici entre le papier découpé et les outils les plus sophistiqués de génération d’images – met en avant la dimension parfois étrange de ce qui nous est le plus familier. Par leurs processus exploratoires, leur architecture complexe, les artistes rendent sensible les mécanismes complexes d’appréhension du monde, témoignant de manière subtile et délicate de la manifestation de nos subjectivités individuelles.

Les travaux d’Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond et Sara De Brito Faustino investiguent les liens entre les images fabriquées et la mémoire. Adu-Sanyah et Bernard-Reymond utilisent des intelligences artificielles pour recréer des souvenirs ou les visualiser, prêtant une attention particulière à la matérialité des images qui en résultent, alors que De Brito Faustino reconstitue les lieux de son enfance en maquette qu’elle rephotographie. Leurs oeuvres mettent en lumière le caractère marquant, mais aussi parfois faillible, étrange et reconstruit, des souvenirs.

Emma Bedos, Alina Frieske et Moritz Jekat ont recours à des technologies visuelles comme la photogrammétrie, le photomontage et le jeu vidéo, afin d’investiguer des liens intimes, familiaux et amoureux. Les lieux associés à une relation amoureuse, la distance géographique avec ses proches et les interfaces digitales permettant d’y pallier, ou encore les circulations privées et publiques d’images personnelles, sont abordés dans des projets où l’image prend des formes expérimentales et inattendues.

Leigh Merrill, le duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, et Martin Widmer partagent une approche de l’espace, minutieusement construit et reconstruit au moyen de différentes techniques de collage et de superposition. Onorato & Krebs comme Widmer mènent un travail autoréflexif en utilisant leurs propres images comme point de départ, alors que Merrill refaçonne par collage des espaces urbains familiers.

L’intime se manifeste ainsi chez certains des artistes de l’exposition dans un rapport très fort avec leur propre production. Chez Jessica Backhaus et Peter Hauser, le lien à la fabrication même de l’image par des procédés analogiques — le travail avec des papiers colorés pour Backhaus et dans le laboratoire analogique pour Hauser — reflète une intimité de la pratique même, une expérimentation délicate avec des formes, des textures et des matériaux. Enfin, chez Charlie Engman, une forme de vulnérabilité émerge des expérimentations visuelles réalisées avec l’intelligence artificielle et de leur échec à reproduire des représentations de l’intimité corporelle, en particulier le hug, et résonne étrangement avec des photographies personnelles.

Commissariat : Claus Gunti & Danaé Panchaud

L'intimità è un concetto spesso difficile da definire, intangibile e sfuggente. Si può trovare in un ricordo d'infanzia, nell'interno della propria casa o del proprio quartiere, nei gesti scambiati con i propri cari, nella familiarità di un'immagine, o anche nell'attaccamento a un oggetto, a un materiale o a una texture.

Senza mostrare direttamente situazioni immediatamente identificabili come intime, come può la fotografia esprimere il rapporto con questo sentimento, la sua natura fugace e impalpabile? Come può ritrarre il rapporto con la memoria, che è inevitabilmente fallibile, i legami spesso complessi e mutevoli con i propri cari, o il rapporto con una casa la cui familiarità può diventare strana in qualsiasi momento?

Se le immagini fabbricate o manipolate sono spesso associate all'appropriazione indebita dell'opinione pubblica o alla rappresentazione di universi fittizi, qui vengono esplorate per il loro potenziale di rivelazione della nostra soggettività e del nostro rapporto con le cose. Come possiamo raccontare i nostri ricordi, esprimere il nostro legame con le persone care o rendere tangibile la nostra sensibilità?

Attraverso elaborati processi di manipolazione dell'immagine, gli artisti di questa mostra rendono visibile, catturano o fissano una forma di intimità, dall'espressione più personale dell'emozione all'interpretazione macchinosa delle relazioni umane. Realizzate con carta colorata, generate dall'intelligenza artificiale, create interamente nel laboratorio fotografico o frutto di un meticoloso fotomontaggio, le immagini riunite in questa mostra riflettono l'ostinata sperimentazione dei loro autori, trasmettendo emozioni tanto frivole quanto travolgenti. La loro natura esplicitamente artificiale - senza che qui si tracci una gerarchia tra la carta ritagliata e i più sofisticati strumenti di generazione di immagini - mette in evidenza la dimensione a volte strana di ciò che ci è più familiare. Attraverso i loro processi esplorativi e la loro complessa architettura, gli artisti rivelano i complessi meccanismi con cui percepiamo il mondo, testimoniando in modo sottile e delicato la manifestazione delle nostre soggettività individuali.

Il lavoro di Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond e Sara De Brito Faustino indaga i legami tra immagini fabbricate e memoria. Adu-Sanyah e Bernard-Reymond utilizzano l'intelligenza artificiale per ricreare o visualizzare i ricordi, prestando particolare attenzione alla materialità delle immagini risultanti, mentre De Brito Faustino ricostruisce i luoghi della sua infanzia in modelli in scala che poi rifotografa. Le loro opere evidenziano la natura saliente ma talvolta fallibile, strana e ricostruita dei ricordi.

Emma Bedos, Alina Frieske e Moritz Jekat utilizzano tecnologie visive come la fotogrammetria, il fotomontaggio e i videogiochi per indagare le relazioni intime, familiari e amorose. I luoghi associati a una relazione sentimentale, la distanza geografica dai propri cari e le interfacce digitali che la compensano, la circolazione privata e pubblica delle immagini personali sono tutti temi affrontati in progetti in cui l'immagine assume forme sperimentali e inaspettate.

Leigh Merrill, il duo Taiyo Onorato & Nico Krebs e Martin Widmer condividono un approccio allo spazio, meticolosamente costruito e ricostruito con diverse tecniche di collage e sovrapposizione. Sia Onorato & Krebs che Widmer lavorano in modo autoriflessivo, utilizzando le proprie immagini come punto di partenza, mentre Merrill usa il collage per rimodellare spazi urbani familiari.

Per alcuni degli artisti in mostra, l'intimità si manifesta in un rapporto molto forte con la propria produzione. Per Jessica Backhaus e Peter Hauser, il legame con la realizzazione stessa dell'immagine attraverso processi analogici - lavorando con carta colorata per Backhaus e nel laboratorio analogico per Hauser - riflette un'intimità della pratica stessa, una delicata sperimentazione con forme, texture e materiali. Infine, nel lavoro di Charlie Engman, una forma di vulnerabilità emerge dagli esperimenti visivi condotti con l'intelligenza artificiale e dal loro fallimento nel riprodurre le rappresentazioni dell'intimità corporea, in particolare l'abbraccio, e risuona stranamente con le fotografie personali.

A cura di Claus Gunti & Danaé Panchaud

Intimacy is a concept that is often difficult to define, intangible and elusive. It can be found in a childhood memory, in the interior of one’s home or neighbourhood, in the gestures exchanged with loved ones, but also in the familiarity with an image, or in the attachment to an object, a material or a texture.

Without directly showing situations that are immediately identifiable as intimate, how can photography express a relationship with this feeling, its fleeting and impalpable nature? How can it portray the relationship with memory, which is inevitably fallible, the often complex and changing links with loved ones, or the relationship with a home whose familiarity can turn strange at any moment?

While fabricated or manipulated images are often associated with the misappropriation of public opinion or the representation of fictional universes, they are here explored for their potential to reveal our subjectivity and our relationship with reality. How can we recount our memories, express our connection to loved ones, or make our sensibilities tangible?

Through elaborate processes of image manipulation, the artists in this exhibition make visible, capture or fix a form of intimacy, from the most personal expression of an emotion to the automated interpretation of human relationships by a machine. Whether made with coloured paper, generated by artificial intelligence, created entirely in the photographic laboratory or the result of meticulous photomontage, the images brought together for this exhibition reflect their author’s tenacious experi-mentation, conveying emotions that are sometimes frivolous, sometimes profound. Their explicitly fabricated nature - without any hierarchy being drawn here between cut-out paper and the most sophisticated image-generating tools - highlights the sometimes strange dimension of what is most familiar to us. Through their exploratory processes and complex architecture, the artists reveal the complex mechanisms by which we apprehend the world, bearing subtle and delicate witness to the manifestation of our individual subjectivities.

The work of Akosua Viktoria Adu-Sanyah, Mathieu Bernard-Reymond and Sara De Brito Faustino investigates the links between fabricated images and memory. Adu-Sanyah and Bernard-Reymond use artificial intelligence to recreate or visualise memories, paying particular attention to the materiality of the resulting photographs, while De Brito Faustino reconstructs her childhood homes with models that she then rephotographs. Their works highlight the salient but sometimes fallible, strange and reconstructed nature of memories.

Emma Bedos, Alina Frieske and Moritz Jekat use visual technologies such as photogrammetry, photomontage and video games to investigate intimate, family and love relationships. The places associated with a romantic relationship, the geographical distance from loved ones and the digital interfaces that bridge it, or the private and public circulations of personal images are all addressed in projects where the image takes on experimental and unexpected forms.

Leigh Merrill, the duo Taiyo Onorato & Nico Krebs, and Martin Widmer share a certain approach, meticulously constructing and reconstructing spaces with different techniques of collage and superposition. Both Onorato & Krebs and Widmer work in a self-reflexive way, using their own images as a starting point, while Merrill uses collage to reshape familiar urban spaces.

In some of the artists in the exhibition, the intimate manifests itself in a strong relationship with their own work. For Jessica Backhaus and Peter Hauser, the link to the very making of the image through analogue processes – working with coloured papers for Backhaus and in the analogue laboratory for Hauser – reflects an intimacy of practice itself, in delicate experimentations with shapes, textures and materials. Finally, in Charlie Engman’s work, a form of vulnerability emerges from the visual experiments carried out with artificial intelligence and their failure to reproduce representations of bodily intimacy, in particular hugs, which furthermore resonates strangely with personal photographs.

Curators: Claus Gunti & Danaé Panchaud

(Text: Centre de la photographie Genève)

Galerie du Crochetan | Monthey
27. Januar – 5. April 2024

Raffinerie – La fin d'une ère
David Bard, Bernard Dubuis, Lea Lund & Erik K, Jean-Marc Yersin

An der Schwelle zum dritten Jahrtausend sieht sich unsere Welt mit Veränderungen von ungeahntem Ausmaß konfrontiert. Diese Veränderungen zeigen sich direkt vor unserer Haustür, in der Landschaft, die uns umgibt, bis hin zu der Ebene, in der wir wohnen. In ihrem Zentrum steht eine Raffinerie, deren monumentale Präsenz den Horizont beherrscht - und die bald verschwinden wird.

Abwechselnd als Symbol der Moderne oder als Ärgernis betrachtet, war diese Fabrik eine Säule unseres Wohlstands. Als Ergebnis unserer Zivilisation hätte sie in ferner Zukunft den Status eines historischen Monuments erlangen können, das wie ein antikes oder mittelalterliches Relikt die Neugierde weckt. Doch dazu kam es nicht. Die Zeiten ändern sich, sie verschwindet und mit ihr die Erinnerung an die Menschen, die mühsam und teilweise mit hingebungsvoller Leidenschaft daran gearbeitet haben.

Angesichts dieses Ereignisses wollten zwei Fotografen, ein Architekt und ein Künstlerpaar die Erinnerung daran bewahren. Auch wenn es sich dabei um eine Dokumentation handelt, ist sie nicht darauf beschränkt. Eine solche Kulisse bietet eine beachtliche Vielfalt an Ansätzen; sie regt dazu an, sich über die bevorstehenden Umwälzungen Gedanken zu machen oder einfach die Schönheit und Ästhetik des Ortes zu genießen.

Ein Projekt dieser Größenordnung muss geteilt werden, insbesondere mit der lokalen Bevölkerung, die daran gewöhnt ist, täglich zu leben, zu arbeiten und die Veränderung ihrer Landschaft zu beobachten. Die Galerie du Crochetan ist der ideale Ort für diese Initiative, indem sie diese Bilder ausstellt, um sie der Öffentlichkeit zu präsentieren und ihr einen intimen Blick auf das Innere dieser industriellen "Festung" zu gewähren.

Au seuil du troisième millénaire, notre monde est confronté à des mutations d’une ampleur insoupçonnée. Ces transformations se manifestent à notre porte, dans le paysage qui nous entoure, jusqu’à la plaine où nous résidons. En son centre se dresse une raffinerie, dont la monumentale présence domine l’horizon... bientôt destinée à disparaître.

Tour à tour considérée comme un symbole de la modernité ou comme une nuisance, cette usine a été un pilier de notre prospérité. À la fois inquiétante et esthétique, fruit du génie de notre civilisation, elle aurait pu, dans un futur lointain, revêtir le statut de monument historique, suscitant la curiosité tel un vestige antique ou médiéval. Cependant, il n’en sera rien ; les temps évoluent, elle s’éclipse, emportant avec elle le souvenir de ceux qui y ont laborieusement travaillé, certains avec une passion dévouée.

Face à cet événement, deux photographes, un architecte et un couple d’artistes ont souhaité en préserver la mémoire. Si cette démarche relève du documentaire, elle ne s’y limite pas. Un tel décor offre une diversité d’approches considérable ; il incite à s’interroger sur les bouleversements à venir ou simplement à apprécier la beauté et l’esthétique du lieu.

Un projet de cette envergure se doit d’être partagé, particulièrement auprès de la population locale, habituée à vivre, travailler et observer quotidiennement la transformation de son paysage. La Galerie du Crochetan représente l’espace idéal pour cette initiative, en y exposant ces images afin de les dévoiler au public et lui offrir un regard intime sur l’intérieur de cette « forteresse » industrielle.

Alle soglie del terzo millennio, il nostro mondo sta affrontando cambiamenti di portata insospettabile. Questi cambiamenti si stanno manifestando alle nostre porte, nel paesaggio che ci circonda, fino alla pianura in cui viviamo. Al centro si trova una raffineria, la cui presenza monumentale domina l'orizzonte... presto scomparirà.

Considerata alternativamente un simbolo di modernità o un fastidio, questa pianta è stata un pilastro della nostra prosperità. Inquietante ed estetica al tempo stesso, frutto del genio della nostra civiltà, avrebbe potuto assumere, in un lontano futuro, lo status di monumento storico, suscitando curiosità come una reliquia antica o medievale. Ma non è stato così: i tempi sono cambiati ed è scomparso, portando con sé la memoria di coloro che vi hanno lavorato con tanta fatica, alcuni con tanta passione.

Di fronte a questo evento, due fotografi, un architetto e una coppia di artisti hanno voluto preservarne la memoria. Il loro approccio, pur essendo di natura documentaristica, non si limita a questo. Un'ambientazione di questo tipo offre una notevole diversità di approcci; ci spinge a interrogarci sugli sconvolgimenti futuri o semplicemente ad apprezzare la bellezza e l'estetica del luogo.

Un progetto di questa portata deve essere condiviso, soprattutto con la popolazione locale, abituata a vivere, lavorare e osservare quotidianamente la trasformazione del proprio paesaggio. La Galerie du Crochetan è la sede ideale per questa iniziativa, in quanto espone queste immagini al pubblico e offre uno sguardo intimo all'interno di questa "fortezza" industriale.

On the threshold of the third millennium, our world is facing changes on an unimaginable scale. These transformations are manifesting themselves on our doorstep, in the landscape that surrounds us, right down to the plain where we live. At its center stands a refinery, its monumental presence dominating the horizon... soon to disappear.

Alternately considered a symbol of modernity or a nuisance, this plant has been a pillar of our prosperity. At once disquieting and aesthetic, the fruit of the genius of our civilization, it could, in the distant future, have assumed the status of a historic monument, arousing curiosity like an ancient or medieval relic. Times change, it disappears, taking with it the memory of those who worked so laboriously on it, some with devoted passion.

Faced with this event, two photographers, an architect and a couple of artists set out to preserve its memory. While their approach is documentary in nature, it's not limited to that. Such a setting offers a considerable diversity of approaches; it encourages us to wonder about the upheavals to come, or simply to appreciate the beauty and aesthetics of the place.

A project of this scale needs to be shared, particularly with the local population, who are used to living, working and observing the transformation of their landscape on a daily basis. The Galerie du Crochetan is the ideal venue for this initiative, displaying these images for public viewing and offering an intimate look inside this industrial "fortress".

(Text: Galerie du Crochetan, Monthey)

Musée Rath | Genève
7. Dezember 2023 – 21. April 2024

Ella Maillart, Anne-Julie Raccoursier, Pauline Julier

Die Ausstellung erstreckt sich über die drei Räume im Erdgeschoss des Rath Museums. Das mittlere Feld ist Ella Maillart gewidmet, der linke Seitenraum Pauline Julier und der rechte Seitenraum Anne-Julie Raccoursier. Das Rath-Gebäude wird so in einen immersiven Ort mit drei verschiedenen Bereichen verwandelt: Sie können sich in drei verschiedenen Welten bewegen, die nebeneinander liegen, aber nicht miteinander verschmelzen.

Zunächst werden die Besucherinnen und Besucher in den zentralen Raum geführt, wo sie das Leben und Werk von Ella Maillart anhand ihrer Archive entdecken, die in Vitrinen und in Form einer zwölf Meter langen Zeitleiste ausgestellt sind. Ein Spaziergang mit Fotografien, Texten und überraschenden Dokumenten, die größtenteils aus dem Photo Elysée stammen, das Ella Maillarts Fotoarchiv aufbewahrt. Diese von der Reisenden geduldig gesammelten Stücke zeigen ihren Alltag ebenso wie ihr schriftstellerisches Talent, ihren Erfahrungsschatz, ihre Liebe zu großen Räumen, ihre sportlichen Fähigkeiten, ihren Sinn für Humor und ihre Vorliebe für die Weitergabe von Wissen. An den Wänden werden eine Auswahl an Landschaftsbildern und eine Auswahl an großformatigen Texten Fenster zu den von Ella Maillart bereisten Gebieten öffnen.

