Kunsthaus Interlaken
10. März – 12. Mai 2024

Schwanden – Santa Monica – Fotografische Künstlerporträts vom 19. Jahrhundert bis heute

Kurt Blum, René Burri, Alexander Egger, Bernhard Giger, René Groebli, Peter von Gunten, Vera Isler, Yoshiko Kusano, Jean-Luc Meyssonnier, Ernst Scheidegger, Paul Senn, Michel Sima

Die Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert veränderte die Kunst sichtbar. Die Porträtfotografie löste die klassische Malerei bald ab und trug viel zur schnellen Verbreitung des neuen Mediums bei, das zunehmend auch Interesse bei Künstlerinnen und Künstlern fand.

Diese und ihre Ateliers rückten selbst bald in den Fokus der Fotografinnen und Fotografen und wurden zum Sujet. Die erhaltenen Aufnahmen geben uns spannende Einblicke in die Welt der Kunstwerkstätten und in die Arbeitsweise der Künstlerinnen und Künstler. Als einer der ersten hat der deutsche Fotograf Carl Teufel (1845−1912) systematisch Künstler und Künstlerinnen in ihren Ateliers fotografiert und insgesamt ab 1890 mehr als 300 Fotografien von Münchner Ateliers aufgenommen.

Vor und nach dem Zweiten Weltkrieg wurden Ateliers berühmter Künstlerinnen und Künstler zu wichtigen Motiven von Fotografinnen und Fotografen, die mit diesen Arbeiten eigenständige Kunst geschaffen und viel zur Anerkennung der Gattung als Kunstform beigetragen haben.

Die hohe Intensität dieser Werke, deren Sinnlichkeit und letztlich deren Qualität, entsprangen häufig einer engen Beziehung zwischen den Porträtierten und den Fotografinnen und Fotografen. Viele in dieser Ausstellung gezeigte Aufnahmen sind schöne Belege dafür.

Der französische Fotograf Michel Sima (1912−1987) etwa hatte eine sehr enge Verbindung zu Pablo Picasso, der ihn nach seiner Rückkehr aus dem Konzentrationslager Blechhammer nicht nur unterstützt hat, sondern ihn auch ermunterte, wieder zu fotografieren.

In der Folge fotografierte Michel Sima für Picasso sein Work in Progress.

Die aktuelle Ausstellung im Kunsthaus umfasst gegen 100 fotografische Porträts, meist schwarz-weiss Aufnahmen, aus den Ateliers von Künstlerinnen und Künstlern mit nationaler oder internationaler Bedeutung. Im Zentrum stehen Fotografien von Sima, der über mehrere Jahre fast alle wichtigen Künstler der Ecole de Paris in ihren Ateliers besucht und fotografiert hat. Von Sima sind Abzüge von Pablo Picasso und noch nie veröffentlichte Abzüge von Alberto Giacometti in Paris ausgestellt.

Der wiedergefundene Film Einundzwanzig (21 Schweizer Künstler, 1968) von Peter von Gunten

erweitert die Ausstellung hin zum gefilmten Künstlerporträt.

Schwanden−Santa Monica, der Titel der Ausstellung, ist sinnbildlich für die Vielfalt der Schau und nimmt Bezug auf die Aufnahmen von Paul Senn (1901−1953) im Atelier von Johann Peter Flück in Schwanden Anfang der 40er Jahre und auf jene von Kurt Blum (1922−2005) im Atelier von Sam Francis in Santa Monica im Jahr 1980.

Die Ausstellung verbindet Regionales mit Internationalem und umfasst Arbeiten von den Anfängen der Fotografie bis in die Gegenwart.

L'invention de la photographie au 19e siècle a visiblement changé l'art. La photographie de portrait a rapidement pris le relais de la peinture classique et a largement contribué à la diffusion rapide de ce nouveau média, qui a suscité un intérêt croissant chez les artistes.

Ces derniers et leurs ateliers se sont eux-mêmes rapidement retrouvés dans la ligne de mire des photographes et sont devenus des sujets. Les clichés conservés nous donnent un aperçu passionnant de l'univers des ateliers d'art et de la méthode de travail des artistes. Le photographe allemand Carl Teufel (1845-1912) a été l'un des premiers à photographier systématiquement les artistes dans leurs ateliers et a pris au total plus de 300 photographies d'ateliers munichois à partir de 1890.

Avant et après la Seconde Guerre mondiale, les ateliers d'artistes célèbres sont devenus des motifs importants pour les photographes qui, avec ces travaux, ont créé un art à part entière et ont largement contribué à la reconnaissance du genre en tant que forme d'art.

La grande intensité de ces œuvres, leur sensualité et, en fin de compte, leur qualité, sont souvent le fruit d'une relation étroite entre les sujets et les photographes. De nombreuses photos présentées dans cette exposition en sont de belles preuves.

Le photographe français Michel Sima (1912-1987), par exemple, avait une relation très étroite avec Pablo Picasso, qui non seulement l'a soutenu à son retour du camp de concentration de Blechhammer, mais l'a également encouragé à reprendre la photographie.

Par la suite, Michel Sima a photographié son Work in Progress pour Picasso.

L'exposition actuelle au Kunsthaus comprend près de 100 portraits photographiques, pour la plupart en noir et blanc, issus des ateliers d'artistes d'envergure nationale ou internationale. L'accent est mis sur les photographies de Sima qui, pendant plusieurs années, a rendu visite à presque tous les artistes importants de l'Ecole de Paris dans leurs ateliers et les a photographiés. Des tirages de Sima de Pablo Picasso et des tirages inédits d'Alberto Giacometti sont exposés à Paris.

Le film retrouvé de Peter von Gunten, Vingt-et-un (21 artistes suisses, 1968), permet d'élargir l'exposition.

Élargit l'exposition vers le portrait filmé d'artistes.

Schwanden-Santa Monica, le titre de l'exposition, est emblématique de la diversité de l'exposition et fait référence aux prises de vue de Paul Senn (1901-1953) dans l'atelier de Johann Peter Flück à Schwanden au début des années 40 et à celles de Kurt Blum (1922-2005) dans l'atelier de Sam Francis à Santa Monica en 1980.

L'exposition associe le régional et l'international et comprend des travaux allant des débuts de la photographie à nos jours.

L'invenzione della fotografia nel XIX secolo ha cambiato visibilmente l'arte. La fotografia di ritratto sostituì presto la pittura classica e contribuì notevolmente alla rapida diffusione del nuovo mezzo, che suscitò anche un crescente interesse da parte degli artisti.

Questi artisti e i loro studi divennero presto oggetto di attenzione da parte dei fotografi stessi e divennero soggetti. Le fotografie sopravvissute ci offrono un'affascinante visione del mondo degli studi artistici e dei metodi di lavoro degli artisti. Il fotografo tedesco Carl Teufel (1845-1912) fu uno dei primi a fotografare sistematicamente gli artisti nei loro studi e scattò più di 300 fotografie degli studi di Monaco a partire dal 1890.

Prima e dopo la Seconda guerra mondiale, gli studi di artisti famosi divennero motivi importanti per i fotografi, che con queste opere crearono un'arte indipendente e contribuirono notevolmente al riconoscimento del genere come forma d'arte.

L'alta intensità di queste opere, la loro sensualità e infine la loro qualità, erano spesso il risultato di una stretta relazione tra i soggetti e i fotografi. Molte delle fotografie esposte in questa mostra ne sono un ottimo esempio.

Il fotografo francese Michel Sima (1912-1987), ad esempio, ebbe un rapporto molto stretto con Pablo Picasso, che non solo lo sostenne dopo il suo ritorno dal campo di concentramento di Blechhammer, ma lo incoraggiò anche a riprendere a fotografare.

Michel Sima ha poi fotografato i suoi lavori in corso per Picasso.

L'attuale mostra al Kunsthaus comprende circa 100 ritratti fotografici, per lo più in bianco e nero, provenienti dagli studi di artisti di rilevanza nazionale o internazionale. Al centro ci sono le fotografie di Sima, che per diversi anni ha visitato e fotografato quasi tutti gli artisti importanti dell'Ecole de Paris nei loro studi. Le stampe di Sima di Pablo Picasso e le stampe mai pubblicate di Alberto Giacometti sono esposte a Parigi.

Il film riscoperto Einundzwanzig (21 artisti svizzeri, 1968) di Peter von Gunten

amplia la mostra con ritratti filmati di artisti.

Schwanden-Santa Monica, il titolo della mostra, simboleggia la diversità dell'esposizione e si riferisce alle fotografie scattate da Paul Senn (1901-1953) nello studio di Johann Peter Flück a Schwanden nei primi anni Quaranta e a quelle scattate da Kurt Blum (1922-2005) nello studio di Sam Francis a Santa Monica nel 1980.

La mostra combina il regionale con l'internazionale e comprende opere dagli inizi della fotografia fino ai giorni nostri.

The invention of photography in the 19th century visibly changed art. Portrait photography soon replaced classical painting and contributed greatly to the rapid spread of the new medium, which also attracted increasing interest from artists.

These artists and their studios soon became the focus of photographers themselves and became subjects. The surviving photographs give us exciting insights into the world of art workshops and the artists' working methods. The German photographer Carl Teufel (1845-1912) was one of the first to systematically photograph artists in their studios and took up more than 300 photographs of Munich studios from 1890 onwards.

Before and after the Second World War, the studios of famous artists became important motifs for photographers, who created independent art with these works and contributed greatly to the recognition of the genre as an art form.

The high intensity of these works, their sensuality and ultimately their quality, were often the result of a close relationship between the subjects and the photographers. Many of the photographs shown in this exhibition are fine examples of this.

The French photographer Michel Sima (1912-1987), for example, had a very close relationship with Pablo Picasso, who not only supported him after his return from the Blechhammer concentration camp, but also encouraged him to take photographs again.

Michel Sima subsequently photographed his work in progress for Picasso.

The current exhibition at the Kunsthaus comprises around 100 photographic portraits, mostly in black and white, from the studios of artists of national or international importance. The focus is on photographs by Sima, who visited and photographed almost all the important artists of the Ecole de Paris in their studios over several years. Sima's prints of Pablo Picasso and never before published prints of Alberto Giacometti are exhibited in Paris.

The rediscovered film Einundzwanzig (21 Swiss Artists, 1968) by Peter von Gunten

extends the exhibition to include filmed portraits of artists.

Schwanden-Santa Monica, the title of the exhibition, is emblematic of the diversity of the show and takes up the photographs taken by Paul Senn (1901-1953) in Johann Peter Flück's studio in Schwanden in the early 1940s and those taken by Kurt Blum (1922-2005) in Sam Francis' studio in Santa Monica in 1980.

The exhibition combines the regional with the international and includes works from the beginnings of photography to the present day.

(Text: Kunsthaus Interlaken)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
29. Februar – 14. April 2024

Shipwreck of Dreams
Emilio Nasser

"Die Menschen verbrachten Tage und Nächte an den Rändern des Sees und sehnten sich danach, das magische Schiff zu sehen und ihre Wünsche erfüllt zu bekommen", heisst es in einer vergessenen Legende.

Im Kern jeder Reise liegt die Suche nach einem Zuhause, einem Ort, an dem wir hingehören und wir selbst sein können. "Shipwreck of Dreams" erkundet diese universellen Themen durch das Prisma der Migration und die transformative Kraft der kollaborativen Fotografie.

Inspiriert von einem alten Schweizer Mythos über ein wunscherfüllendes Boot auf dem Genfersee, verwebt Nassers Projekt die Hoffnungen und Sehnsüchte der Migranten in der Schweiz. Die Ausstellung ist mehr als eine Schau von Bildern; sie ist eine tiefgründige Erzählung über das Finden des eigenen Platzes in einer sich ständig wandelnden Welt.

In der Schweiz, einem Land, das für seine sprachliche Vielfalt bekannt ist, erstreckt sich das Konzept des Zuhauses über physische Grenzen hinaus. Sich innerhalb dieser Nation zu bewegen, bedeutet oft, sich an eine neue Sprache und Kultur anzupassen, was den breiteren Kontext der Migration widerspiegelt. "Shipwreck of Dreams" resoniert mit dieser Erfahrung und zeigt, wie unser Gefühl von Zuhause durch unsere Lebenswege und Erfahrungen, sowohl wörtlich als auch metaphorisch, geformt und umgeformt wird.

Die 'Autonome Schule' in Zürich, eine Graswurzelbewegung, die sich inmitten der Auseinandersetzungen gegen strenge Asylgesetze entwickelt hat, dient als zentraler Punkt in dieser Erzählung. Ihre Geschichte von Widerstandsfähigkeit und Solidarität hebt die fortwährende Suche nach einem dauerhaften Raum der Freiheit und Zugehörigkeit hervor. Diese Schule, ein Zusammentreffen von Einheimischen und Migranten, spiegelt das vielfältige Gefüge unserer Gesellschaft wider und erinnert uns daran, dass jede Stimme zählt, besonders jene, die oft ungehört bleiben.

Emilio Nassers Arbeit ist ein Zeugnis für die Kraft der Zusammenarbeit in der zeitgenössischen Fotografie. Wir sehen, wie der Akt des Bilderschaffens eine gemeinsame Reise ist, bei der sich vielfältige Stimmen und Perspektiven kreuzen. Es erinnert uns daran, dass die fotografierte Person, der Fotograf und die Betrachter alle zum sich entfaltenden Narrativ in jedem Bild beitragen.

"Les gens passaient des jours et des nuits sur les bords du lac, aspirant à voir le bateau magique et à voir leurs vœux exaucés", dit une légende oubliée.

Au cœur de chaque voyage se trouve une quête de foyer, un lieu où nous appartenons et pouvons être nous-mêmes. Dans l'exposition captivante d'Emilio Nasser, "Shipwreck of Dreams", nous explorons ces thèmes universels à travers le prisme unique de la migration et la puissance transformatrice de la photographie collaborative.

Inspiré par un ancien mythe suisse d'un bateau exauçant les vœux sur le Lac Léman, le projet de Nasser tisse ensemble les espoirs et les aspirations des migrants en Suisse. L'exposition est plus qu'une vitrine d'images; c'est un récit profond sur la recherche de sa place dans un monde en constante évolution.

En Suisse, un pays connu pour sa diversité linguistique, le concept de foyer s'étend au-delà des frontières physiques. Se déplacer au sein de cette nation signifie souvent s'adapter à une nouvelle langue et culture, reflétant le contexte plus large de la migration. "Shipwreck of Dreams" résonne avec cette expérience, révélant comment notre sens du foyer est façonné et remodelé par nos parcours, à la fois littéraux et métaphoriques.

L'École Autonome de Zurich, un mouvement populaire né au milieu des défis contre les lois d'asile rigoureuses, sert de point central dans ce récit. Son histoire de résilience et de solidarité met en lumière la quête continue d'un espace permanent de liberté et d'appartenance. Cette école, un point de convergence entre locaux et migrants, reflète la trame diverse de notre société, nous rappelant que chaque voix compte, surtout celles qui sont souvent inentendues.

Le travail d'Emilio Nasser est un témoignage de la puissance de la collaboration en photographie contemporaine. Nous voyons comment l'acte de créer des images est un voyage partagé durant lequel plusieurs voix et perspectives se croisent. Cela nous rappelle que la personne photographiée, le photographe et les spectateurs contribuent tous au récit qui se déroule dans chaque image.

"La gente trascorreva giorni e notti ai bordi del lago, desiderosa di vedere la nave magica e di vedere esauditi i propri desideri", dice una leggenda dimenticata.

Al centro di ogni viaggio c'è la ricerca di una casa, un luogo a cui appartenere e dove poter essere se stessi. "Shipwreck of Dreams" esplora questi temi universali attraverso il prisma della migrazione e il potere trasformativo della fotografia collaborativa.

Ispirato a un vecchio mito svizzero su una barca che esaudisce i desideri sul lago di Ginevra, il progetto di Nasser intreccia le speranze e le aspirazioni dei migranti in Svizzera. La mostra è più di un'esposizione di immagini: è un racconto profondo sulla ricerca del proprio posto in un mondo in costante cambiamento.

In Svizzera, un Paese noto per la sua diversità linguistica, il concetto di casa va oltre i confini fisici. Spostarsi all'interno di questa nazione significa spesso adattarsi a una nuova lingua e cultura, riflettendo il contesto più ampio della migrazione. "Shipwreck of Dreams" risuona con questa esperienza e mostra come il nostro senso di casa sia plasmato e rimodellato dai nostri viaggi e dalle nostre esperienze di vita, sia letterali che metaforiche.

L'"Autonome Schule" di Zurigo, un movimento di base che si è sviluppato nel bel mezzo delle lotte contro le rigide leggi sull'asilo, funge da punto centrale di questa narrazione. La sua storia di resilienza e solidarietà sottolinea la continua ricerca di uno spazio permanente di libertà e appartenenza. Questa scuola, che riunisce nativi e migranti, riflette il tessuto eterogeneo della nostra società e ci ricorda che ogni voce conta, soprattutto quelle che spesso rimangono inascoltate.

Il lavoro di Emilio Nasser è una testimonianza del potere della collaborazione nella fotografia contemporanea. Vediamo come l'atto di creare immagini sia un viaggio condiviso in cui si incrociano più voci e prospettive. Ci ricorda che la persona fotografata, il fotografo e lo spettatore contribuiscono tutti alla narrazione che si svolge in ogni immagine.

“'People would spend days and nights at the lake margins, longing to see the magical ship and have their desires met', a forgotten legend once told."

At the heart of every journey lies a quest for home, a place where we belong and can be ourselves. "Shipwreck of Dreams," explores these universal themes through the lens of migration and the transformative power of collaborative photography.

Inspired by an ancient Swiss myth of a wish-fulfilling boat on Lake Geneva, Nasser's project weaves together the hopes and longings of migrants in Switzerland. The exhibition is more than a showcase of images; it is a profound narrative about finding one's place in a world that is constantly changing.

In Switzerland, a country known for its linguistic diversity, the concept of home extends beyond physical borders. Moving within this nation often means adapting to a new language and culture, mirroring the broader context of migration. "Shipwreck of Dreams" resonates with this experience, revealing how our sense of home is shaped and reshaped by our journeys, both literal and metaphorical.

The 'Autonomous School' in Zurich, a grassroots movement born amidst the struggles against stringent asylum laws, serves as a focal point in this narrative. Its story of resilience and solidarity highlights the ongoing quest for a permanent space of freedom and belonging. This school, a convergence of locals and migrants, reflects the diverse fabric of our society, reminding us that every voice matters, especially those that are often unheard.

Emilio Nasser's work is a testament to the power of collaboration in contemporary photography. We see how the act of creating images is a shared journey during which multiple voices and perspectives intersect. It reminds us that the person photographed, the photographer, and the viewers all contribute to the narrative that unfolds in each image.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Kunstmuseum Thun
10. Februar – 21. April 2024

Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung

Landidylle, Stadtromantik, Stille, pulsierender Alltag und das Fliessen zwischen den beiden Lebenswelten. Mit der Ausstellung Stadt – Land – Fluss. Gustav Stettler im Dialog mit der Sammlung untersucht das Kunstmuseum Thun das Spannungsverhältnis zwischen ländlicher Herkunft und städtischem Lebensraum in Gustav Stettlers Werk. Dieses wird im Kontext von Sammlungsbeständen gezeigt, die sich ebenfalls mit Urbanität und Natur auseinandersetzen und die Besucher:inner zur eigenen Reflexion auffordern.

1913 im Bernischen Oberdiessbach geboren und 2005 in Basel verstorben, war Gustav Stettler ein von einer ländlichen Kindheit und Jugend geprägter Städter. Themen wie Anonymität und zwischenmenschliche Entfremdung zogen sich durch sein Schaffen, aber auch das Zusammenkommen von Menschen, auf der Strasse, in Galerien, in kleinen und grossen Gruppen. Im Kontrast dazu schuf Stettler Darstellungen von Natur und Landschaften.

Stadt – Land - Fluss befasst sich mit dem vielseitigen künstlerischen Wirken des Schweizer Malers und untersucht die Synergie zwischen Stadt und Land. So werden Stettlers Arbeiten von einer thematischen Auswahl an Sammlungswerken des Kunstmuseums Thun flankiert. Diese stammen von Kunstschaffenden, die zwischen dem städtischen Ambiente und der ländlichen Umgebung navigieren. Wie beispielsweise dem Thuner Künstler Michael Streun, der sagt: «Auf dem Land erhole ich mich körperlich und geistig, komme zur Entspannung». Inspiration dagegen hole er sich mit Vorliebe in der Stadt – «alles, was nicht schön ist, inspiriert mich». Oder der in Bern und Leipzig lebenden Künstlerin Zora Berweger, die die Natur als ihre Inspirationsquelle nennt, während «in der Stadt jederzeit alle benötigten Materialien und Dienstleistungen verfügbar sind».

Diese und weitere Gedanken zum wortwörtlichen Stadt-Land-Fluss der Menschen, werden die von Kunstmuseums-Direktorin Helen Hirsch kuratierte Ausstellung (kuratorische Assistenz: Astrid Sedlmeier) ergänzen. Und auch die Besucher:innen dazu anregen, sich Gedanken zu ihrem eigenen Verhältnis zum urbanen beziehungsweise ländlichen Raum zu machen. Stadt – Land - Fluss entsteht in Kooperation mit dem Kunst Raum Riehen, wo Stettler im Herbst 2023 als Porträtist der Stadt und ihren Menschen im Zentrum stand.

Neben Gustav Stettler zeigt das Kunstmuseum Thun Sammlungswerke folgender Künstler:innen: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Les promenades dans la campagne et le romantisme de la ville, le calme et l’animation - et le flux dans lequel ces deux espaces de vie se rejoignent. Avec l’exposition intitulée Ville - campagne - confluences. Gustav Stettler en dialogue avec la Collection, le Kunstmuseum Thun explore la tension entre l’origine rurale et l’espace de vie urbain dans les créations de Gustav Stettler. Celles-ci sont exposées aux côtés d’œuvres de la Collection du Musée qui se penchent elles aussi sur l’urbanité et la nature, et invitent les spectatrices et les spectateurs à se livrer à leurs propres réflexions.

Né en 1913 à Oberdiessbach, dans le canton de Berne, et décédé en 2005 à Bâle, Gustav Stettler était un citadin, mais il était également marqué par son enfance et son adolescence à la campagne. Des thèmes tels que l’anonymat et l’éloignement des individus, mais aussi leur rencontre, que ce soit dans la rue, dans des galeries, en petits et en grands groupes, apparaissent constamment dans ses œuvres. Parallèlement à ces vues urbaines, Gustav Stettler a créé des représentations de la nature et de paysages.

L’exposition Ville - campagne - confluences est consacrée à l’activité créatrice variée de l’artiste suisse et explore la synergie entre la ville et la campagne. Les travaux de Gustav Stettler sont accompagnés d’une sélection thématique des œuvres de la Collection du Kunstmuseum Thun. Celles-ci ont été créées par des artistes qui oscillent entre l’atmosphère urbaine et l’environnement rural. À cet égard, on peut par exemple citer les propos de l’artiste thounois Michael Streun : « À la campagne, je me repose physiquement et spirituellement, je parviens à me détendre ». En revanche, c’est en ville qu’il déclare puiser de préférence son inspiration : « tout ce qui n’est pas beau m’inspire ». On peut également évoquer l’artiste Zora Berweger, qui vit à Berne et à Leipzig, et qui trouve dans la nature sa source d’inspiration, même si « en ville, tous les matériaux et tous les services nécessaires sont disponibles à tout moment ».

Ces réflexions, et d’autres encore, sur (pour coller au titre) les confluences-campagne-ville qui caractérisent l’être humain viennent compléter l’exposition organisée par la directrice du Kunstmuseum Thun, Helen Hirsch (assistante curatrice : Astrid Sedlmeier). Elles inciteront également les visiteuses et les visiteurs à méditer sur leur propre rapport au milieu urbain et à l’espace rural. Ville - campagne - confluences a vu le jour dans le cadre d‘une coopération avec le Kunst Raum Riehen, où Gustav Stettler a occupé, à l’automne 2023, une place centrale en tant que portraitiste de la ville et de ses habitants.

Aux côtés des travaux de Gustav Stettler, le Kunstmuseum Thun présente des œuvres de sa Collection, créées par les artistes suivants : Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri,  Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Idillio di campagna, romanticismo di città, tranquillità, vita quotidiana pulsante e flusso tra i due mondi. Con la mostra Città - campagna - fiume. Gustav Stettler in dialogo con la collezione, il Kunstmuseum Thun esplora il rapporto teso tra origini rurali e spazio vitale urbano nell'opera di Gustav Stettler. L'opera è presentata nel contesto della collezione, che si occupa anche di urbanità e natura e invita i visitatori a riflettere sulla propria.

Nato a Oberdiessbach a Berna nel 1913 e deceduto a Basilea nel 2005, Gustav Stettler era un abitante della città caratterizzato da un'infanzia e una giovinezza rurale. Temi come l'anonimato e l'alienazione interpersonale attraversano la sua opera, ma anche l'incontro tra le persone, per strada, nelle gallerie, in piccoli e grandi gruppi. Al contrario, Stettler ha creato rappresentazioni della natura e dei paesaggi.

City - Country - River esamina la poliedrica opera artistica del pittore svizzero ed esplora la sinergia tra città e campagna. Le opere di Stettler sono affiancate da una selezione tematica di lavori della collezione del Kunstmuseum Thun. Queste provengono da artisti che si muovono tra l'ambiente urbano e quello rurale. Come l'artista di Thun Michael Streun, che afferma: "In campagna mi ricarico fisicamente e mentalmente e trovo relax". Al contrario, preferisce trovare ispirazione in città: "Tutto ciò che non è bello mi ispira". Oppure l'artista Zora Berweger, che vive a Berna e a Lipsia e cita la natura come fonte di ispirazione, mentre "tutti i materiali e i servizi di cui ho bisogno sono sempre disponibili in città".

Queste e altre riflessioni sul letterale flusso urbano-rurale delle persone completeranno la mostra curata dalla direttrice del Kunstmuseum Helen Hirsch (assistenza curatoriale: Astrid Sedlmeier). Inoltre, incoraggerà i visitatori a riflettere sul proprio rapporto con gli spazi urbani e rurali. Stadt - Land - Fluss è stata realizzata in collaborazione con Kunst Raum Riehen, dove Stettler è stato protagonista di un ritratto della città e della sua gente nell'autunno del 2023.

Oltre a Gustav Stettler, il Kunstmuseum Thun presenta opere dei seguenti artisti: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

Country idyll, city romance, tranquillity, pulsating everyday life and the flow between the two worlds. With the exhibition Stadt - Land - Fluss. Gustav Stettler in Dialogue with the Collection, the Kunstmuseum Thun explores the tense relationship between rural origins and urban living space in Gustav Stettler's work. This is shown in the context of the collection's holdings, which also deal with urbanity and nature and invite visitors to reflect on their own.

Born in Oberdiessbach in Bern in 1913 and deceased in Basel in 2005, Gustav Stettler was a city dweller shaped by a rural childhood and youth. Themes such as anonymity and interpersonal alienation ran through his work, but also the coming together of people, on the street, in galleries, in small and large groups. In contrast, Stettler created depictions of nature and landscapes.

City - Country - River examines the Swiss painter's multifaceted artistic work and explores the synergy between city and country. Stettler's works are flanked by a thematic selection of works from the Kunstmuseum Thun collection. These come from artists who navigate between the urban ambience and the rural surroundings. Such as the Thun artist Michael Streun, who says: "In the countryside, I recover physically and mentally, I find relaxation". By contrast, he prefers to find inspiration in the city - "anything that isn't beautiful inspires me". Or the artist Zora Berweger, who lives in Bern and Leipzig and cites nature as her source of inspiration, while "all the materials and services I need are always available in the city".

These and other thoughts on the literal urban-rural flow of people will complement the exhibition curated by Kunstmuseum Director Helen Hirsch (curatorial assistance: Astrid Sedlmeier). It will also encourage visitors to reflect on their own relationship to urban and rural spaces. Stadt - Land - Fluss is being created in cooperation with Kunst Raum Riehen, where Stettler was the focus in autumn 2023 as a portraitist of the city and its people.

In addition to Gustav Stettler, the Kunstmuseum Thun is showing works by the following artists: Peter Aerschmann, Cuno Amiet, Peter Bergmann, Zora Berweger, Samuel Blaser, Klara Cécile Borter, Manuel Burgener, Balthasar Burkhard, Max Buri, Samuel Buri, Fritz Bütikofer, Reto Camenisch, Diana Dodson, Rainer Eisch, Emilienne Farny, Marguerite Frey-Surbek, Heinrich Gartentor, Ingo Giezendanner, Paul Gmünder, Josef Gnädinger, Nell Graber-Kirchhofer, Stefan Guggisberg, Marta Herzog, Burkhard Hilty, Knud Jacobsen, Margrit Jäggli, Jakob Jenzer, Max Kämpf, Dagmar Keller / Martin Wittwer, Reto Leibundgut, Jürg Maurer, Christian Megert, Chantal Michel, Claudio Moser, Alexander Müllegg, Anita Nydegger, Helene Pflugshaupt, Clara von Rappard, Ernst Ramseier, Werner Ritter, Lorenzo Salafia, Julie Schätzle, Trudy Schlatter, Anna Gustavine Spühler, Fred Stauffer, Ruth Stauffer, Albert Steiner, Michael Streun, Victor Surbek, Maria Tackmann, Willi Waber, Hugo Wetli.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Studio Naegeli | Gstaad
21. Dezember 2023 – 15. März 2024

On the move
Hannes Schmid, Mikhail Romadin

Nach den weihnachtlichen Preview-Tagen zeigen wir, wie Schmids "American Myth" Cowboys langsam und gentlemanlike den neuen weiblichen Helden von heute weichen, und die "Poets" aus Romadins Leinwänden treten in einen gleichberechtigten Dialog mit seinen "Beauties" aus dem Jahr 2000.

Die Ausstellung zeigt Hannes Schmids Fotografien aus den Serien "Missing Marylin", "El Matador" sowie Aufnahmen von seinen faszinierenden Reisen von Bolivien bis in die Mongolei, Mikhail Romadins zwei ikonische Diptychen "The Beauties" und "The Artists", seine Aquarelle aus Indien, Nepal und den USA sowie Buchillustrationen, die das Bekenntnis zur ewigen Fortbewegung unterstreichen.

Hannes Schmid und Mikhail Romadin teilen beide ihr Interesse an visueller Anthropologie. Nach den Prinzipien der "teilnehmenden Beobachtung" steht hinter jedem Kunstwerk eine eigene Geschichte, die die Künstler mit ihren Protagonisten erleben. "Es genügte mir nicht, eine Geschichte nur zu erleben, ich musste sie auch leben", sagt Hannes Schmid. Mikhail Romadin wandte eine ähnliche Methode an, er malte meist vor Ort und lebte und illustrierte gleichzeitig den gegenwärtigen Moment.

So werden auch Schmids inszenierte Fotografien und Romadins Gemälde, in denen die Grenzen zwischen Fiktion und Realität verschwimmen, zur Dokumentation einer authentischen kulturellen Erfahrung. Dieser inszenierte narrativ-konzeptionelle Ansatz Schmids steht ganz im Zeichen des postmodernen Diskurses über die Authentizität des Fakes und die Originalität der Kopie (Matthias Frehner). Die Detaildichte in Romadins Werk ist beeindruckend, und der Betrachter wird dazu verleitet, jedes Stück einzeln zu betrachten, aber dieser Realismus ist auch trügerisch. Romadin erreicht dies mit einer filmischen Herangehensweise, indem er Nahaufnahmen, ausdrucksstarke Blickwinkel und die Illusion einer filmischen Kompositionsdynamik einsetzt.

Andrej Tarkowskij über Michail Romadin: "Seine (Michail Romadins) schöpferischen Prinzipien verstellen uns nicht den Blick auf die einfachen und entscheidenden Verbindungen zur Realität. Sie sind jedoch nicht so fiktiv, dass wir in diesen Prinzipien nicht eine Tendenz zu einer fruchtbaren emotionalen Dynamik erkennen könnten, die in seinen kreativen Prozess einfliesst".

Matthias Frehner, Kurator der Einzelausstellung von Hannes Schmid im Kunstmuseum Bern, schreibt: "Wenn er (Hannes Schmid) als Fotograf Mitglied einer spezifischen Gruppe und ästhetischen Gemeinschaft wird, bleibt er dabei immer noch Hannes Schmid, der sich an seine eigene ästhetische Vision hält. (...) Die quasiethnologischen Bilder, die so entstehen, sind weder Schnappschüsse noch radikale Inszenierungen. Sie sind vielmehr situative Arrangements von Realitat im entscheidenden Augenblick, am richtigen Ort, mit den richtigen Objekten und Menschen".

Après les journées d'avant-première de Noël, nous montrons comment les cow-boys du "mythe américain" de Schmid cèdent lentement et en gentleman aux nouveaux héros féminins d'aujourd'hui, et les "poètes" des toiles de Romadin entament un dialogue d'égal à égal avec ses "beautés" de l'an 2000.

L'exposition présente les photographies de Hannes Schmid issues des séries "Missing Marylin", "El Matador" ainsi que des clichés de ses fascinants voyages de la Bolivie à la Mongolie, les deux diptyques iconiques de Mikhail Romadin "The Beauties" et "The Artists", ses aquarelles d'Inde, du Népal et des États-Unis ainsi que des illustrations de livres qui soulignent son attachement à la locomotion éternelle.

Hannes Schmid et Mikhail Romadin partagent tous deux leur intérêt pour l'anthropologie visuelle. Selon les principes de "l'observation participante", il y a derrière chaque œuvre d'art une histoire propre que les artistes vivent avec leurs protagonistes. "Il ne me suffisait pas de vivre une histoire, je devais aussi la vivre", explique Hannes Schmid. Mikhail Romadin a utilisé une méthode similaire, il a généralement peint sur place, vivant et illustrant en même temps le moment présent.

Ainsi, les photographies mises en scène de Schmid et les peintures de Romadin, dans lesquelles les frontières entre fiction et réalité s'estompent, deviennent elles aussi la documentation d'une expérience culturelle authentique. Cette approche narrative et conceptuelle mise en scène de Schmid s'inscrit pleinement dans le discours postmoderne sur l'authenticité du faux et l'originalité de la copie (Matthias Frehner). La densité des détails dans l'œuvre de Romadin est impressionnante et le spectateur est amené à observer chaque pièce individuellement, mais ce réalisme est également trompeur. Romadin y parvient par une approche cinématographique, en utilisant des gros plans, des angles de vue expressifs et l'illusion d'une dynamique de composition cinématographique.

Andreï Tarkovski à propos de Mikhaïl Romadin : "Ses (Mikhaïl Romadin) principes créatifs ne nous empêchent pas de voir les liens simples et décisifs avec la réalité. Mais ils ne sont pas fictifs au point que nous ne puissions pas reconnaître dans ces principes une tendance à une dynamique émotionnelle féconde, qui s'inscrit dans son processus créatif".

Matthias Frehner, commissaire de l'exposition individuelle de Hannes Schmid au Kunstmuseum de Berne, écrit : "S'il (Hannes Schmid) devient, en tant que photographe, membre d'un groupe et d'une communauté esthétique spécifiques, il n'en reste pas moins Hannes Schmid, qui s'en tient à sa propre vision esthétique. (...) Les visuels quasi-ethnologiques qui en résultent ne sont ni des instantanés ni des mises en scène radicales. Elles sont plutôt des arrangements situationnels de la réalité au moment décisif, au bon endroit, avec les bons objets et les bonnes personnes".