In einem der beiden Seitenflügel sind die poetischen und kompromisslosen Werke von Anne-Julie Raccoursier und Pauline Julier ausgestellt. Die beiden Künstlerinnen, deren Persönlichkeiten sehr unterschiedlich sind, wurden eingeladen, die Räume des Musée Rath zu teilen. Ihre zwischen Realität und Fiktion schwankenden Werke eröffnen neue Perspektiven und betrachten den Menschen heute in seiner individuellen und kollektiven Komplexität.

Partnerschaften und Zusammenarbeit: Association Les amis d'Ella Maillart, Photo Elysée

L’exposition se déploie sur les trois espaces du rez-de-chaussée du Musée Rath. La travée centrale est dédiée à Ella Maillart, l’espace latéral gauche à Pauline Julier et l’espace latéral droit à Anne-Julie Raccoursier. Le Rath est ainsi transformé en un lieu immersif en trois volets distincts : de quoi circuler dans trois univers différents qui se côtoient sans se confondre.

Guidé.e.s d’abord vers l’espace central, les visiteurs.euses découvriront la vie et l’oeuvre d’Ella Maillart à travers ses archives déployées en vitrine et sous forme d’une ligne de temps longue de douze mètres. Une promenade faite de photographies, de textes et de documents surprenants, provenant pour la plupart de Photo Elysée qui conserve le fonds d’archives photographiques d’Ella Maillart. Autant de pièces patiemment rassemblées par la voyageuse et qui révèlent son quotidien autant que ses talents d'écrivaine, la richesse de ses expériences, son amour des grands espaces, ses qualités sportives, sans oublier son sens de l’humour et son goût pour la transmission. Sur les murs, une sélection de paysages et un choix de textes grands formats ouvriront des fenêtres vers les contrées arpentées par Ella Maillart.

L’une et l’autre des deux travées latérales sont occupées par les oeuvres, poétiques et sans concession, d’Anne-Julie Raccoursier et de Pauline Julier. Les deux artistes aux personnalités bien distinctes ont ainsi été invitées à partager les espaces du musée Rath. Oscillant entre réalité et fiction, leurs oeuvres ouvrent d’autres perspectives et envisagent aujourd’hui l’humain dans sa complexité individuelle autant que collective.

Partenariats et collaborations: L’Association Les amis d’Ella Maillart, Photo Elysée

La mostra si sviluppa nei tre spazi al piano terra del Musée Rath. La campata centrale è dedicata a Ella Maillart, lo spazio a sinistra a Pauline Julier e quello a destra a Anne-Julie Raccoursier. In questo modo, il Rath si trasforma in uno spazio immersivo con tre sezioni distinte, consentendo ai visitatori di muoversi attraverso tre mondi diversi che esistono l'uno accanto all'altro ma non si fondono.

I visitatori saranno guidati prima nello spazio centrale, dove scopriranno la vita e l'opera di Ella Maillart attraverso i suoi archivi, esposti in una vetrina e sotto forma di una linea del tempo lunga dodici metri. È una passeggiata tra fotografie, testi e documenti sorprendenti, la maggior parte dei quali proviene da Photo Elysée, che custodisce gli archivi fotografici di Ella Maillart. Tutti questi oggetti, raccolti pazientemente dalla viaggiatrice, rivelano la sua vita quotidiana, ma anche il suo talento di scrittrice, la ricchezza delle sue esperienze, il suo amore per la vita all'aria aperta, le sue qualità sportive, senza dimenticare il suo senso dell'umorismo e il gusto di trasmettere il suo lavoro. Alle pareti, una selezione di paesaggi e una scelta di testi di grande formato apriranno finestre sulle terre percorse da Ella Maillart.

Le due campate laterali sono occupate dalle opere poetiche e senza compromessi di Anne-Julie Raccoursier e Pauline Julier. Le due artiste, che hanno personalità ben distinte, sono state invitate a condividere lo spazio del Musée Rath. Oscillando tra realtà e finzione, le loro opere aprono nuove prospettive e considerano la complessità dell'essere umano individuale e collettivo di oggi.

Partenariati e collaborazioni: Associazione Les amis d'Ella Maillart, Foto Elysée

The exhibition is spread over the three spaces on the first floor of the Musée Rath. The central bay is dedicated to Ella Maillart, the left side to Pauline Julier and the right side to Anne-Julie Raccoursier. The Rath is thus transformed into an immersive space in three distinct sections, allowing visitors to move through three different universes, side by side without merging.

Guided first to the central space, visitors will discover the life and work of Ella Maillart through her archives, displayed in showcases and in the form of a twelve-metre-long timeline. A walk through photographs, texts and surprising documents, most of which come from Photo Elysée, which holds Ella Maillart's photographic archive. All of these items, patiently collected by the traveller, reveal her daily life as much as her talents as a writer, the wealth of her experiences, her love of wide open spaces, her sporting qualities, not forgetting her sense of humour and her taste for passing on her work. On the walls, a selection of landscapes and a choice of large-format texts will open windows onto the lands surveyed by Ella Maillart.

The two side bays are occupied by the poetic, uncompromising works of Anne-Julie Raccoursier and Pauline Julier. The two artists, with their very distinct personalities, have been invited to share the spaces of the Musée Rath. Oscillating between reality and fiction, their works open up new perspectives and consider the human being in its individual and collective complexity.

Partnerships and collaborations: Association Les amis d'Ella Maillart, Photo Elysée

(Text: Musée Rath, Genève)

L’Appartement | Vevey
6. Dezember 2023 – 14. April 2024

Dark Waters
Kristine Potter

In ihrem neuen Buch Dark Waters beschäftigt sich die Fotografin Kristine Potter mit der Gewalt, die das Territorium und die Populärkultur der USA durchdringt. Sie stellt eine Reihe von Frauenporträts bukolisch anmutenden Landschaften gegenüber, bei denen es sich in Wirklichkeit um Orte mit schmutzigen Namen wie Murder Creek, Bloody River oder Rape Pond handelt, die an die häusliche Gewalt erinnern, die in der Vergangenheit in diesen Landschaften stattgefunden hat. In Anlehnung an das Musikgenre der Murder Ballads aus dem 19. und 20. Jahrhundert verweist Potter in seiner Serie auf die beiläufige und populäre Verherrlichung von Gewalt gegen Frauen, die in der heutigen Kulturlandschaft immer noch vorherrschend ist.

Dans son nouveau livre Dark Waters la photographe Kristine Potter traite de la violence qui imprègne le territoire et la culture populaire des États-Unis. Elle juxtapose une série de portraits féminins à des pay­sages à l’apparence bucolique : il s’agit en réalité de lieux-dits portant des appellations sordides telles que Murder Creek, Bloody River ou Rape Pond, évoquant les violences domestiques dont ces paysages ont été le théâtre par le passé. En s’appuyant sur le genre musical des murder ballads des XIXe et XXe siècles, Potter évoque dans sa série la glorification désinvolte et populaire de la violence à l’égard des femmes qui reste prédominante dans le paysage culturel d’aujourd’hui.

Nel suo nuovo libro Dark Waters, la fotografa Kristine Potter esplora la violenza che permea la terra e la cultura popolare degli Stati Uniti. L'autrice giustappone una serie di ritratti femminili a paesaggi che sembrano bucolici, ma che in realtà sono luoghi dai nomi sordidi come Murder Creek, Bloody River o Rape Pond, evocando la violenza domestica di cui questi paesaggi sono stati testimoni in passato. Attingendo al genere musicale delle murder ballads del XIX e XX secolo, la serie di Potter evoca la glorificazione casuale e popolare della violenza contro le donne che rimane così prevalente nel panorama culturale odierno.

Kristine Potter’s latest photobook, Dark Waters, focuses on the violence that permeates the territory and popular culture of the USA. She contrasts a series of portraits of women with scenery that appears serene but is in fact views of places with sordid names, such as Murder Creek, Bloody River, and Rape Pond, evoking the domestic violence that allegedly took place there in the past. Drawing on the musical genre of murder ballads from the 19th and 20th centuries, Kristine Potter alludes to the flippant popular glorification of violence towards women that still pervades today’s cultural landscape.

(Text: L’Appartement, Vevey)

L’Appartement | Vevey
6. Dezember 2023 – 14. April 2024

Christmas Nightmare
Jean-Marie Donat

In der kollektiven Vorstellungswelt, die mithilfe von Marketingkampagnen gepflegt wird, wird der Weihnachtsmann immer hell erleuchtet dargestellt, mit einem buschigen weißen Bart, einem makellosen roten Anzug, korpulent, lächelnd und liebevoll. Aber wie sieht es in der "Realität" aus? Der Sammler Jean-Marie Donat hat Flohmärkte in ganz Europa besucht, um diese außergewöhnliche Sammlung von Fotografien aus den 1930er bis 1970er Jahren zusammenzutragen, auf denen man sieht, wie aus dem wohlwollenden Mythos ein Albtraum aus Banalitäten und Ungeschicklichkeiten wird. Mit Humor scheint diese Serie vor allem unsere kindlichen Verdächtigungen zu bestätigen: Ist der Weihnachtsmann nicht ein Mann wie alle anderen?

Dans l’imaginaire collectif, entretenu à grand coup de campagnes marketing, le Père Noël est toujours représenté de manière lumineuse, barbe blanche touffue, costume rouge impeccable, corpulent, souriant et affectueux. Mais qu’en est-il en « réalité » ? Le collectionneur Jean-Marie Donat a parcouru les marchés aux puces de toute l’Europe pour rassembler cette collection extraordinaire de photographies allant des années 30 aux années 70, dans lesquelles on voit le mythe bienveillant devenir un cauchemar de banalités et de maladresses. Avec humour, cette série semble surtout confirmer nos soupçons enfantins : le Père Noël ne serait-il pas un homme comme les autres ?

Nell'immaginario collettivo, alimentato dalle campagne di marketing, Babbo Natale è sempre rappresentato come una figura luminosa, con una folta barba bianca e un vestito rosso, corpulento, sorridente e affettuoso. Ma qual è la realtà? Il collezionista Jean-Marie Donat ha setacciato i mercatini delle pulci di tutta Europa per mettere insieme questa straordinaria raccolta di fotografie dagli anni Trenta agli anni Settanta, in cui vediamo il mito benevolo trasformarsi in un incubo di banalità e goffaggini. Soprattutto, questa serie umoristica sembra confermare i nostri sospetti infantili sul fatto che Babbo Natale sia un uomo come tutti gli altri.

Advertisements generally encourage us to picture Santa Claus as a cheerful chubby man with a bushy white beard and a smart red suit, always smiling and huggable. But what’s he really like? Collector Jean-Marie Donat scoured flea markets all over Europe to compile this extraordinary collection of photographs from the 1930s to the 1970s, in which we see the beloved myth become a nightmare of triviality and awkward clumsiness. This witty series seems most likely to confirm our childhood suspicions: Is Santa Claus just an ordinary man, after all?

(Text: L’Appartement, Vevey)

L’Appartement | Vevey
6. Dezember 2023 – 14. April 2024

Family Trilogy
Christopher Anderson

Christopher Anderson begann nach der Geburt seines Sohnes Atlas im Jahr 2008, seine Familie auf fast organische Weise zu fotografieren. Bei der Geburt seiner Tochter Pia setzte er diese Suche nach einem Vater fort, der versucht, die Zeit anzuhalten und keinen Moment seines neuen Lebens entgehen zu lassen. Marion ist in diesen Alben sowohl als Ehefrau, Mutter und Partnerin allgegenwärtig. Als Dokumentarfotograf hatte Anderson diese persönlichen Fotos nie als echte "Serie" betrachtet, bis der Kriegsfotograf Tim Hetherington zu ihm sagte: "Es geht um die Zeit, die vergeht". Anderson begann, seine persönlichen Bilder in einem neuen Licht zu sehen und glaubte schließlich, dass diese Fotografien sein Lebenswerk seien. Pia, Son und Marion wurden in drei separaten Büchern veröffentlicht und bilden eine einzigartige, zärtliche und intime Familientrilogie.

Christopher Anderson a commencé à photographier sa famille de manière quasiment organique dès la naissance de son fils Atlas en 2008. À la naissance de sa fille Pia il poursuit cette quête d’un père essayant d’arrêter le temps, de ne laisser fuir aucun instant de sa nouvelle vie. Marion est omniprésente dans ces albums à la fois comme femme, mère et partenaire. En tant que photographe documentaire, Anderson n’avait jamais considéré ces photos personnelles comme une véritable « série », jusqu’à ce que le photographe de guerre Tim Hetherington lui dise : « Il s’agit du temps qui passe ». Anderson a commencé à voir ses images personnelles sous un nouveau jour et a fini par penser que ces photographies étaient l’oeuvre de sa vie. Pia, Son et Marion ont été publiés en trois livres distincts, formant une trilogie familiale unique, tendre et intime.

Christopher Anderson ha iniziato a fotografare la sua famiglia quasi organicamente quando è nato suo figlio Atlas nel 2008. Con la nascita di sua figlia Pia, ha continuato questa ricerca di un padre che cerca di fermare il tempo, per non lasciarsi sfuggire nessun momento della sua nuova vita. Marion è onnipresente in questi album come moglie, madre e compagna. Come fotografo documentarista, Anderson non aveva mai considerato queste foto personali come una vera e propria "serie", fino a quando il fotografo di guerra Tim Hetherington gli disse: "Si tratta del passaggio del tempo". Anderson iniziò a vedere le sue immagini personali sotto una nuova luce e arrivò a credere che queste fotografie fossero il lavoro della sua vita. Pia, Son e Marion sono stati pubblicati come tre libri separati, formando una trilogia familiare unica, tenera e intima.

Christopher Anderson naturally began photographing his family after his son Atlas came into the world in 2008. When his daughter Pia was born, he continued the fatherly attempt to stop time and not let a single moment of this new life slip away. Marion features throughout these albums, as a woman, mother, and partner. As a documentary photographer, Christopher Anderson had never considered these personal photos as a ‘series’, but his opinion changed when war photographer Tim Hetherington pointed out that “They’re all about the passage of time.” Christopher Anderson began seeing his family pictures in a new light and realised that they may well be his best work. Pia, Son and Marion were published as three separate books, forming a unique and moving intimate family trilogy.

(Text: L’Appartement, Vevey)

Centre de la photographie Genève
6. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

A phantom ride of the sunda plate
Riar Rizaldi

Ist das Kapital die primitivste Form des Animismus? Das Centre de la photographie Genève präsentiert die erste Einzelausstellung von Riar Rizaldi, einem aufstrebenden indonesischen Künstler und Filmemacher. Seine Arbeit konstruiert Erzählungen, die Fiktion und Realität vermischen und von der Ästhetik des Science-Fiction-Kinos und der zeitgenössischen visuellen Kultur genährt werden. Darin hinterfragt er die Beziehung zwischen Kapital und Technologie aus der Perspektive des Globalen Südens. Die vier für diese Ausstellung ausgewählten Filme Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) und Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022) bieten eine Einführung in ein einzigartiges und fesselndes Universum. Dieses Filmerlebnis ermöglicht es, Indonesien in seiner oft übersehenen oder unterschätzten Position als Wirtschaftsmacht auf dem Weltmarkt neu zu kontextualisieren und lädt uns dazu ein, unsere Beziehung zur Natur zu hinterfragen. Jeder Film stellt eine kurze Erzählung dar, eine theoretische Fiktion, die von der Geschichte und Mythologie Indonesiens inspiriert ist, deren Reichweite sich jedoch schnell erweitert, um die Interaktionen und Implikationen eines globalisierten Systems aufzudecken. Rizaldis Filme kritisieren auf subtile Weise die "Fortschritts"-Mentalität und die daraus resultierenden hemmungslosen, unhaltbaren und zerstörerischen Konsummuster. Sie verbinden Wissenschaft und Magie und laden uns ein, aktuelle soziale, politische und ökologische Fragen zu verstehen, während sie auf poetische Weise die Möglichkeit einer anderen Art des Sehens andeuten.

Kuratiert von: Holly Roussell, Danaé Panchaud und Claus Gunti

Le capital est-il la forme la plus primitive de l’animisme ? Le Centre de la photographie Genève présente la première exposition personnelle de Riar Rizaldi, artiste et cinéaste indonésien émergeant. Son travail construit des récits mêlant fiction et réalité, nourris par l’esthétique du cinéma de science-fiction et par la culture visuelle contemporaine. Il y interroge la relation entre capital et technologie du point de vue du Sud Global. Les quatre films sélectionnés pour cette exposition, Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) et Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022), constituent une introduction à un univers unique et captivant. Cette expérience cinématographique permet de recontextualiser l’Indonésie dans sa position souvent négligée ou sous-estimée de puissance économique sur le marché mondial et nous invite à interroger notre relation à la nature. Chaque film constitue un court récit, une fiction théorique, qui s’inspire de l’histoire et de la mythologie de l’Indonésie, mais dont la portée s’étend rapidement pour révéler les interactions et les implications d’un système globalisé. Les films de Rizaldi critiquent subtilement la mentalité de « progrès » et les modes de consommation effrénés, insoutenables et destructeurs, qui en résultent. Ils articulent la science et la magie - nous invitant à appréhender des questions sociales, politiques et écologiques d’actualité - tout en suggérant poétiquement la possibilité d’une autre manière de voir.

Commissariat : Holly Roussell, Danaé Panchaud et Claus Gunti

Il capitale è la forma più primitiva di animismo? Il Centre de la photographie Genève presenta la prima mostra personale di Riar Rizaldi, artista e regista indonesiano emergente. Il suo lavoro costruisce narrazioni che mescolano finzione e realtà, alimentate dall'estetica del cinema di fantascienza e dalla cultura visiva contemporanea. Esamina il rapporto tra capitale e tecnologia dalla prospettiva del Sud globale. I quattro film selezionati per questa mostra, Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) e Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022), forniscono un'introduzione a un universo unico e accattivante. Questa esperienza cinematografica ricontestualizza l'Indonesia nella sua posizione spesso trascurata o sottovalutata di potenza economica nel mercato globale e ci invita a interrogarci sul nostro rapporto con la natura. Ogni film è una breve narrazione, una finzione teorica che attinge alla storia e alla mitologia indonesiana, ma la cui portata si espande rapidamente per rivelare le interazioni e le implicazioni di un sistema globalizzato. I film di Rizaldi sono sottilmente critici nei confronti della mentalità del "progresso" e dei modelli di consumo sfrenato, insostenibile e distruttivo che ne derivano. Articolano scienza e magia - invitandoci a confrontarci con questioni sociali, politiche ed ecologiche di grande attualità - e suggeriscono poeticamente la possibilità di un altro modo di vedere.