Dopo i giorni di anteprima natalizia, mostriamo come i cowboy del "Mito Americano" di Schmid cedono lentamente e gentilmente il passo ai nuovi eroi femminili di oggi, e i "Poeti" delle tele di Romadin entrano in dialogo alla pari con le sue "Bellezze" del 2000.

La mostra presenta le fotografie di Hannes Schmid della serie "Missing Marylin", "El Matador" e le fotografie dei suoi affascinanti viaggi dalla Bolivia alla Mongolia, i due iconici dittici di Mikhail Romadin "The Beauties" e "The Artists", i suoi acquerelli dall'India, dal Nepal e dagli Stati Uniti e le illustrazioni di libri che sottolineano il suo impegno per il moto perpetuo.

Hannes Schmid e Mikhail Romadin condividono l'interesse per l'antropologia visiva. Secondo i principi dell'"osservazione partecipante", ogni opera d'arte ha una sua storia che gli artisti vivono con i loro protagonisti. "Per me non era sufficiente vivere una storia, dovevo anche viverla", dice Hannes Schmid. Mikhail Romadin utilizzava un metodo simile; di solito dipingeva sul posto, vivendo e illustrando il momento presente allo stesso tempo.

Le fotografie di Schmid e i dipinti di Romadin, in cui i confini tra finzione e realtà si confondono, diventano così la documentazione di un'autentica esperienza culturale. L'approccio narrativo-concettuale di Schmid è perfettamente in linea con il discorso postmoderno sull'autenticità del falso e sull'originalità della copia (Matthias Frehner). La densità dei dettagli nel lavoro di Romadin è impressionante e lo spettatore è tentato di guardare ogni singolo pezzo, ma questo realismo è anche ingannevole. Romadin ottiene questo risultato con un approccio cinematografico, utilizzando primi piani, angolazioni espressive e l'illusione di dinamiche compositive cinematografiche.

Andrei Tarkovsky su Mikhail Romadin: "I suoi principi creativi (di Mikhail Romadin) non oscurano la nostra visione delle connessioni semplici e decisive con la realtà. Tuttavia, non sono così fittizi da non poter riconoscere in questi principi una tendenza verso una fruttuosa dinamica emotiva che confluisce nel suo processo creativo".

Matthias Frehner, curatore della mostra personale di Hannes Schmid al Kunstmuseum di Berna, scrive: "Anche quando Hannes Schmid, come fotografo, diventa membro di un gruppo specifico e di una comunità estetica, rimane sempre Hannes Schmid, che aderisce alla propria visione estetica. (...) Le immagini quasi-etnologiche che emergono in questo modo non sono né istantanee né messe in scena radicali. Sono piuttosto disposizioni situazionali della realtà nel momento decisivo, nel posto giusto, con gli oggetti e le persone giuste.

After the Christmas preview days, we show how Schmid's "American Myth" cowboys slowly and gentlemanly give way to the new female heroes of today, and the "Poets" from Romadin's canvases enter into an equal dialog with his "Beauties" from the year 2000.

The exhibition shows Hannes Schmid's photographs from the series "Missing Marylin", "El Matador" as well as photographs from his fascinating travels from Bolivia to Mongolia, Mikhail Romadin's two iconic diptychs "The Beauties" and "The Artists", his watercolors from India, Nepal and the USA as well as book illustrations that underline his commitment to eternal locomotion.

Hannes Schmid and Mikhail Romadin both share an interest in visual anthropology. According to the principles of "participant observation", behind each work of art there is a separate story that the artists experience with their protagonists. "It wasn't enough for me to just experience a story, I also had to live it," says Hannes Schmid. Mikhail Romadin used a similar method; he usually painted on location, living and illustrating the present moment at the same time.

Schmid's staged photographs and Romadin's paintings, in which the boundaries between fiction and reality are blurred, thus become documentation of an authentic cultural experience. Schmid's staged narrative-conceptual approach is very much in line with the postmodern discourse on the authenticity of the fake and the originality of the copy (Matthias Frehner). The density of detail in Romadin's work is impressive, and the viewer is tempted to look at each piece individually, but this realism is also deceptive. Romadin achieves this with a cinematic approach, using close-ups, expressive angles and the illusion of a cinematic compositional dynamic.

Andrei Tarkovsky on Mikhail Romadin: "His (Mikhail Romadin's) creative principles do not obscure our view of the simple and decisive connections to reality. However, they are not so fictitious that we cannot recognize in these principles a tendency towards a fruitful emotional dynamic that flows into his creative process".

Matthias Frehner, curator of Hannes Schmid's solo exhibition at the Kunstmuseum Bern, writes: "When he (Hannes Schmid) becomes a member of a specific group and aesthetic community as a photographer, he still remains Hannes Schmid, adhering to his own aesthetic vision. (...) The quasi-ethnological visuals that emerge in this way are neither snapshots nor radical stagings. Rather, they are situational arrangements of reality at the decisive moment, in the right place, with the right objects and people.

(Text: Studio Naegeli, Gstaad)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne

3. Dezember 2023 – 11. Februar 2024

Prix Photoforum 2023

Naara Bahler, Anna-Tia Buss, Jonas Feige, Laura Gauch, Laura Paloma, Mahmoud Khattab, Thomas Annaheim Lambert, Pablo Lerma, Mathilda Olmi, Mikko Rikala, Pedro Rodrigues

Photoforum ist stolz darauf, in der Gruppenausstellung Prix Photoforum 2023 die Arbeiten von elf herausragenden Kunstschaffenden zu präsentieren. Die Positionen beschäftigen sich mit den drängenden Problemen unserer Zeit. Gemeinsam erkunden und erweitern sie die Grenzen dessen, was Fotografie heute ist und sein kann.

Als vielfältige Gruppe von Kunstschaffenden präsentiert jede:r von ihnen eine eigene visuelle Sprache. Was sie gemeinsam haben, ist ihr kritischer Blick auf die Welt um uns herum. Sie nutzen das Medium der Fotografie, um gesellschaftliche Fragestellungen und aktuelle Probleme in der Welt zu hinterfragen. Gleichzeitig erforschen sie, wie sich diese Themen auf persönlicher Ebene auswirken, wobei sie zwischen lokaler, historischer, symbolischer, emotionaler und körperlicher Perspektive navigieren.

Die Teilnehmenden der Ausstellung wurden durch den jährlichen Open Call des Prix Photoforum ausgewählt. 130 Kunstschaffende aus allen Bereichen der Fotografie haben ihre Arbeiten eingereicht. Der Prix Photoforum ist bekannt für seine Offenheit gegenüber Kunstschaffenden aus allen Bereichen der Fotografie, unabhängig von Nationalität, Alter oder Karrierestufe. Unsere Jury, bestehend aus Daniel Blochwitz (freiberuflicher Kurator, Dozent, Publizist und Berater), Federica Chiocchetti (Direktorin Museum of Fine Arts Le Locle), Brigitte Lustenberger (Künstlerin, Fotohistorikerin, Vorstandsmitglied), Yann Mingard (Fotograf, Vorstandsmitglied) und Amélie Schüle (Direktorin Photoforum), die elf Positionen für die Ausstellung sowie die diesjährigen Preisträgerinnen Laura Gauch (1. Preis) und Naara Bahler (2. Preis) ausgewählt.

Le Photoforum est fier de présenter, dans l’exposition collective Prix Photoforum 2023, les œuvres de onze artistes exceptionnelles. Ces artistes abordent les problèmes pressants de notre époque et, ensemble, explorent et élargissent les limites de ce que la photographie est et peut être aujourd’hui.

En tant que groupe diversifié, chaque artiste présente son propre langage visuel. Ce qui les unit, c’est leur regard critique sur le monde qui nous entoure en utilisant le médium de la photographie pour remettre en question les problématiques sociétales et les enjeux actuels. Parallèlement, leurs projets explorent comment ces thèmes ont un impact au niveau personnel, en naviguant entre des perspectives locales, historiques, symboliques, émotionnelles et corporelles.

Les participantes à l'exposition ont été sélectionnés par le biais de l'appel ouvert annuel du Prix Photoforum. 130 artistes de tous horizons de la photographie ont soumis leurs œuvres. Le Prix Photoforum est reconnu pour son ouverture envers les artistes de tous horizons de la photographie, indépendamment de leur nationalité, de leur âge ou de leur stade de carrière. Notre jury, composé de Daniel Blochwitz (commissaire d'exposition indépendant, enseignant, écrivain et conseiller), Federica Chiocchetti (directrice du Musée des Beaux-Arts du Locle), Brigitte Lustenberger (artiste, historienne de la photographie, membre du comité), Yann Mingard (photographe, membre du comité) et Amélie Schüle (directrice du Photoforum), a sélectionné onze projets pour l'exposition ainsi que les lauréates de cette année, Laura Gauch (1er prix) et Naara Bahler (2e prix).

Photoforum è orgoglioso di presentare il lavoro di undici artisti di spicco nella mostra collettiva Prix Photoforum 2023. Le posizioni affrontano i problemi urgenti del nostro tempo. Insieme, esplorano ed espandono i confini di ciò che la fotografia è e può essere oggi.

Essendo un gruppo eterogeneo di artisti, ognuno di loro presenta un proprio linguaggio visivo. Ciò che li accomuna è la loro visione critica del mondo che ci circonda. Usano il mezzo fotografico per analizzare le questioni sociali e i problemi attuali del mondo. Allo stesso tempo, esplorano il modo in cui questi problemi si manifestano a livello personale, navigando tra prospettive locali, storiche, simboliche, emotive e fisiche.

I partecipanti alla mostra sono stati selezionati attraverso l'Open Call annuale del Prix Photoforum. 130 artisti di tutti i settori della fotografia hanno presentato le loro opere. Il Prix Photoforum è noto per la sua apertura agli artisti di tutti i settori della fotografia, indipendentemente dalla nazionalità, dall'età o dalla fase della carriera. La nostra giuria, composta da Daniel Blochwitz (curatore freelance, docente, pubblicista e consulente), Federica Chiocchetti (direttrice del Museo di Belle Arti di Le Locle), Brigitte Lustenberger (artista, storica della fotografia, membro del consiglio di amministrazione), Yann Mingard (fotografo, membro del consiglio di amministrazione) e Amélie Schüle (direttrice di Photoforum), ha selezionato le undici posizioni per la mostra e i vincitori del premio di quest'anno Laura Gauch (1° premio) e Naara Bahler (2° premio).

Photoforum is proud to present, in the group exhibition Prix Photoforum 2032, the works of eleven outstanding artists. These artists address the pressing issues of our time. Together, they explore and expand the boundaries of what photography is and can be today.

As a diverse group of artists, each of them presents their own visual language. What unites them is their critical view of the world around us. They use the medium of photography to question societal issues and current challenges in the world. At the same time, they explore how these themes impact on a personal level, navigating between local, historical, symbolic, emotional, and physical perspectives.

The participants in the exhibition were selected through the annual open call of Prix Photoforum. 130 artists from all areas of photography submitted their works. Prix Photoforum is known for its openness to artists from all fields of photography, regardless of nationality, age, or career stage. Our jury, consisting of Daniel Blochwitz (freelance curator, lecturer, writer, and consultant), Federica Chiocchetti (Director of the Museum of Fine Arts Le Locle), Brigitte Lustenberger (artist, photo historian, board member), Yann Mingard (photographer, board member), and Amelie Schüle (Director of Photoforum), selected eleven positions for the exhibition, as well as this year's awardees, Laura Gauch (1st prize) and Naara Bahler (2nd prize).

(Text: Amelie Schüle, Direktorin Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Zentrum Paul Klee | Bern
10. November 2023 - 25. Februar 2024

Montierte Welten
Hannah Höch

Die deutsche Künstlerin Hannah Höch gehört zu den Erfinder:innen des Gen-res der Collage. Die Ausstellung im Zentrum Paul Klee stellt diese Werkgat-tung, von Hannah Höch im Geist des Dadaismus auch Fotomontagen genannt, ins Zentrum – und zeigt diese im Dialog mit dem avantgardistischen Kino der 1920er-Jahre. Hannah Höch verstand das Medium Fotomontage als eng mit dem Film verwandt – als statische Filme auf Papier, die mit Hilfe von Schnitt und Komposition neue Blicke auf die Welt ermöglichen können. Erstmals geht eine Ausstellung Höchs Faszination für das damals neuartige Massen-medium Film nach und macht sichtbar, wie sich die Fotomontage als neuarti-ge, im Kern moderne Bildgattung im Spannungsfeld zwischen künstleri-schem Experiment, kommerzieller Verwertung und politischer Vereinnah-mung entwickelte.

L'artiste allemande Hannah Höch fait partie des inventeurs du genre du collage. L'exposition du Zentrum Paul Klee transmet ce type d'œuvre, également appelé photomontage par Hannah Höch dans l'esprit du dadaïsme, et le montre en dialogue avec le cinéma d'avant-garde des années 1920. Hannah Höch considérait le médium du photomontage comme étroitement apparenté au film - comme des films statiques sur papier qui, à l'aide du montage et de la composition, peuvent offrir de nouveaux regards sur le monde. Pour la première fois, une exposition retrace la fascination de Höch pour le nouveau média de masse qu'était le film à l'époque et montre comment le photomontage s'est développé en tant que nouveau genre d'image fondamentalement moderne, à la croisée de l'expérimentation artistique, de l'exploitation commerciale et de l'appropriation politique.

L'artista tedesca Hannah Höch è una delle inventrici del genere collage. La mostra al Zentrum Paul Klee si concentra su questo genere di lavoro, chiamato anche fotomontaggio da Hannah Höch nello spirito del dadaismo, e lo mostra in dialogo con il cinema d'avanguardia degli anni Venti. Per Hannah Höch il mezzo del fotomontaggio è strettamente legato al cinema, come film statici su carta che, con l'aiuto del montaggio e della composizione, possono fornire nuove visioni del mondo. Per la prima volta, una mostra esplora la fascinazione di Höch per l'allora nuovo mezzo di massa del cinema e rende visibile come il fotomontaggio si sia sviluppato come un nuovo genere di immagine essenzialmente moderno nel campo della tensione tra esperimento artistico, sfruttamento commerciale e appropriazione politica.

The German artist Hannah Höch is one of the inventors of the collage genre. The exhibition at the Zentrum Paul Klee focuses on this genre of works, also called photomontages by Hannah Höch in the spirit of Dadaism - and shows them in dialogue with the avant-garde cinema of the 1920s. Hannah Höch understood the medium of photomontage as closely related to film - as static films on paper that, with the help of editing and composition, could provide new views of the world. For the first time, an exhibition explores Höch's fascination with the then novel mass medium of film and makes visible how photomontage developed as a new, essentially modern genre of image in the field of tension between artistic experiment, commercial exploitation, and political appropriation.

(Text: Zentrum Paul Klee, Bern)

Musée jurassien des Arts | Moutier
1. - 29. Oktober 2023

REGARDS

Jean-Louis Steiner, Michel Beuret, Serge Voisard, Claude Gigandet, Dominique Ruch, René Eschen, Michèle Moser, Catherine Frei, Serge Büschi, Alain Saunier, Stéphanie Grava, Fabrice Calgaro, Muriel Schüpbach, Arnold Fleury, Danilo Corvaglia, Edmond Montavon, Alexandra Schaffter, Suzanne Houriet Grosjean, Anne-Marie Varrin, Laurent Schaffter, Philippe Wattenhofer, Lena Ruffieux, Riccardo Vandoni, Michel Cattin, Philippe Maurer, Antonio De Pascalis, Henri Kolzer

Anlässlich des 60-jährigen Bestehens des Photo Club Moutier veranstaltet das MJA die Jubiläumsausstellung "REGARDS".

Diese Gruppenausstellung umfasst fast 300 fotografische Aufnahmen, die von den 28 teilnehmenden Mitgliedern des Photo Club Moutier und Umgebung gemacht wurden.

Alle Räume des Museums werden bespielt. Der große Saal bietet den Fotografen einen Raum für freie Meinungsäußerung. Jeder präsentiert dort ein freies Thema, das es ihm ermöglicht, seine künstlerische Sensibilität und sein geschultes Auge unter Beweis zu stellen.

Die Villa Bechler beherbergt Fotografien, die unter mehreren vorgegebenen Themen zusammengefasst sind: Natur, Industrie, Landwirtschaft, Städtebau, Umweltverschmutzung und Energie. Diese Themen sind brandaktuell und laden die Fotografen dazu ein, ihre Objektive auf die Welt um uns herum und die großen Herausforderungen unserer Zeit zu richten.

unserer Zeit.

Eine Ausstellung, um sich von einer Vielzahl von Blickwinkeln inspirieren zu lassen, die Region (neu) zu entdecken oder in neue Landschaften zu reisen.

A l’occasion des 60 ans d’existence du Photo Club Moutier, le MJA accueille l’exposition anniversaire « REGARDS ».

Cette exposition collective rassemble près de 300 clichés photographiques réalisés par les 28 membres participants du Photo Club Moutier et environs.

L’ensemble des salles du Musée est investi. La grande salle offre un espace d’expression libre aux photographes. Chacun y présente un sujet libre permettant de démontrer sa sensibilité artistique et son œil avisé.

La villa Bechler abrite des photographies rassemblées sous plusieurs thématiques imposées : nature, industrie, agriculture, urbanisme, pollution et énergie. Ces sujets, brulants d’actualité, invitent les photographes à pointer leurs objectifs sur le monde qui nous entoure et les grands enjeux de notre temps.

Une exposition pour se nourrir d’une multitude de regards, (re)découvrir la région ou voyager dans de nouveaux paysages.

In occasione del 60° anniversario del Foto Club Moutier, il MJA ospita la mostra "REGARDS".

Questa mostra collettiva riunisce quasi 300 fotografie scattate dai 28 membri del Foto Club di Moutier e dintorni.

Saranno utilizzate tutte le sale del Museo. La grande sala ha offerto ai fotografi la possibilità di esprimersi liberamente. Ogni fotografo era libero di scegliere un soggetto che mettesse in mostra la sua sensibilità artistica e il suo occhio esigente.

La Villa Bechler ospita fotografie raggruppate sotto alcuni temi obbligatori: natura, industria, agricoltura, urbanistica, inquinamento ed energia. Si tratta di temi di grande attualità, che invitano i fotografi a focalizzare il loro obiettivo sul mondo che ci circonda e sulle principali questioni del nostro tempo.

È una mostra in cui è possibile ammirare un'ampia gamma di punti di vista, (ri)scoprire la regione o viaggiare attraverso nuovi paesaggi.

To mark the 60th anniversary of the Photo Club Moutier, the MJA is hosting the anniversary exhibition "REGARDS".

This collective exhibition brings together almost 300 photographs taken by the 28 participating members of the Photo Club Moutier et environs.

All the Museum's rooms are occupied. The main hall offers free expression to the photographers. Each photographer presents a free subject, demonstrating his or her artistic sensibility and discerning eye.

The Villa Bechler houses photographs grouped under a number of imposed themes: nature, industry, agriculture, urbanism, pollution and energy. These subjects are highly topical, inviting photographers to focus their lenses on the world around us and the major issues of our time.

An exhibition to feed on a multitude of viewpoints, (re)discover the region or travel through new landscapes.

(Text: Musée jurassien des Arts, Moutier)

Kunstraum Juraplatz | Biel/Bienne
29. Juli - 19. August 2023

Eine Reise der Kontinuität und Transformation
Martin Kharumwa

Das Aufkommen der Fotografie in den 1900er Jahren war für die visuelle Kultur ein bedeutender Sprung nach vorn und überbrückte die Kluft zwischen Kunst und Technologie. Im Laufe der Jahre hat sich die Fotografie immer wieder an neue Innovationen angepasst, traditionelle Vorstellungen von Kunst in Frage gestellt und gleichzeitig ihren Kern als kraftvolles Ausdrucksmedium bewahrt.

Im 21. Jahrhundert taucht eine neue technologische Innovation auf: Künstliche Intelligenz (KI). So wie die Fotografie die Wahrnehmung von Kunst verändert hat, hat die KI begonnen, die Art und Weise, wie wir heute Kunst schaffen und mit ihr interagieren, neu zu gestalten. KI-Algorithmen können riesige Bilddatenmengen analysieren und dabei lernen, scheinbar originelle Kunstwerke zu schaffen, künstlerische Stile zu imitieren oder Fotos durch ausgefeilte Bildverarbeitungstechniken zu verbessern. Während die KI-Bildgebung Fragen über das Wesen von Kreativität und Urheberschaft aufwirft, eröffnet sie Künstlern auch spannende Möglichkeiten.

Die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und KI-Algorithmen verwischt die Beziehung zwischen traditionellen Kunstformen und der digitalen Welt und verschiebt die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks auf noch nie dagewesene Weise.

Heute, da die KI die Landschaft aller visuellen Kreationen umgestaltet.

Ich hoffe, dass diese Ausstellung Gespräche anregt, die Fantasie beflügelt und zum Nachdenken über die tiefgreifenden Auswirkungen von Fotografie und KI auf die Welt der Kunst anregt.

L'avènement de la photographie dans les années 1900 a constitué un bond en avant pour la culture visuelle, comblant le fossé entre l'art et la technologie. Au fil des ans, la photographie s'est continuellement adaptée aux nouvelles innovations, remettant en question les notions traditionnelles de l'art tout en préservant son essence même en tant que puissant moyen d'expression.

Au XXIe siècle, une nouvelle innovation technologique fait son apparition : l'intelligence artificielle (IA) : L'intelligence artificielle (IA). Tout comme la photographie a bouleversé la perception de l'art, l'imagerie IA a commencé à remodeler la façon dont nous créons et interagissons avec l'art aujourd'hui. Les algorithmes d'IA peuvent analyser de vastes ensembles de données d'images et apprendre à générer des œuvres d'art apparemment originales, à imiter des styles artistiques ou à améliorer des photographies grâce à des techniques sophistiquées de traitement de l'image.

Si l'imagerie artificielle soulève des questions sur la nature de la créativité et de la paternité des œuvres, elle ouvre également des perspectives passionnantes pour les artistes.

Les collaborations entre les artistes et les algorithmes d'IA brouillent la relation entre les formes d'art traditionnelles et le domaine numérique, repoussant les limites de l'expression artistique de manière inédite.

Aujourd'hui, l'imagerie IA redessine le paysage de la création visuelle.

J'espère que cette exposition suscitera des conversations, stimulera l'imagination et encouragera la réflexion sur l'impact profond de la photographie et de l'IA sur le monde de l'art.

La nascita della fotografia nel 1900 ha rappresentato un significativo salto in avanti per la cultura visiva, colmando il divario tra arte e tecnologia. Nel corso degli anni, la fotografia ha continuato ad adattarsi alle nuove innovazioni, sfidando le nozioni tradizionali di arte, pur mantenendo il suo nucleo di potente mezzo di espressione.

Nel 21° secolo sta emergendo una nuova innovazione tecnologica: L'intelligenza artificiale (AI). Così come la fotografia ha cambiato la percezione dell'arte, l'IA ha iniziato a rimodellare il modo in cui oggi creiamo e interagiamo con l'arte. Gli algoritmi di IA possono analizzare grandi quantità di dati di immagini, imparando a creare opere d'arte apparentemente originali, imitando stili artistici o migliorando le fotografie attraverso sofisticate tecniche di elaborazione delle immagini. Se da un lato l'intelligenza artificiale solleva interrogativi sulla natura della creatività e della paternità, dall'altro apre possibilità interessanti per gli artisti.

La collaborazione tra artisti e algoritmi di IA sta rendendo sempre più confusa la relazione tra le forme d'arte tradizionali e il mondo digitale, spingendo i confini dell'espressione artistica in modi mai visti prima.

Oggi, mentre l'IA rimodella il paesaggio di tutte le creazioni visive.

La mia speranza è che questa mostra possa stimolare la conversazione, ispirare l'immaginazione e provocare riflessioni sul profondo impatto della fotografia e dell'IA sul mondo dell'arte.

The emergence of photography in the 1900s was a significant leap forward for visual culture, bridging the gap between art and technology. Over the years, photography has continued to adapt to new innovations, challenging traditional notions of art while maintaining its core as a powerful medium of expression.

In the 21st century, a new technological innovation is emerging: Artificial Intelligence (AI). Just as photography changed the perception of art, AI has begun to reshape the way we create and interact with art today. AI algorithms can analyze massive amounts of image data, learning to create seemingly original works of art, mimic artistic styles, or enhance photographs through sophisticated image processing techniques. While AI imaging raises questions about the nature of creativity and authorship, it also opens up exciting possibilities for artists.

Collaboration between artists and AI algorithms is blurring the relationship between traditional art forms and the digital world, pushing the boundaries of artistic expression in unprecedented ways.

Today, as AI reshapes the landscape of all visual creations.

It is my hope that this exhibition will spark conversation, inspire imagination, and provoke thought about the profound impact photography and AI are having on the world of art.

(Text (d,f): Kunstraum Juraplatz, Biel/Bienne)

Galerie Bernhard Bischoff & Partner | Bern
29. Juli - 11. August 2023

Imaginatio: innere Welten im Gespräch
Giulia Schlüchter und Tim Rod

Die Galerie Bernhard Bischoff & Partner erstmals ihre Räumlichkeiten dem jungen Linking Art Collective zur Verfügung.

In der bevorstehenden Ausstellung «Imaginatio: innere Welten im Gespräch»wird die innere Landschaft, die imaginierte Welt, die wir alle in uns wissen, als Thema aufgegriffen. Die beiden künstlerischen Positionen Giulia Schlüchter und Tim Rod beschäftigen sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema. Es entsteht ein Kontrast, der konzeptuell und medial angelegt ist. Die Grenzen von Imagination und Realität werden unscharf. Dies spiegelt sich auch in den Kunstwerken, die durch ihre abstrakten Formen einen Zugang zur inneren Welt schaffen. Die Zeichnungen von Giulia Schlüchter eröffnen den Betrachter*innen fantastische Landschaften. Gespeist werden diese durch Eindrücke, die die Künstlerin in ihrem Alltag sammelt. Im Gegensatz dazu hält Tim Rod seine Umwelt fotografisch fest. Durch die Verarbeitung dieser Aufnahmen zu Collagen fliesst seine Imagination in die Werke ein. Die Kunstschaffenden beschäftigen sich, über ihre Werke hinaus, auch auf einer theoretischen Ebene mit dem Thema. Dies dokumentieren die im letzten halben Jahr mit ihnen geführten Interviews. Dank dieser Gespräche lässt sich die «innere Welt» der Künstler*innen ungezwungen entdecken und wird so als wichtige Ergänzung zu den Kunstwerken in der Ausstellung sichtbar. Durch die Verwendung der Interviews als Methode, die auch in den Kunstwissenschaften zur Anwendung kommt, schlägt das Ausstellungsprojekt eine Brücke zwischen Theorie und Praxis. Das Interview dient also einerseits als mögliche Strategie, mittels der Intention der Kunstschaffenden in ein Werk einzutauchen. Als wissenschaftliche Methode bietet es andererseits eine mögliche Basis für zukünftige kunsthistorische Betrachtung und Einordnung der künstlerischen Positionen.

L'exposition à venir "Imaginatio : des mondes intérieurs en conversation" a pour thème le paysage intérieur, le monde imaginé que nous connaissons tous en nous. Les deux positions artistiques de Giulia Schlüchter et Tim Rod traitent ce thème de manière différente. Il en résulte un contraste qui est à la fois conceptuel et médiatique. Les frontières entre l'imagination et la réalité deviennent floues. Cela se reflète également dans les œuvres d'art qui, par leurs formes abstraites, donnent accès au monde intérieur. Les dessins de Giulia Schlüchter ouvrent aux spectateurs* des paysages fantastiques. Ceux-ci sont alimentés par les impressions que l'artiste recueille dans son quotidien. Tim Rod, quant à lui, prend des photos de son environnement. En transformant ces prises de vue en collages, son imagination s'intègre dans les œuvres. Au-delà de leurs œuvres, les artistes se penchent également sur le sujet à un niveau théorique. Les entretiens menés avec eux au cours des six derniers mois en témoignent. Grâce à ces entretiens, le "monde intérieur" des artistes se laisse découvrir sans contrainte et devient ainsi un complément important aux œuvres d'art dans l'exposition. En utilisant les interviews comme méthode, également appliquée dans les sciences de l'art, le projet d'exposition jette un pont entre la théorie et la pratique. L'interview sert donc d'une part de stratégie possible pour se plonger dans une œuvre par le biais de l'intention des artistes. En tant que méthode scientifique, elle offre d'autre part une base possible pour une future observation de l'histoire de l'art et une classification des positions artistiques.

Nella prossima mostra "Imaginatio: mondi interiori in conversazione", il paesaggio interiore, il mondo immaginario che tutti conosciamo dentro di noi, viene ripreso come tema. Le due posizioni artistiche di Giulia Schlüchter e Tim Rod affrontano il tema in modi diversi. Il risultato è un contrasto concettuale e mediale. I confini tra immaginazione e realtà si confondono. Questo si riflette anche nelle opere d'arte, che creano un accesso al mondo interiore attraverso le loro forme astratte. I disegni di Giulia Schlüchter aprono allo spettatore paesaggi fantastici. Sono alimentati dalle impressioni che l'artista raccoglie nella sua vita quotidiana. Tim Rod, invece, cattura il suo ambiente fotograficamente. Elaborando queste fotografie in collage, la sua immaginazione confluisce nelle opere. Al di là delle loro opere, gli artisti affrontano il tema anche a livello teorico. Ciò è documentato dalle interviste condotte con loro negli ultimi sei mesi. Grazie a queste interviste, il "mondo interiore" degli artisti può essere scoperto senza costrizioni e diventa così visibile come un importante complemento alle opere in mostra. Utilizzando le interviste come metodo applicato anche agli studi d'arte, il progetto espositivo getta un ponte tra teoria e pratica. Così, da un lato, l'intervista serve come possibile strategia per immergersi in un'opera d'arte attraverso l'intenzione dell'artista. Dall'altro, come metodo scientifico, offre una possibile base per la futura osservazione storico-artistica e la classificazione delle posizioni artistiche.

In the upcoming exhibition "Imaginatio: inner worlds in conversation "the inner landscape, the imagined world that we all know inside us, is taken up as a theme. The two artistic positions Giulia Schlüchter and Tim Rod deal with the topic in different ways. A contrast emerges that is conceptual and medial. The boundaries between imagination and reality become blurred. This is also reflected in the artworks, which create access to the inner world through their abstract forms. Giulia Schlüchter's drawings open up fantastic landscapes to the viewer. They are fed by impressions that the artist collects in her everyday life. In contrast, Tim Rod captures his environment photographically. By processing these photographs into collages, his imagination flows into the works. Beyond their works, the artists also deal with the subject on a theoretical level. This is documented by the interviews conducted with them over the past six months. Thanks to these interviews, the artists' "inner world" can be discovered without constraint and thus becomes visible as an important complement to the artworks in the exhibition. By using interviews as a method that is also applied in art studies, the exhibition project builds a bridge between theory and practice. Thus, on the one hand, the interview serves as a possible strategy for immersing oneself in a work of art by means of the intention of the artist. On the other hand, as a scientific method, it offers a possible basis for future art-historical observation and classification of the artistic positions.

(Text: Galerie Bernhard Bischoff & Partner, Bern)

Photoforum Pasquart | Biel
1. Juli - 27. August 2023

Back up the future - Fotografien aus der Kunstsammlung der Stadt Biel

23 Jahre jung war der Fotograf Peter Maurer, als er 1986 in Biel/Bienne die Fotoserie «Reise in die Zukunftsstadt» realisierte. Es war seine Eingabe für einen Wettbewerb zum Thema «Zukunft», möglicherweise ausgeschrieben von der Stadt – ganz sicher ist sich Peter Maurer nicht mehr, nicht nach so langer Zeit. Er habe sogar in der Gegend von Biel gewohnt in jenem Jahr, erinnert sich Maurer, er habe ein Praktikum absolviert bei einem Meister der Schweizer Fotografie-Szene, bei Heini Stucki. Mit seiner verträumt-dynamischen Selbstinszenierung als Handelsreisender auf dem Sprung in die Bieler Stadtlandschaft – in eine lichtdurchflutete Zukunftsvision – entschied Peter Maurer den Wettbewerb für sich und konnte CHF 3000 Preisgeld einstreichen – «damals eine Menge Geld», lacht Maurer. Die Fotos wurden dann im Photoforum Pasquart ausgestellt, das gerade sein dreijähriges Bestehen feierte, und in der Folge von der Kunstkommission der Stadt Biel/Bienne angekauft.

Nun ziert eine Fotografie aus Maurers Serie das Plakat der Sommerausstellung des Photoforums mit dem Titel BACK UP THE FUTURE, die in Zusammenarbeit mit der Dienststelle für Kultur entstanden ist. Das Photoforum hat den Bieler Künstler und Fotograf Thalles Piaget, selber kaum älter als es Peter Maurer 1986 war, mit der Aufgabe betraut, eine subjektive Auswahl aus den 2485 fotografischen Werken zu treffen, die in der Kunstsammlung der Stadt Biel/Bienne gelistet sind. Mit seinem frischen und professionellen Blick sowie einem untrüglichen Gespür für fotografische Qualitäten hat er einen ebenso reichhaltigen wie überraschenden Bilderbogen gespannt, von Porträts aus dem 19. Jahrhundert bis zu zeitgenössischer Fotokunst. Vor dem Hintergrund der Stadt Biel/Bienne vereint die Ausstellung sowohl bekannte Bieler Namen wie Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Guadeloupe Ruiz Françoise und Daniel Cartier, Rolf Neeser oder Eric Sandmeier mit internationalen Grössen wie Christian Vogt, Mathieu Gafsou, Raphael Hefti, Oscar Wiggli, Ernst und Margrit Baumann sowie weniger bekannten oder schon wieder vergessenen künstlerischen Positionen. Zudem hat Thalles Piaget einige überraschende Entdeckungen gemacht, so eine Portraitfotografie aus der Kamera der ehemaligen Direktorin des Photoforums und jetzigen Leiterin des Centre de la Photographie in Genf, Danaé Panchaud, oder eine Diaserie von Taiyo Onorato & Nico Krebs, entstanden für und ausgestellt an den Bieler Fototagen vor einigen Jahren. Die Kunstsammlung der Stadt Biel/Bienne entpuppt sich so als reichhaltiges lokales «Back-Up» eines Mediums, das wie kaum ein anderes unsere Gesellschaft geprägt hat und sich stetig weiterentwickelt.

Ein grosser Dank geht an die Dienststelle für Kultur der Stadt Biel/Bienne für den Support, insbesondere an Hannah Külling für die grossartige Zusammenarbeit!