Curatori: Holly Roussell, Danaé Panchaud e Claus Gunti

Is capital the most primitive form of animism? The Centre pour la photographie Genève, presents the first institutionnal solo exhibition of Riar Rizaldi, emerging Indonesian artist and filmmaker. Rizaldi’s work forms narratives between fact and fiction, informed by the aesthetics of sci-fi cinema and contemporary visual culture to address the relationship between capital and technology from the perspective of the Global South. The four films selected for this exhibition, Kasiterit (2019), Tellurian Drama (2020), Becquerel (2021) and Pyroclasts Are Eloquent Storytellers (2022), give an introduction to Rizaldi’s unique and seductive universe — a cinematic experience mixing documentary with fictional elements to re-contextualising Indonesia within its often overlooked or understated position of global market significance and inviting us to meditate upon our relationships to the natural world. Each film is a short narrative, a theoretical fiction, drawing from the history and mythology of Indonesia, but quickly expanding in scope to reveal interactions and implications in the global world system. The work subtly critiques mentalities of “progress” for their resulting unsustainable and destructive loops of consumption. Rizaldi’s films position the scientific in the face of the magical – inviting us to contemplate timely social, political, and ecological issues — all while poetically suggesting the possibility of an alternative way of seeing.

Curated by Holly Roussell, Danaé Panchaud & Claus Gunti

(Text: Centre de la photographie Genève)

Galerie – Librairie Focale | Nyon
17. November 2023 - 25. Februar 2024

Nous avons tous rêvé d’Hollywood
Carlos Leal

In der Stadt der Engel reihen sich Mythen und Fantasien aneinander. Der amerikanische Traum überlebt dank seiner Netflix, Marvels und Disneys. Doch im Schatten der Kinoprojektoren spielt sich ein anderer Film ab, der Film der sozialen Verwahrlosung, der Vernichtung des Individuums und einer unwahrscheinlichen Armut. Eine Geschichte, die bei den Oscars nicht ausgezeichnet werden wird und die uns daran erinnert, dass die Realität manchmal die Fiktion übertrifft.

In Los Angeles gibt es fast 80.000 Obdachlose, von denen die meisten den Verstand verlieren und in die Drogensucht abrutschen. Orte wie "Skid Row", wo∙ das Elend genauso brutal ist wie in einigen Vierteln von Kalkutta. Diese Bürger haben ihre Identität verloren und das System der größten Nation der Welt hat sie buchstäblich vergessen. Dennoch: Handeln sie nicht wie wahre Helden? Bei dem Versuch, α abseits der sternenklaren Boulevards zu überleben, sind sie die Akteure in einem Stück, dessen Kampf beständig, dessen Kostüme einzigartig und dessen Poesie subtil ist. Schauspieler, die ihre Gesichter nicht zeigen, deren Herz aber hinter den Kulissen weiterschlägt.

Ja, wir alle haben von Hollywood geträumt...Aber dieses Szenario hier?

Dans la ville des Anges, les mythes et les fantaisies se succèdent. Le rêve américain survit grâce à ses Netflix, ses Marvels et ses Disney. Mais à l’ombre des projecteurs de cinéma se déroule un autre film, celui de l’abandon social, de l’annihilation de l’individu et d’une invraisemblable pauvreté. Une histoire que l’on ne primera pas aux Oscars et qui nous rappelle que parfois la réalité dépasse la fiction.

Los Angeles, c’est près de 80’000 sans abris dont la plupart perdent la raison et tombent dans la toxicomanie. Des lieux comme «Skid Row» où∙ la misère est tout aussi brutale que dans certains quartiers de Calcutta. Ces citoyens sont en perte d’identité et le système de la plus grande Nation du monde les a littéralement oubliés. Pourtant, n’agissent-ils pas comme de vrais héros ? Tentant de survivre α l’écart des boulevards étoilés, ils sont les acteurs d’une pièce dont le combat est constant, les costumes uniques et la poésie subtile. Des acteurs qui ne montrent pas leurs visages mais dont le coeur continue de battre dans l’envers du décor.

Oui, nous avons tous rêvé d’Hollywood…Mais ce scénario là ?

Nella Città degli Angeli, miti e fantasie si susseguono. Il sogno americano continua a vivere grazie a Netflix, Marvels e Disney. Ma all'ombra dei riflettori cinematografici si sta svolgendo un altro film, quello dell'abbandono sociale, dell'annientamento dell'individuo e dell'incredibile povertà. È una storia che non vincerà nessun Oscar, ma che ci ricorda che a volte la realtà è più della finzione.

A Los Angeles vivono circa 80.000 senzatetto, la maggior parte dei quali perde la testa e cade nella tossicodipendenza. Luoghi come "Skid Row" dove∙ la miseria è brutale come in alcune zone di Calcutta. Questi cittadini stanno perdendo la loro identità e il sistema della più grande nazione del mondo li ha letteralmente dimenticati. Eppure non si comportano da veri eroi? Cercando di sopravvivere lontano dai viali stellati, sono gli attori di una commedia la cui lotta è costante, i cui costumi sono unici e la cui poesia è sottile. Attori che non mostrano il loro volto, ma il cui cuore continua a battere dietro le quinte.

Sì, tutti abbiamo sognato Hollywood... Ma questo scenario?

In the City of Angels, myths and fantasies follow one another. The American dream lives on in Netflix, Marvels and Disney. But in the shadow of the cinema spotlight, another film is unfolding, one of social abandonment, annihilation of the individual and unbelievable poverty. It's a story that won't win any Oscars, but reminds us that reality sometimes surpasses fiction.

Los Angeles is home to some 80,000 homeless people, most of whom lose their minds and fall into drug addiction. Places like "Skid Row" where∙ the misery is just as brutal as in some Calcutta neighborhoods. These citizens are losing their identity, and the system of the world's greatest Nation has literally forgotten them. Yet aren't they acting like true heroes? Trying to survive α the star-studded boulevards, they are the actors in a play whose struggle is constant, whose costumes unique and whose poetry subtle. Actors who don't show their faces, but whose hearts continue to beat behind the scenes.

Yes, we've all dreamed of Hollywood...but this scenario?

(Text: Galerie – Librairie Focale, Nyon)

Kunsthalle Friart | Fribourg
5. November 2023 – 11. Februar 2024

Save as art?
Charlotte Johannesson

Diese Ausstellung folgt auf die jüngsten Retrospektiven der Künstlerin im Museum Reina Sofia in Madrid, den Nottingham Contemporary Galleries und auf ihre Teilnahme an der Biennale Ve­nedig 2022. Sie markiert die Wie­derentdeckung dieser autodidak­tischen Künstlerin, deren Karriere sich hauptsächlich am Rande des offiziellen Kunstsystems abspielte.

Charlotte Johannesson lebt und arbeitet in Skanör, Schweden. Ihr Werk erforscht die Verwandtschaf­ten zwischen der handwerklichen Technik des Webstuhls und der Technologie der Computerpro­grammierung. Nach ihrer Ausbil­dung zur Weberin entwickelte sie ihre künstlerische Textilpraxis in den 1970er Jahren im Zentrum der Counter-Culture-Bewegung in Malmö. 1981 gründete sie zu­sammen mit ihrem Partner Sture Johannesson ein experimentelles Studio für die Produktion digitaler Bilder, das Digital Theatre.

Die Ausstellung in Friart umfasst Werke aus den letzten 50 Jahren: Textilien, Plotterdrucke, digitale Diashows, Gemälde und Spitzen bilden eine Konstellation wieder­kehrender Motive. Die so geschaf­fenen Bilder rufen ihr Engagement in der Staatssatire in Erinnerung, in der Hippiekultur, im Punk, der cyber-culture bis zu einer kos­mischeren Vorstellungswelt. Die radikale Natur ihrer Werke macht sie zu einer Vorläuferin der heuti­gen postfeministischen digitalen Kunst.

Cette exposition fait suite à ses récentes rétrospectives au Musée Reina Sofia de Madrid, à Nottin­gham Contemporary et à sa parti­cipation à la Biennale de Venise de 2022. Elle marque la redécouverte d’une artiste autodidacte dont la carrière s’est déroulée principale­ment en marge du système de l’art officiel.

Charlotte Johannesson vit et travaille à Skanör, en Suède. Son oeuvre explore les affinités entre la technologie artisanale du métier à tisser et la technologie digitale de la programmation informatique. Suite à sa formation de tisse­rande, elle développe sa pratique artistique textile dans les années 1970 au coeur l’environnement contre-culturel de Malmö. En 1981, en compagnie de son partenaire Sture Johannesson, elle met en place un studio expérimental de production d’images digitales, le Digital Theatre (Théâtre digital).

L’exposition à Friart rassemble des oeuvres réalisées ces 50 dernières années: textiles, impressions au plotter, diaporamas digitaux, peintures, dentelles forment une constellation de motifs récur­rents. Les images créées évoquent son engagement dans la satire de l’État, de la culture hippie, au punk, à la cyberculture, vers un imaginaire plus cosmique. La nature radicale de son oeuvre fait d’elle une précurseuse de l’art digital post-féministe actuel.

Questa mostra segue le recenti retrospettive dell'artista al Museo Reina Sofia di Madrid, alla Nottingham Contemporary Galleries e la sua partecipazione alla Biennale di Ve¬nedig del 2022, e segna la riscoperta di questa artista autodidatta la cui carriera si è svolta principalmente ai margini del sistema artistico ufficiale.

Charlotte Johannesson vive e lavora a Skanör, in Svezia. Il suo lavoro esplora il rapporto tra l'artigianato del telaio e la tecnologia della programmazione informatica. Dopo essersi formata come tessitrice, ha sviluppato la sua pratica artistica tessile negli anni Settanta al centro del movimento di controcultura di Malmö. Nel 1981, insieme al suo partner Sture Johannesson, ha fondato uno studio sperimentale per la produzione di immagini digitali, il Digital Theatre.

La mostra a Friart comprende opere degli ultimi 50 anni: Tessuti, stampe con plotter, diapositive digitali, dipinti e pizzi formano una costellazione di motivi ricorrenti. Le immagini così create richiamano il suo coinvolgimento nella satira di stato, nella cultura hippie, nel punk, nella cyber-cultura fino a un immaginario più cosmico. La natura radicale del suo lavoro la rende un precursore dell'odierna arte digitale post-femminista.

This exhibition follows her recent retrospectives at the Reina Sofia Museum in Madrid and at Nottin­gham Contemporary, as well her participation at the 2022 Venice Biennale. It marks the redisco­very of a self-taught artist whose career took place mainly on official art system’s fringes.

Charlotte Johannesson lives and works in Skanör, Sweden. Her work explores the affinities between the craft technology of the loom and the digital technolo­gy of computer programming. Af­ter finishing her studies in applied textiles crafts, she developed her textile artistic practice in the 1970s within Malmö’s counterculture scene. In 1981, with her partner Sture Johannesson, she created an experimental digital arts labo­ratory, the Digital Theatre.

The exhibition at Friart brings together works produced over the last 50 years: textiles, plotter prints, digital slideshows, pain­tings and laces form a constel­lation of recurring patterns. The images created recall her involve­ment in state satire, hippie culture, punk, cyberculture, towards more cosmic visions. The radical nature of her work makes her a precursor to current post-feminist digital art.

(Text: Kunsthalle Friart, Fribourg)

Photo Élysée | Lausanne
3. November 2023 – 25. Februar 2024

Broken Spectre
Richard Mosse

Die Zerstörung des Amazonas-Regenwald und der dadurch bedingte Klimawandel entwickeln sich in einer Art und Weise, die zu massiv ist, um sie wirklich verstehen zu können, zu winzig, um sie zu sehen, und zu normalisiert, um sie wirklich zu begreifen. In einem Versuch, das Ausmass und die Dringlichkeit des weitreichenden drohenden Zusammenbruchs des Amazonas zu veranschaulichen, bedient sich Richard Mosse in seinem bislang spektakulärsten Werk einer schillernden Bandbreite an fotografischen Techniken.

Broken Spectre ist ein immersiver, 74-min-langer Film, der zwischen einer Vielzahl an ökologischen Narrativen wechselt, vom topografischen zum anthropozentrischen und hin zu einer aufmerksamen Auseinandersetzung mit Gewaltung nichtmenschlichem Überleben. Dazu haben Mosse und sein Team über Jahre hinweg die verschiedenen Fronten der Zerstörung, der Degradierung und der Umweltverbrechen im Amazonasbecken und in damit verbundenen Ökosystemen dokumentiert.

Broken Spectre operiert auf mehreren Ebenen : Dunkle, fluoreszierende Aufnahmen beschreiben mit wissenschaftlicher Genauigkeit die ineinandergreifende Komplexität des Amazonas-Bioms, während monochrome Infrarot-Filmszenen den illegalen Bergbau, Abholzung und Brandrodung, industrielle Landwirtschaft sowie Diebstahl von indigenem Land sichtbar machen. Gleichzeitig zeigen Luftaufnahmen mit einer Multispektralkamera riesige Flächen öden Landes, die in Kontrast zum üppigen Regenwald stehen und die gewaltigen Ausmasse und systematische Organisation der Zerstörung des Amazonas-gebiets deutlich machen.

Während der Klimawandel weiterhin unser Zeitalter und die Zukunft unseres Planeten bestimmt, wird Mosse Zeuge einer sich immer schneller anbahnenden Katastrophe : Jüngste wissenschaftliche Studien prognostizieren, dass der Amazonas sich einem Kipppunkt nähert, ab dem er nicht mehr in der Lage sein wird, Regenfälle zu produzieren. Dies hätte ein massives Waldsterben und eine Freisetzung von CO2 in verheerendem Ausmass zur Folge, was sich wiederum auf den Klimawandel, die Artenvielfalt sowie auf lokale und internationale Gemeinschaft auswirken würde. Mosse zeigt die beiden Seiten der Tragödie für die Menschen : von den indigenen Gemeinschaften der Yanomami und Munduruku, die um ihr Überleben kämpfen ; über illegale Goldgräber, die für eine Handvoll Gold ganze Flusssysteme vergiften und zerstören bis hin zu brasilianischen Cowboys, die ihre unberührte Umgebung mutwillig niederbrennen, um Weideflächen für ihre Rinder zu schaffen, die sie dann auf internationalen Fleischund Ledermärkten verkaufen.

Das von 2018 bis 2022 entstandene Werk Broken Spectre wurde im Vorfeld der bedeutenden Parlamentswahlen in Brasilien veröffentlicht, bei denen ein Sieg Jair Bolsonaros die Zerstörung des einzigartigen und unersetzlichen Amazonas-Regenwaldes für immer hätte besiegeln können.

La destruction de la forêt tropicale amazonienne et le changement climatique qui en découle peuvent se manifester de manières tellement diverses qu'ils sont difficiles à saisir, trop subtiles pour être perçus ou tellement normalisés qu’on ne les voit plus. Richard Mosse tente de rendre compte de l’échelle et de l’urgence de l’effondrement massif et imminent de l’Amazonie. Dans le cadre de ce travail, le plus ambitieux de sa carrière, l’artiste mobilise un éventail de techniques d'imagerie impressionnant.

Broken Spectre est un film immersif de 74 minutes qui évolue entre de nombreuses narrations écologiques, du topographique à l’anthropocentrique, et à un examen minutieux de la violence et de la survie non humaine. Richard Mosse et son équipe ont passé des années à documenter différents fronts de dégradation, de destruction et de crimes environnementaux dans le bassin de l’Amazonie et au sein de ses écosystèmes associés.

Broken Spectre se déploie sur plusieurs échelles : l’imagerie microscopique fluorescente décrit d’une manière scientifique détaillée les liens de dépendances complexes entre les espèces du biome (ensemble d’écosystèmes) amazonien, alors que les scènes monochromes en infrarouge suivent les traces des exploitations minières et forestières illégales, des incendies provoqués, de l’agriculture industrielle et de l’activisme des peuples autochtones.

Dans un même temps, des vues du ciel multispectrales rendent compte de manière saisissante de vastes étendues de terre vides qui contrastent avec la forêt luxuriante, montrant ainsi l’échelle considérable et l’organisation systématique de la destruction de l’Amazonie.

Alors que le changement climatique continue de définir notre ère et l’avenir de la planète, Mosse témoigne d’une catastrophe qui se déroule rapidement : de récentes études scientifiques prédisent que l’Amazonie est sur le point d’atteindre un point de basculement, où elle ne pourra plus générer de pluie. Cela déclenchera un dépérissement massif des forêts et la libération de carbone à des niveaux dévastateurs, qui auront une incidence sur les changements climatiques, la biodiversité et les collectivités locales et internationales. Mosse montre les deux côtés humains de la tragédie : des communautés autochtones Yanomami et Munduruku qui luttent pour leur survie, des mineurs d’or illégaux qui empoisonnent et détruisent des systèmes fluviaux entiers pour de minuscules poignées de minerai, aux côtés de cow-boys brésiliens brûlant volontairement la forêt vierge pour créer des pâturages à bovins qu'ils vendront sur les marchés internationaux pour leur viande et leur cuir.

Broken Spectre est un examen sans concession et total, visuel et sonore, de l'une des catastrophes environnementales les plus préoccupantes. Ce cri d’alarme invite les spectateurs à réfléchir à l'impact et à l'ampleur de ce problème mondial.

La distruzione della foresta amazzonica e il cambiamento climatico provocato da questa tendono a dispiegarsi in direzioni che sono sia troppo estese per capire, troppo limitate per sentire e troppo normalizzate per vedere. In un tentativo di tradurre l’entità e l’urgenza della sparizione estensiva ed imminente dell’Amazzonia, l’opera più ambiziosa di Richard Mosse al giorno d’oggi utilizza una gamma affascinante di tecniche fotografiche.

Broken Spectre è un film immersivo di 74 minuti che si muove tra una molteplicità di narrazioni ecologiche, sia topografiche che antropocentriche, e un’osservazione accurata della violenza non umana e della sopravvivenza. Mosse e la sua équipe hanno trascorso anni a documentare varie fonti di distruzione, degrado e reati ambientali nel bacino amazzonico e nei suoi ecosistemi correlati.

Broken Spectre opera su vari livelli : le immagini color inchiostro fluorescenti e microscopiche descrivono la complessità interdipendente del bioma amazzonico nei particolari scientifici, mentre le scene cinematiche monocromatiche ad infrarossi seguono le estrazioni illegali, il disboscamento e gli incendi, l’agricoltura intensiva e l’attivismo indigeno.

Nel frattempo, filmati multispettrali aerei mettono in luce vaste distese di aree vuote contrastanti con la foresta pluviale lussureggiante, mostrando l’entità e l’organizzazione sistematica della distruzione dell’Amazzonia.

Mentre il cambiamento climatico continua a definire la nostra epoca e il futuro del pianeta, Mosse testimonia il rapido evolversi della catastrofe : studi scientifici recenti prevedono che l’Amazzonia sta per raggiungere un punto di non ritorno, in cui non sarà più in grado di generare la pioggia, provocando un deperimento massiccio della foresta e un’emissione di carbonio a livelli devastanti, che incideranno sul cambiamento climatico, la biodiversità, nonché le comunità locali ed internazionali. Mosse dimostra ambedue i lati umani della tragedia : quella delle comunità degli indios Yanomami e Munduruku che lottano per la propria sopravvivenza ; quella dei cercatori illegali di oro che avvelenano e distruggono interi sistemi fluviali per poche manciate di oro, senza dimenticare i cowboys brasiliani che appiccano fuochi dolosi a superfici incontaminate per poterle trasformare in pascoli per il bestiame che venderanno sui mercati internazionali della carne e del cuoio.

Realizzato dal 2018 al 2022, Broken Spectre è pubblicato prima delle elezioni presidenziali in Brasile nel momento in cui una vittoria di Jair Bolsanaro poteva suggellare definitivamente la distruzione della foresta insostituibile dell’Amazzonia.

Devastation in the Amazon rainforest and the climate change it triggers tend to unfold in ways that are too vast to comprehend, too minute to perceive, and too normalised to see. In an attempt to render the scale and urgency of the Amazon’s extensive, impending collapse, Richard Mosse’s most ambitious work to date employs a dazzling array of photographic techniques.

Broken Spectre is an immersive, 74-minute film that shifts between a manifold of ecological narratives, from the topographic to the anthropocentric, and to a careful examination of nonhuman violence and survival. Mosse and his team spent years documenting different fronts of destruction, degradation and environmental crimes in the Amazon Basin and related eco-systems.

Broken Spectre operates on multiple scales : inky, fluorescent microscopic imagery describes the interdependent complexity of the Amazonian biome in scientific detail, while cinematic monochrome infrared scenes track illegal mining, logging and burning, industrial agriculture and indigenous activism.

Meanwhile, airborne multispectral footage starkly renders vast swathes of empty land in contrast to the lush rainforest, showing the vast scale and systematic organisation of the Amazon’s destruction.

As climate change continues to define our era and the future of the planet, Mosse bears witness to a rapidly unfolding catastrophe : recent scientific studies predict that the Amazon is close to reaching a tipping point, at which stage it will no longer be able to generate rain, triggering mass forest dieback and carbon release at devastating levels, impacting climate change, biodiversity, and local and international communities. Mosse shows both human sides of the tragedy : from the Yanomami and Munduruku Indigenous communities fighting for survival ; to illegal gold miners poisoning and destroying entire river systems for tiny handfuls of gold; alongside Brazilian cowboys wilfully burning their pristine surroundings to create pasture for cattle to sell on international meat and leather markets.

Created from 2018 to 2022, Broken Spectre is published ahead of gravely significant general elections in Brazil, in which Jair Bolsanaro’s victory may seal the destruction of the irreplaceable Amazon forever.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
3. November 2023 – 25. Februar 2024

Un lac dans l’œil
Virginie Otth

Virginie Otth (Schweiz, 1971), eine wichtige Figur in der Lausanner Fotoszene, erhielt von Photo Elysée eine Carte Blanche, um dort ihre jüngsten Arbeiten zu zeigen. Diese monografische Ausstellung mit dem Titel Den See im Auge vereint Arbeiten, in denen sich die verschiedenen Schwerpunkte und Fragestellungen, die die Künstlerin seit vielen Jahren antreiben, miteinander verbinden. Sie hinterfragt den Bezug zur fragmentarischen, unvollständigen und immer wieder neu entstehenden Wirklichkeit der Fotografie, zu unserer Betrachtungsweise und unserer Wahrnehmung.

Mit ihren Alltäglichkeiten, einer Art unendlichem Katalog eines unbedeutenden Lebens, beschreibt sie den zentralen Stellenwert, den sie dem Blick auf die Dinge einräumt, die sie weder zu dokumentieren noch zu erklären versucht, sondern mit der ihr eigenen Aufmerksamkeit betrachtet. „Wie können wir dem Banalen, dem Beliebigen und dem Trivialen in der Wiederholung unserer Gesten, unserer Bedürfnisse und der Landschaft entkommen ? Ich stelle die Hypothese auf, dass ein geübter Blick sich aus dem immer Gleichen heraus selbst neu erfinden kann. Um der Abscheu vor den Dingen zu entfliehen, müssen wir neugierig bleiben und den Dingen eine Aufmerksamkeit zukommen lassen, die sie eigentlich gar nicht erfordern“, erklärt die Künstlerin.

In ihrem monumentalen Werk Multiple/Begierden, das Photo ElysΘe erworben hat, beschΣftigt sie sich mit der weiblichen Begierde und deren Vielfältigkeit anhand von Bildern – von unterschiedlicher Grösse, Format und Textur –, welche, mehr oder weniger explizit, einem sich wandelnden, stets subjektiven und nur schwer auf eine einzige, unveränderliche Art und Weise darstellbaren intimen Erleben Ausdruck verleihen. Diese Erforschung unseres Bezugs zur Realität setzt sie in ihren Gärten fort : Die auf Kartonagen unterschiedlicher Grösse gedruckten Bilder, die den Ausstellungsbereich säumen, stellen eine Verbindung zu der sehr konkreten und materiellen Welt der Natur, des Vergänglichen, und sogar der Entbehrung her.

Die Vielfalt der von Virginie Otth eingesetzten Materialien – einschliesslich eines auf einen Spiegel gedruckten Portraits – verdeutlicht auch die Bedeutung des fotografischen Motivs Über ein einfaches Bild hinaus sowie der Stofflichkeit bei unserer Wahrnehmung der Welt : Sehen ist wie

Berühren mit den Augen und bedeutet auch, uns unserer sensiblen Beziehung zur Realität bewusst zu werden. Darüber hinaus zeigt Virginie Otth im Rahmen dieser Ausstellung auch ihren ersten Film, Der Sturm, den sie 2021 mit Marie Taillefer produziert hat.

„Es ist der Versuch, einen Blick mit Anderen zu teilen. Die Frage, wie man jemandem etwas zu sehen gibt. Die Motive sind dabei nicht relevant, aber gleichzeitig von wesentlicher Bedeutung. Alltäglichkeiten des Sees, Küchenutensilien, der Geliebte, die Hände meiner Freund:innen, ein Glas Wasser, eine Wunde. Das Leben im Kleinen, ohne besonderen Glanz, das Fast-Nichts. Dieses Fast-Nichts ist das, was fehlt, wenn, zumindest dem Anschein nach, eigentlich nichts fehlt : Es ist die unerklärliche, irritierende, ironische Unzulänglichkeit einer vollständigen Gesamtheit, der man nichts vorwerfen kann und die uns doch seltsam unbefriedigt und ratlos zurücklässt.“ detailliert Virginie Otth.

Figure importante de la scène photographique lausannoise, Virginie Otth (Suisse, 1971) a reçu une carte blanche par Photo Elysée pour y montrer ses travaux récents. Cette exposition monographique, intitulée Un lac dans l’oeil, réunit des travaux qui mêlent les différents intérêts et les réflexions qui animent l’artiste depuis de nombreuses années, et qui interrogent le rapport au monde fragmentaire, lacunaire, toujours renouvelé qu’offre la photographie, mais aussi notre regard et notre perception.

Avec ses Quotidiennetés, sorte de répertoire infini d’une vie anodine, elle raconte la place centrale qu’elle accorde au regard sur des choses qu’elle ne cherche ni à documenter, ni à expliquer, mais bien plus à voir avec l’attention qui est la sienne. « Comment échapper au banal, à l’aspect quelconque et trivial de la répétition de nos gestes, de nos besoins, du paysage ? J’émets l’hypothèse que le regard, s’il s’exerce, peut s’inventer à partir du sempiternel. Pour échapper au dégoût des choses, je propose une curiosité, une attention renouvelée aux choses qui ne le demandent pas », explique l’artiste.

Dans son oeuvre monumentale Multiple/désirs, acquise par Photo Elysée, elle explore la question du désir féminin et de sa multiplicité à travers des images – de différents formats et textures – qui donnent forme, de manière plus ou moins explicite, à un vécu intime mouvant, toujours subjectif et difficile à représenter de manière unique et stable. Elle poursuit l’exploration de ce rapport au réel avec la série Jardins. Imprimées sur des cartons de différentes tailles qui jalonnent l’espace d’exposition, les images instaurent un lien avec le monde très concret et matériel de la nature, de l’éphémère, voire de la précarité.

La diversité des matériaux utilisés par Virginie Otth – complétée par un portrait imprimé sur miroir – témoigne aussi de l’importance de l’objet photographique (au-delà d’une simple image) et de la matérialité dans la perception du monde : « voir, c’est aussi toucher avec les yeux et prendre acte d’un rapport sensible au réel ». Enfin, Virginie Otth présente dans cette exposition son premier film, L’Orage, réalisé en 2021 avec Marie Taillefer.

« C’est une tentative de partager un regard. Le comment donner à voir. Les sujets sont sans réelle importance, et à la fois essentiels. Les quotidiennetés du lac, des éléments de cuisine, l’amoureux, les mains de mes ami.e.s, un verre d’eau, une plaie. La vie au sens intime et sans éclat particulier, le presque rien. Le presque rien est ce qui manque lorsque, au moins en apparence, il ne manque rien : c’est l’inexplicable, irritante, ironique insuffisance d’une totalité complète à laquelle on ne peut rien reprocher et qui nous laisse curieusement insatisfaits et perplexes » détaille Virginie Otth.

Figura importante della fotografia contemporanea a Losanna, Virginie Otth (Svizzera, 1971) Φ stata data carta bianca da Photo Elysée per mostrare i suoi lavori recenti. Questa mostra monografica intitolata Un lago nell’occhio riunisce opere che combinano i vari interessi e riflessioni che guidano l’artista da molti anni, e si interroga sul rapporto al mondo frammentato, incompleto e costantemente rinnovato, offerto dalla fotografia, ma anche dal nostro sguardo e dalla nostra percezione.

Con Quotidianitα, specie di repertorio infinito di una vita qualunque, racconta la posizione centrale che assegna allo sguardo su cose che non cerca nΘ a documentare, nΘ a spiegare, ma innanzitutto a vedere con l’attenzione che Φ la sua. " Come sfuggire al banale, all’aspetto qualunque e triviale della ripetizione dei nostri gesti, delle nostre necessitα, del paesaggio ? Emetto l’ipotesi che lo sguardo, se viene esercitato, pu≥ inventarsi a partire dalla perennitα. Per sfuggire al disgusto delle cose, propongo una curiositα, un’attenzione rinnovata alle cose che non lo richiedono ", spiega l’artista.

Nella sua opera monumentale Molteplici/desideri, acquistata da Photo ElysΘe, esplora la questione del desiderio femminile e della sua molteplicitα attraverso le immagini – di dimensioni, formati e materie diversi – che danno corpo, in modo pi∙o meno esplicito, ad un vissuto intimo mobile, sempre soggettivo e difficile da rappresentare in modo unico e stabile. Prosegue l’esplorazione di questo rapporto con il reale nella sua serie Giardini : stampate su cartoni di varie dimensioni che costellano lo spazio espositivo, le immagini stabiliscono un legame con il mondo molto concreto e materiale della natura, dell’effimero, persino del precario.

La diversitα dei materiali utilizzati da Virginie Otth – completata da un ritratto stampato su uno specchio – dimostra altres∞ l’importanza dell’oggetto fotografico – oltre a una semplice immagine – e della materialitα nella percezione del mondo : vedere significa anche toccare con gli occhi e prendere atto di un rapporto sensibile con il reale. Infine Virginie Otth presenta in questa mostra il suo primo film, Il temporale, realizzato nel 2021 con Marie Taillefer.

" E’ un tentativo di condividere uno sguardo. Su come dar da vedere. I soggetti sono sia senza reale importanza che essenziali. La quotidianitα del lago, degli armadietti della cucina, l’innamorato, le mani dei miei amici, un bicchiere di acqua, una ferita. La vita nel suo significato intimo e senza fulgore particolare, il quasi nulla. Il quasi nulla Φ ci≥ che manca quando, almeno in apparenza, non manca nulla : Φ l’inspiegabile, irritante, ironica insufficienza di una totalitα completa a cui non si pu≥ rimproverare nulla e che ci lascia stranamente insoddisfatti e perplessi. " dettagli Virginie Otth

An important figure in Lausanne’s contemporary photographic scene, Virginie Otth (Switzerland, 1971) was given carte blanche by Photo Elysée to show her recent work. This solo exhibition brings together works that combine the different interests and reflections that drive the artist, questioning the relationship of photography, as well as our gaze and our perception, to a fragmentary, incomplete and constantly renewing world.

In Everydaynesses, a sort of infinite repertory of an anodyne life, she discusses the centrality she attributes to looking at things that she seeks neither to document nor to explain, rather to see with her own particular focus. "How to escape the banal, the ordinary and trivial side of the repetition of our gestures, of our needs, of the landscape? I put forward the hypothesis that if we train our gaze, it can be sparked by the sempiternal. Rather than being disgusted by things, I suggest that we should be curious, focus renewed attention on things that are not crying out for it" the artist explains.

In her monumental work Multiple/Desirs, acquired by Photo Elysée, she explores the subject of female desire and its multiplicity through images – of different sizes, formats and textures – that give shape, more or less explicitly to a shifting, intimate experience, always subjective and difficult to represent in a unique and stable manner. She continues to explore this relationship with reality in her series Gardens, printed onto different cartons that mark out the exhibition space, the imagesstrike up a connection with very concrete and material world, the ephemeral and precarity.

The diversity of the materials employed by Virginie Otth themselves – rounded off by a portrait printed onto a mirror – is also testament to the importance of the photographic object and of the materiality involved in perceiving the world. Looking also means touching with one’s eyes and of taking cognisance of a sensitive relationship with reality. Last but not least, Virginie Otth is presenting her first film, The Storm, made with Marie Taillefer in 2021, at the exhibition.

"It’s an attempt to share a way of looking. On how to see. The subjects are of no real importance yet are essential. The daily life of the lake, a few utensils, the lover, the hands of friends, a glass of water, a wound. Life in the most intimate sense, without any particular sparkle, the almost-nothing. The almost-nothing is what is lacking when, on the surface at least, nothing is lacking : it is the inexplicable, irritating, ironic inadequacy of a complete totality on which nothing can be blamed and which leaves us curiously dissatisfied and perplexed" details Virginie Otth.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
3. November 2023 – 25. Februar 2024

Photocollage
Deborah Turbeville

Das Werk von Deborah Turbeville (1932–2013) entzieht sich jeder Einordnung. Die USamerikanische Fotografin gehört keiner Schule an. Ihr einzigartiger Stil ist seit ihren Anfängen in den 1970er-Jahren unverkennbar : Ihre betörend schönen Fotografien aus vier Jahrzehnten verströmen eine gewisse Zeitlosigkeit, Melancholie und Verwitterung.

Diese Retrospektive zeigt die fotografischen Erkundungen Turbevilles, deren weiblicher Blick die Modefotografie verändert hat. Zu ihren regelmässigen Auftraggebern gehörten Magazine wie Vogue, Harper’s Bazaar, Nova, Vogue Italia sowie die Marken Comme des Garçons, Guy Laroche und Charles Jourdan.

Ziel der Ausstellung ist es zu zeigen, welch spezifischen Verlauf Tubervilles noch weitestgehend unbekanntes Werk nahm, und welch wichtige Rolle der manuelle Aspekt bei der Herstellung ihrer Bilder spielte. Im Gegensatz zu ihren Zeitgenoss:innen spielte Turbeville ganz bewusst mit ihren Bildern – sie fotokopierte, schnitt und kratzte, heftete Abzüge aneinander, kritzelte Notizen auf die Ränder und schuf so Bildsequenzen, die Geschichten erzählen. Mit besonderem Fokus auf die grosse Vielfalt der handgefertigten Collagen aus vier Jahrzehnten liefert diese Ausstellung eine neue Wertschätzung für Turbevilles Beitrag zur Geschichte der Fotografie.

Basierend auf umfangreichen Recherchen in Deborah Turbevilles Archiv durch Nathalie Herschdorfer in Zusammenarbeit mit MUUS Collection, die Ausstellung enthüllt eine ungewöhnliche künstlerische Praxis, die uns tief in die Materie der Fotografie eintauchen lässt.