Le photographe Peter Maurer avait 23 ans lorsqu’il a réalisé la série de photos « Voyage dans la ville du futur » à Biel/Bienne en 1986. C’était son projet pour un concours sur le thème de l’avenir, peut-être organisé par la ville – Peter Maurer n’en est plus tout à fait sûr après tant de temps. Il habitait dans la région de Bienne cette année-là et faisait un stage chez un maître de la scène photographique suisse, Heini Stucki. Avec sa mise en scène rêveuse et dynamique de lui-même en tant que voyageur de commerce sur le point d’entrer dans le paysage urbain de Bienne – dans une vision d’avenir inondée de lumière – Peter Maurer a remporté le concours et a pu empocher 3000 CHF de prix – « beaucoup d’argent à l’époque », rit Maurer. Les photos ont ensuite été exposées au Photoforum Pasquart, qui venait de fêter ses trois ans d’existence, avant d’être achetées par la commission artistique de la ville de Biel/Bienne.

Aujourd’hui, une photographie de la série de Maurer orne l’affiche de l’exposition d’été du Photoforum intitulée BACK UP THE FUTURE, réalisée en collaboration avec le Service de la culture. Le Photoforum a confié à l’artiste et photographe biennois Thalles Piaget (à peine plus âgé que Peter Maurer en 1986) la tâche de faire une sélection subjective parmi les 2485 œuvres photographiques répertoriées dans la collection d’art de la ville de Biel/Bienne. Avec son regard frais et professionnel ainsi qu’un flair infaillible pour les qualités photographiques, il a tissé un arc d’images aussi riche que surprenant, des portraits du 19ème siècle à l’art photographique contemporain. Avec la ville de Biel/Bienne en toile de fond, l’exposition réunit aussi bien des noms biennois connus comme Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Raphael Hefti, Françoise et Daniel Cartier, Rolf Neeser ou Eric Sandmeier que des grands noms internationaux comme Christian Vogt, Matthieu Gafsou, Oscar Wiggli, Ernst et Margrit Baumann ainsi que des positions artistiques moins connues ou déjà oubliées. De plus, Thalles Piaget a fait quelques découvertes surprenantes, comme une photographie de portrait prise par l’ancienne directrice du Photoforum et actuelle directrice du Centre de la Photographie à Genève, Danaé Panchaud, ou une série de diapositives de Taiyo Onorato & Nico Krebs, réalisées pour les Journées photographiques de Bienne il y a quelques années. La collection d’art de la ville de Biel/Bienne se révèle ainsi être un riche « back-up » local d’un média qui a façonné notre société comme peu d’autres et qui continue à évoluer.

Un grand merci au Service de la culture de la ville de Biel/Bienne pour son soutien, en particulier à Hannah Külling pour la formidable collaboration ! 

Il fotografo Peter Maurer aveva 23 anni quando realizzò la serie fotografica "Viaggio nella città del futuro" a Biel/Bienne nel 1986. Si trattava della sua partecipazione a un concorso sul tema "Futuro", forse indetto dalla città - Peter Maurer non ne è più sicuro, non dopo tanto tempo. Quell'anno, ricorda Maurer, visse addirittura nella zona di Bienne, dove fece uno stage con un maestro della scena fotografica svizzera, Heini Stucki. Con il suo ritratto sognante e dinamico di un commesso viaggiatore che balza nel paesaggio urbano di Bienne, in una visione del futuro inondata di luce, Peter Maurer vinse il concorso e incassò un premio di 3000 franchi svizzeri: "un sacco di soldi a quei tempi", ride Maurer. Le foto furono esposte al Photoforum Pasquart, che aveva appena festeggiato il suo terzo anniversario, e successivamente acquistate dalla Commissione artistica della città di Biel/Bienne.

Ora una fotografia della serie di Maurer adorna il poster della mostra estiva del Photoforum intitolata BACK UP THE FUTURE, realizzata in collaborazione con il Dipartimento della Cultura. Il Photoforum ha affidato all'artista e fotografo biellese Thalles Piaget, lui stesso poco più anziano di Peter Maurer nel 1986, il compito di effettuare una selezione soggettiva tra le 2485 opere fotografiche presenti nella collezione d'arte della città di Biel/Bienne. Con il suo occhio fresco e professionale e un senso infallibile per le qualità fotografiche, ha spaziato su un arco di immagini altrettanto ricco e sorprendente, dai ritratti del XIX secolo all'arte fotografica contemporanea. Sullo sfondo della città di Biel/Bienne, la mostra riunisce nomi noti di Biel/Bienne come Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Guadalupe Ruiz Françoise e Daniel Cartier, Rolf Neeser o Eric Sandmeier con grandi nomi internazionali come Christian Vogt, Mathieu Gafsou, Raphael Hefti, Oscar Wiggli, Ernst e Margrit Baumann e posizioni artistiche meno note o già dimenticate. Inoltre, Thalles Piaget ha fatto alcune scoperte sorprendenti, come un ritratto fotografico proveniente dalla macchina dell'ex direttore del Photoforum e attuale direttore del Centre de la Photographie di Ginevra, Danaé Panchaud, o una serie di diapositive di Taiyo Onorato & Nico Krebs, create per il Bieler Fototage ed esposte qualche anno fa. La collezione d'arte della città di Biel/Bienne si rivela quindi un ricco "back-up" locale di un mezzo che ha plasmato la nostra società come nessun altro ed è in continua evoluzione.

Un grande ringraziamento va all'Assessorato alla Cultura della Città di Biel/Bienne per il supporto, in particolare ad Hannah Külling per la grande collaborazione!

23 years young, photographer Peter Maurer realized the photo series “Journey to the Future City” in 1986 in Biel/Bienne. It was his entry for a competition on the theme of “Future”, possibly announced by the city – Peter Maurer is no longer quite sure, not after so long. He even lived in the Biel area that year, Maurer remembers, and did an internship with a master of the Swiss photography scene, Heini Stucki. With his dreamy, dynamic self-staging as a traveling salesman leaping into the Biel cityscape – into a light-flooded vision of the future – Peter Maurer won the competition and collected CHF 3,000 in prize money – “a lot of money in those days,” Maurer laughs. The photos were then exhibited at Photoforum Pasquart, which had just celebrated its third anniversary, and subsequently purchased by the art commission of the city of Biel/Bienne.

Now, a photograph from Maurer’s series adorns the poster for the Photoforum’s summer exhibition titled BACK UP THE FUTURE, produced in collaboration with the Office of Culture. The Photoforum has entrusted Biel artist and photographer Thalles Piaget, himself barely older than Peter Maurer was in 1986, with the task of making a subjective selection from the 2485 photographic works listed in the art collection of the city of Biel/Bienne. With his fresh and professional eye as well as an unerring sense for photographic qualities, he has spanned an arch of images that is as rich as it is surprising, from portraits from the 19th century to contemporary photographic art. Against the backdrop of the city of Biel/Bienne, the exhibition brings together well-known Biel/Bienne names such as Christian Staub, Heini Stucki, Jeanne Chevalier, Alexander Jaquemet, Guadeloupe Ruiz Françoise and Daniel Cartier, Rolf Neeser or Eric Sandmeier with international greats such as Christian Vogt, Mathieu Gafsou, Raphael Hefti, Oscar Wiggli, Ernst and Margrit Baumann as well as lesser-known or already forgotten artistic positions. In addition, Thalles Piaget has made some surprising discoveries, such as a portrait photograph from the camera of the former director of the Photoforum and current director of the Centre de la Photographie in Geneva, Danaé Panchaud, or a slide series by Taiyo Onorato & Nico Krebs, created for and exhibited at the Bieler Fototage a few years ago. The art collection of the city of Biel/Bienne thus turns out to be a rich local “back-up” of a medium that has shaped our society like hardly any other and is constantly evolving.

A big thank you goes to the Department of Culture of the City of Biel/Bienne for the support, especially to Hannah Külling for the great cooperation.

(Text: Photoforum Pasquart, Biel)

Kunstmuseum Thun
10. Juni - 3. September 2023

Deep Rivers Run Quiet
Reena Saini Kallat

Reena Saini Kallat beschäftigt sich in ihren multimedialen Werken unter anderem mit nationalen und geo­ grafischen Grenzen. Sie fokussiert dabei geopolitische Grenzkonflikte und deren Auswirkungen auf Umwelt und Mensch. Ihre Arbeiten thematisieren insbesondere Konflikte um Wasser sowie die menschverursachte Wasserknappheit in Grenzgebieten und Kulturlandschaften. Darüber hinaus zeigt die Künstlerin eindrück­ lich, welche Konsequenzen die koloniale Geschichte auf das Schicksal der Menschen in Grenzregionen hat, sichtbar beispielsweise bis heute an deren «Narben» in Pakistan und Indien. Die Künstlerin befasst sich nicht nur mit umkämpften Territorialgrenzen, sondern auch mit sozialen und psychologischen Barrieren. Sie selbst ist von der Trennung ihrer Familie durch die Emigration aus Lahore (Pakistan) betroffen. Über Materi­ alien, u.a. Elektrodraht, lässt sie gewaltsame Trennung wie auch die verbindende Funktion des Drahts spür­ bar werden.

In der Werkgruppe Siamese Trees (2018-19), ist der Elektrodraht die Basis für geflochtene Baumobjekte, die in ihrer Form «Grüne Lungen» verbildlichen. Draht ist hier vor allem leitendes Medium, das analog der Blut­ gefässe im menschlichen Körper die Nährstoffe einer hybriden Pflanzenart aufnimmt.

In Werkgruppen zum Thema Nationalstaat und den teilweise absurden Bedeutungen nationaler Symbole be­ fasst sich die Künstlerin mit der typischen Flora und Fauna von miteinander in Konflikt stehenden National­ staaten, etwa Indien und Pakistan oder den USA und Mexiko. So in der mehrteiligen, multimedialen Serie Hy­ phenated Lives (2014), anhand von tierischen und pflanzlichen Hybriden.

Eine ihrer bekanntesten Arbeiten, die grossformatige Installation Woven Chronicle, interpretiert Kallat ei­ gens für Thun neu, indem sie sie um zusätzliche Bedeutungsebenen erweitert:

«Die neue Version von Woven Chronicle im Kunstmuseum Thun verdeutlicht den Einfluss der Menschen auf die Umwelt durch einen Farbcode, der die verschiedenen sogenannten ökologischen Fussabdrücke der ein­ zelnen Länder veranschaulicht. Wenn der ökologische Fussabdruck einer Bevölkerung ihre Biokapazität übersteigt, besteht in dieser Region ein Biokapazitätsdefizit.[...] Mit dieser Visualisierung von ökologischen

Schuldnern und Gläubigern will das Global Footprint Network den Dialog über die zunehmende Bedeutung der Biokapazität anstossen. Die Karte unterscheidet zwischen dem hohen Lebensstandard des Nordens und dem niedrigeren Lebensstandard des Südens, wobei es nach diesem Massstab zu einer Umkehr der Rollen kommt Der Süden schneidet hier relativ gut ab, während der Fussabdruck des Globalen Nordens deutlich grösser ist als seine Biokapazität,» so die Künstlerin.

Dans ses œuvres multimédias, Reena Saini Kallat s'intéresse entre autres aux frontières nationales et géographiques. Elle se concentre sur les conflits frontaliers géopolitiques et leurs répercussions sur l'environnement et l'homme. Ses travaux traitent en particulier des conflits autour de l'eau ainsi que de la pénurie d'eau causée par l'homme dans les régions frontalières et les paysages culturels. En outre, l'artiste montre de manière impressionnante les conséquences de l'histoire coloniale sur le destin des personnes vivant dans les régions frontalières, visibles par exemple jusqu'à aujourd'hui dans leurs "cicatrices" au Pakistan et en Inde. L'artiste ne s'intéresse pas seulement aux frontières territoriales disputées, mais aussi aux barrières sociales et psychologiques. Elle-même a été touchée par la séparation de sa famille suite à l'émigration de Lahore (Pakistan). Par le biais de matériaux tels que le fil électrique, elle fait ressentir la séparation violente ainsi que la fonction de liaison du fil.

Dans le groupe d'œuvres Siamese Trees (2018-19), le fil électrique est la base d'objets arborés tressés qui, par leur forme, représentent des "poumons verts". Le fil de fer est ici avant tout un média conducteur qui, à l'instar des vaisseaux sanguins du corps humain, absorbe les substances nutritives d'une espèce végétale hybride.

Dans des groupes d'œuvres sur le thème de l'État-nation et des significations parfois absurdes des symboles nationaux, l'artiste se penche sur la flore et la faune typiques d'États-nations en conflit, comme l'Inde et le Pakistan ou les États-Unis et le Mexique. Ainsi, dans la série multimédia en plusieurs parties Hy phenated Lives (2014), elle utilise des hybrides animaux et végétaux.

Kallat réinterprète maintenant pour Thoune l'une de ses œuvres les plus connues, l'installation grand format Woven Chronicle, en l'enrichissant de niveaux de signification supplémentaires :

"La nouvelle version de Woven Chronicle au musée des beaux-arts de Thoune illustre l'influence de l'homme sur l'environnement par un code de couleurs qui montre les différentes empreintes écologiques des différents pays. Si l'empreinte écologique d'une population dépasse sa biocapacité, cela signifie qu'il y a un déficit de biocapacité dans la région.

débiteurs et créanciers, le Global Footprint Network veut lancer le dialogue sur l'importance croissante de la biocapacité. La carte fait la distinction entre le niveau de vie élevé du Nord et le niveau de vie plus bas du Sud, avec une inversion des rôles selon cette échelle Le Sud s'en sort relativement bien ici, tandis que l'empreinte du Nord global est nettement plus grande que sa biocapacité," dit l'artiste.

Nelle sue opere multimediali, Reena Saini Kallat si occupa, tra l'altro, di confini nazionali e geografici. Si concentra sui conflitti geopolitici di confine e sui loro effetti sull'ambiente e sulle persone. Le sue opere si concentrano in particolare sui conflitti per l'acqua e sulla scarsità d'acqua indotta dall'uomo nelle aree di confine e nei paesaggi culturali. Inoltre, l'artista mostra in modo impressionante le conseguenze della storia coloniale sul destino delle persone nelle regioni di confine, visibili ad esempio nelle loro "cicatrici" in Pakistan e in India. L'artista non si occupa solo di confini territoriali contestati, ma anche di barriere sociali e psicologiche. Lei stessa è colpita dalla separazione della sua famiglia a causa dell'emigrazione da Lahore (Pakistan). Utilizzando materiali come il filo elettrico, l'artista rende percepibile la violenta separazione e la funzione di collegamento del filo.

Nel gruppo di opere Siamese Trees (2018-19), il filo elettrico è la base per oggetti arborei intrecciati, che nella loro forma simboleggiano "polmoni verdi". Qui il filo è soprattutto un mezzo conduttore che, analogamente ai vasi sanguigni del corpo umano, assorbe le sostanze nutritive di una specie vegetale ibrida.

Nei gruppi di opere sul tema dello Stato nazionale e dei significati, a volte assurdi, dei simboli nazionali, l'artista si confronta con la flora e la fauna tipiche di Stati nazionali in conflitto, come India e Pakistan o Stati Uniti e Messico. È il caso della serie multimediale in più parti Hy phenated Lives (2014), basata su ibridi animali e vegetali.

Kallat ha reinterpretato per Thun una delle sue opere più note, l'installazione di grande formato Woven Chronicle, aggiungendo ulteriori strati di significato:

"La nuova versione di Woven Chronicle nel Kunstmuseum Thun illustra l'influenza dell'uomo sull'ambiente attraverso un codice di colori che illustra le varie cosiddette impronte ecologiche dei singoli Paesi. Se l'impronta ecologica di una popolazione supera la sua biocapacità, si parla di deficit di biocapacità in questa regione.

Il Global Footprint Network vuole avviare un dialogo sulla crescente importanza della biocapacità. La mappa distingue tra l'alto tenore di vita del Nord e il basso tenore di vita del Sud, e secondo questa scala c'è un'inversione di ruoli Il Sud se la cava relativamente bene, mentre l'impronta del Nord globale è significativamente più grande della sua biocapacità", spiega.

Reena Saini Kallat deals in her multimedia works with themes surrounding national and geographical boundaries, focusing for example on geopolitical border conflicts and their impact on humans and the environment. Disputes over water come to the fore, with water scarcity arising from human habitation in frontier areas and cultivated landscapes. The artist moreover arrestingly demonstrates the consequences of colonial history on the fates of people living in border regions, leaving "scars" that still persist to this day in Pakistan and lndia. Kallat sheds light here not only on contested territorial boundaries but also on social and psychological barriers. She herself experienced a split in her family through emigration from Lahore (Pakistan). Using materials such as electrical wire, she makes this violent separation palpable, while also highlighting the connective function of that same wire.

In a group of works entitled Siamese Trees (2018-19), electrical wire forms the basis for woven tree objects that symbolise "green lungs". Here, wire is primarily a metaphor for how nutrients are conducted in a hybrid plant species, just as blood vessels nourish the human body.

In other work groups, the artist explores how the typical flora and fauna of nation-states that stand in conflict with each other, such as lndia and Pakistan and the USA and Mexico, are sometimes lent absurd meanings as national symbols. Hybrid animals and plants figure for example in the multi-part, multimedia series Hyphenated Lives (2014).

Kallat has reinterpreted one of her best-known works, the large-scale installation Woven Chronicle, expressly for Thun, adding additional layers of meaning:

"The new version of Woven Chronicle at the Kunstmuseum Thun illustrates the impact of humans on the environment using a colour code for the carbon footprint of each country. When a population's carbon footprint exceeds its biocapacity, the region has a biocapacity deficit. [...] With this visualisation of ecological debtors and creditors, the Global Footprint Network intends to initiate a dialogue on the increasing importance of biocapacity. The map distinguishes between the high standard of living in the north and the lower standard in the South, whereby the traditional roles are reversed: The south does relatively weil here, while the footprint of the Global North significantly outstrips its biocapacity," the artist says.