Die Ausstellung wird von einer Publikation (Verlag Thames & Hudson, London) begleitet, die beleuchtet, wie Turbeville ab den 1970er Jahren die Modefotografie neu definierte und sich von einer stereotypen Vision der weiblichen Schönheit, wie sie von der damaligen Modeindustrie angewandt wurde, entfernte.

L’oeuvre de Deborah Turbeville (1932-2013) défie toute classification. La photographe américaine n’appartient à aucune école. Sa signature unique est reconnaissable depuis ses débuts dans les années 1970 : une certaine intemporalité, une mélancolie et une patine émanent de ses photographies d’une beauté obsédante, réalisées sur quatre décennies.

Cette rétrospective présente les explorations photographiques de Turbeville, dont le regard féminin a marqué la photographie de mode. Parmi ses clients réguliers, on trouve les magazines Vogue, Harper’s Bazaar, Nova, Vogue Italia, et les marques Comme des Garçons, Guy Laroche et Charles Jourdan.

L’objectif de l’exposition est de montrer comment l’oeuvre de Turbeville, encore essentiellement inconnue, a suivi un parcours très spécifique, affirmant le travail manuel dans la réalisation des images. Contrairement à ses contemporains, Turbeville joue délibérément avec ses images – photocopiant, coupant, grattant et épinglant les tirages ensemble, écrivant des mots dans les marges et créant des séquences narratives. En mettant l’accent sur une grande variété de collages faits à la main tout au long de sa carrière, l’exposition offre une nouvelle appréciation de la contribution de Turbeville à l’histoire de la photographie.

Basée sur des recherches approfondies par Nathalie Herschdorfer en collaboration avec la Collection MUUS dans les archives de Deborah Turbeville, l’exposition révèle une pratique artistique insolite qui nous plonge au coeur de la matière photographique.

L’exposition est accompagnée d’une publication (Editions Thames & Hudson, Londres) qui met en lumière la manière dont Turbeville a redéfini à partir des années 1970 la photographie de mode, s’éloignant d’une vision stéréotypée de la beauté de la femme telle qu’elle était appliquée par l'industrie de la mode de l'époque.

L’opera di Deborah Turbeville (1932-2013) sfida qualsiasi classificazione. La fotografa americana non appartiene a nessuna scuola. La sua firma unica è riconoscibile sin dagli esordi negli anni 1970 : una certa intemporalità, una malinconia e una patina emanano dalle sue fotografie di una bellezza ossessionante, realizzate per quarant’anni.

Questa retrospettiva presenta le esplorazioni fotografiche di Turbeville, il cui sguardo femminile ha trasformato la fotografia di moda. Tra i suoi clienti fedeli, menzioniamo le riviste Vogue, Harper’s Bazaar, Nova, Vogue Italia, e i marchi Comme des Garçons, Guy Laroche e Charles Jourdan.

L’obiettivo della mostra è di mostrare come l’opera di Turbeville, ancora maggiormente sconosciuta, ha seguito un percorso molto specifico con l’affermare la manualità nella realizzazione delle immagini. A differenza dei suoi contemporanei, Turbeville giocava deliberatamente con le proprie immagini, fotocopiando, tagliando, graffiando ed appuntando le stampe insieme, scrivendo parole nei margini e creando sequenze narrative. Nel mettere in luce la grande varietà di collage fatti a mano per ben quarant’anni, la mostra offre un nuovo apprezzamento del contributo di Turbeville alla storia della fotografia.

Basata su ricerche approfondite negli archivi di Deborah Turbeville eseguite da Nathalie Herschdorfer in collaborazione con MUUS Collection, la mostra rivela una pratica artistica insolita che ci immerge nel cuore del materiale fotografico. La mostra è corredata da un libro (Thames & Hudson, Londra) che mette in luce il modo in cui Turbeville ha ridefinito a partire dagli anni 1970 la fotografia di moda, allontanandosi da una visione stereotipata della bellezza femminile come era applicata allora dal'industria della moda dell'epoca.

The work of Deborah Turbeville (1932-2013) defies classification. The American photographer belonged to no school or movement. Her unique visual signature has been recognisable ever since she emerged onto the scene in the 1970s ; a certain timelessness, melancholy and patina emanate from her four decades of haunting photographs.

This retrospective will showcase Turbeville’s photographic explorations, guided by a feminine approach that has transformed fashion photography. Her regular clients include the magazines Vogue, Harper’s Bazaar, Nova and Vogue Italia, and the brands Comme des Garçons, Guy Laroche and Charles Jourdan.

The exhibition aims to show how Turbeville’s work, still largely unknown, has taken a very specific path, underscoring the importance of manual work in the production of images. Unlike her contemporaries, Turbeville deliberately manipulated her images – photocopying, cutting, scratching and pinning her prints together, jotting down words in the margins and creating narrative sequences. By putting the accent on the huge variety of hand-made collages produced over four decades, the exhibition offers a new appreciation of Turbeville’s contribution to the history of photography.

Based on in-depth research into Deborah Turbeville’s archives carried out by Nathalie Herschdorfer in collaboration with MUUS Collection, the exhibition reveals an unusual artistic practice that plunges us into the heart of photographic matter. The exhibition is accompanied by a book (Thames & Hudson, London) that illustrates the way in which Turbeville redefined fashion photography from the 1970s onwards, distancing herself from the stereotypical vision of female beauty espoused by the fashion industry of that period.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Musee des Beaux-Arts Le Locle
13. Oktober 2023 – 25. Februar 2024

ANIMAL INSTINCT / INSTINCT ANIMAL

Das Musee des Beaux-Arts Le Locle (MBAL) freut sich, die Gruppenausstellung animal instinctlinstinct animal zu präsentieren, die dazu einlädt, über unsere Beziehungen mit der Tierwelt sowohl unter dem Gesichtspunkt unserer Identität als auch im Hinblick auf die zeitgenössischen Herausforderungen der Biodiversität nachzudenken. Das Projekt ist Teil der Museumspolitik des MBAL, die sich zum Ziel gesetzt hat, gesellschaftliche Fragen zu stellen, indem sie Meisterwerke aus der ständigen Sammlung und speziell für dieses Projekt auch aus der Sammlung von MUZOO, La Chaux-de­ Fonds, mit zeitgenössischen Kreationen von Gastkünstlern in Dialog treten lässt. Warum laufen Schildkröten, kaum dass sie das Nest verlassen haben, ins Meer und woher wissen Spinnen spontan, wie sie ein Netz weben? Mysteriös, unmerklich und faszinierend: Der tierische Instinkt hat schon immer die Neugier der Künstler geweckt, sowohl in Bezug auf die Darstellung als auch auf die Beziehung zwischen Mensch und Tier.

Was nimmt ein Hund wahr, der durch eine verlassene Fabrik rennt? Wie reagieren Bienen auf Pestizide? Unter welchem Stress stehen Tiere, die das Militär einsetzt? Tiere als Künstler, Philosophen, Opfer und Widerstandskämpfer - die vorgestellten Projekte hinterfragen die verschwommene Grenze zwischen Angeborenem und Erlerntem, Wildem und Domestiziertem, Natur und Kultur, Unterwerfung und Freiheit, Wissenschaft und Fiktion.

Le Musée des Beaux-Arts Le Locle (MBAL) est ravi de présenter l’exposition collective animal instinct / instinct animal, qui invite à réfléchir à nos relations avec le monde animal, tant du point de vue de notre identité que des enjeux contemporains de la biodiversité. Le projet s’inscrit dans la politique muséale du MBAL, qui a pour ambition de questionner les enjeux sociétaux en faisant dialoguer les chefs-d’oeuvre de la collection permanente et pour ce projet celle, également, de MUZOO, La Chaux-de-Fonds, avec les créations contemporaines d’artistes invité·e·x·s. Pourquoi les tortues, à peine sorties du nid, se précipitent-elles vers la mer, et les araignées savent-elles spontanément tisser une toile ? Mystérieux, imperceptible et fascinant, l’instinct animal, attise la curiosité des artistes depuis toujours, tant dans ses aspects de représentation que des relations entre l’être humain avec l’animal.

Que perçoit un chien qui court dans une usine abandonnée ? Comment les abeilles réagissent-elles aux pesticides ? Quel stress habite les animaux utilisés par l’armée ? Animaux artistes, philosophes, victimes ou résistants, les projets présentés interrogent les frontières floues entre l’inné et l’acquis, le sauvage et le domestique, la nature et la culture, la soumission et la liberté, la science et la fiction.

II Musee des Beaux-Arts Le Locle (MBAL) e lieto di presentare la mostra eollettiva animal instinct I instinct animal, ehe invita a riflettere sul proprio rapporto eon il mondo animale, sia dal punto di vista dell'identita ehe delle sfide eontemporanee della biodiversita. II progetto e in linea eon la politiea museale del MBAL, ehe mira a interrogarsi su questioni sociali mettendo insieme eapolavori della eollezione permanente e, per questo progetto, del MUZOO, La Chaux-de-Fonds, eon ereazioni eontemporanee di artistɜ ospitɜ Come mai le tartarughe si precipitano in mare appena lasciano il nido e i ragni tessono spontaneamente la tela? Misterioso, impereettibile e affascinante, l'istinto animale ha sempre suscitato la euriosita dellɜ artistɜ, sia nei suoi aspetti rappresentativi ehe nel rapporto tra esseri umani e animali.

Cosa percepisce un cane ehe corre in una fabbrica abbandonata? Come reagiseono le api ai pesticidi? Che tipo di stress subiscono gli animali utilizzati dall'esercito? Che si tratti di animali artistɜ, filosofɜ, vittime o resistentɜ, i progetti presentati mettono in diseussione i eonfini labili tra innato e aequisito, selvaggio e addomesticato, natura e cultura, sottomissione e liberta, scienza e finzione.

The Museum of Fine Arts Le Locle (MBAL) is pleased to present animal instinct / instinct animal, a group exhibition conceived as an invitation to reflect upon our relation to the animal world, both from the standpoint of our own identity and that of the biodiversity challenges currently at stake. The project is part of MBAL's museal commitment to question societal issues by creating a dialogue between the masterpieces of its permanent collection - as well as those of MUZOO’s collection in La Chauxde-Fonds for this occasion - and the artworks of invited contemporary artists. Why do turtles rush to the sea as soon as they leave their nests, and spiders spontaneously weave webs? Mysterious, imperceptible and fascinating, the animal instinct has always stirred the curiosity of artists, both in its aspects of representation and in the relationship between the human being and the animal.

What does a dog running through an abandoned factory perceive? How do bees react to pesticides? What kind of stress do animals

exploited by the army feel? Animal artists, philosophers, victims and rebels, the projects presented question the blurred boundaries between the innate and the acquired, wilderness and domesticity, nature and culture, submission and freedom, science and fiction.

(Text: Musee des Beaux-Arts Le Locle)

Centre de la photographie Genève
13. September - 19. November 2023

Soleil of Persian Square
Hannah Darabi

Die Ausstellung von Hannah Darabi vereint zwei Projekte der Künstlerin über die visuelle Kultur, die mit dem Iran verbunden ist. Soleil of Persian Square ist eine Recherche über die visuelle Identität des Lebensstils der iranischen Diaspora in Los Angeles. Sie versucht, dieser fiktiven Stadt mit dem Namen "Tehrangeles" ein Gesicht zu geben, die die Künstlerin durch Bilder entdeckte, die sie in ihren Teenagerjahren mit populärer Musik in Verbindung brachte. Das Projekt verknüpft gewöhnliche Landschaften von Los Angeles und Orange County, Porträts ihrer Bewohner und Objekte aus der Populärkultur, wie Kassettencover, Songtexte, Musikvideos aus den 1980er und 1990er Jahren oder Seiten aus Jahrbüchern, die den Aktivitäten dieser Diaspora gewidmet sind. Soleil of Persian Square bezeichnet nicht nur eine Reise vom realen in den imaginären Raum, sondern auch eine in der Populärkultur verkörperte Lebens- und Denkweise, die sich heute gegen die moralischen Werte des derzeitigen iranischen Regimes positioniert. Haut Bas Fragile untersucht die Möglichkeit, die Stadt Teheran abzubilden, die sich lange Zeit dem fotografischen Bild widersetzt hat. Die Bilder sind weder Dokumente, die das Scheitern der städtebaulichen Moderne illustrieren, noch visuelle Konventionen für eine malerische oder exotische Bildsprache, sondern verweisen auf eine Ästhetik des Gewöhnlichen und Alltäglichen. Das Projekt besteht aus mehreren Schichten und soll ein alternatives Bild von Teheran, seiner sichtbarsten und deshalb auch ignorierten Seite, vermitteln, indem es Mikrogeschichten der gewöhnlichen Stadt herstellt.

L’exposition d’Hannah Darabi regroupe deux projets de l’artiste sur la culture visuelle liée à l’Iran. Soleil of Persian Square est une recherche sur l’identité visuelle du style de vie de la diaspora iranienne à Los Angeles. Elle tente de donner un visage à cette ville fictionnelle qui a pour nom «Tehrangeles», que l’artiste a découverte à travers des images associées à la musique populaire dans ses années d’adolescence. Le projet tisse des liens entre des paysages ordinaires de Los Angeles et d’Orange County, des portraits de ses habitants, et des objets issus de la culture populaire, tels que des pochettes de cassettes, des paroles de chansons, des clips musicaux des années 1980 et 1990, ou encore des pages d’annuaires consacrés aux activités de cette diaspora. Soleil of Persian Square ne désigne pas seulement un voyage de l’espace réel à celui de l’imaginaire, mais aussi un mode de vie et une façon de penser incarnés dans la culture populaire, qui se positionne aujourd’hui contre les valeurs morales du régime iranien actuel. Haut Bas Fragile investigue la possibilité de représenter la ville de Téhéran, laquelle a longtemps résisté à l’image photographique. Ces images ne constituent pas des documents susceptibles d’illustrer l’échec d’une modernité urbanistique ni des conventions visuelles en vue d’une imagerie pittoresque ou exotique, mais renvoient à une esthétique de l’ordinaire et du commun. Composé de multiples couches, ce projet entend proposer une image alternative de Téhéran, sa face la plus visible, et pour cela même ignorée, en fabriquant des microhistoires de la ville ordinaire.

La mostra di Hannah Darabi riunisce due progetti dell'artista sulla cultura visiva iraniana. Soleil of Persian Square è un'indagine sull'identità visiva dello stile di vita della diaspora iraniana a Los Angeles. Cerca di dare un volto a questa città fittizia chiamata "Tehrangeles", che l'artista ha scoperto attraverso immagini associate alla musica popolare durante la sua adolescenza. Il progetto intreccia paesaggi ordinari di Los Angeles e Orange County, ritratti dei suoi abitanti e oggetti della cultura popolare, come custodie di cassette, testi di canzoni, video musicali degli anni '80 e '90 e pagine di elenchi dedicati alle attività di questa diaspora. Soleil of Persian Square non si riferisce solo a un viaggio dallo spazio reale a quello immaginario, ma anche a un modo di vivere e di pensare incarnato dalla cultura popolare, che oggi si oppone ai valori morali dell'attuale regime iraniano. Haut Bas Fragile indaga la possibilità di rappresentare la città di Teheran, che da tempo resiste all'immagine fotografica. Queste immagini non sono documenti che illustrano il fallimento della modernità urbana, né convenzioni visive per immagini pittoresche o esotiche, ma riflettono un'estetica dell'ordinario e del luogo comune. Composto da più livelli, questo progetto mira a offrire un'immagine alternativa di Teheran, il suo lato più visibile, e proprio per questo ignorato, producendo microstorie della città ordinaria.

Hannah Darabi’s exhibition brings together two of the artist’s projects on visual culture related to Iran. Soleil of Persian Square is an investigation into the visual identity of the Iranian diaspora’s lifestyle in Los Angeles. It attempts to give a face to the fictional city called ‘Tehrangeles’, which the artist discovered through images associated with popular music in her teenage years. The project weaves together ordinary landscapes of Los Angeles and Orange County, portraits of its inhabitants, and popular culture productions such as cassette sleeves, song lyrics, music videos from the 1980s and 1990s, and pages from directories featuring the activities of this diaspora. Soleil of Persian Square is not only a journey from real to imaginary space, but also a way of life and a way of thinking embodied in popular culture, which today is positioned against the moral values of the current Iranian regime. Haut Bas Fragile investigates the possibility of representing the city of Tehran, which has long resisted the photographic image. These images are not documents of the failings of urban modernity, nor are they visual conventions for picturesque or exotic imagery: they refer to an aesthetic of the ordinary and the common. Composed of multiple layers, this project intends to offer an alternative image of Tehran, showing its most visible, and for that very reason often ignored side, by fabricating micro-histories of the ordinary city.

(Text: Danaé Panchaud, Centre de la photographie Genève)

Gowen Gallery | Genève
13. September - 11. November 2023

Kafila
M'hammed Kilito

GOWEN freut sich, Kafila zu präsentieren, eine Einzelausstellung des renommierten marokkanischen Dokumentarfotografen M'hammed Kilito. Dies ist die allererste Präsentation von M'hammeds Arbeit in der Galerie und umfasst noch nie veröffentlichte Bilder aus seiner mehrfach preisgekrönten, fortlaufenden vergleichenden Studie über die Ökosysteme der Oasen. Der 1981 in Lviv (Ukraine) geborene M'hammed Kilito ist eine wichtige Persönlichkeit im Bereich der internationalen Dokumentarfotografie. Während seiner gesamten Laufbahn hat er nicht nur ein starkes künstlerisches Engagement gezeigt, sondern auch humanitäre, soziale und ökologische Gesichtspunkte berücksichtigt. Er hat die höchsten Auszeichnungen im Fotojournalismus erhalten. Er ist National Geographic Explorer, Stipendiat der Magnum Foundation, World Press Photo-Gewinner, Prince Claus Fund- und AFAC-Stipendiat.

Kafila, was auf Arabisch "Karawane" bedeutet, bringt die komplexen und mehrdimensionalen Probleme der Oasendegradation und ihre Auswirkungen auf die Traditionen und Lebensgrundlagen der lokalen Bevölkerung ans Licht. Die Ausstellung umfasst die WANA-Region (Westasien und Nordafrika) und zeigt Bilder aus M'hammed Kilitos Heimatland Marokko, die in Before it's gone dokumentiert sind, sowie Arbeiten aus seiner jüngsten Serie mit dem Titel Untold tales, einer Fortsetzung des umfassenderen Projekts, die sich speziell auf seine Fotografien der Wüstenoase AlUla in Saudi-Arabien bezieht.

M'hammed Kilito ist Zeuge einer Welt, die sich im Umbruch befindet, und befasst sich insbesondere mit den Bemühungen, die Wüstenoasen zu erhalten, zu verbessern und nachhaltig zu entwickeln, wobei er versucht, die Geschichten ihrer Gemeinschaften als Akteure oder Vermittler des Wandels darzustellen. Als stiller und neugieriger Beobachter zeichnet er die Begegnungen und Entdeckungen seiner zahlreichen Erkundungen in seinen Fotografien nach und fängt authentische Eindrücke dieser Orte und ihrer einzigartigen Gesellschaften, ihrer vielfältigen Besonderheiten, ihres reichen Erbes und ihrer reichhaltigen Ressourcen ein.

" In den letzten Jahren habe ich viele Oasen besucht, wo ich enge Kontakte zu ihren Bewohnern knüpfen konnte. So konnte ich diese reiche Umwelt, aber auch ihre krassen Realitäten verstehen. Mir wurde klar, dass Wüstenbildung, wiederkehrende Dürren und Brände, veränderte landwirtschaftliche Praktiken, Raubbau an den natürlichen Ressourcen, Landflucht und das starke Absinken des Grundwasserspiegels allesamt unmittelbare Bedrohungen für die Existenz der Oasen sind. Mein Ziel ist es, auf diese vielfältigen Probleme aufmerksam zu machen, über die in den Medien kaum berichtet wird und die der breiten Öffentlichkeit weitgehend unbekannt sind. " - M'hammed Kilito

Oasen sind ein ökologischer Stützpfeiler gegen die Wüstenbildung und ein wichtiger Indikator für die Gesundheit des Klimas. Sie sind ein Zufluchtsort für die biologische Vielfalt und bilden ein ursprüngliches Ökosystem, das auf dem Gleichgewicht dreier Elemente beruht: dem Wasserreichtum, der Bodenqualität und dem Vorkommen von Dattelpalmen. Diese einheimischen Bäume mit ihren schirmförmigen Blättern schaffen ein feuchtes Mikroklima, das Schutz vor Wind bietet und das Wachstum anderer Pflanzen begünstigt, die für den Zustand der Oase von grundlegender Bedeutung sind.

In einer Zeit, in der die Warnungen vor den Auswirkungen der globalen Erwärmung und der menschlichen Eingriffe in die Oasen immer dringlicher werden, dokumentieren Kilitos wahrhaftige, stimmungsvolle und mahnende Fotografien die sich verändernde Existenz dieser natürlichen Zufluchtsorte. In seinen neuesten Arbeiten, die im Rahmen des Oasis Reborn Residency Programms entstanden sind, versucht er, die Schönheit von AlUla mit alternativen Darstellungen zu den idealisierten Bildern von alten, erhaltenen Gräbern, Sandsteinfelsen und Canyons, die routinemäßig in der Öffentlichkeit verbreitet werden, aufzuzeichnen und weiterzugeben. Er arbeitet auf einer zeitlichen Achse, die die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der Oasenstadt umfasst, und möchte die Wahrnehmung ihres materiellen und immateriellen Erbes, Reflexionen über die laufenden gesellschaftlichen, kulturellen und wirtschaftlichen Veränderungen und Hoffnungen für die Zukunft, die bald durch den Bau neuer architektonischer Megaprojekte definiert werden könnte, einfangen.

Durch das Prisma verschiedener Themen, die von Saisonarbeit bis hin zu verlassenen Orten, Stadtvierteln, archäologischen Überresten, Bauernhöfen und Luxushotels reichen, vereint M'hammed Kilito verschiedene Facetten der AIUIa und präsentiert sie als eine umfassende und eindringliche Erzählung.

Kafila will zeigen, dass es Bewohner, Bauern, Wissenschaftler und Bürgerinitiativen vor Ort gibt, "die für den Erhalt dieser grünen Inseln inmitten der Wüste kämpfen, und dieses Projekt mit einer Botschaft der Hoffnung beenden. "

Die Ausstellung umfasst rund zwanzig Werke.

GOWEN a le plaisir de présenter Kafila, une exposition personnelle du célèbre photographe documentaire marocain M'hammed Kilito. Il s'agit de la toute première présentation du travail de M'hammed à la galerie et elle comprend des images inédites de son étude comparative permanente sur les écosystèmes des oasis, qui a été récompensée à plusieurs reprises. Né en 1981 à Lviv, en Ukraine, M'hammed Kilito est une figure majeure de la photographie documentaire internationale. Tout au long de sa carrière, il a produit des œuvres fondées non seulement sur un engagement artistique fort, mais aussi, et surtout, sur des considérations humanitaires, sociales et environnementales. Il a reçu les plus hautes distinctions en matière de photojournalisme. Il est explorateur du National Geographic, boursier de la Fondation Magnum, lauréat du World Press Photo, boursier de la Prince Claus Fund et de l'AFAC.

Kafila, qui signifie "caravane" en arabe, met en lumière les questions complexes et multidimensionnelles de la dégradation des oasis et de son impact sur les traditions et les moyens de subsistance de la population locale. L'exposition, qui couvre la région WANA (Asie occidentale et Afrique du Nord), comprend des images prises au Maroc, pays d'origine de M'hammed Kilito, documentées dans Before it's gone, ainsi que des œuvres de sa récente série, intitulée Untold tales (Histoires inédites), une continuation du projet plus large qui se réfère spécifiquement à ses photographies de l'oasis du désert d'AlUla en Arabie saoudite.

Témoin d'un monde sur le point de se transformer, M'hammed Kilito s'intéresse particulièrement aux efforts de préservation, d'amélioration et de développement durable des oasis du désert, cherchant à dépeindre les histoires de leurs communautés en tant qu'acteurs ou arbitres du changement. Observateur silencieux et curieux, il retrace à travers ses photographies les rencontres et les découvertes de ses explorations cumulées, capturant des impressions authentiques de ces sites et de leurs sociétés singulières, de leurs spécificités multiples, de leur riche patrimoine et de leurs ressources abondantes.

" Au cours des dernières années, j'ai visité de nombreuses oasis, où j'ai noué des liens étroits avec leurs habitants. J'ai pu comprendre la richesse de cet environnement, mais aussi ses réalités criantes. Je me suis rendu compte que la désertification, les sécheresses et incendies récurrents, les changements de pratiques agricoles, la surexploitation des ressources naturelles, l'exode rural et la forte baisse de la nappe phréatique sont autant de menaces imminentes pour l'existence des oasis. Mon objectif est de mettre en lumière ces multiples préoccupations rarement couvertes par les médias et largement méconnues du grand public. "M'hammed Kilito

Pilier écologique contre la désertification et marqueur critique de la santé du climat, les oasis sont un refuge pour la biodiversité, constituant un écosystème original basé sur l'équilibre de trois éléments : l'abondance de l'eau, la qualité du sol et la présence de palmiers dattiers. Ces arbres indigènes, avec leur feuillage en forme de parasol, créent un microclimat humide qui protège du vent et favorise la croissance d'autres plantes essentielles à l'état de l'oasis.

Alors que les avertissements sur les effets du réchauffement climatique et de l'intervention humaine sur les oasis se font de plus en plus pressants, les photographies véridiques, évocatrices et prudentes de Kilito documentent l'existence évolutive de ces havres de paix naturels. Dans ses derniers travaux, réalisés dans le cadre du programme de résidence Oasis Reborn, il cherche à enregistrer et à relayer la beauté d'AlUla avec des représentations alternatives aux images idéalisées de tombes anciennes et préservées, d'affleurements de grès et de canyons couramment diffusées dans le domaine public. Travaillant sur un axe temporel qui englobe le passé, le présent et l'avenir de la ville-oasis, il entend capturer les perceptions de son patrimoine matériel et immatériel, les réflexions sur ses transformations sociétales, culturelles et économiques en cours, et les aspirations pour l'avenir qui pourrait bientôt être défini par la construction de nouveaux mégaprojets architecturaux.

À travers le prisme de sujets divers, allant du travail saisonnier aux lieux abandonnés, en passant par les quartiers urbains, les vestiges archéologiques, les fermes et les hôtels de luxe, M'hammed Kilito réunit plusieurs facettes de l'AIUIa, les présentant comme un récit complet et immersif.

Kafila veut montrer qu'il y a sur le terrain des habitants, des agriculteurs, des scientifiques, des associations citoyennes " qui se battent pour préserver ces îlots de verdure au milieu du désert et terminer ce projet par un message d'espoir. "

Une vingtaine d'œuvres sont présentées dans l'exposition.

GOWEN è lieta di presentare Kafila, una mostra personale dell'acclamato fotografo documentarista marocchino M'hammed Kilito. Questa è la prima presentazione del lavoro di M'hammed alla galleria e comprende immagini mai pubblicate del suo pluripremiato studio comparativo sugli ecosistemi delle oasi. Nato nel 1981 a Leopoli, in Ucraina, M'hammed Kilito è una figura di spicco nel campo della fotografia documentaria internazionale. Nel corso della sua carriera, ha prodotto lavori basati non solo su un forte impegno artistico ma, soprattutto, da un punto di vista umanitario, sociale e ambientale. Ha ottenuto i più alti riconoscimenti nel campo del fotogiornalismo. È un National Geographic Explorer, un borsista della Magnum Foundation, un vincitore del World Press Photo, un borsista del Prince Claus Fund e dell'AFAC.

Kafila, che in arabo significa "carovana", porta alla ribalta le complesse e multidimensionali questioni del degrado delle oasi e del loro impatto sulle tradizioni e sui mezzi di sussistenza della popolazione locale. La mostra, che abbraccia la regione WANA (West Asia and North Africa), comprende immagini scattate nel paese d'origine di M'hammed Kilito, il Marocco, documentate in Before it's gone, e opere della sua recente serie, intitolata Untold tales, una continuazione del progetto più ampio che si riferisce specificamente alle sue fotografie dell'oasi del deserto di AlUla in Arabia Saudita.

Testimone di un mondo in via di trasformazione, M'hammed Kilito è particolarmente interessato agli sforzi per preservare, valorizzare e sviluppare in modo sostenibile le oasi del deserto, cercando di ritrarre le storie delle loro comunità come attori o arbitri del cambiamento. Osservatore silenzioso e curioso, ripercorre gli incontri e le scoperte delle sue esplorazioni accumulate attraverso le sue fotografie, catturando impressioni autentiche di questi siti e delle loro società singolari, delle loro molteplici specificità, del loro ricco patrimonio e delle loro abbondanti risorse.

" Negli ultimi anni ho visitato molte oasi, dove ho stretto forti legami con i loro abitanti. Ho potuto comprendere questo ambiente ricco, ma anche le sue realtà più evidenti. Mi sono reso conto che la desertificazione, le siccità e gli incendi ricorrenti, i cambiamenti nelle pratiche agricole, lo sfruttamento eccessivo delle risorse naturali, l'esodo rurale e il forte abbassamento delle falde acquifere sono tutte minacce imminenti per l'esistenza delle oasi. Il mio obiettivo è quello di evidenziare queste molteplici preoccupazioni raramente trattate dai media e in gran parte sconosciute al grande pubblico. " - M'hammed Kilito

Pilastro ecologico contro la desertificazione e indicatore critico per la salute del clima, le oasi sono un rifugio per la biodiversità, costituendo un ecosistema originale basato sull'equilibrio di tre elementi: l'abbondanza di acqua, la qualità del suolo e la presenza di palme da dattero. Questi alberi autoctoni, con il loro fogliame a forma di ombrello, creano un microclima umido, fornendo protezione dal vento e favorendo la crescita di altre piante fondamentali per il suo stato.

Mentre gli avvertimenti sugli effetti del riscaldamento globale e dell'intervento umano sulle oasi si fanno sempre più urgenti, le fotografie di Kilito, veraci, evocative e ammonitrici, documentano l'esistenza in evoluzione di questi paradisi naturali. Nei suoi ultimi lavori, sviluppati durante il programma di residenza Oasis Reborn, cerca di registrare e trasmettere la bellezza di AlUla con rappresentazioni alternative alle immagini idealizzate di antiche tombe conservate, affioramenti di arenaria e canyon abitualmente diffuse nel pubblico dominio. Lavorando su un asse temporale che comprende il passato, il presente e il futuro della città-oasi, l'artista intende catturare le percezioni del suo patrimonio materiale e immateriale, le riflessioni sulle trasformazioni sociali, culturali ed economiche in corso e le aspirazioni per il futuro che potrebbe presto essere definito attraverso la costruzione di nuovi megaprogetti architettonici.

Attraverso il prisma di soggetti diversi, che vanno dal lavoro stagionale ai luoghi abbandonati, ai quartieri urbani, ai resti archeologici, alle fattorie e agli hotel di lusso, M'hammed Kilito unisce diverse sfaccettature di AIUIa, presentandole come una narrazione completa e coinvolgente.

Kafila vuole dimostrare che sul campo ci sono abitanti, agricoltori, scienziati e associazioni di cittadini "che lottano per preservare queste isole di verde in mezzo al deserto e concludere questo progetto con un messaggio di speranza". "

La mostra comprende una ventina di opere.

GOWEN is delighted to present Kafila, a solo exhibition by acclaimed Moroccan documentary photographer M’hammed Kilito. This is the very first presentation of M’hammed’s work at the gallery and includes never-before-published images from his multi-award winning, ongoing comparative study on the ecosystems of oases. Born in 1981 in Lviv, Ukraine, M’hammed Kilito is a major figure in the field of international documentary photography. Throughout his career, he has produced work not only based on a strong artistic commitment but, crucially, from a humanitarian, social and environmental standpoint. He has won the highest honours in photojournalism. He is a National Geographic Explorer, a Magnum Foundation grantee, a World Press Photo winner, a Prince Claus Fund and AFAC Grantee.

Kafila, meaning ‘caravan’ in Arabic, brings to the fore the complex and multidimensional issues of oasis degradation and its impact on the traditions and livelihoods of the local population. Encompassing the WANA (West Asia and North Africa) region, the exhibition includes images taken in M’hammed Kilito’s home country of Morocco, documented in Before it’s gone, as well as works from his recent series, entitled Untold tales, a continuation of the broader project which specifically refers to his photographs of the AlUla desert oasis in Saudi Arabia.

Witnessing a world on the verge of transformation, M’hammed Kilito is particularly concerned with the efforts to preserve, enhance, and sustainably develop its deserts’ oases, seeking to portray the stories of their communities as actors or arbiters of change. A silent and inquisitive observer, he retraces the encounters and discoveries of his accumulative explorations through his photographs, capturing authentic impressions of these sites and their singular societies, manifold specificities, rich heritage, and abundant resources.

« Over the past few years, I have visited many oases, where I have made strong connections with their inhabitants. I was able to understand this rich environment but also its glaring realities. I realized that desertification, recurrent droughts and fires, changes in agricultural practices, overexploitation of natural resources, rural exodus and the sharp drop in the water table are all imminent threats to the existence of oases. My aim is to highlight these multiple concerns rarely covered by the media and largely unknown to the general public. » - M’hammed Kilito

An ecological mainstay against desertification and critical marker for climate health, oases are a refuge for biodiversity, constituting an original ecosystem based on the balance of three elements: the abundance of water, soil quality and the presence of date palms. These indigenous trees, with their parasol-shaped foliage, create a humid microclimate, providing protection from the wind and favouring other plant growth fundamental to its state.

As warnings on the effects of global warming and human intervention on oases gain urgency, Kilito’s veracious, evocative, and cautioning photographs document the evolving existence of these natural havens. In his latest works, developed during the Oasis Reborn Residency program, he seeks to record and relay the beauty of AlUla with alternative representations to those idealised images of ancient, preserved tombs, sandstone outcrops and canyons routinely diffused into the public domain. Working on a temporal axis that encompasses the oasis-city’s past, present, and future, he intends to capture perceptions of its material and immaterial heritage, reflections on its ongoing societal, cultural, and economic transformations, and aspirations for the future that may soon be defined through the construction of new architectural megaprojects.

Through the prism of diverse subjects, ranging from seasonal work to abandoned locations, urban neighbourhoods, archaeological remains, farms, and luxury hotels, M’hammed Kilito unites several facets of AIUIa, presenting them as a comprehensive and immersive narrative.

Kafila aims to show that there are inhabitants, farmers, scientists, and citizen associations on the ground « who are fighting to preserve these islands of greenery in the middle of the desert and to end this project with a message of hope. »

Around twenty works are included in the exhibition.

(Text: Gowen Gallery, Genève)

Galerie Focale | Nyon
25. August - 5. November 2023

Promise me a Land
Clément Chapillon

"Promise me a Land" ist ein persönliches Zeugnis, das einen neuen Blick auf das israelisch-palästinensische Mosaik und seine Wurzeln wirft und sich mit dem Begriff des Territoriums auseinandersetzt.

Nach 70 Jahren Konflikt und mehr als einem Jahrhundert erzwungener oder gewollter Koexistenz fühlen sich die Menschen, die auf dem Gebiet Israel/Palästina leben, noch stärker mit diesem verbunden. Welche Spuren hat dieses Land in ihrer Identität hinterlassen? Welche Hoffnung, welche Vorstellungswelt, welches Versprechen? Mit "Promise me a Land" legt Clément Chapillon eine fotografische Erzählung vor, die diese Verbundenheit fernab von Klischees und Ideologien erforscht. Eine sensible dokumentarische Arbeit, die durch eine subtile Anordnung von Worten, Porträts und Landschaften die Individualität in den Mittelpunkt seiner Erzählung stellt.