(Text: Kunstmuseum Thun)

Kornhausforum | Bern
5. Mai - 29. Juli 2023

Postcards from Europe
Eva Leitolf

«Postcards from Europe» ist ein Ausstellungsprojekt des zweiten Blicks. Die Fotografin Eva Leitolf rückt jene Orte in Europa und an den europäischen Aussengrenzen ins Bild, die von Flucht und Migration geprägt sind. Davon ist aber nicht viel zu sehen. Stattdessen zeigen sich grüne Wälder, trockene Wiesen und Küsten in goldenem Licht, oder von Menschen entleerte Strassen und Plätze. Erst, wenn der Blick auf den Stapel Postkarten fällt, der neben jeder Fotografie liegt, wird die jeweilige Szene textlich um das Wissen spezifischer Ereignisse ergänzt. Auf diese Weise kombiniert Leitolf dokumentarische und konzeptuelle Strategien. Was ist sichtbar und was wird der Vorstellung überlassen? «Postcards from Europe» ist ein Projekt, dass die Möglichkeiten und Grenzen visueller Repräsentation intelligent auslotet. Unweigerlich bringt uns Leitolf dazu, unseren ersten Eindruck der gezeigten Szene zu revidieren. Mit der Ausstellung im Kornhausforum Bern wird «Postcards from Europe» nun erstmals in grösserem Umfang in der Schweiz präsentiert.

Die Ausstellung wurde von Rebecka Domig kuratiert.

"Postcards from Europe" est un projet d'exposition du deuxième regard. La photographe Eva Leitolf met en visuel les lieux d'Europe et des frontières extérieures de l'Europe qui sont marqués par la fuite et la migration. Mais on n'y voit pas grand-chose. Au lieu de cela, on voit des forêts vertes, des prairies sèches et des côtes dans une lumière dorée, ou des rues et des places vidées de leurs habitants. Ce n'est que lorsque le regard se pose sur la pile de cartes postales qui se trouve à côté de chaque photographie que la scène en question est complétée par un texte relatant des événements spécifiques. De cette manière, Leitolf combine des stratégies documentaires et conceptuelles. Qu'est-ce qui est visible et qu'est-ce qui est laissé à l'imagination ? "Postcards from Europe" est un projet qui explore intelligemment les possibilités et les limites de la représentation visuelle. Inévitablement, Leitolf nous amène à réviser notre première impression de la scène présentée. Avec l'exposition au Kornhausforum de Berne, "Postcards from Europe" est désormais présenté pour la première fois à grande échelle en Suisse.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Rebecka Domig.

"Cartoline dall'Europa" è un progetto espositivo del secondo sguardo. La fotografa Eva Leitolf mette in scena quei luoghi in Europa e ai confini esterni dell'Europa che sono segnati dalla fuga e dalla migrazione. Ma non c'è molto di tutto ciò da vedere. Invece, le foreste verdi, i prati secchi e le coste sono mostrati in una luce dorata, oppure le strade e le piazze si svuotano di persone. Solo quando si guarda la pila di cartoline che si trova accanto a ogni fotografia, la rispettiva scena viene integrata testualmente con la conoscenza di eventi specifici. In questo modo Leitolf combina strategie documentarie e concettuali. Cosa è visibile e cosa è lasciato all'immaginazione? "Postcards from Europe" è un progetto che esplora con intelligenza le possibilità e i limiti della rappresentazione visiva. Inevitabilmente, Leitolf ci fa rivedere la nostra prima impressione della scena esposta. Con la mostra al Kornhausforum di Berna, "Cartoline dall'Europa" viene presentata per la prima volta in Svizzera su scala più ampia.

La mostra è stata curata da Rebecka Domig.

"Postcards from Europe" is an exhibition project of the second glance. The photographer Eva Leitolf puts those places in Europe and at the European external borders into the picture that are marked by flight and migration. But there is not much of that to be seen. Instead, green forests, dry meadows and coasts are shown in golden light, or streets and squares emptied of people. Only when the viewer looks at the stack of postcards lying next to each photograph is the respective scene supplemented textually with knowledge of specific events. In this way Leitolf combines documentary and conceptual strategies. What is visible and what is left to the imagination? "Postcards from Europe" is a project that intelligently explores the possibilities and limits of visual representation. Inevitably, Leitolf leads us to revise our first impression of the scene on display. With the exhibition at the Kornhausforum Bern, "Postcards from Europe" is now presented for the first time on a larger scale in Switzerland.

The exhibition was curated by Rebecka Domig.

(Text: Kornhausforum, Bern)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
4. Februar - 16. April 2023

When Strawberries Will Grow on Trees, I Will Kiss U
Nicolas Polli

Nicolas Pollis Einzelausstellung When Strawberries Will Grow on Trees, I Will Kiss U erzählt auf so humorvolle wie verletzliche Art und Weise von Einsamkeit, Zweifel, Begehren und Intimität in all ihren Facetten. Die Fotografien dienen dem Künstler als visuelles Tagebuch, das zur metaphorischen Untersuchung seines Geisteszustandes im Jahr 2020 wird. Wir folgen Nicolas Polli, eingeschlossen während des Lockdowns, in seinen privaten Wohnraum und blicken in seine Küche, sein Bett, seine Gedanken. Den Worten des Künstlers zufolge: «Drei Monate, in denen ich innehalten und in mein Inneres schauen musste, um eine Kombination aus Unsicherheit und Poesie, Sehnsucht und Lust zu finden, die eine Seite meines Charakters und vielleicht die vieler Männer unserer Generation zeigt, die schwach und unfähig ist, die Bedürfnisse und Ziele zu erfüllen, die wir uns selbst und die heutige Gesellschaft setzen. » Auf den Aufnahmen stapeln sich schmutziges Geschirr, Essensreste und ungewaschene Socken. Textfragmente in Gedichtform erzählen von der Last der Einsamkeit und werden zum fiktiven Gegenüber, dem Dinge anvertraut werden, die sonst unausgesprochen bleiben. Pollis Arbeiten sind Sinnbild einer Welt die <still steht> und die von einem Menschen bewohnt wird, der nicht mehr funktioniert, sich verweigert. Hierin unterscheiden sie sich fundamental von der auf Social Media propagierten <Realität>, in der Perfektion, Produktivität und Selbstoptimierung mit <likes> belohnt werden. Seit ihrer Erfindung ist die Fotografie ein mächtiges Werkzeug bei der Konstruktion und Dokumentation von Rollen- und Körperbildern, gerade in Hinblick auf Stereotype. Pollis Fotografien artikulieren eine alternative Perspektiven auf Emotionalität und Begehren in unserer digitalen Gegenwart und lassen die Grenzen zwischen Skulptur, Körper und fotografischem Bild verschwimmen. Dabei unterwandern sie traditionelle Vorstellungen von Männlichkeit und zeigen ein ehrliches Porträt von Verletzlichkeit, aufgenommen und gesehen durch die Augen derer, die sie erleben. Gleichzeitig artikulieren sie ein neues Genre von Stillleben, das Fotografie als Teil einer speziell für die Ausstellung entwickelten Szenografie präsentiert, welche direkt mit den Körpern und Sinnen der Besucher:innen interagiert.

Nicolas Polli wurde 1989 in Brusino Arsizio, Schweiz, geboren und hat an der ECAL Lausanne Art Direction studiert, wo er seinen Master erhielt. Seine fotografischen Arbeiten wurden vielfach national und international ausgestellt, unter anderem im l’appartement – Espace Images Vevey, Espace Arlaud in Lausanne, Museum Brot in Ulm, Verzasca Foto Festival, Gibellina Photoroad, Coal Mine Winterthur.

Eine Co-Produktion mit Images Vevey. Mit großzügiger Unterstützung des Kanton Bern.

Kuratiert von Jana Johanna Haeckel

L’exposition individuelle When Strawberries Will Grow on Trees, I Will Kiss U de Nicolas Polli évoque avec autant d’humour que de vulnérabilité la solitude, le doute, le désir et l’intimité sous toutes leurs facettes. Les photographies servent de journal intime visuel à l’artiste et deviennent une étude métaphorique de son état d’esprit en 2020. Nous suivons Nicolas Polli, enfermé pendant le confinement, dans son espace de vie privé et observons sa cuisine, son lit, ses pensées. Selon les mots de l’artiste : « Trois mois pendant lesquels j’ai dû m’arrêter et regarder à l’intérieur de moi pour trouver une combinaison d’incertitude et de poésie, de désir et de plaisir, qui montre un côté de mon caractère et peut-être celui de beaucoup d’hommes de notre génération, faibles et incapables de répondre aux besoins et aux objectifs que nous nous fixons et que la société actuelle nous fixe ». Sur les prises de vue s’empilent de la vaisselle sale, des restes de nourriture et des chaussettes non lavées. Des fragments de textes sous forme de poèmes racontent le poids de la solitude et deviennent un vis-à-vis fictif auquel sont confiées des choses qui resteraient autrement inexprimées.

 Les œuvres de Polli sont le symbole d’un monde qui <s’arrête> et qui est habité par une personne qui ne fonctionne plus, qui refuse. En cela, elles se distinguent fondamentalement de la <réalité> propagée sur les médias sociaux, dans laquelle la perfection, la productivité et l’optimisation de soi sont récompensées par des <likes>. Depuis son invention, la photographie est un outil puissant dans la construction et la documentation des rôles et des images corporelles, notamment en ce qui concerne les stéréotypes. Les photographies de Polli articulent une perspective alternative sur l’émotion et le désir dans notre présent numérique et brouillent les frontières entre la sculpture, le corps et l’image photographique. Ce faisant, elles subvertissent les idées traditionnelles sur la masculinité et dressent un portrait honnête de la vulnérabilité, prise et vue à travers les yeux de ceux qui la vivent. En même temps, ils articulent un nouveau genre de nature morte qui présente la photographie comme faisant partie d’une scénographie spécialement conçue pour l’exposition et qui interagit directement avec le corps et les sens des visiteurs.

Nicolas Polli est né à Brusino Arsizio en Suisse en 1989, il a étudié la direction artistique à l’ECAL Lausanne pour son Master. Son travail photographique a été exposé au niveau national et international, notamment à l’appartement – Espace Images Vevey, Espace Arlaud à Lausanne, Musée Brot à Ulm, Verzasca Foto Festival, Gibellina Photoroad et Coal Mine Winterthur.

Une coproduction avec Images Vevey. Réalisé avec le généreux soutien du canton de Berne.

Commissariat: Jana Johanna Haeckel

La mostra personale di Nicolas Polli When Strawberries Will Grow on Trees, I Will Kiss U racconta la solitudine, il dubbio, il desiderio e l'intimità in tutte le sue sfaccettature, in un modo tanto umoristico quanto vulnerabile. Le fotografie fungono da diario visivo dell'artista, che diventa un esame metaforico del suo stato d'animo nel 2020. Seguiamo Nicolas Polli, chiuso in casa durante la serrata, nel suo spazio vitale privato, scrutando la sua cucina, il suo letto, i suoi pensieri. Nelle parole dell'artista: "Tre mesi in cui ho dovuto fermarmi e guardare dentro di me per trovare una combinazione di insicurezza e poesia, di desiderio e di voglia di fare che mostra un lato del mio carattere e forse di quello di molti uomini della nostra generazione, deboli e incapaci di soddisfare i bisogni e gli obiettivi che ci poniamo per noi stessi e per la società di oggi". "Piatti sporchi, avanzi di cibo e calzini non lavati si accumulano sulle fotografie. Frammenti di testo in forma di poesia raccontano il peso della solitudine e diventano una controparte immaginaria a cui vengono confidate cose che altrimenti rimarrebbero non dette. Le opere di Polli sono emblematiche di un mondo che <sta fermo> ed è abitato da una persona che non funziona più, che si rifiuta di farlo. In questo differiscono fondamentalmente dalla <realtà> propagandata sui social media, dove la perfezione, la produttività e l'auto-ottimizzazione sono premiate con i <likes>. Fin dalla sua invenzione, la fotografia è stata un potente strumento di costruzione e documentazione delle immagini del ruolo e del corpo, soprattutto in termini di stereotipi. Le fotografie di Polli articolano una prospettiva alternativa sull'emotività e sul desiderio nel nostro presente digitale, confondendo i confini tra scultura, corpo e immagine fotografica. In questo modo, sovvertono le nozioni tradizionali di mascolinità e presentano un ritratto onesto della vulnerabilità, catturata e vista attraverso gli occhi di chi la sperimenta. Allo stesso tempo, articolano un nuovo genere di still life che presenta la fotografia come parte di una scenografia sviluppata appositamente per la mostra, interagendo direttamente con i corpi e i sensi del visitatore.

Nicolas Polli è nato nel 1989 a Brusino Arsizio, in Svizzera, e ha studiato direzione artistica all'ECAL di Losanna, dove ha conseguito un master. Il suo lavoro fotografico è stato ampiamente esposto a livello nazionale e internazionale, tra cui l'appartement - Espace Images Vevey, l'Espace Arlaud di Losanna, il Museum Brot di Ulm, il Verzasca Foto Festival, il Photoroad di Gibellina, il Coal Mine di Winterthur.

Una coproduzione con Images Vevey. Con il generoso sostegno del Cantone di Berna.

A cura di Jana Johanna Haeckel

Nicolas Polli’s solo exhibition explores the topics of loneliness, doubts, desire and intimacy from a humorous and at the same time vulnerable perspective. His photographs serve as a visual diary, revealing a new genre of still life that becomes a metaphorical examination of his state of mind in 2020. We follow Nicolas Polli confined during the lockdown in his private living space, peering into his kitchen, his bed and his thoughts. According to the artist we witness: “Three months in which I had to stop and look inside myself to find a combination of insecurity and poetry, longing and lust; showing a side of my character, and perhaps that of many men of our generation, which is weak and unable to fulfill the needs and goals set by ourselves and by contemporary society.” The photographs document dirty dishes, leftover food and unwashed socks. Moreover, text fragments in poem form tell of the burden of loneliness and become a fictional counterpart to which things are confided that otherwise remain unspoken. Polli’s works are emblematic of a world that ‘stands still’ and is inhabited by a person who no longer functions, who refuses to ‘succeed’. In this they differ fundamentally from the ‘reality’ propagated on social media, in which perfection, productivity and self-optimization are rewarded with “likes”. Since its invention, photography has been a powerful tool in constructing and documenting images of the body, particularly with regard to stereotypes and role models. Polli’s photographs offer an alternative perspective on emotionality and desire in our digital present, blurring the boundaries between sculpture, body, and the photographic image. In doing so, they subvert traditional notions of masculinity and present an honest portrait of vulnerability, captured and seen through the eyes of those who experience it. At the same time, they articulate a new genre of still life that presents photography as part of a scenography developed specifically for the exhibition that interacts directly with the bodies and senses of the visitor.

Nicolas Polli, born in Brusino Arsizio, Switzerland in 1989, studied Art Direction at ECAL Lausanne for his Master’s Degree. His photographic work has been exhibited nationally and internationally, notably at l’appartement – Espace Images Vevey, Espace Arlaud in Lausanne, Museum Brot in Ulm, Verzasca Foto Festival, Gibellina Photoroad, Coal Mine, Winterthur.

A co-production with Images Vevey. With the kind support of Canton Bern.

Curated by Jana Johanna Haeckel

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Photoforum Pasquart | Biel/Bienne
4. Februar - 16. April 2023

Another Love Story
Karla Hiraldo Voleau

Die Einzelausstellung Another Love Story von Karla Hiraldo Voleau ist eine Reflexion über das Medium Fotografie und seinen Platz als stummer Zeuge von Liebesbeziehungen in unserer digitalen Gegenwart. Ausgehend von einer erschütternden persönlichen Geschichte präsentiert die Künstlerin eine Reihe von Fotografien und Texten, welche die letzten Monate ihrer Liebesbeziehung zu einem Mann rekonstruieren und ablichten, bevor sie herausfand, dass dieser ein Doppelleben führte. Was tun, wenn man sich in ein <Phantom> verliebt? Und wie gelingt es an die Wahrhaftigkeit von Liebesbeziehungen zu glauben, indem man sich weigert, das Opfer der Geschichte zu sein?

Karla Hiraldo Voleau beschloss, sich die verstörende Erfahrung anzueignen, indem sie verschiedene Momente ihrer Beziehung nachstellte, welche auf die Ästhetik der sozialen Medien rekurrieren. Sie reproduzierte persönliche Fotos, die das Paar in ihrem letzten gemeinsamen Jahr aufgenommen hatte, identisch und inszenierte hunderte von Bildern mit Hilfe eines Schauspielers neu, einem Doppelgänger ihres Lebensgefährten, den sie für das Projekt engagiert hatte. Die so entstandenen Bilder lichten nicht die Wirklichkeit der Beziehung ab, sondern stellen unsere Projektionen und Wünsche in Frage und zeigen, dass das Gefühl der Liebe in Zeiten der Selbstoptimierung und Hyper-Sichtbarkeit letztlich schwer fassbar bleibt – ein Zeitalter, das nach der Soziologin Eva Illouz durch seine « kalten Intimitäten » charakterisiert werden kann. Das Scheitern sozialer Bindungen ist nach Illouz eng mit dem zeitgenössischen Kapitalismus verbunden, der durch Praktiken der Unverbindlichkeit und des sich nicht Einlassens gekennzeichnet ist. Praktiken, welche den schnellen Rückzug aus einem Vorhaben, die Ausrichtung auf Marktwert und den Bruch von Loyalitäten ermöglichen. Das fotografische Werk von Karla Hiraldo Voleau spiegelt somit letztlich auch die Instrumentalisierung der Liebe sowie ihre Oberflächlichkeit im Zeitalter von Internet, sozialen Medien und Neoliberalismus wider, wobei die Künstlerin die problematischen Mechanismen offenlegt und gleichzeitig unterwandert.