"Israel/Palästina: Zwei Völker für ein Land. Clément Chapillon hatte den Mut und die Kraft, diese Formel, die von den politischen Herausforderungen missbraucht und bis auf die Knochen abgenutzt wurde, ernst zu nehmen, indem er uns auf das Wesentliche zurückführte: das Land. In einer schillernden Fotoreportage zeigt er uns, wie alle, die dort leben - jüdische und arabische Israelis, Palästinenser und Drusen - ihre Kraft daraus schöpfen. Seine Fotos, die vor allem eine große metaphysische Tiefe aufweisen, lassen uns in dieses Gebiet eindringen, das seine eigene Seele hat. Eine Seele, die in seine trockenen Hügel, seine leuchtenden Wüsten, seine Salz-, Meeres- oder Seewasserflächen und vor allem in seine Täler eingeschrieben ist, in denen jahrtausendealte Sträucher als stumme Zeugen einer vormenschlichen Essenz aufragen. Eine farbige Seele, die sich in diesem weißen Stein, dem blauen Himmel, der strahlenden Sonne und der ockerfarbenen Erde ablesen lässt. Diese Erde ist auch ein Palimpsest aller Zivilisationen, die sie bevölkert haben, und aller Kriege, die sie durchzogen haben. Sie trägt die Stigmata der Zeit, der Epochen und der Zyklen, die einander ablösen, in sich".

« Promise me a Land » est un témoignage personnel qui pose un nouveau regard sur la mosaïque Israélo-Palestinienne et ses racines, investissant la notion de territoire.

Après 70 ans de conflits et plus d’un siècle de coexistence forcée ou voulue, ceux qui vivent sur le territoire Israël/Palestine sont encore davantage attachés à lui. Quelle empreinte cette terre a-t-elle laissée sur leur identité ? Quel espoir, quel imaginaire, quelle promesse ? Avec « Promise me a Land », Clément Chapillon propose un récit photographique qui explore cet attachement, loin des clichés et des idéologies. Un travail documentaire sensible qui place les individualités au coeur de sa narration grâce à un subtil agencement de mots, portraits et paysages.

« Israël/Palestine : deux peuples pour une seule terre. Cette formule, malmenée par les enjeux politiques et usée à l’os, Clément Chapillon a eu le courage et la force de la prendre au sérieux en nous ramenant à son essentiel : la terre. Dans un reportage photographique éblouissant, il nous montre comment tous ceux qui y vivent, Israéliens juifs et arabes, Palestiniens et Druzes y puisent leurs forces. Ses photos, avant tout porteuses d’une grande profondeur métaphysique, nous font pénétrer dans ce territoire qui a sa propre âme. Une âme inscrite dans ses collines sèches, ses déserts lumineux, ses surfaces d’eau salée, maritime ou lacustre, et surtout dans ses vallées où des arbustes millénaires se dressent comme témoins silencieux d’une essence préhumaine. Une âme colorée qui se lit dans cette pierre blanche, ce ciel bleu, ce soleil irradiant et cette terre ocre. Cette terre est aussi un palimpseste de toutes les civilisations qui l’ont peuplée et de toutes les guerres qui l’ont traversée. Elle porte en elle les stigmates du temps, des époques et des cycles qui se succèdent. »

"Promettimi una terra" è un racconto personale che getta uno sguardo nuovo sul mosaico israelo-palestinese e sulle sue radici, esplorando la nozione di territorio.

Dopo 70 anni di conflitto e più di un secolo di coesistenza forzata o voluta, coloro che vivono nella terra di Israele/Palestina vi sono ancora più legati. Quale impronta ha lasciato questa terra sulla loro identità? Quale speranza, quale immaginazione, quale promessa? Con "Promettimi una terra", Clément Chapillon offre una narrazione fotografica che esplora questo attaccamento, lontano da cliché e ideologie. È un documentario sensibile che pone gli individui al centro della sua narrazione attraverso una sottile combinazione di parole, ritratti e paesaggi.

"Israele/Palestina: due popoli per una sola terra. Clément Chapillon ha avuto il coraggio e la forza di prendere sul serio questa formula, riportandoci alla sua essenza: la terra. In un folgorante reportage fotografico, ci mostra come tutti coloro che vi abitano, ebrei e arabi israeliani, palestinesi e drusi, traggano da essa la loro forza. Le sue fotografie, che sono soprattutto intrise di una grande profondità metafisica, ci portano in questa terra che ha un'anima propria. Un'anima inscritta nelle sue colline aride, nei suoi deserti luminosi, nelle sue superfici di acqua salata, marina o lacustre, e soprattutto nelle sue valli dove arbusti millenari si ergono come testimoni silenziosi di un'essenza pre-umana. Un'anima colorata che si legge nella pietra bianca, nel cielo azzurro, nel sole radioso e nella terra ocra. Questa terra è anche un palinsesto di tutte le civiltà che l'hanno abitata e di tutte le guerre che l'hanno attraversata. Porta le cicatrici del tempo, delle epoche e dei cicli successivi.

"Promise me a Land" is a personal testimony that takes a fresh look at the Israeli-Palestinian mosaic and its roots, investing the notion of territory.

After 70 years of conflict and more than a century of forced or desired coexistence, those who live on the Israel/Palestine territory are even more attached to it. What imprint has this land left on their identity? What hope, what imagination, what promise? With "Promise me a Land", Clément Chapillon offers a photographic narrative that explores this attachment, far from clichés and ideologies. A sensitive documentary work that places individuals at the heart of its narrative, thanks to a subtle combination of words, portraits and landscapes.

"Israel/Palestine: two peoples for one land. Clément Chapillon has the courage and strength to take this formula seriously, bringing us back to its essence: the land. In a dazzling photographic report, he shows us how all those who live there - Jewish and Arab Israelis, Palestinians and Druze - draw their strength from it. His photos, above all those of great metaphysical depth, take us into a land with a soul of its own. A soul inscribed in its dry hills, luminous deserts, surfaces of salt, sea or lake water, and above all in its valleys where thousand-year-old shrubs stand as silent witnesses to a prehuman essence. A colorful soul that can be read in the white stone, blue sky, radiant sun and ochre earth. This land is also a palimpsest of all the civilizations that have populated it and all the wars that have passed through it. It bears the scars of time, epochs and cycles that follow one another.

(Text: Diana Pinto, extrait de la préface du livre « Promise me a Land » publié chez Kehrer Verlag en 2018.)

Photo Elysée | Lausanne
30. Juni - 1. Oktober 2023

ON MASS HYSTERIA
Laia Abril

In Salem wurden unheilbringende Hexen angeklagt und hingerichtet, während in ganz Europa besessene Nonnen wie Katzen miauten und sich im Krampf verrenkten. In Internaten in der Schweiz und in Deutschland begannen Hände zu zittern, Lachkrämpfe schüttelten Studentinnen in Tansania durch. In Afghanistan fielen heranwachsende Mädchen in Ohnmacht und 600 Schülerinnen in einem mexikanischen Internat konnten plötzlich nicht mehr geradeaus laufen. In den Kleiderfabriken Kambodschas haben in den letzten zehn Jahren Tausende von Frauen das Bewusstsein verloren und in den USA wurden Cheerleader ohne jeden biologischen Grund von nervösen Ticks und Krämpfen erfasst.

Die Massenhysterie, auch "kollektive Hysterie" oder – ein heute weithin anerkannter Begriff – "psychogenes Massenleiden" genannt, kommt zustande, wenn eine Gruppe eng zusammenhaltender Frauen unerträglichen gesellschaftlichen Umständen ausgesetzt wird, denen sie nicht entkommen kann. In einer solchen Stresssituation beginnen sie alle, ohne jede organische Ursache, unkontrollierbare Bewegungssymptome, wie beispielsweise Zittern, Weinen, Krämpfe, nervöse Ticks oder sogar Ohnmachtsanfälle, zu entwickeln. Diese Symptome erinnern oft an tranceähnliche Zustände und halten mitunter monatelang an. Obwohl dieses Phänomen bereits unter verschiedenen kulturellen und wissenschaftlichen Aspekten untersucht worden ist, sind zwei Grundsatzfragen weiterhin ungeklärt: Wie verbreitet sich das Phänomen und warum entsteht es hauptsächlich unter jungen Frauen, speziell im Teenageralter?

Mit dem Begriff "Hysterie" bezeichnete man früher gern medizinisch als "schwierig" geltende Frauen. Der Medizinhistoriker Robert Woolsey hält Hysterie für eine Protosprache, die Symptome sind für ihn ein "Code, der verwendet wird, um eine Botschaft zu überbringen, die aus unterschiedlichen Gründen nicht in Worte gefasst werden kann."

Geht man der Vorstellung von Massenhysterie als einer Form unbewussten Protests nach, so entdeckt man, dass die Wellen oft junge Mädchen oder Frauen treffen, die in niedrigen gesellschaftlichen Positionen mit schwierigen Situationen konfrontiert werden – gnadenlose Internatsregeln, menschenverachtende Arbeitsbedingungen in einer Fabrik oder Isolation in religiösen Einrichtungen wie Klöstern. Josefina Ramírez, eine medizinische Anthropologin aus Mexiko, vertritt dazu eine interessante Ansicht: Massenhysterie könnte eine kollektive körperliche Antwort als Symbol für den Kampf junger Frauen sein, die sozialer Ungleichheit ausgesetzt sind.

On Mass Hysteria, das Auftaktkapitel zu A History of Misogyny, geht der Hypothese einer historischen Protosprache weiblichen Protests nach. Das Projekt zieht den vorherrschenden psychologischen Ansatz in Zweifel, demzufolge Frauen selbst an all jenen Krankheiten schuld sind, die die Medizin nicht erklären kann, und betont gesellschaftliche Faktoren wie soziale und politische Unterdrückung. Mit On Mass Hysteria will die Künstlerin das gemeinsame Leiden an generationenübergreifenden Traumata zeigen, die von Frau zu Frau weitergegeben und von der Gesellschaft meist ignoriert oder heruntergespielt werden.

Des sorcières maléfiques ont été accusées et exécutées à Salem, tandis que des nonnes possédées miaulaient et convulsaient à travers toute l’Europe. Des mains se sont mises à trembler dans des internats suisses et allemands, et des crises de fou-rire se sont propagées parmi des étudiantes tanzaniennes. En Afghanistan, des adolescentes se sont évanouies, tandis que 600 écolières d’un internat mexicain perdaient subitement leur capacité à marcher droit. Dans les usines de confection cambodgiennes, des milliers de femmes ont mystérieusement perdu connaissance ces dix dernières années, et des pom-pom girls américaines ont été prises de tics et de convulsions sans cause biologique.

L’hystérie de masse, appelée également "hystérie collective" ou "maladie psychogène de masse" — terme largement accepté à l’heure actuelle — se produit lorsqu’un groupe de femmes soudées sont soumises à des circonstances sociales insoutenables et inexorables. Confrontées à une situation de stress, toutes se mettent à éprouver des symptômes moteurs incontrôlables et sans cause organique tels que des tremblements, des sanglots, des spasmes, des tics, voire des évanouissements. Ces symptômes rappellent souvent des états semblables à une transe et persistent parfois plusieurs mois. Bien que ce phénomène ait été étudié sous divers angles culturels et académiques, deux questions fondamentales subsistent : comment se propage-t-il, et pourquoi se produit-il principalement chez des jeunes femmes, en particulier des adolescentes ?

Le terme "hystérie" était autrefois employé pour caractériser médicalement des femmes considérées comme "difficiles". Robert Woolsey, historien de la médecine, considère l’hystérie comme un protolangage dont les symptômes sont "un code utilisé pour communiquer un message qui, pour diverses raisons, ne peut être verbalisé".

Lorsqu’on approfondit l’idée d’hystérie de masse comme forme de protestation inconsciente, on découvre que ces vagues touchent souvent des jeunes filles et des femmes dans des positions sociales inférieures et confrontées à des situations difficiles — un règlement d’internat intransigeant, des conditions de travail inhumaines en usine, ou l’isolement dans des institutions religieuses comme les couvents. Josefina Ramírez, anthropologue physique mexicaine, propose un point de vue intéressant : l’hystérie de masse pourrait être une réponse physique collective symbolisant la lutte des jeunes femmes confrontées à des inégalités sociales.

De l'hystérie de masse [On Mass Hysteria], chapitre constituant la genèse d'Une histoire de la misogynie [A History of Misogyny], explore l’éventualité d’un ancien protolangage de protestation féminine. Le projet remet en question l’approche psychologique dominante, d’après laquelle ces femmes seraient coupables de ces maladies que la médecine ne sait pas expliquer, et met en avant l’impact de facteurs sociétaux tels que l’oppression sociale et politique. Avec De l'hystérie de masse, l’artiste s’attache à montrer la souffrance collective de traumatismes transgénérationnels transmis de femme en femme, souvent ignorée ou minimisée par la société.

Streghe malefiche sono state accusate e giustiziate a Salem mentre in tutta Europa suore possedute miagolavano ed erano scosse da convulsioni. Delle mani si sono messe a tremare in collegi svizzeri e tedeschi e delle crisi di ridarella si sono propagate tra studentesse tanzaniane. In Afghanistan, adolescenti sono svenute mentre 600 scolare di un collegio messicano perdevano all’improvviso la loro capacità a camminare dritto. Nelle fabbriche tessili in Cambogia, migliaia di donne hanno misteriosamente perso i sensi negli ultimi dieci anni, e pom-pom girls americane sono state prese da tic e convulsioni senza causa biologica.

L’isteria di massa, anche denominata " isteria collettiva " o " malattia psicogena di massa " — termine ampiamente diffuso oggi come oggi — si verifica quando un gruppo di donne unite vengono sottoposte a circostanze sociali insostenibili ed inesorabili. Confrontate ad una situazione di stress, tutte si mettono a provare sintomi motori incontrollabili e senza causa quali tremiti, pianti, spasimi, tic, e perfino svenimenti. Questi sintomi ricordano spesso stati simili ad una trance e persistono talvolta alcuni mesi. Benché questo fenomeno sia stato studiato da vari punti di vista culturali ed accademici, due questioni fondamentali sussistono : come esso si diffonde e perché si verifica soprattutto in donne giovani, ed in particolare, in adolescenti?

Il termine " isteria " era utilizzato una volta dai medici per parlare di donne ritenute " difficili ". Robert Woolsey, storico della medicina, considera l’isteria un protolinguaggio i cui sintomi sono " un codice utilizzato per comunicare un messaggio che, per vari motivi, non può essere verbalizzato ".

Quando si approfondisce l’idea di isteria di massa quale forma di protesta inconscia, si scopre che queste ondate colpiscono spesso ragazze e donne di classi sociali inferiori e confrontate a contesti difficili — un regolamento di collegio intransigente, condizioni di lavoro disumane in fabbrica, o l’isolamento in istituzioni religiose come i conventi. Josefina Ramírez, antropologa fisica messicana, propone un punto di vista interessante: l’isteria di massa potrebbe essere una risposta fisica collettiva che simboleggia la lotta delle giovani donne di fronte a disuguaglianze sociali.

On Mass Hysteria, il capitolo che costituisce la genesi di A History of Misogyny, esplora l’eventualità di un antico protolinguaggio di protesta femminile. Il progetto rimette in discussione l’approccio psicologico prevalente, secondo cui queste donne sarebbero colpevoli di queste malattie che la medicina non è in grado di spiegare, e mette avanti l’impatto di fattori sociali quali l’oppressione sociale e politica. Con On Mass Hysteria, l’artista si dedica a mostrare la sofferenza collettiva di traumi transgenerazionali trasmessi da una donna ad un’altra, spesso ignorata o minimizzata dalla società.

Evil witches were accused and executed in Salem, while possessed nuns meowed and had seizures across Europe. Hand-trembling epidemics spread among Swiss and German boarding schools, and laughing attacks widespread among Tanzanian girl’s students. Female adolescents in Afghanistan experienced fainting outbreaks, while over 600 boarding schoolgirls suddenly lost the ability to walk straight at a boarding school in Mexico. In Cambodian garment factories, thousands of women faint inexplicably during the last decade, and American cheerleaders tick compulsively and have seizures without a biological explanation.

Mass hysteria, or Mass psychogenic disorder – a term now more widely accepted – arises in tightly knit environments burdened by unbearable and inescapable social circumstances. When a stress trigger event unfolds, the group starts experiencing uncontrollable motor symptoms simultaneously, such as trembling, weeping, twitching, ticking, or even fainting. These involuntary symptoms, often resembling trance-like states, can persist for months and have non-organic origins. Although studied from diverse cultural and academic interpretations, two essential questions remain unresolved: How does it spread, and why does it predominantly affect young women, especially teenage girls?

Historically, the term hysteria has been employed to pathologize women perceived as "difficult." Medical historian Robert Woolsey suggests it could serve as a "protolanguage," with its symptoms functioning as "a code used to convey a message which, for various reasons, cannot be verbalized."

Exploring Mass Hysteria further as a form of unconscious protest, we discover that outbreaks often influence those in lower social positions confronted with challenging situations, such as life in strict boarding schools, laboring in factories with inhuman conditions, or dwelling in isolated religious institutions like convents. Dr. Josefina Ramírez, a Mexican physical anthropologist, offers an insightful perspective: Mass Hysteria might be a collective physical response that symbolizes the struggles these young women endure due to unequal social power dynamics.