Karla Hiraldo Voleau, geboren 1992, ist eine französisch-dominikanische Künstlerin, die in Lausanne und Paris lebt und arbeitet. Sie machte 2018 ihren Master in Fotografie an der ECAL und veröffentlichte 2019 ihr Fotobuch «Hola Mi Amol ». Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Ausstellungen in ganz Europa gezeigt, darunter ihre letzte Einzelausstellung im Maison Européenne de la Photographie in Paris (2022), Art Basel (2022) und Foam Amsterdam (2020).

Eine Kollaboration mit dem Studio des Maison Européenne de la Photographie, Paris.

Mit großzügiger Unterstützung von Pro Helvetia und dem Kanton Bern.

Kuratiert von Jana Johanna Haeckel

L’exposition solo Another Love Story propose une réflexion sur le medium de la photographie et sa place comme témoin silencieux de nos relations amoureuses dans notre présence digitale. Basée sur une expérience personnelle destructrice, l’exposition présente une série de photographies et de textes reconstituant les derniers mois de la relation amoureuse de l’artiste avec un homme qui menait une double vie. Que faire lorsque l’on tombe amoureuse d’un <fantôme>? Et comment réussir à croire à la véracité des relations amoureuses en refusant d’être la victime de l’histoire ? Karla Hiraldo Voleau a décidé de se réapproprier cette expérience perturbante en rejouant différents moments de cette relation en employant une esthétique des médias sociaux. L’artiste a reproduit fidèlement ses photographies de couple réalisées durant des années de relation. Avec l’aide d’un acteur, un sosie de son ex qu’elle a engagé pour le projet, elle a reconstitué des centaines d’images. Ces dernières, loin de restituer la véracité d’une relation, questionnent plutôt nos projections et désirs afin de relever que le sentiment amoureux reste encore insaisissable à une époque d’auto-optimisation et d’hyper-visibilité – une époque qui, selon la sociologue Eva Illouz, peut être caractérisée par ses « intimités froides ». Selon Illouz, l’échec des liens sociaux est étroitement lié au capitalisme contemporain, qui se caractérise par des pratiques d’absence d’engagement et de refus de s’engager. Des pratiques qui permettent le retrait rapide d’un projet, l’alignement sur la valeur marchande et la rupture des loyautés. L’œuvre photographique de Karla Hiraldo Voleau reflète donc en fin de compte l’instrumentalisation de l’amour ainsi que sa superficialité à l’ère d’Internet, des médias sociaux et du néolibéralisme, dont l’artiste dévoile les mécanismes problématiques tout en les subvertissant.

Karla Hiraldo Voleau est une artiste franco-dominicaine née en 1992 qui vit et travaille entre Lausanne et Paris. Après avoir obtenu un Bachelor en design aux Écoles de Condé à Paris puis un Master en photographie à l’ECAL en 2018, elle a publié un ouvrage de photos « Hola Mi Amol  » en 2019. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions en Europe, notamment à la Maison européenne de la photographie à Paris (2022), à Art Basel (2022) et au Foam Amsterdam (2020)

En collaboration avec le Studio de la Maison Européenne de la Photographie, Paris.

Avec le généreux soutien de Pro Helvetia et du Canton de Berne.

Commissionné par: Jana Johanna Haeckel

La mostra personale Another Love Story di Karla Hiraldo Voleau è una riflessione sul mezzo fotografico e sul suo ruolo di testimone silenzioso delle relazioni amorose nel nostro presente digitale. Basandosi su una straziante storia personale, l'artista presenta una serie di fotografie e testi che ricostruiscono e ritraggono gli ultimi mesi della sua storia d'amore con un uomo prima di scoprire che conduceva una doppia vita. Cosa fare quando ci si innamora di un <fantasma>? E come riuscire a credere nella veridicità delle relazioni d'amore rifiutando di essere vittima della storia?

Karla Hiraldo Voleau ha deciso di appropriarsi di questa esperienza inquietante ricreando diversi momenti della loro relazione che si rifanno all'estetica dei social media. Ha riprodotto in modo identico le foto personali scattate dalla coppia durante il loro ultimo anno insieme e ha rimesso in scena centinaia di immagini con l'aiuto di un attore, sosia del suo compagno, che aveva ingaggiato per il progetto. Le immagini che ne sono scaturite non catturano la realtà della relazione, ma mettono in discussione le nostre proiezioni e i nostri desideri e dimostrano che il sentimento dell'amore rimane in definitiva inafferrabile in un'epoca di auto-ottimizzazione e iper-visibilità - un'epoca che, secondo la sociologa Eva Illouz, può essere caratterizzata da una "fredda intimità". Secondo la Illouz, il fallimento dei legami sociali è strettamente legato al capitalismo contemporaneo, caratterizzato da pratiche di non impegno e non coinvolgimento. Pratiche che permettono di ritirarsi rapidamente da un'impresa, di concentrarsi sul valore di mercato e di rompere la fedeltà. Il lavoro fotografico di Karla Hiraldo Voleau riflette quindi, in ultima analisi, la strumentalizzazione dell'amore e la sua superficialità nell'era di Internet, dei social media e del neoliberismo, di cui l'artista espone e contemporaneamente sovverte i meccanismi problematici.

Karla Hiraldo Voleau, nata nel 1992, è un'artista franco-dominicana che vive e lavora a Losanna e Parigi. Ha conseguito un Master in Fotografia presso l'ECAL nel 2018 e ha pubblicato il libro fotografico "Hola Mi Amol" nel 2019. Il suo lavoro è stato esposto in numerose mostre in tutta Europa, tra cui la sua ultima personale alla Maison Européenne de la Photographie di Parigi (2022), Art Basel (2022) e Foam Amsterdam (2020).

Una collaborazione con lo Studio della Maison Européenne de la Photographie, Parigi.

Con il generoso sostegno di Pro Helvetia e del Cantone di Berna.

A cura di Jana Johanna Haeckel

Karla Hiraldo Voleau’s solo exhibition Another Love Story proposes a reflection on the photographic medium and its place as a silent witness of our love relationships in the digital present. Based on a devastating personal story, the artist developed a series of photographs and texts that reconstruct and replicate the last months of her relationship with a man before she found out he was leading a double-life. What to do when you fall in love with a ‘ghost’? And how to reclaim meaningful intimate relationships and love by refusing to be the victime of the story? Karla Hiraldo Voleau decided to re-appropriate this troubling experience by replaying different moments of their relationship, referring to Social Media aesthetics. She identically reproduced personal photographs the couple had taken in the past year they were together and restaged hundreds of images with the help of an actor, a doppelganger of her companion that she hired for the project. The resulting images fail to capture the truth of a relationship, questioning instead our projections and desires and reveal that the feeling of love remains ultimately elusive in times of self-optimization and hyper-visibility. Another Love Story explores the state of love and intimate social relations today in the age of the Internet and social media – an age characterised by what sociologist Eva Illouz has called “cold intimacies”. The unmaking of social bonds, Illouz argues, is connected to contemporary capitalism which is characterized by practices of non-commitment and non-choice, practices that enable the quick withdrawal from a transaction and the quick realignment of prices and the breaking of loyalties. Karla Hiraldo Voleau’s photographic work mirrors the instrumentalisation of love and its superficialisation in the age of the digital, exposing and simultaneously undermining their enthralling mechanisms.

Karla Hiraldo Voleau, born in 1992, is a French-Dominican artist who lives and works between Lausanne and Paris. After gaining a Master’s Degree in Photography from ECAL in 2018, she published her photo book Hola Mi Amol in 2019. Her work was featured in numerous exhibitions around Europe, including her latest solo show at Maison Européenne de la Photographie in Paris (2022), Art Basel (2022), and Foam Amsterdam (2020).

A collaboration with the Studio of Maison Européenne de la Photographie, Paris.

With the kind support of Pro Helvetia and the Canton of Bern

Curated by: Jana Johanna Haeckel

(Text: Photoforum Pasquart, Biel/Bienne)

Reflector Contemporary Art Gallery | Bern
14. - 28. Januar 2023

Urgent Paradise
Tim Rod

Im Gegenlicht der Sonne funkeln Palmenblätter am Strand, als erfrischendes Gewächs und Hoffnungsträger thront sie in sandiger Wüstenweite, während sich üppige Palmenhaine entlang grün leuchtender Urwaldkaskaden entfalten: Die Bilder der (vorgestellten) Palmen sind individuell konnotiert und doch durch spezifische Narrative gebildeter Konsens. Nicht zuletzt durch die Fototapete mit dem Motiv der Palme am Meer hat sich eine durch Eskapismus eingefärbte Sehnsucht nach Ferne in den (Traum-)Bildwelten medial beschienener Empfänger:innen und durch soziale Medien ausstrahlender Sender:innen in den Bildkanon der westlich geprägten (Medien-)Kultur eingeschrieben.

Tim Rod greift den Umstand der mannigfaltigen Symbolhaftigkeit der Palme in seinen fotografischen Arbeiten auf und kontextualisiert diese nichtgreifbare Dringlichkeit des Phantastischen, das dem Motiv der Palme anhaftet, in seiner Ausstellung Urgent Paradise in der Reflector Contemporary Art Gallery in Bern. Hierbei vereint Rod Fotografien verschiedener Reisen, die er machte, führt analoge Schwarz-Weiß-Fotografien in digitalen Räumen oder als Collage unmittelbar im Ausstellungsraum als Panorama des Gesehenen fort – etwa in der sich über zwei Meter erstreckenden Arbeit Archipel, die einander überlagernde Fragmente einer fotografisch erfassten Landschaft zu einem assoziativen Wandbild zusammenschließt. Wiederholung und Variation werden ebenso zum Gegenstand seiner Betrachtung, wie die Reflexion über kulturelle Aneignung und ihre Modifikation. Die (nachträgliche) Romantisierung des auf Reisen Erlebten oder das als fotografischer Schnappschuss Gesammelte bilden Hintergründe vor Rods konzeptuell geprägter Bildgenese, durch die er soziale Praktiken und Rezeptionsmodi reflektiert.

Die Postkarten-Serie Greetings from Paradise zeigt ein von Palmen umsäumtes, verlassenes Poolbecken, in dessen abgestandener Wasseroberfläche sich die umliegenden Gewächse verschwommen spiegeln. Die Arbeit nimmt eine ebenfalls in der Galerie ausgestellte Fotografie von Tim Rod zum Ausgang und zeigt in 100 Variationen die leise Verschiebung kollektiver Erfahrungsräume, die entsteht, wenn Rods Aufnahme mit fotografischen Bildern ähnlicher Motivik aus dem Internet kombiniert und so modifiziert vervielfacht wird. Mit der abweichenden Wiederkehr des Bildes knüpft Tim Rod an die Replikation touristischer Blicke an, wie sie sich traditionell durch standardisierte Postkartenmotive verkauft, doch bezieht er durch die Filter zeitlich und subjektiv geprägter Nuancierung der Bildlichkeit auch neuere Formen des touristischen Fotografierens und Erinnerns ein, wie es sich zunehmend als Vorlage für Follower in zeitgenössischen Bildmedienkanälen und hieran gekoppelte Algorithmen darstellt.

Zentral im Galerieraum ist die Arbeit Perpetual Sunset, eine durch künstliche Intelligenz errechnete Form eines Sonnenuntergangs, die in einem installativen Setting in den Abendstunden umgesetzt wird: Licht umhüllt als kontinuierlich pulsierende Projektion eine Palme, fällt auf das Schaufenster der Galerie und suggeriert die strahlende Atmosphäre des Endes eines Tages im vis-à-vis einer so künstlich idealisierten Palme. Die komponierte Lichtstimmung taucht nicht nur in die Blicke der Betrachter:innen ein, sondern entrückt die sie umgebenden fotografischen Ansichten repetitiv in die Situation einer abstrakten Momentaufnahme.

Das Künstlerbuch Urgent Paradise nimmt visuelle Elemente der Ausstellung auf und führt sie anhand der Erweiterung des Palmenmotivs als konzeptuelles Porträt fort. So überträgt Tim Rod durch das Anordnen und Überlagern der Worte Urgent Paradise die Silhouette einer Palmenblattkrone zu einem Bildtext konkreter Poesie. Analog aufgenommene Schwarz-Weiß-Ansichten, digital modifizierte Bilder, Farbfotografie und computergrafische Pixelbilder erweitern die Palme in ihrer Vielfalt und Wandlungsmöglichkeit: Wie auch bei den im Ausstellungsraum gezeigten Fotografien, tritt beispielsweise durch Rods Retusche des Stammes das individuelle Blattwerk der Gewächse hervor, das mitunter surreal im Luftraum schwebt. Mittels Überblendung und Überlagerung von Raummomenten sowie durch Zufall ins Bild fallender Lichteinwürfe entstehen Situationen des Utopischen, denen mehr vertraute Ansichten der Palme vor bewölkten oder sonnigen Himmelsflächen entgegenstehen.

Das Sich-Vertiefen in diese Facetten ist ein Wandeln, für das Tim Rod mit seiner Ausstellung Urgent Paradise eine zugleich sinnliche wie analytische Vorlage schafft, an die eigene Bildwelten stets anknüpfen und reflexiv in neue überführt werden. Das Transformative ist dabei Rods Ausstellung inhärent, ist sie in Zusammenarbeit mit Lucien Hinderling entstanden, der auf dem Gebiet Computational Biology an der Universität Bern forscht.

Dans le contre-jour du soleil, les feuilles de palmier scintillent sur la plage, plante rafraîchissante et porteuse d'espoir, elle trône dans l'immensité sablonneuse du désert, tandis que des palmeraies luxuriantes se déploient le long de cascades de forêt vierge d'un vert éclatant : Les visuels des palmiers (présentés) sont connotés individuellement, mais font l'objet d'un consensus formé par des récits spécifiques. C'est notamment grâce au papier peint photographique avec le motif du palmier au bord de la mer qu'un désir d'éloignement teinté d'escapisme s'est inscrit dans le canon visuel de la culture (médiatique) occidentale dans les mondes d'images (de rêve) des destinataires éclairés par les médias et des émetteurs diffusés par les médias sociaux.

Tim Rod reprend le caractère symbolique multiple du palmier dans ses travaux photographiques et contextualise cette urgence impalpable du fantastique qui s'attache au motif du palmier dans son exposition Urgent Paradise à la Reflector Contemporary Art Gallery à Berne. Rod y réunit des photographies de différents voyages qu'il a effectués, poursuit des photographies analogiques en noir et blanc dans des espaces numériques ou sous forme de collage directement dans l'espace d'exposition comme panorama de ce qu'il a vu - par exemple dans l'œuvre Archipel qui s'étend sur deux mètres et qui réunit des fragments superposés d'un paysage saisi par la photographie en une peinture murale associative. La répétition et la variation deviennent également l'objet de sa réflexion, tout comme la réflexion sur l'appropriation culturelle et sa modification. La romantisation (a posteriori) de ce qui a été vécu en voyage ou de ce qui a été collecté sous forme d'instantané photographique constituent l'arrière-plan de la genèse visuelle conceptuelle de Rod, à travers laquelle il réfléchit aux pratiques sociales et aux modes de réception.

La série de cartes postales Greetings from Paradise montre un bassin de piscine abandonné, bordé de palmiers, dont la surface viciée reflète de manière floue la végétation environnante. L'œuvre prend pour point de départ une photographie de Tim Rod, également exposée à la galerie, et montre en 100 variations le discret décalage des espaces d'expérience collectifs qui se produit lorsque la prise de vue de Rod est combinée avec des visuels photographiques de motifs similaires trouvés sur Internet et ainsi multipliés en les modifiant. Avec la récurrence divergente de l'image, Tim Rod se rattache à la réplication de regards touristiques, tels qu'ils se vendent traditionnellement à travers des motifs de cartes postales standardisées, mais il intègre également, à travers les filtres de nuances temporelles et subjectives de la picturalité, des formes plus récentes de photographie et de souvenir touristiques, tels qu'ils se présentent de plus en plus comme des modèles pour les suiveurs dans les canaux de médias d'images contemporains et les algorithmes qui y sont liés.

Le travail Perpetual Sunset, une forme de coucher de soleil calculée par une intelligence artificielle, est au centre de l'espace de la galerie et est mis en œuvre dans une installation en soirée : La lumière enveloppe un palmier sous forme de projection pulsée continue, tombe sur la vitrine de la galerie et suggère l'atmosphère radieuse de la fin d'une journée en face d'un palmier ainsi idéalisé artificiellement. L'ambiance lumineuse composée ne se contente pas de plonger dans le regard du spectateur, mais transporte de manière répétitive les vues photographiques qui l'entourent dans la situation d'un instantané abstrait.

Le livre d'artiste Urgent Paradise reprend des éléments visuels de l'exposition et les poursuit en élargissant le motif du palmier pour en faire un portrait conceptuel. Ainsi, en disposant et en superposant les mots Urgent Paradise, Tim Rod transpose la silhouette d'une couronne de feuilles de palmier en un texte visuel de poésie concrète. Des vues analogiques en noir et blanc, des visuels modifiés numériquement, des photographies en couleur et des images pixelisées par ordinateur élargissent le palmier dans sa diversité et ses possibilités de transformation : comme dans les photographies présentées dans l'espace d'exposition, la retouche du tronc par Rod fait par exemple ressortir le feuillage individuel des plantes, qui flotte parfois de manière surréaliste dans l'espace aérien. Le fondu enchaîné et la superposition de moments de l'espace ainsi que l'apport de lumière tombant par hasard dans le visuel créent des situations utopiques auxquelles s'opposent des vues plus familières du palmier devant des ciels nuageux ou ensoleillés.

L'approfondissement de ces facettes est une transformation pour laquelle Tim Rod crée, avec son exposition Urgent Paradise, un modèle à la fois sensuel et analytique, auquel ses propres mondes visuels se rattachent toujours et se transforment de manière réflexive en de nouveaux. L'aspect transformatif est inhérent à l'exposition de Rod, qui a été réalisée en collaboration avec Lucien Hinderling, chercheur en biologie computationnelle à l'Université de Berne.