The genesis chapter of A History of Misogyny, titled On Mass Hysteria, investigates the possibility of an ancient female protolanguage of protest. The project challenges the prevailing psychological approach that blames women for medically unexplained maladies. Instead, it emphasizes the impact of societal factors such as social and political oppression. On Mass Hysteria aims to visualize the collective pain of transgenerational trauma that is often ignored or diminished by society, passed down among women.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Photo Elysée | Lausanne
30. Juni - 1. Oktoeber 2023

Model Citizens
Debi Cornwall

Debi Cornwall (Vereinigte Staaten, 1973), Gewinnerin des Prix Elysée 2023, eines der renommiertesten Fotopreise der Welt, präsentiert Model Citizens [Musterbürger]. In dieser Serie, die noch in Arbeit ist, untersucht sie, wie Inszenierung, Performance und Rollenspiel die Idee der Staatsbürgerschaft in unseren westlichen Gesellschaften beeinflussen. Das fotografische Medium wird hier zu einem Instrument der politischen Analyse.

Debi Cornwall wurde unter den acht Nominierten des Prix Elysée 2023 ausgewählt, weil ihre "Arbeit einen starken Gegenwartsbezug hat", wie die Jury befand, "und einen wichtigen Beitrag zu einer vom Gesellschaftsphänomen der 'Fake News' bestimmten Zeit darstellt. Die Künstlerin setzt sich mit der fliessenden Grenze zwischen Wahrheit und Fiktion auseinander. Das politisch wie intellektuell engagierte Projekt unterstreicht, wie dringend und notwendig wir den Beweischarakter der Fotografie in Frage stellen müssen. Die Auswirkungen der 'Fake News' betreffen nicht nur die USA – die Künstlerin erzählt eine lokale Geschichte, in der es um globale Probleme geht. Wir sind davon überzeugt, dass Debi Cornwall mit dem Prix Elysée ein neues, breiteres Publikum erreichen wird und der Preis ihr in Europa zu grösserer Sichtbarkeit verhelfen wird."

Die konzeptuell-dokumentarisch arbeitende Künstlerin Debi Cornwall widmet sich ihrer kreativen Karriere seit 2014. Zuvor war sie zwölf Jahre lang als Anwältin für Zivilrecht tätig. Mit Blick für das Absurde und schwarzem Humor durchleuchtet sie unsichtbare Systeme, indem sie stille oder auch bewegte Bilder über Zeitzeugenberichte und Archivmaterial legt. Ihre vorherigen Publikationen Welcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay und Necessary Fictions (Radius Book, 2017 und 2020) wurden mehrfach ausgezeichnet.

"Nach einer Karriere im Zivilrecht bin ich zur Fotografie zurückgekehrt, weil es mir darauf ankommt, verdeckte Wahrheiten ans Licht zu bringen. In meiner Arbeit versuche ich, die unfassbare Macht von Politik, Unternehmen und Gesellschaft zu begreifen. Die Fotografie kann als Beweis dienen, aber als Beweis wofür? Mein Projekt Model Citizens [Musterbürger] untersucht, wie in den USA – einem hochgerüsteten Land, dessen Bürger*innen sich nicht darauf einigen können, was wahr ist – die Wirklichkeit wie auch die Bürgerschaft als darstellerische Leistung in Szene gesetzt werden. Momentan verfolge ich einen noch breiter gefassten Ansatz und kreise mein Thema, also die Inszenierung und die Rollenspiele von Institutionen oder auch die darstellerische Leistung, die wir alle bewusst oder unbewusst abliefern, elliptisch ein."

Debi Cornwall (États-Unis, 1973), lauréate du Prix Elysée 2023, l’un des plus prestigieux prix de photographie à l’international, présente Citoyens modèles. Dans cette série encore en cours de réalisation, elle explore la manière dont la mise en scène, la performance et le jeu de rôle nourrissent l’idée de la citoyenneté dans nos sociétés occidentales. Le médium photographique devient ici un outil d’analyse politique.

Sélectionné parmi les huit projets nominés du Prix Elysée 2023, "le travail de Debi Cornwall s’inscrit dans l’actualité", souligne le jury, "et est une contribution importante qui arrive à point nommé compte tenu de l’effet des 'fake news' dans nos sociétés. À travers ses recherches, l’artiste interroge la frontière floue entre vérité et fiction. Le projet, qui est à la fois un engagement politique et intellectuel, souligne l’urgence et la nécessité de remettre en question la photographie en tant que preuve. L’impact des 'fake news' ne se limite pas aux États-Unis – l’artiste raconte une histoire locale qui parle de problèmes globaux. Nous sommes convaincus qu’avec le Prix Elysée, Debi Cornwall touchera un public nouveau et plus large, et que le prix contribuera à accroître sa visibilité en Europe."

Debi Cornwall est une artiste documentaire conceptuelle qui se consacre à sa carrière d'artiste depuis 2014 après avoir exercé pendant douze ans en tant qu'avocate de droit civil. Utilisant l'absurdité et l'humour noir, elle fouille les systèmes invisibles en superposant des images fixes et animées à des témoignages et du matériel d'archives. Ses livres précédents, Welcome to Camp America : Inside Guantánamo Bay et Necessary Fictions (Radius Book, 2017 et 2020) ont reçu plusieurs distinctions.

"Après une carrière dans le droit civil, je suis revenue à la photographie en cherchant à mettre en lumière les vérités cachées. Mon travail cherche à comprendre et à éclairer ces puissantes forces politiques, corporatives et sociales. La photographie peut être une preuve, mais une preuve de quoi ? Mon projet, Citoyens modèles, examine la mise en scène de la réalité et la performance de la citoyenneté aux États-Unis, un pays militarisé dont les citoyens ne peuvent s'accorder sur ce qui est vrai. Aujourd'hui, je ratisse plus large, en réalisant des photographies liées de manière plus elliptique à mon sujet, qu'il s'agisse de mises en scène et de jeux de rôles institutionnels ou de performances que nous jouons de concert, consciemment ou non."

Debi Cornwall (Stati Uniti, 1973), vincitrice del Prix Elysée 2023, uno dei più prestigiosi premi di fotografia al mondo, presenta Model Citizens [Cittadini esemplari]. In questa serie, ancora in corso, l'artista esplora come la messa in scena, la performance e il gioco di ruolo alimentino l'idea di cittadinanza nelle nostre società occidentali. Il mezzo fotografico si transforma dunque in uno strumento di analisi politica.

Selezionato tra gli otto artisti nominati di questa edizione, "il lavoro di Debi Cornwall si iscrive nell’attualità, sottolinea la commissione, ed è un contributo importante che arriva a proposito, tenuto conto dell’effetto delle "fake news" nelle nostre società. Attraverso le sue ricerche, l’artista  interroga la frontiera sfocata tra verità e finzione. Il progetto, che è insieme un impegno politico ed intellettuale, sottolinea l’urgenza e la necessità di rimettere in discussione la fotografia in quanto prova. L’impatto delle "fake news" non si limita agli Stati Uniti – l’artista racconta una storia locale che parla di problemi globali. Siamo convinti che con il Prix Elysée, Debi Cornwall toccherà un pubblico nuovo e più ampio, e che il premio contribuirà ad aumentare la sua visibilità in Europa."

Debi Cornwall è un'artista concettuale che si dedica alla propria carriera artistica dal 2014 dopo aver lavorato per dodici anni in quanto avvocato civilista. Mediante l’assurdità e l’umorismo nero, ispeziona sistemi invisibili col sovrapporre immagini fisse ed animate, a testimonianze e documenti di archivi. I suoi libri precedenti Welcome to Camp America : Inside Guantánamo Bay e Necessary Fictions (Radius Book, 2017 e 2020) sono stati premiati.

"Dopo una carriera nel diritto civile, sono tornata alla fotografia cercando di evidenziare le verità nascoste. Il mio lavoro mira a capire e a chiarire queste potenti forze politiche, corporative e sociali. La fotografia può essere una prova, ma una prova di che cosa ? Il mio progetto, Cittadini esemplari, esamina la messinscena della realtà e l’esercizio della cittadinanza negli Stati Uniti, un paese militarizzato i cui cittadini non possono concordare su ciò che è vero. Oggigiorno, aggrego più temi assieme e realizzo fotografie collegate in modo più allusivo alla mia tematica, che si tratti di messinscene e di giochi di ruolo istituzionali, o di performance che recitiamo insieme, consapevolmente o meno."

Debi Cornwall (United States, 1973), winner of the Prix Elysée 2023, one of the most prestigious photography prizes in the world, presents Model Citizens. In this series, which is still in progress, she explores how staging, performance and role-playing feed into the idea of citizenship in our Western societies. The photographic medium becomes here a tool for political analysis.

Selected among the eight nominated projects of the Prix Elysée 2023, "Debi Cornwall's work is in line with current events", underlines the jury, "and is an important contribution that is timely, given the effect of fake news in our societies. Throught her research, the artist questions the blurred line between truth and fiction. The project, which is both a political and intellectual commitment, points to the urgency and necessity of questioning photography as a proof. The impact of fake news is not limited to the United States – the artist is telling a local story that talks about global issues. We are convinced that with the Prix Elysée, Debi Cornwall will reach a new and wider audience and that the prize will help increase her visibility in Europe."

Debi Cornwall is an American conceptual documentary artist who has focused on her career as an artist since 2014 after practicing for twelve years as a civil rights attorney. Employing absurdity and dark humor, she excavates invisible systems by layering still and moving images with testimony and archival material. Her books Welcome to Camp America : Inside Guantánamo Bay and Necessary Fictions (Radius Book, 2017 and 2020) have received numerous awards.

"After a career in civil-rights law, I came back to photography looking to illuminate hidden truths. My work seeks to understand and illuminate these powerful political, corporate, and social forces. Photographs can be evidence, yes, but evidence of what? My project, Model Citizens, examines the staging of reality and the performance of citizenship in the United States, a militarized country whose citizens cannot agree on what is true. Now I'm casting a wider net, making photographs more elliptically related to my topic, from institutional staging and roleplay to the performances we play out communally, consciously or not."

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

Le Signall | Lausanne
30. Juni - 27. August 2023

YOU WENT IN THE WATER
Jagoda Wisniewska

Die Künstlerin Jagoda Wisniewska (1987) investiert in Le Signal L auf Vorschlag von Photo Elysée, in Zusammenarbeit mit dem Arsenic.

Die Künstlerin interessiert sich für die Wahrnehmung des weiblichen Körpers und für die Darstellung der sexuellen und reproduktiven Funktionen von Frauen (Geschlechtsverkehr, Menstruation, Geburt und Stillen). Der ausgestellte, sexuell aufgeladene Frauenkörper ist auch ein Körper, der versteckt wird, ein Körper, den Sartre als "eine Abfolge feuchter Löcher und schleimiger Substanzen" beschreibt. Diese sowohl für Lust als auch für Ekel stehende "Feuchtigkeit" ist anregend und bedrohlich zugleich.

In dieser Arbeit erforscht Jagoda Wisniewska die Beziehung zwischen Fotografie und Performance. Sie trifft auf die Arbeit der Choreographin und Tänzerin Tamara Alegre und schlägt ihr vor, die Präsenz der Kamera (und der Fotografin) als Komplizin für Experimente rund um die Darstellung des Körpers und seiner Flüssigkeiten zu nutzen.

Jagoda Wisniewska, geboren 1987 im polnischen Bydgoszcz studierte Jagoda Wisniewska Fotografie, zunächst an der Napier University in Edinburgh und dann an der ECAL. In ihrer Arbeit geht es um Konzepte der Performativität und des Porträts. Mit ihren Projekten befragt Jagoda Wisniewska die Frauen vor allem in im Familienkreis zugeschriebenen Rollen und lotet sie die ungebrochene Faszination für die Figur der Mutter und ihre Darstellung in der Fotografie aus.

Tamara Alegre arbeitet mit Tanz und Choreografie. Geboren auf Gran Canaria studierte Alegre europäisches Handelsmanagement und Psychologie und arbeitete bis 2016 als Kurator:in für Underground-Musik, DJ und Tour Manager. Nach einem einen Master in Choreografie am DOCH in Stockholm 2018 lancierte Alegre FIEBRE, das seit 2019 zusammen mit Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem und Célia Lutangu weiterentwickelt wird. Das Stück wurde an mehreren Orten in Europa aufgeführt und 2021 mit dem Young Choreographer’s Award prämiert. Alegres Arbeiten befassen sich mit sinnlichen Verkörperungen, Fiktionen über Sexualität und Geschlechtsorgane sowie körperliche Grenzzustände als choreografische Werkzeuge. Die Arbeiten sind körperbezogen und voller Widerstände, Intensität und der Freude am gemeinsamen Tanzen.

L’artiste Jagoda Wisniewska (1987) investit Le Signal L sur une proposition de Photo Elysée, en collaboration avec l’Arsenic .

L'artiste s’intéresse ici à la perception du corps féminin et aux représentations des fonctions sexuelles et reproductives féminines (rapports sexuels, menstruations, accouchement, allaitement). Le corps féminin, exposé, sexualisé, est aussi celui que l’on cache, que Sartre décrit comme "une série de trous humides et de substances visqueuses". À la fois désir et dégoût, cette "humidité" est vivifiante et menaçante.

Dans ce travail, Jagoda Wisniewska explore la relation entre photographie et performance. Elle rencontre le travail de la chorégraphe et danseuse Tamara Alegre et lui propose d’utiliser la présence de la caméra (et de la photographe) comme complice d’expérimentations autour de la représentation du corps et de ses fluides.

Jagoda Wisniewska, née à Bydgoszcz en Pologne en 1987, Jagoda Wisniewska a étudié la photographie à l’Université Napier d'Édimbourg puis à l’ECAL. Son travail tourne autour des concepts de performativité et du portrait. À travers ses projets, elle questionne les rôles attribués aux femmes, notamment dans la sphère familiale, et explore la fascination pérenne pour la figure maternelle et ses représentations en photographie.

Danseuse et chorégraphe, Tamara Alegre, originaire de la Grande Canarie, a initialement étudié le commerce européen et la psychologie avant de se diriger vers la musique et devenir programmatrice de musique underground dans des clubs et festivals. En 2018, elle obtient un MA en chorégraphie au DOCH, Stockholm et créée FIEBRE. Co-signée avec Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem et Célia Lutangu, l’œuvre a été présentée dans plusieurs lieux en Europe et a remporté le prix Young Choreographer’s Award en 2021. Ses recherches tournent autour des embodiements sensuelles, des fictions sur la sexualité et les organes sexuels et des états physiques liminaux comme outils chorégraphiques. Ses œuvres sont incarnées et chargées de résistance, d’intensité et du plaisir de danser ensemble.

Jagoda Wisniewska occupa lo spazio Signal L di Plateforme 10 su una proposta di Photo Elysée, dell’Arsenic e della Fondation Leenaards.

Jagoda Wisniewska si interessa alla percezione del corpo femminile e alle rappresentazioni delle funzioni sessuali e riproduttive della donna (relazioni sessuali, parto, allattamento). Il corpo femminile, esposto, erotizzato è anche quello che le donne nascondono, e che Sartre descrive come "una serie di fori umidi e di sostanze viscose". Sia oggetto di desiderio che di disgusto, questa "umidità" è vivificante e minacciosa".

In questo lavoro, Jagoda Wisniewska esplora il rapporto tra fotografia e performance. Si è imbattuta nel lavoro della coreografa e danzatrice Tamara Alegre e le ha suggerito di utilizzare la presenza della macchina fotografica (e del fotografo) come complice nella sperimentazione della rappresentazione del corpo e dei suoi fluidi.

Jagoda Wisniewska, nata a Bydgoszcz in Polonia nel 1987, Jagoda Wisniewska Jagoda ha studiato fotografia all’Università Napier di Edimburgo, poi all’ECAL. Il suo lavoro ruota attorno ai concetti della  performatività e del ritratto. Attraverso i suoi progetti, esplora il fascino perenne per la figura materna e le sue rappresentazioni nella fotografia.

Ballerina e coreografa, Tamara Alegre, nata a Gran Canaria, a inizialmente studiato il commercio europeo et la psicologia, prima di dedicarsi alla musica e diventare programmatrice di musica underground in club e festival. Nel 2018 ha conseguito un MA in coreografia presso il DOCH a Stoccolma e ha creato FIEBRE, co-firmata dal 2019 con Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem et Célia Lutangu. L'opera è stata presentata in vari luoghi in Europa ed ha conseguito il premio Young Choreographer’s Award nel 2021. Le sue ricerche ruotano attorno ad embodiments sensuali, finzioni sulla sessualità/sugli organi sessuali e spazi fisici liminali quali strumenti coreografici. Le sue opere sono vissute e cariche in resistenza, intensità e piacere di ballare insieme

The artist Jagoda Wisniewska (1987) takes over Le Signal L at the invitation of Photo Elysée in collaboration with Arsenic .

She is interested in the perception of the female body and representations of female sexual and reproductive functions (sexual intercourse, menstruation, birth and breast-feeding). The female body, exposed and sexualised, is also hidden, described by Jean-Paul Sartre as "a series of wet holes and slimy substances". Simultaneously provoking desire and disgust, this "wetness" is both invigorating and threatening.

In this work, Jagoda Wisniewska explores the relationship between photography and performance. She came across the work of choreographer and dancer Tamara Alegre, and suggested that she use the presence of the camera (and the photographer) as an accomplice in experimenting with the representation of the body and its fluids.

Jagoda Wisniewska, born in Bydgoszcz, Poland, in 1987, Jagoda Wisniewska studied photography at Napier University in Edinburgh, and then at the ECAL. Her work focuses on concepts of performativity and portraiture. Her projects examine the roles attributed to women, especially in the domestic realm, and explore the age-old fascination for the mother figure and its representations in photography.

Tamara Alegre works with dance and choreography. Born in Gran Canaria, they studied European Business and Psychology and worked as a curator of underground music, DJ and tour manager until 2016. In 2018, they were awarded an MA in Choreography from the DOCH, Stockholm, and created FIEBRE with Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem and Célia Lutangu. The work has been presented at several European venues and won the Young Choreographer’s Award in 2021. Their research revolves around sensual embodiments, fiction on sexuality and sexual organs, and liminal physical states as choreographic tools. Their work epitomises and is charged with resistance, intensity and the joy of dancing with others.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)