Alla luce del sole, le foglie di palma scintillano sulla spiaggia, come pianta rinfrescante e portatrice di speranza nelle distese sabbiose del deserto, mentre i lussureggianti palmeti si sviluppano lungo le cascate verdi e luminose della giungla: Le immagini delle palme (presentate) sono individualmente connotate e tuttavia consensualmente formate da narrazioni specifiche. Anche attraverso la carta da parati fotografica con il motivo della palma in riva al mare, un desiderio di lontananza colorato di evasione si è inscritto nel canone dell'immagine della cultura (mediatica) occidentale nei mondi dell'immagine (onirica) dei destinatari irradiati dai media e dai trasmettitori che trasmettono attraverso i social media.

Nella sua mostra Urgent Paradise alla Galleria d'Arte Contemporanea Reflector di Berna, Tim Rod riprende il fatto del molteplice simbolismo della palma nelle sue opere fotografiche e contestualizza questa impalpabile urgenza del fantastico che è insita nel motivo della palma. Qui Rod combina fotografie di vari viaggi che ha fatto, continua le fotografie analogiche in bianco e nero in spazi digitali o come collage direttamente nello spazio espositivo come panorama di ciò che ha visto - per esempio nell'opera Archipel, lunga due metri, che combina frammenti sovrapposti di un paesaggio catturato fotograficamente in un murale associativo. La ripetizione e la variazione diventano oggetto della sua contemplazione tanto quanto la riflessione sull'appropriazione culturale e la sua modifica. La (successiva) romanticizzazione di ciò che viene vissuto durante i viaggi o di ciò che viene raccolto sotto forma di istantanea fotografica fa da sfondo alla genesi concettuale dell'immagine di Rod, attraverso la quale egli riflette sulle pratiche sociali e sulle modalità di ricezione.

La serie di cartoline Greetings from Paradise mostra una piscina abbandonata circondata da palme, nella cui superficie d'acqua stagnante si riflettono in modo sfocato le piante circostanti. L'opera prende come punto di partenza una fotografia di Tim Rod, anch'essa esposta in galleria, e mostra in 100 variazioni il tranquillo spostamento degli spazi di esperienza collettiva che si verifica quando la fotografia di Rod viene combinata con immagini fotografiche di motivi simili provenienti da internet e quindi moltiplicate in modo modificato. Con la ricorrenza divergente dell'immagine, Tim Rod si ricollega alla replica dello sguardo turistico tradizionalmente venduto attraverso i motivi standardizzati delle cartoline, ma attraverso i filtri delle sfumature temporali e soggettive dell'immaginario, incorpora anche forme più recenti di fotografia e memoria turistica, che si presenta sempre più come modello per i seguaci dei canali mediatici dell'immagine contemporanea e degli algoritmi a essi collegati.

Al centro dello spazio della galleria si trova l'opera Perpetual Sunset, una forma di tramonto calcolata dall'intelligenza artificiale e realizzata in un'installazione nelle ore serali: La luce avvolge una palma come una proiezione continuamente pulsante, che cade sulla vetrina della galleria e suggerisce l'atmosfera radiosa della fine di una giornata nei confronti di una palma così artificialmente idealizzata. L'atmosfera di luce composta non solo immerge lo sguardo dello spettatore, ma spiazza ripetitivamente le vedute fotografiche circostanti nella situazione di un'istantanea astratta.

Il libro dell'artista Urgent Paradise riprende gli elementi visivi della mostra e li prosegue ampliando il motivo della palma come ritratto concettuale. Così, disponendo e sovrapponendo le parole Urgent Paradise, Tim Rod trasferisce la sagoma di una corona di foglie di palma in un testo visivo di poesia concreta. Vedute in bianco e nero scattate in analogico, immagini modificate digitalmente, fotografie a colori e immagini pixelate al computer ampliano la palma nella sua diversità e trasformabilità: come nelle fotografie esposte nello spazio espositivo, il ritocco di Rod al tronco, ad esempio, fa emergere il fogliame individuale delle piante, che a volte fluttua surrealmente nello spazio aereo. Grazie alla dissolvenza incrociata e alla sovrapposizione di momenti di spazio, nonché alla luce che cade casualmente nel quadro, si creano situazioni utopiche che si contrappongono a vedute più familiari della palma contro cieli nuvolosi o soleggiati.

Immergersi in queste sfaccettature è un processo di trasformazione, per il quale Tim Rod crea un modello sensuale e analitico nella sua mostra Urgent Paradise, a cui i suoi mondi pittorici sono costantemente collegati e riflessivamente trasformati in nuovi. L'aspetto trasformativo è insito nella mostra di Rod, realizzata in collaborazione con Lucien Hinderling, che conduce ricerche nel campo della biologia computazionale all'Università di Berna.

In the backlight of the sun, palm leaves sparkle on the beach, enthroned as a refreshing plant and bearer of hope in sandy desert expanses, while lush palm groves unfold along luminous green jungle cascades: The images of the (imagined) palm trees are individually connoted and yet consensus formed by specific narratives. Not least through the photo wallpaper with the motif of the palm tree by the sea, a longing for distance colored by escapism has inscribed itself in the image canon of Western (media) culture in the (dream) image worlds of recipients irradiated by media and transmitters broadcasting through social media.

In his exhibition Urgent Paradise at Reflector Contemporary Art Gallery in Bern, Tim Rod takes up the fact of the palm tree's manifold symbolism in his photographic works and contextualizes this intangible urgency of the fantastic that is inherent in the palm tree motif. Here Rod combines photographs of various trips he took, continues analog black-and-white photographs in digital spaces or as a collage directly in the exhibition space as a panorama of what he has seen-for example, in the work Archipel, which stretches over two meters and combines overlapping fragments of a photographically captured landscape into an associative mural. Repetition and variation become as much a subject of his contemplation as reflection on cultural appropriation and its modification. The (subsequent) romanticization of what is experienced on travels or what is collected as a photographic snapshot form backgrounds in front of Rod's conceptually shaped image genesis, through which he reflects on social practices and modes of reception.

The postcard series Greetings from Paradise depicts an abandoned pool surrounded by palm trees, with the surrounding vegetation blurrily reflected in its stagnant water surface. The work takes as its point of departure a photograph by Tim Rod, also exhibited in the gallery, and shows in 100 variations the quiet shifting of collective experiential spaces that occurs when Rod's photograph is combined with photographic images of similar motifs from the Internet and thus multiplied in a modified manner. With the divergent recurrence of the image, Tim Rod links to the replication of tourist gaze as traditionally sold through standardized postcard motifs, but through the filters of temporally and subjectively shaped nuance of imagery, he also incorporates newer forms of tourist photography and memory as it increasingly presents itself as a template for followers in contemporary image media channels and algorithms linked to them.

Central to the gallery space is the work Perpetual Sunset, a form of a sunset calculated by artificial intelligence and realized in an installation setting in the evening hours: Light envelops a palm tree as a continuously pulsating projection, falling on the gallery's display window and suggesting the radiant atmosphere of the end of a day in the vis-à-vis of such an artificially idealized palm tree. The composed lighting mood not only immerses the viewer:s gaze, but repetitively dislocates the photographic views surrounding it into the situation of an abstract snapshot.

The artist's book Urgent Paradise takes up visual elements of the exhibition and continues them by extending the palm tree motif as a conceptual portrait. Thus, by arranging and superimposing the words Urgent Paradise, Tim Rod transposes the silhouette of a palm leaf crown into a visual text of concrete poetry. Black-and-white views taken analogously, digitally modified images, color photography, and computer-graphic pixel images expand the palm tree in its diversity and transformability: as in the photographs shown in the exhibition space, for example, Rod's retouching of the trunk brings out the individual foliage of the plants, which sometimes floats surreally in the airspace. By means of cross-fading and superimposition of spatial moments, as well as light interjections falling into the picture by chance, situations of the utopian arise, which are contrasted by more familiar views of the palm tree against cloudy or sunny skies.

Delving into these facets is a process of transformation, for which Tim Rod creates a sensual and analytical template with his exhibition Urgent Paradise, to which his own pictorial worlds are constantly linked and reflexively transferred into new ones. The transformative aspect is inherent in Rod's exhibition, which was created in collaboration with Lucien Hinderling, who conducts research in the field of computational biology at the University of Bern.

(Text: Christina Irrgang)

Affspace | Bern
3. Dezember 2022 - 28. Januar 2023

Ipotizzare – vermuten, bauen, spielen

Patrick Jüdt, Imke Frank, Felix Borel, Donna Molinari, Ernesto Molinari, Hugo Queirós, Matteo und Vita Deichmann, Paula Sansano, Paolo Rosselli und Ronny Hunger

Langzeitstudie
Das Haus, das der italienische Architekt Alberto Rosselli in den fünfziger Jahren nördlich von Mailand gebaut hat, beherbergt seit zwei Generationen die Geschichten seiner Bewohner. Rosselli, der 1950 gemeinsam mit Gio Ponti das Studio PFR gründete, erschuf mit seinem Entwurf ein architektonisches Juwel, das bis heute im Geiste seiner Bauherrschaft bewohnt und belebt wird.

Laborversuch
Stimmen erfüllen die Räume eines belebten Hauses, Stimmen erzählen Geschichten. Die sechs Stimmen der Komposition, die Patrick Jüdt für den Affspace schreibt, werden durch die Individualität ihrer in weiten Teilen improvisierenden Interpreten zu eigenständigen und sehr persönlichen Geschichten. Durch ihre gemeinsame Architektur fügen sie sich aber auch zu einem einzigen Werk. Sie bespielen gewissermassen den gleichen Raum.

Der Tisch, den Paula Sansano für diese erste gemeinsame Arbeit entwirft, beherbergt die Komposition und lädt dazu ein, den sechs Stimmen einzeln, je an einer einzelnen Hörmuschel, zu lauschen. Auf diese Art ist es möglich einer, oder auch zwei der einzeln eingespielten Stimmen die Komposition zu folgen, wobei das eigentlich sechsstimmige Werk in seiner Gesamtheit, durch die Eigenschaften des Tisches naturgemäss immer im Bereich der Vorstellung bleibt. Die Komposition verharrt im Zustand der Vermutung.

Étude à long terme
La maison construite par l'architecte italien Alberto Rosselli dans les années cinquante au nord de Milan abrite depuis deux générations les histoires de ses habitants. Rosselli, qui a fondé le studio PFR en 1950 avec Gio Ponti, a créé avec son projet un joyau architectural qui est encore habité et animé aujourd'hui dans l'esprit de son maître d'ouvrage.

Essai en laboratoire
Les voix remplissent les pièces d'une maison animée, les voix racontent des histoires. Les six voix de la composition que Patrick Jüdt écrit pour l'Affspace deviennent des histoires autonomes et très personnelles grâce à l'individualité de leurs interprètes qui improvisent en grande partie. Mais grâce à leur architecture commune, elles s'assemblent aussi en une seule œuvre. Vous jouez en quelque sorte dans le même espace.

La table que Paula Sansano conçoit pour ce premier travail commun abrite la composition et invite à écouter les six voix individuellement, chacune à un écouteur unique. De cette manière, il est possible de suivre la composition d'une ou de deux des voix enregistrées individuellement, l'œuvre à six voix dans son ensemble restant naturellement toujours dans le domaine de l'imagination en raison des caractéristiques de la table. La composition reste à l'état de supposition.

Studio a lungo termine
La casa che l'architetto italiano Alberto Rosselli costruì a nord di Milano negli anni Cinquanta ha ospitato le storie dei suoi abitanti per due generazioni. Rosselli, che fondò lo studio PFR insieme a Gio Ponti nel 1950, ha creato con il suo progetto un gioiello architettonico che ancora oggi è abitato e vissuto nello spirito del suo costruttore.

Esperimento di laboratorio
Le voci riempiono le stanze di una casa animata, le voci raccontano storie. Le sei voci della composizione scritta da Patrick Jüdt per l'Affspace diventano storie indipendenti e molto personali grazie all'individualità degli interpreti, che improvvisano in larga misura. Grazie alla loro architettura comune, tuttavia, si fondono in un'unica opera. In un certo senso, occupano lo stesso spazio.

Il tavolo che Paula Sansano ha disegnato per questo primo lavoro comune ospita la composizione e ci invita ad ascoltare le sei voci singolarmente, ognuna con un unico auricolare. In questo modo, è possibile seguire una o due delle voci registrate singolarmente attraverso la composizione, mentre l'opera vera e propria a sei parti nella sua interezza rimane naturalmente sempre nel regno dell'immaginazione a causa delle caratteristiche della tavola. La composizione rimane in uno stato di congettura.

Long-term study
The house that Italian architect Alberto Rosselli built north of Milan in the 1950s has housed the stories of its inhabitants for two generations. Rosselli, who co-founded Studio PFR with Gio Ponti in 1950, created an architectural gem with his design that is still inhabited and lived in today in the spirit of its builder.

Laboratory experiment
Voices fill the spaces of an animated house, voices tell stories. The six voices of the composition written by Patrick Jüdt for the Affspace become independent and very personal stories through the individuality of their performers, who improvise to a large extent. Through their common architecture, however, they also merge into a single work. In a sense, they occupy the same space.

The table designed by Paula Sansano for this first joint work houses the composition and invites the listener to listen to the six voices individually, each at a single earpiece. In this way it is possible to follow one, or even two of the individually recorded voices through the composition, whereby the actual six-part work in its entirety, due to the characteristics of the table, naturally always remains in the realm of the imagination. The composition remains in a state of conjecture.

(Affspace, Bern)

Kunstraum Juraplatz | Biel/Bienne
2. - 10. Dezember 2022

EXOGENIC / DEEP DOWN I & II
Anouk Sebald

Die Videoarbeiten Exogenic und Deep Down I & II von Anouk Sebald * 1971, CH entstanden speziell für den Off-Space Juraplatz, in Biel. Das Video Exogenic, wird direkt auf die Scheiben der ehemaligen, in den 30er Jahren, in der Architektur der Bieler Moderne erbauten und mittlerweile denkmalgeschützten Bushaltestelle, projiziert. Die Projektion verbindet so das Äussere des Public Off-Space mit dem inneren Ausstellungsraum, dem ehemaligen Pissoir der Haltestelle. Im Video Exogenic befasst sich Sebald mit den dringlichen und aktuellen Themen des Konsums in Bezug auf Identitäten und der damit verbundenen Identitätskonstruktionen. Glitzer, Glimmer, Reichtum und Fame bilden einen Sehnsuchtsort, der heutzutage mit den aktuellen Social-Media Plattformen und den immer besseren digitalen Mitteln einen kaum vorstellbaren unendlichen Raum bilden.

Im Inneren befindet sich die Installation Deep Down I & II. Die Installation hüllt den Raum ein und lässt die Besucher*Innen visuell und akustisch in das «Innere» eintauchen.

Les œuvres vidéo Exogenic et Deep Down I & II d'Anouk Sebald * 1971, CH ont été créées spécialement pour le Off-Space Juraplatz, à Bienne. La vidéo Exogenic est projetée directement sur les vitres de l'ancien arrêt de bus, construit dans les années 30 dans l'architecture moderne biennoise et désormais classé monument historique. La projection relie ainsi l'extérieur du Public Off-Space à l'espace d'exposition intérieur, l'ancien urinoir de l'arrêt de bus. Dans la vidéo Exogenic, Sebald aborde les thèmes urgents et actuels de la consommation en rapport avec les identités et les constructions identitaires qui y sont liées. Les paillettes, le mica, la richesse et la célébrité forment un lieu de nostalgie qui, de nos jours, avec les plateformes actuelles des médias sociaux et les moyens numériques toujours plus performants, constituent un espace infini à peine imaginable.

À l'intérieur se trouve l'installation Deep Down I & II. L'installation enveloppe l'espace et permet aux visiteurs* de s'immerger visuellement et acoustiquement dans "l'intérieur".

Le opere video Exogenic e Deep Down I & II di Anouk Sebald * 1971, CH sono state create appositamente per l'Off-Space Juraplatz, a Bienne. Il video Exogenic è proiettato direttamente sulle finestre dell'ex fermata dell'autobus, costruita negli anni Trenta secondo l'architettura modernista di Bienne e oggi classificata come edificio storico. La proiezione collega così l'esterno dell'Off-Space pubblico con lo spazio espositivo interno, l'ex orinatoio della fermata dell'autobus. Nel video Exogenic, Sebald affronta le questioni urgenti e attuali del consumo in relazione alle identità e alle costruzioni identitarie ad esse associate. Lo scintillio, il glamour, la ricchezza e la fama formano un luogo di desiderio che oggi, con le attuali piattaforme di social media e i mezzi digitali in continuo miglioramento, forma uno spazio infinito difficile da immaginare.

All'interno si trova l'installazione Deep Down I & II. L'installazione avvolge lo spazio e permette ai visitatori di immergersi visivamente e acusticamente negli "interni".

The video works Exogenic and Deep Down I & II by Anouk Sebald * 1971, CH were created especially for the Off-Space Juraplatz, in Biel. The video Exogenic, is projected directly onto the windows of the former bus stop, built in the 1930s, in the architecture of Biel modernism and now a listed building. The projection thus connects the exterior of the Public Off-Space with the interior exhibition space, the former urinal of the bus stop. In the video Exogenic, Sebald addresses the urgent and current issues of consumption in relation to identities and the identity constructions associated with them. Glitter, glamour, wealth, and fame form a place of longing that nowadays, with current social media platforms and ever-improving digital means, form an almost unimaginable infinite space.

Inside is the installation Deep Down I & II. The installation envelops the space and allows visitors to visually and acoustically immerse themselves in the "inside".

(Text: Kunstraum Juraplatz, Biel/Bienne)